Diana Debord Photography Blog

E' il mondo a dover salvare la bellezza

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 18 Jun 2015 07:52:00 +0000

Nell'ultimo periodo si sente parecchio discutere di bellezza, che cosa sia, come ottenerla, come mantenerla, come e perché salverà il mondo.

Ma tutte questi giri di parole spesso sono fini a se stessi. La bellezza nella società del profitto è un concetto ridondante, che si fonda su indagini di mercato. Le aziende usano le persone come prodotti, una volta per vendere la gracilità, una volta la pinguetudine. Ognuno di noi ha un proprio concetto di bellezza che dovremmo formarci indipendentemente dai media o dalla cultura dominante, e a maggior ragione in quanto fotografi, perché creatori di immagini.

Chi fotografa

Diamo uno sguardo ai canoni estetici secondo cui vengono scelte le modelle e come vengono fatte posare. Giovani? ovvio, meglio se giovanissime (come se le donne dopo i 35 anni siano da buttare). Prima c'erano le modelle magrissime, al momento le "curvy" (termine radical chic per definire le donne sovrappeso) vanno per la maggiore, come se essere grassi sia un fatto positivo meramente fisico (essere in sovrappeso aumenta i rischi di patologie varie e pesa sul sistema sanitario nazionale!). Ma la società siamo noi, siamo noi a costruire immagini e a decidere cosa raffigurare, e in questo abbiamo piena libertà, specialmente in campo artistico o amatoriale.

Chiedete al rospo che cosa sia la bellezza e vi risponderà che è la femmina del rospo. - Voltaire

La fotografia artistica, quella di cui mi occupo io, non deve necessariamente mostrare donne belle, anche se è la strada più facile. Io sono convinta infatti che fotografare una donna bellissima sia davvero facile. Il soggetto riempie l'immagine, al punto tale da spazzare via qualsiasi altra cosa. Il fotografo uomo è spesso limitato per il fatto di essere uomo: dovrebbe saper uscire dagli stereotipi, dal ruolo di voyeur. Quanti ci riescono? Io vedo ritratti, magari anche belli, ma pieni solo di bellezza.

Se mi dicono che una foto è bella, devo domandarmi se l'osservatore in realtà intenda dire che il soggetto è bello. Io voglio che la fotografia, il mio lavoro, sia bello (= interessante, unico, particolare) indipendentemente dal soggetto.

Chi viene fotografato

Il modo di considerare la bellezza è cambiato, ma è cambiato anche il modo delle persone di leggere le immagini. Ora se ci scattano una foto, che sia delle vacanze o per un servizio fotografico, chiediamo e pretendiamo di "uscire bene". Nessuno pensa più di uscire per come è realmente, poco importa se il fotografo debba stravolgere le caratteristiche fisiche del soggetto. La gente pensa che la fotografia sia soltanto questo, un mezzo per apparire migliori. Questo sta livellando la fotografia, portando qualsiasi genere ritrattistico a seguire i dettami della moda. Non dovrebbe e non potrebbe dico io, essere invece il contrario?

La Bellezza è non rispondere a certi canoni o ragioni. - Margherita Hack

Se chiedo ad una modella di posare, lo faccio perché la trovo particolare, unica, interessante, spesso anche a livello personale e non solo fisico. Ho fotografato donne bellissime e altre meno, anzi io stessa ho deciso di mettermi in gioco e superare tanta insicurezza tramite l'autoritratto, pur senza aver nulla della "donna da copertina" e senza modificarmi i connotati, eppure sono apparsa su copertine di libri e magazine. Ricevo molte richieste da parte di donne che vogliono posare per me, e solo in un caso è capitato una persona non fosse soddisfatta del risultato ("sono uscita male"). Io non assottiglio vite o ingentilisco nasi, non faccio foto di moda e non mi definisco nemmeno fotografa, tutte le modelle sono identiche a come le posso incontrare per strada e ne vado fiera! Chi posa per me dovrebbe sapere che entrerà in un mondo parallelo, in cui il soggetto non è la foto ma parte della foto.

Per apparire come non si è esistono le foto profilo di facebook, per superare problemi gravi di autostima (che portano a voler essere fotografate solo per sentirsi dire che sei bella anche quando non è vero) esistono gli psicologi.

La bellezza non salverà il mondo, è il mondo a dover salvare la bellezza.

Workshop a Novara 2015: resoconto

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 11 Jun 2015 07:15:00 +0000

foto di gruppo con i partecipanti e gli organizzatori

Domenica 7 giugno si è tenuto il workshop di fotografia fine art a tema Dreams, che ho tenuto grazie a Photocomics. Come sapete era tutto esaurito, ma prometto a chi non ha potuto esserci che sto già pensando ad un'altra data (per sapere subito quando, scrivete a contact@dianadebord.com). Anche stavolta ne abbiamo combinate delle belle, e ci siamo inventati scenari davvero "da sogno"...

Teatro degli scatti come sapete, è stata ancora una volta Casa Bossi. Sarà l'atmosfera o le infinite stanze tutte diverse che la popolano, ma io ogni volta che ci entro inizio ad avere idee di ogni tipo e spero di aver trasmesso qualcuna delle mie visioni anche ad i partecipanti! Il mio approccio alla fotografia non è tradizionale ma vedere persone di diverse età e competenze fotografiche così interessate e coinvolte mi fa sempre molto piacere.

Ringrazio di cuore:

tutti i partecipanti per l'entusiasmo! Marta, Isabella e Beatrice per essere state delle modelle così pazienti e graziose. Photocomics per l'organizzazione, supporto logistico e reportage della giornata. Casa Bossi per la disponibilità. Il Centro Culturale La Riseria per la sala e l'attrezzatura.

il "quadernino segreto" con tutte le idee è stato utile come al solito ;)

preparando Isabella per alcuni scatti!

un momento del pomeriggio con le tecniche e trucchi creativi di foto manipolazione a La Riseria

guardando insieme le foto scattate durante la mattinata a Casa Bossi

se volete organizzare un mio workshop nella vostra città scrivete a: contact@dianadebord.com

La vignettatura: da difetto a strumento creativo

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 28 May 2015 09:00:00 +0000

"The Tell-Tale Heart" senza vignettatura (a sinistra) e immagine definitiva (a destra)

Tra tutti gli effetti che solitamente utilizzo nei miei lavori, la vignettatura è sicuramente uno di quelli che preferisco maggiormente. Il web, i concorsi e le mostre sono pieni di immagini con la vignettatura ma spesso è realizzata in maniera talmente kitsch che toglie ogni piacere di visione alla fotografia! Ecco perché anche in questo caso è meglio attenersi alla regola del poco ma fatto bene.

Prima dell'avvento del digitale, la vignettatura era un fenomeno ancora più ricorrente ma spesso non voluto dai fotografi. Era infatti considerata, e lo è tutt'ora da molti puristi, un difetto da evitare come la peste.

la vignettatura indica la riduzione della luminosità dell'immagine alla periferia rispetto al centro - fonte: Wikipedia

Ma come spesso accade, quello che è considerato dai puristi un difetto, per i creativi può rivelarsi uno strumento indispensabile. Io ad esempio la utilizzo soventemente, la considero un modo per donare all'immagine un'atmosfera ancora più onirica... la vignettatura aumenta la profondità della foto e convoglia l'attenzione dello spettatore verso il centro. Io la trovo perfetta specialmente per il formato quadrato!

Ci sono diverse modalità per ottenerla:

utilizzando obiettivi di grande apertura
utilizzando filtri appositi
creandola digitalmente

Noi ci occuperemo di crearla digitalmente, anche perché se come me amate utilizzare il formato quadrato, dovrete prima ritagliare l'immagine quindi addio vignettatura! Ricordatevi che la vignettatura va sempre creata alla fine, come ultimo tocco.

per prima cosa fondiamo tutti i livelli della nostra immagine in uno soltanto
duplichiamo questo livello che posizioneremo in alto e rinominiamolo "vignettatura"
dal menu selezioniamo Filtri > Correzione lente
facciamo click sulla scheda Personale
nel fattore Vignettatura andiamo a spostare i livelli di Quantità per aumentare l'effetto
spostando i livelli di Punto Intermedio possiamo invece modificare la grandezza della vignettatura

Questo è soltanto uno tra i molti metodi che esistono, ma è quello che utilizzo sempre perché lo ritengo il più preciso e pulito: permette di evitare effetti kitsch che ovviamente non giovano alle nostre immagini!

seguitemi anche su Facebook, per nuove foto e dietro le quinte!

Workshop di fotografia fine art il 7 giugno a Novara!

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Fri, 15 May 2015 09:23:00 +0000

Era da un po' che bolliva in pentola, in tanti mi avete scritto e ora sono finalmente aperte le iscrizioni per il mio secondo workshop a Novara!

Anche questa volta è organizzato in collaborazione con Photocomics - Associazione Creattivi e il Comitato d'Amore per Casa Bossi. Il workshop infatti si terrà nella residenza ottocentesca opera di Alessandro Antonelli per quanto riguarda la parte di scatti e preparazione, mentre durante il pomeriggio ci si sposterà presso il Centro Culturale La Riseria per la parte di foto manipolazione.

I miei workshop sono aperti a tutti, anche a chi è semplicemente affascinato da un genere fotografico particolare come quello che seguo io.

Essendo i posti limitati, vi consiglio di scrivermi subito per ricevere informazioni sul costo e nel caso confermare la vostra partecipazione.

consulta il programma / vedi l'evento su facebook

iscriviti subito!

Ho già una moltitudine di idee da sviluppare, abiti ed accessori strani... per chi non sa cosa si è perso lo scorso anno, ecco qui un resoconto fotografico del workshop 2014!

Se non siete di Novara ma volete aiutarmi ad organizzare un workshop nella vostra città, scrivetemi!

Prima & Dopo: The Raven II

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Fri, 24 Apr 2015 08:50:00 +0000

Alcune foto non necessitano di alcun particolare ritocco, perché tutto quello che mi serve, tutti gli "ingredienti" sono già presenti nella realtà. Dopo aver trovato un luogo con una statua di stampo classico e colori tendenti al grigio senza distrazioni, un paio di ali nere comprate in un negozio di articoli vari a soli 6€, e preparato la modella, ero pronta per scattare.

Quello che mi serviva era donare alla fotografia un'immagine cupa, in sintonia con il trittico realizzato per Il Corvo facente parte del mio progetto Visioni di Poe.

Lavorando sempre con la luce naturale, quel giorno ho avuto fortuna perché seppur in estate e al pomeriggio il cielo era completamente coperto e questo ha fatto sì che non dovessi usare ombrelli, teli o cercare punti all'ombra. La luce troppo dura non era quello che mi serviva!

Ho quindi lavorato come faccio sempre, sulle curve. Questo strumento è utilissimo per modificare l'atmosfera delle nostre immagini e ho salvato vari predefiniti che applico poi a seconda di ciò che voglio ottenere.

Ho poi passato lo strumento scherma per far risaltare gli occhi (spiego come in quest'altro post). mi serviva sembrassero spiritati visto il tema della poesia!

Infine ho impostato una vignettatura come sempre in questo progetto, per aumentare il senso di profondità della foto e regalarle un effetto più cinematografico.

Top 7 - I Preraffaelliti

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 02 Apr 2015 07:53:00 +0000

"La valle del riposo" - John Everett Millais

I Preraffaelliti, con i loro colori, i dettagli, le atmosfere sospese tra fantasia e realtà, tra dolcezza e amarezza, sono da sempre una delle mie maggiori fonti di ispirazione. Ho dedicato a loro già diversi post ma non mi stanco mai di parlarne e mostrare le loro meravigliose immagini.

La Confraternita dei Preraffaelliti venne fondata nel 1848 in Inghilterra da un gruppo di pittori, critici, scultori e poeti. Il loro intento era quello di riprendere i temi medievali e rinascimentali, che loro ammiravano per la grande purezza nello stile e nei dettagli.

Dobbiamo tenere presente che in epoca vittoriana l'accademismo classico andava per la maggiore, e queste opere venivano considerate azzardate: inoltre in piena rivoluzione industriale sceglievano di ispirarsi e rappresentare la natura in maniera fedele e minuziosa, andando controcorrente e rimaneggiando la realtà.

Ci è voluto del tempo prima che venissero davvero apprezzati, ma direi che oggi sono riscoperti da un numero crescente di persone: non dimentichiamoci della grande mostra che si è tenuta a Torino di cui parlo in questo post!

Se volete vedere le loro meravigliose opere dovrete viaggiare in terra albionica, in particolar modo a Birmingham, Londra e Manchester.

#1 John Everett Millais

La Ragazza Cieca - 1856

#2 Arthur Hughes

Good Night - 1866

#3 Dante Gabriel Rossetti

La Sposa - 1865

#4 Ford Madox Brown

The Last of England - 1855

#5 William Holman Hunt

Isabella and the Pot of Basil - 1868

#6 Charles Collins

Convent Thoughts - 1851

# 7 James Collinson

The Sisters - 1860

Contribuisci a realizzare la mia prossima mostra!

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 12 Mar 2015 09:26:00 +0000

Per me la fotografia è un mezzo per esprimere le mie visioni: voglio rappresentare un mondo in cui i colori, la natura e la magia si confondono con la realtà, come se le mie foto fossero dei frammenti di sogni.

Dopo la mia mostra dedicata al progetto Visioni di Poe non mi sono certo fermata: ci sono tante novità che bollono in pentola e tanti nuove idee che voglio realizzare. Ho da poco iniziato a lavorare al progetto Dreamscapes e mi piacerebbe organizzare una mostra con queste e molte altre opere!

La mia intenzione è proporre la mostra in diverse città italiane, magari anche all'estero! Vorrei far conoscere i miei lavori tramite un'esposizione di qualità, un vero e proprio viaggio con cui condurre gli spettatori nel mio mondo onirico.

L'impegno però non basta... allora ho pensato di chiedere a tutti voi di dare una mano:

I fondi contribuiranno alla realizzazione di stampe fine art di ottima qualità per valorizzare i miei lavori con colori vibranti, un catalogo con le opere esposte e all'acquisto delle cornici.

Ringrazio dal profondo del cuore chiunque vorrà contribuire alla realizzazione di questa personale itinerante! Potete aiutarmi anche condividendo la campagna sui vostri facebook, twitter o altro :)

Con ogni donazione riceverete in cambio qualcosa di speciale: un set di cartoline con i miei lavori, poster, stampe fine art, il mio libro e addirittura un servizio fotografico.

Per scoprire tutti i dettagli, visitate la pagina della campagna!

A me gli occhi: come far risaltare gli sguardi nei ritratti

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 05 Mar 2015 09:35:00 +0000

"Sub Rosa" © Diana Debord

Nei ritratti gli occhi svolgono un ruolo essenziale: riescono a condurre l'attenzione dell'osservatore sul soggetto e anche a farlo immedesimare. L'occhio è catalizzatore di sensazioni, specchio dell'inconscio... un paio di occhi belli possono persino far dimenticare un viso sgraziato o non proprio perfetto.
Ecco perché è importante, specialmente nei ritratti, prestare particolare attenzione agli occhi: non solo in fase di scatto ma anche nella post produzione.

I tuoi occhi sono fonti, nelle cui silenziose acque serene si specchia il cielo - William Shakespeare

Ci sono artisti che hanno fatto della ricerca dello sguardo perfetto la loro fortuna, opere d'arte riconoscibili da un paio di occhi - pensate alla Monna Lisa, alla Giuditta di Klimt, alla Medusa di Caravaggio. Altri artisti hanno persino scelto di mostrare l'occhio come unico soggetto e protagonista: così avviene per Man Ray, Magritte, Escher.

Non è un caso che una delle fotografie più celebri al mondo, la Ragazza Afgana di Steve McCurry, mostri una giovane donna con degli occhi bellissimi e penetranti.

In fase di scatto

Solitamente vale la regola generale per i ritratti: mettere a fuoco sugli occhi e poi determinare l'inquadratura. Più gli occhi saranno nitidi e più ovviamente lo sguardo sarà penetrante. A livello di luce l'ideale è posizionare il soggetto vicino ad una sorgente di luce naturale e utilizzare una pannello riflettente.

l'immagine originale

In fase di post produzione

Il mio metodo è semplice ma porta ad un risultato che mi piace e che trovo molto adatto per la fotografia fine art. Si può infatti dosare a seconda del proprio gusto o delle proprie esigenze e ovviamente è reversibile. Bisogna per prima cosa duplicare il livello dell'immagine chiamandolo per esempio "occhi": a questo punto selezioniamo lo strumento Scherma. Questo versatile ma poco usato strumento schiarisce i punti dell'immagine su cui lo utilizziamo ed è semplice quanto il pennello. Decidiamo prima se regolare i mezzi toni, le luci o le ombre: solitamente per gli occhi uso i mezzi toni. Impostando il livello di esposizione possiamo decidere invece quanto schiarire - a me piace partire con un esposizione al 30% e all'occorrenza ripassare più volte sullo stesso punto, così da avere il pieno controllo. Mantenendo spuntata l'opzione "Proteggi toni" vi assicurerete un risultato più naturale.

un esempio di immagine a cui ho applicato lo strumento Scherma sull'occhio

5 miti sulla creatività da superare il prima possibile

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 26 Feb 2015 10:23:00 +0000

Non esagero se dico che la creatività un tesoro prezioso, di cui tutti noi disponiamo, spesso senza rendercene completamente conto.

Qualunque sia il nostro campo di applicazione, essere creativi mette in moto processi che ci fanno sentire vivi, ci divertono, rendono la quotidianità più colorata e meno scontata.

La creatività dei bambini è sotto gli occhi di tutti, e i migliori genitori la incoraggiano: ma via via che diventiamo adulti e incorriamo nel giudizio degli altri, spesso negativo verso chi prende iniziative di testa propria, la sopprimiamo.

Come continuare a vivere di creatività e deannoiarsi?

Creativi si Nasce

Il nostro cervello offre tali potenzialità che è un peccato non sfruttarle appieno, ma tutti siamo potenzialmente creativit, semplicemente non siamo abituati a esserlo. L'immaginazione è la capacità di rappresentare qualcosa che non è presente. Così come da bambini si immaginano scenari fantasiosi da applicare ai giochi, da grandi possiamo applicarli alla fotografia, alla pittura, alla poesia, alla vita quotidiana...

Ho impiegato una vita per imparare a dipingere come un bambino - Pablo Picasso

Più forti del Mensa

Contrariamente a quanti molti sostengono, un alto quoziente intellettivo non corrisponde necessariamente a grande creatività. è un dato di fatto che alcuni grandi inventori o Premi Nobel non hanno mai passato il test Mensa, che determina appunto il Q.I. delle persone! la creatività risiede in gran parte nel cosiddetto "pensiero divergente" che non è considerato nel questionario di abilità logica. grazie al pensiero divergente alcuni di noi riescono ad uscire dai soliti schemi e a considerare diverse e inusuali applicazioni per lo stesso oggetto - pensate solo al famoso orinatoio di Marcel Duchamp!

La Creatività è sempre Spontanea

Pare che Isaac Newton raccontò la storia della mela che cade dall'albero che bullarsi di quanto era bravo a trarre ispirazione dalle piccole cose del quotidiano. Ma sappiamo bene che prima di avere l'illuminazione sulla forza di gravità studiò a lungo! Inutile quindi stare seduti sotto l'albero aspettando la caduta della mela, meglio darsi da fare con tutti gli strumenti che abbiamo a disposizione.

Chi possiede il dono della creatività possiede qualcosa di cui non sempre è padrone, qualcosa che qualche volta, stranamente, decide e lavora per se stesso. – Charlotte Brontë

Brainstorming: tempesta nel deserto

Il Brainstorming è un termine che oggi si usa parecchio. Ma serve davvero? Che ne è stato dell'artista solitario che rifugge il mondo per ritirarsi nel suo mondo a pensare? Se il brainstorming è forzato e non spontaneo, se le persone non sono affiatate e non hanno molto in comune, il rischio di passare il tempo guardandosi neglio occhi in silenzio è troppo alto! meglio allora riflettere in autonomia e successivamente confrontare le proprie idee: confronto sempre, brainstorming a volte!

Sta tutto nella nostra testa

Possiamo anche avere un'ottima memoria, ma l'intuizione è spesso un momento, un lampo nel buio che presto svanisce. Così gli stessi colori sgargianti spesso sbiadiscono soltanto dopo poche ore. Da qui l'importanza di prendere appunti, fare liste, schemi, disegni.

Il cervello è una macchina della creatività. Devi solo trovare il modo migliore di manipolare il tuo software, per farlo funzionare bene - Shelley Carson

#1 Contest: posa per le mie fotografie oniriche!

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 19 Feb 2015 10:48:00 +0000

Le giornate si allungano, la primavera si avvicina... insomma sto pianificando gli scatti di questo fine inverno. In tante mi avete scritto proponendovi come modelle e visto che non mi sarà possibile accontentare tutte, ho pensato di lanciare un piccolo contest!

La mia pagina Diana Debord Photography è infatti cresciuta moltissimo grazie a voi, e vorrei premiarvi per il supporto.
Se vi piacerebbe posare per una delle mie fotografie oniriche, tutto quello che dovete fare è scattarvi una foto dei vostri occhi e inserirla tra i commenti a questo post: quella che avrà totalizzato più "mi piace" decreterà la vincitrice!

Vi proporrò un'idea particolare, decideremo insieme una location e metterò a disposizione i miei abiti e accessori!

PER PARTECIPARE:

mettete "mi piace" alla pagina Diana Debord Photography (e invitate anche qualche vostro amico/a ;)
scattate una foto dei vostri occhi e inseritela come commento a questo post (va benissimo una foto scattata con il cellulare)
la foto che alle ore 21:00 del 26 Febbraio avrà totalizzato il maggior numero di "mi piace", decreterà il vincitore/vincitrice!

Pubblicazione di Diana Debord Photography.

Informazioni e regole:

Il concorso è aperto a tutti
Gli scatti si terranno nella città di Novara in data e luogo da concordarsi
E' possibile farsi votare dal 19 al 26 Febbraio 2015
Il vincitore/vincitrice sarà annunciato sulla pagina Diana Debord Photography il 27 Febbraio 2015

Il contest non è in nessun modo sponsorizzato, appoggiato o amministrato da Facebook né associato a Facebook. Facebook viene sollevato da qualsiasi responsabilità da parte di ciascun partecipante. L'organizzatore non si fa carico delle responsabilità legate al non funzionamento di Facebook e delle conseguenze a cui questo può portare.

Utilizzare lo strumento sfumino in maniera creativa

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 12 Feb 2015 10:06:00 +0000

"My Rebellion" © Diana Debord

Non so esattamente come, ma ad un certo punto delle mie sperimentazioni fotografiche mi sono messa ad utilizzare lo sfumino. Questo strumento, che trovate nel pannello di Photoshop tra quelli di ritocco, ed è indicato da un dito indice, offre insospettabili utilizzi creativi.

Mi è capitato di utilizzarlo in alcuni piccoli punti dell'immagine, anche per modificare qualche particolare che non mi piaceva o stonava, ma il più delle volte oramai quando lo utilizzo lo faccio in maniera massiccia. Puristi della fotografia, seguite Bianconiglio nella sua tana!

Lo sfumino (o smudge tool se utilizzate Photoshop in inglese) non è da confondere con la sfocatura! Immaginate che la vostra foto sia un dipinto, composta dalle varie macchie di colore: con lo sfumino non fate altro che trascinare il colore di quelle macchie.

Ma come possiamo utilizzarlo in modo creativo?

Essendo uno strumento derivato dalla pittura, lo sfumino annulla il confine tra dipinto e fotografia, permettendoci di essere creativi al 100%. Il bello è che non ci sono vere regole e tutto è possibile, basta lasciarsi andare alla propria fantasia e al proprio gusto.

«Qui siamo tutti matti. Io sono matto. Tu sei matta.» - Alice nel Paese delle Meraviglie

"The Raven" © Diana Debord
come vedete in questa immagine ho agito sulla gonna dell'abito per dare
un tocco magico e di movimento

Ci sono tuttavia degli accorgimenti che è bene adottare, perché nella fine art l'eleganza e l'armonia sono così importanti che è essenziale un'ottima padronanza dello stumento, per effetti davvero magici e anzi evitare di ottenere un paciocco indistinguibile.

Impostate l'intensità

Nella casella intensità o strenght impostate la percentuale: maggiore sarà il valore, più colore trascinerà lo sfumino. Io raramente supero il 30% ma anche qui dipende da cosa volete ottenere.

Impostate il pennello e le sue dimensioni

Solitamente utilizzo un pennello morbido, tondo e non troppo grande come dimensioni, anzi più piccole sono e più è possibile agire sulla fotografia in modo dettagliato. Per creare atmosfere vaghe e fumose, per esempio su di uno sfondo, meglio usare un pennello grande.

Duplicate sempre il livello

Lo sfumino è distruttivo, ricordatevi di duplicare sempre il livello della foto su cui volete utilizzarlo, magari nominandolo sfumino, perché se non dovesse piacervi, potete sempre rimediare.

Utilizzatelo in parti definite dell'immagine

Il dito dello sfumino trascina il colore dove lo passate, quindi state molto attenti e domandatevi: cosa voglio ottenere? Se ad esempio volete creare un effetto di rossetto sbavato sulle labbra, abbiate cura di selezionarle adeguatamente, copiare la selezione in un nuovo livello e usare lo sfumino su quello. In questo modo l'immagine sottostante rimarrà inalterata.

Immaginate di dipingere!

Si può usare per rendere il fondale più onirico, magari creando fantasmi partendo da silhouette, ci si può divertire su capelli e trucco, abiti e drappi, su alberi o fiori, si possono manipolare la luce e le ombre, e molto altro.

Quell'insana competizione

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 05 Feb 2015 10:00:00 +0000

L'etimologia del verbo competere ci rivela il suo significato originario: andare insieme, convergere ad un medesimo punto. Quando ha perso questa accezione positiva e perché nella nostra società, così incentrata sull'ostentazione e sullo spettacolo, si gareggia in ogni ambito?

Sono dell'idea che in campo artistico la competizione non sia mai positiva né tantomeno utile, se rivolta verso gli altri e non verso se stessi. Se il mio obiettivo in quanto artista è crescere, sperimentare, migliorare, immaginare e far sognare lo spettatore, allora come può la competizione con altri portare dei benefici nei miei lavori?

L'educazione dovrebbe inculcare l'idea che l'umanità è una sola famiglia con interessi comuni. Che di conseguenza la collaborazione è più importante della competizione.
- Bertrand Russell

In questi anni ho notato che alcune persone, fotografi ma anche fotoamatori, difficilmente chiedono pareri o consigli ad altri. Non sono interessate ad aiutare altri artisti (a meno che non siano loro amici) o a collaborare. Molte non rispondono nemmeno alle email. Molte di persona fingono umiltà (attenzione, questa è la specie più pericolosa) ma raramente dicono ciò che pensano. Perché tutto questo? Perché considerano la fotografia una questione di competitività.

Per loro fotografare, esporre, insomma mostrare i propri lavori al mondo è funzionale all'essere considerati i migliori. Ma chi lo stabilisce, e cosa si vince? Proprio nulla! Anzi questa chiusura si riflette inevitabilmente sui lavori, perché se non vi è scambio, confronto e collaborazione si rimane impantanati in un auto celebrazione che ha a che fare più con la spocchia che con la sicurezza di sé. Niente è più pericoloso per un artista della convinzione di far sempre bene.

E' normale confrontare gli altrui lavori con i propri, anzi è essenziale. Nella misura in cui è corretto pensare che senza il passato noi non esisteremmo, così sono consapevole che le mie immagini non esisterebbero senza quelle che le hanno precedute. Mente o immaginario collettivi sono due concetti senza i quali non è possibile pensare a tutto ciò che vediamo, immaginiamo e creiamo. Ma qui sta il bello. Ognuno ha qualcosa da insegnare e da imparare.

Ci sarà sempre qualcuno più bravo di noi, se gareggiamo con il resto del mondo. Sta a noi andare oltre, e sfidare noi stessi non gli altri potrà solo migliorarci.

Top 7 - Il Surrealismo

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 22 Jan 2015 14:36:00 +0000

Les idées claires - René Magritte

Tra i movimenti culturali che mi ispirano c'è sicuramente, forse su tutti, il Surrealismo. André Breton, poeta francese, fu il teorico del movimento e scrisse nel 1924 il suo manifesto, nel quale lo definiva come un automatismo psichico puro, un processo inconscio cioè che emerge nei nostri sogni ma anche durante la veglia. Il sogno, la follia, l'anticonformismo e la ribellione dalle convenzioni sociali sono i temi più affrontati.

Quando la gente cerca di trovare significati simbolici in ciò che dipingo, cerca qualcosa di sicuro su cui aggrapparsi, per difendersi dal vuoto. Un’istante di panico è quello che mi fa rientrare in me stesso. Questi sono gli istanti privilegiati che trascendono la mediocrità. - René Magritte

Il Surrealismo però non è soltanto pittura: è anche cinema, letteratura, fotografia. Ecco una carrellata dei miei artisti preferiti, dai quali traggo incredibile ispirazione.

1# René Magritte

The Sixteenth of September

2# Man Ray

Woman with Long Hair

#3 Leonora Carrington

The Temptation of Saint Anthony

#4 Dora Maar

Wanda Wulz

#5 Max Ernst

The Nymph Eco

#6 Dorothea Tanning

Birthday

#7 Joan Mirò

Dancer

Fotografia stock: usarla o meno nelle nostre immagini?

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 15 Jan 2015 15:44:00 +0000

"A Call to Hope" © Diana Debord

Nella fotografia fine art infatti il confine tra fantasia e realtà lo determiniamo noi ed è essenziale non mettere freni alla propria immaginazione. In alcuni casi l'idea che vogliamo realizzare ci spinge ad inserire particolari elementi. Ma dove reperire e come inserire nell'immagine questi elementi? Utilizzare immagini di altri è un po' barare?

La questione è complessa e molto controversa. Fermo restando che ognuno è libero di fare quello che preferisce, è importante sapere cosa è la fotografia stock. Si tratta in sostanza di immagini precedentemente create da altri fotografi e scaricabili da vari siti web, pronte ad essere utilizzate.

Chi le utilizza

Ci sono moltissimi artisti fine art che usano senza problemi fotografia di stock, prendendo quegli elementi che servono e "incollandoli" nella loro immagine di partenza. Alcuni arrivano a utilizzare sfondi di stock e non soltanto semplici elementi, altri ottengono un risultato in cui la maggior parte dei "pezzi" di immagine è di diversi autori. Il risultato, a meno di essere veramente bravi con le tecniche di foto manipolazione, è spesso molto artefatto se non addirittura kitsch.

Queste foto di stock possono essere reperite su siti specifici secondo diverse licenze. Credo sia sempre meglio utilizzare immagini di Pubblico Dominio (il loro utilizzo è libero per chiunque). La licenza Royalty Free invece vi permette di acquistare l'immagine e di usarla poi liberamente, mentre la Creative Commons, assegnata direttamente dall'autore, è suddivisa secondo diverse tipologie che potete confrontare sul sito creativecommons.org.

Ricordatevi che prendere immagini da internet senza controllare non è mai una cosa buona da fare (e nemmeno legale)!

Chi fa tutto da sé

Ci sono altri artisti che preferiscono avere il controllo sull'intera immagine e attingere dal proprio personale archivio: il 100% dei lavori è stato creato da loro. Io appartengo a questa scuola di pensiero: come tutti anche io all'inizio provai ad utilizzare piccoli elementi presi da foto di stock, ma avevo l'impressione di tradire in qualche modo la mia creatività.

Negli anni ho quindi archiviato sul mio computer un gran numero di fotografie: laghi, piante, fiori, cieli, nuvole, corsi d'acqua... molte tornano utili dopo anni come nel caso di "A Call to Hope". Il più delle volte infatti aggiungo all'immagine principale (come vedete nell'esempio qui sopra: la modella nella stanza) un'altra immagine (lo stagno con le ninfee). Eventuali texture sono sempre mie, scattate a superfici particolari e poi archiviate (come queste che potete scaricare qui e utilizzare liberamente).

Scattare personalmente ogni "ingrediente" necessario a realizzare l'opera, non avvalersi mai di immagini altrui, se non dove strettamente necessario e solo immagini di pubblico dominio, è per me la strada migliore. Non solo farete esperienza ma sarete fotografi a tutto tondo. Vi serve un albero? uscite a cercarlo con la fotocamera al collo invece di andare su Google!

prima & dopo: Aim to the Stars

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 08 Jan 2015 09:10:00 +0000

"Aim to the Stars" © Diana Debord

ci sono luoghi che inevitabilmente, per la loro atmosfera e per il loro vissuto, evocano storie bizzarre e oniriche. adoro muovermi in questi luoghi e respirare la loro atmosfera per trovare ispirazione!
da piccola ero molto appassionata di astronomia e anche oggi seguo con interesse le missioni spaziali e le ultime scoperte scientifiche a riguardo. una stanza che come una scatola si apre e mostra lo spazio sconfinato è un'idea che da parecchio tempo mi frullava per la testa così ho deciso di realizzarla...

ho portato la modella in questa stanza senza sapere bene cosa ne sarebbe venuto fuori: non avevo idee precise ma sapevo che il luogo andava fotografato perché speciale: tornata a casa come sempre ho fatto una scrematura delle immagini e ho scelto questa.

per mantenere il mio consueto e amato formato quadrato ho dovuto però ricorrere ad un escamotage che ogni tanto mi torna utile: abbassare il soffitto. scattando quasi sempre con un obiettivo 50mm f/1.8 non ho molto spazio negli ambienti interni ma poco male: abbassarlo contribuisce indubbiamente a creare una sensazione di magia e "paese delle meraviglie"!

come vedete il soffitto era già bellissimo, ma per rendere la foto un vero e proprio sogno, secondo la mia creatività, ho aggiunto qualcosa!

Le cose sono unite da legami invisibili. Non puoi cogliere un fiore senza turbare una stella. - Galileo Galilei

Photo, editing: Diana Debord
Model: Jessica Procacci

Nuovo anno, nuovi obiettivi

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Fri, 02 Jan 2015 10:00:00 +0000

What is Hidden © Diana Debord

Mentre scrivo sono nel calore e tranquillità della mia casa, che abbiamo ripulito dopo una piccola festa tenuta ieri sera per celebrare l'anno nuovo. Pensando a questo 2015 non posso far altro che entusiasmarmi per le nuove avventure che mi aspettano, le nuove idee che mi raggiungeranno o che prenderanno forma di immagine. Ma il 2014 com'è stato?

Per quanto riguarda la fotografia è stato un anno davvero favoloso!
Questa che vedete è l'ultima fotografia del 2014 che ho realizzato. Il progetto Visioni di Poe come sapete è durato un anno e mezzo, e mi ha permesso di crescere come artista e non solo: ho conosciuto persone fantastiche e mi ha spronato a realizzare un altro obiettivo, quello della mostra personale che a sua volta mi ha aperto tante nuove porte! E poi il workshop, e il nuovo progetto Dreamscapes, l'aver trovato una galleria che rappresenti i miei lavori... posso dirmi soddisfatta ma certo ho lavorato molto duramente!

Voglio che ogni mattino sia per me un capodanno. Ogni giorno voglio fare i conti con me stesso, e rinnovarmi ogni giorno. Nessun giorno preventivato per il riposo. Le soste me le scelgo da me, quando mi sento ubriaco di vita intensa e voglio fare un tuffo nell’animalità per ritrarne nuovo vigore. - Antonio Gramsci

Sono molti anni che, ogni primo giorno dell'anno, elenco i miei obiettivi da raggiungere: non mi è mai capitato di raggiungerli tutti ma questo mi sprona a lavorare meglio! Fare un semplice elenco però può portare a sbagliare e provocare l'effetto opposto: scoraggiarsi o abbattersi è perfettamente normale ma basta tenere a mente alcune semplici linee guida.

Siate specifici

Visualizzare i propri obiettivi è il primo passo per realizzarli: più siete specifici meglio chiarite cosa volete e quindi meglio riuscirete a visualizzarli. In fondo funziona un po' come le idee per le nuove foto!

Definite la portata

Inutile stabilire obiettivi troppo grandi, meglio procedere a piccoli passi con qualcosa di raggiungibile. Tenete conto che l'obiettivo va realizzato nei 365 giorni dell'anno, che magari non avete ancora iniziato a lavorarci o che si tratta di qualcosa piuttosto difficile. In ogni caso quello che può spronarvi è sapere che è realizzabile, per quanto difficile. Porsi obiettivi semplicemente irreali porta solo a deprimersi!

Ponetevi obiettivi correlati

Se i vostri obiettivi sono correlati sarà più facile lavorare al quadro generale della situazione e addirittura potrete lavorare ad essi nello stesso momento.

Siate flessibili

E' vero che gli obiettivi vanno raggiunti nell'anno in corso ma questa scadenza deve spronarci a fare meglio, e male che vada possiamo sempre inserirli nella lista dell'anno prossimo a condizione che impariamo dai nostri errori o mancanze. Chiedersi: perché non ho raggiunto questo? cosa posso fare per lavorarci meglio l'anno prossimo?

Controllate spesso gli obiettivi

Scripta manent, lo sapete? Avere un foglietto da rileggere ogni tanto ci è utile per fissare nella nostra mente cosa vogliamo raggiungere, a motivarci e spronarci. Molto meglio che pensare genericamente "quest'anno voglio fare una mostra personale". Scriviamolo e rileggiamolo mentre lavoriamo per ottenerlo.

playlist: Inspiration collection #1

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 18 Dec 2014 12:49:00 +0000

"Prisons and Cages" - © Diana Debord

La musica è una delle mie più grandi passioni, al punto che per anni ho suonato in una band la chitarra elettrica: oltre che pezzi nostri facevamo cover di Manic Street Preachers, Hole, Bikini Kill, Sex Pistols, Clash e mi sono divertita a fare concerti per un bel po' di tempo. Anche oggi la musica è parte integrante della mia vita e ascolto sempre gli stessi gruppi, perché i miei gusti non sono cambiati: su tutto preferisco il punk inglese, il brit rock, il grunge ed il post punk.

Sulla mia passione per i Manic Street Preachers potrei stare ore a parlare, sono una fan da ormai 16 anni e ho fondato la loro community Manics Italia... ho in mente persino un simil progetto fotografico basato sui loro album ma ne parlerò più avanti!

Quando lavoro al computer ascolto sempre della musica, mi aiuta a mantenermi concentrata e la musica giusta può anche ispirarmi nel momento dello scatto. Ho deciso di preparare una playlist di brani particolarmente adatti e che penso possano essere una buona colonna sonora per entrare nel "mood" di fotografie oniriche e surreali!

1 ora e 17 minuti di musica che ascolto abitualmente durante gli scatti in interno o l'editing delle immagini, ma anche mentre annoto le idee e gli schizzi preparatori: come vedrete molte si ispirano al mare o alla natura, due delle mie più grandi ispirazioni.

Per ascoltarla basta cliccare qui Inspiration: collection #1

Goldfish Sleep e altre stampe

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 11 Dec 2014 09:49:00 +0000

Un vero lavoro fotografico può dirsi compiuto solo una volta stampato e magari incorniciato. A me piace vedere le mie immagini diventare "reali" e passare dal mondo digitale a quello reale, fanno tutto un altro effetto e a volte possono sorprenderci piacevolmente.

Vedere le mie immagini colorare una casa mi rende davvero molto felice, senza contare che ordinando una stampa avrete qualcosa di unico e sosterrete un'artista :)

Nel post dedicato all'importanza dei colori in fotografia abbiamo visto come i colori possono variare molto anche da monitor a monitor, e lo stesso discorso vale per la stampa. Recentemente ho scoperto quanto le mie immagini siano adatte alla stampa su carta fine art, la Hahnemühle, che oltre a garantire un risultato duraturo impreziosisce i colori e le trame: le fotografie sembrano davvero dei dipinti!

Le mie stampe su carta Hahnemühle sono firmate e numerate.

Altre stampe fotografiche sono disponibili anche su richiesta, nei negozi online Society6 e Etsy.

per qualsiasi tipo di informazione contattatemi all'indirizzo contact[@]dianadebord.com

5 concorsi fotografici da smascherare ed evitare

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 04 Dec 2014 09:41:00 +0000

Quando si muovono i primi passi nel mondo della fotografia amatoriale è normale avvicinarsi ai concorsi fotografici: internet offre innumerevoli bandi, premi, gare di ogni tipo sia a livello locale che internazionale.
Ogni volta che partecipiamo facciamo un piccolo investimento, perché la maggior parte prevedono una quota di iscrizione; poi c'è l'eventuale stampa, la spedizione e ritiro, senza contare il viaggio se vogliamo partecipare alla premiazione. Avendo le braccia un pochino corte e dopo qualche esperienza poco edificante ho deciso di leggere minuziosamente ogni riga dei regolamenti a costo di diventare ancora più miope... e ho stilato una piccola classifica di quelli furbi da smascherare.

Chiariamo subito una cosa: ognuno è libero di fare quello che preferisce con i propri lavori. Certo è che se ci investiamo tempo, denaro, mente, sudore, è logico aspettarsi che anche senza apprezzarlo, il mondo almeno lo rispetti. Sono poche le persone che riescono a mantenersi con le proprie opere e per tutti gli altri è dura! Naturale quindi esigere un poco di onestà, non per puntigliosità ma per semplice correttezza. Se poi considerate i vostri lavori talmente orridi da non meritare nulla, allora perché partecipare a concorsi togliendo spazio ad altri che anelano a qualcosa in più?

Dottor Balanzone

Sapevate che ci sono concorsi che vengono organizzati solo per spillare soldi agli artisti o fotoamatori? Se il concorso prevede una quota di iscrizione chiediamoci sempre: qual'è il premio? sappiate che una targa premio personalizzata costa solitamente tra i 20€ e i 50€: voi per l'iscrizione quanto avete speso? certo ci sono altre spese che gli organizzatori devono sostenere ma valgono davvero in termini di opportunità e/o pubblicità? se la risposta è no, spendete i soldi per qualcosa di più utile, come un libro o un workshop.

Bauta

L'anonimato non paga. Mai. Se avete creato qualcosa è giusto che venga sempre indicato il vostro nome, perché in quanto artisti o appassionati che hanno sicuramente molte spese e raramente guadagni, quella è l'unica ricompensa. Avere il vostro nome ben visibile serve perché qualcuno potrebbe innamorarsi della vostra opera e mettersi in contatto con voi, magari acquistarne una stampa o semplicemente sostenervi venendo alle vostre mostre. Se il regolamento del concorso prevede l'utilizzo delle foto senza indicazione del nome dell'autore, evitate.

Brighella

E se il premio fosse l'utilizzo del mio lavoro anche per scopi commerciali? alcuni concorsi prevedono infatti che l'opera vincitrice sia poi utilizzata per promozione o altro: in questo caso i furboni ci tengono a precisare che il vostro nome verrà sempre indicato ma... fatevi due conti! La realizzazione di una campagna pubblicitaria può costare migliaia di euro, e di fatto cedendo il vostro lavoro a enti, associazioni, aziende o altro gli state regalando la vostra professionalità!

Mattaccino

Ci sono concorsi che chiedono espressamente l'invio dei file digitali. Gli organizzatori si occuperanno di tutto: stampa, allestimento, promozione dell'evento. Accertatevi che nel regolamento sia ben chiaro che una volta stampati i file digitali saranno eliminati: a più di una persona che conosco è capitato di trovare stampe dei propri lavori non autorizzate in giro per il mondo e questa mi pare una bella presa in giro! Quindi non inviate mai i file digitali in alta risoluzione, specialmente senza accordi scritti sull'uso delle immagini.

Pantalone

Ho sentito di organizzatori di concorsi d'arte che hanno la casa piena di opere di artisti. Bello, se non fosse che non sono state loro regalate ma cedute come stabilito dal regolamento del concorso. Questa eventualità accade soprattutto con premi di pittura o scultura (forse perché le opere fotografiche sono riproducibili...) ma può capitare che gli organizzatori vi chiedano di conservare le opere nel loro archivio anche se non avete vinto ma solo partecipato. Quale archivio? di chi? Preferite sempre il vostro archivio, sul quale avete controllo!

PRIMA & DOPO: "Be thou the Rainbow"

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 27 Nov 2014 09:45:00 +0000

Alcune volte le idee sono più facili a realizzarsi che a dirsi! E' il caso di questa fotografia che ho realizzato nel mio piccolo studio casalingo: ho avuto bisogno soltanto di un fondale bianco (in questo caso una coperta), pazienza e un po' di magia (anzi, cotone!) per creare delle nuvole.

Come molte delle mie fotografie, anche questa trae ispirazione da una citazione:

Sii tu l'arcobaleno nelle tempeste della vita. Il raggio della sera che sorride tra le nuvole, e tinge il domani con raggio profetico. - Lord Byron

Mi piaceva l'idea di immaginare una tempesta e un arcobaleno a proprio piacere, e materializzarli nelle proprie mani. Come realizzarlo però? Ho pensato di usare una coperta bianca (la utilizzo spesso, acquistata da Ikea a 19,99€) che trasmettesse l'idea di cielo coperto da nubi. Essendo questo un autoritratto ho fatto come sempre diverse prove per controllare che inquadratura e messa a fuoco fossero a posto e impostato il timer. Impostando tempi abbastanza veloci da congelare il movimento dei capelli, in questo caso 1/50 s ho ottenuto l'effetto mosso che vedete.

Ora non restava che inserire la nuvola e gli arcobaleni! Per creare la nuvola ho scattato una fotografia abbastanza ravvicinata ad un po' di cotone modellato ad arte (presto un tutorial su come farlo anche voi!). Importata poi nell'immagine del ritratto ho dovuto solo modificare i colori in base a come mi servivano.

Per gli arcobaleni invece ho usato lo strumento Sfumatura di Photoshop impostando prima i colori e poi il metodo radiale. Ho infine creato una maschera di livello per cancellare, sempre sfumandole, le parti in eccesso e lasciare quindi soltanto gli archi.

Tocchi finali per rendere l'immagine più onirica: la solita vignettatura e un filtro di sfocatura sul fondo.

le meraviglie del formato quadrato

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 20 Nov 2014 09:49:00 +0000

Utilizzare il formato quadrato non è una pratica molto diffusa, che recentemente ha beneficiato di brevi periodi di rinascita grazie al boom delle fotocamere Lomo prima e al social network Instagram dopo.
Nel mondo della fotografia fine art sta raccogliendo invece sempre più adepti e anche io lo utilizzo stabilmente da un po' di tempo. Non a caso ho utilizzato questo termine: sceglierlo è infatti una vera e propria religione, e anche i più scettici farebbero bene a provarlo ogni tanto, perché come vedrete può essere meraviglioso.

In fotografia si pensa più frequentemente ai rapporti 3:2 o 4:3 (anche se ne esistono molti altri): il 3:2 è quello tipico del 35mm e di molte reflex digitali, mentre il 4:3 si può trovare su alcune compatte e smartphone. Esiste poi un'altro rapporto, l'1:1 che è quello proprio del quadrato, e che i più anziani o eruditi di noi hanno già utilizzato con il medio formato 6x6 di fotocamere come le biottiche.

Il quadrato non è una forma del subconscio. E' la creazione di ragione intuitiva. Il volto della nuova arte. Il quadrato è un neonato vivo e reale. E' il primo passo di creazione pura nell'arte. - Kazimir Malevich

Preparazione

Il mio consiglio è sempre quello di pensare prima di scattare: meglio quindi partire con l'idea di fare una fotografia quadrata piuttosto che convertire qualcosa che già avete: previsualizzate, per dirlo alla Ansel Adams, il vostro quadrato prima. Nel momento dello scatto è fondamentale stare abbastanza lontani dal soggetto, occorre considerare che molto spazio verrà tagliato proprio perché la maggior parte delle reflex lavorano in 3:2.

Composizione

La regola dei terzi, fondamentale nella costruzione dell'immagine, è qui inevitabilmente stravolta: la composizione quadrata ha regole tutte sue, basate sulla simmetria. Il quadrato è inquietante e rassicurante allo stesso tempo, rievoca una finestra che il fotografo mostra all'osservatore. mai come in questo formato è il fotografo/artista a scegliere cosa tagliare e cosa mostrare. Forme e contrasti assumono nuovi significati e aprono nuove strade.

Centralità

Provando ad applicare la regola dei terzi vediamo che nel quadrato è importante la centralità: il tipo di composizione più semplice da creare è quella che vede il soggetto su cui puntare lo sguardo al centro. Tuttavia questa caratteristica deve rappresentare un'opportunità e non una limitazione: cerchiamo di lavorare anche sullo spazio negativo (cioè quello tra gli elementi) per evitare che l'immagine risulti troppo statica. Giovanni Chiaromonte, maestro della fotografia di architettura in Italia, sostiene che sia meglio mantenere il centro della foto vuoto, per creare tensione.

Lontano dall'arte per l'arte

Per lo più assente in pittura, il quadrato è una forma a cui non siamo abituati. Televisori, monitor dei pc e degli smartphone: usiamo il rettangolo quotidianamente per osservare immagini ed è per questo che il quadrato disorienta e a volte sconcerta, perché richiede una chiave di lettura particolare. Il rigore dato dal quadrato e la sua semplicità ci obbligano a pensare e ragionare molto di più, sia da osservatori che da creatori. Ecco perché lo trovo un formato fantastico per fare fotografia fine art.

In Photoshop

Con Photoshop è molto semplice cambiare il formato ad un'immagine, e non solo in rapporto 1:1. Osservate questa immagine: dopo aver selezionato lo strumento Crop si imposta la proporzione dal menu a tendina. Con questo strumento è possibile creare delle perfette immagini quadrate: da notare che il programma vi permette di visualizzare anche la regola dei terzi!

Alcuni grandi della fotografia che lo hanno utilizzato sapientemente sono Lee Miller, Imogen Cunningham, Irving Penn, Diane Arbus, Robert Doisneau e molti altri! Spero di avervi fatto venire voglia di sperimentare con il formato quadrato, o magari lo avete già fatto: postate pure i link o le foto dei vostri lavori quadrati nei commenti!

l'importanza dei colori in fotografia

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 13 Nov 2014 09:39:00 +0000

I colori sono intorno a noi in ogni momento della nostra giornata, e cambiano a seconda della luce o addirittura a seconda di chi li osserva.

Può sembrare che un fotografo non debba interessarsi troppo ai colori, dato che si occupa di lavorare con quello che la realtà gli offre. Ma se facciamo fotografia fine art il discorso cambia, e dobbiamo considerare l'immagine come il pittore considera una tela bianca.

Diverse percezioni

Poco tempo fa lessi un articolo che spiegava come uomini e donne vedessero i colori in maniera differente: pare infatti che le donne riescano a percepire maggiormente le sfumature (curiosa metafora della vita). Nel mondo digitale tutto gira intorno ai monitor, perciò è bene (oltre che dotarsi di un buon computer) di calibrare il monitor di tanto in tanto. Questo serve a regolare i colori a schermo per renderli il più fedeli possibile a quelli stampati.

Per farlo potete usare questo semplicissimo strumento online oppure, se usate Windows cliccare su Start e cercare "Calibra"nella ricerca veloce.

Non c'è blu senza il giallo e senza l'arancione.
- Vincent Van Gogh

Gli abbinamenti

Tutti vogliamo che le nostre siano belle immagini, e i colori abbinati in maniera sapiente possono davvero fare la differenza. Quando scelgo gli abiti e gli accessori, perfino la modella e la location, penso sempre per prima cosa ai colori. La scelta degli abbinamenti viene sempre subito dopo la stesura dell'idea: le modelle hanno colori diversi di carnagione, capelli, occhi, e tutto può giocare a nostro favore per suggerire qualcosa o rendere la foto semplicemente "piacevole". Utili sono i libri dedicati alla teoria del colore, ma ci sono anche qui strumenti online dedicati. Quello che io utilizzo più spesso è la ruota colore di Adobe Kuler.

Cosa comunicano

Tutti conosciamo la distinzione tra colori caldi e freddi, ma i colori possono comunicare anche diverse sensazioni ed emozioni; i pubblicitari lo sanno bene visto che i loghi e le campagne pubblicitarie delle più note aziende seguono questa teoria! Il verde, che io uso moltissimo, è quello preferito dall'occhio umano, forse perché rappresenta un richiamo atavico alla nostra vita nella natura. Pensate bene quindi all'atmosfera della vostra immagine quando scegliete i colori: se deve trasmettere passione pensate di usare un rosso! Vi prometto un post dedicato alla simbologia dei colori perché il discorso va ampliato!

La stampa

Lo spazio colore è uno strumento indispensabile per la gestione del colore, a tutti è infatti capitato di rabbrividire vedendo alcune foto stampate da certi laboratori poco professionali! Ma a volte può essere anche colpa nostra, se non abbiamo calibrato bene il monitor (vedi sopra). Impostare uno spazio colore serve a garantire continuità con il risultato finale della stampa. Questa guida sul sito di Photoshop è utilissima e abbastanza chiara.

I colori maturano la notte.
- Alda Merini

E con il Bianco e Nero?

Come spiegavo nel post dedicato alle immagini in b&n, bisogna pensare sempre ai colori: infatti ogni colore avrà una diversa resa in scala di grigi. Quando pensiamo di scattare per poi convertire in bianco e nero facciamo molta attenzione ai colori perché tanto più saranno diversi, tanto più varia e poco piatta risulterà l'immagine.

Il futuro te stesso

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Wed, 05 Nov 2014 09:22:00 +0000

Oggi non voglio fare bilanci soltanto perché festeggio i miei 30 anni su questo pianeta. Oggi voglio condividere una riflessione sul concetto di destino e fato, perché da questa dicotomia dipende gran parte della nostra fiducia e visione del futuro.

Sono convinta che ognuno di noi sia destinato a percorrere una determinata strada, per quanto difficoltosa o impervia questa possa essere. Il destino è qualcosa che determiniamo con le nostre azioni e scelte quotidiane, per arrivare in un punto prestabilito. Ho sempre immaginato che avrei svolto un'attività creativa e quando ho smesso di indugiare, di essere insicura, di temere il giudizio altrui, è lì che ho capito che questa sarebbe stata la mia forza.

Spiegare alle persone come ho inventato e sviluppato un'idea mi avrebbe atterrita fino a qualche anno fa, ora invece sono felice di mostrare le mie visioni al mondo e aiutare gli altri a fare lo stesso. Non importa se qualcuno penserà che i miei lavori sono strani o troppo eccentrici, se quando li realizzo sono felice. Riuscire a fare qualcosa che ci rende felici ogni giorno è una grande vittoria.

La fotografia mi ha fatto conoscere persone straordinarie ed estremamente interessanti, mi ha permesso di riallacciare vecchi rapporti e sfidarmi.

Oggi più che mai voglio chiedermi: come immagino la futura me stessa? Quando parliamo di noi stessi non dobbiamo mai dimenticare che abbiamo persone fantastiche al nostro fianco, anche se a volte non ce ne accorgiamo. Parenti, amici, conoscenti, ognuno può darci una mano sulla strada del nostro destino.

Vorrei che la futura me stessa sia sempre più creativa e ricettiva. Vorrei riuscire ad ascoltare ancora di più la natura e trarre ispirazione da essa, come ho fatto finora. Vorrei essere sempre più autonoma ma capace di chiedere aiuto, vorrei pormi nuovi obiettivi ed impegnarmi al massimo per realizzarli.

Creatività chiama creatività, e ci aiuta a migliorare la nostra vita, per quanto difficoltosa possa essere: non è mai troppo tardi per scoprirci creativi!

Fotografia oscura e macabra

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Fri, 31 Oct 2014 10:12:00 +0000

una selezione dei miei scatti più "horror"

Quando ero piccola mi piacevano in particolare due festività: una era Halloween e l'altra Santa Lucia (di cui parlerò più avanti, a Dicembre perché ne voglio realizzare una fotografia!). L'atmosfera che si respira in questo periodo, così poco convenzionale e macabra, la luce (così calda e ottima per scattare!), la prima nebbia e la foschia, insomma tutto mi piaceva e mi piace ancora oggi, e cerco di trarre ispirazione da questo tipo di elementi.

Le mie fotografie sono spesso oscure e non cerco di nascondere questo aspetto nonostante sia consapevole che bimbi sorridenti o ragazze ammiccanti portino più visite al sito!

Non a caso ho intrapreso un intero progetto dedicato ai lavori del maestro dell'horror e del giallo, Edgar Allan Poe - le atmosfere oniriche e cupe possono essere ottime portatrici di nuove idee: fantasmi, streghe, mostri, spiriti... la fotografia può e in alcuni casi deve anche mostrare ciò che non esiste, o forse esiste solo in un'altra forma...

Nel giorno di Halloween la linea di confine tra il mondo dei vivi e quello dei morti si assottiglia, quale momento migliore per mettere giù qualche nuova idea macabra?!

Purtroppo ancora oggi c'è chi vuole cancellare una tradizione millenaria, accusando Halloween di essere una festa americana e consumista. Intanto, dico io, come mai si criticano l'importazione di cultura statunitense e il consumismo solo quando fa comodo? Ricordiamoci che gli Stati Uniti furono colonizzati dagli Europei e quindi hanno mantenuto gran parte delle tradizioni del vecchio continente, magari rielaborandole.

Samhain era infatti una festività celtica e da essa molto probabilmente deriva Halloween: come molte altre festività considerate pagane, venne sovrapposta a Ognissanti nell'850 e fatta seguire subito dopo dal giorno dei Morti. Ma questo non è bastato per cancellare la sua simbologia.

Per chi abita nel nord Italia, specialmente chi è piemontese come me, può chiedere ai propri nonni o bisnonni se festeggiavano la notte delle Lumere. In alcune campagne della zona infatti i bambini intagliavano zucche o rape nelle quali poi venivano posti dei lumini: sistemate poi fuori casa dovevano attirare le anime dei propri cari defunti. Un'altra tradizione era quella di apparecchiare la tavola con un posto in più per lo spirito di un defunto.

Nelle tradizioni e nelle nostre radici possiamo trovare una moltitudine di ispirazioni, basta solo essere disposti ad osare e guardare... oltre.

Usare il web per trovare l'ispirazione

noreply@blogger.com (Diana Debord) — Thu, 23 Oct 2014 08:42:00 +0000

Internet, ed in particolar modo i social network, rappresentano una tentazione cui pochi sanno resistere, tanto più che con smartphone e tablet siamo sempre connessi. Vari studi stanno inoltre dimostrando che nei periodi di astinenza dal web le persone sono più concentrate ed ispirate a risolvere problemi.

Sembrerebbe quindi che internet inibisca la creatività: quel tempo sprecato sbirciando tra le foto del compagno delle elementari potrebbe essere usato meravigliosamente, magari se ci troviamo nel bel mezzo di un "blocco creativo", in questo caso internet può rivelarsi un validissimo aiuto.

Ho selezionato alcuni social network e siti web che possono aiutarvi a far ripartire la vostra voglia di creare:

#1 Pinterest

ultimamente c'è stato il boom di questo social network, che funziona esattamente come una bacheca. è possibile crearne a piacere, e appuntare un'immagine trovata sul web o su altre bacheche. io lo reputo utilissimo per trovare nuove idee, non solo partendo dai lavori di altri artisti ma anche da oggetti o temi. potete anche seguire le bacheche già create da altri, e cercare nel sito le parole che vi interessano. link

#2 Digital Camera World

non c'è niente di meglio che provare qualcosa di nuovo in un momento di staticità. sul sito del famoso giornale di fotografia trovate una moltitudine di tutorial (in inglese, ma spesso è sufficiente seguire le immagini di istruzioni). link

#3 Phototutorial

restando in lingua italiana invece, questo sito è perfetto per trovare nuove idee, date un'occhiata alla sezione "come fotografare": dal ritratto al paesaggio, qui trovate utili consigli per ampliare e migliorare la vostra tecnica fotografica. link

#4 SLR Lounge

se cercate invece idee per effetti particolari in fase di post produzione o foto manipolazione, sul sito del celebre SLR Lounge, costantemente aggiornato, trovate di tutto! link

#5 Facebook

seguire i vostri artisti preferiti è un ottimo modo per tenere sott'occhio i loro lavori e le loro idee. ecco perché è così importante mettere "mi piace" alle pagine che ritenete interessanti: molti artisti oggi le aggiornano quotidianamente donandovi parte del loro mondo creativo. link

#6 The Inspiration Grid

come dice il nome, il sito è strutturato a mo' di griglia, modificabile in base ai propri interessi o campo creativo. dal ritratto al paesaggio, dal concettuale alla macro, questo sito raccoglie le immagini più particolari del web e le fonti di ispirazione non mancano! link