Detente en cine, serie y documental

'El cuento de la criada', 1º temporada

2018-04-22T13:30:00.000+02:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

Hace un tiempo, no tanto, internet ni se atisbaba. Nuestra forma de relacionarnos con el entorno, de socializar, de intimar, en definitiva de vivir, era algo primigenio visto desde una perspectiva actual. Un cambio radical vivido por todo aquel nacido antes de los 90 del que ninguno fue plenamente consciente, simplemente sucedió, y nos adaptamos. ‘El cuento de la criada’ presenta un mundo a priori inverosímil, impensable, gobernado por una sociedad teocrática donde el fundamentalismo manda. Un escenario radical e incluso disparatado que, sin embargo, resulta creíble pues sabemos del ser humano que por muy jodida que este la cosa y grande sea el cambio, lo asume, sobrevive.

Y aún así, la ficción que se nos plantea esta tan constreñida que cuesta entrar en ella. No por falta de información - es absolutamente innecesario para con el propósito de la serie saber como se ha llegado a tales extremos -, si no por el trato que reciben aquellas personas que, representan, el único futuro posible. Cuesta creer que en un mundo infértil, donde un porcentaje muy ínfimo de la población es capaz de dar a luz nueva vida, la mujer sea esclavizada en lugar de endiosada.

Un inicio a nivel argumental que titubea con la verosimilitud hasta que progresivamente, a base de palos y tragar saliva, se va comprendiendo la intencionalidad que le subyace. Margaret Atwood - en cuya novela se basa el guión de lo que podemos ver en pantalla - ideó en 1985 este mundo distópico donde se flagelan todos los derechos de la mujer solo para subrayar que, aún así, jamás se dejarán dominar - el descubrimiento de las cartas es prueba de ello -.

Sin ese trato brutal donde la mujer es oprimida, violada y evaluada en base al valor de sus ovarios - entre otras cosas -, no hubiera sido posible arrojar a la cara del espectador ese mensaje feminista con tanta precisión y acierto como se realiza. Pues todo el dibujo de esa sociedad puritana hasta el extremo tiene un cariz tan ridículo que, cuando crees reconocer algunos comportamientos propios de nuestro tiempo, te hace saltar las alarmas y llamar a la conciencia.

Su profundidad a la hora de transmitir ciertas ideas no solo abarca el feminismo. Por ejemplo, lo irracional del fanatismo que cegado por un propósito puede llegar incluso a tirarse piedras contra su propio tejado. Esto es el personaje de la tía Lydia, cuyos actos cree bondadosos solo para atisbar hacia el final que posiblemente este maltratando aquello por lo que querría luchar. La imposibilidad del amor sin pasión e igualdad. Esto se ve en la relación matrimonial que llevan Serena Joy y Fred Waterford, a priori perfecta, en la realidad totalmente ausente de afecto. La falso de un ideal contranatura, esto es la rigidez de unos normas de convivencia impuestas por unos mandos que, a la menor oportunidad las contravienen yéndose de putas.

El que y el como se ha llegado a construir este mundo aberrante sobre el que se desarrolla la historia pasa en esta primera temporada a un segundo plano, y queda como un recurso a explotar quizás en futuras temporadas. Su “doctrina” se centra en el mensaje que lleva dentro y no en el envoltorio que lo rodea. Profunda, técnicamente impecable, reflexiva, con una Elisabeth Moss perfecta, ‘El cuento de la criada’ es también una serie de ritmo pausado que tiene momentazos de una intensidad tremenda. Producida por Hulu, emitida en España por HBO, muy recomendable.

Calificación:

'Tres anuncios en las afueras', comunicación

2018-02-11T12:11:00.001+01:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

Palabras, ya lo decía el mito de la torre de Babel cuando anunciaba que del entendimiento colectivo seriamos capaces de alcanzar lo que nos propusiéramos. Y míranos. Hoy, vivimos en la era de la sobredesinformación y el agravio gratuito, un tiempo donde los trolls ya son colosos que, con júbilo, retozan gustosamente poniendo en práctica su filosofía del “por mis cojones”. Una forma de entender cuyo principio inquebrantable es el de tratar de imponer una opinión sin escuchar la réplica.

‘Tres anuncios en las afueras’ se mueve en ese fango. Todo lo que sucede surge por la falta de comunicación nacida de unos personajes llenos de ira que, prefieren actuar basándose en su propia interpretación de la realidad a tratar de conocerla realmente. Ejemplos concretos los hay varios: Cuando el personaje de Frances McDormand quema la comisaría convencida de estar castigando a los culpables, cuando cree estar obligada a cenar con el enano (Peter Dinklage) por chantaje hasta que este la deja en evidencia expresándole lo contrario, también, cuando ese agente de policía turbio le da una paliza al publicitario creyendo estar homenajeando a un fallecido que, en su carta de despedida, le vendría a decir que hiciera justo lo contrario, que fuera un buen hombre, etc.

Superpuesto a esta capa - que es la verdaderamente jugosa - esta la historia de un asesinato tan bruto como para no desear ni verlo en pantalla y, sobre todo, el enfrentamiento entre una madre desesperada y un jefe de policía indiferente. Una lucha no exenta de humanidad entre dos personajes ambivalentes cuya resolución supone un alarde de personalidad y valentía por parte del director Martin McDonagh. Tenía la película hecha, el camino marcado y al público más o menos ubicado cuando, hacia mitad del filme, decide cargarse a uno de los dos protagonistas. En ese momento rompe con el esquema propuesto, otorga un mayor peso a un tercer personaje y cambia un poco el tono junto con el ritmo. Eso si, siempre orbitando en torno aquello sobre lo que quiere incidir, la falta de dialogo y sus consecuencias cuando ello va unido a la impulsividad y la rabia.

Visualmente luce de maravilla gracias a una precisa ambientación - ubicada en la América profunda donde proliferan los paletos y el virus de los bemoles es una epidemia -, y a una fotografía que luce especialmente al situar la cámara frente a ese paraje en torno a los tres anuncios que dan título al filme - la escena en la que salen ardiendo es brutal -. El guión - firmado también por Martin McDonagh - destaca por dar espacio y recorrido a todos y cada uno de los personajes. Incluso los más disonantes como el exmarido y su novia aportan al conjunto.

Frances McDormand no se deshace del mono de trabajo que lleva su personaje en ningún momento. Una segunda piel que ciñe todos sus esfuerzos a un tarea sin descanso. Un tejido que la hace ser firme, fuerte e implacable pero al que, en ocasiones, le fallan las costuras dejando aflorar esa humanidad tierna y razonable. Una madre que no busca la simpatía, solo la verdad y una interpretación oscarizable que consigue todos estos matices. Woody Harrelson es la cordura, tiene presencia, y Sam Rockwell es un in crescendo constante que termina por hacerse con la película.

‘Tres anuncios en las afueras’ esta muy bien dirigida, interpretada, guionizada y montada, es inteligente pero no sesuda, te descoloca pero nunca te suelta. No es una película obvia, puede incluso llegar a parecer un thriller y, sin embargo, no lo es. Al igual que su desenlace que puede parecer abierto cuando, en realidad, al mostrar por primera vez como dos de los personajes dialogan y se cuestionan sus acciones, queda más que explicado.

Valoraciones:

Personal: 9
Filmaffinity: 7,7
Rottentomatoes: 93%

IMDb: 8,3

'Jumanji: Bienvenidos a la jungla', ¿donde están los dados?

2018-01-21T17:18:00.000+01:00

En 1995 Jumanji tocaba a tambores y ofrecía una película que si bien no era perfecta, era memorable. Mosquitos de un tamaño no vistos ni en Tailandia, una casa convertida en un acuario lleno de cocodrilos, monos creando el caos, estampidas de animales, un cazador que de verdad transmitía peligro…, cada vez que rodaban los dados la película daba un vuelco, era impredecible. Su ritmo y su idiosincracia estaban en esos elementos cuadrangulares que en ‘Jumanji: Bienvenidos a la jungla’ han sido sustituidos por los mandos de una videoconsola.

Y no es mala la idea pues además de contextualizar la secuela, actualizarla, este nuevo formato permite la incorporación de elementos y particularidades propias del mundo gamer. Sin embargo, en ese salto de plataforma analógico-digital parecen olvidarse del concepto original - y mira que lo tenían fácil a través del sistema de niveles -. Así, donde la ‘Jumanji’ de los noventa era aventura y desmadre, un derroche de personalidad que enamoraba a cualquier adolescente, ‘Jumanji: Bienvenidos a la jungla’ es una comedia de acción para toda la familia construida para permitir al padre, que por aquel entonces era adolescente, ir al cine con su hijo y quedar ambos moderadamente satisfechos. Una inteligentísima decisión comercial que, por contra, da lugar a una película olvidable, lineal y anodina.

La idea de invertir los roles funciona de forma desigual. De un lado el argumento: ya no es Jumanji el invasor si no viceversa, un giro de tuerca interesante, fresco y totalmente válido como para justificar una continuación. Por el contrario los personajes, transformados al entrar en Jumanji en una versión de si mismos contraria a la real que no deja espacio más que para el chascarrillo. Avatares con un cambio tan drástico que se antojan demasiado obvios - pardillo-lider, fuerte-débil, fea-guapa, pija-gordo -, y que, cuando tratan de reflexionar sucintamente sobre la identidad adolescente, caen en la desgana.

A Dwayne Johnson jamás te lo crees como ese personaje gallina que se supone que es, el doblaje al castellano tampoco le ayuda. Kevin Hart trata de sacar la risotada de cuando en cuando, lo consigue en ocasiones. Karen Gillan interpreta a esa mujer sexualizada que, sin vergüenza ni pudor, lanza una pequeña bofetada a un cierto sector extremista de la sociedad habituado a exigir desde las sombras libertades y censurar a todo aquel que no cumpla con su doctrina. Finalmente Jack Black, brillante interpretación, es quien más juego da gracias a ese cambio de sexo ya muchas veces visto en pantalla pero que sin embargo funciona. Aunque también supone, a gusto del que esto subscribe, una oportunidad desperdiciada por parte de su director, Jake Kasdan, para haber dado un paso adelante y crear una cinta muchísimo más valiente y educadora. Introducir la trama romántica en torno a el/ella hubiese sido una bonita forma de tratar sobre el amor hacia la persona, independientemente del género. Un mensaje de tolerancia que no se da en la trama romántica tan manida y aburrida que finalmente se ofrece.

’Jumanji: Bienvenidos a la jungla' no es una mala película, su ritmo es ligero y la trama no se hace pesada aún siendo plana, previsible y contar con un villano cuyo mayor peligro es el de ordenar a “masillas”. Un Van Pelt que en la original, con todos sus defectos, era un personaje brutal que podría haber sido el nexo de unión perfecto para crear un mundo conectado entre ambas películas - el homenaje que se hace a Alan Parrish es meramente anecdótico -. En definitiva una secuela que consigue ser agradable y entretener, pero sin más, sin nada que aportar, y aún así, los tambores volverán a sonar…

'Westworld', 1º temporada

2017-12-30T11:16:00.000+01:00

Sufrimos de adicción a la ciencia ficción. Somos muchos. El simple olor a metal o unas reglas del tiempo particulares son suficientes para querer comprar. Así, la premisa de un parque de atracciones poblado por androides, ambientado en el oeste, y donde los seres humanos pueden mostrarse tal y como son, libres de prejuicios y ataduras morales, se vende por si solo. Shut up and take my money ¿no?. Lástima, porque a pesar de un piloto prometedor y un final satisfactorio, todo lo que hay entre medias aburre. Hay cierto personaje que, durante el transcurso de la serie, aboga por transformar este parque de atracciones moderno en algo más simple, apostar por lo visceral y reducir las tramas “shakesperianas”. Y en buena medida acierta, no porque a Westworld le falte sangre y sexo, pero si que le sobra enigma.

Lisa Joy y Jonathan Nolan apuestan todo al fenómeno fan y al capitulo final, elaborando una serie que no funciona por si sola, y en donde su visionado estándar o de “consumo rápido” resulta tan inerte como los testículos de un androide. Técnicamente es una gozada, la banda sonora con la pianola como indiscutible protagonista es exquisita, la cabecera te engancha una y otra vez al inicio de cada capítulo, y las piezas del puzzle al encajar resultan moderadamente satisfactorias. Elementos todos ellos aislados en un desierto que, si bien esconde muchísimos secretos y detalles, difícilmente se descubren sin la ayuda de la lupa cibernética. Siendo el paisaje la mayor parte del tiempo un páramo que se deja ver pero que, poco importa.

Ahora bien el fan, aquel que invierta incluso una mayor cantidad de tiempo en el post visionado que en el capitulo en si, se pone las botas. Uno de los mayores sabedores de las virtudes de este fenómeno actúa aquí como productor ejecutivo, se intuye la mano de J.J Abrams en la siembra constante de detalles lo suficientemente sutiles como para no ser descubiertos a simple vista y si, durante las horas de tertulias, análisis y foros varios. Información privilegiada y descubrimientos “exclusivos” que provocan una gratificante sensación, generando a su vez un sentimiento de identificación con lo que se esta viendo. Dejando de ser el espectador tal cosa para comenzar a formar parte del equipo, y es que ya no es la serie quien esta al servicio de proporcionar un buen rato si no que, es el fan quien trabaja en busca de lograr que la serie consiga hacer pasar ese buen rato.

En cuanto a los personajes y sus formas - las narrativas que ellos mismos llamarían -, decir que tienen mucho de estereotipo y de brusco desarrollo. Los androides son tratados desde el inicio de forma despiadada sin oposición ni objeción alguna, cascarones de actitud bovina por los que es difícil sentir nada a nivel emocional. ALERTA SPOILER. Unicamente al final, y volvemos al problema de “solo al final”, se consigue una pizca de identidad cuando el personaje que interpreta Thandie Newton (Maeve) decide abandonar el tren en una decisión que si se percibe como propia y no guionizada e insignificante. FIN SPOILER. En cuanto al sector de los seres humanos, ninguno de ellos tiene tampoco carisma suficiente como para ser recordado. Quizás los personajes de Ed Harris y Anthony Hopkins son los que más prometen al gozar de cierto poder e independencia, pero poquita cosa. La tónica general es la falta de desarrollo e interés de cualquier personaje aparecido en pantalla, estando sus evolución basada en la transformación y no en la progresión. Es decir no hay matices si no bandazos, y sus comportamientos parecen impuestos simplemente por qué es lo que toca.

Westworld consigue a duras penas entretener, tiene un buen reparto interpretativo mayormente desaprovechado y/o fallido, y trata de jugar con ciertos aspectos filosóficos que en realidad poco invitan a la reflexión. La inmensa mayoría del tiempo invertido en construir la trama solo sirve para enredar, confundiendo profundidad con complicación, obteniendo eso si y es de justicia decirlo, un buenísimo climax final. Un golpe de efecto insuficiente para una primera temporada producida por HBO, técnicamente inapelable, que optó a llevarse 7 premios Emmys y se fue de vacío.

Calificación:

'Fuerza mayor', identidad

2017-12-02T13:18:00.000+01:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

Condición humana por naturaleza o acondicionados por los patrones sociales modernos, en nuestro imaginario privado todos somos héroes al enfrentarnos a situaciones extremas. Sin embargo, y como ha querido demostrar la historia por desgracia en demasiadas ocasiones, ante una adversidad fatal la abrumadora mayoría somos unos cobardes egoístas. El desencadenante de ‘Fuerza Mayor’ no es sólo un desprendimiento de nieve, si no de identidad, la caída del yo idealizado frente a la realidad del instinto, la debilidad del pellejo. Y por la jodida honestidad de sus actos, no hay un ánimo de hundir o señalar a ese personaje que corre por salvar la vida de forma inmisericorde, sólo una disección de sus consecuencias, la caída de un mito, la bofetada de conocerse a uno mismo más de lo que gustaría.

La trama se desarrolla por completo en una estación de esquí, pero no por el hecho de estar anclada a un único paraje se percibe visualmente como monótona y poco atractiva para la vista, es más, consigue ser variada, fresca e incluso creativa. Sabe sacar jugo a los interiores y cuando sale al exterior, consigue captar ese esplendor de una montaña nevada siempre de una belleza irrechazable. Asimismo, el desarrollo de toda la historia se acota a un breve periodo de tiempo presentado día a día, una composición que transmite la sensación de estar ante algo que transcurre a tiempo real. Esa estructura temporal, junto al escenario, se complementan para generar esa sensación de veracidad que impregna a toda la película.

Ruben Östlund realiza tras las cámaras un trabajo preciso, hilando muy fino para alcanzar un control narrativo de la historia que permita mantener al espectador siempre a la distancia adecuada. Ni demasiado lejos como para carecer del interés suficiente y desconectar, ni tampoco demasiado cerca como para tomar partido de forma pasional por lo que se esta contando. Se sostiene a una distancia clave donde uno es incapaz de apartar la mirada a la par que reflexionar sobre lo que esta contemplando. Y esto es, en gran medida, el como se va deteriorando una confianza que afecta no solo a la pareja, si no y sobretodo, al individuo. La dificultad de convivir con unos actos de los que ya no puedes desligarte y el profundo cambio que eso puede llegar a ocasionarte.

Entre medias esta la familia, un par de críos en estado de shock ante la sorpresa de ver que su padre no es quien creían, es humano. No le reconocen y reaccionan con distancia, silencio, evitándolo en todo lo posible. Sin embargo, la sangre tiene un lazo que, por mucho que la jodas, siempre perdona. Cuando la relación entre sus progenitores se tensa, ellos son los que sin lograr evitar la ruptura entre ambos, la suavizan. Y es que si la sangre perdona, el amor no lo hace, no puede hacerlo, y aún habiendo sido una pareja modélica en el pasado, tras lo sucedido, solo van a ser capaces de recuperar una rutina (a saber durante cuanto tiempo) en busca de una estabilidad para con sus hijos. Hacen incluso un teatrillo con rescate incluido para que aquel gallina que salió huyendo vuelva a recuperar su rol de macho alfa.

Una escenificación que no va a trascender más allá de la ficción, pues aquello que existía entre los dos quedó sepultado por la avalancha y, al cierre de la película, esto queda en evidencia durante el desarrollo de una escena, más bien un gesto, inequívocamente elocuente. Tras haber sufrido un nuevo episodio de bastante tensión, donde la figura de “héroe” recayó en otro, un nutrido grupo de personas caminan carretera abajo. La pequeña de la familia esta cansada y pide ayuda, una ayuda que la madre decide buscar en ese líder que había resuelto eficazmente el conflicto anterior. Mientras tanto, el padre camina el primero en aras de la apariencia, aceptando un cigarrillo aún siendo no fumador. Fin.

Valoraciones:

Personal: 8
Filmaffinity: 6,3
Rottentomatoes: 93%

IMDb: 7,4

'The OA', experimento

2017-11-04T14:39:00.002+01:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

Son las dos de la madrugada y sujeto entre mis dedos indice y pulgar una moneda de 50 céntimos, brilla como si hubiera sido acuñada no hace ni diez minutos y, en uno de sus lados, atisbo la cara de Cervantes. Levanto la cabeza para mirar el sitio donde me hallo, un salón corriente decorado con un mobiliario corriente que luce sin embargo como un espacio atrayente y sinuoso, su interesante aspecto debe ser cosa de mi cabeza cuyo peso oscila entre la clarividencia y el desmayo. Lanzo la moneda, de canto, con la fuerza necesaria y el pulso correcto, en la combinación de ambos esta la clave para que siga la trayectoria buscada, e instantes después escucho el sonido cristalino que me dice que ha ido directa a donde quería. La veo en el interior del vaso que preside la mesa y siento que soy el puto amo. Es mi momento, antes había visto como otros vitoreaban sus aciertos en mi cara al grito de Cristiano Ronaldo entre otras peculiares celebraciones, quizás por ello, quizás producto del Jaggermaster que nos acompaña, no dudo en escenificar mi victoria lo más llamativamente posible.

Todo esto podría ser ridículo, de hecho lo es, pero se comprende y disfruta dentro de un contexto propio de un ambiente festivo entre amigos. Ahora bien, se nos tendría que ir mucho la olla para que, al día siguiente, durante una comida familiar por ejemplo, volviéramos a repetir lo de la noche anterior. Y aún más descabellado sería volver a hacerlo una y otra vez en situaciones cada vez más insólitas, llegando a parecer realmente imbéciles, dignos de internamiento psiquiátrico. En The Oa sucede algo del estilo, una serie cuyo problema no es de concepto si no de control, se les va de las manos, y mucho.

Comienza la historia con un planteamiento potente y bien llevado, el peso de los minutos esta a favor de narrar lo sucedido en torno a un misterio que toca la fantasía, y la mezcla con una historia de secuestros, un toque a ciencia ficción y un tema tan interesante como la vida después de la muerte. La utilización de los secundarios -aquellos personajes que no pertenecen al misterio propiamente dicho -, es también un acierto en este inicio pues sirven simplemente como vehículos necesarios para hacer mover el mecanismo que haga avanzar la trama, sin otorgarles importancia. Sin embargo, y por desgracia, parece que las ideas más frescas se agotan hacia mitad de temporada. El tamaño de los episodios se reduce notablemente - de la hora de duración hasta los 31 minutos que tiene el episodio más corto -, y, por si no fuera ello suficiente evidencia de este agotamiento creativo, esa retahíla de personajes secundarios hasta el momento vistos como un mal menor razonablemente tolerables, cogen mucho más protagonismo. Lo que en principio era un acierto - priorizar el misterio frente al contenido dramático - se ve desplazado por este grupo inconexo carente de interés.

Se rompe entonces la ilusión y se vuelve muy difícil seguir creyendo en ‘The Oa’. Desaparece esa patina que conseguía mantener las expectativas y afloran todas sus debilidades de golpe. Unas interpretaciones más que limitadas - el histrionismo de la madre de la protagonista es canela fina -, unas relaciones construidas sin credibilidad ninguna, reacciones absurdas, y como no, ese baile cuya coreografía firmaría Rodolfo Chikilicuatre. No obstante, lo estúpido del baile en si podría haber quedado en algo excéntrico, anecdótico e incluso original si no fuera por el empeño que tienen sus creadores en hacerlo notar. Zal Batmanglij y Brit Marling - quien también es la actriz principal - terminan por cabrear incluso al espectador más crédulo. Es imposible no desconectar cuando, por enésima vez, aparece en pantalla el bochornoso espectáculo de danza acentuado por los no menos crispantes berridos con los que acompañan cada paso. Un ritual espasmódico cada vez más trascendental, cada vez más molesto, cada vez más lamentable. Quizás este rechazo que produce de forma unánime haya sido buscado intencionadamente con miras a potenciar el final. Da igual, por mucho sentido que cobre al cerrar la temporada, no compensa la sensación de tomadura de pelo que se sufre.

Al final se llega, y se ha de reconocer que aporta un nuevo sentido y dimensión a una serie que hasta ese punto era de suspenso mayúsculo, y que concluida, se convierte en un experimento interesante. Podría haber sido incluso notable si se hubiera cerrado la secuencia del instituto de forma realista, y con ello me refiero a cortar el baile con un montón de sangre que no dejará dudas sobre lo estúpidos que han sido los “bailarines” al creer en un cuento imposible. La opción por la que se opta es algo más sutil pero viene a decir lo mismo, puesto que si sobreviven, no es gracias a la magia de sus movimientos si no por qué un tercero se lanza sobre el asaltador. Descubrimos entonces que todo lo contado por la protagonista era una patraña consecuencia de una mente hecha polvo tras 7 años de secuestro. Y desde ahí, se ha de recomponer la historia: La idílica figura del secuestrador es producto del síndrome de Estocolmo - se presenta como alguien inteligente, magnético, educado, con fines puramente filantrópicos puesto que busca dar esperanza a la humanidad al demostrar que la muerte no es el final. Las cicatrices de su espalda son signos de violencia y no los supuestos “movimientos” de baile. Su hostilidad hacia el roce humano proviene seguramente de episodios de violación. Etc.

The Oa es un experimento fallido, inestable, no sabe equilibrar los elementos que quiere manipular y puede que, por ello, a muchos les explote sin remedio ni solución antes de llegar a ver su resultado completo. En retrospectiva, cuando uno deja de tener pesadillas con el condenado baile, queda un bagaje algo positivo gracias a un final que, para el que esto subscribe, es cerrado. Solo así puede ’The Oa’ adquirir una cierta dureza y profundidad, convirtiéndose en un producto rescatable e incluso aconsejable. Hay una segunda temporada en camino, por lo que posiblemente mi teoría sea equivocada y esta sea una de las peores series que ha producido Netflix hasta el momento, o no.

Calificación:

'Dunkerque', corazón

2017-10-08T20:39:00.000+02:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

En lo más profundo de esa visión cruda y espectacular de un conflicto bélico visto desde la barrera, existe la ansiedad de quien lo vive. Más que valor, arrojo y heroicidad, más que buenos y malos, más que un espectáculo grotesco con soldados sujetándose las tripas, sangre, caos y gritos de terror, en la guerra hay miedo. Miedo al instante más próximo, miedo al azar, miedo a no salir de ahí. Han habido miles de guerras, libradas de mil formas distintas, pero puedo afirmar sin haber estado en ninguna de ellas que siempre ha habido miedo. Y por ello Dunkerque es una película con tantísimo corazón, por qué no retrata a un grupo de soldados en concreto si no a todos ellos, no narra una historia acotada por un grupo de personajes en unas circunstancias particulares si no que trata de transmitir las sensaciones sufridas por cualquiera de los allí presentes.

Durante la primera secuencia de la película llueven panfletos sobre los ingleses con el eslogan “estáis atrapados”, una afirmación que es la verdadera protagonista de esta historia. Ese impreso que sirve como introducción, nudo y desenlace contiene las intenciones de este filme, que rehuye intencionadamente de profundizar en los personajes para centrarse en ofrecer una perspectiva donde prima lo sensitivo. La ansiedad por querer huir más pronto que tarde, el agobio de no ser capaz de hacerlo, o la intensidad de una masacre que viene por tierra, mar y aire son algunas de las emociones que transcienden la pantalla y se solapan sobre la piel del público asistente.

En esa búsqueda por generar un impacto perturbador, por bajar al fango al espectador, la banda sonora compuesta por Hans Zimmer destaca especialmente como un elemento que contribuye a exacerbar todo cuanto se ve. Siendo los efectos sonoros mucho más destacables que la parte melódica. Como cuando sobre alas se hacen rugir los motores incrementando los decibelios incluso por encima de lo puramente realista, intimidando, sobrecogiendo y poniendo a prueba la resistencia de algunos tímpanos. O como cuando a ritmo de tic - tac se instaura un estado de histeria y locura del que no eres consciente hasta que, en un final donde para sorpresa de los derrotados se esta celebrando su fracaso, se hace el silencio.

La visión cinematográfica de Christopher Nolan suele tener un peculiar concepto del tiempo a la hora de estructurar la narrativa audiovisual. En este caso, en un nuevo acto de personalidad, consigue aunar en uno solo tres hilos temporales distintos de forma que se visualicen como un continuo. Una semana, un día o una hora son tres escalas temporales que difieren en el tiempo pero no en la pantalla. Tres historias que se perciben como un todo unificado dándole a la cinta un ritmo arrollador que no permite echar el freno.

El desinterés intencionado por crear una historia al uso no implica la insignificancia de los interpretes quienes, sin subrayados y por medio de un lenguaje que omite las palabras ofrecen matices de gran calado. Se puede ver a dos soldados (Fionn Whitehead y Damien Bonnard) establecer un honesto vínculo a pie de playa cuando uno de ellos descubre al otro usurpar la personalidad de un tercero. La templanza de un niño (Tom Glynn-Carney) al ocultar a un loco (Cillian Murphy) el trágico destino de sus arrebatos, o lo poco que necesita Tom Hardy para que cuando se acaba el gas, le quieras dar todas las medallas.

Dunkerque puede gustar más o menos pero sin duda es algo novedoso, fresco y arriesgado. A la complejidad técnica y creativa de crear semejante espectáculo le va a la zaga la dificultad de conseguir la licencia para hacerlo gastándose por encima de los 100 millones de presupuesto. Visualmente es arrolladora, es intensa de principio a fin, y además resulta interesante. Pueden existir películas más completas o con un mayor recorrido pero Christopher Nolan ofrece una experiencia única, y eso es muy grande.

Valoraciones:

Personal: 9

Filmaffinity: 7,4

Rottentomatoes: 92%
IMDb: 8,4

'Un monstruo viene a verme', huida

2017-09-03T17:56:00.000+02:00

Si hay un terror al que sin distinción en el primer mundo tememos, es a este. Una enfermedad que no atiende a prevenciones, de la que no se puede escapar y a la que cada vez más de nosotros, de una u otra forma, nos vemos obligados a ceder parte de nuestras vidas. Se instala en la familia sin pedir permiso y, con una calma despiadada, destruye no sólo a quien por capricho decidió escoger, si no a todo lo que le rodea. Y es en ese circulo afectado e impotente donde aparece ‘Un monstruo viene a verme’, arrebatando el protagonismo al cáncer, siendo más humana que lacrimógena.

J.A. Bayona firma un relato mucho más fino de lo que se le presuponía, buscando esta vez la conexión emocional a través de la narrativa y no de la trampa. Huye de la manipulación más tosca para centrarse en una historia donde se trata de afrontar la verdad para poder continuar. No es una película sobre el cáncer, que también, si no del proceso anímico en el que uno puede verse atrapado ante una situación donde el universo conocido empieza a resquebrajarse, de como salir de ahí, caminar, seguir caminando.

Técnicamente es exquisita tanto en el diseño del “monstruo” que impone y sosiega casi por igual, como en los pequeños fragmentos de animación que son pura delicia visual. Estos últimos funcionan como representación del subconsciente, un mecanismo de defensa ideado por el niño para huir de la realidad. Historias tan bellas en su superficie como insustanciales respecto a lo que cuentan, voluntariamente intrascendentes tanto para el espectador como para el protagonista, como se puede ver explícitamente en una de las escenas del filme cuando Connor se lo reprocha directamente al monstruo. Una vía de escape inútil - él mismo lo sabe - donde siempre planea en el horizonte aquello de lo que huye, aquello que no quiere ni imaginar.

Hay quien tras el porno melodrama de ‘Lo imposible’ acudía a las salas de cine únicamente con el clínex como baremo, defraudados a su salida por no poder secarse las lágrimas del rostro sin advertir que bajo la superficie, esta película tiene mucho más. Subtramas como lo referido al bulling donde la intención, más allá de subrayar un problema social patente, es comprender como Connor cansado de la compasión inservible de todos, busca en su matón ese castigo que le acerque a la realidad, testando si quizás con ello, sea capaz de enfrentarse a ella.

En general los personajes, salvo la figura del padre algo más desdibujado, están bien tratados en cuanto al guión escrito por Patrick Ness, y más que bien sostenidos en lo que se refiere a las interpretaciones. Lewis MacDougall con solo 12 años aguanta perfectamente la totalidad del metraje. Sigourney Weaver es el pilar familiar y la viva imagen del peso a soportar, y Felicity Jones realiza una actuación digna, dulce y discreta, sin caer en el patetismo y la apetencia de protagonismo.

J.A. Bayona vuelve a demostrar ser un poderoso narrador, en este caso además de excelente gusto, capaz de llevar al público de la mano hasta una catarsis final en primera instancia dolorosa por su verdad reveladora, como finalmente emotiva en su despedida. No me emocionó, no lloré, pero me toco mucho más profundamente que cualquier lágrima que pudiera gastar en ‘Lo imposible’.

Valoraciones:

Personal: 8

Filmaffinity: 6,7

Rottentomatoes: 7,6
IMDb: 7,5

'Hannibal', excesiva

2017-08-15T16:06:00.000+02:00

Anthony Hopkins ganó el Oscar en 1991 por su interpretación en ‘El silencio de los corderos’, creando un personaje parte ya del acervo cinematográfico popular. Dicha fama fue la que dio luz verde a este proyecto. La idea de conocer en mayor profundidad a Hannibal Lecter, su entorno, los recovecos de su mente, su metodología, era una éxito de audiencia seguro. Tres temporadas después la serie fue cancelada, el público la abandonó, precisamente por no haber estado nunca al servicio de Lecter y si al del lucimiento personal de sus creadores. Quisieron ir de transgresores, hacerse notar, estar por encima de un mito cinematográfico y el resultado es un producto en su conjunto burdo, descolocado, sin clase ni finura, algo que nunca se podría decir del verdadero Hannibal Lecter.

1º temporada

La serie comienza como un procedimental donde prima el gore y lo estrambótico de cada nuevo asesino. Desde el primer capítulo se comienza a ver sangre, pero es de la propia serie de quien procede ese sabor a óxido, herida desde el inicio por su propia grandilocuencia. Gotea carmesí esta primera temporada a través de asesinos que parecen más interesados en desarrollar su vena artística que en degollar venas ajenas - de cada muerte hacen un “cuadro” - y de un William Graham que más que habilidades empáticas parece tener super poderes.

Sin embargo no se hace pesada de ver, el hecho de ser cada capitulo en buena medida autoconclusivo le ofrece una nueva oportunidad de forma constante, con lo que sus defectos se diluyen y su aciertos cogen cuerpo. En ese aspecto luce un grandísimo actor como es Mads Mikkelsen, quien lo borda en recrear la faceta pública de Hannibal Lecter, refinado, culto e inteligente. El otro Hannibal, el canibal, no aparece de forma explicita pero si emplatando la consecución de sus actos. Verle cocinar da hambre, lo que produce un malsano placer.

2º temporada

Como en toda gran chapuza, prima la improvisación. Hannibal se devora a si misma para tomar un nuevo enfoque, dejando de lado a los sádicos posturetas de cada capitulo anterior para centrarse en la relación establecida entre William Graham y Hannibal Lecter. Deja de ser un procedimental policial para, tratar de ofrecer un thriller psicológico que nunca se percibe equilibrado ni creíble, o bien por una deficiencia a nivel interpretativo (el personaje construido por Hugh Dancy llega en sus tics a resultar irritante), o bien por una falta de valor por parte de su creador - Bryan Fuller - para ir más allá y romper moldes.

La posibilidad de mutación por parte de William Graham es el tema recurrente de esta segunda temporada, fútil, puesto que jamás se muestra en pantalla nada que pueda hacer creer en la realidad de esta transformación. No hay dudas acerca de su integridad con lo que la insistencia, constante, en tratar de hacer creer al espectador lo contrario carece de sentido. Un bucle continuo entre ambos personajes que va del homo erotismo al rencor, y del delirio a lo inmaculado. No llega a profundizar en momento alguno, no avanza y por tanto aburre.

3º temporada

Alucinaciones que ni las mejores drogas de diseño, oscurantismo propio de barraca de feria, una psicodelia con más aires de grandeza que sentido, lo onírico a tropel ya sin filtro ni rigor alguno, una banda sonora chirriante…, el inicio de esta tercera temporada no hace más que exacerbar los excesos de temporadas anteriores, medianamente tolerables hasta el momento, rozando incluso lo insoportable en esta ocasión.

Afortunadamente vuelve no obstante a cambiar el tono de la serie - probablemente debido a su cancelación - y a partir del episodio siete se introduce la trama del ‘Dragón rojo’ - basada en la primera novela escrita por Thomas Harris sobre lo que sería la tetralogía Lecter -, ofreciendo algo más cercano a lo visto en pantalla grande. Un thriller policiaco que no se desvía demasiado de lo ya conocido por el aficionado y que aún así, o más bien gracias a ello y a un estilo narrativo más convencional, resulta ser lo más rescatable de toda la serie. Supera incluso a su homónimo cinematográfico en la reproducción de varias de las escenas más icónicas.

El final es una solución atropellada para darle un cierre que complaciera a su escasa, aunque fiel, audiencia. Un desenlace cursi donde uno de los mayores villanos de la historia muere presa de la ñoñería, entregado, sumiso y bobo…, casi tan surreal como verle a la mesa de un Mc Donald.

Conclusión

‘Hannibal’ quiere ser más de lo que es y se fagotiza a si misma, tiene algunas buenas ideas siempre mal ejecutadas y/o desarrolladas. Técnicamente luce en lo superficial, brilla siempre en busca del asombro fácil. Su guión nunca termina de asentarse, ni en lo principal ni en lo referido a los personajes secundarios tratados con desinterés, desdibujados, desaprovechando la oportunidad de profundizar en el universo que rodea a Hannibal Lecter. Narrativamente es exasperante, lenta y con ínfulas de grandeza. ‘Hannibal’ se cree impecable, pero se marcha dejando la habitación llena de huellas.

Calificación:

'Los siete magníficos', metralleta

2017-07-13T21:45:00.000+02:00

Magníficos se presuponían los miembros de un equipo que pretendía acallar, con calidad, los lloriqueos de aquellos que braman en pos de la originalidad. Un director probado como Antoine Fuqua - ‘Training Day’ (2001) - al frente de un guión firmado a dos manos por Richard Wenk - ‘Los Mercenarios 2’ - y el filosófico Nic Pizzolatto - ‘True Detective’ -, orquestado musicalmente por el mítico James Horner e interpretado por Denzel Washington, Chris Patt o Ethan Hawke entre otros, hacían creer en tal posibilidad. Sin embargo lo que podría haber escupido un western notabilísimo- remake o no mediante -, se queda en un gargajo contenido, moderadamente aceptable pero lejos de esa viscosidad necesaria para quedarse pegado a la madera, y al espectador.

El primer magnífico en descabalgar es el firmante de un libreto que nada contiene de aquello que le repercutió cierta fama. Obviando ciertos saltos de fe impuestos como el incoherente uso de la ametralladora en el asalto final, donde Nic Pizzolatto - junto a Richard Wenk - fracasa realmente es en la inexistente construcción de los personajes. Se prefiere apostar por lo estrafalario potenciando las variopintas habilidades de cada uno en lugar de esbozar, de donde pueden provenir esas individualidades. Construyendo así una banda de arquetipos molones pero muy poco interesantes.

Ni siquiera su protagonista, ya que a pesar del siete en el título por intención y peso sólo parece existir uno, consigue trasmitir algo. En parte debido a la deficiencia de otro de los presuntos magníficos. Hace tiempo que Denzel Washington parece aprenderse únicamente el guión y no el papel, anclado en ofrecer el mismo matiz siempre. Ese tipo arrogante, dominador de la situación aún a pesar de arrastrar una gran carga detrás. Ethan Hawke hace lo que puede con un personaje que va y viene sin sentido alguno - literalmente hablando incluso -, y Chris Patt disfruta, es el único que parece aceptar el chiste del que forma parte y se le nota cómodo, carismático.

El resto de personajes no tienen mayor razón de ser que la de realzar una supuesta integridad racial, ignorando aquello - mucho más interesante - de como un grupo de rufianes sin rumbo recuperan su integridad uniéndose por una misma causa. Antoine Fuqua no sabe darle entidad tampoco a la historia pero consigue entretener durante sus más de dos horas de duración, gracias a un ritmo adecuado y una correcta solvencia técnica. Sin embargo en el terreno de la acción, donde debería ser magnífico, no llega en ningún momento a realizar nada memorable. Siendo incapaz de alcanzar esa épica por medio del valor tan característica de todo buen western.

No ayuda tampoco a lograr esa emoción necesaria la decisión de no incorporar de manera mucho más notable la banda sonora original. Una decisión inefectiva, impopular y poco comercial dado que, podría decirse sencillo encontrar a quien no conozca ‘Los siete samuráis (1954)’ de Kurosawa o ‘Los siete magníficos (1960)’ de John Sturges, pero difícilmente habrá quien no lo goce y reconozca los acordes que compuso Elmer Bernstein para esta última. Por si no fuera handicap suficiente, la obra póstuma del tristemente fallecido James Horner no termina de cuajar y recuerda demasiado a trabajos suyos anteriores. Hay momentos en los que uno cree que va a aparecer el caballo de Troya.

En definitiva un western de tono clásico, de una intensidad muy disfrutable, donde el maniqueísmo aflora según los cánones establecidos, y con una buena reproducción de todo el folklore propio del oeste gracias a su buen diseño de producción y fotografía. Si no consigue ponerse nunca al galope es por preferir no tomar riesgos optando por la balística de la metralleta, rápida y eficaz, en lugar del revolver, reflexivo y valeroso.

Valoraciones:

Personal: 6

Filmaffinity: 5,9

Metacritic: 6,3

Rottentomatoes: 63%

IMDb: 6,9

'Tarde para la ira', potente

2017-06-04T20:58:00.000+02:00

En la médula de cualquier barrio, apalancados litrona en mano vete tu a saber donde, la estepa española esta bien poblada de lo que ellos gustan en denominar buscavidas, gentuza en realidad. Todos, quien más quien menos, nos hemos cruzado, conocido e incluso intimado con esa calaña de maldad moderada que por costumbrista o tradicional, parece ser aceptada o admitida. Basura creíble, uno de los aciertos del filme. Con ellos comienza ‘Tarde para la ira’ - de forma casi literal gracias a un efectivo plano secuencia - en medio de un “fregaó” que dará pie a una vorágine de violencia sin retorno. Puesto que la violencia, siempre genera más violencia como consecuencia.

La fotografía se hace notoria al estar rodada en 16mm. Se palpa en el grano, el foco, la calidez tonal y se atisba un gusto por enfrentar lo estético con lo sucio, dando lugar a una atmósfera cinematográfica, pero turbia y áspera. Apoyado el aspecto visual en una cámara que comienza demasiado nerviosa - se produce un excesivo movimiento y algún que otro cambio de plano bastante tosco -, pero que según avanza el metraje se transforma templando esa ira incontrolada del inicio en algo más cercano a la venganza, fría, certera y sosegada.

Opera prima de Raul Arévalo conocido como uno de los actores más populares del país, pero a quien si sigue así, se le podrá llegar a reconocer por su gran mano como director. En su carta de presentación muestra un pulso narrativo tan imperturbable como la mirada de su protagonista, un tono seco y sin concesiones para nadie, un ritmo donde se permite el desarrollo de la historia y sus personajes, y una templanza impropia de un novel para sortear la grandilocuencia y el exceso dramático. Añado, un par de huevos, como demuestra al rodar esa secuencia que transcurre en una finca hacia el final del segundo tercio.

Es en aquel momento cuando la línea entre lo lícito y lo reprobable se hace más difusa. ¿Existe tal frontera, esta justificado cruzarla, se cruza siempre en el mismo punto?. Reflexiones lanzadas sobre las que no se dicta sentencia, se deja al espectador libre de tomar esta difícil decisión, puesto que todos entendemos la ira en base a un hipotético parecido al de la historia pero es difícil no juzgar también el triunfo de la escopeta.

Antonio de la Torre es como siempre una garantía. Su mirada refleja sin palabras tanto dolor por lo sucedido, como odio por sus responsables y miedo por inexperiencia. Transmitiendo la sensación de que va a romper, pero no sabes por donde. Luis Callejo por su parte ofrece un registro con diferentes matices al tener un personaje con mayor recorrido, siendo algo más irregular en su interpretación, con momentos algo forzados y otros absolutamente brillantes. Entre ellos dos no obstante, en su relación, se presenta la mayor debilidad del filme siendo incluso posible desconectar con lo que se narra. El lazo que los une por fuerza no se presenta lo suficientemente amenazador, no se siente al personaje de Callejo en un embrollo sin más opción que la del vasallaje, con lo que parecen caminar juntos más por gusto que por obligatoriedad.

Ocho años ha tardado Raul Arévalo en producir esta ‘Tarde para la ira’ dura y seca, de escenario castizo, sabor a thriller, lenta lectura y nudo en el estómago. Potente y visceral, te hace ir desde el acaba con todo al no serás capaz. No es perfecta, pero si lo suficientemente buena como para desear ver lo siguiente de este novel aventajado más pronto que tarde.

Valoraciones:

Personal: 7,5

Filmaffinity: 7,0

Rottentomatoes: 7,8

IMDb: 6,8

'Man Vs Snake', otro (gran) récord más

2017-05-19T22:35:00.000+02:00

El salivazo proyectado a mayor distancia, el runner más veloz calzando botas de esquí, la mujer con el mayor número de perforaciones en la oreja…, todos ellos son récords curiosos, pero sin sabor a hazaña ni reconocimiento popular. ManVsSnake comienza su historia apreciándose como un integrante más de este pintoresco grupo, un nuevo récord “chorra” para la colección. Sin embargo según se avanza en la trama uno comienza a sentirse un poco fan, la implicación con él protagonista crece, y se le termina por admirar. Sufriendo, apoyando y valorando el reto que se propone.

Sirva un Nokia 3310 para explicar la gesta pretendida, ese móvil que todo el mundo tuvo y donde además de idear abreviaturas con las que llenar un sms, se jugaba, y mucho, a ‘La serpiente’. Si por aquel entonces uno ya alardeaba por conseguir mantener con vida a este reptil unos pocos minutos, la idea de enfrentarse a la versión primigenia de este juego durante más de 35 horas ininterrumpidas y superar el billón de puntos como se pretende, es de una fortaleza mental inabarcable. Pero no es sólo la lucha del hombre contra la máquina, como en todo ejemplo de superación el verdadero monstruo esta en uno mismo, y en este caso no sólo el presente, si no que el “final boss" a superar es su propio yo del pasado.

El adulto contra el niño, el espíritu de mejora, el estilo de vida americano donde cualquiera puede convertirse en leyenda y su vida, una gran historia. La batalla entre Tim McVey y Nibbler (nombre del juego original) tiene todos los elementos de una obra épica: tiene un objetivo antológico que lograr, un rival que batir, un malo excéntrico, un guía espiritual, la fuerza del amor, momentos de flaqueza y grandeza, y una estructura ideada por sus directores Andrew Seklir y Tim Kinzy de ritmo equilibrado donde el rigor por narrar unos hechos esta tan presente como la vocación por entretener.

Cabe espacio incluso para, de soslayo, evidenciar esa doble moral americana donde la ética suele aparecer únicamente cuando conviene. Me refiero a ese récord conseguido por Enrico Zanetti en Italia y que nunca fue reconocido hasta haber sido sobrepasado. ManVsSnake es un documental cuyo logro puede comenzar pareciendo irrisorio pero que, una vez acabado, se aprecia como una gesta dificilísima. Ameno e interesante, todos mis respetos para su protagonista. Trofeo nivel ultra platino.

Calificación:

'Guadianes de la galaxia Vol. 2', bailando con humor

2017-05-16T17:38:00.000+02:00

Me fascinan las secuencias de créditos iniciales, pequeños fragmentos de cine con un lenguaje propio, desatado, dotado para la experimentación. Y en ‘Guardianes de la Galaxia Vol. 2’ son sublimes. No sólo se integran de forma original en el interior de una inmensa secuencia de acción, si no que durante el desarrollo de esta, nos cuentan a la perfección que es lo que se va a presenciar durante las, eso si demasiado largas, más de dos horas de duración.

Una maravilla de escena. Original, dinámica e intensa demostrando qué, en la acción, como en el cine de terror o en la sexualidad, a veces menos es más. El lomo se lo parten en segundo plano a ritmo de “Mr. Blue Sky” mientras Baby Groot se lo baila en primer término. Se pone en la diana para que los más escamados arrojen sus dardos ya desde el principio. Se trata en realidad de un recurso narrativo inteligente puesto que, detrás del “muñeco”, se esconde el tema central de la película. Todos protegen al pequeño Groot con tanto ímpetu como el que ponen en vencer a la monstruosa criatura a la que se enfrentan, es más débil y lo defienden con uñas y dientes, como una familia. Familia, acción, música y especialmente humor, una presentación perfecta, honesta con lo que esta por venir, un inicio sublime.

El humor es una constante que funciona de forma desigual, cuando no provoca la risotada es posible llegar a sentir momentos de vergüenza ajena siendo, no obstante, la sonrisa “simpaticona” la reacción más presente durante la mayoría de los innumerables gags. Es ‘Guardianes de la Galaxia Vol.2’ una comedia con fondo superheroico y no una película de superhéroes con una tendencia a lo cómico. Hay una grandísima diferencia y, una virtud o defecto en ello según sea el espectador más o menos afín al arquetipo Marvel.

Las imágenes están al servicio de la diversión y no de la espectacularidad. No hay una actitud dada al dramatismo, no hay una tensión por salvar el mundo, simplemente esta panda juega a matar - Rocket lo dice casi literal en una de las escenas -. El desarrollo de las batallas se vive a través de los personajes - sus emociones, reacciones y ocurrencias - y no del asombro pirotécnico o las coreografías de lucha. Es un punto de vista distinto, divertido y entretenido. Por contra, alejarse tanto del tono más serio le resta epicidad, lo que unido al exceso de metraje provoca importantes bajadas de ritmo que terminan por lastrar el conjunto.

James Gunn demuestra personalidad al sacar un villano adecuado para la historia que pretende contar. Se sale de la línea marcada esquivando la tentación de continuar con Thanos o derivados, renunciando a establecer una sensación de continuidad dentro del universo marvelita, y con ello, arriesgando el favor que ya hubiera tenido por decreto de una parte del público. Valiente. Su película trata de la familia y su devoción esta en sus, personajes. Kurt Russell es el villano en cuestión, un hombre del espacio que huele a chamusquina desde el principio y cuyos intereses, paradójicamente, son la esencia de lo mundano. En sus apariciones esta el motor que hace avanzar la trama, pero, sin embargo, su mayor misión es la de servir como vehículo para profundizar en Peter Quill, o debería decir Chris Patt ¿no son ya la misma persona?.

Los enemigos digamos secundarios - esos que parecen sacados de un anuncio de Freixenet -, por la forma en la que se ven involucrados manifiestan de nuevo la poca seriedad que quiere transmitir esta cinta, y, además, son otra clara referencia familiar. Creados artificialmente, no son más que cascarones fríos, sin alma, mecánicos. Inefectivos. La otra relación estrictamente familiar se produce entre Gamora (Zoe Saldana) y Nébula (Karen Gillan) y es una de las tramas más desaprovechadas, tratada de forma tosca, como la propia interpretación de la segunda. En el polo opuesto, pura adrenalina, se encontraría Yondu (Michael Rooker). Su historia cuenta con un arco argumental completo y es la que más ofrece en todos los sentidos: emotividad, acción, flipe, personalidad.

La música “ochentera" tiene el mismo peso que en la primera parte, se utiliza quizás de forma más autoconsciente para enfatizar su protagonismo pero no llega a saturar, no se convierte en un recurso “tramposo” sólo por contar con temas quizás no tan reconocidos y si, sigue siendo un elemento característico - y molón - de la saga. Otra de las críticas más comentadas es lo blanda y ñoña que pudiera ser esta segunda parte en comparación con la primera, cuando diría que se ha de ser muy ñoño para considerar a la primera una película gamberra. Es un aspecto subjetivo, claro esta, y lo que hace inequívocamente es situar a ‘Guardianes de la Galaxia Vol.2’ en esa lista de películas controvertidas. Tiene cosas muy buenas y muy malas, yo bailo en parte con ella, al menos más que con la primera.

Valoraciones:

Personal: 7,5

Filmaffinity: 7,2

Metacritic: 6,7

Rottentomatoes: 81%

IMDb: 8,1

'Sneaky Pete', 1º temporada

2017-05-01T11:17:00.000+02:00

Después de tres años a la sombra, Marius Josipovic vuelve a respirar en semi libertad dejando atrás los barrotes y el trivial e infatigable parloteo de su compañero de celda. Su pasado, sin embargo, del que también pensaba haberse escurrido le vuelve a poner en fuga y, caprichos de la vida, transforma aquellas machaconas charlas del peculiar Pete en su único salvavidas. Marius asume la identidad de Pete, adquiere su personalidad y busca refugio en lo único que conoce de este, la familia de la que siempre hablaba y llevaba más de 20 años sin ver.

Ateniéndose a un cierto parecido físico y su habilidad para el engaño la estratagema podría parecer sencilla, pero, mantener la máscara de ser quien dice ser sabiendo poco más que unas cuantas anécdotas como colchón, es un plan con obvias fisuras. La farsa corre un peligro constante, y, ese estrés que sufre el protagonista ante su inminente descubrimiento, se transmite al espectador. Giovanni Ribisi - uno de esos eternos secundarios que alcanza aquí el papel protagonista - realiza una estimable interpretación siendo uno de sus mayores logros la capacidad de contagiar un estado, el del nerviosismo, que no permite relajarse.

La idílica familia que dibujaba el Pete entre rejas sorprende mostrando un espíritu mucho más combativo del que se presuponía, no les faltan bemoles, y generan un tono que acerca la serie al cine de gansters. En ese mismo tono se desarrolla la trama que arrastra Marius del pasado. Debe dinero, y si no consigue reunirlo a tiempo su hermano - al que mantienen retenido como aval - será mutilado por Vince. Un Bryan Cranston haciendo de villano que nos regala otra magistral interpretación. Las similitudes entre acreedores - la familia ostenta un pequeño negocio de fianzas -, quienes parecen compartir cierta esencia genética independientemente del lado de la ley en el que se encuentren, deja un pequeño espacio para la reflexión y, sobretodo, en su proceder, los momentos más potentes de la serie. - ATENCIÓN SPOILER - Ojo al bate de beisbol de Otto - el patriarca de la familia - y la historia policial de Vince. - FIN SPOILER -

En rededor a la trama donde Vince es el eje central - personaje cuyo peso no hace más que crecer aumentando con él la calidad de cada episodio -, la serie adquiere otro matiz más propio del cine de atracos. Y es en esa mezcla de géneros donde Sneaky Pete se convierte en algo especial. Ese estilo más inflexible, seco y directo con aires a film noir mezclado con la espectacularidad de la estafa, la adrenalina, la sorpresa y la admiración ante la genialidad de turno hacen de esta serie - recogida por Amazon después de ser descartada por la CBS -, una opción muy recomendable.

Ahora bien como en todo plan que se precie, Sneaky Pete no se libra de caminar por el filo de la navaja y, el hecho de que muchas de las situaciones se resuelvan por la casualidad hace que salten las alarmas en más de una ocasión. Hay una tendencia a forzar la acción, a llegar a un “casi” poco creíble que, sin embargo, sus máximos responsables - David Shore (’House’), Bryan Cranston y Graham Yost (‘Justified’) - consiguen sortear de forma astuta. Especialmente con el uso de unos socorridos cliffhanger, efectivos a la hora de crear esa adicción que ayuda a olvidar sus debilidades.

En la segunda temporada - ya confirmada por Amazon - se verá si la persona termina devorada por el personaje, si los nuevos intérpretes no languidecen ante los que quedaron, si se mantiene ese tono tan interesante de mezcolanza o se prefiere volcar la acción hacia un lado u otro. De momento y a la espera de lo que vendrá, esta primera temporada se disfruta y se vive con intensidad.

Calificación:

'Intocable', debilidades

2015-08-30T21:32:00.000+02:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

Intocable’ fue un éxito brutal en el año 2011 convirtiéndose en la película de habla no inglesa más vista de la historia con más de 51 millones de espectadores en todo el mundo y más de 400 millones de recaudación mundial. Una historia por encima de todo de amistad y positividad con mucho humor y algunas gotas de drama que no hacen más que potenciar todas esas ganas de vivir que trata de insuflar la película. Pero…, ¿acaso fue perfecta?.

Vista con el ojo crítico afilado salen a relucir ciertas debilidades, innegables. Las subtramas que surgen alrededor de los dos protagonistas son en exceso livianas, previsibles y solventadas de un plumazo sin darles casi la menor importancia. Veamos por ejemplo lo relacionado con el tráfico de drogas como se soluciona en apenas quince segundos con una conversación que nunca llegamos a escuchar. La indisciplinada hija del protagonista se endereza - o eso nos dan a entender - tras una retahíla exabrupta que Phillipe la suelta repitiendo las palabras que Driss le dicta. Este último vende un cuadro por una buena cantidad pese a ser la primera vez que se pone ante un lienzo. La música se utiliza de forma constante para generar sensaciones y sentimientos, lo que suele ser un recurso facilón. Etc, etc. Todo esto existe y es imposible de negar ante alguien que, dado al análisis fragmentario excluido del contexto, quiera sacarlo a relucir. Pero…, ¿acaso es relevante?.

Si uno se enfrenta a ‘Intocable’ desprovisto de papel y boli, lo cierto es que en ningún momento la narrativa te invita a levantar la ceja, todo se integra de una manera suave y creíble, y la suspensión de incredulidad se realiza de forma automática, sin ser uno consciente de ello. Las presuntas debilidades se diluyen bajo el foco principal y reaparecen como lo que realmente son, un complemento al servicio de la historia y de la progresión dramática, una herramienta que contribuye a dar matices y ritmo. Pero…, ¿y eso como?.

Igual que no es lo mismo una pelota vieja que una vieja en pelotas, nada tiene que ver una banda sonora que grita pidiendo emoción o alegría - ‘Lo imposible’ -, a una que hace eso mismo sin pedir permiso. Aplicado al cine de terror no es equivalente un susto acústico cuando uno se lo ve venir, a cuando te pilla por la espalda, y el recurso utilizado es el mismo, sin embargo no se percibe igual. La música en ‘Intocable’ funciona. Ludovico Einaudi - brillantísimo compositor - suena de fondo y te lleva en volandas, los imprescindibles de la música clásica y Earth Wind and Fire suenan como parte de los personajes y te enchufan energía. Pero…, ¿lo del cuadro que?.

Es insólito y poco creíble que alguien sin conocimiento ninguno realice un trabajo profesional y lo coloque en el mercado a buen precio. Sin embargo, lo que en otras manos se hubiera engrandecido hasta provocar el vómito por edulcorante - podría “salvar” a su familia, exponer en el museo Reina Sofia, enseñar a los niños del barrio las virtudes del arte, y mil etcéteras más que se os ocurran -, aquí no es más que una pincelada rápida y justa que inspira valentía, atrevimiento, y las ganas de comerse el mundo que nunca deberíamos perder. Es más, si afinamos el ojo analítico lo que se descubre en esta subtrama es una crítica evidente a lo superficial y especulativo que puede ser la industria del arte cuando, el motivo de compra, no es el propio valor artístico del cuadro en si, si no su presumible valor económico y social en el futuro - Phillipe engaña al comprador diciendo que el artista pronto expondrá en Berlín, Londres y su caché subirá como la espuma -. Pero…

Sin peros. ‘Intocable’ es una comedia sobresaliente, ligera, entretenida e inspiradora. Sus presuntas debilidades se integran a la perfección con lo narrado haciendo imperceptibles sus potenciales errores. Quedando más que justificada su razón de ser, principalmente la de contribuir al avance de la historia e intensificar ese continuo buen rollo, ese optimismo contagioso, ese humor insolente incluso, esas grandísimas interpretaciones (Omar Sy y Francois Cluzet), ese tono amable, natural y honesto, ese éxito más que merecido. Pero… ¿acaso hay alguien al que no le guste?.

Valoraciones:

Personal: 9

Filmaffinity: 8,1

Metacritic: 8,3

Rottentomatoes: 8,6

IMDb: 8,6

'Misión Imposible: Nación Secreta', sosa

2015-08-10T20:33:00.000+02:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

En 1996 Tom Cruise se puso por primera vez la máscara de Ethan Hunt en una época, hace ya casi dos décadas, donde el interés pre visionado sobre una película recaía principalmente en los nombres que a esta la acompañaban. Tom Cruise era uno de los revienta taquillas, y aún hoy, queda como el último exponente de aquella fórmula, el único al menos que sigue manteniendo cierta capacidad de arrastre.

Su nombre lleva arraigado un sello, y al público le basta. Queda liberada la campaña publicitaria del acoso y derribo al que nos tienen acostumbrados las majors, obsesionadas con la sobre información que tan lascivamente mamamos de internet. No en vano, hasta su estreno, lo más comentado no fue su teaser, tráiler o nuevo director, si no la escena en la que Tom Cruise, con 56 años ya, se cuelga literalmente de un avión jugándose el tipo - una vez más -, para dejar alucinados a sus muchos fans. No, no nos vendieron a Ethan Hunt ni a Misión Imposible, quizás conscientes de que poco iban a aportar esta vez, nos vendieron a Tom Cruise, y le seguimos comprando.

Desliguemos por tanto estrella y franquicia del análisis. Tom Cruise pone las palomitas y el pasa tiempo, funciona, aporta todo aquello que podrías esperar de una película con su marca. Misión imposible aplica la fórmula propia de la saga, pero no se apropia de ella, carece de “marca”. Sus dos primeros tercios son fríos, los gadgets carecen de ingenio, y, más allá de un humor inefectivo, no tiene una identidad propia. Brian de Palma, John Woo, J.J Abrams y Brad Bird apostaron por algo con mayor o menor acierto, tenían sus armas. El arsenal de Christopher McQuarrie parece silenciado, una réplica bien elaborada de lo ya visto, un producto poco identificativo que será auto destruido de la memoria colectiva en no muchos más de 5 segundos.

Misión imposible no podría dejar más claro en su título lo que uno debería esperar de ella, el roce constante y aceptable con lo inverosímil, lo imposible. ‘Nación secreta’, coletilla de esta quinta entrega, lo que en muchos tramos ofrece es una acción demasiado simple - la secuencia en la ópera de Viena carece de energía y sólo se salva cuando se multiplican los tiradores - y unos diálogos demasiado absurdos - aún ajustando el nivel de tolerancia a los mínimos exigidos para este tipo de producciones -. Y no me refiero a la trama, aceptable aunque desaprovechada, si no a esas líneas de guión que sin tener relevancia, eso es cierto, terminan por molestar.

Sorprende que Christopher McQuarrie, quien también firma el guión, hiciera un trabajo tan excelente en ese aspecto adaptando al cine la novela en la que se basa la completísima ‘Al filo del mañana’. Comparte con esta, y vamos con los aspectos positivos que también los tiene, un personaje femenino - Rebecca Ferguson - arrollador, fuerte e independiente que supone el verdadero reto para el protagonista. Con ella presente la película siempre crece, siendo la trama que surge en torno a su presencia siempre mucho más interesante que la trama global, con el destino de la FMI en juego.

Ella es quien más se exhibe y muestra sus habilidades, llegando a salvar al protagonista en varias ocasiones. Una de ellas, la que surge bajo el agua, coincide con el punto de inflexión donde la película también comienza a salvarse. Vemos por fin algún gadget novedoso, riesgo, emoción, y el coqueteo con el “venga ya” tan divertido si se sabe medir. Casi sin freno, le sigue la frenética persecución a dos ruedas con planos de verdadero vértigo, y una sensación de velocidad y peligro que directamente te sube a lomos de las BMW R1000. Se llega entonces al tramo conclusivo - tras un pequeño descanso necesario - donde el juego de engaños alcanza su mayor potencial finalizando con una placentera unión de fuerzas que vuelve a bordear la línea de lo inverosímil de forma acertada.

Un buen tercio final que deja una sensación de agrado que, reposado, se antoja insuficiente para compensar una acción mayoritariamente sosa, ninguna sorpresa en el uso de los gadgets, y un humor enlatado como elemento diferenciador respecto a otras entregas. Se deja ver, no es un desastre, pero no es una gran 'Misión Imposible'.

Valoraciones:

Personal: 6

Filmaffinity: 6,8

Metacritic: 8,0

Rottentomatoes: 8,4

IMDb: 7,9

'Inside Out', equipo

2015-07-25T14:19:00.000+02:00

Miedo, tristeza, asco, ira y alegría. Quien diría tener al mando a los cinco cuando a la conclusión de la nueva obra maestra de Pixar uno, sin reservas, siente en su interior como es sólo alegría quien esta pulsando botones a tropel. No se si la mejor, pues afirmar algo tan categórico le pertenece a cada individuo, pero si es para el que esto subscribe la película más completa de la factoría del flexo.

La risa y la melancolía forman una única emoción perenne alimentada también por la ternura, lo trascendente y la diversión en una historia que, con una sencillez tan sublime como consistente, escarba en lo complejo de la personalidad humana. Mi miedo - personaje favorito - temía un desequilibrio similar al de ‘Up’ (2009) o ‘Wall-e’ (2008) y sin embargo, lo que en las anteriores se perdía con el avanzar, en ‘Inside Out’ nunca deja de brillar, una fascinación inagotable capaz de levantar por si misma la isla de la cinefilia en todas y cada una de las personas que la disfruten.

Todos buscamos la felicidad hasta el punto de idealizarla y creerla sólo hallada en las sonrisas, cuando quizás, la sonrisa de hoy no existiría sin la lagrima de ayer. Así, el incombustible torrente narrativo que supone el filme trata de poner en valor la tristeza, desde el círculo de tiza en la que se encuentra recluida por la infancia, hasta el irremediable protagonismo que cobra en la madurez, siendo entonces parte necesaria y esencial del equipo.

Una vida sin tristeza implica una vida aséptica, pues tampoco existirá la alegría. Hay cierta escena en que alegría es incapaz de alegrar a Bing Bong y es, por paradójico que parezca, tristeza quien lo anima. Hay que dejar que la tristeza toque sus teclas cuando sea oportuno, asumir su presencia y desde ahí lidiar con ella, sin reprimirla, pues de la supresión de los sentimientos - cualquier de ellos - surge el colapso que, en el caso de la película, da pie a toda la aventura.

A colación de Bing Bong, un personaje inolvidable con el que es imposible no sentir nostalgia, subrayar su desenlace como uno de los momentos que más fibra sensible alcanza. Y no por sorpresivo, se sabía su destino desde el momento en que todos hemos tenido un Bing Bong en nuestras vidas y ya no lo tenemos, si no por lo épico y emotivo que llega a ser aún sin contar con ese factor sorpresa. Evidenciando una vez más que en el cine, por encima de las premisas novedosas e incluso de las propias historias, esta la forma en la que estas se cuentan.

Pete Docter - ‘Monstruos, S.A.’ (2001), ‘Up’ (2009) - y su equipo creativo dan forma a un universo tan interesante y complejo en su concepción como natural y sencillo en su ejecución. Consiguen hacer fácil lo difícil aplicando la fórmula de introducir elementos presentes en el imaginario colectivo de dificultosa comprensión - memoria a largo plazo, creación de sueños, recuerdos olvidados, déjà vu, pensamiento abstracto, subconsciente - de una forma entendible, colorida y creíble para un niño de 3 años, e inteligente, estimulante, y coherente para un adulto.

‘Inside Out’ es divertida, tierna, profunda, entretenida, equilibrada, y con una animación sobresaliente - como cabría esperar -. En definitiva, un todo que desde ya se ha convertido en un recuerdo esencial perteneciente a mi personalidad cinéfila. Quizás no llegue a ser la favorita de los más pequeños - aunque los personajes tienen muchísimo gancho y merchandising - por tener un humor y un acción menos visual que otras cintas de animación, pero entrará a formar parte del club de las imprescindibles para muchísimos adultos, ya sea hablando de cine animado, o no.

Valoraciones:

Personal: 9,5

Filmaffinity: 8,3

Metacritic: 8,9

Rottentomatoes: 8,8

IMDb: 8,7

'Al filo del mañana', vidas ilimitadas

2015-06-30T11:14:00.002+02:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

No cabe duda, si echarse un vicio forma parte de tu jerga habitual, la de aquí es tu cinta ideal. Si no, probablemente también. Nunca antes se ha transmitido tan satisfactoriamente la metodología que proponen los videojuegos al cine como en ‘Al filo del mañana’, tanto en lo que evocan como en sus herramientas para lograrlo. Un deseo por avanzar constante y la máxima de la jugabilidad, entendida como puro entretenimiento, son suficientes para justificar el visionado de esta historia bélica donde el protagonista tiene vidas ilimitadas, aunque su punto de guardado siempre sea el mismo.

Tamaña inmunidad transforman al susodicho en héroe a la fuerza, despojándole además de la cordura de cualquier mortal. Condición que da lugar a decisiones hilarantes de un fino humor negro, y al desarrollo de unas habilidades logradas - al igual que en la videoconsola - por medio del entrenamiento y la experiencia, ensayo y error. Una situación basada en la repetición que nunca se atisba como tal, no existe pereza alguna en recorrer el mismo camino gracias a la pericia de su director, y cada reinicio, se vive como algo dinámico, fresco y apetecible. Siempre hay ganas de pulsar en continuar, y llegados al territorio de lo nuevo, sentimos la misma incertidumbre que Tom Cruise y Emily Blunt.

Ellos son la única posibilidad de victoria ante la invasión alienígena, desarrollada inteligentemente lo justo para funcionar y no complicarse, y ellos son quienes llevan el conjunto aún más allá de la diversión y la espectacularidad. El desarrollo de sus personajes, por si mismos y como pareja, es notable, perfectamente creíble, y alejado de fórmulas memorizadas, sabidas por todos. De cobarde a héroe, de mito a persona, y entre medias, una relación exponencial para él, inexistente para ella. Logrando los intérpretes un mayor número de registros al habitual en este tipo de producciones, donde el carisma puede ser suficiente.

Ritmo, profundidad y una acción que desde su primera muestra - alucinante el primer salto a tierra - aboga por combinar de forma soberbia lo frenético con la claridad - escenas impresionantes sin llegar nunca a marear ni desconcertar -. Doug Liman - ‘El caso Bourne’, 2002 - es capaz además de hacer gala de una concisión llena de contenido por medio de las elipsis, absolutamente memorables. Y no solo es plausible su puesta en escena, el combo ejecutado para acoplar ciencia ficción, comedia, acción, romance y cine bélico es nivel experto, y por si fuera poco, hay varias lecturas adicionales que subyacen bajo el texto principal.

Véase por ejemplo la crítica a la maquinaria y propaganda militar implícita en el traje de combate, capaz de hacer creer a cualquiera poder ser un super soldado como “el ángel de Verdún” - referencia a la I guerra mundial -. O la secuencia que une pasado, presente y futuro en un bar durante ese momento de “pause”. Necesario ante la frustración de vivir un bucle de muerte insuperable en una batalla que, referencia a la II guerra mundial, alude al desembarco de Normandía.

El jefe final espera y la tensión aumenta cuando en su desenlace conocemos que no hay más puntos de guardado, es el todo o nada, y no defrauda. Acaba aquí la historia, en el agua, el "happy ending" no es más que una concesión romántica tópica que no va acorde con la relación que los personajes han desarrollado a lo largo de la película. Por lo que, ante esta diferencia entre lo narrado y la puntilla desacorde de la última escena, lo incongruente y prescindible que resulta, lo mejor es olvidarla.

En definitiva, ‘Al filo del mañana’ es una película completísima, adaptación de la novela del japonés Hiroshi Sakurazaka ‘All You Need Is Kill’, y que si bien no tiene el aura de lo novedoso, si tiene en su ejecución grandísimas dosis de inventiva. Añadan a todo lo escrito un Tom Cruise mereciendo esa categoría de gran actor que ostenta, y una Emily Blunt soberbia en un personaje icónico - que lleve por arma una espada que es una hélice de helicóptero es muy top - y tendrán una película que si bien no es sobresaliente por esos errores más llamativos que dañinos, prácticamente lo es.

Valoraciones:

Personal: 8,5

Filmaffinity: 6,7

Metacritic: 8,4

Rottentomatoes: 7,5

IMDb: 7,9

10 nuevas series para este verano de 2015

2015-06-11T13:05:00.000+02:00

Hace unos años el verano no era una época especialmente fructífera para las series, ahora no solo podremos disfrutar de las nuevas temporadas de nuestras series favoritas (‘True Detective’, ‘Archer’, ‘The Falling Skies’, ‘Hannibal’, ‘Silicon Valley’, ‘Ray Donovan’, ‘Masters of sex’, ‘The following’, ‘New girl’, ‘The strain’), si no que la parrilla televisiva nos va a dar la oportunidad de tomar contacto con muchas nuevas series. Estás son las 10 que a mi juicio considero las más interesantes.

‘Zoo’

No sabemos aún por que, pero el mundo animal se ha vuelto violento y la población mundial esta sufriendo de sus ataques. Tokyo, Río de Janeiro, la Antártida, París o Alabama son algunos de los focos que visitaremos en esta nueva serie de aventuras y ciencia ficción creada por Jeff Pinkner (‘Fringe’ o ‘Alias’), Josh Appelbaum (‘Alias’) y André Nemec (‘Alias’) basada en la novela homónima de James Patterson.

Sin embargo, el propio escritor ya adelantó que “va a haber muchos cambios respecto al libro, lo que me parece excelente”. Y es que, mientras la versión escrita se centra en los personajes de Jackson OZ - un zoólogo renegado que antes de verse envuelto en la tarea de descubrir el origen de la pandemia era guía por los safaris de África - y Chloe Tousignant - una investigadora francesa que conoce a OZ durante un safari -, interpretados por James Wolk y Nora Arnezeder respectivamente, la serie contará con un reparto más amplio en el que habrá voz para cinco protagonistas.

Inicialmente pensada para concluir en cinco temporadas, ‘Zoo’ se estrena el 30 de junio por la CBS con 13 episodios. El salvaje heredará la tierra…

Tráiler:

‘Mr Robot’

‘Mr. Robot’ es un thriller psicológico que promete colocar al hackeo en el lugar de respeto que merece, y cuyo protagonista, recuerda en parte a Lisbeth Salander. Administrador de sistemas para una gran empresa de día, Elliot (Rami Malek) es un joven con tendencias antisociales que, en la noche, se transforma en un habilidoso hacker empeñado en destapar a personas o empresas contrarios a sus principios.

No tardará en querer contar con sus servicios un grupo anti sistema liderado por Mr. Robot (Christian Slater), líder de la organización en lucha contra el poder de las corporaciones y cuyo objetivo primero es el cliente más importante para el que trabaja Elliot. Las redes sociales, el consumismo, los falsos mitos, el espionaje comercial, la seguridad cibernética o el cyberacoso son temas presentes en esta nueva serie que tiene en el casi debutante Sam Esmail a su creador.

La cadena de emisión para este nuevo estreno es USA Network, una cadena no muy querida entre el público más exigente, pero que, tras el preestreno del capitulo piloto, esta recibiendo grandes atenciones. Veremos si mantienen el tipo durante los 10 capítulos de esta primera temporada que comienza oficialmente el 24 de junio. Nuestra democracia ha sido hackeada.

Tráiler:

‘Narcos’

El género narco esta de “moda”. ‘Breaking bad’, ‘CartelLand’ (mejor documental en Sundance 2015), o la novela literaria ‘El poder del perro’ de Don Winslow así lo parecen señalar. Y la tendencia va a continuar, pues una serie que narra el ascenso y caída del traficante colombiano Pablo Escobar (1949 - 1993) apetece, pero si además la firma José Padilha y la protagoniza Wagner Moura, los mismos de la brutal ‘Tropa de Elite’ y ‘Tropa de Elite 2’, la serie apetece mucho.

‘Narcos’ contará “la verdadera historia de cómo la cocaína se ha convertido en un gran problema en Estados Unidos y en Europa. Y cómo todo empezó allí, en Medellín”. Y además de a Wagner Moura, veremos a Pedro Pascal (el príncipe Oberyn en ‘Juego de tronos’) como el agente de la DEA mexicano enviado por EEUU a asesinarle.

Los 10 capítulos de los que se compone la serie los podremos ver en una fecha aún indeterminada de agosto, cuando Netflix tiene previsto darle salida a esta serie de estreno.

Tráiler:

‘The Brink’

Un traidor se hace con el control de Pakistán y todo su arsenal nuclear desencadenando una crisis geopolítica que podría acabar en la Tercera Guerra Mundial, para evitarlo, tres grandes hombres se pondrán manos a la obra: el secretario de Estado de EEUU Walter Larson (Tim Robbins), el agente del departamento de exteriores Alex Talbot (Jack Black) y un piloto de combate de la marina llamado Zeke Tilson (Pablo Schreiber).

Dicho contexto servirá como pretexto para construir en torno a estos tres personajes (ojito al reparto) una comedia negra que arremeterá contra la política y las guerras. Una promesa de humor e irreverencia creada por Roberto Benabib, y con la Casa Blanca, el turbulento Oriente Medio y un portaaviones anclado en el mar Rojo como escenarios más destacados.

La ‘HBO’ recurre a la sátira en esta nueva serie compuesta por 10 episodios y que se emitirá en EEUU junto a ‘True Detective’, lo que significa situar su fecha de estreno para el 21 de junio. Bienvenidos a un mundo de problemas…

Tráiler:

‘Humans’

‘Humans' es una serie que nace a partir de la sueca ‘Real Humans' (ahora en Movistar Series) y que contará con ocho episodios co-producidos por AMC y Channel 4 firmados por Sam Vicent, Jonathan Brackley y Lars Lundström (creador de la citada versión europea).

La trama tomará la idea de un mundo donde los hubots (androides) son un habitual entre los humanos y como ambas especies se relacionan. Unos, los humanoides, relegados a la servidumbre y al trabajo comienzan a plantearse si realmente están obligados a obedecer. Otros, los humanos, experimentarán hasta donde pueden llegar a empatizar y se preguntarán ¿qué es lo que realmente nos hace humanos?.

Una serie que evoca a ‘Blade Runner’ o la más reciente ‘Ex machina’ y cuyo germen esta en Asimov. Podrá comenzar a verse el 28 de junio. Hechos a nuestra imagen. Fuera de nuestro control.

Tráiler:

‘Fear The Walking Dead’

Después del progresivo aumento de calidad de ‘The Walking Dead’, llegando a convertirse en un más que respetable entretenimiento cada vez más asemejado al espíritu de los cómics, hay muchas ganas de ver este Spin-off que comenzará con el caos de la civilización producido mientras Rick Grimes dormía.

No obstante Robert Kirkman - creador de todo este universo -, ha querido aclarar que ‘Fear The Walking Dead’ no será un prólogo de su hermana mayor: “no considero esta serie una precuela, ya que habrá un punto en un determinado episodio que se alineará con la segunda temporada de ‘The Walking Dead’, y otro con la tercera. Así que vamos a estar avanzando en el tiempo desde el inicio del brote. ¿Por qué avanzaremos tan rápido?. Eso será un misterio.

Otra de las grandes particularidades de este nuevo comienzo es que la acción estará situada en Los Ángeles, lo que propiciará entornos mucho más urbanos que los acostumbrados a ver en ‘The Walking Dead’ donde los bosques son protagonistas.

La locura zombie volverá en agosto y tan solo tendremos que esperar un día para poder verla en España de la mano de AMC España.

Tráiler:

‘Proof’

Jennifer Beals (‘Flashdance’, ‘L’) es una cirujana adicta a la ciencia que tras la devastadora pérdida de su hijo adolescente se verá especialmente interesada por casos relacionados con reencarnaciones, buscando las pruebas que determinen si la muerte es el verdadero fin.

TNT dará salida a este drama médico de tono fantástico - y a que a mi particularmente me trae a la mente series como ‘Entre fantasmas’ o ‘True Calling’ - el 16 de junio, con 10 capítulos para esta primera temporada.

Tráiler:

‘Significant Mother’

Jimmy (Rob Mayes) ha olvidado por completo uno de los principales códigos de amistad - las madres y las hermanas son sagradas - manteniendo una inesperada relación con Lydia (Krista Allen), madre de su mejor amigo y principal protagonista, Nate (Josh Zuckerman). Todo se complica cuando padre (Jonathan Silverman) e hijo deciden formar tándem para acabar con la pareja, inestabilidad a la que contribuye Pepper Spinner (Denise Richards), la archienemiga de Lydia conocida por ser una asaltacunas que ahora ha posado su mirada en Nate.

Esta comedia estaba siendo desarrollada en principio para ser una webserie, pero sin embargo ha sabido hacerse un hueco para dar el salto al formato televisivo bajo el auspicio de The CW. Comienza el 3 de agosto.

Aún sin tráiler, actualizaré la entrada cuando lo publiquen.

‘Sense8’

Uno de los platos fuertes ya disponibles desde el 4 de junio en Netflix. Creada por los hermanos Wachowski, aseguran que ’Sense8’ será como una película de 10 horas - 10 episodios de una hora de duración cada uno - que recordará a ‘El atlas de las nubes’.

Su trama sigue los pasos de ocho personajes desconocidos, de diferentes partes del mundo y que tras una trágica muerte, se encuentran emocional y mentalmente conectados. Entre su reparto encontramos a Naveen Andrews (Sayid en 'Perdidos') o a Miguel Ángel Silvestre cuya escena de sexo gay - así como su abultado paquete - a causado sensación en la red.

Tráiler:

‘Ballers’

Lo primero que llama la atención de esta nueva serie es la implicación de Dwayne ‘The Rock’ Johnson en su proyecto más ambicioso para televisión cuando trabajo en el cine tiene de sobra, hace poco llegó a ser el actor más taquillero de Hollywood.

En cuanto a la historia, esta girará en torno a un grupo de jugadores de fútbol americano unos en activos, y otros como Spencer Strassmore (Dwayne Johnson) ya retirado y ahora ejerciendo la labor de representante. En el reparto de 'Ballers' también podremos ver a Omar Benson Miller, John David Washington (hijo de Denzel Washington), Rob Corddry, Troy Garity, Donovan Carter, Jazmyn Simon, Taylor Cole, LeToya Luckett y Carmelo "Q" Oquendo.

No faltará el lujo, la competencia y el descontrol en esta comedia dramática de capítulos de media hora de duración que podrá comenzar a verse el 21 de junio firmada por la HBO. Las leyendas no se retiran, se reinventan.

Tráiler:

'La canción del mar', Tomm Moore

2015-05-19T23:22:00.000+02:00

Historias contadas que se transforman en cuentos, aquellos de nuestra infancia, poderosos, los que sin pedir permiso se pierden adentro y, aún sin recordarlos, siempre nos acompañan. ‘La canción del mar’ cala como un cuento, inolvidable, y sus mimbres rebosan la magia de la que todos están hechos. Pero no es la magia de Disney, la fantasía irreverente de Dreamworks o la genialidad de Pixar quienes la firman, esta delicada pieza de animación traza sus propios contornos de la mano de Cartoon Saloon, compañía irlandesa que sin duda evoca a las grandes joyas del estudio Ghibli.

Y puestos a equiparar, si Hayao Miyazaki fundo Ghibli con cuarenta y cuatro años, Tomm Moore hizo lo propio con Cartoon Saloon a los veintidós. Hoy, mayo de 2015, a sus 38 años ya cuenta en su filmografía con dos maravillas: la que nos ocupa, y ‘El secreto del libro de Kells' (2009). No solo les une un estilo artesanal exquisito, ambos pretenden abrir al mundo una cultura poco conocida mientras comunican temas universales, y vuelven a unificarse al utilizar para ello elementos como la emoción, la importancia de la naturaleza y su fauna, la inocencia como virtud, o la magia como fábula.

Visualmente priman los contornos redondeados en una animación bidimensional que de forma progresiva te va ganando, se comienza escéptico y se termina rindiendo pleitesía. El grupo de personajes es variado y cada uno posee sus propios trazos llenos de personalidad, pero es en sus fondos donde realmente fascina, difusamente coloreados, son una auténtica delicia. Termina de dibujar la atmósfera un acompañamiento musical de sonidos locales, de ensueño, de los que trasladan a un mundo de leyenda.

La leyenda vivida por Ben y Soirse, una cuenta atrás plagada de personajes del folklore irlandés donde subyace la pérdida, sus consecuencias, como lidiar con ella y finalmente asumirla. Algo que se padece en singular y se trata de afrontar enfrascando sentimientos lo que, en lugar de ayudar, les tornan en piedra. Véase la antipatía de Ben hacia su hermana, los convencionalismos de la abuela “en mi coche y en mi casa no se llora”, la frialdad del padre agarrado al horizonte de día y a la botella de noche, o la abuela lechuza quien metafóricamente lleva todo esto a imágenes.

‘La canción del mar’ es una magnífica pieza de arte, enormemente sensible, auténtico cine en todas sus categorías. Un discurso complejo, con mimo, suficientemente maduro como para embelesar al adulto. Una aventura sorprendente, fascinante, y con una buena cantidad de elementos como para entusiasmar al menor. ¿Y si ahora que el maestro se ha retirado, ya tuviéramos sustituto, y fuera irlandés?.

Valoraciones:

Personal: 9

Filmaffinity: 7,7

Metacritic: 8,1

Rottentomatoes: 8,4

IMDb: 8,2

Better Call Saul, Bb = BcS

2015-04-26T13:50:00.000+02:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

El 29 de septiembre de 2013 Twitter ardía elucubrando cual sería el porvenir de Jesse Pinkman y Walter White, y no era para menos, el capítulo final de Breaking Bad prometía dejar exhausto a su legión de seguidores, y así lo hizo. Nos despedimos aquel día, y lo hicimos demasiado temprano. Better Call Saul es Breaking Bad, su universo apenas se desvía del de su predecesora, la ejecución técnica es inconfundible, y su tono, su alma, su ritmo, sin duda es el mismo. No obstante, tal grado de afinidad no es una virtud rotunda si no que tiene también connotaciones negativas.

A Vince Gilligan se le une esta vez como creador Peter Gould - quien escribió el primer episodio en el que apareció Saul -, y comienzan la temporada jugando con el espectador acerca de la temporalidad, ¿será una secuela o una precuela?, ofreciendo una secuencia de montaje en blanco y negro que demuestra un gusto por lo visual al nivel de lo ya visto. La fotografía es sobresaliente, elegante, heredando de Breaking Bad ese afán no solo por componer un plano, si no de funcionar también a nivel narrativo. Y aún hay más en al ámbito de lo reconocible: planos inverosímiles que te harán pensar donde diablos esta situada la cámara, montajes dinámicos con encuadres cerrados y planos detalle, contra picados muy acusados, vuelta a los lugares comunes como el desierto ligado a la muerte…, en definitiva, una ambientación fantástica, celebrada en su día y que merece seguir siendo celebrada.

Los guiños a Breaking Bad - siempre de agradecer para el fan -, son también denominador común y están bastante bien traídos. Con todo, la sensación no es la de estar ante algo nuevo, si no de continuación, y si así fuera, ¿diríamos que es una gran temporada o simplemente relleno?. Lo cierto es que estos diez capítulos que hasta el momento componen Better Call Saul - sobre todo su parte central -, no consiguen tener entidad propia y a veces parecen más un tributo que una serie con brillo propio. Le falta algo de valentía para romper con su predecesora, y la necesita, ya que de no crear su propio mundo y quedarse en el de otro, siempre será recordada como un subproducto, de calidad eso si, pero subproducto.

Dos originalmente secundarios con carisma más que suficiente para ser protagonistas merecen a su alrededor más que meras comparsas. Algo con un peso superior a lo anodino - “friend zone” Kim Wexler (‘Rhea Seehorn’) -, el homenaje - Stacey Ehrmantraut (‘Kerry Condon’) o Tuco (‘Raymon Cruz’) -, lo desaprovechado - su compinche en el timo Marco (‘Mel Rodriguez’) -, y lo fallido - su hermano Chuck McGill (‘Michael McKean’) -. ¡Poco importa con Saul y Mike!, ellos se bastan y se sobran para mantener la cuota de interés elevada - veremos si aguantan -, a lo que contribuyen, y mucho, sus intérpretes.

Bob Odenkirk controla un personaje con el que fácilmente podría haber caído en los excesos, un antihéroe que es puro ingenio, un perdedor dotado de una labia irresistible que cae bien desde el principio. Conocemos a Saul pero aquí es Jimmy el escurridizo, y es esa dualidad sabida por el espectador la que aporta un grado más de profundidad a cada acción que le contemplamos: la determinación - par de huevos - que demuestra en situaciones límite, lo bien que se desenvuelve al margen de la ley en un mundo que aún no es el suyo pero para el que parece haber nacido, o esa constante pugna moral entre lo que quiere ser y lo que es. Por su parte, Jonathan Banks mantiene un registro severo, su interpretación consigue sin necesidad de lineas de guión transmitir la sensación de estar ante alguien atormentado, que sabe lo que se hace y que más te vale respetar. Protagonista absoluto de uno de los mejores episodios de la temporada - aunque sea de nuevo por su implicación absoluta con Breaking Bad -, vamos conociendo poco a poco su camino no sin dejar de prestar atención a su estimulante perspectiva de la criminalidad.

Una temporada inicial notable aún a pesar de una evidente falta de identidad propia, con algunos toques de genialidad ya comentados, y otros por añadir como la incorporación de una estafa viral totalmente contemporánea, o la ausencia de sonido en una reunión que amplifica las implicaciones de la misma. El resultado se disfruta, especialmente por los seguidores de “la saga”, sin embargo y a juicio del que esto subscribe, le falta dar un paso al frente. Quizás apostar aún más por el humor, la abogacía, o la picaresca elementos todos presentes pero que quedan a la sombra de lo impuesto por Breaking Bad. Es posiblemente esta una temporada de transición y sea en la siguiente cuando rompa el cascarón, veremos entonces si toma aire o se ahoga. Capacidad, una buena base y factor humano tienen de sobra para llenar los pulmones.

Calificación:

'Perdiendo el norte', inaguantable

2015-04-09T21:48:00.000+02:00

En la vida real, la diferencia entre estar ante un tipo con gracia y otro que se cree con gracia se plasma en lo cerca de él que te sentarías en una cena. Ya que si el primero consigue condensar el tiempo, el segundo transforma la velada en inaguantable haciendo que lo más celebrado sea el postre, y no por dulce si no por acabado. Dicho calificativo, el de inaguantable, debería ser el último que a uno se le debiera imaginar cuando ve cine del que espera algo simpático, ameno y amable, y sin embargo, no se me ocurre mejor título.

‘Perdiendo el norte’ no tiene gracia, pero lo que llega a enervar al personal es su moralina de recetario y su despreciable forma de buscar empatía por medio de temas sociales de actualidad, abordados sin interés, ni chispa, ni mala baba. Relleno para vender entradas y lucrarse a costa del ánimo de inconformismo coyuntural. El trato que se le da a los desahucios o lo arbitrario y omisible que es introducir el tema del alzheimer, incluido solo con el fin de lanzar un par de chistes fáciles hacía el final, son directamente de mal gusto.

Tópico tras tópico la narración avanza previsible y esquemática, algo admisible tratándose de una comedia de fácil consumo siempre y cuando se consiga por el camino hacer reír. Este encargo era - a priori - responsabilidad del choque de culturas producido esta vez entre dos países diferentes. Y a pesar de sus muchas posibilidades y vertientes sabidas por tantos de los que en algún momento hemos tenido que partir, la sensación es la de estar escuchar a “Loquendo” enumerando anécdotas. Lejísimos de la carcajada, de llegar a vivir, sentir y disfrutar con esas anécdotas. Y no es el tópico el culpable si no la incapacidad de saber hacerlo lucir, pues material hay, lo que no hay es gracia.

Toca hablar de los interpretes y si bien estos no son lo peor - guión y dirección pierden mucho más el norte -, tampoco mejoran el nivel general. La pareja de turno la forman un Yon Gonzalez al que se le nota estar interpretando continuamente, y Blanca Suárez, quien aún mejor que su compañero, quedará para el recuerdo como la corredora sonriente. Aparece también Miki Esparbé - que parece el hermano bastardo de Melendi - en un personaje mil veces visto y un irreconocible Julián Lopez, soso y acartonado, y al que solo vemos de verdad en los títulos de crédito y en un plano reacción totalmente suyo - SPOILER - cuando ve la mano de Miki Escarbé en el centro de donación de semen - FIN SPOILER -. Por último, y sin mucha fortuna tampoco, vemos desfilar a José Sacristán, Ursula Corberó, Malena Alterio, Javier Cámara, Carmen Machi, Yunes Bachir y el más simpático y socarrón de todos Arturo Valls.

Nacho G. Velilla dirige un bodrio capaz de reproducir y expandir las fobias que arrastra el cine español y de las que poco a poco nos íbamos apartando, y de paso y por comparación, convierte a ‘Ocho apellidos Vascos’, ‘3 bodas de más’, ‘La gran familia española’, o ‘Las brujas de Zugarramundi’ por citar las más cercanas a su estreno en obras maestras. Más subrayados que un programa infantil, gags de corte televisivo que no funcionan como en el medio doméstico, y además con ínfulas de rebelde y solidaria. Si la veis en la mesa sentaros lo más lejos posible, o mejor, fingir alguna indisposición y rechazar la invitación.

Valoraciones:

Personal: 2

Filmaffinity: 5,5

Metacritic: ¿?

Rottentomatoes: ¿?

IMDb: 6,1

Especial Ryan Gosling: 'El mundo de Leland', nihilismo

2015-04-03T11:42:00.002+02:00

- Esta crítica puede contener spoilers -

Es la vida tan canalla que nosotros, insignificantes frente a ella, nos desgañitamos en buscarle una explicación lógica a todo aquello que no comprendemos. La muerte, la violencia, o el simple abandono de tu pareja sentimental parecen necesitar de un porqué para poder seguir avanzando, y a veces, simplemente, no lo tienen.

Aceptar ese nihilismo, nuestra insignificancia, que las cosas suceden sin más a pesar nuestro, es un punto que se alcanza a base de golpes o en lo que también viene a ser llamado madurez. Algo así podría decirse ser el tema central sobre el que nos pretende hacer reflexionar ‘El mundo de Leland’, pero no el único. Lo caprichoso de la memoria selectiva o la mutabilidad del corazón sin preguntar son ideas también presentes, y que vendrían a incidir en lo mismo, el control que nos queremos otorgar respecto a nuestro día a día y lo poco que a la vida le importa esto, quien actúa como una bofetada sin razón aparente.

La sinopsis ya te adelanta como Leland asesina a un niño con retraso mental, así comienza, y equivocadamente podemos prejuzgar el estar ante una cinta de corte sensacionalista y lacrimógeno. En cambio, no es propósito de su director el ir a tocar la fibra sensible y si el de invitarnos a pensar, abandonando incluso a veces la narración puramente cinematográfica en favor de las palabras. “Hay dos maneras de ver la vida” se dice hacia el final, y la cámara juega a asemejar el guiño de nuestro ojo para reproducirlo, la primera es verla según nuestro punto de vista y la segunda es ver la realidad, triste y puta como ella sola.

El trabajo de dirección es importante - me sorprende que Matthew Ryan Hoge no haya dirigido desde entonces, año 2003 -, con un montaje efectivo (a pesar de ser ligeramente confuso al principio) y un retrato certero de personajes y entorno con la utilización de apenas retazos, véase el fundido de una bombilla por ejemplo. En este punto me gustaría destacar a Kevin Spacey, quien interpreta un personaje desolador y que, a pesar de ser el padre, no acude a la llamada más que en favor de su propio interés. Él sabe escribir libros y es lo que busca, un libro, una historia. Muestra de ello es la inspirada nota de voz que graba al volante de su coche o como sentado en el bar, deja intuir el estar en un escenario de su futura obra. Volvemos a la realidad como nuestro punto de vista, y sin embargo al final, una cinta que corre sola, insignificante, sin sentido, la realidad como tal.

Ryan Gosling se encuentra en su primera película notable, no como interprete pues en su primer papel protagonista ya lo estaba, si no referido a la película como un todo. Su actitud impasible, propia de su estilo interpretativo, unido a su todavía falta de desarrollo artístico casan a la perfección con el personaje que debe interpretar, esa chaval desganado, confuso y desorientado ante el mundo que le rodea. Don Cheadle a su lado dibuja el personaje más reconocible por todos, un tipo lleno de contradicciones que justifica apelando a su humanidad.

‘El mundo de Leland’ tiene un ligero poso depresivo a pesar de un final donde cede y se opta por cerrar todos los cabos. Transgrede por incidir casi en exclusiva sobre la reflexión olvidando por momentos el resto de elementos cinematográficos, pero lo que podría ser un defecto está tan logrado en su objetivo que funciona.

Valoraciones:

Personal: 7,5

Filmaffinity: 7,0

Metacritic: 7,1

Rottentomatoes: 7,4

IMDb: 7,2

'Ex machina', magnética

2015-03-05T23:39:00.000+01:00

¿Es la máquina consciente de jugar al ajedrez o simplemente juega al ajedrez?. Los postulados de Alan Turing, sobre los que discurre esta obra, dictan que si una maquina se comporta en todos los aspectos de una manera inteligente, entonces debe ser inteligente. Y es esa barrera, la que marca la diferencia entre la inteligencia y la consciencia de la propia inteligencia, lo que sirve a Ex machina como hilo conductor de una historia magnética, reflexiva y exigente.

Dirige por vez primera Alex Garland, conocido principalmente por haber escrito dos películas de Danny Boyle: ’28 días después’ y ‘Sunshine’, y sin apenas preámbulo - ni necesario -, cierra la puerta de ese habitáculo diseñado para el estudio, único escenario de lo que esta por acontecer. Inquieta ya desde ese momento, y desde entonces, avanza con efectividad a un ritmo frío y sosegado alejado de artificios pirotécnicos y paisajes macro futuristas. Concretando un ejercicio de cámara con ésta al servicio de la historia y no a la inversa, como cierta galardonada de altos vuelos llamada 'Birdman'.

Su coherencia visual es total con el estilo pretendido, mezcla de minimalismo y futurismo, dejando imágenes de gran belleza y atracción tanto en interiores como en esos hipnóticos exteriores rodados en Noruega. El guión, también firmado por Alex Garland, hace gala de una astucia plenamente consciente apoyada en la estructura propia de los thriller y la dosificación de información. La presentación mediante rótulos del avance en la investigación, las tarjetas delimitadoras de espacio, las caídas energéticas, el juego de luces…, todo esta pensado. Quizás adolezca de cierto desequilibrio en cuanto al desarrollo de las relaciones establecidas, especialmente acuciado en la relación entre la ginoide y su analista, lo que hace dudar por momentos acerca de las reacciones de los personajes, pero dichas irregularidades se subsanan en un final solido y muy cuidado.

Una historia de ciencia ficción donde lo más importante son sus tres personajes protagonistas, bien interpretados y caracterizados en un gran trabajo de diseño de vestuario - esos pies desnudos, el sobaco, los vestidos que humanizan, las camisas… -. Alicia Vikander da vida a Ava, quien deberá probar que su inteligencia no lleva nada de artificial; Oscar Isaac es el genio tecnológico, excéntrico y creador de Ava; y Domhnall Gleeson el introvertido programador encargado por sorteo de poner a prueba la inteligencia de Ava. Ninguno de los tres desmerece, pero es Alicia Vikander quien más destaca especialmente cuando en el tramo final - SPOILER - se descubre su naturaleza y nos acerca al cine y la literatura de horror que tanto frecuentaba Lovecraft. - FIN SPOILER -

Ex Machina bebe de muchas otras obras con robot mediante, sin embargo, a mi mente acude ‘La piel que habito’ (Pedro Almodovar, 2011) por el encierro, la paternidad, la creación. En definitiva, una película sugerente, elegante a la vista y con un regusto a trascendental de ese que gusta comentar al terminar, puede que su ritmo y falta de condescendencia con el espectador no la haga apetecible para todos, pero sin duda alguna es una de las mejores películas de 2015.

Valoraciones:

Personal: 8
Filmaffinity: 7,1
Metacritic: 7,7
Rottentomatoes: 8,1
IMDb: 8

Goya 2015: cortometrajes de animación

2015-02-07T13:11:00.001+01:00

'A Lifestory' de Nacho Rodríguez

'A Lifestory' es un cortometraje de Nacho Rodríguez llamativo y ligeramente reflexivo donde un gatito experimenta en apenas cuatro minutos fases extrapolables a todo un ciclo vital en el común de los humanos. Timón al mando diseño y una banda sonora acertadísima, su gran virtud no esta en el guión en si - una interpretación del poema de tintes bíblicos conocido como ‘el himno de la perla’ -, si no en su forma narrativa capaz de hacer legible estás líneas de guión simples pero extensas.

Puntuación: 7

'Juan y la nube' de Giovanni Maccelli

Remarcando el estar ante un producto dirigido al público infantil, Giovanni Maccelli crea en base al cuento de Susana López Rubio una historia de valores pedagógicos para los infantes y agradable visionado para el adulto. Si, sus mensajes principales están profusamente marcados - así han de ser entendiendo su público objetivo -, pero también existen trazos de stop motion dedicados a la mirada más adulta. Ese mundo gris que te quita el alma y despersonifica frente al color de la imaginación y los sueños. No trasciende pero tampoco se sufre.

Puntuación: 6

Nota: Este cortometraje no se encuentra de manera gratuita en la red, para verlo adjunto un enlace a la web Feelmakers, donde por 90 céntimos puedes hacerlo. Así lo he hecho yo, y sin ningún problema.

'El señor del abrigo interminable' de Victoria Sahores Ripoll

Trauma social de un hombre incapaz de interactuar con el mundo real más allá del construido en forma de maqueta, auto condenado a contemplar la realidad a través de una ventana hasta que decide arrastrar su peso al exterior, hacerle frente y avanzar. Coincidiendo al fin con alguien de su mismo universo y cargas propias, uniéndose en un todo que ya no pesa, rueda.

Puntuación: 7

'A lonely sun story' de Juanma Suárez García y Enrique F. Guzmán

Narrado por Mario Casas y María Valverde, ‘A Lonely sun story’ es una súper producción de aspecto notable y gusto a prefabricado. Animación loable más propia de un largometraje que en absoluto sirve para enmascarar un conjunto que arrastra todas las deficiencias de la parrilla televisiva patria. Su idea simplona de lo friki, lo forzado de las escenas de acción, su burda pretensión social o las patéticas líneas de guión te hacen recordar porque, hace ya mucho, huyes cada noche del salón.

Puntuación: 4

Nota: Este cortometraje no se encuentra de manera gratuita en la red, para verlo se necesita de una subscripción a Yomvi.

'Sangre de unicornio' de Alberto Vázquez

Alberto Vázquez nos propone un relato acerca del maltrato y la dependencia y lo intrínsecamente relacionados que pueden llegar a estar. Narrado mediante un mundo que contrapone lo formalmente bello frente a lo perturbador, la narración - alejada de los estándares más académicos -, avanza in crescendo conforme aumenta la violencia. Ositos inquietantes que no son peor que el ser humano, el más espantoso de los demonios que reinará otra vez sobre la tierra el día que el último de los unicornios fallezca.

Puntuación: 8

SANGRE DE UNICORNIO (UNICORN BLOOD) from UNIKO on Vimeo.