(c) Terhi Ylimainen

Seit bald 30 Jahren zählen Insomnium sozusagen zum finsteren Melodic-Death-Inventar. Das finnische Quintett verbindet seit jeher druckvolle Intensität, beklemmende Melodik und drastische Gesten zu epischen Großtaten. Stolze dreieinhalb Jahre nach „Anno 1696“ setzt es wieder frischen Stoff – mit Tomy Laisto, der die Band bereits seit geraumer Zeit live unterstützt, statt Jani Liimatainen an der dritten Gitarre. Das zehnte Studioalbum „Netherworlds“ unterstreicht einmal mehr das Händchen für monumentale Melancholie und behält den bewusst offenen Kurs der letzten Platten bei.

Nach dem unwirklichen Intro „The Cold Song“, im Original von Henry Purcell, geht „Shadowlife“ sogleich in die Vollen und serviert all das, was man sich von Insomnium erwartet und erhofft. Dicke Melodien, wuchtige Härte und omnipräsente emotionale Schwere nehmen das sprichwörtliche Heft in die Hand. Niilo Sevänen grummelt so grantig wie eh und je, Ville Friman sorgt für klare Einschübe – das Yin und Yang von Insomnium findet sofort zusammen und übersteht einen kleinen Key Change unbeschadet. Hingegen überrascht die zweite Hälfte mit proggiger Verletzlichkeit und einem epischen Gitarrensolo. Ein ähnliches Kaliber ist „Pathways Of The Night“, dessen hymnische Schwere nur sehr langsam an die Oberfläche dringt, bevor wütende Attacken alles in Schutt und Asche legen.

Als weitere Monstrosität ragt „The Hour Grows Late“ heraus und serviert acht Minuten epischen Wahnsinn. Der folkige Anfang täuscht, denn Insomnium schalten ebenso plötzlich um und legen den Grundstein für einen emotionalen Malstrom, dessen understateter Dark-Metal-Chic wieder und wieder an die Oberfläche drängt. Die Finnen haben ein Herz für nachdenkliche Leerstellen, aber auch für schwarzmetallische Zwischensprints, die von bizarren Effekten zerschossen werden. Und plötzlich ist der mächtige Melodiebogen zurück – das schlaucht im besten Sinne. Zum Abschluss geben sich Tomi Joutsen, Tomi Koivusaari und Santeri Kallio von den langjährigen Wegbegleitern Amorphis die Ehre. Das gemeinsame „Journey’s End“ fällt musikalisch aus dem Rahmen und klopft an der Pforte zum nächsten Leben an.

Ein Album über den Erfrierungstod liegt hinter Insomnium, von zermürbender Zerstörung, zarter Hoffnung, wiederholter Enttäuschung und willkommener Erlösung geprägt. Einmal mehr treten die Finnen als konzentrierte und konsequente Storyteller auf, überlassen ihren offenkundigen Stärken als Konzeptmeister den Vortritt und verbinden dies erneut mit einer experimentell bis proggig angehauchten Interpretation ihrer Musik. „Netherworlds“ entführt Melodic Death und Melancholie in gewohnt packende, aufwühlende Sphären und pendelt sich souverän auf nunmehr gewohnt hohem Niveau ein. Süßer die Herbstglocken nie erstarren.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Century Media (Sony Music)

Website: www.insomnium.net
Facebook: www.facebook.com/insomniumofficial

Slider-Pic (c) Terhi Ylimainen

(c) Jordan Butcher

Der Weg, so sagt man, ist das Ziel, und für Caspian war es dieses Mal ein besonders langer Weg. Ihr fünftes Studioalbum „On Circles“ erschien im Jänner 2020. Mit einer Tour wurde es natürlich nichts; man veröffentlichte zwischenzeitlich diverses Material online, versuchte es mit Livestreams und verlor 2021 Gitarrist Erin Burke-Moran, der sich überwiegend ins Privatleben zurückzog. Seither waren die Post-Rock-Veteranen auf der Bühne sehr präsent, feierten ihren 20. Geburtstag und tasteten sich nur langsam zu einer neuen Platte als Quintett vor. Schlicht „Caspian“ betitelt, ging es dieses Mal bewusst nicht darum, sich erneut in eine frische Richtung zu entwickeln. Stattdessen schrieb man einfach ’nur‘ Songs, die sich auf bewährte Qualitäten konzentrieren.

Zu den unbestrittenen Highlights und zugleich den besten Tracks ihrer illustren Karriere zählt der Neunminüter „Remain“. Eigentlich passiert hier relativ wenig – getragenes Tempo, feinsinnige Gitarrentöne, gemächlicher Rhythmus, mehr und mehr Instrumente stoßen hinzu. Langsam, aber sicher beginnt es zu brodeln, das obligatorische Post-Rock-Plateau setzt zur Songmitte plötzlich ein. Die singende Gitarre nimmt das Heft fest in die Hand, im Schlussdrittel überrascht sogar etwas Heavyness, ohne auch nur im Geringsten in metallische Bereiche abzudriften. Ein in die Länge gezogenes Outro samt versöhnlicher Piano-Coda rundet die magische Großtat ab.

Dieses Niveau erreichen Caspian zwar in weiterer Folge nicht ganz, pendeln sich aber auf gewohnt starkem Niveau ein. „No One Left To Tell“ steht exemplarisch für die Vielfalt dieser Platte, bringt eine gewisse Leichtfüßigkeit mit und holt vorwitzige, 80s-lastige Töne in das herrlich legere Crescendo. Etwas Synth hier, ein wenig Elektronik da, dazu kraftvolle Gitarren – dieser Stilmix gelingt. Dafür startet „Far Country“ fast in media res, legt für Post-Rock-Verhältnisse ohne großen Anlauf los und zerlegt sich mit übermäßigem Feedback-Pedal-Einsatz selbst. Das verleiht dem Sound etwas leicht Schroffes, Unfertiges, während ringsum typisch Caspian’sche Anmut von wütenden Drums attackiert wird. Auch dieser Ausritt gelingt.

Bei aller Abwechslung unterhält „Caspian“ durch seinen roten Faden, der sich erst nach dem zweiten, vielleicht sogar erst nach dem dritten Durchlauf so richtig zeigt. Ideen setzt es in Hülle und Fülle, fast wie eine kleine Rundreise durch gut 20 Jahre Bandgeschichte, doch fließen diese 40 Minuten stets sympathisch und gelungen ineinander. Mal härter, mal feinsinniger, mal klassisch angehaucht, dann weder mit synthetischer Ausprägung, dazu ein neunminütiger Gigant – Caspian liefern einmal mehr richtig stark ab.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Wax Bodega / Many Hats (Virgin Music)

Website: www.caspian.band
Facebook: www.facebook.com/CaspianTheBand

(c) Liss Eulenherz

An Selbstbewusstsein mangelt es Stoned Jesus keinesfalls: Im September 2025 meldete sich das ukrainische Trio mit „Songs To Sun“ zurück und nannte es den Start einer Trilogie. Der überaus anspruchsvolle Mix aus Stoner und Prog, Psych und Rock wirkte wie eine kleine Rundreise durch das bisherige Schaffen und machte daraus eine Art Sprungbrett für neue Großtaten. 13 Monate später landet nun „Songs To Moon“ – etwas lauter, etwas filigraner, etwas kantiger, etwas verspielter. Ist ‚mehr von allem‘ tatsächlich der richtige Ansatz für den ewigen Geheimtipp?

Der Auftakt überrascht erst einmal: „Under The Skin“ fällt mit der Tür ins Haus und packt einiges an Heavyness drauf. Überraschend metallische Intensität, bleierne Schwere und tiefe Abgründe finden zusammen, die Vocals kämpfen sich aus den Untiefen des Arrangements hervor, ringen mit vereinzelten Screams und Growls um den Platz an der Sonne. Das anschließende „Velvet“ fällt deutlich melodischer aus, hat aber ebenso mit einer gewissen Finsternis zu ringen. Grunge und Alternative Rock, leicht proggige Süße und eine nicht von der Hand zu weisende Doom-Note machen Laune – schwerfällig, sympathisch und letztlich doch eingängig wie Sau.

Emotionaler Höhepunkt ist aber „Window In My Room“, das mehr als acht Minuten lang auf semi-akustischen bis folkigen Minimalismus setzt. Verträumte Verzweiflung ergibt einen ergreifenden Kontrast, vielleicht einen Hauch zu weit ausgedehnt, aber in seiner Melodieführung grandios. Davor baut sich „Jackal“ mächtig auf, holt ein paar Stoner-Riffs hinzu und klingt stellenweise fast vertrackt. Das hatte man so auch nicht unbedingt auf der Rechnung. Und dann ist da noch „ZYX“, das sich immer wieder aus unwegigem Stoner-Psych-Gelände erhebt und treibende Intensität nebst die ganz feine Klinge stellt, neben einen Hauch Neo-Prog und fast spacige instrumentale Sphären.

Die ganz große musikalische Überraschung sollte „Songs To Moon“ eigentlich nicht sein, funktioniert wunderbar als zweiter Teil einer Trilogie und traut sich trotzdem noch mal ein ganzes Stück weiter hinaus. Stoned Jesus klingen stellenweise deutlich lauter und heavier zuletzt, betonen letztlich aber tatsächlich die angekündigen Gegensätze, die hier deutlicher als zuletzt hervortreten. Gerade im semi-akustischen Bereich und der proggig-süßlichen Sinnsuche wirken die Ukrainer um Welten sicherer und selbstbewusster, lassen sich von der Musik auf beste Weise leiten. Auf den Abschluss in dieser Serie darf man bereits gespannt sein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Season of Mist (SPV)

Facebook: www.facebook.com/stonedjesusband

(c) Jonas Andersson

Zentnerschwere Lasten, süssliche Riffs und erstaunliche Emotionalität zeichnen Firebreather aus. Das 2016 im schwedischen Göteborg gegründete Trio versteht sich – ganz untypisch – auf eine Kombination aus Sludge und Doom Metal, veröffentlichte bislang drei Alben und tourte fleißig durch ganz Europa und Nordamerika. Ihre erdrückende Heavyness kultivieren die Herren aus dem hohen Norden neuerdings bei Heavy Psych Sounds und untermauern mit „Blood That I Spill Turns To Fire“ eindrucksvoll, dass sie trotz Vergleichen mit Giganten wie High On Fire und Monolord weiterhin felsenfest auf eigenen Beinen stehen.

Der Titelsong „Blood That I Spill Turns To Fire“ macht angenehm laut und deutlich, warum derlei Parallelen nicht von ungefähr kommen. Ein scharfkantiges Riff tritt eine kolossale Druckwelle los, die stoische Rhythmusabteilung klingt so massiv wie menschenmöglich und Mattias Nööjds kraftvoller, leicht verplanter Gesang schneidet mit hypnotisierender Urgewalt durch das Dickicht. Speziell die kleinen, aber feinen Harmonien im kurzen Hauptteil brennen sich ein. Was furztrocken und doch bittersüß loslegt, blüht nach einer kurzen Zäsur durch pure Entschleunigung auf. Zermürbende Doom-Heavyness drängt sich an vorderste Front und serviert bekömmliche Ernüchterung.

Tatsächlich ergibt diese monolithische Kombination einen packenden Ohrwurm – und keinesfalls den einzigen auf dieser Platte. Mit seinem wiederholt wechselnden Tempo und lebendigen Gesang brennt sich auch „Against The Light“ binnen kürzester Zeit ein. Die mal schwerfällige, mal regelrecht erdrückende Präsentation macht Laune, ebenso der kurze psychedelische Exkurs mittendrin. Im eröffnenden „Only In The Eyes Of Others“ darf die Gitarre schrill und metallisch aufheulen, bevor ein regelrechter Sludge-Doom-Stomper geradezu erschlägt. Zähe, zermürbende Wucht und ein angenehm verspieltes, melodisches Solo gehen eine Art unheilige Allianz ein.

Diese Platte zieht, schabt, scheuert und ist trotz oberflächlich unbequemem Auftreten ein kleines Juwel geworden. Firebreather statten ihren eigentlich massiven, zermürbenden Doom-Sludge-Hybrid mit bekömmlichen Riffs und eindringlichen Melodien aus, begleitet von einer kraftvollen, packenden und vergleichsweise klassisch-metallischen Stimme. Entsprechend zerrt „Blood That I Spill Turns To Fire“ konstant von einem Extrem zum nächsten, gibt sich emotional offen und herausfordernd, und ist mit seinem konstanten Wechselbad greifbarer Gefühle mitreißend, massiv, durchaus eindringlich unterwegs. Firebreather schaffen frischen Wind inmitten angenehm zermürbender Heavyness.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/firebreathergbg

(c) Angela H. Brown

Ende Juli standen SubRosa wieder gemeinsam auf der Bühne, was bis vor kurzer Zeit noch unmöglich erschien. Was genau die Zukunft bringen wird, ist noch unbekannt – aktuell ist zumindest ein weiteres Konzert in den USA für Anfang 2027 angesagt, weil die Musiker*innen an diversen anderen Projekten arbeiten. Während The Otolith gerade ihr zweites Album aufnehmen, meldet sich Rebecca Vernon bereits mit ihrer deutlich ruhigeren Solo-Spielwiese The Keening zurück. „Devotion“ hat eigentlich schon mehrere Jahre auf dem Buckel, entstand in einer privat schweren Zeit und ist Vernons Vater gewidmet, der im Mai 2025 verstarb.

Er war es, der sie für die Demo-Aufnahmen in seiner Wohnung in einer Altersresidenz einlud, wo sie tagsüber Musik schrieb und aufnahm und abends gemeinsam mit anderen Bewohnern speiste. Bereits 2022 fertig gemastert, setzt der Nachfolger von „Little Bird“ dessen musikalische und textliche Visionen konsequent fort. Die heimelige und zugleich unheimliche Magie eines „A Little Bit Of Blood“ bringt den vertrauten und doch andersartigen Sound Vernons auf den Punkt, verpackt Neofolk in aufwühlend arrangierte Gefilde, wächst sieben Minuten lang nahezu unaufhörlich und verbindet dies mit einem Mix aus Doom und Post Rock, der natürlich erneut an ihr altes, neues musikalisches Zuhause erinnert und dabei angenehm frisch bleibt.

Die A-Seite dieses Albums, die ersten 20 Minuten, bestehen hingegen aus dem vierteiligen Titelsong – eine knifflige und zugleich mehr als willkommene Herausforderung. Besondere Beachtung verdient „Devotion II – Fitful Sleep“, dessen vorsichtiges bis schüchternes Auftreten sofort verzaubert. Die aufwühlende Violine als Gegenpol zum gemächlich und doch drückend agierenden Bass hypnotisiert regelrecht. In dieser minutenlangen Ausreizung instrumentaler Weisheiten liegt viel – da ist dieses Wort wieder – Magie, während die mystische Coda verzaubert. Ebenfalls kraftvoll, bloß auf ganz andere Weise, gibt sich der ellenlange Rausschmeißer „The Murder Of Anna Brown“, der vor allem im anschwellenden Mittelteil alte Heavyness beschwört.

Was Rebecca Vernon hier erschafft, beeindruckt abermals. In den leisen Tönen verarbeitet sie Schmerzen und Trauma, die bei SubRosa unter zentnerschweren Lasten und mächtigen Doom-Wänden ruhten. „Devotion“ ringt mit sich und seiner Umgebung, kämpft sich zurück und muss sich doch erst selbst zerlegen, um den Wiederaufbau einläuten zu können. The Keening heilt die Seele der Protagonistin und erschafft nebenbei beklemmende, fragile Schönheit, die stets zu zerbrechen droht. Die alle Anstrengungen benötigt, um zu bestehen. Das schmerzt im besten Sinne und erwärmt selbst das finsterste Herz.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Relapse Records (SPV)

Website: www.thekeening.com
Facebook: www.facebook.com/thekeeningmusic

(c) Tom Haagen

Mittlerweile gehören Coal & Crayon zum Inventar. Das Quintett von der Insel Rügen schafft mit seinem anspruchsvollen, zugleich emotional aufgeladenen Post-Metal-Sound den Brückenschlag zwischen feinsinnigen Rock-Weisheiten und brachialen Entladungen, und teilte sich unter anderem die Bühne mit so illustren Visionären wie The Ocean und The Hirsch Effekt. Für ihren neuesten Streich musste gleich eine komplett neue Rhythmusabteilung (Drummer Mathias Ruck und Bassist Steffen Wolter) ins Line-up integriert werden. Zudem wollte man die eigenen musikalischen Kontraste noch stärker betonen. Schlicht „Coal & Crayon“ betitelt, besteht das neue Werk aus einer düsteren und harten sowie einer melodischen und atmosphärischen Hälfte.

Bereits der Vorbote „Ember“ zeigte die deutschen Nachbarn von einer etwas anderen Seite, so melodisch und gefühlvoll wie selten. Wunderbar proggige Fanfaren, mitreißender Gesang und diese kleinen, feinen Widerhäkchen mittendrin wecken schon mal angenehme Erinnerungen an The Intersphere und knüpfen doch nahtlos an das bisherige Schaffen an. Etwas andere Texturen und frische Ideen sind willkommene Begleiter, auch im anschließenden „The Great Misgive“. Die sägenden Gitarren drängen in eine deutlich metallischere Richtung und kollidieren mit filigraner Anmut, an anderer Stelle fahren harsche Vocals und dröhnende Post-Metal-Wände durch das vermeintliche Idyll.

Mehr denn je fühlen sich Coal & Crayon zwischen den eigenen musikalischen Extremen hin- und hergerissen und lösen diese Herausforderung mit Bravour. Im epischen, zuweilen theatralischen „A Light Of Autumn“ wächst das Quintett über sich hinaus. Hier kommt das Herz für feinsinnige Melodien und große Spannungsbögen durch, nur um im nächsten Moment pure Wut durch die angestrengten Stimmbänder zu pressen – fasst Gothic, bloß ohne die obligatorische Düsternis. „Impending“ bringt dafür ordentlich beklemmende Schwere mit, versucht nahezu konstant aus seinem eigenen Korsett auszubrechen und packt ein majestätisches Riff nach dem nächsten aus.

Mutig geht es an diesen neuen Longplayer, komplexer und anspruchsvoller denn je, was keinesfalls die bereits sehr guten Vorgänger abwerten soll. Coal & Crayon wollten sich ganz offenkundig etwas beweisen, öffneten letzte imaginäre Schleusen und toben sich mit wachsender Begeisterung aus – noch härter und noch filigraner, noch melodischer und noch beklemmender. Diese omnipräsenten Kontraste machen Laune, fahren durch Mark und Bein, schaffen wiederholt Momente alles umarmender Schönheit und bereiten im nächsten Moment willkommene Schmerzen. Als Songwriter sind die Herren von der Ostseeinsel hörbar gereift, schreiben noch stärkere Melodien und setzen auf anspruchsvolle Dramaturgie mit ordentlich Spielwitz – ein weiterer kleiner Rohdiamant, der heller denn je funkelt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Teilchensturm

Website: coalandcrayon.de
Facebook: www.facebook.com/coalandcrayon

(c) Shy, Low / Pelagic Records

Vielsagende Sprachlosigkeit bleibt die Spezialität von Shy, Low. Ihr letztes Album hat mittlerweile fünf Jahre auf dem Buckel, zudem ist man nun als Quintett unterwegs und nutzt das erweiterte Line-up, um sich musikalisch noch weiter hinauszuwagen. Dabei war der zwischen Post Rock und Post Metal angesiedelte Sound immer schon angenehm vielfältig und ein wenig unberechenbar, selbst in episch angehauchter Monumentalität. „Purity Spiral“ möchte noch massivere emotionale Klangkörper erschaffen, investiert kräftig in Detailarbeit und sieht sich in der Tradition atmosphärischer, cinemastischer und experimenteller Künstler.

Was sich wunderbar anspruchsvoll und komplex liest, reißt letztlich binnen kürzester Zeit von den imaginären Sitzen. In „Grace“ sind es die ruhigen Töne, die faszinieren. Shy, Low betreiben hier Klangarchitektur, bauen ihre Musik gemächlich und sorgsam auf, bevor aus dem Nichts sämtliche Stricke gleichzeitig reißen. Eine massive Wand schiebt sich über den Track, Dissonanzen sowie der eine oder andere ruppige Nackenschlag mischen mit. Dass „The Charging, Brazen Bull“ mit diesem Titel erst einmal freundlich und nahezu gut gelaunt klingt, überrascht ein wenig, denn abgesehen von den anfangs wilden Drums wird geradezu über das Arrangement getänzelt. Bleierne Heavyness und greifbare Melancholie sorgen später für ein weiteres Highlight.

Auch „Palmistry“ hat solch magische Momente zu bieten. Hier kommt die US-Band vergleichsweise schnell auf den Punkt, wirbelt früh mit einem ersten wilden Plateau los und konfrontiert anmutigen Schönklang mit monolithischer Schwere. Zwischenzeitliche Meditationen und ein großes, wüstes, zugleich suchendes Finale runden die Monstrosität ab. Der Titelsong „Purity Spiral“ langt sogar noch eine Spur beherzter zu. Shy, Low demonstrieren hochgradig spannende Atemlosigkeit, sind so technisch wie selten unterwegs und schrauben an einer Art post-apokalyptischen Stimmung, die im psychotisch anmutenen Schlussakt über sich hinauswächst.

Shy, Low legen tatsächlich noch ein wenig zu und üben mehr Druck aus. „Purity Spiral“ wirkt auf den ersten Blick durchaus roh und erdrückend, technisch anspruchsvoll, stellenweise im besten Sinne herausfordernd. Die tatsächliche Klangarchitektur des neuen Longplayers entdeckt man erst nach und nach, äußert sich in feinsinnigen Details, packender Atmosphäre und dem Spiel mit Ebbe und Flut. Klar, manchmal wagen sich Shy, Low etwas sehr weit hinaus und verlieren sich in technischen Details, doch sind dies seltene Momente kurioser Ausritte und Experimente, die bloß besser in den Albumkontext eingebunden werden müssen. Die Entwicklung stimmt, das Spiel mit Heavyness und feiner Klinge fasziniert, das Songwriting wirkt hörbar gereift – instrumentale Klangkunst, die verzaubert.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Pelagic Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/ShyLowMusic

(c) Daniel Auer

Es bereitet große Freude, die Entwicklung von Hills Like White Lions mitzuverfolgen. Bereits mit ihrem vor drei Jahre erschienenen Album „Meander“ legten die Amstettener einen Post-Prog-Metal-Klassiker hin. Seither spielte man unter anderem als Support für so unterschiedliche und herausragende Acts wie Yawning Man und Hexvessel, veröffentlichte eine Stand-Alone-Single und holte sich mit Reinhard Farnberger (Synths, Gesang) Verstärkung. Als Quartett bringt man nun „Canary“ an den Start – einmal mehr von Norbert Leitner produziert und zugleich laut eigener Aussage das bislang härteste und persönlichste Werk.

Die Herausforderungen des Erwachsenwerdens begleiten sieben neue Songs, angefangen mit dem starken Titeltrack. „Canary“ bringt die neue Heavyness prima auf den Punkt, eng verwoben mit süßlichen Klängen und noch stärkerem Gesang. Wenn nach eineinhalb Minuten ein urplötzlicher Sprint die bereits vom Vorgänger bekannten Post-Black-Metal-Elemente intensiviert und auf hoffnungsvolle Töne treffen lässt, ist alles eitel. Selbst der schwere, erdrückende zweite Teil offenbart eindrucksvolle Qualitäten. Da fühlt man sich tatsächlich erst einmal „Blown Away“ – wie auch von den gutturalen Growls und Screams im gleichnamigen Song, die hier noch konzentrierter an die Oberfläche gelangen und in einen wahrhaften Malstrom ziehen.

Ab der ersten Sekunde geht „Cosmic Loss“ in den Angriffsmodus über, intensiviert sein Bemühen um metallische Härte und spricht mit seinen Extremen mitten aus der Coming-of-Age-Seele, die sich mit neuen, überwältigenden Gefühlen auseinandersetzen muss. Pipi Gogerl sorgt für eine packende zusätzliche Stimmfarbe, dazu kommt der fast doomige Post-Metal-Mittelteil, der Hören und Sehen vergehen lässt. An anderer Stelle gibt es Unterstützung von Heretoir: „Liminal Summer“ ringt um Fassung und durchlebt eine emotionale Achterbahn. Giftige Spitzen, bittersüße Schwere, erdrückende Nachdenklichkeit und gelegentliche lichte Momente erschaffen pure, aufwühlende Magie.

Weiterhin eine Klasse für sich: Hills Like White Lions schaffen es tatsächlich, das Ausnahmeniveau des Vorgängers locker zu halten und sich konzentriert weiterzuentwickeln. Die Konzentration auf mehr Härte geht zu keiner Zeit auf Kosten der proggig-verspielten, melancholisch veranlagten Melodik und Eingängigkeit der bisherigen Releases, kommt zugleich um Welten wuchtiger und intensiver rüber. „Canary“ meistert dieses Kunststück mit angenehm erdrückender Leichtigkeit, profitiert vom erweiterten Line-up und starken Gästen, wirkt zudem in puncto Songwriting und Konzeption abermals geradezu mächtig. Einmal mehr demonstrieren Hills Like White Lions internationale Klasse mit einem weiteren Ausnahmewerk.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 09.10.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/HillsLikeWhiteLionsMusic

Slider-Pic (c) Daniel Auer

(c) Nick Helderman

Nach mehrjähriger Kunstpause kehrten John Coffey 2023 mit ihrem vierten Studioalbum zurück und waren sofort wieder obenauf. Das niederländische Quintett fand binnen kürzester Zeit sein Mojo wieder, irgendwo zwischen Hardcore, Punk und Rock, nur um in weiterer Folge ausgiebig zu touren und eventuell den einen oder anderen Bierbecher zu fangen. Und jetzt? Wird einfach mal lautstark und locker nachgelegt. „Not Alone“ will beweisen, dass der Comeback-Rückenwind inzwischen keinesfalls zum lauen Lüftchen geworden ist, und beschwört die Kraft des Gemeinsamen.

Es geht um Verbundenheit, um Verbindungen und um Gemeinschaft – auch in „It’s You“, das sich mit Zwischenmenschlichem befasst. Ob Freundschaften, Partnerschaft oder Familie – wichtige Menschen bekommen hier ihre wunderbar kantige Hymne, die im Refrain eine der besten Melodien des gesamten Albums lostritt und schroffe Hardcore-Ansätze in rockigen Charme verwandelt. Auch „I Don’t Care, I Won’t Give Up On You“ lässt Menschen zusammenrücken und schüttelt die nächste grandiose Hook aus dem Ärmel. Das gedrosselte Tempo bekommt den Niederländern hörbar gut, aus dem Ohr bekommt man das Ding so und so nicht.

Selbstverständlich reißen John Coffey weiterhin Mauern ein und geben zwischendurch ordentlich Stoff. Zwar hat „Hope In – Fear Out“ ebenso gelegentlich melodische Momente, ist aber eher roh und kantig unterwegs. Ähnliches gilt für „Push Push Push“, das Hardcore mit Schweinerock verbindet, mittendrin mit Klargesang so etwas wie nachdenkliche Harmonie bemüht, nur um direkt wieder auszurasten. Das wunderbar krasse „All Bark, No Bite“ übt wiederholt massiven Druck aus, bemüht zuweilen manische Energie und lässt die Gitarren ausrasten. Ähnliches gelingt „Do Not Teach“, das klassischem Hardcore ebenso nahesteht wie punkigen Nackenschlägen.

Letztlich überrascht diese halbe Stunde bestenfalls bedingt, denn John Coffey ziehen weitestgehend ihren eigenen Stiefel durch, langen im richtigen Moment sogar noch wüster zu und haben zugleich einige ihrer besten Melodien im Gepäck. Vor allem aber gelingt es „Not Alone“ tatsächlich, das Publikum mitzunehmen, enge Verbindungen zu knüpfen und gemeinsam noch stärker, noch lebensbejahender aufzutreten. Die Niederländer spenden Hoffnung in finsteren Zeiten und unterstreichen die Kraft der Musik mit einem angenehm derben, vielschichtigen Leckerbissen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.10.2026
Erhältlich über: Long Branch Records (SPV)

Website: www.johncoffey.nl
Facebook: www.facebook.com/johncoffeymusic

(c) Lisa Ahlin & Saskia Grewe

Die unheilige Allianz von Marc Grewe und Rogga Johansson geht in die dritte Runde. Als Leper Colony lassen sie ihr Herz für die alte Death-Metal-Schule lautstark schlagen, bemühen sich aber stets um zumindest kleine Veränderungen. Nachdem auf „Those Of The Morbid“ die Thrash-Einflüsse des Einstands verschwunden waren, geht es nun teutonischem Death Metal an den Kragen. Zurück bleibt „Back To Primal Sludge“, eine lupenreine Old-School-Death-Metal-Platte zwischen Florida und Stockholm.

Und die hat es in sich, angefangen beim bekömmlich martialischen „Madness Is A Kingdom“, das viereinhalb Minuten lang mal eben alles zerlegt. Die verschiedenen Einflüsse liegen auf der Hand und werden mit Gusto kultiviert, das schleppende und doch drückende Tempo macht ebenso Laune wie ein Grewe ein Bestform. Wütendes Knurren, bissige Growls und gelegentliche Screams werden nur von der urplötzlichen Tempoverschärfung in den Schatten gestellt. Wunderbare Verzweiflung im Quasi-Hauptteil und sogar eine feine Prise Melodik finden zusammen. Im direkten Anschluss geht „These Blades“ kompromisslos nach vorne, baut ein wahres Bollwerk auf und überrascht mittendrin mit kaputter Entschleunigung.

Ähnlich zerstörerisch ist „Seelenjäger“, ein wunderbar angriffslustiges Stück Musik mit sägenden Gitarren, einem Hauch Dismember und infernaler Heavyness zum Drüberstreuen. Wie sich das geradezu psychotische Mini-Solo aus dem Nichts herausarbeitet, bevor ein Kapitalangriff den Schlussakt einläutet, ist ganz großes Kino. Mächtig gestaltet sich auch „Thrown To The Pigs“ mit einem der stärksten Riffs der gesamten Platte – kantig, fast verspielt, annähernd melodisch und zugleich das perfekte Sprungbrett für einen derben Nackenschlag. Einen solchen stellt auch das abschließende „Beneath The Fat And Gristle“ dar, bietet drei kompromisslose Minuten Action und bremst sich schließlich bis zum manischen Stillstand ein.

Die erneute kleine Metamorphose steht Leper Colony – wenig überraschend – richtig gut zu Gesicht und verpasst dem eigenen Sound die nächste faulige Frischzellenkur. Roh, derb und grantig von der ersten bis zur letzten Minute, verwest „Back To Primal Sludge“ in ruppiger Anmut, hustet in die Rumpelkammer und schüttelt wüste transatlantische Dampfhammer aus dem Ärmel. Grewe und Johansson stehen weiterhin für verdammt guten Death Metal der alten Schule und lassen nach diesem dritten starken Album in Folge bereits mit Spannung erwarten, in welche Richtung es demnächst gehen könnte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.10.2026
Erhältlich über: Testimony Records (SPKR)

Facebook: www.facebook.com/lepercolonyband

(c) Wage War / Fearless Records

Aktuell genießen Wage War ein kleines kreatives Hoch. Erst vor einem halben Jahr veröffentlichten sie mit „It Calls Me By Name“ eine deutlich härtere EP, die sich ihren Wurzeln in Florida widmete. Damit wurde zugleich der Grundstein für den Nachfolger von „Manic“ gelegt, der sich – wenig überraschend – wieder um Welten breiter aufstellt. „Landfall“ orientiert sich ebenfalls an den eigenen Wurzeln und zeigt sich zugleich einmal mehr offen für kleinere Experimente.

Zu diesen mutigen Ausreißern zählt „Red Dot“, das die auf der jüngsten EP angedeuteten Nu-Metal-Einflüsse weiterdenkt und um etwas mehr Rap und sogar Trap erweitert. Wüste Laut-Leise-Dynamik, dicke Riffs und martialischer Groove fallen aus dem Rahmen. Auch das mächtige, drückende Riff von „Spellbound“, das stellenweise wie eine Weiterentwicklung von „Wherever I May Roam“ klingt, macht Laune. Wütende Heavyness trifft auf einen der besten, melodischsten Refrains der gesamten Platte. Die obligatorischen Modern-Rock-Einflüsse schimmern in „Silence Has Spoken“ durch, das mit einer Überdosis Hooks und sogar einem klassischen Gitarrensolo aufwartet.

Damit ist aber keinesfalls gesagt, dass sich Wage War von Metalcore abgewendet haben. Der nach einem Warnsignal einsetzende Opener „Landfall“ explodiert mit beißender Urgewalt, nimmt furiose Intensität mit und findet doch mittendrin seinen hymnischen Chorus. Das anschließende „Sweet Dreams“ strahlt manische Energie aus, klopft ein wenig Nu und Djent in den Kessel, nur um sich in einem Meer an Melodien förmlich zu ertränken. „Song Of The Swamp“ könnte man bereits von der Florida-EP kennen, klingt auch hier unfassbar böse und brutal. Derlei Deathcore-Wellenbrecher bleiben die Ausnahme, wobei die Nu-Rave-Synergien von „God Complex“ ebenfalls – und auf ganz andere Weise – gut kommen.

Abermals abgedreht und abgefuckt, noch experimentierfreudiger und dabei eingängig wie Sau: Wage War lehnen sich möglichst weit aus dem imaginären Fenster und finden daran hörbare Freude. Wie wenige andere Bands zeigen sie aktuell, dass Metalcore alles andere als statisch sein muss, werfen mit frischen Ideen geradezu um sich und entfernen sich dennoch nie zu weit von ihrem Kernsound. „Landfall“ bringt alle Trademarks mit, von derben Nackenschlägen bis hin zu überlebensgroßen Hymnen, mag es aber auch elektronisch, beatesk, melancholisch und ruppig bis dissonant. Das US-Quintett verfeinert seine Formel einmal mehr mit großem Erfolg.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.10.2026
Erhältlich über: Fearless Records

Website: wagewarband.com
Facebook: www.facebook.com/wagewar

(c) Katharina Frühwirth

Die Demokratie ist in großer Gefahr – für diese Erkenntnis muss man keine Umfragen- und Wahlergebnisse ansehen, ob national oder international. desolat haben nicht nur den passenden Bandnamen für diese Zeit, sondern zeigen auf ihrem mittlerweile dritten Album, dass man den Mund weder halten kann noch soll. „People As Idiots & Idiots As Leaders“ kommentiert den Status Quo von einer pointierten Bestandsaufnahme über die verständliche Depression bis hin zu Zynismus und Resignation. Und das, um die zunehmende Popularität der Wiener eindrucksvoll zu unterstreichen, bei gleich neun verschiedenen Labels und drei Vertrieben in sieben Ländern.

„Pig Race To The Apocalypse“ verpackt die wütende Realisierung scheinbar unaufhaltsamer Entwicklungen in einen grantigen, noisigen Midtempo-Dampfhammer. desolat lassen den Song kommen und holen ein paar melodische, beinahe eingängige Ansätze hinzu. Erstmals wurden ein paar Emocore-Elemente bemüht, die an frühere Betätigungsfelder der drei Musiker erinnern, wobei diese neben heulenden Sirenen und gemächlicher Untergangsstimmung fast untergehen. „Good People Keep Their Mouths Shut While The Assholes Believe The World Belongs To Them“ ist alleine schon ob seines Titels fantastisch, hat ebenfalls kurze hymnische Momente zu bieten und ringt doch fast permanent mit störrischen Frontalattacken.

Ein echtes Highlight ist zudem „The Sadness Makes Me Rage“ mit Swans-Legende Jarboe. Verzweifelte Vocals quälen sich aus dem Gebälk, während das Arrangement zwischen nahezu doomiger Schwere und verkrusteter Hardcore-Punk-Explosivität pendelt. Der Spoken-Word-Part der Performance-Art-Legende intensiviert die apokalyptische Grundstimmung. Weitere Gäste wie RBK im erdrückenden „Wannabe V.I.P.“ oder Saxofonist Michael Masen im schrittweise eskalierenden „No Depression When Dead“ sorgen für willkommenen frischen Wind. Schließlich ergibt sich „Humans Are Such Easy Prey“ seinem Schicksal, windet sich vor Schmerzen und heißt die Finalität des Seins förmlich willkommen.

desolat legen ordentlich nach, bereiten wohlige Schmerzen und ringen mit Fassungslosigkeit, während sich der Finger tiefer und tiefer in die klaffende Wunde bohrt. „People As Idiots & Idiots As Leaders“ bemüht sich darum, wachzurütteln und zum Handeln zu motivieren, nur um von zynischer Resignation übermannt zu werden, während vermeintliche oppositionelle Kräfte auf ideologische Selbstzerfleischung setzen. Dieses deprimierende Album ist richtig gut, verdammt wichtig und wird wohl doch nicht viel bewegen – willkommen in der Untergangsspirale.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.10.2026
Erhältlich über: Bloodshed666 Records

Bandcamp: desolatvienna.bandcamp.com

(c) Julia Nikiforova – JN Lightning Photography

Hatesphere sind unkaputtbar, egal in welcher Besetzung. Dass die Dänen trotz ihrem mittlerweile vierten Frontmann ein Powerhouse bleiben, spricht für die ungebrochene Urgewalt der Death-Thrash-Legenden. Immerhin hält das Line-up seit dem kurzweiligen, vor dreieinhalb Jahren erschienenen „Hatred Reborn“ und wirkt aktuell mehr als gefestigt. Für das insgesamt zwölfte Album wollte man zwar sämtliche aggressiven, ruppigen, melodischen und groovenden Trademarks beibehalten, jedoch in einen düsteren, atmosphärischen Kontext stellen. „Guillotine“ befasst sich mit Moral und Ethik, mit Gut und Böse, mit menschlicher Natur und sozialen Strukturen.

Wenn „Dogma“ nach der Intro-Fanfare förmlich aus den Boxen explodiert und direkt in media res geht, ist alles eitel. Hatesphere peitschen mit vertrauter Death-Thrash-Wucht voran und zerlegen mal eben alles. Mathias Uldall fühlt sich an vorderster Front noch wohler, dirigiert das Geschehen mit furioser Energie, dazu gesellt sich ein beinahe hymnischer Chorus sowie der im besten Sinne schwerfällige, erdrückende Mittelteil, der prima zur neuen musikalischen Mission passt. Die verkörpert auch der anschließende Titeltrack „Guillotine“, der im erdrückenden, zermürbenden Midtempo-Sektor sämtliche Sinne betäubt. Selbst der kurze Zwischensprint ändert wenig an der schwerfällig sägenden Grundstimmung, die den Marsch zum Galgen grandios vertont.

Als Song(-titel) stark, ansonsten bestenfalls bedingt empfehlenswert: „Mouth Filled With Barbed Wire“ überrascht mit ein paar psychotischen Einfüssen, windet sich förmlich und ringt um Fassung, während ringsum erdrückendes Chaos dominiert. Ein ganz anderes Kaliber ist „Snake Charmer“, das auf klassischen melodischen Death Thrash setzt, wieder und wieder das Tempo anzieht und verschleppt, in diesem steten Hin und Her komplette emotionale Erschöpfung findet. Die macht in „Human Scum“ Pause und übt lieber durch eine Mischung aus Schwerfälligkeit und kleinen Sprints Druck aus – eine durchaus vertraute, mit klaustrophober Melodik abgerundete Formel.

Tatsächlich lehnen sich Hatesphere ein wenig aus dem Fenster und gestalten ihren mehr als vertrauten Sound eine Spur finsterer, beklemmender, vergessen dabei aber keinesfalls auf ihre starken Trademarks. Death, Thrash, Groove, etwas Hardcore und Punk, dazu charmante melodische Einlagen – „Guillotine“ hat all das und klingt dabei um Welten unbequemer als zuletzt. Die Dänen wirken im zweiten Album in selber Besetzung angenehm kraftvoll, gefestigt und spielfreudig, wagen Neues und schließen doch nahtlos an frühere Großtaten an. Mehr braucht es auch nicht zum gewohnt wahnwitzigen Glück.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.10.2026
Erhältlich über: Scarlet Records / Audioglobe (SPV)

Website: www.hatesphere.com
Facebook: www.facebook.com/hatesphereofficial

(c) Sylvain Golvet

Schwitzende Gitarren, zentnerschwere Riffs und süffige Heavyness begleiten seit jeher den Sound von Steak. Das englische Quintett hat ein hörbares Faible für Stoner- und Desert-Klänge, tourte zuletzt unter anderem mit Elder, Slomosa und All Them Witches. Viereinhalb sehr lange Jahre nach „Acute Mania“ gibt es endlich wieder neue Musik: Das schlicht und ergreifend „Steak“ betitelte Album wurde erstmals gemeinsam zu fünft geschrieben und erscheint bei Stickman Records und Ripple Music – noch härter, noch verplanter, noch ambitionierter.

Mit „Luxury Junk“ kristallisiert sich früh ein echtes Highlight heraus. Dabei beginnt der Track ruhig, unscheinbar, fast eine Spur zu brav. Nur langsam tauchen die Vocals aus einem Mix aus furztrockenen Gitarren und psychedelisch angehauchter Stimmung auf, bevor das Gebräu langsam, aber sicher eine hochspannende Eigendynamik annimmt. Eine kleine Zäsur mittendrin führt auf die falsche Fährte, denn direkt danach explodieren Steak mit einer wütenden Uptempo-Schlacht und klingen dabei unerwartet metallisch. Ähnlich heavy gibt sich „Knucklehead“, das zwar nur gut ein Drittel der Spielzeit mitbringt, mit seinem stellenweise an Torche angelehnten Stoner-Punk aber vollends abräumt.

Natürlich geht es auch wesentlich ruhiger und tiefenentspannter. „2 x 2“ traumwandelt durch unwirkliche Klanglandschaften und hat erst etwas von einer Transistor-Party. Natürlich wird das Ding mit der Zeit mächtiger und intensiver, steigert sich mit ordentlich Nachdruck und lässt vor allem die Rhythmusabteilung Überstunden machen, doch bleibt die Handbremse leicht angezogen – eine willkommene Facette. Auch „Cometh“ lässt sich nicht aus der Reserve locken, punktet dafür mit purer Wucht und einer Unmenge an Gesangsharmonien. In Kombination mit donnernden Riffwänden macht das richtig viel Laune. Und dann ist da noch der ellenlange, drückende Rausschmeißer „Short Arms“, der sich mehr denn je in doomige Gefilde wagt und doch Steak in Reinkultur serviert.

Das UK-Quintett klatscht einfach mal mehr von allem auf Platte und macht damit alles richtig. Klar, die Doom-Klänge traten bislang nie so prominent auf, auch hinsichtlich Psychedelia wurde ordentlich investiert und ausgebaut, von der noch präsenteren Härte ganz zu schweigen. Diese Summe der einzelnen Teile macht richtig viel Laune, denn das selbstbetitelte neue Album ist in seinem Kern weiterhin Steak durch und durch, setzt auf Stoner-Riffs und Desert Rock, bloß in etwas anderer Zusammensetzung. Wüstes Entertainment mit der feinen Klinge – eine von vorne bis hinten richtig gute, clevere und drückende Platte absoluter Vollprofis.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 09.10.2026
Erhältlich über: Stickman Records / Ripple Music (Indigo)

Website: steakband.com
Facebook: www.facebook.com/SteakBandLondon

(c) Kristel Boucher

Science-Fiction und ruppige Metalklänge haben in Kanada gewissermaßen Tradition. Voivod verbinden interstellare Themen seit Jahrzehnten mit Thrash und Prog, vor kurzem erforschten Endspace die unendlichen Weiten in Verbindung mit Black Metal. Dissimulator platzieren sich irgendwo in der imaginären Mitte, zwischen Thrash, Death und anspruchsvollen Tech-Extremen. Das Trio aus Montreal erschließt auf seinem zweiten Album „Artifice Dissolves“ futuristische Welten und konfrontiert diese mit schier grenzenloser Aggression.

Der Vorbote „Alloyed“ macht’s im besten Sinne vor, legt nach einem kurzen Intro inklusive Mini-Basssolo mit drückender Urgewalt los. Wiederholt wechselndes Tempo, leicht verschachtelte Rhythmik, kantige Riffs und geifernde Growls legen den Grundstein für einen betont unbequemen, hochgradig explosiven Mix. Das frühe Gitarrensolo erwischt am falschen Fuß, später verdrehen wüste Blasts den Kopf, bevor sich das schwerfällige Outro Richtung Ziellinie schleppt. Derlei Überforderung beherrschen Dissimulator bestens, siehe und höre „Neon Metropolis“. Während der Auftakt noch ein wenig an ihre kanadischen Landsleute erinnert, folgen unzählige Häutungen in den nächsten knapp sechs Minuten, bis zur brutalen Komplettüberforderung ausgereizt.

Mit einem vergleichsweise klassischen Thrash-Riff legt der Titelsong „Artifice Dissolves“ los. Selbstverständlich trügt dieser erste Eindruck, denn quasi aus dem Stand entwickeln sich diese sieben Minuten zu einer klassischen, erdrückenden Tour de Force. Plötzlich nähert man sich dem technischen Anspruch von Sadus, spielt mit todesmetallischen Extremen und krönt all das mit dem nächsten furiosen Solo, quietschend und quengelig. Wahnwitziger ist nur der unwesentlich kürzere Rausschmeißer „Robostrobos“, der nach einer High-Speed-Attacke urplötzlich kollabiert, fast so etwas wie eine kleine Hook anttäuscht und aus dem Nichts erneut durchstartet. Bis zum wahnwitzigen Abgang mit abgedrehten Drum-Rolls und extralangem Fade-out.

Eine Dreiviertelstunde lang servieren Dissimulator hochgradig willkommene Komplettüberforderung, die selbst für gängige Death-Thrash-Verhältnisse komplett wahnwitzig ausfällt. Klar, der zunehmende Tech-Fokus mit einer Dosis Prog und ganz viel Sci-Fi-Worldbuilding sollte diese Entwicklung nicht übermäßig überraschend ausfallen lassen, doch legen die Kanadier an allen Ecken und Enden nochmals eine zusätzliche Portion chaotische Energie drauf. „Artifice Dissolves“ ist ein furioses, kauziges, brutales und zugleich faszinierendes Bollwerk von einem Album, das die Handbremse ausbaut, aus dem Fenster wirft und ohne Vorwarnung beschleunigt. Was für ein spektakulärer, verstörender Trip.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 02.10.2026
Erhältlich über: 20 Buck Spin (Virgin Music Group)

Facebook: www.facebook.com/dissimulatorofficial

Slider-Pic (c) Kristel Boucher

(c) Sekondtry

Eine Phase voller Einschnitte und Veränderungen geht für Miss May I nun zu Ende. Nach dem Release von „Curse Of Existence“ stotterte die Maschine ein wenig. 2024 verließen gleich beide Gitarristen die Band, der zuvor live aushelfende Elisha Mullins übernahm ihre Rollen. Als neuformiertes Quartett gab es zudem einen erneuten Label-Wechsel (aktuell steht man bei Solid State unter Vertrag), zudem erschien eine Neuaufnahme des Einstands „Apologies For The Weak“ mit allerlei prominenten Gästen und langjährigen Wegbegleitern. „No Place For Me“, das achte Studioalbum, serviert dafür gewohnte Kost.

Frontmann Levi Benton sprach von einer Art Midlife-Crisis während den Arbeiten an der neuen Platte, musste erst mit sich selbst und seinen Fehlern ins Reine kommen. Daraus entwickelte sich letztlich das thematische Herzstück einer Platte, die sich um Beständigkeit, Durchsetzungsvermögen und Gemeinschaft dreht. Der Ursprung ist aber alles andere als angenehm: „Portrait Of Pain“ trägt diesen bereits im Titel, eine Anspielung auf eine schwierige Kindheit und Jugend. Der giftige Metalcore-Stomper klingt gewohnt brutal in den Strophen, schüttelt einen hymnischen Refrain aus dem Ärmel und langt immer wieder beherzt zu – Miss May I in Reinkultur.

Eine Fülle typischer, aber alles andere als schlechter Tracks säumt diese Platte. „Bury Me Down“ entwickelt sich zwischendurch zum tödlichen Sprinter, überrascht mit derben Blast-Attacken, nur um aus dem Nichts direkt ins Ohr zu gehen. Auch „Pray For Silence“ arbeitet mit bestens vertrauter Kost und klopft einen der eingängigsten Momente der gesamten Platte raus. Übertroffen wird das einzig von „Fire Falls“, das Clear Vocals in den Mittelpunkt rückt – ein vertrautes Stilmittel, mit fiesen Widerhäkchen versehen. Und dann ist da noch der furiose Abgang „Highbrow Thieves“, der sämtliche Stärken auf drei Minuten kondensiert und immer wieder beherzt zulangt.

Große Überraschungen bleiben vielleicht aus, dafür konsolidieren sich Miss May I abermals auf hohem Niveau. „No Place For Me“ serviert mächtigen Metalcore zwischen klassischem Sound und moderner Interpretation, mit durchaus vertrauter Formel, aber durchschlagendem Erfolg. Elisha Mullins ist ein Glücksgriff an der Gitarre, die Rhythmusabteilung wirkt bestens aufgelegt und Levi Benton springt abermals scheinbar spielerisch zwischen klaren Hooks und wüsten Screams. Hier etwas härter, dort eine Spur eingängiger, insgesamt knackiger und kompakter: Miss May I liefern erneut in bestechender Form ab.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 02.10.2026
Erhältlich über: Solid State Records (SPV)

Website: missmayi.com
Facebook: www.facebook.com/missmayi

(c) Sylwia Makris & Christian Maria Weiss

30 Jahre nach ihrer ersten EP rollt die Maschine Amon Amarth weiterhin unnachgiebig weiter. Stillstand gibt es bei den Vikingern aus den hohen Nord aber auch auf ihrem mittlerweile 13. Studioalbum keinesfalls. Dieses Mal begann das Songwriting bereits auf Tour, aufgenommen wurde schließlich in zwei Sessions im Frühjahr 2025 und März 2026. Man wollte jeden Track einzeln angehen und wie eine Single behandeln, zudem gibt es kleine, durchaus überraschende musikalische Neuerung. Und doch macht „The Allfather Awakens“ weitestgehend dort weiter, wo sie vor vier Jahren aufgehört hatten.

Das eröffnende „Gjallarhorn“ ist ein absoluter Hit. Beschwörerische Chöre bereiten halbwegs auf die folgende, urgewaltige Hymne vor, dann gibt es einmal mehr epischen Melodic Death mit Viking-Untertönen – alles andere als neu, möchte man meinen. Amon Amarth finden dennoch frische Ansätze, wenn sie in den Strophen beispielsweise urplötzlich in Göteborg andocken. Der gewohnt donnernde Chorus lässt sich prima mitbrüllen. Ebenfalls stark ist „Oden’s Hunt“, das eine kleine Variation dieses Motivs mit mehr Tempo und Düsternis versieht. Die gequälte, brachiale und bedrohliche Präsentation schmerzt im besten Sinne.

„Upphaf“ markiert hingegen ein willkommenes Novum als erster rein akustischer Track in der jahrzehntelang andauernden Geschichte der schwedischen Veteranen. Als eine Art balladeske Mini-Verschnaufpause zur Albummitte gedacht, sorgt das auf einer übersetzten Strophe aus der ‚Völuspá‘ basierende folkige Stück für Gänsehaut. Sollte das zu ruhig sein, dann servieren Amon Amarth rundherum gewohnt mächtige Kost. Wie das getragene, schwerfällig marschierende „Raven God“, das monumentale „Ascending Like An Eagle“ mit giftigen Blast-Einschüben und das von bittersüßen Leads getragene „Eight Legs Of Thunder“.

Einzig „We Rule The Waves“ fällt stellenweise – zumindest textlich – ein wenig sehr platt aus, macht aber zumindest musikalisch Laune. Letztlich ist das eine der Stärken von Amon Amarth, die selbst kleinere Durchhänger mit dem nötigen Druck versehen. „The Allfather Awakens“ reiht sich souverän in die Riege unterhaltsamer Releases ein, nicht unbedingt bahnbrechend, aber auf mittlerweile gewohnt mächtigem Niveau operierend. Hymnen in rauen Mengen, drückende Urgewalt und eine erst ungewöhnliche, dann willkommene akustische Überraschung ergeben unterm Strich eine weitere verdammt gute Platte. Und sie rudern immer weiter.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 02.10.2026
Erhältlich über: Metal Blade (OPEN)

Website: amonamarth.com
Facebook: www.facebook.com/amonamarth

(c) Valley Of The Sun / Heavy Psych Sounds Records

Zum Glück zurück: Nach „The Chariot“ brauchten Valley Of The Sun kurz, um sich neu auszurichten. Die US-Band wurde wieder zum Trio und veröffentlichte das exzellente „Quintessence“ in Eigenregie. Damit konnten sich die Herren um das einzige verbliebene Gründungsmitglied Ryan Ferrier (Gitarre & Gesang) endlich stabilisieren, zum Sound der Anfangstage zurückkehren und diesen zugleich weiterentwickeln. Heavy Psych Sounds ist nun das neue Zuhause für das gewohnt muskulöse, verspielte und zugleich getriebene „The Blacklight Sessions“.

Was unter Schwarzlicht sichtbar wird? Riffs satt, glücklicherweise, denn die Herren aus Cincinnati, Ohio bündeln ihre Kräfte in gewohnt energischer Manier. „The Whiskey Elf“ brennt sich mit seiner singenden Gitarre sofort ein, die Rhythmusabteilung um Chris Sweeney und Johnny Kathman treibt das Geschehen monolithisch an, dann verlieren sich Valley Of The Sun nach und nach in instrumentalen Spielereien. Endlose Schleifen verzaubern im besten Sinne. Danach erhöht „Low Not Slow“ erst einmal die Schlagzahl, rückt nach und nach die immer noch kraftvollen Vocals in den Mittelpunkt und klemmt klassischen Stoner-Klängen eine Rakete unter den Allerwertesten.

Zumeist halten sich Valley Of The Sun aber im XXL-Format auf, die erstmals auf Albumlänge in den Mittelpunkt rückt. „Mountain“ ist tatsächlich das, ein Gigant von einem Song. Dem ellenlangen, verplanten Intro entspringt schließlich ein verschwitztes Bollwerk, das von Stoner-Doom bis hin zu bluesigem Hard Rock mehrere kleine Metamorphosen durchlebt und dabei stets am Limit operiert. Noch länger und massiver ist einzig – nomen est omen – „The Long Song“. Über zehn Minuten verplante Spielfreude tragen das US-Trio zu aufregenden Höhen. Wie eine kleine Rock-Suite hangelt sich der Gigant von Psychedelia zu trockenem Fuzz zu Stoner-Heavyness zu wüsten Soli über dampfenden Dünen.

Das hier ist keine einfache Kost, macht zugleich aber richtig viel Bock auf mehr: Valley Of The Sun verzichten auf braven Stillstand und strecken sich einmal mehr etwas zur Decke. Ihre mächtigen Riffs zocken sie natürlich weiterhin, rocken trocken und energisch, verlieren sich aber auch vermehrt im Langformat. Bei sechs Songs in knapp 42 Minuten Spielzeit bleibt natürlich Platz für das eine oder andere Epos. Dass nichts an „The Blacklight Sessions“ trotz gerne mal ausladender Dimensionen auch nur annähernd langweilt, spricht für das US-Trio, das sich in dieser kompakten Besetzung nun endgültig gefunden hat – ein hypnotisierender Kraftakt der mitreißenden Sorte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 02.10.2026
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/valleyofthesun

(c) Sam Coussens

Hippotraktor arbeiten weiterhin konzentriert an ihrer eigenen musikalischen Nische. Das Quintett aus dem belgischen Mechelen bewegt sich irgendwo zwischen drückender Heavyness, technisch-proggigem Anspruch und feiner, ätherischer Klinge. Für ihr drittes Album wollen sie die Stärken der Vorgänger bündeln, verbinden die Atmosphäre von „Meridian“ mit der technischen Versiertheit von „Stasis“. „Annihilist“ spinnt zugleich den narrativen Faden rund um den namenlosen Protagonisten der beiden bisherigen Platten weiter, der mit seiner Rolle als Experiment einer nicht näher benannten Gottheit ringt und nach Frieden sucht.

Dieses Mal wurde der kreative Prozess deutlich offener gestaltet. Während Gitarrist Chiaran Verheyden zuvor fertige Instrumentals an den Rest der Band schickte, gab es dieses Mal vor allem maximal halbfertige Stücke, die gemeinsam erarbeitet wurden. Das hat hörbar gut funktioniert, siehe und höre Tracks wie „Courageous Apathy“. Hinter dem wuchtigen Auftakt steckt ein furioses Labyrinth an Riffs und Djent-Wänden, das wütende Growls jedoch schnell in himmlischen Klargesang und emotional aufgeladene Melancholie verwandelt. Fortan tobt eine Art imaginärer Kampf zwischen den beiden Extremen, die abwechselnd die Oberhand gewinnen, gelegentlich zusammenfinden, zwischenzeitlich (rund um die Drei-Minuten-Marke) spektakulär explodieren und schließlich mit fast jazziger Instrumentalkunst abrunden.

Hippotraktor haben einen gewissen Hang zum instrumentalen Abdriften, das kennt man beispielsweise schon von „Everything Is Permissible“, das sich mittendrin zu einem verspielten Prog-Rock-Track entwickelt und die Gitarre regelrecht singen lässt. Wenn zwei Minuten später ein monumentales, brutalistisch-hymnisches Finale entsteht, könnte der Kontrast kaum größer sein. Auch „Builder Of Eden“ mit Loïc Rossetti (ehem. The Ocean) mag sein Spiel mit Gegensätzen, setzt auf getragenes Tempo und bleierne Schwere. Nahezu schüchtern arbeitet sich der Gesang aus den Untiefen des Arrangements, steht stellenweise fast alleine da, nur um von einer monumentalen Sludge-Wand nahezu erschlagen zu werden. Wenn in der Schlussminute beide Welten zusammenfinden, entsteht Himmlisches.

Einmal mehr kratzen die Belgier am ganz großen Wurf, doch fehlt weiterhin das gewisse Etwas. Speziell die etwas plötzlichen, krassen Prog-Stilbrüche mit jazzigen Instrumentals drücken ab und an auf den Fluss der Songs, die vom neuen kollektiven Songwriting-Ansatz allerdings hörbar profitieren. „Annihilist“ schafft es noch besser als bisher, den Hang zu wüsten Extremen und Tech-Herausforderungen mit gespannter Atmosphäre, ehrlicher Emotionalität und feinsinnigen Hymnen zu verbinden. Hippotraktor finden einen spannenden Mittelweg, der jetzt schon richtig stark unterwegs ist und das Zeug zum ganz großen Wurf andeutet. Es wohl weiterhin nur eine Frage der Zeit.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 02.10.2026
Erhältlich über: Pelagic Records

Website: hippotraktor.com
Facebook: www.facebook.com/hippotraktorband

(c) Carolina Ribeiro

Braga ist eine Stadt der sakralen Kunst und religiösen Feste. Im Norden Portugals gelegen, hinterlässt die imposante Architektur und spirituelle Ausrichtung ihre Spuren auf so ziemlich allen gesellschaftlichen Ebenen. Während Travo alles andere als Prediger sind, lässt sich eine gewisse anderweltliche und doch geistlich angehauchte Präsentation ihrer Musik kaum von der Hand weisen. Das inzwischen bei Fuzz Club gelandete Quartett lässt ihren treibenden rockenden Psychedelic-Sound auf dem bereits vierten Album „Wasteland“ komplett ausrasten und klingt dabei so metallisch wie nie.

Diese von Liebe, Tod, Wiedergeburt, Dystopie, technologisch beeinflussten Angstzuständen und gemeinsamer Spiritualität getragene Platte wurde von T. S. Eliot Gedicht „Das wüste Land“ inspiriert; jeder der sieben Songs befasst sich mit einem anderen Abschnitt des 434 Zeilen langen poetischen Epos. Zeit wird für dieses monströse Unterfangen freilich keine verloren, denn das eröffnende „Burial“ explodiert sogleich aus den Boxen und bringt den herrlich überfordernden Sound – psychedelisch-krautige Schleifen, noisiger Punk aus der Garage und sogar eine feine Prise Thrash – direkt auf den Punkt. Travo überfordern mit einer lärmenden Monstrosität, die an giftige Lightning Bolt erinnert und im forschen Chaos immer wieder kleine, feine Hooks erkennen lässt.

Derart wüst und zerstörerisch geht es freilich nicht immer vor sich. „Way Down“ ist deutlich näher an etwaigen Erwartungen hinsichtlich psychedelisch-verträumter Entfremdung dran. Über weite Strecken lassen sich die Portugiesen einfach treiben und wandeln unwirkliche Weiten. In der zweiten Hälfte geht der Song nach und nach durch die Decke, gewinnt an Härte und Urgewalt, bis zum komplett verstrahlten Finale. An anderer Stelle strahlt „Decipher“ wundervolle Hektik inmitten kompletter Unwirtlichkeit aus. Funkelnde Störsignale und brodelnde Hektik unterstreichen die betont eigenwillige Atmosphäre, die im abschließenden Giganten „Rapture“ noch drastischer ausfallen darf. Langsames Anrollen, konstant zunehmende Intensität und ein wütender Peak sagen wortlos wirklich alles.

Nun wollen erst einmal die Gedanken sortiert werden, denn dieses Bollwerk von einem Album zwingt wiederholt beinahe in die Knie. Und das trotz ausgedehnter psychedelischer Sinnsuche, dem fast konstanten Wandeln durch verstrahlte Unendlichkeit, das doch immer wieder in wütende Aggression umschlägt. „Wasteland“ ist ohne Frage die bislang härteste, metallischste Platte von Travo, die sämtliche Regler auf Elf dreht und auf übersteuerte Überforderung setzt. Dennoch bringen die Portugiesen wieder und wieder die quasi obligatorische feine Klinge ein, lässig und locker, fast verträumt – eine mehr als trügerische Idylle, wohlgemerkt. Das vierte Album der vier Herren aus Braga zermürbt auf wundervolle Weise.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 02.10.2026
Erhältlich über: Fuzz Club

Facebook: www.facebook.com/travoband

(c) Jonas Selim

Da ist es wieder, das sprichwörtliche Album nach dem Album. Dieses Mal sind die Norweger Aktiv Dödshjelp an der Reihe, die zwar seit mittlerweile 19 Jahren vor allem durch den hohen Norden touren, aber erst vor knapp zweieinhalb Jahren ihr erstes Album „Send Dudes“ veröffentlichten. Wenig überraschend ging der schräge, konsequent übertriebene Mix aus Punk, Hardcore und Rock direkt durch die Decke, warf mehrere Rock-Radio-Hits in der Heimat ab, wurde dort als ‚Rockalbum des Jahres‘ nominiert und führte das Quintett auf mehrere Festivals. Von einem schweren zweiten Album ist auf „The Nasty Piece“ aber rein gar nichts zu hören.

Im Gegenteil, laut Band quoll der Demo-Ordner förmlich über, man hatte mit kreativem Überschuss zu ‚kämpfen‘. Zudem holte man sich mit Bendik Markovic Toming-Weston einen Produzenten ins Boot, der eher für kommerziellere Acts (u. a. Fred Again…) bekannt ist und den rasiermesserscharfen Arrangements der Herren aus Oslo die nötige Eingängigkeit verleihen sollte. Das zeigt sich unter anderem im Vorboten „Jakter en løve“, der ein mächtiges Riff sofort in einen wilden Energierausch ummünzt und aus dem Nichts eine richtig große Hook aus dem Ärmel schüttelt, ohne den eigenen Sound auch nur im Geringsten zu verbiegen – dreckig, kantig und unwiderstehlich zugleich.

Tracks wie „Kjøttkverna“ kann man prima mitsingen, Turbonegro rücken ein wenig näher, bevor im richtigen Moment ein massives Breakdown alles in Schutt und Asche legt … bis zum nächsten Singalong. In „Hum som sitter fast“ geht es schnell und räudig nach vorne, ohne Netz und doppelten Boden. Mächtige Riffs, ein kleiner Pit und sprintende Punk-Action geben sich die Klinke in die Hand. An anderer Stelle stürzt sich „Når jeg dør“ in die Unendlichkeit. Was angesichts der anfänglichen Aggression mit spitzen Schreien nach einer Abrissbirne im Stile von Kvelertak klingt, bekommt den vielleicht eingängigsten Hard-Rock-Chorus der gesamten Platte serviert. Das Saxofon im Abgang ist das passende Sahnehäubchen.

Das Chaos regiert weiterhin, wird bloß ab und an in etwas geregeltere Bahnen gelenkt. Dabei sollte eigentlich rein gar nichts an „The Nasty Piece“ überraschen, denn diesen Hang zur Hook hatten Aktiv Dödshjelp schon immer, reduzierten auch keinesfalls ihre aggressiven, zermürbenden Wutausbrüche. Und doch dringen ein paar Hooks mehr an die Oberfläche, wachsen die Singalongs weiter, fallen die zwischenzeitlichen Breakdowns nebst klassischeren Punk- und Rock-Riffs massiver aus. Das zweite Album der Herren aus der norwegischen Hauptstadt hat tatsächlich mehr von allem und sollte endgültig große, mehr als verdiente Wellen schlagen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 01.10.2026
Erhältlich über: Crestwood Records / Loud Media (BMG)

Instagram: www.instagram.com/aktivdodshjelp 

(c) Mr.Bison / Heavy Psych Sounds Records

Einmal mehr kämpfen Mr.Bison erfolgreich gegen den musikalischen Stillstand an. Längst hat das italienische Quartett Stoner und Fuzz hinter sich gelassen, ist inzwischen vollends in Psych und Prog angekommen. Die Herren aus einer kleinen toskanischen Küstenstadt wagen sich nun erneut an ein Konzeptalbum und legen ihren Sound noch verträumter aus, sofern das überhaupt möglich ist: „The Garden Of Forgotten Dreams“ verwendet den Garten als Metapher für ein Refugium, wo man das eigene wahre Selbst in all seinen Facetten, Hoffnungen und Träumen ausleben kann.

Zu den Highlights zählt der Titelsong, der sogleich den alten, neuen und gekonnt verfeinerten Sound auf den Punkt bringt. Mr.Bison finden sich schnell in media res und setzen erst einmal die besonders feine Klinge ein. Nach einer guten Minute nimmt angenehm unerwartete Heavyness das Heft fest in die Hand und langt beherzt zu. Ein paar kleinere Querverweise auf die Anfangstage werden schnell von verspielter Prog-Kunst abgelöst, wiederholt dringt verträumte Psychedelia an die Oberfläche. Großartige Gesangsharmonien und eine insgesamt im besten Sinne hochgradig unwirkliche Präsentation runden das komplexe, dennoch stets zugängliche Labyrinth gekonnt ab.

Früh zeigen sich kleinere Widersprüche, die von den Italienern nach und nach in den eigenen Sound eingebunden werden. Wie in „River Moan“, das erst einmal mit klassischem Hard Rock und einem verschwitzten Riff überrascht, bevor das Geschehen sukzessive ins lässig zurückgelehnte Nirgendwo abdriftet und sich einfach treiben lässt. Ein weiteres Glanzlicht ist der Siebenminüter „Bright Shadow“, ohne Frage das Epos dieses Albums. Dabei passiert eigentlich lange Zeit relativ wenig. Elder’sche Tiefenentspannung nimmt weitere Spuren hinzu und bastelt fast unbemerkt einen kleinen Koloss, der pure Schönheit mit zunehmener Intensität paart. Plötzlich ist ein Gigant entstanden.

40 Minuten Magie erwischen auf willkommene Weise am falschen Fuß, wieder und wieder. Selbstverständlich intensivieren Mr.Bison ihre Bemühungen um einen unwirklichen, verträumten Sound mit einem Hang zu Prog, Psych und Idylle, haben aber keinesfalls vor, ihren Kurs stur durchzuziehen. „The Garden Of Forgotten Dreams“ driftet gerne ab, überrascht zwischendurch mit angenehmer Heavyness, ein paar Riffs aus der Frühphase der Band, aber auch mit unwirklicher, fast an Dream-Pop anknüpfender Atmosphäre und bitterer Süße. Die Italiener zeigen sich ein weiteres Mal bestens aufgelegt, experimentieren mit ihrem Sound und lassen sich von der Musik leiten. Der Weg ist das packende Ziel.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/mrbisonband

Slider-Pic (c) Mr.Bison / Heavy Psych Sounds Records

(c) Indy von Oort, @indys_fotografie

Im Benelux-Raum sind Changing Tides seit Jahren fixer Bestandteil der etwas brachialeren Core-Szene. Das Quintett aus dem Süden der Niederlande versteht sich im weitesten Sinne auf einen Mix aus Metalcore, Hardcore und Deathcore, der rohe Gewalt und feinsinnige Melodik zu vereinen versucht. Ihre beiden bisherigen Alben und diversen Kleinformate orientierten sich vermehrt an technischer Präzision. Dieses Mal soll jedoch mehr Heavyness und Dynamik auf dem Programm stehen: „To Exist Is Worth Nothing“ rattert auf wütende, kompromisslose Weise durch.

Der Titelsong eröffnet das Mini-Album mit einem ordentlichen Hieb in die Magengrube. So ganz wollen sich Changing Tides nicht von ihrem technischen Anspruch befreien, gehen aber in den Strophen mit erstaunlicher, tödlicher Vehemenz nach vorne. Ein erster Breakdown folgt, dann der hymnische Chorus mit etwas Klargesang, bevor es zurück in einen Deathcore- und Tech-Death-Hybrid geht – roh, drückend, unfassbar stark. „Oxytocin“ bringt die vielleicht beste Gesangsmelodie dieser Platte hervor, schleicht sich vergleichsweise gemächlich an, nur um mit Nachdruck durch die Decke zu gehen. Hinsichtlich Brutalität erreicht der Mittelteil tatsächlich ein neues Level.

Reine Urgewalt ist allerdings nicht die einzige Stärke dieser Platte, wie das zurückgenommene, fast eingängige „If Pain Is Constant“ zeigt. Es braucht keine Clear Vocals für einen Mini-Hit. Dann setzt „Violator“ auf Dauerdruck und knüpft in der Schlussminute an die Fingerspielereien früherer Releases an, zermürbendes falsches Ende inklusive. Von falscher Zurückhaltung hält „You Said It All“ herzlich wenig, explodiert regelrecht aus den Boxen und gibt sich vergleichsweise klassischen Metalcore-Mustern hin – das sorgt durchaus für willkommene Auflockerung. „False Serenity“ macht schließlich das Licht aus und widmet sich apokalyptischen Klängen. Höllische Abfahrten und mörderische Breakdowns docken beinahe bei symphonischem Deathcore an.

Es bleibt aber – zumindest vorerst – nur bei dieser Andeutung. Tatsächlich lehnen sich Changing Tides auf dieser Platte weiter aus dem Fenster, investieren in Härte und Brutalität, vergessen aber keinesfalls auf die feine Klinge. „To Exist Is Worth Nothing“ lebt von seinen überdimensionalen Breakdowns, von seiner gutturalen Wut, aber auch vom geschmackvollen Umgang mit vertrauten Klängen. Weniger Tech, mehr Hardcore, dazu diese kleinen, aber feinen Metalcore-Hooks – die Niederländer setzen auf mehr Dynamik und schrauben das Energielevel in die Höhe. Changing Tides feilen gekonnt an ihrem Sound und machen schon jetzt Bock auf den nächsten Pit.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Website: www.changingtidesband.com
Facebook: www.facebook.com/changingtidesband

(c) Junior Kinsley

Anfang 2024 verpassten Slope dem grassierenden 90s-Revival einen mächtigen Crossover-Haken. Mit „Freak Dreams“ fand die Band aus Duisburg ihre ureigene Nische zwischen roher Energie, dickem Groove, furiosen Rap-Einlagen und ordentlich Funk. Die Platte öffnete ihnen Türen, unter anderem tourte man mit Body Count, Lionheart und Madball. Mit dem Nachfolger zieht die zum Quartett geschrumpfte Band ihren DIY-Ethos durch, veröffentlicht in Eigenregie und verwandelt die gewonnenen Erfahrungen in einen mächtigen, unterhaltsamen Leckerbissen. „Same Kids. Just Louder.“ verleiht dem eigenen Sound mehr Freiraum und mehr Fokus.

Der leicht stockende, suchende Auftakt von „Faith/Doubt“ passt ins Bild, denn Slope nehmen sich auf dieser Platte bewusst Zeit, um einzelne Parts genauer auszukosten. So darf das Intro erst einmal gemächlich auf Touren kommen, bis sich nach einer knappen Minute der imaginäre Schalter umlegt und herrlich drückende, zuweilen groovende Midtempo-Wundertaten das imaginäre Heft in die Hand nehmen. Bleierne Schwere kollidiert mit der urplötzlichen Explosion in den letzten 40 Sekunden. Im Vergleich dazu fällt „Tidal Wave“ mit der Tür ins Haus, rückt erst einmal die Hardcore-Einflüsse in den Mittelpunkt, hat aber auch ein Herz für herrlich durchgeknallte, hypnotisierende Gesangseinlagen.

Apropos Gesangseinlagen: „LOVE“ könnte der Hit dieses Albums sein, was nicht zuletzt an der Unterstützung durch die US-Pop-Punk-Band State Champs liegt. Wütendes Crossover-Sperrfeuer in den Strophen, unwiderstehliche Melodie im Refrain und ein furioser, drückender Schlusspart stellen die Zeichen auf Überflieger. Auch Nasty aus Belgien mischen mit und verpassen „Out Of Sight“ eine zusätzliche Dosis Hardcore-Nackenschläge. Die luftigen Drums von „No Salvation“ klingen wuchtig und voluminös, speziell in Verbindung mit den Raps, und haben zumindest anfangs fast Bonham’sche Qualitäten. Das herrlich verplante „Lotus“, das wiederholt mit funkiger Eskalation ringt, ist ebenfalls nicht von schlechten Eltern.

„Same Kids. Just Louder.“ klingt nach einer Band, die verdammt viel Spaß an ihrer Musik hat, zugleich aber unter keinen Umständen auf der Stelle treten möchte. Revolutionäre neue Erkenntisse sind von Slope dieses Mal nicht zu erwarten, dafür eine Konsolidierung auf hohem Niveau mit mehr Drive und Energie auf allen Ebenen. Ihr neuester Streich klingt ohne Frage kraftvoller und lebendiger, lässt die Songs atmen und groovt gerne mal wie Sau. Kleinere Ohrwürmer und derbe Nackenschläge runden eine richtig unterhaltsame, mitreißende Platte ab. Slope bleiben Slope, bloß eindringlicher. Gut so.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Slope Gang (Blood Blast Distribution)

Website: slope-gang.com
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(c) Malin Helenius

Drei mächtige Alben, die ein ganzes Genre weiterentwickelten, dann urplötzlich Stille: Nach dem 2013er Release von „Sole Creation“ zogen sich Kongh erst einmal zurück. Man hatte alles gesagt, die künstlerische Vision erfüllt, und somit gab es vorerst keinen Grund für eine Fortsetzung. Bei David Johansson, der zwischenzeitlich unter anderem mit Cult Of Luna tourte und verschiedene Bands produzierte, entstanden schließlich neue Ideen, nach und nach. „Dissolved In Time“ hat also etwas zu sagen, distanziert sich bewusst von Nostalgie und ringt dem eigenen Sound zugleich einmal mehr neue Facetten ab.

Unterstützung erhielt er von ehemaligen Cult Of Luna-Wegbegleitern. Live-Drummer Christian Augustin spielte das Schlagzeug ein und war Toningenieur für die Gesangsaufnahmen, Kristian Karlsson kümmerte sich um Ton und Mix der Drums und Magnus Lindberg mischte die gesamte Platte ab. Zudem steuerte Jörgen Sandström (u. a. Grave, Entombed) Backings bei. Die drei gewohnt überlangen Songs klingen aber weiterhin durch und durch nach Kongh. Im 19minütigen Opener „Staining The Ether“ arbeiten sich ominöse Gitarren langsam vor, dann übernimmt die bestens bekannte Wand aus Doom und Sludge. Erdrückende Wucht, sägende Gitarren und Johanssons Mix aus ätherischem Gesang und wütenden Growls übernimmt. Das Geschehen häutet sich wiederholt, ein stetes Auf und Ab der permanenten Entschleunigung gipfelt in einer der besten Gesangsmelodien der Platte in den Schlussminuten.

„Guided To The End“ ist so etwas wie der Radiosong, bei luftigen sieben Minuten Laufzeit. Kongh kommen tatsächlich halbwegs schnell auf den Punkt, setzen einen stoischen Drumbeat und Old-School-Death-Metal-Gitarren ein. Während man sich beinahe in HM2-Sicherheit wähnt, verzaubern Psychedelia, himmlische Vocals und urplötzlich auftretende, zermürbende Screams mit proggig-tödlicher Vehemenz. „Dissolved In Time“ ist etwa doppelt so lang und macht viel zu früh den sprichwörtlichen Deckel drauf. Zentnerschwerer Begräbnis-Doom, Mastodon-Prog und tiefe, erschütternde Sludge-Abgründe formen eine unheilige Allianz, die Hören und Sehen vergehen lässt.

Während die herausragende Extraklasse des Vorgängers zugegebenermaßen nie komplett erreicht wird, ist dieses Comeback doch eines nach Maß. Kongh klingen auf „Dissolved In Time“ etwas anders, lassen die Extreme noch eine Spur weiter auseinandergehen, schaffen mehr feinsinnige Melodik und zarte elektronische Begleitung, nur um im nächsten Moment Sludge und sogar eine Spur Death Metal um Welten wütender und erschütternder erklingen zu lassen. Das strengt stellenweise gewaltig an, interpretiert die vertraute semi-meditative Stimmung neu und reißt doch einmal mehr monumentale Wände mit manischer Intensität ein. Kongh pendeln sich auf hohem Niveau ein und bleiben nun hoffentlich etwas länger erhalten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 25.09.2026
Erhältlich über: Trust No One Recordings

Website: www.kongh.net
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