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THE FOXHOLES Y WHAT THE FOX! (2026): VEINTE AÑOS DE BÚSQUEDA RESUMIDOS EN UN VINILO IMPRESCINDIBLE

2026-08-16T10:35:13.938+02:00

Existen discos recopilatorios concebidos para celebrar aniversarios, satisfacer al mercado o reunir las canciones más populares de una banda. Y existen otros, mucho menos frecuentes, que terminan adquiriendo una dimensión completamente distinta. What The Fox!, publicado el 6 de julio de 2026 para conmemorar los veinte años de The Foxholes, pertenece claramente a esta segunda categoría.

Sería fácil definirlo como el primer vinilo de la formación barcelonesa. También como una selección de diez canciones que recorren dos décadas de trayectoria. Ambas afirmaciones son ciertas, pero insuficientes. Porque What The Fox! no se limita a recopilar material anterior: reinterpreta toda una carrera desde el presente, convirtiéndose en la obra que mejor explica quiénes son hoy The Foxholes.

Y esa es precisamente su mayor virtud.

Desde su nacimiento en Barcelona en 2006, el proyecto impulsado por Jonah A. Luke nunca ha transitado el camino más sencillo. Mientras buena parte del rock progresivo contemporáneo ha buscado refugio en la tradición, The Foxholes han preferido construir un lenguaje propio, alimentándose del rock alternativo, el hard rock, la psicodelia, la electrónica, el art rock e incluso del post-rock, sin renunciar nunca a una evidente sensibilidad progresiva. Su evolución nunca ha sido lineal, sino orgánica. Cada disco ha supuesto un paso adelante, una nueva pregunta más que una respuesta definitiva.

Jonah y Txosse 2015
(foto:Moi Canon)

Con una discografía extensa y sorprendentemente coherente, la banda llega ahora a su vigésimo aniversario con una decisión tan sencilla como inteligente: no ordenar cronológicamente su historia, sino reconstruirla desde la experiencia adquirida durante todos estos años.

La clave aparece casi escondida en los créditos del álbum. Todas las canciones han sido grabadas, mezcladas y masterizadas entre 2015 y 2024 por Txosse Ruiz en Wheel Sound Studio. Sin embargo, las composiciones proceden de momentos muy diferentes de la trayectoria del grupo. Algunas nacieron en los primeros años, otras pertenecen a discos de madurez y varias fueron publicadas recientemente. Lo verdaderamente interesante es que aquí dejan de pertenecer a épocas distintas para integrarse bajo una única identidad sonora. No estamos escuchando viejas grabaciones ordenadas en un mismo soporte. Estamos escuchando a The Foxholes de 2026 dialogando con The Foxholes que crecieron de 2009 a 2024.

Y este es el matiz que cambia completamente la naturaleza del disco. En lugar de presentar una retrospectiva, What The Fox! propone una reinterpretación. Canciones nacidas en contextos muy diferentes adquieren una nueva vida gracias a una producción homogénea, una banda plenamente consolidada y una secuenciación que las convierte en un único discurso musical.

La apertura con "El Propi Misteri", presentada aquí en una edición especialmente adaptada para el formato LP, funciona como una declaración de principios. Procedente de Flora i Fauna (2024), reúne muchas de las virtudes que han definido la última etapa del grupo: guitarras expresivas, una producción cristalina, cambios armónicos discretos y una escritura que consigue sonar sofisticada sin perder cercanía. Es un comienzo luminoso, invitando al oyente a entrar en un paisaje sonoro donde cada detalle parece cuidadosamente colocado.

A continuación aparecen "Invader Proxy" y "Tiny Speck", ambas rescatadas de Un Mal Menor (2016). Son dos composiciones que representan un momento decisivo en la evolución de la banda. Aquí todavía encontramos a Vicenç Molina tras la batería y un sonido que empieza a desprenderse de las capas experimentales de los primeros años para abrazar un lenguaje más directo, donde el rock alternativo dialoga constantemente con la sensibilidad progresiva. Son canciones compactas, de gran eficacia narrativa, que demuestran que la complejidad no depende de la duración ni del número de cambios de compás.

Uno de los grandes aciertos del recopilatorio es la inclusión de "Cruzada" en su edición para sencillo. La pieza resume la faceta más enérgica de The Foxholes. Bajo un riff contundente aparecen sintetizadores, texturas electrónicas aportadas por Maese 1001 y una estructura que nunca termina de acomodarse en el terreno del rock convencional. Es una de esas composiciones que sintetizan perfectamente la personalidad híbrida del grupo.

La cara A concluye con "La Sed Que Yo Tengo", probablemente una de las canciones más representativas de bRutaL (2011). Aquí el grupo demuestra que también sabe construir relatos musicales de largo recorrido. La tensión se desarrolla lentamente, las guitarras respiran, la dinámica crece de forma orgánica y el desenlace deja esa agradable sensación de haber recorrido un pequeño viaje. Como cierre de la primera cara resulta prácticamente perfecto: invita a levantarse, dar la vuelta al disco y seguir escuchando.

La segunda mitad comienza con "De tus manos", el corte representante de Radio Cincinnati (2015). Más allá de su calidad musical, posee un importante valor histórico. Fue uno de los trabajos realizados junto a Txosse Ruiz en Wheel Sound Studio y marcó el inicio de una colaboración que terminaría definiendo el sonido de la banda durante la siguiente década. Sin esta canción, el relato que propone el vinilo habría perdido una pieza esencial.

La presencia de "La Ciencia de la confusión", procedente de Sci-Fox (2017), evidencia hasta qué punto ese álbum representa la culminación artística de The Foxholes. Es una composición llena de matices, con una arquitectura interna muy elaborada y una riqueza armónica que nunca cae en el exceso. La participación vocal adicional del propio Txosse Ruiz aporta una profundidad casi coral que engrandece aún más el conjunto.

El ambiente cambia con "Mephistopheles", otra de las grandes composiciones de Sci-Fox. Oscura, intensa y atmosférica, introduce el momento de mayor densidad emocional del recorrido. Sus guitarras pesadas conviven con sintetizadores discretos y una interpretación vocal contenida que evita cualquier tentación teatral. Es una canción que demuestra cómo la banda ha aprendido a sugerir más que a mostrar.

El penúltimo corte, "Tierra ni hogar", testifica la gran obra Sci-Fox, el disco más representado en este vinilo, para ofrecer uno de los momentos más emotivos del álbum. Hay algo profundamente cinematográfico en su desarrollo. Más que apoyarse en riffs memorables, construye imágenes, paisajes y emociones. Es una composición donde el espacio entre las notas resulta casi tan importante como las propias notas.

Jonah 2026 (foto: Almudena C.)

Y entonces llega el final con "Cada miércoles", original de com o doin fier no (2010) y reelaborada como bonus en Sci-Fox. La elección de este tema para cerrar el primer vinilo de la historia del grupo resulta especialmente significativa. No es la pieza más larga, ni la más compleja, ni la más espectacular. Es, probablemente, la que se convierte en la más humana. Su carácter melódico y su calidez dejan al oyente con una sensación de continuidad, como si la historia no terminara aquí, sino que simplemente invitara a seguir explorando el resto de la discografía.

Pero quizá el mayor logro del vinilo sea precisamente aquello que no se percibe a primera vista. Resulta difícil identificar qué canciones fueron concebidas hace quince años y cuáles pertenecen a la etapa más reciente. La producción no uniformiza artificialmente el repertorio; simplemente revela que siempre existió un hilo conductor bajo las diferentes capas estilísticas que la banda fue explorando con el paso del tiempo. Escuchadas hoy, aquellas primeras intuiciones creativas encuentran continuidad natural en las composiciones más maduras. Todo parece formar parte de un mismo viaje.

Eso habla muy bien de la evolución del grupo. También de la enorme labor realizada por Txosse Ruiz durante la última década. Su producción consigue que el catálogo entero respire con una personalidad común sin borrar la identidad particular de cada canción. El resultado no suena a restauración, sino a consolidación. Todo ello apoyado fírme y artísticamente por una portada vibrante y caleidoscópica, obra de Tim Marsh, donde la explosión de formas geométricas y colores eléctricos transmite energía, movimiento y una personalidad arrolladora, cuyo atractivo nace del contraste entre el fondo oscuro y gráfico y ese estallido cromático central, como una vanguardia pictórica pasada por el filtro del pop y la música contemporánea.

Otro de los grandes aciertos reside en la secuencia elegida para el formato vinilo. No hay sensación de acumulación ni de simple enumeración de temas destacados. La escucha avanza con una fluidez admirable, alternando momentos de mayor intensidad con otros más introspectivos, equilibrando la duración de las composiciones y respetando el lenguaje propio del LP como obra completa. En una época dominada por las listas de reproducción, The Foxholes reivindican el valor de escuchar un disco de principio a fin. Y funciona. Porque, lejos de parecer un álbum construido con materiales dispersos, What The Fox! transmite la sensación de haber sido concebido exactamente así desde el principio. Eso solo ocurre cuando una banda posee una identidad muy definida.

Escuchando este trabajo resulta inevitable regresar física y mentalmente a los primeros discos del grupo. No para compararlos, sino para comprobar cómo muchas de las ideas que entonces aparecían de forma embrionaria terminan floreciendo aquí con absoluta naturalidad. El rock alternativo, las estructuras progresivas, el gusto por la melodía, los cambios dinámicos o el equilibrio entre fuerza y sensibilidad nunca fueron elementos aislados. Siempre estuvieron presentes. Lo que ha cambiado es la manera de desarrollarlos.

Por eso este disco tiene un valor que trasciende al propio aniversario. Más que resumir veinte años de carrera, los explica. Más que seleccionar canciones, construye un relato. Más que mirar hacia atrás, ilumina retrospectivamente toda la obra de The Foxholes. Y ese es un logro extraordinariamente difícil de alcanzar.

The Foxholes 2026 (foto: V. Molina)

Al finalizar la última nota de "Cada miércoles" queda la sensación de haber escuchado algo mucho más importante que un recopilatorio. Se percibe la historia de una banda que nunca ha dejado de evolucionar, pero que tampoco ha perdido jamás el hilo que unía sus primeras composiciones con las más recientes. Un grupo que ha sabido crecer sin renunciar a sí mismo. Quizá por eso What The Fox! posee una cualidad que muy pocos discos consiguen. No ofrece todas sus respuestas en la primera escucha. Al contrario. Con cada nueva vuelta aparecen conexiones que antes pasaban desapercibidas, pequeños detalles de producción, líneas instrumentales, relaciones entre canciones separadas por años de distancia y una coherencia interna que solo se revela plenamente con el tiempo. Es uno de esos discos que parecen mejorar a medida que el oyente también aprende a escucharlos.

Y esa es, probablemente, la mayor victoria de The Foxholes. Porque cuando un recopilatorio consigue dejar de comportarse como un recopilatorio para convertirse en una obra con personalidad propia, deja de ser una celebración del pasado para transformarse en una declaración de principios. What The Fox! no cierra veinte años de historia, sino que los pone en perspectiva. Y lo hace con una elegancia, una honestidad artística y una madurez compositiva que convierten este primer vinilo en una referencia imprescindible dentro de la discografía de The Foxholes. Un álbum que no solo celebra el camino recorrido, sino que invita a volver a recorrerlo desde el principio. Y, como ocurre con las obras verdaderamente perdurables, cada nueva escucha no hace sino confirmar la sensación inicial: estamos ante un disco magnífico, de esos que crecen con el tiempo hasta convertirse, silenciosamente, en una pequeña maravilla.

ÉXODO (2026, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

2026-06-12T15:26:01.174+02:00

Claro que hay discos que llegan para ampliar la historia, pero también es cierto que otros directamente la reescriben. El rescate de Éxodo por parte de Cinco Lunas Producciones pertenece a esta segunda categoría. Casi medio siglo después de su nacimiento, aquellas composiciones concebidas en la Málaga de finales de los setenta encuentran por fin el lugar que siempre merecieron dentro del gran relato del rock progresivo español. Nacidos en 1977, en plena ebullición creativa, el grupo desarrolló una personalidad propia alejada de los caminos más transitados del rock andaluz. Durante años fueron una de esas leyendas apenas conocidas por quienes frecuentaban salas, concursos y escenarios locales, compartiendo cartel con nombres tan dispares como Tabletom o Barón Rojo, mientras construían un repertorio que miraba más hacia las grandes referencias británicas del progresivo que hacia las modas imperantes de su entorno.

Lo primero que sorprende al escuchar estas grabaciones es su extraordinaria madurez. Éxodo han escuchado a los grandes y sonidos de King Crimson, Genesis, Camel o Pink Floyd aparecen de forma natural, integradas en un lenguaje propio donde la flauta de Antonio Ávila, los teclados de Augusto Jurado y la guitarra de Juan A. Anillo dialogan constantemente sobre una base rítmica sólida y versátil. No hay artificio ni exhibicionismo gratuito. Aquí hay progresivo, rock sinfónico, jazz-rock... pero sobre todo hay composición, atmósfera, largos desarrollos, duende y una búsqueda permanente del equilibrio entre la complejidad técnica y la emoción melódica. En algunos pasajes, incluso resulta inevitable encontrar resonancias que años después asociaríamos a propuestas espaciales y psicodélicas cercanas a Ozric Tentacles.

El material grabado entre 1992 y 1994 por los miembros originales posee además un valor especial. No se trata de una simple reunión nostálgica ni de una reconstrucción arqueológica. Son canciones que conservan intacto el espíritu creativo de finales de los setenta, registradas con la perspectiva y la experiencia que da el paso del tiempo. Esa combinación confiere al álbum una extraña sensación de intemporalidad, como si hubiera permanecido oculto durante décadas esperando el momento adecuado para ser escuchado.

Con esta edición, gracias a la labor arqueológica de Cinco Lunas Producciones, a quienes el tiempo no tardará en consolidarlos en su altar preeminente de investigación y salvaguarda del Arte musical, no solo se recupera un grupo olvidado; se devuelve a la memoria colectiva una pieza importante del puzzle del progresivo español. Éxodo demuestra que la escena andaluza fue mucho más diversa y rica de lo que habitualmente reflejan los relatos oficiales. Escuchar este disco es abrir una ventana a una historia paralela, una historia que estuvo a punto de perderse y que hoy, afortunadamente, vuelve a sonar con toda su fuerza y toda su belleza como si llevara décadas esperándonos.

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CUNEIFORM RECORDS PRESENTA SU NEWSLETTER DE JUNIO DE 2026 CON HENRIK OLSSON, CHEER-ACCIDENT Y NUEVOS ADELANTOS DE SU CATÁLOGO EXPERIMENTAL

2026-06-01T14:04:20.772+02:00

Cuneiform Records continúa desplegando su intensa actividad editorial con la publicación de su newsletter de junio de 2026, una actualización que combina nuevos lanzamientos, avances de futuros proyectos y noticias relacionadas con algunos de los nombres más representativos de su catálogo. Como viene siendo habitual, el sello estadounidense reafirma su apuesta por el rock progresivo, el jazz de vanguardia y la música experimental más inquieta.

Uno de los principales focos de atención del boletín está puesto en Henrik Olsson's Antumbra Ensemble. El guitarrista y compositor danés prepara para el próximo 26 de junio la publicación de Antumbra Ensemble, su debut en Cuneiform Records. El álbum presenta una propuesta de avant-prog y jazz experimental construido alrededor de complejas estructuras compositivas, con referencias que remiten tanto al universo de Henry Threadgill como al legado del movimiento Rock In Opposition encabezado por grupos como Henry Cow.

Como adelanto del lanzamiento, la newsletter destaca el tema “Homeshredder”, acompañado de un videoclip realizado por Nespy5euro. El proyecto cuenta con una formación de siete músicos procedentes de la escena creativa de Copenhague y desarrolla una sonoridad que combina elementos del rock experimental, la improvisación contemporánea y el jazz más aventurero. El propio sello define el trabajo como una experiencia musical cambiante y llena de contrastes, articulada a través de melodías complejas y dinámicas en constante transformación.

La publicación también dedica un espacio destacado a Cheer-Accident, cuyo nuevo trabajo You Smile–The Song Is over apareció oficialmente a finales de mayo. El lanzamiento supone un nuevo hito para la veterana formación de Chicago, ya que reúne su vigésimo séptimo álbum de estudio junto a su primer DVD oficial en directo. La banda continúa consolidando una trayectoria marcada por la experimentación, el humor absurdo y una particular mezcla de art rock, post-rock y estructuras progresivas poco convencionales.

Además del nuevo disco, Cheer-Accident inicia una gira estadounidense con la que seguirá presentando un repertorio que durante décadas ha convertido al grupo en una de las propuestas más singulares de la escena underground norteamericana. La newsletter recupera incluso algunas valoraciones históricas de medios y publicaciones especializadas que han destacado la capacidad del grupo para combinar complejidad musical y espíritu irreverente.

Otro de los puntos relevantes del boletín es la promoción de Legends in their Own Lunchtime: An Exploration of the Canterbury Scene, el primer libro publicado por Cuneiform Records. La obra, escrita por el historiador musical francés Aymeric Leroy, supone la primera traducción al inglés de uno de los estudios más exhaustivos dedicados a la escena Canterbury, movimiento fundamental en el desarrollo del rock progresivo británico durante las décadas de 1960 y 1970. Con esta publicación, el sello amplía su actividad más allá del ámbito estrictamente discográfico y se adentra en la divulgación histórica y cultural.

La newsletter sirve además para anticipar algunos de los lanzamientos que llegarán durante la segunda mitad de 2026. Entre ellos figuran The Terror and the Beauty, de A Love Supreme Electric, concebido como un homenaje a Sonny Sharrock; Missing Times, de los franceses Ghost Rhythms; y 6, nuevo trabajo de los suizos Schnellertollermeier. También se confirma que los italianos Accordo dei Contrari trabajan en un nuevo álbum que verá la luz próximamente dentro del catálogo de Cuneiform.

Como complemento a las novedades editoriales, el boletín repasa la actividad en directo de varios artistas vinculados al sello. Entre las noticias destacadas aparece la participación de la violonchelista y compositora Janel Leppin en la gira de Mdou Moctar, además de futuras actuaciones y proyectos relacionados con distintos músicos de la órbita Cuneiform.

Con esta nueva actualización, Cuneiform Records mantiene intacta la filosofía que ha definido al sello desde su fundación: ofrecer un espacio para propuestas musicales alejadas de los circuitos comerciales convencionales y continuar construyendo un catálogo donde conviven el jazz creativo, la experimentación sonora y las múltiples ramificaciones del rock progresivo contemporáneo.

Información completa en: https://cuneiformrecord.blogspot.com/2026/05/cuneiform-records-may-2026-newsletter.html

FONTORIA PRESENTA MADREMAR, LA OBRA MÁS AMBICIOSA Y NARRATIVA DE MAXI AREÑES

2026-05-01T19:13:00.002+02:00

El proyecto musical Fontoria, liderado por el músico asturiano Maxi Areñes, lanza su sexto trabajo discográfico, Madremar, una nueva exploración sonora que consolida su trayectoria como una de las propuestas más singulares dentro de la música conceptual contemporánea.

Publicado directamente en plataformas digitales el pasado 6 de febrero de 2026, Madremar se presenta inicialmente como una obra compuesta por un extenso bloque instrumental de aproximadamente 50 minutos, acompañado por dos piezas adicionales: “Eolo III”, que cierra la trilogía iniciada en su álbum Goetia (2023), y “Nauta”, un tema vocal en el que Areñes narra, a través de su propia voz, la historia de un Ulises contemporáneo en el ocaso de su vida.

En este nuevo trabajo, Areñes desarrolla una idea central poderosa: el mar como entidad única, origen de la vida, de las experiencias humanas y de las leyendas que han atravesado el tiempo. Esta visión se traduce en una obra de carácter inmersivo, donde la música actúa como vehículo narrativo y emocional.

La edición física, prevista para el verano de 2026 en una tirada limitada, ampliará significativamente el contenido original. Bajo el título Madremar. Las Espontáneas Tribulaciones de Ulises, esta versión incluirá dos CDs y un total de 14 composiciones, incorporando 11 nuevos temas que transforman el conjunto en un álbum conceptual completo inspirado en La Odisea de Homero. El resultado es un relato musical que reinterpreta el viaje de Ulises desde una perspectiva contemporánea y profundamente personal.

Fiel a su carácter intelectual, Maxi Areñes vuelve a asumir un papel central en la creación del disco, encargándose de interpretar cerca de 30 instrumentos, reafirmando su condición de multiinstrumentista y creador integral. Junto a él, participan músicos de reconocido nivel como Pablo Canalís —colaborador habitual del proyecto—, Mael Martínez, Maitetxu Isla y Olivier Grenoble.

Desde su creación en 2017 en Piloña, Fontoria ha destacado por una propuesta que fusiona folk asturiano y europeo, rock progresivo, música electrónica, elementos clásicos y vanguardistas, dando lugar a un lenguaje propio donde cada álbum funciona como un capítulo dentro de un universo narrativo en constante evolución.

Con Madremar, Fontoria no solo amplía su discurso artístico, sino que reafirma su identidad: un proyecto profundamente creativo, ambicioso y ajeno a las convenciones del mercado, que continúa construyendo, disco a disco, una de las obras más personales y extensas de la música contemporánea actual.

Escucha a Fontoria aquí.

WALLADA: EL SUEÑO DE UN POETA CORDOBÉS (2026, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

2026-03-31T12:35:00.000+02:00

Hay proyectos que nacen para ocupar una cartelera, y otros que nacen para quedarse suspendidos en el tiempo, como si no terminaran de encontrar su momento. Wallada: El Sueño de un Poeta Cordobés pertenece, sin duda, a los segundos. Estrenado en 2004 en los Jardines del Alcázar de Córdoba, en el marco del Festival de la Guitarra, aquel gran montaje multidisciplinar no fue simplemente un musical: fue una intuición artística de José María de la Quintana y Javier García-Pelayo adelantada a su época, un intento honesto, emocional y profundamente andaluz, de convertir el lenguaje del rock en relato escénico. Aquel día, el rock andaluz se convirtió en Historia, con mayúsculas.

La historia elegida no podía ser otra. Wallada bint al-Mustakfi, poeta libre en la Córdoba del siglo XI, y su relación con Ibn Zaydún, ofrecían todos los ingredientes: amor, conflicto, belleza, caída. Pero lo que diferenciaba a Wallada de otras aproximaciones históricas era su manera de contar. Aquí no había reconstrucción académica ni recreación museística. Había emoción. Y esa emoción hablaba en un idioma muy concreto: el del rock andaluz.

Para entender el alcance de la propuesta, hay que detenerse en ese punto. El rock andaluz, representado, entre otros, por nombres como Triana, Alameda o Smash, no fue sólo un género musical: fue una forma de mirar el pasado desde la modernidad. Mezcló guitarras eléctricas con compases flamencos, sintetizadores con ecos de Al-Ándalus, y creó un sonido profundamente evocador, casi narrativo. Pero si hay una banda que consolidó ese lenguaje y lo llevó a una dimensión más emocional y accesible, esa es Medina Azahara. El estilo compositivo remite claramente a su sonido, convirtiendo a los Medina en una especie, si se me permite, de ADN musical del espectáculo.

Y es precisamente ahí donde Wallada encuentra su raíz más fértil. No como adaptación directa de miembros de la banda, ni como biografía encubierta, sino como prolongación natural de su universo sonoro y lírico. Algunos de los músicos implicados en la obra tenían vínculos con ese entorno, pero más allá de los nombres (gracias Miguel Galán, gracias Randy López), lo que importa es el espíritu. Las melodías, los desarrollos instrumentales, el uso de teclados envolventes, la forma de construir clímax emocionales… todo remite a esa tradición. Wallada no imita el rock andaluz: lo habita.

La gran diferencia es que aquí ese lenguaje deja de ser fragmentario. Donde el rock andaluz clásico, para entonces más memoria que presente, se expresaba en canciones independientes, el musical propone continuidad de una tradición. Aparecen motivos recurrentes asociados a personajes, transiciones musicales que sostienen la acción, una arquitectura dramática que convierte cada tema en parte de un todo. Es, en esencia, una ópera rock andaluza que, creo, nunca se definió como tal, pero que funciona exactamente bajo ese principio: música como narración, rock andaluz expandido hacia lo teatral, algo poco habitual.

El contexto también importa. Córdoba no es solo el escenario de la historia, sino su símbolo más potente. Es la ciudad de Wallada, sí, pero también la ciudad de la que surge Medina Azahara. Esa coincidencia convierte la obra en algo más que una evocación de un pasado esplendoroso o la idealización de la Córdoba califal: la transforma en un diálogo entre pasado y presente, entre memoria cultural y expresión contemporánea. No es casual que el musical insista en temas como la convivencia entre culturas, la tolerancia o la belleza compartida. Son los mismos temas que el rock andaluz ha trabajado durante décadas, solo que aquí se encarnan en personajes, en cuerpos, en escena.

Sin embargo, la ambición de Wallada fue también su mayor fragilidad. En una época en la que el rock andaluz ya no ocupaba el centro de la industria musical, pese a que sus músicos estaban en su mejor momento personal, apostar por una producción compleja, con danza, música en directo, escenografía audiovisual y un lenguaje híbrido, era un riesgo considerable. La obra, costosa y difícil de mantener en gira, aun con todo tuvo recorrido, con parada destacada en el teatro Apolo de Madrid, pero no logró consolidarse como fenómeno duradero. Quedó, más bien, en ese territorio difuso donde habitan las obras de culto: recordadas con intensidad por quienes las vivieron, pero ausentes del circuito habitual.

Y aun así, algo permaneció. Quizá porque el material de base, musical, histórico, emocional, tenía más profundidad de la que su contexto permitió desplegar. Quizá porque, en el fondo, Wallada no había terminado de decir todo lo que tenía que decir.

Por eso resulta especialmente significativo lo que ocurre en 2026 con la recuperación impulsada por el sueño andalusí de Juan Antonio Vergara, alma de 5 Lunas Producciones. No se trata de una simple reedición ni de un ejercicio de nostalgia. Lo que emerge ahora es una nueva escucha, una forma de reorganizar y presentar ese legado musical desde la perspectiva que da el tiempo. La producción respeta la esencia original del sonido, ese pulso entre lo sinfónico, lo flamenco y lo eléctrico, pero introduce una claridad, una limpieza y una nueva forma de respirar la música, fruto de un enorme trabajo de masterización que permite apreciar mejor sus matices, sus intenciones, su arquitectura interna. Es como si las canciones hubieran estado esperando este momento. 5 Lunas Producciones, ahora desde la distancia suficiente, logra que se entienda mejor lo que nos intentaban decir hace más de veinte años y que, a la vez, nos preguntemos si una música puede contar quiénes fuimos... y quiénes aún podríamos ser. En 2004 la pregunta quedó en el aire. En 2026, gracias a esta edición en CD y DVD, por fin empieza a escucharse la respuesta.

Y es que escuchar hoy Wallada es, en cierto modo, completar un círculo. Lo que en su nacimiento podía percibirse como una apuesta arriesgada, incluso desubicada, se revela ahora como una pieza coherente dentro de una tradición más amplia: la del rock andaluz entendido no sólo como música, sino como forma de narrar, de pensar y de recordar. La conexión con Medina Azahara, transformada y aumentada para la representación en Grupo Qúrtuba, deja de ser una referencia implícita para convertirse en una clave de lectura evidente.

Porque al final, lo que propone Wallada, y lo que 5 Lunas rescata con sensibilidad y enorme cariño, es algo sencillo y profundo a la vez: que la música puede ser memoria viva. Que una melodía puede evocar una ciudad, una época, una forma de amar. Y que, a veces, las obras no fracasan ni triunfan en su momento: simplemente esperan el tiempo necesario para ser escuchadas como merecen.

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PROGRESSIVE ROCK SIDE OF FIVE MOONS VOLUME 10 (2026, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

2026-02-22T17:38:00.003+01:00

Con Progressive Rock Side of Five Moons Volume 10 se cierra el ciclo… pero, ojo, no la historia. Este décimo volumen, dedicado como el anterior a los sabores inéditos, pone el broche a una etapa, sí, a ese primer gran arco que ha ido rescatando músicas y músicos desconocidos, directos imposibles y grabaciones que dormían el sueño de los justos. Pero desde la propia casa ya se ha dejado claro que la colección quiere, necesita, seguir viviendo: se retoma, se reformula si hace falta, y volverán nuevos volúmenes. Esto no es una despedida, es un punto y seguido con pausa solemne.

Lo que ha hecho 5 Lunas Producciones durante estos diez capítulos no tiene precedentes reales en nuestro país: arqueología progresiva sin postureo, sin canon impuesto y sin complejos. Y este Vol. 10 resume perfectamente esa filosofía.

El décimo viaje lo abren Cheeto’s Magazine, nuestros Spock’s Beard de Barcelona, que aquí no vienen a epatar con virtuosismo de escaparate, sino a mostrar una cara quizá menos visible: precisión técnica, sí, pero también ironía melódica y ese gusto por el cambio de dinámica que los distingue dentro del progresivo estatal más contemporáneo.

Después nos sorprenden desde los sublimes Alter Ego, desde Orereta e Iruña, con una de las mejores piezas de este nuevo volumen. Un lienzo musical que respira clasicismo setentero bien entendido sin oler a propuestas derivativas: desarrollos amplios, teclados con intención narrativa y guitarras que no viven por vivir, sino por construir sólidas propuestas.

El pulso cambia con el directo de los gaditanos Omni, que se mueven en terrenos más sinfónicos, más envolventes, gracias a su técnica y enorme pasión, jugando con texturas y tensiones contenidas en un ejercicio musical fluido y orgánico. Nada de fuegos artificiales gratuitos: aquí el viaje es interior para explotar en un caleidoscopio de emociones.

Entran luego Khorus, que con el tiempo derivarían en Bola, y, como buenos adelantados a su propio tiempo, su música empieza a ofrecer desafíos. Más músculo, más contundencia, con ese planteamiento directo y claro, pero enfocado en el gusto por la estructura compleja. Progresivo inquieto y lírico de unos músicos únicos en aquel momento, que no reniega de la potencia ni del filo progresivo ni del jazz rock más inquieto. Los sevillanos construyeron una de las catedrales progresivas más sólidas del momento, pero no se supo, o no se quiso, agradecer su resplandor seductor e innovador.

El golpe de Historia lo pone Iceberg, precisamente con “Històries”, tocado en directo en 1978. Palabras mayores. Su más que positiva presencia aquí funciona casi como recordatorio de lo que en este país hubo, y hay: músicos que podían mirar de tú a tú al jazz-rock europeo o mundial más exigente. Lo suyo no es nostalgia: es vigencia.

Y desde otro ángulo, otros históricos: Asturcón aportando raíz y carácter, uniendo tradición y electricidad con naturalidad, sin forzar el acento ni disfrazarlo. Los asturianos sólo publicaron un álbum homónimo en 1981 y, teniendo grabado el segundo, desafortunadamente ya nunca supimos de ellos. 5 Lunas Producciones rescata “Pensando en el futuro”, inédito del segundo trabajo que, ya puestos, se podría, de alguna manera editar para no olvidar el legado enorme del progresivo norteño.

La segunda mitad del recorrido abre con Moon Cluster, que juegan con climas más universales, más introspectivos, casi cinematográficos por momentos, aportando desarrollos embriagadores llenos de emoción y fluidez melódica. Este “Two legs of stone” se me antoja el preludio de un nuevo trabajo de los de Bilbo. Sonidos emersónicos, camelianos y floydianos surcan los más de 9 minutos de esta gloriosa composición.

Después, los melódicos marillionanos Numen se adentran en terrenos donde la música y la espiritualidad caminan juntas, con una construcción paciente que demuestra que el progresivo sigue siendo, ante todo, una cuestión de discurso musical.

La rareza con personalidad propia la trae unos, para mí, siempre sorprendentes Alquilbencil, agrupación inclasificable para una propuesta que no pretende encajar de manera fácil: riesgo, mezcla y ese punto de libertad que recuerda que la música progresiva nació para romper moldes, no para ser idolatrada ad perpetuam.

Y el cierre lo firma un inmensurable Javier Miranda, que nos desvela en “Season of good rain” de 2012, su mirada más personal, casi de autor, convirtiendo teclados y composición en síntesis de la técnica al servicio de la emoción.

El orden de los temas funciona como una línea temporal emocional más allá de lo puramente cronológico. Hay generaciones distintas, enfoques distintos, producciones desiguales. Y precisamente ahí está la verdad del asunto. Este volumen no intenta maquillar diferencias ni construir un relato homogéneo. Lo que hace es mostrar el ecosistema completo: desde nombres consolidados hasta proyectos casi secretos, todos unidos por la misma necesidad de crear sin pedir permiso. Y aunque parezca que este disco marca el final de una etapa perfectamente delimitada, no supone bajar la persiana. Al contrario: deja la puerta entreabierta. La colección seguirá, con nuevos rescates y nuevas lunas. Así que sí, se cierra este primer círculo numerológicamente mágico… pero el patrimonio pide paso.

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PROGRESSIVE ROCK SIDE OF FIVE MOONS, VOLUME 9 (2026, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

2026-02-21T17:45:00.000+01:00

Progressive Rock Side of Five Moons, Volume 9 es otro capítulo más en esa bendita locura que responde al nombre de 5 Lunas Producciones. Y no, no está aquí para inflar egos ni para arañar titulares en suplementos semanales de engañosos colores. Está para lo que casi nadie hace: rescatar una escena que, para la mayoría, directamente no existió. Esta serie se ha convertido, y no exagero, en la única iniciativa que se ha tomado en serio el rock progresivo español como trabajo arqueológico: cintas olvidadas, maquetas imposibles, grabaciones que dormían en cajones desde los setenta, los noventa o los dos mil. Aquí no hay éxitos ni clásicos de manual; hay música que, de no ser por este proyecto, seguiría perdida en la penumbra.

Cada volumen tiene su carácter y este noveno es el del rescate crudo. No ya de nombres, que también, sino de músicas que jamás salieron del círculo más cercano a quienes las parieron. Sueños grabados en cuatro pistas, proyectos que no encontraron hueco, ilusiones que se quedaron a mitad de camino. Y, sin embargo, cada tema funciona como un puente tendido entre generaciones. El resultado es un mosaico orgánico, a veces sin pulir, pero honesto hasta la médula: una aventura desnuda, sin maquillaje, lista para quien quiera entrar sin prejuicios.

El arranque lo firma Eric Baule con “Grateful essence’s tale”, y vaya manera de empezar: guitarra que dibuja épica mediterránea, desarrollo fluido, arreglos complejos y melodías que se expanden sin pedir permiso. Pasión, mucha pasión, pero con cabeza.

Después aparecen los Bola Banda Electrónica con “El baile de los electrones”, rescatados también el año pasado por 5 Lunas, que funciona como una metáfora de Tangerine Dream sureño jugando a Kraftwerk con instrumentos casi primigenios. Aquí la originalidad pesa más que la tecnología, y eso se nota... y se agradece.

Una de las joyas del disco es “The limpid green”, del asturiano Jesús Muñoz, auténtico artesano de la guitarra y los sonidos progresivos. Se encarga de todo y lo hace con una naturalidad que asusta: ensoñación, optimismo y sensibilidad. Un adorable e injusto desconocido que en otro país sería considerado uno de los dioses de la eléctrica.

Desde Barcelona, Fireplace te embauca con ese rock progresivo teñido de elementos teatrales y folclóricos que dirigen descaradamente su música hacia el Canterbury de mayor calidad como si hubiesen nacido en la medieval ciudad del sur de Inglaterra. El título, “Apple Smell Colour” es una clara referencia el grupo que montarían más tarde los líderes Lluis Barceló y Uri Mas. Exquisita elegancia sin necesidad de alardes.

No recompuestos de la maravilla lírica de Fireplace, entran a tumba abierta los jerezanos Metáfora, origen de Onza, y dirigidos con fuerza, pasión e inteligencia compositiva por el maestro de la guitarra eléctrica Jaime Padilla. El universo sonoro de este gaditano mediterráneo es tan poderoso que sabe transmitir como pocos músicos alma y fuerza: la emoción y la potencia narrativa surca cada segundo del instrumental “En el campo de batalla”, uno de los temas claves de este noveno volumen.

Miguel Ángel Fernández Pérez, alma de Música Invisible y multiinstrumentista burgalés, aporta “Referencias”, una tormenta de teclados, guiños evidentes a Emerson y Wakeman, y un detalle emotivo hacia ABWH que deja claro de dónde vienen sus devociones.

También escuchamos con deleite a los primeros Bloque, todavía sin Juanjo Respuela, con la maqueta de 1975 “Volver a sentir”. No es el Bloque refinado que luego conoceríamos, pero sí el embrión: músculo en crudo, poesía incipiente y potencial a punto de estallar desde Torrelavega.

Entran Éxodo (1977) y la cosa se pone más interesante: se intuye la raíz andaluza, sí, pero se escapa del tópico y se mete en terrenos más jazz-rock, más libres, menos previsibles. Enormes estos curtidos boquerones que te impactan tanto con Genesis como con King Crimson o los primeros Tabletom. Únicos.

Cuando crees que el mapa ya está trazado, Soma Planet (2003) irrumpe con improvisación, experimentación y estructuras menos dóciles, recordando que el progresivo no es solo sinfonismo de capa y espada, sino un concepto que progresa nota a nota.

Cierran Xoldra, desde la eterna Galicia, con “Repique” aportando ese aire con raíz folk, basado en guitarras que dialogan sin prisas y un aroma que huele más a honestidad que cualquier virtuosismo vacío.

El conjunto, evidentemente, no funciona ni funcionará como un “grandes éxitos”, sino como mapa fragmentado de intentos, búsquedas y momentos concretos congelados en el abismo del Tiempo inexorable. Hay irregularidad, claro. Hay diferencias de producción, de época, de ambición. Pero precisamente ahí está la gracia: en que no intenta disfrazar nada. Este volumen, ni ninguno de los anteriores, no pretende imponerte una versión oficial del progresivo patrio, sino enseñarte sus costuras, sus ramificaciones y sus caminos secundarios. Y si te gusta escarbar en los márgenes, estas glosas te harán disfrutar eternamente.

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STERN MEISSEN: REISE ZUM MITTELPUNKT DES MENSCHEN (1980)

2026-01-30T11:16:00.001+01:00

Reise zum Mittelpunkt des Menschen representa uno de los momentos más sólidos y coherentes del periodo progresivo de Stern Meißen, justo antes de que el grupo comenzara a orientarse hacia fórmulas más accesibles. Concebido como una obra de carácter casi conceptual, el álbum propone un recorrido introspectivo más emocional que argumental, donde cada pieza parece funcionar como una estación dentro de un viaje interior. Desde los primeros compases queda claro que no se trata de un disco de canciones al uso, sino de una estructura pensada para escucharse como un todo, con un desarrollo pausado y un clima marcadamente reflexivo.

El elemento central del álbum es el trabajo de teclados, que domina completamente el paisaje sonoro. Órgano Hammond, Moog y sintetizadores analógicos construyen capas densas y envolventes, mientras la guitarra queda relegada a un papel modesto. Esta elección sitúa al disco dentro de la tradición del rock progresivo europeo, con claras afinidades con el sonido de Emerson, Lake & Palmer, aunque sin recurrir al virtuosismo excesivo. En algunos pasajes, las texturas electrónicas adoptan un carácter casi contemplativo, evocando atmósferas cercanas a la música ambiental, con un uso del sintetizador más orientado a crear espacios que a exhibir técnica.

Las voces, interpretadas en alemán, aparecen de forma contenida y funcional, integradas como un elemento más dentro del entramado instrumental. No buscan protagonismo ni melodías inmediatas, sino reforzar el carácter introspectivo del conjunto. Esta sobriedad vocal contribuye a que el álbum se aleje claramente del pop rock y se afiance como una obra de rock progresivo en sentido estricto, donde la música guía el discurso y la narrativa se sugiere más que se explica.

En retrospectiva, Reise zum Mittelpunkt des Menschen puede considerarse una de las obras más representativas del progresivo desarrollado en la antigua Alemania Oriental. Sin alcanzar la espectacularidad de otros clásicos del género, el disco destaca por su coherencia interna, su cuidada construcción sonora y su enfoque conceptual. Es un trabajo que exige escucha atenta y paciente, pero que recompensa con una experiencia densa y bien articulada, situándose como un cierre digno para la etapa más ambiciosa de Stern Meißen dentro del rock sinfónico europeo.

DUNE: LE CHIEN DES DUNES (1980)

2026-01-28T11:46:00.002+01:00

Le Chien des Dunes es un disco grabado y editado en Francia por Dune, un grupo prácticamente invisible fuera de los circuitos locales y de los archivos más pacientes del rock francés. Publicado de manera discreta y sin respaldo industrial, el álbum responde a ese contexto tan habitual en la Europa de finales de los 70 y primeros 80: músicos con formación, ideas y ambición suficiente para ir más allá de la canción estándar, pero sin apoyo para sostener una carrera larga. No hay aquí cálculo ni mercado; hay necesidad de dejar constancia, de fijar en soporte una música que nacía de las entrañas y que, de no haberse grabado, se habría perdido por desgracia.

Musicalmente el disco se mueve entre el folk rock y una querencia clara por lo progresivo y lo psicodélico, con guitarras y más que excelentes arreglos a los teclados intentando salirse del molde amable del folk tradicional francés. A ratos se declara firmemente esa curiosidad progresiva tan europea de los setenta, esa búsqueda de equilibrio entre melodía y desarrollo, entre estructura y viaje, aunque no defina su resultado final como rock progesivo. No es un disco redondo ni especialmente brillante, pero respira honestidad y suena a grupo encerrado en un estudio modesto, probando cosas, equivocándose y volviendo a intentarlo sin miedo a que aquello no encaje en ninguna etiqueta clara.

Y ahí está tanto su gracia como su límite. Le Chien des Dunes funciona tan bien como intento que como resultado cerrado. Las maravillosas voces y las composiciones transmiten esa sensación de libertad contractual, sin preocuparse demasiado por dónde caerán cuando alguien las escuche años después. El problema es que, en muchos momentos, el disco se queda en una tierra de nadie: no termina de ser progresivo ni tampoco se instala del todo en la psicodelia. Se intuye un aura más grande detrás, pero no acaba de materializarse.

Se podría decir, con toda seguridad, que es de esos discos que no reclaman atención, pero la devuelven con intereses cuando alguien se toma la molestia de escucharlos. Su sitio está entre los que investigan y se deleitan, en las conversaciones de quienes rebuscan en el rock francés más allá de los nombres de siempre. Le Chien des Dunes tiene sentido como testimonio, como prueba de que el rock también se construyó lejos de las revistas, las modas y los focos, por gente que grababa porque necesitaba mostrar su belleza artística. No todo fueron los grandes tótems; también hubo grupos que intentaban cruzar las sombras de los umbrales como Dune, dejando un rastro hermoso antes de que el viento se lo llevase.

ALL & NOTHING: PIONEROS DEL ROCK ANDALUZ (2019)

2026-01-27T13:01:00.005+01:00

Esta colección que amalgama como bien dice su título, rarezas e inéditos, amén de temas publicados oficialmente no es un disco para poner y disfrutar sin pensar: es un documento, casi una excavación arqueológica, de cuando en este país hacer rock con acento propio era poco menos que jugarse el tipo. De la confluencia de grupos como Los X-5, Los Lentos, Los Relámpagos, Los Búhos o Los Flexos, donde estuvo también el futuro Triana Eduardo Rodway, el nombre elegido no fue casualidad ni pose intelectual: “Todo y Nada” define perfectamente lo que fue este proyecto, una apuesta total por algo que todavía no existía, cuando el rock en español y andaluz era poco más que una intuición y muchas ganas. Aquí no hay mito construido a posteriori, hay intento, con todo lo que eso implica: aciertos, errores y callejones sin salida.

El disco recoge materiales grabados entre 1965 y 1971 por formaciones distintas, músicos que entran y salen, ideas que se prueban y se abandonan. En la cara A aparecen temas más cercanos al pop-rock progresivo y psicodélico del momento, con “Underground vibrations n.º 2”, un tema nacido en la segunda mitad de los sesenta, pero no publicado hasta 1970, marcando territorio: bajo de Tony Aguilar protagonista, teclados de un gran Félix Sierra con efectos y desarrollo progresivo cuando aquí casi nadie hablaba ese idioma. “Snobismo” y “Seven o’clock” cumplen, pero es “Tarantos” el que pone un lugar en el mapa: guitarras eléctricas y flamenca, palmas (se habla de Camarón), flauta (con Juan Jiménez de Pekenikes), ritmos aflamencados y una voz de Juan Antonio Pueyo (Los Núcleos) que ya apunta claramente a otra cosa. Ahí sí se puede hablar, sin trampas, de pioneros del rock andaluz, no por lo acabado del resultado, sino por la idea y el riesgo.

La cara B es todavía más reveladora, porque muestra el laboratorio. Versiones instrumentales, temas sencillos, muchos de ellos bailables, estructuras repetitivas y grabaciones a las que décadas después se les han añadido guitarras, de la mano de Tomás Vega (Grimm, Vega), y teclados para resaltar lo que entonces apenas se insinuaba. No todo funciona, ni falta que hace: aquí se escucha cómo se busca una identidad, cómo se tantea la mezcla entre rock y raíces sin tener aún las herramientas ni el contexto. “Tani”, con el gran Nono Ábalos (Simun), se desenvuelve como copla pop aflamencada versionada y con letra, y vuelve a aparecer como eje musical del grupo, primero como ese sabor de sala de baile y luego como idea embrionaria de lo que vendría después. No es brillante, pero es honesta, y eso pesa más cuando se habla de historia.

El último tramo del disco, ya con otra formación, que llega a incluir a Jorge W. García Banegas (ex Psiglo y futuro Asfalto) apunta más claramente al embrionario flamenco rock progresivo que cristalizaría después en otros nombres más conocidos. Guitarras más elaboradas, palmas integradas, quejío, jaleo, voces más andaluzas y desarrollos que ya no parecen casuales. Y, como tantas veces en este país, problemas con el sello discográfico, cambios de formaciones, la puta mili, abandonos y el proyecto se diluye antes de cuajar del todo y José Luis Álvarez, crítico y periodista e ideólogo del grupo, da por finalizada la aventura. All and Nothing acaba siendo eso: todo y nada al mismo tiempo, la crónica de algo que pudo ser y no fue, pero que sin existir del todo abrió camino. Un disco para coleccionistas, sí, pero sobre todo para entender que el rock andaluz no nació de la nada: nació de intentos como este, hechos a contracorriente y arriesgando. Luego vendrán los nombres grandes; aquí está el barro.

THE FLOWER KINGS: THE SUM OF NO EVIL (2007)

2026-01-26T14:30:00.000+01:00

Aquí tenemos a The Flower Kings sacando pecho con The Sum of No Evil. Estos suecos llevan años haciendo música que podría sonar a Yes con esteroides clásicos y cerebración nórdica expansiva, y en este álbum lo hacen sin pedir permiso, con riffs generosos, teclados que se creen planetas y estructuras que no caben en playlists de tres minutos.

La cosa no es elegante por accidente: cada segundo es una declaración de principios. Aquí no hay himnos pop vacuos ni ganchos para radio fórmulas; hay capítulos enteros, desarrollos largos, paciencia y una confianza absoluta en que el oyente no es ignorante. Canciones que se estiran como si quisieran hablar contigo, armonías que parecen novelas y solos de guitarra que se recrean sin ahorrar espacios. Rock progresivo sin complejos, sin abreviaturas y sin pedir perdón por durar lo que dura.

Y ojo, porque esto no es nostalgia barata ni disfraz setentero. The Sum of No Evil no juega a volver a los 70, sino a demostrar que el lenguaje del progresivo clásico sigue vivo si se usa con convicción. Hay ecos de Yes, Camel o Genesis, claro, pero no como copia servil sino como tradición asumida, como quien habla un idioma antiguo sin acento impostado. Aquí se nota que hay músicos que creen de verdad en este formato y no lo usan como coartada estética. Flower Kings usan el ADN del progresivo setentero como lenguaje propio, con naturalidad.

¿Y por qué esto no sale en los medios generalistas ni en las listas de lo “relevante”? Porque el relato oficial del rock decidió hace tiempo que el progresivo era un error juvenil que había que superar. The Sum of No Evil demuestra justo lo contrario: que el progresivo no murió, simplemente se fue a vivir lejos del ruido, creciendo a su aire. Luego vendrán los de siempre a hablar de riesgo artístico con un sencillo de tres minutos. Luego nos hablarán de evolución.

RICK WAKEMAN: YESSONATA (2024)

2026-01-25T11:58:00.000+01:00

Yessonata es Rick Wakeman mirando su propio camino con calma y profundidad, sentándose al piano para contar su historia sin prisas ni artificios.

En la primera parte enlaza melodías y motivos de Yes de forma natural, como recuerdos que aparecen, se transforman y siguen adelante, sin sonar a cita fácil ni a medley nostálgico. Todo fluye como una sola idea, coherente y muy expresiva.

En la segunda parte recupera el universo King Arthur, con una revisión serena, reflexiva y muy elegante de uno de sus grandes trabajos en solitario, más introspectiva y con aire casi confesional. El Steinway suena cálido, cercano, y deja claro que aquí la técnica está al servicio de la música, no al revés. Wakeman no quiere deslumbrar, quiere contar algo, y lo hace con claridad y oficio.

Un trabajo reposado, muy consciente de su legado, que mira atrás sin quedarse anclado y demuestra que revivir el pasado también puede ser una forma honesta de seguir avanzando.

PUBLIC FOOT THE ROMAN (1973)

2026-01-24T19:15:00.005+01:00

Public Foot The Roman fue un LP único publicado en 1973 por una banda británica salida de Cambridge que tuvo la mala suerte de nacer en un año en el que el rock progresivo ya estaba copado por mastodontes. Portada de Hipgnosis, sello “respetable” detrás y, aun así, ni gloria ni posteridad, quedando como una de esas notas a pie de página que no se citan en las hagiografías oficiales del progresivo británico

Musicalmente el disco se definió en la época, y me parece muy acertada la consideración, como rock sinfofunk británico clásico y, yo añado, sin impostura: guitarras en diálogo a lo Wishbone Ash, teclados Hammond con querencia de unos Yes primerizos, algún ramalazo folk y un sentido melódico muy sólido. No inventan nada, pero tampoco copian con descaro; canciones como “Landowner” o “Decline and fall”, que abren y cierran el disco, muestran que había oficio, ideas y ganas de ir un poco más allá de la canción rock estándar.

La banda formaba parte de un selecto grupo de artistas (Flash, Mouse, Renaissance), contratados por Sovereign, una efímera etiqueta progresiva distribuida por EMI que operó desde principios de 1972 hasta mediados de 1974. ¿Entonces qué falló? Lo de siempre: el contexto y el momento. Publicar un debut así en un saturado 1973, año de monstruos discográficos progresivos, era como llegar a la fiesta cuando ya están recogiendo los vasos. El disco quedó enterrado entre lanzamientos históricos y la banda acabó mutando en otro proyecto, The Movies, como tantos grupos progresivos que no sobrevivieron en la década dorada.

En resumen: un disco honesto, bien tocado y con personalidad, que no es una obra maestra ni falta que le hace. De esos que hoy sirven para recordar que la historia del rock no la escribieron solo los cuatro nombres de siempre, sino también estos secundarios de lujo a los que el relato oficial dejó tirados en la cuneta. Y luego nos hablarán de mérito y libertad artística con la boca llena.

FIREHORSE: ON THE WIND (1980)

2026-01-24T11:58:00.001+01:00

On the Wind es uno de esos discos que aparecen cuando el progresivo alemán ya había pasado su mejor momento, pero aún quedaban músicos con ganas de tocar sin mirar el reloj. Firehorse fue, en la práctica, una especie de supergrupo, con gente curtida en la variada escena musical alemana y con algún miembro que venía de Eloy, y eso se nota desde el minuto uno: aquí hay oficio, tablas y un conocimiento claro de cómo construir temas extensos sin que se caigan a pedazos.

Musicalmente, el disco tira por un rock progresivo bastante serio, con teclados y guitarras trabajando los climas, muy en la línea de ese krautrock progresivo que prefería el desarrollo a la pirotecnia. Instrumentalmente funciona mejor de lo que suele recordarse: hay pasajes atmosféricos logrados, buenos cambios y una sensación constante de estar ante músicos que saben exactamente lo que están haciendo, sin improvisar ni ir de iluminados.

Ahora bien, para mí el gran problema del disco está claro: la voz. No porque esté mal cantada, sino porque sobra. Intenta colocarse en un registro solemne, mirando de reojo a Frumpy o Atlantis, buscando esa épica vocal… y lo que consigue es aplanar bastante el conjunto. Cada vez que la música empieza a coger vuelo, entra la voz y lo baja todo a un terreno más convencional, menos sugerente.

Con todo, On the Wind no es ni un clásico oculto ni un disco fallido. Es un buen disco al que le falta saber cuándo callarse. Si hubiera sido más instrumental, o si la voz hubiera estado tratada como un elemento más y no queriendo ser protagonista, hoy estaríamos hablando de otra cosa. Aun así, merece escucharse, sobre todo si te interesa esa zona intermedia del prog alemán donde no todo fue Grobschnitt o Eloy, pero tampoco relleno sin alma. Aquí hay ideas, hay músicos y hay momentos. Simplemente, me parece que no todos jugaban a favor del resultado final.

STORM: FOREVER (2025, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

2026-01-17T11:46:00.007+01:00

El último trabajo de estos tormentos, tal y como fueron definidos con ese arte andaluz por su madre, es, antes que nada, un documento con peso específico: doble CD y DVD grabado en directo en La Rinconada, bien presentado y con intención clara de dejar constancia de una banda que sigue en pie. Un directo que suena tal cual ocurrió, sin regrabados de ninguna pista y sin añadidos en la producción posterior No hay trampa ni nostalgia inflada; suena a Storm hoy, con oficio, tablas y un repertorio que mezcla clásicos y material reciente sin que nada desentone, todo lo contrario. El sonido es potente, directo, con ese punto hard-prog que siempre fue marca de la casa, y una interpretación que demuestra que el grupo no vive de recuerdos sino de continuidad.

El repertorio está bien medido: aparecen piezas históricas como “Un señor llamado Fernández de Córdoba”, unido eternamente a la existencia del cuarteto, “El día de la tormenta”, “It’s alright” o la más que extraordinaria recreación hard progresiva muy púrpura “Machine rebellion”, cierre de los últimos conciertos de la banda, tal como se pudo disfrutar en su anterior directo oficial, 50 Años de Tormenta, junto a temas de su etapa más reciente, me encanta “5 Lunas”, lo que da una visión completa de su trayectoria. Aquí se nota el pulso de banda veterana: riffs sólidos que parecen imposibles, excelentes teclados con peso, base rítmica de ensueño y una ejecución que prioriza pegada y cohesión antes que lucimiento personal, que también lo hay. El concierto fluye con lógica, es orgánico, tiene dinámica y no se hace innecesariamente extenso, algo que en un directo largo no es poca cosa.

Mirado con perspectiva, Forever encaja como anillo al dedo en la historia de Storm: una banda nacida a finales de los 60, pionera del hard rock progresivo en una impensable España de entonces, con claras influencias anglosajonas —Deep Purple, Rainbow, Uriah Heep, el prog británico más musculado— y una carrera marcada por parones, regresos y una fidelidad absoluta a su sonido. Este directo no intenta modernizar ni reinterpretar el pasado: lo asume y lo defiende con convicción, algo que sólo se consigue con identidad clara y años de carretera.

Y aquí entra en juego la labor de 5 Lunas Producciones, fundamental para entender el sentido del lanzamiento: un sello que lleva años cuidando, rescatando y poniendo en valor el rock patrio con ediciones dignas, bien documentadas y pensadas para el aficionado. Forever no es solo un disco en vivo, es parte de ese trabajo de preservación y visibilidad de nuestro patrimonio musical. Edición cuidada, audio y vídeo auténticos, sin añadidos posteriores, insisto, y ese aire de celebración sin autobombo que suma mucho. Una pieza clave para quien siga a Storm y, en general, para cualquiera que valore que esta música siga teniendo espacio, memoria y futuro. En realidad, este nuevo trabajo inmortaliza para siempre este nombre tan olvidado por muchos, pero tan respetado por muchos también: por siempre, Storm.

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BOLA BANDA ELECTRÓNICA (1979/2025, 5 LUNAS PRODUCCIONES)

2025-12-05T11:44:00.000+01:00

Bola Banda Electrónica es recuperar una ansiada grabación olvidada en un cajón con aromas de los 80: cruda, curiosa y con ese encanto de experimento casero que no pide permiso. Los hermanos Carmona se lanzaron a mezclar sintes, cajas de ritmo y guitarras cuando eso en España era casi ciencia ficción, y esa valentía se nota en cada zumbido, cada golpe casi industrial y cada melancolía filtrada. Suena menos pulido que los synth-pop europeos del momento, más Gary Numan que Ultravox, y apostando decididamente más por una música casera aunque libre y con mucha intuición, que a la frialdad perfecta de Kraftwerk, lo que le da un carácter singular dentro de la electrónica temprana.

El disco avanza con aliento decidido, con ritmos telegráficos y texturas que parecen montadas a pulso, sin miedo a que algo se salga de lo normal. Y es justo ahí donde engancha: en lo imperfecto, en lo accidental, en esa mezcla de new wave primitiva, krautrock casero y aromas underground. Frente a la ruta ya marcada en España por Aviador Dro o Esplendor Geométrico, Bola se mueve en un terreno más híbrido y emocional, casi como esas rarezas francesas o belgas de culto que buscaban belleza en el error, léase Front 242 o, incluso, Heldon, con los que, más que estilo, comparte el enfoque experimental, la crudeza de producción y el espíritu independiente que, en el caso que nos ocupa, respira un aire muy sevillano y, por qué no, mediterráneo. Si vas con mentalidad de quien disfruta desenterrando rarezas, aquí hay magia: defectos convertidos en personalidad, asperezas que se vuelven identidad...

Y la guinda es su historia: estas grabaciones quedaron guardadas décadas hasta que 5 Lunas Producciones las rescató del olvido poniendo en valor, sin cosmética innecesaria, a este grupo que fácilmente se habría perdido en la noche oscura del tiempo. Más que un disco, es un testimonio pionero de cuando hacer electrónica en España era inventar el camino, muy lejos de los estudios pulidos europeos de su generación. Una pequeña joya para quien aprecia el riesgo, la rareza y los comienzos sin mapa.

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ECHOLYN: AS THE WORLD (1994)

2025-11-29T12:49:00.002+01:00

As The World es Echolyn disparando en todas direcciones pero sin perder el norte: un álbum donde se nota el poso de Gentle Giant en los contrapuntos vocales y los giros rítmicos, cierto refinamiento melódico que recuerda a Yes, algún deje jazzy que podría venir de Steely Dan y un empuje guitarrero más cercano al prog americano de los 90. Todo está mezclado con una precisión envidiable: voces que se cruzan con intención, guitarras que alternan limpieza y filo, teclados que aportan color sin barroquizarse, y una base rítmica que sostiene los cambios sin despeinarse.

Es un disco denso, lleno de ideas, casi un rompecabezas que se va desplegando según avanzan los temas, pero muy humano: tiene pasajes melancólicos, momentos de pura energía y un tramo final, con “Never the same”, que se siente como un cierre emocional de categoría.

La producción es limpia, detallista, muy de esa segunda oleada prog noventera que buscaba equilibrar virtuosismo y calidez. Y entre todo ese despliegue, lo asombroso es la coherencia: Echolyn absorbe influencias sin sonar derivativo, construye un álbum ambicioso sin caer en el exceso gratuito y firma uno de esos trabajos que, con varias escuchas, acaban revelando la dimensión real que tienen.

EARTH OPERA (1968)

2025-11-23T20:50:00.029+01:00

Earth Opera es de esos discos que han pasado de puntillas, pero que esconden mucho jugo: un pop de finales de los 60 con claro sabor Beatles, tensión barroca y un aire proto progresivo que apuntaba maneras. Rowan a la guitarra y Grisman con mandolina y mandocello levantan un paisaje donde el folk, la psicodelia y algún guiño a la música india conviven sin chocarse. Todo encaja con más naturalidad de la que parece sobre el papel. El tono general tiene ese punto melancólico tan de la época, pero también sabe moverse entre pasajes más vivos y melodías psych muy introspectivas, con momentos que flotan y otros que aprietan lo emotivo. La producción es fina, llena de detalles — harpsicordio, órgano, vibráfono de la mano de Bill Stevenson— que dan ese toque ornamental sin convertirlo en un artefacto recargado.

Es una obra ambiciosa, elegante y sorprendentemente coherente para la mezcla de estilos que maneja, de esas que merece la pena rescatar porque, sin hacer ruido, sigue brillando con luz propia.

TANGERINE DREAM: SHY PEOPLE (1987)

2025-11-16T20:39:00.001+01:00

Sigo opinando que Shy People es un álbum que muestra un lado algo diferente de Tangerine Dream, donde su ya vasta trayectoria en la música electrónica se mezcla con una necesidad narrativa: adaptarse al cine. En 1988, Edgar Froese, Christopher Franke y Paul Haslinger se enfrentaban a un encargo exigente, pues la banda sonora debía expresar climas emocionales, tensiones y atmósferas propias de un relato dramático, lo cual les obligó a componer más de 80 minutos de música en solo dos meses, mientras solo una fracción acabaría en el disco comercial. En ese sentido, el resultado es una especie de mosaico: algunas piezas puramente instrumentales, tan evocadoras como sus clásicos, y otras con voz, como “Shy people” o “The harbor”, algo insólito en su obra, que aportan una textura más humana y directa. Las partes vocales no siempre se integran con naturalidad, pero funcionan como contrapunto emocional frente a los pasajes ambientales: en “Nightfall, swamp voices” o “Transparent days” se reconoce a esos Tangerine Dream de siempre, suspendidos, cercanos al suspiro. A lo largo de su discografía, Tangerine Dream han sido maestros en generar paisajes sonoros íntimos y expansivos, y aunque este álbum no estaría entre sus trabajos más redondos, sí es un proyecto honesto: un esfuerzo por casar su lenguaje con un relato humano, con sus luces y sombras.

En resumen, Shy People es una obra híbrida, desigual en su integración vocal-instrumental, pero genuina en su ambición. Un testimonio de que la banda, incluso en sus encargos más arduos, seguía reteniendo ese impulso creativo que la definió y que para el oyente curioso representa una rareza estimulante dentro de su extenso catálogo.

EVERON: BRIDGE (2002)

2025-11-15T19:22:00.001+01:00

Bridge es una carta abierta al prog clásico pero con nervio moderno: guitarras contundentes, teclados espaciales y una base rítmica que no se anda con medias tintas. Oliver Philipps lidera con su voz algo épica y arreglos precisos, mientras Ulli Höver, Christian Moos y Schymy construyen una muralla sonora donde cada compás se siente tallado. Hay momentos para suavidad, “If you were still mine”, para atmósfera íntima (“Harbour”) y para explosión pura como en “Puppet show”, un instrumental que muestra el músculo técnico de la banda con fuerza y elegancia. La producción está muy trabajada, el sonido es amplio, un poco bombástico cuando toca, pero nunca se pierde el equilibrio ni el pulso melódico.

En la discografía de Everon, Bridge representa su cara más directa y vigorosa, justo antes de su contraparte más emocional en el otro álbum de ese año, Flesh. Si te interesan las bandas prog que saben alternar ambición y accesibilidad, esta edición de Bridge es una pieza de referencia: tiene todo para atraer tanto a quienes vienen del metal progresivo como a los que prefieren melodías más clásicas.

RIVERSIDE: RAPID EYE MOVEMENT (2007)

2025-11-15T18:18:00.005+01:00

Rapid Eye Movement (2007) cerró la primera etapa de Riverside con ese aire de banda ya hecha: sonido más refinado, atmósferas densas y un pulso que va del susurro al golpe sin perder coherencia. Duda, Łapaj y Grudziński trabajan aquí como reloj suizo: líneas de bajo que arrastran, teclados envolventes, guitarras que pasan de la niebla al desgarro constantemente. El disco juega a dos caras —Fearless y Fearland— y esa división le da cuerpo de concepto sin ponerse pesado.

Temas cortos que entran fácil (“Rainbow box”, “Schizophrenic prayer”) y piezas largas donde sueltan amarras, con “Ultimate trip” como remate lógico y emocional. Producción cuidada, un toque psicodélico por aquí, otro trance por allá, pero siempre con el ADN prog-metal moderno que les hizo reconocibles desde el primer día. No revoluciona nada, pero sí afianza su territorio: un disco maduro, directo y con más verdad de la que parece a simple escucha. Y esta edición especial, con un jugoso segundo CD de rarezas y jams, es puro deleite para coleccionistas y para quien quiera ver a la banda de un modo más crudo y personal.

ALAIN MARKUSFELD: CONTEMPORUS (1979)

2025-11-09T19:01:00.003+01:00

Contemporus es uno de esos discos que parecen hechos sin prisa, con la serenidad de quien ya ha probado de todo y decide quedarse con lo que realmente le suena bien. Alain Markusfeld, multiinstrumentista francés con una carrera de lo más curiosa, del folk psicodélico de los sesenta al rock progresivo más instrumental, aquí junta guitarras cálidas, teclados que flotan, algo de electrónica sutil y una producción cuidada que suena a viaje más que a experimento. No va de virtuosismo ni de épica, sino de atmósfera: piezas cortas que se sienten como pequeñas postales y una suite final que ata todo con un hilo casi cinematográfico.

Hay en el disco una mezcla muy natural entre lo sinfónico, lo ambient y ese toque prog francés tan elegante como prétentieux. No es un clásico de manual, pero tiene ese encanto de los discos con alma: suena nostálgico sin ser viejo, luminoso sin empalagar. Markusfeld no buscaba vender millones, se nota que quería hacer algo bello, coherente y propio.

Contemporus es, en ese sentido, como una película sonora en 35 mm: un paseo por paisajes que se quedan contigo y que mejoran cada vez que vuelves a escucharlos.

TOY MATINEE (1990)

2025-11-08T12:08:00.002+01:00

El álbum Toy Matinee (1990) es uno de esos discos que sorprenden porque parecen el proyecto de gente que podría dedicarse a sesiones mil y acaban creando algo con alma propia: detrás están Kevin Gilbert (voz, guitarras, teclados) y Patrick Leonard (teclados, producción), junto a músicos de alto nivel como Guy Pratt al bajo, que ya había trabajado con grandes nombres. La música mezcla pop inteligente, arreglos casi orquestales, guiños progresivos ligeros y melodías que enganchan desde la primera escucha: canciones como el inicio “Last plane out” arrancan con gancho radio-friendly pero luego se abren a paisajes más amplios; “The ballad of Jenny Ledge” o “There was a little boy” demuestran que no es solo diversión superficial, sino ideas detrás, emoción, letra comprometida.

En su breve trayectoria, Toy Matinee es el único disco que sacaron, lo que le da ese aura de gema poco explotada, de momento único antes de que los caminos de los implicados siguieran rumbo propio. En la discografía personal de cada uno queda como un hito: para Gilbert un fructífero trampolín hasta su inesperada muerte; para Leonard (ex Trillion) una incursión creativa posterior más libre y ecléctica; y para Pratt, con gran experiencia pretérita, otro gran y dilatado capítulo de colaborador de lujo.

¿Es perfecto? No del todo: a veces la abundancia de ideas da la sensación de exceso, pero precisamente ahí está su encanto: no cumple fórmulas, juega con el pop, lo expande, lo retuerce un poco. En resumen, vale muchísimo la pena: un disco que suena tan cuidado como espontáneo, que te invita a darle vueltas y descubrir nuevos matices, y que para quien guste de un pop con ambición es una joya clara

10cc: SHEET MUSIC (1974)

2025-11-07T12:42:00.008+01:00

Sheet Music es un disco de pop art afilado: compacto, juguetón y despiadadamente bien producido, donde 10cc convierten la melodía instantánea en un laboratorio de arreglos y humor negro; temas como “The Wall Street shuffle” o “Silly love” muestran el pulso pop inmediato, mientras cortes como “Clockwork creep” u “Oh effendi” meten giros dramáticos y narrativos que delatan cabeza prog y gusto por la parodia; la grabación en sus Strawberry Studios y la complicidad creativa de Stewart, Gouldman, Godley y Creme permiten una alternancia constante de estilos y voces, a veces como veteranos del estudio, otras veces como niños traviesos, y el resultado es un álbum que suena tan impecable técnicamente como irreverente en el fondo; no es sólo una colección de singles: es una pequeña enciclopedia de juegos compositivos, con letras satíricas y construcciones vocales que luego definirían el sello del grupo; en la discografía de 10cc queda como su punto de mayor ambición conjunta antes de las rupturas, un segundo largo que consolidó su perfil comercial (entró en el Top 10 británico) y su reputación crítica: entretenido, exigente y muy recomendable para quien quiera entender cómo el pop puede ser inteligente sin perder gancho.

IMÁN, CALIFATO INDEPENDIENTE: CAMINO DEL ÁGUILA (1980)

2025-10-25T20:43:00.002+02:00

He perdido la cuenta de las veces que he escuchado, comprado y regalado este disco desde que apareció. El segundo y último trabajo de Imán, Califato Independiente, Camino del Águila (1980), sigue siendo para mí uno de esos álbumes que se viven más que se escuchan. Aquí la banda alcanza su cima creativa, con un sonido donde la precisión técnica se funde con una libertad casi espiritual. Desde la épica apertura de “La marcha de los enanitos”, con el bajo y la percusión de Urbano Moraes y Kiko Guerrero sosteniendo una base rítmica de pura alquimia, hasta “Maluquinha”, donde la percusión de Rubén Dantas y los toques brasileños abren el disco hacia nuevas coordenadas, todo suena orgánico, fluido, lleno de vida. Marcos Mantero dibuja atmósferas con sus teclados que dialogan con la guitarra de doce cuerdas y la actitud serena de Manuel Rodríguez, creando pasajes que parecen suspendidos entre lo místico y lo terrenal. “Camino del Águila”, la pieza central, es un viaje de catorce minutos donde confluyen la raíz andaluza, la improvisación jazzística y la introspección progresiva con una naturalidad que pocas veces se ha igualado en nuestro rock. Y en “Niños”, con los coros de Deirdre Fallon y la producción cuidadísima del propio grupo junto a Pepe Loeches, el álbum se despide con una ternura que desarma, como si el vuelo del águila se posara finalmente sobre la memoria. Cada detalle, desde el diseño de portada hasta la calidez del sonido, refleja a una banda que supo conjugar alma y oficio sin artificios. Escucharlo hoy es reencontrarse con una época en la que la música nacía de la pasión y del deseo de explorar sin miedo, y por eso —más allá de modas o etiquetas— Camino del Águila sigue siendo una obra viva, luminosa y necesaria.