Delirios de un Anormal

HERSCHELL GORDON LEWIS

2009-06-15T21:45:00.001-07:00

Herschell ha pasado a la historia como el padre del gore. Se graduó en periodismo en una universidad de Illinois, y sus primeros trabajos fueron como profesor de lengua en una escuela (con 20 años, era más joven que algunos de sus alumnos) y director de emisoras de radio y TV locales. Después comenzó a realizar unos cuantos anuncios publicitarios. Pero el dinero no era suficiente, así que Lewis pensó en realizar algunas películas que le proporcionasen más beneficios. Habló con David F. Friedman, quien tenía una pequeña distribuidora, y realizó sus dos primeros films. Tras ellos, Friedman se le une como productor asociado. Mientras Lewis se encargaba de la dirección y producción, Friedman sería el encargado de la distribución y promoción del film (influyendo también en el trabajo de Lewis), formando un tándem que pasaría a la historia del cine fantástico. Viendo el éxito que Russ Meyer estaba obteniendo con sus films, comenzaron rodando "nudies". Más de 30 según Friedman, de los que solo se conservan 7.
Pero ese género pronto se vería sobresaturado. La pareja necesitaba algo nuevo. Una noche, mientras veía un film de gángsters, Lewis pensó en que no era real que los tipos muriesen cosidos a balazos sin soltar ni una gota de sangre. La bombilla se enciende, y el gore nace como género. Con poco más de 24.000 dólares ruedan Blood Feast. La sangrienta carnicería recaudó varias veces su presupuesto. Sin dudarlo, pronto realizaron otro film repleto de sangre, esta vez más elaborado. El resultado fue 2000 Maníacos, que fue otro éxito pese a no alcanzar la taquilla de Blood Feast. Le seguiría otro clásico, Color Me Blood Red, que sería el último film de la pareja Lewis y Friedman. El segundo era consciente de que "competidores" como Russ Meyer estaban mejorando notablemente la calidad de sus películas, y consideraba que era necesario realizar un producto más elaborado si querían competir con ellos. Lewis, que no era seguidor de lo que se hacía dentro del cine independiente, opinaba que lo importante era hacer películas, una tras otra.
Rota la unión Lewis sigue dirigiendo sin su colaborador habitual, pero sus películas recogen cada vez peores críticas y menos público. Coincide con el auge de su compañía publicitaria. En 1972 filma su última película, the Gore, Gore Girls, poniendo fin a 12 años de carrera como director. Comienza aquí su completa dedicación al mundo de la publicidad, mundo en el que hoy en día es uno de los especialistas más cotizados del mundo, y tema sobre el que ha publicado dos decenas de libros, además de escribir columnas en varias publicaciones especializadas. Aún así, en varias ocasiones ha mencionado la posibilidad de realizar Blood Feast II. Cuando le preguntaron qué debería rezar su epitafio, Lewis resumió su carrera cinematográfica en una frase: "Vio algo distinto. Y lo hizo".
Lugar de nacimiento: Pittsburgh (EEUU)
Fecha de nacimiento: 15 de Junio de 1926

MARIO BAVA

2009-05-19T18:59:00.000-07:00

Sin duda, es el maestro del cine de terror Italiano y uno de los directores más importantes de todos los tiempos. Pese a una irregular filmografía, debido en todo caso a que en vida jamás se reconoció su arte quedando relegado en su última etapa a obras de serie B, Bava que trabajó con gente de la talla de Rosellini, Torneur, Walsh…

Mario Bava hijo del escultor y director de fotografía Eugenio Bava, nació en San Remo (Italia) en 1914 y murió en Roma en 1980. El niño creció en un ambiente lleno de inspiración perfecto para lo que seria después su cine su padre que había trabajado anteriormente en películas como "Quo Vadis" o "Cabiria ambas de Pastrone" y obras maestras del cine primitivo. Teniendo una base así es normal que su primera película "La mascará del demonio" sea considerada una obra maestra.

Antes de adentrarnos en la que sería su primera obra veo necesario señalar su primera incursión en el genero fantástico, al lado de Ricardo Fredda y de su discutida codirección en "I Vampiri" (1956), influenciadísima por Dreyer y su "Vampyr, la bruja vampiro". Cuenta la historia de una bruja vampiro que necesita la sangre de jóvenes para rejuvenecer y así poder adoptar la personalidad de su bella sobrina. La película cuenta con tintes lésbicos a mansalva de los que posteriormente se abusaría en la última etapa de la Hammer., y que la censura italiana no tardó en eliminar. Este filme influenció mucho en su opera prima.

"La mascará del demonio" (1960) Obra maestra instantánea donde su realizador contó con Barbara Steele que poco después quedaría relegada a papeles en cintas de terror y como la mejor Scream Queen de la historia del cine muy a su pesar, ya que muchas veces dijo que no le gustaban las películas de terror, y que incluso las odiaba.

Esta película es la influencia más incipiente en uno de los mejores realizadores de la actualidad Tim Burton, que muchas veces llega a plagiar la estética, onírica bella y terrorífica al mismo tiempo de "La máscara del demonio".
Y es que una película así no merece menos, porque Bava consiguió demostrarnos que el terror puede ser bello y romántico, y que la angustia y el terror no tienen porque ser desagradables, algo que muy a mi pesar confundió Fulci. Viendo los primeros planos de "La máscara del demonio" ya Bava nos adentra en un mundo nuevo, oscuro y tenebroso donde una bella bruja, Asa, será condenada a la hoguera y decidirá vengarse de todos aquellos que la quemaron junto a su amante también condenado a muerte. Dos siglos después, Asa vuelve a la vida gracias a la sangre humana. Éste será el momento de tomar venganza…

Bava aquí hace gala de su esplendida imaginaria visual, deudora del expresionismo y asentando firmes pasos del gótico italiano muy diferente del inglés con la Hammer a la cabeza. El gótico italiano se caracteriza por la voluptuosidad, la perfección de la puesta en escena, los primerísimos planos de las miradas, las catacumbas o la venganza de los amantes masacrados.

En los años siguientes se alejaría del terror haciendo algo de peplum, películas como "Esther y el rey" (1960) junto a Walsh, "La meraviglie di Aladino", "Ercole alcentro Della terra" donde tomó por primera vez contacto con Christopher Lee y que poco después protagonizaría una de sus obras maestras "El cuerpo y el látigo".
De esta epoca solo cabe señalar su acercamiento al peplum, que si bien lo impregnó de su estilo nunca alcanzó la perfección ni la calidad que con sus obras de terror.

"La muchacha que sabia demasiado" (La ragazza che sapeva troppo, 1962) supone un importante punto de inflexión en su carrera ya que con ella nace el giallo, del que Mario fue precursor e inventor, basándose en noveluchas baratas cuya tapa era de color giallo (amarillo). El giallo no deja de ser un thriller con elementos sobrenaturales o mejor un suspense con elementos fantasmagóricos, donde un homicida casi sobrenatural actúa asesinando como si concibiera una obra de arte.

En "La muchacha que sabía demasiado" vemos ciertos elementos del giallo pero aun no esta formado por lo que no deja de ser un mero precursor del género en sí.

Nora (Leticia Román) viaja a Roma a ver a su tía una vez allí es testigo de un asesinato. Cuando ella va a pedir ayuda es atacada por un demente y queda inconsciente, dándose el asesino a la fuga. Nora, una vez despierta, decidirá denunciar su situación a la policía pero nadie la cree. A partir de ese momento ella junto Dr. Marcelo Rossi (John Saxon) deberán resolver el misterio.

Es una mediocre película cuyo único deslumbrante acierto es el momento en el que la chica queda inconsciente viendo allí un estilo muy Bava, rápido, casi cruel pero hermoso: Ver como la chica queda inconsciente encima de un charco y como se hace de dia a través de éste no tiene precio…

Llegamos por fin a una de sus obras maestras "Las tres caras del miedo" (I Tre volti Della paura, 1963). Si anteriormente había trabajado con Lee ahora le toca a Boris karloff , anfitrión que nos presentará tres historias de terror en tono ascendente y por grado de sobrenaturalidad.

La primera "El teléfono" (Il telefono) en la que aparece Michelle Mercier (De la que se decía que era amante de la Steele) es un thriller muy en la línea Giallo en la que una muchacha se ve aterrorizada por la llamadas de un siniestro asesino. También cuenta con sus tintes lesbicos ya muy típicos en las películas de terror de esta época pero con la elegancia que caracteriza a Bava.

En "Los Wurdalak" (I Wurdalak), es un relato de vampiros inmensamente romántico, en la que un viajero es acogido en una casa en lo profundo de un bosque. Alli se percata de que el cabeza de familia Gorka (Karloff) ha salido a una caceria y aun no ha llegado, situación que inquieta a la familia ya que esta piensa que Gorka a podido convertirse en un vampiro/wurdalak, vampiro que necesitan el amor de sus familiares para convertirlos en criaturas de las tinieblas.
El acierto es crear situaciones de tensión constantes ya que nunca se sabe o sospecha quién ha podido ser convertido así como unos magníficos planos que sirven de ejemplo de lo que son "Las tres caras del miedo" como película. Si no, atentos al último plano de esta historia.

Por último, la mejor historia: "La gota de agua" (La goccia d’aqua). En la que una enfermera es avisada para que se haga cargo del cadáver de una anciana muerta durante una sesión de espiritismo. Mientras prepara el cadáver, aprovechando que la asistenta se ha marchado, le roba el anillo a la difunta, lo que provocará la ira de ésta desde el mas allá, con el inquietante sonido de la gota de agua.

Esta es sin duda la más terrorífica e inquietante historia, solo con ver la cara de la vieja, los contraluces, la vieja mansión, las cartas de tarot por el suelo, los sonidos de ultratumba…escalofriante…

"El cuerpo y el látigo" (La frusta e il corpo, 1963) es a mi parecer su mejor película. Aquí se encuentran todas las constantes de Bava, funciona muy bien y consigue enamorarte de algo tan terrorífico. La película cuenta la historia de Kurt ( Christopher Lee) que después de estar desaparecido unos años vuelve al castillo de su familia reclamando su herencia como primogénito. Su padre, que sabe que su hijo no es buena persona prefiere darsela a su otro descendiente quien está casado con una antigua amante masoquista de Kurt, Nevenka. Todo esto desencadenará una situación muy incomoda acrecentado por un antiguo suicidio por parte de la hija de la ama de llaves que también fue amante de Kurt. Una noche éste aparece muerto y la sombra de su espíritu se cierne sobre el castillo.

Esta película de Bava muy influenciada por Henry James, cuenta como siempre con una fotografía asombrosa, planos inquietantes, interpretaciones sobresalientes y un misterio sobrenatural que hacen los 90 minutos de metraje puro placer. Es su mejor película de obligatoria visión con un final alucinante. Cabe destacar todas las obsesiones del director así como mujeres bellas atormentadas con su pasado incapaces de desarrollar su amor por circunstancias sobrenaturales del destino.

La consolidación del Giallo llega con "Seis mujeres para el asesino" (Sei donne par l’assassino, 1964). Ambientada en el mundo de la moda donde se comete un misterioso crimen de una bella modelo. Lo que no sabían sus compañeras es que ésta había apuntado el nombre del asesino en un diario y que por temor a que no se sepan nada de sus vidas querrán eliminarlo, lo que provocará una oleada de maravillosos crímenes.

Aquí es donde nace el asesinato como obra de arte en cada uno de los crímenes rebuscadísimos, tanto o más que la casi incoherente trama, donde nunca se sabe quién es el asesino y qué es lo quiere. Pero esto no importa, porque Bava llega a momentos tan sublimes como la imitación de suicidio de la mujer sexta que resulta tan excepcional que hace que el resto de la historia nos de igual. Una vez má hay contraluces, lluvia intensa, el primer asesino enmascarado de historia del cine, y bellas mujeres dispuestas a morir para nuestro entretenimiento.
"Terror en el espacio" (Terrore nello spazio, 1965), antecedente clarísimo de "Alien" de Ridley Scott (1978) y que a éste no le preocupo mucho en imitar. Si hay habéis visto la obra de Ridley Scott, poco se puede decir ya de "Terror en el Espacio". Tal vez, que contaba con la presencia de Donald Pleasence y que cuenta la misma historia con menos presupuesto. Este film es también considerado como el primer scifi italiano.

Llegamos a otra de sus obras maestras y la última que desgraciadamente hizo "Operazione Paura" (1966)
A mediados del siglo XIX una niña es masacrada por un asesino en un pueblo de la Italia profunda. Ella está intentado pedir auxilio repiquetea la campana de la iglesia sin que nadie haga caso de su agonía. Años después, un medico llega a dicho pueblo investigando un nuevo y extraño crimen que al parecer no tiene ninguna conexión con la niña muerta años antes.

Base del nuevo cine de terror oriental y que Hideo Nakata se limito a copiar para su película "The ring" (Ringu,1996), en la que una niña demoníaca asesinaba a todos aquellos que veían un miserioso video siendo testigos de su crimen. Pero la mayor diferencia es que Bava dota a la película de una viveza debido al uso del color y una atmósfera, dando vida al pueblo como un personaje más dentro de la película. La comunidad, con esas brumas y calles desiertas es lo que lo dota de personalidad. Así como las mansiones oscuras y tenebrosas, las apariciones fantasmagóricas de la niña y el más puro terror gótico con personalidad propia. Eso, y que es infinitamente superior a "Ringu". Si bien, la diferencia más destacada sería la utilización de la tecnología como soporte sobrenatural a través de una cinta de video, que años antes había utilizado Spielberg/Hooper en Poltergeist (1982) a través de un receptor de televisión. En el caso de Bava tenemos a una médium mucho mas terrorífica. Es lo que tiene el terror gótico.

ARMANDO DE OSORIO

2009-05-19T18:27:00.000-07:00

Nombre: Amando De Osorio

Lugar de nacimiento: 1925, en A Coruña (España).

Nacionalidad: España.

Nació el 1925, en A Coruña (España).

Desde joven cultiva diversas aficiones como la fotografía, la pintura, el teatro y la escritura; se convierte en adaptador radiofónico de obras de Jardiel Poncela; al concluir la carrera de Periodismo inicia su labor como cortometrajista al tiempo que confecciona diversos No-Dos a lo largo de los años cincuenta; debuta en la dirección de largometrajes con La bandera negra (1956).

Amando De Ossorio fue un autor marginal dentro del cine fantástico español, donde desarrolló casi la práctica totalidad de su dilatada carrera en plena época franquista, con las limitaciones propias de la censura de aquellos tiempos. Realizador de una relación de películas sobre los denominados Templarios --caballeros invidentes de origen bretón surgidos de las cruzadas del siglo XIX-- que según el acervo popular, salían de sus tumbas con el ánimo de vengarse. La saga de los Templarios la conforman cuatro títulos: La noche del terror ciego, El ataque de los muertos sin ojos, El buque maldito y La noche de las gaviotas. Esta tretralogía estuvo inspirada a partes iguales por las leyendas de su Galicia natal, por la literatura de Gustavo Adolfo Bécquer (El monte de las ánimas, La cruz del diablo) y por títulos cinematográficos tan influyentes como La noche de los muertos vivientes (1969) o Río Bravo (1959). La primera de la serie, La noche del terror ciego, tuvo que ser rodada en Portugal al no poderse tratar un tema tan surrealista y atroz en su tierra de origen. Por otra parte, De Osorio, como suele suceder desgraciadamente en estos casos, ha sido objeto de tributo allende nuestras fronteras, en naciones como Alemania, reconociendo valores que en nuestro país no se ha apreciado o hemos sabido apreciar.
Murió el 1999, en España.

FILMOGRAFIA
# ''[[Serpiente de mar]]'', [[1984 in film|1984]]
# ''[[Pasión prohibida]]'', [[1980 in film|1980]]
# ''[[Las alimañas]]'', [[1976 in film|1976]]
# ''[[La endemoniada]]'', [[1975 in film|1975]]
# ''[[Night of the Seagulls]] (La noche de las gaviotas)'', 1975
# ''[[The Ghost Galleon]] (El buque maldito)'', [[1974 in film|1974]]
# ''[[Las garras de Lorelei]]'', 1974
# ''[[Return of the Blind Dead]] (El ataque de los muertos sin ojos)'', [[1973 in film|1973]]
# ''[[Boda en Lagartera]]'', 1973
# ''[[Centro nacional de promoción profesional]]'', 1973
# ''[[La Noche de los Brujos]]'', 1973
# ''[[Tombs of the Blind Dead]] (La noche del terror ciego)'', [[1971 in film|1971]]
# ''[[Malenka]]'', [[1969 in film|1969]]
# ''[[Escuela de enfermeras]]'', [[1968 in film|1968]]
# ''[[Arquitectura hacia el futuro]]'', [[1967 in film|1967]]
# ''[[La niña del patio]]'', 1967
# ''[[Pasto de fieras]]'', 1967
# ''[[I tre del Colorado]]'', [[1966 in film|1966]]
# ''[[La tumba del pistolero]]'', [[1964 in film|1964]]
# ''[[La bandera negra]]'', [[1956 in film|1956]]

- El extraño mundo de Ze do Caixao

2008-10-04T14:40:00.000-07:00

En el sur de América surgió un fenómeno único en la filmografía mundial: Zé do Caixão, un personaje siniestro surgido en pleno Brasil en década del '60, que es uno de los raros ejemplos de un monstruo con una identidad "local".

El cine fantástico ha mostrado decenas de monstruos relativamente "humanos": Drácula, Frankenstein, La Momia, Freddie Krueger son solo algunos de los más reconocidos. Todos ellos han sido llevados a las pantallas por estudios cinematográficos norteamericanos, generando mitos que siempre han caminado unidos al un fenómeno mas o menos comercial.
Sin embargo en el sur de América surgió un fenómeno único en la filmografía mundial: Zé do Caixão, un personaje siniestro surgido en pleno Brasil en década del ´60. Lo que diferencia a Zé de todo el resto de las creaciones de las películas de horror no sólo es que se desarrolló totalmente al margen de lo que conocemos habitualmente al cine como industria sino que es uno de los raros ejemplos de un monstruo con una identidad "local". Por que sin duda Zé do Caixão sólo pudo haber surgido en un lugar como Brasil, donde el catolicismo se superpone con las religiones afroamericanas y donde ciertos mitos se superponen con la realidad.
Zé do Caixão (traducible como José del Ataúd) es un empresario que se dedica al siempre provechoso negocio de las pompas fúnebres. Viste siempre de negro, con una larga capa y una galera, además tiene las uñas de unos 20 centímetros de largo, amenazadoramente curvadas como garras. Zé suele repartir su tiempo entre la búsqueda de la mujer ideal y el asesinato morboso sin motivo aparente.
Su primera aparición data de 1964 en À Meia Noite Levarei a sua Alma (A medianoche me llevaré tu alma). La película tuvo una interesante respuesta del público lo que generó una larga seguidilla de secuelas y el surgimiento de un mito popular alrededor del personaje. Zé tuvo su propia canción, su revista de quadrinhos (cómics) con una tirada de 200.000 ejemplares y su programa de TV. Según se cuenta, las madres solían invocar a Zé do Caixão cuando sus hijos se portaban mal.Un éxito increíble para un film de mínimo presupuesto.

El director José Mojica Marins fue el creador de Zé do Caixão. Según suele contar, la idea del personaje surgió en un sueño que tuvo. En esta pesadilla, Mojica era secuestrado por un hombre totalmente vestido de negro que lo obliga a ver escritas la fecha de su nacimiento y la fecha de su muerte. Apenas se despertó se puso a escribir el guión de A medianoche...
Mojica, quien ya había filmado algunas películas intrascendentes, estaba realmente convencido con su proyecto pero no pudo seducir a ningún productor para que apoye su film, por lo que decidió producirlo él mismo. Para eso vendió su casa, sus muebles y sus ropas (excepto la capa negra, por supuesto). Apenas le alcanzó para comprar quince latas de negativos de las cuales le robaron dos. Es así que en trece días y con trece rollos de película lograría filmar el debut de Zé. Tampoco consiguió ningún actor que quisiera encarnar a tan nefasto personaje por lo cual debió hacerlo él mismo.
El lugar donde filmó esta película fue un viejo gallinero de San Pablo, al que solían llamar "estudio". En cierto momento el guión señalaba una escena nocturna en un bosque, por cuestiones de iluminación no podían trasladarse a un bosque real, por lo que decidieron armar uno en su "estudio", para lo cual fueron al parque más cercano y arrancaron todos los arboles para acomodarlos en la parte trasera del gallinero, de no más de 2 por 4 metros. En ese espeso bosque hacían caminar al personaje dos pasos para luego cambiar de lugar los árboles y volverlo a hacer caminar haciendo pensar que estaba en otro sector del bosque. Aunque parezca mentira la escena quedó bastante creíble.
À Meia Noite Levarei a sua Alma es una película un tanto desprolija pero que muestra algunas de las escenas más perversas y dementes que se han visto en la pantalla. Zé es tanto un brujo como un justiciero y un psicópata, totalmente embarcado en su proyecto de encontrar la mujer perfecta, capaz de dar a luz a un hijo que pueda continuar con el legado de su padre. Para llevar a cabo su fin no duda en asesinar a cualquiera que se interponga en su camino y, por que no, alguno que pasara por el costado.
Mas o menos siguen la misma tónica sus films clásicos como Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver (Esta noche Reencarnaré en tu cadáver), O Estranho Mundo do Zé do Caixão (El Extraño mundo de Zé do Caixão) y Finis Hominis. En estas películas vemos escenas increíbles para la época: asesinatos, violaciones, necrofilia y antropofagia. Zé do Caixão es un personaje sin escrúpulos y sin remordimientos: niega la existencia de Dios (gran parte de las historias de Zé giran alrededor de lo religioso) e invita a sus amigos a comer un banquete consistente en manos y pies humanos. Si embargo es capaz de enternecerse ante la visión de un niño sufriendo.
Obviamente José Mojica Marins tuvo gravísimos ataques por parte de la censura brasileña que le quitaba muchas secuencias a sus películas.El caso mas duro lo sufrió con el de film de 1968 O Despertar da Besta (el Despertar de la Bestia) que no fue un film sobre Zé sino sobre "Las Drogas". El film fue totalmente prohibido e incluso se ordenó la destrucción de los negativos, recién se pudo estrenar en 1983. O Despertar da Besta es un film absolutamente bizarro, en donde vemos todas las desgracias que pueden producir las drogas. Las escenas lisérgicas de esta película son el paradigma de lo absurdo.Con respecto a las prohibiciones Mojica declaró: "era una persecución directa: Hacia un programa de TV y era censurado, grababa un disco de terror y la censura aparecía. Hacia teatro ¡Censurado! Me perseguían todo el tiempo, no podía pensar no podía hablar...". Probablemente esto lo decidió a partir hacia el interior de brasil haciendo proyecciones ilegales de sus películas dentro de carpas.

Poco a poco el personaje de Zé do Caixão se fue introduciendo en la vida de José Mojica Marins hasta que pareció que solo eran dos facetas de la misma persona. Mojica nunca quiso usar uñas postizas para interpretar a Zé por lo cual las uñas que se ven en las películas son las reales de Mojica que las lleva con él día y noche.
Esto es algo que produce una cierta incredulidad, al respecto Mojica siempre cuenta una anécdota sucedida en Araçoiaba da Serra, un pueblo del Brasil donde Zé hacía un espectáculo teatral: "Un espectador subió al escenario diciendo que esas uñas no eran naturales, yo me acerque a él mostrándole que eran reales, pero hijo de puta me arrancó una con la raíz y todo. ¡Y no pude pegarle porque en la otra mano también tenia uñas!".
Las uñas de Zé son una de las marcas características del personaje que obviamente terminaron siendo imitadas. Los productores de Pesadilla reconocieron que se inspiraron en el personaje brasileño para crear el famoso guante de Freddie Krueger.
En 1998 José Mojica Marins decidió cortar el vínculo con Zé amputándose las uñas que había conservado por casi 25 años. El evento mereció ser publicados en varios diarios del Brasil. En uno de ellos reconoció que tomo la decisión porque "las uñas me estaban atrofiando los dedos" y que "ahora puedo manejar, usar Internet y bañarme más rápido. Y voy a poder ponerme yo sólo las medias". Por lo menos Freddie se podía sacar el guante.
Una de las cosas que caracterizaba a Zé do Caixão era su pasión por las alimañas. En casi todas sus películas figuraban una buena cantidad de arañas, escorpiones y víboras que en general caminaban libremente por el cuerpo de las víctimas. Una escena realmente impresionante de Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver es la que Zé somete a cinco chicas secuestradas por él a la prueba de las arañas. Esta consiste en liberar a cerca de 500 de estos bichos en sus habitaciones. La toma se hizo con arañas reales y sin dobles. Así vemos a decenas de arácnidos de enormes proporciones caminando por los cuerpos semidesnudos de las víctimas. Por este tipo de tomas José Mojica Marins se decidió por eliminar los castings tradicionales para formar sus elencos, ya que lo importante no era que supieran actuar si no que soportaran a los bichos. Por eso lo que se hacían eran test que consistían en comer gusanos vivos, colocarse sapos entre los pechos, besar arañas, acariciar víboras y tomar con la mano cables de 110 voltios. Lo curioso es que nunca faltaron voluntarios para estas pruebas.

El cine de José Mojica Marins si bien fue muy popular poco a poco fue perdiendo el interés del público local, por lo cual, en la década del ´80 el director tuvo que cambiar de rubro para subsistir filmando películas pornográficas (tuvo el "honor" de filmar la primer película zoofilica del Brasil). Paradójicamente a la vez que crecía el descrédito local fue creciendo en todo el mundo un movimiento reivindicador. En EE.UU. (rebautizado como Coffin Joe) y en Italia (Joe Cassadamorto) sus películas empezaron a circular hasta convertirse un personaje de culto. El director Frank Hennelotter (Basket Case) afirmó que "José Mojica Marins es uno de los mejores cineastas en la historia del cine de terror". "Tengo certeza de que si À Meia Noite Levarei a sua Alma hubiera circulado por los Estados Unidos en el ´63 hubiera influenciado al cine de horror de la misma manera que La Noche de los Muertos Vivos" aseguró el escritor David Winters. La revista Cult Movies aseguró que "Mojica es el mejor director de horror del mundo". Mucho para un cineasta al cual la crítica local no sabía como definir: como un genio o como un débil mental. En los últimos años el cine de Zé do Caixão fue reivindicado en todo el mundo, haciéndose retrospectivas en los festivales cinematográficos de Sitges, Buenos Aires, Amsterdam, Fantasporto, etc.
En la actualidad José Mojica Marins tiene varios proyectos sobre Zé do Caixão, entre ellos una película que incluirá fragmentos de una operación ocular que sufrió él mismo y la creación de un museo propio en San Pablo donde colocará sus trajes, arañas y demás cosas usadas en sus películas.
Cuando se le pregunta por el futuro de Zé, Mojica responde: "Mi personaje será inmortal como cualquier otro personaje creado por los americanos y europeos, como Superman y Batman. Es un personaje del cine brasileño que, con mi muerte, proseguirá su camino". Lo único que pedimos es que ese camino esté muy lejos del nuestro. Después de ver Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver.

Artículo publicado en el sitio Quinta Dimensión

- Dario Argento

2008-10-04T10:44:00.000-07:00

No es de extrañar que el primer recuerdo que posea el director sea estar sentado en las rodillas de Sofía Loren, ya que Dario era hijo de Salvatore Argento, un importante productor cinematográfico de la Italia de la posguerra, y una fotógrafa brasileña. Desde muy pequeño compartió con su padre su afición al cine, encauzando sus pasos profesionales hacia el mismo, primero como crítico del Paese Sera, y después como asistente de Mario Bava, o guionista de films como la Hora de los Condenados o Hasta que Llegó su Hora (de la que escribió un par de escenas). Precisamente su labor como guionista llamó la atención de los productores, y en 1970 dirige el Pájaro de las Plumas de Cristal, un giallo al que siguen títulos de similar orientación como el Gato de las Nueve Colas o Cuatro Moscas sobre Terciopelo Gris.La mezcla de lo policiaco con elementos malsanos y sobrenaturales será una constante en la filmografía de Argento, como se comprueba en siguientes trabajos como Rojo Oscuro (donde por primera vez colabora con el grupo de hard rock progresivo I Goblin, que serían habituales en sus films a partir de ese momento) o Suspiria, el film que le consagra internacionalmente como uno de los maestros del terror moderno. Le seguiría Inferno, que junto con Suspiria forma parte de la inconclusa "Trilogía de las Tres Madres". Le sigue la producción de Zombie, de George A. Romero, en la que también participa como asistente de Romero en el guión, y compositor junto a I Goblin. Posteriormente colaboraría nuevamente con Romero dirigiendo una de las dos historias de los Ojos del Diablo.Como guionista, se le debe las historias de las hasta ahora cuatro entregas de la saga Demons, las primeras dirigidas por Lamberto Bava. Mientras films como Phenomena le siguen encumbrando como director, pese a que sus últimos trabajos (varios de ellos con la participación de su hija, la atractiva Asia Argento) han tenido dificultades de distribución en Estados Unidos, a veces por la acción de la incomprensible, imprevisible e imparcial censura norteamericana, que priva al público estadounidense del trabajo de uno de los directores más impactantes, imaginativos e interesantes del panorama actual, como han reconocido varios grupos y festivales cinematográficos.

FILMOGRAFIA

El pajaro de las plumas de cristal (l'ucello dalle piume di cristallo)(Italia, Alemania 1970) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Bryan Edgar Wallace, intérpretes principales: Tony Musante, Suzy Kendall, Enrico Maria Salerno, Eva Renzi

El gato de las nueve colas (Il gatto a nove code) (Italia, Francia, Alemania, 1971) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Luigi Collo, Dardano Sacchetti, intérpretes principales: James Franciscus, Karl Malden, Catherine Spaak, Pier Paolo Capponi

Cuatro moscas sobre terciopelo gris (Quattro mosche di velluto grigio) (Italia, Francia 1971) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Luigi Cozzi, Mario Foglietti, Bryan Edgar Wallace, intérpretes principales: Michael Brandon, Mimsy Farmer, Jean-Pierre Marielle, Bud Spencer

Le cinque giornate (Italia, 1974) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Nanni Balestrini, Luigi Cozzi, Enzo Ungari, intérpretes principales: Adriano Celentano, Enzo Cerusico, Marilù Tolo, Luisa De Santis

Rojo oscuro (Profondo Roso) (Italia, 1975) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Bernardino Zapponi, intérpretes principales: David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Macha Méril

Suspiria (Italia, Alemania 1977) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Daria Nicolodi, intérpretes principales: Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci, Miguel Bosé

Inferno (Italia, 1980) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, intérpretes principales: Leigh McCloskey, Irene Miracle, Eleonora Giorgi, Daria Nicolodi

Tenebre (Italia, 1983) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, intérpretes principales: Anthony Franciosa, Christian Borromeo, Mirella D'Angelo, Veronica Lario

Phenomena (Italia, 1985) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Franco Ferrini, intérpretes principales: Jennifer Connelly, Daria Nicolodi, Dalila Di Lazzaro, Patrick Bauchau

Opera (Italia, 1987) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, intérpretes principales: Cristina Marsillach, Ian Charleson, Urbano Barberini, Daria Nicolodi

Due occhi diabolici (Italia, Estados Unidos, 1990) dirección: Dario Argento, George A. Romero, guión: Dario Argento, Franco Ferrini, intérpretes principales: Adrienne Barbeau, Ramy Zada, Bingo O'Malley, Jeff Howell

Trauma (Italia, Estados Unidos 1992) dirección: Dario Argento, guión: Franco Ferrini, Gianni Romoli, intérpretes principales: Christopher Rydell, Asia Argento, Piper Laurie, Frederic Forrest

El síndrome Stendhal (La sindrome di Stendhal) (Italia, 1996) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Franco Ferrini, intérpretes principales: Asia Argento, Thomas Kretschmann, Marco Leonardi, Luigi Diberti

El fantasma de la ópera (Il fantasma dell'opera) (Italia, Hungría 1998) dirección: Dario Argento, guión: Gaston Leroux, Gérard Brach, intérpretes principales: Julian Sands, Asia Argento, Andrea Di Stefano, Nadia Rinaldi

Insomnio (Non ho sonno) (Italia, 2000) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, intérpretes principales: Max von Sydow, Stefano Dionisi, Chiara Caselli, Roberto Zibetti

Il cartaio (Italia, 2003) dirección: Dario Argento, guión: Dario Argento, Franco Ferrini, intérpretes principales: Liam Cunningham, Stefania Rocca, Claudio Santamaria, Fiore Argento

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