Degni di Nota : il blog della musica underground

Correggio mon amour. Storia di storie della musica rock in una città della provincia emiliana. Con CD-ROM

2015-03-04T06:24:00.000-08:00

Ed. Lucio Lombardo Radice
pag 448 + cd rom
€ 25.00

Non so se tanta spinta propulsiva viene dall’eccesso dei fertilizzanti sparsi nei campi lì attorno. Ma so che il nome del paese contiene una radice che rimanda al cuore, e una assonanza con il coraggio. E so che intanto Correggio sui giornali lo scrivono senza aggiungere tra parentesi: Reggio Emilia.(Massimo Zamboni)

Si dice che della musica italiana un buon 50% cresce in Emilia? Ma perché? E' tutto casuale?
Se vi dico Correggio cosa vi viene in mente? Si tratta del ‘’borgo’’ emiliano che ha dato la luce ad artisti come Luciano Ligabue, Pier Vittorio Tondelli e ha fatto partorire nelle evoluzioni dei CCCP: è stato al Dream Club di Correggio che hanno partorito l’idea del gruppo e dove, anni più tardi, su un’idea di Fabrizio Tavernelli hanno dato vita all’album Materiale Resistente e dove l’amministrazione comunale ha dato spunto per il libro di Massimo Zamboni, Il Mio Primo Dopoguerra. E giusto per citare le nuove proposte indie, in questa cittadina non mancano nuove proposte come l’istrionico Frankie Magellano . Questo per tracciarvi un quadro nazionalpopolare.

Eppure c’è qualcosa di più da scoprire e pare proprio che vada indagata questa connessione tra la musica e la cittadinanza… Correggio è una cittadina di musicisti e la musica è il tema da bar che sostituisce il calcio. Dopo ‘un brodo primordiale’ di musica classica, musica da balere e canti di resistenza delle Mondine, la Correggio del dopoguerra è stata un’inarrestabile connubio di cultura, welfare, istituzioni, istruzione e tempo libero.

Correggio Mon Amour è destinato così a non essere il classico libro di storia locale di una piccola casa editrice che finisce di malavoglia nei banchi delle librerie dell’interland locale. E’ un lavoro – tanto mastodontico quanto piacevole – di etnografia: un po’ sociologico un po’ antropologico che attraversa il life stile di questa città e lo fa passando per le fasi dell’immediato dopo guerra, gli anni di piombo, gli anni ’80-’90 e questa strana casella di resettaggio degli anni 2000 orientata al digitale.Curato da Marco Colarossi, Luigi Levrini, Lucia Pergreffi e Fabrizio Tavernelli che raccoglie testi, interviste e testimonianze con più di 80 autori in cui non mancano le voci più note: sceneggiature inedite di Tondelli, riflessioni di Massimo Zamboni e anche tracce di Ligabue.

Un libro di più di 400 pagine ricco di contenuti e anche di grafica gradevole, interamente a colori con pagine lucide e artwork di Robert Rebotti: non costa una fortuna, 25 euro, e diventa di quei libri da custodire gelosamente…anche se magari Correggio è lontana da voi centinaia di chilometri.

IL LIBRO

Non è Reggio Emilia né Bologna, non ha i gusti sofisticati degli amanti della musica che trovi a Carpi, ma Correggio è Correggio e nella grande provincia che è l’Italia, Correggio sa essere provinciale e smart e qualcuno la chiama ‘Seattle emiliana’.

Qui dove la musica leggera è istruzione e anche un mestiere. Tanti sono i cantieri su cui meditare di questo fenomeno Correggio: mappe di luoghi a cominciare dal fenomeno del Night Club Corallo nel 1963 che raccoglieva gli industriali di Bologna e Carpi, l’esperimento importante della Fonoteca aperta nel 1974 che per lungo periodo è stata il faro primordiale delle mediateche nazionali, in cui per la prima volta si ascoltavano vinili e musicassette, fino alle esperienze degli anni ’70: dalle radio libere all’istituzione delle Feste dell’Unità (durate fino al 2007) che porta a Correggio artisti di fama mondiale: Bob Dylan e persino Jeff Buckley, Lou Reed, Elvis Costello, Neil Young, Iggy Pop, Ben Harper e Patty Smith, Michael Stipe e David Byrne e si lascia scappare dei giovanissimi U2 sostituiti all’ultimo momento. Istituzione che dura fin quando l’industria musicale sfugge a certe logiche di mercato e in un certo qual modo è quel ponte di berligueriana memoria tra dialogo dei giovani con la politica.

E’ la Correggio delle due fazioni: la filosofia degli alternativi che guardano all’Inghilterra del progessive rock e quella dei filo americani affezionati al rock classico. Due diramazioni da cui Correggio estrapola tutto, contaminazioni rock, pop, jazz, etno e world music, musica che è anche educazione scolastica (segno del Reggio Emilia Approach).

Tanti sono anche i miti correggesi che imparerete a conoscere: dai Giambattista Vico ai Gerusalemme Liberata.

Non è un libro sulla musica (facile da ascoltare, ostica da leggere), è un libro a più ampio raggio e che, in fatto dei suoi artisti vi allega anche un cd di materiali aggiuntivi, oltre a testi in pdf che non sono rientrati nella versione finale di questo libro c’è anche una folta tracklist ( 37 tracce!) dei migliori esempi di artisti correggesi recenti e meno recenti e non manca nemmeno ‘il matto’, il ‘tecnovillano’ Ottorino Ferrari.

Un vero e proprio libro che coniuga memoria, entusiasmo (senza affondare nel campanilismo e in grado di creare un libro commercialmente valido) e una vera ricerca azione che come fine ultimo vuole dialogare con le istituzioni locali per capire cosa nell’etnografia cittadina ha spezzato quel legame tra musica nel contesto urbano e nella coesione sociale e che, con l’occhio critico del ’77 si interroga sull’alienazione presente dell’industria del profitto musicale fatta di crisi discografiche, ascolti digitali e poche occasioni collettive. Libro fondamentale, il libro verde di Correggio per così dire, che nei suoi contenuti crea una valorizzazione del patrimonio storico culturale locale senza troppe mistificazioni. Si tratta di un testo del 2007 ancora attuale reperibile anche nelle librerie on line. Torna in auge oggi soprattutto se vi apprestate alla riscoperta degli anni della Resistenza (approccio che non manca nel libro) anche in vista della data del 25 aprile 2015 in cui a Correggio i Post Csi festeggeranno il loro nuovo progetto Breviario Partigiano.

E a questa recensione non poteva mancare un’intervista a uno dei curatori più entusiastici di questo volume, Fabrizio Tavernelli, fondatore degli AFA e primo ideatore del disco Materiale Resistente.

L’INTERVISTA

C’è un sapore di autarchia nello scenario musicale di Correggio, la piccola Seattle che non si lascia influenzare né da Carpi, né da Reggio né tantomeno da Bologna, perché Correggio ha posseduto un po’ l’intera filiera musicale a km0 e magari è stata lei a influenzare gli altri. Non un miracolo ma una costanza, da correggese come la riassumeresti?

Correggio si trova tra la via Emilia e il fiume Po. Vicina a città più grandi come Modena, Reggio , Bologna. Nel tempo è stata attraversata, toccata da informazioni, i correggesi hanno viaggiato, studiato, in particolare a Bologna (il DAMS di Tondelli, dove anche io mi sono laureato), hanno seguito tendenze, nuovi generi, hanno aperto le loro orecchie, la loro coscienza, consapevoli della loro provenienza provinciale hanno fatto di tutto per non avere un approccio provinciale all'arte. Forse la parola autarchia è esagerata, parlerei piuttosto di antropologica curiosità e di un metodo che accomuna molti artisti e musicisti correggesi, cioè quello di reinterpretare, di filtrare, di rendere propri diversi linguaggi. Fascinazioni, suggestioni, input esterni sempre adattati, rielaborati pensando ad un proprio quotidiano, al proprio territorio. Servivano innesti, ibridazioni, contaminazioni tra cultura alta e cultura popolare. Questo processo di assimilazione di fonti esterne, rimasticate, fatte proprie, diventa qualcosa di originale, caratterizzante. Ecco che finisce che un tuo prodotto, un tuo concetto, arrivi a influenzare qualcun altro e appare singolare, unico, pregnante.

Questo libro è una raccolta di scritti ambiziosa: più di 80 autori con un focus su oltre 50 anni di storia dettagliata dell’etnografia musicale cittadina. Come è nata questa idea e quanto ci avete impiegato per farlo venire alla luce? Come è cambiata la sua evoluzione nel tempo mentre veniva scritto e assemblato?

Ci abbiamo messo un paio di anni, in tanti sapevamo della singolarità di Correggio, della sua alta concentrazione di musicisti di rilievo, letterati, artisti e devianti. Quello che abbiamo fatto è stato raccogliere storie, lavorare su un immaginario condiviso, sottolineare gli aspetti leggendari locali che alla base hanno sempre una valenza universale, perché queste nostre storie possono essere trasposte, applicate ovunque, perché in fondo l'Italia è una grande provincia, con le stesse aspettative, con le stesse utopie, con le stesse illusioni e disillusioni. Hai ragione quando usi il termine etnografia, perché questo mi sembra il taglio del nostro libro. Una serie di esperienze, di studi sul campo, una serie di osservazioni che ci danno dati, notizie, conoscenze non soltanto musicali ma anche sociologiche, antropologiche, culturali, etologiche. Questo libro era nell'aria da tempo ma solo l'incontro di alcune persone ha messo in moto il meccanismo : il sottoscritto, Lucio Levrini che ha pubblicato il libro, Marco Colarossi che mi ha ridato energia dopo che mi ero un attimo affossato per la mole del lavoro, Luigi Levrini, Lucia Pergreffi. Questo era il gruppo di lavoro che pianificava, si sfidava, dava obiettivi e apriva sempre nuove e inaspettate strade. Facevamo costantemente incontri per confrontare quello che avevamo acquisito, scoperto sul campo e spesso erano vere e proprie rivelazioni...e pensa che oggi scopriamo che qualche lacuna è rimasta!
Un libro che non è campanilista, ma che è una lettura a geometria variabile interessante per vari punti di vista: etnografico, sociologico, storico oltre che musicale…. Come inviteresti alla lettura una persona non del posto, magari di fuori regione?

Come dicevo prima è una lettura che poi andrebbe applicata al proprio territorio e non a caso, dopo “Correggio mon Amour” sono usciti altri libri simili (Bologna, Carpi) che hanno seguito in un certo modo lo schema della nostra ricerca. Ci sono punti di interesse non strettamente locali ma lo sviluppo di una scena musicale può avere corrispettivi universali. C'è poi da tenere conto che non tutti i fenomeni musicali sono nati nei grandi centri, nelle capitali o nelle metropoli ma spesso si sono sviluppati in luoghi decentrati, città minori, province, sobborghi, oggi potrei dire slums. Certo è il grande centro urbano che poi amplifica, crea l'hype, codifica nuove tendenze ma spesso il primo impellente bisogno espressivo nasce dove c'è un nulla da colmare.
In Correggio Mon Amour tanto si narra di luoghi di ritrovo, posti cult, luoghi di aggregazione, alcuni sono ancora lì, altri hanno chiuso… ma se un lettore forestiero giungesse a Correggio sulle tracce di questo libro, dove e a chi potrebbe rivolgersi per trovare ciceroni e sentinelle della memoria sulla base di quanto letto?

A Correggio possono essere tutti un po' ciceroni. Diciamo che c'è un consistente gruppo di ragazzi o ex ragazzi che si occupano o si sono occupati di radio, concerti, studi di registrazione, locali e che sono un po' una memoria collettiva, una memoria vivente di tutto quello che è stato prodotto nei decenni. C'è stato un continuo passaggio di testimone tra generazioni e pur tra scontri generazionali, diverse sensibilità, diverse visioni estetiche, di fondo c'è sempre stato un comune amore per la buona musica. La ricerca di una propria via, di una originalità. Noi con questo libro abbiamo soltanto depositato tutte le memorie, le oralità, gli eventi, le storie, l'epica popular di un paesone di campagna che a un certo punto si è innamorato della musica e ha voluto entrare nei meccanismi del fruire, del fare, del produrre musica.

L’esperienza e l’educazione musicale a Correggio nasce dopo la seconda guerra mondiale, nel libro non se ne parla, ma dici che strutturalmente questo può dipendere anche da quella grande rivoluzione culturale che è stata il Reggio Emilia Approach o non c’è correlazione?

Sicuramente ci sono relazioni. Reggio Emilia e provincia in quel periodo è stato un vero e proprio laboratorio culturale. La sperimentazione investiva ogni disciplina e naturalmente ci furono molte contaminazioni,. Anche qui a Correggio nacquero scuole che si rifacevano alle teorie di Malaguzzi. Se devo citare una mia esperienza, posso ricordare la collaborazione che c'era tra scuola e la fonoteca di Correggio, dove da bambino ho avuto accesso a dischi di King Crimson, Eno, Zappa, Soft Machine, Tangerine Dream, Area etc. La cosa poi sconfinava dalla scuola e coinvolgeva circoli, locali, spazi giovanili, è stato questo tessuto a rendere fertile la creatività.

Per quanto riguarda gli anni della contestazione, Correggio Mon Amour parla spesso del contesto culturale del ’77, molto meno delle contestazioni del ’68. Come mai? Altro tratto particolare è il grande attaccamento alle istituzioni cittadine in un momento particolare, basti pensare allo scollamento che si aveva a Bologna tra il movimento del ’77 e le inimicizie con il sindaco Zangheri e Berlinguer, a Correggio ciò non sembra esserci, malgrado il fatto che molti universitari Correggesi fossero a Bologna, come si reggeva questo equilibrio?

Naturalmente io e gli altri curatori del libro siamo di generazioni successive al ‘68 e il tutto ci è arrivato di rimando, raccontato, idealizzato. Io probabilmente ho sentito più vicino il ‘77, anche se ero ancora troppo giovane per avere una coscienza politica. Anche nella mia frequentazione al DAMS a Bologna ho respirato quello che era rimasto del ‘77 bolognese ma già si era aperto il decennio degli 80 che presentava un cambiamento di prospettive. Alcuni dei testimoni del libro hanno preso parte a questi momenti storico-sociali e sono stati pure attivi nei movimenti giovanili di contestazione ma nel momento in cui si ritornava a casa, tutto si annacquava, si addolciva e gli scontri, le incomprensioni generazionali si smussavano. Era anche il momento in cui le amministrazioni, la politica, si apriva ai più giovani che portavano innovazioni, che toglievano quella ufficialità ai ruoli istituzionali. Per quanto mi riguarda era facile per un ragazzino andare a discutere di spazi e concerti con un assessore alla cultura.

Correggio Mon Amour è un libro entusiastico, tutto bello, tutto ricco. Di certo Correggio ha un patrimonio musicale trasversale: le radici del progressive inglese, e del classic rock americano sullo sfondo, il Ligabue nazional popolare e gli alternativi con il rango dei CSI in primis, ma anche Tondelli, fino al recente indie rock… Tutto eclettico, ma tra queste varie correnti come si convive? C’è armonia, conflitto, competizione? Esistono spazi di aggregazione differenti?

Sarei bugiardo a dire che non ci sono mai state competizioni o conflitti. C'erano diverse tribù giovanili, approcci diversi alla musica, dal rock più tradizionale alle avanguardie, dai cantautori al jazz. Tutti però, nelle differenze, erano uniti dall'amore per la musica e tra discussioni, anche accese, tutti si ritrovavano sotto il tetto della stessa radio o ad organizzare festival dell'unità in cui passavano artisti incredibili per un paesone immerso nella campagna. Mi pare di notare invece oggi, una maggiore frammentazione, tante piccole nicchie non comunicanti, autoreferenziali che si fanno la guerra tra loro. Anche io ero parte di una nicchia alternativo ma cercavo sempre il confronto, anche aspro con chi era su altre posizioni musicali / estetiche. Volevo avere strumenti alla pari con chi magari era più grande e aveva avuto altre esperienze. Poi è chiaro che in fase adolescenziale tendi ad essere tranciante, radicale, purista ma poi ci si ritrovava nei medesimi luoghi: negozi di dischi, locali, pub, circoli arci, fonoteca, palchi all'aperto, concorsi per giovani band.

E ancora gli anni ’70: nel ’78 nasce l’istituzione delle feste dell’Unità unite ai grandi concerti di rock con artisti internazionali, ma sono anche gli anni in cui lo spaccio di droga contamina alcuni centri di ritrovo. Come si percepiva questa cosa soprattutto in una cittadina dove la musica e l’esser musicisti veniva un po’ tramandato dai padri ai figli?

La diffusione delle droghe raggiunse capillarmente ogni angolo d'Italia, ogni provincia. Senza essere ipocriti, gli ambienti musicali erano luoghi in cui le droghe circolavano. E' vero anche che per molti la musica è stata una salvezza e forse rispetto all'uso prettamente edonistico e da sballo di oggi, c'era ancora una curiosità culturale, di espansione della coscienza, di sperimentazione che si legava a certe musiche e all'uso di sostanze che potessero amplificare la percezione. I grandi concerti di artisti internazionali che toccarono anche Correggio, portarono le simbologie del rock. Le esperienze lisergiche, i viaggi stupefacenti per alcuni furono esperienze e in un certo modo una conoscenza dei propri limiti, una maturazione, per altri furono tunnel senza uscita. Non dico che sia stato sempre edificante, non nascondo i lati oscuri, gli abusi e le derive esistenziali ma pensando ai nostri giorni a volte mi fa più paura la musica formattata, normalizzata, resa innocua e ripulita dei suoi lati più inquieti.
Il messaggio di questo libro è un po’ legato alla filosofia del ’77, si studia il passato per ritrovare i modi dell’aggregazione giovanile e non che la musica digitale si sta portando via seppellendo questa realtà in un mercato dell’industria discografica troppo formalizzata. Una sorta di appello e di ricerca volta anche a ritrovare un contatto con istituzioni cittadine, un appello accorato e passionale. Raccontami…

Sì, da una parte la rete, internet, i social hanno facilitato, velocizzato la comunicazione, non nego la loro utilità e anche io ne usufruisco massicciamente. E' altrettanto vero che questo ci ha portato a isolarci nelle nostre nicchie rassicuranti. Questo ha limitato la nostra voglia di uscire ad esplorare, ad aggregarci. Si esiste il modo virtuale di internet, ma è ancora il contatto diretto, la conoscenza con tutti i sensi, una fisicità che fa la differenza, che evidenzia la realtà di un fenomeno. La musica e la sua fruizione si è fatta via via immateriale, impalpabile e dunque anche più effimera, con una durata programmata nel tempo, con soni e mode che vengono rimasticate a ritmo vertiginoso. Tutto ci è spinto contro, siamo stimolati continuamente, esistono solo i grandi eventi, i grandi format e mi pare che le grandi strutture, le multinazionali, i monopoli di produzione abbiano anche capito che sia necessario mimetizzarsi di alternativo. Credo che l'unica sopravvivenza sia quella di tornare a fare vivere piccole enclave umaniste in cui di nuovo condividere passioni, e coscienze.

Correggio è anche memoria, lo è in toto questo libro che ripercorre in maniera etnografica la sua storia recente, ma è da ricordarsi – e non ne manca traccia nel testo – che Correggio è anche la storia di memorie di partigiani e mondine, storia che idealmente confluisce nell’esperienza dell’album collettivo Materiale Resistente 1945 – 1995 che tu per primo hai voluto. Nel 2015 ne ricorrono i 20 anni, nonché il 70imo anniversario della Liberazione. Data che stavolta coincide con l’appuntamento del crownfounding del progetto Breviario Partigiano dei CSI che non a caso hanno scelto di incontrarsi a Correggio per festeggiare questo 25 aprile. Cosa sarà e cosa ha rappresentato per Correggio questo recupero del patrimonio storico?

Materiale Resistente nel 1995 fu un'esperienza unica, una illuminazione. Prima c'erano celebrazioni ufficiali e la Resistenza sembrava qualcosa di retorico e lontano. Fu grazie a quell'evento che ci fu un incontro tra generazioni, da una parte gli ex -partigiani e dall'altra giovani antifascisti. A fare da colonna sonora in questo passaggio di testimone le migliori band italiane del Consorzio e dei Dischi del Mulo. Per noi attualizzare la lotta di Liberazione era una nuova forma di Resistenza Culturale e in un momento particolare della storia italiana (era l'inizio dell'era di Berlusconi in politica) ci si rivolgeva verso un passato che poteva darci strumenti e dignità per affrontare il presente e il futuro. Quello che i giovani non trovavano nella politica, lo trovarono nella carica morale, nell'etica della lotta di liberazione, dove ognuno prendeva la propria vita e la usava per cambiare lo stato delle cose. E' stata una operazione molto sentita, una reazione, direi genetica perché nel nostro DNA quelle rivendicazioni, quelle lotte, erano rimaste come materiale genetico. Io avevo intrecciato il DNA con mia nonna mondina e con il coro di cui faceva parte. Mi intrigava l'ibridazione tra un passato, tra una arcaicità e la tecnologia, la modernità. Oggi per il ventennale abbiamo deciso di ripetere quell'esperienza, anche se non sarà una ripetizione pedissequa ma sarà una visione del percorso fatto in questi anni da chi era stato coinvolto nell'edizione del 95. I CSI o Post-CSI per primi che presenteranno proprio a Correggio il 25 aprile il loro nuovo progetto “Breviario Partigiano”.

La prima edizione di questo libro risale al 2008, quanto ha plasmato in questi anni la consapevolezza cittadina del proprio patrimonio?

Credo che sarà un riferimento costante per chi si vorrà avvicinare all'evoluzione
culturale della provincia italiana. Potrei dire senza presunzione che sarà interessante anche in un futuro perché il libro può essere affrontato da diversi punti di vista : musicale, sociologico, estetico, antropologico. Queste diverse letture, questi diversi approcci non sono poi solo legati al locale, al proprio territorio ma possono avere un corrispettivo più largo, condiviso, universale, in fondo è la cronaca, la narrazione di una scena musicale che può trovare punti di contatto in altre parti del globo.

E quanto di quel nuovo brodo primordiale dei primi anni 2000 qualcosa si è evoluto e cambiato? E come va con la tessitura con il rapporto con le istituzioni locali?

Qualcosa è cambiato sicuramente. Stiamo ancora vivendo su quelle costruzioni edificate negli scorsi decenni. Ma ora le particolarità, le peculiarità si sono appianate in un grande brand mondiale che tende ad uniformare e marketizzare. Il brodo è ora un po' sterile e l'alchimia organica è sempre più difficile da ricreare. In ogni caso, anche alla luce, del ritorno di Materiale Resistente, vale la pena di rimettersi in gioco, di provare a liberare e trovare alleati, compagni di viaggio, sia istituzionali che vicini per assonanze culturali.

Tenedle - Vulcano

2014-05-19T07:30:00.002-07:00

Che Tenedle, al secolo Dimitri Niccolai sia un artista dal pedigree invidiabile va senza dire. DNA da elettronica toscana di quella wave inconfondibile rimescolata in salsa olandese dove Tenedle si è trasferito da anni in nome della sperimentazione.
Una carriera che continua dalla fine degli anni '80 e, se potesse bastare come garanzia, una scafata blogger come me che si riempie di musica a caccia fra un rooster e l'altro ha rimasto il suo precedente album Grancassa vivo e vegeto nel suo mp3 che è diventato un vero tormentone. E sono passati 3 anni dalla sua uscita.
Ecco, partiamo da Grancassa. Di quelle tinte restano i testi protesi alla denuncia dell'alienazione umana ma i suoni elettronici sono decisamente più soft e orientati verso un cantautorato più italiano. E' allo stile di Battiato che si rifà ad esempio l'incipit dell'album Pensiero in cui Tenedle affronta anche vocalismi acuti e una sonorità vocale più naturale e pulita da distorsioni elettroniche.

L'effetto? Un po' come passare dai Depeche Mode di David Gahan allo stile di Martin Gore. Più glam, stiloso e riflessivo.

Un disco diverso ma che ama viaggiare, come con il bell'electro pop di Pow Wow leggero nella forma, psicologico nei contenuti.

Più massiccio è invece l'impatto elettronico di Voi Siete Qui anche se le architetture elettroniche prendono le sembianze di uno sfondo secondo al peso dei testi... qui emerge quasi una fascinazione di quel prog sottile in stile Alberto Radius che non dispiace e fa apparire Tenedle in una nuova pelle.

Il sinthy romantico di Canzoni Che Fanno Male spinge il progetto del disco ad una forma matura di cantautorato che si sviluppa nella seconda fase del disco mentre affiorano note intimiste di un certo luccichio nostalgico di sax in stile Custeau.
Tiramisù e Gliese sono brani più easy, quasi in stile Andrea Parente in uno stile che tocca il rock spaziale al rock psicologico e lascia abituarsi al calibro vocale di Tenedle cantautore in senso classico... Ed ecco la maturazione più alta dopo un po' di fase di rodaggio: La Stella Popolare, schitarrata acustica e drum & bass, è uno dei pezzi più riusciti del disco che è un crescendo in accoppiata con Amore Da Un Altro Mondo, pezzo, forse, che il migliore di tutto il disco tra free jazz, note basse e space rock orecchiabile... una hit!

Se il disco era cominciato con atmosfere più intime e sopite, è qui che ricomincia il groove Teletransportsister è un buon continuum con le prerogative del precedente concept album.
Del tutto nuovo è invece il tappeto jazz e l'alone misterioso di Aurora, un elegante brano noir tendente al romance che nella chiusura del disco lascia margini aperti di identità di stile.

== IN CONCLUSIONE ==

Un disco che è un'esplorazione sonora, molto eclettico stilisticamente e di sicura transizione, un disco mutevole con ottimi bagliori e la sicura aspettativa di un cambio pelle che porterà ad un sicuro sviluppo a breve, staremo a vedere!

2014 - Udu Records/Sussuroud

TRACKLIST

In Pensiero
Pow Wow
Voi Siete Qui
Canzoni Che Fanno Male
Tiramisù
Glise
Le stella popolare
Amore Da Un Altro Mondo
Teletransporter
Aurora
L'attimo Del Risveglio
Che Tempo Fa

L'INTERVISTA

1. Vulcano è un disco di mutazione rispetto a Grancassa, l'elettronica è meno protagonista e passi ad equilibri più cantautorali anche se, almeno inizialmente c'è un filo conduttore: testi ispirati ad una 'terapia del dolore' contro i mali della psiche e della bestialità umana, argomento che è uno dei tuoi assi portanti, spiegami....

E’ sempre difficile per me sapere a che punto sono (“Voi siete qui” lo dice chiaramente) e non so se Vulcano sia una transizione rispetto a Grancassa o viceversa, la mia idea di musica è di provare a non fare mai due dischi uguali e ne ho in mente almeno un altro paio (dopo non so). Trovo Vulcano un lavoro “completo” perchè esprime le mie anime, suona bene ed è più essenziale dei precedenti, quindi direi il punto zero per esperienza, e sono soddisfatto del risultato, ho cercato di esprimere cose forti che sto vivendo con concetti semplici e da “lontano” in ormai totale contrasto con quasi tutto il modo di vivere dell’uomo sul pianeta oggi. Non so a che punto sono ma era necessario fare questo disco ora.

2. La qualità vocale di questo disco ti riporta ad influenze più italiane, da Battiato ad Alberto Radius, fino, oserei dire a qualcosa alla Alan Sorrenti e a un free jazz ispirato ad atmosfere come quelle dei Custeau, come è nata questa ricerca che passa attraverso il trombettista Bert Lochs, della vocalist Faith Salerno e del bassista Jos Caspers?

Bert ha dato assolutamente l’impronta che tu definisci free jazz al disco, se senti i brani senza il tuo intervento (che sono in teoria comunque finiti) il disco è molto più vicino ai miei lavori precedenti, la differenza (e la volevo, dopo aver conosciuto e ascoltato I dischi di Bert) l’ha davvero fatta lui. Faith è una giovanissima cantante napoletana al debutto discografico ma con un futuro davanti, se vuole, può fare tanto nella musica, ma è un’artista e ha bisogno di libertà, sono contento di averla coinvolta. Jos Caspers è un amico olandese con cui condividiamo I gusti musicali in modo spaventosamente simile, suona il basso e altri strumenti in modo egregio ed è un’ottimo specchio. Sulla mia voce, credo I dischi migliorino perchè dedico più tempo alla registrazione. Oggi però il momento in cui la mia voce rende meglio è durante i concerti, lo studio mi inibisce sempre un po' anche se è il mio. Di Battiato vorrei ereditare il pubblico e le orchestre, è un maestro lo è stato per tutta la mia e le generazioni successive. Paragoni anche lontani con lui sono grandi complimenti.

3.Brani come La Stella Popolare e Amore Da Un Altro Mondo, sono le tracks più peculiari di questo disco. Un cambio di stile, o sbaglio?

Secondo me no, non del tutto almeno, proprio “Amore da un altro mondo” sarebbe potuto stare benissimo in “Grancassa”. La direzione quasi “Motown” della tromba è tutta colpa di Bert, il resto è “tenedlismo” puro, elettro-pop …. “La stella popolare” è un brano che ho sognato e che sono riuscito a ricordare appena sveglio, mi era successo solo con “L’ora di ricreazione”. Avevo in testa questa frase su “la copia della realtà” e il motivo ed ho scritto ripetendola come una specie di mantra. La
chitarra (che fa il basso) ha un suono molto “Alter” (la mia inseparabile Telecaster del 1978) ed è una ballata, secondo me comunque molto “mia”…. Sono d’accordo
con te ma più su altri pezzi, dove ho creato suoni per le ritmiche in modo nuovo dai precedenti dischi, mi riferisco a “Voi siete qui”, “Pow wow”, “Canzoni che fanno male”, ecco forse li c’è un nuovo corso o qualcosa che in futuro avrò a disposizione….

4.Quanto alla tua vita on stage che ti porta tra l'Italia e l'Olanda, per i tuoi concerti del 2014 hai deciso di partire da Catania attraversando poi Amsterdam, Firenze, Lussemburgo, Utrecht, Leeuwarden, Noordwijk giusto per citarne alcune tappe, come mai la decisione di partire dalla Sicilia?

Magari potessi decidere dove e come, tutta questa scelta su dove fare i concerti purtroppo non c’è, è una fatica immensa riuscire a mettere su live dove poter esprimersi con la tecnica giusta, lo spazio e con la giusta attenzione. Ormai seleziono molto e suono quasi solamente in luoghi che lo permettono. La possibilità di partire da Catania era per un album che si intitola “Vulcano” una cosa imperdibile ed ho avuto l’onore di rientrare nella programmazione della prestigiosa stagione concertistica diretta da Giulia Gangi che mi ha invitato a presentare il disco al Tearo Musco, ai piedi dell’Etna. Esperienza fantastica, teatro pieno gente entusiasta. Situazioni che ti viziano.

5.Quanto alla tua stimolante vita artistica in Olanda, come procede il fermento dei paesi bassi sull'influenza della tua way of life da musicista. Cos'ha questa realtà che in Italia manca e, viceversa, cosa fa di te, musicista fiorentino un personaggio musicale originale nella loro scena artistica?

Non è un buon periodo per la musica, e non lo è neppure qui in Olanda,i Talent show ormai anche qui spopolano (o sono nati qui?) sono il simbolo della globalizzazione e dell’appiattimento e della mediocrità musicale che si vuol diffondere. La musica (anche quella brutta per fortuna) fa fatica…. Detto questo in Olanda c’è ancora una cultura che individua nell’artista un elemento che nella società ha un ruolo importante, quantomeno utile e c’è spazio per lavorare in equilibrio tra calma e follia, ottimale per la (mia) creatività.
Personalmente trovo più stimoli nella società, per la strada o sui media che non da una scena musicale o artistica onestamente buona ma non esaltante, troppo americanizzata (country, rock, blues), più interessanti per me sono il Belgio, la Francia e la Germania se parliamo di generi musicali e una cultura mittle-
europea, sempre musicale, a cui appartengo. Credo comunque che il mio vero pubblico dovrebbero essere i miei connazionali, ma lasciamo perdere. Come vedi continuo a pubblicare nella nostra bellissima lingua e in un paese multilingua come questo, la cosa è meno difficile che in altri. Qui piace sentir cantare in italiano anche se a volte è dura spiegargli che si fanno anche alter musiche da noi….

6.Oltre alla musica sei sempre stato attivo in altri progetti collaterali, dalla pittura alla sperimentazione teatrale. Su questi fronti stai bollendo qualcosa in pentola?

Dedico sempre più attenzione alle immagini, tanto che se e quando rifarò qualcosa di mio per il teatro, saranno elementi scenici sicuri oltre alla musica. Trovo immagine e musica una splendida coppia, che spesso ti toglie l’imbarazzo della parola. Intanto ho appena collaborato scrivendo musiche per uno spettacolo che verrà messo in scena in Italia quest’estate, si chiama “Mi Rammento” per la regia di Daniele Lamuraglia del Teatro del Legame. Idee ce ne sono, il teatro ha bisogno di ancora più fondi della musica però ed io ho trovato con le mie performance anche quella parte di teatro che ogni tanto mi manca.

7.Facendo un bilancio su Vulcano non si può che dire che sia un disco più intimo. Stai cambiando pelle o vuole essere una parentesi?

Non credo di poterti dire cosa faro, non credo di poter capire la differenza o la direzione rispetto al passato, so solo che Vulcano è un disco diverso dai precedenti e questo mi ha convinto a pubblicarlo. Io considero ogni mio lavoro legato se non al precedente alle altre esperienze e ripeto, per me l’importante è cercare di non fare mai dischi uguali, ho già spiazzato molte persone, ricordo alcuni giornalisti che ora mi conoscono bene vennero traumatizzati (e non negativamente) da Alter, dopo Luminal, ma io sono cosi, il giorno che non sentirò di fare un disco diverso cambierò disciplina, non potendo per natura, cambiare professione. Per ora comunque “Vulcano” c’è la performance, ci sono date in calendario e ce ne saranno altre per un bel po', ho trovato una formula dal vivo che mi permette di creare un ponte con tutto il mio repertorio e che secondo me mostra alla fine una certa coerenza.

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Fabrizio Tavernelli - Volare Basso

2014-01-21T11:50:00.001-08:00

La polvere cosmica di realtà derivate da CCCP, CSI, CPI si evolve e mai si distrugge in un'eterna fase di officina e cantieri. Un esempio di questa eredità è anche Fabrizio Tavernelli: lunghissima la sua carriera musicale iniziata negli anni '80, ve lo ricordo in un unico flash: anno 1995, I Dischi del Mulo pubblicava la compilation Materiale Resistente 1945-1995, ricordate gli A.F.A che cantavano Con La Guerriglia? Il cantante degli A.F.A è Tavernelli che fu anche l'ideatore di questo disco che unisce artisti come Yo Yo Mundi, Africa Unite, CSI, Skiantos, Disciplinatha su brani della Resistenza antifascista.

Stessa mente ma pelle diversa, anno 2013 e quasi vent'anni di musica percorsa. Tavernelli è nell'era del cantautorato sperimentale: Volare Basso, è un disco cantautorale dei tempi della crisi, un disco ispirato dall'art brut e gli stati di cosicenza alterati della mostra Borderline tenutasi mesi fa a Ravenna e il libro “Bestiari del Medioevo” di Michel Pastoureau. Come dichiara lo stesso autore nell'intervista a questo articolo: ''Mi ha sempre intrigato mescolare influenze di musica colta, straniante, sperimentale, pur utilizzando la forma canzone. Anche il pop può essere obliquo, intelligente, ricercato, avventuroso, profondo e soltanto qui in Italia ha assunto un significato deleterio. Diciamo che mi piace stendere melodie (e la melodia non significa per forza qualcosa di commerciale o facile) su un impianto sonoro composito, controverso o avanguardistico. Creare una sorta di canzone pop deviante. Mi interessa l'aspetto letterario, il testo, una visione alterata del reale, ma da sempre mi piace cantare (per essere alternativi non è che si deve parlare o fare reading come in buona parte delle musica indies italiana) e questo raccontare modulando la voce ha bisogno di atmosfere, sonorità inconsuete, a volte di rumori.''
Un disco tra sperimentazione psichedelica nelle prime battute per poi passare ad un cantautorato più classico, il tutto su un disco che parla di attualità su tinte vocali che ricordano vagamente e più di tutti l'idealtipo di Paolo Benvegnù con un elettronica fine che spesso sente l'influsso di fascinazioni tra Brian Eno e Daniel Lanois.

Volare Basso comincia con un brano omonimo: degna copertina introduttiva del disco tra drum&bass e new wave che già cede il passo alla psichedelia e al lato new wave acido del disco del rock istrionico di Cellula Dormiente raggiungendo riverberi noise in Alla Musica.

Brano spartiacque e cantautorale è Lo Scafista Dell'Animo in uno stile musicale alla Marco Parente: adotta come metafora la vicenda degli scafisti e dei barconi degli immigrati - dice Fabrizio - in verità il brano parla di chi trasporta la propria anima verso un nulla sconosciuto, descrive chi è disposto a trasformarsi a tradire il suo cuore, la sua coscienza, per opprtunismo, calcoli, brama di mpotere...fino a diventare irriconoscibile a se stesso. Sempre in primo piano sono gli arrangiamenti musicali brillanti, dotati di riverberi sognanti come in Le Alte Vette Dello Spirito che spinge fino al lisergico. Ne 'Il ponte di Calatrava' aleggia l'Emilia Paranoica e in particolare la suburbia di Reggio Emilia che è un leit motiv anche nel Fabrizio Tavernelli scrittore di Provincia Exotica (DellaCella, 2011) che lascia echeggiare uno spettro punk e gotico. Lassista echeggia di scuola toscana, con tratti alla Manuel Agnelli su un rock leggero in crescendo tra sonorita chiare e sfondi low fi al basso dove risalta anche qualche accordo in stile Ligabue... sarà l'effetto Correggio dove il disco è stato registrato!
Canzoni Melense e Grandi Bastardi è tra i brani manifesto del disco, uno dei più pregranti e anche più pop senza per questo rinunciare ai contenuti che si rivelano una ritrattistica sui tempi che corrono nel mercato musicale (e lo sa bene Tavernelli che oltre ad essere cantautore è anche produttore). Bella la pulizia del suono di Giorni Da Spendere tra una new wave leggiadra e pulita un po' esterofila che si riconferma in Anni '50 e Giocattoli Rotti in un cerchio che si chiude dalla pscichedelia alla quiete che ha il sapore di un cantautorato dandy che sfiora l'art rock.

Un disco composito, eclettico, strutturato ma leggiadro, segno di un musicista vero e Tavernelli ci riesce bene. Disco lodevole.

L'INTERVISTA

Partiamo da un dato secondario ma importantissimo, hai realizzato questo disco attraverso il found raising di www.musicraiser.com così come la Tannen Records per i dischi dei Csi e Massimo Zamboni per il suo progetto con Angela Baraldi. Cosa mi racconti in proposito, funziona e aiuta la musica indipendente per davvero?

Le strade percorribili per fare uscire dischi non sono più tante. da un lato ci sono le ultime major rimaste che si occupano di format, x-factor, grandi produzioni, eventi, o ricerca forsennata del successo per una stagione e punto. C'è lo strapotere dei network radiofonici che ormai hanno bypassato le etichette discografiche e si producono e promuovono i loro tormentoni su cui hanno ricavi diretti grazie alle edizioni. Ci sono anche le indies, le piccole label che spesso sono autoproduzioni e fanno uscire pochi titoli. Tanto vale farsi le cose da soli, gestire direttamente la produzione e il resto. Io nelle mie diverse esperienze ho avuto modo di lavorare sia con major che con indipendenti e fino a qualche anno fa il modo per trovare collaborazioni, produzioni, lo trovavi. Oggi, con il crollo delle vendite del cd e con il cambiamento epocale nel modo di fruire la musica, bisogna riconsiderare il tutto. Credo che un rapporto diretto con un tuo pubblico, oggi sia l'unica via. Coinvolgere gli ascoltatori in progetti sinceri e trasparenti, come se ci fossero tanti piccoli produttori, una sorta di azionariato popolare che costruisce progetti dal basso.

Certo le circostanze non sono favorevoli' ti parafraserebbe il buon Ferretti, ma hai scelto di rappresentare l'urgenza comunicativa di questi anni che fuggono. Usi in via predominante il songwriting dalle sonorità intimiste che hai riscoperto negli ultimi anni grazie all'etichetta Lo Scafandro che tu stesso hai fondato, ma c'è anche una certa dose sperimentale nei brani di apertura. Raccontami questo percorso.

Hai ragione quando parli di songwriting con inserimenti di elementi sperimentali. Mi ha sempre intrigato mescolare influenze di musica colta, straniante, sperimentale, pur utilizzando la forma canzone. Anche il pop può essere obliquo, intelligente, ricercato, avventuroso, profondo e soltanto qui in Italia ha assunto un significato deleterio. Diciamo che mi piace stendere melodie (e la melodia non significa per forza qualcosa di commerciale o facile) su un impianto sonoro composito, controverso o avanguardistico. Creare una sorta di canzone pop deviante. Mi interessa l'aspetto letterario, il testo, una visione alterata del reale, ma da sempre mi piace cantare (per essere alternativi non è che si deve parlare o fare reading come in buona parte delle musica indies italiana) e questo raccontare modulando la voce ha bisogno di atmosfere, sonorità inconsuete, a volte di rumori.

Due sono i leit motiv importanti per te in questo album, l'ispirazione alla mostra Borderline tenutasi a Ravenna sulla connessione tra arte e follia nei pittori del Novecento (e io c'ero!) e della lettura di “Bestiari del Medioevo” di Michel Pastoureau. In che modo hanno influenzato questo disco così incentrato sui temi della nostra attualità?

Mi interessa da sempre quello che succede, appare, si manifesta al confine tra realtà e follia. Mi interessano gli stati alterati di coscienza. Ho una certa vicinanza con tutto ciò che non è accademico, nell'arte figurativa come nelle altre discipline. Sono alla continua ricerca per scovare, intravedere, percepire diversi piani di realtà che possono darci visioni differenti del nostro quotidiano. Un pò come hanno fatto le avanguardie del '900 oppure certa fantascienza interiore (vedi Philiph Dick o Ballard). La psichedelia è stato un monento di forte espansione del cervello umano. Un mezzo per viaggiare dentro se stessi un aspetto che ho ben sviscerato nell'album del 1996 degli AFA "Nomade Psichico"). Nella mostra "Borderline" c'era tutto quello che ricerco nell'espressione artistica. Le opere di Bosch, Goya, l'espressionismo, l'arte dei primitivi, Dubuffet e l'art brut, Bacon, sono viaggi nel subconscio, sono esplorazioni, richiami alla trance, trasfigurazioni. In particolare in quella mostra mi hanno colpito le opere degli internati psichiatrici : attraverso l'arte (arterapia) si cercava una cura, una via per liberare, sciogliere, rendere manifesti turbamenti, visioni, incubi o forse un altro modo di approcciare al mondo altrettanto vero come quello delle cosiddette persone normali. Ecco per me la musica è un mezzo, una terapia per buttare fuori l'inquieto, l'irrisolto, lo sconosciuto che c'è in noi. Per quanto riguarda il libro dei bestiari medioevali, è stato interessante vedere come attraverso la descrizione fantastica di animali e dei loro comportamenti, si giungesse a descrivere, metaforizzare tipologie umane. Il capitolo sugli uccelli poi, costituiva la parte più densa del libro, descrivendo attraverso volatili esistenti o fantastici, parabole, vizi e virtù degli uomini.

Artisticamente sei un autore eclettico e di lungo corso, i tuoi sono 30 anni di ortodossia tra gli En Manque D'Autre, gli Acid Folk Alleanza negli anni '90, la militanza tra i Dischi del Mulo, il Consorzio Produttori Indipendenti, Materiale Resistente solo per citare le parentesi più importanti. Indipendenza e underground. In questi tempi di crisi qual è la situazione in Italia del fluire della musica non commerciale secondo te?

La cosa più evidente è la mancanza di soldi e prospettive. A volte pare di assistere a una guerra intestina tra piccole parrocchie. Poi c'è la ricerca spasmodica di nuovi e spesso improbabili trend o nuove etichette giornalistiche. La scena italiana rimane clientelare, roba tra amici, parenti. Non mi scandalizzo eccessivamente per questo mondo ristretto, piccolo e autoreferenziale, d'altra parte ogni generazione ha i suoi modi, i suoi codici, i suoi canali, i suoi luoghi, i suoi ,meccanismi amicali. La cosa che rimane incomprensibile è perchè in italia non si possa continuare a seguire un proprio discorso musicale personale anche se non si è più ragazzini, anche se non si è sotto i riflettori del successo.

In questi tempi di canzoni melense e grandi bastardi resti sempre legato alla tua Emilia che di tanto in tanto sbuca nei testi delle tue canzoni, come in tutta la tua carriera e nel tuo primo libro Provincia Exotica. Cosa diresti dei tempi dell'Emilia Paranoica odierna? Cosa c'è rimasto oltre ai ponti di Calatrava fuori Reggio Emilia? E cosa dice la musica indipendente in regione?

L'Emilia è ancora paranoica ma prima aveva degli anticorpi che si manifestavano con una capillare produzione culturale, con un fermento artistico continuo. Oggi anche il modello emiliano è alla deriva, ci sono frane e fratture, cedimenti che si evidenziano dalla politica sino a coinvolgere la cultura. Anche noi siamo invasi da marketing, consumo compulsivo, format, reality, urbanistica terminale, ipermercati, desolazione e solitudine sociale. Questa deriva la descrivo nel mio libro "Provincia Exotica" uscito un paio di anni fa.

Il 2013 è stato l'anno di questo disco ma anche del brano ''linoleum'' nel progetto dei Radio Alice. Dimmi di più…

Il motivo che mi porta a collaborare con altri musicisti è in primis l'amicizia, la condivisione, le sensazioni "a pelle". Con i RadioAlice sono amico da tempo, sono degli amici con cui condivido passione per la musica. Con alcuni di loro ho condiviso i primi palchi da ragazzino nei primi contest per gruppi di base. Mi piace il loro suono, gli incastri di chitarre e i testi, cronaca spietata dei nostri giorni, sono assolutamente in linea con le tematiche che mi stanno a cuore.

Volare Basso è un disco molto denso. Quale secondo te è il brano che più lo rappresenta?

Volare Basso è una specie di concept album come si faceva una volta. E' un viaggio, un volo radente, da compiere in un ascolto attento, intimo e senza sosta. E' un album in cui bisogna addentrarsi ripetutamente e ogni volta si possono scoprire nuovi particolari. Non ho preferenze particolari, lo vedo come un tutt'uno, però se devo indicare il centro del disco, direi "Lo Scafista dell'Animo".

BIOGRAFIA

Cantante, musicista, produttore, dj, scrittore automatico, homo curiosus, equilibrista esistenziale, minipimer, resistente, artista alla frutta.
Coinvolto in innumerevoli progetti musicali, tra canzone e sperimentazione, agisce da diverso tempo nella scena nazionale della contaminazione musicale, adottando questa formula come pretesto in cui inglobare qualsiasi influenza, qualsiasi incrocio tra diverse discipline.
Fonda negli anni ottanta "En Manque D'Autre" surreale gruppo avant-garde con il quale incide quattro album ("I nuovi arricchiti", "Cianciulli", "Noi siamo i tecnovillani", "Folk Acido") la band diventa un nome di culto attraverso performance estreme (tra i tanti il tour italiano con Arezzo Wave e l'apertura ai PIL di Johnny Rotten/Lydon) e grazie allo spazio sulla stampa specialistica nazionale.
Nel frattempo inizia l'attività di dj in radio specializzate come Studiosei e Mondoradio e nei primi locali alternativi reggiani come il Ritz.
Nel '92 si laurea al DAMS di Bologna con una tesi su Andrea Pazienza e il nuovo fumetto italiano.
Un anno dopo l'incontro con Massimo Zamboni e Giovanni Ferretti (ex CCCP) da inizio alla collaborazione con la label/factory "I Dischi del Mulo", nascono gli Acid Folk Alleanza successivamente denominati AFA.
Nel '93 esce il primo cd "Acid folk Alleanza" per la Sugar di Caterina Caselli; comincia una costante attività live (tra cui il tour di supporto ai Fishbone) ed una serie di apparizioni televisive (RAI, Videomusic, TMC, Roxy Bar, etc.).
Il '95 vede il passaggio al neonato Consorzio Produttori Indipendenti, per il quale viene prodotto il secondo cd "Fumana Mandala", nello stesso anno l'ideazione del progetto "Materiale Resistente", rilettura dei canti e dei fatti della Resistenza che porta alla produzione di una compilation, di un film documentario e di un libro.
Nel '96 produce per il Comune di Correggio "Mondariso" del Coro delle Mondine di Correggio, documento dei canti di lavoro delle mondariso.
Il ’96 è anche l’anno della svolta degli AFA con il terzo album "Nomade Psichico", disco che si avventura nelle ultime sperimentazioni sonore (trip-hop, electro,jungle, trance...) che porta notevole visibilità alla band (apparizioni in RAI, ottime recensioni, una densa stagione live, opening act per i Massive Attack, video del singolo “Fossili” in rotazione su MTVEurope...). In contemporanea nasce la rivista che prende nome dall'album, in cui si trattano tematiche riguardanti nomadismo, psichedelia, cultura cyber, sciamanesimo, letteratura off.
Il 1997 vede la produzione del cd del visionario Ottorino Ferrari (“l'uomo dei secoli”) stregone della bassa padana, la partecipazione in veste di produttore a "Matrilineare" raccolta di ninne-nanne al femminile ancora una volta con il Coro delle Mondine.
Il ’97 è pure l’anno di uscita del cd di remix “Manipolazioni-progetto audioalchemico” (con interventi sonori di Maffia Sound System, Gianni Maroccolo, Ustmamò e testi di Bifo, Caronia, Miglietti, Dagnino), nello stesso anno avviene il viaggio-esperienza nel deserto del Kalahari in Namibia per contattare gli ultimi Boscimani e trarre ispirazione per l’ultimo album degli AFA “Armonico” che uscirà nel 1999. Il disco che chiude il percorso di ricerca elettronica vede la produzione artistica di Eraldo Bernocchi ed ospiti Howie B. (già con Bjork, Eno, U2, Talking Heads etc) e Mr. Dead (rapper del giro illbient newyorchese). Sciolti gli AFA da vita insieme ad Enrico Marani a Duozero, avventuroso episodio sperimentale che concepisce l’album “1999-2000 no-programma” (Snowdonia) ripetuto nel 2006 con il secondo “Esperanto” (Small Voices).
Con la nuova denominazione di Groove Safari, sigla che svolta verso l'electro-pop e la lounge music, nel 2001 firma con la Sony: il primo singolo “Cosmobeat” viene programmato nella stessa estate dai maggiori network radiofonici (Radiodeejay,RDS, Kiss Kiss, Radio Italia...) insieme al socio Yuri Degola si cimenta in strepitosi surreali playback nei migliori palchi nazionalpopolari.
In autunno, sempre su Sony, segue la pubblicazione del nuovo singolo “nei tuoi occhi”. Sul finire dell’anno esce il primo omonimo album dei Groove Safari per la Kom-Fut Manifesto e successivamente contribuiscono al CD della Sinistra Giovanile "World" contro la pena di morte, reinterpretando in chiave electro "L'Internazionale".
Nel 2004 esce il secondo lavoro di Groove Safari “Elettroselvatico” (B&B/Edel) album che si inoltra tra sonorità punk-funk, disco-rock, no-wave .
Negli ultimi tempi si fa inoltre assidua la collaborazione con Fabio “Bronski” Ferraboschi, già produttore e fonico di AFA e Groove Safari, con il quale si occupa della produzione artistica di Officine Schwartz e brani per varie compilation .
Un'altra avventura è quella dei Roots Connection, il sodalizio che riunisce Ferraboschi, Tavernelli e l'indimenticato bluesman Enrico Micheletti, il primo disco omonimo del 2002, edito da B&B/Edel concretizza la fusione di delta blues, slide-guitar, campionamenti ed elettronica. Nel 2009 arriva il secondo CD dal titolo “Animystic” (su etichetta Bagana records) nuovo episodio che si apre ad altre influenze : atmosfere “spiritual”, roots vibes e tecnologia, pulsazioni funky, musiche del delta e profondità dub. Ancora nei primi anni del 2000 inizia la lunga partnership con Dj Rocca (storico fondatore del club Maffia di Reggio Emilia) sotto la sigla Ajello. Numerose saranno le uscite discografiche del duo che diventa uno dei nomi di punta della acclamata nuova scena italo-disco da esportazione. Releases ed extended play distribuiti nel circuito internazionale dance: su Moving Target (Olanda), Rebirth, Relish e Gomma Records (Germania) Moderne e Radius (Belgio) MB Disco (Svezia) D Edge (Brasile) Deep Freeze, ISM, Classic, Maxi Discs, Nang ( label inglesi). Ben presto Ajello entrano a far parte della scuderia Mantra Vibes/Expanded Music con la quale producono diverso materiale su singolo, vari remix commissionati, partecipazioni a varie compilation tra cui “Confuzed Disco” (reinterpretando un classico dell’elettronica italiana ’80: “Lobotomy” dei Neon) l'album di remix “Digital Spasm” e “Recommended” del club inglese “The End). Diversi sono i dj-set nei club di Londra, Bruxelles, Vienna, Oslo, Berlino, Berna, Shaffhausen...). Diverse le collaborazioni tra cui Dimitri from Paris, Mara Redeghieri degli Ustmamò, Shara Nelson, Noia, Pete Herbert, Luke Solomon etc.
Nel Novembre 2006 esce il primo album di Ajello dal titolo “Spasm Odissey” seguito da “Smells like too Cheesy” (nel 2011 per la nuova label Danny Was a Drag King con collaborazioni di Krisma, Hard Ton, Fred Ventura, Bengi, Amari etc) seconda prova discografica acclamata in patria (XL, Rolling Stone, Rumore, Blow Up) e all'estero .
Nel 2007 cura la colonna sonora per la performance teatrale “L’eccezione e la regola/il consenziente ed il dissenziente” la cui prima viene rappresentata all’Arena del Sole di Bologna. Nel mese di giugno 2008 il rifacimento da parte di Fabrizio Tavernelli del brano “Benvenuti tra i rifiuti” viene inserito nell’album tributo dedicato all’artista di culto Faust’o/Fausto Rossi.
Nel 2009 pubblica per Lucio Lombardo Radice Editore il libro “Correggio Mon Amour” una cronaca della scena musicale correggese dagli anni '60 ad oggi. Il libro oltre a ottime recensioni su Repubblica, Left, Jam, BlowUp, Rockerilla, è libro del mese su Rumore. Tra le varie presentazioni del libro da segnalare quella al M.E.I. Il 2009 vede anche la partecipazione di Tavernelli alla compilation “Dal Profondo” ,edita da Latlantide, con il brano “Aspettando il Vip”.
In occasione del 25 Aprile 2010 Fabrizio Tavernelli è uno degli organizzatori dell'evento “Materiali Resistenti” (riedizione dell'evento “Materiale Resistente del 1995) che si concretizza in un grande concerto nella Piazza di Carpi e in un omonimo CD compilation in cui compare l'inedito brano “Cellula Dormiente” . Poco dopo è la volta della compilation “A different Story” (tributo ai Joy Division a cura di Spazio Gerra Reggio Emilia) uscita in occasione della settimana della fotografia europea. Sotto la sigla I.R.R.S. (insieme agli ex AFA Yuri Degola e Antonio Denti) riprende il classico “Day of the Lords”. Ancora sotto questa sigla uscirà l'album sperimentale “Sciame Sismico” (2011 Lo Scafandro).
Nel 2011 fonda l'etichetta indipendente Lo Scafandro (insieme ad altri ex AFA, Roberto Fontanesi e Giancarlo Marchi) per la quale esce il suo primo album come solista “Oggetti del desiderio” in cui ritorna al songwriting, alla forma canzone basata sull'ecletticità del panorama sonoro e su una particolare attenzione al testo. L'esordio a proprio nome riceve buone risposte (Rockerilla, Rumore, Alias, Vivaverdi, Corriere della Sera, Blow Up) e viene presentato dal vivo sotto il nome “Fabrizio Tavernelli Complesso” insieme a Marco Santarello chitarra, Lorenzo Lusvardi batteria, Alessandro De Nito tastiere, Marco Tirelli basso (gli stessi musicisti con cui collabora anche discograficamente in questi ultimi anni). Insieme a questa band partecipa all'iniziativa “Un Treno per Auschwitz” viaggio-esperienza in Polonia sui luoghi dei campi di concentramento di Auschwitz e Birkenau in occasione del giorno della memoria. A chiudere l'iniziativa concerto di Fabrizio Tavernelli e Giardini di Mirò all'Accademia Metallurgica di Cracovia. Del 2011 è pure l'uscita del suo primo libro “Provincia Exotica” (Della Cella Editore, prefazione di Massimo Zamboni.) viaggio surreale e utopico in una Emilia allucinata e distorta, un reportage da una provincia abitata da una fauna fremente e selvatica. Il libro viene tuttora presentato in giro con reading che si trasformano in veri e propri flussi di coscienza e lettura automatica.
Nel 2012 esce il primo album dei Babel (“Babelizm” Lo Scafandro/UPR). Babel è il nuovo progetto di etno- music elettronica messo in piedi insieme a Giovanni Rubbiani (ex Modena City Ramblers) che mescola musicisti da India, Balcani e Italia tra suoni tradizionali e beat elettronici, tra oud e violino, rap e loop, Bollywood e pianura padana. È uno spaccato della società multietnica, che indossa il sari e cammina su groove metropolitani (il singolo “Pakistano Reggiano” passa in rotazione nel programma radiofonico Rai “Caterpillar, la tedesca Radio Colonia e sul volo lufthansa Munich-Delhi). Nel 2013 la partecipazione alla rilettura “psico-electro sci-fi cover music” di Jenseits “Nomade Psichico Suite” (Nostress Netlabel) tributo all'omonimo album degli AFA a cui partecipa lo stesso Tavernelli con un onirico reading tratto dal libro “Provincia Exotica”. Ad Aprile 2013 insieme ad Istoreco e ANPI organizza ERA (European Resistence Assembly) una tre giorni dedicata alle esperienze resistenziali in Europa a cui partecipano associazioni antifasciste provenienti da Germania, Francia, Spagna. Il concerto che chiude la manifestazione vede sul palco Fabrizio Tavernelli Complesso e a chiudere “30 anni di Ortodossia” (Massimo Zamboni, Angela Baraldi, Giorgio Canali, Fatur con gli storici brani di CCCP). Nel 2013 è ospite alla voce nel brano “linoleum” incluso nell'album “outlet” dei RadioAlice usciti per Lo Scafandro. Giungendo al presente, tante sono le idee in cantiere e i progetti da recuperare o iniziare, così è la volta di riprendere il filo della comunicazione più diretta. Ora dopo un anno di gestazione, l'album è stato registrato presso il teatro Asioli di Correggio, arriva il secondo episodio a proprio nome. Fabrizio Tavernelli “Volare Basso” nuova avventura in cui lanciarsi nel profondo dell'animo.

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NaGa - Voglie Diverse

2014-01-20T10:30:00.002-08:00

I NaGa sono una band che spacca con tutte le carte in regola. Te ne accorgi subito al primo acchito con le note di 1,2 e Me rock e radiofonica: una voce inconfondibile Lela Cortesi, esteta, urlatrice...una Mina in chiave stoner dalla voce sinuosa e una sonorità fluida e potente che sa farsi ricordare.

E pensare che tutto questo è un'autoproduzione. Delle migliori fatture e con musicisti che hanno già un bel bagaglio tra militanze in altre band.
Un disco che è un viaggio psicologico in un mondo flipper. Parlando dei NaGa - nome ispirato all'induismo - la stampa li ha definiti una band 'pop - noise' un'amalgama curiosa che nei fatti ama unire suoni forti come stoner e una punta di noise appunto, con l'eleganza e la pulizia di una voce femminile e fraseggi di sound raffinati, il brano Eri Tu, primo singolo del disco, rende bene l'idea tra voce, pianoforte e crescendo sonori in cui ogni strumentista riesce ad imporsi nel suo spazio.
Il mix è una grande presenza femminile che impone sui NaGa e un disco profondamente rock, quello vero e duro. Lela potrebbe insomma essere una versione italiana di Skin e in effetti lo è, basta vedere l'equilibrio felino del brano Voglie Diverse che cela sprazzi screamo.

L'aspetto più riflessivo e cantautorale del disco (in un album sempre attento nei testi) arriva con Se Cadono I Tuoi Pezzi. I brani finali sono un misto di energia e sperimentazione... beh, tutt'altro che pop noise... qui c'è rock vero e si sente, magari con qualche rivolo blues/gospel nella voce di Lela.

Sul sito ufficiale trovate anche lo streaming dei brani disponibili oltre al disco fisico. Una grande band milanese di tutta sostanza, lontana dai clichés di una città indie hipster sofisticata e plasticosa. Mezz'ora di ottima musica e goduria assoluta.

L'INTERVISTA

Siete al vostro esordio assoluto, ciò che più balza agli occhi di questo lavoro molto riuscito è la vostra scelta di affidarvi ad un'autoproduzione? C'è una particolare filosofia in questa scelta?

C’era un semplicissimo desiderio di pubblicare subito il lavoro senza inutili attese. Di questi tempi le etichette possono avere tempi molto lunghi, dal primo contatto alla pubblicazione può passare anche un anno. Autoprodursi è complesso e costoso, ma permette la totale libertà, nei tempi e nei modi. Siamo molto soddisfatti di essere riusciti con i nostri mezzi a fare un disco che nel suono e nel packaging regge il confronto con i prodotti della major.

Siete al primo disco ma tutti già molto dotati non siete dunque alla prime armi. Cosa facevate prima di formare i NaGa?

Suoniamo da anni. Facciamo tutti questo lavoro da prima, quindi abbiamo esperienza dal vivo e in studio.

Lela ha un’intensa attività live in particolare tra rock, blues e gospel.

Claudio, il chitarrista, fa l’arrangiatore e oltre a musiche per pubblicità, ha realizzato un disco di tango argentino con i Milando Fertango.

Marco il batterista ha collaborato con Roy Paci e Moni Ovadia sia in studio che dal vivo.

Joe, il bassista, è il più giovane, ma suona con varie formazioni e sta anche facendo un’ importante esperienza a Londra.

Il titolo dell’album riassume le tematiche care ai NaGa: le ossessioni di una generazione destinata a lottare contro milioni di stimoli che generano non solo voglie, ma anche ansie, conflitti, rapporti conflittuali e identità confuse...come nasce questa ispirazione?

Basta vivere a Milano e avere gli occhi aperti per rendersi conto che viviamo un’epoca di bombardamento totale per quello che riguarda gli stimoli. Nessuno si accontenta più, vogliamo sempre di più e non abbiamo mai pace. Da un certo punto di vista è esaltante, ma può essere molto frustrante e incredibilmente faticoso. Certe volte ti chiedi che direzione stai prendendo e perché la stai prendendo.

Vi definite una band pop-noise piuttosto che puramente rock, come mai questa scelta visto che a primo acchito si potrebbe paragonare le vostre sonorità a generi come lo stoner rock e il punk?

Il termine pop-noise è una provocazione. A noi sembrava di fare rock, poi ci hanno detto che la voce era pop. Un pop piuttosto rumoso però! Ecco quindi il termine. E’ interessante notare come ci abbiano etichettato in vari modi. Bene, vuol dire che non siamo così prevedibili. La verità è che noi non abbiamo un genere predefinito. Facciamo canzoni, con strofa e ritornello, una forma musicale apparentemente semplice che in realtà richiede capacità di sintesi. Scrivere una bella canzone è ancora oggi, dopo secoli, una sfida esaltante e difficile per la maggior parte dei musicisti.

Continuiamo con l'approccio al sound: importante è la vostra ricerca alla pulizia e l'essenzialità nel suono, evitate gli effetti sinth e amate la linearità senza rinunciare ad assoli ricchi... raccontatemi.

Uno degli ingredienti principali del nostro suono sta nel basso, lo strumento che regge tutto. Le nostre linee di basso sono arrangiate con cura, come per esempio succede nel reggae. Riguardo al suono la musica offre possibilità infinite e, in un’epoca nella quale è sempre più difficile fare qualcosa che non sia già stato fatto, le novità sono soprattutto nei timbri. Nella nostra idea non vogliamo rinunciare a niente, nemmeno ai synth. In futuro non escludiamo di inserire strumenti etnici con i quali abbiamo già lavorato, come gamelan e sitar.

L'Oriente ha un valore particolare per la vostra band, sia nell'estetica che nella sostanza. Il vostro nome si ispira al serpente nella mitologia vedica e induista. Lela ha vissuto per anni in Cina ed è esperta di cultura orientale. Come si coniuga tutto questo con la vostra arte?

Ci piace la cultura orientale. L’Asia ha un fascino irresistibile perché è un mondo lontano e molto diverso. Molti cercano nelle discipline orientali ispirazione per la propria vita. A noi interessano più il rapporto con la natura e l’estetica. Dal punto di vista strettamente musicale certa musica asiatica, per esempio quella indiana, è sorprendentemente ipnotica e asimmetrica, aspetti che utilizziamo anche nei nostri brani.

Tanti sono gli esempi di musica internazionale a cui fate riferimento dai Foo Fighters agli Skunk Anansie. Ma il vostro posto nel mondo è la città di Milano dove siete nati. Come influisce sulla vostra vena artistica?

Se dovessimo elencare tutta la musica da cui traiamo ispirazione l’elenco sarebbe lungo, e includerebbe il rock, il trip hop, il reggae e addirittura generi fortemente melodici come la canzone napoletana o il tango argentino.

Per quello che riguarda la realtà territoriale, di sicuro Milano non è New York. In Italia la mentalità è molto meno aperta. Ti faccio un esempio: qui ci sono molti pregiudizi sulle voci femminili. Il rock è fortemente maschilista, la donna che canta è guardata con diffidenza. Ancora di più se canta bene. Guarda in America quante brave cantanti fanno musica rock o alternative e sono accettate al pari degli uomini: Saint Vincent, Cat Woman, gli Yeah Yeah Yeah, i Garbage.

Veniamo ai live. Dove vi troveremo in giro in questo periodo, ma soprattutto cosa ci si può aspettare dal sentirvi cantare e suonare dal vivo?

Siamo senza dubbio una live band! Il nostro è uno show dal forte impatto sonoro. Ascoltare per credere.

Abbiamo in programma una serie di date, compreso un concerto a Londra. Per il programma completo potete consultare il nostro sito nagaband.com.

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Francesco Di Bella & Ballads Café

2014-01-08T02:44:00.002-08:00

Il presupposto sembra epocale: Francesco Di Bella accantona i 24 Grana dopo 18 anni di musica underground, si lascia alle spalle la chitarra di Giuseppe Fontanella e tutte le sonorità pop, dub e rock per un disco da solista all’insegna dell’intimità. Tanta è la voglia di crescere perdendo un po’ quel mood da canzonetta post adolescenziale, quel teen spirit di Canto Pe’ Nun Suffrì che restava sempre nell’aria anche in dischi di lignaggio più intellettuale. Voglia di libertà per Di Bella che in veste solista avevamo già visto in varie partecipazioni nel format concertistico di “Stazioni lunari” ideato da Francesco Magnelli in featuring insieme a Max Gazzè, Morgan, Peppe Servillo,Tuxedomoon o le collaborazioni discografiche con gli Almamegretta e i 99 Posse solo per citarne alcuni.

O’ cardillo ha dunque voglia di maturità e non bastavano più le svolte cantautorali alla maniera di Ghost Writers o La Stessa Barca. Motivo per cui sceglie di ripartire con un disco di cover dei 24 Grana dalle sonorità più scarne e pulite. La svolta sembra un po’ quella di Lucio Battisti ai tempi di Panella. C’è un quid alla Massimo Volume nell’elettronica minimal del disco e un cantautorato alla maniera dei Tiromancino ai tempi di Illusioni Parallele. E in effetti in questo discorso tutto torna se ad accompagnare Francesco Di Bella ci sono i Ballads Café composti da Daniele Sinigallia alla chitarra elettrica (che ha firmato la produzione artistica e ha collaborato con artisti del calibro di Niccolò Fabi, Marina Rei, 24 Grana, Luca Carboni), Cristano De Fabritiis alla batteria (ha partecipato tra gli altri alla realizzazione dei dischi di Filippo Gatti e del Collettivo Angelo Mai), Alessandro Innaro al basso (ex EPO e 24 Grana), Alfonso “Fofò” Bruno alla chitarra acustica ( Songs for Ulan una produzione di Cesare Basile) e Andrea Pesce al piano elettrico (Tiromancino, Carmen Consoli, Collettivo Angelo Mai).

Tutto nasce da una riproposizione di brani classici dei 24 Grana in piccoli club in giro per l’Italia con Francesco Di Bella e Alfonso Bruno.

I brani del disco sono tutti arcinoti ad eccezione dell’inedito del 2008 Napule Se Sceta. Si punta sui classici, i cosidetti intoccabili che in testa non ti riuscirebbero a suonare con una minima variazione e invece il risultato è sorprendente, scalate la tracklist e mirate dritto alle radiofoniche Kevlar (in slow motion), Accireme (tra campanelli e un che di Arcade Fire) e una Canto Pe’ Nun Suffrì in versione ‘naked’. Arrangiamenti tali per cui ci si sofferma maggiormente sul valore dei testi senza nulla togliere al sound, c’è poi la parte più riflessiva del disco tutta in chiave intimista e psicologica, quella che suona più elettronica secondo certi canoni emiliani da marchio di fabbrica come per La Costanza (primo singolo del disco), Luntano, Carcere e Resto Acciso ma particolarmente per Introdub in acustica, lirica e sofferente come non si era mai sentita.

Da tenere d’occhio in particolar modo c’è lo spirito pinkfloydiano di Luntano in pieno stile Dark Side Of The Moon addolcito da piano rock e una soffusa voce crooner.

Effetto narrativo anche per le chitarre acustiche (masterpiece per Vesto Sempre Uguale).Non bellissimo l’inedito di Napule Se Sceta, una sorta di dream pop con tappeti pianistici ma che diventa una cartolina di Napoli al pari de L’Alba.

IN CONCLUSIONE

Ottimo disco in effetto ‘naked’, più lirismo, intimità e maggior evidenza del peso dei testi e della sofferenza del ‘cardillo addolorato’ e della narrazione di situazioni della Napoli border di periferia. Pura poesia. Il difetto? Che siano cover, ma Di Bella è in un periodo fecondo e promette un disco di inediti nel 2014 con il progetto Ballads Cafè… i 24 Grana? Per il momento sembra una pacifica pausa di riflessione.

2013 – La canzonetta

TRACKLIST

Vesto Sempre Uguale L’AlbaLa CostanzaLuntanoKevlarAcciremeNapule Se ScetaCarcereCanto Pe’Nun Suffri’IntrodubResto Acciso

Corde Oblique - Su Strade Conosciute

2013-12-23T01:02:00.001-08:00

I Corde Oblique battono bandiera Progressive-Ethereal, e con il loro quinto lavoro pubblicato per Audioglobe non passano inosservati.

Il progetto dall’anima partenopea è capitanata dalla chitarra acustica di Riccardo Prencipe già noto nel progetto Lupercalia e diplomato al Conservatorio di Napoli San Pietro a Majella.

Per Le Strade Ripetute è un disco che fa della Campania la sua pista creativa: due brani sono stati incisi nell'area archeologica di Baia, vicino Napoli, sfruttandone il riverbero naturale.

Il video di Averno, un brano concettuale sulle tre età della donna è stato girato nel Lago d'Averno (Pozzuoli - NA)

Il brano "Heraion" è invece ispirato al tempio greco di Hera a Paestum e vede la collaborazione della band Daemonia Nymphe (Grecia/GranBretagna) con la voce di Evi Stergiou e di Spyros Giasafakis (voce recitata, cembali)

In tutto il disco contiene 9 tracce inedite, scritte da Riccardo Prencipe; una versione chitarristica del tema del film "Requiem for a dream", ed un solo di violino di Edo Notarloberti (storico violinista degli Ashram).

IL DISCO DA VICINO

La dimensione folk/prog di questo disco ha una matrice fortemente onirica. Mescola echi celtici alla Modena City Ramblers e voci femminili in stile Evenascence in un humus di fertile cantautorato che spazia su una narrazione musicale viaggiante di un disco acustico molto artistico e d’ascolto con ricercatezza nei testi intellettuali dei brani che sono vere e proprie poesie.

Si parte con la malinconia violinistica di Averno con la voce di Floriana Cangiano quasi sussurrata che viene accompagnata dai giri di chitarra acustica di Prencipe che in quasi sei minuti di esecuzione si concede varie sessioni di assolo.

E’ poi la volta de Il Viaggio Di Saramango fino ad approdare alle note dalle sembianze trip hop della voce in inglese di Annalisa Madonna molto ovattata e stilosa.

In The Temple Of Echo è un bellissimo e breve assolo alla chitarra che poi lascia spazio alla ninna nanna di Bambina D’Oro dallo spirito della mitologia greca che fa da apripista al brano in greco Heraion contornato da un leggiadro tappeto di cimbali che abbozza a uno stile più etnico.

Dopo tanta ricercatezza, c’è anche spazio per un brano più sciolto e melodico come Due Melodie.

L’assolo di violino è invece protagonista di un astratto omaggio alle Fontane Di Caserta e l’approccio strumentale con la chitarra in primo piano continua sulle note di Requiem for a dream e in Ouruboro, assolo di Notaloberti che chiude il disco dopo il congedo di Ali Bianche.

IN CONCLUSIONE

Un disco denso, cerebrale, musicalmente molto tecnico e con un mood costante malgrado l’ecletticità degli stili musicali che attraversa.
Disco un po’ da intenditori, approccio non diretto, quasi classicheggiante, anche se il difetto è forso un po’ la ricercatezza di stile un po’ monocromatico. L’impatto del primo ascolto è comunque molto interessante.

2013 - The stones of Naples Rec. / Audioglobe

Musicisti

Riccardo principe (Chitarra classica, acustica, ebow; backing vocals sulla traccia 3)
Edo Notarloberti (violino; violoncello sulla traccia 11)
Umberto Lepore (basso, contrabbasso)
Alessio Sica (batteria)
Floriana Cangiano (voce sulle tracce 1, 5, 10)
Caterina Pontrandolfo (voce sulle tracce 2, 6) Annalisa Madonna (voce sulla traccia 3)
Lisa Starnini (voce sulla traccia 7)
Francesco Manna (percussioni sulle tracce 6, 10)
Manuela Albano (violomcello sulla traccia 3)
Salvio Vassallo (timpani sulle tracce 6, 10)

TRACKLIST

1. Averno
2. Il viaggio di Saramago
3. My pure amethys
4. In the temple of echo
5. Bambina d'oro
6. Heraion
7. Due melodie
8. Le fontane di Caserta
9. Requiem for a dream
10. Ali Bianche
11. Uroboro

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Viva Il Lupo! - Quartetto L'Escargot

2012-08-06T03:52:00.001-07:00

La musica è fatta anche di meditazione e ricerca di strumenti musicali tradizionali e etnici, composizione e studio. Il progetto L'Escargot, è un esempio di Slow Music: rigorosamente autoprodotto ma di alta qualità.

Prendete personalità come Alessandro Pipino dei Radiodervish e inseritelo in quartetto di musica da camera con Massimo La Zazzera ai fiato che lasciato il maestro Laurent Masi di flauto al conservatorio di Foggia si è infilato nella ricerca di musica popolare dal medioevo ai giorni nostri passando per la musica celtica, dell'Est Europa, del Mediterraneo e del Sud Italia, viaggi che lo hanno portato in line up con gruppi come Musica Officinalis, Ziringaglia, Radicanto, Fanfara Populara, Calixtinus e a essere l'anima flautistica dei Radiodervish in In Search Of Simourgh.

C'è poi la viola e il violoncello di Stefania Ladisa (Radicanto, Radiodervish) diplomata al conservatorio di Bari e Adolfo La Volpe, anima preponderante di questo Viva Il Lupo che ha studiato - tra gli altri - con Mick Goodrick, Joe Diorio, John Scofield, Pat Metheny. Con in tasca un diploma al conservatorio di Monopoli in musica jazz ha suonato con Eugenio Colombo, Gianni Lenoci, Steve Potts, Stefano Battaglia, Daniele Di Bonaventura, Pino Minafra, Francesco Cusa, Paolo Damiani, William Parker, Karl Berger, Kent Carter, Radiodervish, Raiz e fa parte dei progetti musicali Chaque Objet, Diomira, Radicanto, Calixtinus, Tran(ce)formation, La cantiga de la serena, Foul Ensemble, e della compagnia di danza “Qualibò”, per la quale si occupa della direzione musicale del Festival “Visioni di (p)arte”, nonché della sezione danza del Teatro Comunale di Ruvo di Puglia.

Disco dai valori aggiunti: basti pensare che si tratta di un'autoproduzione senza etichette discografiche alle spalle per un disco di musica da camera realizzato per il piacere di suonare che è già al suo secondo esperimento dopo l'album d'esordio Corri del 2009. Un disco che già al termine delle registrazioni acquisisce un significato simbolico, uno scrigno tra gli ultimo regali musicali di Massimo La Zazzera scomparso improvvisamente per un infarto nell'agosto del 2011 dopo essere stato il compositore di gran parte delle idee di questo disco frutto di un intellighenzia musicale tutta pugliese basata su esecuzioni musicali totalmente strumentali.

VISTO DA VICINO

Se è vero che il timbro musicale preponderante di Corri erano le atmosfere da organetto ispirate ai sapori d'Oltralpe di Marc Perrone, Stéphane Delicq e Christian Oller. Qui si passa ad atmosfere con un impatto più chitarristico senza dimenticare i versanti sperimentali nell'utilizzo di strumenti più ricercati come harmonium, duduk, glokenspiel, ukulele e chimalong in un'officina di suoni che parte dalla rampante e folk Fra Una Cosa E L'Altra per poi passare chiaramente a sonorità più crepuscolari e adagiate: è il caso di In Una Stanza tra un sapore di lento carillon ad un climax di stile più flautato e ritmato.

C'è poi il caleidoscopio folk, una sorta di ballata fantasy di Burbero molto simile allo stile del precedente album fino a percorrere sonorità più intimiste come Colorada trasportata su atmosfere quasi folk-ambient alla Pino Forastiere fino ai fiati celtici di Doa.

Tra i migliori brani del disco c'è il refrain di Falce Di Luna accentato dagli archi di Stefania Ladisa che cristallizza tutti gli elementi del disco che procede su coloriti di mood sempre nuovi: la quasi preghiera di Canone e l'arabeggiante Insei fino alla meticolosa Casa in un organetto sussurrato, sussurrato come Chicchi di Acqua che simboleggia il passaggio dal tramonto all'alba di queste suites strumentali quasi narrative fino a chiudersi nel sogno de L'Isola.

IN CONCLUSIONE

Un disco sognato, narrato con le note. Non si spaventino i non addetti al genere colto della musica strumentale e da camera perché il disco sa creare sperimentazioni sonore intelligenti senza dimenticare l'impatto pop di una tracklist da 12 tracce con esecuzioni di 2-4 minuti circa. Un disco officina pieno di suoni e suggestioni ritmiche non lontane ed estranee a quelle che di solito troviamo nelle line up più note in cui conosciamo questi artisti… se invece il tutto vi suona nuovo è un'ottima finestra per introdurvi nella fucina di questo universo musicale tutto pugliese.

2012 - autoproduzione

presto on line l'intervista ad Alessandro Pipino!

TRACKLIST

1. Fra Una Cosa E L'Altra
2. In Una Stanza
3. Burbero
4. Sul Libro
5. Colorada
6. Doa
7. Falce Di Luna
8. Canone
9. Insei
10. Casa
11. Chicchi Di Acqua
12. L'Isola

LINK

Sito Ufficiale: http://www.quartettolescargot.com/

Naples Power - 'A67

2012-04-17T15:50:00.001-07:00

Naples Power è l'effetto spiazzamento degli 'a67.

Loro di Napoli.

Descriviamolo così il gruppo di Daniele Sanzone, nasce a Scampia e la periferia di Napoli la canta e la sviscera in un disco a velocità di crociera come Suburb (2007) ed è già il loro terzo album, arriva il 2010 e Scampia diventa una militanza per il riscatto delle periferie con la raccolta dei loro brani più significativi tra rap, funk, raggae muffin e neapolitan power che fanno da sfondo al libro documentario Scampia Trip che raggiunge le 2.000 copie vendute e diventa un'opera teatrale grazie ad Erminia Sticchi con i ragazzi del quartiere da portare in giro per l'Italia.

E' la primavera del 2011 quando si infervora la campagna elettorare per le elezioni amministrative: la sfida all'ultimo colpo è fra Luigi De Magistris e Gianni Lettieri, il candidato del Pdl, chi era in città ha vissuto questa agitazione culturale anche in senso musicale, tra Piazza Dante e Piazza del Plebiscito la sfida era anche musicale: a suonare per De Magistris c'èra il riscatto dell'antimafia e delle periferie degli 'a67, dall'altra parte per Lettieri il blasone del neomelodico cristalllizzato di Gigi D'Alessio.

Da qui l'inizio delle basi di Naples Power: un cantico di periferia che diventa un canto della città intera oltre il concetto di cartolina così come fu il concetto della 'negritude' partenopea ispirata al movimento afro americano dei Black Power che dagli anni '60 a Napoli sulla scia di James Senese e Edoardo Bennato e i Napoli Centrale creò quel sound inconfondibile di sax e groove, di soul e di jazz una miscellanea soffiata dagli interland di Chiaiano che poi è diventata un marchio di fabbrica di una città intera. E' lo stesso concetto di Naples Power: scioglie il legame con la periferia e si espande su tutta la città.

Contenitore di 40 anni di neapolitan power e nuove contaminazioni: il disco è una sorta di 'A67 & Friends, la chermesse tra artisti classici e new wave napoletana è foltissimi: Edoardo Bennato, Tullio De Piscopo, Raiz, 99Posse, Bisca,E Zezi, Planet Funk, Enzo Gragnaniello, Giovanni Mauriello e Sara Grieco, Bisca, James Senese, Joe Amoruso, Joe Sarnataro,Tony Esposito, Rino Zurzolo, Maria Pia De Vito, Petra Montecorvino, Marcello Colasurdo e Teresa De Sio.

Una larga fetta del più rappresentativo neapolitan power, quello che, se vogliamo era rimasto un po' nell'ombra ai tempi dello sbandierato orgoglio napoletano del patrimonio canoro tanto enfatizzato da Passione di John Turturro.

Disco di cover? Tutt'altro, disco di riscritture pensate con gli stessi autori dei brani, si pensi all'ironia di Stop Bajon di Tullio De Piscopo dalla televisione a 36 canali a Sky e allo streaming ad un classico come Vesuvio di Luigi Castellano trasformata da Brunella Selo in una sorta di leggendaria Zombie dei Cramberries dove gli 'A67 spruzzano una vena funky. Ma non si tratta solo di un disco di riscrittura, se di loro gli 'A67 - qui più che mai inclini ad una zaffata di drum&bass in chiave shoe gaze e dalle venature hard rock, oltre a ripercorrere loro pietre miliari come 'A Camorra Song'io (la camorra sono io che ti guardo negli occhi/è lacrime e sangue di chi tra stato e mafia e niente/...se la paura fa novanta, la dignità fa 180), significato che ne decostruisce il concetto da scenario di Gomorra, tant'è che nel booklet del cd, Roberto Saviano cita le dichiarazioni di un esponente del clan Di Lauro: << Ma se quelli cantano 'a Camorra song'io, nuje chi simm'? >> . A questa bandiera in Vecchie, Muliere, Muorte e Creature si aggiunge un frame di un altro loro brano storico 'O Mbruoglio ma non mancano gli inediti, la perla è Accussì va 'O Munno cantata con Edoardo Bennato con un video girato tra la periferia di Ponticelli e l’ex fabbrica dell’Italsider che fa da colonna sonora al film "L’era legale" del regista Enrico Caria.

Ma non finisce qui. Il cofanetto del cd, è uno di quei dischi must di un cd originale che si lascia scartare e scoprire, oltre al suo guscio cartonato vi lascia scoprire un mini poster stilizzato di Mimmo Paladino che richiama il suo artwork di copertina a cui si aggiunge un booklet di 64 pagine che è un vero libro allegato: si tratta di una rassegna di appunti di colore su Napoli e i protagonisti del neapolitan power firmati da una fucina di scrittori che valgono un buon scaffale di meridionalismo e nuove proposte in fatto di rinascita napoletana, ci sono grandi nomi come Peppe Lanzetta, Roberto Saviano, Valeria Parrella, Carlo Lucarelli, Pino Aprile, Sandro Ruotolo, Alessandra Amitrano, Maurizio Braucci, Riccardo Brun, Massimo Cacciapuoti, Rossella Milone, Davide Morganti, Gianni Solla con tanto di Sandro Ruotolo e Luigi De Magistris in chiusura.

La produzione del disco è una riconferma: un suono pulito, eclettico ed eterogeneo sempre all'insegna del groove che non tralascia gli intenti sociali su cui garantisce un produttore come Enzo Rizzo già patron artistico dei 99 Posse e di Manu Chao.
2012 - Free - d Music/ Universal Music

TRACKLIST

Naples Power (feat. Maria Pia De Vito)
Accussì Va 'O Munno (feat. Joe Sarnataro)
Pe' Dispetto (feat Giovanni Mauriello & Sara Grieco)
Vecchie, Mugliere, Muorte e Creaturi (feat. James Senese)
Sudd (feat. Raiz)
Povera Vita Mia ( feat. 'O Zulù, 99 Posse & Sara Grieco)
Lu.ca (feat. Angelo De Falco, E Zezi)
Vesuvio (feat. Marcello Colasurdo & Brunella Selo)
Signor Censore (feat. Edoardo Bennato)
Oggi Non Ho Niente Da Dire (feat. Sergio Maglietta, Bisca)
Sacco E Fuoco (feat. Teresa De Sio)
Tien A Men (feat. Enzo Gragnaniello & Pietra Montecorvino)
Stop Bajon (feat. Tullio De Piscopo)
'A Camorra Song'Io (remix by Gigi Canu, Planet Funk)

GLI 'A67 SONO

Daniele Sanzone (Voce)
Enzo Cangiano (Chitarre)
Gianluca Ciccarelli (Basso)
Luciano Esposito (Batteria)

L'INTERVISTA

Nella prefazione del piccolo libro allegato al cd dichiarate: ‘Naples Power non è un semplice disco di cover, realizzato con gli stessi artisti che hanno creato quelle canzoni, ma è il recupero di un suono e di un’idea nati da istanze e rivendicazioni sociali forti’. Un disco che si può definire la versione musicale della rinascita napoletana che esplode nel 2012 dopo due anni di gestazione in sala di registrazione, raccontami…

Naples Power era un sogno nel cassetto e realizzarlo non è stato semplice. Ciò che ci ha spinto è stato sostanzialmente la voglia di ricantare e suonare canzoni che avremmo voluto scrivere, cantare e suonare noi, e la voglia di mettere assieme i più grandi artisti napoletani in un unico disco. Consapevoli che senza questo patrimonio artistico oggi noi non ci saremmo. In questo senso Naples Power è un omaggio, non al passato, ma a quel modo specifico di fare musica che è proprio dell’artista napoletano. Un modo e un movimento che è nato alla fine degli anni ’60, rivoluzionando la scena musicale italiana, con la Nccp, i Napoli centrale, Edoardo Bennato, Pino Daniele e che è passato per Almamegretta, 99 Posse e oggi prosegue attraverso di noi per poi andare oltre.

Questo progetto è una soprattutto una piattaforma di incontro e contaminazione tra le anime dei protagonisti del neapolitan power della vecchia scuola che passa anche attraverso gli arrangiamenti al violino di Lino Cannavacciuolo, delle tastiere di Joe Amoruso, della batteria di Tullio De Piscopo e del sassofono di James Senese…mi viene in mente un amarcord, agli inizi della vostra militanza musicale, gli ‘A67 si affacciavano sotto i riflettori in quello che poi è stato un dvd ai tempi di Concerto per Scampia, un evento musicale nel segno del neapolitan power organizzato dal critico musicale Carmine Aymone nella villa comunale di Scampia alle spalle delle Vele… molti dei vostri compagni di quel palco oggi sono con voi in questo disco, come siete riusciti a metterli tutti insieme?

Come dicevo non è stato per nulla semplice. Sapevamo di avere la loro stima, quindi li abbiamo chiamati tutti e poi li abbiamo rincorsi per le registrazioni. Abbiamo registrato in 10 studi diversi e in questo il lavoro del nostro produttore Enzo Rizzo è stato davvero fondamentale.

Il Neapolitan Power nasce nella periferia Nord di Napoli, tra Chiaiano, Piscinola e Marianella, gli ‘A67 anche, a Scampia. Eppure l’intento di questo progetto è quello di disancorare il concetto di centro – periferia e creare un affresco unico della città, un neaples power universale musicalmente e che universalmente parla di Brigantaggio e Unità d’Italia, precariato sul lavoro e lotta alla Camorra…

Non credo che il Neapolitan Power sia nato nella periferia nord di Napoli è stato un movimento che ha abbracciato l’intera città e in questo la periferia ha dato un grossissimo contributo con nomi del calibro dei The Showmen, Napoli centrale ecc…

In questo stesso baricentro è anche da non sottovalutare il valoro simbolico che avete assunto durante le elezioni amministrative di Napoli: chi ha vissuto Napoli nella primavera del 2011 lo sa: gli ‘A67 stanno a Luigi De Magistris come Gigi D’Alessio sta a Gianni Lettieri del Pdl, tra piazza del Plebiscito e Piazza Dante le vostre note sono diventate un po’ la colonna sonora di questa lunga maratona politica che si è sfidata anche in piazza tra queste due visioni culturali di fare musica. Ripensando a quel periodo cosa vi ha colpito di quel periodo? E oggi che De Magistris è riuscito a ‘scassare’ come giudicate il suo mandato in corso?

Siamo felici di aver sostenuto e contribuito nel nostro piccolo alla campagna elettorale di De Magistris. L’attuale sindaco è riuscito a porsi come alternativa sia alla destra, in odor di camorra, di Lettieri, sia alla tragica sinistra bassoliniana. Credo che in questo breve periodo Luigi sia riuscito a dare dei segnali forti ma la città, ovviamente, ha bisogno di ben altro a partire dall’hinterland. Spero che dopo l’America’s Cup e il Forum delle culture, che ovviamente servono, l’attenzione ricada su quelle piccole cose che migliorano la vita dei cittadini.

Dalla Napoli tout court a quella delle periferie, il vostro precedente lavoro è stato Scampia Trip, un libro e una raccolta di vostri brani per raccontare il quartiere dal punto di vista delle realtà virtuose che esistono. Oggi diventa anche una pièce teatrale di Erminia Sticchi con la presenza dei ragazzi del quartiere dai 15 ai 18 anni dove i brani di Naples Power fanno da colonna sonora. Cosa si può dire di più? Dove potremo vederli in scena in giro per l’Italia?

Vedere i ragazzi del quartiere mettere in scena estratti di “Scampia trip” è una di quelle cose che non ha prezzo. Lo spettacolo è stato possibile grazie al talento della giovane Erminia Sticchi, che ha creduto subito in questo progetto, prodotto dall’associazione (R)esistenza e dal CSV di Napoli. il 25 aprile lo spettacolo sarà al rione sanità per ricordare il grande Totò, ma già sono previste date in giro per l’Italia.

E a proposito di Scampia e delle sue realtà virtuose, voi ad esempio partecipate ai laboratori musicali del Centro Territoriale Mammut, di cosa vi occupate?

Si il Mammut ci ha chiamato per un ioncontro da fare all’interno della struttura con i ragazzi del quartiere e ovviamente non possiamo mancare. Racconteremo un po’ come sono nati gli ‘A67, da dove veniamo e dove stiamo andando…

Inquadriamo per un attimo Naples Power dal punto di vista delle reprise di vostri brani già editi: troviamo A Camorra Song’Io e tra i versi di Vecchie, Mugliere, Mourte e Criature i versi di ‘O Mbruoglio…cosa vi legano a queste due pietre miliari della vostra discografia che ve le ha fatte introdurre in questo lavoro?

“‘A camorra song io” rappresenta sicuramente il nostro manifesto politico è la canzone che ci ha fatto arrivare al grande pubblico, quindi ci è sembrato giusto inserirla nel disco, proprio, a testimonianza di quel filo rosso che accomuna dai Napoli centrale a noi. Così è nata l’idea di affidare il brano ad uno dei produttori di musica elettronica che più amiamo: Gigi Canu dei Planet Funk. Per quanto riguarda la strofa di “‘O mbruoglio” semplicemente era perfetta per l’atmosfera e il tema della canzone dei Napoli centrale, quindi abbiamo ritenuto opportuno il taglio e cuci.

L’apripista di questo progetto è il brano Accussì va ‘o munno cantato insieme a Edoardo Bennato, brano che fa parte della colonna sonora del film L’Era Legale di Enrico Cario dove il protagonista è Nicolino Amore che, nato poverissimo, diventa Sindaco. Ennesimo side project degli ‘A67, raccontatemi…

Si “Accussì va ‘o munno” che poi è diventato il primo “singolo” di Naples Power è nato per caso, già avevamo registrato con Bennato “Signor censore”, quando mi arriva la chiamata del regista Enrico Caria che ci chiedeva la colonna sonora di questo ironico e divertente docufilm. Il film parla di un sindaco rivoluzionario che riesce a rendere Napoli la città più vivibile al mondo legalizzando le droghe. Una provocazione che potrebbe dare un colpo forte al “sistema” e allo stesso tempo contribuire al risanamento del bilancio pubblico; come testimonia il recente piano adottato dal comune di Rasquera, nei pressi di Barcellona. L'obiettivo è coprire il deficit di 1,3 milioni di euro. Progetto approvato con un referendum dal 56 % degli abitanti. Magari ci fosse anche in Italia…

Il booklet è un piccolo gioiello, una scaffalatura che raccoglie insieme tanti scrittori della nuova wave napoletana come Valeria Parrella, Maurizio Braucci ma anche capisaldi come Roberto Saviano e Pino Aprile per non dimenticare gli artwork del maestro Mimmo Paladino. La Napoli che cambia insomma passa anche tra la letteratura e l’arte moderna, qui ce n’è una vera vetrina brulicante…quanto l’Italia che legge è consapevole di tutta questa effervescenza?

Dovresti chiederlo a loro, di sicuro in questa grave crisi sistemica, culturale ed identitaria che sta vivendo l’Italia e il mondo, la cultura vera ha sempre più difficoltà ad affermarsi. La nostra idea era quella di dare una forte risposta culturale dal basso creando una sinergia tra diversi codici artistici. Non so se ci siamo riusciti ma di sicuro ci abbiamo provato.

Se questo disco è una fucina trasversale di arti e artisti, come organizzate i vostri live cercando di mantenere il mood di questa miscellanea? Ci sono featuring, reading?

Stiamo lavorando al live da un bel po’. Per il nuovo spettacolo ci serviremo della collaborazione della voce della bravissima Gioia Fusco che ci aiuterà a realizzare quei brani in cui la voce femminile è preponderante e laddove sarà possibile avremo degli ospiti del disco. A Milano, abbiamo avuto a Tullio De Piscopo, e a Roma: Teresa De Sio, Maria Pia De Vito e Raiz. Stiamo pensando anche a dei live particolari in cui inserire dei reading staremo a vedere.

Pelle nuova, vecchia guardia: siete passati alla distribuzione con la Universal Music e la vostra nuova casa discografica è la Free-D Music. Grande distribuzione ma sempre da musicisti indipendenti e con Enzo Rizzo sempre al vostro fianco. Che sprono è questo nuovo assetto?

Naples Power è la prima produzione della neonata etichetta Free-d Music di Chicco Alfano & Co. La Free-d Music ha creduto dal primo momento in questo progetto e siamo davvero felici di come sia stato realizzato il tutto. Infine la collaborazione e il contributo di Enzo Rizzo è stato fondamentale per la riuscita di un progetto così complesso ed ambizioso.

E dulcis in fundo, se è vero che sul neapolitan power si potrebbe scrivere un trattato in qualche modo c’è chi l’ha fatto. Daniele, come si dice a Napoli hai preso un’incapata: tra un’incisione e l’altra, questo è diventato anche il tema della tua tesi di laurea in Lettere e Filosofia alla Federico II di Napoli: hai coniugato musica e università, quale impostazione gli hai dato, e soprattutto, è nata prima l’idea del disco o della tesi?

È nata prima l’idea del disco. La tesi di laurea è stata la sintesi di un percorso nato con ‘A camorra song’ io, una riflessione che da sempre mi accompagna e che a breve pubblicherò.

== LINK ==

Sito Ufficiale: www.a67.it

Gate Three - Out Of Brain

2012-02-20T12:42:00.002-08:00

Non c’è dubbio, la matrice di questo disco è la discendenza delle influenze alla Joe Satrani, quella miscela vulcanica tra il progressive e il metal fatta di riff e virtuosismi alla chitarra solista. E’ opera di Paolo Serughetti, cinguettante chitarra solista del progetto Gate Three messo in piedi nel 2005 dopo essere tornato da Los Angeles: disco concettuale, espressionista e per di più strumentale salvo qualche apparizione vocale femminile.

Se il prog – metal è la traccia dominante non mancano spruzzi sinth, chitarre funky, sintonizzatori e dance che a tratti somigliano ad uno spigliato j rock, insomma, un rock che ci ricorda le colonne sonore dei manga anni ’80…ben ci sta visto che la band ha sfornato anche un mini game in forma di app per cellulari dedicata al disco.

Si entra subito nell’atmosfera di elettronica d’avanguardia con il refrain funky di Disco Disco per poi farsi solenne e rallentato in Color Of Passion.

Ben ci sta ogni tanto a spezzare il senso barocco di un corollario intenso di suoni un intermezzo cantato: il primo è rappresentato dal brano Sex Toys con la voce di Michela Pinton, a metà strada tra una vocalità metal in stile Evenascence e un risvolto più leggero e pop, quasi in falsetto.

E’ l’hard rock a prendere poi il sopravvento e si continua sulle note narrative di Dream Comes True, brano perfetto per la colonna sonora di un videogioco per poi sfornare l’inflessione intimista di White Image con la voce di Viola Vetteruti che emula le atmosfere più liriche dei Lacuna Coil.

In un continuo alternarsi di eclettismi musicali, prima abrasivi e rugosi, poi più malleabili, si arriva in chiusura ad alcune delle migliori performance del disco: la tittle track Out Of Brain, l’inaspettato piano rock delle tastiere che accompagnano una trionfalistica The Way Of Love e la radiofonica New Era dalle venature soft metal con la voce di Leslie Abbadini.

Disco chirurgico come il volo del calabrone, elegante, con intuizioni stilistiche, virtuosismi…ma senza perdere le redini del coniugare tecnica all’espressione. Goduria assicurata in un viaggio visionario.

2011 – High Level Studio/ Area Sonica Records

TRACKLIST

1. Disco Disco

2. Color of Passion

3. Sex Toy (feat. Michela Pinton) [Explicit]

4. Dream Comes True (Pt. 2)

5. White Image (feat. Viola Vetteruti)

6. Your Hell

7. Sending a Message

8. Summer Rock

9. Out of Brain (feat. Leslie Abbadini)

10. The Way of Love

11. New Era (feat. Leslie Abbadini)

I GATE THREE SONO

Giulia Re (voce)

Paolo Serughetti (chitarra)

Enrico Ceriani (basso)

Andrea Carminati (batteria)

L’INTERVISTA

Un disco trasversale quello di “Out of brain”, pattern elettronici, synth, virtuosismi hard rock e quasi metal. Come nasce questa miscellanea innovativa innestata da influenze a volte retrò tra anni 80 e contaminazioni prog?

Il mio stile musicale ha una spiccata indole verso la musica rock strumentale alla Joe Satriani e al mondo rock ,metal e prog, in generale. Mi piacciono comunque quasi tutti i generi musicali, come il funk o la dance music, l’importante è che alla base ci sia un buon sound e un certo tiro. Quando una canzone è bella , ben composta, ben suonata ecc.. lo stile non conta; il pezzo suonerà sempre bene. Ecco perché nell’album “Out of brain” trovate tante contaminazioni musicali che fanno a capo ad una solida linea guida basata sul rock strumentale. Fare il chitarrista solista è uno stile di vita che lascia spazio alle emozioni di chi lo ascolta.

In quanto tempo sei riuscito ad estendere il progetto di Out Of Brain e come si esprime il tuo

equilibrio creativo tra effetti digitali e musica fisica? Come è stata la collaborazione con gli altri musicisti durante la creazione dell'album?

"Out of brain" è stata una produzione abbastanza lunga e pignola; il progetto comprende anche una traccia in surround 5.1 (New Era) e un'applicazione gratuita per I PHONE ecc.

Il progetto ha impegnato complessivamente quasi un anno di lavoro.

In fase di composizione sono stato attento a non mettere ne il troppo ne il meno, il dosaggio tra le parti di musica digitale e fisica non è stato facile, ma sentivo il bisogno di arricchire la musica anche con effetti da studio costruiti in tempo reale.

La collaborazione con i musicisti che hanno partecipato all'album in fase di registrazione è stata positiva,

divertente e professionale.

Un particolare ringraziamento al batterista Andrea Carminati che ha deciso poi di rimanere e partecipare all'attivo alla creazione del disco e al supporto live.

Il disco è principalmente un insieme espressivo di stati d'animo ma c'è in esso una narrazione di concept album che lega insieme tutte le tessere?

Ogni lavoro artistico ha sempre la propria fonte d'ispirazione.

La bellezza dell'arte è che non la tocchi con mano, nasce da dentro per essere trasmessa nello stesso modo.

Le note di "Out of brain" descrivono gli stati d'animo di un evento straordinario senza il quale nessuno

potrebbe vivere.

So… When are you feel “ Out of brain”??....

Beh… descrivere a suon di schitarrate il concetto di “Out of brain” non è stato facile… ma sono soddisfatto

del risultato ottenuto.

Le voci femminili sono una piacevole scoperta di questo album per lo più strumentale: Michela Pinton, Viola Vetteruti, Leslie Abbadini. Raccontami….In particolare direi che una ballads come The Way Of Love nel disco rappresenta stilisticamente uno spin off, o sbaglio?

Come poteva non mancare la componente femminile in “Out of brain”?Le tre canzoni interpretate dalle rispettive cantanti sono come hai detto tu una gradita sorpresa. Le ho volute per rendere ancora più particolare e significativo il disco. Adoro tutte e tre le loro voci; si adattano perfettamente alla musica e al proprio significato, è stata una collaborazione musicale molto piacevole e costruttiva .

Trovo che “The way of love” sia un brano strumentale che nella sua semplicità esprime tutto.

Direi che probabilmente il concetto di “OUT OF BRAIN “ sta proprio in questa ballad.

Volendo tracciare un bilancio sulla resa finale di questo disco? E cosa potremo aspettarci nella versione live di Out Of Brain? Cercherete di spaziare o di essere fedeli al risultato ottenuto in studio?

Direi che il bilancio di “Out of brain” alla resa dei conti è positivo, sono pienamente soddisfatto del mio lavoro e di tutte le collaborazioni sia dal punto di vista umano che lavorativo.

Il live sarà fedele all’album , garantiamo energia pura , buona musica e tanto Rock n Roll come una vera Rock band.

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www.highlevelstudio.it

Cardiophobia - Cardiophobia

2012-02-16T08:33:00.001-08:00

Per chi si fosse perso un disco rivelazione del 2011 come questo, siete nel momento giusto per ricuperarlo.
Nel disco d’esordio dei Cardiophobia ci sono ottimi propositi: 8 anni di gavetta che andava sotto il nome del gruppo Standars Studio già noto per essersi fatto notare in manifestazioni come Sanremo Rock e il Mei, ma sembra sia oggi il giro di boa: classe 1984, influenze alternative che vanno sotto la troika di influenze in stile Marlene Kuntz (le chitarre di Tesio in primis) o dei Virginiana Miller.

Il disco è un disinvolto andirivieni psicologico tarato su melodie crepuscolari e sapientemente dosate: c’è il rock e la riflessione da cantautori qua e là vivacizzata tra tinte inaspettatamente pop come la fresca Come Quando Piove e sfumature shoegaze.

L’input che si tratti di una band da tenere d’occhio viene da una notizia recente: a partire dal 29 febbraio il loro brano Niente Di Speciale sarà in streaming su La Repubblica XL come canzone di apertura della compilation Riverock Vol. 1, raccolta allegata ad XL di marzo. Non è che l’ultimo del loro traguardi trattandosi di una band che ha fatto da spalla a Giorgio Canali, Roberto Dell’Era ed è stata selezionata dagli Afterhours tra i finalisti del Jack On Tour 2011.

Il disco è un full lenght compatto, quasi un concept unito nei testi di ricerca. Disco con cui si familiarizza in fretta, radiofonico, vivo a livello sonoro e articolato nella struttura canzoni. Si parte dal crepuscolo di Niente Di Speciale, un cupo drum & bass che presto si abbandona ad una scarica di rock psichedelico che non passa inosservato. Una grinta che diventa quasi punk sui fraseggi di Settembre con un certo amore ancestrale per il low fi anni ’80-‘90: capeggiata dall’eclettica voce di Giulio Zannini a metà tra la giovinezza, il distacco e il romanticismo.

Poi una sorpresa leggera, è musica pop: Come Quando Piove, leggerezza che nasconde un testo più drammatico reso più cristallino: da romagnoli quali sono – riminesi per l’esattezza – ricordano un po’ proposte giovanili come Il Nucleo e Marla Singer con una serie di falsetti e seconde voci brillanti.

Su un testo forbito, Non Sei Più Tu, gioca su una vocalità acuta e rallentata che ricorda lo stile di Manuel Agnelli in stile Tarantella Dell'Inazione mentre si stendono suoni pulitissimi e barocchi di rock equilibrato e consapevole.

Tra i migliori pezzi del disco 2.57 a.m, crepuscolare e narrativa con tratti di grunge e accelerate di groove più abrasivo. I Cardiophobia nel loro zenit sullo sfondo di un pezzo sulla difficoltà di crescere. Elemento che si conferma nella teatralità della tittle track Cardiophobia. Tra rock e cantautorato non disprezzano una cifra indie, come in Caro V Torno Da Te e In Disparte per poi concludere nel tripudio di potenza di Dolce Superstar con un brivido funky.

Bel disco, un suono tutto d’un fiato. Concettuale ma disparato nei suoni, bassi e chitarre eleganti, vocalità e stile d’insieme che si ricordano tra fraseggi musicali mai banali in continua evoluzione. Ombrosi, virtuosi, nostalgici e romantici: alla loro portentosa cifra rock hanno da stemperare i toni di fine giovinezza che compare in certi testi sospesi tra l’amore e il dover crescere, devono togliere un po’ di quell’acquerello indie – punk per diventare ancora più bravi e coerenti con il loro percorso.

A sentire questo disco, a volte penso, ecco: il germe dei nuovi Goo Goo Dolls in versione italiana…

2011 – Settembre Records

TRACKLIST

1. Niente di speciale
2. Settembre
3. Come quando piove
4. Non sei più tu
5. 2:57 AM
6. Cardiophobia
7. Fiamma
8. Caro V. Torno da te
9. In Disparte
10. Dolce Superstar

I CARDIOPHOBIA SONO

Giulio Zannini (voce)
Eugenio Giovanardi (chitarra)
Andrea Bartolini (basso)
Lorenzo Amati (batteria)

L’INTERVISTA

È il vostro primo album ufficiale ma siete già musicisti di lungo corso: prima del 2011 eravate gli Standard Studio, fondati nel 2003 avevate già dato vagiti positivi per la vostra carriera nelle palestre del MEI, Sanremo Rock 2009, Radio Demo. Poi è arrivata la sterzata sotto il nome di Cardiophobia: esce il vostro primo full lenght, passate dall’autoproduzione alla Settembre Records giusto per citare i dati salienti in superficie, cos’è cambiato in voi per dar vita ad un progetto ex novo?

Il passaggio da Standard Studio a Cardiophobia è stata la conseguenza di un salto di qualità in tutti i sensi, e l’inizio di un nuovo corso per la nostra band. Infatti, se è vero che come Standard Studio avevamo raggiunto numerosi traguardi, anche importanti, questi sono stati considerati più un punto di partenza, uno stimolo a far sempre meglio, che un punto di arrivo. Sicuramente, l’incontro con Nicola Rosti e Alberto Bastianelli, i fondatori di Settembre Records, è stato un punto di svolta. Nicola ha curato la produzione artistica del nostro album, ed ha contribuito ad incanalare il nostro sound nella direzione da noi auspicata, curando insieme ogni particolare e creando passo dopo passo quelle atmosfere che hanno impressionato così positivamente la critica musicale. Dunque, il cambio di nome è stata una scelta molto naturale, dettata dall’esigenza di rappresentare al meglio sia le tematiche che ci stanno a cuore, sia il nuovo approccio nei confronti della nostra musica e delle nostre creazioni.

A livello musicale ci avete regalato un disco dal sapore autunnale, una ricerca di testi introspettivi e influenze che al primo ascolto ricordano facilmente venature alla Cristiano Godano e lo stile di Riccardo Tesio senza disdegnare anfratti pop e scure tinte shoegaze, eppure la vostra ricerca è più ampia, spaziate da influenze della scena alternativa italiana al rock britannico. Parliamone un po’ di più…

A nostro modo di vedere, un disco non può essere soltanto composto da una serie di canzoni registrate e disposte meccanicamente una dopo l’altra. Sin dall’inizio, il nostro intento è stato quello di creare qualcosa di più profondo, che potesse essere riconducibile ad un fondamentale filo conduttore. Le atmosfere autunnali, cupe e riflessive, che ritornano in tutte le canzoni, unite ad una forte introspezione dei testi, e ad una forte ricerca sonora negli arrangiamenti, hanno contribuito a nostro avviso a creare quello stato d’animo “cardiophobico”, il collante ideologico di tutto il disco. Senza ovviamente tralasciare il nostro originario spirito rock. Sono infatti innnegabili le influenze del rock alternativo italiano, amalgamate però da un lato con un gusto nella scrittura e strutturazione dei testi, tipico del cantautorato italiano, e dall’altro con una forte ricerca sonora, tipica del rock britannico. Sono stati in tanti a paragonare il nostro stile un po’ oscuro, profondo, emozionale, viscerale, a quella nuova ondata di band indie rock di oltre manica, dalle caratteristiche ed atmosfere cupe e riflessive.

A proposito di Cardiophobia, in senso lato il vostro album è un concept sull’argomento…

Siamo molto contenti che hai notato questo particolare, che per noi è di fondamentale importanza. L’album ricalca infatti il tema della cardiophobia sotto vari aspetti, che sono la rappresentazione del nostro approccio nei confronti della vita e della musica. La cardiophobia è il timore di avere un cuore ammalato ed inguaribile, che si riflette in un costante dialogo con il nostro io interiore, un dialogo che si è costantemente destinati a perdere, sia con noi stessi che con la nostra vita. Le canzoni sono dunque il risultato del nostro approccio quotidiano con le sensazioni, le pulsioni, i bisogni, le ansie, le paure del nostro io cardiophobico, tematiche che ricalcano tutto il nostro album.

Come Quando Piove è il vostro singolo – cavallo di battaglia, forse la più orecchiabile e la più semplice del disco, un po’ diversa dal contesto. Eppure secondo voi qual è o quali sono le canzoni che più rappresentano il vostro biglietto da visita in questo album?

Come Quando Piove è sicuramente la canzone dalle sonorità più morbide ed orecchiabili del disco. Tuttavia, non bisogna farsi ingannare dal suo sound fresco, morbido e quasi pop, perché nel profondo, anche Come Quando Piove è una canzone cardiophobica. La ricerca costante di una salvezza dalla monotonia delle nostre vite, una salvezza da sempre agognata, ma mai realmente raggiunta. La traccia che invece più di tutte incarna il concept dell’album, è sicuramente Cardiophobia, in cui il protagonista tenta di mediare le proprie emozioni supplicando una tregua al proprio cuore, un cuore che si diverte a prendersi gioco di lui.

Nel vostro percorso c’è un minimo comun denominatore, anno di nascita 1984. In passato avete condiviso i banchi di scuola, oggi on stage e per l’ispirazione dei vostri pezzi ?

La storia dei Cardiophobia è prima di tutto una storia di amicizia. Ci conosciamo e ci frequentiamo da tantissimi anni, e suoniamo insieme da altrettanto tempo. Tutto ciò, oltre a cementare i rapporti che ci legano l’un l’altro, ha contribuito a rafforzare indissolubilmente l’intesa sul palco ed in sala prove. Infatti, a nostro avviso è inutile negare che per raggiungere certi risultati bisogna essere degli stakanovisti, e noi abbiamo sempre passato e continuiamo a passare tantissimo tempo a provare i nostri live o a cercare nuove soluzioni ed esperimenti per le canzoni. L’ispirazione per noi è dunque una cosa molto naturale, da sempre derivata dalla voglia di fare musica che ci accumuna, e dalla voglia di stare insieme in sala prove. Poi, una volta trovate le giuste melodie e le giuste dinamiche, il nostro cantante aggiunge sempre un tocco finale con i suoi testi mai banali.

Nell’attività della vostra band tante sono le attività di musica dal vivo, cito le ultime notizie hot delle vostre tappe: avete partecipato alle finali del concorso Jack On Tour 2011 con le altre 15 band promosse dagli Afterhours, avete aperto, nel luglio 2011 il concerto di Giorgio Canali in veste di finalisti all’Indie Rocket Festival, in veste di open in act l'11 gennaio 2012 il concerto di Roberto Dell'Era & The Judas, progetto solista del bassista degli Afterhours. Che dire di tutte queste esperienze? Come vi stanno facendo crescere e come mai gli Afterhours sono spesso sul vostro percorso?

Siamo stati molto orgogliosi di essere stati scelti direttamente dagli Afterhours, una band storica che ha davvero segnato un’epoca. Il Jack on Tour a Catania, l’apertura al concerto dei Linea 77, e a tutti gli altri big con i quali abbiamo condiviso il palco negli ultimi mesi, hanno contribuito a fornirci e a farci scoprire una nuova attitudine sul palco, sempre più propositiva ed energica. Non ci vogliamo nascondere. Amiamo i grandi palchi e le grandi occasioni, ed è proprio per questo che continuiamo a lottare ogni giorno per emergere, per conquistare con il sudore dei nostri concerti il nostro pubblico, nella speranza di vederlo crescere sempre di più, concerto dopo concerto.

Continuando a parlare di live, cosa c’è da aspettarsi dalle vostre performance dal vivo rispetto alla versione studio?

Come abbiamo già detto, diamo un’importanza fondamentale al nostro approccio dal vivo. Per questo, cerchiamo di dare ad ogni nostro concerto un’impronta sempre unica e particolare, legando le canzoni con code strumentali unite a presentazioni parlate, beat di batteria elettronica, e loop portati agli estremi, che fanno da collante alle atmosfere del disco. Inoltre, è sempre presente la nostra vena rock più pura. Quando saliamo sul palco diamo sfogo alle nostre paure ed emozioni, ed insieme ai momenti più riflessivi, non esitiamo mai a sfoderare le distorsioni poderose che ci caratterizzano da sempre. Il nostro primo obiettivo, infatti, è sempre quello di impressionare il pubblico non solo con la ricercatezza ma anche con la potenza del nostro sound e della nostra presenza scenica. Siamo molto soddisfatti delle nostre performance dal vivo, che incontrano sempre un riscontro forte e positivo.

Siete di Rimini, terra di rock qual è sempre stata l’Emilia Romagna. Cosa ne pensate voi che siete musicisti indipendenti? Questa zona è ancora quel cantiere rock che tutti mitizzano?

Purtroppo attualmente la nostra zona è un territorio molto ostile per le band che si vogliono esprimere ad alto livello. Sono sempre meno i locali che puntano sulla musica originale di qualità, e li potremmo contare sulle dita di una mano. Tuttavia, nonostante questo forte limite, possiamo dire che la scena rock riminese è molto florida, ed anche se sono poche le possibilità per uscire allo scoperto, i gruppi riminesi si fanno valere, anche all’estero. Ci vengono in mente gli amici Late Guest At The Party, che sono partiti poco tempo fa alla volta degli Stati Uniti, dove faranno uscire il loro secondo album.

Il vostro disco è uscito a metà del 2011, forse qualche bilancio lo si può trarre, come giudichereste oggi il cammino del vostro disco? State lavorando già a qualcosa di nuovo?

Si, il nostro disco è uscito da circa sei mesi, e possiamo dire che di strada ne ha fatta: oltre ai successi ottenuti nei più importanti contest nazionali, il nostro album ha ottenuto un vero e proprio plebiscito di critica, riscuotendo tantissime opinioni positive in molte delle più importanti fanzine e webzine. Ci teniamo però a specificare che non ci accontentiamo: a breve Cardiophobia uscirà in distribuzione nazionale, e stiamo prendendo degli accordi per portare i nostri live in giro per l’Italia. Se stiamo lavorando a qualcosa di nuovo? In realtà il nostro cantiere non è mai chiuso, e anche se fino alla fine di marzo saremo parecchio impegnati con i concerti, siamo già al lavoro sulla pre-produzione di un nuovo videoclip e di un nuovo ep, contenente delle cover rivisitate secondo il nostro stile cardiophobico. Inoltre, siamo anche al lavoro su nuove idee e canzoni, ma di queste, magari, ne parleremo più avanti..

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SPECIALE: da Ferrara a proposito del Festival Buskers

2012-01-04T05:17:00.001-08:00

L'ufficio di Stefano Bottoni, sede amministrativa del Festival Buskers

Alzi la mano chi, almeno per nome, non conosce il Festival Buskers di Ferrara che ogni estate ospita nella città estense centinaia di musicisti di strada da tutto il mondo. Un festival che ha fatto scuola fino ad esportarsi come un format in giro per l’Italia.

Creato nel 1987 sotto la direzione artistica di Stefano Bottoni, il festival accoglie nel centro storico pedonalizzato della città (circa 200.000 mq) un’atmosfera a misura d’uomo: artisti di strada, ognuno con il suo portico cittadino come palcoscenico e con il suo pubblico che funge da parete divisoria e in sonorizzazione per le altre esibizioni. Ogni anno uno stato ospite, una ‘pennellata’ di colore che domina con 4 gruppi il totale delle 20 band sponsorizzate ufficialmente con i fondi dell’amministrazione comunale a cui si aggiungono altri 150 street performers da tutto il mondo.

Tante le iniziative associate: dai Buskers per i più piccoli con la scuola di microcirco ai concorsi a premi.

Ma com’è nato questo festival? E’ in realtà una causa sociale. In tutto il mondo gli artisti di strada sono considerati veri e proprio ‘artisti’ qui il gap di senza tetto e perditempo ipoteca il loro status.
Nel 1987 quando il festival nacque a Ferrara, in città incombeva un’ ordinanza comunale che impediva loro di suonare. Il festival Buskers vuole quindi essere un modello di integrazione attraverso la musica.

All'inizio di ottobre mi trovavo a Ferrara e per caso, per strada chiacchierando del più e del meno ho scoperto di avere al mio fianco Stefano Bottoni e sua moglie Enrichetta Tichiati, eravamo tutti in fila per entrare al Cinema Apollo durante il Festival di Internazionale, pochi convenevoli e il giorno seguente ero in Via de’ Romei 3 nell’ufficio organizzativo dei Buskers per raccogliere un’intervista con Stefano Bottoni che potete ascoltare qui sulla storia di questo Festival. Buon ascolto!

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Il Sito Ufficiale è qui…ma lo spirito Buskers preferisce le cose concrete, non email o click, ma plichi postali con cd musicali e lettere scritte a mano e telefonate, mi raccomando!

In più vi consiglio l'intervista di Stefano Bottoni a Rainews 24 con Luce Tommasi per la rubrica Altre Voci, qui.

Bivio H - Confusione Ep

2012-01-04T04:15:00.001-08:00

Gli ep non sono più quelli di una volta, non sono più una manciata di brani artigianali. Sono giovani e già grandi i Bivio H: triestini, pieni di freschezza che mescola con entusiasmo intuizioni da melodia pop italiana tanto orecchiabile quanto friendly con suggestioni rock d'alto profilo tra amalgama di sinthy e epifanie di riff in chiave classic rock alle chitarre. Tutto misurato in un equilibrio delle parti in cui ogni elemento ha il suo spazio e le voci di Christian, David e Luca si mescolano e alternano in un entusiasmo che rievoca Bon Jovi e i Duran Duran senza eccessi di romanticismo o trasgressione a cui si aggiunge la batteria del sapiente Michele.

Confusione è un ep anticonvenzionale, dicevamo. Lo dimostra la presenza di un formato CD+DVD con tanto di making of del video della tittle track, la versione radio edit di confusione, che porta la firma della regia di Carlo Strata che già si era visto al fianco di Vasco Rossi mentre sul mercato degli smartphone, l'indie dei Bivio H, ha solcato il mercato di Android e I-Phone con un' app dedicata alla loro musica.

Sono decollati in poco tempo i Bivio H: si incontrano nel 2010 dopo un rodaggio nel mondo delle cover, fanno breccia a Sanremo Rock e nel settembre 2011 sono già pronti per l'uscita del loro ep. Se Confusione è una fresca radio edit di punta, gli altri pezzi non hanno meno carisma: La Meta è un brano di voci alternate e affiatate che dimostra il tratto della scrittura dei Bivio H, chiaro, eclettico e leggero ma mai banale e stereotipato, Per Te è una ballata anti retorica che sforna graffi rock quando meno te lo aspetti e punta ad un canto cristallino e a tratti grunge e Note Notturne è una sorpresa quasi progressive rock: circa 8 minuti di esecuzione di una rivisitazione strumentale di alcune rivisitazioni del disco in chiave elettronica e immaginifica di tutto rispetto che lascia allo stato brado le suggestioni di questo orientamento sparse qua e là nell'ep che qui porta alla luce senza equivoci una dimensione alta compositiva e di impalcatura sonora che dimostra stoffa e sale in zucca dei Bivio H, che sono potenzialmente molto più di una band pop che ha ancora tanto da raccontare.

I BIVIO H SONO

Christian Agosta ( voce e chitarre)

David Colagrande (voce e tastiere)

Luca Sparagna ( voce e basso)

Michele Manfredi (batteria)

TRACKLIST

Confusione

La Meta

Per Te

Note Notturne

L'INTERVISTA

Bivio H sono soprattutto contaminazione, alla base sinth, stoffa da rocker e piano rock che si sviscerano e combinano sulla base di una traccia canora melodica semplice e diretta. Come nasce questa combinazione e questo sodalizio così recente della vostra line up e così intenso e già caratterizzante?

Dal punto di vista delle sonorità, niente è stato programmato in anticipo o a tavolino. Per capirci: non ci siamo seduti attorno a un tavolo programmando a monte i suoni, i testi e gli arrangiamenti. La sintonia che c’è tra di noi traspare proprio dall’equilibrio del suono: per esempio, le chitarre non prendono il sopravvento su tutto il resto. Le tastiere, d’altro canto, non si limitano a un ruolo di comprimario o di semplice “tappeto” sonoro. Potremmo riassumere il tutto con la parola equilibrio. Equilibrio che risulta essere fondamentale per una band che, come la nostra, si diverte molto nell’utlizzo massiccio della voce e dei cori.

Piccolo ep e grandi premesse: il vostro primo ep scende in campo con una manciata di brani arricchiti da un dvd con tanto di making of del vostro brano di punta firmato da Carlo Strata che già abbiamo visto al fianco di Vasco. Cosa mi raccontate di questa esperienza?

La realizzazione di un videoclip professionale può rappresentare un punto di svolta nel percorso artistico di una band o di un artista. Nel nostro caso tutto ciò è capitato molto presto. E con un professionista del settore come Carlo Strata. Abbiamo vissuto l’esperienza del videoclip promozionale come una grande (e piacevole) responsabilità. Un’esperienza indimenticabile sotto tutti i punti di vista: per l’impegno e per la fatica, ma anche per l’inevitabile divertimento e il risultato finale, al di sopra di ogni nostra aspettativa.

Da qui viene da chiedersi, c'è anche un po' di Vasco nei vostri modelli musicali e quali sono i vostri ispiratori visto che la vostra musica ha tante sfumature diversificate?

Vasco è un’artista che nel bene e nel male è diventato un riferimento del rock di casa nostra. Ma non rappresenta per noi un modello artistico, ne una fonte di ispirazione. Musicalmente e dal punto di vista delle sonorità preferiamo guardare all’estero: c’è un po’ dei Bon Jovi nel sound espresso dalle chitarre. Guardiamo con attenzione anche ad artisti spesso snobbati dalla critica, ma che per noi sono innovativi, come ad esempio i Duran Duran. Un pò pop, un pò rock. I Queen, maestri indiscussi negli arrangiamenti vocali. Questi sono artisti che come milioni di persone abbiamo sempre ascoltato. E l’ascolto influisce molto sull’artista. A tutto questo va poi aggiunto il gusto per la melodia, che è una cosa tipicamente italiana.

Quanto a sorprese extra, la vostra musica ha colonizzato anche gli smartphone con un'applicazione a voi dedicata. Come suona questo indie rock al tempo delle app?

Suona bene! Al giorno d’oggi credo che essere creativi e originali sia una scelta congeniale. Purtroppo spesso la musica, nell’immaginario comune viaggia a compartimenti stagni. Questione di gusti, di generi, e certamente di ascoltatori. Noi crediamo che il nostro prodotto musicale si associ bene a ciò che musica non è. Immagine, look e perché no … “creatività tecnologica”.

E' Trieste la vostra città, quella che molti definiscono città di confine, di periferia e tanto pregnante di cross over musicali e influenze. Come la vivete sulla vostra pelle e cosa offre a giovani musicisti come voi?

Non vogliamo essere banali. Trieste è la nostra città, vi siamo molto legati perché qui siamo nati, anche musicalmente. Offre agli altri giovani le stesse cose che ha offerto a noi, ne più ne meno. C’è molto fermento musicale, molto dinamismo.

Un brano strumentale come Note Notturne ci ricorda quanta vena psichedelica ci sia alla base del vostro sound che di punta ha la melodia del canto. Nelle vostre performance dal vivo che equilibrio dobbiamo aspettarci?

E’ proprio questo il punto. L’esempio di Note Notturne è emblematico: riprende in chiave elettronica e strumentale alcuni dei passaggi presente negli altri brani. Con una suggestiva divagazione e interpretazione di David. Per i Bivio H il rock non chiude le porte all’elettronica, che a sua volta può andare benissimo a braccetto con voci, cori e ricerca melodica. Non sentiamo l’esigenza di essere necessariamente etichettati come gruppo rock, piuttosto che pop. Chi ci ascolterà dal vivo trarrà le proprie conclusioni.

Una foto di quest' attimo, il primo ep, le prime canzoni, i primi traguardi, che effetto fa?

Entusiasmo, con la consapevolezza che abbiamo appena iniziato un percorso duro e faticoso. L’effetto è lo stesso di quando ci sentiamo dire, dopo ogni nostra esibizione: “Caspita ragazzi, avete uno stile tutto vostro. Vi si riconosce subito. Siete molto... Bivio H!”

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www.bivioh.com

Post Rock e oltre: introduzione alle musiche del 2000

2012-01-04T04:14:00.003-08:00

IN LIBRERIA

ed. Giunti
pag 189,
€11,50

Se vi dico Post Rock chi vi verrà in mente? Mogwai, Goodspeed You Black Emperor!, Sonic Youth o magari i nostrani Giardini di Mirò o i francesi Ulan Bator. La diagnosi è: troppo poco.
A volerselo andare a studiare il post rock nasce agli albori di tutta la musica nata dopo i Nirvana, una sorta di spirito punk degli anni ’90 che ha fatto dell’abbattimento dei costi della tecnologia la sua arma di diffusione e dei campionamenti digitali che hanno ampliato la gamma di suoni disponibili con il minor numero di strumenti e apparecchiature: i capostipiti sono stati la Gran Bretagna, la Germania e gli ambienti di Chicago che più tardi hanno visto primogeniture anche in Francia e in Italia.

‘Post Rock E Oltre’ – Introduzione alle musiche del 2000 è una sorta di inventario di questo genere musicale che segnala le band e il materiale discografico da tenere d’occhio nell’arco di tutti gli anni ’90 in giro per l’arcipelago della rivincita delle periferie, degli spazi aperti dalla frammentazione del mercato e della comunicazione via Internet. E pensate che, trattandosi di un libro che finisce con gli anni ’90 si tiene fuori dalla rivoluzione di My Space e che dunque tanto meriterebbe un sequel. Va comunque detto che si tratta di un libro fondamentale e competente, compito arduo soprattutto quando si tratta di scrivere di musica.
Lo tessono abilmente Eddy Cilia e Stefano I. Bianchi entrambi usciti dalle fila di riviste musicali come Il Mucchio
Selvaggio e Blow Up, giornalisti di levatura come pochi.

Per il loro libro tanto attingono dalla critica musicale di Simon Reynolds e demarcano il fenomeno post rock come il genere che riprende le fila delle correnti minoritarie degli anni ’70 come il krautrock tedesco, Canterbury, jazz elettronico e minimalismo digitale che tanto deve all’influenza di Brian Eno senza tralasciare lo spirito new wave, ambient e in alcuni casi il progressive.

Il libro si suddivide in diverse ‘scuole di pensiero’, ognuna descritta attraverso le band più significative descritte con una disamina critica tanto competente da farvi immaginare il suono in maniera rigorosa, senza strascichi da recensioni di circostanza come spesso accade anche sulla stampa generalizzata, elemento imprescindibile visto che a contatto con tanti nomi di band sono più quelli che non conosciamo piuttosto che quelli che ci sono noti: vuoi per la geografia che mappa l’underground americano e di mezza Europa, vuoi perché si riferiscono agli anni ‘90.

A questo si aggiunge in appendice l’indice analitico di tutti gli artisti e i dischi analizzati con valutazione da 1 a 5 e l’elenco dei negozi specializzati sparsi in giro per l’Italia dove trovare i dischi citati.
Libro d’annata ma eccezionale per come viene scritto lasciando che le brevi ma precise descrizioni dei sound riescono a far immaginare il contesto del disco e con una selezione tale da tenervi impegnati per un anno tra ricerche via web per ascoltare tutto.

Per la serie: trattasi di un libro che avrei voluto scrivere. E sul panorama della letteratura musicale sia per taglio e competenza, sia per argomento è più unico che raro.

PER FARSI UN’IDEA: L’INDICE DEI NOMI CITATI

SUONI DA SEGUIRE CON GLI OCCHI: Gran Bretagna 1990-1994
Laika, Main, Moonshake , Pram, Scorn, Seefeel, Stereolab, Turn On.

TRA LOUISVILLE E CHICAGO: dagli Squirrel Bait in poi
Aerial M, brise-glace, Direction In Music, For Carnation, Gastr del Sol, David Grubbs, Isotope 207, John McEntire, Jim O’Rourke, Sam Prekop, Shrimp Boat, Slint, The Sea And The Cake, Toe 2000, Tortoise, The Ex, Yona Kit.

TRA LOUISVILLE E CHICAGO: Da Rodan in poi
Boxhead Ensamble, Codeine, Frontier, Him, Hoover, June Of 44, Rachel’s, Retsin, Rex, Rodan, Rome, Salaryman, Shipping News, Sonora Pine, Sweep The Leg Johnny.

ALTRE AMERICHE
A Mirror Forest, Cul de Sac, Eight Frozen Modules, Sasha Frere – Jones/ Loren MazzaCane Connors, Furry Things, Matmos, Pell Mell, Scenic, Ui, Uilab, Windsor for the Derby.

LA KRANKY, IL BRISTOL PSYCHO, LA GENERAZIONE T
Amp, Jessica Bailiff, Crescent, Do Make Say Think, Exhaust, Flying Saucer Attack, Foehn, Fridge, Ganger, Goodspeed You Black Emperor!, Hood, Jessamine, Labradford, Mogwai, Movietone, Pan American, Philosopher’s Stone, James Plotkin/ Mark Spybey, Sofa, Stars Of The Lid, Third Eye Foundation.

IL NUOVO KRAUTROCK
Console, FX Randomiz, Holosud, Kridler, L@n, Lithops, Ma Cherie For Painting, Microstoria, Mouse On Mars, Notwist, Oval, Pluramon, Tarwater, Tied + Ticked TRIO, To Rococo Rot, Village Of Savoonga, Wabi Sabi.

FRANCIA E ITALIA: l’anno zero del post rock
Bästard, Cape Fear,Heliogabale, Hint, Patton, Prohibition, Purr, Sister Iodine, Tore Rec, Ulan Bator.

ITALIA
A Short Apnea, Brutopop, Fran@ois – Regis Cambuzat Et Les Enfants Rouges, Giardini di Mirò, Mdrigali Magri, My Cat Is An Alien, Silken Barb, Six Minute War Mdness, Soul Chette Wynde, Starfuckers, The Second Kiss.

POST POST ROCK

MATH ROCK: Colossamite, Dazzling Killmen, Don Caballero, Gorge Trio, Laddio Bolocko, Shellac, Stor & Stres, Union Of A Man And A Woman

NOW (!) WAVE : AZ, Bobby Connm Frossie And The Unicorns, Flying Luttenbachers, Robert Johnson And The Browns, Lake Of Dracula, Melt – Banana, Miss Hight Heel, Mount Shasta, Quintron, Scissor Girls, Shakuhachi Surprise, Space Streakings, Ubzub, U.S. Maple, You Fantastic!, Zeek Sheck.

ELETTROROCK: Add N To X, Golden, I Am Spoonbender, Mocket, Replikants, Servotron, Six Finger Satellite, Trans Am,

IPOTESI

CHITARRE: A Handful Of Dust, Dadamah, Dead C, Dissolve, Kevin Drumm, Flies Inside The Sun, Fushitsusha,
Gate, Keiji Haino, Ilk, Alan Licht, Loren MazzaCane Connors, Roy Montgomery, Nijiumu, Parmentier, Pieters/Russel/Stapleton, Rain, Dean Roberts, Rosy Parlane, Bruce Russell, Thela, Rafael Toral, White Winged Moth, Richard Youngs.

MICROWAVES: Ester Brinkmann, Thomas Brinkmann, Susanne Brokesh, Fennesz, General Magic, Ryoiji Ikeda, Merzbow, Ø, Pan Sonic, Philus, Pita, Pole, Rehberg & Bauer, Mika Vainio.

SILENZI: Olivia Block, Hervé Castellani, Erik M, Bernhard Günter, John Hudak, In Be Tween Noise, Erik Johansson, Alan Lamb, Francisco López, Roel Meelkop, Jim O’ Rourke, Osso Ex-tico, Jean Mark Rivet, RLW, Steve Roden, Kasper T. Toeplitz, Achim Wollschied

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Potete anche leggerne qualche estratto su Google Books, qui.

Michele Lobaccaro - Un'Ala di Riserva: messa laica per Don Tonino Bello

2012-01-04T04:14:00.001-08:00

Non solo Radiodervish nella carriera artistica di Michele Lobaccaro che da sempre abbiamo imparato a conoscere nella mixité di Oriente e Occidente uniti nel suono del Mediterraneo: qui siamo di fronte all’ideazione del suo primo progetto musicale da solista, ma la storia è più lunga.
Con Un’Ala Di Riserva, messa laica per Don Tonino Bello si scopre infatti la fioritura musicale dell’altra metà della storia, un pezzo di Michele Lobaccaro rimasto un po’ inedito, scopriamo cioè una ricerca radicata da tempo e non solo un side project sporadico: oltre il sodalizio con Nabil Salameh e Alessandro Pipino, compagni da sempre nel crocevia tra canzone all’italiana e lirismo arabo nel progetto degli RD, Michele è un ricercatore spiccato nel mondo della cristianità, prima di questo disco, il terreno è stato infatti spianato con la pubblicazione del libro ‘San Nicola. Agiografia Immaginaria’ (2006) e la raccolta ‘Tre Volte Dio. Il confine sottile tra Ebraismo, Cristianesimo e Islam: racconti’, libro quest’ultimo, nato a testimonianza dei frutti del festival omonimo ideato da Michele Lobaccaro nella città di Bari.
Tutto nasce in casa Edizioni La Meridiana che tra l’altro ha curato le pubblicazioni dei testi pubblicati da Don Tonino Bello di cui, in questo cd viene riproposta la stampa della sua ‘Preghiera a Cristo’: riflessione tanto profonda e contemporanea da mischiare la religione alla cronaca del mondo, terreno dunque per un alternative rock come quello qui proposto che ben tesse il cammino per far scoprire la pregnanza della personalità di questo protagonista.

Un nuovo emisfero tutto da esplorare quindi e in quanto a novità musicali, in questo disco appare anche la voce di Michele nel cantato: una componente innovativa e di grande fascino in una voce scura e allo stesso tempo leggiadra e narrativa tutta da scoprire.

In questo viaggio da concept album che riscopre e celebra Don Tonino Bello a 18 anni dalla morte nella sua figura di vescovo di Molfetta e presidente nazionale di Pax Christi soprattutto per la ricercatezza delle sue preghiere che tanto attingono da riflessioni sull’attualità e sulla liquidità dei nostri giorni da essere uno sguardo contemporaneo da scoprire anche oltre la fede, motivo per cui questo disco riesce ad essere una messa laica, uno sguardo vivo.

I testi attraversano brani ispirati alle riflessioni di Don Tonino Bello e brani tradizionali della cristianità in latino come il il Gloria, il Magnificat o Agnus Dei.
In quanto ad atmosfere è un disco in continuità con le sonorità a cui Michele Lobaccaro ci ha abituato finora, in linea per verosimiglianza con i mood di In Search Of Simurgh o Amara Terra Mia: spirito acustico quindi, ma anche dinamico e leggiadro per rendere la sacralità qualcosa di vicino e orecchiabile: aiutano anche i tanti amici dei sodalizi artistici presenti nel disco.

Si parte con l’Agnus Dei cantato da Franco Battiato, patron di lungo corso nei lavori dei Radiodervish, e Nabil Salameh per quello che poi si rivela essere un disco ensamble di varie personalità artistiche della Puglia per rendere ancora più autentico questo omaggio a Don Tonino Bello.
C’è Alessia Tondo, la ragazza prodigio che interpretò Yara oggi voce solista in Donna Di Frontiera in un mood tra tastiere e glockenspiel di un pacato Alessandro Pipino.
Polifonico e frizzante si rivela il Gloria in questa lettura musicale moderna che non sfigura come lo spirito tutto mediterraneo tra arrangiamenti di strumenti etnici.
Si fa elettronica Auguri Scomodi: è qui che oltre a polistrumentista e ideatore dei testi fa il suo esordio Michele Lobaccaro in veste di cantante in uno dei brani che meglio coglie il senso della riflessione di Don Tonino Bello fino a sfociare nel rap sul Natale anti-conformista di Caparezza e Michele replica, stavolta come solista, nelle note di Kyrie Eleison tra archi e pianoforte che per il momento rappresentano i suoi due brani cantati di cui davvero vale la pena.
In Un’Ala Di Riserva torna Nabil Salameh in uno dei pezzi che più di tutti tesse la trama del connubio tra uomo e Dio.
Più tradizionale e rustica è La lampara conatata da Antonio Castrignanò e per il Credo si alza il canto solenne di Giovannangelo de Gennaro fino a terminare nella sottile Sanctus dei Farufalla.

Un disco che insomma restando pur sempre un concept si apre a mutevoli cromature e sonore pur restando fedele ad uno sguardo di insieme che mette ben a fuoco un’identità musicale riconoscibilissima e sul filo della continuità in un Michele Lobaccaro che non tradisce i fedelissimi e riesce ad incuriosire i neofiti in una ritrattistica di Don Tonino Bello variegata, solare e riflessiva che oltre alla leggiadria etno - pop-rock sa riempirsi di significati profondi.
Si respira aria di nuove intuizioni e fertilità artistica che lasciano ben sperare, con la speranza che la voce solista di Michele Lobaccaro possa continuare a offrire il suo mood suggestivo anche in altre occasioni fuori o dentro i Radiodervish.

2011 – Edizioni La Meridiana/Princigalli Produzioni

TRACKLIST

Agnus Dei cantata da Franco Battiato e Nabil Salameh
Donna di frontiera cantata da Alessia Tondo
Gloria cantata da Fabrizio Piepoli
Un´ala di riserva cantata da Nabil Salameh
Magnificat cantata dagli Adria
Auguri scomodi cantata da Michele Lobaccaro e Caparezza
Kyrie eleison cantata da Michele Lobaccaro
La Lampara cantata da Antonio Castrignanò
Credo cantata da Giovannangelo de Gennaro
Sanctus cantata dalle Faraualla

L'INTERVISTA a Michele Lobaccaro

La ricerca di Un’Ala Di Riserva aiuta a portare in luce un cosmo firmato Michele Lobaccaro che va ben oltre i Radiodervish e un’ eventuale etichetta di side project, ha radici profonde. Facciamo allora un passo indietro per scoprirne tutta l’evoluzione. Prima di arrivare a questo lavoro hai ideato il premio Tre Volte Dio che si tiene annualmente a Bari dedicato all’incontro tra Cristianesimo, Ebraismo e Islam di cui hai anche curato un’omonima raccolta di racconti e in questa tua ricerca hai anche scritto il volume San Nicola. Agiografia Immaginaria. Insomma, un vero e proprio cammino di ricerca che si protrae negli anni, come è nato questo studio e questa passione?

Per delle circostanze accadute nella mia vita mi sono sempre dovuto porre in un atteggiamento di ricerca, non ho mai avuto la sensazione di aver trovato qualcosa di definitivo e ho visto che questo modo di pormi mi ha favorito creandomi delle opportunità preziose di conoscenza dell'altro aprendomi a situazioni inedite che sono per me fonte di arricchimento e di vita.
Sia nei Radiodervish che in altri progetti l'idea che mi accompagna è semplice: dall'incontro, basato sulla conoscenza senza pregiudizi, nascono cose nuove ed interessanti. Questa intuizione la puoi traslare in tutti gli ambiti della vita e funziona sempre. Per questo ho pensato che realizzando la manifestazione “Tre volte Dio”, un’ occasione di dialogo e scambio reciproco di auguri per la coincidenza delle feste sacre delle tre grandi religioni monoteiste del Mediterraneo, potesse crearsi gradualmente una possibile base di conoscenza necessaria per far decollare una società matura e multiculturale di cui abbiamo fortemente bisogno. Penso che il senso del sacro sia universale e porti in se stesso l'idea del rispetto reciproco nei confronti di una terza cosa che ci unisce. Partire da questo aspetto privilegiando la connotazione culturale più che religiosa mi è sembrato un percorso interessante per arrivare, attraverso musiche e letture, alla parte emozionale delle persone, soprattutto dopo che mi sono capitate direttamente delle esperienze di questo tipo nel corso di alcuni miei viaggi. Per quanto riguarda i libri pubblicati, nei quali ho chiamato a collaborare diversi autori, questi scritti si immettono nel solco intuitivo di cui dicevo prima In particolare, in “San Nicola. Agiografia immaginaria” ho chiesto, insieme allo scrittore albanese Ron Kubati, a diversi autori di origine straniera che scrivono in italiano e che rappresentano in un certo senso la nuova letteratura italiana, nata grazie ai flussi migratori degli ultimi vent'anni, di confrontarsi su un'icona interculturale come San Nicola. Ne è risultato una raccolta di storie veramente divertenti e commoventi riguardanti questa figura trasversale di santo che appartiene ad una identità mediterranea tutta da riscoprire e da reinventare.

A questo percorso, da sempre costellato dalle Edizioni La Meridiana, con Un’Ala di Riserva arrivi in prima persona a firmare un percorso musicale attinente a questo sentiero tutto dedicato a Don Tonino Bello tra ispirazione ai suoi testi e brani tradizionali della cristianità: arcivescovo di Molfetta per dieci anni, beato e attuale per quelle sue preghiere rivolte alla contemporaneità. Un personaggio chiave della tua amata Puglia ma anche dell’Italia intera. Come la tua scelta artistica si è focalizzata su un lavoro discografico intorno a lui?

Don Tonino Bello mi ha fortemente affascinato per la sua scrittura semplicemente visionaria, capace di creare squarci inediti di senso nella realtà e per la sua forza poetica che si trasferisce dalle pagine dei libri nella sua vita e nella sua azione lasciando ancora riverberi del suo passaggio nelle persone e nei luoghi che lo hanno frequentato.
La lettura delle sue opere trasferiva in me una tale energia che ho dovuto trasformarla e restituirla attraverso la musica.

L’incipit di questo progetto è se vogliamo Preghiera a Cristo di Don Tonino Bello, riportata integralmente nel booklet, è uno dei percorsi che più richiama la sua dichiarazione che tu riporti « La messa dovrebbe metterci in crisi ogni volta e ci dovrebbe scaraventare fuori, allontanarci dalla ripetizione del già visto per orientarci verso l’inedito. Perché La pace è finita, andate a messa, Ché se vai a messa è finita la tua pace». Alla luce di Un’Ala di Riserva come hai interpretato questa sua meditazione anche alla luce dei testi inediti che hai scritto ispirandoti ai suoi scritti?

Proprio la frase che hai citato è stata la scintilla che ha dato il via al lavoro perché in essa é contenuta l'idea di messa che Don Tonino praticava e teorizzava. L'idea che potessi provare a restituire l'energia raccolta nella forma di una messa musicale mi ha messo in moto. Ho voluto, quindi, confrontarmi con i testi della tradizione cercando di dialogare con loro e provando a riscoprire il senso che l'altissima poesia di quelle parole millenarie mi rimandava. Ho cercato di mettere la musica al servizio di quelle preghiere portando in essa il mondo mediterraneo che era un orizzonte caro a Don Tonino inseguendo l'immagine di una messa inquieta che vaga tra le onde di un mare spesso protagonista delle sue poesie e delle sue riflessioni. Ne è risultata una messa mediterranea nei timbri, nelle melodie e spesso nei ritmi. Alla parte ordinaria della messa che ho scelto di lasciare in latino ho affiancato alcuni brani inediti ispirati a pagine famose di Tonino Bello come quella della storia di Maria, vista come una donna di frontiera, migrante ante litteram, o della bellissima poesia dell'Ala di riserva.

Andiamo al lato più musicale di questo lavoro, una scelta di campo: c’è l’anima mediterranea profusa nella cristianità accompagnata da tanti amici di sempre: la voce di Nabil Salameh, il pianoforte e il glokenspiel di Alessandro Pipino in Donna Di Frontiera e l’introduzione dell’Agnus Dei cantata da Franco Battiato che si è mosso spesso nella stanza dei bottoni dei dischi degli RD e tanti altri amici come Caparezza e Alessia Tondo. Eppure hai deciso che doveva essere qualcosa di diverso, un progetto che avesse la tua firma e non quello dei Radiodervish, com’è nata questa scelta musicale?

Questo disco è nato tutto e velocemente da un lavoro personale che non ho avuto tempo e modo di condividere con gli altri membri dei Radiodervish, se non a cose fatte. Aveva preso un carattere già maturo e deciso nella composizione e quindi mi sono orientato verso la richiesta di collaborazioni allargate nella fase esecutiva dell'opera. Ne è risultato una specie di omaggio della Puglia musicale. Infatti a parte l'intervento di Franco Battiato che come si sa è siciliano, si tratta di un lavoro corale di alcune tra le più significative esperienze artistiche di una terra, quella pugliese, che musicalmente sembra già esprimere in nuce quel ideale di convivialità delle differenze che stava tanto a cuore a Don Tonino Bello.

Un progetto che riserva sorprese: oltre a polistrumentista in brani come Auguri Scomodi e Kyrie Eleison ti scopriamo come voce solista. Un elemento fino ad ora rimasto inedito per tutto questo tempo. Come mai?

In questo progetto ho trovato il coraggio e mi sono assunto la responsabilità di espormi in prima persona, anche con la mia voce. E' stata un esperienza per me molto divertente e credo che ci saranno altre occasioni per sperimentarmi in questa direzione.

Questo disco di voci ne ha tante, Fabrizio Piepoli,gli Adria, Antonio Castrignanò, Giovannangelo de Gennaro e le Farufalla oltre a quelli che ho già citato prima. Un disco ensemble pieno di compagni di viaggio di cui ti sei voluto circondare, un viaggio da solista ma non da solitario, raccontami…

Sono felicissimo di tutte le bellissime voci che hanno impreziosito la messa. Penso che l'oggetto stesso della messa richiamasse un'energia collettiva e non solitaria. Don Tonino era un uomo che sapeva parlare a tutti, atei e credenti. Forse proprio per questo, non è stato difficile coinvolgere tante personalità vocali e musicali su questo progetto.

A proposito di Puglia, che qui è la madre terra del progetto: tu ne sei originario ma a lungo sei vissuto lontano, a Ventimiglia, nella tua ricerca però il legame con la tua terra d’origine è sempre stato molto forte, dimmi di più, come hai tenuto vivo questo legame ancestrale e culturale?

Sì è tenuto vivo proprio perché ancestrale. Quando ero a Ventimiglia, dove son nato, i miei genitori mi raccontavano in dialetto più che le classiche fiabe, che si raccontano ai bimbi, delle splendide avventure che avevano come cornice il loro piccolo paese, Gravina di Puglia. Insomma sono stato nutrito, insieme a mia sorella, dalle saghe familiari che avevano sempre come scenario questa aspra e dolce terra pugliese. Sono racconti meravigliosi che hanno creato in me un mondo magico di sapore contadino che ho custodito nel mio intimo e ho cercato di riscoprire quando la mia famiglia è ritornata in Puglia dopo essere emigrata sul confine tra Italia e Francia. Ma della Liguria, dove ho ricevuto le prime impressioni della mia vita e che per questa ragione considero un'altra patria di origine, mi è rimasto tanto e spero di avere l'occasione di effettuare presto un percorso artistico che mi permetta di confrontarmi e di rielaborare la ricchezza di sensazioni ed emozioni che provengono da quella splendida terra di confine.
Per il momento mi accontento di immergermi spesso nelle letture dei romanzi dello scrittore Francesco Biamonti che ha saputo descrivere con grande delicatezza la poesia di quei paesaggi fatti di monti e di mare e di ritornare a trovare, ogni volta che mi è possibile, i miei numerosi parenti e amici li rimasti.
Una cosa che mi affascina della Puglia e della Liguria è che sono, ognuno a modo proprio, delle terre di confine proiettate su due versanti opposti e forse complementari.

Tornando al disco, come mi spiegheresti la ricerca musicale di questo lavoro? Per quanto ci si muova su due concept musicali differenti, io lo definisco di una sacralità laica che per vicinanza stilistica mi rimanda in qualche modo ad una fratellanza con le suite di In Search Of Simurgh piuttosto che a disco da canzone all’italiana de L’Immagine di Te o degli equilibri di Beyond The Sea o la sperimentazione di Bandervish…

Credo che ci siano diverse affinità con in Search of Simurgh, non ultima il fatto che entrambi i progetti hanno preso le mosse da un mio innamoramento per dei testi letterari. Mi piace in generale lavorare su concept musicali, perché in questo tipo di opere ci ritrovo il gusto del narrare storie ricreando universi affascinanti nei quali adoro viaggiare e perdermi. Se si vuole un'altro punto di contatto è il latino che compare nell'ultima traccia di “In search of Simurgh” che è un'Ave Maria e che diventa lingua protagonista nella messa.

Quanto tempo hai impiegato nel lavoro di ideazione e registrazione di Un’Ala Di Riserva e in qualche modo è difficile scindere il progetto creativo dei RD da quello di questo concept o è qualcosa di naturale?

La realizzazione ha richiesto circa due anni di lavoro e l'ho fatto lavorando contemporaneamente ai brani che faccio con i Radiodervish. Nella mia mente e nei fatti non riesco a scindere i due progetti perché sono parte del mio percorso e ciò che accade in uno si riflette inevitabilmente nell'altro.

Quanto a questo suggestivo lavoro ci sarà un tour di concerti per promuoverlo?

Per il momento ci sono numerose presentazioni con momenti musicali ma il tutto sta già diventando uno spettacolo che porteremo in trio con Alessandro Pipino e Fabrizio Piepoli e nel quale di volta in volta accoglieremo alcuni degli artisti che hanno collaborato al disco.

Per quanto riguarda il futuro, il Michele Lobaccaro che abbiamo conosciuto in Un’Ala Di Riserva continuerà a sperimentare in musica il progetto legato a Tre Volte Dio?

Non conosco il futuro ma so che sto progettando un disco ed uno spettacolo legati all'esperienza di tre Volte Dio, ma nel frattempo ci dedicheremo con i Radiodervish ad ultimare la composizione del nostro nuovo album.

E quanto l’esperienza di questo disco e del progetto Tre Volte Dio ti soddisfa?

Questi percorsi, insieme a quello dei Radiodervish, sono per fortuna una continua fonte di gioia e per questo sono grato a tutti i miei compagni di viaggio.

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La pagina di Michele Lobaccaro su La Meridiana

My Space

Alberto Arcangeli - Pop down the rabbit hole

2012-01-04T04:13:00.001-08:00

Capita anche in Italia, ai ragazzi della porta accanto di trovarsi dall’undergroud ad una canzone che faccia da colonna sonora di uno spot televisivo. Ad Alberto Arcangeli e la sua Dream Song è successo, cosa non da poco, per lo spot dei pneumatici Continental: una hit allegra e acquerellata tra banjo e atmosfere pop smaltate di country folk. Una cosa è certa, fin nel profondo delle sue viscere Alberto è ha un sapore – brit/american che sa di musica indie che poco ha che fare con le sue italiche origini in fatto di ricerca sonora.

Con stile è riuscito a non essere schiavo dell’uragano Dream Song, non ha cercato di crearne una copia, è andato avanti. Motivo per cui Pop Down The Rabbit Hole è un viaggio nella tana del bian coniglio fatto di atmosfere più lievi e adagiate, tra una fantasmagoria solare e in down tempo. Se fosse una parabola dei Beatles sarebbe l’intermezzo di Beatles For Sale e Rubber Soul: dopo The Hard Days Night e prima di Sgt. Peppers. Fase di transito quindi, ma trama non meno interessante.

A sentire le prime note di Wheels And Love viene da pensare ad un Badly Drawn Boys con sonorità più rarefatte, riassumendo il disco le componenti sono: voce distaccata e ritmo incalzante in alchimia perfetta al suono di groove alla chitarra che non delude mai come braccio portante e mille ghirigori intorno a questo nucleo. E mentre la struttura portante del canto sembra semplice e convenzionale, Alberto compie lavori chirurgici nel versante di una musica che viaggia lontano sul versante strumentale, la voce asprigna si lascia man mano ammansire dal piano rock di Pop Down The Rabbit Hole impreziosito da riverberi elettronici.
Brano degno di un hit è Hard Games in cui, neanche a farlo a posta ricompare il banjo inframmezzato tra campanelli e atmosfere gioconde, che simpatizzano anche in On The Way To Mars più sperimentale è invece la riflessiva Against The Day in una pioggia acustica di chitarre suggestiva.
American way tra strade polverose e atmosfere dylaniane fanno invece capolinea in Border Of Nowhere … e chissà se questa volta, Alberto non finirà da uno spot ad una colonna sonora da film vero e proprio, l’atmosfera del disco ne incoraggia il presupposto!

2011 – unsigned

TRACKLIST

Wheels And Love
Pop Down The Rabbit Hole
Nothing Compering With Your Eyes (On Saturday Night)
Hard Games (feat. Yani Martinelli)
Agaist The Day
Winter Leaves
On The Way To Mars
Border Of Nowhere
Blow Wind
Wheels and Love (reprise and Paris Metro samples)

INTERVISTA

Nella scorsa intervista, quando ci siamo messi a parlare del tuo precedente album Dream Song ti eri già buttato a capofitto nell’impalcatura di questo nuovo disco, ma nello spazio creativo che li separa, proprio il brano che dava il titolo al tuo vecchio album è diventato la colonna sonora dello spot televisivo dei Pneumatici Continental. Dicci tutto, come si entra in un circuito del genere e quale ritorno c’è stato per te, si tratta effettivamente di una vetrina che aiuta i giovani artisti come te?

Oh, questa è una domanda molto difficile, e la risposta prenderebbe davvero troppo spazio per argomentarla come si deve. Diciamo, per cominciare, che il contatto con l’agenzia pubblicitaria è avvenuto per caso, intendendo con questo che a loro è capitato di ascoltare il pezzo in una compilation indie statunitense e di ritenerlo adatto ad una campagna pubblicitaria. Quindi, “Dream Song” si è trovata al posto giusto nel momento giusto.
Quanto al ritorno, oltre alla soddisfazione personale (che è la cosa principale), sicuramente c’è stata parecchia attenzione. Se poi è qualcosa che durerà, questo non te lo so ancora dire. Te lo dirò, però, quando sarà passato un po’ di tempo, ok?

In qualche modo questo ha sballottato il percorso creativo del tuo nuovo album?

Be’, diciamo che non mi sono messo di buona lena a cercare di scrivere un altro pezzo adatto ad una pubblicità! Semmai, la differenza è stata che nel fare il primo album pensavo che nessuno (a parte qualche amico) l’avrebbe ascoltato. Quando c’era qualche sbavatura da qualche parte mi dicevo “va be’, tanto chi se ne accorge?”. In “Pop Down The Rabbit Hole”, invece, ho prestato più attenzione anche a certi dettagli.

Pop Down The Rabbit Hole è in un certo verso un disco diverso dal precedente, ti sei reinventato: c’è meno country e più delay all’insegno del brit pop, anche con qualche punta alla Paul Mc Cartney che ti riporta all’infarinatura della tua cover band dei Fab Four, i Revolver…

Credo che alcuni pezzi di Dreamsongs sarebbero stati benissimo anche in questo album, “Touched by a Cloud”, ad esempio. La stessa “Dream Song” in quel contesto poteva essere confusa per un pezzo country, ma è un pezzo pop a tutti gli effetti, solo che è accompagnato con un banjo. Comunque, è vero che quest’album ha un suono diverso (secondo me è anche più bello) ma è normale che sia così: perché fare due volte la stessa cosa?
In ogni caso, non mi sono posto l’obiettivo di fare un album più o meno pop, mi sono ritrovato in mani queste canzoni, e su quello non ho potere: vengono come pare a loro! Anzi, a me sarebbe piaciuto farlo solo chitarra e voce.
Ci tengo a precisare che io coi Revolver (musicisti straordinari) ho suonato solo un’estate, perché avevano bisogno di un bassista, e io sono probabilmente la persona più beatlesiana che conoscono, ma non ho contribuito alla loro “storia”.

Tra l’atmosfera acustica non dimentichi però una certa sperimentazione o comunque un gioco tra gli strumenti, parlo delle atmosfere che crei in brani come Hard Games o la stessa Pop Down The Rabbit, canzoni in cui ormai si vede che la firma, la scia è proprio tua…

Oh che bello, sono contento che si riconosca la firma, è quello che avrei sempre voluto, e lo penso fin da quando facevo i pezzi in italiano. Sottoscrivo in pieno ed è la cosa più bella che potessi dirmi.
Quanto al gioco di strumenti, “Pop Down The Rabbit Hole” è un album in cui ho fatto un lavoro di scrittura, arrangiamento e mixaggio immenso, durato due anni, e di cui in parte mi sono reso conto solo a “prodotto finito”, quando l’ho riascoltato sapendo che non avrei più cambiato nulla. I ritocchi sulla title track, ad esempio, sono andati avanti per un anno e mezzo, e il risultato è il frutto di continui piccoli miglioramenti (posto che chi ascolta vi trovi qualcosa di positivo!). Se non avessi fissato una data di uscita con Rockit, probabilmentre sarei ancora lì a lavorarci.

E in quanto a firma, la tua spontaneità nella ricerca dei testi dove ti ha portato?

Da nessuna parte, i testi mi fanno impazzire. E’ che vorrei sempre scrivere delle cose non banali, ma al contempo non ho nulla di intelligente da dire (ride, ndr) Scherzi a parte, sono molto esigente con le parole cantate, sia nelle mie canzoni che in quelle degli altri, e anche solo una metrica che non funziona mi infastidisce. Per questo il testo è quasi sempre l’ultima cosa che finisco, se non mi suona bene, non riesco nemmeno a cantarlo. Se necessario, cambio il senso delle parole, pur di farle suonare come ho in mente. E comunque, alcuni testi li trovo proprio belli, come “Pop Down…”, in cui le parole mi pare che accompagnino perfettamente la musica.

Sei un artista dai suoni non convenzionali nel panorama musicale italiano, molto indie e molto personalizzato, rinfrescaci un po’, cosa ascolti di solito nella tua playlist…

Ascolto un po’ di tutto, a volte anche per farmi un’idea di quello che mi gira attorno. Fra i contemporanei, così al volo, mi vengono in mente Dr Dog, Fleet Foxes, Loney Dear, il primo dei Vampire Weekend, Chad VanGaalen… Ma mi rendo conto che sono molti di più quelli che non riesco ad ascoltare di quelli che ascolto.
Poi ci quelli senza i quali avrebbe poco senso vivere: Beatles, Rolling Stones, Beach Boys, Thelonious Monk, Steely Dan, i Cars, Bob Dylan, i Buffalo Springfield, The Kinks…
Ascolto anche molta musica classica, soprattuto dal vivo, i concerti rock di solito mi stancano, preferisco i dischi.

Quanto ai prossimi progetti, mi pare di capire che il nuovo album sia il primo consapevolmente creato dopo ‘l’effetto Continental’…hai già qualche spunto?

Si, ogni giorno uno diverso. Ho anche diverse canzoni scritte, o abbozzate (di cui tre tenute fuori da quest’album). Però, considerato il mio modo di lavorare, temo che non saprò dirti come suonerà il prossimo album fino a che non l’avrò quasi finito. Di sicuro, tuttavia, so che comincerò a divertirmici a settembre, dopo le ferie.

E intanto, dove potremo ascoltarti dal vivo in questo periodo?

Purtroppo, non ho molto tempo per suonare dal vivo. Sicuramente, faremo fare qualche data con i “Full Circle” (Paolino e Giuseppe che suonano con me in “Border of Nowhere). Non tante, giusto essere pronti se c’è qualche posto veramente bello in cui suonare. Tuttavia, o scrivo e registro canzoni, o suono dal vivo e, considerato che preferisco i dischi ai concerti, ovvio che scelga di rintanarmi nel mio studiolo di registrazione.

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Tenedle - Grancassa

2012-01-04T04:12:00.001-08:00

Tenedle ha buon sangue, sulle prime note di Hikikomori tra elettronica leggera e voce flautata cantautorale vi ricorderà qualcosa come Nicolas Godin e Jean-Benoît Dunckel degli Air ma con una voce non distorta dai rimaneggiamenti al computer.I patterns elettronici ci sono e sono sullo sfondo, ma in superficie sono costanti una voce da cantautore e vari elementi di tradizione da recuperare pian pian tra happening e sorprese dietro l’angolo.

Ma andiamo con ordine: c’è qualcosa che vi ricorderà gli anni ’80 in questo Grancassa, più che una dichiarazioni d’intenti è un DNA: Tendle al secolo Dimitri Niccolai era parte integrante nella new wave fiorentina con la band Laughing Silence nata a metà degli anni ’80. La sua carriera solista, non è da meno, agli esordi se ne erano già accorti Renato Marengo e Michael Pergolani su Radio Demo.

Tenedle arriva alla sua sesta fatica discografica: un concept album sulla solitudine che chiude una stagione di concept cominciata con l’album Luminal sul tema della follia.

Tra psycosound e intuizioni cantautorali un mucchio di brani che sanno dove la strada porta, sanno cioè ‘mettere una buona parola’ alla solitudine quasi intessendo un dialogo con ‘i solitari’: come manifesto si possono prendere versi come questi: ‘Ogni cattivo pensiero è un mostro/ prende la forma che tu gli vuoi dare/ sentirsi soli è una brutta scusa/ non si abbandona così ciò in cui credi.

Tenedle si immerge in una parete mentale che parte con l’elettronica e i sussurri vocali di Hikikomori: la figura dell’adolescente giapponese rinchiuso in eremitaggio nella sua stanza con la realtà virtuale come unica via di fuga.
Tenedle sa controllare bene il tutto, i dosaggi musicali, emotivi, i groove: è uno stile eterogeneo e consapevole: disco che parla di solitudine ma senza mai perdersi nel vuoto del baratro, sempre con appigli per risalire e uscire dal tunnel a livello di ricerca mentre il campo empirico della musica si muove tra savoir faire e consapevolezza musicale che sa farsi sempre ballabile e orecchiabile in continua evoluzione: evoluzione perché a mano a mano che il disco prosegue si aggiungono ai pattern la tromba jazzy di Rocco Brunori e le voci femminili di Marydim, Vanessa Tagliabue e Silvia Vavolo. Effetto terapico nei testi, eleganza nei suoni tra vari abiti che cadono a pennello tra delicatezza, estrosità e infinite gradazioni intermedie.

Brano principe di tutti questi elementi è Ideale (da cui provengono i versi citati qualche riga prima). In questa dolce marcia contro la ghettizzazione mentale, si procede anche su tinte più marcate ed elettroniche e virtuosismi alla tromba in versione di critica sociale: ‘come è facile educare con il Napalm’ in In Una Catapulta. Il disco riesce ad alternare con continuità tinte rarefatte come la suggestiva Sta Accadendo, brano di rinascita, al groove tutto da hit di La Cura Del Suono,brano di punta di questo disco all’insegna dell’ elettronica ballabile. Siamo in fase discendente, ci si mette poco a familiarizzare con lo stile di questo disco subito friendly che in Maledizione sperimenta una chiave blues innovativa. Più dark sono invece le tinte grottesche di Boomerang e Hai Fai.

Tutta da scoprire è Grancassa, esecuzione strumentale che dà il titolo all’album e inaugura una manciata di canzoni più radicalmente electro come La Spiaggia o Le Cose Infinite, con tanto di tromba malinconica che richiama un glam rivisitato.
‘ Sono egocentrifugo ma non sono il vostro caso clinico, sono un dinosauro ma non mi sono mai estinto’ è la bandiera di Egocentrifugo che con Feedback è un cantico agrodolce che in chiusura spezzano il cerchio della grancassa della solitudine.

E’ un disco capolavoro: non gli manca nulla, l’esperienza, la capacità eclettica, la personalità e i contenuti. Il corollario di presupposti è sapiente e intelligente, ma Dimitri Niccolai ha anche la sapienza di collaudare tutto in un liquido fluido capace di creare un disco a più livelli: bello per il suo cantautorato ricco e profondo ma anche leggero, ballabile, appetibile ad un primo ascolto.

Niccolai – che vive a metà strada tra la culla new wave fiorentina e l’Olanda – sa crearsi il suo recinto creativo inconfondibile: la sua voce sottile e ficcante che nuova tra nuovo e tradizionale. Nessuna somiglianza particolare, è proprio lui, è il suo mondo, è Tenedle e vi piacerà un sacco.

2010 - U.d.U. Records/ New Model Lab

TRACKLIST

Hikikomori
Lo Stato In Cui Mi Cerco
Ideale
In Una Catapulta
Sta Accadendo
La Cura Del Suono
Maledizione
Boomerang
Hai Fai
Grancassa
La Spiaggia
Le Cose Infinite
Egocentrifugo
In Feedback

DISCOGRAFIA ESSENZIALE

Psicfreakblusbus
Luminal
Alter
Se Mi Succede
The Beast Of Tenedle
Grancassa

L’INTERVISTA

Da Hikikomori a Ideale, l’intento è chiaro, stavolta Tenedle propone una riflessione sul mal de vie della solitudine tra stati mentali e cure al dolore. Un concept che si accosta ai tempi di Luminal, disco sulla follia. Come nasce l’idea di Grancassa?

Forse meglio cominciare dal "dove" è nato. Grancassa è "cresciuto" in una stanza del tredicesimo piano di un grattacielo olandese, che si affaccia di notte su migliaia di lucine lontane su l'aeroporto di Schiphol (una vera stazione lunare di notte) e sulla skyline di Amsterdam sullo sfondo. Un finestrone che di giorno vede passare senza ne colline ne montagne sullo sfondo, solo nuvole a velocità impazzita che si susseguono, cambiamenti atmosferici repentini ma che si vedono arrivare da lontano, orizzonti ampi in un luogo molto più silenzioso dell'Italia. Qui sono nati in un paio d'anni i suoni e le parole del disco. Disco che si, confermo chiude la trilogia iniziata con "Luminal", sulla solitudine, non necessariamente in senso negativo però, sulla follia, argomento che non ha davvero limiti se osserviamo la storia dell'uomo e la società contemporanea, e sulla notte, "Alter", che è una condizione più che un momento, che conduce ad affrontare il rapporto con l'infinito.

Patterns chitarre e cantautorato sono da sempre i capisaldi della tua ricerca creativa, stavolta arricchiti dagli attributi delle voci femminili che ti accompagnano e dalla tromba nu-jazz di Rocco Brunori, com’è nata l’esigenza di questa miscellanea sinergica di sonorità e stili?

Cantare in contrapposizione (o in duetto, dipende dai punti di vista) con Silvia Vavolo, Vanessa Tagliabue e Marydim è stato, oltre che un' esperienza speciale nella realtà delle cose, un modo per dare voce alla mia parte femminile, al mio modo di pensare che è certamente maschile ma che cerca, e spesso predilige i punti di vista, gli atteggiamenti e la natura femminile delle cose. Credo fermamente che la donna abbia capacità superiori e l'uomo, sapendolo bene, la costringe da sempre a non pensarci o a non realizzarle. Grancassa poi ha diversi momenti in cui si parla "in due" e delle due sponde si cerca di incontrarsi (Hikikomori, Hai fai, Le cose infinite) ed è secondo me più chiaro se le voci che cantano questi concetto sono maschile e femminile. Detto questo, la scelta degli strumenti "ospiti" è la scelta sul "colore" che vuoi usare. Anche per la tromba, che è un mio pallino già da diversi anni e che dal vivo è presente anche qui fin dai tempi di Luminal, il timbro è una questione fondamentale. Rocco poi ha un modo di suonare davvero personale e nonostante provenga da altri generi ha una visione ampissima della musica. E' entrato subito in perfetta sintonia con i miei suoni. Voci e tromba creavano secondo me il contrasto giusto per questo racconto.

Fiorentino di nascita, olandese d’adozione. Dalla wave toscana alla sperimentazione di Amsterdam. Che aria si respira nel modo di fare musica in Olanda e nella dignità artistica soprattutto in questo mondo di musicisti indipendenti? Rimpiangi qualcosa dell’Italia?

L'Olanda per me è stata un'opportunità per vedere, pensare e sperimentare cose da altri punti di vista, possibilità fondamentale, per ogni individuo direi, artista o meno. Tuttavia mi resta sempre meno facile fare paragoni, cerco ormai di trarre il meglio e escludere o provare a cambiare il peggio che dilaga ovunque anche se in proporzioni diverse. Vivere qui mi fa vedere le cose con gli occhi spalancati di stupore come un bambino, affascinato dalla bellezza ma anche dalla bruttezza a volte degli angoli del mondo che da turista non vedi. Vale anche per l'ascolto di musica o il teatro, l'arte. La scena è abbastanza ricca mi imbatto spesso in cose impensate prima anche questo in senso positivo e negativo. Vivo di musica grazie probabilmente al fatto che non vivo più in Italia, anche se nessuno ti regala niente. Diciamo che l'ambiente dove vivo è stimolante, anche se ultimamente si respira un aria di cambiamento culturale negativo. L'Olanda viene da trent'anni di discreta giustizia sociale e libertà reale ed è un paese che ancora offre opportunità e popolato di gente curiosa. Il mio percorso e la ricerca proseguono senza per forza doversi adeguare ne all'ambiente ne ai gusti delle persone di volta in volta, specialmente in un periodo in cui i gusti "peggiorano" un po’ ovunque, quindi è una strada che continua secondo quello che suggerisce ciò che senti. L'indipendenza artistica è una condizione importante e sono contento, ma traggo spesso ancora ispirazione dalle contraddizioni grottesche del nostro paese e mi piace scrivere nella mia lingua. Per ora purtroppo non ho motivi di rimpiangere, con rammarico l'Italia. Infondo poi ci torno spesso.

A proposito dell’Italia, malgrado Amsterdam sei un cantautore italiano raffinato con i tuoi testi appunto nella nostra lingua. Quindi in Olanda come si gestisce la tua identità artistica? Riesci anche a proporre dischi come questo Grancassa o ti dedichi solo ai tuoi progetti da sound track?

Mi piace "raffinato", grazie per il complimento. L'assurdo è proprio che nonostante quello che affermi, in Olanda vengo contattato (e pagato) per suonare la mia musica e cantare in italiano, io sono qui "lo stesso" Tenedle di quando vengo ad esibirmi in Italia mentre……. Ovviamente non posso pretendere di suonare ovunque ma ormai mi accade di esibirmi sempre più spesso e volentieri qui che da noi, dove se ti chiamano per suonare, se vuoi suonare, devi rinunciare a troppe cose, compresa la dignità a volte. Non parlo di cachet, di soldi, manca la competenza e la serietà di chi gestisce gli spazi e l'attenzione delle istituzioni che hanno semi distrutto la nostra cultura musicale sposando altre linee politiche, abbiamo raggiunto livelli davvero bassi. In Olanda scrivo prevalentemente musica per teatro. Ultimamente curo la produzione di altri artisti, lo faccio da apprendista cercando di imparare mentre porto avanti le mie idee, idee che ho sviluppato producendo i miei dischi. Nel frattempo Grancassa va benissimo anche qui considerati i tempi. Ci sono ormai diverse persone sparse per il mondo affette da "Tenedlite"e grazie a loro posso essere "lo stesso" Tenedle ovunque, son piccole (enormi) soddisfazioni !

Parliamone di questi tuoi progetti alternativi: partirà presto una rappresentazione teatrale olandese del Mago di Oz con le tue musiche e attualmente l’associazione Muse sta portando avanti il progetto Moby451. Che assetto ha Tenedle in questi simposi artistici e come componi?

Ho cominciato a scrivere seriamente per il teatro circa 7 anni fa e da allora si sono susseguite cose di diverso tipo, dalle rappresentazioni per bambini al teatro comico e drammatico. La cosa che ho scoperto è che questa "ginnastica", che difficilmente riesco a chiamare lavoro, è fondamentale per dar sfogo alla mia fantasia. Mi permette di spaziare e sperimentare suoni e stili diversi da quelli che prediligo per "Tenedle". Il teatro e il cinema ti offrono un nuovo "sogno" ogni volta e questo è ciò di cui ho bisogno per scrivere musica. Oltretutto se la storia mi entusiasma mi ci butto dentro senza salvagente. Sto lavorando adesso a questo "volutamente irriverente" non-musical ispirato al Mago di Oz, come accennavi, una cosina ironica e per un pubblico di famiglie alla fine, una cosina semplice ma intelligente. L'idea è quella di riprende i discorsi sonori sperimentati nel mio primissimo disco, "Psicfreakblusbus", accentuando i suoni "finti", quello che un tempo pensavo fossero suoni "sbagliati" (e usati in quel modo, lo erano) ma che pian piano una certa consapevolezza (e sperimentazione) ha rivelato un potenziale notevole. Quei brutti i suoni campionati di violini e strumenti a fiato che però sovrapposti, tagliati "male" e fatti suonare in modo meccanico creano un effetto surreale ma anche "familiare", diretto, un "carillon", un carretto musicale ambulante tipo il "Draaiorgel" come lo chiamano qui in Olanda. Beh, non voglio dilungarmi troppo ma confesso che questa "rivelazione" sonora potrebbe essere l'alba del mio nuovo progetto su disco (a cui cerco di non pensare)….. Il progetto MOBY451 mi rende particolarmente orgoglioso, molte delle musiche utilizzate nella rappresentazione sono brani tratti dai miei dischi e quindi c'è un bel pò di vero e proprio Tenedle . Lo spettacolo sta andando bene, è fatto bene e riceve grande attenzione, mi dicono anche grazie alle musiche. Spero di riuscire ad assistere ad una rappresentazione in teatro. Mi piacerebbe scrivere musica per un lungometraggio, forse scriverò prima la musica e poi qualcuno ci farà il film.

Ritorniamo a Grancassa alla ricerca di qualche curiosità. Cominciamo dal titolo, porta il nome dell’unico brano strumentale di questo disco. Come mai questa scelta?

Fino ad ora ho sempre optato per titoli con una sola parola, e "Grancassa" riassumeva, mi suggeriva molti accostamenti con cose inerenti al disco. La Grancassa è uno strumento "di strada", popolare, la mia idea è di aver fatto un disco "popolare" anche se ricercato, un disco che tratta si "di solitudine" ma anche di pellegrinaggio alla ricerca degli altri, del senso, di se stesssi, in strada dunque, con il "Tam Tam" per svegliarlo, questo torpore contemporaneo. La Grancassa, suono, battito che è presente dall'inizio alla fine del disco e rappresenta una costante. Suono che evoca il battito cardiaco, ossessivo e vitale, e proprio del battito cardiaco si parla in "Egocentrifugo" e non solo. La ciliegina, la scelta di intitolare così la traccia meno "rappresentativa" dell'album, fa parte di un mio vizio personale di cercare contrasti, di non concedere troppo all'evidenza, di distrarre oppure di creare il percorso più stimolante possibile per giungere a "sentire". Non mi piace raccontare e spiegare sempre tutto. Ho ancora l'illusione che ci siano persone che amano fare esercizi fino ad emozionarsi sul serio. Oggi c'è una tale svendita di emozioni che è necessario scavare più a fondo. Forse sto andando fuori tema, basta così.

Il video de La Cura del Suono nasconde aneddoti interessanti: compare Bellanera, il tuo corvo femmina addomesticato. È proprio vero? Vola intorno al grattacielo dove vivi e appare al richiamo fischiettato del refrain di La Cura del Suono…

Che cosa significa vero ? Non è già reale qualcosa se lo si racconta ? Nei giorni scorsi Bellanera si è ferita ad una zampina lottando con alcuni gabbiani per una patatina fritta. Ho temuto il peggio e l'ho brontolata, le ho detto che bastava chiedere a me e le avrei comprato tutti i giorni patatine. In questo paese le patate non mancano di certo. Si è adirata e non si è fatta viva per un paio di sere. Che paura. Poi sabato mattina l'ho trovata a sbirciare dalla finestra mente facevo un'intervista radio, è orgogliosa di me e dello strepitoso successo planetario "suo" brano. Trasmettevano proprio "La cura del suono" e ci siamo guardati negli occhi, così abbiamo fatto pace. Bellanera mi fa grande compagnia specialmente quando ho bisogno di recitare monologhi contro il resto del mondo. Non c'è niente di più vero in certi momenti.

E per concludere, in Italia? Quando e dove potremo apprezzarti in versione live?

Non so se usare questa domanda per farmi pubblicità o per demolire un intero sistema. Vada per la prima opzione, chiudendo leggeri, anche se implica la seconda, pesantissima. Credo di fare una toccata e fuga a Firenze, la mia città, quest'estate, ma sono ancora indeciso se venir giù da turista o con gli strumenti. In autunno certamente, almeno dalle premesse, tornerò a presentare l'album in Italia. Farò diversi set dal vivo in radio, cosa che abbiamo messo in stand-by la scorsa primavera proprio per cercare di abbinare nelle varie città tipo Verona, Padova, Brescia, Roma, Bologna e naturalmente Firenze alcune date live. Ho presentato "Egocentrifugo" (la performance legata ai brani di Grancassa) in Teatro, ma è ovvio che ogni location (magari alternativa ed inusuale) va bene, purché si possa suonare con soddisfazione, anche i salotti perché no. Mi piacerebbe scendere più a sud. Prima, ho una data imminente qui in Olanda e poi ricomincio ad ottobre anche per concludere la produzione del disco di Bender e la composizione per l'"Oz". Ad ottobre suono ad Amsterdam, Edam, Haarlem qui in Olanda e probabilmente in Lussemburgo. Stiamo pensando di presentare l'album in Italia eccome. C''è interesse e come ho già detto, io "ci sono". Per seguirmi "dove come e quando" ma anche per suggerire, invitarmi o reclamare c'è tutto lo spazio che volete sul sito www.tenedle.com. E anche la parentesi promozionale è chiusa.

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Armoteque - Find Position

2012-01-04T04:11:00.003-08:00

Un mosaico di pattern elettronici ma non ostici, non artificiali immersi in una scioglievolezza trip hop cristallina ed eclettica senza troppi straniamenti: a tratti sembra essere dub partenopeo depotenziato (verrebbe da pensare agli Yumma – re) impreziosito talvolta da una punta di lounge elettronico.

Un disco questo Find Position che è una pace dei sensi sul viatico leggero di atmosfere calibrate e filtrate fino alla purezza accompagnate da un mood spensierato sulla voce di Stefania Centonze. Sullo sfondo c’è una contaminazione che fa tesoro del melting pot della scena underground del laboratorio bolognese: Stefania Centonze in arte Vanilla Punk è stata la voce della band al femminile delle Mumble Rumble e il suo fido chitarrista Gian Luca Gaiba aka Boka ha avuto trascorsi nei Kurl Up a cui si è presto aggiunto Federico ‘Fred’ Bologna, ex tastierista dei Technogod.

Una miscellanea che tra tinte alla Portishead o alla Massive Attak porta a farvi un giro ancheggiato in down tempo su una tabula rasa elettrificata di atmosfere minimaliste e giocose che spaziano dalle parvenze noir di What You Feel al trip hop sublimato di Early Morning per un intreccio gustoso che scivola tra un pugno di brani degnamente riusciti come Loneliness, Metamorphosis e It Hurts tra atmosfere cangianti e un sapore che attinge allo psicopop di un’elettronica sapiente ‘umanizzata’ attraverso una folta ricerca nei testi che alla lontana in quanto ad influenze e contaminazioni ricordano gli equilibri anni ’90 della dance riflessiva degli Every Thing But The Girl.

Nei colpi di coda, come in It Hurts è da segnalare un bello strascico di alt rock alla maniera di Emilie Simone, Björk d’Oltralpe.

Per citare in chiusura la sala dei bottoni di questo disco, gli Armoteque vedono la collaborazione al mastering di Cristiano Santini, al secolo voce e chitarra dei Disciplinatha del punk rock emiliano anni ’80 – ’90 che qui, in un colpo di spugna abbandona il lisergico e il crudo delle sue tinte (come le sue ultime produzioni, Luminal, Ibrido_nX) per dare a questo lavoro tutto il suo afflato perlaceo, per lui una sorta di chicca, di offside.
Per gli Armoteque una grande prova di maturità sonora ben calibrata tra strumentazioni reali e compiuterizzate che non estraniano e un grande sguardo d’insieme su un microcosmo sonoro sviscerato per vie trasversali.

2010 – Black Fading / Goodfellas

TRACKLIST

Dirty hands
What you feel
Early morning
Drifting
Loneliness
Razor girl
Metamorphosis
Oblique
It hurts
Obviously
Position of the heart

GLI ARMOTEQUE SONO

Stefania Centonze aka Vanilla Punk - voce
Federico Bologna aka Fredbo - tastiere
Gian Luca Gaiba aka Boka - Chitarre
Claudia Giovannini aka Miranda - Basso
Vincenzo Broussard aka Vinny – Batteria

L’INTERVISTA

Un crogiuolo tra tinte dal sapore dei Massive Attack e Portishead fa capolinea nel vostro Find Position, un trip hop tutto elettronico. Come nasce questo estro?

Questo estro deriva dal fatto che non siamo propriamente dei giovinastri: avevamo vent'anni quando uscirono dischi come Dummy dei Portished o Maximoquai di Tricky, per citarne alcuni. Il trip-hop ci ha colpito nel nostro momento formativo e ci è rimasto dentro. Come, a nostro avviso, ci è rimasto dentro anche un'istanza più rock e acustica dalla quale tutti e tre provenivamo. Amiamo questo cercare di “mascherare” e rielaborare, contaminare ci piace dire, questa nostra anima rock con i toni scuri e deviati della grande ondata trip-hop degli anni '90.

Gli Armoteque nascono principalmente dalle ceneri dei Kurl Up e dalle Mumble Rumble, poi è arrivato Fred, ex tastierista dei Technogod. Quanto, ognuna di queste componenti del background passato ha influenzato questo nuovo progetto?

Si potrebbe dire che Armoteque nasce dalle serate di e tra musicisti che si incontravano ripetutamente nel background musicale bolognese già dagli anni ‘80. Io (Stefania) e Boka avevamo già lavorato insieme in un progetto di sperimentazione e la stima musicale reciproca ci ha tenuto sempre connessi. Siamo amici da tanto tempo e finalmente siamo riusciti a concentrarci su un progetto che mi piace definire maturo perché rielabora le nostre caratteristiche personali in una forma omogenea di musica che non dimentica le nostre origini ma non si vuole ripetere sterilmente.

Questo progetto musicale prende forma nel 2007, ma Find Position nasce a distanza di tre anni. Quali cantieri ci sono stati per tirare fuori questo disco?

Già da diverso tempo Gian Luca (Boka il chitarrista) si dedicava alla sperimentazione elettronica. Le tracce più trip-hop e cantabili le ha quindi proposte a Stefania (Vanilla Punk voce) per le ricerche delle linee vocali. In un secondo momento, con l’arrivo di Federico (Fredbo tastiere) che veniva da un background più elettronico, le tracce hanno preso la forma definitiva ma è stato tutto molto naturale. Non è stato un progetto pensato a tavolino; i brani sono nati spontaneamente, tra le righe dei nostri ascolti e delle nostre sessions, alcune elaborate tutti insieme, altre nate da idee dei singoli poi rimaneggiate e rielaborate coralmente. Questo è forse il motivo della lunga gestazione di questo album: siamo diventati lentamente una band, cercando di dare forma al progetto non decidendo i membri prima ma aspettando che i brani scegliessero gli interpreti...

Find Position sposa i patterns elettronici ma anche una freschezza trip hop agevole, quasi orientata ad atmosfere pop più che lisergiche, un pendio quasi pop giocoso, quasi acquatico e sussurrato talvolta...

Beh, non abbiamo molto da aggiungere: se è così che senti il disco, allora è arrivato il nostro messaggio, ne siamo davvero molto felici. Vediamo in effetti nelle tue parole le nostre influenze, i nostri ascolti e le nostre personalità, e cio' che per noi si definisce “innovazione”: riuscire a tenerli assieme e a fonderli in modo fruibile, significante e, perche' no si spera sempre, anche gradevole.

Eppure il lato psichico viene fuori attraverso la ricerca dei vostri testi. Come nascono?

Tutti i testi di questo disco sono stati scritti chiudendo gli occhi e lasciandomi andare dove la musica mi portava. Non avevo materiale pronto, è stato tutto suscitato naturalmente. Molte parole parlano di me, della mia vita, delle mie sensazioni, emozioni e riflessioni. Early Morning invece è stata scritta mente Boka preparava la saletta; attaccando e staccando cavi , aspettando che salisse il caffè e sentendo che quello era un posto naturale per noi, piacevole e creativo. Find Position mi ha ispirato per il titolo dell’album perché da una descrizione della società contemporanea, dei rapporti interpersonali, della difficoltà di comunicare e di trovare una definizione moderna dell’amore.

'Le Arti Malandrine'è stato il progetto che ha scoperto il vostro disco e lo ha prodotto. Come è nato questo sodalizio?

E' stato casuale: l’etichetta era alla ricerca di bands locali, autentiche ed appassionate e in una sera d’estate al De Marchi, al Pratello, ci siamo conosciuti e piaciuti. Da lì la decisione di pubblicare il demo. Era già praticamente tutto pronto, mancava solo un buon mastering che abbiamo prontamente trovato affidandoci all'ottimo Cristiano Santini.

Quanto ai vostri live, l'effetto elettronico dal vivo come si traduce? Non c'è differenza dalla tinta perfetta che si ha in studio di registrazione?

No, anzi c'è molta differenza. Ed osiamo dire che è anche voluto. Purtroppo con i pochi mezzi che abbiamo a disposizione per un live riprodurre fedelmente le tinte elettroniche dell'album implicherebbe affidarci al computer. Cosa che abbiamo fatto ma che sacrifica tutto l'aspetto emotivo di crescita e di pathos che può nascere durante un concerto. Quindi abbiamo deciso di cambiare rotta: il live è il live che ovviamente riproduce le nostre tonalità scure e ombreggiate ma che restituisce i brani del disco “rivisitati” in chiave se vogliamo più tradizionale.

Volendo darvi un auto giudizio, come vi sembra questo disco rispetto alle aspettative iniziali?

E' ovviamente un'opera prima. A volte troppo mediata (alcuni brani sono stati visti e rivisti innumerevoli volte) a volte troppo immediata. Però a nostro avviso riflette il carattere e lo stile Armoteque, in nostri colori e i nostri sapori, le nostre inquietudini ed i nostri limiti. Speriamo possa almeno incuriosire per conoscere le direzioni che potrà imboccare questo nostro percorso di sperimentazione e composizione, come ha spronato noi ad avere voglia di rimetterci prontamente in gioco.

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My Space

Letti Sfatti & Erri De Luca - Questa Città

2012-01-04T04:11:00.001-08:00

Ed. Testepiene
pag 111
€ 14,16

Questa città...ovviamente Napoli, città puttana, fumata senza filtro.

Il primo ancoraggio di questo lavoro a più mani e più arti è la presenza di Erri De Luca in veste di paroliere e scrittore, firma e garanzia assoluta, ma questo concept su Napoli è un concetto più ampio: un lavoro multimediale fatto dal reportage di fotogiornalismo firmato da Sergio Siano (fotoreporter de Il Mattino) e soprattutto le musiche del gruppo Letti Sfatti con la presenza di Patrizio Trampetti, storica presenza della Nuova Compagnia di Canto Popolare del Maestro Roberto De Simone.

Sodalizio non nuovo quello di Erri De Luca e i Letti Sfatti che già si incontrarono nel 2010 con il progetto Come Fiori Tra I Marciapiedi E L'Asfalto con l'aggiunta di Capone Bungt & Bangt, Peppe Barra e Daniele Sanzone degli 'A67.

Prima di tutto si tratta di un libro tratto dall'omonimo racconto in video. Tutto è alla luce di una Napoli plumbea, il verbo di De Luca la racconta così: se la città di Gerusalemme è così in comunicazione con il cielo tanto che, se dal cielo arrivasse una telefonata non sarebbe un'interurbana ma una chiamata locale. Napoli invece, è un purgatorio laboratoriale, con quel suo nome ''Nea - polis'', città nuova come Villeneauve, Neuestadt, New Town.
La Napoli di Erri De Luca è un misto di ottimo e atroce, aveva 18 anni quando il secolo ne compiva 68, in una Napoli assoggettata all'astinenza alcolica e sessuale della Sesta Flotta americana.
Era una città del sud del mondo, come Manila o Saigon: con le sue infanzie inesistente per adolescenze precoci e alta mortalità e ora che si è trasformata in una sfumatura del Nord con i suoi rifiuti e i suoi immigrati.

E' un Erri De Luca denso, uno spoken word in video poi fissato su carta, ma questa è solo metà della storia, l'altra metà, scolpita tra le fotografie di Sergio Siani è la musica dei Letti Sfatti, gruppo della provincia partenopea con Jennà Romano, Roberto Merangio e Mirko Del Gaudio che sulle note del loro brano concept Questa Città refrain di questo lavoro con tanto di video in formato virtuale con Erri De Luca, i Letti Sfatti, oltre a fare da colonna sonora del disco, portano alla luce un documentario tra libro e dvd sul 'dietro la nuca della città': spunta la periferia di Napoli tra l'Asse Mediano, Casandrino e il suo bar Kokalu presidio dei pakistani tra una partita di cricket e l'altra.

Dall'altro lato c'è anche un discorso, in funzione di critica sociale, dello status della canzone napoletana d'oggi affogata tra il neomelodico etichettato da chi la percepisce dall'esterno e le cover band che rubano la scena sui palchi della musica dal vivo e dove la canzone napoletana è diventata arboriana, la tarantella è diventata power, la melodia è diventata vetero, post melodica o pop -nap - sound.

Si tratta quindi di un progetto per riaffermare certi principi, certe origini, certe identità, per una Napoli oggi ridipinta con il sapore di lamiera tra foto bianco e nero e una silente atmosfera pasoliniana.

Voce di questi tempi, di una Napoli - cantiere considerata provinciale in attesa di un nuovo risveglio.

Cesare Basile - Sette Pietre Per Tenere Il Diavolo A Bada

2012-01-04T04:10:00.001-08:00

Certe volte la canzone è un asino che raglia e l’amore una storia troppo complicata… per lasciarla a voi.
Qui, sulle note di l’Ordine Del Sorvegliante, comincia una storia tutta siciliana, tutta intimista, una pietra che rotola ai crocicchi di terra rossa, cantautorato crooner a metà tra De André e un Vinicio Capossela di Sicilia e un moto perpetuo di suoni e ritmi incalzanti e ciclici. Sette pietre come ‘’la robba’’ di Basile al settimo album della sua discografia, lui che è uno dei cantautori storici della scena alternativa siciliana al suo diciassettesimo anno di attività. Lui che è una rosa di Gericho pronta a rifiorire nel bel mezzo de deserto.

È una storia dell’orgoglio del ‘kilometro zero’. Cesare Basile torna sulla scena, storie di musica fatta con la suola delle scarpe nel cuore di un mantra siciliano, per un disco quasi segreto promosso a suon di concerti nell’intera Trinacria nell’estro dello spirito del progetto L’Arsenale, una comunità di musicisti del risveglio dal sonno della Sicilia musicale laboratoriale d’un tempo come la Catania di Cesare Basile fiorita tra l’intellighentia di Virlizi.

Sette Pietre Per Tenere A Bada Il Diavolo è un reticolato di parole cantautorati e terra rossa. Un gioco di duende tra l’arido e il sublime, sviscera l’autenticità della terra madre di provenienza con interstizi che toccano la sperimentazione e un’ermeneutica fatta di diavoli e miseria, catene, padroni e liberazioni, esorcismi: un sapore senza tempo quanto con un retrogusto da critica sociale attuale.

Inizia con un down tempo sognante che comincia con un roots alla maniera sicula che mano mano si rimaneggia in un noise sperimentale che accoglie musicisti come Rodrigo D'Erasmo, Enrico Gabrielli, Roberto Dell'Era, Roberto Angelini che prima stride nel rock quasi stoner di Strofe Della Guaritrice fino a risvegliare echi d’orchestra, è questo il caso di Elon lar Ler concertata con l’Orchestra della Radio Nazionale Macedone per poi retrocedere e avanzare tra acustica e lentezza.
È un disco che concerne l’antico e la tradizione, vedi La Sicilia havi un patruni, omaggio ad un pezzo di Rosa Balistreri o la filastrocca di E Alavò, un tutt’uno che condensa un disco da colata lavica ombroso e oscuro ma a tratti agrodolce con in primo piano una sapienza chitarristica.
Pietra miliare senza dubbio, prima di tutto per la sua profondità senza cellophane della sua autenticità radicata, senza convenzioni.

2011 – Urtovox Record – Uno Mondo Press Agency

TRACKLIST

1. L'ordine del sorvegliante
2. Il Sogno della vipera
3. L'impiccata
4. Strofe della guaritrice
5. E Alavò
6. Elon Lan Ler
7. Sette spade
8. Lo scroccone di Cioran
9. La Sicilia havi un patruni
10. Questa notte l'amore a Catania

L’INTERVISTA

L'Ordine Del Sorvegliante è una dichiarazione d'intento: 'alle volte la canzone è un asino che raglia e l'amore è una faccenda troppo delicata'. Un disco fatto di narrazioni, contaminazioni sonore, essenzialmente intimo e tutto tuo.
Com'è nata la sua gestazione in un humus fatto di Sicilia, tinte scure e significati pregnanti?

Un disco mio, si. In assoluto quello che sento più vicino, come se mi fossi liberato di qualcosa e mi fossi ripreso qualcos'altro. Più di ogni altro lavoro questo è stato un prodotto dell'istinto, una necessità, che ha dettato le sue leggi, i suoi tempi, le sue storie. Un disco che è allo stesso tempo causa ed esito di un processo di superamento del dolore dovuto al distacco e all'esilio volontario dalla mia terra. C'è la Sicilia da cui sono scappato e quella a cui ritorno: terra, sangue e amore.

A Sicilia havi un patruni... in fabula: nel tuo disco c'è un omaggio a Rosa Balistrieri e Ignazio Buttita. Raccontami...

Non è un omaggio a questi due pilastri della cultura popolare siciliana, è un amaro rendersi conto di quanto una canzone scritta negli anni settanta continui a raccontare con precisione il dramma di una terra.

Dietro il velo cantautorale, suoni tradizionali e sperimentazione si mescolano in questo sincretico viaggio tra arcaico e presente che ti vede insieme a musicisti del calibro di Rodrigo D'Erasmo, Lorenzo Corti, Roberto Dell'Era e Roberto Angelini.Che atmosfera si è creata in studio?

Io sono uno che scrive canzoni e le canzoni hanno bisogno di buona musica e la buona musica si fa coi buoni amici. E' la storia di tutti i miei dischi. I miei amici sono la mia forza e la mia gratificazione.

Quest'album ospita Elon lan ler, storia di un diario di viaggio verso est, un brano arrangiato con l'orchestra della radio nazionale macedone a Skopje. Come è avvenuto questo sodalizio?

E' una canzone scritta da Frane Milenski Jezek, poliedrico autore sloveno di canzoni, scritti teatrali, libri per bambini, un personaggio scomodo e inviso al potere. Sono stato coinvolto nella realizzazione di un documentario sulla sua vita al quale ho partecipato traducendo e reinterpretando questa canzone. Lavorare con l'orchestra nazionale macedone è stato emozionante, non ero mai stato in mezzo a 64 elementi che suonano tutti insieme, la massa d'aria che spostano è impressionante.

Un aspetto interessante per un disco già di per sé intimi e siciliano, 'Sette Pietre' verrà presentato dal vivo esclusivamente in Sicilia nel progetto Ovunque in Sicilia-Cesare Basile tour organizzato da L’Arsenale, federazione siciliana delle arti e della musica. Una scelta forte e anche tante aspettative dal punto di vista di una performance 'indigena'. Cosa ci sarà di speciale in un tour come questo?

Di speciale per me ci sarà l'emozione di girare dappertutto in Sicilia cercando di raccontare le mie storie, storie che con questa terra si mischiano e da questa terra traggono ispirazione. E' un po' tornare sul luogo del misfatto e un po' riscoprirlo. Poi c'è un significato politico che è quello di vivere la Sicilia come terra di cultura che nella cultura può trovare un'arma di riscatto e dignità.

Per chiudere una curiosità. Sei catanese e l'amore per questa città è palese. Proprio in questi giorni ho sulla scrivania Hometown Catania, un documentario in cui appare anche Daniele Grasso che afferma che a Catania ormai manca quella scintilla rock che faccia la differenza, eppure nell'immaginario Catania è sempre un laboratorio cosmopolita.
Tu cosa ne pensi, che fermento noti attualmente?

Qui non si tratta di scintille. C'è un mondo intero da inventare, da mettere in piedi. Si tratta di avere la forza di immaginare un presente diverso. Mettersi in gioco in prima persona, guardarsi attorno e trovae le storie da raccontare. Non c'è rock and roll senza storie da raccontare, e in Sicilia ce ne sono tante, basta avere il coraggio di andarsele a cercare.

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MySpace
Per ascoltare l'album in streaming su Rockit

My Home Town Catania

2012-01-04T04:08:00.003-08:00

My Hometown - Catania TRAILER from Marco Pirrello on Vimeo.

Prendete una radio universitaria, una delle migliori in Italia, l’ammiraglia Radio Zammù dell’Università di Catania (e chi vi parla fa parte della Radio dell’Università di Salerno e conosce il lavoro di questi colleghi siciliani) mettetela insieme alla onlus Upress a sostegno del giornalismo universitario e il free press dell’ateneo Step1 nello specifico del suo laboratorio Inchieste e Videogiornalismo.

Tutti riuniti da un unico fine, realizzare un documentario low-cost sulla scena musicale catanese. La realizzazione di un dvd commerciale è un fatto non da poco, i proventi della vendita (9,50 euro) andranno alle attività di Upress.
L’idea è grandiosa, un documentario sulla scena indipendente del rock catanese partendo dalla vita e le esperienze dei gruppi Introversia, Mentire/Subire, Dossi Artificiali, Fermo Immagine, Narayan, Summertime tra gli alti e bassi artistici di una città che il Corriere del Mezzogiorno ha definito ‘una Seattle della musica’ che oggi brilla meno che negli anni 90’ quando, nel 1995, fecero capolino in città anche i R.E.M. in un concerto rimasto alla storia.

Ci si muove sui frame in presa diretta del regista Marco Pirrello (25 anni e una laurea in Scienze della Comunicazione) tra i live e i dietro le quinte dei giovani artisti di oggi. Un linguaggio scarno, naturale, e magari musicalmente da Consoli,Battiato, i Devono, Cesare Basile.

Eppure, in questo dvd fanno il suo ingresso due catanesi d’eccezione, Francesco Virlinzi ideatore della Cyclope Records e mecenate di Carmen Consoli, Mario Venuti, Flor, Brando, Nuovi Briganti, Amerigo Verardi, Teclo, Moltheni e Daniele Grasso: musicista, produttore, sound engineer, e collaboratore di - tra gli altri - Diego Mancino, Cesare Basile, Afterhours, John Parish, Greg Dulli, John Bonnare, Hugo Race e Waines e fondatore della Dcave records, lui che più di tutti sentenzia che, oggi, ai musicisti catanesi manca quella scintilla in più per fare la differenza.
E Hometown Catania è proprio questo, una ritrattistica, un po’ decadentista che medita sui suoi anni ’90.

In somme, bell’idea progettuale quella di questo dvd, ancora in fieri a livello contenutistico allo stato primordiale ma che ci ricorda un fattore importante, sdoganare la musica dalla rappresentazione geografica e contenutistica del Mei-centrismo…

PER ACQUISTARE IL DVD

Pajarritos - Sauce Wars

2012-01-04T04:08:00.001-08:00

Su Facebook c’è chi ha organizzato un mega party collettivo e in contemporanea mondiale per il 12 dicembre 2012. In attesa della (presunta) catastrofe della fine del mondo, il conto alla rovescia i Pajarritos lo scandiscono al suono di Pj Funk che a mano a mano si trasforma in progressive rock. E’ il capitolo conclusivo della loro trilogia discografica cominciata con The Sauce MoB (2007) e propeguoito con Sauce Invaderz (2008), con Sauce Wars. I Pajarritos vengono dalla provincia milanese ma il loro sound sembra una capsula spazio temporale che ci catapulta in insolite assonanze, dal Naples Power di James Senese e dell’Enzo Avitabile di Soul Express con tanto di piglio soul alla Quincy Jones. I colpi di sax e la voce di una vocalist versatile e spigolosa come ‘K’ tracciano il ritmo di questo disco tra funky e hard rock merlettato di progressive.

Al disco, degno di un’inedita freschezza collaborano in una veste melodica tutta nuova Fabio Intraina(fonico di Verdena, Perturbazione, Fiub e The Fire) e Maurizio Giannotti alla fase mastering (Afterhours, Figli di madre ignota, Punkreas...)
Tra i pezzi più significativi del disco, sono da citare i virtuosismi d’apertura di Pyramid. SI tratta di un disco profondamente orientato verso il ‘risveglio dal sonno’ delle coscienze, come dimostra Fu#k, un brano contro l’establishment discografico che ospita il rapper Yuri (rapper e cantante con Babel e Kuadra).
Nella caleidoscopica visione della band che passeggia con disinvoltura tra italiano e inglese spalmata su melodie tutt’altro che omologate, l’orizzonte gasa di hard rock le note di Dinosauce.

Un disco che nasce con mood di giocosità per terminare in veste epica in tragedia, prima sulle note soul come in My Funk, poi verso atmosfere brulle tra I’m Nutz e Progressive Sauce tra un effetto immaginifico apocalittico.
Sauce Wars è un disco spigliato e fluido che con un ottimo savoir faire, riporta in auge tinte rock un po’ accantonate nel tempo con un effetto vivissimo. Disco capolavoro.

2010 – unsigned/Self

TRACKLIST

Pyramid
Fu#k
Done With U
Ghost Upstairs
Pol’s Boutique
Dinosauce
My Funk
Giungla Di Sberle
I’m Nutz
War Never Changes
Sauce Wars

I PAJARRITOS SONO

Dr. BRU - Voce
K - Voce
JAVARNANDA -Lead guitar
POL - chitarra
DEWA - batteria
JOHNNY - Sax soprano
Mr. BAZU – basso
BLACK MAMBA – percussioni

L’INTERVISTA

Avete deciso di scandire questo disco al suono dell'apocalisse del 2012: l'atmosfera è un condenso mix tra funky che, perché no, un po' ammicca a James Senese e agli anni 80', sfiorando il rap fino a tinte prog e hard rock. Un terzo album con i fiocchi. Cosa vi ha portato a concepirlo così com'è?

Visti i tempi che corrono e considerato che con questo album arriviamo al termine di una trilogia il tema apocalittico si è imposto come inevitabile. Tecnicamente parlando non siamo gente a cui piace stagnare. Non ci piace e non ci interessa ripetere la solita lezioncina: per cui disco dopo disco abbiamo sempre cercato di fare cose nuove e di seguire l'ispirazione,col nostro stile e lavorando da artigiani,pezzo per pezzo.Non vogliamo essere compiacenti o crearci una nicchia. Vogliamo scuotere la gente via dalla sedia.Pezzo per pezzo.Come disse un saggio una volta :"Se se ne sta lì fermo immobile,non è Funk!" Questo è quello che cerchiamo di fare: Movimento.

Siete artisti autoprodotti tout court, 'al trend preferisco un anno con la mia band' dichiarate nel rap di Fu#k.Come ci si muove in questo orizzonte, quali sono i pregi di questa scelta consapevole?

Il pregio assoluto è che siamo padroni dal primo all'ultimo minuto delle nostre azioni e delle nostre idee. Possiamo creare quello che vogliamo, quando e come lo vogliamo. I nostri dischi sono PJ Funk al 100%,hanno il nostro marchio di fabbrica.Siamo autosufficienti da un punto di vista economico: Quello che guadagnamo dai live,dalla vendita dei dischi,del merchandising,viene reinvestito in nuovi progetti.Il lato negativo è che tutto questo ovviamente comporta fatica,fatica,fatica e sacrifici. E ovviamente siamo costretti a porci qualche limite ... ma insisteremo, almeno fino a quando non potremo permetterci un aereo personale per le tournée come gli Iron Maiden.

Eppure, tutto questo non vi ha fatto sfuggire l'occasione di entrare ai Tray Studio
di Inzago di Fabio Intraina (già fonico di Verdena, Perturbazione, Fiub e The Fire) e di avere Maurizio Giannotti (Afterhours, Figli di madre ignota, Punkreas...) al New MasteringStudio di Milano per la masterizzazione. Com'è nata questa occasione? E secondo voi, visto che qui si tratta di qualità, come queste collaborazioni,anche avendo in curriculum nomi da mainstream valicano la cesura patinata dello show business musicale?

Fabio e Maurizio sono nostri amici oltre che i migliori professionisti in assoluto che potessimo trovare. Non potremmo fare quello che facciamo senza il loro contributo,la loro esperienza...e la loro pazienza.Per quanto riguarda il fatto di "valicare la cesura patinata dello show business"...dovreste chiedere a loro come fanno: probabilmente gli alzano i pugni!

Abbiategrasso (MI) è la vostra base Houston, quanto aiuta il vostro estro musicale, per voi che amate sperimentare tante contaminazioni diverse? E nel gioco tra David e Golia aiuta la vicinanza a Milano o sono i piccoli centri a fomentare la musica di qualità?

Siamo gente rustica e ne andiamo piuttosto fieri. Di sicuro non abbiamo bisogno di stare in una grande città per fare quello che facciamo. In realtà la musica di qualità può stare da qualunque parte basta che ci sia gente disposta ad ascoltarla e a supportarla. In generale una cosa va detta : in tutta Italia c'è bisogno di più locali live e di meno serate DJ! In altri paesi c'è molta più abitudine ad andare ad ascoltare la musica dal vivo. Qui in Italia questa abitudine si sta perdendo...e i locali dove suonare sono sempre meno. E' questa la vera battaglia da combattere. I Pajarritos sono pronti a combattere.

Yuri (Babel e Kuadra) è stata una vostra guest che ha contribuito a portare al vostro sound un'accezione rap al vostro spirito funky. Qual buon vento?

Yuri è molto più di una guest star: è un fratello ed è un fuoriclasse,qualunque cosa faccia.

Un suono eclettico e cosmopolita, il vostro, e dal vivo cosa aspettarci dai vostri concerti?

Kappa (Vocal Diva) e Johnny Supersax (Supersax/Superewi) a grandezza naturale in tutto il loro splendore! Dr. Bru (Screaming Oracle), Javarnanda (Guitar Orchestra), Pol (Guitar Tandoori), Black (Ritual Tamburo) , Il Generale (Zep Tepi Drums) e il Sergente di Ferro (Sturbobass): ZEP TEPI IS NOW!

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My Space

Luminal - Io Non Credo

2012-01-04T04:06:00.001-08:00

Io Non Credo è il secondo album dei Luminal. Sarà presentato ufficialmente il 15 aprile all’Angelo Mai di Roma mentre intanto lo si può già ascoltare sul sito di Rolling Stones Magazine qui in anteprima.
Questo nuovo progetto ridisegna e perfeziona gli intenti del precedente Canzoni Di Tattica E Disciplina, un pugno di brani dall’estro da ‘nitzschian’ sull’inutilità della storia e le ceneri del 900’.

Io Non Credo è la naturale prosecuzione di quella ricerca con un concetto di continuità e maturazione artistica. Ieri come oggi, dietro i Luminal, nella stanza dei bottoni si muove Cristiano Santini (Disciplinatha) in veste di producer. In quanto a livello artistico, Io Non Credo suona come un lavoro più intenso e canalizzato del disco precedente con un focus maggiore sugli equilibri del disco per un impatto più nitido.
Nocciolo principale del disco resta l’intreccio delle voci di Carlo Martinelli e Alessandra Perna sui topos principi di irreltà come frammentazione dell’uomo e ateismo di fronte ad una nuova battaglia epica per la loro sconfitta crocifissi a colpi di bassi scivolosi e un mood battagliero.

La prima caratteristica che balza all’occhio è la presenza meno presente di un’attitudine screamo che magari si sposta verso un equilibrio noise come appare in vena trionfalistica sull’elettronica – punk di Signore E Signori Dell’Accusa che suona come un rituale d’iniziazione ai tralicci filosoficiumani troppo umani dei Luminal concretizzata nel cantico manifesto di Io Non Credo che offre la chiave di lettura del disco dalla voce di Alessandra Perna, che offre al disco l’impatto principe di maggior linearità e compostezza del progetto rispetto al passato. La maggiore fluidità del discorso è anche data dal suono più rockability e melodico di un punk che resta tale ma con maggiore apertura all’orecchiabilità, è il caso di Si Può Vivere che offre anche una maggiore melodicità alla voce di Alessandra che qui estrinseca le sue doti di urlatrice dalla voce spessa e rauca alla maniera di Rachele Bastreghi dei Baustelle ma con una tinteggiatura vocale più eterogenea.

Un po’ alla Giovanni Lindo Ferretti vecchio stampo è Non E’ Ancora Finita, Babyblue tra i riff che incalzano all’impazzata , viaggia su vele più acustiche Il Giorno Sulla Collina che naviga sui sentieri poetico – narrativi che accompagnano i Luminal che brano dopo brano creano quasi un breviario letterario con i filamenti di loro testi. A sorpresa, la voce di Carlo Martinelli, qui, più di prima si orienta ad uno stile più punk, salvo recuperare la sua vena cantautorale, stavolta un po’ alla Lucio Battisti sulle note sinfoniche di Niente Di Speciale, traccia outsider inconsuetamente ammiccante al pop. Ad essa fa seguito un ritorno alle note ‘classiche’ del disco con Alle Gegen Alle nel tono trionfalistico dove ‘la massa che ha perso, l’uomo che ha vinto dio rallenta, si ferma e lo spia, la voce afflitta ma l’uomo ha vinto, non va ancora via…’ in un vortice, che alla fine porta alla resa sul valzer dell’autocoscienza degli Zarathustra di oggi…

2011 – Black Fading/ Audioglobe

TRACKLIST

Signore E Signori Dell’Accusa
Io Non Credo
Si Può Vivere
Non E’ Ancora Finita, Babyblue
IL Giorno Sulla Collina
Niente Di Speciale
Alle Gegen Alle
L’Ultima Notte
Tutti Gridano E’ Finita

L’INTERVISTA (a Carlo Martinelli)

Sono passati due anni da Tattica E Disciplina, tornate sulla scena con un disco dal sapore più cristallino, sapiente, per certi versi anche più delicato. Com’è nata questa traiettoria?

Abbiamo cominciato a lavorare a questi pezzi nelle pause dai live di Canzoni di tattica e disciplina, e dentro credo ci sia rispetto al primo disco una maggiore visione d'insieme e più coscienza dei nostri mezzi, come è probabilmente naturale che sia con un secondo album. Avevamo le idee molto più chiare su quello che volevamo realizzare e dentro ci sta tutto quello che è diventato il nostro universo sonoro in questi anni.

Irrealtà e ateismo sono un po’ i capisaldi della filosofia di Io Non Credo. Cosa dire di più?

L'irrealtà di cui parliamo è figlia di quello che viviamo, la rivoluzione irreale, l'esistenza irreale che viviamo. Siamo parole scritte su internet, siamo avatar di noi stessi, siamo pensieri e informazioni che camminano e viviamo molto poco rispetto al secolo passato, ma anche rispetto a vent'anni fa. In questo siamo controvoglia figli del nostro tempo. L'ateismo invece è soprattutto un rifiuto nei confronti di una serie di "divinità sociali" più che di un Dio, appunto, da secolo passato. Non crediamo nei dogmi di questo mondo, che la generazione precedente ha costruito come se fosse l'unico possibile.

C’è una frase che in particolare catapulta tuttal la forza dei Luminal in questo quadro, versi di Alle Gegen Alle : la massa che ha perso, l’uomo che ha vinto dio rallenta, si ferma e lo spia, la voce afflitta ma l’uomo ha vinto, non va ancora via…

Attraverso le masse il potere politico ha conservato e consolidato se stesso lungo la storia, fino ad arrivare al collasso nel 900' con la perdita dell'idea di Dio e soprattutto del prossimo. L'imbecillità morale, la perdita di senso di responsabilità, di azione intelligente e di pensiero realistico non sono attributi umani, sono sintomi d'avvelenamento da formicaio.
Per la prima volta dall'inizio dell'umanità l'uomo è libero, ha accesso gratuito a tutta la conoscenza e per questo finalmente può preparare un ottimo sé e dedicarsi successivamente al vivere collettivo con un'identità compiuta.

Per quanto riguarda le vostre collaborazioni, ospiti del disco sono Nicola Manzan (viola e violino) e Andrea "Fish" Pesce (piano) come nasce questa collaborazione e soprattutto questo estro più classicheggiante rispetto al vostro rock dalle tinte scure che si respira nelle produzioni di Cristiano Santini?

Nicola abbiamo avuto modo di conoscerlo ai concerti di Bologna Violenta che adoriamo e seguiamo praticamente dagli inizi, e abbiamo anche diviso il palco di Villa Ada una sera con il Teatro degli Orrori.. è nato tutto in maniera molto naturale, noi volevamo tantissimo il suo violino e in qualche modo siamo riusciti a convincerlo, è stata un'esperienza a dir poco formativa assistere alla sua capacità di "entrare" in un altro universo sonoro. Andrea Pesce l'abbiamo incontrato all'Angelo Mai che è questo spettacolare spazio nel centro di Roma per teatro e concerti, gli è piaciuto il nostro live e pian piano abbiamo iniziato a collaborare insieme.. la nostra stima nei suoi confronti rasenta l'adorazione religiosa. Ricorderò finché campo quel pomeriggio in cui in una mansarda nel cuore di Roma ha fatto nascere il piano su "Si può vivere" e su "Tutti gridano è finita".

Il vostro disco sarà presentato il 15 aprile all'Angelo Mai di Roma, cosa ci aspetteremo da questo evento per quanto riguarda l’assetto live?

Ci sarà la nuova formazione dei Luminal, e qualche altra sorpresa. Siamo sempre stati una band "live", ci piace pensare che i pezzi suonino meglio dal vivo che sul disco e viviamo per i concerti.. per cui aspettatevi di tutto!

La foto della copertina è di Luigi Orru. Un piccolo scrigno, due parole in proposito?

La copertina nasce da un'idea folle e incredibile di Marco Filippetti, noi volevamo rappresentare visivamente l'unione irreale ed il disfacimento materiale di questo paese. Lui ha dipinto Garibaldi su quattro giacche nere (le stesse che poi verranno indossate da noi all'interno) Luigi Orru si è occupato di fotografare l'opera nel suo insieme, quindi la copertina, e noi mentre indossavamo le giacche, ha fatto un lavoro strepitoso e dobbiamo ringraziare queste due persone per la bellezza dell'artwork.

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Ibrido Xn - Non Ingerire

2012-01-04T04:05:00.001-08:00

Non Ingerire è il primo full length della band della provincia romana Ibrido Xn e di lavoro ibrido si tratta: mescola testi cantautorali e una miscellanea sonora che sfiora attitudini tappeti sonori alla maniera del doom metal negli equilibrismi di batteria e chitarra in primis intrecciati ad un largo uso di elettronica con sporadiche intermittenze lo fi, marasma efficace calibrato dalla guida di una voce fluida e netta di Germano “J” Tasselli che accompagna la coerenza di questo disco anche interessante sotto il punto di vista del songwriting.
Disco che non passa inosservato, la band ha alle spalle un curriculum di tutto rispetto: creazione di colonne sonore, miglior band al contest del M.E.I 2008 e un ep, Policarbonato trasparente, che incuriosì Cristiano Santini, leader della band cult dei Disciplinatha (C.S.I e Dischi del Mulo). Da quella folgorazione nasce questo disco sostenuto da Cristiano Santini in veste di produttore e Francesco Donadello (Giardini di Miro') al mastering ai Morphing Studios di Bologna.
Dieci tracce per un disco netto e conciso, senza pause e un marchio che lascia il segno. Non Ingerire si apre con lo psycosound a colpi di campionamenti acustici di All’Apice brano plastico che cede il passo all’impronta più punk noise di Io Non Voto, con tanto di semi inserto da Inno di Mameli in versione doom.
Il Seme Della Follia e L’Anno Del Toro è una ballata introspettiva che aggiunge lineamenti acustici ad un mood che quasi ammiccherebbe ad un orizzonte grunge ma sempre condotto dalla voce limpida di Tasselli: è la fase più ibrida del disco a livello di influenze musicali.

E’ all’insegna dello stream of consciousness Bolla, dall’atmosfera catartica, quasi richiama gli Ulver di Lycantropean Team,per poi affondare nelle maglie di un intemezzo tout-court alla Emidio Clementi dal sapore di spoken words.
Nella seconda parte del disco, La Giostra porta con sé un alone burlesque con qualche inserto di fiati, che, come nell’intro sinfonico di L’Odio dà adito a contaminazioni inaspettate. E sperimentale la fase conclusiva con Nel Buio con la sua elettronica più densa per concludersi con un brano da colonna sonora come Lo Specchio In Cantina dalle sembianze space rock.
SI tratta, nella sua ecletticità di sfumature di un progetto coerente con se stesso e davvero fondato su un’impalcatura sonora solida e una voce, quella di Tasselli che fa da ancoraggio e collante al disco.
Un’ottima prova d’autore per un rock intelligente che raccoglie una grande fetta trasversali di ascoltatori, dalla ballad ai virtuosismi rock.

2010 - Black Fading / Action Directe/ Audioglobe

TRACKLIST

All’Apice
Io non Voto
Il Seme della Follia
L’anno del Toro
Bolla
Solo il Bianco
La Giostra
L’Odio
Nel buio
Lo Specchio in Cantina

GLI IBRIDOXN SONO

Germano “J” Tasselli (voce, chitarra, campionatori)
Andrea Lucidi (basso)
Carlo Schiaroli (batteria, campionatori, cori)

L’INTERVISTA

Non Ingerire è la degna prosecuzione del vostro ep Policarbonato Trasparente. Due anni separano questi progetti, questo nuovo full length all'insegna dell'eclettismo. Com’è nato questo approccio tanto diversificato e trasversale?

Nasce dall’esigenza di esprimerci in maniera più completa, utilizzando più sfumature musicali, più atmosfere, più sonorità, senza chiuderci in un unico linguaggio. Era quindi giunto il momento di mettere a frutto anni di ascolto, ed assimilazione di tantissima musica, in pratica di qualsiasi genere che avesse del “rock “ nella sua matrice.
E ovviamente c’è tanto lavoro a nostro modo in sala prove….

‘Non Ingerire’, titolo particolare tra un’ atmosfera a tratti noir, lisergica e riflessiva. Cosa riassume un titolo del genere?

‘Non ingerire’ è una cosiddetta ‘frase di rischio’ riscontrabile su ogni prodotto nocivo in commercio….
A parte i giochi di parole, “non ingerire” è anche e soprattutto un invito a prendersi il giusto tempo per ascoltare le canzoni, perché la musica non dura quanto una gomma da masticare, diversamente da quanto propone la logica di consumo del mercato musicale.

Unità d’Italia: voi ci avete messo il vostro con una parafrasi dell’Inno di Mameli in versione punk rock sul dissenso politico e l’Italia di Giuda, si tratta del brano Io Non Voto. Com’è nato questo brano?

All’ennesima chiamata alle urne ci siamo scoperti in overdose da chiacchere pre-elettorali, e abbiamo avuto l’esigenza di gridarlo, ma senza troppa drammaticità… se ascolti bene la coda della canzone si sentono persino le note dell’inno

Una caratteristica fondamentale della vostra ricerca sonora è la dipanazione melodica e la relativa compattezza dei testi. Effetto suggestivo…Puoi raccontarmi?

Non abbiamo una metodo di lavoro ben definito quando viene scritto un brano , abbiamo invece di solito uno standard nel momento dell'arrangiamento, nel senso che sappiamo già di nostro , chi deve intervenire e su cosa. Durante la scrittura dei testi, che avviene in sincronia con le linee vocali insieme ai giri armonici del brano , può benissimo accadere che con 4 righe di testo riusciamo a dire tutto ciò che in quel momento ha un certo siano sufficienti ad esprimere ciò che vogliamo dire, in maniera a volte più diretta, a volte più ermetica, e con il giusto impatto emotivo. A quel punto sta alla parte strumentale, cui viene comunque lasciato un ampio margine di espressione, sostenere ed estendere le idee espresse nel testo.

La supervisione di Cristiano Santini al Morphing Studio di Bologna ha dato il suo contributo alla realizzazione di questo disco, in che modo vi ha aiutato ha portare fuori quel quid in più dal vostro lavoro?

Il contributo di Cristiano è stato fondamentale, lui per primo ha intuito le potenzialità “over indie” dei nostri brani, ed ha lavorato con perizia e partecipazione per dargli la veste sonora più adatta.

Tempo di bilanci: è passato qualche mese dalla pubblicazione di questo disco, qual è stato il riscontro complessivo e ora su quali traiettorie state cercando?

E’ passato circa un mese, i riscontri sono molto, molto soddisfacenti, per cui siamo più che mai impegnati a proporlo a quanto più pubblico possibile... passaggi in radio e suonarlo nei live club. Nel frattempo stiamo già al lavoro sui nuovi brani per il prossimo album…

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Blessed Child Opera - Fifth

2012-01-04T04:02:00.003-08:00

Post rock in acustica consacrato alla musica classica contemporanea, tra ascetiche fascinazioni tra il country rock d'oltreoceano e il jazzy , senza calcarsi di maquillages noise ed elettronici. Bentornati sulla scena, non aspettavamo altro.

Sono questi i Blessed Child Opera qui al loro quinto album, Fifth, disco esigente del suo ritorno sulla scena: l'album segna il ritorno di questo progetto dopo due anni di silenzio e dieci anni di carriera, svela il ritratto migliore di un Paolo Messere in un disco quasi solistico, nel suo progetto più caro e intimamente sentito, lui che ne viene dalle ceneri dei Silken Barb e dei tour di Ego Echo degli Ulan Bator e, più recentemente della produzione di dischi dalla dark wave spiccata come Fiumedinisi dei Marlowe e i Luminal. Foglio bianco, reset: torna il piacere di essere compositori in senso totalizzante ed etereo.

Fifth è un sussurro.
E' un progetto che fonde placida schiettezza tecnica e luminosità acustica tra loops poco invasivi e un'atmosfera ovattata tra malinconia e serenità ben incorniciata dal tocco magistrale degli archi di Fabio Centurione (celli/violini) del Teatro San Carlo di Napoli a cui si aggiungono come ospiti Luca Monaco dei Goose e Vincenzo Bardaro (batteria), Pericle Odierna (clarinetto), Antonio Sircana (piano/organio), Stefano Sotgiu (acustiche) e Valeria Sorce (voce).

L'impatto è inconfondibilmente rock, nell'incipit di Nothing Is In Place When It Should sembra si tratti di una ricerca strappata ai più idealizzati Tom Yorke o Richard Aschroft nella pace dei sensi in riverberi delay e un ritmo andante in un continuo cullare onirico senza andarsene per interstizi metafisici.Un disco concreto scritto e registrato tra Sicilia, Sardegna e Toscana in cui il partenopeo Paolo Messere, artista di razza, si intinge di atmosfere contrastanti ma senza sbalzi: fanno così capolino l'acustica american folk di Falling che assume con maestria una sorta di tocco new wave in versione acustica.

Su Close Doors il mood emotivo della voce di Paolo Messere ricorda Ian Curtis fino a scendere nelle note scure di Reflection After Nothing per un disco che prende una piego di psycosound regalando tra i suoi cristalli più preziosi brani come Ruby Light ritornando alla semplicità minimale con Between Us e Lonely Friends per un rush finale, quello sperimentale di Promised Circle assume contorni spuri di elettronica e free jazz, magari da scorcio sul futuro.

Un grande disco, c'erano tante aspettative per il ritorno in scena dei B.C.O che con Fifth portano alla luce un disco dall'apparente semplicità frastagliato di particolareggiature e una ricerca post rock complessa e intelligente che ammalia. Di sicuro tra i migliori dischi di questo 2011 sulla scena musicale indipendente.

DA ASCOLTARE.

2011 - Seahorse Recordings / Audioglobe

TRACKLIST

Nothing Is In Place When It Should
Falling
Closed Doors
Clear Sky Optimistic
Reflection After Nothing
I Will Find
Ruby Light
Between Us
Keep Me Tight
Never To Return On Your Steps
Lonely Friend
Promised Circle

I BLESSED CHILD OPERA SONO

Paolo Messere vocals, acoustic and electric guitar, loop station, electronics
Giacomo Salzano bass, loop station, electronics
Maurizio Vitale drums

DISCOGRAFIA ESSENZIALE

Looking After The Child (2004)
Happy Ark (2005)
Soldiers And Faith (2008),
Fifth (2011)

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lo streaming dell'album su Rockit

Myspace

Mauve - The Night All Crickets Died

2012-01-04T04:02:00.001-08:00

The Night All Crickets Died è un viaggio trasversale tra un amalgama new wave che recupera le tinte elettrificate degli U2 dai primordiali tempi punk rock alle raschiature di The Edge su Bullet The Blue Sky con un più nostrano ‘suono melodico emiliano’ alla Offlaga Disco Pax.

Il risultato complessivo? Un sapore indie noise mitteleuropeo con un contraltare tra atmosfere più intime e riflessività nei testi. I Mauve si snodano sulle voci dello spigoloso Carlo Tosi e della più delay Elda Belfanti surreale nelle sue atmosfere pastello in stile Sara Lov. Cantano in inglese, a tratti, quelli più granitici, assomigliano alla versione anglofona dei Luminal (altra band da tener
d’occhio sotto la produzione di Cristiano Santini, ex leader dei Disciplinatha) e qui il loro tratto di ricerca inconfondibile si compie.
The Night All Crickets Died è il loro secondo long play dopo Kitchen Love (2008) e una carriera iniziata nel 2005 a Verbania.

La bellezza del loro disco, trasversale agli ultimi trent’anni musicali della scena internazionale piace soprattutto per la sinuosa cornice di The Solitude Of The Ship che apre e chiude il disco.

Tra le atmosfere pregnanti spicca l’indie noise Ludovico, i sussurri di Summer Shade e gli squarci di Grasshopper In Your Hands ma con un’atmosfera complessiva che ha molte parentesi più lineari e d’elettronica acquerellata come nel caso di Black Dogs tra freschezza eniana e noise che ricordano Dopoguerra dei Klimt 1918.

Ottima miscellanea, componenti apparentemente discordanti che danno vita ad un sound intelligente molto frastagliato a livello emotivo con un ventaglio di sfumature e tonalità cangianti capaci di conciliare in otto brani un ventaglio cangiante davvero appetibile.

CONSIGLIATO

2011 - Venus Dischi / FaceLikeaFrogRecords

TRACKLIST

The solitude of the ship (part I)
Ahab
Ludovico (not an anthem)
Summer shade
Decay
Hang / over
Black dogs
The solitude of the ship (part II)

I MAUVE SONO

Carlo Tosi (voce, chitarra)
Alberto Corsi (chitarre)
Matteo Frova (basso)
Elda Belfanti (batteria)

L'INTERVISTA

Nei vostri cinque anni di attività, ciò che appare è che questo “The night all crickets died” è una svolta nella vostra discografia, è la naturale prosecuzione dopo la chiusura in studio di registrazione in versione analogica nello studio Bunker di Rubiera (RE) con Andrea Rovacchi (Julie’s Haircut, Slugs). Come mai questa esigenza?

Carlo: credo che la svolta di cui parli sia una naturale evoluzione di alcune nostre componenti, ora messe più a fuoco. Sicuramente avevamo voglia di essere più viscerali e aggressivi rispetto al passato. Penso che questo sia dovuto alle esperienze che come persone abbiamo vissuto nei tre anni di gestazione del disco: senza di queste forse il mood del disco sarebbe meno scuro.

Alberto: Esatto, le esperienze personali hanno influito molto in questo lavoro. Nel bene o nel male negli ultimi anni le nostre vite hanno preso delle direzioni diverse, e credo che questo aspetto nel disco si senta parecchio.

Questo nuovo disco, nel segno del firmamento indie noise riporta in auge equilibri new wave d'altri tempi, direi affini al punk anni 80' dei primi U2 fino a The Joshua Tree. Come nasce questa influenza new wave?

C: gli U2 mi piacevano quando avevo 12/13 anni.. Personalmente però parlando di post-punk anni 80' fra le mie influenze sento di più i Joy Division e un po' di New Order.

A: Personalmente di quel periodo ho ascoltato molto i Joy Division, e ancor di più i Pixies e il punk americano in generale.

Tra squarci e atmosfere plumbee, una caratteristica che vi avvalora sono queste intersezioni tra voci maschili e femminili, . Raccontatemi...

C: l'uso delle due voci l'avevamo già sperimentato nei dischi precedenti ma questa volta abbiamo voluto dargli più spazio. Elda ha una bella voce che si inserisce bene in alcune atmosfere dei pezzi dandogli una sensibilità molto particolare.

Elda: in Kitchen Love le due voci non si incontrano spesso: accade sotto forma di coro nei pezzi più tranquilli ma in modo talmente leggero da risultare quasi nascosto. C'erano i pezzi cantati da Carlo e c'erano i due pezzi cantati da me, dove per forza la batteria non era presente o entrava in un secondo momento. Le ore che abbiamo trascorso in sala prove improvvisando mi hanno permesso di osare di più, cantare anche mentre suono, sottolineare le melodie di Carlo anche se in quel momento sono alle prese con il mio strumento. Non sento più questa divisione netta mio / suo: la contaminazione e l'apporto di tutti ha preso il sopravvento. In futuro vorrei sperimentare ancora di più e non cantare solo sui lenti, sulle melodie delicate come Decay e Summer Shade, non voglio che i lenti mi vengano assegnati di default: risulterebbe ripetitivo e scontato. Re inventare la mia voce sarà la prossima sfida...

In queste vostre atmosfere alcuni contorni si delineano in maniera particolare, Decay ha un suond più morbido, The solitude of ship incornicia inizio e fine del disco e qualche scheggia punk alla cccp persiste in qualche interstizio... New wave ma anche eterogeneità...

C: certo! Ognuno di noi ha un background musicale molto vario. Sono pochi i gruppi che ci trovano tutti d'accordo. Questo fin dall'inizio ha permesso che ci sforzassimo di trovare un sound comune, risultato di ascolti eterogenei e lunghe sessioni di improvvisazioni. A posteriori forse si possono cogliere delle influenze ma non sono mai ricercate a tavolino prima di metterci a suonare.

A: I brani li componiamo senza pensarci troppo su, all’inizio non sappiamo quale direzione prenderanno, e alla fine il risultato ci sorprende sempre. Ma non cerchiamo mai di riferirci direttamente ad altri gruppi, anzi, mischiamo tutte le nostre differenti influenze.

Frova: Forse mi sbaglio, però secondo me con questo nuovo lavoro comincia a delinearsi una nostra piccola capacità di modellare la materia con cui ci confrontiamo. Avevamo in mente un progetto che esprimesse dei nostri determinati stati d’animo e, nonostante questo coinvolgimento estremamente personale, siamo riusciti a far sì che le emozioni non avessero il sopravvento sulla forma. La mano ha tracciato una linea dritta unendo i due punti, forse con qualche incertezza, ma senza dover mai tornare indietro.

Verbania è la vostra terra d'origine ma musicalmente vi districate in giro tra Piemonte ed Emilia Romagna, che rapporto hanno come pubblico ed ispirazione per la vostra musica?

C: Verbania non offre molto dal punto di vista musicale (locali, radio, pubblico, gruppi etc.). In questo senso è proprio l'opposto dell'Emilia che abbiamo conosciuto anche se non so se mi trasferirei: la nostra “lontananza” dai centri della musica alternativa italiana è compensata dalla bellezza dei luoghi e dalla tecnologia che ormai ti permette di comunicare molto facilmente. Inoltre la nostra nuova etichetta Facelikeafrog records è verbanese... qualcosa si muove anche sul lago dai!

A: Sì, nonostante la nostra città non offra tantissimo, non vedo altro posto in cui potremmo vivere e suonare. Sicuramente se abitassimo altrove avremmo un approccio differente nei confronti della musica, e non sarebbe assolutamente la stessa cosa. Alla fine, nel bene o nel male, le canzoni nascono qui, tra il lago e le montagne.

E: Mi aggancio a quanto dice Alberto: è l'approccio che risulta diverso nei confronti della musica. I gruppi “cittadini” ho notato che hanno questa necessità e smania di arrivare all'apice, il successo a tutti i costi, la fretta: sarà la claustrofobia, l'ambiente ristretto e sovraffollato... Qui tutto è più rilassato, il lago sembra rallentare tutto, gli spazi aperti...ed allo stesso tempo così vuoti. Sappiamo di trovarci in una situazione di svantaggio: è inutile impazzire e forzare gli eventi, è frustrante paragonarci a chi risiede altrove ed ottiene risultati migliori.

F: Nemmeno io mi sposterei tanto volentieri da Verbania. Credo che le suggestioni che ci offrono il lago e la montagna abbiano una certa ricaduta sui nostri pezzi, anche su quelli meno “docili”. Tieni presente che il lago non è poi così buono e bello. Se non stai attento ti prende e ti riempie come una bottiglia, e il postumo sei tu. Ecco, forse lascerei Verbania per un paese più piccolo, più all’interno!

Tornando ad un discorso a grandi linee sulla vostra discografia, abbiamo detto che questo è un disco di rinnovamento rispetto al passato, cosa, dunque del vostro vecchio stile avete accantonato e su quali piste cercherete di sviluppare il vostro sound in futuro?

C: con il nuovo disco ci siamo avvicinati di più alla forma canzone classica, strofa e ritornello, lasciandoci alle spalle le sperimentazioni strumentali in salsa “post rock” che avevano in parte contraddistinto il nostro esordio. La ricerca melodica è comunque stata sempre importante per noi e quindi lo vedo come un passo naturale di crescita. Per il futuro chissà? Probabilmente cambieremo ancora qualcosa perché non ci piace rimanere troppo uguali a noi stessi ;-)

A: Sicuramente il nuovo disco si differenzia molto rispetto al passato, ma trovo sempre dei “punti di contatto” con i lavori precedenti; c’è stata una svolta, certo, ma è stato tutto molto naturale, senza forzature. Quello che volevamo.

E: In fondo le sperimentazioni strumentali mi piacciono ancora, ma sento di voler abbandonare la delicatezza e le atmosfere malinconiche a “presa facile”.

F: Impazziremo, con un po’ di pazienza ;-)

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