After two years of silence the ‘One American Second’ project is finally showing up again!

My new audio concept Imperial Presidents is inspired by the self-published book ‘War Is A Lie’, which is deemed to be the most comprehensive anti-war statement available in the English language.

I recently listened to some interviews with author David Swanson and decided to take the most significant parts of these recordings and surround them with sound. As simple as that.

Enjoy the noise.

Launching A War (3:40)
In The Hands Of One Person (3:40)
Weapons And Concerns (3:30)
Collapse (3:06)
The Fix (3:02)
Military Budgets (5:30)
After The Speech (2:50)

www.warisalie.org
www.normanfairbanks.com
http://soundcloud.com/norman-fairbanks
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Wenn ein schwarzer Ferrari-Hengst auf einer Platte prangt, dann sollte man die Ohren spitzen. R&S Records war in den 90ern eines der wichtigsten Techno-Labels der Welt und hat sich nach kleiner Pause vor einigen Jahren völlig neu aufgestellt. Was ist passiert und wie kann man von der eigenen Geschichte profitieren, ohne sie zu missbrauchen? Das erklärt uns A&R Dan Foat im Interview.

Reges Treiben im Berliner Admiralspalast an einem Novemberabend. James Blake gibt ein gediegenes Theaterkonzert, doch das ist uns fast egal. Wir suchen den Mann, der Blakes bisher beste Platten veröffentlicht hat und zudem sein Manager ist. Mit brav-rotem Strickpulli und Normalo-Jeans sitzt Dan Foat im Umkleideraum, zwischen MacBooks und einem Berg Platten, den er sich heute im Hardwax geholt hat. Dan ist als A&R seit ein paar Jahren für die Musik bei R&S Records verantwortlich. In Berlin hat er heute Locations für künftige Labelpartys begutachtet und nachts wird er mit James noch auflegen. Sein iPhone klingelt und brummt im Sekundentakt. So sieht Label-Arbeit im mobilen Zeitalter aus – egal wo er und sein Rechner sich auf der Welt gerade befinden, sagt er, da ist die Zentrale von R&S.

Wir erinnern uns: 1984 wurde R&S im Zeichen des schwarzen Ferrari-Hengstes von Renaat Vandepapeliere und Sabine Maes in Belgien gegründet. Im Laufe der 90er hat das Label wie kein anderes in Europa die weltweite Evolution von Techno dokumentiert und viele wichtige Platten von gleichermaßen legendären Künstlern wie CJ Bolland, Joey Beltram, Aphex Twin oder Model 500 veröffentlicht. Anfang 2000 verschwand R&S in der Versenkung und wurde eingestellt – die diversen Gründe dafür liest man am besten im langen Interview mit Renaat nach, das dem damals überraschenden Neustart des Labels auf den Grund ging. Doch mit Meilensteinen wie “Selected Ambient Works 85-92″ oder Model 500s “Classics” im Rücken kann man nicht einfach so weitermachen wie früher. Zehn Jahre Entwicklung der elektronischen Musik gehen nicht spurlos ins Land. Also sprach Renaat von neuen Abenteuern und Herausforderungen, von seinen zahlreichen finanziellen Nebenprojekten und vom Aufbau eines internationalen Teams.

Mission erfüllt
Der Wiederanfang zog sich dann etwas länger hin und die vielbeschworene Neuerfindung fand erst 2010 richtig statt. Renaat hat sich offenbar zurückgezogen und mit ihm rückte nahezu das gesamte alte Repertoire in die zweite Reihe. Dan Foat – der als Teil von The Chain selbst auf dem Label veröffentlicht – hat sie alle geholt: James Blake, Pariah, Space Dimension Controller, Lone. Mit ihnen bekam R&S einen neuen Sound, der breiter aufgestellt ist als je zuvor. Die “Mission 2″ scheint geglückt, wenn auch anders als vor Jahren noch erwartet. Dan klärt uns auf.

Debug: Wie bist du zu R&S gekommen?

Dan Foat: Ich bin seit 2008 im Boot. Davor war ich bei Phonica in London und leicht gelangweilt, weil ich schon zu lange in Plattenläden gearbeitet hatte. Mit einem Freund hatte ich gerade einen Track auf Mule veröffentlicht, als mir jemand erzählte, dass R&S wieder anfangen und Leute suchen würden.

Debug: Hat das Label nicht schon 2006 neu gestartet?

Dan: Schon, aber es hat eine Weile gedauert, bis die Londoner Abteilung komplett übernommen hat, weil es eigentlich gar nicht geplant war, dass das Label aus England geführt wird. Aber ich signte immer mehr Künstler von dort, und dann kam 2009 auch Andy Whittaker als Labelmanager dazu – Jedenfalls arbeiten wir seit 2009 von UK aus.

Debug: Was ist aus Renaat geworden?

Dan: Es ist sein Label, er ist der Präsident. Aber die A&R-Arbeit mache ich und Andy schmeißt das Tagesgeschäft. In diesem Sinne sind wir das “neue Gesicht” von R&S. Wir sind natürlich ständig in Kontakt mit Renaat und selbstverständlich hat er auch ein Auge auf die Finanzen. Es ist ja nicht leicht, heute ein Label zu führen, aber für uns funktioniert es soweit ganz gut.

Debug: Renaat schafft also die Kohle ran und ihr arbeitet damit?

Dan: In finanzielle Dinge bin ich einfach nicht involviert. Ich weiß nur, dass wir ganz von vorne anfangen mussten, als während der Wirtschaftskrise (die große Vertriebsgruppe) Pinnacle pleite ging. Es wird aber von Renaat nicht viel Geld in R&S reingepumpt. Es geht darum, gut durchzukommen. Deshalb ist unser Set-Up auch winzig: Andy und ich arbeiten meist nicht am selben Ort und haben weder Büro noch Personal. Alles besteht also nur aus uns beiden, einem Laptop und unseren Künstlern.

Debug: Dann habt ihr euch in jeder Hinsicht neu geordnet. Ist dieser Prozess schon abgeschlossen?

Dan: Wenn ich mir unsere Künstler ansehe und an meine Vision denke, dann glaube ich, dass sich gerade alles zusammenfügt. Zumindest von außen betrachtet – einen neuen Katalog aufzubauen und das Geschäft am laufen zu halten, ist viel langwieriger. Den Leuten, die noch Musik kaufen, müssen wir verdammt noch mal auch das beste Vinyl bieten, das sie kriegen können! Kaufen tun die wenigsten, deswegen machen wir uns gerade viele Gedanken über andere Bereiche, wie eben die Partys.

Debug: Im Gegensatz zu früher kommen inzwischen fast alle R&S-Künstler von der Insel. Wie schlägt sich das im Sound nieder?

Dan: Tatsache ist, dass viele von ihnen etwas Neues machen, da ist mir die geografische Verortung ganz egal. Ich sehe nur die Musik, egal ob die Leute meinen, wir seien ein Techno- oder vielleicht ein Dubstep-Label. Das interessiert mich Null, so lange wir gute Partys und perfekte Platten machen, die alle feiern. Blawan macht unglaubliche Techno-Platten, mit ein bisschen Acid drin. Oder nimm die Klavierwerke von James – die Leute wussten nicht, wie sie es nennen sollten, also wurde es Post-Dubstep. Absoluter Quatsch!

Die neue Mitte
Tradition muss sein, deshalb hat man die “In Order To Dance”-Serie wiederbelebt. Die beeindruckende Hitparade der letzten beiden Jahre aber setzt ganz auf frische Kraft, denn ein einziger Model-500-Track (auch noch im Bullion-Remix) ist oberflächlich alles, was von früher geblieben ist. Es regieren die jungen Briten, mit dem Sound, der eigentlich insgesamt keinen Namen haben kann, und wenn dann Post-Alles ist. Pariah spielt mit HipHop, Soul-Popper Blake auf seiner neuen EP ebenfalls und Vondelpark bringen gar Gitarren zwischen die sanften Garage Beats. Dazu die Roughness von Blawan oder die ravigen Nummern von Lone und Untold. Diversifizierter geht‘s nimmer, vorwärts immer? Das Hardcore Continuum ist in einer neuen Mitte angekommen, die wenig ausschließt und als nächste Stufe eigentlich nur noch einen Schritt zurück zulässt. Wohin auch immer, R&S treibt die Entwicklung maßgeblich mit voran.

Debug: Welche Rolle spielt die Vergangenheit von R&S?

Dan: Wir profitieren natürlich vom Image. Was Renaat früher gemacht hat, half mir definitiv dabei, die neuen Jungs richtig zu pushen. Trotzdem musste ich die Leute erstmal signen und die Platten rausbringen, das steht auf einem anderen Blatt. Ich kann noch nicht abschätzen, wo es für uns hingeht und wie das dann mit der Geschichte von R&S zusammengehen wird. Wenn wir in vier Jahren noch mal sprechen, dann zeigt sich vielleicht, ob das alles den großen Sinn ergibt. Oder ob es nur zwei Jahre mit ganz okayen Tracks waren.

Debug: Was kann man sich denn mehr wünschen als eure bisherigen Releases?

Dan: Großartige Alben will ich veröffentlichen! Die Kids sollen nicht bloß auf Beatport gehen und sich einen Track holen. Das mag heute zwar lächerlich klingen, aber ist die neue “EP” von Space Dimension Controller etwa nicht fantastisch? Ich will, dass sich meine Künstler zu den ganz Großen entwickeln. James hat das schon geschafft, wir sind mit seinem Album jetzt fast bei 300.000 verkauften Einheiten weltweit angelangt. Klar, James ist die große Ausnahme bei uns. Aber man sieht, dass ein Album funktionieren kann!

Debug: Weil Alben etwas Beständigeres sind?

Dan: Genau das ist mir eine Herzensangelegenheit: bloß keine Einweg-Dance-Music fabrizieren! Keinen Schrott, der in zehn Minuten auf dem Laptop gemacht wurde.

Flame haben schon immer interessante kleine Maschinchen gebaut: vom Clockwork über den Echometer bis hin zum Six-In-A-Row. Jetzt ist ein Video vom Prototypen der Chord Machine aufgetaucht, einem Modul das Akkorde generiert und auch als Arpeggiator dient.

Die Specs:

Euro Rack module
Chord generator/arpeggiator
for 4 real voices !

- 32 chords
- chord positions: root, 1st invers, 2st invers
- Controls: Chords, Transpose (Keynote), Chord 2nd Tone, Arpeggio direction
- 3 modes: directly (no input quantize), quantize, manually (intern settings)
- Arpeggiator mode
- 4x CV outputs CV 1..4 chord
- 1x CV output chord arpeggio
- Trigger inputs chord + arpeggiator
- CV inputs chords
- CV ranges 10 octaves
- CV resolutions 12bit
- software updates possible via usb
- Size: Euro rack module 10HP

Flame

Bevor Danilo Plessow aka Motor City Drum Ensemble im Berliner Osten die Platten auspackt, dreht er zunächst noch eine kleine Extrarunde ins malerische Potsdam und schaut beim De:Bug & Groove Radio vorbei. Wir senden wieder, los geht’s wie immer um Mitternacht. Zwischen 0.30h und 1.30h gehören die Plattenteller dann MCDE. Zuerst quetschen wir ihn kurz aus, was denn gerade so geht oder in der Pipeline ist, dann hören wir einfach zu. Und ihr auch, hoffentlich zumindest. An neuen Platten mangelt es wie üblich nicht, die fünf Stunden Sendezeit sind vollgepackt für unser erprobtes Pingpong zwischen Herrmann & Hoffmann.

Reinhören! In Berlin und Brandenburg oldschoolig auf UKW (Frequenzen), oder natürlich auch via Stream (Files). Die Stummfilm-Peepshow wartet hier.

Max Cooper hat es geschafft. Er hat seinen Job als Wissenschaftler an den Nagel gehängt und kann sich nun seiner Musik in Vollzeit widmen. Natürlich ist die theoretische Tätigkeit nicht spurlos an ihm vorübergezogen, sondern hat sich in seine Produktionen eingeschlichen. Seine “Series”-Reihe macht dies nur allzu deutlich, wenn z.B. Titel wie “Stochastisch” einen theoretischen und wissenschaftlichen Zugang zur Musik preisgeben. Erschienen sind die “Series” auf Traum Schallplatten. Das Label hinter Riley Reinhold erkannte in 2009 Coopers Potential und veröffentlich seitdem regelmäßig seine Werke. Die nächste Single ist für April angekündigt. Bis dahin kann man sich Max Cooper im Traum Music Magazin Interview anschauen, indem er über seine ersten Berührungspunkte mit elektronischer Musik, seine Lieblingskomponisten und eben über den Einfluss der Wissenschaft in seine Musik spricht.

Max Cooper
Traum Schallplatten

Ihre erste Karriere als Popküken fuhr Lizzy Grant direkt gegen die Wand, die zweite unter dem Pseudonym Lana del Rey lässt sich dafür umso vielversprechender an: Es umranken sie so viele Geheimnisse, dass selbst gestandene Popschreiber wackelige Knie kriegen, wenn sie zum Interview bittet. Im Gespräch kommt dann auch wirklich alles zusammen: Entrüstung, Kälte, Sex, Empörung, Neugier, Ehrlichkeit, Lügen. Und noch viel mehr Geheimnisse.

Lana del Rey sieht irre aus. Das ist immer das erste, was kommt: die Daffy-Duck-Lippen, die Operierthaftigkeit, die künstliche, verwirrende Schönheit, die brutal traurigen Augen. Irgendwann ihre dunkle Stimme, das Lied “Video Games” und der dazugehörige körnige, sonnendurchflutende Vintage-Bilderreigen des Videos, in dem sich für einen Moment die visuellen Sehnsüchte des aktuell contemporary scheinenden Jungseins bündelten. Und das auf die Schnelle elf Millionen YouTube-Zuschauer fand. Dann kommt lange nichts. Aber jetzt kommt ihr Album.

Das große Entmystifizierungsfressen
Was dem findigen Popdiskursler bisher zu Lana einfällt: das Retromanie-Rolemodell mit der Hollywood-Sehnsucht in den smokey Eyes. Ein White Trash Vamp mit Hang zu Tumblerismen, grob verortet zwischen Film Noire und Nostalgia. Eine sexelnde Samplequeen, der Hype des Herbstes 2011 und natürlich ein gefundenes Entmystifizierungsfressen für nörgelnde Nerdblogs. Die Frau, die Fragen nach Identität genau richtig stellt, so nämlich, dass sie wie Antworten aussehen. Ungebetene Antworten zu ihrer geheimsinnvollen Vergangenheit kamen derweil auch aus anderen Ecken: Etwa, dass die 25-Jährige, bevor sie sich den Namen Lana del Rey – eine Mischform aus dem Ford del Rey und der Hollywood-Actrise Lana Turner – gab, bereits unter ihrem bürgerlichen Namen Lizzy Grant firmierte und eine lupenreine Popkükenkarriere gegen die Wand fuhr. Es läuft für uns also zwangsläufig auf die Frage hinaus, die heutigentags natürlich immer auch die blödeste Frage ist: Wie viel Wahrheit steckt hinter dem Zitatezyklus? Wer ist diese Lana aus Brooklyn?

Lookbook-Lolita
Haben wir es wirklich mit dem ersten Hipster-Popstar des 21. Jahrhunderts zu tun, in dessen Aura und Attitüde sich all die Hoffnungen und das Ironiedenken der derzeitigen Pretender-Persönlichkeiten zu einem Übermenschen vereinen? Eine Twenty-something-Göre, die den Leuten mit ihrem Sehnsuchtsgesäusel aus der Krise helfen soll? Wie schön wäre es denn, diese Lookbook-Lolita da oben mitmischen zu sehen. Oder ist Lana del Rey doch der größte Fake des Jahres 2011, mit etwas Chillwave behandelt, am Reißbrett findiger A&R’s entstanden? Und unabhängig davon auch das bis dato drastischste Beispiel dafür, dass die vorschnelle Erhebung in den Pop-Olymp bei einer derartigen Hype-Halbwertszeit echtes und langlebiges Star-Tum der letzten 40 Jahre vollkommen zunichte macht? Der Beweis dafür, dass es nie wieder Diven, Größen, Primadonnen geben wird? Wie genial-selbstironisch ist da bitte der Titel des Albums “Born To Die”? Denn so stark die Singles “Blue Jeans” und “Videos Games” waren, so stark fällt das Debüt mit einer Mischung aus seichtem Sadcore, öden HipHop-Beats, halbgarem Throwback-Soul und letztjährigem Gitarren-Pop ab.

Megazerbrechlichkeit
Wir treffen sie für 20 Minuten im Soho-Haus in Berlin-Mitte: Lana. Wie alle großen Schauspieler(innen) ist sie in Wirklichkeit viel kleiner und noch viel dünner als auf dem Bildschirm. Sie sieht nicht im eigentlichen Sinne hübsch, sondern im uneigentlichen Sinne modern aus: freaky und geil. Lana nimmt auf einem mit rotem Samt bestickten Sofa Platz, sie trägt weißes Spitzenkleid und Chucks, beim Versuch natürlich rüberzukommen, wirkt sie superkünstlich. Selbstbewusst scheinen, erweckt bei ihr den Eindruck, als fiele sie einem jeden Moment weinend um den Hals und erzählt die Horror-Geschichten aus der Kindheit. Wir kommen zu zweit, weil wir Angst hatten, dass sie einen allein blenden könnte. Wir wollen ehrlich fragen, obwohl wir natürlich gleichzeitig fürchten, die Megazerbrechlichkeit dieser Person zu sprengen. Im Gespräch kommt dann alles zusammen: Entrüstung, Kälte, Sex, Empörung, Neugier, Ehrlichkeit, Lügen. So falsch, so echt, so verschlossen und durchschaubar. Vielleicht ist es die stete gleichzeitige Aufrechterhaltung all dieser Komponenten, die Lana del Rey ausmacht. 

Debug: Erinnerst du dich an Träume aus Kindertagen?
 
Lana del Rey: Als ich ein kleines Kind war, hatte ich den Traum, dass ich alleine auf einem Boot aufwache. Und ich wusste ganz genau, dass außer mir niemand anderes auf der Erde ist.
 
Debug: Was für ein Boot war das?
 
Lana: Ein Holzboot.
 
Debug: Ein kleines Boot?
 
Lana: Zwei Stockwerke hoch.
 
Debug: Das ist gut. Wobei, das ist ja eigentlich nicht so gut.
 
Lana: So ist es passiert. Das ist, woran ich mich erinnere.
 
Debug: Wie schaffst du es eigentlich, so gelangweilt und dramatisch zugleich auszusehen?
 
Lana: Denkst du, ich sehe gelangweilt und dramatisch gleichzeitig aus? Okay, lass mich überlegen. Wann?
 
Debug: Etwa in deinen Videos.   
 
Lana: Also in “Video Games” versuche eigentlich, nicht gelangweilt zu schauen, da ich sehr viel Spaß am Leben habe. Vielleicht liegt es daran, dass ich, als ich “Video Games” gesungen habe, sehr ernsthaft und fokussiert war. Ich liebe diesen Song. Vielleicht ist es auch die Art, wie meine Stimme klingt. Ich singe in einer sehr tiefen Tonlage. Das verstärkt sicher meine Wirkung vor der Kamera. Ich bin nicht gelangweilt, ich bin sehr glücklich. Und ich schaue dramatisch, weil ich es vielleicht bin. Wenn ich es will, dann kann ich das schon sein. 

Debug: Als ich dich kürzlich jemandem beschrieben habe, klang das etwa so: große, dunkle Stimme, warme, visuelle Retrovibes, ein großer Schmollmund, enorme Wimpern, Lolita-Look, wohldosierter White Trash. Was macht das Bild von Lana del Rey komplett?
 
Lana: Ich weiß es nicht. Ich denke, dass es das ist.
 
Debug: Das kann nicht wahr sein. 
 
Lana: Lass mich mal überlegen, ob mir noch etwas einfällt. Ich habe ein Philosophiestudium abgeschlossen, das hat meine Art Songs zu schreiben sehr beeinflusst. Ich war immer darin interessiert, warum wir hier sind. Das Wichtigste, das mich ausmacht, ist aber, was in meinem Privatleben passiert. In meinen Beziehungen. Die Sachen, die ich jeden Tag mache. Also auch die Wimpern und mein Look.
 
Debug: Gibt es einen Unterschied zwischen der Person Lana del Rey und Lizzy Grant?
 
Lana: Nicht dass ich wüsste.
 
Debug: Warum hast du dann einen anderen Namen gewählt?
 
Lana: Als ich 17 war, machte ich schon meine eigenen Videos und schrieb meine eigene Musik. Aber ich entschloss mich, ein Kunstprojekt zu sein. Es war also kein wirklicher Wandel von einem zum anderen Charakter. Es ist keine andere Persönlichkeit.
 
Debug: Auf mich wirkt es manchmal, als wärst du ein menschgewordener Tumblr-Blog.
 
Lana: Vielleicht.
 
Debug: Bist du ein Fan von Tumblr-Blogs?
 
Lana: Ich weiß nicht, ich war noch nie auf Tumblr. Ich habe gehört, dass es etwas für Hipster ist? Das sagen die Leute doch, oder?
 
Debug: Das mag stimmen, ja. Aber wie verbringst du deine Zeit im Internet, wenn du nicht Tumblr-Bilder anschaust?
 
Lana: Ich bin meistens auf YouTube, schaue mir Biografien von Leuten an. Oder ich intensiviere mein Studium der Metaphysik oder all der Sachen, die mich interessieren. Ich lese mich durch die Geschichte des Rock’n’Roll und versuche herauszufinden, woher das alles kommt. Oder, wenn ich ein Video machen soll, dann sammele ich Bilder auf YouTube, die schön aussehen könnten. Bilder, die für mich auf unterschiedliche Weise interessant sein könnten. Entweder Elvis, weil ich seine Stimme mag, oder Bilder von Palmen, die im Wind wehen, weil das schön anzuschauen ist. 
 
Debug: Wer hört eigentlich Lana del Rey?
 
Lana: Ich weiß es nicht.
 
Debug: Würdest du es gerne wissen?
 
Lana: Ich weiß es nicht.
 
Debug: Du hast mal gesagt, dass du während deines Studiums versucht hast, Gottes Existenz mathematisch zu begründen. Was war das Ergebnis?
 
Lana: Meine Philosophie ist, dass es viele Fragen, aber keine Antworten gibt. Wenn ein Wissenschaftler die Existenz von Gott bewiesen hätte, dann hätten wir schon davon gehört, oder? Deshalb: nur Fragen, keine Antworten. 
 
Debug: Das Kreuz, dass du an einer Kette um den Hals trägst, ist nur zum Spaß, oder?
 
Lana: Das trage ich, weil es schön aussieht. Und aus persönlichen Gründen.
 
Debug: Persönliche Gründe, das klingt interessant.
 
Lana: Ist es nicht. (grinst) Es ist nur ein Kreuz, dass mir jemand geschenkt hat. Es ist von meiner Großmutter.
 
Debug: Für wen singst du eigentlich “Video Games”. Für dich selbst, oder?
 
Lana: Ich denke, die meisten meiner Songs singe ich für mich selbst. Am Ende des Tages bist du immer noch dir selbst überlassen und auf dich gestellt – auch wenn du mit jemandem verheiratet bist. Egal, an wen der Song gerichtet ist, es geht meistens um Dinge, die mich beschäftigen. Und ich singe natürlich auch für ihn.
 
Debug: Fühlst du dich oft allein?
 
Lana: Nein. Ich fühle mich glücklich.
 
Debug: Deine Musik klingt eher melancholisch, aber das muss ja kein Widerspruch sein, nicht wahr? 
 
Lana: Aber ich bin immer glücklich. Ich habe gemerkt, dass es sehr schwierig ist, menschlich zu sein. Nur am Leben zu sein, generell menschliche Aufgaben zu erledigen.
 
Debug: Du hältst es für schwer am Leben zu sein, aber bist glücklich darüber? Das klingt toll und absurd.
 
Lana: Bin ich absurd? Ist das euer Eindruck?
 
Debug: Nein.
 
Lana: So fühlt sich das aber an. Das denkt ihr über mich.
 
Debug: Interessant ja, absurd nein.
 
Lana: Gefällt euch denn, was ich mache?
 
Debug: Wir glauben schon, doch. 
 
Lana: Ihr glaubt also, dass ihr es mögt, sicher seid ihr euch aber nicht. Das ist, was ich gerade spüre.
 
Debug: Okay. (eine sehr lange Pause, Schlucken, Klimaanlage, man hört das Tippen der Musikmanagermenschen auf ihren MacBooks. Man entschließt sich wortlos aber geschlossen, jetzt einfach mal weiterzumachen als wäre nichts gewesen)
 
Debug: Was ist dein Lieblingsfilm von David Lynch?
 
Lana: Ich habe “Blue Velvet” gesehen. Den mochte ich sehr. Ich mochte das Cover.
 
Debug: Wie ist das mit den Visuals? Auf die Ballons bei deinem Auftritt gestern wurden hin und wieder auch feministische Zitate wie “Women, know your rights!” projiziert. Wie geht das mit deinem Lolita-Charme zusammen?
 
Lana: (lacht) Es ist eigentlich ein Witz. Dieser Clip kommt aus einem BBC-Special, das sich mit der These beschäftigt, dass Männer schlauer sind als Frauen. Sie zeigen dort Diagramme, die belegen sollen, das männliche Gehirne sehr effizient funktionieren, während die der Frauen zu nichts gut sind. Und die Männer sagen: “Frauen, kennt eure Rechte.” Das war nur ein persönlicher Joke von mir.
 
Debug: Man sieht oft auch Fotografen, die ihre Kamera wiederum in die Kamera halten und abdrücken. Oder Aufnahmen davon, wie John F. Kennedy aus dem Flugzeug steigt und die Menschenmassen erwarten ihn schon. Was fasziniert dich so daran, ein Star zu sein und von Leuten erkannt zu werden?
 
Lana: Ich weiß es noch nicht.
 
Debug: Willst du denn so berühmt werden?
 
Lana: Nein. Ich verwende diese Clips nur, weil ich denke, dass sie schön und strange sind. Es ist eine seltsame Seite der Menschen. Ich kommentiere das auch nicht. Ich füge es nur ein, weil es sich so von unserem normalen Leben unterscheidet. Wenn Kennedy aus dem Flugzeug steigt und fotografiert wird, dann ist das etwas ganz anderes – das ist wie Leben auf Crack.
 
Debug: Was sagst du Leuten, die behaupten, du wärest zu gut, um wahr zu sein?
 
Lana: Ich versuche gerade herauszufinden, was man darauf antworten kann. Ich habe die letzten Jahre damit verbracht, in meinem Zimmer in Brooklyn zu sitzen und zu schreiben. Ich weiß, dass Leute denken, dass das alles sehr gut und überlegt konstruiert ist, aber es ist etwas, dass ich instinktiv zusammengesetzt habe – aus Dingen, von denen ich denke, dass sie schön sind: Erinnerungen, die mir viel bedeuten, kombiniert mit der Art wie ich aussehe. So etwas lässt manche Leute vielleicht denken, dass Lana del Rey zu gut ist, um wahr zu sein. Für mich ist das alles sehr natürlich. So sind die Dinge nun mal.
 
Debug: Stimmt es, dass die Rapperin Princess Superstar eine deiner besten Freundinnen war, als du im Trailerpark gelebt hast?
 
Lana: Ja. Nachdem ich mein erstes Album aufgenommen habe, begann ich mit ihr zu arbeiten. Sie produzierte und ich sang. Wir nahmen sechs Tracks auf, von denen ich allerdings nicht weiß, wo sie sind. Sie hat sie wohl bei sich in New York, wo sie mit ihrem Mann und ihrem Kind lebt. 
 
Debug: Bist du gerade in einer Beziehung?
 
Lana: Ja.
 
Debug: Das ist gut.
 
Lana: Ja, das ist schön.
 
Debug: In einem Interview hast du deine Heimatstadt als kältesten Ort der ganzen Welt bezeichnet.
 
Lana: Ja, es ist wirklich der kälteste Ort in Nordamerika.
 
Debug: Es war also nur physisch gemeint?
 
Lana: Jaja. Ein sehr kalter Winter, alles war ständig zugefroren.
 
Debug: Aber du warst trotzdem immer sehr glücklich?
 
Lana: Als ich sehr jung war, habe ich nach Glück gesucht. Aber ich wurde immer glücklicher, je älter ich wurde. Weil ich das Leben so leben konnte, wie ich wollte. Ich versuche nicht, ein falsches Bild für euch zu zeichnen. Natürlich war nicht immer alles Glück und Sonnenschein – ich habe viele schwierige Zeiten durchgemacht, aber ich habe sie nie meine Zukunft ruinieren lassen. Ich wurde glücklicher, je älter ich wurde und mein eigenes Ding durchziehen konnte.

Lana del Rey, Born To Die, ist auf Universal Music erschienen.

Fotos & Produktion: Rachel de Joode

Solltet ihr geplant haben, heute Abend zu UR Wedding über die Panke von Bernau nach Wedding zu schliddern, dann macht euch am besten jetzt schon mal auf den Weg. Denn um 22 Uhr geht es schon wieder los mit Mia & Bleed im lockeren Ping-Pong hinter den Plattentellern in der kuscheligen Panke in der Gerichtstr. 23. Und wie ihr unten sehen könnt, haben wir festlich umdekoriert. Livestream wie immer hier, klar.

PS: Vorbeikommen ist natürlich immer noch besser, wenn ihr vorm Bildschirm tanzt sehen wir das nämlich überraschenderweise gar nicht. Um (höchstoffizielle) Anmeldung in der Facebook-Gruppe wird gebeten.

Sendung nach dem Break.

Click Box spielen sich in der letzten Zeit immer mehr frei vom klassischen Minimalsound und entdecken die Freude am Spiel mit den reduzierten Elementen. Wie bei nicht wenigen auf Items & Things erinnert auch ihr Sound immer mehr an klassischen Elektro und das – wir vermuten mal – Promoliveset für das Jahr ist eine wirklich Ode ans spröde funkige Gepolter um viele Ecken. Wir stehen drauf.

Der Computermusik-Komponist Sinan Bökesoy hat für Mac-User einen neuen Stand-Alone-Synth gebaut. Die Tonausgabe bedient sich eigener Synthesearten und Line-Ins, diese werden vom Programm in Mini-Loops verwurstet und durch Feedback-Schleifen abermals bearbeitet. Naja seht selbst:

Preis: 89 Euro

Sonic-Lab

Download der Demo

Our 4th mixtape by Phoebe is a compiled mix of desires, wishes, broken dreams, heartache and personal emotions. Enjoy and dream!

»Words which flew away, wont be back today.
Then. Now. Why did you go?
I am smelling the dust of broken flowers.
You trusted me. I know.
Let it go, you said.
(Waiting for you)«

PLAY / DOWNLOAD MIX AS MP3-FILE
PLAY / DOWNLOAD MIX AT SOUNDCLOUD

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Playlist:
01. Bruno Pronsato – What We Wish/Why Can’t We Be Like Us
02. Ingrid Michaelson – Corner Of Your Heart
03. Jabberjaw – Pop Bottle
04. Massive Attack – Paradise Circus (Gui Boratto Remix)
05. Dido – The Day Before The Day
06. Carsten Jost – Days Gone By
07. Robag Wruhme – Thora Vukk
08. All Thieves – Turn And Turn Again
09. RNDM – No Beginning
10. Dimbiman – SPF30
11. Bruno Pronsato – Feel Right

PS: sorry for the double post, we had some technical issues…

———
→ NOORDEN.ORG
→ FACEBOOK.COM/NOORDEN.ORG
→ SOUNDCLOUD.COM/NOORDEN

Kälte vertreiben? Geht immer noch am besten mit Deepness. Und die beherrscht Danilo Plessow aus dem Effeff, natürlich mit der entsprechenden Portion Dringlichkeit. Nach seinem Beitrag zur DJ-Kicks-Reihe warten wir schon hibbelig auf seine erste 2012er Bombe: Vielleicht hat er die ja schon am kommenden Wochenende in Berlin dabei.

Zur Primetime spielt er am Samstag im About Blank, das kongeniale WarmUp gibt es live ab 0.30 Uhr im Nightflight auf Radio Fritz, beim zweiwöchentlichen De:Bug & Groove Radio. Da kann man sich MCDEs Sound noch ganz gemütlich am UKW-Empfänger nähern und sich dann die Schneestiefel anziehen. Für die Party im Blank haben wir natürlich Freikarten, eine E-Mail an wissenswertes@de-bug.de mit dem Stichwort MCDE genügt, um euren Namen in den Topf zu werfen. 2×2 Karten haben wir zur Verfügung. Und natürlich lohnt auch der Rest des LineUps am Berliner Ostkreuz: Es ist wieder mal eine dieser Nächte.

MOTOR CITY DRUM ENSEMBLE (MCDE / 2020 Vision rec)
EFDEMIN (Dial, Naïf, Curle)
PETER POWER (Loftus Hall, Crimecity Disco)
NANO (Doppelschall, Get Deep)
FLAMEA (Get Deep)
CHARLIE SMOOTH (Get Deep)
DJ XING (://about blank / Get Deep)

Musik Nebensache: Das neue Video von OK Go “Needing/Getting” macht ein bisschen Werbung für Chevrolet, aber sonst vor allem Spass, denn außer Klampfe und mehr oder weniger gelungenem Knödel-Gesang von der Band gibt´s erstklassige Drums und funky Percussion von der Karre.

Re-Drum, Deep, feelgood pleasure of deep house & dub techno

with a basic but deadly produced beat, 18 minutes of joy, positive vibes to dance, dance & dance !!!

Re-Drum – Deep

Label: Deepindub.org – [DDD-009]

Format: 3 × File, Ep, MP3, 320 kbps

Contry: Italy

Released: 05 Feb 2012

Genre: Electronic

Style: Deep House, Dub Techno

Tracklist

01 – America Loves Everybody ( 5:28 )
02 – Deep ( 6:47 )
03 – To Be Or Not To Be ( 6:03 )

Notes

Total duration : 18:17

Release page : Re-Drum – Deep

Nein, die ominöse Version 9 ist es (immer) noch nicht, diversen Gerüchten zufolge aber die letzte 8er: Ableton hat heute die Version 8.2.8 von Live online gestellt. Neben dem neuen Ableton Improvement Program, das sich im Options.txt-File aktivieren lässt und eine Erweiterung zum bestehenden Bug Report ist, gibt es noch zwei Bugfixes:

-Receiving MIDI CCs on a MIDI track’s input was causing a high CPU load on OS X Lion.
-Fixed a bug in the “Beats” warp mode which could lead to unwanted clicks in rare cases.

Ableton

Der Patent-Blog Patently-Apple meldet, dass am zweiten Februar dieses Jahres das U.S. Patent- und Markenamt neue Apple-Patente veröffentlicht hat. Diese weisen auf die konkrete Steuerung eines zukünftigen iMacs mit Touch-Oberfläche hin. Besonders interessant ist die Tatsache, dass vor allem Musikanwendungen für solch eine Steuerung im Fokus der Entwickler liegen (dies lassen jedenfalls die Drehregler-Bezeichnungen vermuten).

Das Ganze läuft wahrscheinlich auf ein schwenkbares Display hinaus, wie wir sie schon von anderen Herstellern (und unten in den Videos) kennen. Damit umgeht man praktischer Weise auch gleich den so genannten Gorilla-Arm-Effekt – ein “Müdewerden” der Hand nach längerem Hochhalten. Besonders für DAW- oder DJ-Software wäre solch eine Entwicklung – in Anbetracht der Tatsache, dass aktuelle Touch-Screen-Varianten wie in den Videos, mehrere tausend Euro kosten – eine Schonung für das Portemonnaie.

So oder ähnlich könnte das Ganze dann aussehen:

Via Patently-Apple

Icebreaker Audio haben sich einen Yamaha HandySound HS-200 aus dem Jahr 1982 zur Brust genommen und ordentlich gebendet. Das Resultat haben sie netterweise in ein Kontakt- und ein Batterypatch eingearbeitet, auch noch die Impulsantworten des internen Lautsprechers gezogen und mit ein paar einfachen Effekten abgeschmeckt, so dass es sich bequem für Nichtbastler verwenden lässt, passives Circuit Bending sozusagen.

Preis: 6,- Euro

Icebreaker Audio

Es begab sich zu einer Zeit, in der Smiley T-Shirts und das Drücken von 303-, 606-, 808- usw. Knöpfen in Chicago für unglaublich gute Laune sorgten, als der Besitzer von Trax-Records Larry Sherman das Produzentenduo Virgo Four mit dem Alter Ego Virgo von Marshall Jefferson verwechselte und ihnen damit ungewollt zu ihrem ersten Release verhalf. Der Track “Take Me Higher” wurde zum Klassiker und es sollte nicht der letzte sein. Das war 1989. Bis heute haben die Beiden nichts von ihrer einstigen Energie verloren, was sie euch heute Abend im Horst Krzbrg beweisen wollen. Dabei werden sie von dem nicht ganz so geschichtsträchtigen, aber ebenso großartigen Trio Italojohnson begleitet, das mit dem gleichen Blut in den Adern wie Virgo Four auf die Welt gekommen ist.

Wer schnell ist kann bei uns noch 2×2 Freikarten abstauben. Dafür einfach eine Mail mit “Let me get higher” im Betreff an wissenswertes@de-bug.de schicken. Also ran an die Tastatur!

Horst Krzbrg

Eine Hymne, dieser Track. Sehr klarer Gesang, minimal stapfiger Groove und das alles in einer solchen Perfektion zu einem Song verarbeitet, dass man sich wirklich wundert, warum das nicht alle DJ-Charts als genau der Track erobert, auf den man sich diesen Winter einigt. Kommt vielleicht noch. Musik, die einem einfach nahgeht auf ihre süßliche Art, aber dennoch im Grunde sehr funky bleibt. Und die Rückseite mit ihrem verschleppten Bargroove und der Attitude, das man House auch mal hängen lassen kann, ist ebenso großartig. Eine dieser Platten, die man auch in Jahren noch pflegen wird. Ein Hit eben.

bleed

Buy MKR Tracks on Zero-Inch

Massive sanft verschliffene Dubwelten, die sich in immer breiteren Echos auftürmen und dabei dennoch mit dem Sockel der Bassdrum sicher auf dem Floor herumschleichen. Tracks, die eher aus den Rillen überlaufen und einem das Gefühl geben, in der massiven Lässigkeit der in sich geschlossenen Welten nach und nach immer mehr kleinste Bewegungen wahrnehmen zu könnnen. Sehr hallzinatorisch, aber mit Kick.

bleed

Buy Roger 23 Tracks on Zero-Inch

Im Moment gibt es für mich einfach niemanden, der es so sehr wie Arttu schafft, puren Oldschoolfunk so zum Brennen zu bringen wie Arttu. Jeder Track ein Gewitter, eine Explosion, ein Monster, dass jeden auf die Knie zwingen dürfte. Die beiden Tracks seiner neuen Philpot-EP sind dabei keine Ausnahme. Schnodderig und von grundauf von der Bassline bestimmt, voller Knistern in den Hintergründen, aber immer so sehr auf das Limit der Masse dieser Grooves angesetzt, dass daneben für nicht viel Platz ist. Muss auch nicht, denn die Tracks räumen in ihrem puren in sich versteigerten Acidsound auch so schon massiv und gewaltig auf. Immer wieder ein Fest.

bleed

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Eigentlich gibt es kaum ein anderes Label auf der Welt, das so beständig und mit einer solchen Lässigkeit diese ungewöhnlichen und überdreht massiven Kicks raushaut wie Phil E und Philpot. Und das über Jahre. Jedes einzelne Release ein Meisterwerk und die neue Jackmate (deren Tracks ich nicht schreiben kann, weil mir die eher elektronischen Anfangsbuchstaben auf der Tastatur fehlen) ist voller unerwarteter Wendungen. “Oval” (mit Ohmzeichen) rockt mit einem massiven Jazzswing langsam in einen treibend plinkernden Killertrack, der selbst Carl Craig zu seinen besten Zeiten hätte erblassen lassen, und die unglaubliche Duborgie auf der Rückseite zeigt einem mal wieder, wieviel an Zersplitterung dieser Sound eigentlich vertragen könnte, ohne seine summend breite Killerästhetik verlassen zu müssen. Zwei grandiose Tracks, und den letzten wünsche ich mir als Startschuss in das nächste Jahr.
http://www.philpot-records.net/
bleed

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Keine Frage, Alex Jones gräbt sich hier tief in der Verzweiflung der verdrehten Stimmvocals und dem hintergründig verwirrten Acidsound ein, der mit den massiven Bässen immer wieder aufs Hirn knallt, so daß es einen nicht wundert, dass sich langsam eine Art von merkwürdig verquerer Bluesorgie slammender Merkwürdigkeiten entwickelt. Definitiv ein Fall für Dan Berkson als Remixer, der sich allerdings mit seinem “Effortless House”-Mix eher einem sommerlichen Nachglühen widmet, das schon mal zu blumig progressivem Synthkitsch neigt. Unerwartet, das. Die anderen Tracks suhlen dann wieder in diesem leicht schizophrenen Sounds zerbrochener Stimmen, alberner Effekte und Zementschuhpumpsound, der mir irgendwie immer besser gefällt, je länger ich mich dem aussetze. Musik, die einem vermittelt, der Westen sei nicht mit der Eisenbahn, sondern mit einem Flugzeugträger-Panzer-Hybrid erobert worden.
http://www.hypercolour.co.uk
bleed

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Fail. Glatter Durchschuss. Auch wenn einige der Sounds in “Spock” brillant sind, als Track funktioniert es leider überhaupt nicht. Geradezu peinlich-dämlich. Vince Clarke und Martin Gore machen Techno. Das ist an sich ja schon falsch verstandene Anbiederung. Haben die doch gar nicht nötig! Doppelt erschütternd, weil Gore ein mehr als passabler DJ mit guten Tracks in der Tasche ist. Wenn zwei solche Urgesteine sich nach 30 Jahren wieder zur Zusammenarbeit entschließen, muss dabei mehr rumkommen. Die Mixe von Edit Select, Regis, XOQ und DVSI können da auch nichts mehr reißen, bringen aber zumindest ein wenig Struktur in diesen Kuddelmuddel. Das Album soll ja besser werden, munkelt man. Ist hoffentlich was dran.
http://www.mute.com
thaddi

Eine Liebesgeschichte der besonderen Art. Phidias – bekannt von seinem Release auf Freund der Familie – schreibt Convextion drei Tracks ins Herz. Mit vor Deepness flirrender Stille wagt er sich an das Werk der Legende und treibt dabei uns glücklich-glucksenden Tiefseeforschern die Tränen in die Augen. Denn natürlich sind die drei Tracks eine ausgemachte Unterwasserangelegenheit, weich und zeitlupig, eine Ode an die Fläche, den Dub und den pulsierenden Groove. Stillstand im besten Sinne. Abkopplung, Abstellgleis mit der besseren Sicht. Und im Staub der Vergangenheit bilden die Reminiszenzen an die Aufbruchstimmung von damals die Basis für eine brillante und gestochen scharfe Zukunft.
http://www.fauxpasmusik.de
thaddi

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War Lee Jones immer schon so kategorisch verspielt in seinen Sounds? Plinkernd, wild vor sich hin pitchend, den Umgang mit Vocals mit der Kraft eines Staubsaugers aus UK anziehend? Allein deshalb ist “Moment” schon so wichtig. Wichtiger aber noch ist der herrlich britzelnde Remix von George FitzGerald, der mit dem Track ganz uneigennützig seinen Deepness-Umhang teilt, bevor er auf dem Pferd gleich weiter muss. Ein ähnlicher St. Martin ist auch Midland, der sich “Duvel” vornimmt. Im Original ist das schon fast Jazzjack in der Twin-Peaks-Variante. Und weil verregnte Käffer immer eine Pille vertragen können, bringt Midland die gleich mit. Sehr gut. Digital-Käufer bekommen übrigens gefühlte 347 Bonustracks.
http://www.ausmusic.co.uk
thaddi

Buy Lee Jones Tracks on Zero-Inch

Zwei Auskopplungen aus Watsons Requiem für die staatliche mexikanische Eisenbahn, von der die erste, “El divisadero”, unbedingt nahelag, mit ihrem ganz leicht ungeraden, klopfenden-delayigen Frage-Antwort-Groove, der in dramatischen Bögen einen ganz buchstäblich auf die Reise in ein 110bpm-Set schickt. Hier garniert mit einigen zusätzlichen Details und einer nicht wirklich schlüssigen Ein- und Ausleitung durch singend-sägende elektronische Klänge, die vage an musikalisierte Bremsgeräusche denken lassen. Umseitig die Überraschung, denn das Albumoutro “Veracruz” erfährt hier eine Abmischung, die aus der rumpelpolternden Schlussetappe (eine Tunnelfahrt?) eine Noiseperle macht, Futurismusnostalgie erster Güte. Toll, das auf Vinyl zu haben.
http://www.touchmusic.org.uk
multipara

Buy Chris Watson Tracks on Zero-Inch

Ein Name wie ein frischer Designer-Sneaker. Farbenfroh, nicht bunt und sehr bequem. Hört man rein, ohne den Namen zu lesen, kommt man nicht auf Anhieb darauf, das hier Tujiko Noriko singt, so glatt und perfekt kommen Melodie und Produktion: Elektronischer Pop aus Japan. Tatsuya Yamadas warme Synths, die Energie seines sanft pulsierendes Schwebens, sein Verzicht auf jegliches Auftrumpfen harmonieren erstaunlich gut mit Tujikos introvertierter Direktheit. Ein eingespieltes Team, von der Zusammenarbeit an einem Album seiner Band MAS über einen Remix für Tujikos “Trust” (ebenso wie Gastautor PPA), haben die beiden sechs Jahre lang zum Jahreswechsel zur Produktion eines Stücks zusammengefunden, die entsprechende Stimmung aufgesogen, leicht und mit einer eigenartigen Mischung aus selbstbewusster Beschwingtheit und Besinnlichkeit und zur Albumkomplettierung fünfe nachgeschoben. Das ist sehr schön und funktioniert grade in den poppigsten Momenten am besten – Längen drohen nur, wo Tujiko in den bekannten Traumpirouetten-Rezitativ fällt.
http://www.editionsmego.com
multipara

Buy Tyme. x Tujiko Tracks on Zero-Inch

Zwei sehr unterschiedliche Ansätze verarbeitet das Quartett um den Wiener Christoph Dienz (Zither, Kontrabass, Hackbrett und Gitarre) auf diesem Doppelalbum, die einen modernen, post-elektronischen Blick auf eine volks- bzw. stubenmusikalische Klangwelt werfen. Die Liedkompositionen der ersten CD liefern kein Update alpenländischer Stile, sondern reißen die Türen auf, klingen mal nach Chanson, mal nach Karpaten, verraten Grundierung in Neuer Musik. Auch archaische Kraft steht nicht im Programm, dazu sind sie viel zu virtuos und dicht; Charme dagegen hat der perkussive Saitensound in seiner fröhlichen Grenzüberschreitung zuhauf. Ganz anders die zweite CD, die lose um Percussion (Herbert Pirker) auf elementaren klangskulpturalen Objekten (Kassian Erhart) angelegt ist, verstärkt dazu durch die (elektronische?) Harfe von Zeena Parkins, was sich viel unprätentiöser und direkter anhört, als es sich liest: ausgreifende, ineinanderübergehende atmosphärische Schichtungen, kollaborative Klangauslotungen, die sich rhythmisch verdichten, plötzlich ausrichten an magnetischen Rastern, tropfende Töne, zerfließende Zupfklangwolken, überbordende Vielstimmigkeit, überraschende Texturwechsel.
http://www.col-legno.com
multipara

Die granularen Drone-Zustände, die Pimmon auf seinem neusten Album versammelt, scheinen direkt in Dialog zu treten mit Lawrence Englishs fast zeitgleich erschienenen “The Peregrine”, auch auf Room40: literarischer Einfluss (hier der wortschöpfende Russell Hoban) und ein übergreifendes Thema (Einsamkeit in vernetzter Welt), das sich dem Hörer kaum aus der Musik selbst vermittelt. Und ein recht ähnliches musikalisches Ergebnis, dessen erhaben-kosmischer Melancholie, dessen einen meisterhaft an der Hand nehmendem Pinselstrich man sich schwer entziehen kann: Nichts scheint hier dem Zufall überlassen. Pimmon war schon deutlich abstrakter, abweisender, und das mag heute die Würze seiner Stücke ausmachen: ein fein austariertes Gespür dafür, aus disparaten Elementen ein stimmiges Gesamtbild zu schaffen, Strömungen und Winde, die einen wie auf einem kleinen Boot über bewegte See treiben lassen, achtmal neu.
http://www.room40.org
multipara

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Ohne wirklich ermessen zu können, wie hier der Einfluss nachträglicher Manipulation am Rechner aussieht: Menches Arbeit an den Eingeweiden eines Pianos präsentiert sich auf erhellende Weise komplett anders als die Reinhold Friedls. Menche hat sich schon immer in einer dynamischen Traverse bewegt, die Ambient und Noise in eins setzt, in der Intensität in lineare Verbindung mit “Volume” tritt. So wild-martialisch wie Titel und offizielle Beschreibung klingen, geht es hier nämlich gar nicht zu. Stattdessen scheinen Menches rohe Fieldrecordings (auf Soundcloud) von Wetterphänomenen, Stürmen und Regen, Wind in Wäldern, in den vier vinylseitenlangen Tracks (der letzte auf CD gekürzt und vorangestellt) durch: in unmerklich morphenden Prasseltexturen (Two), mal mit subtil-verblüffender Saitenresonanz (Three), immer busy, groß und raumgreifend, davor mit sirrendem Bohrgeräusch, das zu einem flackernd-schepperstotternden Schiffsbauch mutiert, die am elektronischsten wirkende Arbeit (One), um schließlich durch die Hintertür (Four bzw. 2×4) doch noch bei Friedls schabender Metallverdauung anzukommen, ohne je dessen Fingernagel-auf-Tafel-Effekt anzustoßen. Entspannend!
http://www.editionsmego.com
multipara

Buy Daniel Menche Tracks on Zero-Inch

Wohlgeordnet verteilt auf zwei Vinylseiten, enthält dieser Strauß roh-minimaler, Synthesizer-plus-Sequenzer-Labormusik (inkl. Verunreinigungen) ungewöhnlich wenig Avant-Pop-Dada, der seinen Schöpfer verraten würde, wenn auch das Konzept (Totalreflexions-Röntgenfluoreszenzanalyse als akustisches Experimentalanalog) blühender Nonsens ist. Oder angewandter Okkultismus. Die Multielementanalyse listet jedenfalls allerhand feinste Spuren aus: Inländischer Pyrolator ist drin, Kontakt zu Stockhausen, Kraftwerk in 2D, der Geist von Zero Gravity, ein Tick Detroit, ein Trick Pink Floyd, ein Track Kubin. Trocken wie flüssiger Stickstoff und nur mit der allernötigsten Menge an Beleuchtung, versteht sich, geduldig in sich hineinlauschend, oder auch nur mal so kurz. In Hamburg, wo die Platte rauskommt, gibt es Leute, die wissen noch, wie man auf sowas tanzt. Und wo.
http://www.itsits.it
multipara

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Wieder einmal eine Sache, die von Malcolm McLaren angeschoben wurde. Bevor Madonna ihren großen “Vogue”-Hit landete und die Geschichte an sich zog, hatte McLaren schon “Deep in Vogue” produziert. Diese Nummer, deren Vorbildcharakter für Madonna unüberhörbar ist, findet sich auf der neuen Soul-Jazz-Compilation, die begleitend zum großen “Voguing”-Buch erscheint. An der Zusammenstellung wird deutlich, dass die Szene wohl mehr durch Tanz-Choreographien und Drag-Queen-Inszenierungen zusammengehalten wurde als durch ein spezifisches Musikgenre. Neben großen House-Nummern von Masters At Work und Junior Vazquez finden sich Arthur Russells Loose-Joints-Hit “Is It All Over My Face?” oder Diana Ross’ großer Disco-Einstand “Love Hangover”. Eine schöne Zusammenstellung, die sich aber wohl erst zusammen mit dem Buch so richtig erschließt.
http://www.souljazzrecords.co.uk
tcb

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Gerade um den Jahreswechsel herum sollte man skeptisch sein, was Kompilationen, Remasterings, Unveröffentlichtes oder ehemals Verschüttetes angeht. Zu oft wird wiederverwertet, nicht um voranzukommen, sondern um abzukassieren. Anders bei diesen Live-Aufnahmen des Elektronik-Vaters Hans-Joachim Roedelius. Dieser lebte Mitte der Achtziger (schon wieder dieses Dekade) bei seinem Freund Brian Eno, entdeckte dessen zwei Flügel und spielte aus seinen Ideen heraus eine Reihe Konzerte wie eben auch das vorliegende im Londoner Bloomsbury Theater. Wie gerne wäre man im hier im erfreulich wenig zu hörenden Publikum gewesen. Deswegen haben die 21 Miniaturen (“Part 1″ bis “Part 21″) etwas Nostalgisch-Melancholisches, ohne gestrig zu sein. Im Gegenteil. hier darf nun einmal der zentnerschwere Begriff der (Beinahe-)Zeitlosigkeit gewählt werden, ähnlich Sakamoto. Ganz groß und doch reduziert.
http://www.bureau-b.com
cj

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Der in Spanien lebende Mittdreißiger Stefano Ruggeri ist laut Info klassisch ausgebildeter Pianist. Und er ist Afarone. Und er lässt sich Zeit. Zu seinen Einflüssen zählt er sowohl postmoderne Popmusiker im weiten Sinn wie Alva Noto oder Mira Calix, aber auch Klassiker wie Alban Berg oder Gustav Mahler. Man hört es seinen elegischen Schichtungen an. Die aber nie nur schichten, die sich schnell in Beats verwandeln und anstecken. Das geschieht offenhörbar auf der Grundlage von Nachbarn wie Murcof oder Deaf Center, doch ohne deren minimalistische Abstraktion oder neoklassische Dramatik. Klar ist das eine Musik für bessere Zeiten als die Charts, aber der Pop scheint überall kräftig durch die Tracks von Afarone. Schön, sehr schön. Und warm, auch sehr.
http://www.karlrecords.net
cj

Raus- und Rumkommen, Reisen und Trips können inspirieren. Marcus Joons und Daniel Tjäder wurden aus einer Rückkehr Tjäders von solch einer reise nach Samoa und in den Südpazifik geprägt, nach der er sich mit Joons für dieses farbig-glänzende Debütalbum zusammen setzte. Wow, sind das funkelnde Songs, ein bisschen, als wenn Postal Service, Vampire Weekend und Of Montreal tatsächlich das Schiff besteigen und nur noch urlauben würden. Zwischenstopp in Schweden inbegriffen, denn dort werden einige Plastikpop-Größen zumindest mal kurz an Bord gelassen. Korallreven wirken unglaublich relaxed und zappelig zugleich, diese Spannung entwickelt eine eigene Stärke. Da darf es auch schonmal sakral werden zwischendurch (Robin Guthrie lässt grüßen).
http://www.acephalerecords.com
cj

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Dub Rock lässt Schlimmes vermuten. Doch Extra Classic gehen erfreulich konservativ an ihr Unterfangen heran, Rocksteady ins neue Jahrzehnt zu schleppen. 60er, 70er, Jamaika, Rauch und Hitze steigen vorm geistigen Auge auf, ob nun Klischees oder nicht. Extra Classic erschaffen einen unpeinlichen Rahmen, nicht zuletzt durch die tolle Stimme von Adrianne “Dri” Verhoeven und das alte Equipment, was hier benutzt wurde. Alex deLanda hat schon mit den wirren Papercuts und auf dem herrlich verschrobenen Casiotone-for-The-Painfully-Alone-Album partizipiert. Extra Classic arbeiten nah an den alten Zeiten (“Metal Tiger”) und sind dennoch nicht regressiv. Fallen lassen.
http://www.manimalvinyl.com
cj

Selten so nette Geister in einer so netten, gezeichneten Stadt wie auf dem Cover des Owen-Albums gesehen. Mike Kinsella widmet sich dem Neo Folk minus jeglichen Pomps oder Gedöns. Abgespeckt, fast nackt, wendet sich Owen ein wenig ab von seinen Bands American Football, Joan of Arc und Cap’n Jazz und schenkt uns leichte Schwermut und sachte Instrumentierung, der Geist bleibt ähnlich wie bei Kinsellas anderen Projekten, doch der Sound verschiebt sich. Verglichen mit den Vorgängern wirkt “Ghost Town” fast beschwingt, höre mal “No Place Like Home”. Lauter kleine Hits, auf die Schuhe guckend, und dann aber auch wieder Kopf hebend. Der kleine Chicagoer Cousin von The Sea & Cake und Karate, bezaubernd.
http://www.polyvinylrecords.com
cj

Mehr und mehr setzt sich auch bei den Softwareherstellern die Erkenntnis durch, dass sich mit haptischen Interfaces einfach besser Musik machen lässt. Auch Arturia hat mit dem Spark eine rechnerintegrierte Groovebox am Start.

von Benjamin Weiss aus De:Bug 158

Übersicht
Die Oberfläche des aus Metall gefertigten Controllers ist etwa so groß wie ein DIN-A-3-Blatt und ausgiebig mit Bedienelementen bestückt: unten eine Reihe von acht hintergrundbeleuchteten Trigger-Pads, denen jeweils drei Drehregler darüber zugeordnet sind. Links darüber eine Mute-, Solo- und Select-Sektion, in der Mitte dann nochmals sechs Drehregler, mit denen sich der ausgewählte Sound weiter formen lässt: Cutoff, Resonanz, Aux 1 & 2 (für die beiden Send-Effekte), Panning und Volume. Direkt darüber das zweizeilige LED-Display und links daneben ein Touchpad für drei Effekte (mehr dazu weiter unten), auf der rechten Seite ein Clickwheel, mit dem sich Sounds auswählen und laden lassen, kreisförmig drumherum die Buttons für die Pattern und deren Bänke und den Song-Modus. Ganz oben schließlich der 16-Step-Sequenzer mit Lauflichtprogrammierung, die Transport-Sektion und das Mastervolume. Anschlussseitig gibt es neben MIDI In,  MIDI Out und USB auch noch einen Stecker für ein optionales externes Netzteil, so dass man Spark auch ohne Rechner als MIDI-Controller für externe Hardware nutzen kann. Die Software spiegelt im Hauptfenster sämtliche Bedienelemente der Hardware, dazu kommen noch je ein Fenster für den Sequenzer, das Laden und Editieren von Sounds und den Mixer, der pro Kanal zwei Aux-Sends, zwei Inserts und Panning bietet.

Sounds, Effekte & Sampling
Arturia setzt beim Spark auf eine Kombination von drei verschiedenen Soundengines: einmal die TAE-Engine, für Synthesizer gedacht und zum Beispiel auch im Moog Modular V und im Origin genutzt, dann ein Physical-Modeling-Algorithmus, der auf Drum-Synthese spezialisiert ist und schließlich noch Sample-Playback.  Die Sound-Auswahl ist noch verhältnismäßig überschaubar, dafür qualitativ wirklich gut. Arturia will aber kontinuierlich für Nachschub sorgen.  Die üblichen klassischen Drummachines von Rolands TR-Serie über LinnDrum, DMX, Drumtraks und Co sind natürlich dabei und klingen lebendiger als die meisten Sample-Varianten, da sie eben nicht gesampelt, sondern emuliert wurden. Auch eigene Samples lassen sich einbinden und mit der Effekt-Engine bearbeiten, direkt sampeln kann man jedoch nicht. Für die Einzelkanäle gibt es  als Insert-Effekte Crush, Chorus, Compressor, Delay, Distortion, EQ und Phaser, je zwei können pro Sound genutzt werden. Für die beiden Sends stehen Delay, Plate und Reverb zur Verfügung, die Effektsektion ist also noch ausbaufähig.

Live-Tweaking
Am meisten Spaß macht der Spark, wenn man einfach loslegt: Pads spielen, mit den Drehreglern modulieren, Steps eingeben mit der Lauflichtprogrammierung, das sind die altbewährten Standards, aber hier und da gibt es noch ein paar Spezialitäten: den Loop-Modus zum Beispiel, mit dem sich ein Teil des Patterns wiederholen lässt, wobei der geloopte Bereich mit zwei Drehreglern verschoben, vergrößert oder verkleinert werden kann. Oder das Touchpad, das mit drei Funktionen fest belegt ist und auf alle Sounds wirkt: einem Filter (Tiefpass, Bandpass oder Hochpass), dem Slicer und dem Roller. Der Slicer zerhackt das Signal in sechs verschiedenen Varianten (von Strobo bis Tape, dazu kommt noch etwas überraschend an dieser Stelle ein Bitcrusher), klingt dabei sehr gut, hat aber den kleinen Nachteil, dass man schon sehr genau zielen muss, um nicht versehentlich die falsche Quantisierung zu treffen. Hier wäre ein von unten beleuchtetes Touchpad praktisch, aber mit ein wenig Übung gehen auch die Quantisierungen ins Rückenmark über. Der Roller schließlich funktioniert so, wie bei der MPC und der Maschine die Note Repeat-Funktion. Über das Touchpad wird die Quantisierung gewählt, mit den Pads löst man sie aus.

Fazit
Anders als Maschine will Spark vor allem eins sein: dedizierte Groovebox und Drumcomputer, nicht so sehr die eierlegende Wollmilchsau und Workstation. Das kann man als Vorteil oder als Nachteil auslegen, aber eins ist sicher: Spark macht Spaß, ist schnell beherrschbar und wird auch in Zukunft weitere Updates erhalten, die die noch nicht voll ausgeschöpften Möglichkeiten von Arturias TAE-Soundengine und dem Physical Modeling noch intensiver nutzen. Die Hardware ist gut verarbeitet und lässt sich angenehm und übersichtlich bedienen, einzig der Abstand zwischen Shuffle- und Mastervolume ist ein wenig klein geraten. Wer eine Groovebox mit gutem Sound, durchdachten Livefeatures und einer guten Haptik sucht, sollte sich Spark auf jeden Fall mal ansehen.

Preis: 499 Euro

Arturia

Der Ableton-Jedi Henke hat diesen sympathischen 44-Sekünder auf seinem Soundcloud-Profil hochgeladen. Mit ein bisschen Humor kommt man so zum Über-Track. Ganz nach Henkes Motto:

“I still think it needs to be louder and it lacks dynamics and punch. I STILL THINK IT NEEDS TO BE LOUDER AND IT LACKS DYNAMICS AND PUNCH!”

Monolake

“Warum soll ich noch für Musik bezahlen?” über diese, in Zeiten von Rapidshare, Torrent und Hotfile mehr als legitime Frage zerbrach sich der Sender on3-radio den Kopf und durchleuchtete in zwei Parts das verworrene Geäst aus industriellen Interessen und Leidenschaft der Musiker. Dass dabei vieles auf eine hochkomplexe Art miteinander verstrickt und verwoben ist, dürfte wohl nur noch die wenigsten überraschen.

Wie genau alles mit allem zusammenhängt, wird hier schlüssig aufgezeigt. Während sich die erste Hälfte die florierende Abmahnindustrie vornimmt, zeichnet die zweite das mitunter triste Bild des Überlebenskampfes der Musiker. Daran anknüpfend lassen Bodi Bill die Hosen runter, öffnen ihre Finanzbüchher und entzaubern damit wohl endgültig den Mythos der kunstschaffenden Bohème mit nackten Zahlen. Musik kann man am Ende leider weder essen noch anziehen!

some dark atmospheric techno tunes for the cold winter season :)

01 omara – spooky
02 omara – dream

>> download whole release

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release on archive
release on sonicsquirrel
omaramusic

Zwar schon seit drei Monaten online, macht die Installation “Years” zurzeit die Runde und ordentlich Wirbel. Ihr Urheber mit dem opulenten Namen Bartholomäus Traubeck hat die offensichtliche Ähnlichkeit von Schallplattenriefen mit den Jahresringen von Bäumen zu Ende gedacht und statt Vinyl mal Holzscheiben aufgelegt. Klar, niemand will sich den Diamanten von der Nadel schleifen lassen, daher montierte Traubeck ans Ende des Tonarms eine PlayStation Eye Camera. Da der Arm nicht den Ringen im Holz folgt, sondern dank eines Steppermotors seiner am Vinyl erprobten Spiralbahn von außen nach innen folgt, wird jedes Mal, wenn ein Ring durch den Bildausschnitt fährt, ein ‘Event’ erstellt. Diese Daten werden als Videosignal in VVVV und dann per MIDI zu Ableton übermittelt, das wiederum als Schnittstelle zu einem VST Klavierplugin fungiert, indem die Ringdaten dann auf eine Tonleiter gemappt und in Anschlagstärken übersetzt werden. Je nachdem wie stark der Ring in einer Richtung aus dem Bild verschwindet, liest die Maschine ob er wächst, konstant bleibt oder in Relation kleiner wird. Die Jahresringe steuern also hauptsächlich den Rhythmus und Tonhöhen sowie die Intensität der Anschläge. Die Klänge gehen also zurück auf die Kreuzungen von der natürlichen Lebenslinie des Baumes mit der exakten Bahn des Maschinellen. Die Klangfärbung ist je nach Holzbeschaffenheit unterschiedlich und ermittelt sich anhand des durchschnittlichen Farbwerts sowie ein paar anderen Parametern wie Stärke, Dicke und Farbe der Ringe. Traubeck berichtet auf Nachfrage, dass eine Fichte schon mal in C-Dur dahinklimpern kann, während eine Tanne eher C-Moll bekommt. Damit leistet dieses etwas andere Holzinstrument eine herrliche Aufheiterung des deutschen Forstes, der ja unglaublich ideologisch, mythologisch, metaphysisch und wasweißichnisch überfrachtet ist. Hier werden bloß die kalten Datenbanken des Holzes geplündert und sonifiziert. Das ganze klingt übrigens erstaunlich langsam, erinnert sogar leicht an Bohren & den Club of Gore, was auch an Traubecks Orchestrierung liegen mag. So oder so: tolle Installation, die noch deutlich mehr Soundmaterial liefern wird. Hat er zumindest angekündigt, der – hier nochmal vollständig – Bartholomäus Traubeck.

Moritz Scheper

Bartholomäus Traubeck

Das diesjährige Donaufestival im österreichischen Krems findet unter dem Motto “Die Vertreibung ins Paradies” vom 28.04. – 05.05. statt. Dafür wurden nun die ersten Acts bekanntgegeben, die an den zwei Wochenenden auf der Donau Wellen schlagen werden. Darunter Atlas Sound, Oneohtrix Point Never, Chris Cunningham, Squarepusher, The Field und Pantha Du Prince. Außerdem wird Soul Life, eine Popera von Sierra Casady, aufgeführt und es gibt die Uraufführung von “Harmless Monster”, ein Musik-Film-Projekt von CocoRosie, zusehen. An “Harmless Monster” könnt ihr euch selber noch beteiligten, indem ihr ein kurzes Video ohne Ton dreht und einschickt. Weitere Infos dazu hier.
Ab sofort sind auch die wesentlich billigeren Early Bird Tickets hier erhältlich.

Donaufestival 2012

Ob Schnittstellen-Suche, intellektueller Diskurs oder simpler Hedonismus, die Liste an Festivals ist kaum noch zu überblicken, vor allem im cross- und transmedialen Raum. Da drängeln sich natürlich Fragen nach einer Definition, der Einflussnahme auf künstlerisch kreative Gemeinschaften oder der Rolle des “Festivalization-Turns” in postindustriellen Ländern wie Sonnenbrillenträger beim Fusion-Start. Aus diesem Grund haben sich die Wiener Medienfestivals Coded Cultures und sound:frame zusammengerauft, um mit dem Diskursprogramm “Festival is…” auf Tuchfühlung zu gehen. Dafür versammeln sich diesen Freitag neun Experten aus verschiedenen Bereichen am runden Tisch des WYSIWYG. Neben Vertretern der Organisatoren Coded Cultures und sound:frame, wurden Thorsten Wiedemann vom A.Maze Festival, Cornelia und Holger Lund von Fluctuating Images, Dorian Mazurek von Klangsucht und De:Bug-Redakteur Ji-Hun Kim geladen.
Los geht es am Freitag um 16h. Der Eintritt ist kostenlos und die Diskussionsbeteiligung erwünscht.

sound:frame
Coded Cultures
WYSIWYG

Ja. Wieder Mittwoch. Und wie jeden Mittwoch stehen – diesmal als Eiszapfen verkleidet – Mia & Bleed hinter den Decks in der Panke und wärmen sich an den neusten Tracks. Die sind aber auch wieder herzzerreissend gut. Also. Bis gleich, 22 Uhr in der Gerichtstr. 23 im Wedding oder einfach hier reinsehen.

PS: Eintritt wie immer via Facebook-Gruppe.

Der kanadische Minimal-Held Mike Shannon, “I‘m Not A Gun”-Gitarrist Takeshi Nishimoto und Sängerin Fadila treffen sich eines Tages in – natürlich – Berlin und beschließen, ihre vielen Talente zusammenzubringen und eine gemeinsame Platte aufzunehmen. Heraus kommt unter dem Bandnamen Blue Fields ein Album namens “Ghost Story”, das wir im Januar-Heft sehr gelobt haben. “Wir sind gespannt, wie und ob sie das auch live umsetzen”, hieß es da noch im letztem Satz. Die Antwort wird uns das Trio morgen geben, wenn Blue Fields im Berliner Club Loftus Hall ihr erstes Live-Set überhaupt spielen, um den Record-Release zu zelebrieren. Unterstützung bekommen sie dabei von DeWalta und Andrea Fiorito.

Auf den letzten Drücker gibt es bei uns noch 2×2 Gästelistenplätze zu gewinnen. Eine Mail mit Betreff “Geistergeschichten” an wissenswertes@de-bug.de reicht aus, schon seid ihr in unserem virtuellen Lostopf.
Einen kleinen Vorgeschmack gibt es hier in Form des Blue-Fields-Free-Tracks ‘Frozen Linien’.

Brainfeeder selber konnte bei euch keine Pollplatzierung einheimsen. Dafür zeigt aber Martyn mit “Ghost People”, dass das Imprint hinter Flying Lotus alles andere als an euch vorbeigegangen ist. Damit das auch weiterhin der Fall ist, verschenken die Beatwissenschaftler mit Sitz in Los Angeles gleich einen ganzen Sampler mit 12 Tracks. Und mal abgesehen vom Guru Flying Lotus selbst, hat sich die nahezu gesamte Posse des Labels daran beteiligt: Martyn, Tokimonsta, Samiyam, Jeremiah Jae, Taylor McFerrin, Lapalux…

Zum Download geht es hier entlang.

Seit wenigen Tagen ist Ryoji Ikejdas aktuelle Ausstellung “db” im Hamburger Bahnhof in Berlin zu sehen. De:Bug begleitet die neue Schau des Japaners und natürlich haben wir uns frühzeitig in die Schlange gestellt. Das solltet ihr auch tun.

Von Multipara

Eines ist bereits klar, bevor man eintritt in einen der beiden symmetrischen Räume, je einer im West- und im Ostflügel des Hamburger Bahnhofs, von Ikeda komplementär gestaltet und bespielt: Bei allem formalen Drang zu Minimum und Maximum, zum Überschreiten der Sinnesgrenzen hält sich seine Kunst abseits von bierernster Strenge. So überzogen ist das Spiel aus mit “d” und “b” beginnenden Wortpaaren, die die Eingänge markieren. Seine Kunst misst sich am Menschen, das wird am Eröffnungsabend, der ja mehr Social Gathering ist als alles andere, besonders deutlich. Geboten sind die überraschende Kraft eines Xenon-Scheinwerfers sowie die fragile Abstrahlung eines Parabol-Lautsprechers als Doppel raumbeherrschender physischer Phänomene, darin eingebaut und ebenso komplementär aufeinanderzukomponiert zwei mathematisch inspirierte Arbeiten (plus verbindendem Bonus), die die Grenzen des Erfassens unabzählbarer Ziffernfolgen gezielt ins Auge übersetzen. 

Jenseits dieser sinnlichen Erfahrungen strahlen die beiden Räume selbst eine eigentümliche Präsenz aus, die unerwartet freundlich wirkt, auch trotz einer etwas militärischen Anmutung der nackten Technik, und die zum Verweilen einlädt. Das liegt zum einen an den großzügigen, klaren Dimensionen, zum anderen an den speziellen Lichtverhältnissen, und so blieb kaum eine Handykamera ungezückt, um Begleiter und Freunde festzuhalten, die als bewegliche Körper, als darin integrierte Rezipienten selbst Teil des Kunstwerks werden: Kein Zufall wohl, dass auch auf offiziellen Bildern von Ikedas Kunst häufig Betrachter mit abgebildet sind. Durch das Verständnis seiner Arbeit als umfassende ”Komposition” – womit keineswegs nur der akustische Teil gemeint ist – fügt sich Ikedas erste deutsche Einzelausstellung in die Ausstellungsreihe “Musikwerke bildender Künstler”. Ikeda im Interview, April 2011: “Man verliert sich, wenn man mit Cutting-Edge-Technik zu tun hat, leicht in ihrer Komplexität, in der Datenfülle, und man vergisst das Komponieren. Man landet bei Zufall, Randomness, reiner Technikdemonstration. Randomness ist toll, aber da schaut man besser in den Himmel, die Wolken, aufs Wasser. So schön! Musik wird es erst durch ganz altmodisches Komponieren, mit einer Idee dahinter.”

“db” von Ryoji Ikeda ist noch bis zum 9. April 2012 im Hamburger Bahnhof Berlin zu sehen.

Auf seiner bereits dritten EP für Broque verschmelzt Stefan Schultz alias Juno6 seine zum Teil recht gegensätzlichen musikalischen Bezugspunkte – von Boards of Canada bis Ricardo Villalobos und Jeff Mills – so direkt und markant miteinander wie selten zuvor. Ein Unbekannter ist Stefan aber auch schon lange nicht mehr: als Produzent sorgte er mit seinen Produktionen auf z.B. Freude am Tanzen, Cargo Edition oder Liebe*Detail bereits für Furore und sein Label „Oh!Yeah!“, was er gemeinsam mit Sven Tasnadi und Daniel Stefanik betreibt, stand vor allem in letzter Zeit oft im Mittelpunkt des Interesses. Auf Broque gibt es nun fünf neue, hochgradig transzendente Tracks, hinter denen sich vielschichtige, analog dubbige Elektronik verbirgt. Manchmal aber eben nicht immer direkt auf der Tanzfläche geerdet, werden hier fernab eingetrampelter Pfade bewusstseinserweiternde Horizonte geöffnet. Technogeschichte, persönliche Referenzen und aktuelle Sounds formen sich auf „Devils from Darkonia“ zu absolut eigenständigen und zugleich magischen Tracks, die sich nicht auf gängige Dancefloor-Klischees sondern ausschliesslich auf ihre eigene Persönlichkeit berufen. Mit den charakterstarken Geschichten auf „Devils from Darkonia“ liessen sich locker ganze Clubnächte füllen. Für den Moment aber sind wir einfach immens dankbar für diese tolle EP.

On his third EP on Broque, Stefan Schultz (alias Juno6) merges his musical influences and roots – ranging from Boards of Canada to the likes of Ricardo Villalobos and Jeff Mills – in the most direct and stunning way so far. Stefan is no stranger for most: his releases on Freude am Tanzen, Cargo Edition or Liebe*Detail gained a lot of attention as did his label “Oh!Yeah!” which he runs jointly with Sven Tasnadi and Daniel Stefanik. His new EP on Broque features five new, analogue electronic gems, which are only occasionally grounded on the dancefloor and wander off the beaten track to open up truly mind-bending perspectives. Techno history, personal reference points and state of the art sounds, are all melted into very unique and magical tracks. “Devils from Darkonia” clearly doesn’t need to adopt established dancefloor stereotypes but simply scores with original personality and character. The five tales on this EP could easily fill entire club nights, but for the moment, we are simply immensely grateful about this fantastic EP.

1. state of flux
2. sub rosa
3. deadlock
4. chain
5. darkonia
6. .zip-file

www.broque.de

Fingers In The Noise - Set 4 Don't Think 1, it's, really truely deeply, is music made for the love. If your a real deep / dub house head this should be firmly top of your collection.

Fingers In The Noise – Set 4 Don’t Think 1, it’s, really truely deeply, is music made for the love.
If your a real deep / dub house head this should be firmly top of your collection.

Label: Deepindub.org – [podcast-040]

Timed playlist and download links from web site release page : Set 4 Don’t Think 1

love & lights

Jedes Hardware-Set-Up ist anders, diesen Gedanken hat man nach Steinberg nun auch bei Behringer aufgegriffen und eine Serie an neuen MIDI-Controllern auf den Markt gebracht. Die Controller können untereinander und mit dem Rechner oder anderem Equipment per USB verbunden werden.

Übersicht:

- MM-1 kommt als Mixer mit einem Crossfader und vier Kanalfadern

- DV-1 dient der Steuerung von vier DJ-Decks

- PL-1 ist eine Ein-Deck-DJ-Lösung mit Pitchfader

- LC-1 bietet einen Ableton-Controller mit 32 Tasten zum Abfeuern der Clips inklusive einer Vier-Farben-Hintergrunbeleuchtung

- DC-1 mit 16 Pads, acht Taster und acht Knobs

Erhältlich ab Sommer 2012

Preis je nach Modul: DC-1 und DV-1 sind für für 100, die anderen drei für 150 US-Dollar zu haben.

Behringer CMD-Serie

Die Zwischenräume einer four-to-the-floor bieten eine große Experimentierfläche, auf der nur zu gerne musikalisch wilde Genrehybrid-Orgien abgehalten werden. Dabei spielt der Techno- bzw. House-Aspekt, der dafür geradezu obligatorisch ist, für die Protagonisten selbst oft gar keine große Rolle und sie sehen sich vielmehr von den eigenen Wurzeln in die Verantwortung genommen. So auch der kanadische Jake Fairley aka Fairmont, der seine Indie-Rock-Techno-Entwürfe diesen Samstag im ://about blank zum Besten geben wird. Verspielte Indie-Synthies oder rockistisch anmutende Gitarrenlinien projiziert er liebevoll auf meist sanfte Techno-Beats, die auf Labels wie Dumb-Unit, Sender-Records oder Border Community erschienen sind.
Als weitere Vertreter wurde das Projekt T.Raumschmiere hinter Marco Haas in den sympathischen Club geladen. Wesentlich extrovertierter als es bei Fairmont heute der Fall ist begann das Projekt bereits Ende der 90ern damit Punk und Noise in den Dienst der four-to-the-floor zu stellen. Bis heute ist die Release-Folge nicht abgerissen, die sich neben dem eigenem Label Shitkatapult auf unter anderem Kompakt und Nova Mute nachverfolgen lässt.
Außerdem stehen Acid Maria und die ://about blank Residents Artemis und -IAAC- als Ansprechpartner für die musikalische Unterhaltung bereit.

Wer die Freikarten gewinnen möchte, schreibt eine Mail mit T.Raumhaft im Betreff an wissenswertes@de-bug.de und bekommt die Chance.

://about blank

THEMA: „Gamer stinken.“

Gamer sind empfindlich. Aber wundert Sie das? Ständig gibt’s Keile von Eltern, Lehrern und Medien. Und von Politikern sowieso. Als RTL im Sommer 2011 einen diffamierenden Beitrag über die Messebesucher der Gamescom sendete, dessen Niveau selbst für die Verhältnisse des Boulevards überschaubar war, keilten die Gamer zurück.

Foren wurden belagert, Hate-Groups auf Facebook gegründet, Youtube-Videos in den roten Bereich gevotet. Und die angesäuerte Fachpresse warf sich mit Rache-Video-Beiträgen und Kommentaren schützend vor ihre Klientel. Shitstorm, so nennt man das heute. Und was dem Privatsender aus dem Netz entgegen wehte, war ein regerechter Shit-Hurrican.

Doch die schiere Wucht und Bandbreite der Gegenmaßnahmen schien auch ein wenig übertrieben. Da hätte dem Gamer ein wenig mehr Gelassenheit gut zu Gesicht gestanden. Oder gilt hier das Sprichwort „Getroffene Hunde bellen?“

Wir bellen nicht, wir reden. Darüber, wer und was der Gamer an sich ist: das Opfer einer verallgemeinernden und Vorurteile schürenden Berichterstattung, oder ein wandelndes Klischee. In diesem Games Culture Circle.

GÄSTE:
- Jan Hegenberg, der Barde der Gamer, www.janhegenberg.de
- René Walter, der Blogger unserer Zeit, www.crackajack.de
- Mathias Mertens, der Experte für Medien und Luftgitarren, www.mathias-mertens.de

MODERATOR: Uke Bosse

ORT .HBC, Karl-Liebknecht-Str.9, 10178 Berlin, www.hbc-berlin.de
DATUM Donnerstag, 2. Februar 2012
EINLASS 18:00 Uhr/ 5 Euro
BEGINN 19:30 Uhr

18:00 Uhr: Physical Gaming Experience created by Gamestorm, www.gamestorm-berlin.blogspot.com

Gefördert vom Medienboard Berlin – Brandenburg

[LCL32] TRIBUMAN : “Underground International”
Out on LCL (LibreCommeLair) january 2012 – Creative Commons by-nc-nd

/ / / TRACKLISTING / / /

01 – Intro
02 – Underground international feat. Solo Banton
03 – Egostyle
04 – Du son fat feat. Mr E
05 – Crazy world RMX feat. Lyricson
06 – Disaster
07 – Unity vibes feat. Slonesta
08 – Wha gwaan ?
09 – Un beat et des mots feat. MC Kriké & Gab Da Eklecitk Bastard
10 – Pas l’argent RMX
11 – La différence feat. Akai 4000
12 – Ruffneck RMX feat. Jamalski
13 – La nouvelle garde
14 – Pas de bling bling feat. KRSA
15 – More Love

/ / / ABOUT THIS RELEASE / / /

” Underground International is the very first solo album of Tribuman, long time colaborator of LibreCommeLair and especialy Volfoniq. This record covers an incredibly wide range of musical styles, always keeping up the smile and positive mood. “

Click here for english version

Was die IFA für die Consumer Electronics, ist die NAMM für die Musikinstrumente: Die Messe in Frankfurt kann da schon lange nicht mehr mithalten. Peter Kirn von Create Digital Music hat für uns seine Highlights der Messe in Kalifornien zusammengefasst.

von Peter Kirn aus De:Bug 160

Eigentlich möchte man meinen, dass die Ära der großen Tradeshows vorbei ist. Für die Hersteller von Musikprodukten ist die gewaltige Ansammlung von Instrumenten und Equipment auf der südkalifornischen NAMM nach wie vor jedoch ziemlich lebendig. Insgesamt 96.000 Besucher zog es dieses Jahr in das südlich von Los Angeles gelegene Anaheim: ein neuer Rekord. Unzählige Musiktechnik-Firmen, vom Großkonzern bis hin zum Ein-Mann-Unternehmen haben ihre Produkte zur NAMM vorgestellt. Inmitten einer Lawine von iOS-Zubehör haben auch die zwei spannendsten davon etwas mit Touch zu tun, wenn auch nicht direkt mit Apples Technologie. Und CV im Speziellen und Analoges im Allgemeinen feiern ein überraschendes Comeback.

Line 6 SoundScape M20d.

Die Gründer von Line 6 waren schon an der Entwicklung von ADAT beteiligt und mitverantwortlich für den Erfolg des DSPs. Der SoundScape M20d könnte die mutigste und riskanteste Neuvorstellung der NAMM sein. Er erfindet das Live-Mischpult neu und steckt ein paar DSPs in ein Gehäuse, das statt mit Fadern ausschließlich über einen Touchscreen bedient wird. Statt einem Channelstrip gibt es Bilder eines Bühnen-Setups und grafische Bedienelemente, mit denen der User das Signal pegeln, bearbeiten und Effekte hinzufügen kann. Sogar die Verbindung wurde neu aufgerollt: je nachdem welche Anschlüsse belegt sind, erkennt das der Mixer und stellt die Parameter entsprechend ein. Der M20d kann außerdem Mehrspuraufnahmen und mit dem iPad ferngesteuert werden. Behringer und Mackie haben auch Touchscreen-Mixer vorgestellt, die sind aber letztendlich Docks für das iPad. Die Line-6-Variante ist dagegen eine maßgeschneiderte, integrierte Lösung.

Keith McMillen QuNeo

Der durch eine Kickstarter-Kampagne finanzierte berührungsempfindliche Touch-Controller hatte seinen ersten öffentlichen Auftritt auf der NAMM. Bei ein paar Demos mit Ableton Live zeigte die flache Multitouch-fähige Hardware ihre bunten Farben, ihre durchdachten Multitouch-Maps und das kontinuierliche Pressure Sensing. Der Preis des QuNeo wird bei etwa 140 Euro liegen.

MIDI Keyboard Controller

Die Flut von MIDI Keyboard Controllern will einfach nicht abebben, unter anderem gab es neue Modelle von Samson und Line 6 zu sehen. Allerdings sind ein paar Trends zu beobachten: Viele der neuen Keyboards erfüllen alle USB-Standards und sind mit eigenem Netzteil ausgestattet. Damit sind sie auch am iPad nutzbar. Netter Nebeneffekt, mit dem jedoch kein Hersteller hausieren ging: Linux-Kompatibilität. Einen Schritt weiter ging Akai, die im Max49 CV und auch wieder MIDI-DIN-Anschlüsse mitgegeben haben. Die meisten Controller folgen den üblichen Formfaktoren, Alesis jedoch zeigte eine neue Keytar, die Alesis Vortex. Im weißgelackten Gehäuse bietet sie für rund 250 Euro unter anderem einen eingebauten Accelerometer mit Gestenerkennung und weitere Controller-Optionen.

iPad und iPhone überall

Die Explosion der Produkte, die vom iOS-Wachstum profitieren wollen geht weiter. Dieses Jahr war der Trend Docks: in Keyboards, in Mixern, in Amps, mit Decks als DJ Controller, in Karaoke-Maschinen, in anderen Docks. Es gab sogar eine spezielle App Area auf der NAMM. Die vielleicht interessanteste iOS-Entwicklung war Akais MPC Fly. Mit einer angepassten MPC Software für Apples Tablet ist die Fly gleichzeitig ein iPad Case, die kleinen Pads entfalten sich dann beim Öffnen.

MPC Mayhem

Neben der Fly hat Akai weitere neue MPCs vorgestellt. Die Renaissance, aktuell noch ein Prototyp, ist ein MPC Controller in Originalgröße, Audio Interface inklusive. Per Button lassen sich die Sample-Frequenz und das Verhalten von MPCs bis hin zur MPC 60 emulieren, und auch die neue Hardware ähnelt den alten MPCs bis hin zur gepolsterten Handgelenksablage. Das Sound Processing passiert allerdings komplett im Rechner, eine Premiere für Akai. Die MPC Studio ist eine kompaktere und günstigere Version.

Teenage Engineering stellt Sensoren und Schuhe vor

Wahrscheinlich durch die seltsamen, in orangen Overalls gekleideteten Schweden angelockt, bildeten sich Menschentrauben vor dem Stand von Teenage Engineering. Dort gab es neben den Updates für den OP-1 Synth mit neuem Seqencing, MIDI Clock Sync und Drum-Synthese auch eine ersten Vorstoß in Sachen Physical Computing zu sehen. Das Oplab Bord kann über MIDI und CV gesteuert werden, USB-Geräte unterstützen (sogar ohne Rechner) und läßt sich mit extrernen Sensoren, Leuchten und Motoren verbinden. Die Teenage Crew zeigte auch ihren eigens designten Turnschuh, der mit einer Tasche für einen Accelerometer kommt. Damit lassen sich dann die Drums des OP-1 spielen.

Synthesizer, analog und digital

Die Synths auf der NAMM 2012 hätten die Besucher ohne Probleme davon überzeugen können, dass wir uns nicht im Jahr 2012 befinden. Die französische Software-Schmiede Arturia, eher bekannt für Emulationen, überraschte die Besucher mit einem komplett analogen Keyboard, dem Minibrute. Mit seiner leichten Ähnlichkeit zu Rolands Klassiker SH-101 kombiniert der Minibrute Oszillator-Mixing, diverse Klangformungsoptionen, CV und jede Menge Onboard Controls inklusive Arpeggiator zu einem Keyboard Synth für 499 Euro. Moog zeigten den Minitaur, einen kompakten monophonen Basssynthesizer mit zwei Oszillatoren, die vom Taurus Basspedal abstammt. Waldorf teasten den Pulse 2 mit drei Oszillatoren an, zeigten aber leider nur einen noch nicht funktionierenden Prototypen. Nicht alles war analog: John Bowen kündigte endlich an, dass er seinen Monstersynth Solaris jetzt ausliefert.

Roland und die elektronische Gitarre
Die größte Ankündigung von Roland war eine Partnerschaft mit Fender, die für eine Roland-kompatible Stratocaster sorgen soll. Eigentlich eine ganz normale Stratocaster, hat die “elektronische Gitarre”, so nennt Roland den Neuling jedoch eine entscheidene Besonderheit: Eingebaute GK-2A Pickups erlauben den digitalen Anschluss an externe Klangquellen, mit denen verschiedene Instrumente und Bearbeitungsketten emuliert werden können.

Modulares und Boutique Items

Wie immer waren die Stände von Händlern wie Big City Music aus LA und Analog Haven voll von seltsamen und großartigen Instrumenten und Toys. Die französische Synthesizerschmiede Eowave zeigte zwei demnächst kommende Synths, den Koma Bassynthesizer mit Step Sequenzer und einen weiteren analogen Monosynth, den Domino. Auch Ken Macbeth, legendär für seine riesigen Modularsysteme, widmete sich dem Thema Desktop Synthesizer mit dem MicroMac und dem Dot Com. Leon und Brian Dewan spielten ein riesiges Hymnatron im Holzgehäuse, ein Tasteninstrument mit reiner Stimmung. Neben vielen neuen Modulen war das größte modulare Highlight allerdings die Kollaboration von SoundHack-Erfinder Tom Erbe mit MakeNoise. Das ECHOFON nutzt digitale Algorithmen aus Erbes Software- und DSP-Hintergrund, stellt sie aber in einen modularen Kontext.

Universal Audio Apollo und Thunderbolt

UAs Apollo kombiniert ihre DSPs mit einem Audio Interface und stellt dabei Latenzen von unter zwei Millisekunden sowohl über Firewire als auch Thunderbolt bereit, so dass sich damit Aufnahmen mit ihren PlugIns realisieren lassen, ohne dass es zu zusätzlichen Latenzen kommt. In Zeiten von immer schneller werdenden nativen Prozessoren stärken sie damit das Argument für dedizierte DSP Hardware und stellen eine Plug&Play-Lösung fürs Mixen, Mastern und Bearbeiten mit ihren Modellen analoger Effekte bereit. Auch MOTU und Apogee haben auf der NAMM Thunderbolt-Lösungen vorgestellt, was darauf hindeutet, dass sich das neue Format so langsam durchsetzt.

Peter Kirn ist der Gründer von Create Digital Music, Journalist und Musiker. Kirn schreibt ab sofort regelmäßig für De:Bug über Trends und Phänomene aus der Musikproduktion.

Mehr von der NAMM auf CDM

Musik von Peter Kirn

English version:

by Peter Kirn out of De:Bug 160

You might imagine that the era of the trade show is over, but for manufacturers of music products, the massive arena of instruments and equipment at Southern California’s NAMM show is very much alive. This year’s show counted a record of nearly 96,000 visitors in Anaheim, south of Los Angeles. Countless music technology makers, from the very large to the one-person business, timed new products to launch at the show. Here are a few stand-out unveilings from those few days in mid January, 2012. Amidst an avalanche of iOS accessories, the two that top the list both engaged touch, but not through Apple’s own technology, while Control Voltage and analog made a surprising comeback.

Line 6 SoundScape M20d

Line 6‘s founders already had a hand in creating ADAT and popularizing DSP. The SoundScape M20d may be the boldest – and riskiest – major launch of the show. It reimagines the mixer for live sound, packing DSP capabilities into a single box controlled not with faders but with a touchscreen. In place of channel strips, pictures of a stage setup and graphical controls guide the user through adjusting levels and adding processing and effects. Even the connection process is transformed; the mixer automatically senses which connection you have made and adjusts parameters accordingly. The M20d also has multi-track recording capability, and the ability to add an iPad as a remote control. Behringer and Mackie also had touchscreen mixers, but these acted as docks for an iPad; Line 6′s offering was a custom, integrated creation.

Keith McMillen QuNeo

Funded by a Kickstarter campaign, Keith McMillen’s QuNeo tangible touch controller made its first public appearance. With demos controlling Ableton Live, the thin, multi-touch-capable hardware showed off its light-up colors and elaborate multiple touch maps and continuous pressure sensing. The price will be US$199.

MIDI keyboard controllers

The flood of MIDI keyboard controllers shows no signs of abating. New entries to the market included Samson and Line 6, among others. But some new trends are emerging. Many of the keyboards at NAMM boasted USB class compliance and self-supplied power, making them compatible with Apple’s iPad and not just computers. (While it wasn’t advertised, a side benefit is compatibility with Linux.) Akai went one step further, providing Control Voltage output on its Max49 keyboard, and bringing back MIDI DIN ports.Most of these controllers fit conventional molds, but Alesis showed off a new keytar, the Alesis Vortex. With a street price of US$249 and built-in accelerometer gestures, the lacquer-white Vortex adds a range of control options.

iPad and iPhone everywhere

The explosion of products attempting to harness the growth of iOS continues. This year, the trend was docks: docks in keyboards, docks in mixers, docks in amps, docks with decks for DJ controllers, docks in karaoke machines, docks, seemingly, inside other docks. The NAMM show even opened an area dedicated to apps. Perhaps the most interesting of the new iOS developments was Akai’s MPC Fly. Using custom MPC software on the iPad, the Fly doubles as a case, with a slim-line set of pads that fold out for input.

MPC Mayhem

Apart from the Fly, Akai was on-hand with a new range of MPC products. The Renaissance,shown still in prototype form, is a full-sized MPC controller complete with audio circuitry. Onboard buttons switch its sample resolution and behavior to emulate MPCs back to the MPC 60, and the physical form resembles MPCs of yore, down to soft wrist rests. The actual sound processing, however, is in software on a computer, in a departure for the company. The MPC Studio provides a more compact, affordable version.

Teenage Engineering Adds Sensors, Shoes

Perhaps drawn by the strange Swedes in orange jumpsuits, crowds clustered around the Teenage Engineering booth. There, in addition to updates to the OP-1 Synthincluding new sequencing, MIDI clock sync, and drum synthesis, visitors found Teenage Engineering making a foray into the realm of physical computing. The Oplab Board interfaces with MIDI and CV, hosts USB devices (even without a computer), and connects to external sensors, lights, and motors. The Teenage crew showed off their own custom-designed running shoes, with a pouch for an accelerometer. The result: stomp your feet to play the OP-1′s drums.

Synthesizers, analog and digital

Synths at NAMM could easily have fooled visitors into believing it wasn’t 2012.  French developer Arturia, associated with software emulation, surprised crowds with a fully-analog keyboard, the Minibrute. With a certain resemblence to Roland’s classic SH-101, the Minibrute combines oscillator mixing, timbral shaping options, CV control, and loads of onboard controls including an arpeggiator, all in a $550 monophonic keyboard synth. Moog showed their already-revealed Minitaur, a compact, monophonic, two-oscillator bass synth derived from their Taurus bass pedal. Waldorf teased their Pulse 2 2 three-oscillator analog synth, but showed only a non-working prototype.
Not everything was analog: at long last, John Bowen announced he is shipping his monster Solaris synth.

Roland and the electronic guitar
The biggest announcement from Roland was a partnership with Fender, to make a Roland-ready Stratocaster guitar. It is a standard Stratocaster, but with a twist: built-in GK-2A pickups allow you to connect digitally to an external sound source for modeling a range of different instruments and processing chains. Roland dubbed it the “electronic guitar.”

Modular and boutique items

As usual, vendors like LA’s Big City Music and Analog Haven were full of strange and wonderful instruments and toys. French maker Eowave showed off two upcoming synths, including the Koma bass synth and step sequencer, and yet another analog monosynth, the Domino. Even Ken Macbeth,legendary for his enormous modulars, explored desktop formats with his MicroMac and Dot Com. Leon and Brian Dewan played an enormous, wooden-housed Hymnatron, a keyed instrument with just intonation. The biggest modular highlight, though, among many new modules, was SoundHack-creator Tom Erbe’s new collaboration with MakeNoise. The ECHOFON employs digital processing algorithms from Erbe’s software background and digital DSP, but recontextualizes those sonic techniques in a modular.

Universal Audio Apollo and Thunderbolt

Combining their DSP with an audio interface, UAs Apollo hardware provides sub-2ms latencies on both FireWire and Thunderbolt, allowing you to track with their collection of DSP effects without adding latency. That strengthens their pitch for why you’d want dedicated DSP hardware in the age of faster native processors, offering essentially a plug-and-play solution for mixing, mastering, and processing with modeled analog effects. UA joined MOTU and Apogee and MOTU in showing new Thunderboltoptions at NAMM, suggesting this format may be about ready for wider consumption soon.

Peter Kirn is an electronic musician and artist and founder of Create Digital Music.

More NAMM coverage at CDM

Music by Peter Kirn

Say »Hi« to the first solo release of Zasten with some nice edits by Bool and Ruedi, that we want to introduce to you with a quote from a famous movie:

Joe Hallenbeck: I swear to Christ, Junior, if I survive this fuckin’ case I’m gonna dance a jig.
Jimmy Dix: What?
Joe Hallenbeck: I’m gonna dance a jig, I swear to Christ.

So Joe (and you all out there), here are the right beats to dance a Jig…

Zasten – Smile you Fuck
Zasten – Smile you Fuck (Boolriotemode)
Zasten – Smile you Fuck (Ruedi’s hate edit)

Download ZIP-FILE of this record | Go to the RELEASE PAGE | (CC) by-nc-nd

———
→ NOORDEN.ORG
→ FACEBOOK.COM/NOORDEN.ORG
→ SOUNDCLOUD.COM/NOORDEN

Angry Octopus

… The Maextro ( Fingers In The Noise ) is back…

… The Maextro ( Fingers In The Noise ) is back…

with a Stunningly Deep Album, somewhere between vintage Balance/Prescription smoothness (” Fingers ” style),

gentle dub-house and subtly darker territories.

TicK remix is particularily fantastic, with dope grooves,

the Genoveva Version, a languorous enigmatic female voice, this track has so much melancholy in it, it gives my little shivers each time I listen to it,

The 2 Alveol Remixes, Slide & Glide, with grooving beats, one fast and one more slow and smooth,

Koygo remix, ah..shit what a wonderful lifted atmosphere…,

the 8 Four remix.. a nice semi-ambient vibe with warm and fuzzy dubbed out rhythms,

and the Maurizio Miceli Remix, to the very essence of the original track at its feverish, serotonin-spreading, hypnotic best !!

the original & ” fitn ” bonus, are the high class material, A true lesson !!!

Happy Birthday Laurent, and thank you for this must have release…

we’re glad to release it on DID !!!

Enjoy …

love & lights
prelisten, download and release info from web site release page :

Fingers In The Noise – Echo System

Critical Music hat mittlerweile den Killer!-Status abonniert, so scheint es. In großartig deeper Manier und mit goldenen 90er-Bezügen zeigt das Imprint hinter Kasra dem Breakbeat-Hasen wo es 2012 lang gehen wird. So ist auch die hier vorliegende EP kurz und knackig: Killer! Vor allem die synkopisch groovende Bassline von Ulterior Motive´s “Divergence“ brät so ziemlich alles weg, was jemals Drum & Bass gesagt hat und schlägt eine Brücke zu einstigen Ed-Rush-&-Optical-Produktionen. “The Rift“ von Jubei & Kasra hat diese typisch sympathisch treibende criticaleske Oldschool-Attitüde und selbst Phace versalzt seine mid-range-Suppe diesmal nicht und knüpft entgegen dem Titel mit “Freedom Of Filth“ an seine großen Stücke von vor zwei Jahren an, wie man es sich so schon für das letzte Jahr bereits gewünscht hätte. Nur “Obsession“ hat etwas Probleme aus dem gigantischen Schatten von Icicle´s “Dreadnaught“ herauszukommen. Aber das dürfte vielen momentan so gehen.
Critical Music
ck

Eine klare, deepe Linie würde Shogun Audio eindeutig besser stehen, als immer mal wieder mit im Label-Kontext fragwürdigen Rave-Peitschen um die Ecke zu kommen, die den Fans des Labels die Ohren bluten lassen, wenn sie sich voller Vorfreude auf das neue Release stürzen. Über die Flip, ihren Gesang von Joy Wilcox und ihre oldschoolig angehauchten Basslines und Drums lässt sich locker hinweghören, sie sind einfach nur langweilig. “Desperate Measures“ lässt sich dagegen als hochgradig unverschämt einstufen. Solch leicht flatternde, blecherne Sägezahn-Mid-Range-Sounds möchte man heute nun wirklich nicht mehr hören. Vor zehn Jahren hätte das Stück vielleicht sogar einen gewissen Hit-Charakter gehabt, heute hört man auf zu tanzen.
Shogun Audio
ck

Buy Interface Tracks on Zero-Inch

Wieder so ein Ding auf Dispatch. Wieder so ein dark deeper Drum-&-Bass-Roller auf der A-Side, der einem unaufdringlich, aber bestimmt aufzeigt, wie der Hase auf dem Dancefloor zu laufen hat. Mit grummelnder Bassline und klatschenden Snares, die sich auch auf der Kickdrum-Position pudelwohl fühlen können, liefert “The Others“ ein weiteres Stück Identität für Dispatch. Die Flip wartet derweil mit ordentlich Lücken im Drum-Raster auf, die mit wabernder Bassline dem Titel “Gumshoe“ alle Ehre machen und zu sicherlich lustigen Figuren im Club führen werden. Hinter Arkaik stecken im übrigen die üblichen Verdächtigen Octane und DLR, die uns vielleicht in Zukunft das Taggen der Files vereinfachen möchten, wenn sie ja im Endeffekt eh fast jeden tune als Einheit schrauben.
Dispatch Recordings
ck

Mike Shannon, Takeshi Nishimoto und Fadila treffen sich hier für ein überraschend smoothes deepes Album, das einem nicht selten das Glück früher Electronica-Legenden mit einem eleganten Downtempohouse-Swing vermischt und dabei immer wieder auch zu kleinen Jazzeskapaden ausholt, deren Hintergründe voller geheimnisvoller kleiner Sounds stecken, die die Bandbreite von Dub voll und mal ganz anders ausnutzen und damit eigentlich immer ins Herz treffen. Sehr elegantes und überblumig produziertes Album für alle, die es lieben in Andeutungen dennoch mehr konkrete Glücksgefühle zu finden. Wer bei Gitarren empfindlich reagiert, für den übertreibt es Nishimoto auch wirklich nur selten. Wir sind gespannt, wie und ob sie das auch live umsetzten.

bleed

Buy Haunt Tracks on Zero-Inch

Zwei Räume, ein schwarzer und ein weißer, dazu ein Lautsprecher und ein Scheinwerfer – so sieht die Komposition aus, die Ryoji Ikeda eigens für den Hamburger Bahnhof in Berlin entwickelt hat. Mit dem Titel “db” (2012) weist Ikeda bereits auf die Symmetrie hin, um die es ihm mit seiner ersten Einzelausstellung in Deutschland geht, denn die Räume verhalten sich komplementär zueinander. Der Lautsprecher sendet eine stehende Sinuswelle in den weißen Raum, der Scheinwerfer einen weißen Lichtstrahl in den schwarzen Raum. Durch die Bewegungen der Besucher werden die Klang- und Lichtverhältnisse verändert, Schall- und Lichtwellen werden so zu physikalischen Erlebnissen.

Die beiden zusätzlich gezeigten Werke “the irreducible [nº1-10]“ (2009) und “the transcendental [nº4]“ (2012) sind ebenfalls komplementär zueinander, beide befassen sich mit der Repräsentation von Unendlichkeit auf der Basis mathematischer Forschung. Einblick in die Mathematik seiner Werke gab uns Ikeda übrigens vor einiger Zeit im Interview.
Die Ausstellung ist Teil der Reihe “Musikwerke Bildender Künstler”, die zuvor unter anderem musikalische Werke von Yves Klein, Rodney Graham, Janet Cardiff und George Bures Miller im Hamburger Bahnhof präsentierte.

“db” von Ryoji Ikeda ist vom 28. Januar bis 9. April 2012 im Hamburger Bahnhof Berlin zu sehen. Eröffnet wird die Ausstellung am Freitag, den 27. Januar 2012 um 20 Uhr.

Eigentlich ersäuft bereits das deutsche Fernsehen an diversesten Kochshow-Formaten, die Konspirativen Küchenkonzerte aus Hamburg haben sich aber mit ihrer ersten Staffel in der jüngeren Vergangenheit eine sehr eigene, alternative Nische des Brutzel-TV geschaffen. Es wird nicht nur bierernst in die Töpfe renommierter Starköche geguckt. Es wird live Lärm gemacht, improvisiert und alles kommt mit dieser hanseatisch angebierten, rot duftenden Pudelnote. Das scheint auch der Kritik zu gefallen, deshalb wurde die zdf.kultur-Show gleich für den diesjährigen Grimme-Preis nominiert. Heute Abend um 22 Uhr startet nun die zweite Runde mit der so abstrus wie kongenialen Gästekombo Scooter und Stefan Marx. Die Proto-Remmidemmi-Raver und der Peter Saville des Hamburg-House. Gastgeber und Chefhaube Marco Antonio Reyes Loredo kredenzt passend dazu Wurst mit Soße. An den folgenden Freitagen sind u.a. Justus Köhncke, Ja, Panik und Michaela Mélian zu Gast. Wir geben dem öffentlich-rechtlichen TV hiermit eine zweite Chance. Das mit diesem Tatort geht ja auch nicht mehr auf Dauer.

Mehr

Mitte letzter Woche startete rdio, einer der großen Musikstreamingdienste, in Deutschland, deren erklärtes Ziel es ist, die Musiklandschaft wie wir sie kennen wieder ein Mal völlig umzukrempeln. Zum Preis von 4,99 Euro (nur für Rechner) oder 9,99 Euro (für Rechner und Mobilgeräte) im Monat hat man mit rdio ständigen Zugriff auf 10 bis 15 Millionen Tracks die man wann immer, wo immer, wie immer hören kann. Die Macher hinter rdio dürften jedem bekannt sein: Niklas Zennström und Janus Friis die zuerst mit Kazaa auf sich aufmerksam gemacht haben, und danach mit der Skype Gründung definitiv einen festen Platz im digitalen Universum erobert haben. Wir haben den Start von rdio zum Anlass genommen ein Interview mit dem COO über Perspektiven des Musikstreamings, die Intentionen von rdio und die mögliche Zukunft der digitalen Musiklandschaft zu führen.

Debug: Was ist deine genaue Position bei rdio?

Carter Adamson: Ich war einer der Mitgründer, war also schon vor dem Start dabei, und habe vorher bereits bei Skype als Produktmanager gearbeitet. Ein großer Teil der alten Skype-Familie ist bei rdio wieder dabei: Janus, Drew, Malte als Creative Director. Das Engineering-Team kommt zu einem großen Teil von imeem. Sie kennen sich also im Musikstreaming alle sehr gut aus. Ein gutes Team.

Debug: Wo siehst du den Unterschied zwischen rdio und anderen Services in dem Feld?

Carter Adamson: Sie bieten natürlich grundsätzlich alle das gleiche: unlimitierten Zugang zu Musik auf allen Abspielgeräten für einen monatlichen Preis, der geringer ist als der Preis eines Albums. Der nächste Schritt ist natürlich, dass man, obwohl man jetzt Zugang zu aller Musik dieser Welt hat, man nicht alle Zeit der Welt hat. Wie macht man da also etwas sinnvolles draus? Das Entdecken von Musik in solchen Services wird zu einem wirklichen Problem. Wir haben in diesem Fall den Weg von Twitter eingeschlagen, die ja in derselben Situation sind: theoretischer Zugang zu jeder Webseite und jedem Video der Welt. Um das zu filtern, folgt man Menschen, denen man traut, zum Beispiel Autoren und Newsorganisationen, um Prioritäten zu finden. Und das machen wir für Musik. Ich habe irgendwann nach dem College Musik nur deshalb aufgegeben, weil ich keine Zeit mehr hatte, alles zu lesen und in den Clubs rumzuhängen. Aber für mich gab es immer diese paar Menschen, die mir Files geschickt haben. Das haben wir mit rdio wieder in seine natürliche Umgebung überführt. Du kannst Künstlern, Labels, Produzenten usw. folgen oder eben Menschen, die sich in bestimmten Bereichen besonders auskennen, wie z.B. russischem Deephouse oder der Berliner Szene.

Debug: Die Empfehlungen von “Followern” sind also ein integraler Teil von rdio.

Carter Adamson: Ja, auf jeden Fall. Wir haben natürlich auch eine algorithmische Empfehlung für Musik, ein wenig wie Genius, aber die Menschen stehen bei uns im Vordergrund. Der Algorithmus folgt natürlich nur den Dingen, die man selber hört. Im Dashboard aber sieht man das eigene Network, was dort am meisten gespielt wurde und über welche Künstler man dort redet. Alles fließt auf einen zu und es gibt immer etwas, das einen interessiert, wenn man den richtigen Leuten folgt. Nicht wie bei iTunes, wo man sich erstmal in den Charts durch Britney Spears und ähnliches kämpfen muss.

Debug: Glaubst du, ein Abo-Modell wird – über kurz oder lang – das bislang gültige Kaufmodell für Musik ablösen?

Carter Adamson: Ich hoffe es. Musik wirklich zu kaufen, können sich gar nicht so viele Leute leisten. Um einen iPod mit legalen Downloads zu füllen, ist man schon zehntausende von Euro los. Ökonomisch macht es keinen Sinn.

Debug: Jeder hat es aber irgendwie bislang geschafft, ohne damit an die Armutsgrenze zu kommen.

Carter Adamson: Ja, aber wie? Geschichtlich ist die Industrie immer der Entwicklung der Abspielgeräte gefolgt. Vinyl, CDs, MP3s. Aber jetzt haben wir zum ersten Mal die Entwicklung, dass jedes Gerät das mit dem Internet redet, eigentlich auch Musik abspielen kann. Es macht also nicht mehr unbedingt einen logischen Sinn, diese massive Bibliothek von Musik zu haben, die viel Platz beansprucht und an spezielle Geräte gebunden ist. Egal ob es Musik, Videos, Fernsehsendungen oder ähnliches betrifft. Für mich macht es viel mehr Sinn, die Dinge, die man haben möchte, in dem Moment auf dem Gerät einfach zur Verfügung zu haben, egal auf welcher Plattform. Natürlich braucht man auch Mechanismen um bestimmte Dinge für immer zu sichern, falls man offline ist, oder eben wieder loszuwerden, um Platz frei zu haben. Es gibt einem viel mehr Kontrolle und mehr Mobilität.

Debug: Weshalb habt ihr euch gegen ein Freemium-Modell entschieden?

Carter Adamson: In den USA machen wir das. Hierzulande hat man 7 Tage Zeit, sich zu entscheiden, ob einem der Service gefällt oder nicht, danach gibt es nur noch 30-Sekunden-Clips. Wir haben aber auch herausgefunden, dass die meisten Leute, die den Service dort wo wir ein Freemium-Modell haben wirklich so nutzen, dass sie an die Grenze des Umsonstangebots stoßen, gerne auf ein bezahltes umsteigen. Es ist ja wirklich weniger als der Preis eines Albums im Monat. Dieses neue Modell hat eben eine überraschende Kraft, denn zum ersten Mal bekommen die Menschen Zugang zu so viel neuer Musik und Wiederentdeckungen von bereits bekannten Dingen.

Debug: Wie würdest du den Erfolg der API für rdio bislang beschreiben?

Carter Adamson: Wir haben viele Entwickler, die diesen Service nutzen. Von einem einsamen Entwickler bis hin zu AOL oder den Grammys ist die API für jeden nutzbar und in ihre Applikationen integrierbar. Zudem bekommen sie einen gewissen Betrag für jeden neuen Kunden, den wir dadurch gewinnen. Das Foursquare/rdio-Mashup, bei dem Künstler in verschiedenen Orten einchecken und Alben und Musik mit einem Ort verbinden, den man sich auf einer Map ansehen und anhören kann, illustriert ganz gut, was alles möglich ist.

Debug: Gibt es die Idee, Apps für rdio auch in den Player zu integrieren? Die sind nämlich nicht einfach zu finden.

Carter Adamson: Ja, wahrscheinlich. Erstmal ist unser Ziel aber, global an so vielen Orten wie möglich zu starten und der weltweit der Musikservice schlechthin zu werden.

Debug: Glaubst du, dass Applikationen wie der rdio-Player die Vormachtstellung von iTunes irgendwann brechen können?

Carter Adamson: Wer weiß, zu was sich iTunes in der Zukunft entwickeln mag. Es hat sich ja schon so oft verändert.

Debug: Im Social-Bereich ist es allerdings eher langsam.

Carter Adamson: Ja, Ping war nicht der große Entwurf, das ist nicht in seiner DNA. Aber es ist ja von einem Musikshop zu einem Appstore, TV-Directory und diversen anderen Dingen mutiert. So wie es jetzt ist, würde ich aber schon sagen, dass Player wie unserer iTunes in gewisser Weise ersetzen. Es ist einer der häufigsten lobenden Tweets die wir lesen: “Seitdem ich rdio nutze, habe ich iTunes gelöscht”.

Debug: Wie siehst du die Perspektive der weiteren Entwicklung von rdio? Könntest du mir die zukünftige Richtung beschreiben.

Carter Adamson: Wir haben das Problem der verschiedenen Geräte jetzt erstmal gelöst. Es verändert sich ja dramatisch und man muss jedes halbe Jahr wieder nachlegen. Dem werden wir natürlich eine Priorität geben. Das Entdecken neuer Musik bei rdio funktioniert – wie ich finde – schon phantastisch. Aber es gibt noch einiges zu tun, wie man z.B. für einen relevantere Leute findet, denen man folgen kann, und diese Beziehungen dann auch noch weiter zu bereichern. Natürlich spezialisieren wir uns auch weiterhin darauf, die Beziehung zwischen Künstler und Hörer noch gehaltvoller zu machen. Fans wollen sich ja auch als etwas spezielles fühlen und mehr von dem Künstler haben, Künstler selbst wollen besser wissen, wer ihre Fans sind. Das kann man noch stark ausweiten. Die Globalität des ganzen ist natürlich auch aufregend, nicht nur was den Katalog von Musik betrifft, sondern auch die Möglichkeit, zu sehen, was Menschen in Berlin zu jeder Zeit tatsächlich am meisten hören. Das war bislang noch nicht möglich.

Debug: Das kann man allerdings nur im Backend sehen, nicht als User.

Carter Adamson: Ja. Aber genau das wollen wir natürlich ermöglichen.

Debug: Wenn es um Geräte geht, glaubst du, der nächst große Schritt werden Autos werden?

Carter Adamson: Definitiv. Wir reden auch schon seit langem mit Entwicklern in diesem Umfeld.

Debug: Internet in Autos entwickelt sich nur sehr langsam.

Carter Adamson: Ja, aber so langsam wird das Wirklichkeit.

Debug: Glaubst du, dass die Integration von Musik in den Facebook-Ticker für rdio wirklich wichtig ist?

Carter Adamson: Ja, absolut. Es ist ein Weg, die Konversation über Musik im eigenen Netzwerk auszudehnen. Wir haben einen enormen Useranstieg von Facebook aber auch Twitter gesehen. Und das wird wohl auch so weitergehen. Wann immer Künstler z.B. Exklusiv-Releases auf rdio haben und ihren Fans auf Facebook oder Twitter darüber erzählen, können wir das an massiven Zugriffen sehen.

Debug: Werdet ihr die Künstler in ihre rdio-Pages in Zukunft besser integrieren und sie jenseits von einer kurzen Bio und Links daran teilhaben lassen?

Carter Adamson: Ja, darüber denken wir auf jeden Fall nach.

Debug: Viele Künstler sind ja gegenüber Cloudmusik und Streamingservices eher skeptisch eingestellt. Wie geht ihr mit diesem Problem um?

Carter Adamson: Alles, was neu ist, begegnet erstmal einer gewissen Skepsis. Viele Künstler haben da einfach eine ganz aufrichtige, klare Einstellung. Es hängt natürlich auch immer von ihrer Beziehung zum Label ab, denn das sind ja die Leute, mit denen wir erstmal verhandeln. Wir zahlen natürlich für jeden einzelnen Track, der gestreamt wird. Was mit dem Geld danach passiert, ist für uns nicht einsehbar. Die Evolution all dieser Businessmodelle ist ja auch in ständiger Bewegung.

Debug: Wie viele Player siehst du in dem Feld von rdio als in der Zukunft überlebensfähig?

Carter Adamson: Innerhalb der nächsten vier bis sechs Jahre wird denke ich nur eine Handvoll übrig bleiben. Drei? Fünf? Das ist schwer zu sagen. Wir kommen ja jetzt erst an den Wendepunkt dieser Entwicklung. Dafür müssen diverse Bedingungen zusammenkommen: die netzfähigen Geräte, eine Veränderung der geistigen Einstellung, die Möglichkeiten der Lizensierung, ein überzeugender Preis und die Einfachheit der Bedienung. An diesem Punkt sind wir jetzt erst angekommen – das Rennen hat gerade erst begonnen.

Debug: Wie lange wird es deiner Einschätzung nach dauern, bis die großen anderen drei Player in der Cloud – Amazon, Apple und Google – auf dieses Modell einsteigen werden?

Carter Adamson: Wer weiß das schon? Alles ändert sich so schnell. Das könnte morgen schon sein oder erst in drei Jahren. Es wird da schon eine Konsolidierung geben. Aber das Ziel von Janus und Niklas ist nicht, eine Firma wie rdio zu entwickeln, nur um sie schnell zu verkaufen. Sie brauchen das Geld schlicht und einfach auch nicht mehr, sondern haben ein eher intellektuelles Interesse daran. Sie lieben Musik – und schwere Aufgaben. Etwas, von dem Leute sagen, dass es nicht machbar ist. Sie hatten ja vorher mit Kazaa auch schon mit Musik zu tun und kennen die Probleme in dem Sektor gut, auch die vielen Schiffbrüche die es in den letzten 10 Jahren gegeben hat.

Debug: Was die pure Größe der musikalischen Datenbank angeht, wann ist deiner Ansicht nach für die meisten Leute genug wirklich genug?

Carter Adamson: Da habe ich keine Ahnung. Wir bewegen uns ja alle zwischen 12 und 16 Millionen Tracks. Je mehr Länder wir hinzufügen, desto größer wird das Volumen. Aber wie groß es werden wird, das müssen wir noch herausfinden.

Debug: Wird rdio schon gezwungenermaßen andere Bereiche als nur Musik abdecken müssen, auch um gegenüber breiter aufgestellten Cloudservices in Zukunft bestehen zu können, die in einer App möglicherweise gebündelten Zugriff auf Musik, Videos, Bücher etc. liefert?

Carter Adamson: Absolut. Janus arbeitet ja auch schon an der nächsten Firma, Vdio, die sich dem nächsten Feld widmet.

Debug: Glaubst du, rdio wird immer Social Networks als Grundlage brauchen, oder wird es sich selber zu einem Social Network entwickeln können, das für sich allein stehend schon groß genug ist?

Carter Adamson: Ich denke, die beiden Dinge schließen sich nicht unbedingt aus. Eine Sache, die wir bei Skype ja auch gemacht haben, waren Skypecasts. Die Möglichkeit, öffentliche Konversationen zu jeder Zeit über was auch immer zu starten. Daran durfte jeder Teilnehmen. Nicht selten waren es Menschen, die Musik gespielt und dazu etwas erzählt haben. Da haben wir realisiert, dass Musik in sich schon eine Konversation ist und dass man da sein muss, wo die Konversationen sind. Es ist unrealistisch, dass rdio zu dem Hub aller Konversationen über Musik im Netz werden wird, aber zumindest wollen wir überall sein, wo sie sind.

Debug: Facebook beginnt ja jetzt auch mit einem Realtime-System für die eingebundenen Musikservices. Wie wichtig findet ihr Realtime als Feld? Das gleichzeitige gemeinsame Musikhören?

Carter Adamson: Es ist sicherlich ein netter Aspekt, aber ich finde es schwer zu koordinieren. Playlists sind ja so etwas wie zeitversetzte Gemeinschaftserlebnisse. Ich persönlich bin lieber in einem Club um zusammen mit anderen Musik zu hören. Es ist nicht unbedingt das Rückgrat einer Firma.

Heute mag zwar internationaler SOPA-Protest-Blackout sein, aber nicht alle haben diese Sorgen. Grooveshark – schon seit einer Weile im Streit mit der GEMA und diversen anderen Rechteorganisationen – hat in Deutschland erst mal dicht gemacht. Die von der GEMA veröffentlichten Lizenzen waren dann wohl letztendlich doch zu viel, so jedenfalls die öffentliche Begründung. Schade eigentlich, denn in einigen Parts hatten sie einfach den offensten Zugang und zeigen das zum Abschluss noch mal mit der Möglichkeit die Grooveshark Musik zu exportieren. War dann wenigstens nicht alles umsonst.

Wir müssen zugeben, die Tatsache, dass Sons Of Anarchy, dessen vierte Staffel in den USA jetzt läuft, nicht von Fernsehsendern übernommen wurde, ist schon merkwürdig genug. Aber dass jetzt erst zum ersten Mal eine “Hitserie” Premiere im Internet feiert, ist irgendwie nicht von dieser Welt. Wir haben die Kämpfe zwischen Torrents, Streaming und Fernsehsendern nicht mehr ganz so minutiös in den letzten Jahren beobachtet, denn nach dem Autorenstreik ist nicht zuletzt auch die Qualität der US-Serien um einiges gefallen, aber dass wir noch 4 Jahre von einer Realtimeumsetzung des globalen Torrentkinos entfernt sind, ist eigentlich eine Sensation. Vielleicht hat auch das Thema diesen eigentümlichen Flashback-Effekt zu verantworten den diese Meldung auf uns hat? Oder es ist ein Wortspiel mit dem Titel? Auch die Söhne der Anarchie müssen erst mal in die Grundschule?

PS: Läuft ab Morgen auf myvideo.de

Das Social Web ist für die meisten unabhängigen Kreativen wohl das wichtigste Instrument zur Selbstvermarktung, der souveräne Umgang mit Online-Marketing-Instrumenten und Social-Media-Anwendungen kann beim Karriereaufbau entscheidend sein. Die UdK Berlin bietet daher seit zwei Jahren den weiterbildenden Zertifikatskurs “DigiMediaL” an, in dem professionellen Musikerinnen und Musikern das strategische Musikmarketing im Internet vermittelt werden soll. Die sechste und damit letzte Runde von “DigiMediaL” startet am 6. Februar und findet innerhalb von drei Monaten an insgesamt elf Kurstagen statt.

Den Teilnehmenden soll dabei vermittelt werden, welche Plattformen für sie nützlich sind und wie diese am effizientesten genutzt werden können. Kommunikations- und Networking-Strategien sind aber nur ein Aspekt des Curriculums, auch Medienrecht und Netzökonomien werden beispielsweise behandelt.
Die Teilnahmegebühr beträgt 330€, Anmeldeschluss ist der 23. Januar. Weitere Informationen über “DigiMediaL” und die Anmeldung finden sich hier.

Hans Bernhard von der Medienkunstklamauktruppe ubermorgen.com tappert durchs Gras einer chemisch induzierten Fantasiewelt und verkörpert damit das Motto des diesjährigen Berliner Traditions-Festivals für Kunst und digitale Kultur transmediale: in/compatible. Das Thema ist natürlich ein Krisenphänomen, denn wenn es inkompatibel wird, laufen die Dinge nicht rund. Aber während Inkompatibilität in der Technik oder der Wirtschaft schlicht ein mehr oder weniger übles Ärgernis darstellt, kann das Nicht-Funktionieren, das ratlose Nebeneinander der Dinge, die nicht ineinander greifen wollen, in der Kultur durchaus auch fruchtbar gemacht werden. In der digital inspirierten und realisierten Kulturproduktion ist die Inkompatibilität somit ein schizophrener Zustand, der sich gleichzeitig destruktiv und produktiv auswirkt. Genau dieses Spannungsfeld soll auf der transmediale vermessen werden, mit dem wie gewohnt breiten Spektrum aus Diskussionen, Workshops und Ausstellung, in der uns dann auch Hans Bernhard im Gras wieder begegnen wird.

Die transmediale 2012 findet vom 31. Januar bis zum 5. Februar im Berliner Haus der Kulturen der Welt statt.

www.transmediale.de
www.ubermorgen.com/psychos

Die USA sind das Heimatland von House und Techno mit den mystischen Städten Chicago und Detroit. England dagegen hat das Hardcore Continuum und die daraus hervorgegangenen Breakbeat-Mutationen von Jungle über Drum and Bass bis Garage und Dubstep. Historisch vollkommen richtig, auf die Gegenwart aber nur noch sehr begrenzt übertragbar. Bestes Beispiel: Sepalcure aus New York. Deren Entstehungsgeschichte klingt wie der Anfang eines dieser typischen amerikanischen Buddy-Movies.

Praveen Sharma und Travis Stewart sind beste Freunde, seit sie sich Ende der 90er bei Nerdgesprächen über Step-Sequenzer und Squarepusher-Tracks im Chatroom kennenlernten. Jetzt ist Praveens Freundin für ein paar Monate nach Europa gegangen, die Beziehung steht auf der Kippe. Die beiden hängen jeden Tag zusammen ab, zocken Xbox und öden sich irgendwann gegenseitig so dermaßen an, dass sie auf Idee kommen, doch mal gemeinsam Musik in Praveens Studio zu produzieren. “Pangaea, Untold oder Mount Kimbie haben uns zu der Zeit vor etwa zwei Jahren besonders begeistert. Wir hatten zunächst gar nicht geplant, die Ergebnisse zu veröffentlichen,” erzählt Travis. Er verbringt gerade seine letzten Tage in Berlin und wirkt trotz Umzugsstress sehr entspannt. Auf dem Boden stapeln sich Kisten mit Vinyl, neben uns trocknen die frisch gewaschenen Schlafanzüge mit Blümchenmuster der fünfjährigen Tochter seines Mitbewohners Ned Beckett. Ned ist Mitorganisator der Leisure-System-Partys im Berghain und Neffe des Warp-Gründers Steve Beckett. Obwohl der tagsüber als Programmierer tätige Praveen nur per Videochat aus New York zugeschaltet ist und man im Hintergrund das geschäftige Gewusel eines Großraumbüros sieht, ist viel von der rührigen Buddy-Romantik der Sepalcure-Anfangstage zu spüren.

Retro reflexiv
Die im Sommer 2010 auf Hotflush erschiene Love Pressure EP deutet bereits im Titel die schwierigen persönlichen Umstände ihrer Entstehungszeit an. Ein zarter Dubnebel umhüllt die Tracks, die gleichermaßen in der Tradition von US-amerikanischem Deephouse wie von 2Step und UK Garage stehen.

Ein Jahr später hat sich die Liaison von Garage, House und R&B zu einer Art Trademarksound des Post-Dubstep-Universums entwickelt. Wo zuvor Wobble-Bässe und düstere Endzeitstimmung regierten, wimmelt es jetzt vor Diva-Samples und Rhodes. Während dabei oft Cheesyness-Toleranzen strapaziert oder mit künstlich antiquiertem Artwork und Sounddesign allzu platte Retroregister gezogen werden, betreiben Travis und Praveen einen reflektierten Umgang mit der Vergangenheit.

Auf “Feeling That I Know So Well” samplen sie zwar die im März diesen Jahres verstorbene Disco-Legende Loleatta Holloway. Ein derart offensichtliches Sample bildet aber die Ausnahme: “Praveen hat eine große Sammlung alter House-12″s, bei denen sich auf der B-Seite noch Acapella-Versionen befinden. Wir verfremden die meisten Samples so lange, bis sie sich nahtlos in den Track einfügen. Wiedererkennbarkeit ist uns ziemlich egal.”

Geschichtsbewusstsein fängt für Sepalcure erst bei behutsamer Neuinterpretation und nicht schon beim simplem Nachspielen an. So entstand ihr Cover des Strictly-Rhythm-Klassikers “The Warning” von Logic bei einer Jamsession und war zuerst nur als Interlude geplant. Für die Produktion des Albums mussten Sepalcure aber ihre spontane Arbeitsweise aufgeben: “Travis und ich haben sehr unterschiedliche Tagesabläufe. Ich habe einen regulären Nine-to-five-Job und komme nur am Wochenende zum Musik machen. Dann ist Travis aber meist mit seinem Machinedrum-Projekt unterwegs, um irgendwo auf der Welt live zu spielen. Um das Album aufzunehmen hat er sich drei Wochenenden frei genommen. In dieser Zeit haben wir dann versucht, so viele Tracks wie möglich zumindest so weit fertig zu stellen, dass wir später nur noch an Details feilen mussten. Das funktionierte erstaunlich gut, der Großteil des Albums war schon nach zwei Wochen fertig.“

Positive Naivität bewahren
Dem Endergebnis hört man seinen hauruckartigen Entstehungsprozess gar nicht an, im Gegenteil ist Sepalcure ein sehr ausgewogenes Debütalbum gelungen. Den Balanceakt, ihrem Sound neue Facetten abzugewinnen, ohne Fans der beiden EPs zu verstören, meistern sie nonchalant. Der zart-süßliche Weltschmerz, der noch auf “Love Pressure” und “Fleur” dominierte, ist sanfter Euphorie gewichen. Verträumte, flächige Ambientpassagen und die nervösen Basszuckungen von Juke fließen völlig natürlich ineinander. Diese beiden gegensätzlichen Pole verbindet Travis auch auf seinem aktuellen Machinedrum-Album “Room(s).”
Von der zurückgelehnten Beatscience in bester Boards-of-Canada-Plinkertradition seiner Anfangstage auf Merck Records ist das ein großer Schritt, doch kleinkarierte Genreabgrenzungen interessierten ihn sowieso noch nie: “Ob etwas jetzt IDM oder Bassmusik genannt wird, ist mir egal. Vieles was heute in die Bassmusik-Schublade gepackt wird, verstehe ich als eine direkte Fortsetzung von IDM. Bevor IDM zu komplex und unzugänglich wurde, war es einfach eine kreative Oase abseits funktionaler Clubmusik, in der zwischen 90 und 160 BPM alles erlaubt war. Viele junge Produzenten haben heute wieder etwas von dieser positiven Naivität.”

Aufbruch Bass
Wenn man Travis und Praveen mit genau dieser positiven Naivität über Musik sprechen hört, vergisst man schnell, dass sie den meisten ihrer aktuellen Kollegen etwa zehn Jahre an Erfahrung voraus haben. Auch Praveen versuchte sich neben seiner noch immer laufenden Radioshow “Percussion Lab” bereits in Ambient- und IDM-Projekten. Unter seinem jüngsten Alias Braille erschienen in diesem Jahr zwei Singles auf Rush Hour und Hotflush, die sich noch stärker in klassisches House-Territorium vorwagen: “Vor einigen Jahren hätten mich die Leute noch ausgelacht, heute tanzen sie. Es fühlt sich gerade zum ersten Mal richtig für mich an, House zu produzieren.”
Für wesentlich spannender halten beide aber die gegenwärtige Entwicklung gebrochener Beats in den USA. Die Wurzeln des Hardcore Continuums mögen unbestritten in England liegen, seine unzähligen Mutationen wuchern mittlerweile weit über die Insel hinaus.

An der Westcoast ist die Saat in Form der Brainfeeder-Gang um Flying Lotus und Samiyam schon lange aufgegangen, aber auch in New York stehen die Zeichen auf Aufbruch. Nachdem die Clubszene sich sowohl von der restriktiven Politik Rudolph Giulianis als auch den Folgen des 11. September 2011 erholt hat, scheint mittlerweile wieder vieles möglich. Sepalcure bilden nur die Speerspitze einer Szene, zu der auch Falty DL und Mike Slott zählen. Neben den traditionellen Dub-War-Nächten etablieren sich besonders in Brooklyn immer mehr Parties abseits der geraden Bassdrum, die besonders beim jüngeren Publikum Anklang finden. Die Zeichen stehen also gut, dass die Basshybride auch im Big Apple weiter sprießen.

Ein Herz für naive Außenseiter: Am Tellerrand des etablierten Dancefloors spielt das Label 100% SILK mit dem Feuer jeglicher Traditionen und pflügt sich quer durch die Historie. Gleichzeitig fröhnt Ali Renault stolz seiner prekären Italo-Vorliebe, obwohl sein neues Album viel mehr zu bieten hat. All dies passiert zwischen Kalifornien und London: Die Welt ist eben doch eine Scheibe.

Anything goes, denkste! Was der Engländer Ali Renault und die Veröffentlichungen von 100% SILK aus Los Angeles gemeinsam haben, ist die Angriffsfläche, die ihr Sound bietet. Etwa den unverschleierten Bezug auf die Musikgeschichte. Renault hat sich zudem mit der allgemeinen Ächtung von Italodisco herumzuplagen. Trotzig und ein bisschen frustriert nimmt er die widrigen Umstände zur Kenntnis. Die SILK-Platten wiederum lassen sich so gar nicht auf einen Punkt bringen, sondern pflügen quer durch die Geschichte. Das ergibt ein ekstatisch zusammengesampletes Potpourri, das jeden Sound-Puristen in den Wahnsinn treibt. Die sogenannten Konventionen existieren für die extravaganten SILK-Produzenten nicht. Ganz undespektierlich darf man sie Amateure nennen, kreative Dilettanten, die mit einer solchen Unverfrorenheit an Dance Music herangehen, dass der Hassreflex der (Stur)Heads vorprogrammiert ist. Der lobenswerte, grundnaive Plan lautet also: Musik machen, die man selbst als die richtige empfindet. Wenn das dann von außen noch Zuspruch erhält, ist das ein Bonus, sagt Ali Renault, keine Notwendigkeit.

Referenz-Probleme
Ali Renault hat mit seiner Band Heartbreak die ungerechten Spielregeln im Popzirkus schon schmerzlich erfahren müssen. Deren großartiges Debütalbum “Lies” von 2008 ist eigentlich ein manieriertes Freudenfest mit viel Augenzwinkern und überlegener Coolness. Es gab nur ein kleines Referenz-Problem, erkennbar am schmalen Schnäuzer von Alis damaligem Bandkollegen und Sänger Sebastian und dem typografischen Dario-Argento-Zitat des Plattencovers: Italo. Geht ja gar nicht, ging nie, krakeelte es. Unter diesem Vorzeichen schien die Musik keine Rolle mehr zu spielen, wie sich Ali wehmütig erinnert: “In England hatten wir es wirklich schwer, es war ein einziger Kampf für uns. Hier, besonders in London, herrscht ein unglaublicher Europa-Snobismus, schon immer. Wir haben unsere Italo-Einflüsse offen ausgestellt, da liegen nun mal meine Wurzeln. Leider war Italo zu der Zeit ein sehr beliebtes Schlagwort unter Journalisten. Viele Musiker haben sich darauf berufen, gleichzeitig war es total uncool, und das ist es bis heute. Es ist wirklich schwierig, das alles nachzuvollziehen.”

Vor eineinhalb Jahren haben sich Heartbreak dann mangels Perspektiven aufgelöst und gingen Solo-Wege. Was Ali ohnehin seit 2003 macht, mit Releases auf Dissident oder seinem eigenen Label Cyber Dance. Schon vor dem Split begann er, an seinem jetzt erschienen ersten Album zu arbeiten. Nun ist es vollendet: acht Tracks, auf denen Ali aus seinen analogen Synths und Drumcomputern eine bittersüße Schönheit hervorzaubert. Spürbar ausgefeilte, minimalistische Arrangements, die langsam losrollen und mit schweren Kicks den eigenen Herzschlag neu takten, um bald zu warmen, analog-elektronischen SciFi-Welten zu erblühen. Wie “Pagan Run”, ein Slo-Mo-Burner, den man verspeisen, in den man sich verwandeln möchte. Ein Altvorderer hat mal gesagt: “Diese Musik klingt, wie ich mich von innen anfühle.”

Amanda Brown

Darkness schlägt Disco
Die Opulenz der Heartbreak-Tage ist zu einer selbstsicheren Gelassenheit geworden und die südeuropäische Disco-Variante ist lediglich in den Grundmustern der Produktion zu entdecken. Macht nichts, sagt Ali: “Ich bin einfach ehrlich und sehe keinen Sinn darin, meine Einflüsse zu verbergen.” Am offensichtlichsten gegen die Italo-Keule spricht die dunkle Färbung fast aller Songs, ob in den vibrierenden Basslines oder den melancholischen Harmonien. “Black Sabbath war früher meine Lieblingsband und seit einigen Jahren höre ich viel mehr Underground-Synthesizer-Kram und New Wave aus den 80ern, fast gar keinen Italo-House mehr. Der düstere Einschlag hat sich früh mit Detroit und besonders Drexciya verfestigt. Die Stimmungen, der raue Charakter – das hat mich stark geprägt. Aber: Von ‘85 bis ‘88 habe ich als Kind in Italien gelebt. Italo sprang mir also aus dem Radio ins Gesicht, “Self Control” von RAF war überall! Als ich dann nach England zurückzog, war nichts davon zu hören, das hat mich verwirrt. Da wurde mir die snobistische englische Popszene zum ersten Mal als solche bewusst.”

Eigenwillige Bastarde
Meanwhile in Los Angeles. 100% SILK ist eine der großen Nischen-Überraschungen des Jahres. Gegründet wurde das Label Anfang 2011 von Amanda Brown als Unterabteilung ihres berühmt-berüchtigten Not Not Fun Records (NNF). Darauf versammelt sich seit ein paar Jahren die Speerspitze des Pop-Undergrounds und ist ehemaliges Zuhause von frischen Sternchen wie Bethany Cosentino (Best Coast) oder Zola Jesus. Mit beiden hat Amanda Brown auch Platten gemacht, sie selber kennt man als LA Vampires. Auf SILK pusht Amanda im Gegensatz dazu beat-lastigeres, tanzbares Material, teilweise sogar von denselben Protagonisten, die bisher für vertrackten Noise, Lo-Fi und Ambient bekannt waren. Etwa Ital alias Daniel Martin-McCormick, der neben seinen fantastischen 12″s auf SILK Teil der Avant-Rocker Mi Ami ist und als Sex Worker für kratzigen Ambient steht.

Und auch Damon Palermo aka Magic Touch, dessen hyperaktiver Sample-Wahnsinn seine “I Can Feel The Heat”-Single locker zur durchgeknalltesten Platte des Jahres macht. Er ist Schlagzeuger und Bandkollege von Ital bei Mi Ami, die Magic-Touch-Platte sein erster Dance-Gehversuch. Oder Maria Minerva, die gerade für ihr neues Album auf NNF enorm gefeiert wird und ihre dünkelhaft-schräge Ästhetik auf dem Tochter-Label mühelos mit geradem Beat verknüpft. Genau das macht die SILK-Platten so originell, aber auch angreifbar: Es werden keine House- und Technotracks nach Schema F gebaut, sondern aus historischem Ideenmaterial und unorthodoxen Freigeistern ganz eigenwillige Bastard-Tracks zusammengeschmolzen. “Ich will zwar hervorheben, was ich aus den goldenen Dance-Zeiten am meisten liebe”, erklärt Amanda. “Ich wäre aber nicht sehr glücklich, wenn jeder nur straighten Disco, House oder Techno abliefern würde, ich will eine persönliche Note. Etwas, das mir zeigt, dass es um den Künstler geht und nicht nur um das Genre.”

Wie bei NNF fackelt Amanda nicht lange – “Sacred & Profane Love” von Maria Minerva ist schon das 14. Release in diesem Jahr, und auch die nächsten zehn Maxis seien so gut wie eingetütet. Das alles mit einer Auflage von 500-600 und mehr, was heute für ein kleines Label nicht wenig ist. Sie werde oft kritisiert für ihren massiven Output, will aber so weitermachen. “Das ist mein persönliches Ding, ich will keine Firma sein, sondern Spaß haben. Als Label-Macher steckt man natürlich irgendwie in diesem Business-Ding. Ich würde auch gern mit Rush Hour oder einem ähnlichen europäischen Vertrieb arbeiten, aber das sind harte Nüsse. In deren Augen bin ich wohl noch grün hinter den Ohren, wie wenn ich mich erst beweisen müsste.” Diese Leute würden ihre Sache eben sehr ernst nehmen, könnte man entgegnen. Amanda: “Ich ja auch! Ich glaube, es ist nur eine andere Art von Ernsthaftigkeit.”

Ali Renault

Im Ghetto ärmlicher Produktionen
Die wenigsten SILK-Vinyls wird man in internationalen Plattenkoffern finden. Um im Top-Club auf einer Top-Anlage funktionieren zu können, muss ein Track meistens erstmal, genau, top-produziert sein. Krachige Unsauberkeiten sind zwar erwünschte Charakterzüge, doch – so ehrlich ist Amanda – es hat schon auch etwas mit technischem Unvermögen zu tun. Die zukünftigen Releases würden schon deutlich fetter klingen, dank neuem Produzenten. “Ich will mich nicht zu sehr mit Technologie beschäftigen, gleichzeitig aber auch nicht immer im Ghetto ärmlicher Produktionen abhängen. Bisschen Verschwommenheit, bisschen Verträumtheit, aber ohne dem Vibe oder der Spiritualität zu schaden. Ich fürchte, dass ich mich daran nicht immer gehalten habe. Also muss ich die goldene Mitte zwischen Ästhetik und Tanzbarkeit finden.” Ästhetisch geht 100% SILK wirklich neue Wege, indem sie versuchen, Clubmusik einen Touch der Experimentierfreude zu verleihen, die NNF seit Jahren im Pop zelebriert und damit neue Kategorien definiert hat – selbstverständlich auf Grundlage einer langen Noise- und Lo-Fi-Tradition. Alles steckt voller Geschichte und Verweise, auch auf SILK, mit einer Spannweite von Trax bis French House. Amanda hat einen halb-ernsten Namen dafür – allein schon, um sich gegen Presse-Kurzschlüsse wie “Hipster-House” zu wehren. Sie nenne es manchmal “Chrono”. So wie Techno, nur dass diese Musik anstatt Technologie auf Zeit basiert und mit Vergangenheit und Zukunft und den Musikdekaden spielt.

Auf nostalgischer Reise
Dieses Verdrehen der Koordinaten steckt gewiss nicht ständig retrospektiv im Gestern. Wenn man denn etwas wiederbeleben will, dann euphorisches Flair und Glamour im Club. Für Ali Renault ist der Verweis auf Vergangenes schon spezifischer. Die 80er halte er für die letzte innovative musikalische Phase, weil zum einen der letzte große technologische Fortschritt stattgefunden hätte, der Popmusik unglaublich interessant machte: Synthesizer und all ihre Möglichkeiten. Zum anderen, weil sich die Labels mehr getraut hätten und ein ganz anderes Veröffentlichungs-Ethos herrschte. Legitime Meinung. Viel wichtiger ist aber der persönliche, emotionale Bezug, der Nostalgie im besten Sinne ist. “Es gibt Riffs und Sound-Schnipsel, an die ich mich erinnere, die ich als Kind aufgeschnappt habe. Ich glaube, dass ich immer versucht habe, rauszukriegen, wieso mich diese Sounds so anziehen, und wie sie gemacht werden. Das war der Auslöser, deshalb klinge ich heute so. Es hat also wirklich viel mit glücklichen Erinnerungsfetzen zu tun, einer Art nostalgischen Reise.” Noch legitimer! Nostalgie heißt hier schließlich nicht in gestochen scharfen Reminiszenzen einer goldenen Zeit zu baden, die man eins zu eins wiederaufführt. Ali spielt nicht den Soundtrack seiner Jugend nach, sondern sucht in seinen verschwommenen Erinnerungen nach der emotionalen Wärme, die man als Erwachsener meist in die Kindheit projiziert. Es spielt gar keine Rolle, ob man damit Realität verklärt – dieses unheimlich sehnsüchtige Gefühl im Heute sonisch zu übersetzen, ist eine große Kunst. Wen das nicht juckt, der ist entweder zu blöd oder zu schlau für Sentimentales, für alle anderen spricht Ali: “Nicht, dass alles von damals per se bewegender wäre als Aktuelles. Aber mich und mein naives Gemüt berühren solche Sounds sehr.”

Ali Renault

Schon immer Außenseiter
Mit seiner Musik und seiner Offenheit steht der 35-Jährige allein auf weiter Flur. Als Teil des großen Dance-Kosmos hat er sich noch nie gefühlt. “Wir waren immer schon Außenseiter, niemand hier in London hat sich jemals ernsthaft für Italo interessiert. Viele sind mal auf den modischen Zug aufgesprungen, aber genauso schnell wieder verschwunden. Ich und ein paar Leute sind aber noch da, wieder alleine.”
Trotz großem Erfolg sieht Amanda das für ihr Label ähnlich: “Wir stehen außerhalb jeder Szene. Manche Leute müssen einfach ihre Wahrnehmung erweitern, und es gibt wohl noch zu viele konservative Traditionswächter. Ich will keine Revolution anzetteln, aber gerne die Säulen ins Wanken bringen. Ich stehe auch total auf den Typ sexy-teutonischer Techno-Glatzkopf, ganz in Schwarz und niemals lächelnd. Aber hey: Wir können nicht alle so sein!”

Eine der neuen SILK-Platten ist “Broken Anthem” von Malvoeaux, einem der vielen Pseudonyme von Jason Letkiewicz (siehe auch den Text zu Beautiful Swimmers), die er für seine vielen Stilwechsel auch braucht. Als Malvoeaux widmet er sich energiegeladenem Filter-House und macht einen auf “Daft Punk Recomposed” mit extra-knalligem Bumm-Tschak. Mit seiner Freundin Aurora Halal hat er schon als Innergaze auf SILK abgeliefert, hier wiederum minimalistische Discotracks. Jason kann als Steve Summers auch ganz klassisch, nämlich Prä-Acid Marke Chicago. Doch er mag es schon lieber, wenn es “a bit off” klingt. Aurora: “Wir fühlen uns beide extrem zu den weirden Elementen von Musik hingezogen. Slick und clean, so will ich auf keinen Fall produzieren. Ich finde es toll, wie Magic Touch oder Malvoeaux aus bekannten Samples ganz neue, verzerrte Dinge zusammenbauen. Das hat etwas sehr Psychedelisches.”
Bei Amanda und 100% SILK sind sie da bestens aufgehoben. Ein Umdenken im Dance-Betrieb fordert die Chefin: “Es ist wirklich enttäuschend, dass Dance etwas so Ernstes werden musste. Tanzmusik! Was ist aus der Erregung, der entgrenzten Freude geworden? Man sollte viel mehr Zugangsmöglichkeiten akzeptieren, es gibt keinen Königsweg. Wir sind eben nicht mehr in den 80ern oder 90ern, haha. It‘s time to move forward and outward!”

Das Kino ist eine “privilegierte Form der Interpretation unserer Welt”, schreibt der französische Philosoph Jacques Rancière. Seit Anfang der 90er Jahre befasst sich der Althusser-Schüler insbesondere mit medienästhetischen Fragen wie der nach einer politischen Filmästhetik. Seine seit Ende der 90er für die einflussreichen französischen Filmzeitschriften Cahiers du Cinéma und Trafic entstandenen Aufsätze sind im Herbst im Berliner August Verlag unter dem Titel “Und das Kino geht weiter. Schriften zum Film” erschienen. Darin werden nicht nur Filmklassiker von Charlie Chaplin, John Ford und Robert Bresson, sondern auch die Werke zeitgenössischer Regisseure wie Abbas Kiarostami und Massimo Costa behandelt.

Herausgeber der Aufsatzsammlung sind Julian Radlmaier und unser De:Bug-Chefauskenner in Sachen Film, Sulgi Lie. Gemeinsam mit der Filmwissenschaftlerin Gertrud Koch werden die beiden das Buch am 13. Januar ab 19 Uhr im Berliner Kino Arsenal vorstellen, die Moderation übernimmt die Medienwissenschaftlerin und Programmverantwortliche des August-Verlags, Maria Muhle.
Im Anschluss an das Gespräch wird der Film “Hana-Bi” (Japan, 1997) von Takeshi Kitano gezeigt, über den Rancière schreibt: “Es ist eine Utopie der wiedergefundenen Kindheit einer Kunst, die sich im Kino Kitanos manifestiert.”

Zum dazugehörigen Facebook-Event geht es übrigens hier entlang.

Man fühlt sich glatt in einem Globalisierungswerbespot versetzt, wenn Nikhil Shah, George FitzGerald und Julian Neumann im Halbstundentakt im stilvoll abgefuckten Ambiente eines semilegalen Clubs in einem noch nicht zu Tode gentrifizierten Kiez Berlins eintrudeln, um sich in die improvisierte Sofaecke zu fläzen. Nikhil hat einen indischen Migrationshintergrund, George besitzt diese gesund englische Blässe und Julian weiß man nicht so genau einzuordnen, aber mit Nike Air Pullover und Base-Cap ist man sich intuitiv sicher, dass er Deutscher ist. Warum auch immer. Dazu spricht George bald akzentfreier Deutsch als man selber, was man als sehr ungewöhnlich empfindet. Dahinter steckt eine enge Freundschaft, die an und mit Man Make Music, dem kürzlich gegründeten Label, gewachsen ist. Denn die Geschichte ist wesentlich länger als die Existenz des Labels vermuten lässt. Aber eins nach dem anderen.

George FitzGerald gehört zu den Musikern, die auf Basis der 130 BPM die Genregrenzen immer wieder so derbe durchdeklinieren, dass den Sound-Theoretikern die Spucke weg bleibt. In diesem Bereich ist noch lange nicht alles gesagt und er bestätigt das von Simon Reynolds formulierte reflexive Moment von Retro. Insofern ist George mit seinen Stücken so nah am Puls der Zeit wie die Retro-Debatte selber. Sein Debüt “The Let Down” kam 2010 auf Hotflush, also genau zu der Zeit, als Scubas Imprint damit begann, Hot-Shit-Garantien zu jedem Release gratis dazuzugeben. So wurde auch der in London lebende FitzGerald damit ausgestattet. Denkste! Denn statt Lobeshymnen regnete es Kritik vom Online-Olymp Resident Advisor. “The Let Down” hebe sich nicht von den Produktionen Scubas oder Joy Orbisons ab, hieß es. Vor allem letzterer sorgte mit “Hyph Mngo” für den Trivialitätsstempel, der George schwer zu schaffen machte.

“Ich kann schon verstehen, dass meine Stücke mit denen von Scuba oder Joy Orbison verglichen werden. Aber ich konnte ja zu diesem Zeitpunkt noch gar keine Entwicklung zeigen. Das hat mich angepisst. Im Nachhinein wäre diese Kritik wahrscheinlich gar nicht aufgekommen.” Auf keinen Fall. Denn seine folgenden Releases zeigten immer stärker, dass er sich bei seinem dreijährigen Berlinaufenthalt die in London zwangsläufig sprießenden Breakbeat-Hörner abgestoßen hat, da er hier – aufgemerkt – zum ersten mal mit Four-to-the-floor-Musik in Berührung kam. Als er Deutschland wieder verließ mochte er sie sogar und zählt sie heute – und auch schon bei seinem Debüt – zu einem maßgeblichen Einfluss seiner Stücke. Damit griff der Vergleich mit Joy Orbison eindeutig zu kurz. “The Let Down” war ganz klar treibender, verschachtelter und vor allem deeper. Hier ging es schon über die Post-Dubstep-Idee hinaus. “Aber ‘Hyph Mngo’ war einfach so groß, dass es wohl ein unglücklicher Zeitpunkt war, einen Track auf dem gleichen Label zu veröffentlichen”, räumt George nachgiebig und sicherlich völlig korrekt ein. “Ich bin auf jeden Fall froh, dass es vorbei ist. Ich hatte wirklich Angst davor, aus dieser Sache nicht mehr raus zu kommen.”

Man Make Music
Er ist raus gekommen, gewachsen und hat sich etabliert, dass sogar Will Saul von Aus Music ungefragt auf ihn zukam und dieses Jahr die “Silhouette EP” veröffentlichte. Damit konnte George dann auch zum Aushängeschild und Vorzeigemusiker von Man Make Music werden, dem Label, das er kürzlich zusammen mit vier Freunden ins Leben rief. Aushängeschild nicht nur deshalb, weil er mit den angesagten Labels im Rücken mit Popularität punkten kann, sondern vielmehr, weil das junge Imprint in der Zukunft ein breites Spektrum an musikalischen Stilen repräsentieren möchte, die sich in Georges Musik bereits erahnen lassen, wenn er Einflüsse aus Dubstep, Garage, Techno und House regelrecht amalgamiert. Doch um zu verstehen, wie es zu Man Make Music überhaupt kommen konnte, warum gleich fünf Personen hinter dem Label stehen und wieso Georges Musik eigentlich so klingt, wie sie klingt, bedarf es einen oder besser gesagt zwei Schritte zurück.

Immer wieder George
George ist zwar nicht das Zentrum von Man Make Music. Doch bei dem Gespräch wird immer wieder deutlich, dass erst seine sympathische und offene Art die aktuelle Konstellation hinter Man Make Music ermöglicht hat. Zum Beispiel lernte er Amit Gudka, den heutige Grafikdesigner, noch zu Schulzeiten beim Garage-Vinyl-Diggen, Georges erste große Musik Leidenschaft, in einem Londoner Plattenladen kennen. Und auch Nikhil Shah, den Betreiber von Mixcloud, kennt George bereits aus seiner Jugend, da die beiden im selben Londoner Viertel aufgewachsen sind, in dem George nach eigener Aussage der einzig wirklich Weiße war.
Diese Fäden liefen dann erstmals in Cambridge zusammen, wo die drei zusammen mit dem vierten Mitglied der Truppe Sam Leon in unterschiedlichen Fächern und Jahrgängen studierten. Sie feierten, veranstalteten Partys und legten auf. George und Nikhil versuchten sich sogar an einer nerdigen HipHop-Scratch-Performance an vier Plattenspielern, die einen weiteren wichtigen musikalischen Einfluss für George markiert. Und wie es dann immer so schön kitschig erzählt wird, wuchsen die vier auf Basis der Freundschaft und der Leidenschaft zur Musik immer enger zusammen. Das sollte sich auch nach dem Studium nicht mehr ändern und zurück in London gaben sie ihrer Leidenschaft auch einen professionellen Background, indem sie im großen Stil Warehouse-Raves veranstalteten, die das ein oder andere Mal zu grenzwertigen Feiereskapaden ausuferten. Zwar existierte hier bereits der Name Man Make Music für die Partyreihe, doch von dem Label war hier noch keine Spur.

Randfigur
Dafür brauchte es noch eine Initialzündung, die – wie sollte es anders sein – von George und seinem knapp dreijährigen Berlin-Aufenthalt ausging und ihn seidem unverzichtbar machte. Auf der Aktivisten-Ebene war er schließlich bis dato eher eine Randfigur: “Ich habe nicht so intensiv mit den anderen aufgelegt und habe mich auch bei der Veranstaltungsplanung und Organisation eher zurückgehalten. Auch wenn ich immer ein Teil der Sache war, ging es für mich erst richtig los, als ich zu produzieren begann und das Label ins Rollen kam.” Und das kam ins Rollen als er das heutige, fünfte Mitglied Julian Neumann in Berlin kennen lernte und mit ihm den Traum vom Label teilte. “Wir wollten immer ein Label zusammen gründen. Und als es dann tatsächlich ernst wurde, war es eine logische Konsequenz, Label und Veranstaltungsreihe zusammen zubringen.” Julian wurde also von George in die bereits bestehende Londoner Truppe eingegliedert und kam so zu seiner Rolle des Berlinrepräsentanten von Man Make Music.

Brücken schlagen
Dieses Jahr war es dann endlich soweit: bei Man Make Music handelt es sich nicht mehr länger nur um eine Partyreihe in London, sondern auch um ein Label, das mit den mächtigen Standbeinen in den für elektronische Musik wohl wichtigsten Metropolen London und Berlin enorm gut positioniert ist. Und auf lange Sicht sollen diese Standbeine auch zum Programm werden. Denn das junge Label möchte die musikalische Lücke schließen, die hinsichtlich der unterschiedlichen Break- und Straightbeat-Präferenzen trotz zunehmender Globalisierung zwischen den Städten nach wie vor klafft. “Wir versuchen natürlich diese musikalische Brücke zwischen London und Berlin zu schlagen. Aber sie soll nicht konstruiert wirken,” erklärt Julian. Ergo: Zukunftsmusik. Dennoch klingt die bereits an, wie es die ersten beiden Releases zeigen. Denn erstens liefert die 001 “Fernweh/Hearts” – natürlich von George FitzGerald – bereits die besagte Brücke, wenn von dem bereits angesprochenen Deephouse- und Techno-Einschlag im UK-Bass-Kontext die Rede ist. Und zweitens zeigt “Running Man”, die 002 von Rick Grant und Jack Dixon, recht klar, wo es hingehen soll, wenn sich das Stück noch konsequenter auf Seiten der 4/4 schlägt und einer noch deeperen Linie verschreibt. “Wir wollen nicht nur eine Sparte bedienen”, so Julian weiter, “sondern ein breites Spektrum bedienen und uns auch verstärkt der House-Richtung zuwenden. Die ersten Releases waren ja dann doch eher englisch.” Und das fände er scheiße, fügt George lachend hinzu. Und so ganz unrecht hat er damit trotz aller Ironie auch gar nicht, da Julian sich als 4×4-Repräsentant natürlich auch reine House oder Techno-Stücke wünscht. Für den Globalisierungskurs sind die im Label-Routenplaner selbstverständlich bereits als feste Station eingetragen. “Doch jetzt soll erstmal manifestiert werden, wofür Man Make Music steht,” räumt Julian ein, “und dafür braucht es eine klare Linie.” Doch wer hier eine Hierarchie vermutet, ist schief gewickelt. Jedes Release wird demokratisch abgestimmt. Ist einer dagegen, wird es gecancelt. Der richtige und wohl einzige Weg, der bei fünf gleichberechtigten Köpfen längerfristig funktionieren kann.

Skurriler Leitfaden
Der Leitfaden bringt dennoch Skepsis mit sich. Denn frei von Genres oder Trends Musik zu veröffentlichen und gleichzeitig eine schlüssige Release-Folge im Stil eines harmonischen DJ Sets zu konstruieren, klingt viel eher nach einer Antinomie als nach einem realistischen Labelkurs. In der Anfangsphase, in der sich ein Label zu positionieren und zu definieren versucht, könnte er wiederum funktionieren und mit den Stücken “Fernweh” und “Running Man” im 130-BPM-Bereich wurde die nur denkbar beste Basis dafür geschaffen. Denn als Schnittstelle zwischen Techno bzw. House und Dubstep hält sie dem geplanten Kurs alle Türen offen. Wenn dann, wie George ankündigt, in sechs Monaten endlich die von Julian herbeigesehnten reinen House-Nummern erscheinen sollen, von denen er sicherlich auch die eine oder andere selber produziert haben wird, kann sicherlich von der momentanen, ganz bewussten Release-Folge auch wieder abgesehen und sich ins Querbeet gestürzt werden, ohne seine Zielgruppe damit zu verschrecken. Hinter Man Make Music steckt eine ordentliche Prise Sinn und Verstand, die viel Potential verspricht.

Herzblut
Doch wie kommen die fünf eigentlich auf die Idee ein Label ein Label zu betreiben? George und auch Julian (der releaste bereits auf Klopfgeist und Third Ear) haben doch Labels in ihrem Rücken, die von klaren Grenzziehungen genauso wenig wissen wollen wie Man Make Music? Und die anderen produzieren doch noch nicht einmal!

George: “Der Wunsch, ein eigenes Label zu führen, existiert schon so lange ich denken kann. Es macht einfach Spaß, Musik anderer, teils befreundeter und unbekannter Künstler zu veröffentlichen. Auf der anderen Seite ist es natürlich auch für uns Produzenten schöner, da man einfach näher an seinem eigenen Release ist und mehr Kontrolle darüber hat. So muss man dann nicht bis zu neun Monate warten, wie es oft bei anderen Labels der Fall ist, bis das Stück veröffentlicht wird.”

Julian: “Aber wie George schon sagte, es geht uns vordergründig gar nicht darum, unsere eigene Musik zu veröffentlichen, sondern vielmehr darum, noch unbekannte Musik zu finden und unter das Volk zu bringen. Ich weiß, jeder sagt das. Aber es ist einfach ein großartiges Gefühl.”

Nikhil: “Wir sind nicht alle Produzenten. Ich z.B. bin DJ, Promoter und betreibe die Website Mixcloud. Das sind alles Plattformen, die ich dafür nutzen kann, um Musik, die ich finde und liebe, anderen Menschen zugänglich zu machen. Ein Label ist da die beste denkbare Erweiterung, mit der ich noch mehr Menschen erreichen kann.”

Und wenn sich hierbei alle so schön einig sind, dass es fast lächerlich wirkt, aber jeder das eigentlich bereits gesagte noch einmal mit seinem eigenen Strahlen in eigenen Worten wiederholen möchte, wird klar, wie viel Herzblut in dieser Sache steckt.

STARTUP BERLIN: GRÜNDERZEIT

Berlin boomt in Sachen Startup-Unternehmen, auch die internationalen medien haben bereits den großen Hype ausgerufen. De:Bug nimmt einige Unternehmen aus dem neuen Silicon Valley an der Spree unter die Lupe. Mit Firmen wie Eyeem, Tweek, Readmill und Wahwah.fm soll unsere Welt besser werden.

LESERPOLL: EURE BESTENLISTEN!

Zwölf Monate, feinsäuberlich geordnet. Den De:Bug-Fragebogen zu euren Highlights habt ihr nach bestem Wissen und Gewissen ausgefüllt, jetzt wird ausgewertet. Die besten Alben, Singles, DJs, Apparate, Festivals, Bücher, Filme, personen und Unverschämtheiten. Ärmelschoner an und los geht’s!

LANA DEL REY: SCHMOLLENDE IRRITATION

Sie weiß es nicht, ganz einfach. Die aufgespritzte Pop-Lolita mit abgeschlossenem Philosophie-Studium führt uns im Interview eindrucksvoll das platonische Wissen von Nichtwissen vor “Wer hört eigentlich Lana Del Rey?” – “Ich weiß es nicht.” – Würdest du es gerne wissen?”. – “Ich weiß es nicht.”

REDIGI: GEBRAUCHTE MP3s VERKAUFEN

Der MP3-Flohmarkt ReDigi hat den US_Musikmajors den Fehdehandschuh vor die kopiergeschützten Füße geworfen. Ob legal erworbene Musik-Downloads wiederverkäuflich sind, wird bald die amerikanische Justiz beschäftigen. Uns beschäftigt zunächst aber das recht abtruse Geschäftskonzept von ReDigi.

STUDIOBESUCH BEI OVAL

Markus Popp möchte nicht mehr länger nur mit seiner Musik Statements setzen, sondern nun auch mit eigener Software. “OvalDNA” heißt sie und ist mehr als Spiel zu verstehen, denn als Sequenzer. “Es ist ein interaktives, spielerisches Environment, mit dem man Sounds bewegt, verändert, zueinander in Bezug setzt.”

STARTUP BERLIN

# Club der Visionäre: Readmill, Eyeem, Tweek & Co.
# Gründerszene: Interview mit Mark Hoffmann

MUSIK

# Lana Del Rey: Sexelnde Samplequeen
# R&S Records: Das beste Pferd auf dem Floor
# Daphne Oram: Die große Lady der Bandmaschinen
# Damage & Daneeka: Deepness-Multipplikatoren
# Mario & Vidis: House aus Vilnius
# Skwee: Gipfeltreffen in Berlin
# Ital: Perfekt nebulös
# Objekt: Prestige Parodie

LESERPOLL 2011

# Listen, Listen, Listen

MODE

# Modestrecke: I Want To Live Like Common People
# Trigema Change: Öko rein, Affe raus
# Nike Air 180 ID

MEDIEN, THEORIE & GADGETS

# System Pop: Musik endlich mit Systemkritik
# Bilderkritiken: Wahlkampf in Ägypten
# ReDigi: Gebrauchte MP3s bekommen einen eigenen Flohmarkt
# Digicam: Nikon 1V1
# Tablet: Lenovo IdeaPad K1
# Ohrhörer: TDK BA-100
# Piratenpartei: Alles klar zum Entern?
# Örvar & Sindri: Isländische Musiker malen
# Kenji Hirasawa: Wärmebildfotografie im Club

MUSIKTECHNIK

# Studiobesuch bei Oval
# DSI TEMPEST: Große Groovebox-Baustelle

VOLLE KANNE FUTURE

# A Better Tomorrow: Geldmengengrütze

Mit dem Green Box Project initiiert der Bierbrauer Beck’s rund um den Globus Kunst in den noch weitgehend unergründeten Gefilden der Augmented Reality. Der grüne Würfel ist dabei gleichzeitig Markenpräsenz und Schlüssel zur digitalen Erweiterung der Realität am Handy-Display, die im Umfeld der analogen grünen Boxen erlebt werden kann.

Als es an einem windig-frösteligen Dezemberabend auf der Kreuzung Tor-Ecke-Mollstraße knallt, haben wir wieder etwas gelernt. Über die einzigartige Konsistenz des Zufalls, über das Verhältnis von echter und digital erweiterter Realität und was uns in Zukunft noch alles auf dem Handy-Display erwarten könnte. Klingt kompliziert? Ist es tatsächlich ein wenig, aber immer schön der Reihe nach: Es geht um Augmented Reality (AR), die digital angereicherte Version der Dinge, die sich direkt vor unserer Nase abspielen, und welche Möglichkeiten sich in diesem neuen Raum für Kunst und Design eröffnen. Und um genau diese kreative Nutzung in der Augmented Reality nachhaltig zu fördern, hat der Bierbrauer Beck´s das Green Box Project ins Leben gerufen. Was Sinn macht, denn die digital erweiterte Realität ist ein gleichermaßen unbekanntes wie vielversprechendes Terrain. Künstler, Musiker und Designer haben gerade erst damit begonnen die Möglichen zu erkunden, die sich in diesem Feld eröffnen. Das Wissen um die Beschaffenheit der Augmented Reality ist derzeit noch so rudimentär, dass nicht einmal klar ist, ob es sich um einen neuen Raum, ein Medium oder um etwas völlig anderes handelt. Was die neuen Gefilde natürlich ungemein spannend macht, aber auch bedeutet, dass ein Unterfangen wie das Green Box Project sich nicht bis ins letzte Detail planen lässt. Beck´s leistet somit als Initiator echte Pionierarbeit, im Rahmen des Programms, das im Juli mit einer spektakulären Installation an der Freiheitsstatue in New York begonnen wurde, sollen in den kommenden Jahren insgesamt 1.000 AR-Projekte umgesetzt werden. Dazu soll sich der Kreis der Kreativen stetig erweitern, indem mit Bekanntheitsgrad des Projekts auch die Zahl der Einreichungen zunehmen. Welche Konzepte dann zum Zuge kommen, entscheidet eine Jury unter dem Vorsitz des Modefotografen Nick Knight und des Musikers Sam Spiegel.

 

Augmented Art?

Außerdem hat man sich vorgenommen, eine “neue Form der Augmented Art Galerie” zu entwickeln, wie Beck`s Manager Oliver Bartelt erklärt. Vorher gilt es allerdings noch, die Namensfrage befriedigend zu klären: Wie soll die Kunst im neuen digitalen Raum heißen? “Augmented Art” klingt stimmig, ist es aber nicht. Im Print könnte man aus “Augmented Reality Art” einfach “ARt” machen, dummerweise lässt sich das aber nicht vernünftig googeln, was im Sinne jugendlicher Witchhäuslichkeit vielleicht lustig ist, ansonsten aber schlicht unpraktisch. Aber auch wenn die Namensfrage noch offen ist, hat die Gestaltung bereits munter begonnen und nach 30 Green-Box-Installationen in amerikanischen und britischen Städten kam das Projekt Ende des Jahres auch in Berlin an. Womit wir wieder beim eingangs erwähnten, windig-frösteligen Dezemberaberabend wären, an dem die grünen Boxen mit einer Party im SoHo-Haus willkommen geheißen wurden.

Welche Realität?

Vom Raucherbalkon im zweiten Stock des SoHo-Hauses hat man einen Paradeblick über die weitläufige Kreuzung nahe dem Alexanderplatz. Aus dem Saal leuchtet es grün, hipper Slowstep und Gesprächsfetzen wehen durch die Balkontür und mischen sich mit den Verkehrsgeräuschen. Wir wollen gerade wieder hineinschlüpfen, als ein viel zu schneller Opel beim Abbiegen ein entgegenkommendes Taxi touchiert, sich tüchtig im Kreis dreht, um mitten auf der Kreuzung zum Stehen zu kommen. Noch bevor die Schrecksekunde vorbei ist, springt der Fahrer aus seinem Wagen und reißt theatralisch die Arme gen Himmel, als wäre dies das Ende einer wilden Verfolgungsjagd über US-Highways mit Live-Bildern vom TV-Hubschrauber. Die Geste lässt den Unfall noch surrealer wirken, als er es von unserem Logenplatz aus ohnehin schon war, da fragt man unwillkürlich: Ist das jetzt echt passiert? Oder hat da schon wieder jemand die Realität erweitert? Nach kurzer Verwirrung kommen wir schnell überein, dass da eben ein echter Unfall noch mal ziemlich glimpflich ausgegangen ist, schließlich hatten wir die Szene nicht am Handy-Display verfolgt, sondern technisch ungefiltert mit eigenen Augen. Also ist wohl gerade die reale in die erweiterte Realität eingebrochen und hat ausgerechnet so die Potentiale der Technik deutlich gemacht – zum Beispiel könnte in nicht allzu ferner Zukunft zu jeder Straße ein Unfallarchiv gehören, das vor Ort am Futurephone betrachtet werden kann. Vielleicht entwickeln sich daraus sogar neue Unterhaltungsformate und wir verbringen unsere Freizeit am liebsten an unfallreichen Verkehrs-Hotspots … abwarten.

Erweiterte Wahrzeichen

Um der prinzipiell allgegenwärtigen AR einen symbolischen Startpunkt zu geben, kommt beim Green Box Project der namensgebende grüne Würfel ins Spiel. Die markanten Quader mit exakt zwei Metern Kantenlänge signalisieren zunächst, dass es in ihrer Umgebung virtuelle Kunstwerke zu entdecken gibt. Dazu dienen die Kisten aber auch technisch als Trigger, wenn das grüne Quadrat mit dem Beck´s-Logo in einer Ecke von der Handy-Kamera erfasst wird, startet die “Beck’s Key App” (gratis für iOS und Android) das für diesen Ort maßgeschneiderte AR-Spektakel. Wo aus naheliegenden Gründen keine der Boxen zentral platziert werden kann, können die Bauwerke aber auch selbst diese Trigger-Funktion übernehmen, also etwa das Brandenburger Tor in Berlin oder die Freiheitsstatue in New York. Welche Möglichkeiten sich der Augmented Art beim Spiel mit solchen freistehenden, klar definierten Großstrukturen erschließen, hat der belgische Bildhauer Arne Quinze zum Auftakt des Green Box Project mit “Rock Strangers” gezeigt: eine 61 Meter hohe, abstrakte Flamme für die Statue of Liberty, die vor allem vom Wasser aus betrachtet zu beeindrucken wusste. Über dem Brandenburger Tor ließ unterdessen im Dezember das legendäre Künstler-Duo FriendsWithYou, das für seine Genregrenzen sprengenden Character-Designs bekannt ist, ein farbenfroh-fröhliches Figuren-Cluster namens “Magic in the Air” schweben und wabern – was man nach dem Stand der Planung aber leider nur bis zum 2. Januar erleben konnte, danach wurde die Installation “abgeschaltet” werden.

Virtueller Gelee

Auf dem Heimweg von der Berliner Green-Box-Party stolpern wir prompt noch einmal über das Thema: Neben der Installation am Brandenburger Tor gab es nämlich in der Tostraße auch noch die temporäre Appel Design Gallery, die ob ihrer monochromen, grünen Lichtaura nicht zu übersehen ist. Hier hängen eine Hand voll iPads im Schaufenster, auf denen die Geleeskulptur “Tropical Jellodrome” der britischen Food-Artists Bompas & Parr über dem obligatorischen grünen Würfel prangt. Die Installation hat einen eigenen, strengen Charme, allein weil sich mit den fixierten Displays die AR-Tricks nur abstrakt erschließt. Die Kombination aus vermeintlich strenger Konzeptkunst und aktuellen Gadgets erinnert uns daran, wie man als ins Museum mitgeschlepptes Kind auf Nam June Paik reagiert hat: so viele riesige, nagelneue Sony-Fernseher! Denkt man diese Analogie konsequent weiter, werden in 20 Jahren Sammler händeringend nach dem iPad 2 suchen, um die Werke der Augmented-Art-Pioniere stilgerecht betrachten zu können. Wer dann als AR-Pionier gilt, lässt sich heute naturgemäß nicht sagen, aber Quinzes “Rock Strangers” ist ein heißer Kandidat.

1.000 Projekte in den kommenden Jahren: Beck’s Green Box Project ist ein Mammutunternehmen, mit dem der Bierbrauer die faszinierende neue Welt der Augmented Reality für die kreative Gestaltung erschließen will und steht damit in bester Tradition vorangegangener Projekte wie der Beck’s Fashion Experience, Beck’s It oder der Beck’s Gold Urban Experience.

Die Verbindungen von Kunst und Technologie sind in den letzten Jahrzehnten immer wieder thematisiert worden, mit der Green Box aber geht man einen Schritt weiter und stellt das System von Ausstellungen und Kunstpräsentation auf den Kopf. Die erweiterte Wirklichkeit der Augmented Reality (AR) eröffnet die Möglichkeit, den Ort der Ausstellung neu zu definieren, Kunstwerke nicht sein, sondern erscheinen zu lassen. Und das überall, in einem weltumspannenden Netzwerk, das die verschiedensten Bereiche von Design, Musik und Kunst in einer technisch vermittelten und dennoch sehr direkten Form erfahrbar macht. Augmented Reality ist dabei mehr als nur eine neue technische Form, denn durch die Nähe und Vertrautheit mit Smartphones und Tablets und nicht zuletzt die direkte Interaktion mit den Kunstwerken wird – trotz scheinbarer technischer Distanz – die Erlebbarkeit von Kunst zur Erfahrung einer neuen Welt, die den “White Cube” durch eine grüne Box ersetzt.

Augmented Food Art

Diese Direktheit der Erfahrung ist gleichzeitig auch Motivation für die Künstler, die aus allen Gebieten kommen. Kreative aus den Bereichen Fotografie, bildende Kunst, Design, Mode, Musik, Architektur oder Illustration betreten die augmentierte Galerie mit einer spürbaren Faszination für das neue Medium und der Aufregung von Entdeckern, die ihre Schritte in unbekanntes Terrain lenken. Mit Craig Thornton ist sogar ein Chefkoch in den Reihen der Green-Box-Kreativen zu finden, die bereits erste Erfahrungen mit dem neuen Medium sammeln konnten. Thornton ist Küchenchef in Los Angeles und für Kreationen mit sehr rohem Charakter berühmt, insbesondere wenn es um die Zubereitung von Fleisch geht, zudem er seine Gerichte in einer Präsentation servieren lässt, die unzweifelhaft darauf aufmerksam machen, dass man gerade ein Stück Tier verzehrt. Der Küchenexzentriker Thornton nahm die Anfrage zur Gestaltung einer AR-Installation begeistert an, seine Arbeit namens “Wolves In The Snow” entstand dann auf der Basis eines Fotoshootings mit einem echten Wolf. Für den staunenden Betrachter ist es natürlich stimulierend, wie Kreative aus allen denkbaren Disziplinen bereit sind für das Beck´s Green Box Project ihre eigene Disziplin zu verlassen, mit einem anderen Medium zu arbeiten und neue Wege zu erforschen. Denn genau das ist es doch, was Technologie einem letztendlich erlaubt: darüber nachzudenken was man mit seinem Leben anfangen will, welche Medien und Tools man benutzt.

Weiße Leinwand

Für die meisten der bisherigen Künstler ist die Augmented Reality natürlich etwas völlig neues, weshalb Beck’s ihnen beim Green Box Project eine Crew kompetenter Techniker an die Seite stellt, die den Kreativen helfen, die Grenzen und Möglichkeiten der Plattform zu erkennen und das beste aus den jeweiligen Ideen herauszuholen. Der Mäzen als Medium einer neuen Form von Augmented-Art-Galerie und Sprungbrett in eine mögliche Zukunft der Kunst. Denn die digital erweiterte Realität ist ja im wahrsten Sinne eine nagelneue, unbeschriebene, weiße Leinwand. Und während man in den meisten Medien stets durch die physikalischen Gegebenheiten eingeschränkt wird, lösen sich die Beschränkungen in der Augmented Reality größtenteils in Wohlgefallen auf, womit sich der Kreativität neue, ungeahnte Möglichkeiten eröffnen. Bislang ist es ja vor allem eine gewisse Nutzbarkeit von Information, mit der sich die verschiedensten Softwares und Umsetzungen von Augemented Reality befassen. Einfachere Navigation im Raum, die Sichtbarmachung der uns überall umgebenden Informationsräume direkt abgebildet auf der vertrauten, sichtbaren Umgebung. Der Schritt, den Beck’s mit The Green Box Project geht, ist eine Öffnung dieses neuen, in Zukunft immer omnipräsenteren Raumes einer digitalen Umgebung für die gesamte Bandbreite der Kreativität.

Kunst am Himmel

Ein weiterer Faktor der Inspiration von Kunst durch Augmented Reality ist die Befreiung von den physikalischen Gegebenheiten. Auf der Ebene des realisierten Projektes, das es erlaubt, an einem Ort verschiedenste Bilder- und Klangwelten zu realisieren, Objekte physisch unmöglich zu morphen und Klang und Bild in freien Konstellationen miteinander zu verknüpfen. Dabei ist Augmented Reality auf eine Art sehr demokratisch und egalitär, weil sie der Kunst ermöglicht, überall stattzufinden: Man kann einfach über die Straße laufen und ein virtuelles Kunstwerk am Himmel sehen. Eine Befreiung, die gleichzeitig auch ermöglicht, sich mit den einmaligen Eigenarten bestimmter Orte auseinanderzusetzen, eine Beziehung zu bestehenden Objekten aufzubauen, einen Kommentar oder eine andere Sichtweise zu formulieren.

Artphone

Gleichzeitig spielt das Green Box Project schon durch die Form der Installationen mit der Verheißung einer neu zu entdeckenden Zukunft. Ausgelöst werden die Kunstwerke durch den Schlüssel im Wappen des Beck’s-Logos, der sozusagen den Schmuckkasten der Kunst zusammen mit dem eigenen Smartphone oder Tablet aufschließt und einem so den Zugang zu einer immer wieder überraschenden audio-visuellen Welt öffnet. Eine Box birgt ja in sich schon ein Geheimnis. Etwas das uns hoffen lässt, mit Empfindungen, Erwartungen und Geschenken spielt und so Kunst nicht als Aufgabe oder reine Erfahrung vermittelt, sondern als einen direkten persönlichen Bezug zur eigenen Handlung. Das alles wird verstärkt durch die Intimität und gleichzeitige soziale Allgegenwärtigkeit, die nur ein Gegenstand wie ein Smartphone vermitteln kann. Etwas, das wir immer und überall mit uns tragen und unsere Kommunikation und den Umgang mit der Realität immer mehr begleitet und gelegentlich auch bestimmt.

Jelly Architecture

Und so gehen die Kunstwerke des Green Box Project auf die verschiedensten Weisen eine Beziehung mit dem Betrachter und der Green Box als Objekt ein. Ein Projekt wie “Super AR Avatars” von Reed+Radar verwickelt einen zum Beispiel ins Spiel mit den verschiedenen Seiten des Quaders. Auf diesen müssen Zug um Zug Rätsel gelöst werden, um die nächste Ebene zu erreichen, was das Spielerische in der Augmented Reality Art zur Geltung bringt, die sich damit fast schon wieder einem Videogame nähert. Aber es gibt auch sehr direkte Formen, die einen einfach aufgrund ihrer unmöglichen Präsenz beeindrucken und die Absurdität, aber auch die Reinheit der Begeisterung in ein Objekt fassen. Wie Bompas & Parrs “Jelly Architecture”, bei dem ein monströser, einsamer Wackelpudding auf der Green Box vor sich hinwackelt. Im Laufe des Jahres wird das Beck’s Green Box Project als Installation und wandernde Augmented Reality Galerie weiter um den Globus ziehen und diese Art neuer Kunsterfahrung für jeden erlebbar machen.

Psychedelisches Postpunk-Patchwork gefällig? Das Washingtoner Label Future Times reitet auf der Erfolgswelle und inszeniert House als irrlichternden Tauchgang durch die Dance-Geschichte. Auch klar: Für eine gute Platte würden die amerikanischen Retro-Futuristen ihr letztes Hemd hergeben. Aber lieber noch machen sie selbst welche.

Wenn das keine frohe Kunde ist: Vinyl, vom Postboten auf die Pforte gelegt. Vor seinem Heim in Silver Spring, einem Vorort von Washington, fand Andrew Field-Pickering neulich ein Paket aus England. Dieses offenbarte die 12″ “Tubular Bells” von Plutonic, eine Coverversion des Mike-Oldfield-Klassikers. Der Platten-Nerd war aber mehr an der B-Seite interessiert: “Amen” heißt das 1990 gepresste Kleinod. Mit Killerbassline, laszivem Vocal, Breaks und glitzernden Synths wird hier lässig dem Dancefloor-Irrsinn in die Arme geschlingert. Ein Track so sexy wie ein Tänzchen mit dem Teufel im Mondlicht. “Auf das Stück bin ich über einen alten Fabio- und Grooverider-Mix im Netz gestoßen. Der Track ist so was von weird. Das ist prähistorischer Drum and Bass, der eigentlich noch House ist. Genau auf solchen Sachen bin ich aus. Das klingt für meine Ohren völlig frisch.” Der Jagdtrieb nach dem Besonderen, dem Versponnenen, dem Unerhörten: Er durchdringt Andrew bis in den kleinen Zeh. Und natürlich muss einen schon ein gerüttelt Mass an Vinyl-Besessenheit beseelen, um ein so prächtiges Unterfangen wie Future Times zu veranstalten.

Dem Motto “Things Will Be Better In Future Times” begegnet man da immer wieder. Gute Zeiten sind es fürwahr: Die Bilanz sieht nach drei Jahren und elf Platten rosig aus, daran hat Andrew beträchtlichen Anteil. Als eine Hälfte der Beautiful Swimmers und dank seiner Solo-Produktionen als Maxmillion Dunbar hat er sich eine stetig wachsende Fangemeinde erarbeitet. Zusammen mit Mike Petillo, der seinerseits Teil des Duo Protect-U ist, zieht Field-Pickering die Fäden des Labels. Future Times ist eine family affair, die Platten stammen überwiegend von den Swimmers, Protect-U und dem geschäftigen Jason Letkiewicz, der hier unter nicht weniger als vier Pseudonymen releast: als Rhythm Based Lovers, Sensual Beings, Confused House und Steve Summers. Zur erweiterten Familie – sozusagen die lieben Verwandten aus Übersee – zählen auch die israelischen House-Experimentalisten Juju & Jordash sowie der Berliner Hunee.

Foto: Shawn Brackbill

Vinylisiertes Gold
“Wir kommen vom Punk. Hier gab es ja im Unterschied zu Europa kaum Raves. Die Szene um Acts wie Fugazi war schon immer sehr stark in Washington D.C. und dem haben wir als Kids auch in diversen Bandprojekten nachgeeifert”, sagt Mike. “Irgendwann war uns das aber zu abgedroschen und da zeigte mir Andrew einige klassische Dancetracks. Seither arbeiten wir uns durch die älteren Spielarten von Techno, House, Disco, Dub und Electro.” Als Vintage-Plattenkäufer, zumal als fanatischer Sammler, ist man in den USA verwöhnt: Schier endlos lässt sich in Second Hand Shops und Thrift Stores nach vinylisiertem Gold schürfen. Gerade in Washington haben sich in den letzten Jahrzehnten Myriaden von Platten und Kassetten aus aller Welt angestaut, was laut Mike damit zu tun hat, dass die amerikanische Hauptstadt ein Durchgangsort ist: Viele leben hier ein paar Jahre und ziehen dann wieder weg. Washington, das ist ein Umschlagplatz für Sounds jeglicher Couleur.

So stößt man natürlich locker auf Trommelmusik aus Ghana, deutsche Krautrock-Platten, Warp-Produktionen oder obskuren House aus New Jersey. Die geborgenen Schätze bilden für Andrew und seinem Beautiful-Swimmers-Partner Ari Goldman einen quasi naturgegebenen Sample-Fundus. Und auch die Köpfe hinter Protect-U, Mike und Aaron Leitko, lassen sich tunlichst inspirieren.”Wir sampeln im Geiste mit, denken uns, oh, dieser Drumbeat ist wirklich cool, so was könnte man auf unseren Maschinen auch machen.”

Wanna get a cocktail?
“World Music” heißt nicht ganz zufällig ein Track von Protect-U. Mit im Delay wirbelnden Trommelpattern und Boogiebass geht es los auf einen zehnminütigen Trip, der irgendwann so irrlichtert, als würden Giorgio Moroder und Steve Reich gemeinsam im Schnellboot durchs arktische Meer zischen. Überhaupt diese aquatisch-schimmernde Ästhetik: Sie durchspült auch die Produktionen von Maxmillion Dunbar. Von einer kuriosen Larmoyanz wiederum ist der Swimmers-Hit “Big Coast”: Eine geisterhafte Reggae-Orgel trifft auf Silbenstotter-Soul und eine betrunkene Tröte. Dahinter steckt ein meisterliches Arrangement, das einen sinnieren lässt: Wer hat noch mal gesagt, dass House-Musik keinen Humor hat?

Es käme den Future-Times-Machern nicht im Traum in den Sinn, ein karges Whitelabel-Release zu machen, dem man schon von weitem ansieht: Achtung, hier spielt ganz tiefgründige Tanzmusik. “Nicht dass wir was dagegen hätten, im Gegenteil, wir lieben ja viele dieser Tracks, aber es ist halt einfach nicht unsere Art. Dafür sind wir zu sehr Clowns”, so Mike. Wobei es oft Insider-Witze sind, über die sich Mike und Andrew einen ablachen: etwa indem sie Macauley “Home Alone” Culkins Entsetzen über die verschwundene Familie in die Auslaufrille kratzen: “I made them disappear!”. Auf einer anderen Platte liest man: “Wanna get a cocktail?”. Das ist dann als hämische Hommage an einen nervtötenden New Yorker Party-Promoter adressiert.

Foto: Shawn Brackbill

Ostküsten-House
Da brodelt was an der amerikanischen Ostküste: Der Aufstieg von Future Times steht in direkter Verwandtschaft zum Erfolg befreundeter New Yorker Labels wie L.I.E.S. und W.T.. Und auch das kleine Washingtoner Disco-Imperium Peoples Potential Unlimited muss Erwähnung finden. “Das ist unsere Hometown. Ich bin mir nicht sicher, ob es eine wirkliche Szene ist. Aber vermutlich wird einmal ein Typ kommen, der unserem Sound einen ganz üblen Namen verpasst. Und dann werde ich mich furchtbar aufregen”, schmunzelt Andrew.

Und derweil die Kanonisierung des Labels sachte voranschreitet, freuen sich die Washingtoner Futuristen noch wie kleine Kinder darüber, wenn sie im Londoner Phonica-Plattenladen den kompletten Future-Times-Katalog auffinden. Bei einem kürzlichen Europaaufenthalt hatten die Beautiful Swimmers am Ende so viele Platten gekauft, dass sie all ihre Kleider mit der Post zurückschickten, um Platz für das Vinyl zu machen. “Es war schon fast tragisch, wie viele Platten wir da gekauft hatten. Ari und ich wissen ja eigentlich, dass wir uns zurückhalten sollten. Und dann haben wir der Airline wegen unserem Extragepäck den ignoranten amerikanischen Touristen vorgegaukelt. Der riesige Koffer mit unseren Klamotten befand sich fast einen Monat im Transit, so dass wir bis dahin ohne unsere Kleider auskommen mussten.”
Immer häufiger werden die Future-Times-Aktivisten auch nach Deutschland gebucht. Zum Beispiel ins Robert Johnson nach Offenbach, wobei im Frühjahr auf dem Label von Ata Macias und Oliver Hafenbauer auch eine Extended Version des Maxmillion-Dunbar-Tracks “Polo” samt Lauer-Remix erscheint. Und was ist mit Berlin? “Das ist natürlich im Unterschied zu Washington ein komplett anderes Ballgame hier. Ich liebe die Soju Bar. Ein fantastischer Ort, um die ganze Nacht lang aufzulegen. Das kann ganz schön freaky werden, da spiele ich auch Ambient oder Jazz. Oder Delphin-Geräusche. Ja, das Leben ist defintiv zu kurz, um nicht das zu tun, was man wirklich will.”

Bei dem, was uns so über das Geld erzählt wird, gibt es ein paar Ungereimtheiten. Aber zum Glück auch ein paar einfache, wenn auch selten verbreitete Erklärungen. Zum Beispiel: Seit einiger Zeit wird uns weisgemacht, wir müssten alle sparen. Besonders die Länder in Europa. Was aber passiert, wenn man spart, sehen wir an Griechenland. Dann gibt niemand mehr Geld aus. Was heißt das für die Kredite? Einfach gerechnet: Hat einer in einem Dorf 100 Schulden. 200 nimmt er im Jahr ein. Macht 50% Schulden. Dann sparen alle, niemand gibt mehr Geld aus. Seine Einnahmen fallen auf 50. Macht bei gleichbleibenden Schulden? Ein Stand von 200%.

Bleiben wir nicht beim kleinen Griechenland, sondern machen das Dorf global. Es gibt drei Parteien – vielleicht auch vier, die Schulden machen können. Industrie, Konsumenten und Staaten. Die vierte wären Banken … das ist noch ein extra Fall. Die anderen drei haben die letzten drei Krisen verursacht. Bei der Internet-Bubble von 2000 hat es sich um eine klassische Überinvestitionskrise der Industrie gehandelt. Dann waren die Konsumenten dran, denen vor der Häuserkrise von 2008 zu viele Kredite aufgeschwatzt worden waren. Und jetzt stecken die Staaten in der Krise.

Instabilitätstheorie
Zurückzahlen? Wenn alle zurückzahlen, passiert im Großen das, was mit Griechenland im Kleinen passiert. Weiter Schulden machen? Aber wer? Das ist eine Frage, die von verschiedenen Theorien ganz verschieden beantwortet wird. Die gängige Wirtschaftstheorie verlangt, Staaten wie Firmen zu behandeln. Wer zu viel Geld ausgibt, geht Pleite. Den Rest richtet der Markt, der dank unsichtbarer Hand immer wieder zum Gleichgewicht zurückfindet. Leider hat dieser Mechanismus letztens in bemerkenswerter Weise versagt. Aber das stört die Mainstream-Ökonomen nicht weiter. Insgesamt hat sich die Disziplin der Wirtschaftswissenschaften, auch und besonders in Deutschland, vollkommen eingeigelt. Alternative Ansätze werden dort nicht gelesen.

Zum Beispiel Hyman Minsky, der schon in den 80er-Jahren eine Analyse künftiger Krisen wie der heutigen vorgelegt hat und das Märchen vom Gleichgewicht durch eine Theorie der Instabilität ersetzt. Oder die in letzter Zeit bekannter werdende Modern Monetary Theory, deren Hauptvertreter der Australier Steve Keen ist. Dessen Ansicht nach nehmen Staaten eine Sonderstellung ein, denn im Gegensatz zu Firmen können sie ihr eigenes Geld drucken. Allerdings nicht das arme Griechenland, das unter der deutschen Euro-Knute steht. Aber man muss nicht einmal die neueste Theorie lesen, um zu dem Schluss zu kommen, dass es ohne zusätzliche Schulden nicht weiter geht. Das wusste auch schon der gute Joe Ackermann. Er hat in seiner Dissertation in bemerkenswert klaren Worten gesagt, dass im derzeitigen Kapitalismus die Profite letztlich aus zusätzlichen Schulden stammen.

Der ganze Streit der letzten Zeit dreht sich im Wesentlichen darum, wer nun diese Schulden machen soll. Wenn sich alle drücken, fährt der Wagen gegen die Wand. Auf die eine oder andere Weise. Was vielleicht nicht das schlechteste wäre, obwohl das Gegen-die-Wand fahren auch sehr unschön verlaufen kann, wie sich zehn Jahre nach der letzten großen Krise von 1929 gezeigt hat.

Vermögen vernichten
Es gäbe noch ein andere Möglichkeit. Nämlich das seit 4000 Jahren aus Babylon bekannte und bewährte Verfahren anzuwenden, die Schulden zu streichen. Allerdings gibt es da erhebliche Widerstände. Das hängt mit einem Punkt zusammen, der in der offiziellen Propaganda viel zu selten erwähnt wird. Schulden sind Vermögen. Was der eine schuldet, besitzt der andere als Guthaben.

Schulden zu streichen heißt daher, Vermögen zu vernichten. Und gegen diesen Schritt wehren sich die Vermögenden, also ungefähr das 1% im Gegensatz zu den 99%, mit allen Mitteln. Hier lässt sich wieder eine ganz einfache Gegenrechnung aufmachen. Es gibt knapp 200 Billionen an Vermögen. Sie wollen mit 5-10% Zinsen belohnt werden. Das macht pro Jahr gut 10 Billionen, die gefordert werden – und in den letzten Jahren mit steigender Verschuldung auch brav aufgebracht wurden. Wenn jetzt auf einmal alle sparen wollen, dann dürfen wir uns auf ein sehr spannendes Finanzjahr 2012 freuen.

Aus dem Special in De:Bug 158: FAZIT 2011

CREDITS
Fotos: Gene Glover
Models: Katrin, Nina, Tom, Timo und Hollis
Künstlerische Beratung: Nina Franz
Produktion und Styling: Timo Feldhaus
Eine Hommage an: unhappyhipsters.com

Das Windows Phone 7.5 Hotel – wir finden ja in erster Linie mal, dass das ein ziemlich knackiger Name ist! Angeblich gibt es im Windows Phone 7.5 Hotel auch so einiges zu entdecken. Wissen wir aber nicht genau, ist nämlich alles noch geheim. Überraschenderweise dreht sich beim Windows Phone 7.5 Hotel alles um das Windows Phone 7.5, so viel ist klar. In der Alten Münze in Berlin-Mitte wird es morgen für einen Abend seine Pforten öffnen, auch das wissen wir. Und der Pressetext, in dem von der Vermischung realer und virtueller Welten geschwärmt wird, lässt uns jetzt einfach mal vermuten, dass auch Augmented Reality eine Rolle spielen könnte.

Wenn euch Geheimnisse, bekloppte Namen und Telefone auch so begeistern wie uns, dann solltet ihr jetzt mal ganz fix eine Mail mit dem Betreff “One night in…“ an wissenswertes@de-bug.de schicken, denn wir haben da was für euch: Der glückliche Gewinner erhält 1×6 Gästelistenplätze für das Windows Phone 7.5 Hotel und bekommt außerdem das namensgebende Telefon obendrauf. Jetzt heißt es schnell sein, denn um 17 Uhr ist die Verlosung schon wieder vorbei.

Wir haben das Gefühl, diese Krise verdirbt selbst den besten in der Administration das Fingerspitzengefühl. Neelie Kroes hat gestern den in den USA verschollen geglaubten (war eher eine Hoffnung) unfreiwilligen Copy-Paste-Heroen des Jahres, Dingsda zu Guttenberg zum EU-Berater für die Internetfreiheit ernannt. Das Twitter-Universum ergeht sich folgerichtig in Bock-zum-Gärtner-machen Witzen. Und ein sichtlich gut gelaunter Frühaufsteher Markus Beckedahl darf im ZDF Morgenmagazin schon mal “Unglaubwürdigkeit” konstatieren. Irgendwie kann das niemand so richtig begreifen. Zumal Neelie Kroes (hier der Beweis) wirklich alles andere als blöd ist. Wir vermuten wer immer Probleme mit seiner Freiheit im Internet hat, fühlt sich jetzt so wirklich kompetent von der EU verraten, verblödelt oder was sonst noch schlechte Witze mit völligem Unverständnis paaren kann. Hey, vielleicht kann ein Netz-Mob helfen? Wäre bei Guttenberg ja nicht das erste Mal, dass er eine Position aufgeben musste wegen dem was zu schützen beauftragt er jetzt berufen wurde.

[via Netzpolitik]

A propos harte Arbeit: Das Spiel und dessen Steuerung ist für Anfänger (oder EA-Sports Konvertiten) harter Tobak. Ähnlich wie bei PES spiegelt sich der Grad an Spieltiefe (v.a. strategischer Natur) auch in der Steuerung wieder. Selbst in der einfachsten Schwierigkeitsstufe ist mein Testspieler mit Basketballerfahrung mit 8 Niederlagen in Folge gestartet. Eine derartig Frustration spornt denjenigen an, der es wissen will – die vielseitige Steuerung bedingt eine steile Lernkuve und dementsprechend wird man von Spiel zu Spiel besser – und selbst erspielter Fortschritt ist natürlich der allerbeste. Netterweise hat man aber zu keiner Zeit das Gefühl, an einem “God-Mode” der KI zu scheitern, sondern ist sich immer bewusst, welchen Fehler man begangen hat, der für den unvorhergesehenen Konter gesorgt hat. Nach der bitteren Einsicht hat sich denn mein Kumpel auch im “Traninigslager” von historischen Stars wie Michael Jordan, Pete Maravich und Anderen Dribbeln und Werfen beibringen lassen.

Es hilft: MJ sei Dank kam im neunten Spiel zwar eine Niederlage zustande, diese aber in der Verlängerung. Gefolgt von einem hart erkämpften Sieg mit einem Punkt Unterschied – da sieht man sich im Anschluss auch gerne die Highlights des MVP an! Das Spiel bleibt weiterhin nichts für Weicheier: Einerseits muss man sehr viel Fingerfertigkeit an den Tag legen, es wird einem nichts geschenkt, viel mehr muss man die Stärken und Schwächen der verschiedenen Akteure auf dem Parkett identifizieren und für sich nutzen. Darüber hinaus wird eine intelligente Spielweise belohnt. Also die, bei der man die Übersicht hat, den sich freilaufenden Mitspieler zu erkennen und anzuspielen. Team-Basketball wird belohnt und Ego-Gezocke auf Dauer bestraft. Wer nur den ballführenden Spieler im Blick hat, sieht nicht, was wirklich auf dem Feld geschieht. Taktische Spielzüge werden auf Wunsch visualisiert, wobei die vier Anspielpartner mit Kurzversion des möglichen Spielzugs eingeblendet werden. Die Visualisierung muss im Spiel aktiv eingeschaltet werden, Strategiefüchse können im “Playbook” bestimmte Spielzüge auch pro Spieler ein- oder ausschalten und die möglichen Figuren der eigenen Spielweise entsprechend anpassen.

Hinzu kommen realistische Verletzungen, Erschöpfungserscheinungen und die Möglichkeit, als Coach währen der Timeouts ins Spielgeschehen durch Schnelltaktiken einzugreifen. Wem das zu viel wird, der kann derartige Einstellungen auch die KI erledigen lassen, was übrigens sehr intelligent und passend geschieht.
Alle Spieler sind realistisch und flüssig animiert, inklusive individueller Stärken und Schwächen. Distanzwürfe und Dunking sind den realen Personen täuschend echt nachempfunden. Hier muss man der 2K Scouting Arbeit Respekt zollen: Als NBA-Fan erkennt man die Freiwurfroutine von Kobe Bryant, den Jump-Shopt von Carmelo Anthony, das Beidhändige Dunking von Tim Duncan oder den typischen Floater von Rajon Rondo sofort, hier ist das NBA im Titel nicht nur verkaufsfördernde Lizenz. Hinzu kommen Details der Spieler, die nicht unbedingt mit Ballbesitz zu tun haben: z.B. ein Paul Pierce, der sich über ein begangenes Foul ärgert oder die sonorige Bass-Stimme eines Kevin Garnett, mit der er Anweisungen an seine Teammates gibt. Viel Liebe zu den kleinen Details, wäre eigentlich gar nicht nötig gewesen, nimmt man aber natürlich gerne mit.

Ein weiteres Features, das mein Kumpel erwähnenswert hielt: “My Player”. Mit dem eigens erstellten Spieler beginnt man als Rookie eine NBA-Karriere: Neben einem realistischen Interview mit potenziellen Interessenten und den darauf folgenden Vertragsverhandlungen muss man sich in der Profiliga beweisen, und sich im eigenen Team durch konstante Leistung bis in die Startaufstellung spielen. In einem Interview wird man dann bspw. vom Besitzer der New York Knicks gefragt, wie man denn mit dem Medienrummel in Manhatten zurecht komme – nice; Das Spielen des My Player Modus ist simpel aber herausfordernd. Mit jedem absolvierten Spiel gibt es Bewertungspunkte von den Mitspielern, wobei es auch Negativpunkte für eigensinniges Spiel oder Fahrwürfe gibt. Mit diesen gesammelten Punkten kann man sich dann Fähigkeiten dazukaufen oder die eigene Charakterpunkte durch Trainingseinheiten mit Legenden verbessern. Alles in allem ist es eine Abwechslung zum “normalen” Gameplay, mit denselben Features wie oben beschrieben, mit dem Unterschied dass man nur den einen Spieler steuert.

Dann ist da noch der bereits in der Einleitung erwähnte “NBA’s Greatest mode”: Nostalgie pur. Man kann in die Haut der 84er Celtics oder der 70er Lakers schlüpfen! Neben der Spieler die wieder mit sehr viel Liebe zum Detail nachempfunden wurden, macht es einfach riesen Spass zu sehen wie die TV-Übertragung umgesetzt wurde. Die Schriftzüge, Bandenwerbung, selbst die Spielstände, die auf dem Bildschirm zu sehen sind, entsprechen den Jahren der Teams, die man Spielt. Die 60er Celtics spielt man beispielsweise in Schwarz-Weiß und einer Ovalen Braunschen Röhre Spielen! Es gibt 15 dieser Legenden-Teams, die man sich durch Siege in Entscheidunsspielen freischalten kann. Im “Association”-Modus ist man Manager einer Mannschaft und verantwortlich für Finanzen, Spielerverträge, Spielerverpflichtungen, Nachwuchsarbeit und so weiter. Man kann sich auch für den Doppelweg entscheiden und das Team einerseits managen, dann die Spiele aber nicht simulieren lassen, sondern selber spielen. Der “NBA Blacktop”-Modus kommt zu guter Letzt einem EA-Sports-Spiel am nächsten: Einfach mal abschalten und ein paar Körbe mit einem Kumpel werfen: 5 gegen 5 auf dem Asphalt einer Amerikanischen Großstadt mit stimmiger Musik im Hintergrund.

Bei so Vielem und soviel detailliertem Lob fielen denn doch einige Details auf, die meinem Kumpel nicht ganz gefielen: So fand er das Menü etwas gewöhnungsbedürftig, gerade weil einige Funktionen etwas versteckt sind. Das “Trainingslager” sei zwar sehr hilfreich aber verbesserungswürdig, da einem ein Weg diktiert wird, nach dem die verschiedenen Übungen zu absolvieren sind. Während des Spiels werden zu selten Statistiken angezeigt. Punkteführer, Rebounds etc. – für Basketballfans sind solche Dinge ein Muss. Und wie bei Sportspielen üblich: Die Kommentatoren sind mit der Zeit einfach nur noch nervig und werden abgestellt. Außerdem ist die Lokalisierung nicht ideal – Viele Fachtermini werden unnötigerweise ins Deutsche übersetzt – so hat mein Kumpel lieber auf Englisch weiter gespielt, weil manche direkten Übersetzungen eher verwirrten als Klarheit schufen. Last but not least, aber das dürfte eigentlich allen klar geworden sein, die bis hierhin gelesen haben: Dieses Spiel ist weder für Anfänger noch für Spieler ohne Basketball-Kenntsnisse geeignet. Daher sagen ich mal, ohne es abwertend zu meinen: Genau das Richtige für NBA-Fanaten und solche, die es werden wollen.

Das Menswear-Label A.D.Deertz aus Berlin will, so Designerin Wibke Deertz, “Kleidung machen, die selbstverständlich aussieht. So als würde sie einem bereits gehören.” Ihre modernen Klassiker sind deshalb nicht saison-, sondern inspirationsabhängig: Statt unter Zeitdruck immer neue Designs zu kreieren, perfektioniert Wibke Deertz lieber die schon bestehenden, wie etwa ihre College-Jacken aus beschichteter Baumwolle, die bunten Canvas-Taschen oder ihre handgewebten Karo-Schals. Die zeitlosen Kleidungsstücke von A.D.Deertz gab es bisher nur im Flagship-Store in der Berliner Torstraße zu kaufen, pünktlich zur Vorweihnachtszeit hat das Label nun endlich auch einen Online-Shop.

Neben einigen Basic-Klassikern aus der Kollektion finden sich im A.D.Deertz-Online-Store stark limitierte Sonderserien, bei denen etwa besondere Schnitte oder Stoffe zum Einsatz kommen, sowie eine Auswahl an Kleidungsstücken von Marken wie Shokay und Herbert Schier, die A.D.Deertz‘ Firmenphilosophie – „traditionelle Produktion, besondere Details, hochwertige Materialien“ – teilen. Das Angebot umfasst derzeit insgesamt gut 60 Artikel, wird aber sukzessive ausgebaut.

A.D.Deertz wurde vor elf Jahren unter dem Namen ADD gegründet und startete mit Unisex-Mode. Mit der Umbenennung 2009 begann auch die Umstellung auf reine Herrenmode. Ihre Inspiration und auch viele der verwendeten Materialien findet die gelernte Bildhauerin Wibke Deertz auf ihren zahlreichen Reisen, an Orten wie Buenos Aires, Hanoi, Bangkok und zuletzt Portugal entstanden so bereits ganze Kollektionen. Mehr über die Entstehungsgeschichten der einzelnen Kollektionen gibt es hier zu entdecken.