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Elisa Palomino: La stilista che andò a pescare

noreply@blogger.com (decomondo) — Thu, 07 May 2026 08:51:29 +0000

La pelle di pesce e il futuro della moda sostenibile.

Elisa Palomino è oggi ricercatrice associata presso l'Arctic Studies Center dello Smithsonian National Museum of Natural History, ma la sua strada è iniziata lontano dai musei e dai laboratori. Per decenni è stata protagonista nel settore della moda di lusso: ha lavorato con Christian Dior, John Galliano, Moschino, insegnato in prestigiose sedi internazionali e guidato il cambiamento in vari comitati globali. Ma, soprattutto, Elisa è stata una pioniera.

Una carriera tra lusso e ghiacci

Non è solo una stilista; è una coraggiosa visionaria che ha saputo riscrivere le regole del gioco. Aveva raggiunto vette che per molti rappresentano il sogno di una vita: le stanze dorate di Dior, la creatività frenetica accanto a John Galliano, le luci delle passerelle di Parigi e New York. Ma ha sentito una chiamata diversa. Ha espanso un mondo che molti considerano il traguardo finale, per immergersi in una ricerca tra i ghiacci dell'Artico e nelle mani degli artigiani indigeni. Una strada che molti avrebbero definito "superata" e che invece si è rivelata profetica.

L'incontro con la cultura Ainu

È stato proprio durante le mie ricerche sugli Ainu che mi sono imbattuta nel suo lavoro, e ne sono rimasta folgorata. Sfogliando le immagini del suo studio Indigenous Arctic Fish Skin Heritage, lo stupore ha preso il sopravvento: borse, stivali, sacchi e muffole, tutto realizzato interamente in pelle di pesce — e tutta pelle che sarebbe altrimenti scarto alimentare. Vedere le foto di uomini e donne Ainu impegnati nella pesca del salmone o davanti alle loro case tradizionali, accanto a manufatti di una precisione tecnica incredibile, cambia la prospettiva. Se prima guardare le chep-keri — gli stivali in pelle di salmone — poteva sembrare un incontro con un oggetto "strano", attraverso gli occhi e la ricerca di Elisa diventa un incontro con il futuro.

Una famiglia Ainu davanti a una dimora tradizionale, Hokkaido 1906. Library of Congress.

Mi ha colpita un progetto in cui Elisa, insieme a una sua ex studentessa, ha immaginato una storia alternativa: e se l'era Meiji avesse visto una collaborazione tra giapponesi e Ainu? Cosa sarebbe nato dall'incontro tra la tintura indaco katazome e la tradizione Ainu della pelle di pesce? Hanno dato forma a questo prototipo di un'idea attraverso il 3D, con l'audacia di rendere visibile un incontro culturale negato dalla storia.

Elisa ha creato il FishSkinLab e il progetto europeo FishSkin nell'ambito di Horizon 2020. Ha ricevuto una Fulbright Fellowship e una Kluge Fellowship alla Library of Congress. Ma il suo riconoscimento più grande, credo, è aver dimostrato che la moda può essere un atto di antropologia — e che un materiale di scarto può diventare un manifesto.

Chep-keri esposte alla mostra "Ainu Stories", Japan House, Londra. Wikimedia Commons.

Fonte: Fondazione per la Cultura Ainu (Foundation for Ainu Culture), Manuale di riproduzione della cultura vivente Ainu, 2008.

Il disegno illustra i passaggi necessari per assemblare tomaia, tallone e caviglia delle chep-keri cucite in pelle di salmone. Queste istruzioni fanno parte di un manuale curato dalla Fondazione per la Cultura Ainu per documentare e condividere le tecniche tradizionali di questo popolo. Il processo qui descritto si basa sul sapere di Saki Toyama, che ha riprodotto con cura i metodi di cucitura appresi nella propria famiglia.

Oggi insegna alle nuove generazioni che la moda non deve solo "apparire", ma deve avere radici profonde. Il suo lavoro ci ricorda che per essere davvero all'avanguardia, a volte, bisogna saper guardare indietro — verso quei gesti antichi che profumano di mare e di terra.

Ma la storia di Elisa non è né un caso isolato né solo un racconto di una visione individuale. È il tassello di una rivoluzione necessaria. Se lei ci mostra che la pelle di pesce può stare su una passerella, la scienza ci dice che quel "scarto" può salvarci la pelle in medicina o nutrire il nostro futuro.

∽ * ∼

Tra terra e timone: non solo acqua, sabbia e alghe

L'economia che conosciamo fa fatica a staccarsi dal petrolio. Non solo per interesse, ma perché conosciamo già i processi, i costi e le infrastrutture. Una bioraffineria marina, invece, spaventa perché non obbedisce fino in fondo. Dipende da ritmi vivi e dalle stagioni.

Il paragone con l'agricoltura viene quasi da sé: anche la terra non si comanda, ma la conosciamo e le stiamo dietro da 10.000 anni.

Il mare no. Il mare è ancora lontano e la pesca lo mostra bene. La sua filiera è frammentata: il pescatore conosce il mare ma non la ricerca, il ricercatore studia ma non pesca. Tra questi due mondi c'è un mare di mezzo.

Forse è proprio qui che si gioca tutto. Non nel fare qualcosa di nuovo, ma nel cambiare sguardo. Portare nel mare l'antica mentalità agricola fatta di cura, stagioni, attesa e rispetto. Non di estrarre e scappare; di restare abbastanza a lungo da capire quando è il momento di lasciare.

Estraiamo meno pesce, ma più valore

Se un pesce non è solo filetto, cambia tutto. Il fegato diventa olio, la pelle va in passerella, i carapaci continuano a vivere altrove.

A quel punto anche il lavoro del pescatore cambia: non dipende più solo da quanto prende, ma anche da quanto riesce a non sprecare. E questo, quasi naturalmente, alleggerisce la pressione sul mare.

C'è un'immagine dell'Icelandic Ocean Cluster che torna spesso: un pesce scomposto in possibilità. Non è solo un grafico, è un cambio di prospettiva. In Islanda questa idea è già diventata pratica, nei loro impianti di bioprocessamento, dove anche ciò che prima non voleva nessuno — come i gusci dei gamberi — ha avuto un enorme successo.

Oltre il filetto: un merluzzo non è solo una somma dei suoi filetti. Questa infografica dell'Icelandic Ocean Cluster mostra come l'approccio circolare permetta di utilizzare il 100% del pesce: la pelle diventa cuoio e materiale biomedicale, i sottoprodotti si trasformano in cosmetici e integratori. È il passaggio definitivo dallo spreco alla risorsa, dove l'innovazione tecnologica incontra l'efficienza della natura.

Non solo nel piatto: salmone ai piedi e gamberi in faccia.
E lo scorfano? Ancora nel piatto. Per ora.

Dai gusci dei gamberi si estrae un pigmento potente, l'astaxantina, e dai loro carapaci si ricava il chitosano: una polvere finissima che trova posto nei farmaci, nelle bioplastiche, nei materiali biodegradabili.

La prima, l'astaxantina, è diventata un ingrediente molto ambito. È un antiossidante, molto più potente della vitamina C, che oggi entra nei sieri cosmetici anti-aging di nuova generazione.

Sono entrambe un bellissimo esempio di innovazione e anche una dimostrazione concreta di quanto si possa trovare "oro" nei rifiuti. Un ribaltamento completo dello sguardo su ciò che scartiamo.

E non finisce qui. Una parte importante di questa stessa sostanza torna indietro nei mangimi per pesci, per colorare il salmone d'allevamento di quel bel colore rosa che tanto ci piace.

Nel frattempo il salmone non si arrende, nuota in acque diverse. La sua pelle, oltre a diventare materiale per indumenti, entra nella medicina rigenerativa: innesti cutanei, tessuti che aiutano la guarigione.

E lo scorfano? Per ora resta dove lo conosciamo meglio: nel piatto.

Questo viaggio tra mare, chimica e design finisce qui.

In Italia abbiamo una fortissima tradizione agricola, ma anche un legame viscerale con il mare. Storicamente, molte comunità costiere erano fatte di "contadini di mare" — pensiamo alle Cinque Terre o a Ischia — persone che sapevano leggere le nuvole per le vigne e le correnti per la pesca.

Come agricoltori sappiamo cosa significa combattere i parassiti; come marinai oggi vediamo il granchio blu o il pesce palla maculato sconvolgere le reti e la biodiversità. Il riscaldamento delle acque sta cambiando i "raccolti" del mare. Chi naviga lo sa: un orizzonte davvero pulito non c'è più. Il mare ci sta restituendo ciò che abbiamo buttato.

Ma credo e spero che la consapevolezza del male che affligge il nostro mare sia in crescita — insieme alla complicità nel difenderlo.

Forse il mare non ha bisogno di essere salvato, ma solo visto di nuovo per ciò che è sempre stato: un campo vivo, fragile e generoso, che risponde a ciò che gli chiediamo — e a ciò che gli togliamo.

*Nota sul katazome

Il katazome è una tecnica giapponese di tintura su tessuto con una storia antica. Lo stencil, chiamato katagami, viene ritagliato a mano in washi, una carta di gelso fatta con fibre lunghe e tenaci, sorprendentemente resistenti. Viene poi trattato con succo di cachi fermentato (kakishibu), ricco di tannini, che lo rende più stabile, idrorepellente e durevole nel tempo.

Attraverso questo stencil si stende sul tessuto una pasta di riserva a base di farina di riso: una volta asciutta, protegge le zone che non dovranno assorbire il colore. Il tessuto viene poi tinto — per immersione o a pennello — e, quando la pasta viene lavata via, appare il motivo.

È uno di quei casi in cui un materiale povero — fibra vegetale e succo fermentato — diventa uno strumento di precisione che oggi continua a essere praticato e studiato in tutto il mondo come forma d'arte tessile.

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Ainu: ingegno e raffinatezza in corteccia e salmone

noreply@blogger.com (decomondo) — Sat, 25 Apr 2026 12:18:57 +0000

Molto tempo prima che il Giappone diventasse il paese che conosciamo oggi, l'arcipelago era abitato da popolazioni di cacciatori, pescatori e raccoglitori. Erano i Jōmon, una civiltà antichissima che visse per millenni in stretto rapporto con la natura.

Gli Ainu discendono in gran parte proprio da loro. Non arrivano da terre lontane, come si è pensato in passato, ma affondano le loro radici nel Giappone più antico, molto prima dell'arrivo di altre popolazioni.

Per secoli hanno abitato le regioni settentrionali — Hokkaidō, Sakhalin, le isole Curili — mantenendo una cultura distinta, con una lingua e tradizioni proprie. Il loro modo di vivere, basato su caccia, pesca e rispetto per il mondo naturale, è rimasto a lungo diverso da quello del Giappone agricolo che si andava formando più a sud.

Nell'Ottocento, i viaggiatori occidentali rimasero colpiti dal loro aspetto: barbe folte, capelli ondulati, tratti considerati "insoliti" per l'Asia orientale. Da qui nacquero storie suggestive che li volevano parenti lontani degli europei. Un equivoco comprensibile, forse, ma pur sempre un equivoco: erano semplicemente uno dei tanti volti possibili della diversità umana.

Ritratti storici di uomini Ainu. Da sinistra: Etnografiska Museet, Stoccolma, Public Domain | © Världskulturmuseerna / SMVK, CC BY 4.0 | World's Fair, St. Louis, 1904. Wikimedia Commons, Public Domain.

Con il tempo, gli Ainu furono progressivamente spinti verso nord e, a partire dalla fine dell'Ottocento, sottoposti a politiche di assimilazione che ne hanno messo a rischio lingua e tradizioni. Solo in tempi recenti la loro identità è stata ufficialmente riconosciuta. Oggi, lentamente, si assiste a un ritorno: la cultura ainu riemerge, e con essa il desiderio di custodire e raccontare una storia antichissima.

Se le origini degli Ainu affondano in un passato remotissimo, la loro cultura materiale racconta una storia altrettanto affascinante — fatta di ingegno, pazienza e un rapporto profondissimo con l'ambiente.

I loro abiti, ad esempio, nascono dalla corteccia degli alberi. L'attush è un tessuto ricavato dalla fibra interna dell'olmo: la corteccia, raccolta in primavera, viene bollita, battuta, sfilacciata e infine filata. Ne risulta una stoffa resistente, leggermente ruvida, dalle tonalità naturali della terra. Accanto a questa, esiste il retarpe, ottenuto dalle fibre di ortica, più fine e morbido, di un bianco delicato.

Attush (tunica in fibra di olmo), Hokkaidō, XIX sec. Tokyo National Museum | Attush amip (abito maschile Ainu). Picryl / Public Domain.

Su queste superfici prende forma uno degli aspetti più riconoscibili dell'arte ainu: la decorazione. I motivi — spirali, linee curve, zig-zag, intrecci geometrici — non rappresentano figure del mondo visibile, ma costruiscono un linguaggio astratto, rigoroso e sorprendentemente moderno. Hanno persino i loro nomi: morew per le spirali, ay-us per le forme a spina. E il grande pattern sulla schiena dell'abito, detto sermak, aveva una funzione precisa: proteggere chi lo indossava, come una barriera contro le forze invisibili.

Kaparamip (abito Ainu bianco e blu) | Kaparamip (abito Ainu bianco e blu con maniche a strisce) | Abito rosso Ainu. Minneapolis Institute of Art. Public Domain.

Questa attenzione al segno e al corpo si ritrova anche nei tatuaggi femminili, celebri per la loro forma a "baffi" attorno alla bocca, che segnavano passaggi importanti della vita e appartenenza culturale.

Ritratto di giovane donna Ainu (Ainuschönheit, collezione Balz). Picryl / Public Domain.

A differenza dei loro antenati Jōmon — grandi ceramisti — gli Ainu storici non hanno sviluppato una tradizione ceramica rilevante.

Vaso Jōmon tardo (Late Jōmon Jar). The Metropolitan Museum of Art, New York. Public Domain.

La loro abilità si esprime altrove, soprattutto nei materiali organici: fibre, legno, pelle.

Okitarumbe (stuoie Ainu in fibra vegetale), Biratori, Hokkaidō, 1914. Coll. Thorild Wulff / Etnografiska Museet, Stoccolma, inv. 1915.14.0156 | 1915.14.0152 | 1915.14.0150. © Världskulturmuseerna / SMVK, CC BY 4.0.

Cucchiai Ainu | Cestino Ainu. Etnografiska Museet, Stoccolma. Picryl / Public Domain.

Tra le creazioni più sorprendenti ci sono le chep-keri, calzature in pelle di salmone. Resistenti e flessibili, venivano realizzate attraverso un processo accurato: le pelli venivano pulite, essiccate e poi battute ripetutamente per essere ammorbidite. Per un paio di stivali servivano diverse pelli, sfruttate con intelligenza — veniva usata persino la pinna dorsale, posizionata sotto la suola per migliorare l'aderenza sul ghiaccio. Sebbene la pelle fosse robusta, per proteggersi dal gelo gli Ainu imbottivano l’interno con strati di erba secca (una pianta della famiglia delle Cyperaceae simile al giunco, nota in italiano come carice), che garantiva isolamento termico. Data la natura organica del materiale, queste calzature erano destinate a durare in genere una sola stagione invernale.

Chep-keri (calzature in pelle di salmone), era Heisei, 2015.
Foto: City Museum in Żory / Muzeum Azji i Pacyfiku, Varsavia.

Non erano perfette: potevano bruciare facilmente e, a quanto pare, attiravano anche 😄 l'attenzione dei cani. Ma restano un esempio straordinario di adattamento e creatività.

In fondo, è proprio questo che colpisce di più: la capacità degli Ainu di trasformare ciò che avevano intorno — corteccia, ortiche, pesce — in oggetti complessi, funzionali e allo stesso tempo pieni di significato. Una cultura che, pur antichissima, conserva ancora oggi una sorprendente forza visiva.

Strandbeests, le creature semoventi di Theo Jansen

noreply@blogger.com (decomondo) — Thu, 02 Jun 2022 16:33:00 +0000

Il 66enne Theo Jansen è un fisico, ma non solo. E' uno di quei personaggi che non si trovano bene entro i limiti posti da una facile categorizzazione; il suo campo d'azione include l'arte, la filosofia e la teoria dell'evoluzione.

Si potrebbe dire che il suo ludico carattere multidisciplinare si è pienamente rivelato nel 1980 quando realizzò un leggero UFO di quasi 4 metri di diametro, riempito di elio e completo di un emettitore di inquietanti suoni tremolanti, e lo rilasciò con un gruppo di amici nel cielo sopra Delft, provocando un panico (per loro immensamente soddisfacente) simile a quello dopo la trasmissione radio della "Guerra dei mondi" di Wells.

Nel 1990, turbato dalle sempre più alte maree sulle spiagge di un paese come il suo (Paesi Bassi) che ha molti territori notoriamente sotto il livello del mare, Jansen ebbe un'idea: inventare una razza di creature da spiaggia che raccolgano la sabbia spostata dalle onde e la rimettano a posto.

Iniziò così a creare gli Strandbeest, congegni semoventi fatti da concatenazioni di tubi in PVC e vele che si nutrono di vento, silenziose entità che oggi passeggiano sorprendentemente veloci in riva al mare.

"La vita, dalle sue manifestazioni più primitive a quelle più avanzate, è fatta in gran parte di proteine; il PVC è la mia proteina", disse Jansen, come riportato nell'articolo di Lawrence Weschler su The New York Times. "Spero di diventare più saggio nella comprensione della natura esistente affrontando di persona i problemi del vero Creatore.", aggiunse Jansen.

"Fossili" degli Strandbeest "estinti", foto via

Nel corso degli anni molte "generazioni" di Strandbeest si sono evolute, diventando sempre più abili ad affrontare gli schizzi, la sabbia e le tempeste. L'iniziale obbiettivo di Jansen di spostare la sabbia sfumò leggermente, lasciando spazio alla pura meraviglia davanti all'innescato "processo evolutivo" di queste entità che sembrano quasi manifestare un'anima.

''Ci siamo quasi. Tutto ciò di cui ho bisogno sono altri 20 anni.''

Guardare queste creature vagare per la spiaggia può essere impegnativo oppure no; può semplicemente divertirci, riportandoci ai tempi dei cavallini e carriole in legno nei quali Pinocchio era un vero amico con anima, un dirimpettaio nella nostra Via d'Infanzia.

Se vogliamo, possiamo allevare una di queste bestioline alimentate dal vento anche noi, giocandoci con i bambini nel giardino o sulla spiaggia.

Il mini-strandbeest Animaris Ordis Parvus non è al momento disponibile sul sito ufficiale di Theo Jansen a causa del grande interesse, ma speriamo di rivederlo all'inizio di agosto.

Sono docili, non mordono e non scappano 😄

L'evoluzione delle creature di Jansen, raccontata da Lawrence Weschler ed illustrata dalle fotografie di Lena Herzog, può essere vista nel libro "Strandbeest. The Dream Machines of Theo Jansen".

Sumi-e, la pittura ad inchiostro - senza inchiostro

noreply@blogger.com (decomondo) — Fri, 06 May 2022 20:22:00 +0000

Scrivendo il post “Piccola sintesi della storia della pittura giapponese” ho usato il termine “la pittura ad inchiostro” per descrivere lo stile di sumi-e.

Questo termine deve essere inteso come relativo, per mancanza di una parola più idonea che potesse rappresentare il sumi-e in modo più preciso o equivalente.

Per chiarire, non mi resta che spiegare il processo di preparazione di sumi giapponese usato per dipingere sumi-e monocromatici.

Nella pittura giapponese ad inchiostro sumi-e, l’inchiostro non c’è.

L’inchiostro è l'esatto opposto di sumi, sia nella sua composizione che nell'effetto. Mentre l'inchiostro è acido e fluido, il sumi è solido ed è ricavato dalla fuliggine ottenuta bruciando alcune piante (come giunco, tifa e altro).

Questa fuliggine viene poi impastata con della colla animale in proporzioni precise e pressata negli stampi formando una specie di “biscotto” o bastoncino nero.

All’impasto viene aggiunto anche un po' di muschio* per scopi antisettici (come quando noi aggiungiamo dell’aceto alla cartapesta per prevenire la formazione delle muffe).

Perché asciughi bene, il “biscotto” sumi deve essere tenuto nella cenere e, stagionando, migliora.

Screenshot courtesy of Channel JAPAN

Per essere utilizzato, il sumi viene inumidito e strofinato su una lastra chiamata suzuri, ottenendo un semifluido. Si preleva con un pennello precedentemente immerso in acqua pulita.

Screenshot courtesy of PIGMENT TOKYO

Esistono numerose varietà di sumi. Alcuni sono più pesanti o appiccicosi, più adatti per la pittura o per la calligrafia… In relazione allo scopo, il sumi può essere addizionato con diversi altri materiali, per esempio con un piccolo guscio di ostrica bianca polverizzata per dare lucentezza al colore.

A ognuno il suo sumi… per non parlare di pennelli o carta!

*Il muschio inizialmente proveniva dagli animali come il cervo muschiato (Moschus Moschiferus) originario del Tibet, della Cina e del Nepal ma fu sintetizzato già nel 1888.

Cos'è la scultura?

noreply@blogger.com (decomondo) — Fri, 15 Apr 2022 13:04:00 +0000

Le abbiamo viste tutti e sono dappertutto; ma come definirla? Cosa fa lo scultore? Proviamo a fare chiarezza e a gettare le basi di partenza per capirla e conoscerla meglio.

Scultura di Kim Hyeog Soo, 2012, foto mia

La scultura è una forma artistica in cui materiali duri o malleabili vengono elaborati in oggetti d'arte tridimensionali. Essa provoca un'intensa impressione tattile che la collega intimamente a noi spettatori e ci consente una maggiore immediatezza e un contatto più diretto nell'esperienza di quanto possa fare, ad esempio, la bidimensionale pittura. A differenza di un pittore, che crea degli effetti di luce nei suoi dipinti, uno scultore manipola effettivamente la luce riflessa e le ombre sulle forme delle sue opere.

La scultura esprime idee, esperienze ed emozioni in volumi fisicamente tangibili. La sua esecuzione viene determinata da fattori oggettivi (scopo, tema, luogo di installazione, condizioni della committenza) e dalle preferenze soggettive dell'artista. Essa va osservata da tutti i lati; la sua massa occupa un volume nello spazio ed è delimitata dai contorni. Le linee di questi contorni "descrivono" non solo la scultura ma anche lo spazio dal quale essa viene "sottratta", creando una condizione di relazione reciproca.

Modellando una scultura, lo scultore crea un volume principale (volume interno) e forme più piccole, la superficie e gli eventuali dettagli decorativi esterni - tutti sostenuti dalla struttura sottostante. Si basa su principi come proporzione, scala, articolazione ed equilibrio tenendo presente l'orientamento delle forme, la loro relazione con lo spettatore e con l'ambiente circostante (per esempio, una scultura all'aperto, e in particolare se vista contro il cielo, può apparire meno massiccia di quando la si guarda in uno studio).

Per fare le sculture, uno scultore può utilizzare un'enorme varietà di materiali (argilla, cera, carta, pietra, metallo, tessuto, vetro, legno, gesso, gomma e vari materiali di recupero). Questi materiali possono essere scolpiti, modellati, stampati, fusi, piegati, saldati, cuciti, elaborati ed assemblati in altri modi e la scelta del materiale da usare indubbiamente influenza il tipo di manipolazione: la plasticità dell'argilla e della cera favorisce una manipolazione fluida e immediata e spesso comporta la visibilità delle tracce di lavorazione nell’opera finita; le superfici di sculture in bronzo vengono spesso accuratamente rifinite per rimuovere ogni traccia di queste “impronte” personali.

L'evoluzione della scultura parte dagli albori dell'umanità ed è tuttora in corso anche se in misura minore rispetto alle altre tecniche più "facili" e tecnicamente più raggiungibili, come la pittura.

Alexander Calder, che feeling di fili

noreply@blogger.com (decomondo) — Fri, 08 Apr 2022 09:38:00 +0000

"Penso in fili", disse Alexander Calder.
Lo cita *Lorne Buchman in un podcast che parla di creatività e arte, di leadership e di come convivere con le incertezze della vita.
Grazie alle sue interviste intime che spesso conduce con importanti artisti e innovatori, ci affacciamo all'atto della creazione e alla natura del percorso creativo. Scopriamo dettagli interessanti su come questi affrontano le sorprese durante un processo creativo, su ciò che carpiscono dai materiali che usano e sull’attitudine e l’abilità di creare in generale.

1 Alexander Calder | Gull, c. 1927, Wire and wood,
Collection: Calder Foundation, New York

Le sculture in filo metallico e altri materiali di recupero che Calder iniziò a creare nel 1926, subito dopo essersi trasferito a Parigi, hanno sicuramente a loro volta segnato il suo percorso creativo.

All'inizio Calder considerava questo mezzo flessibile e malleabile un'acrobazia molto divertente, abilmente eseguita ma non di importanza significativa nel mondo dell'arte, pur avendo tenuto la sua prima mostra di sculture in filo metallico già nel 1928 (Weyhe Gallery, New York, Sculture in filo di Alexander Calder, 20 febbraio-3 marzo 1928).

2 Alexander Calder | Mule, c. 1927, Wire, wood, and paint,
Collection: Calder Foundation, New York

3 Alexander Calder | Elephant, c. 1927, Wire and wood,
Collection: Calder Foundation, New York

4 Alexander Calder | Horse, c. 1928, Wire on wood base

Collection: Calder Foundation, New York

5 Alexander Calder | Sow, 1928, Wire and wood

Collection: The Museum of Modern Art, New York; Gift of the Artist

Alla mano e con grande senso pratico, con le sue pinze e cesoie piegava i fili, tagliava le lamiere e, con un giocoso senso dell'umorismo, notevole inteletto e acute capacità artistiche, creava i suoi "disegni nello spazio".

6 Alexander Calder | Hercules and Lion, 1928, Wire,

Collection: Calder Foundation, New York

7 Alexander Calder | Josephine Baker IV, c. 1928, Steel wire,
Collection: Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris; Gift of the Artist, 1966

8 Alexander Calder | Romulus and Remus, 1928, Wire and wood

Collection: Solomon R. Guggenheim Museum, New York (no. 65.1738)

9 Alexander Calder | Aquarium, 1929, Wire,

Collection: The Doris and Donald Fisher Collection at the San Francisco Museum of Modern Art

I suoi ulteriori studi eseguiti l'hanno portato a non considerare più le sculture in filo delle "piccole, semplici cose modeste" ( Alexander Calder, Statement on Wire Sculpture, Manuscript, 1929. Calder Foundation, New York). O meglio: erano ancora semplici, anche più semplici di prima ma era proprio lì che risiedevano le grandi possibilità delle quali solo di recente si era reso conto.

Pensando in fili, le soggettive rappresentazioni stilizzate di animali e umani che Calder faceva all'inizio pian-piano si evolvono, portandolo a sbarazzarsi di tutte le forme concrete e di associazioni di soggetti e ad adottare un linguaggio scultoreo del tutto libero e astratto.

Seguendo il filo, ha successivamente riversato i suoi pensieri nei mobiles e nei meravigliosi gioielli in filo.

All photographs courtesy of Calder Foundation, New York

*Lorne Buchman è presidente dell'ArtCenter College of Design (Pasadena, California), leader internazionale nell'educazione all'arte e al design, autore del libro "Make to Know: From Spaces of Uncertainty to Creative Discovery" ISBN 0500024529 (Fare per sapere: dagli spazi di incertezza alla scoperta creativa).

Stampa a ruggine, bibliografia

noreply@blogger.com (decomondo) — Tue, 06 Jun 2017 22:34:00 +0000

Ho ricevuto alcune domande dai lettori a proposito delle ricette riportate nel mio post Stampa a ruggine. Quando l'ho scritto, ho "azzardato" un'ipotesi di procedimento che, come vi dicevo, si basa sulla lettura di vari testi storici ed alcune deduzioni. L'ho fatto per il rispetto e l'ammirazione che provo per l'arte dei tintori, tentando di decifrarne le basi, ma le precise proporzioni degli ingredienti usati sono frutto della loro tenace e faticosa ricerca e sperimentazione e solo loro possono svelarne tutti i segreti.
Di seguito vi lascio la bibliografia e la sitografia che mi ha aiutata a scrivere il post in modo che possiate approfondire ulteriormente e in autonomia l'argomento.
A me non resta che sperare di migliorare il mio post con il vostro prezioso contributo.
De' Secreti del reverendo donno Alessio Piemontese, prima parte divisa in sei libri

Paul T. Nicholson, Ian Shaw, Ancient Egyptian Materials and Technology

1911 Encyclopædia Britannica/Dyeing
Cennino Cennini, Il libro dell'arte

Charles Frederick Seymour Rothwell, The printing of textile fabrics: a practical manual on the printing of cotton, woollen, silk and half-silk fabrics

Susan C. Druding, The history of dyes and dyeing fom 2600 BC to the 20th Century
La distillazione del legno, racconto di Giorgio Nebbia
Franco Franceschi, Il ruolo dell’allume nella manifattura tessile toscana dei secoli XIV-XV
Luigi Gabba, L'industria della seta: riassunto dei dati scientifici e tecnici relativi alla produzione della seta

Opere di G. G. Berzelius: tomo 4, Trattato di chimica

Buona lettura!

Film documentario sulla storia dell'Antica Stamperia Artigiana MARCHI.

Le sfumature di rosa nell'arredamento d'interni

noreply@blogger.com (decomondo) — Sat, 30 Apr 2016 12:21:00 +0000

Il rosa è un colore che ho sempre usato volentieri nel mio lavoro — pittura e decorazione d'interni — ma quasi sempre ho dovuto vincere lo scetticismo di chi me lo sentiva proporre per le pareti di casa. Molti lo evitano, temendo che risulti infantile, stridulo o sbiadito; altri lo accettano solo per la camera da letto, convinti che sia troppo romantico per il resto della casa.

Povero rosa. Cosa succederebbe se dai quadri dei pittori togliessimo tutti i rosa? Non esiste un colore sbagliato — esistono solo accostamenti non riusciti.

Le pareti della mia casa rustica erano quasi tutte bianche. Le travi, i travicelli, le porte e le finestre in legno scuro, i pavimenti e i soffitti in cotto, i mobili antichi — il contrasto con il bianco rendeva le stanze cupe e un po' attempate. Finita la ristrutturazione, ho scelto il rosa come filo conduttore: rosa polvere, rosa cipria, rosa pallido, ciascuno scelto per abbinare i colori in modo più armonioso, alleggerire e sdrammatizzare gli ambienti senza snaturarli.

Il rosa caldo si sposa bene con il legno e con i colori naturali — corda, sabbia, rame, bianco sporco. Ravviva senza gridare, ammorbidisce senza spegnere.

Foto dell'autrice di questo blog

C'è un'immagine che merita un momento a parte. È l'ingresso di una villa rustica a Fiesole, frutto della collaborazione, negli anni '50, tra l'architetto Renzo Mongiardino e la scenografa Lilla De Nobili. Le tonalità di rosa delle pareti si intonano con il pavimento in cotto con una naturalezza disarmante; lungo la scala ad arco, il rosa fa da sfondo ad un leggero treillage con viti dipinte.

Mongiardino era un maestro nel creare ambienti che sembrano sempre esistiti e questa villa ne è un esempio perfetto. via

Non bisogna ridipingere tutta la casa per portare il rosa in un ambiente. A volte basta un dettaglio: un paralume in rame, un cuscino con stampe botaniche, un kilim vintage. Piastrelle di recupero in terracotta, una sedia con la seduta in pelle rosa e le gambe in rame, un mobile dai colori ispirati ai pruni in fiore. Piccoli accenti che si notano senza imporsi.

Il rosa, in fondo, non è mai solo rosa. È il colore che cambia a seconda di chi gli sta vicino.

1 — Bagno in tadelakt — via
2 — Piastrelle Walker Zanger di recupero, in terracotta, di forma esagonale — via
3 — Shoemaker, sedia con gambe in rame e seduta in pelle rosa — via
4 — Kilim vintage dell'Anatolia — via
5 — Paralume in rame — via
6 — Coperta Mellow, lino increspato, colore Coral, Garbo & Friends — via
7 — Svuotatasche in terracotta, fatto a mano, con doratura — via
8 — Cuscino decorativo con stampe botaniche, tessuto Conservatory, collezione Duralee — via
9 — Credenze, comodini e tavolini con cassetti ispirati al colore dei pruni in fiore, in legno amaranto — via

Dal bianco al nero, con sfumature di grigio

noreply@blogger.com (decomondo) — Sat, 23 Apr 2016 21:30:00 +0000

Come non farsi attrarre da uno stile così versatile, fresco e giovane che permette di spaziare tra l'industriale, neutro, elegante ed etno chic?
Lasciatevi ispirare dalle (più di 50) sfumature di grigio con accenti neri e dettagli sofisticati di queste immagini.

Poltrona Bangala, prodotta artigianalmente in legno di mango

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Cuscini, design di Maggie Galton

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Ceramiche dal Marocco, fatte a mano

Tine K Home, via

Boro Hotel New York, le idee sulla decorazione di stile industriale da mettere in valigia

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Gli interni eleganti, accoglienti e rilassanti di questo albergo sono allo stesso tempo minimalisti e dinamici. La loro versatilità deriva anche dal fatto che la struttura in cemento rimane completamente in vista, diventando uno dei principali elementi di design che lascia poi spazio all'uso di un'ampia gamma di colori e materiali aggiuntivi.

Campane a righe, ceramiche fatte a mano da Michele Quan

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Cuscini della collezione Silai disegnata da Charlotte Lancelot, disponibili in 4 diversi colori

La collezione comprende inoltre tappeti e pouf.
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Poltroncina rivestita in tessuto di Fayce textiles stampato a mano

Kim Rosen design

Cuscini in tessuto resistente, CC DeuxVie / Carolyn Cobb

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Mosaico di piastrelle per il paraschizzi della cucina

noreply@blogger.com (decomondo) — Sun, 17 Apr 2016 12:16:00 +0000

La sua praticità indubbia lo rende quasi d'obbligo.

Il rivestimento di quella parte del muro che viene quotidianamente minacciata dalle prelibatezze che prepariamo in cucina diventa, così, un divertente e fantasioso esercizio di stile.

Alla gamma dei materiali come marmo, granito, ceramica o resine, ampiamente usati come rivestimento, i produttori e gli artigiani aggiungono sempre più prodotti che rendono questo compito sempre meno monotono, permettendoci di creare delle piccole opere d'arte dietro ai fornelli.

Oggi vi faccio vedere una carrellata di immagini d'ispirazione per creare dei sublimi mosaici di piastrelle.

Che siano moderne monocolore o geometriche, con disegni floreali, che si ispirino alle cementine, maioliche, azulejos o zellige, le piastrelle in cucina sono tutt'altro che noiose.

L'aspetto vissuto di queste piastrelle decorate in ceramica le rende molto piacevoli; i loro colori, leggermente sfumati ed attenuati, richiamano l'immagine delle cementine vintage.

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Collezione Antique di Porcelanosa, piastrelle in ceramica decorate dall'aspetto vissuto

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Fap ceramiche, piastrelle da rivestimento Creta in pasta bianca con decori ispirati alle maioliche, con sfumature di colore

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Cementine, collezione di pavimenti e rivestimenti in grés porcellanato dal sapore vintage, Ceramiche Keope

Duquesa, collezione di piastrelle in ceramica e terracotta dipinte a mano di Walker Zanger. Il loro look vintage si ispira ai tessuti italiani, piastrelle portoghesi e mosaici marocchini.

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Collezione La Chic di Target Studio

Il muro di questa cucina bianca che si trova a ridosso del piano di lavoro è piastrellato fino al soffitto

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Atelier Blik interior design

Per una sala da pranzo da coordinare con la cucina dal fresco gusto mediterraneo si potrebbe usare anche una carta da parati che simuli le piastrelle.

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Carta da parati Azul di Christian Benini per Wall and Deco

A questa moltitudine si aggiunge anche un'ampia scelta di possibili geometrie di posa, ottenute alternando decori a campiture monocrome per un effetto di grande impatto visuale.

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Memory Mood / Decor Mood, Panaria ceramica

Interni in stile libero - classico, eclettico, vintage e folk

noreply@blogger.com (decomondo) — Wed, 13 Apr 2016 12:23:00 +0000

Quando arriva la bella stagione io sento un irrefrenabile impulso di cambiare qualcosa in casa; capita anche a voi? Non sono un'amante dell'inverno e non vedo l'ora di vedere risplendere le camere in una nuova luce.
Non ho bisogno di fare grandi interventi di ristrutturazione ma solo un cambiamento veloce, una rinfrescata al look delle stanze.
Da dove cominciare per avere questa rapida trasformazione?
Potrebbe essere sufficiente ridipingere le pareti di un nuovo colore, cambiare leggermente la disposizione dei mobili ed eventualmente aggiungerne uno nuovo.
Per quelli che amano i colori chiari, neutri e le tonalità pastello, c'è veramente solo l'imbarazzo della scelta. Il colore scelto non necessariamente deve essere quello più trendy del momento; accostando le diverse tonalità dello stesso colore o i colori diversi di una paletta chiara si crea armonia e si ottengono dei risultati piacevoli e luminosi. Le sfumature neutre si possono poi arricchire con degli accenti di colore per aggiungere un tocco sofisticato.

Questa sequenza di immagini abbina pezzi in stile libero di varia provenienza ed epoca senza sbilanciare il complessivo feeling pacato, indipendentemente dal fatto che lo spazio sia moderno o tradizionale.

Matyo, ricamo ungherese a punto piatto inserito nella lista dell’UNESCO del Patrimonio immateriale dell’umanità

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Consolle grigia dell'800 a mezza luna con 3 gambe e piano in marmo

Per scaldare gli spazi si possono accostare degli elementi inconsueti ed inusuali.

Ceramica policroma della civiltà di Cucuteni-Trypillian (un'antica cultura neolitica)

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Consolle svedese dell'900, bianca, con dettagli dorati

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Lapu Lapu, tappeto in àbaca fatto a mano da Merida

Combinando gli elementi moderni, vintage e folk si ravviva lo spazio rendendolo particolare.

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La porta in legno decorata a mano con motivi floreali folk (dettaglio), villaggio di Zalipie, Polonia

Consolle in legno decapato color crema e piano con finitura effetto rovere sbiancato

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Tappeto in lana spessa tessuta a mano, di realizzazione artigianale

Tessuti arricciati

noreply@blogger.com (decomondo) — Sat, 02 Apr 2016 19:29:00 +0000

Una delle prove che ho fatto con alcuni dei miei disegni per tessuti è stata quella di applicarli su dei tessuti (virtuali) arricciati ed appesi.

La simulazione del tessuto poteva essere fatta in diversi modi; io ho usato il modificatore cloth (abiti) che produce effetti abbastanza realistici, simulando un tessuto adagiato su di un anello.

L'esecuzione di questi rendering è stata resa possibile anche grazie a Wendy, la quale ha messo a disposizione il suo tutorial 3ds Max Cloth Modifier su come creare un tessuto arricciato.

Thanks, Wendy!

Disegni per tessuti: tessuti d'arredamento

noreply@blogger.com (decomondo) — Tue, 22 Mar 2016 20:16:00 +0000

Avendo una grande passione per l'arredamento e l'interior design non ho resistito ed ho provato a vedere come alcuni dei miei disegni per tessuti applicati in precedenza come pattern su magliette da donna starebbero come tessuti d'arredamento.

Nel passato avevo modellato questa poltroncina classica in legno; così era bella e pronta per l'esperimento.

Lo stesso motivo qui è stato applicato con variazioni di colore, schema di ripetizione e dimensione.
E' solo una delle numerose possibili combinazioni.

Magliette / abitini nei toni di rosso

noreply@blogger.com (decomondo) — Thu, 17 Mar 2016 11:50:00 +0000

Nel post precedente avete potuto vedere alcune magliette / abitini di taglio semplice che ho creato applicando i miei disegni per tessuti. Erano nei toni di grigio; oggi ve li mostro nei toni di rosso.

Le magliette / abitini di Kora

noreply@blogger.com (decomondo) — Sun, 13 Mar 2016 19:22:00 +0000

Nel post precedente esaltavo l'uso dei software di modellazione 3d; non dovete però credere che per questo disegnare mi piace di meno, anzi! Disegno molto, faccio tanti schizzi, penso con la matita, cercando nuove idee, esplorando vari campi e mettendomi in gioco.

Tra i miei disegni ce ne sono alcuni che credevo potessero essere adatti come disegni per tessuti. E' una delle ragioni per le quali ho creato Kora, la mia modella virtuale; così finalmente ho potuto vedere che effetto farebbero se fossero usati per creare delle magliette / abitini.

Non necessariamente tutto ciò che faccio sfocia in un concreto progetto di lavoro. Ma non importa; mi diverto tantissimo, do sfogo alla creatività e vado in fondo alle idee.

Dite la vostra; mi farebbe piacere sapere cosa ne pensate.

Chi è Kora?

noreply@blogger.com (decomondo) — Wed, 09 Mar 2016 20:58:00 +0000

Ormai sono 18 anni che uso programmi di modellazione 3d. Ho iniziato per poter materializzare le mie idee e trasformarle in realtà senza doverle produrre fisicamente. Era utile anche nell'aiutare i clienti a visualizzare ed immaginare meglio un progetto di design o l'applicazione di un bozzetto di pittura murale; in ogni caso mi limitavo alla modellazione delle superfici dure.

Solo recentemente mi sono cimentata nella modellazione organica poligonale; anche questa volta lo scopo primario non era la modellazione in sé ma la necessità di controllare la possibile applicazione di disegni per tessuti fatti a mano sulle immaginarie magliette o abitini.

E' così che è nata Kora, la mia modella virtuale.

Non è stata un impresa facile anche se in internet si trovano tantissimi tutorial sull'argomento. Bisogna armarsi di pazienza e cercare di capire in profondità le regole ed i metodi di questo tipo di modellazione.

Per chi come me usa 3ds Max, un buon punto per iniziare è certamente Autodesk 3ds Max Learning Channel (in inglese). Potete trovare i tutorial giusti per voi; io ho guardato quelli sui principi della modellazione che spiegano le basi della modellazione poligonale.

Modeling Objects, Parte 1, Parte 2

Poi ho seguito passo dopo passo i ~~tutorial~~ (non più visibili, purtroppo) dove si eseguiva la modellazione di un corpo femminile, attraversando le difficoltà che si incontrano nel far combaciare bene i poligoni ed arrivare ad un risultato soddisfacente.

~~Creating A Female Character In 3ds Max~~
~~Parte 1, Parte 2, Parte 3, Parte 4, Parte 5,~~

Anche se lo scopo della modellazione di Kora non è quello di usarla in un'animazione, ho cercato di stare attenta alla suddivisione poligonale come se dovesse sopportare piegamenti e movimenti.

E' il mio primo personaggio modellato e mi ritengo abbastanza soddisfatta.

Se anche voi avete intenzione di fare una cosa simile, permettetemi di darvi un piccolo consiglio: cercate di non cadere nella trappola del confronto con i grandi lavori fatti da altre persone; pensate solo a ciò che state imparando e a confrontarlo con quello che sapevate fare prima. Al meglio non c'è mai fine, no?
Nel fare Kora per me è stato certamente di grande aiuto aver fatto l'accademia di belle arti, corso di scultura; se così non fosse stato, avrei cercato dei riferimenti fotografici per rispettare l'anatomia umana. Tutte le applicazioni 3d sono in grado di importare file di immagine in modo da poterli visualizzare nella scena.

Cercate di divertirvi a modellare e di farlo in modo semplice; poi lo perfezionerete strada facendo. Mantenere la topologia della superficie (griglia di suddivisione) pulita ed ordinata facilita l'uso futuro del personaggio modellato.

Una volta finita la modellazione, l'applicazione delle mappe (texture) può aiutare molto ad ottenere un aspetto realistico; a me non serviva perché le mie priorità sono diverse. Ma le mappe sono un ulteriore vantaggio dei programmi 3d perché, rispetto ad un disegno sulla carta, riproducono facilmente il materiale di cui dovrebbe essere fatto l'oggetto (legno, ceramica, pelle, plastica, metallo...)

Inutile aggiungerlo: grazie alla padronanza nell'uso dei software 3d, le possibili applicazioni della vostra creatività in settori multipli non possono che crescere.

Pareti decorate usando rulli a rilievo e mascherine da stencil

noreply@blogger.com (decomondo) — Tue, 02 Feb 2016 19:32:00 +0000

Queste immagini di pareti decorate con rulli a rilievo arrivano dalla Croazia, dal villaggio di Semeljci.

foto: screenshot di YouTube

Le donne locali eseguono le decorazioni combinando con libertà e grazia diversi rulli e mascherine da stencil.

foto: screenshot di YouTube

foto via

Per farlo, usano pigmenti e calce, ottenendo colori pastello gradevoli ed armoniosi.

foto: screenshot di YouTube

Queste donne rinnovano le pareti di casa da sole, proprio come hanno sempre fatto, lasciandoci in eredità le loro abilità ed un grande numero di pattern da usare come ispirazione.

Come tingere le uova di Pasqua

noreply@blogger.com (decomondo) — Mon, 30 Mar 2015 21:30:00 +0000

La decorazione delle uova di Pasqua è un evento festoso che stimola la fantasia e la creatività di adulti e bambini in molti paesi. C'è chi lo fa con disegni intricati della tradizione popolare, con semplici colori a tinta unita, con scritte, con tecniche elaborate come intaglio o batik, a mano o con ricalcabili - i modi per farlo sono infiniti.

Uova decorate con decalcabili e uova intagliate, incise o marmorizzate


foto via Martha Stewart Living	foto via

foto mia	foto mia

Nei paesi dell'est si utilizza anche una tecnica che prevede l'uso della piuma d'oca intinta nell'acido (cloridrico o nitrico) per tracciare il disegno sul guscio (svuotato) colorato. Il motivo disegnato così diventa bianco. Ma l'uovo di Pasqua più particolare è quello tinto di rosso; simboleggia fertilità, salute e prosperità e viene mantenuto a vigilare sulla casa fino alla Pasqua successiva.

Se le uova che intendete decorare sono state svuotate e decorerete SOLO i gusci vuoti, potete usare anche colle, brillantini, pennarelli o qualsiasi altro mezzo decorativo disponibile.

Ma se intendete mangiarle, dovete stare attenti ad usare solo ingredienti che non siano nocivi per la salute.

Uova con delicati disegni bianchi e in tinta unita pastello


foto via	foto mia

Uova colorate con ritagli di seta e uova batik, decorate utilizzando la cera


foto via	foto via

Per decorare le uova in modo naturale, sano, semplice, divertente e adatto anche ai bimbi potete usare frutta, verdura, tè e alcune spezie, come bucce di cipolla rossa o gialla, barbabietole, spinaci, bietole, paprica, cavoli viola, mirtilli, zafferano, curcuma, tè...

Per preparare il liquido colorante usando le verdure, tritate le verdure e mettetele in una pentola con dell'acqua. Fatele bollire per 20-30 minuti. Lasciate raffreddare il liquido colorante a temperatura ambiente. Versatelo nei contenitori che userete per colorare le uova. Aggiungete un po' di aceto in ogni contenitore (1 cucchiaino). Adagiate le uova in modo che siano completamente sommerse. Mettete i contenitori in frigo affinché le uova raggiungano la colorazione desiderata. Toglietele, asciugatele bene. Potete usare un po' di olio d'oliva per lucidarle.

Per colorare le uova con le bucce di cipolle ne servono circa due manciate per 10 uova.

Mettetene una metà sul fondo della pentola. Adagiategli sopra le uova. Copritele con l'altra metà di bucce, versate acqua in modo che le uova siano ben coperte. Salate e mettete a bollire per circa mezz'ora. Lasciate raffreddare il liquido, togliete le uova ed asciugatele.

Per decorare le uova creando dei disegni graziosi potete usare anche dei fiori e delle belle foglioline, come quelle del prezzemolo, coriandolo, finocchietto o felci.

Tingere le uova in modo naturale e decorarle usando fiori e foglioline


foto via

foto via	foto via

Lavate le uova e poggiategli sopra le foglioline bagnate. Per farle aderire bene potete anche oliarle. Avvolgete ciascun uovo saldamente con un pezzo di calza di nylon e legate bene.

Mettete le uova in acqua tiepida e cuocete per mezz'ora. Quando sono cotte, raffreddatele con dell'acqua fredda, togliete le calze e le foglioline e asciugatele.

Uova preparate con fiori e foglioline e pronte per essere tinte

foto via

Per avere delle uova puntinate, avvolgetele nella garza, legatele e coloratele.
Potete anche incidere dei motivi e ornamenti usando un oggetto appuntito come un ago o un chiodo. Tingete le uova bollite di un colore vivace, lasciatele asciugare e graffiate delicatamente il guscio.

Patchwork di piastrelle

noreply@blogger.com (decomondo) — Mon, 23 Mar 2015 20:26:00 +0000

Mescolare ed abbinare diversi modelli di piastrelle a motivi geometrici per formare un mosaico di colori e disegni a effetto patchwork è una tendenza molto attuale nella decorazione d'interni. Permette di sperimentare una miriade di combinazioni multicolore o monocromatiche ad effetto, sia su pavimenti che su pareti.

Piastrelle di Couleur Carreau, foto via

Questa tendenza è adatta a coloro che amano il design, sono innamorati d'arte e desiderano creare un decoro ad impatto, audace e visivamente molto stimolante.
La posa delle piastrelle a patchwork può essere fatta in modo da dominare l'intera stanza o per aggiungere un punto focale in alcune aree, conferendo all'ambiente una maggiore profondità; l'importante è mantenere l'equilibrio nel design.

Si può rivestire un'area, come quella della cucina, su una parete...

Piastrelle della collezione Batik di Topps Tiles, foto via

... o sull'alzata.

Piastrelle in gres porcellanato per pavimenti e rivestimenti della collezione Block di Marazzi

La pavimentazione può essere completa o parziale, per creare un effetto tappeto.

Patchwork di piastrelle di cemento a effetto tappeto nell'albergo La Corniche,
design di Philippe Starck, foto di Philippe Garcia, via

Si può creare un'area rivestita in bagno, attorno al lavandino...

... o nella zona della doccia.

Piastrelle della collezione Valentino di Tileflair

Come rivestimento si possono usare delle piastrelle antiche di cui non se ne ha un numero sufficiente per coprire una superficie più estesa. E' un ottimo modo per utilizzare le piastrelle di recupero. Ma ci sono anche tantissime piastrelle di produzione attuale che riprendono stili tradizionali come quello del Marocco, della Spagna o dell'epoca vittoriana.

Ho rivisitato un sito del quale ho già scritto un post in passato, usando di nuovo il loro simulatore online per sperimentare gli accostamenti delle piastrelle ad effetto patchwork.

Questo è solo uno dei tantissimi esempi di composizione che potete fare anche voi se visitate il loro sito.

Oltre alle piastrelle in tonalità del blu che aggiungono subito un tocco mediterraneo agli ambienti, si possono usare i toni neutri del beige e grigio o toni più marcati e grafici, come in questi quattro rendering da me creati per visualizzarne l'effetto.

Le piastrelle a patchwork si inseriscono con grazia in un ambiente rustico o classico...

Piastrelle Artisan tortora beige e Artisan carbone grey, foto via

... ma funzionano bene anche in spazi moderni.

Rivestimento in ceramica Déco d'Antan, Tagina Ceramiche, foto via

In ogni caso vi permetteranno di creare uno spazio super personalizzato.

Si può ottenere un gradevole effetto mosaico di piastrelle anche posando le classiche piastrelle esagonali di colori diversi.

Pavimento di un appartamento di Barcellona, foto via

Rendering di piastrelle esagonali disposte a formare motivi floreali

Se non ve la sentite di affrontare dei lavori impegnativi legati alla posa delle piastrelle nuove a causa del tempo e/o budget limitati, potete ricorrere agli stickers, ideali per rinnovare e ringiovanire velocemente uno spazio.

Stickers Azulejos, foto via Moon Wall Stickers

Gli wall stickers (wall decals) di vinile autoadesivi (adesivi murali, adesivi da parete decalcabili) sono un modo facile per creare una decorazione e rinnovare un ambiente.

Castello di Spitzer, Serbia, un'altro luogo abbandonato

noreply@blogger.com (decomondo) — Mon, 16 Mar 2015 18:57:00 +0000

Se provate a fare una ricerca in internet sugli edifici abbandonati, vedrete comparire una triste realtà che non può lasciare indifferenti: decine e decine di palazzi, ville, chiese, alberghi, abitazioni e addirittura paesi fantasma decaduti e degradati in attesa di tempi migliori o crolli definitivi.

Kolmanskop, città fantasma nel deserto della Namibia

foto via Namibia Tourism Board

foto via gaftels

foto via Damien du Toit

Abandoned Manor via Paul Howzey

foto via Maurizio Sorvillo

foto via Maurizio Sorvillo

Abandoned School via Paul Howzey

Abandoned School via Paul Howzey

A castle in France via Le Luxographe

foto via Marco Orazi

foto via Marco Orazi

sotto: Dead places via Vincent Ferron

#93

Queste immagini ci lasciano sgomenti e allo stesso tempo ci attraggono e ci intrigano. Raffigurano luoghi intrisi di atmosfera e raffinatezza tanto palpabile che sentiamo subito sorgere la domanda: come mai nessuno li salva? Per quale motivo non si cerca di recuperarli?

La risposta, quasi automatica, è che sono stati abbandonati per rovina finanziaria dei loro proprietari e la conseguente mancanza di fondi necessari per la loro manutenzione e/o ristrutturazione.

Non sempre, però, la spiegazione è così schematica.

Intanto, non è una novità. E' solo una realtà diventata più nota e visibile, grazie ad internet. Forse l'innesco del fenomeno di fotografarli si può legare al decadimento della città di Detroit, dove le case avevano un bassissimo valore ancora prima della crisi del mercato immobiliare statunitense del 2007.

100 Abandoned Houses, una serie di foto di Kevin Bauman che ha iniziato a fotografare le case abbandonate di Detroit, la sua città natale, a metà degli anni '90

Questa crisi ha ulteriormente peggiorato le cose e col tempo il numero allucinante di immobili abbandonati (e fotografati) a Detroit è arrivato a c.ca 10-12 mila.

The ruins of Detroit, una serie di foto di Yves Marchand and Romain Meffre
Lee Plaza, un residence di lusso con servizi alberghieri in stile Art Deco, considerato il più prestigioso di Detroit

Ma succedeva già nel II secolo d.C. in Italia, quando molte ville hanno smesso di essere usate come residenze d'elite dai proprietari.

A causa della riorganizzazione della struttura produttiva delle terre cresceva la preferenza per il ricorso ai coloni nella coltivazione dei fondi e le proprietà eccedenti e superflue venivano spesso divise in lotti più piccoli coltivati in modo autonomo dai coloni e dalle loro famiglie. Il decadimento di alcune ville a metà del III secolo d.C. era relativo anche al dislocamento delle legioni dell'impero romano in altre zone con conseguente decrescita demografica ed economica dell'area.
Molti altri fattori pertinenti complicano la volontà di capire e determinare le cause di un simile fenomeno, mettendoci in guardia contro la semplicistica generalizzazione.
Resta il fatto che oggi siamo testimoni di un vasto trend che, anche se inaccettabile, ormai sembra imbattibile.

Con sconforto vi segnalo un altro palazzo da aggiungere a questo triste elenco.
E' il Castello di Spitzer, vicino a Beocin, in Serbia, che giace trascurato, ignorato, sottovalutato e disprezzato nella completa indifferenza. E' stato progettato da Imre Steindl, l'architetto ungherese che ha progettato il Parlamento di Budapest.
L'edificio, che potrebbe essere un piccolo gioiello del patrimonio della Serbia, sta a malapena in piedi. Gli ornamenti, le vetrate artistiche, gli stucchi, le colonne e le piastrelle che sono ancora lì rappresentano un esempio raro e bello di eclettismo che concilia il classicismo con l'Art Nouveau.
Il tempo passa e i fondi necessari per ripristinarne lo stato originale sono ormai lievitati all'inverosimile, tant'è che l'ultimo potenziale acquirente interessato a rilevarlo, una società slovena che ha disposto la valutazione dei costi della ristrutturazione, avrebbe desistito per l'ammontare insostenibile della spesa necessaria.

Per ora rimangono solo delle vecchie foto ad esibirne il viso sorridente...

YouTube screenshot via Sanja Jovanovic | Zaboravljeni dvorac

... insieme alle immagini di qualche film realizzato in parte nei suoi interni ed esterni. Mostrano un giardino fiorito, una fontana ormai sparita, un fuoco ancora allegro nel camino Liberty...

YouTube screenshot via Stanislav Stankic | Prostor

... rivestito dalle apprezzabili ceramiche della manifattura Zsolnay.

foto via Manifattura di porcellane Zsolnay

La bellezza, dicono, è negli occhi di chi guarda.

foto via Molnar Zoltan

foto via wikipedia

Queste immagini simboleggiano la perdita di prosperità e raffigurano dei palazzi fantasma feriti e silenziosi, affreschi che si sgretolano, pareti scrostate, piastrelle rotte, stucchi frantumati e mosaici disintegrati.


foto via Michael Turtle	foto via Sapi Gyula

foto via Michael Turtle	foto via Michael Turtle

foto via Sapi Gyula	foto via Sapi Gyula

Ma anche così, invasi dalla sporcizia, imprigionati dalla natura che pian piano prende sopravento, superati dal tempo e condannati a una morte lenta, rimangono a testimoniare l'esistenza di luoghi meravigliosi ed unici del passato, in attesa di un bacio liberatore che ogni Bella Addormentata si aspetta.

YouTube screenshots:


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Screenshots via Szemeredi Tibor | Spitzer kastely Belcseny e Stanislav Stankic | Prostor

* 03 nov 2014: Počinje obnova dvorca u Beočinu?

Affreschi della Villa di Livia

noreply@blogger.com (decomondo) — Wed, 11 Mar 2015 16:35:00 +0000

Gli antichi affreschi del ninfeo sotterraneo della Villa di Livia Drusilla (40-20 a.C.), con vedute su splendidi giardini animati da uccelli, sono uno dei capolavori assoluti della pittura romana.

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Osservandoli con attenzione, possiamo notare l'uso della vista prospettica, il che è un fatto molto sofisticato e inusuale per quei tempi perché la prospettiva non era ancora nota.

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Questa venne introdotta con la scoperta dello schema della prospettiva lineare a un punto di fuga, uno schema che spiega come gli oggetti si riducono in dimensione in base alla loro posizione e alla distanza dall'occhio, attribuita all'architetto Filippo Brunelleschi (1377-1446).

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Questi dipinti parietali originariamente occupavano tutte e quattro le pareti della sala da pranzo di Livia, una stanza che misura 5,90 x 11,70 m.

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Da lì sono stati rimossi nel 1951 ai fini di conservazione e trasferiti al Palazzo Massimo del Museo Nazionale di Roma, dove ora sono esposti.

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Ceramiche dipinte della civiltà di Cucuteni-Trypillian

noreply@blogger.com (decomondo) — Thu, 05 Mar 2015 22:30:00 +0000

Queste stupende ceramiche policrome ci arrivano dalla cultura di Cucuteni-Trypillian, un'antica cultura neolitica sviluppatasi circa 6-3 mila anni a.C. sul territorio che si estendeva dai Carpazi alle piane dei fiumi Dnepr (Nipro) e Dnestr (Nistro), sul territorio dell'attuale Romania, Moldavia ed Ucraina.

Vaso globulare con coperchio, 4200-4050 a.C.
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Non solo il territorio abitato dai Cucuteni era molto vasto, visto che occupavano una superficie di c.ca 350.000 km2, ma le loro grandi capacità costruttive li hanno anche portati a creare delle proto-città, insediamenti che contavano fino a 2000 case. E' così che si sono guadagnati la denominazione di prima cultura urbana d'Europa.

Le case di queste proto-città erano costruite vicine l'un l'altra, come delle villette a schiera, formando due linee di fortificazione di forma ellittica. Erano confortevoli, costruite a due livelli di cui abitavano quello superiore mentre il piano terra veniva usato a vari fini domestici.

Le loro realizzazioni artigianali sono sorprendenti ed impressionanti, soprattutto nella produzione delle ceramiche. Padroneggiavano l'uso del tornio e cuocevano le ceramiche o a cielo aperto, nelle buche scavate a terra, o nelle fornaci a due livelli.

Vaso biconico e globulare
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Successivamente le dipingevano con decori e motivi grandi dal ritmo fortemente accentuato. Il tratto deciso e marcato non lascia dubbi sull'intento di esprimersi in un modo ben definito.

Gli ornamenti usati nella decorazione sono spesso a forma di spirale, a "esse" o romboidali, a 2-3 colori, frequentemente bianchi, neri o rossi su uno sfondo chiaro o rosso, e occupano tutta la superficie del vaso.

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Le loro ceramiche domestiche decorate in stili complessi, come le ampie ciotole con alzate e vari recipienti di forma biconica o sferica, suggeriscono la pratica degli elaborati riti domestici legati al pasto e alla presentazione del cibo. Osservandole, possiamo quasi "leggere" la loro quotidianità e la concezione del mondo che li circondava.

Ciotole con alzate
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Gli splendidi disegni di queste ceramiche esprimono la raffinatezza del linguaggio visivo dei Cucuteni. Anche dopo che sono rimaste sotterrate per 6000 anni, le loro ceramiche ancora conservano colori ricchi e straordinariamente vivaci.

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Oltre alle bellissime ceramiche dipinte, le creazioni dei Cucuteni comprendono le arti plastiche, come figurine di argilla o modelli di case e templi.

Per saperne di più:

La casa Muslibegovic a Mostar

noreply@blogger.com (decomondo) — Sat, 28 Feb 2015 22:00:00 +0000

La casa Muslibegovic é un tesoro architettonico situato nella città di Mostar, in Bosnia ed è un esempio di un'abile fusione delle influenze estetiche straniere con lo stile architettonico locale.

Fu costruita nella prima metà del XVIII secolo in stile balcanico-ottomano per una famiglia locale ed ampliata nel 1875, tre anni prima della fine del dominio turco. Fin dalla sua costruzione è rimasta di proprietà della stessa famiglia.

I proprietari, una famiglia aristocratica, poterono permettersi di costruire una casa di dimensioni inconsuete per quell'epoca, composta da seminterrato, piano terra e altri due piani ed è per le sue dimensioni che questa casa assunse una posizione di rilievo tra gli edifici costruiti a Mostar nel periodo ottomano.

Fa parte di un grande complesso che comprende vari annessi: una cucina estiva, una stalla per il bestiame, una sistemazione per una carrozza trainata da cavalli e un ampio cortile.

La casa presenta soffitti e armadi riccamente intagliati, conservando alcuni esempi eccellenti della lavorazione tradizionale del legno.

Camera degli ospiti | foto via

L'interno segue la disposizione flessibile tipica delle case ottomane, con armadi e divani disposti intorno alla stanza.

L'interno della stanza principale della famiglia | foto via

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Il buonissimo caffè turco, solitamente accompagnato da un bicchiere d'acqua, viene servito sul terrazzo della proprietà.

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Come resistere all'attrazione di questo giardino quieto circondato dal verde?

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I pavimenti esterni sono ricoperti da mosaici di ciottoli.

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La casa ottomana Muslibegovic è un monumento nazionale della Bosnia-Erzegovina.

L'intero edificio è stato accuratamente restaurato da AgaKhan Trust for Culture e il World Monuments Fund.

Le foto che seguono sono di Mostar, la città in cui questo gioiello architettonico è elegantemente inserito.

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foto 1-6 credits: Aga Khan Development Network

Pareti decorate con stampe digitali a motivi floreali ed acquarelli

noreply@blogger.com (decomondo) — Fri, 27 Feb 2015 00:13:00 +0000

Le innovazioni nel campo della stampa digitale hanno generato una nuova libertà creativa, offrendoci anche un modo semplice e veloce per personalizzare la casa, dando vita ad un ambiente unico e di grande effetto.
Si possono creare stampe di dimensioni notevoli che coprono pareti intere (gigantografie), carta da parati personalizzata, quadri d'arredo, tessuti e molto altro; le possibilità di realizzare le proprie idee di design sono praticamente - infinite.
Di seguito troverete una serie di foto di interni con grandi stampe d'ispirazione floreale, molte con effetto acquarello, le quali introducono una forte esperienza sensoriale nelle case, altrimenti, semplici ed essenziali.

Wild Daisy wallpaper, Floral Watercolour Collection | via DigetexHOME

Poesie, Floral Photomural | via Komar

Poesie, Floral Photomural | via Komar

Colibreeze | via Wall and decò Contemporary Wallpaper

Passion, Floral Photomural | via Komar

Tulips wash wallpaper, Floral Watercolour Collection | via DigetexHOME

Almond Branches Wall Mural

Vincent van Gogh, Ramo di mandorlo fiorito, olio su tela
Credits: Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)

Digitally printed images, Black Crow Studios | via Tracy Hiner

Digitally printed images |via Black Crow Studios

Prova di stampa | via Tracy Hiner

Digitally printed images |via Black Crow Studios

I'm No Wallflower collection | via Black Crow Studios

Digitally printed images, Black Crow Studios | via Tracy Hiner

Sunflower Pattern Wallpaper

Vintage Illustrated Daffodils Wallpaper

Se le pareti ad acquarello, con foto di fiori o con illustrazioni vintage non dovessero bastarvi, potete aggiungere anche un tappeto ad effetto acquarello come questi proposti da Fi Douglas di bluebellgray.

Christine, tappeto | via bluebellgray

Cait, tappeto | via bluebellgray

Potete concretizzare le vostre visioni artistiche sia con l'aiuto di un professionista che in versione fai-da-te, usando uno dei molti servizi di stampa disponibili in rete. E se queste stampe vi affascinano a tal punto che vorreste provare a farle per conto vostro, eccovi uno spunto su una delle possibili stampanti da scegliere.

Epson SureColor S70670 | via
Stampante da 64 pollici (c.ca 162,6 cm) a otto colori (set di inchiostri UltraChrome GSX, senza odore e privo di nichel), con inchiostri bianchi e metallici opzionali. Velocità di stampa: 27,3 m2/ora | 4,1 m2/ora con l'inchiostro metallico.
Per saperne di più, guardate il video qui.

Rulli decorativi da comprare online

noreply@blogger.com (decomondo) — Mon, 02 Feb 2015 22:30:00 +0000

Sono passati quasi 5 anni da quando scrissi il post in cui presentavo la tecnica della decorazione a rullo usata nell'Europa dell'est per impreziosire le pareti di casa.

All'epoca questa tecnica non era molto diffusa ma presto venne riscoperta, riconosciuta come un'alternativa valida alla carta da parati o stencil e di nuovo apprezzata per la sua versatilità.

foto 1-2: Mirna R.

I rulli decorativi erano ancora difficili da trovare sul mercato per cui consigliai un sito americano dove era possibile acquistarli online.

E oggi? Dove acquistare i rulli decorativi online?
Un sito da consigliare e sicuramente Cri-lla, una meravigliosa creazione di Cristina Ventura e Maria Raffaella Falbo dove potete trovare non solo un ricco catalogo di rulli con cui decorare pareti, mobili, tessuti o carta...

... ma anche delle utilissime istruzioni video sulla loro applicazione e delle bellissime foto d'ispirazione,

foto 3-9: Cri-lla

Le immagini che vedete qui sono solo una piccola parte di quello che scoprirete visitando il sito di
Cri-lla,
rulli decorativi e cementine

Via dei Capocci 74, 00184 Roma

info@cri-lla.it

decomondo

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