(c) Mike Marcon

Metal, nicht mehr und nicht weniger. So oder so ähnlich lässt sich das mittlerweile vierte Studioalbum von Restless Spirit zusammenfassen. Das Trio aus Long Island, New York fand im Laufe der Jahre seinen Sound und konzentriert sich vor allem auf die Grundlagen des Genres, von den Proto-Anfängen bis hin zu mächtigen späteren Riffs, natürlich sehr britisch geprägt. Zugleich findet man damit die perfekte Antwort auf den Vorgänger „Afterimage“, auf dem Gitarrist und Sänger Paul Aloisio einen herben persönlichen Verlust verarbeitete und zunehmende Verzweiflung vertonte. „Restless Spirit“ will ermutigen, trotz aller Rückschläge durchzuhalten, und reicht die rettende Hand.

Zugleich konzentriert sich das Trio auf seinen musikalischen Kern, stößt überflüssiges Beiwerk ab und bemüht sich um zeitlose Heavyness. Was leicht gesagt scheint, funktioniert tatsächlich. Das zeigt sich zum Beispiel in „Desolation’s Wake“, das in knapp vier Minuten mehrere mächtige Ideen vereint und sich doch einbrennt. Der schroffe, psychedelisch angehauchte Auftakt führt auf die falsche Fährte, dann baut sich das Bollwerk auf und zwingt ebenso in die Knie wie der Opener „The Burning Need“. Vertraute Stoner- und Doom-Elemente schwingen weiterhin mit, wenngleich in einen insgesamt klassischeren Metalkontext eingebettet. Sägende Schwere, ein verhalten hymnischer Chorus und feine Soloarbeit finden gekonnt zusammen.

Das Langformat nutzen Restless Spirit, um sich etwas weiter aus dem Fenster zu lehnen, bleiben ihrer verfeinerten Ausrichtung allerdings treu. Die schiere Wucht von „Time And Distance“ reißt binnen Sekunden mit, der verschleppte Mittelteil kommt gut, wie auch der doomige Abgang. In „Hallowed“ werden angenehme Erinnerungen an The Sword wach – mystisch, drückend und eindringlich zugleich. Und dann ist da noch „Phantom Pain“, das sich sogar ein wenig in Richtung Neun-Minuten-Marke orientiert. Scharfkantige Riffs, mehrstimmige Leads, etwas NWOBHM sowie ein mystischer Instrumentalpart mittendrin zerren hin und her. Bis zum finsteren Finale.

Selbstverständlich verabschieden sich Restless Spirit nicht so ganz von ihrem bisherigen Schaffen, misten aber dennoch fröhlich aus. Und das bekommt ihnen gut, denn die insgesamt sehr erdige Präsentation weiß zu unterhalten. Deutlich mehr Riffs, drückende Härte und packende Gesangsmelodien finden schnell zusammen – mal sehr klassisch und reduziert, dann wieder doomig und finster, bevor süffige Gitarrenwände das Heft fest in die Hand nehmen. „Restless Spirit“ hat hohen Unterhaltungswert, klingt auf angenehme Weise zeitlos und doch stets nach dem Trio aus Long Island – gekonnte Weiterentwicklung, richtig gute Songs und intensiver Wahnsinn von der ersten bis zur letzten Minute.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 08.05.2026
Erhältlich über: Magnetic Eye Records

Facebook: www.facebook.com/restlessspiritny

Slider-Pic (c) Paul Aloisio

(c) Axel Kollmenter

Zwei starke Alben binnen kürzester Zeit, Gigs mit Größen wie H-Blockx, Soulfly und 311, dazu eigene Headliner-Touren und ein stetig wachsender Zuschauerkreis: Für Bird’s View läuft es aktuell richtig gut. Das Quartett aus Frankfurt hat mit seinem treibenden, rifflastigen und gerne mal leicht angepunkten Alternative Rock eine kleine, mehr als feine Nische gefunden und arbeitet erfolgreich auf immer größere Bühnen zu. Auf „Above Chaos“ wollen sie ihren energischen Live-Sound eingefangen, mit Unterstützung von Blackmail-Legende Kurt Ebelhäuser.

Der Titel ihres dritten Studioalbums steht für einen Befreiungsschlag von innerem und äußerem Chaos. Das geschieht – wenig überrascht – betont vehement. Langsam, aber sicher rollt der Opener „Above Chaos“ an – ein kantiger, dreckiger Titelsong, der einen Hauch Beatsteaks mitbringt, bevor mächtige Gitarrenwände in eine angenehm andere Richtung steuern und mit wütendem Rock in die Knie zwingen. Hinter „Shadows“ lauert erstaunliche Schwere. Ein paar Grunge-Riffs hier, wütende bis punkige Kanten da, dann aus dem Nichts feinsinnige Harmonien und vereinzelte ruhige Momente – kann man machen, ist richtig gut.

Bird’s View gehen ihren neuesten Streich souverän an und toben sich aus. Die verwaschende Schwere von „Otro Dia“ klingt wie von einem anderen Stern, lässt gewisse Blackmail-Vergleiche zu und erdrückt zugleich förmlich. In „No Name Rooms“ – einer von gerade mal drei Songs jenseits der Drei-Minuten-Marke – wird es erstaunlich ruhig und nachdenklich. Weitestgehend klare Gitarren, unerwarteter Minimalismus und beklemmende Harmonien erzeugen eine wunderbar unwirkliche Stimmung. Wer hingegen mehr Härte benötigt, lässt „Selling A Hand“ immer weiter eskalieren. Die kurzen, wütenden Schreie erwischen im besten Sinne am falschen Fuß.

Kurz, direkt und schörkellos rattert diese Platte durch. „Above Chaos“ ist eine Sammlung von Hits und Rohdiamanten in zwölf bekömmlichen Kapiteln. Mal drückend und energisch, dann wieder melodisch und verspielt, plötzlich am Rad drehend und schließlich voller Melancholie und Finsternis tanken sich Bird’s View durch ihr neuestes Album und bestätigen ihre Form damit mehr als eindrucksvoll. Das erinnert natürlich an eine Vielzahl von Alternative-Größen, keine Frage (unter anderem melden sich auch Foo Fighters, Three Days Grace und Fuel zwischenzeitlich zu Wort), findet aber stets einen komplett eigenen Weg. Bird’s View setzen ihren steilen Aufstieg fort und haben alle Qualitäten für die größten Festivalbühnen. Es dürfte nur eine Frage der Zeit sein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 08.05.2026
Erhältlich über: Yoke Buben Records (Edel)

Website: www.birdsview.eu
Facebook: www.facebook.com/birdsview.official

(c) Daniel Rydings

Vor drei Monaten warfen Ingested Josh Davies aus der Band (später bekannt gewordene Anschuldigungen bestreitet Davies entschieden) und sind aktuell ohne Frontmann unterwegs. Während die britischen Deathcore-Veteranen zu ihrem 20. Geburtstag nach einem Nachfolger suchen (Adam Mercer von Deathstroke kümmert sich aktuell um die Live-Performances), nahmen die beiden Gitarristen Sean Hynes und Andrew Virrueta die kompletten Vocals für das nunmehr achte Studioalbum der Band komplett neu auf. „Denigration“ macht seine Sache unter den Umständen erstaunlich gut.

Bereits der Opener „Dragged Apart“ haut ordentlich rein. Auf ein ausgedehntes, mystisches Intro folgt der ultimative Geschwindigkeitsrausch. Im Grenzgebiet zwischen Deathcore, Brutal Death und anderen Extreme-Spielarten bäumt sich ein dreckiger, hektischer Monolith auf. Wiederholte Tempoverschärfungen, kurze verschleppte Passagen und Skyler Conder von Cell als Gast in Höchstform erinnern an alte Großtaten. Ähnlich stark ist das folgende „Merciless Reflection“ mit Unterstützung von Damonteal Harris (PeelingFlesh). 191 Sekunden massives Bollwerk und wütende, gutturale Growls und Brees torpedieren sämtliche Sinne mit wachsender Begeisterung.

Ingested toben sich in weiterer Folge mit wachsender Begeisterung aus. „Beaten Beyond The Veil“ ist von schmackhafter Hässlichkeit geprägt, scheint zwischendurch fast zu grooven und breitet doch schnell, urplötzlich seine brutale Gewalt aus. Marginale Variationen, derbe Drops und dröhnende Heavyness drehen die Uhr ein paar Jahrzehnte zurück. „Watch You Fold“ sichert sich zudem mit John Gallagher von Dying Fetus echte Prominenz. Passenderweise steigen die Death-Metal-Anteile ein wenig, während „Dredge The Dark“ mit Kyle Medina (Bodysnatcher) einfach nur in bestem Sinne überfordert – viel derber geht es nicht. Die manische Energie von „Cold Sun“ kommt da gerade recht.

Zwar erfinden sie das Rad nicht neu, klingen dafür aber bestens gelaunt: Ingested langen ab der ersten Sekunde beherzt zu und ziehen ihre Stiefel gut 40 Minuten lang mit wachsender Begeisterung durch – mit kleinen Überraschungen, prominenten Gästen und giftiger Energie. Die Umstellung an vorderster Front schadet „Denigration“ rein gar nicht, lässt die Platte sogar noch eine Spur ranziger wirken und tankt sich mit schmackhafter Brutalität durch. Die personelle Situation mag zum runden Geburtstag etwas schwierig sein, doch musikalisch bleiben Ingested eine Klasse für sich im abgefuckten Deathcore-Feld.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 08.05.2026
Erhältlich über: Metal Blade (Sony Music)

Facebook: www.facebook.com/ingesteduk

(c) Ruena

Haggard Cat ist eine jener Bands, bei der es schwerfällt zu begreifen, warum sie nicht schon längst viel größer ist. Das britische Duo um Drummer/Backing-Sänger Tom Marsh und Sänger/Gitarrist Matt Reynolds war ursprünglich ein Nebenprojekt von Heck (ehem. Baby Godzilla), erhielt nach dessen Auflösung aber volle Aufmerksamkeit. Ihr zweites Album erschien sehr unglücklich im März 2020, nach entsprechender Pause und einer passenderweise „Cheer Up“ benannten EP wurde die ausgefallene Tour doppelt und dreifach nachgeholt. Zudem hatten die Briten deutlich mehr Zeit für einen Nachfolger als gedacht. Gemeinsam mit Adrian Bushby, der für seine Arbeit mit Foo Fighters und Muse mit zwei Grammys ausgezeichnet wurde, entstand das wahnwitzige „The Pain That Orbits Life“.

An der grundlegenden musikalischen Ausrichtung im erweiterten Umfeld von Alternative Rock und Post-Hardcore hat sich glücklicherweise herzlich wenig geändert. Da wäre beispielsweise der Kraftakt „Halcyon“, der mit scharfkantigen bis entfremdeten Riffs, stoischem Groove und wütenden, leicht neben der Spur operierenden Vocals auf einem schmalen Grat zwischen Hymne und Wahnsinn wandelt. Stoische Heavyness und plötzliche Eskalation entfremden den Ohrwurm. Auch „Suppressor“ hätte das Zeug zum kleinen Hit, steht sich aber bewusst selbst im Weg. Dezent vertrackte Einschübe mit einem Hauch Fugazi, Saosin-Chaos und explosiven, bärbeißigen Husarenritten machen Laune.

Zu den großen Stärken von Haggard Cat zählen die XXL-Songs, die trotz Überlänge ihr Ziel nicht verfehlen. In seinen mehr als siebeneinhalb Minuten häutet sich „Apnoea“ mit wachsender Begeisterung und punktet vor allem mit einer grandiosen Gesangsdarbeitung. Pure Verzweiflung, spürbare Wut und ein paar Harmonien zwischendurch machen Laune, während der Track eine Metamorphose nach der anderen erfährt – proggig, wütend bis metallisch, später filigran und hochtrabend. Pil & Bue lassen unter anderem grüßen. „Zion“ packt sogar drei weitere Minuten drauf und wird in all seinen Schleifen nie auch nur annähernd langweilig. Wütendes Stampfen und schnaubende Schwere finden gekonnt zusammen, das markige Riff dringt wieder und wieder an die Oberfläche. Das hat fast etwas von einem Ohrwurm, bevor ein Schwall an Noten den Wahnsinn von Title Fight und sogar Circa Survive anreißt.

Dass gut 50 Minuten derart schnell vorübergehen können, weiß zu beeindrucken, zumal Haggard Cat wahrlich keine einfache Kost servieren. Wohl aber sind sie stets songdienlich unterwegs, selbst inmitten verblüffender Wendungen, und finden immer wieder die richtige Möglichkeit, puren Wahnsinn und drückende Härte mit der ganz feinen Klinge zu verschmelzen. Klar, es braucht den einen oder anderen Durchlauf, um den Überblick zu gewinnen, doch erklimmt „The Pain That Orbits Life“ in weiterer Folge wieder und wieder höchste Höhen. Mitreißender Post-Hardcore, komplexer Alternative Rock und komplett eigene Prog-Visionen, die ans Metallische grenzen, unterstreichen die Klasse des britischen Duos, das jetzt eigentlich durch die Decke gehen müsste.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 08.05.2026
Erhältlich über: Church Road Records

Facebook: www.facebook.com/HaggardCat

(c) Roger Henriksen

Hier ist ein Name, den sich Freude knackiger Riffs merken sollten: Mörkekraft kommen aus dem südlichen Norwegen und haben sich einer Mischung aus Stoner Rock, Hard Rock und düster angehauchter Psychedelia verschrieben, was ihnen unter anderem die Beschreibung ‚depressive Thin Lizzy‘ einbrachte. Ihr erstes Album wurde während zwei Sessions im Vorjahr aufgenommen, inspiriert von nordischer Landschaft und elementaren Themen wie Existenzkämpfen, inneren Konflikten und der Suche nach Bedeutung im Leben. „Fragments“ könnte ihr fuzziger großer Wurf sein.

Wie „Follow The Spiders“ sofort in die Vollen geht, das Tempo etwas anzieht und gleichzeitig sogar groovt, macht Laune. Die kraftvollen Vocals von Tommy Jansen Loennechen gehen direkt ins Ohr, die Rhythmusabteilung arbeitet solide im Hintergrund und das Riff brennt sich ein. Selbst für einen kurzen, hymnischen Chorus bleibt Platz. Natürlich erinnert das an die Urväter des Genres, während das psychedelisch angehauchte Breakdown in der zweiten Hälfte auf ganz andere Weise verzaubert. Danach erhöht „Shine Your Light“ die Schlagzahl unwesentlich, bringt ein wenig Proto-Metal ein und definiert sich über erdrückende Schwere – fast schon schlicht, aber verdammt unterhaltsam.

Mörkekraft ziehen ihren Stiefel konzentriert durch, was ihnen gut bekommt. Der verschwitzte, treibende Sechsminüter „Kaleidoscope“ rockt einfach nur, hat stellenweise etwas von der Ursuppe der NWOBHM, nur um im nächsten Moment wieder Kurs auf die Wüste zu halten. Übersichtliche Variationen des Leitmotivs und konstanter Fluss gestalten das Langformat unterhaltsam. Es passiert eigentlich wenig, doch kriegt man den Song nicht aus dem Kopf. Auch „Virgil“ tobt sich aus, wenngleich in traditionelleren Rock-Gefilden unterwegs. Da bleibt schon mal Platz für das eine oder andere Blues-Riff, bevor sich der Gesang in höchste Höhen schraubt. Kurze instrumentale Ausritte im Schlussakt machen den Giganten über jeden Zweifel erhaben.

Geschickt tanken sich die Norweger durch mehrere Rock-Jahrzehnte und drücken diesen ihren ureigenen Stempel auf. Der Einstand von Mörkekraft hat ein gewisses Faible für Wüstenriffs, was nicht überraschen dürfte, transportiert diese jedoch in ein vielfältiges Heavy-Rock-Umfeld, das von den Wurzeln des Hard Rock über Proto-Metal bis hin zur NWOBHM und darüber hinaus reicht. Mit einem Hauch Blues und Psychedelia on top entwickelt sich „Fragments“ zur Sammlung verschwitzter, mitreißender Songs, wie aus der Zeit gefallen und doch angenehm erfrischend. Das Trio aus dem hohen Norden punktet mit seinem kurzweiligen, exzellenten Einstand auf ganzer Linie.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 08.05.2026
Erhältlich über: Octopus Rising / Argonauta Records

Website: morkekraft.com
Facebook: www.facebook.com/morkekraft

(c) Cristina Fridenand & Kévin Antoine Guimet

Finstere, monolithische, sämtliche Sinne erstickende Klänge aus Portugal – das mag auf den ersten Blick überraschen, sollte angesichts der reichhaltigen musikalischen Tradition des Landes auf der Iberischen Halbinsel (Fado lässt grüßen) aber eigentlich nicht verblüffen. Dennoch lässt der betont atmosphärische Post Metal und Sludge von Thrownness aufhorchen. Aus der Vision von Kévin Guimet, der sich für die erste EP „Marrow“ vor zwei Jahren verantwortlich zeigte, ist mittlerweile eine komplette Band geworden. An der Fortsetzung „Marrow Part II: A Fire Through The Ether“ waren alle Mitglieder beteiligt, wobei Drummer João Fernandes erst nach den Aufnahmen hinzustieß.

Drei überlange Songs fahren mit Anlauf durch Mark und Bein und torpedieren sämtliche Sinne mit ausgesuchter Präzision. Wobei man im Falle des fast zwölfminütigen Openers „Atone Into Rage“ zumindest anfangs an einen Hauch von Idylle glauben kann. Melancholische und doch zart hoffnungsvolle Gitarren arbeiten sich voran, später durch wütende, heisere Schreie ergänzt. Nach und nach setzt die etatmäßige Verzweiflung ein, bäumt sich der Rest der Band auf und erzeugt undurchdringliche Wände, die selbst Neurosis stolz machen würden. Ebbe und Flut werden letztlich zu wichtigen Begleitern, das Arrangement durchlebt kleinere Metamorphosen und lässt die Instrumente in den donnernden, beklemmenden Schlussminuten regelrecht singen.

Damit ist auch relativ schnell klar, wohin die weitere Reise geht. Im Falle von „Coil Wielder“ beginnt diese abrupt und urplötzlich, findet nach noisigen Anfangssekunden schnell in media res und bäumt sich auf. Die suchenden, leicht verstörenden Gitarren schaffen einen überraschenden atmosphärischen Gegenpol mit gewissen Isis-Vibes, bevor überdimensionale Druckwellen erfassen und mit drastischer Wut stellenweise sogar entfernt an Amenra erinnern. Ganz so schmerzvoll und schwarzmetallisch wird es bei den Portugiesen aber nie, auch nicht im abschließenden „White Wind“. Vergleichsweise klassische post-metallische Motive mit ellenlangem Aufbau und kathartischem Plateau, von grantiger Aggression zerschossen, machen sich breit.

Drei Songs in 32 Minuten ist natürlich eine Menge Holz, speziell für eine EP. Über derlei Formatfragen diskutieren Thrownness erst gar nicht und machen einfach. Ihr musikalischer Nachschlag schmerzt tatsächlich, wieder und wieder, auf mitreißende Weise. Natürlich bewegt sich das portugiesische Quintett in vertrauten Gefilden (Cult Of Luna wären eine weitere potenzielle Referenzgröße), schafft sich mit dem Fokus auf Atmosphäre und einem Hauch weniger Aggression zugleich seine eigene Nische, die mit eindrucksvoller Intensität bedient wird. „Marrow Part II: A Fire Through The Ether“ ist ein starker Schritt in die richtige Richtung, profitiert vom umfassenden Band-Input und positioniert Thrownness als Band, die man unbedingt im Blick behalten sollte. Ein Album von ähnlicher Qualität könnte richtig groß werden.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 04.05.2026
Erhältlich über: Raging Planet Records

Bandcamp: thrownnessofficial.bandcamp.com
Instagram: www.instagram.com/thrownness.band

(c) Dave Pluimer

Die hochgradig spannende, recht ungewöhnliche Geschichte von Haste The Day bekommt endlich eine Fortsetzung. In den 2000ern zählte die Band aus Carmel, Indiana zu den wichtigsten christlichen Metalcore-Bands des Landes, löste sich 2011 kurzzeitig auf, meldete sich ein paar Jahre später für ein Album plus Tour mit sämtlichen aktuellen und ehemaligen Mitgliedern zurück, bevor man abermals von der Bildfäche verschwand. Ein umjubeltes Live-Comeback beim Furnace Fest führte schließlich zu neuen Aufnahmen als Sextett, mit „Dissenter“ landet nun die erste Platte seit stolzen elf Jahren.

Wenn nach einem kurzen Intro „Shallows“ aus den Boxen schnellt und mit erst nervösen Gitarren, dann brachialen Wänden alles in Schutt und Asche legt, werden die Nackenwirbel automatisch aktiviert. Stephen Keech hat rein gar nichts verlernt und brüllt sogar noch einen Tacken aggressiver. Der obligatorische hymnische Chorus mit Clear Vocals von Gitarrist Brennan Chaulk darf natürlich nicht fehlen. Der brutale Breakdown passt ebenfalls ins Bild. Wer die etwas brutaleren, drückenden Haste The Day mag, sollte auch an „Gnasher“ seine Freude finden – laut, wütend, etwas unbequem und geht doch sofort ins Ohr.

Die beiden Tracks spielen sogleich sämtliche Songwriting-Stärken des US-Sextetts aus. Erst rattert „Heretic“ in gut zwei Minuten durch, schlägt mit wachsender Begeisterung und technischem Anspruch um sich. Die Apokalypse sackt in sich zusammen und macht Platz für „Escape“, einen wunderbar düsteren und reduzierten Track, der sich über seine intensive Atmosphäre definiert und erst spät abhebt. Dann aber so richtig. In „Liminal“ setzt es Unterstützung von Silent Planet für eine melodische und zugleich leicht chaotische Granate. Die spitzfindige Auseinandersetzung mit vermeintlich religiösen Menschen, die weder Gnade noch Akzeptanz kennen, passt viel zu gut zur (amerikanischen) Gegenwart. Das mächtige, spacige und erstaunlich groovende „Oblivion“ setzt schließlich den fantastischen Schlusspunkt, zäumt das Pferd von hinten auf und lebt trotz gelegentlicher Heavyness von seinen fast spirituellen Melodien, die sich wieder und wieder entladen.

Es mag klischeehaft klingen, passt aber hier wie Arsch auf Eimer: Haste The Day klingen, als wären sie nie weg gewesen. Was aber keinesfalls heißen soll, dass die Metalcore-Veteranen auf der Stelle treten, denn das kann man ihnen nun wirklich nicht vorwerfen. Natürlich widmen sie sich immer wieder klassischen, vertrauten Klängen, bringen aber auch kleine Experimente ein. „Dissenter“ hat seine düsteren, minimalistischen Exkurse, seine brutalen Sprinter, liebt massive Breakdowns und dichte Melodieteppiche. Gute Songs, spürbares Herzblut, kleine Überraschungen und kurzweilige Routine: Haste The Day kehren in bestechender Form zurück, und das dieses Mal hoffentlich dauerhaft.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 01.05.2026
Erhältlich über: Solid State Records (SPV)

Facebook: www.facebook.com/hastetheday

Slider-Pic (c) Dave Pluimer

(c) Andy Ford

Ihr erstes Album veröffentlichten Cage Fight vergleichsweise schnell. Der gleichnamige Einstand aus dem Jahr 2022 der Band um James Monteith von Tesseract war das Ergebnis eines wahren Songwriting-Laufs. Erst danach begann man sich genauer mit dem eigenen Sound auseinanderzusetzen und diesen weiterzuentwickeln. Mit Will Horsman ist ein neuer Bassist an Bord, der gleich Texte zu zwei Songs beisteuerte, zudem wollte man den eigenen Hardcore-Ansatz konzentriert vertiefen. Passend dazu der Titel: „Exuvia“ beschreibt die Haut, die Spinnen, Insekten und andere Tiere abwerfen.

Nach einem ’sicheren‘ ersten Album, wie Monteith es nennt, wollte man sich weiter hinauswagen. Vokalistin Rachel Aspe spricht davon, Herausforderungen zu mögen, und pusht sich und die Band weiter. Tracks wie „Oxygen“ illustrieren eine gewisse Aufbruchstimmung, wiewohl Hardcore und Thrash im Fokus bleiben. Deutlich mehr Dreck, Power, räudige Direktheit sowie eine verspielte, atmosphärische Zäsur mit Klargesang mittendrin lassen aufhorchen. Die Urgewalt von „Pick Your Fighter“ drängt in Death- und Grind-Gefilde. Julien Truchan von Benighted zerlegt das Ding zur Grundreinigung. Dass dahinter ein französischer Popsong als Inspiration steckt, muss man dazusagen.

Während man sich darüber noch wundert, sind Cage Fight längst viel weiter. Das epische „Exuvia“ verbindet den vertrauten Sound mit proggigem Anspruch. Aspe mischt etwas Klargesang unter ihre Growls und wertet den widerspenstigen, abgefuckten Track damit gekonnt auf. Das vorab veröffentlichte „Un Bon Souvenir“ erstrahlt hier in seinem kompletten XXL-Glanz, arbeitet einen eingängigen, hymnischen Refrain heraus und stampft rundherum wütend auf, bevor die erste von unzähligen Wendungen alles durch den Fleischwolf dreht. „Élégie“ überrascht hingegen mit Düsternis, mit Avantgarde-Einschlag und urplötzlichen Deathcore-Eruptionen – brutales und zugleich anspruchsvolles Kopfkino der herausragenden Art.

Ein gewaltiger Leistungssprung liegt zwischen diesem Album und dem eponymen Vorgänger. Cage Fight häuten sich tatsächlich, ohne ihre Vergangenheit gänzlich zu ignorieren, klingen dafür in jeder Hinsicht mächtiger und imposanter. „Exuvia“ liebt seine kleinen epischen Ausreißer, den vermehrten Einsatz von Klargesang und das Spiel mit wechselnder Stimmung. Zugleich geht es um Welten härter, brutaler und brachialer zu Werke, mit vermehrten Grind- und Blast-Ausritten, bevor proggige Synergien übernehmen. Das Quartett aus London zeigt sich in jeder Hinsicht stärker und hat sich als Band endgültig gefunden. Wohin die Reise künftig gehen wird, darf jetzt schon mit Hochspannung erwartet werden.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 01.05.2026
Erhältlich über: Spinefarm Records

Facebook: www.facebook.com/cagefightldn

(c) Damien Denton

In den ersten sieben Jahren ihres Bestehens machten Lair Of The Minotaur kompromisslosen, gerne zähen Krach der herausfordernden Sorte. 2003 in Chicago gegründet, kamen sie nur einen Monat nach ihrem ersten Gig bei Southern Lord unter, danach erschienen vier Alben, drei EPs und diverse Singles, begleitet von Konzerten in Nordamerika und Europa. 16 Jahre nach „Evil Power“ geht es nun doch weiter. Gitarrist / Frontmann Steven Rathbone begrüßt Langzeit-Drummer Chris Wozniak im Line-up, den Bass übernimmt Szene-Prominenz in Form von Sanford Parker (u. a. Twilight, Minsk). „I HAIL I“ erscheint erneut über das bandeigene Label und bewegt sich in vertrautem Fahrwasser zwischen Sludge, Thrash, Death, Doom und Hardcore.

Speziell zu Beginn regiert die Wucht, eine Mischung aus Thrash, Hardcore und sumpfigem Biss. „Emperor Of Dis“ rattert in unter zwei Minuten durch, nähert sich Grind- und Crust-Gefilden an, eskaliert am Stand und führt direkt in den unwesentlich längeren Titelsong, der Urgewalt durch Entschleunigung ausdrückt. Ranzige Gitarren, Sludge-Schwere und späte Beschleunigung finden zusammen, der Himmel verfinstert sich. In „Enthroned In Violence“ dominiert ein hässliches, abstoßendes Riff, nach allen Regeln der Kunst entstellt und so erdrückend wie menschenmöglich gestaltet. In Verbindung mit den Vocals erinnert das ein wenig an die ruhigeren, fast groovenden Experimente von Napalm Death.

Häutungen haben auf diesem Album so und so Methode, wie im wütenden „Family Tree“. Dass der Track im Original von der exzellenten Southern-Gothic-Songwriterin Ethel Cain stammt, muss dazugesagt werden. Lair Of The Minotaur drücken dem Folker ihren eigenen Stempel auf, fahren gefühlt zwei Geschwindigkeitsstufen gleichzeitig und vernichten damit ähnlich wie in „Saturnus Reign“. Bleierne und zugleich explosive Bedrohlichkeit macht Laune. Im abschließenden „Tartarus Apocalypse“ herrscht hingegen Entschleunigung. Doom und Sludge nehmen mehr als sieben Minuten lang das Heft fest in die Hand und strahlen unheilvolle Bedrohung aus.

Nach zehn Songs in einer halben Stunde ist schon wieder Schluss, was gewiss kein Fehler ist. Denn „I HAIL I“ schüttelt durch, torpediert das Seelenleben mit wachsender Begeisterung, wiegt im Schlussakkord beinahe in den Schlaf und bereitet doch die nächste Attacke vor. Ein im besten Sinne widerwärtiges Comeback-Album ist das exzellente Ergebnis. Lair Of The Minotaur toben sich aus, packen verkrustete Dreckschichten auf ihren Sound und kotzen sich richtig schön derb aus. Auch nach langer Pause bleibt das US-Trio in bestechender Form und bereitet schöne Schmerzen, passend zur Welt um sie herum.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 01.05.2026
Erhältlich über: The Grind-House Records

Website: lairoftheminotaur.bandcamp.com

(c) Chad Kelco

Die überaus fleißigen -(16)- arbeiten weiterhin an ihrem Legendenstatus und schütteln in schöner Regelmäßigkeit bekömmliche bis überfordernde Sludge-Kost aus dem imaginären Ärmel. Nur 15 Monate nach „Guides For The Misguided“ gibt es Nachschub vom US-Quartett, wenngleich etwas anders als sonst. Die Kalifornier covern nämlich für ihr Leben gern und haben das Ergebnis auf ein Album gepackt. „Forgeries Volume 1, 1972 – 1984“ tankt sich in elf Kapiteln durch die Rock- und Metal-Geschichte.

Manche Songs kommen alles andere als überraschend, darunter „St. Vitus Dance“ von den Metal-Urvätern Black Sabbath. Bleierne Schwere, verschwitzter Groove und präzises Riffing schlagen mit wachsender Begeisterung um sich, die Vocals kommen überraschend zögerlich aus den Untiefen des Arrangements. Dass es keiner der erwarteten schwerfälligen späteren Black Flag-Songs sondern „Beat My Head Against The Wall“ geworden ist, lässt zumindest etwas aufhorchen. Geschickt variieren -(16)- das Tempo, lassen wiederholt eskalieren und reizen doch gewisse fast-melodische Glanzmomente aus.

Und dann ist da noch „Tragedy“ von den Bee Gees. Der Disco-Klassiker wurde auf beinahe sieben Minuten ausgedehnt und in erwarteter Sludge-Doom-Manier entstellt. Bleierne, sägende Schwere und geifernde, brutale Vocals zerlegen den Track in seine Einzelteile. Dennoch bleibt der Refrain unkaputtbar und lässt sich auch in dieser Version prima mitsingen. „Cities On Flames With Rock And Roll“ von Blue Öyster Cult“ lässt -(16)- hingegen so bluesig wie selten klingen. Auch das steht ihnen richtig gut zu Gesicht – furztrocken und erdrückend zugleich. Hingegen rast der Scorpions-Track „Can’t Get Enough“ mit punkiger Wucht durch und erschlägt im Vorbeigehen ein wenig.

Letztlich zeigen -(16)-, wie ein gutes Cover-Album im Idealfall klingen kann. Die Vorlagen bleiben erkennbar, werden aber keinesfalls stur heruntergespielt. Zugleich drückt das Quartett ihren Versionen hörbar den eigenen Stempel auf, erschafft etwas Neues und schlägt doch die Brücke zu den längst vergangenen Tagen der Originale. All das macht „Forgeries Volume 1, 1972 – 1984“ sehr unterhaltsam, fast wie eine reguläre Platte der Kalifornier und doch zugleich stets sein eigenes Biest. Eine Fortsetzung in ähnlicher Form wäre mehr als willkommen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 01.05.2026
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/16dropout

(c) Chuck Brueckmann

Wenige Bands zeigen sich so beständig und unkaputtbar wie Sevendust. Von einem vierjährigen Intermezzo abgesehen, spielt das Quintett seit über 30 Jahren in derselben Besetzung, platzierte drei Alben in den US Top 15, heimste hunderte Millionen Streams ein und verkaufte fast acht Millionen Platten. Was kann man da vom mittlerweile 15. Studioalbum noch erwarten? Gewohnte Kost, und das freilich im besten Sinne: „One“ betont die Einheit einer Band, die laut eigener Aussage während den Arbeiten an dieser Platte tatsächlich noch enger zusammenrückte.

Ein gewohnt wuchtiger Opener lässt zu Beginn aufhorchen: Der Titelsong „One“ bringt alles mit, was man sich von Sevendust erwartet. Irgendwo im Grenzbereich zwischen Rock und Metal bildet sich ein Bollwerk mit düsteren Untertönen. Lajon Witherspoons Stimme ist immer noch großartig, der melodische Refrain brennt sich direkt ein und die beißenden Riffwände ringsum machen Laune. Auch für ein kurzes Gitarrensolo bleibt Platz. Im direkten Anschluss erhöht „Unbreakable“ die Schlagzahl minimal, bleibt im Grunde seiner Formel jedoch treu – hymnisch, kraftvoll, mit der nötigen Heavyness und einer feinen, butterweichen Hook versehen.

Sevendust treten in weiterer Folge einen souveränen, unterhaltsamen Siegeszug an. Das derbe, beklemmende „Bright Side“ ist ein ausgesprochenes Highlight, mit schwerfälligen und verspielten Strophen sowie einem gequälten Hauptteil, der trotz seiner feinen Gesangsmelodie richtig schön unbequem wird. Zunehmende metallische Wucht macht Laune. „Misdirection“ macht seinem Namen alle Ehre, täuscht balladeske Klänge an und nimmt nach knapp zwei Minuten Fahrt auf. Ruhige Zäsuren, dichte Texturen und Alternative-Charme harmonieren prima miteinander. „Is This The Real You“ hat etwas von Rock-Radio, dockt schon mal bei Alter Bridge und Konsorten an, trägt dabei aber stets die unverkennbare Sevendust-Handschrift.

Und die schimmert in den gesamten 40 Minuten durch, ob verspielte Finsternis, radiotaugliche Hook oder schwermetallische, moderne Gitarrenwand. Sevendust bewegen sich mehr als souverän durch vertraute Gefilde, versuchen ab und an ein paar Kleinigkeiten, und knüpfen letztlich doch nahtlos an ihre letzten Platten an. Das mag sich überraschungsarm lesen, macht aber zugleich verdammt viel Laune. Jeder der zehn Tracks auf „One“ geht ins Ohr, in die Beine, strapaziert die Nackenwirbel, schnürt die Kehle zusammen und rückt zugleich eine der besten Rock- und Metal-Stimmen der Gegenwart ins verdiente Rampenlicht. Auf mindestens fünfzehn weitere Platten, bitte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 01.05.2026
Erhältlich über: Napalm Records (SPV)

Website: sevendust.com
Facebook: www.facebook.com/sevendustofficial

(c) Ester Segarra

Am 16. September 2025 verstarb Tomas Lindberg an den Folgen seiner Krebserkrankung. Er wurde nur 52 Jahre alt. Bereits im Jänner 2024, einen Tag vor einer wichtigen Operation, hatte er seine Vocal-Parts für ein neues Album von At The Gates fertiggestellt, die komplette Platte war Mitte 2024 fix und fertig abgemischt und wurde in der Hoffnung auf gesundheitliche Besserung zurückgehalten. Ob und wie es für die Melodic-Death-Urväter weitergeht, ist noch offen. Mit „The Ghost Of A Future Dead“ erscheint ein Werk, auf dass die Göteborger Legenden mehr als stolz sein können.

Durch die Rückkehr von Anders Björler war das Traum-Line-up von „Slaughter Of The Soul“ wieder zusammen, nach dem vergleichsweise experimentellen und düsteren „The Nightmare Of Being“ wollte man bewusst wieder in diese etwas klassischere Richtung gehen. Wie das eröffnende „The Fever Mask“ aus den Boxen schießt, ein wenig Blei anrührt und gequälte Melodien nebst kompromisslose Härte steht, macht Laune. Lindberg schreit sich die Seele aus dem Leib und macht seine Sache verdammt gut. Dass eine seiner besten Vocal-Performances ausgerechnet in „The Unfathomable“ (dt. „Das Unbegreifliche“) zu hören ist, jagt kalte Schauer über den Rücken.

Reine, puristische Melodic-Death-Action gibt es von At The Gates selbstverständlich nicht, denn die kleineren Experimente seit dem Comeback schwingen weiterhin – in etwas kleinerem Rahmen – mit. „In Dark Distortion“ hat tatsächlich eine gewisse Finsternis für sich gepachtet und überrascht mit einer Prise Post Punk in den Strophen, während das fulminante „Det Oerhörda“ samt Orgel-Intro pure Beklemmung erzeugt. Bis zum abschließenden „Black Hole Emission“ regiert Hochstimmung, auch in diesem kantigen Melodic-Death-Rausschmeißer, dessen atemlose Hektik und eindringliche Melodik nicht loslässt.

Tatsächlich fällt es alles andere als einfach, Lindberg mehr als ein halbes Jahr nach seinem viel zu frühen Tod zu hören. Nicht etwa, weil er nicht auf der Höhe wäre, sondern weil sein Fehlen im Laufe dieses Albums mehr als bewusst wird. Die Vocals sind richtig stark geworden, wie auch alle anderen Aspekte. Tatsächlich könnte „The Ghost Of A Future Dead“ die beste Platte von At The Gates seit ihrer Rückkehr sein. Das bewusste Eingehen auf alte, vertraute Qualitäten, der massive Sound und die kleinen, aber feinen modernen Einflüsse und finsteren Elemente finden richtig gut zusammen. Am Ende bleibt nur Dankbarkeit. RIP Tompa.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.04.2026
Erhältlich über: Century Media (Sony Music)

Facebook: www.facebook.com/AtTheGatesOfficial

Slider-Pic (c) Ester Segarra

(c) Adrianne Drewniak

Für bekömmliche Core-Ausraster ist bei Roman Candle immer Platz. Das Quartett aus Las Vegas erspielte sich schnell ein lokales Publikum mit einem kompromisslosen Screamo-Ansatz, der gleichermaßen brachial, komplex und unnachgiebig ausfällt. Mittlerweile stehen etwa drei Millionen Streams zu Buche, mit Sumerian Records wurde zudem ein kongenialer Partner gefunden. Das erste komplette Album „Unadulterated“ überrollt mit aggressiver Musik und verletzlichen Lyrics.

Die schiere Intensität dieser zwölf Songs sorgt für wiederholtes Staunen. Tracks wie „This Band Has Lead Me To Places I Wouldn’t Go With A Gun“ bemühen pure Überforderung, lassen erst den Bass grollen, bevor die US-Band Fahrt aufnimmt, ein paar Math-Elemente hinzunimmt und wiederholt am Stand ausrastet. Hauptaugenmerk gilt Piper Ferrari, aus deren Stimmbändern schier Unmenschliches quillt, während intensive Texte auf eine gänzlich andere Reise mitnehmen. Urplötzliche Zäsuren und Zwischensprints mit Grind-Beigeschmack machen ebenso Laune. Das schiefe Grinsen von „I Can’t Stop Winning“, das sogar so etwas wie melancholische Melodik andeutet und diese doch im Keim erstickt, macht ebenfalls Laune.

Ist „On Second Thought Maybe Gaslighting Is Real“ tatsächlich eine Ballade geworden? Nein, die fast folkigen ersten 30 Sekunden täuschen doch ’nur‘. Aus dem Nichts erfassen überdimensionale Druckwellen, schneiden die Luft ab und werden in weiterer Folge von unheilvollen Spoken-Word-Parts gekrönt. Die Hoffnung von „Can We Watch Something Happy?“ erfüllt sich nicht, wenngleich etwas klassischere Screamo- und Hardcore-Einflüsse hier angenehm durchkommen. Die gibt es auch im schwerfälligen Finale „How To Be Considered When You’re Not In The Room“, das sich wiederholt selbst unterbricht, ins Stolpern gerät und doch nie strauchelt. Im fast durchgehenden Versuch, Fassung zu wahren, steckt erstaunliche Kraft.

Das hier ist ganz schön starker Tobak und zugleich verdammt gut. Hier steckt ordentlich Screamo-Energie drinnen, ein wenig Scenester-Charme der 2000er und zugleich ordentlich Herz. Roman Candle verwandeln dieses in eine Mördergrube, machen sich verwundbar und garnieren diesen Anflug von Intimität mit lautmalerischem Chaos. „Unadulterated“ widmet sich vor allem der chaotischen Seite des Genres, rabiat und überfordend, zugleich bärenstark von der ersten bis zur letzten Sekunde. Eine überfordernde halbe Stunde später tänzeln Schweißperlen um den imaginären Pit in der Magengrube – ein Einstand nach Maß.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.04.2026
Erhältlich über: Sumerian Records

Instagram: www.instagram.com/romancandlex

(c) Sean Stiegemeier

Seit der Trennung von Alex Varkatzas, der mittlerweile mit Dead Icarus unterwegs ist, befinden sich Atreyu im Wiederaufbau-Modus. Drummer Brandon Saller wechselte an vorderste Front für den (Klar-)Gesang und Keyboards, Kyle Rosa übernahm den Posten hinter der Schießbude. Seither erschienen zwei Alben, auf denen sich das Quintett in seiner runderneuerten Besetzung zu finden versuchte, wenngleich mit gemischten Ergebnissen. „The End Is Not The End“ hat etwas von einer Kampfansage und fällt zugleich deutlich wuchtiger als zuletzt aus.

Das nach einem kurzen Intro platzierte „Dead“ war der erste für dieses Album geschriebene Track und setzt sogleich beeindruckende Energie frei. Mächtig Druck ab der ersten Sekunde und Sallers wütende Screams treiben das Tempo in höchste Höhen und zerlegen alles mit wachsender Begeisterung. Der hymnische Chorus passt ebenso ins Bild und siedelt den Track in einem eigenwilligen Metalcore-Bereich an, wie ihn nur Atreyu beherrschen. Wer auf eingängige Härte mit finsteren Untertönen steht, sollte „Death Rattle“ leben. Die zähe Heavyness fährt durch Mark und Bein, bevor die nächste überlebensgroße Melodie alles in die Knie zwingt.

Natürlich geht es auch ganz anders – wie in „Wait My Love, I’ll Be Home“, das gerne mal ein wenig cheesy in Richtung Power-Ballade unterwegs ist, dabei aber richtig schön ins Ohr geht. Oder „All For You“, das perfekt zum Modern-Rock-Ansatz von „Baptize“ passt, ein wenig in Richtung Stadion drängt und rund um den packenden Refrain ordentlich Gift und Galle auspackt. Am anderen Ende des Albums setzt „Break The Glass“ ein weiteres Mal zum Vollsprint an, krallt sich sogar das eine oder andere Thrash-Riff, bevor Sallers mächtige Vocals erneut mitten ins Herz treffen. Die finstere Fragilität des wiederholt explodierenden „Ghost In Me“ ist ebenfalls nicht von schlechten Eltern.

Ein paar kleinere Wiederholungen gibt es natürlich, keine Frage, doch selbst in vergleichsweise formelhafteren Metalcore-Gefilden zeigen sich Atreyu von ihrer besten Seite. Nach einer kleineren qualitativen Talsohle markiert „The End Is Not The End“ die Rückkehr in kurzweiligere Gefilde. Die zusätzliche Härte hilft natürlich, keine Frage, doch scheint sich das Quintett nun endlich wieder gefunden zu haben. Hier machen die Songs Laune, die Dynamik stimmt, die Hooks lassen nicht los und die vertrauten, eigentümlichen Experimente gehen durch die Bank auf. Atreyu melden sich mit einer ihrer stärksten Platte seit Jahren zurück.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.04.2026
Erhältlich über: Spinefarm Records

Facebook: www.facebook.com/Atreyu

(c) Mark Miller

Terror als lebende Hardcore-Legenden zu bezeichnen, wird dem kalifornischen Quintett kaum gerecht. Kommendes Jahr darf 25. Geburtstag gefeiert werden, doch so lange wollen Scott Vogel und Konsorten auf keinen Fall warten. Einmal mehr unter der Regie ihres ehemaligen Gitarristen Todd Jones aufgenommen, nimmt ihr Flatspot-Einstand „Still Suffer“ keine Gefangenen. In zehn gewohnt mächtigen Kapiteln geht es um die Stärkung des Selbst, ums Überleben und um den Willen, sich Herausforderungen direkt in den Weg zu stellen.

„Erase You From My World“ eröffnet mit Donnergrollen und zähen Drums. Vermeintliche Doom-Ausritte weichen aber schnell drückendem Hardcore, nach etwa einer Minute starten die US-Veteranen durch und servieren gewohnt wütende Kost. Vogel schreit und brüllt in Bestform, der Hauptteil brennt sich sofort ein und der Mini-Breakdown vor dem viel zu frühen Ende macht Laune. Danach nimmt sich der Titeltrack „Still Suffer“ etwas mehr Zeit, variiert das Tempo mit wachsender Begeisterung und führt direkt zum nächsten großen Schlachtruf. „Promised Only Lies“ rundet das furiose Eröffnungstrio gekonnt ab, schraubt das Tempo nach oben und rattert in 83 rastlosen Sekunden durch.

Ebenfalls Laune macht ein Blick auf die Gästeliste. Jay Peta von Mindforce taucht in „Beauty In The Losses“ auf, das nach einem seltsamen Interlude die Fäuste schwingt. In „Deconstruct It“ geben sich Dan Seely von King Nine und Brody King (obligatorisches ‚Fuck ICE!‘) von God’s Hate ein Stelldichein. Das verschleppte Finale ist großes Kino, das mehrminütige Bonus-Outro mit Sprachnachrichten (?) und zurückgelehntem Beat hätte es vielleicht nicht gebraucht. Dafür räumt „Fear The Panic“ ab. Kein Geringerer als Chuck Ragan von Hot Water Music steigt in den Ring für eines der unbestrittenen Highlights dieses Albums.

Letztlich servieren Terror gewohnt starke Kost – ob alleine oder mit Mitstreitern. „Still Suffer“ knüpft gekonnt an die mächtigen letzten Platten an und konzentriert sich auf Hardcore in Reinkultur, so wie man sich das von den Kaliforniern erwartet. Ja, angesichts des langen Outros fallen diese knapp 28 Minuten gefühlt sogar noch ein wenig kürzer aus, dafür gibt es ansonsten keine nennenswerten Schwachstellen zu erkennen. Einfach nur ordentlich Energie, Motivation, Miteinander, schwingende Fäuste und Gemeinschaft mit möglichst scharfen Kanten. Terror bleiben Terror und fügen ihrer illustren Diskographie ein weiteres mächtiges Kapitel hinzu.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.04.2026
Erhältlich über: Flatspot Records (Cargo Records)

Website: sticktight.la
Facebook: www.facebook.com/terrorhardcore

(c) Mike Schubert

Vor zwei Jahren verließ Gitarrist Sebastian Görlach Décembre Noir und suchte nach einem kreativen Neustart, wollte zur Essenz dessen zurückkehren, was ihn einst zum Metal brachte. Avertat bringen den holistischen Ansatz seiner früheren Band mit den eigenen musikalischen Wurzeln zusammen. Es geht weiterhin um Death Doom im weitesten Sinne, um Finsternis, Aussichtslosigkeit, Wucht und schonungslose Ehrlichkeit. Den Gesang übernimmt Enrico Langguth, der keinen Metal-Background hat, was man allerdings dazusagen muss. „Dead End Life“ sorgt mit Anlauf für beklemmende Furore.

Der Vorbote „[7]“ bringt diesen eigentümlichen und doch gewissermaßen vertrauten Ansatz auf den Punkt. Nach einem ellenlangen, filigranen Intro legen wütende, dynamische Drums und unbequem sägende, singende Gitarren los. Langguths Clear Vocals fallen im besten Sinne aus dem Rahmen, tragen große Gefühle in jeder Note und glänzen zudem durch Vielseitigkeit. Görlach kümmert sich um die Growls und komplettiert den mächtigen Mix. Das war aber bestenfalls der Anfang, denn mittendrin stellt das Duo den Track auf den Kopf, erhöht das Tempo gewaltig und setzt auf überwiegend wütenden (Melodic) Death Metal, der alles zu Kleinholz verarbeitet. Kurze Verschnaufpausen täuschen über den eigentlichen Wahnsinn hinweg.

Und der breitet mehr und mehr seine unheilvollen Fänge aus. Majestätisch rollt beispielsweise der Gigant „My Blood“ an, tankt sich zunächst durch beklemmenden Dark Metal, der mit dichten Wolken die Sonne verhüllt und doch auf erstaunliche Weise zu funkeln vermag. Zwar sorgen die Growls wiederholt für die etatmäßige Härte, doch glänzt dieser Monolith vor allem durch die ganz feine Klinge. Im direkten Anschluss schraubt „The Sea“ den Härtegrad deutlich nach oben, packt Blasts en masse aus und wirkt auf melodischer Seite erstaunlich unterkühlt. Auch diese Facette steht Avertat gut zu Gesicht.

Knapp 40 Minuten lang vermag das Duo zu glänzen. Natürlich drängen sich gewisse Vergleiche mit Décembre Noir auf, keine Frage, aber auch mit Giganten wie Swallow The Sun und The Man-Eating Tree. Die Summe der einzelnen Teile macht richtig viel her – mehr als ordentliches Songwriting, gekonntes Spiel mit Emotionen und Stimmungen, dazu feine Growls und ein verdammt guter Sänger. „Dead End Life“ fällt zugleich brachial und unnahbar aus, aber auch intim und filigran, begleitet von unzähligen Zwischenstufen. Death Doom für Fortgeschrittene inklusive Blick über den Tellerrand – ein mehr als vielversprechender Einstand.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.04.2026
Erhältlich über: Lifeforce Records (SPV)

Facebook: www.facebook.com/people/Avertat/61583501705970

(c) @wucheyneclan

Armed For Apocalypse sind trotz aller Rückschläge glückliche Menschen, die hässliche Musik machen. Das passt gewissermaßen zu einer Gegenwart, die von einer steten Hässlichkeit mehr als geprägt ist, deren Widerwärtigkeit sich nicht von der Hand weisen lässt. Auf ihrem vierten Studioalbum vertont das Quartett aus Kalifornien stete Gefühle von Furcht, Verwunderung und Grauen, während sich alles rundherum in steter Bewegung befindet. „The Earth Is Breathing Beneath Me“ thematisiert Rastlosigkeit auf monolithische Weise.

Schrill aufheulende Gitarren (einmal mehr produzierte Kurt Ballou von Converge) führen zu grässlichem Grollen: „Drown“ eröffnet mit einer gemächlich eskalierenden Wand, die näher und näher kommt. Brutale Schwere und Cayle Hunters giftige Vocals überrollen förmlich. Selbst desolate Riffansätze können nicht entschärfen. Im direkten Anschluss zieht „Ashes Of The Night“ mit ausgesuchter Präzision noch weiter in den Sumpf. Undurchdringliche Sludge-Heavyness, eine furiose Rhythmusabteilung und bestenfalls minimale Variationen führen ans Limit. Erneut tauchen kurze, schmerzhafte lichte Momente auf, verschwinden aber schnell wieder.

Dieser Wahnsinn setzt sich fort, wenngleich Armed For Apocalypse nach und nach in Dynamik investieren. Wie in „Immortal“, dessen zweite Hälfte doomig ausschlägt und mit beklemmender Schwere fast so etwas wie Hoffnung macht. „Bathed In A Tepid Pool Of My Own Filth“ ist alleine ob seines Titels grandios und als noisiges, endloses Instrumental der Höhepunkt des kompletten Wahnsinns. Laufende Eskalationen hat auch „Fists Like Feathers“ für sich gepachtet, ebenso wie wiederholte kleine Verschnaufpausen, die kurzzeitig differenziertes Auftreten andeuten. Und dann ist da noch der Titelstück, eine konsequente Öffnung in Richtung Post Metal mit anmutiger zweiter Hälfte, fast hymnischen Passagen und geschickt platzierten Sollbruchstellen.

Möglichst konsequente Überforderung macht die unmittelbare Hässlichkeit der Gegenwart und nahen Zukunft mehr als greifbar. Armed For Apocalypse sehen sich als Mitfahrende auf den oft unverständlichen Wegen der sich ewig verschiebenden Erdkruste und dokumentieren diese in aller gebotener Schwere. „The Earth Is Breathing Beneath Me“ fällt sogar noch einen Tacken brutaler und hässlicher als zuletzt aus, bietet zugleich kleine Momente der Hoffnung, sucht nach dem Silberstreif am Horizont und findet doch oft nur mehr Dreck und Widerwärtigkeit. Keine Platte für schwache Gemüter, wohl aber ein absolutes Post-Sludge-Highlight: Armed For Apocalypse bleiben auf wundersame Weise eigentümlich und hochgradig faszinierend.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.04.2026
Erhältlich über: Church Road Records

Facebook: www.facebook.com/armedforapocalypse

(c) Banshies / The Prestige

Ein Geheimtipp aus der französischen Hauptstadt will die Post-Hardcore-Welt durcheinanderwirbeln. Wobei es eigentlich schwer ist, The Prestige in eine Schublade zu stecken. Ihr Sound lebt von Chaos, von Dynamik, von brachialer Wucht, brütender Heavyness und gelegentlichen lichten Momenten. Auf ihrem dritten Album betrachten sie die kleinen, stillen Veränderungen, die das Leben prägen: Trauer, Trennung, Geburt, Zweifel und Erneuerung. Hinter diesen universalen Weisheiten und elementaren Extremen bereitet „Isthmos“ ein immersives Happening auf.

Wie „Debris“ in media res startet und mit derben, zermürbenden Druckwellen alles erschüttert, ringt Respekt ab. Der furiose, chaotische Hardcore-Ansatz verschiebt sich mehr und mehr ins Metallische, überfordert mit wachsender und präziser Begeisterung. Und dann, nach einer halben Minute, taucht Klargesang aus dem Dickicht auf, wie ein gleißend helles Licht, und verbreitet kurz Hoffnung. In weiterer Folge durchlebt der Track mehrere kleine Metamorphosen, stets einer gewissen apokalyptischen Grundstimmung nah, zwischen melodischen Ansätzen, Sludge-Wut und purer Aggression.

Ähnliche Fäden spinnen sich weiter und weiter. Der pure Hass, den „Noire Nuit“ zu Beginn verbreitet, fährt mit Anlauf durch Mark und Bein. Stellenweise nähert man sich sogar der Härte von Cult Of Luna an, nur um wiederholt diese kleinen, kurzen feinsinnigen Passagen einzubinden und gequälten Gesang mit einem Hauch frühe Underoath mitzunehmen, bevor Breach-Wände alles in Schutt und Asche reißen. Am Rand der Dauereskalation meditiert „Rose Du Désert“ mit erstaunlich progressiven Tönen, mit Post-Rock-artigen Aufbauten und bewegender, beklemmender Intimität. Natürlich wird die zweite Hälfte deutlich wütender, holt sich sumpfigen Sludge hinzu, und behält dennoch eine gewisse Anmut bei, die unter die Haut geht.

Komplette, radikale Überforderung mit breitem Pinsel und feiner Klinge: Gegensätze ziehen sich auf diesem dritten Album des Pariser Quartetts hörbar an. Ihren Post-Hardcore verändern The Prestige einmal mehr, wenngleich konzentriert und auf Raten. Ein deutlich wütenderes, chaotischeres Gesamtbild dominiert diese 40 Minuten und überfordert mit delikater Präzision. „Isthmos“ versteht sich als stetes Auf und Ab, hörbar von den eingangs erwähnten Extremen geprägt, arbeitet diese minutiös genau auf und zerlegt alles mit wachsender Begeisterung. So geht Wahnsinn der gehobenen Art.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 24.04.2026
Erhältlich über: Banshies

Facebook: www.facebook.com/wearetheprestige

(c) Crippled Black Phoenix

Seit vielen Jahren begleitet Trauma in den verschiedensten Formen die Musik von Crippled Black Phoenix, bemüht sich um intensive Auseinandersetzung, um Bewältigung, will sich ab und an einfach nur Luft machen. Was aber bleibt davon? Die Erschöpfung, die Erinnerung und das Schuldgefühl des Überlebenden zeichnen eine emotionale Mördergrube aus, schwer in Worte zu kleiden und doch alles überlagernd. „Sceaduhelm“ handelt vom Schmerz und der Anspannung, von Narben und Endlosschleifen ewiger Schuld.

Einmal mehr schrieb Justin Greaves sämtliche Songs und wies diese nachträglich ’seinen‘ drei Stimmen Belinda Kordic, Ryan Patterson und Justin Storms zu – je nachdem, wer besser für die jeweiligen emotionalen und psychologischen Themen geeignet war. Entsprechend vielschichtig und herausfordernd gestaltet sich diese Platte, zur Überraschung von wohl niemandem. Nicht nur aufgrund seiner Spielzeit von achteinhalb Minuten zählt „No Epitaph / The Precipice“ zu den wichtigsten neuen Songs. Die Art und Weise, wie sich der Track von Dark Folk mit Ryan Pattersons Grabesstimme zu Post Rock mit Prog-Einflüssen, dezenter Gothic-Atmosphäre und abschließender Eskalation verwandelt, reißt von den Sitzen. Das giftige, wilde Post-Punk-Finale ist mehr als unterhaltsam geworden.

Tatsächlich macht sich diese Spielweise für dichte emotionale Texturen verdammt gut. Wie in „Under The Eye“, dessen schleppende Nachdenklichkeit mit leidendem Weltschmerz, Klavier und reduzierten Gitarrentönen unter die Haut geht. Oder „Vampires Grave“, ein kantiger Dark-Rock-Stomper, der mehr und mehr Fahrt aufnimmt, nur in seinen bedrohlichen Zäsuren in betonter Gemächlichkeit zu entgleisen. Das forsche, unmittelbare „Ravenettes“ bringt gequälte Töne mit, lässt Kordic zur beschwörenden Kraft aufsteigen, die sämtliche Fäden in der Hand hält und dabei dem Wahnsinn verfällt. Auch das erst hoffnungsvolle, später wütende und frustierte „Beautiful Destroyer“ geht unter die Haut. Die zunehmende Selbstzerstörung in der zweiten Hälfte, dieser Abstieg in Richtung Wahnsinn – großes Kino.

Der etwas andere und doch vertraute Ansatz steht Crippled Black Phoenix gut zu Gesicht. Eine relativ neue Perspektive auf die Themenkreise ihrer jüngsten Alben verspricht frischen Wind und erdrückt mit seiner Schwere wieder und wieder. Das überaus dichte, repressive Gesamtkunstwerk überfordert mit Nachdruck. Greaves schreibt weiterhin starke Songs, die etwas mehr Dreck und Würze mitbekommen haben, setzt seine Stimmen und Mitstreiter gekonnt ein, und meditiert zugleich über zerstörerischen Schuldgefühlen, die sich nur schwer bewältigen lassen. All das sorgt für ein echtes Highlight im ohnehin großartigen Katalog dieses Kollektives und unterstreicht die Ausnahmeklasse von Crippled Black Phoenix ein weiteres Mal.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Season of Mist (SPV)

Facebook: www.facebook.com/CBP444

Slider-Pic (c) Espen Ixtlan

(c) Avon / Go Down Records

Wer sich nach einem Track von der allerersten Queens Of The Stone Age-Platte sowie frühen Desert Sessions-Releases nennt, muss Wüstenrock im Blut haben. Bei Avon kommt das wenig überraschend, denn neben Gitarrist und Sänger James Childs von den viel zu früh aufgelösten Airbus und Bassist June Kato (u. a. Kato & Earth) schwingt der ehemals bei Kyuss und den Queens tätige Alfred Hernández die Drumsticks. Nach etwas längerer Studiopause erscheint mit „Black On Sunshine“ ihr mittlerweile drittes Studioalbum.

Und das wird weitestgehend schnörkellos und unmittelbar abgearbeitet – bei zehn Songs in gut 32 Minuten kein Wunder. Stattdessen setzt es Stoner-Gitarren, treibenden Rock und wütenden Drive dahinter. Der eröffnende Titelsong „Black On Sunshine“ braucht nur ein mächtiges Drumintro und ein zackiges Riff, um abzuheben. Das getragene Tempo, der wuchtige Sound und ein letztlich auf die Basics reduzierter Track machen Laune. Im direkten Anschluss gibt sich „Awkwardness“ ein bisschen verspielter, lässt die Gitarre reiten und den schwerfälligen Bass wichtige Arbeit verrichten. Natürlich erinnert das an diverse frühere Bands der Beteiligten, wenngleich das Gitarrensolo prima abhebt.

Nur selten brechen Avon aus diesem bewusst reduzierten Rahmen aus. Wie im dröhnenden „Nineteen Bruises“, das in seiner verschwitzten, entschleunigten Heavyness ordentlich Blues mitbringt und zugleich einen Hauch von Psychedelic Rock anspielt. Letzteres setzt es auch in „Spacebar“, getragen von einem süffigen Wüstenriff und der vielleicht besten Gesangsperformance des gesamten Albums. Vergleichweise wütende, direkte Tracks, wie die leicht verpeilte Uptempo-Schlacht „Strangest Love“, das drückende bis schwülstige „Bandits“ sowie der mit Hardcore, Punk und Metal flirtende Rausschmeißer „Oblivion“, machen ebenfalls richtig Laune.

Selbstverständlich werden wieder und wieder Erinnerungen an diverse Wüstengrößen wach, das lässt sich kaum vermeiden. Stellenweise könnte man sogar glauben, Hernández dockt bei seinem früheren Arbeitgeber an. Und doch würde das Avon nie auch annähernd gerecht werden. Ja, die sehr kompakten, direkten und auf grundlegende Instrumentierung reduzierten Desert-Tracks haben etwas Vertrautes an sich. Gerade im Langformat, aber auch durch Childs‘ starken Gesang und Katos immer wieder herausfordenden Bass-Parts setzt es eine stimmige, vielschichtige und verspielte Platte, die Live-Charme mit Bock auf Musik vermischt. „Black On Sunshine“ gewinnt vielleicht keinen Originalitätspreis, serviert dafür exquisite Kost von der ersten bis zur letzten Minute, ohne ein Gramm Fett zu viel.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Go Down Records

Website: www.avondesertrock.com
Facebook: www.facebook.com/Avonband

(c) Conor Bradley / Black Mantra Photography

Vor etwa zwei Jahren hatte sich Alex Vinci mit dem Gedanken beschäftigen müssen, ein letztes Mal zu touren. Bloß zehn Tage vor einer Konzertreise durch Europa mit The Last Vinci war bei ihm eine chronische Krankheit festgestellt worden. Der Rückhalt seiner Frau und seiner sechs Kinder half ihm letztlich dabei, einen neuen Zugang zum Alltag und zur (kreativen) Arbeit zu finden, die für ihn funktioniert. Vincis Frau gab ihm folgenden Rat mit auf den Weg: „Take it 15 minutes at a time“. Dieses Leben und Planen in Viertelstundenabschnitten wurde zum Mantra und Titel für das neue Album seiner Band: „15 Minutes At A Time“.

Nach dem bewusst kollaborativen Vorgänger geht es dieses Mal mehr denn je um den eigenen Sound und die eigene Story. Und das sorgt für zahlreiche packende Songs, darunter das wüste „Living Certified Disaster“, das nach Antworten sucht, sich zu berappeln versucht und von drückender, metallisch angehauchter Wucht begleitet wird. Stellenweise erinnern die Iren sogar etwas an eingängige Therapy? und erzeugen damit einen starken Kontrast zu den ruhigen, nachdenklichen Nummern. Dazu zählt der Fünfminüter „Everything Behind“, der wie eine Power-Ballade auftritt und spät abhebt, oder das bewegende, folkig-verspielte Duett „Moon Lullaby“ am Ende des Albums.

Wer die mit Stoner flirtenden Riffs vermisst, wird beispielsweise in „Better To Never Know“ fündig. Der legere, abgehangene Wüsten-Sound trifft auf kraftvollen Alternative Rock, geht mit wachsender Begeisterung nach vorne und lässt selbst in eingängigen Momenten die Muskeln spielen. Ähnliches vollbringt das betont laute, übersteuerte „Begging For Some Help“, das stellenweise wie der Fall in eine bodenlose Spirale des Schreckens anmutet und dabei eine knackige Hook aus dem Ärmel schüttelt. Das furiose „Unbalanced Unaddressed“ packt hingegen wieder den Desert-Sprint aus und treibt den Track regelrecht vor sich her. Auch das steht dem Trio aus Cork gut zu Gesicht.

Ein berührendes, energiegeladenes Album später darf man sich über The Last Vinci in Bestform freuen und von Alex Vinci höchst beeindruckt zeigen. Die schiere Kraft und Energieleistung hinter dieser Platte ringen Respekt ab, von der musikalischen Vielfalt ganz zu schweigen. Denn „15 Minutes At A Time“ bringt einige der ruhigsten und fragilsten Momente mit, nur um im nächsten Moment mit wachsender Begeisterung am Rad zu drehen, monolithische Riffwände und Lautstärke satt auszupacken, bevor feinsinnige, catchy Melodien das Heft in die Hand nehmen. Diese bekömmliche Wundertüte bietet maximalen Unterhaltungswert. Es ist alles andere als selbstverständlich, dass es dieses Album gibt (oder dass ein Nachfolger kommen wird), doch ist diese Energieleistung von The Last Vinci mehr als stark geworden.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Narrow Door Records

Website: thelastvinci.com
Facebook: www.facebook.com/TheLastVinci

(c) Wage War / Fearless Records

Ein lautstarker Gruß an die Heimat geht im Hause Wage War raus. Knapp zwei Jahre nach „Stigma“ schüttelt das US-Quintett einen wütenden Dampfhammer aus dem Ärmel, der eng mit der eigenen Heimat verbunden ist. Die EP „It Calls Me By Name“ ist zwar kein Konzeptwerk, dreht sich aber voll und ganz um einen sehr eigenen, bestimmten Mikrokosmos: Florida, der Sumpf und die kompromisslose Aggressivität der Natur.

Nach eigenen Angaben unterstreicht der Release den eigenen Sound und drängt noch etwas weiter in metallische Gefilde. Entsprechend wuchtig, vielfältig und gerne mal unvorhersehbar gestaltet sich das Ergebnis. „Song Of The Swamp“ schraubt die Wucht ordentlich nach oben und gibt sich der Brutalität hin. Blast-Attacken, Core-Nackenbrecher, ein wenig Elektronik, geifernde Screams und sogar kleinere Death-Metal- bzw. Deathcore-Einlagen machen sich gut. Auf die etatmäßige melodische Auflösung wartet man vergeblich. Das folgende „4×4“ intensiviert die Überspitzung mit Nu-Metalcore-Breakdowns, schlägt wüst um sich und lässt Schläge hageln.

„Blindfold“ mag es ebenfalls ein wenig synthetischer, setzt jedoch auf Ruhe, auf Klargesang und anmutige, semi-balladeske Klänge. Die metallisch angehauchte Hymne zeugt zugleich von den noch besseren Songwriting-Skills des Quintetts, das richtig große Melodien angenehm unpeinlich umsetzen kann. In „Karma“ geht es wieder zurück zu etwas klassischeren Metalcore-Klängen, wenn moderne Brutalität, feinsinnige Melodien und ein überlebensgroßer Refrain zusammenkommen. Damit erfinden Wage War zwar das Rad nicht neu (angedeutete Trap-Elemente in den Strophen ausgeklammert), stören aber ebenso wenig wie im abgedrehten, leicht chaotischen „Purify“, das die Urgewalt des Openers erneut aufgreift.

Drei mutige Schritte in die richtige Richtung bekommen Wage War bestens. Signifikant nach oben geschraubte Intensität und mehr metallische Wut stehen dem US-Quintett exzellent zu Gesicht. Unmittelbare Explosivität, eine Orientierung in Richtung Nu Metal, Deathcore, Beatdown und Elektronik, dazu die gelegentlichen semi-vorhersehbaren Momente – die Mischung stimmt auf jeden Fall. In fünf Kapiteln entwickeln sich die Herren aus Florida weiter und zollen ihrer Heimat auf leicht schräge Weise Tribut. Das passt prima ins Bild und weiß zu unterhalten. Wie es weitergeht, darf schon jetzt mit Spannung erwartet werden.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Fearless Records

Website: wagewarband.com
Facebook: www.facebook.com/wagewar

(c) Final Days Society

Eine lange Phase des Zweifelns und Unsicherheit geht vorbei: Nach dem Release von „Firestarter“ vor nahezu exakt sechs Jahren hatten Final Days Society mit kolossalen persönlichen und kreativen Hürden zu kämpfen. Bis das südschwedische Quartett wieder Land sah, sollte es eine ganze Weile dauern. Pünktlich zum 20jährigen gibt es neuen Stoff, der für sie selbst viel mehr als ’nur‘ ein neues Album ist, sondern von Beständigkeit und Durchsetzungskraft zeugt. Passend dazu auch der Titel, das lebensbejahende Motto und zugleich Schlachtruf in einem: „You Can“.

Ist „You Are“ die Fortsetzung, Erweiterung oder Anzweiflung des Albumtitels? Der überaus lebhafte, nervöse Auftakt lässt bestenfalls bedingte Rückschlüsse zu und rückt zugleich das vertraute Spiel mit musikalischen Ideen jenseits des Post-Rock-Fundaments erneut in den Fokus. Noisige Post-Hardcore-Strömungen ziehen zwei Minuten lang hibbelige Kreise, danach führt ein kompletter Bruch in deutlich harmoniebedürftigere Gefilde. Zarte Vocals tauchen wieder und wieder aus den Untiefen des Arrangements auf, ringen um Kraft und Selbstbewusstsein, während der Song langsam, aber sicher wächst. Dieser vergleichsweise klassische Aufbau zu einem gewaltigen Plateau reißt mit, lässt den Track weiter anschwellen, bevor der obligatorische Kollaps nach draußen begleitet.

An ihrer sympathischen Eigentümlichkeit haben die Schweden rein gar nichts eingebüßt und toben sich gewohnt vielschichtig aus. Wie in „Gone“, das sich schnell von Shoegaze-artigen Klängen und Indie-Gitarren in Richtung Emo-Post-Rock entwickelt und mit erstaunlicher Härte entlädt. Der relativ typische Post-Rock-Track „Not Even Death“ verfinstert sich zum Ende hin und eskaliert mit einem Hauch Screamo. „Waterfalls“ reitet hingegen Uptempo-Attacken, paart diese mit wabernder Elektronik und drängt mit seinem energischen Gesang zwischenzeitlich sogar in proggige Gefilde. Das abschließende „Jag älskar dig“ versprüht elf Minuten lang Magie und nimmt alles mit – fieberhaft, filigran, fantastisch.

Was Final Days Society hier machen, klingt weiterhin im besten Sinne eigentümlich und überaus sympathisch. Wiederholte kurze, prägnante Screamo- und Post-Hardcore-Ausritte sorgen für kleine Überraschungen, während gleichzeitig die ruhigen und eingängigen Kehrseiten der Medaille ebenso konzentriert kultiviert werden. Das verleiht dem Post Rock der Schweden eine abermals angenehm eigentümliche Note und geht weit über vermeintliche Genre-Limitierungen hinaus. Klar, über eine Stunde Musik ist eine ganze Menge Holz, doch verleitet „You Can“ förmlich dazu, sich in diese sympathische Platte zu verbeißen und jeden Spannungsaufbau, jede subtile Wendung und jedes kathartische Plateau wieder und wieder mit allen Sinnen zu genießen. Das hier ist Kopfkino für Fortgeschrittene und ein mehr als deutliches Statement einer Band, die sich zum runden Geburtstag und nach einer kleinen Talsohle wieder in starker Form zeigt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Website: www.finaldayssociety.com
Facebook: www.facebook.com/finaldayssociety

(c) Daniel Sargent

Im November 2023 verabschiedeten sich OHHMS nach mehreren bekömmlichen Alben zwischen Doom, Sludge und Post Metal, sehr kurz und knapp, in Freundschaft. Gitarrist Daniel Sargent und der nun ans Mikrofon gewechselte Bassist Chainy Rabbit haben mit Man Band bereits ein neues Projekt am Start, das sich mit wachsender Begeisterung gegen etwaige Kategorisierungen stemmt und stattdessen einen wilden wie faszinierenden Mix verschiedener Metal- und Hardcore-Einflüsse praktiziert. Ihr erstes Album „Strong Man“ setzt sich mit verschiedenen – toxischen und nicht-toxischen – Formen von Männlichkeit auseinander.

Der Opener „Dane Valley“ handelt von Frontmann Chainy Rabbit, der wegen 50 Pfund im gleichnamigen Park überfallen wurde und sich fortan Krafttraining und Kickboxen widmete, damit ihm das nie mehr passieren würde. Dahinter steckt ein Song mit Groove, Heavyness und drückender Wut, von einem doppeltem Boden begleitet. Fast Nu-Metal in manchen Parts, dann schwerfällig und zermürbend, im nächsten Moment voller Testosteron und mitten in der Eskalationsspirale – sehr kaputt, sehr sympathisch. Ähnlich bizarr, wenngleich auf komplett andere Weise, ist „Ian’s Song“ am anderen Ende des Albums. Wütende, geifernde Screams und minutenlange Sprachnachrichten ergeben eine unbequeme, überlange Klangcollage, die letztlich mit Fragezeichen en masse zurücklässt.

Dann doch lieber mit klarer Kante: „Men Don’t Cry“ räumt mit der stumpfsinnigen Binsenweisheit auf und kleidet dies in Sludgecore und angepunkte Metal-Eruptionen. Rabbit wird immer lauter und schriller, dreht komplett am Rad, während die Gitarren wütend aufheulen. Der folgende Groove- und Noiseteppich kommt gut, trägt ein paar schiefe Melodien in sich. Ebenfalls sehr speziell, wenngleich auf ganz andere Weise, ist der Siebenminüter „The Nutter“. Schroffes Crossover-Appeal, chaotischer Hardcore und etwas Metalcore-Ursuppe finden zusammen, schließlich übernehmen endlose Noise-Schleifen das erdrückende Kommando.

34 hochgradig seltsame Minuten später bleiben ordentlich Fragezeichen zurück. Zwischen Ernsthaftigkeit und Augenzwinkern entsteht eine wunderbar wilde, ungezähmte und verrückte Platte, die sich so gar nicht in irgendeine Schublade pressen lässt. Man Band geben selbst an, sich in den verschiedensten Bereichen zu bedienen und einfach zu machen. Das ist „Strong Man“ auch anzuhören, wohlgemerkt im besten Sinne. Ja, es dauert schon eine ganze Weile, bis dieses Album Sinn ergibt, doch lohnt sich die intensive Auseinandersetzung mit diesem wunderbar schrägen Stück Musik. OHHMS-Fans werden hier vielleicht nur bedingt fündig, alle anderen erhalten eine wunderbar eigensinnige, eigenwillige Platte, die noch dazu viel Herz und Hirn mitbringt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Faith Healer Records

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(c) LK Konkoli

Die wahrlich beschissene Gegenwart macht auch vor Abrams nicht Halt. Von den durchaus nostalgischen Klängen der letzten Platten ist beim Quartett aus Denver aktuell herzlich wenig zu hören. Von komplettem Chaos und Hoffnungslosigkeit umgeben, entstanden sowohl die eingängigsten als auch die härtesten Songs der US-Band, gibt Gitarrist und Sänger Zach Amster zu Protokoll. Zudem ist nicht zu überhören, dass hier Converge-Gitarrist Kurt Ballou die Produktion übernahm. „Loon“ ist ohne Frage im besten Sinne unvorhersehbar geworden.

„Last Nail“ ist eines dieser kleinen Highlights voller Widersprüche, die letztlich doch absolut Sinn ergeben. Im eröffnenden Riff lassen High On Fire grüßen, die poppige Öffnung hat hingegen Torche-Charme und passt zugleich zum gelegentlich auftretenden Alternative Rock der letzten Platten. Ordentlich Dreck und Heavyness prasseln auf eine mächtige Hook ein, die ebenfalls sehr bekömmlichen Vocals dürfen natürlich nicht fehlen. Hymnischer Stoner-Sludge mit Post-Hardcore ist das Ergebnis. Davon will „A State Of Mind“ möglichst wenig wissen und kleidet den Song in zähe Heavyness und mächtig Distortion. Nahezu doomige Wucht lässt wieder und wieder gegen eine überdimensionale Wand rennen, dennoch geht das Ding nicht mehr aus dem Ohr.

So hektisch und chaotisch wie in „Remains“ hört man Abrams nur selten. Im Vorfeld getroffene Vergleiche mit Mutoid Man erschließen sich in diesen dreieinhalb Minuten, schlägt dieser Track doch wunderbar widerspenstig, hektisch und unbequem aus, dringt in (Post-)Hardcore-Gefilde vor, nimmt metallische Kanten hinzu und zerlegt sich wiederholt selbst. Auch das eröffnende „White Walls“ liebt das Chaos, häutet sich nach dem eröffnenden Drumroll wiederholt und schwingt die Fäuste mit sympathischer Präzision. Dass am anderen Ende des Albums ein gemächlicher, hymnischer Wüstenrocker wartet, überrascht da nur noch wenig: „Sirens“ bringt sehnsüchtige Gitarren und etwas Psychedelia mit.

Wohin die Reise geht, zeigt sich in der Regel erst, nachdem die Zelte abgebrochen wurden. Und das geht tatsächlich auf, weil Abrams mit dieser gleichermaßen erdrückenden, chaotischen und mitreißenden Platte offene Türen einrennen. Über die chaotische, zermürbende, erschöpfende Gegenwart gibt es aktuell verdammt viel Musik, leider aus gutem Grund. „Loon“ ragt dennoch aus der breiten Masse heraus, weil der Umgang mit Widersprüchen so natürlich rüberkommt, weil Amsters Ankündigung tatsächlich großartig umgesetzt wurde. Hier treffen mächtige Hooks auf bratende Härte, von purem Wahnsinn begleitet. Etwas schwer verdaulich und doch zuckersüß: Abrams überzeugen mit ihrem bislang besten Album.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.04.2026
Erhältlich über: Blues Funeral Recordings (Cargo Records)

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