(c) Chad Michael Ward

Stillstand ist die einzige Sache, die Johannes Persson wirklich Angst macht. Während es dem Gitarristen, Sänger und Mitbegründer von Cult Of Luna relativ egal ist, was andere Menschen über die Musik denken, würde er wohl aufhören, wenn ihn selbst das Gefühl überkäme, auf der kreativen Stelle zu treten. 25 Jahre nach ihrem ersten Album blicken die Schweden offenkundig weiterhin mit frischen Ideen und Nuancen nach vorne. Nach dem Abschluss einer hochspannenden wie herausfordernden Trilogie beschreitet „In The Shadow Of Your Shadow“ nun neue Pfade in gewohnt vertrauten Gefilden.

Soll heißen: Cult Of Luna brechen keinesfalls mit ihrem Sound, sorgen aber für frischen Wind auf Raten. Im Angesicht eines herben persönlichen Verlusts geschrieben, setzt sich das Album mit intensiven, teils über Jahre verborgenen und vergrabenen Gefühlen auseinander, die an die Oberfläche dringen. Das hört man dem betont freudlosen, kargen Sound an, wie im eröffnenden Titelsong. Persson erklärt Schmerz und Trauer zum Parasiten, der eine entstellte Seele erobert. Anfängliche Synthetik führt auf die falsche Fährte, denn dahinter verbirgt sich purer Schmerz, den selbst ein nahezu hoffnungsvoller Mittelteil nicht annähernd tilgen kann.

Besonders deutlich wird dieser innere Kampf in „One More Day“, dessen depressives Ringen mit dem Leben nach dem Verlust von überraschenden Gothic-Einschüben unterbrochen wird. David Eugene Edwards von 16 Horsepower erinnert an die klaren Momente von Napalm Death – großes Kino inmitten zwölf schleppender, zermürbender Minuten. Edwards ist nicht der einzige Gast auf diesem Album: Joe Duplantier (Gojira) gibt sich in „Sadness Will Reign“ ein kleines Stelldichein und trägt den vergleichsweise kurzen Track durch doomig groovende Metamorphosen. Die Zwischensprints des ansonsten zermürbenden „The Rift“ bleiben ebenso hängen wie die kurzen glockenhellen, schüchtern hoffnungsvollen Momente von „Burial“, dessen intensive Auseinandersetzung mit Sterblichkeit doch stets der für Cult Of Luna typischen Finalität unterworfen bleibt.

Und die hat es ein weiteres Mal in sich, sobald man die geradezu obligatorische Überforderung überwunden hat. Mehr als 70 Minuten Musik erschlägt natürlich erst einmal mit wachsender Begeisterung, wie das bei Cult Of Luna quasi üblich ist. Und dann, mit jedem weiteren Durchlauf, wird das Gehörte verarbeitet. Dringen neue Ideen an die Oberfläche. Häuten sich Monolithen in betonter Gemächlichkeit. Ein wenig frischer Wind, packende Düsternis, beklemmende Fanfaren und etatmäßige Brutalität verleihen „In The Shadow Of Your Shadow“ die obligatorische Würze einer Trauerarbeit, die nie so ganz abgeschlossen scheint. Während ein Malström an Emotionen an die Oberfläche dringt, torpedieren die Schweden den Gefühlshaushalt wieder und wieder. Erneut legen Cult Of Luna ein Meisterwerk vor – wieder etwas anders, angenehm vertraut und so zerstörerisch, so aufwühlend wie eh je.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: RED CRK Recordings (OPEN)

Website: www.cultofluna.com
Facebook: www.facebook.com/cultoflunamusic

(c) Pelagic Records

Seit über 20 Jahren zählen Hypno5e zum Extreme-Prog-Inventar. Das französische Quartett veröffentlichte zuletzt zwei moderne Klassiker, so wütend wie dynamisch wie anspruchsvoll, und macht erst gar keine Anstalten, seinen cineastischen Sound einzubremsen. Dennoch wollte man auf dem mittlerweile siebten Studioalbum ein paar Dinge anders machen, den Einsatz von Samples reduzieren und auf einen organischeren Sound setzen. Gepaart mit kürzerer Spielzeit und warmer, an 70s-Psych-Rock erinnender Produktion entstand „Trame Noire“, natürlich eine weitere Konzeptplatte.

So sind es dieses Mal nur knapp 40 Minuten, die noch dazu die zuletzt auf „Sheol“ angedeuteten proggigen Klänge stärker betonen. Ganz vorne mit dabei, nicht nur aufgrund der Tracklist, ist „Lost Fires“, das sich erst einmal an den Track herantasten muss und tatsächlich mit mehr Harmonien, mit mehr Fingerspitzengefühl überrascht. Selbstverständlich bleibt es nicht dabei, wie wohl sich die butterweichen Harmonien prima mit technisch versiertem Prog verbinden. Starke Gesangsmelodien kollidieren mit urplötzlich wechselnder Stimmung und gespannter Atmosphäre. Ein Ritt auf dem imaginären Pulverfass wird immer wieder von filigraner Nachdenklichkeit eingebremst.

Derlei Extreme machen Laune und zerren Hypno5e im besten Sinne in neue Richtungen. Wie in „Bare Bones“, das wiederholt gegen imaginäre Windmühlen kämpft und verspielte Idylle – gewisse Vergleiche mit Pink Floyd kommen nicht von ungefähr – von dissonanter Djent-Aggression zerpflücken lässt. Bei gemächlichem Tempo wiegt ein nahezu steter Kampf zwischen den Gezeiten, Ausgang ungewiss. Auch „Falmer“ brennt sich schnell ein, weil die Franzosen hier ihren geifernden Spielwitz erkennen lassen. Das sollte eigentlich ein Widerspruch in sich sein, doch macht die zwischenzeitlich groovende Explosivität richtig Laune und erinnert stellenweise an eine rabiate Version der Landsleute Gojira.

Ihr kürzestes Album seit geraumer Zeit braucht vergleichsweise lang, um so richtig zu sacken. Zumindest so etwas wie Stillstand braucht man nicht zu befürchten, das wird schnell klar. Hypno5e distanzieren sich keinesfalls von ihren jüngsten Platten, entwickeln diese bloß weiter und klingen dadurch tatsächlich eine Spur unmittelbarer als zuletzt. Deutlich mehr ruhige Momente, Retro-Prog-Vibes und feine Klinge sorgen für frischen Wind der erst einmal gewöhnungsbedürftigen Art. An die Ausnahmeklasse ihrer letzten Platten kommt „Trame Noire“ zwar nicht ganz heran, dennoch pendeln sich Hypno5e einmal mehr auf starkem Niveau ein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Pelagic Records

Website: www.hypno5e.com
Facebook: www.facebook.com/hypno5e

(c) Extol / Solid State Records

Die Pausen mögen länger und länger werden, aber wenn sich Extol zurückmelden, dann tun sie das so vehement und bahnbrechend wie eh und je. Ihr letztes Album erschien im Sommer 2013, damals noch als Trio. Man tourte noch ein wenig, bevor es – bis 2023 – in eine längere Pause ging. Inzwischen ist Gründungsmitglied Christer Espevoll (u. a. Azusa) zurück und komplettiert das Original-Line-up. Sein Bruder und Sänger Peter tourt zwar weiterhin nicht (live gibt es vielfältige Unterstützung), ist aber auf Platte weiterhin am Start. Und das bekommt dem kompromisslosen „Aura Of Decay“ richtig gut.

Ein Song wie „Merciless Hunger“ unterstreicht eindrücklich, warum die Originalbesetzung auch nach über drei Jahrzehnten unerreicht bleibt. Die wiederholten Häutungen verwirren und verzaubern – Thrash-Riff, schwarzmetallsiche Urgewalt, verträumte Prog-Fanfaren, Tech-Death-Anleihen und hymnische Urgewalt finden wahnwitzig zusammen, ohne auch nur einen Moment überladen oder überfordernd zu klingen. Diese erdrückende Leichtigkeit legt auch ein „Dimness Of Lingering Gloom“ aus den Tag. Wenn Peter Espevoll zwischenzeitilich himmlischen, intimen Klargesang auspackt, ist alles eitel. Verführerische Süße kollidiert mit geifernder Wut und zermürbenden Riffwänden.

Wiederholte Häutungen sind ein essenzieller Bestandteil einer jeden Extol-Platte, und das gilt natürlich auch für Wunderwerke wie „Phantom Dismay“. Speziell in der ersten Hälfte spielen die Norweger mit leichtfüßigem Minimalismus, setzen auf beklemmende Atmosphäre und den zartesten Hoffnungsschimmer, der in weiterer Folge von geifernden Druckwellen abgeschossen wird. Das überlange Finale „End Of Times“ nähert sich hingegen der Prog-Meisterklasse an und vermengt diese mit Death-Doom-Klängen, als wären Swallow The Sun bei King Crimson in die Lehre gegangen – bizarr, finster und stellenweise erstaunlich eingängig.

Auch wenn nicht die gesamte Platte das teils exorbitante Niveau zu halten vermag, ist dieses erneute Extol-Comeback eine feine Sache geworden. Komplette, pointierte Überforderung, betont wahnwitzige Prog-Fanfaren und noch mehr Brutalität machen Laune, speziell wenn zur Abwechslung seltene klare, verhalten hoffnungsvolle Momente durch das imaginäre Dickicht brechen. Die Reunion der Originalbesetzung tat den Norwegern hörbar gut und macht „Aura Of Decay“ zum unterhaltsamen Extrem-Prog-Erlebnis, das sämtliche Sinne mit wachsender Begeisterung torpediert – nicht immer einfach, aber einfach gut.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Solid State Records

Facebook: www.facebook.com/ExtolOfficial

(c) Keith Thompson

25 Jahre Comeback Kid, das ist mehr als nur ein Grund zum Feiern. Seit einem Vierteljahrhundert verbinden die Kanadier mächtigen Hardcore mit melodischen Hooks, punkiger Energie und metallischer Aggression und zerlegen einen Pit nach dem anderen. Für ihr mittlerweile achtes Studioalbum setzen sie auf alte Stärken, unterstützt durch Produzenten-Veteran und Motivator Will Putney. „Chosen Hell“ befasst sich mit Moral und Ethik sowie erdrückender Entscheidungsparalyse.

Comeback Kid wirken aber alles andere als erstrarrt und lahmgelegt. Der Opener „Target On My Back“ packt Unmengen an Härte und Urgewalt aus, verbindet Hardcore mit ein paar Thrash-Riffs und überschlägt sich sogar im semi-eingängigen Part selbst. Das hohe Tempo raubt erst einmal den Atem, Entspannung ist nicht in Sicht. Zwar geht es „Vindication“ nicht ganz so wüst und derb an, der Dampfhammer wird aber weiterhin geschwungen, während Andrew Neufelds Stimmbänder zu explodieren drohen. An anderer Stelle nimmt der Titelsong „Chosen Hell“ erst einmal die Geschwindigkeit raus und erdrückt regelrecht mit groovender Wucht.

Eingängige Momente gibt es aber natürlich weiterhin. Während sich diese in „Becoming“ noch schwer tun und inmitten einer zunehmend eskalierenden Spirale der Gewalt zögerlich Oberwasser gewinnen können, packt „Underneath The Pressure“ einen der besten Refrains der gesamten Platte aus – hymnisch, fieberhaft und wuchtig. Ganz so melodisch wird es in „Too Late“ nicht, doch brennt sich das manische Funkeln dennoch ein. Gemeinsam mit Courtney LaPlante von Spiritbox wird „Shedding Season“ mit wachsender Begeisterung zerlegt, während „Yesterday’s Gone“, der gemeinsame Track mit Brendan Garrone (Incendiary) von seinen Kontrasten lebt – gallig in den Strophen, eingängig wie Sau im Hauptteil.

Nach gut 32 Minuten ist schon wieder Schluss, was letztlich auch absolut reicht. Comeback Kid erfinden das Rad zwar nicht neu, drehen dafür alle Regler auf Elf und zugleich komplett durch. Ihr neuester Streich klingt noch härter, noch kompromissloser und noch melodischer als zuletzt, verausgabt sich von der ersten bis zur letzten Minute und beißt sich ohne Umwege fest. „Chosen Hell“ ist ein wuchtiger, muskelbepackter Hardcore-Leckerbissen, der natürlich mit wachsender Begeisterung über den Tellerrand blickt und so mächtig wie möglich zulangt – ein weiteres Highlight in der illustren Karriere der Kanadier.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: SharpTone Records (Warner Music)

Website: www.comeback-kid.com
Facebook: www.facebook.com/Comeback.Kid

(c) Felix Offergeld

Ein Einstand wie ein nasser Fetzen ratterte vor zweieinhalb Jahren durch, als The Pill ihren Erstling „Hollywood Smile“ an den Start brachten. Mit ihrem rasanten, kompromisslosen Mix aus Punk und Hardcore – zehn Songs in 20 Minuten – schindete das Frankfurter Quintett mächtig Eindruck. Bereits im Mai 2025 ging man erneut ins Studio und nahm einen Nachfolger auf – zwölf Songs, zwei Tage (plus ein Tag für die Gesangsspuren), live und ohne Overdubs. Mit etwas Verzögerung landet „I Need To Be A Weapon“ nun mit wundervoller Wucht.

Angefangen beim energischen, getriebenen „Poor Thing“ knüpfen The Pill locker an ihren Vorgänger an. Es dauert eine ganze Weile, bis sich der Track aus der Reserve locken lässt, bis das anfängliche Grummeln an Intensität gewinnt. Und doch ist gerade dieser nervöse, schroffe Aufgalopp ein kleines Festmahl. Dass im direkten Anschluss mit „Nighttime Routine“ ein rasantes Powerhouse in gerade einmal 62 Sekunden durchbrettert, passt ins Bild. Das für Band-Verhältnisse mit über drei Minuten geradezu epische „Big Knife“ rundet die eröffenende Trifecta gekonnt ab – mehr Punk und Rock als Hardcore, angenehm melodisch und massiv.

Auch „Bad Thing“ ist gerne etwas ausführlicher unterwegs, entlädt sich dafür in wiederholten Druckwellen – melodisch und massiv, ein kleiner Leckerbissen in Sachen Heavyness und zugleich von einer gewissen, nicht von der Hand zu weisenden Finsternis umgeben. „Boys Will Be Boys“ denkt diesen Ansatz rifflastig weiter, trägt eine Spur Gluecifer in sich, stürmt und drängt zudem mit wachsender Begeisterung und bedrohlichem Understatement. Wütende Wellenbrecher wie „Manic Pixie Dream Girl“, die kompromisslose Hardcore-Husarenritte mit Hooks vermengen, oder das angenehm unbequeme „Poison Hemlock“ landen ohne Umwege im Hinterstübchen.

Einfach machen, natürlich ohne Rücksicht auf Verluste, so tanken sich The Pill durch ihr zweites Album. Willkommene, wundervolle Kompromisslosigkeit begleitet den Longplayer – dieses Mal eine Spur länger und verspielter angelegt, ohne auch nur eine Sekunde lang seine drastische, unmittelbare Art abzulegen. „I Need To Be A Weapon“ hat den einen oder anderen längeren Track mehr, schätzt emotionale Schwere und klassische Rock- und Punk-Riffs, nur um im nächsten Moment vehement zuzulangen. Diese Tablette schluckt man gerne – ein famoser Zweitling, der alles andere als schwer runtergeht.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Sounds of Subterrania

Facebook: www.facebook.com/ThePillOfficial

(c) David Fitt

Starke Gefühle bestimmen die musikgewordene Kunst von E-L-R. Das Duo aus der Schweiz macht Musik, die gleichzeitig luftig und leicht sowie bleiern und heftig ausfällt, im weitesten Sinne irgendwo zwischen Doom, Gaze und Post Metal angesiedelt. Die Aufnahmen zu ihrem dritten Album beschreiben sie als schwierig, teils schmerzhaft. „Atropa“ – der botanische Begriff für die wunderschönen wie in manchen Fällen hochgiftigen Nachtschattengewächse, setzt sich intensiv mit Trauer, Delirium, obsessiver Liebe und Widerstandsfähigkeit auseinander.

Die drastische Magie von „Archeress“ fängt weite Teile der vertonten Intensität der Schweizer ein. Der lange Aufbau täuscht, denn urplötzlich brechen imaginäre Dämme und lassen drückende, geradezu schroffe Heavyness zu. Giftig peitschende Drums, schneidende Gitarre, in sich ruhender Gesang und Blast-Action aus dem Nichts zerlegen alles, bevor diese faszinierenden Stimmen auf dem Höhepunkt erneut auftauchen und durch die Endlosigkeit des enttäuschten Seins führen. Dort lauert bereits „Saltwinds“, herrlich unbequem ab der ersten Sekunde, und versucht zu meditieren, während das mentale Kartenhaus im Zeitlupentempo zusammenbricht.

Das Spiel mit Extremen und klanglicher Dynamik zeichnet E-L-R aus. So auch in „Cobalt Wound“ mit Shazzula von Wolvennest, das nicht so recht aus den Startblöcken kommen will. Ominöse Gitarrentöne und schleppende Doom-Zermürbung gehen eine unwirtliche Symbiose ein, setzen kurze und heftige Ausrufezeichen, wobei der sägende, bedrohliche Schlussakt sogar im besten Sinne an Amenra erinnert. Noch gewaltiger ist nur das abschließende „Echo Space“, alleine schon ob der Spielzeit von annähernd elf Minuten. Die braucht das Duo auch, um Ambient und Folk an einen steilen Abhang zu führen. Und dann springen E-L-R mit Post-Black-Metal-Stimmung, hellem Gesang und dem unaufhaltsamen Sog, der sich so plötzlich wie wohltuend ins hallende Nichts auflöst, in die leere Tiefe.

Der emotionale Fleischwolf schlägt mit erbarmungsloser Präzision zu: Mehr denn je stehen die musikalischen Extreme im Mittelpunkt, verschieben sich diese noch weiter und erweitern das damit verbundende Spannungsfeld konsequent. „Atropa“ fällt im besten Sinne giftig aus, von schwarzmetallischen Sprints über doomige Schwere bis hin zu atmosphärischer Gaze-Meditation und kleinen Ambient-Ausritten. Über all dem thront faszinierender Gesang, gerne als Gegenpol zur musikalischen Hässlichkeit eingesetzt, dennoch erschütternd und auf gewisse Weise unnahbar. E-L-R lassend tausend kleine Tode sterben, begleitet von einem beseelten Lächeln.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Prophecy Productions (SPKR)

Website: www.e-l-r.band
Facebook: www.facebook.com/elrhaze

(c) Andy Ford

Für Stillstand hatten Coilguns noch nie sonderlich viel übrig. Der Sound der Schweizer unterliegt einem nahezu konstanten Wandel, eng verbunden mit der Geschichte von Humus Records (der Plattenfirma von Gitarrist Jona Nido) und ordentlich globaler Aktivität. Mehr als 85 Konzerte spielte das Quartett im vergangenen Jahr weltweit. Zwischen zwei Konzertreisen wurde dann doch aufgenommen, erstmals im eigenen Studio und mit dem von „Odd Love“ bewährten Team, das dieses Mal zur Band reiste. „Everything We Love, We Destroy“ klingt vielschichtiger und zugleich unmittelbarer denn je, ohne sich dabei in Vorhersehbarkeit zu verlieren.

Angesichts der geringen Zeit zwischen den Konzertreisen sowie den gesammelten Erfahrungen der letzten Jahre wollte man schnelle Songs möglichst schnell aufnehmen – und das erstmals mit einem Bassisten, der ab der ersten Minute am Songwriting beteiligt war. „Teach Ourselves“ bringt den neuen Weg auf den Punkt, klingt mehr denn je nach einer Einheit und spielt freimütig mit Klangräumen. Noisiges, kratzige Chaos schwingt zumeist nur im Hintergrund mit, dafür setzt es klaustrophobe Melodik, weitestgehend klaren Gesang und konstante Spannung mit einer gesunden Portion Post-Hardcore, etwas Fugazi neben ruhigen The Dillinger Escape Plan und gemäßigten Unsane. Kann man machen, klingt richtig stark.

Irgendwelche kreativen Limits sucht man vergebens, stattdessen machen Coilguns einfach. So können im famosen „Peace Trader“ beispielsweise verzweifelte Screams, hymnische Hardcore-Punk-Momente und brüchige Desaparecidos-Exkurse (inklusive entsprechender Vocals) problemlos nebeneinanderstehen, konstant der vollkommenen Ekstase nahe. In „Punisher Disclaimer“ geht es dann doch wieder relativ ruppig und flott nach vorne, um Fassung ringend und gelegentlich die Fäuste schwingend. Im ellenlangen Abgang „Perfect Fit Content“ erschöpft sich der Marsch in Richtung verblassender Hoffnung zusehend, von emotionaler Schwere und Zeitlupen-Dissonanzen sowie dem pointiert gesprochenen Wort nach allen Regeln der Kunst zerlegt.

Mehr denn je wird die Eskalation zum Mittel mit Zweck, erfährt deutlich bewussteren Einsatz und lässt Coilguns weiter wachsen. Unbequem klangen sie schon immer, bloß selten so eindringlich. Und das mit insgesamt – für ihre Verhältnisse – etwas zurückgenommeneren Mitteln, denn derart gehäufte, semi-ruhigere Momente gab es in der Vergangenheit nicht unbedingt. „Everything We Love, We Destroy“ ist aber natürlich keinesfalls übermäßig melodisch oder gar radiofreundlich geworden, münzt diese vermehrt klaren Exkurse in quälenden Druck nebst Hoffnungsschimmer um. Das geht unter die Haut, strapaziert das Nervenkostüm und lässt nicht mehr los – ein kleiner Leckerbissen von einem Album, mit dem sich Coilguns einmal mehr als Meister ihres Fachs behaupten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 06.11.2026
Erhältlich über: Humus Records (Bertus)

Website: coilguns.ch
Facebook: www.facebook.com/coilguns

(c) Grace Gignon

Eines der wichtigsten, intensivsten Alben des Jahres kommt aus dem kanadischen Vancouver. Erst 2024 gaben PISS ihr Live-Debüt und wurden mit ihrem emotional aufgeladenen, intensiven Bühnengebahren sofort zu einer Band to watch – siehe und höre ihre KEXP-Live-Session. Nun bannt das Quartett seinen Mix aus Noise Rock, Hardcore, Punk und zig anderen Spielarten auf Platte: „you made me / skin on linen“ ist musikalisch wie textlich eine spektakuläre, überwältigende Erfahrung.

Die Erfahrungen einer von struktureller, systematischer und intimer Gewalt geprägten Kindheit tragen ein Album voller Songfragmente, Noise-Giganten, Collagen, Gedichte und Performance-Kunst. Gewalt wird als allgegenwärtiges Element der Gegenwart, der Gesellschaft und des kulturellen Seins dargestellt, und keinem Track gelingt das auf so verstörende Art und Weise wie „blocking a scene you can’t remember“. Der hektische, krampfhafte Versuch, die Worte für eine Auseinandersetzung einzustudieren, wird von konstanten Einschnitten und omnipräsentem Trauma unterbrochen, bis der Slowcore-Track schließlich in noisiges Chaos und rasende Eskalation aufgeht und zurück zu den Wurzeln des eigenen Schmerzes findet. Das wiederholte, zunehmend verzweifelte ‚cut. again.‘ geht nicht mehr aus dem Kopf.

Viel leichtfüßiger wird es rundherum nicht, auch wenn das Garage-Rock-Riff im Hardcore-Punk-Drive von „time loop at hot slit“ fast schon zugänglich anmutet. Dass hinter Dance-Punk-Anleihen die zunehmende Sexualisierung des Mädchenseins thematisiert wird, trifft als weiterer Nackenschlag, während sich der Song im Finale zerlegt. Drückende, schroffe Atemlosigkeit Marke „how can you act opposite to this emotion?“ drängt Noise Punk und Hardcore in metallische Gefilde, fast Math und doch so erschütternd, während die Ebbe und Flut von „i wanted to be a singer“ zwischen Sludge und Dissonanz laut und deutlich macht, dass hier die gelebte Erfahrung im Mittelpunkt steht, bis zum experimentellen Finale „i keep trying to change the ending“, das sich doch immer wieder im Kreis dreht.

Die wohl wichtigste halbe Stunde des Jahres (mindestens!) kommt aus British Columbia. Und zwar von einer Band, die konstant den Atem raubt, sämtliche Sinne gleichzeitg attackiert, damit komplett überfordert und mit einer schonungslosen Kombination aus zermürbender, schroffer Musik, erschütternden Texten und konsequentem Bruch mit musikalischer Formensprache die vielleicht unmittelbarste Form von Kunst und Traumaarbeit schafft. „you made me / skin on linen“ muss schmerzen, muss Unwohlsein schaffen, muss vollends verstören und verfehlt seine Wirkung nicht – ein imposantes Happening, das noch lange nachhallen wird.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Sub Pop Records (Cargo Records)

Bandcamp: pisstheband.bandcamp.com
Instagram: www.instagram.com/piss_theband

Slider-Pic (c) Grace Gignon

(c) Andreas Neumann

Stillstand kann man den Queens Of The Stone Age nun wirklich nicht vorwerfen. Seit Jahren treibt Josh Homme die zunehmende Abkehr von rifflastigem Stoner Rock, der zeitlosen Heavyness der Wüste und von ambitionierten All-Star-Platten voran und findet sich inzwischen in gemäßigteren, bewusst breiter aufgestellten Rock-Gefilden wieder. Von Altersmilde kann aber keine Rede sein. Das mittlerweile neunte Studioalbum „Perfecth“ stellt die Band in den Mittelpunkt, dreht sich um verschiedene Formen von Liebe und entstand über viele Jahre und Sessions hinweg, in diversen Studios, Städten und Phasen der Wüstenköniginnen.

Bereits der Opener lässt nicht nur die Herzen höherschlagen: „It’s Only Love“ ist ein bizarrer, jenseitiger Piano-Song, hörbar vom Katakomben-Projekt beeinflusst, und kommt gar nicht so richtig in Fahrt, bis er vom Zug erfasst wird. Das folgende „Insignificant Other“ war hingegen der zweite und letzte Aufnahme-Take für diesen Sechsminüter, der sich in Rekordzeit fand. Nachdenkliche Stimmung, singende Gitarren und ein paar Querverweise an die letzten Platten des Quintetts machen Laune, selbst für ein paar ikonische Desert-Riffs. Und doch ist es gerade die Gemächlichkeit, nur selten durchbrochen, die sich einbrennt.

„Easy Street“ mit Country-Sängerin Nikki Lane reduziert den Sound auf ein Minimum – zwei Stimmen, Gitarren, ein paar Tasten und weit offener Raum. Das ist im besten Sinne neu, aber auch richtig stark. „Sunday“ könnte man hingegen kennen, schrieb Homme diesen Track doch ursprünglich gemeinsam mit Iggy Pop für dessen mächtiges Spätwerk „Post Pop Depression“. Die Queens-Version fällt noch tanzbarer aus, lässt die Gitarre lässig durch eine französische Disco shufflen und geht ebenso wenig aus dem Ohr wie das fantastische „Where The Goth Girls At?“, das prima auf den Vorgängern funktioniert hätte – druckvoll, hymnisch, auf understatete Weise aufbrausend. Zum Abschluss setzt es mit „Run Away From The Mob“ einen Track, der seit etwa 25 Jahren herumschwirrt und während den „Like Clockwork…“-Sessions bereits mit Dave Grohl aufgenommen wurde – vom zögerlichen Fast-Galopp bis zum kathartischen Finale.

Die kreative Häutung geht in die nächste Runde und rückt Homme näher denn je an die unvorhersehbare Einzigartigkeit eines David Bowie. Tatsächlich atmen manche Songs des Geist des Thin White Duke, ohne in derartige Gefilde vorzudringen. Bloß werden letzte Stoner- und Desert-Reste weitestgehend abgestoßen, um einen nur einem vermeintlich erwachseneren Sound Platz zu machen. Was sich zuletzt angedeutet hatte, wird nun Realität: Queens Of The Stone Age platzieren sich mehr denn je in traditionelleren Rock-Sphären und tun dies auf ihre ureigene Weise. Das fällt gerne mal düster und beklemmend aus, sexy und tanzbar, dann drückend und nahezu euphorisch. Eben „Perfecth“, ein in so ziemlich jeder Hinsicht überraschendes und doch erwartbares, verdammt gutes Album.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Matador Records / Beggars Group (Indigo)

Website: qotsa.com
Facebook: www.facebook.com/QOTSA

(c) Mastic Scum / MDD Records

Wenn Chaos und Zerstörung frohlocken, dann sind Mastic Scum in der Regel nicht weit. Die heimischen Death- und Grind-Heroen sind und bleiben Meister der brutal-kompromisslosen Schule und liefern den passenden Soundtrack zu hässlichen Zeiten. Abermals im Wiener GrindLab Studio aufgenommen, widmet sich „VOID“ dem fortlaufenden Verfall der Gegenwart, begleitet von kleineren musikalischen Experimenten sowie dem einen oder anderen Gast.

All das kommt beispielsweise in „Aftermath“ zusammen, gemeinsam mit Andy Dude von Throwback. Brutale Heavyness, gelegentlicher Groove, ein paar Tech-Death-Ausritte und vertrauter Deathgrind finden für eine bizarren wie unbequemen Track zusammen, der sich dreieinhalb Minuten lang im nahezu konstanten Wandel befindet, wiederholt präzise ausschlägt und mit seinem störrischen, fast noisigen Abgang ebenso vernichtet wie das vergleichsweise unmittelbare „Arise // Erase“. Ohne großen Rücksicht auf Verluste gehen Mastic Scum nach vorne, wobei sich der graue Himmel im Abgang noch weiter verfinstert.

Ungeachtet dessen brennt die Band ein wahres Feuerwerk ab, wie in „Synthetic Catharsis“ (mit Sebastian Grihm von Cytotoxin), dessen giftiges Riff durch Mark und Bein fährt, während einige der härtesten Grind-Passagen der gesamten Platte alles zerlegen. Das pure Gift, das „D-Termination“ wieder und wieder versprüht, macht mindestens so viel Laune, wobei die manischen Gitarren mittendrin herrlich verstören. Das Bollwerk „Experiment Of Obedience“ mit Mike Kronstofer (Before The Fall) ist mit seinem konstant verschobenen Tempo, dem falschen Ende und teils dickem Groove ebenfalls stark. Und dann wäre da noch „The Avoidance“, der über sechs Minuten lange Rausschmeißer, der Prog Death, Techgrind und melodisch angehauchten Groove auf ominöse Vocal-Samples treffen lässt – Gänsehaut der furiosen Art.

Ein Festmahl des puren Wahnsinns, garniert mit feinen Details, macht sich breit: Mastic Scum entwickeln sich auf Raten weiter, ohne komplett mit ihrem bestens vertrauten Sound zu brechen, und räumen damit ab. So kontrolliert chaotisch hat man die Urgesteine lange nicht gehört. Es groovt deutlich mehr, die Tech-Death-Anteile werden in die Höhe gefahren und doch geht nichts daran zulasten des brutalen Grind-Wahnsinns, der erneut erdrückt. Mehr von allem, noch vielschichtiger und anspruchsvoll wie sonst was: „VOID“ zeigt Mastic Scum in gewohnt starker Verfassung.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 29.10.2026
Erhältlich über: MDD Records (AL!VE)

Website: www.masticscum.com
Facebook: www.facebook.com/masticscum

(c) Pep Williams

Bei Darkest Hour weiß man, was man bekommt, und das seit mittlerweile 30 Jahren. Die Metalcore- und Melodic-Death-Urgesteine aus Washington D.C. um den harten Kern John Henry (Vocals) und Mike Schleibaum (Rhythmusgitarre) werden nicht müde, ihren Sound konstant zu verfeinern und weiterentwickeln. „Perpetual | Terminal“ war vor zweieinhalb Jahren als Einstand bei MNRK ein kurzweiliges Glanzlicht nach viel zu langer Wartezeit. Schleibaum betont, wie wohl man sich in der neuen Umgebung fühlt, zudem hatte man mit Mark Lewis (u. a. Exodus, Trivium und Killswitch Engage) einen echten Experten an den Reglern. „Suffer Divine“ hört man die aktuelle Topform an.

Zu hören gibt es vertraute Kost, selbstverständlich im besten Sinn. Nach einem kurzen Intro legt „Gods Of Decay“ in media res los. Henry brüllt sich erst einmal den Frust von der Seele, dann wird das Tempo kurz und pointiert angezogen. Furioser Death, etwas Core-Action, ein paar Thrash-Riffs und ein fieser Stomper mit melodischen Untertönen und rasiermesserscharfen Soli machen sich breit. So richtig tobt sich das Quintett aber erst in „Salvation“ aus, ein herrlich abgedrehter Fünfminüter mit ebenso herrlich vertrackten Einschüben. Das kurze, konsequente Ausbremsen der eigenen Musik zwischendrin macht richtig Laune, ebenso das verschleppte, unbequeme Outro, das sich immer tiefer in imaginäre Wunden bohrt.

„The Unforgiving Hand“ bricht etwaige musikalische Erwartungen sogar komplett auf und investiert zweieinhalb Minuten in instrumentale Sinnsuche und Fingerübungen, bevor verstörende Melodik und frustrierte Screams einen semi-balladesken Midtempo-Bastard lostreten, der bis zum ausgedehnten Finale immer weiter wächst. Wer danach einen kleinen Kinnhaken benötigt, lässt sich vom Titelsong die Gesichtszüge umarrangieren. Zweieinhalb Minuten Death-Thrash-Action mit fatalistisch-melodischer Schlagseite und zäh stampfendem Finale machen ebenso Laune wie das epische „A Story Of Redemption“ zum Abschluss. Das wütende, verwegene Langformat steht Darkest Hour ebenso prächtig zu Gesicht, wobei die klassische Gitarrenarbeit in der zweiten Hälfte ganz großes Kino ist.

Große Überraschungen bleiben aus – stattdessen machen Darkest Hour einfach, und zwar mit wachsender Begeisterung. Ihr mittlerweile elftes Studioalbum serviert Action, Urgewalt und gelegentliche willkommene Epik zum Drüberstreuen. Im Grunde verzichtet das Quintett darauf, das Rad neu zu erfinden, und macht einfach. Brutale Frontalattacken lockern auf, feinster Melodic Death, ein wenig Core-Ursuppe und knackige Eingängigkeit finden zusammen. „Suffer Divine“ zeigt eine Band, die ganz genau weiß, was sie will, die ihren Sound genauestens auslotet und bei aller Vertrautheit stets frisch und bekömmlich. Mehr braucht es nicht zum zermürbenden, nackenverrenkenden Glück.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: MNRK Heavy (OPEN)

Facebook: www.facebook.com/DarkestHourDudes

(c) Korrupt / Holler Records

Seit über einem Jahrzehnt setzen Korrupt verschiedene Hardcore-Ausprägung als konfrontatives Mittel zum wachrüttelnden Zweck ein. Das Quintett aus Kristiansand von der norwegischen Südküste entstammt einer recht kleinen Szene und ringt mit einer von konservativem Christentum geprägten Region, begleitet von sozialem Druck und der nahezu steten Überwachung durch das Leben in der Kleinstadt. „The Weight We Carry“ münzt dies auf die Ideen, Erwartungen, Ängste und den Druck im Innersten der Menschen um, und wie man damit umgehen kann.

„Waiting For The Sun“ eröffnet mit einer Fanfare, nur um sich binnen Sekunden im höllischen Abgrund wiederzufinden. Brachiale Blackened-Hardcore-Druckwellen erfassen mit High-Speed-Action, giftigen Screams und infernalen Gitarren, bevor das erste Singalong aus den Wolken bricht und einen Funken Hoffnung verbreitet. Dieser erlischt zwar binnen Sekunden, bereitet aber dem folgenden Kampf zwischen Licht und Schatten die perfekte gallige Bühne. Das ist aber nur eine von viele Facetten auf diesem Album, denn neben Urgewalt à la Trap Them mögen Korrupt auch feiste Riffs, eine feine Dosis Rock und verwaschene Hooks. Frühe Kvelertak schauen immer wieder mal vorbei, siehe und höre das explosive „Totalitarian“, das aggressivsten Black Metal neben geradezu sleazige Gitarren stellt.

Das Kontrastprogramm zeichnet ein Album aus, das sich nahezu konstant häutet. Wie im heiseren „Devoted To The Grave“, das am Anschlag purer Verzweiflung operiert, wild und unkontrolliert um sich schlägt, bevor im Hauptteil melodischer Hardcore aus dem Nichts auftaucht und ein unerwartetes wie angenehmes Naheverhältnis zu Comeback Kid schafft. Dieser derbe Ohrwurm lässt ebenso wenig los wie der epische, überlange Abgang „I Am The Soil“, der sich noch weiter aus dem Fenster lehnt. Finstere, faulige Blackened-Wände nehmen das Heft in die Hand, der eine oder andere melodische Ausflug verpufft regelrecht und wird von schwerfälligem Midtempo geradezu erdrückt. Bis zum erstaunlich hymnischem Abgang.

Nahezu konstant droht das sprichwörtliche Pulverfass zu explodieren. Mit ausgefahrenen Ellenbogen und einer zarten Portion Hoffnung kämpfen sich Korrupt durch die Untiefen des Seins und arbeiten einmal mehr lautstark daran, ihren eigenen Weg weiterhin verfolgen zu dürfen. „The Weight We Carry“ befasst sich mit erdrückenden Lasten, die es sich zu schultern lohnt, um gestärkt neue Ufer anzusteuern. Tiefschwarzer, brutaler Hardcore trifft auf fieberhafte Hooks, zwischen schnörkelloser roher Gewalt und eingängigem Charme pendelnd – eine gekonnte Wutprobe der unbequemen und doch alles andere als aussichtslosen Art.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Holler Records

Facebook: www.facebook.com/korruptband

(c) Toni Petraschk

Musiker so illustrer Bands wie Gavial, Elder und Gaffa Ghandi drehen die Uhr etwa 400 Jahre zurück: Hinter SEK verbergen sich Paul-Willy Stoyan, Georg Edert und Lucas Kazzer, die auf ihren beiden bisherigen DIY-Kassetten-Releases bereits ihren rein instrumentalen Sound zwischen Psych, Prog, Kraut und spaciger Experimentierfreude etablierten. Ihr erstes komplettes Album behandelt einen legendären Feldherr des Dreißigjährigen Krieges: „Wallensteins Garage“.

Gut, eine tatsächliche Garage hatte Albrecht Wenzel Eusebius von Waldstein vermutlich nicht, wohl aber ein bewegtes Leben. Zentraler Ankerpunkt dieser Platte ist „Die Schlacht bei Lützen“, eine neunminütige Abhandlung über jene desaströse Auseinandersetzung mit den Schweden, die Wallenstein Feldmarschall Pappenheim sowie sein geliebtes Pferd Amore Mio kostete. Wenig überraschend ist dieser Track voller kleiner Wendungen, reitet recht forsch und blickt doch dem Verderben entgegen. Zunehmende Entschleunigung und eine hoffnungsvolle Coda, die von einer singenden Gitarre gestört wird, hinterlassen angenehm ambivalent.

Gleich zwei Songs widmen sich dem geliebten Pferd, „Amore Mio“ und „Amore Mios Ende“. Wirkt ersterer Track zunächst noch grazil und anmutig, verfinstert sich das Arrangement im Schlussakt und wirft mit Vorahnung um sich. Der große Abschluss eskaliert in schwerfälliger Gemächlichkeit, sägt gar metallisch und ohrenbetäubend, bevor schlussendlich die Leere bleibt. Eine solche macht sich auch in „Auftritt zu Pappenheim“ breit, wenn einen erlöschenden Herzschlag simulierende Drums nach einer wahnwitzigen Tour de Force mit wiederholter schroffer Eskalation das Epos beenden.

War der eröffnende Titelsong noch vergleichsweise freundlich, fast hoffnungsvoll unterwegs, so ändert sich die Stimmung letztlich schnell. SEK entfachen wahre Sogwirkung für die Katastrophe und schaffen musikalische Begeisterung trotz thematischer Vorhersehbarkeit. Die Verbindung psychedelisch-krautiger Instrumentalmusik mit historischen Themen ist eine mehr als nur spannende Idee, mitreißend und hypnotisierend umgesetzt. „Wallensteins Garage“ arbeitet als Soundtrack zu einem imaginären Film und schafft imposante Bilder im Kopf – ein packender Einstand, in dem man sich wunderbar verlieren kann.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 30.10.2026
Erhältlich über: Exile On Mainstream Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/Stoyanedertkazzer

(c) Josh Richter

Wenn man sich bei Mental Cruelty auf eine Sache verlassen kann, dann ist es die Unvorhersehbarkeit. Die Wandlung des Quartetts aus Karlsruhe von brutalen Deathcore-Meistern zu derben Extreme-Symphonikern mit schwarzmetallischer Schlagseite brachte in den letzten Jahren großen Unterhaltungswert mit sich und gipfelte in „Zwielicht“, zugleich der Einstand von Lukas Nikolai an vorderster Front. Nach diversen Singles und weiteren Besetzungswechseln (ein Bassist wird aktuell gesucht, zudem sitzt seit dem Vorjahr Jonathan Koltun an den Drums) unterstreicht „Echoes Of A Forlorn Land“ den abermaligen Kurswechsel, der sich auf den Vorboten bereits angedeutet hatte.

Von Slam-Urgewalt distanziert man sich mehr denn je und setzt stattdessen auf Themen aus der nordischen Mythologie, begleitet von neuen Viking-, Folk-, Black- und sogar Melodic-Death-Einflüssen. Tracks wie „The Serpent Of Midgard“ zeigen jedoch, dass man musikalisch weiterhin wenig mit Amon Amarth und Konsorten zu tun hat. Die vertraute DNA des deutschen Quartetts bleibt klar erkennbar, vermischt frostige Riffs mit explosiven Vollsprints und purer, ungefilterter Aggression. Doch auch die kurzen, hymnischen Passagen kommen richtig gut, werden allerdings von tödlicher Urgewalt torpediert, bevor das Füllhorn gezückt werden kann. Konstantes Auf und Ab sowie schwarzmetallische Urgewalt dürsten nach Zerstörung.

„Frost“ braucht ein wenig, um aufzutauen, zunächst anmutig und massiv marschierend, bevor Nikolais gallige Vocals den Midtempo-Stomper frontal attackieren. Die zumeist deutlich gedrosselte Geschwindigkeit nebst symphonischen Untertönen steht Mental Cruelty ebenso gut zu Gesicht wie das furiose Riffmonster „Fenrir“, das nahezu konstant explodiert. Vertraute Deathcore-Einflüsse werden durch finstere Täler gejagt, während der dezent melodisch-proggig angehauchte Mittelteil sogar für kurze Momente die Sonne aufgehen lässt. Dieser kurze verstohlene Blick in Richtung Borknagar (minus Klargesang) macht ebenso Laune wie der Blackened-Death-Bastard „Raise The Raven Banner“, der gefühlt immer länger und schwerfälliger wird – eine weitere Monstrosität der unterkühlten und doch aggressiven Sorte.

Einmal mehr wagen Mental Cruelty etwas und rennen damit offene Türen ein. Wer die Vorboten mochte, wird „Echoes Of A Forlon Land“ lieben. Ihre Deathcore-Wurzeln bleiben offenkundig und prominent vertreten, weiterhin garniert mit Blackened Death und symphonischem Irrsinn. Durch zusätzliche Viking-Elemente, bewegende Hymnen und schwarzmetallische Urgewalt entsteht eine kauzige wie mitreißende Platte – angenehm unvorhersehbar, nach wie vor rasend und brutal, bloß um Welten nuancierter und frischer präsentiert. Mental Cruelty beschreiten neue Ufer mit alten Waffen und unterstreichen ihre bestechende Form.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Century Media (Sony Music)

Website: mentalcrueltyofficial.com
Facebook: www.facebook.com/MentalCruelty

Slider-Pic (c) Josh Richter

(c) Sav Bagshaw

Wahnwitzige Unvorhersehbarkeit bleibt eine der größten Stärken von Entheos. Während „Time Will Take Us All“ zuletzt den Härtefaktor deutlich nach oben schraubte, wird es für Prog- und Tech-Death-Fans nun schwierig. In neuer Besetzung – Sängerin Chaney Crabb und Multi-Instrumentalist Navene Koperweis wurden von den Gitarristen Scott Carstairs (Fallujah) und Michael Stancel (Allegaeon) sowie dem mittlerweile ausgestiegenen Evan Brewer unterstützt – ignoriert man vertraute metallische Extreme zwar keinesfalls, taucht aber stärker in Alternative-Klänge der 90er Jahre ein. „Empty On The Inside“ gibt sich hymnischem Wahnsinn mit scharfkantigem Unterbau hin.

Tracks wie „Hollow“ klingen nach Neuanfang, ignorieren keinesfalls die bisherigen Platten und bringen doch frischen Wind ein. Ruhige, unbequeme und finstere Töne dominieren ominöse Strophen. Die erwartete Ballade stellt sich aber keinesfalls ein, sondern wird von harschen Vocals im zunehmend eskalierenden Chorus zerlegt. Dennoch ergibt sich wunderbar bedrückende Schwere mit Nu-Beigeschmack, der Laune macht. In „Undone“ setzt es tatsächlich mehr Rock, blubbernde Elektronik und ordentlich Drama. Giftige, geradezu geifernde Aggression aus dem Nichts torpediert die gespannte Grundstimmung einmal mehr mit wachsender Begeisterung.

Wer sich den Wahnsinn früherer Platten zurückwünscht, wird unter anderem in „Pale Faith“ fündig, das technischen Anspruch mit schweißtreibendem Groove verbindet. Engelsgleicher Gesang mittendrin führt den Track wunderbar ad absurdum, speziell nach dem monströsen Breakdown. „Hell Is A Part Of Me“ darf durchaus als Kampfansage verstanden werden und kocht ab der ersten Sekunde über. Konstant wechselnde Stimmung, wütender Gegenwind und der nächste überlebensgroße Refrain machen ebenso Laune wie die Djent-Tunings von „Call My Name“, das mit Thrash-Riffs und technischem Prog die letzten Platten in zähe Extreme weiterdenkt.

Stillstand ist Gift für Entheos, die ihren Sound ein weiteres Mal aufbrechen und den Fokus etwas shiften. Der technische Anspruch der Vorgänger ist keinesfalls verloren gegangen, wird nun bloß anders verpackt. „Empty On The Inside“ setzt brachiale Eruptionen in konzentrierten Dosen ein und zerrt 90s-Magie in den Vordergrund. Dicke Hymnen, knackige Riffs, Nu- und Crossover-Einflüsse sowie Gothic-Düsternis sind nur einige der Zutaten, die diese knackige, angenehm ungewöhnliche Platte tragen. Gespannte Atmosphäre und intensivste Texturen treffen auf packende Songs und stellen das bislang kompakteste, stärkste Album der Band da. Entheos reißen mehr denn je mit und pendeln sich auf hohem Niveau ein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Metal Blade (OPEN)

Website: www.entheosofficial.com
Facebook: www.facebook.com/entheosband

(c) Half Me / Arising Empire

Das Ende des Seins ist womöglich unumgänglich. Auf ihrem neuesten Streich gehen Half Me davon aus, dass die der Welt und der Gesellschaft bereits zugefügten Schäden irreversibel sind. Lösungen gibt es keine, wohl aber Inspiration, den Status Quo zu hinterfragen und sich kritisch mit Systemen auseinanderzusetzen, die Angst und Gleichgültigkeit unterstützen. Mit im Gepäck haben die Hamburger wüsten, experimentellen und donnernden Hardcore mit metallischer Schlagseite. „Dogma“ schraubt Härte und Finsternis deutlich nach oben.

Tracks wie „No Oasis“ nehmen keine Gefangenen, rütteln wach und verteilen ab der ersten Sekunde Arschtritte. Hohes Tempo, wuchtige Produktion, fiese Screams und angedeutete melodische Momente führen von präzisen Nackenschlägen zu hymnischen Momenten sowie einem post-apokalyptischen Zusammenbruch. Die Luft ist aber nur kurz raus, denn die drückenden Drums zerlegen direkt wieder alles. Als Gegenpol reduziert „Psalm“ die Instrumentierung über weite Strecken auf ein Minimum, die Vocals sind zumeist mit einer Art Marsch in Richtung Abgrund alleine. Selbst das schwerfällige Aufbranden im Schlussakt fällt schaumgebremst aus, klingt dabei aber so gefährlich wie menschenmöglich.

„Built On Your Blood“ trägt einen der deutlichsten Kommentare zu den zerstörerischen, ausbeuterischen auto- und technokratischen Systeme der Gegenwart bereits im Titel. Wenig überraschend schneidern Half Me daraus eine geifernde Frontalattacke, packen etwas rohe Gewalt Marke Seeker drauf und mähen zwischendurch im Vollsprint Scheuklappen nieder. Das spitze „Splinter In A Rusted Crown“ bohrt sich in die schwindende Gehirnmasse und zuckt gerade in der zweiten Hälfte wiederholt aus. Zum Ausschluss benötigt „Coup d’État“ keine zwei Minuten, um mit Power Hits am laufenden Band das Licht auszumachen.

Ungeschönte Wahnsinnstaten breiten sich eine halbe Stunde lang mit unheilvollen Schwingen aus, halten einen Spiegel vor und zerschmettern diesen immer wieder, weil ein wenig mehr Unglück auch schon egal ist. Half Me geben weiterhin einen feuchten Kehricht auf bekömmliche Kost, drehen alle Regler auf Elf und langen noch beherzter zu. Die pure, ungeschönte Urgewalt von „Dogma“ macht kaputt, was bereits lange gebrochen ist, und gestaltet seinen modernen Hardcore-Ansatz unnachgiebig, zugleich vielschichtig und selbst im gefühlten Untergang mit emotionaler Tiefe ausgestattet. Das hier brennt gar wunderbar.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Arising Empire (Edel)

Website: www.halfme.band
Facebook: www.facebook.com/halfmeband

(c) Olivier Faure

Das französische Quartett Could Seed hat ein Herz für etwas verträumtere, verspieltere Post-Rock-Klänge und bezieht einiges an Kraft und Inspiration aus dem Prog-Genre. Eine gewisse Nähe zu und Affinität für Pink Floyd lässt sich bei den Herren aus der Autorennmetropole Le Mans keinesfalls von der Hand weisen. 70s-Klänge, Psychedelia, Blues und auch ein wenig Metal setzen auf Klangreisen mit Herz und Tiefgang, die Emotionen vor Technik stellen. „Terminal“ ist bereits ihr zweites Album.

Zu Beginn stellt sich ein wahrer Gigant in den Weg – in Name und Dimensionen. „Atlas“ ist einer von zwei Siebenminütern und zeigt ab der ersten Sekunde, dass Could Seed ihren Post Rock eben ganz anders angehen. Loungig und doch getrieben lacht der 70s-Schalk aus dem Nacken. Nach etwa zwei Minuten gewinnen die Gitarren an Distortion und Heavyness, der Track entfalt sich nun so richtig. Besonders gelungen ist der Klangnebel, der das große Finale einläutet – etwas unwirklich, leicht psychedelisch und doch so kraftvoll. Der betont laute, geradezu noisige bis metallische Schlussakt verpasst einen kleinen Kinnhaken.

Im Vergleich dazu ist „Druids“ direkt unterwegs, findet schnell zu seiner schwerfälligen Intensität und ringt konstant mit Licht und Schatten. Seltene freundliche Momente wechseln sich mit präzisen Frontalattacken ab. Auch „Minotaure“ entdeckt letztlich Heavyness für sich, nachdem es zuvor minutenlang auf einer siebten Wolke schwebte und mit unwirklicher Beneblung durch das Nirgendwo tanzte. Hingegen drängt „Orion“ mehr denn je in post-metallische Gefilde, laut und unnachgiebig, bevor singende Gitarren gen Ausklang begleiten. Wer hingegen das Prog-Rock-Faible der Franzosen genauer beleuchten möchte, ist im ellenlangen „Pangea“ genau richtig – über weite Strecken eine feinfühlige Klangcollage, die sich einfach treiben lässt.

Speziell mit derlei verträumten, unwirklichen Ausritten muss man sich erst vertraut machen, gehen diese doch weit über gängige Post-Rock-Erwartungen hinaus und fordern gerne mal die Geduld etwas heraus. Letztlich geht das absolut in Ordnung, weil das Retro-Prog-Flair eine wichtige Zutat für den cineastischen, bewusst offen gehaltenen Post Rock von Could Seed ist. Der darf gerne mal heavy und metallisch ausfallen, aber auch sanftmütig und filigran, dockt bei Granden wie God Is An Astronaut und Elder an, findet zudem seine eigene instrumentale Mitte zwischen tiefen Tälern und gewaltigen Bergen. „Terminal“ braucht ein wenig, um zu zünden, ist aber vor allem als Kopfhörerplatte ein magisches, nahezu spirituelles Erlebnis mit weichen Texturen und scharfkantigen Überraschungen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 23.10.2026
Erhältlich über: Klonosphere Records

Website: couldseed.com
Facebook: www.facebook.com/couldseed

(c) Thomas Moe Ellefsrud

Stillstand kennen Kanaan nicht. Das Trio aus der norwegischen Hauptstadt Oslo veröffentlicht bereits sein zehntes Album, pünktlich zum zehnjährigen Bestehen. Zuletzt zeichneten sich die Norweger vor allem durch Kooperationen und wiederaufgegriffene Improvisationen aus; je nach Sichtweise geht „Downpour“ als letzte reguläre Platte durch, ohne den weiteren Output seither zu schmälern. Das schlicht „Kanaan“ betitelte Werk konzentriert sich nun auf das, was die drei Herren aus dem hohen Norden auszeichnet: treibender instrumentaler Rock mit Fuzz- und Psych-Schwerpunkt.

Los geht es erstaunlich heavy und direkt: „P1800“ rattert in unter drei Minuten durch und bündelt die wilde Seite der Norweger in einer atemlosen Tour de Force, die sich konstant selbst zu überholen scheint und bereits erste Experimente mit Effektpedalen wagt. „Silver Cloud Blues“ geht es etwas gemächlicher an, wirkt leicht verpeilt und dadurch erst recht sympathisch. Während die Gitarre gar metallisch kratzt und beißt, hält die Rhythmusabteilung den jazzig-explosiven Fokus – wirbelnde und doch konzentrierte Drums, dazu ein pulsierender Basslauf mit bewusst knarzender Schlagseite. Wenn im Schlussdrittel die Band zusammenfindet und ein Hard-Rock-Motiv entfremdet, ist alles eitel.

Und doch kratzen Kanaan damit bestenfalls an ihrem Können als Improv-Meister. „Ouroboros“ dauert stolze 13 Minuten und taucht in vertraute Space-Rock-Gefilde ein. Völlig losgelöst und herrlich verträumt schwebt das Trio über suchendem Minimalismus. Richtung Songmitte verfinstert sich der Himmel, wandert der Fokus zu Heavyness. Schier undurchdringbare Wände und ausladende Soli heben ab. Die komplette B-Seite gehört hingegen „The Wanderer (Part I-V)“, einem gut 20-Minütigen Epos der abgehobenen Seite. Hier packen die Norweger alles rein, was sie auszeichnet, schweben auf psychedelischen Wolken, treten das Gaspedal durch, improvisieren minutenlange Soli und meditieren in krautigen Untiefen.

Natürlich strengt diese Dreiviertelstunde an, das gehört sich bei Kanaan mittlerweile so. Und doch ist es eben jene kauzige, verplante Eigentümlichkeit, die die Norwegern zu absoluten Meistern ihres Fachs macht. Auch ihr selbstbetitelter neuer Streich lässt sich nur schwer bändigen, schlägt wiederholt kleine Haken und macht sich in unwirklichen Talsohlen breit, bevor man nach den Sternen greift. Der fuzzig-psychedelische Wahnsinn häutet sich konstant und bündelt so ziemlich alles, was die Norweger auszeichnet, auf einem Album. Und die Gitarre singt ewig weiter.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Jansen Records

Facebook: www.facebook.com/kanaanband

(c) A Secret Revealed / Lifeforce Records

A Secret Revealed zählen mittlerweile zu den Meistern erdrückender Post-Metal-Klangkaskaden. Im Laufe ihrer drei bisherigen Alben etablierte sich das Quintett aus Würzburg als Powerhouse schroffer Intensität und überlebensgroßer emotionaler Wände. Seit „When The Day Years For Light“ sind mittlerweile fünf Jahre vergangen, eine nicht unbedingt willkommene Pause. Dafür ist „The Ruin I Summoned Forth“ nun auf komplette Zerstörung aus, begleitet von spannenden neuen Facetten und der Rückkehr eines alten Wegbegleiters.

Im Opener „Disheartened“ mischt Nikita Kamprad von Der Weg einer Freiheit mit, der einst den Einstand „The Bleakness“ produzierte. Wenig überraschend schnellt der Härtegrad wiederholt nach oben, begleitet von bitterer Süße. Ruppige, schwarzmetallisch angehauchte Sprints, angedeutete Melodik und wunderbar wütende, gallige Growls erschaffen einen regelrechten Klangwall, konstant der Überforderung nahe. „Torn From The Quiet“ könnte über weite Strecken als Überschrift für diese Platte durchgehen. Die Würzburger schrauben das Tempo noch ein Stück weiter in die Höhe und zelebrieren stellenweise herrlich abgefuckten Post Black Metal, während die zweite Hälfte mit dem einen oder anderen doomigen Einschub überrascht.

Der insgesamt etwas melodischere, zugleich tödliche Ansatz von „No Mercy For The Wicked“ macht ebenfalls Laune. A Secret Revealed täuschen immer wieder Frontalattacken an, zittern sich jedoch über weite Strecken durch für ihre Verhältnisse kurze viereinhalb Minuten. Das weckt stellenweise sogar erstaunliche wie wohlige Erinnerungen an The Arcane Order. Hingegen überrascht „Withered Eyes“ mit einem groovenden Intro, bevor melodischer Blackened Death Metal wieder und wieder das sprichwörtliche Heft in die Hand nimmt, Ellenbogen ausfährt und von purer Heavyness geradezu attackiert wird. Drückende Schwerfälligkeit kommt überraschend gut.

Packende frische Details tauchen tief in das vertraute post-metallische Meer an Heavyness und Verdammnis ein und werten dieses noch weiter auf. Tatsächlich klingen A Secret Revealed eine Spur gefährlicher und unberechenbarer, schlagen wiederholt mit beklemmender Präzision aus, lassen für wenige flüchtige Momente die Sonne herein, nur um im Anschluss alles zu zerlegen. „The Ruin I Summoned Forth“ ist die logische Weiterentwicklung der bisherigen Alben, torpediert den Gefühlshaushalt mit geifernder Widerspenstigkeit und frisst sich schließlich selbst auf. Einmal mehr langen die deutschen Nachbarn beherzt, pointiert, erschütternd und bewegend zu – die nächste richtig starke Platte.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Lifeforce Records (SPV)

Website: www.asecretrevealed.de
Facebook: www.facebook.com/asecretrevealed

(c) Throes / Church Road Records

Kompromisslose Heavyness und unmittelbare Urgewalt zählt zu den großen Stärken von Throes. Das Quartett aus Boise im US-Bundesstaat Idaho platziert sich bevorzugt zwischen baufälligen Stühlen, wildert unter anderem in Sludge, Doom, Hardcore und Noise Rock. Ihr letztes Album hat bereits über sieben Jahre auf dem Buckel, seither erschienen diverse Kleinformate und ein Split-Werk. Mit „The Colorless Light Of Emptiness“ landen sie nun bei Church Road Records und bannen ihre antagonistische Live-Form erfolgreich auf Platte.

Der unwirsche Auftakt von „Western Violence“ passt prima zu diesem Album, dessen sägendes Chaos mit allerlei Störsignalen vermischt wird, während gutturale Growls und wütende Screams aus den Untiefen auftauchen und doomig-noisige Schwere noch weiter zersetzen. „Ape/Personal/Animal/Human“ treibt die Überspitzung voran, stimmt die Gitarren noch eine Spur tiefer und dreht komplett am Rad. Nahezu konstant wechselndes Tempo, schwarzmetallische Zwischensprints und überaus rohes Drumming finden für eine lautmalerische Belastungsprobe zusammen. In einem Meer der Dissonanzen entsteht unnahbare Hässlichkeit, während sich die Schlussminute mit letzter Kraft durch die Untiefen des Seins schleppt.

Dort warten Throes bereits mit dem nächsten Fußtritt in Form von „Beg“, das sich in aller Kürze durch Schwerfälligkeit tastet, vor Schmerzen aufschreit und in „Joy“ eine wundervolle Fortsetzung findet. Etwas länger, etwas sägender, zwischendurch mit roher Gewalt versehen, nur um im nächsten Moment eine Art mörderischen Groove anzustimmen: Kopfschmerzen sind in der kleinen Wundertat garantiert. Ähnliches gilt für „The Line“, das als gut fünf Minuten langer Gigant nur schwer aus dem Quark kommt und sich laufend zu verhaspeln scheint. Das Spiel mit rhythmischen Erwartungen verleiht dem tiefschwarzen, zähen und störrischen Track die nötige Würze.

„The Colorless Light Of Emptiness“ wird seinem Titel auf so ziemlich allen Ebenen gerecht, erstickt jegliche Form von Licht und zerlegt bei dieser Gelegenheit auch direkt sämtliche Schatten. Das Faible für Doom und Sludge lässt sich bei Throes nicht von der Hand weisen, wird aber zumeist in noisigen Hardcore, Post Metal mit Blackened-Schlagseite und deftige Noise-Espakaden verpackt. Selbst in bratender Schwerfälligkeit befinden sich diese zehn Songs in quasi konstanter Bewegung, reißen verheilt geglaubte Wunden auf und zelebrieren unvermeidbare Finalität. Wenige Bands sind so konzentriert hässlich und abstoßend unterwegs, bleiben mit ihrem konsequenten Wahnsinn aber hängen – ein kompliziertes Album, das nicht loslässt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Church Road Records

Website: www.throestodust.com
Facebook: www.facebook.com/throestodust

(c) Terhi Ylimainen

Seit bald 30 Jahren zählen Insomnium sozusagen zum finsteren Melodic-Death-Inventar. Das finnische Quintett verbindet seit jeher druckvolle Intensität, beklemmende Melodik und drastische Gesten zu epischen Großtaten. Stolze dreieinhalb Jahre nach „Anno 1696“ setzt es wieder frischen Stoff – mit Tomy Laisto, der die Band bereits seit geraumer Zeit live unterstützt, statt Jani Liimatainen an der dritten Gitarre. Das zehnte Studioalbum „Netherworlds“ unterstreicht einmal mehr das Händchen für monumentale Melancholie und behält den bewusst offenen Kurs der letzten Platten bei.

Nach dem unwirklichen Intro „The Cold Song“, im Original von Henry Purcell, geht „Shadowlife“ sogleich in die Vollen und serviert all das, was man sich von Insomnium erwartet und erhofft. Dicke Melodien, wuchtige Härte und omnipräsente emotionale Schwere nehmen das sprichwörtliche Heft in die Hand. Niilo Sevänen grummelt so grantig wie eh und je, Ville Friman sorgt für klare Einschübe – das Yin und Yang von Insomnium findet sofort zusammen und übersteht einen kleinen Key Change unbeschadet. Hingegen überrascht die zweite Hälfte mit proggiger Verletzlichkeit und einem epischen Gitarrensolo. Ein ähnliches Kaliber ist „Pathways Of The Night“, dessen hymnische Schwere nur sehr langsam an die Oberfläche dringt, bevor wütende Attacken alles in Schutt und Asche legen.

Als weitere Monstrosität ragt „The Hour Grows Late“ heraus und serviert acht Minuten epischen Wahnsinn mit Tomi Joutsen, Tomi Koivusaari und Santeri Kallio von den langjährigen Wegbegleitern Amorphis. Der folkige Anfang täuscht, denn Insomnium schalten ebenso plötzlich um und legen den Grundstein für einen emotionalen Malstrom, dessen understateter Dark-Metal-Chic wieder und wieder an die Oberfläche drängt. Die Finnen haben ein Herz für nachdenkliche Leerstellen, aber auch für schwarzmetallische Zwischensprints, die von bizarren Effekten zerschossen werden. Und plötzlich ist der mächtige Melodiebogen zurück – das schlaucht im besten Sinne. Zum Abschluss fällt „Journey’s End“ musikalisch aus dem Rahmen und klopft an der Pforte zum nächsten Leben an.

Ein Album über den Erfrierungstod liegt hinter Insomnium, von zermürbender Zerstörung, zarter Hoffnung, wiederholter Enttäuschung und willkommener Erlösung geprägt. Einmal mehr treten die Finnen als konzentrierte und konsequente Storyteller auf, überlassen ihren offenkundigen Stärken als Konzeptmeister den Vortritt und verbinden dies erneut mit einer experimentell bis proggig angehauchten Interpretation ihrer Musik. „Netherworlds“ entführt Melodic Death und Melancholie in gewohnt packende, aufwühlende Sphären und pendelt sich souverän auf nunmehr gewohnt hohem Niveau ein. Süßer die Herbstglocken nie erstarren.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Century Media (Sony Music)

Website: www.insomnium.net
Facebook: www.facebook.com/insomniumofficial

Slider-Pic (c) Terhi Ylimainen

(c) Jordan Butcher

Der Weg, so sagt man, ist das Ziel, und für Caspian war es dieses Mal ein besonders langer Weg. Ihr fünftes Studioalbum „On Circles“ erschien im Jänner 2020. Mit einer Tour wurde es natürlich nichts; man veröffentlichte zwischenzeitlich diverses Material online, versuchte es mit Livestreams und verlor 2021 Gitarrist Erin Burke-Moran, der sich überwiegend ins Privatleben zurückzog. Seither waren die Post-Rock-Veteranen auf der Bühne sehr präsent, feierten ihren 20. Geburtstag und tasteten sich nur langsam zu einer neuen Platte als Quintett vor. Schlicht „Caspian“ betitelt, ging es dieses Mal bewusst nicht darum, sich erneut in eine frische Richtung zu entwickeln. Stattdessen schrieb man einfach ’nur‘ Songs, die sich auf bewährte Qualitäten konzentrieren.

Zu den unbestrittenen Highlights und zugleich den besten Tracks ihrer illustren Karriere zählt der Neunminüter „Remain“. Eigentlich passiert hier relativ wenig – getragenes Tempo, feinsinnige Gitarrentöne, gemächlicher Rhythmus, mehr und mehr Instrumente stoßen hinzu. Langsam, aber sicher beginnt es zu brodeln, das obligatorische Post-Rock-Plateau setzt zur Songmitte plötzlich ein. Die singende Gitarre nimmt das Heft fest in die Hand, im Schlussdrittel überrascht sogar etwas Heavyness, ohne auch nur im Geringsten in metallische Bereiche abzudriften. Ein in die Länge gezogenes Outro samt versöhnlicher Piano-Coda rundet die magische Großtat ab.

Dieses Niveau erreichen Caspian zwar in weiterer Folge nicht ganz, pendeln sich aber auf gewohnt starkem Niveau ein. „No One Left To Tell“ steht exemplarisch für die Vielfalt dieser Platte, bringt eine gewisse Leichtfüßigkeit mit und holt vorwitzige, 80s-lastige Töne in das herrlich legere Crescendo. Etwas Synth hier, ein wenig Elektronik da, dazu kraftvolle Gitarren – dieser Stilmix gelingt. Dafür startet „Far Country“ fast in media res, legt für Post-Rock-Verhältnisse ohne großen Anlauf los und zerlegt sich mit übermäßigem Feedback-Pedal-Einsatz selbst. Das verleiht dem Sound etwas leicht Schroffes, Unfertiges, während ringsum typisch Caspian’sche Anmut von wütenden Drums attackiert wird. Auch dieser Ausritt gelingt.

Bei aller Abwechslung unterhält „Caspian“ durch seinen roten Faden, der sich erst nach dem zweiten, vielleicht sogar erst nach dem dritten Durchlauf so richtig zeigt. Ideen setzt es in Hülle und Fülle, fast wie eine kleine Rundreise durch gut 20 Jahre Bandgeschichte, doch fließen diese 40 Minuten stets sympathisch und gelungen ineinander. Mal härter, mal feinsinniger, mal klassisch angehaucht, dann weder mit synthetischer Ausprägung, dazu ein neunminütiger Gigant – Caspian liefern einmal mehr richtig stark ab.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Wax Bodega / Many Hats (Virgin Music)

Website: www.caspian.band
Facebook: www.facebook.com/CaspianTheBand

(c) Liss Eulenherz

An Selbstbewusstsein mangelt es Stoned Jesus keinesfalls: Im September 2025 meldete sich das ukrainische Trio mit „Songs To Sun“ zurück und nannte es den Start einer Trilogie. Der überaus anspruchsvolle Mix aus Stoner und Prog, Psych und Rock wirkte wie eine kleine Rundreise durch das bisherige Schaffen und machte daraus eine Art Sprungbrett für neue Großtaten. 13 Monate später landet nun „Songs To Moon“ – etwas lauter, etwas filigraner, etwas kantiger, etwas verspielter. Ist ‚mehr von allem‘ tatsächlich der richtige Ansatz für den ewigen Geheimtipp?

Der Auftakt überrascht erst einmal: „Under The Skin“ fällt mit der Tür ins Haus und packt einiges an Heavyness drauf. Überraschend metallische Intensität, bleierne Schwere und tiefe Abgründe finden zusammen, die Vocals kämpfen sich aus den Untiefen des Arrangements hervor, ringen mit vereinzelten Screams und Growls um den Platz an der Sonne. Das anschließende „Velvet“ fällt deutlich melodischer aus, hat aber ebenso mit einer gewissen Finsternis zu ringen. Grunge und Alternative Rock, leicht proggige Süße und eine nicht von der Hand zu weisende Doom-Note machen Laune – schwerfällig, sympathisch und letztlich doch eingängig wie Sau.

Emotionaler Höhepunkt ist aber „Window In My Room“, das mehr als acht Minuten lang auf semi-akustischen bis folkigen Minimalismus setzt. Verträumte Verzweiflung ergibt einen ergreifenden Kontrast, vielleicht einen Hauch zu weit ausgedehnt, aber in seiner Melodieführung grandios. Davor baut sich „Jackal“ mächtig auf, holt ein paar Stoner-Riffs hinzu und klingt stellenweise fast vertrackt. Das hatte man so auch nicht unbedingt auf der Rechnung. Und dann ist da noch „ZYX“, das sich immer wieder aus unwegigem Stoner-Psych-Gelände erhebt und treibende Intensität nebst die ganz feine Klinge stellt, neben einen Hauch Neo-Prog und fast spacige instrumentale Sphären.

Die ganz große musikalische Überraschung sollte „Songs To Moon“ eigentlich nicht sein, funktioniert wunderbar als zweiter Teil einer Trilogie und traut sich trotzdem noch mal ein ganzes Stück weiter hinaus. Stoned Jesus klingen stellenweise deutlich lauter und heavier zuletzt, betonen letztlich aber tatsächlich die angekündigen Gegensätze, die hier deutlicher als zuletzt hervortreten. Gerade im semi-akustischen Bereich und der proggig-süßlichen Sinnsuche wirken die Ukrainer um Welten sicherer und selbstbewusster, lassen sich von der Musik auf beste Weise leiten. Auf den Abschluss in dieser Serie darf man bereits gespannt sein.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Season of Mist (SPV)

Facebook: www.facebook.com/stonedjesusband

(c) Jonas Andersson

Zentnerschwere Lasten, süssliche Riffs und erstaunliche Emotionalität zeichnen Firebreather aus. Das 2016 im schwedischen Göteborg gegründete Trio versteht sich – ganz untypisch – auf eine Kombination aus Sludge und Doom Metal, veröffentlichte bislang drei Alben und tourte fleißig durch ganz Europa und Nordamerika. Ihre erdrückende Heavyness kultivieren die Herren aus dem hohen Norden neuerdings bei Heavy Psych Sounds und untermauern mit „Blood That I Spill Turns To Fire“ eindrucksvoll, dass sie trotz Vergleichen mit Giganten wie High On Fire und Monolord weiterhin felsenfest auf eigenen Beinen stehen.

Der Titelsong „Blood That I Spill Turns To Fire“ macht angenehm laut und deutlich, warum derlei Parallelen nicht von ungefähr kommen. Ein scharfkantiges Riff tritt eine kolossale Druckwelle los, die stoische Rhythmusabteilung klingt so massiv wie menschenmöglich und Mattias Nööjds kraftvoller, leicht verplanter Gesang schneidet mit hypnotisierender Urgewalt durch das Dickicht. Speziell die kleinen, aber feinen Harmonien im kurzen Hauptteil brennen sich ein. Was furztrocken und doch bittersüß loslegt, blüht nach einer kurzen Zäsur durch pure Entschleunigung auf. Zermürbende Doom-Heavyness drängt sich an vorderste Front und serviert bekömmliche Ernüchterung.

Tatsächlich ergibt diese monolithische Kombination einen packenden Ohrwurm – und keinesfalls den einzigen auf dieser Platte. Mit seinem wiederholt wechselnden Tempo und lebendigen Gesang brennt sich auch „Against The Light“ binnen kürzester Zeit ein. Die mal schwerfällige, mal regelrecht erdrückende Präsentation macht Laune, ebenso der kurze psychedelische Exkurs mittendrin. Im eröffnenden „Only In The Eyes Of Others“ darf die Gitarre schrill und metallisch aufheulen, bevor ein regelrechter Sludge-Doom-Stomper geradezu erschlägt. Zähe, zermürbende Wucht und ein angenehm verspieltes, melodisches Solo gehen eine Art unheilige Allianz ein.

Diese Platte zieht, schabt, scheuert und ist trotz oberflächlich unbequemem Auftreten ein kleines Juwel geworden. Firebreather statten ihren eigentlich massiven, zermürbenden Doom-Sludge-Hybrid mit bekömmlichen Riffs und eindringlichen Melodien aus, begleitet von einer kraftvollen, packenden und vergleichsweise klassisch-metallischen Stimme. Entsprechend zerrt „Blood That I Spill Turns To Fire“ konstant von einem Extrem zum nächsten, gibt sich emotional offen und herausfordernd, und ist mit seinem konstanten Wechselbad greifbarer Gefühle mitreißend, massiv, durchaus eindringlich unterwegs. Firebreather schaffen frischen Wind inmitten angenehm zermürbender Heavyness.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/firebreathergbg

(c) Angela H. Brown

Ende Juli standen SubRosa wieder gemeinsam auf der Bühne, was bis vor kurzer Zeit noch unmöglich erschien. Was genau die Zukunft bringen wird, ist noch unbekannt – aktuell ist zumindest ein weiteres Konzert in den USA für Anfang 2027 angesagt, weil die Musiker*innen an diversen anderen Projekten arbeiten. Während The Otolith gerade ihr zweites Album aufnehmen, meldet sich Rebecca Vernon bereits mit ihrer deutlich ruhigeren Solo-Spielwiese The Keening zurück. „Devotion“ hat eigentlich schon mehrere Jahre auf dem Buckel, entstand in einer privat schweren Zeit und ist Vernons Vater gewidmet, der im Mai 2025 verstarb.

Er war es, der sie für die Demo-Aufnahmen in seiner Wohnung in einer Altersresidenz einlud, wo sie tagsüber Musik schrieb und aufnahm und abends gemeinsam mit anderen Bewohnern speiste. Bereits 2022 fertig gemastert, setzt der Nachfolger von „Little Bird“ dessen musikalische und textliche Visionen konsequent fort. Die heimelige und zugleich unheimliche Magie eines „A Little Bit Of Blood“ bringt den vertrauten und doch andersartigen Sound Vernons auf den Punkt, verpackt Neofolk in aufwühlend arrangierte Gefilde, wächst sieben Minuten lang nahezu unaufhörlich und verbindet dies mit einem Mix aus Doom und Post Rock, der natürlich erneut an ihr altes, neues musikalisches Zuhause erinnert und dabei angenehm frisch bleibt.

Die A-Seite dieses Albums, die ersten 20 Minuten, bestehen hingegen aus dem vierteiligen Titelsong – eine knifflige und zugleich mehr als willkommene Herausforderung. Besondere Beachtung verdient „Devotion II – Fitful Sleep“, dessen vorsichtiges bis schüchternes Auftreten sofort verzaubert. Die aufwühlende Violine als Gegenpol zum gemächlich und doch drückend agierenden Bass hypnotisiert regelrecht. In dieser minutenlangen Ausreizung instrumentaler Weisheiten liegt viel – da ist dieses Wort wieder – Magie, während die mystische Coda verzaubert. Ebenfalls kraftvoll, bloß auf ganz andere Weise, gibt sich der ellenlange Rausschmeißer „The Murder Of Anna Brown“, der vor allem im anschwellenden Mittelteil alte Heavyness beschwört.

Was Rebecca Vernon hier erschafft, beeindruckt abermals. In den leisen Tönen verarbeitet sie Schmerzen und Trauma, die bei SubRosa unter zentnerschweren Lasten und mächtigen Doom-Wänden ruhten. „Devotion“ ringt mit sich und seiner Umgebung, kämpft sich zurück und muss sich doch erst selbst zerlegen, um den Wiederaufbau einläuten zu können. The Keening heilt die Seele der Protagonistin und erschafft nebenbei beklemmende, fragile Schönheit, die stets zu zerbrechen droht. Die alle Anstrengungen benötigt, um zu bestehen. Das schmerzt im besten Sinne und erwärmt selbst das finsterste Herz.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.10.2026
Erhältlich über: Relapse Records (SPV)

Website: www.thekeening.com
Facebook: www.facebook.com/thekeeningmusic