DMR

Concierto Austra. Bruselas (07-03-2026)

2026-05-15T17:30:00.000+02:00

Tenía muchísimas ganas de volver a ver a Austra en concierto, la última vez fue aquel concierto en Toulouse en el año 2017 en la gira de presentación del soberbio álbum “Future Politics”, en esa época todavía eran un grupo, aunque ya habían volado las hermanas Lightman, coristas de lujo que les acompañaron en sus primeras giras. Todo se aceleraría rápidamente ese 2017 y en mitad de la gira Maya Postepski abandona el grupo, peleada con la cantante Katie Stelmanis y teniendo que ser reemplazada urgentemente a la batería por Ela Minus. Esta salida sería el detonante para que una vez acabado el tour, Dorian Wolf y Ryan Wonsiak decidieran igualmente abandonar el proyecto quedándose Katie Stelmanis en solitario llevado el nombre de Austra.

Desde esa gira Katie ha hecho poquísimos conciertos y en todos estos años no había conseguido articular una gira como tal. Su primer intento fue con la salida del álbum “Hirudin” (2020) pero entre la imposibilidad de reunir una nueva banda de apoyo y sobre todo el Covid, cualquier posibilidad de tocar el disco en directo se vino al traste, pasando esta etapa con más pena que gloria.

Después de esta complicada experiencia parecía que el proyecto Austra estaba en dique seco, tan solo supimos que había compuesto música para un ballet, “Swan song” que salió en 2023, a decir verdad, un trabajo menor.

Sin embargo, a finales del año pasado surgió la sorpresa, un nuevo álbum “Chin Up Buttercup” y por fin una gira internacional en condiciones para presentarlo, bastante extensa, así que nos fuimos a Bruselas que era la fecha que mejor nos cuadraba ya que era fin de semana.

Después de hacer algo de turismo (hacia 10 años que no visitaba esta ciudad), nos dirigimos al lugar del concierto “Le Botanique” que resulto una especie de complejo multiusos con una pequeña sala de conciertos. No nos dio tiempo a ver a la telonera Elsas.

Lo primero que nos sorprendió al llegar al lugar del concierto fue lo pequeña que era la sala, la cual se encontraba totalmente abarrotada en su capacidad que no debería ser mucho mayor de 300 personas. Este error de cálculo provoco que no fuera un concierto cómodo, el personal de seguridad hacia lo que podía para poder ubicar al público que seguía llegando, pero había poco margen de actuación, el espacio era el que era.

Puntual apareció Katie Stelmanis con un vestido negro con toques rojos acompañado de unos zapatos un tanto extravagantes, habían pasado 8 años desde la última vez y hay que decir que estos años le han sentado de maravilla, la vi más guapa que nunca. Le acompañaban en esta ocasión dos chicas, una a cargo de la batería y otra que se ocupaba del bajo y los coros. En mitad del escenario se situaba un teclado que Katie tocaba de vez en cuando.

El concierto comenzó con “Siren song” uno de los singles de adelanto del nuevo disco, un comienzo potente ya que se trata de una canción que recoge lo mejor del sonido clásico de Austra y lo cierto es que es muy accesible. En la siguiente canción se pasó a una vertiente más experimental y minimalista con “Math equation” que fue el primer adelanto del nuevo álbum y que puede que sea el single más inusual de toda la carrera de Austra, la verdad es que funcionó muy bien.

La primera canción antigua que apareció fue “Utopia” del álbum “Future Politics”, que sería muy celebrada, pero estaba claro que el protagonismo del concierto se lo llevarían las canciones nuevas y allí aparecieron la hipnótica “amnesia” que es la canción que abre “Chin Up Buttercup” y que pensé que abriría también el concierto, pero no fue así. Siguió la triste “Blindsided”, que sigue la temática del último álbum que es la ruptura de una relación, el intercambio de culpas, y el proceso de reconstrucción mental después de esta ruptura.

Uno de los mejores momentos del concierto fue cuando Katie empezó a tocar en el piano la reconocible melodía de “Home”, uno de sus singles más acertados y tema principal del álbum “Olympia” (2013). Una mirada al pasado y vuelta al presente con más temas nuevos como el que da título al álbum “Chin up buttercup” o “Think twice”, este último con no poco parecido con el tema “Painful like”, que por cierto no fue incluido en el setlist.

Si bien los nuevos temas fueron muy bien recibidos, había ganas de escuchar canciones que ya se han convertido en casi clásicos. Así llegarían “Future politics” y “I love you more than you love yourself”, en unas versiones con apenas bases rítmicas que, si bien no estaban mal, estoy seguro que el público hubiese preferido que se hubiera ceñido a las originales.

Donde nadie pudo poner ninguna pega fue en la interpretación de la siempre contundente “Beat and the pulse”, sin duda es un tema que nunca falla y que pone la sala patas arriba. De esta manera nos adentrábamos en la recta final del concierto, mucho más intensa. Con muy buen criterio incluyo en este tramo dos de los temas más bailables del nuevo álbum: la positiva y luminosa “Fallen cloud” y “The hopefulness of dawn”, esta última bastante influenciada por el eurodance de los 90.

Katie se despedía, como no podía ser de otra forma, con su tema más popular “Lose it” que a estas alturas se puede considerar todo un clásico. Una versión bastante fiel a la original que dejo al público más que satisfecho antes de que llegaran los bises.

El primero de ellos fue un tema nuevo, la balada “Good ridance” que cierra el nuevo disco, a la que siguió la mágica “Spellwork”, otro tema clásico de su álbum debut “Feel It Break” (2011) que volvería a levantar al público.

El concierto sería realmente finalizado con la emocionante “Hurt me now”, tema que cierra su segundo álbum “Olympia” y que resulto perfecto para dar por concluido este reencuentro con Katie Stelmanis y la presentación de sus nuevas canciones.

Varias conclusiones sobre esta vuelta a los escenarios de Austra: en la parte positiva Stelmanis supo defender muy bien las nuevas canciones, nada menos que nueve sonaron y para nada desentonaron con material más antiguo, dejando claro que “Chin Up Buttercup” es un buen disco que debemos celebrar.

La verdad que nos lo pasamos muy bien, Katie canto extraordinariamente durante la hora y cuarto que duro el concierto demostrando no haber perdido nada de su característica voz.

En la parte negativa, no me gusto que todos los sintetizadores y bases estuvieran grabadas y fueran lanzadas desde un ordenador portátil, vamos que Ryan Wonsiak ha sido sustituido por un portátil, me pareció un detalle low-cost que no beneficio al sonido y que también deja de manifiesto que a esta nueva versión de Austra aún le queda camino para ponerse a la altura con la anterior.

En definitiva, una esperada vuelta de Katie Stelmanis que pudimos disfrutar en Bruselas y que esperemos podamos volver a verla en alguna otra ciudad ya que parece que por fin se ha reactivado para girar de forma extensiva, algo que debemos celebrar.

Texto y fotografías: Alfredo Morales.

Programa Arcade Fire "Everything Now" (Temporada 17/ Programa 7)

2026-05-10T20:42:00.000+02:00

El pasado sábado 25 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) llevamos a cabo un programa en el que pretendimos justificar los buenos detalles del disco "Everything Now" de Arcade Fire.

Aportamos nuestras opiniones, pusimos varias de sus canciones en primer plano y también comentamos nuestra experiencia en directo con el grupo. El programa lo llevamos a cabo Mariano González y Víctor Prats.

Por si no pudieron escuchar el directo en su momento, aquí les dejamos enlace a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga y también les insertamos el reproductor para su escucha directa aquí mismo si lo prefieren:

Temporada 17/ Programa 8: Kiko Veneno y “Está Muy Bien Eso Del Cariño” (1995)

2026-05-08T17:30:00.001+02:00

Llega el turno de rendir tributo a otro grande de nuestra música, en este caso a Kiko Veneno. Lo haremos este sábado 9 de mayo de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

El disco que hemos escogido para reconocer a Kiko es uno de los más exitosos de su trayectoria y con el que consiguió una gran repercusión a mitad de los 90: “Está Muy Bien Eso Del Cariño”.

Creemos que será un programa lleno de buena música, que transmite muy buenas vibraciones. Confiamos en que no nos falten a la cita. Les esperamos.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1655334295508487

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

El Último De La Fila - La Rebelión De Los Hombres Rana (1995)

2026-05-01T17:24:00.003+02:00

Este es un disco dentro del estilo DMR. De los que nos gusta analizar. Digo esto, porque “La Rebelión De Los Hombres Rana” es como el patito feo de los discos de El Último De La Fila. En efecto, Manolo García y Quimi Portet habían alcanzado un éxito enorme con “Astronomía Razonable” (1993), llegando casi al millón de copias, y dejando clásicos como “Como un burro a la puerta del baile” o “Mar antiguo”. Y aunque en realidad el disco que nos ocupa no le fue mal, de hecho, fue número uno, es quizá de los menos recordados de la banda. El que menos, probablemente. Y en comparación de donde venían hay un menor número de clásicos. El más recordado de ellos “Sin llaves”.

Muchas críticas a este disco suelen ser casi todas de la misma índole. El sonido es frío, otoñal. Demasiado sobrio, incluso. Pero ninguno de esos atributos por sí mismos me llevan a pensar que un disco sea malo por eso. Es inevitable pensar en la evolución de El Último De La Fila y de cómo un grupo de pop rock aflamencado, vivaracho y vital paso a ser un grupo más introspectivo. Pero en realidad esta sobriedad se venía labrando desde “Nuevo Pequeño Catálogo De Seres Y Estares” (1990). Además, lo de frío es relativo. Sigue habiendo bonitas canciones, emotivas y evocadoras, con más apelación al corazón que al intelecto. Cambian un poco los ingredientes, pero el poso permanece.

Yendo a la calidad de las canciones el disco merece más fama de la que tiene. Excepto algún tema de transición (ni siquiera malo) hay nivel notable de composición, Sí reconoceré que hay algo, quizá no buscado intencionalmente, que sabe a despedida. Acaso por el tono, el aura que le rodea, o nuestra propia percepción tras saber que después vendría la separación ha calado en nosotros. Pero la sonoridad melancólica ayuda a este regusto. En cualquier caso, es un conjunto de melodías sólido y ajustado.

Las letras no varían demasiado, por mucho que muestren cierto abatimiento. Continúa la mezcla de lo cotidiano y lo surrealista, lo mundano y la metáfora inesperada, como pequeñas ensoñaciones que, sin embargo, no se apartan mucho de la realidad. El trabajo del grupo en ese apartado siempre fue impecable.

1995 fue un año de cierto desmoronamiento de los grupos y artistas ochenteros. Héroes Del Silencio lanzan casi a la vez “Avalancha”, siendo también su último disco de estudio. Gabinete Caligari se dan otro topetazo con “Gabinetíssimo”. Mikel Erentxun saca su segundo disco en solitario, el infravalorado “El Abrazo Del Erizo” y se va afianzando fuera de Duncan Dhu. Los sonidos estaban cambiando y el inevitable decurso de los gustos va afianzando nuevos grupos, mientras los que estaban antes tuvieron que dar un paso al lado. Quizá “La Rebelión De Los Hombres Rana” tenga también algo de eso, de sabor de fin de ciclo, Y eso añade algo de desazón. Pero los méritos son suficientes como para escuchar y valorar “La Rebelión De Los Hombres Rana” en su justa medida.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “¡Qué bien huelen los pinos!”: No detecto grandes cambios desde “Astronomía Razonable”, la verdad. Comienza con unos sintetizadores sobrios para ir dando entrada al resto de la instrumentación. A ratos hay incluso un punteo de guitarra española. El estribillo resulta bastante afortunado, lírico y con unas muy buenas inflexiones de Manolo García. Canción que sigue una línea muy clásica del estilo de EL Último De La Fila.

2. “Las hojas que ríen”: Esto sí que suena más abatido, ensimismado y melancólico. Se toma su tiempo para generar atmósfera, con unos teclados más patentes. De hecho, es la canción más larga del disco con casi cinco minutos y medio. Hay un cambio de sonoridad en el estribillo, volviéndose la melodía más roquera. Suena bien, pero es de esas canciones que quizá necesiten de varias escuchas para lograr entrar en ella. Funciona en su contexto de canción triste. La letra de Manolo García ahonda en este sentimiento.

3. “Vestido de hombre rana”: En este caso el cambio de sonoridad es más marcado aún. Pierde el toque roquero y gana en teclados atmosféricos. De no ser porque las bases son más animadas, podría ser un intento de trip hop. Manolo García canta en un tono más bajo, más grave que de costumbre. Tiene cierto aire a sutil y accesible experimentación, al menos para las características del grupo. Y suena bien, Después de haber grabado “Astronomía Razonable” en los estudios Real World de Peter Gabriel, la banda volvió a Barcelona para su último disco de estudio. Y no creo que lo acuse demasiado, Fue cuarto single del disco. Tiene una curiosa letra de Quimi Portet.

4. “El bombero del atardecer”: Las guitarras eléctricas que desaparecían en el tema anterior vuelven en éste. Sobre todo, en el estribillo, que es de los más incisivos del disco. Es otra que podía haber estado en “Astronomía Razonable”. Tiene algunos arreglos curiosos, incluyendo alguna guitarra grabada al revés. El estribillo quizá se repita alguna vez de más, pero es un momento enérgico que viene bien de vez en cuando.

5. “Sin llaves”: Primer single, y la canción más conocida. del disco. Y es entendible. Es un pop rock clásico, sencillo, donde no sobra ni falta nada. Buen puente, bien estribillo, y los punteos justos y necesarios. Incluso recuperan algo del “gracejo” de otros tempos. No es tema apoteósico, ni falta que hace, puesto que en su sencillez está parte de su gracia.

6. “Pedir tu mano”: Está canción es simpática, entre otras cosas por las imaginativas formas de pedir la mano a alguien que se le ocurren a Quimi Portet. La canción tiende al minimalismo, prácticamente se vale de una guitarra acústica y de un arreglo ambiental. Es una canción breve (no llega ni a tres minutos), pero que te deja con una sonrisa en la cara. Fue segundo single.

7. “Bailarás como un indio”: Las dos canciones anteriores contrastan con el tono nostálgico y desalentado de esta canción. Un sobrio lamento. La voz de Manolo es más solemne, y se hace acompañar de un eco que la hace más misteriosa. Tiene el contraste de que instrumentalmente es una de las canciones más marcadas, pero al mismo tiempo, pero quizá sea también la más melancólica. A decir verdad, es uno de mis momentos favoritos del disco. Fue quinto single.

8. “Dímelo tú”: Es un medio tiempo amable sin mucha trampa ni cartón, competente melódicamente pero quizá rutinaria. Es más o menos animada y en el estribillo se vuelve casi un reggae. Es agradable de escuchar, pero se nota como cierta desgana. Nada grave, pero no es particularmente memorable. 9. “A medio soñar”: Vuelve el rock, pero de una manera aquietada, tranquila. Quimi Portet aumenta un poco la distorsión de las guitarras, eso es todo. No es particularmente pegadiza, pero casa bien con el tono introspectivo y onírico de la letra de Quimi Portet. Tiene una atmósfera cuidada que se va apreciando más con sucesivas escuchas.

10. “Uva de la vieja parra”: Esta canción es cien por cien Manolo García. Letra con metáforas campestres y un sonido más cercano a lo clásico del grupo, con menos atmósferas. Tono leve y predominancia de las guitarras acústicas. Suena tan familiar que la canción casi te cae simpática de entrada. Y eso es lo que es: una canción simpática. Nada especial, pero se escucha con agrado.

11. “Illetes”: Hay que reconocer que el disco acaba con un perfil bajo, quizá demasiado bajo. Esta última canción es un instrumental sencillo, agradable, acústico, que si hubiera sido más breve podría haber sido una coda simpática. Pero dura unos cuatro minutos y no tiene gancho de fin de disco. Supongo que el nombre estará tomado de la localidad mallorquina, y quizá la canción trate de captar una calidez tranquila y mediterránea. Lo tomaremos como una propinilla y ya está.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Después de “La Rebelión De Los Hombres Rana” no hay mucho que contar sobre El Último de la Fila. En 1996 dieron su último concierto y se separaron oficialmente en 1998, año en que Manolo García lanzó con bastante éxito “Arena En Los Bolsillos”. Lo de último concierto es un decir, porque tres décadas después el grupo ha vuelto a las tablas y está de gira. De hecho, tengo entrada para ir al concierto del 23 de mayo en Madrid, junto con mi amigo y dueño de este blog Víctor Prats. Veremos por dónde resoplan, pero las expectativas están altas.

Tampoco olvidemos “Desbarajuste Piramidal” (2023) una reinterpretación de veinticuatro canciones de la banda, en algunos casos cambiando ostensiblemente los arreglos. A decir verdad, no lo he escuchado demasiado.

Manolo García ha tenido una carrera de gran éxito, basado en un estilo inconfundible que en un importante porcentaje recuerda a El Último de la Fila. “Arena En Los Bolsillos” dejaba atrás las atmósferas de los últimos compases de El Último De La Fila y afilaba las guitarras y volvían los tonos aflamencados. Para botón de muestra de esto último recuérdese la famosa “Pájaros de barro”. “Nunca El Tiempo Es Perdido” (2001) fue otro gran éxito, de un estilo similar y canciones como la canción título o “Somos levedad”.

Y así siguieron “Para Que No Se Duerman Mis Sentidos” (2004), “Saldremos A La Lluvia” (2008)… Pocas objeciones se pueden poder a la carrera de Manolo García.

La carrera de Quimi Portet ha estado más en los márgenes, y alejada de la comercialidad. Mentiría si dijera que conozco bien su historial (igual sería cuestión de ponerse). Víctor Prats me enseñó en su momento un vídeo de “La rambla”, canción del disco “Hoquei Sobre Pedres” (1997), y no sonaba mal.

En fin, que es un buen momento para recordar la discografía de El Ultimo De La Fila, con una gira en ciernes, que hasta hace no tanto `parecía impensable y unas canciones realmente perdurables.

Texto: Mariano González.

Programa Golpes Bajos "Devocionario" (Temporada 17/ Programa 6)

2026-04-26T16:13:00.003+02:00

Era turno de rendir homenaje a una banda tan breve como magnífica del panorama pop español. De Golpes Bajos decidimos escoger su último disco "Devocionario" para acordarnos de su legado y también de paso, aunque hayan pasado varios años ya, hacer tributo póstumo a German Coppini.

La cita fue el pasado sábado 11 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Fue un diálogo musical entre Mariano González y Víctor Prats, el cual si no lo pudieron escuchar en su directo les dejamos el reproductor aquí mismo para su acceso y también a su alojamiento en Ivoox por si optan por su libre descarga: https://www.ivoox.com/dmr-17-6-golpes-bajos-devocionario-1985-audios-mp3_rf_172580211_1.html

Temporada 17/ Programa 7: Arcade Fire y "Everything Now" (2017)

2026-04-24T17:30:00.001+02:00

Llega el turno de volver a prestar atención al grupo canadiense Arcade Fire y lo vamos a hacer de la mano de uno de sus discos más discutidos, el "Everything Now" de 2017. Es un trabajo que, nuevamente a contracorriente, nos gusta y que intentaremos defender a lo largo del programa con nuestras opiniones.

En su día pudimos asistir a la gira de presentación del disco en Madrid y también comentaremos algo de aquella experiencia durante el programa. La cita será el sábado 25 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), tanto en la emisión online como en el dial 107.4FM si están cerca de Alcalá de Henares.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1944495422851423

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

The Cure - Japanese Whispers (1983)

2026-04-17T17:30:00.001+02:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

El disco que hoy analizamos es considerado por muchos como un recopilatorio de singles y sus caras “b” de 1983 de The Cure. Realmente yo siempre lo he considerado como un disco con entidad de lp de estudio. No nos encontramos ante singles editados en sucesivos años, sino en un trabajo que se concentra en unos meses, que suele ser el recorrido habitual de promoción de un disco al uso con sus lanzamientos como single. Además, el resultado de la suma de las 8 canciones tiene hasta su cierta coherencia, a pesar de que se exploran caminos musicales y sonidos bastante distintos.

Sea como sea, “Japanese Whispers” de 1983 es un trabajo al que le tengo mucho cariño y no es un disco baladí, ya que es una entrega editada en los días quizás más convulsos de The Cure. Tras el excesivo, en todos los sentidos, “Pornography” y su correspondiente gira, el trío que era The Cure se quedó en un dúo formado por Robert Smith y Lol Tolhurst tras la salida de Simon Gallup, la cual se produjo tras un enganchón entre Simon y Robert.

Robert se encontraba en una vorágine personal de vida nocturna, excesos y con la mente algo desconcentrada musicalmente, con otras aventuras paralelas como el proyecto de The Glove junto a Steve Severin, bajista de Siouxsie And The Banshees y como miembro oficial durante unos meses de la misma banda.

Por el lado de Lol, se produjo el de alguna manera degradado de posición pasando de ser el batería del grupo al teclista; Lol tampoco se encontraba en un momento demasiado centrado, con excesos de consumos iguales o mayores a los del propio Robert.

El grupo fue editando singles desde el otoño de 1982, y durante 1983, que se agruparon en este interesante “Japanese Whispers”. El giro al techno pop fue claro en varios momentos, pero también hay espacio para otros episodios no tan alejados del magistral, maldito e intenso “Pornography” editado poco tiempo atrás. Vamos con su contenido.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Let’s go to bed”: Sin contar lo de “Lament” para la revista “Flexipop”, esto fue lo primero que se escuchó de The Cure tras finalizar la escucha íntegra de “Pornography”. Hagan la prueba de escuchar “Pornography” de cabo a rabo y luego se ponen acto seguido esta canción; seguro que se preguntarán si estamos ante el mismo grupo. “Let’s go to bed” es una canción simpática, ingenua, techno pop e incluso “tonti-pop”, pero encantadora e irresistible. Un techno pop muy básico, con un videoclip grabado por Tim Pope (el primero del director con el grupo), con Robert y Lol haciendo los tontos a más no poder en un estudio que asemeja a una habitación con literas y otros elementos. Es una canción divertida, que comienza a explorar el territorio pop por parte de The Cure desde los primeros pasos de la banda, ya que a partir de 1980 y “Seventeen Seconds”, el grupo comenzó un paseo por la oscuridad que no dejó ver melodías coloridas como esta. No obstante, entiendo que a más de un seguidor este single le supusiera una patada en el estómago.

2. “The dream”: Con “The dream” pasamos a una canción igualmente de factura techno pop, pero con unas notas de teclado más psicodélicas y un Robert cantando en un tono más alto y agudo. Creo que el título del disco no va sin sentido, ya que en algunos momentos se aprecia cierto toque oriental (no sé si exactamente japonés) en los arreglos electrónicos. Buena canción, que funciona bien y con lógica tanto dentro del conjunto de la obra como en su orden de canciones.

3. “Just one kiss”: Sigo apreciando algún toque oriental en esta “Just one kiss”. No obstante, aquí el toque techno pop no es tan evidente, y quizás estemos ante una canción no tan alejada de capítulos precedentes, ya que es uno de los pasajes más oscuros del conjunto. Robert incluso canta en ciertos momentos con dolor y si se paran a pensar es una canción que no está tan lejos de “Charlotte sometimes”, aunque más acelerada y nerviosa en sus bases; un ejemplo de pop, pero de claros tintes oscuros, cosa que no se veía en las 2 primeras pistas.

4. “The upstairs room”: Más toques orientales veo yo en “The upstairs room”. Es una de las joyas ocultas del disco, a ratos mi preferida. Creo que la melodía tiene un ritmo fenomenal y acierta de pleno en varios aspectos tales como el estribillo. Techno pop bien aseado y quizás la canción más centrada de la obra en general.

5. “The walk”: Es cierto que “The walk” siempre ha tenido la lacra de los paralelismos melódicos con el “Blue monday” de New Order. No obstante, yo recomiendo que intenten dejar eso de lado y centrarse en esta canción. Tiene unos teclados bastante petarderos que se hacen acreedores de una de las melodías principales de la canción, pero que para nada funcionan mal, más bien al contrario. La historia es sencilla, narrando la experiencia de un paseo nocturno en compañía, con imágenes curiosas contadas por Robert. Más toques japoneses como ese momento de la letra que dice “te vi que te parecías a una niña japonesa”. Realmente es un mérito que “The walk” funcione tan bien sin un estribillo claro. Subió el éxito de “Let’s go to bed” y siguió apuntalando la vía de The Cure como creadores de efectivos singles pop. El videoclip dirigido nuevamente por Tim Pope, es un tremendo disparate. Lol Tolhurst, vestido a ratos de mujer y en otros haciendo trucos de magia, a ratos se parece brutalmente al Pedro Almodovar de aquellos días; de hecho, el teclista se podría haber permutado perfectamente por nuestro cineasta en cualquier actuación de Almodovar-McNamara de esa era. En el videoclip salen yendo y viniendo a la pantalla ábacos, muñecos de bebé y otros disparates, con una bañerita hinchable de bebés de por medio. Disparatado y cerebral como diría Suggs de Madness sobre su disco “Madness presents: The Rise And Fall” de meses atrás.

6. “Speak my language”: Quizás mi menos favorita del disco, que no quiere decir que no me guste, sea “Speak my language”. Es una canción un poco saltarina y de ritmo no evidente, que con un claro enfoque pop, supone, o al menos eso creo, una especie de ensayo de cara al logro que fue “The lovecats”. Tampoco está mal.

7. “Lament”: The Cure publicó un single para la revista “Flexipop” llamado “Lament”. Una canción de pesadilla, con Robert aullando más que cantando y con un enfoque realmente intenso y asfixiante. Para “Japanese Whispers” lo que hizo The Cure fue coger esa canción y hacerla para todos los públicos, si bien la letra tampoco narra una historia precisamente alegre. La toma de “Lament” para “Japanese Whispers” sigue siendo oscura y de hecho es el paisaje más intenso y sombrío de todos (deja a “Just one kiss” en un chiste), pero sin duda es más accesible que la toma original. Si me preguntan, yo me quedo con la versión de “Flexipop”. Podría decirse que la toma 1 es con el filtro “Pornography” y la toma 2 es con el filtro “Japanese Whispers”.

8. “The lovecats”: El disco acaba a lo grande con “The lovecats”. Un ejercicio pop absoluto, con un sonido charlestoniano que narra una historia de fantasía y color basada en “Los Aristogatos”, y donde el estribillo se basa principalmente en un tarareo realmente contagioso a cargo de Robert. El videoclip, con el grupo tocando en un salón de una casa, ya con Andy Anderson y Phil Thornalley como miembros oficiales en el mismo, es más sencillo y menos chorra (a pesar de algunas poses y movimientos puntuales) que los 2 anteriores, pero también creo que es un buen trabajo del visionario Tim Pope. Otra de mis favoritas del disco y recuerdo que la escuché por primera vez en un recopilatorio de los años 80 que se editó por 1997 cuando me puse a catar ese artículo en los reproductores de discos que existían por entonces en el Alcampo del Parque Corredor de Torrejón de Ardoz (¡qué tiempos!...).

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

El periodo que transcurre entre el final de la promoción de “Pornography” (comienzos del verano de 1982) y el final de la promoción de “The Top” (finales de 1984), creo que es uno de los periodos más interesantes y menos valorados de la historia de The Cure. Resulta interesante por el difícil proceso personal que atravesó el líder del proyecto, Robert Smith. Robert vivía en el exceso, de consumos, de actividad musical y de casi todo. El grupo dio bandazos y se movía de forma bipolar en sus entregas, cosa que se puede ver en el disco hoy analizado y en el siguiente “The Top”. Realmente y a partir de entonces, serán muchos los discos de The Cure donde haya espacio para canciones diametralmente opuestas, pero el eclecticismo que se aprecia en “The Head On The Door” o en “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me” está mejor ecualizado que en las entregas de 1983 y 1984.

A pesar de todo, para mí es un periodo entrañable y realmente interesante. Es una época llena de frescura, pero es cierto que en las canciones se aprecia también el desenfreno que llevaba Robert encima aquellos días.

“Japanese Whispers” o mejor dicho, los singles que forman parte del mismo, no funcionaron nada mal. “Let’s go to bed” quizás no funcionó tan bien, pero “The walk” y “The lovecats” remontaron el vuelo. Como ya hemos comentado, ya en los meses de estos singles se fueron sumando Andy Anderson a la batería y Phil Thornalley al bajo. El siguiente disco sería “The Top”, trabajo que aquí defendemos, pero que fue un patinazo gordo en su momento para el grupo.

“Japanese Whispers” es el resultado de un trabajo de meses de la banda que muestra de qué manera se movía una formación en una época muy convulsa de su historia. Su portada tan encantadora con esos angelitos pensativos, no sé hasta qué punto puede representar lo que suponen las 8 canciones que lo forman, pero tampoco deja de ser algo icónico dentro de la obra de The Cure. Le tengo mucho cariño a este trabajo y siempre es un placer escucharlo y disfrutar de su techno pop general y los apuntes de oscuridad que también reporta.

Programa Extremoduro "Agila" (Temporada 17/ Programa 5)

2026-04-12T19:01:00.004+02:00

Era de justicia rendir tributo a Robe Iniesta tras su pérdida hace unos meses. Mi buen amigo Rubén Herráez, gran seguidor del grupo, fue quien me tiró la idea y como Mariano González había analizado ya hace tiempo "Agila", la ocasión era clara.

Al final Rubén Herráez también debutó como colaborador o tertuliano de "DMR", sumándose a la ya larga lista que durante estas 17 temporadas han prestado su voz e ideas a nuestros coloquios y se sumó a Mariano González y Víctor Prats.

El programa se llevó a cabo el pasado 14 de marzo de 2026 a las 16.00h en directo en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Si no lo escucharon en su momento, les insertamos aquí el reproductor para su escucha y también les dejamos link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si lo prefieren: https://www.ivoox.com/dmr-17-5-extremoduro-agila-1996-audios-mp3_rf_171750817_1.html

Temporada 17/ Programa 6: Golpes Bajos y “Devocionario” (1985)

2026-04-10T17:30:00.008+02:00

Llega el momento de rendir tributo a una breve pero valorada banda nacional, Golpes Bajos. Servirá también el programa de este sábado 11 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) como homenaje póstumo a German Coppini, el cual nos dejó hace ya bastante tiempo (ha pasado ya más de una década; parece mentira).

Hemos escogido el que fuera su último disco, el más que notable “Devocionario” de 1985. Un trabajo plagado de buenas canciones y que para nada daba pistas de que sería el último disco de la banda antes de su separación. Les esperamos este sábado, no nos falten.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1607019670409025

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

DMR cierra por vacaciones de Semana Santa 2026

2026-03-27T17:30:00.001+01:00

Nada nuevo con respecto a nuestra costumbre. Paramos un par de semanitas para coger fuerzas para afrontar el tramo final de la temporada 17 de radio y el resto de actividad hasta mediados de junio. Además, hay que prestar atención a la familia y a otros quehaceres durante estos días. Que ustedes lo disfruten también.

Soft Cell - The Art Of Falling Apart (1984)

2026-03-20T17:30:00.001+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

No es la primera vez que pasa Soft Cell por este espacio dedicado a música de todo tipo. Ya analizamos su grandioso debut “Non-Stop Erotic Cabaret” (1981), así como su último álbum “Happynness Not Included” (2022) que vino a raíz de una segunda reunión del dúo.

El repaso del segundo álbum de Ball y Almond me parece algo obligado y siempre lo tuve en mente por la importancia que tiene en la carrera de la banda. Sin embargo, la tristísima noticia de la muerte de Dave Ball ha hecho que desempolvara los apuntes que tenía sobre este segundo disco y me pusiera a la tarea de ordenar todas esas ideas para dar forma a un repaso canción por canción de un álbum que cambiara completamente la trayectoria de Soft Cell, siendo uno de los discos más importantes de los 80 y que finalmente puso un rumbo claro a la disolución que se produciría en 1984.

Ya solo titular un álbum “The Art Of Falling Apart” nos dice mucho sobre lo conscientes que eran respecto al precio a pagar por este cambio de dirección que se proponían hacer.

Poniéndonos en contexto, Soft Cell estaban viviendo un momento de éxito total y absoluto, entre 1981 y 1982 habían colocado cinco singles en top 5 británico. Tras el archiconocido “Tainted love” llegaron esa vuelta de tuerca de las miserias cotidianas que fue “Bedsitter”, la balada electrónica “Say hello wave goodbye” que hoy en día es un clásico imperecedero, la poderosa “Torch” que a punto estuvo de darles otro número 1 quedándose en el numero 2 británico y que no está incluida en ningún álbum de estudio del grupo y para finalizar una versión de un clásico del northern soul que fue “What!” que sería otro éxito masivo.

En 1982, aprovechando el momento de fama, lanzan un álbum de remezclas titulado “Non-stop Ecstatic Dancing” con seis temas entre los que se encontraba el ultimo single “What!”. Un álbum de remixes bastante innovador para la época y que optaba por las elecciones menos obvias como temas para remezclar, así encontramos por ejemplo una muy destacable remezcla del single “Memorabila”, que es quizás la mejor versión del tema.

Sin embargo, después de esta primera etapa, el dúo tenía otras intenciones musicales y pretendían dar giro más que notable a su música que lo iba a llevar a territorios mucho más oscuros a los que nos tenían acostumbrados.

No nos entretengamos más y pasemos al análisis de este álbum que ya podemos considerar clásico.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Forever the same”: El álbum comienza con tema bastante contundente que tiene como protagonista a un joven frustrado cuyo presente y futuro se antoja bastante negro, y cuya vida es una repetición de acciones que solo le llevan a la insatisfacción, desde luego un tema que no ha pasado para nada de moda. Esta canción tiene una base muy potente donde unas siniestras trompetas tienen un papel principal contribuyendo a crear una atmosfera desapacible que contrasta claramente con otras composiciones más pop del pasado. Aquí la combinación creada por Dave Ball de sintetizadores y metales crean 5 minutos de una perfecta banda sonora para la historia que nos quiere contar Almond.

2. “Where the heart is”: Fue el single de presentación del álbum y si bien posee un riff de sintetizador bastante pegadizo y con pretensiones orquestales, su letra sobre un muchacho que tiene que convivir con una familia disfuncional no era la mejor carta de presentación para tener un single de éxito. En todo caso se trata de una gran canción que ha quedado como uno de los grandes momentos de la banda. El single estuvo respaldado por un sencillo video clip realizado por Tim Pope que tampoco ayudaría mucho. Con todo llego al número 21 de la lista de singles del Reino Unido que, aunque no era un mal resultado quedaba muy lejos de los éxitos anteriores.

3. “Numbers”: Como segundo single, y en un claro caso de suicidio comercial eligieron esta canción con ritmo irregular, pocas partes melódicas y sonidos de sintetizador bastante experimentales que trata sobre una persona tremendamente promiscua que viene a tratar a sus parejas sexuales como si fueran kleenex, la letra es bastante dura y es una especie de conversación entre Almond y el protagonista de esta historia que va contando el número de personas con las que tiene sexo, terminando por convertirse el mismo en un numero para otros. El tema era ciertamente polémico, más aún en un año 1983 donde la crisis del VIH/SIDA estaba empezando a hacer estragos. Una curiosa historia ocurriría en relación con la publicación de este single. La discográfica Phonogram tenía tan pocas expectativas de ventas que no se le ocurrió otra cosa que regalar una copia de “tainted love” con cada copia de “Numbers”. Al enterarse de la maniobra comercial Marc Almond y su manager Stevo asaltaron las dependencias de la discográfica en Londres destruyendo parte del mobiliario que incluía discos de oro y platino de diversos artistas. En el videoclip del single “Soul inside” publicado a finales del 83 se reían de este acontecimiento recreando la escena de la destrucción acontecida en Phonogram. Finalmente, las famosas copias de regalo fueron retiradas A pesar de todo “Numbers” alcanzaría la posición 25 en UK.

4. “Heat”: El ambiente oscuro y decadente continua en el siguiente tema, aunque más melódica me “Numbers” los sintetizadores de Ball consiguen construir una atmosfera bastante lugubre y hasta cierto punto siniestra, lo cual cuadra perfectamente con una letra que vuelve a explorar el sexo de usar y tirar, así como la decadencia física y mental, en seis minutos de intensidad electrónica. Es realmente destacable la pasión que aporta Almond en su interpretación, dejando claro que estaba avanzando notablemente como cantante.

5. “Kitchen sink drama”: Podemos decir que en este segundo álbum de Soft Cell hay un par de temas más amables que conectan hasta cierto punto con su álbum de debut, este sería uno de ellos. Marc Almond se estaba convirtiendo en un excelente narrador de historias y aquí nos relata la vida de una clásica ama de casa que lleva una vida totalmente aburrida y predecible pero que cada vez que viene el joven repartidor de periódicos fantasea con tener una historia con él, de hecho, el titulo primigenio de la canción era “Fantasy”. Dave Ball por su parte hace un excelente trabajo con la melodía de piano y sobre todo con esos poderosos toques orquestales que envuelven toda la canción. De alguna forma actúa como toque simpático entre tantas canciones sobre personalidades atormentadas.

6. “Baby doll”: Quizás el tema más oscuro y retorcido del disco con una introducción instrumental que ya va avisando con su carácter minimalista y los juegos con detalles corales pero utilizados de manera que contribuyen notablemente al sonido sórdido de la canción. Sonido que se hace más agresivo cuando Almond nos cuenta la terrible historia de una bailarina de striptease que tiene que recurrir a la prostitución con algunos clientes para poder salir adelante. Sin duda un tema muy crudo y sin adornos, donde Soft Cell vuelven a arriesgar. Baby doll es todo un triunfo y uno de los favoritos de los fans del grupo. Una canción tan dura que el propio Almond reconoce que es complicada de interpretar.

7. “Loving you hating me”: En mi opinión es la canción más comercial del álbum, y eso a pesar de la temática sadomasoquista de la misma. Es un ejemplo de lo que hacían en el primer álbum, tratar temas complicados o sórdidos pero que envueltos en amables sintetizadores pasaban el filtro del gran público. Tiene una melodía muy pegadiza y la novedad de un pequeño punteo de guitarra en el puente de la canción que queda cuanto menos curioso. Este tema fue single en USA pero no en UK, suponemos que después del fiasco de “numbers” la discográfica tenía pocas ganas de más singles, una pena pues tenía un gran potencial para darle al álbum el gran hit que no tendría.

8. “The art of falling apart”: El tema que da título al álbum tiene un estribillo de esos que se quedan a la primera y aun así no es para nada un tema comercial. Volvemos a los ambientes sórdidos y oscuros, una constante en casi todo el álbum. Nos encontramos ante una canción muy dura que trata sobre la autodestrucción de una persona, quizás el propio Almond que no llevaba una vida demasiado sana en esos tiempos. Por un lado, nos describe su decadencia física y mental y por otro es una salvaje celebración de su propia autodestrucción que podemos comprobar en la frase “My friends say I'm dying but I do it so well. Dave Ball consigue la banda sonora perfecta añadiendo una serie de sonidos propios de un film de terror, que combinados con la apabullante base electrónica que opera en el estribillo crea uno de los temas más memorables del dúo, aunque no apto para adolescentes, no vaya a hacer que hicieran locuras. De esta forma acaba el álbum original que son solo 8 temas, pero de una duración similar a su primer álbum. En el Reino Unido y USA con las primeras copias del álbum se regalaba un maxi que incluía el tema “Martin” y una serie de versiones de Jimmy Hendrix bajo el título “Hendrix Medley. Estos curiosos temas fueron añadidos sistemáticamente a todas las reediciones en CD de este álbum, de tal manera que para muchos forman parte del álbum propiamente dicho, aunque esto no sea así. Dada la importancia de estos temas extra haremos un pequeño repaso:

9. “Martin”: Parece que Soft Cell le cogieron el gusto a las películas de terror porque Martin es un homenaje al film del mismo nombre realizado por George A. Romero. Almond nos cuenta la historia de Martin, una persona enferma que se cree un vampiro y escucha voces que le incitan a matar. El tema está dividido en dos partes, una primera donde Almond nos cuenta la historia ayudado por un Ball que aporta una base electrónica ciertamente tenebrosa, aunque también bastante bailable, a la que se añaden golpes orquestales muy cinematográficos que recuerdan a las bandas sonoras de John Barry para James Bond. De hecho, Ball siempre se confesó fan de este compositor. La segunda parte es mayormente instrumental y combina voces fantasmagóricas con unas inquietantes percusiones. Al final el tema se va a los diez minutos que en ningún momento se hacen largos.

10. “Hendrix medley”: Este curioso medley está formado por los temas “Hey Joe”, “Purple haze” y Voodoo child”, que están bastante bien ensamblados y que al final todo el medley supera los diez minutos. Las versiones son bastante creativas sustituyendo riffs de guitarra por riffs de sintetizador, jugando con las bases de percusión y añadiendo algún que otro sonido inesperado. Para nada suena artificial, el tratamiento es bastante orgánico si bien el instrumento principal es el sintetizador. Curiosamente sería bien recibido por los fans de Hendrix que, hartos de las mil versiones que se habían hecho de las canciones del famoso interprete y guitarrista, reconocían que al menos Soft Cell habían intentado algo diferente. Por el contrario, para la mayoría de los fans de Soft Cell, este medley era considerado poco menos que una extravagancia sin sentido.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

“The Art Of Falling Apart” fue un disco arriesgadísimo en un momento donde el dúo podría haberse limitado a repetir la fórmula de su primer álbum y singles de éxito pero decidieron que tenían mucho más que decir, en cierto sentido les hizo crecer mucho como grupo, Dave Ball nos ofrecía ambiciosas atmosferas, casi cinematográficas mientras que Marc Almond además de progresar como cantante, se estaba convirtiendo en un excelente contador de historias de los bajos fondos, bien atento a la sociedad en la que vivía para sacarle todo su jugo a las contradicciones.

¿Es este álbum superior a su debut? No sabría decirlo, cada uno es magnífico en su campo. En este segundo álbum decidieron dejar atrás las melodías amables que envolvían los dramas cotidianos de su debut para hacer esta vez, algo mucho más crudo, de alguna forma se quitaron la máscara y el resultado fue apabullante, cierto que muchos los abandonaron, pero también que se ganaron completamente a la crítica y atrajeron a un público más interesado en los sonidos más oscuros y contundentes.

El disco, a pesar de no contener un single ni de lejos tan exitoso como los primeros, se vendió muy bien gracias a las críticas y a una gira que realmente era la primera propiamente dicha del grupo pues, aunque parezca mentira hasta entonces no habían hecho nada en este sentido verdaderamente organizado, sino conciertos esporádicos muy descontrolados fruto más bien de la locura de su manager Stevo y de la aptitud punk del dúo. Con todo, esta gira también tuvo sus momentos caóticos como su paso por España. En esa época se negaban a tocar “Tainted love” provocando el enfado del público, pero es que lo cierto es que acabaron saturados de esta canción.

Si bien el resultado comercial no fue malo llegando al número 5 en el Reino Unido y siendo disco de oro, sí que quedo bastante alejado de las ventas de “Non-Stop Erotic Cabaret”. Poco parecía importarles, habían conseguido la credibilidad buscada y hoy en día “The Art Of Falling Apart” es reivindicado como un álbum clave de los años 80. Un álbum que fue dificilísimo de grabar por la gran presión que sufría el grupo por parte de la discográfica además de sus propias adicciones. En el estudio la lucha estuvo entre David Ball y el productor Mike Thorne, este último buscando un sonido más limpio, al final esta disputa produciría un resultado excelente. Después llegaría el casi completamente anticomercial y punk “This Last Night In Sodom” (1984) donde despedirían la llamada etapa clásica del grupo tomando cada miembro caminos diferentes que se cruzarían con el tiempo.

Recientemente se ha reeditado este disco en una edición de superlujo que incluye 6 Cds con un montón de rarezas, edición en la que Dave Ball estuvo totalmente involucrado. En los últimos tiempos y ante sus gravísimos problemas de salud Dave se dedicó por un lado al catálogo del grupo y por otro a un nuevo álbum de Soft Cell “Danceteria” que fue completado poco antes de fallecer y que verá la luz en este año a no mucho tardar y será, esta vez sí, el último álbum de Soft Cell.

Sirva este articulo como homenaje a este genio de los sintetizadores que nos ha dejado demasiado pronto.

Texto: Alfredo Morales.

Programa ABC "Up" (Temporada 17/ Programa 4)

2026-03-15T22:28:00.002+01:00

El pasado 28 de febrero de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) dedicamos el programa al 5º trabajo de estudio del ya por entonces dúo formado por Martin Fry y Mark White.

Fue nuestro primer programa tras un parón navideño mucho más largo de lo habitual, motivado por las mejoras implementadas en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Creemos que fue un interesante programa con el que pusimos en valía un disco que merece mucho la pena, aunque en su día supuso y gran fiasco comercial y en resultados a ABC.

El programa no contó con redifusiones posteriores, con lo que les recomendamos que escuchen aquí mismo el programa o vayan a su enlace en Ivoox para proceder a su descarga y escucharlo cuando y como lo deseen: https://www.ivoox.com/dmr-17-4-abc-up-1989-audios-mp3_rf_170156389_1.html

Temporada 17/ Programa 5: Extremoduro y “Agila” (1996)

2026-03-13T17:30:00.007+01:00

Robe Iniesta se nos fue hace unos meses. No estaba personalmente al corriente de su estado de salud y la verdad es que la noticia me pilló totalmente por sorpresa. Sin duda, la de Robe es una pérdida muy importante dentro de la música española. Por ello, hemos considerado en “DMR”, además por idea de mi amigo Rubén Herráez (fan de Robe y Extremoduro, rendir tributo a su figura.

Lo haremos de la mano de uno de sus discos más relevantes al frente de Extremoduro. “Agila” en 1996 les permitió dar un salto de relevancia y hacerse más notables para un público más amplio.

La cita es este sábado 14 de marzo de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Les esperamos, no nos fallen, háganlo por la memoria de Robe.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1249924473355631

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

Madonna - Ray Of Light (1998)

2026-03-06T17:30:00.009+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Hubo una época en que a Madonna se le atribuía siempre la cualidad de la reinvención. A poco que vivieran los 90 recordarán que aquello de “Madonna se reinventa” era una muletilla bastante usual. Casi al nivel de “Los Rolling Stones son incombustibles”. Algo había de cierto en ello, quizá no en las dosis suficientes como para convertirlo en dogma, pero sí que hubo algo. Madonna comenzó fuerte la década de los 90, si incluimos 1990 en dicha década, con el gran éxito de “Vogue”. Todo esto, no lo olvidemos tras el terremoto de “Like A Prayer” (1989).

“Erótica” (1992) fue un disco a caballo entre lo tórrido y lo polémico. Letras de alto voltaje y la edición de forma simultánea de un libro llamado “Sex” que ya pueden suponer que no eran cuentos infantiles, crearon una notoria polémica. Ahí quedaron canciones como ”Deeper and deeper” o la canción título. “Bedtime Stories” (1994) era un disco, sobre todo en lo conceptual, más recatado, pero con signos de búsqueda de nuevos sonidos. Por ejemplo, en la canción título contó con la colaboración, en la composición, de Björk y de gente vinculada con el trip hop como Marius de Vries y Nellee Hooper. En España nos tocó de cerca el single “Take a bow”, por su videoclip rodado en Antequera y su tono taurino.

Otro giro de orientación fue “Something To Remember” (1995) una recopilación de baladas, con unas cuantas que habían aparecido en películas, y que pretendía alejarse algo de la imagen algo sexualizada de anteriores obras. El primer single fue una canción nueva: “You’ll See” y dejó cosas interesantes como la colaboración con Massive Attack para hacer una versión de “I want you” de Marvin Gaye.

Podemos considerar un cambio de tercio total que su siguiente proyecto musical fue cantar en la banda sonora de “Evita” (1996), la película del gran Alan Parker. No fueron pocos los que desconfiaron de las dotes musicales de Madonna para afrontar vocalmente un musical. Consciente de ello Madonna tomó clases de canto y cumplió solventemente con papel de Eva Perón.

Lo que nos ocupa en este artículo es la siguiente referencia: “Ray Of Light” (1998). Madonna, que siempre ha tenido buen olfato para acompañarse de la gente adecuada, contó con la producción de William Orbit. Esto significó una música más basada en atmósferas y ambientes, arreglos sutiles y una mezcolanza de estilos electrónico: house, new age, ambient, trip hop…Las letras y algunos detalles tienen tendencia hacia la mística, cosa que no es de extrañar, pues Madonna estaba fascinada con la Cábala, el hinduismo y el budismo, etc.

Para los estándares de Madonna incluso se puede hablar de disco “experimental”, pero tampoco esperen cantidades masivas de vanguardia, más bien una obra de sonido misterioso, introspectivo e hipnótico. Todo ello sin olvidar que la materia prima es el pop. El disco funcionó de maravilla; fue número uno en diecisiete países y habrá vendido alrededor de dieciséis millones de discos. Con semejantes expectativas lo mejor es pasar ya a analizar la obra.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Drowned world/Substitute for love”: El cambio en la dirección del sonido de Madonna se presenta ya de inicio. No es una intro contundente, épica o que sea una patada en la puerta. Al contrario, es una balada ambient, de sutiles bases electrónicas y semejanzas al trip hop. Madonna canta con suavidad, con una candencia acariciante. No es que sea canción usada como introducción, es una señora canción de más de cinco minutos de arreglos ambientales. Y además es bastante bonita. Fue tercer single. En el vídeo Madonna va sorteando agobiada paparazzis hasta llegar a casa y abrazar a su hija. La idea a transmitir es un cambio en el paradigma de celebridad que la cantante estaba buscando. Como refrendo al final de la canción Madonna canta” he cambiado de parecer, esta es mi religión”. También es de notar el impacto del nacimiento de su hija en octubre de 1996. “El mundo sumergido” al que alude el título es una mención a la novela postapocalíptica de J.G. Ballard del mismo nombre Empezamos bastante bien.

2. “Swim”: Más movida es esta canción, que se inicia incluso con algunos acordes de guitarra eléctrica. Y en efecto es un medio tiempo con cierto sentido del ritmo, pero todavía basada en bases electrónicas sutiles. La línea vocal es sobria, pero melodiosa y accesible. Una canción misteriosa, amable y hecha y producida con gusto.

3. “Ray of light”: Y esto, damas y caballeros, es un temazo, un pepino de canción, un hit incontestable. Es un manual de cómo hacer una canción dance de fuertes bases y beats incluyendo un sofisticado toque hipnótico de misterio. Parece como si fuera una canción dirigida tanto a la pista de baile como a la mente. Todo está en su sitio, incluso los leves acordes de guitarra eléctrica hacen su función. Fue segundo single del disco. Su vídeo musical es bastante conocido y amalgama a toda velocidad imágenes cotidianas de varias ciudades del mundo, dando la sensación de estrés moderno. También vemos a Madonna bailar. El tema esencial de la letra es la libertad, conseguida a través de mirar al mundo con diferentes ojos.

4. “Candy perfume girl”: Bajamos un poco las revoluciones con un medio tiempo brioso, pero con unos detalles de guitarras al estilo del rock alternativo de los 90 que sobre todo se notan en el cambio de ritmo hacia el final de la canción, momento en el cual suenan varias distorsiones, Las bases siguen siendo electrónicas, de tal modo que casi podríamos hablar de ¿techno-rock? En cualquier caso, Madonna suena más desafiante que en anteriores canciones. No es de lo más destacado, pero no suena mal.

5. “Skin”: La canción más larga del disco, con más de seis minutos. Hay aspectos del disco que podemos ir destacando. Como el hecho de que la voz de Madonna adopta un tono más bajo que en la mayoría de los discos de su obra hasta entonces. Esto viene bien para canciones como ésta, misteriosa, estilizada, de bases obsesivas y algo oscura. Una canción que, por sus bases, totalmente electrónicas, entra dentro del dance, pero lo adereza con un buen sentido de la atmósfera. Aunque se extienda quizá un poco más de la cuenta, es una de las joyas ocultas del disco.

6. “Nothing really matters”: Empieza como una canción ambiente, pero pronto se convierte en el momento más lúdico del disco. Vendría a ser como una especie de funk electrónico, sencillo y pegadizo, con aportaciones de gran parte de los músicos de los que se hizo acompañar Madonna durante la grabación de “Ray Of Light”: Marius De Vries, William Orbit y Pactrick Leonard. Fue el último single del disco, allá por febrero de 1999. El vídeo musical tenía aires orientales y Madonna lucía bien con un kimono rojo diseñado por Jean Paul Gaultier.

7. “Sky fits heaven”: Vuelve la mezcla de ambient con potentes beats. Es una electrónica que recuerda a “Skin”, aunque con un estribillo menos ensimismado y más épico. Y este toque entre el baile y la hipnosis es lo que le da ese toque tan particular y acertado a este disco. A eso de los tres minutos se insertnr unas guitarras distorsionadas que casi suenan a música industrial, aunque accesible. Me gusta el toque de la canción. Otra joya oculta más- Parte de la letra se inspiró en un escrito del poeta británico Max Bragg.

8. “Shanti/Ashtanghi”: Todos los intereses de Madonna en el hinduismo el budismo y el yoga convergen en esta canción. Partiendo del hecho de que la letra está en sánscrito y está sacada de una oración que se recita antes del yoga, la música coherentemente suena a oriental. Todo ello mezclado, eso sí, con unas reptantes bases electrónicas que van ‘progresando durante la canción. Sí que parece algo así como una letanía, y la melodía vocal de Madonna a medio camino entre lo recitado y lo cantado. El caso es que, aunque suena más o menos mística, la canción por momentos es incluso juguetona.

9. “Frozen”: Me encanta esta canción. Digamos que, si tuviera que hacer una recopilación de 20 o 25 canciones favoritas de los 90, “Frozen” podría estar en ella. Es una afortunadísima muestra de arreglos clásicos de cuerda, sonidos electrónicos atmosféricos, y Madonna cantando de una manera extrañamente sugerente, Los canturreos que dan pie al estribillo son un detalle leve, pero estupendo. Flirtea magistralmente con la electrónica downtempo,el trip hop y los suntuosos arreglos orquestales. El vídeo es también una baza ganadora. Dirigido por Chris Cunningham, tiene atmósfera oscura, casi gótica, pareciendo la propia Madonna una especie de bruja, No sé si viene mucho a cuento decirlo, pero la Madonna de moreno me parece particularmente sexy. El single, allá por febrero de 1998, fue todo un éxito, siendo la carta de presentación de “Ray OF Light”. Que hayan pasado ya 28 años me deprime un poco.

10. “The power of goodbye”: Esta canción es, podríamos decir, el momento melancólico más químicamente puro de la obra. Lo es de forma honesta, causando una genuina sensación de tristeza. Puede que se un tanto obvia, pero es eficiente para lo que se propone, y la producción es más bien electroacústica combinando arreglo de cuerda, guitarras acústicas, y en menor grado de eléctrica, y las consabidas bases electrónicas. Lo más destacable, no obstante, creo que es la bonita melodía vocal de Madonna. Fue cuarto single. En Reino Unido fue una doble cara A junto con “Little star”, de la que ya hablaremos.

11. “To have and not to hold”: Entramos en la parte final del disco, conformada por tres canciones etéreas, flirteando mucho con el ambient y basadas en atmósfera suaves y ensoñadoras. Esta canción sigue los cánones de una balada, pero con arreglos y una ejecución tan introspectiva, que te deja pensando más que conmovido. Los toquecillos ambientales de sintetizador son deliciosos y evocadores. Canción para escuchar a oscuras o a media luz.

12. “Little star”: Podríamos definir esta canción como una nana ambient donde todo es etéreo y al mismo tiempo tiene una ternura naif encantadora. Bonita de una forma distinta a lo usual, pues, aunque sea muy leve en sus formas te quedarías escuchándola un rato más. Suena a nana porque líricamente está atada a Lourdes Leon, la hija de Madonna (“nunca olvides quién eres, pequeña estrella). Como decíamos anteriormente fue doble cara A en Reino Unido, junto con “The power of goodbye”.

13. “Mer girl”: Esto sí que es ambient puro y duro, matizado por la línea vocal de Madonna, que siendo suave la mayor parte del tiempo, a veces cobra más vigor, Instrumentalmente bastan unos leves y atmosféricos toques de sintetizador. Siendo Madonna un ejemplo de pop efervescente, es peculiar el cierre de disco con esta seguidilla de canciones bordeando a veces lo new age.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Si me preguntan, “Ray Of Light” podría ser mi disco favorito de Madonna. Sí, es verdad que fue una reinvención en forma y fondo. De un lado abrazando estilos musicales poco obvios y con un origen apartado del mainstream para dar lugar a un disco que, de todos modos, es perfectamente disfrutable por cualquier oyente medio. Del otro lado, Madonna, se interna en temáticas más introspectivas y espirituales, con arreglos evocadores y etéreos. El experimento fue bienvenido y fue un disco exitoso.

Podemos hablar de canciones sueltas que llegaron poco después de “Ray Of Light”. Por ejemplo “Beautiful stranger”, como parte de la banda sonora de “Austin Powers: La Espía Que Me Achuchó”, con un rollo sesentero que no sonaba mal. Yo la tengo asociada, apunte viejuno, a los días de C.O.U. y Selectividad. Otra canción suelta fue la versión de “American pie” de Don Mclean, y también fue para una película: “Algo Casi Perfecto” (2000), que estaba protagonizada por Madonna. Lo de Madonna y el cine lo dejamos para otro día, pero si lo que más se recuerda es la canción (que dicho sea de paso cercena cuatro minutos de la original) imaginen cómo será la película.

Más avanzado el 2000 llegaría “Music”, muy influenciado nuevamente por la electrónica, pero con unos fundamentos estilísticos y estéticos más kitsch y petardos (no en el mal sentido). Para ello reclutó al productor y músico suizo Mirwais, quien poco antes había tenido fortuna con “Disco science”. La canción título fue éxito, y algunas como “Don`t tell me” también sonaros bastante”. Ojo a “What it feels for a girl” en su version single, no de disco, porque es una macarrada importante, acompañada además por un vídeo musical de Guy Ritchie, que por entonces era pareja suya.

En 2002 llegó otra canción para una película: “Die another day”, como tema principal de la película de James Bond del mismo nombre; la última de Pierce Brosnan como 007. Generalmente bien recibida, Menos éxito tuvo su disco “American Life” (2003), líricamente muy marcado por el 11 S, la guerra de Irak y la administración Bush. La crítica fue bastante negativa con la canción título, y los singles posteriores no tuvieron mucho alcance. Así con todo, me gustó “Love profussion” , el último de los sencillos, que es una golosina pop.

Un par de años después Madonna volvería con otro pelotazo. Y es que el disco “Confessio on a dance floor” (2005), traía consigo “Hung up” que con su sampling de Abba y su infecciosa melodía vocal se convirtió en un gran éxito. El álbum en sí, era un homenaje a la música disco, pasada por el filtro del siglo XXI. “Sorry”, el segundo single, también tuvo bastante repercusión.

Tras publicar material en directo, en 2008 llegó “Hard Candy”, con refuerzos como Justin Timberlake y Timbaland. No se puede decir que fuera mal recibido. De hecho, fue número 1 en 20 países, pero la crítica fue más divisiva. A mí personalmente “4 minutes”, p.ej, no me dice gran cosa. En 2009 llegó su recopilatorio “Celebration”, y otro disco en directo. A partir de aquí estrictamente hablando solo hay tres L.P: “MDNA” (2012), cuyo single principal “Give me all your loving” no me gusto casi nada, “Rebel Heart” (2015) y “Madame X” (2019) influenciado por la música latina y que prácticamente no conozco, Lo demás son directos, remezclas y E.Ps.

Madonna reinventándose, o adaptándose, ha ido resistiendo los años. Y ha tenido que competir con artistas, más o menos, herederas suyas. A principios de los 2000 podrían ser Britney Spears y Christina Aguilera. Una década después Lady Gaga o Katy Perry, y ciertamente de unos años a esta parte Madonna no es el evento, por así decirlo, de antes, pero su legado y hoja de servicios es muy extensa y significativa.

Texto: Mariano González.

Programa The Cure "Songs Of A Lost World" (Temporada 17/ Programa 3)

2026-02-28T19:33:00.003+01:00

El pasado 6 de diciembre de 2025 llevamos a cabo un interesante debate radiofónico sobre el hasta la fecha último disco de estudio de la banda liderada por Robert Smith. Llevaban 16 años sin editar nuevo material. Y la espera mereció la pena.

El programa se emitió en directo en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) a las 16.00h en la fecha citada. Fuimos 3 las voces encargadas de poner en mucha valía este disco de estudio: Carlos Caballero (vía telemática), Mariano González y Víctor Prats.

Por si no pudieron escuchar el directo en el dial indicado ni las redifusiones posteriores en la misma frecuencia, aquí les insertamos el reproductor para su escucha directa y también les dejamos el link de su alojamiento en Ivoox para su descarga totalmente libre si así lo desean: https://www.ivoox.com/dmr-17-3-the-cure-songs-of-a-audios-mp3_rf_169271927_1.html

Realización programa ABC “Up”

2026-02-27T17:30:00.001+01:00

Al fin, parece ser que, salvo imprevisto, este sábado 28 de febrero de 2026 llevaremos a cabo la realización del programa dedicado al disco “Up” de ABC. La fecha prevista para su realización era el 20 de diciembre de 2025, pero las mejoras en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) nos obligaron a su aplazamiento hasta en 3 ocasiones.

Finalmente este sábado podremos llevarlo a cabo y así de paso recuperar también la actividad de nuestra 17ª temporada de radio. Les esperamos.

Recordando canciones: Spandau Ballet - With the pride (Parade, 1984)

2026-02-20T17:30:00.001+01:00

Llevaba tiempo pensando en hacer algún tipo de artículo diferente a los habituales que hay en el blog, que principalmente son las revisiones de disco tema a tema (el origen del blog), las crónicas de concierto, los post relativos a nuestros programas de radio y los artículos de balance, aniversarios o informativos por cierre de vacaciones.

Ahora, de cuando en cuando, y porque un artículo de revisión tema a tema no se crean ustedes que es fácil de elaborar, habrá espacio para ir más al detalle y recordar canciones puntualmente dentro de discos que hayamos podido revisar ya o no. Serán pequeños artículo, que básicamente buscarán poner en valía la canción y que, espero, provoque en ustedes las ganas de ir a escucharla a cualquier sitio o plataforma de forma inmediata.

Comenzamos, creo que a lo grande, con una canción que no fue single, lo cual es muy nuestro, con lo que es muy necesario un post como este para reivindicarla. Que su autor, Gary Kemp, compositor del 99,99% del material de Spandau Ballet la cite como su preferida en alguna entrevista, no es algo que podamos pasar por alto.

“With the pride” tiene hermanas mayores de lp como “Only when you leave” o “I’ll fly for you” que a efectos promocionales en su día la eclipsaron totalmente. Es cierto también decir que en las últimas giras de reunión del grupo, e incluso ya en la gira del siguiente disco “Through The Barricades”, el grupo la interpretó de forma más desnuda y acústica, ofreciendo una toma también realmente buena. No obstante, yo voy a poner en valía principalmente la toma de estudio, la que forma parte propiamente de “Parade”.

Considero que es quizás la canción más elegante de Spandau Ballet, lo cual ya es mucho decir. El solo de saxofón de Steve Norman a mitad de la pista es fabuloso, Tony Hadley modula su intensidad y entrega al micrófono de forma muy acertada, alternando calidez con entrega pasional cuando toca, e incluso el perfil bajo del compás de John Kebble en la batería, bien acompasado por el bajo de Martin Kemp, casan a la perfección. Las guitarras de Gary Kemp no destacan especialmente, pero es que realmente todos los elementos de unen de manera sublime para dar lugar a una canción que creo que tiene poca posibilidad de discusión.

“With the pride” es una auténtica maravilla, espero que disfruten recordándola y que si por alguna casualidad no la conocen se lleven una grata sorpresa en parte por nuestra altruista labor de difusión cultural. Para facilitarles su escucha, siempre que podamos, les insertamos el vídeo del audio para que escuchen la canción aquí directamente. En este caso, como no fue single, no tiene videoclip, pero tampoco lo necesita, créanme.

3er. aplazamiento programa ABC “Up”

2026-02-13T22:26:00.001+01:00

Lamentablemente mañana tampoco podremos llevar a cabo el programa sobre ABC y su disco "Up". No obstante, creo que al fin la fecha del 28 de febrero será la definitiva para realizarlo y reiniciar nuestra 16ª temporada de radio. Paciencia.

Kate Bush - The Dreaming (1982)

2026-02-06T17:30:00.011+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Tenía que llegar este momento, el de revisar este disco y de confesar que la idea original de crear “Discos, música y reflexiones” se basó claramente en una magnífica revisión de este lp que hoy nos ocupa, tema a tema, que había en una página web; además, me parece una falta personal por mis gustos musicales que hayan pasado 3 lustros desde que hice el último artículo sobre un disco de esta artista. Es una tarea de responsabilidad analizar un disco de tal calado y relevancia en la trayectoria de una artista como Kate Bush y quizás no vaya a estar a la altura, ya que este post precisaría de una redacción más elaborada y prolongada en el tiempo, por su importancia, por su contenido y por respeto a la hora de rendirle tributo. Lo haré lo mejor que pueda.

En 1982 Kate Bush se encontraba en un momento de cierta complejidad en su corta carrera. Con “Never For Ever” de 1980, Kate se había abierto a sonidos más pop y eclécticos, con mucha maestría, partiendo de la estructura muy clásica y con notable base de piano de sus 2 discos de 1978. Además, en esos meses bisagra entre una década y otra, Kate había ofrecido su último concierto, no volviendo a ofrecer un concierto en 35 años.

Esa evolución magistral de “Never For Ever” experimentaría una vuelta de la rueda hacia territorios más extremos, intrincados e incluso oscuros y malditos. Es curioso que 1982 viera como se editaron discos tan radicales de artistas que admiro tanto como fue el caso de Kate Bush con este “The Dreaming” que hoy nos ocupa y The Cure con su “Pornography”.

“The Dreaming”, con esa portada con Kate representando como en teoría a Houdini le pasa a través de su boca una llave, es un álbum muy arriesgado en sus formas, melodías y sonidos. Hay lugar para poca relajación, más bien al contrario, hay sacudidas notables y espacio para pocos momentos distendidos, aunque también los hay. Es un disco complicado, pero no por ello deja de ser fabuloso, una obra maestra. De primeras es probable que no te entre con facilidad e incluso te cause rechazo, pero con el paso del tiempo, muy probablemente, termines abrazándolo como uno de tus favoritos de la artista. Pasemos a analizar sus canciones.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Sat in your lap”: El disco arranca con sacudida de percusión con la agitada “Sat in your lap”. Es una canción obsesiva e hipnótica. En la parte vocal Kate se mueve por todos sus registros, desde los más graves hasta los más agudos. El videoclip, con esos capirotes y las coreografías de patines, no deja de resultar curioso y no le va mal al single. Fue, efectivamente, sencillo y una demostración de riesgo en esa elección. No deja de ser una buena carta de presentación de “The Dreaming”, la “bienvenida” correcta, debido a cierta incomodidad que puede suponer, sobre todo en ese estribillo de agudos.

2. “There goes a tenner”: Hay espacio para pocos momentos llevaderos o amables, pero los hay. “There goes a tenner” es un capítulo pop, con algún pasaje incluso onírico. El sonido pop, sin embargo, no se acompaña de un estribillo propiamente, con lo que no estamos ante una estructura evidente. Los arreglos son grandilocuentes, incluso la modulación vocal de Kate en las interesantes estrofas. El videoclip, con Kate liderando una banda de ladroncitos, también es gracioso y no le va nada mal a la pista.

3. “Pull out the pin”: Llegamos a uno de los episodios turbios y de cierta oscuridad algo calmada. También apreciamos un punto más en la exageración vocal de Kate cuando entona ese “amo la vida” de forma desgarrada; no se crean, ya que “Pull out the pin” no será el episodio más extremo en ese sentido. El tema de carácter antibelicista ya lo trató Kate en “Army dreamers” en el disco anterior. Ya a estas alturas nos damos cuenta de la complejidad de “The Dreaming” con esta canción que es bastante peculiar en estructura. No hemos pasado llegado aún a la mitad de la obra.

4. “Suspended in Gaffa”: Siempre me ha dado la impresión de que “Suspended in Gaffa” es una canción que podría ejercer de nexo o puente entre el predecesor “Never For Ever” y este “The Dreaming”. Es otro de los pasajes amables del disco, con un estribillo bastante melódico y con una Kate bastante suavizada al micrófono. No es mala canción, aunque quizás sea de las que menos tengan que ver con el conjunto del lp. Contó con un gracioso videoclip bailando en una especie de granero.

5. “Leave it open”: Seguimos avanzando por “The Dreaming” para encontrarnos con “Leave it open” y avanzar en la idea de convencernos que estamos ante un disco inquieto y bastante oscuro. Canción muy misteriosa, con notables arreglos de producción que hace que las voces y sonidos vayan y vengan, creando una ligera sensación de desasosiego. Las 2 caras del disco terminan de forma intensa, pero, sin ánimo de hacerles demasiado spoiler, “Leave it open” se queda en casi nada al lado de la que cerrará la cara B y el disco en sí, por mucho que en su tramo final la canción gana músculo y malditismo, con unas partes vocales grabadas al revés.

6. “The dreaming”: La cara B arranca con fuerza con la canción que da el título al disco. “The dreaming” representa muy bien al conjunto del disco. Aquí nos encontramos ante una composición que toma influencias incluso de la música africana y casi parece como una canción de ritual o conjuro. El videoclip está perfectamente en consonancia con la canción, muy oscuro y con coreografías que refuerzan la idea de ritual. Nuevamente una composición inquietante y con carácter hipnótico y onírico cercano a una cierta pesadilla.

7. “Night of the swallow”: Se van formando nubarrones a medida que vamos avanzando en “The Dreaming”, pero ahora hay espacio para una canción que se desmarca de la oscuridad para llevarnos a territorios celtas. En mi opinión “Night of the swallow” es la mejor canción del disco. Es bella, con una melodía perfecta y que hace muy bien sus transiciones entre estrofas, puente y estribillo. El estribillo es arrebatador y con mucho gancho, creo que algo parecido hizo 23 años más tarde Kate en “Aerial” con “Sunset” a la hora de confeccionar una canción con estrofas lentas y misteriosas que rompen en un estribillo brutal. En “Night of the swallow” se van sumando cada vez más instrumentos para ofrecernos su última parte de forma exuberante. El uso de las gaitas irlandesas, un total acierto bajo mi punto de vista. La gran joya oculta del disco, ya que, incomprensiblemente, aunque fue single no gozó de un videoclip promocional que le diera en esos días una mayor difusión.

8. “All the love”: Tras el capítulo animado de “Night of the swallow” iremos avanzando hacia la oscuridad y ahora llega la atormentada “All the love”, con un cierto enfoque se resignación en su melodía. De alguna manera, “All the love” conecta, gracias al uso del piano, con los discos iniciales de Kate, aunque está tamizada totalmente con el sentido del presente “The Dreaming”. Es también llamativa en su estructura, con notables cambios de ritmo, con bajadas y puntuales acelerones. El estribillo es muy sencillo y cuenta con una Kate muy sentida en el micrófono.

9. “Houdini”: La figura de “Houdini” es relevante dentro del disco, partiendo ya desde la comentada portada. Es curioso el cierto aire de ensoñación que tiene la canción en ciertos momentos, que al instante vira a lo turbio. No es una canción extrema, pero ya nos advierte de que el final del disco no será amable. A ratos es una canción realmente bella, con una concepción muy clásica y nuevamente reminiscente de “The Kick Inside”, pero con momentos en los que Kate se muestra desagradable e incluso grotesca en las voces, creando esa inquietud que impregna la escucha continua y completa del disco.

10. “Get out of my house”: Utilizando el paralelismo de disco compañero de quinta, si “Pornography” de The Cure acaba con la canción título, quizás la más horrenda y virulenta del disco, “The Dreaming” de Kate Bush acaba con “Get out of my house”, que también envuelve al disco de forma cíclica, ya que la percusión recuerda bastante al arranque de “Sat in your lap”. Esos coros traseros gritando el título de la canción, desgarrados, la percusión, la distorsión de las guitarras y la creciente inquietud de la línea vocal principal de Kate nos presentan una canción oscura y potente que le pone el broche perfecto al disco. No me podría imaginar un final más apropiado entre las otras canciones del álbum. “Get out of my house” es uno de esos ejemplos de canción que te deja sin palabras cuando se hace el silencio al terminar el lp; no en vano está inspirada en “El Resplandor” de Stephen King. Una canción maldita, intensa, potente y maravillosa. Los gritos casi guturales de la parte final, prácticamente nos llevan a una especie de exorcismo musical. Sobrecogedora.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Si analizamos el resultado del disco en su momento de lanzamiento podemos decir que “The Dreaming” fue un fracaso y un patinazo en la trayectoria de Kate Bush. Lo que hasta el momento había sido una carrera llena de éxitos y que empezó con un nº 1 como “Wuthering heights”, ofreció un disco que en sí tampoco obtuvo tan malas cifras (aunque alguno de los singles no entró ni en los charts directamente, leí una vez por ahí), pero que sí suponían una bajada notable con respecto a lo anterior.

Esto supuso un golpe para Kate, que se vio contrariada al ver que no se entendió el sentido de la obra. El tiempo ha terminado poniendo en su correcto lugar a “The Dreaming”, pero discos de este perfil es normal en su momento no funcionen, y más en una artista que tampoco se había caracterizado por ser demasiado sombría; si con The Cure y “Pornography” pasó, y eso que Robert Smith y compañía no eran sospechosos en lo que a trabajos oscuros se refería, pues imagínense con Kate.

Kate Bush ya se tomó su tiempo para una nueva entrega. “Hounds Of Love” salió en 1985 y le permitió volver por la puerta grande, sobre todo gracias a un single maravilloso, con muchas vidas (véase recientemente), como fue “Running up that hill (A deal with God)”. El siguiente trabajo también tenía en su contenido una especie de “The Dreaming”, ya que “Hounds Of Love” realmente se compone de 2 discos y el 2º titulado “The Ninth Wave” no anda muy lejos de este álbum analizado hoy de 1982.

A título personal he de comentar y recordar que con este disco pasé alguna buena tarde de domingo escuchándolo en casa de mis padres allá por 2006 o 2007 en compañía de los colaboradores que ya conocerán de nuestro programa de radio, Mariano González y Sergio Calero.

“The Dreaming” es un disco difícil. La propia Kate lo ha denominado incluso como su álbum loco. Hay que tomarse su tiempo para cogerle su punto. Está lleno de matices, tanto en las voces de Kate como en los diversos instrumentos y melodía que presta. No lo considero apropiado para escucharlo por la calle o para escucharlo en el coche. Creo que es de esos discos que hay que escuchar prestando atención, cuando estás tranquilo en casa. Hay que encontrar un momento en el que puedas sentarte cómodamente para escucharlo y aceptar este particular viaje onírico cercano a la pesadilla que te ofrece “The Dreaming”. Yo, por motivos de familia, cada vez encuentro menos momentos de esos para escuchas de calidad, pero si ustedes pueden, háganlo.

2º aplazamiento programa ABC “Up”

2026-01-30T17:30:00.001+01:00

Realmente se trata del 3er. aplazamiento, ya que teníamos previsto haber llevado a cabo este programa el pasado 17 de enero, pero no avisamos por nuestro blog, solamente en las redes sociales.

Debido a los procesos de reforma y mejora de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) todavía no es posible llevar a cabo la grabación ni la emisión en directo del programa en condiciones óptimas.

Esperamos que el día 14 de febrero podamos hacerles un regalo de San Valentín en forma de regreso a nuestra actividad en las ondas.

Metallica - Metallica (1991)

2026-01-23T17:30:00.001+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Debería empezar diciendo que Metallica no es exactamente de mis bandas de cabecera, lo cual no quiere decir demasiado salvo que hay un puñado de grupos que me gustan más y a los que recurro con más asiduidad. Evidentemente ello no significa que no disfrute con su música, porque de hecho sí lo hago espoleado por la curiosidad, y la convicción de que cuantos más géneros toques, más te diviertes.

Empecemos por los elementos más sencillos. El nombre, por ejemplo. La denominación precisa del disco, al ser epónimo, es sencillamente “Metallica”, si bien por las tonalidades negras de la portada, que son casi absolutas salvo el logo de la banda y una serpiente de la que luego hablaremos, ha sido conocido desde siempre como “The Black Album”. Es decir, como ocurre con el “White Album” de los Beatles, pero cambiando colores.

Es un disco relativamente divisivo. Metallica comienzan a dejar atrás el trash metal de velocidad galopante y estructuras largas y complejas, por un formato de canción más convencional y cercano al heavy metal usual. No es una retractación completa, y aún quedan rescoldos de trash metal, pero sin duda este disco es más accesible. Hecho que quizá no gustó demasiado a los fans de primera hora, o a los más devotos del trash. Indudablemente singles como “Nothing else matters” o “Enter Sandman”, que tuvieron una buena rotación, ayudaron a aumentar la popularidad de los angelinos. Dado su sonido relativamente accesible (la cosa sigue sonando fuerte), y la popularidad general de algunas canciones, esta obra quizá sea la más adecuada para iniciarse en Metallica, o para realizar una escucha selectiva de la banda.

Como todas las referencias anteriores son tótems adorados por los amantes del metal, conviene que los mencionemos. Nos estamos refiriendo a “Kill’Em All” (1983), “Ride The Lightning” (1984), “Master Of Puppets” (1986) y “…And Justice Fot All” (1988). 4 discos venerados, favorablemente unánimes en sus críticas, y de gran influencia. Tampoco es que sea una fase pétrea de decibelios a velocidad supersónica, hay dentro de ellos cierta evolución. Muchas canciones clásicas provienen de esta época: “The four horsemen”, “Fade to black”, “Creeping death”, Master of puppets”,“Battery”, “One”… Un suceso importante en la historia de la banda fue la muerte del bajista original Cliff Burton, a causa de un accidente de autobús en plena gira por Suecia en 1986. Su figura es la de un músico de culto, que muchos asocian a la mejor época de la banda.

En esta transición Metallica contaron con el productor Bob Rock, que también trabajó con Bon Jovi o Aerosmith entre otros. Se trata de una figura controvertida en la medida de que sus producciones tienden hacia un enfoque más comercial y suele ser acusado de vender la esencia de las bandas a cambio de un mayor éxito. En cuanto al sonido del disco, asumiendo la premisa principal de que es más accesible, no suena nada mal, aunque supongo que ya es cosa de la perspectiva con que se miren los géneros. Aun así, los desacuerdos y discusiones con la banda fueron constantes.

La formación de la Metallica la constituían James Hetfield (voz, guitarra rítmica, y ocasionalmente guitarra principal), Lars Ulrich (batería), Kirk Hammet (guitarra principal) y Jason Newsted (bajo).

Se tratan de un disco muy disfrutable, y pesar de rebajar el tono barroco de las obras anteriores, tengan en cuenta que la duración se va hasta los 62 minutos y pico divididos en doce canciones. Procedemos al análisis.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Enter Sandman”: El inicio es auténticamente de lujo, y lo constituye uno de los clásicos absolutos de la banda. La forma en que entran poco a poco las guitarras, y la sección rítmica, hasta que se forma el riff principal (que encima es pegadizo) es una apisonadora. La canción posee una melodía muy directa y un buen estribillo, además de un solo bastante majo, sin un virtuosismo excesivo. Me parece un buen equilibrio entre potencia y cierta accesibilidad y puede que sea, en su espíritu, una buena representación del disco. Fue el single de presentación y no falta en ningún concierto de Metallica. La letra habla de las pesadillas infantiles, y el tal Sandman es un personaje del folklore europeo que trae los sueños a los niños.

2. “Sad but true”: Esta canción es más cadenciosa, marcada y sinuosa. Sin tener el poderío del primer tema, tiene algo doloroso que le añade intensidad emocional. Haciendo un poco de esfuerzo puede recordar a Black Sabbath, por ese toque “arrastrado” y decadente. No está nada mal. La canción habla del lado oscuro de una persona tomando el control, y puede que se base en la película (por cierto, recomendable, además de inquietante) “Magic” (1978). Fue el quinto y último single, ya tardío, allá a principios de 1993.

3. “Holier than thou”: Los ritmos rápidos y los agresivos riffs de guitarra remiten al pasado trash metal de Metállica. Es la canción más corta del disco, pero concita una poderosa descarga eléctrica. En un primer momento se pensó que podía ser single, pero se desechó ante el potencial de otras canciones.

4. “The urforgiven”: Junto con “Nothing else matters” la balada del disco. El primer minuto tiene una introducción con guitarra española que casi parece (vagamente) flamenco, mezclado con una sonoridad de espagueti western. A partir de ahí cogen fuerza las guitarras eléctricas, y no deja de ser curioso que las partes más aguerridas sean las estrofas y la más lenta y melancólica sea el estribillo, ya que normalmente suele ser al revés. Buen punteo de Kirk Hammett. La sensación de desaliento y desánimo está bien lograda. La letra hablaría de la lucha de una persona por mantener su individualidad contra las imposiciones grupales o de la sociedad. Fue segundo single y entra en la categoría de clásicos de Metallica.

5. “Wherever i may roam”: Metallica se esfuerzan en hacer una buena presentación del riff principal. Primero con una intro misteriosa con sitar y aires orientales, luego entran unas guitarras de ritmo pesado y lento, para pasar a otras guitarras huracanadas en forma de soberbio e imparable riff. Una de las composiciones más potentes del disco, que además amerita una melodía vocal pegadiza (dentro de lo que cabe) y no se hace repetitiva a pesar de durar 6 minutos y 44 segundos. Fue cuarto single del disco y la letra habla de estar continuamente en la carretera de gira, lo que da la sensación de no tener un hogar fijo.

6. “Don’t tread on me”: Más arrastrada que rápida, la canción cabalga a lomos de la batería de Lars Ulrich y los riff de James Hetfiled. Hay como un cierto aire marcial y pétreo, aumentado por algunos momentos vocales algo guturales El título de la canción hace referencia a la Bandera de Gadsden, donde aparece también la serpiente enroscada que hay en la portada del disco. Este símbolo data de los tiempos del siglo XVIII, y en concreto de la Revolución Americana, y hoy día suele representar el libertarismo, y cierta tendencia conservadora. La banda había escrito con “…And Justice For All” un disco antisistema y contestatario. Pero en este otro quisieron dar una versión positiva de su país, según el propio James Hetfield. Alguna parte de la letra se ha considerado como militarista, lo cual sería una contradicción con “One” de su anterior disco, inspirada en la película “Johnny Cogió Su Fusil”. En cualquier caso, la banda siempre ha dicho que lo suyo no es hacer proclamas políticas. Al principio del tema se escucha brevemente un fragmento de la canción “America” de “West Side Story”.

7. “Through the never”: Una de las canciones más directas, sencillas y cañeras del disco Puede recordar en algo a la épica trash de Metallica. A pesar de que tiene algún cambio de ritmo entre la mitad y el final de la canción, no es de los cortes, más destacados del disco y va a machamartillo con poco más que ofrecer además de un buen chute de energía.

8. “Nothing else matters”: La canción de Metallica más conocida por el público en general, parada habitual de radiofórmulas como Rock FM, o incluso de los 40 Clásicos, y versionada en diferentes estilos (me acuerdo de la versión de Lucie Silvas en 2004). La veo como una “Stairway to heaven” de los años 90, y quién sabe si “La chispa adecuada” de Héroes del Silencio participa en esta genealogía. La canción, ya saben, empieza con unos delicados acordes acústicos, reforzados después por la batería en un crescendo que conduce a un bombástico punteo de guitarra. La canción es ciertamente bonita, y es un género, el de las baladas heavy, con bastante aceptación del público generalista. La canción no desmerece su estatus, y aunque nos la sepamos acorde por acorde no molesta escucharla una vez más. James Hetfield la compuso, en principio, para él mismo, sin intención de dársela a la banda y habla de encontrarse lejos de casa (girando o grabando) y de las personas que quieres. En concreto, según parece, pensaba en una novia de entonces. Fue el tercer single del disco.

9. “Of wolf and man”: Y vuelta al heavy puro y duro, de riffs ásperos y ritmos potentes y, en este caso, algo machacones. Es de las canciones directas del álbum como por ejemplo “Holier tan thou” o “Through the never”. Tiene un toquecillo amenazante que marida bien con la letra en tanto en cuanto habla de una especie de transformación en hombre lobo; algo así como una vuelta a los orígenes salvajes del hombre.

10. “The god that failed”: Un medio tiempo oscuro y emotivo. Comienza con una buena armonización de batería y bajo (en este disco se escucha más el bajo que en el anterior, donde era casi inaudible) al que suceden unos riffs sucesivos e hipnóticos. Melódicamente es un tema sólido y el punteo de rigor está bastante bien. Es una canción dolorosa que habla de la muerte de la madre de James Hetfiled, debido a que rechazó un tratamiento contra el cáncer en base a las creencias del grupo de la Ciencia Cristiana. Hetfield hace una de sus interpretaciones más emotivas del disco.

11. “My friend of misery”: Presencia inicial también del bajo, que acompaña a unas guitarras lentas, rasposas y oscuras, El tempo se acelera un poco al entrar James Hetfield a cantar. Es una especie de medio tiempo reforzado, donde las guitarras, más que el trote de acordes, buscan causar una sensación de decadencia. Hay un intermedio instrumental e incluso, en cierto modo, ambiental. De hecho, es una de las canciones del disco donde Metallica más se explayan instrumentalmente. Cosa que se nota, pues en principio iba a ser un largo tema instrumental, en la onda de “Orion” o “To live is to die” (aunque ésta tiene una parte recitada) de anteriores discos. Finalmente, Hetfield acabó añadiendo letra y voces.

12. “The struggle within”: Para poner el punto final al disco Metallica decidieron echar toda la carne al asador y acabar con un huracán heavy. Se trata de una canción rápida, emparentada con el trash metal; resulta fulgurante vocal e instrumentalmente. Es un buen cierre en el sentido de que acabamos en una nota alta, llena de energía, aunque más allá de eso no hay nada particularmente memorable. No obstante, siempre queda la habilidad de Metallica para canciones como ésta. La letra habla de una especie de lucha interior con algún material oscuro. Ya sea en forma de ansiedad, depresión, etc.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

El quinto disco de Metálica es la bisagra entre la notoriedad de un grupo en una escena, que vendría a ser en este caso la del trash metal, y la fama global que dan los puestos altos en las listas, y las múltiples difusiones en las emisoras, Es comprensible; evidentemente se trató de un sonido más comercial, más accesible y abierto. Ninguna de esas cosas por sí mismas confirman, no obstante, la debacle artística o la invalidez de la música. No soy particularmente fan del trash metal, y prefiero (a modo de ejemplo) el hard setentero, pero este “The Black Album” puede ayudar a los que tampoco son muy afectos al género a hacer una incursión dentro del repertorio de la banda y de ahí ir ampliando horizontes. Pero no solo hay que contemplar una visión utilitarista, el disco como tal creo que es sólido musicalmente.

Mucho más alejados del trash metal están “Load” (1996) y “Reload” (1997), que incorporan blues, country, rock alternativo, rock sureño, hard rock... Esto enardeció a algunos seguidores y ambos discos estuvieron lejos de tener una crítica generalmente positiva. La valoración fue mixta, de un lado alabando el aperturismo de la banda, del otro los nostálgicos de las abrasiones trash ochenteras. Yo personalmente estoy más cerca de los primeros. Además, pienso en los singles de esa época como “Hero of the day”, “Until it sleeps” o “The memory remains” y me parecen buenas canciones.

Un nuevo disco de estudio tardó en llegar, pero entretanto Metallica lanzó “Garage Inc” (1998), un disco de versiones con canciones de Lynyrd Skynyrd, Nick Cave and the Bad Seeds, o Black Sabbath. Como singles lanzaron “Die, Die, My Darling” de The Misfits y “Whiskey in the Jar” de Thin Lizzy (a partir de una canción tradicional).

Tras el disco de versiones llegó uno en directo, que además incluía el acompañamiento de la Sinfónica de San Francisco, con Michael Kamen a la cabeza. Hablamos de “S & M” (1999), que aportó la curiosidad de ver a una banda de heavy metal acompañada de una sinfónica, en una peculiar fusión con la música clásica.

Y hubo que esperar hasta 2003 para un disco de estudio, con críticas mixtas tirando a malas. Era como un regreso a los sonidos más agresivos de la banda, pero en la onda del nu metal en lugar del trash metal. Como singles, entre otras, la canción título o “The unnamed feeling. Para la gira Robert Trujillo (ex Suicidal Tendencies) entró como nuevo bajista en sustitución de Newsted.

Resumiendo a partir de aquí diremos que hubo documentales, directos, y algunos discos de estudio por el camino, como el más cercano al trash”Death Magnetic” (2008) el disco doble “Hardwired… To Self-Destruct” (2016) y finalmente “72 Seasons” (2023).

“Metallica”, o “The Black Album” si lo prefieren, es un disco al que encuentro equilibrado, sólido y cercano a un momento de transición, pero que pisa con pie firme y sin demasiadas dudas. Tengan en cuenta, de todos modos, que cuando decimos que es más accesible que otros discos, hay que hacer el matiz de que sigue siendo más de una hora seguida de heavy metal con lo que si no se entra en la propuesta, al final se va a hacer pesadísima. No obstante, puede merecer la pena el riesgo.

Texto: Mariano González.

DMR cierra por vacaciones de Navidad 2025

2025-12-22T03:18:00.003+01:00

Nos vamos después del aplazamiento del programa previsto el sábado por motivos técnicos. Es posible que regrese nuestra actividad algo después del final del periodo navideño. De momento, toca descansar. Desde "DMR" les deseamos feliz Navidad y un feliz año 2026. Que hoy la lotería, si juegan, sea generosa con ustedes.

Aplazamiento programa ABC "Up"

2025-12-20T13:39:00.001+01:00

Por motivos técnicos derivados de la reestructuración de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), tenemos que aplazar el programa previsto para hoy sobre "Up" de ABC.

Confiamos llevarlo a cabo lo antes posible, pero en todo caso ya será después del periodo navideño. Lo sentimos y ya iremos informando.

Temporada 17/ Programa 4: ABC y “Up” (1989)

2025-12-19T17:30:00.010+01:00

Martin Fry y Mark White cerraban la década de los 80 musicalmente de la mano de un fenomenal disco, muy influenciado por el northern soul y con mucho ritmo en sus melodías. Un trabajo quizás no lo suficientemente valorado dentro de la trayectoria del grupo o, al menos, algo olvidado.

Por tanto, “Up” es un disco muy nuestro para reivindicar y recordar. Además, no pega nada mal para esta época del año. La cita será este sábado 20 de diciembre de 2025 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Será nuestro último programa de 2025, previo a nuestro parón navideño, por tanto, no falten a la cita.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1435608851601551

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

Lady Gaga - Mayhem (2025)

2025-12-12T17:30:00.000+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCION.

Si algo se puede decir de la carrera de Lady Gaga es que siempre consigue sorprender. Divas hay muchas en el mundo del pop, de hecho, pienso que el mercado está realmente saturado. Ahora bien, una artista tan completa como Gaga es difícil de encontrar, claramente inconformista, nos tiene acostumbrados a proyectos inesperados que van apareciendo entre los discos principales de estudio de la artista y que no siempre son del agrado de sus fans que preferirían discos de pop bailable que al final es el punto fuerte de la artista y lo que le ha proporcionado el éxito.

Siempre que se trata el lanzamiento de un álbum de una estrella del nivel de Lady Gaga, uno se enfrenta a ponerlo en relación con sus etapas anteriores para intentar, de alguna manera, ponderarlo en su justa medida. En este caso Gaga viene de una etapa en la que ha diversificado notablemente su carrera consolidando una carrera como actriz, realizando discos de jazz y tocándolos en directo, aparte de otras actividades menores como dedicarse a publicitar cosméticos, lo cual le ha debido proporcionar sus buenos dividendos.

Podríamos dividir la carrera de Gaga en una primera fase completamente mainstream donde apenas tuvo competidores y en la que casi cada disco que sacaba era número uno. Sería la etapa del 2008-2011 que comprende los álbumes “The Fame” (2008), “The Fame Monster” (2009) y “Born This Way” (2011). Es digamos su etapa imperial donde tanto critica como público masivo estaba con ella.

Tras esta etapa llego “Artpop” (2013), álbum que, si bien no está a la altura de la producción anterior, no mereció ni mucho menos las tibias críticas que obtuvo ya que el disco incluía muy buenos temas pop, aunque la campaña de promoción fue un auténtico desastre. En todo caso fue un álbum que, a pesar de colocar más de dos millones de copias, que se dice pronto, acabó con el reinado de Gaga y produjo una gran crisis en la artista que la iba a llevar a reformular su propuesta.

El siguiente paso fue dejar a un lado la mayoría de sus ya habituales artificios y realizar un disco más maduro donde se reivindica como compositora e intenta huir de las performances escandalosas. Este disco sería “Joanne” (2016), donde nos muestra una nueva faceta con canciones mucho más desnudas y un sonido no tan sobreproducido como nos tenía acostumbrados. Una especie de nuevo comienzo que dejo bastante fríos a los fans que no terminaban de reconocer a esta nueva Gaga. Podemos ver, en parte, el proceso de creación de este álbum gracias al documental de Netflix “Five Foot Two”, solo apto para muy fans de la diva por lo tremendamente sentimentaloide y victimista de semejante artefacto promocional.

Su último álbum de estudio antes de este “Mayhem” fue como todos sabemos el muy reivindicable “Chromatica” (2020), donde en plena pandemia, vuelve la Gaga que todos sus fans estaban esperando. Un disco con grandes temas para la pista de baile, colaboraciones de lujo (Ariana Grande, Elton John, Blackpink) y una clara puesta en valor de eurodance de los 90, un disco muy fresco con el que sus fans se reconcilian con la artista, era justo lo que le pedían a Gaga y esta se lo dio, de una forma más simple y desenfadada que en los primeros discos pero totalmente efectiva.

5 años han pasado desde “Chromatica” pero desde luego Gaga no se ha quedado quieta, numerosas apariciones en películas y sus correspondientes bandas sonoras (“La Casa Gucci”, “Top Gun”, “Joker Follie À Deux”), series para Tv, etc.

En agosto de 2024 realizó un sonado dueto con Bruno Mars en el tema “Die with a smile” que superó cualquier expectativa posible y se ha convertido en uno de los mayores éxitos en su carrera. Con todo, esta colaboración era algo puntual y no parecía anticipar ningún nuevo álbum. De hecho, tuvimos que esperar hasta marzo de este año para tener entre nuestras manos este Mayhem que pasamos seguidamente a analizar.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Disease”: Realmente es el primer single del álbum y en mi opinión el tema más contundente del mismo. Es aquí donde más se notan las influencias góticas y de rock oscuro, y esa gran influencia que han sido NIN a la hora de componer temas como este. Sin duda, también es el tema más caótico del disco donde Gaga recita las estrofas y una segunda voz bastante macabra la dobla llegando a un estribillo sublime, donde podemos constatar que Germanotta no ha perdido ni un ápice de sus cualidades vocales. El sonido es en parte de rock duro, pero muy electrónico, muy pasado por secuenciador. Tiene algo de los temas rock de “Born This Way”, pero creo que en “Disease” ha llevado parte de este sonido al extremo, de manera que suena mucho más desafiante y agresiva que cualquier tema de ese álbum. Las capas y distorsiones que posee la canción también han contribuido a ese sonido más duro, todo un acierto. Los detalles de los coros o autocoros en el tema es otro de los puntos fuertes de Gaga que sabe muy bien cómo crear ciertas atmosferas aprovechando estos recursos. Ya lo hizo en temas como “Bloody Mary” o “Paper gangsta” con éxito y aquí vuelve a acertar. “Disease”, con una letra bastante simple pero muy efectiva ya que posiciona muy hábilmente las frases repetidas, es un tema que trata de manera bastante obsesiva sobre convertirse en el antídoto, a través del amor, para superar los problemas de salud mental o de otra índole; un tema, el de la salud mental en el que Lady Gaga siempre ha estado muy implicada. Si musicalmente es todo un triunfo, el acompañamiento visual no es para menos con un video ciertamente perturbador, valiente y para bastante gente hasta desagradable. El clip intenta transcribir a partir de los personajes interpretados por Gaga, ese ambiente de enfermedad mental y desesperación, también el deseo de escapar de los propios pensamientos que, a veces, nos atormentan. Nuevamente Gaga arriesga con una presentación totalmente inesperada en ella y que quizás haya tenido que ver en la discreta acogida del single que no ha conseguido grandes logros salvo en el Reino Unido donde llego al número 7. En cualquier caso, un auténtico temazo que ya forma parte de lo mejor del repertorio de la diva.

2. “Abracadabra”: Después de la contundencia de “Disease”, Gaga nos saca ya toda la artillería y llega el tema más comercial del álbum, Gaga mantiene la contundencia de “Disease”, pero en este caso quiere hacernos bailar sin contemplaciones y los elementos house están muy claros. Además hay otros elementos que podríamos calificar de electro dark, nuevamente la influencia de NIN está presente además de Siouxsie and the Banshees, ya que la melodía de “Abracadabra” incorpora elementos del tema “Spellbound” (1981) de la banda británica. “Abracadabra” ha sido comparada con temas como “Bad romance” o “Poker face” ya que incorpora ese recurso vocal de repetir las silabas una por una de la palabra principal creando una especie de melodía, aquí lo hace mientras una línea de sintetizador bastante caótica nos lleva a la siguiente fase de la canción. “Abracadabra” es una celebración de la vida, del recurso del baile como metáfora de superación de las dificultades, un tema tremendamente adictivo que tiene el marchamo del éxito desde la primera escucha, y así ha sido. Gracias al éxito incontestable de “Abracadabra”, el álbum se ha visto propulsado a tener un resultado realmente bueno a nivel de ventas. Nuevamente el acompañamiento visual ha sido definitivo y esta vez creo que ha contribuido positivamente a la buena recepción de esta canción. Se plantea una especie de batalla entre dos cuerpos de baile cada uno capitaneado por una versión de Lady Gaga, una más amable vestida de blanco y otra mucho más siniestra, la famosa mujer de rojo que representa los impedimentos para conseguir nuestros objetivos. De nuevo otro trallazo absoluto y después de tanta intensidad nos adentramos en una nueva fase del disco.

3. “Garden of eden”: Aquí empieza una nueva parte del disco, mucho más sutil y menos contundente que el comienzo que hemos tenido, aunque los elementos de electro rock siguen presentes. Aquí se trata de un tema que reposa en una base electro aderezada con unos toques de guitarra en la que se nos describe una especie de ligoteo en una fiesta. La verdad es que no se parece a nada anterior de la discografía de Gaga, salvando muchísimo las distancias puede que tenga algún toque de “Manicure” tema del injustamente valorado “ArtPop” pero “Garden of eden” es mucho más experimental como se puede apreciar en la parte final con esos sintetizadores más oscuros.

4. “Perfect celebrity”: Parece que el sonido y estética gótica empiezan a desvanecerse a partir de este tema que tiene muchas influencias del sonido pop de los ochenta, algo que Gaga nunca ha negado, pero que aparecen aquí combinadas con potentes guitarras para dar forma a toda una crítica a la cultura de las celebrities y me da la sensación que concretamente al grupo de las divas que tan habitualmente son amadas hasta la exageración para después terminar odiadas por su mismo público o el de otras divas. Gaga pareciera reírse de su personaje en esta canción que a pesar de ser bastante comercial tiene en su letra cierto sentimiento de autoflagelación.

5. “Vanish into you”: Suena mucho como posible tercer single del álbum, pero ya veremos si al final esto es así. Últimamente Gaga solo suele poner la carne en el asador con los dos primeros sencillos. Melódicamente es inapelable, una melodía pop que atrapa desde el primer momento y donde no hay descanso. Ya de entrada tenemos la voz de Gaga que se muestra más poderosa que nunca, en un tema donde Gaga nos habla de una conexión tan fuerte con la persona amada que podrías desvanecerte en ella, una visión totalmente poética además de romántica.

6. “Killah”: Se trata de una colaboración con el músico francés Gesaffelstein, un dj y compositor que ha trabajado para Kanye West, Daft Punk, The Weeknd o Jean Michel Jarre por solo citar unos pocos. Junto a Gaga construyen un tema de puro electro-funk que parece una mezcla entre el “Fame” de Bowie, pero que también suena mucho a Prince. Uno de los aspectos de este “Mayhem” es que las influencias están más claras que nunca y que Gaga no tiene ningún reparo en mostrarlas. En cualquier caso una canción muy disfrutable.

7. “Zombieboy”: Se trata de un tributo a Rick Genest, el llamado “Zombieboy”, un conocido modelo famoso por llevar todo su cuerpo tatuado, desgraciadamente fallecido en 2018. La canción tiene un marcado estilo años 80 que puede recordar a la Madonna de esos años, incluso las guitarras son tremendamente ochenteras. En todo caso se trata de toda una celebración, una canción positiva y divertida, que es el mejor homenaje que Gaga podía hacer a su amigo.

8. “LoveDrug”: Como su título indica es una especie de comentario sobre el poder del amor como adicción para bien y para mal. En realidad, es un tema muy pegadizo donde encontramos influencias rock y dance mezcladas de forma muy hábil creando un tema que puede recordar a algunos del álbum “Born This Way”. En todo caso una canción bailable que nos muestra una Gaga capaz de reciclar de manera inteligente etapas anteriores de su carrera.

9. “How bad do U want me”: Escuchando la melodía de esta canción es inevitable que nos venga a la cabeza el “Only you” de Yazoo, no se trata de un sampleo, más bien es una reinterpretación en plan homenaje que la verdad funciona muy bien, aunque el estribillo va completamente por otro lado lo cual le da un contraste a la canción muy interesante. El título de la canción hace referencia a la imagen de chica mala que proyecta Lady Gaga ante los medios y la persona real que se esconde detrás, de alguna manera es de esas canciones que es una especie de dialogo con su público.

10. “Don't call tonight”: Este tema nos muestra un sonido bastante ochentero pero combinado con sonidos más actuales y unas muy oportunas guitarras rítmicas a lo chic. Todo esto unido a la potente voz de Gaga nos deja un tema que podría ser un single perfectamente. A nivel de letra Gaga juega con el desencanto para finalmente superarlo y conseguir cierto empoderamiento.

11. “Shadow of a man”: Muy conectada con la canción anterior en cuanto a sonido ya que los sonidos de los 80 ahí siguen, más presentes incluso, con un pequeño toque de ese caniche metal ochentero. También sigue el tema del empoderamiento ya que claramente Gaga no quiere estar bajo la sombra de un hombre que es algo que siempre declaró a lo largo de su carrera. Sin duda otra canción que podría ser otro single.

12. “The beast”: Gaga ha dejado los temas más lentos o medios tiempos para la parte final del disco. En esta balada el piano es protagonista y Gaga suena realmente emotiva. Trata, en mi opinión, sobre el hecho de irse transformando poco a poco en una relación, algo que a veces no es nada agradable pues te obliga a aceptar tus defectos y en definitiva tu propia naturaleza.

13. “Blade of grass: Seguimos con otra balada que nos va mostrando el camino hacia el final del disco. Aquí destaca sobre todo el piano que esta omnipresente en toda la canción, así como algunos toques de guitarra acústica. Nos encontramos ante una canción emocionante sobre el hecho de pasarse la mayor parte de la existencia sola para finalmente encontrar a la persona con la que vas a compartir tu vida. La voz de Gaga suena casi rota sobre todo en un estribillo bastante épico al que se van añadiendo diferentes elementos haciendo que el tema suene muy cinematográfico.

14. “Die with a smile”: El tema sin duda más criticable del disco, se trata de una balada muy comercial que tiene el aliciente de contar con Bruno Mars, que ya de por si es una baza para el éxito. El tema es azucarado a mas no poder, pero también hay que decir que es muy efectivo. Eso sí, no encaja ni a tiros con el resto de temas del disco y eso que Gaga se ha cuidado de posicionar los temas más lentos al final, pero ni aun así. Se nota claramente que nunca formó parte del proyecto, pero el asombroso éxito mundial que consiguió ha hecho inevitable su inclusión para poder impulsar las ventas del álbum, pero más bien lo podríamos considerar un bonus track.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

“Mayhem” es un disco magnifico de una variedad muy rica, desde sonidos electro goth a pop ochentero pasando por glam o techno. En cuanto a producción está bastante compensado, incluso es una producción elegante por momentos y no peca de esa sobreproducción muy característica de varios de sus discos y que restaba puntos al resultado final.

Aunque la estética de esta etapa de Gaga es claramente gótica, esto no es reflejo del álbum. Sí es cierto que “Mayhem” hasta cierto punto hace honor a su nombre y existe ese desorden, pero siempre en el buen sentido. Lo que hay es una serie de registros diferentes que nos hacen remarcar la versatilidad de la artista, pero todo está perfectamente encajado en el disco salvo el comentado “Die with a smile” que está metido con doble calzador.

Tanto critica como publico han acogido este álbum con verdadero entusiasmo y claramente la artista se encuentra en uno de sus mejores momentos, donde puede literalmente hacer lo que le dé la gana. “Mayhem” ha sido número 1 en 23 países en el momento de escribir este artículo. Ya “Chromatica” sería muy bien recibido y nos devolvería una Gaga con ganas de hacernos bailar y que echábamos bastante de menos. En este sentido “Mayhem” no es un álbum continuista, sino que aparece como una nueva era en la carrera de la diva y sin duda es uno de sus mejores discos.

La buena acogida del álbum ha propiciado una gira mundial donde todo el papel está vendido, una absoluta barbaridad que pone de manifiesto la enorme demanda que tienen los shows de Gaga y el excelente momento de popularidad que está viviendo en esta nueva fase que la tendrá bastante tiempo ocupada. Y después, ¿quién sabe? Gaga, afortunadamente, es imprevisible y nos podrá dar más de una sorpresa, ya sea musical o de otra índole.

Texto: Alfredo Morales.