(c) Louison Rouletabille

Für den Wahnsinn von Occult Hand Order müsste man eigentlich erst eine eigene Kategorie erfinden. Das Quartett aus dem französischen Lyon folgt einer ganz eigenen Auffassung von betont leichtfüßiger Heavyness, spannt den Bogen von Sludge und Doom bis Post Rock und Shoegaze, tobt sich in einer Fülle von Zwischentönen und Eigenheiten aus. Das im Herbst 2023 veröffentlichte „Silence By The Raging Sea“ hallt noch als Geheimtipp nach, mit „Meaningless Monuments“ soll der berühmte nächste Schritt gewagt werden.

Der Opener „Błędów“ nimmt schon mal souverän Kurs und kostet seine zehn Minuten Spielzeit entsprechend aus. Betont gemächlich arbeitet man sich voran, erzeugt Spannung und stellt den kraftvollen, bevorzugt wie ein weiteres Instrument eingesetzen Gesang nebst instrumentale Sinnsuche. Ein erstes kathartisches Plateau ergibt sich kurz vor der Drei-Minuten-Marke, das lange instrumentale Zwischenspiel danach tänzelt filigran durch das imaginäre Auge des Sturms und findet schemenhafte Verwüstung, bevor die singende Gitarre übernimmt. „Novo Mesto“ ist nur halb so lang und fällt dafür vergleichsweise mit der Tür ins Haus. Glockenhelle Vocals treffen auf Screams, infernale Finster-Gitarrenwände und ein donnernder Basslauf nehmen das Heft in die Hand. Sogar für brachiales Geballer bleibt schlussendlich Zeit.

Im (musikalischen) Kargland von „Brno“ verbirgt sich nahezu endloser Schmerz. Wie sich der zerrissene Gesang von monolithisch-doomigen Wänden löst und um zumindest etwas Licht bemüht ist, geht nahe. Martialische Breitseiten fahren später durch Mark und Bein. Die kennt auch „Mollerussa“ bestens und setzt auf maximale Distortion bei ebenso maximaler Entschleunigung. Mit einfachsten Mitteln bauen Occult Hand Order schwer ertragbaren Druck auf, täuschen mit vereinzelten hoffnungsvollen Tönen eine kurzzeitige Wendung an, nur um mit ungebrochener Härte zuzuschlagen. Post Rock und Doom-Entschleunigung harmonieren hervoragend. Im abschließenden „Gerlach“ taucht ein vergleichsweise klassisches, derb sägendes Riff auf, rund um ein nahezu stilles Zwischenspiel drapiert. Etwas Post Black Metal und emotional aufgeladener Klagegesang zermürben.

Nichts hieran ist auch nur annähernd einfach, wohl aber verdammt gut gemacht. Tatsächlich gelingt es Occult Hand Order, sich noch etwas breiter und vielschichtiger aufzustellen, gerade im Bereich der Dynamik wurden ordentliche Fortschritte gemacht. Die plötzlichen Explosionen nach himmlischen, beinahe idyllischen Momenten erschüttern und erdrücken; noch besser ist nur, wenn beide Welten zusammentreffen und die Schönheit der Welt unmittelbar neben pure Hässlichkeit stellen. „Meaningless Monuments“ setzt den eingeschlagenen Kurs fantastisch fort, wirkt insgesamt noch einen Tacken stärker und wahnwitziger, macht richtig schön fertig. Einmal mehr riecht es bei Occult Hand Order nach dem großen Wurf.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Totem Cat Records

Facebook: www.facebook.com/occulthandorder

(c) Alex Ranae

Schluss, aus vorbei: Mitte April veröffentlichten Spirit Adrift ihr sechstes Studioalbum und kündigten gleichzeitig ihre Auflösung an. Mastermind Nate Garrett hat alles gesagt, der Abgang des als Doom-Soloprojekt gestarteten und in den letzten Jahren zur tourenden Hard-Rock- und Heavy-Metal-Act gewordenen Band erfolgt am Höhepunkt. Ein Blick auf den finalen musikalischen Akt lohnt sich: „Infinite Illumination“ zeugt von pointierter Finalität und demonstriert zugleich, dass selbst ein Abgang in Bestform alles andere als einfach ist.

Gleich zu Beginn wartet ein Epos: Der Titelsong „Infinite Illumination“ nimmt knapp acht Minuten in Beschlag und fährt den Heavyness-Faktor gleich mal deutlich nach oben. Das klingt um Welten doomiger und schwerfälliger als zuletzt, erinnert an die frühen Alben von Spirit Adrift. Garrett singt in Bestform, die gelegentlich eingestreuten klaren Gitarrentöne kommen ebenso gut wie die wütende Eruption nach etwa fünfeinhalb Minuten mit Screams und Double-Bass-Salve. Herrlich überdreht, etwas flotter und metallischer, so schafft hingegen „White Death“ die Verbindung zu den jüngeren Platten. Speziell der ausladende Mittelteil mit seiner präzisen Soloarbeit ist großes Kino.

Und groß ist an dieser Platte richtig viel. Wie der Rausschmeißer „Where There Once Was An Ocean“, ein waschechtes Doom-Epos der monumentalen Sorte. Wütendes Stampfen, dicke Riffs und der exzessiv in die Länge gezogene Abgang symbolisieren, wie schwer es tatsächlich ist, sich endgültig von Spirit Adrift zu verabschieden. Die Verbindung von Hard Rock und Doom in „You Will Never Hold The Key“ ist ebenfalls ganz groß. Süffige Gitarren, erstaunlich proggige Soli und die pure Wucht der Schlussminuten sind großes Kino. Dass im direkten Anschluss „Born In A Bad Way“ den Sprint anzieht und in unter dreieinhalb Minuten proto-metallische Riffs in rauen Mengen rausschießt, hat ebenfalls Methode.

Dieses finale Aufbäumen ist ein Erfolg auf ganzer Linie. Spirit Adrift konzentrieren sich auf Doom und Heavyness der Anfangstage, ohne jüngere Entwicklungen zu ignorieren. So hart klangen Garrett und Mitstreiter tatsächlich lange nicht, was ihnen bestens bekommt. „Infinite Illumination“ demonstriert nochmals eindrucksvoll, was mit diesem Projekt, mit dieser Band verschwindet, schneidert epischen Doom mit kantigen Riffs und sympathischer Rock-Seite, angenehm retro und doch im besten Sinne eigenwillig. Auf Nate Garretts musikalische Zukunft darf man gespannt sein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.04.2026
Erhältlich über: 20 Buck Spin

Website: www.spiritadrift.com
Bandcamp: spiritadrift.bandcamp.com

(c) Joey Senft

20 Jahre nach ihrem ersten Album bleiben Cancer Bats das perfekte Beispiel für lautstarke Beständigkeit. Die Kanadier bemühen weiterhin einen beißenden, angenehm kaputten Mix aus Punk, Hardcore, Sludge und Metal, sind inzwischen auch auf Platte wieder zu viert unterwegs (Jackson Landry übernahm bereits 2023 den vakanten Posten an der zweiten Gitarre) und setzten einmal mehr auf gemeinsame Jam-Sessions, um gewohnt beherzt zuzulangen. „Give Me Dirt“ wurde von einem Jahr auf Reisen inspiriert und etabliert eine enge Verbindung zur Natur, während das eigene Leben in der Stadt eine Pause erhält.

Tracks wie „Stay Stuck“ schließen nahtlos an das bisherige Schaffen an – roh, derb, ruppig, energisch und von bleierner Schwere durchzogen. Liam Cormier brüllt auf unnachahmliche Weise, rundherum toben Chaos und erstaunlich geradliniges Riffing. Cancer Bats bewegen sich zwischen angepunker Abrissbirne und schwerfälligem Dampfhammer. Das kennt man von ihnen, das klappt prima. Wie auch das sich stellenweise selbst überschlagende „Long Tooth“ mit wiederholt wechsendelm Tempo, fiesem Hardcore-Geballer und sympathischer Unterstützung von Brooklyn Doran. Das gallige „Positive Grid“ eskaliert so brachial wie menschenmöglich.

Neben Doran gibt es eine Reihe weiterer Gäste. Chris Cresswell von Hot Water Music mischt das manische „Bright Eyes Of Gold“ auf, das zwischen wütend aufheulenden Gitarren und kurzen Momenten des Innehaltens pendelt. In „Fools Like You“ taucht Efrem Schulz (Death By Stereo) auf und sorgt in den angethrashten Explosionen für den nötigen Wahnsinn. Und auch der überaus umtriebige Nate Newton (u. a. Converge, Cave In) ließ sich einen kleinen Besuch nicht nehmen: „World Wild Fire Death Race“ zählt zu den Highlights des neuen Albums, breitet nach dem langen Intro seine unheilvollen Schwingen aus und täuscht sogar eine kleine Hook an. Davon gibt es auch in „Ocean Crash“ genug, speziell wenn monströser Groove einsetzt.

Die große musikalische Revolution bleibt aus, dafür konsolidieren sich Cancer Bats auf gewohnt hohem Niveau und räumen einmal mehr ohne Rücksicht auf Verluste ab. „Give Me Dirt“ ist der erhoffte Dampfhammer von einem Album, zerlegt mit furioser Explosivität alles, bemüht sämtliche Stärken und setzt zugleich eine Armada an Gästen sinnvoll und stilvoll ein. Die Kanadier bewegen sich in vertrautem Fahrwasser, roh und zugleich herrlich ausdifferenziert, lassen mit gelegentlichem Innehalten aufhorchen, nur um im nächsten Moment alles niederzumähen. Und das auch nach zwei Jahrzehnten auf frische, mitreißende Weise. Cancer Bats zeigen sich einmal mehr als unbestrittene Meister ihres Fachs.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 07.08.2026
Erhältlich über: Marshall Records (SPV)

Website: www.cancerbats.com
Facebook: www.facebook.com/cancerbats

Slider-Pic (c) Joey Senft

(c) Toni B. Gunner

Einmal mehr reiten die Friesen Temple Of Dread mit ihrem klassischen, brutalen bis sägenden Death Metal aus, um alles zu zerlegen, was sich in den Weg stellt. Seit dem vor knapp zwei Jahren erschienenen „God Of The Godless“ wuchs man vom Trio zum Quintett, Bassist Andi Bauer und der zweite Gitarrist Daniel Maurer sind inzwischen mit an Bord. An der grundlegenden Präsentation hat sich wenig geändert, man widmet sich weiterhin der alten Schule und befasst sich mit überwiegend mythischen Themen. Die zuletzt eingesetzten düsteren Elemente wurden jedoch weiter verstärkt. Entsprechend wuchtig und beklemmend gibt sich „Dreadspawn Dominion“.

Tracks wie „Hybrid Horde Eternal“ bringen die Mission in aller Kürze auf den Punkt. Temple Of Dread brauchen bloß dreieinhalb Minuten, um einfach mal mit Anlauf alles in Schutt und Asche zu legen. Konsequentes Sägen, ein paar manische Untertöne, aber auch ein erstaunliches finsteres Breakdown mit einem wachen Auge auf Death Doom mischen mit, bevor es Hals über Kopf zurück in die Action geht. Rasiermesserscharfes Solo drüber, fertig ist das Ding. Noch einen Tacken kürzer, aber ähnlich kompromisslos gibt sich „Rites Of Blasphemy“. Die Herren aus Norddeutschland machen ab der ersten Sekunde Druck, fallen kurzzeitig in ein quälendes Loch und überfordern im Anschluss komplett.

Das Langformat bekommt dem Quintett ebenfalls gut und bietet den nötigen Platz, um das Faible für Düsternis auszuleben. „Death March“ mag seine konsequente Schwerfälligkeit, schält sich zäh aus den Boxen und legt einen toxischen Walzer aufs Parkett, während die Gitarren in der zweiten Hälfte fast so etwas wie eine faulige Melodie andeuten. Das abschließende „Infernal Eternity“ kratzt sogar an der Sechs-Minuten-Marke, legt furios los, stolpert aber wiederholt einen finsteren Abhang hinab. In den Untiefen des Seins warten unbequeme Erkenntnisse, während die Ewigkeit der Unterwelt frohlockt und mit einem exzellenten instrumentalen Finale alles überstrahlt.

Ob knüppelhart oder zäh wie sonst was – Temple Of Dread zeigen sich einmal mehr von ihrer besten Seite. Das erweiterte Line-up bringt noch einen Tacken mehr Wucht mit, das Spiel mit roher Gewalt und erdrückender Schwere kommt richtig gut. „Dreadspawn Dominion“ taucht wieder und wieder in halbwegs faulige Untiefen ab und fühlt sich dort hörbar wohl. Mit der geballten Intensität der alten Schule, exquisitem Storytelling und dem geschickten Wandeln am eigenen Abgrund legen die Friesen einen weiteren Leckerbissen der tödlichen Art hin. So und nicht anders geht das.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 07.08.2026
Erhältlich über: Testimony Records

Facebook: www.facebook.com/TempleofDread

(c) Alex Dixon // @alex.does.media

Bereits mit ihrem ersten Album erspielten sich Din Of Celestial Birds Geheimtipp-Status bei allen, die emotional aufgeladenen Post Rock mit gelegentlicher Heavyness schätzen. Das rein instrumental agierende englische Quintett veröffentlichte seinen Einstand „The Night Is For Dreamers“ 2023, spielte in weiterer Folge unter anderem auf dem dunk!fest (der Mitschnitt erschien im Vorjahr als Live-Album) und auf dem Can Festival in China. All diese Inspiration wurde mitgenommen und die Studiozeit – einmal mehr mit Pijn-Gitarrist Joe Clayton – direkt verdoppelt, um ein wenig zu experimentieren und an kleinen, feinen Details zu arbeiten. „Takeoffs & Landings“ profitiert davon hörbar.

Das Konzeptwerk über Abenteuer, Verreisen und die Wirren des eigenen Lebenswegs setzt sich unter anderem mit den Hochs und Tiefs der letzten Jahre auseinander. Zu letzterer Kategorie zählt der emotionale Höhepunkt „I Hope That Road Leads You Somehwere Beautiful, Somewhere You Belong“, den Gitarrist Andie Gill für seine verstorbene Lebensgefährtin Roisin schrieb, inspiriert vom gemeinsamen Traum, einmal über die Route 66 zu fahren. Rührendes Understatement führt zu beklemmender Katharsis, die singende Gitarre sucht nach einer Umarmung für die Seele. Während hier noch der Kloß im Hals sitzt, zeigt sich die Band aber auch anderenorts von seiner mitreißenden Seite, beispielsweise im eröffenden Titelsong – etwas mehr als drei Minuten Fanfare mit etwas Heavyness zum Drüberstreuen.

Überhaupt hat so ziemlich jeder Exkurs hier seine Qualität. Das erstaunlich peitschende „When Suddenly…“ illustriert deutlich, weswegen Din Of Celestial Birds zu den jungen Meistern episch-instrumentaler Heavyness zählen. Peitschende Drums, singende Gitarren und ein pulsierender Basslauf erfassen vollends, bevor ein ellenlanger, synthetischer Mittelteil eine dringend notwendige Verschnaufpause gewährt. Im Vergleich dazu fällt „Second Star To The Right, And Straight On ‚Til Morning“ fasst schon konventionell aus, bemüht einen klassischen Post-Rock-Aufbau. Wo andere längst abgebrochen hätten, intensivieren die Engländer das Geschehen immer weiter, überraschend mit nahezu post-metallischer Heavyness und ziehen ein massives Bollwerk auf, das ebenso plötzlich abreißt; bis das Feedback in den Ohren singt.

Ein wenig Reizüberflutung ist das hier schon, speziell wenn der Sound leicht übersteuert und mit purem Volumen nahezu erdrückt. Auch das hat gewissermaßen Methode und unterstreicht die spezielle Wirkung von Din Of Celestial Birds, die – wie nur wenige andere – mit Atmosphäre und Intensität umgehen können. „Takeoffs & Landings“ intensiviert dieses Spiel mit Härte und Details, bewegt sich ein wenig vom am Live-Sound orientierten Einstand weg und zeigt eindrucksvoll, was die Band im Laufe der Jahre gelernt hat. Packendes Songwriting, gekonntes Spiel mit Dynamik und konstante Bewegung machen den Zweitling zu einem weiteren kleinen Leckerbissen, der gerade für Post-Rock-Fans ein Muss sein sollte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 07.08.2026
Erhältlich über: Big Scary Monsters

Facebook: www.facebook.com/DinofCelestialBirds

(c) Tilman Köneke

Einfach mal machen und passt schon, so oder so ähnlich könnte es hinter den Kulissen bei den befreundeten Bands Phantom Corporation und Catbreath zugegangen sein, als die Idee für eine Split-Platte aufs Tableau kam. Beide Bands mit ordentlich Underground-Erfahrung brachten jeweils 15 Minuten EP-Stoff ein – auf der einen Seite die in der verkrusteten alten Death-Metal-Schule wütenden Phantom Corporation, auf der anderen die Crossover-Thrasher Catbreath. „Commando / Die By The Claw“ ist das hochgradig unterhaltsame Ergebnis.

Die A-Seite gehört Phantom Corporation, gewohnt tödlich und wüst. Nach einem akustischen Intro legt „When All Roads Lead To Hell“ vehement los, serviert herrlich räudige Urgewalt und peitscht sich durch einen roh produzierten, nahezu konstant eskalierenden Leckerbissen. Das folgende „Deep Well“ rumpelt gerne mal ordentlich, nähert sich ab und an sogar einer Art Groove-Zustand an, bevor präzises Death-Thrash-Riffing mit Anlauf überfordert. „World Of Hate“ rattert erst einmal in unter einer D-Beat-Minute durch, dann erhebt „Phantom Kommando“ seine mächtigen Schwingen. Alleine die wahnwitzige Gitarrenarbeit verdient bereits vollste Aufmerksamkeit.

Catbreath lassen sich nicht lange bitten und servieren mit „Play Dead“ ihren vertrauten Mix aus Thrash, Crossover und Hardcore. Wütende Gang Shouts, gequälte Gitarren und drückendes Tempo passen neben ein erstaunlich finsteres Solo. Den Faden greift „Inner Peace“ auf, erhöht die Schlagzahl deutlich und drängt mit vollem Körpereinsatz in Speed-Metal-Gefilde vor, nur um in „Feline Fatality“ von etwas mehr Hardcore abgelöst zu werden – schwerfällig groovend und mörderisch. Kleinere Midtempo-Experimente lassen in „Cross The Gate“ aufhorchen, eine herrlich ranzige Idee. Zum Abschluss wird „Stand Up And Fight“ von Exciter gecovert – fast hymnisch und zugleich ein schnörkelloser Abriss vor dem Herrn.

Richtig schön derb und abgefuckt rattert das Ding durch, von einer bewusst einheitlichen Produktion beider EPs gekonnt abgerundet. Wer seinen Metal schroff, unmittelbar und peitschend mag, ist bei diesem Doppelschlag genau richtig. Phantom Corporation knüpfen nahtlos an ihre bisherigen Alben an und überfordern mit dem Mute überflüssiger Verzweiflung. Hingegen passt der Crossover-Thrash von Catbreath wunderbar in den Zeitgeist, ackert sich aber bewusst an selbigem vorbei und macht gerade damit alles richtig. „Commando / Die By The Claw“ ist ein giftiges Unentschieden der bekömmlichen Sorte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 07.08.2026
Erhältlich über: Supreme Chaos Records (Red Flame Distribution)

Phantom Corporation: www.facebook.com/phantomcorporation
Catbreath: www.facebook.com/catbreath.thrash

(c) 10,000 Years / Ripple Music

Seit ihrer Gründung vor sechs Jahren glänzen 10,000 Years durch ordentlich Output und starke Riffs. Das schwedische Trio entwickelte sich im Laufe der Zeit von einem Stoner-Sludge-Powerhouse zu Sci-Fi-Horror-Masterminds mit gelegentlichem Doom- und Psych-Einschlag. Speziell letztere Facette wird mit dem zweiten Werk für Ripple Music nun deutlich intensiviert. „Esox Lucifer“ verbindet existenzialistischen Horror mit spacigen Klängen und erdigen, drückenden Gitarrenwänden.

Stellvertretend für diesen alten, neuen Wahnsinn steht das urgewaltige „Church Of The Red Museum“, das erst einmal richtig schön Druck macht und mit vertrauten Riffattacken arbeitet. Alex Risberg singt so kraftvoll und energisch wie eh und je, Schlagzeug und Bass treiben das Geschehen an. In der zweiten Hälfte verschieben sich die Vorzeichen schrittweise. Mehr Melodie, etwas psychedelische Entfremdung und furiose Zwischensprints eskalieren in aller Gemächlichkeit. Selbst das erdige „Two Million Stones“ wirkt von anderweltlichen Einflüssen bestimmt, steht an einer Art imaginärem Abgrund und wird von blastenden Salven kurzzeitig zerlegt.

Wie weit 10,000 Years inzwischen als Songwriter gekommen sind, zeigt sich natürlich in den beiden überlangen Tracks. Der Titelsong „Esox Lucifer“ bäumt sich mächtig auf, holt wieder ein paar der inzwischen seltener gewordenen Sludge-Druckphasen zurück, verliert sich aber zugleich mittendrin minutenlang in instrumentaler Sinnsuche. Das schleichende, spacig-psychedelische Ende kommt richtig gut. „Fleur De Sledgehammer“ mag einen Hauch kürzer sein, fällt mit seiner eigenwilligen Melodik und den aggressiven Vocals aber sogleich auf. Die Schweden spielen mit Kontrasten, langen zwischendurch schwermetallisch zu und tauchen dennoch in verträumte Gefilde ab. Abgründige Hoffnung passt prima ins Bild.

Einmal mehr setzen 10,000 Years ihren interstellaren Kurs zu neuen Ufern fort. Wo diese exakt liegen, bleibt etwas nebulös, doch ist der Weg ein unterhaltsamer. Sludge und auch Doom rücken etwas weiter in den Hintergrund, dafür treten die Riffs gefühlt noch wuchtiger und prominenter auf. Es sind allerdings die psychedelischen bis spacigen Einschübe sowie melodischen Zäsuren, die „Esox Lucifer“ so spannend machen. In manchen Momenten glaubt man sogar, eine andere Band vor sich zu haben. Letztlich findet die Summe der einzelnen Teile nach ein paar Durchläufen zusammen und unterhält auf allen Ebenen. Wieder etwas anders, wieder richtig gut: 10,000 Years setzen ihren Lauf souverän fort.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 07.08.2026
Erhältlich über: Ripple Music

Facebook: www.facebook.com/TenThousandyrs

(c) Georg Hoos

Kreator, Exodus und Megadeth waren bereits an der Reihe, Anthrax landen demnächst: Für Fans der alten Thrash-Schule ist dieses Jahr bislang ein absoluter Traum. Und dann ist da noch ein Quintett aus Würzburg, das so ziemlich allen das Fürchten lernt. Zerre sind so roh und drückend wie menschenmöglich unterwegs, hauen eine gesunde Portion Crossover in den großen Topf und schreiben mächtige Songs, die sich mit Machtmissbrauch, Korruption und menschlicher Verrohung befassen. Was sich nach Standardprogramm anhört, entwickelt sich auf dem mittlerweile vierten Album „Rotting On A Golden Throne“ zum abgefuckten Headbanger-Festmahl.

Ein Track wie „Concrete Hell“ unterstreicht eindrucksvoll, was die deutschen Nachbarn ausmacht. Der vergleichsweise gemächliche, groovende Start täuscht ein wenig, denn nach diesem Intro heben Zerre mit aller gebotener Vehemenz ab. Tighte Rhythmusabteilung, mächtige Gitarrenarbeit und ein bestens aufgelegter Nico Ziska, der den Track mit wachsender Begeisterung zerbrüllt – das Ding geht forsch nach vorne, bekommt sein feines Solo, ein paar Gang Shouts und einen verspielten, wuchtigen Schlussakt als Bonus, mehrstimmige Leads inklusive. Die Zutaten kennt man, die Zusammensetzung macht dennoch Laune – siehe und höre auch „Pigs Will Be Pigs“, das von der ersten Sekunde an die Energie weit nach oben schraubt und sich mit giftiger Zerstörungswut austobt.

Mehr und mehr meint man einen Missing Link zwischen Municipal Waste und Slayer gefunden zu haben, garniert mit einer gesunden Portion Sodom und Power Trip. „Killing Taste“ erdrückt mit seiner Heavyness geradezu, hebt aus dem Nirgendwo ab und verliert sich in seinen instrumentalen Passagen gar bekömmlich. Aber auch kürzere Episoden, wie das forsche „Deception Of The Weak“, klappen mit punkigem Esprit gar hervorragend. Dass darauf mit „Mental Vacation“ der längste Track dieses Albums folgt, passt irgendwie. Siebeneinhalb Minuten wahnwitziger, komplett eskalierender Husarenritt bieten maximale Unterhaltung. Speziell das kurze, fast melodische Innehalten mittendrin, das im puren Rausch hymnische Töne andeutet, ist fantastisch, ebenso der ausladende Soloteil.

Was zum Henker ist denn hier auf einmal passiert? Dass Zerre das Zeug zum großen Wurf haben, sollte aufmerksamen Thrashern nicht überraschen, doch ist das hier doch noch einmal ein ganz gewaltiger, fantastischer Ausreißer nach oben. „Rotting On A Golden Throne“ kondensiert vertraute Stärken, schraubt den Härtegrad weiter nach oben und macht einfach, ohne Kompromisse und selbstverständlich ohne Rücksicht auf Verluste. Unfassbare Energie ab der ersten Sekunde, mächtige Riffs, anspruchsvolle Tracks und wütende Vocals gehen eine grandiose Symbiose ein und ergeben das – zumindest bislang – vielleicht beste Thrash-Album des Jahres.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 27.03.2026
Erhältlich über: Dying Victims Productions (SPV)

Bandcamp: zerrethrash.bandcamp.com
Instagram: www.instagram.com/zerre.thrash

Slider-Pic (c) Georg Hoos

(c) Olle Pettersson

Binnen kürzester Zeit erspielten sich Allt einen hervorragende Ruf als eine der aufregendsten, innovativsten neueren Metalcore-Bands der letzten Jahre. Die Schweden verstehen sich vor allem auf eine progressive Interpretation des Genres, gepaart mit technisch anspruchsvoller Härte und einer Vielzahl an Experimenten. Für ihr zweites komplettes Album wandert der Blick von außen nun nach innen: „Ataraxia“ setzt sich mit gelebten Erfahrungen auseinander, verbindet Erinnerungsfragmente und verschiedene Stationen eines sich ewig wiederholenden Kreislaufs.

Angetrieben von der Suche nach Frieden in einer Welt, die sich scheinbar gegen diesen Zustand verschworen hat, entwickelt sich schnell die erwartete Tour de Force. Der Vorbote „Omertà“ bringt sämtliche vertrauten Qualitäten in drei Minuten zusammen und zerlegt mal eben alles. Wütende Nackenschläge, etwas Nu-Crossover, bedrohliche Finsternis und ein urplötzlicher lichter Moment, der Djent-artige Gitarren neben eine kleine, feine Melodie stellt, machen Laune. Und dann ist da noch dieses kurze Piano-Breakdown, das die Schlussminute dominiert – großes Kino. Der kurze, knappe Titelsong schleppt sich durch erdrückende Gefühlszustände, lässt Härte in den Hintergrund rücken und konzentriert sich vor allem auf Robin Malmgrens starke Singstimme.

Überhaupt setzen Allt – gerade in der zweiten Albumhälfte – vermehrt auf etwas eingängigere Momente. „Snowblind“ verzichtet keinesfalls auf die etatmäßige Wucht, bietet aber vor allem Melodien und Finsternis, so beklemmend und intensiv wie möglich. Das abschließende „Avalon“ ist wie ein kleines Zugeständnis an ein eventuelles Modern-Rock-Publikum … bis der Schlussakt mit derber Urgewalt alles zerlegt. Im Vergleich dazu wirkt ein „Enemy“ fast schon konventionell, brachialer Djent-Wutausbruch mittendrin inklusive. Und auch der Opener „New Day“ bringt den nunmehr bestens bekannten Wahnsinn auf den Punkt, pendelt zwischen schüchterner Eingängigkeit und rabiater Urgewalt.

Die Perspektive mag eine andere sein, doch die musikalische Revolution bleibt aus: Im Großen und Ganzen bewegen sich Allt weiterhin in etwa dort, wo man sie vermutet, bloß stellt man sich einfach ein wenig breiter auf. Die melodischen Parts fallen ruhiger und hymnischer aus, die Härte gestaltet sich dafür um einiges rasender und wilder. Brachiale Djent-Eruptionen und proggige Extreme brechen die gängige Metalcore-Erfahrung ein weiteres Mal auf und docken unter anderem bei Erra an, ohne dabei die sorgsam erarbeitete eigene Identität zu vernachlässigen. „Ataraxia“ ist der erhoffte, etatmäßige Schritt für die jungen schwedischen Meister, die sich einmal mehr von ihrer besten, intensivsten Seite zeigen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 31.07.2026
Erhältlich über: Century Media (Sony Music)

Facebook: www.facebook.com/alltofficial

(c) Kara Aguilera

Aktuell rollt ein kleines, aber definitiv feines Screamo-Revival durch die Lande. Der Sound der 90er ist momentan so und so angesagt, in verschiedensten Form, und Knumears machen sich das zunutze. Das Trio aus Los Angeles gibt es bereits seit 2021, man tourte fleißig und veröffentlichte diverse Singles und Kleinformate. Das etwas zu Unrecht übersehene „Directions“ ist ihr erstes komplettes Album und bringt so ziemlich alles, was das Genre auszeichnet, auf den krachenden Punkt. Dass dahinter viel Arbeit und Konzentration steckt, hört man kaum.

Tatsächlich befasst sich der Einstand mit dem Ende der Jugend, mit dem Erwachsenwerden und den Herausforderungen, die sich nun auftürmen – chaotisch, verwirrend und beängstigend, wie eben im echten Leben. Dass der rein instrumentale Auftakt „Introduction“ länger als zwei Drittel der weiteren Tracks ausfällt, passt irgendwie ins Bild. Die Art und Weise, wie sich Knumears von ihren Fängen lösen und nach vorne blicken, ringt Respekt ab. Danach schlägt „One Light, Sunshine“ erst einmal locker auf, bevor sich die Schleusen öffnen. Pure, schroffe Wut mit einem Hauch Post Black Metal, kathartische Druckwellen und der komplette Zusammenbruch eines ganzen Songs finden in kurzer Abfolge zusammen, die schleppende Heavyness im Abgang macht Sinn.

Eine gewisse nervöse Energie umweht die gesamte Platte, von „Bridged“ nahezu perfekt auf den Punkt gebracht. Minutenlanges Verharren in angespannter Stille, während die Rhytmusabteilung dröhnt und die Gitarre heult, bereitet nur unzureichend auf die urplötzliche, vehemente Explosion vor. Plötzlich schlagen die Kalifornier wild um sich, schalten das Tempo rauf und runter, von drückender Schwere über absolute Vollsprints bis hin zu martialischen Breakdown. Beiläufiges Schrammeln begleitet das abstoßende und zugleich für sich einnehmende „Breaking Ground“, dessen schmerzende Melancholie aus sämtlichen Poren trieft. Und dann ist da noch „Fade Away“ mit Jeff Smith (Jerome’s Dream) – 106 Sekunden noisiges Chaos mit Math-artigem Wahnwitz.

All das kommt in unter einer halben Stunde zusammen, hinterlässt atemlos und schweißdurchnässt. Knumears kämpfen mit sich und ihrer Umwelt, versuchen ihren Platz in der Welt zu finden und schütteln dabei herrlich derben, abgefuckten und aufrichtigen, ehrlichen Screamo aus dem zerfetzten Ärmel. Die nahezu omnipräsente Wut zeigt eine Band am Rande des Zusammenbruchs, das Nervenkostüm bis zum Zerreißen der Drahtseile gespannt, während sich Türen abwechselnd öffnen und schließen. „Directions“ sucht nach selbigen und nach Antworten, wenn es nur Fragen geben kann – großes, anstrengendes und im besten Sinne herausforderndes Kino.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 03.04.2026
Erhältlich über: Run For Cover Records / Summer Shade (Cargo Records)

Website: knumears.com
Instagram: www.instagram.com/meandyouscreaming

(c) Kevin Brown

In den Untiefen von Americana verbirgt sich erstaunliche Düsternis. Dry Wedding wissen das und schneidern daraus unbequeme Musik. Das Quartett aus Portland entwickelte auf seinen beiden bisherigen Alben eine eigentümliche Mischung rund um Post Punk, Death Rock, Gothic, Country, Doom Metal, Noise Rock und eben Americana (in Text und Ton), von zig weiteren Einflüssen ganz zu schweigen. Dieses Mal ging es der US-Band darum, bestimmte Aspekte ihres Sounds noch weiter auszureizen. Wenig überraschend entwickelt sich „The Back Of Beyond“ zur düsteren, erdrückenden Tour de Force.

Das schwermütige, nicht enden wollende „Moths“ bemüht gewaltige, sich laufend wiederholende Schleifen, führt ganz nahe an den Abgrund heran und zieht letztlich doch wieder zurück. Dieses vorsichtige und doch bestimmte Herantasten, begleitet von Davey Ferchows dramatischer Stimme, lässt den überlangen Track weiter anschwellen, bis zum klaustrophoben Finale. Selbst einzelne Schreie bringen keine Erleichterung. „The Serpent Box“ kommt da gerade recht – kurz, vergleichsweise direkt und richtig schön aggressiv. Kurze Eruptionen, wüster Noise und Slide-artige Klänge, die Verdammnis heraufbeschwören, erzeugen Unbehagen.

Letzteres ist das große Kunststück von Dry Wedding, die kalte Schweißausbrüche auslösen und dabei in den Arm nehmen. So verstört das langsame Anrollen von „One Last Stand“ so richtig, bevor das Ding Fahrt aufnimmt. Blackened-Doom-Ästhetik trifft auf Gothic-Chic, die Stimme ist tiefer als sonst. Die Apokalypse versumpft letztlich. Hingegen nimmt „Arrowhead“ jegliche Form von Geschwindigkeit zumindest für die ersten Minuten heraus. Anfängliche Doom-Wände weichen einem bissigen Massiv, wüste Drumsalven und faulige Death-Rock-Riffs führen schließlich in einen rohen, kantigen Schlussakt.

Als wären Crippled Black Phoenix in schroffer Finsternis gefangen geblieben: Die urgewaltige, kratzende und doch bittersüße Intensität von Dry Wedding wirft unzählige Fragen auf. Vor allem: Was zum Henker war das gerade? Die eigentümliche Mischung dieses dritten Albums knarzt und kracht an allen Ecken und Enden. Metallische Heavyness wird zum Pinselstrich dominanter Atmosphäre erklärt, Noise sorgt für Verstörung, während Post Punk und Americana die Finsternis wiederholt in sämtliche Himmelsrichtungen reißen. „The Back Of Beyond“ lebt und liebt den Wahnsinn der nahenden persönlichen und gesellschaftlichen Apokalypse. Selten war eine Reise ins Unheil so einladend.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 31.07.2026
Erhältlich über: Vesperian / Metal Blade

Facebook: www.facebook.com/drywedding

(c) Kal-El

Vor etwa einem Jahr begannen Kal-El ihre Odyssee durch mehrere Dimensionen: „Astral Voyager Vol. 1“ stellte die interstellare Kopfgeldjägerin Mica vor, die durch Raum und Zeit reist, während sie selbst von der Entität ‚The Nine‘ verfolgt wird. Diesen Faden spinnen die fünf Norweger nun weiter und stellen ihn in einen größeren Kontext rund um die Gefahr von Manipulation und das Ringen um Individualität gegen unsichtbare größere Mächte. „Astral Voyager Vol. 2“ hebt ab.

Der mächtige Opener „Juno“ bringt den mittlerweile vertrauten Sound zwischen Stoner, Doom und Space Rock sogleich auf den Punkt. Der Captain singt in gewohnt guter Form, widmet sich immer wieder höheren Registern und packt doch so unheimlich viel Kraft in seine Stimmbändern. Von der gewohnt stampfenden Rhythmusabteilung getragen, sägen und singen die Gitarren nebst einer kleinen, aber feinen Portion unendlicher Sehnsucht. Die hat auch „Pan“ für sich gepachtet und holt den einen oder anderen psychedelischen Exkurs hinzu. Geradezu majestätische Heavyness stellt sich dagegen, das imaginäre Gebälk erzittert regelrecht, ganze Raumschiffe erleiden Hüllenbruch.

In gleich mehrfacher Hinsicht stellt „The Nine“ wohl das Highlight da. Mehr als zehn Minuten Klang- und Sinnsuche unterstreichen die musikalische Entwicklung Kal-Els eindrucksvoll. Wie sich diese Monstrosität langsam, aber sicher aus dem nebulösen Aufgalopp erhebt, ist ganz großes Kino. Pure, ungefilterte Schwere im luftleeren Raum trifft auf erstaunlich verspielte Gitarren, die im ausgedehnten Mittelteil nach Identität suchen und wiederholt einen semi-melodischen Ausbruch proben. Der in aller Gemächlichkeit wüste, doomige Abgang passt da perfekt ins Bild. Apropos Abgang: „Asteroid“ beschließt diese Platte majestätisch und drückend, erhebt sich zu konstant eskalierenden Schleifen und lässt Gitarre sowie Captain in höchsten Höhen solieren.

Landung geglückt: Während das Schicksal der Heldin gerne etwas offen gehalten wird, machen Kal-El auf dem zweiten Teil ihrer Weltraumsaga alles richtig. Jeder einzelne Song macht Laune, vielleicht ohne das eine große Riff oder den überwältigenden hymnischen Moment, dafür in seiner Gesamtheit einmal mehr verdammt großes Kino. „Astral Voyager Vol. 2“ überzeugt durch seine Geschlossenheit, durch ausgefeiltes Songwriting und richtig gutes Storytelling. Die Norweger spielen ihre gesamte Klasse mit wachsender Begeisterung aus, nähern sich der Überforderung und finden doch einen grandiosen Weg nach vorne. In dieser Form darf es sehr, sehr gerne weitergehen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 20.03.2026
Erhältlich über: Majestic Mountain Records

Website: www.kal-el.no
Facebook: www.facebook.com/kalelproject

(c) Tom Birch

Erst melodisch und zugänglich, dann schroff und zerstörerisch: Rezn verteilten das Ergebnis ihrer letzten Aufnahmesession auf zwei unterschiedliche Alben und loteten damit ihren Sound umfassend aus. Nun finden beide Welten zusammen und suchen den Mittelweg zwischen drückender Härte und feiner Klinge. „Cycles Of The Infinite Dream“ landet sich in der Verknüpfung von Traumwelt und Wachzustand und lotet unwirkliche, bewusstseinsverzerrende Zwischenwelten auf vielschichtige Weise aus.

Die ersten beiden Tracks unterstreichen diese Entwicklung gekonnt. „Rites Of Passage“ braucht eine halbe Minute, um in den Song zu finden, dann nehmen Rob McWilliams‘ glockenhelle Vocals das Heft fest in die Hand und gesellen sich zu proggiger Unwirklichkeit. Gewisse Vergleiche mit spacigen Mastodon drängen sich förmlich auf, schwebt das Quartett aus Chicago doch ebenfalls im gefühlt luftleeren Raum und lässt sich selbst von der Heavyness im Schlussakt nicht aus der Fassung bringen. Danach erhöht „Transient“ die Schlagzahl ein wenig. Unter der Oberfläche brodelt es, doch der vermutete Wahnsinn bleibt aus. Ein Saxofon-Solo übernimmt stattdessen, später gesellen sich Synths zu maximal verzerrten Gitarren.

Rezn lehnen sich maximal zurück und bleiben doch angriffslustig. Wie in „The Vessel“ mit dem vielleicht besten Riff des gesamten Albums, das erstaunlich wüst nach vorne geht und wiederholt von psychedelischem Gaze im Zaum gehalten wird. Konsequent werden etwaige Ausbruchsversuche zurückgehalten, während die Songs fast unbemerkt immer größer werden. In „Aerial Birth“ dominiert beispielsweise die luftige, eigentlich zurückgenommene Atmosphäre, die viel Platz für Meditatives lässt und erst spät etwas Dreck auspackt. Richtig wütend wird es nur selten, wie in „Primal Thread“. Dass auf den verträumten Track mit Psych- und Synth-Einschlag eine finstere, fast martialische Coda mit brutalen Nackenschlägen folgt, kommt überraschend.

Alles andere als überraschend ist hingegen die herausragende Klasse dieses Albums, dessen wahnwitzige Intensität selbst in nachdenklichen Momenten nicht so schnell loslässt. Mehr denn je geben sich Rezn Psych und Prog hin, reduzieren die metallischen Anteile weiter und sind sich dennoch nicht zu schade, gelegentlich mit Anlauf auf die Kacke zu hauen. Die große Genialität von „Cycles In The Infinite Dream“ liegt aber in der Art und Weise, wie die dichte, immersive Atmosphäre mal eben alles in Beschlag nimmt und geradezu leuchtet. Intim und zugleich monumental anmutende Songs, ganz viel Fingerspitzengefühl für melodische Großtaten und komplexe, gleichzeitig spielerisch erscheinende Arrangements faszinieren auf eine schwer in Worte zu fassende Weise. Rezn legen ihr bislang bestes Album vor – und doch wird man das Gefühl nicht los, dass sie gerade erst am Anfang stehen.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 24.07.2026
Erhältlich über: Sargent House (Cargo Records)

Website: www.rezn.band
Facebook: www.facebook.com/reznband

Slider-Pic (c) Tom Birch

(c) Kuro Simon

Seit weit mehr als eineinhalb Jahrzehnten sind Modula Nation Dauergäste in der Grazer Musikszene. Bereits 2009 erschien eine erste EP, diverse weitere Kleinformate sowie Gigs mit Molotov, Skinny Puppy und Mother’s Cake sollten folgen. Mit dabei waren und sind proggige bis spacige Klänge zwischen verträumten psychedelischen Klangreisen und erstaunlicher Härte mit gelegentlich drückender Riff-Wucht. Mit etwas Anlauf landet nun „The Rift“, das erste Album des steirischen Quartetts.

Der nach einem kurzen Intro einsetzende Titeltrack geht angenehm frontal nach vorne, setzt auf Heavyness, zentnerschwere Riffs und etwas elektronische Spielerei. Endlose spacige Weiten in den Strophen, wütender Schweinerock im Refrain und die nahezu permanente Kollision von punkigem Esprit und synthetischen Einschüben verstören im besten Sinne. So furios, nahezu metallisch wird es in weiterer Folge nur selten. „Shred“ trägt das bereits im Titel, bricht aber mit dem Format. Funkige Bassläufe, schrubbender Math Rock mit Noise-Schlagseite und eine aus dem Nichts aufbrandende Sologitarre verwirren. Diese Zeitreise durch mehrere Jahrzehnte Rockgeschichte ist eine Herausforderung für sich.

Hibbelig, leicht verplant und doch irgendwie stimmig gibt sich „The Breakout“, das seinen Funk mit Bleisohlen versieht und eine erschöpfte Seele aufs Parkett zaubert. Wenn urplötzlich der riesige Refrain nebst Blackmail-Untertönen aufschlägt, ist alles eitel. Wer die verträumten, ausufernden Modula Nation hören möchte, wird in „Silicon Carne“ fündig. Wiederholt lässt sich der Song durch die luftige Schwere des Raums tragen, zerlegt zwischenzeitlich alles mit wachsender Begeistung und lässt Heinz Wallner gar Unmenschliches aus seinen Stimmbändern herauskitzeln. Der gut zehnminütige Abschluss „Soul Fever“ gestaltet sich tatsächlich fieberhaft. Minutenlange psychedelische und krautige Instrumentals, ausufernde Soli und schwingende Fäuste am Höhepunkt unterhalten bestens.

Ein gezielter Köpfler in weitestgehend unbekanntes Terrain fühlt sich erstaunlich vertraut an und begleitet ein Album voller Widersprüche, die im Mikrokosmos der Steirer immer sinnig und stimmig aufgelöst werden. Nach einem mit Gusto überfordernden ersten Durchlauf sortiert sich „The Rift“ nach und nach, lädt zu kuriosen Verrenkungen ein und findet selbst in komplexesten Momenten wieder und wieder zurück zu diesen kleinen Feinheiten, die alles überstrahlen. Wüste Riffwände, kleine Hooks, spacige Weisheiten und unwiderstehlicher Funk bereichen einen Wandteppich des Wahnsinns, der immer wieder aufs Neue für Begeisterung sorgt. Mit dieser schrägen, nicht immer ganz einfachen, dennoch bekömmlichen Platte sollten Modula Nation endlich die verdienten Früchte ihrer Arbeit ernten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.07.2026
Erhältlich über: Tonzonen Records (Cargo Records)

Website: www.modulanation.com
Facebook: www.facebook.com/people/Modula-Nation/100066573081167

(c) Dylan Duncann

Eigentlich ging es für DazGak! ganz gut los: Als Trio legte man mit einem Album und einer EP in kurzer Abfolge einen feinen Doppelschlag vor, allerdings rein instrumental. Das war vor allem den Umständen geschuldet, so Gitarrist Jackson Weed, eigentlich wollte man schon immer Vocals dabei haben. Jake O’Driscoll von God Alone brachte eben diesen Aspekt ein und rundete den Band-Sound ab – chaotisch, verspielt, vertrackt und generell schwer greifbar. Die EP „Stimpy“ umreißt letztlich genau das, was sich das nach einem Unmutsausdruck benannte Quartett von Beginn an vorgestellt hatte.

Der musikalische Mix ist gleich noch einen Tacken gefährlicher und unbrechenbarer geworden, noch tiefer in der lokalen Skate-(Punk-)Kultur verankert, zugleich zwischen Math Rock, Hardcore Punk und Post-Hardcore hin- und hergerissen. Entsprechend wild und doch beinahe eingängig gibt sich der abgefuckte Opener „Big In Tucson“. Erstaunlich sonnige Gitarren werden von einer urplötzlichen Tempoverschärfung geradezu überrollt, während O’Driscoll abwechselnd singt und schreit. Der schwerfällige, drückende Mittelteil ist ein absolutes Highlight. „No Sweat“ legt vergleichsweise ruhig und unscheinbar los, sucht eine ganze Minute lang seine Stimme und einigt sich letztlich auf ein überdrehtes Riff, das sich noch im selben Moment selbst überholt. Jazzige bis tanzbare Einschübe werden von der eierlegenden Math-Wollmilchsau zerlegt.

Es wird aber selbstverständlich noch eigentümlicher. Wie in „Tog A Bog E (Top Sixteen)“, dessen Wut und furiose Energie mit Post-Hardcore-Melancholie kollidieren und zugleich feisten Skate-Punk durch den Äther jagen. Irgendwo zwischen Mini-Hit und Komplettabriss entsteht verkopfte Magie der hymnischen Art. Auch „Soulker“ geht über Umwege ins Ohr, die verwaschene 90s-Gitarre bietet großen Unterhaltungswert. Kleine Wutausbrüche, große Zäsuren und ein ellenlanges Breakdown-Finale machen Laune. Danach gibt sich „Trixie“ erst einmal halbwegs konventionell, hat so etwas wie eine Gesangsmelodie zu bieten, die jedoch so schräg wie menschenmöglich ausfällt. Im Rest der Band brodelt es hingegen, nach anfänglichem Stop & Go rasten die Iren aus und schlagen doch nicht über die Stränge. Das übernimmt zum Abschluss „Dewey“, das in knapp anderthalb Minuten stoischen Math-Punk durchdrückt.

Keine 20 Minuten brauchen DazGak!, um absoluten Wahnsinn zu verbreiten. Tatsächlich wirkt ihr Sound dank Vocals noch etwas voller und unberechenbarer. Zugleich hat sich das Songwriting hörbar weiterentwickelt. Das vertraute Math-Chaos mit Hardcore-Schlagseite und Punk-Esprit ist nach wie vor prominent vertreten, wirkt nun jedoch in jeder Hinsicht größer und intensiver, bietet gelegentliche hymnische Momente, echte Melodien, aber auch die erwarteten krassen Brüche. „Stimpy“ ist ein verkopfter Charmbolzen geworden, immer bezaubernd, auch wenn er sich selbst im Weg steht. Die Iren machen eine großen Sprung und lassen auf mehr in ähnlicher Form hoffen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.07.2026
Erhältlich über: Floodlit Recordings / Smithsfoodgroup DIY

Facebook: www.facebook.com/dazgak

(c) Svjetlost

Erst vor einem halben Jahr packten Gavran mit „The One Who Propels“ eines der unbestrittenen Highlights des bisherigen Kalenderjahres aus. Die wütende, rasende und kathartische Mischung aus Doom, Sludge und Post Metal hallt immer noch nach. Gitarrist und Sänger Jamie Kobić konzentriert sich zwischenzeitlich auf sein eigenes Ding. Mit Svjetlost geht er es einen Hauch ruhiger an, tauscht die brachialsten Parts gegen Stoner-Riffs und widmet sich der Geschichte und Folklore Bosnien und Herzegowinas. „The Forever Silent“ befasst sich mit den eigenen Wurzeln und der wechselhaften, lebendigen und doch gelegentlich finsteren Geschichte der Heimat.

Vier überlange Songs zwischen 13 und 16 Minuten Spielzeit zeichnen schwerfällige und zugleich immersive Stimmungsbilder. Wie „Above The Mountains“, der kauzige Opener, der sich möglichst schwerfällig erhebt und meditativen Gesang neben sägende Gitarren stellt. Reduzierte, folkloristisch angehauchte Zwischenspiele überraschen ebenso wie der schleppende Marsch durch offenes Gelände, als wären frühe Tombstones in der Wüste gestrandet. Das anschließende „Lands Of Suffering“ befasst sich mit den Wunden und Narben des Bosnienkriegs, zieht kurzzeitig sogar das Tempo ein wenig an und bricht letztlich wie ein Kartenhaus in sich zusammen. Der schleppende Wiederaufbau schafft hingegen einen Funken Hoffnung – welch grandiose Parallele zwischen Musik und Geschichte.

Die gewaltige Schönheit und katastrophale Geschichte Mostars wird in „The Golden Lilies“ thematisiert. So hoffnungsvolle, gülden schimmernde Melodien hört man sonst selten, bleiben natürlich die Ausnahme. Während der Track immer härter und ruppiger ausfällt, hält eine feine Shoegaze-Note Einzug und schafft gemeinsam mit den beschwörenden Vocals eine wunderbar unwirkliche, melancholisch angehauchte Atmosphäre. Davon ist im abschließenden „Between The Peaks“ nicht zu spüren. Die ersten Minuten erinnern an Gavran, packen spitze Schreie und schmerzvolle Qualen aus. Zwar findet diese Abhandlung einer Familiengeschichte zwischen zwei Weltkriegen im Schlussdrittel zumindest den einen oder anderen versöhnlicheren Ton, doch bleibt die Grundstimmung eine unbequeme.

Ob Musik an sich, Spielzeit oder Inhalt: Svjetlost legen es auf komplette Überforderung sowie weitestgehend entschleunigte Reizüberflutung aus. Klar, einfache Kost sieht anders aus, doch bringt Kobić seine Geschichte und die Geschichte seiner Ahnen auf hervorragende Weise rüber. Insgesamt ein Tacken weniger Härte, mehr Melodik und sägende Riffs bekommen „The Forever Silent“ gut, die fast obligatorischen Eruptionen fallen dafür doppelt eindrucksvoll aus. Monolithische Schwere, emotionale Anstrengungen und gekonntes Spiel mit präzise eingesetzter Folklore schaffen großes Kino von der ersten bis zur letzten Minute. Man muss sich bloß auf dieses überlange, herausfordernde Bollwerk einlassen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.07.2026
Erhältlich über: Shadow of Sorrow Records

Bandcamp: svjetlost.bandcamp.com
Instagram: www.instagram.com/svjetlost_doom

(c) Nathaniel Scott

Eine EP vor sechs Jahren, am Höhepunkt des ersten pandemischen Sommers, und danach? Gudewife ließen im Juli 2020 mit einer wilden, komplexen und erstaunlich bewegenden Mischung aus Post Rock, Math sowie diversen anderen experimentellen Genres mit leicht metallischem Touch aufhorchen. Das Duo aus dem Nordwesten Englands um Gitarrist Luke Burrows und Drummer Tom Holmes mag es komplex und anspruchsvoll, geht recht freizügig mit vermeintlichen Schubladen um und verbindet beinahe idyllische Ruhe mit explosivem Chaos. Die neue EP „Atoms, Don’t Die“ befasst sich mit verschiedenen Form von Verlust.

Tod, Trauer, die Vergänglichkeit der Jugend und das Erlöschen des Glaubens tragen fünf Songs, die elementare Ideen mit der Theorie, das nichts und niemand jemals komplett verschwindet, verknüpfen. Mit „Tahrir التحرير“ (zu Deutsch „Befreiung“, „Freilassung“) nehmen Gudewife direkten Bezug auf den Krieg in Gaza. Ein Gedicht von Haya Alyan über Widerstand und Hoffnung dient als Herzstück dieses brodelnden Songs, der mit seinen kompromisslosen Druckwellen wieder und wieder erfasst. Kurz vor der Dreieinhalbminuten-Marke erschüttern markige Druckwellen das Arrangement, ein erneutes Aufbäumen im Schlussakt nebst beklemmenden Zeilen trifft mitten ins Herz.

Auch „Millennial Rot“ kommt ausnahmsweise mit Vocals aus. Die stammen von den ehemaligen Tour-Genossen Pleiades aus Manchester, die vor allem im Post-Hardcore und Post Metal zuhause sind. Nachdenklicher Gesang, wütende Schreie und erstaunlich kompromisslose Eruptionen gehen im besten Sinne Hand in Hand. Während entsprechende Math-Anteile bislang etwas in den Hintergrund rückten, kommen diese in den drei verbleibenden Tracks so richtig durch. „Halcyon Collider“ zerlegt seine eigene Melodieführung mit präzisem Chaos, während das epische „When Silence Forgets Itself“ vergleichsweise typische Post-Rock-Muster auf vertrackten Bounce und einen erstaunlich dominanten Bass treffen lässt. Wie sich „Slow Hound“ final aus der Ruhe erhebt und angedeutete Polyrhythmik mit erschöpfenden Spoken-Word-Parts vermengt, ist ebenfalls groß.

Sie brauchen keine 27 Minuten, um die Sinne zu schärfen und alles zu plätten: „Atoms, Don’t Die“ ist für seine Kürze ein ziemlicher Brocken, auf so ziemlich jeder Ebene. Vom beherzten, intensiven Opener, der eine humanitäre Katastrophe gezielt ins Bewusstsein ruft, bis zu den vertrackten, zugleich epischen Songs danach ergibt sich eine hochspannende EP, die sich festbeißt. Die fordert und beinahe überfordert. Die ausuferndes Songwriting mit beinahe jazzigen Spielereien neben der Tonleiter verbindet. Gudewife fordern gewaltig heraus und räumen auf spektakuläre Weise ab – ein Comeback nach Maß, Nachfolger dringlichst erbeten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.07.2026
Erhältlich über: Ripcord Records

Facebook: www.facebook.com/gudewife

(c) Sarah Holick

Seit ihrer ersten EP vor gut zehn Jahren scheint es die Mission von Boundaries zu sein, alles mit Anlauf zu zerlegen. Von den Beatdown-Wurzeln hat sich das Quintett aus Hartford, Connecticut zwar weitestgehend entfernt, der Metalcore-Ansatz entwickelte sich auf den vier bisherigen Alben allerdings ähnlich brachial und kompromisslos. Mit dem Wechsel zu Sumerian Records wird eine neue Dringlichkeit angekündigt. Für Frontmann Matthew McDougal verlor harte Mucke im Laufe der Zeit ihren Biss, was eigentlich ein absolutes Unding ist. „Yearning: The unbeautiful after“ kämpft wütend und lautstark dagegen an.

Dass weniger auch mehr sein kann, hat wohl noch niemand der US-Band gesagt: 14 Songs, 47 Minuten Spielzeit und pure Intensität machen sich breit, angetrieben von zentralen Fragen nach der Bedeutung von Zeit, was einem selbst wirklich wichtig ist, und was man mit der vorhandenen Zeit tatsächlich anfängt. Zwischen Sehnsucht, Hoffnung und manchmal bitterer Erkenntnis breitet sich dieses Bollwerk aus. Der abschließende Titelsong findet beispielsweise ein gelungenes Mittelmaß an roher Härte, die ein wenig an die Metalcore-Ursuppe sowie an etwas vertrackte bis Djent-proggige Heavyness erinnert (Boundaries waren geraume Zeit beim Periphery-Label 3DOT Recordings unter Vertrag), aber auch Platz für mächtigen Klargesang und packende Melodien lässt.

Stete Urgewalt höhlt vielleicht nicht den Stein, macht aber Laune. „Torn wide open“ fällt so fies und kaputt wie menschenmöglich aus, wird in seinem Abriss von Make Them Suffer unterstützt und punktet mit technischem Anspruch. Der melancholische Wurmfortsatz mit Cyber-Soundscapes und sanften Vocals schafft ein wenig Verwirrspiel. Die unverblümte Direktheit eines „Skies cast amber black“ hat ebenfalls ihren Reiz, gewisse Zao-Vergleiche drängen sich auf. Hingegen pendelt „The leper’s bell“ zwischen Blast-Attacken, zermürbenden Breakdowns und der wohl besten Gesangsmelodie des gesamten Albums. Mehr Gegensätzlichkeit geht eigentlich nicht.

Die brachial-brutale Seite des Metalcore genießt aktuell ein kleines Revival, das weiß man nicht erst seit August Burns Red. Boundaries bemühen sich um exzessive Überspitzung und packen eine mächtige Portion Tech-Abriss drauf. Hoher Anspruch und rohe, stets klar definierte Brutalität begleiten das vierte Album des US-Quintetts, das dennoch immer wieder zu diesen kurzen Momenten ultimativer Eingänglichkeit findet, hymnische Melodien anstimmt und im Anschluss alles in Schutt und Asche legt. „Yearning: The unbeautiful after“ erfüllt seine abgefuckte Mission auf allen Ebenen und ist das bislang beste Boundaries-Album – ein giftiges Bollwerk, an dem man sich kaum satt hören kann.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.07.2026
Erhältlich über: Sumerian Records

Website: boundariesct.com
Facebook: www.facebook.com/BoundariesCT

Slider-Pic (c) Perrier Leigh

(c) Holystone

Lange schwarze Mäntel, übergroße schwarze Hüte und blutige Augenbinden: Holystone sind ohne Frage eine bizarre wie faszinierende Erscheinung. Die australische Band meditiert zwischen wüsten Klängen und Wüstenklängen, mit Doom und Psychedelia angereichert, roh und unbequem. Im Vorfeld ihres zweiten Albums kam mit Madison Morris eine neue Bassistin und zweite Stimme an Bord, die gemeinsam mit Gitarrist Wolfe Peterson an vorderste Front gesangliche Vielfalt bietet. „Accepting Omega“ ist die bizarrste musikalische Messe des bisherigen Jahres.

Es ist ein Konzeptalbum rund um die Figur ‚Omega‘ geworden, die das Ende der Welt herbeiführt. In jedem Track geht es darum, wie eine andere Person die nahende Apokalypse erlebt und sich nach und nach Omega ergibt, begleitet von elementaren Themen wie Angstzuständen, Depressionen, Existenzialismus, Sterblichkeit und dem Zusammenbruch der modernen Welt. „Procession“ ist da alleine aufgrund des Songtitels und des Erscheinungsbildes des Trios zentrale Anlaufstelle. Das ellenlange Epos ringt mit sich selbst und dem eigenen Soundbild. Desert-Stimmung, Stoner-Riffs und doomige Schwere finden zusammen, Morris‘ Stimme taucht immer wieder aus den Tiefen des Arrangements auf, während die Gitarre grob aufheult und Jonny Pickvance sein Drumkit verprügelt. Im steten Spannungsfeld zwischen massiver Schwere und psychedelischer Sinnsuche entsteht bizarre Magie.

Auch im weiteren Albumverlauf kollidieren wiederholt Gegensätze, Stimmungen und grundlegende Fragen. Das mächtige „Accomplice – Parts 1 & 2“ beginnt aufbrausend, lässt Peterson das Mikrofon in die Hand nehmen, bevor sich die Australier in einen gemächlichen, entfremdeten Jam zurückziehen und mit furioser Energie durch die Wüste marschieren. Der kantige Opener „The Prophecy (Jaws Of Victory)“ stapft hingegen schwerfällig, schleppt sich aus den Boxen und wird von einem Meer an Distortion beinahe weggespült. Macht aber nichts, denn wenn auf dem Höhepunkt plötzlich beide Stimmen gemeinsam auftauchen und von noisigen Gitarren weggeschossen werden, ist alles eitel.

Nichts hieran ist eitel und schon gar nicht Sonnenschein: Mit ungebrochener Vehemenz überrollt „Accepting Omega“, wieder und wieder. Die offenkundige existenzielle Finalität und das Ringen um den Umgang mit dieser ernüchternden Aussicht schlagen sich in desolater und zugleich mitreißender Musik nieder. Was Holystone hier genau abziehen, lässt sich schwer sagen – Desert und Doom und Psychedelia legen den Grundstein für unbequeme Abhandlungen inmitten wechselweise gespannter und entspannter Atmosphäre, drückend und kauzig, gelegentlich rabiat und dennoch fast spirituell. Das passt zum nicht minder eigentümlichen Auftreten der Australier, die mit einem kurzweiligen Gesamtpaket abliefern.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.07.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/Holystonefuzz

(c) Rae Chatten

Es mag zwar mittlerweile etwas länger zwischen den Alben dauern, doch lassen sich die Tech-Death-Veteranen Psycroptic immer wieder etwas einfallen. Auf dem vor vier Jahre erschienenen „Divine Council“ begrüßten sie mit Jayson Keyser (Origin) einen zweiten Frontmann und holten neue, progressive bis annähernd melodische Einflüsse in den vermeintlich etablierten Mix. Metal Blade ist die neue Heimat des tasmanischen Quintetts, „The Pulse Of Annihilation“ der neue Longplayer – noch epischer, wilder, technischer und groovender als zuletzt, so die vollmundige Ankündigung von Gitarrist und Hauptsongwriter Joe Haley.

Bestens Beispiel für diesen alten, neuen Weg ist „To Embrace This Curse“, das in den groovenden Passagen durchaus an Lamb Of God erinnert, bevor das Quintett mit gewohnter Wut um sich schlägt. Nicht weniger überraschende, kurze und heftige Meshuggah-Breitseiten überfordern für wenige Sekunden komplett, bevor sich Keyser und Jason Peppiatt einmal mehr die Bälle zuspielen. Ähnlich wild, wenngleich nicht ganz so vertrackt, fällt „Gathering A Venomous Herd“ aus. Der erste Vorbote des neuen Albums fällt mit der Tür ins Haus, überschlägt sich zwischenzeitlich beinahe selbst und bewegt sich stets am absoluten Limit. Das ist gerne mal nur schwer zu verdauen, in seiner Urgewalt aber großes Kino.

Als Herzstück geht wahrscheinlich das zur Albummitte platzierte „Our Pillars Fall“ durch, das sich sogar der Sieben-Minuten-Marke annähert. Hier dem ellenlangen, ominösen Intro verbirgt sich erst einmal zermürbende Schwerfälligkeit. Urplötzlich legen Psycroptic eine Art imaginären Schalter um und rattern vehement los. Die Kombination von Thrash-Groove, einer homöopatischen Dosis Melodic Death und technisch versierter Explosivität macht Laune, das mit Keyboards und hymnischer Apokalypse versehene Schlussdrittel kann tatsächlich überraschen. Doch auch die kurzen, unmittelbaren Episoden wie das beißende, in manchen Momenten sogar leicht eingängige „No Blade Of Grass“ machen Laune.

Ist es überhaupt noch überraschend, dass Psycroptic hier immer wieder zu überraschen wissen? Die schiere Wucht ihres neuen Longplayers macht Laune und treibt die nunmehr bestens bekannte Evolution in Richtung Groove, Epik und etwas Melodie erneut voran. „The Pulse Of Annihilation“ fällt angenehm giftig und komplex aus, hat einige der eingängigsten Momente im bisherigen Schaffen der Australier dabei und widmet sich mehr denn je einem dynamischen Gesamtbild, das sich konstant häutet, mit ausgesuchter Präzision überfordert und nach wie vor mehr als genug Urgewalt besitzt, um einfach alles platt zu machen. Psycroptic werden gleichzeitig herausfordernder und zugänglicher – ein mehr als beeindruckendes Kunststück.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.07.2026
Erhältlich über: Metal Blade (Sony Music)

Website: www.psycroptic.com
Facebook: www.facebook.com/psycroptic

(c) Jim Louvau

Bloß keine weiteren sieben Jahre warten, das gaben Exodus als Parole nach „Persona Non Grata“ aus. Tatsächlich ging es für die Bay-Area-Urgesteine relativ schnell zurück ins Studio, bloß mit einer gravierenden personellen Veränderung: Bereits zum dritten Mal ist Steve „Zetro“ Souza raus, wurde dieses Mal aus der Band komplimentiert. Dafür kehrt seit zeitweiliger Ersatz Rob Dukes zurück und hat in den 16 Jahren seit „Exhibit B: The Human Condition“ hörbar an seinen Skills gearbeitet. „Goliath“ wird als kollaborativstes Album der Thrash-Mitbegründer beschrieben und hat manch eine Überraschung zu bieten.

Dazu zählt ohne Frage „The Changing Me“ mit einem Gastauftritt von Peter Tägtgren (Hypocrisy, Pain), dessen Melodic-Death-Einflüsse dem Geschehen ihren Stempel aufdrücken. Derber Thrash trifft auf einen tödlichen, hymnischen Chorus, der Tägtgren und Dukes zusammenbringt – schroff, kurios und erstaunlich eingängig. Im Titelsong „Goliath“ bemühen sich Exodus hingegen um nahezu doomige Entschleunigung, zäh und bedrohlich. Violinistin Katie Jacoby verleiht dem Track zusätzliches Drama, das schimmernde Riff im schwerfälligen Hauptteil holt eine Prise Glam hinzu. Bereits hier ist Dukes der Star, dessen Vocals deutlich kraftvoller und variabler ausfallen, wie eine imaginäre Brücke zwischen allen bisherigen Frontleuten.

Rundherum servieren Exodus exakt das, was man sich von ihnen erhofft: Thrash, Thrash und nochmals Thrash. „Hostis Humani Generis“ täuscht ein wenig „Deathamphetamine“ an, schneller und härter werdend, bevor sich Gary Holt und Lee Altus die Soli zuschanzen. Der kapitale Abriss von „Beyond The Event Horizon“ ist mindestens so stark, auch in seinem vertrackt groovenden Part, der vor allem die Rhythmusabteilung um Tom Hunting und Jack Gibson in den verdienten Fokus rückt. Selbst ein abgefucktes Epos wie das achtminütige „Summon The God Unknown“ geht auf, wogt stetig hin und her, klingt stellenweise wie ein kleines Bekenntnis zur NWOBHM-Vergangenheit. Und wenn es zwischendurch doch wütend und brutal sein soll, dann steht „3111“ bereits in den Startlöchern.

Im Grunde fehlt diesem – je nach Zählweise – zwölften oder dreizehnten Studioalbum nur der eine oder andere Übersong, der ein hochklassiges Album in legendäre Sphären hieven würde. Freilich ist das Monieren auf hohem Niveau, denn exakt das halten Exodus von der ersten bis zur letzten Sekunde. „Goliath“ ist wieder einmal verdammt lang ausgefallen, komplex und doch heavy wie Sau. Die kleinen, feinen Experimente überraschen und machen Laune, das dynamisch gestaltete Tempo schmerzt angenehm und die Riffs sind so mächtig wie eh und je. Alles andere als heimlicher Star ist aber Rob Dukes, der stimmlich um einiges zugelegt hat und zum Chef im Ring mutiert. Exodus pendeln sich auf hohem Niveau ein und untermauern einmal mehr, warum sie zu den wichtigsten Thrash-Bands aller Zeiten zählen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 20.03.2026
Erhältlich über: Napalm Records (SPV)

Website: exodusattack.com
Facebook: www.facebook.com/exodusattack

(c) Oli Kember

Aus sechs mach vier: Anfang des Jahres gaben Haken den Ausstieg von Gitarrist Charles Griffiths und Bassist Conner Green bekannt, Nachfolger wurden bislang nicht benannt. Was das genau für den Sound bedeutet wird, zeigen die nach wie vor mit vier Gründungsmitgliedern operierenden Engländer nun. Nach diversen Singles erscheint „in a fever dream“ als EP – zunächst rein digital, bevor die fünf Tracks am 18. September auch als CD und Vinyl nachgereicht werden sollen. Die erste Standortbestimmung lässt auf jeden Fall aufhorchen.

Verträumtes Keyboard, angetäuschte Schwere und Ross Jennings‘ mit Hall beladener Gesang aus der Tiefe des Arrangements – ein erstaunlich verspielter, poppiger Auftakt täuscht, denn Haken schlagen einen selbigen und bemühen moderne Heavyness. Das Wechselspiel zwischen verträumter, dennoch ominöser Idylle und derben Nackenschlägen mit deutlich mehr metallischer Wut und Djent-Elementen kommt gut, ebenso die Screams nach etwa viereinhalb Minuten. Obwohl das Crescendo etwas überladen ist – das hier kann etwas. Wie auch „delirium“, das die sprichwörtliche Würze in die Kürze legt und auf Hooks in Reinkultur setzt. Ist das noch Prog oder eher schon Modern Rock? Egal, der Chorus brennt sich ein.

Auch „eclipsed by you“ bleibt denkbar kurz und bewegt sich weitestgehend in ruhigen, verträumten Gefilden mit etwas Elektronik. Erst die letzte Minute erhebt sich etwas und holt erneut deutlich modernere, gefällige Klänge hinzu. „bleeding sky“ rattert mit erstaunlicher Vehemenz durch und versucht immer wieder die Brücke zu klassischeren Prog-Klängen zu schlagen. Es brodelt in den Zäsuren, die wütenden bis vertrackten Entladungen kollidieren mit dezentem Harmoniebedürfnis. Abschließend rattert „lotus“, der zweite Siebenminüter, in gewohnter Haken-Klasse durch. Viel Luft für hymnische, instrumentale Einschübe und eine der besten Melodien der Bandgeschichte treffen auf zunehmend verschwimmende Effekte.

Es braucht ein wenig, bis diese neue EP wirklich zündet. Will man wirklich kompaktere, fast (Rock-)radiofreundliche Klänge von Haken hören? Wenn das Ergebnis so ausfällt: ja, absolut. Das komprimierte Line-up breitet seine Schwingen aus, nimmt die bereits am Vorgänger stärker vertretene Elektronik mit, kehrt stellenweise zurück zu metallischer Heavyness und wählt ab und an den direkten, unmittelbaren, eingängigen Weg. „in a fever dream“ kann aber auch ausladend, verspielt und proggig, so wie sich das gehört. Als Übergangsplatte macht diese EP sehr viel richtig. Was danach folgt, wird wirklich spannend.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.07.2026
Erhältlich über: InsideOutMusic (Sony Music)

Website: hakenmusic.com
Facebook: www.facebook.com/HakenOfficial

(c) Kent Corley

Seit mehr als einem Jahrzehnt kann man Wailin Storms förmlich zusehen, wie sie als Band immer größer werden. Ihr bluesiger, schroffer Gothic Rock mit düsterer Rock- und Metal-Schlagseite sowie einer kräftigen Portion Post Punk wurde im Verlauf ihrer bisherigen vier Studioalben wüster, verwegener und zugleich eindringlicher. Season of Mist hat nun zugegriffen und bietet dem Mix aus Southern Gothic und etwas Horrorshow die passende Bühne. „The Arsonist“ vereint sämtliche Qualitäten auf eine mörderische Dreiviertelstunde.

Einen der besten neuen Tracks setzt es gleich zu Beginn: „Dead End“ zittert sich förmlich in das Album hinein, steckt die Gitarren in eine überdimensionale Echokammer und macht einfach. Der Kontrast zwischen den flirrenden Saiten und der druckvollen, wuchtigen Rhythmusabteilung fährt durch Mark und Bein, während Justin Storms‘ Gesang bedrohlich und verklärt über den Dingen kreist. Eine zwischenzeitliche lautstarke Explosion, der komplette instrumentale Zusammenbruch und das wütende, dampfende Finale machen Laune. Ähnlich wuchtig, wenngleich deutlich direkter: „Patient Night“ klingt im besten Sinne nach Grave Pleasures. Süffiger Post Punk, tödlicher Rock und eine überraschend poppige Hook am Höhepunkt machen Laune.

Damit kratzt man bestenfalls an der Oberfläche, denn Wailin Storms haben noch so viel mehr zu bieten. Der Titelsong „The Arsonist“ bewegt sich in der Tradition typischer Mörderballaden. Blues und Folk bereiten eine giftige, kathartische zweite Hälfte vor, die mit einer Slide-Gitarre und einer noisigen Prise Doom vertraute Death-Punk-Klänge aufbricht. „It’s All Dark Now Where Your Eyes Used To Be“ zieht den balladesken Weg komplett durch, gibt sich sechseinhalb Minuten lang bittersüß und minimalistisch. Das wäre eventuell einen Tacken kompakter gegangen, macht aber ebenso Laune wie das zerrissene „Saved“. Mit dem schwerfälligen, niedergeschlagenen Marsch ins Chaos und bluesiger Heavyness geht es wieder und wieder an die Substanz.

Wailin Storms zeichnet aus, dass sie auf keinen Fall auf Nummer Sicher gehen wollen. Natürlich würde ein überwiegend in Post Punk und Death Rock beheimatetes Album komplett steilgehen, doch ist es letztlich die sperrige, kuriose und unorthodoxe Mischung, die ihre Musik so spannend macht. Mörderische Balladen, noisige Wutausbrüche, metallische Gitarrenwände und eine gesunde Portion Folk und Blues mischen auch auf „The Arsonist“ mit, leben den bestens ausgeprägten Hang zu giftigem Storytelling aus und überzeugen durch ein Plus an Atmosphäre. Auch der Einstand für Season of Mist ist Kopfkino in Reinkultur, mal eingängig, mal wütend, mal angenehm verstörend. Wailin Storms zeigen sich weiterhin bestens – oder schlechtestens – aufgelegt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.07.2026
Erhältlich über: Season of Mist (SPV)

Facebook: www.facebook.com/wailinstorms

Slider-Pic (c) Kent Corley

(c) Nick Chance

Eigentlich müssten No Cure auf Wolke 7 schweben. Das Quartett aus Alabama veröffentlichte diverse starke Kleinformate, zuletzt eine beißende Hommage „I Hope I Die Here“ an ihre Heimat, tourte fleißig und zerlegte ein Venue nach dem anderen. Das zermürbende Leben als Live-Band hinterließ Spuren, zudem sah man sich mit persönlichen Verlusten konfrontiert. Existenzängste, soziale Verrohung, interne und externe Konflikte begleiten ihr erstes Album, das kaum einen besseren Titel für den gesellschaftlichen Status Quo haben könnte: „It Is Going To Get Dark“.

Der unfassbar wütende, rohe Auftakt „When The Spasms Cease“ mit seinen existenziellen Zeilen und bleiern groovender Schwere überfordert. Blaythe Steuer zerbrüllt das Geschehen, wiederholt eingestreute Heavyness zermürbt mit wachsender Begeisterung, bis zum angenehm schwerfälligen Finale. „Convulsing In The Dark“ wirkt wie die musikalische und thematische Fortsetzung, hat eine mächtige Portion Slam für sich gepachtet und ringt um Luft. Das abschließende „Everything I Love Is Dead Or Dying“ spannt schließlich den Bogen zu apokalyptischen Klängen und reitet dem Untergang mit tödlicher, angenehm ranziger und doch ausrastender Wucht entgegen.

Dazwischen setzen No Cure wieder und wieder kleine Spitzen, darunter das betont unbequeme „Starved In Sanctuary (My Hands Are In Your Chest Cavity)“, das alleine aufgrund seines Titels Unbehagen auslöst. Metallischer Hardcore, Deathgrind-artige Zwischensprints und erstaunlich melodische Leads wechseln sich ab. Das gemeinsam mit den Hardcore-Heavy-Hittern Bayway NJ eingespielte „Brain Matter Displacement“ zerlegt ab der ersten Sekunde alles und stimmt das vielleicht beste Breakdown des gesamten Albums an. Gäste gibt es übrigens in rauen Mengen – wie Skyler Conder (Varials), der das frontale „Sharpen The Blade“ zerstückelt, Vincent Bennett (The Acacia Strain) im tödlichen, überlebensgroßen „Purity Spiral“ oder Tyler Short (Inclination) im vertrackten Abräumer „Ironclad“.

Kapitale Überforderung, komplette Reizüberflutung und noch so vieles mehr: Mit dem Mut zunehmend sinnloser Verzweiflung rattern No Cure durch dieses erste Album. Dass hier nach gut 33 Minuten Schluss ist, kommt einer Erlösung gleich – nicht etwa, weil irgendetwas hieran auch nur annähernd schlecht wäre, sondern weil die musikalische und inhaltliche Überforderung sehr, sehr schnell einsetzt. „It Is Going To Get Dark“ hat Endzeitcharme, begrüßt den Untergang jedoch und arbeitet sich gleichzeitig an eigenen Problemen und Rückschlägen ab. Wenig Hoffnung, dafür ein weiterer mächtiger musikalischer Schritt, erdrückende Extreme und starke Gäste lassen keine Zweifel aufkommen: No Cure zählen zu den chaotisch-metallischen Hardcore-Abräumern der Stunde, jetzt mehr denn je.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.07.2026
Erhältlich über: SharpTone Records (Warner Music)

Facebook: www.facebook.com/nocurestraightedge

(c) Devon Bolton

Erdrückende Heavyness, doomige Wucht und süffige Stoner-Riffs – seit Jahrzehnten ein Erfolgsrezept, das von Bands rund um den Globus immer wieder verfeinert wird. Shadow Of Jupiter reihen sich nahtlos in diese Riege ein. Das Quartett aus Chicago und dem Nordwesten Indianas versteht sich auf eben jene, gekonnt schwerfällige Mischung und feierte mit dem in Eigenregie veröffentlichten Einstand „Porta Coeli“ vor etwa drei Jahren bereits einen Achtungserfolg. Wenig überraschend griff Ripple Music zu, wo nun „Bones“, das zweite Album der Veteranen, erscheint.

Das anderweltliche Funkeln des eröffnenden Titelsongs führt in psychedelische Untiefen, die Band erhebt sich erst nach beinahe zwei Minuten von seinem effektbeladenen Intro und zieht ein überdimensionales Bollwerk auf. Bratende Gitarren, schwerfälliger Groove, bluesiger Doom und komplett anderweltliche Gitarrenarbeit ziehen Parallelen zu Trouble und Corrosion Of Conformity, wahrlich nicht die schlechtesten Referenzen. Selbst ein wenig Monster Magnet schwingt im Schlussakt mit. Ganz anders geht es hingegen „Rumblestrip“ an, gibt sich als schweißtreibender Rocker mit wütenden Desert-Riffs und proto-metallischer Intensität.

Sänger John Piotrowski kann hier und an anderer Stelle wiederholt auftrumpfen – mit seiner kraftvollen, nicht zu hohen und nicht zu tiefen Stimme, die ein energisches Blues-Mittelmaß trifft und auch in doomigen Großtaten von den Sitzen reißt. Eine solche ist „Ugly On The Inside“, breitet mehr als acht Minuten lang seine unheilvollen Schwingen aus und lässt imaginäre Grenzen zum Grunge gekonnt verschwimmen. Im Zeitlupentempo – donnernde Double-Bass-Salven hin oder her – springt man von einem Extrem zum nächsten. „For Heaven Above“ geht es tatsächlich noch einen Tacken gemächlicher an und drückt förmlich die Luft ab. Das verstörende Gitarrensolo schneidet durchs Fleisch.

Shadow Of Jupiter finden ihre ureigene Lücke und kultivieren diese mit wachsender Begeisterung. Mal Rock und mal Metal, mal Blues und mal Doom, mal Psychedelia und mal Stoner – es sind diese feinen Zwischentöne, die „Bones“ so spannend machen. Das US-Quartett spielt mit sehr vertrauten, bestens bekannten Klängen und verleiht dem eingangs erwähnten Erfolgsrezept seine ureigene Würze. Durch die Bank richtig gute Songs, ein exzellenter Sänger und eine Band, die sich mit wachsender, rifflastiger Begeisterung und donnernder Heavyness austobt, lassen genüsslich das schüttere Haupthaar widmen. Shadow Of Jupiter sollte man sich merken.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.07.2026
Erhältlich über: Ripple Music (Bertus)

Website: shadowofjupiter.com
Facebook: www.facebook.com/ShadowofJupiterOfficial