Danza Clasica

Baires Sur Novus Ballet: Una nueva compañía que asoma y promete

2013-09-14T02:05:00.000-03:00

Sinopsis:

Tuvimos el placer de conversar con la directora del Baires Sur Novus Ballet, Lorena Cantero. Haciendo historia, nos contó cómo fueron los inicios de la compañía, los obstáculos que fueron encontrando en su camino, cómo aquellos fueron superados, y hasta la importancia de formar un grupo humano con valores en este ámbito. Por si fuera poco, nos otorgó su mirada crítica respecto a la función que muy pronto presentará (Giselle) y no dejó de señalar el inconmensurable valor que aquella tendrá para quienes hoy conforman al ballet.

Lorena Cantero, -directora del BSNB-:
"Nuestra meta es que los chicos puedan bailar en cualquier escenario"

1) Cuéntenos quién es y cuál es su experiencia.

Me llamo Lorena Cantero. Hace mucho que me dedico a la danza. Primero he pasado por mi etapa como bailarina y ahora estoy como directora del ballet Baires Sur Novus, junto a mi compañera Lujan Costa. La idea es apuntar a una compañía independiente, en la que los chicos puedan hacer lo que les gusta, que se dediquen a este arte tan preciado como la danza clásica, que puedan bailar y que les paguen por lo que ellos realmente hacen, por este trabajo.

2) ¿Cúando se fundó la compañía? ¿Por qué nació Baires Sur Novus Ballet?

La compañía fue pensada por mi compañera (Lujan Costa). Fue un proyecto que ella tuvo en la cabeza. Me dijo; "bueno Lorena, vamos a hacer esto..." y arrancamos. Se creó el año pasado, a principios de año. Nuestra meta es que los chicos puedan bailar, en cualquier escenario, funcionar como una compañía profesional que nos reditúe.

3) ¿Cómo fue el formar un cuerpo de baile desde cero? ¿Con qué dificultades se encontraron?

Dificultades muchas. De hecho, van a seguir las dificultades porque bueno, es un grupo. Se va reformando. Hay gente que entra y sale. Hay gente que entra y se queda trabajando. Porque por ahí, esta dinámica de por ahora estar ad-honorem no es buena para todos. No es una buena propuesta para todos pero bueno... el que realmente quiere trabajar lo hace porque le gusta. Y esperamos que siga. Las complicaciones surgen siempre porque al modificarse muchas veces el grupo, nosotros tenemos que modificar las coreografías que hacemos o tenemos que estar pendientes de que nos falta una, nos sobra otra, entonces bueno, se van modificando las cosas que vamos haciendo.

4) ¿Quiénes y cuántos conforman hoy al Baires Sur Novus Ballet? ¿A qué nivel técnico-artístico apuntan a la hora de incorporar un nuevo bailarín?

Integrantes rondan entre los veinte, veinticinco. Integrar a un bailarín, en este caso para Giselle que realmente está trabajando a nivel profesional (Yannick Malgay), a nosotros nos beneficia como ballet y como grupo porque bueno, justamente este bailarín nos ayuda en todo lo que sea para corregir y por supuesto que le da otro nivel al ballet.

5) ¿Con qué se va a encontrar el público este 15 de septiembre?

Se va a encontrar con un ballet trabajado a pulmón por mi compañera y por mi y por los compañeros maestros que han aportado mucho en esto y un trabajo bastante arduo de las chicas del ballet que realmente tienen muchas ganas de salir al escenario y de poder tener esa experiencia también, de poder vivir qué es lo que el publico les devuelve.

6) ¿Qué desafío implica el representar una obra exitosa del mundo del romanticismo como lo fue Giselle?

Un desafío enorme porque es una de las obras más complicadas a trabajar. No solamente la técnica, el estilo, muchísimo, muy complicado pero se ha trabajado demasiado para eso también y hasta lo que va ahora y lo que hemos visto de los ensayos, va a dar que hablar.

7) ¿Qué expectativas tiene de la compañía de cara al futuro?

Mi expectativa es que el ballet crezca, se mantenga el grupo, tanto mi compañera como yo. No solamente apuntamos a un grupo de bailarinas sino a un grupo de gente humano, que se lleven bien, que trabajen bien que sean buenos compañeros y con eso, esas cosas se ven en el escenario. El resultado de llevarse bien entre compañeros, trabajar de la mejor forma posible se refleja en el escenario.

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A solas con Giselle y Albretch

2013-09-07T02:12:00.000-03:00

Sinopsis:

A pocos días del estreno de Giselle por parte de la compañía Baires Sur Novus Ballet, directora Lorena Cantero, conversamos con la bailarina que se pondrá en la piel de la protagonista, junto a quien interpretará a Albretch en la obra. Estamos hablando de Lujan Costa y Yannick Malgay, con quienes repasaremos y discutiremos el argumento de aquel clásico de repertorio, llevado a escena por primera vez en la Ópera de París hace ya más de 170 años.

© Foto: Baires Sur Novus Ballet
"Albretch amaba a Giselle"
-Lujan Costa-

1) Cuéntenos quién es y cuál es su experiencia.

L.C: Yo soy Lujan Costa, bailo desde los 7 años. Empecé estudiando con Raul Gatto y soy egresada de la Escuela Municipal de Lomas. Trabajé con distintos coreógrafos, bailé en el Ballet de Avellaneda y ahora apunté desde el año pasado a esta compañía. Le dije a Lorena Cantero "la danza tiene que cambiar y tenemos que hacer ese cambio nosotras".

2) Cuéntenos brevemente el argumento del ballet que interpretarán.

L.C: Bueno, acá el personaje principal, por más de que el nombre del ballet sea Giselle, yo creo que es Albretch. Él es duque de Silesia, está... se podría decir enamorado, en una etapa de enamoramiento porque él es duque y se hace pasar por un aldeano llamado Loys que seduce a Giselle. Ella obvio, como toda adolescente, se enamora porque él era hermoso pero pobre Giselle estaba enferma del corazón y bueno, lamentablemente se muere cuando se da cuenta de que Albretch es duque y está comprometido con una duquesa y ella nunca va a poder ser una duquesa.

3) ¿Cómo encara el papel protagónico de Giselle, teniendo en cuenta el nivel de expresividad que le exige principalmente el primer acto, sumado además a la exigencia técnica del segundo?

L.C: Bueno, el primer acto es muy difícil porque ella pasa por todos los estados anímicos. Yo creo que no hay nada mejor personificado. Me imagino a Giselle como una veinteañera, completamente enamorada de un príncipe azul que todas queremos tener. Pasa por el estado de que se enamora y de que la lastiman. Yo creo que esa ruptura de que muere es lo que sentimos las mujeres cuando muere la relación, es como tal vez simbólico, ¿no? Se muere el alma, se rompe el corazón literalmente.

© Foto: Pasión del Ballet
-Yannick Malgay y Lujan Costa-

4) ¿Por qué Albretch siendo un hombre de la nobleza se vestía como aldeano? ¿De qué manera influían las clases sociales en aquella época?

L.C: Para mi se vestía como aldeano porque estaba todo el día en el palacio, era un duque, tenía que hacer las cosas que le exigía la nobleza, no podía arriesgarse. Ahora por suerte nos podemos arriesgar pero en esa época no se podía y era muy importante la vida social.
Y.M (Interviene Yannick Malgay, quien interpreta al personaje de Albretch en la obra): Para mi lo que quería era, como a él le imponían un estilo de vida que le era muy exigente, una manera de escaparse de sus responsabilidades era mezclarse con la clase social baja...
J.V (Interviene Javier Vescio, el entrevistador): ...y de esa manera llegar a Giselle.
Y.M: Y de esa manera llegar a Giselle. Se hacía pasar por otra persona con menos responsabilidades y era más flexible.

5) Cuéntenos a qué se debe la escena de locura de Giselle y qué desenlace tiene.

L.C: Bueno, para la escena de locura tenemos que sumar distintos factores. Debemos recordar que durante un baile, Hilarion descubre la verdadera identidad de Albretch y termina desenmascarándolo frente a todos. Giselle se da cuenta de que había estado siendo engañada... Albretch no era un campesino y a su vez tenía una prometida, que era nada más y nada menos que una duquesa.
Y.M: Ambas se enteran que están enamoradas del mismo personaje, que es cuando una reacciona negativamente y Giselle reacciona por la locura.
L.C: Recordemos que Giselle estaba enferma del Corazón, sumado eso a la edad emotiva que era jovencita... Bathilde era una mujer madura, que por el estilo de vida que tenía era mucho más fría. Y Giselle es todo lo contrario, ella es el ideal romántico, es la mujer que muere por amor.
Y.M: Personajes polarizados digamos.
L.C: Claro, completamente polarizados y bueno, cuando se suma la enfermedad del corazón, el que la niega a ella delante de todos sus amigos de la nobleza... Giselle se siente completamente desolada porque todos la dejan de lado y por eso enloquece.
Y.M: Hay que recordar que era un personaje que de no poder bailar, pasa a un estrés total en un segundo, que colapsa y muere.

6) ¿Quiénes son las Wilis y en qué acto y por qué entran en escena?

L.C: Aclaremos que la traducción del termino "wili" es vampiro, sin embargo, no son chupa sangre. He leído eso en exámenes de argumento y la verdad que no es así. No son vampiros. Son espíritus de doncellas que murieron a causa de que les rompieran el corazón.
Y.M: Amor fallido.
L.C: Son amores fallidos. Entran en el segundo acto y bueno, en si ellas lo que quieren hacer como murieron por amor es vengarse de todos los hombres, de los hombres buenos y malos. Lo matan a Hilarion... convengamos que es triste pero él que verdaderamente la amaba a Giselle era Hilarion. Él estaba completamente enamorado, también entra en una locura. Giselle amaba puramente a Albretch. Es la muestra de que el verdadero amor salva. Yo creo que el amor a Hilarion era más pasional tal vez. No tan puro. Por eso no se llega a salvar. Es el ideal romántico.

7) ¿Por qué el guardabosques Hilarion no logra salvarse del baile de las Wilis y Albretch si? ¿Albretch amaba a Giselle?

L.C: Giselle no lo salva a Hilarion, yo creo que porque...
Y.M: ...no lo amaba.
L.C: O sea, Hilarion era el mejor amigo de Giselle de toda la vida. Y yo, yo me lo imagino como ese amor desde chiquititos que él la amaba y obvio era una locura porque supuestamente era una de las jovenes más bellas de la aldea. Hilarion enloquece y muere de la fatiga, porque Giselle no le dice "no bailes porque te vas a morir", a Albretch si se lo dice, por eso Albrecth se salva. Cuando sale el Sol, las Wilis pierden el poder, se tienen que meter en las tumbas y bueno, por eso se salva Albretch.
Y.M: Bueno, redondeo que cuando sale el Sol, ellas se van porque son espíritus de la noche. Es un ballet de dos actos, en el primer acto que representa lo que es la realidad, lo que es bueno, bello en sí y el segundo acto es la polarización. Representa el mundo ideal y un bosque sombrío oscuro, que ahí es donde se desenlaza toda la parte negativa de la obra. Y la locura de Giselle es la unión entre ambos actos, que representan el pasaje de uno a otro a través de la locura. Desde mi punto de vista, el personaje estaba enamorado de Giselle y su compromiso con la duquesa era lo que le impedía dicho amor y él estaba atado a un estilo de vida que no pudo...
J.V: ...que las diferencias entre las clases sociales no les permitían una unión.
Y.M: Hoy en día es totalmente al revés, de hecho uno asciende y desciende de clase social y de un día para el otro. Allá vos nacías nobleza y eras nobleza de ahí hasta que te morías, tus hijos, tus nietos y así. No había la posibilidad de ascenso y descenso social como hay hoy en día.
L.C: Yo creo que el ideal romántico es que Albretch si la amaba a Giselle. Para mi, por lo que uno ve de los grandes artistas como Alexandra Ferri o que son los que le dan vida al personaje, Roberto Bolle, Erik Bruhn, Nureyev, yo creo que él verdaderamente se da cuenta de que está enamorada de ella en el momento donde la pierde, que no es el primer acto, es cuando ella vuelve a meterse en la tumba. Que ahí se da cuenta de que no hay vuelta atrás. Ahí es cuando el personaje se da cuenta verdaderamente de que la amaba, para mi.
Y.M: Que es lo que te das cuenta que tenías cuando lo perdés.

Javier Vescio.

© Foto: Baires Sur Novus Ballet
Giselle y Albretch. Al fondo, las Wilis.

Buenos Aires, Argentina
Este domingo 15 de septiembre a las 20 horas, la compañía Baires Sur Novus Ballet, bajo la dirección de Lorena Cantero, presentarán la obra Giselle en el Teatro Municipal de Lomas de Zamora (Manuel Castro 262. A pocas cuadras de la estación Lomas del ferrocarril Roca). Las entradas son gratuitas y podrás retirarlas en el teatro mismo.
Evento en Facebook: www.facebook.com/events/418262598290137

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias aquí también!! ¿Cuál es tu parte favorita del ballet? ¿Crees que, después de todo, Albretch se dio cuenta que en realidad amaba a Giselle?

Poema a la Danza

2013-07-30T00:58:00.002-03:00

Danza que ha nacido junto con el Hombre
y que ha acompañado su espíritu noble...
Ritmo que se expresa desde sus entrañas,
melodías santas surgen como arias.
Es su movimiento quien corre en la sangre
la piel se contagia, energías que arden.
Lazos que se envuelven como torbellinos,
mares de emociones que encuentran Destino.

Música en el alma, genera la calma,

reaviva el silencio y su gran misterio.
El cuerpo que escucha pronto la hace suya,
avanza y se anima, sabia bailarina.
Épocas de antaño entre sus estilos,
bailes sin fronteras surgen en los niños.
Hay manos que mueven al compás sus dedos,
escenarios llenos de alegría y vuelo.

Límites no encuentra, tan audaz se lanza,
sin sentir vergüenza, tan sólo templanza.
Muestra su concreta y abstracta añoranza,
se hace tan presente la omnisciente danza.
Tantos corazones que pueden sentirla
y expresarla juntos cual fieles artistas.
Navega entre amores y tanto suaviza
las bellas pasiones, tan sinceras risas.

Danza que ha nacido junto con el Hombre
y expresa en sus alas, su magia y su nombre.

Nat Alí

Más arte de Nat Alí

Sobre la autora

Natalia Aizenberg, quien se presenta con el seudónimo de Nat Alí, es una joven artista nacida en Buenos Aires, que plasma su vocación entre la escritura, la composición musical y la danza. Desde niña se ha abocado naturalmente a estas artes, que a través del tiempo ha ido desarrollando como una necesidad de expresar su ser. Podemos ver al momento entre su material un video con un bello poema dedicado a la Danza, entre otros, como una poesía que homenajea a una de las grandes estrellas del ballet, Paloma Herrera. También ha desarrollado una serie de videos musicales para niños. Actualmente se encuentra componiendo y grabando boleros y baladas para ser cantadas por diversos artistas de la canción romántica, manteniéndose siempre atenta a aquellos instantes en que aparecen las musas inspiradoras que revelan secretos de algún lugar insólito y desconocido.

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Día Internacional de la Danza

2013-04-29T00:40:00.000-03:00

Sinopsis:

Compartimos las palabras del coreógrafo taiwanés, Lin Hwai-min, como motivo de celebración del Día de la Danza. ¿Por qué se celebra este día? Además, el mensaje del bailarín y coreógrafo argentino, Alejandro Cervera.

Mensaje de Lin Hwai-min

"Está escrito en el Gran Prólogo del “Libro de las Odas”. Una antología de poemas chinos que datan del X al siglo VII a.C.

'Las emociones se mezclan y toman la forma de palabras. Si las palabras no bastan, hablamos con suspiros. Si los suspiros no bastan, los cantamos. Si los cantos no bastan, entonces inconscientemente nuestras manos y nuestros pies los bailan'.

La danza es una expresión potente. Habla a la tierra y al cielo. Habla nuestras alegrías, nuestros miedos y nuestros deseos. La danza habla de la intangible, revelando al mismo tiempo el estado de ánimo de una persona y los temperamentos y personalidades de los pueblos.Como muchas culturas en el mundo, los nativos de Taiwán bailan en círculo. Sus antepasados creían que el mal se guardaría fuera del círculo. Con sus manos entrelazadas, comparten su calor y siguen un ritmo común. La danza reúne a la gente. Y la danza aparece en el momento de desaparecer. Los movimientos se desvanecen al producirse. La danza sólo existe en este momento transitorio.Es preciosa. Es una metáfora de la vida.En este tiempo digital, las imágenes de los movimientos pueden tomar millones de formas. Son fascinantes. Pero, no pueden sustituir a la danza ya que las imágenes no respiran. La danza es una celebración de la vida.Ven, apaga tu televisor, apaga tu ordenador y ven a bailar. Exprésate con este digno instrumento divino que es tu cuerpo. Ven a bailar y júntate a los otros en las olas del impulso. Toma este momento precioso y efímero.Ven a celebrar la vida con la danza"

¿Por qué se celebra este día? ¿Cuál es el objetivo?
En homenaje al bailarín y profesor Jean-Georges Noverre, creador del ballet moderno, la Unesco aprobó una iniciativa por parte del Comité de Danza del Instituto Internacional de Teatro (ITI), que ordenaba que todos los 29 de abril (fecha en la que nació Noverre en 1727) se celebrara el día de la danza.
Y particularmente, cada 29 de abril se lee al mundo un escrito de alguna personalidad importante del ambiente, siendo este el Mensaje del Día Internacional de la Danza. Tratándose de un mensaje traducido en más de 20 idiomas para casi 100 países, se logran los principales objetivos del ITI...
Rendir homenaje a esta disciplina, celebrar su universalidad que, franqueando todas las barreras políticas, culturales y étnicas logra mostrar a la Humanidad entera su amistad y paz con su lenguaje universal, "atraer la atención del gran público hacia el arte de la danza y en particular la de interesar a un público nuevo que generalmente no asiste a espectáculos de danza".

La palabra de Alejandro Cervera
Alejandro Cervera, bailarín y coreógrafo argentino, fue seleccionado por el Consejo Argentino de la Danza para la creación de un mensaje, así como el de Lin Hwai-min.
Este decía:

"Vivir en el mundo de la danza me ha permitido ser aceptado, querido y reconocido. La danza me abrió a un mundo de gente poco común, obsesiva, hermosa, a veces odiosa, pero siempre intensa. Gente que persigue una quimera. Un sueño que a veces se cumple, pero, aún cuando se cumple, se desvanece como se desvanecen los sueños en una mezcla de realidad y fantasía. La danza es un soplo o es como un perfume que queda cerca de la memoria, del cuerpo y del espíritu. Y en ese perfume está lo que bailé, lo que vi, lo que me enseñaron. Y todo eso junto viene siendo lo que soy ahora.En los peores días de la Argentina la danza me protegió, en los momentos más difíciles de mi vida la danza me ayudó y me consoló. La danza como la Música (que para mí es el piano) está siempre, no depende de nada. Fui bailarín, soy coreógrafo, dirijo compañías de Danza (que es un oficio muy raro), enseño, me dicen Maestro. Estoy seguro que permaneceré siendo espectador para volver a mirar los ensueños del ballet, los paisajes cambiantes del contemporáneo, la fuerza del tango o del folklore. Estos son mundos sin palabras pero llenos de sentido. Un arte que no habla pero que dice sin parar.Y hoy estamos reunidos para festejar, que también quiere decir homenajear, ofrecer y regalar. Yo creo que nos regalamos esta fiesta a nosotros mismos porque la danza más que ningún otro arte está en el cuerpo de nosotros. Un cuerpo de músculos, huesos, emociones y pensamientos. Todo eso que somos nosotros es la danza porque cada uno de nosotros es su instrumento. La danza se encarna en mi cuerpo y en el del otro, que siempre es distinto pero al mismo tiempo siempre es igual: humano, imperfecto, único y divino".

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Qué te parecieron las palabras de Lin Hwai-min? ¿Y el mensaje de Alejandro Cervera?

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Fuentes consultadas: -International Theatre Institute y Consejo Argentino de la Danza.

La Bella Durmiente 3D y una polémica edición coreográfica

2013-03-04T04:10:00.000-03:00

Sinopsis:

Un análisis sobre la reciente proyección 3D en el Teatro Colón de La Bella Durmiente y la denuncia moral del coreógrafo Karl Burnett en torno a la edición coreográfica de Lidia Segni. ¿Qué fue lo que dijo Burnett? La respuesta del Director del Colón, Pedro Pablo García Caffi y la opinión de la Primera Bailarina, Silvina Perillo.

© Foto: Teatro Colón
La Bella Durmiente del Bosque 3D

La intriga nos invadió cuando se anunció el evento. Es que se trataría de la primera vez en la historia que en el Teatro Colón se habría de proyectar un film de un ballet en tres dimensiones.

Y el resultado no estuvo mal. Incluso por momentos en los que la cámara, sin moverse, captaba un plano general del escenario, tranquilamente podía imaginar que en realidad tenía al ballet interpretando La Bella Durmiente en frente suyo y que no se trataba de una película. Esto merced a la calidad en alta definición de la imagen, que complementado al 3D dieron lugar a un exquisito resultado, y al gran tamaño de la pantalla que prácticamente cubría todo el largo del escenario.

Sobre la hora del estreno comenzó a llegar mucha más gente (varios extranjeros) y fue llenándose la sala rápidamente. Todo bajo una sensación de espontaneidad, similar a la de como se anunció el evento. De hecho, el espectáculo se estaba promocionando desde la página en Facebook del Colón a poco más de una semana del estreno del 10 de enero.

"Me enteré por los medios publicados en Facebook, una semana antes del diez de enero y porque me llamo un periodista para preguntarme sobre el tema. No sabía que responderle porque no estaba enterada", agregaba Silvina Perillo, princesa Aurora en la obra.

El ballet de la Bella Durmiente fue estrenado en 1890 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Con coreografía de Marius Petipa y música de Tchaicovsky, actualmente forma parte del repertorio de las más importantes compañías de ballet del mundo.

La historia cuenta como la joven princesa Aurora, sometida al hechizo de una malvada bruja, acaba entrando en un profundo sueño de cien años. El hechizo terminará por romperse con la llegada del beso del príncipe Florimond, mediante el cual Aurora logrará despertarse.

Bella Durmiente 3D en el Teatro Colón

El arranque de la proyección comenzó mostrando al Teatro por fuera visto desde la avenida 9 de Julio. Desde ese momento el efecto 3D empezaba a cobrar su fuerza. En las tomas posteriores se daba un paseo por el interior del Teatro, para luego mostrar la edición del ballet Bella Durmiente (armada por Lidia Segni de las funciones presentadas en agosto de 2012) y finalizar con una toma nuevamente en la avenida.

Con una duración aproximada de 75 minutos, el reparto principal de la obra fue el siguiente.

Princesa Aurora: Silvina Perillo.
Príncipe Florimond: Federico Fernández.
Rey Florestán: Sergio Yanelli.
Reina: Silvina Juárez.
El hada de las Lilas: Gabriela Perkins.
El hada Carabosse: María Rosa Magán.
Catalabutte: Sergio Hochbaum.

Una polémica edición...

El ballet mostrado fue registrado en agosto del 2012, cuenta con coreografía de Karl Burnett y ha sido editado por Lidia Segni para la proyección en 3D. Aquella edición de la directora del Ballet Estable del Teatro Colón, pese a estar a cubierta legal, ha causado una fuerte polémica entre ella y Burnett.

© Foto: Ambito.com
Lidia Segni

Primero veamos que nos decía Silvina Perillo, actual Primera Bailarina del Teatro Colón y una de las protagonistas de la obra en cuestión:

- "En este caso vi un ballet con muchas partes cortadas donde no vi la obra que Karl Burnett creó para el ballet del Colón. Todos conocemos la historia de La Bella Durmiente, pero creo que en toda obra de arte o coreográfica debería estar su creador para realizar cualquier modificación en el caso que lo amerite.

No me atrevería a cortarle la cabeza a la Gioconda para adecuarla a un marco más moderno, para darte un ejemplo. De tener a su creador entre nosotros, lo más acertado sería pedirle a él que haga ese trabajo"

© Foto: Teatro Colón
Silvina Perillo y Federico Fernández

¿Qué molestó al coreógrafo Karl Burnett? ¿Cuál fue la respuesta de Pedro Pablo García Caffi, Director del Teatro Colón?

Burnett: "Revisé mi contrato de La bella durmiente y me di cuenta de que no había sido lo suficientemente diligente en mis negociaciones y que legalmente no tengo de dónde agarrarme. Básicamente, esto significa que el Teatro Colón puede hacer lo que quiera con mi trabajo y en este caso, con La bella durmiente, con total impunidad. Por ello, mi único recurso es moral…"

García Caffi: "Él plantea que se dio cuenta de que firmó un contrato que no había leído bien. Bueno, ante eso yo no puedo hacer nada... Su queja es un hecho desgraciado"

Karl Burnett - © Foto: Clarin.com

Fueron una serie de factores adversos, en los que todos juntos combinados hicieron inevitable la acción de Burnett de enviar una carta abierta a distintos medios de danza, declarando su enojo por el proyecto 3D.

Imposibilitado de tomar acciones legales, comunicó que el tipo de reclamo que haría rondaría en lo moral. "Debo decir abiertamente que el dinero no es la cuestión, ya que el tema principal de esta carta abierta gira alrededor de las reglas de conducta profesional y el respeto artístico general".

Fue incluso llamativo el ver informando a un medio masivo como La Nación el incidente, pero a la vez limitando aquel al decir en una nota del día 13 de enero bajo el título "Cosquín sin Charly y un coreógrafo enojado", nada más que Burnett manifestó su descontento por el proyecto 3D sin siquiera mencionando el por qué.
Casi dos semanas después, en una nueva publicación del mismo medio con título "El progresismo está en Macri" y donde se entrevistaba al Director General y Artístico del Teatro Colón, Pedro Pablo García Caffi, éste último dio a entender que no tuvo más remedio que descartar el mensaje de la carta por su intrascendencia; "Su queja es un hecho desgraciado. Pasan muchas cosas en el mundo artístico y yo intento empujar aquellas que tengan cierto valor, cierta trascendencia. El resto, intento descartarlas".

El sitio Habitués del Teatro Colón, uno de los medios que recibió la carta de Burnett a través de un extenso comentario que el mismísimo coreógrafo realizó en uno de los artículos de la mencionada página, ha hecho una traducción total del inglés al castellano de la misma. De aquella se valió Pasión del Ballet para lo citado a continuación.

Burnett consideró una falta de respeto el que Lidia Segni editara una obra que no le pertenecía. "El hecho de que ella haga sus propias creaciones y se meta a modificarlas es un asunto suyo pero, ¿con qué derecho o autoridad se mete a tocar el trabajo de otro?"
Tampoco toleró los créditos de la obra. "...el único detalle que se me queda atragantado es que se me menciona como «editado» por la Sra. Segni - justamente la persona que, en mi opinión, no debería tener nada que ver con mis producciones o las producciones de cualquier otra persona".
En agosto de 2012, luego de que Burnett entrara a la sala principal del teatro y se encontrara con múltiples cámaras grabando, le comentaron ante su sorpresa que estaban intentando filmar en el nuevo formato 3D. "Me imaginé que era con intenciones de archivo y pedí al menos tener una copia del resultado final". Sin embargo, en ningún momento le informaron al coreógrafo las verdaderas intenciones que habían detrás del film en 3D. "No sólo nunca me entregaron una copia de la filmación [parece que todavía no saben mi dirección particular, a pesar de los años transcurridos!] sino que ¡tampoco nunca me informaron fehacientemente de que tenían la intención de proyectarla ante un público que pagara una entrada!".

© Foto: Continental.com.ar
Pedro Pablo García Caffi

Pese a las fuertes declaraciones de Burnett (puede verse la carta completa haciendo clic aquí), la Directora del Ballet Estable del Teatro Colón, Lidia Segni, a quien el coreógrafo apuntó dentro de su foco principal de desencanto, en ningún momento hasta ahora ha emitido un comunicado público respecto a la incómoda situación acontecida.

Si lo ha hecho Pedro Pablo García Caffi, Director General y Artístico del teatro (ver "El progresismo está en Macri"), quien restando importancia al juicio moral de Burnett en relación al comportamiento profesional de la dirección del Colón, acabó haciendo hincapié en que se tenían todos los derechos acorde al contrato para trabajar y editar la obra como se quisiera; "El material que produce el Colón es del Colón y, luego, puede editarlo o trabajarlo como lo considere".

Luego añadió: "Él plantea que se dio cuenta de que firmó un contrato que no había leído bien. Bueno, ante eso yo no puedo hacer nada".

¿Cree usted que hubo falta de profesionalismo en el actuar de la dirección del Teatro Colón con Karl Burnett? ¿Qué opina de la respuesta del Director General y Artístico del Teatro Colón, Pedro Pablo García Caffi? ¿Comparte la opinión de la Primera Bailarina, Silvina Perillo?

La danza clásica como base de otras danzas

2013-01-27T02:49:00.000-03:00

Sinopsis:

El eje del cuerpo, la flexibilidad y elongación, los giros y la coordinación y velocidad.

Bailarines clásicos - Academia Vagánova

Imagen extraída de: www.vaganovaacademy.com

Danza Moderna

Imagen extraída de: www.vaganovaacademy.com

Introducción por Nora Ponce
La danza clásica puede ser muy útil para resolver problemas técnicos para bailar; tango, salsa, para acróbatas o para cuestiones corporales en general.

El eje del cuerpo

En posición vertical, nuestro eje corporal se logra sosteniendo la musculatura abdominal, estirando la columna desde la base de la cabeza hacia arriba, sintiendo una presión en el centro de las dorsales para aplanar los omóplatos (esto se ayuda sosteniendo el "aro" que deben formar los brazos), y presionando el piso desde la base (nuestros pies en planta o media punta).

Flexibilidad y Elongación

El movimiento es un juego de tensión y relajación, en esto se basa la flexibilidad y la elongación. El cuerpo se trabaja relajando las articulaciones y pensando en los "apoyos", o sea qué parte debemos tensionar. Por ejemplo, en un souplesse en avant debemos "plantarnos" en los pies (tensión), "cortar" en la articulación pélvica (relajación) y alargar al máximo nuestra columna hacia adelante y hacia abajo. En un battement en avant: tensión en la pierna base, estiramiento máximo del cuerpo hacia arriba y relajación en la articulación de la pierna que sube (¡conviene pensar en el dedo gordo y no en el cuádriceps!). La flexibilidad y la elongación siempre se piensan juntas.

Giros

Se trabajan estirando al máximo el eje corporal, plantándose sobre la pierna base en una media punta alta, sosteniendo el centro de las dorsales con el aro de los brazos (aquí es muy importante que no se "caigan" los codos, y mirando un punto fijo (giro de cabeza). Así se pueden lograr varios giros seguidos.

Coordinación y velocidad

En la clase de danza clásica el maestro varía las combinaciones de pasos, el tempo musical y la velocidad de los pasos para que el alumno esté siempre atento. De esta manera se logra que aquel sea coordinado y tenga velocidad en la ejecución. En un "allegro", que es una combinación de pequeños saltos en velocidad, se trabajan ambas cosas.

Conclusión

En una clase de danza clásica se trabaja a diario sobre estos puntos, pensándolos en relación a cada cuerpo en particular.

Otros artículos de Nora Ponce

Método Vagánova - www.pasiondelballet.com.ar/2012/04/metodo-vaganova.html
El Relevé - www.pasiondelballet.com.ar/2012/11/releve.html

Sobre la autora, Nora Ponce

Egresada del ISA del Teatro Colón, bailarina del Cuerpo de Baile del Teatro Colón (Refuerzo).
Bailarina solista en Maastricht (Holanda), maestra preparadora de bailarines en Suecia y Holanda.
Maestra de danza clásica, método Vagánova (formada con los maestros: Rodolfo Fontán y Mabel Silvera).
Actualmente, dicta clases de ballet en el Centro de Arte "Quirón" (Caballito, Ciudad de Buenos Aires).

¡Votá al mejor artículo del 2012!

2012-12-27T00:39:00.001-03:00

Introducción

Vota a tu artículo favorito del 2012
© Foto de Mitar Gavric

Es todo por el 2012. Y en comparación con años anteriores ha sido mucho. Han participado desde una instructora en pilates para un artículo sobre flexibilidad, varias profesoras de danza clásica en diferentes artículos, un psicólogo de la Universidad de Buenos Aires (en un artículo que a mi punto de vista es el mejor de todo el sitio) y hasta la Primera Bailarina del Teatro Colón, Silvina Perillo. Y este año han habido dos sorteos, el primero internacional y el último nacional (cuyo premio de este último fue una orden de compra por $500 pesos arg. en la tienda de danza de Balletin Dance, siendo el premio más grande hasta ahora entregado desde esta página).

También Pasión del Ballet ya es miembro/socio del Consejo Argentino de la Danza desde el primero de diciembre.

En fin... hay un montón de proyectos para el año que viene. Así que se irá viendo cómo se van dando las cosas. ¡Muchas gracias por acompañarme! =)

¿Cuál fue el artículo del año 2012 que más te gustó?

Te invito a que lo votes desde el panel izquierdo que vez en pantalla. Me servirá para saber hacia donde orientar mayormente el sitio en el nuevo año.

¿Te perdiste algún artículo?

Aquí abajo te dejaré los títulos y links a ellos. Sino, tienes el archivo del blog ordenado por año y mes.

© Foto de Verónica Guerman

Ejercicios y tips para mejorar la flexibilidad (8 de enero)
www.pasiondelballet.com.ar/2012/01/flexibilidad.html

Entrevista a Silvina Perillo (16 de febrero)

www.pasiondelballet.com.ar/2012/02/entrevista-silvina-perillo.html

Anécdotas bailadas (17 de abril)

www.pasiondelballet.com.ar/2012/04/anecdotas-bailadas.html

Método Vagánova (22 de abril)

www.pasiondelballet.com.ar/2012/04/metodo-vaganova.html

El hombre en el ballet (5 de junio)

© Foto de M.Parpagnoli.

www.pasiondelballet.com.ar/2012/06/hombres-en-ballet.html

La mecanización de los movimientos (3 de julio)

www.pasiondelballet.com.ar/2012/07/mecanizacion-de-movimientos.html

Espacio Didáctico - El Plié (30 de agosto)

www.pasiondelballet.com.ar/2012/08/plie.html

Espacio Didáctico - El Relevé (5 de noviembre)
www.pasiondelballet.com.ar/2012/11/releve.html

Despedida a Eleonora Cassano (24 de diciembre)
www.pasiondelballet.com.ar/2012/12/despedida-cassano.html

Despedida a Eleonora Cassano

2012-12-24T03:37:00.002-03:00

Sinopsis:

Un repaso sobre la despedida en el Obelisco de una de las figuras de la danza clásica, cuya fama traspasó las fronteras: Eleonora Cassano. El artículo incluye desde una grabación de audio en donde Eleonora en su retirada agradece al público y artistas, pasando por unos vídeos especiales y una recopilación de distintas fuentes de noticias, y hasta datos y curiosidades en relación al evento.

Con Herman Cornejo en el Obelisco
Foto de Verónica Guerman

Representación de "El Cascanueces"
Foto de Verónica Guerman

Volvamos unos meses atrás

El primero de julio de este año, Constanza Bertolini del diario La Nación le hacía una entrevista a Eleonora, en donde esta última afirmaba que Lino Patalano quería hacerle una despedida en la avenida 9 de Julio, precisamente en el obelisco de Buenos Aires. Ver artículo Eleonora Cassano: el último baile del diario La Nación.

Eleonora y Julio

"Lino Patalano me quiere hacer la despedida en la 9 de Julio, pero no sé, porque si es solamente para alimentar el ego y decir tuve una despedida como la de Julio Bocca, eso no es algo que yo necesite", agregaba Cassano humildemente.

En aquella nota de Constanza, Cassano también afirmaba estar "enojada y dolida" con el Teatro Colón, dado que hubiera esperado una invitación de parte del teatro para protagonizar alguna obra.

"Ahora trato de no estar muy atenta a lo que pasa en el Colón, como estoy enojada y dolida. Me estoy despidiendo y no fueron capaces de decirme ¿Querés venir como invitada?"

Macri, Cassano y Lombardi

Ya para el 22 de octubre, el rumor sobre la posibilidad de que la bailarina se despidiera en el Obelisco era una realidad. La misma Eleonora Cassano lo anunciaba junto al jefe de gobierno de la ciudad, Mauricio Macri y el ministro de cultura, Hernán Lombardi.
Ver artículo Eleonora Cassano se despedirá de la danza en el Obelisco del diario Clarín.
La despedida sería el 22 de diciembre, el mismo día del retiro de Julio Bocca hacía cinco años.
La obra elegida para tal evento era "El Cascanueces", un ballet tradicional en las épocas navideñas y que particularmente este año estaba festejando su 120º aniversario desde su primer puesta en escena en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, Rusia.

Rumbo al 22 de diciembre

Se daba comienzo a un largo camino de audiciones por distintas partes del país. Entre ellas las ciudades de Buenos Aires, Chacabuco, Mar del Plata, Paraná, Rosario, Mendoza, Córdoba, Santa Fe, Bahía Blanca, Salta y Tucumán.
En todos los lugares, Cassano se asombraba por el nivel de muchas de las bailarinas. En cuanto a los chicos, se hizo evidente su escasez en relación a las chicas, "hay también varones, pero muy pocos, porque en algunas escuelas directamente no había muchachos".
Todos los bailarines serían seleccionados por Cassano (más de noventa entre más de mil participantes).

Nota: El vídeo anterior es un resumen de otros dos vídeos de mayor duración sobre las audiciones a lo largo de las distintas ciudades. Si participaste en alguna de las pruebas, es probable que hayas salido en cámara. Chequea Eleonora Cassano, Audiciones para Cascanueces y Eleonora Cassano, Audiciones Cascanueces parte 2 o visitá el canal en YouTube de Eleonora Cassano.

Fotos de las audiciones:

Día de la despedida

Cerca de unos 30 mil espectadores estuvieron presentes para deleitarse ante la majestuosa Eleonora Cassano en su show despedida. Gente también que entre todas las miles, seguramente veía ballet por primera vez, aprovechándose el hecho de tratarse de una función al aire libre gratuita y en pleno centro de la ciudad (9 de Julio y Corrientes).
En total 96 bailarines acompañaron a Eleonora, ante una coreografía marcada por Liliana Belfiore (ex bailarina y directora del Teatro Colón), quien probablemente sea la directora del Ballet de Salta el próximo año. Belfiore se lamentó de no haber podido trabajar antes con Cassano y reconoció que ella es una excelente bailarina. También se contó con la participación del bailarín argentino Herman Cornejo, al quien Cassano se refirió como una persona con un talento exquisito. Él es primer bailarín del American Ballet Theatre de Nueva York desde hace ya casi diez años. Cuando fue invitado por Lino Patalano a participar del espectáculo con Cassano, aceptó sin dudarlo un segundo.

Entrada en escena de Drosselmeyer:

Ver vídeo.

Guerra entre ratones y soldados:

Sobre el final del espectáculo, apareció en escena Julio Bocca y le entregó un ramo de flores a Eleonora, ante una fuerte ovación del público. Instantes después, Cassano tomaba el micrófono y decía: (reproducir el siguiente vídeo).

Con estas últimas palabras cerraba la noche. Y este fue su mensaje final antes de dar el adiós: "Sigan participando con la danza, vengan a ver espectáculos de ballet. Por más que las figuras conocidas se vayan, hay muchas figuras nuevas que están creciendo y tienen muchísimo para dar".
Se fue Eleonora Cassano. Si bien seguirá dando clases, será historia su carrera en la danza clásica como bailarina profesional.

Eleonora Cassano, su trayectoria y su despedida de la danza (flashback)

Datos y curiosidades

- Los espectadores que estuvieron desde temprano pudieron apreciar una clase de calentamiento de los bailarines, dirigida por Julio Bocca.

- No solamente la despedida de Cassano tiene coincidencia con la de Bocca por el lugar donde se hizo (obelisco de Buenos Aires), sino que además coincidencia exacta de día. Julio, en aquel entonces año 2007, se despedía también un sábado 22 de diciembre.

- Sobre el final del espectáculo, la estrella de la noche llamó a Bocca para que apareciera en escena. Cuando este último se aproximó comenzaron a bailar el tango "El día que me quieras", a pedido de Eleonora. Esto fue un claro guiño a la despedida de Bocca en 2007, en donde ambos habían bailado juntos esa pieza. Ver vídeo.

- El ballet elegido para la despedida fue "El Cascanueces". El pasado 18 de diciembre, aquel ballet cumplió su 120º aniversario desde su primer estreno en Rusia.

- Lamentablemente Maximiliano Guerra no pudo participar debido a problemas de agenda.

- Se colocaron tres pantallas, dos a los costados y otra más al frente, para permitir una mejor visualización del espectáculo. También se puso a disposición del público 8.000 sillas.

- Se estima que concurrieron cerca de 30 mil espectadores para la despedida de Eleonora Cassano. En la despedida de Julio Bocca concurrieron alrededor de 300 mil personas.

- Se contó con la participación de la Orquesta Académica de Buenos Aires, con la dirección de Carlos Calleja y del coro de niños dirigido por Rossana Judith Bravo.

- El argentino Herman Cornejo, primer bailarín del American Ballet Theatre de Nueva York, fue partenaire de Eleonora.

- Liliana Belfiore estuvo a cargo de la coreografía del espectáculo, en una versión de hora y cuarto creada por ella misma.

- Quizás te pueda interesar ver el artículo de prensa de La Nación sobre la despedida de Julio Bocca en 2007. Ir a la nota.

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Saliste entre las fotos? ¿Fuiste a ver la despedida? ¿Qué te pareció?

Copyright: Licencia de atribución. Para reproducir total o parcialmente el contenido de la publicación, deberá citar como fuente la dirección de la presente página web (www.pasiondelballet.com.ar)
Fuentes: "Un adiós bailado en pareja" de Clarín Espectáculos, Clarín, La Nación, TeleShow de InfoBAE.

Espacio Didáctico - El Relevé

2012-11-05T00:02:00.000-03:00

Sinopsis:

¿Qué es un relevé? ¿En qué se diferencia del elevé? ¿Cuándo llamamos al relevé como sous-sus? En este artículo hecho en conjunto con la profesora Nora Ponce, te explicaremos además que función tiene este paso en el ballet, te proporcionaremos algunos tips para su correcta ejecución y como siempre, te mencionaremos cuáles son los errores más frecuentes para así evitar que te ocurran a ti.

Índice

1. Introducción por Nora Ponce

2. ¿Qué es el relevé y cuál es su función?

3. Tips y un vídeo

4. Los errores más comunes en la ejecución del relevé

1. Introducción por Nora Ponce
El relevé en la danza es de suma importancia, que debe aprenderse correctamente desde el comienzo del aprendizaje. Teniendo en cuenta el eje corporal (centro abdominal sostenido, centro de las dorsales ligeramente hacia adelante y estirando mi cuerpo hacia arriba desde la base de la cabeza), desde esa posición inicial presiono el piso en demi-plié y subo al relevé máximo, asegurando la estabilidad del tobillo. De esta manera además de subir correctamente, evitaré lesiones.

2. ¿Qué es el relevé y cuál es su función?

Relevé
Imagen extraída de: dance.about.com

Antes de explicar qué es el relevé (término francés, que literalmente significa "levantarse"), hablaremos sobre el elevé (también conocido como “relevé por tracción”). El elevé básicamente consiste en una subida a la punta o media punta, partiendo de la base de que las piernas estarán completamente estiradas momento antes de ejecutarlo.

El relevé es similar, solo que añade un paso previo a la levantada que lo diferencia del elevé: el plié. Este sirve de impulso para subir tanto a la media punta como a la punta y además, funciona como un buen precalentamiento del tendón de Aquiles, algo esencial para luego lograr una subida óptima.

Tanto la subida por tracción como el relevé, son pasos considerados como los pilares de la danza y así también son uno de los primeros movimientos que se realizan al empezar la clase. Se los pueden practicar desde las cinco posiciones del ballet.

Sous-Sus: En la posición sous-sus, las piernas se cruzan una en frente a la otra delicadamente y sin espacio libre entre ellas. Es una quinta posición de pies apretada en relevé.

Hay 3 niveles de media punta:

La baja se usa para los tour lents y los cambios de frente. Siempre dejando el metatarso pegado al piso y girando con el talón.
La media no se usa en Vagánova. En la actualidad se hace baja o alta.

La alta se usa para todo el resto de los pasos. Se logra yendo al metatarso máximo y se apoyan tres dedos: pulgar, índice y mayor. Beneficia a tener el tobillo fijo. Además, la musculatura se forma más elongada y larga.

Relevé
Imagen extraída de: dance.about.com

Muchas poses y pasos de ballet se realizan en relevé.

Arabesque

Bailarina Ksenya Ovchinnikova

Función del relevé:

El relevé nos ayuda a…

Fortalecer las piernas.
Fortalecer los tobillos.
Fortalecer los pies.
Desarrollar los arcos del pie.
Mejorar la distribución del peso.
Mejorar la transferencia del peso.

3. Tips y un vídeo

Recuerda que en todo momento, las piernas y los pies deberán mantener su posición de rotación inicial y además el cuerpo tendrá que permanecer estable durante el ascenso y el descenso. En el caso de que el relevé se efectúe sobre las dos piernas, tener en cuenta que éstas deben ascender y descender simultáneamente.

Antes de empezar:

Asegúrate de tener los cinco dedos de tus pies y los metatarsos bien apoyados.
La distribución del peso se centra desde los talones hasta los metatarsos y dedos del pie.
Presiona el piso antes de elevarte al relevé.

Al subir:

Tronco y pelvis se mueven como si fueran una unidad y se desplazan ligeramente hacia delante para asentarse sobre los dedos de los pies.
Se sube sobre el eje corporal al hacer relevé y se sube más al bajar el talón.

Vídeo tutorial de Carolina de Pedro Pascual:

4. Los errores más comunes en la ejecución del relevé

Puede ocurrir que una vez finalizada la ejecución del demi-plié previo al relevé, las rodillas no hayan terminado de estirarse y ya los talones se estén elevando para partir hacia el relevé.
Las rodillas se flexionan antes de que los talones hayan llegado al piso en la bajada del relevé.
Estando en relevé, el pie se inclina hacia el dedo gordo o el meñique.

Sobre la autora, Nora Ponce

Visita www.casaderusia.org/ar/ballet.php o Escuelas de Ballet para encontrar información de contacto.

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Espacio Didáctico - El Plié

2012-08-30T21:06:00.000-03:00

Sinopsis:

En este artículo, aprenderemos junto a Candela Zapata qué es el plié y cuál es su función en el ballet. Además, te brindaremos algunos tips para su correcta realización (junto a un vídeo) y mencionaremos cuáles son los errores más comunes para que nunca los cometas.

Índice
1. Introducción por Candela Zapata
2. ¿Qué es el plié y cuál es su función?
3. Tips y un vídeo
4. Los errores más comunes en la ejecución del plié

1. Introducción por Candela Zapata

Hola. Mi nombre es Candela Zapata, soy bailarina-coreógrafa y docente. En este artículo realizado en conjunto con Pasión del Ballet, trataremos de explicar de la forma más clara posible un ejercicio sumamente importante para la técnica de la danza clásica.

Comenzaremos con el primer ejercicio que uno realiza en la barra: el plié.

2. ¿Qué es el plié y cuál es su función?

El plié (término francés que significa flexión) es un ejercicio básico que desarrolla tendones, músculos de muslos, pantorrillas, tobillos y pies, aumentando la flexibilidad y la fuerza del tendón de Aquiles. También contribuye a aumentar la capacidad de torsión de las piernas. Se lo practica en cualquiera de las cinco posiciones de pies, tanto en la barra como en el centro.

Existen dos tipos de pliés: el demi-plié y el grand plié.

El primero consiste en realizar una media flexión de rodillas. Todos los demi-pliés se hacen sin levantar los talones del suelo. Hay que tener en cuenta que todos los pasos de elevación deben empezar y terminar con un demi-plié. La acción del resorte de aquel es esencial para todos los movimientos de salto (brindando el impulso previo a la elevación) y para el regreso al suelo (amortiguando el contacto con la superficie).

Demi-plié
Imagen extraída de: dance.about.com

El segundo tipo de plié, el grand plié, radica en una flexión total de rodillas debiéndose levantar los talones del suelo. Es una extensión del demi-plié. Al llegar a la máxima profundidad con el grand plié, (los muslos están paralelos al suelo) el bailarín comienza el ascenso pasando por la base del demi-plié, hasta estirar por completo las piernas.

Grand plié
Imagen extraída de: dance.about.com

Función del plié:

El plié nos ayuda a…

Tener mayor capacidad de salto.
Mejorar nuestras preparaciones de Pirouette.
Calentar nuestros músculos antes de comenzar con ejercicios más fuertes.
Desarrollar un sentido del equilibrio y de correcta colocación vertical.
Mejorar la rotación de las piernas y lograr una correcta distribución del peso.

3. Tips y un vídeo

Para realizar correctamente un demi-plié o grand plié, se debe mantener el torso y cabeza derechos, la pelvis dentro del eje y el peso del cuerpo debe estar distribuido en ambos pies.

Dicho ejercicio es de suma importancia, ya que de él depende la técnica, la estabilidad y la perfecta ejecución de todos los pasos; entre ellos las piruetas, los saltos y la batería. Sin la capacidad y comprensión debida para realizar este paso, se apreciará una aparente movilidad rígida y sin gracia por parte del bailarín.

Bailarinas en demi-plié
Imagen extraída de: www.brb.org.uk

Conocer nuestro cuerpo: ¡¡¡No todos los cuerpos son iguales!!! Cada uno es distinto. Algunos tendrán más en dehors que otros. Asimismo se puede ejecutar correctamente el demi-plié o grand plié sin lastimar la musculatura.

Colocación: La correcta ejecución depende de la colocación previa al demi-plié. Si estoy con los arcos vencidos, las rodillas irán hacia el lugar equivocado y correrán peligro de lastimarse.

Ayudas imaginarias: Podes imaginar mientras flexionas las piernas, que tu cuerpo asciende y desciende verticalmente como si fuera un ascensor.

También te puede ayudar el hecho de pensar que estás sosteniendo un libro con tu cabeza y que bajo ninguna circunstancia debe caerse.

Respiración: Se inhala en el descenso y se exhala en el ascenso.

Relajación: Los hombros deben estar relajados.

Sobre el peso: Debes sentir tu peso entre los pies, no sobre ellos.

Voy hacia arriba: Incluso en aquellos movimientos que no sean de ascenso, la idea de ir hacia arriba siempre debe estar presente en el ballet. Podemos ayudarnos para elevar el torso empujando los dedos del pie contra el suelo.

Vídeo tutorial de Canal22:

4. Los errores más comunes en la ejecución del plié

No usar toda la música para realizar el paso.
Hacer un movimiento discontinuo, parando en la base del demi-plié o del grand plié.
Las rodillas caen frente o detrás de los segundos y terceros dedos de los pies.
Una rodilla cae más abajo que la otra en la base del grand plié, producto de una distribución desigual del peso.
Los talones se levantan del suelo rápidamente o regresan al suelo en diferentes tiempos.
Los talones se levantan formando un alto relevé en la base del grand plié.
Intentar rotar las piernas desde los pies y no desde los aductores.

....................................................................................................................................
"¡Creo que quedó bastante claro porque es tan importante la correcta ejecución del plié! Ahora, pónganse en acción para mejorar este ejercicio y así obtener una buena técnica. Y como le digo a mis alumnos… ¡¡¡Tratemos con respeto a SAN PLIE!!!

Agradezco a Pasión del Ballet por permitirme este espacio."

Sobre la autora, Candela Zapata

Candela Zapata es Bailarina-Coreógrafa y Docente. Se recibió de la Escuela Nacional de Danzas y del IUNA. Participó en obras destacadas en el Teatro Colón. Fue Bailarina en el Fantasma de la Ópera, entre otras. Reciéntemente fue convocada para dictar un seminario de danza clásica en Neuquén. Dicta clases de danza Jazz y Ballet (todos los niveles) en Av. Corrientes 3023, 1ºpiso. Más info. en www.candelazapata.com o en su facebook Estudio InDance.

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Licencia de atribución. Para reproducir total o parcialmente el contenido de la publicación, deberá citar como fuente la dirección de la presente página web (www.pasiondelballet.com.ar)
Fuentes consultadas: -Experiencia de Candela Zapata. -Libros: Teaching Beginning Ballet Technique de Gayle Kassing y Danielle Mary Jay, elongación X elongación (cuarta edición) de Alfredo Gurquel y Ballet Primeros Pasos de Judy Tatchell.
Agradecimientos: A la profesora Candela Zapata por participar en el artículo inaugural de la serie Espacio Didáctico. A Stephanie Ramírez de EE.UU, quien una vez más colaboró traduciendo del idioma inglés al español información muy importante.

La mecanización de los movimientos

2012-07-03T16:51:00.000-03:00

Sinopsis:

Cuando la mecanización de los movimientos son un hecho, podremos notar de que al ejecutar un determinado paso en la danza, hemos estado realizando múltiples actividades al mismo tiempo sin siquiera haberlas pensado. Ausente esa mecanización, cualquier paso del ballet podría pasar a tener una dificultad extremadamente alta. ¿Qué ventajas y desventajas puede traer lo anterior? Además, ¿Qué características tiene la técnica de la danza clásica? Citamos a una experta en el tema.

Estudiantes de segundo año de la Academia Vagánova
Foto por Ekaterina Kratsova. Imagen extraída de: www.vaganovaacademy.com

Madre de todas las danzas

Seguramente muy pocos se animen a contradecir que el ballet es una de las danzas más difíciles. Y no es por exagerar. Por ejemplo, ya desde un simple Tendú (paso primordial del ballet), se puede apreciar una parte de toda la dificultad que esta danza engloba.
Ciertamente muchos de los bailarines que tienen ya algunos meses de experiencia, habrán repetido este paso unas cuantas veces, por lo que terminaron de mecanizar aquel movimiento. En la medida en que esa automatización cobró vida, sin lugar a dudas la dificultad disminuyó. Pero previa a esa asimilación o incorporación que llevó a aprender el paso de memoria, los danzarines tuvieron que procesar mucha información.

Toda esta información tuvieron que aplicar al mismo tiempo:

- Deslizar el pie al ras del suelo, rotando la pierna.

- Mantener las caderas niveladas.

- No “sentarse” sobre la pierna de base.

- Mantenerse bien erguido.

- Respetar los ports de bras correspondientes (que implica también saber a dónde girar la cabeza).

Al principio todo lo anterior pudo haber resultado algo engorroso para un recién iniciado, aunque sabemos que una vez bien aprendido e incorporado dejará de serlo. Esto puede llevar a la siguiente afirmación: ¡que excelente capacidad que tiene nuestro cerebro! Termina por encapsular gran parte de la dificultad que puede suponer la ejecución de un determinado paso y con esto también hace posible la realización de largos encadenamientos. De hecho, podría decirse que permite un progreso gradual en lo técnico, haciendo que ya no se necesite pensar como antes el cómo realizar un determinado paso, sino que más bien "salga solo".
Quizás una de las problemáticas que esta mecanización puede traer, sea que a la hora de corregir malos hábitos productos de un mal aprendizaje, es muy probable que el nuevo maestro deba marcarle al alumno varias veces el mismo error hasta que finalmente deje de cometerlo.

La técnica clásica

Lo importante es que siempre se respete la técnica de los pasos en su totalidad.
En primer lugar, porque estamos en la danza clásica, donde como bien decía Cristina Reale la técnica es una sola:

“...siempre se parte de la primicia de que la técnica de la danza clásica es única y universal. Otras danzas permiten improvisación. Pero la técnica de la danza clásica es ‘dos más dos siempre es cuatro’. Lo que pasa es que nunca el bailarín obtiene un cuatro. Coreográficamente se permiten un montón de cosas. Pero la técnica es una.”.

Escapar de la técnica omitiendo partes de la misma (cualquiera sea el paso que se trate), es estar violando la normativa que hace al ballet. Por lo tanto, nunca jamás hay que hacerlo. Debemos tratar de llegar lo más cercano al “cuatro” posible, como comentó Reale para PDB.
Y en segundo lugar no es más que una cuestión lógica. ¿Cuál es el resultado del incumplimiento del primer punto? La técnica mal aplicada, no hace más que ver la ejecución del movimiento de una manera antiestética.Y si hay un calificativo que no puede acompañar nunca al ballet fue aquel último mencionado en la oración anterior.

- Próximamente "Espacio Didáctico" en Pasión del Ballet. Aprende a bailar con tips a tener en cuenta a la hora de ejecutar los pasos y conociendo cuáles son los errores más frecuentes. Más información en "Novedades y contacto".

El hombre en el ballet

2012-06-05T20:03:00.000-03:00

Sinopsis:

Una excelente mirada desde el psicoanálisis sobre los prejuicios que acompañan a la presencia masculina en el ballet. Además, ¿qué hacer cuando nuestra familia está en contra de que realicemos esta actividad? El licenciado en psicología de la Universidad de Buenos Aires, Federico Bosch, nos da las respuestas.

Julio Bocca
Imagen extraída de: www.sentidog.com

Bailarín de la Academia Vagánova
Imagen extraída de: www.vaganovaacademy.com

Nos gustaría saber su opinión sobre la forma en que se juzga el papel del hombre en el ballet y los prejuicios que existen sobre eso y su sexualidad.

Antes que nada uno podría decir que para el psicoanálisis, tanto la realidad como el cuerpo es una construcción, no es algo dado, hay que partir de ahí yo creo para entender todo lo otro. Existe un imaginario social, esto lo podríamos definir como que existe una representación compartida por gran parte de la sociedad que asocia la danza y más precisamente la clásica con lo femenino (por el cuidado del cuerpo, por el situarse como objeto de la mirada del otro, por la precisión y la gracia de los movimientos, etc.). Esto es una construcción social que se ha gestado por siglos, así como se ha construido también la representación de lo masculino y lo femenino. Por lo tanto hay ciertos estereotipos “congelados” de lo que deben hacer los hombres y lo que deben hacer las mujeres, por ejemplo: “Las niñas juegan a las muñecas y los niños a la pelota”. Hoy en día es cada vez más común que las mujeres se dediquen a practicar futbol. ¿Hay algo malo en esto? ¿Las mujeres dejan de ser mujeres porque practican futbol? No. ¿Es algo malo que los hombres se dediquen a la danza? Para nada, sólo tiene que ver con las representaciones sociales y los prejuicios, pero como los prejuicios no son naturales se pueden modificar. Eso es lo bueno de la realidad humana.

Vamos a plantear un caso hipotético de un niño o adolescente que quiere empezar ballet. ¿Qué le recomendaría a éste que haga si sus padres no le permiten realizar la actividad?

Es una situación compleja y que no tiene una respuesta única, porque existen tantas singularidades familiares como familias existen. Te diría que la única forma es hablando, como le salga a uno expresar su deseo, creo que si ese deseo surge en un niño no es fortuito, algo de su ambiente o de lo que percibe ocasiona que surja y uno tiene que intentar ser valiente y plantearlo. Hoy en día es mucho más fácil que antes, se puede esperar más voluntad de escuchar de parte de los padres. Seguramente has visto la película Billy Elliot, ahí se plantea un caso paradigmático de lo que estamos hablando, un caso extremo ya que no solo surge el deseo en un niño sino que este niño es de clase baja. Uno puede decir ¿Qué tiene que ver la clase social a la que pertenezca? Pero bueno, tiene que ver, porque según la clase social el imaginario social y la realidad de los padres cambia, complica las cosas nacer en un barrio obrero en que los deportes de pertenencia son el futbol y el boxeo; y el destino laboral es solo uno: ser minero. Pero podemos decir que la película nos deja un mensaje muy claro de que cuando el deseo es fuerte esos prejuicios se pueden superar. Esto no quiere decir que no debería ser más fácil o que sería deseable que así lo sea. La mejor manera de cambiar la forma en que ven tus padres tu elección es demostrar que es algo que te apasiona, que te hace feliz y que lo tomas en serio. Otro aspecto clave es intentar comunicarles, buscar la manera de que entiendan lo importante que es para uno. No hay caminos fáciles en esto. Tal vez sea un poco sencillo lo que digo, pero el que elige el arte del ballet no busca algo fácil.

Sobre el autor, Federico Bosch

Federico Bosch es psicólogo, se recibió en la Universidad de Buenos Aires, tiene 35 años, trabaja como psicoanalista de adolescentes y adultos. Además es perito forense y psicólogo laboral. Para más información podes visitar su web; www.consultoriobosch.com.ar.

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿has contado con el apoyo de tus padres para bailar ballet? ¿Has sido tratado de homosexual y/o desacreditado como persona por ello? ¿cómo has hecho para esquivar esos obstáculos y seguir danzando?

Premio Ana Botafogo de Danza

2012-06-05T15:58:00.002-03:00

Oswaldo Montenegro Producciones Artísticas establece concurso abierto al público, a través del cual premiará con R$ 30.000,00 las mejores performances de danza:
R$ 10.000,00 (diez mil reales): mejor performance de grupo
R$ 5.000,00 (cinco mil reales): mejor performance individual
R$ 10.000,00 (diez mil reales): performance de grupo con más accesos en Youtube
R$ 5.000,00 (cinco mil reales): performance individual con más accesos en Youtube

Sobre el sorteo

El concurso fue creado por el reconocido cantante y compositor brasileño, Oswaldo Montenegro, como un homenaje a Ana Botafogo, el principal nombre de la danza en Brasil.

Los interesados deberán enviar sus performances filmados (en cualquier tipo de equipamiento) y utilizar como banda sonora músicas del CD "De Pasaje", de Oswaldo Montenegro.

El candidato puede competir con cuantas performances quiera, siendo sólo una canción por performance. Todos los estilos de danza y todas las edades están invitadas a participar.

El pago de la premiación y la organización del concurso son de responsabilidad exclusiva de Oswaldo Montenegro Producciones Artísticas (www.oswaldomontenegro.com.br)

Consulte el reglamento:
www.oswaldomontenegro.com.br/concurso/esp/index.php

Datos:

1. No se juzgará la calidad técnica del vídeo.

2. Bailarines de cualquier país pueden participar.

Sobre Ana Botafogo - Símbolo de excelencia y calidad.

Al celebrar 35 años de carrera (30 como Primera Bailarina del Teatro Municipal de Rio de Janeiro/Brasil), Ana Botafogo ya bailó en importantes Compañías de Ballet como la Saddler's Wells Royal Ballet (Inglaterra), Ballet Nacional de Cuba (Cuba), Ballet del Opera di Roma (Italia)...además de haber participado de diversos festivales como: Lausanne (Suiza), Venecia (Italia), La Habana (Cuba) y en la Gala Iberoamericana de La Danza, en Madrid (España).

Entre sus partners internacionales están los más expresivos nombres de la danza mundial.

Entre los muchos títulos que recibió: El Ministro de Cultura de la República Francesa la nombró en 1997 ''Chevalier Dans L'Ordre des Arts et des Lettres'' y en 1999, el Ministerio de Cultura de Brasil le otorgóel Trofeo Mambembe relativo al año de 1998, por el reconocimiento al conjunto del trabajo y difusión de la danza en todo el territorio nacional.

Invita...

Método Vagánova

2012-04-22T23:41:00.001-03:00

Sinopsis:

Una recorrida en el tiempo desde la primera aparición del ballet ruso en la Argentina, hasta la implementación del conocido método que lleva el nombre del título de este artículo.

Dónde se lo enseña, cuáles son sus beneficios; estos son algunos de los temas entre otros que son tratados en esta nota por la profesora de ballet Nora Ponce, egresada del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Marianela Nuñez, 1ra. bailarina del Royal Ballet
© Fotógrafo: Adrián Sack

Bailarín de la Academia Vagánova
Imagen extraída de: www.vaganovaacademy.com

Bailar más natural

La Danza Clásica es un arte que requiere técnica y tiene cierta dificultad; pero con un método que tenga pautas claras y además que funcione en el mundo entero, la técnica es más orgánica y se adapta al cuerpo de cada bailarín, sea profesional o amateur.

¿Dónde se enseña el Método Vagánova?

El Método Vagánova se enseña actualmente en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y en la Escuela de Danzas y el IUNA lo utilizan algunos profesores.

Principios del Método en Argentina

En Argentina se vio Ballet Ruso por primera vez en 1942, con los Ballets Rusos del Coronel de Basil y con ellos las estrellas: Vaslav Nijinsky y Anna Pavlova. Algunos bailarines se radicaron en Buenos Aires, dando comienzo a la primera Escuela de Técnica Rusa de Ballet en Argentina. Entre esos bailarines se encontraban Tamara Grigorieva y Bronislava Nijiska, que fueron bailarinas del Teatro Colón y maestras. Discípulo de estas maestras fue el maestro Rodolfo Fontán, un propulsor de este método en Argentina.

Método Vagánova en el Colón

Siguiendo con esta tradición, la maestra Mabel Silvera, anterior regente del ISA del Teatro Colón, formó bailarines de 1º a 8º año siguiendo el Método Vagánova. Así se formaron: Marianela Nuñez (1a.bailarina del Royal Ballet); Ludmila Pagliero (etoile de la Opera de París) y tantos bailarines que son figuras de compañías internacionales.

Importancia de formarse con un Método

Lo anterior acredita que un método da resultados cuando se estudia en todo el período de formación, así se avanza con la técnica. Luego perfeccionarse en otras escuelas de ballet enriquece la manera de bailar. Y lo más importante, el ámbito de estudio debe ser armónico, siempre incentivando al alumno para fortalecer su autoestima y estimular la interpretación en la danza.

Prof. Nora Ponce

Sobre la autora, Nora Ponce

Nora Ponce es profesora de ballet y directora en la escuela Casa de Rusia, ubicada dentro de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. Discípula del maestro Rodolfo Fontán en Método Vagánova. Participante del Curso para maestros dictado por la regente Mabel Silvera en el ISA Teatro Colón: "Análisis de programas y Metodología del Método Vagánova de 1º a 8º año". A fin de acercar la danza a todos, actualmente invita a los interesados a tomar una clase de prueba en forma gratuita. Teniendo esta posibilidad y en manos de una profesora de su experiencia, es una oportunidad para los que quieren iniciarse en la danza que no deberían dejar pasar.

Visita www.casaderusia.org/ar/ballet.php o Escuelas de Ballet para encontrar información de contacto.

- PDB agradece a Nora Ponce por su participación en el sitio.

- Pasión del Ballet presentará en la próxima publicación, un artículo sobre el hombre en el ballet. El mismo será el resultado de un trabajo en equipo entre PDB, una profesora de danza y un psicólogo.

Anécdotas bailadas

2012-04-17T23:44:00.001-03:00

Sinopsis:

Un bailarín... muchas historias

Objetivos claros, objetivos definidos. En todos ellos la danza nunca deja de ser protagonista. Cuando esta pasa a formar parte de la vida del individuo, distintos episodios transcurren a la par. PDB presenta una selección de tres relatos de bailarines. Siendo alguno más memorable que otro, el contarlos y compartirlos pueden desde sacarnos una buena sonrisa y carcajada, hasta reflexionar sobre la importancia de la perseverancia y cómo esta es determinante en el éxito del danzante.

Los tres mejores relatos:
1. "La clave: perseverancia" - Por Ana Rosado Bargas - Anécdota Destacada.
2. "Un 'oso' que no se olvida :D" - Por Mariana Sánchez.
3. "Sorteando obstáculos para alcanzar el objetivo" - Por Lizeth Garza.
Relato adicional: "Un relato que sólo si eres bailarín puedes entenderlo"
"¡Volando en el escenario!" - Por Lara Gines.

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Relato adicional: "Un relato que sólo si eres bailarín puedes entenderlo"

"¡Volando en el escenario!"

"En verdad mi anecdota no tiene gran magia pero para mi fue muy linda. Hace un año que empece a bailar ballet y a fin de año sería la muestra anual. Al principio me emocioné y comencé a practicar tanto como podía los pasos. Cuando entre al teatro estaba super nerviosa, sentía que mi corazón latía y latía sin parar. No recuerdo como salieron los pasos pero sentía que volaba y estaba sola en el escenario. Lo mas gratificante fue al final el aplauso que me lleno de dicha."

Lara Gines, Buenos Aires, Argentina.

Los tres mejores relatos

3. "Sorteando obstáculos para alcanzar el objetivo"

"Creo que si una mañana despiertas decidida a cumplir tus sueños, lo primero que quieres hacer es volar hacia ellos, pero ¿qué si no puedes? ¿Qué si la enfermedad te tiene tirada en la cama? No puedes bailar, no puedes elevarte y girar por los cielos. Tenía quince años, todos se burlaban de mí cuando les decía que quería ser bailarina. ¿Crees que eso me animaba? No lo hacía, pero tenía la fuerza para salir adelante. Y lo hice. Logre girar y elevarme por los aires. Soñar en lo imposible. Suficiente para hacerlo realidad."

Lizeth Garza, Nuevo León, México.

2. "Un 'oso' que no se olvida :D"

"Siempre he tenido miopía, sin embargo nunca tan grave como para que me afectara en mi desempeño dancístico... hasta aquel día en la compañía, con aquella coreografía que se hacía con cámara negra (cuando el telón de fondo es negro). En unos giros me desorienté y terminé de espaldas al público, como no veía nada seguí bailando así jaja! Recuerdo que mis compañeros desde bambalinas me hacían señas pero no les entendía, hasta que di una media vuelta y el resto de los que estaban bailando estuvieron a punto de atropellarme, corregí rápido y me incorporé de nuevo al grupo. Fueron como 4 ochos los que estuve bailando de espaldas. Afortunadamente la directora no se dio cuenta porque me hubiera tocado una regañiza buena, y después en camerinos todos estábamos doblándonos de la risa jaja!"

Mariana Sánchez, Estado de México, México.

Anécdota Destacada

1. "La clave: perseverancia"

"Cuando era pequeña, no tenía muchas condiciones para el ballet. Sólo tenía elasticidad, pero a los 10 años me salí un año y cuando regrese había perdido muchas condiciones. Anteriormente había sido seleccionada para las nacionales pero mis papas no contaron con los recursos, pero cuando regrese di lo mejor de mí me esforcé al máximo, logré más condiciones y hace un año (a mis 14 años) fui seleccionada de nuevo y 2 meses antes del concurso me esguincé mi tobillo. Estaba totalmente deprimida pero vi mis videos de mis bailes y los practicaba en mi mente, asistí a rehabilitación y unas semanas antes del concurso regrese a ballet y como no estaba empezando a recuperarme terminaron de ponerme mi baile un día antes de que empezara la semana del concurso nacional y el mismo día me pare en las puntas después de no ponérmelas en un mes y di lo mejor de mí, lo disfrute al máximo, participe con buenas coreografías de kitri, esmeralda y tango y al final valió la pena todo mi esfuerzo, quedando en 3er lugar del 10 concurso nacional :D. Actualmente a mis 15 años sigo esforzándome en el ballet y espero llegar a ser una gran bailarina."

Ana Rosado Bargas, Yucatán, México.

Pasión del Ballet felicita a la autora de la anécdota destacada por ser la...

¡Ganadora del vídeo documental original "Paloma Herrera, Aquí y Ahora"

+ un gran póster de la estrella de 70 x 100cm!

- PDB agradece a todos los que participaron para formar parte de este artículo. ¡Esperamos volver a contar a futuro con todos ustedes nuevamente! :)
Si quieres leer más anécdotas de bailarines, te recomendamos el artículo "Salir al escenario".

- ¡Muy pronto, este mes, una publicación especial para PDB sobre el método Vagánova, escrito por la profesora de ballet, Nora Ponce.

(Nora Ponce es directora de ballet en la escuela Casa de Rusia, discípula del maestro Rodolfo Fontán en Método Vagánova, participante del Curso para maestros dictado por la regente Mabel Silvera en el ISA Teatro Colón: "Análisis de programas y Metodología del Método Vagánova de 1º a 8º año")

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿tienes una anécdota para contarnos?

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Entrevista a Silvina Perillo

2012-02-16T18:21:00.001-03:00

Si repasamos la cantidad de reconocimientos que recibió la actual Primera Bailarina del Teatro Colón, Silvina Perillo, no se hace más que evidente que se está en presencia de alguien interesante.

Algo queda claro: no estamos ante casualidades, ni cualquier tipo de hechos fortuitos que llevaron a tales logros, pero si más bien a lo que quizás con palabras pudiera sonar fácil; el calco de las virtudes de su manera de ser (muy trabajadora, decidida, segura de si misma), en algo que no deja de apasionarle… la danza.

"Silvina Perillo, ejemplo de pasión - La entrevista"

© Fotógrafo: M.Parpagnoli.
"Soy muy segura y decidida"
-Silvina Perillo-

1) ¿De qué manera definiría su personalidad y hasta qué punto cree que esta influyó para llegar a donde se encuentra ahora? ¿Qué lugar ocuparía en su trayectoria profesional el maestro Wasil Tupin?

Es difícil autodefinir mi personalidad; tengo carácter muy fuerte, soy muy alegre, nací bajo el signo de Cáncer pero tengo muchas características del signo Leo. Soy muy decidida y segura… y creo que esto influyó en mi carrera. Mi maestro Tupin me dio todo, a él le debo todo lo que soy hoy, junto con su esposa (Mercedes Serrano) me dieron una base muy sólida, una técnica muy segura y gracias a ellos hoy puedo bailar como hace 20 años atrás. Aunque él no este en este mundo, yo lo tengo presente en todas mis funciones. Te podrás imaginar que lugar ocupa Tupin en mi trayectoria profesional y personal porque también me educó la mente, para estar donde estoy.

2) ¿Cómo es un típico día en la vida de Silvina Perillo? ¿Cuál es su rutina? Apartando la danza por un momento: ¿Que hobbys u otras actividades son de su encanto?

Me levanto a las 8:30hs, tomo mate y salgo para la clase y ensayo con el Ballet del Colón. Llego a mi casa a las 18hs, tomo mate con mi esposo, luego de la cena vemos una película y trato de acostarme no muy tarde. Me gusta mucho la música, soy fanática de SANDRO!!! Escucho Maná, Charles Aznavour, etc....adoro no hacer nada en mi casa cuando puedo y me gusta manejar mi auto escuchando la radio o música, trato de descansar bastante ya que me gusta mucho dormir.

© Fotógrafo: M.Parpagnoli.
"Bailar es un placer y no un sacrificio"
-Silvina Perillo-

3) No podemos dejar de lado la versión del ABT del Corsario en el Teatro Colón, del cual fue partícipe hace un par de meses y en donde se destacó reluciendo una excelente técnica y expresividad interpretando a Gulnara. ¿Qué le dejó esa obra? ¿Y qué significó la presencia de Paloma Herrera en el Colón?

Hace unos 10 años también bailé el rol de Gulnare en la versión completa de Corsario del Kirov en el Colón. En esa oportunidad habían venido Farukh Ruzimatov con Svetlana Saharova, así que yo ya tenía una idea de como es el rol. La versión del ABT tiene menos danzas de cuerpo de baile y la Gulnare tiene más intervenciones, la versión es más graciosa, y tuve la oportunidad de ensayar con la coreógrafa Anna Marie Holmes, una persona encantadora con mucha sabiduría. Eso me dejó esta versión además de estar de nuevo en ese escenario mágico. La presencia de Paloma significa que las entradas se agoten enseguida, cada vez que ella baila con nosotros hay que reservarlas con tiempo.

4) ¿Podría contarnos alguna anécdota del ambiente que le haya tocado vivir durante su carrera?

Tengo muchas anécdotas en mi carrera, pero te voy a contar una que es inolvidable y fui la envidia de mucha gente. Hace unos años atrás, bajo a la sala rotonda para hacer la clase como todos los días, y encuentro en el lugar que me pongo siempre en la barra a ¡¡¡Mikhail Baryshnikov!!! Y en ese lugar entraban sólo dos personas, así que estuve haciendo la clase compartiendo risas y miradas con él de complicidad, porque se copiaba los pasos ya que no se aprendía ninguno, jaja.

5) Por último: ¿Qué mensaje le dejaría a aquellos bailarines que aspiran a convertirse en profesionales de la danza clásica?

El mensaje que dejaría a los futuros bailarines es hacer clases diarias y tratar de mejorar cada día, teniendo siempre presente que bailar es un placer y no un sacrificio.
_________________________________________________________________________________________

"De esta forma finalizamos la entrevista. Queremos agradecer a Silvina Perillo por haber participado en PDB y sobre todo, por su inmediata disposición con nosotros, cuando la idea de la entrevista existía solamente como proyecto.

Esta exposición de sus palabras nos hizo conocerla bastante, al compartir con nosotros sus opiniones, puntos de vista, anécdotas y mucho más referido al ballet. Realmente estamos muy contentos por ello.

Aunque hay algo en lo que podemos estar de acuerdo todos. Quizás esta entrevista por escrito no se acerque siquiera al grandioso momento que debe significar estar en persona con ella, teniéndola al frente contándonos sus experiencias, los momentos emocionantes de su carrera o incluso, todo lo que nos contó por aquí. Aun así, suponemos que quienes la hayan visto bailar, después de leer sus palabras podrán darse una idea y recrear ese "acercamiento" como si ella estuviera en frente suyos contándoles todo."

¡Sinceramente, muchas gracias Silvina Perillo!

Algunos de sus logros:

Ganadora de la medalla de oro en el primer Certamen Latinoamericano de Buenos Aires.
Galardonada con medalla de bronce en el Concurso Internacional de Nueva York (1990).
Fue galardonada con el Premio María Ruanova, otorgado por el Consejo Argentino de la Danza.

¡Nos despedimos hasta la próxima publicación! - PDB

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Cuál fue la parte que más te gustó de la entrevista?

Ejercicios y tips para mejorar la flexibilidad

2012-01-08T00:39:00.000-03:00

“Los huesos son demasiado rígidos para doblarse sin sufrir daño. Por fortuna existen las articulaciones, que mantienen unidos a los huesos independientes mediante un tejido conectivo flexible”. Principios de Anatomía y Fisiología, sexta edición, pág 240, Gerard J. Tortora y Nicholas P. Anagnostakos

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Sinopsis:

Su práctica pasa por una necesidad para algunos, pero para otros aun es una materia pendiente. Lo cierto es que el tema de flexibilidad, es uno de los más buscados en la Web y ese dato, puede no resultar llamativo si se tiene en cuenta que es un común denominador en múltiples actividades físicas.

Siguiendo con la línea de esta página, sabemos que la flexibilidad es fundamental dentro del ballet, siendo una pieza clave a la que jamás se le debe restar importancia. Vamos a profundizar en ella y ver por qué es tan importante para nosotros. Además, repasaremos algunos tips o trucos que nos servirán para mejorar nuestra flexibilidad aun más con Florencia Natalia Carrasco, quien participará con nosotros aportando su experiencia como bailarina clásica e Instructora de Pilates.

Índice

1. ¿Qué es la flexibilidad?
2. Resultados de estudios realizados sobre la flexibilidad
3. Opinión de la bailarina e Instructora de Pilates, Florencia Carrasco
4. ¿Cómo mejorar la flexibilidad?
4.1 Vídeo: Ejercicios para mejorar y obtener flexibilidad
4.2 Vídeo: Gimnasia: ¿Cómo mejorar la flexibilidad?
4.3 Sitios web de interés

1. ¿Qué es la flexibilidad?

La flexibilidad es la capacidad que tiene el cuerpo de desplazar los segmentos óseos, que forman parte de la articulación. Un mayor radio de acción de la articulación, implica una mayor capacidad de flexibilidad.

Con el correr de los años, aquella capacidad se va reduciendo naturalmente si no se la entrena. Según Grosser y Müller, el proceso de involución comienza después de los doce años de edad.

Mujeres en ventaja

Un dato particular es que las mujeres, probablemente favorecidas por su anatomía, disponen de una mayor flexibilidad que los hombres. Algunos estudios realizados en adolescentes, sugirieron que aquella diferencia entre la mujer y el hombre, puede ser debida al incremento muscular en este último durante la etapa de crecimiento (aseguran Bale P, Mayhew J.L, Piper F.C, Ball T.E y Willman M.K)

Sin embargo, es sabido que el ejercicio constante y continuado, tanto en hombres como en mujeres y de cualquier edad, aporta consecuentes beneficios en la capacidad de flexibilidad incrementándola en forma evidente. Asimismo, una ausencia prolongada de entrenamiento, por supuesto repercutirá negativamente a las capacidades del individuo independientemente del sexo.

2. Resultados de estudios realizados sobre la flexibilidad

Varios profesionales calificados han realizado numerosas investigaciones, a fin de vislumbrar correctamente esta aptitud física.

¿Cómo medimos la flexibilidad?

En principio hubo polémicas cuando se extendió excesivamente el sistema de medición “Sit and Reach” (sentarse y alcanzar) de Wells K y Dillon E, cuando mayormente quienes lo usaban, consideraban sus resultados como medición general a la flexibilidad del individuo. Esto ocurría incluso aun cuando los mismos creadores del sistema, advertían que sólo servía para la espalda y los isquiotibiales.

Tal es así que lo anterior motivó a Allen W. Jackson y Alice A. Baker, a manifestar su preocupación al ver que Sit and Reach fue usado en importantes tests de salud y tests de forma física, a modo de medición global de flexibilidad.

Joven utilizando Sit and Reach
Imagen extraída de: www.stjude.org

Hoy en día existen varios tests de medición, incluso una versión modificada del famoso sistema de Wells y Dillon y también otros como el Test de Flop (prueba de puente), Test de Ely (prueba de cuadriceps) y muchos más. En la web efdeportes.com encontrarás diferentes tests con sus respectivas imágenes. Ir al artículo en EfDeportes

Básicamente, el sistema propone a una persona sentada en el suelo con sus piernas juntas y extendidas y con la planta de sus pies apoyada sobre una caja de medición. Posteriormente, accede a estirar sus brazos y manos al tiempo que flexiona el torso adelante.

Particularidades

Hay muchos condicionantes a la capacidad de flexibilidad que se estudian. El doctor Cheryl Lynne Hubley-Kozey reconoce los siguientes:

Capacidad de músculos y tendones para estirarse.
Limitaciones físicas de las articulaciones.
El sexo del individuo.
Su edad.
Su nivel de crecimiento.
Si realiza actividad física.
Tipo de entrenamiento que ejecuta.

Las mujeres son más flexibles que los hombres.
Quienes practican de joven actividad física disponen de mayor flexibilidad sobre aquellos que no lo hacen.
Alivia dolores musculares.
Un bajo nivel de flexibilidad, predispone un mayor riesgo de lesión.
Luego de los 12 años de edad, comienza un marcado período involutivo en la capacidad de flexibilidad.
Todos pueden realizar ejercicios de flexibilidad con las debidas precauciones.
Mejora el rendimiento en actividades físicas.

3. Opinión de la bailarina e instructora de Pilates, Florencia Carrasco

Hola a todos, mi nombre es Florencia Carrasco, soy bailarina clásica y también instructora de Pilates en Buenos Aires, Argentina. Acompáñenme a repasar y dejar en claro algunos conceptos.

La capacidad de flexibilidad se puede trabajar mediante ejercicios de elongación para lograr incrementarla. La elongación en el cuerpo humano es muy importante tanto para el bailarín, el gimnasta, el atleta o el oficinista. Nos hace sentir sin límites, libres y blandos.

Un cuerpo sano es un cuerpo con elongación. Gran parte de los problemas posturales tienen que ver con este tema, por eso no debemos dejarlo de lado.

Además de elongar por estas razones, también debemos hacerlo luego de cualquier trabajo aeróbico. Esto es porque al hacerlo, distendemos el ácido láctico que se acumula con la actividad física y así prevenimos calambres, dolores y acortamientos.

4. ¿Cómo mejorar la flexibilidad?

Lo anterior fueron definiciones teóricas, pero para mucha gente la flexibilidad es poder llegar a atarse los cordones cómodamente, o poder rascarse la espalda sin mayores problemas.

En cambio para los bailarines la elongación es poder hacer un Grand Jeté, un vistoso Arabesque o un Souplesse.

©b Arabesque

Tips

-Paciencia: Elongar lleva tiempo y apurar las cosas nunca tiene un buen resultado, es muy probable que termine en lesiones.

-Escuchar nuestro cuerpo, para reconocer el límite. El docente puede exigir mucho en la clase, pero el alumno es el único que puede realmente saber hasta dónde puede ir su propio cuerpo.

-Elongar duele; la clase no es tan sufrida una vez que logremos asumir eso. Así es la vida… lo que nos duele elongando, es lo que no nos va a doler en otros momentos.

-Relajar: mientras más nos duele, más tensos nos ponemos y menos elongamos. Hay que aprender a relajar y pensar en otra cosa. Con el tiempo aprendemos a disfrutar de ese dolor.

-No rebotar: cuando rebotamos elongando, el músculo se contrae y distiende continuamente, lo cual muchas veces hace que el cuerpo no entienda completamente qué es lo que queremos hacer y por eso se lesiona.

-Constancia: hay que elongar seguido para notar una diferencia cualitativa.

-Aprovechar los días de humedad: son los mejores para elongar y en los cuales hay menores riesgos de lesiones.

• Por Florencia Carrasco

Si quieres conocer más de Florencia Carrasco, por favor, visita su web en www.facebook.com/clasesdanza.florcarrasco:

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Los vídeos más destacados y webs de interés

Bien, ahora que conoces a fondo qué es la flexibilidad y que además, ya has aprendido con Florencia algunos tips, es hora de poner la teoría en práctica. A continuación, Pasión del Ballet te recomienda un par de vídeos y una serie de páginas web en relación al tema.

4.1 Ejercicios para mejorar y obtener flexibilidad (Con subtítulos en español)

Uno de los vídeos más vistos, donde se muestran diferentes ejercicios con el único propósito que expresa el título. Cada ejercicio es detalladamente explicado, sumándose también consejos por parte de la propia autora original. Ver consideraciones.

4.2 Gimnastas: ¿Cómo mejorar la flexibilidad?

Expert Village nos trae un vídeo más simplificado que el anterior, pero no por ello menos interesante. Acompañado de una extensa explicación, nos muestra como el uso de la técnica de Over-Split (una sobre-apertura frontal), tiene resultados positivos inmediatos sobre la capacidad de flexibilidad. Ver consideraciones.

Consideraciones: Mantener posturas durante al menos 10 segundos. Respetar los límites del cuerpo. Seguir los consejos/tips de la instructora Florencia Carrasco.
Instrucciones para habilitar los subtítulos en español de los vídeos:
Sea el primer o segundo vídeo, comenzar su reproducción y luego hacer clic en el botón "CC" para habilitarlo (debe ponerse en color rojo)
Para el vídeo 4.1, seleccionar "Español (México)".
Para el vídeo 4.2, hacer clic en "Traducir subtítulos", luego seleccionar de la lista el idioma español y terminar con un clic en el botón "Aceptar".

4.3 Sitios web de interés
1.
Nombre: Ejercicios de estiramiento - (www.sportsinjuryclinic.net)
Descripción: Página muy completa con imágenes de los diferentes tipos de ejercicios.
2.
Nombre: Foro de Danza Clásica - (grupos.emagister.com)
Descripción: Importante información en debates de flexibilidad en foro de Emagister.

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Conoces algún truco para ejercitar la flexibilidad? ¿Recomiendas otra página web que nos pueda llegar a interesar?

Logros: 01/02/13 - Publicación elegida como "Mejor Artículo del 2012", a través de una encuesta entre los lectores.
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¿Puedo empezar ballet?

2011-12-14T15:06:00.000-03:00

Es muy habitual que una buena parte de adolescentes y adultos interesados por practicar la danza clásica, se pregunten si es tarde para empezar.

Y un considerable porcentaje, no logra disociar entre las dos posibilidades que naturalmente este ambiente al igual que otros proponen; carrera profesional o hobby.

y cuando menos te lo esperes aparezca!

¿A qué edad debo comenzar ballet si quiero ser un bailarín profesional?

Cuando se habla de la edad recomendada para empezar, se hace alusión a la edad óptima mediante la cual uno puede llegar a tomar la danza clásica como una carrera profesional. El límite es condicionado por un hecho natural: lleva años el tiempo de adaptación que necesita el cuerpo para desarrollar la fuerza, la flexibilidad y la forma física en los huesos y músculos.

Por tal motivo, se sugiere que la edad recomendada es hasta los 12 años para las chicas y hasta los 14 años para los chicos.*

Para el coreógrafo John Clifford, "el ballet es un arte cruel", puesto que obliga a las compañías a tener criterios meticulosos sobre la elección del conjunto de bailarines, considerando entre ellos sus condiciones físicas y la edad que tienen.**

Pero aun siendo mayor de esa edad, no quiere decir que tengas prohibido empezar o que debas cambiar tú aspiración de profesional a hobby. Lo mejor va a ser siempre que pruebes, que tomes la danza con dedicación y perseveres, al fin y al cabo, se trata de algo que te apasiona.

“No quiero ser bailarín profesional… ¿Aun así debo tener en cuenta mi edad?”

La respuesta es no. Para este caso, el factor edad como condicionante para la carrera profesional deja de existir, ya que nos abocamos a la realización del ballet únicamente como hobby. Por lo tanto, no debes considerar nunca la limitación de edad. Es como si te preguntaras si no eres demasiado grande para jugar un partido de Volley u otro deporte con tus amigos. ¡Puedes hacerlo a cualquier edad! Busca estudios/escuelas que enseñen danza clásica para jóvenes/adultos. En ellos podrás encontrarte con bailarines de todas las edades. Ten en cuenta que bailar ballet clásico es para todos; navegando por foros de danza, no será tan difícil que encuentres comentarios de interesados que dudan hacerlo porque consideran que es tarde. Dudan de empezar ballet, por lo tanto no lo hacen y muchos de ellos, ni siquiera se refieren a empezar ballet como carrera profesional. Ese es un grave error. Ahora supongo que ya entiendes por qué.

Conclusión:

Siempre puedes empezar.

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!!

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* Recomendación del Birmingham Royal Ballet en libro Ballet Primeros Pasos, editorial La Isla.

** La declaración completa de John Clifford fue publicada en La Jornada, el día 01/08/08.

Salir al escenario - Cuestionario

2011-11-17T21:41:00.000-03:00

Sinopsis:

Ofreciendo una reflexión de lo que significa el ser partícipes de un espectáculo, vamos más allá en el tema profundizando en el miedo o nervios que quizás se nos pueden presentar y cómo estos alguna vez intervinieron para jugarnos una mala pasada. ¿Caídas? ¿Pérdidas de memoria de la coreografía? Lee los comentarios de los bailarines que se animaron a contestar el cuestionario y anímate a hacerlo tu también.

Índice
1. ¿Qué representa estar en el escenario?
2. Cuestionario

1. ¿Qué representa estar en el escenario?
Cuando hablamos de salir al escenario, podemos en parte referir tal acción, como la justificación del trabajo previamente realizado al día del espectáculo. Más allá de la alegría y ansias que nos puede producir llegar a ese día, no sería extraño que algunos lo consideren un reto. En defensa a tal afirmación, se puede decir que de forma implícita, el danzar del bailarín puede hacer evidente si el ensayo que recibió fue abundante y de calidad. Y sabemos que esto terminará por condicionar la mirada crítica posterior, la cual puede favorecer como también desfavorecer en su opinión lo hecho del bailarín.

Imagen extraída de: http://www.urbanity.es/

Por eso, en aquel instante en que llega el momento de dar la cara ante el público, uno se da cuenta que no se asemeja a la tranquilidad del estudio donde ensayaba, que la vestimenta que está usando quizás no es tan cómoda como parecía, que le agarro un poco de miedo, etc.

Todo esto puede interferir negativamente en nosotros y sea en ballet o en otra danza, seguro en nuestra carrera habremos tenido tanto buenas como malas pasadas. Así que vamos a tomar en parte, esto de las malas pasadas con un poco de humor también. Total, si cometimos algún “oso”, como dicen en México, estos no dejarán de estar en el pasado. ¡Y gracias a ellos quizás ahora tienes algo divertido para contar!

2. Cuestionario

¡En fin, anímate y responde las preguntas!

1-¿Te pones nervioso antes de salir al escenario y/o ya estando en él? ¿Usas algún truco especial para no estarlo?

2-¿Te ha hecho un chiste, comentario u otra broma un bailarín amigo especial que por poco no te hizo reír mientras se encontraban en pleno show?

3-¿Tu partenaire sudó demasiado a tal punto que preferiste hacer el Arabesque sin ayudarte de su mano?

4-¿Te has olvidado parte de la coreografía mientras bailabas? ¿Supiste improvisar al instante para remediar o tu mente se puso en blanco por al menos un par de segundos?

5-¿Te caíste en pleno show?

6-¿Qué sientes luego de que ha terminado la función?

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Te han ocurrido alguno de estos bloopers? ¿Qué sentimientos pasan por ti antes, durante o después de haber estado en el escenario?
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¿Cómo elegir un buen maestro de danzas?

2011-11-09T15:09:00.000-03:00

Sinopsis:

¿Qué consideraciones hay que tener en cuenta a la hora de iniciarse por primera vez en la danza? ¿Cómo determinar si verdaderamente tenemos un buen profesor que nos está enseñando? Por último, nos da la opinión Mariela Estrábaca, Maestra Nacional de Danzas y egresada del taller de danza del Teatro San Martín.

Índice
1. Un trabajo colectivo
2. A media marcha
3. ¿Cómo evitar los estudios de danza no deseados?
4. ¿Qué tan bien van las cosas por donde estudias? (Cuestionario)
5. Opinión de la Maestra Nacional de Danzas, Mariela Estrábaca

1. Un trabajo colectivo

Es un hecho que naturalmente estemos buscando la perfección en lo que hacemos. Claro que tenemos errores, pero al menos la intención de hacer las cosas lo mejor que podamos siempre está. Quizá es que así sea como el ser humano ha sido concebido para responder al general que se nos presente. A nadie le gusta hacer las cosas mal, a medias, o peor, creer estar yendo por el buen camino, cuando en realidad se está yendo por el inverso.

En danza nos encontramos ante un desafío o prueba con nosotros mismos, que va del evaluar nuestro progreso en el tiempo, para determinar como estamos haciendo las cosas. En base a esas evaluaciones, puede que notemos que nos encontramos en la misma situación que antes, sin cambios aparentes o por lo positivo, que hubo una mejora indiscutible. Para el último caso, es claro que no deja de ser extremadamente condicional a la evaluación, el compromiso asumido por parte del alumno y profesor en conjunto. Es lógico. Como ejemplo, por más voluntad que tenga un maestro con el alumno que carezca de ella, el resultado será igual de insatisfactorio, si nos encontráramos ante el contrario de lo ejemplificado anteriormente. Esto quiere decir que ambos dos deben asumir un compromiso colectivo.

2. A media marcha

Imagen extraída de: www.cordobadanza.blogspot.com

Así como es tan fácil y común toparse con buena o mala gente en nuestro andar diario, también lo va a ser en el ambiente artístico de la danza. Existen muchos estudios de danza que son excelentes, donde se enseña correctamente y uno tranquilamente los puede recomendar sin estar cometiendo un error. Pero lamentablemente también los hay malos, que en estos momentos están perjudicando y afectando el potencial de sus alumnos.

El problema de estos estudios, es que afecta principalmente a los bailarines menos experimentados. Muchos de estos bailarines se inician por primera vez en la danza y por tal motivo, no tienen un marco de referencia respecto de otros estudios para determinar si la clase fue debidamente adecuada. De existir, las falencias pueden ir desde cosas muy básicas pero que no por ello dejan de ser importantes, pasando por la puntualidad del profesor, su modo de organización durante el año o hasta incluso más graves, como malas enseñanzas, o la escasa predisposición para marcar y corregir a un alumno algún paso que realiza incorrectamente.

Y esto es aun peor. Aquel alumno que no es corregido, cree que está haciendo bien su trabajo. Aquel alumno que se le enseñó mal de comienzo, tendrá mayores dificultades a futuro para realizar pasos de niveles más avanzados. Hubo una vez que dije “en el estudio de ‘el’, soy bueno, pero en el de ‘ella’, tengo varios errores”. Quizá a más de uno le haya pasado esto. Digamos que esto de alguna forma nos advierte que hay algunas cosas que no están yendo del todo bien.

3. ¿Cómo evitar los estudios de danza no deseados?

Intenta investigar bien antes de empezar por primera vez danza. Busca en YouTube vídeos de clases para irte poniendo en panorama. Hoy en día, suele usarse mucho Internet para encontrar a los estudios más cercanos. Si te propones empezar el mes que viene, trata de consultar entre tus amigos ahora. Quizás alguno practique clásico y te pueda recomendar algún lugar seguro. Anda a los estudios y charla con el profesor. Por otro lado, un buen consejo es no quedarte de entrada con el primer estudio que hayas elegido. Podes hacer un mes y luego al mes siguiente, probar en otro estudio o pedir clases de prueba. Teniendo, o mejor dicho, conociendo dos o hasta tres estudios, ya estamos hablando de distintos profesores. Tranquilo/a, aun a vagas sabiendas, te vas a dar cuenta muy fácilmente cuál es el mejor maestro si los comparas entre ellos.

Recordá entre otros aspectos, que si “en el estudio de ‘el’, soy bueno, pero en el de ‘ella’, tengo varios errores y me corrigen”, muy probablemente debas reconsiderarte a ‘el’. Por eso, muchas veces es muy recomendable no quedarse con el primer profesor de entrada para siempre sin nunca haber conocido a otros. Por dar un ejemplo bastante cercano a la razón, es como que te compraras la primer computadora que veas en exhibición en un local, sin haber visto que quizá, también habían otros modelos de mayores prestaciones y accesibles. ¡Sino, el/la que pierde sos vos!

4. ¿Qué tan bien van las cosas por donde estudias?

¿Notaste que tu profesor…

- no respeta los horarios y a menudo llega unos minutos más tarde de la hora de comienzo de clases?

- rara vez se acerca para corregirte aun cuando estás seguro que no estás haciendo las cosas bien?

- antepone el ensayo en horas que corresponden a clases?

- pierde la paciencia fácilmente explicando si algo no sale como quiere?

- va adelantado y pretende que hagas cosas que no corresponden a tu nivel?

- a menudo se distrae y comienza a charlar de temas insignificantes a la danza?

- frecuentemente suele hablar mal de sus viejos alumnos o incluso, de algún alumno que faltó a la clase?

- frecuentemente crítica al resto de los profesores de danza?

- les da poco e incompleto trabajo de barra, centro o diagonal?

Si con tu profesor te sucede más de uno de estos ítems, tal vez sea hora que te preguntes si en verdad es lo suficientemente bueno para vos. En algo estamos de acuerdo. Falla el compromiso colectivo y de verdad, tu futuro como buen bailarín pasa a ser incierto.

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5. Opinión de la Maestra Nacional de Danzas, Mariela Estrábaca

En esta publicación opina Mariela Estrábaca, Maestra Nacional de Danzas y egresada del taller de danzas del Teatro San Martín. Si quieres conocer más de ella, por favor, visita su web en www.estudiodanzas.com.ar

Este es un consejo para aquellas personas que desean comenzar a estudiar ballet y se preguntan qué deben tener en cuenta a la hora de elegir un buen docente.

Creo que lo mas importante es observar cuánto el docente ama la disciplina, ya que eso determinará el grado de dedicación que tendrá para enseñarla correctamente y respetar a aquellos que se acercan a bailar de su mano.

Un indicio puede ser que el primer día que lleguen a la escuela, el maestro les pregunte la razón por la que desean bailar, cuáles son sus objetivos y les expliquen las características que tiene su clase. Esto les permitirá saber la manera de trabajo dentro del salón de clase y observar que el docente realmente se preocupará por ustedes.

Otro signo de seriedad es exigir puntualidad, que todo el grupo lo cumpla y que no sea necesaria la descalificación del alumno para realizar correcciones.

Un docente nunca debe perder la paciencia ya que con ella logra excelentes resultados de sus alumnos. Tampoco debe hablar mal de sus colegas ni permitir que sus alumnos lo hagan. Siempre debe tener una palabra de aliento y de contención para todos.

Si estas condiciones son cumplidas por sus docentes, entonces están en buenas manos, porque puede ser que el maestro no tenga más información para darles, pero, si es una persona íntegra y ama la danza, les recomendará qué camino les conviene seguir.

¡Les dejo un fuerte abrazo!

Mariela Estrábaca.

¡Gracias Mariela por participar en el blog y compartir tus palabras con todos!

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Has tenido alguna vez una mala pasada con la elección de un profesor? ¿Qué hechos particularmente te molestaron? (Por respeto, no menciones el nombre del profesor y/o su escuela)
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Copyright: Licencia de atribución. Para reproducir total o parcialmente el contenido de la publicación, deberá citar como fuente la dirección de la presente página web (www.pasiondelballet.com.ar)

La extraña naturaleza del Ballet

2011-05-01T22:20:00.000-03:00

Quizá luego de haber empezado danza clásica, hayas notado que fue mucho más difícil de lo que la imaginabas, que hubo cierta subestimación de tu parte en cuanto a su realización. Y de seguro, no habrás sido el/la único/a. Incluso, para el ojo de un tercero que nunca practicó esta danza, no es extraño que éste siempre reste un alto porcentaje de dificultad en lo que hacen los bailarines. ¿Acaso alguna vez ellos se pusieron a hacer un “en dehors”, o a hacer un balance y mantenerse firmes sin moverse?

No es culpa del espectador el no apreciar al cien por ciento lo difícil del ballet. Acaso puede ser que aquella danza que se supo ganar el respeto de todos los bailarines por su extremada dificultad, sea irónicamente la responsable de demostrar en ciertas ocasiones, lo inverso frente a los ojos de aquel que no la practica. En otras palabras, que el ballet sea percibido con una dificultad muchísimo menor por aquel que lo está viendo.

Los que estamos en esto desde adentro, e incluso también, aquellos fanáticos de esta danza, entendemos y hasta tal vez, apreciamos en forma distinta el gran labor de los bailarines en escena. Comprendemos que el ballet no es una danza fácil y que requiere mucha práctica. Sabemos que el bailarín que está levantando a su partenaire con una gran destreza, en realidad, se pasó horas y horas ensayando para que el público jamás se percatara del esfuerzo que aquella acción implicaba. Por lo cual, podemos llegar a la conclusión de que se pretende demostrar una naturaleza muy distinta e inclusive, rara, es decir, poco común a la que estamos acostumbrados a ver normalmente en el día a día pero siempre dando un resalte al hecho de que para aquellos bailarines en escena, esa naturaleza es normal y que en la misma no cuesta para nada poder realizar cualquier paso que requiera una gran técnica.

Si el ballet se expone lo suficientemente atractivo ante la mirada (ya sea por la espectacular técnica y/o la gracia del conjunto de bailarines) y logra “meternos” a nosotros dentro del mismo o dentro del personaje que se está interpretando, se está logrando en forma mágica hacernos “ingresar” dentro de aquella naturaleza, es decir, dentro de aquel ambiente en donde todo se puede, donde las dificultades no existen.

Tal vez esta conexión que se genera sea la culpable de darnos luego una sensación errónea sobre la realidad en cuanto a la habilidad que se debe tener para poder practicar esta danza. Sería bueno ser críticos dentro y fuera de esa naturaleza que crea el ballet. Por dentro dejándose llevar por la danza y sus increíbles movimientos y por fuera siendo realistas, sabiendo que lo que estamos viendo no es para nada fácil. Que ciertos encadenamientos se vean “fáciles”, no necesariamente significa que en verdad lo sean.

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Te resultó ser la danza clásica más difícil de lo que creías?
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La Danza: Tan adictiva como...

2010-07-12T09:36:00.000-03:00

Pasó mucho tiempo desde la última vez que escribí. Pero hubo un motivo, que no me atrevía a publicarlo justamente en un blog de danza. Sin embargo, luego de pensar me di cuenta que no tenía sentido ocultarlo, ya que quizá el problema por el que estaba pasando, muchos bailarines ya lo habrían tenido. Aunque hoy en día estoy mucho mejor, hace unos días atrás, estaba con la motivación por el piso. No tenía ganas de bailar, de ir a ningún estudio, nada. Lo extraño es que aún así no quería dejar la danza, es decir, por más que especulaba en la posibilidad de hacer otra cosa en mi vida, se me hacía casi imposible pensarlo. Quizá sea una exageración, pero ahora encuentro a la danza como un vicio. Al practicarla, me siento muy bien, vuelvo con grandes ánimos a casa. Y si por algún motivo no asisto a una clase, ese día casi seguramente es un día en el que voy a estar mal, un día en el que no voy a estar de buen humor. Esto es lo que la danza hasta hoy en día se ha transformado para mí. Por más que me encuentre en una etapa en la que mi motivación por la danza haya descendido considerablemente, solo puede hacerme lograr perderme de algunas clases. Pero sé que tarde o temprano, recupero la motivación y nuevamente vuelvo a dar lo mejor de mí. Aunque no estoy seguro de cuanto pudo haber influido en realidad, hace poco tuve que lamentar la perdida de un ser querido. Y justo en el momento de aquella perdida, no estaba en mi mejor momento de danza por lo que complicó aún más las cosas. Pero otra vez he vuelto a la carga, otra vez he vuelto a disfrutar al máximo cada clase de danza. Creo que lo que me pasó (el haber perdido el entusiasmo) con la danza, es algo normal y no pienso que es algo que me sucede a mi solamente. Por lo menos, cuando le pregunté a una bailarina de muy buena experiencia, me dijo que esas cosas solían pasar a lo largo de la carrera. Y que no tema, que las buenas ganas terminan volviendo pronto. ¿Acaso uno siempre va a estar feliz con lo que hace y va a mantener el mismo entusiasmo del principio siempre? No estoy diciendo que con el tiempo te deje de ir gustando, todo lo contrario, te va a seguir gustando pero tus ganas o entusiasmos van a ir cambiando a lo largo de la carrera (sea cual sea) creo yo. En algunos momentos vas a sentir que dejas todo en lo que haces (es decir, que haces lo mejor posible) y en otros momentos vas a sentir que lo haces pero a media marcha.

¿Por qué no dejaría la danza?

No dejaría la danza porque es única, nada me da la misma satisfacción a por ejemplo, al estar en el escenario, luego de haber terminado una función. O por ejemplo, que te pongan una coreo, que la veas complicada de entrada y después la satisfacción de ver que la estás haciendo como te la pidieron es único también. Si abandonara la carrera, me perdería de todo eso entre muchas cosas más que están muy buenas. Además, no me extrañaría oírme a mi mismo diciendo que si habría seguido con la carrera, hubiese llegado a ser un gran bailarín, jaja. Y me daría mucha lástima ver como iría perdiendo la técnica y elasticidad con el correr de los días.
En fin…

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! ¿Alguna vez has perdido el entusiasmo, las ganas, por algo que realmente amabas?

Claves de un buen piruetero

2010-04-23T21:23:00.000-03:00

Cada bailarín sabe ciertos "tips" o "trucos", que los ponen en práctica en ciertas ocas
iones, y que gracias a ellos, pueden realizar el paso que desean. Los mismos trucos, los aprenden generalmente del lugar en que estudian, también de libros y/o amigos o bien, de internet. De esta manera, gracias a estos "tips", cada uno interpreta la técnica de una forma distinta pero sin implicar en que visualmente el paso se vea distinto, o de una forma incorrecta. A mi punto de vista, considero que existen dos tipos de trucos en la danza; Trucos Psicológicos y Trucos Técnicos. El primero se basa más bien en usar la imaginación en conjunto con la técnica para llevar a cabo la realización de un determinado paso. Como ejemplo, sería intentar tocar el techo con la cabeza al hacer un salto. "Imaginen que tienen que saltar tan alto hasta llegar al techo". Al tener eso como objetivo en la mente, nuestro cuerpo aplicará mucha más fuerza que antes para saltar más alto. La frase por sí sola "llegar al techo" fué otra forma de decirnos que saltemos, pero con mayor energía para estar más tiempo suspendidos en el aire. Nuestra mente codifica la frase y el cuerpo responde. Y los trucos técnicos pueden ser las colocaciones, el punto fijo de la pared, etc. Con el correr de las clases, iremos aprendiendo más tips que nos servirán para ir mejorando más y más.

A veces parece sospechoso el asunto que determinados profesores de estudios privados, te enseñen un paso y al mes siguiente o incluso mucho tiempo más tarde, le agreguen un truco técnico. Hasta a veces, directamente quizá ese truco lo aprendimos de otro profesor. Y lo increíble es que después de aplicado dicho truco, se notá un cambio rotundo, pero no solo en uno mismo, sino que a nivel general. "¡¡Pero profesor!! ¿Por qué no nos lo enseñó al principio?" -dan ganas de decir. Tendrá sus motivos como profesor si somos bien pensados.

Bueno, antes que se adentren en la lectura, quiero aclarar que con los consejos y sugerencias que doy más adelante, no te estoy obligando a que los apliques, ni mucho menos estableciendo un modo único definitivo para realizar los ejercicios. El único fin para el cual los hice públicos, fue para compartir diferentes opiniones e ideas, lo cual me parecería fantástico si quisieras participar del blog poniendo algún truco que conozcas y de tal modo poder compartirlo con todos los que visitan la página web. Y si no estás de acuerdo con algo, ¡coméntalo, así lo analizamos entre todos! ;)

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Lógicamente, hay que tener noción de cómo se hace una pirueta antes de probar estos tips, así que vamos a hacer un repaso.

Según el diccionario del American Ballet Theatre, un Pirouette consiste en lo siguiente:

"Pirouette = Pirueta. Giro o vuelta. Una vuelta completa del cuerpo con un pie en punta o media-punta. Las piruetas en-dedans se realizan dando vuelta al interior, hacia la pierna soporte, y las en-dehors dando vuelta hacia fuera, en la dirección de la pierna levantada. La colocación correcta del cuerpo es esencial en todas las clases de piruetas. El cuerpo debe estar bien centrado para que la pierna soporte con la parte posterior, sostenga fuertemente el cuerpo; y las caderas y los hombros alineados. La fuerza del ímpetu es equipada por los brazos, que están inmóviles durante la vuelta. La cabeza es lo último en moverse con los ojos enfocados en un punto definido que debe estar en el nivel de los mismos. Las piruetas se pueden realizar en cualquier posición dada, tal como quinta posición, attitude, arabesco, a la seconde, etc."

Ahora bien, si llegaste a este blog de danza, fué muy probablemente porque me conociste por medio de mi canal de YouTube (www.youtube.com/woozie51). En el mismo, habrás visto que hay un video que explica cómo hacer piruetas. Si no lo viste, te recomiendo que lo veas desde aquí mismo, para que te quede bien claro ciertas cosas básicas, como la preparación para la pirueta, o la colocación de los brazos, etc.

Acá lo tienen:

Una vez que lo hayas visto, he aquí mis consejos:

· Los giros y el spot

No intentar hacer “spot” las primeras veces. Sé que suena absurdo al principio, ya que como bien decía el video que el spot era muy importante para evitar los mareos, tiene toda la verdad. Pero querer enseñarle a un bailarín principiante todo lo que implica hacer un Pirouette bien hecho de una vez, solo va a traer complicaciones. El joven que intenta hacer la pirueta usando la técnica de spot, no se concentrará del todo en el giro, por lo que las piruetas no saldrán para nada bien. La técnica de Spot de mirar a un punto fijo, beneficia al bailarín que más la necesita, aquel que, por ejemplo, deba realizar 10 piruetas seguidas sin parar. En esos casos, si no se usara la técnica, sería imposible realizar los giros. Pero a alguien que le vas a enseñar las piruetas, no va a realizar tampoco 10 giros, sino que van a ir de entre 1 hasta 2 giros con suerte, y si bien se puede producir un leve mareo, que es normal, es controlable de todas formas.

Una buena manera de aprender: Olvídate del punto fijo en la pared y concéntrate en lograr hacer bien las piruetas. Esto implica, además del resto de la técnica, no caerse durante el giro y lograr dar al menos una o dos vueltas. Llevará su tiempo pero cuando lo logres y quieras introducir la técnica del punto fijo, será muy fácil. Es más, te saldrá bien natural, ya que ahora no estarás pensando cómo girar, entonces tu mente va a estar más libre. Esto lo comprobé yo mismo. Y si queres practicar spot, te recomiendo hacer giros simples.

· Consejos de colocación:

1. Distribución del peso: Cuando estamos en el demi-plie (paso previo a la ejecución de la pirueta), es importante que el peso este distribuido entre las dos piernas. Algunos profesores dicen que tiene que ser la mitad del peso para cada pierna. Sin embargo, como la pierna de base es la que al fin y al cabo, va a tener que soportar a todo el cuerpo durante el giro, te invito a que pruebes en el demi-plie, darle un poco más de peso a la pierna base. Luego realiza la pirueta y compárala con las de antes.

Aviso: "¡No exagerar! Recordá que es sólo ‘un poco’ más de peso, no la vayas a sobrecargar."

2. ¿Te caes para cualquier lado después de girar? Antes de realizar el giro, como bien dije en el segundo consejo de dar un poco más de peso a la pierna base, hay que tener en cuenta respecto de la alineación, que además la cadera esté en la misma "línea" vertical del pie. Si no está bien alineada, puede lograr hacernos acabar el giro horriblemente o simplemente ver el piso de más cerca. ¡Así que cuidado!

· Para que intentes…

1. En vez de colocar los brazos en primera posición en el momento del giro, cerrá uno debajo del otro tan pronto como empieces a girar. (como se ve en la foto de mi publicación "El dilema de los Pirouettes").

2. Lo mismo probá con el Passe de la foto antes mencionada, apoyando el pie bien estirado sobre la rodilla.

(Estos dos últimos consejos, fueron para que pruebes más bien como te resulta más cómodo realizar los Pirouettes)

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Bueno, con esto concluyo esta publicación de Abril. Espero que te haya gustado, ya que este tema, lo venía pensando y redactando desde hace unos días y lo único que me motivó y me seguirá motivando para seguir escribiendo por mucho tiempo más, fué saber que vos ibas a leerlo, ¡vaya yo a saber desde dónde! Gracias por darte una vuelta por la página! ^^. Y recordá, tu comentario es siempre bienvenido! “¿Conoces algún truco más para hacer los Pirouettes? ;)”

La escalera del progreso

2010-03-20T23:54:00.000-03:00

Cuánto que puede suceder en menos de un año en la danza, ¿no?

Imagen extraída de: caracasenunclick.blogspot.com

Es increíble, pero no solo desde la formación como bailarín que uno va adquiriendo con el correr de los días, que al fin y al cabo, termina siendo un punto a considerar luego de un determinado tiempo. Sino también las experiencias que se viven. Desde ensayos muy divertidos, que por ende terminan en "funciones" o "muestras" y en las cuales, ya estamos "expuestos". ¿A qué estamos "expuestos"? Ante los ojos del público, familiares, amigos, gente que no conocemos y además quién sabrá quién puede estar ahí mirándo el espectáculo mezclado entre los demás en ciertas ocaciones. Si sacaramos a toda esa gente, sería algo vacío, sin sentido. Además, esas caras curiosas de nosotros, son las que le ponen la emoción al show, que por bueno que sea, también tiene sus contras, como los nervios. Y cómo me voy a olvidar de las audiciones, algunas peores que otras, por sobre todo, las que toman entre 60 a 90 minutos. Esas no están tán buenas, porque son en las que uno está más nervioso. Lo mejor, es cuando uno se olvida que está en una audición y disfruta de la misma, como si fuese una clase más, pero generalmente, esto sucede cuando se trata en el caso de audiciones que toman más de un día de evaluación.

De todas formas, los nervios nos juegan en contra cuanto más inseguros de nosotros mismos estamos. Es decir, si nosotros ya estamos convencidos de que algo nos va a salir bien, entonces, no dejamos tiempo para preocuparnos, porque no existe esa necesidad y de tal modo, no hay nervios o muy pocos. Lo mismo cuando se rinde un final para citar un ejemplo. Como bien se decía, esos nervios marcan una "inseguridad" muchas veces. Y es lógico, porque a veces ni sabemos que van a pedir en la audición.

Lo cierto es que cada uno conoce dentro de todo su nivel y sabe lo que puede dar. Y el hecho de que nos haya ido mal en una prueba, no es una excusa para sentirnos mal y no querer seguir bailando, o dejar un tiempo. Más bien es una razón para seguir y con mucha pero mucha más dedicación que antes. Es cuestión de ponerse a analizar en el por qué nos fué mal y que deberíamos mejorar o aprender para que en otra ocasión, los resultados nos sean favorables. Y ver el lado bueno, siempre ver ese lado, ya que en realidad no hay nada malo con no haber pasado una de las pruebas, sino que ese capricho por querer ganar algo es el que nos hace mal. Pensar que de no haber sido por ese "mal momento", quizá nunca hubieras sabido cuáles eran tus puntos flojos en la danza, o lo mucho que te falta por aprender.

¿Tendría sentido anotarse en una audición si nos sentimos inseguros? Depende. Si no conoces bien cuales son tus puntos en los que necesitás más trabajo y queres descubrirlos, entonces no perderías nada por anotarte, al contrario, te serviría. Más allá de que tu profesor te pueda evaluar, siempre es bueno ser observados desde el punto de vista de otro profesor que no te conoce. Solo recordá mirar el lado bueno que se explicó antes y ahí vas a ver como te sirvió. Si conoces bien en que partes de la danza deberías trabajar más, trabajá sobre lo que te cuesta y después intenta dar la audición.

En el lugar que debes estar

Algo importante, por sobre todo para los que se iniciaron hace poco en la danza, es tomar clases en el nivel correspondiente a cada uno. ¿Por qué? Por el simple hecho de que cada clase hay que aprovecharla al máximo, y si bien se puede aprender en una clase de nivel intermedio o avanzado, se suele aprender mal porque no se tiene la base bien firme. Además, nos vamos a ver incapacitados para realizar ciertos trabajos que se nos requiera, no solo en la barra, por sobre todo en el centro, por lo que nos iremos frustrados muchas veces y esta vez, por nuestra culpa! El profesor que da la clase de avanzados, considerará ciertos pasos como de nivel "básico" en su clase, pero esos mismos pasos, en una clase de principiantes, son considerados de un nivel más alto y por lo tanto son explicados con profundidad. Es decir, en una clase de avanzados, directamente ni se explicaría dicho paso, sino que se pediría que lo hagan directamente. ¿Un ejemplo? ¡¡Un pirouette!!

Pensa que es una escalera nuestro progreso. Y para seguir para arriba, tenemos que ir escalón por escalón. Aquellos que al verlos, nos sorprenden como bailan, alguna vez pisaron el escalón en el que estamos parados y por ende, se encontraban en igualdad de condiciones. Vamos a seguir subiendo. Pero de a poco, sin hacer las cosas mal, sin saltear ningún escalón. Todos deberán ser pisados. ¿Tendrá fin esa escalera? No lo creo, seguramente es una escalera infinita. Así que la posibilidad de llegar a lo más alto siempre está, como lo hicieron algunos grandes en su momento y ahora. Lo cierto es que esa escalera está siendo ocupada por miles y miles de bailarines.

p.d
Esta es una linda frase que me gustaría compartir con ustedes que leí hace poco en la revista (de este mes) de la fundación Julio Bocca:
"El fracaso no está en no alcanzar una estrella. El fracaso está en no tener una estrella que alcanzar."

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! Cualquier comentario es bienvenido!

Ballet, más que una danza

2010-01-17T00:27:00.000-03:00

Decir que el Ballet es solo una danza, sería quedarse un poco corto de palabras. La danza clásica se podría decir que es sinónimo de...

Imagen de "www.about.com"

1. Coordinación.

2. Ritmo.
3. Flexibilidad.

4. Fuerza.

5. Equilibrio.
6. Memoria.
7. Actitud escenica.
8. Perseverancia.

Y todas estas combinadas, son las que le agregan la tan aclamada dificultad con la que se relaciona siempre a dicha danza. La capacidad para ir siguiendo a tiempo la coreografía marcada por la música, requiere siempre tener una concentración constante, y por sobre todo, un buen oído. Tener la disponibilidad técnica necesaria para realizar los pasos que la danza ofrece, ya hace que la misma, no sea una danza para cualquiera, y es aquí donde quizá hay un gran "filtro" en el que quedan muchas y muchos bailarines. A veces cuesta hacerle entender a un bailarín joven que ciertas partes de la danza, solo van a salir después de un tiempo y con mucho trabajo. De la paciencia, nace la perseverancia, y con ésta última, se marcan los objetivos de uno. Por eso la misma, es muy importante para la carrera del bailarín, ya que en todo momento va a haber metas por lograr. También hay que destacar, que ciertas veces el ballet requiere que sus bailarines hagan interpretaciones, lo cual esto implica saber actuar. A lo que quiero llegar con esto, es que ya desde el vamos, queda claro que el ballet no se trata solamente de bailar nomás.

Un cambio notorio que no tarda en llegar

Claro que la técnica toma sus años para llegar. Pero lo bueno es que va apareciendo de a poco, y es perceptible, a tal punto que uno mismo se dá cuenta de que ciertas actividades que realiza en el momento, antes le resultaba imposible. En mi caso, había empezado clásico en mayo, y solamente iba una clase por semana. Un ritmo bastante lento, se podría decir, pero es que solamente estaba probando y no tenía mucho tiempo. Con esa realidad, mucho no esperaba de mí mismo. Hasta que aproximadamente a los dos meses, algo había cambiado. Las piernas se habían vuelto más musculosas, mucho mas "marcadas" que antes de haber empezado ballet. En las clases de gimnsasia de la escuela, en los multiples ejercicios que hacíamos después de correr, me salían mucho más fácil. Por ejemplo, estabamos parados y teníamos que tocar el piso con los dedos, y yo llegaba hasta a apoyar las palmas y mis amigos ni podían tocar el piso ni con los dedos. Era claro, tenía mucha más movilidad que antes. Inclusive, tenía más energía, cuando jugabamos a la pelota saltaba más alto, corría más por lo que me vi beneficiado mucho en el futbol. No recuerdo en que país, pero había un entrenador que obligaba a sus jugadores a que tomaran clases de ballet, ya que aseguraba que les servía para tener un mejor control del cuerpo. Y en realidad, cualquiera que haya tomado algunas clases, podrá comprobar que es cierto, se nota mucho la diferencia después.

Creo que ahora y más que antes, se justifica más la elección del título...

Gracias por leerlo.

Estaría bueno que compartas tu opinión y/o experiencias acá también!! //¿Cuál fué el cambio en ti que más te llamo la atención después de haber tomado clases de ballet?