Le premier groupe à jouer est Mary Has a Gun, formation française chantant en franglais. L’énergie est là, le public se chauffe doucement, mais les paroles sont parfois douteuses : n’est pas Kyo qui veut.

C’est ensuite au tour de A Loss For Words, le groupe américain soulève enfin la salle qui s’est petit à petit remplie. Comme à la bonne époque où notre mère nous engueulait quand on sortait faire du skate, les paroles sont à base de bière, sexe et soirées entre potes. Les circle pits se forment, le chanteur réussit à convaincre les derniers réfractaires grâce à une super reprise des Jackson Five I want you back. Le chanteur n’ayant pas perdu son énergie, à peine sorti de scène il échangera quelques mots avec les fans venus le saluer.

Ce soir, les set s’enchaînent aussi vite qu’un pack de Despé en soirée post-brevet.

C’est seulement après vingt minutes que Four Year Strong arrive sur scène, soudainement j’ai quinze ans. Nos barbus préférés du Massachusetts entament leur set avec comme mise en bouche « What the hell is a Gigawatt? » Le public est en transe, je ne m’amuserai pas à compter le nombre de personnes qui, dès la première note, sont montées sur scène afin de pousser la chansonnette avant de se jeter dans la fosse. Pour calmer le jeu et canaliser cette énergie dont tout le monde aura bien besoin plus tard, le groupe nous offre un magnifique « Stuck in the middle« . La chanson « Catastrophe »  me rallie totalement à la cause Four Year Strong, je lâche le bar et me mêle à ceux qui, plus tôt, m’appelaient madame. Le set continu avec cette même énergie, on ne voit pas le temps passer, on rit quand un jeune, sur tout un couplet, va remplacer au chant le guitariste hilare. Arrive mon coup de coeur, LA chanson de Four Year Strong selon moi, Drive et aux vues des réactions du public je ne suis pas la seule qui attendait avec impatience ce morceau. Le groupe nous achève avec leur It must really suck to be Four Year Strong right now.

Il est seulement 22h quand le groupe quitte la scène, l’heure du couvre feu de la plupart des gens dans la salle n’a pas encore sonnée et le groupe l’a bien compris puisque, seulement après deux minutes, ils reviennent pour nous offrir deux autres chansons, One step at a time pour l’émotion et Wasting time pour ,comme le dit le groupe, « nos best fucking friends« .

Je sors, certes, heureuse de ce concert mais mes courbatures et les discutions sur le prochain sujet de géo entendus sur le quai du métro me rappellent que je ne suis pas si jeune que ça. Je vais peut être avancer mes rendez-vous botox…

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C’est le titre éponyme de la galette qui ouvre le bal. Très psyché et trip-hop, les samples groove résonnent comme un écho avec des « Imagination » torturés. L’accroche reste assez délicate, tant ce premier titre peut paraître brumeux et très différent du reste de l’album, et c’est Did You Hear Something qui va donner le ton : saccadé, scratchs et pop très féminine enrobent une piste ravageuse.

L’univers de Git est sombre, mais aux influences multiples : sur Free World Isn’t It, on retrouve les sonorités hip-hop de son précédent projet agrémentées d’une voix soul. En featuring avec Distrakt, (Destroy) le résultat est épatant : en moins de 2 minutes, le flow de Distrakt finit par embrasser une mélodie à la limite de la symphonie et du cartoon.

Sur Higher, en duo avec Big Brooklyn Red, Git a choisi d’abaisser la carte soul. Fervent adepte de mélange de sonorités, l’électronica du premier finit par rencontrer la chaleur dégagée par le second. D’ailleurs, il n’est pas étonnant de retrouver diverses tendances africaines dans ses compositions comme sur Dreamz où le synthé donne le rythme alors que différentes percussions se répondent. Une ballade acoustique qui semblera se réitérer sur If You Just Make Love To Me, mais c’était sans compter les nombreux sentiers qu’a tracé Git. Direction le Brésil, des sifflements entêtant en guise de plat de résistance et des percussions brésiliennes qui donnent un côté samba au morceau. Il s’en ressent une envie sincère de proposer un hip-hop revigoré et vivant en piochant dans l’underground.

Désireux de prouver son éclectisme, Git s’est quelque peu laissé guider par ses envies en fin d’album, au risque de se perdre. Sur des pistes beaucoup plus courtes, le DJ s’est essayé sur des compos plus technos (Loose It) ou funk (Up Rock) entre délires électro/hip-hop (Spaced Out) et tours de manège funky disco (Nothing Can Stop Me Now).

Même en pêchant par un excès de gourmandises manifeste Git démontre en 16 pistes qu’il a plus d’un sample dans son sac. Et après ce voyage électronique aux quatre coins du globe, on ne peut qu’en redemander.

Un des morceaux de l’album, même s’ils sont tous très différents, If You Just Make Love To Me :

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Bad Panda Record a signé sa première sortie physique avec le vinyle du groupe italo-américain Dumbo Gets Mad. Un coup de fouet pour ce label digital, qui s’était déjà forgé une petite notoriété grâce à ses sélections musicales et son business model atypique (une sortie chaque semaine – principalement des titres électro – sous Creative Commons).

Le premier morceau, annoncé comme une intro à l’ambiance jazzy et brouillonne, est très prometteur. Le reste de l’album oscille entre électro-pop, rock psychédélique et downtempo. Si des titres comme Plumy Tale, Harmony ou encore Why Try résonnent des influences de MGMT avec des vocales lo-fi assez aigües, une utilisation à outrance du synthé et une bassline marquée (la ressemblance avec Oracular Spectacular est frappante), d’autres se distinguent par une atmosphère plus cosmique, et évoquent la mélancolie océanique de Beach House (Sleeping Over, Eclectic Pawn et Self-Esteem). Le dernier morceau clôt finalement l’opus avec la même maestria que l’intro nous l’avait présenté : une voix sobre, une bassline sensuelle, et quelques notes de saxophone, glissées ici ou là, qui sonnent comme des feulements. Impossible de ne pas penser à Bonobo, notamment au LP Days to Come.

Elephants at the Door est un régal, reste à voir si le groupe parvient à développer des sonorités plus indépendantes. Le vinyle est disponible à l’achat, mais ceux qui le souhaitent peuvent toujours télécharger l’album gratuitement contre un partage sur Facebook ou Twitter.

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Au crépuscule de l’enfance, grâce aux merveilles conjuguées de la génétique, du capital culturel et du talent pur, et pendant que d’autres étaient encore occupés à faire leurs dents, la jeune et productive Trixie apprend la batterie, puis le piano et la guitare. A 17 ans, elle part à New York et commence à écrire ses propres compos. Son premier EP, coproduit par Meshell Ndegeocello, sort en 2008. Sa carrière solo est par la suite mise en stand by lorsqu’elle devient la voix de Black Dub, le groupe de Daniel Lanois, aux côté du batteur Brian Blade et du bassiste Daryl Johnson.

C’est à présent grâce à Nowness (le webzine culturel très hype lancé par LVMH) que nous retrouvons Trixie Whitley all by herself, à seulement 23 ans. A la première écoute, on est un peu dubitatif. C’est qui cette petite nana, toute fragile dans sa robe blanche, façon jeune mariée au crépuscule de sa virginité ? Et puis la voix vient : brute, douloureuse, éminemment bluesy, de plus en plus puissante contre la tempête (cf. vidéo). Même si nos sens sont émoussés, formatés par des années de chanteurs sous Auto-Tune, c’est inévitable : le frisson monte, les poils se hérissent… et l’orgasme vient. Saluons au passage le travail hallucinant de Matthu Placek, ancien photographe chez Vogue, pour ce clip incroyable (ni plus ni moins qu’un plan-séquence de 4 minutes 56).

A Thousand Thieves est un titre que l’on a beaucoup de mal à cerner. Porté par le timbre hallucinant de Whitley-fille, une guitare et une batterie pour tout accompagnement, il semble venir d’un autre temps. Et c’est précisément ce minimalisme qui fait de ce morceau (et de cette artiste) la première vraie grosse claque de 2012.

A Thousand Thieves on Nowness.com.

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Crédit photos: Mauro Melis

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Mais elle pourrait tout aussi bien s’adapter à Dan Dunne, professeur passionné et toxicomane, joué par l’excellent Ryan Gosling, dans Half Nelson de Ryan Fleck. Personnages isolés à leurs façons, ils tentent, comme Louanne Johnson (Michelle Pfieffer) dans Esprits rebelles de John N. Smith, d’insuffler le désir d’apprendre à des adolescents des quartiers pauvres, délaissés par leurs parents et abrutis par un monde qui aspire leurs consciences à coups de publicités et de rêves d’argent.

Le dysfonctionnement du système éducatif américain, sa jeunesse à la dérive et ses enseignants dépressifs, est un sujet qui a donc déjà été traité maintes fois. Mais ce n’est pas parce que ces questions morales et sociales ont déjà été exposées aux spectateurs qu’il ne faut pas insister, et montrer, prouver, que le problème perdure en dépit de nombreuses alertes, cinématographiques ou non. Tony Kaye, réalisateur du fascinant American History X, apporte sa vision du problème, sans détours et avec respect. Il y a redite, oui, mais il y a belle et nécessaire redite. Detachment est un film noir, intense, dont les histoires personnelles se conjuguent au temps de l’histoire universelle.

Cela dit, aussi grave soit le fond de ce long métrage, on décèle une certaine luminosité dans la forme, malgré une stylisation outrancière (images animées, flashback en Super-8, véritables interviews d’enseignants…). Cette lumière provient également de l’interprétation des acteurs, qui ont pourtant beaucoup de désespoir à transmettre à l’écran. Christina Hendricks (récemment vue dans le chef-d’œuvre Drive), Betty Kaye (fille de Tony) ou encore Marcia Gay Harden sont très bonnes dans cet exercice, mais c’est Lucy Liu qui se démarque et surprend ; on aimerait la voir plus souvent et plus longuement tenir un rôle aussi sérieux, authentique et dramatique.

Quant aux personnages principaux (Henry et Erica), deux écorchés, Adrien Brody et Sami Gayle leur donnent gracieusement vie. Cette dernière éblouit par sa force et sa douceur en adolescente fugueuse n’ayant trouvé que la prostitution pour subvenir à ses besoins. Une jeune actrice pleine de talent. Concernant Adrien Brody, on le savait capable d’être époustouflant depuis Le Pianiste, mais il n’a pas toujours bien choisi ses films. Dernièrement, on a entrevu son brillant retour dans Minuit à Paris (Woody Allen), qu’il confirme dans Detachment. Seul au milieu du reste du monde, son personnage n’est pas sans rappeler, dans une certaine mesure, les héros modernes de Habemus Papam, Shame et Take Shelter. Une tendance se dégagerait-elle chez les cinéastes, afin de refléter la situation de l’homme d’aujourd’hui, qui se sent incompris, qui lutte, désabusé, contre une société qu’il ne supporte pas, dans laquelle il ne se reconnaît pas ?

Detachment se fait ainsi une jolie petite place dans l’univers des films de bancs d’école, où trône Le Cercle des poètes disparus, et où traînent Entre les murs, Le Sourire de Mona Lisa et bien d’autres.

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1. Ray

Béa a donc lu avec avidité vos conseils, Monsieur Frank, en admettant sur de longs soupirs que vous aviez sûrement raison. Elle a d’ailleurs débattu du sujet avec nombre d’autres éléments masculins, ces derniers corroborant systématiquement les goûts et les efforts décrits et décriés dans l’étude susnommée. Elle a ainsi passé de longues heures à renouveler soigneusement ses sous-vêtements, à apprendre les arts presque cabalistiques du maquillage, de la coiffure, de la démarche et, puisque c’est à la mode, a même adhéré à un cours d’effeuillage burlesque. Non pas pour devenir la prochaine Lily Darling Scarlett Cherry mais simplement pour acquérir cette assurance qui, lui aviez-vous garanti, devait à coup sûr lui ouvrir la porte de tous les antres masculins.

Première déconvenue. Lâchée dans un milieu typiquement masculin et passablement immature (qui a sifflé au pléonasme ?), la petite Béa passe totalement inaperçue. Elle tente le mouvement spectaculaire d’un diner préparé de ses blanches mains, et ce toute vêtue de bas interminables et de talons gratte-ciels, dessous coordonnés cela va (désormais) de soi. « Tu manges tout ça ? » Regard noir de la Béa qui comprend en quatre mots toute l’étendue du vice humain. L’élégance au 21ème siècle, c’est de n’avoir aucun réconfort après l’effort. C’est donc pour cela que les collègues préfèrent lorgner les fades dans les couloirs, ces filles filiformes qui rentrent dans le sacrosaint et si enfantin 36 (voire 34)… Celles qui leur rappellent avec émoi leurs premiers touches pipi et qui collent si bien aux images vendues par la télé, les films, les pubs prints, les magazines et même – diantre ! – par la littérature.

Béa pensait que si les hommes cherchaient des femmes libres, sûres d’elles (au moins au lit) et affranchies, il lui suffirait d’être une femme libre, sûre de ses talents buccaux et affranchie quant aux autres pour avoir tout compris. Et pour Béa, une femme, ça a des formes. Pas celles des vaches laitières des mangas, ces gamines en kilts rehaussées chirurgicalement non sans un humour caustique et un pied de nez certain à la gravité, mais de vraies formes, des hanches, un ventre rond et doux… Mais non. Voilà que le mâle d’il y a quelques lignes, rassasié (au sens propre du terme), décide de passer la soirée devant des rediffusions de match. Et elle de croiser et de recroiser ses guiboles de nylon, de mordre ses lèvres pulpeuses et de ronger son frein.

Pauvre petite Béa, si nue et si naïve derrière tout ce chemin et cet ensemble exorbitant de chez Chantal Thomass. C’est alors qu’elle regarde l’autre, ce zig en pleine béatitude qui crèverait d’envie de lui dire de rentrer à présent qu’il n’a plus besoin de ses services.

Pour commencer, l’homme est mal sapé. Soyons honnêtes, il est rare de tomber sur son âme sœur vestimentaire. Béa vous ayant lu, Monsieur Frank, elle s’était dit qu’après tout cela elle aurait au moins droit auxdits costumes et chaussures raffinées. Que nenni. Par respect pour les âmes sensibles, nous n’aborderons pas dans le détail le choix des sous-vêtements masculins. Elle repense aux heures de manucure, d’épilation intégrale à la cire, aux pieds qui saignent en rentrant d’avoir fait des folies dans des outils de torture que l’on appelle chaussures. Et en se remémorant tout cela, voici ce qu’elle trouve face à elle : un être poilu, boutonneux, qui d’ici deux à trois ans aura une calvitie et qui ne fait pas plus attention à sa ligne que ça. « On a dit pas le physique ». Certes. Je suis vilaine. Alors, examinons le reste. Monsieur Football ayant décidé que Béa était un peu trop boudinée à son goût, il ne prend la peine ni de châtier son langage, ni de lui faire la conversation. « Meuf, il est tard là, je me lève tôt demain. » Ni une ni deux, la meuf Béa se casse, pas demain la veille que son risotto remettra ses gambas par ici.

Quelques abdominaux euphémiques, un régime digne de la guerre (le steak-semelle en moins) et on retrouve Béa au rendez-vous numéro 285725978. Il aura fallu du temps à monsieur Z. pour obtenir ne serait-ce qu’un café avec la demoiselle. C’est qu’elle est devenue farouche la belette ! Elle est plus difficile et demande au moins le minimum vital, une présentation correcte et ce savoir-vous rendre unique nécessaire même quand on en connait les rouages. Monsieur Z. a jusque-là vingt sur vingt. Il ne lui laisse pas le temps de dire non, l’invite dans un joli musée au lieu d’un bistro pourri,la fait rire et, sur son crâne, la chevelure bien que maigre demeure tout à fait respectable. Disons dix-neuf pour quelques différences artistiques mineures, rien de grave. Elle, de son côté, prend soin d’éteindre son téléphone. Elle est le résultat d’années de travail sur l’être féminin, juste mesure de femme fatale et d’enfant, de charme et de critères de beauté actuels. Bref normalement tout devrait rouler sur vélib… Oui, mais.

Attablée dans un endroit cossu, la jeune Béa commande un simple thé vert. « Tu ne manges pas ? » « Non, je fais un peu [douce litote] attention. » « C’est dommage, moi j’aime bien les filles qui profitent. »

À compter de ce moment, il n’y aura plus jamais chez Béa de petit ange, de concession ou de faveurs buccales non partagées à 2h du mat alors qu’elle doit, elle aussi, se lever tôt le lendemain. Monsieur Z. vient, sans le savoir, d’appuyer sur le fameux bouton rouge. Elle le regarde avec sourire, minaude en lui piquant une frite dans son plat et se jure intérieurement dans cinq langues différentes que celui-là, elle va le faire souffrir.

Si seulement Monsieur Z. avait la moindre idée de ce qui l’attend au détour d’une nuit. En revanche vous, messieurs les mâles lambdas, à présent, vous savez. Il ne faudra pas vous plaindre à Monsieur Frank au coin d’un bar dans quelques années. À bon entendeur, je vous souhaite également une bonne année.

Francine.

Toutes les photos sont d’Erwin Olaf

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1. L’endroit où tombent les anges

[PIAS] Nites ou une affiche excitante et des ingrédients que tout semble opposer. Tout commence avec la folie retenue d’Annette & Mathi , silhouettes diaphanes qu’on pourrait rencontrer sur un quai de métro à Barbes et qui se muent en couple de guerriers fous enflammant une flèche d’or peu habituée à d’aussi singulières premières parties. Et cela continuera avec le désordre communicatif des Stoned Popes. Belles gueules sensuelles et corps chaloupés sur des sons pop, rock, reggae ? Peu importe, ils nous apportent de la joie, les bougres. Normal, The sound of Happiness est le nom de leur album.

La noirceur, affectée ou réelle, c’est avec Band Of Skulls qu’elle déboulera sur scène, dans les lumières et les ombres auxquelles le groupe nous a désormais habitués pour son troisième passage à paris en quelques mois. L’enjeu est clair ici pour le trio de Southampton : présenter quelque morceaux de son nouvel album (à paraitre le 20 février prochain) dont le premier single “The Devil Takes Care of His Own” est en vente sur iTunes et tester la fidélité d’un public français réputé volage qui ce soir leur sera pourtant acquis.

Propre, trop propre. Ciselé, trop ciselé. L’énergie est certes là, mais le rituel semble s’essouffler plus qu’à l’accoutumée, hormis la folie de Matt Hayward à la batterie qui exorcise à lui seul toute trace d’ennui avec son énergie communicative. Set frustrant d’un groupe qu’on aime pourtant suivre et qui clôture une soirée éclectique, électrique, douce amère, mais surtout euphorisante et c’est là tout le mérite des Pias Nites que de provoquer ces mélanges-là.

Crédit Photos: Mauro Melis

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Premier pilier de la scène, Momo le batteur. Calé sur son estrade côté jardin il passerait presque inaperçu si sa double pédale ne venait nous faire vibrer jusqu’au fond des tripes. Applaudissons aussi une jolie participation à la derbouka pour un Belle parmi les Belles plein de douceur.

Perchés sur sa petite estrade aussi, de l’autre côté de la scène nous trouvons William, le contrebassiste. Pieds nus, coiffé d’un chapeau et d’une barbe qui assume son manque de soin, le pantalon remonté façon pêcheur, le musicien évoque le mélange d’un capitaine Hadock attendrit par la musique, mais capable de devenir un rockeur au déhanché déluré lorsqu’il délaisse la grosse madame pour atterrir sur le devant de la scène, armé de la petite sœur. Il n’y a d’ailleurs pas qu’avec la basse qu’il quitte son estrade, n’hésitant pas empoigner la contrebasse et à sauter aux côtés des chanteurs avec son énorme instrument, le faisant littéralement danser en même temps qu’il fait vibrer ses grosses cordes.

Devant William nous restons dans les cordes. Banjo, mandoline, cithare, Olivier jongle avec les instruments et passera même derrière le micro pour l’intro de Comme un ange.

À l’emplacement symétrique, nous trouvons Fred, le joueur d’accordéon. Présent sur presque chacun des morceaux, le souffle musette qu’il apporte au groupe fait partie intégrante de l’esthétique sonore du rendu final.

Sur la fin de l’arc de cercle, à gauche et à droite, deux guitaristes eux-mêmes accompagnés de deux guitares sèches, attendant sagement sur leurs socles. Christophe à gauche alterne la rythmique et les solos face à Romain, qui non content d’assumer chant et guitare, a la fâcheuse tendance de jouer de la clarinette lorsque l’ambiance se laisse aller à des teintes plus alternatives que rock.

Et enfin, au milieu des six premiers, Simon. Chanteur, joueur de violon et de trompette, le petit bonhomme vadrouille, saute, danse, s’efface dans le fond lorsque d’autres musiciens jouent leurs solos et mène une interaction constante avec un public d’ores et déjà sous le charme. Avec son complice Romain, ils nous font danser, chanter, taper des mains et même faire le petit pois (et voir tout le Zénith faire de même, ça vaut le détour.)

Un travail de l’espace et des lumières aussi précis que déjanté, une technique musicale et un son parfait, du jeu aussi bien entre les musiciens qu’avec le public, mais avant tout un concert entre de vieux amis !

Les invités s’enchaînent. Nico tout d’abord vient faire résonner le son cristallin de son xylophone pour La fuite et Moutons. On a par la suite la chance de voir Fredo des Ogres de Barback poser sa voix grave sur Poils aux yeux, chanson composée par Debout sur le Zinc pour les Ogres. C’est ensuite Jean-Lou, l’arrangeur de leur dernier album la Fuite en avant, qui les accompagne au clavier pour J’ai déjà donné et Oublie-moi, introduisant celle-là avec une intro psychédélique des plus hypnotisante.

Simon a ensuite droit à son petit duo acoustique avec Guillaume Aldebert pour le morceau Mon homonyme. On continue avec la fratrie des Ogres par la suite puisque c’est Sam qui vient faire résonner les notes graves de son tuba sur Les voisins. Enfin, après un rappel qui s’étire, mais ne s’épuise pas, le groupe revient accompagné de son dernier invité : Gregory Jolivet accompagné de sa douce vielle à roue.

Un concert à la hauteur de sa réputation, et plus encore même, qui se termine sur un Zénith bondé qui reprend en chœur les « yalalalalala » du refrain de La Déclaration durant bien 10 minutes. Simon court alors partout, saute dans la fosse, appel à un dernier élan de motivation, recourt partout, puis la fin arrive, se concluant par une présentation et un salut général de tous les membres du groupe et des invités présents ce soir.

Chapeau bas à nos troubadours donc, qui auront largement validé leur diplôme de saltimbanque professionnel sous le prestigieux chapiteau du Zénith !

Crédits photo : Olivier Hoffschir

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L’entrée sur scène du groupe se fait sur My Old Self. Très vite les têtes commencent à bouger sur un son pop, presque rock. Accompagnée d’un batteur et d’un bassiste, leur musique prendrait même une ampleur que leurs albums n’ont pas l’habitude de nous faire partager, voire même trop en écrasant plus les voix qu’elle ne les porte vraiment.

Question technique, évidemment rien à redire : Jérémie jongle entre violoncelle et claviers, nous donnant des frissons sous les caresses douces de son archet pour marteler les touches du piano électrique un instant plus tard. Les guitares ne sont pas en reste, balançant des riffs électriques et calés, enchaînant les morceaux les uns après les autres sans fausses notes.

C’est finalement ce rythme sans surprise qui pêchera dans la performance de ce soir. Les morceaux se suivent, slaloment gentiment entre les tubes des albums précédents ( dont un Balulalow repris en chœur par un public sous le charme) et les exclus de leur nouvel album Let Go dans les bacs le 12 mars.

Une petite heure très convenue donc, avec un rappel voulant clôturer le set en beauté avec le tubissime Get around Town, mais c’était sans compter la motivation des fans exigeant un deuxième rappel qui sous la forme d’une reprise d’How deep is your love des Bee Gee sera bien en dessous de l’énergie déployée par le public.

Moralité de ce tour de chauffe : moins de balles à blancs et un peu plus de danger dans la performance ne sauraient nuire pour la suite.

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