(c) Thorsten Felix

Mit Depravation melden sich echte Meister der ranzigen Todesverachtung erfolgreich zurück. Das hessische Quartett machte zuletzt zu Pandemiebeginn mit „III:Odor Mortis“ von sich reden, der passende Soundtrack zu einer sich selbst zerlegenden Welt. Am tiefschwarzen, verkrusteten Kurs hat sich in den knapp drei Jahren seither herzlich wenig geändert. Auch „IV:Letvm“ gibt sich böse, zerstörerisch und brachial.

Diese neun Tracks in gut 33 Minuten nehmen abermals – wenig überraschend – keine Gefangenen. Zu den zermürbenden Glanzlichtern zählt „War Dreams Of Itself“, das in knapp fünf Minuten die komplexere Seite der Herren aus Gießen betont. Gerade das ellenlange, faulige Intro überrascht im besten Sinne, dahinter wird es martialisch. Blackened Death mit Crust-Einschlag hält das Tempo fast durchgehend hoch, kleinere Zäsuren versuchen sich aus dem Sumpf herauszuarbeiten und bleiben doch in einem Meer an sägenden Gitarren und giftigen Nebelschwaden hängen. Immer wieder und wieder rollt die Walze los.

„Suffering“ wäre eigentlich auch eine prima Überschrift für diese Platte, die sich in diesen 190 Sekunden mit erstaunlicher Präzision entlädt. Depravation verwenden Geschwindigkeit als Werkzeug des Wahnsinns, das gefühlt stete Rattern der Vernichtung torpediert sämtliche Sinne. Wie das eröffnende „Nur einen Spalt“ sofort in media res führt und geradezu in die Luft geht, ringt ebenfalls Respekt haben. Schreie des Schmerzes und der Verzweiflung lassen Hören und Sehen vergehen. Einzig im abschließenden „Sadness“ setzt es vielschichtigere, instrumentale Klänge, die mit Versöhnlichkeit jedoch rein gar nichts am Hut haben.

Keine Überraschungen gibt es von Depravation zu vernehmen, was aber nicht stören soll. Das deutsche Quartett liefert ab, und zwar kompromisslos. „IV:Letvm“ ist unfassbar evil, zerstörerisch und bedrückend. Fast die gesamte Platte läuft am absoluten Limit durch, was erstaunlichen Unterhaltungswert bietet. Der Soundtrack zur Hässlichkeit der aktuellen Endzeit gelingt abermals gar vorzüglich und bricht selbst den letzten Widerstand gekonnt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.02.2023
Erhältlich über: Lifeforce Records (Membran)

Website: www.depravationkills.com
Facebook: www.facebook.com/depravationkills

(c) Dean Chalkley

Mit gerade einmal zwei Alben stiegen Those Damn Crows zu einer der heißesten britischen Rock-Aktien auf. Das letzte Werk des Quintetts aus Wales erreichte in der Heimat sogar Platz 14 der Album-Charts. An diesen Erfolg möchte man natürlich anknüpfen und kündigt „Inhale/Exhale“ als Mischung der beiden Vorgänger an. Geboten wird abermals moderner Hard Rock mit kraftvollem Gesang und ruhigen Momenten, der an Bands wie Alter Bridge, Shinedown und Black Stone Cherry erinnert.

Frische Impulse und Innovation spielen eine untergeordnete Rolle, man will das sprichwörtliche Rad nicht neu erfinden. Das ist auch nicht nötig, wenn man Tracks wie „Takedown“ im Gepäck hat. Die schnörkellose Präsentation lebt natürlich von Shane Greenhalls Charakterstimme, die durchaus an Myles Kennedy erinnert, zugleich aber etwas angenehm Eigenes, stellenweise leicht Bluesiges in sich trägt. Dicke Riffs, donnernde Drums und eine feine Melodie im hymnischen Refrain erfüllen sämtliche Erwartungen. Auch „Wake Up (Sleepwalker)“ lässt die Muskeln spielen, lebt von eingängiger Heavyness und geht sofort ins Ohr. Es kann manchmal so einfach sein.

Kleinere Variationen einer vertrauten Formel sorgen für Unterhaltung. Die emotionale Schwere von „Lay It All On Me“ trägt amerikanische Qualitäten in sich und deutet balladeske Muster an, ohne sich vollends der Ruhe zu ergeben. Auch „This Time I’m Ready“ bezieht seine Kraft aus nachdenklicheren Tönen, beginnt als Piano-Nummer und hebt zum Ende hin ab. Das wütende, nahezu metallische Finale erinnert im besten Sinne an Alter Bridge. Apropos Finale: „Waiting For Me“ beschließt die Platte mit Aufbruchstimmung. Es brodelt in jeder Sekunde, ohne jedoch komplett über die Stränge zu schlagen. Das erledigt das flotte „Man On Fire“, dessen beißendes Riff keine Gefangenen nimmt.

Wenig Neues, aber dafür verdammt viel Gutes: Those Damn Crows haben ihren Sound gefunden und pendeln sich auf hohem Niveau ein. Wer energiegeladenen Rock mit hymnischen Riffs, knackiger Heavyness und kleineren Überraschungsmomenten mag, wird „Inhale/Exhale“ lieben. Im Stile großer US-Bands drücken die Waliser einer etablierten Formel ihren eigenen Stempel auf und schreiben nebenbei Hits, die nach großen Festivalbühnen und sogar Stadion-Atmosphäre klingen. Der endgültige Durchbruch ist wohl nur eine Frage der Zeit.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.02.2023
Erhältlich über: Earache Records (Edel)

Website: www.thosedamncrows.com
Facebook: www.facebook.com/thosedamncrows

(c) Ania Shrimpton

Vergangenes Jahr waren Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs heiß wie Frittenfett, als es endlich wieder zurück ins Studio ging. Mit frischem Songwriting-Wind ging man die Angelegenheit einen deutlichen Tacken düsterer an. Das hatte aber nicht etwa mit dem Weltgeschehen zu tun, wie es bei so vielen anderen Bands der Fall war und ist – man hatte schlicht und ergreifend Bock auf finstere Heavyness, die stellenweise sogar an Urahnen wie Black Sabbath erinnert. Entsprechend fällt „Land Of Sleeper“ etwas aus dem Rahmen und ist dennoch typisch für das Quintett aus Newcastle-upon-Tyne.

Ein Song wie „Terror’s Pillow“ macht sehr schnell sehr deutlich, wohin die Reise neuerdings geht. Das Tempo wird weitestgehend rausgenommen, stattdessen regiert ein wütendes, geradezu monumentales Donnergrollen, das binnen Sekunden durch Mark und Bein fährt. Stoner-Sludge und Doom nehmen das Heft in die Hand, zudem klingt Matt Baty richtig schön angepisst. Man suhlt sich in der emotionalen Schwere, während rundherum Hochhäuser einstürzen. Ein kurzer, knackiger Song zwischendurch wie „Mr Medicine“ kommt da gerade recht. In unter 150 Sekunden rattern die siebenfachen Schweine durch, fast schon punkig und zugleich von vertrauten Psychedelic-Einflüssen angetrieben.

So zerlegt man sich mit wachsender Begeisterung selbst, und das steht Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs gut zu Gesicht. „Big Rig“ zählt zu den ellenlangen Highlights des neuen Albums, häutet sich mehrfach und legt zwischendurch schon mal den Turbo ein. Das Spiel mit variierendem Tempo, mit ellenlangen instrumentalen Spielereien sowie den von früheren Platten begannten Prog- und Psych-Elementen kommt gut. Die heiseren, geradezu röhrenden Schreie im Quasi-Refrain von „Ball Lightning“ fahren hingegen durch Mark und Bein, begleitet von zunehmender Entfremdung und Distortion for Days. Auch das eröffnende „Ultimate Hammer“, das nahezu etatmäßig mit der Tür ins Haus fällt, will nicht unerwähnt bleiben. Die Briten kotzen sich aus, während das Arrangement zusehend abkackt und die ellenlange Sinnsuche übt.

Ohne sich komplett von vertrauten Klängen zu verabschieden, beschreiten Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs spannende frische Pfade. Das zunehmende Verschieben des eigenen Sounds in Richtung Heavyness und Beklemmung fördert einen höheren Sludge-Anteil zutage, der allerdings prima zum bestens bekannten Sound passt. Diese Evolution ohne Revolution lässt „Land Of Sleeper“ zum nächsten Leckerbissen aus schweinischem Hause mutieren. Dicke Riffs, komplette Verwirrung und brachiale Intensität nehmen im besten Sinne keine Gefangenen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 17.02.2023
Erhältlich über: Rocket Recordings (Cargo Records)

Website: www.pigsx7.com
Facebook: www.facebook.com/PigsPigsPigsPigsPigsPigsPigs

(c) Super Pink Moon

2019 rief Ihor Pryshliak, Gitarrist und Sänger bei Somali Yacht Club, mit Super Pink Moon einen Solo-Schauplatz ins Leben, um sich in etwas verträumteren Gefilden auszutoben. Bereits Ende 2020 erschien mit „Nude“ ein erstes Mini-Album. Der Nachfolger wurde während der russischen Invasion von Pryshliaks ukrainischer Heimat geschrieben – zur Hälfte vor, zur Hälfte nach dem 24. Februar 2021. Die Musik sollte als Flucht aus dem brutalen Alltag dienen und zugleich einen Prozess der Selbstheilung einleiten. „Iron Rain“ setzt sich mit widersprüchlichen Emotionen auseinander und versucht zugleich so komplex wie möglich zu sein.

Die Unwirklichkeit der neuen Realität kommt bereits im Songtitel des Openers durch: „Nothing Is Real“ beschreibt eine gewisse Fassungslosigkeit und kleidet diese in Shoegaze und Post Rock, während unter der Oberfläche finsterste Beklemmung geradezu brodelt. Der Gesang ist butterweich, die Emotionen fallen roh aus, und das Kargland der zweiten Songhälfte holt urplötzlich ins Hier und Jetzt zurück. Dort wartet das trügerische „Calmness“, mehr Fragment denn eigentlicher Song, dessen Ambient-Ansatz eine Art Ruhepuls zu simulieren versucht. Solche Einschübe und Eigenwilligkeiten tauchen im Laufe der Platte immer wieder auf, wobei das Synthie-Pop-Anhängsel „ウクライナにславаあれ“ so richtig aus dem Rahmen fällt.

Doch haben es auch mehr als genug ‚echte‘ Songs auf die Platte geschafft, darunter das triumphale wie zerstörerische „Per Aspera Ad Astra“. Dicker Alternative Rock sowie melancholische Heavyness Marke Deftones schwingen mit, die donnernden Drums zerlegen den Track stellenweise. Die abschließende Fanfare geht unter die Haut. Spannend fällt auch das mit einem Video versehene „Doomscrolling“ aus, das sich insgesamt in klassischeren Gaze-Gefilden aufhält, sich eher zögerlich in das mächtige Arrangement wagt. Der schroffe, schrubbende Bass geht nicht mehr aus dem Ohr, zum Ende hin ist die Intensität kaum auszuhalten.

Wohlige Unerträglichkeit zieht sich durch 38 aufwühlende Minuten, die weit über klassische Shoegaze-Erwartungen hinausgehen. Die Suche nach Sinn und Verständnis ist Pryshliak in jeder Sekunde anzumerken. Ob „Iron Rain“ dies findet, sei dahingestellt, doch geht die offensive Auseinandersetzung mit dem eigenen Selbst, mit brutalsten Lebensumständen und mit dem zarten Versuch von Eskapismus im besten Sinne unter die Haut. Super Pink Moon faszinieren mehr denn je mit einem Album, das definitiv nicht kalt lässt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 16.02.2023
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/profile.php?id=100064109648958

(c) STORMO

Die mitunter strikte Isolation der letzten Jahre regte STORMO zum Nachdenken an. Man befasste sich mit Themen, die größer als die eigene Existenz sind: Tod und ökologischer Untergang. Dabei stießen die italienischen Hardcore-Chaoten auf den indigenen Yanomami-Stamm, der während der Trauer Teile verstorbener Verwandter konsumiert, um deren Seele freizusetzen. Aus der Auseinandersetzung mit diesem Ansatz entstand „Endocannibalismo“, das erste Werk für das neue Label Prosthetic Records.

Das eröffnende „Valichi, Oltre“ ist einer von zwei Tracks, welche die Drei-Minuten-Marke überschreiten. Wenn sich STORMO ausnahmsweise etwas Zeit für ihre Musik nehmen, entstehen erstaunlich ausdifferenzierte Ideen, die trotz aller Gemächlichkeit zu erdrücken wissen. Ausnahmsweise nimmt man das Tempo heraus, wütende Vocals treffen auf komplexe Drum-Patterns – und dann fährt das anschließende „PV77“ wie ein Derwisch drüber und zerlegt alles in bester Converge-Manier. Klar, neu mag das nicht sein, funktioniert in dieser knisternden Unberechenbarkeit aber weiterhin exzellent.

Nie weiß man so genau, wohin es die Italiener zieht, und das macht ihr bereits viertes Studioalbum so spannend. Der Titelsong „Endocannibalismo“ nimmt mehr und mehr Noise-Manie mit, zerlegt sich selbst mit wachsender Begeisterung und lässt das ungefilterte Chaos mit wachsender Begeisterung hochleben. Auch das abschließende „Sopravvivenza E Forme“ hat seinen Reiz, gerade in der frontalen ersten Hälfte. STORMO holen Punk-Anteile ins Rampenlicht, bevor der Track mehr und mehr im zähen Sumpf versinkt. Jegliche Strukturen werden eingerissen, durch Noise- und Effekt-Geräte gepresst, bis der bittere Fade-out folgt – ein weiteres Kunststück.

Keine halbe Stunde später ist der sprichwörtliche Spuk schon wieder vorüber, die Überwältigung abgeschlossen. Mehr denn je überfordern STORMO sämtliche Sinne mit wachsender Begeisterung, wobei der deutlich intensivere Noise-Einfluss den ohnehin durchgeknallten Mix noch eine Spur kaputter ausfallen lässt. Ja, auch an „Endocannibalismo“ muss man sich gewöhnen, wenn die Italiener ihren nunmehr bestens bekannten Sound verfeinern, mit anderen Sound-Spektren am neuen Ende des abgefuckten Wahnsinns erweitern. Auch diese Abrissbirne macht Laune und etabliert das Quartett als absolute Post-Hardcore-Macht.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.02.2023
Erhältlich über: Prosthetic Records (Cargo Records)

Website: stormomusic.com
Facebook: www.facebook.com/stormohc

Slider-Pic (c) STORMO

(c) npvisuals.dk

Vor einigen Jahren galten Aphyxion als große Melodic-Death-Hoffnungsträger. 2019 holten sie ihren Sound jedoch in die Moderne mit futuristischen Metalcore-Klängen, die seither spürbar weiterentwickelt werden. Das dänische Quintett hält nichts von Stilltand, verschiebt laufend Grenzen und will damit sich sowie das eigene Publikum herausfordern. „Ad Astra“ packt hinsichtlich Heavyness, Eingängigkeit und kleinen Experimenten erneut ordentlich einen drauf.

Eine der besten Hymnen wartet ausgerechnet am Ende des Albums. „Not Gonna Make It“ bringt Aphyxion im Jahr 2023 auf den Punkt: Metalcore mit beißender Härte, hymnischer Melodik und atmosphärischer Elektronik, die geschickt in moderne Gefilde zieht. Auch ein knüppelharter, drückender Mittelteil darf nicht fehlen – brachial und auf den Punkt. „Oceans Of Time“ mit Chaosbay spielt hingegen etwas mit den Möglichkeiten des Genres, deutet einen melancholischen Rave mitten in pointierter Core-Energie an. Gelegentliche semi-balladeske Momente runden den Song gekonnt ab.

Das ist übrigens nicht der einzige Song mit Gast-Input. Für das Hackbrett „Pathless“ konnten Siamese gewonnen werden, die diesem Wellenbrecher zusätzlichen Antrieb verleihen. Erneut könnten die Synthies im Refrain, etwas schneller abgespielt, prima im Club laufen (Enter Shikari lassen grüßen), dafür fallen die Strophen und Breakdowns noch eine Portion derber aus. IMMERSE mischen in „Heavy Shadows“ mit. Typische Metalcore-Klänge treffen auf rasende Wut in schäumenden, kantigen Passagen. Hingegen bemüht sich der Opener „Roll The Dice“ um einen klassischen Metalcore-Hit, der sofort und ohne Umwege ins Ohr geht.

Anstatt erneut alles umzuwerfen, verändern sich Aphyxion dieses Mal etwas dezenter, zeigen sich noch melodischer und futuristischer. „Ad Astra“ ist ebenso eine kantige Metalcore-Platte geworden, bis obenhin voll mit hymnischen Melodien und derben Breakdowns. Geschickt und pointiert eingesetzte Elektronik sorgt für das gewisse Etwas und setzt frische Akzente, bricht mit Formelhaftigkeit und drängt sich doch nie unangenehm in den Vordergrund. Die Mischung stimmt auf dem neuen Album der Dänen und bereitet den Weg für eine goldene Zukunft.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.02.2023
Erhältlich über: Circular Wave (Tonpool)

Website: aphyxion.dk
Facebook: www.facebook.com/aphyxion

(c) Tim Tronckoe

Brachialgewalt kennt keine Grenzen: Die Musiker*innen hinter Triagone leben zwar in Belgien, ihre Wurzeln reichen aber bis nach Brasilien, Italien und Frankreich. Gemeinsam verschreibt man sich der brutalen, technisch versierten Seite des Death Metal mit einem, wie sie es selbst nennen, „Female Beast VS. Male Beast-Gesangsduo“. „Sem Papyrvs“, ihre erste EP, erscheint in Eigenregie und wirft einen neuen, kompromisslosen Blick auf ein vertrautes Genre.

Wie der Quasi-Titeltrack „Ad Mortem Sem Papyrvs“ direkt in media res loslegt und arschlings ins Gesicht springt, verwundert und verwirrt. Die schiere Wucht dieser vier Minuten torpediert sämtliche Sinne gleichzeitig, dahinter wartet ein fieses wie kaputtes Stück Musik, das alleine schon durch seine hohe Schlagzahl verstört. Zwei wütende Stimmen, beißende News-Samples und die fortschreitende Zersetzung der eigenen Wahrnehmung versuchen Geschwindigkeitsrekorde zu brechen.

Doch nicht nur dieser Exkurs geht an die Substanz. Wie sich das abschließende „Imperivm In Imperio“ in den Song hineinarbeitet und von gutturalem Gurgeln erschüttert wird, erstaunt und verstört zu gleichen Teilen. Allerdings schimmern hier gelegentlich Riff-Ansätze durch, wie man sie beispielsweise von The Black Dahlia Murder kennt – ein unterhaltsamer Farbtupfer mit gelegentlichen melodischen Andeutung. Davon hat auch „Abyssvs Abyssvm Invocat“ zumindest im Solo-Abschnitt einiges zu bieten, rundherum mischt sich Old-School-Sägemehl unter die High-Speed-Attacken – eine weitere kurzweilige Facette.

Ruppiger Wahnsinn mit technischem Wahnsinn und Überraschungseffekt, so oder so ähnlich lässt sich dieses Kleinod zusammenfassen. In knapp 27 Minuten zerlegen Triagone alles, was sich ihnen in den Weg stellt, und vermengen atemberaubendes Tempo mit hohem Anspruch und puristischer Brutalität. „Sem Papyrvs“ hält nichts von Beschönigung und Beschwichtigung, sondern langt einfach gewaltig zu, ohne auch nur im Geringsten nachzugeben. Der Studio-Auftakt dieses Quintetts fällt mächtig unterhaltsam aus.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.02.2022
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/TriagoneDeathMetal

(c) Motionsick

Das goldene Zeitalter der Fernsehserie mag mittlerweile passé sein, doch finden sich selbst im Überangebot noch Perlen, die etwas mehr Aufmerksamkeit verdienen. Was das mit vier Herren aus Innsbruck zu tun hat? Motionsick nennen ihr Debütalbum die ‚erste Staffel einer musikalischen Serie‘, wenden serielle Erzählmuster für ihre Songs an und verleihen dem Mix aus Grunge, Alternative, Punk und Core zusätzlichen Tiefgang. „The Inner Side“ handelt von einer Person, deren innere Dämonen hinter einer Maske aus Lügen lauern.

Die sprichwörtliche Würze liegt in der Kürze: Von den 14 Tracks, darunter mehrere Interludes, überschreiten bloß zwei die Vier-Minuten-Marke. Diese für Band-Verhältnisse nahezu ‚epischen‘ Exkurse gelingen dafür richtig gut. Im quasi eröffnenden „Empty Voice“ bauen Motionsick schnell ihre musikalische Identität auf. Diese basiert auf düsteren Grunge- und Alternative-Konzepten, die jedoch durch angepunkte Core-Wucht und semi-proggige Einschübe gekonnt erweitert bis entfremdet werden. Immer wieder versuchen sich die inneren Dämonen an die Oberfläche zu kämpfen; zwei Seelen wohnen, ach, in des Protagonisten Brust. Das beklemmende „Sisyphus“ versucht sich zu befreien und bricht doch laufend unter der eigenen Last zusammen – eine spannende, gekonnt verstörende Tour de Force.

Doch die zahlreichen kurzen, pointierten Episoden sorgen für Unterhaltung. So wagt sich „Parasite“ tiefer in die Abgründe der eigenen Unruhe hinab. Der Spannungsaufbau erinnert schon mal an Deftones, die Explosivität trägt stilvolle Core-Kleider. „Slug“ erhebt sich gemächlich aus der Distortion und sucht nach Möglichkeiten, um den eigenen Schmerz und die eigene Verwirrung in passende Worte zu fassen. Das folgende „The Shed“ unterhält mit ominösen Melodieteppichen und einem knackigen Finale. Auch „Apnea“ hebt erst spät so richtig ab, wirkt wie eine einzige überdimensionale Fanfare, die nach einem Licht am Ende des Tunnels der Unvermeidbarkeit sucht.

Letztlich weiß dieser Einstand zu unterhalten, unabhängig von der Betrachtung narrativer Fäden. Lässt man das Konzept außer Acht, ergibt sich ein spannender, vielschichtiger musikalischer Mix mit manch einem Highlight, so eindringlich wie hymnisch, brachial wie brodelnd. „The Inner Side“ wächst durch seine spannende, kompakte und zugleich aufwühlende Präsentation jedoch erst über sich hinaus. Motionsick liefern ein packendes, kurzweiliges Debüt ab, das schon jetzt auf eine ähnlich starke, intensive zweite Staffel hoffen lässt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.02.2023
Erhältlich über: Rasselbande Records

Facebook: www.facebook.com/motionsickband

(c) Gary Cooper

Conjurer ist ein beliebter Name unter Metal-Bands, darunter die jungen Extrem-Progger aus Großbritannien. Ein Quintett aus Indianapolis entschied sich nach gut neun Jahren und zwei Alben, diesen abzulegen, und verbreitet seither als Veilcaste unheilvolle Stimmung zwischen Doom und Sludge. Auf eine Split mit Tusk folgt nun „Precipice“, das erste Album unter diesem Namen, dessen schiere Wucht zu erdrücken und zu verzücken versucht.

Der bekömmliche Donner von „Asunder Skies“ tritt die erste von sieben bittersüßen Druckwellen los, so schroff wie sympathisch. Schnell fällt der betont ungeschliffene Sound auf, der Platz für beiläufiges und doch präzises Sägen macht. Dustin Mendels Vocals – halb gesungen, halb gebrüllt – bringen die Sprititualität von Jaz Coleman in YOB’sche Sludge-Gefilde ein. Manische Energie trifft verkappte Melodik, stets sich selbst etwas im Weg stehend und doch so deutlich in seiner verzerrten, ruppigen und zugleich semi-harmoniebedürftigen Präsentation.

Zwischen den Stühlen nehmen Veilcaste Platz und genießen den Freiraum des Unbequemen. Wie Mendel das wuchtige „Relapse In Reason“ geradezu zerschießt, so präzise wie gallig, weiß zu unterhalten. Die metallische Doom-Ursuppe kollidiert auf brutalste Weise mit dem eitrigen Eifer von Crowbar – kann man so machen, weiß zu unterhalten. Einige Türen weiter deutet „Empty Hell“ zumindest kurzzeitig mehr Tempo an, nur um sich selbst im besten Moment einzubremsen und die abgehangene Gitarre gen Psychoterror zu drängen. Speziell die Zäsur torpediert sämtliche Sinne mit ausgesuchter Bosheit und bleibt im Hinterstübchen hängen.

Veilcaste bewegen sich in vertrauten Gefilden und drücken diesen ihre ureigene Note auf – eine Gratwanderung, die hohen bis höchsten Unterhaltungswert offenbart. „Precipice“ lotet das etatmäßige Spannungsverhältnis zwischen Doom und Sludge genauestens aus und versieht dieses mit neuer, ungeahnter Bosheit. Die ungeschliffene und zugleich selbst in abgründigsten Momenten süßliche Präsentation rundet einen spannenden Einstand unter neuem Namen stark ab und verleiht der Verzweiflung des Genres gekonnten Ausdruck.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 10.02.2023
Erhältlich über: Wise Blood Records

Facebook: www.facebook.com/veilcaste

(c) Peter Troest

Selbstzweifel machen Platz für wütende Machtlosigkeit: EYES reflektierten auf ihrem ersten Album ordentlich, während die Schere zwischen Reich und Arm immer weiter auseinandergeht. Für das dänische Hardcore-Quintett stellt sich ein Gefühl der Hoffnungslosigkeit ein, das Resignation mit purem Geifer paart. Auf diesem Fundament entstanden die zehn Songs ihres Zweitlings, den sie – betont sarkastisch – „Congratulations“ nennen.

„The City“ versteckt sich zwar gegen Ende der Platte, zählt aber zu den wichtigsten neuen Tracks. Es geht um die Liebe zu einer Stadt, die mittlerweile Hass und Verachtung gewichen ist, weil sie von den Reichen eingenommen und verschlimmbessert wurde. Die abgedrehte Gitarre, die dezente Math-Energie, aber auch die kleine Ode an die Cancer Bats in den Strophen – Zutaten für einen besonders durchgeknallten, widerborstigen Exkurs. Hingegen geht „Bbbbbbbliss“ zunächst einfach nur nach vorne, bevor wiederholte kleine Zäsuren den Song zersetzen und aus vermeintlicher Glückseligkeit die Hölle aus Erden zaubern.

Es geht aber nicht nur um die oberen 10.000: EYES nehmen unter anderem Verschwörungstheoriker ins Visier. Der Titelsong „Congratulations!“ spendet der Diskursvergiftung sarkastischen Beifall, während sich die manische Schraube konstant weiterdreht. Hingegen kommt in „Ballast“ der Idealist zum Vorschein, der immer noch an das Gute glaubt, dessen Hoffnung wohl bald enttäuscht wird. Man fühlt sich als Teil der „Generation L“, einer Generation der Verlierer, die weniger Rohstoffe und Möglichkeiten als jene, die vor ihnen kamen, zur Verfügung hat. Alles geht den Bach runter.

Eine halbe Stunde lang spielen die Dänen den kompletten Wahnsinn der (vermeintlichen) Endgültigkeit aus und rennen damit offene Türen ein. „Congratulations“ ist der Soundtrack der drohenden (Selbst-)Aufgabe, der neben beißendem Sarkasmus mit packenden Hardcore-Arschtritten versehen wird. Statt Schema F setzt es eine wütende Bandbreite von punk-rockigem Treiben über wütende Beatdowns bis hin zum ungefilterten, ungebremsten Chaos. EYES legen mit ihrem zweiten Album kräftig nach und ringen der Verzweiflung intensive Husarenritte ab.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 03.02.2023
Erhältlich über: Indisciplinarian / Nefarious Industries

Facebook: www.facebook.com/eyesbandcph

Slider-Pic (c) Peter Troest

(c) Brian Ravaux

Auf der Suche nach Hoffnung in post-apokalyptischer Ödnis verlauft sich eine Gruppe junger Menschen in brütend heißer Wildnis und philosophiert über die eigene Rolle im Untergang allen Seins. Diese markige wie pointierte Story begleitet das dritte Album von WuW um die Brüder Benjamin und Guillaume Colin, die ihre klassische Musikausbildung gen Doom-, Sludge- und Drone-Kargland tragen. Auch „L’Orchaostre“ kommt komplett ohne Gesang aus und hat doch mehr als genug zu sagen.

Die fünf durchnummerierten Symphonien der resignierenden Zerstörung wagen sich tiefer und tiefer in hoffnungslose Landschaften vor und erkennen das eigene Scheitern. „Orchaostre 1“ nimmt in seinen knapp zehn Minuten zuweilen manische Strukturen an, die Doom und Sludge in Richtung Drone tragen, während der instrumentale Post-Ansatz mit krautig angehauchten Loops überrascht. Elektronisch-synthetisches Sperrfeuer torpediert die zermürbende Anti-Apokalypse, wobei die Gitarre gen Halbzeit fast schon singende, melodische Qualitäten annimmt. Dass das Geschehen zusehend von Noise und vernichtender Katharsis zerstückelt wird, passt ins Bild.

Am anderen Ende dieser Platte wartet das laute, launische, fast schon rebellische „Orchaostre 5“. Mit seinen bittersüßen Untertönen strebt es nach einer existenziellen Ebene, die als verloren gelten muss, und ergibt sich – langsam, aber viel zu sicher – dem Unvermeidbaren des Handlungsstrangs. Auch „Orchaostre 3“ bemüht ein knackiges Riff, dekonstruiert dieses bloß mit wachsender Begeisterung. Ohrenbetäubende Gemächlichkeit drückt aufs Gemüt, der sich ins Rampenlicht drängende Drone-Charakter zerrüttet das innere Gleichgewicht endgültig. Alles ist vorbei, nichts ist eitel.

Die Unausweichlichkeit der Konsequenzen des eigenen Schaffens kleidet ein musikalisches Wechselbad der Gefühle aus. In knapp 42 Minuten wagen sich WuW weiter denn je ins Storyboarding vor und finden einen spannenden Ansatz für den Umgang mit dem schier unvermeidbaren Untergang jeglicher Existenz. „L’Orchaostre“ heißt die Endgültigkeit willkommen, lässt Hoffnung aufkeimen und erstickt diese letztlich mit Gusto – ein beklemmendes Happening, dessen faszinierender Aura man sich kaum entziehen kann, geschweige denn will.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 03.02.2023
Erhältlich über: Pelagic Records (Cargo Records)

Facebook: www.facebook.com/WuWband

(c) Anja Bergman

Die depressive, isolierende Dimension jeglicher Existenz treibt Fvnerals seit jeher zu düsteren, avantgardistischen Höchstleistungen an. Tatsächlich hat ihr letztes Album „Wounds“ bereits sechseinhalb Jahre auf dem Buckel. In der Zwischenzeit verlegte das Duo seinen kreativen Lebensmittelpunkt nach Belgien, tourte fleißig und begleitete unter anderem Emma Ruth Rundle, bevor man nach Deutschland zog. Die Umstände der letzten Jahre drückten die Stimmung noch weiter, und so präsentiert sich das neue Werk „Let The Earth Be Silent“ um Welten schroffer und nihilstischer.

Geboten wird weiterhin rohe, avantgardistisch angehauchte Intensität im Düster-, Doom- und Drone-Umfeld. Brütende Klangwälle werden aufgezogen, wenn „For Horror Eats The Light“ nach einem kleinen Intro mit schneidender Gemächlichkeit das Unterholz stört. Das getragene Tempo, die donnernden Drums, die ätherischen Vocals nebst verzerrten Gitarren – einfachste Mittel lassen Hören und Sehen vergehen, bevor das Auge des Sturms in experimentellen, durchaus Ambient-artigen Gefilden wildert. Und schon folgt der nächste Absturz, noch härter und noch desolater, ein Mahnmal des endlosen Leidens.

Reduzierte Zerstörungswut, gepaart mit kanalisiertem Weltschmerz, zieht sich wie ein tiefschwarzer Faden durch die gesamte Platte. In „Yearning“ sind es gefühlt endlose Schleifen, die sich langsam an die Oberfläche kämpfen und dort qualvoll verenden. Triptykon lassen grüßen, wenn rundherum die Selbstaufgabe in ätherischer Gewandung durchschimmert. Faszinierend fällt auch das eröffnende „Ashen Era“ aus. Lange kämpft der Track gehen seine eigenen Dämonen, bevor die Band einsetzt und die Drone-Doom-Katastrophe heraufbeschwört. Die klaren, geradezu himmlischen Vocals als krasser Gegensatz passen wunderbar ins Bild.

Alles hat ein Ende, auch die Welt. „Let The Earth Be Silent“ ist der Soundtrack zum Untergang der Menschheit, geboren aus einem Meer der Selbsterkenntnis, der Realisierung des Unvermeidbaren. Fvernals waren hierfür gefühlt immer schon prädestiniert und donnern im Zeitlupentempo durch das Gebälk der endgültigen Endlichkeit. Ihr Drone-Doom fällt noch eine Spur komplexer und verstörender aus, gewinnt durch die ätherischen Einschübe sogar an zusätzlicher Intensität. Mission gelungen, Patient nicht mehr zu retten.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 03.02.2023
Erhältlich über: Prophecy Productions (Soulfood Music)

Website: www.fvnerals.com
Facebook: www.facebook.com/FVNERALS

(c) Flatlands

Schier unaufhörlich scheinen Le Temps Du Loup an neuem Material zu arbeiten und bringen stets Spannendes hervor. Das Trio aus der spanischen Hauptstadt Madrid widmet sich rein instrumentalen Tönen zwischen Post Rock und Post Metal, voll dichter Texturen und überraschender Übergänge. Ihr neuestes Werk will die musikalische Geschlossenheit noch weiter forcieren. „Leteo“ setzt mehr denn je auf Synthesizer, um den Klangwall entsprechend zu verstärken. Das gelingt gar hervorragend.

Donnernde Drums bereiten den Weg für den eröffnenden Titelsong. Die Gitarren sorgen für beklemmende, finstere Stimmung, der brodelnde Aufbau lässt brachialen Post Black Metal vermuten … und dann ist plötzlich Schluss. Es bleibt bei einem reinen Aufbau, der jedoch das Spannungslevel für die restliche Platte sogleich in höchste Höhen schraubt. „Sihaya“ macht direkt weiter und nimmt sich alle Zeit der Welt für eine cineastische Meisterleistung. Der emotionale Malstrom majestätischer Gitarrenwände zieht wiederholt in seelische Abgründe hinab, die schiere Explosivität samt etatmäßiger Zäsur mittendrin passt prima ins Bild.

Stark fällt auch der Abschluss aus. „T’oublier“ bemüht stolze zehn Minuten und scheint zunächst ins Leere zu laufen. Wohin die Reise gehen soll, bleibt erst einmal unklar. Bass und Schlagzeug setzen gemächlich ein, wobei der virtuose Aufbau in manchen Momenten sogar leichte Tool-Parallelen ziehen lässt. Und dann, aus dem Nirgendwo, gehen Le Temps Du Loup durch die Decke. Hier hat sich offenkundig einiges an Ballast aufgestaut. Dann ist kurz Schluss, bevor eine quengelige Gitarre die schneidende, gerne mal martialische zweite Hälfte einleitet. Die Spanier kehren hier das Metallische ihres Sounds hervor, lassen den Track immer weiter anwachsen, bis urplötzlich Schluss ist, die letzte Note nicht einmal richtig verhallen kann.

Le Temps Du Loup verstehen es, narrative Fäden zu ausgeklügelten Post-Gebilden zusammenkommen zu lassen. Das wirkt zu gewissen Teilen vertraut, soll aber nicht stören: „Leteo“ ist ein kleiner Leckerbissen, der gefühlt mit jedem Durchlauf schöner und besser wird. Hier versteht jemand hörbar das Handwerk, ohne Worte verdammt viel zu sagen. Der Bruch mit etablierten Strukturen trifft auf eine gekonnte Erfüllung der Erwartungshaltung an das Genre – auf den Punkt, mitreißend und nicht nur für Post-Rock- bzw. -Metal-Fans ein absoluter Gewinn.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 27.01.2023
Erhältlich über: dunk!records / Pundonor Records

Facebook: www.facebook.com/letempsduloup

Slider-Pic (c) Flatlands

(c) Anna Sieger

Locker geknüpfte Klangteppiche machen das musikalische Rückgrat von Rulaman aus. Bereits 2015 in Stuttgart als The Hace gegründet, sorgten nach dem Release der ersten EP ein Besetzungswechsel am Schlagzeug sowie der Übergang vom Quartett zum Trio für den Wechsel zum heutigen Namen. Auf ein weiteres, erstmalig konzeptuelles Kleinformat folgt nun „To Serve The Dune“: Rulaman wagen sich ans Albumformat und setzen sich nach eigenen Angaben mit den Tiefen der Psyche sowie den kalten Monaten auseinander.

Die sympathische Intensität des eröffnenden „Bitkin (Wake)“ führt aber erst einmal (gekonnt) auf die falsche Fährte. Rock-Heavyness, Felix Berns‘ leicht schneidende und zugleich eindringliche Stimme sowie die forsche Rhythmik erinnern mal eben an kompaktere Black Space Riders, bevor die erste von vielen Zäsuren auf dieser Platte spannende Untiefen andeutet. Das folgende „ThirtyNine“ wagt sich in selbige vor, erklärt die Vocals zum zusätzlichen Instrument und balanciert auf schmalen Pfaden – leicht zittrig, etwas nervös und doch mit einem steten Ziel vor Augen. Diese Unwirklichkeit sorgt für Spannung.

Und Spannung gibt es auf diesem ersten Album in rauen Mengen, vor allem in den überlangen Songs. Da wäre beispielsweise „Creatures“, ein rein instrumentaler Exkurs, dessen Abtasten schon mal in Richtung Post Rock schielt, bevor die zweite Hälfte verspielte, fordernde und faszinierende Klangwelten offenbart. Urplötzlich versinken Rulaman und tauchen erst spät wieder auf. Im abschließenden „Mantra“ betet das Trio tatsächlich zunächst ein selbiges herunter. Die Lead-Gitarre überrascht mit klassischer Rock-Solierarbeit, rundherum schimmert etwas Freundlichkeit durch – fast schon hoffnungsvoll und doch dem kompletten Abdriften in das eigene Scheitern so nah.

Gekonnt lassen sich Rulaman treiben, wobei sie zumindest anfangs gefühlt nie so recht wissen, welches Ziel sie eigentlich ansteuern. In dieser scheinbar spontan anmutenden Energie liegt allerdings der große Reiz dieses Albums, das gewiss alles andere als klassischen Psychedelic Rock zockt. „To Serve The Dune“ versteht sich gewiss auf verwaschene, verkopfte und elegische Sphären, schätzt aber ebenso Heayvness, klassischen Rock, bratende Wucht und sympathischen Frohsinn. Der eigenwillige und doch gefällige Ansatz unterhält von vorne bis hinten und etabliert Rulaman endgültig.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 27.01.2023
Erhältlich über: Tonzonen Records (Soulfood Music)

Website: www.rulamanmusic.com
Facebook: www.facebook.com/RulamanBand

(c) Jeannine Kaufer

Fucked Up fordern sich und ihre Fans mit wachsender Begeisterung heraus – siehe und höre „Year Of The Horse“ mit vier überlangen Songs und komplexer Akt-Struktur. Bevor dieses ambitionierte Projekt erschien, hatte man sich eigentlich einer ganz anderen Idee gewidmet, die nun nachgereicht wird. Für „One Day“ erlegte man sich eine kreative 24-Stunden-Regel auf: Alle Spuren, alle Arbeiten mussten innerhalb eines Tages erledigt und aufgenommen werden, und das noch dazu in Lockdown-bedingter Distanz. Mit dieser technischen und emotionalen Herausforderung wollen die Kanadier*innen zudem zeigen, wie die Zeit regelrecht durch die Finger rinnt.

Dass auf dieser Platte einiges anders funktionieren und klingen würde, war bereits im Vorhinein klar, als der Titelsong ausgekoppelt wurde. Zwar bleibt das Fundament zwischen Hardcore Punk und Post-Hardcore erkennbar, nicht nur ob der wütenden Vocals, doch kennt man solche Melodien eigentlich nicht von Fucked Up. In den eingängigen Momenten wartet man auf eine Hymne à la Kvelertak, und doch bleibt die frontale Intensität im Mittelpunkt, zumindest bis zum großen Refrain. Auch „Found“ trägt Ohrwurm-Anleihen, bloß deutlich schroffer verpackt. Hier sind es vor allem die Gitarren, die mit Alternative-Flair kokettieren, zumindest bis die nächste Abfahrt durch die beklemmende Rumpelkammer folgt.

Überhaupt fällt dieses neue Album deutlich direkter aus, was ob des speziellen kreativen Ansatzes kaum verwundern dürfte. So rückt „Huge New Her“ den Punk-Aspekt in den Mittelpunkt, gibt sich richtig schön ungehobelt und rennt damit offene Türen ein. Die für Fucked Up typische Doppelbödigkeit bleibt erhalten, rückt bloß etwas weiter in den Hintergrund. Dort lauert mit „Cicada“ ein sonniger Track, ein richtiger Rocksong, der mit Heavyness und klarem Gesang glänzt. Für Bandverhältnisse wirkt das direkt radiofreundlich und geht entsprechend nicht mehr aus dem Ohr. Zugleich serviert „Lords Of Kensington“ aufwühlenden Post-Hardcore mit einer singenden Gitarre, die sämtliche Sinne betäubt – das krasse Gegenteil und doch so verzaubernd.

In diesem Spiel der Gegensätze gehen die Kanadier*innen auf und landen Volltreffer über Volltreffer. „One Day“ ist über weite Strecken das krasse Gegenteil von „Year Of The Horse“ und gerade deswegen so spannend. Der direkter, unmittelbare, gerne mal eingängige Ansatz bekommt Fucked Up gut und rückt eine andere Facette in den Mittelpunkt. Hardcore, Punk, Post und Alternative schaffen ein knisterndes Sammelsurium widersprüchlicher Emotionen und majestätischer Hymnen. Auch nach all den Jahren kann das Quintett immer noch überraschen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 27.01.2023
Erhältlich über: Merge Records (Cargo Records)

Website: www.fuckedup.cc
Facebook: www.facebook.com/FUglassboys

(c) Panagiotis Tsalavrettas

Moderne metallische Klänge sind das Spezialgebiet von Mask Of Prospero. Das 2014 im griechischen Athen gegründete Quintett versteht sich auf Progressives, im weitesten Sinne zwischen Metalcore, Djent und Progressive Metal angesiedelt. Ihr zweites Album bemüht sich um einen ganzheitlich künstlerischen Ansatz, der soziale Abnabelung und Introvertiertheit in eine düstere, launische Atmosphäre transportiert. Das zieht sich auch durch das Artwork sowie den Titel: „Hiraeth“ ist ein walisischer Begriff, der ein Gefühl irgendwo zwischen Sehnsucht, Heimweh und Trauer nach einem Verlust beschreibt.

Ein Song wie „Hourglass“ zeigt eindrucksvoll, wie weit Mask Of Prospero inzwischen gekommen sind. Fünf vielschichtige, komplexe und doch eingängige Minuten breiten sich zunächst wuchtig und schroff aus, bevor vermehrt kleine und große Feinheiten Einzug in den wilden, unorthodoxen Mix finden. Bratende Aggressivität samt Groove-Einschlag in den Strophen, dazu eine düstere und zugleich erhabene Hymne im Refrain, etwas Djent in den instrumentalen Zwischenspielen und feinsinnige Neo-Prog-Kunst in der Spätphase – die Summe der einzelnen Teile macht Laune, denn vertraute Zutaten werden hier gekonnt umarrangiert.

„Lament“ punktet hingegen durch finstere Atmosphäre und hohen Gesang, der stellenweise in Richtung Kopfstimme geht. Mask Of Prospero stellen ihren Ansatz mal eben komplett auf den Kopf, wobei gerade die reduzierten Passagen mit seltenen, von Schmerz geplagten Schreien gut kommen. Im Hauptteil treffen Muse auf eine Art Core-Halb-Ballade, was erstaunlich gut funktioniert. Das anschließende „Kyma“ wagt sich weiter in solch balladeske Gefilde vor, Drumcomputer und Beklemmung inklusive. Natürlich fällt das aus dem Rahmen, macht in Betrachtung des Gesamtwerks aber ebenso Laune wie der derbe, grobschlächtige Auftakt „Divided“, dessen fragiles Melodiegefühl über Umwege herausgearbeitet wird.

Tatsächlich machen Mask Of Prospero hier nochmals einen gewaltigen Sprung nach vorne, was man nur (verdient) abfeiern kann. Die stärker ausgeprägten Prog-Ansätze erinnern schon mal im besten Sinne an Leprous, rundherum schimmern jüngere Bury Tomorrow durch, begleitet von komplexer wie durchgeknallter Härte. „Hiraeth“ reißt letzte Grenzen ein und wagt im besten Sinne mehr. Packende Atmosphäre, gelungene Experimente und bekömmliches Feingefühl – da braut sich ordentlich etwas zusammen.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 27.01.2022
Erhältlich über: ViciSolum Productions / Sound Pollution (Rough Trade)

Facebook: www.facebook.com/maskofprosperoofficial

(c) Super Lino Puro

Joakim Knutsson war mit dem Status Quo seines heißgeliebten Gothic-Rock-Genres nicht zufrieden und suchte nach einer Band, welche die Ideale der 80er Jahre zurückholen würde. Also gründete er kurzerhand Die Oberherren um aktuelle und ehemalige Mitglieder von Ghost und The Coffinshakers. Bratende Düsternis, bittere Süße, okkulte Präsentation und unheilvolle Themen begleiten das erste Album „Die By My Hand“.

Das eröffnende „The Horned One Stabs“ zeigt direkt, wohin die Reise geht. Ominös tastet sich das Sextett voran und macht es sich in unbequemen wie reizvollen Gefilden bequem. Das Pulverfass wird mit Eingängigkeit befeuert, der Quasi-Chorus geht ins Ohr und wird doch wunderbar kantig präsentiert. Aus dem konstanten Fluss des Openers entwickelt sich schließlich „By The End Of The Shore“, das mit deutlich mehr Ecken und Kanten arbeitet, dessen grantige Grundstimmung prima mit infernalen Keyboards kollidiert. Hier leben Die Oberherren ihren Hang zu Occult Rock aus, glänzen durch puristische Bosheit.

„Guns And Pills“ bemüht sich hingegen um ruhigere Töne und entpuppt sich als bitterböse, grimmig abgehangene Finster-Ballade. Zwischen betörender Zweitstimme und donnernden Drums baut sich binnen kürzester Zeit eine herrlich unwirkliche Stimmung auf. Wer hingegen auf direkten Gothic Rock steht, wird mit „The Blood Or The Wine“ wunderbar bedient. Ja, der Track fällt etwas sehr lang aus, geht aber über weite Strecken mit wachsender Begeisterung nach vorne und packt die Ellenbogen aus. Auch das abschließende „Something Wicked“ steht auf Bosheit, von beißenden Harmonien gekonnt zerlegt.

Nach Beastmilk bzw. Grave Pleasures sowie Messa sind Die Oberherren die nächsten ungekrönten Düster-Könige aus dem Hause Svart, die offenkundig ein Händchen für bleierne, melodische Schwere haben. Natürlich spielt „Die By My Hand“ mit bestens bekannten, mehr als vertrauten Zutaten, was jedoch zu keiner Zeit stört. Der okkulte und zugleich recht puristische Gothic-Ansatz bekommt den Nordlichtern gut und wirft wunderbar kantige Songperlen am laufenden Band ab. Auch hier steht Großes bevor.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 27.01.2023
Erhältlich über: Svart Records (Membran)

Facebook: www.facebook.com/people/Die-Oberherren/100084144110543

(c) Tuomas Luiro

Wie weit ist die Menschheit gekommen? Und was war der Preis dafür? Diese und weitere existenzielle Fragen stellen sich Serotonin Syndrome auf ihrem ersten Album seit über sieben Jahren. Der angeschwärzte, doomige Post Metal der Finnen feiert ein willkommenes Comeback und zeigt sich härter, komplexer und vielschichtiger denn je – eine Entwicklung, welche bereits die Single „Bipolar Highness“ im Jahr 2020 andeutete. „Seed Of Mankind“ strebt nun die Formvollendung für Fans von Agalloch an.

„Among Others“ gibt in jeder Hinsicht die Marschrichtung vor und bäumt sich acht Minuten lang gar wütend auf. Post Metal dient als Grundgerüst und kollidiert mit Blackened Doom. Das bringt den einen oder anderen Vollsprint mit sich, aber auch viel Gefühl und Spielwitz in den etwas reduzierteren Passagen. Hier fahren Serotonin Syndrome das volle Programm an frostiger Kälte auf, torpedieren sämtliche Sinne gleichzeitig und lassen die Gitarren sägen. Die Hoffnung auf eine große, alles umarmende melodische Wendung bleibt jedoch unerfüllt, denn immer wieder zieht der Abgrund in beklemmende Untiefen.

Dort wartet selbstverständlich der komplette Wahnsinn. „Dot Marks The Spot“ inszeniert diesen mit Nachdruck, mit frostiger Kälte und bitterer Süße. Eine Ode der Hoffnungslosigkeit spielt mit Dark-Metal-Ideen, die Kombination aus ranzigem Knurren und reduzierter Arrangierung in der Strophe bringt das Seelenleben durcheinander, und dann geht das Ding doch durch die Decke. Dichte Texturen und konsequente Selbstgeißelung gehen einen spannenden Weg. Dort wartet bereits „The Pitiful One“ mit vergleichsweise frontaler Action, mit ausgesprochenem Biss und pointierten Uptempo-Passagen, die sogar etwas Death-Action heraufbeschwören.

Wiederholt häutet sich diese Platte und birgt erstaunlichen Unterhaltungswert in sich. Düstere bis deprimierende Klangwelten begleiten das Schaffen von Serotonin Syndrome und zeigen die Band zugleich so fieberhaft, so leidenschaftlich wie lange nicht. „Seed Of Mankind“ ist der nächste fantastische Schritt für die Düstermagier vom nördlichen Polarkreis, die sich unterhaltsamer, vielschichtiger und spannender denn je zeigen. Ihr zweites Album zieht in einen intensiven Sog und spuckt am Ende letzte Reste der Empfindsamkeit verächtlich aus – ein Happening, bis oben hin voll mit bittersüßer Faszination.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 27.01.2023
Erhältlich über: Eigenvertrieb

Facebook: www.facebook.com/serotonin0syndrome

(c) Andy Plötz

Post Rock ist für jeffk ein scharfes und scharfkantiges Genre. Das Trio aus Leipzig erweitert seinen rein instrumentalen Sound gerne mal um metallische und synthetische Elemente, begleitet von konzentriertem Storytelling, ohne je das Wort zu erheben. Das gilt auch für ihr zweites Album „TAR“. Hier setzen sie sich mit dem menschlichen Hang zu Betonlandschaften auseinander, die Naturparadise verhüllen, nach einer anderen Art von Perfektion streben und diese doch nie auch nur annähernd erreichen können.

Achteinhalb Minuten zur Eröffnung: Für Kompromisse haben jeffk keine Zeit und lassen „Fingers“ stattdessen ominös losblubbern. Schnell setzen brutale Dissonanzen ein, wie Jambinai ohne Folklore, und finden sich in einem wahren Wechselbad der Gefühle wieder. Die Art und Weise, wie das Trio mit Ebbe und Flut spielt, kommt gut. Zudem verlässt man sich zu keiner Zeit auf generische, vorgefertige Strukturen und lässt den Track stattdessen kommen. Hier steckt eine Fülle an Ideen drinnen, die andere Bands nicht mal auf einem ganzen Album ausbreiten können – bratende Heavyness, verquere Distortion, kristallklare bis frostige Melodien, angedeutete Tanzbarkeit, sogar ein Hauch Math.

„Idle Eyes“ ist ein weiterer Gigant im besten Sinne. Die Einstiegshürde fällt etwas niedriger aus, ohne den Exkurs dadurch zu verwässern. Hier lassen jeffk das Arrangement zu sich kommen. Jam-artiger Charakter bietet dem Aufbau viel Freiraum, lässt geradezu epische Spannungsbögen zu. Es brodelt in jeder Sekunde, der nächste Höllenritt scheint nur eine Frage der Zeit. Hingegen bemüht „Swarm“ zunächst klare Gitarren und jazzig angehauchte, fast schon tanzbare Rhythmen, bevor die unvermeidliche Distortion einsetzt. Gefühlt packen jeffk minutenlang Schicht über Schicht, nur um den ausgedehnten Abgang auf das Wesentliche herunterzubrechen – kompakt und doch so energisch.

Selbst im Post-Rock-Feld sticht der Ansatz der drei Leipziger im besten Sinne heraus. jeffk versuchen vorhersehbare Formeln möglichst großräumig zu umfahren und bemühen Komplexität durch wechselnde Stimmungen und Tempo. „TAR“ haftet ein gewisser Jam-Charakter an, womit man dem epischen, cleveren Songwriting allerdings nicht gerecht wird. Gelegentlich der Überforderung nah, bemüht das Trio Anspruch, instrumentale Kunst und stete Herausforderung als metallisch angehauchtes Konzept des faszinierenden Wahnsinns. Was für ein wilder, spannender Trip.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 20.01.2023
Erhältlich über: Golden Antenna Records

Facebook: www.facebook.com/this.is.jeffk

Slider-Pic (c) Andy Plötz

(c) Tower Media

Wo Tidal Wave aufschlagen, wächst kein Gras mehr. Das schwedische Quartett versteht sich auf dichte Riffs und süffige Wüstenstimmung. In ihrem Gründungsjahr 2019 veröffentlichten sie mit „Blueberry Muffin“ ein erstes knackiges Album, nun erfährt der Mix aus Stoner und Fuzz eine Fortsetzung. „The Lord Knows“ überdreht sämtliche Regler mit wachsender Begeisterung und steuert direkt auf den Desert-Olymp zu.

Das dicke „Robbero Bobbero“ bringt den sympathischen Wahnsinn der Nordlichter auf den Punkt. Knackiges Riffing, frontale Attacken und beißende, intensive Vocals geben sich die Klinke in die Hand, schielen etwas in metallische Gefilde und punkten im richtigen Moment mit drückender, geradezu zermürbender Heavyness. Kleinere instrumentale Einschübe verleihen dem Track etwas Unwirkliches. Das vergleichsweise furztrockene „Lizard King“ eröffnet die Platte mit schroffem Nachdruck. Auf den ersten Blick passiert herzlich wenig, dahinter werden überdimensionale Wände hochgezogen.

Was Tidal Wave ebenfalls prima beherrschen, sind die überlangen Tracks. „Marijuana Trench“ klingt in etwa so, wie es der Titel vermuten lässt, wirkt durchgetreten, leicht psychedelisch und sehr fuzzy. Hier spielen die Schweden geschickt mit wechselndem Tempo und verschiedenen Stimmungen, eskalieren laufend im Kleinen und machen Druck auf Gebühr. In „By Order Of The King“ nimmt das nahezu doomige Züge an. Die Riffgewalt entfaltet manische Qualitäten. Hingegen geht „End Of The Line“ direkt nach vorne, dockt kurz bei Motorjesus an und hat hörbar Spaß an der frontalen Präsentation.

Keine große Überraschung, dafür beste Unterhaltung: Tidal Wave setzen vielleicht keine frischen Akzente, müssen sie aber auch nicht. Die Schweden schreiben starke Riffs und denken das vermeintliche Schema F geschickt weiter. „The Lord Knows“ ist keine puristische Stoner-Platte, sondern spielt mit Fuzz-, Doom- und sogar dezenten Prog-Elementen, rockt heavy und bemüht komplexen Anspruch. Es kann manchmal so einfach sein – eine Rock-Platte, die von vorne bis hinten beste Laune verbreitet.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 20.01.2023
Erhältlich über: Ripple Music (Bertus)

Facebook: www.facebook.com/TidalWaveSWE

(c) Cosmic Reaper

Heavy Psych Sounds steht nicht nur für rifflastige Innovation, sondern auch für eine Split-Serie, die alte und neue Helden regelmäßig zusammenführt. Die „Doom Sessions Vol. 7“ bemühen sich um Gegensätze mit gemeinsamer Basis. Auf der einen Seite stehen Endtime, für die sich alles um Distortion und, nun ja, musikalische Endzeitstimmung dreht, und auf der anderen die psychedelischen und doch furztrockenen Cosmic Reaper, die ihren Sci-Fi-inspirierten Sound erst vor zwei Jahren auf Platte bannten. Wie immer präsentieren beide Bands komplett neues, zuvor unveröffentlichtes Material.

Die A-Seite gehört zwei donnernden, kaputten Tracks von Endtime, die sich mit wachsender Begeisterung über etwaige Doom-Konventionen hinwegsetzen. So eröffnet „Tunnel Of Life“ den Release zwar mit fast spirituellen Tönen, versinkt jedoch vermehrt in einem Meer an Loops, begleitet von zunehmender Entfremdung und schmerzerfüllten Schreien, die den Track gen krautig-elektronisches Zucken tragen. „Beyond The Black Void“ macht seinem Namen alle Ehre, wird immer lauter und unwirscher, bevor mittendrin ein Noise-Break unendliche Störwellen auspackt. Der Song bricht komplett weg und wird von abgefuckten Effekten zerschossen, bis die nächste Druckwelle folgt.

Im Vergleich dazu wirken Cosmic Reaper geradezu klassisch und konventionell. „Sundowner“ eröffnet mit ausgesuchter, rifflastiger Gemächlichkeit, wirkt richtig schön mächtig und bewegt sich, wie schon das letzte reguläre Album, irgendwo zwischen Rock und Metal mit hörbarem 70s-Einschlag. Das finstere „Dead And Loving It“ zieht massige, schier undurchdringliche Wände auf, lässt die Stimmung überkochen und definiert sich über Druck. Im Vergleich dazu zeigt sich das überlange „King Of Kings“ nahezu verspielt und doch verkopft, nimmt die Leerstellen als perfekten Ort für ausladende, verspielte Soli auf.

Insgesamt zeigt sich die B-Seite um Welten zugänglicher, was aber nun wahrlich kein Problem ist. Cosmic Reaper bewegen sich weiterhin in recht klassischen Doom-Gefilden, dem Proto-Sound sehr nahe, nehmen sich aber ebenso Zeit für verspielte, komplexe Ansätze. Diese kontern Endtime mit Distortion ohne Ende, mit Krautrock-Untertönen, mit Noise und mit purer Bosheit. „Doom Sessions Vol. 7“ könnte kaum unterschiedlichere Bands gewählt haben und zählt somit sicherlich zu den schwierigsten Releases dieser Serie, aber auch zu den interessantesten – Doom für Fortgeschrittene, der Grenzen mit Charme und Spielwitz sprengt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 20.01.2023
Erhältlich über: Heavy Psych Sounds Records (Cargo Records)

Endtime: www.facebook.com/Endtimedoom
Cosmic Reaper: www.facebook.com/cosmicreapernc

(c) Olivier Roisneau

Nach einem starken Auftakt mit mehreren kurzweiligen EPs, starken Alben sowie diversen Auftritten, die sie sogar bis zum Hellfest führten, mussten Death Engine quasi von vorne anfangen. Zuerst kam eine kleine Pause mit einem Neuaufbau des Line-ups um Frontmann Mikaël Le Diraison, dann investierte man gleich zwei Jahre in die neue Platte. Das neu formierte Quartett aus Lorient im Westen Frankreich büßte allerdings rein gar nichts an Intensität an. Ganz im Gegenteil: „Ocean“ bringt den intensiven Mix aus Post Metal, Noise Rock und Sludge mehr denn je auf den schroff-epischen Punkt.

Das mächtige „Pulled Down“ etabliert sich binnen kürzester Zeit als neuer Referenztrack. Dabei führt das ellenlange, unauffällige Intro erst einmal auf eine komplett falsche Fährte, zumindest bis brachiale Screams das Geschehen erschüttern und hinsichtlich post-metallischem Frust sogar Cult Of Luna alt aussehen lassen. Am Höhepunkt, als die Spannung unerträglich scheint, bricht leicht entstellter Klargesang durch das Gebälk, ohne jedoch große musikalische Variationen zuzulassen. Schnell kehrt die geifernde Wut zurück, kollidiert mit greifbarer Verzweiflung. Selbst eine kurze Zäsur und die wiederholte Rückkehr zu melodischen Ansätzen ändern daran nichts. Das ist fast schon Psychoterror, und zwar der besten Sorte.

Death Engine verlassen sich keinesfalls auf irgendeine Genre-Formel und suchen laufend nach frischen Ansätzen. Da wäre beispielsweise „Dying Alone“, dessen noisiges Brodeln mit kühlen, zugleich emotional aufgeladenen Melodien kollidiert – A Pale Horse Named Death für die Post-Sludge-Generation, wenn man so möchte. „Leaden Silence“ wird seinem Namen gerecht und breitet bleierne Wucht aus, möglich dissonant und erschöpfend, von Höllenqualen begleitet. Diese hat auch das überlange Finale „Empire“ gepachtet und lässt multiple kleine, katastrophale Entladungen zu. Fast den ganzen Song hindurch bewegen sich die Franzosen am Limit und torpedieren sämtliche Sinne mit vernichternder Präzision.

Konstant lotet das Quartett Grenzen aus und wächst dabei über sich hinaus. Während ein Song wie „Pulled Down“ sofort einschlägt, braucht der Rest Zeit, muss sich erst entfalten, tut das aber auf grandiose Weise. „Ocean“ markiert einen personellen Neustart, der Death Engine kreativ überaus gut bekommt. Jeder Song ein kleines Meisterstück, reich an Details und emotionaler, innerer Unruhe, turbulent und durchaus zerstörerisch schön: Das erste Überalbum des neuen Jahres bringt die Franzosen hoffentlich (wieder zurück) auf große internationale Bühnen.

Wertung: 9/10

Erhältlich ab: 13.01.2023
Erhältlich über: Throatruiner Records

Facebook: www.facebook.com/deathengine.net

Slider-Pic (c) Olivier Roisneau

(c) Stefan Heilemann

Auch wenn es in Doom-Gefilden gerne mal etwas gemächlicher vor sich geht, fühlte sich die Wartezeit auf neues Material von Ahab doch recht zäh an. Fast siebeneinhalb Jahre sind seit ihrem letzten regulären Studioalbum vergangen, auch wenn die Meister der nautischen Schwere in dieser Zeit alles andere als untätig gewesen waren. „The Coral Tombs“ widmet sich Jules Vernes Klassiker „20.000 Meilen unter dem Meer“ und wagt zugleich musikalisch deutlich mehr.

„Prof. Arronax‘ Descent Into The Vast Oceans“ trägt nicht nur einen fantastischen Titel, die Urgewalt mit Blastbeats ist man so von den Doomstern nicht gewohnt. Chris Noir von Ultha mischt mit – das ergibt schwarzmetallischen Sinn – und drückt den entstellten ersten Minuten seinen Stempel auf. Dahinter wartet gewohnt melodischer, elegischer Doom, der unter die Haut geht, der unter den Fingernägeln brennt, der das Seelenleben durcheinanderwirbelt. Auch der Rausschmeißer „The Mælstrom“ holt sich Prominenz ins (Untersee-)Boot, nämlich Greg Chandler von den Extreme-Doom-Urgesteinen Esoteric. Die zunehmende Verfinsterung des bleiernen Exkurses, von Growls und Höllenqualen gekonnt unterstrichen, lässt das innere und äußere Gleichgewicht endgültig aus den Fugen geraten.

Es braucht aber eigentlich keine Gäste, wie beispielsweise der Quasi-Titeltrack „A Coral Tomb“ zeigt. Zwar dauert es eine ganze Weile, bis Ahab in den Song hineingefunden haben, die puristisch-minimalistische Funeral-Stimmung ist jedoch großartig und wird bestenfalls noch von „The Sea As A Desert“ in den Schatten gestellt. Ranzige, guttrale Growls unterstreichen die Intensität der beinahe Sludge-artigen Bestandaufnahme, in der zweite Hälfte nimmt der Klargesang geradezu spirituelle Formen an. Eigentlich passiert hier vergleichsweise wenig, was aber auch absolut in Ordnung ist – in der ominösen, verteufelten Ruhe liegt die Kraft.

Zunächst überwältigend, dann spannend: Ahab brauchen ein wenig, um sich erneut zu ordnen, um wieder in die sprichwörtliche Spur zu finden – der drückende Opener eskaliert zunächst, bevor sich die Wogen glätten. So überfordert „The Coral Tombs“ erst einmal in bestem Sinne, sortiert sich später und lullt schließlich ein. Nach der ausgedehnten Studiopause tobt sich das Quartett gemächlich aus, findet frische Ansätze und unterstreicht zugleich alte Klasse. Der nautische Wahnsinn entfaltet sein volles beklemmendes Potenzial auf Raten und lässt nicht mehr los – eine immersive, fordernde, stets lohnenswerte und immer wieder begeisternde Erfahrung.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.01.2023
Erhältlich über: Napalm Records (Universal Music)

Website: ahab-doom.de
Facebook: www.facebook.com/AhabDoom

(c) Jane Fotou

Es gibt viele Möglichkeiten, Extreme auszuloten und zu verschieben. Ein neues griechisches Duo bemüht die brachiale wie epische Magie von Black Metal in avantgardistischen, nahezu progressiven Post-Gefilden. Wothrosch erforschen die düstersten Ecken des Menschseins mit brutalem Nachdruck. „Odium“, so der Titel ihres ersten Albums, soll in jeder Hinsicht überwältigen, und geht als allumfassender, kapitaler Angriff auf sämtliche Sinne durch.

Eines der großen Highlights lauert erst am Ende: Für „Mass“ konnte das Duo Niklas Kvartforth von den schwedischen Shining gewinnen. Der Veteran der Urgewalt fühlt sich in diesem manischen Umfeld hörbar wohl und lässt das Geschehen immer weiter eskalieren. Was Wothrosch allerdings wunderbar beherrschen, ist das Setzen präziser, pointierter Zäsuren. Sie tauchen immer dann auf, wenn das Nervenkostüm zum Zerreißen gespannt ist, und verleihen jeder Höllenfahrt das gewisse Etwas. Dass danach es recht komplette schwarzmetallische Eskalaton mit komplexer Extreme-Metal-Note und zersetzter String-Synthetik angesagt ist, passt ins Bild.

„Tumor“ ist eine seltene kurze Episode, die komplett am Rad dreht und gerade deswegen bzw. damit punktet. Die Griechen schrauben den Wahnsinn in die Höhe und beziehen zugleich andere metallische Extreme ein, lassen auch etwas Death und Grind mitmischen. Der Titelsong „Odium“ steht hingegen exemplarisch für die epischen Qualitäten der Band, präsentiert sich fast schon doomig und schwerfällig in seiner puren, gutturalen Bosheit. Gezähmte Dramaturgie verdunkelt das Empfinden, zwischendurch eskaliert das Ding mit Nachdruck.

Dieses Wechselbad zermürbender Gefühle beherrschen Wothrosch wie nur wenige andere Bands. Dass es sich hierbei tatsächlich ‚erst‘ um ein Debütalbum handelt, fasziniert mit fortlaufender Spieldauer. Man könnte meinen, hier wären echte Veteranen am Werk, die den Faden von Anaal Nathrakh in unberechenbaren Bahnen weiterspinnen. „Odium“ zermürbt im besten Sinne und wirkt wie ein Statement zum gesellschaftlichen Status Quo, zum endgültigen Untergangen allen Seins, zur Abstumpfung des menschlichen Empfindens. Mehr Hassbrocken geht nicht.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 13.01.2023
Erhältlich über: Hammerheart Records (SPV)

Facebook: www.facebook.com/wothrosch

(c) Beneath My Feet

Obwohl sie in den letzten Jahren immer wieder mal hier und da ein paar Songs präsentierten, hat das erste und bislang einzige Album von Beneath My Feet tatsächlich beinahe neun Jahre auf dem Buckel. Das schwedische Quintett arbeitete seither konsequent am eigenen Sound, der sich irgendwo im (modernen) Metalcore-Umfeld verorten lässt, begleitet von zahlreichen Touren mit metallischer Prominenz. „In Parts, Together“ markiert ihr mächtiges Full-Length-Comeback, das für Fans kontemporärer Core-Klänge zwischen US-Wucht, britischer Hardcore-Intensität und nordischer Melodien ein Muss darstellt.

Zehn Songs und drei Bonus-Tracks gehen von der ersten Sekunde an in die Vollen. Das eröffnende „Caught In A Hurricane“ ist das, was man gemeinhin eine Wuchtbrumme nennt. Nach einem kurzen Intro explodiert das Ding mit wütenden, schroffen Core-Attacken, die im besten Sinne an frühe Architects erinnern. Selbstverständlich darf die große, eingängige Auflösung mit Klargesang nicht fehlen. Der Refrain geht sofort ins Ohr und macht Laune. Im anschließenden „Dig My Grave“ hauen die Nordlichter auf die Kacke, wobei vor allem die synthetisch angehauchten Momente in den Strophen, die mit Djent-artigen Wänden geschickt kollidieren, unterhalten. Drückende Brachialgewalt, Shout-Passagen und schwedische Melodic-Death-Untertöne runden das Ding ab.

So ziemlich jeder Exkurs landet zumindest einen kleineren Volltreffer. Wie sich der erhabene, fast schon hymnische Gesang aus dem ruppigen Dickicht von „Sink To The Bottom Or Swim For The Shore“ schält, macht einen bereits okayen Track über jeden Zweifel erhaben – ein einfacher, aber verdammt effektiver Kunstgriff. Für „Departure“ bemühen Beneath My Feet eine kleine Umkehr der Formel und kehren vergleichsweise ruhige, balladeske Ansätze in den Vordergrund. Die Screams wirken durch die reduzierte Präsentation geradezu infernal, fahren durch Mark und Bein. „Lost Sailors Grave“ beschließt den Bonusteil und ist ob seiner Boshaftigkeit ein weiterer essenzieller Wellenbrecher.

Natürlich spielen sich weite Teile dieser Platte in klassischen, überaus vertrauten Metalcore-Gefilden ab, aber das soll nicht im Geringsten stören. Beneath My Feet drücken vertrauten Klängen ihren Stempel auf, gerade durch die gerne mal derben, ungeschliffenen UK-Hardcore-Einflüsse, die mit den Erwartungen spielen. „In Parts, Together“ erdrückt im besten Sinne, bietet ausreichend hymnische Passagen, aber auch zermürbende Mosh-Action, an der es kein Vorbeikommen gibt, sowie kleinere Experimente mit hohem Unterhaltungswert. Das Comeback auf Albumlänge gelingt.

Wertung: 8/10

Erhältlich ab: 03.03.2023
Erhältlich über: Noble Demon

Facebook: www.facebook.com/Beneathmyfeet