C’était le dernier rendez-vous des fans pour les Héraultais. À voir la composition très variable du public montpelliérain, il est certain que les adeptes de chacune des périodes du groupe s’étaient déplacés ce soir. Ce qui ont fait leurs premiers concerts dans leur jeunesse bleue, les vieux de la vieille qui trouvaient le concept des Marcel plutôt décalé qui ont de suite adhéré ainsi que les nouvelles recrues conquises par les derniers albums beaucoup plus accessibles des boulonnais. Le dénominateur commun : l’excitation et l’appréhension qui se lisaient sur les visages. Oui, c’est la dernière. Il fallait donc profiter et ne rien regretter.

La rancoeur ravalée, la première partie de Marcel et son Orchestre est assurée par… Marcel et son Orchestre. Comme le dit Mouloud, « ouais c’est toujours chiant les premières parties alors autant s’en charger ! ». Et de manière ingénieuse, les Marcel sont passés en session acoustique durant une grosse demi-heure. Tels de vieux rockers fatigués, les Marcel ont pris des chaises, se sont assis et ont joué. Dans cette ambiance feutrée, quelques nouvelles compos du dernier opus enregistrées en acoustique se sont invitées au menu comme Le Chômage et sa maladie incurable ou le coup de la panne (Si Jamais t’Avoues). En s’accordant une petite Fuite de Fantaisie, Marcel signe là probablement son plus bel essai durant cette session.

Avec des vannes bien aiguisées envers l’ancien président de la République, cette première partie de concert a posé le décor en ces temps électoraux. En ressortant des tiroirs ce bon vieux Procebal (« il y a ceux qui payent… et ceux qui encaissent. Il y a ceux qui ont… et ceux qui n’ont pas ») avec un grand sourire aux lèvres Marcel a pu lancer son célèbre « un rire bon, un rire frais, un rire français ! ». En papillonnant, « qu’est ce qu’on attend pour effacer des mots comme solidarité ? », la jeunesse du Rockstore a pu emmerder Nellie Olson sur La Famille Ingall’s avant de déraper, forcément, sur « la jeunesse emmerde Marine Le Pen ! ».

Désormais calme et ultra détendu, la pression est retombée. Il faut dire que Marcel et son Orchestre a interprété sa mini-setlist acoustique dans un registre fidèle à lui-même : poilant. Les dix minutes d’interscène transformées en compte en rebours, la voix off partit en cacahuètes : du message stipulant que « le concert commence dans 6 minutes », l’intermédiaire fut « profitez-en pour apprendre à vous connaître » avant que « frottez-vous ! » sonne le glas.

La lumière s’éteint, les spots fusent. De la douceur vient la fureur : le dernier album, nettement plus rock, explose d’entrée. Très rock’n'roll, Je Veux M’amuser Avec Toi prend tout le monde à partie et annonce un show violent. En costards et cravates en cuir, Marcel passe crooner le temps d’un instant. Comme un symbole, les boulonnais ont choisi d’injecter les brûlots punk énervés qu’ils ont concocté durant ses longues années : les petites dernières comme A Qui Cela Profite ?, Cerf Volant, la reprise du grand Jacques, démoniaque en live, avec Les Singes, ou encore le délirant Les Frites. Marcel version 2012, ça envoie ! Et à ce petit jeu, les gros hits que tous attendaient n’ont pas été oubliés : il a fallu seulement attendre le second morceau pour voir débouler Les Neurones à Crêtes, toujours aussi déluré, ou le fameux ‘plus vieux métier du monde’ à travers un refrain que la salle a hurlé « où sont passées mes pantoufles ? ». Dans un Rockstore quasi acquis, Marcel a temporisé son show avec toujours autant d’humour, mais surtout de malice. Car si beaucoup pensaient que le groupe allait plutôt orienter son set vers des compositions plus anciennes, comme une sorte de best-of, c’était se mettre le doigt dans l’oeil.

Ambiance punky puis funky, ça swingue sur Normal Man puis les femmes, ah les femmes, finissent par prendre les devants. L’oreiller jamais bien loin, l’époque yeah yeah ressort sur L’amour dans le Nord et ses « elles sont jeunes et jolies, les petites femmes de Paris, mais dans le Nord-Pas-de-Calais, elles sont belles à croquer ! ». Doté d’un charme qui n’est plus à démontrer, Marcel veut en profiter pour remettre Le Slow à l’ordre du jour : « Je sais que tu me plais… lequel de nous deux va oser » finit par embarquer le public dans une série de duo en tous genres. Filles ou garçons, on a du mal à savoir, les perruques montpelliéraines étaient de sortie. Mais la lente dégringolade finit par arriver : on l’a tous connu, il y a des soirs où « elle n’est pas d’humeur » (et les « ooooh oooh » n’y changeront rien malheureusement). Une embrouille n’est jamais bien loin. Sur Fil à Retordre, le peu de platine que Marcel a côtoyé embrase un ska corrosif qui fait sauter le Rockstore.

Quand les Fils de Teuhpu chantaient « Ah ! Quel malheur d’avoir un mari bricoleur… , Marcel endosse à nouveau son costume déjanté avec l’hilarant (et presque vécu) Super Bricoleur. Si le couple est probablement amoché par l’histoire, Marcel a toujours le dernier mot : comme le symbole d’une vie plus que remplie, Bouli et les autres peuvent chanter à tout rompre « j’attends que toi… pour partager tout ça ! … j’ai même changé les draps ! » à travers une embardée endiablée.

Dans une ambiance à son comble, à quoi bon se relâcher ? Ballotté par les assauts des boulonnais, le public se prend une claque. Comme au bon vieux temps Brrrr… (au début elle est froide) est pogotée tandis que le fameux bateau jaune commence à battre de l’aile sous la houle montpelliéraine. Une bouffée d’air frais et voilà que le cirque reprend : rien de tel qu’un cours de Trapèze Volant pour provoquer l’hystérie. Extrait du dernier opus, mais parfaitement taillé pour apparaître sur un « Sale Bâtard » (1996), Mouloud se voit obligé de slamer dans la foule en hurlant « foutu pour foutu je me suis jeté et tout le monde chantait ces onomatopées : aga waga gouzou gouzou nawak (…) ».

Bien décidés à en découdre, Marcel et son Orchestre, après plus de 25 ans de carrière, a encore une patate phénoménale. Le concert donné à Montpellier a démontré que le groupe avait de la ressource. Jonglant entre les anciennes et les nouvelles compos, le groupe a offert un set finalement assez neuf par rapport à ses précédentes tournées. Presque étonnant pour une tournée d’adieu qui a fait table rase de tracks incontournables (Ma Soeur, Comme un Balai, Bad Trip Poker, Skakaline, non en fait il y’en a trop…). Mais quelle énergie et quelle franche rigolade ! Quelques minutes de rappel et la machine pu repartir : les Médiseuses eurent leur heure de gloire sous un tonnerre d’applaudissements. Histoire de chauffer l’ambiance des footeux présents, Raoul et Alain s’est chargé de dresser le portrait de ceux qui voudraient suivre le choc du lendemain entre Montpellier et… Lille. En laissant de côté les coïncidences, impossible de ne pas finir comme à la maison : une dernière fois, 62 Mefie Te put retentir, et pour la déconne, nous avons tous réveillé une vache qui dormait en nous.

La salle eut beau acclamer ses héros encore une fois, ils étaient partis. Et probablement pour de bon. Ils vont nous manquaient, les Marcel.

Crédits photos : Olivier Audouy (galerie photo à venir…)

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Petits fours

A 21h, l’heure indiquée par le programme et contrairement aux habitudes marseillaises, surtout en climat estival, Ed Nodda, la première partie est déjà derrière ses platines et son mac.

Il délivra un bon set de 2h, très agréable et axé sur les 90’s, où se côtoient Hip-Hop, R&B, House, soul et scratchs. Nous ne nous étendrons pas sur les morceaux mixés même si parmi les morceaux les plus récents, on pouvait y retrouver du Africa HiTech  et du Omar & Zed Bias entre autres.

Mettons les petits plats dans les grands

Puis à l’approche des 23h, Strictly Kev vient préparer ses platines. Des bonnes platines à l’ancienne avec des vinyles qui se font malheureusement de plus en plus rares maintenant. Contrairement à ce que son nom pourrait faire penser DJ Food est un collectif lancé il y a déjà 22 ans. Depuis quelque temps, Strictly Kev est quasiment seul maitre à bord, et c’est donc lui qui aura la tâche faire danser les quelques Marseillais présents dans la salle, la majorité venant à peine d’arriver.

Le set commencera doucement avec quelques morceaux electros et notamment Four Ton Mantis d’Amon Tobin, un des producteurs les plus connus du label Ninja Tune. Quelques souvenirs de l’adolescence passée, en pleine découverte de la musique électronique, avec un de ces grands morceaux de l’époque, il y a 12 ans déjà.

And you don’t STOP !!!

La suite sera très hip-hop avec pour commencer un grand hommage au Beastie Boys dont un des 3 membres nous a quitté la semaine dernière (le 4 mai). Des tubes comme Sure Shot (je suis sûr que le « And you don’t STOP !!! » vous rappellera des bons souvenirs), Hey Ladies et So Whatcha Want se succèderont avec leurs clips respectifs passant sur l’écran. En plus d’un DJ set, un décorum VJ était mis en place en synchronisation avec la musique. Rien de bien génial toutefois : clips, cinématiques de jeux vidéo ou extraits de films correspondant toujours assez bien au morceau.

Après les Beastie Boys, se succèdent de grands classiques du hip-hop et du funk avec Grandmaster Flash, House of pain qui finiront entrecoupé par des remix Big Beat des Beatles.

Sortons l’artillerie

Une simple introduction à la suite qui va tourner à de l’electro bien plus dynamique. Transition progressive vers le Grimes (hip-hop anglais rythmé et électronique) qui ne fait qu’annoncer la vague d’UK Bass qui va suivre : Drum & Bass typiquement anglais en faisant des escapades Jungle progressive vers le dubstep, parfois même bien gras dans la pure tradition du Brostep lancé par Rusko. Dur de mettre des noms sur ces morceaux d’UK Bass mais impossible de rater le formidable remix de Voodoo people de Prodigy par Pendulum ou même le remix Drum & Bass de Harder, Better, Faster, Stronger des Daft Punk qui feront plus que bien réagir le public.

Tout est parfaitement maitrisé et naturel. Du vrai DJ Set comme on les aime avec un gros condensé de tout ce que la musique électronique anglaise a pu nous donner de meilleur ces 20 dernières années en même pas une heure.

Dégustons

Après avoir bougé comme des malades en milieu de set, la dernière partie s’entamera plus calmement avec la version rocksteady (Ska/reggae) du vieux générique de Batman des années 60 par Lyn Taitt and The Jets et l’interprétation de Seven Nation Army façon soul et reggae par Alice Russel.

Le reggae et le dancehall se feront la part du lion ensuite avec Shaggy… ah non, Insane in the brain de Prince Fatty, et des moments marrants comme avec Trippin’ at the disco de People under the stairs et du bon vieux Snoop Doggy Dogg.

Le set se terminera vers 1h du mat avec le grand Witness de Roots Manuva, qui est signé chez Big Dada, la partie hip-hop de Ninja Tune. Bref, du grand finish et DJ Food se fera très abondamment applaudir, au point de se demander s’il n’y avait pas plus de personnes que ce que la salle avait vraiment l’air de contenir. Public peu nombreux, mais totalement conquis a priori, Strictly Kev part avec un grand sourire.

Espérons que La Coka Nostra, constitué des anciens membres de House of Pain (Jump Around !!!), permettront de clôturer avec brio ce festival le 16 mai au Cabaret Aléatoire, au moins au niveau influence pour les organisateurs de ce très bon festival marseillais.

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Toutefois, fournir de beaux espoirs ne suffit pas, il faut pouvoir les concrétiser. Pour cela, l’ex-rappeur de Puzzle, qui s’est donc délivré à jamais de la camisole du rap, évite le piège des compositeurs-interprètes bobos qui récitent sans émotion des textes soi- disant poétique, mais qui ne valent pas mieux qu’une dissertation de seconde. Loin d’être le nouveau Gainsbourg ou Dominique A pour autant, Benjamin Paulin a ce quelque chose d’entêtant et d’innocent, de sincère et d’instinctif qui nous plait parce que ça nous replonge en plein vertige de l’amour.

Il y a de ça, mais pas seulement. Car la grande affaire de Benjamin Paulin aujourd’hui, c’est, non seulement de poursuivre son étonnant parcours, mais surtout d’éviter tout classicisme pop trop sophistiqué. Pour cela, m’sieur Paulin continue à n’en faire qu’à sa tête. D’une générosité jamais vulgaire, le parisien saisit à merveille le temps qui passe et les amours qui trépassent dans un souci de raffinement et de précision rare.

Benjamin est-il passé dans la cour des grands ? Difficile à dire tant n’est pas Baschung qui veut. Mais la bonne nouvelle, c’est qu’il n’essaye pas de l’être. Plus facile d’accès et moins poétique, sans pour autant être niais, Benjamin Paulin n’a pas vraiment de semblable sur la scène française. Tout ce qu’on peut dire à propos de 2, c’est qu’on le réécoute à l’envi.

Pourtant, on émettra quelques réserves. Si l’album est un jeu auquel on ne peut que se laisser prendre, les compositions, elles, possèdent les qualités et les défauts usuels des « morceaux de pop ». Soyons francs : à ceux qui jugent un artiste français à la complexité de ses textes, à la noirceur de ses métaphores ou à la bizarrerie de leurs structures, à ceux-là 2 paraitra bien fade, si ce n’est plus. L’album de Benjamin Paulin est en ce sens caricaturalement pop, avec ses accents variétoches et ses rimes faciles par instants.

Mais qui oserait contester le panache et l’intelligence de cet artiste passionné du quotidien qui mélange violons insouciants, refrains évidents et réflexions clairvoyantes, franchement ? Au contraire, on aimerait entendre plus souvent des albums de la sensibilité de celui-ci, aussi lumineux qu’incarné.

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Le New Yorkais  nous invitait ce dimanche  à  fêter  dignement l’évènement avec son  groupe We are Augustines sur la scène du Nouveau Casino.

Précédé par son nouvel album, Rise Ye Sunken Ships,- dans les bacs depuis le 07 mai et par un buzz assez impressionnant,  We Are Augustines  nous a proposé un set redoutable d’efficacité.  Son US, ballades mainstream et riffs de guitare, C’est à une prestation solaire,  pêchue, crédible  que le public parisien a découvert avec enthousiasme ce soir-là.

Crédit photos: Mauro Melis

En savoir plus :

www.weareaugustines.com/

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« Tous m’appellent Shu » : une marque bien personnelle pour présenter son deuxième essai. Il faut bien que le MC marseillais mette son projet en avant tant les médias spécialisés ont fait table rase autour de la sortie de l’album. Pourtant, avec ses 15 nouveaux titres, Shurik’n a un sacré défi à relever. Il laisse derrière lui une pépite dont la qualité a été très peu égalée ces dernières années dans le paysage français : « Où Je Vis » avait mis KO debout un auditoire qui le connaissait pourtant à travers IAM.

Adepte d’un rap très minimaliste, Shurik’n avait donc placé la barre très haute pour son nouveau bébé : malheureusement, la première écoute calme nos ardeurs. Si le marseillais n’a pas lésiné sur la durée de l’album (quasiment 1h), ce dernier oscille sur du bon et du moins bon. Adepte d’une instru maîtrisée et jamais dominante sur le flow du MC, Shurik’n déçoit dans le sens où il réutilise, en grande partie, les ingrédients à succès de son premier cd. Il est clair que j’entends déjà des voix s’élever : comment justifier le fait que l’album soit moins bon alors qu’il y a des similitudes avec le premier ? Probablement car Shurik’n ne prend pas de trop de risques sur cet album. La surprise, elle, est restée dans les tiroirs.

Du côté des textes, ils sont toujours très bons… mais se montrent surtout très noirs. Il manque, dès la première écoute, le petit ingrédient qui fait que l’on va rester scotchés contre les enceintes. L’ouverture est en demie teinte : Tous m’appellent Shu manque de peps et croule sous des beats finalement assez simplistes. À ce titre, plusieurs compos comme La Même Chose ou Fugitif 2, malgré le featuring de Samm, n’apportent rien de nouveau à l’univers musical du rappeur. Et lorsque le MC veut prendre ses aises comme sur Tant Que Le Clic, la mayonnaise ne prend pas.

Finalement, après plusieurs écoutes, ce sont les morceaux plutôt oldschool qui font mouche : malgré un album inégal, plusieurs brûlots se détachent cependant de cette galette. Avec des instrus enfin efficaces, Une Flamme dans le Noir ou Dans le Ciel rappelle la bonne époque. Avec Faut Que Je m’échappe, les tams-tams de l’Afrique sur un beat salvateur, vont faire secouer les têtes. Toujours particulièrement appréciés, les tracks personnels de Shu ne manquent pas de force (Mon Fils, Tranche de Vie) même avec des mélodies assez cycliques. La hargne et la fureur jamais bien loin, Bombe le Torse marque un point. Le délire plus funky avec son acolyte Akhenaton sur Le Sud apportera, lui, un peu de fraîcheur à l’album.

La déception a pris le pas sur le reste… Il est évident que 14 ans après l’énorme « Où Je Vis« , les espérances de voir un second coup de maître par une des têtes pensantes d’IAM étaient là. Croissantes avec le temps, elles se sont presque évanouies en un souffle. L’album n’est pas mauvais en soi, mais il est clairement en demie teinte. Pas dit que les amateurs d’IAM y trouvent leur compte…

Shurik’n, « Tous m’appellent Shu », 15 titres dans les bacs depuis le 23 avril 2012.

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Il faisait chaud ce soir à la Flèche d’Or, pour le retour de Hugh Coltman sur scène. Retour qui se fait en prise directe avec le public, avec un 1er titre qu’il joue seul au ukulélé, histoire sans doute de reprendre contact sans rien brusquer. L’accueil est bon, le titre très applaudi, et Hugh Coltman que rejoint son groupe The Persuaders poursuit avec ses toutes nouvelles chansons. Isolation suscite l’enthousiasme d’un jeune homme dans le public qui s’écrie « celle-là est géniale ! ». Puis le chanteur revient sur deux anciens morceaux (« parce que je les kiffe ») dont le très poétique  The Moon Caught Up In A Tree et en profite pour raconter : « Certains d’entre vous étaient au concert de Rufus Wainwright à la Cigale ? C’était immense ! Et donc j’ai rencontré une jeune femme après ce concert, qui m’a dit qu’elle serait là ce soir et m’a demandé de jouer cette chanson ». Pour ce titre, il se retrouve à nouveau seul avec son instrument (sa guitare acoustique cette fois), tandis que la Flèche d’Or retient son souffle pour l’écouter religieusement.

Ce respect absolu de son public (on se souvient d’un brouhaha infernal au même endroit pour Peter Doherty), Hugh Coltman l’a gagné comme une évidence. Anglais d’origine, il est venu s’installer en France en 1999, et n’a plus jamais bougé depuis. Il dit s’y sentir bien et s’exprime dans un français remarquable sur scène, sans toutefois négliger de repasser à l’anglais de temps à autre. Antithèse absolue de tous les clichés qui peuvent circuler sur les artistes en général (et les chanteurs en particulier), l’homme est d’une rare gentillesse, aux antipodes du type autocentré. Ceux qui l’ont « demandé comme ami » sur la plateforme MySpace du temps de ses débuts ont vite compris qu’au contraire de tant d’autres, lui avait la ferme intention de donner du sens à cette « amitié ». Il y est toujours attaché, ne se résolvant pas vraiment à s’inscrire sur Twitter dont il dit qu’il ne pourra probablement jamais y nouer ce genre de relation.

Non content d’être une sorte d’humain idéal, Hugh Coltman est avant tout un formidable musicien. Il faut le voir sauter d’une ballade qu’on dirait sortie d’un rêve à des titres hyper enlevés, jouer de l’harmonica en virtuose, ou passer de la guitare au clavier avec une aisance incroyable. Il faut l’entendre surtout, avec cette voix qu’il module à l’envie, douce comme une caresse, l’une des plus belles qui soit en France (et peut-être même au monde, osons le dire).

Hugh Coltman a droit à une heure au lieu de quarante-cinq minutes et il en profite. Ses nouveaux titres se succèdent et font mouche. Ça swingue, ça jazze, ça flirte avec des rythmes reggae aussi ; certains refrains sont hyper accrocheurs et sur le dernier titre, Sticks, le public ne se retient plus de danser. À mesure que les minutes passent, le Grand Hugh (avec deux majuscules) est de plus en détendu et la communion avec le public s’intensifie. Il remercie d’ailleurs, dit que cela faisait longtemps depuis le dernier concert et que cette soirée lui donne envie de repartir, vraiment. Les sourires sont devenus immenses. L’artiste donne et reçoit, le partage est réel et le plaisir du public comme celui des musiciens est palpable. Chose rare à la Flèche d’Or, le musicien et son groupe reviennent alors pour un rappel sur une version étirée de On My Hands, avec la salle qui reprend en chœur des « Oh ohoh ohoh ohohohoh » sans vouloir s’arrêter, à l’instar d’un chanteur qui n’arrive pas à partir non plus. « Don’t leave me, keep going man ! » lance t’il avant de se résoudre finalement à quitter la scène, visiblement ému et comblé.

Un très beau concert, de ceux qui vous font vous souvenir à quel point, parfois, la musique rend heureux.

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Une table de mix, un Mac, un micro: tout l’attirail du performer 2012 est respecté pour le bon Mikey, qui enchaine sans attendre les passes d’armes avec une fluidité bienvenue. Cependant, comme on pouvait s’y attendre, il ne se passe concrètement rien, pas grand-chose à voir sur scène à part un type qui tourne trois potards en rythme et qui chantonne dans un micro.

Slow Magic, quelques mois plus tôt, s’en était sorti honorablement par l’intermédiaire d’un tom basse sur lequel il basait l’intérêt visuel du show, ici, il n’y en a quasiment pas, et c’est bien le problème: Blackbird Blackbird aurait relativement plus de pertinence à jouer sous la forme d’un DJ set qu’en live, où l’intéressé ne fait qu’appuyer sur play, presser deux boutons et effectuer de petits pas de danse. Le public est concentré sur lui, l’ambiance s’en fait du coup ressentir puisque personne ne sait réellement comment prendre la chose, si l’on est plus là pour écouter que pour voir, et la plupart des gens sont sur la défensive.

Les morceaux en eux-mêmes sont bons, Sanders n’avait de toute façon rien à prouver par rapport à ça, ces deux albums étant excellents, on regrette simplement que l’atmosphère ne soit pas à son maximum de tension, que les gens n’enlèvent pas leurs vêtements et que l’air ne soit pas aussi moite qu’à l’arrière d’un kebab glauque et louche. Dommage donc, un concert qui tombe vite à l’eau, même si danser en fermant les yeux suffit aisément à compenser la relative déception liée à l’absence de vraie présence scénique.

En première partie, il y avait Edimbourg, duo parisien sur les traces d’une electro fine et racée, mais manquant encore un poil de rentre-dedans et de grosse mandales au menton pour se permettre de rivaliser avec les cadors du genre

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Une jeunesse pleine de rêves. Une jeunesse bercée d’illusions. Une jeunesse nourrissant l’espoir.

Une jeunesse confrontée à la vérité. Une jeunesse en proie à la réalité. Une jeunesse dans l’appréhension.

Un peu tout cela à la fois. La musique de RQTN, fruit de l’esprit créatif du jeune Mathieu Artu, c’est un peu tout cela à la fois. Un reflet, un écho, une représentation. Ancien Atheist Prayer, il n’en est pas à son premier coup d’essai lorsqu’il donne naissance en 2008 à We Were… We Are, premier EP de son projet en solo, RQTN, via le label Swarm Of Nails Records (Einna, Torn In My Pride, …). Cet effort post rock, créant une jonction entre notre passé et notre présent, s’inspire de l’environnement chaotique de la Seconde Guerre Mondiale et abouti à une analogie que nous entretenons avec nos souvenirs, facteurs déterminants qui font de nous ce que nous sommes aujourd’hui.

Loin du post rock incandescent cher à des formations voisines, celui-ci pose les bases d’un périple qui s’annonce poétique, sorte de messe nébuleuse, délicate et enivrante. La structure, presque entièrement instrumentale et jouant sur la longueur des morceaux, repose sur une combinaison de cordes, de percussions, et de claviers constituant tout à chacun une composante de l’atmosphère qui s’installe. Un climat changeant, oscillant entre le noir et le gris. Un climat pour autant paisible, ne réveillant jamais l’émanation de la tempête. En témoigne Morning And Handwritten Letter ponctuant de ses notes claires et espiègles une noirceur dissimulée à la lueur de l’aube. Et ce n’est pas la pluie déversant ses larmes sur le fragile et touchant She Left Me When I Was On The Battlefield, titre à l’aura romantique, qui viendra infirmer ce constat. Plus dynamique cependant, l’évocateur Passing Out In Front Of Us voit l’apparition du chant avec la participation de Gregory Hoepffner, membre actif entre autres de Radius System et Time To Burn. Et nous ne saurions oublier l’artwork réalisé par le non moins talentueux Romain Barbot de Montreal On Fire, I Pilot Daemon ou encore Jin Baker.

Six mois plus tard, l’EP éponyme apporte une nouvelle pierre à l’édifice en prolongeant avec brio le travail effectué sur We Were… We Are. À l’origine développé pour accueillir Florent d’Einna au chant, RQTN se dévoilera finalement sous la vraie nature du projet de Mathieu Artu, au travers de trois titres instrumentaux. Qu’il s’agisse du paradoxal Hope et ses nappes synthétiques empreintes d’une mélancolie cafardeuse, du simple et touchant The Edge ou du langoureux et plaintif Wires, RQTN confirme tout le potentiel placé dans la précédente ébauche de son géniteur.

Décidément très prolifique, il donne vie l’année suivante à son premier véritable album, Monolithes En Mouvement. Une révélation artistique tant le post rock des débuts laisse place à une musique plus contemporaine et affirmée. Partant de ce constat, l’anglais cède lui sa place au français dans des dénominations de morceaux particulièrement inspirées. Celles-ci, en adéquation avec les harmonies orchestrant le cœur des pistes instrumentales, évoquent une réalité déformée, en mouvement. En mouvement car nuancée par une sorte de rêverie contemplative et intimiste, véritable vertige émotionnel qui parcours les neuf titres que propose l’album. Un souffle qui aurait pu côtoyer les images de drames contemporains,  quelque part un reflet d’œuvres composées et interprétées par Craig Armstrong, Anne Dudley ou encore Akira Yamaoka. Mais force est de constater que Mathieu Artu a aussi ce quelque chose qui lui est propre, s’émancipant des images, laissant aux infinies possibilités de l’imagination le soin de s’exprimer pleinement.

Fort d’un réel succès critique, la suite semble assurée. Et c’est en 2010 qu’elle pointe ses soubresauts avec Decades And Decisions, une étonnante rétrospective voyageant entre 1928 et 2010, parcourant ainsi d’importants événements de notre histoire. Ce second LP de RQTN, outre le retour à une inspiration anglophone et à un featuring au chant (la présence remarquée d’Antoine Ollivier, affilié à Dawnshape et Painting By Numbers), marque surtout une évolution très significative dans la musique du one-man band, « quelque part entre le classique contemporain, le shoegaze et la new-wave » selon l’auteur lui-même. Une diversité des genres surfant entre les époques et qui confère à cet opus un halo surprenant, une alliance des styles inattendue, néanmoins réussi. Une preuve de la bonne santé d’un projet qui n’a pas peur de se remettre en question tout en conservant une âme si caractéristique, toujours animée de cette juste et délicate mélancolie.

Une mélancolie qui transpire sur chaque note du troublant 3200 ISO, voyant le jour au début de l’année 2011. Articulé autour d’un film en vingt scènes, soit vingt morceaux, ce troisième LP renoue avec des plages aux harmonies d’une réelle intensité dramatique. Chaque piste, concise, se déplace entre ombres opaques et vagues lueurs, tantôt dans une vive agitation, tantôt dans une triste sérénité. Ces bribes s’assemblant une à une, spontanément, pour former un intriguant puzzle. Comme des morceaux de vie aussi autonomes qu’interdépendants. Un effort réussi de la part d’un auteur singulier qui surprend agréablement à chaque nouvelle offrande, sans cesse orientée vers un nouveau et étonnant concept.

Un flot de souvenirs, d’émotions qui ne demandent qu’à vivre de nouveau. C’est finalement un peu cela RQTN. Des fragments, des instants de vie suspendus, qu’un écrivain couche sur le papier, qu’un photographe immortalise sur la pellicule. Au fond s’agit-il peut-être simplement de sentiments refoulés, la mélancolie se déversant tout au long de cette exploration des sens et de l’existence se montrant souvent teintée d’une certaine nostalgie. Un voyage désenchanté, une réalité dépeinte et transcendée par une part d’infini, d’inconscient. Une prière pour la lumière qui reviendra… Cela n’étant qu’une interprétation ô combien subjective, tant la musique de RQTN s’évalue selon son ressenti, ses émotions ou son vécu. Une source à interprétations variables, à l’image de ces quatre lettres énigmatiques…

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Brad et Andrew Barr, respectivement chanteur-guitariste et batteur, sont originaires du Rhode Island (« Nés dans les États-Unis, nous sommes déménagés à Montréal en 2005″, dixit Andrew). Avec les Montréalais Sarah Pagé (harpiste) et Andrés Vial (multi-instrumentiste), en jouant sur de jolies harmonies vocales, en tapant étrangement dans leurs mains, en soufflant habilement dans un harmonica, en faisant glisser délicatement doigts sur harpe, archer sur cymbale et fil entre cordes de guitare, ils offrent une americana aux accents bluesy qui ravit les quelques Parisiens présents. Tant est si bien que lorsque les quatre musiciens reviennent sur scène après avoir été obligés de la quitter, le public espère un rappel, en vain.

Ensuite parce que, même si Nick Talbot est un grand timide qui ressemble à un geek, que les grésillements émanant de son ampli gâchent la délicatesse de ses compositions et, en conséquence, empêchent une immersion totale dans son univers vaporeux, qu’il n’a joué ni Fitzrovia ni Carousel (issus de The Ghost in Daylight, son dernier album), que sa bassiste-claviériste et sa batteuse n’étaient pas indispensables, sauf sur son habituelle fin de set avec Black Holes in the Sand aux dernières mesures noisy, l’artiste a une voix incroyable et un toucher de guitare précis et impressionnant. Il ne s’exprime aisément et ne transmet d’émotion que par le biais de sa musique, avec les anciens morceaux comme avec les nouveaux.

Alors, chaque interruption est un supplice pour lui, et pour le public gêné qui rit discrètement de ce manque de grâce et d’audace pour combler le vide. Malgré tout, Nick Talbot a donné la clé en rappel : son interprétation de The Prize, single épatant de son nouveau projet. Impossible de regretter sa venue après un tel moment.

Setlist de Gravenhurst : Damage II – Nicole – The Ghost of Saint Paul – Forest Floor – In Miniature – The Foundry – Hourglass – Saints – Black Holes in the Sand
The Prize – Bluebeard – Tunnels

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