Dança Do Som

Karma

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Fri, 12 Jun 2015 23:09:00 +0000

Após sair de O Terço, Jorge Amiden passa um tempo em um sítio na periferia do Rio De Janeiro, se recuperando do uso de drogas e das viagens de LSD que fez no começo dos anos 70. Logo em 1972, seu novo projeto toma forma, o Karma. Junto de Luiz Mendes Junior (violão e vocal) e Alen Cazinho Terra (baixo e vocal), são contratados pela RCA e assim gravam uma obra antológica do rock nacional, o homônimo Karma (1972).

Ao definir o Karma, Ramalho Neto escreveu na contracapa: (O Karma é) alma, espiritualidade, imortalidade, elevação, Índia, Londres, Califórnia, New York, Rio de Janeiro, Ipanema, Gurus, Krishina, Amor Maior, incenso, Forma, Cores, Som. No Brasil (o Karma) é tudo isto e também muitos anos à frente do que virá musicalmente".

Vale ressaltar a participação de Gustavo Schroeter. Irretocával, contundente e preciso Gustavo já era, de longe, um dos melhores bateristas do pop/rock brasileiro. Quem também assumiu as baquetas em duas faixas do disco foi Bill, ex-baterista de The Trolls, uma banda formada por estudantes da Escola Americana, no Rio. Há ainda as participações de Rildo Hora (gaita), Oberdan (flauta) e Yan Guest (cravo).

Além de uma música "perdida" num compacto da RCA, ‘Karma’ foi o único LP lançado pelo trio. Agora o jeito é torcer para que a BMG tenha a luminosa idéia de reeditá-lo em CD, com os devidos bônus a partir do material arquivado na gravadora.

Karma (1972)

Faixas:

01. Do Zero Adiante

02. Blusa de Linho

03. Você Pode Ir Além

04. Epílogo

05. Tributo ao Sorriso

06. O Jogo

07. Omissão

08. Venha Pisar na Grama

09. Transe Uma

10. Cara e Coroa

Fonte: http://senhorf.com.br/agencia/main.jsp?codTexto=4867

Som Imaginário

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Thu, 11 Jun 2015 22:35:00 +0000

Som Imaginário

Formada no começo dos anos 70, inicialmente por Wagner Tiso (piano), Frederyko (guitarra). Tavito (violão), Robertinho Silva (bateria) e Zé Rodrix (vocais e piano), lançou 3 álbuns.

Som Imaginário (1970)

Som Imaginário (Nova Estrela) (1971)

Matança do Porco (1973)

A história da banda começa no Rio de Janeiro. Milton Nascimento e Wagner Tiso, integrantes do W Boys, durante shows na vida noturna carioca, conhecem o baixista Luis Alves e o baterista Robertinho Silva, juntos decidem ser a banda de apoio de Milton Nascimento, que já estava começando a carreira de cantor. Zé Rodrix (órgão), Tavito (violão), Frederyko (guitarra), foram chamados para integrar o conjunto, juntos de Laudir Oliveira (percussão), este pouco tempo permaneceu junto ao grupo.
"Milton Nascimento, ah, e o Som Imaginário" foi o nome do primeiro show, que teve sua estréia no Teatro Opinião, em seguida no Teatro da Praia, no Rio de Janeiro. Nivaldo Ornelas (sax) e Toninho Horta (guitarra) também acompanhavam a banda. Nessa época o percussionista Naná Vasconcelos também integrou o conjunto, porém não de maneira fixa.

A gravadora Odeon se interessa pelo trabalho do grupo e em 1970 lançam seu primeiro LP, Som Imaginário.

Som Imaginário (1970)

Faixas:

Morse

Super-Goo

Tema Dos Deuses

Make Believe Waltz

Pantera

Sábado

Nepal

Feira Moderna

Hey Man

Poison

No ano seguinte lança o também intitulado Som Imaginário, trazendo a mesma qualidade de trabalho do álbum anterior.

Som Imaginário (1971)

Faixas:

1 - Cenouras

2 - Você Tem Que Saber

3 - Gogó (O Alívio Rococó)

4 - Ascenso

5 - Salvação Pela Macrobiótica

6 - Ué

7 - Xmas Blues

8 - A Nova Estrela

Por fim lançam seu último LP, A Matança Do Porco, considerado o mais belo da sua curta carreira, quase todos os temas são de Wagner Tiso. O álbum é transcendental e sua sonoridade é fantástica.

A Matança Do Porco (1973)

Faixas:

1. Armina

2. A3

3. Armina [Vinheta 1]

4. Armina nº 2

5. A Matança do Porco

6. Armina [Vinheta 2]

7. Bolero

8. Mar Azul

9. Armina [Vinheta 3]

Terreno Baldio

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Wed, 10 Jun 2015 21:07:00 +0000

Considerado por muitos como o Gentle Giant brasileiro, o Terreno Baldio é um dos mais importantes grupos nacionais no estilo. Formado no início dos anos 70, o grupo estréia em 1975 com "Terreno Baldio", que sai pela gravadora Pirata em tiragem de 3000 cópias. O grupo lançaria ainda mais um álbum, "Além das Lendas Brasileiras", antes de debandar, em 1978. Um trabalho mais brasileiro dentro do Rock Progressivo. A formação era ligeiramente diferente com Ayres Braga (ex- Joelho de Porco) no lugar de Ascenção. O Terreno voltaria a se reunir em 1993 para regravar o primeiro LP, dessa vez em inglês, para um (re)lançamento pela Progressive Rock Worldwide (com direito a faixas-extras). Ou seja, trata-se na verdade, de um terceiro disco do grupo.

Terreno Baldio

Depois de mais de três décadas de seu lançamento original, em 1976, e após um processo de produção de praticamente dois anos entre pesquisa, design de encarte e masterização, a gravadora niteroiense Rock Symphony e o grupo paulista Terreno Baldio relançam o primeiro disco que ainda era inédito em CD. O som foi remasterizado na Itália pelo produtor original dos dois LP's da banda, Cesare Benvenuti. Também ficou internacionalmente conhecida por reportagens no Japão, Europa, EUA, etc. A nova formação do Terreno é Kurk nos vocais, Mozart na guitarra, Lazzarini nos teclados,(integrantes da formação original), Edson Ghilardi na bateria, Geraldo Vieira no contrabaixo e Cássio Poleto no violino. É um ícone do Rock Progressivo que volta a tocar muitos anos depois.

Notícia Catraca Livre 2011

Um dos ícones do rock progressivo no Brasil, a banda Terreno Baldio se apresenta no palco da Galeria Olido neste domingo, 16, às 18h.

Formado no início dos anos 1970,o grupo tem em sua trajetória dois discos considerados clássicos do rock progressivo no Brasil: “Terreno Baldio” e “Além das Lendas Brasileiras”.

No show, João Kurk (voz), Mozart Mello (guitarra e vocais), Roberto Lazzarini (teclado), Geraldo Marino Vieira (baixo), Edson Guillard (bateria) e Cássio Poleto (violino) apresentam os sucessos dos dois álbuns.

Fonte:

http://www.rockprogressivo.com.br/canais/bio/terreno.htm

https://catracalivre.com.br/sp/agenda/indicacao/terreno-baldio-apresenta-rock-progressivo-na-galeria-olido/

Terreno Baldio (1975)

Faixas:

1. Pássaro Azul

2. Loucuras de Amor

3. Despertar

4. Água que Corre

5. A Volta

6. Quando As Coisas Ganham Vida

7. Este é o Lugar

8. Grite

Perfume Azul Do Sol

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Wed, 10 Jun 2015 17:13:00 +0000

Olá pessoal, como estão? Após 4 anos sem postagem no blog, decidi reativá-lo, mas falando de outros assuntos e não apenas História da Música. Para começar vamos falar de algumas bandas nacionais de rock psicodélico.

Perfume Azul Do Sol

Pouco conhecida, a banda Perfume Azul Do Sol gravou seu único disco em 1974, pelo selo Chantecler. Seu som psicodélico mistura rock com pitadas de música regional, como o baião. A imersão nesta obra é inevitável, algo que nos causa um sentimento quase místico. Formada por Benvindo (violão), Jean (guitarra), Ana (voz e violão) e Gil (bateria). Quem toca baixo no disco é o Pedro Baldanza. Ele foi baixista convidado pra gravar, mas nunca foi da banda.

"Só tem 100 vinis da banda rolando por aí. Esse disco não foi distribuído oficialmente. Apenas algumas poucas cópias pararam nas mãos da banda e de raros lojistas como brinde da gravadora. Um LP desse vale uma fortuna para colecionadores." Comentário de um ex-integrante anônimo.

Nascimento (1974)

Faixas:

01. 20.000 Raios de Sol

02. Sopro

03. Calça Velha

04. Deusa Sombria

05. O Abraço do Baião

06. Equilíbrio Total

07. Nascimento

08. Pé de Ingazeira

09. Canto Fundo

10. A Ceia

A Música Na Idade Média: Ars Nova

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Tue, 22 Nov 2011 16:14:00 +0000

Ars Nova também é conhecida como Pré-Renascença, teve forte influência da Guerra Dos Cem Anos, do príncipio da queda do feudalismo e do realismo político e filosófico. Era uma música mais próxima da vida, da realidade.

O homem vinha atuando na vida comum, no sentido horizontal, primando pela individualidade e valorizando a aparência e o luxo.

A notação musical se fixava e expandia. A música não religiosa ganhava mais respeito, se aliava às danças. França, Inglaterra, Itália se destacam.

A Ars Nova é mais expressiva e refinada, possui ritmos mais flexíveis e ousados. Harmonia mais desenvolvida e as frases se iniciam e terminam em acordes incompletos, de 4ªs, 5ªs e 8ªs. A polifonia se impõe e surgem novas técnicas para coordenar várias vozes e lidar com as dissonâncias, nasce o contraponto.

A Música Na Idade Média: Vídeo

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Mon, 03 Oct 2011 16:39:00 +0000

O vídeo é em espanhol, mas dá para entender um pouco. Aproveitem!!!

A Música Na Idade Média : Ars Antiqua

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Mon, 03 Oct 2011 16:14:00 +0000

Ars Antiqua é um movimento polifônico do séc. XII até XIII e até o começo da Ars Nova.

A presença da música não religiosa, chamada de profana, é de grande importância. Era a poesia lírica popular ou aristocrática, cantada nos castelos e aldeias. Isso era bem ao contrário ao canto gregoriano, que era homófono, cantado pelos monges. A música profana introduziu as primeiras experiências com a Polifonia.

Os principais temas da música profana: amor, épicos, báquicos, cavalarias e cruzadas. O despertar da música profana se deve ao trovadorismo

Os trovadores apareceram no sul da França, na Provença, em meados do séc. XI até o séc. XIII. Eram nobres, falavam dialetos e chamavam-se Troubadors.

Na Alemanha, os trovadores baseavam os seus cantos na canção popular e na poesia dos Vaganten (vagantes), entre os quais se encontra a escrita do Carmina Burana.

Tinha relação com o canto gregoriano e trouxe uma relação vocal-instrumental, inédita.

TROVADORES: Guillaume IX (1086-1127), Bernart De Ventadour (1145-1195), entre outros

TROVEIROS: Rei Ricardo Coração De Leão (1157-1199), Thibault De Campagne (1201-1253), Alfonso X (1226-1284), entre outros.

MINNESÄNGER: Vogelweide (1230), Tannhäuser (séc. XII), Reuenthal (1240), entre outros.

MEISTERSINGER: Hans Sachs (séc. XV), entre outros.

MENESTRÉIS: Aqueles que executavam sem compor, sendo servos, não nobres. Na Inglaterra, eram chamados bardos.

MÚSICOS-POETAS: Os compositores e músicos itinerantes de castelo em castelo.

Fonte:

ZilahiSoft - História Da Música

A Música Na Idade Média: Conductus

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Wed, 10 Aug 2011 17:16:00 +0000

O Conductus era um canto de procissão usado para acompanhar o padre, conduzi-lo em seus movimentos pela igreja. Quando um compositor elaborava um Conductus, escrevia uma melodia própria em vez de pegar a parte do tenor emprestada do Cantochão. Sobre a parte do tenor adicionava duas, três ou até mais vozes, quase sempre no estilo nota contra nota.

O Conductus usava o mesmo texto para todas as vozes, diferentemente do Moteto. Nesse estilo também surgiu uma interessante invenção musical, a troca de vozes. Frases inteiras e fragmentos da melodia são trocados pelas vozes. Por exemplo, quando uma voz canta AB a outra voz canta BA.

Referências Bibliográficas:

BENNET, Roy. Uma Breve História da Música.

A Música Na Idade Média: Motetos

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Fri, 24 Jun 2011 04:40:00 +0000

No século XIII, as vozes mais altas da clausulae começaram a receber palavras independentes do texto. O duplum passou a ser conhecido como motetus (do francês mots, que significa “palavras”), assim surgiu um tipo de música popular chamada Moteto.

Palavras seculares passaram a ser usadas pelo fato de que muitas dessas composições foram elaboradas para serem cantadas fora da Igreja. Sobre uma clausula, adicionava-se uma terceira voz (triplum) escrita com uma notação mais rápida. Esta tinha palavras indepedentes, às vezes até em outras línguas. O triplum poderia se ajustar ao tenor ou ao duplum, mas não precisava necessariamente adequar-se aos dois e isso às vezes gerava conflitos dos mais dissonantes.

Referências Bibliográficas:

BENNET, Roy. Uma Breve História da Música.

A Música Na Idade Média - Escola De Notre-Dame

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Mon, 20 Jun 2011 00:44:00 +0000

No século XII, Paris tornou um importante centro musical. Isso aconteceu depois do início da Catedral De Notre-Dame. As partituras de Organum alcançaram um admirável grau de elaboração com um grupo de compositores pertencentes a “Escola De Notre-Dame”. Porém apenas dois nomes desses compositores chegaram até nós: Léonin, que foi o primeiro mestre do coro da catedral e Pérotin, que foi o seu sucessor e trabalhou de 1180 até cerca de 1225.

Léonin escreveu muitos organa (plural de organum) com base em cantos das festividades da Igreja, como a Páscoa e o Natal. O compositor escolhia a composição e considerava como tenor a parte que tivesse apenas uma ou duas notas em cada sílaba, atribuindo-lhes valores extremamente longos, tão longos que possivelmente os tenores de Notre-Dame fossem auxiliados ou até mesmo substituídos por instrumentos como o órgão ou os sinos. Acima dessa linha, o compositor escrevia um solo, agora com um tipo de notação mais rápida. Essa segunda linha se chamava duplum. Quando chegava a um segmento do canto original dotado de melisma, o Léonin colocava o tenor dentro do mesmo ritmo. Esse estilo de composição é conhecido como descante e parte do organum no qual isso ocorria se chama clausula.

A única referência escrita a um músico chamado Léonin foi registrada mais de um século após sua morte por um monge britânico anônimo, que o descreveu como "o maior compositor de organum para amplificação do serviço divino".

Pérotin revisou um grande número de organa de Léonin, enriquecendo-os e modificando-os afim de torná-los estilisticamente mais modernos. A um organum duplum ele podia acrescentar uma terceira voz (triplum) ou até mesmo uma quarta (quadruplum). Além disso compôs diversas clausulae: algumas em substituições de outras já existentes em organa anteriores e outras a serem executadas como peças independentes.

Fontes:

Uma Breve História Da Música – Roy Bennet

http://pt.wikipedia.org/wiki/Perotin

http://pt.wikipedia.org/wiki/L%C3%A9onin

A Música Na Idade Média: Organum

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Wed, 15 Jun 2011 17:21:00 +0000

O Organum é um dos vários estilos de polifonia, envolve a adição de uma ou mais vozes ao Cantochão. A palavra vem do grego (órganon) que é a origem da palavra órgão.

Geralmente a melodia do Cantochão é acompanhada de outra voz para embelezar a harmonia. A voz principal (vox principalis) segue o Cantochão, enquanto a segunda voz harmoniza paralelamente, iniciando e terminando a melodia junto à tônica da escala da melodia principal. As notas vão se separando conforme a melodia progride, até atingirem intervalos de 4ªs e 5ªs, continuam o canto assim e próximo ao fim vão se juntando novamente, até terminarem a melodia juntas, na tônica da escala. Essa segunda voz se chama vox organalis. Somente a voz principal tinha uma notação escrita, a segunda voz improvisava.

Esta técnica antecedeu a polifonia de contraponto e foi usada com grupos maiores do que duas vozes; mas mesmo quando em grupos, as vozes dividiam-se em partes que somente duplicavam a voz principal e uma só voz cantava o Organum. Esta técnica foi desaparecendo conforme o avanço à polifonia expandiu a escrita na composição musical.

O Cantochão era a música oficial da Igreja na Alta Idade Média e tinha como característica a monofonia, ou seja, todas as vozes de um coro cantavam a mesma linha melódica. Porém no ambiente profano surgiu a música cânone, onde as vozes cantavam a mesma melodia, mas entravam em compassos diferente, como se cada voz perseguisse a que começou a cantar antes. Provavelmente foi essa a origem das primeiras idéias para uma nova organização musical, a polifonia, que é a técnica de cantar melodias diferentes ao mesmo tempo. Num primeiro instante (século IX), foi acrescentado à voz principal (vox principalis), que era um Cantochão, uma segunda voz, a voz organal (vox organalis), que consistia numa duplicação da voz principal uma quarta ou quinta abaixo, o que dá a essa música a sonoridade característica da época medieval.

Organum Paralelo:

Os organa paralelos são as primeiras obras polifônicas que se tem notícia. Datam do século IX. Consistiam na duplicação de um cantochão, cantado pela vox principalis, pela vox organalis, normalmente uma quarta ou quinta abaixo. Uma outra forma seria a duplicação da vox principalis uma oitava abaixo e a duplicação da vox organalis acima das outras três.

Organum Livre:

Desenvolvimento do organum paralelo. No século XI observava-se os movimentos das vozes em paralelo, oblíquo, contrário e direto. As notas não eram executadas somente em estrito contraponto. A vox organalis passa a ser escrita acima da vox principalis.

Organum Melismático:

Séc. XII. O tenor mantinha as notas longas enquanto a vox organalis se desenvolvia suavemente através de notas mais curtas acima (melisma é o nome que se dá a um grupo de notas cantadas para apenas uma sílaba do texto).

Fonte:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Organum#Organum_paralelo

A Lenda De Orfeu

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Tue, 14 Jun 2011 16:12:00 +0000

Na mitologia grega, Orfeu era poeta e músico, filho da musa Calíope e de Apolo ou Eagro, rei da Trácia. Era o músico mais talentoso que já viveu. Quando tocava sua lira, os pássaros paravam de voar para escutar e os animais selvagens perdiam o medo. As árvores se curvavam para pegar os sons no vento. Ganhou a lira de Apolo.

Foi um dos cinquenta homens - os argonautas - que atenderam ao chamado de Jasão para buscar o Velocino de Ouro. Acalmava as brigas que aconteciam no navio com sua lira. Durante a viagem de volta, Orfeu salvou os outros tripulantes quando seu canto silenciou as sereias, responsáveis pelos naufrágios de inúmeras embarcações.

Orfeu apaixonou-se por Eurídice e casou-se com ela. Mas Eurídice era tão bonita que, pouco tempo depois do casamento, atraiu um apicultor chamado Aristeu. Quando ela recusou suas atenções, ele a perseguiu. Tentando escapar, ela tropeçou em uma serpente que a mordeu e a matou. Por causa disso, as ninfas, companheiras de Eurídice, fizeram todas as suas abelhas morrerem.

Orfeu ficou transtornado de tristeza. Levando sua lira, foi até o Mundo dos Mortos, para tentar trazê-la de volta. A canção pungente e emocionada de sua lira convenceu o barqueiro Caronte a levá-lo vivo pelo rio Estige. A canção da lira adormeceu Cérbero, o cão de três cabeças que vigiava os portões. Seu tom carinhoso aliviou os tormentos dos condenados. Encontrou muitos monstros durante sua jornada, e os encantou com seu canto.

Finalmente Orfeu chegou ao trono de Hades. O rei dos mortos ficou irritado ao ver que um vivo tinha entrado em seu domínio, mas a agonia na música de Orfeu o comoveu, e ele chorou lágrimas de ferro. Sua esposa, a deusa Perséfone, implorou-lhe que atendesse o pedido de Orfeu. Assim, Hades atendeu seu desejo. Eurídice poderia voltar com Orfeu ao mundo dos vivos. Mas com uma única condição: que ele não olhasse para ela até que ela, outra vez, estivesse à luz do sol

Orfeu partiu pela trilha íngreme que levava para fora do escuro reino da morte, tocando músicas de alegria e celebração enquanto caminhava, para guiar a sombra de Eurídice de volta à vida. Ele não olhou nenhuma vez para trás, até atingir a luz do sol. Mas então se virou, para se certificar de que Eurídice o estava seguindo.

Por um momento ele a viu, perto da saída do túnel escuro, perto da vida outra vez. Mas enquanto ele olhava, ela se tornou de novo um fino fantasma, seu grito final de amor e pena não mais do que um suspiro na brisa que saía do Mundo dos Mortos. Ele a havia perdido para sempre. Em desespero total, Orfeu se tornou amargo. Recusava-se a olhar para qualquer outra mulher, não querendo lembrar-se da perda de sua amada. Posteriormente deu origem ao Orfismo, uma espécie de serviço de aconselhamento; ele ajudava muito os outros com seus conselhos , mas não conseguia resolver seus próprios problemas, até que um dia,furiosas por terem sido desprezadas, um grupo de mulheres selvagens chamadas Mênades caíram sobre ele, frenéticas, atirando dardos. Os dardos de nada valiam contra a música do lirista, mas elas, abafando sua música com gritos, conseguiram atingi-lo e o mataram. Depois despedaçaram seu corpo e jogaram sua cabeça cortada no rio Hebro, e ela flutuou, ainda cantando, "Eurídice! Eurídice!"

Chorando, as nove musas reuniram seus pedaços e os enterraram no monte Olimpo. Dizem que, desde então, os rouxinóis das proximidades cantaram mais docemente que os outros. Pois Orfeu, na morte, se uniu à sua amada Eurídice.

Quanto às Mênades, que tão cruelmente mataram Orfeu, os deuses não lhes concederam a misericórdia da morte. Quando elas bateram os pés na terra, em triunfo, sentiram seus dedos se espicharem e entrarem no solo. Quanto mais tentavam tirá-los, mais profundamente eles se enraizavam. Suas pernas se tornaram madeira pesada, e também seus corpos, até que elas se transformaram em carvalhos silenciosos. E assim permaneceram pelos anos, batidas pelos ventos furiosos que antes se emocionavam ao som da lira de Orfeu, até que por fim seus troncos mortos e vazios caíram ao chão.

Algumas interpretações deste mito, dizem que as pessoas que se dedicam a ajudar os outros, (Psicologia, psiquiatria, assistente social e até mesmo aqueles que fazem muita caridade), são pessoas que reconhecem que sofrem ou sofreram algum problema grave e agora buscam estas áreas tentando evitar que os outros, sofram o que eles sofreram, ou seja, é aquele que cura, mas que não consegue se auto curar.Dizem ainda que no fundo essas pessoas estão se auto enganando, pois evitar que os outros sofram, não vai apagar o que eles mesmos sofreram.

Referência:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Orfeu

A Música Na Idade Média: Musica Enchiriadis & Scolica Enchiriadis

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Tue, 14 Jun 2011 16:02:00 +0000

Musica Enchiriadis (“Manual Da Música”) é um tratado anônimo do século IX, que tentou estabelecer regras na polifonia primitiva da Música Ocidental. O Scolica Enchiriadis serve de comentário ao primeiro manual.

Esses dois tratados circularam em manuscritos medievais junto com o “De Institutione Musica”, de Boethius. O Musica Enchiriadis tem 19 capítulos, os primeiros nove discutem notação musical, modos e o Cantochão monofônico. Os capítulos 10 a 18 falam sobre a polifonia, como os intervalos consonantes devem ser usados para improvisar ou compor na música polifônica da Idade Média. Esses intervalos identificados no tratado são de 4ªs, 5ªs e 8ªs justas, alguns de 3ªs e 6ªs. O tratado também mostra algumas regras para a execução musical. O capítulo 19 descreve a lenda de Orfeu.

Apesar de o Scolica Enchiriadis ser apenas um comentário do Musica Enchiriadis, é quase 3 vezes maior que ele. Muito da teoria discutida no tratado se deve ao reconhecimento das concepções musicais de Agostinho De Hipona, especialmente sobre suas afirmações da importância da matemática para a música.

A escala usado no trabalho, baseada num sistema de tetracórdes, parece ter sido criada somente para uso na própria obra. O tratado também usa um muito raro sistema de notação, conhecido como notação muscical dasiana. Esta notação possui um número de símbolos que são rodados em 90 graus para representar diferentes sons.

Fontes:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Musica_enchiriadis

http://pt.wikipedia.org/wiki/Scolica_enchiriadis

A Música Na Idade Média: Polifonia

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Mon, 13 Jun 2011 17:07:00 +0000

É uma técnica musical, onde duas ou mais vozes se desenvolvem preservando um caráter melódico e rítmico individualizado, de forma a criar acordes nítidos. A palavra polifonia vem do grego e significa várias vozes.

Desde a antiguidade a música foi feita de maneira homofônica, ou seja, a melodia seguia uma forma única e linear. No século X se iniciou a idéia de sobrepor vozes em intervalos de oitavas e quintas. Esse processo se desenvolveu e teve seu apogeu no século XV, quando o contraponto musical foi altamente difundido. Contraponto é a técnica de cantar melodias diferentes ao mesmo tempo. Isso resultou numa forma musical nova e com essa nova técnica surgiu a harmonia.

As primeiras obras polifônicas surgiram na alta Idade Média, em ambientes profanos, sob a forma de cânones. A prova mais antiga existente de uma tentativa para estabelecer regras na polifonia primitiva da música ocidental se encontra em um método publicado no século IX com o título em Latim, Musica Enchiriadis.

Fonte:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Polifonia

A Música Na Idade Média: Cantochão

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Fri, 10 Jun 2011 23:36:00 +0000

A prática monofônica utilizada nas liturgias cristãs se chama Cantochão. As melodias se desenvolvem suavemente, sendo utilizados intervalos próximos como segundas e terças, o ritmo se baseia na prosódia dos textos em latim. É uma música de entonações, sem compassos e harmonia definidos, executada por coros em uníssono e usada em cerimônias religiosas católicas.

É a forma de música ocidental mais antiga que existe e ainda é utilizada hoje, cantada em mosteiros e por coros leigos do mundo todo. A teoria ocidental tem seus principais fundamentos no Cantochão.

O termo surgiu no século XIII, para diferenciá-lo das práticas de canto com ritmo mensurável. Devido a uma imprecisão terminológica ainda se conceitua Cantochão como sinônimo de Cantos Gregorianos. Isso se dá em grande parte pelo fato de que o repertório gregoriano, quando restaurado pelo mosteiro de Solesmes, foi a prática de cantochão tomada como padrão na Igreja Católica a partir do início do século XX. A expressão Canto Gregoriano surgiu quando o papa Gregório I Magno compilou os cantos tradicionais e regulamentou sua execução conforme o calendário litúrgico da Igreja Católica.

O Cantochão pode ser dividido quanto a categoria, forma e estilo: quanto a categoria pode ser dividido com os que cantam textos bíblicos e os que usam textos não bíblicos; e cada um destes pode ainda ser dividido nos que usam texto em prosa e os que usam textos poéticos.

Exemplos:

Categoria:

Textos bíblicos:

Textos em prosa (as lições do Oficio Divino, as epístolas e o Evangelho da missa).

Textos poéticos (os Salmos e os Cânticos).

Textos não bíblicos:

Textos em prosa (o Te Deum e várias antífonas incluindo as marianas)

Textos poéticos (os hinos e as sequências de cultos e Missas)

O Cantochão pode também ser classificado em sua forma (como cantado):

Forma:

Antifonal: dois coros cantam versos com um refrão, alternadamente;

Responsorial: solistas cantam os versos e o coro canta o refrão;

Direta: os cantores cantam os versos e não há refrão.

Na relação entre as notas e as sílabas das palavras, e como eram cantadas podemos classificar os estilos:

Estilo:

Silábico: os cantos em que a cada sílaba do texto corresponde a uma nota somente.

Melismático: os cantos em que uma única sílaba de uma palavra canta longas passagens de notas.

Neumático: o canto que a maior parte dele é silábica e, em poucas breves passagens, segue um melisma de quatro ou cinco notas somente sobre algumas sílabas do texto.

Fontes:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Cantoch%C3%A3o

http://www.emdiv.com.br/pt/arte/enciclopediadaarte/662-cantochao-canto-gregoriano.html

A Música Na Idade Média: Introdução

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Thu, 09 Jun 2011 18:35:00 +0000

A Idade Média se inicia com a queda do Império Romano, no ano de 476.

O cristianismo se propagou rapidamente e isso exigiu um maior rigor do Vaticano, que unificou a prática litúrgica romana no século VI. O canto gregoriano foi institucionalizado pelo papa Gregório I e se tornou modelo para a Europa católica. Os neumas foram substituídos pelo sistema de notação com linhas, Guido D’Arezzo (992-1050) foi o responsável por esse tipo de notação musical que mais tarde deu origem a atual pauta musical e também designou o nome das notas musicais como as conhecemos hoje, através de um hino a São João Batista:

“Ut queant laxis Resonare fibris Mira gestorum Famuli tuorum Solve polluti Labii reatum Sancte Ioannes”

“Para que os servos possam, com suas vozes soltas, ressoar as maravilhas de vossos atos, limpa a culpa do lábio manchado, ó São João!”

Posteriormente, o nome DO substitui o UT e as sete notas musicais ficaram assim: DO, RE, MI, FA, SOL, LA e SI.

A liturgia e a festividade ligam a música a ritos religiosos (a exemplo do cantochão e do calendário gregoriano), ou àqueles de reminiscência pagã (como as festas da chegada da Primavera). Também nessa época o amor profano se expressa em todo seu refinamento pela arte dos trovadores.

O período da música medieval é marcado pela estrutura modal praticada nas himnodias e salmodias, no canto gregoriano, nos organuns polifônicos, nas composições polifônicas da Escola de Notre-Dame, na Ars Antiqua e Ars Nova e ainda na música dos trovadores e troveiros.

Fontes:

http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_medieval

http://www.spectrumgothic.com.br/musica/medieval.htm

O Último Pau De Arara

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Wed, 08 Jun 2011 23:43:00 +0000

"A vida aqui só é ruim
Quando não chove no chão
Mas se chover dá de tudo
Fartura tem de montão
Tomara que chova logo
Tomara meu Deus tomara
Só deixo o meu cariri
No último pau-de-arara
Enquanto a minha vaquinha
Tiver o couro e o osso
E puder com o chocalho
Pendurado no pescoço
Eu vou ficando por aqui
Que deus do céu me ajude
Quem sai da terra natal
Em outros cantos não para
Só deixo o meu cariri
No último pau-de-arara" - Luiz Gonzaga

Ouça essa linda versão de O Último Pau De Arara, com Teca Calazans e Heraldo Do Monte:

A Música Na Idade Antiga: Roma

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Tue, 07 Jun 2011 22:32:00 +0000

Sabe-se mais sobre a música grega do que a romana e o que sabemos está no campo da conjectura. Os romanos não eram muito criativos no que se diz respeito à arte, copiavam de outros povos que conquistaram e por isso podemos que imaginar que a música também foi assim.

Levaram para Roma a sabedoria grega e logo o teatro musical ganhou o interesse e a admiração dos romanos. Após isso, começaram a cultivar manifestações próprias, como acontece nas comédias de Plauto, onde utilizam árias, duetos e coros. Também a lírica grega foi imitada na poética latina: os poemas (carmina) de Catulo e as odes de Horácio, por exemplo, foram pensadas para coro ou solista com acompanhamento de lira, cítara ou harpa.

Na época dos Césares a música foi muito usada para fins de lazer, nas lutas e nos anfiteatros. Surgiram os coros musicais polifônicos com acompanhamento de variados instrumentos. O Hydraulis desempenhou um importante papel nesse período.

Diferentemente dos gregos, os romanos não faziam uma associação da música com a ética. A presença de instrumentos estava em todas as ocasiões na vida romana, desde grandes festivais até o uso discreto e doméstico de instrumentos solo. Regularmente havia concursos musicais e o estudo da música era considerado um sinal de distinção social.

A prática era monódica e a produção sonora se baseava no sistema dos modos gregos. Podem ter tido influência de outros povos: etruscos, asiáticos, africanos e povos bárbaros do norte da Europa. Também usavam o sistema de notação musical dos gregos para transcrever suas composições.

A arte romana deixou várias representações de músicos, mas nenhum deles lendo qualquer notação musical. Os fragmentos de obras encontrados provém do Egito helenístico, com uma variação da notação grega e podem ser dos gregos e não dos romanos.

Alguns instrumentos musicais romanos:

Percussão: sinos, chocalhos, tambores, tímpanos, sistros e címbalos.

Cítara: a palavra Cítara é usada para designar instrumentos de cordas, cujas cordas se estendem inteiramente sobre a caixa de ressonância.

Lira: é um instrumento de cordas tangidas, afinadas segundos as notas de um dos modos, e fixadas em um arcabouço formado com o casco de tartaruga. Era usada para acompanhar recitações e canções.

Hydraulis: é um instrumento de teclas. Empregava água sob pressão para produzir sons através do movimento do ar nos tubos.Veja na foto abaixo:

Fontes:

http://musicantiga.com.sapo.pt/romantiga.htm

http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_da_Roma_Antiga

A Música Na Idade Antiga: Grécia

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Tue, 07 Jun 2011 02:30:00 +0000

A cultura musical ocidental tem muita base nos conhecimentos dos antigos gregos. A teoria, escalas, modos e conhecimentos de harmonia são usados até hoje.

Como em muitas outras civilizações, a música na Grécia Antiga também estava ligada as divindades e há muitas histórias míticas sobre a sua origem. Registros diversos indicam que a música era parte integral da percepção grega de como o seu povo teria vindo à existência e de que continuava a ser regido pelos deuses. Em ritos religiosos, nos Jogos Olímpicos, nas festas cívicas e para apoiar outras artes, a música estava presente.

A música grega se baseava em escalas diatônicas: os modos gregos. Fundamentava-se na ética e na matemática. Pitágoras estabeleceu proporções numéricas para cada intervalo musical. Seu sistema baseava-se em uma escala de quatro notas - o Tetracorde. Os intervalos entre essas 4 notas podiam variar e definiam as modalidades diatônica, cromática ou enarmônica, de uma peça musical.

Pitágoras é considerado o fundador do nosso conhecimento sobre harmonia musical. Também é responsável por associar os 7 modos gregos a determinados estados da alma. Por exemplo: o modo dórico era considerado capaz de induzir a um estado pacífico e positivo, o frígio tinha um caráter subjetivo e passional. Atualmente associamos as escalas maiores a um estado de alegria e as menores a melancolia, introspecção. Pitágoras relacionava a música com a constituição íntima do universo, idéia concebida por relações numéricas perfeitas que produziam a chamada “música das esferas” e que só poderia ser inteligível através do pensamento superior. Por esse motivo havia uma série de regras para composição e execução musical, de forma que esta ecoasse a ordem perfeita do cosmo.

A Grécia Antiga não deixou registros de suas composições. As primeiras menções ocorreram na era Homérica, quando a cultura musical estava em pleno desenvolvimento. A música nessa época era caracterizada por poemas recitados ao som de instrumentos musicais, especialmente a lira, devido a isso recebeu o nome de canto lírico. Estudos dizem que a harmonia era pouco usada e apenas na Idade Média começou a se desenvolver.

O canto tinha uma melodia simples – A Monodia. As melodias padrões (Nomoi) eram usadas em cultos religiosos. A partir disso a música grega evoluiu para a lírica solista, o canto conjunto e o solo instrumental. Depois vieram as grandes tragédias inteiramente cantadas, que marcaram o apogeu da civilização grega.

No século VI a.C. o coro passou a ter importante papel em eventos públicos, religiosos ou laicos, e a lírica coral se tornou um gênero autônomo, elaborando tipos definidos para cada ocasião. Assim, eram entoados ditirambos em honra a Dionísio, peãs para Apolo, epitâmios nos casamentos, trenodias nos funerais, partênios como canto de jovens, hinos em louvações e epínicos para os vencedores dos Jogos Olímpicos. Essas formas dependiam da estrutura e ritmo da poesia.

A rítmica recebeu grande atenção dos gregos antigos e estava intimamente ligada à composição poética. O primeiro tempo, base do sistema, era definido pela nota breve (U), que duplicada formava a longa (-), a combinação dessas notas formava os pés, que eram os ritmos básicos. A justaposição de pés formava os metros, que por sua vez formavam as frases. Essas se agrupavam em períodos e os períodos em estrofes, seguidos de uma antístrofe (reprise) e de um epodo (final).

Há dois tipos de notação musical: a vocal, que utiliza as letras maiúsculas do alfabeto grego, e a instrumental que utiliza sinais do alfabeto fenício.

Apenas poucos fragmentos de obras musicais da antiguidade existem hoje. Um deles é o breve Epitáfio de Seikilos:

Instrumentos musicais gregos:

Diaulos: é uma espécie de flauta com palheta, provavelmente produz um som similar ao clarinete.

Flauta de Pã: se constitui de uma série de tubos fixos juntos, de comprimentos diferentes, através dos quais o ar é soprado pela extremidade superior.

Hydraulis: é um instrumento de teclas. Empregava água sob pressão para produzir sons através do movimento do ar nos tubos.

Fontes:

http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_da_Gr%C3%A9cia_Antiga

http://www.historianet.com.br/conteudo/default.aspx?codigo=545

http://pt.scribd.com/doc/55975587/Historia-Musica-Grega

A Música Na Idade Antiga: China

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Sun, 05 Jun 2011 23:16:00 +0000

Após a civilização chinesa se estabelecer no Huang He (Rio Amarelo), a música começou a ter um papel importante. Os instrumentos musicais se desenvolveram e os músicos eram muito respeitados na sociedade.

Os chineses acreditavam que as notas em uma música tinham a essência de poder transcendente. Trechos de música eram fórmulas de energia. Cada composição exercia influências sobre o homem, a civilização e o mundo. A influência mística que uma música exercia dependia do ritmo, da melodia e dos instrumentos usados. Na compreensão dos chineses, a música era algo livre e poderia ser usada tanto para o bem como para o mal.

Os filósofos trabalhavam para que a música fosse apenas usada para o bem e executadas corretamente. Acreditavam que o homem deveria usar a música para melhorar o seu caráter.

Textos chineses afirmam que a música exerce um grande papel sobre os seres humanos e que esta poderia ter grande influência sobre a natureza emocional e o corpo físico. Mas o mais importante de todos é a influência moral. Se uma música era vulgar e sensual, poderia exercer uma imoralidade ao ouvinte. Por esta razão era muito vigiada.

Os orientais sempre tenderam a dirigir sua atenção para além do mundo terreno. O ritmo é uma prece e a melodia é uma contemplação. Nessa busca por Deus, o homem oriental descobriu a divindade e a realidade no componente fundamental de toda a arte tonal – a nota individual.

Na música oriental, uma nota pode ser tocada de várias maneiras: a mesma nota, produzida numa corda diferente, tem uma cor diferente; a mesma corda, tangida pelo dedo indicador ou pelo dedo médio da mão direita, tem um timbre diferente. A técnica por meio da qual se levam a efeito essas variações de timbre é extremamente complicada: só do vibrato existem nada menos do que vinte e seis variedades. A impressão produzida por uma nota é seguida de outra, de outra mais. Há, uma sugestão compulsiva, inevitável, de um estado de espírito, uma atmosfera, que incute no ouvinte o movimento d’aIma que inspirou o compositor.

Alguns instrumentos musicais chineses:

Pipa:é um instrumento de ponteio que possui uma caixa de ressonância achatada, como formato de meia pêra. O pescoço ou braço comprido em madeira é dividido em tons por filetes, possui quatro ou cinco cordas. As cordas de seda são tocadas com uma palheta de marfim, madeira, osso ou mesmo com a própria unha do músico

Fou: é o mais antigo e tradicional instrumento musical chinês, formado por um vaso de barro ou bronze e tocado com uma baqueta. Sua origem está relacionada às dinastias Xia ou Shang, quando era usado em rituais. Mais tarde, foi usado em rituais confucionistas.

Gugin: literalmente "antigo instrumento de corda", é o nome moderno de um instrumento musical chinês da família das cítaras. Tem mais de três mil anos de existência.

Xiao: é um instrumento muito antigo chinês geralmente pensado para ter sido desenvolvido a partir de uma flauta simples fim-soprado pelo povo Qiangdo sudoeste da China. A forma moderna com seis buracos remonta à dinastia Ming.

Fontes:

http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_da_Antiguidade

http://soulshinexyz.wordpress.com/2010/02/20/a-musica-na-china/

http://pt.wikipedia.org/wiki/Categoria:Instrumentos_musicais_da_China

A Música Na Idade Antiga: Índia

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Sat, 04 Jun 2011 21:53:00 +0000

A mitologia hindu diz que Shiva ensinou a música aos homens há cerca de 6 mil anos. No entanto, os achados arqueológicos demonstram que é pouco provável que uma civilização sedentária tenha se estabelecido no vale do Indo antes de 2500 a.C.

Após a invasão muçulmana a música passou a ser feita seguindo dois sistemas principais: o do norte (hindustani) e do sul (karnático). Na Índia a música possui muitos modos, que comportam indicações de intervalos exatos, ornamentados, estilo de ataque das notas para formar uma entidade, apresenta uma expressão e um estilo definidos. Diferentemente do sistema ocidental de música, o sistema hindustani divide uma oitava em 22 intervalos, permitindo assim uma grande variedade de sons.

A evolução na musica da Índia vem dos Vedas, antigos textos escritos em sânscrito. Eram compostos em forma de poesia e cantados com ritmo. Os 4 Vedas:

Rigveda: veda dos hinos.

Yajurveda: veda dos cantos rituais.

Samaveda: veda do sacrifício.

Atharvaveda: veda de práticas curativas e encantamentos. (Este veda tem uma abordagem dupla).

A música indiana é essencialmente improvisada, com caráter emotivo e descritivo. Não tendo notação gráfica, baseia-se no sistema de ragas que são memorizados pelos músicos e servem de apoio para o improviso.

Rag: é um conceito essencial para se entender a música indiana, a palavra deriva do sânscrito e significa “cor da paixão”. Deve ser visto como um modo acústico de colorir o pensamento do ouvinte com uma emoção. Os ragas são modos de 5 a 7 notas e sobre eles é criada toda a música. Cada raga corresponde a um momento do dia ou estação do ano.

Tal: a palavra "tal" significa bater palmas. Esta pode ser considerada a forma mais antiga de acompanhamento rítmico.

Sam: é a primeira pulsação de cada ciclo. As improvisações podem começar em qualquer parte do ciclo e geralmente terminam no Sam.

Khali: é o movimento de onda que a mão faz. É usado para designar o primeiro batimento de cada compasso.

Bol: é uma mnemônica (um auxiliar de memória). São séries de sílabas que correspondem aos variados batimentos que a tabla produz e definem o tal.

Avartan: é o ciclo da música indiana. Podem ser constituídos por qualquer número de tempos.

Vibhag: são os compassos e podem ter variados números de pulsação.

Matra: é a pulsação, juntamente com o avartan e o vibhag formam os 3 níveis da estrutura do ritmo indiano.

Lay: é a velocidade de uma composição.

O principal instrumento de cordas é a tambura (tampura); os principais instrumentos de sopro são as flautas e uma espécie de oboé. Entre os tambores, os mais importantes são o mridangam e a tabla.

Tambura: é um instrumento musical composto por cordas dedilhadas e braço sem trastes, que costuma acompanhar a música vocal, emitindo um bordão para sustentar a tonalidade nos silêncios.

Oboé: é um instrumento musical de sopro de palheta dupla. O corpo do oboé é feito normalmente de madeira (ébano, jacarandá) e tem formato ligeiramente cônico

Mridangam: é um instrumento de percussão da Índia, especialmente do sul. O instrumento é conhecido como "Deva Vaadyam", ou "instrumento dos deuses". Ao longo dos anos, o mridangam evoluiu para ser feito de diferentes tipos de madeira, devido à sua maior durabilidade.

Tabla: é um instrumento musical de percussão, muito usado na Índia, normalmente em músicas devocionais ou meditativas, tão comum quanto o pandeiro no Brasil. Este instrumento é dividido em dois tambores, um agudo chamado “daya” e um grave chamado “baya”.

Ouça o som da Tambura:

Fontes:

http://pt.wikipedia.org/wiki/Cultura_da_%C3%8Dndia

http://musicadaindia.no.sapo.pt/musica.htm

http://pt.scribd.com/doc/49148820/Musica-Indiana

http://www.ayurveda.com.br/ayurveda/home/default.asp?Cod=272&cat=84

A Música Na Idade Antiga: Hebreus

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Sat, 04 Jun 2011 01:09:00 +0000

Os hebreus deixaram o seu registro musical de forma muito clara, devido a Torá e vários textos religiosos. Após o reinado de Davi, o povo hebreu teve um pleno desenvolvimento na música. Antes as tribos hebréias eram nômades e sofriam influência de várias outras culturas. Somente depois da fixação das 12 tribos em Canaã (1250 a.C.) que os hebreus puderam desenvolver sua própria musica.

A música era muito utilizada na religião e em festas. Muitos textos do Antigo Testamento nos provam isso. A primeira menção sobre instrumentos musicais na Bíblia ocorre em Gênesis (capítulo 4, versículo 21):

“E o nome do seu irmão era Jubal; este foi o pai de todos os que tocam harpa e órgão.”

Muitos salmos da Bíblia eram usados como cantos sacros.

Davi era musicista e um dos chefes do exército israelita. Quando Saul, o rei de Israel, tinha seus ataques de cólera e melancolia, Davi tocava sua harpa para acalmá-la. Quando assumiu o poder começou a reunir os melhores instrumentistas em praças públicas.

A música dos hebreus tinham muitas partes instrumentais e provavelmente o canto era em uníssono. Os instrumentos hebraicos tiveram sua origem no Egito e na Mesopotâmia. Veja alguns deles abaixo:

Fontes:

http://www.cic.unb.br/~fatima/imi/imi200/s/Historia/IMI-histmus-antiguidade.html

http://www.lunaeamigos.com.br/musical/hebreus.htm

http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_da_Antiguidade

A Música Na Idade Antiga: Egito

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Fri, 03 Jun 2011 02:53:00 +0000

Devido a vários registros encontrados em templos e túmulos é possível saber como os egípcios se relacionavam com a música e sobre o desenvolvimento de instrumentos musicais.

A música egípcia viveu seu auge na época do Império Antigo (da III á X dinastia), algumas imagens mostram pequenos conjuntos tocando e dançando para o Faraó.

Durante o Império Médio (da XI à XVII dinastia) esses pequenos conjuntos cresceram e às vezes chegavam a formar orquestras. Entre os instrumentos, há harpas, alaúdes, liras, flautas, flautas de palheta dupla (oboés), trombetas, tambores e crótalos.

Já no Império Novo (da XVIII à XX dinastia) os instrumentos se aperfeiçoaram e a música passou a ter um papel militar e ritualista.

Os músicos egípcios gozavam de grande prestígio na comunidade e ocupavam diferentes níveis sociais. A música era muito usada em rituais religiosos, em adoração dos deuses, cerimônias de vida e morte.

Devidos as invasões de gregos e romanos, a música egípcia iniciou um processo de decadência devido à influência dessas outras culturas.

Alguns dos instrumentos utilizados:

Cítara: a palavra Cítara é usada para designar instrumentos de cordas, cujas cordas se estendem inteiramente sobre a caixa de ressonância

Harpa: a harpa juntamente com a flauta, é um dos instrumentos mais antigos. Teria se originado dos arcos de caça que faziam barulho ao roçarem na corda. Ela é sempre triangular, lembrando um arco de caça. Tem-se conhecimento através de fábulas épicas, poesias e trabalhos de arte, que as harpas existiam séculos antes de Cristo, na Babilônia e Mesopotâmia. Foram encontrados desenhos de harpas na tumba do Faraó Egípcio Ramsés III (1198-1166 a.C.), em esculturas da Grécia antiga, em cavernas do Iraque que datam desde 2900 a.C e textos religiosos judaico-cristãos afirmam que a harpa e a flauta existiam antes mesmo do Dilúvio. A harpa é constituída pelo corpo, pedais e cordas.

Sistro: o sistro é um instrumento de percussão que produz um som achocalhado.O instrumento já existia na Suméria do ano 2500 a.C. No Antigo Egito recebia o nome de sechechete era utilizado por mulheres da nobreza e pelas sacerdotisas. Era feito em geral em bronze, mas também existiam exemplares em madeira e em faiança. Os sistros estavam particularmente associados ao culto da deusa Hathor, mas poderiam também ser empregues no de Ísis, Bastet e Amon. Os egípcios acreditavam que o som produzido pelo instrumento poderia aplacar o deus em questão. Quando o culto de Ísis se difundiu na bacia do Mediterrâneo, o sistro tornou-se um instrumento popular entre os Romanos.

Crótalos: os crótalos eram formados por duas placas iguais, geralmente de marfim ou de madeira, apresentando um formato curvo como se fossem aspas. Batendo-se as duas metades entre si produzia-se o som. Costumavam ter um desenho entalhado nelas como, por exemplo, mãos, um relicário, uma cabeça de mulher ou, mais comumente, a cabeça de Hátor. Pares de diferentes formas e tamanhos foram encontrados em diversos sítios arqueológicos egípcios.

Tambores: de madeira ou de barro cozido, de diversas formas e tamanho.

Flautas:

Saibit: flauta simples

Mait: flauta dupla

Meme: flauta horizontal

Sebi: flauta transversal

Leia essa matéria: http://noticiasus.terra.com/tecnologia/interna/0,,OI2967984-EI295,00.html

Fontes:

http://www.lunaeamigos.com.br/musical/egito.htm

http://www.fascinioegito.sh06.com/instrume.htm

http://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_da_Antiguidade

A Música Na Idade Antiga: Mesopotâmia

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Thu, 02 Jun 2011 03:23:00 +0000

A palavra mesopotâmia é originária do grego e significa MESO (entre) POTÂMIA (rios). É a região onde hoje se encontra o Oriente Médio.

As primeiras civilizações surgiram na Baixa Mesopotâmia e datam de 6.000 a.C. Isso foi possível por causa da sedentarização e da revolução agrícola. Os homens pararam de ser nômades e começaram a se estabelecer em um só local. Aprenderam técnicas de cultivo e desenvolveram um sistema hidráulico para irrigação.

A Mesopotâmia era uma região onde muitos povos nômades passavam e graças à terra fértil alguns deles se estabeleceram ali. A sociedade mesopotâmica é fruto do convívio entre essas diferentes culturas. Os povos mesopotâmicos foram os sumérios, os acádios, os amoritas ou antigos babilônios, os assírios, os elamitas e os caldeus ou novos babilônios.

Os sumérios

Os sumérios foram os que mais se destacaram culturalmente dentre os povos mesopotâmicos. A música tinha um papel fundamental em ritos solenes e familiares. Nunca foram encontrados registros de uma notação musical, mas documentos cuneiformes atestam que tinham uma elaborada teoria musical. Nesses escritos foi descoberto que os sumérios já conheciam a escala pentatônica e a escala diatônica.

Também foram descobertos vestígios de instrumentos musicais avançados para época: uma harpa de cordas percutidas (ancestral do piano), flautas de cana e de prata, liras de cinco a onze cordas, uma espécie de alaúde de braço longo e uma harpa com coluna de apoio.

Os assírios

Os assírios deixaram muitas informações de sua história musical: pinturas, textos, esculturas e escritas em baixo-relevo. Nesse povo os músicos eram mais reverenciados que até os próprios sábios. Os músicos de povos conquistados sempre eram poupados e levados para cidades assírias, para que se pudesse absorver sua arte. A música para esse povo era poder.

Existem registros que confirmam que os assírios formavam grandes orquestras, algumas vezes com mais de 150 pessoas.

Os babilônios

Para os babilônios a música estava muito ligada à religião. Quando estavam reunidos cantavam hinos de louvor aos deuses. Também havia hinos de lamentação nas cerimônias de penitência.

O canto era muito associado à magia, havia cantos de amor, de ódio, de guerra, cantos de caça, de evocação dos mortos, cantos para favorecer, entre os viajantes, o estado de transe.

A Música Na Pré-História

noreply@blogger.com (José Victor Teixeira) — Wed, 01 Jun 2011 03:05:00 +0000

A música surgiu da natureza. Do som das ondas quebrando no mar, dos trovões, ventos e animais. O homem aprendeu a diferenciar os timbres produzidos por diferentes fenômenos naturais, e com isso, passou imitá-los por meio de movimentos corporais e pela própria voz.

Os instrumentos musicais se originaram da necessidade dos homens se comunicarem no meio da caçada, para avisar sobre perigo e para comunicação com outras tribos.

Algumas culturas relacionavam a música com algo divino, um presente dado pelos deuses, outras a associavam com o cosmos e o movimento dos astros.

Através de estudos em sítios arqueológicos e da arte rupestre em cavernas, podemos ter uma idéia do desenvolvimento musical na pré-história. Nas pinturas há homens que parecem tocar instrumentos, cantar e dançar.

É complicado estabelecer se o homem começou primeiro a cantar ou a usar instrumentos percussivos, devido à falta de registros. Mas é possível ter uma noção sobre o desenvolvimento musical pela habilidade de manipular materiais (metais, madeira, etc..) e pela capacidade de raciocínio, de acordo com cada época do período pré-histórico.

Roland Candé escritor do livro: “História Universal Da Música”, nos sugere a seguinte sequência de eventos:

1. Antropóides do terciário - Batidas com bastões, percussão corporal e objetos entrechocados.

2. Hominídeos do paleolítico inferior - Gritos e imitação de sons da natureza.

3. Paleolítico Médio - Desenvolvimento do controle da altura, intensidade e timbre da voz à medida que as demais funções cognitivas se desenvolviam, culminando com o surgimento do Homo sapiens por volta de 70.000 a 50.000 anos atrás.

4. Cerca de 40.000 anos atrás - Criação dos primeiros instrumentos musicais para imitar os sons da natureza. Desenvolvimento da linguagem falada e do canto.

5. Entre 40.000 anos a aproximadamente 9.000 a.C - Criação de instrumentos mais controláveis, feitos de pedra, madeira e ossos: xilofones, litofones, tambores de tronco e flautas. Um dos primeiros testemunhos da arte musical foi encontrado na gruta de Trois Frères, em Ariège, França. Ela mostra um tocador de flauta ou arco musical. A pintura foi datada como tendo sido produzida em cerca de 10.000 a.C.

6. Neolítico (a partir de cerca de 9.000 a.C) - Criação de membranofones e cordofones, após o desenvolvimento de ferramentas. Primeiros instrumentos afináveis.

7. Cerca de 5.000 a.C - Desenvolvimento da metalurgia. Criação de instrumentos de cobre e bronze permitem a execução mais sofisticada. O estabelecimento de aldeias e o desenvolvimento de técnicas agrícolas mais produtivas e de uma economia baseada na divisão do trabalho permitem que uma parcela da população possa se desligar da atividade de produzir alimentos. Isso leva ao surgimento das primeiras civilizações musicais com sistemas próprios (escalas e harmonia).