Un blog delu[XE]

Source Code

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Sun, 22 Jan 2012 11:07:00 +0000

Immagino che Duncan Jones sia il regista ideale per i produttori moderni: fa film con quattro soldi, risparmia su cast e set usando pochi personaggi e ancora meno ambientazioni e, nel caso paghi gli attori un tanto a parola, non scrive mai dialoghi superflui o ridondanti. E come se non bastasse, fa pure dei gran bei film.

Source Code è il suo lavoro più recente e si avvale di un cast più corposo rispetto al precedente Moon. Si tratta ancora una volta di un film di fantascienza, e ancora una volta è una fantascienza saldamente ancorata alla nostra realtà, che prende un elemento fantastico e lo inserisce nel contesto di una situazione realistica e credibile. In questo caso abbiamo a che fare con il programma "Source Code" (che non capisco perché non abbiano tradotto con "Codice sorgente" nel titolo italiano), una nuova tecnologia che sfrutta l'energia cerebrale residua nei deceduti per ricreare una sorta di realtà alternativa con la quale alcuni agenti possono interagire e Jake Gyllenhaal è uno di questi operatori altamente specializzati. E finiamola qui con la trama.

Il modo di fare cinema di Jones mi piace assai. Il suo è un cinema... educato, ecco, molto inglese per certi versi, che non si dimena scompostamente per attirare l'attenzione dello spettatore e non urla sguaiatamente per svegliare il pubblico assopito. Non ne ha bisogno perché, con il suo stile pulito e con sceneggiature che quadrano sempre il cerchio, è davvero difficile annoiarsi con un film di questo regista inglese. Anche gli attori si adeguano al suo stile compìto, perché Gyllenhaal e le co-protagoniste Michelle Monaghan e Vera Farmiga regalano interpretazioni intense, ma mai fuori posto né sopra le righe, sempre in sintonia con il regista e con gli altri attori. Quella che inizialmente sembra una rivisitazione in chiave thriller di Groundhog Day ("Ricomincio da capo" in italiano) si rivela essere un film profondo e complesso che non evita di affrontare temi che si sarebbero facilmente prestati a discorsi di retorica spinta; Jones invece li inserisce nel contesto della storia con il suo solito tatto e con un gusto cinematografico invidiabile. Source Code conferma quanto di buono Jones aveva fatto vedere con Moon ed è un sollievo, perché sarebbe stato un peccato scoprire che Moon era stato solo una botta di culo.

Unstoppable - Fuori controllo

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Fri, 20 Jan 2012 15:31:00 +0000

Tony Scott è quello che dei due fratelli fa i film ignoranti e fracassoni, ma che ci piacciono tanto e ci fanno divertire come dei pazzi. In Fuori controllo (no, non è quello con Mel Gibson) prende Denzel Washington e lo mette nei panni dell'addetto ai treni esperto e disilluso e gli mette a fianco quel marcantonio di Chris Pine nella parte dell'addetto ai treni con mansioni diverse da quelle di Denzel tanto bello, quanto irruento e testone. Loro malgrado, i due baldi eroi si ritrovano impegnati a dover fermare un treno impazzito lasciato libero di scorrazzare per i binari di non mi ricordo quale Stato americano (Pennsylvania?) prima che deragli da qualche parte e combini un disastro.

Con uno sviluppo dei personaggi pronfondo quanto una pozzanghera residuo di dieci minuti di pioggia leggera, Unstoppable è tutto botti, esplosioni, dialoghi un po' del menga e scene d'azione che, anche se spesso sai benissimo come andranno a finire, ti tengono lo stesso incollato allo schermo. È un orologio perfetto, ogni ingranaggio è oliato alla perfezione e fino alla fine è un film d'azione divertente alla vecchia maniera. Parte forse lento, un po' come un treno che ci mette un po' a prendere velocità (questa metafora è più profonda di qualsiasi cosa trovata nel film, ve lo assicuro), ma una volta partito non si ferma fino ai titoli di coda. E poi cribbio, c'è pure Rosario.

À bout portant

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Sat, 07 Jan 2012 16:30:00 +0000

À bout portant, che dubito sia mai uscito ufficialmente in Italia, non comincia non migliori dei modi: si apre con un inseguimento a piedi, con il signore nella locandina qui sopra nella parte dell'inseguito e due tizi armati di pistole impegnati a rincorrerlo giù per delle scale, poi in un parcheggio, poi su un ponte e poi basta che poi faccio SPOILER. Il punto è che l'inseguito è per tutto il tempo impegnato, oltre che a scappare, a tenersi una mano su una ferita che ha sull'addome e che sta sanguinando copiosamente. Quindi il suo passo è tutt'altro che centometrista. Eppure, per i pochi minuti della durata dell'inseguimento, i due tizi che lo rincorrono, che hanno un aspetto sanissimo e che non mostrano problemi fisici di nessun tipo, non solo non riescono a raggiungerlo, ma nemmeno ad avvicinarsi al loro bersaglio. Misteri della sceneggiatura.

A parte questo problema di sospensione dell'incredulità iniziale, questo film francese regala un'oretta e mezza scarsa di azione e intrattenimento di gran fattura. La tensione è dosata con mestiere e la storia risulta interessante e soprattutto credibile fino alla fine (e anche complicata al punto giusto). Fortunatamente gli autori hanno evitato i classici salti mortali per sorprendere lo spettatore e la sceneggiatura è solida e non lascia dubbi o buchi qua e là (a parte il misterioso inseguimento a elastico iniziale, ecco). Nonostante fosse facile cadere nella sua trappola, il film non esagera con la violenza gratuita, ma la conserva per i momenti che contano, aumentando di quel tanto che basta il livello da aumentarne l'impatto.

"À bout portant" è la storia di un uomo comune che si ritrova suo malgrado in una situazione eccezionale e della sua lotta per uscirne vivo, salvando anche la moglie incinta già che c'è. Non ha messaggi profondi o verità rivelate, ma è un film d'azione che fa quello che deve fare in maniera irreprensibile e senza sbagliare nulla o quasi (non inaspettatamente, pare che ne faranno una versione americana).

Le quattro volte

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Wed, 04 Jan 2012 13:10:00 +0000

Come primo post dell'anno nuovo mi sembra giusto parlare di un film come Le quattro volte. Non ricordo come ho scoperto della sua esistenza, ma ne ho letto bene e, nonostante dicessero tutti che era un film "artistico", ho deciso di dargli una possibilità.

Non lo avessi mai fatto.

La locandina in effetti avrebbe dovuto farmi venire qualche sospetto. "Le quattro volte" non è tanto un film, quando piuttosto un documentario. Ambientato in non mi ricordo più quale paesino montano calabrese, segue con pigra attenzione le vicende giornaliere di un anziano pastore e, [SPOILER] dopo la sua morte, la vita di un agnellino e poi di un pino trasformato in albero della cuccagna che infine diventa carbone. Non sto inventando, giuro che è così. Le velleità artistiche non mancano di certo al regista e autore Michelangelo Frammartino, e la fotografia è decisamente apprezzabile, ma è durissima guardare un'ora e mezza scarsa di immagini accompagnate da belati e poco più. Io ce l'ho fatta a malapena, ma confesso di aver passato buona parte del film a cazzeggiare su vari social network con lo smartphone, e sono arrivato alla fine giusto per curiosità perversa più che per reale interesse nel film. La sua rappresentazione delle varie fasi della vita è fin troppo metaforica per me, ammetto i miei limiti e dico che, per quanto poetico e artistico, a me ha abboffato le palle.

Blood Story

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Mon, 05 Dec 2011 22:40:00 +0000

Mesi di inattività sul blog, mesi di scazzo nella vita di tutti i giorni.

Comunque, dicevamo, Blood Story. Avrebbero potuto anche dire ai poveri traduttori italiani che avrebbero fatto ben due film diversi con titoli simili, eh. Così l'originale svedese Let The Right One In è diventato, abbastanza arbitrariamente, ma tutto sommato correttamente, "Lasciami entrare", mentre il rifacimento americano intitolato Let Me In è diventato [risata trattenuta a fatica] Blood Story. Ora, tralasciando le solite menate sui rifacimenti yankee di film in lingua non inglese, verrebbe da pensare che non ci sia molto da scrivere su Let Me In. E invece vale la pena di spendere due parole per questo film, perché il regista e sceneggiatore Matt Reeves, quello di Cloverfield, ha preso molti degli elementi positivi della pellicola originale e ne ha anche aggiunti alcuni di nuovi, facendo di Let Me In un film sufficientemente diverso da meritare di essere visto.

Sebbene trasferito geograficamente a Los Alamos, New Mexico, la storia si svolge ancora nei primi anni '80 e ha ancora come protagonista un dodicenne trascurato dai genitori divisi e tormetanto da tre bulli a scuola. Owen, questo il suo nome, stringe però amicizia con Abby, una strana ragazzina che si trasferisce nell'appartamento di fianco al suo. Ragazzina che è umana solo all'apparenza e che cambierà l'esistenza dell'adolescente.

Senza approfondire ulteriormente la trama, Blood Story conserva l'atmosfera originale, aggiunge qualche scena horror che non ricordavo nel film svedese e riesce anche a farci vedere con efficacia e tatto come cresce il rapporto di affetto tra i due protagonistim, in particolare in due scene molto belle (peccato che però anche in questo caso abbiano tralasciato la mia preferita del libro). Per certi versi, Blood Story è forse meglio perché lascia da parte alcune trame secondarie tratte dal libro e che in "Lasciami entrare" erano appena accennate e non appronfondite a sufficienza. Insomma, alla faccia di quelli che hanno sempre da ridire contro i remake americani, Blood Story si è rivelato un film all'altezza di "Lasciami entrare" e del libro da cui è tratto. Ebbravo Matt.

Rango

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Thu, 08 Sep 2011 17:00:00 +0000

Dopo la fortunata serie dei Pirati dei Caraibi, la premiata ditta Gore Verbinski / Johnny Depp torna sui nostri schermi con un film di animazione computerizzata, Gore dietro la macchina da presa e Johnny impegnato a doppiare Rango, il camaleonte protagonista. Mentre la Pixar prende pizze in faccia da un po' tutti i critici del mondo con il suo nuovo Cars 2 (che non ho ancora visto, ma nemmeno il primo mi era piaciuto particolarmente), gli altri hanno finalmente re-imparato a fare dei film come si deve.

Rango mette in scena la classica storia western (di cui riprende e reinterpreta anche l'ambientazione e i personaggi) dell'uomo solitario che trova una nuova comunità che lo adotta come eroe nonostante sia tutt'altro, finisce per rivelarsi il povero sfigato quale è, viene cacciato e finisce poi per redimersi (vabbe', spoiler, ma cribbio, si vede lontano un miglio dove andrà a parare il film). Quindi, tutto già visto e letto milioni di volte, ma è le variazioni sul tema sono originali e perfettamente in tono con l'ambientazione e i personaggi. Mi è piaciuto particolarmente come gli autori hanno reintepretato i personaggi classici del genere, come il fuorilegge al servizio dei cattivi o il saggio che dona perle di saggezza di difficile interpretazione (e doppiato da Timothy Olyphant).

Johnny Depp è un doppiatore eccellente e il suo Rango è un personaggio a tutto tondo, e anche il resto del cast (attori e animali comprimari) è all'altezza. Rango è un film di animazione estremamente piacevole, con una realizzazione tecnica che lascia davvero a bocca aperta, con alcuni dettagli che sembrano quasi reali, un'ottima regia e un uso dei colori davvero azzeccato. L'attenzione ai dettagli è minuziosa e ogni personaggio caratterizzato con grande cura.

P.S. Non ho idea di chi siano i doppiatori italiani, IMDb riporta quelli originali e non ho voglia di andare a cercare i nomi,

The Social Network

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Mon, 05 Sep 2011 02:00:00 +0000

Il titolo italiano avrebbe potuto essere nettamente "Il socialino" o "Il socialnè", invece hanno deciso di tenere quello originale yankee, peccato.

The Social Network è tratto dal saggio "Miliardari per caso" di Ben Mezrich ed è, in parole povere, la storia della nascita e dell'inarrestabile corsa verso il primo milione di utenti di Facebook, IL social network per eccellenza ormai. È anche la storia di Mark Zuckerberg e delle cause legali che il ventisettenne ha dovuto affrontare riguardo la paternità dell'idea alla base del progetto, in particolare con Eduardo Saverin, co-fondatore e finanziatore unico del social network durante i primi anni di attività, e i gemelli Vinklevoss e Divya Narendra, con i quali Zuckerberg collaborò per poco più di un mese a un progetto molto simile a Facebook, HarvardConnection, prima di abbandonarli e lanciare il suo social network con un tempismo molto sospetto.

Sceneggiato da Aaron Sorkin e diretto da David Fincher, che si conferma sempre di più tra i mie registi preferiti, The Social Network è una macchina cinematografica in cui ogni singola parte funziona in sincronia perfetta con tutte le altre. La sceneggiatura non sbaglia un colpo, non ha mai un un singolo passaggio a vuoto, fosse anche di pochi secondi, e ti incolla allo schermo dall'inizio alla fine come il migliore dei thriller, mentre la regia di Fincher è, manco a dirlo, splendida come al solito, precisa e funzionale alla storia e mai invadente.
Le sue due ore di durata sono ricche di dialoghi veloci e complessi che riescono comunque ad appassionare e spiegano con disarmante e inaspettata semplicità i meccanismi alla base di un social network come Facebook e i complicati meccanismi sociali e finanziari che si sono mossi dietro le quinte. Abituati a dialoghi sempre più didascalici e semplificati, The Social Network è una piacevole ventata d'aria fresca e dimostra come non sia necessario semplificare i film, ma come invece lo sia scriverli come si deve, e la sceneggiatura di Sorkin ne è la prova materiale.
Meritano un applausone anche tutti i membri del cast, a partire da Jesse Eisenberg, che dà una nuova dimensione al suo solito ruolo di sfigatino col cuore d'oro e dimostra di avere del talento vero, passando da Andrew Garfield nei panni di Saverin per arrivare allo splendido Justin Timberlake nel ruolo del vulcanico e irresistibile Sean Parker (il fondatore di Napster e Plaxo). Sono loro che danno vita e concretezza alla parole di Sorkin e sono tutti indistintamente bravissimi.

L'argomento di The Social Network potrà non interessare a tutti, in alcuni passaggi è quasi il sogno bagnato di qualsiasi nerd informatico, ma la qualità della sua regia e della sua scrittura non possono lasciare indifferente qualsiasi spettatore, appassionato di cinema o spettatore occasionale che sia. Va visto e basta. Più e più volte.

P.S. C'è pure la colonna sonora di Trent Reznor e Atticus Ross che ha vinto un meritato Oscar.

Ponyo

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Wed, 31 Aug 2011 13:10:00 +0000

Io non sono un fan sfegatato di Miyazaki. Cioè, mi piacciono i suoi film, li guardo sempre volentieri, ma non riesco a considerarlo uno dei miei registi preferiti. Nonostante mi siano piaciuti più o meno tutti i suoi film. O forse dico che non sono un fan per tirarmela e distinguermi da tutti i fissati con anime e simili che ci sono là fuori.

Sia come sia, ho visto di recente Ponyo, l'ultimo film di Miyazaki in attesa che nel 2012 esca il seguito di Porco Rosso. Come molti dei film del regista giapponese, Totoro su tutti per esempio, Ponyo ha una trama quasi inesistente. Sì, ok, c'è almeno nominalmente e racconta di una, boh, principessina del mare che vuole tanto diventare una bambina e che trova nell'amicizia e nell'affetto di un bambino di cinque anni la forza e la spinta per farlo, ma in fin dei conti la storia è l'elemento meno importante di Ponyo. Si ha quasi l'impressione che il film decida sul momento cosa fare piuttosto che essere il risultato di una sceneggiatura scritta e definita. Sì, perché quello che è realmente importante del film è la sua realizzazione estetica, la fantasia e la creatività che sprizzano da ogni disegno, la forza delle immagini che appaiono a schermo e la sinestesia che creano con la bellissima colonna sonora. È vero che le emozioni che ci comunicano sono semplici, infantili per certi versi, ma non mancano di coinvolgere.

Ponyo è un film che non puoi fare a meno di definire carino, in tutti i sensi, perché è tanto dolce da rischiare di cariarti tutti i denti e di farti venire gli occhi a cuoricino, e ti fa sentire l'irresistibile desiderio di abbracciare il televisore e per non mollarlo mai più. È decisamente un film per bambini più che per adulti, anche se un accenno di messaggio ecologista è sempre presente, ma può e riesce a essere piacevole anche per chi bambino non lo è più da un bel po' di primavere.

The Fighter

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Mon, 22 Aug 2011 09:00:00 +0000

Si fa fatica a credere che The Fighter sia ispirato a una storia vera, perché quella dei fratellastri Micky Ward e Dicky Eklund sembra la perfetta storia hollywoodiana, e non a caso il regista David O. Russell ha deciso di trarne una pellicola che nel 2011 è stato candidata all'Oscar come miglior film.

Dicky alla fine degli anni '70 combatté contro Sugar Ray Leonard; lui sostiene di essere riuscito a metterlo al tappeto una volta, mentre l'arbitro decretò che il pugile di colore era semplicemente scivolato. Alla fine, fu Leonard a uscire vincitore da quell'incontro che fu l'apice della carriera di Dicky, il quale finì poi per diventare un tossicodipendente (di crack, per la precisione). Micky invece è giovane e sano e, anche se sta attraversando un brutto periodo, ha ancora la possibilità di diventare qualcuno nella boxe, nonostante sia allenato da Dicky e debba sopportare la pressione della sua intera e squinternata famiglia, tra cui spicca sua madre e manager (una bravissima Melissa Leo), ma propria a causa delle persone che gli vogliono più bene, corre il rischio di non riuscire a realizzare il suo potenziale.

Nonostante una trama scontata e prevedibile, The Fighter riesce comunque ad appassionare. Molto del merito va sicuramente all'ottimo cast, tra cui spicca Christian Bale nei panni del tossicodipendente Dicky, ma anche Mark Whalberg e Amy Adams non sfigurano per niente. A voler essere maligni, si potrebbe dire che, sì dai, non è che The Fighter sia poi così diverso da Rocky, ma ciò non toglie che sia un film estremamente piacevole da guardare. Si potrebbe discutere a lungo se sia o meno materiale da Oscar, ma alla fine, chi se ne frega, dai.

Night Watch e Day Watch

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Thu, 18 Aug 2011 14:37:00 +0000

Prima di fare il regista tamarro in America con Wanted, Timur Bekmambetov faceva il regista tamarro in Russia. Nel 2004 e nel 2006 co-scrisse e diresse I guardiani delle notte e I guardiani del giorno, due film che mettono a schermo l'eterna lotta tra le forze del giorno e quelle della notte. La saga è basata sulla tetralogia di Sergei Lukyanenko, che include anche Twilight Watch e Final Watch.

Ambientati nella Mosca dei giorni nostri, le pellicole sono il classico mix di azione, personaggi pesci e dialoghi bizzarri. Bekmambetov non lesina su effetti speciali e grafica computerizzata, ma non sempre il risultato è soddisfacente. Il primo film, sebbene racconti una storia semplice e abbastanza scontata, mantiene un buon ritmo per tutta la sua durata e non esagera mai in nessuno dei suoi elementi costitutivi. Le scene di azione sono ben coreografate e la trama riesce a essere sufficientemente interessante fino alla fine del film.
Il secondo invece soffre della volontà del regista di prendere il prequel e aumentarlo in tutte le sue parti, durata inclusa che arriva a 2 ore e 11 minuti. La trama è eccessivamente complicata e la sceneggiatura confusa impedisce di poterla apprezzare fino in fondo. Si intuiscono elementi di interesse che meriterebbero di essere approfonditi, ma il regista salta da un personaggio all'altro e da una sottotrama all'altra troppo frequentemente. Anche gli effetti speciali soffrono dello stesso problema e risultano esagerati e confusi.

Wanted è un film di ben altra caratura, ma in Night Watch e Day Watch si vedono già le doti di Bekmambetov. Sono entrambi film imperfetti che peccano di troppa foga, soprattutto il secondo, ma rimangono due buone pellicole per gli appassionati del genere d'azione e riescono a non ammorbare lo spettatore nonostante la presenza dei vampiri.

Inside Job

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Thu, 04 Aug 2011 10:00:00 +0000

Nonostante in Italia si continui a negare l'evidenza, dal 2008 circa il mondo intero si trova in recessione. La causa scatenante della crisi fu il crollo del mercato finanziario americano che ebbe un effetto domino sui mercati finanziari di tutto il mondo, e come conseguenza diretta e indiretta, quasi tutti i settori dell'economia ne sentirono il contraccolpo.

Scritto, diretto e prodotto da Charles Ferguson, il documentario Inside Job ripercorre i passaggi che portarono alla crisi, spiegandoli in maniera più semplice e comprensibile possibile, e non manca di fare i nomi di quelli che, a modo di vedere dell'autore, furono i diretti responsabili del disastro economico. Con uno stile chiaro e informativo, come si conviene a un documentario di questo genere, Ferguson spiega come il mutuo non pagato da un americano del Kentucky abbia potuto mettere in ginocchio banche e agenzie di investimento con giri d'affari da centinaia di milioni di dollari.

Inside Job è basato su una tesi e il discorso narrativo dell'autore ruota interamente intorno a essa: la tesi è che l'assenza di controlli sulle operazioni delle banche ha permesso a quest'ultime di operare liberamente alla ricerca di guadagni sempre maggiori, senza il minimo riguardo per i propri clienti o delle conseguenze, con una riflessione a margine su un meccanismo interno che incentiva gli operatori del settore a prendere rischi in mancanza di un sistema che punisca gli errori. Al di là delle considerazioni politiche ed economiche su questa tesi e sulle argomentazioni di Ferguson, Inside Job è un documentario eccellente che pone domande dirette ai protagonisti, o per lo meno quelli che hanno accettato di farsi intervistare, e che mette in luce i numerosi conflitti di interesse e politici che si nascondono dietro le quinte.

Probabilmente coloro che hanno seguito la vicenda con attenzione non scopriranno molto che non sapessero già, ma l'analisi dei rapporti tra banche, politica e accademia americane è inquietante e getta numerose ombre sul futuro e Inside Job analizza in maniera chiara un capitolo importante della nostra storia recente.

127 Hours

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Mon, 01 Aug 2011 13:05:00 +0000

Leggi la trama di 127 ore di Danny Boyle e non sai bene cosa aspettarti. Un po' perché è dura immaginarsi come possa svolgersi e andare a finire la storia di Aron Ralston, con un braccio intrappolato per appunto 127 ore in un canyon americano con un braccio bloccato tra una pietra e una parete rocciosa, e un po' perché, come in Buried, non si sa come il regista riuscirà a riempire momenti di "nulla" che inevitabilmente si presentano in un film in cui la maggior parte del tempo è occupata da un attore solo in un'unica ambientazione.

Danny Boyle però non è l'ultimo degli imbecilli del settore e fa di 127 ore un'esperienza appassionante sotto tutti i punti di vista. Esteticamente, in particolare nella prima parte, toglie il fiato grazie a una fotografia e un montaggio magistrali. Non si può rimanere indifferenti di fronte a quei colori e a quelle inquadrature a volo d'uccello. Quando poi è Ralston, con la faccia di un bravissimo James Franco, a prendere la scena, il film diventa più intimista e onirico e, nonostante passetto falso di poco conto qua e là, trascina fino all'incredibile finale.

Come scrivevo altrove, 127 ore è un film che, nell'ordine, mi ha meravigliato, mi ha stupito, mi ha disgustato, mi ha fatto commuovere e mi ha fatto sentire sollevato. Boyle evita accuratamente di dipingere Ralston come un eroe, come un uomo fuori dal comune. La sua storia, che ricordo è reale, ha dell'incredibile ed è assurdamente appassionante; si può anche cercare di darle un valore simbolico, di caricarla di significati reconditi, ma è anche perfettamente godibile e apprezzabile come "semplice" storia di umana resistenza e voglia di vivere, la storia di una persona come tante che arriva a fare cose fuori dal comune pur di sopravvivere.

Green Zone

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Mon, 25 Jul 2011 09:00:00 +0000

Nel 2003 ci hanno riempito la testa con la storia delle "armi di distruzione di massa", la scusa usata da Stati Uniti e Regno Unito per invadere l'Iraq e liberare il popolo iracheno dalla tirannia di Saddam Hussein. O almeno è quello che hanno voluto farci credere.

Green Zone di Peter Greengrass, quello degli ultimi due Bourne, ci porta a Baghdad poco dopo la caduta di Saddam e con le forze americane impegnate nella disperata ricerca di quelle fantomatiche armi che avrebbero permesso all'amministrazione Bush di salvare la faccia e la decenza davanti alle Nazioni Unite e al resto del mondo. Matt Damon è Miller, un marine a capo di una delle squadre impegnate in questa caccia alle streghe che, dopo l'ennesimo viaggio a vuoto in una zona pericolosa di Baghdad in cui di armi di distruzione di massa non ce n'è nemmeno l'ombra, scopre piano piano che i giochi di potere dietro le quinte sono molto più complessi di quanto avesse mai potuto sospettare.

Green Zone non è brutto film, ma sa tanto di "compitino": è ben girato, soprattutto nelle scene d'azione, e ha un cast di buon livello che fa il suo dovere, però non riesce a coinvolgere più di tanto. Sarà forse per colpa dei personaggi scontati e tratteggiati con l'accetta o la storia che sì, è anche interessante, ma alla fine non riserva particolari sorprese, probabilmente anche a causa di una certa semplicità di fondo di tutto l'intreccio narrativo. Nonostante l'argomento trattato sia politicamente molto rilevante, forse Green Zone arriva troppo tardi per sfruttare adeguatamente l'onda emotiva che accompagnò quegli eventi e si riduce a essere un discreto film d'azione e un mediocre thriller politico che non ha il mordente necessario per lasciare il segno.

El secreto de sus ojos

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Mon, 18 Jul 2011 09:00:00 +0000

Il problema di vedere film che hanno raccattato premi a destra a manca è che, se non ti piacciono, ti viene il dubbio di non capirne una sega, di cinema. Il segreto dei suoi occhi è appunto uno di questi film, dato ha vinto l'Oscar 2010 come miglior film straniero e che ha esaltato un po' tutti o quasi. E che a me ha abbastanza annoiato.

Questo film argentino se la tira da poliziesco thriller drammone romantico politico per più di due ore e nella prima oretta circa riesce anche a essere abbastanza piacevole e interessante. Anche perché è il tipico film un po' paraculo con tutte quelle cose messe apposta lì per imbonire il pubblico, i dialoghi con le frasi a effetto che un utente medio di Tumblr ci campa per un mese, le inquadrature da protofighetti di scuola del cinema e un cast di attori tutto sommato bravi. Il problema è davvero la lunghezza, perché quello che succede in due ore poteva essere tranquillamente sfrondato e ridotto a livelli più accettabili. Il backgroung storico dell'Argentina della metà degli anni '70 è messo lì tanto per far scena e permettere agli autori di bullarsi con gli amici di aver affrontato la questione nel loro film, e anche la sottotrama romantica non aggiunge granché.

Nonostante i troppi passaggi a vuoto, soprattutto nella seconda parte, "Il segreto dei suoi occhi" ha un buon intrigo e una discreta, sebbene scontata, riflessione sul concetto di giustizia e sulle conseguenze delle proprie scelte, che però non bastano a salvarlo da un giudizio negativo. Se poi penso che ha vinto l'Oscar al posto di gemme come Das weisse Band e Un prophète...

Blue Valentine

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Thu, 14 Jul 2011 11:14:00 +0000

Blue Valentine è uno di quei film che vanno visti con una determinata predisposizione mentale al pianto e al tormento, ma con molta attenzione a non cadere nelle tendenze suicide.

È la storia d'amore di Dean e Cindy, una coppia sposata con una figlia che adorano. Il film alterna spezzoni dal loro passato che raccontano l'inizio felice della loro relazione ad altri ambientati nel non altrettanto allegro presente, come se il regista fosse alla ricerca, e noi con lui, del momento in cui le cose hanno cominciato ad andare male. Tuttavia, come spesso accade, non è così semplice identificare un attimo preciso, una parola, un evento che ha cambiato una relazione, e quindi assistiamo, impotenti come i due protagonisti, alla lenta e inesorabile disgregazione della coppia e del loro rapporto. Dean e Cindy cercano di salvare il loro matrimonio e il loro amore, ma ormai si sono allontanati troppo l'uno dall'altro e dalle persone che erano quando si erano innamorati.

Girato in maniera ostentatamente e talvolta fastidiosamente "indie", con telecamere a spalla e inquadrature scomposte, Blue Valentine ha quello stesso piglio voyeristico di Fish Tank che ci fa sentire come intrusi nella vita dei due protagonisti. Ryan Gosling e Michelle Williams sono fenomenali nei panni di Dean e Cindy e trascinano il film nei suoi momenti più lenti e faticosi. Blue Valentine punta tutto sul coinvolgimento emotivo e, in mancanza di quello, potrebbe deludere le aspettative.

Memories of Matsuko

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Wed, 15 Jun 2011 17:52:00 +0000

Film giapponese del 2006 che ho recuperato in seguito al consiglio di un amico e che, se non sbaglio, non è mai stato distribuito ufficialmente in Italia né al cinema né in DVD.

Memories of Matsuko racconta in flashback la vita di, appunto, Matsuko attraverso i ricordi che suo nipote raccoglie in seguito alla prematura e violenta morte della zia all'età di 51 anni (mi sembra). La donna, sorella del padre del ragazzo, sparì dalla vita della sua famiglia circa 30 anni prima in seguito a una serie di screzi e incomprensioni col padre e da quel momento in poi ebbe una vita movimentata e tragica.

Tratto dall'omonimo romanzo di Muneki Yamada, Memories of Matsuko colpisce soprattutto per la semplicità con cui il regista e sceneggiatore Tetsuya Nakashima riesce a mischiare toni comici e drammatici, passando dall'uno all'altro registro in pochi istanti e senza mai sembrare forzato o pretestuoso. La storia di Matsuko è particolare e decisamente fuori dal comune, ma lo stile narrativo di Nakashima, che mischia tra le altre cose musical con inquadrature e montaggi poco ortodossi, contribuiscono a fare di Memories of Matsuko un film esteticamente e narrativamente fuori dal comune.

Per un'ora e 40 minuti è un film bellissimo, che racconta di una persona che si oppone con tutte le sue forze alla tristezza e alla solitidine che sembrano tornare sempre nella sua vita anche quando le cose vanno bene, anche se magari solo all'apparenza. Peccato che il film duri in realtà due ore e 10 minuti, e anche se quella mezzora in più non arriva a rovinare il film, risulta comunque superflua e inutilmente didascalica. Nonostante questo, Memories of Matsuko è un film che davvero bello che merita di essere visto.

Lista d'attesa

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Sat, 11 Jun 2011 09:28:00 +0000

A me piace leggere e continuo a farlo con piacere, anche se da ragazzino lo facevo molto più regolarmente e oggi, tra Internet, socialcosi, serie televisive, videogiochi e mille altre forme di intrattenimento, i libri hanno molta più concorrenza. I tempi di conclusione dei libri si allungano a dismisura, ma arrivo sempre alla loro fine, in un modo o nell'altro.

Il problema, semmai, è la lunga lista di libri acquistati e in attesa di essere letti, perché nonostante abbia rallentato di molto i ritmi di consumo letterario, l'acquisto compulsivo di volumi reali e virtuali (sul mio fidato Kindle) è una pratica a cui non sono ancora riuscito a sottrarmi. I socialcosi poi sono croce e delizia a questo proposito, perché capita spessissimo di leggere i commenti positivi su un libro da parte di qualche utente e, al giorno d'oggi, comprare un volume e vederselo recapitare a casa è una questione di pochi click e pochi istanti. E la mia forza di volontà non può niente al riguardo.

Comincio ad avere talmente tanti libri non letti che forse dovrei iniziare a tenere una lista da qualche parte in cui segno accuratamente tutti quelli che ho in casa e che non ho ancora letto, che alla mia età la memoria non è più quella di una volta e corro il rischio di dimenticare qualcosa (o di comprare più volte lo stesso libro, convinto di non averlo ancora preso...). Poi succede che qualcuno menzioni un libro che hai a casa, se ne parli e la persona finisca per dirti quasi incredula: "Ma come, non lo hai ancora letto?! Cosa aspetti?!".
È proprio quel "Cosa aspetti?!" che mi mette in crisi. Scegliere il prossimo libro da leggere è difficile perché ognuno di essi si è meritato in qualche modo di essere sulla mia libreria o sul mio Kindle. Come faccio a iniziare a cuor leggero A Spot of Bother di Mark Haddon quando so di avere i volumi di The Walking Dead in attesa? E ogni volta che ne scelgo uno, posso quasi sentire lo sguardo di disapprovazione degli altri volumi, che si segnano sul loro libretto nero il mio ennesimo brutto gesto nei loro confronti. Ho paura che prima o poi ne aprirò uno e lo troverò con le pagine completamente bianche, per dispetto di averlo fatto attendere così a lungo.

Non temete, libri e fumetti miei, prima o poi vi leggerò tutti, lo prometto. Ma non mettetemi fretta, per favore.

Made in Dagenham

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Thu, 09 Jun 2011 15:09:00 +0000

Ahah, no, dai, sul serio.

Quello qui sopra è il titolo originale di questa commedia inglese del 2010. I distributori italiani, non sapendo come meglio renderlo nella nostra lingua, hanno optato per lo "splendido" We Want Sex, frase che appare fugacemente durante una scena e che ha ben poca importanza nell'economia del film. Scommetto che hanno pensato che mettere "sex" nel titolo avrebbe fatto correre gli spettatori al cinema. Pensare male è brutto, ma spesso ci si azzecca.

Comunque, dicevamo, Made in Dagenham. Nel 1968 la fabbrica di automobili della Ford di Dagenham dava lavoro anche a 167 donne, tutte impiegate nel reparto addetto alla cucitura delle fodere dei sedili delle automobili. In seguito a una disputa sul riconoscimento del loro stato di lavoratrici specializzate rispetto alla loro condizione di semplici operaie generiche, e quindi di avere diritto a una paga superiore, le donne scioperarono per tre settimane di seguito. Tuttavia, lo sciopero assunse una grande rilevanza storica perché mise in discussione la pratica diffusa in tutte le industrie di pagare meno le donne rispetto agli uomini, anche a parità di ruolo e competenze. Quella che cominciò come la semplice protesta di poco meno di 200 donne portò a una vera e propria rivoluzione nel mondo del lavoro che culminò nell'Equal Pay Act del 1970 che proibì definitivamente la disparità di trattamento in termini di paga e condizioni di lavoro tra uomini e donne.

Made in Dagenham è una commedia piacevole che ricalca un po' troppo pedissequamente il canovaccio delle storie di donne che prendono coscienza della loro condizione e delle loro capacità e lottano fino alla conquista di ciò che spetta loro di diritto. Se come film di intrattenimento funziona e ha dei momenti ottimi, grazie anche alle buone interpretazioni del cast, è l'aspetto storico del film a convincere di meno. Le azioni delle protagoniste ebbero un impatto enorme sulle condizioni di lavoro delle donne di tutto il mondo e le loro conquiste diventarono presto patrimonio di tutti i lavoratori. Purtroppo questo messaggio si perde tra le battute e le risate che il film regala ed è un peccato, perché spesso eventi come questo della nostra storia recente non sono raccontati adeguatamente.

Piranha 3D

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Fri, 03 Jun 2011 10:00:00 +0000

Tette, culi e sangue. Queste tre parole sono il sottitolo perfetto per Piranha 3D, colossal di serie B che non prova nemmeno per un minuto a prendersi sul serio e a cercare di mettere a schermo qualcosa di diverso da quelle tre paroline magiche che avete letto poco fa.

Oddio, uno straccio di trama la imbastisce pure, ma è talmente improponibile e improbabile che fa ridere solo a pensarci. Basti sapere che c'è un mucchio di piranha incazzati come delle iene (no pun intended) che si ritrova in una zona turistica durante la famosa pausa primaverile delle università americane, il che equivale per i voraci pesci a gambe, petti e braccia in abbondanza in acqua che non aspettano altro di essere sgranocchiati allegramente.

Pirahna 3D fa fondalmente ridere, anche nei momenti più [ROTFL] tragici e tesi, proprio perché gli autori si accontentano di prendere lo spettatore per i fondelli e si aspettano lo stesso identico trattamento da noi. Niente lacrimoni, niente drammi, niente paturnie, il film offre solo centimetri quadrati di pelle e carne umana staccata a brani da pesci famelici, il tutto condito da un sano senso di autoironia. Il grande cinema sta di casa decisamente altrove, ma per poco meno di un'ora e mezza, Piranha diverte in allegria, a patto di non essere troppo schizzinosi e di non soffrire la visione di abbondanti fiotti di sangue.

The Crazies

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Mon, 30 May 2011 10:05:00 +0000

Prendiamo fiato insieme per leggere il titolo italiano: La città verrà distrutta all'alba. Lo so, non è stato facile, ma ce l'abbiamo fatta.

Questo film del 2010 è un remake della pellicola omonima di Romero, che fa da produttore in questo caso, del 1973 e che io non ho mai visto. Mi dicono non fosse poi tutto 'sto granché ed è quindi un po' a sorpresa che questo nuovo The Crazies si rivela un gran bel pezzo di horror.
La storia è quella di una tranquilla cittadina rurale americana che diventa lo sfortunato teatro di una serie di bizzarri e mai visti prima casi di follia omicida, prima isolati e poi sempre più diffusi. Senza rivelare troppo della non certo originale trama, il film regalerà tensione, sbudellamenti e complotti governativi nelle giuste quantità.

Proprio perché il materiale di origine non era certo tra i lavori migliori di Romero, The Crazies sorprende per la sua ottima qualità. Il regista Eisner gira un film solido e ben ritmato e dosa con mestiere gli spaventi e la tensione, senza mai esagerare e scadere nello scontato. Il film è visivamente ben realizzato, piacevole da guardare, con un cast solido e non ha un momento sprecato o banale per tutta la sua durata. Io non sono un amante dei film horror generalmente, ma ho apprezzato tantissimo The Crazies, forse perché punta più sulla tensione e il ritmo più che sulla paura e perché gestisce in maniera eccellente la questione delle origini del virus e dell'intervento del governo per contenere l'epidemia.

Winter's Bone

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Sun, 08 May 2011 15:51:00 +0000

Ree è la protagonista diciassettenne di Un gelido inverno, film indipendente co-sceneggiato e diretto da Debra Granik. La ragazzina è la colonna portante della sua famiglia: il padre è sparito in seguito alle accuse di essere un fabbricante di metanfetamina, la madre è poco più di un vegetale, non parla e non reagisce agli stimoli esterni in seguito a un non meglio precisato trauma e tocca a Ree accudire il fratellino e la sorellina. La famiglia vive sull'Altopiano di Ozark in una comunità chiusa e ostile, un mondo così alieno per i forestieri da sembrare quasi irreale. Se le cose non fossero già abbastanza dure, Ree e la sua famiglia rischiano di perdere la loro casa se il padre non si presenterà in tribunale da lì a pochi giorni... oppure se si avrà la conferma ufficiale della sua morte.

Ree, interpretata dalla bravissima Jennifer Lawrence, combatte in un mondo di adulti nel quale persino i famigliari sono dei nemici potenziali. La ragazza si scontra con un misto perverso di solidarietà e ostilità che sembra sempre a un passo dallo sfociare nella violenza. La regista dirige quello che inizialmente sembra un dramma famigliare, ma che poi si avventura con successo dalle parti del thriller noir. Spinta da una forza interiore incrollabile e da una tragica mancanza di alternative, Ree non si arrende e lotta per il bene dei suoi fratelli e di sua madre.

Sebbene i toni siano cupi e a tratti deprimenti, la storia di Ree comunica un velato e inaspettato messaggio di speranza e calore famigliare. Il film è intenso e, manco a dirlo, decisamente consigliato. Basta non pensare di farsi delle grasse risate mentre lo si guarda.

Easy A

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Tue, 03 May 2011 10:30:00 +0000

Cominciamo il post con la solita lamentela per il titolo "italiano", Easy Girl, che fa perdere il riferimento a "La lettera scarlatta" e usa il solito triste inglesismo per attirare i tordi? Ma no, dai.

Easy A è una commedia giovanile omaggio ai grandi classici del maestro del genere, John Hughes, ma anche a perle come "Schegge di Follia" e, perché no, "Pump Up The Volume". La protagonista è Olive, una diciassettenne che fa l'errore di raccontare a un'amica di aver un appuntamento con uno studente universitario immaginario pur di non andare in campeggio con lei e la sua famiglia. Da questa bugia innocente scaturisce una tempesta di menzogne di cui piano piano Olive si ritroverà prigionera suo malgrado e che coinvolgerà l'intera scuola.

Easy A è decisamente un film indovinato in tutti i suoi aspetti: il cast di personaggi di supporto è splendido, con in testa la famiglia di Olive che spicca per la presenza di un sempre meraviglioso Stanley Tucci che è dio qualsiasi cosa gli dicano di fare, la sceneggiatura combina perfettamente il racconto in flashback con i passi al presente, e l'umorismo è sempre piacevole senza mai scadere nel greve o scontato. Ma quello che lo eleva al di sopra della concorrenza è la presenza di Emma Stone nel ruolo di Olive, che si conferma bellissima e bravissima al suo primo ruolo da protagonista in un film di una certa importanza.
Easy A ricattura alla perfezione lo spirito di film come "Un compleanno da ricordare" e "Breakfast Club", modernizzandolo e adattandolo ai nostri tempi. Non solo, riesce anche a fare riferimento a "La lettera scarlatta" contestualizzando il famoso libro in una storia che, solo all'apparenza, non ha nulla a che spartirci.

Insomma, Easy A è uno di quei film che guardi con il sorriso stampato sulle labbra dall'inizio alla fine e che ti lascia di buon umore per il resto della serata.

The Kids Are All Right

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Sat, 30 Apr 2011 12:23:00 +0000

Altro film sulla famiglia, dopo City Island di qualche giorno fa. La famiglia di I ragazzi stanno bene è un po' più atipica perché formata da due mamme lesbiche e due figli adolescenti, una diciottenne che sta per andare al college e un quindicenne.
La loro vita scorre tranquilla e felice fino al momento in cui i due figli decidono di rintracciare all'insaputa delle genitrici il loro padre "naturale", il donatore dello sperma che le due madri selezionarono alla banca e con il quale una delle due rimase incinta. Come è logico aspettarsi, l'arrivo dell'uomo nella routine quotidiana della famiglia creerà problemi e porterà alla luce malumori latenti in tutti i quattro componenti.

Sebbene abbia ricevuto giudizi positivi un po' ovunque e, se non ricordo male, sia stato anche candidato all'Oscar 2011 come miglior film, The Kids Are All Right non mi ha convinto. Il problema è probabilmente nell'ambiguità del messaggio comunicato e nell'indecisione della regista al riguardo. Il primo grande errore la Cholodenko lo fa quando fa finire una delle mamme, Jules interpretata da Julianne Moore, a letto con il donatore Paul, interpretato da Mark Ruffalo. Jules è chiaramente infelice nella sua relazione con Nic (Annette Bening), ma ciò non spiega perché una lesbica conclamata e convinta debba finire a letto con un uomo, per quanto bello e sexy. Passi la debolezza del momento, ma farlo più volte è una cosa che ho fatto fatica ad accettare come credibile.
La Cholodenko poi tratta sia il concetto di famiglia e affronta la questione di quanto sia difficile mantenere viva una relazione dopo tanti anni. Che sono argomenti interessanti e degni di un film, ci mancherebbe, ma la regista li pone in una maniera che porta il film a una conclusione che ho trovato totalmente insoddisfacente e forzata. Senza dimenticare la trasformazione di Paul da playboy inveterato a padre di famiglia mancato nel giro di poche scene.

The Kids Are All Right non è un brutto film, ma manca di una direzione precisa e netta e passa da una scena all'altra senza mai decidere sul serio che tipo di pellicola vuole essere: una riflessione sulle relazioni tra partner al giorno d'oggi, o sul concetto di famiglia, o vuole forse suggerire che in fondo a tutte le lesbiche piacciono ancora gli uomini? Ho anche avuto l'impressione che, nonostante le interpretazioni prese singolarmente fossero ottime, in alcuni frangenti mancasse quell'intesa tra gli attori, quella complicità che rende il tutto più godibile. Ed è un peccato, perché si intravedono degli ottimi spunti nel film che vanno purtroppo sprecati.

Machete

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Fri, 29 Apr 2011 13:00:00 +0000

Machete è uno di quei film che guardi e vuoi tantissimo che ti piaccia perché c'è l'attore protagonista simpatico finalmente in un ruolo principale dopo una carriera da caratterista, perché è un film caciarone dove ci sono le fighe, le esplosioni, gli sbudellamenti e le battute assurde e perché aveva un trailer fighissimo ancor prima di diventare sul serio un film.

Eppure, nonostante le ottime premesse, a me Machete ha annoiato. Che è pure peggio. Non è nemmeno brutto, pessimo, schifoso, è solo pigro e svogliato. Ha pochissimi momenti ispirati, dei quali, tragicamente, il migliore è nei primi cinque minuti di film, mentre tutto il resto è una serie di sbudellamenti e sparatorie che sembrano prese dal manuale del film di genere e riprodotte senza particolare voglia o ispirazione. D'accordo, c'è un po' di gnocca che non fa mai male, il sangue pure scorre piuttosto copioso, e però non mi sono bastati e mi hanno lasciato tutto sommato indifferente. Nemmeno la presenza di Sua Maestà Steven Seagal ha potuto niente.

E poi, diciamocelo, Danny Trejo, con tutto il bene che gli si può volere, è VECCHIO e, mi spiace per lui, il suo treno era passato da moooolto tempo, ben prima dell'uscita di questo film.

City Island

noreply@blogger.com (Alessandro De Luca) — Tue, 26 Apr 2011 14:13:00 +0000

Mi piace guardare i film che hanno come protagonisti i nuclei familiari. Mi piace perché di famiglia io ne ho una e ho solo quella come punto di riferimento, e mi piace vedere come funzionano le cose nelle case degli altri. Quando le cose vanno bene e quando vanno male.

City Island, scritto e diretto da Raymond De Felitta, è la storia di una famiglia di, appunto, City Island, un'isoletta che si trova davanti a New York e fa parte del quartiere del Bronx. Gli italo-americani Rizzo sono la famiglia in questione, con Vince (Andy Garcia) come padre, Joyce (Julianna Margulies) come madre, un figlio adolescente e una figlia all'università. La caratteristica di questa famiglia è che nessuno parla; o meglio, tutti parlano, fin troppo, spesso urlandosi addosso, ma senza mai davvero comunicare, terrorizzati dal peso dei loro segreti e convinti che sia più sano e sicuro nasconderli piuttosto che confidarsi con i propri familiari e cercare il loro supporto. A questa situazione particolare si aggiunge Tony, il figlio che Vince scopre di avere quando il ragazzo arriva come "ospite" nell'istituto carcerario dove lavora come guardia.

City Island è una commedia che fa bene quello che deve fare, cioè fare ridere. Andy Garcia, che io non avevo mai visto in un ruolo comico, è azzeccatissimo nella parte del padre italo-americano, combattuto tra il suo dovere e ruolo di patriarca della famiglia e il suo desiderio di fare l'attore, che incidentalmente è il segreto che non vuole rivelare a sua moglie. Gli altri membri della famiglia hanno anche loro segreti "incomunicabili" che creano la più classica commedia degli equivoci, che segue un copione già visto, ma che lo fa con un senso dell'umorismo, una sceneggiatura e una regia sempre indovinati. City Island inizia, prosegue e finisce esattamente come ci si aspetta, ma è un film piacevole come capita raramente.