El Blog de Dena Flows

Stanley Kubrick, fotógrafo

Dena Flows — Mon, 17 May 2010 06:00:37 +0000

Niños boxeadores. Foto por Stanley Kubrick (octubre, 1947)

Stanley Kubrick (1928-1999), quien después fuera indiscutible (y, aún así, discutido) maestro del cine, se dedicó a la fotografía profesionalmente, para la revista Look, en el quinquenio que va desde 1945 a 1950. 60 años después se ha organizado, por primera vez, una exposición de aquellas fotografías. Ha sido en Milán y he tenido la suerte de haber pasado unos días en la ciudad italiana y haber podido verla.

El Palazzo della Ragione de Milán no se pensó para sala de exposiciones, no, pero a fe que han aprovechado el espacio estupendamente para la muestra de arte y de fotografías. Sobre todo en lo tocante a la iluminación de la obras, que es perfecta, tanto en cantidad, como en dirección. Es de agradecer, sobre todo, la ausencia de reflejos, ese mal tan grave como extendido en las salas de exposición.

La mayoría de las fotografías son de formato cuadrado y en blanco y negro (¿Hasselblad, Rollei? no sé); casi todas instantáneas, aunque también hay buena representación de posados.

No me ha parecido, en conjunto, un trabajo que vaya a pasar con honores a la historia de la fotografía. La calidad media es la de un buen profesional, es decir, alta pero no grandiosa. Cuatro o cinco de las fotos, sin embargo, sí que tienen categoría de inmortalidad. Fotografías para colocar, sin rubor, en la misma pared donde pondríamos fotos de Cartier-Bresson o de Doisneau.

La exposición no se centra en fotos, sino en reportajes, lo que me parece muy adecuado, considerando el trabajo que Stanley Kubrick desarrolló como fotógrafo, además de permitirnos conocer no sólo cómo se acercaba a cada toma, sino a cada tema.

En mi opinión, los reportajes más logrados son los dedicados a la actriz Betsy Von Fürstenberg bajo el título “una debutante en alza”; a la Universidad de Michigan (donde se centró en la presencia femenina, dado que esta institución fue la primera, en 1870, en admitir mujeres en sus aulas), y al Circo, un amplio reportaje en el que tienen cabida tanto las escenas freaks, como la vida cotidiana de los artistas, como las escenas tiernas con cachorros (animales y humanos).

La foto que más me impactó, no obstante, no está en ninguna de esas series. Es la que podéis ver al incio del post, la de los niños boxeadores. Podría haber cuidado un poco el fondo, que está lleno de molestias, pero la acción central es lo suficientemente potente como para pasarlas por alto. Me encanta como toma de acción -tiene una plasticidad perfecta-, pero los protagonistas, unos críos, son los que le dan un significado especial, aparte del carácter de documento histórico que tiene la imagen: los calzones, la desnudez de los pies, los guantes, que son más grandes que sus cabezas (¿interés en la protección o escasez de tallas?).

De hecho, como tantas veces ocurre, las fotografías de Kubrick, aparte de lo buenas o regulares que sean, ganan en la medida en que son testigos de una época, en la medida en que nos acercan a mundos que ya no se van a repetir.

Por cierto, por hacer este post doblemente “on topic” también hay en la exposición una serie dedicada al Jazz, en la que se incluye esta magnífica instantánea:

Jazz. Foto por Stanley Kubrick (junio, 1950)

[OffTopic]. Javier Ortiz. Columnista. 28 de abril, 1948-2009

Dena Flows — Tue, 27 Apr 2010 23:22:42 +0000

Hoy hace un año de la muerte del “periodista de opinión” Javier Ortiz. Hace 365 días yo no tenía blog y no pude unirme a los muchos homenajes que recibió, así que aprovecho la triste efeméride para rendir el mío.

No soy capaz de recordar que el fallecimiento de una persona desconocida me hubiese afectado tanto antes del de Javier Ortiz. Claro que resulta discutible tildar de “desconocido” a alguien cuyas reflexiones (trufadas de anécdotas personales) he leído, dia sí, día también, desde que descubrí sus columnas en El Mundo del País Vasco. De aquello hace ya muchos años y, desde entonces, ya sea en prensa escrita, ya sea en su blog personal, le he seguido cual perro faldero, faltando a la cita únicamente cuando el propio Javier lo hizo, es decir, el día de la muerte de su madre.

Se suele decir que nos gustan los columnistas en la medida en que vemos nuestras opiniones reflejadas en sus escritos. Nos enganchamos a aquellos que ponen en ordenados, pulcros y bonitos píxeles aquello que nosotros mismos pensamos. En la mayoría de los casos, aunque no siempre, así es; y en lo que respecta a mi relación con las columnas de Javier Ortiz puedo asegurar con rotundidad que es completamente cierto. Si intento contar las veces en las que sus palabras no reflejan a la perfección mis propios puntos de vista sobre los más diversos asuntos, me sobran los muñones.

Eso sí, su esfuerzo confeso, -y exitoso- por buscar siempre la vuelta que pase de rosca la tuerca es lo que lo diferenció de otros tantos periodistas con cuyas opiniones comulgo y que, sin embargo, soy incapaz de seguir a diario.

Para decir lo mismo que dirán cientos, mejor no decir nada.

Más de una vez escribió que después de la muerte hay exactamente lo mismo que antes del nacimiento: nada. En esa certeza también coincido plenamente, así que doy por seguro que no se enterará de lo que escribo ni en el más allá, ni en el más acá, ni en el cielo, ni en el infierno, ni reencarnado en gato -cosa que seguro que le habría gustado-, ni desde Jamaica -lugar desde el que aún “escribe” su blog-. Es posible que os extrañe que use el presente para referirme a Javier Ortiz, y es que hay otra verdad que, en su caso, se me hace más patente que en ningún otro: su obra lo mantiene vivo. Durante este último año, de la misma manera que si aún se sentase cada mañana ante el teclado de su ordenador, su blog se actualiza diariamente y con esa misma frecuencia sigo leyéndolo.

Unas veces porque el tema es intemporal (de los de “la nevera”, según él), otras porque la historia se repite, otras por la calidad del escrito y, muchas, por todo ello a la vez, lo cierto es que leo las entradas del blog con el mismo interés y placer que si hubiesen sido tecleadas horas antes en vez de hace años.
Sirvan mis palabras, pues, para dar difusión a sus posts: en la columna de la izquierda, en la sección de blogs offtopic, tenéis el enlace a su bitácora.

No sé quien se encarga del trabajo de actualización, pero quiero transmitirle mi agradecimiento y ánimo para que continúe con la labor.

De paso, aprovecho para dar difusión al homenaje a Javier Ortiz el próximo día 30 de abril en Donostia.

In Focus #3. Otoño de 2001. Amo la buena música desde 1920 hasta 2001

Dena Flows — Mon, 19 Apr 2010 07:00:07 +0000

In Focus fanzine nº 3 (PDF, 2,

La tercera entrega de In Focus llegó a las 106 páginas.

Deke Dickerson nos contó que “Amo la buena música desde 1920 hasta 2001″. No podíamos estar más de acuerdo, así que llevamos la sentencia a la portada, haciendo nuestra su declaración de principios.De hecho, los contenidos de este número refrendaban la idea: de The Business a Madredeus; de Skalariak a Walkabouts, hicimos lo que un político (de derechas) llamaría un número sin complejos.

Aparte de las secciones habituales, el tercer ejemplar de In Focus salió con algunas novedades: poster central, relatos y una sección de internet que, la verdad, no cuajó, pero ahí quedó el intento.

Al hilo de esto, me pregunto por qué desaparecieron los posters de las revistas musicales no dirigidas a adolescentes. Son una institución a recuperar. Incluso podrían ser un clavo ardiendo al que las revistas en papel podrían agarrarse para luchar contra internet, en uno de los pocos campos en los que una web no puede competir con el producto físico. Tiro el guante a ver si alguien lo recoge.

La otra novedad fue la inclusión de relatos. Concretamente, dos relatos y una poesía a cargo de Dave Alvin que, por aquellas fechas, publicaba obra escrita con Gamuzal Azul. Dimos cuenta de ello y nos obsequiaron con el texto de adelanto.

Como en anteriores entregas del fanzine, tenéis la opción de bajaros el PDF completo o únicamente los artículos que os interesen. Recordad, en todo caso, que en el número completo están las secciones de crítica, breves y reseñas de directos.

The Reverend Horton Heat (Kafe Antzokia, Bilbao, 10/IV/2010). Robots con alma y talento

Dena Flows — Mon, 12 Apr 2010 08:00:16 +0000

Ver (y fotografiar) a The Reverend Horton Heat era una de esas cuentas pendientes de las que ya me quedan poquitas. La (pésima) suerte quiso, el año pasado, que las fechas de la gira del reverendo y de Tom Waits (en aquel momento, dos de los conciertos en que más interés tenía) coincidiesen y que me fuese imposible ver a ambos. Me decidí, con igual medida de dolor e ilusión, por Tom Waits.

Ayer, para colmo de bienes en el bilbaino Kafe Antzokia, curé aquella herida. Y con la mejor medicina posible.

The Reverend Horton Heat (Kafe Antzokia, Bilbao, 10/IV/2010)

Ver a Jim Heath con su Grestch fue una auténtica revelación. Quizá los guitarristas (o gente con más conocimientos que yo) son capaces de captar en las grabaciones la pericia que se esconde detrás de las canciones de The Reverend Horton Heat; yo, sin embargo, necesité ver esos dedos cambiando de posición y correteando por el mástil para darme cuenta de que este hombre no sólo hace grandiosas canciones, sino que es uno de los mejores guitarristas que haya tenido la suerte de ver. Uno de esos que hace virguerías con tal facilidad que te hace creer que tú podrías hacerlo o que él lo haría igual-igual con una sola mano.

Si fuese un tripulante de la Nebuchadnezzar y en un paseo por Matrix necesitase urgentemente tocar la guitarra, cogería mi celular, llamaría a “Operador” y le pediría que me cargase el “Programa Jim Heath” con el que me vería preparado para dar una paliza a Eugene Martone y a Jack Butler jugando al Guitar Hero.

Eso sí, les retaría a tocar canciones y no vacuos ejercicios de virtuosismo más propios para un estadio deportivo que para un escenario musical. Porque si The Reverend Horton Heat van engrasados y programados como robots, son robots salidos de los sueños de Asimov: robots con alma. Sabiduría y precisión al servicio del talento.

The Reverend Horton Heat (Kafe Antzokia, Bilbao, 10/IV/2010)

No sé si el hecho de que el propio Jim Heath se ganase la vida una temporada como técnico de sonido tuvo algo que ver, pero tuvieron la feliz idea de poner un monitor mirando al público en mitad del escenario, escuchándose la voz en las primeras filas mejor que nunca en el Antzoki (¡que repitan siempre!) asi que pudimos disfrutar de una noche perfecta en la que, en tres pases, el setlist tocó desde los más salvajes “Psychobilly freakout” y “Jimbo song” hasta los más plácidos lounges como “In my wildest dreams” y “Martini time”, con todo el espectro de subestilos de los aledaños del rockabilly que se encuentran en medio.

Fotográficamente, la noche podría haber sido igualmente satisfactoria si no hubiésemos escuchado antes del concierto el fatídico “tres primeras sin flash”, que en contadísimas ocasiones hemos sufrido en el Antzoki. Así, la estupenda luz que hubo anoche quedará en la memoria y no en píxeles. Sufrí de lo lindo cuando el reverendo se subió al contrabajo de Jimbo y no pude hacer esa foto. Como dije en su momento, situaciones como esa sí que hacen que no disfrute como es debido del concierto.

Pinchando en las fotos podéis acceder a la galería completa de fotos de Reverend Horton Heat.

El setlist, según el papelito, que yo no tengo tanta memoria ni tomo apuntes (con enlaces a spotify, si los hay disponibles):
· Big blue car
· Now right now
· I am mad
· Calling in twisted
· Indigo friends
· Galaxy 500
· Bales of cocaine
· it’s martini time
· Big little baby
· Psychobilly freakout
· Ain’t no saguaro in Texas
· Drinking and smoking cigarrettes
· Rural Point of view
· Please don’t take the baby to the liquor
· Death metal guys
· The girl in blue
· Big Sky
· Baddest of the bad
· Five-O Ford
· I Can’t surf
· Wiggle stick
· 400 bucks
· Jimbo song – Devil is chasing me
· Big red rocket of love

Aunque mi memoria sea tan mala, añado dos a ese setlist, porque estoy seguro al 99% de que las tocaron.

· Like a rocket
· In your wildest dreams

También versionearon Folsom prison blues.

In Focus nº2, verano de 2001

Dena Flows — Tue, 30 Mar 2010 08:00:27 +0000

Portada del In Focus. nº2 (PDF, 3MB)

Nos las prometíamos muy felices apostando por una periodicidad trimestral, pero ya desde la segunda entrega incumplimos el propósito: In Focus 02, que debía haber salido en Junio de 2001, llevó en portada la “fecha” de “Verano de 2001”. Algo tarde saldríamos

Eso sí, inauguramos lo que sería norma hasta el quinto y último In Focus: cada número sería más gordo que el anterior. En el segundo pasamos a las 86 páginas, cuando el número 1 tuvo 67.

También consguimos una cantidad de publicidad que desahogó nuestros bolsillos, incluída alguna que otra página completa que, si se llegaba a cobrar, era un dinerito más que bienvenido.

La portada se la dedicamos a Los Enemigos: más que merecida.

El acostumbrado informe en profundidad sobre cine se centró en John Cassavetes. 6 más que interesantes y densas páginas.

También nos adentramos en nuevos terrenos: el arte, concretamente, con una entrevista extensa al pintor Alberto Palomera, a quien ya dedicasemos la portada del número de estreno.

Aquí van los PDFs. Una vez más, el primero de ellos, numerado 00, es el número completo. Los demás, los artículos separados.

In Focus nº2. Verano de 2001

Cómo fotografiar conciertos (I). Meter la cámara al recinto …y usarla

Dena Flows — Tue, 23 Mar 2010 08:00:44 +0000

Acreditaciones. Los "cencerritos"

De un tiempo a esta parte, el tema de meter una cámara de fotos en un concierto ha cambiado radicalmente. Se suele decir que por culpa de las cámaras digitales, aunque yo no creo que sea así.

Pero, antes de entrar en materia con el post de hoy, me gustaría hacer un inciso para aclarar, una vez más, que escribo desde Bilbao y que lo que aquí diga tiene su contexto en esta ciudad. Puedo presumir -¡y lo hago!- de haber fotografiado en escenarios de medio planeta; desde el hardcore de Edge of Spirit en el Antiknock en Shinjuku (Tokio), al high energy de The Durango Riot en el Debaser de Estocolmo, pasando por Jay Reatard (DEP) en el Bowery Ballroom de Nueva York, por citar tres lugares bien diferentes entre sí, pero los usos y costumbres de cada escena pueden ser muy diferentes de lo que yo cuente aquí.

Tradicionalmente, en un concierto no se podía meter, y mucho menos utilizar, una cámara fotográfica salvo previa acreditación para hacerlo. Punto. Así ha sido durante años y echar un flashazo desde el público en mitad de una actuación ha sido siempre un deporte de riesgo.

Hoy día, quien quiera hacer fotos de esta temática, poca excusa tiene para no hacerlo. La llegada de los teléfonos celulares con cámara -y no de las cámaras digitales que, en esencia, no cambiaron gran cosa respecto a la era química- ha hecho imposible controlar a un público ávido de imágenes …y poco exigente con la calidad de las mismas.

Los road-managers y responsables de las salas, desbordados, permiten ahora, en casi todo tipo de eventos, entrar con cámara, siempre que ésta sea “no profesional”, cosa que siempre significa algo distinto para él que para nosotros, pero él manda.

Sin acreditación
Aún con todo, en las salas pequeñas y medianas (menos de 1000 espectadores), no suele haber problema para presentarse delante del escenario con una cámara de cualquier tipo, profesional o no, sin necesidad de pedir permisos ni acreditaciones. Así, será en estos recintos en los que la oportunidad de desarrollar nuestra actividad resultará más fácil y satisfactoria, aparte de que, por norma general, también es donde mejor se disfruta de la música.

Según mi experiencia, esto es válido en cualquier parte del mundo. A mí no me han puesto pegas para entrar con la cámara, en este tipo de salas, nunca, en ninguna ciudad.

Con acreditación
Para fotografiar a los grandes, sin embargo, será imprescindible hacerse con una acreditación de fotógrafo. Conseguirla, según el artista en cuestión, puede resultar complicado. En todo caso, hay que tener en cuenta que este permiso se da en función de que se asiste al evento a hacer un trabajo (con contrato o no, remunerado o no, es otra cuestión) y hay que demostrar que es así, cosa que podemos hacer de varias maneras.

Medios de comunicación
La forma más habitual y directa de conseguir ser admitido en el foso de fotógrafos es hacer las fotos para un medio de comunicación. A más audiencia y/o prestigio del medio que te envíe como fotógrafo, más fácil será acceder a fotografiar estrellas de relumbrón. Así pues, la idea para poder fotografiar algún día a Beyoncé, pasa por meter la cabecita en algún periódico o revista.
Esta estrategia también ha sufrido variaciones, en los últimos años, con la aparición de internet, los blogs y los webzines musicales. La posibilidad de presentarse ante el promotor del concierto como enviado de un medio se ha multiplicado por mil. Esto, en principio, ha facilitado las cosas a los fotógrafos y dificultado la labor de quien tiene que poner el filtro, puesto que todo el mundo no cabe en frente del escenario, por lo que, en estos momentos, reina la incertidumbre. Muchos medios digitales piden pases para sus fotógrafos y quedan a expensas de la política de acreditaciones de cada promotor o mánager, dato que no siempre es conocido de antemano.

Trabajando para la sala o el promotor
Otra forma de conseguir la acreditación de fotógrafo es trabajar para la sala en la que se realiza el concierto o para el promotor que lo organiza.
Es una práctica muy poco extendida, al menos en mi alrededor. En Bilbao sólo sé de un local en el que haya “fotógrafo oficial” y desconozco por completo los detalles contractuales de la relación. Sí que es habitual en los festivales de cierta envergadura, que siempre tienen uno o más fotógrafos oficiales.

Lo mismo cabe decir de los promotores que, la verdad, poca necesidad tienen de contratar fotógrafo alguno, cuando suelen obtener gratis las fotos que necesitan (volveré sobre este punto en otro post).

Trabajando para el grupo o management
Una tercera vía, también muy poco trabajada, por lo que yo conozco, es ser contratado por el propio grupo o agencia de mangement. Sí se da, con relativa frecuencia, para conciertos puntuales, pero relaciones a medio-largo plazo son escasísimas (a mi alrededor, insisto).
Obviamente, por esta vía sólo se consigue fotografiar al grupo concreto o a los grupos que lleve la agencia en cuestión.

Amiguismo
Finalmente, podemos recurrir al clásico colegueo. Ser conocido, o persona de confianza, de algún implicado en la decisión de dar la acreditación puede ser una forma de conseguirla.

Personalmente, es una estrategia de la que procuro huir en la medida de lo posible, aún en los casos en los que tengo posibilidades reales. Suele ser una forma de relación en la que no quedan nada claros los roles y que, a buen seguro, hipotecará el trabajo fotográfico (y/o la relación de amistad). Recurrir a la agenda para conseguir algo, coloca a uno mismo en la agenda de los demás que, con seguridad, más pronto que tarde, pedirán fotos para una promoción a cambio de la siguiente ronda en el bar y decirles que no puede ser un muy mal trago.

Con la acreditación en la mano
Una vez conseguido lo que yo llamo “el cencerrito” (un montón de ellos en la foto), a pie de escenario escucharemos el clásico y, ya mítico: “tres primeras sin flash”, que es el tiempo y la forma en la que nos permiten hacer fotos en estos casos.

Como dije al principio del post: es mucho más fácil, y agradecido, ir a fotografiar conciertos pequeños y medianos.

In Focus. El Fanzine gordo. nº1, marzo de 2001

Dena Flows — Mon, 08 Mar 2010 08:00:53 +0000

Descarga del nº1 del Fanzine In Focus (PDF, 1,6MB)

En junio del 2000 mostró su última portada en los kioskos el mensual El Tubo, donde el compañero Sachs Le Loup y yo mismo colaborábamos.

El cierre no nos pilló por sorpresa, pero sí con material que se había quedado en el Word Perfect sin que llegase a los lectores. Nos dio pena, así que nos pusimos manos a la obra con la intención de hacer un fanzine “a la vieja usanza”, fotocopiado y grapado, en el que verteríamos aquellos contenidos y que, en principio, estaba llamado a ser un número único.

Aquella aventura dejó claro que somos de los que se lían la manta y no saben poner ni límites ni frenos. Lo que estaba llamado a ser una publicación doméstica y cerrar la persiana según la abrió, acabó llenando más de 500 páginas DINA4 en 5 números (más un especial monográfico). Lo que se suponía que era un trabajo mano a mano entre Sachs y yo, acabó teniendo más de una treintena de colaboradores. Lo que debía haber durado un mes, duró 3 años.

Se nos fue de las manos.

La línea editorial era tan clara como antiperiodística (pero nos encantaba): lo metíamos todo y sin corte alguno. Cualquier colaboración era bienvenida y recibía su espacio. Y si alguno era más “periodísticamente responsable” que nosotros y nos preguntaba “¿cuántos caracteres?”, la respuesta siempre era: “los que necesites para contar tu historia”.

In Focus se convirtió, así, en la bitácora musical de lo que sucedía en Bilbao, en el Gran Bilbao y, en menor medida, en el resto de Euskadi. Y llegamos a incluir aportaciones que nos llegaron desde Madrid, Cataluña y Galicia.

En la “Mesa nacional de In Focus. Primera asamblea”, aparte de nosotros dos, también estaban Gotzon Uribe y Luppo Claqué, si bien, finalmente, las riendas de la publicación las manejaba el azar, es decir, Sachs y yo. Él en lo referente a textos y “relaciones sociales”, y yo en la fotografía y el QuarkXPress.

In Focus era “Gratuito a nuestro pesar” y así se hizo constar en la portada de los 5 números. No nos gustaba la idea de regalar tanto trabajo y creíamos que merecía ser pagado, pero, por aquel entonces estaba en plena eclosión la prensa gratuita (que tuvo su parte de responsabilidad en la muerte de El Tubo) y creímos, quizá equivocadamente, que en aquel contexto poner precio podía hacer que nos comiésemos todos los ejemplares.

Así pues, nos financiamos con publicidad: de garitos esencialmente, y de discográficas y promotores en menor medida. Para cada número hacíamos recuendo de los módulos de publi que habíamos apalabrado y con esas cuentas (y el número de páginas) nos presentábamos en la imprenta a preguntar cuántos ejemplares podíamos hacer. La tirada máxima, así conseguida, llegó a los 1000. En todos los números hubo quien no nos pagó y el saldo negativo salió de nuestros bolsillos.

Espero que aún tenga algún interés, porque tengo intención de colgar los 5 In Focus, en formato PDF, en este blog.

Aquí tenéis el primero de ellos. El primer link es la publicación completa y los restantes son los diferentes capítulos del mismo, para quien quiera leer sólo lo que le interesa. No he extraído las secciones de agenda, críticas de discos, películas, libros y crónicas de directos. Para acceder a ellas hay que abrir el documento completo.

In Focus nº1. Marzo de 2001

Foto. Steve Vai por Lyle A. Waisman

Dena Flows — Mon, 01 Mar 2010 08:00:07 +0000

Inauguro con esta extraordinaria foto de Steve Vai por Lyle A. Waisman una sección que podríamos denominar: “Fotos de conciertos que me gustaría haber hecho a mí”. No os culparé si lo traducís directamente por “envidia cochina”, porque las fotos que traiga a esta sección me producen, precisamente, eso: envidia.

Foto de Steve Vai por Lyle A. Waisman

Lyle A. Waisman es un fotógrafo chicagüense especializado en fotografía de conciertos. Uno de mis preferidos actuales a nivel mundial. Y no me atrevo a decir que es mi preferido absoluto porque en su web sólo muestra un magnífico portfolio y no su trabajo día a día, donde el nivel de excelencia, supongo, no será tan alto.

La lista de clientes para los que ha trabajado es casi tan larga como la de artistas a los que ha fotografiado y, como supondréis, elegir una entre sus fotos para destacarla aquí no ha sido tarea fácil. Así pues, he decidido que nadie mejor que él mismo para hacer la selección y me he decantado por una de las dos fotos que ha puesto como portada de su web.

Página de inicio de la web de Lyle A. Waisman

La foto de Steve Vai acumula todos, o casi todos, los méritos del estilo de Waisman. Técnicamente está cerca de la perfección: magnífica exposición y total nitidez. El momento es todo lo expresivo que una foto de concierto puede ser. El punto de vista, frontal, cercano y con lente angular, es el idóneo para captar el momento: el lugar donde siempre nos gustaría poder estar y donde, por desgracia, casi nunca podemos. Y todo ello en un momento en el que tanto la luz que cae sobre Steve Vai como la del fondo resultan fantásticas.

En cuanto a la composición, como se ve por las propociones (5/6), la imagen ha sido recortada para conseguir llenar el encuadre. Me gustaría ver cómo es la toma original, porque echo en falta los pies de Steve Vai. En principio yo preferiría una toma de cuerpo entero, pero si Waisman ha optado por ese reencuadre, pocas dudas me caben de que es el adecuado.

Espero que paséis un buen rato disfrutando de sus fotos en www.concertscenes.com y, si sois fotógrafos de conciertos, espero que no seáis de los que sufre de envidia, como yo.

Canción. Hymn of the big wheel de Massive Attack (Blue Lines, 1991)

Dena Flows — Mon, 22 Feb 2010 08:00:46 +0000

El otro día tuve una de esas experiencias semi-místicas que nos proporciona la música de vez en cuando. Fue escuchando Hymn of the big wheel, de Massive Attack.

Paso dos horas en un autobús cada día de la semana y, para hacer más digerible el castigo, acostumbro a pasarlas dormido, convirtiendo el trayecto en una suerte de hiperespacio puerta a puerta, en el que, para el resto de los mortales, no soy más que un cuerpo inerte.

Me ayudan a completar el efecto unos auriculares, que vierten en mis oídos música adecuada para facilitar el trance: Antony and the Johnsons, Cat Power, Cowboy Junkies, David Johansen and the Harry Smiths, Dayna Kurtz, Loreena McKennitt, Portishead, Tindersticks y, entre algunos otros, los creadores de la canción de hoy: Massive Attack. Reproducido todo en modo aleatorio.

Variado y relajante al mismo tiempo.

El martes pasado, cuando acabó el viaje de vuelta y retorné del sopor, sonaba Hymn of the big wheel y me fue imposible retornar del todo a la vigilia. Subí el volumen hasta un poco más de lo que los otorrinos aconsejan: lo justo para no poder oír nada del exterior, y empecé a caminar por las calles del barrio (peatonales, por suerte).

Así, despierto únicamente en la medida en que los demás pudiesen ver en mí algo más que un zombi, escuchaba

“The big wheel keeps on turning
On a simple line day by day”

y los demás me parecían zombies a mí.

“Look my son the weather is changing”

El recogimiento sobre uno mismo que provoca el frío de febrero; el aislamiento que supone privar a la ciudad de sus sonidos naturales; mi estado de semi-somnolencia; las voces de Horace Andy y Neneh Cherry y el hipnótico didgeridoo hacían que me sintiese fuera de linea, fuera de la gran rueda. Me sentía espectador.

“The earth spins on its axis
One man struggle while another relaxes”

Me parecía que todos los demás eran los que se esfuerzan, mientras yo me relajaba.
Anduve muy despacio y puse la canción una y otra vez. Cinco, seis, siete veces. Viendo los escaparates desde la perspectiva del duermevela. Dando rodeos para no llegar a la puerta de casa. Escrutando las caras para evitar a cualquiera a quien tuviese la obligación de saludar.

En mi pequeño y, por desgracia, breve nirvana.

Hymn of the big wheel
Massive Attack (Blue Lines, 1991)

The big wheel keeps on turning
On a simple line day by day
The earth spins on its axis
One man struggle while another relaxes

There’s a hole in my soul like a cavity
Seems the world is out to gather just by gravity
The wheel keeps turning the sky’s rearranging
Look my son the weather is changing

I’d like to feel that you could be free
Look up at the blue skies beneath a new tree
Sometime again
You’ll turn green and the sea turns red
My son I said the power of reflections over my head
The big wheel keeps on turning
On a simple line day by day
The earth spins on its axis
One man struggle while another relaxes

We sang about the sun and danced among the trees
And we listened to the whisper of the city on the breeze
Will you cry in the most in a lead-free zone
Down within the shadows where the factories drone
On the surface of the wheel they build another town
And so the green come tumbling down
Yes close your eyes and hold me tight
And i’ll show you sunset sometime again

The big wheel keeps on turning
On a simple line day by day
The earth spins on its axis
One man struggle while another relaxes
As a child solemn pray my hope hides in disguise
While satellites and cameras watch from the skies
An acid drop of rain recycled from the sea
It washed away my shadow burnt a hole in me
And all the king’s men cannot put it back again
But the ghetto sun will nurture life
And mend my soul sometime again

The big wheel keeps on turning
On a simple line day by day
The earth spins on its axis
One man struggle while another relaxes

Cómo fotografiar conciertos (0.2): Concert Photography de Jon Sievert. Lectura obligada

Dena Flows — Mon, 15 Feb 2010 08:00:11 +0000

"Concert Photography" de Jon Sievert

“Concert Photography. How to shoot and sell music-business photographs” de Jon Sievert (Humble Press, 1997) es el único manual dedicado en exclusiva a la fotografía de conciertos (que yo conozca). Aunque fuese infumable, sólo por eso, merece ser glosado en cualquier sitio donde se hable de esta faceta de la fotografía. Pero resulta que es muy bueno así que, aunque suponga pegarme un tiro en el pie a mí mismo (a mis pretensiones didácticas sobre la materia), el post de hoy se lo dedicaré a esta biblia de la fotografía de conciertos.

17 años como fotógrafo en la plantilla de Guitar Player, y la ayuda de un buen puñado de compañeros fotógrafos, dieron a Jon Sievert la experiencia y autoridad suficiente para poner, en 333 páginas, el alfa y el omega de la fotografía de conciertos. No hay ni un aspecto de esta actividad que no tenga mención: desde conseguir la acreditación para poder realizar las fotografías hasta los entresijos legales inherentes al negocio, sin olvidarse, por supuesto, del aspecto técnico.

Jon Sievert explica, con un inglés apto para cualquiera que sea capaz de navegar en internet por webs anglosajonas, cómo empezar, cómo hacerse un hueco en el mundillo, cómo hacer las fotos, cómo venderlas y cómo cuidar el valor que tienen. Es decir, nos lo explica todo. Incluso ofrece un directorio de publicaciones (estadounidenses) y una estupenda bibliografía.

Por supuesto, no faltan ilustraciones con fotografías del autor y de otros fotógrafos para completar una obra redonda.

Debemos tener en cuenta, eso sí, que fue editado hace más de una década y está pensado y desarrollado desde el contexto norteamericano. Así, las referencias al material están totalmente desfasadas: la fotografía digital ocupa 2 páginas que no dejan en buen lugar ese “nuevo mundo”; también cita la controversia entre enfoque manual y autofocus, hoy día totalmente superada.

De igual manera, los consejos acerca del negocio hay que tomarlos, desde nuestro punto de vista, con mucha cautela: son aplicables al mercado estadounidense y al año 1997.

Finalmente, internet tampoco tiene protagonismo destacable en este libro.

Aún con esas limitaciones, no deja de ser un libro necesario. Necesario, no sólo porque nos muestra cómo eran las cosas en ese contexto, sino porque, de alguna manera, también nos muestra cómo deberían ser en el nuestro. Sobre todo, en lo referente al aspecto puramente “administrativo” de esta actividad, pero también en el aspecto técnico: aunque los materiales hayan cambiado, a la hora de juzgar la excelencia o utilidad de una fotografía, los criterios de entonces siguen siendo válidos hoy y aquí los encontraremos bien sistematizados.

Concert Photography de Jon Sievert. Páginas interiores

He dicho al principio que recomendar la lectura de este libro es como hacerme la cama a mí mismo. Una vez leído, ¿qué voy a aportar yo sobre el tema? La respuesta, en perfecto castellano, en próximos posts