(c) Indy von Oort, @indys_fotografie

Im Benelux-Raum sind Changing Tides seit Jahren fixer Bestandteil der etwas brachialeren Core-Szene. Das Quintett aus dem Süden der Niederlande versteht sich im weitesten Sinne auf einen Mix aus Metalcore, Hardcore und Deathcore, der rohe Gewalt und feinsinnige Melodik zu vereinen versucht. Ihre beiden bisherigen Alben und diversen Kleinformate orientierten sich vermehrt an technischer Präzision. Dieses Mal soll jedoch mehr Heavyness und Dynamik auf dem Programm stehen: „To Exist Is Worth Nothing“ rattert auf wütende, kompromisslose Weise durch.

Der Titelsong eröffnet das Mini-Album mit einem ordentlichen Hieb in die Magengrube. So ganz wollen sich Changing Tides nicht von ihrem technischen Anspruch befreien, gehen aber in den Strophen mit erstaunlicher, tödlicher Vehemenz nach vorne. Ein erster Breakdown folgt, dann der hymnische Chorus mit etwas Klargesang, bevor es zurück in einen Deathcore- und Tech-Death-Hybrid geht – roh, drückend, unfassbar stark. „Oxytocin“ bringt die vielleicht beste Gesangsmelodie dieser Platte hervor, schleicht sich vergleichsweise gemächlich an, nur um mit Nachdruck durch die Decke zu gehen. Hinsichtlich Brutalität erreicht der Mittelteil tatsächlich ein neues Level.

Reine Urgewalt ist allerdings nicht die einzige Stärke dieser Platte, wie das zurückgenommene, fast eingängige „If Pain Is Constant“ zeigt. Es braucht keine Clear Vocals für einen Mini-Hit. Dann setzt „Violator“ auf Dauerdruck und knüpft in der Schlussminute an die Fingerspielereien früherer Releases an, zermürbendes falsches Ende inklusive. Von falscher Zurückhaltung hält „You Said It All“ herzlich wenig, explodiert regelrecht aus den Boxen und gibt sich vergleichsweise klassischen Metalcore-Mustern hin – das sorgt durchaus für willkommene Auflockerung. „False Serenity“ macht schließlich das Licht aus und widmet sich apokalyptischen Klängen. Höllische Abfahrten und mörderische Breakdowns docken beinahe bei symphonischem Deathcore an.

Es bleibt aber – zumindest vorerst – nur bei dieser Andeutung. Tatsächlich lehnen sich Changing Tides auf dieser Platte weiter aus dem Fenster, investieren in Härte und Brutalität, vergessen aber keinesfalls auf die feine Klinge. „To Exist Is Worth Nothing“ lebt von seinen überdimensionalen Breakdowns, von seiner gutturalen Wut, aber auch vom geschmackvollen Umgang mit vertrauten Klängen. Weniger Tech, mehr Hardcore, dazu diese kleinen, aber feinen Metalcore-Hooks – die Niederländer setzen auf mehr Dynamik und schrauben das Energielevel in die Höhe. Changing Tides feilen gekonnt an ihrem Sound und machen schon jetzt Bock auf den nächsten Pit.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Website: www.changingtidesband.com
Facebook: www.facebook.com/changingtidesband

(c) Junior Kinsley

Anfang 2024 verpassten Slope dem grassierenden 90s-Revival einen mächtigen Crossover-Haken. Mit „Freak Dreams“ fand die Band aus Duisburg ihre ureigene Nische zwischen roher Energie, dickem Groove, furiosen Rap-Einlagen und ordentlich Funk. Die Platte öffnete ihnen Türen, unter anderem tourte man mit Body Count, Lionheart und Madball. Mit dem Nachfolger zieht die zum Quartett geschrumpfte Band ihren DIY-Ethos durch, veröffentlicht in Eigenregie und verwandelt die gewonnenen Erfahrungen in einen mächtigen, unterhaltsamen Leckerbissen. „Same Kids. Just Louder.“ verleiht dem eigenen Sound mehr Freiraum und mehr Fokus.

Der leicht stockende, suchende Auftakt von „Faith/Doubt“ passt ins Bild, denn Slope nehmen sich auf dieser Platte bewusst Zeit, um einzelne Parts genauer auszukosten. So darf das Intro erst einmal gemächlich auf Touren kommen, bis sich nach einer knappen Minute der imaginäre Schalter umlegt und herrlich drückende, zuweilen groovende Midtempo-Wundertaten das imaginäre Heft in die Hand nehmen. Bleierne Schwere kollidiert mit der urplötzlichen Explosion in den letzten 40 Sekunden. Im Vergleich dazu fällt „Tidal Wave“ mit der Tür ins Haus, rückt erst einmal die Hardcore-Einflüsse in den Mittelpunkt, hat aber auch ein Herz für herrlich durchgeknallte, hypnotisierende Gesangseinlagen.

Apropos Gesangseinlagen: „LOVE“ könnte der Hit dieses Albums sein, was nicht zuletzt an der Unterstützung durch die US-Pop-Punk-Band State Champs liegt. Wütendes Crossover-Sperrfeuer in den Strophen, unwiderstehliche Melodie im Refrain und ein furioser, drückender Schlusspart stellen die Zeichen auf Überflieger. Auch Nasty aus Belgien mischen mit und verpassen „Out Of Sight“ eine zusätzliche Dosis Hardcore-Nackenschläge. Die luftigen Drums von „No Salvation“ klingen wuchtig und voluminös, speziell in Verbindung mit den Raps, und haben zumindest anfangs fast Bonham’sche Qualitäten. Das herrlich verplante „Lotus“, das wiederholt mit funkiger Eskalation ringt, ist ebenfalls nicht von schlechten Eltern.

„Same Kids. Just Louder.“ klingt nach einer Band, die verdammt viel Spaß an ihrer Musik hat, zugleich aber unter keinen Umständen auf der Stelle treten möchte. Revolutionäre neue Erkenntisse sind von Slope dieses Mal nicht zu erwarten, dafür eine Konsolidierung auf hohem Niveau mit mehr Drive und Energie auf allen Ebenen. Ihr neuester Streich klingt ohne Frage kraftvoller und lebendiger, lässt die Songs atmen und groovt gerne mal wie Sau. Kleinere Ohrwürmer und derbe Nackenschläge runden eine richtig unterhaltsame, mitreißende Platte ab. Slope bleiben Slope, bloß eindringlicher. Gut so.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Slope Gang (Blood Blast Distribution)

Website: slope-gang.com
Facebook: www.facebook.com/slopegang

(c) Malin Helenius

Drei mächtige Alben, die ein ganzes Genre weiterentwickelten, dann urplötzlich Stille: Nach dem 2013er Release von „Sole Creation“ zogen sich Kongh erst einmal zurück. Man hatte alles gesagt, die künstlerische Vision erfüllt, und somit gab es vorerst keinen Grund für eine Fortsetzung. Bei David Johansson, der zwischenzeitlich unter anderem mit Cult Of Luna tourte und verschiedene Bands produzierte, entstanden schließlich neue Ideen, nach und nach. „Dissolved In Time“ hat also etwas zu sagen, distanziert sich bewusst von Nostalgie und ringt dem eigenen Sound zugleich einmal mehr neue Facetten ab.

Unterstützung erhielt er von ehemaligen Cult Of Luna-Wegbegleitern. Live-Drummer Christian Augustin spielte das Schlagzeug ein und war Toningenieur für die Gesangsaufnahmen, Kristian Karlsson kümmerte sich um Ton und Mix der Drums und Magnus Lindberg mischte die gesamte Platte ab. Zudem steuerte Jörgen Sandström (u. a. Grave, Entombed) Backings bei. Die drei gewohnt überlangen Songs klingen aber weiterhin durch und durch nach Kongh. Im 19minütigen Opener „Staining The Ether“ arbeiten sich ominöse Gitarren langsam vor, dann übernimmt die bestens bekannte Wand aus Doom und Sludge. Erdrückende Wucht, sägende Gitarren und Johanssons Mix aus ätherischem Gesang und wütenden Growls übernimmt. Das Geschehen häutet sich wiederholt, ein stetes Auf und Ab der permanenten Entschleunigung gipfelt in einer der besten Gesangsmelodien der Platte in den Schlussminuten.

„Guided To The End“ ist so etwas wie der Radiosong, bei luftigen sieben Minuten Laufzeit. Kongh kommen tatsächlich halbwegs schnell auf den Punkt, setzen einen stoischen Drumbeat und Old-School-Death-Metal-Gitarren ein. Während man sich beinahe in HM2-Sicherheit wähnt, verzaubern Psychedelia, himmlische Vocals und urplötzlich auftretende, zermürbende Screams mit proggig-tödlicher Vehemenz. „Dissolved In Time“ ist etwa doppelt so lang und macht viel zu früh den sprichwörtlichen Deckel drauf. Zentnerschwerer Begräbnis-Doom, Mastodon-Prog und tiefe, erschütternde Sludge-Abgründe formen eine unheilige Allianz, die Hören und Sehen vergehen lässt.

Während die herausragende Extraklasse des Vorgängers zugegebenermaßen nie komplett erreicht wird, ist dieses Comeback doch eines nach Maß. Kongh klingen auf „Dissolved In Time“ etwas anders, lassen die Extreme noch eine Spur weiter auseinandergehen, schaffen mehr feinsinnige Melodik und zarte elektronische Begleitung, nur um im nächsten Moment Sludge und sogar eine Spur Death Metal um Welten wütender und erschütternder erklingen zu lassen. Das strengt stellenweise gewaltig an, interpretiert die vertraute semi-meditative Stimmung neu und reißt doch einmal mehr monumentale Wände mit manischer Intensität ein. Kongh pendeln sich auf hohem Niveau ein und bleiben nun hoffentlich etwas länger erhalten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Trust No One Recordings

Website: www.kongh.net
Facebook: www.facebook.com/KonghDoom

(c) Marcus Norman

Alle paar Jahre tauchen Moloken mit einer durch Mark und Bein fahrenden Platte auf, machen ordentlich Lärm und verschwinden erneut. „Unveilance Of Dark Matter“ landete Ende Jänner 2020 zu einer etwas ungünstigen Zeit und konnte im Anschluss nur bedingt präsentiert werden. Mittlerweile sind die Schweden zurück bei Discouraged Records, wo ihre ersten Alben erschienen, und widmen sich gewohnt schwerer Kost. Schlicht „Moloken“ betitelt, befassen sich die Herren aus Umeå mit der Belastung durch Bewusstsein, Tod und Ewigkeit.

Und das geschieht auf gewohnt brutale Weise, zwischen Doom, Sludge, Post Metal und ein paar schwarzmetallischen Untertönen, bloß mit deutlich mehr nordischer Folklore als zuletzt. Das zeigt sich vor allem in diversen Intros und Outros, aber auch in kompletten Songs wie „En Lek Med Döden“, die von ominöser Reduktion und akustischer Instrumentierung leben. Tracks wie „Fault Line“ zelebrieren hingegen das, was man sich von Moloken erwartet: desolater Doom-Sludge, etwas Prog und Post dazwischen, gereizte Atmosphäre und geradezu schwarzmetallische Eruptionen. Der stete Spannungsaufbau eines „Fragments Of Dark Matter“ lässt sich treiben, bevor heisere Screams alles zerlegen.

Wie weit die Schweden inzwischen als Songwriter gekommen sind, unterstreicht „A Night Vision Revealed (Asterion, Pt. I)“. Sieben Minuten Prog Rock/Metal bricht ein wenig mit vergangenen Großtaten und verbindet düstere Atmosphäre mit etwas Hoffnung und Melodie. Viel typischer ist da schon „Eternal Sleep“, dessen giftige Rhythmusabteilung den ganz großen Wurf vorbereitet und letztlich in doomiger Schwere am Stand durchdreht. Nahezu konstantes Kratzen und Beißen, die mittlerweile bekannten Vergleiche mit Cult Of Luna, aber auch eine niedergeschlagene Form von semi-melodischen Riffs finden für ein überlanges, erdrückendes Epos zusammen.

Eine große musikalische Revolution gibt es nicht, dafür fokussiertes Understatement mit gelegentlichen kathartischen Wutausbrüchen. Tatsächlich sind Moloken – zumindest für ihre ansonsten aufbrausenden Verhältnisse – etwas nachdenklicher, melodischer und progressiver unterwegs. Das selbstbetitelte neue Album verknüpft elementare existenzielle Fragen mit deutlich größer wirkender Musik, mit ausladenden Spannungsbögen und der Suche nach Bedeutung in der vermeintlichen Bedeutungslosigkeit des Seins. Und doch langen die Schweden nach wie vor wütend, heiser, rasend und zermürbend schwerfällig zu – eine weitere interessante Evolution, die erneut Zeit und Geduld verlangt, die sich ernst nach mehreren Durchläufen erschließt, die zugleich richtig stark ausfällt und anhaltende Faszination ausstrahlt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Discouraged Records

Website: moloken.net
Facebook: www.facebook.com/Molokenofficial

(c) Kieran White

Die Geschichte wiederholt sich, denn offenkundig schaffen es nur wenige, aus den Fehlern der Vergangenheit zu lernen. Burner beleuchteten auf ihrem ersten kompletten Album „It All Returns To Nothing“ die Außenperspektive einer chaotischen Welt im Wandel der Zeit. Nun geht es um den Auslöser allen Übels, um menschliches Verhalten, um konstante Gewalt und Brutalität, in einer ewigen Schleife gefangen. Zugleich erweitert „No One Is Coming To Save Us“ den wahnwitzigen Sound weiter und holt sich etwas Prominenz ins Studio.

Bekanntester Gast ist wohl Trivium-Frontmann Matt Heafy, der im Vorboten „Sunrise, Parabellum“ mitmischt. Fast unbemerkt zieht das britisch-amerikanische Gespann die Daumenschrauben an. Was im geifernden, dreckverkrusteten Vollsprint beginnt, bricht mittendrinnen regelrecht ab und schleppt sich in Blackened-Doom-Schwere plus purer Wut dem Ende entgegen. Dort wartet bereits „A Shattered Visage Lies“ und sucht vier Minuten lang nach seiner musikgewordenen Identität. Entsprechend häufig häutet sich der Track, muss erst explodieren und verbindet letztlich Post Black Metal mit klaustrophober Melodik. Ein kompletter, finsterer Zusammenbruch und das gemächliche Stampfen in der Schlussminute führen zurück zum Anfangsmotiv.

An anderer Stelle explodiert „Kurtz“ mit Anthony Lucero von Cult Leader sofort, nur um erneut zu tödlicher Entschleunigung zu finden. Eingerahmt wird diese Platte jedoch von zwei Giganten jenseits der Sieben-Minuten-Marke. „The Third Revelation“ lässt sich mit einem ausgedehnten Intro ordentlich Zeit, bevor Doom und Groove übernehmen. Tiefschwarzer Hardcore geht aus dem Nichts durch die Decke, brutalistische Zwischensprints fahren durch Mark und Bein. Das abschließende „Agni Kai“ klingt hingegen etwas kompletter, frustrierte Schreie inklusive. Beklemmende klare Gitarren lassen zwischenzeitlich verschnaufen, der nahezu hymnische Part zur Songmitte mit anschließendem Dauerfeuer fordert auf packende Weise heraus.

Selbst für Burner sind diese wahnwitzigen 48 Minuten eine kleine Zerreißprobe geworden, stellen sie doch wiederholt sogar sich selbst vor gewisse Herausforderung. Das liegt nicht einmal an der stellenweise höheren Geschwindigkeit und den noch intensiveren Black- sowie Death-Einflüssen. „No One Coming To Save Us“ überrollt wiederholt mit schier unendlichen Druckwellen, wird förmlich von einem Extrem ins nächste gerissen, rebelliert regelrecht und versucht die innewohnende Hässlichkeit mit der wohl drohenden Endlichkeit des Seins zu vereinbaren. Kurze Momente dezenter Hoffnung und präzise Nackenschläge finden für einen im besten und wichtigsten Sinne widerwärtigen Batzen Musik zusammen. Burner machen abermals mit wachsender Begeisterung alles kaputt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Church Road Records

Facebook: www.facebook.com/burnermetal

(c) James K. Barbosa

Monolithische Musik verleiht der Sprachlosigkeit eine Stimme: Ølyp fanden sich in den Fjorden Norwegens, sind aber mittlerweile in Frankreich zuhause. Das Duo versteht sich auf instrumentale Klänge zwischen Rock und Metal mit Post- und Prog-Präfixen, irgendwo zwischen technischem Anspruch und emotionaler Intensität. Exakt das zeigt sich auch auf ihrem ersten kompletten Album: „I(m)MORTAL“ sucht einen imaginären Mittelweg zwischen erdückender Intensität und der puren Schönheit des Moments.

Besonders gut gelingt das in „Molden“, einer von mehreren Songs mit unterstützendem Streichquartett. Dabei geht es vergleichsweise konventionell los, irgendwo im losen Umfeld von Caspian und Russian Circles, mit zunehmender Intensität und erstaunlich metallischer Action vor einem plötzlichen Kollaps. Schüchterne Streicher fahren in die Stille, bevor ebenso plötzlich beide Welten zusammengeführt werden – ein explosiver, dramatischer Cocktail mit verplanter Prog-Coda hintendran. Dass im direkten Anschluss „One’s Tormented Mind Is A Crumbling Universe“ erst einmal auf pure Heavyness setzt, ein paar Blasts andeutet und sich im anmutigen Finale richtig groß macht, passt irgendwie.

Packende Episoden bietet diese Platte in Hülle und Fülle. Da wäre beispielsweise „The Great Acceleration“, das tatsächlich mit beeindruckender Vehemenz beschleunigt, konstant mit Ebbe und Flut ringt, von dröhnender Schwere und giftigen Spitzen gezeichnet. Das eröffnende „The Human Error“ rollt erst etwas schwerfällig an und spielt mit düsterem Understatement. Fünf Minuten Post- und Prog-Collage fordern heraus und schießen ein klein wenig übers Ziel hinaus, die technische Komplexität wirkt wie ein Widerspruch zu weiten Teilen des Albums, wenngleich sie gut umgesetzt wird. Im zweiteiligen „The Great Denial“ geht es ähnlich verstörend los, mit einem ausgedehnten Spoken-Word-Part. Das dramatische Finale entschädigt dafür jedoch großartig.

Ab und an verrennen sich Ølyp ein wenig, was leicht auf die Stimmung drückt. Dem gegenüber stehen zahlreiche geniale, musikalisch über jegliche Zweifel erhabenen Momente, die selbst für Post-Rock- und Post-Metal-Verhältnisse verdammt groß und frisch rüberkommen. So bleibt unterm Strich ’nur‘ ein sehr gutes Album, das trotz Schönheitsfehler unbedingt gehört werden will und muss. „I(m)MORTAL“ kämpft stellenweise noch darum, seine eigene Stimme zu finden. Wenn sich das Duo aus Frankreich jedoch auf seine narrativen, epischen Stärken konzentriert, können nur wenige mit ihnen mithalten. Hier braut sich einiges zusammen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Klonosphere Records / Season of Mist

Facebook: www.facebook.com/olyp.band

(c) Søren Sol Koldsen-Zederkof

Drei Songs, vollste Aufmerksamkeit: Bereits mit ihrer ersten, im Vorjahr erschienenen EP brachten sich Maunah in Pole Position unter Doom-Melancholikern. Zwar gibt es die dänische Band erst seit 2024, doch stecken dahinter Veteranen aus Folk, Rock und Metal, die sich hörbar gesucht und gefunden haben. Verfeinerte Versionen der drei EP-Tracks und drei weitere Nummern ergeben nun „Hjarta“, das erste Album des Quintetts, das auf Melancholie, Melodie, Epik und einen stellenweise erstaunlich modernen Blick über den Tellerrand setzt.

„Heimaland“, der Titelsong besagter EP, eröffnet mit ominösen Tönen – melodisch, zart hoffnungsvoll und doch von einer unbequemen Stimmung umspielt. Søren Sol Koldsen-Zederkofs weiche und zugleich kraftvolle Stimme brennt sich ein, wirkliche Texte gibt es aber nicht. Von einem ‚Echo der menschlichen Sprache‘ ist die Rede, vom ‚Klang von Verzweiflung und freiem Himmel‘ – eine direkte Verbindung zwischen Gesang und Musik jenseits sprachlicher Limitierungen. Tatsächlich funktioniert das prima, denn sämtliche Elemente verschmelzen, während jede Schleife, jede Wiederholung den feinsinnigen Monolithen der Heavyness noch etwas größer und epischer erscheinen lässt, bis zum kraftvollen Finale.

Apropos Kraft: Von doomiger Leisetreterei halten Maunah überwiegend herzlich wenig. „Saivør“ hat zwar seine zarten, nachdenklichen Momente und nahezu folkige Auswüchse zu bieten; fast unbemerkt bereiten die Dänen eine Art Crescendo vor, werden noch lauter und härter, selbst inmitten hymnischer Melodien und einer fast sakralen tiefen Stimme. Und dann, nach viereinhalb Minuten, schießen wütende Growls und fiese Post-Black-Metal-Attacken aus den Boxen – für wenige kurze Sekunden, erdrückend und überlebensgroß. Der abschließende Titelsong „Hjarta“ hat zwar auch etwas Härte zu bieten, aber zugleich himmlische Gesangspassagen und epische Doom-Dichte, die Griftegård vermissen lassen. Der bittersüße, dramatische Schlussakt lässt nicht so schnell los.

Fans von In The Woods… und Green Carnation können hier bedenkenlos zugreifen, wiewohl Maunah keinesfalls als bloßer Abklatsch durchgehen. Zwar sind sich die Dänen ihrer Doom-Wurzeln hörbar bewusst, interpretieren diese aber auf begeisternde, erschütternde und bewegende Weise neu. Dieser melodisch-atmosphärische Ansatz samt sprachlichem Freestyling und seltenen, dafür höchst willkommenen Wutausbrüchen bringt das innere Gleichgewicht aus selbigem und zerstört mit purer, ungefilterter Emotionalität wieder und wieder. „Hjarta“ ist groß, dramatisch, intensiv, voller Herz und Tränen, verkörpert Verzweiflung wie nur wenige andere Platten und geht offenen Herzens auf bessere Zeiten zu. Was für ein außerordentlich gewaltiger Einstand.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 18.09.2026
Erhältlich über: Prophecy Productions (SPKR)

Facebook: www.facebook.com/maunahband

Slider-Pic (c) Søren Sol Koldsen-Zederkof

(c) Ash Winter-Sim

Manche Bands muss man erlebt haben, um sie zu begreifen: Das Happening, das Playgrounded alleine schon auf Platte abziehen, ist mehr als beeindruckend. In Griechenland gegründet und mittlerweile vornehmlich im niederländischen Rotterdam ansässig, konzentriert sich das Quintett auf eine ungewöhnliche Kombination aus Progressive und Post Rock und Metal sowie brodelnder Elektronik. Viereinhalb Jahre nach „The Death Of Death“ gibt es endlich Nachschub: „A Flower To Water“ fokussiert sich auf seine musikalischen Gegensätze, befasst sich mit Verlust und Abwesenheit und ergründet die Rolle von Erinnerungen in diesem Umfeld.

Die bleierne Schwere zum Beginn von „Counting Embers“ überrascht dennoch und serviert doomig angehauchten Post Metal der bedrohlichen Sorte. Erstaunlich intime, elektronisch befeuerte Strophen bieten dem wüsten Treiben die Stirn, bis schließlich beide Welten zusammengeführt werden – ein einfacher wie cleverer Kunstgriff, der Playgrounded aufblühen lässt. Speziell der Gesang von Stavros Markonis fällt großartig und gefühlvoll aus, trifft ohne Umwege mitten ins Herz und wird im kathartischen Finale durch das gesprochene Wort ergänzt. Im Vergleich dazu wirkt „Snow“ brav und unscheinbar, lässt sich fast ausschließlich synthetisch treiben und bemüht stetes Blubbern im Angesicht der Suche nach nicht näher benannten Gedankenwelten.

Eingerahmt wird diese Platte vom zweigeteilten Titelsong. „A Flower…“ eröffnet mit schüchternen, bedächtigen Gitarrentönen und filigranem Neo Prog. Langsam, aber sicher setzt sich die Distortion durch, darf die Gitarre singen und quengeln, doch bleibt es bei aller Heavyness und einem kleinen Djent-Einschub erstaunlich gemächlich. Auch „…To Water“ hat nicht vor, irgendwas übers Knie zu brechen. Mehr Synthetik, nachdenklicher Gesang und vorsichtiges Aufbäumen erzeugen eine Art-Rock-Wand, der nächste Gang wird konstant erwartet. Erst in der Schlussminute setzt der Rest der Band so richtig ein, serviert einen sägenden Monolithen nebst anmutigen Vocals – drückend, melancholisch und doch erstaunlich erhaben.

Solche Gegensätze sind bei Playgrounded freilich keine Seltenheit, werden hier jedoch mit Gusto auf die Spitze getrieben. Der imaginäre Graben zwischen den musikalischen Extremen wächst noch ein wenig, zwischen brütender Heavyness, filigraner Elektronik, konzentrierter Trauerarbeit und proggiger Verspieltheit entsteht ein abermals schwer in Worte zu fassender Sound, der sich zwischenzeitlich ein eigenes Genre zu basteln scheint. „A Flower To Water“ lädt auf eine endlose Reise ohne klar definiertes Ziel ein, ringt mit Erinnerungen und klingt in jeder Hinsicht größer, reifer, immersiver. Die griechischen Post-Prog-Künstler aus den Niederlanden zeigen sich einmal mehr bestens aufgelegt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 18.09.2026
Erhältlich über: Pelagic Records (Cargo Records)

Website: playgrounded.net
Facebook: www.facebook.com/playgrounded

(c) Dan Trautwein

Die Evolution im Hause Bees Made Honey In The Vein Tree setzt sich fort. Angesichts des Bandnamen waren die Anfänge in Doom, Drone und Ambient keine Überraschung, doch entwuchs das Quartett aus Stuttgart diesem Sound im Lauf ihrer drei bisherigen Alben schnell und arbeitete zuletzt auf „Aion“ seine musikalischen Kontraste zwischen kantiger Härte und fast meditativer Entspannung weiter aus. „In Between Strides“ taucht nun mehr denn je in Shoegaze, Psychedelia und Post Rock ein, ohne dabei auf die doomigen und metallischen Wurzeln zu vergessen.

Melodischer sollte die neue Platte werden, mit dieser Mission ging es in die nächste Runde. Man fasst sich diesmal deutlich kürzer und halbierte die Spielzeit auf 38 Minuten. Das bekommt Tracks wie dem eröffnenden „Departure“ (einer von drei der insgesamt fünf Songs, die es über die Neun-Minuten-Marke schaffen) richtig gut. Hier können sich die Schwaben nach allen Regeln der Kunst austoben. Zittrige Gitarren und getragenes Tempo erinnern an die Anfänge, nun jedoch deutlich fragiler und eingängiger arrangiert. Butterweicher Gesang mutiert zum weiteren Instrument und schwimmt auf dem Arrangement. Eine mächtige Zäsur mittendrin signalisiert den Aufbruch, dann schwillt die Ouvertüre an, bis zum nahezu noisigen Crescendo. Danach: Stille.

In „Elisa“ wagt man sich sogar noch weiter hinaus. Das Klavier von Gast Luis Deffner (Jamhed) rückt immer wieder in den Mittelpunkt, während sanfte Distortion die Gitarren wie ein Schatten verfolgt. Proggige Instrumentalkunst in der Schönheit des Moments überrascht und entfernt sich so weit wie möglich vom bisherigen Schaffen. Im direkten Anschluss holt „Return Precipice“ all das jedoch mit Nachdruck ein. Doom und Post Metal geben sich die Klinke in die Hand, monumentale Wucht und sägende Druck schlagen die Brücke zu den letzten Platten. Selbst für einzelne Screams bleibt Platz. Dennoch schwingt auch hier ein wenig Gaze mit, gut versteckt, dennoch im besten Sinne nicht zu überhören.

Auch in dieser – für Band-Verhältnisse – Kürze setzt es ganz schön starken Tobak. Man kann Bees Made Honey In The Vein Tree nun wirklich nicht vorwerfen, auf der Stelle zu treten, wiewohl gerade zum Abschluss noch ausreichend Stoff für Freunde früherer Alben vorhanden sein mag. Letztlich regiert jedoch der Drang zu mehr Melodie, der sich vor allem in Shoegaze und Psychedelia äußert, der stellenweise angenehm an die Evolution von Alcest erinnert und mit seiner dennoch stets leicht sägenden Energie auf angenehm eigenen Beinen steht. „In Between Strides“ schreitet hochspannenden neuen Sphären entgegen, stößt vor den Kopf und fasziniert gerade mit dieser willkommenen Kompromisslosigkeit ein weiteres Mal.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 18.09.2026
Erhältlich über: Magnetic Eye Records (SPKR)

Website: beesmadehoneyintheveintree.com
Facebook: www.facebook.com/beesmadehoneyintheveintree

(c) James Greenoff

Wenig Zeit für Augenzwinkern: Remote Viewing kombinieren bevorzugt kompromisslosen, zuweilen metallischen Noise Rock mit einer gewissen Portion Humor. Aktuell hat das englische Quintett jedoch wenig Grund zum Lachen, denn die Welt um sie herum geht mehr und mehr in den Allerwertesten. Ihr viertes Album wurde bewusst in zwei Abschnitten aufgenommen, um Stress zu vermeiden und bereits fertiges Material auf die Probe zu stellen, ja sogar zu verwerfen. Herausgekommen ist „State Violence“, ein Husarenritt mit zwei höchst unterschiedlichen Seiten, der mit einer globalen Shit Show ringt.

Die A-Seite gehört den rohen, rifflastigen Tracks. „#makemoneymakelovemakemoney“ entpuppt sich als ausgewachsener Nackenschlag, der kaum bösartiger und dreckiger ausfallen könnte. Ed Dudleys wutentbrannte Schreie fahren durch Mark und Bein, die Gitarren rebellieren und die Rhythmusabteilung bemüht sich um so etwas wie Struktur, bevor das schwerfällige, fast doomige Auge des Sturms alles mit ominöser Heavyness zerlegt. Ebenfalls stark ist „Retrain As A Swan“, der übellaunige Vorbote, der zunehmende Entschleunigung sucht und massive, drückende Schwere in den Mittelpunkt rückt. Ein sich windender Frontmann und gegeneinander ankämpfende Riffs untermauern die apokalyptische Stimmung.

Absolutes Kontrastprogramm setzt es auf der B-Seite mit zwei überlangen Tracks und einem instrumentalen Outro, das Darryl ausgräbt und erneut unter die Erde bringt. Deutlich reduziertes Tempo, weiterhin willkommene Urgewalt und ein Hauch mehr Sludge sowie Post Metal begleiten „HUMAN RIGHT$“, dessen drastischer Marsch in Richtung Untergang von heulenden Gitarren, teils gesungenen und teils gesprochenen Einlagen sowie zähem Chaos im Geiste von Lo! zerschossen wird. Noch länger und komplexer ist „Accidental Holiday“, das zwischendurch sogar den Hauch einer Melodie andeutet, nach seinem ellenlangen Intro aber erst einmal auf Zerstörungswut mit fast schwarzmetallischer Intensität setzt.

Es lebe die kapitale Überforderung, die Remote Viewing ab der ersten Sekunde anlancieren. Nichts hieran ist einfach, freundlich oder gar zuvorkommend – wäre in Zeiten wie diesen zumindest in Augen der Engländer auch die falsche Botschaft. Stattdessen treibt „State Violence“ den ureigenen Noise-Ansatz mehr denn je auf die bekömmlich überzogene, komplett überfordernde Spitze. Selbst die stellenweise doomige, dann mit Blackened Sludge aufwartende zweite Hälfte schafft kaum Erleichterung, sondern wettert ungeschliffen und unbarmherzig los. Die Hässlichkeit der Gegenwart verpacken Remote Viewing in ein wahnwitziges viertes Album, wohl ihr bislang stärkstes.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 18.09.2026
Erhältlich über: Human Worth

Bandcamp: remoteviewing.bandcamp.com
Instagram: www.instagram.com/remoteviewingband

(c) David Fritz Goeppinger

Geduld ist im Hause LUGOSi eine Tugend. Das Quintett aus Paris ließ zwischen seiner ersten Demo und dem Albumeinstand „Inconsolable“ stolze sechs Jahre verstreichen. Der chaotische Mix aus Hardcore, Punk, Screamo und Noise Rock konnte in der Zwischenzeit wachsen und gedeihen, zudem arbeitete die Band konzentriert daran, Klischees harter Musik aufzubrechen und als queere, inklusive Formation Safe Spaces vor und hinter der Bühne zu schaffen. „The Scars“ setzt den Weg konzentriert fort, ist bewusst politisch unterwegs und verarbeitet zugleich persönliche Erinnerungen, Traumen und Gefühle von Hilflosigkeit.

Gleich zu Beginn wird gezündelt: „Matches“ rattert in knapp zwei Minuten durch und klingt wie die logische Evolution des Vorgängers. Hardcore, Punk, Metal und noisiges Chaos finden zusammen, eskalieren wiederholt und finden doch Platz für einen Hauch Melodie. Zunehmend frustierte Screams fachen das Feuer an. Danach kämpft sich „Kate Whispers“ durch Widrigkeiten, schwerfällig und explosiv zugleich. Eine gewisse Schwere liegt über diesem Track, Converge und Self Defense Family finden zusammen. Aus dem vermeintlichen Widerspruch entspringt „The Fire“ und rundet das Eröffnungstrio ab. Ruppige Stakkato-Attacken, erstaunlich hymnische Momente, selbstzerfleischender Post-Hardcore und ein Saxofon-Solo von Patrick Shiroishi (The Armed) finden zusammen.

Auch im weiteren Verlauf räumen die Franzosen mit wachsender Begeisterung ab. Da wäre beispielsweise das nervöse „Ghosts Of Christmas Past“, das erst einmal Noise Rock in den Mittelpunkt rückt und wiederholt versucht, aus etwaigen Limitierungen auszubrechen. Der charmante Akzent kommt beim halb gebrüllten, halb gesungenen Songtitel durch, rundherum drehen LUGOSi am Rad und lassen doch vereinzelte Harmonien zu. Die komplette Reizüberflutung von „Another Downer“ ist ebenfalls großartig. Gefühlt wird der Fünfminüter immer schneller, selbst in den zwischenzeitlichen Entlastungsparts, bevor sich der Schlussakt langsam, aber sicher in semi-melodische Gefilde zurückzieht. Und auch „Everything Ends“ lässt eingängige Abschnitte erkennen, vom ersten Husarenritt bis zum melancholischen Outro.

Geduld ist bei diesem zweiten Album auf jeden Fall Pflicht, denn einfach macht es die Band aus Paris niemandem, schon gar nicht sich selbst. Zunächst stellt sich Reizüberflutung ein, wie schon beim Vorgänger, die komplette und kompromisslose Überforderung des Seins macht sich breit. Und dann schlägt das Herz plötzlich ein wenig lauter, intensiver. „The Scars“ bleibt natürlich seinen Extremen treu, keine Frage, nur um über diese hinauszuwachsen. Tiefe Abgründe öffnen sich und machen Platz für schüchterne Melodien, für emotionale Schwere, für seltene hymnische Momente … bis zum nächsten noisigen Absturz. LUGOSi entwickeln sich auf hochspannende Weise und konsolidieren sich auf hohem Niveau.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 18.09.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/LUGOSiFR

(c) Rise Again Photography UK

The Cartographer gehören mittlerweile gewissermaßen zum englischen Metal-Underground-Inventar. Das Quintett aus Derby tobt sich seit zehn Jahren auf diversen Kleinformaten aus, rund um Deathcore und ähnlich moderne, brutale Einflüsse angesiedelt. Die letzten Jahre waren alles andere als einfach, vom pandemischen Stillstand über unruhiges Privatleben bis hin zu mehreren Line-up-Wechseln. Nach dem Abgang von Gründungsmitglied James Harrison, dessen letzte Songs nun erscheinen, bemühte man sich darum, als Songwriting-Einheit zusammenzurücken und zugleich individuelle Einflüsse besser zu betonen. „The Collapse Of A Bitter End“ ist das erste Album der Band.

Und das beginnt mit einem Paukenschlag: „Blood“ braucht zwar ein wenig, um apokalyptisch-symphonische Elektronik abzulegen, langt dann aber beherzt zu. Wüster Deathcore mit allerlei metallischen Einflüssen bietet ein Festmahl für Schwarzmaler, während Jay Roberts seinen Stimmbändern gar Unmenschliches entlockt. Pure Brutalität, ein wenig angedeuteter Groove und martialische Blasts geben sich die Klinke in die Hand, bis zum schwerfälligen Finale. Bevor man die innere Mitte wiederfinden kann, streckt das folgende „Snake Tongue“ ein zweites Mal nieder. Etwas gedrosseltes Tempo und Heavyness in Reinkultur langen wieder und wieder zu, bis zum ernüchternden Ende.

Dieser Einstand ist voller Leckerbissen, und „Griefworn“ gehört definitiv dazu. Djent-artige Gitarren duellieren sich mit der massiven, alles vernichtenden Rhythmusabteilung, während ein Hauch Elektronik und Synths ringsum bedrohlich schimmert. Es riecht nach Untergang, Ziel ungewiss. Von falscher Zurückhaltung hält „Dirt“ herzlich wenig und benötigt bloß zweieinhalb Minuten für die komplette Reizüberflutung. Speziell der wabendere verlängerte Abgang schmerzt. An anderer Stelle nähert sich „Into The Gloom“ erstaunlich hymnischen Klängen an, nur ein wenig Gesang von Metalcore entfernt und doch The Cartographer in Reinkultur. Roberts verarbeitet hier innere Kämpfe und Unruhen auf höchst anschauliche Weise.

Nichts hieran ist einfach oder gar zugänglich, alles muss man sich erkämpfen: Vielleicht macht gerade diese Eigenheit den Einstand von The Cartographer so gut. Die verlängerte halbe Stunde führt schon mal an den Rand des Wahnsinns, blickt den Abgrund hinab und sucht gleichzeitig nach einem besseren Selbst. Das verspricht auf allen Ebenen starken Tobak, geht weit über etwaige Deathcore-Limitierungen hinaus und spuckt technisch versierte, anspruchsvolle Musik mit geschmackvoller Brutalität aus. „The Collapse Of A Bitter End“ interpretiert ein alles andere als auserzähltes Genre auf halsbrecherische, mitreißende Weise neu.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 18.09.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/TheCartographerUK

(c) Stergios Andreadis

Drückende Riffs mit Wüsteneinschlag aus Griechenland, da denkt man zunächst wohl an Bands wie 1000mods und Villagers Of Ioannina City. Paranoid Reverb aus Thessaloniki wollen in diese Riege vordringen. Ende 2020 erschien ihr Einstand „Billion Drops“, zu einer ungünstigen Zeit für Live-Performances. Seither konnte sich das Quintett als Bühnenmacht etablieren und nimmt den Rückenwind für den Nachfolger – zugleich der Einstand für Octopus Rising / Argonauta Records – mit. „Red River Black Roots“ klingt definitiv roher und unmittelbarer, drängt den Stoner-Ansatz zugleich weiter in eine düstere bis psychedelische Richtung.

Bei Themen wie Verfall und Verwandlung sollte das keine große Überraschung darstellen. Tracks wie „Da Capo“ bringen das wunderbar auf den Punkt, wobei die ersten Minuten noch etwas auf dem falschen Fuß erwischen. Die stellenweise beseelten Vocals werden von einer locker angeschlagenen Gitarre und der Rhythmusabteilung begleitet, überraschend ruhig und nachdenklich. Erst nach knapp vier Minuten hebt der Koloss ab, wird von übermannender Heavyness geradezu erschlagen und wandelt das psychedelisch angehauchte Grundgerüst in einen mächtigen Kinnhaken um. Im Quasi-Titelsong „Red River“ kommt das Quintett schneller auf den Punkt und illustriert einmal mehr ein gewisses Faible für fiese metallische Kanten.

All das ist jedoch nichts gegen das abschließende „QuickSand“, ein mehr als sieben Minuten andauernder Gigant, der ab der ersten Sekunde für apokalyptische Bedrängnis sorgt. Beißende Härte und ominöse Finsternis in den Strophen wechseln sich ab, die psychedlischen Sound-Anteile scheinen in Zeitlupe in Richtung Hölle zu ziehen. Aus dem Nichts explodieren Paranoid Reverb und schlagen mit doomiger Wucht zu – ein echter Leckerbissen. Zum Ausgleich serviert „0315“ bodenständigen Desert Rock, furztrocken und angenehm unmittelbar. Vergleichweise kurze viereinhalb Minuten arbeiten sich durch eine Wand an Riffs.

Ein wahres Bollwerk von einem Album langt mit wachsender Begeisterung zu und überfordert erst einmal. Klar, Paranoid Reverb haben ein hörbares Herz für Stoner-Wahnsinnstaten, gehen jedoch vergleichsweise locker und lässig mit Schubladen und Erwartungen um. Deutlich mehr Härte und Düsternis sorgen für beste Unterhaltung, begleitet von bedrohlicher Atmosphäre und dicken Riffs. Die psychedelischen Exkurse zwischendurch halten „Red River Black Roots“ zusammen, wirken wie etwas zu lockere Hängebrücken, die letztlich doch ihren Zweck erfüllen. Speziell in den massiven, doomigen Epen zeigen sich die Griechen von ihrer besten Seite. Auf Paranoid Reverb sollte man künftig mindestens ein Auge und Ohr haben.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 18.09.2026
Erhältlich über: Octopus Rising / Argonauta Records

Facebook: www.facebook.com/ParanoidReverb

(c) George Grigoriadis

Jugend forscht oder forsche Jugend? Als Xion vor vier Jahren loslegten, waren einige Mitglieder noch nicht volljährig. Das Quintett aus der schwedischen Metal-Metropole Falun (u. a. Heimat von Sabaton, Twilight Force und Brothers Of Metal) veröffentlichte Anfang 2024 ein erstes Album, landete im Vorprogramm von In Flames und der Gene Simmons Band, und spielte diverse Festivals sowie die Sabaton Cruise. Hinter dem Raketenstart steckt erdiger Thrash Metal mit knackigem Speed-Metal-Einschlag, der von den Bay-Area-Anfängen über Exciter bis hin zu Anvil reicht. Nun bei Fireflash Records unter Vertrag, streckt sich das zweite Album „When Stars Collide“ zur Decke.

Ab der ersten Sekunde starten die Nordlichter durch: „Hands Will Be Cut“ legt mit wunderbarer Urgewalt und hohem Tempo los. Robin Björk ist stimmlich eher in klassischen Metal-Gefilden unterwegs, was speziell dem hymnischen Chorus bestens bekommt. Rundherum zieht sich eine imaginäre Schlinge enger und enger, verbindet sich die Thrash-Ursuppe mit der NWOBHM. Epische Soloarbeit und ein wütender Zwischensprint lassen den überlangen Instrumentalteil über sich hinauswachsen – wahrlich ein Auftakt nach Maß, auf den mit „Burned Onto You“ ein zweiter Gigant folgt. Mehr Heavyness und Gemächlichkeit steht Xion gut zu Gesicht. Binnen Sekunden baut sich gewaltiger Druck auf, das zweistimmige Solo ist großes Kino.

In weiterer Folge tobt sich das Quintett mit wachsender Begeisterung aus. „Dead By The Night“ findet den goldenen Mittelweg zwischen mächtiger Härte und feiner Klinge – ausgestattet mit kleinen Zwischensprints, wiederholt in klassische Metal-Gefilde wechselnd und dabei mindestens so unterhaltsam wie „Phantom Of Blood“. Ein feiner Hauch Overkill macht sich breit, während der Thrash-Anteil fast unbemerkt nach oben wandert. Zwischenzeitlich darf der Bass grollen, bevor sich die Gitarren-Doppelspitze ein weiteres wütendes Duell liefert. „Zero Light“ beschließt das Album im Vollsprint, begleitet von kraftvollen Schreien und purer Eskalation.

Natürlich wüten Xion bevorzugt in traditionellen Sphären und erinnern vor allem an große nordamerikanische Bands Generationen vor ihrer Zeit. Wie schon auf ihrem Einstand geschieht das auf angenehm frische, ungestüme und energische Art und Weise, bloß mit noch besseren Songs. „When Stars Collide“ schickt sich erst gar nicht an, das Rad neu zu erfinden, schon spuckt einfach eine mitreißende Hymne nach der anderen aus. Starke Stimme, starke Instrumentalisten, starkes Ergebnis: Xion bestätigen ihre bestechende Frühform und machen sich für den großen Wurf bereit.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 11.09.2026
Erhältlich über: Fireflash Records (Edel)

Website: xiontheband.se
Facebook: www.facebook.com/xiontheband

Slider-Pic (c) George Grigoriadis

(c) Rob Brens

Seit 20 Jahren verteilen Harlott Nackenschläge im Thrash-Revivalism-Mikrokosmos. Das australische Quartett wählte seinen Namen ursprünglich, weil er auf einem T-Shirt gut aussehen würde, und veröffentlichte im Anschluss eine wütende Trilogie an Alben, die nach wie vor zur Speerspitze der letzten Genre-Welle zählen. Ihr etwas experimentelleres letztes Album „Detritus Of The Final Age“ hat mittlerweile fast sechs Jahre auf dem Buckel. Diesen Weg verfolgt man weiter, ohne sich von klassischem Bay-Area-Thrash sowie pointierten Texten über politische und soziale Unruhe, Desinformation und gesellschaftliche Spaltung zu verabschieden. „Exsequiis“ nimmt abermals keine Gefangenen.

Nach einem kurzen Intro startet „Void“ in media res, infernal und manisch zugleich. Das finstere, maximal unbequeme Riffing macht Laune, das Tempo ist hoch, die Vocals wirken wütend und giftig. Ein Hauch von Groove im Chorus, ein finsteres Breakdown und ein urplötzlicher Vollsprint stiften Verwirrung, bevor ein klassisches Solo übernimmt. Das ist noch lange nichts gegen das ebenso grandiose „Messiah Simplex“, das zwischendurch ein paar Blasts einstreut und wiederholt die Entschleunigung sucht. Harlott überholen sich selbst, nur um im nächsten Moment lässige Heavyness mit nahezu melodischen Tönen zu kreuzen.

Wenig überraschend ist nichts an dieser Platte einfach, was vor allem die längeren Songs in der zweiten Albumhälfte untermauern. „A Still More Glorious Dawn Awaits“ hat das Zeug zur Hymne, beginnt relativ unscheinbar und verbindet schließlich melodischem Gesang mit wütenden Double-Bass-Salven im Chorus – ein einfacher und zugleich richtig starker Kunstgriff. Im Vergleich dazu fällt „Endling“ relativ ursprünglich aus, erinnert etwas an jüngere Exodus-Platten angesichts seiner Explosivität, nur um zwischendurch ein ultramelodisches Riff aus dem Ärmel zu schütteln. Die obligatorischen kurzen, knackigen Abräumer „Kleptogenesis“ und „Vice Borne“ gehen hingegen ohne Umwege nach vorne, verbinden beißende Härte mit Ohrwurmqualitäten.

Wieder etwas anders, wieder richtig gut: Harlott beweisen Mut zum Risiko und räumen damit weitestgehend ab. Ihre leicht verkopfte Heavyness behalten sie sich, zwischenzeitlich mit maximaler Brutalität und dezent schwarzmetallischen Auswüchsen angereichert, klingen aber zugleich einen Tacken melodischer und hymnischer als zuletzt. Diese dezente Eingängigkeit verleiht einer guten Platte die nötige Würze, wirkt stellenweise ein klein wenig brav. Finden all diese Welten künftig noch besser zusammen, steht einem weiteren Thrash-Klassiker wohl nichts im Weg, doch auch jetzt ist „Exsequiis“ bereits mehr als ein Schritt in die richtige Richtung und untermauert einmal mehr die Klasse der Thrasher aus Down Under.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 11.09.2026
Erhältlich über: Metal Blade (SPV)

Facebook: www.facebook.com/HarlottOfficial

(c) Lisa Larsson

Für manche ist immer eitel Sonnenschein – eine Welt voller Hoffnung auf schöne Tage, von Freundschaft und Gemeinschaft bestimmt. Knivad sehen das etwas anders. Seit seiner Gründung steht das Quartett aus Göteborg für die Abgründe des Seins und thematisiert unter anderem den menschlichen Instinkt für Selbstzerstörung sowie den langsamen Zusammenbruch der modernen Gesellschaft. Ihr zweites Album „Lilla vackra människa“ fällt betont persönlich aus, befasst sich mit Leben und Tod, wandelt am Abgrund und beobachtet mit Furcht und Hoffnungslosigkeit, wie Menschen verschwinden und zu Erinnerungen werden.

Bevorzugt rattern die Nordlichter in aller Kürze durch. Hardcore, Punk, Metal, Crust und D-Beat finden zusammen, beispielsweise im gekonnt eskalierenden „Bältd“. Zeit für den Aufgalopp bleibt nicht, denn das Ding explodiert sofort und ohne Rücksicht auf Verluste. Disfear lassen grüßen, selbst im erstaunlich melancholischen Zwischenspiel. „Dagen det dödade dig“ stellt seinen ruhigen Moment an den Anfang: Ominöse, melancholische Gitarren tasten sich durch die Dunkelheit, die restlichen Instrumente setzen ruckartig und urplötzlich ein. Death und Thrash kommen hinzu und lassen den verwesenden Wahnsinn noch weiter eskalieren, mittendrunter überrascht doomige Schwere.

Davon gibt es in „Ett liv“ mehr, mit über fünf Minuten Spielzeit gewiss ein Ausreißer. Die sägenden Gitarren, angedeuteten Melodien und dennoch geifernden, verzweifelten Screams platzieren sich zwischen den Stühlen. Doom-Punk-Epik steuert auf eine schwarzmetallische Apokalypse zu, der große erhabene Moment bleibt jedoch aus. Im abschließenden „Vad är det för fel på mig?“ bäumen sich Knivad kaum auf und überraschen mit Post-Punk-Einschüben, die prima zum ratternden D-Beat-Husarenritt passen. Pure Finsternis und schnell erloschene Hoffnung finden zusammen. Hingegen illustriert der Titelsong, wie man mit reduzierten Mitteln und purem Abriss sich und alles rundherum in die Knie zwingen kann.

Einen Schönheitspreis gibt es für diese 33 Minuten gewiss nicht – glücklicherweise, möchte man fast sagen, denn das wäre das falsche Signal. Knivad sind so brutal und erdrückend wie möglich unterwegs und bringen selbst Crustcore an dessen Grenzen. Nichts hieran macht Mut, baut auf, weckt Hoffnung; „Lilla vackra människa“ ist desolat, brutal und unnachgiebig, wie das Leben selbst es manchmal auch sein kann. Die Spirale der Mutlosigkeit dreht sich auf dem zweiten Album der Schweden unaufhörlich, bis zur unvermeidbaren Katastrophe – ein herausforderndes Machwerk, auf das man sich einlassen muss. Es lohnt sich.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.09.2026
Erhältlich über: Suicide Records

Facebook: www.facebook.com/knivad

(c) Sonja Möller

Es gibt gewiss einfachere Dinge als einen Sängerwechsel unbeschadet zu überstehen. 2023 verloren Space Chaser mit Siegfried Rudzynski eine echte Charakterstimme, der Frontmann verließ die Band aus persönlichen Gründen, nachdem man sich zuletzt auf „Give Us Life“ musikalisch etwas weiter geöffnet hatte. Rhythmusgitarrist Leo Schacht nahm das Heft in die Hand, bereits mit der im Vorjahr veröffentlichten Single „Ignite The Sky“ kündigte sich eine Hinwendung zu klassischeren Thrash-Tönen an. Exakt das geschieht auf „Razorblade Bay“, dem Einstand für Testimony Records.

Kurze Brodeln, kehlige Aggression, dann volle Kraft voraus: Der Titeltrack „Razorblade Bay“ eröffnet die Platte mit Nachdruck. Schacht ist stimmlich ein wenig tiefer angesiedelt und bewegt sich damit gelegentlich in Kreator– und Sodom-Gefilden, wie auch die Musik an sich. Dass ausgerechnet Andy Brings für die Produktion verantwortlich war, passt irgendwie. Wütende, teutonische Thrash-Attacken, ein wenig Groove zwischendurch und ein hymnischer, muskelbepackter Chorus machen Laune. Die Reprise am anderen Albumende ist ebenfalls nicht von schlechten Eltern. Im kurzen, angepunkten „8 Minutes“ gibt es sogar ein paar Gast-Vocals von Brings – das I-Tüpfelchen für eine kompromisslose Attacke.

„The Coffin“ entwickelt sich zum mächtigen Favoriten, braucht den einen oder anderen Anlauf, kann mit schierer Intensität und rasiermesserscharfen Soli aber ohne Frage restlos überzeugen. Spielerisch verschiebt sich das Tempo, stellenweise episch angehaucht, dabei stets so direkt wie möglich umgesetzt – ein von vorne bis hinten mächtiges Stück Thrash. Ein solches ist auch „We Are The Night“, das einmal mehr kantige Gang Shouts in den Mix lässt und vor allem in der nahezu melodischen zweiten Hälfte so richtig abhebt. Ganz so hymnisch geht es in „We Bow To None“ freilich nicht zu. Die giftige Kampfansage explodiert wieder und wieder, bevor gespenstische Gitarren mittendrin die Stimmung verändern und das mächtige Finale vorbereiten.

Space Chaser bemühen eine gewisse Ursprünglichkeit, die ihnen und ihrem Sound gut bekommt. „Razorblade Bay“ fällt insgesamt deutlich thrashiger und fokussierter aus, orientiert sich gerne mal an den deutschen Big Four, ohne die spannenden Ideen der letzten Platten gänzlich zu ignorieren. Die Neubesetzung an vorderster Front ist zunächst ein kleiner Kulturschock, macht sich aber ebenso richtig gut und lenkt den Fokus vermehrt auf das Wesentliche. Thrash, Thrash und nochmals Thrash: Space Chaser packen beherzt zu und machen aus der vermeintlichen Not eine höchst unterhaltsame Tugend.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 11.09.2026
Erhältlich über: Testimony Records (SPKR)

Facebook: www.facebook.com/SpaceChaserBand

(c) Jens Raadal

Es mag ein billiges Wortspiel sein, aber man gönnt sich bekanntermaßen sonst nichts: 2008 war bei Lack selbiger ab. Die Dänen hatten kurz zuvor ihr drittes Album veröffentlicht, eine Fülle an Shows in ganz Europa und Nordamerika gespielt, doch war erst einmal alles gesagt. Zuletzt waren die vier Musiker unter anderem bei Rising, Tvivler, Total Heels, Anchorless und No Light tätig. 2021 folgte das Comeback – erst für ausgewählte Konzerte, dann tastete man sich ohne große Pläne an neues Material heran. Das Ergebnis hört auf den Namen „Lack“ und krempelt – wie schon auf den Vorgängern – sämtliche Hardcore-Erwartungen mit wachsender Begeisterung um.

Sie kehren mit ihren „Heads Held High“ zurück, das lässt sich konstatieren. Der gleichnamige Track legt kleinere Anlaufschwierigkeiten schnell ab und rollt wie eine Dampfwalze los. Mit dabei sind jene flirrende Gitarren, die in der Vergangenheit gerne mal in Richtung Indie und Alternative abdrifteten – der perfekte Gegenpol zum drückenden (Post-)Hardcore, den Thomas Burø mit seinen pointierten Shouts antreibt. Selbst für ein finsteres Break mittendrin bleibt Platz. Deutlich störrischer und unbequemer gibt sich „Kids With Kalashnikovs“, ein stellenweise brutalistisches Stück Musik, das sich in nervösen Druckwellen entlädt und mit der eigenen Spannung ringt.

In „Mapmakers“ wagen sich Lack noch weiter hinaus, nicht nur aufgrund der opulenten Spielzeit von sechs Minuten. Schleppende Drums, schrammelnde Gitarren und ellenlange Sinnsuche verharren in einem erstaunlich mobilen Limbo-Zustand. Beinahe unbemerkt verfinstert sich der Himmel, von ein paar Harmonien auf die falsche Fährte geführt, bis zur finalen Verpuffung. Im Gegensatz dazu rattert „Boltguns Are Painless“ kurz und pointiert durch, spannt den Bogen von legeren Rockklängen zu wütenden Attacken. „Lemons“ kann das noch toppen, denn obwohl die Kombination aus Drums, Bass und leicht neben der Spur operierenden Vocals zunächst mit Post Punk überrascht, fallen die urplötzlichen Eruptionen erstaunlich martialisch aus.

Hardcore als Blank Canvas für ausufernde und doch stets mitreißende experimentelle Variationen: Lack beweisen einmal mehr ihren Hang zum Bruch mit Konventionen und Formensprache. Post-Hardcore ist weiterhin bestenfalls eine ungefähre Überschrift für das, was sich in diesen neun Tracks abspielt. Eine gewisse Härte bildet natürlich das Rückgrat, trifft aber auf schrammelnde Gitarren, auf Punk und Alternative Rock, auf Math und Jazz, nur um im nächsten Moment am Stand durchzudrehen. Das Comeback auf Albumlänge braucht Zeit und gelingt auf allen Ebenen – Lack definitiv wieder aufgetragen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 11.09.2026
Erhältlich über: Dream Bureau

Facebook: www.facebook.com/lackattackdk

(c) Gaëtan Brace

Im Hause hubris. ergibt sich eine kleine thematische Neuausrichtung: Nach vier Alben, die sich mit griechischer Mythologie befassten, widmet sich Gründer und Komponist Jonathan Hohl nun J.R.R. Tolkiens ‚Herr der Ringe‘, seiner anderen großen Inspirationsquelle. Der Tod seines Großvaters brachte eine Auseinandersetzung mit Finalität und Sterblichkeit mit sich, umgelegt auf Mittelerde – wo Menschen Unsterblichkeit suchen, Elben dieser entkommen möchten und ein Filmzitat Gandalfs zum Ankerpunkt wurde: ‚Death is just another path, one that we all must take‘; zu Deutsch: ‚Der Tod ist nur ein weiterer Weg, den wir alle gehen müssen‘. „White Shores“ geht seinen eigenen Weg.

Der erste Teil des Filmzitats ergibt zugleich die Songtitel, die sich zudem mit den fünf Phasen der Trauer befassen. Das erklärt auch „death“ als Titel des Openers, wobei man sich keine rohen, ruppigen Nackenschläge erwarten soll. Die Schweizer bleiben ihrem rein instrumentalen, verspielten und sorgsam orchestrierten Post Rock treu, das zeigt sich auch während diesen mehr als acht Minuten. Langsamer Aufbau in Richtung Plateau, ein erstaunlich rockiger Riff-Einschub mit ordentlich Heavyness zwischendrin und schließlich ein ausgedehntes Crescendo mit singenden Gitarren machen Laune. Doch auch im stillen, verwässerten Abgang verbirgt sich viel Magie.

Davon hat auch „just“ mehr als genug zu bieten, noch länger und noch ausladender ausgefallen. Der rollende Basslauf blubbert und führt auf die falsche Fährte, täuscht erst einmal unbequeme Heavyness an. Emotionale Schwere nimmt zunächst das Heft in die Hand und wandelt Flehen in eine der härtesten Passagen dieses Albums um. Das erinnert schon mal im besten Sinne an die Anfänge von Long Distance Calling und Collapse Under The Empire, immer mächtiger und intensiver werden. hubris. splitten den Schlussakt in zwei Teile auf und erkennen darin womöglich mehrere Pfade – das ominöse, schließlich aufbrausende und halbwegs versöhnende „path I“ sowie das suchende, intensiv erzählende „path II“.

Episch, immersiv, aufwühlend und selbst in seinen nachdenklichen Momenten lebensbejahend: Der bewundernswerte Umgang mit Trauer und einschneidenden Erlebnissen zeichnet hubris. aus. „White Shores“ serviert Post Rock der feinsinnigen, verspielten und packenden Art, der mit behutsamer Vorsicht, angenehm klassischem Aufbau und unmittelbarem Umgang mit Emotionen selbst in instrumentaler Stille viel zu tun hat. Godspeed schwingen mit, gewisse Parallelen zur jüngsten Mono-Platte ergeben sich von selbst. Die Schweizer zeigen sich erneut richtig stark und lassen das Herz übergehen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.09.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Website: www.hubrisband.com
Facebook: www.facebook.com/Hubrisband

(c) Tom Birch

Wertlosigkeit in einer sterbenden Welt. Organisierte Religionen als kontinuierlich wachsende Seuche. Existenzielle Angstzustände. Zugegeben, leichtfüßig waren und sind Shrineburner noch nie unterwegs gewesen. Ursprünglich 2023 als gemeinsames Projekt von Gitarrist/Sänger Peter Norman und Drummer Brent Favata gegründet, verließ letzterer nach dem Release einer ersten EP die Band aufgrund diverser anderer Verpflichtungen. Mittlerweile als Trio aufgestellt, erscheint nun das erste komplette Album „Hymns Of Despair“ in Eigenregie.

Und das klingt exakt so, wie es der Titel und die behandelten Themen vermuten lassen: laut, drückend, zermürbend, brutal und finster. Nach einem kurzen Intro explodiert „Spectral Cataclysm“ in media res, überrascht mit einem gewalttätigen Blackened-Death-Sprint, bevor man sich auf zermürbende Härte konzentriert. Doom und Sludge sind die Stärken der Herren aus Chicago, das ist in diesem Elfminüter nicht zu überhören. Normans Screams und Growls fahren durch Mark und Bein, die gleichermaßen dreckige und zentnerschwere Mixtur desolater musikalischer Sphären fordert heraus. Etwas überraschend kommt der psychedelische Einschub; ein geschickter Stilbruch, der die Saiten singen lässt.

Fast noch herausfordernder – und zwei Minuten länger – gestaltet sich „An Ocean Of Broken Hope“. Shrineburner lassen sich ordentlich Zeit, um in diesen Track zu finden, geben sich erst einmal erstaunlich zittrig und nervös, bevor massive Wände und post-metallische Ausritte das Heft fest in die Hand nehmen. Ein massives Bollwerk entsteht, zugleich mit zumindest den Ansätzen einer Melodie versehen. Jedes Mal, wenn das Trio etwas Fahrt aufnimmt, bremst es sich selbst aus. Der Trauermarsch gipfelt in einem ausladenden, verspielten Gitarrensolo. Als Kontrastprogramm langt „Bodies Dragged To Sunlight“ beherzt zu, kurzzeitig nahezu vertrackt, dann beinahe rückwärts gehend – ein Lehrstück in Sachen Schwere.

So massiv und kompromisslos sind aktuell nur wenige Bands unterwegs. Einen Sludge-Schönheitspreis gewinnen Shrinebuilder maximal, weil sie fokussierten Mut zur Hässlichkeit beweisen. Die schiere Intensität ihres ersten kompletten Albums überfordert komplett und benötigt die eine oder andere Pause, um sich zumindest halbwegs fassen zu können. Gerade in dieser konsequenten Zermürbungstaktik liegt letztlich die Stärke von „Hymns Of Despair“, das Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit auf den brutalen, geifernden, konsequent schmerzenden Punkt bringt. Wer seinen Doom-Sludge möglichst abstoßend und drückend mag, ist bei diesem exzellenten US-Trio an der richtigen Stelle.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 11.09.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/shrineburnerchicago

(c) Eric Haines

Bei Castle weiß man, was man bekommt. 15 Jahre nach ihrem ersten Album steht das nordamerikanische Duo um Elizabeth Blackwell und Mat Davis für süffig-düstere Konstanz, mit einem Herz für klassische Metaltöne und doomige Finsternis. Nach der etwa einjährigen Tour zu „Evil Remains“ ging man in Vancouver ins Studio, um gleich zwei Platten aufzunehmen. Die Cover-EP „Double Vision“ erschien vergangenen November und widmete sich unter anderem Judas Priest, Danzig und Alice Cooper. Nun folgt das mittlerweile siebte Studioalbum „Carrie Chains“ und knüpft wenig überraschend nahtlos an die Vorgänger an.

Alleine schon für „3 Knocks“ lohnt sich dieses Album, denn hier spielt das Duo sämtliche Qualitäten in rauen Mengen aus. Klassischer Metal, Doom-Ursuppe und wundervolle Heavyness treffen auf die intensiven Vocals Blackwells, die nicht mehr aus dem Kopf gehen. Die souveräne, dominante Präsenz der Sängerin thront über dem Geschehen, während ein manisches Riff alles in Schutt und Asche legt. Der beklemmende Mittelteil mit gezischten Zeilen und giftigem Solo rundet gekonnt ab. Im direkten Anschluss landet der Quasi-Titelsong „Carry Chains“ – kurz, trocken und eindringlich wie sonst etwas. Leather Leone lässt grüßen.

Fast noch stärker sind Blackwell und Davis, wenn sie etwas langsamer machen und sich an den Doom-Anfängen à la Black Sabbath und Pentagram orientieren. Entsprechend massiv klingt „Orb Weaver“, geradezu zentnerschwer, zugleich mit einer kleinen verführerischen Melodie ausgestattet, die nicht mehr loslässt. In der zweiten Hälfte ziehen Castle das Tempo ein wenig an. „Evil Nun“ konzentriert sich hingegen überwiegend auf klassischeren Heavy Metal, hat ab und an fast Dio-Qualitäten und häutet sich als mächtige Hymne mehrfach. Schließlich schleppt sich „Burn The Messenger“ möglichst evil ins Ziel – gewaltige Lasten drücken auf das imaginäre Gemüt.

Keine Überraschungen, dafür ein starker Song nach dem anderen: Castle knüpfen mehr als souverän an ihre bisherigen Alben an und üben sympathischen, eingängigen Druck der klassischen Art aus. Anders gesagt: Elizabeth Blackwell und Mat Davis bleiben sich auf „Carrie Chains“ treu. Großartige Riffs, mächtige Gesangsmelodien, bittersüße Finsternis und dicke Hymnen geben sich die Klinke in die Hand. Einmal mehr dezidiert während den Doom-Anfängen angesiedelt, steht das Duo aus dem Schloss für exzellente Songs mit kleinen Widerhäkchen, gerne mal unbequem, doch immer ohne Umwege direkt ins Ohr unterwegs. Castle unterstreichen einmal mehr ihre gesamte Klasse.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.09.2026
Erhältlich über: Hammerheart Records (SPV)

Website: www.heavycastle.com
Facebook: www.facebook.com/CastleSF

Slider-Pic (c) Eric Haines

(c) LK Konkoli

Aktuelle und ehemalige Mitglieder so illustrer Bands wie Torche und Royal Thunder machen als Moon Destroys gemeinsame Sache. Bereits 2020 erschien eine erste EP mit Gast-Vocals von Troy Sanders (Mastodon) und Bryan Richie (The Sword), im Vorjahr landete ein erstes Album in Eigenregie. Seither konnte man Zach Amster von Abrams als Stimme und Zweitgitarrist gewinnen, mit Blues Funeral Recordings weiß man zudem eine kompetente Plattenfirma im Hintergrund. „OMNI“ entwickelt den herrlich eigenwilligen Sound des Trios gezielt weiter.

Musikalisch bewegt man sich irgendwo im Querschnitt all dieser Bands und auch nicht. Der programmatisch betitelte Opener „Invasion“ trägt gewisse Torche-Qualitäten in sich, rifft sich durch Stoner-Doom-Untiefen mit dezentem Pop-Flair, nur um die Brücke zwischen Alternative und Psychedelia zu schlagen. Herrlich verwaschene Einschübe, etwas Sinnsuche und greifbare Sehnsucht in der durchschimmernden Synth machen Laune. Hingegen schraubt „Missing Wish“ den Heavyness-Faktor erst einmal kräftig nach oben und erinnert im besten Sinne an die (Post-)Grunge-Bands der späten 90er und frühen 2000er. Verschwitzte Düsternis mit kantigen Hooks wird von einer musikgewordenen Dampfwalze nahezu erdrückt.

Während man sich über diese Wendung noch wundert, sind Moon Destroys bereits ganz woanders. In „Motion Sickness“ finden sie eine Art goldenen Mittelweg und lassen sich treiben. Das vergleichsweise forsche Tempo wird von einem verspielten, melodischen Mittelteil komplett ausgehebelt. Urplötzlich steigt das Trio in höhere Bewusstseinsebenen auf, die infernale Fanfare trifft auf himmlische Chöre. Doom und Desert Rock dominieren hingegen das überlange „She Cried“ mit donnernden Drums und kompromissloser Entschleunigung. Ein massives Bollwerk türmt sich auf, der Zusammenbruch wird in bester Post-Rock-Manier rausgezögert.

Erst richtig schwer zu greifen, dann verdammt gut: Was Moon Destroys hier an Show abziehen, macht richtig viel Laune. Selbstverständlich ist sofort klar, wo sie musikalisch stehen, wo sie herkommen und was sie ausmacht. Dieser Kraftakt von einem Album bietet eine Fülle spannender Ideen auf, die sich mit der Zeit prima finden und ein hypnotisches Ganzes ergeben. Natürlich taucht typisches Torche-Riffing der alten Schule auf, mit etwas Pop und Synthetik verbunden, aber eben auch diese herzhaften Modern-Rock-Exkurse, die in ihrer Eigentümlichkeit richtig viel Spaß machen. Für all die dargebotene Heavyness umweht „OMNI“ erstaunliche Leichtigkeit, ein lässiges Verweilen zwischen zusammenbrechenden Stühlen. Dieser kuriose, beschwingte, zermürbende Auftakt macht Laune.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.09.2026
Erhältlich über: Blues Funeral Recordings (Cargo Records)

Website: www.moondestroys.com
Facebook: www.facebook.com/moondestroys

(c) Errick Easterday

Die konstante Veränderung ist ein Teil von 156/Silence. Was einst im Hardcore und Mathcore begann, durchlebte seit dem vor zehn Jahren erschienenen Einstand diverse Metamorphosen und ist mittlerweile irgendwo zwischen Metalcore, ein wenig Beatdown, Alternative Rock und Metal mit cinematischer Intensität angekommen. Nach dem starken „People Watching“ entstand eine Art spirituelle Fortsetzung, noch eine Spur düsterer und intensiver. „From A Distance“ ist der Einstand für Pure Noise Records und zugleich das insgesamt sechste Studioalbum, begleitet von einer einschneidenden personellen Veränderung.

Nicht dabei ist der im Vorjahr überraschend verstorbene Bassist Luke Booker, dem die hier nicht enthaltene Single „Our Parting Ways“ als ergreifendes Farewell gewidmet wurde. Seinen Platz übernahm Mike Ernst, von 2015 bis 2017 erster Frontmann der Band. Das notgedrungen umgestellte Line-up ist – wenig überraschend – bärenstark unterwegs. Nach dem fragmentierten Intro / Song „Control Burns“ mit einem ‚Severance‘-Sample überrascht „No Arms“ mit sehr präsenter Synth und melodischer, dennoch düsterer Hook. Die Inspiration durch Gaming-Soundtracks (‚Resident Evil‘ und ‚Silent Hill‘ werden ebenso als Einflüsse genannt, wie auch die legendäre Serie ‚Twin Peaks‘) ist unüberhörbar und sorgen für einen leicht schaurigen Touch. Dahinter verbirgt sich sogar semi-klassischer Metalcore mit gelegentlichen wütenden Screams und einem kathartischen Refrain. Der Weg dorthin fällt bloß etwas länger aus.

156/Silence wählen gerne den etwas weiteren Weg für mehr Tiefgang und Atmosphäre. Das Ergebnis spricht für sich – siehe und höre Tracks wie „Proxy Idols“, das gemächlich anrollt, wütende Screams durch bittersüße Harmonien ablöst und am Höhepunkt einen der wütendsten Breakdowns des gesamten Albums lostritt – ein Spiel mit eindrucksvollen Gegensätzen. Im Vergleich dazu wirkt „Cannon Fodder“ mit Mike Hranica von The Devil Wears Prada fast konventionell, destilliert modernen, technisch anspruchsvollen Metalcore auf seine Essenz. Hranica ist aber keineswegs der einzige Gast: Alex Reade von Make Them Suffer verleiht dem anmutigen, semi-balladesken Titelsong noch mehr Tiefgang, während Tony Castrat von Crippling Alcoholism das finstere, mit Nu-Hardcore flirtende „Collateral“ unterstützt. Ebenfalls nicht von schlechten Eltern: „Swept From Under (Call Of The Void)“, ein auf dem Stand eskalierendes Hackbrett mit zarter Melancholie im Fundament.

„From A Distance“ braucht viel Geduld, denn dieser finstere, gerne mal unbequeme und hochgradig volatile Sound ist nun wirklich alles andere als leicht verdaulich. Macht aber nichts, denn diese erneute stilistische Verfeinerung bekommt 156/Silence richtig gut. Gleich mehrere Herzen schlagen – ach – in der kollektiven Brust des Quintetts aus Pittsburgh, das seine Fühler mal eben weiter ausstreckt. Die Horror-Soundtrack-Anteile, die dystopischen Serien-Referenzen und die stets gespannte, unheilvolle Atmosphäre bieten eine starke Bühne für den modernen Metalcore-Ansatz, der elektronisch und experimentell, derb und technisch versiert, aber auch hymnisch und melodisch ausgelegt wird. Laufende Häutungen treffen auf musikalische Geschlossenheit und feine Überraschungen für ein weiteres bärenstarkes Album einer Band, die längst wesentlich größer sein sollte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.09.2026
Erhältlich über: Pure Noise Records (SPV)

Website: www.156silence.com
Facebook: www.facebook.com/156Silence

(c) Paulie Moore

Wenige Töne erschaffen eine eigene Welt – und Polymoon laden erneut vorsichtig in diese ein. Das finnische Quintett steht für eine im besten Sinne ungewöhnliche Mischung, die Psychedelic Rock, Shoegaze und andere feinsinnige Klänge neben Post-Heavyness und erstaunliche Intensität stellt. Einmal mehr von Juho Vanhanen (Oranssi Pazuzu) produziert, wagt sich das dritte Album „Mariposa Magic!“ weiter hinaus denn je und legt vor allem hinsichtlich Dynamik ordentlich zu.

Das magische „Ultra Bloom“ eröffnet mit intensiver Atmosphäre und erstaunlicher Bewegungsfreude. Polymoon klingen nie, als würden sie auf der Stelle treten, obwohl sie den Track bevorzugt für sich wirken lassen. Im steten Wabern steckt erstaunlich viel Energie, ausgehend von der starken Rhythmusabteilung, während Gitarren und Synth eine plüschige, leicht bizarre Wand mit spacigen Untertönen zaubern. Der Gesang setzt sich federleicht auf das Konstrukt und bestimmt doch das Geschehen, selbst im etwas verkopften Schlussakt. Danach macht das kurze, knackige „I End, You Begin“ ordentlich Tempo, klingt für finnische Verhältnisse fast punkig und eskaliert am Ende mit nahezu metallischer Wucht.

Bevorzugt bewegt sich das Quintett in der anspruchsvollen Überlänge und lässt sich treiben. Das aber stellenweise durchaus heavy, wie beispielsweise „Welcome To Another Dimension“ unter Beweis stellt. Ordentlich Drive und Distortion bestimmen das verlängerte Intro, bevor sich Polymoon in vertraute verträumte Gefilde vorwagen. Zittrige Magie und grandiose Harmonien machen sich breit, der kurzzeitige Zusammenbruch in der Schlussphase reißt mit. In „Harvest Of Stars“ nähern sich die Finnen hingegen Post-Rock-Gefilden an, denn nach einer ersten, kurzen Eskalation beginnt der Aufbau. Selbst die Verfinsterung stört nicht, denn der finale Haken landet exakt dort, wo er soll.

Polymoon gehen einen spannenden weiteren Schritt in Richtung ureigene, faszinierende Identität. Ihr Psych-Ansatz hatte immer schon etwas angenehm Eigenwilliges an sich, gerade mit seinen fuzzigen, spacigen und unterschwellig metallischen Anteilen, doch wirkt die Energie auf dieser neuen Platte frisch, mächtig und ausdrucksstark auf allen Ebenen. „Mariposa Magic!“ setzt auf nahezu konstante Bewegung, ohne dabei die unwirkliche Verträumtheit zu ignorieren, und paart diese nahezu krautige Energie mit filigraner Detailarbeit. Das ist tatsächlich magisch und zugleich Grundstein für die bislang beste Platte der Finnen, die mehr als nur eine weitere Talentprobe ablegen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.09.2026
Erhältlich über: Vesperian / Metal Blade (SPV)

Website: polymoonofficial.com
Facebook: www.facebook.com/polymooooon

(c) Damien Sayell

Es war ein langer Weg für einen vermeintlich kleinen Schritt: a-tota-so haben nun einen festen Sänger. Ihr erstes Album gestaltete das britische Trio noch rein instrumental, für den Nachfolger „Lights Out“ lud man sich allerlei Freunde und Szeneprominenz an vorderste Front ein, brachte das auch zumindest in Teilen auf die Bühne. Nun steht Gitarrist Marty Toner am Mikrofon, singt zum ersten Mal seit seiner Jugend und möchte dem noisig-mathematischen Alternative Rock etwas Hoffnung mitgeben. Und das ist dringend notwendig, denn „I Told You So“ befasst es sich mit den düsteren Seiten dieser Zeit.

Ominöse Klänge, ein grollender Basslauf und beiläufig angeschlagene Drums eröffnen „Death Rattle“, dem Songtitel entsprechend. Das Intro erinnert an die unheilvolle Ruhe vorm Sturm in „Raining Blood“, bloß hat der Rest des Tracks rein gar nichts damit zu tun. Erst meditative, melancholische Schwere, dann geradezu hymnischer Alternative Rock mit feinen Math-Spielereien – die Mischung ist eigentümlich, der alles andere als lineare Verlauf samt angepunktem Finale verwirrt. So könnten punkige Tool klingen. Oder auch nicht: „GRLD“ baut minutenlang auf, das Ziel bleibt unbekannt. Wütende Breitseiten und schmerzende Stimmbänder decken das Stakkato-Groove-Plateau ab – nur einer von vielen Widersprüchen.

So vieles an dieser Platte ist richtig schön schräg und eigentümlich. Wie das galoppierende „No Tears No Sound“, das sich immer wieder aufbäumt, nölende Noise-Kaskaden bemüht und auf dem Höhepunkt in die Luft geht, wieder und wieder. Post-Hardcore-Anleihen hier, Ohrwurm-Riff da, dann die urplötzliche Zäsur – daran muss man sich erst einmal gewöhnen. Wie auch an „Form Of Mass“, das mit dem vielleicht freundlichsten Riff des gesamten Albums ausgestattet ist. Ausgerechnet hier erhebt Toner seine Stimme, schreit und skandiert, während fast beiläufig eingestreuter Math-Punk die Tonleiter auf und abhetzt, bis zur finalen Grandezza. All das spielt sich in etwas über drei Minuten ab.

Wenig überraschend gestaltet sich so ziemlich alles an dieser – mehr als – guten halben Stunde hochgradig gewöhnungsbedürftig. Dabei hat „I Told You So“ feine Melodien und kleine Hooks am laufenden Band zu bieten, erinnert in seinen lichten Momenten an diverse US-Alternative-Rock-Granden der 90er und 00er Jahre, nur um im nächsten Moment alles umzuwerfen und von understatetem Chaos zerschossen zu werden. a-tota-so verzichten auf klassische Noise-Wände und abgefahrene Math-Eskapaden, arbeiten stattdessen subtiler und bemühen sich um ordentlich Spannungsaufbau. Toner macht zudem auch am Mikrofon eine richtig gute Figur. Mehr und mehr scheint sich das englische Trio zu finden und legt sein bislang stärkstes Album vor.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.09.2026
Erhältlich über: bUTTONpUSHER records

Facebook: www.facebook.com/atotaso