Diário Cinéfilo

O melhor do cinema em 2012

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Sat, 29 Dec 2012 01:52:00 +0000

Detalhe: Algumas produções audiovisuais da lista abaixo foram lançadas no mercado internacional em 2011, mas atracaram em cinemas e festivais do Brasil em 2012.

10 - O Hobbit: Uma Jornada Inesperada

9 - Tabu.

8- A invenção de Hugo Cabret

7- Cosmópolis

6 - Killer Joe: O matador

5 - A Febre do Rato

4 - 007: Operação Skyfall

3 - O Espião que Sabia Demais

2 - Holy Motors

1 - A Separação

Crítica: O senhor dos anéis - O retorno do rei (The lord of the rings - The return of the king, 2003)

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Thu, 13 Dec 2012 22:02:00 +0000

Eis o legado moderno de Ben-Hur, o primeiro e mais ambicioso épico histórico já feito. Se as histórias criadas por Tolkien são de um mundo fictício, isso não interfere na possibilidade de transferir os elementos do antigo filme de William Wyler para outro épico dos anos 2000. Se isso não bastasse, foram incorporados no mesmo produto os adventos que fizeram de O retorno do rei o melhor livro da trilogia, e “coincidentemente”, o mais realista em sua estética fantasiosa e inesquecível representante do período mais conturbado da história da Terra-média.

Frodo, Sam e Gollum partem incansáveis até a montanha da perdição, onde o Um anel foi forjado e, portanto será destruído custe o preço que custar. A eles foi dada a tarefa, e a responsabilidade não pode ser desfeita dentro de seus grandes corações do Condado (Uma clara metáfora sobre a inocência e o forte engajamento social das classes mais “baixas” de uma sociedade), tal qual a de Peter Jackson de superar qualquer expectativa quase uma década atrás (Este texto ainda é escrito em 2012) com uma expansão de todos os valores antes apresentados dentro de um dos grandes filmes de 2003, glorioso e prolífico até hoje em seu impacto, sua qualidade técnica e em sua precisa adaptação de quase três horas e meia sem deixar, popularmente falando, “a peteca cair por um segundo”, em um ritmo incansável devido a magistral edição que desbancou Cidade de Deus nessa mesma categoria no Oscar 2004. Foram onze prêmios, mais de um bilhão nas bilheterias mundiais e o atestado absoluto que o cinema pode contar qualquer história, por maior e mais abrangente que ela possa ter sido imaginada uma vez.

The Lord of the Rings – The Return of the King encontra-se geralmente nas listas de melhores da década, e é uma dessas obras que só melhora enquanto o tempo passa, não apenas em sua influência, mas na certeza do seu status de Clássico feito para o exato momento em que o cinema como indústria precisava dele, sendo que nada é à frente do seu tempo, “tudo chega exatamente quando tem de chegar”, como diria Gandalf no começo de A sociedade do Anel. Assim sendo, olhando para trás, a impressão que dá é que o atestado filmado entre as décadas de 90 e 2000 é um dos melhores que uma trilogia poderia deter, coerente do começo ao fim, cada capítulo com suas peculiaridades, um completando o outro. Uma sobriedade tripla e uma fidelidade geral extremamente bem traduzida – e produzida – na tela, totalizando 558 minutos e uma preciosidade cinematográfica tão grande que seria incapaz de ser condensada dentro de um simples anel.

Nota: 9.

TOP 7 - Bêbados por sangue

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Fri, 16 Nov 2012 02:21:00 +0000

Aproveitando o final da saga Crepúsculo nos cinemas (Sim, só que não), o DC faz seu top dos caçadores de pescoços à venda após cada pôr do sol.

7 - Um drink no inferno, de Robert Rodriguez

6 - Hotel Mekong, de Apichatpong Weerasethakul

5 - Os viciosos, de Abel Ferrara

4 - Deixe ela entrar, de Tomas Alfredson

3 - Drácula de Bram Stoker, de Francis Ford Coppola

2 - Drácula, de Tod Browning

1 - Nosferatu, de F.W. Murnau

"Listen to them... The children of the night... What music they make." - Bela Lugosi.

Scorsese, Rocha e Cinemas interligados

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Mon, 08 Oct 2012 04:07:00 +0000

O diretor Martin Scorsese é certamente um dos melhores diretores norte-americanos em atividade - muitos inclusive o consideram o melhor! Nesta entrevista de 2 partes, abaixo e legendada, Martin descreve suas impressões sobre "O dragão da maldade contra o santo guerreiro", obra do realizador brasileiro Glauber Rocha. Para quem é conterrâneo e prestigia a filmografia de ambos mestres, o vídeo se torna impagável. Confira:

Parte 1:

Parte 2:

Análise: A tortura do medo (Peeping Tom, 1960)

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Sat, 01 Sep 2012 17:29:00 +0000

Voyeurismo. Um dos maiores temores até para quem não conhece o medo pelo nome, o medo de ser observado e não saber Onde ou por Quem. Essa impotência por si só já é uma tortura, uma sensação de profundo desagrado, a privacidade indo pelo ralo. O irônico é notar como esse fato, cada vez mais presente com hackers invadindo webcams via redes wi-fi já foi mostrado num sem-número de produções semelhantes de antigamente, explorado com êxito por tantos tratados de cinema; mas se o que importa para um tema já dilacerado é a dosagem para sua sobrevivência, A tortura do medo é de longe o que mais fez bem para esse cinema de suspense, um dos gigantes, conseguindo nutrir prolixidade além do gênero em uma aula de closes tenebrosos, sonoridade contínua e uma iluminação claustrofóbica inspirada por clássicos de Alfred Hitchcock e Henri-Georges Clouzot. Ainda um pouco de história, vale a pena citar que produções desse tipo já eram populares no Reino Unido, com a obra-prima A noite do demônio, de Tourneur, e O corvo de Clouzot sendo os melhores exemplos, mas todas limitavam sua tensão em preto e branco, ou seja, no cinema do ontem – Psicose e A aldeia dos amaldiçoados, ambos de 1960 também. Faltava medo colorido de verdade, sangue vermelho, não preto mais. Em sua última direção, Michael Powell estava no lugar certo, na hora certa.

O filme começa com uma câmera subjetiva feita para comprar o espectador, na época acostumado com as limitações monocromáticas, hoje com truques vertiginosos e vulgares das câmeras em prol da masturbação mental 3D. Um dos maiores dons do cinema sempre foi subverter expectativas, e é claro que como todo dom isso pode ser uma maldição, mas aqui Powell não deixa ocorrer digressões rítmicas um segundo sequer. Muito de tal privilégio vem justamente dos closes singulares e idênticos, no bom sentido, de seus personagens apavorados por seus óbitos previsíveis (Ou não) ou assustados pelas condições desafiadoras tanto para eles quanto para nós, meros interlocutores de uma história de traumas familiares e consequências sociais. Enquanto o equilíbrio corre rio acima, sereno, o desequilíbrio narrativo-visual vem em contraponto - determinado corte entre planos, a luz dá lugar a sombras deformadas no mesmo ambiente e volta a clarear no próximo corte, ou vice-versa. Deslizes comuns em uma obra transcendental, infelizmente, pois isso não é subversão. No mínimo, frustração momentânea, e não lembro disso apenas para expôr algum aspecto negativo: Faz a diferença!

Por outro lado há aspectos primorosos que não foram levados à tona, justiça seja feita: As atuações, por último a principal. Temos aqui a moça que obviamente vai ser morta no final, aquele rosto inocente escolhido pela produção para ser cultivado até o último segundo e ser morto pelo vilão, certo? O dom de subverter expectativas, Powell não esquece disso para uma história original como é A tortura do medo. Coadjuvantes são as peças do tabuleiro e vão se movendo a gosto do assassino, uma pessoa atormentada pelo passado, uma sátira mórbida da obsessão por capturar imagens que muitos artistas detêm - todos na verdade, é possível generalizar nesse quesito. O competente ator Karlheinz Böhm interpretou Mark Lewis com os olhos (Antes de Javier Bardem e Heath Ledger), trejeitos cínicos que deram inveja a Anthony Perkins e seu Norman Bates muitas vezes apático. A tensão de Lewis era maior do que a tensão de suas vítimas, intimidadas por sua câmera como ratos numa encruzilhada felina. Seus lábios sendo mordidos, seus olhos que jamais piscam, sua ansiedade não por simples espionagem, mas sua sede pela morte para desfrutar da dor alheia, isso para Mark Lewis é impagável, exatamente como a entrega do ator ao personagem para nós. Subestimado Böhm foi, os melhores sempre são.

Em meio a tudo isso, uma metalinguagem afiada (Desculpe o trocadilho para quem já viu o filme) com tudo do bom e do melhor, homenageada em definitivo anos depois por De Palma em Um tiro na noite.

Embriagante, adjetivo empregável por ventura as comparações divertidas que não chegam a lugar nenhum sobre esse tal de voyeurismo. Janela Indiscreta de Hitchcock virou sinônimo para a prática, até porque foi feito antes de Peeping Tom (Termo inglês para xeretice, voyeurismo), e para mim, aprimorada no clássico sessentista. É mais cinema, é mais amplo, o leque se abre mais! Em O silêncio dos inocentes, os pelos das nucas se arrepiam ao acompanharmos Clarice andando no escuro seguida pelos binóculos de um assassino transexual: Nós. A câmera subjetiva usada com primor equivalente por Argento em Prelúdio para matar, ou em A bruxa de Blair, heranças inestimáveis! A tortura do medo, geralmente visto em lista dos melhores filmes já feitos, não deve ganhar os créditos por criar o método, não criou nenhum, mas refrescou o máximo que conseguiu em sua curta e coerente duração, tornando seu valor imprescindível e fixável à parede da história, a base de um contexto mais contemporâneo. É o que importa. Ainda.
NOTA: 8,5.

TOP 7 - Remakes

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Sat, 25 Aug 2012 18:50:00 +0000

Seja por escassez de criatividade, seja por achar que a ideia seja tão boa que merece uma segunda ou até uma terceira visão (Como no caso de King Kong, de Peter Jackson), refilmagens permeiam o cinemão mainstream mais e mais. Um fenômeno que já vem acontecendo há muito tempo, mas vem se intensificando por si só ultimamente. Ironicamente, quando acabam por ser melhores do que a primeira visão, dão por consequência um novo gás a essa prática que muitos chamam de "plágio", outros de "democracia artística". Confira a lista do DC acerca dos 7 melhores "remakes" dos últimos 10 anos:

7°

Galante e sanguinário, 1957

Os indomáveis, 2007

6°

Ringu, 1998

O chamado, 2002

5°

Os infiltrados, 2006

4°

Mou Gaan Dou, 2002

Millenium - Os homens que não amavam as mulheres, 2011

Os homens que não amavam as mulheres,
2009

3°

King Kong, 1933

King Kong, 2005

2°

13 assassinos, 1963

13 assassinos, 2011

1°

Bravura Indômita, 1969

Bravura indômita, 2010

Joel e Ethan Coen realizaram uma das melhores releituras visuais e ideológicas já feitas baseadas em uma mise en-scène clássica, fiel ao clássico com John Wayne. Se tornou o filme do gênero western mais rentável da história, merecidamente, admitindo o porquê.

TOP 30 - Melhores filmes já feitos.

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Tue, 07 Aug 2012 01:38:00 +0000

Inspirado pelas listas recentes dos grandes diretores da ativa, o DC resolveu anunciar nossa própria lista de melhores dos melhores, mais importantes para a história da arte, obrigatórios e porque não, infilmáveis, portanto, eis a opinião do blog, aquém, é claro, do quem possam achar nossos leitores:

1) Rashomon, de Akira Kurosawa

2) 2001 – Uma odisseia no espaço, de Stanley Kubrick

3) M – O vampiro de Dusseldorf, de Fritz Lang

4) Três homens em conflito, de Sergio Leone

5) Cidadão Kane, de Orson Welles

6) Os esquecidos, de Luiz Buñuel

7) 8 ½, de Federico Fellini

8) O encouraçado Potemkin, de Sergei Eisenstein

9) O grande ditador, de Charles Chaplin

10) O homem com a câmera, de Dziga Vertov

11) Festim diabólico, de Alfred Hitchcock

12) A regra do jogo, de Jean Renoir

13) A hora do lobo, de Ingmar Bergman

14) O sétimo selo, de Ingmar Bergman

15) A aventura, de Michelangelo Antonioni

16) A grande ilusão, de Jean Renoir

17) Casablanca, de Michael Curtiz

18) O demônio das onze horas, de Jean-Luc Godard

19) Rastros de ódio, de John Ford

20) Vá e veja, de Elem Klimov

21) Era uma vez no oeste, de Sergio Leone

22) Tempos modernos, de Charles Chaplin

23) Julie e Jim, de François Truffaut

24) Saló, ou 120 dias de sodoma, de Pier Paolo Pasolini

25) Terror nas trevas, de Lucio Fulci

26) Deus e o diabo na terra do sol, de Glauber Rocha

27) Era uma vez em Tóquio, de Yasujiro Ozu

28) A noite do demônio, de Jacques Tourneur

29) A elegia da luta, de Seijun Suzuki

30) O falcão Maltês, de John Huston.

Análise - Trilogia Batman

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Mon, 30 Jul 2012 18:22:00 +0000

Alguém ai se lembra da revista SET? Na edição de julho de 2008 (Grande época para a que já foi considerada a melhor revista de cinema do Brasil), os leitores foram presenteados com uma extensa e coerente matéria sobre O cavaleiro das trevas, trazendo curiosidades, entrevistas e muito material rico em informações. Ainda me lembro de quando a publicação chegou as minhas mãos e me encantou com um ineditismo que hoje todos já sabem sobre a obra, a atuação de Heath Ledger e o outro nível que o filme elevou as adaptações de quadrinhos dali em diante. Uma entrevista interessante aconteceu com Christopher Nolan para a SET daquele mês, e a indagação foi:

SET -Então, quando existe o diálogo entre Bruce Wayne (Christian Bale) e Lucius Fox (Morgan Freeman) sobre o novo uniforme de Batman ser a prova de gatos, não é uma referência a mulher-gato?

NOLAN -(Risos) Christian perguntou a mesma coisa para mim. Mas não, não tem nada disso. Foi apenas uma piada.

Claro, uma piada... E talvez fosse para ser, pois para uma trilogia ser feita depende inteiramente da bilheteria. Nos idos de 2005, Batman Begins fez “só” 372 milhões de dólares. Na sequência, O cavaleiro das trevas fez pouco mais de 1 bilhão de dólares pelo mundo, um fenômeno pop de campanha viral global. O sinal verde estava oficialmente aceso, e mesmo com a morte de Ledger, em 2012 O cavaleiro das trevas ressurge estreou após tumultos ainda maiores e mais sérios: Uma sala de cinema pegou fogo no México, após um atirador ter feito várias vítimas na noite da pré-estreia do filme em um cinema americano.
“A trilogia é amaldiçoada”, logo acusaram os inquietos. Seja como for, Christopher Nolan dedicou quase uma década realizando um verdadeiro deleite para os fãs da personagem ambientado no século XXI. Saem os Batmóveis fantasiosos de Tim Burton e entram uma máquina de guerra (Tumbler) e uma Batmoto armada até o motor. Os vilões caricaturais dos anos 80 não têm vez nesse novo universo de terrorismo, anarquia e socialismo, realidades e pretensões extremamente atuais. Gotham City é Nova York, São Paulo, Londres, Tóquio, uma cidade suja, moderna e cheia de violência que precisa de salvação, de um jeito ou de outro. A seguir, uma análise parte por parte da melhor trilogia de Hollywood desde O senhor dos anéis.

BATMAN BEGINS – Depois do (Óbvio) fracasso de Batman e Robin (1997), a Warner Bros. tentou recuperar a série e seu potencial chamando Darren Aronofsky (Cisne negro), Frank Miller (Spirit, outro fracasso justificável) e os irmãos Wachowski, de Matrix, mas foi através da mente e das mãos que escreveram o roteiro indicado ao Oscar de Amnésia que o personagem de Bob Kane tomaria contornos definitivos para uma geração inteira. O roteirista David Goyer, junto de Chris e Jonathan Nolan se propôs a introduzir Bruce Wayne em um gênesis rumo a alcançar o que ele havia nascido para ser: Um fruto distinto da violência, alguém incorruptível e maior do que uma força policial. O remake foi reverenciado pelo público, apesar das inseguranças da direção ainda limitada, e críticos mais conservadores não gostaram dessa visão realista tão distante da de Burton. Para se ter uma ideia, os equipamentos de Batman são baseados sem exceção em tecnologias militares existentes, incluindo a capa e a armadura.

O filme também ganhou notoriedade pelo peso de seu elenco (Michael Caine, Gary Oldman, Liam Nesson e Cillian Murphy, este último que inclusive fez teste para ser Bruce Wayne) e pelas influências da história no cinema, inspirada em O longo dia das bruxas e Batman: Ano 1, clássicos dos quadrinhos. Há ainda a famosa perseguição, uma das melhores do cinema entre o Tumbler e a polícia de Gotham City. Um mundo real muito bem estabelecido em torno da mitologia do Cruzado de capa, que pela primeira vez faz o que se deve fazer, em vez de evitar o errado e preferir o certo em um blockbuster.

“Não é quem eu sou debaixo desta máscara que importa, mas o que eu faço que me define” – Batman.

BATMAN – O CAVALEIRO DAS TREVAS – E foi aqui que a trilogia ganhou respeito, ou melhor, impôs. Os irmãos Nolan pegaram o conceito de Batman Begins e jogaram tudo no lixo, reciclando algo muito superior: Uma pérola. Toda obra de ação queria ser essa sequência, ter essa essência, filmada em várias cenas com câmeras IMAX, com uma qualidade visual suprema, popularizando esse tipo de câmera um ano antes de Avatar. O filme tem um poder hipnótico sobre o espectador, razão pela qual muitos apontam como a Melhor adaptação da nona-arte para a sétima arte. É de fato uma produção contemplativa, com cenas que já se tornaram clássicas (A perseguição ainda melhor do que em Begins, com o Tumbler perseguindo o Coringa que caçava o camburão onde Harvey Dent era para ser transferido para a prisão, ou a explosão do hospital). Todos os elementos, inclusive a direção mais segura e ampla de Christopher Nolan, culminaram em um épico policial que novamente se propôs como tema central a culpa de um ser humano incapaz de lidar com um mal sem limites e sem porquê.

Assim como a sua própria direção, o filme não é nada menor e sim maior e melhor do que seu antecessor em tudo, porém a essência continuou, com referências à Graphic novels como Vitória sombria e a seminal A piada mortal, escrita pelo gênio Alan Moore. Em O cavaleiro das trevas a pretensão foi outra: Provar que existe liberdade no trabalho com personagens que o público tem relações prévias, reinventando fórmulas e paradigmas em outros cenários, sob outras circunstâncias, em prol de um subgênero ser reconhecido como gênero, e à modernidade de um mundo criado em 1940. Ao final da exibição, todos se perguntaram: Como superar, com bom senso, algo tão audacioso assim?

“Eu não quero matar você! Porque eu faria isso? Para voltar a roubar criminosos e traficantes, não, não, não: Você me completa!” – Coringa.

"Quando Gotham estiver em cinzas, terá minha permissão de morrer." - Bane

BATMAN – O CAVALEIRO DAS TREVAS RESSURGE – A progressão do hype de 2008 foi esperada por anos, com expectativas altíssimas. Algumas foram subvertidas, outras honradas, pois o público não iria aceitar algo inferior, quiçá tão bom quanto. No desfecho de uma saga que Christopher Nolan fez questão de esclarecer repetidamente não estar mais envolvido, chegamos nós ao ponto mais alto, na obra em que as ideologias de tudo o que habita e cerca Gotham City são mais bem colocadas em prática em um mundo já estabelecido 100% em torno da moral e da imoralidade. Batman Begins seria motivo de piada se colocada ao lado do terceiro exemplar da franquia, solidificada como a base para tudo que pode ser relacionado a essa história. O terrorismo e a anarquia dos filmes anteriores se juntam e resultam no socialismo, enquanto o filme tenta conter seus exageros e artimanhas de arrebatar todos com suas emoções terminais, baseadas em peso na Graphic Novel O cavaleiro das trevas, de Frank Miller, a melhor história já escrita (Em qualquer mídia) do legado imortal de Bob Kane. A estética do filme de 2012 é absurdamente realista, mas graças ao domínio da direção tudo se equilibra, até mesmo os aspectos mitológicos primordiais.

A trilogia só evoluiu, auto-sustentável como uma história fechada, e quase tão completa quando poderia ser e foi apologética – no bom sentido. Pelo caminho, Batman mudou três vezes de uniforme, encarou desde o próprio mentor até quem voltou do anonimato para realizar os desejos dele, e deixou intacta sua marca no céu poluído de Gotham e nos corações dos fãs que bateram palmas ao término da estreia de O cavaleiro das trevas ressurge, e do recomeço de uma gloriosa carreira para o diretor de Doodlebug, pois foi lá que tudo começou.

A última sessão de cinema

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Sun, 22 Jul 2012 01:16:00 +0000

É e sempre será o que foi para muitos cinéfilos ou fãs da criação máxima de Bob Kane, na tela pelas mãos de Christopher Nolan. Quem estava lá tinha certeza que Batman - O cavaleiro das trevas ressurge seria uma experiência inesquecível, mas não nesse sentido - é o ocorrido quando o que está dentro das telas salta para o mundo real de um jeito mais realista do que qualquer 3D. Mas... Outros animais não matam quem não os fez mal algum, muito menos quem estava compartilhando o mesmo prazer. Cobras e escorpiões são criaturas que só atacam ao se sentirem acoadas, ou famintas. Os sociopatas, em geral, afirmam que chacinas servem para "purificar a sociedade", ou "libertar parasitas sociais", ou seja, se assumem anti-heróis acreditando que os meios, por mais sanguinários que sejam, justificam os fins.

No cinema há intermináveis casos de personagens com a mesma conduta, e o público os admira (Tyler Durden e o Coringa são os exemplos mais conhecidos), mas quando chacinas irrompem de cabeças fracas e índoles distorcidas, ninguém gosta, ninguém aplaude, e a mídia exerce o bom e velho sensacionalismo. Nos Estados Unidos, país famoso também por esses casos bumerangues, armas são de fácil acesso como um cacho de bananas, mas será que isso é - e continuará sendo - um caso especificamente americano?

A trilogia Batman é tão amaldiçoada quanto o fato de que só existem homicidas na terra do Tio Sam. Você está lendo esse artigo num mundo livre chamado internet, onde tudo é mais rápido do que o disparo de um revólver. Os irmãos Lumiére não imaginaram que, para se entrar numa sala de cinema com a tranquilidade necessária para apreciar ou estudar um filme, seria preciso um dia, em um futuro distante (e cada vez mais perto atualmente) passar por detectores de metal, iguais aos usados pelos bancos, e contarmos com a vigilância dos seguranças nas sessões públicas. Isso terá um efeito devastador no público, mas como tudo é uma questão de hábito, talvez entrar numa sala de cinema do futuro será como ser permitido a pôr os pés em um museu, um templo importante e digno de preservação, após somente estar apto a isso.

Outro caso semelhante foi o de um jogador Tailandês que jogou Diablo 3 por 40 horas, e morreu. Analogias a parte, a alienação nunca esteve tão sedutora para quem quer fazer o mal - isso pode ser um pouco moralista, mas é uma verdade indiscutível! Assim como Batman em sua luta fictícia contra o crime, a tecnologia poderá ser nossa amiga na realidade contra a violência de quem senta ao seu lado nas exibições públicas, afinal Coringas são reais e não entendem em sua decadência que tiroteios e explosões são legais apenas no cinema. Em outras palavras, vamos continuar separando o joio do trigo, trazendo o que há de bom da sétima arte para o lado de cá da tela! E por fim, algo do mestre Chaplin, perfeito para a ocasião: "Se matamos uma pessoa somos assassinos; se matamos milhões delas, celebram-nos como heróis".

Pense nisso, meu leitor, nesses tempos de desamparo.

TOP 8 - Jornalismo

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Sun, 01 Jul 2012 20:50:00 +0000

8° - Todos os homens do presidente, de Alan J. Pakula

7° - Borat - O segundo melhor repórter do glorioso país Cazaquistão viaja a América, de Larry Charles

6° - Sangue sobre o sol, de Frank Lloyd

5° - Paixões que alucinam, de Samuel Fuller

4° - Profissão: Repórter, de Michelangelo Antonioni

3° - Jejum do amor, de Howard Hawks

2° - Cidadão Kane, de Orson Welles

1° - A montanha dos sete abutres, de Billy Wilder

Crítica: A noite do demônio (The night of the Demon, 1957)

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Mon, 14 May 2012 13:30:00 +0000

Eis um diretor que pode rivalizar com Hitchcock sobre o status de mestre do suspense: Jacques Tourneur. A maneira como ambos escolhiam os temas de seus filmes eram distintas (Hitch era acima de tudo realista, Tourneur mais independente da realidade), mas a maestria de ambos, as trivialidades visuais e subjetivas que usavam, a dialética e o desembaraço artístico chegam a ponto de competir na história do gênero. Se o diretor inglês tem pérolas do calibre de Psicose e Janela Indiscreta para atestar sua imortalidade, o francês não deixa barato e colou na parede Sangue de pantera e O homem leopardo, para citar alguns. 4 grandes exemplares do suspense, unidos por suas significâncias inestimáveis e que usam dialéticas filosóficas tão semelhantes quanto o domínio de quem as contou: O mal pode arruinar o próprio mal, pois o mal não existe com a luz que evita sua existência. Quando os gatos saem, os ratos fazem a festa; e um gênero não pode ter um único representante definitivo.

Desde os tempos remotos, uma maldição literalmente demoníaca assola qualquer pessoa que ousar se envolver de qualquer jeito com ela, a fim de investigá-la ou desmascará-la. A noite do demônio é uma “simples” analogia as milhares de seitas diabólicas mundo afora, que precisam de representantes espalhados pelos quatro cantos do mundo para adquirir a sobrevivência global. Quando um homem viaja a Londres para investigar tal maldição, se defronta com rupturas que podem levá-lo a rever seu ceticismo em relação ao sobrenatural. Nesse sentido, Tourneur não pretende nos fazer acreditar junto do personagem, mas rever nossos conceitos pelo menos enquanto o filme (hipnotizante) nos é proporcionado. Para isso, o diretor optou por mostrar a imagem crua do diabo como ele é reconhecido inocentemente pela cultura popular, uma aposta certeira do diretor em prol de uma identificação mínima além de qualquer indignação que o personagem de Dana Andrews possa sentir.

A história não é brilhante, mas se torna justamente hipnotizante pelo equilíbrio perfeito da narrativa visual. O filme equaliza de um jeito reverencial toda a bagagem do mito demoníaco que todos nós temos com o êxtase visual de uma fotografia preto e branco seminal. Nada pode substituir os planos tímidos dentro de uma floresta claustrofóbica, com seus sons dispersos, ou planos em um quarto escuro, onde um gato pode se transformar em uma pantera e atacar um intruso que quer saber demais (Tourneur aqui usa ironicamente de influência própria, já que essa cena também tem a mesma essência de outra, em Sangue de pantera). Os planos são tímidos para não mostrar muito e assim surpreender quando bem quiser, quantas vezes precisar. Sim, uso eficiente, mas estava errado em dizer que nada os substituía, tão errado quanto quem acha isso até babar com semi-planos-sequências em preto e branco, cada vez mais presentes quanto mais a história se desenrola, nos fazendo mais e mais adeptos ao filme. Planos grudentos a qualquer memória cinéfila que se preze.

Como no cinema de Jacques Tourneur o que importa é o elemento atemporal, conseguido através de qualquer artimanha ética ou não, o que resta é a admiração de sua obra-chave, uma fábula metafórica sobre a corrupção que poucas vezes o cinema criou, não com essa vivacidade proporcionada aqui tão bem para até os mais leigos poderem atestar. Acredito que M - O vampiro de Dusseldorf possa ser com suas particularidades a grande base atmosférica para este outro grande filme, afinal Tourneur sempre será o mais feliz herdeiro do expressionismo alemão em termos visuais, tendo a sensibilidade necessária para expressar o que Fritz Lang e outros já tinham começado anteriormente, sem se repetir. Atitude rara, tão rara quanto a satisfação após um daqueles finais dualísticos à la Tourneur. Filme obrigatório.

Nota: 10.0

Crítica: Crepúsculo (Twilight, 2008).

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Fri, 04 May 2012 17:40:00 +0000

Só tem uma coisa melhor para os intelectuais do que tornar algo adorado pelas massas um grande motivo de chacota: O tempo, que pode provar que eles estavam certos desde o começo. Em Memórias, de Woody Allen, uma fã do diretor (é um filme extremamente existencialista) se diz representante intelectual e indaga o diretor sobre o desgosto dele para eles. Woody diz que não tem desgosto algum por eles, e ela sai de cena, intelectualmente indignada.

A ostentação desse meio de vida nunca foi tão repreendida quanto hoje em dia, então, o que dizem os intelectuais de esquerda e direita sobre o cinema antes do moderno virar o atual? Os de esquerda certamente tentam enxergar luz no fim do túnel, com um zoom óptico irritantemente moderno e apelativo; os da direita esnobam produtos que afinal de contas emergiram do nada para serem esnobados após chegarem ao mercado do homevideo. E quem não tem uma posição ideológica formada (99% do público) fica a deriva, órfãos do cinema velho, expostos a qualquer porcaria milionária estrangeira – estrangeira ou nacional, infelizmente é possível generalizar neste caso. Por mais desmistificador e cruel que possa parecer para a maioria, não há diferença entre as séries Harry Potter e Crepúsculo, séries prestes a ficarem esquecidas e voltar de onde um dia vieram.

Sinopse: Uma garota translúcida e com expressões de manequim é nova na cidade, e se envolve, por conta do destino com Edward Cullen, um garoto detentor das mesmas semelhanças. A única diferença é que ele é um vampiro translúcido mas que não tem medo de ficar bronzeado, afinal a única coisa que pode matá-lo é o desafeto de sua amada. Algo tocante, Nabokov não faria melhor. A Globo adaptaria isso a novela-teen Malhação. Howard Hawks pegaria essa história e faria uma comédia épica, eu pelo menos consigo enxergar algo assim muito facilmente, diria até obviamente. Gus Van Sant faria um drama trágico, realista e impiedoso quanto ao público, mas é um produto pop, os de alma feminina devem se identificar de corpo e alma, caso contrário, eu pergunto, a fim do que Crepúsculo precisaria existir?

Não ataco quem é ignorante, ataco quem sabe que é e continua sendo. O mesmo para quem é ingênuo. O mesmo para Crepúsculo.

A diretora Chaterine Hardwicke, acostumada a levar o universo adolescente em seus filmes a sério demais, leva esse a um grau de total e irremediável planificação da demência que dá gosto de ver – acho que estou encarnando Cullen no sentido mórbido da coisa. Digo irremediável (e diria novamente) porque, após o incidente inicial para o segundo ato do filme, nada mais se explica, nada mais tem esse desejo. A seriedade do início é interrompida por duas vertentes: O drama paternal rasteiro entre Bella (a manequim) e seu pai de atitudes típicas de um padrasto passional, e o arco dramático sonolento sobre a conciliação do amor entre os manequins. Só uma curiosidade: Há histórias que eu colecionava da Turma da Mônica um pouco mais interessantes. Um pouco...

Acima, acabei de explicar porque o meio de vida intelectual nunca foi tão repreendido quanto hoje em dia. Na verdade não apenas esse estilo, mas simplesmente o bom-senso acaba sendo ridicularizado em prol da diversão, da identificação barata com qualquer história de amor improvável e apelativa. Há gosto para tudo, nossas tataravós com certeza disseram isso antes de nós, mas naquela época era mais fácil. Não eram bombardeados com eventos, mas com filmes. Espero que um dia isso não se torne uma escassez, acho que não chegaremos a esse ponto – eu não acho, eu quero! Espero que aqueles adolescentes bitolados e tristemente alienados pela forte cultura “tenho tudo a qualquer hora” predominante um dia tenham boas lembranças douradoras, de preferência para seus netos. Cinema é identidade, seria injusto a arte ter o poder de ilustrar nas bilheterias um romance quase que irremediavelmente ingênuo como o escrito pela “escritora” Stephenie Meyer e não lembrar com orgulho “Quanto mais quente melhor” ou “Sai da frente”, clássicos heterogêneos de Billy Wilder e Mazzaropi. É que às vezes dá uma falta de esperança artística, uma nostalgia tão recompensadora de se abraçar... A qual nostalgia a futura geração vai ter orgulho de abraçar? Enquanto a questão fica no ar, Bram Stoker se revira furiosamente em seu túmulo.

Nota: 4.

Crítica: Os esquecidos (Los Olvidados, 1950)

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Wed, 18 Apr 2012 20:54:00 +0000

“Para mim, Os esquecidos é efetivamente um filme de luta social. Porque eu me creio simplesmente honesto comigo mesmo, eu devo fazer uma obra social. Eu sei que vou neste caminho, mas a partir do social eu não quero fazer filmes de tese. Eu observo as coisas que me emocionam e eu quero transportá-las para a tela, mas sempre com essa espécie de amor que eu tenho pelo instintivo e pelo irracional que pode aparecer em tudo.” – Luiz Buñuel.

Amén. Glauber Rocha, o mais fodástico e anarquista cineasta brasileiro afirma em seu livro póstumo (O século do cinema, edit. Cosacnaif) que Buñuel foi o último dos malditos de um cinema que se perdeu na histeria artesanal – sendo que o cinema de Rocha era quase artesanal, pois certamente a frase “Uma câmera na mão e uma ideia na cabeça” não tem essência publicitária. Aliás, se formos analisar o cinema de Buñuel, essa é a palavra chave, a essência predominante e desprendida de fórmulas. O diretor sempre gozou em tecer críticas irônicas e maliciosas a igreja católica, como em Viridiana, e a elite burguesa, em O discreto charme da burguesia. Críticas sociais regadas por elementos grotescos subjetivos ou não, essa é a mais forte herança do surrealismo francês do século XIX, e Buñuel, mestre do gênero e influente por natureza aproveitava isso com sabedoria típica dos grandes artistas, que sempre sabem onde pisam enquanto dão a impressão de não saberem. Para ele, tudo valia a pena para conseguir a liberdade do cidadão, sendo a partir de roubos e fazendo o mal, ou traindo o marido aderindo a prostituição em A bela da tarde, ou a liberdade de espírito alcançada em ajudar mendigos e fazer o bem.

É impossível alguém assistir um filme do diretor espanhol mais famoso e idolatrado do mundo sem perceber suas personalidades inseridas num contexto tão particular, e graças ao surrealismo adotado, tão identificável, tão imutável e chocante por excelência – O anjo exterminador. Tem quem diga, em plena era de cópias asquerosas e pornograficamente moralistas dos filmes de Buñuel que esta é a magnum opus do diretor, por justamente conseguir ser uma síntese total da essência Buñuelística: Uma constatação apressada e amadora.

Ok, falar sobre o melhor filme de determinado diretor é fácil demais, e então quem se submete a isso merece não levar a atenção às vezes merecida, mas no caso deste cineasta nascido em 1900 em um “vilarejo espanhol que ainda estava na idade média”, como ele mesmo descreve em sua biografia, é irresistível demais para qualquer fã de Buñuel. Porque é em Os esquecidos onde estão guardados todos os mandamentos do manual ainda por ser escrito de uma das carreiras mais prolíficas do cinema. Dentre os vários fatores que se combinam para tornar Los Olvidados algo original e imortal, um particularmente impressionante é o entrechoque do arcaico com o moderno. Ao narrar de forma intensa o dia a dia de jovens criminosos no México, é escolhida uma narração aparentemente mais convencional, o elemento surrealista de estranhamento e de desordem intencional, claro, sobretudo a recorrência de imagens agnósticas ao real e irreal. A iluminação? Uma tangente derivada dos clássicos franceses da época, com um tiquinho de expressionismo alemão para aumentar a tal estranheza (cinema este já superado na época, por mais que Fritz Lang negue a existência do expressionismo alemão por si só como um movimento isolado). A partir daí, Buñuel não tinha mais com o que se preocupar, poderia até parar de fazer filmes (Graças a deus ele não parou): Seu lugar na história já estava marcado.

A crueldade e o grotesco das situações impressiona até o mais insensível espectador. Para quem ainda não viu essa obra-prima (espero que essa pessoa tenha um bom motivo para isso), imagine então a cena: Um grupo de delinquentes juvenis apedreja um mendigo errante cego aos pés de um edifício em construção, a luz do dia, simplesmente pelo prazer da violência. Lembrou de Laranja Mecânica? Não negue, não se envergonhe, é completamente natural que grandes obras precisem de bases melhores ainda... Imagine só, leitor, se Buñuel tivesse seguido os passos escrachadamente humanistas de Rossellini e Visconti! Sua dramaturgia fílmica seria prejudicada para sempre, não em termos de valor, mas em pontos de peculiaridades chave. Clássicos do Neo-Realismo italiano com certeza foram influenciados e influenciaram o cineasta espanhol até um certo ponto, é até um tanto visível isso em A via láctea, mas não há ponto de inverter um centímetro de seus trilhos. Grandes artistas sempre sabem onde pisam, e o resto você já sabe...

Foi com Los olvidados (título original), esse pedaço de perfeição artística que o diretor começou a aprimorar seus zooms de câmera, sua montagem correlativa a imagem que não quer desesperadamente informar pela lógica como as edições cinematográficas de hoje em dia, mas sim embaralhar nossos pontos de vista, através da violência, sobre a sociedade que ele profetizou no meio do século XX a se tornar a sociedade anárquica, sem bases moralistas e a beira de um colapso político do século XXI. Os personagens gatunos, que se aproveitam um do outro: Nesse conceito Buñuel deitou e rolou num tempo esquecido quando o cinema do mundo todo ainda não tinha preconceitos e estava à vontade para mostrar a realidade do jeito que ela é, injusta e na maioria das vezes sem sentido lógico – até parece que o cineasta não iria ser gatuno o bastante para ver nisso a chance de ouro para se auto-elevar na sétima arte.

Uma característica predominante dos filmes de Buñuel: O poder acima do discriminado, como alegoria á velhas ditaduras contra a liberdade.

Aderindo de vez ao espírito histórico dessa análise, sim, o cinema deste senhor que morreu aos 83 anos (com certeza se sentindo inútil quanto a sua arte) viria a sofrer rupturas e mais mutações baseadas em Os esquecidos, subindo o Everest que o próprio diretor ajudou a construir (onde a Nouvelle Vague da França escalou o caminho já trilhado por Buñuel sem dar a devida gratidão), cada vez mais revelando outras obsessões do cineasta além da crítica á burguesia ou religião, mas também ao sexo no último pedaço de arte genuína extraída de sua carreira, Esse obscuro objeto de desejo. Para ele, o sexo assim como a violência juvenil maravilhosamente explorada aqui em Os esquecidos é o prisma que permite enxergar as ambiguidades dentro de cada um, de acordo com um contexto específico. Nem o cinema atual faz isso!

Bem, críticas fílmicas são como radiografias, às vezes didáticas, às vezes são sinopses disfarçadas de análises, e sempre tentam dissecar e regurgitar em palavras o que uma dezena de centenas de imagens por segundo filmadas por câmeras de 50mm mostraram – típica pretensão julgadora de todo escritor. Para isso não acontecer, alguns sugerem, outros convidam, outros se apoiam no que já foi escrito. E quanto a escrever sobre o cinema clássico de Buñuel, tanto os da fase mexicana quanto os do período francês, a qual técnica recorrer? Simples: Se render á maestria, imitando Almodóvar que se perpetuou aos encantos de Buñuel durante toda sua carreira pop, principalmente em A pele que habito, uma verdadeira e aleatória homenagem moderna cuja idéias dariam orgulho a Buñuel, que assim como seus filmes, e assim como Los Olvidados (mais do que um filme, um tratado quase que definitivo sobre as consequências da miséria (interior e exterior) no ser humano), é filho de uma arte que se destruiu na luta contra velhos sistemas, e apelou para o lado irônico da realidade para se manter de pé como arte sólida. E do que mais as palestras artísticas seriam feitas?

NOTA: 10.

Os Vencedores do Oscar 2012

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Mon, 27 Feb 2012 04:58:00 +0000

5 Lições que podemos aprender com o Oscar:

-Meryl Streep é a melhor atriz da sua geração.
-Steven Spielberg e John Willians começam a chegar na beira do abismo.
-Martin Scorsese e seus gângsters são bastante convincentes no background da premiação!
-Woody Allen é o único artista que esnoba publicamente o Oscar e mesmo assim é levado a sério pela Academia!
-Um produto Brasileiro só vai receber algum Oscar quando Lars Von Trier ganhar um Oscar de melhor direção.

VENCEDORES DO 84° OSCAR:

O artista: Melhor filme, Melhor Direção (Michel Hazavanicius), Ator (Jean Dujardin), Melhor Figurino e Melhor Trilha sonora.

A invenção de Hugo Cabret: Melhor direção de arte, Melhor Fotografia, Melhor mixagem de som, Melhor Edição de som e Melhores efeitos visuais!

A dama de ferro: Melhor atriz (Meryl Streep) e Melhor maquiagem.

Histórias Cruzadas: Melhor atriz coadjuvante (Octavia Spencer).

Toda forma de amor: Melhor ator coadjuvante (Christopher Plummer, o artista mais velho a ganhar um Oscar na história).

Os descendentes: Melhor roteiro adaptado (Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash).

Meia-noite em Paris: Melhor roteiro original (Woody Allen).

Millenium: Os homens que não amavam as mulheres: Melhor edição.

A separação: Melhor filme estrangeiro (Irã)

Rango: Melhor animação.

Os Muppets: Melhor canção.

Undefeated: Melhor documentário.

The Shore: Melhor curta-metragem.

Saving Face: Melhor documentário curta-metragem

Os fantásticos livros voadores do doutor Morries Lessmore: Melhor curta-metragem de animação.

E depois do carnaval...

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Fri, 24 Feb 2012 13:52:00 +0000

Sinceramente, parece que foi há pouco tempo que as apostas para A rede social ganhar os prêmios máximos da noite pipocavam pelas redes sociais (RÁ), quando o conservadorismo ganhou novamente e o fraco O discurso do rei foi o vencedor. Pois bem, isso já é história, e daqui a um ano a vitória certeira de O artista também vai ser. Um filme que não evidencia o poder da imagem, apenas o estranhamento pela polêmica falta de som, uma pena, é claro... Mesmo assim, apesar dos prós e contras, é um filme (superestimado) que precisa sim existir, e faz bonito no circuito atual. Se perder, certamente será para o mágico Hugo, de Martin Scorsese, um filmaço, de 3D e funções artísticas impecáveis, e que usa de temas e situações que transcendem a sensibilidade apelativa que o visual minimalista poderia passar ao interlocutor. Os prêmios de direção também ficarão entre Michel Hazanavicius e Scorsese, com leve preferência ao primeiro se o histórico do prêmio valer alguma coisa - e com certeza, valerá.

2011 foi um ano onde o cinemão americano ficou sem fôlego, e para isso, as produções apelaram para a segurança do passado da sétima arte, com as já citadas obras e Meia-noite em Paris. Este muito provavelmente renderá o terceiro Oscar de roteiro original para o veterano Woody Allen, mas quem merecia de um jeito supremo era o iraniano A separação, certeiro vencedor de Melhor Filme Estrangeiro. Clássico moderno sobre as limitações culturais de um povo, em uma espiral de tensão psicológica proporcionada pelo ótimo roteiro, até um final surpreendente e dualístico como todo o resto. O mundo do cinema se rendeu a esse filme, e com toda a razão!

Nas atuações, como é de praxe, tudo parece previsível até uma segunda ordem. Por atriz , Meryl Streep, inadjetivável em A dama de ferro e por atriz coadjuvante, Octavia Spencer, dinâmica e contida em Histórias Cruzadas. Ambas parecem ter 101% de certeza de levar o pequeno careca dourado para casa em suas respectivas categorias, enquanto Jean Dujardin (O artista) ou George Clooney (Os descendentes) disputam a vaga para Ator, quando Gary Oldman deveria receber o prêmio por sua atuação icônica e mais do que impecável em O espião que sabia demais. Alguns dizem que esse é um clássico moderno, outros dizem que é só um filme de Oscar, chato e confuso: Eu concordo com as duas opiniões. Extremamente bem escrito e o maior merecedor do Oscar de Roteiro Adaptado, O espião que sabia demais já pode ser considerado cult por excelência. Entretanto, O homem que mudou o jogo e o já citado Os descendentes são os queridinhos do Oscar 2012, e quanto a isso, não há muito (nada) o que se fazer.

Christopher Plummer, no alto dos seus 82 anos já pode começar a escrever seu discurso na noite deste domingo, nada nem ninguém lhe tira o prêmio de ator coadjuvante pelo filme de atuações Toda forma de amor. Realmente, sua performance como um idoso homossexual no término da vida é típica de um ator em total controle do seu trabalho. Outro fato imutável: Melhor animação para Rango, principalmente agora em que As aventuras de Tintim não está concorrendo na categoria, apenas em Trilha sonora, afinal foi realizada pelo mestre John Willians, mas deve amargar a derrota. Falando nas categorias técnicas...

Aviso: É bem provável que Harry Potter e as relíquias da morte - Parte 2 saia da festa de mãos abanando, assim como sempre saiu. Isso porque o filme Hugo contém uma parte técnica bastante superior ao último filme do bruxo britânico, e é capaz que não só abocanhe Melhor direção de arte em vez do castelo de Hogwarts, mas Melhor som, edição de som e figurino (prêmios merecidos, à propósito). A trilha sonora deve ser uma coadjuvante no filme, elemento indispensável ou no mínimo complementar, e há apenas dois exemplares primorosos nesta edição do Oscar: As trilhas do filme de Scorsese e da outra homenagem ao cinema, O artista (este último no qual o prêmio deve realmente ficar). Resta para os fãs de Harry Potter torcer quanto a uma vitória em Melhor maquiagem, pois Efeitos visuais é e deve ser de Planeta dos macacos - A origem, e exceto por uns robôs gigantes anárquicos, ninguém tasca.

Esse vai ser o 84° Oscar, mais do mesmo, mas com a mesma habilidade, às vezes duvidável, de saber peneirar os melhores títulos para a entrega dos prêmios. O que não se pode duvidar MESMO é Melhor fotografia para a fotografia sobrenatural e espantosa de A árvore da vida, e se isso não acontecer, eu desisto!

TOP 9 - Melhores vilãs do cinema

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Fri, 17 Feb 2012 16:48:00 +0000

Algumas das mais marcantes vilãs do cinema, não necessariamente femme fatales, afinal, o mal não se enquadra em apenas uma constante. Nove exemplos, aguardamos o seu comentário!

9. Miranda Priestly (O diabo veste Prada)

8. Mulher - Gato (Batman - O retorno)

7. Varla (Faster Pussycat, Kill! Kill!)

6. Aileen (Monster - Desejo assassino)

5. Maria (Metrópolis)

4. Mary (Preciosa)

3. Baby Jane Hudson (O que terá acontecido com Baby Jane?)

2. Masako Kanazawa (Rashomon)

1. Regan MacNeil (O exorcista)

Crítica: Infâmia (The children's Hour, 1961)

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 08 Feb 2012 22:32:00 +0000

por Victor Tanaka

Mesmo depois do sucesso estrondoso de público e crítica que Ben-Hur recebeu em 1959 – e que até hoje arranca aplausos e elogios da maior parte dos cinéfilos do mundo inteiro -, ninguém imaginou que a obra-prima daquele diretor ainda estaria por vir. Os méritos de Infâmia vão além de ser o melhor filme de William Wyler. Ele consegue se consolidar como uma das pérolas mais instigantes do cinema, cujo dramalhão funciona como jamais visto em outra película cinematográfica, mesmo com a pouca popularidade que possui.

O filme que relata o caso de duas jovens professoras que caem na boca do povo quando uma calúnia, espalhada por uma garota rebelde, de que as moças estavam tendo um caso homossexual, já possui um roteiro chamativo, e na hora do “vamos ver”, não decepciona. Deixa o espectador em um estado de hipnose durante toda a duração. É um baita de um roteiro, com cenas fortes e passagens aterradoras em uma velocidade quase contraditória. Ao mesmo tempo em que parece ser conduzido por Wyler sem pressa alguma, também assume um ritmo frenético e com uma tensão constantemente crescente. É inexplicável ver como as cenas iniciais, tão bobinhas e inocentes, conseguem ser levadas a um desfecho tão psicologicamente devastador.

O que mais chama a atenção aqui é a fotografia sombreada esplendorosa. Quanto mais as duas personagens se afundam em seus problemas e na procura de uma solução, mais escuros ficam os cenários, até elas encontrarem-se em um breu completamente caótico, representando claramente as mentes desesperadas da dupla protagonista.

As atuações são outro ponto alto. Audrey Hepburn abandona seu perfil de moça delicada, apaixonada e alegre e mostra que também possui cacife para estrelar um dramalhão desses sem encarnar uma personagem irritante ou superficial. E Shirley MacLaine, no auge da sua época dourada – anos mais tarde, ela viria a se render a comédias românticas e dramas leves com clima de Sessão da Tarde -, ocupa a cadeira de melhor atriz do filme. Essas duas performances brilhantes acentuam o efeito de angústia que o filme transmite com facilidade.

O tom novelesco que a história incorpora não atrapalha o andamento do filme em seu resultado final e tampouco incomoda aqueles espectadores mais exigentes que vêem como defeito a linguagem cinematográfica tomar uma forma parecida com outra arte – quando define um filme, por exemplo, como “teatro encenado” ou “novela mexicana”. Em certos momentos, é percebível uma semelhança entre esses conceitos, mas o clima pesado e a atmosfera angustiante que carregam o filme, assim como o drama que funciona sem soar exagerado – o que folhetins nacionais televisivos quase nunca conseguem -, mostram que Infâmia é muito mais que isso. O tom novelesco é apenas uma característica que termina de compor o charme dessa obra melancólica.

Claro, eu não poderia fechar esse texto sem comentar a figura de Karin Blakin aqui, a vilã mirim mais podre do universo cinematográfico. Toda a sua birra e seu comportamento mimado deixam sim o público irritado, cumprindo bem o seu papel de ser uma personagem para lá de detestável.

A fofoca, as conseqüências causadas pela mentira, o desespero, a busca incessante para uma solução, a reta final para escapar de todos os problemas, todos os temas são tratados com maestria por esse filme excepcional e interessante, que ainda consegue impor uma lição de moral implicitamente. E aí? O que mais um drama precisa para ser reverenciado?

Nota: 10.0

Infâmia (The Cildren's Hour, 1961) é dirigido por William Wyler e estrelado por Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner, Miriam Hopkins, Fay Bainter, Karen Balkin e Veronia Cartwright. O roteiro de John Michael Hayes foi baseado na peça teatral de Lillian Hellman. Possui 107 minutos de duração e recebeu 5 indicações ao Oscar, não vencendo nenhuma (Fay Bainter em Melhor Atriz Coadjuvante, Melhor Som, Melhor Fotografia em Preto e Branco, Melhor Direção de Arte em Preto e Branco e Melhor Figurino em Preto e Branco).

Filmes Vistos em 2011

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 02 Jan 2012 01:58:00 +0000

por Victor Tanaka

1. Um Olhar do Paraíso (2009)
2. Meu Melhor Amigo (2006)
3. A Vida dos Outros (2006)
4. A Família da Noiva (2005)
5. Batman & Robin (1997)
6. Última Parada 174 (2008)
7. Sexo com Amor? (2008)
8. Memórias de uma Gueixa (2004)
9. Terapia do Amor (2005)
10. Coincidências do Amor (2010)
11. O Escritor Fantasma (2010)
12. Tratamento de Choque (2003)
13. A Filha do Presidente (2004)
14. Canguru Jack (2003)
15. Cisne Negro (2010)
16. Efeito Borboleta (2004)
17. Mother - A Busca pela Verdade (2009)
18. Plano B (2010)
19. Mary & Max - Uma Amizade Diferente (2009)
20. Aracnofobia (1990)
21. Ilha do Medo (2010)
22. Água Negra (2005)
23. A Última Música (2010)
25. O Fada do Dente (2009)
25. Vidas que se Cruzam (2008)
26. Comer, Rezar, Amar (2010)
27. Sex and the City 2 (2010)
28. Piranha 3D (2010)
29. Alvin e os Esquilos 2 (2009)
30. O Discurso do Rei (2010)
31. Minhas Mães e Meu Pai (2010)
32. O Último Exorcismo (2010)
33. Gente Grande (2010)
34. A Mente que Mente (2008)
35. Ponyo - Uma Amizade que Veio do Mar (2008)
26. Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos (2010)
27. Reencontrando a Felicidade (2010)
28. A Mentira (2010)
29. Clube da Luta (1999)
30. Garotas S.A. (2008)
31. O Turista (2010)
32. Meu Amigo Harvey (1950)
33. Positivamente Millie (1967)
34. Encontrando Forrester (2000)
35. Abraços Partidos (2009)
36. Muito Gelo e Dois Dedos D'Água (2006)
37. Identidade (2004)
38. Simplesmente Amor (2003)
39. Billy Elliot (2000)
40. A Rede Social (2010)
41. O Último Tango em Paris (1972)
42. Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas (2003)
43. Como Perder um Homem em 10 Dias (2003)
44. Em Busca da Felicidade (2007)
45. A Origem (2010)
46. O Imaginário Mundo do Dr. Parnassus (2009)
47. Oliver Twist (2005)
48. Bernardo e Bianca (1977)
49. Endiabrado (2000)
50. Saló ou os 120 Dias de Sodoma (1976)
51. A Profecia (1976)
52. Legalmente Loira 2 (2003)
53. Pink Flamingos (1972)
54. Garota Infernal (2009)
56. Atraídas pelo Perigo (2001)
57. Estão Todos Bem (2009)
58. A Princesa e o Sapo (2009)
59. O Massacre da Serra Elétrica (1974)
60. Férias Frustradas (1983)
61. De Olhos Bem Fechados (1999)
62. Enterrado Vivo (2010)
63. O Diário de Bridget Jones (2001)
64. Os Reis do Iê-Iê-Iê (1964)
65. Um Milionário em Apuros (2005)
66. Os Vampiros que se Mordam (2010)
67. Rio (2010)
68. Vestida para Casar (2007)
69. Os Inocentes (1961)
70. Música e Fantasia (1976)
71. Os Infiltrados (2006)
72. Grande Hotel (1932)
73. Maria, Mãe do Filho de Deus (2003)
74. Minha Vida (1993)
75. Pânico 4 (2011)
76. Inocência Roubada (2007)
77. O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili (2006)
78. Caça às Bruxas (2010)
79. Uma Rua Chamada Pecado (1951)
80. 1941 - Uma Guerra Muito Louca (1979)
81. De Pernas pro Ar (2011)
82. O Ritual (2011)
83. Sexo Sem Compromisso (2011)
84. Entrando Numa Fria Maior Ainda com as Crianças (2011)
85. Porky's - A Casa do Amor e do Riso (1982)
86. As Bicicletas de Beleville (2003)
87. Enrolados (2010)
88. 127 Horas (2010)
89. Diário do Diabo (2007)
90. A Última Noite de Bóris Grushenko (1975)
91. Meu Trabalho é um Parto (2009)
92. Hawaii (1966)
93. Como Água e Vinho (2000)
94. Ghost Town - Um Espírito Atrás de Mim (2008)
95. O Garoto de Liverpool (2009)
96. Homem de Ferro 2 (2010)
97. Independence Day (1996)
98. Loucas por Amor, Viciadas em Dinheiro (2008)
99. Pânico (1996)
100. Nadando em Dinheiro (1952)
101. Tomates Verdes Fritos (1991)
102. Encontro de Amor (2002)
103. Desafiando Gigantes (2006)
104. Um Anjo Caiu do Céu (1947)
105. Samantha & Nellie (2004)
106. Eu Não Quero Voltar Sozinho (2010)
107. Meia-Noite em Paris (2011)
108. De Repente 30 (2004)
109. Amigos, Amigos, Mulheres à Parte (2008)
110. Uma Família Quase Perfeita (1996)
111. Moonwalker (1988)
112. Meri Poppins, do svidaniya (1983)
113. The Little House (1952)
114. Meu Nome é Taylor, Drillbit Taylor (2008)
115. Brichos (2007)
116. Tiro e Queda (1998)
117. Karate Kid (2010)
118. The Cat Came Back (1988)
119. Balance (1989)
120. Technological Threat (1988)
121. O Homem Nu (1997)
122. Sortilégio de Amor (1958)
123. Cavallette (1991)
124. Gone Nutty (2002)
125. Let's Pollute (2009)
126. Carrie - A Estranha (2002)
127. Cilada.com (2011)
128. This Way Up (2008)
129. As Mulheres de Dagenham (2010)
130. Ninguém Segura Esses Fantasmas (2010)
131. A Dama na Água (2006)
132. Tia Danielle - Perversa e Perigosa (1990)
133. Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte II (2011)
134. Camp Rock 2 (2010)
135. Harry, o Amigo de Tonto (1974)
136. A Garota da Capa Vermelha (2011)
137. O Ladrão Aventureiro (1967)
138. Mamãe Saiu com um Vampiro (2000)
139. A Ressaca (2010)
140. Anemic Cinema (1926)
141. Em Algum Lugar do Passado (1980)
142. O Dólar Furado (1965)
143. Cartas para Julieta (2010)
144. Gênio Indomável (1997)
145. Magnólia (1999)
146. Um Jantar para Idiotas (2010)
147. O Homem que Fazia Chover (1996)
148. Vírus (2009)
149. Meu Mestre, Minha Vida (1989)
150. Foi Apenas um Sonho (2008)
151. Tubarão (1975)
152. Desenrola (2010)
153. Microcosmos - Fantástica Aventura da Natureza (1996)
154. Mudança de Hábito 2 (1993)
155. Burlesque (2010)
156. Lírio Partido (1919)
157. Massacre do Microondas (1983)
158. Minha Vida em Cor-de-Rosa (1997)
159. Primavera para Hitler (1968)
160. O Show de Truman - O Show da Vida (1998)
161. O Cheiro do Ralo (2006)
162. Treinando o Papai (2007)
163. Reflexões de um Liquidificador (2010)
164. Feitiço da Lua (1987)
165. Virgem em Apuros (2009)
166. Abracadabra (1993)
167. Emma (1996)
168. Um Lugar Qualquer (2010)
169. Aurora (1927)
170. Dormindo com o Inimigo (1991)
171. As Viagens de Gulliver (2010)
172. Alfie, o Sedutor (2004)
173. A Morte Pede Carona (2007)
174. Ed Wood (1996)
175. Rango (2011)
176. King Kong (1933)
177. A Noiva do Monstro (1955)
178. Maldita Sorte (2007)
179. Criança, a Alma do Negócio (2008)
180. Glen ou Glenda? (1953)
181. Da Magia à Sedução (1998)
182. Como Viajar com o Mala do Seu Pai (2008)
183. Atividade Paranormal 2 (2010)
184. Mulheres Perfeitas (2004)
185. Onibaba - A Mulher Demônio (1964)
186. A História do Mundo, Parte I (1981)
187. Qualquer Gato Vira-Lata (2011)
188. Plano 9 do Espaço Sideral (1959)
189. Tapa na Pantera (2006)
190. Doodlebug (1997)
191. Os Smurfs (2011)
192. Hiroshima Meu Amor (1959)
193. Os Pinguins do Papai (2011)
194. Selvagem (2006)
195. Professora Sem Classe (2011)
196. Demônio (2010)
197. Deixe-me Entrar (2010)
198. Alma (2009)
199. Aprendizado para a Morte (1943)
200. A Clínica (2010)
201. As Melhores Coisas do Mundo (2010)
202. O Que Terá Aconrecido a Baby Jane? (1962)
203. Férias no Havaí (2011)
204. Carros 2 (2011)
205. Como o Grinch Roubou o Natal (1966)
206. Amanhecer - Parte I (2011)
207. Muito Além do Cidadão Kane (1993)
208. Confiar (2011)
209. Se Beber Não Case - Parte II (2011)
210. Colheita Maldita (1984)
211. Persépolis (2007)
212. De Volta Para o Presente (1999)
213. Tango (1981)
214. Ela Veio Me Ver (2010)
215. Deixa Ela Entrar (2008)
216. Todo Mundo Quase Morto (2004)
217. A Hora da Estrela (1985)
218. Meus Vizinhos São um Terror (1989)
219. Marujos do Amor (1945)
220. Profissão de Risco (2001)
221. Poderosa Afrodite (1995)
222. Outono em Nova York (2000)
223. O Fantasma da Ópera (1925)
224. O Sol é Para Todos (1962)
225. Canção do Sul (1946)
226. Um Pequeno Grande Erro (2011)
227. Os Muppets (2011)
228. Melancolia (2011)
229. A Árvore da Vida (2011)
230. Titio Noel (2007)
231. Não Se Preocupe, Nada Vai Dar Certo (2009)
232. Juventude Transviada (1955)
233. Manhattan (1977)
234. O Conto de Natal do Mickey (1983)
235. Assalto ao Banco Central (2011)
236. Seis Mulheres Para o Assassino (1964)
237. Os Muppets - O Filme (1979)
238. Conta Comigo (1985)
239. Infâmia (1961)
240. Uma Professora Muito Maluquinha (2011)
241. Amor e Outras Drogas (2010)
242. Não Estou Lá (2007)
243. O Coração Delator (1953)
244. Malu de Bicicleta (2009)
245. A Pele Que Habito (2011)
246. A Balada do Amor e do Ódio (2010)
247. O Retrato de Dorian Gray (2009)
248. Esposa de Mentirinha (2011)
249. O Mágico (2010)
250. O Homem do Futuro (2011)

1. Infâmia (1961)
2. Aurora (1927)
3. O Mágico (2010)
4. Os Inocentes (1961)
5. Meia-Noite em Paris (2011)

1. Selvagem (2006)
2. Alvin e os Esquilos 2 (2009)
3.Virgem em Apuros (2009)
4 Desafiando Gigantes (2005)
5. Plano 9 do Espaço Sideral (1959)

TOP 10 - 2011

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Fri, 30 Dec 2011 15:39:00 +0000

por Douglas Olive

Em um mundo perfeito, a nossa memória não iria nos trair e nos fazer esquecer de títulos que estrearam no começo do ano para empilhar na lista dos melhores, em 12 meses. 2011 termina, para o bem ou para o mal, amanhã, e chegou a hora de peneirar o que se deve, no caso, os 10 melhores filmes do ano em término. Confira:

10 - Tudo Pelo Poder

George Clooney encontrou seu ápice como diretor, totalmente seguro de si e implantando um tom perfeito para um filme poderoso, extremamente bem escrito e com um elenco de primeira.

9 - Harry Potter e As Relíquias da Morte - Parte 2

O final épico da maior e mais lucrativa saga da história do cinema, com batalhas que usaram todo o potencial do mundo criado por J.K. Rowling. Destaque para Alan Rickman.

8 - O Palhaço

Com inspiradas piadas, boas referências (Bye Bye Brasil) ótima fotografia e participações mais do que especiais no elenco, O Palhaço é o filme que faltava ao cinema em 2011: Um frescor de sinceridade.

7 - Histórias Cruzadas

Um filme sutil e que usa da própria sutileza para encantar, com temas universais e, infelizmente, atuais. Destaque para TODO o elenco, no filme com a melhor atuação coletiva de 2011.

6 - O Garoto da Bicicleta

Sempre no controle do que o interlocutor sentirá, em cada cena, o filme francês encanta pela falta de obviedade e em não poupar seus personagens assim, além de retratar temas batidos sem presunções alguma em termos de originalidade. Filmaço que merece ser descoberto.

5 - Meia-Noite em Paris

Quem disse que Woody Allen perdeu a capacidade, ou se tornou um ex-diretor em atividade??? O filme contém uma boa atuação de Owen Wilson, só por isso merece respeito!

4 - Os 13 Assassinos

O grande filme de ação do ano, e vai além, sem presunções, ao apresentar uma história limpa, divertida e reflexiva. Ainda vejo um potencial de Os 13 Assassinos melhorar com o tempo.

3 - A Árvore da Vida

As mais belas imagens de 2011, uma das mais impactantes fotografias do cinema e que certamente vai fazer o filme entrar pra história e ganhar o Oscar na categoria, mas A Árvore da Vida não é só isso: Existe pra mostrar o poder do cinema, e sem 3D pra isso - se bem que em algumas cenas não faria mal nenhum.

2 - Habbemus Papan

A comédia do ano. O senso de politicamente incorreto e insegurança estampados dentro da igreja é de uma ousadia sem igual em 2011.

1 - DRIVE

Um fato: É difícil dizer todas as qualidades que o qualificam ao primeiro lugar, você precisa assistir pra sentir. Mas há algo subjetivo em Drive, impossível de se perceber numa primeira olhada, que merece ser discutido em prol do cinema. Melhor cena de 2011: O assassino fugindo do seu próprio assassino em direção ao mar, mas as ondas o trazem de volta para o seu destino final. FILMAÇO!

10 FILMES QUE TAMBÉM MERECEM SER LEMBRADOS:

Um Conto Chinês (Sebastián Borensztein)
O Levante (Raphael Aguinaga)
A Pele que Habito (Pedro Almodóvar)
Um Gato em Paris (Jean – Loup Felicioli, Alain Gagnol)
X-Men: Primeira Classe (Mathew Vaughn)
Além da Estrada (Charly Braun)
Rango (Gore Verbisnki)
Missão: Impossível 4 (Brad Bird)
Melancolia (Lars Von Trier)
Precisamos falar sobre Kevin (Lynee Ramsay)

Crítica: Dogville (Dogville, 2003)

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Mon, 19 Dec 2011 18:36:00 +0000

De Trier somente assisti Dogville. Então todas as impressões sobre o diretor se basearão no apreendido em tal obra. Parece-me ser Trier um especialista em desconstruir gêneros e estilos, um grande artífice sempre disposto a buscar novas formas de linguagens, aberto as experiências com o fim de revigorar o cinema. Nesse filme a experiência consiste em colocar sobre um chão nu e negro marcas de giz que expressarão no solo contornos de casas e alguns animais, bem como ruas, cartazes, escritos, etc, como fazem as crianças que brincam de amarelinha.

Todas as filmagens ocorreram em um hangar em míseras (dizem) 6 semanas de filmagens. Cenários e locais de filmagens a parte, a história se situa nos anos da depressão americana nas Montanhas Rochosas. A vida é dura, o dinheiro raro, o futuro incerto. A visão de um europeu sobre uns pais que não conhece pessoalmente. De todo jeito antes que o critiquem necessário se faz ver que certos eventos se repetem em todos os locais do orbe, ainda que sobre cenários e costumes distintos.

Trier opta por criar um distanciamento: Um cinema ambicioso que se vale de técnicas literárias e teatrais. As primeiras tomadas servem para que esqueçamos um pouco o dispositivo teatral escolhido pelo cineasta. E tal recurso é minimizado pela opção de se valer da câmera nos ombros. Temos também um mise em scène e atores competentes em construções brilhantes que realizam sim cinema – não teatro filmado como acusam alguns. Após nos acostumarmos com as opções do diretor mergulhamos na alma sombria daquela cidade e esquecemos a ausência do cenário mais elaborado. Em que consiste o espetáculo que vemos na tela? Em minha visão dois são os caminhos que podemos percorrer (ainda que ambos possam se jungir em certos momentos):

1 - Grace (Nicole em sua mais bela e competente atuação nas telas) sempre requisitada pelos seus perseguidores e constrangida a se tornar mais submissa e vulnerável, submetida ao sadismo e a bestialidade dos habitantes da cidade, sendo esses espreitados pela miséria, talvez o fator que os motive em fazer de Grace o bode expiatório de suas frustrações?

2 - Apenas uma fábula sobre a face negra dos instintos e apetites humanos?

O que faz com que recaia minha opção pela alternativa primeira (ainda que não descartemos por completo a segunda opção como já disse) é o fato de num determinado momento o autor inserir na tela uma sucessão de imagens mostrando a pobreza nos Estados Unidos do início do século passado aos nossos dias embalada pela canção de David Bowie Young Americans.

A maldade que destila dos habitantes de Dogville conduzem a tais catástrofes que tudo soa por demais ridículo, ridículo no sentido de não crível, mas infelizmente real. É isso que torna o dito pelo narrador algo ácido e irônico.

É como se numa reunião de cúpula entre Governantes, um do terceiro mundo se virasse para o representante americano e o olhasse de soslaio quando esse criticasse as condições de seu país e lhe dissesse: “Cuide de teu quintal e depois venha querer arrumar o meu”.

O dispositivo utilizado pelo diretor pode soar a primeira vista repugnante. Valendo-se de um cenário despojado e minimalista, um estúdio inusitado e pobre, um solo frio sobre o qual são traçados contornos de bancos, ruas, avenidas, animais, minas, sem a existência de um exterior real ele ousou trazer para ali todas as chagas negadas pelas autoridades e o próprio cinema americano (há exceções). Uma estranha chega, apresenta-se com um nome não pomposo, em forma de uma entidade ou símbolo, mais do que uma identidade.

Chega do lado obscuro, daquilo que as câmeras não podem alcançar e será o elemento que irá nos desvendar toda a paranóia do lugar (dirão alguns da mente do diretor) e seu medo em relação ao estrangeiro. Ela desde sua apresentação se coloca em uma posição de vulnerabilidade, querendo se proteger, se esconder daqueles que a perseguem. Ela esta refugiada naquele local por algum motivo obscuro, da qual não podemos avaliar a dimensão e a gravidade. Desconhecemos a personagem. Não sabemos sua idade, nem suas predileções, nem seu passado e suas aspirações.

Trier soube muito bem escolher sua atriz. Foi de uma felicidade impar. Nicole Kidman se casou perfeitamente ao papel. Um rosto belo e liso que o tempo parecia não ameaçar, um olhar claro, ambíguo e límpido, cheio de ambiguidades, além de seus belos olhos azuis. Constrasta maravilhosamente com sua linda cabelereira, dando-nos a impressão que um ser angélico adentrara naquele ambiente. Seu personagem aceita todas as funções que lhe vão ser designadas e posteriormente todas as torturas. É ela que irá despertar o que de mais podre jaz adormecido em cada habitante da vila.

Para aqueles que acreditam que o diretor seja afeito a qualquer tipo de visão religiosa é necessário prestar uma atenção maior a sequência final. Nela Grace tem a possibilidade de descarregar contra o lugar todo o sadismo que a alimentou o povo do local. Para aqueles que permaneceram atentos ao texto, fácil será perceber a referência ao Gênesis. Também Sodoma fora destruida, logo após a certeza da não existência de um número considerável de seres dignos. Grace seria como os anjos que vieram apenas ratificar a certeza daquilo que já fora decidido antes. E em minha opinião Trier de forma exagerada (mas também genial) dá o seu veredito sobre um país que se julga a polícia do mundo, mas é incapaz de enxergar dentro de si. Trier demonstra seu enorme talento e sua capacidade de manipular de forma racional o expectador, mesmo o americano, de forma que ele não veja ai seu próprio umbigo. Um filme interessante que não deixa tamém de ter um caráter universal sobre a condição humana.

Nota: 7,5

Crítica de Conde Fouá Anderaos.

The 2011 Portfolio

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Wed, 07 Dec 2011 03:22:00 +0000

Quando o cinema de um ano inteiro é condensado em quase 8 minutos. É ver para crer!

TOP 10 - Sequências do cinema

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Sun, 27 Nov 2011 19:50:00 +0000

1º - O PODEROSO CHEFÃO II

Coppola disse recentemente que essa sequência do clássico com Marlon Brando foi um erro. Esperamos então que mais diretores errem mais assim.

2º - Star Wars - O império contra-ataca

Superior em vários elementos quanto ao original, George Lucas elevou realmente o termo ficção científica com o exemplar mais icônico da saga estelar.

3º - Batman - O cavaleiro das trevas

Nolan elevou o cinema de ação em 2008 com essa obra-prima de edição frenética. Um grande feito, todo filme de ação hoje em dia quer ser o novo Batman - O cavaleiro das trevas.

4º - De volta para o futuro 2

Como fazer uma continuação que homenageia o primeiro filme, e ainda por cima ter estilo próprio e com premissa ainda mais bem explorada.

5º - O senhor dos anéis - As duas torres

A perfeita transição do primeiro filme para o terceiro de uma trilogia, aliás, a melhor trilogia do cinema.

6º - O exterminador do futuro 2

James Cameron sempre sabe o que faz. Quem (ainda) duvida, sugiro esperar por Avatar 2...

8º - O despertar dos mortos

O filme de zumbis. E não se engane com a imagem levemente cômica acima, George Homero é gratuito aqui não só com a violência grotesca, mas com as críticas sociais.

8º - Kill Bill - Volume 2

Se você gostou do primeiro Kill Bill apenas por causa da pancadaria, não entende esse 8º lugar. Mas basta prestar atenção em todo o conteúdo desta sequência, que fica fácil ver que é muito mais cinema.

9º - Indiana Jones e o templo da perdição

Uma sequência no mesmo nível de Os caçadores da arca perdida, na era de ouro de Spielberg. Mais sombrio, violento, é verdade, mas se de fato você gostou mais de Kill Bill - Volume 1, não há preconceito.

10º - Toy story 2

Quando os horizontes são ampliados, a história evolui, os gráficos também, e tudo isso usando os mesmo elementos do primeiro filme. Pixar, you know...

Análise: O Palhaço (2011)

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Sun, 13 Nov 2011 21:58:00 +0000

Eu acho e quero ter a certeza (E tenho certeza que você também quer acreditar) que os dias obscuros para o cinema nacional já se foram, e nunca mais irão voltar. Não há um forte motivo atualmente para isso voltar a acontecer, pelo menos. Mesmo assim, se esse fenômeno se repetir, o cinema brasileiro estará mais forte, com novas armas e um público cada vez maior e mais fiel.

Uma novidade: Filmes como Se Eu Fosse Você e Tropa de Elite (e suas continuações) possuem várias e nítidas diferenças, porém foram determinantes para alavancar o público Brasileiro em produções brasileiras. A platéia gostou de rir com as trapalhadas de Tony Ramos, e gostou de falar os bordões do filme de Padilha. Nesse quesito, o grande público de cinema não é muito diferente da maioria dos que freqüentam circos: Só querem sair da dura realidade. Foi então que todos perceberam que, se seguirem essa regra em prol da cultura e retorno financeiro, o cinema do Brasil estará salvo, bem amparado. Pois bem, após tantas e inúteis novidades, eis uma genuína: O Palhaço é o ápice disso, o fruto de uma colheita de longa germinação.

A questão é incrível: Há dez anos, ninguém poderia prever o avanço em todos os sentidos das produções feitas no Brasil, alcançando reconhecimento internacional e, principalmente, por parte do próprio povo que o paga para assistir – independente da razão. Selton Mello também evoluiu muito de Feliz Natal para cá, poucos anos desde sua estréia no comando de uma obra. Evoluiu na frente e atrás das câmeras. Sendo assim, fez em 2011 o filme que faltava ao cinema desse ano: Um frescor de sinceridade, honestidade. Um gosto do que o Brasil tem de melhor a oferecer, desde a humildade e inocência do seu povo mais pobre, até algo mais relevante, como as estradas de terra esburacadas que o circo Esperança avança com sua trupe, nos cafundós desse país continental embalado com muita música regional. O nome da atração em contraponto dos verdadeiros sentimentos dos personagens é uma das várias ironias do filme (algumas hilárias, outras nem tanto).

A história é um road-movie delicioso de se acompanhar, exigindo da platéia algo que os sisudos e esnobes não entendem: O ato de rir, entretenimento quase sem compromisso. Em poucos momentos a leve sensação de pretensão ou subjetividade floresce, apenas quando é logicamente necessário, e é exatamente quando você pensa que O Palhaço não está te guiando para lugar nenhum, é preciso se emocionar com algo nem sempre gratuito, que surge de um jeito suave imposto, acima de tudo, pela bela fotografia que dá o tom. Esta expõe as cores e texturas do alegre e quente picadeiro, dos tristes arredores do circo, dos figurinos, e até da maquiagem simples que usa o personagem de Selton Mello, Benjamin, para tentar disfarçar seu verdadeiro eu de quem ele se esforça para fazer rir. Até que ponto é possível disfarçar a alegria, ou ainda, disfarçar o que nós realmente queremos em prol da alegria alheia? É algo a ser refletido – dentro e fora da arte.

Ainda não dá pra se ter um panorama do que é o cinema de Selton Mello, qual o seu estilo de direção, etc. Porém é explícito o tipo de conflitos psicológicos similares que ele escolhe para seus personagens principais enfrentarem: A falta de estabilidade pessoal, insegurança e deslocamento em torno do seu meio-ambiente diário. Isso se torna um problema em O Palhaço, pois Benjamin, o palhaço melancólico não consegue ter o carisma merecido, nem mesmo se destacar em meio as mais do que especiais participações de consagrados artistas Brasileiros, assim como os espetaculares Jorge Loredo, o eterno Zé Bonitinho, e Tonico Pereira (sempre inegavelmente excepcional, um ator nota 11), sem contar várias outras participações de artistas que poderiam ter maior tempo na tela, mas talvez em prol da boa fluidez da história, ou para não ofuscarem o brilho opaco do protagonista, foram deixados de lado. A montagem, portanto, beneficia alguns raros momentos completamente esquecíveis, superficiais e de quase nula identificação, apenas para o protagonista e toda a trupe do circo “evoluírem” no enredo de agradabilíssimo contexto circense. Um filme realmente sensorial, o maior trunfo da obra.

Wagner Moura, Lázaro Ramos e Selton Mello são três atores que ainda vão dar muito orgulho a todos os brasileiros, grandes artistas que já provaram que vieram para ficar, pertencentes à nova safra de um cinema ousado (como deve continuar sendo) que aposta em contar histórias sinceras, honestas, para um público também extremamente sincero e honesto, que deixa claro se gostou ou não do que viu através da bilheteria. E nesse momento, não vejo melhor exemplo disso em 2011 do que O Palhaço.

NOTA: 8,5

Um olhar do paraíso: setembro de 2011

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 12 Oct 2011 16:08:00 +0000

Ed Wood (1996)

Um filme que apresenta o melhor das características típicas de Burton, com destaque aos maravilhosos créditos iniciais. O clima cômico e a profundidade na personalidade de Ed Wood marcam este como uma das melhores obras do realizador.

Nota: 8.0

Rango (2011)

Um humor que difere das animações americanas atuais. Não cai no óbvio e consegue, de forma inteligente, agradar a todas as idades.

Nota: 8.0

King Kong (1933)

Um dos casos rm que a magia se perde conforme o tempo passa. Se no passado era uma revolução nos efeitos visuais, hoje pode ser visto por curiosidade apenas.

Nota: 6.0

A Noiva do Monstro (1955)

Talvez o menos pior de Ed Wood. Consegue criar uma película onde a diversão involuntária se faz presente e o salva das ruínas. Deve-se ao menos um ponto ao clima, que é o único elemento que funciona no filme do jeito que o diretor pretendia.

Nota: 4.0

Maldita Sorte (2007)

Totalmente dispensável. Humor burro, atuações meia-boca e um desfecho repugnante. De todas as comédias românticas clichês de atualmente, acredite - esta é uma das piores.

Nota: 2.0

Criança, a Alma do Negócio (2008)

Para um documentário me chamar a atenção, deve tratar de um tema extremamente interessante, o que é particularmente o caso deste. Leva o assunto sem sair do foco, exceto no final, quando os argumentos acabam e questões sem sentindo passam a ser levantadas.

Nota: 6.0

Glen ou Glenda (1953)

Sinceramente, eu não esperava que fosse tão ruim. E o humor involuntário tão famoso? Nem isso se faz presente nesta realização absurdamente ruim. Tem seus momentos de genialidade, mas no mais, um filme totalmente dispensável.

Nota: 3.0

Da Magia à Sedução (1998)

Nicole Kidman e Sandra Bullock apresentam uma grande química ao contracenarem juntas neste filme divertido e contagiante. Perde um pouco de sua força no final, mas pode ser um programa agradável nos dias em que não se está muito exigente.

Nota: 7.0

Como Viajar com o "Mala" do Seu Pai (2008)

Típico filme-família americano, sem nada de novo a acrescentar no gênero e com personagens e interpretações desprovidas de carisma.

Nota: 3.0

Atividade Paranormal 2 (2010)

Melhor e mais tenso que o decepcionante primeiro filme, esta sequência consegue manter boas cenas de suspense - exceto nas partes de apelação que geralmente o gênero 'exige'. Também é interessante observar como este se conecta muito bem com o primeiro filme.

Nota: 6.0

Mulheres Perfeitas (2004)

Subestimado. Não é feito para rolar de rir, até porque o próprio humor que a história apresenta não é forte o bastante para isso. Mas além de possuir um visual lindo e atuações boas, consegue chegar ao posto de "ótimo filme", compensando seu final que deixa a desejar.

Nota: 8.0

Onibaba - A Mulher Demônio (1964)

A obra-prima do cinema japonês. O interesse do espectador pelo filme começa lá embaixo, mas aumenta consideravelmente, proporcionalmente à tensão que não para de crescer. A cena final é, provavelmente, a joia da arte oriental.

Nota: 9.0

A História do Mundo, Parte 1 (1981)

A mente brilhante de Mel Brooks consegue mais uma vez criar uma película dotada de muito bom humor com piadas inovadoras.

Nota: 8.0

Qualquer Gato Vira-Lata (2011)

No começo, a impressão que fica é a de que o filme é totalmente absurdo e idiota, mas dê mais uma chance e pelo menos a química entre os principais o fará sentir-se melhor.

Nota: 6.0

Plano 9 do Espaço Sideral (1959)

Esperando o menos fraco de Ed Wood, me deparo com o pior deles. Cruelmente chato e sem nenhuma qualidade aparente da qual se possa aproveitar.

Nota: 1.0

Tapa na Pantera (2006)

MUITO engraçado. Maria Alice Vergueiro está excelente neste curta-metragem.

Npta: 7.0

Doodlebug (1997)

Não sei o que dizer. Não me vem nenhuma palavra que descreva este curta diferente de "criativo demais".

Nota: 7.0

Resumo de minha situação cinéfila

Filmes vistos este mês: 17

Filmes vistos este ano até aqui: 191

Melhor filme do mês: Onibaba - A Mulher Demônio

Pior filme do mês: Plano 9 do Espaço Sideral

Maiores surpresas do mês: Da Magia à Sedução / Mulheres Perfeitas / Qualquer Gato Vira-Lata

Melhor atuação masculina do mês: Johnny Depp em Ed Wood

Melhor atuação feminina do mês: Maria Alice Vergueiro em Tapa na Pantera

Do começo ao fim

noreply@blogger.com (Douglas Olive) — Mon, 10 Oct 2011 19:49:00 +0000

Qual é o melhor filme sobre o fim do mundo: 2012 ou Dogville?

Na verdade, o primeiro filme foi Dilúvio, de 1933. Cidades inteiras sendo arrasadas pela força impiedosa das águas. Muitos e muitos anos depois, em 2004, O dia depois de amanhã mostrou Nova York (pobre Nova York) sendo 100% destruída pelas águas, e depois congelada (!). Anos mais tarde, como se não bastasse, o mundo acabou no filme 2012. Todas essas três obras têm algo em comum: Suas bilheterias resultadas do fim do planeta. Todos nós gostamos de viver – eu gosto, pelo menos, mas quando estamos deprimidos, lemos livros ou assistimos filmes apocalípticos que nos irão fazer enxergar como seria isso na prática! Será que gostamos do fim do mundo por pura insatisfação aqui? É uma boa idéia, a gente não para pra pensar nisso. Ou seria apenas uma ironia sobre a percepção de que, mesmo não tendo outro lar, a raça humana adora ver-se morrendo? Ou talvez porque seja apenas divertido correr esse risco? Se perturbar...

Porque amamos o fim do mundo? Com certezas há várias respostas filosóficas e psicológicas para isso, mas o cinema, sendo essa arte que mais expõe esse tema insistentemente, ano após ano, infelizmente não expõe nenhuma. Seria bom saber por quê... Alguns diretores já fizeram isso de forma terrorista, como Michael Bay em Armagedon. Outros romantizam a coisa, como Lars Von Trier em Melancolia. O fato anexado nesses filmes é sempre o pessimismo sobre o estilo de vida na Terra, e que seria melhor tudo acabar, recomeçar do zero sem a gente poluindo mais nada! Porém eles nunca realmente transmitem o que poderíamos fazer para reverter essa situação e fazer o mundo viver em paz com seus habitantes. Em Wall-e, por exemplo, a Terra ficou tão suja e incapaz de suportar a vida que partimos daqui, deixando lagos podres, lixo, lixo e mais lixo do capitalismo. Mas, o que fazer para isso não acontecer? Isso a Pixar preferiu ignorar, levando o amável Wall-e pro espaço também, e tudo que sobrou aqui, “ironicamente”, foi uma barata!

Assistir numa tela gigantesca ou numa televisão 20 polegadas o mundo acabar com meteoros furando a atmosfera nos dá a sensação de fracasso, impotência, nos dá vontade de desistir de tudo que construímos na nossa vida. Calma, esses filmes são feitos pra isso mesmo, além da chance de também garantir algum Oscar de efeitos especiais, claro. Mas, muito pior do que aqueles tais meteoros é ver o sensacionalismo jornalístico ao noticiar, da maneira mais imparcial possível, florestas sendo queimadas ou enforcamentos no Irã, sem dizer como podemos reverter ou interferir para que nós não precisemos acabar antes da nossa casa acabar. Até porque o “fim do mundo” é muito, muito improvável de acontecer no mundo real. Ele vai continuar essa linda bolha azul cheia de ar, terra e água boiando no espaço. Do jeito que andam as coisas, os ETs não precisam nos neutralizar para roubar nossos recursos naturais, ou acontecer algo similar à Guerra dos mundos, de Steven Spielberg. Do jeito que as coisas andam por aqui, nós vamos continuar pagando pra assistirmos e nos divertirmos com o nosso próprio fim.

"Talvez o mundo não seja feito, talvez nada seja feito, talvez simplesmente seja, tenha sido, será eternamento... Um relógio sem artesão." - Doutor Manhattan, Watchmen - O filme