Der gläserne Mensch

Durch den Sommer mit Gary Moore

2011-02-07T03:35:00.000-08:00

Bis 1989 wusste ich nicht einmal, wer Gary Moore überhaupt gewesen war. Erst durch Freunde erfuhr ich, dass er einer der besten Hardrockgitarristen sei, weswegen man unbedingt den Mann zumindest spielen hören sollte. Dann die Freude darüber, dass seine damals aktuelle Scheibe "After The War" im Radio komplett gespielt werden sollte. Also ran an den alten Kassettenrecorder, einem schwarzen Nachfolger des RFT Sternrecorder R 160. Den bekam ich von meinem älteren Bruder geschenkt, als er sich eine Stereoanlage für 6.000 Mark kaufte.

Mit ORWO-Kassetten sprang ich also zum Recorder und nahm in Monoqualität die komplette Platte auf. Ich war damals ziemlich begeistert mit 14 Jahren und hab wild meine länger werdenden Haare geschüttelt zu den wilden Soli und Rhythmen, die so mitreißend geschrieben waren, dass ich sogar die langweiligeren Helloween-Scheiben links stehen ließ.

"After The War", ist die letzte Hardrockscheibe von Gary Moore gewesen, bevor er mit "Still Got The Blues" eines für mich verwirrendes Album veröffentlichte. Meine Schwester mochte das auf einmal. Also war der Gitarrenheld für mich abgeschrieben. Bis zuletzt. Zwar hatte ich mich eingehender mit seinen Solowerken in den Achtzigern beschäftigt, die zwischen seichtem Schmus a la "Empty Rooms" und melodiösem Rock pendelten, nie aber die Klasse und Reife von "After The War" erreichten - für mich persönlich natürlich. Mit Thin Lizzy beschäftigte ich mich auch, die ich als sonderbar empfand, weil der Sänger Phil Lynott stets sagte, er sei Ire, aber aussah wie ein marokkanischer Gemüsehändler und offenbar die alten irischen Volksweisen mochte.

Gewusst hatte ich auch damals nicht, dass auf "After The War" die gesamte Riege der damaligen Hardrockwelt zu hören ist: Cozy Powell an den Trommeln, der zu diesem Zeitpunkt bei Black Sabbath spielte, dann der ex-Ozzy Osbourne-Basser Bob Daisley und ex-Ozzy-Tastendrücker Don Airey und Ozzy Osbourne himself bei dem Track "Led Clones", wo er und Moore über Bands wie Kingdome Come und Whitesnake herziehen, die nur optisch und hörbar Led Zeppelin kopierten. Das macht eben "After The War" ach so besonders. Neil Carter von U.F.O. hatte auf der 1988er Scheibe für ein paar Töne gesorgt, Jazz-Bassist John Graham ist hier zu hören, Schlagzeuger Charlie Morgan (Tina Turner, Elton John, Paul Mc Cartney u.a.) trommelte auf "After The War" wie Simon Philipps (Judas Priest, Mike Rutherford, The Who, Toto, Mike Oldfield), Chris Thompson von der Manfred Mann's Earth Band spielte hier die Sechssaitige, Andrew Eldritch von den Sisters Of Mercy lieh bei den Tracks "After the War", "Speak for Yourself" and "Blood of Emeralds" seine Stimme. Sam Brown (Hit "Stop!") hatte bei "Ready For Love" ihre Kehle zum Klingen gebracht wie die hierzulande unbekannte Sängerin Miriam Stockley.

"After The War" ist für mich der Soundtrack für den Sommer 1989 gewesen, bis 1990 hinein, bis ebenjenes "Still Got The Blues" veröffentlicht wurde. Hört man einfach mal neben den dem Titeltrack auch das schwere Riffing bei "Speak For Yourself" und "Running For The Storm", dann weiß man, wie packend Hardrock geschrieben und gespielt werden kann. Verwirrend für mich, dass dieses Werk nie als Referenz für Gary Moor's Schaffen heran gezogen wird, stattdessen die seichteren und unschlüssigeren "Wild Frontier" und "Run For Cover" zitiert werden.

Verwirrender für mich ist aber der Fakt, dass ich bis heute es nie schaffte, das Thin Lizzy-Spätwerk "Black Rose" zu hören, worauf Gary Moore die Saiten schrubbte. Auch sein Erstlingswerk "Grinding Stone" sowie Skid Row sind mir nicht bekannt. Mit letzterer setzte ich immer die amerikanischen Schmuserocker um Sebastian Bach gleich, die mit "18 in Life" in den Charts 1989 geisterten. Interessant hier ist, dass Gary Moore kein großes Aufhebens machte um die Verwendung des Bandnamens seiner ersten Band aus den Siebzigern. Dann der Zwergenaufstand ein paar deutsche Spießer 2008, die früher mal eine Krautrockband hatten, die heute keiner mehr kennt. Gary Moore solle Urheberrechte verletzt haben, indem er eine Idee "geklaut" haben soll. Komisch und geschmäcklerisch hierbei ist eigentlich nur, dass es den wohl früher zugedröhnten Krautrockern jahrzehntelang nicht aufgefallen ist, dass jemand etwas spielt, dass zufälligerweise genauso klingt wie "ihr" Lied. Wohlmöglich haben die "Krautrocker" auch nur aus irgendeinem Fundus von Bluesstandards entlehnt, aber darüber redet niemand. Aber Gary Moore ans Bein pinkeln, vielleicht im Glauben, man könne seine eigene Rente aufbessern. Nun kann man an dieser Stelle wirklich darüber nachdenken, wer wirklich etwas geleistet hatte: eine unbekannte Krautrockband oder eben Gary Moore, der mit seinem mitreißendem Spiel Horden an künftigen Musikern an die Gitarren trieb.

Die Nachricht, dass der Ausnahmegitarrist jäh verstarb, hat mich trotz meines Desinteresses an sein Werk doch mitgenommen. Auch wen mich Moore's Spiel nicht an die Gitarre trieb, ich mehr oder weniger nur an "After The War" interessiert bin, bedeutete dieser Mann und seine Gitarre ziemlich viel. Und das geht sicher auch vielen anderen so, wenn sie seine Werke hören und besonders Moore's Spiel bewundern.

Alexisonfire: Dog's Blood EP

2010-11-07T10:45:00.000-08:00

Alexisonfire spielen Hardcore Punk. Melodisch ist es und hart. Vergangenes Jahr haben sie mit "Old Crows, Young Cardinals" ein Hitalbum abgeliefert, der sie gleich auf große Tourneen katapultierte und gute Kritiken bei den Rezensenten bescherte. Nun ein kleines Lebenszeichen in Form einer Vier-Track-EP mit dem Titel "Dog's Blood".

Die Band baut ihre aggressiven Hymnen weiter aus, spielt weiter mit stimmungsvollen Gitarrenklängen aus dem Hintergrund, die sehnsüchtig vor sich hin jauchzen und die Richtung unterstreichen, bei Alexisonfire ginge es um mehr als nur Hardcore Punk in seiner Reinform herunter zu holzen. Mit wesentlich mehr epischen Glanzpunkten versucht sich Alexisonfire von der Masse abzuheben, baut auf Atmosphäre und Verzweiflung. Auf knapp über zwanzig Minuten hinterlassen Alexisonfire einen bleibenden Eindruck, der sich hören lassen kann. Mit wesentlich mehr Dreck unter den Fingernägeln atmet die EP auch wesentlich mehr Feuer und Leidenschaft als ihr großer Vorgänger mit dem Finken auf dem Cover.

Dagegen sieht man auf "Dog's Blood" ein typisches Achtziger Hardcore-Punk/Metal-Cover - bunt, plakativ und irgendwie Horror. Mit dieser Mischung aus schrägem Godzilla-Flair und klassischem Hardcore Punk erschreckt die Kapelle nicht ihre Fans mit mittelmäßigen Fürzen aus dem Off wie GWAR, sondern hat das gewisse Etwas. "Dog's Blood" ist keine rührige Ansammlung übrig gebliebener Tracks, sondern ein kräftiger Arschtritt in Richtung ganz oben, ... auch wenn die Band dabei ein wenig traurig dabei schaut. Spaß macht's aber denen dabei zu zusehen.

Album: Dog's Blood EP
VÖ: November 2010
Label: Roadrunner Records

Cradle Of Filth: Darkly, Darkly Venus Aversa

2010-11-07T10:18:00.000-08:00

Um mit der Tür ins Haus zu fallen: der Albumtitel ist viehisch. Versaut und dreckig geht's in den Texten von der englischen Drecksau-Truppe um Dani Flith (zu deutsch "Dreck") zu. Das war schon beim ersten Album vor knapp 17 Jahren so, und wird auch immer so bleiben. Nur dass inzwischen Dani Filth aussieht wie ein gnomiger Sweeny Todd, statt eines echten Metal-Shouters.

"Darkly, darkly Venus Aversa" reimt schon beschwörerisch die Vorzüge viktorianischen Analverkehrs, preist aber auch als "Konzeptalbum" die Vorzüge von Lilith, des biblischen Adam erste Frau und Königin der Succubi. Also jenen Traumwesen, die Single-Männer heimsucht und feuchte Träume und eine stämmige Morgenlatte beschert. Das ist alles bestimmt sehr schön, wenn man sich in die feuchten und nassen Babytage zurückfühlen möchte - mit viel Latex um den Unterleib geschnürt. Viel neues hat also Dani Filth und seine schweinische Truppe nicht für ihre Fans, außer dass Cradle Of Filth wieder schweißtreibende Metalstücke für ihre Anhänger bereit halten, weniger erdig und charaktervoll wie auf den grandiosen ersten beiden Scheiben plus EP "Phallusstein". Wie's halt bei Engländern üblich, variiert man lediglich seinen Sound, das kennt man schon von Motörhead, Judas Priest & Co.

Metal-Fanzines feiern gehörig ab, holen sich einen runter angesichts der leicht nach oben schlagenden Zacke einer steil nach unten zeigenden Erfolgskurve von Cradle Of Filth. "Darkly Darkly Venus Aversa" ist aber weniger sexy als der Albumtitel verspricht. Viel eher klingt die Scheibe nach Schmerz und Qualen, ... etwas das Analverkehr sicher auch bereiten kann, Lilith vielleicht auch. Die Scheibe kommt noch als Digi-Pack mit ein paar Extra-Tracks daher.

Album: Darkly, darkly Venus Aversa
VÖ: Bereits erschienen
Label: Peaceville

Venom: Eine kleine Nachtmusik

2010-09-19T11:32:00.000-07:00

Das erste Live-Album in der bis dato geschriebenen Geschichte der drei Rabauken von Venom erschien 1986. Es wurde u.a. auch im damaligen Ostblock veröffentlicht, wo v.a. die polnische Pressung ziemlich nah der gold umhüllten Originalpressung heran kam.

Wie war das doch gleich mit "ehret dem erst erworbenen Album ever"? Heute beiße ich mir in den Allerwertesten, gerade dieses - kurz vor der Wende 1989 in der CSSR erworbenes - Doppelalbum verscherbelt zu haben, mangels an Interesses. Denn nach unzähligem Abspielen kratzte es schon arg im Vinyl und der Sound war trotz der fetten Vinyls nicht mehr so astrein. In den Neunzigern erschien eine CD-Pressung im roten Cover, die ebenfalls irgendwie verloren ging. Nun wurde in den letzten Jahren wieder eine CD-Wiederveröffentlichung rausgeballert, die das alte Cover von "Eine Kleine Nachtmusik" wieder aufnimmt und zudem noch komplett remastered wurde.

Und der hier vertretene Sound kann es wieder mit dem alten Vinylsound aufnehmen. Die warme Live-Atmosphäre (sofern sie noch durch die Over-Dubs durchdringt) der einzelnen Songs klingt wieder durch. Aber das Album krankt an seiner zusammengeschnittenen Art. Es wurde (wie schon beim Original) leider kein komplettes Konzert aufgenommen und vermarktet, sondern zwei Gigs im Hammersmith Odeon (London) und Ritz (New York) zusammen geworfen und die Songs ein- und ausgeblendet. Unglücklicherweise. So entpuppt sich der Zusammenschnitt leider zu einer reinen Live-Compilation, die aber wiederum interessanterweise zwei verschiedene Sounds fährt.

Wo die Odeon-Mitschnitte irgendwie sauberer klingen, so knarzen die Songs vom Ritz-Gig in N.Y. räudig durch die Boxen. Wieviel davon im Studio nach gespielt wurde, weiß das Trio Infernale nur selbst. Aber es ist bekannt, dass Venom um 1985 / 86 in keiner guten spielerischen Verfassung waren, so dass hier ein goldsüchtiges Best-Of kreiert wurde. Macht nichts, "Eine Kleine Nachtmusik" ist trotzdem ein prima Überblick über die Schaffensperiode von Venom in der klassischen Konstellation. Neben den üblichen Songs (wovon der Hammersmith-"Gig" ein Highlight ist) gibt es noch zwei Soli der Protagonisten Cronos und Mantas zu bestaunen. Bloß gut, dass uns die Drei mit einem Drum-Solo verschont haben, denn die Tempi-Schwierigkeiten von Abaddon sind unüberhörbar.

Schick auch, dass das Re-Release die Innersleeves des Originals aufnimmt und das Ganze mit Liner-Notes versieht. Kult ist das Posing der Drei, wo Cronos mit Zylinder und fetter Zigarre ziemlich cool rüberkommt. Er ist sowieso die coolste Sau im Metal-Universum. Und die hässlichste zugleich. Und er versucht bei "The Chanting Of The Priests" zu singen. Der Song wurde dann ohne Mantas auf dem unterirdischen "Calm Before The Storm" als Studiotrack veröffentlicht. Der Song hat zwar Potenzial, aber man merkt, dass die Metalpunks von Venom spielerischen Anspruch erheben wollen und das klappt weder in der klassischen Konstellation, noch in jeder anderen Besetzung. So haftet dem Namen Venom immer etwas Pech an. Schade eigentlich, denn als eine der Vorreiter des NWOBHM hätten sie es wie Iron Maiden, Saxon und Def Leppard schaffen können. Aber als Zitatgeber eines damals ganz neuen Genres (Black Metal) gelten sie ja noch immer. Und das kann ihnen keiner nehmen.

Eine kleine Randbemerkung gibt es noch; das nachträglich im Studio eingespielte Sample des Intros stammt von Antonio Vivaldi und nicht wie der Album-Titel suggeriert von Wolfgang Amadeus Mozart. Und noch was; die Songs bieten einen Querschnitt des Schaffens, angefangen von "Welcome To Hell" bis hin zu "Possessed". Zusammen mit dem damals gleichzeitig erschienenen "Hell At Hammersmith"-Video rundet sich aber das Bild der damaligen Venom sauber ab und darf demnach in keiner gut sortierten Venom-Sammlung fehlen.

Stahlblaue Schwingen (1)

2010-09-19T02:23:00.000-07:00

Iron Maiden: Live After Death, 1985, Coverdesign by Derek Riggs (Copyright/derek.server311.com)

1988 war's, als F. einen Blechknopf an der Jeansjacke von D. vorfand. Darauf war ein klitzekleines Monster abgebildet, ultramarinblau, umzuckt von weißen und gelben Blitzen. Darüber ein unleserlicher Schriftzug. "Iron Maiden", erklärte D. "Was ist das?", entgegnete F. "Eine Band", setzte D. nach. "Kenne ich nicht. Was für Musik machen die?", fragte F. erneut. "Heavy Metal - bestimmt nichts für dich. - Hör mal, Du kannst aber gut zeichnen. Würdest Du mir dieses Bild vergrößern und abzeichnen?" - "Das habe ich noch nie gemacht, ich kann es aber versuchen."

Die Stundenklingel beginnt zu bimmeln, die Schüler huschen zurück an ihre Bänke. D. ist der beliebteste Schüler, der coolste der Klasse. Er hat Westklamotten an, Jeans, fetzige Shirts. Jeans mit Heavy Metal-Monstern dran. Bei den Mädchen kam er gut an, wegen seines guten Aussehens, zumindest glaubte er das. F. hingegen war ein unscheinbares Würstchen, mit zu großer Brille, Haaren, die völlig verwirbelt waren und ihm ständig ins Gesicht fielen, erste Pickel sprossen. F. war klein, schmächtig, naiv und blass. Heavy Metal, fragte F. sich. Wie mag das klingen? Warum wird auf diese Musik so ein hoher Stellenwert gelegt?

In der DDR-Plattenbauschule, die an der heutigen Prager Straße, damals noch Leninstraße und ein belebter Ort mit vielen Läden und Ruinen war und heute eine Durchfahrstrecke mit Bürogebäuden ist, in Leipzig liegt, nun seit der Nachwendezeit für körperlich und geistig behinderte Menschen umgebaut ist, war kaum Freiraum sich zu entfalten. Im Sommer heizten sich die Betonplatten auf, im Winter war es oft kalt. F. und D.'s Klasse fand sich zum ersten Mal bei der Einschulung 1981 zusammen, schrumpfte zusehends. Neue Schüler kamen und gingen, und jeder bewunderte F.'s Zeichenkünste. "Mal dies, mal das", hieß es bei den Mitschülern. Oft versammelten sich ein paar um meine Schulbank und schauten ihm beim Zeichnen zu. Meist Rallye-Jagden und lodernde Ritterburgen. F. hat mit Zeichnen seine Kindheit gekillt. Nun passt Heavy Metal sich langsam in sein Leben an. Iron Maiden ist die erste Band, die er durch Fotos und ausgeschnittenen Bravo-Artikeln kennen lernte. 1988 das letzte Jahr, bevor die DDR sich leise verabschiedete. Die Ruhe vor dem Sturm, erstaunlich ruhige Zeit scheinbar.

Der Sommer 1988 ist F. nicht im Gedächtnis geblieben. Nur dass er während der Sommerferien in die Sowjetunion zum Ferienlager reisen durfte. Südlich von Kiew lag der Ort, in einem Kiefernwald stand ein Nobelhotel. Die letzten Wochen als Thälmannpionier. Noch keine 14 Jahre alt, erst 13. Die erste Reise, die ihn längere Zeit und am weitesten von seinem Zuhause in der Stiftsstraße führte. Mehrere Tage Zugfahrt, Heimweh. Seine Mutter hatte extra für die Reise einen schwarzen Jeansanzug gekauft, dass er cool aussehe.

Aledebaran am Himmel, der rot seine Fahrt begleitete. Von Leipzig ging's nach Berlin. Von dort nach Frankfurt (Oder). Schon damals schmückte auf der Rückseite seines Personalausweises ein buntes Bild von den Scorpions, wie sie live on stage Posen veranstalteten, in zu engen Gymnastikhosen, blitzenden Gitarren, Lederjacken und abenteuerlichen Frisuren. Die Band galt wohl schon damals als Perestroika-Band, jedenfalls bewunderte der sowjetische Grenzoffizier das Bild, mahnte F. aber an, das bitte aus dem Dokument zu entfernen, weil man sonst sein Land nicht achten würde.

F. verstand, und zog es aus der Hülle ehraus. Das Bild war inzwischen schon leicht fest geklebt, wodurch einige Fetzen im Ausweis hängen blieben. Dann nickte der Offizier zufrieden und stempelte den Pass ab. An der polnisch-sowjetischen Grenze mussten die Kinder und Jugendlichen umsteigen. Jedenfalls fand sich die Reisegruppe aus verschiedensten Jugendlichen und Kindern der DDR in großen und geräumigen Waggons der sowjetischen Staatsbahn wieder. Schlafwaggons, für vier ausgestattet, breite Gänge, großer Speisewagen, wo es nach Zigarettenrauch und Essen roch. Von der polnischen Grenze nach Kiew vergingen noch über 24 Stunden Fahrt. Quer durch nicht zu enden wollende Sonnenblumenfelder, dann durch ewige Birkenwälder. Getreidefelder so weit das Auge reichte. Dimensionen, die die junge Reisegruppe so aus ihren Großstadtkinderaugen nicht erfassen konnten. Eine dicke Frau rollte einen Teewagen durch die Gänge - kostenloser Tee in Teegläsern. Soviel man trinken konnte. Staatsbahnservice. Nachts strahlte Aldebaran vom Himmel, tagsüber die Sonne.

Während ihres Aufenthaltes in dem Nobelhotel wird F. erwachsen. Oder er nähert sich einem körperlichen Zustand des Erwachsenseins. Damit einher geht auch ein wachsendes Interesse an dem was D. "Heavy Metal" damals im Klassenzimmer nannte.

Im Ferienlager lernt F. einen Gefährten kennen, der F. was über Metal erzählte. W.A.S.P. wären die kontroversesten gewesen, wegen ihren spektakulären Bühnenshows. "Blind In Texas", ihre Macho-Hymne schießt ihm assoziativ heute noch in das Gedächtnis, wenn er an Blackie Lawless und den Beschreibungen dieses Kameraden nachverfolgen versucht, der schildert, dass Lawless mit Pferdehaarperücke, Blut und Sägeblatt im Schritt Männer wie Frauen beeindruckte. Doch es ginge auch härter. Hauptsächlich fiel der Name "Slayer", aber auch andere Bands waren darunter. Er sei noch am Anfang meiner Entdeckungsreise des Heavy Metal, meinte er, als er F.'s Erzählungen über Iron Maiden n der Bravo und Scorpions vernahm. Damals mochte F. auch Pet Shop Boys und Depeche Mode sehr gerne. Merkte aber bald, dass das vorwiegend Mädchen hörten und distanzierte sich schnell genug, bevor es peinlich wurde. Doch Popmusik fesselte ihn damals mehr. Auch wenn es nur die Suche nach etwas Anspruch war, der ihn beschäftigte. Musik als Lebensinhalt, das kannte F. vor seinem 13. Lebensjahr noch nicht.

Was F. bis dahin auch nicht kannte, ist dass Mädchen erotisch sind, wenn sie in Nachthemden den Gang hinunter zu den Waschräumen laufen. Unter ihren weißen Rüschenhemden zeichnen sich die Nippel ihre anschwellenden Brüste an. Und was F. bis dato nicht kannte, dass man seinen Körper zu beherrschen lernen muss. Aber nachgeben war auch schön. In diesem sauberen Hotel mit seinen sterilen Zweibettzimmern, den Balkonen mit Blick auf Kiefernwipfeln - das Lager lag inmitten eines Kiefernwaldes - , seinen Fahrstühlen, den damals hochmodernen Innentoiletten und Duschen muss F. mindestens hundertmal seinen Samenergüssen erlegen sein.

Mit 14 Jahren wird man dann auf das sozialistische Arbeitsleben vorbereitet. Zuerst FDJ, dann Einführung in die sozialistische Produktion, Produktives Arbeiten, GST. In den Unterrichtspausen ringen sich neugierige Gesichter um einen Schultisch, Bravo-Hefte blättern. Die oft abgegriffenen Seiten dieses westdeutschen Jugendmagazins zeigten uns eine andere Welt, die bunter und interessanter ist als der graue Schulalltag von 6 Uhr morgens aufstehen, mit dem Linienbus A zum "Produktiven Arbeiten" zu schaukeln, um in der Nähe der Pferderennbahn Scheibenholz Leiterplatten für Blindenklingeln zu löten oder Flaschenöffner zu feilen. Ausschuss produzieren.

Der Sinn nach Sex, Mädchen und Musik steht den jungen Mädchen mit ihren schlecht geschminkten Gesichtern, den bunten Glitzertüchern um ihren Hälsen und den schmuddeligen und ungewaschenen Jungs schon ins Gesicht geschrieben, wenn sie müde aus den Augen schauen, sich den Schlafsand aus den Klüsen reiben, müde zur Arbeit schlurfen und sich vor allem auf den frühen Feierabend freuen, der nach dem Mittagessen auf sie wartet. Dann schnell nach Hause, Radio anschalten, Comics lesen, Milch trinken und Kekse essen. Zumindest sieht so der Tagesablauf von F. aus. Sportlich war F. nicht und ist es heute auch nicht. Doch beim Hören der Charts auf irgendeinem westdeutschen Sender, meist RIAS Berlin, schnappt F. sich Papier und Stifte, und zeichnet spontan ein krakeliges Monster aus dem Gedächtnis, das ihm D. mit seinem Button zeigte. I-R-O-N-M-A-I-D-E-N, malt F. langsam auf. Was mag das wohl heißen?

Periphery: Periphery

2010-06-19T11:12:00.000-07:00

Metalbands gibt es wie Sand am Meer. Schwer genug den Überblick zu behalten, für Fans und Bands. Nun versucht "Periphery" ihr Glück. Unlängst haben sie ihr gleichnamiges Debüt veröffentlicht. Was für Musik erwartet den geneigten Hörer?

Innerhalb des schier unübersichtlichen Meeres aus aggressiv rockenden Gruppen heraus zu ragen ist keine leichte Sache. Auch für "Periphery" nicht. Deswegen versuchen sie möglichst progressiv und abwechslungsreich zu klingen. Da werden pro Stück gleich drei unterschiedliche Stile und Songs rein gepackt. Ist auch nicht schlimm, weil "Between The Buried And Me" und andere Gruppen das auch machen. Aber "Periphery" machen einen Fehler. Sie knüpfen die lose aneinander gelegten Fäden nicht zusammen. Dadurch wirkt die heftig dröhnende Musik zusammenhanglos. In Sachen Harmonien und Riffs unterscheidet sich "Periphery" nicht besonders groß von "Mnemic" und "Meshuggah". Das macht die Musik und somit auch das Album austauschbar. Auch wenn "Periphery" alles etwas anders machen. In der Regel klingt das vorliegende Debüt zu sehr nach Meshuggah.

Dem Sänger fehlt die gehörige Portion Druck in der Kehle, um wirklich krank zu klingen Wenn er dann seine klare Stimme auspackt muss er zum Harmonizer greifen. Also das Ding, was amerikanische R'n'B- und Boygroup-Stars verwenden, das die klare Stimme so komisch verzerren lässt. Wenn er dann doch mit seiner echten Stimme um sich wirft, hat man den Eindruck, dass er manchmal die Töne nicht richtig trifft. Oder sie so rauspresst, dass nur komische kehlige Laute anklingen, die vor allem nerven. Und was sollen die elektronischen Klänge, die ich eher bei Björk und Co. hören will, aber nicht bei einer Metalband?

Ich persönlich weiß nicht, ob das Album in zwei bis drei Jahren noch jemand anpackt. "Periphery" beweisen zwar eindrucksvoll, dass sie etwas von ihrem Handwerk verstehen. Aber sie stehen noch zu sehr unter der Fuchtel der Nachahmerei. Und das, was sie anders angehen wie ihre Vorbilder von "Meshuggah", lässt die Scheibe auch nicht überzeugend im Licht der Kritik und Skepsis aussehen. Schade um die Zeit, um das Geld und so vieles mehr. Da nützt auch der sehr gute Sound nichts.

Album: Periphery

VÖ: Bereits erschienen

Label: Roadrunner Records

Ozzy Osbourne: Scream

2010-06-19T04:20:00.000-07:00

John ist schon immer der Entertainer gewesen. Ob in der Kneipe oder auf der Bühne; John Michael Osbourne zieht immer alle Blicke auf sich. Und weil John immer so ein lässiger und lustiger Knabe war, bekam er den Spitznamen "Ozzy". Und Ozzy Osbourne macht seit den späten Sechzigern Musik. Dunkle Musik, wie eh und je. "Scream" heißt sein neues Werk, das am 18. Juni in die deutschen Kaufhäuser gestellt wurde.

Mit der britischen Schwermetallband Black Sabbath konnte Ozzy Osbourne dem tristen Industriealltag aus Kneipe, Knast und Gelegenheitsjobs entfliehen. Mit Toni Iommi, Geezer Butler und Bill Ward eroberte Ozzy die Musikwelt mit dem neuartigen Klang aus Blues, Rock und schweren Gitarren. So schwer, dass die Band als Initiator des "Heavy Metal" gilt und für viele heutige Bands immer noch Vorbild ist.

Nach vielen Erfolgsalben, noch mehr Drogen und Alkohol war für Ozzy Ende der Siebziger der Ofen aus bei Black Sabbath. Er musste den Platz am Mikroständer dem inzwischen an Magenkrebs verstorbenen Ausnahmesänger Ronnie James Dio räumen. Seitdem macht Ozzy Osbourne sich als Solosänger einen Namen. Und das macht er seit 1980 äußerst erfolgreich. Alben wie "Blizzard Of Ozz", "Diary Of A Madman" und "No More Tears" gelten noch heute als Klassiker. Selbst der "Madman" und "Prince Of Darkness" hat manchmal Mühe, an diese Scheiben heran zu reichen. Doch irgendwie schafft das ewige Stehaufmännchen des Rock'n'Roll seine Fans mit seinen Werken zu überzeugen. Ob an seinem neuesten Werk "Scream" etwas dran ist?

Als Einstand für seinen neuen Silberling hat sich Ozzy schon mal in Madame Tussauds Wachsfigurenkabinett gesetzt und fleißig Leute erschreckt. Mit dem kindischen Spaß brachte er viele Leute zum Schreien. "Scream" heißt auch sein neues Werk. "Soul Sucka" sollte es ursprünglich heißen. Aber die Fans empfanden es wohl zu einfallslos. Doch der Track ist immerhin noch als Überbleibsel für dieses Namensvorhaben übrig. Aber wie ist die Musik von "Scream"?

Nach 1995 und dem Überwerk "Ozzmosis" ist 2010 wieder einmal Zakk Wylde nicht mehr dabei. Da Zakk in den letzten Jahren maßgeblich am Songwriting von Ozzys Alben beteiligt war und er es diesmal nicht ist, sind natürlich alle gespannt, wie das Ergebnis klingen wird. Egal, was man von "Black Rain" und "Down To Earth" halten mag.

Schon beim Einstieg "Let It Die" pumpt der Bass ordentlich in die Magengegend. Darin zählt Ozzy all die Attribute auf, die für ihn zutreffen. Zumindest das Bild, was durch ihn und durch die Medien vermittelt wird. "Let it die" ist sein abschließendes Fazit bei diesem eingängigen Ohrwurm, der auch auf "Ozzmosis" oder "No More Tears" Platz gefunden hätte. Auch bei "Let Me Hear You Scream" geht der alte Mann ganz jugendlich ran, als wären die letzten zwanzig Jahre von "No Rest For The Wicked" und "No More Tears" erst vorgestern geschehen. Soll heißen, Ozzy klingt frischer und feuriger als auf seinen letzten beiden Werken.

Der neue Gitarrist Gus G. macht seine Arbeit grandios, bringt das nötige Feuer ein. Auch wenn Zakk Wylde stilistisch überall hervorlugt. Aber das ist egal bei dem hohen Spaßfaktor dieser Scheibe, die bei "Soul Sucker" die blecherne "Iron Man"-Stimme auspackt. Überall sind wieder die gelungenen Refrains, die man auf "No More Tears" so liebte. Woher Ozzy mit seinen 62 Lenzen die Power hernimmt und in seine Stimme auch eine gehörige Portion Variabilität neben seinen typischen Greinen reinpackt, kann sich nur medikamentös erklären. Oder der Mann ist einfach nur gut drauf. Ich glaube eher, das liegt am Produzenten Kevin Churko, der am Album mit geschrieben haben soll. Schon bei dem Vorgängeralbum "Black Rain" übte sich Churko bei zwei Stücken noch etwas unauffällig als Co-Songwriter. Jetzt scheint die Liaison gelungen.

Selbst bei "ruhigen" Stücken wie "Life Won't Wait" und "Crucify" kommt keine kitschige Feuerzeugschwenk-Stimmung auf. Im Gegenteil. In "Time" dürfen dann doch noch alle ihre Taschentücher auspacken. So schön kann Weinen mit Ozzy sein. Der Madman ist trotz seiner rotzig in Musik gegossenen Attacken ein Typ, der mit Alters- und Lebensweisheiten um sich wirft. Und er kann auch noch "düster". Das grantige Doomstück "Diggin' Me Down" ist so unglaublich heavy, dass so mancher Jungspund seine raus laufende Spucke vor Staunen zurück schniefen muss. Und überall sind auf "Scream" keine Ausfallerscheinungen in Sachen Songwriting erkennbar! Wunder geschehen doch noch!

Irgendwie beschleicht mich gerade bei diesem Album, dass Ozzy sein bis dato persönlichstes Werk geschrieben hat und uns allen etwas auf den Weg geben will. Spätestens wenn er bei seinem letzten "Lied" liebevoll und zärtlich "I Love you All" sagt, scheint irgendwie Abschiedsstimmung auf zu kommen. Aber wie hat Ozzy schon vor zwanzig Jahren postuliert? "Retirement Sucks!" In diesem Sinn! Weitere sechzig Jahre werden es nicht, auch keine zwanzig oder zehn. Ozzy, wir haben auch dich lieb. Vor allem, wenn Du bei uns bist und bald auf Tour kommst. Falls nicht, dann ist "Scream" dein jugendliches Alterswerk. Voller Weisheit, Einfallsreichtum und all dem, was Ozzy-Fans an Ozzy lieben. Nämlich pures Entertainment."Scream" ist ein Knüller! Hut ab!

Album: Scream

VÖ. 18. Juni 2010

Label: Sony BMG

Neue WGT-Linie: Die wunderliche Reise mit der Linie 31

2010-05-27T13:07:00.000-07:00

Müde versunken wiegen Schwarzröcke in der Nacht zum Samstag im steten Takt der schaukelnden Tatra-Bimmel. Die Linie 31 verbindet das agra-gelände mit der Innenstadt, indem sie von der Karl-Liebknecht-Straße Richtung Tabaksmühle abbiegt und dann zu den Tierkliniken einschwenkt. So dass alle auseinander liegenden Locations miteinander verbunden werden und keiner laufen muss.

Ab diesem Jahr wird die Straßenbahnlinie 11 zum WGT durch die Sonderlinie 31 verstärkt. Diese verkehrt zwischen Hauptbahnhof und Straßenbahnhof Dölitz über Augustusplatz zum Wilhelm-Leuschner-Platz, weiter zur Haltestelle Bayrischer Bahnhof und dann bis zur Haltestelle "An den Tierkliniken". Anschließend verkehrt die Straßenbahn über Zwickauer Straße, Richard-Lehmann-Straße und Karl-Liebknecht-Straße zur Haltestelle Connewitz, Kreuz und dann weiter zum Straßenbahnhof Dölitz. Was auf der neuen Strecke so passieren kann, weiß keiner so richtig. Erzählen sich später vielleicht Fahrgäste von der wundersamen nächtlichen Reise mit der Linie 31. Denn offenbar scheint nicht jedem bekannt zu sein, wohin die neue WGT - Bimmel führt. Und offensichtlich gibt es hier auch etwas zu erleben.

"Fährt die Straßenbahn über den Augustusplatz?", fragt eine junge Frau einen schwarz gekleideten Fahrgast mit Kapuzenjacke und Schlips. Sie schwenkt eine Lache Bier in der von ihrer Faust aufgewärmten Flasche. "Sicher. Alle Wege führen in die City." entgegnet müde der Fahrgast und nestelt nervös sein Festivalbändchen. Sie scheint seiner Antwort zu vertrauen. Wenig später steigt die Dame mit ihrer Freundin in den hinteren Waggon, weil dort noch Sitzplätze frei sind.

Eine Haltestelle später steigt ein Punk mit seiner Liebsten ein. Sichtlich unsicher schwankt er auf dem wackelnden Boden. Bierfahne. "Fahrkartenkontrolle!", ruft er in den halb gefüllten Wagen, lacht und schiebt sich an einen Einzelgänger in der hinteren Wagennische an. "Du bist wohl der Eckenwart hier, hää?", fragt er lallend grinsend er zu dem jungen Mann. "Sozusagen.", murmelt er unsicher ins Leere. "Hey!!!", ruft der Punk mit dem roten Irokesenschnitt in die Bimmel, "Wo sind eure Fahrausweise. Ihr seid wohl alle Schwarzfahrer?", kichert er über seinen schrägen Witz. Ihn schauen zwanzig Augenpaare an. "Guck mal die, dieser Wabbel da vorne mit den Netzstrumpfhosen.", rempelt er den in der Nische stehenden Schlipsträger an. "Sieht das zum speien aus." Der Getroffene ist sichtlich unwohl mit seinem neuen Nachbar an seiner Seite. "Wem es gefällt", antwortet einsilbig der Genervte. "Hey, was nimmst Du denn für Drogen?", fragt ungeduldig der bunte Mann in der zerschlissenen Jeans. Seine Zähne blitzen braungelb und stumpf glänzend aus dem feixenden Gesicht. Der unfreiwillige Gesprächspartner sagt: "Keine."

Staunen beim Gegenüber. "Aber wenigsten Alk ohne Ende. Schalalala!" - "Nö." Es herrscht kurze Zeit Stille in der Wagenecke. "Ahhh, verstehe. Aber nächste Woche auf der Wiese rumliegen. Gesicht in der Sonne. Hahahaha." Dann wendet sich der Punk torkelnd anderen Gesprächspartnern zu. "Wohin gehts?" - "Wissen wir nicht. Mal sehen, wohin uns die Bahn trägt." - "Hmm. Ihr wisst nicht, was ihr macht hier?", fragt der langsam aufwachende Mann mit der bunten Frisur. "Komm", sagt er zu seiner Freundin, "ich habe genug von der Bande. Haun wir ab!", drückt den Türknopf und steigt wankend aus.

Inzwischen steigen auch Schwarzkittel aus, nachdem die ruckende Bimmel quietschend von der "Karli" abgebogen war. Wahrscheinlich vertrauen sie der Linie 31 nicht so ganz und wollen auf der ihnen vertrauten Strecke bleiben. Kein Wunder, werden sie auch in der Bahn nicht auf die neue Streckenführung hingewiesen. Nur die Haltestellenanzeige blinkt auf. Kein Plakat oder Zettel, auch kein Plan wird in der Tram den meist ausländischen Gästen angeboten. Abseits der normalen Streckenführung fühlen sie die "Gruftis" dann auch teils hilflos, teils amüsiert den Widrigkeiten der nächtlichen Fahrt ausgeliefert.

In der nächsten Haltestelle kurz vor den Tierkliniken steigen drei junge Männer mit mehreren Basecaps auf den Köpfen zu. "Ya Man! Ya Man!", rufen sie in die Bahn, den schwarzen Haufen ignorierend. Sie turnen am Gestänge herum, haben ihren Gleichgewichtssinn nicht in Beherrschung, torkeln absichtlich unabsichtlich gegen stehende Schwarzkittel. "Gotenschubsen", nennen sie das. Die Fahrgäste beobachten die seltsame Szene. Die drei Männer springen zum Klappfenster. "Sieh mal, wer das Feuer dort wohl nur gelegt hat?", lallt der eine. Sie lachen und nicken sich wissend zu. Sie freuen sich über das flackernde Feuerchen auf dem schmalen Grünstreifen in der Nähe der Alten Messe. "Ya Man! Ya Man! Ya Man!" Wie kleine Äffchen hangeln sich die Typen am grauen Gestänge entlang. Der eine macht Anstalten, etwas aus seiner Tasche zu holen. Der grüne Filzschreiber wird unsicher über die Innenwände und Scheiben geführt. Krikelkrakel, das wie Schriftzüge erinnert.

Nun steigt der eine Kompagnon plötzlich aus. Aufmerksame Beobachter sehen ihn jetzt an der Haltestelle mit einem Prinzesschen in schwarzen Rüschen aufgeregt reden. Seine beiden Kumpel scheinen das nicht mitzukriegen. Einer stellt sich auf dem Boden liegend tot. Er grinst dabei. Scheinbar findet er das lustig. Sein Kumpan versucht ihn aufzuhelfen. "Komm schon, Sebastian ist weg." - "Was?". Anscheinend wieder nüchtern geworden erhebt sich der Basecap-Träger unsicher. Beide reißen die Türe auf: "Hey, Ya Man! Hallo Ya Man!!", rufen beide. "Steig wieder ein!" Sebastian macht keine Anstalten einzusteigen, er flirtet mit dem Mädchen. "Wo is`n der Stift? Hast Du einen Stift einstecken?", fragt der junge Mann den Fahrgast in der Ecke. "Nein, ich habe keinen dabei." antwortet dieser während ihm ein Kugelschreiber am orangefarbenen Band am Hals hin und her baumelt, das ihn offenbar als einen Vertreter der schreibenden Zunft ausweist. "'Ne Zigarette?" - "Ich rauche nicht, Sorry.", grinst der Angesprochene zurück. Am Bayrischen Platz reißen beide die Türen auf. Die Haltestelle ist noch nicht erreicht. "Ya Man! Ya Man" schallt es in die Nacht.

In Leipzig muss sich niemand verfransen. Hilfreich ist wohl, dass die LVB separat zum Treffen mit Flyern auf die neue Linienführung zum WGT hinweist. Oder mit der Treffenleitung vereinbart, einen extra für das Treffen herausgegebenen Fahrplan mit den eingezeichneten Streckenführungen an die Besucher herausgibt. Service kann man manchmal so einfach ein.

Germanische Mythen und Metal: Black Sabbath - "Tyr"

2010-02-24T23:41:00.000-08:00

Zähfließende Riffs, Lava-Klänge, pulsierend schleppender Bass. Die finstere Mischung aus Blues, schrubbenden Akkorden und klagender Gesang hat die Rockzene belebt. Fortan war Heavy Metal Bestandteil der Musik. Seit Black Sabbath und den Beginn der Siebziger. Flower Power ist nicht mehr.

Wilkommen in der Realität. Mit Ozzy hatte Black Sabbath einen Texter, der sich mit Umweltzerstörung, mit sich selbst und Kriegen beschäftigte. Doch nach dem Bruch mit dem charismatischen Sänger während der "Never Say Die"-Tour 1978 orientierte sich Black Sabbath neu um.

Willkommen in den Achtzigern. Das hieß kommerzieller Hardrock, Mythen, Hexen und Teufel. Und Ronnie James Dio. Nur für zwei Alben lang. Gitarrist suchte nach dem Weggang von Dio neue Lösungen. Fand Ian Gillan von Deep Purple. "Born Again" war nichts. So musste Tony Martin ran. Bislang unbekannt, sang der Falsett-Sänger Alben wie "Eternol Idol", "Headless Cross", "Cross Purposes" und "Forbidden" ein. Und eben die germanische Mythen-Saga "Tyr".

Das war 1990, mitten im Umbruch der Metalszene. Death Metal kam auf. Thrash Metal starb langsam ab. Es blubberten bunte Metalbands auf, die Jane's Addiction, Faith No More und Red Hot Chili Peppers heißen. Und irgendwie doch nicht Metal waren. Mitten drin im durcheinander gewürfelten Musikgelage, stellt sich "Tyr" breitbeinig hin und sagt: "Ich höre mich zwar nach schnödem Achtziger Hardrock an, schnulze mich mit 'Feels Good To Me' in die Hard Rock-Charts, habe einen ziemlich guten Sänger am Start, doch habe ich den Anspruch eine Art Konzept drumherum zu weben. Nämlich Walhalla aufzuleben, und die Kreuzzüge. denn Irgendwie waren ja die christianisierten Franken auch noch germanisch. Kriegerisch eben. Viele haben auch geschrieben, dass sogar die Gotik als Bau- und Kunststil irgendwie germanisch ist, die Kathedralen alten Thing-Plätzen nachempfunden waren. Warum soll ich nicht ein antiquiert klingendes Album darüber schreiben? Das Thema wurde bis jetzt fast gar nicht behandelt. Also erheben wir den Anspruch, die ersten zu sein. Auch wenn wir alles durcheinander werfen. All diese Pagan-Metal-Jungs bereiten im Prinzip unser Thema auf, nur mit schlechteren Texten und schlechterer Musik. Nicht solche erhabenen Kompositionen, wo Tonis Gitarre immer noch so brettert, wie zu 'Paranoid' und die Trommeln ordentlich rumpeln. Eben wegen den leider bereits verstorbenen Cozy Powell, dem wahren 'Thor an den Trommeln'. Der andere von der Suppenkasper-Gruppe Manowar hat sowieso nichts drauf."

Sprachs und zieht hitverdächtige Granaten wie "Heaven In Black", "The Sabbath Stones", "Jerusalem" und "Feels Good To Me" aus der ledernen Tasche. Black Sabbath haben in den Achtzigern und neunzigern ihr von Ozzy geprägtes Stimmungsbild verloren, doch die Kompositionen sind gerade auf "Tyr" ausgereift und ohne Schnörkel auf den Punkt gebracht. Eigentlich ist Black Sabbath hier eine komplett andere Band, die mit "Tyr" eine beachtliche Aufwärtskurve in ihre gebrochene Geschichte vorweisen kann. Und Black Sabbath behandeln ein Thema völlig ohne Pathos und Verklärung. Hier erzählt Sänger Tony Martin viele kleine Geschichten um die Christianisierung und Kreuzzüge im Mittelalter. Ein wenig klingen die germanisch-heidnischen Wurzeln der Geschichten an. Doch hier wird keine Hasstirade auf jetzt lebende Priester abgelassen, oder Sauflieder feil geboten.

Erschienen: August 1990

Spielzeit: 39:58

Tracklist:

1. Anno Mundi

2. The Law Maker

3. Jerusalem

4. The Sabbath Stones

5. The Battle Of Tyr

6. Odin's Court

7. Valhalla

8. Feels Good To Me

9. Heaven In Black

Weitere Infos:

Black Sabbath offiziell

Jazz ganz anders: "The Great Misdirect" von Between The Buried and Me erhellt den Geist

2010-02-06T00:33:00.000-08:00

Es ist am Anfang der große Überblick. das Gefühl, die Sonne steht orangefarben scheinend über den Horizont. Ein Bass blubbert jazzig aus der Ferne, eine Gitarre seufzt, Gesang trägt elegisch eine Ballade vor. Dann schlagartiger Szenenwechsel im Sekundentakt, gewittrige Wolken ziehen über die Idylle auf. Die amerikanische Mathcore-Band Between The Buried And Me definieren mit ihrem 2009 erschienenem Album "The Great Misdirect" Musik als ewigen fließenden Klangstrom.

Einstieg auf Platz 36 in den US-Charts bei einer so extrem vielfältigen und eigentlichen Chart untauglichen Musik, weltweit sich vor Lobpreisungen überschlagende Reviews, .... Pink Floyd des Metal und Hardcore Punk. Die Musikanten um Sänger Tommy Rogers spulen kein übliches Metalprogramm ab. Hier gibt es keine Schlager-Peinlichkeiten a la Manowar & Co. Hier schreddern auch keine Hänflinge entblödete Riffs und kucken böse in der Gegend herum. Mit den Gitarristen Paul Waggoner, Dustie Waring, dem Bassisten Dan Briggs und Schlagwerker Blake Richardson hat sich Sänger Tommy Rogers Leute ins Boot geholt, die von Fach sind. Die Rhythmussektion lässt sich von Jazz, Progressive Rock, Metal und Blues gleichermaßen beeinflussen. Rogers pendelt zwischen brutalen Hardcore-Shouts und hohem Falsett, erzählt stimmungsvolle Geschichten. Das instrumentale Fundament schillert in allen Farben, Stimmungsmeere von Skalen und wilden Taktfolgen stürmen auf den Hörer ein. Dann schlagartige Ruhe. Fließende Übergänge, die Songs verlieren ihren individuellen Charakter. Keine Hits. Nur das Aufblitzen von unglaublich dicht erzählten und gestrickten Momenten der befreienden Klarheit, dann des stickigem Dickichts aus Angst und Wut.

Das fünfte Studioalbum von Between The Buried And Me ist keine Veröffentlichung, die sich einem sofort erschließt. Für die mitunter zehnminütigen Erzählungen der sechs Titel braucht man Zeit. Vergleiche mit dem Vorgängeralbum "Colors" tun sich auf. Wo "Colors" auf dem ersten Blick mutiger, krasser und vielleicht auch schroffer zu Werke ging, erscheint "The Great Misdirect" flüssiger, weniger dynamisch und ausgereifter. Man hört, dass sich die Musiker entwickelt haben und sich nicht einfach auf herkömmliche Songstrukturen beschränken. Das kann auf der einen Seite für manche erfrischend, erhellend sein. Für andere ist "The Great Misdirect" ein zugangsloses Stück Jazz.

Das Album wurde am 27. Oktober 2009 via Victory Records veröffentlicht.

Spieldauer: 59:34 Minuten

Tracklist:

1.	"Mirrors"	3:38
2.	"Obfuscation"	9:15
3.	"Disease, Injury, Madness"	11:03
4.	"Fossil Genera - A Feed from Cloud Mountain"	12:11
5.	"Desert of Song"	5:34
6.	"Swim to the Moon"	17:54

Mehr Infos unter BTBAM-Myspace

Technoider Pop: Mnemic jonglieren mit Systemen

2010-02-05T12:56:00.000-08:00

Poppige Gesangsharmonien verschmelzen mit schwebenden Halleffekten und bassigen Rhythmen zu einer Metalllegierung. Geht nicht? Doch. Nachdem die schwedischen Berufsverrückten von Meshuggah bewiesen hatten, dass Metal keine tragisch geheulte Einheitssoße sein muss, sondern durchdachten Anspruch hat, treten immer mehr Metalbands in die großen Fußstapfen der Ambientmetal-Pioniere.

So auch die dänischen Mnemic. Die 1998 gegründete Band hat mit ihrem am 15. Januar 2010 veröffentlichten Album "Sons Of The System" unterstrichen, dass man Meshuggah zum Vorbild haben kann, aber nicht nicht zwangsläufig nachmachen muss. So rucken und zucken die die fünf Musiker eindrucksvoll durch elf abwechslungsreich gestrickte Titel. Es wechselt sich der über die pumpenden Gitarrenteppiche spannende Gesang Tony Jelenovichs mit brutalen Rhythmen ab.

Pop trifft auf Metal. Mnemic verstehen es, trotz vieler eingängiger Harmonien immer noch hart zu klingen. So besitzen die einzelnen Tracks alle ein episches Gewand aus Keyboardklängen, rumpelnden und messerscharfen Gitarrenriffs und schlängelnden Bassläufen. Vor allem im Stück "March Of The Tripods" klingt Jelenovich mit seiner klaren Stimme besonders melancholisch, sehnsüchtig und eindringlich. Die Instrumentalsektion schafft hier stimmungsvolle Klangräume und untermalt mit futuristisch klingenden Taktgerüsten dramatisierend schillernde Effekte. Alles sitzt passgenau und maßgeschneidert.

"Sons Of The System" stellt jedem Zweifler vor die Wahl. Entweder zu akzeptieren, dass emotionale Eingängigkeit und durchdachter, intelligent gestrickter Metal besser zusammen passen als bisher angenommen. Oder man lässt es bleiben. Fans von Meshuggah, Fear Factory, Hacride und anderen Cyborg-Metallern ist "Sons Of The System" die willkommene Ergänzung. Dann verkürzen sich die Tage und Wochen zum nächsten Auftritt um so schöner.

Mnemic, Sons Of The System, bereits erschienen

Label: Nuclear Blast

Tracklist:

"Sons of the System" - 5:35
"Diesel Uterus" - 4:31
"Mnightmare" - 4:55
"The Erasing" - 4:07
"Climbing Towards Stars" - 4:41
"March of the Tripods" - 6:53
"Fate" - 3:35
"Hero(in)" - 5:15
"Elongated Sporadic Bursts" - 3:51
"Within" - 4:45
"Orbiting" - 4:42

Mehr Infos unter Mnemic Official

Pure Beklemmung: The Red Chord lassen Zähne fliegen

2010-02-04T10:35:00.000-08:00

Am Beispiel von The Red Chord lässt sich gut demonstrieren, wie sinnlos Kategorisierungen sind. Die einen nennen es Deathcore, die anderen Brutal Death Metal. Eigentlich haben wir es mit den Jungs aus Massachusetts mit detailverliebten Technik-Freaks zu tun. Sie tun nichts lieber als ihre Zuhörer zu verwirren und auf rasante Achterbahnfahrten in die Abgründe der menschlichen Gedankenwelt zu nehmen.

Man staunt wie Alice im Wunderland, was hier überall zu finden ist. Schleppende Monsterriffs erheben sich über die peitschende Gischt der aberwitzig schnell gespielten Soli. Dann donnert der vertrackte D-Zug in die verzwickten Labyrinthe, eckt und hakt schnell um die Ecke, stoppt jäh und braust von 0 auf 100 in einer Sekunde wieder los. Mit einem beeindruckendem Tempo poltern die Schlagzeugtrommeln den brachialen Takt eines verrückt gewordenen Geisterfahrers, wenn er zu viel Kaffee mit Red Bull getankt und noch eine Dosis Adrenalin genommen hat. Dazwischen stöhnen und grunzen abgrundtief böse klingende Dämenonenstimmen die Endzeit näher. Dazwischen brummt ein verhaltender Bass, dann schwebt ein Solo auf, das eher an Iron Maiden erinnert als an hyperschnell flackernde Kugelblitze. Schwindeliges Leiern wechselt sich mit brüllendem Hämmern in der Schädeldecke ab.

The Red Chord haben mit "Fed Through The Teeth Machine" ein abermals unerreichtes Album eingespielt. Es trägt den Jazz ebenso in sich wie die Frage, ob hier auf 12 Tönen gerockt wird und das Experiment, wie viel Noten pro Minute ein Mensch verträgt. Das im Oktober 2009 über Metal Blade erschienene Album ist das vierte der vier Musiker um Brad Fickeisen, die inzwischen Knoten in den Fingern haben dürften. In der knappen halben Stunde packen sie soviel Musik, die andere Gruppen wohl in drei Alben verwursten würden. Es ist wie es ist: ein Album für Freaks, Nerds, Loner und Loser. Aber dadurch wird es so besonders. Tanzen kann man dazu nicht, rocken und auch nicht, Sex strahlt es auch nicht aus. Was soll man anderes meinen, als dass "Fed Through The Teeth Machine" der absolute Hirnfick ist. Genau richtig für abgedrehte Doktoranden, Akademiker, Computerverrückte und andere Kaputte. Willkommen im Club.

"Fed Through The Teeth Machine" ist im Oktober 2009 über Metal Blade erschienen.

Spielzeit: 35:22 Minuten

Tracklist:

1.	"Demoralizer"	2:32
2.	"Hour of Rats"	2:40
3.	"Hymns and Crippled Anthems"	2:55
4.	"Embarrassment Legacy"	3:00
5.	"Tales of Martyrs and Disappearing Acts"	2:09
6.	"Floating Through the Vein"	3:15
7.	"Ingest the Ash"	2:39
8.	"One Robot to Another"	2:17
9.	"Mouthful of Precious Stones	4:21
10.	"The Ugliest Truth"	2:42
11.	"Face Area Solution"	2:01
12.	"Sleepless Nights in the Compound"	4:51

Industrielle Maschine: Fear Factory produzierten "Mechanize"

2010-02-03T12:41:00.000-08:00

Fear Factory ist eine Band gewesen, die ich Mitte der Neunziger zusammen mit Machine Head Dank MTV und VIVA um die Ohren geknallt bekam. Erst spät registrierte ich, dass sie ihrer Zeit weit voraus waren. Ihre wuchtige und scharfkantige Mischung aus vorgefertigtem Industrial, kalter Endzeitstimmung und einer hyper-modernen Auslegung von Heavy Metal machte die Band zu Vorreitern.

Dann sah ich sie 1995 in Prag zusammen mit 20.000 Fans im Vorprogramm von Ozzy Osbourne, wo die Band um Sänger Burton C. Bell und Gitarrist Dino Cazares ein beängstigend heftiges Metalfeuerwerk entfachten. Stahlhart und maschinell hämmerten die Bässe gegen die Bier gefüllten Bäuche, die Gitarren sägten sich zermartend ins Hirn, darüber schwebte die klare und klagende Stimme von Sänger Bell.

Lange ist es her, die Band fertigte in ihrer Angstfabrik weitere Alben an. Manche wie "Obsolete" und "Archetype" habe ich registriert. Andere wie "Digimortal" komplett ignoriert. Nun kam mir ihr so genanntes Reunionwerk in die Hörgänge. So genannt deshalb, weil es eigentlich Gitarrist Dino ist, der nach seinem Rauswurf wieder heimkehrte in Burtons Schoß. Dafür flogen der Bassist und der Schlagzeuger raus. Die wurden ersetzt. Klar.

Insofern sind auf "Mechanize" zwei Männer vereint, die wohl Fear Factory am stärksten geprägt hatten. Mit Schlagwerk-Kraken Gene Hoglan einen kongenialen Trommelpartner gefunden, der wirklich alles spielen kann. Über die Rolle des Bassisten muss man nicht reden. Aber was haben die vier Herren nun fabriziert?

"Mechanize" besteht aus zehn präzise gefertigten Stahlkuben, die im Ganzen gesehen etwas schroff wirken. Doch nähert man seinen analytischen Blick, bemerkt man die wichtigen Details. Die Gitarrenarbeit von Dino haucht trotz seiner Uhrwerk-artigen Präzision allen Songs Leben und Wucht ein. Kleine liebevoll eingestreute Harmonien, Soli bereichern die Songs, verhelfen ihnen zu einer höheren Dichte. Burton C. Bells Brüllen und mit Hall unterlegte Klarstimme ummanteln die stakkatoartigen Tracks zu einer feinen Legierung, die beispielsweise einem wütend los preschenden "Powershifter" Glanz verleihen. Kurze atmosphärische Verschnaufpausen machen den im Schnelltempo rasenden Donnerzug noch brachialer.

"Christploitation" bricht sich mit einem bizarr gespielten Klaviertakt, zerhackten Rhythmen und düsteren Keyboardflächen Bahn. Hitpotenzial, weil hier auf zusammenhängende Harmonien und Eingängigkeit geachtet wird. Und so sind alle Songs auf "Mechanize" durchformt. Im massiven Mantel, der kolossalen Körperlichkeit jedes seiner zehn Gebote besticht "Mechanize" von einem überbordendem Abwechslungsreichtum, der jedem Zweifler klar macht: Fear Factory sind zurück, besser und stärker denn je. Das Ambientstück am Ende des Albums lässt das Gefühl aufkommen, das Album in Gänze noch einmal hören zu wollen.

Das Album erschien über Candlelight am 9. Februar 2010.

Albumlänge: 44:48 Minuten

Tracklist:

"Mechanize" – 4:41
"Industrial Discipline" – 3:38
"Fear Campaign" – 4:54
"Powershifter" – 3:51
"Christploitation" – 4:58
"Oxidizer" – 3:44
"Controlled Demolition" – 4:25
"Designing the Enemy" – 4:55
"Metallic Division" – 1:30
"Final Exit" – 8:18

Mehr Infos auf Fear Factorys Homepage

Alte Schule: Destinity wieder schwarz getaucht

2010-02-03T04:22:00.000-08:00

Französischer Heavy Metal hatte immer einen schweren Stand. Immer im Schatten ihrer deutschen, schwedischen und englischen Schwergewichte vor sich hin vegetierend, brachte das Land des Rotweins und Baguettes nur wenige heraus ragende Gruppen zur Welt, die auch wo anders gut ankommen.

So auch Destinity. Viel Beachtung erwarben sich die Franzosen mit ihrem letzten Album "The Inside", wegen seiner technischen Note. Vergleiche mit den weit aus stringenteren Gojira taten sich auf. Hoffnung keimte, dass Destinity eine ähnliche Entwicklung hinlegen. Weit gefehlt. Schon mit ihrem Opener "Just Before" und dem folgenden "A Dead Silence" zeigen Destinity auf "XI Reasons To See" wo der schwermetallische Hammer hängt. Viel eher an Amon Amarth und Unleashed erinnernd poltern sie volle Kraft nach vorne, um dann mit epischen Einlagerungen zu überraschen. Da ist auch wieder der moderne Aspekt zu hören: technoider Gesang, atmosphärische Keyboardflächen.

Es überwiegen aber die treibenden und alt-schuligen Metal-Tugenden. "When They Stand Still" vermengt gekonnt moderne Einflüsse mit den klassischen Elementen des Metal. Hier und bei den anderen Stücken gelingt es Destinity ihr Gesicht stärker zu charakterisieren und ein überzeugendes und melodisches Death Metal-Album zu präsentieren, das an allen Ecken knallt. Wo noch beim Vorgänger Modernität und alte Schule ein wenig auseinander klafften, verschmelzen Destinity auf "XI Reasons To See" beide Gegenpole zu einer überzeugenden Metalllegierung, die nicht nur Fans von Hypocrisy, Unleashed und Amon Amarth überzeugen dürfte. "XI Reasons To See" stellt sich einfach frech zwischen die großen Drei aus Schweden und behält noch einen gewissen französischen Faden in der Hand. Irgendwie ist dann doch gut, dass Destinity eine andere Kerbe schlagen als Gojira. Man sollte Destinity mehr Beachtung schenken und nach ihren schweißtreibenden Liveshows Ausschau halten. Denn auf der Bühne knallen ihre Stücke noch ein wenig mehr.

Anzahl der Songs: 11
Spielzeit: 52:07 min
Label: Lifeforce Records
Veröffentlichungstermin: 22.02.2010

01. Just Before…
02. A Dead Silence
03. When They Stand Still
04. To Touch The Ground
05. Your Demonic Defense
06. In Sorrow
07. Rule Of The Rope
08. Silent Warfare
09. Negative Eyes Control
10. Self Lies Addiction
11. Got Smile Sticking

Offizielle Myspaceseite von Destinity

Der metallische Urknall: Overkill veröffentlichen "Ironbound"

2010-02-03T01:40:00.000-08:00

Sie gelten als die dienstälteste Thrash Metalband, die ihren Prinzipien treu geblieben ist, neben Slayer natürlich. Die 1980 in New Jersey gegründete Gruppe um Frontmann Bobby "Blitz" Ellsworth gibt es nun seit dreißig Jahren. Pünktlich zum Jubiläum veröffentlichen die Amerikaner ein Manifest des "Thrash Metal", das sich gewaschen hat. "Ironbound" heißt das gute Stück.

Sie hatten in den letzten beiden Jahrzehnten ein wenig Zündschwierigkeiten. Die Neunziger nagten mit Grunge und Radio - College-Rock an den Veteranen. Wo 1989 ihr Album "The Years Of Decay" noch in die Position 155 der US Billboard Charts einstieg, ihr Folgealbum "Horrorscope" von 1991 das bis dato erfolgreichste Thrash Metal-Album ihrer Karriere ist, wurde es still um die eisenharten Jungs von der Ostküste. Overkill haben von Anfang an ihrer Karriere Hardcore Punk und Heavy Metal zu einer Legierung verschmolzen, die heute noch Thrash Metal genannt wird. Die stets freundlichen Männer um die beiden noch übrig gebliebenen Gründungsmitglieder Bobby Ellsworth und Bassist D.D. Verni blieben stets bei ihren Leisten. Sie entwickelten innerhalb des schon musikalisch eng gesteckten Metal-Subgenre, Album für Album immer neue Ansätze, dass Thrash Metal interessant bleibt. Sogar Rock'n'Roll brachte die giftgrüne Metalmaschine zum Laufen. Kann man von einer Krise bei Overkill sprechen, als Gruppen wie Metallica und Slayer an ihnen vorbei zogen?

Overkill hatten zwar nicht mehr das große Medieninteresse, wie Ende der Achtziger und Anfang der Neunziger erlangt. Doch wem nützt das schon? Damals gab es viel weniger Bands und mehr Aufmerksamkeit für Overkill. Zumal sie mit kompromisslosen Klängen und gesellschaftskritischen Texten seit ihrem 1985 erschienenem Debüt "Feel The Fire" von Anfang an eine treue Fangemeinde erschließen konnten. Das setzte sich mit den Alben "Taking Over" (1987) und "Under The Influence" (1988) fort und kulminierte in den Gipfelstürmern "Years Of Decay" (1989) und "Horrorscope (1991).

Mit ihren dunklen Alben "I Hear Black" (1993) und "W.F.O." (1994) konnte die Gruppe nach mehreren Besetzungswechseln den Erfolg stabilisieren, aber irgendwie nahm die Aufmerksamkeit inmitten des Grunge und der aufblühenden Death- und Black Metal-Welle etwas ab. "The Killing Kind", erschienen 1996, konnte wieder aus dem Humus aufsteigen, wie der Phönix aus der Asche. Mit Alben wie "From The Underground And Below" (1998) und "Necroshine" (1999), sowie "Bloodletting" (2000), "Killbox 13" (2003), "ReliXIV" (2005) und "Immortalis" (2007) stieg das Interesse von Fans und Presse mehr und mehr. Overkill wandten sich vermehrt ihren klassischen Klängen der Achtziger zu.

Mit ihrem aktuellen Album "Ironbound" brechen alle Dämme: Overkill sind wieder zurück, besser und härter denn je. Hier blitzen die Soli wie vor 25 Jahren gefährlich auf, schreddern die Riffs mit ihren Iron Maiden gleichen Harmonien alles nieder, was sich ihnen in den Weg stellt. Der Bass von D.D. Verni rumpelt wie eh und je, die sich überschlagende, überhitzt keifende Stimme von "Blitz" Ellsworth bringt metaphernreich aktuelle Geschehnisse, persönliche Schicksale auf den Punkt ohne mit dem erhobenen Zeigefinger zu mahnen. Der sägende Sound ist da, brüllende Gangshouts und wuchtige Takte pumpen die alte Kraft in den alten griftgrünen Löwen. Gut gebrüllt, Overkill!

"Ironbound" ist über Nuclear Blast am 29. Januar 2010 erschienen.

"The Green and Black" - 8:12
"Ironbound" - 6:33
"Bring Me the Night" - 4:16
"The Goal Is Your Soul" - 6:41
"Give a Little" - 4:42
"Endless War" - 5:41
"The Head and Heart" - 5:11
"In Vain" - 5:13
"Killing for a Living" - 6:14
"The S.R.C." - 5:08

Mehr Infos unter: Overkills offizielle Homepage

Ein großer Satz nach vorne: Die Leipziger Metalcore-Band Portrait Of Tracy mit neuem Line Up

2009-12-28T06:29:00.000-08:00

Sänger Ozzy und Gitarrist Phil sitzen entspannt in einer gemütlichen Lounge der Moritzbastei. Der tattrige „Prince Of Darkness“, Ozzy Osbourne ist nicht etwa bei den sächsischen Untergrund-Metallern eingestiegen, nein. Ozzy ist ein springfideler Mittzwanziger und bekennender Straight Edge-Anhänger aus der Pleiße-Metropole L.E.

Straight Edge heißt soviel wie kein Alkohol, kein Fleisch, keine One Night-Stands und Gehirn einschalten. Im richtigen Leben heißt er Oscar Michlenz und will nun das schaffen, was der Leipziger Metalcoreband „Myra“ bereits gelingt: Mit Musik leben und auf den großen Bühnen der deutschen Clubs und Festivals zu stehen.

Im November hat die Leipziger Metalband Portrait Of Tracy den zweiten Auftritt mit dem charismatischen Frontmann absolviert. Warum kommt von der Band gerade jetzt der massive Druck gerade im Gesang Ozzys nach vorne und welche Pläne haben die Leipziger für die Zukunft?

Portrait Of Tracy wurde vor fünf Jahren in der Pleißemetropole gegründet, setzt auf metallische Markenzeichen, aber auch Hardcore Punk. Ein wenig windet sich die junge Band mit der Begrifflichkeit „Metalcore“, auch wenn ihre Musik so klingt. Im Leipziger Raum wurden sie recht schnell bekannt für ihren unverwechselbaren Klang, hatten sie doch einen völlig anderen Sound gefahren als ihre Kompagnons von „Myra“ und „Arranged Chaos“. Nun gab es auch einen Sängerwechsel. Gitarrist Phil hatte vorher eher die höheren Tonlagen getroffen, Ozzy entpuppt sich als springender Brüllwürfel. Noch steht das musikalische Pflänzchen auf wenig bewässerten Boden, aber was nicht ist, kann ja noch werden. Touren soll ja bekanntlich beim Bekanntwerden helfen, am 12. Februar treten sie wieder in Leipzig auf.

Ozzy absolviert bei seinen Auftritten sowohl bei Locust Reign als auch bei Portrait Of Tracy immer eine sehr sportliche Show. Würde er das auch durchhalten, wenn der bärtige Mann mit Portrait Of Tracy zehn Tage am Stück auftreten müsste? „Ich müsste es versuchen. Da hilft nur trainieren, für den Fall, dass wir doch noch mal touren.“, sagt der freundliche Sänger mit leiser und ruhiger Stimme. Neben ihn sitzt Gitarrist Phil, der vorher auch den Sängerposten inne hatte. Er erzählt ausführlich, wie die Band auf „Ozzy“ stieß: „Früher habe ich ja gesungen. Irgendwann wurde mir das zu langweilig. Nicht dass mir Singen keinen Spaß bereiten würde. Es ist nur so, dass man am Mikro und an der Gitarre gleichzeitig wenig Möglichkeiten hat, die Leute anzufeuern. Man steht nur an einem Fleck und kann sich kaum bewegen. Wir sagten uns dann als Band, wir brauchen jemanden, der den Fans einheizt und nach vorne prescht. Gerade während der Instrumentalparts ist das wichtig. Ich überlegte mir dann, wer für uns den Frontmann machen kann. Mein erster Gedanke war, eben „Ozzy“ zu fragen.“

In Leipzig läuft man sich ständig über den weg und kennt sich schon längere Zeit. Phil schildert das 'Wie' in seiner heiteren Weise: „Ich hatte ihn letztes Jahr mit seiner Band „Locust Reign“ im Werk 2 gesehen, und war von seiner Action begeistert und auch stimmlich passte es ganz gut. Später schrieb ich ihn über ein soziales Netzwerk an und wartete auf seine Antwort, weil er lange Zeit sich nicht meldete. Dann ging es ganz schnell, er rief an und sagte „Ich habe Lust mitzumachen“. Dann haben wir uns nur über unsere Vorstellungen ausgetauscht und nun treten wir zusammen mit ihm auf. Im August lief das über die Bühne. Das ist also noch sehr frisch, dass „Ozzy“ dabei ist.“

Ihr erster Auftritt mit Ozzy fand in Goslar statt. Das war ein sehr kurzfristiger Auftritt. Portrait Of Tracy spielten im November in der Stadt. Ozzy erzählt rückblickend: „Das war echt eine Überraschung dort. Wir hätten nicht gedacht, dermaßen in Goslar abzuräumen. Die Leute waren begeistert und haben mitgemacht, kamen auf die Bühne. Für uns war das ein voller Erfolg und auch eine super Bestätigung. Die Veranstalter waren mit dem Konzert auch sehr zufrieden und wollen uns auf jeden Fall wieder dabei haben. In Goslar hat uns das wirklich kalt erwischt. Wir sind immer noch perplex, wie positiv unsere Musik aufgenommen wurde. Mit „Locust Reign“ hatte ich schon meine Erfahrungen dazu gesammelt und auch recht gute Reaktionen erfahren, aber mit „Portrait Of Tracy“ war das eine ganz andere Stufe. Schon allein, was das Songwriting angeht und das Equipment.“

Phil fügt lächelnd hinzu: „Für Leipzig war das besonders spannend, weil die Leute hier beide Gruppen kennen, also „Locust Reign“ und „Portrait“. Ich selbst habe mich nicht so auf das Publikum konzentriert, so dass ich hier nicht viel sagen kann. Aber uns kam zu Ohren, dass viele unseren Auftritt auch cool fanden. Experiment geglückt, sage ich da mal.“

Noch gibt es auf ihrer Myspace-Seite die Songs, die Phil, eingesungen hat. Die Band beruft sich auch ein wenig auf die kanadischen Prog-Metalcore-Helden„Protest The Hero“. Jetzt auch noch? Der Gitarrist windet sich ein wenig bei dem Gedanken, den selben Anspruch wie Protest The Hero mit seiner Band zu besitzen: „Jein. Protest The Hero sind nur an der Stelle dabei, wenn es um schnelle Gitarrenläufe geht und technisch anspruchsvolle Arrangements. Dafür sind sie definitiv ein Anreiz. Mit „Ozzy“ ist das jetzt ein Stückchen weit anders. Er hat einen brutaleren Gesangsstil, was vor seinem Einstieg auch anders war als ich noch sang. Bei „Protest The Hero“ sind meiner Meinung nach auf viele klassische Metal-Elemente drin, wie die Kopfstimme.

Als viele hörten, dass „Ozzy“ bei Portrait Of Tracy eingestiegen ist, gab es auch die Vorstellungen, dass sich der Sound anders würde. Man kann sich nur schlecht vorstellen, dass er ausschließlich hoch singt. Schreibt die Band neue Stücke, oder belässt sie es erst einmal beim Auftreten? Phil relativiert auch hier ein wenig und korrigiert: „Der erste Schritt ist für uns erst einmal, zwei Lieder mit „Ozzy“ aufzunehmen. Die wollen wir zunächst auf unsere Myspace-Seite zum klingen bringen. Uns geht es mehr um die Booking-Angelegenheiten, weil wir den Leuten nicht ständig erklären wollen, dass sie sich unseren jetzigen Klang wie eine Mischung aus uns und dem Gesang von „Locust Reign“ vorzustellen hätten. Album … , mal sehen, was nächstes Jahr auf uns zukommt. Erst einmal viel auftreten.“

Dann schwenkt das Gespräch zu einem Thema um, das seit Jahren viele Hardcore Punk- und Metalfans interessiert, spaltet oder auch vereint. Metalcore ist für beinharte Metalfans ein Schimpfbegriff. Nicht zuletzt liegt es auch am Benehmen einiger weniger Fans, die wüst herum rüpeln und durch ihr rücksichtsloses Gebaren auffallen. Das ist nicht immer so, wie man es erst am 27. Dezember im Leipziger „Absturz“ sehen konnte, als die Leipziger Metalcore-Band „Myra“ ihren hundertsten Auftritt feierte. Hier wurde schon aus Platzgründen wenig geschubst. Manchmal spielen Vorurteile gegenüber die Straight Edge-Bewegung eine Rolle, dass die Szene missliebig beäugt wird. Doch gibt es in der so genannten Metalcore-Szene immer noch Weg weisende Impulse, Neuerungen? Oder ist das Ganze auf der Musikebene mitterweile ausgelutscht und abgenutzt? Phil und Ozzy steigen sofort auf das Thema ein und distanzieren sich ein Stück weit vom klassischen Bild einer Metalcore-Band, Phil gibt das pro: „Der Begriff ist unserer Meinung nach nicht so ausgelutscht. Es ist etwas anderes, das uns an „Metalcore“ stört. Metalcore hat viele Schnittmengen mit Hardcore Punk. Letztere ist ziemlich politisch, zumindest findet man dort inhaltsstarke Texte mit Aussage. Das fehlt unserer Ansicht nach ein wenig im „Metalcore“. Wir wollen Inhalt und Aussagekraft für uns einbringen. Die Mischung von Metal und Hardcore Punk finde ich an sich nicht schlimm. Wenn es gut gemacht ist, warum nicht.“ Frontmann Ozzy kontert freundlich: „Ich bin da gegenteiliger Meinung. Metalcore besitzt für mich eine negative Konnotation. Im Laufe der Zeit wurde dieser Stil zu einem Klischee, zum Mainstream. Der Begriff ist für mich sehr verbraucht. Deswegen versuche ich immer eine eigene Stilbezeichnung zu finden. Mit „Metalcore“ wird man immer mit den Trendhoppern in einen Topf geworfen. Die Bezeichnung ist für mich auch zu allgemein gehalten.“ der bebrillte Gitarrist ergänzt versöhnlich: „Wenn jemand uns in die Ecke „Metalcore“ schiebt, weil er uns nicht anders einordnen kann, gut. Nur wenn ich gefragt werde, welchen Stil wir mit unserer Band spielen, dann wird es schwierig. Durch unsere Einflüsse haben wir eigentlich einen eigenen Stil entwickelt. Mit unserem neuen Line-Up ist eben alles anders. Wir beginnen einfach neu und ich denke, dazu werde ich mir noch die passende Stilbezeichnung einfallen lassen.“

Auftreten, auftreten, auftreten. Die Leute werden schon Portrait Of Tracy registrieren. Dann will die Band weitersehen, was auf sie zukommt. Das wichtigste ist für sie erst einmal Live spielen.

Mehr Infos:

http://www.myspace.com/portraitoftracy

New Hate Rising: Myra verdoppeln Angriffslust

2009-12-28T04:06:00.000-08:00

Eigentlich war es ein Freizeitabend am 27. Dezember. Das Jahr ist alt, Myra haben im Absturz ihre einhundertste Show geliefert und das Publikum feierte Weihnachten nach. Die Leipziger Metalcore-Band um Sänger Sebastian Spillner befindet sich gerade mitten im Mixen ihres neuen Albums, das im April über die Ladentheken gehen soll.

Der Absturz ist eine Musikkneipe mit einer kleinen Bühne auf dem Feinkostgelände an der berühmten Kneipenmeile "Karli" gelegen. Man muss zunächst über den kargen Hof stiefeln, an den verschmutzten Dixie - Toiletten vorbei durch eine wackelige Holztür. Das Innere ist übersichtlich: links neben den Eingang ist gleich die Bühne. Weiter hinten an der rechten Seite befindet sich der gemütliche Tresen. Preise von 2 EUR das Drittel Liter Bier in kleinen Szeneflaschen plus Pfand von 50 Cent. Die Preise sind dem gehobenen Standard der Karli angepasst, obwohl Lage und verwittertes Aussehen niedrigeres Entgelt vermuten lassen. Aber egal.

Zusammen mit "In The Lines We Cross" und "Coldburn" wollen "Myra" mal die frische Luft außerhalb des Studios von Disillusion-Fronter Andy Schmidt schnuppern. Ist auch richtig, denn so erproben "Myra" zwei neue Songs auf Bühnentauglichkeit. Ansonsten steht Party an im dichtbepackten Absturz. Nach den beachtenswerten Auftritten der beiden Vorgruppen gibt es für die Leipziger kein Halten mehr. Das Adrenalin geht bei Frontmann Sebastian Spillner auf Höchstwerte. Unentwegt springt er ins Publikum, lässt sich auf Händen surfend durch das Auditorium tragen. Songs ihres letzten Albums "The Venom It Drips" lassen die vorderen Reihen brodeln. Weil Weihnachten ist, gibt es auch gleich Fangeschenke: Poster der Band vom diesjährigen Auftritt beim With Full Force, wo die fünf mit dem Rücken zu den Massen in der Tentstage stehen. Myras bis dato größter Auftritt überhaupt.

Mit dem neuen Album wird das hoffentlich ein Dauerzustand. Gilt die beliebte Band schon als neuer Komet am deutschen Metalcore-Firmament, wo schon Maroon, Neaera, Heaven Shall Burn und Caliban ihren Platz gefunden haben. Weitere Bands aus LE. können mit Arranged Chaos und Portrait Of Tracy folgen. Doch 2010 steht die Aufmerksamkeit ganz "Myra" zu, auch wenn "Arranged Chaos" ihr erstes richtiges Debütalbum veröffentlichen werden.

Moritzbastei: Phillip Boa & The Voodooclub wärmen Veranstaltungstonne auf

2009-12-27T05:06:00.000-08:00

Er gehört mit seiner Band zu den letzten Einhörnern des Independent-Rocks. Phillip Boa & The Voodooclub gastiert seit Jahren zu Weihnachten in der Leipziger Moritzbastei. Dieses Ereignis ist schon Tradition im alten Gemäuer. Aber im Gegensatz zu vielen Künstlern, die mit der MB altern, zeigt sich Boa mit seiner Band frisch wie vor 25 Jahren, als der Voodooclub gegründet wurde.

Am 25., 26. und 27. Dezember gab der Voodooclub um Sänger und Komponist Phillip Boa und Sängerin Pia Lund sein neuestes Werk „Diamonds Fall“ zum Besten. Aber auch alte Hits wie „Container Love“, „Kill Your Ideals“ und „Then She Kissed Her“ kommen an diesen Abenden nicht zu kurz.

Einen entspannten Einstieg findet der Abend, dass niemand am Einlass Schlange steht, gemütlich kühle Schwarze und Blonde gezischt werden, während man ein wenig am Verkaufsstand nach dem neuesten Album „Malta Tapes Vol. 1“ stöbert. Oder man speist an den langen Holztischen am Verbindungsschlauch zwischen Rats- und Veranstaltungstonne. Langsam startet auch der rockige Eröffner „Eher Uncool“. So heißt die frische Gruppe, die Leipzig mit melancholischen, neblig-rauchigen Indie-Rock verzaubert. Ihre nachdenkliche Mischung aus Blumfeld und Joy Division kommt bei den Leipzigern gut an. Sanft wird applaudiert, neugierig beäugt und beschnuppert. Warum „Eher uncool“? Der Name ist doch „cool“ gewählt!

Die deutschsprachig singende Truppe ist eine feine Wahl für heute Abend. Die Band eröffnete mit ihrem zitternd fragilen Gitarrenpop schon 2006 für Boa. Zumal Sänger Alexander noch am Ende der halbstündigen Show seine verträumte Liebe über Leipzigs „Großstadtmeile“ Karl-Liebknecht-Straße auspackt und nun endlich für Zustimmung und Kopfnicken beim zögerlichen Publikum sorgt. Hier wird wohl so mancher neuer Zuhörer gewonnen. Am Abend zuvor spielten die Leipziger Rocker „Cox And The Riot“, die nach Hörensagen gehörig abgeräumt haben sollen. Wenn die Band so weiter macht, kann sie bald Leipzig größter Export nach „Disillusion“ werden, munkelt man.

Bald wird es voll am Tresen und auch in der kühlen Veranstaltungstonne. Das verwitterte Gemäuer wärmt sich bald auf, als immer mehr Menschen in sie hinein strömen. Dicht an dicht stehen die Reihen als das Licht aufblendet und der Voodooclub mit Sonnenbrillen mit „Lord Have Mercy With The 1-Eyed“ vom neuen Album „Diamonds Fall“ einsteigt. Aufbrausender Jubel bei den Fans, die nach diesem Lied schon herumspringen und kuschelnd rempeln.

Pogen bei Boa? Das ist möglich, wenn der gut aufgelegte Sänger mit farbig unterfütterten Stücken wie „Eugene“ und „All I Hate Is You“ los legt. Über zwei Stunden genießen Boa und Sängerin Pia Lund bei der bunt gesprenkelten Lichtshow ihren Best-Of-Auftritt und kommen für drei Zugaben zurück auf die Bühne. „This Is Michael“ gehört ebenso zu den vom Publikum mitgesungenen Liedern wie „Container Love“. Am Ende klatschen die Menschen mit „Pia! Pia!“-Rufen die blonde Sängerin zurück in den Saal. Dann haucht sie zum Abschied den ewigen Hit „And Then She Kissed Her“, der von jedem in der Tonne mit gesungen wird und für Gänsehautstimmung sorgt. Auch die neuen Liedperlen wie „Diamonds Fall“, „“Valerian“ und „Jane Wyman“ werden ausgiebig gefeiert. Zum Schluss kommt der Maestro noch einmal auf die Bühne und verabschiedet glücklich die ersten Reihen mit Händeschütteln und einem Lächeln auf den Lippen. Boa kommt wieder. Das ist sicher.

So brechen die Anwesenden mit guten Erinnerungen an ein überragendes Konzert auf, das die gesamte Breite des musikalischen Schaffens des Voodooclubs absteckt und zudem mit dem Verkauf der „Malta Tapes“ noch einen Mehrwert mit gibt. Manche von ihnen verirren sich in der benachbarten Ratstonne, wo DJ KillaSeppel bei der Heavy Metal Nix Im Scheddel-Party den einen oder anderen Indie-Rocker zu den dumpfen Klängen von Sepultura tanzen lässt.

Mehr Infos:

http://www.phillipboa.com/

http://www.youtube.com/user/pboa

http://www.myspace.com/phillipboaandthevoodooclub

Kein Pantoffelkino: Heaven Shall Burn lassen in Leipzig die Massen kreisen

2009-12-26T09:45:00.000-08:00

Es ist anfangs nur ein Schuh, dann kommt ein weiterer hinzu. Beide werden über die Köpfe der kreisenden Masse beim Auftritt von Heaven Shall Burn gehalten. Der Bewegungsdrang bei der thüringischen Metalcore-Gruppe ist sichtlich enorm. Ruppige Rempeleien wechseln mit Bierduschen ab. Man feiert Weihnachten im Werk II.

Das ist aber nicht immer so an diesem ersten Weihnachtsfeierabend. Die sogar aus Hessen angereisten Fans warten schon seit 16 Uhr aufgeregt auf dem kalten Pflaster des Werk II-Geländes. Aber erst gegen halb sieben beginnt der Einlass zum Weihnachtskonzert der besonderen Art. Denn die Proben ziehen sich hin. Zuletzt stehen „Deadlock“ auf der Bühne und haben den „Soundcheck“ gemacht.

Kurz nachdem sie ihre Instrumente ausschalten, öffnet sich die hölzerne Tür zum „Darkness Over-X-Mas“. Die Massen strömen Karten wedelnd in die große Halle A. In diesem Jahr geben sich fast ausschließlich so genannte Metalcore-Gruppen die Klinke in die Hand. Die großen Namen der deutschen Metalcore-Szene sind hier zu sehen: Heaven Shall Burn, Neaera und Deadlock. Zum Leidwesen vieler treten heute die ebenfalls aus Deutschland stammenden Szenelieblinge Caliban nicht auf. Die schauen sich die Show der anderen Gruppen Backstage an und werden am zweiten Weihnachtsfeiertag in Hamburg auftreten. Die Gruppe wechselt sich mit den Münsteranern von Neaera ab.

Zwei Gruppen schlagen aus der Art: Die progressiven und melodiösen Death Metaller Dark Tranquillity aus Schweden und die Bühnenpiraten aus den USA – Swashbuckle.

Die einzelnen Auftritte werden mit gemischten Gefühlen aufgenommen. So erklären Deadlock später im Interview, dass sie nur diese kurze Spielzeit von fünf Songs haben, weil ihre Freunde von Heaven Shall Burn und Caliban sie gerne mit dabei haben wollen. Dafür sorgen die sechs Veganer um die hübsche Sängerin Sabine Weniger und ihrem tief grunzenden Kompagnon Johannes Prem mit ihrem Hit „The Brave / Agony Applause“ vom letzten Album „Manifesto“ für Begeisterung. Der poppige Zauber war aber nach fünf Liedern schon vorbei, aber an den erhobenen Händen und dem Jubel kann man ablesen, dass viele Fans die sympathische Gruppe lieben. 2010 ziehen sich die sechs zum Songschreiben für ein neues Album zurück. Es wird sicher nicht überraschungslos für die Fans werden. Soviel kann schon mal gesagt werden.

Nach ihrem Auftritt entern die lustigen Amerikaner von Swashbuckle die Bühne. Im wahrsten Sinne des Wortes holzen sich die Piraten durch ihr überlanges und abwechslungsloses Liedprogramm. So sehen es ein Großteil der Leute, die mit verschränkten Armen, aber dennoch interessiert der krachigen Variante des „Thrash Metal“ lauschen. Und so langweilen sich schnell die bereits rund 800 Anwesenden im vollgepackten Auditorium mit dem Anspruch „schnell, schneller, am schnellsten“. Heute ist wohl das falsche Publikum für die schunkelnden Trinklieder anwesend. Die meisten trinken kein Alkohol, und diejenigen, die es tun, versacken am Tresen bei Jägermeister und Lesen von Lidl-Einkaufszetteln.

Das Eis bricht bei den peitschenden Rhythmen von Neaera. Sie spielen einen Mix aus extremen Hardcore Punk, Death Metal und winzigen Einsprengseln Black Metal. Mittlerweile baumelt schon das riesige Backdrop der Headliner „Heaven Shall Burn“ an der Bühne. Das verspricht schon vieles. Doch die Gäste müssen warten. Inzwischen reißen Neaera das Ruder vom amerikanischen Schlingerkurs zu ihrem Gunsten um, erste Männlein und Weiblein surfen schon auf den Händen des Publikums durch den Saal. Die trampelnde Herde rast einen Kreis vor der Bühne oder rennt wild umherspringend aufeinander zu. Metalcore ist halt kein Pantoffelkino. Erste blutende Schürfwunden sind bei so manchem zu erkennen. Rücksicht sieht anders aus.

Die jungen Leute – zwischen 16 und 20 Lenzen – können bei den stimmungsvollen Schweden von Dark Tranquillity aufatmen. Ärgerlich für manche Fans ist nur, wie gleichgültig die intelligent gestrickte Musik von vielen Anwesenden aufgenommen wird. „Was ist das für eine hässliche Frau, die da vorne singt?“, so das plumpe Understatement so manchen angesichts der blonden Lockenpracht des Sängers Mikael Stanne. Doch hier und da wippen einige mit dem Fuß und öffnen sich für die erzählerische Kraft ihrer schon literarisch wertvollen Texte und den einfallsreichen Kompositionen. Dark Tranquillity erspielen sich Lied für Lied Respekt und bedanken sich zum Abschluss mit einem lautstarken „Leipzig is great“.

Die Anzahl der T-Shirts mit dem Schriftzug des Bandnamens ist inzwischen schier unübersichtlich. Hier sind die meisten nur wegen Heaven Shall Burn gekommen. Nach einer längeren Pause verdunkelt sich das Saallicht wieder, dann geht die japanische Sonne auf. Das Intro „Awoken“ ihres neuen Albums „Iconoclast“ eröffnet den munteren Reigen, der schon bei Neaera begann. Mit einer eindrucksvollen Lichtshow und der weißen Bühnengestaltung mit dem CD-Artwork von Bastian Sobtzick wird der Status von Heaven Shall Burn optisch unterstrichen. Wie ein wirbelnder Derwisch mischt der weiß gekleidete Sänger Marcus Bischoff die Fans auf, fordert sie bei den todesbleiernen Stakkato-Riffs auf, im Kreis zu rennen und gehörig umher zu springen. Nun verdoppelt sich die Anzahl der „Crowdsurfer“ bei aktuellen Liedern wie „Endzeit“ und der Coverversion „Black Tears“ von der schwedischen Death Metal-Band „Edge Of Sanity“. Letzteres wurde als Zugabe gespielt, nachdem einige Anwesende ihre Schuhe verloren und Bierduschen abbekommen haben. Die außer Rand und Band geratenen Fans feiern während des fast anderthalbstündigen Auftritts auch die älteren Hits wie „Counterweight“.

Viertel zwölf war der Zauber vorbei, die verschwitzten und erschöpften Massen strömen mit der wohl schönsten Weihnachtserinnerung in die milde Weihnachtsnacht. An der Straßenbahnhaltestelle am Kreuz wird auch der junge Mann gesichtet, der seine Schuhe beim Kreislaufen verloren hat. Barfüßig und ohne Socken sitzt er auf der kalten Stahlbank und wartet auf die Linie 11, die ihn zum Bahnhof bringen wird. So mancher wird auch an diesem Abend seine Wunden lecken und überlegen, ob manche mit dem Umherspringen übertreiben und mit ihren unkontrollierten Faustschlägen und Fußtritten anderen ein Konzerterlebnis vermiesen.

Fotos von Tine Kersten

Mehr Infos:

http://www.xdeadlockx.com/

http://www.swashbuckle.info/

http://www.neaera.com/

http://www.darktranquillity.com/

http://www.heavenshallburn.com/

The Chariot: Wars And Rumors Of Wars

2009-12-23T14:10:00.000-08:00

The Chariot gehen den unbequemen Weg, für sich und ihre Zuhörer. Und sie sind damit erfolgreich. Irgendwie werden sie für ihre vertrackten Hassbatzen mittlerweile genauso stark wahr genommen, wie ihre Musik-Mathematik-Kollegen von Dillinger Escape Plan und Converge. Norma Jean haben hingegen einen recht belanglosen Weg eingeschlagen.

"Wars And Rumors Of Wars" ist ein dreißigminütiges Manifest taumelnder Rhythmen voller unbändiger Wut und ungezähmter Brachialität. Scheinbar fast schon von diesen Gefühlen blind, rasen die Amis um den ehemaligen Norma Jean-Sänger Josh Scogin durch ein chaotisches Kaleidoskop der Gewalt und Gefühlskälte. So klingt es jedenfalls. Aber The Chariot ist eine christliche ...Core-Band, wie August Burns Red beispielsweise. Und thematisch geht es dort um andere Geschichten, als nur dumpfer Zorn. Schon der Bandname verweist auf die Bibelzeile von Elias und den Feuerwagen. Also die apokalyptische Beschreibung des Propheten des Wagen Gottes. Und damit ist auch die Kernaussage zur inhaltlichen Ausrichtung von The Chariot getroffen. Das ist es nicht allein. Es geht auch um Themen wie Kapitalismus, Materialismus und um den Tod. Auch persönliche Erfahrungen fließen in die Lyrics ein. So auch auf diesem Album, wo Scogin den Verlust seines Vaters Tod thematisiert.

Nun zur Kritik: das Album wurde in einer von der Band selbst durchnummerierten, signierten und gestempelten Auflage von 25.000 Stück produziert und gilt mittlerweile als ausverkauft. Die Preise bei Amazon & Co. gehen für den Silberling bereits in schwindelerregende Höhen. Nur über iTunes kann man sich das Album legal noch besorgen. Das war es auch schon. Für eine bekannte Untergrund-Band fast schon ein Hohn. Denn so werden illegale Kopien gerade zu gefördert.

Overmars: Affliction, Endochrine ... Vertigo

2009-12-23T00:28:00.000-08:00

Seit vier Jahren existiert das von Overmars geschriebene Album "Affliction, Endochrine ... Vertigo" mittlerweile. Inzwischen haben die französischen Schlepp-Core - Metaller ein weiteres Album, eine Split und eine EP nachgeschoben. Live sind sie leider nur im französischsprachigen und zu Teilen nur im westdeutschen Raum zu sehen. In den Genuss dieser Band sollte man absolut kommen.

Denn Overmars bieten zumindest bei "Affliction ..." eine schroffe, atmosphärische und dicht gepackte Mischung aus Cult Of Luna, Isis und vielleicht auch Neurosis. Da wabern elektronische flirrende Klangwelten, monoton kreiselnde Akkordfolgen und dumpf brütende Gesänge in das Hörzentrum. Möge die Gleichförmigkeit der ständigen Wiederholung nun endlich seine psychedelische Wirkung entfalten, unter deren Einflüssen die Musik vielleicht entstand. Mitunter schleichen Overmars dermaßen im schmutzigen Mulm, das sie schon die rauen Granitfelsen zum Vorschein schürfen. Neben ihren drei epischen Stücken "This Is Rape", "En Memoire ..." und "From Love To Exhausting ..." streuen Overmars postrockige Interludien ein, die sich mit tiefgründigen fünfminütigen Umwuchtungen abwechseln.

Bislang unentdeckt in deutschen Landen, ist Overmars aus Frankreich eine ernstzunehmende Band, die leider zu Unrecht im Schatten von Cult Of Luna, Isis & Co. steht. Vielleicht liegt es auch daran, dass sie hier noch nicht so oft aufgetreten sind.

Musikalischer Farbfilm: Dioramic proggen in Technicolor

2009-12-22T13:28:00.000-08:00

Manche Menschen haben sicher vergessen, dass Musik das Farbempfinden fördert. Klänge und Töne können viele Gefühle hervor kitzeln und uns auf eine innere Reise mitnehmen. Seit sieben Jahren versuchen drei junge Herren aus Kaiserslautern, Achterbahnfahrten zu vertonen. Dioramic heißt die 2002 gegründete metallische Hardcore Punk-Büffetplatte.

Mit "Technicolor" tauchen Arkardi Zaslavski (Gesang/Gitarre), Jochen Müller (Gesang/Bass) und Anton Zaslavski (Schlagzeug) in die verschachtelten Erzählungen ihrer von Licht und Schatten durchdrungenen Epen. In fünfzig Minuten scharwenzeln Dioramic mal sacht mal aggressiv um den Hörer. Das Trio legt ihm eine einfühlsame Instrumentalarbeit auf den Teller, übergießt das dann mit einer wütend kochenden Pfeffer-Chili-Soße, bis grob geschnittene Gemüsewürfel bunt auf die Sinne des Betrachters purzeln. Da erheben sich zornige Metalcore-Protze, es buhlen knarzige Postrock-Stimmen poppig um des Hörers Gunst und dann verdrehen sie ihm den Hals, bis der Letzte vor Staunen mit seinen aus den Höhlen purzelnden Augäpfeln zu kämpfen hat. Hier hat die taufrische Gruppe etwas ganz eigenes gebacken. Denn trotz der unglaublichen Vertracktheit jedes einzelnen Songs, verstehen es die drei ihre Geschichten mit rotem Faden zu erzählen. Sie finden immer wieder zurück auf den breiten Pfaden der eingängigen Tugenden, die Refrain oder mal Strophe heißen. Harmonien wechseln sich mit breitwandigen Riffs ab, weit ausladende Hymnen mit abrupten Brüchen und Schlüssen.

"Technicolor" ist ein beeindruckendes Debüt, das sich angenehm vom Metalcore-Wust abhebt und Hoffnung auf noch glanzvollere Weiterentwicklungen macht. "Technicolor" ist ein sattes Album, das für jeden, der die kanadischen Prog_Core-Helden von Protest The Hero mag, wie Lust auf die erzählerische Eleganz von Mastodon hat.

Metallica: Death Magnetic

2009-12-16T13:11:00.000-08:00

Back To The Eightees heißt das Motto der bahnbrechenden Metalband Metallica. Auch wenn Unken die Band in den Neunzigern zu Grabe getragen haben wollen, so schaffen sie es spätestens mit "Death Magnetic" aus eben jenen wieder aufzuerstehen.

Da blitzen die scharfriffigen Gitarren und die Shouts von "Ride The Lightning" auf, dann wieder die rockig rührenden Rhythmen der "Load" und "Reload"-Phase sowie einige leicht vertrackt epische Teile, die wir aus "... And Justice For All" kennen. Alles nur Augenwischerei, Flickschusterei? Äußeres und Inneres von "Death Magnetic" besinnen sich auf das Herz und das Imgae der wohl erfolgreichsten Metalband weltweit. Oder zumindest die bekannteste. Und das meistern sie mit Bravour. Das von Rick Rubin produzierte Album beweist zwar allen Rückgriffs, dass man mit der Band immer noch rechnen muss. All die Ausflüge bis gestern wurden über Bord geworfen, die Band scheint wieder zu ihrem Kern gefunden zu haben.

Metallica haben mit diesem Album erkannt, dass es wohl besser ist, so zu bleiben wie man ist. Das passt auch zur konservativen Attitüde zu Metal, die Drummer Lars Ulrich immer aufzubrechen versuchte. Hier regiert die alte und auch wohlgeschliffene Metal-Axt. Ohne Rost und Staub. Metal Up Your Ass!

Isis: Wavering Radiant

2009-12-03T01:23:00.000-08:00

Wabernde Klangfluten, stürmische Bassläufe und aufgebrochene Songs auf das zähflüssigste und atmosphärischste intonieren "Isis" in ihrem letzten Album "Wavering Radiant". Das haben sie schon seit jeher gemacht, aber nicht so ausgereift und so schwer zugänglich, wie auf diesem Meisterwerk. Metal geht auch ohne Klischee, man kann diese Musik doch noch vorwärts bringen.

Viele Metalfans betreiben Eskapismus der besonderen Art. Sie wünschen sich in selige Zeiten zurück, die sie vielleicht nie erlebt haben. Zeiten, wo Metal noch wie "Slayer", "Judas Priest" und "Iron Maiden" klang. Man geht auf Konzerte von "Kiss", sucht Gruppen, die genauso "wie früher" klingen und günstiger im Eintrittspreis zu haben sind. Oder Metalfans treffen sich auf fast schon überflüssige Sommer-Festivals, wo sowieso nur dieselben Gruppen spielen, die im darauf folgenden Herbst die Clubs beackern und wo niemand mehr hingeht. Feiern lustlos zusammen gezimmerte Alben, als gäbe es nichts schöneres. Nur wehe, man stört diese heile Welt.

Dass der Metal-Underground eigentlich tobt und wütet, sich die Musik immer durchdachter präsentiert und sich auch vermehrt Stilen öffnet, die eher als ernsthaft einzuordnen sind, wissen die wenigsten. So tragen "Isis" mit "Wavering Radiant" zur neuen Stoßrichtung bei, die sich vielgestaltiger präsentiert als alleine nur Metal es je vermag. Merkmal von "Isis" waren immer schon wuchtige Kompositionen, die mit stimmungsvollen Auflockerungen Abgründe und auch Horizonte öffnen, je nachdem wie heftig der Härtepegel ausschlägt.

Es sind immer noch die weit ausladenden Stücke von "Isis" da. Vielmehr ist die flirrende, grollende und ätherische Wirkung ihrer Songs noch größer und noch breitwandiger als früher. Das hat "Isis" schon immer charakterisiert: An eigene Grenzen stoßen, sie überfliegen um dann den Hörer im Humus wühlen zu lassen. Kartenhäuser brechen ein, Abgründe tun sich auf. Ihre Alben setzen wie bei einer Gemäldereihe eine Weiterentwicklung auch beim Zuhörer voraus. Aber auch Vorstellungsvermögen, die eigenen Gedanken kreisen und treiben zu lassen. Die manchmal krachig-taumelnden Lieder können innerhalb von wenigen Minuten die Stimmungen wechseln, sind meist aber von einer steinernen Melancholie gefärbt.

Die epischen "Hand Of The Host" und "Threshold Of Transformation" erzählen mit ihrer Mischung aus New Wave-Echo und brummigen Doom Metal von Sehnsüchten und Enttäuschungen. Kontrollverluste werden ausgebrüllt, dann wieder sanft und klar erzählt. Von Selbstlüge ist die Rede, wenn der pulsierende Bass im Hintergrund ein Echolot ausstrahlt. Persönliche Ansichten vom Scheitern und Schmerzen sind im stählernen Mantel der Gefühlskälte gehüllt. Frostige Traum-Entwürfe sind mit warmen Gitarrenläufen unterfüttert. Trotzdem fühlt das Album den Hörer gerade durch seine anfängliche Distanziertheit um so stärker auf den Zahn und schleicht sich ergreifend schön immer tiefer in dessen Gedankenwelt, beeinflusst sie, lässt reflektieren, bringt einen dazu, immer mehr mit eigenen Personen und Geschichten auseinandersetzen. Etwas, dass sonst als so typisch angesehene Metalsongs "The Number Of The Beast" (Iron Maiden), "Screaming For Vengeance" (Judas Priest) und dergleichen nicht vermögen. Sie wälzen sich immer noch im Mehl der Augenwischerei und im Staub der eigenen Geschichte.

Flagge gezeigt: Mit Iron Maiden in die Wende gerutscht

2009-11-28T14:30:00.000-08:00

Es war meine letzte Reise in ein Kinderferienlager. Damit begann alles. In der damaligen Tschechoslowakei entdeckte ich 1989 die Liebe, den Rausch und Heavy Metal. Letzteres lernte ich durch vielerlei Umstände kennen. Da waren Funktionäre, Freunde und Feindbilder, die meinen Weg kreuzten.

Natürlich kann ich nicht mehr wiedergeben, wie alle Protagonisten von damals heißen. Auch der Ort verschwimmt in meinem inneren Auge zu einer namenlosen Anhöhe in einem böhmischen Gebirgsmassiv, das nur wenige Fahrtstunden von der Schneekoppe entfernt liegt. Dort in dem von einem Kiefernforst umrahmten Anstieg befanden sich hölzerne Bungalows und im Tal ein Gemeinschaftshaus, wo wir Kinder und Jugendliche zur Disco gingen und unsere Mahlzeiten einnahmen. Damals war ich gerade 14 Jahre alt. Mitten in der Pubertät und auf der Suche nach etwas eigenem. Und einem Mädchen.

Heavy Metal war da nur zweitrangig. Ich malte und male heute immer noch gerne. Damals waren es die Konterfeibilder vom Iron Maiden-Maskottchen „Eddie“. Weil ich schon eine gewisse Zeit Übung besaß, ihn möglichst originalgetreu nachzuzeichnen, bekam ich auch den Spitznamen „Eddie“ zugeschrieben. So stellte ich mich auch neuen Kumpels vor. Auch wenn ich nur wenig von dieser Musik gehört hatte und damals Queen oder Bon Jovi das härteste meiner Empfindung nach war, identifizierte ich mich mit Heavy Metal. Warum? Viele der im Ferienlager anwesenden Jugendlichen mochten diese Musik, bewunderten meine Fähigkeit das Maiden-Monster zeichnen zu können. Nun waren es die Kumpels im Lager, die mir die Klänge von AC/DC und Slayer nahe brachten und zeigten wie man wie Angus Young auf den Schultern seines Kumpels reitet. „Das beeindruckt die Mädels“, steckte mir der jüngere Fan aus Aue, der der größte AC/DC – Fan aller Zeiten war und am coolsten abhotten konnte.

Eines Tages war es soweit. Wir gingen mit unserer Gruppe in ein Nachbardorf und separierten uns von den anderen. Mir kam das alles abenteuerlich vor. Letztlich war ich auch neugierig und fand das aufregend. Wir standen vor dem Plattengeschäft im verschlafenen Dorfzentrum, den Kopf voll mit Federweißer, den wir vorher getrunken hatten. In der Verkaufsauslage sah ich das damals noch aktuelle AC/DC-Album „Blow Up Your Video“. Dort sprang Angus Young aus dem Fernseher und machte klar, dass TV kein Rock'n'Roll ist. Wir stehen da so eine Weile herum, als ein vollbärtiger und langhaariger Mann auf uns zu kam und uns auf englisch, tschechisch und deutsch ansprach. Wir sollten mit zu ihn nach Hause kommen, da würden uns echte Schätze erwarten. Wir waren verunsichert und unsere Bedenken waren schnell ausgeräumt. Waren wir doch fünf oder sechs Leute, während er nur einer war.

In seinem Wohnzimmer lagen auf dem sonnenbeschienenen Tisch jede Menge Alben ausgebreitet. Darunter auch ein Album von Madonna. Dort befand sich auch eins von Helloween, jener deutschen Metal-Band, die seit 1987 große Erfolge feierte und justament „Keeper Of The Seven Keys Part II“ veröffentlichte. Der freundliche Kerl hatte aber den ersten Teil angeboten und fragte uns, ob wir es kaufen würden. Jemand schnappte sich das Album so flink, dass ich mich ärgerte es nicht abbekommen zu haben. Doch dann sah ich es golden blitzen und zum Vorschein kam „Eine kleine Nachtmusik“ von der britischen New Wave Of British Heavy Metal-Legende Venom. Polnische Pressung, schwer, golden und nahezu original zu dem, was jenseits des eisernen Vorhangs verkauft wurde. Eine echte Rarität, wie es sich später heraus stellen sollte. Ich zog das Album zu mir, klappte das Gatefold auf und sah die coolsten Typen der damaligen Metal-Welt. Zumindest war der langhaarige Mann mit Zylinder und Zigarre krass genug um dem Tschechen zu sagen: „Ja, ich nehme es. Wie viel?“ Ich hatte keine Vorstellung von dem, was mich erwarten würde und verwahrte das Doppelalbum bis zu meiner Ankunft in Leipzig auf. Indessen hörten wir AC/DC bei den Discos und Queen.

Bei diesen Gruppen lernte ich, wie man Luftgitarre spielt, headbangt und herum post. Natürlich macht man das nur, um Mädchen zu beeindrucken. Weniger beeindruckend war es, nach der Action zu einem Mädchen hin zu gehen und es anzusprechen. Warum? Bei diesem kindischen Ausdauersport im Diskosaal habe ich nach Schweiß gerochen, stand verschwitzt vor einer Gruppe hübscher junger Frauen und holte mir eine Abfuhr. Es muss fürchterlich für sie gewesen sein, als plötzlich ein adoleszenter Jüngling mit rotem Gesicht, röteren Pickeln und verschwitztem halblangen Haar und durchnässtem Shirt vor ihnen stand und unbeholfen stammelt: „W-w-w-willst Du mit mir tanzen?“

Metal äußerte sich während dieses Aufenthaltes auch anders. Nicht nur anerkennend, als ich zu der Venom-Scheibe auch noch die aktuelle AC/DC kaufte. Taschengeld hatte ich genug. Eines Tages fragte mich doch ein Berliner Kumpel, ob ich sein mitgebrachtes Bettlaken mit dem Eddie-Monster von Iron Maiden bemalen könnte und zeigte auf meine Filzstifte und legte noch ein paar dazu. Er besorgte noch ein paar von den Kindern, die das auch irgendwie gut fanden. Oder auch nicht. Der Berliner legte eine aktuelle Bravo auf den kleinen Sprelakart-Tisch, worin Iron Maiden mit eine rgroßen Geschichte angekündigt waren und auch das einfallsreiche Artwork gezeigt wurde. Ich legte los und ahmte das Motiv nach, das Iron Maiden für die damalige Single „Can I Play With Madness“ verwendet hatten. Es zeigt den Kopf von Eddie, dessen Schädelkalotte aufgebrochen war und von unsichtbarer Hand ausgelöffelt wurde und Flammen heraus stiegen. Wie bei einem flambierten Omelett.

Was machen Jungs, wenn sie nichts zu tun haben? Richtig. Unsinn. Die drei weißen Fahnenmasten lockten nahezu, die neue Flagge – das Iron Maiden-Tischtuch – hoch zu hieven. Nur gab es drei Probleme: jeder der drei Masten war besetzt. Dort flatterten die damalige tschechoslowakische Fahne, die Flagge der DDR und die der FDJ.

Wir berieten uns nur kurz und entschieden, dass die FDJ-Flagge runter muss, um die Iron Maiden-Flagge hoch zu leiern. Das taten wir auch. Schnell, schnell. Das darf keiner sehen. Zuvor mussten wir die FDJ-Flagge runterholen. Denn eine der beiden Staatsflaggen runter zu nehmen, wäre fast schon Landesverrat gewesen oder irgendwie kriminell. FDJ eben nicht. Kaum hatten wir die Iron Maiden-Flagge nach oben gebracht, kommt eine FDJ-Delegation angestiefelt. Zu Besuch. Wohin sie des Weges waren? Balaton.

Sie kamen sich rege unterhaltend die Anhöhe hoch, sahen den Frevel und erstarrten. Zugleich kam unser Ferienbetreuer und stellte uns zur Rede. Wir sollten unsere Fahne wieder herunter lassen. Was fiele uns denn ein und überhaupt. Er machte Anstalten, das flatternde Übel herunter zu holen, wobei wir ihn zu hindern versuchten. Ich sprang lachend auf seinen Rücken, versuchte ihn zu kitzeln, während die anderen ihm das bemalte Laken entwenden sollten. Das misslang. Er war einfach zu kräftig und zu wendig für uns Hänflinge. Wir wurden verbal zusammen gestaucht, Rückfahrkarte wurde auch angeboten.

Wir folgten und stapften zu unseren Bungalows, bis wir heraus gerufen werden sollten. Ungefähr eine halbe Stunde später war es dann soweit. Wir mussten zum Versammlungshaus. Dahinter hatte die FDJ-Delegation einen Scheiterhaufen aufgeschichtet und zum brennen gebracht. Über den knisternden Flammen brieten sie lachend auf Stöcken aufgespießte Krakauer. Wir sollten uns auch bedienen und mitmachen. Mein Betreuer meinte, ich solle mir den Haufen genauer anschauen. Und siehe da, am Rand kokelte das Laken, worauf das Eddie-Monster noch zur Hälfte griente. Jetzt verstand ich, warum die FDJler lachten. Wahrscheinlich haben sie von den DDR-Flüchtlingen gehört, wie sie nach Österreich flohen. Und so noch die letzten Züge der DDR genossen, mit realem Sozialismus verkokelten sie die jugendliche Nichtigkeit des voran gegangenen Vorfalls, wie Nazis ein Buch verbrannt hätten.