(c) Isabella Zermani

Ein vergleichsweise junges britisches Quintett überreicht einen Strauß Riffs und verbreitet Stimmung: Die in London ansässigen Okay You Win gibt es tatsächlich erst seit 2023. Eigene Songs entstanden schnell, erste Gigs folgten, um das Material zu testen. Ende 2024 ging es mit den Aufnahmen los, welche den Drive und die Energie der Anfangstage als Band einfangen sollten. Blues Funeral Recordings schnappte zu und gibt „End Of Days“ eine exzellente Bühne, um den Mix aus Stoner- und Desert-Riffs, Grunge Metal, Alternative, Psychedelia und Doom so richtig auszukosten.

Lärmend erhebt sich der Opener „Smoke“ aus den Untiefen und rockt schließlich furztrocken los. Gewisse Vintage-Vibes treffen auf die kraftvollen, mitreißenden Vocals von David Kirk, während sich eine gewisse Doom- und Desert-Atmosphäre ausbreitet. Brütende Heavyness, ausufernde Solopassagen und ein wunderbar verplanter Mittelteil, der sich komplett von irdischen Sphären lossagt, garnieren den verschwitzten Opener. Darauf folgt mit „Beat Me Down“ direkt ein Achtminüter, der längste Song dieses Albums. Hauptohrenmerk gilt den gekonnten Tempovariationen, mal verschleppt und herausfordernd, dann wieder forsch und drückend, während Kirks mächtige Stimme fast sirenenartig abhebt.

Darf es ein wenig schneller und kompakter sein? „Red Flag“ dreht die Schlagzahl ordentlich nach oben und macht einfach. Furioser Punk-Drive, die wütend peitschende Rhythmusabteilung und komplett verrückte Leads punkten mit Stoner-Charme. Davon könnte „This Damned Place“ kaum weiter entfernt sein und verlegt die Wüste in einen Keller in Birmingham. Proto-Metal, süffiger Doom-Chic und sehnsüchtige Gitarren, die nur endlosen Sand im Visier haben, leben und lieben die konsequente Entschleunigung. Stellenweise scheinen Okay You Win sogar in Transistor-Party-Gefilden anzudocken, nur um mit ruppigem Nachdruck die imaginäre Kurve zu kratzen.

Okay You Win verwenden vertraute Zutaten, um ein angenehm eigenwilliges Süppchen zu kochen. Vieles hieran kennt man bestens, von den abgehangenen Riffs über die bratende Heavyness bis hin zur doomigen Schwere und dem Stoner-Drive. Und doch setzen die Briten all das auf angenehm frische Weise zusammen, bevorzugt in überlange Tracks verpackt, und sind obendrein mit einem exzellenten Sänger gesegnet. „End Of Days“ riecht geradezu wie ein kleiner Club, mitten ins Gewölbe geschlagen, wo der Sound von allen Seiten gleichzeitig attackieren kann. Kurzweilige Intensität, ausufernder Charme und etwas andere Wüstenenergie sorgen für einen Einstand nach Maß, der schon jetzt ohne Frage nach viel, viel mehr verlangen lässt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 26.06.2026
Erhältlich über: Blues Funeral Recordings (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/p/Okay-You-Win-UK-61565193494648

(c) Child / Heavy Psych Sounds Records

Verschwitzter, bluesiger Hard Rock aus der Seele Melbournes mit einer musikalischen Tradition, die bis Birmingham und Woodstock reicht: Child sind dem Underground ihrer australischen Heimat längst entwachsen. Ihre bisherigen drei Alben mit Blues-Ausritten, Psychedelic-Weisheiten und Stoner-Riffs sind kleine Geheimtipps, live sind die Herren eine unbestrittene Macht. Kraftvoll, energisch und beseelt geht es auch auf „Rebirth“ weiter, bloß fällt der Einstand für Heavy Psych Sounds deutlich härter und groovender aus.

Siebeneinhalb Minuten Muskelmasse zu Beginn, schwerfällig und unheimlich kraftvoll: „Woman Like You“ ist das, was man einen Einstand nach Maß nennt. Drückende Heavyness trifft Mathias Norways fantastische Vocals mit Croon- und Blues-Untertönen. Der Schweiß trieft förmlich von der Decke, während eine feinsinnige Schleife nach der anderen den Monolithen anschwellen lässt. Überlebensgroße Gitarrenwände, ein herrlich ausladendes Solo und plötzliches Abdriften in ein noisiges Fade unterhalten. Im Vergleich dazu wirkt das folgende „Forgot How To Love“ flott und konventionell, haut eines der besten Riffs der gesamten Platte raus und lässt nebenher die Hüften ein wenig kreisen.

Die ruhigen, bluesigen Töne von „I Tried“ schaffen einen angenehmen Gegenpol. Auch hier darf das Arrangement langsam, aber sicher wachsen, findet aber doch wiederholt zu seinem ruhigen Leitmotiv zurück. Eine deutlich lautere zweite Hälfte mit vereinzelten Stoner-Riffs und sogar einer Prise Proto-Doom lockert das Geschehen auf. AOR- und Americana-Einflüsse tauchen in „Heavy Load“ auf und geben sich willkommener Eingängigkeit hin, während sich „Cold Shoulder“ aus vermeintlicher Idylle und Gemächlichkeit zu einer regelrechten Monstrosität vorarbeitet – laut, drückend, schwerfällig und doch sofort im Ohr.

Massiv, intensiv, voller Soul und Blues: Child setzen einen mutigen Schritt in die richtige Richtung. Die drei Australier verlassen sich auf hörbar mehr Volumen, erdrücken mit ihren Riffwänden geradezu, vergessen dabei aber keinesfalls auf die Feinheiten ihres Sounds. Psychedelische Ausritte, klassische Rock-Melancholie, feinsinnige Hooks und das Spiel mit Laut-Leise-Dynamik schaffen Magie. „Rebirth“ ist durchaus eine Wiedergeburt auf Raten, fällt größer und eindrucksvoller aus, ohne dabei auf den Song an sich zu vergessen. Mit einer wahren Ausnahmestimme an vorderster Front kann man so und so wenig falsch machen. So geht Rock.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 26.06.2026
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Website: www.childtheband.com
Facebook: www.facebook.com/childtheband

(c) Achim Sauer

Je älter man wird, desto schneller scheint die Zeit zu vergehen – ein Gefühl, das Kalamata vertonen. Zeit scheint für das Trio aus dem niedersächischen Hildesheim relativ zu sein, ist ihre letzte Platte doch mittlerweile stattliche neun Jahre her. Auf der faulen Haut lag man aber keinesfalls, hatte unter anderem mit Veränderungen im Line-up zu tun, tourte fleißig und hatte zugleich persönliche Tiefpunkte zu überstehen. Ausnahmsweise nicht live eingespielt, legt „Zenodyne“ den Fokus auf Details, Experimente und Texturen. All das verleiht dem rein instrumentalen Stoner-Psych-Sound ganz eigenartigen Rückenwind.

Abermals ergeben die Songtitel einen ganzen Satz: ‚There is no coming back‘. Motivation liest sich freilich anders, doch könnte dies zugleich als Antrieb für die Zukunft gesehen werden; als Notwendigkeit, nach vorne zu blicken und weiterzumachen. Der Vorbote „Coming“ bringt den alten, neuen Sound der deutschen Nachbarn prima auf den Punkt und schafft es gekonnt, über leicht jenseitigen Gitarrentönen zu meditieren. Schlagzeug und Bass leben hingegen den Aufbruch, bringen sich in Position und bereiten eine gewaltige, alles überstrahlende Entladung vor. Diese will jedoch lange Zeit einfach nicht kommen, erst im Schlussdrittel. Drückende Uptempo-Salven, singende Saiten und ein knüppelhartes Finale stimmen selig.

Natürlich funktioniert dieses dritte Studioalbum am besten in seiner Gesamtheit, doch schadet es keinesfalls, die mehr als kurzweiligen Zutaten einzeln unter die Lupe zu nehmen. „Is“ existiert zu Beginn vor allem als wütende Basssalve, mit einem eindringlichen Riff am Tieftöner, während die Gitarre darüber mehr oder minder zu solieren scheint. Was proggig und technisch anspruchsvoll anmutet, hält letztlich aber wenig von bloßem Muckertum. Auch hier öffnen sich die imaginären Schleusen spät, findet die Band zu einem überdimensionalen Kraftakt zusammen. Metallisch angehauchte Druckwellen mit leicht angezogener Handbremse brennen sich ohne Umwege ein.

Geht das hier schon als ‚ausufernde Zurückhaltung‘ durch? Zwar gehen Kalamata gerne und lautstark aus sich heraus, doch scheint der Weg dorthin, der gemächliche Aufbau mit seinen Schleifen und konzentrierten Variationen, fast noch einen Tacken wichtiger zu sein. „Zenodyne“ lässt sich nicht stressen, hat stellenweise etwas von einer sympathisch ausufernden Jam-Session und investiert zugleich mehr denn je ins Tüfteln und Arrangieren. Eine richtig schön große, intensive Platte mit Hirn und Herzblut ist das begeisternde Ergebnis.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 26.06.2026
Erhältlich über: Copper Feast Records / Made of Stone Recordings (Sound Effect Records)

Facebook: www.facebook.com/Kalamataband

(c) Heike Leppkes

Endlich wieder erstklassig, das wird man sich in Gelsenkirchen vor wenigen Wochen gedacht haben. In einem ganz anderen Bereich spielt die Stadt im Ruhrgebiet aber bereits weit vorne mit, dafür sorgen Plaindrifter. Das deutsche Trio mag seine Stoner-Riffs, metallische Härte und proggigen Ideen. Nach einem starken ersten Album sollte vor allem letzterer Faktor intensiviert werden. Deswegen verzichtete man dieses Mal auf Live-Einspielung im Studio und konzentrierte sich stattdessen darauf, die deutlich komplexeren Arrangements umzusetzen – alles andere als einfach, musste man nach den Drum-Tracks doch plötzlich und unerwartet einen neuen Aufnahmeplatz finden. Und doch schwebt „Gestalt“ gekonnt über den Dingen.

„Moth Murmuration“ macht das auf exzellente Weise vor und arbeitet sich gemächlich mit Desert- bis Transistor-Party-ähnlichen Klängen voran. Bevor Yawning Man aufschlagen können, hebt der Song so richtig ab. Mächtige, verschwitzte Wände treffen auf den sehnsüchtigen und zugleich kraftvollen Gesang von Drummer Marcel „Uwe“ Kloß, der besser denn je klingt. Tiefe, nahezu psychedelische Täler und wütende, zugleich filigrane Druckwellen bauen sich in weiterer Folge auf. Dass das anschließende „Eternal Season“ von Anfang an in die Vollen geht und danach mehrere kleine Metamorphosen einläutet, passt ins Bild. Selbst für ein paar Tool-artige Klänge in den Schlussminuten bleibt Platz.

Die überlangen Tracks (mit Ausnahme des Zwischenspiels „Respite“ bewegt man sich ab der Sieben-Minuten-Marke aufwärts) bieten viel Freiraum, um sich auszutoben, und „Debaser“ passt da natürlich prima ins Bild. Plaindrifter perfektionieren ihr Spiel mit Ebbe und Flut, wobei die ausgedehnten ruhigeren Passagen doppelt und dreifach unter die Haut gehen. Zurückgelehnte Spannung mag ein Widerspruch in sich sein, umreißt das hier Dargebotene aber prima. Wenn sich nach minutenlanger Auslotung aufwühlender Desert-Rock-Stimmung urplötzlich der Song förmlich öffnet, dieses knackige, abgehangene Riff anlanciert und schließlich in willkommene Heavyness führt, ist alles eitel.

Jeder Song könnte hier stehen, unter anderem das angenehm launische „In Anima“ mit Ryan Garney von High Desert Queen, so hoch ist die Dichte dieser Platte, die trotz allem luftig und locker ausfällt. Plaindrifter verlieren sich mit wachsender Begeisterung in ihrer Musik und reißen auf sanfte, fast unbemerkte Weise mit, bevor sich die nächste gewaltige Druckwelle breitmacht. Desert- und Psych-Klänge als Fundament, progressiver Anspruch als Leim, der alles zusammenhält, und Stoner-Doom-Wucht ringsum tragen „Gestalt“ in höchste Höhen. Das deutsche Trio rennt mit diesem kleinen Meisterwerk offene Türen ein und ist schon jetzt in der Spitzenklasse angekommen.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 19.06.2026
Erhältlich über: Ripple Music (Bertus)

Facebook: www.facebook.com/plaindrifter

Slider-Pic (c) Heike Leppkes

(c) Pelagic Records

Etwas anderer Name, etwas andere Vorzeichen: Lost In Kiev heißen nun Lost In Kyiv – eine Schreibweise, die sie selbst bereits seit einiger Zeit verwenden. Nach dem Einstieg von Drummer Jérémie Legrand sowie insgesamt mehr Heavyness und Düsternis im Songwriting, das sich für die vier Franzosen viel zu lang gezogen hat, fühlte man sich wie eine neue Version der eigenen Truppe. Man ist immer noch die gleiche Band, möchte aber zugleich den Beginn einer neuen, lauteren und metallischeren Richtung signalisieren. „We’re All Going To Be Fine“ bewegt sich als Albumtitel irgendwo zwischen Beschwichtigung und leichtem Anflug von fatalistischem Zynismus.

Von vertrauten Post-Rock-Klängen und elektronischen Einflüssen distanziert sich das Quartett keinesfalls, legt nun aber mehr Wumms und mehr Druck an den Tag. „Eclipse“ ist ein gutes Beispiel für die verfeinerte Ausrichtung, beginnt vergleichsweise ruhig und doch brodelnd, angelehnt an den vertrauten Sound. Bevor man jedoch komplett in elektronisch geleitete Gefilde abdriftet, übernehmen kraftvolle Gitarren und die monolithische, zunächst stoische Rhythmusabteilung das Kommando. Mehr Heavyness kollidiert mit einem suchenden Leitmotiv, das bemüht ist, den hohen Wellengang schadlos zu überstehen, und im ausgedehnten Finale letztlich doch die Oberhand behält.

Es sind deutlich intensivierte narrative Qualitäten wie diese, die Lost In Kyiv aktuell auszeichnen. Rebecca Need-Menear von den fantastischen i Häxa überrascht mit Gast-Vocals in „Becoming“ – eine gleichermaßen ätherische und kunstvolle wie wütende und nahezu erdrückende Erfahrung. Das erinnert im besten Sinne an frühe Long Distance Calling mit Gesangsexperimenten. Die singende Gitarre von „Liminality“, die in zwischenzeitliche Uptempo-Attacken umschlägt, ist mindestens so stark, wenngleich auf komplett andere Weise. Und auch das explosive, scharfkantige, dennoch dezent harmoniebedürftige Hauptriff von „Burst“ brennt sich wieder und wieder im Kleinhirn ein, umgeben von unerwarteter Aggression und greifbarer Finsternis.

Lost In Kyiv klingen stellenweise tatsächlich wie eine andere Band und das ist gar nicht mal so verkehrt. Die bewusst rohe, ungeschliffene und doch feinsinnige Härte steht den Franzosen bestens zu Gesicht. Was auf den ersten Blick mit bloßer Wucht zu erschlagen droht, glänzt letztlich durch sein feines Händchen, durch wunderbare Intensität und das nötige Fingerspitzengefühl, das auf den Vorgängern in ruhigeren, synthetisch angehauchten Gefilden aufblühte. „We’re All Going To Be Fine“ ist Statement, Neustart und Generalüberholung in einem, reißt ab der ersten Sekunde mit und könnte das Tor zu neuen Sphären sein. In dieser Form sollte das nur eine Frage der Zeit sein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 19.06.2026
Erhältlich über: Pelagic Records

Facebook: www.facebook.com/lostinkyiv

(c) Gobinder Jhitta

2009 löste Patrick Walker Warning nach zwei emotional aufgeladenen Alben auf. Er hatte das Gefühl, mit der Band alles erreicht zu haben, und konzentrierte sich in weiterer Folge auf 40 Watt Sun. Jubiläumsshows für „Watching From A Distance“ brachten immerhin eine kompetente Live-Besetzung zusammen, doch schaffte eine Phase der Erneuerung und Veränderung die nötige Muse für neue Musik. Im Laufe des Vorjahres geschrieben und aufgenommen, knüpft „Rituals Of Shame“ nahtlos an den letzten Studiogruß vor 20 Jahren an und klingt dennoch angenehm frisch, zugleich unüberhörbar von Walkers musikalischer Entwicklung seither beeinflusst.

Der eröffnende Titeltrack mit seinen knapp 13 Minuten Spielzeit verzückt mit erdrückender Monumentalität und gleichzeitiger Fragilität. Anmutiger, gemächlich marschierender Doom mit donnernden Drums, drückendem Basslauf und schneidenden Gitarren kollidiert mit Walkers Charakterstimme, die nach wie vor kalte Schauer über den Rücken jagt. Nahezu folkige Dimensionen, die man von 40 Watt Sun kennt, treffen auf pure Erschütterung im Zeitlupentempo. Das zittrige Bollwerk erfährt betont langsame, vorsichtige Wandlungen. Todtraurige Heavyness im Mittelteil und die geringfügige Tempoverschärfung im Schlussakt verzücken.

Ein wahres Wechselbad der Gefühle ergibt sich im weiteren Verlauf dieses Comebackwerks. Schuld, Scham, persönliche Fehlschläge, Besessenheit, Verlangen, Trennung und Liebe – Themen, die Walkers Schaffen seit Jahrzehnten begleiten, sind auch hier präsent. Wie in „Landing Lights“, das konstant zwischen Melancholie und Versöhnlichkeit pendelt, mit einem Hauch Hoffnung aufwartet und am Ende davon erdrückt wird. Oder „Stations“, das durch Blei sägen möchte und im emotionalen Kargland kalt erwischt wird. Wenn Walker nach gut fünf Minuten seine Stimme erhebt und sich von Sollbruchstellen übermannen lässt, bleibt kein Auge trocken.

Das Herz geht über, wenn diese Doom-Magier ihre unheilvollen Schwingen ausbreiten. Bei Warning geht es weiterhin um monolithische Entschleunigung, massiven Sound und große Emotionen, die sich durch jede einzelne Note, jede Zeile ziehen. Eine gewisse Langatmigkeit gehört dazu und verleiht diesen fünf Songs das gewisse Etwas, wie auch die herzzerreißende, gequälte Performance Patrick Walkers. Seine universellen Themen ziehen sich auch durch „Rituals Of Shame“, mit ehrfurchteinflößender Intensität dargeboten und zugleich voller kleiner, feinsinniger Momente, die mit ihren Widerhäkchen festhalten. Warning verschlucken sich beinahe am eigenen Bravado und schaffen dennoch nach viel zu langer Pause epische Doom-Kunst der zermürbenden Sorte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 19.06.2026
Erhältlich über: Relapse Records (SPV)

Website: www.warningband.com
Facebook: www.facebook.com/Warningdoom

(c) Florian Lübke

Aus und vorbei: Endseeker machen nach zwölf Jahren Schluss. Das Hamburger Quintett zeigt sich mehr als zufrieden mit allem, was man erreicht hat, und möchte die Band als nach wie vor sehr gute Freunde zu Ende bringen. Was danach für die Musiker ansteht, ist noch nicht klar, für ihren finalen Release haben sich die Death-Metal-Feinschmecker aber für eine EP erschienen, so wie damals alles begann. „Coffin Born“ bringt noch einmal alles hinsichtlich Musik und Haltung auf den Punkt und packt zudem, wie vor über zehn Jahren, eine mächtige Cover-Version aus.

„Enemies Of Peace“ ist ein anti-faschistischer Dampfhammer, der aktuell kaum wichtiger sein könnte. Endseeker ziehen das Tempo ordentlich an, brechen eigene Geschwindigkeitsrekorde und lassen eine knusprige Portion Crust einfließen. Rasend, wütend und beeindruckend präzise rattern diese viereinhalb Minuten durch, gleichermaßen ranzig und pointiert. Dem politisierenden Umfeld bleibt man im Verlauf dieser EP treu: „No After. No Before.“ übt deutliche Kritik an scheiternden Systemen und Strukturen, die von Despoten, Milliardären, Opportunisten und Kriegstreibern zur eigenen schamlosen Bereicherung ausgenützt werden. Kantiger Todesstahl der alten Schule samt ranziger Entschleunigung zwischendurch bietet die passende Begleitung.

Der Titelsong „Coffin Born“ zieht sogleich ins Sägewerk, lässt einen Hauch Melodic Death zu und nähert sich immer wieder donnernden Uptempo-Gefilden an. Ein stetes Wechselbad fauliger Gefühle führt in „Life Breeds Death“, das obligatorische Mini-Epos mit gelegentlichem Abstecher in Richtung Death Doom, mit vertrauten HM-2-Riffing und ein wenig Psychoterror obendrauf. „True Survivor“ macht das Licht aus, im Original von David Hasselhoff (!) vom Soundtrack zu ‚Kung Fury‘. Die Hamburger Kollegen Lord Of The Lost streuen etwas Blut und Glitzer drüber für eine herrlich schräge, finstere und unverschämt eingängige Hymne, die richtig viel Laune macht.

Das war es leider auch schon wieder, nach 23 kurzweiligen Minuten. Endseeker verabschieden sich ohne Frage in Bestform, hätten so noch lange weitermachen können und zerlegen mal eben alles, was sich gerade vor ihnen auftürmt. „Coffin Born“ ist ein standesgemäßer Abschied geworden – hässlisch, ranzig, brutal, heavy as fuck, laut und deutlich, aber auch mit der einen oder anderen Überraschung versehen. Die Death-Metal-Welt verliert echte Meister ihres Fachs, etwaige Nachfolgeprojekte dürfen mit Spannung erwartet werden.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 19.06.2026
Erhältlich über: Metal Blade (Sony Music)

Facebook: www.facebook.com/endseekermusic

(c) Bantoriak / Argonauta Records

Eine kleine Wüsten-Psych-Jam-Session vor elf Jahren, dann lange leider unsichtbar: Bantoriak, das Soloprojekt von Izio Orsini (Rancho Bizzarro), tauchte 2015 mit „Weedooism“ im sehr losen Bandformat auf. Orsini hält weiterhin sämtliche Fäden fest in der Hand, holte sich für den Nachfolger allerdings einiges an vornehmlich italienischer Szeneprominenz ins Boot. Musiker so illustrer Bands wie Supernaughty, Zen Circus, The Cage und Vesta begleiten das meditative wie forsche „Vol. II“.

In „Blu Bus“ mischt der argentinische Desert-Rock-Veteran Sergio Ch. von Los Natas und Soldati mit. Zarte Vocal-Fetzen aus den Untiefen der Hallkammer begleiten das mystische Intro, dann nimmt die Gitarre das Heft in die Hand. Gewisse Vergleiche mit Yawning Man kommen nicht von ungefähr, denn der gemächliche Transistor-Party-Vibe durchzieht diese sieben Minuten mit aller schweren Leichtigkeit. Im Falle von Bantoriak dürfen die Gitarren gelegentlich donnern und beherzt zulangen, steuern doomige Gefilde an. Bleierne Schwere und erstaunliche Leichtigkeit schaffen einen herrlich bizarren wie sympathischen Spagat.

„La Muerte“ bedeutet in vielerlei Hinsicht einen knackigen Szenenwechsel, rückt sowohl den dröhnenden Bass als auch den erwarteten Psychedelic Rock verstärkt ins Rampenlicht. Gepaart mit abermals verwunderlicher Wucht und etwas mehr Tempo in der Schlussminute, entsteht eine Art Kyuss-Meditation über Proto-Doom. Kann man machen, unterhält mindestens so sehr wie das vorsichtig anrollende „Ritualism“, das sich nur schwer aus seinem anfänglichen Effektsumpf befreien kann. Rituelle Klänge rahmen die siebenminütige Suche ein und verstören. Hingegen setzt „Kairot“ abermals auf einen ausladenden Desert-Psych-Jam, der Orsini und Konsorten bestens zu Gesicht steht.

Gelegentliche Feedback-Ausritte und Distortion-Schleifen treffen auf organische, vorsichtig angelegte und zugleich beherzte Klangarchitektur der angenehm erdrückenden Art. „Vol. II“ wandelt stets an der Schwelle zu willkommener Leichtigkeit. Wiederholt aufziehende Doom-Wände und erstaunliche Heavyness stellen sich mit wachsender Begeisterung und ausgebreiteten Armen in den Weg. Bantoriak lieben mächtige Herausforderungen und jenseitige Psych-Vibes – eine Platte, die Geduld verlangt, die aber mit jedem Durchlauf und jedem Grad besser und einnehmender wird.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 19.06.2026
Erhältlich über: Argonauta Records

Facebook: www.facebook.com/bantoriakDoom

(c) Vitor Coutinho

Komplexe, progressive Melancholie macht sich auf den Weg aus Brasilien. Dort ist das Quintett Loneshore ansässig, das irgendwo zwischen Death Doom, Prog und Post Metal unterwegs ist und Brücken sucht, wo diese eigentlich nicht unbedingt hingehören dürften. Ein Album erschien bislang, stolze acht Jahre her, danach wurde das Songwriting fleißig weiterentwickelt. „Nothing Left To Deconstruct“ intensiviert seine Bemühungen um Atmosphäre und bricht mehr als gekonnt mit Konventionen und Erwartungen.

Hauptattraktion, wenn man so will, ist Frontmann Luiz Felipe Netto, der spielerisch zwischen hymnischem Gesang und wütenden Screams wechselt. „With Nothing We Part“ mutiert zum Showcase für die fünf Brasilianer, die hinsichtlich Detailreichtum und Songwriting in diesen acht Minuten gewaltige Sprünge machen. Wie sich Nettos einsame Stimme aus der anfänglichen Melancholie erhebt und von meditativer Reduktion in höchste Höhen getragen wird, ist mehr als beeindruckend. Erst zur Halbzeit legen Loneshore nach und nach los, reihen doomige Melancholie an komplexen Post-Wahnsinn, als würden The Ocean und Swallow The Sun gemeinsame Sache machen. Wahrlich hässliche, gurgelnde Growls und Screams sowie himmlischer Gesang finden zusammen.

„Birth Of A Mountain“ ist eine weitere exquisite Monstrosität, auf nahezu zehn Minuten ausgedehnt und von bittersüßer Melancholie durchzogen. Monolithische Intensität, sägende Gitarren und die schleppende Rhythmusabteilung marschieren erhobenen Hauptes dem Untergang entgegen. Erstaunliche rohe Passagen treffen auf minimalistische Idylle, der Wiederaufbau für das große Finale verläuft packend. „Straylight“ hat hingegen eine der besten Gesangsmelodien der gesamten Platte in der Hinterhand, baut sich gemächlich und bedrohlich auf, bevor klaustrophobe Melodien das Heft in die Hand nehen und Death Doom endgültig zersetzen.

Kaum glaubt man, Loneshore ‚verstanden‘ zu haben, ändert sich der Kurs. Die Brasilianer schlagen einen Haken nach dem anderen, ohne dadurch ihr Songwriting zu verwässern. Das geschickte Spiel mit Melancholie und Monstrosität verlangt Geduld, keine Frage, blüht aber dafür doppelt und dreifach auf. „Nothing Left To Deconstruct“ gewinnt hinsichtlich proggiger Komplexität und intensiviert die kontrastreichen Gräben zwischen Death Doom und Post Metal, Melodie und Urgewalt. Klar, das verlangt erst einmal ordentlich Geduld, beißt sich aber fest und wird mit jedem Durchlauf besser, größer, erschütternder. Loneshore sollte man sich unbedingt merken.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 19.06.2026
Erhältlich über: Willowtip Records

Facebook: www.facebook.com/Loneshore

(c) Carlos Cruz

Der viel zu frühe Tod von Produzentenlegende Steve Albini nahm Mono schwer mit. Seit vielen Jahren hatten die japanischen Post-Rock-Urgesteine auf dessen Geschicke am Mischpult gesetzt, längst wurde daraus eine jahrzehntelange Freundschaft. Anstatt sich auf reine Trauerarbeit zu konzentrieren, wollte das Quartett Dankbarkeit ausdrücken und Erinnerungen kultivieren. Gemeinsam mit Brad Wood (u. a. Touché Amoré, The Smashing Pumpkins), einem zehnköpfigen Orchester und einem achtköpfigen Chor ging es in Albinis altes Studio, um mit „Snowdrop“ eine der intensivsten Platten der illustren Bandgeschichte einzuspielen.

Einer dieser besonderen neuen Songs ist „Winter Daphne“, das Gegensätze überaus eindrucksvoll nebeneinander positioniert. Anfangs klingen Mono so roh und heavy wie selten, von der noisigen Umsetzung bis zur metallischen Note wie eine Reminiszenz an Albini angelegt. Nach und nach arbeitet sich das Orchester in den Vordergrund, dann reißt der Song kurz vor der Eskalation ab und baut eine minimalistische, intime zweite Hälfte mit bewegendem Chor auf. Noch spiritueller und symphonischer wird es wohl nur in „Bells Of Ireland“, überwiegend mit Klavier und Strings bestritten, mit übersichtlichem Gitarreneinsatz und einer natürlichen Magie, die man so eher von Sigur Rós erwarten würde.

„Gerbera“ ist weiteres kleines Meisterwerk geworden, wie Post-Rock-gewordenes Frühlingserwachen, mit wachem Blick und großem Erstaunen durch die Natur spazierend, während ringsum im Zeitraffer alles aufblüht. Mono legen Schicht auf Schicht auf Schicht auf Schicht, bis der Gigant beinahe unter seinem eigenen Gewicht zusammenbricht. Das epische Crescendo ist wahrhaft majestätisch geworden. Derlei Zuspitzung deutet das abschließende „Farewell To Spring“ immer wieder an. So symphonisch und lebensbejahend klingen die Japaner nur selten, der überlange Abgang selbst geht mit seinen zarten Schritten unter die Haut.

„Snowdrop“ ist das beste Mono-Album seit vielen langen Jahren, ohne Frage. Das liegt natürlich (auch) an den sehr besonderen Begleitumständen, doch wollten es die Japaner wohl sich und ihrem viel zu früh gegangenen Wegbegleiter so richtig beweisen. Die Idee, einen kaum in Worte zu fassenden Schock rein instrumental und betont hoffnungsvoll zu vertonen, ist ein sehr cleverer Kunstgriff, fügt sich zugleich nahtlos in die Riege des bisherigen Schaffens ein, klingt entschiedener und energischer, aber auch fragiler und behutsamer als zuletzt. Großartige Gegensätze schaffen großartige Musik und unterstreichen die Ausnahmestellung Monos ein weiteres Mal.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 12.06.2026
Erhältlich über: Temporary Residence (Cargo Records)

Website: www.monoofjapan.com
Facebook: www.facebook.com/monoofjapan

Slider-Pic (c) Carlos Cruz

(c) Marzia Troiani

Fans von Klimt 1918 müssen geduldig sein. Gewisse Wartezeiten gehören beim Quartett aus der italienischen Hauptstadt Rom dazu. Dass seit dem Doppelalbum „Sentimentale Jugend“ aber beinahe zehn Jahre vergingen, war so nicht unbedingt geplant. Man tobte sich auf der Bühne und im Studio aus, nahm sich bewusst mehr Zeit fürs Songwriting und trieb die seit den ersten Gehversuchen Ende der 90er andauernde musikalische Evolution weg von den Metalklängen der Vorgängerband weiter voran. „Àmor“ ist mehr denn je in Post Punk, Shoegaze und Alternative unterwegs und findet Schönheit in bittersüßer Finsternis.

„Dream Core“ markiert den Auftakt und passt mit seinem Titel hervorragend zum eigenen Sound. Nach einer anfänglichen Druckwelle zwischen Distortion, Dream-Pop und Gitarrenwänden bricht der Song in sich zusammen und arbeitet sich vorsichtig, geradezu flüsternd voran. Nur langsam gewinnen die Römer an Kraft und lassen das Arrangement in bester Post-Rock-Manier wachsen, von vertrauten Darkwave-Einflüssen begleitet. Erneuter Zusammenbruch, weiteres Aufbäumen, garniert mit großen Melodien – so einfach kann es sein. Auch „Nexus“ liebt den konsequenten Aufbau in Richtung erhabener Moment, kocht urplötzlich über und zieht dabei das Tempo an. Die forsche Präsentation erinnert angenehm an The Twilight Sad, bloß deutlich entspannter und harmonischer.

Das Spiel mit musikalischen Extremen und Laut-Leise-Dynamik übernimmt nach und nach das Kommando. Da wäre beispielsweise „Petricore“, ein über weite Strecken ruhiger und introvertierter Song, der während seinen sieben Minuten immer größer und anmutiger wird. Vergleiche mit Sigur Rós drängen sich gewissermaßen auf, vor allem in der Übergangsphase kurz vor dem großen Gefühlsausbruch. Das nervöse und zugleich magische „Aventine“ bleibt ebenfalls im Ohr. Wie die Gitarren übersteuern und dennoch im Ohr bleiben, ist großes Kino. Den finalen „Mountain“ erklimmen Klimt 1918 behutsam, werden immer wieder abgeworfen, bevor eine der vehementesten Klangcollagen der gesamten Platte beherzt zupackt.

Ausladend und doch erstaunlich kompakt, so präsentiert sich diese Stunde Musik, die Klimt 1918 mehr denn je ein reduziertes Programm fahren lässt. Heavyness wandert nahezu komplett in den Hintergrund, doch schaumgebremst ist hieran dennoch rein gar nichts. Eine in jeder Hinsicht große, energische Platte mit einer Überdosis Distortion und Melodie türmt sich auf. „Àmor“ markiert den endgültigen Übertritt in die weite Welt des Post Rock und Shoegaze, selbstverständlich mit bestens vertrauter Abgründigkeit versehen. Jeder Hoffnungsfunke, jede träumende Wendung wird wiederholt zerlegt, hat zu kämpfen und zu schwitzen. Und doch klingen die Italiener so erhaben und eingängig wie nie. Episch, entstellt und harmoniebedürftig – eine kuriose wie packende Mischung unterstreicht die Ausnahmestellung dieses Quartetts.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 12.06.2026
Erhältlich über: Prophecy Productions

Website: www.klimt1918.com
Facebook: www.facebook.com/Klimt1918

(c) The Heavy Eyes

Sechs Jahre sind eine halbe Ewigkeit, wurden im Falle von The Heavy Eyes nach zwischenzeitlichen Rückschlägen aber von guten Neuigkeiten begleitet. Nachdem sich die Arbeiten an „Love Like Machines“ aus gesundheitlichen Gründen mehrfach verzögerten und die Tour Corona-bedingt verschoben werden musste, erhielt der an einem chronischen Nierenleiden erkrankte Sänger und Gitarrist Tripp Shumake 2022 eine neue Niere. Die Tour musste zwar unterbrochen werden, dafür verliefen Operation und Heilung gut. Nun ist das Quartett wieder am Start und zeigt sich auf „Focus“ in bestechender Form.

The Heavy Eyes müssen sich erst selbst wieder nach vorne arbeiten. Vorsichtig tastet sich der Opener „That Cold Goliath“ voran, bleibt bei ruhigem Minimalismus und stellt Shumakes Stimme nur ein paar Gitarrenklänge und Effekte zur Seite. In der späteren Fortsetzung „That Cold Goliath (Might Return)“ setzt es dafür verschwitzte Riff und stoische Heavyness mit Blues- und Stoner-Einschlag. Noch stärker ist „Concrete Halloween“, das nach dem Auftakt sofort in die Vollen geht und regelrecht hypnotisiert. Angriffslustige Wucht, Rock aus der Garage und steter Drive mit ein paar abgründigen Untertönen machen Laune.

Die wohlige Entschleunigung des Titelsongs „Focus“ ist mindestens so stark, wenngleich auf komplett andere Weise. Gemächlich, aber keinesfalls vorsichtig arbeitet sich der Track heran, driftet mittendrin in instrumentale Untiefen ab und kommt für einen kurzen Boogie zurück. Der angriffslustige Basslauf von „It’s All Simone“ macht Laune, bäumt sich immer mächtiger auf und legt zwischenzeitlich ein kleines Tänzchen hin. Wer die psychedelischen The Heavy Eyes vermisst, wird in „Corporal Upham“ zumindest zeitweise fündig. Wieder und wieder lässt sich das Quartett treiben und beschwört dennoch stets mächig Wucht.

Intensität, Urgewalt, Spielfreude und Riffs ohne Ende sind die großen Stärken dieses Albums. Eine gewisse musikalische Verfeinerung war angekündigt worden, und exakt das setzt es letztlich auch auf dem ersten Album seit sechs Jahren. „Focus“ rückt den geradlinigen, verschwitzten Rock weiter in selbigen. Psychedelische Ausritte werden zurückgefahren, Stoner und Heavyness halten vermehrt Einzug. Vor allem hört man der US-Band den Spaß an der Musik an, das Abfallen großer Lasten und die in jeder Note greifbare Energie. Dieses bluesige und rohe Comeback ist ein echtes Sommer-Statement geworden.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 12.06.2026
Erhältlich über: Magnetic Eye Records / Kozmik Artifactz

Website: www.theheavyeyes.com
Facebook: www.facebook.com/TheHeavyEyes

(c) Stacy Lee

Das Unvorhersehbare ist bei BIG|BRAVE stets näher, als man glaubt. Nach mehreren natürlich-folkigen Meditationen mit aller gebotener Heavyness wollten die Kanadier in eine deutlich gitarrenlastigere Richtung gehen. Tour-Bassist Liam Andrews steht Sängerin/Gitarristin Robin Wattie und Gitarrist Mathieu Ball zur Seite, auf die Schlagzeug-Künste der vielbeschäftigten Tasy Huson verzichtet man hingegen. Entsprechend roh, zermürbend und urgewaltig fällt das mittlerweile zehnte Studioalbum „in grief or in hope“ aus, das sich mehr denn je klassischer Drone-Ästhetik widmet.

Wattie wollte auf diesem neuen Longplayer mit eingängigen melodischen Elementen experimentieren und diese als Gegenpol zu Drone-Wucht und brutaler Intensität stellen, angetrieben von so elementaren Gegensätzen wie Leben und Tod, Trauer und Hoffnung. „what may be the kindest way to leave“ lebt derlei Meditationen mit wachsender Begeisterung aus. Brütende Heavyness trifft auf erstaunlich harmoniebedürftige Vocals, die beinahe so etwas wie eine Mini-Hook bereithalten. Siebeneinhalb Minuten verharren weitestgehend in einem noisigen Zen-Zustand, wobei die zwischenzeitliche Reduzierung der kratzigen Schleifen auf ein absolutes Minimum beinahe so etwas wie eingängige Entspannung schafft.

Was sich paradox liest, ist letztlich nur ein kleiner Teil dieser wahnwitzigen Mischung. In „verdure“, ein klarer Bezug auf „Feral Verdure“ aus dem Jahr 2014, scheint ein Didgeridoo das Heft in die Hand zu nehmen. Verstörende, anderweltliche Schleifen und unschuldige Vocals führen ans Limit, später sorgen Gitarren und Effektpedale für eine unwirtliche Atmosphäre. „the ineptitude for mutual discernment“ ist alleine als Titel bereits großartig, doch wissen die tatsächlichen, hochgradig minimalistisch angelegten Melodieansätze wahrhaftig zu verzaubern. Großartige Vocal-Spuren gehen direkt ins Ohr. Hingegen hat das Kargland von „an uttering of antipathy“ über weite Strecken den gegenteiligen Effekt, bis der Schlussakt mit folkigen Untertönen unter die Haut geht.

Wieder und wieder zerstört „in grief or in hope“ komplett, setzt kurzzeitig zusammen und beginnt den Prozess von vorne. BIG|BRAVE lehnen sich für ihre Verhältnisse weit aus dem Fenster und sorgen für aufregend frischen musikalischen Wind. Der Verzicht auf Drums überrascht, fällt letztlich aber nicht wirklich ins Gewicht, weil die Art und Weise, wie der verstärkte Drone-Fokus letztlich durchgeführt wird, so und so alles überlagert. „in grief or in hope“ wandelt auf einem schmalen Grat zwischen noisiger Überforderung und erstaunlich belebender Intimität. Das erhoffte Spiel mit krassen Kontrasten und schemenhafter Eingängigkeit gelingt auf ganzer LInie.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 12.06.2026
Erhältlich über: Thrill Jockey Records (Indigo)

Website: www.bigbrave.ca
Facebook: www.facebook.com/bigbravemusic

(c) Aaron Jones

Eine Rückkehr aus dem gefühlten Nirgendwo vor mehr als fünf Jahren, mit neuem Sänger und erstmals eigenem Drummer, dazu der Fokus auf mehr Prog, Elektronik und Atmosphäre: „Dream Weapon“ war in jeder Hinsicht eine kleine Überraschung. Genghis Tron hatten sich nach viel zu langer Abwesenheit auf unerwartete und doch hochspannende Weise zurückgemeldet. Widmete man sich damals noch verschrobenen Fantasiewelten, so ist das US-Quintett – mittlerweile um Bassist Kenny Szymanski ergänzt – aktuell im Hier und Jetzt unterwegs. „Signal Fire“ feiert zudem ein Comeback der früheren chaotischen Ausritte.

Der wunderbar manische Opener „I Am All“ beginnt noch vergleichsweise ruhig. „I’m on a tear, I’m on a tear“, erklärt Tony Wolski wiederholt, während vertraute Synthetik von pulsierenden Drums angetrieben wird. Die Screams melden sich ebenfalls zurück und verleihen dem ansonsten zunächst eingängigen Track eine wütende Kante. Anstatt komplett am Rad zu drehen, besinnen sich Genghis Tron zunächst auf Wiederholungen, bemühen einmal mehr alte Favoriten wie New Order, bevor das Ding nach der Vier-Minuten-Marke in aller Gemächlichkeit explodiert. Stakkato-Attacken, Progcore, schmerzende Screams und das nach wie vor eingängige Leitmotiv finden zusammen.

„Tomorrow Mirage“ ist mit seinen sieben Minuten wohl das Herzstück dieses vierten Studioalbums und überfordert erst einmal. Statt falscher Zurückhaltung explodiert das Quintett regelrecht aus den Boxen und setzt auf lautstarke Reizüberflutung. Der Cybercore-Nackenschlag bleibt vorerst aus. Futuristische HipHop-Elemente erwischen am falschen Fß, nur um wenig später von schäumender Wut und Grind-Geprügel abgelöst zu werden. Mehrere kleinere und größere Häutungen folgen, inklusive meditativer Synthwave-Flächen und einer fast schon versöhnlichen, minimalistischen zweiten Hälfte. Genghis Tron bleiben aber auch in aller gebotener Kürze bärenstark, siehe und höre das angestochene „Born Prey“, das nahezu perfekt zwischen Neo-Prog-Pop und Cybergrind wechselt.

Ist „Signal Fire“ nun die Antwort, Antithese oder essenzielle Begleitung für „Dream Weapon“? Darüber lässt sich gewiss wunderbar streiten. Fakt ist, dass Genghis Tron nach einem im wahrsten Sinne des Wortes verträumten Comeback-Album wieder deutlich beherzter zulangen. Das gelegte, wabernde Fundament wurde freilich beibehalten, nun aber in deutlich mehr Chaos, Aggression und Unvorhersehbarkeit eingebettet. Tatsächlich spannt das US-Quintett den Bogen zu seinen ersten Alben, schreibt noch bessere Hooks und Melodien, rastet aber zugleich herrlich kaputt und widerwärtig aus. Das hier zieht den letzten Nerv und macht dabei unfassbar viel Laune.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 12.06.2026
Erhältlich über: Relapse Records (SPV)

Facebook: www.facebook.com/GenghisTron

(c) Nick Fancher

Zwei komplette Alben binnen vier Monaten, das klingt erst einmal nach purem Wahnsinn. Als Converge nach dem herausragenden, metallisch-wahnwitzigen „Love Is Not Enough“ eine weitere Platte für dieses Jahr ankündigten, war die Verwunderung recht groß. Über eine mögliche Fortsetzung wurde spekuliert, einen kleinen Bruder, eine Resteverwertung, vielleicht sogar das seit längerer Zeit geplante Noise-Rock-Album. Letzteres war tatsächlich der Plan, doch sieht das Ergebnis etwas anders aus. „Hum Of Hurt“ ist vielleicht einen Tacken Hardcore-lastiger als der Vorgänger und fügt sich doch nahtlos in den illustren Katalog der US-Veteranen ein.

Der Auftakt zerlegt erst einmal alles: „Slip The Noose“ schafft es gerade über 100 Sekunden, gibt sich noisig und quengelig. Reduziertes Tempo, leicht manische Urgewalt und die urplötzliche Grind-Explosion strapazieren das Nervenkostüm. Danach stürzt „Doom In Bloom“ einen nicht enden wollenden Abhang hinab und nimmt die kompromisslose Düsternis des Seins mit offenen Armen in Empfang. Deutlich ruppiger und wütender geht es hingegen der explosive Titelsong „Hum Of Hurt“ an, der durchaus ein Bindeglied zum Vorgänger sein könnte. Rohe Brutalität und metallischer Wahnwitz treffen auf eine Art Chorus, wo Bannons Schreie die Converge’sche Symphonie der emotionalen Selbstzerstörung perfektioneren.

Donnernde Drums, doomige Entschleunigung und knackige Bassläufe kleiden den Sechsminüter „Dream Debris“ aus, der auf einen Nullpunkt der Finsternis zusteuert. Beschwörende Spoken-Word-Abschnitte und blanker Psychoterror in jeder Saite sind die mehr oder minder willkommenen Zutaten. „I Won’t Let You Go“ entstand in seiner Urform 2020 als Teil des „Cyberpunk 2077“-Soundtracks und konnte nun erstmals als Band im selben Raum eingespielt werden. Die fortschreitende unbequeme Entgleisung dankt es dem Giganten. Schließlich stürzt „Nothing Is Over“ und hört einfach nicht zu fallen auf – geballter Schmerz, gescheiterte Selbstfindung und der erneute Ausraster als kleiner Wurmfortsatz zeigen Converge so emotional aufgeladen wie selten.

Weniger Metal, mehr Hardcore, etwas Noise und großes emotionales Chaos: „Hum Of Hurt“ ist alles andere als einfach geworden, wenig überraschend. Selbst für Converge-Verhältnisse ist das hier ein ordentlicher Brocken, der in seinen 34 Minuten eine überlebensgroße Hürde nach der nächsten errichtet. Anstatt diese zu überspringen, werden sie einfach niedergemäht, mit großem Gusto. Das ist unangenehm, erstaunlich störrisch und immer wieder für Überraschungen gut. Die erwarteten Noise-Passagen sind großartig, brachiale Zwischensprints erinnern an „Jane Doe“-Zeiten, während gemächliche, finstere Experimente an den Rand des Wahnsinns treiben. Ganz anders, aber mindestens so gut: Converge räumen mit dem zweiten herausragenden Platte binnen kürzester Zeit standesgemäß ab.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 05.06.2026
Erhältlich über: Epitaph Records (Indigo)

Website: www.convergecult.com
Facebook: www.facebook.com/converge

Slider-Pic (c) Nick Fancher

(c) Joana Carrico

Im Herbst 2014 erschien das erste und – bis jetzt – einzige Album von Sleeping Pulse. „Under The Same Sky“ erreichte Kultstatus, wurde neu aufgelegt und fleißig gestreamt. Das gemeinsame Projekt von Mick Moss (Antimatter) und Luis Fazendeiro (Painted Black), das progressive bis kunstvolle Gitarrenmusik an der imaginären Rock-Metal-Grenze mit portugiesischem Fado verband, lag aufgrund diverser anderer Projekte lange Zeit brach. „Dreams & Limitations“ ist das mehr als eindrucksvolle Comeback und zugleich eine Art nahtlose Fortsetzung mit neuem Elan.

Trauer, Kummer und Bedauern haben bei Sleeping Pulse keinen Platz; viel mehr akzeptiert man das Unvermeidbare und lebt das Leben, bis es nicht mehr geht. Entsprechende Gefühle begleiteten den Einstand und türmten sich in jüngerer Vergangenheit erneut auf, bis es ein kreatives Ventil dafür brauchte. Alleine der Titel „Two Wreaths“ eröffnet Interpretationsmöglichkeiten ohne Ende. Aus den sanften Klaviertönen entwickelt sich ein getragener, gemächlicher, stellenweise semi-balladesker Track mit mächtiger Intensität, beeindruckender Dramaturgie und einem Mick Moss in Bestform. Jede einzelne Silbe geht unter die Haut.

Ein ganz anderes Highlight ist „Extrasolar“, der neunminütige Gigant. Aus dem gemächlichen Post-Rock-Aufbau, der das Arrangement behutsam vorbereitet und schrittweise öffnet, entspringt ein wahrer emotionaler Malstrom, der mit seinen kleinen Schleifen und dem überlebensgroßen Quasi-Refrain kontinuierliches Wachstum vermittelt. Wieder und wieder findet das Duo zurück zu bittersüßer Schwere. Im Vergleich dazu fällt „Rise“ forsch und heavy aus, legt ab der ersten Sekunde mit beherzten Gitarren los und nimmt sich erst dann zurück. Ein vorwitziges, folkiges bis spirituelles Flötensolo lockert auf und zieht letztlich nur tiefer in den Sumpf fatalistischer Gefühle.

Schwere Kost trifft erstaunliche Leichtigkeit: Nahezu permanente Widersprüchlichkeit spannt sich wie ein blutroter Faden um diesen Zweitling, dessen Eigentümlichkeit binnen Sekunden in den schwer greifbaren Bann zieht. Sleeping Pulse stehen für packende Atmosphäre und verbinden musikalische Welten einmal mehr zu Magie. Der Umgang mit Tod und Trauer ist gewissermaßen Teil der portugiesischen (Musik-)Kultur und passt damit perfekt zu Moss‘ Schaffen. „Dreams & Limitations“ sieht das Ende vor sich, reitet diesem sehenden Auges entgegen und kostet die verbleibende Zeit mit Gusto aus – großes Kino zweier Meister.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 05.06.2026
Erhältlich über: Prophecy Productions

Website: www.sleepingpulse.com
Facebook: www.facebook.com/SleepingPulse

(c) Paxton Powell

Beständigkeit mit 14 Buchstaben: August Burns Red. Seit über 20 Jahren steht das Quintett aus Lancaster, Pennsylvania für donnernden Metalcore, melodischen Hardcore und eingängige Härte. Neun reguläre Studioalben und eine Weihnachtsplatte sowie diverse Kleinformate stehen zu Buche. Für die Jubiläumsplatte wollte man sich wieder etwas stärker auf die Anfänge konzentrieren. Herausgekommen ist laut Frontmann Jake Luhrs das härteste Album seit geraumer Zeit. Tatsächlich glänzt „Season Of Surrender“ mit Breakdowns und Heavyness in rauen Mengen.

Das zeigt sich ab der ersten Sekunde, wenn „Legions“ förmlich aus den Boxen explodiert und das Hackbrett auspackt. Mike Hranica von The Devil Wears Prada mischt fleißig mit, ordentlich Breakdowns und vermehrt komplexe Elemente machen sich breit. August Burns Red klingen im besten Sinne ungemütlich und nehmen die Metalcore-Ursuppe mit. „Behemoth“ schraubt den Hardcore-Anteil nach oben, schlägt wiederholt wütend um sich und macht zugleich Platz für richtig unangenehme Gitarren, die sogar einen Hauch Tech-Death mitnehmen. Das gemeinsam mit Make Them Suffer eingespielte „Cerebral Malfunction“ passt perfekt ins Bild, verwandelt sich aber rasend schnell von fies und brachial in eingängig und harmoniebedürftig.

Zwei Seelen wohnen in dieser Brust und machen Platz für den einen oder anderen Husarenritt. „S.O.S.“ hat das Zeug zur mörderischen Hymne und lässt ein paar Gang-Shouts durchschimmern, bevor der nächste Absturz lockt. „The Nameless“ schlägt ein wenig die Brücke zu den jüngeren Alben, ist gleichermaßen brutal wie eingängig und steht doch für kompromisslose Heavyness. Die hat „Sonic Salvation“ ebenfalls für sich gepachtet. Jamie Hails von Polaris mischt mit wachsender Begeisterung mit, eingängigere Passagen werden zumindest angedeutet. Davon ist im nahezu siebenminütigen Abschluss „Forged By Failure“ herzlich wenig zu hören. Proggige Hardcore- und (Death-)Metal-Klänge, ominöse Atmosphäre und erneut technischer Anspruch erwischen im besten Sinne am falschen Fuß.

Tatsächlich ist dieses zehnte Studioalbum von August Burns Red eine faustdicke Überraschung. Anstatt auf Nummer Sicher zu gehen, langt das US-Quintett so ruppig und brutal wie lange nicht zu, wieder und wieder. Hooks und hymnische Parts rücken vornehmlich in den Hintergrund, stattdessen dominieren Dampfwalze, Komplexität, Tech-Ausritte und Breakdowns in rauen Mengen. „Season Of Surrender“ setzt sich offensiv mit dem eigenen musikalischen Erbe auseinander und bereitet Schmerzen. Elf höllische, vielseitige und mitreißende Abfahrten später ist alles eitel, auch ohne Sonnenschein. Mit Retro-Metalcore-Klängen der etwas anderen Art setzen August Burns Red ihren Lauf erstklassig fort.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 05.06.2026
Erhältlich über: Fearless Records / Concord Records (Universal Music)

Website: augustburnsred.com
Facebook: www.facebook.com/augustburnsred

(c) Oh Hiroshima / Pelagic Records

Nahezu klammheimlich erspielten sich Oh Hiroshima im Laufe der letzten Jahre und Alben ihre Position als eine der interessantesten, ungewöhnlichsten Post-Rock-Bands. Das schwedische Duo liebt seine musikalische Vielfalt, die unter anderem Art Rock und Shoegaze einschließt. Auf ihrem mittlerweile sechsten Studioalbum, einmal mehr von Magnus Lindberg (Cult Of Luna) abgemischt, wagen sie sich noch weiter hinaus. „And The Dead Tree Gives No Shelter“ setzt auf Prog-Einflüsse, auf dichte Atmosphäre und auf nahezu konstantes Spiel mit verschiedenen Emotionen und Klangfarben.

Während die Aussichten von so etwas wie einer Zukunft weiter schwinden und destruktives Verhalten die Oberhand gewinnt, bemühen Oh Hiroshima Hoffnung und Bedeutung, erklären Verletzlichkeit zur willkommenen Maxime. Die Magie eines „Meridian“ treibt all das und noch viel mehr auf die Spitze. Speziell das Zusammenspiel zwischen Schlagzeug und Bass, lebhaft und schwermütig zugleich, kommt richtig gut, während das alles erdrückende Plateau weiter und weiter nach hinten geschoben wird. Wenn es schließlich kommt, dann fällt es verschroben aus, verwaschen und roh. Das zarte, einfühlsame „Ivory Town“ ist das entsprechende Gegenstück, tastet sich heran und ringt zugleich um Fassung.

Und damit kratzt man bestensfalls an der Oberfläche: „Skeleton Key“ baut binnen Sekunden brodelnde Intensität auf, lässt die Vocals ermüdet aus dem Arrangement fallen und verbindet metallisch angehauchte Wucht mit der ganz feinen Klinge. Da werden schon mal Erinnerungen an Caspian wach – wie auch im gigantischen „Servant Of All“, das wieder und wieder den Song aufbricht und mit hymnischer Magie auftrumpft. Scharfkantiger Gaze und ruppiger Dream-Rock halten Einzug. Am anderen Ende des Albums verschiebt „Dream Cloud“ die sprichwörtlichen Vorzeichen noch weiter – mit butterweichen Vocals, donnernden Drums und angriffslustigem Basslauf. Die letzten zwei Minuten schaffen exzellente eingängige Heavyness.

Wieder etwas anders, wieder richtig gut – das sollte mittlerweile eigentlich keine Überraschung mehr sein. Einmal mehr lehnen sich Oh Hiroshima aus dem Fenster und lassen ihrer Kreativität freien Lauf. Ihr neuer Longplayer lotet ihre musikalischen Extreme weiter aus, gibt sich lauter und einfühlsamer zugleich. Optimismus und Hoffnungslosigkeit befinden sich in nahezu konstantem Konflikt während dieser Dreiviertelstunde, zwischen himmlischem Gesang und rohen, beinah noisigen Texturen. „And The Dead Tree Gives No Shelter“ zeigt die Schweden ein weiteres Mal in richtig guter Form und treibt die Post-Rock-Frischzellenkur bärenstark voran.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 05.06.2026
Erhältlich über: Pelagic Records

Facebook: www.facebook.com/ohhiroshima

(c) Anine Desire

Seit geraumer Zeit ‚klopfen‘ Halcyon Days ganz oben an. Das 2016 gegründete Quartett aus Norwegen zockt eine Mischung aus Post-Hardcore und Metalcore, die sich jenseits von Trends und Zeitgeist bewegt – heavy, melodisch, ruppig und stets emotional aufgeladen. Ihr letztes Album hat inzwischen fast fünf Jahre auf dem Buckel, eine kleine Verschnaufpause im Studio war wichtig. Mit „Nothing To No One // Something To Someone“ geht es nun wieder in die Vollen, begleitet von einer vielschichtigen Gefühlspalette rund um Isolation, Selbstzerstörung, Liebe, Wut, Burnout, Verlust und drohende Veränderung.

Einfache Lösungen und Happy Ends gibt es nicht – viel wichtiger ist das nahezu konstante Spannungsfeld zwischen dem Wunsch, aufzugeben, und dem Drang, immer wieder aufzustehen. „My Heart Is My Compass“ ist als Gradmesser und Kampfansage zu verstehen, fällt regelrecht aus den Boxen. Robbe Madsen brüllt und schreit mit beeindruckendem Elan, die Stakkato-Attacken ringsum und der plötzlich einsetzende Beinahe-Chorus mit melodischen Untertönen überrollen regelrecht. In „Nightless Nights“ hält eine Art Melancholie Einzug und schneidet den doppelten Boden mit ausgesuchter Präzision durch. Das hat stellenweise fast schon etwas von einer Hymne, es fehlen bloß die echten Hooks.

Die hat „Save Me From Myself“ dafür zu bieten, ein kleiner Ausreißer. Gemeinsam mit Jonas Hansen von Fixation werden die emotionalen Aspekte des eigenen Sounds in den Mittelpunkt gerückt, selbst für ein paar klare Vocals und klaustrophobe Melodien bleibt Platz. Halcyon Days spielen mit dieser angenehm anderen Facette spannende Stärken aus. Davon hält „Something To Someone“ hingegen nichts und überrollt mit einer Form von Urgewalt, die angenehm an die Metalcore-Ursuppe erinnert. In „Nothing To No One“, quasi der zweite Teil des Titelsongs, fühlen sich die Norweger hörbar hin- und hergerissen, fallen von einem Extrem ins nächste. Einer der besten Breakdowns der gesamten Platte ist das kurzweilige Ergebnis.

Innere Zerrissenheit als steter Begleiter für ein aufwühlendes, beherztes Lebenszeichen: So stark hat man Halcyon Days wahrscheinlich noch nie gehört. Ihr Sound bleibt angenehm aus der Zeit gefallen und könnte doch kaum näher an der unbequemen Gegenwart sein. Das stete Auf und Ab, der konstante Kampf im Inneren – „Nothing To No One // Something To Someone“ illustriert diesen auf eindrucksvolle Weise. An der rabiaten, aufwühlenden Kreuzung zwischen Hardcore und Metal haben vier Norweger ihre Zelte aufgeschlagen und überraschen mit einem kleinen, aber mehr als feinen Leckerbissen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 05.06.2026
Erhältlich über: Indie Recordings

Facebook: www.facebook.com/hvlcyondvys

(c) Tidal Wave / Ripple Music

Der rifflastige Geheimtipp Tidal Wave setzt einmal mehr zum Sprung an. Auf ihren ersten beiden Alben erarbeiteten sich die Schweden ihren Sound zwischen Stoner Rock, Fuzz und einer gesunden Portion Metal. Exakt da macht das Quartett aus dem hohen Norden nun weiter und versteht seinen neuesten Longplayer als Bündelung ihrer kreativen Kräfte. Die dritte Platte heißt „Volume Tree“, wurde in drei unterschiedlichen Studios aufgenommen und von drei verschiedenen Tontechnikern abgemischt, um jedem Track seine eigene besondere Atmosphäre zu verleihen. Nun denn.

Dass „Earth“ richtig schön erdig klingt und sich zugleich vor Black Sabbath verneigt (die selbst ursprünglich Earth hießen), passt wunderbar ins Bild. Metallische Heavyness, nahezu doomige Schwere, mächtige Riffs und finstere Atmosphäre beschreiten einen Hauch von Neuland, ohne sich komplett vom bisherigen Schaffen zu entfernen. Alexander ‚Sunkan‘ Sundqvist liefert eine gesangliche Meisterleistung ab, der etwas flottere Schlussakt startet so richtig durch. Auch „Skitliv“ liebt beklemmende Reduktion, paart diese jedoch mit deutlich lichteren Momenten und gibt sich ab und an geradezu hymnisch – ein kleines, dynamisches Kunstwerk, das man sich erst erarbeiten muss.

Derlei Geduld lohnt sich natürlich, auch in vergleichsweise frontalen, aggressiven Songs wie „Shapeshifter“. Es braucht nur etwas mehr als dreieinhalb Minuten, um mit Stoner-Doom-Riffing und frontalem Druck abzuräumen. Die magische wie manische Süße des Openers „The Orb“ treibt den Fokus auf klassischere metallische Gefilde voran und hebt mit einem mächtigen, herrlich verspielten Gitarrensolo ab. „Temples Of Humanity“ versucht schließlich die Brücke zu früheren Alben von Tidal Wave zu schlagen, jedoch mit weniger Desert-Fokus. Wüste Intensität und metallische Dramaturgie im XXL-Format machen sich breit.

Zwar wäre es etwas sehr übertrieben, von einer anderen Band zu sprechen, doch haben sich Tidal Wave hörbar entwickelt und ihren Fokus verschoben. Bestens vertraute Stoner-Riffs spielen weiterhin eine wichtige Rolle, werden nun aber wesentlich konzentrierter in metallische Gefilde eingebettet. Die Proto-Ursuppe schwimmt mit, klassische Heavy-Gestik trifft auf Doom-Schwere und rückt Sundqvists Stimme mehr denn je ins verdiente Rampenlicht. „Volume Tree“ wagt sich etwas weiter hinaus und landet damit einen Volltreffer. Der Fokus auf Atmosphäre, auf sehr eigene und auf Albumlänge dennoch prima harmonierende Stimmen klappt zudem richtig gut. Spätestens jetzt sollten die Schweden endgültig angekommen sein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 05.06.2026
Erhältlich über: Ripple Music (Bertus)

Facebook: www.facebook.com/TidalWaveSWE

(c) Leon de Backer

Was passiert eigentlich nach dem Nullpunkt? Je nach Skala und Sichtweise kann es sehr unterschiedliche Antworten auf diese Frage geben. Elder ließen sich für ihre neueste Platte – die erste seit etwa dreieinhalb Jahren – von der Technik und der Musikkunde an sich inspirieren. „Through Zero“, so der Titel ihres neuen Werks, ist zwar kein Konzeptalbum, dreht sich aber um ein semi-konzeptuelles Leitmotiv: Die Null muss kein Ende sein, sondern agiert viel mehr als Mittelpunkt entlang eines zeitweise im Dunklen liegenden Pfads. Elementare Themen aus dem Leben von Mastermind Nick DiSalvo schmücken die sechs neuen, gewohnt überlangen Songs.

Dass DiSalvo zuletzt unter anderem mit delving und Weite beschäftigt war, hört man dieser neuen Platte durchaus an. Das monumentale, fast elfminütige „Strata“ findet wieder und wieder zu fast verträumten, psychedelischen – nun ja – Weiten und lässt die Heavyness gerne mal in den Hintergrund rücken. Fast traumwandlerische Klänge erfahren schrittweise eine kleine Metamorphose und treten schließlich laut, selbstbewusst auf. Etatmäßige monströse Riffs und wunderbar ausladende instrumentale Einschübe geben sich die Klinke in die Hand. Die Verschmelzung beider Welten geschieht auf Raten und gipfelt rund um die Sieben-Minuten-Marke, bevor abermals leicht verträumte Töne das Geschehen gekonnt abrunden.

Noch ruhiger wird es im folgenden „Sight Unseen“, dessen erste Hälfte an die instrumentalen Weite-Exkurse erinnert, minimalistisch und nachdenklich angelegt. Bezauberndes Kopfkino und schier endlose Weiten geben sich eine imaginäre Klinke in die Hand. Hingegen lebt „Capture/Release“ das vertraute Prog-Faible aus und münzt dieses in immerhin annähernd tanzbare Musik um. Elder legen aber keinesfalls eine kesse Sohle aufs Parkett, sondern nehmen nun erst richtig Fahrt auf. Anderweltlicher, entfremdeter Space Rock und imposante Druckwelten finden langsam, aber sicher zusammen, das Ende kommt viel zu plötzlich.

Diese weitere kleine Metamorphose in der Welt von Elder gelingt vorzüglichst. Die verschiedenen Projekte und Bands DiSalvos halten verstärkten Einzug und machen mehr Platz für verträumte, psychedelische Töne. Verstärkte Kontraste, urplötzliche Szenenwechsel und noch ausgereiftere Kompositionen sind das Ergebnis. Insgesamt lässt sich „Through Zero“ vermehrt treiben, rund um den vermeintlich eigenen Pfad um den Nullpunkt, und entdeckt dabei immer wieder Neues, Herausforderndes, gerne mal Belebendes. Auch unter leicht geänderten Vorzeichen bleiben Elder eine Bank.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 29.05.2026
Erhältlich über: Stickman Records (Indigo)

Website: beholdtheelder.com
Facebook: www.facebook.com/elderofficial

Slider-Pic (c) Leon de Backer

(c) James Rexroad

Nach fünf Alben gönnten sich Monolord eine kleine Kunstpause und betrieben musikalischen Frühjahrsputz. Das schwedische Trio wollte seinen Fokus etwas verändern und tat sich dafür mit Sylvia Massy zusammen, die bereits so unterschiedliche Künstler wie Tool, Johnny Cash und System Of A Down produzierte. Gemeinsam fand man eine Art Flow-Zustand, einen frischen Ansatz. Letzte Space- und Fuzz-Reste gingen über Bord, der Doom-Faktor wurde in die Höhe geschraubt. „Neverending“ klingt so fokussiert und unmittelbar wie nie zuvor.

Auch textlich hat sich einiges getan. Ging es bei Monolord bislang vor allem um Glauben und Aberglauben, so nahm Sänger und Gitarrist Thomas Jäger dieses Mal vor allem Persönliches ins Visier und wählte verschiedene einschneidende Veränderungen als Ausgangspunkt für Abhandlungen aus wechselnder Perspektive. Bestes Beispiel ist die Lead-Single „You Bastard“, die Selbstmord auf zwei Weisen betrachtet – aus der Sicht des ‚Täters‘, aber auch aus der Sicht der trauernden, gelegentlich wütenden Hinterbliebenen. Drückender, schroffer Stoner-Doom mit zermürbender, fast Sludge-artiger Wucht ist das hochspannende Ergebnis.

Ellenlange, mächtige Monolithen dürfen natürlich weiterhin nicht fehlen. Wie „Oozing Wound“, das puristisches Kargland wiedergibt, den Gesang bevorzugt wie ein weiteres Instrument erklingen lässt und mit seinem verspielten instrumentalen Mittelteil die etatmäßige Schwere noch weiter in die Höhe schraubt. Oder „Inside A Collider“, das wie eine Zeitreise durch verschiedene Doom-Epochen auftritt, seine singenden Gitarren vertraute Melodien anstimmen lässt, während sich Monolord durch einen zermürbenden Giganten schleppt. Die wütenden Growls in „It’s Neverending“ überraschen. Jäger tat sich bei der Demo damit schwer, für ihr sprang Firespawn-Bassist Jörgen Sandström, der unter anderem bei Entombed und Grave tätig war, mit Vehemenz ein. Dieser unerwartete Death-Doom-Ausritt mit bitterer Süße gelingt ebenso.

Die tiefenentspannte, angenehme Grundstimmung in Massys Studio in Ashland, Oregon und die zurückgelehnte Arbeitsweise haben sich hörbar bezahlt gemacht: „Neverending“ ist ein mächtiges Biest von einem Album, um Welten doomiger und konzentrierter als die Vorgänger, zugleich mit mächtigen Stoner-Riffs und kleinen Überraschungen ausgestattet. Monolord klingen selbst in ihren ausladenden, überlangen Tracks so kompakt wie noch nie und zeigen sich als Songwriter hörbar gereift. Hier sitzt so ziemlich alles, stimmt der Fluss, setzt es beste Unterhaltung in aller zermürbender Gesamtheit. In dieser Form sollte das seit längerem erhoffte Überwerk, das in den drei Schweden steckt, nur eine Frage der Zeit sein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 29.05.2026
Erhältlich über: Relapse Records (SPV)

Website: monolord.com
Facebook: www.facebook.com/monolordsweden

(c) Yawning Balch

Die nächste Runde einer der besten Wüsten-Jam-Sessions der letzten Jahre ist hiermit hochoffiziell eingeläutet: Yawning Balch, die gemeinsame Klangraumfüllung von Yawning Man und Bob Balch (Fu Manchu, Slower) geht bereits in die vierte Runde. Einmal mehr steckte man einfach die Instrumente ein, ließ sich treiben und fand diese besondere Sprache zwischen Desert Rock und Psychedelia, die wohl sonst niemand auch nur annähernd so gut beherrscht. Und doch gestaltet sich „Volume Four“ zumindest im Detail auf höchst angenehme Weise ein klein wenig anders.

Dieses Mal sind es nun zwei Songs, jeweils deutlich über 20 Minuten, die das sprichwörtliche Heft lose in die Hand nehmen und sich einfach treiben lassen. Die gesamte A-Seite gehört „Pyramid Of Djoser“. Binnen weniger Sekunden befindet sich der Track in media res, findet sofort zu seinem Leitmotiv und verfolgt dieses erstaunlich energisch. So laut und eindringlich hört man Yawning Balch nur selten, das hat stellenweise fast schon etwas von Uptempo. Mario Lallis Bass nimmt eine prominente Rolle ein, arbeitet sich immer wieder in den Vordergrund und wirkt stellenweise wie ein nahezu tanzbarer Anker, speziell in den etwas psychedelischeren Einschüben.

Auch „Water Ritual“, die unwesentlich kürzere B-Seite, kennt keine falsche Zurückhaltung. Dezent nachdenkliche Töne zwischendrin treffen auf schneidende bis singende Gitarren und spacige Effekte, während die Drums alles zusammenhalten. Rhythmische Gelassenheit öffnet Post-Rock-artiger Intensivierung Tür und Tor. Die klassische Steigerung bleibt jedoch aus, das kathartische Plateau ebenso. Marginale Variationen, schemenhafte Heavyness und eine verspielte, abermals basslastigere zweite Hälfte übernehmen die Geschicke. Das klingt energisch auf relaxte Weise, falls es so etwas überhaupt geben kann.

Etwas lauter, etwas härter, etwas ausladender: Für Yawning Balch-Verhältnisse fällt dieser vierte Teil fast schon laut und stürmisch aus. Deutlich mehr Kanten, bekömmlicher Druck und mehr Drang nach vorne zeichnen diese Platte aus, die durch ihre Geschlossenheit überrascht. Zwei überlange Songs halten die Spannung und wirken trotz ausladender Dimensionen fast kompakt. Wie das funktionieren kann, bleibt ein Mysterium, doch verströmt „Volume Four“ deutlich mehr Energie als zuletzt. Eine Metamorphose auf Raten hält Yawning Balch frisch und verleitet beinahe zu einem kleinen Road-Trip. Beinahe.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 29.05.2026
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Instagram: www.instagram.com/yawning_balch

(c) Frank Ralph

Nach etwas über sechs Jahren biegen Godthrymm auf die Zielgerade ein. Für die Band um ehemalige Mitglieder von My Dying Bride steht der Abschluss einer Album-Trilogie an, die im Februar 2020 mit „Reflections“ begann und im Sommer 2023 mit „Distortions“ eine Fortsetzung erfuhr. Abermals hat sich der Doom-Ansatz der Briten weiterentwickelt, begleitet von der einmal mehr erweiterten Besetzung (mit Kris McLaughlin gibt es nun einen zweiten Gitarristen). „Projections“ bemüht Finalität und signalisiert gleichzeitig den Beginn einer aufregenden musikalischen Zukunft.

Das kantige „Trenches Deep“ eröffnet mit einer bekömmlichen Mischung aus Melodik und Heavyness. Hamish und Catherine Glencross teilen sich die Vocals mit Adie Bailey (English Dogs) und Jay Walsh (Xentrix), der furiose Mittelteil attackiert sämtliche Sinne gleichzeitig. Noch prominenter ist nur der Beitrag von Aaron Stainthorpe in „Endure My Skin“, eine weitere My Dying Bride-Mini-Reunion. Konzentrierte er sich auf dem Vorgänger noch auf das gesproche Wort, so zeigt Stainthorpe im neunminütigen Giganten seine Gesangskünste. Packende Dramaturgie, gequälte Gitarrenarbeit und obligatorische Melancholie statten diese monumentale Monstrosität aus.

In „Hope Is Eternal“ ist Catherine Glencross ganz allein zu hören. Der majestätische und zugleich knüppelharte Track dankt es ihr, gewinnt zusehend an Intensität und verbindet schillernde, ätherische Harmonien mit schierer Wucht. Das erinnert ein wenig an den düsteren Death-Doom-Ansatz mit Gothic-Flair von Hanging Garden. Sägender, metallischer und erdrückender gestaltet sich hingegen „Truth In My Own“, dessen rohe, ungeschliffene Urgewalt wundervolle Schmerzen bereitet. Hamish Glencross holt alles aus seinen Stimmbändern heraus, von Schmerz gepeinigt und Verzweiflung geplagt, während die Band stoisch marschiert. Der zunehmend überdrehte Schlussakt mit ranzigen Gitarren, abgedrehtem Solo und tödlicher Zuspitzung wird zum krönenden Highlight.

Irgendwo zwischen minimaler Häutung und konzentrierter Weiterentwicklung platziert sich der intensive Abschluss dieser „Visions“-Trilogie. Godthrymm treiben ihr Finetuning konsequent voran, stellen ihren Doom Metal noch vielfältiger auf und decken so ziemlich alles von nahezu tödlicher Härte über düstere Gothic-Momente bis hin zur etatmäßigen hymnischen Magie ab. Das abermals erweiterte Line-up, starke Gäste und die nächste kleine My Dying Bride-Reunion beflügeln „Projections“ in jeder erdenklicher Hinsicht. Echte Doom-Meister zeigen einmal mehr, was Sache ist, und lassen sowohl musikalisch als auch thematisch eine wohl goldene Zukunft mit Hochspannung erwarten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 29.05.2026
Erhältlich über: Profound Lore Records (SPV)

Website: godthrymm.com
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(c) Vaidotas Darulis

Nach zwei wütenden, erdrückenden und betont hässlichen Alben brauchten Erdve eine kleine Pause, um ihr eigenes Verhältnis zur Musik an sich neu zu entdecken, und um zugleich einen Weg für eine gemeinsame kreative Zukunft zu finden. Dieser nunmehr erfolgreich zurückgelegte Schritt machte es sich zum Ziel, eine enge Einheit zwischen Sound, Lyrics und Visuals zu finden, während gleichzeitig mit dem eigenen Songwriting experimentiert wurde. Was sich sehr abstrakt liest, wird in den Händen der vier Litauer zu herrlich erdrückendem Wahnsinn: „Epigrama“ könnte ihr bislang bestes Album sein.

Tracks wie „Nyra“ zelebrieren faszinierenden Wahnsinn auf schwer zugängliche und doch einladende, für sich einnehmende Weise. Wütende, post-metallische Sludge-Wände treffen auf kurze klare Momente, dann brüllt Vaidotas Darulis alles nieder. Kantige Dissonanzen und zentnerschwere Wände strapazieren das Nervenkostüm, die angedeutete Auflockerung in der zweiten Hälfte verschwindet schnell. Hingegen zelebriert „Raukšlės“ stärkere Post-Hardcore-Zuwendung, operiert am emotionalen Anschlag und sehnt eine Form von Katharsis herbei, die doch nie gänzlich erreicht werden kann. Sägende bis singende Gitarren täuschen Öffnung an, doch bleibt diese aus.

In weiterer Folge zelebrieren Erdve die Zerreißprobe des Menschseins mit wachsender Begeisterung. Ihr „Trukmė“ fährt arschlings ins Gesicht, macht Zerrissenheit greifbar und sucht nach einem Rettungsanker, der stets ein klein wenig außer Reichweite scheint. Mittendrin reißt der Track urplötzlich ab, spielt mit Elektronik, mit TripHop und dezent folkloristischen Anleihen – noisiges Understatement sucht und findet doch nichts.  Der Titelsong „Epigrama“ wagt sich noch weiter hinaus. Djent-Wände, nahezu hymnischer Neo-Prog, seltsame wiederkehrende Samples und scharfkantige Sludge-Druckstellen kollidieren wiederholt.

Das muss man erst einmal sacken lassen. Tatsächlich profitieren Erdve von ihrer kleinen kreativen Pause und klingen mehr denn je wie eine Einheit. Hier stimmt das gesamte Erscheinungsbild in Bild, Text und Ton zusammen, inklusive kleinerer elektronischer Elemente und plötzlich abdriftender Arrangements. „Epigrama“ ist eine jener Platten, die man eine ganze Weile sacken lassen muss, die mehrere Durchläufe benötigt, die nicht immer Sinn ergibt. Und die gerade hinter oberflächlicher Widersprüchlichkeit aufblüht. Der verstärkte Fokus auf Post Metal bekommt dem litauischen Quartett gut, gewisse Querverweise auf Neurosis sind ein willkommener Zufall. Erdve entwickeln sich souverän in die richtige Richtung.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 29.05.2026
Erhältlich über: Season of Mist (SPV)

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