Des oreilles dans babylone

Checkers - Leisure Sports Ep (2012)

noreply@blogger.com (Ju) — Mon, 28 May 2012 14:42:00 +0000

C’est au jeune label américain Dirty/Clean que l’on doit la découverte de cet artiste en provenance de Denver. James Whitney de son vrai nom fait donc de son premier Ep la quatrième sortie du label désormais ancré dans une dynamique électronique two-step. Et les quatre titres (dont un remix) de cet Ep digital only sentent bon le sable chaud façon sieste sous le cocotier. L’ambiance est on ne peut plus lazy et la production sonore luxuriante. La pochette tout comme le titre ne sont d’ailleurs pas sans rappeler le récent effort de Washed Out.

On n’en sait par contre pas beaucoup plus sur la personnalité de Whitney. On se doute que sa formation en piano classique et jazz a du contribuer au bien nommé "Jazzercise". On sait aussi qu’il tente ici un savant mélange entre dubstep et chillwave. Et ça marche souvent, le tout sans aucune voix et à l’aide de percussions somme toute assez délicates. Apparemment le jeune homme aurait également une bonne trentaine de titres cachés dans sa manche qui laisseraient augurer un prochain long format à paraître.

En bref : premier Ep dubstep instrumental bien sympathique, sunny et presque jazzy.

A lire aussi : Floating Points - Shadows EP (2011)

Le Bandcamp

&amp;lt;a href="http://checkers.bandcamp.com/album/leisure-sports-ep"&amp;gt;Leisure Sports EP by checkers&amp;lt;/a&amp;gt;

Alt-J - An Awesome Wave (2012)

noreply@blogger.com (Thomas S.) — Sat, 26 May 2012 08:00:00 +0000

Ça a commencé en catimini. Trois singles glissés sur la toile puis quelques concerts remarqués, notamment au Midi Festival, et, avant même l’annonce d’un premier Lp, la musique du quatuor de Leeds ralliait déjà une ribambelle de fans à sa cause. Il faut dire que Alt-J crée la surprise, déjà par le choix de son nom en forme de raccourci clavier (alt+j = ∆, sur mac), mais surtout grâce à une musique quasi indéfinissable. On pourrait penser à Vampire Weekend et Wild Beast pour l’exotisme, Devendra Banhart pour le timbre de voix dans ses notes les plus basses, Radiohead pour le côté introspectif et audacieux, mais chaque influence se télescope au fil des écoutes pour finalement dévoiler un son complètement original : une folk-pop soyeuse, teintée d'électro (folktronica leur conviendrait bien). Basse, guitare, clavier, batterie se combinent avec une légèreté stupéfiante, enchaînant breaks et fill-ins sans jamais sonner foutraque. Par dessus tout, il y a la voix douce et rugueuse de Joe Newman, aux accents proches du hip-hop, qui oscille entre a cappella et leads envoutants sur les passages cotonneux. La guitare, très légère sur l’ensemble, intervient souvent pour des gimmicks savoureux sans excès ni fioritures.

Rien ne paraît superflu sur ces 13 titres dont la clarté du mixage révèle plusieurs pépites stéréo au casque : panoramiques de guitare, nappes de synthé et quelques samples disséminés çà et là. Les quatre anglais au look de geek/hipster semblent avoir longuement mûri leur son jusque dans le choix d’une batterie sans cymbales, à laquelle se greffent plusieurs bongos. Ils ont aussi admirablement réussi à tenir la bride aux effets (réverb et autres écrans de fumée) sans pour autant perdre en intensité, bien au contraire. "Something good" est d’une légèreté enivrante avec ses chœurs radioheadiens et ses rythmes chaloupés. "Bloodflood" captive par sa ligne de basse intrigante, presque solennelle. "Ms" est littéralement à pleurer. Une telle légèreté est surréaliste. Impossible de ne pas succomber à son xylophone sautillant, sa pulsation cardiaque, ses basses rondes et son final en chœurs éthérés et guitares virevoltantes.

Et pourtant, sous des tendances perfectionnistes voire intellos, la musique de Alt-J n’en demeure pas moins instinctive. "Fitzpleasure" déborde d’énergie tribale avec ses basses synthétiques saturées, ses puissantes descentes d’accord et ses breaks math-pop. C’est une véritable séance d’incantation qui invoque le spectre des new-yorkais d'Akron/Family. Même constat avec "Breezeblocks", parfaite musique d’ambiance pour s'adonner à la danse du feu. D'autres titres comme "Dissolve me" et "Taro" sont portés par des mélodies folkloriques mixées à la sauce pop. Ainsi, de sommets presque liturgiques en instants de grâce, se déroule la musique du quatuor sur ces 13 pistes (+ 1 piste cachée) tout en nuances et clairs-obscurs.

En bref : un album remarquable, d’une sagacité ahurissante pour un coup d’envoi. On pense inévitablement aux écossais excentriques de Django Django, quatuor également auteur d'un premier album de 13 pistes en 2012 (étrange, non ?)

Le clip de "Breezeblocks" :

L'album en entier :

VA - Personal Space : Electronic Soul 1974-1984 (2012)

noreply@blogger.com (Dave) — Fri, 25 May 2012 10:09:00 +0000

L’émergence des synthétiseurs et des boîtes à rythmes bon marché, qui a si profondément chamboulé le punk et la musique britannique en général en installant la culture du Do It Yourself, n’a pas épargné la soul et le funk. On sait comment Sly Stone, Shuggie Otis et bien d’autres ont intégré avec succès ces nouveaux outils à leurs productions, au début des 70s. On connaît moins ceux qui, dans leur sillage, enregistraient sur des 4 pistes dans le secret de leurs chambres à coucher, de leurs caves ou de leurs cuisines, un peu partout sur le sol américain. Sorti par Chocolate Industries et Numero Group, Personal Space : Electronic Soul présente le travail de certains de ces illuminés plus ou moins anonymes qui tentaient, avec un matos des plus rudimentaires, de reproduire les orchestrations des grands noms de l’époque ou traçaient, qu’ils en soient conscients ou non, de nouvelles voies pour la musique électronique. Une partie du plaisir que procure cette compilation provient d’ailleurs de l’écart entre ce qu’ils voulaient probablement produire et le résultat final.

"I finally found the love", de Jerry Green (dont la voix ressemble à celle de Cee-Lo Green), en est un bon exemple. Ce qui était pensé comme une chanson d’amour poignante est finalement devenu, par la grâce de claviers un peu trop cosmiques et d’un beat métallique presque brutal, un ovni complet sonnant parfois comme de l’électro à la Herbie Hancock. Idem pour la voix de Deborah Washington (la femme du bluesman Albert Washington) sur "Shortest Lady", tellement distante et empêtrée dans son écho qu’on ne peut décemment pas penser qu’il s’agit d’un effet volontaire.

Le plus souvent, ces approximations et erreurs de production confèrent un caractère mystique à ces compositions. Il arrive aussi qu’elles les rendent quasi-inaudibles, comme c’est le cas de "Bleeding Wound", de The New Year, un blues trippé où une voix criarde et saturée de reverb hurle "Ecstasy !" A l’opposé, certains morceaux sont d’un dépouillement total, certainement dû à des limitations techniques, mais qui leur donne une grande modernité et un côté très chill, à l’image des premier et dernier titres, "Excerpts From Autumn" de Jeff Phelps et "Time To Go Home" d’Otis G. Johnson, dont l’ambiance rappelle les géniaux XL-30 et Pling ! de Shuggie Otis, justement datés de 1974.

L’intérêt d’une bonne moitié des 17 plages dépasse donc la simple curiosité et le témoignage historique. Entre les odyssées spatiales surchargées de synthés de Guitar Red et Starship Commander Woo Woo, l’incroyable "Money" de Spontaneous Overthrow, malsaine à souhait, et "It’s All Over" de T. Dyson & Company qui sonne comme du Funkadelic lo-fi, on tient là une belle collection de titres bancals, maladroits, sans grande homogénéité, mais sacrément barrés et appréciables.

Sélectionnée par Dante Carfagna, DJ, critique (pour Wax Poetics notamment) et archiviste à l’origine d’autres compiles (Midwest Funk, Chains & Black Exhaust…), Personal Space s’adresse avant tout aux curieux et aux crate diggers, déjà familiers avec les travaux des grands noms de la soul et du funk, et qui souhaitent aller plus loin dans leur connaissance de la black music. Le disque comblera aussi les amateurs de disco cosmique et baléarique, de minimal wave, les fans du Prince des eighties, et plus généralement tous ceux pour qui l’étrangeté est un critère décisif en matière de musique.

En bref : une passionnante - bien qu’inégale - collection de curiosités soul conçues par des anonymes américains au moment où l’usage des machines se démocratisait, permettant à n’importe qui de se rêver en Shuggie Otis ou Sly Stone.

Les sites des labels Chocolate Industries et Numero Group

Spontaneous Overthrow – Money.mp3

Magnetix - Drogue électrique (2012)

noreply@blogger.com (HIPHOP) — Wed, 23 May 2012 10:17:00 +0000

Supplément d'âme à l'indispensable dernier album, ce petit 45 tours ravira les fans de Magnetix, meilleur groupe garage de Bordeaux du monde, selon la formule consacrée à Dodb. Pour ceux qui ne connaissent pas encore, Magnetix c'est un trash garage qui met au jour des capacités d'abrasion insoupçonnées chez une guitare ou une voix humaine, en lorgnant de temps en temps du côté des Cramps et de Morricone. Et en plus, ils savent écrire des chansons. Au menu de notre en-cas, une pochette marrante, où nos deux musicos frisent visiblement l'overdose de substance électrique, et trois titres à écouter sans réserve.

On retrouvera "Drogue électrique" et "Spider in the corner", présents sur l'album, mais dans des versions comment dire... plus différentes. L'apocalypse visiblement a eu lieu, et les Magnetix nous envoie, du fin fond de leur bunker, un son caverneux et étouffé du plus bel effet. Du swamp garage en quelque sorte. Intermèdes de guitare et bidouillages sonores fignolent l'atmosphère post-apocalyptique. Et oui, Magnetix est le seul groupe de garage au monde qui soit capable de parler, l'air de rien, et sous des dehors SF inoffensifs, de ce qui nous pend à la gueule.

Un inédit aussi : "Faster than a rat". 1mn30 pour un morceau speedé à la Ramones, avec texte rigolo et petit refrain crétin minimal. Autant en rire, puisque c'est vrai qu'on aura intérêt, un jour ou l'autre, à courir plus vite que les rats.

En bref : deux des meilleurs titres du dernier album de Magnetix, réenregistrés au fond d'une caverne. Plus une déconnante punk. L'objet ultime du moment.

Si tu veux acheter ce disque (pas cher!) : Shit in Can Records

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Half Moon Run + Monogrenade + Chelsea Wolfe - Concert au 106 de Rouen le 20/05/12

noreply@blogger.com (trebiv) — Wed, 23 May 2012 10:01:00 +0000

Un mois après Zola Jésus Le 106 de Rouen accueillait le 5 mai une autre prêtresse de la nébuleuse dark avec Chelsea Wolfe et son univers musical à la croisée du rock, folk, blues et bien sûr le post-rock gothique. Etonemment, elle fût précédée par deux groupes canadiens, Half Moon Run ( indie-folk) et Monogrenade ( pop-rock), venant d'univers musicaux très différents. En fait, les spectateurs ont pu avoir l'impression d'assister à deux concerts, les deux premiers groupes formant un premier bloc autonome.

Originaire du Canada et répétant à Montréal, Half Moon Run présente une folk puisant aussi dans des influences indies et psychés et soutenue par la remarquable voix de Devon Portielje (accompagné de Conner Molander à la guitare et clavier et de Dylan Philips à la batterie et clavier). Ce trio entame une tournée en Europe pour la sortie de leur premier album Dark Eyes (Indica Records) et a effectué un set de dix titres d'une grande qualité.

Dès le premier, "21 Gun Salute", les nappes psychés enveloppent la voix de Devon comme dans les grands moments de Radiohead. Cette vague musicale revient au milieu du set avec "Need It" et "Drug You" après avoir laissé place à une vague plus rock-indie avec des titres comme "Call me in the afternoon" et l'envoûtant "She wants to know" qui prépare la vague la plus émouvante qui nous sera donnée par ses jeunes musiciens avec une folk qui culmine dans "Give Up", un dernier titre qui permettra de se souvenir pour longtemps de cette voix sortie du nord canadien.

Après cette perle musicale, un autre groupe canadien, Monogrenade, monte sur scène avec un son plus pop-rock et présente aussi son premier album Tantale, sorti en 2011. "La marge" qui commence le set met en valeur l'alliance entre instruments classiques (violoncelle, violons) et instruments rock, le chanteur au clavier servant ainsi de parfait point d'équilibre. Le groupe varie à plaisir ces deux aspects, alternant entre un registre très pop avec "M'en aller" et "Obsolète" et un autre plus folk avec "L'araignée". C'est sans doute le second qui réussit le plus à Monogrenade en plaçant au premier plan la voix de Jean-Michel Pigeon et ses textes chantés en français, réussite qui clôt leur concert avec "Ce soir", titre superbement mis en images avec un clip réalisé en stop-motion.

Avec derrière elle deux albums, The Grime And The Glow et Apokalypsis, Chelsea Wolfe s'est créée une place bien à elle. Accompagnée de trois musiciens habillés en noir qui livrent un rock expérimental, elle contraste avec eux à la fois par la blancheur de sa peau et de sa tenue et sa dark-folk qui en fait l'exploratrice du continent négatif de la folk. Ce mélange ne pouvait qu'être l'occasion d'un élan de fascination chez tous les amateurs de cette musique dark. Dans une grande communion avec son public, Chelsea Wolfe donne ainsi le meilleur de ses deux albums et de son univers sombre. Univers pourtant musicalement complexe et ouvert à de multiples influences, du trip-hop de Portishead dans "Mer", à un rock expérimental dur ou une folk plus douce dans le majesteu final de "Halfsleeper".

Comparable en cela à Zola Jésus, on ne peut sortir que bouleversé d'un tel concert, un concert qui ne s'adresse pas simplement à nos oreilles, mais à l'ensemble de notre corps, à ce qu'il y a de plus mystique en nous. Après une révélation musicale et ce moment quasi-religieux, l'ensemble disparate de ce concert a donc été finalement d'une richesse inattendue.

Site du 106 de Rouen

Photos du concert de Half Moon Run

Soundcloud de l'album Dark Eyes de Half Moon Run

Photos du concert de Monogrenade
Site de Monogrenade

Photos de Chelsea Wolfe
Site de Chelsea Wolfe

Renart - Petits Charmes Ep (2012)

noreply@blogger.com (Ju) — Fri, 18 May 2012 15:45:00 +0000

Troisième sortie chez le petit label parisien Cracki Records, Petits Charmes n’a de petit que le nom. J’ai été immédiatement happé par cette électronique quasiment deep qui au casque apporte des plaisirs insoupçonnés. Ne connaissant pas les premières sorties de l’animal (chez Dawn Records), je ne constaterai pas d’évolution notable mais les différents communiqués de presse s’accordent à dire que sa musique a perdu en puissance ce qu’elle a gagné en intensité. En tous cas cet Ep (digital only pour le moment, en vinyle cet automne si tout va bien), tout en émotions, devrait vous faire bien voyager.

Le disque se termine sur "Conte d’été" qui délicatement s’égare comme une comptine (une voix d’enfant s’occupe d’ailleurs du chant) au pouvoir onirique certain. C’est volontairement introspectif, très organique dans le ressenti général, et d’une évidence mélodique admirable. "Au matin, la mort de l’astre" est l’un des gros tracks de cet Ep. Un gros kick, des nappes vaporeuses, des sons qui sortent de partout et nulle part, puis la basse qui débarque et qui nous embarque.

"Petits charmes" est encore plus tech-house. Les grincheux penseront au parfois lourd berlinois Paul Kalkbrenner, mais la profondeur du son rend le morceau extrêmement atmosphérique. Et chaud surtout. Une impression de soleil se dégage en effet de ce disque plutôt optimiste je trouve. Le morceau se trouve complété d’une version "poème" pour neuf minutes passionnantes qui font redécouvrir le premier morceau.

En bref : grosse surprise du jeune lillois Renart qui livre un bien bel Ep d’électronique deep et soyeuse.

Le site de Cracki Records

L’Ep en écoute intégrale :

Santana - Welcome (1973)

noreply@blogger.com (bouddhanight) — Tue, 15 May 2012 14:03:00 +0000

Considéré comme l'un des disques les plus expérimentaux de Santana, Welcome se démarque de la titanesque discographie du groupe (plus d'une trentaine d'albums), en proposant un melting-pot musical portant la marque d'un genre initié entre autre par Miles Davis et Franck Zappa, le Jazz fusion. Plus qu'un disque, Welcome est un vestige du temps, qui fossilise au travers de ces 9 pistes un paysage musical aux horizons multiples, témoignage intemporel d'une époque totalement folle. Rock, jazz, samba, soul, funk, autant de styles qui s'entrechoquent dans un univers sonore aux limites sans cesse repoussées.

De son ouverture jusqu'à sa conclusion, Welcome surprend et suspend, plongeant l'oreille dans une ivresse musicale dionysiaque. Premier écho cosmique de l'album, "Going Home" et son électronique liturgique, grésille dans un concert de cymbales, sublimé par la sonorité mystique d'une guitare électrique dissonante. Transcendantal...

Cette inauguration, préambule d'un trip vers une autre dimension, inaugure avec grâce un cheminement toujours incertain dans son dénouement. De l'amour du jazz il est ici question mais pas seulement... Difficile d'apposer une étiquette sur ce disque tant ses résonances sont issues d'univers musicaux différents. En leur approche les titres répondent du jazz, de cette manière de perdre le fil pour mieux le retrouver, tout en mêlant des styles bien hétérogènes. Santana s'amuse ainsi avec nos tympans, en traversant un répertoire musical qui laisse pantois.

D'une piste à l'autre, la surprise est toujours au rendez-vous. De la pop-soul de "Love, Devotion, and Surrender" à la Samba du titre éponyme "Samba de Sausalito", les virages pris à 180 degrés sont légion mais jamais indigestes... La preuve avec "When I look into your eyes" et ses lignes de guitares tourbillonnantes répondant à des percussions soumises çà et là au sifflement d'une flûte enchanteresse, pour enfin exploser dans un épectase électronique, incongru mais absolu.

Le cirque continue, démesure et grandiloquence au programme, se profile l'endiablant "Mother Africa". Hymne à la vie bondissant et entêtant, qui émoustille les sens de part sa rythmique infernale, soutenue par l'ange Michael Shrieve, reconnu à jamais lors du fameux Woodstock de 1969 pour son dantesque solo de batterie sur "Soul Sacrifice".

De notre mère africaine et universelle fait suite "Light of life", petit bijoux de funk aux élans lyriques porté au firmament par la profondeur de l'arpège déstructurée inhérent à la guitare de Carlos Santana. Une guitare qui nous ensorcelle à nouveau durant les onze minutes de "Flame Sky", tornade musicale qui compose à l'improviste des gammes atemporelles, suspendues quelque part dans les nues. Enfin Alice Coltrane, veuve en cette période du mythique saxophoniste, s'invite sur la dernière piste "Welcome", distillant au piano une cascade de notes qui ruissellent sur notre chair, encore frissonnante de plaisir...

En bref : album à l'ambition artistique démesurée, expérimental et inclassable, célébrant la rencontre du jazz et du rock en s'appuyant sur un parterre d'instrument vertigineux, Santana s'affirma avec ce Welcome comme un groupe majeur de la scène musicale des 70's.

En écoute sur Deezer

TV Girl - The Wild, The Innocent, The TV Shuffle (2012)

noreply@blogger.com (Ju) — Fri, 11 May 2012 15:36:00 +0000

A coup sûr l’un des prochains chouchous des hipsters, le duo californien TV Girl vient de sortir un joli coup avec ce premier long format ironiquement annoncé comme étant une mixtape et non un album. La raison à cela : même si les 15 compositions sont originales, on trouve une infinité (86 apparemment) de samples pas tous identifiables sur cet objet musical résolument moderne bien que profondément rétro. Du coup pour des histoires de droits, il se retrouve intégralement et gratuitement disponible via Stereogum en digital, et automatiquement exclu du réseau de distribution physique. Et pour faire court, The Wild, The Innocent, The TV Shuffle s’impose directement comme la soundtrack incontournable de vote été.

Trung Ngo et Brad Petering en provenance de San Diego ont donc choisi la télévision comme symbole de bruit permanent, de zapping compulsif et de mash-up des genres. Tout l’album peut ainsi être représenté par les paroles du titre "TV in the bedroom", à savoir "I don’t know what’s real or dream". Grâce à leur Rolland SP-404 les TV Boy plutôt que Girl se jouent de nous en balançant entre doo-wop, chill-wave, girls-band et vintage-pop. En soi ça n’est pas très original, les Morning Benders fraichement renommés Pop Etc nous avaient fait le même coup l’an dernier avec un effet Phil Spector allié à des mélodies catchy, mais il faut avouer qu’ici de très nombreux titres fonctionnent à merveille.

Au registre des réussites on pourra citer "It evaporates", "Loud and clear" ou le déjà archi diffusé "I wonder who she’s kissing now". Produit par une moitié de Das Racist, cet OMNI ne manque pas de fun. En effet dans le .zip on peu trouver un petit livret .pdf de cahier de vacances sauce indie, avec par exemple un labyrinthe où il faut essayer de sortir sans avoir à payer la SACEM. Parfait pour la plage, TV Girl remonte le temps et parle d’amours de jeunesse, au second degré évidemment.

En bref : un album/mixtape accessible et créatif où se retrouvent samplés sweet-pop et autres sonorités vintage et funky.

Le Bandcamp avec l’album en écoute intégrale

Télécharger l’album grâce à Stereogum

Télécharger les 2 premiers Ep

ITV Video - Franklin par Tomas Dutter (2012)

noreply@blogger.com (Ju) — Fri, 11 May 2012 12:52:00 +0000

Nos amis de chez Boum! Bang! ont récemment mis en ligne grâce au réalisateur TomaDutter un très intéressant interview du musicien, producteur et label manager Franck Rabeyrolles alias Franklin. On y découvre un personnage inhabituel dans le paysage sonore français, avec une démarche artistique pour le moins originale et pertinente. A voir et faire tourner sans modération !

Une interview Boum! Bang! réalisée par Toma Dutter

Image et montage: Toma Dutter et Charlotte Buisson-Tissot

Musiques: "Eggs not Eggs", "The invisible paradigm of dance", "Cold tropic" by Franck Rabeyrolles

Images d'archives : Prelinger Archives

Dr John - Locked Down (2012)

noreply@blogger.com (Ju) — Thu, 10 May 2012 17:08:00 +0000

Pas plus docteur que vous et moi, Malcolm John Mac Rebennack de son vrai nom fait pourtant partie de la légende. Celle de la Nouvelle Orléans plus exactement, mais aussi celle du bayou, du vaudou et du blues rock. On lui doit entre dizaines d’autres le fameux album Gris Gris de 1968 et sa pochette déjà bien estampillée. Rappelé au micro et au piano (Farfisa) par le désormais incontournable Dan Auerbach, le serpent des marécages parait plus en forme que jamais, servi par des musiciens triés sur le volet.

Tout semble donc aujourd’hui permis au producteur et guitariste des Black Keys. Comme rassembler dans un même studio de Nashville Lean Michels (Lee Fields, Charles Bradley), Nick Movshon (Charles Bradley, Sharon Jones), les sœurs McCrary et j’en passe. L’ambiance de l’enregistrement (que l’on peut entrapercevoir sur le teaser vidéo de l’album) semblait idéale à tel point que la légende veut qu’ils aient mis en boîte les treize titres en treize jours, écrivant la musique avant les paroles.

Et à 71 ans le Doc semble encore avoir des choses à susurrer. Témoin d’un nouveau souffle dépoussiérant, il revisite sur ce disque une variété de styles qui va du funk au gospel, avec un groove constant et de vrais soli de guitare marqués du sceau des années 70. En plus de ça on retrouve sur Locked Down un bon paquet de tubes instantanés, les funky "Gateway" et "Evolution" en tête de gondole. Mais Dr John n’oublie pas d’aller rendre hommage au continent africain avec "You lie" et "Ice age".

De soul il est aussi question sur le magnifique "My children, my angels" et sur "Kingdom of Izzness" qui évoquera à tout un chacun le Marvin Gaye des 60’s. Ajoutez à ça les chœurs gospel de "Big shot" et le funk vaudou de "Eleggua" et la coupe est pleine. Qu’on l’apprécie ou non pour son côté faiseur de tubes, force et de constater que Dan Auerbach a offert ici à Dr John l’un de ses plus beaux disques.

En bref : la résurrection d’une légende du blues funky par un producteur à qui plus rien ne fait peur. Et l’un des disques les plus enivrants de cette année pour tout amateur de musique.

Le site officiel (?)

The Burrell Brothers - The Nu Groove Years 1988-1992 (2012)

noreply@blogger.com (Dave) — Thu, 10 May 2012 11:27:00 +0000

En 1988, au moment où le tout premier disque estampillé Nu Groove ("Feel The Luv") est pressé, New York n’a pas encore été cleané par Rudolf Giuliani et sa tolérance zéro. Le Paradise Garage est fermé depuis quelques mois, mais Larry Levan n’a pas encore été emporté par le Sida, et des clubs comme la Sound Factory, le Zanzibar ou le Roxy sont à leur apogée. Peu à peu, la musique des pionniers de Chicago commence à cartonner, à travers des labels comme Trax et DJ International, et les artistes new yorkais s’engouffrent dans leur sillage deep et acid tout en conservant leurs propres influences : le disco soulful local et sa variante garage, venue du New Jersey voisin, avec ses accents gospel. C’est une période de créativité folle, une foule de labels émerge, parmi lesquels Strictly Rhythm en 1989 et Nervous Records en 1991, mais le plus légendaire d’entre eux est sans doute Nu Groove.

Montée par Judy Russell avec Frank et Karen Mendez, la structure avait été créée pour héberger les seuls enregistrements des Burrell Brothers après l’échec de leur premier album éponyme, sorti sur EMI et orienté R&B. Elle prendra une ampleur insoupçonnée puisqu’elle deviendra l’un des fleurons de la house américaine pendant les quatre courtes années que durera son règne, avec une centaine de disques et des artistes comme Joey Beltram ou Bobby Konders à son catalogue. Sa durée de vie très limitée lui permettra de ne pas tomber dans les mêmes travers que Strictly Rhythm, peu à peu devenu une usine à house vocale putassière.

Les archéologues de Rush Hour, déjà responsables d'une pelletée de très sérieuses rééditions et rétrospectives, ont choisi de se concentrer sur les productions de Ronald et Reginald Burrell sous tous leurs alias : Houz’ Negroes, Aphrodisiac, N.Y. House’N Authority, Metro, Equation, etc… Ce qui représente près de la moitié du répertoire Nu Groove. Ils ont évidemment dû faire des choix pour tout condenser sur cette compilation qui prend la forme de 2 doubles LP ou d’un CD en version abrégée. Pas exhaustive, donc, cette anthologie est cependant amplement suffisante pour réviser son Histoire de la house ; elle a aussi l’avantage de rendre disponibles des titres jusqu’alors introuvables ou presque – les prix de certains d’entre eux sur Discogs sont exorbitants.

Même si leur son est souvent assez brut, certains tracks ayant été directement enregistrés sur cassette, il est frappant d’entendre que ces types détenaient déjà la formule de la deep house – le sublime bien que simpliste "Brownstone Express", par exemple, n’est pas loin de sonner comme une production actuelle, avec sa mélodie soulful et ses synthés d’une légèreté paradisiaque. Mais les jumeaux du New Jersey, qui avaient débuté à l'âge de 13 ans dans le groupe gospel Inner Spirit, ne se sont pas contentés de participer à la définition du son deep. Ils s’aventuraient aussi sur des terrains plus jazzy, comme sur le classique "APT3B", avec son solo de flûte synthétique, que des générations de DJ ont joué en after.

Ils pouvaient à la fois lâcher des perles de house vocale ("I’ll Say A Prayer For You"), s’amuser avec des cordes disco ("APT1B") et s’inspirer de Chicago pour lâcher des bombes acides à l’ambiance bien sale ("Straphanger", "Dyckman House") ou des hymnes rave comme "The Answer". Cela reflète bien l'éclectisme du label, qui oscillait sans complexe entre les influences dub et jazz de Bobby Konders, celles, plus funky et latines, de Kenny Dope ou Joey Negro, la dance music débridée et la house la plus cérébrale. Si le mouvement existait en réalité avant eux, avec des artistes comme François K ou Tony Humphries, les Burrell Brothers ont largement contribué à placer New-York sur la carte de la house mondiale. Cette anthologie, ainsi que les remixes de Nicholas sur son Back On Track : Nu Groove, leur rendent enfin justice.

En bref : ressorti du placard par Rush Hour, l’essentiel d’un duo et d’un label qui ont profondément marqué l’évolution de la house et de la musique new yorkaise.

A lire aussi : Larry Levan's Paradise Garage (1980)

Miles Davis - Blue Moods (1955)

noreply@blogger.com (HIPHOP) — Sun, 06 May 2012 16:01:00 +0000

C'est un petit disque de Miles, enregistré juste avant que sa carrière ne prenne un sacré coup d'accélérateur, avec la formation, la même année, de son premier quintette avec Coltrane. Petit par son format (quatre titres pour 25 mn!), éclipsé par une discographie où brillent de mille feux tant de chefs d'oeuvre, mais un disque qui a la beauté, paradoxalement sublime, des miniatures...

Au sortir de ses années d'addiction, Davis a contracté une dette auprès de Mingus, qui lui avait prêté de l'argent pour acheter ses doses d'héroine. Celui-ci lui demande d'enregistrer gratuitement un album pour son nouveau label Debut Records. En 1955, Davis est une figure célèbre du Cool Jazz, et Mingus, visiblement veut exploiter le filon. On aura droit à un quintette, mais en lieu et place du piano, ce sera un vibraphone ! Le saxophone ténor, lui, sera remplacé par les rondeurs du trombone. La sonorité et les silences de Miles, ainsi que l'archet de Mingus, plutôt connu pour son pizzicato vigoureux, feront le reste.

Ces quatre titres sont quatre merveilles de Cool Jazz, qu'on peut réécouter à l'infini, à la fois parfaitement conformes au genre, sans pour autant être redondants. Tous les titres sont des standards, et on doit les arrangements au vibraphoniste, Teddy Charles, sauf pour le deuxième titre, arrangé par Mingus lui-même. "Nature Boy", un peu mièvre dans la bouche d'un King Cole, séduit par la beauté de sa mélodie et l'intelligence de son arrangement : le vibraphone anticipe la mélodie que jouera la trompette, et introduit merveilleusement le discours pensif de Miles. Il y a un effet de contraste saisissant entre le vibrato surnaturel du vibraphone et l'absence total de vibrato, les silences de la trompette. L'arrangement va à l'essentiel et propulse au devant de la scène Miles et Mingus, qui seul prendra un chorus, avec un jeu très étrange fait de petites notes et de saccades. Le trombone assure un contre chant un peu lugubre, avec un motif descendant, et renforce, à sa manière, cette atmosphère méditative.

"Alone together" change de registre et exprime le versant insouciant et West Coast du cool, tandis que "There's no you" nous plonge dans une parfaite plénitude, du genre de celle qu'on retrouvera avec le thème de "Freddie Freeloader" sur Kind of Blue. Ces morceaux obéissent à une structure plus classique, où chaque instrument prend un solo. Le solo du trombone, Britt Woodman, tromboniste d'Ellington, est un bijou de nonchalance, tout droit sortie de la moiteur des jungles ellingtoniennes. Le dernier titre "Easy living" renoue avec le registre méditatif et enchante une dernière fois par cette science du silence et du non-dit.

En bref : quatre perles définitives de Cool Jazz à écouter toutes affaires cessantes. Celui qui y reste insensible peut retourner à ses vaines occupations.

Nature boy :

The Black keys - El camino (2011)

noreply@blogger.com (bouddhanight) — Fri, 04 May 2012 15:14:00 +0000

Dernier album des maintenant très (trop) populaires The Black Keys, El Camino s'institue comme une usine à tubes. De la terre sale et graveleuse du blues rock au bitume policé de la musique pop-rock taillée pour les ondes FM, les deux compères semblent s'être endormis sur l'aire de l'autoroute qui mène au succès... Explications.

Miséricorde, la reconnaissance mènerait-elle à l'indolence ? C'est la question que l'on peut se poser à l'écoute de cet album, qui trahit insidieusement la verve portée jusque là par le duo américain. Sournois en effet est ce disque. Un ingrédient nouveau s'est introduit dans la recette de cette galette musicale, qui une fois consommée, reste sur l'estomac. Cet ingrédient ? Le succès commercial pardi !

Si Big Brother avait hissé en son temps The Black Keys aux sommets - et définitivement assis les deux garçons sur le trône de la scène rock mondiale - on ne peut que s'affliger des dégâts infligés par leur réussite commerciale, soit dit en passant, amplement méritée. Car pour les Charts, de toute évidence, est taillé ce nouvel opus. Refrains à la pelle, mélodies tirées au cordeau, on repassera pour l'effet de surprise, si bien que peu de titres arrivent à surprendre nos tympans.

Un syndrome qui touche l'ensemble des compositions de ce disque bien inégal. Malgré quelques titres soufflant le chaud tel que "Mind Eraser", "Money Baker", "Gold on the Ceiling", l'ensemble de ce El Camino laisse une terrible impression de suffisance. Des riffs de guitares répétitifs et sans âme, à la voix de Dan Auerbach galvaudée par un mixage sonore bien trop lisse, l'expression musicale qui se dégage des Nova Baby et autre Dead and Gone, nous plonge en pleine soirée adolescente arrosée de bière aromatisée. Une véritable rupture avec l'identité sauvage et brutale du blues-rock qui estampilla par le passé les autres oeuvres du groupe telles que Magic potion et Attack and Release.

Alors certes, ces précédents albums ont toujours été portés par l'immédiateté du ressenti inhérent au rythme du blues-rock, mais sa spontanéité n'est ici plus qu'une illusion, et c'est bien dommage. Car El Camino tel qu'il signifie en espagnol, le chemin, inaugure une nouvelle voie, trop structurée pour surprendre, aussi bien dans l'arpège que dans la gamme. Pire c'est l'intonation sonore des instruments qui manque de sincérité, pour véritablement ensorceler l'esprit. Les guitares n'ont plus cette résonance brute, par laquelle chaque note exprimait la poussière d'un vieux garage grungy. Trop léger est ce cocktail pour enivrer l'âme du rockeur, qui devant l'éternel, criera à la profanation ! Un breuvage d'eau pas forcément bénit, auquel on préféra la chaleur d'un bon whisky, qui réchauffera les cœurs, amateurs de musique diabolique...

Un album très en deçà de la discographie des Black Keys, vers laquelle il est vivement conseillé de retourner, en espérant que le tir soit rectifié au prochain essai. A bon entendeur !

En bref : El Camino infirme l'essence blues des Black Keys, pour ouvrir la voie d'un rock bridé par une enveloppe pop, qui au final, trahit l'identité originelle des deux compères de Nashville.

Le site officiel

Bernard Estardy - La Formule du Baron (1969/2010)

noreply@blogger.com (Dave) — Fri, 04 May 2012 11:44:00 +0000

Si vous aimez Michel Magne, François de Roubaix, Jean-Claude Vannier et toute cette clique de compositeurs et arrangeurs français qui donnèrent à la fois dans la musique de films et de télé, la pop expérimentale et la variété, alors vous aimerez immanquablement, si ce n’est déjà le cas, Bernard Estardy, autoproclamé Baron de Méhouilles. Organiste pour Nancy Sinatra et Nino Ferrer à ses débuts, Estardy a enregistré un nombre impressionnant de stars françaises dans son mythique studio CBE, qu’il avait créé avec Georges Chatelain et où il passait 14 à 16 heures par jour ! Johnny Hallyday, Françoise Hardy, Sheila, Joe Dassin, Claude François… Tous profitèrent de ses talents d’ingénieur du son, et tout spécialement de son don pour les prises de voix. C’est même sous sa direction que furent immortalisés le "Jerk" de Thierry Hazard, "Les Corons" de Pierre Bachelet, "Jolie Poupée" de Bernard Menez, le "Big Bisou" de Carlos et une quantité incalculable d’autres tubes de notre bonne vieille chanson de variété à textes bien de chez nous, jusqu’à son décès en 2006.

Parallèlement à cette carrière dans la variète, le Baron cachetonnait en composant des jingles, dont le fameux "Choisissez bien, choisissez But !", sur lequel il a touché des royalties toute sa vie durant. Il était surtout l’un des pensionnaires les plus actifs de Télé Music, grand label de library music parisien dirigé par Roger Tokarz. Avec des comparses comme le batteur Pierre-Alain Dahan, le contrebassiste Guy Pedersen ou le flûtiste Raymond Guiot, il bénéficiait d’une liberté de création énorme lors de ces sessions. En sont sortis quelques pièces aujourd’hui très recherchées par les collectionneurs, comme l’Electro Sounds de 1972 (1 seul exemplaire sur Discogs à 75$...). Mais son album le plus hallucinant reste La Formule du Baron, entièrement conçu pour le fun lors de ses pauses déjeuner au studio, en 1969, et réédité en 2010 par l’excellent label grenoblois Vadim Music.

Baroque, délirant, c’est un conglomérat de pop, de jazz funk, de jerk et de psychédélisme. Le tout agrémenté de scat ou de paroles parfois incohérentes ou codées ("Sister Charlotte Abbaye"). Le titre inaugural, "Monsieur Dutour", est arrangé par son dédicataire, Pierre Dutour, ami trompettiste et chef d’orchestre, avec qui Estardy s’embrouillera par la suite pour des questions de pognon. C’est une curieuse balade de pop orchestrale à trompette et à orgue, aux accents légèrement funky. Vient ensuite l’un des hauts faits d’armes du Baron, "Cha Tatch Ka", un morceau complètement fou, samplé par une foule de DJs et plus notablement par les Chemical Brothers (sur "Shake Break Bounce"). L’alliance des percussions noyées d’effets, de la guitare électrique, des chœurs et de toutes ces petites voix scatées en fait quelque chose d’inclassable et d’étonnamment moderne.

On ne peut évidemment pas en dire autant de tous les titres, qui pour certains ont pris un petit coup de vieux, surtout lorsqu’ils sont chantés. Mais même sur ceux-ci, il y a toujours suffisamment de loufoquerie à se mettre sous la dent - le jam euphorique à la fin de "Le Pain, Le Vin", par exemple. Et dans tous les cas, les arrangements sont splendides - écoutez les cordes sur "De temps en temps". A noter que les paroles de ces deux derniers morceaux sont signées Etienne Roda-Gil. Chaque piste réserve des surprises et des mélanges inattendus, à l’image de "Bave à Roi", qui mêle marche militaire, ragtime et moog, ou de "La Valse du Vépar", avec son accordéon franchouillard… Et niveau production, l’album est clairement en avance sur son temps.

Le Baron multiplie les effets, et notamment le phasing ("Ala Mia Thra"), qu’il a été le tout premier à expérimenter en France, de manière totalement artisanale, en se servant de deux magnétophones. Cet aspect artisanal se retrouve tout au long de l'album. Estardy fait même chanter les choeurs de "La Gigouille" à sa secrétaire. On l'entend marmonner ici ou là, et on imagine bien l'ambiance lors de l'enregistrement, l'esprit certainement biaisé par la photo intérieure du livret qui montre Bernard aux manettes de son studio accompagné d'un quatuor de femmes nues... Tout le plaisir mis dans l'élaboration de cette Formule est perceptible à son écoute, et c'est ce qui en fait un disque à part, un classique de la dinguerie à la française.

En bref : conçu par l'un des grands artisans de l'ombre de la variète française, La Formule du Baron est un disque unique en son genre, avant-gardiste, groovy et sacrément barré. Le prototype de l'album culte.

Le site de Vadim Music

Mr. Beatnick - Sun Goddess EP (2012)

noreply@blogger.com (Dave) — Fri, 04 May 2012 11:21:00 +0000

Ancien producteur de hip-hop instrumental, auteur notamment de l’excellent I Know All The Bitches (2008), Mr. Beatnick a gardé son goût pour les synthés jazzy parfaitement intact, mais a décidé de l’appliquer à une deep house de salon des plus délicates. Ce changement d’orientation a immédiatement porté ses fruits puisque Synthetes a été repéré par pas mal de spécialistes à sa sortie en 2011, parmi lesquels Gilles Peterson, qui l’ a diffusé dans son émission sur la BBC 1. Son style a été à juste titre comparé à celui de Floating Points – il me rappelle aussi énormément les Suédois de Genius Of Time. Daté de mars dernier, toujours sur le label de Semtek (Don’t Be Afraid), le second EP du Londonien ne déçoit pas, loin de là, bien qu’il soit peut-être un peu moins homogène que son prédécesseur, car entièrement centré sur son rayonnant morceau-titre.

En effet, "Sun Goddess", c’est du miel de fleurs, de la deep house soyeuse pour ces petits matins comme on les aime, avec une basse granuleuse, des nappes de Rhodes et des motifs analogiques obsédants. C’est en même temps très inspiré par les sons chillout à l’ancienne, et très moderne dans la conception et les textures. Forcément un tel joyau ne peut qu’éclipser le reste de l’EP, pourtant loin d’être indigent. Dans un autre contexte, je me serais sans doute davantage attardé sur "Savoir Faire" et son drôle de mélange de techno et de disco italo-cosmique, ou sur les douces harmonies de "Beneath The Reef". Ce sont des morceaux suffisamment riches et ouvragés pour ne pas les reléguer directement aux oubliettes, mais vraiment, pour le moment, c’est sur "Sun Goddess" que je reste scotché.

En bref : passé du hip-hop à la house, Mr. Beatnick signe l’un des très beaux morceaux deep de ces derniers mois avec "Sun Goddess".

Mr. Beatnick sur Soundcloud et Twitter

A lire aussi : EOD - Utrecht, Genius Of Time - Gliese 581g et Floating Points - Shadows

Mr Beatnick parle de quelques-uns de ses disques préférés à Fact TV :

Alice Russell & Quantic & His Combo Barbaro - Concert à Palmer le 28/04/12

noreply@blogger.com (Ju) — Thu, 03 May 2012 09:31:00 +0000

J’ai tellement été épaté par le double best-of que nous a servi le Monsieur il y a peu que je ne pouvais décemment pas manquer son passage à Bordeaux, même si avant mon arrivée je ne connais pas particulièrement Alice Russell pourtant placée en première sur l’affiche. Dire que je n’ai pas été déçu serait un pléonasme. Peut-être encore plus que sur disque, Quantic orchestre ses troupes et apporte dans un grand élan organique tout le soleil qui nous manque ces temps-ci.

Quantic c’est donc cet anglais William Holland, musicien, dj et producteur, qui s’est récemment installé à Cali (Colombie) pour travailler pleinement sa musique avec des musiciens rencontrés sur des chemins de traverse. Exit le Quantic Soul Orchestra, place au Combo Barbaro soit la crème de la crème des musiciens latin jazz. Ainsi on retrouve Alfredo Linares aux claviers, Fernando Silva à la contrebasse, l’habitué Malcolm Calto à la batterie et le toujours sautillant Freddy Colorado aux congas. Au milieu, Quantic passe allègrement de la guitare sèche à l’accordéon en passant par l’électrique tandis qu’un dernier larron dont je ne connais le nom s’affaire au violon et au banjo

Groupe multiculturel, musiciens exceptionnels, arrangements traditionnels, Quantic c’est tout ça à la fois. C’est le chef d’orchestre de la bande, ce lui qui donne le tempo et garde toujours un œil sur le solo en cours. Et puis à la voix il y a donc cette fameuse anglaise, Alice Russell. Extrêmement joviale et entrainante, elle apporte son côté féminin et sa voix puissante aux constructions sonores de l’anglais. Et même si elle est irréprochable, je préfère encore les parties instrumentales, question de goûts... A noter que tout ce beau monde était là pour assurer la promotion de l’album Look Around The Corner qui remporte déjà tous les suffrages. Dont les nôtres.

Le site de Palmer et celui de Quantic

I:Cube - "M" Megamix (2012)

noreply@blogger.com (Dave) — Wed, 02 May 2012 12:43:00 +0000

24 titres brillants, enchaînés sur un train d’enfer et couvrant une trentaine d’années de musique électronique : le nouvel album d’I:Cube est un monstre et il ne faudra pas compter sur moi pour briser l’unanimité qui semble entourer sa sortie. Sans même parler de la qualité intrinsèque des morceaux, le seul choix de structurer le disque comme une mixtape est un coup de génie. Et un choix fort. Alors que la version originale de "Transpiration", sortie en EP au début de l’année, dure plus de 6 minutes, cette bombe dancefloor est ici réduite à une portion congrue de 3 minutes environ. Il en va de même pour presque tous les morceaux, dont des versions longues paraîtront en 12" dans les semaines qui viennent. Du coup, M Megamix semble littéralement déborder de bon son. C’est la grotte d’Ali Baba, l’exhumation de tous les trésors qui dormaient sur les disques durs de Nicolas Chaix, ce mec discret dont la légende dit qu’il est un boulimique absolu de musique.

Quand j’écris qu’I:Cube couvre 30 ans de dance music, ce n’est pas qu’une formule. D’un titre à l’autre, et parfois au sein d’un même titre, il passe de l’italo disco le plus régressif à la techno la plus acid, d’une jackin house festive à une électro (au sens premier du terme) froide et industrielle. Le tout est balancé à la gueule du pauvre auditeur, dont le cerveau peut ensuite se ramasser à la petite cuillère. C’est presque trop ! A peine remis de la claque cosmique d’"In Alpha", voilà que se profile l’énorme basse dubby d’"Interludio", qui sonne comme du Carl Craig dans le texte.

Et après s’être envolé pour Chicago le temps de visiter le très old-school "Club Miniature", on s’aperçoit que ce n’était qu’une sorte d’intro pour l’un des grands moments du disque, "Le Rocher Aux Singes", une immersion ultra-intense dans une jungle de sons analogiques. Puis il y a "Deflation", ses éructations animales et son rythme hypnotique. Et ainsi de suite... Un marathon, je vous dis.

A travers cette débauche de beats et d’idées, on peut s’amuser à retrouver les traces des travaux antérieurs du Parisien et à en dégager une sorte de portrait. Le voyage en sous-marin de "Transparent Sea Creatures" évoque vaguement la sublime "Adore", tandis que les synthés ascensionnels de "Magnetic Mambo" font forcément penser à ceux de "Was Better In 88", commis sous le nom de DJ Ringardos en 2010. Ailleurs on retrouve l’atmosphère deep house plus posée de Château Flight (son duo avec Gilb’R), des bribes d'ambient dignes de son Live at the Planetarium (2006), ou des pièces de disco déviante rappelant les récents Cubo Edits.

Sous la diversité des formes, il y a un style, parfois brutal, souvent naïf et enfantin, qui suinte la sincérité et l’amour des machines, de leur simplicité et de leurs sonorités si particulières. Ce style, qui était déjà le sien à l'époque de Picnic Attack (1997), frôle parfois le surréalisme et tient en haute estime tout ce qui relève de l’accidentel, du fortuit. Non, I :Cube n’est pas "Too Old For This" comme il veut nous le faire croire, il donne toujours l’impression de s’amuser comme un gosse et de prendre son pied en manipulant des samples improbables, tout en bousculant notre conception de ce que doit être un album de musique électronique.

En bref : M Megamix est tellement généreux que l'on n'a pas fini d'en explorer les méandres. Conçu comme une mixtape frénétique et foutraque, ce nouvel album résume la carrière d'I:Cube tout en condensant 30 ans de dance music. Colossal.

A lire aussi : I:Cube - Cubo Edits (2012)

Yeti Lane - The Echo Show (2012)

noreply@blogger.com (trebiv) — Wed, 02 May 2012 11:47:00 +0000

Une transformation réussie et durable, voilà comment on peut qualifier le duo de Yeti Lane. Formé en 2009, ce groupe composé de Ben et Charlie, anciens membres de Cyann & Ben sort son second album The Echo Show. Le trio du premier album s'est transformé en duo mais sans perdre de son efficacité. Une alliance rock, pop et électro aux allures cosmiques qui évoque autant Tame Impala que Pink Floyd. Le groupe se situe clairement dans cette dernière filiation en évitant de ne faire qu'un ensemble disparate de morceaux pour soigner l'unité de l'album et en reliant les différents titres par des transitions qui renforcent son aspect éthéré.

La construction de l'album nous invite à un parcours en trois parties. La première est composée du long morceau d'ouverture, "Analog Wheel" aux envolées digne d'un Atom Heart Mother avec une voix transformée par des sons électroniques pour renforcer l'aspect psyché.

Vient ensuite un ensemble de quatre titres plus rythmés qui montrent comment Yeti Lane arrive à reprendre la tradition psychédélique des années soixante et soixante-dix dans des mélodies contemporaines. Malgré une dominante électro-rock, c'est surtout le morceau électro-pop "Warning Sensations" qui retient l'attention avec une version plus sombre de la musique psyché de MGMT.

"Alba", qui inaugure la dernière partie de l'album, restera un morceau distinct de tous les autres en quittant la dimension cosmique prédominante pour nouer d'étranges noces avec une folk qui met en relief la voix de Ben Pleng. Enfin, les trois derniers titres invitent à nouveau à l'errance et la rêverie, ensemble dont "Sparkling sunbeam" est sans doute le joyau par le dialogue qu'il instaure entre la voix et les guitares étouffées très proches du son noisy, ce qui donne à ce morceau comme à tous les autres un parfum d'irréalité.

En bref: les neuf titres de ce second album invitent à un parcours des plus original en créant un mélange subtil entre psyché et électro-pop que ce duo maîtrise à merveille.

The Echo Show sur Deezer

Site de Yeti Lane

Concours - Garorock 2012, pass 2 jours à gagner

noreply@blogger.com (Ju) — Wed, 02 May 2012 11:43:00 +0000

Le plus gros festival de musiques amplifiées du sud-ouest qui se déroulera du 8 au 10 juin fait peau neuve cette année en quittant le vilain parking bétonné habituel pour s'installer sur la plaine naturelle de Filhole à Marmande. La programmation qui n'a pas toujours été le fort de l'événement a elle aussi été revue à la hausse. Il devrait en effet y en avoir pour tous les goûts même si de notre côté nous retiendrons surtout la présence de Metronomy, Friendly Fires, Crystal Castle, We Were Promised Jetpacks ou encore The Hives.

A cette occasion Dodb vous propose de gagner un pass 2 jours (samedi, dimanche). Pour cela il suffit de répondre à la question suivante :

Quel a été le dernier Garorock couvert sur le blog par Dodb ?

Et d'envoyer votre réponse et vos noms/prénoms à contact@desoreillesdansbabylone.com avant le 26/05 minuit. Bonne chance à tous !

Le site officiel du festival

Réserver sa place sur Digitick

Juveniles & Django Django - Concert au 106 de Rouen le 24/04/12

noreply@blogger.com (trebiv) — Mon, 30 Apr 2012 13:53:00 +0000

Malgré le début des vacances, le Club du 106 a fait salle comble mardi 24 Avril pour accueillir une des têtes montantes de la nouvelle scène anglaise avec une électro-pop des plus efficaces, le groupe Django Django qui vient de sortir son premier album. Il fût brillamment précédé par le groupe rennais Juveniles dont les quelques titres phares annoncent quant à eux un futur premier album de qualité.

Trio revenant d'une tournée british et scandinave, les Juveniles savent marquer leur public avec un son influencé par la new wave de Siouxie And The Banshees et de New Order. Ce groupe français ne laisse aucun répit à la salle avec une alliance pop / électro soutenue par la belle voix grave du chanteur. "We Are Young" et "Hard Working Girl" semblent tout droit sortis des eighties, le deuxième titre évoquant encore plus le synthé des premiers albums de Depeche Mode. Leur prestation fût d'une grande qualité et les a mis à égalité avec le groupe phare de la soirée. Espérons que leur titre "Ambitions" sera le signe d'une sortie rapide de leur premier opus.

Après une telle entrée en matière, Django Django, déjà à l'origine d'un vrai buzz sur le net, ne pouvait que surfer sur l'ambiance de la salle. Avec un premier album éponyme, les titres de ce groupe sont faits pour être écoutés en boucle, et les spectateurs étaient déjà de fins connaisseurs de certains morceaux. En effet, il ne s'agit pas simplement d'un groupe faisant partie de la mouvance créée par le succès de Metronomy car les quatre membres ont su créer leur propre son grâce à un savant mélange entre pop, folk, électro et une pincée de country, un son mis en avant par un set des plus maîtrisés. Le premier titre "Hailbop" n'a pas laissé le public se calmer après la première partie avec un son électro et une guitare sixties qui annonce une suite de morceaux plus calme comme "Firewater" et "Hand Of Man". Cette première partie du set culmine avec un "Love's Dart" qui délaisse la partie instrumentale avant de s'élancer vers "Wor", sorte d'électro-country, et le final endiablé de "Live's A Beach".

Le groupe Django Django ne pouvait pas espérer meilleure première partie avec Juveniles, deux explorations différentes de la veine électro-pop mais qui ont laissé un merveilleux parfum de vacances à ce concert.

Photo de Juveniles et deDjango Django

Chronique de l'album de Django Django sur DODB

Sites de Juveniles, Django Django et du 106

Maps & Atlases - Beware and Be Grateful (2012) + live

noreply@blogger.com (Thomas S.) — Sun, 29 Apr 2012 20:03:00 +0000

C’est en qualité de tête d’affiche que les Américains de Maps & Atlases ont clôturé leur tournée consécutive à la sortie de leur dernier Lp, hier soir à La Flèche d’or, précédés par les français de Mungo Park, Minors et This Town Needs Gun (l’invité-surprise de la soirée dont le math-rock mélodieux n’a pas laissé indifférent).

Avec seulement deux Lp en huit ans d’existence, le quatuor a pris le temps de raffiner sa pop ultra rythmée et ingénieuse. Le son a bien évolué depuis le premier Ep, en 2005, qui lorgnait plutôt du coté du punk, puis les excellents Tree, Swallows, Houses (2006) et You & Me & The Moutain (2008) où les guitares commençaient à enchaîner les gimmicks, révélant alors un penchant des deux guitaristes pour le tapping et les boucles répétitives. Chaque titre révélait son lot de cassures rythmiques, de breaks enflammés et de mélodies bigarrées.

Si Maps & Atlases parvenait ainsi à développer un style musical singulier, une sorte d’Akron/Family en moins illuminé, le dernier album confirme le virage entrepris vers une pop plus lisse et moins cocasse. Certes, les rythmiques n’ont pas perdu de leur puissance et forcent le respect sur "Winter" et surtout "Fever". Mais la tentative du groupe de se diversifier échappe parfois à toute cohérence. Un surplus de chœurs et l’ajout de samples électroniques font perdre de leur efficacité à certains titres ("Remote and dark years", "Silver européenne self") alors que d’autres en deviennent saisissant : l’introductif "Old and gray" et ses vocalises sinistres, puis le mélancolique "Important".

Sur scène, leur musique balaye toute suspicion quant à la réussite ou non de ce nouvel opus : ça claque ! Mais du genre sévère. La section rythmique tient une place primordiale et dévoile l’incroyable puissance de frappe de Chris Hainey, digne d’un Zach Hill (Hella) ou John Stainer (Battles). Rarement on aura vu une prestation aussi saisissante derrière les fûts. Et c’est encore bien plus puissant lorsque le guitariste et le bassiste délaissent leur instrument pour contribuer à la rythmique sur "The Charm". On s’étonne aussi de voir le charismatique Dave Davison maîtriser aisément le chant et le tapping simultanément sans s’emmêler les poils de barbe. Les titres du nouvel album s’intègrent plutôt bien aux «classiques» du premier Lp (Perch Patchorwk, 2010), tout en dévoilant de nouvelles sonorités : un synthé/sampleur et un vocoder sur les chœurs ont fait leur apparition. "Will" surprend par l’efficacité de son chant à l’unisson avec la guitare tandis que "Solid ground" et sa rythmique galopante vient clôturer le set. De quoi mettre tout le monde d’accord.

En bref : Maps & Atlases continue d’affiner sa musique mais décevra sûrement ses admirateurs de la première heure. C’est indéniablement sur scène que l’ampleur de son ingéniosité prend toute sa consistance.

"Winter" (extrait du dernier album) :

"Pigeon" (extrait de Perch Patchwork, 2010) :

Liz Green & Revolver - Concert au 106 de Rouen le 13/04/12

noreply@blogger.com (trebiv) — Fri, 27 Apr 2012 15:08:00 +0000

Un concert alliant la folk de Liz Green et la pop de Revolver a de quoi surprendre. C'est pourtant l'affiche présentée par Le 106 de Rouen le vendredi 13 Avril pour le retour du groupe Revolver en tournée pour son second album. Après des succès comme "Get Around Town" et "Balulalow" issus de son premier album, ce jeune groupe devait montrer à des spectateurs qui les avaient appréciés qu'il pouvait passer de statut de groupe prometteur à celui de groupe à renommée nationale.

En première partie Liz Green offre une folk apaisante accompagnée d'un trio de musiciens. Repérée sur plusieurs scènes depuis 2008, Liz Green a sorti cette année son premier album O, Devotion !. Un album centré sur l'essentiel de la folk, une guitare et une voix, et parcourant un univers rempli d'humour noir et d'êtres surnaturels. Sur scène, Liz Green semble prendre le temps de s'installer chez elle en parlant au public comme avec des amis et en dégustant, fidèle à son habitude, son verre de vin entre ses chansons. Grâce au trio contrebasse, saxophone, batterie, les titres de l'album sont revisités et des titres comme "Midnight Blues" acquièrent une plus grande ampleur musicale.

Changement de style radical avec l'entrée sur scène du groupe Revolver. L'alliance d'une folk un peu trop douce et de la pop de ce jeune groupe est sans doute l'aspect le plus déconcertant du concert. Si le premier album Music for a while sorti en 2010 présentait une pop peut-être trop propre et frisant la variété, le groupe a voulu prendre un virage plus indé avec le nouvel album "Let's go". Sur scène, le groupe a soigné son jeu de scène. Les trois premières chansons en version intimiste, les trois membres du groupes devant avec un son acoutisque, avant de reprendre une tonalité pop en étant accompagnés d'un bassiste et d'un batteur. Musicalement le pari est réussi. "Parallel Lives" et "The Letter" montrent que Revolver est capable de créer des mélodies qui seront autant l'occasion de réminiscences d'une grande quiétude. Mais, "Let's Go Together" reste sans doute le titre le plus abouti avec un rock indé d'une grande maturité alors que "Wind Song" par ses sonorités électro-pop sera sans doute le plus tendance de l'album. Pourtant, le virage annoncé n'a pas été complètement effectué. Revolver est resté peut-être trop classique dans son jeu et n'a vraiment pu se libérer que pour les succès de son premier album dont "Get Around Town".

Une alliance folk-pop peu cohérente et un groupe qui est resté en deçà des espérances qu'on pouvait avoir ont été les deux ingrédients à l'origine d'un concert en demi-teinte.

Photos de Liz Green & Revolver

Sites de Liz Green, Revolver, et du 106

Concours - Terror Bird à l'Espace B, places à gagner

noreply@blogger.com (Ju) — Fri, 27 Apr 2012 12:41:00 +0000

Le 11 mai prochain, Hartzine invite à l' Espace B de Paris la canadienne Nikki Newer alias Terror Bird venue présenter Secret Rituals son prochain Lp. Jusqu'à aujourd'hui en formation avec son mari (photo), elle sera cette-fois ci accompagné d'un backing band exclusivement féminin (Bianka et Karre). Ce sera l'occasion de venir écouter la voix magnétique de Nikki posée sur des instrus shoegaze et minimalistes. Pour l'occasion Hartzine et Dodb s'allient pour vous faire gagner 3 fois 1 place pour la soirée. Pour cela il suffit de répondre à la question suivante :

Quel autre groupe en Bird a déjà été chroniqué sur Dodb ?

Et d'envoyer vos réponses avant le 3 mai minuit à contact@desoreillesdansbabylone.com avec votre nom/prénom. Bonne chance à tous.

Le site d' Hardzine, le bandcamp de Terror Bird, l'événement Facebook

Réserver sa place sur Digitick

&amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://terrorbird.bandcamp.com/album/waiting-for-nothing-ep"&amp;amp;amp;amp;amp;gt;Waiting for Nothing EP by Terror Bird&amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;gt;

Villette Sonique 2012, du 25 au 30 mai

noreply@blogger.com (Dave) — Thu, 26 Apr 2012 08:30:00 +0000

C’est déjà la septième édition de la Villette Sonique, qui est très vite devenu l’un des meilleurs festivals parisiens grâce à une programmation en équilibre entre rock expérimental, musique électronique et hip-hop. L’année dernière j’avais pu y voir les Emeralds et Animal Collective notamment, et aussi profiter d’un des grands atouts du festival, les concerts en plein air des samedi et dimanche après-midi. Le set de Caribou avait été mémorable, tout comme le mix de James Pants ou la performance de Kode9 sous un soleil radieux, avec la Géode en toile de fond. Cette année, encore une fois, la liste des invités force le respect.

LE gros événement dont tout le monde parle, c’est la venue de Flying Lotus, qui présentera les titres de son très attendu prochain album (Until The Quiet Comes), et du légendaire MC masqué MF Doom - le duo Shabazz Palaces (où l’on retrouve un ancien Digable Planets) complètera l’affiche. Mais le mix du très rare François K sera tout aussi immanquable. Le plus Américain des DJ français, exilé à New York en 1975, racontera son parcours lors d'une RBMA Session l'après-midi, et partagera ensuite la scène du Cabaret Sauvage avec Plein Soleil (Chloé + Krikor), Pearson Sound et Kool Clap. Parmi les autres réjouissances on peut citer le DJ set de John Talabot et les concerts de Girls ou des inusables Melvins.

Quant au plein air (gratuit), il s’annonce idyllique avec entre autres The Field, Ariel Pink & R. Stevie Moore, Mudhoney, I:Cube ou Gilb’R Vs Joakim.

La programmation complète

Villettesonique's Cloudcasts on Mixcloud

Love In Cage & Zola Jésus - Concert au 106 de Rouen le 12/04/12

noreply@blogger.com (trebiv) — Mon, 23 Apr 2012 18:04:00 +0000

Pour tous les amateurs de musique cold et raffinée, l'affiche que Le 106 de Rouen présentait ce jeudi 12 Avril était plus qu'alléchante. Les deux groupes formaient un ensemble naturellement cohérent et présentaient une alternance intéressante entre voix masculine et voix féminine. Le public rouennais a ainsi accueilli le groupe Love In Cage, groupe normand électro-cold bien connu des spectateurs et composé du chanteur Isthmaël Baudry, du guitariste Alexis Campart et de la bassiste Marielle Marchand, et ensuite la chanteuse Zola Jésus, venue pour son troisième album.

Après la sortie de son premier album l'année dernière, le groupe rouennais Love In Cage s'est constitué une atmosphère bien à lui. Une musique électro-cold mise en valeur par une projection de photographies du chanteur Isthmaël constitue le cœur de ce projet pleinement artistique. Le set permet aussi de voir l'évolution du groupe puisque de nouveaux titres apparaissent. Le groupe alterne ainsi des morceaux de l'album comme "Minimal Sound", "The Trees" qui ne sont pas sans rappeler le groupe The Cure de la période de Seventeen Seconds ou "Position", titre éponyme de l'album et qui est d'autant plus emblématique que, chanté en français, il met en scène l'art photographique d'Isthmaël, avec des titres récents qui ont une tonalité plus rock comme "Boy Next Door" et "Short Film Camera".

La chanteuse Zola Jésus continue le concert dans le même esprit pour présenter son troisième album Conatus qui suit Stridulum sorti en 2010. Un album toujours dans une atmosphère électro-cold, mais peut-être un peu plus pop que les précédents, tendance qui coïncide avec la blancheur de ses vêtements et qui suggère un univers moins angoissé mais peut-être plus mystique. En prenant le nom de deux personnages historiques pour la portée révolutionnaire de leurs actes, Nika Roza Danilova inscrit son art dans une perspective intellectuelle et philosophique, et le titre de l'album ne déroge pas à cette règle puisqu'il fait directement référence à un concept du philosophe hollandais Spinoza. Le conatus, c'est l'effort pour persévérer dans l'être, effort qui traverse tout individu vivant. Ce concept met donc en avant la vitalité qui circule à travers chacun d'entre nous, faisant de nous tous des créateurs de notre propre vie, et c'est ce vitalisme teinté de mysticisme qui est sans doute à l'origine des aspects les moins sombres du troisième album.

Dès que le concert commence le public est sous le charme de cette chanteuse dont la petite taille fait immédiatement ressortir le dynamisme. Reprenant des morceaux de Conatus comme les doux "Avalanche" ou "Lick The Palm Of The Burning Handshake" ou les plus électros "Hikkomori" et "Seekir", son jeu de scène devient une véritable chorégraphie, allant même errer au milieu du public hypnotisé par sa silhouette diaphane et sa voix d'une gravité céleste. Des titres connus comme "Vessel" seront tout de suite reconnus par les spectateurs et sont la preuve de la renommée qui l'entoure peu à peu.

L'enchaînement sans dissonance de ces deux univers aura ainsi été l'occasion d'une soirée musicalement et même esthétiquement très exigeante. Un groupe et une chanteuse dont les performances en concert renforcent les qualités de leurs albums respectifs.

Les sites de Love In Cage, Zola Jésus et du 106