Grant Morrison sta rivoluzionando il mondo di Batman.

Questa è l’unica certezza che gli ultimi avvenimenti relativi alla continuity dell’Uomo Pipistrello possono darci: dalla morte, ai viaggi nel tempo, all’inevitabile ritorno.
L’autore scozzese sta riplasmando la realtà editoriale della più amata icona della DC Comics a sua immagine e somiglianza, arrivando persino ad insinuare nei lettori il dubbio che il suo Dick Grayson, primo Robin e spalla storica di Bruce, non fosse un Batman talmente valido da meritare di continuare a esserlo anche dopo il ritorno del suo mentore.
Sembra infatti essere proprio questa la piega assunta dagli eventi in The Return of Bruce Wayne. Forse complice quanto recentemente successo in casa Marvel dove i lettori hanno assistito all’avvento di ben due Capitan America, presto gli appassionati DC dovranno fare i conti con due Batman: Bruce e Dick. A distinguerli sarà esclusivamente il simbolo del Pipistrello sul petto, che nel caso di Wayne vedrà la reintroduzione dello storico ovale giallo di sfondo.
Ma Morrison e DiDio non hanno intenzione di fermarsi qui: Bruce ha forse finalmente trovato la soluzione ad uno dei suoi più assillanti interrogativi, come può Batman difendere il mondo su scala globale?
Dalle pagine del New York Post Dan DiDio parla del nuovo progetto Batman Inc., e di come Bruce si renderà conto di dover ricorrere a una sorta di “lega dei Batmen”, posizionando in vari luoghi del Pianeta uomini di sua fiducia che possano ricoprire il ruolo di Barman nella zona loro affidata.
Questo oscuro franchising vedrebbe Bruce ricoprire il ruolo di leader e deus ex machina, una sorta di “primus inter pares”, IL Batman fra i Batmen, capace di coordinare gli sforzi di tutti i suoi sottoposti e di assicurare al mondo una solida e concreta protezione.
Contro chi è ancora da vedersi, dato che già con Brother Eye Bruce non ha nascosto la sua preoccupazione per la sempre maggiore influenza dei poteri metaumani sulla popolazione della Terra.
Da novembre, quindi, le trame del Pipistrello verranno portate avanti nel seguente modo: su Detective Comics, Batman e Batman&Robin Dick Grayson continuerà ad essere il Cavaliere Oscuro di Gotham. Sulle nuove serie Batman Inc. (Grant Morrison e Yanick Paquette) e Batman: The Dark Knight (David Finch) ci verranno invece descritte le prime mosse del redivivo Bruce Wayne.
Restate con noi per tutti gli approfondimenti del caso! Stay tuned!

L’autore non sembra attualmente coinvolto nello sviluppo del progetto in queste fasi iniziali, ma la Warner assicura che si farà di tutto per coinvolgerlo in una partecipazione attiva.

La divisione televisiva dell’azienda sembrerebbe orientata ad affidare il timone dei lavori ad Eric Kripke, creatore di Supernatural per il network The CW.

Non vi resta che continuare a seguirci per ulteriori aggiornamenti!

Disponibili su DC Leaguers:

Recensione di Sandman n.1 (Planeta De Agostini)
Speciale: 20 anni di Sandman

Testi: Bill Willingham
Disegni: Mark Buckingham, Michael Allred, artisti vari.
Edizione Originale: Fables: Sons of Empire TPB
Edizione Italiana: Planeta DeAgostini, € 12,95

Figli dell’Impero, Un Natale da Fiaba, Padre e Figlio e Domande a Bruciapelo. Sono molteplici le storie che compongono questo nuovo TPB di Fables, un puzzle di alti e bassi che vede forse in Padre e Figlio, scritta, come le altre, da Bill Willingham e disegnata da Michael Allred, la trama meglio riuscita, in un perfetto mix di avventura, sentimentalismo ed approfondimento psicologico dei personaggi.

Per l’occasione lo scrittore, ritagliandosi dalle vicende generali una di quelle pause alle quali siamo stati ormai abituati, dà vita ad una cornice dal sapore familiare, che vede Luca Wolf tentare di riallacciare anche solo una parvenza di rapporto col padre, il potente Vento del Nord. Un espediente, questo, per far luce su altri aspetti della vita dell’ex sceriffo di Favolandia e, nello stesso tempo, metterne in luce i lati più umani di marito e padre.
Ma sono soprattutto i disegni di Allred, incaricati di rompere il monopolio di Mark Buckingham, ad impreziosire la storia, fornendo un tocco di eleganza e novità ad una serie altrimenti troppo stantia da un punto di vista grafico. Un “pericolo” scongiurato anche da Fables #59, peraltro nuova conferma della voglia di sperimentare propria del creatore di Favolandia.

A differenza di molti altri autori, magari più attenti a non confrontarsi apertamente e costantemente col proprio pubblico, complice, nel nostro caso, anche il fatto di essere stato creatore di un intero universo, Bill Willingham, spesso affiancato dal collega Sturges, ha fin dagli esordi voluto inaugurare uno scambio continuo di idee e pareri con i propri fan, ancor oggi raggruppati in un’intensa internet community sempre pronta a disquisire con gli scrittori in occasione dell’uscita di ogni nuovo numero.
Nell’arco degli anni, tra un topic e l’altro, molteplici e svariate sono state le domande rivolte agli autori, molte delle quali inerenti all’evolversi della trama, molte altre, invece, semplici e simpatiche curiosità relative a personaggi o particolari vignette.
Fables #59 nasce allora come omaggio alla fedeltà di questi lettori, un particolare numero della serie nella quale Willingham, servendosi di storie brevi di volta in volta disegnate da differenti artisti, si è divertito a trovare risposta per alcuni dei quesiti più bizzarri o curiosi.
Leggendo queste pagine possiamo così apprendere cosa stia Frau Totenkinder sferruzzando a maglia, quante donne siano state impalmate dal Principe Azzurro o, ancora, come possa puntualmente Bufkin impadronirsi degli alcolici diligentemente tenuti lontani dalla sua portata.

Paradossalmente, è forse la storia che dà titolo al TPB, Figli dell’Impero, un nuovo tassello della trama generale, a costituire il punto debole dell’intera raccolta (Un Natale da Fiaba, forte la presenza di un caposaldo del folclore come Babbo Natale e la particolare atmosfera di genere che si respira tra le sue pagine, può in ogni caso godere di una trama leggera, per certi versi nostalgica, dalla lettura godibile).

Certo, Willingham continua a far utilizzo di tutte quelle caratteristiche proprie di Fables che ne hanno permesso un immediato e solido successo: originalità nel rimodellare miti e leggende, dialoghi divertenti e frizzanti, e personaggi egregiamente sviluppati. Ma è il prolungare continuo della resa dei conti, questo scontro contro l’Avversario già da tempo annunciato e poi sempre posticipato, a rendere il tutto prigioniero di una sorta di senso di “incompletezza”.

Più e più volte l’autore ci ha dato l’impressione di essere pronto a far suonare una volta per tutte i tamburi di guerra, per poi far tacere le urla di battaglia prima ancora che la prima testa fosse saltata in aria. E’ dalla famosa Battaglia di Favolandia che si attende l’evolversi degli eventi e nulla, ancora, sembrerebbe volersi muoversi. Fables è diventato prigioniero di una specie di limbo.
Ecco perché particolare luce assumono invece tutte quelle avventure che di volta in volta lo scrittore inserisce sia tra un capitolo e l’altro della trama generale (come, nel nostro caso, Figlio e Padre) sia, altre volte, interne ad una stessa storia.
Figli dell’Impero, per esempio, le cui vignette sono occupate dalle rispettive fazioni in guerra impegnate a stilar tattiche e strategie per dar il via alle armi, contiene alla fine di ogni suo numero una storia breve, di una sola pagina, con protagonista una delle fiabe non ancora sviluppate dalla serie. Alcune di queste (Raperonzolo docet) sono delle piccole pietre preziose ricolme di umorismo ed inventiva.
Tutto ciò che or a Willingham si chiede è di non allungare ulteriormente il brodo. E’ ormai giunta l’ora di veder scorrere il sangue.

Who’s Who
(ovvero un breve identikit delle fiabe qui, per la prima volta, apparse).

Hansel

Uno dei punti di forza di Fables risiede senz’ombra di dubbio nell’ottima caratterizzazione dei suoi personaggi, interessanti profili che Bill Willingham ha saputo creare dosando con perizia tradizione e personale inventiva. Un esempio di questa straordinaria capacità intuitiva, indispensabile per fornire versioni quanto mai più credibili delle fiabe classiche è senz’altro la figura di Hansel, in origine protagonista, insieme alla sorella Gretel, della famosa omonima favola narrata dai Fratelli Grimm.
Il personaggio, probabilmente uno dei più riusciti dell’intera saga, si vede costruire partendo da un semplice interrogativo: quale potrebbe essere stato il destino di un individuo, da bambino vittima di un pesante trauma perchè imprigionato insieme alla sorella da una perfida strega e destinato a diventare presto cibo per quest’ultima?
La risposta sembrerebbe essere piuttosto chiara, e Hansel si tramuta in un bigotto ed invasato cacciatore di streghe, il cui profilo tanto assomiglia a quello di famosi inquisitori misogini che tanto dolore e morte hanno portato durante il tristemente famoso periodo della caccia alle streghe.
E così, ben lontano dalla famigerata casetta di marzapane ed addirittura reo dell’assassinio della stessa Gretel (da lui giudicata posseduta dal demonio), Hansel opera adesso al servizio dell’Avversario, col compito di scovare e giustiziare quanti osino operare la stregoneria.

Il Re degli Gnomi

Dell’immenso ciclo di Oz, qui in Italia, è stato tradotto poco e nulla. Perlopiù, grazie anche ai molteplici adattamenti cinematografici e televisivi, conosciamo soltanto il primo capitolo della saga, il più famoso: Il Mago di Oz.
Qui, a far le veci di villain è l’altrettanto famosa Strega dell’Ovest, miseramente annientata, a fine storia, da un bel secchio d’acqua.
Constando di ben 26 capitoli, va da sé che il ciclo di Oz offra in effetti riparo ad altre diaboliche creature pronte a fronteggiare gli eroi di volta in volta interessati. Tra tutti, la figura che meglio si avvicina al ruolo di villain ricorrente, arcinemico di Oz, più e più volte dai vari scrittori utilizzato, è senz’altro il Re degli Gnomi, il malvagio sovrano di una stirpe di esseri fatati (in originale chiamata nomes) dal corpo roccioso.
Avido, crudele e desideroso di porre sotto schiavitù la maggior parte degli uomini, il Re degli Gnomi diventa in Fables uno degli alleati più potenti dell’Avversario, governatore di un bel pezzo dell’Impero e desideroso di annientare quanto prima possibile i dissidenti di Favolandia.

Raperonzolo

Uno dei divieti più ferrei, dalla legge di Favolandia duramente punito in caso d’infrazione, consiste nella possibilità di rilevare ai Terreni la propria magica natura fiabesca. Alcune fiabe, fortunatamente dall’aspetto umano, non fanno fatica a rispettare tale legge, altre, le più sfortunate, vengono invece rinchiuse alla Fattoria. Infine, in una sorta di limbo, c’è gente come Raperonzolo, tra tutti gli abitanti del Bosco la più infelice, quotidianamente costretta a combattere contro una natura che, se da un lato la premia con un’apparenza del tutto normale, dall’altra le impedisce di vivere realmente libera.
Altra protagonista delle raccolte di fiabe dei Fratelli Grimm, Rapunzel, per la prima volta pubblicata nel 1812, narra di una bellissima principessa rinchiusa da una strega all’interno di un’alta torre, il cui unico contatto con l’esterno proviene da una finestra posizionata nella parte più alta.
L’unico modo di accedere alla torre è quello di arrampicarsi su per la lunga treccia della ragazza, il cui nome ricorda il raperonzolo, la pianta della quale la madre (prima di cederla alla strega) ne fu ghiotta durante la gravidanza. La fiaba ha, naturalmente, un lieto fine: Raperonzolo sposerà un bel Principe e la strega cattiva resterà a sua volta, legge del contrappasso, rinchiusa nella torre.
Un bel finale che però non si protrae all’esilio di New York, dove la ragazza si ritrova a dover fare i conti con una capigliatura dalla magica crescita (nonostante i tre tagli di capelli giornalieri). Una situazione che la costringe per non destare sospetti nei terreni, a non restar ferma nel medesimo luogo per più di tre quarti d’ora… la magica ricrescita si noterebbe.

Peter Codadicotone, il Porcospino e la Gallina

Altri due nuovi personaggi al loro esordio sono Peter Codadicotone e la bizzarra coppia formata da Porcospino e Gallina, tutti accomunati da una certa giovinezza, tutti e tre nati sul finire del Novecento, frutto di un moderno folclore che, non più prodotto da raccontastorie, menestrelli o serate trascorse davanti al focolare, viene a crearsi grazie a pubblicità e trasmissioni televisive. Caso, per esempio, proprio di Peter, in realtà protagonista letterario dei racconti per bambini dello scrittore Thornton Burgess, ma divenuto famoso grazie ad una canzone del 1950 ed uno speciale televisivo per la prima volta andato in onda in occasione della Pasqua del 1971.
Peter Codadicotone è uno dei tanti conigli pasquali che dimorano nella Valle d’Aprile, il magico luogo da dove provengono tutti quegli oggetti che poi noi Terreni adoperiamo sotto Pasqua.
Suo acerrimo nemico è Codadiferro, un malvagio coniglio il cui intento è quello di rovinare la Pasqua ai bambini. Tra viaggi del tempo, bruchi francesi e ragni sabotatori, Peter riuscirà infine ad avere la meglio sul rivale, divenendo di fatto il capo della Valle d’Aprile.
In seguito alla messa in onda di questo speciale festivo, la figura del Coniglietto Pasquale è andata a fondersi nell’immaginario comune proprio con quella di Peter.
Il Porcospino e la Gallina sono invece protagonisti di una delle storie d’appendice di Figli dell’Impero, e provengono a loro volta da una canzone scritta ed interpretata dal famoso cantautore americano Neil Diamond, il cui testo, velato di un certo nonsense e di uno spiccato gusto fantastico, apre le porte su un bizzarro spuntino.
Con loro, nella breve storiella, anche il famoso Omino di Panzenzero.

Santa Klaus

Uh, serve davvero dire qualcosa?

La Vertigo, fin dalla sua nascita, rappresenta il “lato oscuro” della DC Comics, con un repertorio di storie adulte in grado di portare all’interno del medium fumettistico tematiche e tecniche innovative.
Il sito specializzato IGN Comics ha stilato una classifica delle 10 serie Vertigo più interessanti del 2009-10, fornendo ai fans validi spunti di lettura, anche perché, come sempre, avvicinarsi ad una serie Vertigo significa godersi personaggi e situazioni nuove senza problemi di continuity.

NOTA: Trattandosi di una classifica basata sulle pubblicazioni USA parte del materiale è ancora inedito, ma ne verrà fornita comunque specifica indicazione. In ogni paragrafo è linkata, se presente, la discussione corrispondente sul forum.

10 – HOUSE OF MISTERY di Matt Sturges e Luca Rossi

EDIZIONE ITALIANA: serie in corso di pubblicazione (PlanetaDeAgostini) con sfasatura di un anno circa rispetto agli Stati Uniti.

Com’è tipico di diverse serie Vertigo, House of Mistery propone un titolo della DC “classica” reinterpretandolo in chiave adulta. Una donna di nome Fig Keele si unisce a un gruppo di viaggiatori intrappolati nella casa che dà il titolo alla testata.

Raccontare storie diventa il passatempo preferito e più “di pregio” in quel contesto, con molti misteri da risolvere. La serie stupisce per la varietà di forme narrative e lo stuzzicante espediente della “storia nella storia” in ogni episodio.

House of Mystery rende moderna una vecchia formula con risultati sorprendenti.

9 – NORTHLANDERS di Brian Wood e Artisti Vari

EDIZIONE ITALIANA: serie in corso di pubblicazione (PlanetaDeAgostini) con sfasatura di un anno circa rispetto agli Stati Uniti.

Northlanders è una serie che desidera avere un approccio il più possibile realistico al mondo dei Vichinghi. In una società violenta e dedita alla guerra, il mondo dei combattivi guerrieri nordici è mostrato in costante bilico fra la cristianità e le antiche credenze pagane.

Adatta ad un pubblico di non esperti, questa serie in ogni arc propone protagonisti nuovi e conflitti diversi. Perfetta per chi non ama trovare gli stessi personaggi in ogni storia, Northlanders ci mostra un Brian Wood capace di reinventarsi volta per volta, senza annoiare.

8 – FABLES di Bill Willingham e Mark Buckingham

EDIZIONE ITALIANA: serie in corso di pubblicazione (PlanetaDeAgostini) con sfasatura di un anno circa rispetto agli Stati Uniti. Il nostro sito si sta dedicando con grande attenzione a questa testata, proponendo diverse interessanti recensioni.

Da anni ormai Willingham ci sorprende con le sue creative e sfrontate interpretazioni dei nostri personaggi di fantasia preferiti.

Nonostante la complessità delle trame e le scelte bizzarre dell’autore, Fables ci spinge ogni volta a riprendere in mano la serie, continuando ad incuriosirci.

Siamo sicuri che con il numero #100, ormai alle porte, rimarremo a bocca spalancata come sempre, e ciò è indubbiamente molto positivo.

7 – DMZ di Brian Wood e Riccardo Burchielli

EDIZIONE ITALIANA: serie in corso di pubblicazione (PlanetaDeAgostini) con sfasatura di qualche mese rispetto agli Stati Uniti.

Molti titoli Vertigo propongono mondi di fantasia e personaggi insoliti, ma altri invece riportano più “a casa” di quanto lo stesso lettore vorrebbe.

DMZ è una serie ambientata nella spaventosa e distopica New York devastata dalla seconda guerra civile americana, con Manhattan divenuta zona demilitarizzata (da qui il titolo della serie) che separa gli USA dagli Stati Liberi. Matty Roth è un giovane giornalista che si trova nella scomoda posizione di dover documentare la vita nella DMZ in maniera totalmente nuova, finché, inaspettatamente, è costretto a viverci. La serie lo segue nel corso della sua maturazione e, sebbene si tratti di finzione, DMZ è un urlo potente contro la politica e la società americana di oggi.

La serie negli USA sta per entrare nel suo anno conclusivo, ma non è ancora troppo tardi per scoprirla.

6 – DAYTRIPPER di Gabriel Bá e Fábio Moon

EDIZIONE ITALIANA: Attualmente inedita. E’ possibile acquistare on-line il volume americano.

Ci sono alcuni artisti che meritano di essere seguiti a prescindere dal progetto. I fratelli Gabriel Bá e Fábio Moon sono fra questi. Il duo è la prova che essi non hanno bisogno di collaborare con altri scrittori per realizzare fumetti ben fatti e molto artistici.

Daytripper è la storia di Brás, un aspirante scrittore e uomo amante della famiglia che si guadagna da vivere scrivendo necrologi. Ogni numero è ambientato in un momento chiave della vita del protagonista, e termina con una morte tragica.

In apparenza Daytripper potrebbe sembrare una lettura deprimente, e invece è vivace e mai noiosa, fino alla drammatica conclusione. La serie è un’affascinante esplorazione di come piccole scelte abbiano in realtà conseguenze ben più grandi, ed è un un’altra opera stupefacente di due artisti di grande talento.

5 – SWEET TOOTH  di Jeff Lemire

EDIZIONE ITALIANA: Attualmente inedita. E’ possibile acquistare on-line il volume americano. Leggete qui la discussione sul nostro forum.

Pochi creatori negli ultimi anni sono entrati in maniera così dirompente nel mondo dei comics come Jeff Lemire. Sweet Tooth è la storia di un uomo burbero di nome Jeppard e di uno strano ragazzo di nome Gus. Gus adora le barrette di cioccolato (da qui il titolo della serie) e ha anche un paio di corna che gli escono dalla testa.

L’opera ha un sacco di similitudini con The Road di Cormac McCarthy, sia a causa dell’ambientazione post-apocalitticache della dinamica padre/figlio che caratterizza la storia. Tra l’altro Lemire scrive e disegna ogni storia, e questo oggigiorno è davvero raro.

Con Lemire in procinto di lanciare la nuova regular di Superboy, ecco per i fan un’opportunità di vederlo al lavoro sotto una luce diversa.

4 – AMERICAN VAMPIRE di Scott Snyder e Rafael Albuquerque

EDIZIONE ITALIANA: Attualmente inedita. E’ possibile acquistare on-line il volume americano. Leggete qui la discussione sul nostro forum.

Per decadi la Vertigo ha pubblicato alcuni dei titoli più intererssanti dell’industria fumettistica USA. Considerando la storia di questa etichetta è possibile affermare che American Vampre sia davvero uno dei debutti più convincenti mai visti. Si tratta di Vampiri, ma Snyder ha fatto in modo che non siano i vampiri emo-teen che vediamo in televisione, con tanto di parodia.

L’autore, insieme a Stephen King (che ha contribuito al lancio della serie) ha plasmato un mondo che appare totalmente originale per quanto ci siano tratti caratteristici del “mito” dei vampiri. Vecchio e nuovo si mescolano, dando vita a un affresco totalmente originale, regalandoci sorprese ogni mese. Il lavoro dell’artista Rafael Albuquerque è altrettanto splendido, sicuramente si tratta di uno dei disegnatori più raffinati dell’industria dei comics. Il meglio deve ancora venire, e non meravigliamoci se questa serie raggiungerà ulteriori vette negli anni a venire.

Speriamo che tutto questo sia un ottimo auspicio per l’imminente gestione di Snyder di Detective Comics.

3 – THE UNWRITTEN di Mike Carey e Peter Gross

EDIZIONE ITALIANA: serie in corso di pubblicazione (PlanetaDeAgostini) con sfasatura di un anno rispetto agli Stati Uniti.

Cosa sarebbe successo se Harry Potter fosse stato un ragazzino nel mondo reale? Questa è la premessa iniziale di The Unwritten su cui si basa tutta la storia: Tom Taylor è una celebrità suo malgrado, dato che suo padre l’ha usato come ispirazione per una serie di romanzi fantasy balzati in cima alle classifiche di vendita. Ma Tom comincia a scoprire che questi romanzi forse non sono per nulla frutto della fantasia.

The Unwritten è una serie emozionante e avventurosa i cui particolari sono curati, profondi e sfiziosi. Poco a poco la serie ha cominciato ad esplorare la natura stessa della narrazione, con intelligenza e gusto, aggiungendo ulteriore qualità al parco testate Vertigo.

Speriamo che il sodalizio Carey/Gross possa durare il più a lungo possibile, anche perché potrebbe già trattarsi di una serie destinata a diventare già un classico.

2 – SCALPED di Jason Aaaron e R.M. Guera

EDIZIONE ITALIANA: serie in corso di pubblicazione (PlanetaDeAgostini) con sfasatura di qualche mese rispetto agli Stati Uniti.

In breve Scalped potrebbe essere descritto come I Soprano ambientato in una riserva indiana. E per quanto sia un paragone appropriato non rende completamente giustizia a Jason Aaaron e alla sua storia.

Scalped è una serie popolata di personaggi tosti e deplorevoli che vivono in uno degli angoli più tristi e dimenticati d’America. E’ una trama popolata di crimini e abusi che mescola elementi noir e Western. Inoltre ha linguaggio estremo e molto forte,  davvero adatto solo ad un pubblico adulto.

Nonostante sia il prodotto di diverse influenze,Scalped resta un prodotto unico e stupefacente.

1 – UNKNOWN SOLDIER di Joshua Dysart e Alberto Ponticelli

EDIZIONE ITALIANA: serie in corso di pubblicazione (PlanetaDeAgostini) con sfasatura di qualche mese rispetto agli Stati Uniti. Si consiglia la lettura anche di questa miniserie, non necessaria per la comprensione della nuova regular ma molto valida.

La nostra serie Vertigo preferita è tra i titoli che purtroppo sono stati cancellati, ma non importa. Finché resterà sugli scaffali (ottobre 2010) il primo posto è assicurato.

Non è la prima volta che questa serie viene lodata, e un motivo c’è. Joshua Dysart riesce a mescolare il soprannaturale con situazioni atrocemente realistiche in Africa, ottenendo un risultato dirompente. La serie è un monito sul nostro “cuore di tenebra”, e pochi fumetti riescono ad essere tanto autentici e a cogliere nel segno.

C’era una volta, nella foresta di Sherwood, il coraggioso Robin Hood con la sua compagnia di arcieri pronti a difendere gli oppressi e a combattere per la giustizia…
No, non vi stiamo per raccontare la storia del celebre eroe inglese tornato di recente anche al cinema. Eppure le gesta di questo famoso personaggio sono collegate alla lunga vicenda editoriale che ci apprestiamo a proporvi: vogliamo infatti ripercorrere l’avventura su carta di uno degli eroi DC più affascinanti e attuali, nonostante sia meno noto al grande pubblico rispetto ad alcuni suoi colleghi: GREEN ARROW, conosciuto in italiano come Freccia Verde.
Un’instancabile dedizione al bene, una volontà di ferro e un’esistenza votata alla tutela dei diritti dei meno fortunati sono alcuni dei tratti distintivi di questo eroe, che, come Robin Hood, combatte i criminali con archi e frecce, ma non lo fa in un bosco, bensì nella temibile giungla urbana di Star City, coadiuvato da una formidabile schiera di aiutanti e.. dal grande amore della sua vita.
Ma andiamo con ordine, e ripercorriamo dall’inizio l’emozionante epopea dell’arciere di smeraldo.

LE ORIGINI: IL BAT-ARCIERE

Green Arrow è uno degli eroi più longevi della DC. Esordì nel 1941 su More Fun Comics #73, creato da Mort Weisinger e George Papp. Il suo alter ego civile è Oliver Queen, spesso abbreviato con “Ollie”. Fin dall’inizio la sua somiglianza con Robin Hood è palese, egli infatti è un abile arciere che, grazie alle sue frecce accessoriate (la freccia-pugno, la freccia-lacrimogena, la freccia-bomba e tutti i suoi buffi marchingegni sono citati nelle storie di Freccia Verde ancora oggi) combatte il crimine nella sua città d’origine, Star City. All’epoca la popolarità di Batman, la celebre creatura fumettistica di Bob Kane e Bill Finger, era già di enorme (la sua serie regolare, dopo l’esordio fortunato su Detective Comics #28, aveva debuttato nel 1940) e così la DC decise di crearne una versione comica e leggera, con tanto di Freccia-Mobile e Freccia-Plano. Ollie Queen infatti è scapolo e ricco come Bruce Wayne, e le sue avventure scanzonate fanno il verso a quelle del più celebre collega gothamita. Ha una spalla più giovane, Speedy, e un arcinemico clown simile al Joker chiamato Bull’s Eye.
Il suo ideatore si ispirò, per creare il personaggio, al romanzo The Green Archer di Edgar Wallace, e dopo una permanenza fissa su More Fun Comics fino alla metà degli anni 40, dal 1946 al 1960 divenne uno dei protagonisti di Adventure Comics, con qualche comparsata occasionale su World’s Finest Comics.
La back-up series che proponeva le sue avventure in coppia con Speedy fu inclusa in una delle prime testate pensate per i team-up (anni prima del dirompente debutto nel 1955 di The Brave and The Bold, testata che consacrò questo espediente narrativo), Leading Comics, serie che vide la luce nel 1941.
Green Arrow fu uno dei personaggi che sopravvisse alla Golden Age e che continuò ad essere pubblicato con sufficiente regolarità grazie all’abilità del suo creatore, “papà” anche del Re dei Mari della DC, Aquaman, il quale continuava a proporre le sue avventure ai lettori. I primi 25 anni di vita editoriale di Ollie in realtà non furono così significativi, ma il “bello” doveva ancora arrivare, inaspettatamente. Siamo alle soglie degli anni 70, e la storia di Freccia Verde fu completamente sconvolta dall’immensa bravura di due mostri sacri del fumetto americano, Dennis O’Neal e Neal Adams.

DENNY E NEAL: OLLIE SCENDE IN CAMPO

La fine degli anni 60 per l’America fu un periodo turbolento: le lotte studentesche, la disillusione causata dalle guerra in Vietnam e le feroci contestazioni contro la politica militare USA, la necessità di affermare con convinzione i diritti delle donne e delle minoranze etniche. E’ questo il contesto sociale di cui si nutre uno dei cicli di storie più famosi della storia del fumetto americano: LANTERNA VERDE/FRECCIA VERDE di Dennis O’Neal e Neal Adams, iniziato su Green Lantern #76 dell’aprile 1970.  L’esigenza di un fumetto più denso da un punto di vista etico, in costante contatto con la realtà, permeava i comics del’epoca, grazie anche alla dirompente entrata in scena dei famosissimi supereroi con superporblemi della Marvel Comics.
Adams aveva già dato un tocco più moderno al personaggio in Brave and Bold #85, e O’Neal, ispirato da questo nuovo design, iniziò a conferirgli nuove sfumature caratteriali sulle pagine della Justice League, rendendolo più forte e incisivo.
Oliver Queen, con un look completamente rinnnovato e meno guascone, divenne quindi il portabandiera dei meno fortunati, il difensore degli oppressi, una voce “di sinistra” in un patheon supereroico che forse si occupava troppo delle minacce cosmiche e dei supercriminali e poco dei veri problemi della gente. Il lungo viaggio attraverso l’America compiuto da Lanterna Verde e Freccia Verde (durato fino al 1974 e snodatosi sulle testate Green Lantern eThe Flash) segnò un epoca, con Hal Jordan costretto ad affrontare una difficile “crisi di coscienza” causata dalla sua incapacità di interfacciarsi con la dura realtà della strada. Sarà proprio Ollie ad aprirgli gli occhi con incrollabile tenacia, mostrandoci un’America diversa da quella opulenta e sfarzosa che trionfava sulle riviste patinate. Questi sono gli anni in cui Ollie costruisce e cementa il rapporto con il grande amore della sua vita, Dinah Lance/Black Canary, seducente e combattiva eroina originariamente appartenente alla continuity dell’universo parallelo Terra 2. Quella fra la Canarina e l’Arciere è una passione forte, autentica, graffiante, destinata a durare, in un eterno tira e molla, ancora oggi.
Temi scomodi come l’uso della droga da parte dei giovani furono mostrati in tutta la loro crudezza su queste pagine, e la vita stessa di Green Arrow è sconvolta dalla scoperta che la sua spalla Speedy, il figlio Roy Harper, in realtà è un tossicodipendente.
Nella seconda metà degli anni settanta il tandem meraviglia Adams/O’Neal si separò, ma ovviamente la storia editoriale di Freccia Verde proseguì con successo. Green Lantern continuò ad essere la back-up series di The Flash, mentre Ollie si spostò su Action Comics.
Nel 1976 la regular Green Lantern venne rilanciata, e Ollie Queen ne divenne subito una presenza fissa, anche se si trattava di storie dal taglio supereroico più tradizionale. Denny O’Neal ritornò ai testi, ma ai disegni c’era Mike Grell, splendido artista il cui tratto risentiva moltissimo proprio dell’influenza di Adams. Lo stesso Grell, ricevendo una sorta di testimone ideale dal suo predecessore, era destinato a lasciare un segno indelebile nella storia di Freccia Verde, con un ciclo di storie avvincente e dai toni  decisamente “oscuri”.

LA GESTIONE DI MIKE GRELL: OMBRE E INQUIETUDINI DEGLI ANNI 80

Nel 1987, poco tempo dopo la fine del grande crossover Crisi sulle Terre Infinite, evento che riorganizzò l’ingarbugliata continuity DC, il personaggio di Green Arrow venne rilanciato in un’ottica differente e adulta, anticipando un “gusto” fumettistico che pochi anni dopo avrebbe portato alla nascita della linea Vertigo.
Le atmosfere, in piena epoca revisionista (questo è il periodo di Moore, Miller e del terremoto che sconvolse il mondo dei supereroi in seguito alla pubblicazione di Watchmen) sono cupe e tragiche, con storie realitische e violente che colpiscono per la loro crudezza. La gestione Grell iniziò con la dirompente miniserie in tre parti (Freccia Verde: Cacciatori dall’Arco Lungo (Green Arrow: The Longobow Hunters), in cui Ollie deve fronteggiare alcuni temibilissimi spacciatori di droga (tematica che ritorna con frequenza nelle storie dell’arciere) e la vita di Canary è drammaticamente messa in pericolo, con conseguenze tragiche.
Freccia Verde si trasferisce a Seattle e abbandona una volta per tutte i gadgets “improbabili” che avevano caratterizzato il suo debutto negli anni 40. Il personaggio s’incupisce, affrontando tematiche urbane e non disdegnando l’uso di un’estrema violenza nei confronti dei suoi nemici. C’è meno spazio per il Green Arrow supereroe e più per il suo lato vigilantesco, con un progressivo isolamento rispetto al resto del DC Universe. Gli altri personaggi compaiono, ma spesso in identità civile e non in costume. Ci sono crossover con altri eroi (realizzati soprattutto da Denny O’Neal , che all’epoca, oltre che con Batman, era impegnato con The Question, un’altra testata dai toni decisamente adulti) ma Ollie acquisisce un orientamento politico più conservatore, anche se allo stesso tempo è più spregiudicato nei suoi metodi. Il parco-comprimari si arricchisce non poco, con una serie di temibili avversari sia nel mondo della polizia/agenzie governative che in quello criminale.
La run di Grell terminò con Green Arrow #80, ma egli ritornò sul personaggio nel 1992 con la miniserie The Wonder Year, dedicata alla giovinezza di Ollie e alla sua formazione.
Dopo la conclusione di questa fortunata gestione la DC reintegrò Freccia Verde nel DC Universe, legandolo alla continuity di quel periodo e a grandi eventi come il crossover Ora Zero (1994).
La serie regolare abbandonò la linea “matura” e venne introdotto il personaggio di Connor Hawke (figlio di Ollie), e la testata culmina nei numeri #100-101, con la morte di Green Arrow, sacrificatosi per evitare uno scoppio di una bomba che avrebbe distrutto la città di Metropolis. La serie fu cancellata con il numero #137, e la scelta di rimpiazzare Oliver con Connor non fu molto fortunata.
Ma come spesso succede, per i supereroi la fine è in realtà un nuovo inizio.. e presto sarebbe toccato alla sagace ironia di Kevin Smith ridisegnare il mito di Green Arrow.

KEVIN SMITH E BRAD MELTZER TRA MODERNITA’ E NOSTALGIA (2000-2004)

Sul nascere del nuovo millennio toccò proprio a Kevin Smith, regista notissimo ai fan per il film culto Clerks (Commessi), rivitalizzare il personaggio di Ollie, con una lunga corsa fumettistisca insolita e riuscita. La nuova serie, ripartita dal numero #1, reintrodusse l’Arciere nel DC Universe dopo la sua morte, dando vita ad una run divertentissima e mai noiosa. Le trame sono piuttosto consuete, ma il Green Arrow di Smith spiazza (in senso positivo) per la brillantezza dei dialoghi e le caratterizzazioni dei personaggi. Oliver è determinato, scanzonato e irriverente, con battute al fulmicotone che spiazzano e intrattegono lo spettatore. La serie, spassosa e dinamica, mostra Freccia Verde impegnato non solo nella lotta al crimine, ma anche in una serie di relazioni complicate e autentiche con i propri figli e l’amore di sempre, Black Canary.
Viene introdotto anche il personaggio di Mia Dearden, ragazza caparbia che diventerà il nuovo sidekick (Speedy) di Olli, ma che dovrà affrontare, in seguito, una vicenda umana davvero drammatica.
Dopo l’abbandono di Smith è il romanziere Brad Meltzer a scrivere la serie, dando vita a uno storyarc intensissimo: La ricerca dell’Arciere (The Archer’s Quest), magnifico tributo all’amicizia di Ollie con Hal Jordan (all’epoca ormai in procinto di tornare in vita con Green Lantern Rebirth) e al loro viaggio degli anni 70 attraverso gli Stati Uniti. Si tratta di una vera e propria riflessione sull’eroismo, che Meltzer porta avanti poco dopo in maniera grandiosa e commovente anche in IDENTITY CRISIS, il primo grande evento di avvicinamento al crossover del 2005 Crisi Infinita. Anche qui Oliver è una delle voci narranti principali dell’emozionante vicenda, e Meltzer in questo frangente, ancora una volta, mostra tutto il suo amore per il personaggio. Crisi d’Identità è sicuramente una delle storie DC più belle e significative degli utlimi 20 anni. Lo stesso “occhio di riguardo” per gli la famiglia di Arcieri DC verrà mostrato da Meltzer anche nella sua run di 12 numeri della nuova Justice League of America, seppur in maniera differente.

JUDD WINICK: NATO PER SCRIVERE GREEN ARROW (2004-08)

Judd Winick, all’inzio degli anni 2000, era sicuramente uno dei talenti emergenti più interessanti che si stava facendo strada alla DC. Graffiante, dinamico, interessato a dare alle sue storie una dimensione fortemente “sociale” (caratteristica che emergeva anche sulla sua interessante gestione di Green Lantern di poco precedente) è quindi lo scrittore perfetto per Oliver Queen. La sua run su [Green Arrow (iniziata nel 2004 con il numero #40 della serie regolare e proseguita anche dopo il crossover Crisi Infinita con gli episodi denominati Un Anno Dopo), coadiuvato alle matite prima da Phil Jester e poi da Scott McDaniel, è un susseguirsi di colpi di scena, prima con la scoperta della sierpositività di Mia Dearden, poi con la nomina di Ollie come sindaco di Star City, scelta che vede Freccia Verde determinato a dare alla sua città un futuro migliore anche da un punto di vista politico. Le logiche del potere però lo stritolano, e la regular, a causa delle (immeritate) scarse vendite chiuderà con il numero #75 (giugno 2007) con un colpo di scena: la proposta di matrimonio di Ollie a Dinah.
Nel 2007 esce anche la validissima miniserie Green Arrow: Year One dell’ottimo duo Andy Diggle/Jock (la coppia formidabile che alla Vertigo faceva faville con The Losers) la quale rielabora in maniera moderna e dinamica le origini di Oliver Queen.

GREEN ARROW/BLACK CANARY: E VISSERO FELICI E CONTENTI?

Il matrimonio “a sorpresa” di Ollie e Dinah diventa quindi uno degli eventi più attesi delle storie DC di quel periodo, con la pubblicazione di alcuni speciali (The Black Canary Wedding Planner, JLA Wedding Special, and The Green Arrow/Black Canary Wedding Special., preceduti da una miniserie in quattro parti dedicata proprio alla Canarina) destinati a fare da “ponte”con la nuova serie regolare dedicata dunque alla vita matrimoniale di una delle coppie più longeve del DC Universe, intitolata proprio Green Arrow/Black Canary.
La serie, scritta ancora da Judd Wnick, manca però di mordente, e l’Arciere progressivamente perde, a causa di scelte editoriali poco felici, lo smalto degli anni precedenti. Ma grandi cambiamenti sono alle porte, con la DC determinata a dare una svolta imprevista alle vita del personaggio. Dal numero #15 la serie Freccia Verde/Black Canary (ancora in corso di pubblicazione) è scritta da Andrew Kreisberg, che cerca di dare alla testata toni meno scanzonati e più noir.

JUSTICE LEAGUE: CRY FOR JUSTICE

L’universo DC è ancora sconvolto dagli effetti del crossover Final Crisis, con la JLA determinata a “ristabilire gli equilibri” spazzati via dall’equazione dell’antivita di Darkseid, che ha soggiogato le menti e i cuori della gente comune e degli eroi. La rabbia di Ollie e di altri membri storici del gruppo è molto forte, e si concretizzerà in scelte estreme e sorprendenti. Questa miniserie scritta da James Robinson rappresenta il punto di svolta (che non vi anticipiamo) della nuova vita di Oliver Queen, la cui esistenza ora è radicalmente differente.
Gli eventi sorprendenti di questa storia vengono ripresi da Robinson nella sua Justice League, e a questo progetto la DC fa seguire una nuova serie regolare di Green Arrow (ripartita per l’occasione dal numero #1) scritta da J.T. Krul e collegata agli eventi dell’iniziativa editoriale Brightest Day. Nelle intenzioni di Krul la nuova regular è fortemente collegata al mito di Robin Hood (riallaciandosi quindi alle origini del personaggio) e vede Ollie costretto ad agire in un contesto e in una condizione decisamente nuova per lui.

Cosa ci riserverà il futuro dell’Arciere di Star City? Freccia Verde ha ormai 70 anni, eppure sembra non invecchiare mai.

FRECCIA VERDE SUL NOSTRO SITO:

Forum

Come cominciare a leggere Freccia Verde (e gli altri eroi DC)

Freccia Verde: Anno Uno
Freccia Verde di Judd Winick
Freccia Verde/Black Canary – lo spillato
Freccia Verde/Black Canary (TP)
Freccia Verde di Kevin Smith e Brad Meltzer
Lanterna Verde/Freccia Verde di O’Neal e Adams

Recensioni:

Freccia Verde: Anno Uno
Cacciatori dall’Arco Lungo

Testi: Naoki Urasawa x Osamu Tezuka
Disegni: Naoki Urasawa x Osamu Tezuka
Coautore: Takashi Nagasaki
Edizione originale: Pluto 1-8 (serializzato precedentemente su Big Comics Spirit)
Edizione italiana: Pluto 1-8 (Panini Comics)

Partiamo con qualche precisazione: Pluto non è una storia originale. Creato infatti per celebrare l’anniversario di Tetsuwan Atom (meglio conosciuto come Astroboy), il manga di Urasawa ripercorre un famoso ciclo (“Il più grande robot del mondo“) creato appunto da Osamu Tezuka. Da qui derivano infatti i credits di cui sopra: il celebre “dio dei manga” infatti è morto da tempo, e a lui appartengono solo i personaggi originali e la storia in questione, peraltro anche trasposta in anime.

La particolarità sta però nel fatto che Urasawa ha “preso” i personaggi originali ricontestualizzandoli all’interno di una trama tutta nuova, decisamente più articolata di quella, molto semplicistica, di Tezuka: personaggi, situazioni, psicologie… tutto è nuovo e in puro stile Urasawa (per chi ha letto Monster e 20th Century Boys), condito quindi da misteri, cliffhanger, flashback rivelatori ecc.

Due parole sulla trama: in un mondo futuristico umani e robot convivono ormai apertamente, godendo ciascuno dei propri diritti.
I robot possono adottare figli, lavorare nei più disparati campi, nonchè (apparentemente) provare emozioni come qualsiasi essere umano.
Fra questi automi ne spiccano 7 in particolare, che vengono considerati i robot più sofisticati della terra.
Uno di loro è Gesicht, poliziotto dell’Europol operante in Germania, che si trova appunto ad affrontare la misteriosa distruzione di alcuni dei 7 robot di cui sopra da una parte, e l’omicidio di diversi esseri umani dall’altra.

La cosa strana è che, non essendoci alcuna traccia sul luogo del delitto, gli omicidi possono essere commessi solo da un robot… Ma,  chi ha letto Asimov, sa che questo accadimento è praticamente impossibile: ogni essere artificiale ha per default, al proprio interno, multipli sistemi di sicurezza creati appositamente per prevenire questo “inconveniente” (non scordiamoci poi le leggi della robotica).

Fermandoci qui nello spoilerare la trama, andiamo ad analizzare un pò l’opera.
Per prima cosa, la trama: se avete letto Monster prima, 20th Century Boys e vi apprestate a leggere Pluto, non aspettatevi un capolavoro: certo, il manga è ottimo, forse la migliore proposta edita al momento (escludendo le opere di Taniguchi che, per quanto eterodosse ed “europee”, appartengono comunque sempre al Fumetto giapponese e sono in grado di rivaleggiare con Urasawa), ma paga il dover necessariamente attenersi ad una trama di fondo già scritta tempo fa e risulta debole in alcuni frangenti, ad esempio nella caratterizzazione dei robot.

Sì, dei robot, non dei personaggi, perché anche alla fine del fumetto non si riesce a comprendere fino in fondo se i robot vivano le emozioni (come gli esseri umani) o semplicemente le mimino, ricalcando i comportamenti più comuni grazie ai loro processori.
Oppure l’intelligenza artificiale può in qualche modo evolversi come si evolve un cervello umano, dalla nascita fino alla morte dell’individuo?
Questi ed altri particolari (che purtroppo non posso svelare perché parti integranti della trama) sono i talloni d’Achille dell’opera.
Se sapete sorvolare, vi troverete davanti ad una vicenda appassionante, ben scritta (nonostante alcuni passaggi “ostici” in traduzione e qualche refuso sparso) e ottimamente disegnata, che saprà prendervi dall’inizio alla fine, specie se ignorate totalmente la storia originale.

Due parole sull’edizione Panini: da migliorare.
Da migliorare perché proprone al lettore, al prezzo di 7.50€, un volumetto sì con sovracoperta, ma la carta utilizzata è troppo sottile e crea, in sede di lettura, una fastidiosa trasparenza fra fronte e retro della stessa pagina.
Il secondo, grande difetto consiste nelle pagine a colori: ce ne sono massimo 8 a volume (alcune volte solo 4):  se così fosse in originale, niente da dire. Ma in originale le pagine a colori, in quadricomia, sono molte di più (basta vedere le numerose pagine “in grigio” all’interno di ogni volume: ecco, quelle erano a colori), e francamente per un prezzo del genere forse si sarebbe potuto fare uno sforzo in più e proporre queste pagine integralmente.
E’ una scelta assolutamente non condivisibile, anche perché la colorazione che Urasawa dà ai suoi capitoli è stupenda (quando non sono in quadricomia, ovviamente), e sarebbe stato lasciare questo suo lavoro intatto anche nell’edizione italiana…

In sintesi, l’opera è ottima (e al momento anche l’unica di Urasawa reperibile integralmente, in attesa della riedizione di Monster) e merita moltissimo, al punto da giustificare l’acquisto nonostante alcune pecche editoriali.

A cura di Luca Massari

Non c’è pace per Daredevil. Oltre agli eventi che stanno sconvolgendo lo status quo del personaggio in Shadowland (una delle storie più dirompenti dell’estate targata Marvel) alla convention di Toronto (Canada) sono state confermate le voci che prevedono enormi cambiamenti per la vita di Matt Murdock.

Dopo la conclusione di Shadowland infatti a gennaio inizierà una nuova mini dal titolo Daredevil: Reborn di Andy Diggle e Davide Gianfelice, preceduta a dicembre dalla one-shot intitolata Shadowland: After The Fall, i cui protagonisti saranno i personaggi più importanti della vita di Matt. La cover dell’albo sarà disegnata dall’artista da poco passato in esclusiva alla DC, David Finch.

La mini Daredevil Reborn sarà costituita da albi di 32 pagine con copertine disegnate da Jock, che ha realizzato con Diggle diversi progetti, a partire dalla fortunata serie Vertigo The Losers.

L’editor di Daredevil Stephen Wacker ha confessato che non sarà facile scrivere una storia di questo tipo dopo Born Again di Frank Miller, che egli stesso considera il più alto vertice editoriale mai toccato dal Diavolo di Hell’s Kitchen. Reborn (il cui titolo richiama evidentemente la miniserie dedicata a Cap, con tutte le implicazioni del caso) probabilmente vedrà la presenza anche di un nuovo Daredevil, il quale sarà costretto, chiunque sia, a “ricostruirsi” dopo gli eventi di Shadowland.

Ma questo, attenzione, non significa che Matt Murdock abbandonerà il ruolo, dato che il suo nome è indissolubilmente (e lo sarà sempre) legato a quello del vigilante newyorkese. E qui cominciano le speculazioni. Forse non si tratterà di un nuovo Daredevil, ma di un nuovo UOMO SENZA PAURA (da qualche tempo infatti la campagna pubblicitaria della Marvel connessa con questi eventi recita “Chi sarà il nuovo Man without Fear?”) , dato che gli eventi sconvolgenti di Shadowland potrebbero avere instillato nel cuore di Matt una paura vera e tangibile.

L’italiano Davide Gianfelice torna quindi a disegnare un supereroe dopo l’ultimo numero di Weapon X di Jason Aaron. Egli proviene dalla Vertigo, dove ha disegnato Northlanders con Brian Wood ai testi e Greek Street di Peter Milligan. La run di Andy Diggle si conferma quindi un progetto ad ampio raggio cominciato su Dark Reign: The List – Daredevil, Daredevil #500 e Shadowland.

Nulla è mai facile, per l’Uomo Senza Paura. Restate sintonizzati!

Testi: J.M. DeMatteis
Disegni: Jon J. Muth
Edizione originale: The Compleat Moonshadow
Edizione italiana: Inedito. E’ possibile una futura pubblicazione da parte della Planeta DeAgostini

Viaggia dagli angoli più remoti dello spazio profondo ai cieli stellati dell’animo umano insieme al giovane sognatore Moonshadow e il suo compagno, il cinico alieno Ira, immersi nella indimenticabile odissea galattica che lo scrittore di fantascienza Ray Bradbury ha definito: “bellissimo, originale, indimenticabile.”

Moonshadow è una strana e folle miscela di tante cose, nei suoi pianeti da nomi eloquenti come “Bing Bang Boom” o “Gimme Gimme”che sembrano usciti dai viaggi di Gulliver, a personaggi tanto enigmatici quanto sopra le righe come l’alieno Ira.
E’ anche una vita.
La vita di un ragazzo nato in posto singolare, da una madre figlia dei fiori erede dell’infermità mentale di una sua zia un po’ eccentrica e di una misteriosa quanto capricciosa creatura dai poteri pressoché infiniti,  che col suo ghigno beffardo sembra solo prendersi gioco degli ingenui sforzi del ragazzo di capire ed esplorare l’universo insieme al cinico, grezzo (per usare un eufemismo) e buffonesco Irae a un gatto misteriosamente longevo.
Così inizia il viaggio di Moonshadow in cerca di avventura in un universo messo a nudo nella sua follia mirabilmente dipinto ad acquerello da John J. Mutt, bravissimo nel rappresentare sia scene leggiadramente oniriche che crudemente satiriche.
John Marc De Matteis fa narrare la storia direttamente da un vecchio e ormai sereno Moonshadow, che introduce ogni “libro” del suo racconto citando brani da Blake, Tolkien e altri autori i cui libri hanno dominato l’infanzia del protagonista e tramite i suoi occhi filtra con disincanto spesso divertito gli eventi vissuti durante la sua ingenua giovinezza.
Tutti questi elementi da me enumerati più altri che sarebbe troppo lungo elencare contribuiscono ad un’opera poetica, tragica, comica, satirica e sognante che a mio parere non puo’ mancare in nessuna collezione di fumetti americani.

A cura di Paolo Casamento

Osaraba, Satoshi-san.

I fumetti, per fortuna, non vanno mai in vacanza. Non solo ci fanno compagnia sotto l’ombrellone, ma le case editrici continuano a lavorare per poterci regalare prodotti sempre più interessanti.
Ecco alcune “pillole” DC direttamente dagli USA che ci mostrano le pubblicazioni di agosto e svelano in anteprima alcuni progetti autunnali.

• Continua il crossover intitolato Dark Things fra JSA/JLA, strettamente legato agli eventi della testata Brightest Day . Il team creativo è composto da James Robinson e Mark Bagley,  ed è destinato a toccare da vicino il mondo di Lanterna Verde.
  



• Continua la miniserie Batman Beyond, pubblicazione legata alla serie animata che, sul finire degli anni ’90, proponeva storie ambientate nel futuro, con un Batman giovane e tecnologico (Terry McGinnis) aiutato nella lotta al crimine dall’anziano mentore Bruce Wayne. In questa nuova avventura Terry è destinato ad incontrare alcune vecchie conoscenze del Cavaliere Oscuro, tra cui il misterioso Hush.
  



• Nuovo team per i Teen Titans. A partire dal numero #88 lo scrittore sarà J.T. Krul, da qualche mese al timone di Freccia Verde, e i disegni saranno affidati a Nicola Scott, artista rivelazione dei Secret Six. Riuscirà il nuovo team a risollevare le sorti di una testata da troppo tempo poco incisiva?
  



• Superman arriva in Ohio. Continua il difficile viaggio di Kal-El attraverso l’America in Grounded, la storia di debutto sulla serie principale dell’Uomo D’Acciaio scritta da J.M. Straczynski. A settembre Clark visiterà Cincinnati, una delle città più importanti dello Stato, famosa anche per la sua squadra di football. E inoltre non mancheranno i riferimenti di tipo giornalistico, con Superman che ci farà conoscere le redazioni dei più importanti quotidiani d’America.
  



• Superboy debutta a novembre. Dopo gli annunci dei mesi scorsi è stata finalmente resa ufficiale la data d’inizio della nuova attesissima serie regolare di Jeff Lemire, che partirà appunto il prossimo novembre. Dopo il gustoso prologo visto su Adventure Comics, è tempo per Conner Kent di ritornare a volare.
  



• Francesco Francavilla disegnerà la second feature di Detective Comics dedicata a Jim Gordon. I testi saranno di Scott Snyder, il nuovo regular writer della serie. Il tratto dell’artista, elegante e raffinato, contribuirà alla atmosfere noir volute dallo stesso Snyder.
  



• Dustin Nguyen disegnerà Batgirl. La notizia sembra incredibile, eppure a partire da novembre con lo storyarc The Lesson (numero #15) ad affiancare lo scrittore Brian Q. Miller nella gradevole serie dedicata alla nuova Batgirl sarà proprio l’apprezzatissimo Nguyen. La regular, che dall’anno scorso si mantiene su buoni livelli di vendita, supera da tempo nelle classifiche di vendita proprio Streets of Gotham, la testata dell’amatissimo duo Dini/Nguyen. Che questo sia un segno della sua prematura chiusura?
  



• Continua a riscuotere consensi il lavoro incrociato sull’Uomo Pipistrello di Grant Morrison e Tony Daniel. Sulla serie regolare Batman infatti (il numero #702 è uscito negli USA il 25/8) Daniel sta continuando ad esplorare un momento non  ancora raccontato della vita di Bruce Wayne: quello che è accaduto tra Batman R.I.P e Final Crisis.
  



• Chaykin torna ascrivere Batman. Lo scrittore di Oscure Alleanze realizzerà (testi e disegni) una one-shot intitolata BATMAN/CATWOMAN: FOLLOW THE MONEY dedicata appunto a Batman e Catwoman, facendo rivivere su carta l’eterna rincorsa amorosa fra la Gatta e il Pipistrello.
  

Via The Source

Non si può negare che esistano fumetti anche molto violenti (in genere etichettati dalle stesse case editrici come lettura per adulti e sconsigliati ai ragazzi) ma considerare solo questo aspetto delle storie che mensilmente leggiamo appare molto riduttivo. Al contrario di quanto affermato in questo studio gli eroi come Superman non erano tali solo nel 1938, anzi. Basta avvicinarsi con curiosità alle pubblicazioni delle due principali case editrici americane, Marvel e DC, per rendersi conto di quanto eroismo/idealismo trasudino ancora le avventure dei personaggi in calzamaglia. Certo, ci sono stati gli Anni 80, Miller, Moore, Watchmen, il decostruzionismo, la Image e gli anni 90, Millar, gli Ultimates, Ellis e Authorithy.. ma affrontare il problema da questo punto di vista significherebbe mettere “troppa carne al fuoco”. La figura dell’eroe è stata problematizzata, sezionata, ribaltata ed estremizzata, ma le loro imprese continuano a incantare il pubblico di appassionati, sedotto dalla forza d’animo di alcune delle icone più celebri della cultura popolare contemporanea.

Superman continua a solcare i cieli di Metropolis con instancabile amore e dedizione nei confronti del genere umano, Batman difende strenuamente legge e giustizia sulle strade di Gotham City, e Spider-Man è ancora il Ragno di quartiere guascone e pieno di superproblemi. E’ cambiato il modo di scriverli, disegnarli, raccontarli, interpretarli, ma basterebbe dare un’occhiata alle storie DC degli ultimi anni per rendersi conto di quanto alto sia il senso morale dei personaggi principali di questa casa editrice, leggendo ad esempio crossover come Final Crisis e Blackest Night, che in maniera diversa sono un tributo autentico ai valori fondanti dell’eroe.

La Marvel (che, è giusto ricordarlo, è alle soglie di una nuova Heroic Age) nell’ultimo decennio ha compiuto una scelta in parte differente, ma le trame portate avanti dalla Casa delle Idee avevano comunque lo scopo di mostrare con crudezza e senso critico i limiti della società e della politica americana degli anni 2000, fornendo molteplici spunti di riflessione.

Violenza e Maschilismo, dicevamo. Da ragazza appassionata di comics quest’ultimo è davvero l’aspetto che mi preme di più confutare. Pensate davvero che se ritenessi quello che leggo maschilista o lesivo nei confronti della dignità femminile divorerei pagine e pagine di fumetti ogni mese? No. Anzi, ritengo che nei fumetti siano presenti una serie di modelli di donna decisamente più positivi di quelli mostrati quotidianamente dai media. I fumetti sono in gran parte pensati per pubblico maschile, ma questo è un discorso diverso. Non sono le tutine attillate o la scollatura (così come non contano gli improbabili costumi sgargianti e le mutande sopra i pantaloni nel caso degli eroi maschi) a determinare le qualità di un’eroina, tutto ciò fa parte dell’ “estetica” del fumetto, che ha una componente visuale ovviamente molto forte.

Uno degli aspetti che amo del mondo dei comics è proprio la quantità di personaggi femminili convincenti che propone da sempre, caratterizzati tra l’altro in maniera magnifica da tanti scrittori (maschi) che sanno descrivere l’animo e il cuore delle ragazze MOLTO meglio di tante scrittrici. Su tutte ovviamente svetta Wonder Woman, fin dagli anni 40 (per bocca anche di chi l’ha interpretata sul piccolo schermo, la popolare attrice Lynda Carter) instancabile portabandiera dei diritti delle donne, guerriera fiera, indipendente, coraggiosa, e che ha combattuto perfino i nazisti al fronte.

Nella volontà di ferro di Lois Lane, nella testardaggine di Renèe Montoya, nella volontà di autodeterminazione di Batwoman, nel commovente coraggio di Barbara Gordon, nella cocciuta opposizione a Norman Osborn di Maria Hill, nelle volontà di leader di Ms Marvel (solo per citare alcuni esempi) come può esserci traccia di maschilismo?
C’è invece ardore, forza, instancabile dedizione. C’è la volontà di non piegarsi alle ingiustizie e alle brutture della vita, e di lottare per un mondo migliore. E non mi sembra che lo stesso si possa dire invece delle vallette improvvisate che popolano i nostri palinsesti televisivi.
I fumetti sono meravigliosi proprio perché, a volte in maniera inaspettata e stupefacente, fotografano la nostra anima, le nostre paure, le nostre ambizioni. Ed è difficile persino in letteratura trovare personaggi femminili complessi e sfaccettati come quelli presenti nel colorato universo dei comics.

Quindi ci si guardi con attenzione dall’etichettare con superficialità gli eroi a stelle e strisce. Si rischia di precludersi la scoperta di un mondo denso di significati e valori, autentico erede dei personaggi mitici e mitologici che tanto facevano sognare i popoli antichi.

A cura di Elena Pizzi