Catherine Kouliche -Goldman : un blog passionnement textile

2026-08-19T06:29:58.249-07:00

Ecrire, c’est un peu tisser : les lettres, en un certain ordre assemblées, forment des mots qui mis bout à bout, deviennent des textes. Les brins de fibres textiles maintenus ensemble par torsion forment des fils qui, en un certain ordre entrelacés, deviennent des tissus…Textile et texte, un tête à tête où toute ressemblance n’est pas fortuite. Il est des civilisations qui transmettent leur culture par l’écriture, d’autres par la parole, d’autres encore, par la parole écrite avec un fil. Entre le tissu et moi, c’est une histoire de famille. Quatre générations et quatre manières différentes de tisser des liens intergénérationnels entre les étoffes et les « textilophiles ». Après ma formation à l’Ecole du Louvre et un passage dans les musées nationaux, j’ai découvert les coulisses des étoffes. Avec délice, je me suis glissée dans des flots de taffetas, avec patience j’ai gravi des montagnes de mousseline, avec curiosité j’ai enjambé des rivières de tweed, pendant plus de 35 ans, au sein de la société De gilles Tissus et toujours avec la même émotion. J’eus l’occasion d’admirer le savoir-faire des costumiers qui habillent, déguisent, costument, travestissent les comédiens, acteurs, danseurs, clowns, chanteurs, pour le plus grand plaisir des spectateurs. J’ai aimé travailler avec les décorateurs d’intérieurs toujours à la recherche du Graal pour leurs clients. Du lange au linceul, le tissu nous accompagne, il partage nos jours et nos nuits. Et pourtant, il reste un inconnu ! Parler chiffon peut parfois sembler futile, mais au-delà des mots, tissu, textile, étoffe, dentelle, feutre, tapisserie ou encore broderie, il est un univers qui gagne à être connu. Ainsi, au fil des ans les étoffes sont devenues des amies j’ai plaisir à vous présenter chaque mois sur ce blog de manière pédagogique et ludique. Je vous souhaite une belle lecture.

« L'ARBRE NOUS PRÊTE SON MANTEAU, ILNE NOUS LE DONNE PAS." AUX ORIGINE DU LUBUGO

2026-07-21T10:01:49.921-07:00

EXPOSITION MICHAEL ARMITAGE AU PALAIS GRASSI : UNE AVENTURE SENSORIELLE

J'avoue avoir été, dans un premier temps, perplexe, puis intriguée et finalement séduite par l'œuvre de Michael Armitage. Sur le petit groupe de visiteurs, je fus la seule à m'approcher très près des tableaux, au grand dam de la guide, mais j'aurais voulu toucher, passer mes doigts sur les balafres de ces feuilles de lubugo colorées, pour saisir autrement que par la vue, la texture inhabituelle de ce support.

Curieusement, face à la toile d'un grand maître de la Renaissance, le regard suffit à nourrir mon émotion, mais ici, j'avais besoin d'enrichir mon regard par le toucher. C'est ainsi que mon œil devint tactile. Ne se contentant pas de contempler, il effleura la surface, devina les aspérités du barkcloth.

Michael Armitage,'au-delà de la puissance de ses thèmes, parvient à solliciter nos sens. Il transforme chacune de ses œuvres en un véritable terrain d'expérience sensorielle.

UNE DIMENSION SUPPLÉMENTAIRE

Son choix de peindre sur un tissu d'écorce, un matériau traditionnel d'Afrique, le lubugo fabriqué depuis des générations par le peuple Baganda originaire du sud de l'Ouganda, ajoute une dimension à son œuvre. Les plis, les cicatrices et les irrégularités refusent la perfection académique de la toile de lin utilisée par les peintres occidentaux.

LE LUBUGO, UN CV HORS DU COMMUN Le lubugo, marqué par son parcours semé d'embuches lors de sa fabrication, devient ici le miroir des histoires de blessures et de résistance que le peintre met en scène.

LUBUGO MODE D'EMPLOI Les hommes récupèrent l'écorce durant la saison des pluies, en la séparant du tronc. Les "feuilles" sont mises à tremper dans l'eau afin de les assouplir. C'est alors qu'elles prennent cette couleur si particulière rougeâtre, puis elle sont grattées et nettoyées. La dernière opération est, par tradition, confiée aux femmes qui, inlassablement, martèlent cette écorce à l'aide d'un maillet afin de lui donner l'aspect d'un "tissu".

Habillées de couleurs souvent vives, les imperfections s'exposent Le support fait déjà partie de la future œuvre. Avec ses accrocs, ses accidents, le lubugo n'arrive pas vierge dans l'atelier ; il a déjà une histoire avant que le premier coup de pinceau ne viennent "l'habiller". Son vécu se fond dans les thèmes chers à Michael Armitage : violences politiques, tensions sociales, traumatismes individuels et collectifs, sans oublier la mémoire, la vulnérabilité et la résilience. Les coutures sont volontairement visibles, la surface est souvent accidentée, les reliefs ne sont jamais retravaillée, rien n'est dissimulé, au contraire! .

UN LANGAGE PICTURAL TRES PARTICULIER

Armitage ne peint pas sur une surface silencieuse, mais la rugosité et les aspérités entament un dialogue avec le pinceau. Entre le fond et la forme, s'immisce un langage qui s'exprime, non pas avec des mots, mais avec des maux et le tableau apparait peu à peu sans essayer de masquer les imperfections de la vie.

ILS SE SONT TROUVÉS L'artiste aime à rappeler cette anecdote : c'est lors d'une balade sur un marché touristique de Nairobi qu'il découvrit le lubugo sous la forme d'un dessous de verre. Intrigué par la matière, il en acheta plusieurs et, après quelques recherches, il apprit qu'il s'agissait du lubugo. Le plus désolant c'est qu'un article qui, à l'origine, avait une signification culturelle et spirituelle, était devenu un objet sans âme, un trésor finissant sous un verre de bière ! Peut-on attribuer cette décadence au tourisme comme certains le pense ? Peut être, mais ces acheteurs parfois compulsifs permettent aussi au lubugo de perdurer, même si le contexte n'est pas celui escompté. Avec l'avènement du commerce et le développement du tissage, des tissus en coton et en soie furent introduits dans cette région par des marchands caravaniers arabes au milieu du XIXe siècle ; ce fut un des éléments de la décroissance de la production de lubugo. Mais la tradition du lubugo servant de linceul n'a pas totalement disparue.

Des années durant, Armitage chercha un support en accord avec son expression artistique en résonance avec son histoire culturelle ou plutôt ses histoires culturelles qui oscillent entre l'Europe et l'Afrique de l'Est puisque, de mère kenyane et de père britannique. Il se détourna de la toile de lin, support trop académique et traditionnèlement lié à l'histoire de l'art occidental. Le choix délibéré du lubugo joue sur plusieurs "tableaux" si j'ose dire. C'est un marqueur sur le plan historique, culturel, politique et technique.

LA NATURE A SES SECRETS QUE PARFOIS ELLE PARTAGE AVEC L'HOMME Au Buganda, le plus grand des royaumes traditionnels de l'Ouganda, les maîtres artisans se transmettent de génération en génération, l'art de transformer l'écorce du figuier en lubugo avec un savoir-faire né bien avant l'invention du tissage.

“L'ARBRE NOUS PRÊTE SON MANTEAU, IL NE NOUS LE DONNE PAS."

J'ai employé cette maxime ougadaise inspirée des savoir-faire traditionnels du peuple Baganda comme titre de ce post, parce que cette vision du rapport de l'homme à la nature fondée sur le respect et la durabilité, c'est à nous aujourd'hui de la faire nôtre : “prélève ce dont tu as besoin sans épuiser la nature“.

Les dimensions et les formes des écorces, une fois travaillées, étant variables, pour adapter la surface de ce "tissu" végétal aux dimensions désirées pour ses toiles, Michael Armitage raboute plusieurs morceaux avec des coutures assez grossières.

Le lubugo fut en 2008 classée dans les chefs-d'œuvre du patrimoine culturel et immatériel de l'humanité de l'Unesco.

UNE ETOFFE QUI NE SE TISSE PAS : LE BARKCLOTH

2026-07-08T02:41:15.883-07:00

Le tapa est souvent appelé « tissu », bien qu'il ne soit ni tissé ni tricoté. Il est obtenu en battant l'écorce interne du mûrier à papier (Broussonetia papyrifera) à l'aide d'un maillet et de beaucoup d'huile de coude afin de l'assouplir. Définir ce matérieau pour qui ne l'a jamais eu entre les mains n'est pas aisé ; il serait plus proche d'une feuille épaisse de papier que d'une étoffe au sens classique.

Un travail rythmé par le son

Dans de nombreux villages du Pacifique, le battage de l'écorce produisait un rythme caractéristique. Les voyageurs européens racontaient qu'on entendait ce martèlement à plusieurs kilomètres, comme un orchestre de percussions. Les femmes, principales artisanes du tapa, pouvaient parfois être reconnues à leur cadence de frappe.

Plus précieux que de l'argent, les épices, la soie...

Avant l'introduction de la monnaie européenne, de grands tapa servaient de biens de prestige. Ils étaient offerts lors des mariages, des funérailles, des naissances ou des investitures de chefs. La valeur d'un tapa dépendait souvent de sa taille, de sa finesse et de son histoire familiale.

Des rouleaux gigantesques

Au Tonga le mot "ngatu" désigne une "étoffe" d'écorce battue et décorée avec des motifs symboliques alos que le mot tapa ne s'applique qu'aux bordures blanches ou aux parties non décorées. Aujourd'hui le terme tapa est dévenu dans le reste du monde le terme générique qui désigner un tissu d'écorce décoré.

Les Ngatu qui peuvent atteindre plusieurs dizaines de mètres sont déroulés lors de cérémonies importantes et peuvent être transmis de génération en génération.

A Wallis et Futuna , les éléments peints sont ceux de la nature environnante, c'est-à-dire des motifs issus de la mer

Voici quelques photos d'un tapa, de 4 m de long, mon tapa, que je garde précieusement roulé depuis des années en attendant de trouver l'endroit adéquat pour l'exposer.

Les motifs racontent des histoires

Les décors ne sont pas uniquement esthétiques. Ils évoquent souvent des plantes, des animaux, des généalogies ou des événements historiques. Dans certaines îles, chaque famille possède des motifs qui lui sont associés.

Le capitaine Cook en rapporta en Europe

Lors des voyages de James Cook au XVIIIᵉ siècle, de nombreux tapa furent rapportés dans les collections européennes. Ils fascinèrent les naturalistes, qui peinaient à comprendre comment une étoffe aussi souple pouvait être fabriquée à partir d'écorce.

Une odeur particulière

Les tapa anciens conservent souvent une légère odeur végétale ou fumée, liée au séchage, aux colorants naturels ou à leur conservation. Les conservateurs de musées utilisent parfois cette caractéristique pour mieux comprendre leur fabrication.

Des pigments entièrement naturels

Les couleurs sont fabriquées à partir de terres, de charbon, de suie, de racines ou d'écorces. Le brun rouge est souvent obtenu grâce à des extraits végétaux riches en tanins, tandis que le noir peut provenir de la suie mélangée à une gomme végétale.

Une fabrication collective

Pour les très grandes pièces, plusieurs femmes travaillent ensemble : certaines battent l'écorce, d'autres assemblent les feuilles avec une colle à base d'amidon, d'autres encore appliquent les motifs à l'aide de planches gravées ou de pochoirs.

Un art toujours vivant

Contrairement à une idée répandue, le tapa n'est pas seulement un objet ancien conservé dans les musées. Dans les îles Fidji, Tonga, Samoa, Vanuatu et Wallis et Futuna il est encore fabriqué aujourd'hui pour les cérémonies traditionnelles et par des artistes contemporains qui explorent de nouvelles formes d'expression, comme le peintre Michael Armitage , qui utiise des feuilles de barkcloth comme support pour ses toiles.

Le tapa est ainsi bien plus qu'un simple matériau : il est à la fois support artistique, objet rituel, marqueur d'identité, bien d'échange et archive de la mémoire des communautés du Pacifique.

UN DUO INATTENDU : MICHAEL ARMITAGE ET LE BARCLOTH OU QUAND L'ART CONTEMPORAIN S'EXPRIME SUR UN SUPPORT ANCESTRAL

La particularité de Michael Armitage, c'est le choix de peindre, non pas sur une toile classique, mais sur du barkcloth. Le choix du lubugo, un tissu fabriqué à partir de l'écorce du figuier d'Ouganda est, à première vue, un support qui possède tous les défauts pour décourager un artiste peintre. Il est irrégulier, fragile, traversé de coutures, parfois percé de trous ou marqué de déchirures. Pourtant, c'est précisément cette matière vivante qui intéresse Armitage. Chaque morceau de barkcloth possède une texture, une histoire et des accidents qui influencent directement la composition. Les plis, les cicatrices et les ouvertures ne sont pas dissimulés ; ils deviennent des éléments de l'image, participant à son récit autant que la peinture elle-même.

Ce support n'est pas seulement un choix esthétique ; il est profondément ancré dans les traditions d'Afrique de l'Est où il est utilisé depuis des siècles dans des contextes rituels, cérémoniels ou funéraires. En travaillant sur cette matière, Armitage inscrit ses œuvres dans une histoire culturelle locale et imprime sa marque dans la peinture contemporaine internationale. Il ne s'agit donc pas d'un simple clin d'œil aux traditions, Armitage tente ainsi de faire dialoguer des mémoires et des pratiques artistiques différentes.

Cette attention portée au support accompagne une peinture qui refuse les frontières trop nettes. Les références aux grands maîtres européens côtoient des scènes inspirées de l'actualité kenyane, des récits populaires, des mythes ou encore des souvenirs personnels. Les couleurs, parfois douces

mais souvent vives et les compositions extravagantes attirent le regard, avant de révéler des sujets souvent plus complexes : tensions politiques, violences, questions sociales ou environnementales. Chez Armitage, le beau et le dérangeant coexistent.

Ses tableaux ne cherchent pas à livrer un message unique ou une lecture immédiate, ils nous invitent à circuler entre différentes interprétations.

Pour l'artiste le lubugo est plus qu'un support, il est la métaphore d'une histoire faite de ruptures, de réparations et de superpositions, à l'image des récits que l'artiste construit dans chacune de ses œuvres.

Cette écorce faite étoffe influence la composition et lui confère une dimension matérielle et symbolique instaurant ainsi un dialogue entre traditions africaines et histoire de l'art occidentale. Cette atmosphère poétique, ces couleurs à la fois sucrées et tendres contrastent avec la gravité des sujets abordés.

Cet artiste est quasiment le seul de renommée internationale à avoir fait du barkcloth son support pictural de référence, voilà pourquoi sa démarche m'a poussée à écrire ce post, parce que tissu et peinture sont des domaines que j'explore depuis des décennies avec un immense plaisir.

: TAPA, MARO, KAPA, LUBUGO : UNE GRANDE FAMILLE

2026-07-06T07:29:35.605-07:00

Tapa à Wallis et Futuna, kapa à Hawaï, masi dans les îles Fidji, maro sur les rives du lac Santani

S'il s'avère que les peuples d'Océanie soient passés maitres dans l'art et la maniere de transformer la sous- écorce (liber ou phloème) conductrice de sève, de certains mûriers en une matière qui se rapproche physiquement d'une étoffe, ils ne sont pas les seuls sur notre planète, à exploiter l'écorce d'un arbre. Il existe en Afrique plus précisément en Ouganda le lubugo, un barkcloth obtenu à partir de l'écorce du figuier Mutaba (Ficus natalensis)

La fonction de ce matériau était primitivement une protection vestimentaire (pagne ou ceinture) ou un article rituel utilisé pour envelopper le corps des défunts.

Les peuples du pacifique décorent ces étoffes végétales de motifs géométriques, abstraits ou avec des représentation très concrètes de la faune, la flore. Autrefois cette activité faisait partie du quotidien, il y avait une destination adaptée pour chaque dimension de tapa : moyenne ou petite ils étaient utilisé pour fabriquer besaces, ceintures ou ponchos, capes. Les plus grands modèles richement décorés servaient de costumes d'apparat et parfois, de linceul pour envelopper le corps des défunts

Aujourd'hui ces écorces font partie du folklore et sont a utilisées pour la décoration des costumes de parade ou pour des article destinés aux visiteurs étrangers

J'ai visité un petit village tribal installé sur une île au milieu du lac Sentani, un lac tropical situé dans la partie indonésienne de la Nouvelle Guinée, et j'ai pu observer des femmes qui fabriquaient un maro

Cet artisanat est devenu un commerce florissant. La qualité de la production locale est reconnue dans le pays et les points de vente se multiplient en Papouasie, et sur l'ile, les maros sont destinés aux touristes qui visitent ce village de pêcheurs et aux costumes pour les danses traditionnelles.

J'ai fait mon choix : des marques pages en écorce de mûrier , original non?

Ce commerce est un moyen d'enrichir le village, de faire connaître leur culture et de perpétuer un savoir faire traditionnel.

Après les danses traditionnelles de la cérémonie d'accueil, je suis allée dans les coulisses pour observer de près les costumes

Tapa ou maro, c'est un produit difficile à décrire lorsqu'on ne l'a jamais eu entre les mains. Ce n'est pas un tissu puisqu'aucun fil n'entre dans sa fabrication. Bustier, ceinture, pagne, tout est fait en écorce de murier. La matière est similaire à un feutre assez fin, la fibre est "tassée" dense, et légèrement cartonneuse. Elle n'a pas la souplesse d'un tissu, mais il est possible de l'utiliser pour "construire" des vêtements aux formes géométriques, comme des rectangles, des carrés ou des triangles.

Le lac Santani, un mot que l'on peut traduire par " nous vivons ici en paix" est le plus grand de la Papouasie. 122 ilots y sont disséminés dont pour certains sont occupés par des villages lacustres, dont les maison sont construite sur pilotis. C'est l' un de ces villages que j'ai eu la chance de découvrir les secrets de cet artisanat.

Sur l'ile, le travail de l'écorce de mûrier est réservé aux femmes, mais ce sont les hommes qui vont couper les troncs des mûriers dans la foret avoisinante, de préférence à la pleine lune afin que la sève soit mieux répartie dans le tronc, afin de faciliter les opérations suivantes.

Même les barques sont décorées avec les motifs traditionnellement destinés aux maros

Ensuite, le tronc sélectionné est fractionné en "tronçons" pour être transportés plus aisément dans une barque à proximité du village. Le bois restera dans les eaux du lac quelques jours afin de faciliter la séparation de l'écorce.
Le bois se travaille encore humide, la buche est raclée afin de dégager la partie tendre du bois : le phloème. Une fois le bois entaillé, débute l'épluchage. La feuille séparée du bois est battue longuement afin de l'assouplir et de lisser sa surface. Il en résulte une feuille blanchâtre qui séjournera encore quelques jours dans l'eau. En ressortant, elle ressemble à une peau de chamois, la couleur a viré au brun et la texture a acquise une souplesse étonnante. La feuille est mise à sécher au soleil avant de pouvoir être décorée avec des pigments naturels : ocres, blancs ou noirs. Après cette suite d'opérations le maro ou tapas est enfin prêt.

MOLYNEUX, JACQUES GRIFFE, ALEXANDRE SACHE : 1950/60 LE PARIS DE MON ENFANCE

2026-07-05T09:02:41.182-07:00

J'ai sorti de ma malle aux trésors une coupe de crêpe marocain, en soie bien évidement, imprimée par Sache et destinée à la maison Molyneux.

En 1950 monsieur Molyneux ( 1891-1974) cesse son activité et en 1951 c'est Jacques Griffe 1909-1996 qui prend la direction de l'entreprise.

Il avait débuté dans l'atelier de Madame Vionnet avant de créer sa propre maison "Jacques Griffe". Il maitrisait à merveille une palette de couleurs vives et privilégiait les modèles "flous". Créateur de costumes pour le théâtre et le cinéma, il habilla à la scène comme à la ville des clientes célèbres ou anonymes et ajouta une ligne de foulards griffés dans sa boutique. C'est sans doute à ce moment qu'il rencontra mon grand oncle Alexandre Sache qui fit pour lui de nombreux foulards (dessins et impressions).

En 1973, il tira sa révérence et se retira en province. Si le nom de ce grand couturier est aujourd'hui oublié, soyez de ceux qui, comme moi, cherchons à lui rendre sa notoriété.

Cette étoffe imprimée en noir et blanc sur un crêpe marocain date probablement des années 50/60 à en juger par l'iconographie.

Je vous dévoile ce petit trésor, non sans une certaine nostalgie, parce que, oui, ce Paris je l'ai connu et il m'en souvient encore lorsque j'ai cette étoffe devant les yeux.

Ce sont des images d'un Paris nostalgique pour ceux qui l'on connu mais un Paris Image d'Epinal pour les autres.

Puisque, de toute évidence, cet imprimé était destiné à une clientèle étrangère, je vais me contenter de commenter les scènes les plus pittoresques en tant que parisienne.

On y retrouve pêle-mêle, hormis la maison Molyneux sise au 14 de la rue Royale, emblème de cet imprimé, le Moulin rouge, Montmartre et la placeVendôme où Sache avait son bureau juste à coté de la boutique d'Elsa Schiaparelli : des lieux et des personnages incontournables de la vie quotidienne des baby boomers, rarement présentés aux touristes.

- les marchandes de 4 saisons vendaient des fruits et légumes frais ; elles poussaient leur "voiture à bras" en bois, verte à deux roues, chaque matin excepté le lundi, qu'il vente ou qu'il pleuve pour s'approvionner aux halles ce "ventre de Paris" situé entre le Chatelet, le musée du Louvre et ce qui est aujourd'hui le centre Pompidou. Les halles déménagèrent à rungis en 1969. Trop éloignées de la capitale, ce changement signa l'arrêt de mort des "marchandes de 4 saisons".

Ces pavillons bâtis par Victor Baltard furent démolis en 71 à l'exception d'un seul qui, sauvegardé, fut remonté à Nogent-sur-Marne. Sur le trou béant laissé au centre de la capitale naquit en 1979 le "forum des Halles" plusieurs fois remanié depuis.

- les hirondelles qui ne faisaient pas le printemps mais garantissaient la sécurité des habitants. Ces agents cyclistes faisaient partie d'une patrouille à bicyclette créée par le préfet de police Louis Lépine en 1901. Leur mission ? Surveiller les rues parisiennes la nuit dans les différents quartiers de la capitale. Ils circulaient toujours deux par deux, képi sur la tête et cape sur les épaules, qui parfois laissait apparaitre le fameux bâton blanc. Hirondelles mais pourquoi donc ? Parce que la cape noire qui flottait au vent les faisaient ressembler à une hirondelle ; d'ailleurs leur velo fut nommé hirondelle. En 1950, Paris comptait près de 3000 agents cyclistes. Dans les années 80 ce sont des brigades à motos qui les remplacent puis ces agents motorisés disparurent définitivement en 1984.

- les agents de circulation avec képi et bâton blancs flanqué sur un podium au centre des carrefours régulaient la circulation avant la mise en service des feux tricolores.

- les bouquinistes, image d'Epinal des quais de la Seine depuis des décennies, qui ont failli disparaître lors des derniers jeux Olympiques en 2024.

- "la deudeuche" cette Citroen qui, avec le béret et la baguette de pain, donnait alors une image de la France et des français...

le Moulin Rouge

La marchande de 4 saisons, le sacré cœur, les agents de circulation avec leur baton blanc...

"LES HIRONDELLES"

Copyright

2026-05-15T06:34:49.263-07:00

Ceci est valable pour tous les articles de ce blog

PROFESSION : "SCHMATOLOGUE GLOBE-TROTTEUSE! N°2

2026-05-14T05:50:48.650-07:00

LA TRANSMISSION CULTURELLE SUR UN FIL

L'identité culturelle se transmet c'est une évidence, mais comment ?

LE TISSU RELIE LES GENERATIONS SANS PASSER PAR LES MOTS. La culture, véritable trésor, circule entre les hommes depuis des millénaires par l'écriture, la parole et, aussi surprenant que cela puisse paraître, par le tissage. C'est ainsi que les diversités culturelles se lisent aussi à travers les textiles, ces précieux indices présents sous une forme ou une autre dans quasiment toutes les civilisations.

LA PAROLE TISSÉE Textile et texte, un tête-à-tête où toute ressemblance n'est en rien fortuite

TISSER C'EST ECRIRE AUTREMENT Si les lettes, en un certain ordre assemblées, forment des mots qui, mis bout à bout, deviennent des textes, les fibres textiles, réunies par torsion, forment des fils qui, en un certain ordre entrelacés, deviennent des étoffes.

MON HERITAGE FILAIRE Entre le tissu et moi c'est une histoire de famille, quatre générations et quatre manières différentes de tisser des liens intergénérationnels.

N°1 Le compte est bon -c'est en jouant avec les craies tailleurs, grises et blanches, bien calées dans leurs boites en bois remplies de sciure

-c'est en comptant les grosses de boutons destinés aux costumes pour homme, généralement noir ou marron, parfois bleu marine

-c'est en observant les vendeurs doser avec maestia des métrages de doublure. C'est dans le magasin de fournitures pour tailleurs de mes grands-parents, que j'ai appris à compter en m'amusant.

N°2 La séduction du bon produit -C'est, plus tard, en accompagnant mon père dans les usines roubaisiennes pour choisir la marchandise, que j'ai compris que l'achat gagnant part de la bonne connaissance du produit.

N°3 Les textiles rares, précieux, surprenants -C'est dans l'atelier d'impressions sur soie de Montrouge, antre magique de mon grand-oncle Alexandre Sache, textile designer, que je me suis prise d'amour pour ces carrés de twill, ces pentes de bengaline, ces exquises mousselines.

N°4 Les couleurs -C'est en observant la palette exceptionnellement colorée du peintre Michel Kouliche, mon oncle paternel, que je me suis engagée dans un univers coloré (le noir ne fait pas partie de ma garde-robe), et c'est la farandole des fleurs de mon jardin normand qui m'indique les saisons.

N°5 Les voyages C'est avec mon mari pour qui c'est presque un devoir de découvrir le monde, que j'ai vraiment compris que, pour savoir, il faut voir d'abord et puis toucher.

Pourquoi alors se demander d'où me vient cet engouement pour une profession hors normes ?

Un profil éclectique Mon expérience professionnelle, car oui ce fut une expérience à laquelle je n'étais pas consciemment préparée, m'a offert de multiples occasions de satisfaction. Après l'Ecole du Louvre, un passage au sein des Musées Nationaux, deux années passionnantes dans une galerie d'art parisienne, j'ai été "brocanteur ambulant" profession que ce libellé n'honore pas vraiment mais que j'ai exercée avec plaisir et passion. La suite ? J'ai endossé le costume d'une "marchande de tissus" au sein de l'entreprise familiale "De Gilles Tissus". Avec volupté, j'ai navigué au milieu de flots de mousselines, j'ai gravi des montagnes de toile de lin, je me suis perdue dans les replis des taffetas changeants. Avec curiosité, j'ai traversé des rivières de Tweed et, équipée d'un mêtre en bois et d'une paire de ciseaux géante, j'ai déroulé des mètres et des mètres d'étoffes, découpé des milliers de coupes...

REVEILLER LA MÉMOIRE DES ETOFFES ENDORMIES Un univers à la fois si banal et cependant si mystérieux pour la néophyte que j'étais alors ! Il n'en fallut pas davantage pour me lancer dans l'aventure de "Mémoire de tissus" encyclopédie technique et pratique des étoffes, afin de démêler les fils parfois inextricablement noués de cet univers. 10 000 pages et des tonnes d'informations sur un seul sujet : le tissu sous toutes ses formes d'un point de vue économique, politique, artistique, historique.....

L'ART ET LA CURIOSITE Entre l'histoire de l'art et les histoires, grandes et petites, des tissus, le fil est bien ténu. Les étoffes oubliées comme zénana ou zéphyr m'ont ensorcelée au point que ce qui ne devait être qu'une expérience momentanée s'est prolongé durant près de quatre décennies. L'émotion, tant visuelle que tactile, de mes premiers pas en tant que gérante d'une société de tissus hors normes est restée intacte. Je dirai même qu'elle s'est décuplée avec les ans. De déménagements en déménagements, de rencontres en rencontres, de découvertes en découvertes, de voyages en voyages, la quête du graal textile me tint toujours à cœur.

Avant d'être capable de me confronter aux professionnels, de répondre aux besoins souvent très précis de la clientèle hétéroclite constituée de petites mains des grandes maisons de couture, amatrices du "home made" de couturières professionnelles, de tailleurs, de chasseurs d'étoffes rares, de créateurs de costumes de haut vol, ou encore de décorateurs.

LE MONDE DE L'OMBRE Depuis les coulisses des ateliers de costumes, j'ai pu admirer le savoir-faire de ceux et celles qui créent les costumes. Ils habillent, costument, travestissent, déguisent les comédiens, les acteurs, les clowns, les acrobates, les danseurs ou chanteurs pour le plus grand plaisir des spectateurs. J'ai aimé travailler avec les décorateurs d'intérieurs qui, comme moi, sont toujours à la recherche de l'étoffe, la matière ou l'imprimé capable de combler le plus exigeant de leur client. Année après année, j'ai été confrontée à leurs problématiques techniques et parfois économiques ; aider à les résoudre devint une partie non négligeable de mon activité.

Le bonus C'est la découverte d'un univers fait de couleurs, de matières, d'histoires petites ou grandes, de rencontres avec des stars du métier de costumier ou avec des artisans du bout du monde qui, avec une dextérité ahurissante, créent sur des métiers à tisser souvent rudimentaires, des perles rares.

Le roi des tissus, le tissu des rois, ainsi se présentait jadis, le shatush. Alors, si parler chiffon peut sembler futile à certains, les tissus qui nous accompagnent, du linge au linceul, et partagent nos jours et nos nuits dans les moments de joie ou de tristesse, méritent une approche plus gratifiante. Tissu, textile, étoffe, dentelle, feutre, tapisserie ou encore broderie, c'est un univers qui ne demande qu'à se dévoiler.

Le parcours des fibres naturelles ou chimiques, la manière dont elles sont entrelacées, les techniques de teinture, l'interaction entre la politique et la mode, le poids du textile dans l'économie mondiale, ce monde est passionnant.

Le printemps nouveau est arrivé, passées les gelées de mi-mai. C'est pour moi l'occasion de renouveler mes vœux les plus sincères en donnant la parole à mon héritage textile familial et aux étoffes que j'ai découvertes et collectionnées au cours de mes tribulations aux "quatre coins" de notre planète.

Si "Mémoires de tissus" et "la diététique vestimentaire" n'ont, pas encore, trouvé le chemin qui mène aux maisons d'édition, j'espère que "profession schmatologue globe-trotteuse" saura trouver la bonne route. A vous de juger.

PROFESSION ? SCHMATOLOGUE GLOBE-TROTTEUSE !!!

2026-05-14T02:49:54.406-07:00

Je parcours le monde non pour collectionner mais pour écouter, toucher, découvrir et tenter de comprendre le langage des étoffes.

Je ne cherche pas l'exceptionnel mais plutôt l'authentique qui se niche souvent dans les tissus et les costumes traditionnels ou les vêtements du quotidien.

Je tisse des liens avec des ikats, des batistes ou des madras là où d'autres ne voient que des tissus, des couleurs et des motifs.

J'essaie modestement de sauver le souvenir des étoffes qui disparaissent inexorablement, emportant avec elles le souvenir des gestes ancestraux.

J'aime les étoffes chargées de souvenirs, marquées par le temps et décolorées par l'usure, mais j'aime aussi les étoffes neuves dotées d'une identité culturelle.

De mes voyages aux pays des étoffes, je reviens avec un métrage, une coupe, un vêtement, un échantillon mais surtout, je reviens avec des émotions : le geste précis d'une tisserande qui lance sa navette, la sensation fugace du frôlement rugueux d'une toile de lin brut, je mémorise la couleur encore indécise qui oscille entre le vert et le bleu d'une cuve d'indigo. Mieux que les photos, ce sont les émotions qui subliment une étoffe.

J'ai une pensée émue pour les tissus qui sont exposés dans les musées parce que, s'ils ont cette place, c'est qu'ils sont désormais classés dans les archives. Moi, je les déniche chez les antiquaires, je les trouve sur les marchés, je les découvre dans laes ateliers où l'on tisse encore à la main. Je les achète au hasard des rencontres et je les rapporte dans mes valises ou dans mes souvenirs pour vous les présenter.

Je sais les reconnaitre à leur silence, à leur texture, à leur façon de réfléchir la lumière et aux histoires qu'ils me racontent.

D'un pays à l'autre, d'un continent à l'autre le sens des mots varie, le vocabulaire textile se fragmente et, à la fin de chaque voyage, je reviens avec dans ma hotte une quantité de noms, de mots nouveaux et de tissus qui vont devenir mes amis. Jadis, je partageais mes découvertes avec les clients du magasin De Gilles Tissus ; aujourd'hui, c'est sur les pages de ce blog que je couche mes découvertes et mes impressions.

Chaque découverte porte en elle la possibilité d'une disparition, et c'est ainsi que le souvenir des tissus du monde d'avant sera, je l'espère, dans un avenir proche, le thème central d'une grande exposition.

Je suis une schmatologue globe-trotteuse qui s'évertue à décrypter le langage des étoffes et à partager les résultats avec les “textiles addicts" qui sont de plus en plus nombreux à me lire. suivre ce blog.

VISCOSE VERSUS RAYONNE

2026-04-05T07:40:00.000-07:00

Aujourd'hui en France on trouve encore de nombreux articles textiles étiquetés "rayonne" et pourtant...

Remontons le temps : les premières fibres artificielles à base de cellulose furent fabriquées par l'homme au XIXe siècle, elles ressemblaient à la soie par leur brillance et pour cette raison elles furent commercialisées sous l'appellation "soie artificielle"

Les soyeux français furent inquiets de la concurrence "déloyale"de la dénomination commerciale de cette nouvelle fibre. Leur argumentation était recevable : la laine n'est pas du coton, le lin n'est pas du chanvre, la soie artificielles n'est pas de la soie naturelle. C'est ainsi qu' une loi fut promulguée le 8 juillet 1934 interdisant l'utilisation du terme " soie artificielle " pour les tissus en fibres cellulosiques. Le mot rayonne fut choisi, imitant les USA qui eux n'avaient jamais osé mélanger la soie naturelle et la soie artificielle préférant le mot "rayon" pour ces fibres probablement par métonymie rayons du soleil et l'aspect brillant des tissus.

Si cette dénomination persiste encore dans de nombreux pays, en France un arrêté ministériel en date du 28 mars 1973 précise que pendant un délai de cinq ans à compter du 29 juillet 1971 la fibre viscose peut être dénommée "rayonne" accompagnée ou non du mot viscose, ensuite officiellement les fibres d'origine cellulosique seront dénommées : viscose, cupro, triacétate ou enocre acétate. Par conséquent on ne peut que constater que soit la loi n'est pas appliquée.

Etiquette trouvée sur un vêtement dans les rayons des Galeries Lafayette il y a deux semaines dans un centre commercial à Honfleur. La recette de cet article se lit donc ainsi de polyester majoritairement, d'une dose de "viscose" et d'un soupçon d'élasthanne

Pourquoi ce post? Parce que la simple information "rayonne" n'est pas suffisante pour connaître la nature de la fibre majoritaire d'un article.

S'agit il de viscose de bambou, de hêtre, d'acétate, de triacétate ? Les qualités et les défauts de chacune des ces fibres diffèrent. Le consommateur logiquement devrait être averti de la composition exacte du produit comme au Canada ou la réglementation est stricte sur ce sujet

Des fibres artificielles la viscose est la plus courante, mais toutes résultent de la transformation chimique de substances naturelles ( hêtre ou bambou...etc) et de fait elles se différencient ainsi des fibres synthétiques

qui elles sont obtenues par la transformation chimique d'une matière qui n'existe pas sous forme de fibres dans la nature.

Le but de cette loi ou plutôt les buts sont de toute évidence en faveur du consommateur qui à une information fiable et uniforme dans les pays de UE.

La modification de la dénommination devrait si elle était respecter éviter les pratiques commerciales trompeuses ou trop vagues et grace à une indication claire de faciliter la comparaison entre les articles textiles

CONSTRUIRE SON MUSEE IMAGINAIRE DES ETOFFES AVEC DES SOUVENIRS

2026-03-18T06:07:00.000-07:00

Célèbres ou inconnus, professionnels ou amateurs, que vous soyez il ou que vous soyez elle, que vous frôliez la vingtaine ou que vous caressiez la soixantaine, vous consultez ces pages parce vous avez tous en commun l'amour des étoffes.

Entrez dans ce monde textile qui tapisse les chemins de notre quotidien du lange au linceul.

Pourquoi ne pas vous laissez aller à parler chiffon sans pudeur aucune, pourquoi ne pas stimuler votre mémoire pour y extraire vos souvenirs textiles et surtout pourquoi ne pas les partager ? Un nom, une couleur, une forme, une matière, un motif, et voila que tout à coup surgissent des évènements, des lieux, des vêtements, enfouis au plus profond de votre mémoire. Reviennent alors des sentiments de haine, d'angoisse ou de bonheur liés à un vêtement, à un tissu, à une couleur... Essayez, c'est étonnant !

Nous avons tous à un moment ou à un autre été séduit, surpris, décontenancé, trahit, subjugué, énamouré par un tissu... Mais lequel ? Telle est l'objectif de cet exercice dont vous êtes le héros.

Véritable chasse au trésor qui vous entraine dans le grenier aux souvenirs. Ouvrez grand cette malle et laissez échapper les sensations, les émotions qui s'y trouvent.

Si vous le voulez bien embarquons sur ces flots de mousseline, franchissons ensemble d'un pas alerte les kilomètres de lin, escaladons les pentes abruptes d'une montagne de laine bouillie, promenons nous à travers la lande irlandaise recouverte de tweed, puis je vous laisse vous blottir nous entre les draps de satin pour faire de beaux rêves soyeux

Devenez le héros de votre histoire textile. Faites de cet exercice une fête des sens. Les sensations olfactives, tactiles, visuelles, auditives et gustatives engendrées par les étoffes sont bien réelles. Selon votre personnalité c'est l'un ou l'autre sens qui sera émoustillé et qui prendra le pas sur les autres et sublimant l'étoffe ou le vêtement.

Le toucher

Pensez à la douceur d'un satin de soie dans le creux de votre main, imaginez que la caresse d'un velours peut déclencher une réaction épidermique chez certaines personnes, n'oubliez pas la rudesse d'un authentique Harris Tweed qui écorche les peaux délicates mais avec une telle noblesse qu'on peut lui pardonner.

Et pour vous?

La vue

Le reflet métallique du soleil sur les plis cassants d'un taffetas, la douceur de la lumière qui effleure la surface d'un velours ras, l'éclat indicible d'un cachemire, la transparence d'un coton huilé, et l'opacité d'un organza double.

Et pour vous?

L'ouïe

Il y a l'ineffable frou-frou d'une robe en taffetas de soie qui vous frôle, ule doux roulis d'un crêpe satin qui vous fait un corps de déesse, le cri d'une goutte d'eau qui tombe sur l'épaule une veste en Barbour, qu'il est surprenant ce grésillement de la laine qui se consume, un rien agaçant le crissement d'un imperméable en nylon que l'on plie pour le faire entrer dans le sac à dos, je n'oublie pas le délicieux chuchotement qui me berce lorsque je pose ma tête sur la taie d'oreiller en lin lavé, mais que serait mon musée si en tant que synesthète je n'avais pas ouïe cette mélodie qui s'échappe de mon dressing pour venir se blottir au creux de mon oreille!!!

Et pour vous?

L'odorat

L'odeur inoubliable du doudou qui calmait mes angoisses nocturnes, la flagrance de ce pull en laine, qui après une averse imprévue est devenu lourd et odorant, des effluves perçues comme désagréables ou agréables et là je laisse cela à l'appréciation de chacun.

Le fait est que l'odorat soit un instrument essentiel pour reconnaître une fibre. Un morceau de laine qui brûle dégage une odeur de corne brûlée, si vous approchez un morceau de nylon près d'une flamme celui ci se recroqueville et une odeur de céleri va emplir vos narines...

Et pour vous?

Le goût

C'est aussi le goût du risque, car il est inhabituel de juger un tissu à sa saveur et pourtant la saveur sucrée d'un lin et l'apprêt d'un polyester permettent la distinction, ce n'est pas un festin mais c'est intéressant. A vous de jouer!

Rien ne peut remplace les fibres bibliques, les fibres qui les imitent, ni les tissus qui nous vêtent, nous habillent ou nous fringuent. Le monde du textile est un vaste champ d'investigations pour les passionnés et les curieux de la nature humaine et de la mode. Après ces expériences vous devriez trouver votre tissu de référence, celui qui vous "colle à la peau" celui dont vous ne vous lasserez jamais, celui qui surgit de votre mémoire tel un pantin qui sort de sa boite, celui là gardez le précieusement dans votre album de souvenirs. Le mien? Il me faudrait bien plus qu'un post pour vous le décrire!!!!

UNE SYMPHONIE TEXTILE

2026-01-27T23:43:00.000-08:00

J'ai récemment découvert que ma passion pour les étoffes était finalement bien plus complexe que je ne l'imaginais.

Après plus de 30 années à la direction de De Gilles tissus, après la création du blog degillestissus blogspot.com en 2010 j'ai pris conscience d'un "phénomène" que je n'avais pas soupçonné jusqu'à aujourd'hui, la synesthésie, autrement dit un mélange des sens, une association additionnelle arbitraire neuronal ! Du gre syn = avec ou union et aesthesis = sensation

Généralement les personnes atteinte de ce phénomène associent des couleurs et des lettres de l'alphabet, ou encore des sons et des couleurs mais pour moi les sons émis par les instruments de musique sont associés à des tissus, plus encore, ce sont les étoffes qui mènent le jeu, puisque que j'associe chacune d'elles à un instrument de musique ! Un exemple? La texture d'un tweed se traduit par les notes d'une contrebasse, l'aspect lisse et craquant d'un taffetas de soie est associé aux mélodies d'un violon ..! Suis je une exception ? Peut être allez vous découvrir que vous aussi faites partie de ce1% de la population touché par ce phénomène étrange. Saviez vous que Kandinsky, lui "voyait "les couleurs dans la musique et la mélodie devenait un tableau!

C'est donc en toute logique que je vous propose dans ce blog mes symphonies textiles

Ce que je trouve extraordinaire c'est que mon quotidien est musical, que ce soit en ouvrant les tiroirs de ma commode ou en penetrant dans le dressing .
vraiment un jeu entre les textures et moi.

ALEXANDRE SACHE (1902-1981) : TEXTILE DESIGNER

2025-09-01T09:45:00.000-07:00

Ce siècle avait deux ans lorsque naquit Alexandre Sache mon grand oncle. Il fut un acteur muet de la grande époque de la Haute Couture. Entre 1930 et 1973, ses foulards et ses tissus imprimés ont été présents dans la plupart des collections de Schiaparelli à Dior, de Givenchy à Balenciaga en passant par Saint Laurent.

Son entourage familial fut sans doute propice au mode d’expression de ce créatif inspiré. Artiste il fut entouré d’artistes : un frère peintre : Gabriel Spat, un autre sculpteur : Numa Patlagean, et aujourd’hui un petit fils, Jean-Jérôme, pianiste.L’art fait décidément partie de cette famille.

Monsieur Sache, comme l’appelaient ses employés et ses clients, fit ses études de chimie à l’école polytechnique de Lausanne, avant d'intégrer l’université de Genève. tout en suivant des cours de dessin. Ceci explique non seulement la diversité de ses activités mais aussi le haut niveau de qualité de son œuvre.

Il puisait son inspiration dans ses souvenirs autant que dans son quotidien. Un rien, une rencontre, un paysage, un griffonnage, une parole qui aurait été sans importance pour quiconque pouvait lui inspirer un sujet de collection.
Ainsi il reproduisait sur les panneaux de twill les fleurs qui poussaient dans son jardin de la vallée de Chevreuse, la végétation luxuriante et le bleu azur de la mer dans la région d’Antibes, ou la vue de la place Vendôme depuis la fenêtre de son bureau.

Alexandre Sache eut de mulltiples occasions d’exercer ses talents. Il fut tour à tour :
- caricaturiste : pour des journaux des années 20 : Bonsoir, le Canard Enchaîné, le Herald Tribune, le Courrier Cinématographique. Il fut notamment l’ami de Louis Delluc.
- illustrateur de nouvelles dans des revues telles que Harper’s Bazar ou Vanity Fair.
- sculpteur : il exécute en 1927 le buste de Charles Lindbergh en 33 heures, course contre la montre, soit le même temps exactement que la durée de la traversée de l’Atlantique par l’aviateur : un exploit partagé.

Il s’intéresse à la mode dès les années 30. Il est considéré comme l’un des pionniers de ce qui allait devenir la création artistique d’imprimés pour la Haute Couture.

Ses imprimés font partie des collections des Maisons Callot, Lucien Lelong, Augusta Bernard, Worth, Redfern, Mainbocher, Patou.

Il rencontre Cristobal Balenciaga avec qui il engagera une longue collaboration, travaille aussi pour Molyneux et Schiaparelli pour qui il dessinera et imprimera le célèbre homard de la robe de la duchesse de Windsor

Le saviez vous ? Il fit pour cela plusieurs propositions à madame Schiaparelli sur des matières différentes ( organza, mousseline de soie! )

En voici un fait partie de ma collection personnelle. Les parties vertes sont les brins de persils qui entourent le motif principal. Protégé par un verre sans reflet, ce homard orna le mur de mon bureau chez De Gilles Tissus

Après les années sombres de la guerre, la Haute Couture parisienne reprend des couleurs. Les grands couturiers mènent le jeu et Sache travaille avec eux et pour eux : Balenciaga toujours, mais aussi Dior, Saint Laurent, Givenchy, Chanel…

Il papillonne pour Dior, il fleurit les robes de Givenchy, il dessine le fameux homard pour Schiaparelli, il colore les collections de Balenciaga, il crée des imprimés tweed pour Chanel.
Sa réussite réside dans son aptitude à comprendre chacun de ses clients, qu’il s’agisse de Jean Patou de Hubert de Givenchy, ou de Marc Bohan
« C’est à Monsieur Sache que l’on doit cette saison les robes du soir de Dior « griffonnées » de la tête aux pieds. Il avait crayonné quelques traits sur un morceau de papier. Il montra ce projet à Marc Bohan qui trouva cette idée sublime de naturel. Et voilà la naissance d’un imprimé exclusif baptisé Crayonnage. » (in le journal : La Suisse, mars 1974).

Il crée l’atelier Beauclère à Montrouge, dans lequel la couleur ou plutot les couleurs sont les vedettes

puisqu'il ce coloriste émérite créa un service de couleur sur mesure, ce qui fit le bonheur de la duchesse de Windsor qui demanda à la maison Dior un tissu de la même couleur que ses émeraudes!

Puis il ouvre place Vendôme une boutique, Brumaire point de vente de ses carrés de soie imprimés, non loin de la première boutique de Schiaparelli.

Voilà un homme qui officia dans l'ombre des grandes noms de la Haute Couture, il serait temps de lui rendre hommage en pleine lumière

Novembre 2025 et voilà enfin un article consacrant le travail de Sache dans le grand livre des foulards Dior.

Toute la grammaire de la maison est là, parfois poussée dans d'ultimes retranchements graphiques : les logos (ainsi du logo Miss Dior, à retrouver dans les collections récente de prêt-à-porter), les initiales, le cannage, le D traité en oblique et les fleurs sous toutes leurs formes, à commencer, bien sûr, par le muguet et la rose, mais aussi du lilas et des compositions plus abstraites imaginées sous l'ère d'Yves Saint Laurent. Si les créations du célèbre illustrateur René Gruau, l'un des proches collaborateurs de Monsieur Dior, sont bien entendu à l'honneur, on découvre celles, nombreuses, d'Alexandre Sache (1902-1981), designer textile injustement méconnu qui oeuvra aussi pour Balenciaga et Schiaparelli.

LA NEPHILA MADAGASCARIENSIS OU LE FIL D'OR DE MADAGASCAR

2025-03-26T02:03:00.000-07:00

filLa Soie d'Araignée de Madagascar : L'étoffe du futur ou un fil trop fragile ?

Si la soie classique — celle du ver — évoque la douceur et le luxe, sa cousine arachnide, elle, relève presque de la science-fiction. La soie d'araignée de Madagascar est l'une des matières naturelles les plus rares et fascinantes au monde. Alors, fil d'or ou fil d'illusions ?

Un fil hors du commun

Contrairement à son homologue produit par le ver à soie, la soie d'araignée est l'œuvre de la Néphile dorée (Nephila madagascariensis), une araignée tropicale dont le talent de fileuse ferait rougir les plus grands artisans. Sa soie se distingue par sa couleur naturellement dorée et ses propriétés exceptionnelles : elle est cinq fois plus résistante que l'acier, tout en restant incroyablement légère et extensible. Un textile parfait pour les super-héros, ou presque.

Une histoire de patience (et d'extinction locale)

L'idée d'utiliser la soie d'araignée pour le textile ne date pas d'hier. Un des premiers à s'y essayer fut le prêtre français Jacob Paul Camboué, missionnaire à Madagascar à la fin du XIXe siècle. Fasciné par cette fibre unique, il entreprit un projet titanesque : récolter la soie de dizaines de milliers d'araignées pour confectionner un tissu destiné à être exposé à la grande Exposition universelle de Paris en 1900. Hélas, l'entreprise fut si ambitieuse qu'elle entraîna une quasi-disparition locale de l'espèce, tant le prélèvement des fils était intensif. Un exploit technique, certes, mais un désastre écologique qui fit entrer cette soie dans la légende... et l'oubli.

Une production époustouflante (et épuisante)

Transformer cette soie en tissu relève de l'exploit. Contrairement au ver à soie, que l'on peut élever par milliers, ces araignées sont solitaires et même... cannibales. Autant dire que la création d'un textile en soie d'araignée demande une patience digne d'un moine tibétain. En 2009, après huit années de labeur et l'extraction minutieuse du fil de plus d'un million d'araignées, Simon Peers et Nicholas Godley, deux passionnés de textiles rares, ont présenté une cape en soie d'araignée d'un jaune resplendissant. Une pièce unique, digne d'un conte de fées...

Un futur plein de promesses

Malheureusement, cette soie miraculeuse ne sera pas prête de sitôt à remplacer notre bon vieux coton. Sa production artisanale est démesurément coûteuse et fastidieuse. Cependant, elle fascine les scientifiques et inspire des recherches en biomimétisme : des laboratoires tentent désormais de reproduire artificiellement cette fibre magique, notamment pour des applications médicales ou aéronautiques.

Aujourd'hui il faut se contenter d'admirer les prouesses techniques de quelques passionnés qui armés de patience parviennent à exploiter artisanalement le fil d'or de ces araignées En ce moment une salle est consacrée à la néphila au musée du quai Branly dans l'exposition "au fil de l'or" c

CE POST EST POUR VOUS

2025-03-02T07:40:00.000-08:00

Vous qui lisez ce blog, sachez que vos commentaires sont les bienvenus

Le Hanbok : Quand la Mode Coréenne raconte l'Histoire

2025-02-27T05:26:00.000-08:00

Ce vêtement traditionnel coréen, était un mystere pour moi, avant de découvrir son presque quotidien dans les lieux touristiques de Seoul . Cette année lors de mon séjour en Corée du Sud, j'ai eu l'occasion de découvrir l'enthousiasme des jeunes et des moins jeunes pour cette tenue emblématique. Que ce soit dans les rues de Séoul ou au pied des palais historiques, j'ai vu de nombreux Coréens et touristes revêtu de ce costume aux couleurs vives et aux coupes gracieuses.

Le mot "hanbok"est composé de "han" qui signifie "coréen", et de "bok" , qui signifie "vêtement". Ainsi, le hanbok est littéralement "le vêtement coréen". Ce terme moderne est utilisé principalement en Corée du Sud, tandis que la Corée du Nord préfère l’appellation "Joseon-ot" qui suit la même logique en intégrant "Joseon".

Mais que signifie "Joseon" ? Ce terme renvoie à plusieurs périodes historiques. Il désigne d'abord l'ancien royaume de Gojoseonqui aurait existé dès 2333 av. J.-C., selon la légende fondatrice. Plus tard, "Joseon" est aussi le nom donné à la dynastie qui a régné sur la Corée de 1392 à 1897. Aujourd’hui, la Corée du Nord conserve ce terme dans son nom officiel : "République populaire démocratique de Corée" se dit en coréen "Chosŏn Minjujuŭi Inmin Konghwaguk" . L’usage du mot "Joseon" dans "Joseon-ot" reflète donc une volonté idéologique et historique de rattacher le costume traditionnel à l’héritage du pays avant la division.

De la Préhistoire à l'Histoire

Les racines du Hanbok remontent à l'époque des Trois Royaumes (1er siècle av. J.-C. – 7e siècle apr. J.-C.), où les silhouettes amples et les tissus légers permettaient à la fois élégance et liberté de mouvement. Avec l’avènement de la dynastie Joseon (1392-1897), le hanbok s'est codifié, adoptant des lignes plus structurées et des couleurs révélant le statut social : bleu pour la classe moyenne, rouge et or pour l’aristocratie, et noir austère pour les fonctionnaires.

Des Fils et filles de la Noblesse et du monde paysan aux fils de soie, de lin, et de coton

Les yangban (nobles) portaient des hanboks somptueux en soie brodée, tandis que les paysans se contentaient de coton ou de chanvre. Au fil du temps, l’art du tissage et de la teinture a perfectionné ces vêtements, notamment grâce au "saekdong" (bandes multicolores symbolisant la chance) et aux broderies racontant des mythes et légendes.

Hanbok ou Joseon-ot ? Le Costume Traditionnel au Nord. Si le hanbok est encore largement porté en Corée du Sud lors des grandes occasions, il n'a pas disparu en Corée du Nord. Là-bas, il est appelé "Joseon-ot" , un terme qui reflète l'usage du mot "Joseon" plutôt que "Corée" dans l'idéologie du régime. Les Nord-Coréens portent le Joseon-ot pour les événements officiels et les célébrations importantes, bien que les couleurs et les ornements soient généralement plus sobres qu’au Sud.

Le hanbok trouve ses origines dans l'époque des Trois Royaumes de Corée (57 av. J.-C. - 668 apr. J.-C.). Inspiré par les influences chinoises et les traditions locales, il a progressivement évolué pour devenir une tenue propre à la culture coréenne. Sous la dynastie Joseon (1392-1897), le hanbok a pris sa forme actuelle avec une séparation claire entre les tenues masculines et féminines.

Autrefois porté quotidiennement, il est aujourd'hui réservé aux occasions spéciales telles que les mariages, les festivals et les célébrations traditionnelles comme le Chuseok (fête des moissons) et le Seollal (Nouvel An lunaire).

UNE MODE BIEN TISSEE Le hanbok se compose principalement de deux pièces : Pour les femmes : une jupe ample appelée "chima" et un haut court nommé "jeogori", parfois accompagnéd'un "norigae" (pendentif décoratif). Pour les hommes : un pantalon large appelé "baji" et un "jeogori" plus long, souvent porté avec un gilet "baeja" ou un manteau "durumagi".

Les matériaux traditionnels incluent la soie fine, le lin léger et le coton doux, chacun apportant une texture et une respirabilité différentes. Les artisans d'autrefois utilisaient le "saekdong", un tissu rayé aux couleurs vibrantes cousu minutieusement pour former des manches multicolores, particulièrement prisé pour les vêtements des enfants.

UNE TENUE COUSUE DE SYMBOLES

Chaque élément du hanbok possède une signification profonde. Les couleurs représentent souvent les cinq éléments de la philosophie orientale (eau, feu, bois, métal et terre). Les motifs brodés, comme les phénix ou les dragons, étaient historiquement réservés à la royauté.

Le hanbok est conçu pour souligner l'harmonie entre la nature et l'humain. Sa silhouette fluide permet une grande liberté de mouvement, reflétant la grâce et l'élégance. Ce qui m'a marquée, c'est l'absence totale de boutons ou de fermetures à glissieres un peu comme le costume des "amish" rencontrés à Philadelphie : tout est fixé avec des rubans et des nouages savants, comme un origami textile.

LE HANBOK NOUVELLE GENERATION

J'ai été frappée par la manière dont le hanbok est intégré à la vie moderne en Corée. Bien que son usage quotidien ait disparu, il connaît une renaissance grâce aux efforts de designers modernes qui le revisitent sous une forme plus pratique et accessible, appelée "hanbok contemporain". On le voit dans des silhouettes plus minimalistes, parfois mixé avec des tissus modernes comme le denim ou des coupes inspirées du streetwear.

Des célébrités et des influenceurs en Corée du Sud et à l'international contribuent à sa popularité, en l'intégrant notamment dans la mode, la musique (K-pop) et les événements culturels. Lors de mon passage à Séoul, j'ai même croisé un jeune homme portant un hanbok version blazer sur un jean déchiré - preuve que la mode est un cycle sans fin !

LE HANBOK EN POLYESTER OU COMMENT ETOUFFER AVEC ELEGANCE

Si vous avez loué un hanbok à Séoul, vous avez peut-être ressenti une légère déception en réalisant que votre superbe tenue chatoyante était aussi respirante qu'un sac plastique un jour de canicule. Le polyester a envahi le marché de la location, principalement pour sa résistance et son coût modique. Mais soyons honnêtes : il trahit un peu l’élégance du vêtement originel.

LE HANBOK DE JOSEON AU QUARTIER BRANCHÉ DE SEOUL

Malgré l'invasion du polyester, le hanbok reste un symbole de grâce et de culture. Il est porté lors des grandes occasions comme les mariages, les fêtes traditionnelles (Chuseok, Seollal), et même revisité en mode streetwear par des designers audacieux. De nombreuses célébrités coréennes l'intègrent dans leurs tenues de scène, et certains stylistes osent des coupes modernes qui fusionnent tradition et futurisme

AUTHENTIQUE LE HANBOK?

Difficile d'en dénicher un , j'ai tenté les marchés et les ateliers spécialisés mais j'ai courru après le temps toujours le temps ! impossible de trouver une tenue traditionnelle en soie.digne de me présenter aux portes d'un palais de Joseon...

BONNE PIOCHE?
Avec un peu de patience et un carnet d'adresses au top vous trouverez peut être la piece rare puisque certains artisans perpétuent la tradition en confectionnant encore des hanboks en soie, coton ou lin. Si vous avez de la chance d'en trouver, félicitations, vous possédez un petit bout d’histoire textile.

LA MODE POST COVID SUR LE CHEMIN DES SOIES ERI ET PAAT C'EST À DIRE AHIMSA OU NON VIOLENTES

2025-02-26T04:55:00.000-08:00

Au-delà d’une simple adaptation cosmétique, la transformation du secteur de la mode post-Covid révèle une remise en cause profonde de ses fondements historiques. Ce virage ne se limite pas à l’adoption de matériaux alternatifs ou à une communication éthique embellie : il interpelle tout un système basé sur la surproduction, l’obsolescence programmée et l’exploitation, qu’elle soit humaine ou animale.

Une crise identitaire et économique

La pandémie a exposé les dysfonctionnements d’un modèle économique qui privilégiait la quantité au détriment de la qualité, et le profit immédiat au détriment de toute responsabilité sociale et environnementale. Dans ce contexte, le passage vers des pratiques « non violentes » – comme l’adoption de la soie Eri, produite sans tuer les vers à soie – n’est pas uniquement une stratégie marketing. C’est le reflet d’une exigence sociétale qui force les entreprises à réévaluer leurs chaînes de production et à reconnaître la fatalité de leurs anciennes méthodes, aujourd’hui jugées incompatibles avec une conscience collective en pleine mutation.

Le paradoxe du greenwashing

Pourtant, ce virage vertueux pose une question fondamentale : jusqu’où peut-on réellement transformer un secteur dont l’essence repose sur l’exploitation et la transformation des ressources, souvent de manière superficielle ? Si la communication et les labels deviennent les garants d’une nouvelle éthique, il reste à savoir si les changements structurels sont réellement à la hauteur des discours. Le risque est grand de voir émerger un phénomène de greenwashing où l’image de l’éthique supplante une véritable refonte des pratiques industrielles. Ce paradoxe souligne l’urgence de repenser en profondeur non seulement les matériaux utilisés, mais aussi les modes de production, de distribution et de consommation.

Une mutation imposée par l’indignation collective

En poussant le raisonnement, il apparaît que ce changement est avant tout une réponse à une pression sociale et médiatique sans précédent. Les consommateurs, désormais mieux informés et de plus en plus vigilants quant à l’impact de leurs achats, ne se contentent plus d’initiatives ponctuelles. Ils exigent une transparence totale et une responsabilité accrue de la part des acteurs de la mode. Ainsi, ce qui était autrefois perçu comme un luxe ou une tendance marginale s’inscrit désormais dans un débat moral et existentiel sur le rapport de l’homme à la nature et aux êtres vivants. La non-violence et le respect de la vie ne sont plus de simples options, mais deviennent des impératifs qui pourraient redéfinir les contours d’un secteur historiquement critiqué pour son exploitation systématique.

Vers une refonte radicale du modèle économique

Ce constat radical met en lumière une mutation de paradigme. Le secteur de la mode se trouve à la croisée des chemins : il doit soit embrasser une transformation intégrale qui repense la production, le design et la consommation, soit risquer de rester prisonnier d’un modèle obsolète et dénoncé. En ce sens, le choix de la soie non violente n’est qu’un symbole parmi d’autres d’un changement profond qui touche aux valeurs mêmes de la société contemporaine. La mode, longtemps complice d’un système de domination et d’exploitation, est aujourd’hui contrainte de réinventer son identité ou de disparaître face à l’indignation collective et aux impératifs écologiques.

En somme, le passage à une mode plus éthique post-Covid n’est pas simplement une tendance passagère, mais l’expression d’une rupture radicale avec un passé marqué par l’exploitation. Ce changement brutal expose les contradictions d’un secteur qui doit désormais concilier rentabilité et responsabilité, sans quoi il risque de se voir définitivement relégué au rang des vestiges d’un modèle qui a fait ses preuves en tant que moteur de dévastation sociale et environnementale.

LE COTON UNE FIBRE TEXTILE "AIMABLE"

2025-02-26T01:29:00.000-08:00

LE COTON UNE FIBRE DIGNE D'ÊTRE AIMEE Ah, le coton ! Doux, réconfortant, naturel… Comment ne pas succomber à son étreinte délicate ? Il caresse la peau avec une tendresse infinie, nous enveloppant d’un nuage de légèreté et de bien-être. Chaque fibre de coton raconte une histoire, celle du soleil, de la terre et du temps,

LE COTON UNE HISTOIRE DE DOUCEUR Il est de ces matières qui ne se contentent pas d’habiller le corps, mais qui étreignent l’âme. Le coton en fait partie. Il ne se porte pas simplement : il se vit, il se ressent, il s’aime. Il est cette caresse discrète du matin, cette étreinte tendre du soir, ce souffle de douceur qui nous accompagne à chaque instant. Ainsi le coton est plus qu’une fibre : c’est une émotion, un art de vivre, une poésie du quotidien.

UNE MATIERE QUI MURMURE À L'OREILLE DE LA PEAU Il suffit d’effleurer un tissu de coton pour comprendre : cette fibre a une âme. Elle respire avec nous, épouse nos formes, accompagne nos mouvements sans jamais contraindre. Sous les doigts, elle révèle mille visages : la fraîcheur d’une popeline immaculée, la tendresse d’un jersey moelleux, l’authenticité brute d’un denim usé par les ans

Le coton n’est pas qu’une étoffe, c’est un langage sensoriel. Il chuchote à notre peau, lui conte des histoires de légèreté et de confort. Il sait être aérien en été, chaleureux en hiver, toujours fidèle à ce qu’il est : un écrin de bien-être.

UNE FIBRE SENSORIELLE Caressez un tissu de coton, et laissez-vous envoûter par sa texture. Il a cette magie rare d’être à la fois frais et chaud, aérien et enveloppant. Il respire, il vit avec nous, il s’adapte à notre corps et à nos humeurs. Il est la promesse de nuits paisibles sous des draps doux, le compagnon fidèle des vêtements qui nous accompagnent dans nos plus belles aventures.

UN HERITAGE SYMBOLIQUE Depuis la nuit des temps, le coton traverse les époques, s’invitant dans les civilisations et les cultures. Des voiles délicats portés par les reines d’Orient aux chemises intemporelles des élégants d’aujourd’hui, il s’adapte et se réinvente sans jamais perdre son essence. Il peut être humble et noble, simple et raffiné. Artisanalement c'est un luxe qui nait dans l’ombre des métiers à tisser, entre les mains expertes des artisans, industriellement, il devient un article du quotiidien qui permet de répondre à la demande du plus grand nombre avec des articles du quotidien draps, des pulls, des, robes , des t-shirt, vestes.... Chaque fil de coton porte en lui un bout un souvenir de la fleur d'où il s'échappa!

UNE ODE A DAME NATURE Le coton, c’est aussi un retour aux sources, une connexion profonde avec la terre. Il puise sa force du soleil et du vent. Le coton, c’est aussi un cocon de bienveillance. Hypoallergénique, il respecte les peaux les plus sensibles et laisse respirer notre corps. Sa version bio, cultivée sans pesticides, va encore plus loin dans l’art de prendre soin de nous et de la planète. Porter du coton, c’est un peu comme s’envelopper d’une caresse naturelle, un doux murmure de la terre sur notre peau.En version biologique, il devient un acte d’amour pour la planète, un serment de respect envers la nature qui nous offre tant.Le porter, c’est s’envelopper d’une tendresse végétale, un lien invisible mais puissant entre nous et ce que la nature a de plus pur. C’est choisir une fibre qui prend soin de nous autant que nous devons en prendre soin.

LE COTON UNE HISTOIRE SANS FIN Avez-vous déjà remarqué comme les vêtements en coton sont ceux que l’on garde le plus longtemps ? Un t-shirt doux que l’on refuse d’abandonner, une chemise dont le tissu se patine avec les années, des draps dans lesquels on aime s’enrouler après une longue journée…Le coton vieillit bien, comme les grandes histoires d’amour. Il se froisse, se détend, se transforme, mais reste fidèle à lui-même. Il nous accompagne, jour après jour, saison après saison, comme un murmure de douceur qui ne s’éteint jamais.Le coton est bien plus qu’une matière. Il est une sensation, un refuge, une promesse de confort . Il est cette étreinte invisible qui nous rappelle, à chaque instant, que la vraie beauté se niche dans la simplicité.

Mais si il y a une fin, puisque c'est ici que le chapitre sur le coton se termine/ Si ce texte vous à convaincu d'acheter des articles en coton alors il aura rempli sa mission.

LES DESSOUS DESSUS !

2025-02-19T01:22:00.000-08:00

LES DESSOUS DESSUS

TRAMWAY VERSUS CAMION
Marlon Brando en T- shirt moulant blanc, à petites manches, dans "un tramway nommé désir" ou Yves Montand en Marcel sans manches, épaules découvertes et largement échancré sur la poitrine dans" le salaire de la peur". Deux styles, une même idée mise en image…
Le tricot de peau, le maillot de corps, c'est en ces termes peu avenants mais très éloquents que l'on désignait ce sous vêtement plutôt masculin, jusqu'au succès mondial dans les années 50 du fameux Tee shirt qu'il était de bon ton de ne plus cacher sous la chemise.
Au 19e siècle, les sous- vêtements étaient en laine, en chanvre pour le peuple et en lin ou en soie pour les nantis puis, vint le coton qui unifia tout ce monde. Encore que le coton offre de nombreuses variantes : longues soies, courtes soie, coton d'Egypte, coton indien, coton mercerisé, coton bio…

Une star parmi les stars osa, avant Brando se montrer dans un vêtement en jersey ajusté, blanc et ras du cou, jusque là considéré comme un sous- vêtement , ce fut Clark Gable dans New York Miami, en 1934. Il ne laissa pas un souvenir aussi marquant que ces deux autres stars hollywoodiennes mais, ce jour là, le Tee shirt perdit sa fonction de sous- vêtement pour devenir un vêtement à part entière, avec une connotation sportive, sexy, moderne. Porté avec un jean ou un chino, le look révolutionnaire des débuts est devenu un costume quasi traditionnel pour les jeunes et les moins jeunes au XXIe siècle.

UTILE OU FUTILE ?
L'utilité du sous vêtement est-elle aujourd'hui devenu une futilité ? Jusqu'à la fin du XIXe siècle et même au début du XXe, le tricot de peau était considéré comme un élément vestimentaire de confort et hygiènique. Et il y avait des raisons valables pour cela. Les vêtements de protection comme les vestes, les manteaux, les pulls, étaient en laine, rugueux, lourds, et par conséquent rarement lavés. On mettait donc une couche de tissu entre la peau et le vêtement, un "sous vêtement" lavé plus aisément et plus fréquemment.
Le maillot de corps ou tricot de peau, fut ainsi nommé parce qu'il fut tricoté par les femmes pour leur mari, en laine ou en coton . Puis vint l'industrialisation. Les métiers à de mailles tubulaires. Au XIXe siècle, le coton était la matière première la plus employée, suivie du lin, du chanvre et de la soie.
Les premiers débardeurs étaient donc taillés dans des "tubes"de jersey, ce qui évitait les coutures latérales. Aujourd'hui, les Marcel ou les T shirt ont des coutures sur les côtés, parfois une seule sur un côté. Dans ce cas de figure, au bout d'un certain nombre de lavages, la couture a une fâcheuse tendance à "tournicoter" et à perdre sa place initiale.

POURQUOI DEBARDEUR ?
A la fin du 19 siècle, les halles de Paris emploient des milliers de manutentionnaires qui chargent et déchargent des tonnes de nourritures, surtout la nuit. Or, il fallait se protéger du froid et des courants d'air tout en ne contraignant pas les mouvements et en tenant les reins bien au chaud. L'un d'entre eux eu l'ingénieuse idée de couper les manches d'un pull en laine, largement échancrés à l'emmanchure et à l'encolure. Ainsi, ce vêtement remplissait à merveille les fonctions nécessaires. Voilà comment le traditionnel tricot de mot devint un maillot de corps adopté par les débardeurs ; le nom de baptême coulant de source pour ce modèle fut dès lors un débardeur.

POURQUOI MARCEL ?
Parce qu'à Roanne, capitale de la maille, l'entreprise Marcel, dirigée par Marcel Eisenberg, se lance dans la fabrication industrielle d'un modèle de sous vêtements en maille, d'où le mot maillot. Le succès est immédiat, utilisés par les forts des halles, par les agriculteurs et par de nombreux travailleurs manuels, qui soudain retrouvent une liberté de mouvements. D'abord en laine pour ces hommes qui effectuent des travaux de force la nuit ou en hiver, il se porte sous la chemise ou sous le pull, puis en coton pour protéger la peau des rayons du soleil.
Sachez que pendant la guerre de 14-18 le Marcel fit partie du paquetage de chaque soldat partant au front.
Dans les années 30, la gamme s'enrichit d'un tricot de corps en maille plus aéré, le point de départ étant le filet de pêche.
En 1936, premiers congés payés, et encore une fois le Marcel remporte tous les succès.
Puis dans les années 60 le maillot à tendance à se montrer, et le marcel "prolo" va, petit-à-petit, devenir sexy.
Dans les années 80, le Marcel trouve sa place dans le dictionnaire.

POURQUOI T-SHIRT ?
Au 19e siècle, apparaît aux USA un vêtement en jersey à encolure ronde et petites manches, coupé dans une maille de coton tubulaire dont la forme n'est pas sans rappeler celle d'un T.
Ce fut un élément classique de la gamme de vêtements masculins populaires, avant de devenir un incontournable article de l'uniforme des marins US, puis des sportifs.

L'ARMEE À L'AVANT GARDE DE LA MODE ?
Si le marcel fit partie du paquetage des soldats durant la première guerre mondiale, le sous-vêtement en forme de T était un élement réglementaire des marins américains des 1899. Lorsque les soldats américains débarquèrent en Europe durant la seconde guerre mondiale, ils contribuèrent au succès de ce petit article sans prétention. Il était nouveau, facile à entretenir, confortable et bon marché.
L'histoire se répète, ce sont les soldats américains qui, de retour dans leur pays et démobilisés, continuèrent à porter t-shirt et ces pantalons si confortables que sont les Chinos.

IMPRIMÉS COLLECTOR
Aujourd'hui, le T shirt est un article incontournable que l'on trouve dans le monde entier, unisexe et intergénérationnel. Uni ou imprimé son succès est considérable. Certaines pièces imprimées sont devenus des collectors recherchés. Le premier T shirt utilisé pour promouvoir l'élection d'un candidat à la présidence des USA est conservé au Smithsonian institution à Washington

QUAND LE T SHIRT FAIT SON CINÉMA ET ENTRE EN POLITIQUE
Si le marcel est resté vierge de toute inscription, c'est sans doute parce que les fines côtes qui rythmaient sa surface ne permettaient pas d'obtenir un contour net. La surface lisse et immaculée du T shirt fut une aubaine pour les publicitaires. Le cinéma fut encore une fois l'élément déclencheur de ce qui va devenir une évidence. Afin de promouvoir "le magicien d'Oz" premier film en couleur, les producteurs imaginèrent des T shirt promotionnels à l'effigie du film. Une première pour une première.
Puis, les hommes politiques furent séduits par ce mode de communication et, durant les élections présidentielles de 1948, Thomas E. Dewey utilisa la surface du T shirt comme support de campagne, inscrivant : "Dew it with Dewey". En 1952, ce sont les supporters du candidat Eisenhower qui vont porter les tee shirt "I like Ike". Tout un programme, qui va rendre populaire ce produit de prime abord insignifiant.

ANNEE 80, LOOK NOUVEAU
Le hip hop s'est pris d'amour pour cet accoutrement particulier composé de pantalons "baggy" et d'un tee-shirt XXXXL. Dans un autre post, je parlerai de l'origine du baggy mais, pour l'instant, restons dans l'univers des maillots ?
Les rappeurs et les skatteurs se sont approprié cette sillhouette si particulière. C'est une mode qui a séduit les jeunes et désormais le T shirt extra large est un article courant dans les collections sportswear.
Si le but rechercher est le confort, pas de soucis, ceux qui le portent sont à l'aise.

OUTIL DE COMMUNICATION INCONTOURNABLE
L'homme et la femme se prêtent volontiers à une mascarade, véhiculant sur leur poitrine ou leur dos, des messages publicitaires, humoristiques, politiques.
Parfois, pour arborer les initiales d'une grande maison de couture, en lettres dorés ou en strass il faut payer très cher. Mais après tout, personne ne force personne et, si devenir un panneau publicitaire ambulant ou un homme "sandwich" est un plaisir, pourquoi s'en priver?

L'AVENIR DU T SHIRT SUPPORT DE MESSAGE MIS EN DANGER PAR LE TWITT?
A quoi bon désormais porter haut et fort sur un morceau de tissu des formules toutes faites, des photos de stars, des idées qui ne nous appartiennent pas puisque 140 caractères permettent de s'adresser à une multitude de lecteurs ? En même temps, tout dépend du but recherché : communiquer ou s'habiller? Le Tee shirt permet les deux, c'est peut être pourquoi les nouveaux moyens de communication ne mettent pas son utilisation n'est pas en péril.

LA SOIE ERI EN ASSAM

2025-02-18T00:02:00.000-08:00

Après un stop a Kolkata au Bengal, passage obligé avant d'atteindre l'Assam, j'atteignis enfin ce territoire légendaires couvert de verdoyantes plantations de thé, de champ de maïs, où les chenilles Eri, Paat et Muga se développent en dévorant les feuilles des ricins, lauriers , soms et autres muriers.

Alors que les brumes matinales se dissipaient peu à peu, mon embarcation glissait doucement sur les eaux calmes du Brahmapoutre.

Après un stop a Kolkata au Bengal, passage obligé avant d'atteindre l'Assam ce territoire légendaires couvert de verdoyantes plantations de thé, de champ de maïs, où les chenilles Eri, Paat et Muga se développent en dévorant les feuilles des ricins, lauriers et autre muriers.

ERI

Mon premier contact avec la soie Eri eut lieu dans un petit village bâti sur un îlot de terre qui s'étend entre deux bras du Brahmapoutre.

L'architecture de ces maisons est adaptée aux aléas climatiques, c'est pourquoi elles sont juchées sur des pilotis, et pour accéder à la plate forme habitable, les villageois font preuve d'inventivité, qui une sorte d'échelle, qui un systeme d'escalier en bambou, qui un plan en bois incliné...etc

Les murs? Parfois des panneaux réalisé en tiges de bambou, parfois tressés avec des feuilles de maïs ou de bananiers, avec un toit parfois en chaume, en tôle ondulée ou encore en feuilles de palmier,

Les maisons ainsi surélevée permettent de créer un espace ombragé qaux utilités multiples. La plu judicieuse peut être est dédiée aux tisserandes, qui travaillent sur des métiers à tisser rustiques certes mais d'une eficacité redoutable.

Une jeune femme qui sous le regard amusé de son jeune fils qui s'était fabriqué une balançoire avec les moyens du bord,

manipulait la navette avec dextérité et en rythme actionnaient les pédales avec ses pieds nus...

ainsi les jours passaient et les étoffes naissaient. Les matières premières utilisées sont la soie éri et des fils de coton généralement teints. La qualité fort moyenne mais fournie par une coopérative. Les fils sont distribués entre les femmes du village puis les étoffes sont soit récupérés pour être vendues sur le marché local, soit pour une partie utilisées par les villageois eux- même, pour se vêtir ou se couvrir ou vendues aux visiteurs de passage bien que rares.

UNE SOIE CRUELTY FREE OU SOIE DE LA COMPASSION

La soie Eri, ou "soie Ahimsa" qui signifie "non-violence" en sanskrit, est obtenue à partir des cocos percés des vers à soie Samia cynthia ricini.

Ce type de sériciculture éco-responsable est à l'origine des soies dites sauvages , elle est répandue dans de nombreux pays quoique qu'il semble évident que c'est sous l'influence des jaïnistes et des bouddhistes que ce type de soie s'est développé en premier lieu dans les régions où ces religions étaient majoritaires parce que c'est le seul type de soie qu'ils sont autorisés à porter, puisque qu'elle ne génère pas la mort de la chenille

Le cocon est récolté après que la chenille soit sortie transformée en papillon

Le saviez vous? Le nom de la soie Éri vient du mot "eri" qui signifie "ricin" en assamais-. Cette soie est produite par le ver à soie Samia riacini, qui se nourrit principalement des feuilles de ricin (Ricinus communis). D'où son nom !

La soie Eri est appréciée pour sa texture douce et laineuse, idéale pour des vêtements chauds. En enroulant un châle d’Eri autour de mes épaules, j'ai ressenti immédiatement sa chaleur réconfortante, comme si elle portait en elle la bienveillance.

Le lustre de la soie Eri est, à peine perceptible, par contre les étoffes sont extrêmement douces, chaudes et solides. Ces points justifient ses utilisations : foulards et des écharpes, mais aussi pour des couvertures et des tapisseries mais aussi des vestes plutot portées parles hommes En raison de sa texture épaisse et de ses propriétés thermiques, la soie Eri est un choix populaire pour les vêtements d'hiver dans certaines régions d'Asie, notamment en Inde et au Népal.

En quittant l'Assam, mon sac empli d’échantillons précieux et mon esprit chargé de souvenirs, je compris que ces soies n’étaient pas seulement des étoffes exquises, elles incarnaient aussi l’âme d’un peuple, le savoir-faire d’un monde ancien et l’amour indéfectible pour la nature. Et moi, aventurière insatiable, repartais avec la promesse de vous raconter sur mon blog, la magie des soies d’Assam.

LAST BUT NOT LEAST : LA SOIE PAAT

2025-02-15T08:27:00.000-08:00

LA SOIE PAAT

Mon séjour en Assam n’aurait pas été complet sans une dernière découverte : la soie Paat ou Tassar

. Convoitée pour son lustre nacrée et son exquise présence, elle a sa place dans la mode (saris ou mekhea chador) Elle se distingue par sa légèreté et sa texture plus lisse que celle de la soie Eri mais plus rustique, plus sobre et d' un prix plus abordable que la soie Muga voilà pourquoi elle est souvent utilisée pour des vêtements du quotidien et sari et mekhela chador .Il s'agit§ une variété de soie produite par le bombyx textor qui s'est développé en Inde et dont la chenille raffole des feuilles fraiches des muriers . Cette gourmandise est à l'origine du mot puisque paat se traduit par mûrier en assamais.

Les étoffes de se paat sont similaires aux tussor, et autres tussah c'est à dire des soies sauvages, des tissus acceptés par les jaïnistes et bouddhiste puisqu'ils obtenus sans tuer la chrysalide, bien loin des élevages intensifs de bombyx du mûrier

Les cocons des bombyx textor sont percés lorsqu'ils sont ramassés. puique la chrysalide devenue papillon s'en est échappé. C'est pourquoi le cocon ne peut être dévidé pour offrir un fil continu. Les segments plus ou moins longs et de diamètre irrégulier, produisent lors du tissage des surfaces irrégulières ponctuées de nœuds mais c'est aussi ce qui fait leur attrait Tissus pour vêtements traditionnels, tissages artisanaux, broderies et parfois même en papeterie (papier de soie).En Inde, la soie Paat est souvent utilisée pour la fabrication de saris, une tradition culturelle de longue date. Le tissu est apprécié pour sa solidité, sa texture agréable et ses couleurs riches, issues de teintures naturelles.

Les tissus en soie Paat sont a la fois solide, lustrés modérément et d'une finesse moyenne qui procure à la fois légereté et la solidité prisé pour la fabrication des vêtements traditionnels comme le Mekhela Chador. et les vestes. Ces soies sont généralement vendues dans une gamme tres variée de couleurs.

La soie Paat est très répandue dans la fabrication de saris et de turbans dans certaines régions de l'Inde.
A la différence de la soie muga, les soies eri et paat peuvent se teindre

Les tissus en soie Eri et Paat sont appréciées pour leur aspect écologique, puisque leur fabrication respecte un équilibre entre la nature et les besoins humains, moins onéreuses et moins fragiles que la soie du bombyx du murier trop souvent désignée comme une soie naturelle, peut

être en opposition avec la soie artificielle ou viscose, mais certainement pas avec la soie sauvage!

La soie paat est largement intégrées dans la mode occidentale et les vêtements traditionnels en Asie.

Ces trois posts sur les soies assamaises m'ont permis de partager avec vous les conséquences positives de mon extrême curiosité.

Conclusion Tout en étant des matériaux précieux dans le monde de la mode et de l’artisanat, la soie Eri et la soie Paat témoignent qu'une l'harmonie entre 'homme et la nature peut mener à des produits textiles de haute qualité

LA SOIE MUGA DE L'ASSAM : L'OR DE L'INDE

2025-02-10T03:15:00.000-08:00

TEMOIGNAGE D'UNE TEXTILE GLOBETROTTEUSE

De mon récent voyage en Assam j'ai rapporté des souvenirs textiles inattendu. La soie ou plutôt les soies, moi qui je pensais avoir fait le tour de ce sujet, mais ma liste était incomplête, parce que ce fabuleux fil inconsciemment ou non, caché entre les mains d'habiles artisans qui perpétuent au prix de bien des efforts cet héritage textile au sein de petits ateliers disséminés dans la région

AU "FIL" DU BRAHMAPOUTRE L'Assam une terre coincée entre la chaine montagneuse vertigineuse de l'himalaya, la Birmanie, le Bhoutan, le Bengladesh, et traversée par le Brahmapoutre affluent influent du Gange n'a pas la place qu'elle mérite au sein de l'univers textile

Curieuse d’en savoir plus sur la production locale de soie en Assam, je poursuivi ma route vers une région , d'où dit on il sortait des metier à tisser une soie aussi pure que la lune. Dans la ville de Sualkuchi se cache la soie muga

D’un éclat doré naturel, elle semblait contenir la lumière du soleil en son sein. Légende ou réalité , les anciens racontent qu’autrefois, seuls les rois et les nobles pouvaient porter ce tissu divin. En effleurant l’étoffe, je compris aussitôt pourquoi : sa texture était à la fois robuste et somptueusement douce, promettant d’embellir avec le temps plutôt que de se faner.

Tandis que les hommes assis sur le sol dans la courette s'affairaient à dévider les cocons,

les femmes tissaient indifférentes aux clic clac incessants du va et vient de la navette des magnifiques métiers Jacquard. , des machines en parfait état, où sans relâche défiler les cartons perforés se pliaient et se dépliaient

permettant aux motifs colorés de s'épanouir sur la surface immaculée des fils de soie Muga.

Les fils se transformaient lentement en un tissu délicats sur lequel apparaissaient des motifs traditionnels

qui racontaient l’histoire d’Assam, des ses fleuves et de ses divinités, comme si chaque fil renfermait une légende ancestrale. En observant leur art, je réalisai que cette soie était bien plus qu’un textile : c’était un héritage vivant.

UNE MISE AU POINT S'IMPOSE Le terme "ver" est souvent employé de manière familière pour désigner tout être à corps allongé, mais scientifiquement, il ne correspond pas à la chenille. La larve du Bombyx du mûrier est une chenille, c'est-à-dire le stade larvaire d'un papillon de nuit (ordre des Lépidoptères). Les vers, quant à eux, sont des organismes très différents (comme les annélides ou les nématodes) qui n'appartiennent pas au règne des insectes. Ainsi, parler de "ver" pour désigner la larve du Bombyx du mûrier relève d'une confusion dans le langage courant.

UNE SOIE UNIQUE

Il existe des étoffes qui racontent une histoire, des fibres qui portent en elles l’empreinte d’un héritage immémorial et parmi elles, la soie Muga de l’Assam occupe une place d’exception. Rare, somptueuse et éternelle, elle incarne l’élégance intemporelle et la richesse du patrimoine indien.

La soie Muga est obtenue à partir du cocon de l’Antheraea assamensis, qui ne se vit qu’au cœur de l’Assam, cette une région luxuriante de l’Inde. Ce papillon, fragile et précieux, "construit" son cocon à l'aide d' un filament aux reflets dorés naturellement chatoyants, une caractéristique qui fait de la Muga une étoffe incomparable. Le saviez vous? Muga signifie dans le dialecte assamais jaune. Les chenilles se nourrissent des feuilles d'un arbre endémique de la region le machilus Bombycina som. Le filament se teint difficilement, c'est pourquoi la soie muga une fois tissée est généralement vendue dans une gamme de couleur restreinte qui va du blanc cassé au beige plus ou moins soutenu. Le plus se cache dans la durée car le lustre des filament s'intensifie au fur et à mesure des lavages

UN ARTISANAT INSTITUTIONNEL

Tissée à la main avec un savoir-faire trans-générationnel, la soie Muga est bien plus qu’un simple tissu : elle est une œuvre d’art. Chaque fil est méticuleusement travaillé sur des métiers traditionnels, un processus qui exige patience et dextérité. Seules quelques familles d’artisans maîtrisent encore aujourd’hui cet art séculaire, préservant ainsi la pureté et l’authenticité de cette soie jadis royale.

LA FIBRE DES NABABS DE LA DYNASTIE AHOM

Si le shatush était la fibre du roi des shâs , la soie muga fut jadis celle des Nababs et autres des grands dignitaires de l' Assam sous la dynastie Ahom. Cette soie symbolise le luxe et l’exclusivité. Elle est au cœur des traditions assamaises, utilisée notamment pour confectionner les magnifiques Mekhela Chador, tenues traditionnelles portées lors des grandes occasions. Aujourd’hui encore, posséder un vêtement en Muga est un signe de prestige et de raffinement.

UNE ETOFFE POUR L'ETERNITE OU PRESQUE Ce qui rend la soie Muga si unique, c’est sa résistance exceptionnelle. Contrairement aux autres soies qui s’affinent et s’usent, la Muga se bonifie avec le temps, gagnant en éclat et en douceur. Un sari en soie Muga, soigneusement entretenu, peut traverser des générations, devenant ainsi un précieux héritage familial.

Dans les villages côtiers il y a une volonté tres marquée par les jeunes générations de préservation du patrimoine,ainsi les groupes folkoriques mettent à l'honneur les costumes traditionnels. Ici les femmes portent des costumes en soie Muga!

UN ARTISANAT PRESERVÉ Face aux défis de la modernité et aux menaces pesant sur sa production, la soie Muga est aujourd’hui protégée par UNE APPELATION GEOGRAPHIQUE et des efforts de conservation. Encourager son usage et valoriser son artisanat, c’est participer à la sauvegarde d’un patrimoine exceptionnel, témoin d’un savoir-faire ancestral.

A "CONSOMMER" EN PLEINE CONSCIENCE Posséder un morceau de soie Muga, c’est embrasser un fragment d’histoire, une touche de lumière dorée qui danse avec le temps, une caresse précieuse qui relie le passé au présent. Un trésor à chérir, à transmettre et à aimer.

A bientôt pour d'autres aventures textiles

2024-07-15T05:25:00.000-07:00

KABIG, KABIC, CABAN : UN ,DEUX , TROIS , TISSU.

UN VÊTEMENT EN TROIS MOTS
Ce mot cabic est d'origine bretonne, cab désigne une cape, alors que le mot caban est d'origine arabe, gaba, caba ou qaba désignant une grande veste , un vêtement de protection, on pourrait dire un manteau, à manches longues, porté par les bedouins

Le terme kabig désigne à la fois une veste sportswear, longue croisée haut sur la poitrine, mais aussi le tissu dans lequel elle est taillée. Le drap caban ou kabig est le terme utilisé pour désigner un gros drap de laine, (cardée, foulée, serrée).

SUR TERRE ET SUR MER
Longtemps ce tissu de laine épais, presque raide, imperméable et chaud fut destiné aux vêtements des marins. Mais même à terre, les anciens marins gardèrent l'habitude de porter le caban .
En effet, si les goemonniers ramasseurs d'algues sur les côtes bretonnes, surtout dans le Finistère portaient le caban c'est sans doute parce qu'ils étaient d'anciens marins. Le caban leur était tout aussi utile à terre.
Aujourd'hui le caban se porte en ville, à la campagne et parfois encore sur les cotes du littoral.

PAS DE HASARD MAIS DE LA NÉCESSITÉ
Qu'il s'agisse du caban ou du duffle cota on retrouve le double boutonnage. Il ne s'agit pas d'une décoration anecdotique. Ces vêtements étaient destinés à protéger les marins du vent et de la pluie. Le coté fonctionnel est mis en avant dans les détails.Un double boutonnage permettait de fermer le caban du coté opposé à celui d'où venaient le grain
Un grand col peut se relever et se fermer par deux boutons au niveau du cou mettant le cou et la nuque à l'abri du vent et de la pluie
Deux poches extérieures inclinées permettent de garder les mains au chaud plus commodément.
Les deux poches intérieures sont destinées à conserver des articles plus précieux
Les boutons sont plats et assez gros pour pouvoir les manipuler avec des gants sans problèmes et surtout pour ne pas s'accrocher aux cordages
Il est court, et s'évase légèrement afin de ne pas gêner les manoeuvres
La longueur des manches inhabituelle permettait de garder les poignets et les mains au chaud

UNE ORIGINE ORIENTALE
Si le caban fait partie de la tenue réglementaire dans la marine Nationale depuis 1853, il est apparu dans sa forme primitive au 17e siècle à Venise, dans une cargaison venue d'Orient. On mentionne un vêtement en laine avec des manches et un capuchon. On peut imaginer un article proche au niveau de la forme d'un burnous, d'une gandoura ou d'une djellaba.
Venise était le lieu où toutes les marchandises se rencontraient, celles qui venaient d'Occident et celles qui venaient d'Orient. Les cahiers de tendances n'existaient peut être pas encore, mais la mode n'a cessé d'emprunter ici pour ajouter là. La mixité est toujours un élément qui fait avancer le monde et bouger la mode

UN VETEMENT OFFICIEL
Le terme caban est cité dans l'ouvrage de monsieur Pingeon en 1786 " Manuel des gens de la mer":
employé en marine à propos d'une capote courte de marin, à manches et à capuchon recouverte d'une toile goudronnée
Une ordonnance de cette même année précise avec plus de détails la tenue vestimentaire à bord des vaisseaux:"dans les campagnes du nord, sa majesté fera embarquer une certaine quantité de capotes nommées cabans, des bottes et des gants de lain. Un des dits caban servira pour deux matelots, étant particulièrement destinés pour ceux qui sont de quart."

HIER ET AUJOURD'HUI
Une veste trois quart, marine, en laine raide et imperméable, croisée avec des boutons dorés, argentés, marine, décorés d'une ancre, ou tout simples , appartient toujours au vocabulaire des gens de la mer. Porter un caban sur terre pour un civil en promenade, c'est un peu porter la caquette de capitaine lorsque l'on rêve de naviguer sur un yacht. Dans les années 1970 le caban est devenu comme le jean, le duffle coat ou le trench, un article consacré par le cinéma qui lui donne droit de cité dans les villes.

IMPERMÉABLE OU IMPERMÉABILISÉ?
Imperméable tout court. A quoi la laine doit elle cette qualité ? Pour obtenir un drap de laine le foulage est très poussé, et le tissage très serré. Autrefois ces articles étaient coupés dans des lainages non dégraissés. La suint constituait une imperméabilisation naturelle. C'est pour ces raisons que le drap caban est une étoffe lourde et plutot raide. Les couleurs les plus courantes sont sombres : marine, noir ou gris. Mais un drap caban écru, jaune ou rouge n'est pas chose introuvable.
Au XVIIe siècle, les marins fabriquaient eux même leur caban. Pour imperméabiliser la laine, ils l'enduisaient d'un mélange de suif, de goudron et d'essence de térébenthine.

COSTUME OU DEGUISEMENT?
Aujourd'hui sur les côtes bretonnes ou normandes, les touristes jouent le jeu. Caban marine, pull marin rayé made in France, bonnet en laine et le tour est joué, mais pas toujours gagnant. Trop c'est trop, et on peut friser le ridicule en se parant " breton" de la tête aux pieds. Ne passe pas pour un autochtone qui veut.

L'AUTHENTIQUE EST DEVENU UN LUXE
A l'adresse des non initiés, les cabans sont rarement coupés dans un vrai kabig de qualité. Il ne s'agit pas d'un article sophistiqué. Son coté rustique l'emporte dans la version utilitaire. On trouve des cabans taillés dans un beau cachemire mais de nom il n'a que la forme, le fond finalement n'a plus d'importance Il ne suffit pas d'écrire caban sur l'étiquette pour que vous endossier un véritable cabig.
Ne vous fiez pas uniquement au détail de l'ancre sur le bouton, soyez attentif à la qualité du tissu. Le pur laine est à privilégier si vous voulez un article qui se patine avec le temps, sans pour autant mal vieillir.
L'acquisition d'un cabig n'est pas un achat banal, ce n'est pas un article de consommation /jetable, non c'est un bel objet. Ce que j'aime dans ce type de tissu, c'est que l'on peut faire un bout de chemin ensemble, chacun prendra quelques rides, et puis après... On se fait l'un à l'autre comme de bons et vieux amis. Et si vous recherchez cet accord vêtement/corps vous êtes fait pour vous entendre avec votre caban en cabig.

ECOSSAIS

2024-05-31T07:29:00.000-07:00

UNE ÉTYMOLOGIE SANS SURPRISE OU PRESQUE Ecossais vient de escochois, c’est-à-dire, Ecosse. En vieux français, on trouve le mot escot du bas latin scoti, désignant les habitants de la Calédonie. Lorsque le terme est utilisé dans le vocabulaire textile, il désigne un motif et non un tissu.

UN MOTIF UNIVERSEL Peut-on affirmer que ce motif baptisé écossais appartient à un seul peuple ? Pas si sûr! Ce dessin crée par des rayures verticales et horizontales se croisant à angle droit, a été retrouvé sur des vêtements couvrant une momie particulièrement bien conservée dans l’Ouest de la Russie. Il semble que, dès l’apparition du métier à tisser, l’option « rayures et carreaux » ait été adoptée par de nombreuses civilisations. L’exemple du madras permet de comprendre que le partage des cultures est sans frontière. Le sud de l’Inde fut occupé pendant le 19ème siècle par les écossais. Les tisserands indiens se sont alors simplement inspirés des nombreux tartans qu’arboraient les fiers écossais pour en faire des créations à leurs goût avec la matière première qu’ils avaient à portée de main : la fibre de bananier et le coton. Ainsi naquit le madras, mis à l’honneur par les antillaises. Des Indes aux Antilles françaises, les « mouchoirs de tête » vivement colorés, ont traversés les océans avec l’Aurélie, un navire parti de Pondichery en 1854 avec à son bord quelques centaines d’ouvriers indiens qui venaient travailler avec, en poche, un contrat de 5 ans et quelques carrés de madras. Les femmes antillaises furent séduites par ces cotonnades légères et colorées. Il n’en fallut pas plus pour que ce tissu, venu de la région de Madras, fut adopté par les antillaises.La manière dont les femmes célibataires portaient les madras était autant des messages codés destinés aux hommes. A eux d’apprendre à les lire…

TARTAN A l’origine, c’est le terme qui prévalait pour décrire ce type de motif, le mot écossais étant plus utilisé par les étrangers que par les autochtones. Le kilt écossais est taillé dans un métrage de tartan. Le tartan traditionnel est un sergé de laine, caractérisé par des carreaux de couleurs diverses, motif typique des peuples celtes. On retrouve cet agencement de bandes colorées en Irlande. Par analogie, tartan fut associé à un tissu de coton ou de tout autre fibre dont le motif offrait des similitudes avec le traditionnel tartan écossais, c’est-à-dire d’Ecosse, d’où la confusion. Le Falkirk Sett tartan, le plus ancien tartan trouvé sur les îles britanniques, est daté du IVe siècle.

ÉTYMOLOGIE FRANCO/BRITANIQUE

On peut retrouver l’origine du mot tartan dans le mot tartarin qui, en anglais, désigne le drap de tartarie mais qui, vraisemblablement, est une variante du mot français tiretaine, grossière étoffe de laine ou de coton. Le terme gaélique pour tartan est Breacan, c’est-à-dire : carreau. Tout est dit.

SETT = MOTIF ÉCOSSAIS

Le terme sett en gaélique signifie pavé ou carré, ce qui correspond parfaitement à l’organisation des rayures. Les premiers tartans étaient très simples, construits avec quelques rayures et deux ou trois couleurs. Les plantes tinctoriales, les lichens, les fleurs séchées, les racines locales étaient utilisées par les teinturiers, ce qui explique cette restriction. Chaque région, chaque vallée avait ses couleurs et, par conséquent, les habitants étaient facilement repérables lorsqu’ils voyageaient dans une autre région. L’apparition des couleurs chimiques favorise la multiplication des dessins, contrariant ainsi le repérage des « intrus ».

Le sett est caractérisé par l’alternance du croisement des bandes horizontales et verticales, constituées de fils colorés. L’armure choisie pour le tissage est le sergé, permettant ainsi une vibration des couleurs et une lisibilité des obliques ou zébrures dans les zones claires. A l’intersection entre deux bandes colorées, les couleurs se mélangent et il en résulte la création d’un carreau, d’une nuance ou d’une couleur différente.

ÉCOSSSAIS /CARREAUX

L’écossais est devenu un terme générique qui désigne un tissu présentant des bandes horizontales et verticales formant des carreaux de coloris plus ou moins vifs différents du fond.

Pour les puristes, les plus beaux tissus écossais sont tissés en pure laine avec une armure sergé

et ils sont intraitables sur le fait qu’il convient de différencier un tissu écossais d’un tissu à carreaux : la taille et la régularité des rayures font la différence.

– les tissus écossais sont basés sur la répétition à l’infini des carreaux obtenu par le croisement des bandes de couleurs dans la chaîne et dans la trame ;

– les tissus « à carreaux » sont faits d’un arrangement régulier de petits ou grands carrés de fils clairs et foncés. Le carreau est un dessin plus simple que l’écossais.

DU CLAN AU TARTAN

Le clan, au sens de groupe social issu d’un même ancêtre, est emprunté au gaélique clann, c’est-à-dire : enfant. Lorsque le cercle familial s’agrandit, la famille se transforme en groupe portant le même nom et reconnait l’autorité de son chef qui rend la justice et protège ceux qui lui ont prêté allégeance. Le fils succède à son père et ainsi, le nom de famille de perpétue en écosse en commençant par Mac, c’est-à-dire : fils. Cette organisation sociale était très particulière et générait des luttes entre les clans devenus très puissants. Jusqu’au XIXe siècle, au sein de la tribu, chaque individu était libre de choisir son tartan, dans la gamme proposée par les drapiers. Ce n’est qu’au XIXe siècle que le tartan va se figer, que chaque clan va choisir son sett. Ainsi donc, la tradition ancestrale du tartan associé à un clan n’est qu’une légende.

LE CHOIX DES COULEURS ET DES MOTIFS DES CLANS EST DIVERSEMENT INTERPRÉTÉ

Pour les uns, le choix des couleurs était fonction des régions et des plantes, des fleurs, des lichens, des racines, des baies qu’on y trouvait ; logique !

Pour d’autres, le prix de la laine et des teintures. Ainsi, les tartans marquaient avant tout le statut social du propriétaire. Les tartans des nobles ou des plus aisés écossais étaient plus colorés (rouge, or, orange) que les tartans des classes sociales inférieures (noir, brun, bleu, marron). Le prix d’un tartan était fonction du nombre de couleurs, des nuances et de la complexité du sett.

DU TARTAN AU PLAID

Dès le XVIIe siècle, les habitants des hautes terres écossaises utilisaient des tartans très colorés pour fabriquer des plaids, mot gaélique synonyme de tapis ou de couverture de laine à carreaux. Utilisé comme protection contre le froid et l’humidité, simplement jeté sur l’épaule comme une cape, le plaid était le compagnon des hommes des classes populaires, surtout par mesure d’économie, les vêtements coupés cousus étant trop onéreux. Ce rectangle d’étoffe se transforma au cours des ans. Drapé autour de la taille en jupe qui, d’un côté, descendait jusqu’aux mollets et, de l’autre, était rejeté sur l’épaule en couvrant une partie du buste, à la manière des toges romaines. N’oublions pas que les romains, s’ils n’ont jamais occupé l’Ecosse, avaient tout de même fait quelques tentatives qui se soldèrent par des échecs.

Si les ouvriers des Highlands portent le plaid, c’est surtout par habitude et par économie. Lorsque le prix de la laine diminuait, la vente des plaids s’accentuait. Cette région de l’Ecosse ne favorisait pas l’exploitation des terres difficiles à cultiver, la population était, dans l’immense majorité, très pauvre et les vêtements coupés cousus trop onéreux. A l’inverse, les habitants des basses terres n’ont pas adopté le plaid, le climat ne les incitait pas à se protéger de cette façon et le rendement des terres agricoles étant meilleur, leurs ressources financières leur permettaient de porter des vêtements plus élaborés.

DU PLAID AU KILT

En 1707, les royaumes d’Ecosse, d’Irlande et d’Angleterre furent réunis par l’acte d’union pour former le royaume uni, mais les tensions entre les régions ne cessèrent pas vraiment.

Au début du XVIIIe siècle, les anglais tentèrent encore d’affaiblir les clans, notamment en construisant routes, ponts et usines créant ainsi des emplois pour les autochtones. C’est ici qu’intervient le rôle de Rawlinson, directeur d’une fonderie à Glengarry. Il imagina en 1720 qu’en raccourcissant le plaid classique, les ouvriers de son usine seraient plus libres de leurs mouvements. Parce que travailler en portant six mètres de tissus drapés à la romaine jouant à la fois le rôle de jupe et d’écharpe, ce n’était pas évident. Selon la légende, Rawlinson confia son idée à un tailleur d’Iverness qui proposa de couper le plaid en deux, l’un des deux morceaux deviendra une jupe portefeuille plissée derrière et sur les côtés, fermée sur le devant par le chevauchement des extrémités du tissu et une broche ; et l’autre morceau de tissu sera l’écharpe, tenue portée uniquement par les hommes. Légende sans doute car le plaid court se portait déjà bien avant cette version des faits.

DU KILT AU NO KILT

En 1746, les écossais se révoltèrent afin de retrouver leur indépendance. Ils furent défaits à Culloden, localité écossaise. Ce sont les anglais avec, à leur tête, le duc de Cumberland, qui remportèrent la victoire. Le prix à payer pour cette défaite fut dans la logique du vainqueur : la publication par le parlement d’un Dress Act en 1747, réclamant la suppression de tout signe de scotitude : prohibition du port du kilt et du tartan, désarmement des hommes et interdiction d’utiliser le gaélique, renoncement aux chants écossais et à l’usage de la cornemuse. Pendant presque 40 ans, tout écossais portant un vêtement traditionnel ou un article vestimentaire taillé dans un tissu quadrillé aux couleurs vives pouvait être puni et encourrait des peines sévères de six mois de prison à sept ans de déportation dans les colonies. Le vote du non au brexit serait-il une réponse, tardive certes, mais intentionnelle à Culloden ?

LE TARTAN TOMBE EN DESUETUDE

1785, le Dress Act est abrogé, l’usage du tartan rétabli. Mais quarante ans ont passé et les highlanders ont oublié le plaid : ils ont pris l’habitude de se vêtir comme les lowlanders, c’est-à-dire en habits coupés cousus. Ils furent pour le moins réticents à revêtir des tartans d’une autre époque.

CHACUN CHERCHE SON SETT

1815, la Highland Society of London demande aux chefs de clan de se présenter aux réunions avec le tartan de leur famille dans l’optique de préserver leur patrimoine. C’est le début de la régularisation des tartans par clan. Mais à l’évidence, ces chefs, considérés comme des aristocrates, avaient depuis longtemps quitté les hautes terres pour gérer leurs propriétés depuis Londres et les liens avec la tradition s’étaient distendus. Il leur fallut chercher dans les rares archives le sett de leurs ancêtres. Difficile mission, qui fut manifestement vouée à l’échec. Alors, plus d’un chef emprunta des chemins détournés en s’inventant un sett. Libre choix aux manufacturiers pour trouver de nouveaux agencements des bandes colorées.

LE TARTAN GARANT DE LA TRANSMISSION DES TRADITIONS

Ainsi le kilt, vêtement délaissé par les classes populaires, fut adopté par les membres de la haute société, vivant souvent dans des régions éloignées de leurs ancêtres. Le tartan marque une appartenance sociale, c’est devenu un lien qui relie les expatriés à leur terre ancestrale. Libre à chacun de s’y associer ou d’y renoncer.

LA JOURNÉE DE LA JUPE (ECOSSAISE)

Le regain d’amour des Anglais pour l’Ecosse débuta avec la visite officielle du roi George IV à Edinbourg en 1822. C’est sir Walter Scott, chantre dans ses romans de la vision romantique de l’Ecosse, qui fut chargé d’organiser les festivités en l’honneur de l’arrivée du roi. Scott demanda aux chefs de clan de se présenter, lors de la réception, vêtus de leur tenue traditionnelle, c’est-à-dire du kilt ou jupe courte taillée dans un tartan. Ce fut à eux de décider quel serait le choix du sett de leur clan et celui adopté fut porté par toute la famille. Walter Scott porta les couleurs du clan Campbell alors que le roi fut vêtu d’un kilt aux couleurs des Stuart.

L’USAGE FAIT LOI

A l’occasion d’une cérémonie à la gloire de la culture celte devant les chefs de clan, le roi George IV suggéra que les représentants de l’Ecosse revêtent leur tartan traditionnel lors des cérémonies officielles. Cette initiative fut une belle performance politique et donna au roi une notoriété qu’il n’avait jamais eue. Les conséquences de ce qui n’était qu’une suggestion furent inattendues. Les lowlanders, qui ne portaient pas le kilt et qui détestaient les highlanders, se trouvèrent dans l’obligation de se vêtir ainsi au nom de l’unité écossaise. Ainsi, d’une simple proposition naquit une véritable institution.

C’est donc à ce moment qu’il fut établi qu’il y avait correspondance entre un tartan et un clan.

Depuis, lors les chefs de clan portent le costume traditionnel et arborent le kilt aux couleurs choisies par le clan lors des cérémonies officielles en Ecosse. La reine Elisabeth ou le prince Philippe ne font pas exception à la règle.

A la fin du XIXe siècle, il semble que rois et reines aient tenté de gommer cet affront fait aux écossais. Ainsi, le couple royal, Victoria et Albert, permit de nouveau le port du kilt et ce fut, en Grande-Bretagne, un engouement incroyable pour tout ce qui était écossais. C’est ainsi que le tissu écossais devint à la mode dans toute l’Europe, tant en habillement qu’en ameublement. Le prince Albert, époux de la reine Victoria, créa son propre clan : Balmoral.

La Reine Victoria elle même, utilisa une étoffe écossaise pour meubler quelques pièces de son château de Balmoral.

Aujourd’hui, pour le régiment des Highlanders, le kilt est devenu un uniforme militaire. Si la question de savoir si les écossais portaient ou portent un sous-vêtement sous leur kilt vous préoccupe, sachez qu’en ce qui concerne les classes élevées de la société il semble que sous le kilt, les hommes portaient des culottes courtes nommées trews. En ce qui concerne les soldats vêtus du kilt, la question ne se pose pas, ils portent le kilt et simplement le kilt !

LE XIXe SIECLE ET LA « SCOTOMANIA »

Pour tenter d’apaiser les tensions entre l’Angleterre et l’Ecosse, pour effacer l’affront de Culloden à la fin du XIXe siècle, le couple royal Victoria-Albert se lança dans une surenchère bienveillante utilisant à tord et à travers «le sett », tentative qui réussit au delà de toute espérance. En premier lieu, le port du kilt fut de nouveau autorisé. Aujourd’hui encore, pour le régiment des Highlanders, le kilt est un uniforme militaire. Cet engouement pour tout ce qui était écossais remit de fait au premier plan le tartan dans l’ameublement comme dans l’habillement. Le motif va conquérir l’Europe. Au XXIe siècle, le tartan est toujours présent dans les collections Haute Couture et dans le prêt-à-porter. Mais derrière cette touche aimablement colorée, il demeure encore chez certains grands noms de la Haute Couture le souvenir douloureux de Culloden. Ainsi, Alexander Mac Queen, trouva t’il un moyen pas vraiment détourné d’exprimer sa rage en osant, en 1995, une collection insolente baptisée Highland Rape — le viol des Highlands — transformant le lieu du défilé en scène de bataille pour signifier que les anglais tentèrent jadis d’anéantir la culture écossaise en supprimant le droit de porter le kilt pour les civils, symbole emblématique s’il en est. Le sol est jonché de bruyère et le tartan se porte en pantalons patte d’éléphants, en déshabillé terminé de tulle ou en veste vinyle. Vivien Weswood ne fut pas en reste, proposant dans des modèles un grand nombre de vêtements taillés dans des étoffes à motif écossais.

Plus qu’un simple tissu pour certains, l’écossais sait s’adapter à toutes les occasions, selon les fibres utilisées (coton, soie, laine, lin, viscose, acétate), les vêtements auront des destinations différentes : jupes, pantalons, vestes, robes, pyjamas, chaussettes…

Les hommes n’ont toujours pas renoncé à l’écossais, alors que les chemises à fleurs des années 60 sont oubliées, un zeste d’écossais existe encore dans le dressing masculin.

L’écossais est dessus mais aussi dessous lorsqu’il est utilisé comme doublure. Les fameux imperméables Burberry’s ne sont-ils pas doublés avec cet inimitable tissu ocre, rouge, noir et beige, reconnaissable entre tous, devenu le signe distinctif de la marque, qui permit la création d’une gamme d’accessoires tels des écharpes, des chapeaux, des casquettes, des parapluies, des bagages, des sacs…

Ce qui a changé, c’est l’appropriation de l’écossais par la gente féminine. Si les femmes des clans écossais n’étaient pas autorisées à porter le kilt, elles avaient, en guise de compromis, le droit de porter un élément « écossais » dans leur tenue vestimentaire le curraichd, simple manteau de lin, agrémenté de rubans de tartan sur les épaules et à la ceinture. Au XXIe siècle, lors des cérémonies, la robe tartan était de mise, aux couleurs du clan sur un fond blanc. Nous avons toutes eu au moins une pièce écossaise dans notre garde-robe. C’est la décontraction, la bonne humeur, le plaisir de porter haut des couleurs, de la fantaisie au quotidien.Les tissus écossais sont en bonne place chez les éditeurs de tissus d’ameublement. La mode va et vient et les écossais demeurent. (murs, dessus de lit, nappes, canapés). La liste est longue, la gamme de couleurs vaste, le choix immense, pensez y. Une touche de fantaisie c’est très appréciable, surtout lorsque l’étoffe à une histoire.

UNE CERTAINE IDÉE DE LA DIÉTÉTIQUE VESTIMENTAIRE

2024-05-31T06:48:00.000-07:00

CONFORT ET FONCTIONNALITE

Si devenir l’architecte de nos habits nécessite un savoir faire très particulier, laissons aux vrais professionnels le soin de rendre nos vêtements quotidiens plus aimables, plus confortables sans perdre de vue qu'ils doivent demeurer fonctionnels.Connaître le fonctionnement du corps humain pour fabriquer le vêtement qui lui convient c'est ce que tout créateur devrait prendre en compte et c'est l'idée développée dans ce post

LA VERTU DES IMPODERABLES

Si à la suite des nombreux scandales touchant le secteur agroalimentaire, l'accès à l'information est devenu plus accessible pour le consommateur lambda, le domaine du textile a bénéficié de ce sursaut de réalisme contribuant à modifier le comportement d'une clientèle bien trop naïve .

LE POUVOIR DES CONSOMMATEURS

Etre un consommateur exigeant, averti, suppose une certaine dose d'assertivité. Bien des reproches peuvent être fait à Google, mais une fois n'est pas coutume c'est une aide précieuse.

Nous avons le pouvoir d'acheter ou de boycotter un article ainsi on peut espérer que les industriels, quel que soit le secteur d'activité, prendrons en compte la demande du public. Si nous voulons savoir ce que nous achetons dans le domaine vestimentaire, il faut que les fabricants annoncent clairement ce qu'ils vendent sur les étiquettes de composition et que les conseillers de clientèle soit en mesure de fournir des informations vraiment fiables. Je souhaite que le commerce devienne réellement équitable, qu'il n'y ai plus un face à face consommateur/fabricant, mais un juste côte à côte.

DIETÉTIQUE VESTIMENTAIRE

Si nous, clients, réagissons ainsi, c’est que nous sommes conscients que des efforts sont nécessaires pour mieux vivre et vivre plus longtemps.

Avoir une alimentation équilibrée et faire un peu d’exercice physique c'est bien mais pour parfaire ce parcours pourquoi ne pas ajouter un régime vestimentaire ?

VOUS LE SAVIEZ !

Au cours de notre vie, nous passons plus de temps vêtus que nus. Au quotidien, notre peau, le plus grand de nos organes, est en contact continu avec une étoffe, qu’il s’agisse de vêtements, de sous-vêtements de linge de maison et c’est souvent là, si j’ose dire, que le bât blesse. Cette proximité peut avoir des effets, néfastes ou bénéfiques, sur la peau.

Nous sommes agressés par notre environnement et les répercussions sur notre santé sont visibles : les toxines contenues dans l’air qui vous entoure ne sont pas innocentes, on se rend compte aujourd’hui du danger des particules émises par le gaz d’échappement des voitures utilisant le diesel, récemment on a découvert les vices des soit-disant vertus des bougies d'ambiance, et cette liste n'est pas exhaustive, vous pouvez y ajouter vos "trouvailles du jour"

Le succès des crèmes hydratantes pour le corps et le visage, des produits qui protègent notre peau des agressions climatiques et surtout de la pollution urbaine en sont la preuve. Autant ne pas en rajouter. Si nous ne pouvons pas faire grand chose contre la pollution des villes, nous pouvons au moins réduire les risques inhérents aux vêtements et aux textiles. N'oublions pas que le vêtement est aussi une protection.

L'ANATOMIE ET LE STYLISME

Stylistes et fabricants, semblent n'avoir que bien peu de considération pour le corps humain. Le client est trop souvent considéré comme "un porte manteau" équipé d'une carte de crédit.L’étude de l’anatomie devrait être une matière enseignée aux futurs créateurs de mode. Le vêtement se doit de respecter le mode de fonctionnement du corps. Si les industriels s’efforcent d’accroître notre confort en mélangeant aux fibres de l’élasthane, c’est une façon de cacher le problème, pas de le résoudre.

Pourquoi ne pas créer une ligne de vêtements conforme à la morphologie humaine, sans chercher à la transformer, avec des jeans slim, des tailles uniques, des escarpins aux talons vertigineux? Les excès de la mode ont toujours trouvé des victimes consentantes, souvenons nous des corps à baleines !

Le sur-mesure l'étape ultime de la sophistication, est devenu une utopie compte tenu des tarifs, mais la demie mesure est une solution envisageable si votre silhouette n'entre pas dans les codes du prêt à porter.

SE VETIR N’EST PAS UN ACTE ANODIN

Ceci n’est ni une supposition gratuite ni une vue de l’esprit mais un constat. Etre à l’écoute de son corps et oublier les vêtements qui par leur forme occasionnent une gêne voir un dis-fonctionnement. Une veste trop ajustée, mal coupée ou trop lourde, une robe coupée à la taille, une chemise trop étroite, peuvent avoir des répercussions sur la respiration, la circulation sanguine, et sur la digestion mais aussi sur nos muscle et notre squeletteLa conséquence de la nocivité de certains traitements chimiques appliqués sur les fibres textiles lors des différentes opérations de transformation, depuis la fibre jusqu’au tissu, a des répercussions sur notre organisme qui n'est pas naturellement préparer à lutter contre ces agressions vestimentaires. A vouloir à tout prix booster les qualités intrinsèques de certains textiles, l'industrie joue avec notre santé.

APPRENDRE À SE VÊTIR

Le vêtement tel que nous occidentaux le concevont n'est en fait qu'une béquille qui affaiblit notre corps au lieu de le fortifier. En effet contrairement à ce que l'on pourrait croire, trop se couvrir pour lutter contre le froid ou trop se découvrir lorsqu'il fait chaud ce ne sont pas les bonnes solutions. Surprotéger n'est pas protéger. Enfiler un vêtement ne sera plus un geste innocent lorsque vous saurez que la coupe et la forme sont des éléments déterminants pour votre bien-être La nature même des fibres textiles, les additifs chimiques censés améliorer les performances des tissus (imperméabilisation, infroissabilité etc…), les produits utilisés pour la teinture ou l’impression, c’est-à-dire une grande partie de ce que fabrique l’industrie dite d’ennoblissement (je trouve le mot trop joli pour êtren toujours honnête) peuvent être préjudiciables, voire dangereux pour votre santé.

La bonne solution vous appartient, chacun peut trouver chaussure à son pied pour retrouver le plaisir de s'habiller.

AU HASARD DU GAZAR!

2024-05-31T06:16:00.000-07:00

Ce mot résonne plus qu'il ne décrit, ce mot claque haut et fort, ce mot claironne son appartenance à la famille des gazes, ce mot est une image qui invite au rêve et enrichi l'imaginaire.

Le gazar est plus qu'une simple étoffe, parce que entre ses fils il y a l'espace qui laisse passer la magie du tisserand.

Le tissage lâche offre une amplitude inattendue aux brins de soie à peine décreusés.

Le gazar est un mot simple mais une technique complexe.

Le gazar est un tissu de caractère capricieux, ombrageux, autoritaire. que seules une main habile peut dompter.

Le gazar ne tient pas en place, il est à la fois volumineux et plat, il est là où on ne l'attend pas, il force l'imaginaire, il magnifie les réalisations . Si c'est un conte de fée pour l'oeil c'est un enfer pour les artisans mais le résultat est époustouflant.

Le gazar fut porté sur les fonts baptismaux en 1958, par deux célébrités du monde de la mode : Gustave Zumsteg créateur de tissus pour la société textile Abraham et Cristobal Balenciaga.

Ce tissu largement utilisé par le couturier, est devenu une star lorsqu'il fut choisit pour la création d'une robe de mariée en 1967. Modèle sobre, aux lignes limpides, courbes et épurées . C'est tout le talent de Balenciaga qui à utilisé tout le potentiel du gazar. Cette robe eut été impossible à confectionner avec une étoffe plus souple.

Le gazar se sculpte plus qu'il se coud, il autorise des volumes doux et ronds, qui créent une troisième dimension

Le gazar est une idole que l'on vénère et que l’on hésite à utiliser de peur de la maltraiter.

Novices s'abstenir de travailler ce garnement. Il glisse, il résiste, il fait le dos rond mais quelle élégance lorsqu'il se fait volant, col, poignets, manteau, robe…

Le gazar est un tissu qui appartient à l'univers de la Haute Couture. Il règne sans partage sur un luxe invisible. Sobre et élégant il est utilisé avec parcimonie par les grands noms de la haute couture.

J'aime son aspect débonnaire, son toucher craquant, sa fausse humilité, sa nervosité. Il me fascine par sa prise de pouvoir et sa manière d'occuper l'espace mais il m'effraie lorsque je dois couper un métrage.

Si le shatush fut jadis le tissu des rois, le gazar est depuis sa création l’étoffe du royaume de la haute couture.