Des oreilles dans babylone

Django Django - S/t (2012)

noreply@blogger.com (Ju) — Thu, 09 Feb 2012 18:14:00 +0000

Pour une fois qu’un buzz accouche d’une bombe, on ne va pas s’en priver. Quatre ans que Django Django se fait attendre, à distiller une paire de morceaux par-ci par-là, repoussant sans cesse la sortie d’un long format. J’avoue avoir pris le train sur le tard, après avoir vu passer quelques wagons sur des sites amis, mais à vrai dire comment pouvais-je le rater quand à son bord se trouve David McLean, inconnu pour certains, petit frère de John McLean pour d’autres (Beta Band, The Aliens, oui je sais, encore). Niveau patrimoine génétique, ça aide. Et donc ce premier disque inclassable, objet pop mais néanmoins suffisamment excentrique pour être intéressant. Passionnant même.

Que se passe-t-il en Ecosse pour que soit apparue cette scène ? Car malgré une domiciliation officielle à Londres et Edimbourg, c’est bel et bien du early Beta Band écossais que le quatuor nous donne l’occasion d’entendre. Soit une pop qui bave largement sur les bidouillages électroniques et se concentre sur un folk mutant parfaitement équilibré entre acoustique et électrique. Impossible de s’ennuyer pendant 13 titres tant chaque pièce de l’échiquier a son originalité propre. Ca ne ressemble à rien, si ce n’est à du Akron/Family mixé avec Kraftwerk et Talking Heads.

Parce qu’on y trouve du tribal, de l’oriental, de l’occidental et qu’à chaque fois ça débouche sur des mélodies entêtantes parfaitement maîtrisées. Et il faut saluer la Face A, peut-être l’un des plus belles tranches de ces dernières années. Ca commence avec "Hail Bop", grosse montée en puissance de post-punk psychédélique. La voix éthérée de Vincent Neff rappelle clairement celle du groupe de frérot. Les harmonies derrières immanquablement celles des garçons de plage si souvent cités ces dernières années. Ca enchaîne avec "Default", sommet de blip-blip sans limites sinon celles de l’imagination. Les rythmes n’arrêtent pas de changer, on saute d’une couche à l’autre, d’une texture à une sonorité différente.

Frais, neuf, insouciant, c’est ce qu’on veut. Derrière, "Firewater" enfonce le clou de son chant cosmique et clappé. Le trip est total, jusqu’à son final hédoniste au possible. Et là alors qu’on l’est en apesanteur, bim, "Waveforms" vous emporte dans une grande danse tribale et électronique autour d’un feu de psychédélisme moderne bouillant. Mais Django Django c’est aussi les percussions répétitives et cabotines de "Zumm Zumm", le folk intimiste de "Hand Of Man", les sirènes au galop de "Wor", le single conquérant qu’est "Storm" ou les milles et une nuits façon "Skies Over Cairo". Vous en voulez encore ?

En bref : génial premier disque de pop organo électro acoustique. Espiègle et subversif, il ne vous caressera pas dans le sens du poil mais se montrera vite indispensable.

Le site officiel

"Default" :

"Waveforms" :

Hawks - Rub (2011)

noreply@blogger.com (HIPHOP) — Tue, 07 Feb 2012 16:34:00 +0000

Voilà le genre de disque que vous auriez pu passer à Noël, au moment du foie gras. Simplement pour faire votre beatnik, ou pour dépasser la frustration d'une écoute de salon, et entraîner les gens normaux dans cette folie. Quatuor d'Atlanta, Hawks fait du noise rock, dans la grande tradition américaine des nineties, et à l'ombre vénérée, et un peu envahissante, de The Jesus Lizard. Amateurs de bruit et de fureur, de voix hardcore empilées les unes sur les autres, de sons bizarres et flippants, ils écoutent Art Blakey et Coltrane. Ils avaient évidemment un peu foiré le mix de leur premier album, ce qui arrive souvent dans ce genre où noise rime avec bouillie sonore. Ce deuxième jet passe l'épreuve du mix, et impressionne à plusieurs titres.

D'abord cette voix, trempée dans la boue, qui rappelle, dans un premier temps, les bidouillages à la Butthole Surfers ou à la Melvins, mais finit par sonner terriblement vraie. C'est la recherche d'intensité qui prédomine, avec des attaques à couper le souffle, dans un style typiquement hardcore. Et tout le répertoire de la folie chantée est parfaitement maîtrisée, et c'est à maître Yow qu'on pense inévitablement. Il y a aussi une concision punk, qui s'exprime dans des intros brèves , le refus des soli, le jeu de guitare rudimentaire, et qui donne à l'ensemble un côté encore plus percutant. Sauf que Hawks se donne la liberté de varier les tempi, comme dans ce "Future reaping", avec son riff de basse inquiétant et vicieux. Le batteur sait même groover, comme le montre le refrain de "Hung", ce qui là encore nous empêche de faire de Hawks un groupe strictement punk.

Enfin, du texte, beaucoup de texte, d'une qualité d'écriture nettement au dessus de la moyenne. Du sexe, déviant comme il se doit, comme dans "Royalty", où une duchesse se la joue "Venus in fur". L'aliénation et l'enfance sous tutelle, comme dans "Holy day" et "Late bloomer". L'american way of life, quoi... Une adéquation parfaite donc entre une forme outrée mais maîtrisée et un discours faisant fond sur des refoulés civilisationnels, parce que faire tout ce boucan pour dire que la société est moche et qu'on est malheureux, évidemment, ça lasserait vite...

Ce qui rend l'écoute de salon possible, c'est non seulement cette richesse des textes, cette variété des ambiances, mais aussi ces interludes qui rompent la furie noisy et vous plonge dans le versant catatonique de la folie, avec piano désaccordé au son métallique et autres bizarreries étonnantes pour l'oreille. Mais bon, on est pas contre les voir sur scène, si ces ptits gars daignent un jour venir hurler chez nous.

En bref : Hawks nous prouve qu'il y a une vie après The Jesus lizard. Un disque de swamp punk qui rejoint les sommets d'intensité qu'ont atteint les grands de la scène noise rock américaine des années 90. Une intensité qui rime souvent avec émotion.

Le site du groupe

Pour commander le beau vinyl

Les Valentins - Juke Box (2001)

noreply@blogger.com (Nickx) — Mon, 06 Feb 2012 17:49:00 +0000

De l'avoir revue, même en simple accompagnatrice d'un artiste pas forcément essentiel, en première partie du concert de Keren Ann, m'amène à évoquer le souvenir des Valentins.

Je veux parler de la compositrice Edith Fambuena et de son acolyte Jean-Louis Pierot qui à la fin des années 80, ont enregistré 4 albums, dont cet ultime et qui nous occupe, cet exquis Juke Box.

Jusque là, la paire d'Aixois, débarrassés d'un encombrant acolyte qui fera plus tard florès sous l'odieux avatar de De Palmas, se sera surtout fait connaître - enfin si l'on peut parler ainsi - par ses collaborations, en composant pour des gens aussi divers que Daho qui les découvrit (l'album Corps et Armes en 1999), Brigitte Fontaine... la liste est trop longue pour mentionner tout le monde, contentons-nous simplement de rappeler qu'Edith et Jean-Louis sont à plus de 50% les bâtisseurs de l'essentiel Fantaisies Militaires (98) de Bashung, et que ces chansons fantastiques que sont "Malaxe" ou "La Nuit Je Mens" - pour ne citer qu'elles - sont en grande partie leurs.

Hormis les gens concernés donc, le grand public ne connaît pas grand chose de ce duo qui nous a laissé un bien joli testament en 2001, même si "Les Avenues" constituait déjà entre autres choses un single très avenant.

Sur un tapis de cordes accortes, de frémissements d'orgues, Edith et Jean-Louis convoquent les sujets les plus mélancoliques, les plus tendres (l'enfance pour "Nos Mères", "Le Marchand De Fleurs"), les plus douloureux (le deuil du père pour "Je T'Ecris"), les plus sensibles (le coming-out pour "Entre Elle Et Moi"), et l'émotion conjuguée à la joliesse des mélodies - le savoir-faire impeccable du duo ne saurait être remis en question - fait parler le frisson.

L'intro vaporeuse et éthérée de "Sur La Pente" sert d'admirable tremplin à un autre sommet du disque, juste avant les 18' introspectives de "Tambours Battants". Magnifique.

En bref : Juke Box est une manière de travail d'orfèvre qui n'a pas l'air d'y toucher. Et pourtant, dans le genre, on a rarement fait aussi -osons le mot- intelligent en matières de textes made in France, et inspiré d'un point de vue mélodiste. Un bien beau testament.

un site intéressant

"Nos mères" :

"Je t'écris" :

Porcelain Raft - Strange Weekend (2012)

noreply@blogger.com (Thomas S.) — Thu, 02 Feb 2012 15:01:00 +0000

Décidément le label Secretly Canadian n’en finit pas de ravir mes oreilles. Je lui voue déjà une sérieuse admiration pour avoir enrichi mon florilège personnel de groupes tels que Suuns, The War On Drugs et Little Scream. Toujours sous le signe de la qualité, son catalogue s’enrichit d’une nouvelle recrue : Mauro Remiddi aka Porcelain Raft. Italien de naissance, musicien multi-activiste, insatiable collaborateur multipliant les projets à droite et à gauche, on aura pu l’apercevoir à Londres, New York, Berlin, en Corée du Nord ou bien croiser son nom sur une pochette de disque et parmi les crédits d’une B.O. de film. Anciennement aux commandes de Sunny Days Sets Fire jusqu’en 2009, c’est en solitaire qu’il a commencé à sortir quelques maxis diffusés par Acéphale dont une reprise de Yuck ("Despite everything"). Mais c’est en duo qu’il devrait jouer sur scène avec l’ex-batteur de Women et en première partie de… M83. De quoi propulser sa carrière.

Au cas où vous n’auriez pas totalement succombé au charme de sa pochette rose organique – initialement une photocopie de sa main, trafiquée par la suite – le titre d’ouverture a tôt fait d’exercer une étrange fascination. Batterie et synthé grondent au loin avant de surgir par un habile fade in. Dix secondes se sont écoulées et déjà cet album ne laisse pas indifférent. La mélodie, portée par un tempo bien lourd et la voix androgyne de Remiddi, est suffisamment entraînante sans être aguicheuse. Une guitare gorgée de fuzz et de delay surgit à la fin pour un solo épique. La tendance au shoegaze fait son apparition avec le second titre, "Shapeless and gone", fausse pop song qui n’en finira pas de hanter l’album jusqu’à sa fin. Ce mélange de dream pop teintée de shoegaze évoque parfois les trames sonores de The War On Drugs mais avec plus de retenu.

Porcelain Raft excelle surtout lorsque la rythmique domine le morceau comme sur "Unless you speak from your heart". C’est elle qui impulse une énergie du début à la fin. Elle atteint littéralement des sommets à la fin de l’excellent "Put me to sleep", si dantesque qu’on la croirait taillée pour les stades. Son caractère obsessionnel permet alors à la voix androgyne de Remiddi de se hisser, de prendre de la hauteur. Sur "The end of silence", elle est au bord de la rupture mais parvient à se maintenir sur le fil.

Seul à la composition, Remiddi a toujours privilégié le Do It Yourself, s'agitant sur tous les fronts, de la composition à la production. Pourtant c’est à Chris Coady (Tv On The Radio, Foals, Yeah Yeah Yeahs) qu’il a confié le mixage de son premier album. Et si un sous-sol de New York a remplacé sa chambre londonienne, son disque n’en conserve pas moins un côté intimiste, sans toutefois être trop introverti. Une fougue constante semble vouloir transcender chacun des morceaux pour les faire décoller vers des strates lointaines. Et quand bien même le disque s’achève, on en redemande encore.

En bref : un mariage brillant entre dream pop et shoegaze, prémices d'une signature sonore inédite.

"Unless you speak from your heart" :

"Put me in to sleep":

Une chouette interview

Quantic - The Best Of Quantic (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 31 Jan 2012 17:09:00 +0000

Quel point commun entre tous ces noms de groupes : The Limp Twins, Quantic Soul Orchetra, Candela All Stars, Cambo Barbaro, Flowering Inferno… ? Un seul homme du nom de Will Hamond, génial producteur et globe-trotter anglais installé en Colombie depuis les années 2000. Infernal touche à tout musical, on l’a croisé ces dernières années dans tous les ports, aux confins de toutes les influences. Il était temps que Tru Thoughts son célèbre label de Bristol lui rende hommage au travers d’un Best Of qui pour une fois porte bien son nom. Voyage dans une musique qui réchauffe le cœur.

Car Quantic fait réellement monter la température : caribean swing, mambo cubain, salsa, reggae, dub, soul, chaque branche de la musique est ici arrangée avec précision par un Dj qui en a vu et qui n’hésite pas à insuffler des touches plus récentes d’électro ou de rock. Des sonorités latines modernisées, c’est ce que propose Quantic capable de jouer de n’importe quel instrument, sur n’importe quel tableau. A la fois respectueuse et catchy, sa musique est ainsi universelle. La bande son parfaite pour un mojito, permettez-moi le cliché.

C’est rare que nous nous intéressions à un Best Of, mais là le double disque (ou simple vinyle) est tellement bien séquencé et choisi que c’est un disque à part entière. Et derrière l’arbre qui cache la forêt ("Mi swing es tropical", matraqué de partout) se cachent une infinité de morceaux plus entraînants les uns que les autres : "Time is the ennemy", trip-hop au piano lancinant, "Transatlantic", swing tropical imparable, mais aussi "Life in the rain", "Pushin’ on", "Sabor"… Autant de bombes de bar et de bombes tout court. Essentiel !

En bref : rétrospective dense et schizophrène entre gênes tropicaux et tendances électroniques. Vive Quantic !

Le site officiel

"Transatlantic" :

"Life in the rain" :

"Not so blue" :

Lone Pigeon - Time Capsule 001-010 (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Mon, 23 Jan 2012 17:15:00 +0000

Qu’il est difficile pour moi d’aborder un tel monument. Pour vous faire un résumé, disons juste que Lone Pigeon est le nom d’emprunt de l’écossais Gordon Anderson, ex leader du mythique Beta Band et actuel leader des méconnus The Aliens. Entre ces deux périodes, l’homme qui n’a jamais caché sa maladie mentale -voir sa prétendue possession par le malin- s’est retiré du système, et entre d’interminables séjours en hôpital psychiatrique a trouvé le temps d’enregistrer quantité de morceaux (159 pour être exact) regroupés en 7 albums indépendants, tous présents dans ce coffre de toute beauté. Retour sur ce monolithe musical indispensable à tout fan de Beatles, Beta Band, Daniel Johnston ou Syd Barrett, véritable voyage dans l’esprit dérangé d’un démiurge pop mésestimé.

Gordon Anderson, c’est d’abord The Beta Band. Un succès d’estime pour quelques amateurs éclairés, juste un nom de groupe défunt pour d’autres. Lorsque le groupe splitte, Anderson est transparent sur sa consommation de drogues psychédéliques. Il peut prendre LSD à longueur de journée et enchaîner pendant plus de deux mois non-stop à plus de 40 mushrooms par nuit. Suite à ça les docteurs lui détecteront une schizophrénie qu’il réfutera toujours, même après avoir avoué s’être senti quelques temps possédé tour à tour par un démon tueur et un sphinx égyptien. Profitant de ses rares éclairs de lucidité pour absorber l’œuvre des Beatles et en recracher tout ce qu’il peut, il met en boîte 7 albums, dont 5 dépassent les 20 titres. Un travail colossal réalisé à posteriori par son frère King Creosote qui signe ici la préface du livret. A l’origine tout n’existait que sur cd-r.

Le résultat est irréel, et bien-sûr il faut s’accrocher pour avaler les 8 heures de musique de ce mammouth discographique. On en ressort vidé, convaincu d’avoir traversé les pensées d’un être à la dérive, le côté voyeur en moins (ici personne n’est mort et Anderson tient plutôt la dragée haute en ce moment). On commence donc avec Moses, premier des 7 chapitres. Le plus ancien puisque réalisé en 1997, et peut-être le meilleur du lot. L’impression oppressante de zapper constamment sur une radio pirate d’un temps révolu, avec de très nombreux nuages soniques lo-fi, parfois dégagés par des éclaircies de songwritting pur, guitare acoustique et voix, pour des balades folk tordues teintées d’électronica ("Rox"). Du Syd Barrett ou je ne m’y connais pas.

"Rox" :

Sur Dr Vamprianos And His Old Melodic Chest Of Dwarves (bim le titre !), Anderson plonge plus profondément encore dans cet univers. N’écoutez que "How Can I Go" et imaginez la suite. Sa voix est plus claire et les arrangements plus extrêmes. Le fantôme de McCartney est désormais bien présent et ne quittera plus le disque. "Glover", morceau fil rouge du coffret, fait aussi sa première apparition. On le retrouve sur quasi chaque disque mixé de manière différente. Sur 28 Secret Tracks, on revient à du matériel plus traditionnel et le disque serait presque écoutable par le commun des mortels. J’ai dit presque.

"How Can I Go" :

Baby Piano compte aussi ses morceaux de bravoure. Le déchirant "Won’t You Take Me By The Hand" notamment. Pour Cakemonth c’est "Juicy Little Flies In The Highlands" qui fait figure de sommet. Là on s’éloigne encore du format traditionnel pop songs des sixties pour au final sortir un alien musical qui mixe en 15 minutes tous les effets biscornus du White Album et du Sgt Pepper des Beatles. Et qui se permet de massacrer Brian Wilson aussi en plein milieu d’un moment de folie à 10’18". Du foutage de gueule pour certains, un grand moment de musique au casque pour d’autres. Sur Glover Again Anderson est hyperactif et élargit son spectre musical. "Glover" est enfin présenté en version "définitive", tel que le reprendront ensuite les Aliens dans leur décidément énormissime Astronomy For Dogs.

"Juicy Little Flies In The Highlands" :

Won’t You Take Me By The Hand :

"Glover" :

Bien-sûr dans un objet comme ça il y a aussi l’artwork, ici phénoménal.7 cd, chacun dans un fourreau, chaque fourreau dessiné de la main d’Anderson, intérieur extérieur, formant un véritable kaléidoscope acide, le chaos tout en couleur.

En bref : sans concession aucune, cette collection indescriptible de morceaux subversifs est un trip immense dans la bipolarité de son auteur Gordon Anderson, certainement l’un des plus doués et mésestimé de ces dernières années en matière de pop perchée.

Le site officiel
Acheter chez Domino

Someone Still Loves Boris Yeltsin - Tape Club (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 17 Jan 2012 20:08:00 +0000

Adeptes des groupes au nom à rallonge bonsoir! SSLYBY pour faire plus court est un tout petit groupe (tout juste 3 albums au compteur en dix ans de carrière) qui n’a pourtant pas oublié d’être prolifique à la maison. Ainsi sortait l’année dernière ce double vinyle de faces B et autres raretés comme il est bon de les appeler. Soit 26 morceaux de pop indé sortis de la manche qui - il faut le dire - surpassent en qualité ce que l’on avait l’habitude de retrouver sur les "vrais" albums du groupe du Missouri. Un cadeau pour les fans, une porte d’entrée de haut standing pour les non initiés.

Peu connaissent SSLYBY (en référence à l’ancien président russe on s’en doute). C’es pourtant un groupe très intéressant qui peut se targuer de compter au moins trois songwritters en son sein, dont Philipp Dickey et John Cardwell, têtes pensantes de cette bande de quatre amis. Comme beaucoup de zicos passionnés par le matos d’enregistrement, ils prennent soin de retranscrire ici dans le gatefold du disque les dates et conditions d’enregistrement. Et l’originalité de cet objet est que les titres ont été classés par ordre chronologique de confection. Autant dire que cela va de la chambre de la mère de Phil en 2002 jusqu’à des studios plus cossus en 2009. Et que le son s’en ressent.

A l’origine, un "tape club" c’est ça, une compilation sur cassette pour remercier les fans. Ceux de SSLYBY sont peu nombreux mais au combien fidèles. Fidèles à ce sonwritting qui emprunte autant à Elliott Smith qu’à Wilco, en passant par Pavement. Le pari est risqué pour un si jeune groupe, le risque de livrer un disque inégal est fort. Mais ça marche. Très bien même.

On suit donc l’évolution en commençant par "The cloud and the pebble", véritable douceur pop lo-fi avec arpèges délicats, douceur de la voix et harmonies Beach Boysiennes. Un tube de poche tout comme "Let’s get tired". Puis les magnifiques "Sweet owl" et "Spinning sea" où l’on croirait vraiment entendre les enregistrements du jeune Elliott Smith période Roman Candle. Le son lo-fi que l’on retrouvait dans le premier album Bloom du groupe. Des ballades au coin du feu à la gratte sèche qui semblent sortir du chapeau d’un magicien imaginaire.

Puis ça devient électrique ("Lower the gas pricies, Howard Johnson"), tubulaire encore ("Coming through", "Dear right") et même dépareillé sur "Cardinal rules" un poil trop moderne pour eux apparemment. Seul "Yellow missing signs" présente une production aux gimmicks très MGMT qui passent. Une publicité télé en puissance, et quoi qu’on en dise une ritournelle qui reste très longtemps dans la tête.

En bref : véritable documentaire de chutes sur un groupe on ne peut plus marginal et indépendant, Tape Club est un petit cadeau de pop lo-fi qu’on aurait tort de se refuser.

Le site officiel et le Bandcamp

D’un extrême à l’autre, "The cloud and the pebble" et "Yellow missing signs" :

L’album en écoute :

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Katalyst - Deep Impressions (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Mon, 16 Jan 2012 16:14:00 +0000

On parle assez peu de l’Australie, encore moins quand il s’agit de hip-hop. Pourtant Ashley Anderson de son vrai nom mériterait d’avantage d’intérêt. Producteur émérite résidant à Sidney, on lui doit notamment deux superbes albums sortis respectivement en 2002 et 2007, Manipulating Agent et What’s happening ?. Entre temps comme tout bon beatmaker qui se respecte, le jeune homme a enchaîné remixes, featurings et autres mixtapes. En 2011 il sortait chez les excellents BBE via Invada Records ce troisième album qui - pardonnez-moi le jeu de mot facile - m’a fait forte impression.

Un peu comme Apollo Brown, Katalyst cherche des sons de la blaxploitation 70’s, les sample, les mixe, les remonte et appelle à la rescousse différents collaborateurs vocaux. Ici on a droit à ses anciens bras droits mais aussi à de nouveaux MC’s issus de "groupes" tels que Pharcyde ou encore KillaQueenz. En audiophile accompli, il remonte le tout de manière à rendre indiscernable ce qui est neuf et ce qui est de l’ordre de la récup. A tel point que l’on semble se trouver devant une compilation soulful que ne renierait pas Nova sur ses ondes.

Aussi bien que l’on retrouve sur Deep Impressions du hip hop, du funk, du jazz et même du reggae sur l’inaugural (et très différent du reste) "Day into night". Sur les 14 titres que contient ce disque exotique, la variété fait légion. Aussi bien rocky que funky, sans jamais oublier ses bases de hip-hop beat et ses samples soul. La face A est en ce sens exemplaire. Grâce notamment à ce "Black dragon" d’anthologie, parfait alliage cuivré et rythmé de black music. Derrière on a "Pot or pills" (sic), tout est dans le titre, la soul en plus. Mais aussi les beats old school de "Beware", le girls’s powa de "Clapping song", le (trop) sucré "Prince of cool".

Et ça continue, pendant 45 minutes impeccables qui pourraient passer dans n’importe quelle soirée. Quasiment que des titres forts, même si j’aime moins ceux chantés par les filles. Il faudrait tous les lister, mettre tous les clips en ligne, mais il suffit aussi d’écouter ce disque pour s’en faire une idée. Et d’y revenir. Même 2011 passé.

En bref : 14 titres samplés et rappés par un beatmaker australien qui réconcilie flows hip-hop et ambiance soulful de la blaxploitation. Un honnête must-have.

Le site officiel

Top Dodb 2011

noreply@blogger.com (Ju) — Wed, 04 Jan 2012 17:00:00 +0000

Alors que pratiquement tous les tops sont tombés comme l’hiver sur le pays, c’est toute la petite équipe de Dodb qui vous livre le(s) sien(s), entre excès culinaires et réunions familiales de rigueur. Un top un peu moribond pour une année musicale qui n’a pas particulièrement brillé, à l’image de toutes ces pochettes en noir et blanc. Où est passée la génération fluo ? On se le demande encore. Mais si 2011 ne restera pas au panthéon, certains poulains et autres anciens ont tout de même tiré leur épingle du jeu. Si pour nous c’est un jeune Néo-Zélandais qui remporte la palme de l’originalité, il ne faut pas oublier tous les autres, qui d’une manière ou d’une autre ont à un moment donné titillé nos oreilles cette année. 2011 est mort. Vive 2012 !

CLASSEMENT COLLECTIF DODB

1. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Phantasy Sound)

Un premier OVNI pop de 36 minutes à mettre au profit du jeune Connan. Il y voyage dans son subconscient et dépeint un univers musical poétique et surréaliste, touchant et difforme. Juste ce qu’il nous fallait.

2. Nicolas Jaar - Space Is Only Noise (Circus Company)

Un disque captivant de bout en bout, épais, poétique, stylé. Pour tous ceux qui sont proches du burn out, en ces temps difficiles.

3. Destroyer - Kaputt (Merge)

Fainéants que nous sommes, nous n’avons pas pris le temps d’écrire sur le dernier disque de Dan Bejar, qui nous a pourtant bercés toute l’année avec son soft-rock mélodieux et ses envolées de saxophone.

4. James Blake - S/T (Atlas)

James Blake fait le lien entre dubstep, soul et gospel sur cet autoportrait d'une maîtrise presque effrayante pour son jeune âge. Vibrant, hivernal, d’une beauté dense et surnaturelle.

5. Timber Timbre - Creep On Creep'in On (Arts & Crafts)

Disque de folk soul inquiétant et rassurant à la fois, porté par une voix qui s’est trouvée, un premier pas chez les grands.

6. Other Lives - Tamer Animals (TBD Records)

Un très belle pièce de folk habitée et subtilement orchestrée, possédée de bout en bout, avec de vrais beaux titres. Belle surprise.

7. Oneohtrix Point Never - Replica (Mexican Summer / Software Records)

Un exercice pointu de sampling au service d’un psychédélisme électronique à la fois éthéré et très prenant. Le port d’un scaphandre ou d’une combi d’astronaute est vivement conseillé pour s’immerger dans le cosmos d’OPN. L’un des gros trips de l’année.

8. Metronomy - The English Riviera (Because)

Si The English Riviera était un homme, il serait de ce genre bien rare qui tourne ses défauts en qualités, si bien que l'on ne s’en lasse jamais.

9. Robag Wruhme - Thora Vukk (Pampa)

Robag Wruhme nous a offert la divine surprise du printemps avec un album house d’une grâce et d’un romantisme ahurissants.

10. Theo Parrish - Uget (Ugly Edits)

Une anthologie des meilleurs edits de Theo Parrish depuis 2002. Aux confins du disco, de la house, du R&B et du jazz, le DJ de Detroit revisite certains des grands classiques de la musique noire américaine, de Quincy Jones à Funkadelic. Plus soulful, tu meurs.

11. Death In Vegas - Trans-Love Energies (Portobello Records)

Sans peur et sans binôme, Richard Fearless revient à un son plus dark, avec un disque qui gagne en cohérence dans les climats et la conception, débarrassé qu'il est du casting par trop envahissant de ses prédécesseurs.

12. DJ Quik - The Book Of David (Mad Science)

Cette leçon de hip-hop West Coast sonne comme une fessée sur les derrières joufflus des faux rappeurs de tous poils. Le vétéran DJ Quik revient à l’essence du son californien, et c’est tout simplement un régal.

13. Bon Iver - Bon Iver, Bon Iver (Jagjaguwar)

Trois ans après For Emma, Forever ago, Justin Vernon poursuit son exploration d'un folk onirique et épidermique. Plus riche, instrumenté et polymorphe que son précédent opus, cet album, auquel a participé le saxophoniste d'Arcade Fire Colin Stetson, confirme Bon Iver comme un des plus grands songwriters de notre époque. Rien de moins.

14. M83 - Hurry Up, We're Dreaming (Naïve)

Désormais installés à Los Angeles, les frenchy de M83 ont livré en 2011 ce qui s'avère être leur meilleur album à ce jour. Un double disque grandiose, foisonnant et épique, sans aucun impair, mêlant habilement synth-pop, ambient et electronica. Pour ceux qui seraient passés à côté, "Midnight City" et "Wait" sont à écouter de toute urgence.

15. Baxter Dury - Happy Soup (Regal Recordings)

Au triste, au trivial et au trash répondent l’humour, l’élégance et la poésie dans un bel album qui, n’essayant pas d’être le chef-d’œuvre qu’il pourrait être, cherche simplement et avant tout à affirmer sa condition éminemment britannique. Et cela suffit à en faire un objet d’intérêt universel.

15 ex aequo. Apollo brown - Clouds (Mello Music Group)

Un petit joyau de hip hop instrumental gorgé de groove qu’il est impensable de ne pas aimer.

CLASSEMENTS INDIVIDUELS :

Ju

1. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Phantasy Sound)
2. James Blake - S/T (Atlas)
3. Timber Timbre - Creep On Creep'in On (Arts & Crafts)
4. Other Lives - Tamer Animals (TBD Records)
5. Kitty Daisy Lewis - Smoking In Heaven (Sunday Best Recordings)
6. Michel Cloup (Duo) - Notre Silence (Mc Disques)
7. Metronomy - The English Riviera (Because)
8. Apollo brown - Clouds (Mello Music Group)
9. Budam - Man (Volvox Music)
10. Baxter Dury - Happy Soup (Regal Recordings)

Dave

1. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Phantasy Sound)
2. Oneohtrix Point Never - Replica (Mexican Summer / Software Records)
3. Nicolas Jaar - Space Is Only Noise (Circus Company)
4. Destroyer - Kaputt (Merge)
5. Theo Parrish - Uget (Ugly Edits)
6. Boof - Shhh, Dandelions At Play (Bubbletease Communications)
7. James Blake - S/T (Atlas)
8. Robag Wruhme - Thora Vukk (Pampa)
9. DJ Quik - The Book Of David (Mad Science)
10. Charles Bradley - No Time For Dreaming (Daptone Records)

Fabien

1. Destroyer - Kaputt (Merge)
2. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Phantasy Sound)
3. M83 - Hurry Up, We're Dreaming (Mute)
4. Oneohtrix Point Never - Replica (Mexican Summer / Software Records)
5. Fleet Foxes - Helplessness Blues (Sub Pop)
6. Bon Iver - Bon Iver (Jagjaguwar)
7. Nicolas Jaar - Space Is Only Noise (Circus Company)
8. James Blake - S/t (Atlas)
9. Metronomy - The English Riviera (Because)
10. Dirty Beaches - Badlands

Nickx

1. Charles Bradley - "Stay away", reprise de Nirvana sur la compil Newermind
2. Mars Red Sky - S/t (Emergence)
3. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Phantasy Sound)
4. Timber Timbre - Creep On Creep'in On (Arts & Crafts International)
5. Bodies Of Water - Twist Again (Thousand Tongues Record Co.)
6. Death In Vegas - Trans-Love Energies (Portobello Records)
7. Keren Ann - 101 (EMI)
8. Cheveu - Mille (Born Bad)
9. Slow Joe And The Ginger Incident - Sunny Side Up (Believe)
10. Iron And Wine - Kiss Each Other Clean (4AD)

Antoine

1. Robag Wruhme - Thora Vukk (Pampa)
3. DJ Quik - The Book Of David (Mad Science)
2. Nicolas Jaar - Space Is Only Noise (Circus Company)
4. Mr. Raoul K - Introducing My World (Mule Electronic)
5. Theo parrish - Uget (Ugly Edits)
6. Tom Vek -Leisure Seizure (Island Records)
7. Charles Bradley - No Time For Dreaming (Daptone Records)
8. Apollo brown - Clouds (Mello Music Group)
9. James Blake - S/T (Atlas)
10. M83 - Hurry Up, We're Dreaming (Mute)

Thomas

1. Other Lives - Tamer Animals (TBD Records)
2. Tim Hecker - Ravedeath, 1972 (Kranky)
3. The Antlers - Burst Apart (Frenchkiss)
4. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Phantasy Sound)
5. Radiohead - The King Of Limbs (No Label)
6. Timber Timbre - Creep On Creep'in On (Arts & Crafts)
7. Bon Iver - Bon Iver, Bon Iver (Jagjaguwar)
8. Kurt Vile - Smoke Ring For My Halo (Matador)
9. St. Vincent - Strange Mercy (4AD)
10. Ponytail - Do Whatever You Want All The Time (We Are Free)

Emmanuel

1. Pj Harvey - Let England Shake (Island Records)
2. Destroyer - Kaputt (Merge)
3. Nicolas Jaar - Space Is Only Noise (Circus Company)
4. Molly Nilsson - History (Dark Skies Association)
5. Baxter Dury - Happy Soup (Regal Recordings)
6. The Field - Looping State of Mind (Kompakt)
7. Bonne Prince Billy - Wolfroy goes to town (Drag City)
8. Korallreven - An Album By Korallreven (Acéphale)
9. Chelsea Wolfe - Ἀποκάλυψις (Pendu Sound Recordings)
10. Planningtorock - W (DFA)

HIP HOP

1. Nicolas Jaar - Space is only noise (Circus compagny)
2. TV On The Radio - Nine Types of Light (Interscope)
3. Hawks - Rub (Transruin records)
4. Artic Monkeys - Suck It And See (Domino Records)
5. The Raveonettes - Raven In The Grave (Vice Records)
6. Magnetix - Drogue électrique (Born bad)
7. The Cramps - Live at Club 57 (1979) (Moonlight records).
8. True Widow - A.H.A.T.H.H.A.F.T.C.T.T.C.O.T.E. (Kemado)
9. Barn Owl - Ancestral Star (Thrill Jockey).
10. Swamp Delta Rock - Compilation (Soul Jazz Records)

Jessyka

1. The Rapture - In The Grace Of Your Love (DFA)
2. Metronomy - The English Riviera (Because)
3. James Blake - S/t (Atlas)
4. Nicolas Jaar - Space is only noise (Circus Company)
5. Connan Mockasin - Forever Dolphin Love (Phantasy Sound)
6. Ty Segall - Goodbye Bread (Drag City)
7. Cults - Cults (Columbia)
8. Lykke Li - Wounded Rhymes (Atlantic)
9. The Kills - Blood Pressures (Domino)
10. Panda Bear - Tomboy (Paw Tracks)

Psychocandy

1. The Fall - Ersatz GB (Cherry Red)
2. The Pains Of Being Pure At Heart - Belong (Slumberland)
3. L’Enfance Rouge - Bar-Bari (Wallace Records)
4. Death In Vegas - Trans-love Energies (Portobello Records)
5. Cercueil - Erostrate (Le Son du Maquis)
6. The Kills - Blood Pressures (Domino)
7. Nestorisbianca - Genetics (No Label)
8. Trunks - On the roof (Les Disques de Plomb)
9. Boogers - More better (At(h)ome)
10. The Pack AD - Unpersons (Mint Records)

Death In Vegas - Trans-Love Energies (2011)

noreply@blogger.com (Nickx) — Wed, 28 Dec 2011 10:55:00 +0000

Sept ans que Richard Sanspeur ne nous avait rendu visite. Pour son nouveau forfait, après un LP en forme d'hommage et de citation des maîtres Kraftwerk ("Satan's Circus"), Fearless et son avatar Death In Vegas jouent à nouveau la carte de l'épure. S'il n'est pas entièrement instrumental comme son prédécesseur, Trans-Love Energies a au moins le bon goût de ne plus convoquer chanteurs brit à tout va, ce qui rendait parfois illisible sa démarche à l'image de ce que pouvait donner son vilain pendant de Chemical Brothers, ou à un degré moindre les "groupes" à géométrie variable que sont les Archive ou Massive Attack.

Séparé de son alter ego Tim Holmes, Fearless conduit en solo et pour la première fois de manière ostentatoire ce nouveau disque, assumant lui même l'intégralité des quelques parties chantées.

L'ambiance générale n'est pas sans rappeler l'ambient d'un Aphex Twin circa 93/95 - sa meilleure période, on ne s'en plaindra pas - ainsi va l'inaugurale et sombre "Silver Time Machine", étirée et obsédante. "Black Hole" qui lui succède dans un fade in savant ne déparerait pas au sein des lugubres délices du Closer de Joy Division.

Parmi les autres réussites, les ambiances cafardeuses du répétitif "Lightning Bolt", la transe syncopée de "Coum" sont les pistes les plus réussies de ce Trans-Love Energies, assez caractéristiquement d'ailleurs celles où la voix blanche et monocorde de Fearless est omniprésente. En revanche, les remix ou versions différentes proposées en bonus sur le double vinyle sont assez pesantes voire gonflantes, et c'est finalement dans la concision que monsieur Death In Vegas convainc le mieux, dans ce qui reste son disque le moins sexy (comprendre racoleur), mais sans doute le plus cohérent à ce jour.

En bref : sans peur et sans binôme, Richard Fearless revient à un son plus dark, avec un disque qui gagne en cohérence dans les climats et la conception, débarrassé qu'il est du casting par trop envahissant de ses prédécesseurs.

le site, le Myspace

"Black Hole" :

"Lightning Bolt" :

Michel Cloup (Duo) - Notre Silence (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 27 Dec 2011 00:52:00 +0000

Pour la génération avant la mienne, Diablogum reste un groupe mythique au sein du paysage francophone. Honte sur moi, je n’y ai mis les pieds plus que de rigueur. J’avais bien effleuré quelques fois un disque comme #3 mais jusqu’à cette année, jamais je n’étais tombé amoureux de leur univers. C’est aujourd’hui chose faite grâce à ce disque sorti hors circuits, qui doit la seule petite lumière médiatique qu’il a reçu à son patronyme honorifique. Et puisque le retour sur les planches et dans les bacs du plus culte des groupes français se fait attendre, quoi de mieux pour patienter que cet ovni slow-core, produit purement français et pourtant tellement américain.

Comme son nom l’indique, cet album est joué en duo. Guitare/voix/batterie. Michel Cloup (Experience, Binary Audio Misfits) + Patrice Cartier. Pas plus. Ni moins. Un choix pour le moins minimaliste, qui privilégie l’épure aux dépends de la sophistication. Tout comme la pochette noir et blanc aux relents de BYG Actuel. Tout comme le phrasé parlé jamais crié. Et puis il y a ce son grave et chaud de la guitare barytone. Tout contribue à cette lente et courte introspection. Cette mise à nu d’un artiste oublié sur le bord de la route et qui a encore des choses à dire. "Une histoire, mon histoire. Universelle, banale. Mon histoire, notre histoire", tel commence ce disque solennel d’à peine six véritables morceaux.

Michel Cloup y est à vif. Les thèmes sont lourds : l’enfance, le deuil, la dépression, la douleur, la fatalité, le tout avec un regard quadra mélancolique à souhait. Sans jamais verser dans le pathos, avec peu de mots et en imageant comme un poète, Michel Cloup frappe sec et fort sans chichis. "Expliquer l’inexplicable, pour accepter l’inacceptable" lâche-t-il dans "Cette colère", premier coup de force du disque. Un de ces je ne-sais-quoi qui laisse des frissons sur son passage, entre rage et amour.

Sa guitare est son autre grande force. Typiquement américaine mid-90’s côté Slint et Shellac. Des soli juste comme il faut et un son écorché mais précis qui s’étend sur de relativement longs morceaux. Sommet du disque, et meilleure chanson de l’année pour moi, "Notre enfance" reflète en cela tout ça. Il y a tout. La longueur (12 minutes), la présence, les breaks, le sens, la charge émotionnelle, l’histoire. Notre histoire.

En bref : pesant et dépouillé, Notre Silence est un regard unique sur la vie, d’un classicisme et d’une sobriété folle. Un soleil noir.

Le site officiel

"Cette colère" :

Keren Ann - Espace Julien- Marseille (17/12/11)

noreply@blogger.com (Nickx) — Mon, 19 Dec 2011 07:49:00 +0000

Madame Nickx et moi nous sommes fait une spécialité des "dernières" ; c'est donc à l'Espace Julien qu'accompagnés de Nickx Junior, nous avons rendez-vous avec Keren Ann pour l'ultime date de sa tournée 101 ; mais revenons aux préliminaires.

De Daho à Bashung

Combien, à part votre serviteur, auront reconnu l'accompagnatrice de Doriand (avec un "D"), support artist de la jolie franco-néerlandaise ? Car il s'agit bien en effet de l'ex-meneuse des cultes et très délicats Valentins qui officie à la guitare folk, seul oripeau instrumental du mini-set, si ce n'est le tambourin agité frénétiquement en final des morceaux par le chanteur dandy.

Lequel ne se prive pas de rappeler (merci à lui) les exceptionnels états de service d'Edith Fambuena en variété pop française (de Daho à Bashung, en passant par.......à peu près tout le monde) qui, bien qu'abîmée par les années, n'a rien perdu du charisme qui avait fait d'elle l'ex-égérie de la nouvelle vague gay romantique du début des 90's.

Et à la vérité, c'est presque d'elle dont on le plus envie de parler, plus que de Doriand, au demeurant chanteur néo-réaliste aux histoires drôles et tendres, jamais très loin d'un Renan Luce, et sans doute plus attachant que toute la cohorte d'affreux Benabar de la terre !

Louise Brooks, Mireille Mathieu et Carla Bruni

Place à Keren Ann dans une salle qui c'est un comble, ne l'est pas, avec le parti gonflé de lancer le set après avoir balancé le title-track lancinant de 101, juste avant de monter sur scène. En formation resserrée, la belle Keren a donc décidé d'abandonner la très discutable coupe de cheveu à mi-chemin entre Louise Brooks et......Mireille Mathieu qu'elle arborait sur la superbe pochette du dernier album.

A présent, sa silhouette moulée dans le cool d'un fut moulant et de la veste rock'n'roll de rigueur, évoque davantage une Carla Bruni branchée, et c'est tant mieux.

Le groupe de 4 musiciens, particulièrement efficace propose batteur, sosie de Sinclair à la basse, clavier et ô joie rien de moins que Philippe Almosnino, échappé des Wampas, dont le jeu virevoltant insufflera à "Sugar Mama" et certaines vieilles scies telles "It Ain't A Crime", une seconde jeunesse. Keren, d'humeur très accorte, fait de longs commentaires sur les chanteurs peints sur les murs de l'Espace, se félicitant de figurer aux côtés de Dee Dee Bridgewater et s'autorisant une saillie réitérée envers Booba et Diam's, qu'elle se désole (?) de ne pas côtoyer (LOL).

Son maousse, voix diaphanes...

Un sobre éclairage aux tons violets sied particulièrement à la mélancolique et magnifique "Strange Weather" qui lance les hostilités. Le son est maousse, la voix en pâtira d'ailleurs parfois, mais ça n'est pas grave. C'est à un véritable best-of de sa déjà conséquente discographie que convie Keren ; tous les morceaux qui comptent seront joués, avec une part belle faite évidemment à 101. Dont les morceaux de bravoure hormis la chanson-titre, sont tous interprétés. Nos préférés ? Outre la chanson d'ouverture, un très beau "You Were On Fire" délicatement saupoudré de Theremin, et sur lequel Keren évoque feu Trish, la chanteuse des hélas méconnus Broadcast.

Ca n'est d'ailleurs pas le moindre des mérites de la muse néerlandaise que d'évoquer les voix diaphanes les plus prisées des années 90/2000 ; on pense aussi à l'adorable Hope Sandoval sur "All the Beautiful Girls" et la rêveuse "Song From A Tour Bus".

Traitement club...souvenirs feutrés

Si l'on devait retenir une caractéristique de la prestation de Keren Ann ce samedi, c'est l'absence de faute de goût, tant dans le choix de ses accompagnateurs ; qu'il s'agisse de ses propres musiciens ou de la première partie. Ou de façon plus subjective, de celui du répertoire interprété, qui atteint son apogée après le rappel.

Auparavant la tant attendue et tourbillonante "My Name Is Trouble", jouée en 12ème position aura droit à un traitement club : après un début classique, ce ne sont que guitare funky et basse slappée étirées sous de roboratifs stroboscopes, avec faux départs, vrais redémarrages, et Keren qui prend la pose oiseau de nuit sur le dance-floor !

Feu d'artifice final, les deux plus beaux titres du fantastique Not Going Anywhere (2003), le morceau-titre bien évidemment, et aussi le grandiose "Sailor And Widow" (ma préférée entre toutes), où la voix de Keren -qui officie derrière la batterie pour l'occasion- n'a jamais tant évoqué nos souvenirs feutrés de la grande Suzanne Véga.

Vivement le prochain album !

"Strange Weather" en ouverture du concert

Korallreven - An album by Korallreven (2011)

noreply@blogger.com (Emmanuel) — Sat, 17 Dec 2011 18:07:00 +0000

Que l’on appelle ça chillwave ou que l’on ne l’appelle pas, on ne peut que constater que nous avons ces dernières années été submergés par une vague de disques jouant avec les ambiances aqueuses et aériennes, en entrelaçant boucles électroniques, notes de synthé et voix éthérées. Les premiers disques reçus, inattendus et révélateurs (je pense notamment au seul, unique, et sublime EP des suédois d’Air France), semblaient tomber du ciel, portés par le vent. Objectif manifeste : créer du beau. Et amener l’auditeur à se détacher des lois de la pop et de la pesanteur. Seulement voilà : en lisant la presse, on aurait pu croire que 2011 allait être l’apogée du genre. Or, que j’écoute, simple exemple, Washed Out ou Neon Indian, je ne pense qu’une chose : Pffff. Comme un ballon qui se dégonfle, et qui échoue platement dans l’océan. Où les vagues perdraient de leur fluidité à force de courants contraires. Où dans « flotter » j’entends « flotch, flotch ». C’est pourquoi je suis heureux, en cette fin d’année, d’entendre un disque enfin accomplir ses ambitions élémentaires et oniriques. Cela n’étonnera personne, il vient de Suède. Il s’appelle An album by Korallreven. Et aux commandes, on note la présence du claviériste de The Radio Dept, groupe dont on ne vante plus les qualités.

On a beau reprocher aux journalistes de vouloir créer des genres out of the blue, tout concourt, sur cet album de Korallreven, à définir un canon, en accumulant des éléments devenus caractéristiques comme autant de figures imposées. On a ces références aux contrées exotiques (Korallreven signifie « récif de corail ») et fantasmées. Et surtout, on a ces grandes envolées lyriques et ce savant collage réverbéré de voix humaines, de bruissements naturels, de sons synthétiques et de boucles électroniques, si bien que l’on pense autant à Brian Eno qu’à The Avalanches. Et quand je dis savant, je ne pense pas nécessairement à une maîtrise métronomique manifeste ou à une précision d’artificier. Non, il s’agit ici de réussir à superposer les strates de sons pour leur donner une apparence accidentelle, à imiter les mouvements naturels, à donner l’illusion d’une musique dépendante des courants de l’air et des courants de l’eau. L’impression de flottement…

Et si Korallreven réalisent mieux que d’autres leurs ambitions impressionnistes, c’est parce qu’ils ont envisagé leur album comme un tout, brouillant non seulement les lignes à l’intérieur des morceaux, mais aussi entre les différentes pistes. Si bien que l’on ne sait jamais vraiment où l’on en est : ne cherchons pas, on est transporté. Le disque terminé, reste une impression d’avoir quitté l’espace et le temps, sans parvenir à définir ce que l’on vient d’entendre : la sensation d’avoir rêvé. On se souvient d’une entrée en matière céleste et épique, sur deux morceaux encore à peu près identifiables. On se souvient aussi des voix de Victoria Bergsman (Taken by Trees) et Julianna Barwick. Puis il semblerait que l’on se soit laissé capturer, emporter dans une série de rêves imbriqués les uns dans les autres : « A dream within a dream within a dream within a dream » : cette voix résonne encore... On se souvient d'échos qui semblaient se répondre et se répéter d’un bout à l’autre du disque, comme si la musique créait des espaces qui se dépliaient et se repliaient sur eux-mêmes, à l’infini… Et lors des dix dernières minutes, celles qui précèdent le réveil, on se souvient avoir entendu le tempo ralentir, tandis que les espaces se multipliaient ; il s’agissait pourtant d’une seule et même plage, puisque, dans le trouble et le doute, on aura vérifié… Écoute après écoute, d’autres souvenirs refont surface. Les autres restent enfouis sous des strates encore inexplorées, attendant que l’on replonge pour les chercher.

En bref : un album de chillwave, impressionniste, séduisant, électronique, complexe, aérien, onirique, délicat, inspirant, exotique.

Le Myspace et le Soundcloud

"As young as yesterday":

Et "The truest faith":

King Krule - King Krule (2011)

noreply@blogger.com (Thomas S.) — Tue, 13 Dec 2011 14:59:00 +0000

Qu’on se le dise, King Krule, de son vrai nom Archy Marshall, a seulement 17 ans et débute son projet solo après avoir officié en tant que Zoo Kid. Issu d’une famille de musiciens, c’est à 8 ans, selon les dires, qu’il compose son premier morceau et découvre ses aptitudes au songwritting. Autant dire que la pop ça le connaît, lui qui a déjà un maxi au compteur (Out Getting Ribs) et signe ici son premier EP éponyme chez True Panther (Morning Benders, Real Estate, Teengirl Fantasy). Ses prestations scéniques, au Midi Festival d'Hyères et à la soirée d’ouverture du Pitchork Festival à Paris notamment, ont eût tôt fait de lui assurer un premier succès d’estime.

Abstraction faite de son jeune âge et de sa maturité vocale précoce, on a ici affaire à un vrai disque de pop hybride aux accents ambient et jazzy. La voix d’Archy Marshall, suave et envoûtante, surplombe une instrumentation éthérée et minimaliste : guitare nimbée de reverb, basse profonde, batterie lo-fi à la frappe légère. Son chant (plutôt du parler-chanter) a un timbre mélancolique particulier qui prend de la consistance lors de ses accès de violence, sans jamais succomber à un excès d'émotions. Loin d’être omniprésent, le chant sait se faire discret sur "Bleak Bake", laissant la place à des textures vaporeuses. Il est même absent sur l’introductif "36N63" et ses lignes de contrebasse.

"The Noose of Jah City", en guise de final est sans conteste le sommet de cet EP. Il semble télescoper toutes les (bonnes) inspirations d’Archy Marshall pour en former un morceau plus abouti. Parmi les échos de guitare et le chant écorché qui ne cesse de dévoiler une certaine anxiété juvénile, on entrevoit la naissance d’un style singulier qui ne demande qu'a se développer. King Krule pourrait bien devenir un de ces songwriters à l’univers inspiré et intimiste comme le sont Bradford Cox et Kurt Vile. L’avenir nous en dira plus.

En bref : nouvelle coqueluche anglaise, adulé par Pitchfork et NME, King Krule semble couver un grand talent du haut de son jeune âge. Profitons-en avant qu’il ne soit happé par la hype.

Site officiel, bandcamp, site du label True Panther

"The Noose of Jah City" :

"Lead Existence" :

Steve Hauschildt - Tragedy & Geometry (2011)

noreply@blogger.com (Dave) — Thu, 08 Dec 2011 12:45:00 +0000

Habituellement ultra-prolifiques, les Emeralds n’ont rien sorti cette année, du moins en trio, sûrement accaparés par le succès de leur grande œuvre de 2010, Does It Look Like I’m Here ?, et la tournée qui a suivi. Le showman et soliste du groupe, le rouquin Mark McGuire, a quand même trouvé le moyen de sortir deux albums, l’un seul (Get Lost) et l’autre avec le duo Trouble Books, ainsi qu’une double compile. Mais la surprise vient du plus discret des droneux de Cleveland, Steve Hauschildt, dont Tragedy & Geometry est le premier véritable effort solo, après une poignée de cassettes et de Cdr. En charge de la programmation des synthétiseurs, Hauschildt a sans doute énormément contribué à l’évolution des Emeralds vers un son plus électronique et hypnotisant, moins bruitiste que sur leurs livraisons passées. Ses arpèges euphoriques et ses accords flottants fournissaient un cadre parfait pour les divagations guitaristiques de son acolyte.

Il y avait une telle complémentarité entre les deux musiciens (et même les trois, n’oublions pas John Elliott) sur DILLIMH ? que je me suis naturellement demandé, en lançant la galette, si Hauschildt supporterait le poids de la solitude. Et la réponse est : oui et non. Oui parce que des titres comme "Overnight Venusian" et "Batteries May Drain" sont des petites perles psychédéliques ; le premier semblable à un océan ténébreux de nappes, le second, pour moi le meilleur du LP, dans une veine clairement krautrock à la Neu!, avec un beat mid-tempo presque dansant et un riff bien accrocheur. Et non, parce que Steve a beau se démener comme un diable sur ses claviers, ce qui fonctionne sur quelques morceaux tombe un peu à plat sur d’autres.

"Music for a Moire Pattern", la pièce centrale de l’album, présente par exemple une progression un peu trop molle du genou pour maintenir l’attention éveillée durant ses 11 minutes. Quant aux plages ambient courtes qui font office d’interlude ("Arche", "Cupid’s Dart"), elles ne présentent pas un grand intérêt. Tragedy & Geometry souffre surtout d’une trop grande uniformité de textures, et l’on se prend à imaginer à quel point certains titres pourraient être sublimés par la guitare de McGuire. "Already Replaced" apparaît ainsi comme une version squelettique, loin d’être désagréable mais incomplète, du grandiose "Candy Shoppe".

Si l’ensemble manque parfois de relief et de tension, c’est parce que Hauschildt a fait des choix esthétiques forts, en s’orientant vers des sons chauds et accueillants, et en structurant ses morceaux comme de vraies chansons pop. Tout en restant bien sûr très cosmique ("Blue Marlin", "Peroxide"…), Tragedy & Geometry ne vise pas le même type de transe que les Emeralds, reste plus en retenue, moins expansif, ce qui en fait, de loin, le disque le plus accessible de toute la galaxie Emeralds, et une formidable porte d’entrée vers l’œuvre foisonnante du groupe.

En bref : escapade solo plutôt réussie pour le plus discret des Emeralds. Moins viscéral et plus pop que les disques du trio, Tragedy & Geometry est accessible, planant, et contient quelques fulgurances, comme le fabuleux "Batteries May Drain", mais aussi quelques longueurs.

Le site de Kranky

A lire aussi : Emeralds - Does It Look Like I'm Here ? et Mark McGuire - Living With Yourself (2010)

True Widow - A.H.A.T.H.H.A.F.T.C.T.T.C.O.T.E. (2011)

noreply@blogger.com (HIPHOP) — Sun, 04 Dec 2011 14:18:00 +0000

Je sais, je tiens là le titre le plus long et le plus idiot de l'année 2011, voire au delà ! Décodage immédiat : "As High As The Highest Heavens and From The Center To The Circumferance Of The Earth". On pourra y reconnaître l'ambition tellurico-stratosphérique typique d'une certaine tendance shoegaze, à la recherche d'un son à la fois massif et ample. Mais là encore, il ne suffit pas d'appuyer sur une pédale d'effet pour avoir du talent, et n'est pas Besnard lakes qui veut. Trio originaire de New York, True Widow, se la joue puissant, sombre et minimal, et, sans être follement original, trouve un style et un son, qui ont tout pour plaire.

On ne peut pas dire que la presse spécialisée ait buzzé d'une manière ou d'une autre sur cette formation (aucune recension à ma connaissance) ; c'est donc grâce à un disquaire (et oui ça existe encore, les ptits jeunes) que j'ai découvert ce disque.

Le son accroche tout de suite l'écoute : cette batterie downtempo qui ouvre le premier morceau "Jackyll", mixée très en avant, sonne au plus près de l'oreille, et semble dire merde au Loveless de My Bloody Valentine. Puis un lent tremblement de terre, quelque chose qui vous saisit doucement, vous impacte physiquement, une basse qui semble vouloir célébrer les noces du sludge et du shoegaze. Et enfin, une guitare claire amorce un motif entêtant qui sera repris par la voix.

Tout l'album repose sur ce minimalisme instrumental basse/batterie/guitare, très loin du prog savant des Besnard Lakes. Sur des tempos généralement lents, chaque instrument a droit à son intro, son attaque. Une sorte de stoner rock shoegaze, avec des voix claires, tantôt masculine tantôt féminine, direction le plus haut des cieux, mais qui viennent habilement élargir le spectre sonore, et évitent à l'ensemble de sombrer définitivement dans la crypte.

Du coup, les compos sont d'une grande simplicité, et les paroles aussi. Les motifs mélodiques ne sont jamais très développés, esthétique stoner oblige, et la guitare assure ce qui pourrait parfois ressembler à des ponts. Tout est tellement étiré que les refrains arrivent comme des codas, en délivrant l'oreille des boucles répétitives. Bon, les amateurs de chanson seront peut-être un peu perplexes, mais " Skull eyes" prouve qu'ils savent en écrire, et qu'ils ont la possibilité pour leur prochain album de ne pas se répéter, en se contentant de leurs trouvailles sonores.

En Bref : du stoner rock pour âmes en peine, sombres héros de la crypte, exilés pour veuvage à plein temps, les yeux rivés sur les chaussures. Les voix et les bribes de mélodies apportent ce qu'il faut de délicatesse.

Le site officiel

Floating Points - Shadows EP (2011)

noreply@blogger.com (Dave) — Thu, 01 Dec 2011 09:58:00 +0000

Nous avions découvert ce producteur avec son énorme Vacuum EP, en 2009. Déçus par son premier live parisien quelques mois plus tard, nous avions mis cette piètre performance sur le compte de sa jeunesse. Ceci dit, le potentiel de Sam Shepherd apparaissait déjà avec évidence, ainsi que son ouverture d’esprit et sa vision élégante du groove. Depuis, le Britannique a mûri et lâché quelques beaux 12'', dans des styles très variés, de ses travaux orientés bass music sur Planet Mu ou house sur son propre label Eglo, à ses aventures plus jazzy et instrumentales sur Ninja Tune, dans un style proche du Cinematic Orchestra. Mais il n’avait pas encore sorti le disque qu’on attendait de lui, celui qui accomplirait la synthèse entre toutes ces orientations. Eh bien le voici, ce fameux disque. Shadows est l’œuvre d’un musicien au top de sa forme, sûr de son style. Très long EP qui a tout d’un album (37 minutes pour 5 titres), il confirme Floating Points comme l’un des artistes les plus intéressants à avoir émergé de Londres ces dernières années.

Il n’est finalement que très peu question de house sur cet EP, bien qu’il s’articule autour d’un véritable chef-d’œuvre du genre, "ARP3", sorte de prolongement mélancolique de "Vacuum Boogie". Même lorsqu’un pied house vient délicatement se poser sur le piano de "Realise", c’est pour mieux être perverti, saccadé, et finir plus près de Burial que de Theo Parrish. Les rythmiques garage et 2-step, la basse synthétique et les nappes surpuissantes rappellent que Floating Points fait partie de la même génération que Julio Bashmore ou Joy Orbison. Mais les ressemblances s’arrêtent là, car le son de Floating Points n’est pas aussi exubérant et direct, taillé pour les clubs. Il est au contraire très intériorisé, concentré sur les détails et l’émotion. Autant au niveau de ses motifs mélodiques que de son ambiance et de sa structure, Shadows peut d’ailleurs être considéré comme un disque de jazz.

"Myrtle Avenue" et "Sais" sont clairement influencés par le son de Weather Report, du Miles Davis de Bitches Brew et par le côté organique des pianos électriques de Bob James et Herbie Hancock. La manière qu’a Shepherd d’imbriquer ses morceaux et de tenir une même couleur musicale sur l’ensemble du disque est également très jazzy (ou cinématographique si vous préférez) - c’est flagrant sur le diptyque "Realise" / "Obfuse". Tout n’est ici que délicatesse et sobriété, c’est pourquoi une écoute superficielle de Shadows peut laisser une fausse impression de platitude. Il faut faire l’effort de tendre l’oreille pour en apprécier toutes les subtilités.

En bref : jazzy, subtil, jouant astucieusement avec les codes de la house et de la bass music, Shadows est à ce jour le disque le plus abouti de Floating Points.

Floating Points sur Soundcloud et Twitter
Le site d’Eglo Records

A lire aussi : Floating Points – Vacuum EP (2009)

Floating Points - Sais from Will Hurt on Vimeo.

Curren$y - Verde Terrace (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Fri, 25 Nov 2011 17:26:00 +0000

Un peu de hip-hop ne fait pas de mal. Surtout quand c’est pour mettre à l’honneur l’un des plus discrets (et pourtant prolifique) rappeurs US. Le MC de New Orleans a battu tous les records en 2011 avec deux albums (dont un avec The Alchemist) et deux mixtapes officielles. Verde Terrace est la dernière de ces dernières, produite par Dj Drama, et peut à juste titre être considérée comme un véritable album de quinze titres. Comme toujours avec Spitta (un autre de ses pseudos) le résultat est quasi impeccable.

Avec lui j’ai découvert le terme weed-rap, et plus particulièrement weed-talk. Spitta est un gros fumeur de marijuana et ne s’en cache pas, aussi bien dans le flow nonchalant que dans les textes explicites à base de jeux de mots fumeux. Verde Terrace ne change pas la donne et aligne des chill-beats en mode laid-back. On ne s’y presse pas, on est cool. "Hennessy beach" le démontre avec force d’instruments jazzy, saxophone et claviers old-school en tête.

Mais il peut aussi s’aventurer non sans risques dans un registre plus "banger", c’est-à-dire tape à l’œil. "Car talk" est en cela un gros morceau west-coast à la limite du vulgos, mais une sacré bombe si l’on se laisse aller. Mais c’est une exception. L’ensemble reste plutôt groovy et de très bonne facture pour qui aime chiller justement. Entre autres, Young Roddy vient lui prêter main forte sur l’excellent "Crack BC". Lil Wayne également sur le bien nommé "Smoke sumthin" qui reprend l’instru du "Elevators" d’Outkast. Les reste est excellent, et malgré quelques titres en-dessous, l’album s’écoute d’une traite avec grand plaisir.

En bref : un très bon disque (gratuit) pour découvrir le hip-hop laid-back de Curren$y. Imparable de manière générale.

Le site officiel

Télécharger la mixtape gratuitement

"Music to ride to" :

The Heads - Relaxing With The Heads (1995)

noreply@blogger.com (Ju) — Thu, 24 Nov 2011 17:52:00 +0000

On ne trouve plus grand chose aujourd’hui sur la toile ou ailleurs au sujet du groupe anglais The Heads. C’est fort dommage car au milieu des années 90, à une époque de l’histoire de la musique où il était bon ton de se pavanaer sur la brit pop d’Oasis, c’était l’une des rares formations britannique à jouer la carte du rentre-dedans grunge et psyché. A l’occasion de la ressortie en double cd -plus de 10 ans après- de l’album jusqu’alors quasi introuvable, il était grand temps de revenir sur ce disque en particulier qui comme nombre de premiers albums montre le sommet de ce que peut faire un groupe.

Comment ne pas se sentir accablé sous le coup de massue qu’est "Quad", titre introductif de l’album. D’une cacophonie de drones, fuzz, réverbs, le morceau frappe par la basse de H.O. Morgan immédiatement suivie des guitares tonitruantes de Simon Price et surtout Paul Allen (alors tout nouveau dans le groupe, remplaçant le formateur originel). A la batterie derrière, Wayne Maskell tape dur. Un son massif que l’on a retrouvé par la suite chez les Queen Of The Stone Age ou plus récemment chez Megafauna. C’est bien évidemment l’une des bombes du disque, qui commence sur les chapeaux de roues.

Originaires de Bristol, The Heads nouvellement formés enregistrent quasiment tout en jam lo-fi ce manifeste de musique stoner au Foel Studio sous les manettes de l’un des membres d’Hawkwind. On pense à eux en effet, mais aussi à toute la bande Loop, Spacemen 3, Stooges, MC5… Les références se suivent et ne se ressemblent pas, mais les six Lp qui suivront témoigneront de ce délicieux melting-pot. Toujours dans l’excès et la non sophistication, The Heads et le chanteur Paul Allen envoient du bois. "Chipped" est un autre de ces rouleaux compresseurs.

Tous les morceaux sont du même acabit. Que ce soient les anciens, ou ceux du disque additionnel de la réédition qui comporte notamment des inédits et des extraits des trois Peel sessions réalisées (Peel était l’un de leur plus grands fans et ne s’en ai jamais caché). Et puis encore une fois parlons visuel -car le numérique n’a pas encore gagné- cette pochette façon Russ Meyer est tout de même sensationnelle !

En bref : drivé par des guitares écorchées vives et plusieurs très bons morceaux, ce premier album d’un groupe anglais disparu peut candidater au titre de chef d’œuvre de son époque, dans son genre.

Le site officiel pour le moins 1995

A lire aussi : Megafauna - Larger Than Human (2010)

"Quad" :

Oneohtrix Point Never - Replica (2011)

noreply@blogger.com (Dave) — Thu, 24 Nov 2011 11:06:00 +0000

Replica est le 6ème album de Daniel Lopatin sous cet imprononçable pseudo, et c’est aussi le meilleur. Si tout ce que touche le petit gars de Brooklyn ne se transforme pas forcément en or, à l’image du désagréable LP de Ford & Lopatin sorti en début d’année, il est difficile de nier que ses productions en tant qu’Oneohtrix Point Never méritent toutes les louanges qu’elles ont pu recevoir sur le net et ailleurs. Son style, qui s’affine un peu plus à chaque sortie, est on ne peut plus compliqué à définir. Les influences de Steve Reich, du drone et de la Kosmische Musik sont les plus détectables, mais cette musique hautement stupéfiante ne peut se résumer à ça. Car on y trouve également de larges traces d’ambient et d’électronica 90s, ainsi que des résidus de jazz, de house, de musiques classique et contemporaine... Dans l’unique but de nous faire triper, OPN use de tous les pouvoirs qui sont en sa possession, sans aucune considération de genre, et c’est l’un des aspects les plus appréciables de l’album.

Pas tout à fait aussi morbide que le suggère sa pochette, Replica est plus méditatif qu’apocalyptique. Le type de disque qui vous fait entrer bien profondément en vous-même, jusqu’à n’être plus qu’une sorte de conscience décharnée, un squelette métaphysique. Cela tient surtout à son caractère totalement immersif, dû pour l’essentiel à l’accumulation de boucles entêtantes de piano, de cordes intenses, de nappes et de sonorités aquatiques – cf. la bien nommée "Submersible". C’est d’ailleurs de cette capacité à envelopper que l’album tient sa cohérence, malgré un fourmillement d’idées et des morceaux aux structures souvent complexes et évolutives.

Entre l’ambiance presque grégorienne de "Remember", l’incroyable "Sleep Dealer" derrière laquelle se dressent les spectres de The Field et Moodymann, l’électronica à la Boards Of Canada, et la récréation 8 bit de "Child Soldier", Oneohtrix Point Never offre un voyage cosmique all inclusive, tâte de toutes les textures les plus opiacées, jusqu’à massacrer, par moments, ses harmonies sous le bruit blanc ou les parasites. Pour autant, l’ensemble est beaucoup moins noisy et expérimental, plus rythmique et carré que ses productions précédentes.

C’est qu’OPN a changé de méthode pour ce disque, s’appliquant à travailler quasi uniquement à partir de samples de vieilles publicités. Un concept intéressant, qui revient en gros à transformer la merde en or, tout en faisant appel à la mémoire de chacun de manière subliminale. Mais cet aspect théorique reste secondaire car les sources sont impossibles à identifier, et surtout parce que la beauté immédiate de cette musique efface toute velléité de réflexion approfondie au profit d’un état d’introspection plus passif.

Déclenchées par les sons concrets et l’hypnose des boucles, des images surgissent, toujours légèrement embuées, comme atténuées par un trajet de plusieurs années-lumière. Ce sont des visions cosmiques, des bribes d'au-delà qui glacent souvent le sang mais s'avèrent aussi étrangement réconfortantes. Une expérience de cinéma mental assez hallucinante, à réserver tout de même aux oreilles téméraires.

En bref : un exercice pointu de sampling au service d’un psychédélisme électronique à la fois éthéré et très prenant. Le port d’un scaphandre ou d’une combi d’astronaute est vivement conseillé pour s’immerger dans le cosmos d’OPN. L’un des gros trips de 2011.

Le site d’OPN
Les sites de Mexican Summer et Software Records

A lire aussi : Tim Hecker – Ravedeath, 1972 (2011) et Emeralds - Does It Look Like I’m Here ? (2011)

Nomenklatür - Fascinated By The Chaos (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 22 Nov 2011 18:49:00 +0000

Encore une fois c’est la pochette qui m’a plongé dans l’univers du duo français Nomenklatür. Entre visuel hard-core et éclat électronique, avec ce corps dont le cerveau rayonne et où la peau est à nue. Le titre plus ou moins fascinant également. L’envie d’en savoir plus, d’écouter et de se laisser aller à un genre dont je ne suis pas forcément spécialiste, une sorte de techno new-wave sombre et marécageuse. Et dans cette optique, le deuxième Lp d’Olivier Brucker et Olivier Rossi se pose là.

Instantanément ça marche. On retrouve un son mi-analogique mi-digital, des basses pour danseurs de salon et une noirceur affirmée. C’est pourquoi il ne faut pas trop croire le premier titre de l’album, "It’s all in the air" qui fait appel à la voix éthérée et hypnotique de Mini, car on ne la retrouvera plus par la suite. Dès "Personal diary" on est un peu plus dans le vrai univers Nomenklatür. Angoissants et longs, leurs tracks le sont très certainement. On pense aux années 80’s, à Giorgio Moroder parfois ("This is going to happen"), mais de manière générale le son est pourtant très allemand.

Leur premier album Gift Of Ages (sorti chez Space Factory, quel programme !) était quant à lui plus indus, davantage new-wave. Ici c’est réellement la précision métronomique teutonne qui intervient. Surtout sur le superbe "Freaky freaky". D’une noirceur totale, Nomenklatür extrait un spleen électronique qui ne cache cependant pas une certaine évidence pop, celle-là même qui m’a certainement accroché au projet. Le break de ce dernier morceau à 3’35" en témoigne. Pas de surprise que tout cela soit sorti chez Module.

En bref : bande originale possible d’un film imaginaire, un film où le héros serait vêtu de noir et marcherait seul dans la neige, sur fond d’électronique froide et entraînante à la fois.

Le site du disque, et la page Soundcloud de Nomenklatür qui recèle plein de super mixs à se passer en soirée

L’excellent teaser de l’album en 5’52"

Le titre éponyme :

I’m From Barcelona - Concert à Bordeaux le 15/10/11

noreply@blogger.com (Ju) — Mon, 21 Nov 2011 17:28:00 +0000

Un concert d’I’m From Barcelona c’est un peu plus qu’un concert, sans en être tout à fait un, je m’explique. Déjà leur réputation les a précédés. Quand on s’y déplace on sait que l’on peut y aller déguisés, grimés, enjoués, éméchés, pas de soucis. Clairement, un concert d’I’m From Barcelona c’est une grande fiesta de près de deux heures non stop. Une cours de récréation géante dans laquelle il est interdit de se prendre au sérieux, de bailler ou de s’énerver contre son voisin. C’est sourire jusqu’aux oreilles pour tout le monde.

Puis ils ont ces bouilles de suédois, touts rondes et barbues. Et puis ils sont treize sur scène, sur deux étages (ils peuvent monter jusqu’à 29). Ils se marrent, ils s’éclatent, nous aussi. Très vite, comme si cela ne suffisait pas, la bande de foldingues bombarde la salle de ballons de baudruches géants, et de dizaines de milliers de confettis rouges et blancs, on se croirait presque à un concert des Flaming Lips. Ca vole dans tous les sens, plus personne ne regarde le concert, les enfants adorent. Les cuivres sont à la fête, ça bouge les têtes ça bat des mains, on ne voit plus rien.

Ce sera comme ça jusqu’au bout, quand il n’y en a plus il y en a encore. En ce qui concerne la musique, soyons honnêtes, ça n’est pas forcément calé. Ils seraient 5, 10 ou 20 ça serait pareil. On a droit à un grand foutoir ou finalement les moulinets de bras et autres handclaps sont plus importants qu’un solo de guitare bien placé. Là n’est plus la question. Les morceaux des trois albums studios sont suffisamment efficaces pour mettre en musique des publicités de voiture, ça ira donc pour nous faire danser main dans la main. Parce que ce soir là, que l’on vienne de Jönköping, de Bordeaux ou d’ailleurs, on vient tous de Barcelona, dans la joie et la bonne humeur.

Le site du Krakatoa, celui du groupe

Un aperçu de la folle ambiance :

Mars Red Sky - S/t (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Mon, 14 Nov 2011 13:07:00 +0000

On avait raté la sortie du 45, on ne pouvait manquer celle de l’album en vinyle (500 ex only). Mars Red Sky pour ceux qui on ne sait comment seraient passés à côté est le nouveau projet disons, stoner -appelons un chat un chat-, du meilleur songwritter français, alias Julien Pras. Alors vous me direz quel est le rapport entre un délicat confectionneur de ballades pop et un grand méchant loup à guitare électrique ? A priori aucun, et pourtant force est de constater que le disque fonctionne à plein régime, potards à 11, et comble un vide à priori bien présent dans le paysage musical hexagonal.

Mars Red Sky est un trio. Autour de Julien Pras (Calc, Victory Hall), on retrouve le batteur Led Zepelien Benoit Busser et le bassiste débordant d’énergie Jimmy Kinast. Pas plus. Et ça suffit largement pour faire revivre Black Sabbath et autres Kyuss d’un coup de baguette magique. Julien Pras quant à lui, à la manière d’un Elliott Smith avec Heatmiser, ou J. Mascis avec Dinosaur Jr. s’autorise une parenthèse bruyante bien que mélodique. C’est d’ailleurs la seule concession de ce disque à priori violent : être gorgé de mélodies, sans doute inspirées par le désert espagnol des Barderas où la musique a été mise en boîte, entre deux trips de peyotl assurément.

En fait l’album est davantage planant que massif, sans doute grâce à la voix de Julien gentiment psychédélique. Mais bon rassurez-vous ça envoie quand même du bois (les riffs lourdissimes de "Marble sky"). Entre instrumentaux assumés (un "Falls" hypnotique ou encore "Saddle point") et tubes de toujours ("Strong reflexion" et sa basse, lent et planant, mais aussi l’incontournable "Curse"), le disque défile jusqu’à son terme sans fausse note. Il faut dire 7 titres (longs) c’est peu, même si la version vinyle comporte un titre bonux. On en redemande.

En bref : nous aussi on sait faire du stoner mélodique bien lourd et perché comme du Dead Meadow.

Le site officiel

Ma préférée, "Marble sky" :

Other Lives - Tamer Animals (2011)

noreply@blogger.com (Ju) — Tue, 08 Nov 2011 18:52:00 +0000

En voilà un. Un disque de 2011 qui risque de laisser une trace et dont on se souviendra à la fin. Comme un Timber Timbre, on y revient, parce que l’on sait que l’on va y découvrir des choses à chaque fois. Et j’ai envie de dire "enfin!" pour ce duo d’Oklahoma qui avait déjà sorti un très beau premier opus (plus sombre encore) en 2009. Au final c’est un disque presque outsider qui commence à se retrouver sur beaucoup de lèvres, et qui irrémédiablement va se frayer un chemin vers un petit succès cette année.

Que font particulièrement Jesse Tabish et Jonathan Mooney comme musique ? Une sorte de folk céleste qui tient autant du western hanté que de la ballade poussiéreuse. Une majesté harmonique de chaque instant, mieux que n’importe quel Fleet Foxes. Par contre un peu de Grizzly Bear oui. Du Midlake parfois. Ce qui marque aussi c’est la grande retenue dans l’interprétation, cette majesté rampante qui sait aussi envoyer les cordes quand il faut.

Sans prévenir, Tamer Animals remplit ses 40 petites (mais suffisantes) minutes de majesté harmonique, imprégnant chaque titre d’un halo de grâce tout en créant une possible bande originale de film. Au milieu, émergentes, il y a surtout deux tours d’ivoire, deux morceaux incarnés. "For 12", chevauchée nocturne qui emprunterait presque son intro aux Suburbs canadiens avec ses cordes dénudées et son piano. L’un des plus beaux titres de l’année. L’autre c’est "Old statues". D’une intro morriconnienne le morceau dévie comme un "Black water" vers quelque chose de beaucoup plus grand et subtil, sans âge. Le reste de l’album est tout simplement tuant.

En bref : un très beau disque de folk habité et subtilement orchestré, possédé de bout en bout, avec de vrais beau titres. Belle surprise.

Le site officiel

"For 12" et "Old statues" :

Paradis - Parfait Tirage EP (2011)

noreply@blogger.com (Dave) — Tue, 08 Nov 2011 11:19:00 +0000

A la tête du show radio Beats In Space (diffusé en France tous les samedi soir sur Radio Campus), dont il a animé près de 600 épisodes, Tim Sweeney est une des têtes chercheuses les plus fiables de la musique électronique. Diffusant des exclus, recevant des invités plus prestigieux les uns que les autres (Andrew Weatherall, DJ Harvey, Laurent Garnier, Morgan Geist…), le DJ New Yorkais, proche du crew DFA, est devenu incontournable grâce à des sélections avisées et très éclectiques. 12 ans après sa première émission, il lance enfin son propre label et l’inaugure avec un single disponible uniquement en vinyle signé par des Parisiens totalement inconnus, Simon Mény et Pierre Rousseau, alias Paradis. Le duo, qui avait simplement envoyé sa démo à Sweeney, mixe habilement la variète pop française avec des instrus deep house élégants et veloutés. Une alliance qui pourrait paraître contre-nature sur le papier, mais qui s’avère finalement assez réussie.

Les francophones s’arrêteront sans doute sur la face B, puisqu’il s’agit d’une reprise de "La Ballade de Jim" d’Alain Souchon, tube faussement édulcoré sorti en 1985, qui vire au tragique puisque Jim finit par se suicider au volant de sa Chrysler, qui échoue "dans les fougères et les nénuphars". Pas de sample ici, Paradis réinterprète la chanson avec nonchalance sur fond de synthés rêveurs et de belles basses bien rondes. L’exercice est particulièrement casse-gueule mais le morceau s’avère finalement complètement addictif. En face A, "Parfait Tirage", également chantée en français, est quand même plus cheesy, avec ses paroles un peu mièvres évoquant des souvenirs de vacances. On pense vaguement à Daft Punk époque Discovery, à Hot Chip ou aux Junior Boys, bref à toute cette mouvance dance-pop fortement influencée par le son des années 80, bien que le beat soit plus proche des productions house / nu disco actuelles, type Wolf + Lamb. En tout cas un joli petit disque, à la lisière du kitsch, que je ne me prive pas d’écouter en boucle, sans une once de culpabilité.

En bref : aussi saugrenue que soit l’idée de revisiter Alain Souchon en version house, le duo français Paradis l’a brillamment transformée avec sa "Ballade de Jim". La face A n’est pas mal non plus dans le genre dance-pop balnéaire.

Le site de Beats In Space