De Letras y Colores

Alfonso Álvarez / Autorretratos

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 15 Feb 2012 01:48:00 +0000

Alfonso Álvarez es un artista plástico colombiano, nacido en Bogotá en 1960, que se ha involucrado hace mucho tiempo con el mundo del arte. Su experiencia en diversas técnicas, como serigrafía, litografía o grabado en metal, es conocida y valorada por muchos artistas con los que ha colaborado y que no utilizan técnicas digitales por preferir la impresión tradicional.

Realizó sus estudios académicos en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá complementándolos en 1986 con estudios de Pintura y Dibujo en el Taller del Maestro David Manzur

Desde 1982 dirige el Taller de Grabado de Arte Gráfico Dos en Bogotá, Colombia . Entre 1995 y 2000 fue docente en la Universidad Externado de Colombia Facultad de Restauración; Bogotá, Colombia . A partir del año 2000 y hasta la actualidad se desempeña como docente de grabado y dibujo en la Facultad de Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana; Bogotá, Colombia y es director del taller grafico THE WARE HOUSE ART también en Bogotá.

"La pintura siempre estuvo presente en mi vida, solo que quedó relegada un tiempo, mientras trabajé en proyectos de otros artistas; pero fue el contacto directo con estos lo que mantuvo vivo mi interés. Me deslumbraba cuando veía sus procesos creativos, pues es lo que considero más importante", dice Álvarez.

"Como un respeto a la pintura", nunca antes el pintor Alfonso Álvarez quiso exhibir individualmente. Sólo lo hizo, en algunas ocasiones, en exposiciones colectivas. Su primera gran exposición individual se tituló 'Autorretratos' y corresponden a los trabajos que hoy presentamos. 21 retratos al óleo en formato pequeño que expresan en imágenes las personalidades de aquellos que son retratados.

"Cualquier cosa que un artista haga, independientemente que tenga un referente figurativo o no, es un retrato propio. Son autorretratos de relaciones y vivencias para exorcizar cosas", explica el artista. Según Germán Rubiano, los retratos modernos (pensando en nuestra cultura moderna que comienza en el renacimiento) ya eran definidos en esa época como aquellas obras en las que a la apariencia física de una persona se une la psicología de ese mismo individuo.

Si releemos la frase anterior resulta obvio que los excelentes retratos de Alfonso Álvarez están relacionados con la historia del arte desde el siglo XIV y deben más a grandes artistas del pasado que a figuras sobresalientes de los últimos decenios.

Pintados al óleo estos retratos son observaciones meticulosas de rostros de perfil que recuerdan trabajos de muchos creadores que también insistieron en estudiar los rasgos de las caras para descubrir sus peculiaridades anímicas.

Estas pinturas de "La edad de la locura" son retratos-que el artista llamó alguna vez autorretratos-que en ocasiones tienen referentes verídicos, incluso fotográficos, que demuestran cuan variada es la fauna humana y cuan superficial resulta la definición del concepto de fealdad.

Los invito a compartir estas obras que traemos en su totalidad hasta nuestro sitio.

Yo absuelvo Yo acepto Yo corono Yo cuido Yo gobiernoYo muto Yo presido Yo resisto Yo actúo Yo aliento Yo blindo Yo contengo Yo curo Yo espero (a) Yo espero (b) Yo firmo Yo mando Yo pago Yo permeo Yo recibo Yo reino Por lo general y en base a nuestra costumbre, al finalizar el post presentamos un enlace al sitio oficial del artista. En este caso no lo hemos encontrado, pero les dejamos un enlace a un sitio que lo representa.

Y de regalo un libro virtual con la presentación de sus obras.

Open publication - Free publishing - More arte

Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Chau.

Claudio Gallina / De escuela

noreply@blogger.com (OPin) — Mon, 06 Feb 2012 18:38:00 +0000

Claudio Gallina es una artista plástico nacido en Buenos Aires, Argentina en 1964. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón; Cursó estudios de escenografía con el profesor Lerchundi escenógrafo y vestuarista del Teatro Colón; y concurrió al taller de Osvaldo Attila, Cristina Santander, y Armando Sapia entre otros. También realizó escenografías para televisión y teatro.

Dentro de su obra es aquella centrada en el universo infantil la que más ha sido difundida y ha captado la atención del público de diferentes países del continente americano.

Sin embargo, las obras de Gallina son mucho más complejas que las correspondientes a ese período, son incisivas y por sobre todo, autobiográficas. Gallina nunca subestima al espectador y siempre deja un resquicio para que se filtre la libre interpretación. Una obra de Gallina puede llegar a tener varias lecturas pues las capas de sus diversos significados sólo se dilucidan con el tiempo y la paciencia de la observación. Allí el espectador encontrará sus propios recuerdos y matizará las imágenes con anécdotas propias. Gallina es emocional y una de sus etapas, la de sus famosas escenas escolares, nos sirve para entender la tela que ha cortado este pintor.”

Sus pinturas han participado en importantes ferias dedicadas a las artes plásticas tales como el Art Miami, Art Americas, Muestra México, Art Chicago, Feria Internacional de Hannover, Alemania y forman parte de la colección Museum of Latin American Art (MOLAA) de Long Beach, California. Ha sido expuesta también en Estados Unidos en la Galería Zuber Fine Art, Massachussets y la Meridian Center Exposición , en Argentina en la Arte Ba, Galería Le Point, de Buenos Aires y en México en Praxis México.

Como siempre los invito a disfrutar de algunas obras del artista.

Descubrimiento Postal Pasándose de la rayaEnramadosRayuelaVoláTe seguiré, me seguirás
Atrapa sueños ContinentesGallito ciego Esperando una respuesta Jugamos ?Homo Ludens V Laberinto Rango Tarea para el hogar ST Como siempre les dejo una tecla de enlace a algún sitio donde poder apreciar otras obras del artista.

Espero les haya gustado.
Chau.

Los fantásticos libros voladores del Sr.Morris Lessmore

noreply@blogger.com (OPin) — Fri, 03 Feb 2012 02:10:00 +0000

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore es una producción animada realizada en el año 2011 por el galardonado autor / ilustrador William Joyce y su Co-director Brandon Oldenburg trabajando para los estudios Moonbot.

La historia posee peculiaridades, que si bien resultan hermosas y llamativas, distraen del hilo conductor de un relato no muy claro. Es así como muchos teorizan sobre una simbología relacionada con los desastres naturales similares al huracán katrina, mientras otros se centran en las similitudes con el Mago de Oz, Up o cualquier animación similar realizada por computadora.
Sus propios creadores han dicho que está inspirado en la misma medida, por el huracán Katrina, Buster Keaton, El Mago de Oz, y un gran amor por los libros, "Morris Lessmore" para ellos, es una historia de personas que dedican su vida a los libros y los libros que devuelvan el favor.

Personalmente rescato algunos puntos en la poco estructurada trama argumental y les dejo mi interpretación personal, posiblemente plagada de errores.

El Sr. Morris Lessmore es un escritor llamativa e intencionalmente parecido físicamente al cómico Buster Keaton. Se encuentra escribiendo un libro que una tormenta deja desprovisto de letras. En realidad todos los libros existentes por donde pasó la tormenta las pierden. Llegada la calma, se encuentra en un mundo descolorido y devastado por la falta de esos relatos perdidos y con que su propio libro ya carece de vida y de cualquier vuelo propio. Un mundo en blanco y negro ha suplantado a todo el color de la vida.

Tal vez una Musa colorida y voladora, llevada por sus libros amigos, le indica el camino regalándole un tomo animado de Humpty Dumpty que lo conduce a una vieja biblioteca donde los libros se refugian y cobran vida al ser leidos o con el simple pasar el dedo por cada renglón.

Esos libros voladores cuidarán y serán cuidados por el Sr. Morris Lessmore devolviéndole el color a un mundo que lo había perdido al haber olvidado tal vez, la importancia de los mismos.

Llegado al ocaso de su vida, los libros convierten al Sr. Morris Lessmore en una nueva Musa, mientras que aquel libro que él escribió pacientemente, regresará a casa trayendo una nueva lectora necesitada de historias y de letras que la llenen de vida.
No dudo que disfrutarán el cortometraje de apenas 15 minutos de duración, pero por sobre todo seguramente valorarán el hecho de que la esencia del dibujo animado se respete a rajatabla haciendo que lo imposible se haga realidad en un hermoso mundo de fantasía.

Esta obra ha ido seleccionada para concursar, junto con otras cuatro, por el premio Oscar 2012 en la categoría Animación.

Hasta ahora "Los fantásticos libros voladores del Sr.Morris Lessmore" ha granjeado admiradores en todo el mundo, llevándose a casa los siguientes premios:·
Cinequest Film Fest: Mejor Corto de Animación

· Palm Springs International ShortFest: Premio del Público favorito

· SIGGRAPH: Best in Show

Espero lo disfruten a pantalla completa.

Gabriel Sainz / Memorabilia sepia

noreply@blogger.com (OPin) — Tue, 31 Jan 2012 18:58:00 +0000

Gabriel Sainz es un artista plástico argentino, nacido en la provincia de Buenos Aires en el año 1967, y que como muchos de sus colegas, tuvo una temprana relación con elementos de juego que luego serían sus futuras herramientas de trabajo. Esto se debió a que su madre era estudiante de Bellas Artes y su padre un aficionado al dibujo, de tal manera que ellos terminaron siendo quienes lo estimularon en los primeros años en lo que luego sería su vocación definitiva.

Concurrió a los talleres de Guillermo Roux , Eduardo Faradje y Guillermo Urbano. También asistió al taller de Juan Doffo y fue becario de la Fundación Antorchas donde tuvo como profesores a Remo Bianchedi, Marcia Swartz, María José Herrera y Laura Batkis. Cursó también la Licenciatura en Artes Visuales en I.U.N.A. ( Instituto Universitario Nacional del Arte) aunque no los finalizó.
Gabriel adopta un estilo de memorabilia y sentimientos melancólicos adheridos a aquellas imágenes fotográficas antiguas, de tonalidad sepia, que todos disfrutamos con curiosidad. Sus imágenes, en muchas ocasiones de tono surrealista, nos transportan a un mundo posible y lejano en el tiempo, donde los sueños quedan impresos en acetatos o placas tratadas con yodo, plata y mercurio, como antiguos Dagerrotipos virados a tonos marrones para su mejor preservación.

Sin duda en sus composiciones se descubren elementos de la realidad que nos conectan mágicamente a ese mundo de fantasía al que Gabriel nos quiere transportar con sutiles toques de humor, haciendo que cada una de sus obras sea un regalo para nuestros ojos.

Sus trabajos han recibido numerosos premios y menciones y se encuentran en varias colecciones privadas de Argentina, Brasil, Chile y Colombia,

Los invito a disfrutar de una pequeña selección de sus trabajos.

Intemperie

ST STST Rolling Stone II Necochea, Diciembre 1941 ST Necochea, 1932 Pampa cercana al Salado, inmediaciones de Bragado Laguna Paiva. 1937 Iniciación IIIST Pampa de Achala, década del 20 El zorzal II 17 de noviembre de 1929 Cerca de Tombo Aguada Cecilio ST ST Los inmortalesST ST

Como siempre les dejo un enlace hacia los sitios del artista que en este caso son dos, ambos en Blogspot.

Espero les haya gustado tanto como a mi.

Chau.

Sol Halabi / Rostros y sombras

noreply@blogger.com (OPin) — Tue, 24 Jan 2012 18:18:00 +0000

Sol Halabi es una artista plástica argentina nacida en la ciudad de Córdoba Capital, en el año 1977.

Cursó estudios en el Colegio Nacional de Monserrat de la UNC (Universidad Nacional de Córdoba, Argentina) obteniendo el título de Dibujante Especialista en el año 1997.

Luego continuó sus estudios en la Escuela Provincial de Bellas Artes “Figueroa Alcorta” donde obtuvo el título de Profesora y Perito en Artes Plásticas en el año 2000.

Más tarde, en la misma Universidad Nacional de Córdoba, obtiene en el año 2002 el título de Licenciada en Pintura.

En su corta trayectoria la artista ha participado en muestras locales, tales como ARTEBA, e internacionales como Art Miami, y las ediciones de SOFA a través de la Galería de Arte que la representa.

Desde el año 1999 comienza a cosechar diversos premios.

¿Qué significa esto para una artista tan joven? Ella lo resume con estas palabras y un lenguaje que caracteriza a su generación:

“Es muy satisfactorio, está bueno, mientras no te cuelgues de eso. Está bueno para poder trabajar, para poder solo pintar y relajarte con algunas cuestiones. Colgarse o supeditar la obra a salones o espacios expositivos, te quita la conexión con la obra y así se pierde la sinceridad. Hay momentos buenos como malos, saber que es así y tomarlo con calma, está bien”

Criada en un círculo familiar de artistas, de muy pequeña se comenzó a interesar por el arte de pintar y aunque no siempre pudo dedicarse tiempo completo a ello, asegura que “Hoy por hoy puedo trabajar en el taller bastantes horas y para pintar soy toda una obrera. Me encanta y le dedico bastantes horas y energía”.

Las pinturas de Sol poseen un encanto sumamente interesante que impulsa al espectador a intentar descubrir ese mundo interior que los artistas transmiten en cada obra. Con la solvencia de una paleta académicamente formada y con su propio brillo natural, las obras de Sol transmiten la magia de las facciones suspendidas en polícromos entornos de texturas discordantes. La mezcla entre lo depurado y ordenado de su manera clásica de abordar el retrato en contraposición con los entornos y fondos caóticos, texturados y chorreados, hablan de la belleza y de la lucha entre el Caos y el Cosmos.

A través de los años Sol a logrado afianzar un estilo y una estética particular que nos permitirá reconocerla entre miles, y esa es justamente la mitad del camino que cualquier maestro debe recorrer para ser único y reconocible.

Estaremos atentos.

Los invito a curiosear algunas de sus obras.

El sonido es fuego

Crisalida FlorBolas de fuego y sauces Mirar el fuego es ir Encuentro y flor STEl sonido llegaBellezaBird Siesta Verano Dama y ciervo Me contengo Roja lagunaroja Noteveo Interior ST Como siempre les dejo una tecla de galería para que visiten el sitio oficial del artista.
Espero les haya gustado tanto como a mi.
Chau.

Archivo Fotográfico Argentino

noreply@blogger.com (OPin) — Fri, 20 Jan 2012 05:17:00 +0000

Por su variedad, dimensión y riqueza de imágenes, este archivo es uno de los más importantes en su tipo. Se trata de una colección muy preciada desde el punto de vista de los registros arquitectónicos y proyectuales de la Ciudad de Buenos Aires pero también resulta indispensable para la comprensión de ochenta años de historia de nuestro país. Junto con la documentación de planos y proyectuales de obras civiles, puentes, subterráneos, edificios públicos, hospitales, mercados, cementerios, usinas incineradoras, bacheos, asfaltos y ensanche de calles, se conservan imágenes de frentes e interiores de viviendas que tenían algún tipo de litigio con la Municipalidad; actividades de la Dirección Autárquica de Obras Municipales (DAOM), cuyos talleres construían y reparaban el vasto mobiliario municipal urbano, técnico y administrativo, entre los temas más destacados.

En el año 1997, mediante un convenio con la Fundación Antorchas que proveyó materiales y orientación técnica, el archivo fue intervenido para su estabilización y referenciación. Se limpiaron los 35.820 negativos fotográficos existentes (placas de vidrio, de celuloide y rollos de 6×6 y 35 mm) que fueron colocados en sobres de papel no ácido y en cajas de polipropileno, y guardados en muebles metálicos adecuados, posteriormente colocados en una habitación habilitada al afecto. Luego, comenzó la digitalización y carga de datos en fichas técnicas especiales, a fin de facilitar la búsqueda del material y la previsualización del mismo. Dicha tarea está en curso, y ha permitido una amplia utilización de las imágenes por parte de los diversos organismos del Gobierno de la Ciudad que las requieren. Por otra parte, se incorporan constantemente las imágenes producidas dentro del Ministerio, en su actividad cotidiana, que también son habilitadas para la consulta.

A través de la puesta en valor del Archivo Fotográfico hemos rescatado parte de nuestro patrimonio arquitectónico. Al llevar a cabo este proyecto nos vimos enfrentados a los deterioros específicos propios del material y a dar soluciones adecuadas según las distintas necesidades del Archivo. Para esto se requirió de una investigación minuciosa del material bibliográfico especializado, tanto de publicaciones extranjeras como las realizadas por profesionales de la Fundación Antorchas, además del valioso intercambio de experiencias de trabajo que permitieron, finalmente, seguir una pauta acertada según criterio de mínima intervención, dando prioridad a las menos agresivas para las piezas fotográficas.

Lic. Paula López Delfino. Curadora Archivo Fotográfico de la Subsecretaría de Planeamiento.

Ministerio de Desarrollo Urbano.

Para ver el libro haga click en la imagen o en este enlace.
http://ssplan.buenosaires.gob.ar/libros/archivos/index.html

Darío Zana / Colorido social

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 18 Jan 2012 01:14:00 +0000

Darío Zana es un artista plástico argentino nacido el 25 de noviembre de 1982 en Buenos Aires.

Comenzó sus estudios en 1998 en el atelier “Arthea” culminando los mismos en el año 2003. Entre éste año y el 2005 concurrió a diversos cursos en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) Finalmente entre los años 2005 y 2006 perfeccionó su preparación estudiando con el artista plástico Martin Riwnyj .
En la actualidad vive y trabaja en Buenos Aires, donde además de dedicarse a pleno a la pintura imparte cursos en su propio atelier-escuela llamado Escuela Xarte que ya cuenta con cuatro años de vida y se encuentra ubicada en la ciudad de Banfield.
Además de haber sido galardonado con múltiples premios, su obra se expone en muestras colectivas y particulares con resultados de éxito remarcable.
Cuando paseamos por las galerías contemplando su obra, uno cree poder visualizar la evolución de estilos a lo largo de los años. Zana , caminó por el retrato descarnado, el collage, el hiperrealismo y el realismo mágico, dejando una huella indiscutible de posicionamiento generacional y de la estética que el mismo demanda. Casi como un pintor de protesta, Zana expone lo profundo del ser humano humilde y su rebeldía a prueba de chicanas.
Con técnicas y materiales disimiles se adapta a la idea primordial de cada obra proveyéndola de una textura y color que colaboran con la expresividad buscada en la composición .

Los invito a contemplar algunas de sus obras.

Cazadores de cielos Hombre de su casa Una casa gigante642965144217114El cuento de la vaca Un nuevo y extraño lugarLa casa del duende Volador Juan SalvoCicatrizDe camino y soledad RosaYa no existen fantasmas Inmobilidad Otoño El cerdoComo siempre les dejo enlaces para visitar los sitios del artista. En este caso mediante galería irán a su sitio personal, mientras que con la tecla enlace llegarán a su blog.

Espero lo hayan encontrado interesante.
Chau.

Pilar López Báez / Color de Aranjuez

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 11 Jan 2012 02:42:00 +0000

Pilar López Báez es una artista plástica arancetana, es decir , originaria de Aranjuez , en el sur de Madrid , que cursó estudios en el colegio Felipe II y en la Universidad Complutense , donde obtuvo los títulos de Licenciada en Historia del Arte y Bellas Artes.

Su obra pictórica gira en torno a temáticas de autorretratos y escenas familiares realizadas mediante collages, impresiones y pintura, que marcan una clara diferencia con sus trabajos en el área del diseño y la ilustración desarrollada en forma paralela a su carrera pictórica formal.
Esta otra vertiente artística la abrazó al obtener un Master en Diseño Gráfico que la acercó al diseño por ordenador y sus posibilidades, actividad que puede ser observada en:
http://nekonaku.blogspot.com.donde y que desarrolla en sociedad con Noa Velasco.

Sus series familiares son magníficamente desconcertantes, plenas de gestos cálidos y dulces, en cuerpos que se desmontan, multiplican sus miembros o son interrumpidos por mareas de diferentes texturas. Sus pinturas a veces recuerdan a obras de Francis Bacon o Sorolla.

Son dignas de disfrute las series “Sobre la Infancia”, “El espíritu de la Navidad”, “Esas vacaciones de verano” y “Escenas familiares”, donde se la observa en varios autorretratos como el que encabeza la nota.

Existen también series a pedido como la realizada para la revista Clmag, Made in China, titulada “Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines”

Con todo ese humor a cuestas, Pilar es una persona que sabe mirar su entorno con inteligencia y encontrar interesantes resultados sin necesidad de salir temáticamente de su circulo más cercano.

Los invito a disfrutar de algunas de sus obras pictóricas.

Sobre la infanciaSobre la infancia II Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines II Mira que no hay más metafísica en el mundo que los tallarines III El espíritu de la NavidadEl espíritu de la Navidad II El espíritu de la Navidad IIIEsas vacaciones de verano Esas vacaciones de verano II Esas vacaciones de verano III Esplendor en la hierba Escenas familiares Escenas familiares II Escenas familiares III Como siempre les dejo una tecla de galería para que puedan visitar, en este caso, el blog personal de la artista y tomar contacto directo con ella.

Espero les haya gustado tanto como a mí

Chau.

Vladimir Volegov / Mujeres y flores

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 04 Jan 2012 00:53:00 +0000

Vladimir Volegov nació en Khabarovsk, Rusia. según su familia (como siempre) comenzó a pintar a la edad de tres años y su talento fue notado repetidamente durante su adolescencia, período en el que en la vieja Rusia se seleccionaban a los jóvenes por sus aptitudes para cada trabajo y se les facilitaba el camino de su educación.
Luego de haber asistido a la escuela de arte de "Krivoj Rog" y haber estado cumpliendo con sus obligaciones ciudadanas en el ejercito, Vladimir fue finalmente admitido en el Instituto Poligráfico de Ivov (en la antigua unión soviética).
A partir del año 1984 Volegov comenzó a participar y ganar varios concursos internacionales del arte del cartel.
Más tarde, en 1988, se trasladó a Moscú y empezó a trabajar para las mejores empresas editoriales rusas haciendo principalmente diseños de cartelería, cubiertas de CD, arte de tapa para cassette de grupos musicales, etc. Gracias al trabajo desarrollado con estas empresas editoras consiguió hacerse conocido y presentar sus cuadros en múltiples exposiciones.
Desde el año 1990 Vladimir comenzó un recorrido enriquecedor por toda Europa subsistiendo por medio del dinero obtenido pintando retratos en las calles de Barcelona, Berlín, Viena y otras ciudades europeas. Gracias a ésta experiencia de campo, perfeccionó sus habilidades en la representación de la forma humana. Durante los últimos veinte años, su arte ha evolucionado en un trabajo figurativo.con una particular paleta de colores vibrantes y valientes golpes de pincel que se funden para crear imágenes enigmáticas que poseen una sensibilidad eterna.

Ya en febrero de 2004 Vladimir firma contrato con la empresa editora norteamericana "Soho Ediciones", y también comienza a presentar sus obras en galerías de Francia e Italia.

Sus mujeres etéreas y acicaladas, enmarcadas por floridos paisajes, traen consigo la magia de una primavera eterna con la fuerza de la luz y el color que muchas veces nos hace tanta falta.

Aquí les traigo unas pocas de sus obras para que las disfrutemos juntos.

STSTSTST STSTSTST STST ST ST ST ST STRelación de tamaño

Como siempre les dejo el enlace para visitar el sitio oficial del artista donde podrán apreciar una mayor cantidad de sus obras.

Espero le haya gustado.

Chau.

Gurbuz Doğan Ekşioğlu / Turquía ilustrada

noreply@blogger.com (OPin) — Tue, 27 Dec 2011 18:11:00 +0000

Gurbuz Doğan Ekşioğlu (quién firma sus trabajos como Gurbuz ) es un dibujante y diseñador gráfico turco de fama mundial.
Nació en Mesudiye, provincia de Ordu, allá por 1954.
Cursó estudios gráficos en el Colegio Estatal de Bellas Artes de Estambul (llamado en la actualidad Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Mármara ), donde continúa dictando clases como profesor asistente.

Gurbuz ha estado dibujando ilustraciones y caricaturas desde 1977 y cuenta ya con un total de 64 premios, 23 de los cuales son internacionales. Ha participado en múltiples exhibiciones colectivas nacionales e internacionales y también nueve exposiciones individuales incluyendo una en Nueva York.

Llaman la atención en él la sencillez y sutileza de sus composiciones y las similitudes técnicas e iconograficas con Pierre Le Tan, otro portadista de The New Yorker.

Gürbüz Doğan Eksioğlu, sin embargo, es un raro ejemplo de austeridad y visión entre lo surreal y lo poético. Sus caricaturas e ilustraciones han sido publicadas en varios periódicos y revistas, como Forbes, The Atlantic, The New York Times, y en cinco portadas de The New Yorker, entre ellas la famosa de fecha 15 de septiembre de 2003, una edición especial para el segundo aniversario de los ataques del 11 de septiembre de 2001 (la primera de la serie aquí presentada), y el "On the Edge" del 5 de octubre de 2009 de la misma revista.

Los invito a observar algunos de sus trabajos.

STST STST STST ST ST ST STST STST ST STST Como siempre les dejo un enlace hacia la página oficial del artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Hamish Blakely / Tango británico

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 21 Dec 2011 17:17:00 +0000

Hamish Blakely es un artista emergente británico con un toque de sangre irlandesa que se ha dedicado a crear piezas altamente sofisticadas en ambientes bucólicos, logrando una atmósfera que transmite hábilmente un especial sentido de la narrativa.
Sus obras siempre se remontan a un período de tiempo lejano e indefinido, imbuido de un sentido del romance y la emoción recientemente puesto en escena mediante imágenes de la danza, creando un hibrido entre el tango y el flamenco, haciendo uso de su especial expresividad.
Hamish Blakely estudió en la Wimbledon School of Art, en la Universidad de Kingston, recibiendo un premio nacional poco después de recibido.

Cuenta que la casa donde transcurrió su infancia era un lugar donde podían ocurrir las cosas más extraordinarias al mejor estilo irlandés. Era un ambiente donde él y sus hermanos parecían condenados a hacer algo inusual a cada instante. Y él, por supuesto, esta agradecido de que así haya sido.

Su forma original de expresión fue el dibujo, dedicándose totalmente a él en busca de emular a los grandes artistas para entender los mecanismos que los llevaron a sus creaciones. Hasta que un día descubrió el coraje oculto como para comenzar a utilizar el color.

Claro, todo esto antes de realizar sus estudios formales, pues después de haber vivido tercamente en el mundo del blanco y negro, finalmente se encontró con la pintura. Su primera obra fue a los 18 años y si bien había pintado durante algún tiempo, la primera vez en que había hecho un cuadro tomándolo tan seriamente, fue entonces. Era un retrato de su padre, y fue el instante en que se percató de que podía ser bueno en ello.
Todo cambió. La Pintura reemplazó al dibujo por completo recuperando tanto tiempo perdido haciendo estudios preliminares con el lápiz o carbón, ahora la pintura espontánea con modelos hacía innecesarios los bocetos preparatorios .
Apenas salido de la universidad se convirtió en un exitoso y premiado ilustrador que sabe que en algunas oportunidades abordar una gama limitada de temas es la llave que conduce al éxito.

Observando su obra no es posible dejar de remitirse hasta el tango argentino y el flamenco español. La fuerza, la pose y la indumentaria nos aleja mucho de sus amadas islas británicas, tanto como hasta las bocas del riachuelo donde entre calles empedradas las parejas bailan a media luz, o los tablados andaluces rebosantes de palmas y hormonas.

Los invito a disfrutar de algunas de sus obras.

The last to leaveDuel Beaucoup damour The rehearsal The dreamersDamselTango Rouge Soft as sableQuiet time The piano stool At first sigth The gypsy in me Como siempre les dejo un enlace al sitio del artista para tomen contacto con toda su obra publicada en Internet.

Seguramente lo hemos disfrutado juntos.

Chau.

Una corta historia de amor en stop motion

noreply@blogger.com (OPin) — Thu, 15 Dec 2011 02:44:00 +0000

Un par de aves dibujadas con lápiz escapan del dibujo de una niña que sueña una pequeña historia de amor.

Asi resume Carlos Lascano a esta pequeña pieza donde implementa varias técnicas de animación en una sola obra de arte.

Las herramientas tecnológicas usadas son:

Nikon D70s / Sony HVR V1 / Blackmagic Intensity Card

Apple Mac Pro Intel

Soft: Adobe Photoshop /After effects CS3/ Apple Final Cut / iStop Motion

...y mucha paciencia y amor en la creación de las criaturas y su entorno. Un poco de esta parte de la creación pueden observarlo en el sitio oficial de Lascano siguiendo la dirección que aquí les dejo.

http://www.carloslascano.com/carloslascano/vid_ashortlovestory.html

Johanna Harmon / Cosas de chicas

noreply@blogger.com (OPin) — Tue, 13 Dec 2011 18:02:00 +0000

Johanna Harmon nació en Tempe, Arizona, en 1968, lugar donde recuerda haber sido una apasionada del dibujo desde sus tempranos siete años ¿quién no?. Justamente esta aptitud tan usual en los niños no fue premonitoria de cómo aplicaría su talento natural en su vida adulta, y tal vez por ello, comenzó a trabajar en una empresa de diseño y fabricación.
A los veinticinco años comenzó a tomar numerosas clases en la Escuela de Artistas de Scottsdale y también a asistir a los talleres en la Denver Art Students League y el Instituto de Arte Fechin en Taos. A finales de los años 90 se trasladó con su marido a Colorado, logrando ya llegados sus 30, instalar un estudio en su casa para convertirse en una pintora de tiempo completo.
Johanna pinta sus figuras de forma precisa y con la calidez de quien ama la luz y el motivo del cuadro. En sus lienzos se equilibra el poder de observación y el detalle, con especial maestría en los aspectos formales del arte y su respeto y atención a sus figuras.

Sus modelos son en su mayoría mujeres, que difieren en su origen étnico y son a menudo bailarinas, madres con sus hijos y mujeres jóvenes en poses contemplativas.
Desde la decisión de abrazar su carrera a tiempo completo, Johanna ha disfrutado de un gran reconocimiento del público y de la crítica en general. Ha ganado numerosos premios incluyendo el Premio de la revista Plein Air de Excelencia en la Exposición OPA Nacional de Jurado en el 2005, William Schneider Premio OPA de Excelencia en 2003, y Best of Show en la Feria de los mejores y más brillantes egresados de la Escuela de artistas de Scottsdale en 2001. Su trabajo ha aparecido en publicaciones tales como Enfoque Santa Fe , El sudoeste y el arte de portada de Tendencias de Arizona. Actualmente vive en las afueras de Denver, Colorado.

Su técnica de estilo clásico nos recuerda obras de los grandes maestros victorianos, solo que en la obra de Johanna se encuentra prohibida la participación de cualquier hombre.

Los invito a observar algunas de ellas.

Autumn LightVintage Dreams BotanicalsDancers at rest Demure A Day To Remember Harmon-Rose Bouquet Wind Dance Toreadors In the Ocean open air Renewal Secret Garden Patterns and Hue Promise Sunday Sojourn ST Como siempre les dejo una tecla a galería donde podrán visitar el sitio oficial de la artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Andreas M. Weise / Autos y ladrillos

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 07 Dec 2011 01:08:00 +0000

Andreas M. Weise es un artista plástico alemán nacido en Wuppertal una ciudad de Alemania, perteneciente al Bundesland de Renania del Norte-Westfalia, en el año de 1966.

Cursó sus estudios en la Academia de Arte de Düsseldorf entre los años 1987 al 1993 graduándose con un Meisterschülertitle, el equivalente a un MFA (Master of Fine Arts).

En el 2000 fue alumno del Prof Konrad Klapheck , un pintor y artista gráfico alemán cuyo estilo pictórico combina los rasgos del realismo, el surrealismo y el Pop art, estilo que atrapó a Andreas desde mucho antes de tomar sus clases.
Sus esfuerzos se vieron recompensados al ganar el Premio de la primavera de 2000-Stiftung, Wuppertal premio que le otorgó el impulso que él estaba necesitando para encarar nuevos desafíos.
Así en 2003 co-funda la Neuen Bügelei in Wuppertal lugar donde se promueve la difusión del arte y los nuevos artistas.

Andreas sin duda logra con sus obras mediante el color saturado de sus azules y rojos llevarnos a un viaje a nuestra infancia donde la fuerza del color se extendía por todo lo que observábamos y tocábamos. Desde sus telas viajamos a mundos de colores puros y trastocados donde los ríos son rojos y la nieve azul o del color que en ese momento se nos ocurra. Jugando con el estilo Naif pero sin caer en él, juega con la composición y el surrealismo que casi inadvertidamente se cuela por nuestras retinas.

Su realismo a veces mágico, a veces pegado a la ilustración provee a sus obras de una calidez que las destaca y que hace que todo espectador sienta que fueron extraídas de su propio subconsciente lleno de autos de juguete.

Su obra engalana múltiples colecciones pero Andreas ha preferido exponerla, tanto colectivamente como individualmente, sólo en su Madre Patria.

Los invito a disfrutar de una pequeña selección de ellas.

R Flo TaxKalte u Warme Kueche Der blaue kasten Das weisse Auto Die Sonne Fahrt nacht Lasswitz La Rauge One-Way-Street Past Place Die Last der Geduld Der rote Traeumer Der blaue TurmDie grossen Turbellarien Halt Blaukanal 1Como siempre les dejo un enlace a la página oficial del artista.

Espero lo hayan disfrutado.

Chau.

Françoise Nielly / Colores Flúo

noreply@blogger.com (OPin) — Tue, 29 Nov 2011 15:10:00 +0000

Françoise Nielly es una artista francesa, coqueta como pocas y poco dispuesta a decirnos su edad. Sólo sabremos de sus veinte años en el mundo del arte y cómo ese tiempo bien invertido la ha convertido en una consumada artista contemporánea. Ella vive en un mundo de imágenes que ha explorado en todos sus aspectos a lo largo de su vida adentrándose en la pintura, la fotografía, los bocetos, ilustraciones, y las obras generadas virtualmente por ordenador.

Gusta contar que su sentido del espacio y la profundidad lo ha heredado de su padre, que era arquitecto, pero tal vez no se aplique mucho en los planos cortos de sus obras. Creció en el sur de Francia, donde vivió entre Cannes y Saint-Tropez, nunca lejos de la luz, el color y el sentido de la atmósfera que impregna el sur de Francia. Esto va unido a sus estudios de Bellas Artes y Artes Decorativas y a su evidente sentido del humor y potente energía.
El trabajo de Françoise Nielly es expresivo, exhibiendo una enorme fuerza brutal y una fascinante potencia vital. Con sus imágenes se ha convertido en una artista que sintetiza sus creaciones en el impacto y la fuerza de la expresión de la imagen masculina y femenina. Sus trazos se asemejan a los ejecutados por la espátula agresiva y el pincel grueso con nervio y carácter, a fin de generar dinámicas propias que mezclan extrañas formas y tinturas ya que su principal característica es el uso de colores flúo, un vicio con maridaje en el arte moderno y su aplicación decorativa. Vitalidad y sensualidad, belleza humana de trazos duros, rostros masculinos y femeninos con tintes étnicos… La pintura de Nielly es exuberante y, sus retratos, están cargados de una mordaz sensualidad en la que solo podemos criticar el maniqueísmo del uso de facciones más cercanas a una tapa de Vogue que de un rostro normal tomado del ciudadano de la calle. Otra crítica podría darse en la utilización de modelos reiterados y de edades que sólo muestren su plenitud sexual y hacia que mercado están dirigidas sus obras.

Las mismas tienden a ser de grandes dimensiones lo que les da un aspecto aún más demoledor y nos hace perder la perspectiva de su condición de objeto artístico de calidad o simple mueble decorativo moderno.
Françoise Nielly dice de sí misma que es una apasionada mujer que ama la vida, los espacios abiertos, el sushi, Internet, el humor, los libros, París, Nueva York y Vancouver, pero ciertamente nada de eso tiene que ver con el arte ni con la calidad de una obra.

Resueltamente inscrita en su época, es una consumada artista o una artista de consumo, con 20 años de expresión artística como experiencia y una técnica repetida que explica la madurez de su trabajo y el perfecto dominio de su arte. Vive y pinta en París cerca de Montmartre, y muestra y vende su obra en Europa, en Canadá y en Estados Unidos.

Los invito a disfrutar de algunas obras con la luz apagada.

ST ST ST ST ST ST ST ST ST ST ST STST Como siempre les dejo un enlace al sitio de la artista donde en la sección Biografía podrán observar un video donde se la ve trabajar.

Espero lo hayan disfrutado.
Chau.

Tjalf Sparnaay / Megarealismo

noreply@blogger.com (OPin) — Tue, 22 Nov 2011 15:57:00 +0000

Tjalf Sparnaay es un pintor hiperrealista holandés nacido en 1954. Su educación en el arte ha sido autodidacta logrando gran éxito desde el año 1987, momento desde el que ha estado trabajando en su imponente obra buscando permanentemente nuevas imágenes que nunca hayan sido pintadas con anterioridad. Lo que él llama Megarealismo es parte del movimiento mundial de arte contemporáneo hiperrealista, y del cual Sparnaay es considerado uno de sus mayores exponentes.

El enfoque de Tjalf Sparnaay sobre su obra es juguetón, divertido y al mismo tiempo muy clásico y pictórico. En la tradición holandesa siempre se ha dado cuenta de la belleza de lo cotidiano. Él toma elementos triviales, tales como una bolsa de papas con mayonesa, una botella de salsa de tomate o una tarjeta postal envuelta en celofán y lo amplía a un tamaño monumental para eliminar el contacto referencial de su entorno. Cuando se coloca a estos objetos en un ambiente de arte clásico donde pierden su valor como elementos útiles, asumen una nueva y poderosa identidad. Un objeto trivial que es mostrado hasta en los detalles más pequeños y específicos se convierte en la mayor parte de los casos, en una majestuosa obra de arte. La fotografía sirve como cuaderno de bocetos para Sparnaay: las fotos son estudios para sus pinturas. Cada capa ha sido elaborada con rigor intelectual, tomando la fotografía como punto de partida. Durante esos iniciales años ochenta y noventa, la fotografía instantánea y la antigua línea narrativa de su obra se reunieron en lo que Sparnaay llama "Mega-realismo". ¿Dónde termina la fotografía y comienza la pintura ? Una pregunta que sigue siendo difícil de responder con honestidad.

Sus obras originales se exhiben y venden por marchantes de arte en tres países: OK Harris Obras de Arte de Nueva York, PlusOne Gallery de Londres, y la Colección de Arte Galería Rolde en los Países Bajos. Estos distribuidores lo representan en todo el mundo, generando interés entre los coleccionistas y atrayendo la atención de los museos.

Sus obras se encuentran en colecciones tales como la Sydney y Walda Besthoff Collection, New Orleans, LA y fueron publicadas en 2002 en el libro Tjalf Sparnaay, 'Óleo'
Los precios de sus óleos originales van desde los 10.000 € hasta los 45.000 €

Los invito a disfrutar de algunas de ellas siempre y cuando ya hayan comido algo liviano.

Draadjesvlees Big Hamburguer PastrySalat I Sandwich I GebakkeneiKreeftBoterham Kaas Botherhammen plastic zak Applepie Fruitsalade Sandwhish IITaart Tamaños Estudio Detalle Como es usual les dejo un enlace al sitio oficial del pintor para que disfruten de otras obras publicadas.

Espero lo hayan disfrutado.
Chau

Rosa / Un cortometraje a pulmón

noreply@blogger.com (OPin) — Mon, 21 Nov 2011 00:46:00 +0000

ROSA es un cortometraje épico de ciencia ficción que tiene lugar en un mundo post-apocalíptico, donde toda la vida natural ha desaparecido. De la destrucción despierta, un cyborg, el último intento de la humanidad para restaurar el ecosistema de la Tierra. Rosa pronto aprenderá que no es la única entidad que ha despertado y que debe luchar por su supervivencia.
El cortometraje fue creado enteramente por el artista del comic Jesús Orellana, sin presupuesto y durante un solo año. Desde el estreno mundial en el Seattle International Film Festival, Rosa ha sido una la selección oficial en festivales de cine alrededor del mundo, como la Screamfest, la Toronto After Dark Anima Mundi, o Los Angeles Shorts Film Festival. En octubre de ROSA fue proyectada en la noche inaugural del Festival de Cine de Sitges, considerado el mejor festival del mundo especializado en películas de género. Después de ésta carrera exitosa en tantos festivales, el cortometraje ha atraído la atención de las principales agencias de talentos y productores de Hollywood. Actualmente ROSA está en desarrollo para ser una película de acción real.

Para más información sobre ROSA, por favor visite rosamovie.com

Earth | Time Lapse View from Space, Fly Over | NASA, ISS

noreply@blogger.com (OPin) — Thu, 17 Nov 2011 00:49:00 +0000

Secuencias de lapso de tiempo de las fotografías tomadas por la tripulación de las expediciones
28 y 29 a bordo de la Estación Espacial Internacional desde agosto hasta octubre,

2011, según entiendo estas imágenes se tomaron a una altitud de unos 350 km.

HD, reformado, se alisa, retimed, denoised, deflickered, corte, etc
En suma, se trató de mantener la apariencia del material tan original como sea posible,
evitar el ajuste de los colores y similares, ya que en mi opinión el original
de por sí tiene una naturaleza visual casi surrealista.

Música: Jan Jelinek | No Dekor, faitiche back2001
w + p de Jan Jelinek, publicado por Editorial paisaje / Universal
janjelinek.com | faitiche.de

Imagen cortesía de la Ciencia de Imagen y Laboratorio de Análisis,
NASA Johnson Space Center, la portal de Fotografía de Astronautas de la Tierra
eol.jsc.nasa.gov

Montaje: Michael König | koenigm.com

Lugares de rodaje en orden de aparición:

1. Aurora Borealis Pase por encima de los Estados Unidos en la noche
2. Aurora Borealis y el este de Estados Unidos en la noche
3. Aurora Australis de Madagascar al sudoeste de Australia
4. Aurora Australis sur de Australia
5. Costa noroeste de Estados Unidos a Centroamérica América del Sur en la noche
6. Aurora Australis desde el sur con el Océano Pacífico Norte
7. Al otro lado del mundo
8. Noche Pase por encima de África Central y Oriente Medio
9. Pase la noche en el desierto del Sahara y Oriente Medio
10. Pasar por encima de Canadá y Estados Unidos centrales en la noche
11. Pasar por el sur de California a la bahía de Hudson
12. Islas en el Mar de Filipinas en la noche
13. Pasar por encima de Asia Oriental a Mar de las Filipinas y Guam
14. Vistas del Medio Oriente en la noche
15. Noche Pasad Mar Mediterráneo
16. Aurora Boreal y los Estados Unidos en la noche
17. Aurora Australis sobre el Océano Índico
18. Europa del Este a Sudeste de Asia en la noche

Eric Fortune / Arte e ilustración

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 16 Nov 2011 01:04:00 +0000

Eric Fortune es un artista norteamericano residente de Columbus, Ohio.
Recibió su BFA en el Columbus College of Art & Design, donde al graduarse fue galardonado con el Premio Superior a la Excelencia. Su trabajo continuó hasta cosechar elogios con la aceptación de sus trabajos en prestigiosos concursos anuales tales como el de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York y Los Ángeles. También ha sido galardonado con el Premio Jack Gaughan como Mejor Artista Emergente de 2009.

Actualmente Eric centra sus esfuerzos en la elaboración de sus obras y las muestras de galería. Ha expuesto en las siguientes salas: Jonathan Levine (NY), Proyectos LeBasse (LA), Copro Nason Gallery (LA), La Rue Roq Gallery (Seattle), la Galería 1988 (LA), y muchas otras.

Caminando sobre el borde que marca la frontera entre la ilustración Manga y la obra pictórica formal, Eric se mueve de forma lírica, inquietante y sin embargo, conmovedora. El trabajo realizado casi exclusivamente en acrílico sobre papel de acuarela, juega con los difuminados, la luz y las perspectivas forzadas de personajes que, aunque tomados de la realidad, tienden a mostrar rasgos de la cultura animé. Estos son personajes que no están fuera de lugar en el mundo construido por Eric, ni en su casa, ya que son seres impregnados de la estética de sus propios mundos. Las pinturas son metáforas emocionalmente complejas que Fortune evoca de manera enqriquecedora. Su imaginería es tranquila pero dinámica, y sazonada con un toque de surrealismo que nos lleva a lugares más cautivadores, más allá de nuestra experiencia cotidiana.

Llena de matices emocionales, él crea un ambiente con iluminación suave pero fascinante. Así la paciencia y disciplina inflexible que se acumula lentamente sobre sus personajes y los mundos luminosos que ha creado, explotan irradiando vida.

Una verdadera y original “fortuna” que se está convirtiendo en una voz artística sutil y poderosa.

Los invito a observar algo de su obra.

FamineShade Oblivion A Moon of my Own Beyond the Past Allure In the SeaA Want to Believe Last Embrace Languish Moon Rising Lost Self-PortraitLuna In Passing

Como siempre les dejo el enlace al sitio del artista para que disfruten de muchas obras más.

Espero que lo hayan disfrutado.

Chau.

Diaz Mathé / Artista gaucho

noreply@blogger.com (OPin) — Tue, 08 Nov 2011 17:10:00 +0000

Esteban Diaz Mathé es un artista plástico argentino nacido en la Provincia de Buenos Aires en el año 1981. Si bien es Licenciado en Psicología comenzó a dibujar y pintar por primera vez hace tan solo 4 años y su carrera artística ha resultado meteórica. Su formación es netamente autodidacta dedicando sus dos primeros años de carrera a replicar por encargo a los grandes maestros de la pintura tales como Michelangelo, Leonardo, Carvaggio, Rembrandt… una vez dominada las técnicas del óleo, la pluma y la carbonilla, Diaz Mathé dejó las replicas de lado y comenzó a crear su visión personal retratando aquello que hace a su identidad. Es entonces que decide abrazar la pintura como actividad principal.

Desde entonces se ha dedicado a retratar e ilustrar personajes de su patria así como oficios autóctonos tales como el de soguero, platero, payador, esquilador, tropillero, alambrador... sin dejar de lado escenas de caballos y paisanos de a caballo, mula, etc. La fiesta criolla con todos sus personajes: el jurado, los apadrinadores, jinetes, reservados, bailes. La devoción del gaucho a la virgen . Las distintas razas de hacienda y tantas otras imágenes que quienes han visitado esas tierras tienen guardadas en un rincón del corazón como recuerdos camperos vividos o contados con aires de gloria.
Su obra abraza lo cultural, abunda en motivos contemporáneos plasmados a través de técnicas antiguas, propias de los grandes maestros del realismo. Sus motivos reflejan lo rustico y autentico de cada cultura.
Actualmente dirige dos Proyectos de Libro sobre el Gaucho Argentino (próximos a editarse). Uno ya concretado: “Ser Argentino”. El otro mucho más extenso e imponente que aun sigue su marcha.
Esteban en 3 años ya lleva visitadas 10 provincias y 30 Grandes Estancias que aun conservan Gauchos (primer eslabon esencial e insustituible en la cadena productiva del campo argentino), dispersas por el país. documentando e investigando, entremezclado con la paisanada en su trabajo diario, Así intenta captar através de su pintura la esencia más profunda del ser nacional.
La obra de Diaz Mathé es un regalo a los ojos de aquellos amantes de las costumbres camperas y la pintura realista. Un verdadero deleite que conjuga riqueza cultural con el virtuosismo del arte realista.

Los invito a disfrutar de parte de su obra.

STSTSTSTST ST ST ST ST ST STST ST ST Video promocional del nuevo libro del artista. Si pasa por Argentina ya sabe que puede comprar como recuerdo ;)

Como es usual les dejo una tecla de galería para que visiten el sitio del artista y así puedan disfrutar de otras obras y de un posible contacto con el mismo.

Espero lo hayan disfrutado mate en mano como yo.

Chau.

La planète Sauvage (sub español)

noreply@blogger.com (OPin) — Sun, 06 Nov 2011 17:21:00 +0000

Gracias a los integrantes del grupo de rock Impulso y los fondos elegidos en su último recital, es que me he encontrado con esta pieza que había olvidado y que curiosamente aparece en YouTube en su metraje original.

El planeta salvaje (en francés La planète sauvage) es una película francesa animada de ciencia ficción de 1973 dirigida por el francés René Laloux, es hoy uno de los grandes clásicos de la animación europea. A través de una historia de ciencia ficción, el film nos sumerge en el drama de dos sociedades enfrentadas entre sí, a través de la opresión, y en el incierto destino al que se enfrentan, abocadas a la propia destrucción.

A destacar, además de la trama, la impactante estética que presenta, heredera de los cánones de la época y el lugar en que fue creada.

Fue un film coproducido por Francia y Checoslovaquia y distribuido en Estados Unidos por Roger Corman. Ganó el premio especial del jurado en el Festival internacional de Cannes de 1973. La historia está basada en la novela "Oms en Série", del escritor francés Stefan Wul.

Exclusivo de DLYC en formato Real Player RMVB
http://hides.at/a3690ab35cda27cc5c9293725a59d9b1

O en AVI
http://www.megaupload.com/?d=2SXH1CKK
Subtítulos
http://www.megaupload.com/?d=YCRX7J4S

Recuerde modificar el título de los subtítulos para que sea el mismo, manteniendo la raíz.

Sarah Graham / Caries y juguetes

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 02 Nov 2011 00:33:00 +0000

Sarah Graham es una talentosa artista británica contemporánea dedicada al realismo. Cursó sus primeros estudios sobre artes entre 1996 y 1997 al completar el BTEC y obtener el diploma Nacional en Arte y Diseño del colegio North Herts College, Hitchin, Herts (se trata de un curso intensivo de dos años para jóvenes mayores de 16 años que se instituyó en 1930 en Gales e Irlanda del Norte)

Entre 1997 y 2000 cursa y obtiene el BA (Hons) (Bachelor of Arts con honores, que sería el equivalente a una Licenciatura Matriculada con calificaciones óptimas) en Bellas Artes, en la Universidad De Montfort, Leicester.

Desde ese momento pasó su tiempo produciendo una gran cantidad de trabajo, lo que la lleva a su primera exposición en una galería de arte contemporáneo de Londres, y su primera Feria de Arte Asequible. La FAA se convirtió en su principal fuente de ingresos en los 7 años posteriores, logrando exponer en ella cuando se presentó en Nueva York, Melbourne y Sydney. Luego de casi un año, encontró un estudio más adecuado con su colega Charlotte Hardy y decidió exponer en galerías y ferias en los alrededores de Londres y Berkshire.

Su héroe y fuente de inspiración es el pintor alemán Gerhard Richter, quién sigue prolífico en la actualidad.

Los invito a obtener alguna caries observando sus pinturas.

Found my marbles Candy SwirlCarouselCupcake gemsBatteries not included Candy canesMetal man Drink me Cola candy Leaving Las Vegas Sweets for my sweet Sweet temptations Tin drummer Sweet Mayhem Les dejo un enlace que los llevará hasta el sitio oficial de la artista para que puedan disfrutar de otras obras y del día a día de su trabajo.

Espero que lo hayan disfrutado dulcemente.

Chau.

Jacques Bodin / Minimalismo hiperreal

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 26 Oct 2011 03:00:00 +0000

Jacques Bodin es un pintor francés nacido en 1949 que ha mostrado sus pinturas hiperrealistas principalmente en los circuitos de arte de París y Milán. Su trabajo, al mejor estilo fotográfico, acentúa las desviaciones de la realidad (la profundidad de campo, el gran angular, la iluminación, y las anomalías de enfoque) para crear una referencia hiperrealista a gran escala. Sus temas incluyen puntos de vista de close-up extremo y exacto de las imágenes tomadas de las sombras proyectadas a través del método de pintura lighting. Su obra es reflexiva, en general, de dimensiones muy grandes, y se ejecutan a partir de fotografías impresas sobre acetato transparente proyectadas sobre el lienzo de una obra mediante un retroprojector, una técnica ampliamente aplicada por los hiperrealistas. Sus sujetos se clasifican en pocas categorías tales como la figura humana de espaldas, la hierba, frutas , el pelo y los árboles, siendo extremadamente organizado en la manera en la que los captura y representa, haciendo uso de una atención igualmente meticulosa del detalle. Al acercarse al minimalismo, algunas de sus obras se embarcan en un nuevo aspecto conceptual de la hiperrealidad.

Los invito a observar algunas de sus obras

De dos XXXIVDe dos XXIX ST STST De dos IVArbre IIIArbre IV ST Fruits I Fruits VIIHerbes VHerbes VIIHerbes XI Como siempre les dejo un enlace a galería que los llevará hasta el sitio oficial del artista.

Seguramente lo han disfrutado tanto como yo.

Chau.

César Galicia / Memorabilia norteamericana

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 19 Oct 2011 01:17:00 +0000

César Galicia es un artista plástico español nacido en Madrid en 1957. Si bien comenzó estudiando Derecho terminó continuando sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, al mismo tiempo que realizaba cursos de urbanismo. Todos estos conocimientos le fueron de gran utilidad más tarde para lograr la alta calidad de sus obras plasmando principalmente aquello que hace a la memorabilia del acerbo cultural y popular norteamericano, con una precisión sorprendente.
Amplió más tarde sus estudios en Estados Unidos, donde experimentó con el hiperrealismo. Su primera exposición individual la realiza precisamente en la Galería Staempfli de Nueva York, y en esa ciudad establece su residencia definitiva adoptando su iconografía como motivo principal.
En sus propias palabras:

"Mi verdadera vida se encierra en mi estudio. Allí es donde yo, ajeno al mundo exterior, transformo en formas y colores mis sentimientos; me embriago con esencia de petróleo, trementinas, y otras mezcolanzas. [...] Mi lenguaje estético puede parecer agresivo, incluso extravagante, y quizás la visión de mi obra pueda propiciar alguna confusión óptica al espectador, pero nunca nadie podrá decir que no forma parte de mi vida interior, de mis convicciones más profundas, estando seguro que el público sabrá absorber su esencia, proporcionándole el disfrute de una experiencia de gran intensidad emocional."

Podemos estar o no de acuerdo con su visión de sí mismo pero sus obras transmiten lo que se ha dado en llamar ”mística urbana”, encontrando belleza en los graffiti de la ciudad, en las esquinas de las calles, en los objetos abandonados, en donde se imprime una rara mezcla de desolación y libertad.
Su extraordinario dominio de la técnica le permite reconstruir minuciosamente la apariencia de la realidad atrapada en una fotografía, poniendo la máxima dedicación en los brillos, las texturas y los colores de objetos comunes.

Los invito a disfrutar de algunas de sus obras.

La motocicleta Bodegón de Mickey31914 Siemens Bodegón con lámparas El triciclo Naturaleza muerta con ventiladorMotor Long Island La moto Naturaleza muerta con aguja negra La bicicletaTeléfono americano Boceto de naturaleza muerta en Téllez Como siempre les dejo un enlace a galería para que puedan visitar el sitio del artista y de ésta forma llegar a tomar incluso contacto con él.

Seguramente lo han disfrutado tanto como yo.
Chau.

Alberto Thormann / Cuyo abstracto

noreply@blogger.com (OPin) — Wed, 12 Oct 2011 00:18:00 +0000

Alberto Thormann es un artista plástico argentino nacido en Mendoza en 1959, y graduado en la Universidad Nacional de Cuyo, Facultad de Arte, especialización Grabado.
Obtuvo en su carrera más de 24 distinciones como grabador, dibujante y pintor. Su Primer Premio de Pintura lo obtiene a los 11 años en un concurso de murales organizado por la Cámara Empresaria de Maipú. Mendoza.
Realiza exposiciones grupales e individuales desde 1984 , entre ellas podemos mencionar : Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires Argentina, Museo Emiliano Guiñazú “ Casa de Fader” Mendoza Argentina. Centro de Actividades Artísticas de la Universidad Nacional de Cuyo.. Instituto Cultural de Providencia. Santiago de Chile. Exposición Itinerante “tiempos de cambio” República de Chile. Pintura Argentina en Canning House. Londres. Inglaterra. Galería de Arte de Park Hyatt Mendoza. Galería Grillo. Punta del Este. Uruguay. Rueda en Los Naranjos. Marbella, España.
Thormann realiza diferentes actividades relacionadas con su quehacer artístico, trabajando en muestras personales en las bodegas de su provincia, realiza trabajos murales junto a su esposa la escultora en cerámica Alejandra Civit, es columnista de revistas de arte y decoración, realizó un libro de pintura ”De sueños y mares” con distribución de 7000 ejemplares para la colección IMPSAT y diseñó las cajas lumínicas en la Fiesta Nacional de la Vendimia del año 2004 con una superficie de 1800 metros cuadrados y aprox.5.000 luces de colores.

Su trabajo artístico ha sido presentado en publicaciones nacionales e internacionales privadas y / o Estatales.
Dictó cursos de Introducción al Arte y Dibujo en la Facultad de Cerámica de la Universidad Nacional de Cuyo.
Fue docente desde el año 1997 hasta el año 2003 en el nivel primario del Colegio Andino y el Tomás Edison. Desde el año 1998 hasta el año 2003 dictó cátedra en el nivel secundario del Colegio Compañía de María y Colegio San Jorge en Mendoza. Dictó el curso de Grabado con técnica de Collagraf en el 5º Encuentro Nacional y 2º Encuentro Internacional de Grabado en Resistencia, Chaco, Argentina. Es docente de las cátedras de Dibujo I y II en la Universidad Marcelino Champagñat de Mendoza. Dicta cursos y talleres de dibujo, pintura y grabado en Mendoza, Córdoba y Chaco.
Sus obras se exponen y forman parte de colecciones públicas y/o privadas en Chile, Canadá Taiwán, México, España, Inglaterra y USA.
Actualmente reside en su ciudad natal, Mendoza.

En su obra no hay bocetos o dibujos previos ya que comienza a partir de una mancha generando trazos y brillos que termina plasmando en la tela. Sus pinturas son óleos sobre tela y sus dibujos técnicas mixtas con carbonillas, tizas pastel y acrílico en blanco y negro sobre tela. Siempre demostrándo un marcado interés por el detalle y el equilibrio estético.

Los invito a contemplar algunos de sus trabajos.

Cruz de luz La gran isla La salida Constructor de soles Dos mariposas símbolo de poder Cascada de luz El tesoro Entre nubes Cambiando al tiempo Volver I Volver II Pájaro de luz Invierno en la viña Como siempre les dejo un enlace hacia el sitio oficial del artista para que puedan tomar contacto directo con él y apreciar la totalidad de las obras que muestra en Internet.

Espero lo hayan disfrutado tanto como yo.

Chau.