Fotos & Produktion: Rachel de Joode

CREDITS
Fotos: Gene Glover
Models: Katrin, Nina, Tom, Timo und Hollis
Künstlerische Beratung: Nina Franz
Produktion und Styling: Timo Feldhaus
Eine Hommage an: unhappyhipsters.com

Das Menswear-Label A.D.Deertz aus Berlin will, so Designerin Wibke Deertz, “Kleidung machen, die selbstverständlich aussieht. So als würde sie einem bereits gehören.” Ihre modernen Klassiker sind deshalb nicht saison-, sondern inspirationsabhängig: Statt unter Zeitdruck immer neue Designs zu kreieren, perfektioniert Wibke Deertz lieber die schon bestehenden, wie etwa ihre College-Jacken aus beschichteter Baumwolle, die bunten Canvas-Taschen oder ihre handgewebten Karo-Schals. Die zeitlosen Kleidungsstücke von A.D.Deertz gab es bisher nur im Flagship-Store in der Berliner Torstraße zu kaufen, pünktlich zur Vorweihnachtszeit hat das Label nun endlich auch einen Online-Shop.

Neben einigen Basic-Klassikern aus der Kollektion finden sich im A.D.Deertz-Online-Store stark limitierte Sonderserien, bei denen etwa besondere Schnitte oder Stoffe zum Einsatz kommen, sowie eine Auswahl an Kleidungsstücken von Marken wie Shokay und Herbert Schier, die A.D.Deertz‘ Firmenphilosophie – „traditionelle Produktion, besondere Details, hochwertige Materialien“ – teilen. Das Angebot umfasst derzeit insgesamt gut 60 Artikel, wird aber sukzessive ausgebaut.

A.D.Deertz wurde vor elf Jahren unter dem Namen ADD gegründet und startete mit Unisex-Mode. Mit der Umbenennung 2009 begann auch die Umstellung auf reine Herrenmode. Ihre Inspiration und auch viele der verwendeten Materialien findet die gelernte Bildhauerin Wibke Deertz auf ihren zahlreichen Reisen, an Orten wie Buenos Aires, Hanoi, Bangkok und zuletzt Portugal entstanden so bereits ganze Kollektionen. Mehr über die Entstehungsgeschichten der einzelnen Kollektionen gibt es hier zu entdecken.

Das junge T-Shirt-Label JA-BÖRNSKI aus Berlin mach vom Design bis zur generellen Geschäftsethik so ziemlich alles richtig, was ein Label nur richtig machen kann. Nur am Promotext sollte das Team dann doch noch mal feilen. Da wird mit Schlagwörtern à la “urban glam“, “more future“ und “art meets fashion“ um sich geworfen was das Zeug hält. Hinter all der Phrasendräscherei stecken aber tolle Prints, die eigentlich für sich sprechen.

Die Stückzahl aller JA-BÖRNSKI-Produkte ist auf 250 limitiert. Dabei ist jeder der handgefertigten Siebdrucke ein Unikat und erhält seine eigene Seriennummer.

Die Designs aus dem Hause JA-BÖRNSKI kann man zwar – gedruckt auf weiße oder graue Shirts – mit stolz geschwellter Brust vor eben dieser tragen, aber auch auf Leinwand oder Papier an die heimische Wand hängen.

Die Shirts sind übrigens fair gehandelt und bestehen aus umweltfreundlichem Material wie Bio-Baumwolle oder Bambus-Viscose. Auch die für den Print verwendeten Farben sind umweltverträglich.

In Sachen Mode ist Berlin derzeit nicht nur die interessanteste, sondern wahrscheinlich auch facettenreichste Stadt des Landes. Das unabhängige Modemagazin Œ will der umtriebigen Berliner Modeszene mit all ihren Akteuren – Designer, Fotografen und Stylisten – eine ausdrucksstarke Plattform bieten. Weil die Diversität Berlins manchmal schwer in Worte zu fassen ist, lassen die Macher von Œ lieber Bilder sprechen und setzen diese liebevoll in Szene. Eine Ausgabe umfasst daher zehn verschiedene Editorials, die auf je verschiedene Sorten Papier gedruckt sind, um so die Stimmung und den Look der Fotostrecken zu untermalen. Diese besondere Haptik wird durch die offene Fadenheftung des Magazins noch unterstützt. Bei der Umsetzung ihrer Ideen haben die einzelnen Kontributoren jeglichen kreativen Spielraum, frei von redaktionellen Einschränkungen soll so ein direkter Einblick in die Berliner Modelandschaft gewährt werden.

Die erste Ausgabe von Œ erschien als “The All Together Now Issue“ im April diesen Jahres und stieß auf reichlich positive Resonanz. Grund genug für die Macher – Stylist Rainer Metz, die Designerinnen Lisa Borges und Lucie Schibel alias MAVEN und Verleger Arne Eberle – unter dem Titel “Oh, what a colourful world“ mit der soeben erschienenen Ausgabe 2 nachzulegen, die sich der Herbst/Winter-Kollektionen von Augustin Teboul, Reality Studio, Vladimir Karaleev, Issever Bahri und Sabrina Dehoff und gut 80 weiteren Designern annimmt, in Szene gesetzt von den Fotografen Lars Borges, Jette Stolte, Jan Mielke, Robert G. Bartholot und Rachel de Joode.
Œ erscheint zwei Mal im Jahr und kann unter hello@oe-magazine.de bestellt werden. Eine Händlerliste ist hier zu finden.

Letztes Wochenende haben wir noch selbst mit euch im about:blank gefeiert, nun steht bereits die nächste Sause an. Zum Anlass der musikalischen Gala der knuddeligen Houseschnuten von Laid am Freitag verlosen wir einen Beutel, der bereits jetzt DAS Accessoire des Saison ist: Die “crust-punk tote bag”.
Labelchef David Lieske aka Carsten Jost hat die aufwändig hergestellten Unikate persönlich gefärbt und mit Domestos behandelt. “Handbearbeitet in meiner Waschmaschine”, versichert er bei einem Ei mit Kräutern bei ihm Zuhause.

Die extrem raren Aufnäher von Crust Punk und Hardcore Bands wurden einzeln bei Ebay ersteigert. Durch ihre Alter und die chemische Behandlung und Waschung erhalten die Dreck-Band-Aufnäher die richtige Patina. “Crust Punk wegen dem about:blank house und punk crossover! Und weil wir sie so lieben!”, gibt Lieske zu Protokoll.

Insgesamt existieren nur 40 Taschen, von denen viele bereits verkauft sind. Sammlerstücke, ganz klar, die im geregelten Verkauf 35 Euro kosten. “Hurry, they are already selling like hot-cakes!” Also sichert euch die Tasche und schnell eine Mail mit dem Stichwort “Kruste” an wissenswertes@de-bug.de

Neben den unnachahmlichen Laid All Stars (Hinter Palisade steht ja Redshape, logo) wird es auf dem zweiten Floor einen vier Stunden Auftritt einer nur für diesen Abend gegründete Band geben, bestehend aus Sergej Jensen, Magnus Schaefer, Manuel Gnam und Taslima Ahmet.

Und an dieser Stelle sei noch eine News aus dem Hause DIAL / LAID verkündigt: Für Ende des Jahres wird das „bestangezogenste Hafenbecken für House jenseits des tradierten Dancefloors“ eine Kunst-Galerie in Berlin eröffnen. Wo genau, wird natürlich noch nicht verraten..

In der heute erscheinenden De:bug gibt es einen Text über den Unstil der englischen Unterschichtsplünderer, den der Medienunternehmer und Wallpaper-Gründer Tyler Brûlé vor einiger Zeit in einer Kolumne konstatierte. Was ein Quatsch, finden wir, und schreiben die wirkliche Wahrheit über die Jogginghose. Und über das Verhältnis von Gangsta-Werbung, Gangsta-Verhalten und den anschließenden Produkten, wie etwa das Turnschuhmodell Supernova Riot 3 von Adidas, dem die Ästhetik des Aufstands zur Werbefolie reicht. Und wie, warum und vor allem wann Bilder des Protests gegen die Staatsmacht für Marken interessant zu verwenden sind. Aber lest selbst.

Gestern schrieb Laura Weissmüller in der SZ einen ähnlich gelagerten Text, in der sie auch die gegenseitige Befruchtung aus Markenidentität und den Bildern des Aufstands thematisierte und mit Tom Wolfes Essay “Radical Chic” verschnitt. Ihre Grundlage bildet dieser Werbespot von Levi‘s:

Nun fragt sich auch Weissmüller, ob Entrüstung über Werbung überhaupt jemals interessant sein kann (Wir glauben schon!), auf jeden Fall spannend: „Kurz nachdem der Levis’s-Spot in England zum ersten Mal gezeigt wurde, fanden in London die Krawalle statt. Der Jeanskonzern stoppte den Werbeclip für den englischsprachigen Markt umgehend. Mit dem wütenden Mob wollte man nichts zu tun haben.“ Nun, wo die wirklichen Wogen wieder geglättet sind, darf in der Werbung wieder protestiert werden.

Der Journalist Kito Nedo machte mich gerade beim Mittagessen zudem auf die dreiste Kopie einer Szene des Jeans-Spots aufmerksam. Die Motor-Bootstour auf dem Tisch ist exakt dieselbe wie sie die Künstergruppe die Allora & Calzadilla höchstwahrscheinlich als Referenz auf Bas Jan Ader und seine Atlantiküberquerung in der Nussschalge verwendeten, von der der Künstler niemals zurückkehrte. Wie der Hosenfabrikant das wohl geregelt hat?

Zudem erschien gestern das neue Imagevideo “Snowballs” des amerikanischen Pret-a-porter Labels Proenza Schouler. Auch dort ist ein gewisser Wunsch nach Aufbegehren zu spüren. Harmony „Kids“ Korine hat es gedreht, darin singen freakige Indianerkinder leierig „We love trouble“. Bei Korine geht es ja immer son bisschen um die Kaputtness, Amerika und Adolseszenz. Irgendwie geiler.

Wir hatten es bereits Anfang diesen Jahres verkündet: Der Rucksack ist zurück. Fixie-Bike fahren ist eh schon gefährlich genug, da kann man sich nicht noch mit der Umhängetasche verheddern. Wir hatten damals unter anderem Julien Assange, der sein Hacker-Zeug stets auf dem Rücken schultert, für diesen Trend verantwortlich gemacht. Sein Wiedergänger im Springer-Universum mimt nun der indische Investmentbanker und zukünftige Deutsche-Bank-Spitzenmann Anshuman Jain. In Welt und Bild wurde er zum “Guru mit dem Rucksack”, der schon bald die Aktentaschenträger um Josef Ackermann verdrängen soll.

Jain propagiere nämlich eine Armfreiheit, wie sie sich in Deutschland nur wenige erfolgsorientierte Menschen gönnen. Tolle Sache. Doch wenn man genau hinschaut, muss man den Banker ein bisschen bemitleiden, denn er trägt stets ein traurig-verknautschtes, auf blöde Art zu großes Teil auf dem Rücken. Wir empfehlen unserem Mann von der Bank also, da er wie wir vom schwedischen Retro-Wanderrucksack genug haben wird, das neue Produkt aus der Reihe von Eastpak & Kris Van Assche. Dort trifft sich Raffinesse und praktische Funktionalität ohne Schnickschnack in zeitlos schöner Ästhetik: Geschmeidigkeit, Nüchternheit, klare Linien und ordentliche Zipper. Wer immer noch nicht vom Rucksack überzeugt ist, für den hat der belgische Designer noch sechs andere Modellen in den Farben Schwarz, Grau und Natur einen neuen Look verpasst.

Der Rucksack ist in ausgewählten Shops erhältlich und kostet 150 Euro.
www.eastpak.com/krisvanassche

Die Mode schaut seit diesem Jahr nicht mehr zurück, sondern in die Zukunft. Und findet dort Gott und Technologie. Auf den folgenden Seiten checken wir daher die neusten High Tech Sneaker, blicken auf die Umwälzungen, die der 3D-Drucker bringen wird und fragen das seit über zehn Jahren für Innovation stehende Label Acronym nach den brauchbaren Gadget-Jacken.

Der Modemacher hat wie der Musikproduzent grundsätzlich zwei Möglichkeiten. Entweder er schaut zurück oder nach vorne. Entweder er macht die Geschichte produktiv und arrangiert das Beste oder Seltsamste miteinander, bearbeitet und kontextualisiert das Alte. Oder aber er entwickelt das Neue aus dem unermüdlichen Drängen nach vorne, wie ein Rennpferd, dem man den Blick zur Seite und zurück durch Scheuklappen verwehrt. Manchmal hält der Modemacher dabei inne und sinniert über Fragen wie diese: “Warum Frauen gerne Stoffe kaufen, die sich gut anfühlen.” So lautet auch der Titel einer Ausstellung von Olaf Nicolai, in der es vor allem um den riesigen Vorhang ging, der sich durch Farbübergänge wie bei einem Regenbogen auszeichnet. Dazu erschien ein beachtlicher Katalog. Im Stil der Experimentellen Literatur spannt er in Form eines Anmerkungsapparats mit Sach- und Personenregister und in sieben Kapiteln ein komplexes Netz von Referenzen, vom Untergang der Textilindustrie, über soziologische Meinungsforschung, der Entwicklung von Konsumentenbedürfnissen und psychologischen Studien, bis hin zur taktilen Wahrnehmung von Stoffen. Womit wiederum ein teils absurdes textliches Geflecht entsteht.
  

Therapeutische Stöffchen
Heute basieren im Design 70 Prozent aller Produktinnovationen auf neuen Materialien. Dabei steht längst nicht mehr nur die technologische Funktion im Mittelpunkt, sondern vor allem die Fähigkeit zur Überführung in begehrliche Produkte. Das behaupteten jedenfalls die Macher der diesjährigen Berliner Designmesse DMY. Bislang kümmerte sich ein Hauptzweig der Modeproduktion stets um das aktuellste Gutaussehen, aber nur selten um die Suche nach innovativen Stoffarten, die etwa noch effektiver Wasser abweisen, Kälte oder Wärme abschirmen, Geruchsbildung verhindern und vor anderen Unannehmlichkeiten schützen. Aber genau das ändert sich gerade, was vielleicht sogar ein wenig damit zu tun hat, dass von der anderen Seite des schönen Scheins der Bereich der Outdoor-Mode seit Jahren drückt, was mittlerweile zur produktiven Rückübersetzung in die High-Fashion führt. Zudem ermöglicht der Zugzwang von Sustainability und Ökologie ein größeres Forscherinteresse an neuen Materialien. Rund 40 Prozent des Umsatzes der Textilindustrie in Deutschland fallen derzeit auf den Bereich der technischen Textilien.

Dieser Sektor ist geprägt durch die Vernetzung unterschiedlichster Technologien zur Entwicklung neuer Materialien und die Erschließung neuer Einsatzmöglichkeiten. Fakt ist: Auch Designer wie Raf Simons, Hussein Chalayan oder Nicolas Ghesquière schauen bei der Stoffmesse vermehrt an den Ständen, an denen sich technologische Neuerungen in der Stoffproduktion vermuten lassen. Dort findet sich irres Geflecht wie wind- und wasserdichte Membrane, die aktiv auf wechselnde Temperaturen und Aktivitäten reagieren oder völlig neue Gewebegenerationen, die bewirken, dass vom Körper abstrahlende Energie in Form sogenannter ferner Infrarotstrahlung vom Textil reflektiert wird. Die Schweizer Schoeller Textil AG entwickelte zuletzt das System “iLoad”, mit dem es möglich sein soll, kosmetische oder therapeutische Substanzen in textile Gewebe einzubetten, aus denen sie dann über bestimmte Zeiträume wieder abgegeben werden. Und sicher, die besagten Designer linsen oft schüchtern zum nächsten Stand, wenn ihnen die verrückten Wissenschaftler von nützlichen und frisch erforschten Stoffen erzählen. Aber sie werden es nicht mehr lange tun. Die Mode merkt gerade: während der zumeist auf retro aufbauende Street Style stecken bleibt, hat Funktionsmode Zukunft.

Sneaker-Perspektiven
Das zeigt sich wie so oft zuerst ganz unten: Während in den letzten zehn Jahren der bunte Vintage-Sneaker die Bürgersteige beherrschte, ist es aktuell wieder der advancte Laufschuh, der sich seinen Weg auf die schicke Straße bahnt. Auch das hat eine Geschichte: die Einführung neuer Materialien wie Nylon oder Polyurethan sowie sukzessive Detailentwicklungen wie seitliche Luftschlitze (um 1950), keilförmige Absätze (1962), Waffle-Sohle (1977), Luftpolsterung (1979) oder Dämpfungsgel (1986) haben das Modul-Arsenal heutiger Sportschuh-Konstrukteure überreichlich gefüllt. Wobei besonders die “europäisch-lederdominierte” und die “amerikanisch-gummiorientierte” für unterschiedliche Entwicklungen sorgten, wie Christoph Bieber in der aktuell im Blumenkamp Verlag wiederaufgelegten “Sneaker Story” beschreibt. Auch heute haben Designer und ihre teils absurd großen Forscherteams immer wieder Ideen zur Neuerfindung des Sneakers. Doch darauf kommt es gar nicht zwingend an. Vor allem machen sich diese Sneaker gut zu den Gadgets, die man mit sich herumträgt. Zum iPad passen einfach keine Retro-Schlappen.

Inwiefern neue Technologie immer auch ein Abstreifen der Geschichte bedeutet, zeigt im Moment kein Schuh poetischer als das Modell Hyperfuse von Nike. Letztes Jahr führten Nikes Designer eine neue Technologie im Basketballsport ein, die nun am Modell Air Max zu sich selbst kommt. Bei Hyperfuse handelt es sich um ein robustes Verbundmaterial, das aus drei Schichten aufgebaut ist – eine für Stabilität, eine für Atmungsaktivität und eine für Verschleißfestigkeit. Unter Druck und Wärme werden die drei Schichten präzise miteinander verbunden. Die einteilige Konstruktion sorgt für einen leichten, atmungsaktiven Schuh und soll darüber hinaus die Nähte reduzieren, die unangenehm am Fuß reiben. Durch das neue Verfahren entsteht auch ein neuer Look, da man dank der offenen Overlays durch das Obermaterial des Schuhs sehen kann. Sichtbarkeit und Glätte als das Gegenteil zum Heritage-Stoff, der sich in die Geschichte einschreibt und aus der Geschichte schöpft. Anstatt ein altes Referenzsystem aus schon Dagewesenem zu reanimieren, werden die Stoffe zusammengeschmolzen und es entsteht ein nahtloser Schuh aus einem Stück, der ganz in sich selbst und in der Gegenwart ruht. Sportler werden gerüstet für die Unbillen des Hier und Heute, und Städter brauchen die richtigen Schuhe, um aus dem SUV zu steigen. Oder eben gar nicht erst hinein zu steigen. Die technische Entwicklungsgeschichte aus dem Hause Nike, die Ende der 70er mit der berüchtigten Waffel-Sohlen ihr Killerfeature erfand (Nike-Mastermind Bowerman soll es mit dem Waffeleisen seiner Frau hergestellt haben) – sie bekommt im Hyperfuse ein weiteres Update.

Freaker 
Damit werden auch notorische Nörgler ruhig gestellt, die stets einwerfen, dass der Sportschuh inzwischen perfektioniert und ein Ende der Entwicklungsgeschichte längst erreicht sei. Dämpfungsgel von ASICS, “Pump”-System von Reebok, der schnürsenkellose Schließmechanismus des “Disc”-Systems von Puma – all das gab es schon einmal und gibt es zum großen Teil heute aus gutem Grund auch nicht mehr. Allerdings, Systeme wie das “Feet you wear” von Adidas oder der aktuell besonders im Kunstbetrieb reüssierende Barfuß-Schuh Nike Free beinhalten grandiose Konzepte: Die Gründe um überhaupt Schuhe zu tragen, liegen im modernen Sport selbst. Er wird auf Bodenbelägen betrieben, die für den Sport ursprünglich nicht entworfen wurden. Genannte Schuhe mit anatomischem Design betonen gerade das Fehlen unnötiger Technologie. Sie sagen: Schuhe sind High-Tech-Produkte, in denen heute in ihrer schönsten Form die Anwesenheit von Technologie gerade deren Abwesenheit simulieren soll. Die formulierte Post-Histoire-Kritik verläuft aber auch insofern im Nichts, weil es ja dem Casual-Konsumenten gar nicht um die Technik sondern den Look des Schuhs geht. Die Dekadenz, die aus dem Sneaker als High-Tech-Produkt für den urbanen Bürgersteig spricht, passt gut in eine Zeit, in der 3D-Drucker die Modeindustrie umzukrempeln drohen. Denn wenn der Drucker und damit sein DIY-Erzeugnis erst einmal etwas weniger als sauteuer ist, dann wird sich vielleicht wirklich alles verändern. 

Seit 100 Jahren wird die modische Vorstellung von der Zukunft anhand der immer gleichen Ästhetik präsentiert. Wie kann das sein? Und wie sieht die aus? Dabei ist doch die Utopie nicht weniger als das Skelett des Modedesigns. Wir haben fünf Experten Beiträge schreiben lassen zu einer kleinen Enzyklopädie der modischen Utopie.

1913 entwarf der Künstler Kazimir Malevich eine Serie von Kostümen und Set-Designs für die futuristische Oper “Sieg über die Sonne”. Dafür malte er auf einen Bühnenvorhang erstmalig sein genrebegründendes Gemälde “Das Schwarze Quadrat auf weißem Grund”. Es war die Geburtsstunde des Suprematismus. Seine Kostüme hielt er möglichst antirealistisch: wuchtige, grellbunte Bauklötze, eigentlich dem ganz ähnlich, was der britische Designer Gareth Pugh heute entwirft. Eckige, graphische, monolithische Kleider, mit denen man schwer durch Türen kommt. Es ist haarsträubend: Seit Beginn des 20. Jahrhunderts an, von Künstlern wie Marinetti bis zu zeitgenössischen Modedesignern wie Hussein Chalayan, wird die modische Vorstellung von der Zukunft anhand der immer gleichen Ästhetik präsentiert. Entweder sind die Kleider ganz groß und eckig oder eng anliegend und hell glänzend, alles ist irgendwie metallisch, von seltsamer Form und einem kalten Leuchten. Etwa 1930 stellten sich eine Hand voll amerikanische Designer unsere Modewelt so vor: Kleider lassen sich durch Verschlüsse und Anstecker über den Tag variieren, Stoffe sind transparent, ein elektronischer Gürtel würde den Körper klimatisch regeln. Accessoires leuchten, damit die Frau besser einen “honest man” findet. Der Mann an ihrer Seite würde eine Jacke tragen, an der ein Telefon und ein Radio montiert sind. 70 Jahre später sind diese Vorstellungen kaum ein alter Hut. Genau so weit sind aufgerüstete Klamotten, so genannte Wearables, heute – aber auch nicht wirklich weiter. Vor allem werden diese technischen Verfeinerungen von der Mode überhaupt nicht ernst genommen, stattdessen schlägt allerorten die Stunde von Vintage. Recht hatte also der französische Künstler Valimard, der sich 1910 schon vorstellte, wie wir im Jahre 2000 leben. In den wunderschönen Zeichnungen zeigt sich: Fast alle damaligen technischen Utopien haben sich heute verwirklicht, modisch hat sich jedoch wenig ereignet. Visionär also auch seine Idee, den Menschen einfach die Kleider anzumalen, die 1910 en vogue waren. Dabei ist Mode zu entwerfen per se utopisch: Ein Designer entwirft regelmäßig 1,5 Jahre bevor seine Kollektion erscheint ein bessere Welt. Eine Welt, in der die Menschen ein wenig schöner gekleidet sein sollten.
TIMO FELDHAUS

Mode und politische Utopie

Dass politische Utopien ein große Rolle in der Mode spielen, kann man nicht gerade behaupten. Und dass Mode selbst Ausdruck eines progressiven Zukunftswillen sein kann, glaubt heute auch kein Mensch mehr. Dies war schon mal anders: Der Mao-Anzug (in China heißt er eigentlich Sun-Yat-sen-Anzug), benannt nach dem als Gründer des modernen Chinas verehrten Revolutionsführer. Einfarbig, militärisch grünlich oder zivil-blau, Hose, Jacke, manchmal Hut – DAS kommunistische It-Gewand des 20. Jahrhunderts. Denn der Mao-Anzug mit dem kurzen Stehkragen packt das bourgoise Übel modisch an der Wurzel und operiert auf dem Niveau der Bedingungen der Möglichkeit: Wo kein Kragen ist, wird keine Krawatte sein. Keine Stände, kein Geschlecht, keine Schnörkel und kein Individuum. Dafür Konformität, Symmetrie, Gleichgewicht und Gleichförmigkeit. Der Mao-Anzug ist textilgewordene Masse, in Stoff eingenähte Ideologie, Versprechen auf die Gleichheit und die klassenlose Gesellschaft – und am Ende doch nur Zwangs-Jacke totalitärer Uniformierung. Aber das ist lange her. In China gibt es dieser Tage wohl mehr Krawatten als an der Wall-Street. Nicht viel anders steht es um die westliche Version linkspolitischer Modestatements. Joschka Fischers sagenumwobene Nikes zum Beispiel, jener sneakergewordene Traum von der Offenheit des demokratischen Systems, die aus einem Taxifahrer und Straßenkämpfer einen Minister machen kann. Doch die Graswurzelrevolution im hessischen Parlament, die naturgemäß unten, nämlich beim Schuhwerk beginnen sollte, verschwand ein gutes Jahrzehnt später im überdimensionierten großväterlich-staatsmännischen Dreiteiler mit Uhrenkette. Auch aus dem Hoodie der mythischen Friedensaktivistin Petra Kelly, den die Künstlerin Silke Wagner letztes Jahr in einer Installation präsentierte und auf dessen Brust “Lieber heute aktiv als morgen radioaktiv” geschrieben stand, ist heute wenig mehr geworden als eine gut verkäufliche bildungsbürgerliche Wohlfühlutopie. So gilt auch hier: Scheitern liegt dem Utopiepaket wohl schon immer als Gratiszugabe bei.
DOMINIKUS MÜLLER

Mode und Technik

Marty McFly machte im zweiten Teil der Filmserie ”Back to the Future” die glückliche Erfahrung ein schwebendes und enorm schnelles Hoverboard mit den abgefahrensten Nike Airs aller Zeiten betreten zu dürfen. Die Schuhe: hoch, silbergrau, grün leuchtender Schriftzug und vollautomatische Verschlussautomatik mit surrenden Robosounds – ”Ssss – ssss”. Der Film von 1989 initiierte damit den kurz darauf stattfindenden Feature-Wahnsinn im Sportschuhsektor. Zwar gab es in den 80ern bereits Luftpolster, aber der High-Tech-Fetischismus trieb in den 90ern seine stärksten Blüten. Einherging die Utopie des Roboterfußes mit integrierten Systemen wie Torsion (Adidas), Hexalite (Reebok), Gel (Asics), Trinomic-, Disc System (Puma), Pump (Reebok) oder gar blinkenden Sohlen bei LA Gear. Man wollte Schuhe so technisieren wie Space Shuttles, was gewissermaßen im raschen, aber rauschenden Erfolg auch prinzipiell bestätigt wurde. Der Fuß hat leider irgendwann herausgefunden, dass Pumpen zwar witzig ist aber nicht sinnstiftend und gerissene Disc System-Saiten genauso nervig sind wie geplatzte 180-Grad-Luftkissen. Außerdem sagte der 20-Jahre-Pop-Culture-Turnus wieder Servus und neben Superstar und Chuck Taylor waren ab den Nuller-Jahren Vintage-Sneaker aus immer älteren Dekaden wieder schick. Turnschuh hatte endlich History und Fuß wollte wieder Fuß sein und nicht aussehen wie ein aufgeblasener Ferrari Testarossa. Futurismus und Techno haben im Sneaker-Sektor zurückstecken müssen. Dennoch poppen allmählich wieder aufgebrezelte Wiederauflagen von 90er-Serien wie Pump oder Equipment auf, sogar LA Gear sind wieder mit Disco-Sohle auf dem Plan. Geschichtsunterricht für den Teenager-Lifetime-Neukunden und nostalgische Geek-Wichsvorlage für Mittdreißiger. 2008 wurde Nike von Fans quasi per Petition dazu genötigt, endlich den Nike McFly herzustellen, was in Kleinstserie zwar realisiert wurde, mit dem Filmoriginal aber nicht allzu viel zu tun hatte. Wir wissen nun: 2015, da spielt der Film, werden Schuhe mit Sicherheit weder so aussehen noch automatische Verschlusssysteme haben. Die Zeichen für das nächste Jahrzehnt stehen eher auf Brogues, Lederschuh und anderem klassischen Schuhwerk. Und Hoverboards gibt es auch noch immer nicht.
JI-HUN KIM

Mode in Utopien

Der letzte Zukunftsfilm, der sich modisch ausgewirkt hat, war “Matrix”. Der zeichnete allerdings eher eine Dystopie als eine Utopie. Aber welcher Science Fiction entwirft schon eine bessere Welt als die Gegenwart? Wo bliebe da der Zündstoff? Die Apokalyptischen Reiter sind viel spannender als das harmonische Paradies. Die schmalrechteckigen Sonnenbrillen und langen Ledermäntel von “Matrix” zumindest haben sich bei den verfetteten Kleinfamilien in Fußgängerzonen durchgesetzt. Das bringt eine Gewissheit auf den Punkt: Zukunftsvisionen und Mode passen einfach nicht zusammen. Auch Barbarella sah nur gut aus, weil Jane Fonda in den Karnevals-Fähnchen steckte. Zukunftsvisionen und Technik klappt schon viel besser. Machen wir die Probe aufs Exempel: Sean Connery mit roter Schambelappung in Zardoz oder mit Aston Martin in James Bond 007? Der mit Science-Fiction-Gadgets vollgestopfte Aston Martin lässt einen definitiv eher neidisch werden. Sean Connery sieht im dreiteiligen Anzug der Gegenwart neben dem Aston Martin viel zukunftstauglicher aus als im futuristischen Schamlappen-Dress. Die schärfste Mode von heute und ein Accessoire mit Zukunftsaussicht, so funktionieren Science-Fiction-Film und Mode. Eddie Constantine als Trenchcoat-Träger Lemmy Caution in Godards Science-Fiction “Alphaville” belegt das. Als Aston-Martin-Ersatz fungieren hier die Betonhochhausneubauten von Paris, auf deren 60er-Jahre Zukunftsästhetik Godard sich getrost verlassen konnte. Rainer Werner Fassbinder, der stylische Hund, hat es natürlich auch gewusst und sich in Wolf Gremms Science Fiction “Kamikaze 1989″ von 1982 in die heißeste, tagesaktuelle Raubtiermustermode geschmissen, während ihm als Aston-Martin-Pendant die Synthiemusik von Edgar Froese das Zukunftstor öffnet. Und wer, bitte, ist Keanu Reeves gegen die Poster-Boys Constantin und Fassbinder?  
JAN JOSWIG

Mode und Umwelt

Von außen betrachtet schaut es wie folgt aus: Auf der einen Seite ein Alexander McQueen, der zuletzt auf der Pariser Fashionweek seine Modevisionen an die Grenzen des Realisierbaren treibt und den Dior’schen “New Look” in einer Waterworld mit alienhaften Wesen auf skulpturalem, schier unbegehbar futuristischem Schuhwerk neu interpretiert. Und auf der anderen Seite Organisationen wie die niederländische “Made-by”, dank der man die Produktion seines Bioshirts bis hin zum Baumwollbauern zurückverfolgen kann. Warum ist es so schwierig diese scheinbar auseinanderdriftenden Ideen einer Mode von morgen, die einerseits kompromisslos zeitgemäß und andererseits nachhaltig sein soll, zusammenzuführen? Verständigungsversuche auf ästhetischer Eben gibt es: Modelabel wie Magdalena Schaffrin, Barbara ì Gongini, Esther Perbandt, Katherine Hamnet und Andrea Crews, die längst Vorurteile von einer Öko-Mode als einer praktikablen, begrenzt ästhetischen Alltagsmode widerlegen, seien als Beispiele angeführt. Dennoch ist Öko von einem Standard in der Mode (noch) weit entfernt und Versuche ökologische Rohstoffe in ein exaltiertes Designkonzept zu pressen erscheinen bisweilen recht hilflos. Vielleicht weil es in der Mode kaum mehr darum geht dem Menschen ein zeitgemäßes Kleid zu geben, sondern Träume und Visionen zu inszenieren. Insofern kann Alexander McQueens Idee einer Verschnmelzung des Menschen mit seiner natürlichen, auf Grund klimatischer Veränderungen wasserwerdenden Umgebung als hypermodernes Gedankenspiel verstanden werden, das sich längst über eine ökoverliebte Realität hinwegsetzt. Damit also viel mehr “back to the roots” ist, als es ein Hybridmotor jemals sein kann. Die Ökobaumwolle hätte McQueen damit einfach übersprungen.
MAHRET KUPKA

Illustrationen: Dea Dantas Vögler

Aus: De:Bug #139