Desafiando o ROTEIRO

Abril de 2014 e ainda sem editais para roteiristas

2014-04-26T17:23:00.001-03:00

Notem que estou em silêncio. Trata-se de um silêncio imposto pelo mercado audiovisual brasileiro. Abril de 2014 e ainda não houve nenhum edital específico para roteiristas.

Não desanimem roteiristas. O ano para nós começa agora. Deem os últimos retoques no seu roteiro e esperem por novidades.

Diretor Jayme Monjardim demorou 7 anos para desenvolver O tempo e o vento

2013-10-03T10:47:00.001-03:00

Jayme Monjardim toma café da manhã ao lado de Ana Maria Braga (Foto: Mais Você/TV Globo)

Na semana em que acontece o maior festival de cinema do Rio, o Mais Você conversou com o diretor Jayme Monjardim, que faz muito sucesso nas telinhas e nas telonas também! Ele é o responsável por um dos filmes de maior sucesso da atualidade – O Tempo e o Vento – que com apenas 11 dias de exibição já é o quinto mais visto no Brasil. Monjardim disse que a obra foi a realização de um sonho e revelou que a meditação faz parte do seu dia a dia e lhe traz calma para trabalhar.

“Foram sete anos em busca de realizar esse sonho. Conseguir fazer um trabalho desse tamanho no Brasil não é fácil. Não é igual à televisão, é suado, mas prazeroso”, disse.

As belas cenas do making of do filme foram motivo de elogios de Ana Maria, que comentou ainda sobre o método de trabalho do diretor, que demonstra muita calma. “O tempo me ensinou a ser mais calmo. A gente vive em uma adrenalina muito grande e é preciso ter calma. Já passei por essa fase de gritar. Medito bastante antes de trabalhar”, contou.

Filho da cantora Maysa, que teve sua história transformada em série também pelo olhar de Monjardim, o diretor disse o que herdou da mãe: “Na minha vida, as coisas sempre vieram pelo lado feminino. Todos somos herdeiros dos nossos pais. Essa sensibilidade da minha mãe, de ver a vida com olhos mais profundos, acho que herdei”.

Festival Satyrianas 2013 recebe inscrições

2013-09-28T13:27:00.002-03:00

Estão abertas as inscrições para o festival Satyrianas 2013, que acontecerá de 14 a 17 de novembro e reunirá diversas intervenções na Praça Roosevelt, centro da cidade de São Paulo.

Quem tiver projetos de dança, teatro ou sessões de cinema e queira integrar a programação deve solicitar a ficha de inscrição enviando um e-mail para fichasatyrianas@gmail.com, até o dia 30 de setembro.

A última edição das Satyrianas teve público recorde. Pelo menos 45 mil pessoas passaram pela Praça Roosevelt, onde estavam concentradas as mais de 300 atrações do evento.

Neste ano, Os Satyros celebram 25 anos de existência e estimam receber público superior.

Concurso Filma Brasil premia roteiros e filmes

2013-09-17T13:12:00.000-03:00

O Instituto Vencer abriu inscrições para a 3ª edição do Concurso Filma Brasil.

O tema dessa edição é Alimentação e Energia e serão oferecidos R$ 155 mil em prêmios distribuídos nas quatro categorias de roteiro (apenas para participantes do Estado de São Paulo), curta-metragem 1 (2 a 5 minutos), curta-metragem 2 (5 a 14 minutos), média-metragem 1 (15 a 30 minutos) e média metragem 2 (30 a 40 minutos).

Há apenas uma categoria para filme, que premiará produções de até 60 segundos de qualquer lugar do país.

Podem concorrer pessoas físicas ou jurídicas com ou sem experiência no audiovisual.

Mais informações e inscrições no site www.filmabrasil.com.

*Com informações do site Tela Viva e Cultura e Mercado

Audiovisual: estruturando um mercado

2013-09-17T12:40:00.000-03:00

Fonte: Raul Perez http://www.empreendedorescriativos.com.br/noticias/audiovisual-estruturando-um-mercado/

2013 será o ano em que o Brasil vai assumir a sétima posição no mercado global de mídia e entretenimento, ultrapassando países como o Canadá e a Itália. A informação é de estudo da consultoria Pricewaterhousecoopers, lançado no último mês de junho.

O levantamento aponta, entre outros fatores, a expansão do setor audiovisual do país como um dos principais alavancadores dessa alta, incluindo o fomento do mercado doméstico de cinema e a adesão recorde à TV por assinatura – para se ter ideia, neste ano, o país deve se tornar o terceiro maior mercado de TV paga do mundo, à frente de Reino Unido, Canadá e Índia.

Ainda segundo o estudo, a publicidade em TV aberta – até então, principal fonte de recursos das produtoras – deve ter crescimento acelerado nos próximos cinco anos. Tudo aponta para uma expansão sem precedentes do mercado audiovisual no Brasil e alguns fatos já começam a confirmar essa previsão.

O crescimento, no entanto, ressaltou as fragilidades de um setor que começa a se entender como um mercado de fato. Falta de mão de obra especializada, de cursos de formação para algumas etapas da cadeia produtiva e remunerações abaixo do esperado, sobretudo nos trabalhos criativos, são alguns dos debates recorrentes que vêm acontecendo graças ao contexto de “expansão, explosão e confusão” da área, como afirmou o diretor e roteirista Tadeu Jungle ao Empreendedores Criativos.

Selecionamos três agentes do setor com três perfis diferentes de empreendedor – o independente, o empresário e o que navega em um oceano azul – para montar um panorama das principais mudanças que estão acontecendo neste mercado.

O autônomo - Alex Yoshinaga iniciou a trajetória no audiovisual como estagiário numa das maiores empresas do ramo, o grupo Casablanca, holding que atualmente comanda sete empresas. O ano era 1994, pouco antes de “Carlota Joaquina – A Princesa do Brazil”, de Carla Camuratti, atingir 1,2 milhão de espectadores, inaugurando o período conhecido como a “retomada do cinema brasileiro”.

O episódio foi um marco histórico por revelar novas possibilidades a um segmento fragilizado pelo fim da Embrafilme, estatal de fomento fechada pelo governo Collor. Novas mecanismos de financiamento – o início das leis Rouanet e do Audiovisual -, a liberdade de criação antes vilipendiada pela ditadura e os aparatos tecnológicos, que tornaram menos custoso e trabalhoso o fazer cinema, deram novo respiro à produção cinematográfica do país.

Yoshinaga, na época um apaixonado por fotografia curioso para entender como essa indústria funcionava, fez sucessivas visitas à Telefilme, um dos braços da holding, até ser contratado. Foi de estagiário a assistente e, finalmente, colorista, como o nome indica, o responsável por fazer a correção de cores em obras audiovisuais. Hoje, ele atua como um profissional freelancer, oferecendo o serviço para seis produtoras em média, com uma carga diária de 12 horas de trabalho.

Os ganhos variam. Ele pode receber até R$ 40 mil – caso do trabalho em documentários. No caso de uma peça publicitária de 30 segundos, são em média R$ 1,5 mil. Um episódio de série para TV gira em torno de R$ 5 mil. Os números são projeções, ele afirma. Fato mesmo é o aumento da demanda nos últimos anos. “O volume de séries e conteúdo em geral para TV a cabo aumentou muito e acho que ainda vai crescer muito mais”, prevê.

Os empresários – A alta é fruto de dois movimentos relativamente recentes no mercado. Um deles é a aprovação, no fim de 2011, da Lei 12.485. A norma reúne todas as modalidades de TV por assinatura sob um único guarda-chuva, o Serviço de Acesso Condicionado (SeAC), e estabelece regras para fomentar a produção audiovisual nacional. Entre elas, o aumento do número de canais brasileiros nos pacotes das programadoras (como a NET e a Sky) e a criação de uma cota de tela de três horas e meia de conteúdo nacional no horário nobre de todos os canais por assinatura.

A lei, que entrou em vigor há um ano, já dobrou a veiculação de produções brasileiras na TV paga, segundo levantamento do Observatório Brasileiro do Cinema e do Audiovisual (OCA).

Ajudando a impulsionar o segmento, está a alta na base de assinantes do serviço nos últimos anos. O país fechou 2012 com 3,4 milhões de novas assinaturas, atingindo os 16,5 milhões de usuários. O crescimento é atribuído sobretudo ao aumento do poder de consumo do brasileiro registrado na última década. Números do Instituto Data Popular indicam que 95% dos novos assinantes da TV paga pertencem às classes C e D – juntos, eles representam 66% da base total de clientes de TV por assinatura do país.

Dell Santhos e Gilson Pariz, ambos donos de agências de casting de atores, confirmam o aumento da demanda. Santhos é o fundador da Sagarana, que agencia cinco mil atores em trabalhos para TV, cinema e publicidade. A empresa registrou crescimento de 40% no faturamento com o surgimento de novas produções para os canais por assinatura, segundo ele.

“Sim, existe este aumento e é grande. Para você ter uma ideia, este ano já fechei muito mais séries para TV paga até agora do que no ano passado inteiro”, ilustra Pariz, criador da Santo Casting. “[Isso quer dizer que] é real este aumento e todos nós estamos sendo beneficiados com isso.”

“Hoje 70% dos produtores de elenco vêm em busca do nosso trabalho, mas estamos sempre prospectando novos parceiros, como produtoras e agências de publicidade”, declara Santhos.

A pioneira - Laura Fazoli entrou neste mercado como produtora executiva há 12 anos, ajudando em curtas-metragens de amigos. Foi para a TV, passou um período longe do audiovisual e voltou a atuar no setor junto a uma distribuidora, quando começou a frequentar festivais de cinema, suas feiras e rodadas de negócios com agentes do setor. “Percebi ali que tem uma figura crucial no sucesso de conteúdos, que é o sales agent, super valorizada em lugares onde a indústria realmente está em atividade”, diz.

Nos Estados Unidos, a figura do sales agent está consolidada. É ele o responsável por fazer acordos para exibição de filmes nos cinemas, na TV, em plataformas de video-on-demand, como o Netflix, DVD e Blu-ray. Além disso, o agente negocia a veiculação da obra em mercados internacionais, licenciando a produção para distribuidoras estrangeiras.

Para exercer a função, é necessário conhecimento profundo em relação a como os mercados local e externo funcionam, seus principais players e os canais para chegar até eles. “Conhecer muitos filmes, livros, músicas, artes em geral, ser também um formador de opinião faz parte desse trabalho. [Somos] um pouco ‘caixeiros viajantes’ com nossos filmes embaixo do braço partindo de festival em festival, oferecendo nossos produtos”, explica a empreendedora, hoje à frente da Laura Fazoli & Associados, grupo que está trazendo a cultura do sales agent para o mercado brasileiro.

“Quando se fala em ganhar dinheiro, e tem-se exemplos concretos disso, a coisa flui. No começo eu tinha que mostrar um plano de negócios e convencer as pessoas a apostar em mim”, conta. Com menos de um ano de vida, a empresa já possui 12 clientes na carteira, todas produtoras.

Importar um conceito de uma superestrutura como Hollywood diz muito sobre a nova dinâmica que está sendo criada no Brasil, que não descarta as particularidades do mercado doméstico, mas pretende imprimir um novo ritmo ao setor. A intenção de tudo isso pode estar nas palavras de Walt Disney: “Não fazemos filmes para ganhar dinheiro. Fazemos dinheiro para produzir mais filmes.”

Baixe a íntegra das entrevistas do Produção Cultural no Brasil (pdf) | Produção Cultural no Brasil

2013-09-17T12:28:00.001-03:00

Baixe a íntegra das entrevistas do Produção Cultural no Brasil (pdf) | Produção Cultural no Brasil

Qual a diferença entre ProAC, Lei Rouanet e Lei Mendonça ?

2013-09-17T12:18:00.000-03:00

Todos queremos que um dia nosso projeto seja realizado de maneira profissional. Sei que a maioria dos cineastas não conseguem esperar pelo trâmite burocrático do qual nós artistas não estamos habituados a lidar. A maioria dos projetos de novos cineastas seguem o padrão uma ideia na cabeça e uma câmera na mão. Junta-se um grupo de amigos e todos trabalham em prol da arte, sem ganho algum. Pelo contrário, paga-se para trabalhar.
O interessante é que ao mesmo tempo que ao ligar a câmera, diversas pessoas aparecem no set querendo ajudar, o mesmo não acontece quando se trata de fazer cinema pelo viés profissional. Ou seja, captar dinheiro ou conseguir patrocínio para que se consiga pagar os profissionais envolvidos.
Um cineasta que se proponha a fazer o caminho mais longo, ou seja, a inscrever seu projeto em leis de incentivo ou editais, geralmente se vê sozinho. A maioria não quer bater de porta em porta pedindo dinheiro às grandes empresas, mas se durante o set precisar de uma camisa de época, não terá vergonha alguma em bater de porta em porta, ou declarar no facebook que precisa deste item, e fazem o pedido sem oferecer nada em troca.
Mas vamos encarar os fatos, depender dos outros nunca é bom, ainda mais se for para viabilizar um projeto seu. Poxa, somos artistas, não deveríamos nos preocupar com a produção. Engano! Para sobreviver no mercado brasileiro, todo artista tem que ser um pouco empreendedor.
E pensando nisto que as leis de incentivo contam com a possibilidade de uma pessoa física apresentar um projeto e conseguir seu incentivo. É claro que o orçamento para pessoas jurídicas são maiores, mas penso que é a chance do artista ainda em ascensão entrar no mercado.
E você artista que quer encarar o trâmite burocrático precisa entender as leis. Afinal, quando se fala em leis de incentivo, como ProAC, Lei rouanet, Ancine e Lei Mendonça, qual a diferenças entre elas?
A diferença está no imposto escolhido, por meio de dedução de impostos, pessoas e empresas tem a opção de destinar uma parte do imposto (que já teria que pagar ao Governo) para projetos culturais, esportivos e sociais à sua escolha.
Na Lei Rouanet, esse mecanismo possibilita que cidadãos (pessoa física) e empresas (pessoa jurídica) apliquem parte do Imposto de Renda devido em ações culturais. O ProAC pelo ICMS. Já a Lei Mendonça pelo ISS e o IPTU.
Se pensarmos, o ProAC é interessante porque o ICMS é um tributo mensal e toda empresa no estado de São Paulo precisa pagar este imposto. A Lei Mendonça também seria interessante se não fosse a mais burocrática. A prefeitura exige que a documentação seja entregue pessoalmente e o orçamento diminuiu muito nos últimos anos.
O ponto ruim destas leis é que a Lei Rouanet permite que a pessoa jurídica aplique 100% do Imposto de Renda em um projeto cultural, sem devolver nada aos cofres públicos, conforme artigo a seguir:

ART. 18 da Lei 8.313/91 – Lei Rouanet
Autoriza que sejam abatidos do Imposto de Renda devido por Pessoas Jurídicas e Físicas 100% dos valores investidos no patrocínio à produção de obras cinematográficas brasileiras de produção independente, limitado a 4% do Imposto de Renda devido por Pessoa Jurídica e a 6% do Imposto de Renda devido por Pessoa Física. Neste caso não é permitido que o valor investido seja lançado na contabilidade da proponente como despesa operacional.

E aqui fica a pergunta, não seria mais fácil entregar este dinheiro diretamente nas mãos dos produtores?Do que fazer eles baterem de porta em porta nas empresas?
A Lei Mendonça quer seguir pelo mesmo caminho. De acordo com a proposta do vereador Andrea Matarazzo (PSDB), empresas interessadas em patrocinar projetos culturais poderão fazer a dedução fiscal de 100% do valor investido no Imposto Sobre Serviço (ISS) e no Imposto Predial e Territorial Urbano (IPTU) – na Lei Mendonça, a renúncia máxima é de 70%.
Aqui permanece a minha pergunta. Por mais que a empresa tenha total liberdade de escolher o projeto que deseja contemplar, se não voltar nada aos cofres públicos, porque não entregar este dinheiro direto para os produtores?
Outro ponto ruim do ProAC é o sistema. Apesar de hoje ser fácil conseguir um login e senha, o sistema é quase arcaico. A planilha de custos não é automática, ou seja, você precisa fazer manualmente e ficar atento quanto aos valores. Além disso, é preciso enviar seu projeto escrito via correio.
Apesar dos erros e acertos, um mesmo projeto pode ser aprovado em duas ou mais leis, ficando a cargo da empresa a melhor forma de incentivar.
Já para projetos audiovisuais, a ANCINE oferece um sistema online que permite a apresentação do projeto.
Pessoas Físicas podem apresentar projetos para captação de recursos incentivados, mas ficam limitadas à captação no âmbito da Lei Rouanet Lei nº 8.313/91 (artigos 18, 25 e 26), até o limite de dois projetos por proponente. Além disso, a soma dos orçamentos desses dois projetos não poderá ultrapassar R$ 1.000.000,00 (um milhão de reais), sendo ainda necessário o prévio cadastramento da Pessoa Física como produtor audiovisual junto à Superintendência de Registro.
A proponente Pessoa Física deve apresentar a solicitação de análise e enquadramento do projeto na forma da Instrução Normativa 22, disponível neste link e seus anexos pelo Módulo de Apresentação de Projetos do Sistema ANCINE Digital - SAD, disponível neste link (http://sad.ancine.gov.br/controleacesso/menuSistema/menuSistema.seam )

Dicas úteis

Há este site http://queroincentivar.com.br/cadastro/ que possibilita o produtor cultural, seja PF ou PJ, a inscrever seu projeto para que empresas cadastradas faça via site a escolha do projeto que deseja incentivar. Isto facilita bastante o processo.

Na Lei Rouanet, o ponto forte é que todo o sistema foi modernizado. Basta subir seu projeto no site e enviá-lo pelo sistema. Uma burocracia a menos e uma economia junto aos correios. Para ter um login e senha basta se cadastrar no site, não é necessário enviar qualquer documentação.
http://novosalic.cultura.gov.br

Para projetos de produção de obras cinematográficas e videofonográficas de curta, média ou longa-metragem, telefilmes ou seriados, dos gêneros ficção, documentário ou animação, para desenvolvimento, produção e comercialização, a proponente deve ser uma Empresa Produtora Brasileira Independente, Pessoa Jurídica, registrada na ANCINE, que tenha como atividade principal a produção de obras audiovisuais.

Peter Brook on A Midsummer Night's Dream: a cook and a concept

2013-09-17T11:15:00.001-03:00

Fonte: The Guardian

His 1970 RSC production of Shakespeare's play featured circus trapezes, stilts and plate-spinning – and changed theatre history for good. In an extract from his new book, Peter Brook explains how this most seductive of Dreams came alive

Enchanting performance ... Peter Brook's acrobatic 1970 production of A Midsummer Night's Dream, with Alan Howard (Oberon, standing), John Kane (Puck) and Sara Kestelman (Titania). Photograph: Morris Newcombe/Arena PAL

Once a computer was asked, "What is the truth?" It took a very long time before the reply came, "I will tell you a story …"

Tell us what you think:Star-rate and review this book

Today, this is the only way I can answer the question I've been asked so often: "Why don't you write about A Midsummer Night's Dream? You must have so much to say!"

So – I'll tell you a story.

When I was 18 or 19, my one ambition was to make a film. By chance, I met the most eminent producer of the day, Sir Alexander Korda, a Hungarian of humble origins who had emigrated to make his fortune first in France, then in Britain, where he rose to power, was ennobled by the King and married a beautiful star, Merle Oberon, who for my father was "the perfect woman".

I had just been on a trip to Seville during Holy Week, was thrilled by the multitude of mysterious impressions and imagined a story set in this extraordinary background.

"Sir Alexander," I began, "I have an idea for a film – "

He cut me off with an unforgettable phrase that contained in a few words the period in which it was uttered, the British class system and the snobbery of a newly enlisted member of the upper classes. With a light dismissal of the hand he said: "Even a cook can have an idea."

This was virtually the end of the meeting. "Come back when you have developed your 'idea' enough to have a real story to offer me."

It took many years to free his phrase from its period and context and to hear the deep truth it contained.

This brings me directly to A Midsummer Night's Dream. It had never occurred to me to think of directing the Dream. I had seen many charming productions with pretty scenery and enthusiastic girls pretending to be fairies. Yet, when I was invited to do the play in Stratford, I discovered to my surprise that my answer was "Yes". Somewhere in me there was an intuition that I had ignored.

Then, the first visit to Europe of the Peking Circus revealed that in the lightness and speed of anonymous bodies performing astonishing acrobatics without exhibitionism, it was pure spirit that appeared. This was a pointer to go beyond illustration to evocation, and I began to imagine a co-production with the Chinese. A year later, in New York, it was a ballet of Jerome Robbins that opened another door. A small group of dancers around a piano brought into fresh and magical life the same Chopin nocturnes that had always been inseparable from the trappings of tutus, painted trees and moonlight. In timeless clothes, they just danced. These pointers encouraged a burning hunch that, somewhere, an unexpected form was waiting to be discovered.

I talked this over with Trevor Nunn, director of the Royal Shakespeare Theatre, who said for this season he had created a young company who could in no time learn anything that was needed. It seemed too good to be true, especially as the Chinese Circus acrobats started their training at the age of five.

So we began with only the conviction that if we worked long, hard and joyfully on all the aspects of the play, a form would gradually appear. We started preparing the ground to give this form a chance. Within each day we improvised the characters and the story, practised acrobatics and then passing from the body to the mind, discussed and analysed the text line by line, with no idea of where this was leading us. There was no chaos, only a firm guide, the sense of an unknown form calling us to continue.

Through freedom and joy, Alan Howard as Oberon not only found very quickly that he could master the art of spinning a plate on a pointed stick but that he could do so on a trapeze without losing any of the fine nuances of his exceptionally sensitive verse-speaking. His Puck, John Kane, did the same, while mastering walking on stilts. In another register, a very talented and tragically short-lived young actor, Glynne Edwards, discovered that all the accepted ideas of Thisbe's lament over Pyramus's death being a moment of pure farce were covering a true depth of feeling. This suddenly turned the usually preposterous attempts at acting of the "mechanicals" in the palace into something true and even moving. The situation was reversed and the smart and superior sniggering of the cultivated spectators well deserved the Duke's rebuke:

For never anything can be amiss
When simpleness and duty tender it.

Then, for the first time, we used a practice that we can no longer do without. In the middle of rehearsals, we invited a group of kids into our rehearsal room; then later we asked an ad-hoc crowd in a Birmingham social club, so as to test what we were doing. Immediately, strengths and lamentable weakness were pitilessly exposed. We saw the trap of rehearsal jokes – everything that made the company fall about with laughter fell flat. It was clear that some embryonic forms could be developed and others discarded, although in the process nothing was lost. One thing can always lead to another. On French level crossings there is an apt warning: "One train can conceal another." This can have a hopeful reading: "Behind a bad idea a good one can be waiting to appear."

Gradually, the jigsaw began to fit, yet the very first preview was a disaster. My old friend Peter Hall took me by the arm and expressed his regret at the bad flop that was on its way. But at this point in the process a shock was needed. What to do? Peter Hall's close collaborator John Barton said, "The problem is at the start. The way you begin doesn't prepare us for the unexpected approach that follows. As it is now, we just can't get into it." Thanks to John, we found a way of starting the play literally with a bang. With an explosion of percussion from the composer Richard Peaslee, the whole cast literally burst onto the stage, climbed up the ladders and swarmed across the top level of the set with such joy and energy that they swept the audience along with them. After this, they could do no wrong. The presence of the audience in a week of previews and a high-pressured re-examination of every detail allowed at last the latent form to appear. Then, like the well-cooked meal, there was nothing to fiddle with, just to taste and enjoy. Often, after an opening, one has to go on working day after day, never satisfied, but this time we could recognise it. Miraculously it had fallen into place.

When the production had played across the world, there were many proposals to film it. I always refused because the essence of designer Sally Jacobs's imagery was a white box. The invisible, the forest, even the darkness of night were evoked by the imagination in the nothingness that had no statement to make and needed no illustration. Unfortunately, the cinema of the day depended entirely on celluloid, and after the first screenings more and more scratches would appear. In any event, photography is essentially naturalistic and a film based only on whiteness, least of all a soiled and blotchy one, was unthinkable. Of course, a play can be filmed, but not literally. I've attempted this many times, and always a new form had to be found to correspond with a new medium. It can never be a literal recording of what the audience in the theatre once saw. Here I felt that nothing could reflect the zest and invention of the whole group. This truly was a live event.

Then the production was invited to Japan. Everyone was eager to go. As the costs were so high, could I agree to it being tele-recorded in performance so that it could be shown all over Japan and so contribute to their expenses? If we all agreed, they promised the recording would be destroyed in the presence of the British Consul. I discussed this with the cast, who had all been with me in refusing filming. This time it seemed impossible for us to say "No".

A few weeks later, I received a bulky parcel from Japan. It contained a set of large discs. "This," wrote one of the producers, "is a copy of the recording. We feel that you should have it."

I found a player and discovered to my amazement that it looked very good. I sent a cable to Japan, telling them not to destroy the master. At once a telegram returned. "This morning, in the presence of the British Consul, as you requested, the recording and the negative have been burned."

Only later did I realise that this was a valuable reminder to stay with my own convictions. The life of a play begins and ends in the moment of performance. This is where author, actors and directors express all they have to say. If the event has a future, this can only lie in the memories of those who were present and who retained a trace in their hearts. This is the only place for our Dream. No form nor interpretation is for ever. A form has to become fixed for a short time, then it has to go. As the world changes, there will and must be new and totally unpredictable Dreams.

Today, more than ever, I am left with a respect for the formless hunch which was our guide, and it has left me with a profound suspicion of the now much-used word "concept". Of course, even a cook has a concept, but it becomes real during the cooking, and a meal is not made to last. Unfortunately, in the visual arts, "concept" now replaces all the qualities of hard-earned skills of execution and development. In their place, ideas are developed as ideas, as theoretical statements that lead to equally intellectual statements and discussions in their place. The loss is not in words but in the draining away of what only comes from direct experience, which can challenge the mind and feeling by the quality it brings.

A used carpet placed over a mass of old, used shoes won international prizes. It was considered enough to express the tragedy of emigrations, of displaced people and their long march. This made an admirable piece of political correctness, but its impact was negligible when compared with Goya, Picasso or many shockingly intense photographs. A single lightbulb going on and off won an important award because it expressed all of life and death. In fact, it only expressed the "idea" of life and death. These have been prize-winning concepts, but would not Alexander Korda rightly have said, "Come back when you have put your idea into a powerful form"?

A form exists on every visible and invisible level. Through the quality of its development, then in the way its meaning is transformed. It is an understandable difficulty for actors, directors and designers facing a play of Shakespeare not to ask, "What should we do with it?" So much has been done already and so often filmed, recorded or described that it is hard not to begin by searching for something striking and new. A young director's future may depend on the impact he or she makes. It is hard to have to play characters like Rosencrantz and Guildenstern without looking desperately for an idea. This is the trap opening under the feet of every director. Any scene in Shakespeare can be vulgarised almost out of recognition with the wish to have a modern concept. This easily leads to spicing the words by having a drunk say them into a mobile phone or else peppering the text with obscene expletives. This is no exaggeration. I saw the videotape of an actor trying vainly to find a new way of saying "To be or not to be". As a last resort, one evening he set out to see whether alcohol might not be the answer. So he set up a camera, put a bottle of whisky on a table beside him, also a clock, and at planned intervals during the night recorded himself doing the soliloquy again and again as he gradually poured the contents of the bottle down his throat. The result needs no comment. Fortunately, there is another way. Always, an ever-finer form is waiting to be found through patient and sensitive trial and error. Directors are asked, "What is your concept?" The critics write about "a new concept" as though this label could cover the process. A concept is the result and comes at the end. Every form is possible if it is discovered by probing deeper and deeper into the story, into the words and into the human beings that we call the characters. If the concept is imposed in advance by a dominating mind, it closes all the doors.

We can all have an idea, but what can give the dish its substance and its taste?

ESTÍMULO DE CURTA-METRAGEM - 2013

2013-09-05T15:03:00.002-03:00

A SECRETARIA DA CULTURA - SEC torna público o CONCURSO que fará realizar visando à seleção de projetos de FILMES DE CURTA-METRAGEM para apoio cultural, com observância na Lei Federal nº 8.666 de 21 de junho de 1993, Lei Federal nº 9.610, de 19 de fevereiro de 1998 (Lei de Direitos Autorais), no que couber, na Lei Estadual nº 6.544, de 22 de novembro de 1989, e alterações posteriores, Resolução SC nº 35, de 25 de maio de 2009, Resolução SC nº 27, de 23 de maio de 2013, assim como pelas demais normas legais e regulamentares pertinentes à espécie e em conformidade com as condições e exigências estabelecidas neste Edital e seus anexos.

Data Inicial: 02/09/2013

Data Final: 16/10/2013n

Número do Processo:

Arquivos

EDITAL – PRÊMIO ESTÍMULO DE CURTA-METRAGEM - 2013 -

ProAC lança mais oito editais

2013-09-04T21:00:00.003-03:00

A Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo lançou nesta segunda-feira (2/9) oito editais por meio do seu Programa de Ação Cultural (ProAC).

Três desses editais são voltados para o audiovisual, sendo um para realização de projetos e os outros dois para finalização e difusão de longa metragem.

Há também um edital voltado para restauração de imóveis tombados pelo CONDEPHAAT – Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Arqueológico, Artístico e Turístico, um para artes cênicas e outros dois para circo.

Foi lançado também o edital para manifestações culturais com temáticas LGBT, no qual serão aceitos projetos que contemplem: Apresentações públicas de manifestações culturais; Realização de atividades de valorização, preservação e difusão das manifestações culturais; Realização de atividades voltadas à promoção da visibilidade e referenciação de direitos; Publicação de livro(s); Produção de registro audiovisual (DVD) ; Produção de espetáculos teatrais; Produção de espetáculos de dança; Produção de registro musical (CD), dede que todos eles contenham a temática LGBT.

As inscrições para esses editais vão até o dia 16/10.

Para saber mais sobre cada um:

Edital ProAC nº 37/2013 - PROJETO PARA RESTAURAÇÃO DE IMÓVEIS (CONDEPHAAT)
- Vigência: 02/09/2013 a 16/10/2013

Edital ProAC nº 39/2013 - PROJETOS DE AUDIOVISUAL (Republicado)
- Vigência: 02/09/2013 a 16/10/2013

Edital ProAC nº 40/2013 - COMPLEMENTAÇÃO/FINALIZAÇÃO DE LONGA (Republicado)
- Vigência: 02/09/2013 a 16/10/2013

Edital ProAC nº 42/2013 - DIFUSÃO DE LONGA-METRAGEM (Republicado)
- Vigência: 02/09/2013 a 16/10/2013

Edital ProAC nº 33/2013 - MANIFESTAÇÕES CULTURAIS LGBT
- Vigência: 02/09/2013 a 16/10/2013

Roube como um artista – 10 dicas sobre criatividade – Austin Kleon

2013-09-04T20:56:00.001-03:00

Roube como um artista – 10 dicas sobre criatividade – Austin Kleon

Teatro tem lucro e Hollywood aumenta seus ganhos na Broadway

2013-08-15T22:42:00.001-03:00

FONTE: PATRICK HEALY

DO "NEW YORK TIMES"

Para entender por que Hollywood está começando a fazer musicais para a Broadway, basta olhar pela janela do escritório de Jimmy Horowitz, o presidente da Universal Pictures. No chão do estúdio, abaixo, está o cartaz preto e verde do musical "Wicked". A Universal é o principal investidor do musical, que, desde 2003, já rendeu US$ 3 bilhões. "Wicked" está a caminho de se tornar o empreendimento mais lucrativo da história da Universal.

"'Wicked' abriu nossos olhos para o que pode acontecer quando você tem um espetáculo que se torna perene", disse Horowitz, cujo estúdio inicialmente planejou transpor o romance "Wicked", de 1995, para o cinema --e agora prevê criar um filme a partir do musical. "Acho que não tínhamos visualizado bem como seria esse fluxo de receita."

Agora a Universal está convertendo "O Clube dos Cafajestes" em musical. "De Volta para o Futuro" pode ser o próximo. A Twentieth Century Fox pensa em dar o mesmo tratamento a "Uma Babá Quase Perfeita" e "O Diabo Veste Prada". A Sony está trabalhando sobre "Tootsie".

A temporada atual na Broadway está sendo dominada por obras que foram adaptadas do cinema para o palco, como "Rocky" e "Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas". O musical "Aladdin" vai chegar neste inverno, adaptado pela própria Disney.

	Divulgação

	Rocky Balboa (Sylvester Stallone, à esq.) enfrenta Apollo Creed (Carl Weathers) em cena do filme 'Rock - O Lutador', de 1976

As adaptações para o teatro podem ser suficientemente rentáveis para que questões de originalidade sejam deixadas de lado.

Por isso, executivos de Hollywood estão tentando resolver o enigma do que é necessário para um filme virar um musical de sucesso. É uma estratégia de "pôr as mãos na massa" e uma mudança importante, após décadas em que os estúdios passivamente vendiam os direitos de filmes a produtores teatrais, que se encarregavam da maior parte do trabalho.

"Estamos examinando nossos 4.000 filmes para identificar as histórias que tenham a maior ressonância emocional --histórias que sejam próprias para serem cantadas no palco", disse Lia Vollack, chefe do setor teatral da Sony.

A maioria dos musicais da Broadway é feita de adaptações, mas queixas sobre filmes transpostos para musicais são uma tendência relativamente recente. A última queixa, do crítico de cinema do "Telegraph", de Londres, saiu no mês passado sob o título "Poderíamos, por favor, parar de converter grandes filmes em musicais?".

Mesmo assim, depender de um filme de título famoso nunca foi garantia de sucesso. Aproximadamente 75% dos espetáculos encenados na Broadway dão prejuízo, incluindo muitos filmes populares convertidos em musicais.

"Às vezes, o material não funciona bem quando transposto para o palco", explicou Mark Kaufman, um dos executivos da Warner Brothers responsáveis por empreendimentos teatrais. "Às vezes o público se queixa: 'Por que não há musicais originais?'. O que está acontecendo agora é que Hollywood e a Broadway estão tentando criar espetáculos melhores juntos."

No mês passado, a Fox anunciou uma parceria com um dos produtores mais bem-sucedidos da Broadway, Kevin McCollum. Executivos da Fox convidaram Isaac Robert Hurwitz, do Festival de Teatro Musical de Nova York, a assessorá-los em seus projetos com McCollum e na estratégia de criação de produções teatrais.

Está por trás desses acordos a percepção de que a maioria dos cineastas não sabe criar grandes espetáculos de teatro musicais por conta própria.

Executivos de estúdios dizem estar contando com veteranos da Broadway para lhes dizer, entre outras coisas, quais personagens devem cantar e, se sim, como isso deve ser feito.

"Um filme pode ter muito mais cenas que um musical, e muita coisa pode ser feita com close-ups e outros artifícios cinematográficos. Tivemos que pensar com cuidado sobre quais cenas conservar e transpor para o teatro e quais momentos poderiam ser convertidos em canções", comentou Dan Jinks, um dos produtores do filme "Peixe Grande" e que está trabalhando na adaptação musical do filme. "No filme, há uma cena em que o tempo para e o personagem principal atravessa uma tenda de circo. É uma cena fascinante." O compositor Andrew Lippa escreveu "Time Stops" para a cena, e Jinks disse que a canção "atinge o espectador de uma maneira que apenas o teatro musical é capaz ".

Pelos padrões de Hollywood, os orçamentos de musicais do teatro são agradavelmente pequenos --entre US$ 5 milhões e US$ 20 milhões, comparados com US$ 100 milhões ou mais para filmes. Os estúdios de cinema são uma dádiva para os produtores de musicais, que, de outro modo, precisam reunir dezenas de investidores.

Um teste para "Rocky", produção de US$ 15 milhões, será se o público vai aceitar outro ator que não Sylvester Stallone no papel principal. Mesmo Stallone, astro original de "Rocky" e um dos produtores do musical, reconheceu o fato. "Acho que o musical é original. Mas nós sabemos que a palavra final será dada pela plateia."

Unesco seleciona profissionais para projetos

2013-08-15T16:02:00.002-03:00

A Representação da Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (Unesco/Brasil) está com inscrições abertas para uma série de editais de seleção de projetos a serem desenvolvidos no país, incluindo a área cultural.

Haverá seleção para atuação no registro de bens culturais relacionados a povos e comunidades tradicionais, pesquisa etnomusicológica junto a povos indígenas e tratamento técnico de documentos dos acervos sob a guarda do Museu do Índio; produção de conteúdo orientador relativo à temática étnico-racial em Literatura Afro-Brasileira; produção de documento técnico contendo levantamento dos bens tombados por órgãos responsáveis pela gestão do Patrimoônio Cultural no Distrito Federal; entre outras ações.

O edital de nº 15 de 2013 oferece sete vagas para consultor, na modalidade produto, com locação no Ministério da Cultura (MinC).

O prazo de vigência dos contratos varia de 200 a 300 dias e os projetos serão voltados para trabalhos de pesquisa e monitoramento de ações do Programa Cultura Viva, dos Colegiados, Fóruns e Conselhos de Cultura, do Sistema Nacional de Informações e Indicadores de Cultura, de propostas de metodologia para boas práticas de gestão de ações socioculturais, entre outras.

Os editais estão disponíveis no site da Unesco.

*Com informações do MinC

MinC seleciona projetos culturais para a Copa

2013-08-14T18:36:00.000-03:00

O Ministério da Cultura lançou nesta sexta-feira (9/8) o edital para o concurso Cultura 2014, que consiste na escolha de pelo menos 206 (duzentos e seis) trabalhos artístico-culturais, relativos à participação de artistas, grupos, coletivos e agentes culturais para promover a cultura brasileira no período da Copa do Mundo da FIFA Brasil 2014. O valor investido ultrapassará R$ 50 milhões.

O Cultura 2014 prevê investimentos em quatro eixos do pilar Conteúdos Culturais, do Plano de Ação do MinC para Grandes Eventos: Brasil Audiovisual (apresentação da produção audiovisual brasileira atendendo média metragem, documentários, animação e ficção); Brasil Criativo (conteúdos artísticos, em formato digital, de artesanato, moda, arquitetura, design e gastronomia, de expressão local, lidando com as variadas linguagens da economia criativa); Brasil Diverso (manifestações tradicionais de todos os Estados do País, atividades entre Pontos de Cultura e valorização do patrimônio material e imaterial brasileiro); e Brasil das Artes (exibições artísticas nas áreas de música, teatro, circo, dança, literatura e artes visuais).

As inscrições para o concurso Cultura 2014 estarão abertas até 23 de setembro.

Para acessar o edital, clique aqui. As inscrições devem ser feitas pelo sistema SalicWeb.

Edital Carmen Santos de Cinema de Mulheres tem inscrições prorrogadas

2013-08-14T18:30:00.000-03:00

As inscrições para o EDITAL CARMEN SANTOS DE CINEMA DE MULHERES 2013 – APOIO PARA CURTA E MÉDIA-METRAGEMforam prorrogadas até o dia 02 de setembro de 2013, às 18 horas. A ampliação do prazo ocorre devido ao grande interesse do público e a procura por informações.

O Edital tem o intuito de incentivar a produção cultural de mulheres e dar visibilidade à produção cinematográfica feminina, por meio do apoio à produção de obras audiovisuais cuja titularidade e direção sejam de mulheres. O conteúdo pode ser do gênero ficção, documentário ou animação.

Serão premiadas 10 (dez) obras audiovisuais de curta-metragem de até 5 (cinco) minutos, com o valor de até R$ 45.000,00 (quarenta e cinco mil reais) cada. Também serão contempladas 6 (seis) obras audiovisuais de média-metragem, de 26 (vinte e seis) minutos, de até R$ 90.000,00 (noventa mil reais) cada.

As obras audiovisuais deverão ser inscritas por pessoas físicas, mulheres, brasileiras natas ou naturalizadas, que se apresentem obrigatoriamente como diretoras, sendo facultativo o acúmulo de outras funções.

A inscrição é gratuita e deverá ser realizada por meio de sistema online SALICWEB. Confira o edital e saiba mais.

A originalidade não existe

2013-03-05T22:16:00.000-03:00

FONTE: FOLHA ONLINE

João Pereira Coutinho

Não existe autor que não tenha apresentado como seus os conceitos que nasceram de outras penas

Em 1916, um obscuro autor alemão, Heinz von Lichberg, escreveu um conto. O "Times Literary Supplement", anos atrás, publicou esse conto. História simples: um jovem estudante aluga um quarto de hotel e apaixona-se pela filha pré-púbere dos donos. O final é lúgubre para a "ninfeta" em questão. Nome do conto? "Lolita."
Quando li essa revelação, caí do céu. "Lolita", o romance de Vladimir Nabokov publicado em 1955, é um dos meus livros da vida. Mas agora existia uma sombra de ilegitimidade a pairar sobre a obra: teria Nabokov roubado a história a Heinz von Lichberg?
Nas semanas seguintes, a polêmica instalou-se nas páginas do "TLS". Conclusão possível: sim,
Nabokov provavelmente lera o conto durante a sua passagem pela Alemanha. Mas era impossível estabelecer com certeza se o roubo foi consciente ou inconsciente.
E não seria de excluir que, décadas depois de o ler, Nabokov tenha iniciado a sua "Lolita" como se a ideia fosse sua e apenas sua.
Eis a tese do neurocientista Oliver Sacks em ensaio magistral para o "The New York Review of Books". Sacks não se ocupa de Nabokov, claro, embora o título do seu texto seja, ironicamente, um evocação do escritor ("Speak, Memory"). Sacks está interessado em analisar o fenômeno da "criptomnésia", que por vezes se confunde com o rasteiro "plágio".
Um erro, avisa Sacks. "Plagiar" é roubar de forma intencional e consciente o trabalho intelectual de terceiros. Mas "criptomnésia" é outra coisa: esquecermos as fontes do que lemos, deixando que a memória construa a sua própria "originalidade" sobre elas.
Isso é recorrente no trabalho intelectual e não existe autor -de Shakespeare a Coleridge, de Milton a T.S. Eliot- que não tenha apresentado como seus os conceitos, as ideias e até as frases que nasceram de outras penas esquecidas.
Mas a "criptomnésia" não precisa do trabalho literário para tiranizar a nossa memória. O próprio Sacks relata uma experiência da sua juventude na Inglaterra, durante a Segunda Guerra, que nunca foi uma experiência real. Sim, ele julgava ter escapado a dois bombardeamentos nazistas. Até escreveu sobre eles com impressionante vivacidade.
Mas foi preciso o testemunho de um irmão mais velho para que a "verdadeira verdade" substituísse a "subjetiva verdade": ele, Oliver, experienciou o primeiro bombardeamento, não o segundo. Do segundo, lera apenas a respeito -e o impacto dessa leitura fez com que a memória diluísse a fronteira entre a "verdade histórica" e a "verdade narrativa". Ou, melhor dizendo, a "verdade narrativa" transformou-se em "verdade histórica".
A nossa memória é ambígua porque toma como verdade o que por vezes não foi verdade. Incorpora experiências, ou ideias, ou conceitos que não são radicalmente nossos. Mas que se oferecem como nossos quando as pegadas da originalidade já desapareceram do nosso areal interior.
Será isso uma fraqueza, que no limite impede qualquer criação ou recordação "autênticas"?
Longe disso, escreve Oliver Sacks: a "criptomnésia" é fundamental para qualquer atividade criativa. Se o nosso cérebro fosse um arquivo rigoroso, catalogando cada experiência ou referência com precisão mecânica, nós seríamos incapazes de funcionar ou criar. Não pela consciência insuportável de que nada é nosso.
Mas pelo motivo mais básico de que todas as informações, mesmo as mais desprezíveis, ocupariam todo o "espaço" mental.
Paradoxalmente, criamos porque esquecemos. E esquecemos, de forma ainda mais paradoxal, o que a nossa memória registrou como significativo para nós: um reservatório de conhecimentos ou encantamentos onde iremos voltar um dia -anos depois, décadas depois- para construir as nossas "originalidades".
Por mim falo: escrevo porque leio. E esqueço o muito que li. Mas sei que nesse esquecimento a minha memória não dorme. Ela será sempre um ladrão silencioso e noturno, jogando para dentro da sacola uma ideia aqui, uma imagem acolá, uma provocação mais além.
Sem falar das minhas experiências de vida -as experiências vividas, as experiências escutadas, as experiências inventadas- e que já fazem parte do meu DNA.
Serei uma fraude, como o velho Vladimir e a sua "ninfeta"?
Melhor, leitor, muito melhor: como todos nós, sou uma fraude que se julga original.
jpcoutinho@folha.com.br

Inscrições para Prêmio Passo Fundo de Literatura, de R$ 150 mil, estão abertas

2013-02-19T18:11:00.001-03:00

Fonte: FOLHA ONLINE

Estão abertas, até 17 de junho, as inscrições para o Prêmio Passo Fundo Zaffari & Bourbon de Literatura, que pagará R$ 150 mil a romances em língua portuguesa publicados no Brasil entre junho de 2011 e 31 de maio de 2013.

Começa 14ª Jornada Nacional de Literatura de Passo Fundo

O prêmio, concedido a cada dois anos e anunciado sempre durante a Jornada Nacional de Literatura, em Passo Fundo (RS), é um dos que pagam valor mais alto no país e está em sua oitava edição.

Na última edição do evento, em 2011, o vencedor foi o romance "Cidade Livre" (Record), do escritor e diplomata João Almino, que atualmente concorre à cadeira do poeta Lêdo Ivo na Academia Brasileira de Letras.

Cada escritor pode concorrer com apenas um romance. O vencedor será anunciado na abertura da 15ª Jornada Nacional de Literatura, no dia 27 de agosto --o evento vai até dia 31, na Universidade de Passo Fundo.

Mais informações sobre as inscrições no site da Jornada de Passo Fundo

MinC convoca artistas voluntários para Copa das Confederações

2013-02-19T16:31:00.000-03:00

Estão abertas, até o dia 16 de fevereiro, as inscrições para o cadastro de voluntários artistas que queiram participar das cerimônias de abertura e encerramento da Copa das Confederações FIFA 2013. As cerimônias acontecem, respectivamente, nas cidades de Brasília e Rio de Janeiro.

Para saber mais, acesse www.brasilvoluntario.gov.br.

*Com informações do site do MinC

iIbero-americana: apoio ao desenvolvimento de projetos de cinema e televisão

2013-02-06T19:38:00.002-02:00

Estão abertas as inscrições para o Programa Ibermedia, de estímulo à promoção e à distribuição de filmes ibero-americanos. Criado em 1997 e ratificado por 18 países, que financiam o programa, o Fundo de Apoio Ibermedia faz parte da política audiovisual da Conferência de Autoridades Cinematográficas Ibero-americanas (CACI), da qual a Agência Nacional do Cinema (Ancine) faz parte, representando o Brasil.

Para o ano de 2013, serão aceitas propostas nas seguintes linhas: apoio a programas de formação orientados a profissionais da indústria audiovisual ibero-americana; apoio ao desenvolvimento de projetos de cinema e televisão; apoio à coprodução de filmes ibero-americanos. Cada linha tem seu próprio regulamento.

A linha de apoio a programas de formação beneficiará escolas de cinema e/ou televisão, universidades, centros de formação profissional especializados, sociedades privadas pertencentes à indústria audiovisual e organizações/associações profissionais pertencentes à indústria audiovisual. Empresas de de televisão podem ser ser sócias, mas não candidatas.

Na linha de apoio ao desenvolvimento de projetos, o valor máximo que se pode conceder a cada projeto é de 15 mil dólares. Para fins de seleção, serão considerados os critérios de adequação ao formato pretendido, qualidade e originalidade da ideia, roteiro e estrutura narrativa, currículo da da empresa e equipe, e trajetória da empresa com o programa Ibermedia.

Já para a linha de coprodução de filmes ibero-americanos, são elegíveis os projetos de filmes de longa-metragem de ficção com duração mínima de 70 minutos, destinados à exploração comercial. Os projetos devem apresentar cooperação artística e técnica, ou financeira. Será dada preferência a projetos com distribuição comercial confirmada em cada um dos países coprodutores e fora deles.

As inscrições vão até o dia 30 de abril. Para saber mais, acesse www.programaibermedia.com.

*Com informações do site da Ancine

A privatização do vale-cultura

2013-02-06T19:33:00.001-02:00

Fonte: Folha
Há um certo malestar com os rumos da cultura no Brasil, segundo vozes tão diversas quanto Zeca Pagodinho e Mino Carta. Estamos regredindo? A vulgarização nos dominou? Mas é interessante que pouco se discuta o uso dos estimados R$ 7 bilhões em dinheiro público que o tal Vale-Cultura gastará.

É a maior bandeira do Ministério da Cultura, que vai continuar a usar dinheiro público para bancar a cultura de mercado, aquela que já anda sozinha sem incentivos. Empregadores descontarão de impostos R$ 45 dos R$ 50 do vale. Os outros R$ 5 dos R$ 50 mensais serão diretamente bancados pelo governo.

Há quase duas décadas, são os departamentos de marketing das grandes empresas do Brasil que decidem o grosso da verba para a cultura no país.

A Lei Rouanet até ressuscitou a cultura após o terremoto Collor e permitiu o surgimento de muita gente boa, mas a maior parte de sua verba vai para os nomões de sempre, que poderiam sobreviver sem dinheiro público. Sim, as empresas usam dinheiro público em seu marketing e o governo abre mão de ter uma política cultural.

O Vale-Cultura, que deve ser regulamentado até o dia 26, vai botar ainda mais dinheiro público na cultura de mercado. A própria ministra Marta Suplicy afirmou que com o vale, o trabalhador "vai comprar o que quiser". E disse que podem comprar "até revista porcaria", uma escorregada que revela o que ela acha dos destinatários de tal "proposta cultural".

À primeira vista, parece um mix de política generosa "de esquerda" com populismo pão-e-circo.

Mas, se com a Lei Rouanet, já bancamos de shows do Cirque du Soleil a comédias globais, o vale-cultura será facilmente investido/gasto nos multiplex de multinacionais americanas, nos cantores breganejos que já fazem muito sucesso (e que já estão ricos), nos musicais da Broadway. Quem precisa de mais Paulo Coelho? Ou de livros do Silas Malafaia?

Nos raros países onde existem Ministérios da Cultura com orçamento polpudo, a norma é patrocinar o que o mercado não tem interesse. O novo, o arriscado, o polêmico, o criativo; a poesia, a música clássica, o teatro e o cinema (este quase sempre é alternativo se não for made in Hollywood ou TV Globo).

Verbas públicas mundo afora combinam arte com educação ou mesmo arte com profissionalização.
Desde a educação artística (para valer) no ensino básico a escolas profissionalizantes que formem restauradores, produtores, mixadores, iluminadores, maquiadores, roteiristas e tantas grandes profissões que o Brasil precisa (e com milhões de jovens à procura de uma colocação melhor).

O Vale-Cultura não terá esse papel "redistributivo" que aparenta ter. Como já acontece nos filmes de Hollywood, os maiores beneficiários do tal vale serão aqueles que já possuem poder de fogo para gastar em publicidade maciça, usando os meios industriais de sempre. Os músicos que tocam na novela e no Faustão, os livros de autoajuda que ficam nas primeiras prateleiras das livrarias, os blockbusters. É para isso que gastaremos R$ 7 bilhões? A cultura continuará privatizada com dinheiro público.

Como já acontece com ProUni e Minha Casa, minha vida, não haverá exigência de contrapartida para quem for receber essa montanha de dinheiro público. As universidades privadas continuam ser ter que investir em pesquisa ou em novos doutores, as empreiteiras não precisam criar urbanismo em suas novas "Cidades de Deus". Não se exigirá dos promotores da cultura de mercado funções gratuitas, cursos de formação ou livros mais baratos.

Mas não haverá gritaria, caros Zeca e Mino. Uma das ideias mais estapafúrdias da ministra Marta Suplicy, de construir "CEUs da Cultura" na Europa, nem causou rebuliço nas redes sociais. Como se Londres e Paris precisassem mais de centros culturais com dinheiro público do que Cascavel ou Palmas. Nestes dias em que os coletivos "alternativos" viraram completamente chapa-branca, não haverá debate _ coisa que só acontece quando há oposição e situação.

Siga no Twitter: @rauljustelores

O jornalista Raul Juste Lores é correspondente da Folha em
Nova York, ex-correspondente em Pequim e Buenos Aires e ex-editor
do caderno 'Mercado', e bolsista da fundação Eisenhower Fellowships. Escreve às quartas-feiras no site. Siga: @rauljustelores

“Paperman”, curta-metragem da Disney que concorre ao Oscar 2013

2013-02-03T19:48:00.001-02:00

“Paperman”, curta-metragem da Disney que concorre ao Oscar 2013. Dirigido por John Kars e roteirizado por Clio Chiang e Kendelle Hoyer, “Paperman” foi disponibilizado por completo na página da Disney no Youtube. Confira:

Os indicados ao Oscar 2013

2013-02-03T14:39:00.001-02:00

Uma divertida apresentação sobre os indicados deste ano ao maior premio do cinema mundial. O filme o Palhaço que chegou a ser cogitado a participar como melhor filme estrangeiro foi eliminado na pré seleção pela Academia.

Produtoras audiovisuais preveem falta de mão de obra

2013-02-02T11:31:00.002-02:00

Fonte: IG

A nova lei da TV paga, que obriga canais a exibirem conteúdo nacional em horário nobre, faz produtoras independentes esperarem um ano de euforia para o setor em 2013. Mas, num regime progressivo que até 2014 estabelece a exibição de 3 horas e 30 minutos de conteúdo nacional por semana, a falta de mão de obra qualificada também pode aparecer como entrave.

Divulgação/O2 Filmes

Destino São Paulo, feito pela produtora O2 para o canal HBO, mostra vida de imigrantes na cidade

“Encabeçando a lista (de profissionais em falta), teremos roteiristas”, acredita Andréia Barata Ribeiro, sócia da O2, de Fernando Meirelles. “Em segundo, um produtor experiente que saiba o que fazer com um projeto de R$ 10 milhões nas mãos. Em seguida, profissionais de fotografia e direção de arte”, afirma.

Responsável por séries do canal HBO com “Filhos do Carnaval” e, mais recentemente, “Destino São Paulo”, a produtora projeta rodar de cinco a oito séries no ano. “Era um setor (as séries) que não existia e só uma ou outra produtora faziam. Com a garantia de absorção deste conteúdo, quem estiver preparado vai crescer mais”, diz.

“Tem espaço para todo tipo de conteúdo e vai faltar produtora”, diz José Henrique Caldas, da Dogs Can Fly, que atende Discovery Networks e os grupos FOX, Viacom (VH1, Nickelodeon, Comedy Central) e Turner (Cartoon Network, CNN, Glitz, TNT).

Para dele, a formação de mão de obra não é simples e pode ser um gargalo. “Recém-formados saem com um perfil muito júnior das faculdades e, para se desenvolver, precisam estar dentro de produtoras”, afirma.

Para o presidente da ABPITV (Associação Brasileira de Produtores Independentes de TV), a TV paga passa por uma grande transformação. Num setor que, segundo a Anatel, até novembro crescia 28,3% na relação anual, os canais internacionais perceberam que o conteúdo nacional ajuda na fidelização do telespectador, num plano semelhante ao adotado pela líder de audiência, Globo, na TV aberta.

“A classe C exige identificação e precisa se reconhecer na tela. É essa coisa também da Globo se refletir na classe popular. E uma estratégia de marketing. Não é por causa de uma obrigatoriedade: estou fazendo isso porque é bom para mim e para o meu canal”, explica.

Publicidade x Conteúdo

Divulgação/Sentimental eTAL

Zico durante as filmagens do documentário oficial sobre o centenário do clássico FlaxFlu

A movimentação em torno da nova lei também mexe com a dinâmica dentro das próprias produtoras. Vencedora em 2012 do principal prêmio do Festival Brasileiro de Publicidade, a Sentimental criou a Sentimental eTAL há cerca de um ano e atualmente negocia com canais de séries e documentários.

A empresa se vê diante de uma nova dinâmica em relação ao material publicitário, considerado de resultado mais rápido. “Nossa proposta é ter relação de longo prazo com o canal e com o conteúdo. No Brasil, há uma escassez de séries que criem ídolos e licenciamentos e esperamos sedimentar isso ao longo de 2013 e 2014”, afirma Rodrigo Terra, sócio-diretor da eTAL.

“A partir dos filmes do “Centenário do FlaxFlu” e do “Surfar é Coisa de Rico”, da história de Rico de Souza, a gente captou mais material do que precisava para fazer do longa uma série”, explica.
Mario Peixoto, produtor executivo da Delicatessen Filmes, que assina o reality show Breakout Brasil para o canal Sony Spin, considera produção de conteúdo um “caminho natural para quem quer se expandir”.

Até por conta por conta do surto recente trazido pela nova lei, 90% das receitas ainda estão atreladas aos anúncios, mas ele vê um equilíbrio maior no horizonte. “Acho que 2012 foi um ano de preparação. Por mais que economia esteja parada, nosso segmento parece em ebulição”, diz.

Produção cinematográfica do País tem orçamento recorde

2013-02-01T15:58:00.001-02:00

AE - Agência Estado

A carestia chegou ao cinema brasileiro. Nunca antes na história desse país foi tão caro fazer um filme. Ficou nostálgico aquele período da retomada em que se faziam filmes com o chamado BO (Baixo Orçamento, quantias até R$ 1 milhão). Filmes médios nacionais têm hoje um custo de produção em torno de R$ 5 milhões.

E a aceleração de preços é evidente e assombrosa. O longa-metragem de direção coletiva "Rio, Eu te Amo", da Conspiração Filmes, custaria R$ 10 milhões em 2011, segundo informação na época do então presidente da RioFilme, Sérgio Sá Leitão. Mas chega a 2013 estimando custar quase o dobro: R$ 19 milhões. É uma produção ambiciosa, 10 histórias filmadas por diretores distintos, nos moldes das franquia iniciada com "Paris, Je T?Aime", seguida por "New York, I Love You".

O filme que vai representar o Brasil no 63.º Festival de Berlim, em 7 de fevereiro, por exemplo, é "Flores Raras", de Bruno Barreto, que custou R$ 13 milhões. Tem atrizes estrangeiras no elenco (a australiana Miranda Otto e a americana Tracy Middendorf, além da brasileira Glória Pires).

Segundo a produtora do filme, Lucy Barreto, que acalenta o projeto desde os anos 1990, as despesas de produção subiram "absurdamente", e há diversas explicações. Uma delas seria a incompreensão em relação ao papel do cinema como disseminador de cultura. "Eu quero colocar música no filme, mas você não tem ideia dos preços. Querem fortunas para ceder uma música, e ainda apresentam os preços em dólar. Poderiam facilitar essas cessões, porque é assim no mundo todo. Os americanos, por exemplo, sabem que o cinema vende o país deles pelo mundo, e toda a cultura deles, por extensão."

"Os nossos orçamentos estão quase o dobro dos argentinos e dos chilenos e mais caro do que os dos espanhóis. Daqui a pouco vai ficar mais barato pegar a equipe em Buenos Aires do que aqui. Fica quase impossível", lamenta Lucy.

Segundo Manoel Rangel, presidente da Agência Nacional de Cinema (Ancine), a elevação de custos está em consonância com a realidade geral do País, na qual os salários cresceram e há uma escassez de mão de obra especializada. "Mas o orçamento médio ainda gira em torno de R$ 4, R$ 5 milhões", analisa Manoel Rangel. "Não diria que há uma tendência, mas é fato que os orçamentos estão mais caros", diz o dirigente, explicando que o Estado brasileiro nunca põe mais de R$ 7 milhões num filme, é o teto estabelecido pela lei. Ainda assim, é possível que o filme consiga mais recursos públicos, em editais. Há também mais coproduções internacionais.

O mais caro dos filmes em produção, "Amazônia, Planeta Verde", chegou ao histórico patamar de R$ 26 milhões (mas, desse total, R$ 22 milhões são de outras fontes que não o Estado brasileiro). Outra coprodução milionária com a França é "Vermelho Brasil" (Rouge Brésil), segundo da lista dos mais caros a caminho, com R$ 19 milhões. Trata-se de um longa que também será minissérie de cinco capítulos para ser exibida na Rede Globo e numa emissora francesa. O projeto envolve Conspiração Filmes, Globo Filmes e Riofilme, além da produtora francesa Pampa Films. As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

OS DEZ MAIS CAROS
Dados de 2012, fornecidos pela Ancine

"Amazônia - Planeta Verde"
R$ 26.440.767,03

"Vermelho Brasil" (TV)
R$ 19.429.497,27

"Circo Místico"
R$ 16.008.817,84

"Cidade Maravilhosa"
R$ 14.277.049,01

"O Tempo e o Vento"
R$ 13.998.533,39

"Flores Raras e Banalíssimas"
R$ 13.126.924,51

"Nó na Garganta"
R$ 13.060.561,32

"O Peregrino - A Melhor História de Paulo Coelho"
R$ 12.500.000,00

"Malês"
R$ 12.348.483,80

"Sequestrados"
R$ 12.043.289,80

Até Quentin Tarantino se inspira em personagens clássicos

2013-01-31T16:24:00.002-02:00

Quentin Tarantino é muito conhecido por construir personagens intrigantes e complexos. Mas assim como nós, pobres mortais, Tarantino também se espelha em personagens clássicos do cinema mundial. Para aqueles que ainda não foram ao cinema assistir a sua mais nova produção chamada Django Livre, aproveite para assistir ao trailer do filme Django" do diretor Sérgio Corbucci, realizado em 1966, que inspirou Tarantino em seu personagem central.