Dessinet

Michel-Ange ( 1475_ 1564)

2010-12-28T13:05:00.000-08:00

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni dit, en français, Michel-Ange (né le 6 mars 1475 au château de Caprese à Caprese, au nord d' Arezzo en Toscane -18 février 1564 à Rome), est un peintre, un sculpteur, un poète et un architecte italien de la Renaissance.

Statue de Michel-Ange à Florence

Né le 6 mars 1475 à Caprese, au nord d' Arezzo en Toscane de Francesca di Neri del Miniato di Siena, sa mère, et de Lodovico di Leonardo Buonarroti Simoni, son père, magistrat et podestat de Caprese et Chiusi. La famille revient dans sa maison de Settignano près de Florence, après que le père a fini sa charge de podestat. En 1481, il perd sa mère et grandit ensuite chez une nourrice, femme et fille de tailleurs de pierre. Il ne retournera chez son père, qu'à l'âge de dix ans.

Allant contre les vœux de son père et de ses oncles, réfractaires à l'art, Michel-Ange, après avoir étudié auprès du grammairien Francesco da Urbino, choisit malgré tout, grâce à son ami Francesco Granacci, d’être l’apprenti de Domenico Ghirlandaio pour trois ans à partir de 1488.

Il étudie les fresques de l'église Santo Spirito de Florence et de l'église Santa Maria del Carmine et en copiant les fresques de Masaccio, s'attire les jalousies autant par son habileté que par ses remarques, lesquelles envers le sculpteur Pietro Torrigiano lui font recevoir au visage, un coup de poing qui provoque une cassure au nez qui marquera à vie son visage.

Impressionné par son travail, Domenico le recommande au maître de Florence, Laurent de Médicis. De 1490 à 1492, Michel-Ange est élève à l’école de Laurent et est influencé par un milieu libre qui fait évoluer ses idées sur l’art et ses sentiments sur la sexualité. Il admire les collections de statues grecques antiques collectionnées par les Médicis, et il se promet de devenir un sculpteur. Il commence par copier un masque de faune et, devant le résultat, Laurent le récompense de cinq ducats par mois. Sur les conseils de Politien, Michel-Ange sculpte un bas-relief de la Bataille des Centaures et la Vierge à l'escalier, qui reflètent sa grande admiration pour Donatello.

Portrait de Michel-Ange par Daniele da Volterra

Il pratique l'étude du corps humain et l’anatomie à l'hôpital Santo Spirito de Florence vers 1490 (et ensuite à Rome vers 1540), collaborant à l'illustration d'un traité d'anatomie avec Realdo Colombo médecin et ami. Les corps de Michel-Ange sont plus soumis à l’art, qu'au respect strict de l'anatomie humaine (allongement du canon des figures et distorsions destinées à mettre en relief un trait moral).

Après la mort de Laurent en 1492, Pierre II de Médicis (plus jeune fils de Laurent et nouveau chef des Médicis) refuse d’être le mécène de Michel-Ange. C’est à cette époque que les idées de Savonarole deviennent populaires à Florence. Sous ces deux pressions, Michel-Ange décide de quitter Florence et s’installe durant trois ans à Bologne chez son ami Gianfrancesco Aldobrandini. Il y réalisera les statues de saint Pétrone et saint Procule dans l'église Saint-Dominique. Peu après, Raffaele Riario, cardinal en titre de San Giorgio al Velabro, lui demande de venir à Rome en 1496. Sous sa commandite et influencé par l’antiquité romaine, il réalise deux statues : Bacchuset La Pietà, commandée par le cardinal français Jean Bilhères de Lagraulas.

Quatre ans plus tard, Michel-Ange retourne à Florence pour y créer son œuvre la plus célèbre, leDavid sculpté dans un bloc de marbre extrait des carrières de Carrare par le sculpteur Agostino di Duccio. Il peint également la Sainte Famille à la tribune dite Tondo Doni. La Seigneurie lui confie une fresque dans la Salle du Conseil, la Bataille de Cascina, dite les Baigneurs, dont il réalisera le carton mais jamais la fresque. Léonard de Vinci doit aussi effectuer la Bataille d'Anghiari dans la même salle, sans plus de succès.

Michel-Ange est de nouveau demandé à Rome en 1503 par le nouveau pape, Jules II qui le charge de réaliser son tombeau, un mausolée grandiose dans la basilique Saint-Pierre. Michel-Ange passe un an à Carrare pour chercher des blocs du marbre le plus parfait. Michel-Ange travailla durant quarante ans sans achever la tombe, qui après un projet initial de quarante statues, se finira avec sept statues, dont le Moïse. En avril 1506, après avoir été déshonoré par un valet du pape, il fuit Rome pour se réfugier à Florence mais doit faire allégeance devant Jules II à Bologne. Il est excusé par le pape et regagne Rome en septembre. Il réalise pendant un an la statue en bronze de Jules devant la cathédrale de Bologne. Cette statue sera détruite puis fondue après le retour des Bentivoglio à Bologne.

Michel-Ange reprend le projet du tombeau, cependant, sous la direction de Jules II, il doit sans cesse interrompre son travail afin d’effectuer de nombreuses autres tâches. La plus célèbre d’entre elles est la peinture monumentale du plafond de la chapelle Sixtine qui lui prend quatre ans (1508-1512). Bramante, inquiet du retour en grâce de Michel-Ange, a suggéré à Jules II ce projet qui, il en est sûr, se soldera par un échec. En mai 1508, l'artiste signe le contrat prévoyant la réalisation de fresques représentants les douze apôtres dans les pendentifs et des motifs ornementaux dans les parties restantes. Sur la requête de Michel-Ange qui juge le sujet trop pauvre, et aidé par les théologiens de la cour papale, il réalise les fresques des neuf histoires centrales représentant les épisodes de la Genèse, l'humanité ante Legem, avant la loi de Moïse. Dans ses Poèmes, il décrit ces quatre ans comme extrêmement éprouvants. La chapelle est ouverte le jour de la Toussaint de 1512, dans l'enthousiasme général.

En 1513, le pape Jules II meurt. Malgré leur fréquentes disputes, il fut un grand ami de Michel-Ange et avait pour lui un profond respect. Son successeur Léon X, un Médicis, demande à Michel-Ange de terminer la façade extérieure de l’église San Lorenzo de Florence et de l’orner de sculptures. Il accepte à contre-cœur en fait les plans mais est incapable d’accéder à cette demande : la façade d’église est resté nue jusqu'à ce jour. Après la mort de Léon X, l'austère pape Adrien VI n'a aucune commande pour lui.

De retour à Florence, de 1519 à 1531, Michel-Ange réalise pour les Médicis la Sagrestia Nuova (sacristie neuve), une des Cappelle Medicee (chapelles Médicis), où il sculpte notamment les tombeaux des ducs Laurent et de Julien avant de laisser terminer l'ensemble par ses élèves (notamment Montorsoli). Durant le même séjour, la famille florentine lui commande la bibliothèque Laurentienne, destinée à accueillir les livres de Laurent le Magnifique : débutée en 1524, elle reste inachevée lors du départ de l’artiste et ne fut achevée qu’entre 1551 et 1571 par Ammanati.

En 1527, les citoyens de Florence, encouragés par le sac de Rome, renversent les Médicis et restaurent la république. Un siège de la ville suit, où Michel-Ange vient en aide à sa Florence bien-aimée en travaillant sur les fortifications de la ville, de 1528 à 1529. La ville chute en 1530 et le règne des Médicis est restauré.

En 1532, Michel-Ange revient à Rome après un séjour de plusieurs années à Florence — au cours duquel il avait pris parti contre le pape dans le conflit avec l'empereur Charles Quint — et Clément VII, lui ayant pardonné, lui demande de peindre les deux murs latéraux de la chapelle Sixtine. Il devait y représenter la Chute des anges rebelles et le Jugement dernier. Presque aussitôt, il se met à l'étude pour réaliser ce projet démesuré. Clément VII étant mort (en 1534), il songe à renoncer à ce travail pour reprendre le Tombeau de Jules II, quand le pape Paul III s'y oppose et le nomme en 1535 architecte, peintre et sculpteur du Vatican. La fresque du Jugement dernier sur le mur d’autel fut seule exécutée et ne fut achevée qu'en 1541.

En 1535, il rencontre Tommaso de' Cavalieri, avec qui il aura une "amitié amoureuse". Il rencontre également Vittoria Colonna, avec qui il a de longues conversation et en qui il voit une figure divine.

Le projet du tombeau de Jules II devient un mausolée contenant un simple cénotaphe dans la basilique Saint-Pierre-aux-Liens en 1545 (soit quarante ans après la commande initiale).

À partir de 1546, il est nommé architecte de la basilique Saint-Pierre. Il revient au plan de croix grecque proposé par Bramante et simplifie le dôme, lui donnant un aspect plus léger. En 1561, le pape Pie IV lui confie la construction de la basilique Sainte-Marie-des-Anges-et-des-Martyrs dans les thermes de Dioclétien, œuvre qu'il ne pourra mener à son terme.

Michel-Ange meurt à Rome le 18 février 1564 à l’âge de 88 ans. Deux jours avant sa mort, il travaillait encore à la Pietà Rondanini. Il meurt en compagnie de Tommaso de' Cavalieri. Sa vie est décrite dans Le Vite de Giorgio Vasari et la Vie de Michel-Ange d' Ascanio Condivi. Santi di Tito participa à la préparation de ses obsèques. Selon ses volontés, son corps est rapatrié à Florence, où il est enterré dans la basilique de Santa Croce, avec les honneurs nationaux.

Gaspard Becerra et Bastiano da Sangallo furent ses élèves.

Pontormo (1494_1557)

2010-12-28T12:32:00.000-08:00

Jacopo Carrucci (Pontorme, près d' Empoli, 24 mai 1494 - Florence,2 janvier 1557 ), connu sous le nom de Jacopo da Pontormo, ou plus simplement le Pontormo, fut un peintre italien de l'école florentine et l'un des représentants les plus importants du mouvement maniériste dans la peinture du xvi^e siècle.

Jacopo Carrucci est fil d'un peintre du nom Bartolomeo di Jacopo di Martino Carrucci et de Alessandra di Pasquale di Zanobi. Il est orphelin à 10 ans. Il est envoyé à Florence, où il passera le reste de sa vie. En 1511, il entre dans l'atelier d'Andrea del Sarto, puis dans celui de Léonard de Vinci et de Pierro di Cosimo. Il n'y reste que quelques années et par la suite (1514 -1516) il va s'inspirer surtout du style d'Andrea del Sarto.

Il est réputé pour ses poses contorsionnées, ses perspectives forcées, ses couleurs acides et innaturelles, ses personnages aux yeux écarquillés et aux expressions inquiètes.

Pendant les deux dernières années de sa vie il tient un journal très détaillé, que l'on retrouvera, après sa mort, muré dans la chapelle axiale de l'église San Lorenzo à Florence, dont il avait réalisé la décoration à fresque.

Raphaël (1483-1520)

2010-12-24T13:01:00.000-08:00

Raffaello Sanzio, plus connu sous le nom de Raphaël (Raffaello), (né le 6 avril 1483 à Urbino — mort le 6 avril 1520 à Rome) est un peintre et architecte italien de la Renaissance. Il est aussi appelé Raffaello Santi, Raffaello da Urbino, Raffaello Sanzio da Urbino.
Raffaello Sanzio ou Santi, dit Raphaël, peintre italien de la Haute Renaissance, est le fils du peintre Giovanni Santi, peintre et poète officiel de la cour de Frédéric III de Montefeltro, l'un des princes les plus célèbres et protecteur des arts de la Renaissance en Italie. Urbino est alors un foyer artistique réputé à l’aube du xvi^e siècle. Ici Raphaël a pu subir, pour la première fois, l'influence de Melozzo da Forlì, que l'on retrouve dans ses œuvres.

Léonard de Vinci (1452-1519)

2010-12-22T12:23:00.000-08:00

Léonard de Vinci (1452-1519) né à Vinci le 15 avril 1452 et mort à Amboise le 2 mai 1519, est un peintre italien et un homme d'esprit universel, à la fois artiste, scientifique, ingénieur, inventeur,anatomiste, peintre, sculpteur, architecte, urbaniste, botaniste, musicien, poète,philosophe et écrivain.

Après son enfance à Vinci, Léonard est élève auprès du célèbre peintre et sculpteur florentin Andrea del Verrocchio. Ses premiers travaux importants sont réalisés au service du duc Ludovic Sforza à Milan. Il œuvre ensuite à Rome, Bologne et Venise et passe les dernières années de sa vie en France, à l'invitation du roi François I^er.

Léonard de Vinci est souvent décrit comme l'archétype et le symbole de l'homme de la Renaissance, un génie universel et un philosophe humaniste dont la curiosité infinie est seulement égalée par la force d'invention¹. Il est considéré comme un des plus grands peintres de tous les temps et peut-être la personne la plus talentueuse dans le plus grand nombre de domaines différents ayant jamais vécu².

C'est d'abord comme peintre que Léonard de Vinci est reconnu. Deux de ses œuvres,La Joconde et La Cène, sont des peintures très célèbres, souvent copiées et parodiées, et son dessin de l’Homme de Vitruve est également repris dans de nombreux travaux dérivés. Seules une quinzaine d'œuvres sont parvenues jusqu'à nous ; ce petit nombre est dû à ses expérimentations constantes et parfois désastreuses de nouvelles techniques et à sa procrastination chronique. Néanmoins, ces quelques œuvres, jointes à ses carnets, qui contiennent des dessins, des diagrammes scientifiques et des réflexions sur la nature de la peinture, sont un legs aux générations suivantes d'artistes seulement égalé par Michel-Ange.

Comme ingénieur et inventeur, Léonard développe des idées très en avance sur son temps, depuis l'hélicoptère, le char de combat, le sous-marin jusqu'à l'automobile. Très peu de ses projets sont construits, ou même seulement réalisables de son vivant, mais certaines de ses plus petites inventions comme une machine pour mesurer la limite élastique d'un câble entrent dans le monde de la manufacture. En tant que scientifique, Léonard de Vinci a beaucoup fait progresser la connaissance dans les domaines de l'anatomie, du génie civil, de l'optique et de l'hydrodynamique.

La tombe de Léonard au château d'Amboise.

Piero della Francesca (1416-1492)

2010-12-21T13:26:00.000-08:00

Peintre Italien
Né en 1415 à Sansepolcro (Italie) et mort en 1492 à Sansepolcro (Italie)

Fils de marchands, Piero Della Francesca commence l'apprentissage de la peinture à l'âge de 15 ans. Après six années passées dans un modeste atelier d'Arezzo, il part pour Florence. Il collabore avec Domenico Veneziano et acquiert à son contact une connaissance aigüe de la perspective. Il s'imprègne des travaux de Masaccio et d'Ucello.
En 1445 il reçoit sa première grande commande et réalise le polyptyque de Sansepolcro. En 1450 il découvre la peinture flamande. Suite au décès du peintre Bicci di Lorenzo en 1452, il reprend la décoration de l'église San Francesco. Au cours de sa carrière, il travail pour différentes cours italiennes : Rimini en 1451, Rome en 1458 et Urbino en 1469. C'est à cette occasion que Piero della Francesca rencontre Giovani Santi, futur père de Raphaël.
A la fois artiste et théoricien, il rédige dans les dernières années de sa vie des traités théoriques importants : "Le livre de la comptabilité" et "De prospectiva pingendi". Sa carrière prend fin en 1487 alors qu'il est frappé de cécité.

Masaccio (1401-1428)

2010-12-21T13:17:00.000-08:00

San Giovanni Valdarno, 1401 - Rome, 1428

Peintre italien. Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai , dit Masaccio. Malgré sa courte vie, Masaccio eut une influence déterminante sur les artistes de la Renaissance, dont on peut considérer qu'il est l'un des premiers avec Brunelleschi etDonatello.

Un jeune artiste novateur
Masaccio se rend à Florence, où, en 1422, il s'inscrit à la corporation des médecins et des pharmaciens. Il entre dans le cercle de Masolino da Panicale et des peintres florentins. On ne sait exactement si Masolino (bien plus âgé que lui) fut son maître, ou si la position de Masaccio était plus indépendante. Masaccio est en fait le continuateur de Giotto par la force de ses sentiments, le calme de sa composition, la mise en valeur des volumes.

Léonard de Vinci, dans son Traité de la peinture, a défini, avec justesse, la nouveauté de Masaccio: « Après Giotto, l'art retomba en décadence pendant plus d'un siècle, parce que les peintres commencèrent à imiter les œuvres de Giotto. Puis vint le Florentin Tommaso (Masaccio); il prouva, par la perfection de ses œuvres picturales, que tous ceux qui ne prennent pas comme modèle la nature, cette éducatrice de tous les maîtres, s'efforcent vainement de faire de l'art. »

Masaccio s'engage dans le travail sur la perspective et le naturalisme de l'art de la Renaissance. C'est un des inventeurs de la perspective, et, à ce titre, le premier peintre de la Renaissance: son génie a ouvert la voie à des recherches nouvelles. Il a contribué à introduire à Florence les positions de Brunelleschi et de Donatello.

Les chefs-d'œuvre d'une courte activité
Ses principales œuvres furent réalisées en commun avec Masolino da Panicale. De son séjour florentin on remarque la Sainte Anne, vers 1424-1425 (musée des Offices, Florence), mais surtout les fresques de la chapelle Brancacci à Santa Maria del Carmine à Florence, sauvées de peu de la destruction au XVII e siècle. Elles révèlent toute la force de cet humanisme naissant: la vérité psychologique des visages et des attitudes, l'intégration des personnages dans des décors qui ne sont pas des «placages». Ces fresques comportent notamment les Scènes de la vie de saint Pierre (le Tribut, Saint Pierre baptisant les néophytes, la Distribution des biens de la communauté) et les Episodes du Péché originel, dont Adam et Ève chassés du Paradis, d'un réalisme tragique.

On peut attribuer également à Masaccio la Trinité (Santa Maria Novella, Florence), ainsi que le polyptyque du Carmine de Pise, réalisé vers 1426, et actuellement disséminé en divers lieux de conservation: Londres, Berlin, Naples, Pise et Vienne. Il y applique les principes de la perspective et l'incidence de la lumière sculptant le relief des corps.
Masaccio rejoint Masolino à Rome afin de réaliser un polyptyque pour Santa Maria Maggiore, la Madone de la neige, et les fresques de la chapelle du cardinal Branda Castiglione. Il meurt à Rome à l'âge de 27 ans.

Peinture de la Renaissance

2010-12-21T13:00:00.000-08:00

La peinture de la Renaissance est, comme tout l'art de la Renaissance, influencée par l'Antiquité. Elle utilise les règles de la perspective.

La Renaissance italienne va créer une vraie révolution dans la peinture. La peinture médiévale était caractérisée par des thèmes surtout religieux, des enluminures.

Principales nouveautés

L'École d'Athènes peinte par Raphaël

Le nu, qui traduit la compréhension de la nature du corps humain de la part des artistes

La connaissance des proportions du corps humain par l’anatomie (Michel-Ange qui la pratiquait savait autant s'en éloigner pour mettre en relief un trait moral par des distorsions des proportions pour des soucis esthétique et artistique)

La reprise des techniques et scènes de l’antiquité (due à la migration des savants et artistes grecs en Italie après la chute de Constantinople)

L’apparition de la notion de paysage et celle de décors riches et variés

La perspective monofocale à point de fuite central (qui exprime la position du peintre, du spectateur, placé en dehors du tableau).

Les genres du portrait et de la nature morte

Les techniques à fresque sur murs, plafonds et voûtes

Les effets de lumières et d’ombres (clair-obscur, grisaille)

Nouvelles techniques

Émail sur terre cuite (terracotta invetriata) Andrea della Robbia

Peinture sur chevalet

Le bois est remplacé par la toile, qui est plus économique

Le sfumato (effet brumeux, pénétration du clair dans le sombre mis au point par le célèbre Léonard De Vinci)

Jan Van Eyck sans l'inventer, améliore la peinture à l'huile

Principaux peintres italiens

Masaccio (1401-1428)
Avec l’Humanisme, on place l’homme au centre des préoccupations. Ce qui importe est la manière dont l’homme regardera ce tableau. L’homme devient la mesure de référence.
La perspective doit donc respecter les lois physiques du monde, et l’association entre la lumière et l’ombre des corps.
Masaccio veut représenter dans le tableau la réalité « objective ».

Piero della Francesca (1416-1492)
Piero Della Francesca se passionne pour les traités de Vitruve, penseur latin du i^er siècle, qui développe dans ses écrits l’art de la raison, le sens de la mesure et de l’équilibre.
La peinture exige l’adéquation entre la vision de l’image peinte et celle des objets dans l’espace. Ce principe se traduit par les diminutions de taille des objets qui sont éloignés.
Piero della Francesca fit ensuite des études sur le réalisme visuel et la perspective linéaire.
ex : La Flagellation du Christ, 1477-1479, Urbino
.

Léonard de Vinci (1452-1519)
En 1504, il s’installe à Florence. Il assimile des nouveautés graphiques comme les clairs-obscurs et le sfumato. Il s’agit d’un principe de perspective qui donne aux formes un aspect flou si elles sont éloignées.
Le dessin prime sur la couleur.
ex : La Joconde, 1503, Paris, Musée du Louvre)

Raphaël (1483-1520)
De 1504 à 1508, il peint de nombreuses Vierges à l’Enfant (Madone). Il base sa composition sur le message qu’il veut faire passer : l’amour maternel.
ex : La Vierge au chardonneret, 1507, musée des Offices de Florence.
Importance des compositions claires basées sur des formes géométriques, comme le triangle. Ces compositions donnent un effet de stabilité.

Pontormo
Peintre maniériste de la Renaissance tardive. L’objectif est de choquer et de toucher le spectateur. Les peintres maniéristes déforment les corps des personnages. Les corps sont complètement disproportionnés. Ils défigurent les personnages par des expressions excessives.
ex : La Déposition de croix, 1520

Michel angelo (en francais Michel Ange)

(1475- 1564) Peintre, un sculpteur, un poète et un architecte italien de la Renaissance . À partir de 1546, il est nommé architecte de la basilique Saint-Pierre. En 1561, le pape Pie IV lui confie la construction de la basilique Sainte Marie des Anges et des Martyrs dans les thermes de Dioclétien, œuvre qu'il ne pourra mener à son terme. Sa plus grand œuvre (et probablement la plus connue) et sûrement le plafond de la chapelle sixstine, peinte en 1508 et en 1512, qui est un chef-d’œuvres de la Renaissance

Peinture gothique

2010-12-17T12:31:00.000-08:00

La peinture gothique est apparue dans les années 1200, environ 50 ans après le début de l'architecture et la sculpture gothique. La transition entre le roman et le gothique est très imprécise mais nous pouvons voir dans les prémisses de ce style une peinture plussombre et émotionnelle que dans la précédente période. Elle représente notamment le début de la peinture profane, c'est-à-dire la peinture dont les sujets ne sont pas religieux. La peinture gothique s'est développée en Occident (vers 1200 en Angleterre, France,Allemagne…) mais a surtout pris son essor en Italie, vers 1300 (la Pré-Renaissance du Trecento).

Peindre (La représentation d'une image sur une surface) pendant la période gothique se pratique sur 4 principaux supports :

Livres d'heures (livres de prières) : Ils contiennent des miniatures qui servent à la méditation/contemplation/dévotion privée. Chaque illustration délivre un message. Ces livres étaient des miroirs princiers idéaux.
Les retables : Ce sont de tableaux peints ou sculptés qui ornent le dessus des autels des églises. Ils sont apparus au xiii^e siècle. Les retables à plusieurs panneaux sont dits diptyques, triptyques ou polyptyques.

Fresques : Elles ornent de grandes structures, notamment les voûtes des églises.

L'artiste gothique cherche « son inspiration dans la vie ». Il y a plus de sentiments dans les œuvres gothiques que dans les œuvres romanes. Parallèlement, la culture bourgeoise a amené une nouvelle élégance dans l'art. Il y a plus de détails narratifs, de fraîcheur, de couleur, de luminosité… : les techniques sont plus « raffinées ».

Pour les peintres italiens du Trecento inspirés par ces dernières nouveautés, la dénomination moderne est celle de Primitifs italiens.

L'art baroque

2010-12-17T12:03:00.000-08:00

Le mot baroque qui vient sans doute de barrueco signifie en

espagnol pierre irrégulière. Il désigne un mouvement

artistique dominant pendant près de deux siècles,

accompagnant les principales évolutions religieuses et

politiques de 1580 à 1780 en Europe surtout, mais aussi dans

le monde.

Cet art lié à la réaction religieuse de la Réforme catholique, a

pour fondement la volonté du concile de Trente de

réhabiliter les images (remises en cause par les protestants)

en suscitant un art qui s’adresse à la sensibilité plutôt qu’à la

raison. Il inscrit aussi ses racines dans l’art caravagesque du

tournant des années 1600, novateur par le réalisme de ses

sujets et de ses figures, l’utilisation des contrastes d’ombre et

de lumière qui noient les contours des corps et des objets.

Le baroque se développe déjà dans les pays catholiques :

l’Italie en est le point de départ puis le monde hispanique,

les Pays-Bas espagnols, l’Autriche et la Bavière, l’Amérique

latine sous l’impulsion des jésuites. Mais il faut se garder

d’assimiler baroque et régions catholiques : la France

catholique résiste au baroque et ses rois puissants préfèrent

l’ordre classique qui magnifie leur pouvoir ; les pays

protestants – la Hollande de Rembrandt – sont nettement

influencés par le style baroque.

L’opposition entre baroque et classicisme n’est donc pas

toujours facile à observer car on peut retrouver des

caractères des deux styles dans les mêmes œuvres. Les

historiens étrangers nomment d’ailleurs « baroque français »

notre classicisme et le tableau de Jouvenet du musée des

Beaux-arts de Reims est l’œuvre d’un peintre formé par les

artistes classiques, Poussin et Le Brun, bien qu’elle soit

« baroquisante ».

Notons que le style rocaille ou rococo, inventé à la cour de

Louis XV et issu de l’art baroque, envahit toutes les cours

princières au XVIII° siècle.

Les caractéristiques

L’art baroque naît dans le contexte de l’essor des villes et

des Etats et s’inscrit dans un urbanisme sans précédent : les

villes de Rome, Paris, Versailles, Londres sont remodelées

en fonction d’une symbolique précise ; les places, les palais

et les églises traduisent un idéal de persuasion religieuse et

de puissance politique. Le baroque s’attache donc

initialement à l’architecture (le Bernin, Borromini) puis

s’applique à la peinture, la sculpture, la littérature, la

musique.

Techniques et supports
La peinture murale et particulièrement la peinture de plafond
exécutée à fresque dominent le style baroque. L’œuvre aux
dimensions considérables est généralement inscrite dans un
riche écrin plastique où se combinent stucs et sculptures aux

dimensions souvent exagérées. La peinture sur toile est un

décor, principalement d’église, qui doit être vu de loin par

des fidèles nombreux.

Les thèmes

La peinture baroque est essentiellement religieuse, son

iconographie a été fixée par le concile de Trente : la Vierge,

les anges, la vie de saints, et les héros récents de l’Eglise

catholique y sont célébrées. La tendance est à la théâtralité

afin de surprendre et émouvoir les fidèles : apothéoses,

enlèvements de saints par des anges dans les nuées célestes,

extase (Sainte Thérèse).

Mais on trouve aussi des scènes mythologiques, allégories

qui autorisent les représentations de nus.

Plus rares, les scènes de genre sont présentes essentiellement

dans la peinture du Nord (voir Rubens, La Kermesse).

La composition, le dessin, la couleur, la touche
Le peintre baroque ne fait pas du dessin l’élément essentiel
de ses compositions, figures et objets n’ont pas les contours
nets qu’ils possèdent dans la peinture classique. Les formes
s’enchaînent, le regard n’est plus conduit par le jeu rationnel
d’une perspective linéaire, il est retenu par les éléments
tactiles et chromatiques qui structurent la peinture (touche,
effets de lumière changeante et dramatique, rendus des
matières, carnations, draperies…).
La profondeur est crée plutôt par des lignes diagonales dans
lesquelles le regard s’enfonce. La composition est ouverte et
n’est pas forcément bâtie selon une symétrie haut / bas ou
droite / gauche et renonce à souligner par la distribution des
formes la proximité des bords du tableau. L’utilisation de
diagonales, de spirales et de courbes imposent une idée de
mouvement plutôt que de stabilité.
L’œuvre baroque est conçue comme un tout unitaire : « la
partie est subordonnée au tout, sans qu’elle renonce pour
cela à exister en soi » (Wölfflin). Il est souvent difficile
d’isoler un motif tant les formes s’interpénètrent. Avec des
formes ainsi fondues les unes dans les autres, la peinture
baroque est souvent moins lisible que la peinture classique.
Les figures baroques sont rarement intégralement nues
comme l’indique le concile de Trente, sauf chez Rubens.
La volonté de dramatisation héritée du caravagisme conduit
les peintres baroques à préférer le dynamisme à la pose. Les
figures accomplissent souvent des mouvements violents que
le pinceau suspend brusquement (comme dans un arrêt sur
image). L'artifice de ces attitudes suscite émotion du
spectateur ce qui est le but du peintre baroque.

L'art abstrait

2010-12-17T11:43:00.000-08:00

L'art abstrait est une forme d'art qui essaie de représenter le monde sensible. La peinture peut se passer de modèle et n'est pas fiddèle à la réalité visuelle.

Wassily Kandinsky est le fondateur de l'art abstrait. Il a peint sa première aquarelle abstraite Sans titre en 1910. Selon le philosophe Michel Henry, « Kandinsky appelle abstrait le contenu que la peinture doit exprimer, soit cette vie invisible que nous sommes. » (Voir l’invisible)

Les origines de l'art abstrait

Dans les années précédant la Première Guerre mondiale, plusieurs variétés d'art abstrait émergèrent dans différents contextes, comme le cubisme ou le futurisme. L'art abstrait nait à Paris, où Robert Delaunay exposa ses oeuvres cubistes prismatiques, en Allemagne et en Russie.

Les avancées scientifiques ont beaucoup influencés les artistes. Dans la seconde moitié du XIX^e siècle, l’optique fait d’importants progrès et distingue deux étapes dans la vision : l'uimpression et la sensation. Les « impressionnistes » ont tenté de rendre l’impression que leur faisait la nature. Frantisek Kupka, pionnier de l’abstraction en peinture, a rapidement saisi l’impact de cette nouvelle conception de la vision sur la finalité de l’art, jusqu’alors perçue comme une imitation de la nature. Les « sensations » du peintre s’inscrivent maintenant en priorité dans sa vision. Kupka s’intéresse à l’aspect psychophysique des couleurs : « il nous semble donc plus opportun de considérer et d’interroger les sensations de lumière, de caractère et de valeur différentes, en tant qu’elles suscitent en nous des états d’âme ».

Kupka, Fugue à deux couleurs.

Les avancées dans le domaine à la fois de la lumière et du son, ont aussi influencé l'art. La “color music” est alors inventée. Elle correspond à un spectacle son et lumière actuel, et est compsée d'une projection de lumière colorée accompagnée d'un fond muscial. Wallace Rimington, un des inventeur de la color music, écrit : « En peinture, la couleur a seulement été utilisée comme l’un des éléments de l’image. Nous n’avons pas encore eu d’images dans lesquelles il n’y ait ni forme, ni sujet, mais seulement la pure couleur » A cette époque, ses concerts de« color music » eurent du succès. Il n’est donc pas étonnant de trouver un article publié en 1908 portant le titre « Les lois d’harmonie de la Peinture et de la Musique sont les mêmes » (Henri Rovel), Son contenu, dans l’esprit de la musique chromatique, aura une grande influence sur Kandinsky, Larionov et Kupka.

En adoptant cette nouvelle vision du monde, l’artiste ne va plus tenter de le reproduire en l’imitant. Il va surtout s’inspirer de ses sensations, visuelles et acoustiques, pour en donner une vision intérieure plus conforme aux nouvelles données scientifiques. Kandinsky écrira« Pensez à la part musicale que prendra désormais la couleur dans la peinture moderne. La couleur qui est vibration de même que la musique est à même d’atteindre ce qu’il y a de plus général et partant de plus vague dans la nature : sa force intérieure. » L’accent est donc mis sur une fonction émotionnelle de la couleur identique à la fonction émotionnelle de la musique.

Il peut considérer qu'il y a trois fondateurs de l'art abstrait:
- Wassily Kandinsky, considéré comme l'initiateurs de l'art abstrait. Ses oeuvres du début des années 1910, à Munich, emploient un éventail impressionnant de couleurs et de techniques picturales. Dans les écrits de Kandinsky, celui-ci annonce clairement avoir abandonné les apparences extérieurs dans l'espoir de pouvoir communiquer plus directement les sentiments au spectateur. Kandinsky considérait que les couleurs et les formes pouvaient communiquer des vérités spirituelles, cachées derrière les apparences quotidiennes et qui sont difficiles à décrire par les mots. Il voyait même des correspondances entre la musique et la peinture. “La couleur est le clavier. L'oeil est le marteau. L'âme est le piano, avec ces nombreuses cordes. L'artiste est la main qui fait résolument vibrer l'âme au moyen de telle ou telle touche.”
- Piet Mondrian

- Piet Mondrian

- Kasimir Malevitch, qui a recherché la simplification extrême aboutissant au fameux « Carré Noir sur Fond Blanc ». Malevitch peignait des arrangements de formes abstraites qui semblent suspendue dans l'espace, mais la géometrie rigide d'un tableau tel que“Rectangle noir suprématiste” contraste nettement avec l'aspect relâché des oeuvres de Kandinsky et montre qu'il a foi dans le progrès technique plutôt que dans un monde évoquant la nature. Malevitch, comme Kandinsky, considérait les couleurs comme des sentiments et les peignait flottant à travers des surfaces blanches qui, pour lui, représentaient le vide. Ses carrés et ses rectangles étaient de nouveaux symboles, en rupture avec les outils picturaux du passé, pour une nouvelle réalité spirituelle.

Pour ces trois fondateurs le passage de la figuration à l’abstraction s’est opéré assez lentement entre 1910 et 1917. L’abstraction n’a pas été une révélation isolée, elle fait partie d'un contexte global extraordinairement créatif, avec le cubisme, le rayonnisme, le futurisme.

L'art abstrait reste malheureusement la forme d'art la plus mal acceptée par le public, car un tel tableau ne “représente” rien, ce qui parfois choque le goût, les habitudes. Une œuvre abstraite doit en effet s’aborder dans un esprit différentdes œuvres figuratives.

Peintres abstraits

- Roberto Soler

- Jean Gorin

- Wassily Kandinsky
- Kasimir Malevitch
- Piet Mondrian
- Paul Klee

- Englebert Van Anderlecht
- Pablo Picasso

- Salvador Dali

- Mark Rothko
- Frantisek Kupka

Le classicisme

2010-12-16T14:02:00.000-08:00

Naissance d’une notion

Le terme « classique » apparaît à la Renaissance et
désigne, par opposition à l’art gothique, une esthétique
définie d'après le modèle antique gréco-romain. A la
fin du XIXe siècle, ce sont les historiens de l'Art qui
donnent son sens actuel à la notion de « classicisme »
pour définir ce courant qui s'est développé à partir de
la fin du cinquecento dans les arts plastiques,
l'architecture, la littérature et la philosophie, et pour
l’opposer au « baroque ».
En fait, l’art classique du XVIIe siècle se place dans la
continuité de l’art de la Renaissance. Ses maîtres
mots sont toujours la recherche de l’harmonie
mathématique, du style antique, de l’observation de la
nature, de l’art de la perspective, du modelé et de
l'anatomie. Néanmoins, en réaction au baroque, autre
style issu de la Renaissance, les artistes mettent au
premier plan de leur idéal de beauté, l’ordre et la
symétrie.
Développée en France sous les ministères de
Richelieu (1624-1642) et de Mazarin (1642-1661),
l’esthétique classique atteint son apogée sous le règne
de Louis XIV dont elle servira l’image de puissance et
d’autorité

La peinture classique

Elle développe des sujets nobles – à la gloire de
l'action humaine, issus de la mythologie grecque,
de la Bible ou de la poésie bucolique latine. Ces
sujets qui exaltent les sentiments (Jugement de
Salomon, Mas-sacre des Innocents par exemple)
font appel à une figuration dominée par une
gestuelle savamment organisée, par l'expressivité
des visages et par la mise en place de paysages
historiques composés avec rigueur. Ponctué de
constructions ou de ruines antiques, organisé
selon les règles de la perspective, le paysage sert
de décor aux scènes pastorales, aux thèmes
historiques ou mythologiques et exprime la force
immuable de la nature face à la fragilité des
destinées humaines, illustrée notamment par les
peintures de « vanités ».

Le réalisme

2010-12-16T13:48:00.000-08:00

Le réalisme est un mouvement artistique du xix^e siècle qui se déroule environ de 1830 à 1870. Il fait la transition entre le romantisme et l'impressionnisme. Il étudie la réalité dans son authenticité.
La révolution de Juillet contre la Seconde Restauration a des répercussions dans le domaine artistique : les conventions néoclassiquesalors en vigueur sont rejetées et le réalisme s'affirme. Là où le néoclassicisme se référait à la pensée antique d'un idéal parfait, équilibré, mesuré, le réalisme veut montrer ce qu'il représente de manière objective. On peut rapprocher cette pensée des avancées techniques qui avaient alors lieu lors de la Révolution industrielle. Appliquant une méthode dérivée de la méthode scientifique, l'artiste s'attache alors à représenter ce qu'il voit et non plus des sujets académiques. Les paysans ou les gens du peuple deviennent des sujets de tableaux.

Il y a trois peintres fondamentaux : Jean-Baptiste Corot, Gustave Courbet et Jean-François Millet, dont Champfleury défendra l'esthétique.

Jean-Baptiste Corot, né en 1796, fils de commerçant que rien ne prédestinait à la peinture, il fut inspiré par Nicolas Poussin et cherchera constamment son inspiration dans la nature, non pas la nature consolatrice du romantisme, car la sentimentalité laisse les réalistes indifférents, mais dans la nature telle qu'elle est.
Gustave Courbet, né en 1819 à Ornans. On lui reprochait à l'époque de peindre comme un paysan « Courbet peint comme un paysan laboure », disaient les critiques de l'époque. Courbet adhère aux idées de Proudhon et participe à la Commune de Paris après l'écrasement de laquelle il est contraint de s'exiler en Suisse. Courbet est un des artistes les plus représentatifs du réalisme.
Jean-François Millet, né en 1814, fils de fermier, part à Cherbourg à l'âge de 18 ans pour apprendre la peinture. En 1837 il rentre aux Beaux-arts. Ne gagnant pas le prix de Rome, il quitte l'école et s'installe à Barbizon jusqu'à sa mort. Millet est le peintre de la vie paysanne.

Impressionnisme

2010-12-16T12:55:00.000-08:00

L'impressionnisme est un mouvement pictural français né de l'association de quelques artistes de la seconde moitié du xix^e siècle. Fortement critiqué à ses débuts, ce mouvement se manifesta notamment de 1874 à 1886 par huit expositions publiques à Paris, et marqua la rupture de l'art moderne avec l'académisme. L'impressionnisme est notamment caractérisé par une tendance à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes, plutôt que l'aspect stable et conceptuel des choses, et à les reporter directement sur la toile. L'impressionnisme eut une grande influence sur l'art de cette époque, la peinture bien sûr, mais aussi la littérature et la musique

Impression, soleil levant de Claude Monet qui a donné son nom à l'impressionnisme

Peinture expressionniste

2010-12-16T12:43:00.000-08:00

L'expressionnisme est un mouvement artistique apparu au début du xx^e siècle, en Europe du Nord, particulièrement en Allemagne. L'expressionnisme a touché de multiples domaines artistiques : la peinture, l'architecture, la littérature, le théâtre, le cinéma, la musique,la danse, etc. Survivant jusqu'à l'avènement du régime nazi, l'expressionnisme est condamné par celui-ci qui le considère comme « dégénéré ».

Franz Marc : Die großen blauen Pferde(1911)

Description

L'expressionnisme est la projection d'une subjectivité qui tend à déformer la réalité pour inspirer au spectateur une réaction émotionnelle. Les représentations sont souvent fondées sur des visions angoissantes, déformant et stylisant la réalité pour atteindre la plus grande intensité expressive. Celles-ci sont le reflet de la vision pessimiste que les expressionnistes ont de leur époque, hantée par la menace de la Première Guerre mondiale. Les œuvres expressionnistes mettent souvent en scène des symboles, influencées par la psychanalyse naissante et les recherches du symbolisme.

Au début du xx^e siècle, ce mouvement profondément ancré dans l'Europe du Nord (en particulier l'Allemagne) est une réaction à l'impressionnisme français. Alors que l'impressionnisme est encore à décrire la réalité physique, l'expressionnisme allemand lui ne s'attache plus à cette réalité et la soumet aux états d'âme de l'artiste.

L'expressionnisme rompt aussi avec l'impressionnisme à travers une forme très agressive : des couleurs violentes, des lignes acérées. Il s'inscrit alors dans la continuité du fauvisme qui commence à s'épuiser et dont les principaux représentants s'éloignent plus ou moins brutalement : Matisse, Marquet, Van Dongen, Braque, Derain, Friesz et Vlaminck. Pour autant l'expressionnisme n'est pas vraiment un mouvement ou une école mais davantage une réaction contre l'académisme et la société. Les artistes expressionnistes resteront souvent isolés.

Le Cri du peintre Edvard Munch est l'un des plus représentatifs et célèbres tableaux expressionnistes.

Peinture pointilliste

2010-12-16T12:08:00.000-08:00

Le néo-impressionnisme, ou divisionnisme, ou encore pointillisme, désigne un grand courant pictural.

C'est Georges SEURAT, mort à 32 ans, qui est, malgré sa courte carrière, à l'initiative de cette technique qui consiste à poser côte à côte, sur la toile et sans les mélanger, des pigments de couleurs purs, en petites touches.

Cette juxtaposition de couleurs différentes produit à distance la vision uniforme d'une seule couleur, sur le principe du mélange optique.


G.SEURAT	G.SEURAT

H-E.CROSS P.SIGNAC


P.SIGNAC	H-E.CROSS

Sur les traces de Georges SEURAT, Paul SIGNAC, Camille PISSARO et Henri-Edmond CROSS, j'ai découvert Eugène BEGARAT et surtout HAUREL qui poursuivent encore aujourd'hui cette recherche de la lumière et de ses variations au travers de leurs petites touches de peinture.

Eugène BEGARAT

HAUREL nous donne une vue colorée et raffinée de la nature, chaque motif se pare d'une lumière étrange, d'une beauté presque irréelle, qui génère pourtant une impression de calme et de sérénité.

Peinture au couteau, étape par étape

2010-12-16T11:30:00.000-08:00

(les photographies ci-dessous sont issues du site les arts pigmentés.Nous les reproduisons avec l'aimable autorisation de leur auteur).

Etape 1

Pour le côté pratique, surtout pour la peinture en extérieur, je pose le contenu de mes tubes sur des assiettes en plastique. Selon le rendu final que je souhaite, j’y rajoute des médiums, comme l’huile de carthame. Ils me permettent d'avoir de la texture et un empâtement assez épais pour un rendu brillant.

Je commence par peindre le contour de la poterie et la remplis au fur et à mesure. J'y apporte le volume par les couleurs que j'y appose et superpose. Je reste aussi attentive à la direction de la lumière: dans cette exemple, elle vient de gauche.

J'emplis mon couteau et ma spatule de matière que j'étends sur la toile. Pour la technique de la peinture au couteau c'est à chacun de trouver sa propre écriture: seul l'entraînement permet sa bonne maîtrise.

La première étape consiste à déterminer le sujet à traiter. Il peut s'agir d'un paysage, d'une scène de genre, d'une nature morte. Dans cet exemple, il s'agit d'un bouquet de fleurs. Je choisis ensuite le format de la toile en fonction du thème à traiter ; c'est un élément très important.

Sur cette photo, je suis en train de constituer une première ébauche, sans aucune précision ni détail, sur une toile préalablement peinte à l'acrylique pour préparer le support de la toile. Dans cet exemple, il s'agit en effet d'une toile à l'huile.

Etape 2

Si le support n'est pas bien préparé, l'huile n'accrochera pas dans le temps et risque de s'écailler.
En ce qui me concerne, j'utilise toujours un enduit de couleur très fonçé pour obtenir un rendu lumineux.

Etape 3

Je reste toujours attentive à l'ombre et à la lumière. Plus l'on démarre foncé, plus le résultat final sera lumineux.

Etape 4
La poterie est pratiquement finie, mais ensuite, j'y reviens pour les finitions et y poser des jais de lumière pour avoir de beaux reflets.

Etape 5
J'entame le fond de toile.

Etape 6
Attaquons l'arrière plan, tout aussi important que le sujet principal, car c'est lui qui mettra en valeur la poterie.
Il faut ici bien définir ses couleurs et garder en vue l'ombre et lumière...

Etape 7

Lorsque le fond de toile commence à rendre l'atmosphère souhaitée, cela nous donne une indication pour la construction du bouquet et du choix des couleurs, définies dans l'instantanéité et la spontanéité.
Pour moi, c'est la cerise sur le gâteau, une partie de la finition.

Je débute une mise en forme et une ébauche de la forme des fleurs, tiges et feuilles...
En gardant pour idée: mouvement, et la course folle commence, car le trait se fait de plus en plus rapide, concis, et le geste imprécis, pas de réflexion, et on se laisse aller pour un rendu malgré tout équilibré et vivifiant.

Etape 8

Je travaille sur le socle du bouquet, en y laissant de la place pour les feuilles et fleurs tombées.
Cette partie reste pour la fin pour éviter de se salir les coudes.

Etape 9

Résultat final: laissez sécher au moins une semaine avant de revenir dessus.

Réaliser un glacis acrylique

2010-12-15T12:54:00.000-08:00

Niveau de difficulté :

Moyen.

Outils nécessaires :

Des pinceaux et brosses.
Un bac à peinture avec grille d'essorage.
Votre glacis.

Faire un glacis consiste à appliquer une peinture extrêmement diluée en plusieurs fois afin de travailler la transparence des couches. L'intérêt est que la première couche reste visible sous la seconde, ce qui permet donc de réaliser de nombreux effets et nombreuses nuances de couleurs.

Le ton sur ton et le camaïeu.
On peut les appliquer avec de nombreux ustensiles : une éponge, un chiffon, un spalter, une brosse… N'oubliez pas qu'il s'agit d'une technique de finition et que le support sur lequel sera appliqué le glacis est aussi important dans la réussite de la décoration.

Dans les différentes étapes que nous allons décrire, nous expliquerons comment appliquer un glacis acrylique, car il est le plus simple à mettre en œuvre et aussi le moins polluant. Sachez qu'il existe d'autres glacis comme les glacis à l'huile ou les glacis à la cire.

Etape 1 : protéger les surfaces qui ne doivent pas être peintes.

La pièce de travail doit être complètement vidée de tous les meubles. Si ce n'est pas possible, protégez vos meubles avec une bâche pour éviter toute projection sur leur surface.
L'application d'un glacis demande une certaine rapidité d'exécution, il faut donc que rien ne vous gène dans votre progression.

Les angles formés entre le sol et les murs doivent être eux aussi protégés par une bâche, du polyane, des journaux ou encore des cartons. Le principal étant de prévenir toute possible tache sur votre sol et vos plinthes.

Les parties du plafond qui forment les angles avec les murs doivent être eux aussi protégés, tout comme les encadrements de portes et de fenêtres. Pour cela, appliquez un ruban de masquage sur les emplacements longeant les murs qui seront mis en peinture.

Etape 2 : sur quels supports appliquer votre glacis.

Le glacis étant le résultat d'une peinture fortement diluée dans un solvant, il est nécessaire que le support soit suffisamment poreux pour que le glacis accroche.

Si votre glacis est à base de peinture acrylique diluée dans de l'eau, vous pouvez l'appliquer directement sur un mur déjà peint, à condition :

- Que la peinture du mur soit claire : blanche ou pastel.
- D'avoir bien lessivé votre mur afin que celui-ci soit parfaitement propre.
- Que la finition de la peinture existante soit mate, voire satinée. Si vous jugez que la peinture n'est pas assez poreuse pour une bonne accroche du glacis, poncez sa surface à l'aide d'un papier abrasif très fin (grain 200).

Vous pouvez aussi poser votre glacis directement sur un enduit de lissage, qui permettra une adhérence parfaite mais nécessitera plusieurs couches. Pour réaliser facilement des nuances de couleurs, vous pouvez colorer votre enduit avant son application.

Etape 3 : faire votre glacis.

Il existe des glacis préparés disponibles dans le commerce, néanmoins, vous pouvez facilement préparer le vôtre. Pour cela, diluez un volume de peinture acrylique de la couleur de votre choix dans trois volumes d'eau. Selon le degré d'opacité et de translucidité que vous souhaitez obtenir, augmentez le volume de d'eau.

Mélangez à l'aide d'une tige en plastique jusqu'à obtenir un liquide homogène et légèrement crémeux.

Il est aussi possible d'utiliser une peinture blanche et d'ajouter des pigments ou des colorants afin d'obtenir la teinte précise que vous voulez. Trop teinter votre glacis risque d'annihiler l'effet de volume produit généralement par cette technique décorative.

Etape 4 : appliquer le glacis par balayage.

Il existe de nombreuses techniques d'application d'un glacis. Leur utilisation dépendra du rendu souhaité pour le mur mais aussi de votre habileté et de votre expérience. Car n'oubliez pas que l'application d'un glacis doit être rapide, sinon vous risquez de rompre l'uniformité de la finition.

La technique la plus facile et la plus courante est celle du balayage. Elle peut être à la fois la couche définitive (aspect final du mur) ou la couche préparatrice à une autre technique d'application, comme l'éponge ou le chiffon roulé.

Pour réaliser un effet de balayage, commencez dans un angle en haut du mur et descendez progressivement en balayant le mur avec un spalter ou une brosse à poils longs. Le balayage ne doit pas être obligatoirement horizontal, vous pouvez légèrement incliner les va-et-vient. L'important est d'avoir une tenue du pinceau souple et une pression régulière. N'hésitez pas non plus à faire des mouvements circulaires.

Vous devez avancer rapidement afin de ne jamais laisser sécher le glacis. Si vous repassez une couche humide sur une couche quasi sèche, vous risquez d'obtenir une différence de teinte sur la zone recouverte.

Choix de couleurs

2010-12-15T12:47:00.000-08:00

Il existe beaucoup de tubes de peinture disponibles dans le commerce. Quelles sont les couleurs dont nous avons besoin ? Ne pouvons nous pas les fabriquer ? Quel blanc, quel noir acheter ? Cette page tente de répondre à ces interrogations.

Nous essayerons aussi d'indiquer quelles sont les couleurs les plus utilisées...

La théorie des couleurs nous dit que seules les trois couleurs primaires suffisent à produire toutes les nuances visibles. Alors pourquoi trouve t'on 120 couleurs dans la gamme Rembrandt de Talens? Et 132 dans la gamme Lefranc ? Serait-ce parce qu'il est plus facile d'employer un tube tout fait ? En fait la situation est plus complexe, mais il est sûr que nous n'avons pas besoin de toutes ces teintes. Vous pouvez aussi aller voir la gamme Pébéo.

Soyons bien clairs. Nous sommes indépendants des marques que nous citons. Il nous semble cependant utile de vous aider à identifier les couleurs primaires chez les fabricants. Si un fabricant se sentait lésé, qu'il nous envoie des informations, ou mieux ses tubes ;-), nous en parlerons volontiers.

Les couleurs primaires

Le bleu cyan. C'est un bleu plutôt "ciel".

Bleu de ceruleum 534 gamme Rembrandt.
Bleu de ceruleum chez Windsor et Newton

Le jaune citron.

Jaune citron permanent 254 gamme Rembrandt.

Le magenta. En fait le rouge primaire est un rose. On peut aussi employer de la garance comme rouge primaire.

Rose de Quinacridone 366 gamme Rembrandt.

A partir des primaires, on peut tout obtenir selon les règles de la synthèse des couleurs.

Le noir

Le noir est à employer avec parcimonie, mais il est indispensable que ce soit pur ou en mélange. On préférera le noir d'ivoire plus stable et plus riche, en petit tube, bien entendu.

noir d'ivoire
- noir d'ivoire 701 gamme Rembrandt
noir de mars

Le blanc

Le blanc de titane est le plus stable.

Blanc de Titane
Blanc de zinc

A la rigueur on pourra employer le blanc d'argent mais il noircit. Le blanc de plomb, toxique ne se trouve plus.

Blanc d'argent
blanc de plomb

Opaque ou transparent ?

En règle général préférez les couleurs transparentes. Elles ont un pouvoir colorant bien plus important. Elles permettent de réaliser des glacis. Et si on peut opacifier les couleurs transparentes par mélange, on ne peut jamais rendre transparente une couleur opaque.

N'hésitez pas à ouvrir un tube pour en connaître la couleur et la transparence avant de l'acheter

Récapitulons

jaune citron

magenta

bleu cyan

jaune d'or

rouge vermillon

bleu outremer

noir d'ivoire

blanc de titane

terre de Sienne

ocre rouge

vert émeraude

ocre jaune

bleu azural

Voilà 13 couleurs, qui suffisent souvent pour peindre à l'huile.
Et donc 100 tubes que nous n'avons pas réellement besoin d'acheter.

Compléter les couleurs primaires
On ajoutera un autre jaune au jaune primaire, par exemple unjaune d'or, (jaune que l'on qualifierait volontier de "orange") qui permet de réchauffer les tons. Un rouge vermillonné, ou une garance compléteront utilement le rouge primaire. Enfin, un bleu outremer, ou un bleu de prusse. Le bleu azural est aussi très beau. Le vert émeraude est une magnifique couleur, difficilement contournable.
Avec ces compléments on peut réussir des toiles aux couleurs infinies. On pourra aussi utilement se munir d'une terre de Sienne, et d'un ocre rouge.

Etude, Fine ou Extra fine ?
La différence entre les gammes en terme de prix et de qualité mérite que l'on si attarde un peu. Est-ce qu'on peut se contenter de couleurs étude ? La différence tient essentiellement à la finesse du broyage et à la densité de pigments, ainsi qu'à la transparence des couleurs. Le choix est fonction de ce que l'on veut réaliser, pas du niveau que l'on a atteint.
Plus une couleur est broyée finement et est transparente, meilleure est sa qualité. Elle est alors principalement utile pour les glacis où les travaux à l'ancienne. Par contre la siccativité de ces couleurs est souvent mauvaise, et il faut souvent incorporer un peu de siccatif dans le médium.
Si l'on veut faire de grandes surfaces sans transparences, avec des empatements ou des matières généreuses, il ne faut alors pas hésiter à investir dans des pots de 1/2 litre de peinture économique. On prendra des gros tubes économiques de 200 ml d'huile fine pour les couleurs primaires et les plus utilisées et quelques tubes d'extra fines en complément pour les glacis. On peut sans souci mélanger différents types de peinture, fine ou extra-fine.

Supports pour peindre à l'huile

2010-12-11T15:25:00.000-08:00

On peut peindre à l'huile sur la plupart des supports. Il en est de plus ou moins coûteux. Des lisses. Des rugueux. Des supports qui résistent au temps,d'autres plus éphémères. Voilà une liste non exhaustive et quelques conseils ou impressions. Il n'en est sûrement pas d'absolument meilleur que les autres. Tous ces supports sont différents, mais se limiter à la toile n'est pas obligatoire. Le support constitue l'ossature du tableau, et varier d'ossature permet de changer parfois de style, de découvrir de nouveaux espaces.

La toile tendue sur châssis

C'est le support le plus utilisé. En réalité pas parce que c'est le meilleur, mais sa légèreté, sa souplesse d'utilisation et d'accrochage l'on rendu incontournable. A l'origine, la peinture était réalisée sur murs, plafonds ou panneaux de bois. Puis vers le 16 ème siècle la toile prend le relai, car les surfaces peintes sont telles que les panneaux sont inutilisables. Il existe de nombreuses références de toile, différentes enductions. On peut lestendre soit même ou les acheter tendues.

La toile de lin, la plus utilisée, est disponible en plusieurs grains, fonction de la taille de la fibre. Plus la surface de la toile est grande, plus la toile doit être forte et tendue. On priviligiérera des châssis à clé pour les grandes surfaces. Le coton est plus économique, possède souvent un grain fin. On le réservera à de petits formats. Enfin, la toile synthétique, est économiquement idéale, mais comment savoir si elle résistera au temps ? C'est aussi la moins écologique.

Tension de la toile avec une pince à tendre.

La peinture sur verre

La peinture à l'huile tient très bien sur le verre, il est donc possible de peindre sur verre. Cela permet des effets très intéressants en superposant plusieurs couches, voir plusieurs vitres. Attention, on aura intérêt à peindre par derrière, de manière à laisser le verre entre le spectateur et l'oeuvre. Ca revient à peindre dans une logique inversée, en posant les objets les plus proches avant le fond.

La peinture et son support

La peinture au bout de quelques temps constitue une croûte rigide sur son support. C'est celui-ci qui la maintient, et il peut changer en fonction de l'hygrométrie, de la température, des événements qui surviennent au tableau. Xavier de Langlais insiste sur la supériorité du support rigide :

"L'admirable conservation de la pluspart des oeuvres de la période médiévale, toutes peintes sur panneaux, doit suffire à nous convaincre de la supériorité des supports rigides"

Néanmoins, il ne faut pas en refuser de peindre sur support souple. Est-ce la conservation séculaire de nos peintures qui nous importe ? Entre la peinture et le support, on place une couche de préparation, l'encollage, qui permet à la peinture de bien se fixer au support. Il existe de nombreuses recettes d'encolage, et leur usage dépend de ce que l'on veut obtenir. En règle général un encollage composé de deux couches acryliques est adapté à la peinture sur presque tous les supports.

La peinture sur bois

La peinture sur bois comporte quelques avantages à la peinture sur toile. On peut espérer une meilleur conservation de la peinture ainsi réalisée. On peut aussi utiliser le bois comme fond, et se servir de sa matière. Certains panneaux sont peu chers. On évitera les bois résineux.

Par contre, le transport des panneaux de bois est souvent mal aisé, en raison du poids élevé qu'ils représentent.

Le MDF (Medium density fiber)

Ce bois présente l'avantage d'être économique et particulièrement lisse. Il permet de réaliser des oeuvres en employant des techniques anciennes, à base de glacis. Par contre, sans encollage il absorbe beaucoup et risque donc de provoquer des phénomè-nes de pulvérisation de la couleur. On pourra donc passer une couche de caparol dilué ou de gesso avant de peindre. Ne gondole pas.

Le contre-plaqué

Acheter du contreplaqué de bonne qualité et de forte section. Le contreplaqué à une facheuse tendance à gondoler, et ses fibres sont parfois génantes. On trouve aussi des chassis avec contreplaqué.

L'Isorel

On peindra sur la face texturée de l'isorel pour obtenir un grain prononcé, ou sur la face lisse pour un aspect très lisse. Boit beaucoup la peinture, et peut être enduit. Gondole fréquemment. Intéressant surtout par la texture qu'il propose sur son coté rugueux. On obtient un effet similaire avec de la toile de jute marouflée.

L'aggloméré

Ce support est utlisable sans difficulté, à part son poids souvent très élevé. Il ne gondole pas et se prête bien à la peinture, quoique très absorbant.

Produits et recettes pour la peinture à l'huile

2010-12-11T15:04:00.000-08:00

Cette page présente les différents produits que l'on peut utiliser et des recettes de fabrication pour la peinture à l'huile. Les produits principaux sont marqués d'une croix verte. Les produits inutiles ou nocifs d'une croix rouge. Les autres, c'est selon votre envie...

Produits à peindre
Huile de lin
L'huile de lin est importante dans la peinture à l'huile puisque c'est elle qui a donné son nom au procédé. C'est elle qui assure la fixation du pigment sur le support. Elle est souvent utilisée sous une forme plus siccative, la "stand oil" dans les mélanges. Le lin est cultivé du proche orient jusqu'en Hollande. L'huile de lin doit avoir une belle coloration jaune ombrée. La siccativité de l'huile est accrue soit par cuisson, soit en ajoutant des oxydes métalliques. L'huile jaunit au séchage si elle n'est pas exposée à la lumière.

Huile œillette
L'huile d'œillette est tirée du pavot. Elle est moins colorée que l'huile de lin mais sèche moins bien. Elle est souvent employée dans les tubes de couleurs claires, et son avantage de limitation du jaunissement est tempéré par sa plus grande fragilité et les difficultés de séchage qu'elle engendre.

Médium
Le médium est le produit qui permet de diluer la peinture en cours de travail. C'est essentiellement un mélange d'huile de lin et d'essence de térébenthine. Il existe de nombreux médiums dans le commerce au point qu'il est difficile de s'y retrouver. Le plus courant, le plus économique et très efficace consistant à employer un mélange en part égales d'huile de lin et d'essence de térébenthine.

Siccatif de Courtrai

Siccatif marron foncé. A utiliser en toutes petites quantités. Accélère le séchage. On ne sait s'il améliore ou nuit à la conservation de l'oeuvre. On s'en passe très bien sauf si on se lance dans la fabrication de médiums complexes, ou que la peinture que l'on utilise est très peu siccative, ou que l'on est pressés ! C'est le plus puissant des siccatifs. Contient à la fois de l'oxyde de plomb et de manganèse.

A employer avec modération (2 à 3 gouttes par noix de couleur) par mélange avec les couleurs réputées les moins siccatives (outremer, noir d'ivoire, vert émeraude)

Gel d'empâtement

Permet de réaliser des peintures très épaisses. Peut être vaut-il mieux faire un enduit non lisse, maroufler de la toile de jute en sous-couche qu'utiliser ces produits dont l'espérance de vie et le prix délirant sont décourageants.

Essence de térébenthine

L'essence de térébenthine est le produit qui permet de diluer la peinture à l'huile tout en lui conférant une certaine résistance. Elle est tirée du mélèze. Il en existe différentes gammes en fonction de leur raffinage et du prix qu'on est prêt à mettre dans leur achat. En préférer de la fraîche et bien résineuse.

White Spirit

Le réserver au nettoyage des pinceaux. Point éclair 38°. Éviter de peindre avec car il appauvrit terriblement la peinture. Le préférer désodorisé. Se trouve en bidons de 5 litres plus économiques. Éviter, comme pour tous les produits cités de cette page, de jeter les résidus à l'égout et les garder dans des bidons, que vous pouvez sûrement donner à la déchetterie près de chez-vous.

Essence de pétrole

S' évapore complètement, et ne laisse aucun résidu dans la peinture. Elle est heureusement inodore. Elle dégraisse terriblement la couleur, et doit donc être utilisée avec parcimonie. Permet de réaliser des jus séchant très rapidement, par exemple pour le dessin sous jaccent.

Enduction / Préparation

Gesso

Produit acrylique blanc idéal comme sous couche moderne. Le principal inconvénient est son prix élevé. Pour enduction de toiles et de papiers. Diluer la première couche à 10%. C'est la forme moderne d'un enduit à la colle et au plâtre employé par les anciens.
Pour en savoir plus sur le gesso "canal historique" le blog de Villanov'art

Caparol ou médium MB 90

Comme le gesso c'est un produit acrylique, mais translucide. Peut donc servir de médium à peindre à l'acrylique. Le MB 90 est économique mais vire au rose si utilisé en dilution de peinture, ce qui empêche son utilisation comme médium.

En enduction on peut utiliser :
- 1 vol caparol
- 1 vol blanc de meudon
- 1 vol d'eau
- 1 vol blanc de lithhopone

Blanc de meudon

Utilisé dans les préparations traditionnelles à la colle de peau ou au caparol comme charge. Voir Caparol.

Colle de peau de lapin

Enduction traditionnelle, rarement utilisée par les amateurs. Son intérêt est d'être traditionnel, donc avec un comportement connu dans le temps. Son utilisation est peu facile car elle doit être passée à chaud.

Recette classique d'encollage :
- 10 gr de colle de peau
- 100 gr d'eau

Recette classique d'enduction :
- 10 gr colle de peau en plaquettes
- 100 gr d'eau
- 40 gr de blanc Espagne (ou 30gr + 10 de blanc de lithopone)

On appelle aussi la colle de peau de lapin la colle "Totin".

Colle d'os

Plus cassante que la colle de peau, c'est une colle obtenue à partir d'os qui s'emploie comme celle de peau.

Vernis

Les vernis ont pour fonction de protéger la peinture des agressions extérieures essentiellement de la poussière. Un bon vernis doit pouvoir facilement être enlevé, sans dommage pour la peinture, afin de nettoyer l'oeuvre. C'est ce que font les restaurateurs couramment lorsqu'ils nettoient une oeuvre.

Vernis Damar

A base de résine de Damar, ce vernis est à la fois bon pour protéger sa peinture mais il peut aussi être incorporé au médium pour donner un effet laque à la peinture.

Vernis à retoucher

Pour retoucher les toiles à l'huile en évitant les embus. Non indispensable.

Vernis acrylique

Pour protéger la peinture. Appliquer après un an de séchage, minimum. Se passe au pinceau. La pulvérisation à la pipette est dangereuse pour les poumons, et peu aisée.

Siccatifs

Les siccatifs ont pour fonction d'accélérer le séchage de l'huile contenue dans la peinture. Ils sont à employer généralement dans les recettes de médium. A haute dose, ils altèrent la peinture, et peuvent donner des phénomènes de craquelure.
Les primitifs avaient pris l'habitude de rendre leur huile plus siccative en lui ajoutant des sels de plomb ou de zinc. Ces sels ont une fonction de catalyseur dans la réaction chimique d'oxydation de l'huile. Les recettes du commerce sont plutôt secrêtes et ne pas employer plus de 2% dans un médium.

Cobalt

Peut s'employer à petite dose afin de rendre les couleurs rapidement sèches. N'altère pas les couleurs, et s'emploie à toute petite dose.

Flamand

Contient de la gomme copal. Coloré, il vaut mieux éviter son emploi dans les clairs. De tout manière les tons clairs des peintures à l'huile modernes sèchent déjà vite.

Résines

Les résines ont pour fonction de coller elles donnent un aspect dur et brillant à la peinture. En règle général elles sont issues de la sève d'arbres résineux et sont employées soit dans les médiums, soit dans les vernis. Elle sont solubles dans l'alcool, dans l'essence... et c'est cette solubilité qui confère aux vernis leur reversibilité. Une fois le solvant évaporé, on obtient une fine couche de résine plus ou moins brillante, à la dureté variable.

La Gomme Laque

S'emploie essentiellement pour faire du fixatif pas dissolution dans l'alcool pour les dessins, ne pas utiliser pour les vernis en peinture à l'huile.

Le Copal

Résine très difficilement soluble (60% reste non dilué dans la thérebenthine chaude !), extrémement dure et colorée. Son emploi est difficile. Présente dans certains siccatifs et vernis, évitez d'acheter sauf a avoir envie de vous lancer dans la chimie.

La Damar

Pour peindre l'hiver 8-). Soluble dans l'essence de thérébenthine, permet de réaliser du vernis presques incolore, des médiums soit même assez facilement.

La résine alkyde

Certains mediums contiennent cette résine afin d'accélérer le séchage de la couleur. C'est le cas du Liquin. s'emploie à l'huile comme avec les peintures alkydes.

La technique : L'action de peindre

2010-12-11T14:34:00.000-08:00

L'action de peindre se fait debout, le bras tendu en tenant le pinceau par le bout du manche de façon à avoir du recul. On peint sur tout le tableau à la fois afin d'avoir une bonne vue d'ensemble. On commencera avec des gros pinceaux, par couvrir rapidement toute la toile, grossièrement sans chercher à obtenir un résultat final dès le départ, avec une peinture peu épaisse, et diluée au médium. On peindra plutôt en jus, a moins qu'on ne cherche à réaliser une toile très empatée. L'intérêt de cette approche c'est qu'elle met en valeur au mieux la couleur, car les lumières qui sont faites par transparence sont toujours très belles, vives et chatoyantes. Le blanc à utiliser est le blanc de la toile. Le blanc du tube ne sert qu'à ternir les couleurs ou peindre des gris, ne l'employez pas dès le départ.

La peinture à l'huile ne se travaille pas différement des autres peintures, simplement elle offre une possibilité de travail dans la durée. Comme elle met longtemps à sécher, on peut procéder à la réalisation de modelés délicats ce qu'on ne peut pas faire simplement avec de l'acrylique. L'huile possède un fort pouvoir couvrant et on peut la diluer pour travailler en transparence. On peut aussi travailler en pâte, ce qui se fait souvent en fin de travail, lors de la réalisation des derniers effets. On doit peindre gras sur maigre. Cela signifie que l'on doit peindre avec une peinture de plus en plus riche en gras, donc en huile.

On réalisera les sous-couches plutôt en camaïeu, ébauche rapide mais complète de l'oeuvre. Les valeurs doivent être appliquées correctement. Ne pas hésiter à passer et déborder sur le dessin préalable sous peine d'avoir des limites ratées, des halos. Les mélanges se font de deux manières. Sur la palette, puis sur la toile. Sur la palette on fait un premier mélange rapide. Et sur la toile on mélange avec ce qui est déjà posé. On peut aussi superposer et faire un mélange optique par transparence ou par granulation (mélange optique). Il faut couvrir toute la toile, avant de chercher à la critiquer réellement car les couleurs et les valeurs n'existent que relativement à autre chose.

Puis enrichir la palette et la pâte en travaillant toujours partout à la fois. Bien veiller aux limites et aux contacts. Reculer souvent pour juger votre travail. Soyez votre premier spectateur. La toile doit être cohérente à tout moment ou presque. On affinera donc le travail petit à petit, partout à la fois mais on doit pouvoir s'arréter en cours de travail dans un état complet ou il est difficile de dire que la toile n'est pas achevée.

La technique : dessin et palette

2010-12-11T14:32:00.000-08:00

On peut avant d'attaquer la peinture à proprement parler réaliser un dessin préalable sur la toile. Nous ne saurions trop vous conseiller aussi de réaliser des esquisses afin de déterminer la composition et palette à utiliser. Les techniques que l'on peut employer sont décrites ci dessous. Si vous avez un dessin à reproduire, il y a plusieurs possibilités.

Dessin au fusain
C'est le plus classique. On effectue le dessin au fusain légérement et on efface au chiffon (en tapant plus qu'en frottant) ou on fixe avant de peindre. Effacer au chiffon est mieux, car le fusain à tendance à se mélanger à la peinture et à la griser.

Dessin au crayon
On peut dessiner au crayon mais il risque de transparaître, et sa finesse en fait finalement un matériel peu utilisé pour dessiner avant de peindre.

Dessin à l'huile
Avec une couleur neutre et très diluée en jus, et un pinceau fin. Le principal avantage est qu'on a rien à effectuer après, ni a effacer. Il est parfois plus difficile de dessiner au pinceau car on ne peut pas réellement effacer; sauf au chiffon. C'est la technique qui semble encore la plus simple.

Lors de la constitution de la palette préférer n'employer que peu de peinture afin d'éviter de gâcher, mais sortez de la couleur de plusieurs tubes. 7 ou 8 tubes. Evitez de sortir du blanc et du noir au départ, car leur utilisation se fait, sauf certains sujets, plutôt en fin de travail. Le blanc constitue le plus grand des pièges car il ternit les couleurs.

Peinture à l'huile

2010-12-11T13:51:00.000-08:00

Vous êtes nombreux à vouloir vous lancer dans cet art, à la richesse incroyable. Les possibilités en sont immenses et quel plaisir ! Cette série de "cours" a pour but de permettre à tout à chacun de maximiser le plaisir et les résultats que l'on peut tirer d'une pratique telle que la peinture à l'huile. Nous ne croyons pas au cours qui explique ce qu'est le beau, ce qui est bien dessiné, ou bien peint. Nous ne croyons pas non plus au cours qui donnerait des recettes de cuisine du style : pour faire un chef d'oeuvre, prenez une toile 20F, du bleu de prusse et du jaune de Naple, une brosse en soie de porc N°10... Mais nous croyons qu'il est possible de transmettre une certaine technique, des conseils, et surtout des idées et des exemples. Alors, à vos pinceaux, et envoyez nous des photos de vos oeuvres !

Pas d'accord ? Pas compris un passage? écrivez-nous, et vive l'internet ! Contrairement au livre, le site web permet le dialogue. Comme un livre actualisé de façon permanente !

Le materiel

Pour peindre à l'huile il vous faut bien évidemment de la peinture, des pinceaux et un support pour tenir la peinture. Un chiffon pour essuyer, et du médium pour liquéfier la peinture. Du white-spirit et du savon pour nettoyer les pinceaux. Une palette pour faire les mélanges. Un chevalet, et un

sujet.

Mais aussi de la patience et de l'observation, car il n'est rien de plus riche, diversifié et passionnant que la peinture. Il y a une infinité de tableaux possibles et la peinture à l'huile est l'un des moyens les plus riches de parvenir à s'exprimer.

Sa principale caractéristique est son séchage lent, qui permet des modelés et des travaux étalés dans le temps.

La peinture s'achète en tubes ou en pots de contenance variable. Toutes vos huiles devraient être de la même marque afin de ne pas avoir de problème de miscibilité et de séchage. Voilà pour la théorie. En pratique, il arrive d'avoir 2, 3 marques et même si ce n'est pas idéal, souvent les promotions font que l'on oublie un peu la prudence.Et c'est très rare que cela pose problème.

Quelles couleurs acheter ? Théoriquement, on doit pouvoir tout peindre à partir des trois couleurs primaires, qui sont le bleu cyan, le magenta et le jaune. Il vous faut donc au moins ces trois couleurs. Faites attention, le "rouge primaire" est en fait un rose et pas un vermillon. Le jaune primaire est le jaune citron. Le bleu cyan est souvent du bleu de Ceruleum ou de Prusse. A ces

trois couleurs primaires, on adjoindra communément un noir (d'ivoire), un blanc (de titane), du bleu outremer ou azur, un rouge vermillonné, un jaune d'or (qu'on dirait orange). Et des terres : ocre rouge, terre de sienne, ocre jaune. Enfin, un vert émeraude complétera cette liste de couleurs. Achetez si vous pouvez de la peinture fine à extra fine, évitez les études, sauf si vous envisagez de travailler de grandes surfaces.

Pour les pinceaux, rien ne sert d'investir dans de la martre kolinski, ou du pinceau de luxe. Il vous faut des brosses et despinceaux. Comme son nom l'indique la brosse est faite de poils durs et sert à brosser. Peu importe sa forme, plate ou ronde. La brosse classique et économique, la plus courante, c'est la soie de porc. Pour les grandes tailles, n'hésitez pas à vous fournir dans les magasins de bricolage. La brosse permet de faire pénétrer la couleur dans la toile ou de déposer celle-ci par touches nerveuses. Le pinceau, plus doux, sera souvent synthétique ou en poil de martre pour les fortunés. (Synthétique : Sépia de Raphael par exemple). Si la brosse sert à peindre par touches, ou à faire pénétrer la peinture dans le support, le pinceau permet de ne pas déranger les sous-couches, d'effectuer des travaux plus transparents et diffus comme un glacis. Il vous faut un assortiment large de pinceaux et de brosses dans des tailles variées. Un ou deux petits pinceaux - des "trois poils" - suffisent pour les

détails. On les préférera de bonne qualité et nerveux. Pensez à vous munir aussi d'un pinceau éventail, d'un pinceau petit gris, d'un ou deux cotons tiges ça peut toujours servir... On peut peindre aussi à l'éponge.

Comme support, utilisez de la toile, des cartons toilés, des blocs de papier pour l'huile, ou du bois. La peinture à l'huile adhère pratiquement sur toutes les surfaces, y compris le verre, contrairement à la peinture acrylique. Le support préférentiel et traditionnel est le chassis entoilé, car il est lléger, et possède une certaine souplesse.

Ne serrez pas vos bouchons trop fortement, pour faciliter l'ouverture du tube plus tard. 1/4 de tour suffit.
Passez un tube récalcitrant sous l'eau chaude pour décoincer le bouchon.

Quel Chevalet choisir ?

2010-12-11T12:08:00.000-08:00

Le chevalet fait partie du matériel traditionnel de l’artiste peintre. qui peint sur toile tendue sur châssis .

Par contre il n’est pas indispensable d’acheter un chevalet pour la création de petits formats. On peut alors utiliser d’autres supports, qui peuvent aisément remplacer le chevalet, comme par exemple certains présentoirs pour étalages à placer sur une table..

Pour d’autres techniques comme le pastel ou l’aquarelle, où le support utilisé n’est pas une toile, mais une feuille de papier, le chevalet n’est pas nécessaire, mais peut-être utile dans le cas de plus grands formats qui seront alors fixés sur un panneau de bois et placés sur chevalet .
Il existe également un modèle de chevalet spécial pour aquarelle.

Il existe plusieurs types de chevalet.

Le chevalet dit d’atelier

Il est souvent conçu pour répondre à toutes les exigences de l’artiste travaillant en atelier.
Robuste ,stable et réglable au niveau de la hauteur et de l’inclinaison
Ce type de chevalet est construit en bois de hêtre naturel verni ou traité à

l’huile de lin, équipés de roulettes ou non suivant les modèles Il peut être équipé de tablettes ou tiroirs amovibles pour y déposer palette, coffrets de peintures, outils et autres accessoires.
Il peut également suivant certains modèles être équipé d’une rallonge amovible qui permet de poser des toiles allant jusqu’à 2m de hauteur.

Le chevalet de campagne

qui est destiné à l’artiste peintre qui désire créer à l’extérieur de son atelier, qui aime peindre en plein air, dans la nature ou dans la ville.
Ce type de chevalet est donc conçu pour être relativement léger tout en étant stable, et surtout pliable et peu encombrant , puisque devant être transporté sur place avec le matériel de peinture.
Le chevalet de campagne est en bois de hêtre huilé mais peut aussi être en

métal.
Il est réglable également au niveau de la hauteur et de l’inclinaison.
Le chevalet de campagne peut également avoir un rôle décoratif et servir à présenter un tableau dans un coin d'une pièce

Le chevalet de table

qui est utilisé pour des formats petits et moyens .Ils sont prévus pour se poser et être fixés sur une table.
Ils sont également en hêtre huilé ou en métal et sont réglables au niveau de l’inclinaison et le la hauteur.
Certains modèles sont équipés d’un coffret de rangement du matériel, intégré au chevalet .
Certains chevalets de table en métal sont légers, pliables et occupent peu de place une fois repliés.

Il existe aussi de minis- chevalets de table qui peuvent servir à exposer des toiles, photos , assiettes décoratives etc..

Comment choisir pinceaux et brosses ?

2010-12-11T11:48:00.000-08:00

Afin de savoir quel pinceau choisir, il faut d'abord comprendre à quoi sert chaque type selon sa forme et sa taille, la matière avec laquelle il est fait, etc. Une brosse peut être faite avec de lasoie naturelle ou avec une matière synthétique. Si elle est en soie de porc ou de sanglier, sa durée de vie est, pour ainsi dire, éternelle car elle est à la fois dure et résistante. Si elle est en martre, blaireau ou petit gris, elle possède une très bonne souplesse. Si elle est par contre synthétique, faite en sépia de couleur marron claire, elle est élastique faite avec de la sépia jaune, elle est très pratique. Une brosse synthétique est plus indiquée lorsqu'on utilise de la peinture acrylique car ce type de peinture détruit les fibres des brosses en soie. En revanche, les deux types de brosse supportent très bien les peintures à l'huile. On ne choisit pas la forme des pinceaux au hasard car leur largeur ainsi que la disposition de leur poil correspond à différents types de travaux.