Des oreilles dans babylone

Daft Punk - Random Access Memories (2013)

noreply@blogger.com (Antoine) — Mon, 20 May 2013 08:59:00 +0000

Le Daft Punk nouveau vient de sortir. Difficile de passer à côté de l'événement musical de l'année. Je ne reviendrai pas sur la promotion de cet album qui a déjà été analysée en long et décryptée en large. Huit ans après leur dernière fournée, l'attente était d'autant plus grande pour l'un des derniers grands représentants de l'électronique hexagonale. Comme à chaque nouvelle sortie - on les compte sur les doigts d'une main, c'est la polémique qui prend le dessus. On se plaît à les adorer ou à les détester. C'est selon. Au mieux c'est génial, au pire on rigole de cette grande imposture. Seul Homework demeure encore intouchable. Le seul aussi dont le visuel se résume à celui de sa musique. Le succès qui leur a donné leur renommée mondiale. La suite est plus discutable. Les partis pris musicaux de Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo n'auront jamais fait l'unanimité. Toujours est-il qu'au vu de l'importance du bruit suscité autour de l'album, Random Access Memories ne devrait pas laisser indifférent.

Avec le temps Daft Punk est devenu un topos musical à part entière. Un lieu commun où se retrouvent les amateurs de musique de tout genre et de tout âge. Un cliché qui regroupe toutes sortes d'influences musicales. On leur a souvent reproché cette formule efficace et simplifiée à son maximum, et aussi d'utiliser des ficelles un peu grossières. De piller des samples de manière plus ou moins adroite (Human After All). Bref, de faire dans la facilité. Mais avec ses influences house, disco, pop et punk - pour le côté inattendu, Random Access Memories s'inscrit dans la continuité. Moins unitaire que les précédents qui répondaient à des concepts précis, ce nouvel opus dévoile pourtant son fil rouge. Du trip interstellaire mis en image par Leiji Matsumoto, le créateur d'Albator, à celui des robots humanoïdes, c'est aujourd'hui celui de l'escapade mémorielle aléatoire. Porté par ses nombreuses collaborations, l'album reste assez cohérent. Les allergiques aux additifs dans l'électronique, à l'italo disco, au vocodeur et aux mélodies sucrées peuvent déjà passer à autre chose.

Autant dire qu'on est loin du chef d’œuvre attendu ou annoncé. C'est un disque honnête qui ne repousse pas franchement les limites connues de la musique mais dont certain morceaux font quand même passer un bon moment. Les pépites sont présentes. On peut citer à ce titre les morceaux avec Pharell Williams. "Get Lucky", le premier titre à avoir filtré, est déjà un tube estival. "Lose Yourself to Dance" avec son "pied" très profond, qui pourrait bien squatter les dancefloors pendant quelques temps, passe plutôt bien. On pense forcément à tout l'héritage disco apporté par Nile Rodgers. Il y a aussi "Doin' It Right" réalisé avec Panda Bear qui sonne très… Panda Bear. Sans être très original, l'utilisation quasi permanente du vocodeur peut surprendre comme sur "Instant Crush" avec Julian Casablanca ou sur "Within", petite balade pop au piano. C'est sirupeux au possible sur "The Game of Love", un peu décevant malgré une bonne instrumentation sur "Give Life Back to Music". Et carrément ridicule sur "Touch" avec Paul Williams. J'en attendais un peu plus aussi de la collaboration avec Todd Edwards dont on reconnait à peine le style et qui ne suscite pas vraiment l'intérêt. "Giorgio by Moroder", qui alterne bouts d'interviews du sus-nommé et plages musicales, ouvre un track jazz-funk-épique bien sympathique qui nous donne envie de replonger dans les synthétiseurs de l'italo disco. Il paraît alors difficile de relier entre eux tous les invités. Peut-être que le seul lien qui réside dans cet album est encore une fois et uniquement le duo que forme les Daft Punk.

En bref : À la croisée des chemins, nostalgique et très verbeux, Random Access Memories réussit de jolis mouvements sans vraiment convaincre dans son ensemble.

Halasan Bazar - Space Junk (2013)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 14 May 2013 17:33:00 +0000

Qu'arrive t-il à tous ces jeunes ? Pourquoi ne veulent-ils plus vivre avec leur temps ? La faute à la crise ? La nostalgie d'une époque révolue ? Toujours est-il que ce collectif Danois basé à Copenhague semble respirer l'air californien des 60's. Rien sur ce véritable premier album ne nous rappelle à 2013. On y trouve des chansons bricolées perdues dans l'espace-temps, des passe-temps pour hippies armés de tambourins et guitares, des éclats de génie à côté de morceaux branleurs. Tout comme Jacco Gardner et Foxygen un peu plus tôt cette année, Halasan Bazar reprend le flambeau sans se brûler d'un rock lo-fi psychédélique west-coast qu'on croyait disparu avec les Byrds.

Il faut entendre l'ouverture de ce disque avec "How Did We Get Here in the First Place?". La voix du Norvégien Frederik Eckloff plante le décor. Possédée, fausse, fragile, perdue, elle guide le morceau qu'un glockenspiel vient accompagner. "You And I" prouve alors que la ballade ne sera pas sans encombres. On pense au premier album de Woods, à Ariel Pink, Ty Segall évidemment. Le tambourin est de rigueur, la percussion gentille, la guitare doucereuse. On reste quelque peu béat devant tant de coolitude bancale.

Quand du je-m'en-foutisme aboutit la lumière sur les six minutes de "The Light Of My Day" on croit alors au miracle. Il y a du Daniel Johnston dans cette ballade illuminée que rien ne vient perturber, si ce n'est un harmonica inspiré (le titre de l'album ne laisse d'ailleurs que peu de doutes au mystère, intitulé quasi comme celui du fou-chantant américain précédemment nommé). Et la grande force de cet album, si ce n'est d'installer tout le long une douce ambiance décontractée avec des fleurs dans les cheveux, c'est de compter autant de vrais bons morceaux que de morceaux. Douze sur douze, comme un permis de conduire vierge de tout excès.

En bref : un collectif de jeunes illuminés nordiques s'engouffre dans la veine psychédélique 60's et livre tranquillement des morceaux pop hors du temps qui semblent être confectionnés avec le couteau-suisse de MacGyver.

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Le Bandcamp de Halasan Bazar

College - Héritage (2013)

noreply@blogger.com (Bouddhanight) — Mon, 13 May 2013 13:46:00 +0000

College, porté par le nantais David Grellier, délivre un album d'électronique pure et sans vocalises, hommage aux premiers échos de la disco italienne, dont la résonance vintage, piquera au vif les mélomanes nostalgiques de mélodies synthétisées.

Pour la petite histoire, College s'est popularisé par un titre, "A Real Hero", repris trois ans après sa sortie sur la B.O du film Drive, achevant de faire connaitre le français aux oreilles du monde entier. Une reconnaissance tardive pour un artiste pris dans un paradoxe temporel. Une explication somme toute logique à l'écoute de cet Héritage, anachronisme musical et hommage rendu à une période, dont le legs continue d'investir la musique électronique contemporaine.

Si la musique était signifiante d'une quelconque valeur historiographie, alors on dirait de ce disque qu'il est issu du début des années 80, là où le genre italo-disco explosa, notamment sous l'égide de son plus célèbre représentant Giorgio Moroder. Pour la partie technique, on peut dire de ce courant musical qu'il se scinde en deux approches, dépendant chacun d'une gestion différente du tempo imprimé à la musique. Un arc musical tout à fait pressenti sur ce disque, qui d'une piste à l'autre construit des élans si bien frénétiques que flegmatiques. Il n'est ainsi pas rare d'être emporté par la montée progressive d'une cadence, pour ensuite se faire lâcher dans un espace ou l'air s'est soudainement comprimé, écrasant et freinant toute expression rythmique.

De cette vitesse ambivalente jouent des morceaux tels que "Tempête magnétique", "Départ", et "Un long sommeil" dont le tempo aux bpm progressivement accélérés est phagocyté par des nappes synthétiques, apaisant la stridence des sons déployés. N'espérez pas retrouver ici un cirque d'instruments, l'ensemble des morceaux étant élaboré via un "instrumentarium" exclusivement numérisé. Au bon souvenir de l'esthétique New-Wave, College semble rendre hommage. Bercé dans une humeur synthétique, Héritage oscille en permanence entre un monde onirique et romantique, cristallisé par cette résonance froide et ombrageuse, typique de la cold-wave.

En Bref : Héritage fait de College le digne héritier d'un genre musical que les 80's portérent à leur apogée. Le style d'album qui traverse les couloirs du temps pour tisser jusqu'à notre oreille, un fil nécessaire à la compréhension, de cet espace tentaculaire qu'est la musique.

The Knife - Live à la Cité de la Musique le 04 Mai 2013

noreply@blogger.com (Emmanuel) — Wed, 08 May 2013 09:08:00 +0000

Pendant longtemps, The Knife a eu pour principe de ne jamais jouer live. Et puis, face aux immenses attentes que leur impressionnante et soudaine popularité suscitait, et forts d'un univers visuel déjà singulier et puissant, fait de clips et de photos de presse transgenre et méta-pop, ils décident de monter un spectacle avec lequel ils feront événement dans chaque ville où ils passeront. La tournée est un succès et le duo en tirera un DVD intitulé Silent Shout : an audiovisual experience. Nous sommes en 2006, et après cela, The Knife, en tant que tel (hormis les différents projets auxquels ses deux membres participeront), disparaît. Mais aujourd'hui, The Knife revient. La tournée Shaking The Habitual fait immédiatement suite à un double-album éponyme assez largement décrié et incompris. Le LP a en effet été conçu comme un fascinant cheval de Troie, censé d'abord jouer le jeu du marketing musical global (avec une promotion digne de celle du nouveau Daft Punk) pour mieux le dynamiter de l'intérieur, en offrant aux fans, en lieu et place d'une électro-pop efficace, de longues plages absconses (avec des paroles cependant sans équivoque) d'une longueur pouvant s'étirer jusqu'à dix-neuf minutes et destinées à provoquer tour à tour transe, angoisse et réflexion révolutionnaire.

Malgré cette partielle déconvenue, le public répond présent en ce soir du 4 mai à la Cité de la Musique de Paris. L'entrée, tant en scène qu'en matière, correspond exactement à l'horizon d'attente premier des spectateurs : dans une obscurité à peine sabrée de lumières fluorescentes, sept silhouettes encapuchonnées s'avancent et se positionnent. Penchées sur leurs instruments, elles interprètent "A Cherry On Top", morceau tout en suspension qu'elles enchaînent avec le lancinant "Raging Lung". Mais c'est au moment où commence "Bird", chanson extraite de leur tout premier album (2001), que le grand bouleversement s'opère. Alors que la chanson poursuit indépendamment sa course, les performers cessent soudainement de jouer ; ils poussent les instruments sur le côté de la scène et se lancent dans une improbable chorégraphie. The Knife tombe le masque : rien de ce que l'on a entendu précédemment n'était vrai. Ce qui semblait débuter comme un concert sera pour le reste de la soirée un spectacle de danse et de lumières. La musique du groupe n'est plus au cœur du show, elle n'en est plus que la bande-son.

Et alors que les morceaux s'enchaînent et que la chorégraphie se poursuit, j'assiste à une scène incroyable, a priori aberrante et pourtant d'une parfaite cohérence avec le concept qui sous-tend le spectacle : à mes côtés, une jeune spectatrice accrochée à son smartphone est en train d'enregistrer en mode audio l'intégralité de la performance. Je ne pouvais trouver meilleure porte d'entrée vers les abysses méta-musicaux qui s'ouvrent devant nous. Ce trou noir, béant et sans fond, la moitié des spectateurs refusent manifestement de s'y laisser tomber. Je m'y engouffre sans hésiter.

Car avec un choix de scénographie aussi risqué, The Knife est évidemment assuré de perdre une certaine partie de son public. Ce Shaking The Habitual Tour est tant un acte de terrorisme artistique qu'un suicide carriériste. C'est l'opération kamikaze nécessaire d'une fratrie anticapitaliste qui a vu son esthétique, qu'elle pensait intrinsèquement liée à son discours, lui échapper pour être récupérée, galvaudée et vidée de sa substance. Au cours de toute la première partie de "Full Of Fire", les performers se figent pendant de longues minutes avant de se mouvoir au ralenti, puis de plus en plus rapidement. C'est un beau moyen de moquer l'un des motifs récurrents du vidéoclip, et de signifier à quel point ce format aujourd'hui devenu espace warholien de reproduction en série a conditionné notre manière de consommer de la musique. En scindant ainsi sur scène l'image et le son, ils semblent demander : nous avez-vous vraiment regardés ? Nous avez-vous vraiment écoutés ? Nous avez-vous vraiment compris ?

Bien sûr, la forme que prend ce questionnement est radicale. Mais que pourrait-on, au fond, reprocher à The Knife ? De ne pas jouer live ? L'idolâtrée fratrie est pourtant bien là, alive, en présence ; ils donnent de leur personne et repartiront épuisés. Alors, l'imposture, la malhonnêteté ? L'artifice dans la musique électronique est une convention tacite que notre regard formaté accepte depuis des années. Alors pourquoi ne pas accepter sa mise en scène et son exacerbation dans un spectacle dont le titre d'emblée annonçait la couleur ? De qui se moque-t-on ici ? Certainement pas du public. En effet, il n'y a qu'à voir le caractère enfantin des chorégraphies pour comprendre l'ironie avec laquelle The Knife envisagent leur performance. Et qu'est-ce que l'ironie, sinon un moyen de communication intime avec son auditoire ? Ce spectacle est le clin d’œil d'artistes sincères en connivence permanente avec son public. Il est la preuve de leur foi absolue en son intelligence, à laquelle ils ne cessent de faire appel.

La suite du spectacle décline les figures de l'artifice et du vide substantiel et nous plonge dans une vertigineuse réflexion sur la déconstruction de l'image et la dématérialisation de la musique. Lorsque les performers cessent de danser, ils reprennent micros et instruments pour de nouveaux tableaux interprétés en play-back. Et dans l'univers factice qui se déconstruit sous nos yeux, à partir duquel tout semble possible, les voix préenregistrées sont évidemment interchangeables. N'importe qui peut avoir la voix de Karin, d'Olof ou de Shannon Funchess (Light Asylum), qui intervient in absentia sur le morceau "Stay Out Here". Notons également cette hilarante interprétation de "Got 2 Let U", tube déviant extrait de Deep Cuts (2003), au début de laquelle apparaît sur scène, poussé par deux danseurs, un écran vertical au cadre doré sur lequel on peut voir l'un des performers exécuter un lip-sync sur la ligne de chant de Karin Dreijer Andersson. Cette image, c'est celle d'une vanité jaillie d'un iPad baroque géant. Dans le retournement de la musique-spectacle sur son propre vide, la prochaine étape est une évidence. The Knife n'hésitera pas une seule seconde à l'illustrer en disparaissant totalement de la scène pendant l'intégralité de "Networking". Placé en milieu de spectacle tel un climax concave, cet acte de courage et de fidélité paradoxale, mais avant tout de génie pur, pourrait faire de ses auteurs les annonciateurs d'une ère post-pop à venir. Difficile de prévoir avec exactitude ce que nous réserve The Knife. Mais si l'on suit la logique radicale de leur démarche, il se pourrait bien que l'on assiste à la disparition pure et simple, sublime, du groupe.

The Veils - Time Stays, We Go (2013)

noreply@blogger.com (Patrice Vibert) — Mon, 06 May 2013 21:01:00 +0000

Andrews Finn n'a plus à s'inquiéter du succès de son groupe The Veils. Avec leur quatrième album Time Stays, We Go, son groupe a gagné son ticket d'entrée pour n'importe quel Olympe de la musique qui pourrait exister. Entre l'Angleterre et la Nouvelle-Zélande, Andrew construit peu à peu avec The Veils son royaume musical. Et si le groupe ne produit pas à un rythme effréné, ce n'est aucunement un signe de paresse ou de maladie stérilisante. C'est au contraire parce qu' Andrew se donne le temps de trier toutes les compositions qu'il crée inlassablement entre chaque album comme ce fut à nouveau le cas entre Sun Gangs sorti en 2000.

Malgré ses qualités, Sun Gangs souffrait d'un manque d'unité, entre folk, pop, rock, la volonté d'explorer différents horizons réduisant la marque de The Veils à la seule voix d'Andrew. Rien de tel dans l'album que le groupe vient d'achever. La tonalité rock y est dominante, même si elle est ensuite constamment travaillée de l'intérieur par des rythmes folk, pop et même country. Cette corrosion interne n'est pourtant plus une dislocation de l'ensemble, mais une maturation, un enrichissement.

Difficile de décrire un tel album. La première écoute ne produit sans doute pas un choc inoubliable. On écoute l'album avec plaisir avant de passer à autre chose, peut-être même en fond sonore. Mais peu à peu, l'effet se produit. Time Stays, We Go raconte bien la victoire du passage du temps dans un rock intense, à la limite de la mélancolie, et surélevé par le chant mélodieux d'Andrew. Un rock issu du désert californien où a été enregistré l'album, et d'où il tire cette spiritualité des anciennes tribus indiennes.

"Through The Deep, Dark Wood" est le symbole de l'angoisse qui travers l'album. Avec "Dancing With The Tornado", c'est le morceau le plus énergique, peut-être le plus classique aussi, même s'il offre une pop-rock très efficace. Plus torturé, "Dancing With The Tornado" entre en résonance avec un autre chanteur issu des lointains espaces de l'Océanie, Nick Cave. Mais puisque notre parcours a déjà rompu avec l'ordre naturel des morceaux avec "Dancing With The Tornado", il est sans doute nécessaire d'évoquer ici "Turn From The Rain". Jouant à nouveau avec les éléments, laissant derrière elle la terreur précédente, cette ballade, telle une bulle sonore dans l'album avec "Another Night On Earth", donne un air de légéreté déconcertant.

Le reste de l'album : autant de réussites qui invitent aussi bien à la mélancolie qu'à la rêverie. Les morceaux créent un dialogue entre le rythme qui s'infiltre en nous à la façon d'une ritournelle et le chant d'Andrew. Que ce soit par le rythme produit par le jeu des percussions dans "Train With No Name" ou par la guitare acoustique dans "The Pearl", ils construisent un espace sacré pour laisser la voix dans une entière solitude ("Candy Apple Red") tout en possédant une richesse qu'une écoute répétée semble incapable de tarir.

En bref : Un des grands albums rock de l'année, qui sera sans doute trop méconnu car sans l'éclat, l'évidence capable de renverser les foules. Mais en échange nous y gagnons une pureté qui ravira les plus exigeants d'entre nous.

Site internet: The Veils

Local Natives - Hummingbird (2013)

noreply@blogger.com (Patrice Vibert) — Wed, 01 May 2013 10:46:00 +0000

Il y a de cela quatre ans, ces cinq californiens nous faisaient frémir avec Gorilla Manor où chaque titre se transformait avec jubilation en chant chorale, harmonie vocale qui reflétait parfaitement le collectif formé par ce groupe. Aucune hiérarchie dans la composition des chansons, aucun rôle fixe. L'objectif est d'en extraire un nectar fait de pop, de surf, de psyché. "Airplanes" fût l'un des joyaux minutieusement élaborés par ces geeks musicaux.

Ils ne sont plus que quatre, mais la pochette de l'album Hummingbird montre qu'ils sont restés fidèles à leur credo. Ils ont pris à nouveau leur temps, mais nous présentent un objet qui transcende sa fonction, qui a une valeur artistique, de la photo de la pochette à la présentation des paroles des chansons, un art visuel entre psychédélisme et réalisme.

"You & I" qui ouvre l'album nous donne immédiatement la tonalité de l'ensemble. L'accord subtil des voix et le jeu tout en douceur des percussions sont toujours aussi propices à la rêverie. Mais la pop insouciante de l'adolescence s'est mise en retrait. Les années ont passé. Si Gorilla Manor était un album printanier, Hummingbird est l'album d'une fin d'été. Un chant plus calme, plus mélancolique, s'est installé.

Cet apaisement est sans doute ce qui entraîne une certaine déception lors de la première écoute. Aucun titre ne crée une jubilation immédiate. Mais cles quatre californiens nous demandent de prendre autant de temps qu'ils en ont pris. Il faut savourer et apprendre à apprécier ces onze nouveaux titres.

La vague plus intériorisée qui traverse l'album ne se montre que peu après, dans le doux "Heavy Fleet" ou dans "Black Spot", titre stellaire, minimaliste, où les voix semblent perdues dans l'espace, avant de s'imposer dans les derniers morceaux. Le groupe y glisse un trésor vocal, "Colombia", pour lequel les instruments s'effacent quasiment pour se recueillir devant la pureté de ce chant.

Pourtant, sans qu'ils soient l'essentiel de ce deuxième opus, les titres pop n'ont pas été oubliés. Dans ces quelques titres dispersés on remarque quelques accents plus rocks, notamment dans "Black Ballons". Mais c'est une pop plus douce qui retiendra à nouveau notre attention, celle de "Cellings" qui flirte avec la ballade, et qui est sans doute une des réussites de l'album.

En bref : Hummingbird est un album de maturité, ou plutôt de maturation. Après l'insouciance de Gorilla Manor, ces californiens explorent avec succès des chants plus doux, invitant leur public à rêver avec eux.

Local Natives

Steve Mason - Monkey Minds In The Devil's Time (2013)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 23 Apr 2013 16:01:00 +0000

Autant dire que chez Dodb ,on suit la carrière de Steve Mason de près. Après avoir disséqué au possible les albums du Beta Band et plus récemment Boys Outside son premier effort solo (vous savez, cet album à pochette toute noire que personne ne remarque au milieu des autres), j'ai à nouveau quelque chose à me mettre sous la dent. Et comme l'Ecossais ne fait jamais les choses à moitié, le dit-album ne joue pas la carte de la frustration. Double vinyle 180g, gatefold de dingue, pochette et poster sur le thème du Jugement Dernier de Giotto Di Bondone, 20 titres au compteur, de quoi se retrousser les manches et plonger les yeux fermés et les oreilles ouvertes dans ce recueil de pop psychédélique, mais pas que.

Après la concentration micro sur les possibles problèmes mentaux de Mason sur Boys Outside, on passe ici à une échelle au-dessus, plus macro, très influencée politiquement, notamment par les récentes émeutes ayant eu lieu au Royaume-Uni. Mason n'y va pas par quatre chemins, il veut redonner le pouvoir au peuple ("Fight them back") et en finir avec la violence d'en haut ("More money more fire"). Pour ce faire il fait appel au producteur Dan Carey qui se chargera de produire les 9 "interludes" (si on peut les appeler ainsi) à Londres, ne se laissant qu'onze titres à réaliser en Ecosse. A l'écoute c'est plutôt fluide et le passage de l'un à l'autre ne se fait pas sentir.

Pour ce qui est de la musique à proprement parler Mason reste en terrain connu. On connait son penchant pour le dub ("The last of the heroes" et ses commentaires brésiliens sur une course d'Ayrton Senna), le hip-hop ("More money more fire" avec MC Mystro), le gospel ("Lonely", Wraygunn et Spiritualized ne sont pas bien loin) mais de manière générale on a droit à des morceaux pop hypnotiques et relaxants emmenés par la voix si caractéristique de Mason. C'est toujours très élégant et cotonneux ("A lot of love"), très groovy ("Seen it all before" et ses hand-clap très Motown), voire dansant ("Towers of love") et fait de collages à tout va (bruits de rue, d'oiseaux, extraits de documentaires...). Quoi qu'il en soit c'est excellent de bout en bout, tout simplement.

En bref : touffu et engagé, classique mais expérimental, le deuxième album solo de l'ancien meilleur groupe du monde n'en oublie jamais d'être mélodieux et parfaitement exécuté.

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David August - Times (2013)

noreply@blogger.com (Antoine) — Sat, 20 Apr 2013 16:45:00 +0000

2013, l'année des Grands Crus de l'électronique ? La question ne semble plus se poser. Après DJ Koze, ou dans un autre style Omar-S - et ce malgré ses détracteurs qui lui reprochent son style trop conventionnel, c'est au tour d'un quasi-inconnu de la scène hambourgeoise, David August, de nous sortir une nouvelle pépite. Plus précisément un LP, et d'une excellente qualité. Alors que je découvre sa musique avec ce nouvel album, je me rends compte qu'il a déjà sorti nombre d'EPs dont certains semblent avoir fait l'unanimité. Affilié à la maison de production Diynamic fondée par Solomun et Adriano Trolio, où l'on retrouve quelques pointures de l'électronique allemande Stimming, H.O.S.H, Isolée, Kollectiv Turmtrasse, ce jeune producteur âgé à peine d'une vingtaine d'années vient de prouver qu'il avait largement gagné sa place sur le terrain au côté de ses aînés. Au lieu d'invoquer le Génie, je préférerais évoquer une prédisposition et une aisance certaine à faire de la musique. J'ai d'ailleurs écouté cet album d'une traite et sans sauter de titres. Ce qui ne veut pas dire grand chose mais ce qui arrive plutôt rarement.

Times, donc, pour cette première transformation. David August semble énormément parler de lui dans les 14 titres qui composent cet album. Une production très personnelle, fragile et délicate, proche de la virtuosité d'un Nicolas Jaar qui avait défrayé la chronique quelques années plus tôt, à la personnalité musicale trouble semblable à celle d'un James Blake, moins orientée sur la dimension chantée - même si elle est présente. La surprise, qui n'en est plus vraiment une, c'est la grande maturité avec laquelle celui-ci compose. Une bonne dose d'assurance et de gravité dans le ton. La confiance et la rigueur d'écriture digne des plus expérimentés. Le constat est simple : il est difficile voire impossible de trouver la moindre erreur, faute ou rature sur cet album. Si le travail de production peut être utilisé en cache-misère, avec Times il ne fait que révéler toutes les subtilités des compositions. David August trace son chemin sans regarder à ses côtés. Bien loin des effets de modes, son premier album semble en dehors du temps, un peu isolé mais loin d'être sourd face aux évolutions qui agitent la musique.

Si ses débuts se rapprochent plus de la minimale allemande passe-partout, Times s'inscrit dans le cadre d'une house down-tempo léchée. "Help Me Through" a cette particularité de ne pas ouvrir l'album sur un coup de bluff. Un titre un peu désuet, tinté d'amertume, dont les claviers évoquent les standards de library des années 70-80'. Cette sensation - de décalage temporel - revient d'ailleurs tout au long de l'écoute. Un idéalisme rétroactif défraichi et légèrement grandiloquent comme sur "For Eternity" dont on perçoit à peine les paroles marmonnées. Une idée que continue de développer "Phenomena" avec ses accords de guitare et ses cuivres tout droit sortis d'un film avec Patrick Dewaere. La lourdeur des rythmes et les sons pleins sont encore d'autres caractéristiques que l'on retrouve par exemple sur "Anthem" ou encore "Until We Shine" avec la chanteuse Yvy en featuring. Pourtant, ce n'est pas cette pesanteur qui gène l'écoute. Le son, qui intègre de nombreux instruments comme les vents, cordes, cuivres et percussions, paraît contre toute attente léger et aérien. On peut encore citer "Blossom" et son piano qui donne envie de pousser les enceintes à leurs limites, comme pour accélérer la venue d'un printemps qui tarde à s'installer.

En bref : Loin de se perdre en contractions, David August livre un premier album surprenant de cohérence et de maturité tout en restant très accessible. L'avenir semble assuré pour l'électronique allemande.

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Temples - Rough Trade on Tour - Disquaire Day 2013

noreply@blogger.com (Bouddhanight) — Thu, 18 Apr 2013 10:06:00 +0000

Je tenais à vous parler d'un groupe encore vierge d'album mais pas de talent, Temples. En seulement quatre titres, les seuls disponibles à ce jour, on se dit que les deux petits gars aux manettes de cette pop psychédélique, ont puisé dans de naturelles influences, et ce jusque dans une temporalité pas si éloignée.

En effet dès les premières vocalises du juvénile chanteur apollinien de la formation, Tame Impala jaillit, de gré ou de force, mimant de manière troublante la voix de Kevin Parker, notamment sur "Shelter Song". Le prolongement avec la bande australienne ne s'arrête pas là, puisque la substance sonore délivrée par "Prims", "The Golden Throne", et "The Guesser", achève de refléter la comparaison avec le groupe de rock le plus innovant de 2012.

Difficile de passer après les australiens certes, mais Temples parvient à s'affirmer au travers d'une humeur psychédélique immédiate dans laquelle chaque instrument ravive les 60's. Aucune distorsion de guitare ne viendra ici déformer les courbes de la réalité, simplement un air de flute suffira pour s'enfuir vers de vertes contrées, où pieds nus nous avions l'habitude de léviter. Néo psychédélisme comme ils veulent bien nommer leur musique, Temples ne semble pas envisager de retour vers le futur.

Dans l'attente d'un album prévu cette année, ces jeunes londoniens seront en concert à la Maroquinerie ce samedi 20 avril accompagnés de Toy, dont le label commun Heavenly, participe au Rough Trade on Tour, à l'occasion du Disquaire Day. Vous voilà prévenus !

Le clip officiel "Shelter Song" :

Crime & The City Solution - American Twilight (2013)

noreply@blogger.com (Patrice Vibert) — Mon, 08 Apr 2013 17:10:00 +0000

Oui, American Twilight est le premier album de Crime & The City Solution depuis plus de 20 ans. Mais s'il s'agit bien d'une reformation (augmentée de Jim White et de David Eugene Edwards), le groupe de l'australien Simon Bonney ne nous avait jamais vraiment habitué à une existence continue. Après Sydney et Melbourne à la fin des années 70, et Berlin au milieu des années 80, la formation reprend du service maintenant à Détroit. Groupe par conséquent cosmopolite, Crime &The City Solution nous offre donc ici un crépuscule américain.

Ce retour était-il nécessaire ? Ou ce groupe issu de la scène post-punk n'aura-t-il pas succombé lui aussi à la mode des reformations ?

Dès l'écoute des huit titres proposés le verdict est sans faille. Cet album était nécessaire, aussi nécessaire que le nouveau Nick Cave. Et des titres comme le somptueux final "Streets Of West Menphis" ont une proximité des plus troublantes avec l'univers de ce compatriote de Simon Bonney.

Le ton est donc donné, il s'agira d'un rock à la fois tendu et raffiné, d'une musique sublimée par une voix maîtrisant toute sa puissance.

Une fois n'est pas coutume, partons de ce final pour parcourir l'album à l'envers. Nous arrivons alors au titre éponyme "American Twilight". Un titre inquiet, une véritable course où le chant semble se détacher régulièrement des instruments pour former un duo assez troublant.

En fait, l'étrangeté de ce titre est sans doute liée à sa place dans l'album. Placé dans la seconde partie, il est en contraste avec les autres titres de cette partie plus calme. Des titres plus sensibles, dans lesquels la voix de Simon Bonney transperce notre âme ("Beyond Good And Evil") ou se livre à un dialogue quasi amoureux avec un chœur ("Domina").

Il ne nous reste plus qu'à parler du début de l'album. Il paraît étonnant de ne pas encore l'avoir mentionné. En effet, dès les premières secondes le choc de "Goddess" est inoubliable. Telle une musique de western, le groupe se livre à une ruée sans concession, formant un mur sonore qui étouffe le chant.

Et finalement, c'est tout le paradoxe de l'album : ce passage si harmonieux entre une musique rock où prédomine la section rythmique pour laisser place au mouvement, à l'inquiétude et un chant à la profondeur si évocatrice, si propice aux émotions.

En bref: un retour très appréciable de ce groupe culte. Tel un bijou finement ciselé, l'album s'écoute sans ménagement, livrant à chaque fois tension et émoi du cœur.

Festival Vilette Sonique du 23 au 26 mai 2013

noreply@blogger.com (Ju) — Fri, 05 Apr 2013 12:17:00 +0000

La Villette Sonique vous savez c'est ce festival Parisien (19ème arr) qui marque en quelque sorte le début des beaux jours. Allez savoir pourquoi, il fait toujours un temps splendide cette semaine là. C'est donc l'occasion de profiter des concerts gratuits qui ont lieu sur les pelouses du Parc de la Villette (cette année entre autres : Chris Cohen, Dj Harvey, Swans ou encore Daphni) mais aussi de mettre la main à la poche et de se payer l'un des supers concerts "en intérieur" qui font aussi le festival. Ils ont lieu au Trabendo, à la Cité de la Musique, au Cabaret Sauvage, à la Grande Halle de la Villette ou encore au WIP.

Là encore la programmation est à la fois pointue mais accessible. Au menu vous pourrez assister aux performances de The Melvins, Zombie Zombie, Vatican Shadow, Philip Gorbachev, Matias Aguayo, Thee Oh Sees ou encore The Intelligence. Mais plus que toute autre jour, c'est le vendredi 24 mai que nous ne risquons pas de rater puisque la Grande Halle de la Villette accueillera une soirée chargée en psychédélisme avec un enchaînement Crane Angels, Unknown Mortal Orchestra et Flaming Lips. L'affiche parfaite à mes yeux. Nul doute que nous vous en ferons un report.

Le site officiel de la Villette Sonique, pour s'informer et réserver ses places

Molly Nilsson - live à l'Institut Suédois de Paris le 19/03/2013

noreply@blogger.com (Emmanuel) — Tue, 02 Apr 2013 14:59:00 +0000

Pour son ouverture, le festival Les Femmes s'en mêlent accueillaient dans le petit auditorium de l'Institut Suédois de Paris Molly Nilsson, berlinoise suédoise dont la discrétion reste inversement proportionnelle à la créativité. Je voue un culte étrange et secret à la pop synthétique lo-fi de Molly Nilsson. Et pourtant (…et pourtant ou... c'est pourquoi ? Entre les deux, l'auteur balance), j'ai toujours eu peur de la voir sur scène. Peur de voir ses petites pièces s'écrouler sur la pauvreté du dispositif physique, peur de voir la magie disparaître derrière l'apparat cheap de ses concerts. Parce que Molly Nilsson a toujours tout fait toute seule, et que la voir en concert, c'est voir une femme appuyer sur un bouton play et chanter par-dessus des morceaux entièrement pré-enregistrés, parfois même jusqu'aux parties vocales.

Mais très vite, ce qui pouvait apparaître comme une supercherie révèle en réalité toute la magie de la musique de Molly Nilsson, tant le dispositif minimaliste participe au final à la théâtralité de la performance. Et le contexte n'est pas étranger à la beauté de la scène. Tout se passera devant de grands rideaux noirs. Et pourtant, c'est sur le côté, par la petite porte fondue dans le décor, que Molly Nilsson, toute vêtue de noir, fait sa timide entrée. Après un court silence, elle se penche au-dessus d'une petite table, elle-même recouverte d'une grande nappe noire, et appuie sur un bouton qui lance les premières notes de la bien nommée "A Song they won't be playing on the radio" (Follow the light, 2010). C'est l'une de ses plus belles chansons, mais aussi celle qui présente l'une des plus longues introductions instrumentales, un beau moyen pour Molly Nilsson de poser dès le début les conditions de la jouissance du spectacle proposé.

En effet, que faire lorsqu'il n'y a pas de ligne de chant à interpréter, qu'il n'y a qu'à laisser les synthétiseurs virtuels se donner la réplique ? La chanteuse répond par l'attitude : à peine quelques pas de danse esquissés, les yeux baissés. Mais du reste, rien. Et le spectateur, d'emblée ému par le courage de la jeune chanteuse solitaire, ne peut qu'accepter la particularité formelle de la performance qui suit. Là où d'autres préfèrent faire semblant de jouer quelques notes de clavier, Molly Nilsson choisit d'être honnête dans sa démarche, et laisser la musique apparaître dans toute son immatérialité.

Par la suite, Molly Nilsson, entre deux interventions pince-sans-rire, interprétera principalement des extraits de son quatrième et dernier album History, sorti en décembre 2011, un disque où les amples ambitions se heurtent aux moyens limités, où la vision cosmique des grandes thématiques de l'Histoire récente se concentre à travers le prisme déformant des lentilles fendillées d'instruments de mesure cassés. Ces instruments, claviers mécaniques détraqués, sont invisibles. Ils sont tous contenus dans la boîte magique de la sombre diva. Ils donnent cependant l'illusion de jouer en coulisse, quelque part derrière ces grands rideaux noirs. C'est avec ce troublant jeu d’illusions que Molly Nilsson, dans ces moments d'attente, où, seule et muette, elle danse timidement derrière son micro, donne corps au pouvoir magique de sa musique, qui, en dépit de son intangibilité évidente, parvient à toucher son auditeur de manière puissante et profonde. L'illusion, le théâtre, la sombre chanteuse et les projecteurs aux couleurs primaires : l'analogie saute aux yeux. Nous voici plongés dans la célèbre scène du Silencio de Mulholland Drive. Ici, cependant, les sièges resteront immobiles. Mais nous n'en ressortirons pas moins secoués.

Crédit photo : Vinciane Verguethen pour Les Femmes s'en mêlent

Anal Cunt Celebration Day à l'International Records

noreply@blogger.com (Nickx) — Mon, 01 Apr 2013 08:47:00 +0000

A DODB, la musique est partout : dans nos quotidiens, nos étagères, nos enceintes et autres baladeurs. Sa présence exacerbée et la découverte par nos soins de toujours plus de styles et d'artistes importants chaque jour, fait que malheureusement nous ne sommes pas toujours en mesure de couvrir et relater les exploits discographiques de tous nos musiciens favoris.

Point de Fiery Furnaces, Bright Eyes par exemple, de Kinks ou de Pretty Things encore chroniqués en nos pages -ce qui ne saurait tarder - et ce sont autant d'omissions dont nous sommes conscients.

Voila qui nous amène à cette initiative originale que DODB se fera désormais fort d'honorer chaque mois : une journée entièrement consacrée à ces grands oubliés du blog - généralement artistes et groupes cultes - au sein même de votre disquaire préféré du 11ème arrondissement. Nous nous efforcerons ainsi de rattraper ce qui peut l'être en consacrant une sorte de tribute à un de ces injustement laissés pour compte ; une sorte de Record Store Day made in Babylone.

A tout saigneur tout honneur, l'équipe de DODB ouvrira les hostilités ce prochain vendredi 31 avril avec les inénarrables et néanmoins cruciaux Anal Cunt, combo que les plus acharnés fans de la scène hardcore américaine des 90's n'ont pas oublié malgré le décès de son légendaire frontman Seth Putnam.

Au programme donc de cette journée inédite, un certain nombre de manifestations, prestations, contests et débats, tous dédiés à la musicalité d'Anal Cunt. Sans dévoiler forcément le déroulé intégral de cet hommage mérité à l'un des grands groupes du siècle passé, nous sommes déjà en mesure de vous annoncer de très alléchantes initiatives.

HIPHOP, notre intello du blog et -sachons lui rendre justice- véritable initiateur du projet- viendra présenter son essai Anal Cunt, un groupe qui cunte au cours d'une séance de dédicaces où plusieurs des précieux ouvrages seront à gagner, ainsi que la réédition vinyle de luxe de l'incontournable I Like It When You Die (disponible au magasin), pour célébrer le 17ème anniversaire de la déjection de cet opus.

Est-il besoin de rappeler l'impact légendaire de I Like It...qui a sans doute eu sa part d'influence dans au hasard le J'irai Chier Dans Ton Vomi de Metal Urbain ?

Il est également question (sous réserve) de la participation exceptionnelle du sociologue Alex Crémant, qui viendra donner une lecture à vos oreilles ébahies et mettra ainsi en exergue la portée de textes aussi forts que peuvent l'être (en VF) "Ton Groupe Préféré est Supertramp", "T'es Pédé", "Ah, Ah, Ta Femme T'a Quitté", "Ton Môme Est Déformé" ou bien les incontournables "Tu Vends de L'eau de Cologne" et "Tu Es Vieux Va Te Faire Foutre."

Même s'il s'en défend il se pourrait que Ju apporte son ukulélé pour reproduire les solo d'une note de "Tu N'as Pas D'amis" et de "Tu Es Décorateur D'intérieur", Dave se fendant de la human beat box sur ces mêmes morceaux tandis qu'Emmanuel a promis de reproduire le chorus de maracas de "Il Faut Etre Une Tarlouze Pour Recycler".

Nous en arrivons à la partie contest qui intéressera le plus grand nombre des clients de l'International et des suiveurs de DODB. Une dégustation de bière tiède où il sera possible d'apporter son vomi, tiendra lieu de fil conducteur à la journée.

Un concours de rots destiné à reproduire le chant guttural de Seth Putnam aura probablement lieu en début de soirée, avant que cerise sur le gâteau un grand concours de mosh pit (moches et pitres sont requis) n'ait lieu - pour ce faire nous continuerons les hostilités en face, dans le sous-sol de l'International - avec en point d'orgue pour les moshers la reproduction à l'identique du jeu de scène de Seth Putnam, dévoilé à 8:12 du concert légendaire retransmis plus bas, avec possibilité de remporter le DVD remasterisé ainsi qu'un bol de glaires.

Enfin, tout à mon précipitation, j'allais oublier l'incontournable concours de bites usagées, préambule à la soirée.

Les prix décernés -outre le vinyle anniversaire spécialement dédicacé par le cul du chanteur- seront les suivants :

- le parfum Anal Flavour (Odeur de Cul NDLR) créé par le batteur d'Anal Cunt, Stephan Aisselle.

- le slip et le bermuda portés par le guitariste lors du concert présenté ci-dessous.

- une méthode "Guitare Pour Les Nuls" avec toutes les tablatures de I Like It When You Die.

- un jeu interactif avec manette-micro en forme de sguègue pour reproduire le karaoké de l'album.

- une lunettes de chiottes reproduisant les visuels d' I Like It....

- un guide de l' émasculation ou la technique du coinçage du testicule dans le zip, pour reproduire à la perfection la logorrhée de Seth Putman.

- les dédicaces à la pisse de tous les membres du groupe sur un bronze numéroté et en série limitée.

Pour finir, et pour donner leur chance à tous les fans qui ne pourraient se rendre à cette mémorable soirée, vous pouvez remporter une série collector de médiators en crottes de nez,éventuellement assortis des balais en poils de culs du batteur, en répondant à la question suivante :

Quel est le champ lexical de cette chronique ?

(envoyer vos réponses à Miqueline qui transmettra)

Pour la bonne bouche, l'écoute intégrale de l'album révéré :

Ainsi que le concert légendaire avec figure acrobatique à reproduire à 8:12 :

Rhye - Woman (2013)

noreply@blogger.com (Bouddhanight) — Tue, 26 Mar 2013 19:13:00 +0000

Dans le creux d'une hanche la musique de Rhye semble s'écouler, glissante sur la peau, Woman ne se lasse pas d'exhiber une sensualité à fleur de peau, promesse de caresses auditives pour le moins troublantes. Ou quand la musique parvient à se dénuder de la sorte, il devient difficile de résister à ses charmes.

Incandescente énergie, fulgurance spasmique qui courbe les reins, il est rare d'atteindre un tel degré de sensualité sur un disque. Saisissante par son onde charnelle c'est en premier lieu la voix qui trouble. D'un écho voluptueux, sa torride douceur cotonne l'oreille dans un havre de paix permanent. D'une beauté immaculée, l'amplitude de la corde vocale de Mike Milosh parait enveloppée d'un voile de soie, prisme par lequel elle acquiert ce timbre dépoussiéré de toute impureté. Toujours en retenue, le chant androgynique de cet ancien vocaliste susurre ses mots comme des invitations à l'oubli et la torpeur.

Ou lorsque la chaleur s'empare de tous vos membres, ralentissant moindre faits et gestes, le meilleur moyen de lui résister est de lui succomber, "One of Those Summer Days". Epris par cette réalité épicurienne, les sens s'émoustillent sur le romantisme épuré de "The Fall". La température monte encore d'un cran sur le parfait "Hunger", dont l'humeur disco funk risque de produire bien des déhanchés.

Et lorsque ce voyage vers Venus s'achève, la raison ne peut que s'incliner devant "Woman", hymne à la femme, spatial et déliquescent. Si votre coeur n'a pas encore failli, repartez pour une "Last Dance", slow taillé sur mesure, parfum aux effluves indécentes, qui assouvira ce qu'il vous reste encore de libido.

En Bref : Il est fort probable que ce premier disque du duo californien Rhye connaisse fortune dans les temps à venir. Son humeur mélodique parfaite, subtile mélange de musique disco soul nappée de funk, alliée à une corde vocale suspendue par les astres, font de Woman, un délice que le corps ne saurait refuser.

Le clip officiel "Open" :

Atoms For Peace - Amok (2013)

noreply@blogger.com (Bouddhanight) — Fri, 22 Mar 2013 15:12:00 +0000

Amok définit le premier véritable album du groupe Atoms For Peace, formé naguère en 2009 durant la tournée de concerts accompagnant le projet solo de Thom Yorke, The Eraser. Plus que la réunion d'artistes ayant collaboré avec bon nombre de groupes emblématiques issus de ces 25 dernières années, des Red Hot Chili Peppers à R.E.M, Atoms For Peace traduit l'expression d'un esprit qui n'a eu de cesse de repousser le champs de son expression musicale, et ce, depuis un certain Ok Computer paru il y a quinze ans… Car avant d'être un disque estampillé Atoms For Peace, Amok doit se comprendre comme le prolongement d'une pulsion chronophage, émergée des entrailles du leader de Radiohead, dont l'appétit musical semble décidément insatiable.

Aux premières écoutes du disque, la palpabilité d'avoir le nouveau Radiohead entre ces tympans est saisissante. Transitions des rythmes affirmées par un jeu de bass à l'amplitude généreuse, cadences des rythmes distillés par des beats électroniques aux spectres sonores étoffés, participent à la réminiscence de certaines compositions "radiohediennes". Impossible alors de décrocher du mouvement de la basse de "Stuck Together Pieces" sans repenser au swing de "Little By Little" (The King Of Limbs). De même lorsque les beats écrasants de "Dropped" ravivent ceux ressentis sur "All I Need" (In Rainbows), on ne peut que ressentir tout le travail fournit par Thom Yorke avec Radiohead dans la chair de cet album. L'interpénétration entre les deux groupes étant d'autant plus probante, que certains morceaux du dernier album de Radiohead ("Lotus Flower"), ont été élaborés au préalable via les sessions live du groupe Atoms For Peace alors en état de gestation.

Il est évident que le fantôme de la bande d'Oxford plane sur ce disque, mais à fortiori, Amok offre une nouvelle palette sonore, certes de couleurs connues, mais dont le mélange réussit à révéler des tons aux teintes saisissantes. "Reverse Running" et "Amok" distinguent ainsi toute la verve de Yorke pour ne pas s'incliner devant des horizons majestueux mais devenus trop communs. Cette aversion palpable sur tous les autres albums de Radiohead est également présente sur ce disque, poussant celui ci dans une spirale indéfinissable, tourbillon sonore qui atomise tout contour devenu trop régulier. Certes les morceaux répondent à des structures répétées et déterminées, mais ces dernières implosent régulièrement, pressées par une polyphonie générée crescendo.

Le courant électronique parcourant le disque conduit ce dernier dans une sorte de frénésie rythmique, un biais non étranger aux dernières aspirations de Thom Yorke pour des Dj Set épaulé par sa fidèle ombre, Nigel Godrich. Une certaine humeur pour la danse, où les membres frémissent dans des spasmes compulsifs, attitude traduite en ce sens depuis les lives de Radiohead période Kid A, où le corps de Yorke se mis à dessiner une chorégraphie chamanique, possédé par un esprit voulant s'affranchir des limites du corps qui l'emprisonne. Frénétique la musique d'Atoms For Peace l'est, et les morceaux présents sur ce Amok ne cessent de porter le disque dans un élan continu, riche de surprises auditives ô combien enthousiasmantes !

En bref : Oeuvre posthume à Radiohead ou geste artistique nécessaire au génie créatif de Thom Yorke, Amok affirme et confirme une liberté esthétique qui fait du bien aux oreilles. Directe et compulsive, la musique délivrée par Atoms For Peace frappe là où çà fait mal, jouant sur une production sonore élaborée (merci Godrich), à l'appui d'une électronique qui ne renie pas l'instrumental. Pour ce dernier je retournerai cependant aux derniers échos "guitaresques" de "Separator", que seule l'alchimie de Radiohead est encore capable de produire.

Le clip officiel "Ingenue" :

Songs: Ohia - Lioness (2000)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 19 Mar 2013 17:38:00 +0000

Jason Molina (1973-2013)

Quand la nouvelle est tombée hier après-midi je n’y ai pas cru. Jason Molina n’est plus. J’ai ressenti la même sensation qu’avec Vic Chesnutt ou Sparklehorse il y a peu. Ces "meilleurs" qui partent les premiers et qui nous laissent en héritage des disques à se repasser en boucle pour ne pas oublier. Là encore on pouvait s’y attendre. En 2011 sortait ce communiqué : sujet à l’alcoolisme, Jason Molina devait suivre un traitement médical que son absence d’assurance maladie (USA ce doux pays) lui empêchait de suivre. Son label de toujours, Secretly Canadian, et quelques fans ont mis la main à la poche. Ca n’a pas suffit et retiré dans une ferme en Virginie Occidentale, Molina s’est éteint sans atteindre la barre des 40 ans.

Durant sa carrière le natif de l’Ohio n’a pas chômé. 10 albums sous le nom de Songs: Ohia, 5 sous Magnolia Electric Co, 3 sous son vrai nom. De quoi se rattraper pour qui ne connaitrait pas l’homme et voudrait le découvrir. Si personnellement Magnolia Electric Co (l’album à la chouette) est celui que j’ai le plus écouté, mon deuxième choix se porte définitivement sur ce Lioness de l’année 2000. Epuré au possible, intense et mélancolique, ce disque est la représentation musicale de la tristesse. A la limite du voyeurisme, Jason Molina réduit l’instrumentation à son minimum vital et chante de sa voix si lasse des textes qui arrachent le cœur.

C’est un disque court (39 minutes, 39 ans, coïncidence ? Je ne crois pas) composé de 9 chansons. Enregistré en Ecosse, il voit la participation de membres d’Arab Strap et Appendix Out. Ce sont principalement des ballades folk à la guitare acoustique. La rythmique est squelettique, un mellotron bienvenue s’incruste parfois à la fête. "Less is more" pour ainsi dire. Le chef d’œuvre du disque : "Lioness". Qui ne ressent rien pendant ce morceau n’a pas de cœur. Le son est clair, chaud et ne peut que prendre aux tripes. Et puis il y a "Tigress", "Being in love", "Just a spark" et les autres. Autant de compagnons sur la route du désespoir.

En bref : une descente aux enfers en neuf mouvements par l’un des plus grands artistes folk de ces dix dernières années. La tristesse et la beauté à l’état pur. A écouter pour vérifier si l’on est encore humain.

Acheter Songs: Ohia - Lioness en vinyle chez L'International Records

The Road Becomes What You Leave, un documentaire de Todd Chandler sur une tournée canadienne de Magnolia Electric Co. tour of Canada :

The Road Becomes What You Leave from Todd Chandler on Vimeo.

Don Cavalli - Temperamental (2013)

noreply@blogger.com (Patrice Vibert) — Sat, 16 Mar 2013 12:54:00 +0000

Cinq ans, c'est long pour sortir son second album. Surtout après Cryland, un premier disque d'une grande qualité encensé par les critiques. Cinq ans, c'est court quand on a la vie devant soi. Et qu'on veut élaborer un Temperamental dont on peut être fier.

Tempérament et mental, tempéramental. Un mot-valise qui résume l'art de Don Cavalli. Un blanc qui cultive un goût explicite pour la musique noire. Du gospel au blues et au funk, mais la liste ne s'arrête pas là, Don Cavalli rassemble les genres, les rassemble pour créer le sien, un genre-valise en fin de compte.

Tempérament et mental. Ils en faut pour faire un tel album. Un album intelligent, qui passe subtilement d'un style musical à un autre, mais qui n'a pas honte d'être accessible, de jouer autant sur la vie du corps que sur la sensiblerie.

"Temperamental", titre éponyme de l'album, ouvre avec un funk endiablé. Une énergie que Don Cavalli dispersera comme un feu d'artifices dans des titres cinématographiques ("Garden Of Love") ou dans un blues mêlé à une pointe d'humour ("Me and My Baby"). Après ce premier tour de chauffe, Don Cavalli peut revenir avec des titres plus posés. Retour au funk ("Santa Rita"), à du rythm'n blues qui s'allie parfaitement à sa voix. La force de cet album, c'est aussi une réalisation qui livre un son rustique, venant tout droit des vinyles des années 50. Et c'est avec un réel plaisir que blues, country et autres musiques noires viennent se mêler dans l'univers de ce blanc. "Birthday Suit" est sans doute le titre culminant de cette mise en scène, un country où Don Cavalli s'amuse à jouer une musique d'un saloon de western.

Mais les deux derniers titres ne sont pas en reste. Don Cavalli alors accueille cette autre voix blanche qui ne peut être qu'une réincarnation des premières chanteuses de gospel, Rosemary de Moriarty, pour une murder song ("Say Little Girl") magnifiée. Après un tel duo, Don Cavalli se prête à une dernière danse ("Row My Boat"), signe que la légèreté est bien le leitmotiv de l'album.

En bref: un album intelligent et léger à la fois. Don Cavalli revisite l'histoire de la musique noire avec un réel plaisir de jouer sur ces différents rythmes, sans vraiment réussir à unifier tout cet ensemble.

Baby Guru - Pieces (2013)

noreply@blogger.com (Patrice Vibert) — Wed, 13 Mar 2013 12:08:00 +0000

Si le psychédélisme a une affinité évidente avec l'ivresse, il était naturel pour lui de trouver un terrain d'accueil des plus fertiles sur le sol grec. Terre du dieu Dionysos, ce pays est des plus propices pour les mélanges musicaux les plus inouïs comme ceux expérimentés par le jeune groupe Baby Guru. Après trois ans d'existence, ce trio athénien sort un second album en cultivant un héritage issu autant du groupe Can que de Syd Barrett. Les puristes du psychédélisme seront sans doute déçus à l'écoute de l'album, des sonorités rock ou afro bouleversant en effet les lois du genre. Les autres ? Ils s'enivreront au gré de leur fantaisie dans chacun des treize morceaux de l'album.

Les Baby Guru sont pressés, c'est ce que suggère immédiatement le rythme de leur premier titre "Necessary Voodoo" et son air légèrement jazzy. C'est le ton plus calme du psyché "For Naked Sun" qui marque alors la véritable entrée dans l'album. Pieces : un opus entre empressement, douceur et expérimentation. La vague psyché trouvera alors sa place jusqu'à se mêler à des rythmes africains dans "Amaye". Entre temps, "The Things You Do" donnera un des titres les plus mélodieux de cette séquence.

"Dolomite Jollity" marque un tournant dans cette marche forcée des Baby Guru. Mêlant des sonorités rock et d'autres plus électro, il recrée à lui seul un univers onirique, univers dont on se réveille péniblement dans l'angoissant "The Letter". Mais il fallait passer par cette dimension plus sombre pour accéder à la seconde partie de l'album. Baby Guru nous offre alors des titres éclatants, grâce aux percussions dans "The Letter (reprise)", par les vocalises de "For Trish" et la mélodie rêveuse de "Last Summer". Trois titres lumineux avant la fin solaire de l'ensemble formé par "Cyclamen Persicum" et "Bog". Ces deux morceaux nous livrent un son psyché de plus en plus énigmatique, tourmenté. Avec un tel final impossible à écouter d'une oreille distraite, Baby Guru montrent qu'ils maîtrisent déjà l'art de jouer sur le clavier de nos émotions.

En bref : une musique psychédélique qui, loin de s'enfermer sur elle-même, se propage dans des directions multiples. De l'angoisse à la joie, les Baby Guru cherchent peu à peu leur voie dans ce second album.

Acheter Baby Guru - Pieces en vinyle à L'International Records

Soundcloud de Baby Guru

The Greg Foat Group - Girl And Robot With Flowers (2012)

noreply@blogger.com (HIPHOP) — Mon, 11 Mar 2013 13:55:00 +0000

Pour tous ceux qui réduisent le jazz au bebop ! Des noirs s'emparant des instruments de fanfare abandonnés par les armées sudistes, Greg Foat reprend le geste, et s'empare de son Hammond et des BO groovy françaises à la Georges Garvarentz, Jean Pierre Mirouze et compagnie, avec un zeste de SF et de space music, s'il vous plaît. Greg Foat appartient bien au champ jazzistique, pour reprendre la formule rigoureuse d'Alexandre Pierrepont, famille "musiques improvisées".

Anglais londonien, originaire de l'île de Wight, Greg Foat cultive une certaine distance vis-à-vis du modèle américain, tout style confondu, que ce soit le néo bop, ou le post free passionant de la scène "Downtown" New-Yorkaise, où s'hybrident librement Ornette Coleman et Sonic Youth, musique Klezmer, hardcore japonais et noise rock.

Pour l'essentiel de ce deuxième LP, Foat part d'un thème qu'il reprend d'une BO (d'ailleurs géniale) de Michel Legrand, The Thomas Crown affair, en extrait quatre notes étirées, qui forment la trame harmonique de toutes les improvisations. A travers six variations numérotées, sont explorées les richesses harmoniques de ce thème, avec mise en place à chaque fois d'un groove et d'un tempo différents. C'est bien ce plaisir de la sonorité et de la surprise qu'on retrouve sur ces six variations, où l'on passe d'une trompette languide dans les mediums à un vibraphone sautillant, d'une basse électrique claquante à un Hammond trépidant.

On trouvera aussi deux autres variations dans un registre "Space music" : "Have spacesuit will travel", qui nous font traverser mille galaxies au rythme de boucles arpégées qui feraient vibrer un Etienne Jaumet ou un Sun Ra (sur leur "rocket number 9", of course). "Nous venons de nulle part, pourquoi n'irions nous pas ailleurs", disait Sun Ra. L'île de Wight, c'est un peu nul part, non ?

Foat aime quand même l'épure acoustique, avec ce premier morceau d'une beauté désarmante : "For a breath I Tarry", pour quartet piano-basse-batterie-trompette. Ou avec ce blues lent et raffiné, "Blues for Lila", où l'on entend l'influence du maître vénéré de notre homme, Gordon Beck, et son jeu debussyen. Debussy have the blues !

En Bref : Une excellente galette pour emmerder votre vieil oncle un peu réac qui a une idée très arrêtée de l'essence éternelle du jazz. Une grande variété de timbres et beaucoup d'espace pour l'improvisation.

Bizarrerie éditoriale chez Jazzman records : pour se procurer l'intégralité des titres il faut acheter un LP et un EP. So british !

Pour la référence :

Et pour le plaisir :

S3A (Sampling As An Art) – Holdin’ On EP (2012)

noreply@blogger.com (Antoine) — Wed, 06 Mar 2013 17:57:00 +0000

Je me demande comment j'ai pu passer à côté. S3A (Sampling As An Art) est pourtant le genre de projets pour lesquels mes alarmes se mettent à fonctionner dans l'instant. C'est vrai, il est encore question d'une énième dernière trouvaille électronique. Mais cette actualité a la qualité d'être à la fois très parcellaire et très rapide, il est alors assez courant de se laisser dépasser par les événements. Max Fader est dans le genre plutôt isolé. Ce producteur parisien ne semble affilié à aucun groupe et se fait plutôt rare en live. Ce qui est étonnant, c'est qu'il a pu se constituer dans son coin un petit arsenal de destruction massive. Des tubes qui pourraient bien avoir une puissance de feu fictionnelle équivalente au .44 Magnum de l'Inspecteur "Dirty Harry" Callahan… Musicalement parlant, s'entend.

Un rapide retour dans sa discographie naissante suffit à s'en convaincre. Avec "Eva Ep", sorti l'année dernière sur Hold Youth, ce premier maxi préfigurait les événements à venir. Quatre titres comme autant de détonations qui provoqueraient un mouvement de panique généralisée s'ils étaient lâchés sur la piste. Il ne serait cependant pas juste d'avancer que le parisien est incapable de toute finesse. Fader a développé un sens aigu du groove vitaminé et déploie tous les moyens en sa possession pour arriver à cette fin. Des titres comme "Deep Mood Act. 1" ou "Four Chapter Song" devraient aussi réussir à vous convaincre de privilégier une écoute au casque, diminuant ainsi le risque de se retrouver confronté à la visite aimable et opportune de votre voisinage. S3A renoue avec les échos de la French Touch, proche de celui de St Germain et de Cassius. Une dose d'insouciance et fraicheur qui va se retrouver au tout au long de ses productions.

C'est donc une session de rattrapage avec avec cette production pour l'écurie 4 Lux Black, propriété hollandaise de Gert-Jan Bij, plus connus sous son alias Gerd. Ce maxi a les qualités et le savoir-faire de son concepteur. Le groove est d'abord imparable. Le style, de la house comme une combinaison savante entre le funk, le disco et l'électronique. Une chimie suffisamment puissante pour rendre accro après utilisation. "For The Gilrz" inaugure le bal. Du rythme, de la nonchalance, du clap, Fader découpe dans les meilleurs étoffes sonores. C'est un son plein et chaleureux que l'on retrouve sur chacun des titres. C'est aussi la fraicheur de "Hommage", tube disco/house qui survole littéralement l'Ep, dont l'apex tous cuivres déployés est des plus mémorables. "Tryin' Hard" ajoute une touche finale de consistance à l'enregistrement.

En bref : S3A pourrait bien aider à redorer les belles lettres de la deep-house à la française. On ne peut que s'en réjouir.

Nosaj Thing - Home (2013)

noreply@blogger.com (Bouddhanight) — Mon, 04 Mar 2013 17:34:00 +0000

Avec Home, Jason Chung, le producteur californien de musique électronique et initiateur du projet Nosaj Thing, signe son deuxième album, quatre années après la parution de Drift. Un second essai qui tente de cristalliser moultes aspirations toujours aussi alambiquées, portant la bulle d'un artiste à la surface de cet océan sans fond, que représente la musique électronique expérimentale. Habitué aux collaborations prestigieuses et aux remix tout azimut (Flying Lotus, Daedelus, Radiohead) le californien daigne donc se lancer dans la construction d'un album. Un exercice qui stipule généralement des règles strictes pour que l'élaboration de fragments musicaux perdus çà et là, puissent se joindre et faire sens. Une opération pas si évidente, pour un esprit fertile et pourtant rompu à ladite production musicale.

Au travers de ses 11 pistes, Home réussit le pari d'amener l'auditeur dans un voyage aux frontières insondables et dont la cohérence générale ne peut qu'être honorée. A cet effet Home ne manque pas d'identité, mais il lui arrive au demeurant, de s'égarer dans des nappes sonores enveloppées d'une certaine litanie, évitant de peu le piège de la répétition. C'est dès lors que le bas blesse après plusieurs écoutes de ce disque. En effet certaines compositions ne sont clairement présentes que par une volonté de donner du liant à un univers qui au final n'en manque pas, certes. Mais à défaut de prendre des risques pouvant précipiter le schisme esthétique entre telles et telles pistes, la musique de Jason Chung peine par moment à se montrer véritablement surprenante.

Une première fausse note qui comme une lame de fond, reste latente tout au long de l'album, et qui à terme laisse quelques regrets quant au potentiel de certaines compositions. Heureusement le travail effectué sur l'arrangement du son témoigne d'un grand savoir faire, et constitue l'atout majeur de cette création. Frémir sur une lente progression commandée par des rythmiques dissonantes dont l'alchimie ne laisse guère de place au hasard, "Snap", suffit à faire émerger l'oreille de sa torpeur, induite il est vrai par l'humeur cotonneuse du disque.

En effet les premières notes de Home définissent une ambiance qui tend inexorablement vers une promiscuité avec l'oreille de l'auditeur, de part qu'écouter ce disque autrement qu'au casque, ne pourrait révéler que partiellement la multitude de détails constituant la polyphonie des morceaux. En outre le mixage sonore effectué sur l'ensemble du disque revendique une sensation proche du confinement, tel qu'on pourrait l'envisager à bord d'un submersible parcourant les abysses. Ainsi le titre "Distance" se charge de nous emmener dans des profondeurs sources d'une ivresse inattendue, en s'appuyant sur une basse dévastatrice, dont la profondeur achève ce qu'il reste de raison.

A l'instar de Drift il faudra creuser l'écoute des morceaux pour que se révèle le nacre de certains arrangements. Bien que la présence du Eclipse/Blue portée par la voie plaintive de Kazu Makino des Blonde Redhead, marque instantanément par sa puissance rythmique, dopée par l'impulsion d'un beat minimal et crucial à l'élan dévastateur. D'un featuring à un autre Toro y Moi s'invite également à la fête en accompagnant de sa voix fuyante la lente remontée de cette plongée en eaux troubles dont l'esprit semble s'être suffisamment enivré et c'est bien là l'essentiel.

En bref : un deuxième disque au final moins barré que son prédécesseur mais qui s'en démarque aussi grâce à une emprunte musicale différente, dont la tonalité apparait plus apaisée. On regrettera malgré quelques instants de grâce, une prise de risque parfois bridée par l'envie de créer un objet trop structuré, à qui il manque au final, cette once de folie, capable de transgresser le beau pour le sublime.

Le clip "Eclipse/Blue" :

Daniel Darc - Nijinsky (1994)

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 01 Mar 2013 15:24:00 +0000

1959-2013

La nouvelle est tombée hier, sèche et brutale à la faveur d'un tweet : Daniel Rozoum, avait finalement rompu face à celle qui lui faisait regretter dans la tendre 'Les Voeux de Bonne Année" de son ultime album (La Taille de mon Âme - 2011), que ses amis étaient chaque année moins nombreux à fêter.

Notre homme qui semblait à nouveau avoir le vent en poupe suite aux éloges ayant fait suite à son dernier brelan d'albums, et qui souhaitait à présent rattraper "le temps perdu par ces fichues années de dope", espérant se montrer enfin plus prolifique à l'image de ses héros Bob Dylan, Johnny Cash et Neil Young, qui n'avait sorti que 6 albums solo en quelque 25 ans, avait fini par être rattrapé par ses vieux démons, et avait été retrouvé mort à son domicile.

La démise de Daniel Darc est un choc pour les gens de ma génération, et bien plus encore. Reviennent moult souvenirs : les années Taxi Girl bien sûr, ce mythique concert du Palace en première partie des Talking Heads, où Daniel s'était tailladé les veines avec un cutter, traumatisant un public qu'il souhaitait voir sortir de sa torpeur, celui de ce petit bonhomme (il était vraiment minuscule) les bras noircis de tatouages qui avait ravi l'audience du Poste à Galène en ce soir de printemps 2004 (ou était-ce 2005 ?) - pour la tournée de Crèvecoeur, cet artiste dont l'humilité et la culture étaient invariablement proportionnels à la morgue destroy qu'il affichait volontiers en interview ("Iggy est une star, je suis une star, les gens le savent, les autres le sauront").

Point de namedropping envahissant où de prétention dans les actes pour ce dandy qui savait se révéler passionnant en interview (conversation fleuve avec les Inrocks en 89, moult entretiens chez Rock&Folk, et récemment une confession magnifique dans les pages de Mojo), se montrer un chroniqueur prolifique et inspiré (ses géniaux portraits dans l'ancienne revue Best de personnalités qu'il adorait dont Coltrane) ; ses mots à la fois simples et touchants distillés dans une poésie accessible à tous nous, manqueront à n'en pas douter bien plus que ceux ineptes d'un Jean-Jacques Goldman.

Ami des musiciens nationaux qui comptent ou ont compté (Christophe, Bashung), Darc avait connu une carrière solo plus qu'erratique, née d'après lui sur une face B de Taxi Girl (l'émouvant "Je suis Déjà Parti"), puis lors d'un premier album Sous Influence Divine (88), d'un joli disque à quatre mains avec Bill Pritchard (Parce Que) : et avait pour les raisons déjà évoquées connu une grande traversée du désert ponctuées de quelques collaborations (Diabologum, Daho, Alizée) jusqu'à la révélation protestante, cette foi qui allait allier le mysticisme (comme Dylan et Cash avant lui d'ailleurs) au bonheur d'une créativité retrouvée (Crevecoeur - 2004), de collaborations quelque peu décevantes avec Bashung et Robert Wyatt pour Amours Suprêmes (hommage à qui vous savez en 2008), et La Taille de moi Ame qui le voyait il y a deux ans, agenouillé extatique sur un autel.

Presque rien jusqu'à cette ultime salve si ce n'est Nijinsky paru dix ans plus tôt, album à la pochette magnifique qui le dépeint assez bien "clown de dieu" funambule et hébété ; il ne ferait jamais mieux que cette superbe collection de chansons. Où déjà il pose les bases de ce qui deviendra sa marque de fabrique : une instrumentation dépouillée, l'usage d'un harmonica devenu son instrument fétiche, de la pop à guitares virant peu à peu vers une chanson à la Bashung, recueillie, usage des cordes, folk musique limite concrète en ce qu'elle renierait bientôt tous les canons de la mélodie, en dehors des simples ("Nijinsky", "La Pluie Qui Tombe", "Je Me Souviens, Je me Rappelle", "J'irai Au Paradis", "C'est Moi le Printemps").

Sur ce 3ème long format, la vraie personnalité de Darc affleure et donne un sens à son oeuvre future, qui privilégiera l'épure confinant parfois à l'ascèse, la sécheresse. Ce même dénuement qui avait fait tant regretter à Daniel qui ne chantait parfois plus que dans un souffle (sans doute l'inspiration Gainsbourgienne) la production parfois luxuriante des claviers sur certains des (meilleurs) disques de Taxi Girl.

Mais un dénominateur commun dans tous ces titres, dont chaque premier vers pourrait tenir lieu d'épitaphe : une poésie à fleur de peau qui atteint son sommet dans des morceaux plus cabarets ou intimistes tels "Le Feu Follet", "Haute Surveillance" ou le magnifique "Il y a Des Moments".

Darc qui préparait son autobiographie, avait encore beaucoup de belles choses à délivrer ; pour notre malheur, la Faucheuse en a décidé autrement.

En bref : album d'une première renaissance artisque, Nijinsky marque les vraies débuts de la personnalité musicale de Daniel Darc. Et offre au détour de mots simples et touchants de superbes et dépouillées compositions qui seront désormais sa marque de fabrique.

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"Sur La Route"

"Il y a Des moments"

"Haute Surveillance"

Rodriguez - Cold Fact (1970)

noreply@blogger.com (Nickx) — Wed, 27 Feb 2013 18:29:00 +0000

A moins de vivre sur une île déserte, d'être sourd ou malentendant ou d'avoir migré avant l'heure en terres stellaires, vous avez forcément entendu parler de Sixto Diaz Rodriguez. En effet un film où l'intéressé tient son propre rôle lui a été consacré en 2012, et l'homme a depuis quitté cette lose persistante qui comme pour nombre de ses semblables folkeux semblait le poursuivre invariablement depuis des décennies.

L'artiste a enregistré deux Zénith et une Cigale archi bourrés à son nom, tout un chacun rend hommage à son savoir-faire dont le monde, c'est égal, a failli être privé ; un nouvel et 3ème album est d'ores et déjà annoncé.

A l'arrivée, les bras nous en tombent ! Car on est ici en présence d'un chanteur/auteur/compositeur digne de figurer au Panthéon du genre ; un de ces artistes maudits dont l'intelligentsia ne s'était plus entichée depuis .....Nick Drake, pas moins ! A cette différence appréciable que Rodriguez est vivant lui, et qu'il aura eu le temps de tirer les marrons du feu, pérennisant son oeuvre et vivant en temps réels les hommages dus à son rang et à son incommensurable talent.

On parle d'un type au timbre de voix exceptionnellement juste, mi sardonique, mi chevrotant, d'un auteur aussi brillant que Dylan ou Fred Neil, dont il semble a posteriori comme l'idéal pendant chicano, d'un compositeur inouï (là, mettez tous les génies du siècle passé qui vous viennent à l'esprit et dont nous relatons souvent les exploits ici), d'un arrangeur stupéfiant - il faut écouter ces techniques de studio beatlesiennes utilisées sur "Sugar Man"- bref d'un artiste indispensable.

Les pamphlets abondent : "Inner Ciry Blues", "This is Not a Song, this is an Outburst", "Rich Folks Hoax" (sublime titre), la satire sociale se veut vindicative (le furieux et saturé "Only Good for Conversation") ; la gent féminine des classes aisées en prend pour son grade ("Like Janis" avec la meilleure phrase de Cold Fact : and don't try to enchant me with your manner of dress /'Cos a monkey in silk is a monkey no less).
Tandis que "Sugar Man" qui ouvre le disque et donne son titre au film-révélation est une ode au camé attendant le dealer.

Floué par son pays d'origine où il est si difficile d'être prophète, ainsi que par un promoteur véreux ne jugeant pas utile de lui dire qu'il avait vendu des disques par camions en Afrique du Sud, Rodriguez avait poursuivi un itinéraire de protest singer très engagé dans l'hémisphère sud, avant de raccrocher les crampons. Et peut-être bien que tel l'héritier d'un Woody Guthrie, si sa guitare n'avait pas permis de tuer des fascistes, elle avait peut-être contribué à sa façon à la fin de l'Apartheid.

Il était donc juste révoltant qu'un artiste aussi essentiel ne fasse une fois de plus parler de lui qu'une fois disparu.

Un an après Cold Fact, Rodriguez sortirait encore un chef d'oeuvre, Coming from Reality (71), dans l'indifférence générale ; mais il était écrit que pour une fois l'histoire serait belle et que le génie serait reconnu à temps.

Qu'importe finalement si le 3ème album venait tel ceux de Bill Fay ou Nick Garrie, autres revenants, à nous laisser sur notre faim ; l'essentiel n'a-t-il pas déjà été écrit ?

En bref : un très grand disque d'un égal de Dylan ou d'un Fred Neil ; des mélodies et des textes à tomber et à faire tomber toutes les inconséquences. Interprétées, chantées et arrangées par un orfèvre ; j'en jette encore ?

le site

"Sugar Man" :

"Only Good for Conversation":

DJ Koze - Amygdala (2013)

noreply@blogger.com (Antoine) — Tue, 26 Feb 2013 20:25:00 +0000

Alors que le rythme des sorties s'accélère, le denier Lp de DJ Koze s'impose déjà comme l'un des poids lourds de ce début d'année. Pour les lecteurs réguliers de Dodb, le pseudonyme de ce producteur allemand ne leur est pas totalement étranger. On se souvient de la chronique de l'excellent Reincarnation, cette compilation de ses meilleurs remixes, ou encore de ses nombreux autres maxis. Stefan Kozalla, de son nom, a en effet largement contribué à insuffler un peu de nouveauté, de fraicheur et d'invention à la scène électronique allemande qui ne cessait de se retourner sur les succès qui ont contribué à ses lauriers. Si la recherche et l'expérimentation sonore s'inscrivent parmi les maîtres-mots du producteur, ce dernier a eu le génie d'ajouter une forte dimension ludique à ses productions. Lorsqu'il compose, Stefan Kozalla s'amuse. Et cela se ressent. Et s'il n'évacue pas totalement une certaine gravité et hauteur conceptuelle liée à cette recherche et à la construction de ses morceaux, le producteur a également appris à ne pas se prendre trop au sérieux. Une qualité, on en conviendra, qui n'est pas à la portée de tout-un-chacun.

Pour cette nouvelle galette, DJ Koze a donc choisi de se réincarner en moujik casqué des temps modernes, chevauchant un cerf, planté devant un décors aussi bucolique que psychédélique… L'humour n'est jamais absent de son univers. Tout comme les nombreuses personnalités qui participent à l'élaboration de cet album. De Caribou à Matthew Dear en passant par Apparat, chacun des titres chantés dispose de son invité. Amygdala, le nom de l'album, ne semble d'ailleurs pas le résultat d'un heureux hasard. Cette partie complexe du cerveau est impliquée dans les réponses comportementales et végétatives associées en particulier dans la peur et l'anxiété. Une thèse que les noms choisis pour les morceaux semblent confirmer ("Homesick", "Don't Lose Your Mind"…). Si l'angoisse semble être le moteur de cet album, Koze a choisi de l'exprimer musicalement, par des sons mais également au moyen de paroles chantées en anglais et en allemand. Un processus d'expression des plus communs s'il n'avait pas en plus ce génie de la création.

Huit ans après son dernier long format, Kosi Comes Around, sorti sur Kompakt en 2005, c'est sur Pampa qu'est édité Amygdala. Cette petite maison fondée par Kozalla lui-même et Markus Fink est reconnue pour héberger les productions d'autres poids lourds de l'électronique allemande tels Isolée et le très recommandable Robag Wruhme. On ne sera alors qu'à moitié étonné de la qualité, de la finesse et de la diversité des productions que nous réserve cet album. Le titre d'ouverture "Track ID Anyone ?" avec Caribou en featuring, fait référence à cette question récurrente que l'on retrouve dans les commentaires de vidéos et dans les forums. Elle intègre, comme dans de nombreuses productions Koze, des éléments sonores hétéroclites. Des marmonnements à peine perceptibles, bruits de cloches et un voix féminine vocodée qui annonce : "We need to beat, we need to sleep and we need music".

Dans les nuages, ce "Nices Wölkchen". Koze semble survoler le monde qui l'entoure. Un effet augmenté par la voix planante et indolente de Sascha Ring AKA Apparat. Un vol en plané que prolonge "Royal Asscher Cut", l'un des quatre titres strictement instrumentaux qui composent l'album. La première grosse impression vient avec "Magical Boy" interprété par Matthew Dear. Du concentré de Koze. Une subtilité et une élégance dans la production qu'il est un des rares à savoir reproduire. Malgré son beat tellurique légèrement étouffé, le morceau ne tarde pas à intégrer des cordes éparses et harmonieuse auxquelles viennent s'ajouter une voix douce et féminine. C'est alors qu'interviennent des cuivres déchirés, légèrement dissonants, ainsi que la voix bien reconnaissable de Dear, dont le traitement ne fait qu'augmenter son effet tragique et bouleversant.

Si l'on arrive généralement à déterminer comment un morceau commence, le travail devient plus difficile lorsqu'il s'agit de savoir quels chemins Koze choisira d'emprunter. C'est une sorte de hors-piste auquel nous invite "Das Wort" interprété par Dirk Von Lowtzow, le chanteur et guitariste du super-groupe allemand Tocotronic. Alors que celui-ci commence à chanter en allemand, un couplet de la chanson se retrouve quant à lui interprété en anglais… Le traitement électronique des voix est une constante que l'on retrouve tout au long de l'album. Sur "Homesick", c'est la chanteuse Ada qui s'y colle sur un rythme légèrement hip-hop. Il devient difficile d'intégrer dans la description l'ensemble des éléments sonores divers et variés qui composent les titres. Ceux-ci sont truffés de trouvailles inventives et ludiques aussi bien au niveau instrumental que dans les rythmes et les tempos qui semblent évoluer au fur et à mesure de l'écoute, la rendant ainsi captivante. On peut également citer la reprise de "Ich Schreib’ Dir Ein Buch", titre de 1975 de la chanteuse allemande Hildegard Knef, qui confond par sa dimension à la fois foutraque et maîtrisée.

En bref : avec Amygdala, Koze ne se contente pas seulement de sortir un nouveau disque mais contribue certainement à écrire une nouvelle page de la musique électronique en 2013. Rien que ça. Magique.

Acheter Amygdala en vinyle chez L'International Records

Yo La Tengo - Fade (2013)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 26 Feb 2013 20:01:00 +0000

Yo La Tengo c’est la famille. C’est le groupe dont on n’attend plus grand-chose mais qui continue de nous surprendre. C’est surtout le musée vivant de l’indie rock 90’s. Qui peut aujourd’hui se targuer d’afficher plus de 25 ans de carrière au compteur sans la moindre vague, le moindre split, le moindre come-back ? Eux sont toujours là, et il ne semble s’être écoulé qu’une seconde depuis 2009 et le dernier album en date, Popular Songs, d’ailleurs excellent. Aujourd’hui c’est Fade qui sort, 15ème (?) album du groupe, et il sera dur de trouver quelqu’un pour en dire du mal.

Il faut dire que le consensus autour de Yo La Tengo est assez impressionnant. On en parle sans vraiment connaître, et tout le monde s’accorde à dire qu’ils sont simplement cools (comment ne pas l’être avec un nom qui commence par "Yo" ?). Pour ce qui est de ce nouveau disque, il est coutume de dire qu’il est plus calme, plus apaisé que par le passsé. C’est vrai en partie, mais même si l’on ne retrouve pas la fièvre électrique d’un "And the glitter is gone", il reste quelques titres à distorsion tels que le noisy pop "Paddle forward" ou encore "Ohm" la ballade sans refrain qui ouvre le disque.

Pour le reste c’est vrai on touche plutôt à la douceur et à la mélancolie. En témoigne "Is that enough" en forme de profession de foi. Il y a des violons, ça groove et Ira Kaplan et Georgia Hubley se renvoient la balle au chant. Idem sur "Well you better", ivre de simplicité, qui serait un tube pour n’importe quel autre groupe. Sans distorsion aucune, enlevé, breaké, ça déroule sans accrocs.

Ce ne serait rien sans le morceau de bravoure kraut pop "Stupid things", central sur le disque, qui pue la sagesse et l’invincibilité ou encore les plus folk et dépouillés "I’ll be around" et "Two trains", en mode down-tempo assumé. 10 titres, 46 minutes, et on termine par un "Before we run" aux allures d’au revoir, avec cuivres et violons, triomphant juste comme il faut, sans en faire trop.

En bref : sans rien avoir à prouver, le trio d’Hoboken livre une fois de plus un disque parfait mais dispensable, en dehors du temps et des modes, intime et raffiné.

Acheter Fade en vinyle chez L'International Records
Le site officiel

"Ohm" :