DMR

Programa Extremoduro "Agila" (Temporada 17/ Programa 5)

2026-04-12T19:01:00.004+02:00

Era de justicia rendir tributo a Robe Iniesta tras su pérdida hace unos meses. Mi buen amigo Rubén Herráez, gran seguidor del grupo, fue quien me tiró la idea y como Mariano González había analizado ya hace tiempo "Agila", la ocasión era clara.

Al final Rubén Herráez también debutó como colaborador o tertuliano de "DMR", sumándose a la ya larga lista que durante estas 17 temporadas han prestado su voz e ideas a nuestros coloquios y se sumó a Mariano González y Víctor Prats.

El programa se llevó a cabo el pasado 14 de marzo de 2026 a las 16.00h en directo en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Si no lo escucharon en su momento, les insertamos aquí el reproductor para su escucha y también les dejamos link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si lo prefieren: https://www.ivoox.com/dmr-17-5-extremoduro-agila-1996-audios-mp3_rf_171750817_1.html

Temporada 17/ Programa 6: Golpes Bajos y “Devocionario” (1985)

2026-04-10T17:30:00.008+02:00

Llega el momento de rendir tributo a una breve pero valorada banda nacional, Golpes Bajos. Servirá también el programa de este sábado 11 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) como homenaje póstumo a German Coppini, el cual nos dejó hace ya bastante tiempo (ha pasado ya más de una década; parece mentira).

Hemos escogido el que fuera su último disco, el más que notable “Devocionario” de 1985. Un trabajo plagado de buenas canciones y que para nada daba pistas de que sería el último disco de la banda antes de su separación. Les esperamos este sábado, no nos falten.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1607019670409025

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

DMR cierra por vacaciones de Semana Santa 2026

2026-03-27T17:30:00.001+01:00

Nada nuevo con respecto a nuestra costumbre. Paramos un par de semanitas para coger fuerzas para afrontar el tramo final de la temporada 17 de radio y el resto de actividad hasta mediados de junio. Además, hay que prestar atención a la familia y a otros quehaceres durante estos días. Que ustedes lo disfruten también.

Soft Cell - The Art Of Falling Apart (1984)

2026-03-20T17:30:00.001+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

No es la primera vez que pasa Soft Cell por este espacio dedicado a música de todo tipo. Ya analizamos su grandioso debut “Non-Stop Erotic Cabaret” (1981), así como su último álbum “Happynness Not Included” (2022) que vino a raíz de una segunda reunión del dúo.

El repaso del segundo álbum de Ball y Almond me parece algo obligado y siempre lo tuve en mente por la importancia que tiene en la carrera de la banda. Sin embargo, la tristísima noticia de la muerte de Dave Ball ha hecho que desempolvara los apuntes que tenía sobre este segundo disco y me pusiera a la tarea de ordenar todas esas ideas para dar forma a un repaso canción por canción de un álbum que cambiara completamente la trayectoria de Soft Cell, siendo uno de los discos más importantes de los 80 y que finalmente puso un rumbo claro a la disolución que se produciría en 1984.

Ya solo titular un álbum “The Art Of Falling Apart” nos dice mucho sobre lo conscientes que eran respecto al precio a pagar por este cambio de dirección que se proponían hacer.

Poniéndonos en contexto, Soft Cell estaban viviendo un momento de éxito total y absoluto, entre 1981 y 1982 habían colocado cinco singles en top 5 británico. Tras el archiconocido “Tainted love” llegaron esa vuelta de tuerca de las miserias cotidianas que fue “Bedsitter”, la balada electrónica “Say hello wave goodbye” que hoy en día es un clásico imperecedero, la poderosa “Torch” que a punto estuvo de darles otro número 1 quedándose en el numero 2 británico y que no está incluida en ningún álbum de estudio del grupo y para finalizar una versión de un clásico del northern soul que fue “What!” que sería otro éxito masivo.

En 1982, aprovechando el momento de fama, lanzan un álbum de remezclas titulado “Non-stop Ecstatic Dancing” con seis temas entre los que se encontraba el ultimo single “What!”. Un álbum de remixes bastante innovador para la época y que optaba por las elecciones menos obvias como temas para remezclar, así encontramos por ejemplo una muy destacable remezcla del single “Memorabila”, que es quizás la mejor versión del tema.

Sin embargo, después de esta primera etapa, el dúo tenía otras intenciones musicales y pretendían dar giro más que notable a su música que lo iba a llevar a territorios mucho más oscuros a los que nos tenían acostumbrados.

No nos entretengamos más y pasemos al análisis de este álbum que ya podemos considerar clásico.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Forever the same”: El álbum comienza con tema bastante contundente que tiene como protagonista a un joven frustrado cuyo presente y futuro se antoja bastante negro, y cuya vida es una repetición de acciones que solo le llevan a la insatisfacción, desde luego un tema que no ha pasado para nada de moda. Esta canción tiene una base muy potente donde unas siniestras trompetas tienen un papel principal contribuyendo a crear una atmosfera desapacible que contrasta claramente con otras composiciones más pop del pasado. Aquí la combinación creada por Dave Ball de sintetizadores y metales crean 5 minutos de una perfecta banda sonora para la historia que nos quiere contar Almond.

2. “Where the heart is”: Fue el single de presentación del álbum y si bien posee un riff de sintetizador bastante pegadizo y con pretensiones orquestales, su letra sobre un muchacho que tiene que convivir con una familia disfuncional no era la mejor carta de presentación para tener un single de éxito. En todo caso se trata de una gran canción que ha quedado como uno de los grandes momentos de la banda. El single estuvo respaldado por un sencillo video clip realizado por Tim Pope que tampoco ayudaría mucho. Con todo llego al número 21 de la lista de singles del Reino Unido que, aunque no era un mal resultado quedaba muy lejos de los éxitos anteriores.

3. “Numbers”: Como segundo single, y en un claro caso de suicidio comercial eligieron esta canción con ritmo irregular, pocas partes melódicas y sonidos de sintetizador bastante experimentales que trata sobre una persona tremendamente promiscua que viene a tratar a sus parejas sexuales como si fueran kleenex, la letra es bastante dura y es una especie de conversación entre Almond y el protagonista de esta historia que va contando el número de personas con las que tiene sexo, terminando por convertirse el mismo en un numero para otros. El tema era ciertamente polémico, más aún en un año 1983 donde la crisis del VIH/SIDA estaba empezando a hacer estragos. Una curiosa historia ocurriría en relación con la publicación de este single. La discográfica Phonogram tenía tan pocas expectativas de ventas que no se le ocurrió otra cosa que regalar una copia de “tainted love” con cada copia de “Numbers”. Al enterarse de la maniobra comercial Marc Almond y su manager Stevo asaltaron las dependencias de la discográfica en Londres destruyendo parte del mobiliario que incluía discos de oro y platino de diversos artistas. En el videoclip del single “Soul inside” publicado a finales del 83 se reían de este acontecimiento recreando la escena de la destrucción acontecida en Phonogram. Finalmente, las famosas copias de regalo fueron retiradas A pesar de todo “Numbers” alcanzaría la posición 25 en UK.

4. “Heat”: El ambiente oscuro y decadente continua en el siguiente tema, aunque más melódica me “Numbers” los sintetizadores de Ball consiguen construir una atmosfera bastante lugubre y hasta cierto punto siniestra, lo cual cuadra perfectamente con una letra que vuelve a explorar el sexo de usar y tirar, así como la decadencia física y mental, en seis minutos de intensidad electrónica. Es realmente destacable la pasión que aporta Almond en su interpretación, dejando claro que estaba avanzando notablemente como cantante.

5. “Kitchen sink drama”: Podemos decir que en este segundo álbum de Soft Cell hay un par de temas más amables que conectan hasta cierto punto con su álbum de debut, este sería uno de ellos. Marc Almond se estaba convirtiendo en un excelente narrador de historias y aquí nos relata la vida de una clásica ama de casa que lleva una vida totalmente aburrida y predecible pero que cada vez que viene el joven repartidor de periódicos fantasea con tener una historia con él, de hecho, el titulo primigenio de la canción era “Fantasy”. Dave Ball por su parte hace un excelente trabajo con la melodía de piano y sobre todo con esos poderosos toques orquestales que envuelven toda la canción. De alguna forma actúa como toque simpático entre tantas canciones sobre personalidades atormentadas.

6. “Baby doll”: Quizás el tema más oscuro y retorcido del disco con una introducción instrumental que ya va avisando con su carácter minimalista y los juegos con detalles corales pero utilizados de manera que contribuyen notablemente al sonido sórdido de la canción. Sonido que se hace más agresivo cuando Almond nos cuenta la terrible historia de una bailarina de striptease que tiene que recurrir a la prostitución con algunos clientes para poder salir adelante. Sin duda un tema muy crudo y sin adornos, donde Soft Cell vuelven a arriesgar. Baby doll es todo un triunfo y uno de los favoritos de los fans del grupo. Una canción tan dura que el propio Almond reconoce que es complicada de interpretar.

7. “Loving you hating me”: En mi opinión es la canción más comercial del álbum, y eso a pesar de la temática sadomasoquista de la misma. Es un ejemplo de lo que hacían en el primer álbum, tratar temas complicados o sórdidos pero que envueltos en amables sintetizadores pasaban el filtro del gran público. Tiene una melodía muy pegadiza y la novedad de un pequeño punteo de guitarra en el puente de la canción que queda cuanto menos curioso. Este tema fue single en USA pero no en UK, suponemos que después del fiasco de “numbers” la discográfica tenía pocas ganas de más singles, una pena pues tenía un gran potencial para darle al álbum el gran hit que no tendría.

8. “The art of falling apart”: El tema que da título al álbum tiene un estribillo de esos que se quedan a la primera y aun así no es para nada un tema comercial. Volvemos a los ambientes sórdidos y oscuros, una constante en casi todo el álbum. Nos encontramos ante una canción muy dura que trata sobre la autodestrucción de una persona, quizás el propio Almond que no llevaba una vida demasiado sana en esos tiempos. Por un lado, nos describe su decadencia física y mental y por otro es una salvaje celebración de su propia autodestrucción que podemos comprobar en la frase “My friends say I'm dying but I do it so well. Dave Ball consigue la banda sonora perfecta añadiendo una serie de sonidos propios de un film de terror, que combinados con la apabullante base electrónica que opera en el estribillo crea uno de los temas más memorables del dúo, aunque no apto para adolescentes, no vaya a hacer que hicieran locuras. De esta forma acaba el álbum original que son solo 8 temas, pero de una duración similar a su primer álbum. En el Reino Unido y USA con las primeras copias del álbum se regalaba un maxi que incluía el tema “Martin” y una serie de versiones de Jimmy Hendrix bajo el título “Hendrix Medley. Estos curiosos temas fueron añadidos sistemáticamente a todas las reediciones en CD de este álbum, de tal manera que para muchos forman parte del álbum propiamente dicho, aunque esto no sea así. Dada la importancia de estos temas extra haremos un pequeño repaso:

9. “Martin”: Parece que Soft Cell le cogieron el gusto a las películas de terror porque Martin es un homenaje al film del mismo nombre realizado por George A. Romero. Almond nos cuenta la historia de Martin, una persona enferma que se cree un vampiro y escucha voces que le incitan a matar. El tema está dividido en dos partes, una primera donde Almond nos cuenta la historia ayudado por un Ball que aporta una base electrónica ciertamente tenebrosa, aunque también bastante bailable, a la que se añaden golpes orquestales muy cinematográficos que recuerdan a las bandas sonoras de John Barry para James Bond. De hecho, Ball siempre se confesó fan de este compositor. La segunda parte es mayormente instrumental y combina voces fantasmagóricas con unas inquietantes percusiones. Al final el tema se va a los diez minutos que en ningún momento se hacen largos.

10. “Hendrix medley”: Este curioso medley está formado por los temas “Hey Joe”, “Purple haze” y Voodoo child”, que están bastante bien ensamblados y que al final todo el medley supera los diez minutos. Las versiones son bastante creativas sustituyendo riffs de guitarra por riffs de sintetizador, jugando con las bases de percusión y añadiendo algún que otro sonido inesperado. Para nada suena artificial, el tratamiento es bastante orgánico si bien el instrumento principal es el sintetizador. Curiosamente sería bien recibido por los fans de Hendrix que, hartos de las mil versiones que se habían hecho de las canciones del famoso interprete y guitarrista, reconocían que al menos Soft Cell habían intentado algo diferente. Por el contrario, para la mayoría de los fans de Soft Cell, este medley era considerado poco menos que una extravagancia sin sentido.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

“The Art Of Falling Apart” fue un disco arriesgadísimo en un momento donde el dúo podría haberse limitado a repetir la fórmula de su primer álbum y singles de éxito pero decidieron que tenían mucho más que decir, en cierto sentido les hizo crecer mucho como grupo, Dave Ball nos ofrecía ambiciosas atmosferas, casi cinematográficas mientras que Marc Almond además de progresar como cantante, se estaba convirtiendo en un excelente contador de historias de los bajos fondos, bien atento a la sociedad en la que vivía para sacarle todo su jugo a las contradicciones.

¿Es este álbum superior a su debut? No sabría decirlo, cada uno es magnífico en su campo. En este segundo álbum decidieron dejar atrás las melodías amables que envolvían los dramas cotidianos de su debut para hacer esta vez, algo mucho más crudo, de alguna forma se quitaron la máscara y el resultado fue apabullante, cierto que muchos los abandonaron, pero también que se ganaron completamente a la crítica y atrajeron a un público más interesado en los sonidos más oscuros y contundentes.

El disco, a pesar de no contener un single ni de lejos tan exitoso como los primeros, se vendió muy bien gracias a las críticas y a una gira que realmente era la primera propiamente dicha del grupo pues, aunque parezca mentira hasta entonces no habían hecho nada en este sentido verdaderamente organizado, sino conciertos esporádicos muy descontrolados fruto más bien de la locura de su manager Stevo y de la aptitud punk del dúo. Con todo, esta gira también tuvo sus momentos caóticos como su paso por España. En esa época se negaban a tocar “Tainted love” provocando el enfado del público, pero es que lo cierto es que acabaron saturados de esta canción.

Si bien el resultado comercial no fue malo llegando al número 5 en el Reino Unido y siendo disco de oro, sí que quedo bastante alejado de las ventas de “Non-Stop Erotic Cabaret”. Poco parecía importarles, habían conseguido la credibilidad buscada y hoy en día “The Art Of Falling Apart” es reivindicado como un álbum clave de los años 80. Un álbum que fue dificilísimo de grabar por la gran presión que sufría el grupo por parte de la discográfica además de sus propias adicciones. En el estudio la lucha estuvo entre David Ball y el productor Mike Thorne, este último buscando un sonido más limpio, al final esta disputa produciría un resultado excelente. Después llegaría el casi completamente anticomercial y punk “This Last Night In Sodom” (1984) donde despedirían la llamada etapa clásica del grupo tomando cada miembro caminos diferentes que se cruzarían con el tiempo.

Recientemente se ha reeditado este disco en una edición de superlujo que incluye 6 Cds con un montón de rarezas, edición en la que Dave Ball estuvo totalmente involucrado. En los últimos tiempos y ante sus gravísimos problemas de salud Dave se dedicó por un lado al catálogo del grupo y por otro a un nuevo álbum de Soft Cell “Danceteria” que fue completado poco antes de fallecer y que verá la luz en este año a no mucho tardar y será, esta vez sí, el último álbum de Soft Cell.

Sirva este articulo como homenaje a este genio de los sintetizadores que nos ha dejado demasiado pronto.

Texto: Alfredo Morales.

Programa ABC "Up" (Temporada 17/ Programa 4)

2026-03-15T22:28:00.002+01:00

El pasado 28 de febrero de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) dedicamos el programa al 5º trabajo de estudio del ya por entonces dúo formado por Martin Fry y Mark White.

Fue nuestro primer programa tras un parón navideño mucho más largo de lo habitual, motivado por las mejoras implementadas en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Creemos que fue un interesante programa con el que pusimos en valía un disco que merece mucho la pena, aunque en su día supuso y gran fiasco comercial y en resultados a ABC.

El programa no contó con redifusiones posteriores, con lo que les recomendamos que escuchen aquí mismo el programa o vayan a su enlace en Ivoox para proceder a su descarga y escucharlo cuando y como lo deseen: https://www.ivoox.com/dmr-17-4-abc-up-1989-audios-mp3_rf_170156389_1.html

Temporada 17/ Programa 5: Extremoduro y “Agila” (1996)

2026-03-13T17:30:00.007+01:00

Robe Iniesta se nos fue hace unos meses. No estaba personalmente al corriente de su estado de salud y la verdad es que la noticia me pilló totalmente por sorpresa. Sin duda, la de Robe es una pérdida muy importante dentro de la música española. Por ello, hemos considerado en “DMR”, además por idea de mi amigo Rubén Herráez (fan de Robe y Extremoduro, rendir tributo a su figura.

Lo haremos de la mano de uno de sus discos más relevantes al frente de Extremoduro. “Agila” en 1996 les permitió dar un salto de relevancia y hacerse más notables para un público más amplio.

La cita es este sábado 14 de marzo de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Les esperamos, no nos fallen, háganlo por la memoria de Robe.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1249924473355631

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

Madonna - Ray Of Light (1998)

2026-03-06T17:30:00.009+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Hubo una época en que a Madonna se le atribuía siempre la cualidad de la reinvención. A poco que vivieran los 90 recordarán que aquello de “Madonna se reinventa” era una muletilla bastante usual. Casi al nivel de “Los Rolling Stones son incombustibles”. Algo había de cierto en ello, quizá no en las dosis suficientes como para convertirlo en dogma, pero sí que hubo algo. Madonna comenzó fuerte la década de los 90, si incluimos 1990 en dicha década, con el gran éxito de “Vogue”. Todo esto, no lo olvidemos tras el terremoto de “Like A Prayer” (1989).

“Erótica” (1992) fue un disco a caballo entre lo tórrido y lo polémico. Letras de alto voltaje y la edición de forma simultánea de un libro llamado “Sex” que ya pueden suponer que no eran cuentos infantiles, crearon una notoria polémica. Ahí quedaron canciones como ”Deeper and deeper” o la canción título. “Bedtime Stories” (1994) era un disco, sobre todo en lo conceptual, más recatado, pero con signos de búsqueda de nuevos sonidos. Por ejemplo, en la canción título contó con la colaboración, en la composición, de Björk y de gente vinculada con el trip hop como Marius de Vries y Nellee Hooper. En España nos tocó de cerca el single “Take a bow”, por su videoclip rodado en Antequera y su tono taurino.

Otro giro de orientación fue “Something To Remember” (1995) una recopilación de baladas, con unas cuantas que habían aparecido en películas, y que pretendía alejarse algo de la imagen algo sexualizada de anteriores obras. El primer single fue una canción nueva: “You’ll See” y dejó cosas interesantes como la colaboración con Massive Attack para hacer una versión de “I want you” de Marvin Gaye.

Podemos considerar un cambio de tercio total que su siguiente proyecto musical fue cantar en la banda sonora de “Evita” (1996), la película del gran Alan Parker. No fueron pocos los que desconfiaron de las dotes musicales de Madonna para afrontar vocalmente un musical. Consciente de ello Madonna tomó clases de canto y cumplió solventemente con papel de Eva Perón.

Lo que nos ocupa en este artículo es la siguiente referencia: “Ray Of Light” (1998). Madonna, que siempre ha tenido buen olfato para acompañarse de la gente adecuada, contó con la producción de William Orbit. Esto significó una música más basada en atmósferas y ambientes, arreglos sutiles y una mezcolanza de estilos electrónico: house, new age, ambient, trip hop…Las letras y algunos detalles tienen tendencia hacia la mística, cosa que no es de extrañar, pues Madonna estaba fascinada con la Cábala, el hinduismo y el budismo, etc.

Para los estándares de Madonna incluso se puede hablar de disco “experimental”, pero tampoco esperen cantidades masivas de vanguardia, más bien una obra de sonido misterioso, introspectivo e hipnótico. Todo ello sin olvidar que la materia prima es el pop. El disco funcionó de maravilla; fue número uno en diecisiete países y habrá vendido alrededor de dieciséis millones de discos. Con semejantes expectativas lo mejor es pasar ya a analizar la obra.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Drowned world/Substitute for love”: El cambio en la dirección del sonido de Madonna se presenta ya de inicio. No es una intro contundente, épica o que sea una patada en la puerta. Al contrario, es una balada ambient, de sutiles bases electrónicas y semejanzas al trip hop. Madonna canta con suavidad, con una candencia acariciante. No es que sea canción usada como introducción, es una señora canción de más de cinco minutos de arreglos ambientales. Y además es bastante bonita. Fue tercer single. En el vídeo Madonna va sorteando agobiada paparazzis hasta llegar a casa y abrazar a su hija. La idea a transmitir es un cambio en el paradigma de celebridad que la cantante estaba buscando. Como refrendo al final de la canción Madonna canta” he cambiado de parecer, esta es mi religión”. También es de notar el impacto del nacimiento de su hija en octubre de 1996. “El mundo sumergido” al que alude el título es una mención a la novela postapocalíptica de J.G. Ballard del mismo nombre Empezamos bastante bien.

2. “Swim”: Más movida es esta canción, que se inicia incluso con algunos acordes de guitarra eléctrica. Y en efecto es un medio tiempo con cierto sentido del ritmo, pero todavía basada en bases electrónicas sutiles. La línea vocal es sobria, pero melodiosa y accesible. Una canción misteriosa, amable y hecha y producida con gusto.

3. “Ray of light”: Y esto, damas y caballeros, es un temazo, un pepino de canción, un hit incontestable. Es un manual de cómo hacer una canción dance de fuertes bases y beats incluyendo un sofisticado toque hipnótico de misterio. Parece como si fuera una canción dirigida tanto a la pista de baile como a la mente. Todo está en su sitio, incluso los leves acordes de guitarra eléctrica hacen su función. Fue segundo single del disco. Su vídeo musical es bastante conocido y amalgama a toda velocidad imágenes cotidianas de varias ciudades del mundo, dando la sensación de estrés moderno. También vemos a Madonna bailar. El tema esencial de la letra es la libertad, conseguida a través de mirar al mundo con diferentes ojos.

4. “Candy perfume girl”: Bajamos un poco las revoluciones con un medio tiempo brioso, pero con unos detalles de guitarras al estilo del rock alternativo de los 90 que sobre todo se notan en el cambio de ritmo hacia el final de la canción, momento en el cual suenan varias distorsiones, Las bases siguen siendo electrónicas, de tal modo que casi podríamos hablar de ¿techno-rock? En cualquier caso, Madonna suena más desafiante que en anteriores canciones. No es de lo más destacado, pero no suena mal.

5. “Skin”: La canción más larga del disco, con más de seis minutos. Hay aspectos del disco que podemos ir destacando. Como el hecho de que la voz de Madonna adopta un tono más bajo que en la mayoría de los discos de su obra hasta entonces. Esto viene bien para canciones como ésta, misteriosa, estilizada, de bases obsesivas y algo oscura. Una canción que, por sus bases, totalmente electrónicas, entra dentro del dance, pero lo adereza con un buen sentido de la atmósfera. Aunque se extienda quizá un poco más de la cuenta, es una de las joyas ocultas del disco.

6. “Nothing really matters”: Empieza como una canción ambiente, pero pronto se convierte en el momento más lúdico del disco. Vendría a ser como una especie de funk electrónico, sencillo y pegadizo, con aportaciones de gran parte de los músicos de los que se hizo acompañar Madonna durante la grabación de “Ray Of Light”: Marius De Vries, William Orbit y Pactrick Leonard. Fue el último single del disco, allá por febrero de 1999. El vídeo musical tenía aires orientales y Madonna lucía bien con un kimono rojo diseñado por Jean Paul Gaultier.

7. “Sky fits heaven”: Vuelve la mezcla de ambient con potentes beats. Es una electrónica que recuerda a “Skin”, aunque con un estribillo menos ensimismado y más épico. Y este toque entre el baile y la hipnosis es lo que le da ese toque tan particular y acertado a este disco. A eso de los tres minutos se insertnr unas guitarras distorsionadas que casi suenan a música industrial, aunque accesible. Me gusta el toque de la canción. Otra joya oculta más- Parte de la letra se inspiró en un escrito del poeta británico Max Bragg.

8. “Shanti/Ashtanghi”: Todos los intereses de Madonna en el hinduismo el budismo y el yoga convergen en esta canción. Partiendo del hecho de que la letra está en sánscrito y está sacada de una oración que se recita antes del yoga, la música coherentemente suena a oriental. Todo ello mezclado, eso sí, con unas reptantes bases electrónicas que van ‘progresando durante la canción. Sí que parece algo así como una letanía, y la melodía vocal de Madonna a medio camino entre lo recitado y lo cantado. El caso es que, aunque suena más o menos mística, la canción por momentos es incluso juguetona.

9. “Frozen”: Me encanta esta canción. Digamos que, si tuviera que hacer una recopilación de 20 o 25 canciones favoritas de los 90, “Frozen” podría estar en ella. Es una afortunadísima muestra de arreglos clásicos de cuerda, sonidos electrónicos atmosféricos, y Madonna cantando de una manera extrañamente sugerente, Los canturreos que dan pie al estribillo son un detalle leve, pero estupendo. Flirtea magistralmente con la electrónica downtempo,el trip hop y los suntuosos arreglos orquestales. El vídeo es también una baza ganadora. Dirigido por Chris Cunningham, tiene atmósfera oscura, casi gótica, pareciendo la propia Madonna una especie de bruja, No sé si viene mucho a cuento decirlo, pero la Madonna de moreno me parece particularmente sexy. El single, allá por febrero de 1998, fue todo un éxito, siendo la carta de presentación de “Ray OF Light”. Que hayan pasado ya 28 años me deprime un poco.

10. “The power of goodbye”: Esta canción es, podríamos decir, el momento melancólico más químicamente puro de la obra. Lo es de forma honesta, causando una genuina sensación de tristeza. Puede que se un tanto obvia, pero es eficiente para lo que se propone, y la producción es más bien electroacústica combinando arreglo de cuerda, guitarras acústicas, y en menor grado de eléctrica, y las consabidas bases electrónicas. Lo más destacable, no obstante, creo que es la bonita melodía vocal de Madonna. Fue cuarto single. En Reino Unido fue una doble cara A junto con “Little star”, de la que ya hablaremos.

11. “To have and not to hold”: Entramos en la parte final del disco, conformada por tres canciones etéreas, flirteando mucho con el ambient y basadas en atmósfera suaves y ensoñadoras. Esta canción sigue los cánones de una balada, pero con arreglos y una ejecución tan introspectiva, que te deja pensando más que conmovido. Los toquecillos ambientales de sintetizador son deliciosos y evocadores. Canción para escuchar a oscuras o a media luz.

12. “Little star”: Podríamos definir esta canción como una nana ambient donde todo es etéreo y al mismo tiempo tiene una ternura naif encantadora. Bonita de una forma distinta a lo usual, pues, aunque sea muy leve en sus formas te quedarías escuchándola un rato más. Suena a nana porque líricamente está atada a Lourdes Leon, la hija de Madonna (“nunca olvides quién eres, pequeña estrella). Como decíamos anteriormente fue doble cara A en Reino Unido, junto con “The power of goodbye”.

13. “Mer girl”: Esto sí que es ambient puro y duro, matizado por la línea vocal de Madonna, que siendo suave la mayor parte del tiempo, a veces cobra más vigor, Instrumentalmente bastan unos leves y atmosféricos toques de sintetizador. Siendo Madonna un ejemplo de pop efervescente, es peculiar el cierre de disco con esta seguidilla de canciones bordeando a veces lo new age.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Si me preguntan, “Ray Of Light” podría ser mi disco favorito de Madonna. Sí, es verdad que fue una reinvención en forma y fondo. De un lado abrazando estilos musicales poco obvios y con un origen apartado del mainstream para dar lugar a un disco que, de todos modos, es perfectamente disfrutable por cualquier oyente medio. Del otro lado, Madonna, se interna en temáticas más introspectivas y espirituales, con arreglos evocadores y etéreos. El experimento fue bienvenido y fue un disco exitoso.

Podemos hablar de canciones sueltas que llegaron poco después de “Ray Of Light”. Por ejemplo “Beautiful stranger”, como parte de la banda sonora de “Austin Powers: La Espía Que Me Achuchó”, con un rollo sesentero que no sonaba mal. Yo la tengo asociada, apunte viejuno, a los días de C.O.U. y Selectividad. Otra canción suelta fue la versión de “American pie” de Don Mclean, y también fue para una película: “Algo Casi Perfecto” (2000), que estaba protagonizada por Madonna. Lo de Madonna y el cine lo dejamos para otro día, pero si lo que más se recuerda es la canción (que dicho sea de paso cercena cuatro minutos de la original) imaginen cómo será la película.

Más avanzado el 2000 llegaría “Music”, muy influenciado nuevamente por la electrónica, pero con unos fundamentos estilísticos y estéticos más kitsch y petardos (no en el mal sentido). Para ello reclutó al productor y músico suizo Mirwais, quien poco antes había tenido fortuna con “Disco science”. La canción título fue éxito, y algunas como “Don`t tell me” también sonaros bastante”. Ojo a “What it feels for a girl” en su version single, no de disco, porque es una macarrada importante, acompañada además por un vídeo musical de Guy Ritchie, que por entonces era pareja suya.

En 2002 llegó otra canción para una película: “Die another day”, como tema principal de la película de James Bond del mismo nombre; la última de Pierce Brosnan como 007. Generalmente bien recibida, Menos éxito tuvo su disco “American Life” (2003), líricamente muy marcado por el 11 S, la guerra de Irak y la administración Bush. La crítica fue bastante negativa con la canción título, y los singles posteriores no tuvieron mucho alcance. Así con todo, me gustó “Love profussion” , el último de los sencillos, que es una golosina pop.

Un par de años después Madonna volvería con otro pelotazo. Y es que el disco “Confessio on a dance floor” (2005), traía consigo “Hung up” que con su sampling de Abba y su infecciosa melodía vocal se convirtió en un gran éxito. El álbum en sí, era un homenaje a la música disco, pasada por el filtro del siglo XXI. “Sorry”, el segundo single, también tuvo bastante repercusión.

Tras publicar material en directo, en 2008 llegó “Hard Candy”, con refuerzos como Justin Timberlake y Timbaland. No se puede decir que fuera mal recibido. De hecho, fue número 1 en 20 países, pero la crítica fue más divisiva. A mí personalmente “4 minutes”, p.ej, no me dice gran cosa. En 2009 llegó su recopilatorio “Celebration”, y otro disco en directo. A partir de aquí estrictamente hablando solo hay tres L.P: “MDNA” (2012), cuyo single principal “Give me all your loving” no me gusto casi nada, “Rebel Heart” (2015) y “Madame X” (2019) influenciado por la música latina y que prácticamente no conozco, Lo demás son directos, remezclas y E.Ps.

Madonna reinventándose, o adaptándose, ha ido resistiendo los años. Y ha tenido que competir con artistas, más o menos, herederas suyas. A principios de los 2000 podrían ser Britney Spears y Christina Aguilera. Una década después Lady Gaga o Katy Perry, y ciertamente de unos años a esta parte Madonna no es el evento, por así decirlo, de antes, pero su legado y hoja de servicios es muy extensa y significativa.

Texto: Mariano González.

Programa The Cure "Songs Of A Lost World" (Temporada 17/ Programa 3)

2026-02-28T19:33:00.003+01:00

El pasado 6 de diciembre de 2025 llevamos a cabo un interesante debate radiofónico sobre el hasta la fecha último disco de estudio de la banda liderada por Robert Smith. Llevaban 16 años sin editar nuevo material. Y la espera mereció la pena.

El programa se emitió en directo en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) a las 16.00h en la fecha citada. Fuimos 3 las voces encargadas de poner en mucha valía este disco de estudio: Carlos Caballero (vía telemática), Mariano González y Víctor Prats.

Por si no pudieron escuchar el directo en el dial indicado ni las redifusiones posteriores en la misma frecuencia, aquí les insertamos el reproductor para su escucha directa y también les dejamos el link de su alojamiento en Ivoox para su descarga totalmente libre si así lo desean: https://www.ivoox.com/dmr-17-3-the-cure-songs-of-a-audios-mp3_rf_169271927_1.html

Realización programa ABC “Up”

2026-02-27T17:30:00.001+01:00

Al fin, parece ser que, salvo imprevisto, este sábado 28 de febrero de 2026 llevaremos a cabo la realización del programa dedicado al disco “Up” de ABC. La fecha prevista para su realización era el 20 de diciembre de 2025, pero las mejoras en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) nos obligaron a su aplazamiento hasta en 3 ocasiones.

Finalmente este sábado podremos llevarlo a cabo y así de paso recuperar también la actividad de nuestra 17ª temporada de radio. Les esperamos.

Recordando canciones: Spandau Ballet - With the pride (Parade, 1984)

2026-02-20T17:30:00.001+01:00

Llevaba tiempo pensando en hacer algún tipo de artículo diferente a los habituales que hay en el blog, que principalmente son las revisiones de disco tema a tema (el origen del blog), las crónicas de concierto, los post relativos a nuestros programas de radio y los artículos de balance, aniversarios o informativos por cierre de vacaciones.

Ahora, de cuando en cuando, y porque un artículo de revisión tema a tema no se crean ustedes que es fácil de elaborar, habrá espacio para ir más al detalle y recordar canciones puntualmente dentro de discos que hayamos podido revisar ya o no. Serán pequeños artículo, que básicamente buscarán poner en valía la canción y que, espero, provoque en ustedes las ganas de ir a escucharla a cualquier sitio o plataforma de forma inmediata.

Comenzamos, creo que a lo grande, con una canción que no fue single, lo cual es muy nuestro, con lo que es muy necesario un post como este para reivindicarla. Que su autor, Gary Kemp, compositor del 99,99% del material de Spandau Ballet la cite como su preferida en alguna entrevista, no es algo que podamos pasar por alto.

“With the pride” tiene hermanas mayores de lp como “Only when you leave” o “I’ll fly for you” que a efectos promocionales en su día la eclipsaron totalmente. Es cierto también decir que en las últimas giras de reunión del grupo, e incluso ya en la gira del siguiente disco “Through The Barricades”, el grupo la interpretó de forma más desnuda y acústica, ofreciendo una toma también realmente buena. No obstante, yo voy a poner en valía principalmente la toma de estudio, la que forma parte propiamente de “Parade”.

Considero que es quizás la canción más elegante de Spandau Ballet, lo cual ya es mucho decir. El solo de saxofón de Steve Norman a mitad de la pista es fabuloso, Tony Hadley modula su intensidad y entrega al micrófono de forma muy acertada, alternando calidez con entrega pasional cuando toca, e incluso el perfil bajo del compás de John Kebble en la batería, bien acompasado por el bajo de Martin Kemp, casan a la perfección. Las guitarras de Gary Kemp no destacan especialmente, pero es que realmente todos los elementos de unen de manera sublime para dar lugar a una canción que creo que tiene poca posibilidad de discusión.

“With the pride” es una auténtica maravilla, espero que disfruten recordándola y que si por alguna casualidad no la conocen se lleven una grata sorpresa en parte por nuestra altruista labor de difusión cultural. Para facilitarles su escucha, siempre que podamos, les insertamos el vídeo del audio para que escuchen la canción aquí directamente. En este caso, como no fue single, no tiene videoclip, pero tampoco lo necesita, créanme.

3er. aplazamiento programa ABC “Up”

2026-02-13T22:26:00.001+01:00

Lamentablemente mañana tampoco podremos llevar a cabo el programa sobre ABC y su disco "Up". No obstante, creo que al fin la fecha del 28 de febrero será la definitiva para realizarlo y reiniciar nuestra 16ª temporada de radio. Paciencia.

Kate Bush - The Dreaming (1982)

2026-02-06T17:30:00.011+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Tenía que llegar este momento, el de revisar este disco y de confesar que la idea original de crear “Discos, música y reflexiones” se basó claramente en una magnífica revisión de este lp que hoy nos ocupa, tema a tema, que había en una página web; además, me parece una falta personal por mis gustos musicales que hayan pasado 3 lustros desde que hice el último artículo sobre un disco de esta artista. Es una tarea de responsabilidad analizar un disco de tal calado y relevancia en la trayectoria de una artista como Kate Bush y quizás no vaya a estar a la altura, ya que este post precisaría de una redacción más elaborada y prolongada en el tiempo, por su importancia, por su contenido y por respeto a la hora de rendirle tributo. Lo haré lo mejor que pueda.

En 1982 Kate Bush se encontraba en un momento de cierta complejidad en su corta carrera. Con “Never For Ever” de 1980, Kate se había abierto a sonidos más pop y eclécticos, con mucha maestría, partiendo de la estructura muy clásica y con notable base de piano de sus 2 discos de 1978. Además, en esos meses bisagra entre una década y otra, Kate había ofrecido su último concierto, no volviendo a ofrecer un concierto en 35 años.

Esa evolución magistral de “Never For Ever” experimentaría una vuelta de la rueda hacia territorios más extremos, intrincados e incluso oscuros y malditos. Es curioso que 1982 viera como se editaron discos tan radicales de artistas que admiro tanto como fue el caso de Kate Bush con este “The Dreaming” que hoy nos ocupa y The Cure con su “Pornography”.

“The Dreaming”, con esa portada con Kate representando como en teoría a Houdini le pasa a través de su boca una llave, es un álbum muy arriesgado en sus formas, melodías y sonidos. Hay lugar para poca relajación, más bien al contrario, hay sacudidas notables y espacio para pocos momentos distendidos, aunque también los hay. Es un disco complicado, pero no por ello deja de ser fabuloso, una obra maestra. De primeras es probable que no te entre con facilidad e incluso te cause rechazo, pero con el paso del tiempo, muy probablemente, termines abrazándolo como uno de tus favoritos de la artista. Pasemos a analizar sus canciones.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Sat in your lap”: El disco arranca con sacudida de percusión con la agitada “Sat in your lap”. Es una canción obsesiva e hipnótica. En la parte vocal Kate se mueve por todos sus registros, desde los más graves hasta los más agudos. El videoclip, con esos capirotes y las coreografías de patines, no deja de resultar curioso y no le va mal al single. Fue, efectivamente, sencillo y una demostración de riesgo en esa elección. No deja de ser una buena carta de presentación de “The Dreaming”, la “bienvenida” correcta, debido a cierta incomodidad que puede suponer, sobre todo en ese estribillo de agudos.

2. “There goes a tenner”: Hay espacio para pocos momentos llevaderos o amables, pero los hay. “There goes a tenner” es un capítulo pop, con algún pasaje incluso onírico. El sonido pop, sin embargo, no se acompaña de un estribillo propiamente, con lo que no estamos ante una estructura evidente. Los arreglos son grandilocuentes, incluso la modulación vocal de Kate en las interesantes estrofas. El videoclip, con Kate liderando una banda de ladroncitos, también es gracioso y no le va nada mal a la pista.

3. “Pull out the pin”: Llegamos a uno de los episodios turbios y de cierta oscuridad algo calmada. También apreciamos un punto más en la exageración vocal de Kate cuando entona ese “amo la vida” de forma desgarrada; no se crean, ya que “Pull out the pin” no será el episodio más extremo en ese sentido. El tema de carácter antibelicista ya lo trató Kate en “Army dreamers” en el disco anterior. Ya a estas alturas nos damos cuenta de la complejidad de “The Dreaming” con esta canción que es bastante peculiar en estructura. No hemos pasado llegado aún a la mitad de la obra.

4. “Suspended in Gaffa”: Siempre me ha dado la impresión de que “Suspended in Gaffa” es una canción que podría ejercer de nexo o puente entre el predecesor “Never For Ever” y este “The Dreaming”. Es otro de los pasajes amables del disco, con un estribillo bastante melódico y con una Kate bastante suavizada al micrófono. No es mala canción, aunque quizás sea de las que menos tengan que ver con el conjunto del lp. Contó con un gracioso videoclip bailando en una especie de granero.

5. “Leave it open”: Seguimos avanzando por “The Dreaming” para encontrarnos con “Leave it open” y avanzar en la idea de convencernos que estamos ante un disco inquieto y bastante oscuro. Canción muy misteriosa, con notables arreglos de producción que hace que las voces y sonidos vayan y vengan, creando una ligera sensación de desasosiego. Las 2 caras del disco terminan de forma intensa, pero, sin ánimo de hacerles demasiado spoiler, “Leave it open” se queda en casi nada al lado de la que cerrará la cara B y el disco en sí, por mucho que en su tramo final la canción gana músculo y malditismo, con unas partes vocales grabadas al revés.

6. “The dreaming”: La cara B arranca con fuerza con la canción que da el título al disco. “The dreaming” representa muy bien al conjunto del disco. Aquí nos encontramos ante una composición que toma influencias incluso de la música africana y casi parece como una canción de ritual o conjuro. El videoclip está perfectamente en consonancia con la canción, muy oscuro y con coreografías que refuerzan la idea de ritual. Nuevamente una composición inquietante y con carácter hipnótico y onírico cercano a una cierta pesadilla.

7. “Night of the swallow”: Se van formando nubarrones a medida que vamos avanzando en “The Dreaming”, pero ahora hay espacio para una canción que se desmarca de la oscuridad para llevarnos a territorios celtas. En mi opinión “Night of the swallow” es la mejor canción del disco. Es bella, con una melodía perfecta y que hace muy bien sus transiciones entre estrofas, puente y estribillo. El estribillo es arrebatador y con mucho gancho, creo que algo parecido hizo 23 años más tarde Kate en “Aerial” con “Sunset” a la hora de confeccionar una canción con estrofas lentas y misteriosas que rompen en un estribillo brutal. En “Night of the swallow” se van sumando cada vez más instrumentos para ofrecernos su última parte de forma exuberante. El uso de las gaitas irlandesas, un total acierto bajo mi punto de vista. La gran joya oculta del disco, ya que, incomprensiblemente, aunque fue single no gozó de un videoclip promocional que le diera en esos días una mayor difusión.

8. “All the love”: Tras el capítulo animado de “Night of the swallow” iremos avanzando hacia la oscuridad y ahora llega la atormentada “All the love”, con un cierto enfoque se resignación en su melodía. De alguna manera, “All the love” conecta, gracias al uso del piano, con los discos iniciales de Kate, aunque está tamizada totalmente con el sentido del presente “The Dreaming”. Es también llamativa en su estructura, con notables cambios de ritmo, con bajadas y puntuales acelerones. El estribillo es muy sencillo y cuenta con una Kate muy sentida en el micrófono.

9. “Houdini”: La figura de “Houdini” es relevante dentro del disco, partiendo ya desde la comentada portada. Es curioso el cierto aire de ensoñación que tiene la canción en ciertos momentos, que al instante vira a lo turbio. No es una canción extrema, pero ya nos advierte de que el final del disco no será amable. A ratos es una canción realmente bella, con una concepción muy clásica y nuevamente reminiscente de “The Kick Inside”, pero con momentos en los que Kate se muestra desagradable e incluso grotesca en las voces, creando esa inquietud que impregna la escucha continua y completa del disco.

10. “Get out of my house”: Utilizando el paralelismo de disco compañero de quinta, si “Pornography” de The Cure acaba con la canción título, quizás la más horrenda y virulenta del disco, “The Dreaming” de Kate Bush acaba con “Get out of my house”, que también envuelve al disco de forma cíclica, ya que la percusión recuerda bastante al arranque de “Sat in your lap”. Esos coros traseros gritando el título de la canción, desgarrados, la percusión, la distorsión de las guitarras y la creciente inquietud de la línea vocal principal de Kate nos presentan una canción oscura y potente que le pone el broche perfecto al disco. No me podría imaginar un final más apropiado entre las otras canciones del álbum. “Get out of my house” es uno de esos ejemplos de canción que te deja sin palabras cuando se hace el silencio al terminar el lp; no en vano está inspirada en “El Resplandor” de Stephen King. Una canción maldita, intensa, potente y maravillosa. Los gritos casi guturales de la parte final, prácticamente nos llevan a una especie de exorcismo musical. Sobrecogedora.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Si analizamos el resultado del disco en su momento de lanzamiento podemos decir que “The Dreaming” fue un fracaso y un patinazo en la trayectoria de Kate Bush. Lo que hasta el momento había sido una carrera llena de éxitos y que empezó con un nº 1 como “Wuthering heights”, ofreció un disco que en sí tampoco obtuvo tan malas cifras (aunque alguno de los singles no entró ni en los charts directamente, leí una vez por ahí), pero que sí suponían una bajada notable con respecto a lo anterior.

Esto supuso un golpe para Kate, que se vio contrariada al ver que no se entendió el sentido de la obra. El tiempo ha terminado poniendo en su correcto lugar a “The Dreaming”, pero discos de este perfil es normal en su momento no funcionen, y más en una artista que tampoco se había caracterizado por ser demasiado sombría; si con The Cure y “Pornography” pasó, y eso que Robert Smith y compañía no eran sospechosos en lo que a trabajos oscuros se refería, pues imagínense con Kate.

Kate Bush ya se tomó su tiempo para una nueva entrega. “Hounds Of Love” salió en 1985 y le permitió volver por la puerta grande, sobre todo gracias a un single maravilloso, con muchas vidas (véase recientemente), como fue “Running up that hill (A deal with God)”. El siguiente trabajo también tenía en su contenido una especie de “The Dreaming”, ya que “Hounds Of Love” realmente se compone de 2 discos y el 2º titulado “The Ninth Wave” no anda muy lejos de este álbum analizado hoy de 1982.

A título personal he de comentar y recordar que con este disco pasé alguna buena tarde de domingo escuchándolo en casa de mis padres allá por 2006 o 2007 en compañía de los colaboradores que ya conocerán de nuestro programa de radio, Mariano González y Sergio Calero.

“The Dreaming” es un disco difícil. La propia Kate lo ha denominado incluso como su álbum loco. Hay que tomarse su tiempo para cogerle su punto. Está lleno de matices, tanto en las voces de Kate como en los diversos instrumentos y melodía que presta. No lo considero apropiado para escucharlo por la calle o para escucharlo en el coche. Creo que es de esos discos que hay que escuchar prestando atención, cuando estás tranquilo en casa. Hay que encontrar un momento en el que puedas sentarte cómodamente para escucharlo y aceptar este particular viaje onírico cercano a la pesadilla que te ofrece “The Dreaming”. Yo, por motivos de familia, cada vez encuentro menos momentos de esos para escuchas de calidad, pero si ustedes pueden, háganlo.

2º aplazamiento programa ABC “Up”

2026-01-30T17:30:00.001+01:00

Realmente se trata del 3er. aplazamiento, ya que teníamos previsto haber llevado a cabo este programa el pasado 17 de enero, pero no avisamos por nuestro blog, solamente en las redes sociales.

Debido a los procesos de reforma y mejora de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) todavía no es posible llevar a cabo la grabación ni la emisión en directo del programa en condiciones óptimas.

Esperamos que el día 14 de febrero podamos hacerles un regalo de San Valentín en forma de regreso a nuestra actividad en las ondas.

Metallica - Metallica (1991)

2026-01-23T17:30:00.001+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Debería empezar diciendo que Metallica no es exactamente de mis bandas de cabecera, lo cual no quiere decir demasiado salvo que hay un puñado de grupos que me gustan más y a los que recurro con más asiduidad. Evidentemente ello no significa que no disfrute con su música, porque de hecho sí lo hago espoleado por la curiosidad, y la convicción de que cuantos más géneros toques, más te diviertes.

Empecemos por los elementos más sencillos. El nombre, por ejemplo. La denominación precisa del disco, al ser epónimo, es sencillamente “Metallica”, si bien por las tonalidades negras de la portada, que son casi absolutas salvo el logo de la banda y una serpiente de la que luego hablaremos, ha sido conocido desde siempre como “The Black Album”. Es decir, como ocurre con el “White Album” de los Beatles, pero cambiando colores.

Es un disco relativamente divisivo. Metallica comienzan a dejar atrás el trash metal de velocidad galopante y estructuras largas y complejas, por un formato de canción más convencional y cercano al heavy metal usual. No es una retractación completa, y aún quedan rescoldos de trash metal, pero sin duda este disco es más accesible. Hecho que quizá no gustó demasiado a los fans de primera hora, o a los más devotos del trash. Indudablemente singles como “Nothing else matters” o “Enter Sandman”, que tuvieron una buena rotación, ayudaron a aumentar la popularidad de los angelinos. Dado su sonido relativamente accesible (la cosa sigue sonando fuerte), y la popularidad general de algunas canciones, esta obra quizá sea la más adecuada para iniciarse en Metallica, o para realizar una escucha selectiva de la banda.

Como todas las referencias anteriores son tótems adorados por los amantes del metal, conviene que los mencionemos. Nos estamos refiriendo a “Kill’Em All” (1983), “Ride The Lightning” (1984), “Master Of Puppets” (1986) y “…And Justice Fot All” (1988). 4 discos venerados, favorablemente unánimes en sus críticas, y de gran influencia. Tampoco es que sea una fase pétrea de decibelios a velocidad supersónica, hay dentro de ellos cierta evolución. Muchas canciones clásicas provienen de esta época: “The four horsemen”, “Fade to black”, “Creeping death”, Master of puppets”,“Battery”, “One”… Un suceso importante en la historia de la banda fue la muerte del bajista original Cliff Burton, a causa de un accidente de autobús en plena gira por Suecia en 1986. Su figura es la de un músico de culto, que muchos asocian a la mejor época de la banda.

En esta transición Metallica contaron con el productor Bob Rock, que también trabajó con Bon Jovi o Aerosmith entre otros. Se trata de una figura controvertida en la medida de que sus producciones tienden hacia un enfoque más comercial y suele ser acusado de vender la esencia de las bandas a cambio de un mayor éxito. En cuanto al sonido del disco, asumiendo la premisa principal de que es más accesible, no suena nada mal, aunque supongo que ya es cosa de la perspectiva con que se miren los géneros. Aun así, los desacuerdos y discusiones con la banda fueron constantes.

La formación de la Metallica la constituían James Hetfield (voz, guitarra rítmica, y ocasionalmente guitarra principal), Lars Ulrich (batería), Kirk Hammet (guitarra principal) y Jason Newsted (bajo).

Se tratan de un disco muy disfrutable, y pesar de rebajar el tono barroco de las obras anteriores, tengan en cuenta que la duración se va hasta los 62 minutos y pico divididos en doce canciones. Procedemos al análisis.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Enter Sandman”: El inicio es auténticamente de lujo, y lo constituye uno de los clásicos absolutos de la banda. La forma en que entran poco a poco las guitarras, y la sección rítmica, hasta que se forma el riff principal (que encima es pegadizo) es una apisonadora. La canción posee una melodía muy directa y un buen estribillo, además de un solo bastante majo, sin un virtuosismo excesivo. Me parece un buen equilibrio entre potencia y cierta accesibilidad y puede que sea, en su espíritu, una buena representación del disco. Fue el single de presentación y no falta en ningún concierto de Metallica. La letra habla de las pesadillas infantiles, y el tal Sandman es un personaje del folklore europeo que trae los sueños a los niños.

2. “Sad but true”: Esta canción es más cadenciosa, marcada y sinuosa. Sin tener el poderío del primer tema, tiene algo doloroso que le añade intensidad emocional. Haciendo un poco de esfuerzo puede recordar a Black Sabbath, por ese toque “arrastrado” y decadente. No está nada mal. La canción habla del lado oscuro de una persona tomando el control, y puede que se base en la película (por cierto, recomendable, además de inquietante) “Magic” (1978). Fue el quinto y último single, ya tardío, allá a principios de 1993.

3. “Holier than thou”: Los ritmos rápidos y los agresivos riffs de guitarra remiten al pasado trash metal de Metállica. Es la canción más corta del disco, pero concita una poderosa descarga eléctrica. En un primer momento se pensó que podía ser single, pero se desechó ante el potencial de otras canciones.

4. “The urforgiven”: Junto con “Nothing else matters” la balada del disco. El primer minuto tiene una introducción con guitarra española que casi parece (vagamente) flamenco, mezclado con una sonoridad de espagueti western. A partir de ahí cogen fuerza las guitarras eléctricas, y no deja de ser curioso que las partes más aguerridas sean las estrofas y la más lenta y melancólica sea el estribillo, ya que normalmente suele ser al revés. Buen punteo de Kirk Hammett. La sensación de desaliento y desánimo está bien lograda. La letra hablaría de la lucha de una persona por mantener su individualidad contra las imposiciones grupales o de la sociedad. Fue segundo single y entra en la categoría de clásicos de Metallica.

5. “Wherever i may roam”: Metallica se esfuerzan en hacer una buena presentación del riff principal. Primero con una intro misteriosa con sitar y aires orientales, luego entran unas guitarras de ritmo pesado y lento, para pasar a otras guitarras huracanadas en forma de soberbio e imparable riff. Una de las composiciones más potentes del disco, que además amerita una melodía vocal pegadiza (dentro de lo que cabe) y no se hace repetitiva a pesar de durar 6 minutos y 44 segundos. Fue cuarto single del disco y la letra habla de estar continuamente en la carretera de gira, lo que da la sensación de no tener un hogar fijo.

6. “Don’t tread on me”: Más arrastrada que rápida, la canción cabalga a lomos de la batería de Lars Ulrich y los riff de James Hetfiled. Hay como un cierto aire marcial y pétreo, aumentado por algunos momentos vocales algo guturales El título de la canción hace referencia a la Bandera de Gadsden, donde aparece también la serpiente enroscada que hay en la portada del disco. Este símbolo data de los tiempos del siglo XVIII, y en concreto de la Revolución Americana, y hoy día suele representar el libertarismo, y cierta tendencia conservadora. La banda había escrito con “…And Justice For All” un disco antisistema y contestatario. Pero en este otro quisieron dar una versión positiva de su país, según el propio James Hetfield. Alguna parte de la letra se ha considerado como militarista, lo cual sería una contradicción con “One” de su anterior disco, inspirada en la película “Johnny Cogió Su Fusil”. En cualquier caso, la banda siempre ha dicho que lo suyo no es hacer proclamas políticas. Al principio del tema se escucha brevemente un fragmento de la canción “America” de “West Side Story”.

7. “Through the never”: Una de las canciones más directas, sencillas y cañeras del disco Puede recordar en algo a la épica trash de Metallica. A pesar de que tiene algún cambio de ritmo entre la mitad y el final de la canción, no es de los cortes, más destacados del disco y va a machamartillo con poco más que ofrecer además de un buen chute de energía.

8. “Nothing else matters”: La canción de Metallica más conocida por el público en general, parada habitual de radiofórmulas como Rock FM, o incluso de los 40 Clásicos, y versionada en diferentes estilos (me acuerdo de la versión de Lucie Silvas en 2004). La veo como una “Stairway to heaven” de los años 90, y quién sabe si “La chispa adecuada” de Héroes del Silencio participa en esta genealogía. La canción, ya saben, empieza con unos delicados acordes acústicos, reforzados después por la batería en un crescendo que conduce a un bombástico punteo de guitarra. La canción es ciertamente bonita, y es un género, el de las baladas heavy, con bastante aceptación del público generalista. La canción no desmerece su estatus, y aunque nos la sepamos acorde por acorde no molesta escucharla una vez más. James Hetfield la compuso, en principio, para él mismo, sin intención de dársela a la banda y habla de encontrarse lejos de casa (girando o grabando) y de las personas que quieres. En concreto, según parece, pensaba en una novia de entonces. Fue el tercer single del disco.

9. “Of wolf and man”: Y vuelta al heavy puro y duro, de riffs ásperos y ritmos potentes y, en este caso, algo machacones. Es de las canciones directas del álbum como por ejemplo “Holier tan thou” o “Through the never”. Tiene un toquecillo amenazante que marida bien con la letra en tanto en cuanto habla de una especie de transformación en hombre lobo; algo así como una vuelta a los orígenes salvajes del hombre.

10. “The god that failed”: Un medio tiempo oscuro y emotivo. Comienza con una buena armonización de batería y bajo (en este disco se escucha más el bajo que en el anterior, donde era casi inaudible) al que suceden unos riffs sucesivos e hipnóticos. Melódicamente es un tema sólido y el punteo de rigor está bastante bien. Es una canción dolorosa que habla de la muerte de la madre de James Hetfiled, debido a que rechazó un tratamiento contra el cáncer en base a las creencias del grupo de la Ciencia Cristiana. Hetfield hace una de sus interpretaciones más emotivas del disco.

11. “My friend of misery”: Presencia inicial también del bajo, que acompaña a unas guitarras lentas, rasposas y oscuras, El tempo se acelera un poco al entrar James Hetfield a cantar. Es una especie de medio tiempo reforzado, donde las guitarras, más que el trote de acordes, buscan causar una sensación de decadencia. Hay un intermedio instrumental e incluso, en cierto modo, ambiental. De hecho, es una de las canciones del disco donde Metallica más se explayan instrumentalmente. Cosa que se nota, pues en principio iba a ser un largo tema instrumental, en la onda de “Orion” o “To live is to die” (aunque ésta tiene una parte recitada) de anteriores discos. Finalmente, Hetfield acabó añadiendo letra y voces.

12. “The struggle within”: Para poner el punto final al disco Metallica decidieron echar toda la carne al asador y acabar con un huracán heavy. Se trata de una canción rápida, emparentada con el trash metal; resulta fulgurante vocal e instrumentalmente. Es un buen cierre en el sentido de que acabamos en una nota alta, llena de energía, aunque más allá de eso no hay nada particularmente memorable. No obstante, siempre queda la habilidad de Metallica para canciones como ésta. La letra habla de una especie de lucha interior con algún material oscuro. Ya sea en forma de ansiedad, depresión, etc.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

El quinto disco de Metálica es la bisagra entre la notoriedad de un grupo en una escena, que vendría a ser en este caso la del trash metal, y la fama global que dan los puestos altos en las listas, y las múltiples difusiones en las emisoras, Es comprensible; evidentemente se trató de un sonido más comercial, más accesible y abierto. Ninguna de esas cosas por sí mismas confirman, no obstante, la debacle artística o la invalidez de la música. No soy particularmente fan del trash metal, y prefiero (a modo de ejemplo) el hard setentero, pero este “The Black Album” puede ayudar a los que tampoco son muy afectos al género a hacer una incursión dentro del repertorio de la banda y de ahí ir ampliando horizontes. Pero no solo hay que contemplar una visión utilitarista, el disco como tal creo que es sólido musicalmente.

Mucho más alejados del trash metal están “Load” (1996) y “Reload” (1997), que incorporan blues, country, rock alternativo, rock sureño, hard rock... Esto enardeció a algunos seguidores y ambos discos estuvieron lejos de tener una crítica generalmente positiva. La valoración fue mixta, de un lado alabando el aperturismo de la banda, del otro los nostálgicos de las abrasiones trash ochenteras. Yo personalmente estoy más cerca de los primeros. Además, pienso en los singles de esa época como “Hero of the day”, “Until it sleeps” o “The memory remains” y me parecen buenas canciones.

Un nuevo disco de estudio tardó en llegar, pero entretanto Metallica lanzó “Garage Inc” (1998), un disco de versiones con canciones de Lynyrd Skynyrd, Nick Cave and the Bad Seeds, o Black Sabbath. Como singles lanzaron “Die, Die, My Darling” de The Misfits y “Whiskey in the Jar” de Thin Lizzy (a partir de una canción tradicional).

Tras el disco de versiones llegó uno en directo, que además incluía el acompañamiento de la Sinfónica de San Francisco, con Michael Kamen a la cabeza. Hablamos de “S & M” (1999), que aportó la curiosidad de ver a una banda de heavy metal acompañada de una sinfónica, en una peculiar fusión con la música clásica.

Y hubo que esperar hasta 2003 para un disco de estudio, con críticas mixtas tirando a malas. Era como un regreso a los sonidos más agresivos de la banda, pero en la onda del nu metal en lugar del trash metal. Como singles, entre otras, la canción título o “The unnamed feeling. Para la gira Robert Trujillo (ex Suicidal Tendencies) entró como nuevo bajista en sustitución de Newsted.

Resumiendo a partir de aquí diremos que hubo documentales, directos, y algunos discos de estudio por el camino, como el más cercano al trash”Death Magnetic” (2008) el disco doble “Hardwired… To Self-Destruct” (2016) y finalmente “72 Seasons” (2023).

“Metallica”, o “The Black Album” si lo prefieren, es un disco al que encuentro equilibrado, sólido y cercano a un momento de transición, pero que pisa con pie firme y sin demasiadas dudas. Tengan en cuenta, de todos modos, que cuando decimos que es más accesible que otros discos, hay que hacer el matiz de que sigue siendo más de una hora seguida de heavy metal con lo que si no se entra en la propuesta, al final se va a hacer pesadísima. No obstante, puede merecer la pena el riesgo.

Texto: Mariano González.

DMR cierra por vacaciones de Navidad 2025

2025-12-22T03:18:00.003+01:00

Nos vamos después del aplazamiento del programa previsto el sábado por motivos técnicos. Es posible que regrese nuestra actividad algo después del final del periodo navideño. De momento, toca descansar. Desde "DMR" les deseamos feliz Navidad y un feliz año 2026. Que hoy la lotería, si juegan, sea generosa con ustedes.

Aplazamiento programa ABC "Up"

2025-12-20T13:39:00.001+01:00

Por motivos técnicos derivados de la reestructuración de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), tenemos que aplazar el programa previsto para hoy sobre "Up" de ABC.

Confiamos llevarlo a cabo lo antes posible, pero en todo caso ya será después del periodo navideño. Lo sentimos y ya iremos informando.

Temporada 17/ Programa 4: ABC y “Up” (1989)

2025-12-19T17:30:00.010+01:00

Martin Fry y Mark White cerraban la década de los 80 musicalmente de la mano de un fenomenal disco, muy influenciado por el northern soul y con mucho ritmo en sus melodías. Un trabajo quizás no lo suficientemente valorado dentro de la trayectoria del grupo o, al menos, algo olvidado.

Por tanto, “Up” es un disco muy nuestro para reivindicar y recordar. Además, no pega nada mal para esta época del año. La cita será este sábado 20 de diciembre de 2025 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Será nuestro último programa de 2025, previo a nuestro parón navideño, por tanto, no falten a la cita.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1435608851601551

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

Lady Gaga - Mayhem (2025)

2025-12-12T17:30:00.000+01:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCION.

Si algo se puede decir de la carrera de Lady Gaga es que siempre consigue sorprender. Divas hay muchas en el mundo del pop, de hecho, pienso que el mercado está realmente saturado. Ahora bien, una artista tan completa como Gaga es difícil de encontrar, claramente inconformista, nos tiene acostumbrados a proyectos inesperados que van apareciendo entre los discos principales de estudio de la artista y que no siempre son del agrado de sus fans que preferirían discos de pop bailable que al final es el punto fuerte de la artista y lo que le ha proporcionado el éxito.

Siempre que se trata el lanzamiento de un álbum de una estrella del nivel de Lady Gaga, uno se enfrenta a ponerlo en relación con sus etapas anteriores para intentar, de alguna manera, ponderarlo en su justa medida. En este caso Gaga viene de una etapa en la que ha diversificado notablemente su carrera consolidando una carrera como actriz, realizando discos de jazz y tocándolos en directo, aparte de otras actividades menores como dedicarse a publicitar cosméticos, lo cual le ha debido proporcionar sus buenos dividendos.

Podríamos dividir la carrera de Gaga en una primera fase completamente mainstream donde apenas tuvo competidores y en la que casi cada disco que sacaba era número uno. Sería la etapa del 2008-2011 que comprende los álbumes “The Fame” (2008), “The Fame Monster” (2009) y “Born This Way” (2011). Es digamos su etapa imperial donde tanto critica como público masivo estaba con ella.

Tras esta etapa llego “Artpop” (2013), álbum que, si bien no está a la altura de la producción anterior, no mereció ni mucho menos las tibias críticas que obtuvo ya que el disco incluía muy buenos temas pop, aunque la campaña de promoción fue un auténtico desastre. En todo caso fue un álbum que, a pesar de colocar más de dos millones de copias, que se dice pronto, acabó con el reinado de Gaga y produjo una gran crisis en la artista que la iba a llevar a reformular su propuesta.

El siguiente paso fue dejar a un lado la mayoría de sus ya habituales artificios y realizar un disco más maduro donde se reivindica como compositora e intenta huir de las performances escandalosas. Este disco sería “Joanne” (2016), donde nos muestra una nueva faceta con canciones mucho más desnudas y un sonido no tan sobreproducido como nos tenía acostumbrados. Una especie de nuevo comienzo que dejo bastante fríos a los fans que no terminaban de reconocer a esta nueva Gaga. Podemos ver, en parte, el proceso de creación de este álbum gracias al documental de Netflix “Five Foot Two”, solo apto para muy fans de la diva por lo tremendamente sentimentaloide y victimista de semejante artefacto promocional.

Su último álbum de estudio antes de este “Mayhem” fue como todos sabemos el muy reivindicable “Chromatica” (2020), donde en plena pandemia, vuelve la Gaga que todos sus fans estaban esperando. Un disco con grandes temas para la pista de baile, colaboraciones de lujo (Ariana Grande, Elton John, Blackpink) y una clara puesta en valor de eurodance de los 90, un disco muy fresco con el que sus fans se reconcilian con la artista, era justo lo que le pedían a Gaga y esta se lo dio, de una forma más simple y desenfadada que en los primeros discos pero totalmente efectiva.

5 años han pasado desde “Chromatica” pero desde luego Gaga no se ha quedado quieta, numerosas apariciones en películas y sus correspondientes bandas sonoras (“La Casa Gucci”, “Top Gun”, “Joker Follie À Deux”), series para Tv, etc.

En agosto de 2024 realizó un sonado dueto con Bruno Mars en el tema “Die with a smile” que superó cualquier expectativa posible y se ha convertido en uno de los mayores éxitos en su carrera. Con todo, esta colaboración era algo puntual y no parecía anticipar ningún nuevo álbum. De hecho, tuvimos que esperar hasta marzo de este año para tener entre nuestras manos este Mayhem que pasamos seguidamente a analizar.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “Disease”: Realmente es el primer single del álbum y en mi opinión el tema más contundente del mismo. Es aquí donde más se notan las influencias góticas y de rock oscuro, y esa gran influencia que han sido NIN a la hora de componer temas como este. Sin duda, también es el tema más caótico del disco donde Gaga recita las estrofas y una segunda voz bastante macabra la dobla llegando a un estribillo sublime, donde podemos constatar que Germanotta no ha perdido ni un ápice de sus cualidades vocales. El sonido es en parte de rock duro, pero muy electrónico, muy pasado por secuenciador. Tiene algo de los temas rock de “Born This Way”, pero creo que en “Disease” ha llevado parte de este sonido al extremo, de manera que suena mucho más desafiante y agresiva que cualquier tema de ese álbum. Las capas y distorsiones que posee la canción también han contribuido a ese sonido más duro, todo un acierto. Los detalles de los coros o autocoros en el tema es otro de los puntos fuertes de Gaga que sabe muy bien cómo crear ciertas atmosferas aprovechando estos recursos. Ya lo hizo en temas como “Bloody Mary” o “Paper gangsta” con éxito y aquí vuelve a acertar. “Disease”, con una letra bastante simple pero muy efectiva ya que posiciona muy hábilmente las frases repetidas, es un tema que trata de manera bastante obsesiva sobre convertirse en el antídoto, a través del amor, para superar los problemas de salud mental o de otra índole; un tema, el de la salud mental en el que Lady Gaga siempre ha estado muy implicada. Si musicalmente es todo un triunfo, el acompañamiento visual no es para menos con un video ciertamente perturbador, valiente y para bastante gente hasta desagradable. El clip intenta transcribir a partir de los personajes interpretados por Gaga, ese ambiente de enfermedad mental y desesperación, también el deseo de escapar de los propios pensamientos que, a veces, nos atormentan. Nuevamente Gaga arriesga con una presentación totalmente inesperada en ella y que quizás haya tenido que ver en la discreta acogida del single que no ha conseguido grandes logros salvo en el Reino Unido donde llego al número 7. En cualquier caso, un auténtico temazo que ya forma parte de lo mejor del repertorio de la diva.

2. “Abracadabra”: Después de la contundencia de “Disease”, Gaga nos saca ya toda la artillería y llega el tema más comercial del álbum, Gaga mantiene la contundencia de “Disease”, pero en este caso quiere hacernos bailar sin contemplaciones y los elementos house están muy claros. Además hay otros elementos que podríamos calificar de electro dark, nuevamente la influencia de NIN está presente además de Siouxsie and the Banshees, ya que la melodía de “Abracadabra” incorpora elementos del tema “Spellbound” (1981) de la banda británica. “Abracadabra” ha sido comparada con temas como “Bad romance” o “Poker face” ya que incorpora ese recurso vocal de repetir las silabas una por una de la palabra principal creando una especie de melodía, aquí lo hace mientras una línea de sintetizador bastante caótica nos lleva a la siguiente fase de la canción. “Abracadabra” es una celebración de la vida, del recurso del baile como metáfora de superación de las dificultades, un tema tremendamente adictivo que tiene el marchamo del éxito desde la primera escucha, y así ha sido. Gracias al éxito incontestable de “Abracadabra”, el álbum se ha visto propulsado a tener un resultado realmente bueno a nivel de ventas. Nuevamente el acompañamiento visual ha sido definitivo y esta vez creo que ha contribuido positivamente a la buena recepción de esta canción. Se plantea una especie de batalla entre dos cuerpos de baile cada uno capitaneado por una versión de Lady Gaga, una más amable vestida de blanco y otra mucho más siniestra, la famosa mujer de rojo que representa los impedimentos para conseguir nuestros objetivos. De nuevo otro trallazo absoluto y después de tanta intensidad nos adentramos en una nueva fase del disco.

3. “Garden of eden”: Aquí empieza una nueva parte del disco, mucho más sutil y menos contundente que el comienzo que hemos tenido, aunque los elementos de electro rock siguen presentes. Aquí se trata de un tema que reposa en una base electro aderezada con unos toques de guitarra en la que se nos describe una especie de ligoteo en una fiesta. La verdad es que no se parece a nada anterior de la discografía de Gaga, salvando muchísimo las distancias puede que tenga algún toque de “Manicure” tema del injustamente valorado “ArtPop” pero “Garden of eden” es mucho más experimental como se puede apreciar en la parte final con esos sintetizadores más oscuros.

4. “Perfect celebrity”: Parece que el sonido y estética gótica empiezan a desvanecerse a partir de este tema que tiene muchas influencias del sonido pop de los ochenta, algo que Gaga nunca ha negado, pero que aparecen aquí combinadas con potentes guitarras para dar forma a toda una crítica a la cultura de las celebrities y me da la sensación que concretamente al grupo de las divas que tan habitualmente son amadas hasta la exageración para después terminar odiadas por su mismo público o el de otras divas. Gaga pareciera reírse de su personaje en esta canción que a pesar de ser bastante comercial tiene en su letra cierto sentimiento de autoflagelación.

5. “Vanish into you”: Suena mucho como posible tercer single del álbum, pero ya veremos si al final esto es así. Últimamente Gaga solo suele poner la carne en el asador con los dos primeros sencillos. Melódicamente es inapelable, una melodía pop que atrapa desde el primer momento y donde no hay descanso. Ya de entrada tenemos la voz de Gaga que se muestra más poderosa que nunca, en un tema donde Gaga nos habla de una conexión tan fuerte con la persona amada que podrías desvanecerte en ella, una visión totalmente poética además de romántica.

6. “Killah”: Se trata de una colaboración con el músico francés Gesaffelstein, un dj y compositor que ha trabajado para Kanye West, Daft Punk, The Weeknd o Jean Michel Jarre por solo citar unos pocos. Junto a Gaga construyen un tema de puro electro-funk que parece una mezcla entre el “Fame” de Bowie, pero que también suena mucho a Prince. Uno de los aspectos de este “Mayhem” es que las influencias están más claras que nunca y que Gaga no tiene ningún reparo en mostrarlas. En cualquier caso una canción muy disfrutable.

7. “Zombieboy”: Se trata de un tributo a Rick Genest, el llamado “Zombieboy”, un conocido modelo famoso por llevar todo su cuerpo tatuado, desgraciadamente fallecido en 2018. La canción tiene un marcado estilo años 80 que puede recordar a la Madonna de esos años, incluso las guitarras son tremendamente ochenteras. En todo caso se trata de toda una celebración, una canción positiva y divertida, que es el mejor homenaje que Gaga podía hacer a su amigo.

8. “LoveDrug”: Como su título indica es una especie de comentario sobre el poder del amor como adicción para bien y para mal. En realidad, es un tema muy pegadizo donde encontramos influencias rock y dance mezcladas de forma muy hábil creando un tema que puede recordar a algunos del álbum “Born This Way”. En todo caso una canción bailable que nos muestra una Gaga capaz de reciclar de manera inteligente etapas anteriores de su carrera.

9. “How bad do U want me”: Escuchando la melodía de esta canción es inevitable que nos venga a la cabeza el “Only you” de Yazoo, no se trata de un sampleo, más bien es una reinterpretación en plan homenaje que la verdad funciona muy bien, aunque el estribillo va completamente por otro lado lo cual le da un contraste a la canción muy interesante. El título de la canción hace referencia a la imagen de chica mala que proyecta Lady Gaga ante los medios y la persona real que se esconde detrás, de alguna manera es de esas canciones que es una especie de dialogo con su público.

10. “Don't call tonight”: Este tema nos muestra un sonido bastante ochentero pero combinado con sonidos más actuales y unas muy oportunas guitarras rítmicas a lo chic. Todo esto unido a la potente voz de Gaga nos deja un tema que podría ser un single perfectamente. A nivel de letra Gaga juega con el desencanto para finalmente superarlo y conseguir cierto empoderamiento.

11. “Shadow of a man”: Muy conectada con la canción anterior en cuanto a sonido ya que los sonidos de los 80 ahí siguen, más presentes incluso, con un pequeño toque de ese caniche metal ochentero. También sigue el tema del empoderamiento ya que claramente Gaga no quiere estar bajo la sombra de un hombre que es algo que siempre declaró a lo largo de su carrera. Sin duda otra canción que podría ser otro single.

12. “The beast”: Gaga ha dejado los temas más lentos o medios tiempos para la parte final del disco. En esta balada el piano es protagonista y Gaga suena realmente emotiva. Trata, en mi opinión, sobre el hecho de irse transformando poco a poco en una relación, algo que a veces no es nada agradable pues te obliga a aceptar tus defectos y en definitiva tu propia naturaleza.

13. “Blade of grass: Seguimos con otra balada que nos va mostrando el camino hacia el final del disco. Aquí destaca sobre todo el piano que esta omnipresente en toda la canción, así como algunos toques de guitarra acústica. Nos encontramos ante una canción emocionante sobre el hecho de pasarse la mayor parte de la existencia sola para finalmente encontrar a la persona con la que vas a compartir tu vida. La voz de Gaga suena casi rota sobre todo en un estribillo bastante épico al que se van añadiendo diferentes elementos haciendo que el tema suene muy cinematográfico.

14. “Die with a smile”: El tema sin duda más criticable del disco, se trata de una balada muy comercial que tiene el aliciente de contar con Bruno Mars, que ya de por si es una baza para el éxito. El tema es azucarado a mas no poder, pero también hay que decir que es muy efectivo. Eso sí, no encaja ni a tiros con el resto de temas del disco y eso que Gaga se ha cuidado de posicionar los temas más lentos al final, pero ni aun así. Se nota claramente que nunca formó parte del proyecto, pero el asombroso éxito mundial que consiguió ha hecho inevitable su inclusión para poder impulsar las ventas del álbum, pero más bien lo podríamos considerar un bonus track.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

“Mayhem” es un disco magnifico de una variedad muy rica, desde sonidos electro goth a pop ochentero pasando por glam o techno. En cuanto a producción está bastante compensado, incluso es una producción elegante por momentos y no peca de esa sobreproducción muy característica de varios de sus discos y que restaba puntos al resultado final.

Aunque la estética de esta etapa de Gaga es claramente gótica, esto no es reflejo del álbum. Sí es cierto que “Mayhem” hasta cierto punto hace honor a su nombre y existe ese desorden, pero siempre en el buen sentido. Lo que hay es una serie de registros diferentes que nos hacen remarcar la versatilidad de la artista, pero todo está perfectamente encajado en el disco salvo el comentado “Die with a smile” que está metido con doble calzador.

Tanto critica como publico han acogido este álbum con verdadero entusiasmo y claramente la artista se encuentra en uno de sus mejores momentos, donde puede literalmente hacer lo que le dé la gana. “Mayhem” ha sido número 1 en 23 países en el momento de escribir este artículo. Ya “Chromatica” sería muy bien recibido y nos devolvería una Gaga con ganas de hacernos bailar y que echábamos bastante de menos. En este sentido “Mayhem” no es un álbum continuista, sino que aparece como una nueva era en la carrera de la diva y sin duda es uno de sus mejores discos.

La buena acogida del álbum ha propiciado una gira mundial donde todo el papel está vendido, una absoluta barbaridad que pone de manifiesto la enorme demanda que tienen los shows de Gaga y el excelente momento de popularidad que está viviendo en esta nueva fase que la tendrá bastante tiempo ocupada. Y después, ¿quién sabe? Gaga, afortunadamente, es imprevisible y nos podrá dar más de una sorpresa, ya sea musical o de otra índole.

Texto: Alfredo Morales.

Programa Simple Minds "Sister Feelings Call" (Temporada 17/ Programa 2)

2025-12-06T19:27:00.004+01:00

Teníamos una cuenta pendiente con este disco de Simple Minds después de haber hecho programa hacía algunas temporadas a su hermano "Sons And Fascination". Cumplimos la deuda el pasado sábado 22 de noviembre de 2025 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Fuimos Mariano González y Víctor Prats los que debatimos sobre este interesante ítem de los escoceses, lanzado allá por 1981, curiosiamente el año de nacimiento de los 2.

Por si no pudieron escuchar el directo en su momento, les dejamos el link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga e incluso les insertamos el reproductor aquí mismo para su escucha directa: https://www.ivoox.com/dmr-17-2-simple-minds-sister-feelings-call-audios-mp3_rf_163856228_1.html

Temporada 17/ Programa 3: The Cure y "Songs Of A Lost World" (2024)

2025-12-05T17:30:00.003+01:00

Después de haber hecho ya hace un tiempo su correspondiente post, es hora de afrontar la ambiciosa tarea de dedicar un programa de radio en formato coloquio al último disco de The Cure. Remarco lo de "ambiciosa tarea", ya que "Songs Of A Lost World" es un disco mayúsculo y que ennoblece la trayectoria de la banda liderada por Robert Smith.

Esperamos que el programa sea de su interés y nos acompañen en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) este sábado 6 de diciembre de 2025 a las 16.00h.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1174934064841139

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

Concierto Katy Perry. Madrid (11-11-2025)

2025-11-28T17:30:00.002+01:00

Es cierto que la fiebre que tuve con Katy Perry y el enganche a lo pegadizo de las melodías y estribillos de sus canciones había remitido hacía más de una década, pero viendo que se presentaba la ocasión, era buen momento para volver a prestar atención a la artista y así tachar de la lista de conciertos pendientes otro ítem. Conseguí entradas sin mayor problema, más allá de estar en la web registrado 2 horas y pico antes de que se pudieran comprar, y me aventuré a cogerlas en pie de pista, lugar al que hacía mucho tiempo que no iba, al menos en el Palacio de los Deportes.

Ya desde septiembre me fui poniendo al día con los discos a los que, más allá de alguna canción suelta, no había prestado atención (“Witness”, “Smile” y el último “143”) e incluso unos pocos días antes del concierto Katy lanzó un nuevo single titulado “Bandaids”, una canción muy buena y con un videoclip cuanto menos llamativo.

Llegamos al recinto sobre las 19.30h y accedimos, situándonos cerca del escenario canónico, en una 6ª fila más o menos, con cierto miedo de si el público de Katy sería de los histéricos e hiperventilados; resultó que no, el ambiente fue festivo y distendido, con mucha gente en la franja de edad de la cantante (en torno a los 40) e incluso algo más mayores, en muchos casos acompañados de sus hijos adolescentes, con lo que no sufrimos apreturas, ni empujones. Lo que sí me resultó llamativo es lo que corea el público de Perry sus canciones, escuchándose más a las masas que a la propia cantante en muchos estribillos de canciones.

Hicimos bien en entrar pronto al recinto, porque la artista invitada, Becky Hill, comenzó a las 19.45h su show, cosa que pensábamos sería a las 20.00h. Becky estuvo en torno a 35 minutos sobre el escenario, ella solita, con toda la música grabada, cantando varias de sus canciones, las cuales no desentonaban con el estilo de Perry, si bien algo más electrónicas y dance que las del plato principal de la noche. Becky cantó varios de sus temas en lo alto de una tarima rectangular en mitad del escenario, aunque también utilizó parte de la pasarela que en forma de signo de infinito se extendía por toda la pista del recinto.

Y Katy Perry no se hizo mucho de esperar. De hecho, arrancó el show antes de la hora fijada, lo que nunca he visto. A las 20.53h se apagaban las luces y comenzaba el viaje. Katy ya apareció en escena en la parte central de la pasarela, arrancando con “Artificial”. Ya en el 2º capítulo el público terminó de ponerse patas arribas con una acelerada interpretación de “Chained to the rythm”. En este sector inicial también apareció el medio tiempo de “Smile” que es “Teary eyes” y se remató el primer bloque con el trallazo de “Dark horse”, sin duda uno de los temas más exitosos del “Prism” de 2013 y de la discografía de Katy en general, pero que curiosamente a mí nunca me ha hecho demasiada gracia.

Reconozco que el bloque 2 del show, titulado “Woman’s World”, como uno de los singles principales de “143”, es la parte que quizás más me gustó del concierto. Y es que además de la canción que concede el título a este bloque, con la que arrancó el mismo, se incluyeron en este bloque varios de mis temas favoritos de Katy, la mayoría de “Teenage Dream”, mi lp predilecto de la artista. Aparecieron estructuras metálicas de barras, con una estatua que sostenía un globo y lo malo, para nosotros, es que el bloque se desarrolló en la parte central de la pasarela e incluso el desfile fue por el círculo alejado. Criticable, no solo aquí, sino que también lo he leído en otras crónicas, es que por ejemplo “California girls” sonara en versión muy reducida, de apenas un minuto y medio. “Teenage dream”, la canción título, sonó algo más larga, pero tampoco en su metraje standard.

Más completa sonó “Hot ‘n’ cold”, pero “Last friday night (T.G.I.F.)” sonó también muy corta, al igual que el guiño a “Peacock”. Se remató el bloque con acierto con otro tema de “One Of The Boys”, en este caso quizás el primer gran éxito internacional de Katy Perry, “I kissed a girl”.

En el siguiente bloque vimos a Katy volar por el Palacio de los Deportes bien amarrada con un arnés, interpretando “Nirvana” (a la par título de esta parte) y “Crush”. Aquí hubo espacio para otro single de “143”, la controvertida pero a la larga pegadiza “I’m his, he’s mine” y la muy notable “Wide awake”, uno de los singles más elegantes de toda la trayectoria de la cantante.

Dentro de la estética de videojuego, mostrada sobre todo sobre el telón de fondo confeccionado a base de muchas pantallas de distinto tamaño, en el siguiente bloque se mostraba como una ruleta en la que se seleccionaba un disco u otro de la trayectoria de Katy Perry. Y efectivamente en este bloque de escoger tu propia aventura, algo así se hizo, aunque Katy decidió en un momento cambiar la elección de la canción a interpretar en detrimento de “Unconditionally”. En este sector fue cuando Katy escogió a un puñado de seguidores de entre el público para que la acompañaran en el escenario. Estuvo un buen rato con ellos hablando, compartiendo porciones de pizza e invitándoles finalmente a hacer bases con maracas mientras ella entonaba “The one that got away”.

Quizás el bloque más potente del show fue el que protagonizaron temas como “E.T.”, que no me la esperaba, con Katy luchando con una especie de espada láser, encadenando la misma con la rotunda “Part of me”. Dejando de lado sus looks y vestidos más atrevidos, Katy se puso el vestuario random del videoclip recién salido del horno “Bandaids” para interpretar la misma, con este pantalón vaquero, camiseta blanca y deportivas.

Duraría poco, solamente esa canción, para nuevamente ponerse sus mejores galas y afrontar el bloque final en el que sobre el telón de fondo Katy finalmente se pasaba el videojuego, llenando todo de mariposas, como las del confeti que impregnó la zona delantera de la pista.

En el último sector se tocó, montada en una mariposa voladora que le acercó al público de graderío “Roar”, y también se metió una acelerada y mejor versión de “Daisies”. Remató Katy Perry el show con el trallazo que da nombre a la gira “Lifetimes”, con ese videoclip tan veraniego en Ibiza y Formentera (que le costó creo una multa por no pedir permiso para grabar en una zona protegida) y cerrar con la lógica “Firework”; ahí no hubo mucha sorpresa.

En total 2 horas y 15 minutos de espectáculo llamativo y notable. Vayamos con nuestras personales conclusiones. En lo negativo, lo principal es que ciertas canciones aparezcan en versión reducida y encadenadas con otras. Quizás sea el signo de los tiempos, pero creo que es hacer un menosprecio a temas tan grandes como “California girls”, que se merecen una mayor atención. Lo de que se use el playback como apoyo notable a las cantantes es algo extendido ya desde hace muchos años y que es común a muchas divas internacionales del nivel de Katy Perry; a favor de Katy he de decir que me pareció que cantó más en primer plano ella que otras artistas de su nivel y calado, que utilizan el micrófono para no parar de lanzar soflamas y otras cosas en lugar de dedicarse a entonar su voz. Es el signo de los tiempos, por eso a estos eventos casi les podemos llamar más espectáculo que concierto.

Y en lo positivo, mucho más. La extensión del show: siempre está bien y es un detalle que la duración sobrepase las 2 horas. La puesta en escena: buenas coreografías, un hilo narrativo curioso sobre el telón de fondo con la historia propuesta y un vestuario que a Katy le iba como anillo al dedo. En general, que no en este caso para nosotros, también creo que es muy positiva la distribución del escenario y pasarelas para democratizar la visión en primer plano de la artista para todos los asistentes; de hecho, con las interpretaciones aéreas, Katy se acercó también bastante a los asistentes de graderío. Lo dicho, aunque a nosotros, por nuestra situación, nos hubiera venido mejor una puesta en escena más canónica sobre el escenario principal, creo que es mejor para todos lo propuesto por Katy.

Katy Perry está fabulosa físicamente. No ocultó su edad, sino más bien orgullosa dijo que tenía 41 años y muy bien llevados. Está plenamente en forma. Se acompañó de un nutrido cuerpo de baile y en lo musical llevó una formación clásica de un bajista, un batería, una guitarrista y una teclista, si bien gran parte de la música va pinchada.

Fue un espectáculo que mereció mucho la pena. No sé si tendré la ocasión de volver a ver a Katy Perry en persona, ya que desde la última vez que vino a Madrid en concierto propio fue en junio de 2009 (hay prevista una actuación suya en un festival en Rivas para julio de este próximo verano, pero yo soy más de conciertos propios en lugar de festivales) y también pillar entradas para este tipo de artistas resulta bastante complicado, pero en caso de que no sea posible, me quedará un buen recuerdo, muy visual, de todo el show que Katy ofreció en Madrid dentro de este Lifetimes Tour. De este espectro de divas internacionales del nuevo milenio, tras haber visto a Dua Lipa y a Katy Perry, me sigue faltando quizás mi favorita, Lady Gaga. A ver si algún día regresa a Madrid, ya que lleva un tiempo parecido al de Katy sin venir en gira propia por aquí. A falta de Stefani Joanne, buena es Katheryn Elizabeth.

Programa Miguel Bosé "Bandido" (Temporada 17/ Programa 1)

2025-11-22T19:34:00.005+01:00

Tras 2 aplazamientos, por desafortunados motivos personales inherentes a uno de nuestros colaboradores, el pasado sábado 8 de noviembre de 2025 empezamos finalmente nuestra 17ª temporada de radio en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Empezamos una nueva temporada de la mano de un disco mítico como es el "Bandido" de Miguel Bosé. Con este disco, Bosé abrió una nueva etapa en su trayectoria musical, además de lograr un éxito masivo gracias a los singles de relumbrón de la obra.

Si no pudieron escuchar el directo a las 16.00h del día indicado (no hubo redifusiones en RUAH por problemas técnicos de nuestra emisión on-line), aquí les insertamos el reproductor y les dejamos enlace a su alojamiento en Ivoox para que puedan escuchar lo que José Antonio Sánchez, Mariano González y Víctor Prats comentamos sobre Bosé y sobre este álbum en particular de su discografía: https://www.ivoox.com/dmr-17-1-miguel-bose-bandido-1984-audios-mp3_rf_163090301_1.html

Temporada 17/ Programa 2: Simple Minds y “Sister Feelings Call” (1981)

2025-11-21T17:30:00.007+01:00

Hace ya unas temporadas que hicimos un programa dedicado a “Sons And Fascination” de Simple Minds y quedaba pendiente hacer un programa sobre este 2º lp derivado de las mismas sesiones de grabación, titulado “Sister Feelings Call” del mismo año 1981.

Es un retorno a analizar la época más experimental y quizás interesante de los escoceses, con lo que nos espera un programa bastante llamativo. La cita será este próximo sábado 22 de noviembre de 2025 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). No se lo pierdan.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1366272155510039

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

Concierto Miqui Puig. Madrid (07-11-2025)

2025-11-14T15:32:00.000+01:00

La distancia geográfica no era tanta, pero sí la distancia temporal. Desde que acudimos en la primavera de 2017 a la sala Costello a ver la presentación del notable lp “Escuela De Capataces”, no habíamos tenido ocasión de volver a Miqui Puig en el escenario. Nos hicimos eco de la fecha fijada para este pasado viernes 7 de noviembre de 2025 ya hacía un tiempo, pero fue en la semana previa cuando fuimos cogiendo impulso y generándonos muchas ganas de ver la propuesta que Miqui estaba explicando en algunos medios.

El concierto estaba previsto para que se hubiera llevado a cabo en la sala Changó, pero pocos días antes se cambió el recinto a favor de la sala Upper del Teatro Magno, un sitio que no conocíamos y que considero se ajustó perfectamente a la propuesta para la ocasión.

El concierto estaba planteado como una sesión sin pausa. Es una fusión entre 2 de las facetas artísticas principales de Puig, la de cantante y músico con la de dj. Miqui se presentó puntualmente a las 21.00h sobre el escenario acompañado de 2 músicos y arrancó hora y media de música, lleno de himnos de la trayectoria de Miqui Puig y Los Sencillos, tal y como rezaba la promoción del evento.

Se empezó con fuerza con la contundencia de temas como “Raros” y situando también en esos primeros instantes la acertada “Los Módena”. En esos primeros compases, para empezar a buena velocidad, se seleccionó también “Todo va bien (de momento)” de Los Sencillos. Realmente no fue un inicio, sino una línea a seguir durante todos los minutos de actuación. No hubo espacio para baladas, momentos íntimos o incluso medios tiempos. Todo se expuso en alto nivel de potencia, bases y ritmo.

No tardó mucho en aparecer “Bonito es”, que sonó rápida y briosa. Con todo, fue de las canciones que tuvo vuelta en el tramo final, algo como sucedió con “Vos trobava a faltar”, que apareció levemente en los primeros segundos del concierto y que fue a su vez de las encargadas en poner el broche a los 90 minutos de partido de presión alta junto a la efectiva y muy apropiada “Viva acid house”.

Siguiendo comentando el tramo inicial, muy al principio apareció Jeanette sobre la pantalla de fondo, lo cual nos avisaba que venía ni más ni menos que un clásico de la talla de “La puta canción de amor en la que el chico gana” de aquel maravilloso debut en solitario “Casualidades”. Muy importante es otro himno de los últimos tiempos (aunque ya haya pasado un tiempo desde que se editó “Escuela De Capataces”) como es “El chico que gritaba acid”; su “no hay futuro, no queda hielo” es verso relevante de la discografía de Puig y bien reflejado quedó en la noche, además expuesto en la pantalla de fondo.

Hay que destacar muy en positivo la pantalla de fondo, las cuales se aprovecharon muy bien con proyecciones de cine clásico, muchas del género musical de baile, que acompañaban bien la puesta en escena de las canciones; en este apartado, me gustó mucho cuando pusieron una escena de la soberbia “Network” de Sydney Lumet. Miqui Puig es un tipo con un conocimiento cultural brutal, no solo en el sector de la música, y las proyecciones escogidas pusieron de manifiesto lo dicho.

Muy curioso fue descubrir una versión en italiano del “Eyes without a face” (“Occhi su di me”) de Billy Idol. Arriba les hemos insertado el momento. Otra versión fue el “No estaría mal” de The Free Fall Band, grupo al que Miqui hizo discurso en su defensa y valía en la introducción. Cerrando de comentar el apartado de versiones, tampoco faltó el “Se fuerza la máquina” de Gato Pérez, muy querida por los seguidores de Los Sencillos.

Hubo, ya avanzada la actuación, un combo muy efectivo que destacó dentro del aluvión de potencia (ahí es nada) que fue encadenar “Drama” y “Doctor amor”. En lo personal me gustó mucho que apareciera por ahí, aunque no en versión larga, “Phutbol”; quedó bordada con mi querido Maradona en la pantalla de fondo, calentando antes de un partido en los tiempos del Nápoles.

En el tramo final sumaron también lo suyo que estuvieran presentes “El sirviente” y “Totalmente a favor”, la cual no me esperaba tanto que fuera de la partida. Al acabar el concierto me compré el libro “Yo No Quería Ser Miqui Puig”, con las memorias musicales de Miqui, el cual amablemente me dedicó a mi familia, aprovechando para saludarnos después de tanto tiempo.

Fue una gran noche para Miqui Puig, llevando a cabo esta particular rave, como alguna asistente calificó al espectáculo cuando saludaba a Miqui al terminar el show. Buena respuesta por parte del público, tanto en asistencia como en actitud. Le confesé a Miqui que este show fue uno de los más intensos que he vivido y he asistido ya a unos cuantos conciertos a estas alturas de mi vida. Me dio la sensación de que Miqui y sus músicos tuvieron que terminar agotados, como también lo terminamos los asistentes, aunque muy satisfechos del espectáculo y repertorio vivido.

Espero que no pase tanto tiempo hasta que tenga una nueva ocasión de volver a ver a Miqui Puig en directo. A buen seguro la propuesta que nos traiga será novedosa con respecto a las ocasiones previas que he tenido con Miqui. Miqui es una persona inquieta, nada acomodaticia y eso es algo que se nota y muy de agradecer para los que gustamos de seguir su trayectoria y acudir, cuando la vida nos lo permite, a verle sobre un escenario. Hasta la próxima sr. Puig. Terminamos agradeciendo a Pilar González y Gloria González de G-News que contaran con “DMR” para poder informarles de este concierto.

Realización programa Miguel Bosé “Bandido”

2025-11-07T17:30:00.002+01:00

Ahora sí. Este sábado 8 de noviembre de 2025 arrancará nuestra 17ª temporada. Será a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Esperamos que el programa sea de su agrado y no falten a la cita, la cual ha tenido que ser aplazada en 2 ocasiones por motivos personales.