De Olho Nos Detalhes

"Três Graças" prova que o público está sempre pronto para uma boa cena de surra

2026-04-09T23:30:00.001-03:00

A novela "Três Graças" acerta em cheio ao resgatar um elemento clássico da teledramaturgia: o confronto físico como ápice catártico de uma rivalidade bem construída. A sequência em que Gerluce, vivida por Sophie Charlotte, finalmente estapeia a vilã Arminda, de Grazi Massafera, não é gratuita nem apelativa e, sim, consequência dramática de uma escalada de violências emocionais, morais e até criminais.

Há tempos parte da crítica torce o nariz para esse tipo de recurso, sob o argumento de que ele contraria uma desejável sororidade feminina. Mas "Três Graças" demonstra que uma coisa não anula a outra. Aqui, não se trata de mulheres disputando um homem ----- Arminda, aliás, jamais demonstrou interesse por Paulinho (Rômulo Estrela). O embate nasce de algo muito mais grave: as consequências do esquema de remédios falsos comandado por Ferette, papel de Murilo Benício, que quase custou a vida de Lígia (Dira Paes), mãe da protagonista.

Somam-se a isso as humilhações constantes sofridas por Gerluce dentro da casa da vilã, enquanto cuidava de Josefa (Arlete Salles), e, sobretudo, o ato imperdoável de Arminda ao tentar matar Joelly (Alana Cabral), empurrando-a da escada durante a gravidez.

Esse histórico torna cada tapa desferido no escritório — logo após mais uma ameaça — uma resposta dramática proporcional. É a ficção cumprindo seu papel de oferecer ao público uma espécie de justiça emocional que a realidade tantas vezes nega.

A cena posterior, na prisão, em que Gerluce puxa os cabelos de Arminda através das grades, arrancando um tufo, reforça esse efeito catártico. Não há ali glamourização da violência, mas sim a materialização de um limite atingido. O público não assiste apenas a uma agressão: assiste ao colapso de uma personagem que foi levada ao extremo.

Curiosamente, enquanto alguns críticos classificam tais momentos como “datados”, o que se vê é justamente o contrário: a escassez desse tipo de clímax na dramaturgia recente tem deixado lacunas de frustração. Um exemplo claro foi "Garota do Momento", de Alessandra Poggi, em que Beatriz (Duda Santos) suportou uma sucessão de humilhações e ataques racistas vindos de Bia (Maisa) sem jamais reagir fisicamente. A decisão de blindar a vilã ---- inclusive com uma condição cardíaca conveniente ---- pode ter sido bem-intencionada, mas resultou em um desfecho emocionalmente insatisfatório para o público, que teve de engolir a ausência de reparação dramática.

O mesmo problema aparece no remake problemático de "Vale Tudo", em que Raquel, interpretada por Taís Araújo, teve direito a apenas um mísero tapa contra Odete Roitman, vivida por Débora Bloch. Mais do que a economia no confronto, o que pesou foi a fragilidade de uma protagonista com trajetória mal construída, envolta em uma glamourização da pobreza que esvaziou o impacto dramático de suas vitórias e enfrentamentos. Sem uma base sólida, até mesmo o momento de confronto ---- que deveria ser explosivo ---- soa protocolar, quase tímido, incapaz de mobilizar plenamente o público.

Em contraste, os autores Aguinaldo Silva, Virgilio Silva e Zé Dassilva entendem que clichês não são problemas em si e, sim, ferramentas. Quando bem utilizados, como no flagrante de Zenilda (Andreia Horta) pegando Ferette e Arminda na cama e partindo para cima dos dois, eles se tornam momentos de comunhão entre narrativa e audiência. São cenas que geram repercussão, conversa e, acima de tudo, envolvimento.

Já passou da hora de abandonar certo moralismo que tenta higienizar a ficção. A teledramaturgia não precisa abrir mão de seus elementos mais populares para ser relevante. Desde que haja construção, coerência e propósito, cenas de confronto físico ---- por mais “clichês” que sejam ---- continuam não apenas válidas, mas necessárias. Em "Três Graças", elas não rebaixam a narrativa, elevam-na ao que ela tem de mais essencial: a capacidade de fazer o público sentir, vibrar e, sim, lavar a alma.

"Loquinha" transforma "Três Graças" em um experimento envolvente e mais eficaz que as novelas verticais originais

2026-04-07T00:00:00.001-03:00

Descobertas, afetos e desafios marcam os novos capítulos da jornada de Lorena (Alanis Guillen) e Juquinha (Gabriela Medvedovsky) na nova novelinha vertical da Globo. O casal “sensação” de "Três Graças" ganha uma nova história com foco no cotidiano e na construção de uma vida juntas. Produzida pelos Estúdios Globo, com roteiro de Marcia Prates e direção artística de Luiz Henrique Rios, ‘Loquinha’ estreou nesta segunda-feira, dia 06 de abril, nos perfis da TV Globo nas redes sociais.

Com 25 episódios curtos e no formato vertical, a novelinha mergulha no universo emocional das protagonistas ao retratar os desafios de uma relação que se fortalece em meio a interferências externas, jogos de poder, ciúmes e disputas afetivas. Enquanto Lorena e Juquinha decidem morar juntas, elas se deparam com as maldades de Lucélia (Daphne Bozaski), a mando de Ferette (Murilo Benício), que, na história, é mencionado nas falas de Macedo (Rodrigo García). O capataz se junta a Lucélia com objetivo de separar o casal ‘Loquinha’. Entre intrigas, manipulações digitais e armações, as duas jovens enfrentam desafios que colocam à prova a força do amor que as une. A chegada de Teca (Ingrid Gaigher), ex-namorada de Juquinha, vem balançar os rumos deste enredo.

Ao mesmo tempo em que o romance avança, a novela vertical também acompanha o processo de amadurecimento pessoal e profissional das duas. Um bar surge como ponto de encontro fundamental da história, reunindo personagens, afetos, tensões e descobertas que impulsionam a trama.

É neste local que Lorena realiza uma grande descoberta profissional: um concurso de poesia sáfica, que faz com que os caminhos e oportunidades se abram para a jovem. É neste ambiente descontraído que o casal ‘Loquinha’ faz novos amigos, como André (Davi Reis) e Adriano (Nando Brandão). Já o querido delegado Jairo (André Mattos) e a doce Maggye (Mell Muzillo) são outros nomes da novela exibida na televisão que surgem na trama, assim como os já mencionados Lucélia e Macedo.

Com uma abordagem contemporânea, ‘Loquinha’ valoriza a representação de um amor construído a partir do afeto, do respeito e da escuta, explorando de forma atual temas como pertencimento, identidade, confiança e liberdade. A novela vertical reafirma o microdrama como uma nova forma de contar histórias no audiovisual brasileiro, aproximando a ficção do ritmo, das emoções e das experiências do público das redes sociais.

Ao mesmo tempo, o formato adotado por ‘Loquinha’ evidencia um ponto importante dentro dessa nova aposta da TV Globo em narrativas verticais. Aqui, a ideia funciona justamente por não partir do zero: como um desdobramento direto de "Três Graças", a novelinha se beneficia de personagens já estabelecidos e de um universo previamente construído. Isso permite explorar, de forma criativa, situações que ficaram de fora da narrativa da TV ---- como a procura pelo apartamento e os desdobramentos desse momento -----, enriquecendo a experiência do público e expandindo a história principal. Em contraste, as novas novelinhas verticais que vêm sendo produzidas de forma independente, com roteiros originais pensados exclusivamente para esse formato, escancaram uma fragilidade estrutural: ao partirem do zero e com pouco tempo de desenvolvimento, muitas carecem de construção dramática consistente, personagens sólidos e conflitos envolventes. O resultado, em diversos casos, é uma narrativa apressada, superficial e até difícil de sustentar, o que pode tornar a experiência limitada e caricata para quem assiste.

O enredo criado por Marcia Prates (uma das colaboradoras de "Três Graças") se mostra bem estruturado dentro dessa proposta e consegue, inclusive, criar pequenos momentos de encaixe narrativo interessantes, como quando Maggye reconhece um quadro de sua galeria na parede do homem que alugaria o apartamento para Lorena e Juquinha, antes de acabar cedendo ao suborno de Lucélia. São detalhes que dão uma sensação de amarração ao universo da história, mesmo dentro de um formato curto.

A química entre Alanis Guillen e Gabriela Medvedovsky segue especialmente envolvente, sustentando boa parte do interesse da narrativa, enquanto a presença de Daphne Bozaski tem força suficiente para preencher a tela sempre que aparece. Dramaticamente, o enredo flerta com uma estrutura quase digna de "Malhação": a vilã que arma constantemente para separar o casal protagonista, com planos por vezes até ingênuos demais. Ainda assim, há um frescor importante ao colocar essa dinâmica clássica a serviço de um casal lésbico, algo pouco explorado nesse tipo de narrativa, o que faz com que funcione melhor do que poderia ---- mesmo que, em certos momentos, soe infantilizado.

O único porém mais evidente está na parte final, quando a trama opta por transformar Lucélia em uma figura obcecada e apaixonada por Lorena. A virada soa deslocada em relação à trajetória da personagem em "Três Graças" e parece mais um recurso forçado para intensificar o conflito do que uma consequência orgânica da narrativa. Nesse sentido, é uma escolha que fragiliza a conclusão, sem que houvesse real necessidade para isso.

Ainda assim, ‘Loquinha’ se destaca como uma experiência bem-sucedida dentro desse novo formato, mostrando que há, sim, caminhos interessantes para as novelas verticais quando elas se apoiam em universos já consolidados e investem em personagens com os quais o público já criou vínculo. Com carisma, leveza e momentos criativos, a produção consegue entreter, expandir sua história de origem e apontar possibilidades reais para o futuro desse tipo de narrativa ---- fazendo da ideia, no geral, uma aposta acertada e digna de elogios.

"Rainha da Sucata" sempre será um clássico da teledramaturgia

2026-04-02T23:30:00.006-03:00

Exibida entre 2 de abril e 26 de outubro de 1990, "Rainha da Sucata" foi a estreia de Silvio de Abreu no horário nobre da Globo. Com o objetivo de substituir o fenômeno "Tieta", a novela teve um início turbulento e sofreu com a repercussão de "Pantanal", estrondoso sucesso da Rede Manchete, escrito por Benedito Ruy Barbosa --- vale lembrar que as tramas não concorriam diretamente. A forte linguagem cômica não foi muito bem aceita e o enredo ganhou alguns elementos mais dramáticos. Aos poucos, a trama foi se acertando e conquistando o público.

Reprisada no "Vale a Pena Ver de Novo" em 1994, no Canal Viva em 2013 e novamente nas tardes da Globo desde 3 de novembro de 2025, a história abordava a ascensão dos novos ricos e a decadência da elite paulistana, através da rivalidade entre a emergente Maria do Carmo (interpretada pela sempre ótima Regina Duarte) e a socialite falida Laurinha Figueiroa (magistral Glória Menezes). A mocinha e a vilã, respectivamente, honraram o destaque que tinham e as atrizes até hoje são lembradas pelo grande desempenho neste folhetim.

Como acontece em todas as obras do autor, a trama tinha fortes elementos cômicos e uma boa dose de tensão. Maria do Carmo enriquece com os negócios do pai (Onofre - Lima Duarte -, vendedor de um ferro velho) e se torna uma rica empresária, apesar de manter os costumes e hábitos da época que era pobre.
Incluindo a forma espalhafatosa de falar e se vestir (nada elegantes) e o local onde mora: bairro de Santana, na zona norte de São Paulo.

Ela resolve se vingar de Edu Figueiroa (Tony Ramos) ---- um boa vida que a humilhou no passado (cena clássica onde um balde de lixo é jogado em cima da sucateira durante uma festa) ---- e resolve comprá-lo, propondo um casamento para ajudar a família tradicional do rapaz que está à beira da falência. Falido, ele topa, o que faz a protagonista se mudar para a mansão, iniciando assim a ótima rivalidade de Maria do Carmo e Laurinha, madrasta de Edu e esposa de Betinho (saudoso Paulo Gracindo). Betinho, aliás, proferia um dos mais famosos bordões da novela: "Coisas de Laurinha.".

O autor ainda inseriu o famigerado Plano Collor na história, o que despertou 'suspeitas' dos obcecados de plantão, que acharam que a Globo estava mancomunada com esta desastrosa medida do governo de Fernando Collor de Mello. E além de todo este atrativo enredo central, repleto de bons personagens, a trama também contou com ótimos núcleos paralelos, incluindo o mais lembrado de todos: o da Dona Armênia.

Afinal, como esquecer da interpretação impagável de Aracy Balabanian vivendo uma das personagens mais marcantes da teledramaturgia? A senhora briguenta tinha três filhos que tratava como bebês. Chamados por ela de 'filhinhas da mamãe', os grandalhões Gera (Marcello Novaes), Gino (Jandir Ferrari) e Gerson (Gerson Brenner) amavam aquele carinho, mas muitas vezes não conseguiam disfarçar o constrangimento.

Com um sotaque que misturava português com armênio, Dona Armênia ainda vivia ameaçando Maria do Carmo. Tudo porque seu terreno na Avenida Paulista havia sido ocupado por um prédio comercial, onde ficava o escritório da Do Carmo Veículos e a Sucata, empresa e Casa de Shows da protagonista. A senhora rabugenta gritava inúmeras vezes que explodiria aquele edifício e o colocaria 'Na chón'. Foi o bastante para esta expressão virar uma das maiores marcas da personagem, que, em virtude do imenso sucesso, voltou ao ar em outra novela de Silvio de Abreu: "Deus nos Acuda".

Outro destaque da trama foi o triângulo formado por Caio, Adriana e Nicinha. Ele, um antropólogo tímido e gago (vivido por Antônio Fagundes, seu primeiro papel cômico na carreira), era noivo da fogosa Nicinha (estreia de Marisa Orth na televisão) e se via balançado por Adriana, uma dançarina de Cabaré (apelidada de 'bailarina da coxa grossa') interpretada pela ótima Cláudia Raia. Os três tiveram um entrosamento incrível em cena e protagonizaram vários momentos hilários.

Entre as cenas marcantes do folhetim, é preciso citar a emblemática sequência do suicídio de Laurinha. Com uma interpretação visceral de Glória Menezes, que fez uma ótima dobradinha com Regina Duarte, a vilã se jogou do alto de um prédio com o objetivo de incriminar Maria do Carmo ---- ela puxou um brinco da sucateira para simular que foi empurrada pela rival ---- e o momento até hoje é lembrado pelo público. Difícil esquecer daquela imagem da víbora caindo com seu vestido branco esvoaçante.

Além de todos os grandes atores mencionados, a novela ainda contou com Renata Sorrah (Mariana, irmã de Caio), Daniel Filho (Renato), Raul Cortez (Jonas), Laura Cardoso (Iolanda), Lolita Rodrigues (Lena), Gianfrancesco Guarnieri (Irineu), Patrícia Pillar (Alaíde/Beatriz), Cláuda Ohana (Paula), Nicette Bruno (Neiva), saudosa Cleyde Yáconis (Isabelle), Flávio Migliaccio (Seu Moreiras), Beatriz Lyra (Odete), Neuza Amaral (Dalva), Ida Gomes (Mariza), entre outros, incluindo uma luxuosa participação de Fernanda Montenegro (Salomé) no começo da trama.

Dirigida por Jorge Fernando, "Rainha da Sucata" foi um grande sucesso de Silvio de Abreu e fez história da teledramaturgia. Neste dia 2 de abril de 2026, a estreia deste importante folhetim completa 36 anos e, coincidentemente, nesta sexta-feira, dia 3, a reprise no "Vale a Pena Ver de Novo" chega ao fim. A reprise fracassou por alguns motivos ---- início apressado demais, várias situações datadas e baixa qualidade das imagens ----, mas a produção sempre será um clássico da teledramaturgia.

Tudo sobre a coletiva online de "Juntas e Separadas", a nova série do Globoplay

2026-03-31T15:15:00.001-03:00

O Globoplay promoveu no dia 11 de março a coletiva online de 'Juntas e Separadas', nova série da plataforma de streaming. Participaram a autora Thalita Rebouças, a diretora Mini Kerti e o elenco, que contou com Sheron Menezzes, Debora Lamm, Natália Lage, Luciana Paes, Matheus Costa, Claudia di Moura, Louise Cardoso, Bruno Garcia, Tomtom, Bruno Mazzeo, Thelmo Fernandes, Fábio Ventura e Mateus Solano. Fui um dos convidados e conto sobre o bate-papo.

Thalita Rebouças comentou como criou a trama: "A ideia da série surgiu quando me separei do primeiro marido e tive uma roda de apoio muito grande das minhas amizades. Não podia estar mais realizada. O elenco todo é incrível. É um abraço em todas as mulheres. Não tem diferença na hora de escrever. A diferença é que na série falo palavrão ao contrário dos meus livros e films, mas nunca pensei 'agora vou escrever para criança e agora para adulto'". Mini Kerti acrescentou: "Aos poucos fomos construindo esse elenco estelar maravilhoso".

Sheron Menezes falou sobre a sua experiência em relação ao enredo de sua personagem: "Minhas amigas são minha base e são amigas de muitos anos. Ter amigas pra mim é indispensável.

Tenho um casamento de 15 anos e acho que agora, com esse trabalho, cheguei no ápice. Ter uma abaixada de bola e permitir mais momentos para mim. O encontro das mulheres na série em uma mesa de bar falando sobe os homens, relacionamentos, desejos e frustrações, é algo que me identifico muito. Tudo o que a gente vai assistir ali é importante e vai abrir os olhos das pessoas".

Natália Lage falou a base da série: "As amizades nos sustentam. É fundamental que a gente leve pessoas para a vida. Muita gente passa pela nossa vida. Minha personagem tem uma coisa com a menopausa, ela fala disso, e agora isso tá acontecendo comigo. A identificação com ela veio depois. A forma como as mulheres se amparam é uma homenagem a todas as mulheres, a gente quer se colocar, estar junta e se amparando Nos traz uma amplitude. Fico feliz desse trabalho sendo feito agora e com essas coisas sendo discutidas. É um elenco muito feminino, com todo respeito aos boys que estão lá".

Debora Lamm acrescentou: "O mundo não nos ensinou a ser amigas, nos ensinou a competir umas com as outras. Essa série mostra o poder da amizade. Tem uma cena engraçada que reuniu parte do elenco e a gente almoçou o beijão da cena durante três dias, sorte que tava bom. Vejo nessa série que as mulheres são o sujeito da ação. Elas são o centro da história. É muito sutil o que to falando porque muitas vezes a gente vê a mulher sendo a protagonista, mas acaba sendo pela frustração de algum homem ou algo do tipo. Em 'Juntas e Separadas' não tem isso".

Luciana Paes falou de seu papel: "Perdi meu pai na pandemia e minha personagem tá no processo de cuidar do pai com Alzheimer. São coisas que a gente não ensaia para fazer e vão aparecendo nesse processo, você percebe que a adulta agora é você e a Joana se descobre adulta no meio da vida. A série fala do poder feminino sem perder a ternura. Acho uma das coisas mais emocionantes da série".

Matheus Costa comentou como foi ser filho da Natália: "Tive a visão da minha mãe sobre eu ter saído de casa. Ela e meu pai falam o quanto sentem saudades. Entender como é essa dor eu só consegui ver de verdade agora vendo a Natália Lage fazendo".

Claudia di Moura analisou sua personagem: "A dona Dina tem como melhor amiga a filha e ela vê como resultado achar que o ciclo da escassez precisava acabar nela. Ela comemora a vitória dessa filha. É um lugar que a gente não tá acostumado a ver. Quando a mulher preta sente ela já está sem os pais. Essa série fala do início do envelhecer e vem trazendo tantos dramas ditos de forma poética. Veio de uma geração que o etarismo foi ainda mais cruel. É importante me ver como atriz, mulher, mãe, preta, mostrar como é possível cortar o ciclo da escassez".

Louise Cardoso: "Já me separei três vezes e foram as amigas e os amigos que me deram suporte. Mini e Thalita consideram ela a vilã e concordo em termos porque preconceito é vilania, mas é importante para mostrar para tantas mães que são iguais a elas se verem. Gosto muito de toda a série, é uma série sobre sentimentos e encontros da vida real. Sou muito fã dessas quatro atrizes que protagonizam essa série. Fui mãe da Natália, sou mãe da Sheron, Luciana é incrível e ser mãe da Débora foi um sonho".

Bruno Garcia analisou seu papel na série: "Tem algo muito contundente que me afetou positivamente nesse trabalho, mas que traz um assunto muito importante. O Caio é ácido, pesado, incômodo e muito pertinente para uma causa atual que é a violência contra a mulher. O audiovisual ganha novos contextos dependendo da época. A gente rodou a série em 2024 e claro que o problema milenar seguia o mesmo, mas especificamente nesse último ano de 2025 houve uma explosão de violência. Interpreto um homem tóxico que oprime e acha que pode controlar a mulher e é daí que nasce a violência. Foi um personagem complexo e que a gente teve muito cuidado.. Não podia ser apenas um cara chato, tinha que ter um problema de caráter. Foi muito importante poder dar voz a esse homem detestável e pra isso que serve nosso ofício".

Tomtom resumiu sua experiência na série: "Pra mim é muito maravilhoso interpretar personagens da Thalita. Me identifiquei muito com a Luna, em 'Uma Fada Veio me Visitar', e agora com a Dora me identifico muito em outro lugar. Bruno Mazzeo vivendo meu pai foi uma nova experiência. Muito boa." Bruno Mazzeo acrescentou: "Sou amigo da Lolo (Heloísa Perissé) há mais de 30 anos. E Tomtom é o máximo."

Thelmo Fernandes falou de seu personagem: "Interpreto um garçom que ouve as meninas. E isso é um aprendizado também. O Lacerda tem um confronto em uma situação que ele precisa intervir e intervém. A gente não pode não intervir diante da violência contra a mulher e meu personagem tem isso bacana na série".

Fábio Ventura resumiu: "É um momento feliz participar de um set com empoderamento feminino".

Mateus Solano finalizou: "Fiquei apaixonado pelo texto da Thalita, pela forma leve de lidar cm temas espinhosos e caros para as mulheres e para os homens. O Lino é uma delícia de fazer e a dupla com a Luciana Paes é muito mais do que eu poderia pedir. É um moço doce, atrapalhado, a relação não deu certo, mas a amizade continua. É um casal divertido e tô doido pra assistir".

As justiças e as injustiças do "Melhores do Ano" de 2025/2026

2026-03-30T00:00:00.001-03:00

A edição deste domingo do "Melhores do Ano", exibida no "Domingão com Huck", manteve o tom festivo e grandioso que já virou marca da premiação comandada por Luciano Huck, mas também chegou cercada de mudanças que não passaram despercebidas. O prêmio deixou de ir ao ar em dezembro --- período tradicional da atração ---- e foi exibido no último domingo de março, uma alteração que causou estranhamento e quebrou a sensação de “fechamento de ano” que sempre marcou o especial.

Ao vivo, o programa reuniu nomes de destaque da televisão, música, jornalismo e esporte, apostando em números musicais ---- como a abertura com Marina Senna --- e performances de Ivete Sangalo, Simone Mendes e Diego & Victor Hugo, além da presença de Paulo Vieira interagindo com a plateia. Aliás, Paulo foi um show à parte. Todo ano é, então nem chega a ser uma surpresa. Falou do escândalo do Banco Master, de Daniel Vorcaro, debochou do power point da Globo News que tentou associar Lula ao banqueiro, ridicularizou as novelinhas verticais que a emissora tem lançado e ainda exibiu um clipe fazendo piada com os investimentos superficiais que a Globo vem fazendo, ao invés de priorizar suas novelas, que mal têm figuração e escassez de externas.

Mas, por trás do brilho e da celebração, a edição também evidenciou ausências absurdas e alguns vencedores que despertaram indignação nas redes sociais.

Um dos movimentos desta edição foi a ampliação das categorias principais, que passaram de três para cinco indicados ---- uma tentativa clara de tornar a disputa mais abrangente. Ainda assim, mesmo com dois nomes a mais em cada lista, as ausências continuaram sendo um dos pontos mais comentados da premiação.

A categoria mais polêmica foi Atriz de Novela. A lista reuniu Bella Campos, Deborah Bloch, Duda Santos, Grazi Massafera e Taís Araújo ---- uma seleção forte, mas que causou estranhamento ao ignorar o trabalho de Sophie Charlotte, cuja ausência se destacou como uma das mais injustificáveis da noite. A atriz está em seu melhor trabalho na televisão como protagonista da novela das nove que vem fazendo sucesso. Gerluce caiu nas graças do público graças ao ótimo desenvolvimento dos autores, mas também por conta do talento da intérprete. Ao menos a vitória de Grazi serviu para amenizar um pouco essa injustiça. A perua da produção está irretocável em cena e forma uma ótima parceria com a própria Sophie com os tradicionais embates entre mocinha e vilã. Vitória merecida.

O mesmo se repetiu em Ator de Novela, com Murilo Benício ("Três Graças"), Pedro Novaes ("Garota do Momento"), Sergio Guizé ("Êta Mundo Melhor!"), Thomás Aquino ("Guerreiros do Sol") e Tony Ramos ("Dona de Mim"). Ainda que fossem nomes consistentes, chamou atenção a ausência de Rômulo Estrela, que vem brilhando como Paulinho, em "Três Graças", e acabou ficando de fora mesmo com a ampliação da categoria. E o que dizer da ausência de Irandhir Santos, que foi arrebatador como Arduíno em "Guerreiros do Sol"? Se a novela do Globoplay entrou nas indicações, ele tinha a obrigação de estar. Mas a vitória de Murilo Benício pelo sua excelente atuação como Santiago Ferette, em "Três Graças", foi merecida e o ator ainda fez questão de citar a injustiça da não indicação de Sophie Charlotte. O ator também citou Andreia Horta (Zenilda) e Alanis Guillen (Lorena) em seu discurso e elogiou a dedicação de Pedro Novaes.

Nas categorias coadjuvantes, a lista de Atriz Coadjuvante trouxe Alice Carvalho ("Guerreiros do Sol"), Belize Pombal ("Vale Tudo"), Maisa ("Garota do Momento"), Paolla Oliveira ("Vale Tudo") e Suely Franco ("Dona de Mim") ---- mas novamente houve uma lacuna difícil de ignorar: Carol Castro, que também entregou um trabalho extraordinário em "Garota do Momento", na pele da sofrida Clarice, sequer apareceu entre as indicadas. Qual o sentido? E Alinne Moraes, que emocionou na pele de Jânia em "Guerreiros do Sol", também foi deixada de lado. A vitória de Paolla Oliveira marcou a força de um fandom dedicado que faz a atriz vencer qualquer indicação que concorra e seu desempenho no remake realmente mereceu elogios, apesar da construção totalmente equivocada de Manuel Dias. Vale lembrar que a personagem passou a novela toda acusada de ter matado o irmão, mas, além de ter sido inocente, o rapaz não morreu. Só que Heleninha terminou acusada de matar a própria mãe e o crime nem existiu porque Odete surgiu viva em uma cena ridícula e absurda. Ou seja, a mulher voltou a beber, né? Que lição a autora deu de mínima consciência social? E Suely Franco deu um banho de atuação na pele de Rosa na novela das sete, de Rosane Svartman, e pela primeira vez tinha sido indicada como Coadjuvante. Também merecia muito o troféu.

Já em Ator Coadjuvante, concorreram Alexandre Nero ("Vale Tudo"), Cauã Reymond ("Vale Tudo"), Eduardo Sterblitch ("Garota do Momento"), Marcello Novaes ("Dona de Mim") e Pedro Novaes ("Três Graças"), mantendo o padrão de nomes conhecidos e recorrentes. Com todo respeito ao Pedro, não fez sentido ele estar em duas categorias da noite, ainda que de novelas diferentes. Estava faltando nome para preencher? Não estava. Danton Mello deu um show como Raimundo em "Garota do Momento", Fábio Assunção se destacou como o vilão Juliano em "Garota do Momento", Cauê Campos brilhou como Basílio em "Garota do Momento", Juan Paiva emocionou como Samuel em "Dona de Mim", enfim, não faltavam nomes. A vitória de Alexandre Nero foi justa pelo seu excelente trabalho como Marco Aurélio, um dos poucos pontos positivos do remake.

No campo das séries, Série do Ano contou com "Dias Perfeitos", "Pablo e Luisão" e "Raul Seixas: Eu Sou". A vitória de "Pablo e Luisão" foi mais do que justa. Embora as três séries sejam merecedoras de elogios, a produção idealizada por Paulo Vieira furou a bolha e foi a única que realmente fez sucesso no Globoplay. O que é raro por se tratar de uma série de humor, gênero que anda quase extinto atualmente. Em Atriz de Série, disputaram Dira Paes ("Pablo e Lusião"), Julia Dalavia ("Dias Perfeitos") e Alice Wegmann ("Rensga Hits"). A vitória de Dira foi muito justa, ainda que Julia e Alice transbordem talento e também tenham brilhado muito em suas respectivas produções. Dira está impagável na série e o troféu serviu um pouquinho para agraciar seu trabalho como Lígia em "Três Graças". Já a categoria Ator de Série reuniu Jaffar Bambirra ("Dias Perfeitos"), Ailton Graça ("Pablo e Luisão") e Otávio Muller ("Pablo e Luisão"). O triunfo de Jaffar honrou a sua entrega na série tensa de Raphael Montes. Seu desempenho impressionou.

As categorias de Humor, com Paulo Vieira, Rafael Portugal e Tatá Werneck; honrou mais uma vez o talento de Tatá, que ano que vem completará dez anos com o "Lady Night", o melhor talk show do país e que serve como alívio cômico em diversas situações. A atriz e comediante ainda consegue extrair ótimas declarações dos entrevistados. Na categoria Jornalismo, com César Tralli, Maju Coutinho e Poliana Abritta; houve a vitória de Tralli, que venceu pela terceira vez consecutiva. Já a maior piada da noite foi a de Profissional do Esporte. Fred Bruno vencer Alex Escobar e Everaldo Marques foi um escárnio.

Em Música do Ano, disputaram “Energia de Gostosa”, de Ivete Sangalo; “Lembrei de Nós”, de João Gomes, Jota.pê e Mestrinho; “Me ama ou me larga”, de Simone Mendes; “P do Pecado”, de Menos é Mais e Simone Mendes; e “Tubarões”, de Diego & Victor Hugo. Venceu "Me Ama ou me Larga". Essa música foi mesmo a do ano? Fica a pergunta.

A categoria que lavou a alma foi a de Novela do Ano, a última da premiação. "Garota do Momento", "Vale Tudo" e "Três Graças" disputaram e não tinha como a obra de Aguinaldo Silva, Zé Dassilva e Virgilio Silva não vencer. Até agora a obra está praticamente irretocável. O diretor Luiz Henrique Rios ainda fez questão de, durante o seu agradecimento no palco, citar a ausência de Sophie Charlotte. Uma lembrança justa para algo inexplicável. E ainda foi uma ironia do destino Aguinaldo ter levado o troféu diante de Manuela Dias, depois de tudo o que a autora fez com "Vale Tudo", fenômeno que o autor escreveu com Gilberto Braga e Leonor Brassères. A trama inédita do escritor tem tudo o que o remake nunca teve.

No entanto, talvez uma das ausências mais simbólicas tenha sido a da categoria de revelação mirim. Em um ano marcado por atuações infantis de destaque, nomes como Elis Cabral e Lorenzo Reis (ambos em "Dona de Mim"), além de tantas outras crianças que brilharam em "Êta Mundo Melhor!" --- simplesmente não encontraram espaço na premiação. A exclusão não apenas empobreceu o panorama artístico apresentado, como também ignorou uma geração que vem renovando a teledramaturgia com talento e naturalidade. Também não deu para entender a categoria Revelação ter ido ao ar no domingo anterior. Alegaram falta de tempo, mas tinha tempo de sobra no lugar das categorias de superação que o apresentador insere para premiar populares que venceram na vida. Nada contra, mas isso sim pode ficar para um outro domingo. Só para não deixar esquecido, Alana Cabral venceu merecidamente pelo seu grande trabalho como Joelly em "Três Graças". Ela concorreu com os também talentosos L7nnon ("Dona de Mim"), Belo ("Três Graças"), Gabriela Loran ("Três Graças") e Ricardo Teodoro ("Vale Tudo").

Com momentos emocionantes, como as homenagens a profissionais do audiovisual que já partiram e o quadro “Inspiração”, o especial tentou equilibrar entretenimento e relevância. Ainda assim, a sensação que ficou foi a de uma premiação que, mesmo promovendo mudanças ---- seja na data de exibição, seja na ampliação dos indicados ---- não conseguiu evitar lacunas importantes. E, em uma noite dedicada aos “melhores”, essas ausências acabaram falando tão alto quanto os próprios vencedores.

"A Nobreza do Amor": o que esperar da nova novela das seis?

2026-03-27T00:00:00.002-03:00

Uma superprodução que conecta um reino africano a uma pacata cidade do interior do Nordeste do Brasil e propõe uma união intercontinental através do amor, do desejo de justiça e do encontro com a ancestralidade. Em ‘A Nobreza do Amor’, uma fábula afro-brasileira dos anos de 1920 que chegou ao horário das seis da TV Globo no dia 16 de março, a distância de um oceano não é empecilho para um encontro de almas: Alika (Duda Santos) e Tonho (Ronald Sotto), uma princesa da África e um trabalhador do Brasil, protagonistas dessa história que reúne aventura, romance, humor e grandes emoções.

Criada e escrita por Duca Rachid, Júlio Fischer e Elisio Lopes Jr., com direção artística de Gustavo Fernández e produção de Andrea Kelly, a novela se passa em dois universos fictícios, distantes geograficamente, mas com fortes entrelaçamentos que ajudam a revelar a face de um país que tem na África a fonte de uma das suas mais nobres raízes ancestrais. De um lado do oceano, Batanga, ex-colônia portuguesa, reino da costa ocidental da África, marcada por uma disputa de poder central na trama. Do outro, Barro Preto, interior do Rio Grande do Norte, cidade onde litoral e sertão se cruzam, produzindo paisagens singulares de um microcosmo de Brasil, em seus conflitos e diversidade.

Um golpe de estado em Batanga dá início a essa trama envolvente, que reúne grande elenco e conta com cenas de tirar o fôlego. O ambicioso Jendal, vilão interpretado por Lázaro Ramos, é o responsável por trair e derrubar o rei Cayman II (Welket Bungué), usurpando seu trono,

quando vê desmoronar seus planos de ascensão ao poder, que incluíam o casamento arranjado com a princesa Alika (Duda Santos) e o acordo com os ingleses para a exploração do tungstênio no país.

Na tentativa de escapar da tirania de Jendal, a família real foge, mas rei Cayman acaba se ferindo e, antes de morrer, revela à princesa e à rainha Niara (Erika Januza) o lugar para onde elas deveriam ir: o Brasil. É lá onde vive Zambi/José (Bukassa Kabengele), o irmão do rei deposto, que, anos antes, renunciou à coroa para se casar com a brasileira Teresa (Ana Cecília Costa). Além do encontro familiar, Barro Preto, o refúgio do outro lado do oceano, reserva a Alika o despertar do amor, algo inédito também na vida do jovem Tonho (Ronald Sotto).

Para os autores, ‘A Nobreza do Amor’ é um convite a revisitar a conexão entre Brasil e África através de personagens que entendem a potência de suas próprias identidades. “Essa história vai revisitar essa ligação histórica entre a África e o Nordeste do Brasil, explorando essa intersecção de culturas e realidades que nos constituíram como nação”, afirma Duca Rachid. Elisio Lopes Jr. destaca a importância dessa abordagem: “O ponto de partida da novela é a reconexão histórica entre África e Brasil, através de caminhos que, mesmo marcados por um início traumático para o povo preto, deram origem à formação do país. A trama revisita essas rotas de ida e volta, refletindo sobre identidades e nobrezas arrancadas durante o sistema de escravização e que, muitas vezes, não puderam retornar às suas origens mesmo após a abolição. No meu coração, a novela carrega justamente essa ideia: a possibilidade de reconstruir esse ‘caminho de volta’ e de destacar a realeza que existe em nós, e que nasce de nossa ancestralidade africana. A partir dessa perspectiva, construímos uma fábula que se desenrola tanto no Nordeste quanto na África. São arenas fictícias, uma cidade inventada e um reino criado especialmente para a narrativa, mas ambos profundamente inspirados no caldeirão cultural produzido por séculos de intercâmbio entre esses universos”. Júlio Fischer complementa: “É uma história que se passa em dois continentes, mas o que acontece numa arena reverbera diretamente na outra, e vice-versa. Essa é uma fábula sobre as identificações entre Brasil e África. Sobre nossa herança africana, que diz respeito a nós, brasileiros, como um todo. Independe da cor, da raça e do credo de cada um.”

O diretor artístico Gustavo Fernández fala sobre o caráter fabular da obra e seus universos: “Batanga foi concebida com referências reais da estética africana, fruto de pesquisa intensa. Já Barro Preto, situada em uma falésia, tem paisagens únicas que ajudam a construir o universo dessa trama”. As gravações, realizadas no Rio de Janeiro e no Rio Grande do Norte, contaram com locações em diversos cenários naturais, incluindo dunas, parques naturais e fortalezas históricas. A produtora Andrea Kelly destaca a passagem da equipe pelo estado potiguar: “Buscamos locações que refletissem as semelhanças entre os dois continentes, e encontramos, no Rio Grande do Norte muitos locais com visual parecido com alguns locais da África, o que foi determinante para a escolha da região onde começamos as filmagens”. Entre os cenários escolhidos para a novela estão o Parque Nacional da Furna Feia, Dunas do Rosado, Maracajaú e Barreira do Inferno, com passagens pelas cidades de Areia Branca, Porto do Mangue, Guamaré, Macau, Maxaranguape, Mossoró, Parnamirim e Tibau do Sul, além da capital Natal.

A HISTÓRIA DE BATANGA

Tempo passado: Batanga livre!

Embora ‘A Nobreza do Amor’ seja ambientada na década de 1920, o enredo no universo africano se inicia aproximadamente duas décadas antes, quando Batanga estava sob domínio colonial português. A dominação europeia sobre Batanga, contudo, não conseguiu apagar a identidade do povo batangui, liderado por Lumumba (Welket Bungué), filho do rei Cayman I, cujo reinado foi interrompido após a invasão dos portugueses. A resistência batangui culminou na Guerra da Independência, na qual os guerreiros africanos conseguiram capturar a fortaleza dos colonizadores e derrotaram as forças militares de Portugal.

Herói da libertação, Lumumba foi coroado rei Cayman II, em cerimônia conduzida pelo conselheiro Chinua (Hilton Cobra), restaurando a dinastia de sua família. Sua esposa Niara (Erika Januza) tornou-se rainha, e Jendal (Lázaro Ramos), principal aliado do novo governante, ascendeu ao posto de primeiro-ministro.

A recém-conquistada liberdade reinaugurou tempos de paz e esperança em Batanga. A nova era no reino foi acompanhada de prosperidade, graças à concessão de exploração das minas de tungstênio à Inglaterra, em negociações mediadas por Jendal e mediante o pagamento, para a coroa, de royalties a serem revertidos para o bem-estar dos súditos. Nesse ambiente de otimismo e desenvolvimento, cresceu a filha do casal e única herdeira do trono, a princesa Alika (Duda Santos), treinada para ser uma rainha justa e compromissada com seu povo.

Tempo presente: a face do tirano

Em meio à tranquilidade, uma mensagem abala os alicerces de Batanga. Durante uma visita ao guardião do oráculo do reino, o respeitado ancião Oruka (Vado), a família real é surpreendida com uma previsão: o rei será traído, com consequências drásticas para a vida da rainha e da princesa, que só poderá ser salva por um homem de ascendência nobre e caráter irretocável.

Ambicioso e sedento por poder, Jendal pede a mão de Alika a Cayman, jurando protegê-la dos perigos anunciados. O rei, impactado pela premonição e crente na lealdade de seu primeiro-ministro, promete a filha, ainda bebê, ao vilão, como sua futura esposa. Mas o acordo não vinga: anos depois, a jovem princesa, que não enxerga os interesses de Batanga entre as prioridades do aliado de seu pai, rejeita se casar com ele. Preocupado com a felicidade da filha, Cayman volta atrás e comunica o trato desfeito a Jendal, que se toma de fúria e desejo de vingança.

Sua ira se intensifica com a chegada de Paxá Soliman (Marco Ricca) a Batanga. O turco, homem de negócios, está acompanhado pelo filho Omar (Rodrigo Simas), que se apaixona à primeira vista por Alika. Soliman firma um acordo de exploração de tungstênio com Cayman, ameaçando a aliança de Jendal com os ingleses, de quem o vilão recebia generosas propinas regulares. Sentindo-se humilhado, o primeiro-ministro renuncia ao cargo e deixa Batanga.

Porém, Jendal não demora a reaparecer diante dos portões do palácio, trazendo com ele a realização do que o oráculo previu. Apoiado pelos ingleses, o vilão derrota as tropas comandadas pelo chefe da guarda real, Dumi (Licínio Januário), derruba seu antigo aliado do trono e se autoproclama rei de Batanga. A primeira ordem é impiedosa: prender e matar Cayman, Niara e Alika.

Jendal, que será a personificação do mal ao longo da história, é o primeiro vilão na carreira de Lázaro Ramos na televisão. O ator conta como a potência da história o estimulou a participar do projeto: “O que me atraiu nesse projeto, primeiro, foi a possibilidade de fazer um vilão, que é uma coisa que eu não transitei ainda na carreira, principalmente em televisão. E uma coisa importante de contar: eu sou primo de Elísio, um dos autores. Li o texto e falei: ‘Que novela bonita, importante. Eu queria fazer’. Ele perguntou se eu não tinha outra coisa prevista, respondi que até tinha, mas que gostaria de participar desse momento, dessa história que vai ser contada. Foi um personagem desejado”.

Casamento e fuga

No dia da execução da família real deposta, o novo rei impõe um ultimato: caso Alika volte atrás e se case com ele, poupará as vidas dos prisioneiros. Para proteger seus pais, a princesa aceita a oferta do tirano. Com apoio de sua filha, Kênia (Nikolly Fernandes), uma jovem fútil e ambiciosa, Jendal organiza uma suntuosa cerimônia para celebrar a união, com a presença de convidados ilustres e nobres famílias da região e de outros reinos, incluindo os reis de Seráfia, Augusto (Carmo Dalla Vecchia) e Maria Cesária (Lucy Ramos), protagonistas da novela ‘Cordel Encantado’ (2011).

Os planos do vilão, no entanto, são frustrados por uma ação de Dumi (Licínio Januário) e Chinua (Hilton Cobra), que ajudam Omar (Rodrigo Simas) a fugir com Alika, Niara e Cayman em direção ao porto, onde o navio de Omar os aguarda. Durante a fuga, Cayman acaba morrendo, mas, antes de partir, suplica que a esposa e a filha busquem abrigo em terras brasileiras, onde vive seu irmão Zambi/José (Bukassa Kabengele). Com sua partida, a princesa e a rainha seguem para o Brasil, sob a promessa de limparem o nome do rei e voltarem a Batanga para reconquistar o trono.

Quando Jendal percebe a ação, ordena que suas tropas capturem os fugitivos. Na perseguição que se segue, Omar é ferido e preso pelos soldados, mas a princesa e a rainha conseguem embarcar no navio do jovem turco com ajuda de Dumi, que recebe de Alika a missão de liderar a resistência ao tirano Jendal. Conforme as areias de Batanga se distanciam no horizonte, a rainha e a princesa, com os corações pesados, navegam rumo ao Rio Grande do Norte, no Brasil.

Durante o exílio de Alika, Dumi, que simula fidelidade ao novo rei para se manter em uma posição estratégica, e Chinua (Hilton Cobra), que também segue no cargo após o golpe a fim de obter informações privilegiadas, passam a articular a derrubada de Jendal. Fora do palácio, no meio do povo batangui, seus principais aliados na luta para permitir a volta de Alika e Niara ao reino são os guerreiros Akin (André Luiz Miranda) e Ladisa (Rita Batista).

BARRO PRETO: UMA CIDADE FORA DO TEMPO

“O Brasil parece a África”: onde floresce o amor de Alika e Tonho

Quando o rei Cayman (Welket Bungué) indicou o Brasil como destino para a princesa Alika (Duda Santos) e a rainha Niara (Erika Januza), além de falar de seu irmão Zambi (Bukassa Kabengele), que poderia abrigá-las, pensou nas semelhanças do país com Batanga: do outro lado do oceano, elas iriam encontrar um lugar onde também se falava português e com grande presença de negros. Lá estariam protegidas de Jendal (Lázaro Ramos). A travessia vai impor grandes mudanças na vida de ambas. A chegada ao Rio Grande do Norte se dá pela capital, Natal, e mãe e filha precisam ainda rumar para o destino Barro Preto, uma pacata e peculiar cidade do interior, isolada em meio às falésias. No primeiro contato com o novo solo, a constatação é imediata: “O Brasil parece a África”, diz Alika.

O encontro entre Alika e Tonho (Ronald Sotto) se dá na chegada a Barro Preto. Nas imediações da estação de trem de Biri-Biri, uma cidade da região, Tonho carrega, em um carrinho, sacas de açúcar do engenho em que trabalha para abastecer a feira, enquanto Alika e Niara tentam entender como chegar aonde mora Zambi (Bukassa Kabengele). Sem perceber, o jovem esbarra na princesa, mas, rapidamente, a protege, impedindo que ela caia. Os olhares se encontram pela primeira vez, e o encanto é imediato, apesar da situação quase conflituosa. Na trama, o senso de responsabilidade com suas comunidades, tão forte em ambos, gera uma identificação entre Tonho e Alika, e o despertar do amor, sentimento inédito na vida deles, encarna ainda mais a conexão Brasil-África.

A trombada com Tonho se mostra providencial na vida de Alika e Niara. Apesar do desentendimento, logo elas descobrem que ele conhece José/Zambi (Bukassa Kabengele). O rapaz, que acabara de buscar o automóvel novo de seu patrão, o coronel Casemiro Bonafé (Cássio Gabus Mendes), na estação, oferece carona para levá-las até a casa do engenheiro e de Teresa (Ana Cecília Costa), que ficam surpresos com a chegada da sobrinha e da cunhada.

A sós, a família revisita o passado, e as notícias que vêm de Batanga deixam José e Teresa emocionados. A partir de então, o casal define que as duas vão viver com identidades falsas por segurança. Prometem também abrigo a elas e ajuda com os novos documentos. Barro Preto, então, ganha duas novas moradoras, Lúcia e Vera, os novos nomes escolhidos pela dupla.

Intérpretes do par romântico de Barro Preto, os protagonistas Duda Santos e Ronald Sotto celebram o trabalho e a oportunidade de contracenarem pela primeira vez desde 'Malhação: Toda Forma de Amar’ (2019). “Estou profundamente honrada e emocionada com a oportunidade de dar vida a essa personagem. Interpretar uma princesa africana em horário nobre, em uma novela que valoriza nossa ancestralidade e abre espaço para discutir questões essenciais, como identidade e representatividade, é uma responsabilidade imensa, um grande privilégio. Cresci sonhando com personagens que refletissem a força, a beleza e a complexidade da nossa cultura”, conta Duda.

“O Tonho é um cara muito sonhador. É um tipo de personagem que quer conquistar e valorizar cada pedaço de terra que sonha em ter. Acho que o que mais me impressiona nele é a sua força. A inteligência, a força de vontade, a determinação, a lealdade dele, enfim, são características que enchem meus olhos”, resume Ronald. “A Duda é uma irmã de vida, mesmo, parceira, que está arrasando, vindo de grandes trabalhos. Vibro com a evolução dela e com todo leque artístico que ela está apresentando”, completa. “Ronald e eu somos amigos há muito tempo. Fiquei muito feliz quando soube que seria ele. É um artista muito talentoso, que admiro demais, que merece esse lugar”, declara a atriz.

As vilanias de Mirinho e Virgínia

Na trajetória do casal protagonista surgirão muitos obstáculos, personificados, especialmente, pelos namorados Mirinho (Nicolas Prattes) e Virgínia (Theresa Fonseca), dupla que representa a união das duas famílias mais importantes de Barro Preto: os Bonafé e os Almeida Borges. Os negócios dos Bonafé vêm da maior fazenda de cana-de-açúcar da região, o Engenho Santa Fé, de propriedade do coronel Casemiro (Cássio Gabus Mendes) e motivo de conflitos com o filho, Mirinho, um bon-vivant que deseja deixar Barro Preto e investir na criação de uma tecelagem no Recife. Já os Almeida Borges, chefiados pelo banqueiro Diógenes (Danton Mello), veem o dinheiro multiplicar com as dívidas que praticamente todos os moradores da cidade têm com o banco, o que faz de Virgínia, entre outros motivos, um dos partidos mais cobiçados da região.

Barro Preto nem imagina que se tornou refúgio da realeza de Batanga, e a presença de Lúcia (Duda Santos) e Vera (Erika Januza) promete movimentar bastante a sociedade local. Dirigindo o carro do patrão, Tonho (Ronald Sotto) traz mãe e filha, que chegam em um momento especial para a cidade: é o dia em que Virgínia (Theresa Fonseca) volta da capial ostentando o título de “A Mais Formosa do Rio Grande do Norte”, e será recepcionada em grande estilo pela elite da cidade no Grêmio Recreativo Barropretense. Quando a princesa e a rainha depostas desembarcam, os comentários são imediatos. Impressionado com a beleza de Lúcia, Mirinho (Nicolas Prattes) dá um jeito de dizer que Tonho trabalha para sua família e que o carro pertence a eles, movimento que deixa Virgínia, a homenageada, bastante incomodada. A filha mais velha de Diógenes e Marta (Emanuele Araújo), sentindo-se ameaçada, elege Lúcia como rival.

Não demora para Mirinho perceber o interesse de Tonho, seu antigo amigo de infância, por Lúcia, o que tornará a convivência entre os dois ainda mais conturbada. Tomado por ciúmes da relação afetuosa entre seu pai e Tonho, o vilão passou a tratar o rapaz com desdém depois de retornar da cidade grande, onde se formou bacharel. Mirinho, cheio de vaidade e caprichos, não aceitará que Tonho, além de ter se tornado homem de confiança de seu pai – que o promoveu a administrador do engenho –, atravesse seus planos de conquistar Lúcia. E não vai medir esforços para tirá-lo de seu caminho.

“É um presente muito grande estar nesta novela tão revolucionária, cheia de drama, romance e reviravoltas”, destaca Prattes, celebrando também a oportunidade de experimentar algo inédito em sua trajetória profissional. “Mirinho é a inauguração de um jeito de atuar para mim, porque é meu primeiro personagem em novelas que não é movido por um bom sentimento. Ele vai ser uma figura muito rica, cheio de camadas, em todos os aspectos”.

“O que mais me atraiu neste projeto foi a oportunidade de interpretar minha primeira vilã, uma personagem de uma novela das seis, onde posso explorar um lado divertido e autêntico. Isso tem me desafiado em um contexto inusitado, característico de um papel de vilã. E também a possibilidade de contracenar com o elenco envolvido e trabalhar de novo com o Gustavo Fernández (diretor artístico de ‘Renascer’, onde a atriz interpretou Mariana) tem sido maravilhoso. Em relação à personagem, o público pode esperar uma figura voluntariosa, determinada e ambiciosa. Ela demonstra grande obstinação, perseguindo seus objetivos e obtendo sucesso quase 100% das vezes. Sua determinação faz o querer e o poder muito próximo um do outro”, resume Theresa.

A vida barropretense

Barro Preto é uma cidade do interior que persegue ares cosmopolitas. Não à toa, vez por outra, os moradores se dedicam aos eventos que mobilizam a todos. Seja um baile no grêmio recreativo, a inauguração de um busto na praça central ou uma missa de padre Viriato (Marcelo Médici), os barropretenses não perdem a oportunidade de acompanhar as novidades da cidade. É nesse lugar que Alika (Duda Santos) e Niara (Erika Januza) precisam refazer suas vidas, tendo no horizonte um retorno a Batanga com a queda de Jendal (Lázaro Ramos). Mas isso pode levar mais tempo do que elas imaginam, afinal, a resistência ao tirano precisa ser costurada às escondidas e de forma bastante segura.

Na nova dinâmica da família de José (Bukassa Kabengele) e Teresa (Ana Cecília Costa), Lúcia/Alika (Duda Santos) descobre um talento para a costura ao ajudar a tia com a encomenda de um vestido complicado. Já Vera/Niara (Erika Januza), passa a responder pela cozinha da casa, marcando uma nova fase na família. A rainha, mais tarde, também reencontrará a sua vocação de ensinar, como fazia no reino, contribuindo com a escola da cidade. Essa adaptação, no entanto, não se resume a apenas assumirem novas ocupações, lidarem com as diferenças no idioma ou experimentarem os quitutes da culinária nordestina. A realeza refugiada logo conhece a outra face do país que, há menos de 40 anos, aboliu a escravidão.

Com uma postura crítica a questões estruturais da sociedade em que passa a viver, Lúcia/Alika começa a mostrar aos moradores do local, especialmente a Tonho, as mazelas que estão por trás de atitudes aparentemente banais. Mal sabe ele que, nessa visão de mundo dela, reside a grande mudança em sua vida.

PRODUÇÃO: A MAGIA POR TRÁS DAS CÂMERAS

Figurino e caracterização

A partir de um mergulho profundo em referências históricas, culturais e estéticas de países da África, a equipe de ‘A Nobreza do Amor’ construiu a identidade artística que orientou todos os departamentos da produção, sob a consultoria de Maurício Camillo, pesquisador da Guiné Bissau dedicado, entre outros temas, ao estudo da história de grandes reinos africanos, e à direção de arte de Rafael Cabeça, pesquisador de cultura afro-brasileira. “O povo da África ficou reduzido aos estereótipos de pobreza e doença, de savana ou até de atrasado, perpetuado enquanto pobre e associado ao crime e à corrupção. É esse retrato que, em geral, aparece no audiovisual. ‘A Nobreza do Amor’ traça outro caminho, trazendo outras formas de viver existentes na África em suas múltiplas culturas, que também podem ser mostradas”, afirma Maurício.

Para a concepção de Batanga, a inspiração vem de um mosaico de referências dos povos iorubá, bantu e masai, por exemplo. “Mesmo se tratando de uma fábula, existe uma grande responsabilidade em contar a história de um povo, especialmente quando isso envolve ancestralidade, cultura e simbolismos reais”, destaca a figurinista Marie Salles, que elege a novela como um dos projetos mais desafiadores e emocionantes de sua carreira.

Os protagonistas de ‘A Nobreza do Amor’ ganham destaque em suas apresentações, com estilos autênticos e detalhes que remetem às suas personalidades. No caso da família real de Batanga, as vestes são feitas com um padrão exclusivo, desenvolvido em tear, inspirada no Aso Oke, um tecido artesanal iorubá associado à nobreza. Tons de dourado e vermelho, cor do reino, predominam, simbolizando sua imponência.

No caso específico da princesa Alika, seus tecidos foram desenvolvidos com uma técnica de tingimento africana chamada “shiburi”. Suas roupas têm estampas feitas com carimbos, foil e aplicações de pó de ouro. Quando assume a identidade de Lúcia, após a chegada a Barro Preto, a princesa adota um estilo alinhado ao cotidiano de sua nova casa, próxima ao litoral. “Diferente de Alika, Lúcia tem uma pegada steampunk, com ferragens que remetem ao ouro, que ela usava como princesa, criando essa relação sutil entre as duas fases”, explica Marie.

Se os vermelhos e dourados em tonalidades mais claras e vivas caracterizam os figurinos da família real, os trajes escuros, trabalhados em preto, cobre e marrom do vilão Jendal evidenciam seu distanciamento da realeza. Para Auri Mota, caracterizador titular da novela, o visual do personagem vivido por Lázaro Ramos é um dos destaques da obra. Sua caracterização inclui cabelos com estrutura inspirada em serpentes e escorpiões, além de pelos faciais, que contrastam com Cayman II (Welket Bungué), que não usa barba.

Kênia, filha do vilão, também é destaque. A personagem de Nikolly Fernandes é a que passa por mais mudanças estéticas ao longo da trama, tendo sete estruturas de cabelo exclusivas para isso. Esses modelos se transformam em quase vinte visuais diferentes, refletindo seu estilo contemporâneo e exibicionista. Assim, suas roupas e cabelos situam Kênia como uma figura à frente de seu tempo.

A perucaria, aliás, é inédita para a faixa das seis. Apenas uma peça já usada em produções anteriores foi reaproveitada, com todo o restante construído “do zero” ou garimpado com artistas independentes em viagens pelo país. Em São Paulo, por exemplo, foram encontradas perucas nigerianas originais. No acervo da novela, entre peças adquiridas e produzidas nos Estúdios Globo, há quase 200 perucas, em sua maioria modulares, que permitem em torno de 300 combinações diferentes. Essa versatilidade possibilita criar penteados únicos para cada cena, com tranças, dreads e cabelos adornados com pedras preciosas.

Em Barro Preto, a estética se transforma, e o caráter fabular da trama permite às equipes de figurino e caracterização maior liberdade para definição dos estilos dos personagens. Inspirada nos balneários franceses dos anos 1920, a paleta mistura os tons terrosos das falésias com os azuis e verdes do mar, resultado da interseção entre sertão e litoral, onde a cidade fictícia se encontra. Por lá, cada personagem tem uma marca registrada. Tonho (Ronald Sotto), por exemplo, é o único personagem que veste jeans, e todo seu guarda-roupa é criado com esse tecido. Mirinho (Nicolas Prattes), vaidoso e moderno, usa roupas de alfaiate, feitas sob medida, e porta relógios de pulso na era dos relógios de bolso. Virgínia (Theresa Fonseca), interessada nas tendências de moda, com gosto sofisticado, tem roupas inspiradas nos trabalhos de Madeleine Vionnet, uma das estilistas mais influentes da alta-costura francesa.

As roupas dos personagens brasileiros refletem suas personalidades de maneira sutil. Marta (Emanuelle Araújo) e Graça (Fabiana Karla) expressam rivalidade através de seus estilos contrastantes – enquanto uma é comedida, com uma elegância art déco traduzida em listras e pantalonas, a outra tenta imitá-la com um cômico exagero al mare, com bolsas e chapéus em formato de caranguejos, conchas, peixes e águas-vivas. “Graça mira na rival, mas vai parar no fundo do mar, tornando-se um completo oposto de Marta”, explica Marie.

Alheios à briga silenciosa de suas esposas, Diógenes e Casemiro também usam roupas muito diferentes – o personagem de Danton Mello veste as golas descartáveis da moda, enquanto Cássio Gabus Mendes ostenta um visual rústico, com coletes que remetem às cores da terra.

Outro diferencial de ‘A Nobreza do Amor’ é o trabalho com foscos e brilhos nas peles e cabelos dos personagens africanos, reforçando as cores avermelhadas do reino sob sol intenso e poeira no ar. Para Batanga e arredores, a caracterização vai incluir pinturas corporais, escarificações em forma de queloides e alargadores de orelhas. Esses elementos valorizam a diversidade e a ancestralidade do continente africano. “Existe um universo muito maior do que aquele que estamos acostumados a ver. Nossa ideia é trazer essa riqueza visual de lá para cá, a fim de contar um pouco mais sobre uma história apagada por muito tempo”, afirma Auri Mota.

Cenografia

Em uma área de mais de 4.500 metros quadrados, foram construídos nos Estúdios Globo os dois universos de ‘A Nobreza do Amor’: Batanga, em projeto liderado pela cenógrafa Paula Salles, e Barro Preto, assinada por Fábio Rangel. Ao todo, 300 pessoas estiveram envolvidas na construção, que levaram mais de três meses para erguer o reino africano, com 974 metros quadrados, e a cidade fictícia do Brasil, com 3.532 metros quadrados.

A produção, entretanto, se estende para além desses muros. As gravações foram iniciadas no Rio Grande do Norte, em dezembro de 2025, com cenas em locações escolhidas por suas semelhanças geográficas com a África. Além disso, diversas locações externas no Rio de Janeiro apoiaram as filmagens. A batalha final da Guerra da Independência, liderada pelo Rei Cayman II, por exemplo, foi encenada na Fortaleza de Santa Cruz da Barra, em Niterói, um sítio histórico que começou a ser construído em 1555. A locação foi ponto de partida para a cenografia de Batanga: segundo Paula Salles, o ambiente reproduzido nos Estúdios Globo funciona como uma extensão da fortaleza após a retomada do poder pelo povo africano.

O conceito por trás do reino que orientou a equipe de cenografia encontra também inspiração na relação da terra com a natureza. “Estamos muito conectados à ideia de terra sagrada”, comenta Paula. Nesse contexto, surge um dos elementos mais importantes da composição: o baobá. Presente antes mesmo da fase principal da novela, ele marca território como símbolo de resistência. “Funciona quase como um ancião, um elemento de muito poder, que estabelece uma ligação importantíssima com a história”, define a cenógrafa. Estruturada como uma torre metálica revestida com placas de tela de galinheiro em poliuretano, a árvore cenográfica tem cerca de três metros de largura, seis metros e meio de altura e uma copa de aproximadamente doze metros de folhagem, impondo-se como marco sagrado do reino.

Ao redor do baobá, a cenografia organiza elementos que reforçam a influência da cultura africana em Batanga. Entre eles estão os muxarabis, treliças vazadas de origem árabe usadas no norte da África, e os símbolos adinkra, ideogramas tradicionais do povo Akan, usados há séculos para expressar seus valores e filosofia ancestral. É possível observá-los no cenário em portas, janelas e paredes, além das roupas dos personagens da realeza batangui.

Na reprodução da fortaleza nos Estúdios Globo, estão ambientes importantes para a história. A sala do trono, um dos mais emblemáticos, conta com madeira entalhada, bandeiras e pinturas feitas à mão, que transformam o ambiente numa expressão da opulência africana. Dois tronos foram criados, cada um com tipologia própria, relacionados a dois orixás da cultura iorubá: Iansã, para o trono da rainha, e Xangô, para o trono do rei. Paula explica que a escolha estética valoriza sempre o que seria feito por muitas mãos, não por processos fabris.

O cuidado artesanal que marca a realeza de Batanga também prepara o olhar do público para o contraste com a potiguar Barro Preto, que, de alguma maneira, também se liga ao reino africano. A paleta de Batanga tem tons alaranjados e terrosos, que servem como base neutra para que os figurinos vibrantes, marcados por vermelhos e dourados, ganhem força. Em contraste, quando a narrativa cruza o oceano e chega a Barro Preto, a lógica se inverte: ali, as casas são mais coloridas, e por isso os figurinos assumem tons mais neutros, criando um equilíbrio visual entre personagens e cidade. A novela também estabelece uma ponte luminosa entre esses dois universos: enquanto Batanga já possui iluminação própria, Barro Preto ainda vive à base de lamparinas.

Barro Preto é, então, para o cenógrafo Fábio Rangel, uma cidade “parada no tempo”. Ficcional e ambientada no Rio Grande do Norte, sua construção visual partiu de uma ampla pesquisa em referências das regiões Norte e Nordeste, explorando casarios coloridos e fachadas históricas preservadas desde o século XIX, como as de Cachoeira (BA) e Olinda (PE). Em sua composição, nada remete à modernização: as casas carregam marcas de envelhecimento natural, sem interferências contemporâneas. A arquitetura é eclética, combinando elementos clássicos e góticos, entre outras influências.

A organização da cidade faz uma homenagem às novelas clássicas: Barro Preto se estrutura em torno de uma praça central, onde se dispõem igreja, armazém e casas principais – um formato que remete a produções como ‘Roque Santeiro’ (1985) e ‘Tieta’ (1989). Entre os elementos mais marcantes, está o busto da mãe do prefeito Bartô, que será animado por computação gráfica, reagindo aos principais acontecimentos da cidade. Para a constituição de Barro Preto houve também gravações em locações externas no Rio. A fazenda do núcleo de Tonho (Ronald Sotto), por exemplo, foi gravada na Fazenda da Taquara, onde a equipe instalou o Engenho Santa Fé.

Fábio estruturou Barro Preto como um mosaico de pequenos mundos, onde cada núcleo ganha traços de suas identidades. Os personagens de origem libanesa, por exemplo, recebem referências específicas dessa cultura, enquanto o banqueiro Diógenes (Danton Mello) habita um ambiente com visual mais inglês, reforçando sua posição de poder. Como a cidade abriga o núcleo mais cômico da novela, Fábio explica que a cenografia é “mais leve, brinca com essa coisa da vilania e dos heróis de um jeito um pouco mais caricato”.

Ao longo da novela, Barro Preto é palco de diversas tramas, entre elas, a chegada da realeza deposta de Batanga. Para esses momentos, a cenografia reforça a ligação profunda entre os dois universos. A presença africana continua atravessando Barro Preto de modo discreto, mas significativo: aparecem ali ecos de técnicas, saberes e simbologias trazidos da África, como referências à serralheria tradicional e aos adinkras, incluindo o Sankofa, símbolo que evoca a importância de revisitar o passado para seguir adiante. Esses elementos aparecem em detalhes arquitetônicos e grafismos em cenários como a casa de José/Zambi (Bukassa Kabengele), sob a ideia de que o território brasileiro apresentado na novela é atravessado por essa herança ancestral.

Produção de arte

A equipe de produção de arte, comandada por Flavia Cristofaro, também mergulhou em uma pesquisa extensa de referências, a partir dos mais variados objetos, desde armas, passando por automóveis e alimentos, para constituir os dois universos da novela. Também foram estudados materiais gráficos variados, além de hábitos e costumes dos africanos e nordestinos dos anos 1920.

“No caso de Batanga, escolhemos como base a costa ocidental da África, respeitando os signos de seus muitos povos e nações, mas lembrando que estamos criando uma fábula. Trabalhamos com uma mescla gigantesca de inspirações e, através de nossas próprias lentes, aplicamos nossa licença poética, construindo a estética da novela, tensionando a todo tempo o real e o ficcional”, afirma Flavia.

Em Batanga, parte das referências tem como eixo a estética iorubá, incluindo as armas usadas nas cenas de luta. Foram confeccionadas cerca de 50 peças, incluindo lanças, espadas e escudos, tanto em versões de polipropileno, com mais detalhismo e acabamento mais refinado, para gravações em primeiro plano, quanto em MDF, material derivado da madeira, para planos mais distantes.

A gastronomia também demandou olhar especial da produção de arte. Em uma obra com muitos eventos, a comida é central. Para festas no reino africano, por exemplo, a equipe desenvolveu cada item individualmente. “Foi um processo difícil, porque a comida africana é diferente dos padrões ocidentais. Aqui, quando pensamos em realeza, vem logo a imagem do champanhe, do glamour eurocentrado. Na África, é diferente, o ‘glamouroso’ é definido sob outro ponto de vista. Há um senso de coletividade e ritual, tudo tem um significado”, detalha Flavia. Na festa de casamento de Jendal (Lázaro Ramos) e Alika (Duda Santos), por exemplo, a mesa surge repleta de flores e frutas naturais e secas, como damascos e tâmaras, além do vinho de palma, que vem da fermentação da seiva de palmeiras.

No Brasil, para as dependências do Engenho Santa Fé, foram feitos sacos de açúcar, amarrados de cana, rapaduras e garrafas de aguardente cenográficos, seguindo evidências históricas de como eram essas fazendas na época da novela. Os itens fabricados e vendidos pela fazenda vão adotar também uma grafia antiga, como “assúcar”, o que reforça a ideia de Barro Preto como uma cidade parada no tempo.

Como Batanga é também um reino de anciãos respeitados, a produção de arte constituiu um acervo de objetos sagrados, como o colar Opelê-Ifá, instrumento utilizado no culto de Ifá, e, na história, usado por Oruka (Vado). Chinua (Hilton Cobra), por sua vez, carrega um cetro, feito em colaboração com mais dois ferreiros, com um tronco em escultura e a incorporação de um símbolo adinkra, muito presente nos objetos africanos da novela. “Temos um consultor babalorixá, Márcio de Jagun, professor de cultura iorubá, que nos orienta nas cenas que envolvem rituais religiosos, porque tudo, como, por exemplo, se o orixá é feminino ou masculino, faz diferença. Cada detalhe tem significado. Procuramos sempre fazer tudo com muito respeito”, conta Flavia.

Do outro lado do Atlântico, outra característica de Barro Preto é a relação com o tempo. De ritmo mais lento, são poucos os carros na cidade, apesar de, vez por outra, Mirinho (Nicolas Prattes) passear com seu Hupmobile, um automóvel alugado de um colecionador em São Paulo especialmente para as cenas da família Bonafé. Nas ruas da cidade fictícia, o fluxo é de bicicletas e, para levar as crianças às aulas, a prefeitura disponibiliza uma jardineira escolar pouco convencional, reforçando o caráter de fábula da história. Outra jardineira será usada como um meio de transporte público para a comunidade barropretense.

Outro destaque da cidade é o busto interativo de Dona Veneranda Lobo, mãe do prefeito Bartolomeu. Estruturada como um altar doméstico na praça de Barro Preto, com um espaço reservado às flores e velas, a estátua foi talhada com base no rosto do ator Fábio Lago, que interpreta Bartô. As expressões da falecida Veneranda através do monumento serão inseridas na pós-produção.

A novela rende ainda uma homenagem a Mestre Vitalino, um dos maiores artesãos e ceramistas do país. Na trama, Dona Menina, vivida por Zezé Motta, e seu neto, personagem de Levi Asaf que terá o mesmo nome do artista pernambucano, dominam a arte do barro e vão vender suas esculturas na feirinha da cidade. Parte desses objetos foi produzida por Emanuel Vitalino, neto de Mestre Vitalino, incorporando ao acervo da novela cerca de 20 peças que retratam a vida na região.

Produção musical e trilha sonora

A trilha sonora original de ‘A Nobreza do Amor’, assinada por Eduardo Queiroz, nasceu com a diretriz de utilização contínua de referências africanas para sua composição. A partir de um conceito de África transversal, foram previstos elementos inspirados em múltiplas tradições e ritmos do continente. Para imprimir essa atmosfera plural, a trilha instrumental conta com 92 composições originais, utilizando tambores de timbres específicos, variações de marimba, texturas vocais e estruturas baseadas em polirritmia.

Já para a ambientação sonora brasileira, foram incluídos também arranjos com influência do jazz de Nova Orleans, gênero que dialoga com a época retratada na novela. Em Barro Preto, optou-se pela criação de uma banda de três músicos, interpretados pelos atores Rafa Durand, Márcio Fonseca e Ivson Rainero. O trio será figurinha carimbada nas festas e eventos sociais da cidade potiguar.

Por sua vez, a seleção da trilha sonora comercial ficou a cargo da área de produção musical da Globo, em diálogo com o diretor artístico Gustavo Fernández. Algumas regravações foram encomendadas especialmente para a novela como “Os Amantes”, de Luiz Ayrão, agora na voz de Chico César, e uma releitura de “Coração”, forró de Dorgival Dantas, na voz de Zé Vaqueiro. Outras surpresas serão apresentadas ao público ao longo da novela.

A trilha ainda incorpora as canções “Endoideceu Meu Coração”, na versão de João Gomes; “Berê Berê”, de Josy.Anne; “Problema Seu”, de Felipe Cordeiro; “É Segredo”, de Mariana Volker; “Povo de Légua”, do Morro da Crioula; e “Filho de Rei”, de Mateus Aleluia e Pastoras do Rosário. Há também uma forte presença africana, com faixas como “Kothbiro”, do queniano Ayub Ogada; “Hoya Hoya”, da moçambicana Lenna Bahule; e “Valha”, de Otis, também natural do Moçambique.

‘A Nobreza do Amor’ é uma novela criada e escrita por Duca Rachid, Júlio Fischer e Elisio Lopes Júnior, com colaboração de Dora Castellar, Alessandro Marson, Duba Elia e Dione Carlos, pesquisa de Leandro Esteves e assistência de roteiro de Dimas Novais. A obra tem direção artística de Gustavo Fernandez, direção geral de Pedro Peregrino e direção de Ricardo França, Igor Verde e Mariana Betti. A produção é de Andrea Kelly, a produção executiva, de Lucas Zardo, e a direção de gênero, de José Luiz Villamarim

Tudo sobre a segunda coletiva online de "A Nobreza do Amor", a nova novela das seis

2026-03-26T00:00:00.001-03:00

A Globo promoveu na primeira quinta-feira de março, dia 5, a segunda coletiva virtual de 'A Nobreza do Amor', a nova novela das seis, escrita por Duca Rachid, Elisio Lopes Jr. e Julio Fischer, dirigida por Gustavo Fernandez. Participaram a diretora de conteúdo da Globo, Kellen Julio, e os atores Marco Ricca, Érika Januza Lázaro Ramos, Bukassa Kabengele, Rayssa Bratillieri, Rodrigo Simas,Kika Kalache, Ana Cecilia Costa, Rita Batista, João Fernandes, Nikolly Fernandes, Paulo Lessa, Hilton Cobra, Lucínio Januário, André Luiz Miranda, Welket Bungué, Edu Mosssri, Michel Blois e João Pedro Zappa. Fui um dos convidados e conto sobre o bate-papo a seguir.

Kellen Julio contou sobre o projeto: "Que honra apresentar esse projeto tão incrível. Sou diretora de inovação, diversidade e conteúdo dos Estúdios Globo. Entrei na empresa em 2018 para desenhar a brasilidade do nosso audiovisual. Entrei na Globosat, que nem existe mais, e com a fusão das empresas saio de um universo menor e desenho a diversidade de toda empresa olhando para o povo negro. 'A Nobreza do Amor' ressignifica a relação do Brasil com a África. A gente resgata um posicionamento e enquadra a África no imaginário, após anos de uma abordagem tão reducionista. O horário das seis é tão precioso porque tem as crianças chegando da escola, os pais chegando do trabalho e trazendo uma estética linda com a novela. É uma revolução. A gente tem um diálogo muito bom para investir na dramaturgia sem estereótipos e com uma proposta de Brasil que a gente acredita. É um orgulho abrir esse debate".

Lázaro Ramos falou sobre seu primeiro vilão: "Nunca foi um sonho da minha vida fazer vilão. Meu sonho era fazer herói. Quando Elisio me convidou pro projeto quis muito fazer. Tá sendo uma descoberta e um prazer falar coisas absurdas e maldades, além de acompanhar esse universo que vem sendo contado.

A cada figurino, atuação e chamada fico mais encantado. Está sendo muito feliz. A gente não está apenas fazendo algo documental, estamos levando uma chuva de referências através de uma fábula. Acho lindo a gente levar o concreto e o subjetivo pro público. Não defendo meu personagem porque comete atos muito condenáveis, mas procuro entender as motivações dele. A história do mundo está repleta de Jendals. Espero que as pessoas, além de se divertirem, reflitam sobre o que as pessoas fazem quando têm poder nas mãos".

Érika Januza também não escondeu sua satisfação: "Tô muito feliz. A cada chamada é um 'agora vai'. Desde que soube da existência dessa novela eu quis fazer parte disso. Porque eu já assistiria de qualquer forma. Quando olho tudo isso acontecendo, cada vez que chegava no cenário para gravar e via a representação daquela África... Porque o passado que a gente contava era sempre triste e algo que nos diminui. Agora a gente mostra um outro passado. A gente tá fazendo história por estar contando o nosso ponto de vista de outro lugar. Está sendo muito poderoso. Niara começa guerreando ao lado do marido para salvar o reino e assume um papel de conselheira, é a voz da matriarca. E a filha é meio impulsiva, e minha personagem seria uma mãe que eu seria. Fazer a construção dessa rainha foi difícil porque todas as referências são de rainhas europeias. Então como fazer uma rainha africana? As aulas coletivas nos ajudaram muito na construção, além da estética e do figurino. Ela perde o marido, mas se abre pro novo amor em Barro Preto com meu parceiro Paulo Lessa".

Paulo Lessa complementou: "É inevitável falar da nossa felicidade em fazer parte desse projeto. Tenho amigos queridos nesse elenco e está sendo um sonho realizado pra mim fazer novela com Zezé Motta, Lázaro, enfim. Barro Preto reserva muitas surpresas e fala de assuntos sérios, além de amor. A gente ainda sabe pouco desse possível par do Ronildo com a Vera, que é a rainha disfarçada. Ronildo se encanta por essa mulher. Ele é o médico da cidade, um cara que tem o domínio da palavra e está em contato com todos os personagens. Tem sido incrível de fazer. É um cara bom, mas estamos falando de 1920 no nordeste, no Brasil, e um médico negro. Adorei isso, é mais uma quebra na construção desse novo imaginário, um médico negro com seus quase 40 anos. Pedi pra fazer parte da novela procurei o Elisio, a Duca, e não me vi de fora de jeito nenhum".

Hilton Cobra falou da importânda da produção: "Acho que essa novela vem coroar o que o movimento negro brasileiro pedia, exigia, há mais de 50 anos na televisão brasileira, que é mostrar a vida da gente negra brasileira. 'A Nobreza do Amor' mostra isso com a ancestralidade do movimento africano. Participar de um projeto desse é estar em um divisor de águas. Como é bonito participar de um projeto em que o povo brasileiro, com 120 milhões de pretos e pretas desse país, vai poder ver nossas problemáticas, ancestralidades e vidas".

Bukassa Kabengele também tocou no tema: "A novela é uma grande reparação de um país plural e inserir o povo africano em uma cidade nordestina de um povo também sofrido é muito importante e representativo. Tive uma química com Ana Cecília muito grande e se ainda tem questionamentos com relações interraciais, imagina naquela época. Fazemos uma construção baseada no afeto com pessoas que se apoiam. Um belo presente dos nossos autores".

Ana Cecília Costa comentou da sua parceria com o ator: "Logo no primeiro capítulo, mostra ele renunciando o reino por uma plebeia e, com o passar dos anos, mostra que valeu a pena. É um amor construído, longevo. Eu e Bukassa trabalhamos juntos em 'Amor Perfeito' e tem sido muito feliz essa nova parceria. Faço uma mulher nordestina dos anos 1920 e ela vai à África. É a única personagem brasileira que viu o reino de Batanga".

André Luiz Miranda: falou brevemente "Nunca tive família em alguns projetos e meu personagem, embora não tenha família, Akin está na grande família de Batanga. Fico ali perguntando e pedindo conselhos nos bastidores. Vai ser bonito contar essa história sob essa perspectiva. Assim que descobri que ia acontecer esse projeto fiquei muito empolgado e quis estar nele".

Lucínio Januário acrescentou: "Essa nossa construção de África agora vem de muitos sonhos e muitas lutas. Vim de Angola pra cá com 18 pra 19 anos e é muito lindo fazer parte dessa novela. A gente assiste às novelas da Globo desde 1995 em Angola e esse imaginário das novelas, por serem em português, traz a possibilidade de sonhar. E hoje dá pra gente se identificar com muita coisa. A novela tem um poder e estamos muito dedicados nisso".

Welket Bungué falou da grandiosidade do projeto: "Interpreto um guerreiro que se torna um rei, ou pelo menos se vê nessa função. É muito comovente ver meus colegas falando desse projeto. É muito importante estar numa equipe que tem consciência histórica. Estar no Brasil, sendo eu uma pessoa que veio ao Brasil em 2008 para viver um serviçal de roça, quase 20 anos depois estar nesse elenco interpretando um personagem que está na função de rei é muito especial. É um grande regozijo dar minha contribuição artística".

Marco Ricca comentou rapidamente de seu papel: "Faço o pai do Omar, vivido pelo Rodrigo Simas, e Omar acaba se envolvendo com a princesa. A composição foi muito legal. Foi decidido não ter muito sotaque, mas uma postura de um homem rico que se confronta com um rei".

Rodrigo Simas acrescentou: "Omar é o filho do pachá, um jovem turco leal e comprometido. Ele vai pra Batanga com o pai para uma negociação e se apaixona pela Alika. Isso muda a trajetória dele e vai ter que ajudar ela a fugir do casamento armado, o que causa uma virada pra ele com a briga com o Jandal. Vem uma vingança junto com o pai. Não sei como vai ser o triângulo com o Tonho porque está distante, mas tem muita coisa pra acontecer".

Rita Batista comentou como foi sair da apresentação no 'É de Casa' para a novela: "Essa mudança depois de duas décadas no jornalismo foi curiosa. Eu bati na porta de Kellen Julio e disse que queria fazer um teste. Não sabia que era pra 'A Nobreza do Amor'. Queria ter a experiência de fazer uma personagem com texto que não pudesse alterar, outra possibilidade artística. Veio o teste, fiz e passei. Aí veio a Ladisa, essa guerreira que tem pouco riso e muita compreensão do que fazer no reino de Batanga. É um campo novo com um estudo e ritmo completamente diferentes. Me criei consumindo esse produto que é a novela. Temos certeza que será um novo sucesso das seis porque tem tudo o que um novelão precisa".

Rayssa Bratillieri expôs sua empolgação: "Fico muito emocionada em participar desse projeto que é o mais importante, elegante e necessário que já participei. Salma é uma menina de fé, é boa, é genuinamente leal, amorosa e generosa com as pessoas. E muito discreta, diferente da Isis ('Elas por Elas') e da Soraya ('Éramos Seis'), ela tem uma bondade real dentro dela. Ela tem um amor real escondido por Tonho, mas os pais libanesas acham que tem um caminho melhor pra ela que é casar com um cara de origem libanesa".

Kika Kalache adiantou sobre seu papel: "Tô muito emocionada em fazer uma libanesa no momento atual que estamos vivendo. Meu avô era libanês e não percebia quando criança o quanto ele era estrangeiro. E estou resgatando isso fazendo uma estrangeira numa cidade brasileira. Assim como o povo de Batanga, a gente não é dali. E o povo do Líbano está fugindo pra Síria agora e minha personagem foge do Líbano para o Barro Preto também em busca de uma vida melhor. São tantas culturas. São doze milhões de imigrantes árabes libaneses no Brasil".

Edu Mossri complementou: "Na novela temos africanos, portugueses, turcos, libaneses, brasileiros com foco no Rio Grande do Norte, é muito diverso. É sobre a vida e da lembrança de quem somos como país. Somos feitos da mistura, somos todos vira-latas, e nossa força vem justamente disso. Falar de nossas histórias em um folhetim. Falamos aquilo que nos une enquanto indivíduos que é o amor. A novela tem o benefício de atingir uma grande massa. A família Curi tem um pai mais machista, preso na cultura de 1920, e são conflitos que precisam existir".

João Fernandes resumiu seu papel: "Eu chego para casar com a personagem da Rayssa e já fiz outras vezes histórias de casamentos arranjados O Fuad não vem para provar nada, é um cara muito gente boa e vai ser legal ver isso em cena. Vai até ter conflitos entre o pai dela e o noivo sobre o lugar da mulher na sociedade".

Nikolly Fernandes falou de sua migração da novela das seis para a das seis: "'Dona de Mim' foi meu primeiro projeto no audiovisual e enquanto estava na novela eu soube de 'A Nobreza do Amor'. A Stephany representou muitas meninas jovens e a Kenya vem do ancestral. Não temos muitas referências, então tive que fazer uma pesquisa interna. É bonito que a gente volte ao lugar da África mostrar para a população uma jovem preta retinta que vir princesa em um país africano e é feliz de alguma forma. Minha referência de África é de muito sofrimento e faço uma personagem que ri, faz deboche, totalmente diferente da Stephany. Mas foi muito lindo, algo que procurei. Fui atrás, quis participar, fiz testes e deram certo. É um presente ancestral. Foram os Orixás, foi Deus que me deu essa personagem. Nasceu junto comigo. Tá sendo muito bonita minha parceria com o Lázaro. Estar no set com um cara que pavimentou todo esse meio para nós, atores negros, e sei que tudo o que ele tiver que me falar vai me ajudar de alguma forma. A Kenya movimenta as coisas e tá sempre jogando ass tensões pra um lugar mais leve".

Michel Blois comentou rapidamente sobre seu papel: "Faço um explorador, um cara violento que quer mais poder, um clássico colonizador sem escrúpulos, ele financiou um golpe de estado. Mr. Campbell representa o velho, aquele lugar lugar do terror e o que a história nos mostrou a vida inteira e mostra agora. Representa o Trump".

João Pedro Zappa finalizou: "Quero agradecer o convite para esse projeto e me sinto grato e privilegiado. É isso que o Michel falou. O que motivo esses dois ingleses, brancos, colonizadores é o interesse da coroa britânica e vão se associando com quem é mais lucrativo no momento . Eles não têm escrúpulos. São capitalistas clássicos. Mas o Mr. Jones é o subalterno, é submisso ao Mr Campbell, e vai se vendo num lugar em que não manda em nada. Ele vai pisando em ovos, o que vai gerando situações divertidas. Tem sido muito divertido gravar. Nosso núcleo é pequeno e muito bom".

Gerluce e Paulinho têm uma construção primorosa em "Três Graças"

2026-03-25T00:00:00.001-03:00

A trajetória de Gerluce (Sophie Charlotte) e Paulinho (Romulo Estrela) em "Três Graças" é um raro exemplo de construção cuidadosa e coerente dentro da teledramaturgia recente. Desde o início, a novela optou por um caminho menos apressado, permitindo que o envolvimento entre os dois florescesse de forma orgânica. O jogo de conquista conduzido por Paulinho deu à narrativa um charme especial, valorizando cada avanço emocional até que a mocinha, aos poucos, cedesse não apenas ao encanto do mocinho, mas também à possibilidade de se permitir amar.

Essa base sólida foi essencial para que o relacionamento alcançasse camadas mais profundas conforme a trama avançava. Quando o amor finalmente se estabeleceu, ele não surgiu como um ponto de chegada, mas como o início de um vínculo que seria testado por circunstâncias complexas e moralmente desafiadoras. E é justamente aí que a novela acerta com ainda mais precisão.

O ponto de virada, o envolvimento de Gerluce no roubo da estátua das Três Graças, não apenas movimenta a trama, mas ressignifica completamente a relação do casal.

A escolha da protagonista, motivada por um senso de justiça diante da negligência criminosa da fundação Ferette, adiciona densidade ao conflito. Não se trata de um deslize banal ou de um recurso fácil de roteiro: é um dilema ético robusto, que coloca amor, dever e moralidade em lados opostos.

A partir desse momento, a relação entre o policial e a mulher que ele ama se torna um campo de tensão constante. A desconfiança de Paulinho não surge de forma abrupta ou artificial, mas como consequência direta de quem ele é e do que representa. Da mesma forma, Gerluce nunca é reduzida a uma figura inconsequente ---- suas ações têm propósito, peso e coerência interna.

O ápice exibido no capítulo de terça-feira (24/03) é a culminação perfeita dessa construção. A decisão de Paulinho de instalar uma escuta no ferro-velho já evidencia o abismo que se formou entre eles, mas o detalhe sutil do texto ---- quando Gerluce, pela primeira vez, chama a “expropriação” de roubo ---- funciona como uma confirmação silenciosa de sua própria consciência sobre os limites que cruzou. É um momento pequeno, mas devastador.

A sequência da prisão é, sem dúvida, uma das mais impactantes da novela. Não apenas pelo acontecimento em si, mas pela forma como ele é conduzido. A troca de olhares, o choro contido, a dor visível em ambos, enfim, tudo contribui para uma cena que transcende o melodrama fácil e alcança um nível de verdade emocional raro. Sophie Charlotte e Rômulo Estrela demonstram uma química impressionante ao longo de toda a obra, mas é justamente na ruptura que eles atingem seu auge como intérpretes.

O gancho final, com Gerluce sendo levada presa ao som de “Veludo Marrom” (Liniker), é a síntese perfeita dessa tragédia romântica. A presença da filha, Joelly (Alana Cabral), e da mãe, Lígia (Dira Paes), reforça o peso das escolhas da personagem, enquanto o olhar de Paulinho carrega a devastação de alguém que precisou destruir o próprio amor em nome de seus princípios.

O maior mérito dessa história é que o rompimento não nasce de artifícios desgastados porque não há vilãs manipulando situações improváveis, nem triângulos amorosos vazios. O que separa Gerluce e Paulinho é algo muito mais potente: um conflito ético legítimo, um crime com consequências reais e, acima de tudo, a quebra de confiança.

Toda a trajetória dos mocinhos de "Três Graças" e o ápice do momento em que o namorado prende a namorada são, sem exagero, uma aula de dramaturgia, sustentada por um texto inteligente de Aguinaldo Silva, Virgilio Silva e Zé Dassilva, direção sensível de Luiz Henrique Rios e atuações profundamente comprometidas de Sophie Charlotte e Romulo Estrela --- aliás, como não foram indicados ao Melhores do Ano, do "Domingão"?. Fica a pergunta.

Laurinha Figueroa foi uma das vilãs mais emblemáticas da teledramaturgia

2026-03-24T18:00:00.001-03:00

A reprise de "Rainha da Sucata" no Vale a Pena Ver de Novo, em plena reta final, oferece uma oportunidade de revisitar uma das vilãs mais icônicas da teledramaturgia brasileira, Laurinha Figueroa, e reconhecer a magnitude da interpretação de Gloria Menezes. Laurinha não é apenas má; ela é essencialmente cruel, preconceituosa, racista e elitista, encarnando os vícios e contradições de uma elite marcada pelo poder e pela hipocrisia. A personagem se despediu da trama no capítulo emblemático reexibido nesta terça-feira (24/03).

O único traço de humanidade de Laurinha reside no amor pelo enteado Edu (Tony Ramos), sentimento que rapidamente se transforma em obsessão e catalisa muitas das ações mais perversas de Laurinha, revelando uma complexidade emocional rara para uma vilã da época. O autor Silvio de Abreu fez uma construção hábil.

Mesmo inserida em um enredo maniqueísta, Laurinha apresenta sutilezas que a engrandecem. Cada gesto calculado, cada olhar desconfiado, cada pausa estratégica expõe camadas de vulnerabilidade, frustração e desejo de controle.

É essa riqueza de nuances que permite à vilã transcender a caricatura e se tornar uma figura memorável, capaz de fascinar o público e permanecer viva na memória coletiva décadas depois.

Gloria Menezes encontra nessa personagem um palco perfeito para seu talento. Mestre em equilibrar teatralidade e profundidade psicológica, a atriz transforma Laurinha em algo mais do que vilania: ela a eleva à categoria de ícone. Cada cena é um estudo de interpretação, no qual Menezes imprime elegância, força dramática e sutileza emocional, consolidando Laurinha Figueroa como uma das vilãs mais memoráveis da televisão brasileira e reafirmando a própria carreira da atriz como uma das mais brilhantes da teledramaturgia.

Entre os momentos mais icônicos da novela está a sequência em que Laurinha se joga do topo de um prédio na Avenida Paulista para se vingar de Maria do Carmo (Regina Duarte). A cena se tornou um marco da televisão, combinando tensão narrativa, impacto visual e teatralidade, e entrou para a história da teledramaturgia como uma construção dramática emblemática. O sincronismo perfeito com o restante da narrativa reforça a ousadia da direção e a intensidade da vilã, tornando o momento inesquecível, além de ousado por se tratar de um suicídio utilizado como elemento catártico, algo quase impensável hoje em dia.

A reprise, porém, expôs as limitações do enredo. O início confuso e apressado da trama ---- crítica que já existia na exibição original de 1990 ---- prejudicou o ritmo e a introdução dos personagens. Além disso, muitos elementos do enredo se mostram datados, seja nas referências culturais ou nos estereótipos que refletem padrões sociais da época. Ainda assim, o grande mérito da reexibição é permitir que o público contemple novamente a atuação magistral de Gloria Menezes, reforçando por que Laurinha Figueroa permanece entre as vilãs mais lembradas da televisão brasileira.

Laurinha Figueroa é mais do que antagonista: é símbolo da força que personagens bem construídos têm de atravessar gerações. Ela demonstra que vilania, quando combinada com nuances psicológicas e interpretação de alto nível, pode se tornar arte. E Gloria Menezes, ao dar vida à vilã, mostra que presença de palco, domínio da cena e sutileza emocional podem transformar um papel em um ícone eterno da televisão.

Rever Laurinha hoje não é apenas um exercício nostálgico; é uma oportunidade de apreciar a grandeza da teledramaturgia brasileira, o talento de uma atriz veterana e a construção de uma personagem que permanece viva na memória coletiva, prova de que certas interpretações, certas vilãs, jamais envelhecem.

Juca de Oliveira: o rigor e a grandeza de quem fez da arte um compromisso eterno

2026-03-23T00:00:00.001-03:00

A morte de Juca de Oliveira, aos 91 anos, neste sábado (21/03), encerra uma das trajetórias mais sólidas e elegantes da dramaturgia brasileira. Dono de uma presença cênica rara, ele construiu uma carreira marcada pela inteligência interpretativa, pela dicção impecável e por uma capacidade singular de transitar entre o teatro, a televisão e o cinema sem jamais perder densidade artística.

No palco, onde muitos o consideram insubstituível, Juca consolidou-se como um ator de rigor técnico e apuro intelectual. Sua formação teatral foi determinante para o tipo de intérprete que viria a ser: alguém que compreendia profundamente o texto, que valorizava o subtexto e que nunca se rendia a soluções fáceis. Essa base sólida o acompanhou também em seus trabalhos na televisão, onde alcançou enorme popularidade sem abrir mão da qualidade.

Entre seus papéis mais marcantes está o inesquecível João Gibão, de "Saramandaia" (1976), personagem que sintetizou bem sua habilidade de equilibrar o fantástico e o humano.

Em "O Clone" (2001), como o Doutor Albieri, entregou uma atuação sofisticada, dando credibilidade a um cientista obcecado por seus experimentos e dilemas éticos, um papel que exigia densidade e ambiguidade, características que sempre dominou com maestria.

Sua versatilidade também se evidenciou em trabalhos como Egisto em "Os Ossos do Barão" (1997) e assustador Otto Vieira na série "A Cura", onde demonstrou domínio tanto do drama clássico quanto de narrativas mais contemporâneas e sombrias. Já em "Avenida Brasil" (2012), em plena reta final, dominou a cena como o vilão Santiago, pai de Carminha (Adriana Esteves), e surpreendeu ao incorporar um antagonista frio e calculista, provando que, mesmo em fases mais avançadas da carreira, ainda era capaz de se reinventar.

Em produções posteriores, como "Os Experientes" (2015), no papel de Napoleão, e "Flor do Caribe", como Samuel, reafirmou sua relevância e consistência. Sua última novela, "'O Outro Lado do Paraíso" (2017), trouxe o personagem Natanael, mais um vilão que carregava sua marca registrada: a construção cuidadosa, sem exageros, mas profundamente impactante.

Juca de Oliveira pertence a uma geração de atores que entendia a arte como ofício e missão. Sua carreira não foi pautada apenas pelo sucesso, mas por uma coerência artística admirável. Nunca pareceu interessado em atalhos ou modismos; preferiu, ao longo de décadas, construir personagens com profundidade e respeito ao público.

Sua ausência deixa uma lacuna difícil de preencher. Mais do que um ator talentoso, Juca foi um intérprete que elevou o padrão da atuação no Brasil e alguém que fez da palavra, do gesto e do silêncio instrumentos de uma arte que agora se torna memória, mas que permanece viva em seus trabalhos.

Samuel de Assis emociona em forte e necessária cena de "Três Graças"

2026-03-20T23:30:00.001-03:00

O capítulo exibido nesta sexta-feira (20/03) de "Três Graças" apresentou uma das cenas mais fortes da trama, ao mostrar o momento em que João Rubens (Samuel de Assis) decidiu colocar um ponto final no casamento com Kasper (Miguel Falabella). A sequência também teve um papel importante ao retratar um casal gay enfrentando conflitos profundos e complexos, como qualquer relacionamento heterossexual, reforçando a naturalidade e a seriedade dessas dinâmicas sem reduzi-las a estereótipos.

A cena em que João decidiu encerrar o casamento com Kasper foi daquelas que transcenderam o drama pessoal e se tornaram um comentário social potente e necessário. O texto já era, por si só, um dos mais contundentes da novela, mas ganhou outra dimensão na forma como Samuel de Assis o conduziu. Houve uma firmeza, uma dor que não explodiu gratuitamente, mas se impôs com lucidez, o que tornou cada palavra ainda mais cortante. Quando João expôs o egoísmo de Kasper, por ter roubado a estátua 'Três Graças' apenas por ego e sem pensar nele em nenhum momento, o conflito deixou de ser apenas conjugal: ele se transformou em um retrato das assimetrias raciais profundamente enraizadas na sociedade.

O texto teve um impacto necessário: 'Quando você é preto nesse mundo, o mundo não espera que você acerte. Ele fica parado ali de espreita, esperando pelo mínimo deslize seu pra poder te rotular, te julgar de bandido, de criminoso, de vagabundo.

Pra essa sociedade, Kasper, um erro meu não é considerado um tropeço como é pra eles. É a confirmação do estereótipo que eles criaram em suas mentes. Jurei pra minha falecida mãe que nunca ia me envolver em nada que lhe desse desgosto. Passei uma vida inteira tentando evitar isso, lutando pra provar pra essa sociedade que todo julgamento que eles fazem contra mim e meus iguais é injusto e torpe'.

O trecho “um erro meu não é considerado deslize...” foi o coração da cena. Não apenas pela força do texto, mas pela verdade que carregou. A novela acertou ao não tratar a questão racial como um adereço dramático, e sim como algo estrutural, que atravessava a vida de João. O peso de um passado de prisão, que para Kasper poderia ser relativizado como “um tropeço”, para João se tornou uma sentença social permanente. Essa diferença de tratamento entre pessoas pretas e brancas foi exposta sem didatismo, mas com uma clareza incômoda e necessária.

O mérito da cena também esteve na construção narrativa que a sustentou. Nada soou gratuito. O gesto impulsivo e egoísta de Kasper ao priorizar sua própria vaidade funcionou como gatilho dramático, mas foi a acumulação de silêncios, frustrações e desigualdades que legitimou a decisão de João. O divórcio não surgiu como um rompimento abrupto, e sim como um ato de preservação e consciência.

Samuel de Assis dominou completamente o momento. Ele não apenas interpretou, ele reivindicou o espaço da fala, da dor e da dignidade de João. Sua presença em cena foi magnética, e sua entrega elevou o texto, transformando um grande diálogo em um dos momentos mais fortes da novela.

Ao fim, "Três Graças" demonstrou maturidade ao abordar um tema delicado com densidade e responsabilidade. Aguinaldo Silva, Zé Dassilva e Virgilio Silva acertaram mais uma vez. A cena não só marcou o término de um casamento longo, mas também reafirmou a importância de discutir, com seriedade, as estruturas sociais que moldam, e muitas vezes limitam, as trajetórias individuais.

Participação de Luiz Fernando Guimarães em "Três Graças" foi breve, mas significativa

2026-03-17T23:30:00.001-03:00

A participação de Luiz Fernando Guimarães em "Três Graças" foi breve, mas cumpriu bem a função de dar densidade a um momento específico da trama. Como Michelangelo, ele apareceu inicialmente como um observador silencioso, acompanhando de longe a leveza do relacionamento entre Juquinha (Gabriela Medvedovski) e Lorena (Alanis Guillen) na piscina de um clube, até encontrar espaço para se aproximar e dividir um pouco de sua própria história.

O texto trabalhou um contraste direto entre gerações ---- de um lado, o passado marcado pelo medo, pela repressão e pela necessidade de esconder afetos; de outro, um presente mais aberto, ainda que não livre de julgamentos. Luiz Fernando Guimarães conduziu essa transição com sobriedade, evitando excessos. Seu Michelangelo não fez um grande discurso, mas um relato contido, quase casual, sobre uma vida inteira vivida com cautela, reprimindo desejos por medo de violência ou julgamento. Essa escolha deu mais naturalidade à cena e evitou que ela soasse didática.

Houve também um elemento extratextual que acabou enriquecendo a leitura do público. Casado há quase 30 anos com o empresário Adriano Medeiros, com quem tem um casal de filhos, o ator manteve por muito tempo sua vida pessoal de forma discreta, sem grande exposição.

Ainda que a cena não tenha sido construída como um espelhamento direto, foi inevitável perceber paralelos entre a história do personagem e a trajetória do próprio intérprete, o que adicionou uma camada silenciosa de significado ao momento.

A interação com Gabriela Medvedovski e Alanis Guillen funcionou de forma simples e eficaz. As duas conduziram a resposta com acolhimento e leveza, sem transformar a situação em algo excessivamente dramático. O convite para sentarem juntos à beira da piscina e conversarem selou a cena com um tom de afeto cotidiano, quase despretensioso, que reforçou a ideia de pequenos avanços nas relações humanas.

No geral, foi uma cena curta ---- pouco mais de três minutos ----, mas com um peso simbólico considerável dentro da narrativa. Não houve grandes arroubos dramáticos nem soluções mirabolantes, mas sim um encontro pontual que ampliou a dimensão das personagens e trouxe uma reflexão geracional pertinente. E, ainda que rápida, a participação também marcou um retorno de Luiz Fernando Guimarães às novelas, mostrando como presenças pontuais, quando bem conduzidas, podem deixar impressões duradouras.

Tudo sobre a primeira coletiva online de "A Nobreza do Amor", a nova novela das seis

2026-03-16T20:30:00.002-03:00

A Globo promoveu na primeira quarta-feira de março, dia 4, a primeira coletiva virtual de 'A Nobreza do Amor', a nova novela das seis, escrita por Duda Rachid, Elisio Lopes Jr. e Júlio Fisher e dirigida por Gustavo Fernandez. Estiveram presentes os autores, o diretor e os atores Ronald Sotto, Duda Santos, Danton Mello, Cesar Ferrario, Nicolas Prattes, Theresa Fonseca, Fabiana Karla, Cássio Gabus Mendes, Vitória Rodrigues, Quitéria Kelly, Daniel Rangel, Fábio Lago, Raíssa Xavier, Marcelo Médici, Samantha Jones, Júlia Lemos, Emanuelle Araújo, João Fontenele, Carol Badra, Ítalo Martins e Lukete. Fui um dos convidados e conto sobre o bate-papo a seguir.

Julio Fischer comentou sobre a essência do enredo: "É um universo fabular e temos elementos ficcionais, mas não são totalmente fantasiosos. Essa nossa ficção é muito calcada da pesquisa histórica. O protagonismo negro está desde a nossa primeira ideia, que foi contar a história de uma princesa negra. Foi uma preocupação nossa e a semente da novela foi a partir desse propósito. Vai existir um confronto para alcançar uma justiça e existe um confronto, mas visando um bem maior".

Duca Rachid complementou: "África não é uma só e trouxemos várias Áfricas. Trouxemos várias referências da literatura, assim como fizemos em 'Cordel Encantado', e podemos trazer uma riqueza de linguagem, mas calcada em pesquisa histórica. A gente tá fazendo uma novela dois em um e considero essa a mais difícil para mim.

Tem toda uma trama na África que perdura e conversa com a trama de Barro Preto, são duas tramas que se conversam. É difícil manter isso durante toda a novela, mas estamos conseguindo. Um trabalho difícil. Estamos firmes em manter a dinâmica até o fim. Estamos retratando uma África nunca vista na teledramaturgia, uma África rica, nobre, sofisticada".

Elisio Lopes Jr. acrescentou: "A gente pesquisou muitas princesas africanas e temos inspiração para várias histórias. Trazemos atritos da realidade histórica. Apesar de ser uma ficcional, a África é um personagem. É sobre os valores do povo bantú. A gente escolhe dialogar com essa cultura, a lógica das migrações, a organização social e política, tudo isso tá intrínseco. É um elo de ligação entre os dois universos. Temos dois universos de escrita muito distintas. Fazemos um mergulho na literatura brasileira. É protagonismo preto do início ao fim e é sobre nobreza, sobre realeza, não é sobre dor. Apesar de também falarmos sobre o colonialismo. A gente tem dois protagonistas com dois objetivos. Alika (Duda Santos) quer garantir que o povo dela tenha uma vida justa e digna, já o Tonho (Ronald Sotto) quer comprar terra para que as pessoas tenham dignidade. A gente tá buscando um confronto necessário para a igualdade acontecer".

Gustavo Fernandez analisou a obra: "É um folhetim bem tradicional, tem romance, intriga, humor, e aventura o tempo todo. Estamos tentando manter isso sempre pulsante. Tá sendo uma delícia meu reencontro com a Duda. Quando vi a foto dela para os testes da Maria Santa, no remake de 'Renascer', eu já vi que seria ela. Via a Maria Santa assim. Fizemos três testes e não repetimos nenhum. Duda ainda protagonizou outra novela e é muito legal ver como já domina. Uma evolução impressionante".

Ronald Sotto falou sobre seu mocinho: "O Tonho segue o sonho do pai de conquistar terras e vejo ele descobrindo o amor. Alika é o primeiro amor dele e algo novo dentro de uma missão direcionada e idealizada na cabeça dele. O Tonho pra mim tem o lugar sensível para conquistar e se ver num lugar de tranquilidade, não ter que ficar com um trabalho braçal. O sonho dele é atravessado pela chegada dessa pessoa que deixa tudo turvo. Espero que ele evolua nesse lugar da maturidade e do afeto. De amores ancestrais. É bonito ver essa relação".

Duda Santos falou sobre sua segunda protagonista seguida: "Foi o papel que mais questionei minha existência e me botou pra pensar. Uma princesa que tá em um reino construído pra ela. Como é cruel o que o racismo deixou pra gente. Assisti 'Pantera Negra', 'Mulher Rei', enfim, é um exercício diário para não apequenar nossos sentimentos. É pensar como seria um mundo construído para mim, para eu reinar. A gente, enquanto mulher preta em um país escravagista, a gente se questiona pouco. Tem sido um presente reviver minha cultura e os reflexos do mundo. Alika não é uma alienada, mas ela não teve contato com o racismo e só tem o contato quando vive. Tem sido muito bonito o processo e um presente pra todo mundo que tá participando disso aí. Alika tem um homem que vai ajudar a encontrar seus objetivos através do Tonho e não sabe que Tonho mais pra frente faz mais sentido que o Omar (Rodrigo Simas). É um desafio, são personagens nobres".

Nicolas Prattes comentou sobre seu primeiro vilão: "Ainda tô entendendo até onde esse cara pode chegar. São doze anos voltados para esses mocinhos românticos com bons sentimentos. É uma personagem absolutamente diferente de tudo o que já fiz em novelas. A obsessão, a posse, o superficial desse cara. Sou pai de coração de uma menina e a gente viu os absurdos que aconteceram agora em Copacabana --- o caso do estupro coletivo --- e nossos meninos têm que ser ensinados ao amor e o respeito. Interpretar esse cara me coloca em contato com isso. E preciso entender a educação e o amor que ele recebeu ou não. Vou tateando e chegando devagarinho".

Cyria Coentro falou de sua personagem: "Gustavo sabe dirigir ator, sabe a motivação do ator. Caetana vem do contexto do Rio Grande do Norte, mãe do heroi. Ainda não tive o prazer de interpretar uma vilã e ela é totalmente do bem. Ela trabalha no engenho e tem uma relação com os patrões muito digna. Ela tem uma relação de valores e cria o filho pautada neles. O filho se descobre herdeiro dessa realeza africana. Ela é uma mulher solar, digna, de caráter forte, tem um jeito de conduzir a cozinha do engenho com uma fartura generosa. Tô amando o texto, os diretores, enfim, vamos desvendar esses contrastes".

Theresa Fonseca comentou sobre sua vilã: "A Virginia me deixa impressionada pelas coisas que fala e diz. Me divirto fazendo ela. É um território que nunca tinha ido, o do absurdo, o extremo, uma personagem que não tem medo de consequência. Isso tem sido bom pra mim vivenciar. Agora só quero fazer isso. Gosto de pensar que ela é capaz de tudo, os autores tão dando um caminho interessante pra Virginia. Ela é maluca pelo Mirinho e as coisas vão se desdobrando pra isso. A vida dela está maravilhosa até a Alika chegar. Isso mexe com o castelinho de princesa dela e começa a ter atitudes nada admiráveis".

Fabiana Karla explicou seu papel: "A Graça é muito ambiciosa e o Mirinho vira isso por causa dela. Ela é muito permissiva com o filho. Se utiliza da maternidade para fazer o que ela quer, tem várias tintas nessa personagem. Vocês vão se divertir com esse visual dela, o que disfarça essa tinta forte quase vilanesca da Graça. Ela nem percebe o quanto é nociva nessa relação e como a ambição fala mais alto".

Cássio Gabus Mendes resumiu sobre o seu perfil na trama: "Casimiro não tem um caminho de vilania, tem de decepção com o filho. Essa decepção pode ser muito cruel, principalmente quando personagens vivem num universo pequeno, fechado. Com as pessoas ao lado ele é muito justo. Tem uma consideração grande com os empregados da fazenda".

Samantha Jones contou sobre sua personagem: "A Mundica é uma personagem que escapa da lógica simples e maniqueísta do bom e mau. Ela tem um senso de urgência pela sobrevivência. Ela cruza os limites amorais, mas sem cinismo e crueldade. Ela tem uma queda que fica meio demais pelo Mirinho e faz o que tem que ser feito para conseguir o que quer. Não vejo como uma vilã".

Júlia Lemos também explicou seu papel: "Ana Maria é uma menina muito especial. Ela ocupa uma posição interessante na família Bonafé porque é inviabilizada pela mãe, a figura do Mirinho é imponente na família e causa muita discórdia. É interessante ver como a personalidade dela é moldada nessa inquietude e não se pergunta a ela sobre o que acha do conflitos. Ela cresceu a partir da observação. As inseguranças vão surgindo por causa disso. Uma menina se descobrindo como mulher".

Emanuelle Araújo comentou sobre seu trabalho longevo com a autora e sua nova personagem: "A parceria minha com a Duca vem de muitas novelas e com mulheres complexas e interessantes. É uma mulher da sociedade dos anos 20, mas construo a Marta como uma mulher que tem uma visão à frente. Ela tem atitudes bem sensatas diante da insensatez da filha, o que acho interessante pro feminino da época, desde a concepção dela porque é uma mulher que usa calças, lê, cita Oswald de Andrade... Marta conduz a filha com as boas maneiras da época, mas um aceno para o contemporâneo. Está sendo muito interessante pra mim assim como o impacto que ela sente com a chegada da realeza. Ela é apaixonada pela filha, mas fica apaixonada pela princesa. É uma mulher atenta às diferenças".

Danton Mello adiantou sobre sua expectativa: "Uma alegria enorme fazer novamente uma parceria com a Duca. Fiz 'Órfãos da Terra'. É uma expectativa grande, uma novela muito interessante com uma história linda e necessária. Vivo o cara mais rico da cidade, um banqueiro. Um homem apaixonado e amoroso com a família, mas deu de tudo pra Virgínia e perdeu a mão. As chamadas estão lindas, o clima no set é maravilhoso, a equipe técnico incrível, e a expectativa é enorme. Espero que o público abrace a história. Tive o prazer de conviver com a Duda em 'Garota do Momento', é uma menina dedicada, profissional e novamente vai fazer um trabalho lindo".

Daniel Rangel explicou seu papel na trama: "O Manuel tá sendo legal pra mim. Venho de uma leva de personagens bonzinhos, íntegros, e ele vem mostrar um outro lado, com um ego grande e seguro de si. Através do amor, o que 'linka' com o nome da novela, ele tem uma redenção para descobrir o que realmente gosta através da Ana Maria. Ele nega pra ele mesmo esse amor, mas isso vai transformá-lo. A relação começa família é conturbada, vê a mãe sofrendo nas mãos do pai, a amizade com Mirinho reflete a identificação do que ele acha que é, mas vejo um caminho da redenção pelo amor. Fui muito feliz com esses autores em 'Amor Perfeito', onde fiz o Júlio, um cara muito íntegro".

Quitéria Kelly analisou seu papel: "Faço a mãe do Manuel, uma mulher que não é feliz no casamento, é podada pelo marido, mas ela tem algo dentro dela prestes a explodir. Tanto com o filho que reproduz o comportamento do pai, quanto do próprio marido. Você entra numa novela e vai sentindo, tateando. O que venho tateado é que tem algo para explodir. Ela vai tolerando o marido abusivo e o filho que não é um bom exemplo. É a professora de piano da cidade que dá aula pra todo mundo. Tô muito feliz que essa novela se passa em Rio Grande do Norte, vão ter a oportunidade de conhecer o litoral mais lindo do Brasil".

Cesar Ferrario resumiu sobre seu personagem: "Fortunado é adepto da lei, da ordem e dos bons costumes. Ele tenta imprimir isso dentro de casa e sou curioso para ver como os autores vão explorar isso. Muito feliz por dividir esse trabalho com Quitéria e Daniel, feliz em estar no núcleo do Gustavo, e sou muito grato em estar aqui".

Fábio Lago se divertiu ao contar sobre seu prefeito: "Bartô é um personagem conservador quevê que o futuro está no passado e a gente brinca com esse humor social. Nunca tinha feito novela em cidade fictícia. Novela é risco e tô arriscando um personagem com uma voz diferente. Tô fazendo uma homenagem ao Paulo Gracindo, em 'O Bem Amado', mas não é cópia. Trago uma assinatura de uma memória que eu tenho, uma palhaçaria. Pra mim é um deleite ter um personagem que não é realista e sem medo de ser feliz. Uma construção teatral. É uma caricatura fugindo da caricatura. O prefeito da cidade, um narcisista que tem uma paixão absurda pela mãe. Eu me vesti de mulher, fiz umas fotos e a equipe de efeito vão colocar em IA pra botar no busto da mãe para ela reagir a tudo o que acontece na cidade".

Vitória Rodrigues também explicou seu papel: "É minha segunda novela e minha personagem representa todas as mulheres que não entenderam a nobreza de uma mulher preta. Ela alisa o cabelo com ferro. Poder representar essa mulher que vai entendendo sua nobreza ao longo da novela, é muito emocionante. A Dora traz uma leveza de ainda não entender, ela é bem-humorada e quer sem bem aceita. Uma primeira dama preta nos anos 20. Quero ver como vai ser essa virada e enxergando a realeza que chega em Barro Preto".

João Fontenele contou sobre a parceria de seu personagem com o prefeito: "Sebastião traz uma leveza e comicidade com o Bartô. Tá sendo contado de uma forma muito inteligente. Tô feliz e curioso com o resultado e a decepção do público. Ver até onde vai o Sebastião. É um vereador fofoqueiro que se intromete na vida de muita gente. Ele se humilha muito pra Virgínia, faz uma competição com Mirinho, e espero que agrade".

Raíssa Xavier não escondeu a empolgação: "Tô muito honrada de estar no núcleo do Marcelo Médici, que vai ser meu tio e um padre. Belmira é um presente do Gustavo (Fernandez). Saí de duas quengas, em "Justiça 2" e "Pantanal", para fazer agora uma personagem com muitos mistérios, que foi abandonada pelo pai, ela é muito observadora, e usa algumas informações para conseguir alguns ganhos para a igreja. Ela vai trazer humor e não tem como não se divertir ao lado do Marcelo".

Marcelo Médici complementou: "O padre Viriato traz mistérios relacionados ao papel da Raíssa. Ele fala o que vem na mente e é uma delícia viver esse personagem, ele é o grilo falante da cidade. Tem um coração enorme e está do lado certo das histórias. É muito bonito ver que atores nordestinos e negros estão tão reunidos nessa novela".

Carol Badra falou da dona da pensão que interpreta: "A Geralda representa a mulher portuguesa trabalhadora. Por mais que a gente tenha o lado do cômico, tô mergulhada nos fados portuguesas, na cozinha portuguesa, e o que me comove nessa mulher é que ela é trabalhadora, empreendedora e saiu da terra natal, sendo uma estrangeira assim como a princesa da novela. Ela sai de um país que não tinha o que comer, é o princípio do salazarismo. É muito legal fazer essa dona de pensão que recebe os estrangeiro, acolhe e alimenta. É uma mãe que ama o seu filho e vai protegê-lo, assim como seus hóspedes. E em todos os momentos em que pode arengar, ela arenga com o padre. Não vou dar mais spoiler".

Ítalo Martins foi breve sobre seu novo trabalho, após 'Guerreiros do Sol': "Acho chique. Duca, Elisio e Julio estão escrevendo essa história de forma muito íntegra e digna. Tô feliz com a repercussão e em ter tantos atores negros trabalhando juntos".

Lukete finalizou: "Isso é um grande presente . Meu personagem é enrolão, preguiçoso e a energia dele está para outros lugares. Ele trabalha com o Tonho e como é massa encontrar companheiros de trabalho quando a energia bate. Tenho estudado sanfona e os personagens nos preenche, o que é muito rico. Tô muito feliz. Ciço tem uma sabedoria de sobrevivência, o que o nordestino tem com aquele humor que vem da sobrevivência. Ele para se comunicar cria muito. É escorregadio, mas tem muita leveza. Fico muito grato, vamos junto que vamos viver algo especial".

'A Nobreza do Amor' estreia dia

Último capítulo de "Êta Mundo Melhor!" desrespeita elenco e público

2026-03-14T22:30:00.001-03:00

É normal que, em qualquer novela, algumas cenas gravadas acabem ficando de fora da edição final. A televisão trabalha com limites rígidos de tempo e, muitas vezes, pequenos ajustes são inevitáveis para que o capítulo caiba na duração prevista. No entanto, o que aconteceu no último capítulo de "Êta Mundo Melhor!" ultrapassa em muito esse tipo de ajuste comum. O episódio final foi marcado por cortes tão significativos que acabaram comprometendo a narrativa e demonstrando um profundo desrespeito tanto com o elenco quanto com o público.

Vários desfechos simplesmente desapareceram da tela. Personagens que acompanharam toda a trajetória da história tiveram seus destinos resumidos de forma abrupta ou sequer mostrados. Um dos casos envolve Olga (Maria Carol) e Carmem (Cristiane Amorim). As duas personagens foram parar na cadeia, mas as cenas gravadas pelas atrizes dentro da cela --- que dariam contexto e encerramento à punição --- não foram exibidas. O público só soube que elas existiam porque as próprias intérpretes publicaram fotos dos bastidores nas redes sociais. Ou seja, o material foi gravado, mas simplesmente não foi ao ar.

O mesmo aconteceu com o casamento de Zenaide (Evelyn Castro) e do detetive Sabiá (Fábio de Luca), outra sequência que acabou cortada.

Também foram descartadas cenas em que o espírito de Zulma (Heloísa Perissé) aparecia para outros personagens, momentos que poderiam acrescentar emoção e continuidade a um recurso narrativo que foi utilizado na cena mais bonita da foto das crianças já adultas.

Ainda mais grave foi o corte do desfecho de Quitéria (Kenya Costta). A personagem, que havia trabalhado durante anos como empregada doméstica --- primeiro de Anastácia (Eliane Giardini) em "Êta Mundo Bom!" e depois de Candinho (Sérgio Guizé) em "Êta Mundo Melhor!" --- finalmente teria uma conclusão simbólica: tornar-se dona de uma confeitaria. Era um fechamento que representava crescimento e conquista pessoal. No entanto, a cena também não foi exibida. A própria atriz compartilhou uma foto de bastidores e lamentou que o momento não tenha ido ao ar. Nesse caso, a situação se torna ainda mais problemática: trata-se de uma talentosa atriz negra interpretando um papel historicamente estereotipado na teledramaturgia brasileira e que, justamente quando teria um final de superação, acabou ficando sem desfecho na tela.

Outro corte difícil de entender foi o das cenas de Estela (Larissa Manoela) e Anabela (Isabelly Carvalho) na Amazônia. A personagem passou dez anos ali com a filha em uma viagem que, no fim das contas, se mostrou praticamente gratuita dentro da narrativa. Durante todo esse período, Túlio (Cadu Libonatti) permaneceu sozinho e sofrendo, e o reencontro ou a resolução da história foi mostrada rapidamente. Mais uma vez, foi a própria Larissa quem revelou nas redes sociais imagens de bastidores dessas gravações que não chegaram ao público.

Também chamou atenção o corte brusco no momento em que Candinho algema Sandra (Flávia Alessandra) e a leva para a delegacia. A cena simplesmente “salta” de um ponto para outro, como se algo importante tivesse sido arrancado da narrativa. Ninguém chega a ver claramente o momento da prisão acontecer. A edição final ficou tão truncada que o resultado transmitiu uma sensação constante de pressa e desorganização.

O mais curioso é que faltou justamente aquilo que a novela mais teve ao longo de sua exibição: tempo. "Êta Mundo Melhor!" contou com 220 capítulos, e durante muitos meses a trama avançou muito pouco, com acontecimentos se arrastando e conflitos sendo prolongados. Andou em círculos ao longo dos meses. Havia espaço de sobra para que os desfechos fossem distribuídos ao longo dos capítulos finais, permitindo que cada personagem tivesse um encerramento digno.

É claro que a emissora tem responsabilidade pelos inúmeros cortes que prejudicaram o último capítulo. Mas o autor Mauro Wilson também não pode ser poupado de críticas. Ao concentrar praticamente todas as resoluções no episódio final, ele criou uma situação em que qualquer edição mais agressiva inevitavelmente comprometeria a história.

No fim, o que deveria ser um capítulo de celebração acabou marcado por lacunas, cortes inexplicáveis e a sensação de que muitas histórias ficaram incompletas. Quem perde com isso são os atores, que viram cenas importantes de seu trabalho serem descartadas, e o público, que acompanhou a novela durante meses esperando um final que fizesse jus à trajetória dos personagens.

"Êta Mundo Melhor!" provou que "Êta Mundo Bom!" não precisava de continuação

2026-03-13T20:00:00.001-03:00

A continuação de "Êta Mundo Melhor!, que chegou ao fim nesta sexta-feira (13/03), após 220 capítulos, acabou provocando um efeito inesperado: ao tentar prolongar o universo de "Êta Mundo Bom!", a nova novela terminou evidenciando que a história original já estava completa. A obra criada por Walcyr Carrasco tinha um arco narrativo fechado e um desfecho satisfatório. Ao retomar esse universo, primeiro com textos do próprio autor e depois sob o comando de Mauro Wilson, a trama acabou revelando o risco de revisitar uma história cujo conflito principal já havia sido resolvido.

Desde os primeiros meses, a novela apresentou uma estrutura narrativa que parecia andar em círculos. A sensação recorrente era a de que o telespectador podia ficar semanas ou até meses sem assistir e, ao voltar, perceber que quase nada havia avançado. Isso aconteceu porque várias tramas foram reiniciadas ou reconfiguradas de maneira muito semelhante às histórias da obra anterior, criando uma estranha sensação de repetição constante, como se a continuação estivesse refazendo caminhos já percorridos.

A saga de Estela (Larissa Manoela) é um exemplo evidente disso. A personagem teve uma trajetória muito semelhante à de Maria (Bianca Bin) na novela original, inclusive no romance inicial com Celso (Rainer Cadete).

O problema é que Celso já havia passado por um processo de redenção anteriormente, e sua volta a atitudes moralmente duvidosas soou mais como um retrocesso narrativo do que como evolução dramática. Apenas na última semana surgiu a revelação de sua cumplicidade no sumiço do filho de Candinho (Sérgio Guizé), recurso que parecia ter sido guardado como uma tentativa tardia de criar impacto. Não criou.

Algo parecido aconteceu com Araújo (Flávio Tolezani). Na novela anterior, ele desviava dinheiro da fábrica de sabonetes para pagar o tratamento do filho e acabou sendo perdoado, encerrando sua história com redenção. Na continuação, o personagem simplesmente repete o mesmo erro, agora desviando dinheiro da fábrica de biscoitos. A situação se tornou ainda mais estranha pela mudança brusca na personalidade de Olga (Maria Carol), cuja influência passou a incentivar esse comportamento, alterando completamente a construção da personagem. Foi a personagem que o redimiu em 2016 e agora ela quem o desviou novamente. Não teve nexo algum.

Outras histórias também pareceram releituras diretas. O romance entre Zé dos Porcos (Anderson Di Rizzi) e Maria Divina (Castorine) tentou reproduzir a dinâmica que o personagem teve com Mafalda (Camila Queiroz), inclusive retomando o famoso debate sobre o “cegonho” e a expectativa em torno da primeira relação sexual. Já a trama central, envolvendo a busca de Candinho por seu filho perdido, era praticamente uma reedição do motor dramático de "Êta Mundo Bom!", quando o personagem procurava a própria mãe. O problema é que, quando finalmente descobriu que Samir era seu filho, o enredo perdeu completamente o rumo. A partir desse momento, a novela se arrastou sem grandes acontecimentos, como se o conflito principal tivesse sido resolvido cedo demais ---- mas até que demorou bastante.

Para movimentar a narrativa, o autor recorreu a vilanias forçadas de Sandra (Flávia Alessandra) e Ernesto (Eriberto Leão). A situação se tornou ainda mais artificial quando foi exposto que ambos já estavam ricos graças a golpes aplicados fora de cena: Sandra ao enganar um barão e Ernesto ao herdar a fortuna de um tio milionário que havia enganado. Ou seja, os vilões já não tinham objetivo claro na história, e suas ações pareciam existir apenas para manter o conflito em funcionamento. A tal vingança contra Candinho não colou.

O ponto mais controverso desse núcleo foi a falsa morte de Sandra. Seu retorno disfarçada de baronesa, alterando sotaque e tom de voz para não ser reconhecida, acabou prejudicando justamente aquilo que tornava a personagem memorável. A vilã icônica da novela original se transformou em uma figura quase caricata, repetindo incessantemente o mesmo ódio por Candinho e traçando mil planos maquiavélicos.

Outro sinal de desgaste apareceu no tratamento dado aos núcleos paralelos. O núcleo da fazenda de Cunegundes e Quinzinho, que era um dos mais divertidos da obra original, apareceu quase desconectado do restante da trama. Os personagens passaram boa parte da novela presos a esquetes repetitivas envolvendo a busca por esmeraldas no terreno e discussões cômicas com Medeia (Betty Gofman) e depois com Jocasta (Grace Gianoukas), o que acabou desperdiçando o talento do elenco. Os quatro veteranos de imenso talento não foram valorizados.

O mesmo aconteceu com o núcleo do Dancing, que teve papel importante em "Êta Mundo Bom!" e aqui praticamente não interferiu no enredo. Tamires (Monique Alfradique), Tamiris (Mari Bridi), Vermelho (Gabriel Canella) e Francine (Luciana Fernandes) não tiveram relevância. Já as histórias da pensão e da Rádio Paraizo começam com potencial, mas perderam força ao longo da narrativa e acabaram se tornando apenas pano de fundo. Valeu pelo talento de Nivea Maria (Margarida), Tony Tornado (Lúcio) e Rosane Gofman, que se destacou como Olímpia, personagem que era apenas metida no folhetim de 2016 e virou uma vilã preconceituosa e moralista na continuação.

Apesar dos problemas, a novela também apresentou acertos. O maior deles foi a trajetória de Dita, que deixou de ser apenas uma empregada explorada na fazenda para se tornar a grande protagonista da história. Sua ascensão como cantora, passando por todo o processo de descoberta do talento e construção da carreira, foi um dos arcos mais interessantes da trama. O romance com Candinho também trouxe um frescor que a história principal já havia perdido.

Outro momento bonito foi a evolução de Manuela, tia de Dita, que aprendeu a ler com a sobrinha e acabou se tornando atriz de radionovelas, chegando a protagonizar a história de "Xica da Silva" na rádio. Dhu Moraes foi fantástica e ainda teve química com Tony Tornado na reta final com o romance da sua personagem com Lúcio. Mauro Wilson também inseriu pequenas homenagens a Walcyr Carrasco ao longo da narrativa, como a brincadeira em que Margarida se disfarçou de Adamo Angel para escrever uma novela, referência ao pseudônimo usado pelo autor quando escreveu "Xica da Silva" na TV Manchete.

A trama da Casa dos Anjos também funcionou bem, em grande parte graças ao elenco infantil. As crianças demonstraram carisma e talento, ganhando cada vez mais espaço ao longo da história. Vale uma menção especial a Davi Malizia, que brilhou como Samir; Arthur Yera, que fez de Simbá um 'mini vilão' cativante; Marina Cypriano, que conquistou com sua Felícia e Vicente Alvite, que esteve ótimo como Aladdin. A dupla formada por Zulma e Zenaide também rendeu bons momentos e valorizou o trabalho das atrizes. Heloísa Perissé e Evelyn Castro formaram uma deliciosa dupla.

A saga de Estela melhorou bastante depois de um início exaustivo focado no romance com Celso. Muito desse sucesso se deve à atuação de Larissa Manoela, que emocionou em várias cenas ao lado de Isabelly Carvalho, intérprete de Anabela. O drama das irmãs que na verdade eram mãe e filha ganhou força dramática, especialmente após a entrada do médico Túlio (Cadu Libonatti). Ainda assim, a coerência da relação acabou prejudicada na reta final, quando o personagem passou a demonstrar um comportamento possessivo repentino apenas para provocar uma separação e criar suspense artificial sobre o destino amoroso de Estela.

Os problemas de coerência também apareceram nos desfechos. Personagens masculinos como Ernesto, Araújo e Celso receberam novas chances e caminhos de redenção, enquanto várias vilãs tiveram destinos mais severos. Zulma forçou um casamento sem sentido com Candinho, graças ao plano ainda mais absurdo de provocar a prisão de Dita por conta do 'sequestro' de Samir, e terminou morta depois que foi atropelada por um bonde. Era a vilã mais humanizada do enredo e a que teve o final mais cruel. Já Sandra enlouqueceu e Olga acabou presa. A diferença de tratamento entre homens e mulheres acabou soando antiquada, especialmente considerando que muitos desses personagens masculinos já haviam sido perdoados por erros graves anteriormente.

A trama envolvendo o casal gay formado por Lauro (Marcelo Argenta) e Tobias (Cleiton Morais) também decepcionou. Os dois apareceram pouco juntos e a história voltou a recorrer ao recurso do romance de fachada do médico para esconder sua sexualidade, algo que já havia sido explorado na novela original. Até mesmo a trama da adoção do filho de Sônia (Paula Burlamaqui) perdeu força, muito por causa da postura irresponsável de Quincas (Miguel Rômulo), que passou praticamente toda a novela evitando assumir a paternidade, comportamento tratado sempre com comicidade. No penúltimo capítulo, os dois adotaram Felícia e pronto. Aliás, todas as crianças foram adotadas ao mesmo tempo, algo que soou como mera conveniência de roteiro em meio a tantas situações reiterativas.

Outro exemplo de repetição pouco inspirada foi o professor Asdrúbal (Luis Miranda), claramente criado como uma tentativa de reproduzir o sucesso do professor Pancrácio (Marco Nanini) da novela original. A diferença é que Pancrácio tinha motivações narrativas claras para seus disfarces, enquanto Asdrúbal pareceu repetir o recurso de forma forçada, inclusive em romances relâmpagos que pouco acrescentaram à história. Diversos casais secundários também sofreram com idas e vindas sem sentido ao longo da trama.

O último capítulo foi muito corrido e com vários finais jogados. Dava tempo de sobra para apresentar as conclusões com mais calma diante da barriga que a novela teve. Sandra explodiu a mansão, mas tudo foi rapidamente resolvido e ninguém se feriu. A vilã acabou presa e louca na cadeia, enquanto Ernesto teve o desfecho de virar pastor na prisão. Já Celso foi perdoado pela terceira vez por Candinho. Não deu para entender a razão da Estela ter viajado com Anabela para Amazônia e voltado dez anos depois para ficar com Túlio. Ele ficou dez anos sofrendo? Qual o objetivo? Aliás, a passagem de tempo só serviu para crescer as crianças porque os adultos não envelheceram um dia sequer. Ficou uma junção de futuro com presente difícil de engolir. Mas algumas cenas foram delicadas, como o casamento de Picolé (Isaac Amendoim/Igor Fernandez) com Maria Pureza. O momento da foto das crianças reunidas, mesclando a imagem delas na infância com todas crescidas, foi emocionante, assim como a mensagem final de Candinho ao lado de Dita dizendo que tudo que acontece de ruim na vida da gente é pra 'meiorá'.

Em termos de audiência, a novela teve bons índices, impulsionada principalmente pelo carinho do público pelo fenômeno criado por Walcyr Carrasco em 2016. Ainda assim, esteve longe de se tornar o grande sucesso que a emissora esperava. A repercussão nas redes sociais foi discreta e o impacto cultural bastante limitado. E qual a necessidade de 220 capítulos? Não havia história nem para 100.

No saldo final, "Êta Mundo Melhor!" não chega a ser uma novela ruim. Trata-se de uma obra simpática, com bons momentos e um elenco talentoso. Mas dificilmente deixará marca duradoura na memória do público. Enquanto "Êta Mundo Bom!" continuará sendo lembrada como um grande sucesso da teledramaturgia brasileira recente, sua continuação tende a passar quase despercebida ao longo dos anos. Paradoxalmente, ao existir, ela acaba reforçando a ideia de que algumas histórias simplesmente não precisam de continuação.

Heloísa Perissé e Evelyn Castro formaram uma ótima dupla em "Êta Mundo Melhor!"

2026-03-09T22:30:00.001-03:00

Na reta final de "Êta Mundo Melhor!", uma das duplas mais saborosas de acompanhar tem sido a formada por Heloísa Perissé e Evelyn Castro, intérpretes da ambiciosa Zulma e de sua inseparável escudeira Zenaide. Em meio às tramas românticas típicas da novela, as duas construíram uma relação que mistura humor, afeto e conflito, que resultou em um equilíbrio raro que acabou se tornando um dos pontos mais interessantes da história de Walcyr Carrasco, desenvolvida por Mauro Wilson e dirigida por Amora Mautner.

Zulma e Zenaide são, à primeira vista, a clássica dupla de patroa e empregada: a vilã manipuladora e a assistente que executa seus planos. No entanto, a dinâmica criada por Perissé e Castro vai muito além desse arquétipo. Há entre elas uma cumplicidade evidente, quase como a de duas sobreviventes que se reconheceram no mundo. Mesmo quando discutem ---- e as brigas são frequentes, muitas vezes carregadas de ironia e impaciência ---- o público percebe um carinho genuíno que atravessa a relação. Zenaide reclama, retruca, ameaça ir embora… mas permanece. E Zulma, por trás da arrogância, parece saber que aquela é a única pessoa que realmente a conhece.

Grande parte dessa força vem da química entre as atrizes. Heloísa Perissé dá a Zulma um misto irresistível de veneno e comicidade, enquanto Evelyn Castro constrói uma Zenaide que oscila entre resignação e sagacidade.

Juntas, elas criam um ritmo próprio em cena: diálogos rápidos, olhares cúmplices e reações exageradas que transformam até os momentos mais simples em pequenos números de comédia dramática.

Essa parceria também ganha uma dimensão inesperada nas sequências com as crianças da Casa dos Anjos, onde as duas personagens frequentemente deixam escapar um lado mais humano. Nessas cenas, a dureza de Zulma se suaviza por instantes, enquanto Zenaide revela uma sensibilidade que muitas vezes contrasta com a postura pragmática que ela precisa manter ao lado da patroa. Há algo de profundamente simbólico nesse convívio, já que ambas compartilham uma ferida em comum: o fato de terem sido abandonadas pelos pais e nunca terem sido adotadas. Essa origem solitária parece explicar, ainda que silenciosamente, por que elas se agarraram uma à outra com tanta força ao longo da vida.

Talvez por isso o rompimento das duas na reta final tenha um peso emocional tão grande. Quando Zulma arma para que Candinho se case com ela, ultrapassando todos os limites morais possíveis, Zenaide finalmente rompe com a antiga aliada. O momento marca uma virada na relação: não é apenas a quebra de uma parceria criminosa, mas a ruptura de um vínculo que, apesar de torto, era profundamente afetivo.

Essa despedida evidencia o quanto a dupla funcionou. Ao longo da novela, Perissé e Castro transformaram Zulma e Zenaide em mais do que coadjuvantes cômicas ou vilãs de apoio e fizeram delas uma relação complexa, cheia de afeto mal resolvido, dependência emocional e humanidade. Na última semana de "Êta Mundo Melhor!", fica claro que boa parte do charme da trama também nasceu dessa improvável amizade que, entre brigas, planos mirabolantes e momentos de ternura, conquistou o público.

Larissa Manoela se destacou em "Êta Mundo Melhor!"

2026-03-05T20:30:00.001-03:00

Faltando pouco mais de uma semana para o fim de "Êta Mundo Melhor!", a participação de Larissa Manoela como Estela se consolidou como um dos acertos da continuação de "Êta Mundo Bom!", escrita por Walcyr Carrasco e Mauro Wilson dirigida por Amora Mautner. Esta é sua segunda novela na Globo, após a estreia como protagonista em "Além da Ilusão" (2022), e a personagem encontrou um espaço importante dentro da história.

Ao longo da trama, Larissa construiu uma Estela sensível, determinada e muito ligada à filha, sua única família. A atriz teve bons momentos nos embates da enfermeira com os vilões Sandra (Flávia Alessandra) e Ernesto (Eriberto Leão), especialmente nas cenas em que a personagem precisou confrontar ameaças diretas à própria vida e à segurança da filha. Nessas sequências, ela demonstrou firmeza sem perder o tom humano que caracteriza a enfermeira.

Entre os momentos mais marcantes está a delicada sequência da morte da mãe de Estela, em cena com Letícia Sabatella.

O encontro entre as duas rendeu uma despedida comovente e bem conduzida, em que Larissa sustentou a emoção da cena com simplicidade, valorizando o peso afetivo do momento, que marcou o fim da breve participação de Letícia e a reconciliação da personagem com a mãe.

Outro destaque recente veio no capítulo exibido nesta quinta-feira (05/03), quando Estela tentou impedir o sequestro da filha e, em meio ao confronto, revelou ao vilão Ernesto que ele era o verdadeiro pai da menina. A sequência misturou tensão e desespero, exigindo intensidade da atriz e funcionando como um dos poucos pontos altos da reta final da novela.

A relação com a pequena Isabelly Carvalho, que vive Anabela, também é um dos pilares da personagem. Durante boa parte da história, a menina acreditou que Estela era sua irmã, e não sua mãe, o que criou uma dinâmica curiosa e emocional entre as duas. Larissa e Isabelly demonstraram boa sintonia em cena, tornando o vínculo entre as personagens convincente e afetuoso, ainda que a menina testado a paciência do público com sua fixação para que Estela se casasse com Celso (Rainer Cadete). O problema da perda da audição de Anabela também proporcionou situações sensíveis da pequena intérprete com Larissa.

No campo romântico, a química com Cadu Libonati, intérprete do médico Túlio, contribuiu para que o casal funcionasse na narrativa, após um longo período cansativo de Estela namorando Celso, personagem que retrocedeu na continuação e teve sua redenção final de "'Êta Mundo Bom!" jogada fora. O relacionamento da enfermeira com o rapaz ---- que salvou sua vida e cuidou dela durante o período em que ficou sem memória ---- funcionou como uma mudança de rumo que agradou os telespectadores.

Também chamou atenção a boa parceria com Jeniffer Nascimento, que interpreta a protagonista Dita. As cenas entre as duas reforçam laços de amizade e cumplicidade dentro da história, ajudando a dar equilíbrio ao núcleo dramático.

O desempenho de Larissa Manoela engrandeceu "Êta Mundo Melhor!". Depois de mais uma personagem correta e guiada por fortes valores, a atriz novamente se destacou e fica a sensação de que já demonstrou segurança nesse tipo de papel. Talvez seja o momento dos autores a presentearem com algo diferente em seus próximos trabalhos na televisão, quem sabe uma vilã ou um papel mais voltado para a comédia. Até porque já provou no cinema e no teatro que está pronta para novos desafios na teledramaturgia.

Lauro e Tobias foram apagados em "Êta Mundo Melhor!"

2026-03-03T23:30:00.002-03:00

A atual novela das seis da Globo, escrita por Walcyr Carrasco e desenvolvida por Mauro Wilson, está perto do seu fim, após longos meses andando em círculos. Entre os visíveis problemas de "Êta Mundo Melhor!", está a condução do casal Tobias (Cleiton Morais) e Lauro (Marcelo Argenta). O resultado é, no mínimo, frustrante, especialmente para quem acompanhou a trajetória dos dois em "Êta Mundo Bom!". Na novela anterior, o público viu a relação se encaminhar aos poucos com um raro cuidado dentro de uma narrativa de época. Eles terminaram juntos, consolidando um arco afetivo que, embora bem discreto, tinha significado.

Na continuação, porém, o que se viu foi um verdadeiro apagamento. Em vez de dar sequência natural ao relacionamento já estabelecido, a nova trama optou por regredir a história, recontando praticamente os mesmos conflitos, só que agora esvaziados de destaque e profundidade. Tobias e Lauro passaram grande parte da novela à margem dos acontecimentos centrais, quase como se sua existência fosse um detalhe inconveniente na narrativa.

Isso se torna ainda mais lamentável quando observamos que outras produções contemporâneas conseguiram avançar em representatividade com muito mais coragem.

O sucesso do casal lésbico Juquinha (Gabriela Medvedovski) e Lorena (Alanis Guillen) em "Três Graças" demonstrou que há público, engajamento e retorno artístico quando relações LGBTQIA+ são tratadas com protagonismo e humanidade. Enquanto isso, Tobias e Lauro foram reduzidos a silêncios e subtramas repetidas.

A repetição, aliás, é um dos maiores problemas. Mais uma vez, Lauro precisou fingir um relacionamento com uma mulher (Sônia - Paula Burlamaqui) para proteger sua relação com Tobias. É verdade que se trata de uma novela de época, e o contexto histórico torna o conflito plausível. Mas plausível não significa obrigatório e muito menos repetitivo. Reencenar praticamente a mesma dinâmica da produção anterior revela falta de criatividade e, pior, falta de interesse em aprofundar os personagens.

Nem mesmo o conflito do médico ao se prontificar a cuidar do filho de Sônia recebeu o desenvolvimento necessário. O que poderia ser um arco interessante, explorando paternidade afetiva e responsabilidade --- uma vez que Quincas (Miguel Rômulo), o verdadeiro pai, era um irresponsável ---, foi tratado de maneira superficial, como se estivesse sempre à beira de acontecer, mas nunca realmente acontecendo.

Durante quase toda a novela, Tobias e Lauro permaneceram apagados. Somente a um mês do final houve uma cena breve em que o médico criticava a homofobia no programa da rádio Paraizo ---- um momento importante, mas isolado demais para compensar meses de invisibilidade narrativa. Soou mais como um gesto protocolar do que como parte orgânica da construção dramática.

É especialmente decepcionante porque havia ali um potencial evidente. A sintonia entre Cleiton Morais e Marcelo Argenta era um dos trunfos do casal. A química natural entre os atores conferia verdade aos olhares, aos silêncios e às poucas cenas de intimidade emocional que tiveram. Essa conexão, que poderia ter sido explorada para criar momentos bonitos, foi desperdiçada.

No fim, fica a sensação de que Tobias e Lauro foram mantidos na história apenas para cumprir uma formalidade de continuidade, e não para evoluir. Era melhor não terem voltado. Em tempos em que a televisão brasileira demonstra capacidade de construir narrativas LGBTQIA+ fortes e populares, optar pelo apagamento ou pela repetição esvaziada em "Êta Mundo Melhor!" é um retrocesso narrativo e simbólico.

Dennis Carvalho foi um dos melhores diretores da teledramaturgia brasileira

2026-02-28T23:30:00.001-03:00

A morte de Dennis Carvalho, neste sábado (28/02), aos 78 anos, não representa apenas a despedida de um diretor, como marca o fim de uma era em que a teledramaturgia brasileira consolidou linguagem, escala industrial e ambição estética sob um mesmo comando criativo. Dennis foi, ao longo de cinco décadas, uma engrenagem central da TV Globo, ajudando a moldar sua identidade artística e também suas contradições.

Sua chegada à emissora, em 1975, para atuar na primeira versão de "Roque Santeiro" foi simbólica. A novela acabou censurada pela ditadura militar antes da estreia, tornando-se um dos casos mais emblemáticos de intervenção política na cultura brasileira. A frustração daquele projeto abortado revelava o ambiente de tensão em que a televisão operava e Dennis testemunhou, desde cedo, como arte e poder se entrelaçavam na dramaturgia nacional.

Como ator, mostrou talento ao viver Inácio, em "Brilhante" (1981), um personagem gay, filho de Chica (Fernanda Montenegro), em um momento em que a representação LGBTQIA+ na TV aberta ainda era cercada de estigmas e limitações.

Embora tratado dentro dos códigos e cautelas da época, o papel teve relevância histórica e revelou a coragem do então iniciante em aceitar o desafio.

Mas foi nos bastidores que Dennis construiu seu maior legado. Sua parceria com o autor Gilberto Braga se tornou uma das mais produtivas da televisão brasileira. Ele dirigiu três dos maiores sucessos do novelista: "Dancin`Days", "Vale Tudo" e "Celebridade", além de "Paraíso Tropical," e "Insensato Coração". Nessas obras, consolidou um estilo marcado por sofisticação visual, ritmo ágil e condução rigorosa de elenco, características que ajudaram a elevar a novela brasileira a produto de exportação e referência internacional.

Nem sempre, contudo, o resultado foi triunfal. "Babilônia", também dirigida por ele, tornou-se um dos maiores fracassos de audiência do horário nobre. O insucesso, no entanto, evidenciou o caráter de Dennis. No especial "Tributo", exibido ano passado, a diretora Maria de Médicis abriu o jogo e revelou que o amigo assumia toda a culpa quando algo não dava certo na hora que era cobrado pelo Silvio de Abreu, o responsável pelo setor de teledramaturgia em 2015.

A consagração internacional viria com "Lado a Lado", novela primorosa de João Ximenes Braga e Márcia Lage, cuja direção contribuiu para a conquista do Emmy Internacional de Melhor Telenovela, um reconhecimento simbólico da maturidade técnica e narrativa da dramaturgia brasileira. Dennis também demonstrou versatilidade ao dirigir musicais biográficos sobre Elis Regina e Milton Nascimento no teatro, projetos que reforçaram seu domínio em diferentes formatos.

Seu último trabalho, no especial de 60 anos da Globo, dirigindo o encontro das vilãs históricas da emissora, foi quase uma síntese de sua trajetória: um espetáculo de memória, técnica e construção de universos. Ali estavam reunidos personagens que ajudaram a construir o imaginário popular e que também carregavam a assinatura estética que Dennis ajudou a consolidar.

Dennis Carvalho também foi símbolo de um modelo centralizador que dominou a televisão brasileira por décadas. Seu perfeccionismo elevou padrões; sua permanência no topo refletiu a força de seu trabalho e suas brincadeiras nos bastidores viraram a sua maior marca. Não por acaso, tantos atores o amavam e o tinham como amigo. Vários deles marcaram presença no especial "Tributo", como Malu Mader, Claudia Abreu, Renata Sorrah, Arlete Salles, Laila Garin, entre tantos outros. Vale até citar outras produções que contaram com sua excelente direção, como "O Cravo e a Rosa", "Andando nas Nuvens", "Sai de Baixo", "Um Anjo Caiu do Céu", "JK", "Dalva e Herivelto - uma canção de amor", "Sangue Bom" e "Rocky Story".

Dennis Carvalho ajudou a escrever a história da novela como principal narrativa popular do país. Sua morte encerra uma presença decisiva nos bastidores da televisão brasileira, mas seu legado permanece inscrito na estética, no ritmo e na memória afetiva de milhões de espectadores.

Romance de Lorena e Juquinha em "Três Graças" é um marco na teledramaturgia

2026-02-28T00:00:00.001-03:00

A novela "Três Graças" marca um divisor de águas na teledramaturgia brasileira ao construir com sensibilidade, profundidade e naturalidade o romance entre Lorena (Alanis Guillen) e Juquinha (Gabriela Medvedovski). Longe de estereótipos ou da superficialidade que por tantas vezes limitou personagens LGBTQIAPN+ na televisão aberta, o casal é desenvolvido com o mesmo cuidado, complexidade emocional e protagonismo tradicionalmente reservados aos pares heterossexuais.

A construção de Lorena e Juquinha é um dos maiores acertos dramáticos da obra. Os autores Aguinaldo Silva, Virgilio Silva e Zé Dassilva pensaram muito bem no desenvolvimento das duas. A relação cresce diante do público de forma orgânica: começa na identificação mútua, amadurece nos conflitos cotidianos e se consolida no afeto explícito, vivido sem subterfúgios. Não há caricatura, nem fetichização e, sim, humanidade. O roteiro entende que o amor entre duas mulheres não é “tema”, é história. E isso faz toda a diferença.

Muito desse êxito se deve à química arrebatadora entre Alanis Guillen e Gabriela Medvedovski. As duas atrizes constroem uma parceria cênica deliciosa: os olhares sustentados, o toque que vira segurança, o riso compartilhado após o aumento gradativo da intimidade, enfim, tudo pulsa verdade.

Existe uma entrega mútua que transborda da tela e sustenta cada momento do casal. E tudo fluiu desde o dia em que se conheceram. Houve o tradicional flerte, a aproximação, a solidificação do vínculo e a rotina de duas namoradas. Sem cortes bruscos, medo dos autores ou censura.

E justamente um dos aspectos mais revolucionários foi a naturalização dos gestos de afeto. Lorena e Juquinha se beijam em diversas cenas, em momentos românticos, cotidianos, de encontros ou despedidas, como qualquer casal hétero sempre fez na televisão. O que poderia ter sido tratado como “evento” vira parte da narrativa. E justamente aí reside o feito histórico: não se trata apenas de mostrar, mas de normalizar. A repetição desses beijos ao longo da trama consolida um novo parâmetro de representação na TV aberta.

Ainda mais emblemática foi a sequência da primeira vez do casal exibida nesta segunda-feira, dia 23, quando as duas se entregaram ao tesão acumulado durante a viagem que fizeram para Campos do Jordão, enquanto o resto da novela explodia em adrenalina com o assassinato de Jorginho (Juliano Cazarré) e o parto traumático de Joélly (Alana Cabral) Não à toa, o capítulo rendeu um recorde de audiência merecido: 26 pontos. Voltando ao momento do casal, que foi tratado com delicadeza, respeito e intensidade dramática, a cena fugiu da invisibilização que tantas histórias LGBTQIA+ sofreram ao longo das décadas. Não houve corte constrangido, nem sugestão tímida, houve narrativa. A direção apostou na emoção, na construção do desejo, na intimidade compartilhada. Foi um marco não apenas pela ousadia, mas pela maturidade estética e narrativa. Um momento que inscreve a novela na história da televisão brasileira, sem exagero. Claro que não teve nada um pouco mais explícito como costuma ocorrer em produções do streaming, foi um jogo de sombras e mãos. Porém, honrou a beleza do casal que virou um sucesso mundial.

Aliás, o fenômeno de repercussão do par 'Loquinha' funcionou como uma blindagem. Vale lembrar que a atual cúpula da Globo, chefiada por Amauri Soares, vem provocando um grande conservadorismo na teledramaturgia da emissora e vários casais gays sofreram censuras nas tramas. Não somente no apagamento, como também no corte de beijos. E até para fazer justiça também é preciso ressaltar que, mesmo quando as produções se encaminhavam para uma evolução, acontecia uma espécie de regra: os casais homoafetivos só aconteciam lá para metade da obra e o beijo era um selinho no último capítulo. Ou então alguns selinhos bem rápidos em situações muito especiais. Tudo com muito 'cuidado'. Um das poucas exceções foi o par 'Kelmiro', em "Terra e Paixão', e por dois fatores: a importância que Walcyr Carrasco tem na empresa e o sucesso que Kelvin (Diego Martins) e Ramiro (Amaury Lorenzo) fizeram com o grande público. Porque o padrão é o apagamento seguido de cortes, vide a atual "Êta Mundo Melhor1", que destruiu e regrediu o romance que Lauro (Marcelo Argenta) tinha com Tobias (Cleiton Morais) em "Êta Mundo Bom!". Por isso o que vem acontecendo com Lorena e Juquinha é tão importante. Uma censura provocaria repercussão internacional, o que seria um desastre pra Globo.

Outro mérito fundamental de 'Loquinha' está na construção individual das personagens. Lorena e Juquinha não existem apenas enquanto casal, cada uma possui trajetória própria, conflitos particulares e arcos dramáticos independentes do romance. Lorena enfrenta dilemas internos e questões familiares que a colocam em constante processo de amadurecimento, incluindo sua relação com o irmão. Juquinha, por sua vez, carrega seu profissionalismo na polícia e está envolvida diretamente com o mocinho da novela, o seu melhor amigo Paulinho (Romulo Estrela), nas investigações de todos os conflitos do enredo.

Essa autonomia narrativa fortalece o romance, porque ele nasce do encontro entre duas mulheres completas, e não da dependência mútua. O público se envolve com cada uma separadamente e, justamente por isso, investe ainda mais na união das duas. É uma construção madura, que entende que representatividade verdadeira passa por dar às personagens LGBTQIA+ a mesma densidade dramática concedida a qualquer protagonista.

Lorena e Juquinha não são importantes apenas por serem um casal lésbico; são importantes porque são um grande casal e, antes disso, grandes personagens. Complexas, imperfeitas, apaixonadas, parceiras. A novela compreende que representatividade não é apenas presença, é profundidade. E nesse sentido, "Três Graças" entrega um romance memorável, que amplia horizontes e reafirma o poder transformador da teledramaturgia quando ela escolhe contar histórias com verdade, coragem e humanidade.

"Três Graças" apresenta sequências de tirar o fôlego

2026-02-24T05:55:00.002-03:00

O capítulo deste sábado, dia 21, de "Três Graças'", marcou uma nova virada na trama: Joélly (Alana Cabral) entrou em trabalho de parto depois que Lena (Bárbara Reis) bateu o carro enquanto era perseguida por Samira (Fernanda Vasconcellos). Muito assustada, a jovem, que estava indo ao shopping com a amiga para comprar peças do enxoval do bebê, percebeu que a bolsa estourou. Indecisa, ela acabou aceitando ser levada ao hospital por Samira e Edilberto (Júlio Rocha), já fazendo apelos para que não peguem a criança depois do nascimento.

No local do acidente, Lena acordou, ferida e desorientada, enquanto Raul (Paulo Mendes) e Jorginho (Juliano Cazarré) a encontraram e perguntaram sobre Joélly. Uma pessoa que observou tudo afirmou que a jovem tinha sido levada por uma mulher de cabelo curto e Raul concluiu que se trata da chef do restaurante da Fundação Ferette. Ele lembrou do cartão que ela lhe entregou com um endereço para o momento de a bebê nascer e correu até o lugar com Jorginho. No trajeto, pressionado, Raul contou para o pai de Joélly sobre o acordo que fizeram com Samira em troca de pagar suas dívidas com Bagdá (Xamã). Revoltado com a atitude de Raul, Jorginho obrigou ele a descer do carro e seguiu sozinho para o endereço.

Enquanto isso, a chef de cozinha e Edilberto chegaram com Joélly numa clínica clandestina. A jovem estranhou o local e implorou para que Samira não levasse o bebê depois do parto, mas ela ignorou os apelos e disse que Joélly vai se acostumar com a falta da criança, assim como aconteceu na sua experiência pessoal. Neste momento da trama, Gerluce (Sophie Charlotte) sentiu falta de notícias da filha e Rogério (Eduardo Moscovis) comentou, apreensivo, que não conseguia falar com Raul.

O parto estava prestes a começar e Samira acompanhava os primeiros procedimentos de perto. Do lado de fora, Edilberto foi surpreendido por Jorginho, que exigiu saber onde estava sua filha. Percebendo que a situação com o parto prematuro era de risco, Joélly chamou por Gerluce, muito assustada, enquanto Samira decidiu sair de perto, impaciente. Raul deu notícias para Gerluce e Rogério por telefone, mas não revelou para onde Joélly foi levada, apenas que Jorginho seguiu atrás da filha. Desesperada, Gerluce pediu ajuda a Paulinho (Romulo Estrela) para descobrir onde estava Joélly. Já Raul conseguiu contato com Samira e ficou aos prantos quando ela revelou, irônica, que a criança iria nascer, mas ele nunca a veria.

Correndo pela clínica, Jorginho encontrou Samira e começou um embate com ela e Edilberto. Enquanto isso, Joélly recebia a anestesia sem ninguém ao lado para segurar suas mãos. O bebê nasceu sem dar um pio, o que aumentou a tensão da cena e arrepiou com o gancho final. Uma aula de teledramaturgia que prendeu o público do início ao fim, com cenas muito bem escritas, atuadas e dirigidas. Vale até destacar o momento fofo entre Juquinha (Gabriela Medvedovski) e Lorena (Alanis Guillen) curtindo uma espécie de lua-de-mel em Campos do Jordão, que destoou dos vários momentos tensos, ao mesmo tempo que preencheu o conjunto com instantes delicados. E a direção de Luiz Henrique Rio soube driblar esse paralelo muito bem através do giro de uma imagem, entre uma cena e outra, sublinhando a transição de um instante romântico para outro trágico. Até porque é preciso mencionar também o rompimento de Viviane (Gabriela Loran) e Leonardo (Pedro Novaes), depois que o filho de Ferette (Murilo Benício) mostrou para a amiga de Gerluce a fábrica de farinha. A sequência em que Vivi destruiu todos os remédios falsos e humilhou o seu amor foi dilacerante. Show de Gabriela e Pedro.

Aliás, o que dizer da atuação de Alana Cabral na hora do parto? O desespero daquela menina desamparada foi exposto com uma entrega admirável. A hora em que a personagem grita 'Eu quero minha mamãe' impactou, tanto nas palavras escolhidas no texto quanto na interpretação da atriz. Ficou reforçado que é apenas uma adolescente de 15 anos, ainda que em vários momentos isso acabe esquecido diante de tudo o que ela tem vivido. A frieza de Samira foi outro ponto alto e graças ao talento de Fernanda Vasconcellos. A vilã é a mais assustadora da novela e merece um maior crescimento a partir de agora. Há muitos enigmas sobre o seu passado, o que só enriquece aquela figura sombria. As cenas durante o parto de Joelly foram aterrorizantes. E vale um adento para Grazi Massafera, que conseguiu se destacar mesmo em uma sequência rápida, quando Josefa (Arlete Salles) contou que ela seria avó. O surto da Arminda foi um deleite.

"Três Graças" segue imperdível e recheada de acontecimentos bem estruturados. Aguinaldo Silva, Virgilio Silva e Zé Dassilva vêm presenteando o público a cada capítulo.

"O Testamento: O Segredo de Anita Harley", novo documentário do Globoplay

2026-02-23T19:13:00.007-03:00

Uma herdeira em coma, um império bilionário em jogo, uma batalha judicial que já dura quase uma década e que expõe laços de afeto, poder e fortuna. Esses são os elementos centrais da série documental ‘O Testamento: O Segredo de Anita Harley’, novo Original Globoplay, que estreia nesta segunda-feira, dia 23 de fevereiro. Com produção do Núcleo de Documentários dos Estúdios Globo, os cinco episódios chegam juntos ao streaming e o primeiro estará disponível para todo o público, incluindo não assinantes. A obra conta a trajetória empresarial e familiar complexa de Anita Harley, maior acionista individual das Casas Pernambucanas – uma das redes de varejo mais tradicionais do país –, e apresenta os bastidores das disputas envolvendo duas ex-funcionárias da empresária e o filho de uma delas em torno de sua curatela e herança avaliada em mais de R$ 1 bilhão.

Criada no Recife, na década de 1940, Anita cresceu cercada pela tradição e influência da família no varejo nacional: a empresária é filha de Helena Groschke Lundgren e bisneta de Herman Lundgren, fundador da Pernambucanas. Nos anos 1990, após a morte da mãe, assumiu a presidência da companhia. No entanto, um evento inesperado mudou o rumo da sua carreira. Desde 2016, está em coma depois de sofrer um acidente vascular cerebral (AVC), desencadeando uma batalha judicial em volta da sua curatela – encargo legal atribuído a uma pessoa para representar alguém civilmente quando este não possui capacidade para fazê-lo, como a administração de seus bens.

Nessa complexa batalha judicial, o documentário apresenta os principais envolvidos: de um lado, Cristine Rodrigues, secretária de confiança de Anita e designada como responsável por seus cuidados em testamento vital – documento em que uma pessoa pode expressar desejos caso esteja incapacitada, como em um coma; de outro, Sônia Soares (conhecida como Suzuki), funcionária que residia na mansão da herdeira e que se apresenta como companheira de Anita.

O conflito entre elas se intensifica a partir do anulamento do testamento vital, como resultado de uma ação movida por Suzuki que retirou Cristine da curatela e a impediu de visitá-la no hospital. Nessa disputa também entra Arthur, filho de Suzuki e criado desde pequeno na casa da empresária. Ele ganha, judicialmente, o reconhecimento do vínculo de maternidade socioafetiva com Anita, tornando-se seu herdeiro direto e curador. Posteriormente, em um depoimento no tribunal, Cristine revela que Suzuki não poderia ser a esposa de Anita, porque a verdadeira era ela.

Para organizar essa complexa teia de informações para o público, a série apresenta depoimentos de personagens-chave dessa trama, e reúne relatos de advogados, amigos e familiares. “Fiquei muito envolvida com o desafio da investigação de uma disputa judicial propriamente dita e tentando convencer as pessoas envolvidas a falarem – o que foi, sem dúvida, o mais difícil de tudo”, conta a diretora Camila Appel. Anelise Franco, produtora, destaca este como principal desafio de produção: “A adesão ao projeto exigiu um processo de negociação longo, delicado e complexo. Em alguns casos, levando mais de dois anos até que a participação fosse confirmada”, explica.

A trama, marcada pelas versões conflitantes e sucessivas reviravoltas, conduz o espectador por processos que ora confirmam, ora anulam relações de afeto e legitimidades jurídicas – expondo, inclusive, a fragilidade de documentos como o testamento vital. “É uma chuva de versões sobre cada detalhe. Então, é um vai e vem na nossa cabeça, porque a hora que você acha que está construindo um caminho, de repente vem alguém e fala alguma coisa e te traz um outro lado”, completa Dudu Levy, codiretor.

Utilizando-se ainda de documentos e análises jurídicas de dezenas de processos, ‘O Testamento’ também recorre a dramatizações que não têm a intenção de reconstruir os fatos de forma literal, mas ajudar a traduzir o emaranhado de versões e levar o espectador junto nas viradas da narrativa – que são muitas. “É uma trama em movimento, e isso também é um desafio narrativo. A cada nova decisão judicial, a história muda de rumo. E é justamente nesse terreno instável que o documentário se constrói”, finaliza a diretora Camila Appel.

A série documental ‘O Testamento: O Segredo de Anita Harley’, Original Globoplay, é uma produção do Núcleo de Documentários dos Estúdios Globo. A obra tem direção de Camila Appel, codireção de Dudu Levy, roteiro de Ricardo Calil, Camila Appel e Iuri Barcelos. Iuri também assina a pesquisa. A produção é de Anelise Franco, a produção executiva de Fernanda Neves e a direção artística é de Monica Almeida.

Alana Cabral é uma grata surpresa em "Três Graças"

2026-02-21T00:00:00.001-03:00

A estreia de Alana Cabral como uma das protagonistas em "Três Graças" tem sido um dos pontos mais interessantes da atual safra de novelas. Em seu primeiro papel à frente de uma trama, e ainda tão jovem, a atriz demonstra uma segurança que chama atenção na trama de Aguinaldo Silva, Zé Dassilva e Virgilio Silva, dirigida por Luiz Henrique Rios.

Desde os primeiros capítulos, Alana construiu Joelly com delicadeza, evitando exageros. Sua interpretação aposta no naturalismo, o que faz com que os conflitos da personagem pareçam orgânicos. Para alguém em seu primeiro protagonismo, é notável a forma como ela sustenta cenas longas e emocionalmente exigentes sem perder o tom. Claro que dividir o protagonismo com Sophie Charlotte (Gerluce) e Dira Paes (Lígia) serve como ponto de apoio importante, mas seu bom desempenho merece reconhecimento.

Há ainda um desafio adicional em sua composição: Joelly é uma adolescente impulsiva, que muitas vezes faz o que quer, toma decisões precipitadas e contraria conselhos. Um perfil assim facilmente poderia irritar o público ou gerar rejeição. Ainda mais diante da relação com outra figura irresponsável, o instável Raul (Paulo Mendes).

No entanto, Alana consegue driblar esse risco ao revelar as fragilidades por trás das atitudes intempestivas. Em vez de apresentar apenas teimosia, ela deixa transparecer insegurança, medo e desejo de afirmação, o que humaniza a personagem e torna compreensíveis até mesmo suas escolhas mais questionáveis.

Esse amadurecimento ficou ainda mais evidente nas cenas recentes que envolvem a tensão do parto de Joelly. A sequência marcada pelo medo de ter a filha roubada por Samira (Fernanda Vasconcellos) exigia um equilíbrio delicado entre fragilidade e instinto de proteção, mas a atriz encontrou esse ponto com precisão. Sua expressão corporal transmitia exaustão e vulnerabilidade, enquanto a voz trêmula revelava o pânico crescente diante da ameaça. Não houve exagero; houve verdade. E o pânico diante da vilã, em uma sala de parto isolada, expôs toda a tensão necessária daquele instante de terror.

É especialmente louvável que, mesmo com pouca idade, Alana não se apoie apenas na intensidade emocional. Ela demonstra compreensão do ritmo dramático, sabendo quando conter e quando expandir a emoção. Essa maturidade artística sugere um futuro promissor, caso continue escolhendo projetos que desafiem suas capacidades. Vale lembrar que não é seu primeiro trabalho na televisão. Ano passado, a atriz brilhou mesmo com um pequeno papel na irretocável "Guerreiros do Sol", novela do Globoplay. A sofrida Damiana foi bem defendida por ela. "Assédio" (2018), "Verão 90" (2019), "Nos Tempos do Imperador" (2021) e "Eleita" (2022) foram outros trabalhos em que Alana teve pequenas participações e que serviram como preparação para seu atual momento.

Em "Três Graças", sua estreia como protagonista, aos 18 anos, não soa como aposta arriscada, mas como um passo coerente de uma jovem atriz que demonstra preparo e sensibilidade. Talento, quando aliado a dedicação e inteligência cênica, realmente independe da idade.

Cobertura do Carnaval da Globo no RJ foi repleta de erros, mas Milton Cunha passou ileso

2026-02-17T23:30:00.002-03:00

A cobertura do Carnaval pela Globo neste ano foi muito ruim e todas as novidades apresentadas se mostraram um fiasco. As muitas críticas nas redes sociais se mostraram justas diante de tudo o que foi apresentado. Mas, em meio a tantos problema perceptíveis, a presença de Milton Cunha novamente foi o ponto alto das transmissões.

Milton foi, mais uma vez, o verdadeiro espetáculo à parte. Debochado, inteligente e um conhecedor raro do universo do samba, conseguiu traduzir para o público a complexidade dos enredos, explicar referências históricas e culturais com clareza e ainda manter o brilho e a emoção que o Carnaval exige. Seu entusiasmo é contagiante, sua leitura estética é precisa e sua capacidade de contextualização transforma alegorias e fantasias em narrativas vivas. Em vários momentos, o público assistia ao desfile pelos olhos de alguém que realmente entende e ama aquilo que está vendo. Vale destacar ainda suas performances na hora do fechamento dos portões, as entrevistas bem-humoradas e as brincadeiras com os integrantes das escolas.

Infelizmente, o restante da transmissão não acompanhou esse nível. A novidade do rádio aberto para ouvir a comunicação interna das equipes das escolas parecia uma boa ideia no papel, mas na prática se mostrou invasiva e pouco funcional.

Em vez de agregar informação relevante, muitas vezes gerou ruído, quebrou o ritmo da narrativa e tirou o foco do que realmente importa: o espetáculo na avenida. Carnaval é imagem, é música, é emoção e não bastidor truncado.

Outro ponto problemático foi a câmera de qualidade inferior usada pelo Pretinho para filmar as baterias. Justamente em um dos momentos mais vibrantes do desfile, quando a bateria entra com força total e a Sapucaí pulsa, a imagem perdia definição, estabilidade e impacto visual. Em plena era de transmissões em altíssima definição, é difícil compreender a escolha por um equipamento que empobrece visualmente um dos pontos altos de cada escola. O objetivo foi mostrar um amadorismo para gerar identificação? Não deu certo.

Mas o maior problema foi a falta de foco nos desfiles. Cortes excessivos, enquadramentos que perdiam detalhes importantes das alegorias, pouca permanência nas evoluções coreográficas e momentos decisivos mostrados de maneira apressada comprometeram a experiência. O Carnaval é minúcia, é acabamento, é conjunto e a câmera precisa respeitar o tempo da escola na avenida. Os enredos foram muito mal explicados por Alex Escobar e Karine Alves, que falavam em horas inapropriadas e ainda assim com pouca informação relevante. Tudo ficou em cima da sabedoria de Milton, que sozinho não deu conta de tudo. É preciso criticar ainda a falta de destaque na exibição das rainhas de bateria. O telespectador perdeu parte do espetáculo de Mayara Lima, rainha da Paraíso do Tuiuti, e da vergonha alheia de Virginia, rainha da Grande Rio, citando apenas dois exemplos.

No fim das contas, ficou a sensação de que quem sustentou a grandiosidade da transmissão foi Milton Cunha. Ele foi o fio condutor, o tradutor cultural, o comentarista que elevou o nível quando a parte técnica tropeçava. Se houve brilho constante na cobertura, ele veio da inteligência, da sensibilidade e da paixão de Milton.

Capítulo 100 de "Três Graças" faz jus ao que a novela apresenta de melhor

2026-02-12T23:30:00.001-03:00

A cerimônia de inauguração da nova farmácia da Fundação Ferette na Chacrinha marcou o capítulo 100 de 'Três Graças', que foi ao ar nesta quinta-feira, dia 12, com uma sequência de acontecimentos impactantes, que se estendem para os capítulos seguintes. O evento foi idealizado por Xênica (Carla Marins) com o objetivo de fazer com que Ferette (Murilo Benício) acreditasse que seria um momento de celebração de suas ações sociais na comunidade, mas a intenção foi mostrar para todos que Rogério (Eduardo Moscovis) estava vivo.

Na ocasião, Gerluce (Sophie Charlotte) encontrou Paulinho (Romulo Estrela) a serviço, acompanhado do delegado Jairo (André Mattos) e Juquinha (Gabriela Medvedovski). O clima estava melhor entre os dois após ela pedir perdão por ter escondido informações sobre Rogério. A cerimônia começou e Ferette discursou para o público, apresentando Leonardo (Pedro Novaes) como seu sucessor no comando da Fundação. Arminda (Grazi Massafera) acompanhou o discurso de perto. Neste momento, Misael (Belo) estava com sua arma na mira do empresário, pronto para colocar o plano em prática no momento mais oportuno.

Enquanto isso, Zenilda (Andréia Horta) apareceu de surpresa no flat de Rogério. Ao saber de tudo o que aconteceu em torno da "morte" do empresário e sobre o esquema dos remédios falsos, a advogada selou com ele uma parceria para acabar com o ex-marido e Arminda e seguiram para o evento.

Após o discurso de Ferette, Xênica passou o microfone para Zenilda, que após algumas palavras sobre a trajetória da entidade, chamou Rogério para o palco. Ele se apresentou para surpresa de todos, atraindo a curiosidade dos jornalistas presentes, incluindo Téo Pereira (Paulo Betti), que ficou completamente atiçado com a novidade, enquanto Ferette e Arminda se assustaram.

Decidido a acabar com a vida de Ferette, Misael atirou, mas Consuelo (Viviane Araújo), que chegou perto dele na hora com a ajuda de Gilmar (Amaury Lorenzo), evitou uma tragédia maior. O pânico foi geral e Gerluce ficou aflita atrás de Joélly (Alana Cabral). A jovem estava conversando com Lena (Bárbara Reis), e decidiu ir para casa, enquanto Samira (Fernanda Vasconcellos) confrontou a esposa de Herculano (Leandro Lima) por ter ido atrás da jovem, logo depois que ela foi embora. Joélly entrou em casa, deixando a mãe e Lígia (Dira Paes) aliviadas.

Nos arredores do evento, o clima ainda era de muita confusão. Tentando livrar Misael da situação em que se envolveu, Consuelo tirou a arma dele e entregou a Gilmar para esconder. Logo depois, o delegado Fausto (Paulo César Grande) e outros policiais apareceram, e, Misael deu um beijo em Consuelo para disfarçar, deixando a consultora de beleza muito irritada. Os autores aproveitaram o centésimo capítulo para um momento que o público estava ansioso. Uma estratégia inteligente em meio aos vários acontecimentos da trama.

Aliás, toda a situação serviu para juntar todos os núcleos da novela, algo comum nas novelas há anos mas quase extinto na teledramaturgia atual. Há uma clara intenção de retomar o dramalhão clássico na atual trama, o que é ótimo. E todos os acontecimentos foram relevantes. Vale até citar também a hora em que Viviane (Gabriela Loran) mostra os seus brincos para Paulinho e Juquinha de uma forma nada espontânea para que os policiais esqueçam aquele par achado do lado de fora da mansão de Arminda. Também é preciso elogiar a inserção de Téo Pereira, vindo de "Império", após a bem-sucedida participação de Crô (Marcelo Serrado), que veio de "Fina Estampa". O personagem serviu para movimentar os conflitos e até foi o responsável pela divulgação do romance 'Loquinha', com direito ao nome do fandom do casal nas redes sociais. Ainda é obritagório elogiar a perspicácia em colocar o grande vilão sofrendo um atentado igual ao ocorrido com Donald Trump durante a campanha para as eleições nos Estados Unidos. Ferette ainda usou a situação para se promover, algo que o atual todo poderoso do mundo também fez.

Foram quatro dias inteiros de gravação, com mais de 500 figurantes, praticamente todo o elenco da novela envolvido, e uma estrutura complexa de equipamentos - gravação com cinco câmeras, por exemplo, número maior que na maioria das cenas externas - para a realização da sequência do evento. Para as equipes de cenografia e produção de arte foi um trabalho intenso que demandou uma preparação de mais de uma semana. Um palco de 5x6 metros para a cerimônia, fora um outro palco para a área vip, e outras estruturas foram montadas na Cidade Cenográfica da Chacrinha. A equipe de arte decorou o local com diversas barraquinhas de comida, cartazes e decoração do palco e todas as áreas do evento, para trazer a maior vivência possível. Esse tipo de informação é relevante porque, na atual gestão da Globo, o corte de custos é uma regra em todas as produções, o que vem prejudicando muito a qualidade das novelas. Esse tipo de sequência era uma rotina na teledramaturgia da emissora, mas agora virou raridade.

"Três Graças" segue atrativa e prendendo o telespectador. Aguinaldo Silva, Virgilio Silva e Zé Dassilva não estão para brincadeira e o capítulo 100 fez jus ao que a novela tem apresentado de melhor.