El miedo dejó a muchas personas encerradas en sus casas casi de por vida. Ocultas tras las paredes de hogares aparentemente normales y destrozados por la guerra. El miedo a represalias fascistas, a un tiro en la cabeza y a ser arrojados a cualquier cuneta perdida en carreteras sin nombre.

La trinchera infinita nos cuenta la historia de una familia encerrada, de un marido oculto tras las paredes de su hogar durante décadas para evitar la muerte.

Los directores de Loreak y Handía vuelven con otra gran película, esta vez en castellano y con un enfoque totalmente distinto al visto anteriormente. Una obra en la que la tensión y el pulso narrativo se mantiene durante gran parte del metraje, sobretodo en su primera parte, donde la angustia y el miedo de sus personajes se traslada más allá de la pantalla.

Sus dos protagonistas, Antonio de la Torre y Belén Cuesta nos demuestran una vez más su gran nivel interpretativo, del que nunca puedo decir nada malo. Sumando a ello el gran papel dramático de ella, pues ya estaba yo acostumbrado a verla solamente en comedias.

Ya sabemos que la fotografía y el montaje de sus dos películas anteriores es perfecto, así como la dirección. Pero si hay algo que tengo que sumar a todo ello es la edición de sonido. Un punto muy a su favor, que mejora enormemente la inmersión dentro de la obra.

La trinchera infinita ha sido nominada a 15 Goyas y es una de las claras favoritas tras haberse llevado los premios de mejor dirección y guión en San Sebastián y, habiendo visto ya el resto de nominadas, es mi favorita. Veremos pronto el resultado.

Hoy vengo para estrenar nueva sección. Trata sobre una de las aficiones que he ido sumando estos últimos tiempos a mi vida. Mi colección de muñecos Funko Pop! Reconozco que no es nada original, pues ya todo el mundo, generalizo porque esto está bastante extendido, tiene algún muñeco de estos.

«Mi vida en Funko!» que es como he decidido llamar a esta sección, tratará sobre mostraros mis pequeños muñecos cabezones y explicar un poco que me une a ellos. Qué me hace comprarlos o les hace a mis allegados regalarme uno u otro muñeco.

De modo que cada vez que hable de uno de los muñecos de la colección, lo acompañaré de una o dos fotos y un poco de mi biografía. No es nada especial, pero me apetece mostraros un poco sobre mi y lo que me rodea.

Os espero próximamente con el primero, pues esto era solo para ir avanzando la sección.

Un saludo.

Funkos actuales: 22

La tercera película de Oliver Laxe, gallego nacido en París, o parisino de padres gallegos, se mueve entre silencios y susurros. Entre miradas y pausas repletas de intenciones en un paisaje natural de impresionante belleza y rodada íntegramente en gallego.

Lo que arde nos cuenta la historia de cómo un señor llamado Amador vuelve a casa de su madre Benedicta tras conseguir el tercer grado después de haber incendiado el monte hace unos años, algo que no será nada fácil.

Sobreentendemos que el protagonista fue culpable de lo que se le acusa, pero nunca lo sabemos a ciencia cierta, y la personalidad de este personaje tampoco ayuda a saber que se esconde en su cabeza. Un tipo callado, reservado y tímido. Probablemente debido al miedo de tener que enfrentarse a miradas y habladurías de los vecinos que lo rodean.

La relación con su madre es distante y tierna al mismo tiempo. El campo, las vacas y poco más les queda para sobrevivir. Incógnita constante de un futuro incierto pues, ¿Qué hace uno al salir de la cárcel estando en el punto de mira de los que están a su alrededor?

Con una fotografía y una dirección que en ocasiones se aproximan al documental, el director nos sumerge en la historia de esa madre y su hijo, una historia delicada, íntima. Y el haber escogido a gente sin experiencia en la interpretación nos ofrece una visión mucho más realista de la historia que nos quiere contar.

Benedicta Sánchez, el personaje de la madre, es una señora de 84 años que habiendo recorrido el mundo con una cámara de fotos en mano se ha aventurado a actuar por primera vez, y no podría haberlo hecho mejor con un personaje de lo más entrañable.

Oliver Laxe, que ya ganó en 2010 el premio  Premio FIPRESCI del Festival Internacional de Cine de Cannes por su película Todos vosotros sois capitanes y en 2016 el Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes por Mimosas ha vuelto a conseguir premio este año en el mismo festival, pues se ha hecho con el premio del jurado Un Certain Regard y es uno de los que seguramente estará muy presente en la próxima edición de los Goya. Mucha suerte a Oliver y que sigan sus éxitos.

Desconozco la cultura surcoreana, pero el reflejo que de ella hace el director entre la diferencia de la clase media-baja y la altísima es estupendo. Algo importante antes de ver esta película es no saber nada. Tan solo que trata sobre el hijo de una familia de clase baja que consigue un trabajo como profesor de inglés en la casa de una familia adinerada. Lo que sucede después es mejor verlo y disfrutarlo…  y si congenias con todo lo que rodea a la película, reírte y mucho.

Hablamos de comedia, pero hay que tener en cuenta que no es solo eso. Tiene su toque dramático, sus giros de guion inesperados y dos partes bien diferenciadas, es un dos por uno magnífico en el que todo roza lo imposible pero no cae en lo inverosímil. Sin fantasmadas.

La fotografía está cuidadísima, como en casi todo lo que hace su director. La banda sonora acompaña sutilmente en los momentos que se le necesita y las interpretaciones son geniales, sin criticar ninguna.

Por lo tanto, tan solo me queda decir que la veáis y que espero que os guste tanto como me gustó a mí.

Retrato de una mujer en llamas enamora y duele, se trata de una historia agridulce de lo que pudo ser.

No es fácil retomar esto de la crítica cinematográfica cuando lo primero que quieres analizar es una película tan bella como esta, con tanto lenguaje incrustado entre miradas y silencios.

Porque lo que ha hecho Céline Sciamma  es algo muy hermoso. Algo que te mantiene pegado a la butaca debido a la impecable fotografía y a la enorme interpretación de sus dos protagonistas, la artista Marianne (Noémie Merlant) y la joven Héloïse (Adèle Haenel) y sobre todo un guion que se fragua a fuego lento y acaba quemando.

Reconozco que me está costando horrores analizar lo visto, no sé cómo describir todo lo que sentí. Mi intención es hacer críticas divertidas y amenas, pero no es fácil analizar esta gran obra con ese tono.

De modo que sin haber aportado absolutamente nada, lo único que me queda por decir es que vayáis a verla. Prometo mejorar con el paso del tiempo.

J. del Prado

Años de parón. Demasiados motivos y falta de motivación para seguir. ¿Años de sombras? Tampoco quiero resultar tan dramático. ¿Falta de ganas? Demasiadas. ¿Falta de inspiración? Aún más.

Con esto no quiero decir que dejase de ver cine o series, al contrario, sigo viendo y contabilizando absolutamente todo lo que veo y leo. Las ganas vuelven a surgir, vuelven a aparecer y las motivaciones se acrecientan, los impulsos me mueven y el deseo me lleva a querer renacer de las cenizas que quedaron de esta web.

De modo que he decidido que Desde el 15 vuelva.

Desconozco la periodicidad y si analizaré todo lo que vea. Pero me comprometo desde ya a volver a escribir, analizar y “criticar” películas y alguna que otra serie. Mi intención, al mismo tiempo, es poder realizar un análisis más personal, más íntimo sobre lo que me hace sentir lo que veo. No creo que entre, en ocasiones, a valorar los aspectos técnicos de las cintas a menos que me sorprendan enormemente. No quiero hacer críticas y comentarios eternos sobre algo que no me haya llenado en absoluto y mucho menos con un tono serio y rimbombante. Voy a tirar del  humor que me caracteriza y punto.

En definitiva, que iré poniendo lo que me parezca, cuando me parezca, sin tirarme meses desactualizado.

Al mismo tiempo tengo que decir que poco a poco iré modificando la plantilla y el diseño de la web, así como ponerle un nuevo logo a la web.

Bienvenidos de nuevos aquellos que tengan a bien leer estas líneas. Bienvenidos a los nuevos.

Disfruten del cine, de la vida y de todo en general.

Atentamente,

Yo mismo.

Regresión

Me gusta ser tonto. Adoro no enterarme de las cosas hasta el final, hablando de cine y películas por supuesto. Disfruto viendo una película sin querer adelantarme a los acontecimientos. Gracias a ello agradezco los finales que me sorprenden. Los giros que considero interesantes y el decir… ¿Cómo no pude haberme dado cuenta antes? Sí, soy tonto ¿y qué?

Watson y Hawke… el misterio y el investigador

La última película de Alejandro Amenábar, Regresión, ha desatado los puntos de vista más extremos dentro de la crítica cinematográfica. Siempre suele pasar esto, pero cuando un director con tanto renombre como el que estamos tratando en esta ocasión estrena película, la crítica suele coincidir, esta vez no. Hay de todos los colores y sabores. Y es que Regresión choca con dos cosas, la impecable dirección y el tramposo (o inteligentísimo) guión.

Amenábar no es un director que se caracterice por desarrollar películas rápidas, si tensas, pero de ritmo pausado y medido. También por su costumbre en querer sorprendernos con historias que a muchos les parecerán tramposas, o como más de uno me ha comentado, queriendo tomar como tonto al espectador. En Regresión se introduce dentro de una historia real para retratarnos el tema de las sectas satánicas de los años 90 en Estados Unidos.

Rituales de miedo

Las sombras y la oscuridad que enmarcan la películas nos embarcan en un juego de rituales satánicos que da miedo. En una investigación policial cada vez más desquiciada. En una joven (Emma Watson) asustada por su pasado. En la mente de un detective (Ethan Hawke) que va perdiendo la cordura frente a lo horripilante de los acontecimientos. La historia, quizás demasiado fría en todo momento, o te engancha o te aburre por ese distanciamiento que se genera en la seriedad de los personajes.

Regresión transporta a los personajes a un viaje al pasado, a la generación de recuerdos olvidados. Al encontrar la verdad tras un proceso psicológico demasiado intenso que puede crear desenlaces fatales. La mente, esa gran desconocida.

Criticas dispares ante una cinta que no es la mejor de Amenábar, el cual se aleja de un estilo personal, ofreciéndonos su película más “americana”. Con un reparto interesante y bien dirigido pero sin dejar huellas de algo que lo caractericemos como propio. El resultado no es nada malo, es más, la obra resulta interesante y, aunque podríamos decir que se exagera en muchos momentos, se me hace realista y eso, aunque a muchos les parezca frío o soso, me gusta.

El corredor del laberinto: Las pruebas

El Corredor del Laberinto: Las Pruebas sigue la historia en el mismo punto donde se quedó la primera parte. Thomas (Dylan O’Brien) y sus amigos son rescatados tras salir del laberinto y llevados a unas misteriosas instalaciones donde conocerán a supervivientes de otros laberintos como el suyo.  Allí descubrirán que fueron puestos a prueba por la organización CRUEL (muy conveniente el nombre) para alcanzar la cura del llamado virus del Destello, el cual ha convertido la Tierra en un enorme desierto y a los humanos en una suerte de zombies que denominan “los raros”. Pronto descubrirán que la fortaleza dirigida por Janson (Aidan Gillen) forma parte de la propia CRUEL y deberán huir a través del desierto de la Quemadura con el fin de unirse a una resistencia llamada El Brazo Derecho. Esa sería a grandes rasgos el argumento principal de Las Pruebas. Y, de hecho, en ese nombre es donde está uno de los principales problemas y diferencias del libro que tiene la película. No hay pruebas.

El que esperase encontrar un segundo laberinto, o unos nuevos juegos del hambre como ocurría en la secuela de esta saga, se va a llevar un chasco, porque toda la película es un viaje a través del desierto. Con diferentes obstáculos, por supuesto, pero sin repetir la fórmula de la primera parte. ¿Es esto un acierto? Mmm… Pues sí y no, porque toda la película se convierte en un quiero y no puedo. Han pasado de sobrevivir a un laberinto, a una versión adolescente de The Walking Dead, con toques de La Guerra de los Mundos (no la versión radiofónica de Wells. La película. La de Tom Cruise. La mala. Esa) y Sinsajo Parte 1.

¿Por qué la comparo con esta última? Porque al igual que en la de Katniss, ocurren muchas cosas… Pero tampoco ocurre nada. O al menos no relevante. Y es el gran problema que tiene la película en mi opinión. Puedes pasar del primer al tercer acto sin que nada cambie. Sí, notarás que han aparecido un par de personajes más. Pero ya está. Las “pruebas” en sí, carecen de importancia y lo que es peor, se hacen repetitivas. No te aburres, es verdad, y hay acción a raudales, pero llega un punto en que repiten todo el rato el esquema “llego a un sitio, me meto en problemas, Thomas salva el día, pero aparece CRUEL y hay que seguir huyendo”. Por eso creo que la palabra que mejor definiría ese problema es ALARGAR. Lo han querido alargar todo. Alargar el misterio de por qué son especiales los protagonistas. Alargar el momento en que Thomas y compañía se unen al Brazo Derecho. Etcétera. De hecho, es como si el virus del Destello no solo volviera zombies a algunos, sino que a los que quedan los hacen misteriosos y parcos de respuestas. Nadie va a decir nada de primeras en esta película. Y cuando parece que lo va a hacer ocurre algo. Y que lo hagan un par de veces en dos horas y cuarto, pues vale, cuela. Pero que lo hagan cinco, pues no. De hecho, Thomas se habría ahorrado bastantes comederos de cabeza al final de la película si Teressa (Kaya Scodelario) le hubiera contado desde el principio lo que sabía. Pero no. Había que alargar el misterio.

Voy a mantener esta cara de estreñido hasta que alguien me dé una fucking respuesta

Ojo, con esto no quiero decir que la película sea un plomo o que no tenga cosas buenas. Las tiene. La dirección de Wes Ball es bastante activa y no aburre en ningún momento. No tiene nada de especial pero tampoco entorpece el ritmo. El rollo The Walking Dead me ha gustado bastante, al igual que el hecho de que la trama amorosa se quede en un muy discreto segundo plano. Esto no es Crepúsculo señores. Punto positivo. También me ha parecido brillante que los personajes tengan conductas lógicas y que haya espacio para la autocrítica. No es “¡anda! Un pasillo oscuro. Metámonos por ahí”. No. Aquí, dudan y sólo se meten cuando no les queda más remedio. Bien, bien. Además, la fotografía y los efectos especiales dejan imágenes espectaculares. De hecho, es algo más oscura que la anterior película, conteniendo escenas donde hay una tensión latente digna de película de terror. El problema es que, como he dicho antes, hay un quiero y no puedo que hace que malgasten esa tensión y coloquen los supuestos sustos cuando ya no hay miedo. SPOILER: Los protagonistas deberían revisarse la vista y si no contad las veces que entran en un sitio y al observarlo por primera vez parece estar desierto, pero es encender la luz y aparecer Raros donde no los había en el plano anterior. MAGIA.

Y aunque las interpretaciones del elenco son bastante decentes (y no es para menos, que para algo han decidido plagar esta segunda entrega con actores televisivos como Gillen y Nathalie Emmanuel [Game Of Thrones] o Giancarlo Esposito [Breaking Bad]), lo cierto es que están poco aprovechadas. Otra vez. Y es que teniendo tantos personajes para utilizar, y dado que nos estamos saltando el libro por… el arco del triunfo, pues podían haber repartido un poco más la acción. Sin exagerar, Thomas aparece en pantalla un 95% de la película. Siempre se queda el último. Siempre se separa del grupo y luego vuelve. Siempre se le cae algo encima y sale ileso. Mientras que al resto les ocurre… NADA. De hecho, algo que ilustra muy bien la idea de que el segundo acto no aporta nada es el personaje de Aris (Jacob Lofland), uno de los nuevos supervivientes que escapa con Thomas al principio de la película y que promete bastante. Pero del que una vez fuera te olvidas completamente hasta que se torna imprescindible para el acto final. Entre medias, missing. Y no solo eso, sino que como buen líder, al final de la película Thomas nos obsequiará con el típico discurso de “aun podemos vencerles” que a estas alturas ya suena siempre igual. Además, no sé si O’Brien quería que Thomas a veces pareciese retrasado, porque no se qué le pasa a este chaval que no sabe hablar. Balbucea. Todo parecen susurros, como para el cuello de su camisa. Vamos, no me he enterado de la mayoría de sus diálogos. Y es el protagonista. Supongo que en la versión doblada la cosa será diferente.

¿Logopeda? ¿Qué es esso? Si yo ssolo qeríashhs gssshhhas ffrresffffs… ¡¡DEJA EL PARSEL!!

Sé que parece que me ha parecido una película pésima, y no es así. Es muy entretenida, y aunque a mediados de la película todo parezca un déjà vu y el ritmo flojee, sigues prestándole atención. En definitiva te gustará si te encantó la primera parte. Sin embargo esperaba más de ella. La primera parte me gustó bastante porque dentro de la marabunta de adaptaciones literarias adolescentes, no tenía contemplaciones en cargarse a personajes principales y no era del todo predecible. Pero esta sí lo es. Y con ese título resulta hasta engañosa. Al principio he dicho que entiendo porqué han decidido separarse del libro tanto como lo han hecho. Y es para no contar de nuevo lo mismo. La historia evoluciona. No hay un nuevo laberinto. No es En Llamas, donde Katniss y Peeta vuelven otra vez a jugar unos Juegos del Hambre. No. Han cogido el espíritu de la novela y lo han llevado por otro camino. Me parece perfecto. El problema es que podrían haberle sacado mucho más partido, y que no fuera solo una sucesión de escenas de acción trepidantes protagonizadas por Thomas el inmortal. Porque sí en la primera parte llegabas a preocuparte por si uno de los chavales moría, en esta te va a dar igual. Apenas aparecen. Y eso hace que el querer llevar la historia a otro nivel se convierta en un quiero y no puedo.

Pero Thomas, ¿de qué corremos, si ya no hay laberinto? De los detractores. ¡¡Maricón el último!!

PD: Un consejo: Revisa si puedes la primera parte antes de ver la segunda, porque a penas hacen mención a lo ocurrido en esta y la acción empieza desde el minuto uno. No te vendrá mal ponerte al día.

 Roberto Carretón

La Visita

Le he dado muchas vueltas a cómo escribir esta crítica, a cómo desarrollar una historia para hacer de esta opinión algo mucho más vistoso, rápido de leer y dónde se entienda perfectamente lo que pienso y lo que debe saber el lector para ver si decide ver la película o si la ha visto, poder dar su opinión. Al final, y después de haber comenzado varios textos, haré una crítica esquematizada. La visita se cuenta por días y yo lo voy a hacer por puntos.

Hola… esta es mi abuelita

Primero – La cinta trata sobre dos niños que van a conocer a sus abuelos y a pasar una semana con ellos. La madre de estos dejó de tener relación con sus padres quince años atrás y parece que la reconciliación se acerca. Una semana en casa de los abuelos puede ser lo que necesiten ambas partes para arreglar los problemas familiares. Beca, la hija mayor de quince años, pretende grabar un documental dónde quede registrada esa semana y esa reconciliación.

Segundo – La visita es la vuelta de M. Night Shyamalan al género de “terror” que nos tenía acostumbrados tras “El sexto sentido”. Tanto con ésta como posteriormente con El protegido, Señales o El bosque nos demostró que, sin ser cintas de terror al uso, sabe generar tensión y momentos totalmente brillantes de miedo y nerviosismo.  No nos encontramos con la mejor película del director, pero tras varias películas fallidas, es una alegría tenerlo de vuelta.

Juguemos a los dados

Tercero – Al igual que tenemos a ese Shyamalan creador de tensión, tenemos a un hombre que nos demuestra al mismo tiempo su lado más cómico, y es que hacía mucho que no me reía tanto con una película de este estilo. ¿Eso es bueno o malo? Depende de cómo te lo quieras tomar, si tu intención es ver una película de terror en estado puro, de las que el miedo se te mete por las venas y estés completamente acojonado… La visita no es tu película. Ésta es una obra que combina muy bien el humor negro, negrísimo, de lo que está sucediendo con esa tensión de la que ya hemos hablado. Los puntos cómicos son lo que a muchos les parecerá desacertado y es cierto que a veces son excesivos, pero a mí me parecen geniales pues sirven para destensar el nerviosismo creado anteriormente.

Cuarto – El método escogido por el director para desarrollar su película. El found footage o cámara en mano como se conoce normalmente es un acierto completo, ya que lo que vamos a ver es ese documental grabándose en el momento. Con las decisiones de planos de una niña que sabe muy bien lo que hace y de un niño que juega y acierta con el uso de la cámara. Incluso en los momentos en los que hay más movimiento, vamos a ver planos muy bien escogidos. ¿Lo mejor de todo esto? Que no nos mareamos como en otras cintas del mismo estilo. Y al mismo tiempo vamos a poder comprobar las razones de la utilización de diversos enfoques gracias a los conocimientos básicos de una jovencita interesada en el mundo del género documental.

¿Te importaría meterte en el horno para limpiarlo?

Quinto – El reparto. La elección de dos pequeños desconocidos y de unos abuelos muy carismáticos es lo mejor de la película. Los chavales hacen que suframos con ellos y los abuelos provocan que nos asustemos cuando toca. Sus sonrisas y carcajadas, sus miradas perdidas, su locura más extrema. Al mismo tiempo diré que solo me falla en ocasiones la valentía de los chicos en ciertos momentos. Si me pongo en su lugar, tras las dos primeras noches yo me hubiera escapado lejos, lejos, lejos.

Sexto – El resultado es una película que gustará, como he dicho, a aquellos que se dejen llevar y acepten el concepto de “terror” que nos propone Shyamalan y al mismo tiempo el humor que destila en muchas de las escenas. ¿La recomiendo? Pues como todo, ustedes mismos.

Hannibal… dejó de comer

No pudo ser. Hannibal se canceló antes de tiempo. A pesar de todo su creador, Bryan Fuller, debe estar contento pues ha conseguido que una serie creada por él haya durado tres temporadas. Era el cuarto intento tras “Tam muertos como yo”, “Wonderfalls” y “Criando malvas”.

Como ya dije hace un par de años cuando terminé de ver la primera temporada, siempre he pensado que Hannibal ha estado en el canal equivocado desde el principio. No es normal ver tanta violencia explícita en un canal como NBC. Todo es demasiado light en los canales públicos americanos y lo de Hannibal sobrepasa todos los niveles de gore.

El último plan…

De esta serie vamos a recordar muchas cosas. En primer lugar y es algo que destaca por encima de todo es la fotografía, algo cuidado al extremo y que no solo es algo estético, forma parte de la historia, si la serie hubiera tenido una fotografía mas “convencional” sería algo totalmente distinto y, seguramente, algo con peor calidad. Pero por suerte para nosotros, el apartado estético y visual es una absoluta maravilla.

Al mismo tiempo recordaremos la imponente banda sonora, cada acorde genera tensión dentro de esta particular serie. La combinación de música clásica con banda sonora original nos sumerge en el cerebro de un asesino educado y sutil como es el Dr. Hannibal Lecter.

La historia, el análisis psicológico de los personajes principales y de aquellos más secundarios. Los guiones son piezas cuidadas y sometidas, seguramente, a análisis de psiquiatría para poder darle un realismo mayor al surrealismo inherente en la serie. Lecter es un psicópata comedido, sabio, culto. Sabe lo que hace y por qué lo hace. Todo es perfecto en su mente. Graham intenta desgranar esa mente, esa y toda aquella mente enferma que se le cruza por el camino, sabiendo al mismo tiempo que esa “enfermedad” lo contagia cada vez que ha tenido que resolver un caso.

La máscara de Hannibal

Recordaremos los asesinatos, la sangre, la violencia y sobretodo… las comidas. Los platos que tan cuidadosamente ha preparado el doctor Lecter en casi todos los capítulos de la serie. Platos que aun sabiendo lo que contenían, seguramente no nos hubiera importado probar (¿me habré contagiado yo también?).

AVISO SPOILERS DEL FINAL

El precipitado final de la serie no ha sido una excusa para que la calidad de la misma descendiese en sus últimos episodios. Con la introducción de un personaje clave en la historia, como es el «Dragón Rojo» han conseguido llegar hasta el clímax más extremo para dejarnos un final imprevisible y que recordaremos durante mucho tiempo.

La decisión de Fuller de cerrar completamente la historia, visto que nadie ha querido salvarla, es la más correcta. Un final de tragedia griega. Una cena cancelada por un último plano aterrador. La historia de Hannibal ya se ha situado entre una de esas series que guardaré con mucho cariño en mi ranking y que seguiré recomendando por mucho tiempo que pase.