Discos, música y reflexiones

Mecano - Aidalai (1991)

2012-01-28T00:31:00.004+01:00

Primero de todo, informar que el plazo de votaciones de la presente edición de los Premios 20Blogs está a puntito de finalizar. En estos momentos marchamos en 3er. lugar y aunque es difícil, quizás todavía podría estar a tiro subir 1 posición más, porque siendo realistas, la victoria es algo casi imposible. Si tienen opción de voto (es decir, que participan con su blog en el concurso) y estiman que nos merecemos su gracia en la categoría de Mejor blog de música, les estaremos muy agradecidos. En las siguientes semanas comentaremos en qué posición acabamos, pero en todo caso repetir podium en el 3er. puesto sería un excelente resultado.

Es preciso recuperar a Mecano por varios motivos. Principalmente porque curiosamente poco después de que hiciéramos el programa de radio Especial sobre “Ya Viene El Sol”, con la intervención de Miguel Ángel Arenas, alias “El Capi”, en el mismo, un invitado también al dicho programa (que no respondió y quizás en esto siguiente estribe el motivo de su no respuesta) J.A. Abellán anunció en su programa que Mecano se iban a reunir. 2 meses y pico después no hay señales, aunque la reunión está en el aire y a Mecano se le han concedido espacios en televisión como un especial que Mª Teresa Campos hizo no hace mucho.

Otro motivo es que, como saben nuestros seguidores, un disco no pasa por nuestro programa de radio hasta que es previamente comentando en el blog, y el caso es que Mecano, no sé si en esta 3ª temporada, es objeto de deseo de análisis una vez más en nuestro espacio en las ondas. Por ello, es necesario realizar ya un análisis de otra de sus obras de larga duración, para tener abierta la posibilidad de un nuevo coloquio especial. Además, quizás solamente haber revisado un disco del grupo en lo que lleva de historia el blog es demasiado poco.

Con Mecano me pasa algo raro, que únicamente no me sucede con “Ya Viene El Sol”, mi disco favorito de su trayectoria. Y ese asunto es que ningún disco me gusta de cabo a rabo, salvo la citada excepción de su 3ª obra. Se comenta que “Entre El Cielo Y El Suelo”, “Descanso Dominical” y el que hoy nos ocupa, “Aidalai”, son perfectos, pero yo no lo creo así, ya que hay cosas en su interior que personalmente me resbalan bastante, alternándose con otras piezas que no me cansaré de escuchar un millón de veces. Quizás también porque recuerdo bastante bien la promoción de “Aidalai” en su día, sea el motivo por el que me haya decantado por este trabajo para dar trato a la 2ª etapa de Mecano, ya que la etapa primeriza la analizamos ya con el post de “Ya Viene El Sol”.

Las bases del fenómeno, no solo musical, sino social, que fue Mecano en la 2ª mitad de los 80 y comienzos de los 90, estaban bien asentadas debido al progresivo éxito de los que fueran su 4º y 5º disco de estudio. Primero fue “Entre El Cielo Y El Suelo” el que en gran parte debido a las composiciones de Jose Mª Cano encumbraría a Mecano y posteriormente “Descanso Dominical” rubricaría la gloria con una mayor compensación en el balance entre los hermanos, con ejemplos como “Mujer contra mujer” o “Un año más”. Fue con este disco, su gira y promoción cuando Mecano se convirtió en algo más que un grupo de música. No es difícil recordar incluso para los que teníamos apenas 6 años en aquellos días los posters que te regalaban en los supermercados al comprar una popular marca de refrescos, en los que el grupo salía con un aspecto luminoso y radiante.

De esta forma, Mecano entraban en los 90 como indiscutible número 1 de los grupos musicales en España, y solamente los Héroes Del Silencio (teniendo en cuenta que estos se movían en el terreno más rockero) les hacían una leve sombra. Alaska Y Dinarama ya eran historia y Olvido y Nacho comenzaban a moverse con Fangoria, sin ser tenidos demasiado en cuenta durante mucho tiempo. Por ello, con poco que Mecano dieran lugar a una obra mediana, el éxito descomunal estaba asegurado. Y “Aidalai” es un disco que personalmente veo de contrastes y en el que se asumieron ciertos riesgos para llegar quizás a sectores que todavía no habían conquistado. Pasemos al análisis de sus canciones y tras el mismo continuamos comentando más sobre lo que rodeaba al grupo en aquellos días y su devenir posterior. Creo que el post se me está yendo de las manos; no pretendo extenderme demasiado, pero creo que me va a ser difícil atajarlo.

Mecano toca todos los palos en este disco en lo que a la letra se refiere. También hay hueco para tratar el tema del sida en “El fallo positivo”, con esa melodía que en sus momentos más álgidos destaca por una potente base rítmica, y que alterna cambios muy acusados con alguna parte vocal casi a capella de Ana como cuando dice “Y es que tú eres lo que más quiero y sin ti la vida es un cero”. Resulta muy graciosa la coreografía que Nacho, guitarra en mano, se marca con Ana en el dvd del concierto de la gira en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Impagable, si pueden búsquenlo por ahí y opinen. José Mª Cano es amigo a ratos de la melancolía y para este disco se le ocurrió dibujar un epitafio musical para Mecano. Resulta soberbia la canción “El uno, el dos, el tres”, con esa emocionante línea de saxofón y una Ana Torroja realmente emocionante al micrófono. Se aborda el final del grupo de forma clara, el alejarse de los focos luminosos para pasar a estar en la sombra y se deja abierta esa posibilidad a la reunión futura visto en “… y quizás volvamos al local a cantar para nosotros lo de “hoy no me puedo levantar” y dejar que esa chorrada nos empañe la mirada. Lágrimas de agua pasada, despintando la fachada”… Vaya, pues casi me emociono al escuchar el temita de marras y escribir esto. Muy sentida, conseguida y bonita. En aquellos días Nacho y Ana quizás se olían levemente la tostada, pero está claro que José Mª tenía ya claras ciertas cosas desde antes de 1999. En la onda de afrontar distintos estilos, aquí se hace un gesto hacia la tradición musical de baile latina con “Bailando salsa”, que sin ser single también sonó mucho en su día y que en parte es una especie de crónica social mencionando a nombres como Lauren Postigo (mítico presentador de televisión) y a Pedro Almodóvar, los cuales no salen muy bien parados, uno por ser tachado de ser un hortera vistiendo y el otro por ser una gorda algarroba; se sabe que al conocido director de cine no le hizo mucha gracia y es que en definitiva Almodóvar era del grupo de amigos de Alaska y allegados, durante mucho tiempo rivales de Mecano (también se menciona al Stella, bar en aquellos días regentado por la propia Olvido Gara). Resulta desenfadada y menos seria que “Una rosa es una rosa” y aunque algo petarda y verbenera, no suena del todo mal. Vagamente le tengo cierto cariño a “Bailando salsa” por recordarla de sonar bastante por la radio en aquellos días. “El 7 de septiembre” es quizás el mejor de los singles de la obra y puede que también el más claramente recordado en dura pugna con el flamenqueo de “Una rosa es una rosa”. Aquí ese inicio misterioso, con un entramado instrumental algo experimental, da lugar a una composición realmente triste en su letra, con esa representación de una relación que celebra su aniversario con más pena que gloria, y todo ello asentado sobre una melodía a ratos realmente solemne, al igual que también es muy solemne cuando Ana Torroja remarca en la parte vocal el título de esta fabulosa canción de Mecano. Otro single fue “Naturaleza muerta”, con el que se describe la triste historia del pescador Miguel que en su lucha a muerte con el mar termina engullido por éste y se muestra la triste existencia de su viuda, la cual no deja de “llorar por él” (según reza el pertinaz estribillo). Estamos ante una composición muy bonita y emotiva y quizás junto a “El 7 de septiembre”, de forma objetiva nos encontremos ante la mejor canción desde el punto de vista formal de “Aidalai”. Hay sitio para una frenética instrumental, de clara inspiración revolucionaria bolchevique que es “1917”. Un interludio muy animado y algo en disonancia con el resto del disco, pero que en todo caso resulta bastante curioso en mitad de la obra. Mi buen amigo y colaborador radiofónico Alfredo Morales, seguidor de Mecano y no en vano orgulloso asistente a un concierto del grupo en el antiguo Rockodromo de la Casa de Campo (y porque no existían los móviles, que si no también hubiera acudido uno de los 3 días en Las Ventas de la gira del disco que hoy tocamos), reniega y odia a “Una rosa es una rosa”. Yo personalmente por el simple hecho de que con este tema se promocionaba el coche que a la larga es el que tengo todavía a día de hoy (el cual compró mi padre en su día nuevecito a comienzos del 93 y heredé de él), aunque el mío no sea exactamente la gama Mecano (pero si compro en la Renault la pegatina, que seguro habrá alguna en stock, y la pongo en la carrocería da el pego, se lo aseguro), no la tengo especial manía. No es ni de lejos una de mis favoritas, pero es innegable el hecho de que es una de las canciones más fácilmente recordables de esta obra y en su día con su videoclip en el coto de Doñana (significativo por la era socialista del Felipismo y Mecano) y su apoyo comercial publicitario, estaba hasta en la sopa. Mecano se quiso permitir el lujo de hacer un guiño al flamenco, género que no habían tratado, y tampoco es que salieran demasiado mal del paso, aunque la letra tenga partes regulares (común en tantos y tantos temas de la formación). Pasable.Una de las joyas ocultas del disco (y es complicado eso de oculta, ya que o fueron single, o tuvieron videoclip, o sonaron por la radio casi todas) es “El lago artificial”. Me atrevo a decir que es el mejor tema pop del disco, muy en dura lucha con “El peón del rey de negras”. Es una canción muy acelerada, con una melodía en la que destacan los cristalinos teclados de Nacho en muchas partes y que tiene alguna frase que me gusta mucho, como es el final del estribillo con ese “y te encontré en los callejones y en los lúgubres rincones, te encontré en los callejones y en los lúgubres rincones de mi ciudad”. Fabuloso tema y no les exagero que la podría situar incluso en mi top 5 de temas favoritos de Mecano de toda su discografía. Dentro de los momentos más delicados, en lo que son las baladas más puras, se coloca “Tú”, que es realmente bella, pero que quizás flaquea debido a un estribillo tan simple como es repetir de forma inconexa (casi podría parece un código morse) el pronombre personal de la 2ª persona que le concede título. No soporto la canción que concede en parte el título al disco. Creo que si se buscaba hacer un homenaje musical al Dalai Lama, bien podría haberse hecho otra cosa, porque no pega ni con cola la letra, que a ratos es absurda. Además, la melodía, que se sitúa en el lado más techno pop del disco, es completamente fallida y el estribillo con ese juego de repetir el “¡Ay! Dalai” es un desastre. No me gusta nada. Muy lejos de un tema tan glorioso como sí fue el soberbio homenaje a Dalí de “Descanso Dominical”. “El peón del rey de negras” dispone de una letra cuanto menos curiosa o simpática a cargo de José Mª Cano, y es parte de la sección más pop y radiante del disco, junto a otros temas como “El fallo positivo” o “El lago artificial”. En el dvd de la gira que se puede encontrar por ahí, es el tema de apertura, y creo que es un inmejorable comienzo para los conciertos, ya que tiene partes de un ritmo, intensidad y dosis de baile por las que cualquier grupo podría matar. Ese añadido al estribillo “Más si cayese yo primero, no quiero que lloréis, no quiero, porque en la caja de las fichas, para la reina soy el picha, que tumbaos fuera del tablero no hay clases ni Apartheid” es fenomenal en tanto a la entonación y melodía tanto vocal a cargo de Ana, como del combinado instrumental. “JC” es cuanto menos curiosa. Solamente por ver a quién está dedicada y lo luminosa que es, a ratos dudo si Nacho se inspiró al crearla al imaginársela cantada en reuniones de catequesis por jóvenes infantes, o en convivencias de confirmación. En todo caso, un tema muy alegre, en el que destacan los vitalistas acortes de la guitarra española. “Sentía” es otra balada bonita que se sitúa dentro de este aceptable último disco de estudio de Mecano, muy del gusto de José María Cano y llevando claramente su firma de estilo en su textura y melodía.

Como fenómeno social y masivo que eran Mecano en 1991, “Aidalai” fue un gran éxito comercial, mediático y del pueblo en general, ya que sus canciones fueron banda sonora de aquellos días de forma indiscutible. En consecuencia, el grupo sufrió una intensísima e inacabable gira que les mantendría durante casi 2 años actuando de forma prácticamente continua. Hitos como los 3 llenos consecutivos en Las Ventas destacan sobremanera como momentos inolvidables de aquel tour.

Parecía lógico que Mecano se tomara un descanso, aunque por la extensión en el tiempo y por los proyectos en solitario de sus 3 componentes, parecía una despedida velada (y más aún si los muy fans reparaban en el sentido de la canción “El uno, el dos, el tres” que forma parte del último disco del trío revisado en el presente post). Y el grupo regresó a la actividad en 1998, con imagen renovada (Nacho con el pelo corto y teñido de rubio, José Mª con su pinta más ruda y fornida desde que el grupo era grupo y Ana en su versión más sexy y femenina, dejando de lado los toques andróginos de su imagen en años anteriores).

Lo que pasa es que el grupo volvió para marcharse de forma definitiva y sonada, con la machada que José María Cano se anotó en la ceremonia de los Premios Amigo, cuando el grupo recogía un premio por toda su trayectoria. El momento fue televisado (yo recuerdo verlo en directo en su día) y todavía circula por internet; les recomiendo que lo busquen, ya que es impagable ver la cara de Nacho y Ana tras escuchar a José María decir que abandona el grupo y ver como luego responden ahí mismo a la declaración de su compañero. Por lo visto el backstage posterior fue de tralla y el mal rollo que se respiraba asfixiaba, según se comenta en la biografía oficial de Adradós.

Y desde entonces, hasta ahora. Lo más que se ha visto al grupo juntos fue en el estreno del musical sobre el grupo, en el que se atrevieron a hacer una versión a capella del “Un año más” con el público que asistió a aquella representación y con los actores que formaban parte del espectáculo. Lo último ha sido J.A. Abellán y la bravata que se marcó (por lo menos hasta el momento) de que Mecano anunciarían su regreso en las pasadas navidades o así, con una rueda de prensa multitudinaria; quién sabe si quizás el grupo al ver que Abellán les ha reventado la sorpresa, hayan decidido posponer todo un tiempo o si este mítico periodista se haya fiado de fuentes no tan fiables. Yo espero que esté en lo cierto y se dé la primera opción y en unos meses el grupo anuncie su reunión para una gira, la cual también ofrezca las suficientes fechas en Madrid como para que pueda conseguir entradas y verles actuar. Evidentemente no será lo mismo que los conciertos del pasado, pero creo que seguirá mereciendo la pena, todavía.

Volviendo al disco e intentando poner una conclusión, diré que “Aidalai” es un álbum bastante bueno (con esa foto tan movida en todos los sentidos en su portada, en la que solamente se ve algo nítido a José Mª Cano), aunque no todo el monte en él sea orégano. Tiene lugar para estupendas canciones y para otras más prescindibles (al menos desde mi punto de vista y gusto personal). Fue un último disco con el que el grupo parecía irse por la puerta grande y que solamente fue engorronado por ese paso en falso de 1998 con tan poca coordinación de ideas y percepciones entre los 3 componentes; ¿será verdad eso de que entre los 2 hermanos casi ni se hablaban? Lo de los Premios Amigo puede hacer que eso sea una evidencia. En todo caso, si la cosa se hubiera quedado en este “Aidalai” y en su monumental gira (a pesar de esa mala moda por entonces de hacer destrozos con los medleys), Mecano hubieran terminado en todo lo alto, aunque lo de 1998 no creo que afecte en demasía a su leyenda, mito y sobresaliente trayectoria y éxito. Les aseguro que volverán a pasar en el futuro por el blog, ya que nos quedan varios de sus discos por comentar, solamente llevamos 2. Y, ¿quién sabe? Quizás puede que algún día tengan su post en el apartado de “Crónicas de eventos”… El tiempo lo dirá.

Es importante sobre nuestro programa de radio advertir que hoy a las 16.00h tenemos programa especial sobre Pink Floyd y su disco “Animals” en riguroso directo en la sintonía de RUAH. En la próxima semana, el estreno del miércoles (como siempre a las 21.00h en &radio de Torrejón de Ardoz y a las 23.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares RUAH) corresponderá al coloquio que hicimos en su día en directo sobre Lady Gaga y “Born This Way”. Espero que todo esto sea de su agrado y lo puedan y quieran escuchar.

Pretenders - Last Of The Independents (1994)

2012-01-21T13:48:00.002+01:00

Debido a coyunturas estructurales, en algunos casos forzosas a la par que dolorosas, se podría afirmar que Pretenders son en definitiva e históricamente Chrissie Hynde. La realidad es que ella como principal compositora y voz inconfundible de los temas del grupo, es quien ha estado siempre presente en la formación, ejerciendo como líder y figura carismática e inconfundible para el imaginario colectivo.

Ya en los 80 tras su prometedor debut, el notable disco homónimo del nombre de la formación, con la única diferencia de la exclusión del “the” del título (que también a ratos se pone y a ratos no en el nombre de la banda), Chrissie tuvo que reinventar la formación debido a la pérdida de 2 de algunos de sus componentes, para que en 1986 llegaran a editar “Get Close”, en el cual se incluiría un éxito de los años 80 como es “Don’t get me wrong”, una de las canciones que más buen rollo destilan en su melodía, con esa línea de bajo saltarina y juguetona y una Hynde al micrófono con una entonación cálida y muy bien llevada.

Que los 90 fueron bastante crueles con los grupos más masivos de los 80 es algo que está aceptado, y salvo los primeros envites solventados por algunas bandas a comienzos de la misma, editando discos muy dignos, se dio el hecho de que llegando a mediados de los 90 diera igual que esas formaciones hicieran discos más que aceptables, porque los tortazos les llegarían por doquier. Por ello, quizás resulte increíble que Chrissie Hynde comandando el nombre de Pretenders pudiera editar un trabajo tan notable como es el que hoy nos ocupa, el “Last Of The Independents” de 1994 y que encima dentro del mismo ofreciera otro tema inolvidable de su trayectoria como es la sentida, sencilla y simplemente fabulosa “I’ll stand by you”. Pero no solo de esta inmortal balada vive el disco, hay mucho más.

Dejarse guiar por el gran clásico estandarte del disco para intuir lo que Hynde y los suyos van a presentarnos es llevarse a engaños previos. No en vano, la portada, con esa imagen tan rockera de Chrissie Hynde sentada en el suelo y empuñando su guitarra cual espada, no es gratuita y ya podemos verlo en la rockera “Hollywood perfume” que abre el fuego. Las guitarras están afinadas, verdaderamente aceleradas y vertiginosas y Hynde muestra seguridad y un cierto halo de sensualidad en su interpretación vocal que estará muy presente en todo el disco. Quitando algo de regusto rockero, para llevarlo a un terreno medio llega “Night in my veins”, bastante melódica y con un gran sentido del ritmo en su estribillo. Las notas de acordeón quedan realmente bien como leves matices instrumentales para conferirle ese toque medio festivo que desprende la 2ª composición del disco. En la siguiente “Money talk” no se pierde de vista el enfoque rockero clásico en las guitarras, pero debido a su ritmo y a cierto deje vocal de Chrissie, podemos apreciar un leve guiño al glam y la psicodelia de épocas pasadas. Se dejan de lado las guitarras en los primeros compases de “977” en la que la lenta cadencia de la melodía de piano lleva el peso principal de la música. Lo que más se queda ese “cuando vi a mi chico llorar, supe que me quería” que Hynde se encarga de entonar en este medio tiempo de tintes algo nocturnos y decadentes realmente encantadores. Con “Revolution” afrontamos el primer momento pop, ya que aquí las guitarras y sus acordes se encuadran en esos territorios de género, partiendo del rock que se profesaba en la triada de apertura de “Last Of The Independents”. “Que venga la revolución, quiero morir por algo” dice Chrissie a lo largo de este en parte emotivo capítulo del disco. Pretenders se encuentran cómodos en esta sección del disco dentro de los tiempos pop melódicos y “All my dreams” es otro ejemplo de ello. Una pieza delicada, luminosa y válida, pero que quedará a la altura del betún debido a la dura competidora que tiene anexa y que es el verdadero clásico que ha quedado más allá del conjunto de la obra. Hablar de “I’ll stand by you” se ha hablado ya bastante. Intentaré ser sintético y aparte de afirmar que es un tema que por mucho que lo escuche nunca me canso de repasar una y otra vez, diré que de la sencillez de reiterar el título de la canción para demostrar ese apoyo incondicional visto en la letra en su estribillo “estaré a tu lado, estaré a tu lado, cuando nadie te escuche estaré contigo…” y sentarse sobre una melodía que si lo piensan bien podría conseguirse quitando el toque excesivamente épico a las baladas de los Aerosmith de aquellos días, o incluso a la machacada y masacrada (quizás de forma algo excesiva) “Always” de Bon Jovi, se da forma a una composición realmente emotiva y fabulosa. También me cuesta imaginármela en otra voz que no sea la de Hynde, la cual ofrece una dirección vocal plausible, con esos requiebros sensuales en su entonación, que en este caso son sencillamente una maravilla. De inicio, con esas notas de piano, a fin es buena, sin mácula, y aunque en parte haga un ligero flaco favor al disco al ensombrecer al resto de sus compañeras (algunas realmente buenas como estamos pudiendo comprobar y seguiremos viendo), me inclino por pensar que lo que hace es darle lustre a “Last Of The Independents” y ponerle a la luz que quizás injustamente no tendría si no estuviera en su interior. Creo que ya he hablado mucho de “I’ll stand by you” y prometí no extenderme en demasía.Si dije al comienzo del repaso del disco en sí que el enfoque rockero está muy presente, en “I’m a mother” tenemos el más claro ejemplo de intensidad. Pretenders no pretenden (toma juego de palabras) que nos quedemos embelesados con los últimos acordes en el fade out de “I’ll stand by you”, y nada más terminar la misma se nos presenta un tema que tiene ciertos toque de rock funky al estilo de unos Red Hot Chili Peppers, en el que Hynde se muestra contundente, potente y vigorosa en el micrófono, llegando a aullar en algunos momentos de la parte final. Una sacudida en toda regla y un necesario chute de adrenalina musical. “Tequila” es un breve interludio, de corte acústico y relajado, que sirve para que sus pocos instantes de duración, a duras penas un minuto, nos permitan recuperarnos de trajín sonoro de “I’m a mother”. Nuevamente hará acto de presencia la palabra “mother” en el título de una canción y eso ocurre ahora en “Every mothers’ son”, quizás uno de los temas más bonitos, en el sentido simple y literal del adjetivo, del disco que hoy nos ocupa. Y es que en esta pieza se da lugar la melodía más cálida y también en concordancia la Chrissie Hynde más sentida y cercana en el micrófono de “Last Of The Independents”. Las guitarras acústicas y sus reconfortantes acordes se encargan de darle la personalidad instrumental al corte. Realmente buena “Every mothers’ son”. Pero ya está bien de tanto sentimiento, volvamos al ritmo pues. Y es que “Rebel rock me” es una especie de rockabilly muy movidito, con un ritmo como de locomotora de tren, que ofrece uno de los capítulos más bailables de la obra. Hynde se suelta el pelo en esta composición, chocando mucho con la mesura y calidez que ofrecía en la pista inmediatamente anterior; de esta forma Chrissie demuestra su versatilidad como vocalista. Una joya oculta del final del disco es “Love colours”. La combinación de estrofa y estribillo, con ese cambio o giro melódico que incluye, es sencillamente fenomenal, y en esa parte de estribillo se alcanzan unos registros de emotividad y ritmo impagables. “Forever young” juega el papel que tantas veces comento de epílogo. Un tema con una vaga épica que deja un poso muy distinto al que nos hubiera dejado “Love colours” en caso de haber finalizado ahí la cosa. Esta baladita no queda mal del todo como colofón a un disco que demostró la dignidad de Pretenders en unos años en los que los grupos que triunfaron en los años 80 y finales de los 70 no estaban demasiado bien vistos.

Reitero que “Last Of The Independents” supuso un tanto a favor de Pretenders en la mitad de los años 90, en unos días en los que el grunge era lo que más rompía en el panorama mundial y en el que comenzaba a florecer el brit pop de los noventa, para asentarse con fuerza en el posterior 1995. Hynde y los suyos iban por libre y sacaron un disco que para nada resulta pretencioso, pero quizás en su naturalidad reside su mayor fuerza.

Además, resulta que dentro del notable conjunto de 13 temas que componen la obra, Hynde se sacó de la chistera la sublime balada “I’ll stand by you”, lo cual ayudó de forma inestimable a situar el disco en un punto de la historia. Recuerdo a Chrissie en el clip de la canción mencionada, con un muy buen aspecto y luciendo esplendorosa los cuarenta y pico años que tenía para entonces; siempre he tenido una extraña sensación con Chrissie Hynde, pues a ratos me parece que tiene un punto sensual muy interesante, pero en otros momentos me resulta de una belleza algo extraña. En todo caso aquí estaba mejor que en algunos momentos de los 80, cuando era ni más ni menos que la señora de Jim Kerr (o acaso era el líder de Simple Minds, el marido de Hynde); es curioso que una vez el propio Jim dedicó un artículo a Chrissie (posterior a su separación), que tituló de la misma forma que el álbum que nos ha ocupado esta semana.

El siguiente disco de Pretenders, “Viva El Amor”, allá a finales de milenio, dispuso de un medio éxito, que tuvo cierta repercusión, llamado “Human”. Un buen tema pop, con una desafiante Chrissie Hynde en su videoclip, sentada en una mesa, y en el que ya sí que se aprecia el paso de los años en esta figura tan carismática dentro del mundo de la música. El siguiente “Loose Screw” de 2002 pasó sin pena ni gloria, ya que recuerdo que en esos días, o más bien unos meses más tarde, yo trabajaba en el departamento de discos de unos grandes almacenes, y ni siquiera lo teníamos, ni casi sabíamos de su existencia o salida al mercado. Hoy proponemos recuperar su canto del cisne, o quizás eso lo fuera el citado single “Human” de 1999, no sé, pero en todo caso “Last Of The Independents” merece mucho la pena, “I’ll stand by you” aparte.

Sobre nuestro programa de radio informar de 2 cosas. Primero que este miércoles a las 21.00h en &radio de Torrejón de Ardoz y a las 23.00h en RUAH podrán escuchar el programa que dedicamos en nuestra 3ª temporada a Wet Wet Wet y su debut “Popped In Souled Out”. Segundo que este sábado 28 de enero a las 16.00h en &radio de Torrejón de Ardoz o RUAH (todavía no sabemos donde será) haremos otro coloquio especial en directo, en esta ocasión sobre “Animals” y Pink Floyd, lo cual igualmente se lo recordaré en el post de la próxima semana. La 2ª parte del Especial Mecano y su “Ya Viene El Sol” estará disponible en nuestro perfil de Ivoox lo antes posible, no a mucho tardar.

Love Of Lesbian - 1999 (O Cómo Generar Incendios De Nieve Con Una Lupa Enfocando A La Luna) (2009)

2012-01-14T13:31:00.004+01:00

Ya con el simple hecho de escribir el título completo del disco que nos ocupa, me he cepillado medio post de esta semana. Qué chiste más facilón y tonto; dirán que yo me digo y me respondo todo, ¿no? Bueno, al grano. Con algo en lo que no estoy de acuerdo al 100%, sino que más bien estoy en descuerdo en algún grado (aunque tampoco le enmiendo a la totalidad) con mi buen amigo y colaborador en la radio Alfredo Morales, es con que el momento actual del indie español sea algo infumable en su totalidad.

Personalmente, yo no me creo ni por un lado a las vertientes que afirman que vivimos una 2ª edad de oro, pero tampoco me voy al otro extremo que defiende mi buen contertulio, que es decir que todo el indie patrio es detestable. Sé de dónde viene parte de la inquina de mi colaborador, pero eso ya supongo que lo explicará él en un post de su gran blog “El gato Kilo”, aunque en todo caso ya ha hecho mención a esa idea en alguna ocasión.

Un servidor de ustedes no traga con todo, sino que soy selectivo y para dar mi visto bueno a las cosas les doy varias y varias escuchas, las cuales pueden hacer que varíe mi percepción final sobre un grupo o disco. Con nuestros protagonistas de hoy no me sucedió así. Con Love Of Lesbian más bien la cosa ha ido in-crescendo últimamente, por curiosidad derivada de nuestra mediana (ya que no supone mejora respecto al año pasado, sino que encima bajaremos un puesto al menos, del 3º al 4º) participación en la actual edición de los Premios 20Blogs. Ahí hubo un blog sobre el grupo que lideró la clasificación, pero que luego fue descalificado por no cumplir alguna de las bases.

Se daba la casualidad de que en esos días un servidor de ustedes iba a ir acreditado al Fnac Music Festival, cosa de la que ya saben debido a post anteriores y ahí estaba el grupo en cuestión. A los chicos liderados por Santi Balmes como guitarrista y vocalista principalmente, y complementados por Julián Saldarriaga como guitarra, Oriol Bonet a la batería, Joanra Planell al bajo y Jordi Roig como guitarra, les conocía de oídas (básicamente por su llamativo nombre, cuyo sentido era básicamente creo que el hecho en sí de llamar la atención, según declaraciones del propio Balmes). Les pude poner cara en una serie de Tv que no fue valorada en su día, a cargo de Corbacho, aquella “Pelotas”, que un seguidor futbolero como yo no me perdía ni un solo día. Pues allí salieron en plan frikis algunos Love Of Lesbian para un casting que se realizaba a grupos que aspiraban a darle un himno al equipo de fútbol de ficción de la serie en sí.

Y aquí tiene cabida otro de mis amigos y colaboradores, Mariano González, el cual sí que era admirador de más largo recorrido que yo de Love Of Lesbian y sabía del carácter algo despreocupado y festivo de la banda, ya que me dijo que incluso tenían una especie de cover del “We are the world” con la letra diciendo algo de “Julián the world”… Me he detenido en cosas más serias y todavía no he constatado ese punto humorístico del grupo, aparte de la soleada y animada tonada creada para la serie de televisión “Pelotas”, a modo de himno de La Unión F.C..

Con esto, yo me decanté por catar el lado serio y más reciente del grupo, con el que la banda parece que por fin ve recompensado su largo devenir. En parte hay paralelismo con Second (mi banda predilecta del panorama indie nacional, como ustedes saben), ya que ambos grupos llevan más de una década en activo, con varios discos en el mercado (siendo los primeros en inglés) y es en estos días cuando por fin están llegando a un público más amplio de forma merecida.

Si hablamos de padres del indie nacional, es fácil que cualquiera responda automáticamente Los Planetas, y aquí lanzo otra cuerda para hilvanar esta, quizás, caótica presentación del post de hoy. Los de J ya desfilaron por acá con su “Una Semana En El Motor De Un Autobús”. Un gran disco, conceptual, y que desarrolla una idea a partir del final de una relación amorosa y ver las distintas etapas y estados de ánimo que sufre el protagonista, una de las 2 partes afectadas lógicamente.

Bueno, pues en “1999” (discúlpeseme el no poner el apéndice que tiene, pero es que estoy vago o con leve tendinitis mecanográfica) Love Of Lesbian plantean una tesis de ver una relación que se terminó desde el prisma del tiempo. En concreto una década. Varias de las canciones están encuadradas en el tiempo recordado o recrean esas vivencias, y el tema de apertura y el de cierre son visiones o actuaciones de la actualidad derivadas de recrear o sumergirse en esos recuerdos, a ratos algo dolorosos. Luego hablaremos más del conjunto de la obra, en global, pero ahora pasemos a ver qué ejercicio lírico ha querido plasmar el cantante y letrista del grupo Santi Balmes en el que de momento es el último trabajo de estudio de Love Of Lesbian.

Comienza la obra con el capítulo que nos pone en antecedentes y que además ha sido una de las canciones más celebradas por separado del disco. “Allí donde solíamos gritar” nos plantea la situación de encontrarnos a 10 años vista de unos tiempos concretos y en esta ocasión nos invita a trasladarnos a algún lugar simbólico o referente de aquellos días. Esta canción es uno de esos ejemplos que yo califico como de potente intensidad melancólica; ello se basa en una letra que destila ese poso necesario de melancolía, visto en muchas frases de la letra, y una armadura musical bastante intensa y con mucho cuerpo. Hay partes de la letra que me gustan mucho como cuadran en la estructura como es el caso de “vertical y transvesal, soy grito y soy cristal, justo el punto medio, el que tanto odiabas…”. Hablar de los videoclips del disco es necesariamente hablar de 2 actores, Carlos y Mónica, que se encargan de protagonizar esas imágenes en polígonos industriales abandonados, en cercanías de vías de tren, en zonas elevadas de puertos marítimos industriales, y en cierta manera la colección de imágenes de “Allí donde solíamos gritar” entronca varias de las fases tratadas a lo largo del disco (claramente por ejemplo en la imagen en la que rompen ventanas, que es una alusión directa al tema de cierre). Otro paralelismo con Second y además en el mismo 2009 es “Rincón exquisito”. Si nos ponemos a comparar ambas composiciones, las 2 tienen mucho en común: tratar de un lugar especial, asociado a una relación pasada y compartir ese enfoque de intensidad emocional que he descrito antes. Esta semana he propuesto que ustedes se decanten en las redes sociales sobre cuál de las 2 canciones prefieren. Pueden votar comentando aquí si lo desean. Si cabe más repercusión individual ha tenido como single o tema al margen del conjunto de “1999” “Club de fans de John Boy”. Aquí se narra parte de esa historia pasada, en la que el chico tiene que tragar con los gustos musicales de la chica y asistir a un concierto de alguien que no le gusta mucho; lo curioso es que al final se acaba autoconvenciendo de ello. La letra describe perfectamente el fenómeno fan, que en parte también sufrirán los propios Love Of Lesbian desde ambos lados de la barrera y el clip muestra una correcta representación de los 2 actores protagonistas de las imágenes del disco (incluida la portada del álbum) en mitad de un concierto, pero no de John Boy, sino de Love Of Lesbian. “Las malas lenguas” se presenta con unas líneas de guitarras muy animadas, adornadas por sutiles efectos electrónicos. En parte es darle un toque de mayor ánimo a la melodía de “Club de fans de John Boy”, sobre todo por las programaciones añadidas en este caso y la vitalista sección de guitarras que tiene. Otro gran momento del disco, que con la 4ª pista y las 2 previas, conforma un cuarteto de arranque de la obra sobresaliente. Uno de los temas más bailables (siendo insistente en buscar comparar a Second y Love Of Lesbian, recordándome mucho a esta el posterior “Demasiado soñadores” de los de Murcia) es “Algunas plantas”. La letra es un viaje de tripis descrito por Balmes, rimando “Congo” con “bongos”, aludiendo al líder de los Beats y acusándole de ser muy hippie. Los coros a cargo de Carlos Cros, en tono de falsete, le dan un toque luminoso, muy exótico, al corte y quizás sea uno de mis temas preferidos del disco; no en vano, cuando Balmes anunció en el pasado Fnac Music Festival en Madrid que llegaba el turno de tocarla, se notó en la audiencia del Palacio de los Deportes que era un momento esperado. En muchos conciertos de la gira, el grupo ha hecho una coreografía de la misma cuanto menos graciosa, que abunda en ese lado humorístico de la banda del que ya me advirtieron. Será en el 5º episodio con “Cuestiones de familia” cuando se nos ofrece un momento de respiro y calma, para poder ir asumiendo o asimilando varias de las sensaciones que nos ha ido mostrando el grupo y sobre todo tras el anfetamínico viaje de la 4ª composición “Algunas plantas”; “(de muy buena calidad)” deberían haber apuntado al título de la 4ª canción del disco estimo. “El ectoplasta” reporta el momento más acelerado hasta el momento, básicamente para sacarnos de la quietud que nos ha supuesto la reflexiva “Cuestiones de familia”. Mucho ritmo para conceder sitio en el 7º puesto, llegando al ecuador del álbum, a “Segundo asalto”, otro single del disco. En este caso en el clip se ve al grupo con Balmes dentro de un ring enfrentándose a la actriz Mónica. Un medio tiempo correcto, con un poso desesperanzado en la forma de afrontar las tareas vocales por parte de Santi Balmes, que le otorga de esa forma la personalidad principal a esta canción.Seguidas llegan las 2 que podríamos decir que son canciones título del disco. Primero es “Incendios de nieve”, que destaca principalmente por abundar en la tradición del rock catalán, por esos coros tan animados que ofrece, que no en vano me recuerdan a cierto pasaje que Loquillo incluyó en su mítico “Mis Problemas Con Las Mujeres” de 1987, en el cual el Loco cantaba incluso en catalán. No obstante, y a pesar del buen ánimo que transmite “Incendios de nieve”, que sin lugar a duda llena de energía y refulgente por esos coros comentados, me quedo con “1999”, y creo que el grupo también; al menos su cantante dijo en el Fnac Music Festival algo así como que siempre le resulta un placer cantar esa canción (aquel día para colmo contó con Iván Ferreiro como acompañante para ejecutarla). Y no es para menos. Estamos ante otra canción de esas que destilan una melancolía de perdedor, que tanto encanto levantan, y tanto suelen gustar al menos a gente como a mí. Partes de la letra como la simple frase “Ya no hay ganas de seguir el show…” dejan las cosas bien claras, y es que esta canción sintetiza y revela parte de la totalidad del conjunto del disco. Soberbia y probablemente entre las 3 mejores del disco. Ya no hay ganas de escuchar nada más, parafraseando la letra de la canción “1999” tras atender a la misma, y es que te quedas con una sensación de final de historia que te sacia y satisface. No obstante, aún hay lugar para 5 capítulos más, casi como un epílogo a la obra, o al menos así me lo parece tras situarse en el 9º lugar a “1999”. Primero llega la cambiante “Te hiero mucho (historia del amante guisante)”, que es un tema simpático y algo naif, que tampoco se esfuerza en tener mucho protagonismo dentro del disco, o al menos esa impresión me da a mi. Mejor resulta la intensísima “Cuando diga ya”. Una tremenda descarga de rock, acelerada, incisiva, mordiente, y con un ritmo y vértigo fenomenal en su estribillo, en el que para ganar velocidad se deja de lado el toque sucio y farragoso de las partes prosaicas. Y se sigue rematando la jugada para bien a medida que llegamos al final del álbum con “Miau”. Aquí estamos ante la que sería supuesta “cara b” de “Algunas plantas”. Nuevamente está Carlos Cros con sus coros en falsete acompañando a Santi Balmes, mientras el vocalista del grupo regala “Fucks you por igual” a diestro y siniestro. Perdonamos el hecho de buscar rimar “Matahari” con “Rastafari”, en un claro homenaje involuntario al gran letrista pepinero que a ratos fue José María Cano dentro de Mecano. El penúltimo capítulo es “La mirada de la gente que conspira”, un tema de rock medio al que se le va cogiendo el punto con el paso de las escuchas. Tiene esas partes de ritmo machacón y un mayor gancho melódico en el estribillo. En definitiva es un corte con buenos cambios de ritmo, que nos pone correctamente en situación para afrontar ese capítulo final ansiado, que por fortuna nos reportará una sensación parecida a la que “1999” concedía en el 9º lugar del set list. Ahora sí, la lenta, decadente y en parte conciliadora con el pasado “Voy a romper las ventanas” (aunque su título no haga que así lo parezca), nos deja el cierre del álbum con sus más de 6 minutos de duración en la que Zahara acompaña a Balmes de forma clara, ya que en “Allí donde solíamos gritar” también se dice en los créditos que participa, pero yo al menos no la identifico tan fácilmente.

Con su disco “1999” Love Of Lesbian terminaron de consagrarse dentro del panorama indie y de la música española en general. No en vano, al grupo le ha ido bastante bien, y a vista de 2 años de su edición, la banda sigue sacándole provecho, cosa que por ejemplo Second no ha podido hacer con su igualmente gigantesco “Fracciones De Un Segundo” editado en el mismo año, ya que los de Murcia han tenido que sacar el si cabe mejor “Demasiado Soñadores” este 2011 para seguir luchando.

Volviendo al carácter del libro, hay algo muy importante a lo que no podrán acceder si solamente se descargan el disco, que es el librero. Asunto para nada baladí, ya que en el mismo hay una carta escrita por Balmes dirigida a la otra parte protagonista de esa historia sentimental que se desarrolló en 1999, y sobre la que circunda este magnífico álbum. Me pregunto, ¿será cierto que Balmes se ha inspirado en alguna vivencia real o simplemente ha intentado recrear lo que hubiera sido ello, en ese caso de forma increíblemente real?

En todo caso, si es todo real, daría una fortuna por ver la cara de la chica que junto al propio Santi Balmes protagonizó aquella relación al escuchar este disco y leer la carta escrita dirigida a ella por el propio Santi. Párense un momento a pensar en ello. Es algo íntimo y personal, pero Balmes lo hace universal, y todos en mayor o menor medida hemos tenido nuestro propio “1999”, con sus sufrimientos, ilusiones y posos en el recuerdo, ¿no?

Esperaremos pacientemente el siguiente paso de estudio de Love Of Lesbian. “1999 (O Cómo Generar Incendios De Nieve Con Una Lupa Enfocando A La Luna)”, ahora lo escribo otra vez completo, ha sido un trabajo que probablemente el paso del tiempo tratará de forma muy benévola y que se hará un hueco de oro en los repasos que se hagan a los discos más válidos de la 1ª década del siglo XXI en nuestra música. Eso se lo garantizo.

Terminar diciendo que esta tarde en &radio a las 16.00h tenemos coloquio especial en directo sobre The Human League y su disco “Crash”. En nuestro estreno semanal del miércoles podrán escuchar tanto en RUAH a las 23.00h como en &radio a las 21.00h la 2ª parte del programa especial sobre Mecano y su trabajo “Ya Viene El Sol”, en el que participó el descubridor de la banda y productor Miguel Ángel Arenas “El Capi”. También saben que lunes, martes y jueves en &radio a las 21.00h podrán escuchar programas antiguos o repeticiones.

**AVISO IMPORTANTE DE ÚLTIMA HORA: El Especial The Human League será en la sintonía de RUAH y no en la de &radio. Para escucharlo, este sábado 14 de 16.00h a 17.00h, pinchen aquí.

Tears For Fears - Songs From The Big Chair (1985)

2012-01-08T11:10:00.003+01:00

Publicamos hoy domingo, en lugar del sábado habitual, el post de esta semana, debido a que ayer sufría en sus momentos de máximo apogeo un proceso gripal que alcanzó cotas de 39º en sus peores momentos. Se ve que el estar rodeado de mucha gente afectada desde finales del año, finalmente me afectó y mi organismo no pudo resistir tantos envites derivados de tanto enfermo colindante. Hoy, por fortuna, estamos algo mejor y con la fuerza suficiente como para publicar el presente artículo.

Tampoco es que Tears For Fears tengan una discografía excesivamente amplia, ya que en los prolíficos años 80 iban a un ritmo de editar disco cada 3 o 4 años, o cada 2 como muy pronto. En todo caso que solamente hubieran pasado por aquí en 3 años y medio de existencia de blog en una ocasión, con la revisión de su 3er. trabajo “The Seeds Of Love”, me parece una representación exigua por su parte teniendo en cuenta la aceptación que siempre han tenido musicalmente en mi foro interno o lista de preferencias.

¿Saben qué? Aunque la idea de hacer un post sobre quizás su considerado mejor disco (aunque cada día que pasa “The Seeds Of Love” se iguala más en nivel de críticas), el “Songs From The Big Chair” de 1985, la tenía desde hace tiempo, ha habido un hecho que ha provocado que saliera del subconsciente donde había quedado anclada u olvidada para ver hoy la luz. El hecho en sí fue ver el otro día (solamente a cachos, ya que entera no se me permitió) la película “Los Amigos De Peter”. Una película perfecta para visionar en nochevieja, no porque recree o ilustre perfectamente los sentimientos de esa noche (que en parte también), sino básicamente porque la acción se desarrolla en esos días de celebración.

Si alguien ha visto mi perfil de Blogger, Facebook o Tuenti, habrá comprobado que esta es una de las pocas películas mencionadas entre mis favoritas. Y así es, ya que aparte de ser bastante emotiva y llegar a tocar muy sutilmente la fibra sensible en ciertos momentos, dispone de una banda sonora (concretada en una selección de canciones pop/rock, no en una música creada al efecto) que encuadra perfectamente con los momentos vividos o representados. Sin ánimo de ser demasiado spoiler (a mi me repatea que me chafen la más mínimamente importante escena de una película que no he visto, con lo que si son así pasen al siguiente párrafo), da la casualidad de que un gran momento de cariz documental lo protagoniza el temazo “Everybody want to rule the world” de Tears For Fears cuando se hace ese resumen de imágenes del decenio transcurrido entre 1982 y 1992 (tiempo que media entre la última vez que se vieron los amigos protagonistas y la actual reunión urdida por Peter). Y fue gracias a esta película como en su día (a finales de los 90, ya que la película no la vi en sus días de estreno, aunque sí parcialmente en el 94 en vhs en una reunión navideña en casa de mi familia) se me levantó el interés por Tears For Fears.

No obstante, hasta que me compré “Songs From The Big Chair” (mes de junio de 2003 si no recuerdo mal en el Hipercor de Alcalá de Henares) pasaría un tiempo, y antes me fui haciendo con el “Tears Roll Down” (recopilatorio del grupo) y me harté de ver el videoclip de la canción mencionada que forma parte de la banda sonora de “Los Amigos De Peter” tras conseguir la captura del clip en la Vh1. No obstante, antes de comprarme cualquier ítem discográfico de Tears For Fears descubrí que “Shout” también era un tema del grupo incluido en el mismo lp, con lo que en esos momentos “Songs From The Big Chair” se situó como cd básico para comprarme cuando fuera posible (en aquellos días tendría que estar descatalogado y tardé un tiempo en ver cómo aparecía en las tiendas, supongo que motivo de alguna reimpresión, que no remasterización, ya que la deluxe edition llegó más tarde).

Últimamente no suelo hacer introducciones personales de mi relación con la música, pero en este caso fue algo muy personal y relevante y lo he estimado oportuno. Pasemos a hablar brevemente de los antecedentes. Curt Smith y Roland Orzabal habían ofrecido un debut interesantísimo con “The Hurting” de 1983. Un disco en el que los matices electrónicos tenían su importancia, pero no os encontrábamos ante un grupo de techno pop ni mucho menos. Canciones como “Mad world” (versionada hasta la saciedad en nuestros días), “Pale shelter” o “Change” dieron lugar a 3 clásicos de su repertorio y a correspondientes singles bastante apañados.

Hablar de formación clásica en Tears For Fears puede parecer una broma, pero si consideramos a alguna alineación como la misma, precisamente considero a la de “Songs From The Big Chair” como la titular, compuesta por Smith y Orzabal como bajo y guitarrista respectivamente y los 2 como vocalistas, Manny Elias a la batería y el imprescindible Ian Stanley en los teclados. Este cuarteto elaboró un gran disco, que quizás a día de hoy no este muy valorado, o quizás todo lo que se mereciera; de este asunto y el hacerlo extensible a la propia banda hablaré al final del post. Ahora pasemos a la música, que ya habido por hoy demasiado rollo como antecedentes entre lo intrínsecamente personal y lo correspondiente al grupo.

Ya desde el comienzo con esa inquietante percusión y la intensidad y solemnidad de Roland Orzabal al micrófono en los primeros compases del clásico “Shout”, dejan claro que no estamos ante un disco vulgar. El entramado electrónico se va recargando poco a poco a medida que Orzabal sigue remarcando esa terapia psicológica de “¡Grita! ¡Grita! Deja que salga todo fuera…”. Hay una parte instrumental de corte experimental que antecede a la 2ª mitad de la canción realmente notable, pero si destacamos un momento instrumental sin lugar a duda es el solo de guitarra de la parte final de Roland, el cual se representa en el videoclip con el propio Orzabal disparando con su guitarra esos acordes en la cima de los acantilados del sur de Inglaterra donde está grabado el clip; en el mismo, a modo de curiosidad, resulta muy gracioso ver al líder ruso Vladimir Puttin entre la gente que está junto al grupo en las imágenes en estudio. Un tema rotundo, potente, capaz de devolver a un muerto a la vida y un descargo de adrenalina acorde con lo que se reza en la letra. Sublime y uno de los mejores temas de Tears For Fears de su historia. Número 1 como single en los Estados Unidos; no podía ser de otra manera. La perdida línea de saxo tan maravillosa que nos encontramos tras el fade out de “Shout” es la introducción a la también intensa (y a ratos muy emotiva) “The working hour”, que en sus primeros retazos instrumentales se muestra con un carácter ensoñador que no tendrá en su desarrollo. La percusión y batería sigue la línea de “Shout” y los teclados se muestran incisivos e igualmente rotundos para conformar una joya oculta del disco. La voz corre nuevamente a cargo de Roland Orzabal, que en este disco ya demostraba que iba arrinconando cada vez más en esas tareas a su compañero y co-líder el bajista Curt Smith. El estribillo me gusta mucho y es donde el tema tiene ese ligero giro a lo sentido y emotivo. Sin duda otra canción de bombo y platillo con una instrumentación sobrecogedora. El disco ha comenzado con 2 temas muy largos en duración (6 minutos y medio cada uno) y se empeña en seguir dejándonos con la boca abierta, ya que llega el turno del 2º clásico histórico de la obra. Ya he mencionado algo en la introducción de “Everybody wants to rule the world”, que en su letra no era nada ingenua, ya que se abordaba el contexto de la guerra fría y la ambición. Se deja de lado la contundencia sobre todo de “Shout” y también presente en “The working hour” para afrontar la emotividad, la cual florece desde sus tecladitos iniciales y esos sintetizadores que surgieron de la cabeza de Orzabal de la forma más espontánea posible, tal como explicaba en un dvd que existe por ahí sobre este disco que hoy nos ocupa. Aquí es la voz más suave y dulce de Curt Smith la que se encarga de llevar ese ritmo y entonación tan melódica y tan sentida que a medida que avanza la canción va aumentando. Acojonante es el momento en el que las guitarras se endurecen y Curt dice esa parte brutal (que no a mucho tardar comentaré en el blog “¿Canciones o lecciones?” en el que participo) “hay una habitación donde la luz no te encontrará, cogiéndote las manos mientras que las paredes se vienen abajo. Cuando ellos actúen estaré detrás tuya”, que en parte me recuerda al “cuando no esté, lo estaré en espíritu” de la contemporánea “Shake the disease” de Depeche Mode. El videoclip, que alterna imágenes del grupo en estudio tocando y a Curt Smith por Palm Springs conduciendo un descapotable verde, es otro fotograma clásico y muy acertado de los años 80 y de la historia de la música. ¿Querrán creer que casi hasta se me saltan las lágrimas mientras que escucho el disco y escribo estas líneas con las guitarras finales de este tema? Pues sí, no me ruboriza. Me emociona mucho este tema, pero la liviandad de la popera y enrevesada “Mothers talk” evita que vaya a más la cosa. Esta canción fue el single de adelanto, que ya vio la luz durante el año 1984, y que muestra a los Tears For Fears más experimentales y profesando una mezcla de rock y techno pop cuanto menos arriesgada y nada convencional. A un gran disco tampoco le viene mal un poquito de baile y eso es lo que te ofrece esta “Mothers talk”, con Roland Orzabal volviendo a las tareas vocales.Y del movimiento pasamos a la mesura e intimismo que vienen de la mano de la nocturna balada “I believe”. Un ejercicio desnudo, que a priori parece que lo ejecuta al micro Smith, pero no, es nuevamente Orzabal, que este disco estaba muy tirano con lo de ejercer como vocalista principal. La lenta batería a cargo de Manny Elias, se sirve tan solo de unas notas de piano, que vienen a adornar esta joyita que también se ganó los galones de salir al mercado como single. Ya era hora de otro golpe de energía y “Broken” arrasa en el total de los segundos que dura. No en vano, retornará dentro del surco de la siguiente “Head over heels” en versión en directo para rubricar una suite muy particular que forma con otro de los singles de la obra. Y es que “Head over heels” fue escogida por ejemplo para formar parte de la gran película “Donnie Darko”. Es la canción más pop en sentido estricto del disco, la más accesible sin lugar a dudas y en parte ayudó el simpático videoclip con el grupo trasteando en una biblioteca, con Orzabal estando detrás de una bibliotecaria por la que bebe los vientos. En dicho videoclip sorprende lo gordo que aparece Ian Stanley (sobre todo en comparación con el videoclip de “Everybody wants to rule the world”) y me hace mucha gracia cuando le aparece el teclado y comienza a tocar con cara de pocos amigos. No menos tronchante es ver al rabino de Manny Elias dando vueltas por la biblioteca y a Curt Smith haciendo amistado con un chimpancé. Se termina con la sutil “Listen”, de la cual también hablaban largo y tendido en el documental en dvd que hay del disco los protagonistas de la obra. No sé por qué me evocaba a la parte en versión original de “12 Hombres Sin Piedad” cuando Ed Begley se queda solo en sus razonamientos con sus otros compañeros de jurado y dice 2 veces lo de “Listen”. Es un buen epílogo, instrumental de no ser por los coros de los que se vale y alguna leve frase que susurra Roland, bastante ensoñador en su envoltura y con un vago halo de fantasía, desvirtuado cuando acto seguido vienen los bonus tracks que normalmente incluyen todas las ediciones en cd de la obra. Si hacen el ejercicio de parar aquí un rato, y a los 15 minutos continuar con las propinas, mejor que mejor. La mayor parte de los temas añadidos son instrumentales bastante experimentales y contundentes, a las que cuesta su tiempo cogerles el punto, se lo advierto; entre ellas “Empire building”, “The marauders” o “The conflict” por citar algunas.

El disco es curioso que tuviera mayor éxito en los Estados Unidos que en Inglaterra y que de igual manera funcionaran sus singles, ya que los 2 principales “Shout” y “Everybody want to rule the world” fueron números 1 en el Billboard y en los charts británicos se quedaron 2º y 4º respectivamente. El disco permitió al grupo vivir de sus rentas y promoción durante mucho tiempo, ya que pasarían 4 años hasta el regreso del grupo con “The Seeds Of Love”.

El que fuera el siguiente disco de Smith y Orzabal, en el cual ya no se encontraban como integrantes ni Elias ni Stanley, llega de sobra al nivel de calidad y excelencia que tiene el protagonista del post de esta semana. Luego llegarían las desavenencias entre Curt y Roland, resultando la marcha del bajista y vocalista, para dejar a Orzabal al frente de Tears For Fears en los años 90, editando 2 discos que tampoco están mal “Elemental” y sobre todo destaca “Raoul And The King Of Spain”.

“Songs From The Big Chair”, de portada con fotografía en primer plano de Curt Smith y Roland Orzabal, es un gran álbum. De los mejores de los años 80 y de la historia de la música. Simplemente reparando en el hecho de que incluya en su interior a “Shout” y “Everybody wants to rule the world” sería suficiente para que reparen en su grandeza, pero el caso es que el resto de composiciones le van perfectamente a la zaga. Si no lo creen, perciban el hecho de que de las 8 canciones que lo componen, 5 fueron singles, llegando a posiciones muy altas en las listas.

En nuestro programa de radio volvemos a los “estrenos” los miércoles y éste podrán escuchar la 1ª parte del Especial Mecano que hicimos ya hace un tiempo. Será a las 21.00h en &radio de Torrejón de Ardoz y a las 23.00h en RUAH. Además, informarle que el sábado 14 volveremos también a recuperar los coloquios en directo a las 16.00h en la sintonía de &radio. The Human League y su disco “Crash” serán el objeto de análisis para parte de los contertulios habituales de nuestro programa.

Miguel Bosé - Velvetina (2005)

2011-12-31T11:19:00.002+01:00

A mitad de la pasada década y tras una dilatadísima trayectoria, Miguel Bosé se propuso y consiguió sorprender a propios y a extraños con un disco realmente novedoso. Es cierto que en “Sereno” de 2001 se podían atisbar ciertos retazos de lo que Miguel terminaría concretando 4 años más tarde en “Velvetina”, pero las corrientes e inquietudes electrónicas no se mostraban de forma tan evidente; véase sin ir más lejos que el éxito que más se recuerda es “Morena mía” de aquel disco que suponía el primer disco de temas nuevos de Bosé desde “Laberinto” de 1996, puesto que entre medias anduvieron “11 Maneras De Quitarse Un Sombrero”, que es un disco de versiones y el recopilatorio “Lo Mejor De Bosé”.

En 2004, sin embargo, Miguel Bosé decidió dar forma y editar un disco que se nutría de composiciones de otros, en su gran mayoría nuevos talentos compositores, que vino a denominarse “Por Vos Muero”, que incluía aquel “Olvídame tú” y que nos mostraba en portada a un elegantísimo Bosé. Con este antecedente inmediato, nadie pensaba que lo que iba a venir después fuera una propuesta tan radicalmente distinta.

El caso es que “Velvetina”, protagonista del post de esta semana, y con el que retornamos a la figura de Miguel Bosé tras mucho tiempo de aquel post en el que nos centramos en “Salamandra” de 1986, irrumpió a comienzos de la primavera de 2005 con fuerza de la mano de la sugerente y arriesgada “Down with love” con el controvertido y en parte escandaloso videoclip en el que aparecía el mítico actor español de cine x Nacho Vidal. “Down with love” no sería un espejismo ni un engaño, ya que “Velvetina” en sus 13 cortes ofrecerá una propuesta electrónica que en ciertos pasajes resulta más extrema y valiente incluso. Pasemos a su escucha.

Comenzamos con ese juego de acentos en su título planteado por “Ójala ojalá”. En algunos momentos de esta pieza Bosé apuesta directamente por el techno casi industrial y si no céntrense en su estribillo. Un arreón potente de inicio de obra, con un regusto amargo en su melodía y que en su videoclip contó con una estética e imagen cercana a la URSS y al comunismo; al respecto hay que apuntar que en la edición coleccionista de “Velvetina” (la que yo adquirí por 4,99 eur. en las rebajas de enero de 2006 en el Carrefour de San Fernando de Henares), se incluía un dvd con un videoclip para cada una de las canciones. No comentaré todos los videos, sino los que más me llaman la atención. Podremos escuchar 2 temas de corte relajado a continuación. Llegamos primero a la preciosista “Aún más”, que conjuga a partes iguales solemnidad, efectos clásicos y matices electrónicos. Realmente interesante, oscilante, embriagadora y por lo general muy bonita. “No se trata de” deja de lado la monumentalidad y elementos clásicos de “Aún más”, para ofrecer un medio tiempo agradable. En el 4º lugar nos encontramos ante la gran joya oculta del disco, al menos para mi gusto. “Hey Max” es uno de los temas más intensos y arriesgados del disco. La electrónica es potente en las partes del estribillo, aunque otras partes suenan misteriosas y decadentes. En la letra Miguel, para quien se pierda en esa mezcla de inglés y español de la misma, critica el trato que se le da a los inmigrantes ilegales y el videoclip, fabuloso, para mi gusto igualmente el mejor de todos, muestra a Miguel en un fotomatón, en el que la gente hace con él lo que quieren (siendo igualmente una buena metáfora del maltrato o exclusión social que sufren los inmigrantes ilegales); de hecho, la fotografía del post corresponde a una captura de un momento del videoclip, que me pareció adecuada. Un tema movido, muy electrónico, pero muy humano en el fondo y contundente, que llama claramente la atención. “Celeste amor” destaca sobre todo en su estupenda introducción, con esas melancólicas notas de piano. Posteriormente el tema evoluciona a un medio tiempo que por otro lado forman el 2º núcleo duro de “Velvetina” confrontados con el sector de electrónica acusada. Buen corte, que cede el testigo en el siguiente capítulo a “Ella dijo no”, otro ejemplo de electrónica rotunda y potente. Esa parte de la letra “entonces el rey ordenó a sus eunucos: “traed de inmediato a la reina para que todos los empresarios ante su belleza se rindieran, se rindieran””, es chocante, pero de una rítmica sin posibilidad de discusión. El videoclip, con una protagonista bastante disoluta y la representación de su particular día a día y por otro lado con un teatral Miguel Bosé, tampoco deja indiferente a nadie. “Ella dijo no” es otro de mis temas favoritos del disco. Se alterna nuevamente una sacudida con un momento de relajamiento sonoro, ya que “De la mano de Dios” es sumamente placentera y se encarga de mecernos en sus leves sonidos durante los próximos minutos para posteriormente enfrentarnos a la curiosa “La tropa del rey”.En esta “La tropa del rey” de sonido marcial decadente, Miguel hace una buena crítica política y social, la cual puede pasar desapercibida si no estás muy atento a lo que dice Miguel. “Verde canalla” muestra ciertas inquietudes electrónicas, de tintes extraterrestres o espaciales, sobre todo en sus primeros compases, para sin embargo volverse una pista realmente accesible en su estribillo, en el que sin esos adornos electrónicos, casi nos podemos encontrar ante una animada bossa nova. “Paro el horizonte” nos puede engañar en sus primeros pasos, llevándonos a acertar que sea un medio tiempo marca de la casa particular de este “Velvetina”, pero sin embargo llega el estribillo, tan luminoso y vitalista, en el que Bosé se acompaña de coros que hacen ver a esta pieza como un ejercicio único en su clase dentro del disco. Gran tema fue, y un rotundo acierto escogerlo como 1er. single, “Down with love”. Ya he mencionado que fue controvertido porque en el mismo aparecía Nacho Vidal en porretas y tal, pero la composición es de una electrónica llevadera, muy rítmica, animada y muy luminosa. En ese estribillo malamente entendíamos que Bosé decía “El amor es locura”, pero por lo visto dice otra cosa, lo cual comprobé tras comprarme el disco y ver el libreto detenidamente. “Down with love” es una canción elegante, muy bien elaborada y que como single bandera del disco es inmejorable para adelantar parte de los valores electrónicos que Bosé plantea en el mismo. “Tu mano dirá” ofrece partes de una delicadeza pasmosa, con algunos arreones de intensidad que te dejan impresionado. Y es que a estas alturas y cuando vamos llegando al final de la obra, descubrimos que “Velvetina” tiene uno de sus puntos fuertes la alternancia de esas 2 vertientes: lo radical y lo íntimo o comedido. 2º single fue la manierista y de gracioso videoclip, con esas marionetas que el mismo Bosé protagoniza, “May day”. Las referencias a Constantino Kavafis me llamaron la impresión desde la primera vez que la escuché. Es curioso, pero este capítulo final forma del “Velvetina” es quizás el tema más pop y alejado de los extremos de la obra. Para dar más relevancia a ese trallazo que es “Ella dijo no”, se dispone un remix como epílogo de este fabuloso disco editado por Miguel Bosé en 2005.

Realmente “Velvetina” no fue un exagerado éxito comercial para Bosé. De hecho, y a vista de más de 6 años de su lanzamiento, me da la impresión de que tanto sus 2 trabajos anteriores “Por Vos Muero” y “Sereno” tuvieron una mejor acogida y sus primeros sencillos “Morena mía” y “Olvídame tú” fueron más populares que “Down with love”. Luego, si encima el pobrecito mío de “Velvetina” se da de morros con el posterior y desbordantemente exitoso “Papito”, que alargó su promoción más de 2 años, el trabajo para que este ítem conste a día de hoy como un disco en parte maldito dentro de la historia de Miguel Bosé está hecho.

El posterior “Papito” en efecto hizo que el recuerdo de “Velvetina”, este disco de portada con un dibujo sencillo de la silueta de Bosé, se disipara y más si cabe ya que del mismo no se incluyó ningún dueto para este recopilatorio con ninguna estrella que le permitiera tener cabida en esa fiesta o celebración de Bosé en forma de nueva entrega discográfica. “Cardio”, último disco nuevo de Miguel, es bueno, pero se aleja de esa novedad y riesgo que suponía “Velvetina”.

¿Quizás es que “Velvetina” fuera demasiado arriesgado? ¿Quizás ni muchos de los fans antiguos de Miguel Bosé lo entendieron? Todo es posible, pero el caso es que a esta gran joya, que desde su primera escucha me gustó muchísimo y que me supone un gran placer musical cada vez que lo recupero para mis sesiones de música en casa y con buenos alimentos, se le está empezando a poner un cariz de disco maldito en cierta manera, que si cabe hace que me guste más por ese punto de incomprendido que tiene.

Merece la pena detenerse en su listado de canciones (de hecho, aquí no veo ni un tema flojo; recuerdo que un lector montó en cólera en el post anterior sobre “Salamandra”, por el simple hecho de que dijera que la canción “Todo un hombre” no me llamaba especialmente la atención), para poder bailar con esas secciones electrónicas tan movidas e intensas o dejarse llevar por las sutilezas delicadas o elegantes que también ofrece en su interior. Sea como fuere, es el ítem que, cuando se van a cumplir en unos pocos días 6 años desde que me lo compré, he estimado rescatarles para esta semana y en particular para esta entrada y salida de año que nos toca; además, para ello “Velvetina” también es muy apropiado. Sin más, y recordando que esta próxima semana tampoco habrá programas de estreno en nuestras emisiones (seguiremos con repeticiones), desearles un buen 2012 y que en el mismo sigan en nuestra compañía.

Concierto Fnac Music Festival. Madrid (27-12-2011)

2011-12-29T18:41:00.009+01:00

Gran tarde/noche de música la que pudimos vivir el pasado martes 27 de diciembre de 2011 en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, gracias a la organización de Fnac. Para la ocasión se escogieron 6 artistas o grupos, que todos juntos dieron lugar a un más que apañado cartel para celebrar esta 1ª edición del festival y de paso darle un toque musical a estos días tan navideños.

Nos presentamos en las inmediaciones del Palacio de los Deportes a las 18.00h, pero por un error protocolario a la hora de recoger las acreditaciones que teníamos, el fotógrafo que habíamos dispuesto para recoger las mejores instantáneas posibles del evento para el presente artículo, no pudo acceder a la zona cercana al escenario y desde el acceso de prensa nos mandaron a la entrada de la calle Goya y de ahí al interior. Nadie quiso ayudarnos a intentar lograr una posición mejor para nuestras fotografías (especial indiferencia y actitud algo borde por parte de un encargado de localidades que pululaba por la zona de la grada extensible enfrente del escenario). Por ello, las fotos de las 3 primeras actuaciones son laterales y cuando se fue poblando el recinto, retornamos a la zona habilitada para prensa, frente al escenario. El zoom se exprimió al máximo y las fotos que hay son las mejores que pudimos conseguir, no siendo grandes cosas.La puntualidad fue bastante escrupulosa y solamente hubo una demora lógica por el trasiego de grupos y roaddies en el escenario en las 2 últimas actuaciones. Por ello, a las 18.30h aparecieron en escena The Noises, grupo que dispuso a duras penas de media hora, y como diría Bunbury en “Alicia expulsada al país de las maravillas”, o mejor dicho parafraseando al ex-Héroes Del Silencio, fueron tan breves que cuando estaban empezando ya habían acabado. En los pocos minutos que estuvieron en las tablas, demostraron intensidad y mucho ritmo, dejando a la gente entonada para que Second llegaran con la gente en caliente. No había oído nada previamente de The Noises y la verdad es que no me desagradó lo que escuché en el festival, pero creo que tendré que escucharlos con más detenimiento, en casa y con buenos alimentos para emitir un juicio musical más sopesado. Arriba del párrafo, una imagen del The Noises en acción.Cierto es que el recinto se fue poblando poco a poco, y fue con Love Of Lesbian en el escenario cuando alcanzó su apogeo, pero para cuando los 5 de Murcia se presentaron ante la audiencia para defender su disco “Demasiado Soñadores”, la audiencia que ya se daba cita en el Palacio de los Deportes ya era considerable. Sean Frutos, Nando Robles, Fran y Jorge Guirao y Javi Vox, es decir Second, tuvieron que hacer encaje de bolillos para la selección de temas, dando lugar a una variante de set list con un comienzo bastante melancólico, ya que dispusieron los 2 singles de su último trabajo con “Rincón exquisito” intercalada entre “Muérdeme” y “N.A.D.A.”, para luego ir metiendo más energía de la mano de 2 trallazos como “Autodestructivos”, “Psicopáticos” y “Rodamos” para terminar la jugada. Abajo pueden ver la presencia de Sean Frutos sobre el escenario del Palacio de los Deportes.Realmente me sorprendieron Second, ya que me imaginaba un set list parecido al del Universimad del 15 de mayo de este año (que tan lejos me parece que queda a día de hoy), pero en lugar de descargar energía sin cesar, quisieron aportar más variedad. Y eso jugó a favor suya, ya que de haber apostado por un set list muy intenso, hubieran diferido poco de la propuesta acelerada y movida de sus predecesores en el festival The Noises.Por fin “Rincón exquisito” pudo sonar en un recinto a su medida y además sonó muy, pero que muy bien. Sin embargo fue “Autodestructivos” el tema que más se bailó y celebró (más si cabe que el final de actuación que supuso “Rodamos”) y desde aquí, por si no lo hemos dicho ya, apoyamos vehementemente a este gran tema como 3er. single de “Demasiado Soñadores”, aderezado de un buen videoclip; esta canción no merece menos. Sean se movió por todo el escenario a sus anchas, avanzando por la pasarela pasillo que se adentraba en el público e intentando transmitir ese carisma a las almas allí reunidas mediada la tarde del martes. Lo que sin duda demostró fue que claramente se coronó como el mejor vocalista del festival, en dura pugna con la también importante Eva Amaral, de la cual hablaremos cuando avancemos en el tiempo en el post. La acústica no jugó malas pasadas a Second y con el tiempo que tenían cumplieron de sobra y pusieron su bandera en un recinto realmente importante dentro de Madrid y nuestro país en general como es el Palacio de los Deportes. Espero que algún día el grupo alcance el suficiente apoyo de seguidores y repercusión como para verles en exclusiva en ese mismo recinto, siendo ellos el artista principal de un concierto. ¿Que nos quedamos con ganas de más? Pues sí, pero eso con Second siempre nos sucede, aunque toquen casi 2 horas como en el pasado concierto en los Teatros del Canal.Llegaba el turno para Christina Rosenvinge. Bueno, pues, ¿qué quieren que les diga? Mi relación (igualmente exigua) con la buena de Christina es cuanto menos peculiar. El caso es que a esta mujer la conocí en mi más tierna infancia cuando salía en “La Bola De Cristal” su videoclip del tema “El souvenir”, que me transmitía un mal rollo de alucinar, tanto por su clip como por su letra; es lo mismo que me sucedió con Mecano y su “No es serio este cementerio”, que a un niño de 5 años le pones imágenes de cosas destrozadas (un desguace de coches en el caso de Mecano y demoliciones con explosión en el caso de la Rosenvinge, que en aquellos días estaba con Alex de la Nuez, dando lugar a Alex Y Christina), y a no ser que seas un incipiente psicópata, no te suele gustar. Luego descubrí (aunque era anterior en el tiempo) su naif “¡Chas! y aparezco a tu lado” y le quité un poco el sanbenito de “tipa chunga”. Pero de ahí no he pasado. Vamos, que de su trayectoria, bastante prolífica en solitario desde entonces, ni flores.El caso es que Christina hizo algo muy complicado, dadas las condiciones del recinto: conseguir transmitirnos a todos la sensación de que estábamos asistiendo a un concierto en una pequeña sala; eso fue un punto muy a su favor. Su repertorio fue delicado e íntimo y ella, acompañada de sus músicos, se encargó de la guitarra y los teclados para defender su buen nombre en los poco menos de 40 minutos de los que dispuso. Supongo que algún día volveré a ver el videoclip de “El souvenir” y me pasará lo mismo que con Mecano, que ahora me gusta mucho su “No es serio este cementerio” y me parto de la risa viéndolo. Para no conocer el repertorio de Christina, apuntar que no me importunó y que ayudará a quitarme el yuyu algo irracional (cosa de la infancia) que me gasto con la Rosenvinge desde hace más de 20 años. Añadir que la moza se conserva fenomenalmente bien para su edad, y eso es algo que en cierta manera comparte o tiene en común con quien le cogería el testigo en las actuaciones.Sí, mi principal interés del cartel ya había pasado. ¿Hace falta que muestre otra vez mi devoción por Second? No, ¿verdad? Ya estarán cansados. No obstante, Iván Ferreiro siempre estará en mi listado particular de gente a la que admiro, respeto, me gusta su música y me apetecerá siempre ver en directo. Solamente tuve una experiencia previa con él y curiosamente en el mismo lugar, en aquel Festival Pobreza Cero de la primavera de 2006 (si no recuerdo mal). No sé si el mal rollo con Los Piratas, habiendo pasado por entonces no demasiado tiempo de su disolución (bueno, 2 años largos para entonces) y que estaba con la promoción de su primer disco, hicieron que aquel día Iván ignorara por completo el repertorio de la banda que lideró y con la que se dio a conocer. Esta vez no tuvo lugar ese feo a su historia grupal previa y Ferreiro ofreció unos 50 minutos de espectáculo musical muy equilibrado entre su obra en solitario y el legado de Los Piratas.No faltaron de sus composiciones en solitario “Extrema pobreza”, que dispuso de ese video que en parte lo considero una coña, ya que juega a envejecer de aspecto a Ferreiro, cuando este tío siempre me ha parecido (en cada una de sus etapas vitales) que tiene 10 años menos de los que tiene en realidad (por cierto, cada día me recuerda más al Peter Gabriel de la época de su 3er. disco, en lo que a aspecto físico se refiere) o contundencia tal como la que supone siempre “El viaje de Chihiro” de su primer disco (y que recordaba haber escuchado también en ese mismo lugar un lustro atrás).De Los Piratas, Iván Ferreiro rescató muchas cosas buenas para la ocasión, lógicamente todo ello motivado por la promoción de su último trabajo antología “Confesiones De Un Artista De Mierda” en el que Ferreiro recupera varios de los temas de su grupo anterior. Fue curioso escuchar una nueva versión de “Promesas que no valen nada”, más lúgubre que la original del grupo o un dueto con Santi Balmes de Love Of Lesbian (arriba una imagen del momento, aunque sea poco nítida) cuando tocaba oír “El equilibrio es imposible” (por cierto, se ve que se coló una canción antes a la hora de presentar al bueno de Balmes, y al darse cuenta dijo: “bueno, pues no voy a presentaros a nadie… ¡Que os den!”). De los minutos de Iván Ferreiro, quizás el tema más celebrado fue “Años 80” (que pensaba que volvería a contar con la presencia de Eva Amaral, al estilo de lo que hicieron Los Piratas en su concierto despedida en La Riviera en otoño de 2003), sin dejar de lado a “Mi coco”, la cual se dispuso en la recta final de los minutos de actuación. Como curiosidad, mencionar la rareza que supuso en el set list el tema “Tiovivo”, perteneciente a ese “Kid A” de Radiohead a la española que es el disco “Relax” de Los Piratas. En definitiva, una actuación notable de Iván Ferreiro, que daría paso al que a la larga fue el gran momento de la noche. Más del dueto con Santi Balmes en la siguiente foto.Que Love Of Lesbian están subiendo como la espuma, y con merecimiento, no es una novedad, pero su actuación en el Fnac Music Festival lo rubrica o pone de manifiesto. Este grupo es un caso parecido a Second (trayectoria desde finales de los 90, comienzo de repercusión de unos pocos años para aquí, primeros discos en inglés…). No es la primera vez que el grupo que no es cabeza de cartel es el que triunfa y tampoco es la primera vez que yo lo experimento en persona (recuerdo perfectamente a aquellos The Killers en Las Ventas en junio de 2007 en el Pepeworld Festival, cenándose con patatas al gran Billy Corgan y a sus Smashing Pumpkins adulterados en su formación). Cuando el día siguiente es laborable y el festival termina tarde, la cosa juega en contra del cabeza de cartel y eso le pasaría a Amaral, que aunque estaban previstos para las 22.40h y no hubo mucho retraso, ya les tocó igualmente salir a las 23.00h.Bueno, pues los catalanes Love Of Lesbian aparte de que disfrutaran de la mayor concentración de gente (ya había llegado casi todo el mundo y aún no se había ido nadie), se notaba que en la masa no solo había cantidad, sino especificidad, es decir, mucha gente que es fan, no sé si de John Boy, pero sí de Santi Balmes y sus compañeros. Y en efecto cuando la luz se volvió a apagar (por cierto, muy acertado por parte de la organización de poner videoclips en la pantalla gigante del escenario de telón de fondo, y más acertado aún repetir varias veces el de “Shiny soul” de Fuel Fandango), y cuando sonaron los primeros compases de “Club de fans de John Boy”, se notaba que la gente estaba muy entregada.Love Of Lesbian tiraron claramente de su último trabajo hasta la fecha, ese “1999 (O Como Generar Incendios De Nieve Con Una Lupa Enfocando A La Luna)”. No faltaron temas como la propia “1999”, en la que el grupo se sirvió de la compañía de Iván Ferreiro (compruébelen en la siguiente imagen), o la esperadísima (al menos por mi lado y la canción que más me gusta del grupo con distancia) “Allí donde solíamos gritar”, la cual se dispuso en una primera mitad de forma acústica, para posteriormente meter toda la maquinaria sonora y terminar su actuación en lo más alto.Tan solo fueron tres cuartos de hora de música, pero suficientes para que Love Of Lesbian confirmaran su buen estado de forma, no solo musical, sino social, ya que la gente lo vivió intensísimamente (bueno, cosa que también sucedió con Iván Ferreiro, sobre todo con ciertas fans que estaban un par de filas de asientos detrás de la nuestra); no en vano, siendo ello bastante significativo, mucha gente se marchó tras su actuación y eso teniendo después a un artista de la talla del grupo Amaral, es cuanto menos un insulto, a no ser que te tengas que levantar al día siguiente a las 4 de la mañana.Y es que yo a Amaral le debía una desde hace un par de otoños, cuando vinieron a las Fiestas Patronales de Torrejón de Ardoz, y por estar fuera de Madrid no poder ir a verles. Eva le echó valor y vino desafiante. Se notaba algo especial, como una mezcla de alivio, sufrimiento y emociones en Eva, ya que por un accidente de su batería, llevaban un tiempo sin poder actuar, viéndose obligados a cancelar varios conciertos últimamente. En cada intervención, Eva se mostraba solemne dirigiéndose a la audiencia, casi provocando un aplauso constante a cada una de sus palabras entre canción y canción, echando en una de ellas el órdago de decir que tocarían todos los temas de su último disco. Incluso nos dio alguna lección sobre el mundillo de la música cuando nos explicó quiénes eran los “backliners”, que son el personal que se encarga de tener afinados los instrumentos y tal; yo de toda la vida les he llamado “pipas” de forma coloquial, pero bueno.Y cumplieron su palabra de tocar “Hacia Lo Salvaje” al completo. De hecho, en los primeros compases ya apareció la fuerza y rotundidad del tema título, pero no por ello el grupo renunció a su repertorio de grandes clásicos como “Sin ti no soy nada”, la cual no se hizo mucho esperar a que sonara en el Palacio de los Deportes. Si me pongo a destacar los grandes momentos de la actuación de Amaral, me quedaré principalmente con 2. Primero, y quizás uno de los grandes puntos álgidos del Fnac Music Festival en general, fue la versión tan rítmica y rockera que hicieron de “Estrella de mar”, que dejó de lado las tendencias electrónicas para provocar una sacudida increíble; yo, sentado en esos momentos, al término de la misma me puse en pie para aplaudir tan a rabiar como Orson Welles en cierto pasaje de la película “Ciudadano Kane”. Y sin duda, otro momento muy esperado y celebrado en general, fue “El universo sobre mi”. En su día cuando vio la luz no me llamó mucho la atención, pero a día de hoy es mi tema favorito de Amaral y afirmo que es una de las mejores canciones, sino la mejor, que vieron la luz en la pasada década.“Revolución”, no era para menos, también puso todo patas arriba, con Eva esforzándose en gritar con un megáfono al comienzo de la canción. Del nuevo disco, el cual no he escuchado aún al completo, me convenció mucho “Van como locos” y es que Eva se encargó de que todo saliera a la perfección, aleccionando al público para hacer unos coros que hicieron retumbar las paredes del pabellón, con ensayo previo incluido. Muy buen tema éste, me gustó notablemente.Un artista tiene que ser de palabra. Eva prometió tocar cada una de las canciones que forman parte de su último disco, y con las luces ya encendidas, las cuales te invitan a tomar el camino a casa, salió y se marcó la última canción de la noche (no hubo narices a cortarles la corriente del escenario, hubiera faltado más) con el Palacio de los Deportes completamente iluminado, momento que aproveché para bajar a pie de pista y sacar la foto más cercana que pude; lástima que me saliera borrosa. Abajo la prueba.Eran las 00.50h y Amaral habían ofrecido su show desde las 23.00h. Parecía increíble, ya que la sensación fue que el concierto hubiera durado una hora escasa. Ni nos dimos cuenta de cómo pasó el tiempo. Amaral tuvieron tiempo para remontar y conseguir momentos de gran complicidad con el público, siendo este menguante progresivamente a medida que iban pasando los minutos ante las horas tardías que se alcanzaban. Juan Aguirre estuvo centrado en sus cuerdas, como es habitual, y salvo alguna tímida cosa que soltó al micrófono, se mantuvo en un discreto segundo plano de protagonismo. Eva hizo gala de esa voz tan personal y su buena labor como vocalista. Al micrófono solamente Sean Frutos de Second estuvo a tan buen nivel, como ya hemos comentado antes.Con menos frío de lo esperado enfilé el camino hacia la avenida de América para esperar esos malditos búhos nocturnos del Corredor del Henares, que “tanta frecuencia” de paso tienen (tradicionalmente uno cada hora, a las en punto, y llegué a la parada a las 01.15h en esta ocasión, sufriendo 3 cuartos de hora de eterna espera). Llegando a las conclusiones, decir que el Fnac Music Festival en su 1ª edición fue un más que notable éxito. La venta de entradas funcionó más que bien y la asistencia de público al Palacio de los Deportes rozó el lleno en sus momentos de máximo apogeo cuando Love Of Lesbian eran los amos y señores del escenario. Todos los grupos y artistas estuvieron a un más que aceptable nivel, pero creo que por el ambiente vivido y por su actuación en sí (bastante intensa por lo general) Love Of Lesbian fueron los auténticos triunfadores de la noche. Amaral, quizás a priori, se suponía que serían sin discusión los más destacados del evento, pero tuvo en su contra la hora tardía de salir a escena. No obstante, lucharon contra los elementos y con la seguridad de disponer de la actuación más larga en duración para conseguir sellar una digna actuación, recibida por el público de forma cálida. Flanqueando el presente párrafo, 2 imágenes más de la actuación de Love Of Lesbian.Los mimbres están dispuestos para próximas ediciones. Supongo que tras la acogida de su primera edición, el Fnac Music Festival se celebrará en más ocasiones. “Discos, música y reflexiones” confiará en estar allí para contarles nuevamente lo que acontezca en el mismo. En tanto a esta edición, finalizo agradeciendo a la gente de Get In, Amaia Nuin y Nacho Gamboa, nuestra acreditación para el evento. Sin embargo, no podemos decir lo mismo de un tipo que tenía pinta de responsable de la organización de localidades, el cual pasó olímpicamente de nosotros, no pudiendo tener acceso a conseguir unas mejores imágenes del evento para el presente artículo. No obstante, para donde pudimos situarnos, creo que el trabajo no está tan mal. Es curioso que a esta hora que publicamos el artículo se está dando lugar en el Palau Sant Jordi la edición del festival en Barcelona… ¡Qué cosas! ¿Verdad? Espero que el post haya sido de su agrado.

ABC - Up (1989)

2011-12-24T17:03:00.004+01:00

Primero de todo: ya está abierta la VI Edición de los Premios 20Blogs. Participamos en la categoría de música y el plazo de votaciones ya ha comenzado. Si ustedes participan en el concurso y estiman que nuestro trabajo se merece un reconocimiento en su categoría, agradeceríamos mucho que nos otorguen el voto del que disponen en la misma. Para ejercer el mismo, simplemente diríjanse a este link: http://lablogoteca.20minutos.es/discos-musica-y-reflexiones-1578/0/

Dicho esto, pasemos a lo estrictamente musical. Lo fácil para acceder al grupo liderado por Martin Fry a la hora de escoger un disco de su trayectoria, es tomar por mano el debut, ese básico “The Lexicon Of Love”, paradigma del movimiento neorromántico y en definitiva un ítem interesantísimo de funky blanco en estado puro, con una selección de canciones maravillosas. Y en este blog tampoco fuimos muy originales, ya que la primera y hasta hoy única vez que ABC han desfilado por el blog fue de la mano del citado “The Lexicon Of Love” hace ya tres años (¡Cómo pasa el tiempo! Durante esta semana pensaba que el post era de 2009, pero no, fue publicado en diciembre de 2008).

Menos común es ir avanzando en la trayectoria del grupo, la cual a medida que fueron pasando los años tuvo una menor repercusión mediática y comercial, pero no necesariamente asoció una bajada de la calidad musical. Personalmente estimo que gran parte de los trabajos de ABC son bastante acertados, más allá de su debut, o al menos incluyen algún tema reseñable y que realmente te guste.

En esta ocasión viajamos a la 2ª mitad de los 80, y además a finales de década, unos tiempos comúnmente difíciles para muchos grupos que vivieron sus días de más éxito a comienzos del decenio. Son varios los ejemplos y ABC no eran una excepción. A pesar de que su anterior trabajo, su 4º disco de estudio lanzado en 1987, titulado “Alphabet City”, incluyó algún que otro tema válido como “King without a crown”, el lp es bastante irregular y también guarda en su interior patinazos (al menos desde mi punto de vista) como la fallida “When Smokey sings”.

En estos días, el grupo se componía básicamente de Mark White y el bueno de Martin Fry. Ya no había lugar para componentes serios del palo de los ex-componentes Stephen Singleton, Mark Lickley o David Palmer, o de elementos de atrezzo como David Yarritu o Eden, que ridiculizaron el resultado musical del digno “How To Be… A Zillionaire!” de 1985. Ahora el grupo viraría a los sonidos del house suave, el northern soul y el acid jazz, en un trabajo muy bailable y dinámico, que se vino a llamar sencillamente “Up” y que es el objeto de análisis del post de hoy para seguir reivindicando el más que excelente material que los ABC nos regalaron desde sus comienzos.

“Nunca más que ahora”, y qué verdad, es lo que dice Martin en la primera canción, y que a la frase que le da el título al corte. “Never more than now” no es baladí y ya muestra las formas básicas de este disco, con unas bases funky cercanas al dance y al soul, con un gran ritmo y en todo caso un tema que despliega un envite al baile difícil de no aceptar. Una de las características de este disco es que ofrece un listado más corto que cualquier trabajo anterior, pero todos los temas ofrecen una duración bastante más extensa en minutos. Hubo 2 singles extraídos del disco, los cuales se sitúan seguidos en “Up” en el 2º y 3er. lugar del listado. Primero llegamos al 2º single, la canción “The real thing”. Resulta irresistible los teclados y secciones de viento de este animado tema, bastante incisivo y obsesivo en su ritmo, con un estribillo sencillo “nada excepto la cosa real es real”. El 1er. single de la obra fue la 3ª composición en el orden de canciones. “One better world” obtuvo un resultado más bien tibio en los charts, tibio tirando a fresquito, y en el mismo, además de hacer una fuerte defensa de la unidad internacional y del loable fin de obtener en definitiva un mundo mejor, se ofrece un sentido musical muy festivo y en parte apreciamos algo de fusión en los coros que incluye. Martin se afana en menciona a los políticos en la letra, llamando su atención, pero el problema es que aunque la canción es resultona y no suena nada mal, aparte de levantar el ánimo por su carácter desenfadado, jovial y luminoso, no tuvo apenas repercusión a nivel comercial. Una lástima y en todo caso un indicativo de que ABC tendría difícil recuperar el éxito que lograron en sus primeros pasos por mucho empeño y buen material que dispusieran al público. “Where is the heaven?” tiene un toque más reflexivo, o al menos tiene un puntito melancólico en su melodía, que le otorga algo especial, ya que de momento hemos encontrado mucho baile, ritmo y movimiento en las bases instrumentales y en las estructuras generales de las canciones, pero con un toque muy vitalista. Estimo que a esta “Where is the heaven?” le falla algunas partes de la letra, algo forzadas, pero su resultado global es aceptable y se agradece un ligero viraje en el enfoque o sentir transmitido por las pistas que estamos escuchando en “Up” hasta el momento.Iniciamos la 2ª parte de la obra de forma inmejorable, retornando al toque dance y de northern soul inestimable de “The greatest love of all”. Esta pieza del disco se enfoca desde un prisma de club nocturno en sus ritmos, con un cierto misterio ya ofrecido por el tono sensual y casi susurrante de Martin Fry en el micrófono, acompañado correctamente por algún que otro coro femenino que le suma más sensualidad si cabe. Un acierto de composición, que seguramente hubiera sido el 3er. single de haber tenido el disco un mayor éxito y haber sido valedor de una mayor promoción. Una pena, y en todo caso por ello es necesario recuperar la escucha al completo de “Up”, ya que de lo contrario se la perderán. Pero en esto último también abunda otra gigantesca joya oculta que es la canción “North”. Esta misma fue objeto de inclusión en aquel recopilatorio “Master Series” que por navidades de 2000 me compré en los grandes almacenes de la calle del Carmen de Madrid, cosa que ya comenté en el post de “The Lexicon Of Love” (creo que no procede repetir todo aquello). Lo que sí caigo es que sirva este post como conmemoración en el 11º aniversario particular del inicio de mi relación musical formal con Fry y compañía (cosa que les aseguro que me acabo de dar cuenta mientras escribo el post y que no estaba premeditado). Si “North” sin ser single se incluyó en un recopilatorio del grupo, por algo será. Es quizás el momento del álbum en el que mejor se consigue el balance entre ritmo y baile con cierto sentimiento o toque emotivo en su melodía. Los coros femeninos son maravillosos y muy acertados y Martin Fry alterna y cambia sus registros vocales y entonaciones a la perfección para dar lugar a una de las grandes joyas ocultas absolutas de la discografía del grupo. Ya solo por esta canción “Up” merece, y mucho, la pena. Los elementos de viento le dan ese toque nocturno de baile tan apropiado y un ligero toque romántico, lo cual inevitablemente siempre traslada la línea de un saxofón correctamente ejecutado. “I’m in love with you” es la composición claramente más hedonista de la obra. Por el simple hecho de poder escuchar al bueno de Martin Fry ofrecerse a las voces con ese falsete, se puede intuir o apreciar la ligereza de esta composición. “I’m in love with you” nos sumerge durante sus minutos de duración en un mundo de relajación y sensualidad para prepararnos de cara al capítulo final, que es mucho más emotivo y sentido. No se puede terminar de mejor manera que con “Paper thin”. Igual que en su día en el injustamente infravalorado (quizás por la estética del grupo en los días que el mismo vio la luz) “How To Be A… Zillionaire!” terminaba con la monumental, íntima y preciosa “Between you and me” (también acertadamente incluida en aquel “Master Series” que me compré hace 11 años), aquí también se le concede el cierre a otra canción muy sentida y a otra de las grandes baladas de ABC. Quizás es la vez que más choca su toma de parte en el conjunto de un disco de la banda, ya que aquí el sentido del baile es muy elevado y quizás descuadra y supone un epílogo exótico para dar el carpetazo a la obra, pero en todo caso es una delicia y otra joya oculta de ABC. La misma es una composición de hace tiempo, ya que en las propinas incluidas en las remasterizaciones y posteriores reediciones de “Up” se incluye la toma demo del año 1986, que si cabe es más sentida y atenazadora. En definitiva, un lujo para darle el final formal a la obra, aunque en las últimas ediciones en cd hay una dosis generosa de remixes de algunos de los temas más destacables del disco, es decir, de los 2 que fueron single y del que hubiera sido el 3º en caso de haberlo habido, no obstante, y para no perder el toque del disco, igualmente se cierra con la versión demo de “Paper thin” para no alterar ese final formal tan excelso.

El que fuera 5º trabajo de estudio de ABC para nada supuso un éxito para la formación. Aunque el grupo hizo el esfuerzo de adaptarse a los nuevos sonidos de baile que más aceptación tenían en aquellos días y que conformaban la moda sonora de finales de los 80, eso no les ganó nuevos adeptos y supongo que en parte el grupo perdería parte de los aficionados o seguidores iniciales o simplemente muchos de los fans no acérrimos perdieron el interés por el grupo.

Fry y White dejaron la elegancia que habían retomado en “Alphabet City” para vestirse de forma colorida y desenfadada (aunque no con unos tintes tan horteras como los del año 1985) y bueno, es bastante hilarante ver a Mark White con una medio melena rizada en el video de “One better world” muy animado y con un look que durante mucho tiempo me recordaba a un jugador de fútbol del RCD Espanyol y del Deportivo de la Coruña que se llamaba Sergio.

Vamos, que la caída libre de ABC se confirmaba y el grupo se reafirmó en su siguiente disco “Abracadabra”, siguiendo con la profesión de la orden del northern soul, pero en este caso de forma mucho menos acertada y con una lista de canciones con menos gancho sonoro y emocional en el paquete; aunque “Abracadabra” tampoco está nada mal en su conjunto, lo que pasa es que estimo que no llega al nivel de su predecesor tratado en el presente artículo.

No sería hasta el 96 cuando Fry retornara con “Skyscraping”, sin Mark White ya a su lado, pero con la curiosidad de Glenn Gregory de Heaven 17 como acompañante, del cual es muy destacable la canción que concede el título a este disco tardío y tristemente decadente.

“Up” supuso el fin de los días felices de ABC. Ya se sabe que los 90 no fueron benévolos con casi ningún grupo de la década anterior y ABC no fueron una excepción en este apartado. Con este disco de portada sencilla, con Fry y White sacados en primer plano en blanco y negro, el grupo firmó un disco que no se valoró en su día lo suficiente y que creo que a día de hoy todavía sigue siendo injustamente nada recordado. Poco a poco se está haciendo justicia con “How To Be A… Zillionaire!”, pero creo que quizás a “Up” le falte un tiempo para reconocerle los méritos. Esperemos que desde aquí hayamos puesto la primera piedra de toque.

Terminamos diciendo que no habrá estrenos radiofónicos en nuestro programa durante los próximos miércoles ni en &radio ni en RUAH. En los horarios de emisión podrá escuchar repeticiones de programas anteriores. Retornaremos el miércoles 11 de enero con nuevo material. Lo que no haremos es tomarnos vacaciones en el blog. Aquí seguiremos con nuestro post semanal en pro de recuperar discos para su escucha detenida. Bueno, y por último desearles feliz navidad y esas cosas.

Discos, música y reflexiones cubrirá en Madrid el Fnac Music Festival (27-12-2011)

2011-12-22T16:39:00.005+01:00

No hay mejores fechas ni mejor lugar que para celebrar un festival con varios de los grupos más granados del panorama nacional. Y es que Fnac, claro difusor y prisma a la hora de buscar ítems culturales que comprar (en mi caso particular y de varios de mis colaboradores en nuestros coloquios radiofónicos, las peregrinaciones a su centro referente de Callao en Madrid son abundantes), se ha decidido a montar su festival musical por todo lo grande, tanto en Madrid como en Barcelona, para este periodo navideño.

El cartel es muy interesante en ambas sedes, pero nosotros nos encargaremos de cubrir lo que depare la fiesta este próximo 27 de diciembre en el inmejorable escenario del Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. Posteriormente a la celebración del evento, tendrán aquí la correspondiente crónica del espectáculo, pero huelga decir que animamos a vivir la experiencia de primera mano, ya que la lista de artistas merece, y mucho la pena.

Si acuden este próximo martes al Palacio de los Deportes, podrán ver en directo a bandas que están a la vanguardia del panorama indie nacional, como nuestros siempre defendidos a capa y espada Second (en su mejor momento tras grabar hace unos días su nuevo trabajo en directo), The Noises, y los chicos liderados por Santi Balmes, Love Of Lesbian. No obstante, dentro del programa nos encontramos con otros 2 buques insignia de la música de más calidad de nuestro país, de la mano de Christina Rosenvinge y el ex-Piratas Iván Ferreiro. Además, si los cabezas de cartel son Eva Amaral y Juan Aguirre, la rúbrica es perfecta.

¡No os lo perdáis! Las entradas a precios muy razonables, teniendo en cuenta la cantidad de horas de música que se van a vivir y los artistas que toman parte del festival, las podéis conseguir en los propios centros Fnac, Servicaixa y Ticketmaster. Recomendamos la asistencia y que luego se den un paseo por nuestras tierras o dominios para ver la crónica de lo que vivamos en el Palacio de los Deportes el próximo día 27. ¡Ah! Y para quien le coja mejor Barcelona, el cartel, aparte de tener muchos artistas en común, tampoco tiene desperdicio. En la imagen del cartel que encabeza el artículo pueden echar un vistazo.

Terminar el presente post agradeciendo a la gente de Get In, Amaia Nuin y Nacho Gamboa, nuestra acreditación para poder cubrir el evento como medio de comunicación.

U2 - Achtung Baby (1991)

2011-12-17T13:44:00.006+01:00

Hace poco el bloggero Nimboestrato, seguidor habitual (y desde hace ya tiempo) de esta bitácora, me propuso a través de las redes sociales (Twitter más concretamente) que por qué no hacía el post correspondiente al análisis del disco “Achtung Baby” de U2 ahora que se cumplen 20 años de su edición y que la efemérides se ha conmemorado con una de las ediciones coleccionistas más apabullantes que se han visto en la historia de la industria discográfica. Uno es amigo de atender las propuestas razonables y lo planteado por Nimboestrato creo que lo es por lo apropiado del momento.

En todo caso, aquí nos vamos a centrar en analizar y revisar el disco original y no nos meteremos en diseccionar el nuevo paquete para coleccionistas que ha sido editado, el cuál creo que contiene de primeras 6 cds y no sé cuántas más cosas. “Achtung Baby” dispone de 12 canciones realmente estupendas en la mayoría de los casos, que ya permiten extenderse en demasía al hablar sobre ellas casi sin proponérselo. En este año he intentado sintetizar los post, no divagando tanto, pero no sé si hoy me será posible comprimir mis pensamientos y reflexiones sobre U2, este disco suyo y la época que vivían cuando lo sacaron al mercado.

Pongámonos primero en antecedentes. El anterior trabajo de estudio de este mítico cuarteto irlandés compuesto por Bono como vocalista, The Edge a la guitarra, Adam Clayton al bajo y Larry Mullen Jr. en la batería databa de 1987 y con el mismo U2 se convirtió en el nuevo fenómeno del rock mundial. “The Joshua Tree”, sobre todo gracias a sus 3 principales singles, que a la vez coinciden con sus 3 primeras canciones en el track list, supuso un estremecimiento brutal en el mundo de la música y terminó de consagrar a unos U2 que ya habían mostrado maneras muy interesantes en sus 2 anteriores discos “War” y “The Unforgettable Fire”, en los cuáles ya había aparte de buenas melodías mensaje social y político en las letras.

El éxito de “The Joshua Tree” permitió una promoción larga, con una gira por Estados Unidos que quedaría inmortalizada en el irregular pero efectivo “Rattle And Hum”, del cual salió otro éxito en forma de número 1 como single de título “Desire”, que mostraba a los U2 más cercanos al rock clásico y con un claro guiño a su público de Estados Unidos, tierra por la que Bono siempre se sintió atraído.

Sin embargo, lo mejor de “Achtung Baby”, disco protagonista del presente artículo y siguiente entrega de Bono y cía. 4 años después de “The Joshua Tree” es que demuestra que U2 no cayó en la autocomplacencia ni en la inercia del éxito, sino que el grupo buscó innovar. De ese concepto o enfoque más clásico en “The Joshua Tree” se pasa a la introducción de un componente más electrónico y eléctrico que le daría una fuerza, contundencia y ritmo a las canciones increíble.

También se produjo un cambio de estética, y del pelo con coleta de Bono, sus chalecos sobre su torso desnudo y los pantalones vaqueros con botas texanas, se pasó a la chupa de cuero, una medio melena engominada y unos pantalones oscuros ajustados para dar forma a uno de sus primeros alter-ego en la forma de The Fly (igualmente título de una de las mejores composiciones de la nueva obra). Esto de los personajes que se creaba Bono sería considerado como una ida de olla del cantante, pero en todo caso forman parte clarísima de la estética y actividad de U2 en los 90, al menos durante su primera mitad. Creo que como introducción ya está bien. El disco habla por sí solo. Pasemos a analizar cada uno de sus temas y luego abordamos las conclusiones y panorama posterior que afrontarían U2 tras su publicación.

Las corrosivas guitarras de The Edge y la cáustica batería se abre paso en los primeros compases, para posteriormente entrar Bono con sus coros y luego poder escucharle medio distorsionado, con ese enfoque ácido y poco amable que caracteriza a “Zoo station”. Es una declaración de intenciones este comienzo, alejado del rock tradicional profesado en “The Joshua Tree” y también en un single como “Desire”. Se aprecia desde este comienzo, bastante cañero, que no nos vamos a encontrar más de lo mismo y que parecía que el grupo evolucionaba. Primer clásico en el 2º lugar del set list con “Even better than the real thing”. Junto a la posterior “The fly” tema paradigmático de “Achtung Baby” y claro definidor de su sonido rockero, pero con unos matices eléctricos y electrónicos evidentes. Bono se muestra hedonista en esta composición en la que las guitarras de The Edge apuntalan claramente su leyenda. No obstante, es curioso que “One”, que es la siguiente composición que escucharemos, sea el tema más recordado a nivel colectivo. Personalmente estimo que para los seguidores reales de U2, al margen de que sea un grupo que guste de forma generalista a un amplio porcentaje de la población, hay una mayor estima por la previa “Even better than the real thing” o “The fly” por su significado en la obra de los irlandeses. Sin embargo, no podemos negar la evidencia de que “One” es una composición bonita, de las más sentidas y acertadas de U2 en el plano de las baladas de amor o desamor, y que nos hace mirar con nostalgia el pasado con respecto a patinazos no muy lejanos en el tiempo como “Sometimes you can’t make it on your own”. Las guitarras de The Edge suenan calidas y Bono se muestra como un vocalista perfecto en esta composición de sentir desesperanzado que tanto encanto le confiere. La letra es destacable de principio a fin, muy acertada y emotiva, muy emotiva. Un gran tema y un clásico del repertorio de los irlandeses, que se mereció la grabación de más de un videoclip promocional (muy acertado es ese que muestra a Bono sentado en una cafetería). Retornamos a las texturas eléctricas animadas de las guitarras afiladas de The Edge en otro tema que es paradigma del nuevo sonido de U2 en aquellos días, la acertada “Until the end of the world”. Me resulta algo gracioso la interpretación dejada de Bono ante frases como “tú estabas comportándote como si fuera el fin del mundo”, claramente quitando importancia el bueno de Paul Hewson a la cosa. Pasamos a un sentir más propio de “The Joshua Tree” con “Who’s gonna ride your wild horses?”, aunque no podemos obviar que hay matices de la producción que la acomodan al conjunto de “Achtung Baby”. No obstante, el sentir épico está cercano en su estribillo a ratos a esos pasajes que dejan sin aliento de “Where the streets have no name”. Quizás tanta carga emocional en esta pista hace más que necesario un medio tiempo, y eso se consigue de forma balsámica en la comedida y coqueta “So cruel”, un tema que quizás en los primeros momentos se te puede pasar desapercibido, pero con el tiempo acabas identificando y celebrando que la escucha llegue a sus tierras. Bono nuevamente está excelente como vocalista en esta pieza que no deja de resultar algo exótica en la envoltura de este rock eléctrico de “Achtung Baby”, con esa cadencia rítmica tan tranquila en la base con la batería tan orgánica de Larry Mullen Jr.; como curiosidad, porque quizás no se percaten de ello, decirles que “So cruel” es el tema más largo en duración de la obra, cosa que me parece increíble, porque se me pasa volando su escucha.Llega para mi gusto el gran momento de la obra. El paradigma del cambio de U2. Si además fue escogido como 1er. single por algo será. “The fly” combina todos los elementos de evolución sonora del grupo y sobre todo destaca por varias partes de las guitarras de The Edge que son de lo mejor que este hombre ha hecho a lo largo de su carrera como músico. La letra es solemne y en el videoclip tan nocturno, lleno de proclamas rotundas en pantallas luminosas, muestra a Bono poseído por su alter ego que precisamente coge su nombre o apodo del título de la canción, con esas gafas de sol enormes cuáles ojos de mosca y ataviado con ese look rockero o cyberrockero con las chupas de cuero y demás. Monumental tema, dispuesto estratégicamente en mitad de la obra, pero que sin embargo y de forma injusta está a la sombra de la balada para todos los públicos “One”. El sonido Madchester, tan en boga en aquellos días, también es una evidencia en parte, solamente en parte, dentro de “Achtung Baby”. El pasaje donde más claramente se ve eso es en “Mysterious ways”, que por lo visto Bono dedicó a su hijo. Bajo mi punto de vista es el tema más flojo de la obra, pero afirmar esto solamente pone en alza el valor del disco, ya que para nada este tema es malo; ójala U2 a día de hoy pudiera componer a la altura de esta pieza. Fabulosa balada nocturna, no solo por que se mencione a las 6 de la madrugada en su letra, nos encontraremos ahora con “Tryin’ to throw your arms around the world”. Un día regresando de juerga a esas horas (o quizás un poquito antes) dio la casualidad que tenía el disco en la cadena de música de mi cuarto, y antes de dormirme me la puse. Les recomiendo que hagan la prueba, ya que he experimentado pocas veces una conjunción de sensaciones parecidas a las que sentí al escuchar este tema, con la luz de las farolas entrando por las ventanas de mi cuarto, mientras que mi cuerpo iba quitándose de encima el frío de la madrugada ya dentro de la cama. No obstante, es un tema que suena bien a la hora que suene. Ahora, mientras escribo esta parte del post, son las 16.21h y tampoco queda nada mal con ese lento decaer del sol a estas horas en estos últimos días de otoño. Estamos ante una composición delicada, sentida, emotiva y muy bonita. De las grandes joyas ocultas del disco, pero es que “Achtung Baby” tiene varios ejemplos de canciones no tan conocidas que son de 10 sobre 10. Otro ejemplo, más cercano al carácter rockero electrónico del disco es “Ultraviolet (Light my way)”. No obstante, la fuerte carga emocional del estribillo, con ese “Nena, nena, nena, alumbra mi camino”, hace que pueda suponer la perfecta unión entre el sentir de pasajes de “The Joshua Tree” con “Achtung Baby”. En tanto a este tema, un colaborador habitual de nuestros coloquios (de hecho el único que ha asistido a todos de momento) Mariano González, hizo un post en su blog acerca de este tema. Les dejo aquí el link para que le echen un vistazo y de paso promocionar su trabajo como bloggero, el cual no entiendo por qué no se da más empeño en sacar a la luz, pinchen aquí . Sencillamente fenomenal y muy pegadiza, además de sonar bastante heroica. Me encanta. “Acrobat” se muestra como uno de los momentos de mayor rabia vocal empleada por Bono. Sin hacer uso del sonido eléctrico más potente, “Acrobat” destaca por ser de los momentos más contundentes de la obra, que a su vez pondrán el puente de plata al final de la obra, concretado en la desgarradora y nuevamente emotiva “Love is blindness”. Una balada sombría y amarga, que a su vez puede considerarse como ítem o ejemplo pocas veces tratado por U2 en su discografía, pero que en esta ocasión afrontaron de forma magistral.

U2 tardaron 4 años en editar nuevo disco tras “The Joshua Tree”, pero esta espera les permitió entregar un trabajo perfecto y que para nada redundaba en las formas que profesaba el disco que permitió a los irlandeses dar ese salto de calidad en 1987 y que les encumbró como las nuevas promesas del rock tras llevar un tiempo rondando la corona mundial musical con “War” y “The Unforgettable Fire”.

“Achtung Baby” superó las expectativas, las cuales ya eran de por sí elevadísimas, lo cual, como ustedes entenderán, no era nada fácil. La locura se tornó en demencia desbordante, con U2 inaugurando un canal propio de televisión, Bono creándose alter egos como el mencionado The Fly y más tarde Mr.Macphisto, haciendo una gira descomunal mundial, con un montaje que quitaba el hipo y en mitad de todo ello, allá por 1993 (no vean ustedes si dio de sí la promoción del disco; no era para menos), sacar nuevo disco, que ya no gustó tanto a todos.

Y es que “Zooropa” les supuso un duro golpe de crítica y de parte de sus seguidores, que ya no vieron con buenos ojos el que se girara un poco más la rueda de matices electrónicos en el sonido del grupo. Consecuencia de ello el grupo tardaría ya otros 4 años en editar “Pop”, aunque eso sí, con canciones y cosas interesantes entre medias, como esa colaboración con el tenor Luciano Pavarotti en “Miss Sarajevo” o la correcta “Hold me, thrill me, kiss me, kill me” para una de las películas de la saga de Batman de mediados de los 90; si hasta Clayton y Mullen Jr. se hicieron un tema instrumental para “Misión Imposible” y el grupo colaboró activamente en la canción “Goldeneye” del regreso de James Bond de la mano del paniaguado Pierce Brosnan.

Lo que pasa es que “Pop” se llevó más palos aún que “Zooropa” y luego en el nuevo siglo el grupo se bajó los pantalones, retornando con más miedo que vergüenza a las formas rockeras, pero con poco sentimiento o emoción en sus melodías (lo peor que le puede pasar a un grupo: que no suene mal, pero que a la vez no emocione). Esta es mi opinión, pero habrá otras, faltaría más. Ya reivindiqué a “Zooropa”, siendo el primer post de U2 que publiqué en el blog, y ya romperé una lanza por “Pop”, pero hoy toca quitarse el sombrero ante uno de los discos más importantes editados en los últimos 30 años. Es difícil estar a la altura de la obra cuando se escribe de ella, de hecho no creo que lo haya estado, pero bueno, estas son mis impresiones y termino ya, porque me da la impresión que podría haber hablado mucho más sobre el disco y un servidor de ustedes tiene vida al margen de este blog. Que ustedes lo pasen bien con “Achtung Baby”, ese disco que recoge ese curioso collage de imágenes en su portada; siempre es una gloria poder pasar una hora de buena música en su compañía.

De nuestro programa de radio, decirles que este miércoles será nuestro último estreno del año y que hasta el 11 de enero no habrá más programas nuevos los miércoles, sino que se emitirán repeticiones, como ya sucede en &radio los lunes, martes y jueves a las 21.00h. Este miércoles pues, a las 23.00h en RUAH y a las 21.00h en &radio sonará el programa que dedicamos a Level 42 y su disco “Standing In The Light”. Pedirles por otro lado disculpas por el fallo de emisión en ambas radios este pasado miércoles de la 1ª parte del Especial Mecano que anuncié por las redes sociales, y recordarles que el audio del programa sobre The Specials y su primer disco ya está subido a nuestro perfil de Ivoox para que se lo descarguen o al menos lo escuchen.

Simple Minds - New Gold Dream (81/82/83/84) (1982)

2011-12-10T12:54:00.003+01:00

No sé si será casualidad, pero antes de que me enterara de que Simple Minds van a estar de gira con sus 5 primeros discos en los próximos meses, ya tenía en mente abordar la estela de esta banda escocesa, la cual ha tenido poco tratamiento en el blog hasta la fecha. El único artículo que hemos dedicado al grupo corresponde a la revisión de uno de sus últimos discos, el muy válido “Black And White (050505)” del año 2005.

Sin embargo, para más casualidad, el disco que tenía pensado recuperar, y de hecho recupero para el presente artículo, corresponde a ese quinteto de obras recuperadas para la gira actual del grupo, siendo el 5º trabajo de estudio de la banda, el que quizás les permitió un avance mayor de cara al éxito que conseguirían un par de años más adelante.

Desde sus orígenes derivados del punk, en los días en los que el grupo se hacían llamar Johnny And The Self-Abusers, Simple Minds mostraban una evolución sonora imparable que les llevó a editar aquel debut “Life In A Day” en el que se apreciaba algún lejano regusto punk de sus inicios, para posteriormente comenzar a introducir otro tipo de inquietudes vanguardistas y experimentales en el siguiente “Reel To Real Cacophony”, las cuales estallaron en el 3er. álbum, de corte algo más oscuro y bailable “Empires And Dance” (impagable título y portada del mismo).

Se siguió aproximando esa evolución en el pack que suponen el ep “Sisters Feelings Call” y el álbum “Sons And Fascination”, pero lo que sería el conseguir el producto acabado y perfeccionado, equilibrando parte comercial e inquietudes experimentales se rubricaría en el disco “New Gold Dream (81/82/83/84)”, que en su día no pasaría, pero cualquiera que vea ahora su título puede llevarse a extraños pensando que es un recopilatorio de sus trabajos de 1981 a 1984, cosa no lógica cuando salió a la venta ya que su edición fue en 1982.

Aquí vendrían los primeros éxitos comerciales y mayoritarios del grupo liderado por el vocalista Jim Kerr, perfectamente escudado principalmente por el guitarrista Charlie Burchill y el teclista Michael McNeil. La culpa la tendrían sobre todo “Promised you a miracle” y “Glittering prize”, pero pensar que “New Gold Dream (81/82/83/84)” es simplemente el disco al que pertenecen estos 2 temazos sería un error. Hay muchas cosas interesantes en su interior, joyas ocultas, que pasaremos a desgranar ya mismo.

Se comienza con el predominio de los teclados melancólicos de McNeil al servicio de un Jim Kerr ajustado a esas sensaciones que transmite la melodía en “Someone, somewhere in summertime”. Se trató del 3er. single en discordia, y en todo caso es un pequeño clásico por lo general bastante celebrado por los seguidores acérrimos de Simple Minds. Quizás su estribillo, consistente en el título del tema, no me parece del todo adictivo, pero las melodías de los teclados de McNeil son algo a muy destacar dentro de este notable tema. El experimentalismo sigue presente en el grupo, lo cual se puede ver en la posterior “Colours fly and Catherine wheel”. Los ejercicios sintéticos, esqueléticos y espasmódicos que a ratos podíamos apreciar en “Reel To Real Cacophony” alcanzan aquí su punto álgido y perfeccionado, en una canción sinuosa y misteriosa, pero que extrañamente me transfiere una luminosidad bastante chocante a priori. En todo caso, no podemos negar que el enfoque de este 2º corte de “New Gold Dream (81/82/83/84)” resulta elaborado y para nada evidente. Nos encontramos ahora con uno de los clásicos que han permanecido realmente en el tiempo del álbum. “Promised you a miracle” destaca principalmente por el papel de McNeil y esas notas tan rimbombantes de sus teclados y el éxtasis vocal transmitido por Jim Kerr al micrófono. No obstante aquí el bueno de Burchill tiene algunas partes de guitarra que suma matices rock al tema y que puede anticipar los siguientes pasos que daría el grupo en su posterior disco “Sparkle In The Rain” y el masivo “Once Upon A Time” en los que las cuerdas del guitarrista del grupo alcanzarían un mayor protagonismo. Estamos en todo caso ante un tema muy animado, que deriva del espectro que ya nos mostró el grupo en la acertadísima y poco valorada en su día “I travel” de su 3er. trabajo “Empires And Dance”. Llegamos a la primera verdadera joya oculta, que no es otra que “Big sleep”. Es un tema maravilloso que realmente si nos detenemos a ver su enfoque, puede derivar simplemente de quitarle el exceso de dramatismo que quizás tuviera “Someone, somewhere in summertime” y añadirle algo más de misterio en su melodía. A ratos el tema transmite un hipnotismo y trance interesantísimo de experimentar si escuchan el disco en algún momento de relax en sus casas. En la 5ª sección de la obra se da paso a un interludio como podría resultar “Colours fly and Catherine wheel”, pero en este caso completamente instrumental titulada “Somebody up there likes you”. Estamos ante una composición de lento ritmo, a ratos envolvente y que no pierde el carácter principal de la obra en su parte instrumental, el cual no es otro que el importantísimo papel de las melodías misteriosas creadas por McNeil en la parte electrónica.La canción título es de las que mayor carga instrumental y utilización de recursos tienen del disco, ofreciendo un ritmo continuado y trepidante muy bailable y aceptable para situarse en la mitad del conjunto de temas que forman parte del trabajo al que concede nomenclatura. Se presenta ante nosotros en el 7º lugar la canción que me abrió el camino a Simple Minds. “Glittering prize” es una maravilla desde su inestimable línea de bajo hasta las saltarinas notas de los teclados, sin dejar de lado a un ajustado Jim Kerr en las tareas vocales, alejado de estridencias que se le podrían echar en cara en otras ocasiones; aquí Jim está hecho a la medida de las exigencias del tema. El nivel de emotividad transmitido por la pompa en la que se le envuelve a la composición en su estribillo es una maravilla. Ese “Ilumina, ilumíname con la luz, en toda mi vida, así podré ver más…” del inicio es de una fuerza tremenda. Las cuerdas de guitarras y bajo tienen una gran importancia en perfecta armonía con la parte electrónica. Personalmente Simple Minds allá por comienzos de milenio, cuando les conocí con la repetición una y mil veces del clip de “Don’t you forget about me?” en la Vh1, me caían algo mal, pero sin embargo fue dar con este tema y su impactante y dorado videoclip (muy acorde con el título del tema) y no pasaría mucho tiempo hasta que me decidiera a comprarme su recopilatorio doble de aquellos días “The Best Of Simple Minds”, editado en 2001. ¿Quizás mi tema favorito de los escoceses? A ratos, seguramente. La otra joya oculta del disco para mi gusto es “Hunter and the hunted”, que llega justo tras “Glittering prize”. Su comienzo es sensacional, con esa base rítmica de batería a paso marcial, que le da un empaque y rotundidad al tema fabuloso. Los acordes de las guitarras de Burchill se dibujan inconexos sobre esa base de batería a la que la producción confiere la importancia principal de la pista. La sensación de misterio vuelve a estar presente en esta maravilla sonora, terminando de dibujar una estela compacta al conjunto del disco. El final lo supone “King is white and in the crowd”, la cual se comporta dignamente con cierre, sin buscar robar el protagonismo a los clásicos de la obra ni tampoco a su solemne predecesora “Hunter and the hunted”. No obstante, su papel en el 9º escalón es básico de cara a darle el cierre correcto, ya que el tema está en perfecta consonancia con el resto de la obra, siguiente su estela sonora de forma fiel. Su enfoque vuelve a estar cercano al de “Colours fly and Catherine wheel”, ya que su ritmo no es tan trabajoso y menos continuo que el ofrecido por ejemplo por la penúltima canción. A ello ayudan ciertos desgarros vocales y gritos perdidos con los que Kerr se hace cargo de la canción. Una composición larga (como muchas que forman parte de “New Gold Dream (81/82/83/84)”), la más extensa de la obra, que aúna los sonidos predominantes en el disco y el toque experimental de los Simple Minds en sus 5 primeros discos.

Señalar que con este trabajo Simple Minds situó por 1ª vez en su trayectoria 2 singles en el top 20 del Reino Unido y que el disco en sí hizo podium en la lista de los álbumes más vendidos, sirve de sobra para calibrar la importancia de “New Gold Dream (81/82/83/84)”. De aquí en adelante y hasta que una pieza clave como McNeil se marchara en el año 1990, los escoceses vivirían sus tiempos más gloriosos. Primero, continuarían el buen ánimo con un disco más rockero como fue “Sparkle In The Rain” con ejemplos tales como “Waterfront”. No obstante, este disco de 1984 seguiría siendo una aproximación al éxito.

La perfección vendría asociada a “Once Upon A Time”, su 7º disco (número tradicionalmente de la suerte), que es el considerado álbum para toda la familia. Aquí ya no hay lugar para experimentaladas, que quizás vivirían su último y glorioso capítulo en el ítem que hoy hemos revisado. Con temas como “Alive and kicking”, “All the things she said” o “Sanctify yourself” el grupo estaría en boca de todo el mundo y firmarían 1985 como su año de mayor impacto mediático. En aquellos días, gracias a la banda sonora de “El Club De Los Cinco” con su versión de “Don’t you forget about me?”, el grupo rubricó su subida a la cúspide internacional musical.

Serían los días en los que más se compararían a Simple Minds con U2 y más semejanzas se buscaban entre Bono y Kerr en sus tareas vocales. No seré yo quien reniegue de un disco pluscuamperfecto como es “Once Upon A Time” (de hecho me encanta), el cual además de sus grandes singles ofrece una razonable de temas menos conocidos en su regazo como son las fabulosas “Oh jungleland” o “I wish you were here” (nada que ver ni una ni la otra con Springsteen o Pink Floyd respectivamente, no se me confundan), pero sin embargo me quedo con el trabajo que hoy protagoniza el post.

Ya saben la mayoría de ustedes que uno es admirador de lo enrevesado y no es que este disco de portada tan llamativa, con ese destello y esa cruz con toques medievales que proseguirían en el siguiente “Sparkle In The Rain”, sea excesivamente raro, ya que en ese apartado le ganan el 2º, 3er y 4º disco de Simple Minds. No obstante, precisamente por eso creo que combina el comienzo de un enfoque más abierto y el experimentalismo a partes iguales de forma inmejorable. Ahí reside su fuerza. No es una obra por tanto excesivamente complicada y le pueden hincar el diente sin mayor problema.

Recuerdo que en su día, cuando aún estaba despejando mis dudas o manías hacia Simple Minds, vi este disco en la serie media del Alcampo de Torrejón de Ardoz a un precio de 6 euros y unos céntimos, junto a otras joyas como “Invisible Touch” de Genesis o “Dare” de la Human League; todos ellos catálogo de Virgin. Sin embargo, no me lo compré en su día y es uno de mis errores de coleccionismo que no me perdono. Curiosamente, un buen amigo mío tuvo una experiencia parecida con “Sparkle In The Rain”. Personalmente desde entonces cuando veo una oferta no la dejo pasar, que si no luego te estás arrepintiendo una eternidad. Consíganlo cómo sea, pero les recomiendo que le den una pasada y que si lo ven con buenos ojos se animen en febrero a acudir a ver a Simple Minds repasar el repertorio de sus 5 primeros discos en directo. Yo aún no tengo mi entrada, pero creo que no tardaré mucho en comprarla, no sea que se me agoten y sume otra experiencia encontrada con el grupo como la que acabo de describir con respecto al disco que hoy hemos propuesto.

En RUAH a las 23.00h y en &radio a las 21.00h este próximo miércoles 14 de diciembre podrán escuchar la 1ª parte del Especial Mecano que dedicamos a “Ya Viene El Sol”, con intervención de su descubridor, Miguel Ángel Arenas, alias “El Capi”. La 2ª parte la podrán escuchar a la siguiente semana. Por cierto, esta tarde a las 16.00h en la sintonía de RUAH podrán escuchar nuestro Especial Talk Talk en riguroso directo, dedicando el debate a su 3er. disco “The Colour Of Spring” de 1986. Será nuestra última tertulia en directo de este 2011. Regresaremos en enero con más especiales los sábados a las 16.00h para que ustedes reconsideren un poquito echarse la siesta o escucharnos debatir en directo.

Alaska Y Dinarama - Deseo Carnal (1984)

2011-12-03T13:10:00.004+01:00

Cumplo con el último grupo de aquellos que comenté a comienzos del presente año o finales del 2010 que circularían por 1ª vez por el blog. Aquel comentario lo hice visible en las redes sociales y no sé si algún seguidor del blog, en plan inquisidor, se anotaría la lista de grupos y los ha ido tachando a medida que hayan ido apareciendo por aquí este año.

Parecía mentira que Olvido Gara, alias Alaska, en 1984 solamente tuviera 20-21 años, pues daba la impresión por su trayectoria que fuera mucho mayor, todo ello debido a que empezó a una edad increíblemente temprana. En todo caso en 1984 le había dado tiempo a ser guitarrista en Kaka De Luxe, a formar y finiquitar Alaska Y Los Pegamoides y a fusionarse con el proyecto de Dinarama puesto en marcha por Carlos Berlanga, para conformar el proyecto conjunto de ambos, con la simple unión de sus nombres artísticos y con el inseparable Nacho Canut en el combo.

“Canciones profanas” de 1983 había sido la primera piedra de toque de la reinvención de lo que en su día fueron Alaska Y Los Pegamoides y que se diferenciaban básicamente en que en el pack no estaban ya Ana Curra ni el malogrado Eduardo Benavente, que formaron Parálisis Permanente tras la desaparición de Pegamoides. De este anticipo no quedó en el recuerdo colectivo ningún tema relevante (aunque sí para los seguidores acérrimos del grupo destacar “Perlas ensangrentadas”), pero tenía en su interior cosas curiosas como el experimento pop con tintes orientales de la versión de “Kali”.

Sería en el 2º paso de Alaska Y Dinarama cuando consiguieron igualar el éxito de “Terror en el hipermercado” o el de “Bailando”, incluso superándolo. Realmente “Deseo Carnal”, protagonista del post de esta semana, es de los discos más relevantes de los tiempos de la movida madrileña. Bueno, quizás lo más correcto sería decir que es de los discos más relevantes de la historia de nuestra música moderna junto a otros inmortales como algunos ítems de Radio Futura o de los rivales de Alaska Y Dinarama Mecano.

No se puede empezar de mejor manera que con “Cómo pudiste hacerme esto a mí” Lo afirmo básicamente porque quizás sea mi canción preferida de todos los tiempos de la trayectoria de Alaska en cualquiera de sus proyecciones musicales. Carlos Berlanga fue capaz de dar forma a una letra trágica y épica a partes iguales, además de anotarse un dueto vocal interesantísimo con Alaska. La envoltura instrumental, aunque su base y sentir es electrónico, tiene matices que le dan un aire retro especial. Los cambios de ritmo y giros melódicos a la par que acusados son geniales. Casi todo el mundo recuerda ese estribillo “la calle desierta, la noche ideal, un coche sin luces no pudo esquivar, un golpe certero y todo terminó entre ellos de repente. No me arrepiento, volvería a hacerlo, son los celos…”. En definitiva estamos ante una historia pasional llevada al límite, que despliega todo el potencial de encanto que este tema puede ofrecer en una canción pop. “Isis” realmente lo que hace es valerse de los arreglos clásicos de “Cómo pudiste hacerme esto a mí” y cambiar las bases, para dar lugar a una canción más oscura y menos evidente. Hay lugar para otro gran tema inolvidable que es “Ni tú ni nadie”. Quizás podríamos afirmar que estamos ante un tema que desprende una alegría con tintes melancólicos en mitad de ese discurso sobre la reafirmación personal. Los teclados se muestran fastuosos, confiriendo al tema un tono algo pomposo, sin que esto sea una nota negativa para “Ni tú ni nadie”. De los temas más ligeritos y accesibles de la historia musical de Alaska y sin duda otra de las canciones más marcadas en la memoria colectiva popular. Coincide con “Cómo pudiste hacerme esto a mí” en los arreglos orquestales que incluye. Pasamos a un corte más rockero en el que Carlos Berlanga se hace cargo de la interpretación vocal íntegra, titulado “Sólo por hoy”. “Sólo por hoy” es por otro lado en el plano personal una de mis canciones favoritas de “Deseo Carnal”. Una composición esta “Sólo por hoy” con un sentido más agrio, pero que concede el testigo a un tema contrario en sus sensaciones, en el que nuevamente Berlanga es la voz principal y Alaska se encarga básicamente de hacerle los coros en un templado dueto. “Falsas costumbres” choca a cualquiera que conozca los grandes éxitos de Alaska Y Dinarama exclusivamente, ya que es una composición ligera, en el que los toques clásicos están nuevamente presentes y las guitarras suenan muy cálidas y amables.Alaska recupera el protagonismo vocal en la bailable y medio funky “Un hombre de verdad”. Esas voces en medio falsete le dan un toque lisérgico y hedonista muy simpático a un tema bastante válido. No sé si alguno se habrá dado cuenta, pero noto un paralelismo rítmico bastante acusado entre “Un hombre de verdad” y la anterior “Bailando” que sellarían Alaska Y Los Pegamoides. “La decisión” suma al lado más rockero, contundente y directo de “Deseo Carnal”. Quizás peca algo de repetición o reiteración del estribillo en su parte final, pero no desentona para nada en el conjunto de la obra, ya que la variedad es uno de los distintivos de “Deseo Carnal”, y si no, escuchen bien la siguiente canción y cómo se cambia de tercio de forma tan acusada. Es curioso el enfoque de la canción título. “Deseo carnal” tiene un toque cabaretesco en su cadencia, ritmo y sobre todo debido a esas notas de saxofón. Tanto Alaska como Carlos emplean su registro vocal más grave para darle un enfoque taciturno a esta composición. “Víctima de un error” se sirve de un pop muy heredero de décadas anteriores, convirtiéndose en uno de los momentos más alegres de “Deseo Carnal”, lo cual choca más con la lúgubre y misteriosa “Carne, huesos y tú”. Esta última composición supone un curioso final, un epílogo algo siniestro (ya desde su título), con toques fantasmagóricos en sus formas instrumentales, que en definitiva podría estar más en concordancia con esa imagen de Alaska en aquellos días, tan influenciada por la dama siniestra del pop/rock británico Siouxsie Sioux.

Quizás, y sin el “quizás” bajo mi punto de vista, “Deseo Carnal” sea el mejor trabajo de Alaska Y Dinarama. Y es que aparte de ser el que mejor funcionó en ventas y que incluya en su interior 2 joyas o clásicos de la talla de “Cómo pudiste hacerme esto a mí” y “Ni tú ni nadie”, el disco es un conjunto de canciones bastante centrado y además variado en su enfoque o sensaciones que cada una transmite. La portada representa ese deseo carnal en la imagen de Alaska con ese abrazo desnuda al que sea quizás ese “hombre de verdad” que se alude en una de las canciones que forman parte del disco. La imagen de Carlos y Nacho se deja para la contraportada.

No es que Alaska Y Dinarama dejaran de tener éxito en años venideros. No. Lo que sucedió es que sufrieron el despegue absoluto de Mecano. No podemos obviar que cuando los hermanos Cano y Ana Torroja atravesaban los días más difíciles de su trayectoria con su 3er. disco “Ya Viene El Sol”, revisado en el blog y objeto de un glorioso programa en esta temporada de radio, con la participación de El Capi (programa que volverá a sonar en breve en los próximos miércoles en nuestros horarios y sintonías de emisión habituales), coincidían con este “Deseo Carnal” y los días más venturosos para Canut, Berlanga y Alaska.

Tanto “No Es Pecado”, como “10” o “Fan Fatal” regalaron a la escena musical nacional clásicos impagables como “A quién le importa” o “Mi novio es un zombi”, y también en esa 2ª etapa Alaska se convirtió en un icono de la sociedad española irrefutable con su participación en el mítico programa de TVE “La Bola De Cristal”. Lo que pasó es que sus rivales Mecano se comieron el mundo ya desde “Entre El Cielo Y El Suelo” y parecía que no había ningún otro grupo en España.

La cosa iría decayendo lentamente hasta que Alaska Y Dinarama saltó por los aires. Alaska y Canut se reconvertirían en Fangoria por un lado y Carlos Berlanga se iría por su cuenta a trabajarse él solito su música y demás inquietudes culturales. Personalmente recuerdo que en verano de 1988 acudí al Parque de Atracciones de Madrid y en aquel día actuaba Alaska Y Dinarama y La Trinca. Mis padres me llevaron porque querían ver al irreverente y cómico trío catalán y recuerdo que mi madre, algo chapada a la antigua en tanto a lo que la música se refiere y bastante despegada de intereses musicales en general (¿de dónde me vendrá a mi tanta afición a la música? ¡Ah! Sí. De su padre, mi querido y siempre recordado abuelo materno Alejandro), veía a Alaska como al “anticristo”, dándole respeto ver su actuación y mezclarnos entre el gentío, por lo que solamente recuerdo verlo desde la parte de arriba de las gradas del anfiteatro del recinto de conciertos del lugar, con una humareda a lo The Cure que no permitía ver casi nada y un juego de luces bastante interesante. No sé si llegamos a escuchar algo más que 2 canciones de su concierto, pero muy lejos de la vorágine de modernos y tipos raros que estimaba mi madre nutrían el núcleo duro de la audiencia allí reunida.

“Deseo Carnal” es un gran disco, que además puede derrumbar varios tópicos previos a la gente que no conoce más que superficialmente a Alaska Y Dinarama. Lo principal es el papel tan importante que Carlos Berlanga tenía en las voces. También es importante ver la variedad de estilos que incluye la obra y el cambio de registro tan acusado que hay entre unos temas y otros. Siempre merece la pena recuperarlo, sea la época del año que sea; aquí en nuestro blog le ha tocado en vísperas de navidades, ¡qué cosas!

Esta semana nuestro programa de radio de estreno (el miércoles a las 21.00h en &radio de Torrejón de Ardoz y a las 23.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares) versará sobre The Specials y su disco de debut. Por si se lo quieren descargar o simplemente escuchar, ya está subido el audio del programa nº 7 de esta 3ª temporada de radio, aquel coloquio que hicimos el 7 de octubre del presente año sobre Supertramp y su “Crime Of The Century”. Mientras que ojean el blog, pueden escucharlo en el reproductor que aparece en el lateral derecho del blog; es el “Dmr 3-7”. No me digan que no se lo pongo fácil.

New Order - Waiting For The Sirens’ Call (2005)

2011-11-26T12:40:00.001+01:00

Sigo con la tradición de este otoño de hacer el post semanal sobre los discos que han ocupado fielmente mis escuchas en las últimas semanas. Es curioso en mi plano personal que me decidiera a rescatar el que fuera último disco de estudio de los de Manchester en unos tiempos (hace unas semanas) en los que se estaba fraguando una nueva recomposición de la banda, y que cuando volviera a darle unas pasadas musicales a este álbum de 2005 todavía no me hubiera enterado del regreso del grupo. Ese regreso no está exento de polémica al no incluirse en el mismo al bajista Peter Hook y darse el hecho de que éste además esté enfurecido y dispuesto a joder de cualquier forma posible el regreso de sus ex-compañeros. Luego, al final del post haré una reflexión sobre ello de pasada, pero ahora veamos cómo andaban estos muchachos antes de sacar su hasta ahora último disco de estudio.

2001 resultó un retorno glorioso de New Order, que no editaban lp desde “Republic” de 1993, un disco irregular en conjunto, aunque individualmente tenga momentos celebérrimos como “Spooky”, muy movidita, “Regret” o “World (Price of love)”. El regreso se concretó en el sobresaliente “Get Ready”, que ya se presentó con un fabuloso single llamado “Crystal”, que por otro lado incluye en su parte final unas notas que particularmente me recuerdan mucho a A forest de The Cure; nuevamente estamos ante el recurrente tema del seguimiento que realiza New Order a The Cure y The Cure a New Order desde el comienzo de sus trayectorias.

Este “Get Ready” se selló por parte de la formación completa de New Order, aquella formada por Stephen Morris a la batería, Peter Hook al bajo, Bernard Sumner a la voz y guitarras y Gillian Gilbert en los teclados. Sin embargo, Gilbert diría adiós al grupo tras la promoción correspondiente del disco y se reclutaría a Phil Cunningham para completar la formación. Este hecho para nada es irrelevante, ya que el enfoque del disco es radicalmente distinto al que probablemente hubiera tenido si Gillian hubiera estado en el ajo. Les anticipo antes de las conclusiones que les dejaré al final del artículo que “Waiting For The Sirens’ Call” cada vez me gusta más y que a día de hoy es uno de mis lps favoritos de la banda. Metámonos en el análisis de cada una de sus canciones sin más demora.

Hay que advertir (lo digo nuevamente) que la ausencia de Gillian Gilbert en New Order no es baladí en este caso, ya que en muchos de sus temas el disco tiene un fuerte carácter rockero, concediendo en la producción una mayor importancia a las líneas de guitarra y al bajo de Peter Hook, quedando los teclados en un 2º plano. Eso se puede apreciar en “Who’s Joe?”, glorioso inicio de intensa fuerza rockera, con un ritmo y melodía bastante seria y entregada. Sin dejar de lado la importancia de las guitarras e intentando sonar dentro del estilo del rock indie de la década donde se encuadra el disco, llega “Hey now what you doing”, quizás una de mis favoritas de la obra. Su sentir es mucho más luminoso o alegre que la sesuda “Who’s Joe?”, consiguiéndose un medio tiempo con matices rock muy acertado. El tridente de apertura me parece maravilloso, ya que el mismo se completa con la canción que concede el título al disco, que es una de las mejores composiciones de New Order de siempre. Poco a poco se va restando seriedad para en esta ocasión permutarla directamente por la emotividad, en la cual tiene mucho que ver la línea dibujada por Peter Hook y su bajo en esta ocasión. Ese toque de melancolía y esa parte final de la letra en la que Bernard se busca acompañamiento vocal femenino, son 2 de los principales activos de esta delicada y sentida composición que dignifica por sí sola el disco al que da título. Es curioso que el que fuera 1er. single del disco y que llega justo a continuación me produzca una cierta bajada de la emoción o de la percepción de excelencia sin reservas que experimento con las 3 primeras canciones. “Krafty” destaca por su inmediatez, y aquí sí que se da un mayor protagonismo a los teclados, con un recubrimiento muy poperito. No se hace para nada desagradable su escucha, pero está lejos de otros momentos parecidos de la historia de New Order como por ejemplo es la fabulosa “Bizarre love triangle”, composición de la que creo que viene la inspiración o al menos desde cuyo prisma se parte para haber dado lugar a “Krafty”. Con “I told you so” se pasa a un punto musical menos pop, menos luminoso y menos enérgico, buscando un medio tiempo electrónico, con una dosis generosa de adornos, entre los que destacan ciertos coros femeninos. Un ritmo frenético es el que muestra la nuevamente guitarrera de forma notable “Morning night and day”. New Order van reafirmando este sonido más rock en el disco y ya desde el título de esta canción se aprecia ese movimiento estresante al sucederse de forma muy rápida los distintos momentos del día.A continuación, “Dracula’s castle” muestra interesantes formas oscuras, en el corte menos evidente musicalmente del lp, destacando sobre todo esa misteriosa a la par que elegante introducción. Contrasta que después de este momento llegue el tema más superficial, pero en todo caso divertido y válido, de “Waiting For The Sirens’ Call”, que no es otro que el que fuera su 2º single “Jetstream”. Nadie puede negar que esos deletreos y la sencillez del estribillo, marca de la casa en varias de sus composiciones históricas, no se quedan grabados después de todo, aunque quizás de primeras escuchas no cause muy buena impresión. A esta “Jetstream” estimo que se le va cogiendo el punto con el paso de las escuchas, ya que en aquella primavera de 2005, cuando vio la luz con sencillo, no me llamaba mucho la atención. “Guilt is a useless emotion” es como coger el tema “I told you so” que hemos escuchado unos minutos antes, y darle una dosis mayor de ritmo y aceleración, con un enfoque o sensación más oscura. Quizás su estribillo resulte algo plano, pero el comienzo, con ese leve misterio presente en el poso que deja y los primeros versos tan interesantes que canta Bernard “otra semana en la ciudad, esperando que una oportunidad se presente delante de mí…”, ofrecen una apertura de tema notable cuanto menos. Es quizás el tema más nocturno y electrónico de la obra, personalmente me gusta mucho. Si queremos poner un ejemplo de género pop/rock para todos los públicos y con un sentir amable en las sensaciones que transmiten las cálidas líneas de guitarras de su instrumentación, es inevitable mencionar a “Turn”, la cual supone el penúltimo episodio de este interesante lp de New Order. Con una gran sencillez en su estribillo se consigue rubricar una pista notable y quizás la composición más pulida y menos agreste del disco para todo aquel que no sea seguidor de New Order o que no haya accedido a su obra aún; véase ese “aparta los ojos de mí”. Se termina con un tema rockero, el más rockero y contundente en su sonido del álbum. “Working overtime” al ser el fin de la obra, ayuda a dejarnos esa impresión de que New Order en su último trabajo ofrecieron una entrega principalmente dominada por las guitarras y el carácter más rock, dejando en un segundo plano los teclados y sintetizadores que les dieron la fama en su día. Como ya he mencionado varias veces en el post, la ausencia de Gillian Gilbert en este aspecto se ve claramente.

El que ha sido el último trabajo de New Order hasta la fecha, y el cual parecía poner punto y final a su trayectoria musical, hasta que por el motivo que sea Bernard Sumner, Stephen Morris y Gillian Gilbert hayan decidido reunirse al margen de Peter Hook para seguir con la leyenda en activo, es una obra que tarda en entrar. De primeras choca, ya que el enfoque más guitarrero nos puede descolocar, incluso aunque no se haya perdido la óptica del enfoque que tenía el igualmente fenomenal trabajo previo “Get Ready” de 2001.

Es innegable la calidad de por ejemplo los 3 primeros cortes de la obra sobre todo, y también del resto de capítulos que poco a poco terminan por mostrar su potencial oculto con el paso de las escuchas y de producirse la lenta digestión del disco. Lo que no se puede esperar, o al menos en mi caso particular así ha sido, es que el disco termine ganando tantos y tantos enteros en el foro interno de cada uno. Me parece un dignísimo disco a las alturas en que la banda lo editaba y que demuestra que una banda tras más de 20 años en activo puede dar lugar a cosas bastante decentes y acertadas.

Tras la gira de presentación, la cual se extendió razonablemente a lo largo del tiempo, se produjo el anuncio de que el grupo se disolvía y no sé si propiciado por ello, al poco tiempo el bueno de Tony Wilson, defensor a muerte de Joy Division primero y luego de New Order fallecía. Luego comenzarían a venir los enfrentamientos clásicos que ya se han visto previamente en bandas del rock como Pink Floyd o del pop como Spandau Ballet, en los que Hook parecía ir en contra del resto.

Y en este punto están New Order, es decir, anunciando que van a publicar un nuevo disco con temas descartados de las sesiones de la obra que hoy hemos revisado y actuando en Bélgica y otras sedes sin la presencia de Hook y sus inmortales notas de bajo y la forma de ejecutarlas sobre las tablas. A falta de que se publique ese nuevo material, que a buen seguro será realmente interesante (básicamente por la exigencia del disco a cuyas sesiones pertenece, que no es otro que el hoy escogido para este post), no hay nada más apropiado para meterse con “Waiting For The Sirens’ Call” y darle unas nuevas pasadas. Durante mucho tiempo lo tuve apartado y descartado como un trabajo irregular, y es su recuperación lo que me ha hecho verlo con distintos ojos. Rectificar dicen que es cosa de sabios, ¿no?

Respecto a nuestro programa de radio, no se pierdan hoy a las 16.00h en la sintonía de &radio de Torrejón de Ardoz el especial coloquio que haremos sobre Queen y su disco “The Game”, lo cual nos permite rendir tributo a Freddie Mercury justo cuando se cumplen 20 años de su fallecimiento. El miércoles sonará el programa debate que dedicamos a Supertramp y a su “Crime Of The Century”, el cual estaba previsto que sonara este pasado miércoles, pero que por problemas técnicos no se escuchó ni en &radio ni en RUAH. Esto será el miércoles 30 a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH, pero lo primero es que esta tarde nos acompañen en directo. Además, si lo desean podrán participar telefónicamente, pues abriremos las líneas telefónicas por 1ª vez.

Pastora - Circuitos De Lujo (2008)

2011-11-19T16:40:00.004+01:00

Siempre pensé que cuando el trío formado por Dolo Beltrán y lo hermanos Riba, Caïm y Pauet, desfilara por primera vez por el blog, lo harían de la mano de su primer disco, debido a que fue con la impagable “Lola” como les conocí, y porque en el mismo hay joyas intensas emocionalmente como “Lunes” y temas de un ritmo incontestable como “Mirona”, que hicieron desde un principio que me llamara la atención este trío.

Sin embargo, este otoño estoy siendo muy fiel a mis escuchas musicales del día a día a la hora de abordar los post de cada semana, cada sábado; es decir, en otras épocas el disco que publico poco tiene que ver con lo que ando entre oídos en esos días y solamente lo rescato para hablar del mismo y así de paso quitarle el polvo, pero no se da el caso de que esté obsesivamente con él en esos momentos. No obstante, con casi todos los discos desde septiembre hasta acá me ha sucedido que sí están de actualidad en mis escuchas en mis reproductores mp4 de ida y vuelta al currelo o en mis momentos solitarios de audiciones en mi cuarto.

Pastora me ha acompañado con su 3er. trabajo “Circuitos De Lujo” durante varios domingos anteriores (los que nos sigan en Twitter, Facebook o Tuenti lo sabrán por varias actualizaciones de estado) y en días que no han sido domingos, por lo que lo tengo calentito y con muchas ganas de reflexionar sobre el mismo. Este disco hay que decir que lo tenía hace mucho tiempo en cola de espera, y que ya en su día cuando vio la luz me llamó mucho la atención sobre todo debido a “Cuánta vida”, que fue un tema notorio debido a su uso en la campaña publicitaria de una operadora de telefonía, creo recordar.

Cierto es que Pastora son un grupo que no es fácilmente comprensible para el público de a pie. Su propuesta va más allá de lo sonoro y se extiende a lo visual, apartado en el que Pauet Riba tiene mucha responsabilidad con sus proyecciones que acompañan las composiciones musicales creadas por su hermano Caïm y las letras tan personales que firma Dolo y que a su vez interpreta con ese regusto de acento andaluz en su música vocal al micrófono. Quizás nuestro país no esté preparado para darle a un proyecto como éste la importancia que se merece.

Cierto es que en 2004 fue cuando “Lola”, y ese juego de palabras con su propio nombre (“No me llames Dolores, llámame Lola”) en la letra puso a Pastora en la primera plana del aburrido panorama musical. Era un soplo de aire fresco, con esa sutil electrónica en sus formas instrumentales y ese deje andaluz de la propia Dolo Beltrán al cantar. El videoclip era sumamente gracioso, representando una de esas fiestas en casa de alguien que terminan de irse de las manos. Fue compañero este tema de mis vivencias personales en aquellos días, unos días que recuerdo con mucho cariño y supongo que en el plano personal eso tendría mucho que ver para que Pastora quede en mi retina como banda sonora de unos tiempos felices (la música muchas veces es eso para cada uno, ¿no?). No obstante, en lo puramente musical, el siguiente single “Mirona”, por sus rítmicas bases, de toque leve funky terminó de unirme a este trío catalán.

Es curioso que con “La Vida Moderna” y con la elección de “Desolado” como single promocional, Pastora girara tanto en el lado promocional del grupo, al elegir esta pieza tan triste, delicada e íntima. Supongo que parte del motivo que llevó a editar como sencillos más destacados del disco protagonista del post de hoy a “Cuánta vida” y “Grandes despedidas”, resida en que el grupo intentara retomar ese lado más movido y vibrante y en estos 2 temas el gran ritmo es el denominado común de ambos. Metámonos de lleno en el disco, el cual no es cortito, ya que tiene 13 temas de marras para descubrir.

Un tema que te calará tras 3 o 4 escuchas es el inicial “Paseo encendido”. Y es que aunque tiene un cierto tono amargo en su melodía, el ritmo y energía están más que presentes en esta apertura vigorosa. Uno de los singles, más concretamente el 2º del disco, se dispone igualmente en el 2º lugar del set list. “Grandes despedidas” es un tema pop, muy rápido y acelerado, que ejerce correctísimamente como embajador de la obra en su papel de single, ya que ofrece pistas sonoras muy claras de por dónde van a ir los tiros en varios momentos de “Circuitos De Lujo”. “1000 kilómetros” es un corte con una leve melancolía, un medio tiempo muy acorde con estos días de otoño que nos ocupan, en el que Dolo plantea esa ausencia sentimental que tan mal cuerpo nos deja. La línea de guitarra ofrece un cálido colchón a esta bonita pieza. La siguiente pieza “Domingo de resaca” podría justificar con su título el hecho de que haya concedido a “Circuitos De Lujo” de forma totalmente accidentes varias escuchas en domingos anteriores recientes. Este tema es uno de los ejemplos más placenteros, melódicos y relajantes del disco. Es una maravilla sonora que te permite mecerte como si estuvieras tumbado en una hamaca, acústica y sonoramente hablando. En algún que otro momento se mete la correcta intensidad con la batería y guitarras rompiendo solamente parte de la mesura de esta joya en forma de canción. Pero el hecho de que cambiemos rotundamente de palo en el 5º corte, de la mano de otro single del álbum (y a día de hoy mi tema favorito de los que contiene) no nos va a suponer ningún trauma, sino una experiencia muy satisfactoria. Y es que “Cósmica” tiene un encanto muy especial. Su estribillo, el cual acapara la mayor intensidad electrónica de sus partes, es sumamente pegadizo, con unas partes líricas fenomenales ejecutadas a la perfección por Dolo: “No descansa, va y te atrapa, tiene el don de la facilidad. Siempre alergia a la primavera, se vuelve lúdica, cósmica”. Una pista más eléctrica que electrónica (aunque por su ritmo pueda parecer lo contrario), con sus inicio lleno de una base de programaciones nerviosas sobre la que se disponen esas notas de teclado tan cristalinas. El videoclip de estética y fondos futuristas, nos muestra a Pauet cómodamente sentado en su silla con su portátil al mando de las proyecciones, un Caïm dándolo todo a la guitarra eléctrica y a una bellísima y sensual Dolo Beltrán. Y es que aunque en su día “Cuánta vida” me llamó mucha la atención y sigo considerando que es un tema notable y muy vivo y animado, tras conocer posteriormente “Cósmica” y más cuando se sitúa previa en el orden del disco, a día de hoy me parece poca cosa. Intentando dejar de lado agravios comparativos entre canciones, a “Cuánta vida” hay que concederle el mérito de poner a “Circuitos De Lujo” en primer plano del panorama musical, debido a su utilización en campañas publicitarias, lo cual permitió a Pastora exponerse mucho en televisión y llamar la atención a mucha gente. En lo formal es un tema más electrónico que “Cósmica”, sobre todo más allá del estribillo, en el que las formas guitarreras toman un mayor protagonismo. También fue single “Me tienes contenta”, 7º corte de la obra, la cual es bastante luminosa, llena de energía y entusiasmo. La línea de batería es interesantísima, muy en la onda de un “Speed of sound” de Coldplay, y este tema en todo caso nos puede evocar mucho a las formas más puras del sonido Pastora, residiendo ahí su mayor activo: representar a la perfección las formas estilísticas sonoras del grupo y el poso que transmiten sus canciones.“Bolero falaz” en parte sigue la estela que ha dibujado “Me tienes contenta”, aunque con una estructura menos electrónica, acercándose más al pop tradicional. Estamos ante otra canción vital, alegre, aunque en la letra Dolo se queje de cierta actitud desconcertante por parte de esa media naranja que protagoniza la misma; supongo que en casos como los que describe Dolo, “que si vengo, que no voy, que si estoy, que me pierdo…”, lo mejor es tomárselo con un ánimo semejante al que transmite esta composición; de lo contrario, estamos perdidos. “Cosas malas”, sobre todo por la línea rítmica rotunda de su bajo, nos puede evocar vagamente a “Mirona” del primer lp del grupo. El aspecto de esta canción es más sombrío que el de los últimos temas que la han precedido, una especie de medio tiempo que viene bien para afrontar el, para mi gusto, otro gran momento del disco, y ante el papel de “Cósmica” como single, la verdadera joya oculta de “Circuitos De Lujo”. Y es que el carácter épico o trágico en ciertas partes que tiene “Cuerpo transparente”, al describir ese anonimato, o transparencia social, como cuando Dolo dice eso de “No tengo carisma”, es un placer para los oídos en el sentido melódico. Un tema vibrante, rítmico, que puede ser la horma del zapato de “Cósmica”, con la diferencia que a la hora de hablar de una especie de antihéroe en la letra en “Cuerpo transparente” se hace en 1ª persona, y que en todo caso supone uno de los puntos destacables de una obra notable, más que notable. Con esta factura rítmica Pastora consigue crear temas bailables, que para nada caen en lo anodino o vacuo. Lo curioso es que el inicio no nos hace pensar que el tema adquiera ese ritmo a medida que va avanzando y sobre todo cuando llega el estribillo, con una electrónica intensa y sublime. Todo un temazo este “Cuerpo transparente” y en definitiva una alegría que nos damos para afrontar la parte final del álbum. “Parece que viene” rompe de golpe con el barroquismo rítmico de “Cuerpo transparente” con un comienzo acústico y una envoltura melancólica, que se acrecienta cuando entra el cuerpo sonoro ambiental y de matices orquestales que tiene esta pieza, la cual nos ofrece variedad al conjunto de temas que ofrece “Circuitos De Lujo”. La parte instrumental final es de una belleza formal apabullante y Dolo Beltrán se ajusta a la perfección a la exigencia que supone una parte musical como esa, alcanzando no solo en esta parte de la canción, sino en anteriores también, un registro de interpretación realmente sentido y emocionante. Para nada es un tema inmediato, y más aún al situarse en la parte final, pero irán apreciando su valía, que es mucha, con el paso de las escuchas. “Decibelios”, penúltimo capítulo del disco, ofrece una candencia de programaciones pausada y una envoltura sinuosa, sugerente y levemente misteriosa. No obstante, el tema más nocturno, heredero del mejor trip hop de finales de los 80 es la canción título, que cierra formalmente el disco. Es una forma inmejorable de rubricar un disco que nos ha ofrecido varios pasajes y momentos emocionales a través de la música. “Soy una máquina” se empeña en repetir una y otra vez Dolo en la canción, que por otro lado es la de mayor duración del disco, superando los 5 minutos. Es común el añadido que supone “Extrarradio”, si cabe mucho más desnuda, con leves apuntes sonoros programados, que dejan el protagonismo principal a Dolo a la voz. Resulta muy emotiva y especial su disposición como epílogo y rubrica una parte final que nos envuelve en un mundo onírico y de ensoñación, que no en vano nos hace creer que el ritmo electrónico vivido en pasajes anteriores de “Circuitos De Lujo” sea objeto de nuestra imaginación.

Rara concepción sin duda, o al menos quizás más propia de otras épocas anteriores, la que se empleó para la promoción de “Circuitos De Lujo”, puesto que “Cuánta vida” salió con bastante tiempo de antelación respecto al lp, o al menos esa es la percepción que yo tengo como seguidor del grupo en los medios. Eso propició que no se aprovechara el tirón que este pegadizo tema tenía y otorgó cuando vio la luz y se asoció a la ya mencionada de forma reiterada campaña publicitaria.

“Grandes despedidas” tuvo hueco aún en los medios y emisoras, pero de forma más que injusta, debido a su brutal pegada, “Cósmica” pasó inadvertida y no es hasta hace relativamente poco tiempo cuando he podido descubrir a esta joyita. No obstante, aunque “Circuitos De Lujo” podría haber tenido una mayor repercusión, estimo que salvó la papeleta para Pastora, ya que el trabajo individual de sus 2 primeros singles fue inestimable.

Peor han ido las cosas con la última entrega de Pastora “U.V.E.N.” (Un Viaje En Noria), el cual sí que ha pasado bastante más desapercibido y del que no he tenido noticias hasta que he retornado al grupo con motivo de recuperar las escuchas de sus 3 primeros discos, y principalmente la de este “Circuitos De Lujo”, que hoy nos ocupa. Sobra decir que lo antes que pueda me haré con él, para ver qué nos ofrecen este grupo que tanto admiro en su 4ª entrega, si no contamos con el disco de remixes que medió entre “Circuitos De Lujo” y esta última obra.

El que fuera el 3er. disco de Pastora es válido para todos los públicos. Su electrónica no es inaccesible o cargante, para nada. Pastora destaca por hacer una música de baile muy elegante, y que se acompaña de esa sensual forma de cantar de Dolo Beltrán, lo que termina por darle una personalidad clarísima al proyecto, sumada a las proyecciones visuales de Pauet. Este disco, con ese predominante rojo en su portada, con las líneas negras que hacen de trazado de esos mencionados circuitos, y con esa clavija sonora, es de notable o notable alto si lo vemos con buenos ojos. Espero que le saquen provecho, o al menos a algunos de sus temas, aunque ya saben que desde aquí defendemos la escucha completa de los discos. Cada cual después ya que haga lo que quiera. Espero que Pastora dure mucho y sigan entregándonos periódicamente discos tan buenos como sus 3 primeros trabajos. De momento aún tengo el 4º pendiente de escuchar, y creo que ya estoy tardando. Hoy les dejo a ustedes con el 3º, que no es moco de pavo.

Respecto de nuestro programa de radio, informarles que este próximo miércoles a las 21.00h en &radio de Torrejón de Ardoz y a las 23.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares, podrán escuchar el estreno oficial del coloquio que hace ya varias semanas dedicamos a Supertramp y su disco “Crime Of The Century”. Además, varios de los colaboradores de este programa que podrán escuchar este miércoles, tomarán parte del especial que dedicaremos a “The Game” de Queen el próximo sábado 26 de noviembre, prácticamente coincidiendo con el 20º aniversario de su muerte. No se pierdan ninguna de las 2 citas, ni la del miércoles, ni la del sábado 26 en &radio de Torrejón de Ardoz a las 16.00h.

Discos, música y reflexiones entrevistó a La Broma Negra

2011-11-14T17:16:00.006+01:00

Ya advertimos en su día en la crónica del concierto de Oberón en la sala Cats el pasado 28 de mayo del presente año, que habíamos conocido a una banda de proyecto musical realmente interesante. Igualmente, de La Broma Negra ya les acercamos más recientemente la revisión del último de sus discos “Joyas De Princesas Muertas”. Bien, pues este miércoles son los protagonistas de nuestro programa semanal en RUAH e &radio, el 6º de nuestra 3ª temporada en las ondas.

Carlos Caballero y Alex Gómez, cantante y guitarrista de la formación respectivamente, se desplazaron hasta los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) para llevar a cabo un programa de una hora de duración en el que hablamos sobre el disco “Joyas De Princesas Muertas”, obra protagonista del programa en cuestión, y también sobre la trayectoria del grupo en general.

Además, también hubo lugar para que Alex y Carlos interpretaran un par de temas en formato acústico, que a decirles verdad sonaron realmente interesantes en ese formato. Creo que quedó un buen programa, con lo que les invitamos a que este miércoles 16 de noviembre de 2011, en nuestro horario habitual, es decir, a las 21.00h en la sintonía de &radio de Torrejón de Ardoz y en Radio Universitaria de Alcalá de Henares a las 23.00h, no se pierdan la hora de radio que compartimos con La Broma Negra y su música.

Los 2 links dispuestos en el anterior párrafo corresponde a las emisiones on-line de ambas radios donde emitimos, pero si residen en Alcalá de Henares pueden sintonizar el 107.4 Fm para escuchar RUAH y si viven en Torrejón de Ardoz pueden hacer lo mismo con &radio en el 92.2 Fm en las mismas horas indicadas. Arriba del artículo les dejamos una fotografía que nos sacamos con el grupo en el estudio.

Pink Floyd - Animals (1977)

2011-11-12T13:40:00.004+01:00

Sigo regateando la responsabilidad a la hora de abordar a los gigantes del rock y de la música en general Pink Floyd de afrontar el análisis de sus consideradas 3 grandes obras (véanse “The Wall”, “Dark Side Of The Moon” y “Wish You Were Here”). Si el primer post que concedí a los Waters, Gilmour y cía. correspondió a un disco infravalorado o traspapelado dentro de su discografía como es el fabuloso “Meddle”, hoy al menos sí que tomo por banda uno de los que sí están enmarcados en su era grande y no en vano se sitúa entre los 3 trabajos que he mencionado entre paréntesis, siendo de alguna forma el 4º lp más valorado, al menos si no contamos la era Barrett.

Y es que “Animals” es emblemático desde su portada, quizás la más fácilmente recordada del grupo o la más espectacular por el despliegue que supuso. No me negarán ustedes que atar a un cerdo hinchable gigante en una de las descomunales chimeneas de la tétrica, siniestra, mastodóntica y lúgubre Battersea Power Station (en activo aún en aquellos días) y sacar una instantánea global no tiene mérito y que además el resultado es fabuloso. Puede resultar minimalista el significado del prisma de “Dark Side Of The Moon”, o los sencillos ladrillos blancos de “The Wall”, incluso choca mucho detenerse a ver ese acalorado saludo de “Wish You Were Here”, pero la portada de “Animals” representa ambición en proporción tal como el del tamaño del edificio que refleja.

El grupo estaba inmerso en sus años de más gloria y con la formación más memorable en pleno rendimiento, aquella compuesta por David Gilmour como vocalista y guitarrista, Roger Waters al bajo y voces, Nick Mason como batería y Rick Wright en los teclados. La resaca de “Wish You Were Here” todavía duraba en aquellos días en los que el grupo comenzó a dar forma a Animals. El disco se comenzó a gestar en la gira anterior y la inercia de Pink Floyd en aquellos momentos era inmejorable. El resultado fue una gran obra conceptual, con un corto listado de temas, pero de duración kilométrica en algunos casos (marca de la casa), que pasamos a analizar sin más demora.

La 1ª composición es la 1ª parte de “Pigs on the wing”, que ofrece un carácter acústico y relajado, con un leve poso de melancolía, que al fin y al cabo no es más que una introducción a la primera de las obras maestras que tiene el disco y que son las 3 composiciones centrales. Y es que “Dogs” es una pieza de 17 minutos de duración, muy del estilo y gusto de Pink Floyd, al estilo de esas composiciones gigantes tipo Echoes de Meddle, que ya comentamos hace un tiempo, y en el que la canción evoluciona y ofrece numerosas partes muy interesantes, tanto líricas como instrumentales. Ciertas partes de la letra son incisivas a más no poder como cuando Gilmour dice eso de que “…tienes que transmitir confianza a la gente que mientes y cuando ellos te den la espalda tienes la posibilidad de clavarles el cuchillo”. La melodía quizás más recordada es esa que ofrece unos acordes tan claros de guitarra eléctrica, demostrando el virtuosismo del grupo y en especial de Gilmour. Aunque la presencia de los teclados de Wright tiene sus retoques o añadidos que son inestimables, lo cierto es que “Dogs” es más bien recordada por sus guitarras y estructura de rock clásico.“Pigs (three different ones)” me llama la atención principalmente por la interpretación vocal en este caso de Roger Waters con esa especie de risa o repetición que hace en una parte de la letra oída en el comienzo de la pista. Es una pista más desenfadada que la sesuda “Dogs”, con un carácter levemente hipnótico en las melodías que entrelaza. Con “Sheep”, que fue el único corte de la obra incluido en el recopilatorio “Echoes”, el grupo gira un poco más la rueda de graduación de intensidad rockera de “Animals”. El tema es un auténtico trueno en varias de sus partes y un ejemplo del sector más abrasivo de Pink Floyd. Igual que la 1ª parte de “Pigs on the wing” era una intro a la obra, la 2ª parte es una especie de epílogo o cierre, que da carácter global o conceptual a la obra, rubricando su envoltura correctamente.

La lástima principal de “Animals” no reside en sus resultados comerciales, los cuales fueron notables, o su calidad, la cual es indiscutible, sino en el hecho de que en su proceso de creación, desde que comenzó su génesis, se produjeron las primeras grietas incurables en el seno de la banda, las cuales se fueron acrecentando en los siguientes años y desembocarían en el desmantelamiento de la banda en los años 80, o mejor dicho en su reconversión.

¿Quién fue el culpable? Pues sí, el malo de la película parece que está aceptado de forma generalizada que es el amigo Roger Waters, al cual no le vamos a discutir en ningún momento su nivel como músico y compositor, pero al que sí reprocharemos su actitud con sus compañeros, especialmente con Mason y sobre todo con Wright. El hecho de que los teclados de Richard sean sibilinos y secundarios en la producción no es fruto de la casualidad o despiste, sino que fue el inicio de un mobbing claro hacia el teclista de la formación por parte del cada vez más autoproclamado líder Roger Waters, el cual consideraba a Wright un vago.

Con “The Wall” y su gran éxito, Waters terminó de convencerse de sus ansias de dominar en exclusiva Pink Floyd, con la única salvedad de mantener a Gilmour y para “The Final Cut” Richard Wright ya no era parte del grupo. Luego vendrían peleas legales, más peleas legales, malas formas en las entrevistas con recaditos al rojo vivo de unos a otros componentes, etc. Es una pena que esta obra conceptual, que se basa en el libro de Orwell “Rebelión En La Granja”, y su estratificación social a través de los grupos formados por los animales que protagonizan las canciones del disco, supusiera el comienzo del fin de Pink Floyd. No obstante, dejando esas leves consideraciones al margen de la música en sí, estamos ante una de las grandes joyas en forma de lp que editó el cuarteto clásico de Pink Floyd en los años 70. Aprovechen su recuperación o escucha como se merece.

Respecto a nuestro programa de radio, avisar que ya está subido el programa nº 4 de esta temporada sobre 10cc y su “Deceptive Bends”. Esta semana lo estará con gran seguridad el 5º sobre R.E.M. y “Automatic For The People”. Muy importante es informarles que hoy a las 16.00h en la sintonía de &radio podrán escuchar el especial que dedicaremos a Lady Gaga y su “Born This Way”. Del programa de estreno de este miércoles a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH… Bueno, esta semana haré un post especial al respecto y les cuento más a fondo. De momento, esta tarde estén ahí a las 16.00h en la emisión on-line de &radio de Torrejón de Ardoz.

Golpes Bajos - Devocionario (1985)

2011-11-05T14:11:00.003+01:00

Ya estamos nuevamente a vueltas con el asunto o debate tan manido en esta bitácora de los “mini-lps” y considerar a un disco como trabajo discográfico principal dentro de una discografía oficial de un grupo o no por el hecho de que incluya menos de 8 canciones. Considero a los 3 ítems discográficos de los 80 de Golpes Bajos discos a todos los efectos y ya está. Esta es mi posición y con su última entrega antes de su disolución me pasa lo mismo.

Hace ya tiempo que revisamos “A Santa Compaña”, que es el único considerado lp como tal de forma global. Llegado 1985 Golpes Bajos estaban considerados como una formación consolidada dentro del panorama musical emergente español asociado a La Movida, aunque la formación tuviera sus raíces en Vigo y no en Madrid. “Malos tiempos para la lírica” funcionó bien como tema extraíble, y no en vano es el tema que ha quedado para el recuerdo de la formación.

No podemos obviar que en 1985, tras haberse alcanzado el climax musical y cultural en el año anterior, con la edición simultánea de los considerados mejores discos de los grupos abanderados de esa escena underground española, comenzaba el lento declive que fue devorando a los grupos poco a poco. Golpes Bajos fueron pioneros en el campo de las disoluciones tras “Devocionario”, en dura lucha temporal con Derribos Arias, que estimo se fueron al garete en los mismos días que los Coppini, Cardalda, García y Novoa.

Antes, lo que fue su última propuesta en forma de disco lo considero un gran trabajo. Un conjunto excelente de 6 canciones que, enfrentado a mi postura de defensa de la obra, en los pocos portales donde está analizado, está tildado de pedante y elitista. A mi me gusta mucho, y en el post de hoy, en estos días en los que considero muy adecuada su escucha, voy a abogar por su defensa a ultranza. No es irrelevante el hecho de que a Golpes Bajos les descubriera de forma definitiva a través de “Desconocido” y aunque ya sabía de la existencia de “Malos tiempos para la lírica”, éste tema fue el que me animó a acercarme al grupo.

La apertura con esa instrumentación misteriosa, delicada y muy rica en matices de la mano de “Prólogo”, sienta las bases del sentido conceptual de la obra, ya que el tema que en parte ofrece el título al disco, “Santos de devocionario”, retornará a las estupendas formas sonoras de este primer paso de la obra, en la que la insinuación instrumental es lo más reseñable y en el que Germán Coppini sencillamente ofrece unos coros que si cabe suman más al maravilloso misterio que tiene este cortito tema de introducción. No obstante, esta elegancia manierista no se pierde en la ya mencionada “Desconocido”, 2º corte de la obra, que en parte ofrecía un marco de lo que podría ser quizás ahora la distancia entre las 2 cabezas visibles de Golpes Bajos, es decir, Cardalda y Coppini. Esa magistral letra en la que se esboza el recuerdo de una estrecha amistad y los reproches posteriores al término de la misma “no me llames de amigo si me vas a dejar dolido, mi amigo”, es uno de los mejores ejercicios líricos de la historia de Golpes Bajos, quizás a la altura de la excelente “Tendré que salir algún día” de su primer disco. Recuerdo que en 2003 conocí este tema gracias al especial de “Acordes en espiral” de los volúmenes en dvd de “La Bola De Cristal”. En esos días, los cuáles a pesar de ciertos retazos amargos, recuerdo con especial cariño, un servidor de ustedes trabajaba en el departamento de discos de la gran empresa de nuestro país de grandes almacenes. En nuestra zona podíamos poner a modo de marketing en una pantalla dvds musicales y yo opté un día por poner éste de “La Bola De Cristal”. Mientras estaba atendiendo a la gente y cobrando algún que otro cd que se vendiera, recuerdo que los sonidos de la parte instrumental del inicio, con ese aire de ensoñación y que, por otro lado, supone un ejercicio de mesura y sosiego increíble, me llamó especialmente la atención. A día de hoy, sobra decir que este dvd (solamente ese) de “La Bola De Cristal” obra en mi poder, puesto que en junio de 2004, cuando ya no trabajaba en esa empresa, me lo compré aprovechando los descuentos habituales del día de la música del día 21. Los ejercicios de suave electrónica a cargo de Cardalda, alejándose del estruendoso fairlight, tan en boga en aquellos días, son lo que más personalidad da al corte. Es una notable experiencia escuchar este tema con la luz de otoño de las 5 de la tarde de fondo, mientras que te relajas a la hora de la siesta. Como casi todo el mundo en este país (“tan bien organizado” laboralmente hablando) a esas horas está en la oficina de lunes a viernes, prueben a hacer el experimento un sábado o domingo; pero eso sí, en días no lluviosos, en los que el cielo esté despejado. Como ven, yo sigo intentando transmitirles mi forma tan personal de escuchar y experimentar la música que tengo. Una genial locura es el tercer tema titulado “La virgen loca”. No es ni más ni menos que darle una pequeña vuelta de tuerca a “Escenas olvidadas” del anterior disco y contar con un desgañitado Coppini, que poco a poco irá cogiendo arrestos en el disco. Aquí se marca Germán algún que otro grito desgarrado interesantísimo y alguna interpretación melódica vocal graciosa como cuando dice aquello de “Jesús, María y Jose” (con el “Jose” sin acentuar la 2ª sílaba), dándole un enfoque menos solemne al trío de personajes que menciona. Más deternillante es ese pasaje de “… y pobre del que yo vea correr, ni tan tocaros siquiera, porque probaréis de mi zapatilla durmiendo calientes la noche entera…” o el “¡No me peque usted madre!” que también hay perdido por ahí. En todo caso, “La virgen loca” es otro tema notable del disco, que escucho con júbilo cuando le llega el turno cada vez que me pongo con este álbum.Se da un giro más a la intensidad del disco en el siguiente pasaje, para que luego de ahí al final poco a poco se retorne a la calma y reposo que transmitía el prólogo de la 1ª pista. Llega “Ayes”, con un ejercicio instrumental acelerado y Coppini perfectamente sincronizado con la música. Esos “Ayes de sacrílego” suponen otro acierto más del disco, hasta ahora sin mácula. Es curioso que con esos portales en los que se ha comentado y criticado el disco, no comparta el gusto por las “Travesuras de Till”, el único tema al que salvan de la quema en esos artículos. Me parece algo sosa en lo instrumental, aunque en la letra no deja de ser interesante escuchar esas historias derivadas del género literario de la novela picaresca que se nos presentan. Mejor me parece “Santos de devocionario” que da el fin a la obra, con ese toque conceptual al retornar a las formas del inicio, ya que no es más que el desarrollo formal del “Prólogo”. La letra choca, pero el sentir con el que la interpreta Coppini y sobre todo esa instrumentación tan elegante y excelsa es una delicia para los oídos. En el recopilatorio que incluía toda la obra de Golpes Bajos, se metía otra versión alternativa de “Travesuras de Till” a modo de cierre, pero personalmente tampoco estimo que difiera mucho de la primera toma y me parece mucho mejor cerrar con esta “Santos de devocionario”.

El problema de Golpes Bajos fue el espíritu inquieto de Coppini, lo cual llevó a la disolución del grupo tras este “Devocionario” que hoy hemos analizado. Germán en aquellos días, y en su vida en general, es un culo de mal asiento. Recordemos que antes ya estuvo en otro gran grupo como Siniestro Total, y en 1985 ya se había cansado de Golpes Bajos.

Supongo que Germán Coppini se marcharía con un deje parecido al que se representaba en el elegante videoclip grabado para “La Bola De Cristal” de “Desconocido”, en el que en un café del estilo de escritores, Germán salía por la puerta mirando atrás a un Teo Cardalda sentado con algo de resquemor en la barra de la cafetería. Ese videoclip es excelente y en el mismo aparecen 3 de los componentes del grupo (creo que falta Pablo Novoa), representando los tiempos felices y dando la impresión de que la situación posterior, quizás tras alguna guerra, ha separado los mundos en su día unidos de las personalidades representadas en la historia. Es impagable el momento en el que Teo sale tocando el piano y señala un periódico en el que pone “Por la República”.

Germán me da la impresión de que es un tío complicado. Personalmente tuve un leve encontronazo, no directo, en una entrevista que se le realizó en el notable radioblog “Luz De Gas” a cargo de su titular Juan Duque. Me parece que es una personalidad complicada, y en todo, aunque no llegó a la altura de un Fernando Fernán Gómez y su mítico “¡A la mierda!”, sí que no me dejó un buen sabor de boca, a alguien que en definitiva es un admirador de su obra, no solo en Golpes Bajos, sino de otras cosas de su etapa en solitario o en su actual proyecto Lemuripop junto a Alex Brujas. En parte y como él dice en “Desconocido”, me dejó dolido.

No obstante, haré el ejercicio de diferenciar entre persona y artista; sigo pensando que Coppini es un maestro, aunque en lo poco que indirectamente he tratado con él (ya que la movida personal no fue más que una apreciación que hizo a una pregunta que le dejé por escrito en “Luz De Gas”) no haya tenido una experiencia satisfactoria. El retorno en 1998 de Golpes Bajos fue a destiempo y mal enfocado, aunque el propio Germán en aquella entrevista en “Luz De Gas” aún defendía la propuesta. Personalmente creo que fue un patinazo, pero errores cometemos todos.

Golpes Bajos cerraron su andadura a mitad de la década de los 80, al margen de esa desacertada o, mejor dicho, mal planteada reunión de 1998, con un trabajo digno y con una elegancia en sus formas increíble. A pesar de su corta duración y de su carácter refinado y excelso, también hay lugar en “Devocionario” para algún momento sumamente animado como “La virgen loca” o aceleraciones rítmicas tales como “Ayes”. Yo me quedo sobre todo con “Desconocido”, la cual a día de hoy y tras 8 años cumplidos de haberla conocido y escuchado intensamente, me sigue produciendo la misma emoción y buenas sensaciones que el primer día. Y esto que he apuntado es algo difícil cuando sobrexpones una canción a muchas escuchas, ya que en estos casos lo más sencillo es que termines quemándola.

La controvertida portada, con esa imagen de procesión religiosa, que en parte nos evoca a esa España profunda que muchos grupos musicales comenzaban a tener presente en aquellos días (Gabinete Caligari, Radio Futura) en sus composiciones, cuadra correctamente con el contenido. El misterio musical y esas sensaciones planteadas sobre todo en “Prólogo” y “Santos de devocionario” nos pueden trasladar fácilmente a algún monte perdido y boscoso, por el que a medianoche desfile la santa compaña, a la que el grupo aludía en su trabajo anterior. Golpes Bajos regalaron 3 discos estupendos en los años 80 y opino vehementemente que “Devocionario” no palidece para nada frente a “Golpes Bajos” o “A Santa Compaña”. Cada cual que piense u opine lo que quiera. Esta es mi postura.

En tanto a nuestro programa de radio, este pasado miércoles por fallos técnicos personales (en esta caso quiero dejar claro que no fueron inherentes a ninguna de las 2 radios donde se emite nuestro espacio) no se pudo emitir el programa nº 5 de la temporada sobre “Automatic For The People” de R.E.M.. En consecuencia, ese será el programa que podrán escuchar este próximo miércoles a las 21.00h en &radio de Torrejón de Ardoz y a las 23.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares. El audio del programa nº 4 sobre 10cc y “Deceptive Bends” aún estoy pendiente de subirlo a nuestro perfil de Ivoox.

Genesis - Duke (1980)

2011-10-29T14:53:00.003+02:00

Tenía ganas de hablar ya de este disco. Es más, creo que es increíble que habiendo cumplido 3 años de blog no haya sido objeto de análisis en post semanal todavía. Parte de la explicación reside con total seguridad en que es una obra que me gusta mucho escuchar en el mes de octubre y comienzos de noviembre de cada año, y más concretamente en la franja horaria entre las 19.30h y 22.00h cuando ya ha anochecido. Manías que tiene uno en este caso, pero por el motivo que sea, en años anteriores me ha pillado a contrapié con otros discos o artículos preparados, pasándosele su “época anual” que tiene para mí.

Creo que el toque otoñal se lo concede la que para mi es la gran canción de la obra “Duchess”, por esa melancolía que transmite en su ampulosa melodía y en la ciertamente triste letra que explicaré cuando me meta de lleno en el tradicional “mega-párrafo” de análisis formal del track list de la obra.

Es importante apuntar que a comienzos de la década de los 80, Genesis se había consolidado como un trío, compuesto por Tony Banks a los teclados, Phil Collins como batería y Mike Rutherford como encargado de las cuerdas, como de forma grandilocuente se reflejó en el anterior disco de la banda “…And Then There Were Three…”. Este disco, bajo mi punto de vista personal, a pesar de contar con pesos pesados de la historia del grupo como es el “Follow you, follow me”, o la incontestable “Many too many”, carece de consistencia y a ratos se hace algo pesado. No hay que obviar que el grupo llevaba en estado de recomposición permanente desde el trauma que supuso la marcha del vocalista Peter Gabriel, que en los días en que se editaba este disco que hoy revisamos facturaba su aclamado 3er. trabajo en solitario, y posteriormente el abandono del guitarrista Steve Hackett.

Poco a poco el éxito comercial del grupo iba en aumento debido a éxitos puntuales en forma de singles como el citado “Follow you, follow me” y en 1980 confirmarían su buen estado de forma con la que quizás sea la gran obra de los Genesis de la “Era Collins”. Y es que “Duke” es una obra ambiciosa, que casi llega a la hora de duración, con un listado de 12 temas variados, con toques progresivos en su sonido adaptados a los nuevos tiempos y con ejemplos pop que ayudaron a que el éxito comercial de la banda se siguiera afianzando.

Es curioso que se empiece con un tema que luego readaptaría en su primer disco en solitario el vocalista Phil Collins. “Behind the lines” aquí suena mucho más ampulosa y con una gran fanfarria sonora que le da un retazo monumental al inicio de “Duke”. Las guitarras se aceleran emulando a los sonidos más avezados de los días de “Nursery Crime”, entrelazándose con los fabulosos teclados de Tony Banks. Más de 5 minutos de canción que en realidad forman una suite con las 2 siguientes canciones. De forma umbilical conecta con la maravilla que ya les he advertido que es “Duchess”. Estamos ante un tema nocturno, melancólico, lleno de rabia en el proceder vocal de Collins ante el micrófono, el cual describe el declive de la carrera de una cantante, esa supuesta “duquesa” a la que alude el título de la canción. El tema dispone de un videoclip con un barbudísimo Phil Collins, ataviado con sombrero y gabardina y con el grupo dispuesto a ratos de forma lánguida en una sala de proyección (de esos momentos del video, he sacado la imagen de este post del grupo, puesto que no encontraba ninguna otra de 1980 de la formación). La composición es grandiosa desde su sinuoso y misterioso comienzo, lleno de matices interesantísimos, y que en definitiva sella una sección instrumental perfectísima para escuchar estos días sobre las 20.30h, cuando ya ha anochecido por completo, y si sobre todo tienen la suerte de estar en sus domicilios para apreciarla en soledad, que es realmente como se le saca el jugo a este temazo increíble. “Duchess” conecta con la 3ª pieza de esta suite de inicio, de título “Guide vocal”. Es un epílogo casi acústico, muy cortito en duración, que no pretende para nada entrar en competencia con la excepcionalidad de “Duchess” o el recargo sonoro de “Behind the lines”. Curiosa resulta la 4ª pista “Man of our times”, dispuesta sobre unos estridentes teclados a cargo de Tony Banks, y con un Phil Collins desaforado a la voz. A pesar de su notable desasosiego, quizás asociado al estrés que puede tener ese mencionado “hombre de nuestros tiempos”, resulta sorprendente que en el estribillo de la misma hay lugar para un cierto poso de melancolía en su melodía, el cuál notarán si se detienen a escucharla prestando atención. Uno de los grandes temas pop del disco y en consecuencia uno de los singles y éxitos comerciales de “Duke” es la siguiente pieza. “Misunderstanding”, además de contar con un videoclip que mostraba a Collins conduciendo un descapotable y escenificando esa confusión telefónica en alguna cabina de teléfono, es un tema accesible y fácilmente disfrutable, con unas líneas de guitarras medias comedidas y melódicas que se alejan de los excesos (por otro lado maravillosos) que se pueden apreciar en otras canciones de la obra. “Heathaze” comienza con semejanzas sonoras a “Guide vocal”, pero posteriormente se desmarca, conformando un tema con un sonido más agrio y lleno de entrega en algunas de sus partes.El gran tema pop extraído del disco, y que debido a su éxito o aceptación en la historia de Genesis marca un antes y un después en la discografía de la banda, es “Turn it on again”. Las guitarras melódicas de Rutherford, con las notas de teclados justas de Banks conforman un tema directo, rítmico y lleno de alegría, ilusión y buen rollo. Sin embargo, quizás es el tema que menos tenga que ver con el conjunto de la obra, pero aquí, en mitad del listado se hace agradable un respiro pop de estas características. Hay lugar para una balada desconsolada como es la sentida “Alone tonight”, la cual abre la parte final de la obra. Acto seguido llega “Cul-de-sac” con una estructura no clara, nada evidente, en la que sobre todo destacan el bombo que tienen los teclados de Tony Banks, siguiendo el patrón marcado en el comienzo de la obra “Behind the lines”. Estamos ante otro tema rotundo, que mezcla a partes iguales el sentir que te dejaba “Man of our times” con la ya mencionada canción de apertura de la obra. Tras tanto bandazo sonoro o sacudida que hemos experimentado en “Cul-de-sac”, ahora se dispone un tema con una mayor mesura titulada “Please don’t ask”, con un leve toque nocturno, en el cual los teclados de Tony Banks son más bien envolventes para este medio tiempo que nos permite coger fuerza durante sus minutos de duración, ya que el final instrumental compuesta por el combo “Duke’s travels” y “Duke’s end?” es un ejercicio sesudo, progresivo, oscilante y que busca darle carácter cíclico a la obra, retornando su sección final, propiamente en “Duke’s end?”, a los sonidos y melodías que conformaban la estructura troncal del inicio que pudimos escuchar tres cuartos de hora atrás con “Behind the lines”. En “Duke’s travels” sobre todo hay que destacar el increíble papel de Tony Banks en sus teclados. Phil Collins hace acto de presencia a eso de los 6 minutos cantando parte de “Guide vocal”. En todo caso es un final mágico y que le confiere ese carácter de unidad a la obra, dándole un enfoque conceptual.

Los Rutherford, Collins y Banks comenzaban los 80 con buen pie. “Duke” fue nº 1 en la lista de discos más vendidos en el Reino Unido y sus singles “Misunderstanding” y “Turn it on again” funcionaron realmente bien en sus papeles individuales. En los años venideros el grupo editaría en 1981 “Abacab” (¿de qué me suena a mi ese título?) y en 1983 su disco de título homónimo. Estos 2 trabajos a día de hoy están considerados obras menores en comparación con el protagonista de esta semana, pero en todo caso a mi me parecen dos auténticas joyitas en forma de álbum, con una razonable ración de excelentes canciones en su interior.

Quizás la percepción de que “Abacab” y “Genesis” estén en parte en el olvido resida por un lado en el enorme éxito del posterior “Invisible Touch” de 1986 y por otro lado en que Phil Collins, “muy a su pesar” como suele declarar, iniciara su trayectoria en solitario con un celebradísimo primer disco de estudio “Face Value” en el mismo 1981 donde se editaría también “Abacab” y comenzara a darle importancia a partes iguales a su trayectoria en solitario y a su papel en Genesis. Creo que lo mencioné en post anteriores, no sé si cuando analicé “Abacab” o “Face Value” de Collins, pero el caso es que Phil hizo un claro guiño a la portada de “Duke”, con ese personaje dibujado frente a una ventana en mitad de la noche (véase la luna), en el videoclip de “In the air tonight”.

“Duke” es una gran obra. Quizás uno de mis discos preferidos de Genesis. Estoy de acuerdo en el irrefutable hecho de que trabajos posteriores como “Abacab” o “Invisible Touch” son más accesibles, pero si a este álbum se le considera por gran parte de la gente como la última gran obra absoluta de Genesis (dejando de lado el éxito comercial o pegada masiva de trabajos posteriores), por algo será.

Respecto a la radio, avisar que hasta el sábado 12 de noviembre no volveremos a hacer un coloquio especial en directo a las 16.00h. Seguimos con nuestro programa de estreno semanal los miércoles a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH, tocando el turno esta semana de revisar el disco “Automatic For The People” de R.E.M.. Esta tarde pueden volver a escuchar a las 19.00h en RUAH el programa de esta semana sobre 10cc y su “Deceptive Bends”, el cual subiré a lo largo de la próxima semana a nuestro perfil de Ivoox. Y ya saben que el lunes, martes y jueves a las 21.00h en &radio pueden escuchar repeticiones de programas antiguos si lo desean.

Concierto Second. Madrid (20-10-2011)

2011-10-25T17:56:00.004+02:00

Poco a poco la banda murciana Second va poniendo su banderita de triunfo en distintas sedes dentro de la capital, y de paso saldando cuentas pendientes. Si ya avisaron en la actuación del pasado Universimad 2011 que había existido alguna tentativa frustrada anterior para que el grupo tocara en el festival, el ciclo “Retratos” de los Teatros del Canal era otro evento con una historia parecida, ya que parece ser que hace un par de años el grupo estuvo a punto de actuar dentro del ciclo, pero finalmente no fue posible.Aparte de saldar la deuda pendiente con el evento, el grupo nuevamente ofreció un concierto fabuloso en Madrid. El mismo no puede quedar empañado por el hecho de que a Sean Frutos se le escurriera la letra en “De Buenos Aires”, ya que las 2 horas de actuación que propuso el quinteto dejó satisfechos a todos los que allí acudimos, en parte también porque el grupo se hizo eco de las peticiones de los seguidores a través de las redes sociales, de cara a confeccionar el set list; de esta forma descubrí que los gustos de los seguidores de Second son muy afines a los míos, lo cual es lógico ya que un servidor de ustedes en definitiva es un admirador ya desde hace un tiempo del trabajo de esta formación.Fue un concierto en un teatro que rozó el lleno absoluto o al menos ofreció la impresión de ello durante la actuación. Las localidades eran numeradas, y te permitía poder tomarte algún momento de descanso sentándote si te hacía falta; yo, dentro de mis labores como medio acreditado, también me acerqué a las inmediaciones del escenario para tomar fotografías desde distintos puntos de vista de la sala, aunque debido a la precariedad de mi cámara, las imágenes son muy oscuras y de baja calidad. Abajo a duras penas les muestro a Sean desgañitándose en mitad de la parte acústica del show, escudado por Nando Robles y Jorge Guirao con su bajo y guitarra respectivamente.La puntualidad fue exquisita y el comienzo vino de la mano de la potentísima “Mañana es domingo”, uno de los mejores temas del último trabajo del grupo, como ya indicamos en la revisión de dicho disco en el post de hace unas semanas atrás. Dicha intensidad se mantuvo con la inmediatez del acierto en forma de canción que es “A las diez” de “Fracciones De Un Segundo” y acto seguido con la marchosa y bailable “Demasiado soñadores”, canción título del trabajo que es objeto principal del motivo de la presente gira que tiene ocupado al grupo. A continuación una imagen del bajista de Second Nando Robles, concentrado en sus tareas instrumentales.Luego vino un bloque interesante, encabezado por el tema de transición que es “Muérdeme”, para dirigirse a una sección o combo melancólico compuesto de 2 de mis temas favoritos de la discografía del grupo, lo cual me satisfizo sobremanera como podrán imaginar. Primero hubo lugar para la sentida “Horas de humo”, la cual fue objeto de un artículo que realicé en el blog “¿Canciones o lecciones?”, en que ya saben que colaboro periódicamente. Fue genial escuchar este tema nuevamente en directo, pero más genial aún fue que fuera enganchada a una de las grandes composiciones de “Demasiado Soñadores”, que ya saben que destaqué en su día cuando publiqué su post de revisión, me estoy refiriendo a “En pequeñas cosas”. Por lo que comentó Sean, este gran tema, incomprensiblemente no había sido aún interpretado por el grupo en directo, y en consecuencia fue uno de los temas que acertadamente fue escogido para el set list debido a las peticiones formuladas por los fans en las redes sociales que ya he mencionado anteriormente.El concierto prosiguió con el repaso de más temas de “Demasiado Soñadores” como “Psicopáticos” y “De Buenos Aires”, con el ya comentado lapsus lírico de Sean, el cual supo salir con maestría del trago, pidiendo sinceras disculpas y bromeando con el asunto al advertir que el motivo del fallo residía en que no pudieron ensayar más el tema por un viaje a Londres que realizó en ese semana el guitarrista de la banda Jorge Guirao. Fue muy de agradecer, al menos supongo que internamente para el propio Sean, la cálida ovación con la que le obsequió el público cuando se advirtieron los apuros del vocalista al final de la citada canción. Se llegaría al final de la 1ª parte de la actuación con el clásico ya a estas alturas por excelencia de Second, “Rincón exquisito”, con el primer single de “Demasiado Soñadores”, “N.A.D.A.”, que sonó solemne y concisa, para rematar con la más bailable “Autodestructivos”, que no escatimó a la hora de cerrar el repertorio eléctrico durante un rato.El sector acústico dispuso de varias de las sorpresas de la noche, concretadas sobre todo en otra de mis favoritas del lp “Invisible”, “Her diary” (solamente me faltó “Fortune day” de ese disco) y “Sometimes” del previo “Pose”. “Fracciones De Un Segundo” obtuvo una representación de 2 temas en este apartado del show, primero con la fabulosa “Conocerte”, con Sean esforzándose en la armónica además de en las voces, que abrió este segmento acústico, y posteriormente con la ligera sorpresa que supuso la selección de “En el viaje”. Sin embargo, mi gran momento (y no es que “Her diary” o “Conocerte” no me supusieran sendos momentos favoritos de la noche) de esta parte estuvo concretada en el cierre de “Demasiado Soñadores”, la sensacional “Tu alrededor” (que cada día que pasa me gusta más), que además dio carpetazo a esta 2ª parte del concierto, con su luminoso carácter y con Sean moviéndose entre el público y solicitando a varios de los asistentes que se encargaran de esos coros que se incluyen en el final de esta pista. A más o menos distancia, pueden ver el set acústico de Second en las imágenes que flanquean este párrafo.El regreso al formato eléctrico, lo cual puede ser considerado como un bis de 4 temas, alternó a partes iguales momentos más calmados como “Más suerte” y el único tema rescatado del primer disco de la formación “Watching the moon”, con arreones de la talla del tema “Invisible” y el ya tradicional cierre de concierto de la mano de la rotunda e incisiva “Rodamos”. Con los últimos acordes de esta canción se ponía el punto y final a casi 2 horas de actuación realmente buenas, y, ¿saben? Realmente me dio la impresión de que el concierto durara apenas una hora por lo entretenido que fue y lo bien que me lo pasé (con pocas bandas he tenido una sensación parecida de que el tiempo pasara tan volando; quizás con Arcade Fire hace casi un año, donde la hora y media parecieron en efecto tres cuartos de hora escasos). La siguiente imagen muestra al guitarrista y teclista Javi Vox en la penumbra.Del set list tengo poquísima queja, ya que dentro del mismo se incluyeron casi todos mis temas preferidos de Second. Quizás me resulte algo extraño que no se tirara de “Todas las cosas” con la tentativa por parte del grupo de que el aforo total del teatro se subiera al enorme escenario, recreando lo que el grupo hacía unos meses antes como en aquel concierto en la sala Joy Eslava de 2010. No será la última vez que podamos ver a Second este año por Madrid. Les queda el festival asociado a una conocida gran superficie comercial que se celebrará en el Palacio de los Deportes. No obstante, creo que esa ocasión no será tan especial como la que pudimos vivir este pasado jueves. El grupo derrochó simpatía y no solo Sean fue el encargado de interaccionar con el público, sino que también el bajista Nando Robles, el batería Fran Guirao y el guitarrista y teclista Javi Vox tuvieron momentos para dirigirse a la audiencia; destaco la coña que se marcó Javi Vox con Sean, hablando de patentar una idea de implantar asientos modulables en el teatro al estilo de un coche monovolumen. Quien se mantuvo en un segundo plano fue Jorge Guirao, que apenas luchó por robar mayor protagonismo del que ya se gana merecidamente con sus labores inestimables a la guitarra eléctrica.Termino remitiéndome a las primeras ideas que expuse al comienzo de la presente crónica, es decir, que Second cada vez son de forma más clara una apuesta segura de calidad y buena música dentro del panorama sonoro nacional. Creo que a estas alturas y aunque el grupo está en mitad de su “Gira Autodestructiva”, el grupo puede hacer un balance muy positivo de este 2011 en el que su 5º disco de estudio ha visto la luz ofreciendo un magnífico resultado y que tendrá como premio que el quinteto se pueda despedir del mismo defendiendo su directo en el marco incomparable del Palacio de los Deportes. Intentaremos no perdérnoslo. Terminamos el post agradeciendo una vez más a Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras la labor que ha realizado por su parte de cara a facilitarnos informar sobre este concierto en nuestra página.

Katy Perry - Teenage Dream (2010)

2011-10-22T12:57:00.006+02:00

Realmente la relación musical que tengo con Katy Perry es bastante parecida a la que ya describí en su día que tengo con su rival Lady Gaga cuando la Germanotta pisó por 1ª vez este blog con el artículo que dedicamos a “The Fame Monster”, ese maravilloso 2º disco de estudio de la controvertida artista. Y es que las 2 divas coinciden en el aspecto de que me llamaran la atención un par de canciones pegadizas de su primer lp masivo (ya que ambas tienen trayectoria anterior bastante minoritaria y alejada de sus propuestas actuales) y de esa forma hacerme con sus respectivos lps.

Digo lo mismo que en su día dije sobre Lady Gaga en aquel post inicial de su paso por este blog: alguno quizás se esté rasgando las vestiduras por el hecho de que Katy Perry sea protagonista de un post semanal en la presente bitácora. En todo caso, esto es lo que hay, y si hoy dedico el artículo a este disco y artista es porque algo aprovechable tiene. Créanme.

Si con Lady Gaga sus discos “The Fame” y “The Fame Monster” quedaron en la cola de espera interminable que tengo de discos a escuchar, y solamente la casualidad quiso que tomaran avance de posiciones en esa lista personal que tengo, con “One Of The Boys” Katy Perry corría el mismo peligro. Con su debut me hice hace tiempo motivado por la pegadiza y de llamativo videoclip (¡menudas patorras que se gasta la Perry al final del mismo remangándose el vestido de novia!) “Hot ‘n’ cold”. Hay que advertir que Perry estaba en su primer disco, por lo menos hasta el mencionado single “Hot ‘n’ cold”, enfocada en un rollo comercial pero con toques indie; digamos en una vertiente algo parecida a la de Lilly Allen. Luego, poco a poco Katy fue acercando posturas al pop masivo y comercial abandonando el regusto vagamente alternativo de alguna de sus composiciones.

No sería hasta este verano cuando en un viaje a Castellón lo fui escuchando en el coche en una compilación de última hora improvisada que grabé en un cd, en la que por fruto de estar a mano en la carpeta de turno del pc estaba por ahí el disco. “One Of The Boys” no obstante me parece de una inconsistencia mayor que el “The Fame” de Gaga, el cual tiene una 2ª parte estimo bastante anodina, salvo “Summerboy”. Aquí, salvo los 2 o 3 singles y la canción título que abre el disco, el lp es por lo general flojo desde mi punto de vista.

Sin embargo, este verano pasado tuve un dejavú en un momento de inspiración y recordé que hacía unos meses escuché una nueva canción del 2º disco de la Perry que no sonaba mal y tenía buen gancho sonoro. Sin embargo, el título se me escurría. Lo que sí hice fue engancharme a la popera y masiva “California gurls” y su impagable videoclip. Luego más tarde descubriría que el tema que me llamó la atención es precisamente el que da el título al disco en sí, “Teenage dream”, y recuperando su visionado en youtube terminé por darle una 2ª oportunidad a Perry haciéndome con este 2º trabajo de larga duración (3º de la artista si contamos con el llamado “Katy Hudson” de 2001) y procediendo a su escucha.

De primeras tuve una sensación parecida a la que tengo del anterior trabajo de la artista, pero el haberlo seguido escuchando me ha hecho ver que no está mal del todo. En todo caso, ha sido compañero de escuchas en las pasadas semanas de forma bastante intensa, y como él ha ocupado gran parte de mi esparcimiento musical, lo tengo muy fresco y me apetece reflexionar sobre Katy Perry y el lado pop actual, se lo traigo en el post de esta semana. Paso acto seguido a hablarles de las 12 canciones que incluye.

Ya lo he comentado tan solo unas pocas líneas atrás, fue “Teenage dream” la 1ª canción que escuché del disco al que precisamente concede título. Me suena que vi su video en Kiss Tv y recordaba vagamente la fiesta final del videoclip con esos bailes y bengalas encendidas que se aprecian. Y es que esta canción tiene un estribillo muy bueno y además el videoclip que se grabó del tema es igualmente muy válido. Nos evoca a esos sueños adolescentes en los que te hubieras escapado con tu primer amor, cogiendo un coche y marchándote de viaje sintiéndote joven y aprovechando la experiencia al máximo. Lo único que esas cosas suceden en Estados Unidos donde aún estando en el instituto puedes tener carnet de conducir y coche para hacer esas cosas. En España la cosa se retrasaría un par de años hasta el comienzo de la Universidad. Estamos ante un tema pop con unas partes líricas muy sensuales, como es ese apéndice al estribillo “haré que tu corazón corra a través de mis vaqueros ajustados, seré tu sueño adolescente esta noche”. Los versos son simples, sencillos, pero efectivos como “mi corazón se para cuando me miras”. Lo mejor de este tema es que realmente me hace viajar 13 años atrás en el tiempo. Quizás esta canción debería haber visto la luz en aquellos días y me hubiera servido de inspiración. Bueno, pasemos a la siguiente que quizás me estoy poniendo algo denso y no es mi intención. Rubrico afirmando que esta canción que fue single en 2010 y curiosamente ha sido la que menos tiempo estuvo en el nº1 en EEUU, ha sido uno de mis temas preferidos en este 2011 que fue cuando la terminé de descubrir. De la belleza de Katy en el video de “Teenage dream” se pasa al horror caracterizado en el que la convierten en el clip de “Last friday night (T.G.I.F.)”, en el que también aparece por ahí Kenny G, colaborador en una parte de este tema. Puede ser uno de los temas más cercanos al pop de “One Of The Boys”; quizás se trate de un descarte del mismo, no sé. No suena mal del todo, pero realmente su videoclip no es mi preferido del disco y eso me influye negativamente a la hora de tener percepción sobre la misma. A pesar de su toque irónico y ciertos momentos impagables, prefiero simplemente escuchar esta canción sin más adornos cuando escucho el disco en mi cadena. Quizás el gran hit de “Teenage Dream” haya sido “California gurls”. Aquí Katy invita al rapero Snoop Dogg, el cual a la vez es su rival en el videoclip de fantasía dentro de un mundo de golosinas, en el que Snoop dirige a un ejército de ositos de gominola que buscan derrotar a Katy, a la par que la hacen cortes de manga, pero que sucumben ante los disparos certeros de los tubos de nata que la Perry se enrosca en su bikini (estimo que la captura de cierto fotograma del videoclip que encabeza el post me ha quedado resultona, ¿no?). El tema en lo que a su letra se refiere, es una oda a las jóvenes chicas de California, poniendo de relieve y ensalzando los tópicos que las rodean. Un tema resultón, con coros acertados, y una melodía pop genuina y a la par ingenua que con justicia se ha convertido en uno de los éxitos de los últimos tiempos. Con lo que ya no comulgo dentro del lp de esta semana es con “Firework”. Bueno, hay que decir, ya que aún no lo he advertido, que todo single extraído ha sido nº1 en los Estados Unidos igualando el record de Michael Jackson con los sencillos de “Bad” obtenido 5 tops en lo más alto de un mismo disco. Pues la 4ª canción también ha sido en consecuencia nº1, pero su carácter tan hinchado no me gusta nada; del asunto de los números 1 de este disco, lo que me cabrea es que precisamente mi protegida “Teenage dream” es la que menos semanas estuvo en lo más alto de las listas en su momento. Katy sin embargo intenta dignificarse como vocalista en su estribillo, cantando en sus registros más altos, pero aparte de eso personalmente no me llama más la atención. Simpática supone la reiterativa “Peacock”, en la que podemos apreciar una vuelta de tuerca al “California gurls”, pero con un toque no muy alejado de matices del anterior disco de Perry “One Of The Boys”. En “Teenage Dream” también hay lugar para temas de corte más contundente e incluso rockero. Véase sin ir más lejos la siguiente “Circle the drain” en la que Katy hasta mete alguna palabrota en la letra para darle si cabe un toque más radical “quiero ser tu amante, no tu jodida madre”. Sin embargo, choca mucho que tras esta potente y aguerrida “Circle the drain” de instrumentación realmente arrolladora, se presente uno de los temas más pastelosos de la obra.No obstante, “The one that got away” no me resulta desagradable ni excesivamente empalagosa. Tiene un punto bonito y aunque es bastante azucarada, creo que su bondad reside en el sentir con el que Katy Perry afronta su interpretación vocal. Se está barajando como single tardío de la obra, pero está en duda con otro tema que escucharemos más adelante y que sería mi clara opción como 6º single. El single más oscuro y farragoso ha sido “E.T.”, que de hecho en su edición como sencillo ha contado con otro rapero, en este caso Kaney West, como estrella invitada. Tampoco me gusta en exceso esta “E.T.”, que incluso me evoca a las texturas musicales en las que se movía en su día un controvertido dúo que triunfó a comienzos del milenio, aquellas T.A.T.U. de Rusia. “Who am I living for?” no abandona el sector menos pop del disco, suponiendo un tema más sombrío, que pierde intensidad respecto a “E.T.”, pero solamente en el plano instrumental, ya que en lo que a la voz se refiere Katy se esfuerza mucho en el estribillo de la misma cuando se pregunta una y otra vez “¿para quién estoy viviendo?”. Ahora llega “Pearl” que es otra balada que ofrece unas interesantes partes prosaicas fuera del estribillo, que quizás es su punto más débil. No es un mal tema este “Pearl”, sobre todo por las partes ajenas al estribillo, pero particularmente estimo que queda totalmente eclipsada y anclada en el olvido por culpa de la gran joya oculta (de momento, ya que puede que sea single puesto que celebridades del mundo blogger como Pérez Hilton están a favor de que se edite como tal) de la obra. Y es que mi tema preferido del disco a día de hoy, por encima incluso de “Teenage dream” o “California gurls” es “Hummingbird heartbeat”. La letra es otra metáfora de esas tan del gusto de Katy, haciendo en este caso uso de los pájaros y de las abejas para dar forma al tema pop por excelencia del disco. Hablando en general, la música normalmente nos gusta porque lo que nos entre por los oídos nos resulte armonioso o despierte ciertas buenas sensaciones en nuestro ser; realmente no sé lo que me produce en mi interior “Hummingbird heartbeat”, pero simplemente diré que es un tema que me levanta la moral y me llena de energía. Quizás parte de la culpa de ese efecto en mi interior es la base rítmica potente y sólida que tiene y los acordes de guitarra eléctrica tan acertados que aporta, que acercan el tema a la postura de artista medio-indie que en sus primeros pasos con “One Of The Boys” parecía ofrecer Katy. Instantes de la canción, como cuando dice “el sabor de tu miel es tan dulce”, me encantan por la conjunción de elementos sonoros que se suman en esos segundos. También el puente al estribillo “incluso cuando las estaciones cambien, nuestro amor seguirá igual” me agrada mucho. Y en la parte final, cuando suenan fuerte las guitarras y Katy engancha el estribillo con esa frase “extiende mis alas y hazme volar”, estimo que hay otro punto muy bueno de la canción. En conjunto una maravilla pop y de los temas más válidos del disco. Es común que muchas veces que escucho el disco me quedo anclado en este penúltimo tema y lo escucho 2 o 3 veces más. Confío en verla como 6º single del disco y con un videoclip excelente que le haga justicia al tema. Tengo opiniones internas encontradas con “Not like the movies” como cierre. Y es que tras un tema tan bueno, o al menos que a mi así me lo parece como “Hummingbird heartbeat”, cualquier cosa me parece insuficiente. Quizás su carácter acústico y casi a capella es correcto para darle el cierre a “Teenage dream”, con ese halo de balada atormentada que tiene; o quizás no. No obstante, con todo esto tampoco creo que “Hummingbird heartbeat” fuera un correcto final de disco. Su carácter realmente no pega para ese papel. No sé, en estos momentos en los que escribo este artículo no tengo muy claro que como cierre sea correcto o no “Not like the movies”, pero lo que es impepinable es que el disco en sí termina, más allá de que se incluyan algunos remixes o versiones alternativas ocultas de “California gurls” o “Teenage dream” en algunas ediciones.

Katy Perry ha sido la triunfadora de la 2ª mitad de 2010 y la 1ª mitad de 2011 de forma indiscutible y en parte aprovechando el parón que Lady Gaga se tomó hasta editar “Born This Way”. Ha topado la lista de singles más vendidos con todos los singles editados y sus videoclips en youtube han conseguido unos registros de visualizaciones realmente increíbles. Además, en los premios mediáticos otorgados por Mtv o los Grammy ha sido igualmente reconocida y en nominaciones no tuvo parangón, ni siquiera Gaga, la cual simplemente ha solventado la papeleta con “Born This Way”.

Este “Teenage Dream” es más consistente que “One Of The Boys” como disco, lo que pasa es que sigo diciendo que no llegan a la lógica que tiene por ejemplo “The Fame Monster” de Lady Gaga. También hay que tener en cuenta que tiene un número de canciones mayor y eso siempre complica alcanzar un carácter compacto a la obra, cosa reservada a maestros como Arcade Fire que con 16 temas en “The Suburbs” dieron luz a un disco sin fisuras y ensamblado de manera sublime. De hecho Gaga ha patinado ligeramente con la exageración en listado de temas que es “Born This Way”; una mayor criba y un menor número de temas hubiera ayudado inestimablemente a la rival de Perry en su, para mi, 3er. disco de estudio tras “The Fame” y “The Fame Monster”.

Es innegable el hecho de que Katy Perry es una de las nuevas divas. A mitad de su veintena, al igual que Gaga, suponen la nueva hornada que definitivamente han jubilado a Madonna (ya era hora que la Ciccone descansara algo), junto a otras compañeras de reparto como Beyoncé, Rihanna y propuestas más interesantes como Adelle. Además Perry es una chica que está más buena que el pan, y eso siempre ayuda; en ese terreno creo que golea a Gaga, aunque un servidor es de los que piensa que si la Gaga se peina o corta el pelo de cierta forma y si no se sobrepasa en el maquillaje también es resultona, y mucho.

Les animo a que escuchen “Teenage Dream”. Es un disco amable, con pocos momentos estomagantes (aunque algunos hay), y en todo caso con algunas joyas de pop comercial como la canción que le da el título o la hasta ahora joya oculta “Hummingbird heartbeat”. Con mi colaborador de tertulias radiofónicas Alfredo Morales, debatiendo sobre Gaga, él siempre me ha dicho que cuando la misma no se toma en serio es cuando mejor suenan sus composiciones. Estimo que a Perry ahí le sucede lo mismo y en los temas más desenfadados es donde resulta más fuerte el tirón de esta californiana que en sus primeros pasos musicales estaba enfocada como una cantante religiosa cristiana… ¡A saber qué pensaran de ella sus seguidores primerizos afines a esos patrones de conducta! Sin ir más lejos, observen la portada del disco que nos ocupa, con Katy completamente desnuda tumbada encima de una nube rosa. No me negarán ustedes que la vida da unas vueltas increíbles en ciertas ocasiones, ¿no?

Termino invitándoles a que esta tarde a las 16.00h y hasta las 18.00h sintonicen la señal de &radio en el 92.2 FM si residen en Torrejón de Ardoz o entren en su emisión on-line (http://laradioabierta.com/emisora-radio-abierta-922fm-en-vivo) para escuchar un programa coloquio especial sobre Mecano y su disco “Ya Viene El Sol” de 1984. El programa tendrá alguna que otra sorpresita, con lo que les recomiendo que no se lo pierdan. En nuestro estreno semanal de esta semana, el miércoles a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH, dedicaremos nuestra hora a 10cc y su disco “Deceptive Bends”. El lunes, martes y jueves en &radio a las 21.00h pueden igualmente escuchar programas anteriores en repetición, por si no tienen nada mejor que hacer.

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Second (20-10-2011)

2011-10-17T18:56:00.006+02:00

Ya saben ustedes que Second ha lanzado este año 2011 su nuevo y 5º trabajo discográfico “Demasiado Soñadores”, el cual ya revisamos no hace mucho en estas tierras. Es un excelente nuevo álbum de los chicos de Murcia, que en estos meses se están encargando de presentar en directo en una amplísima gira por toda la geografía española denominada “Gira Autodestructiva”, siendo el título de la misma un claro homenaje a una de las canciones más llamativas del nuevo lp.

Este jueves 20 de octubre Second hacen parada en Madrid, más concretamente en los Teatros del Canal dentro del ciclo de “Conciertos Retratos”, para ofrecer en un marco incomparable su potente directo. El grupo se está encargando de diseñar un programa a base de recuperar canciones antiguas no comunes, por lo comentado por sus componentes en las redes sociales, y no solo ofrecer contundencia a raudales, como ya hicieran en su paso por el Universimad de este año (la foto que encabeza el artículo corresponde a dicha actuación), sino también dejar hueco para formato acústico.

La cita es a las 21.30h este jueves, con apertura de puertas a las 20.30h, y las entradas están a precios realmente asequibles; una relación calidad-precio excelente, teniendo en cuenta las buenas sensaciones que este quinteto liderado por el vocalista Sean Frutos reportan cuando acudes a uno de sus shows. Les dejo aquí el link para adquirir las mismas por si se animan: http://www.teatroscanal.com/users/comprar-entradas.aspx?code=comprar-entradas-ciclo-conciertos-retratos

En esta ocasión “Discos, música y reflexiones” acudirá como medio de comunicación acreditado para dar cobertura al evento y así posteriormente comentarles por estas latitudes de la red lo que haya dado de sí el concierto. Evidentemente estará bien que lean el post que aquí publicaremos con la crónica de la actuación, pero será más provechoso para ustedes que acudan al recinto para vivirlo de primera mano si tienen ocasión; eso se lo garantizo. Termino el post nuevamente agradeciendo a Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras la deferencia a la hora de acreditarnos como medio de comunicación para informar del concierto.

The Specials - The Specials (1979)

2011-10-15T14:08:00.005+02:00

El final de la década de los 70 suele recordarse musicalmente principalmente por los días en los que el punk campaba a sus anchas, con el dominio y expansión de grupos como Sex Pistols, Ramones o The Clash, y por otro lado como los orígenes de la nueva ola y todos sus sonidos asociados. Sin embargo, en esos días, aparte de también existir un revival mod gracias a “Quadrophenia” de The Who, tuvieron en el género del ska uno de sus distintivos sonoros.

Este género tomaba influencias del reggae jamaicano, caracterizándose por la inclusión de muchas secciones de viento y teclados vertiginosos y machacantes. Al frente del género, estimo que de forma indiscutible, históricamente hablando se sitúan Madness y el grupo que hoy nos ocupa y que hace poco pudimos ver en directo en el En Vivo 2011, The Specials.

Estos muchachos de Coventry, al igual que la mayoría de formaciones de ska, eran ciento y la madre. Sin embargo, es curioso que entre sus componentes no destaque un líder principal. Ni siquiera su vocalista melódico Terry Hall parece imponerse aunque sea ligeramente a sus compañeros el vocalista y jaranero Neville Staples, al guitarrista Linval Golding, a Sir Horace Gentlemen al bajo, al también Roddy Radiation Byers, al batería John Bradbury o al teclista y compositor de gran parte de los temas Jerry Dammers. Eran los días en los que el término skinhead aún no tenía connotaciones ideológicas de ultraderecha, ya que muchos skins originales eran seguidores de The Specials y para nada cuadraría que profesaran la religión de una banda en la que 2 de sus componentes principales, Neville Staples y Linval Golding, eran de raza negra.

The Specials destacaban por hacer versiones readaptadas al reggae de temas clásicos. No en vano uno de sus temas míticos, “A message to you, Rudy” es una versión, al igual que “Monkey man”, las cuales se les atribuye erróneamente a ellos como autores originales. Madness no fueron menos e hicieron prácticamente suya el “It must be love” de Labi Siffre, pero sin duda los naughty boys eran menos propensos a las covers que los rude boys. El debut es una pieza básica dentro de la historia del género del ska y de la música en general. Un disco muy entretenido que pasamos a revisar en el siguiente párrafo como protagonista de esta semana.

Pues nada, clásico para empezar. Se abre con “A message to you, Rudy”, una versión que popularizó el grupo y que muestra perfectamente esa simbiosis ska/reggae que el grupo profesó. Las notas de los metales de viento se hacen acreedoras del protagonismo principal del tema, que está cantado a dúo por Terry Hall y Neville Staples. Un gran momento sin duda alguna. Se gana ritmo en la segunda pista gracias a “Do the dog”, “Not the donkey” puntualiza Neville en los coros. Una canción acelerada esta “Do the dog” que da paso a un momento más pausado como es “It’s up to you”, lo cual nos sirve de descanso para afrontar un latigazo de ritmo como es “Nite club”, algo que no te esperas por ese comienzo pachanguero y dubitativo que tiene hasta que Terry dice eso de “…gastando dinero”. Los coros femeninos que tiene “Nite club” suman inestimablemente a la locura y desenfreno que ya de por sí tiene este vertiginoso tema. Retornamos a la pausa y los momentos anodinos, rítmicamente hablando me refiero, al darse paso a “Doesn’t make it alright”. Hay una alternancia casi perfecta hasta el momento, ya que el desenfreno y vértigo vuelven de la mano de “Concrete jungle”, en el que se aborda el tema de la violencia callejera. No en vano, recuerden lo que Linval dijo antes de que el grupo la tocara en directo en el En Vivo 2011. “Too hot” tiene una cadencia reggae relajada y que transmite un buen rollo interesante, contrastando con la tajante línea vocal que tiene. En la parte final se acelera algo, ganando intensidad mientras se remarca el título de la pista por parte de Terry y Neville.Grande, muy grande es la versión de “Monkey man” que hizo el grupo. Un tema jaranero, con unos coros casi ininteligibles a cargo de Neville Staples, y unos coros que invitan a la juerga y al cachondeo, dispersados por casi la completa totalidad de la canción. Animada resulta “Dawning of a new era”, que sigue perfectamente la estela que ha dejado la jaranera “Monkey man”. Sin embargo, acto seguido “Blank expression” nos deja un poco en fuera de juego con su estructura y sus paradas y arranques, con esos leves acordes reggae que tiene en su raquítica melodía. Interesante resulta “Stupid marriage” con esa intro de Neville Staples metido en la piel del personaje Judge Roughneck, para luego meternos en ese panorama desolador que describe Terry Hall al micrófono en el resto de la letra. El tema de los matrimonios no se deja de lado en la pista de corte reprochable “Too much, too young”; si no me creen, escuchen a Terry decir aquello de “… Ahora estás casada y con un hijo cuando podrías estar divirtiéndote conmigo”. Nuevamente no hay quien coja lo que dice Neville Staples en sus partes vocales tras Terry; solamente me quedo con ese “… conmigo” final que suelta. Momento de gran intensidad, con inicios y paradas marcados por un “¡Uno! ¡Dos!”, cortesía de Staples es “Little bitch”. Las guitarras de Roddy Radiation son un jodido trueno que no cesan en todo el tema y sobre las cuales un vertiginoso Terry Hall, casi sin respirar, escupe toda la letra casi del tirón, solo interrumpido por esas señales mencionadas de Neville. Curioso final supone “You’re wondering now”, quizás el tema más ingenuo y lento del disco, bastante repetitivo en su letra, y que permite que el estribillo “te estás preguntando ahora, qué hacer. Ahora ya sabes que este es el final”. De hecho, el tema termina así, de golpe, de forma muy apropiada realmente. Junto a “Too hot”, fue el único tema del disco que no sonó en el set list que The Specials dispusieron para su actuación en el En Vivo 2011.

The Specials ya se habían ganado un respeto por sencillos de gran éxito como “Gangsters”, pero con el papel que jugó individualmente fuera de este debut de larga duración “A message to you, Rudy”, el grupo terminó de confirmarse como una de las sensaciones del momento y uno de los grupos preferidos por la chavalada y la juventud de las islas británicas de aquellos días, por su sonido callejero, su estética refinada y los temas populares que trataban.

Seguiría el éxito del grupo con temas como “Ghost town”, número 1 para la formación en 1980 y otras composiciones como “Rat race”. Tras el 2º disco, el grupo se comenzó a resquebrajar y se produjo una escisión notable cuando Lynval, Terry y Neville formaron por su cuenta el Fun Boy Tree. Es inestimable ver el videoclip de “Driving in my car” de Madness en el que el pobre mencionado trío son objeto de burla de los naughty boys cuando están haciendo autostop para ir a Coventry y los Suggs, Chas Smash y cía. les hacen una pedorreta dejándoles en la acera tirados; lo gracioso es que los chicos se lo toman a bien.

El teclista Jerry Dammers sería quien permanecería principalmente en el grupo en los 80, dando lugar a algún tema notable, como el homenaje que hicieron a Nelson Mandela con “Free Nelson Mandela”. Sin embargo, Dammers es el único de los componentes clásicos que a día de hoy no están de gira con el grupo. El debut discográfico de The Specials es un disco por lo general divertido y animado. Representa también en parte a una época en la que lo que más se recuerda es el punk. La imagen de la portada y contraportada muestra al grupo como una temible panda callejera, cuya instantánea trasera nos puede hacer pensar que el grupo está viendo un partido de fútbol en una pantalla gigante de alguna “fan zone” al uso en alguna plaza de algún país organizador de un mundial de fútbol. El look hooligan no en vano va unido en gran parte a la estética que crearon Madness y The Specials, aunque en un sentido mucho menos refinado. Estoy seguro de que si deciden escuchar este disco lo van a pasar bien.

Esta semana en nuestro programa de radio podrán escuchar el miércoles a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH un programa dedicado al disco “True Colors” de Cyndi Lauper. El lunes, martes y jueves en &radio a las 21.00h podrán escuchar repeticiones de programas de nuestro fondo de catálogo, pero más importante aún es que el próximo sábado 22 de octubre haremos un especial en directo a las 16.00h en la misma &radio sobre “Ya Viene El Sol” de Mecano.

Concierto From The Jam. Madrid (08-10-2011)

2011-10-13T16:25:00.006+02:00

A día de hoy, tiempos en los que debido a la crisis de la industria discográfica y el consecuente drástico bajón de las rentas por royalties es fácil poder ver a grupos míticos de décadas anteriores en directo al haberse reunido tras muchos años de separación y no querer saber nada unos componentes de los otros, sigue habiendo un número de bandas a las que seguirá siendo complicado ver en acción. Algunos ejemplos que me tocan de cerca son The Smiths, con unos irreconciliables Marr y Morrissey a la cabeza y por otro lado The Jam.

De esta forma, la única manera de poder ver algo parecido a lo que era la última de las bandas citadas, el trío de Woking liderado por Paul Weller, es la fórmula From The Jam, en la que con Bruce Foxton al frente se lleva a escena el tremendo potencial de la discografía de esta mítica formación mod de finales de los 70 y primeros años 80. De hecho, en los primeros pasos de esta recomposición o readaptación, también estaba en el ajo Rick Buckler, lo que sucede es que el batería original de The Jam a día de hoy ya no forma parte del proyecto y no podemos apreciar su metódica forma de tocar la batería en el escenario.Todavía con Foxton y Buckler unidos en el escenario, From The Jam visitaron Madrid hace casi 4 años, actuando en la sala Joy Eslava. Aquella ocasión me la perdí porque coincidía con aquel accidentado concierto (personalmente hablando; los seguidores de antaño del blog ya saben a qué me refiero) de Interpol en la sala La Riviera. Si llego a saber lo que me esperaba en La Riviera y más sabiendo que el concierto de Interpol en Vistalegre de noviembre de 2010 sería sustancialmente mejor, hubiera declinado ir a ver a Banks y cia. y me hubiera ido a ver a From The Jam; lo que pasa es que de aquel concierto me enteré a aro pasado cuando acudí a la misma Joy a ver a Editors una semana más tarde.

El pasado sábado acudimos prontito a la puerta de la sala Rockitchen, nada más terminar el programa de radio en directo especial que dedicamos a “Crime Of The Century” y Supertramp. Mi amigo y colaborador en nuestro programa de radio Mariano González y yo llegamos cuando en la puerta se encontraban varios de los componentes de la banda telonera. Durante el rato de espera hasta la apertura de puertas pudimos escuchar la prueba de sonido de From The Jam desde fuera y pudimos apreciar el sonido de “News of the world”. A los pocos minutos, el trío que forma From The Jam, con Bruce Foxton al frente, salieron por la puerta principal para meterse en una furgoneta e irse supongo a tomar algo antes del concierto; lo reconozco, estuve lento y no me dio tiempo a acercarme a saludar a Bruce y de paso intercambiar unas palabras con él y sacarme alguna foto de recuerdo. ¿Qué le vamos a hacer?Actualmente ya no está Buckler, y el sustituto es Mark Brzezicki, que ha sido batería de Ultravox (con permiso del sr. Warren Cann) y Russell Hastings tiene el papelón de hacer de Paul Weller a las voces y guitarra. Como teloneros se presentaron Sexplosion, que no Sex Explosion (por lo visto hubo una confusión con el nombre del grupo en la cartelería y publicidad del evento, según palabras de sus propios componentes). Esta formación se caracteriza con un heavy en el sentido más puro y clásico. Las influencias de Guns’n’Roses son evidentes no solo en la camiseta que llevaba el vocalista de la formación, sino también en sus voces y en las melodías tan cañeras con las que se defendieron ante una sala casi vacía, ya que la gente fue perezosa para llegar a la Rockitchen, consiguiendo la sensación de lleno prácticamente al inicio de la actuación de From The Jam. Sexplosion estuvieron contundentes, pisando con firmeza el escenario con esas tremendas botas de cowboy, muy al estilo rockero y heavy, que llevaban puestas. Quizás no tendrían mucho que ver con la banda a la que teloneaban, ya que la intensidad que ambas bandas ofrecen tiene poco que ver, pero se mostraron dignos y correctos en todo momento. Arriba del presente párrafo, una imagen de Sexplosion en directo.Puntualmente a las 21.30h llegaban al escenario el trío encargado de devolver a la vida la esencia de The Jam, con Bruce Foxton como primer espada. El comienzo no escatimó en energía, ya que uno de los temas bandera del “Setting Sons” de 1979 como es la enérgica “Eton rifles” es la que apropiadamente abrió fuego, metiendo a la gente de lleno en el concierto. Acto seguido se presentaría uno de los temas que anhelaba escuchar, que no es otro que la maravillosa canción “To be someone” de “All Mod Cons”. Otra gran etapa del show, al menos para mi foro interno, fue la que poco antes de parar para luego salir al bis, el grupo encadenó las rítmicas y fabulosas “Strange town” y “When you’re young”, 2 de mis temas favoritos de siempre de The Jam. Abajo un primer plano de Foxton haciendo coros a la par que tocaba su bajo.Muchas de las sorpresas del set list del concierto vinieron de la mano de ciertos temas de “All Mod Cons”. Fue muy agradable poder escuchar temas como “Little boy soldiers”, que sonó igualmente en los primeros compases de la actuación y más tarde ejemplos acertadísimos como “Thick as thieves”. Impagable fue también que se seleccionara la rareza sombría y por lo general calmada de “The butterfly collector”, que se mostró quizás como la mayor sorpresa del listado de temas que From The Jam escogieron para deleitarnos el pasado sábado 8 de octubre. La siguiente foto muestra a un enérgico Russell Hastings con el batería Mark de fondo.No obstante, dentro del set list hubo momentos para otras composiciones ajenas a The Jam, como el tema “Window shopping”. Los mejores momentos vinieron en el tramo final, cuando el grupo afrontó el bis descargando clásico tras clásico. Llegaba el turno de trallazos como “In the city”, “Going underground” o “Town called malice”, que podría definitivamente el punto y final a hora y cuarto de intenso sentir mod y el revivir de la esencia de The Jam más fiel que se puede conseguir a día de hoy. La única baja notable, que curiosamente figuraba en el set list, pero que luego se olvidarían de tocar, fue “Start!”; una auténtica lástima ya que en lo que a la línea de bajo se refiere hubiera supuesto el lucimiento personal instrumental de Bruce Foxton de la noche sin ningún tipo de discusión, por mucho que esta línea está sacada del “Taxman” de los Beatles. Realmente, en global resultó sorprendente el escaso material de “Sound Affects” que el grupo dispuso en escena.

Por lo general el sonido fue bueno y correcto. El bajo de Foxton sonó rotundo y contundente casi siempre. No obstante, en un tema, concretamente en “Beat surrender”, la ejecución fue algo irregular y no sonó para nada bien. Igualmente tampoco me dejó buen sabor de boca la versión más cañera de “That’s entertainment”, por mucho que Foxton se esforzara a fondo en los coros que aporta en este tema.De Bruce hay que decir que se mantiene en buen estado, tanto de forma como de apariencia física. Lleva bastante dignos los cincuenta y pico años que ya tiene y no escatimó a la hora de dar alguno de esos saltos suyos tan característicos mientras se afana en sacar el máximo provecho a su bajo. Tuvo sus momentos de protagonismo vocal como es tradición en “News of the world” y en “David Watts” que fue uno de los momentos más celebrados por la audiencia y en consecuencia de los que más jarana y movimiento provocó en el ambiente de cuarenta años de edad para arriba que colmaba la sala. A continuación pueden ver a Bruce y Russel completamente a tope en el mismo micrófono.Hay que reconocer que Russell Hastings tiene toda una papeleta a la hora de ser la voz y la guitarra del proyecto, sobre la que se extiende de forma alargada la figura del “modfather” Paul Weller. Sin embargo, Hastings me convenció mucho, contra todo pronóstico, y en muchos momentos hasta me daba la impresión de tener en frente al mismo Weller, ya que en parte Russel se da un aire de parecido físico a Paul cuando este último afrontaba los últimos compases de The Style Council, véase como ejemplo el look de Weller en la portada del disco “Confessions Of A Pop Group”.Terminando con la crónica del evento hay que reconocer, dejando de lado las consideraciones sobre si no está Weller o si no está Buckler, que el trío formado por Hastings, Brzezicki y Foxton al frente cumplen por lo general un papel más que correcto en el escenario. Salvo un par de canciones que estimé mal ejecutadas, el resto de temas sonaron rotundos, contundentes, con fuerza y dejaron satisfechos a los que se animaron a pasarse por la sala Rockitchen el pasado sábado 8 de octubre; al menos a mi me mereció la pena. ¿Que mejor sería ver a The Jam en su formación original? Por supuesto. ¿Qué mejor sería que en lugar de Brzezicki estuviera aún Buckler en la batería y Foxton se encargara de cantar todas las canciones? También de acuerdo, pero en todo caso, esto es lo que hay, que no es poco. Solamente por el hecho de ver en acción al fenomenal bajista que es Foxton en directo y experimentar una recreación de lo que en su día sería un concierto de The Jam merece la pena, porque, si no se han hecho a la idea váyanse haciendo: The Jam no volverán a reunirse jamás. Lo siento más que nadie, pero así son las cosas. Para terminar, agradecer una vez más a Pablo Camuñas y Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras que nos acreditaran como medio para cubrir el evento.

The Alan Parsons Project - Ammonia Avenue (1984)

2011-10-08T12:09:00.003+02:00

Siempre he considerado al bueno de Alan Parsons como un artesano de la música. Algo así como cuando hablan de los pasteleros artesanos, los cuales, lejos de la bollería industrial, hacen sus dulces y bollos con buenos ingredientes, cariño y esmero. Y es que esos 3 detalles, buenos ingredientes, cariño y esmero es lo que gran parte de la obra compositiva de Alan Parsons me reporta o transmite.

Me he decantado por uno de sus discos más exitosos, el “Ammonia Avenue” de 1984. El motivo básico de la elección reside en que dentro del mismo se incluye mi canción favorita de siempre del grupo, la cual no es otra que “Don’t answer me”. Es curioso que este tema pensara durante mucho tiempo que pertenecía a Chicago, quizás por su carácter tan endulzado, aunque es justo apuntar que este gran tema no alcanza los límites tan azucarados y pastelosos de los Chicago; no en vano, este tema lo escuchaba mucho en la radio, pero nunca oí al locutor de turno indicar que pertenecía a The Alan Parsons Project, con lo que una vez me compré un disco de Chicago pensando que dentro del mismo estaría esta canción; un disco que creo que no he vuelto a escuchar. Lo más gracioso es que el tema lo tenía ya en mi fondo de armario porque un ex amigo me había pasado en mp3 la discografía completa de Alan Parsons, pero todavía no había procedido a escucharla. ¡Qué cosas!

Este “Ammonia Avenue” tuvo el papelazo de tener que tomar el relevo al exitoso “Eye In The Sky” de 1982, el cual pasó a la historia de la música por ese tema que le da título tan realmente maravilloso. Para este disco que hoy les proponemos, al frente del proyecto seguían tanto Alan Parsons como teclista y arreglista y compositor y Eric Woolfson como cantante de la mayoría de las canciones y compositor junto a Parsons de todos los temas. El caso es que “Ammonia Avenue” cumplió de sobra con el expediente, ofreciendo un conjunto variado pero compacto a la vez de 9 canciones realmente interesantes. Veamos lo que nos aporta en cada una de sus pistas musicales.

Uno de los temas más recordados, y single de hecho de la obra, es “Prime time”. Un comienzo firme, ya visto definitivamente en su letra que dice “va a ser mi turno esta noche”, que en su melodía busca tener una fuerza rock que sin embargo no termina de romper y cuya mayor intensidad se alcanza en el estribillo. Woolfson se anotó la interpretación vocal del tema, cosa que no sucederá en la siguiente “Let me go home” en la que sí que se da una vuelta rockera e incluso con ciertos tintes glam, y que en consecuencia interpretaría al micrófono Lenny Zakatek, que se hará igualmente acreedor de la voz de otro de los temas potentes de la obra. Más llevadera, sinuosa y sensual resulta “One good reason” con Eric Woolfson nuevamente invitándonos a escuchar su suave registro vocal, pidiendo esa “buena razón” de forma insistente. El tema más pastelero, o mejor dicho romántico, es “Since the last goodbye”. Una pista de emotividad desbordada, correctamente llevada en las voces por otro vocalista para la ocasión, en este caso Chris Rainbow. Esta delicada balada se verá completamente eclipsada sin posibilidad alguna de discusión por el ya mencionado gran tema de la obra. “Don’t answer me” se presenta mediada la obra magnifica, radiante, luminosa y llena de un buen rollo pocas veces conseguido de forma tan elegante en una composición pop. Woolfson nos invita a “creer en el poder de la magia”, con guiños aflamencados con ciertos toques de castañuelas en los sonidos, en un tema coreable, con un estribillo fabuloso, pegadizo y de fácil recuerdo. Huelga decir que fue mi gran momento aquella vez que pude ver a Alan Parsons en directo y de forma gratuita en las fiestas de San Isidro de Madrid en la Plaza Mayor de la capital el 14 de mayo de 2004 (quizás el último concierto gratuito de artistas internacionales que el consistorio madrileño organizó para sus fiestas; un evento aquel que tuvo como invitada o artista anexa de excepción a Bonnie Tyler). Por cierto, que este concierto ha sido felizmente editado en dvd por si a alguien le interesa el asunto.

Cualquier cosa nos va a parecer poco después de este momento, además para sumar al hecho en sí “Dancing on a high wire” tampoco se esfuerza en combatir en protagonismo con “Don’t answer me”, confirmándose como un medio tiempo de transición que nos dará paso a continuación a otro golpetazo de adrenalina rockera, nuevamente interpretada por Lenny Zakatek a las voces, que no es otra que la grandiosa “You don’t believe”, la cual fue single extraído de la obra. Una buena canción cañera y potente para seguir ofreciendo variedad sonora a la obra. Ahora llega el turno de un tema instrumental nocturno, elegante y muy acertado como es “Pipeline”, del que sobre todo destaco sus melodías embriagadoras de saxofón que incluye a partir de la mitad del tema. El cierre es magnánimo y corre a cargo del tema que da título a la obra. “Ammonia avenue” es un tema extenso, el más largo de la obra, que termina con una ampulosidad y bombo increíble, que a la par destila una desolación y calmada melancolía aplastante. La canción va en un in-crescendo de intensidad casi imperceptible, en el que Eric Woolfson apuntala un poco más su leyenda como el gran vocalista principal de Alan Parsons que fue. No puedo imaginarme un tema mejor para finalizar este gran disco.

Estamos con “Ammonia Avenue” ante uno de los lps más exitosos en el plano comercial de The Alan Parsons Project. Quizás no sea el más valorado a nivel de crítica especializada, pero es estúpido negarle la importancia que tiene dentro de la discografía del proyecto. Gran parte de la carga del éxito reside en el papel de “Don’t answer me” como single, pero pensar que el disco no va más allá de ser el lp que contiene ese tema o “Prime time” es un craso error.

“Ammonia Avenue” es un disco perfectamente estructurado, con un orden del track list de temas intachable. Casi haciendo un juego de palabras de sonido con el primer vocablo del título “Ammonia Avenue” es armónico a más no poder. Ofrece un conjunto de nueve canciones muy variado, con temas muy rockeros, momentos muy emotivos, medios tiempos que para nada resultan anodinos y un tema instrumental de etiqueta negra en lo que a la elegancia de sus formas se refiere. Esa portada industrial con esa laberíntica estructura de tubos de aluminio es el único apunte artificial de la obra, puesto que vuelvo a poner de manifiesto que Alan Parsons al frente de su proyecto y en estrecha e impagable colaboración mano a mano con Eric Woolfson siempre destiló ese carácter artesano a la hora de dar forma a sus obras. No en vano no podemos dejar de lado que Alan Parsons fue ingeniero de sonido de The Beatles; ahí es nada.

Creo que este disco es válido para todos los públicos. Es de las obras más accesibles del proyecto, ya que quizás otras de finales de los 70 como “I Robot” o “Pyramid” se les pueden atragantar más. Todavía habría tiempo para que The Alan Parsons Project editara discos interesantes en la 2ª mitad de los 80 como “Vulture Culture” y personalmente sobre todo “Stereotomy” antes de que Eric Woolfson abandonara la nave. Seguro que “Don’t answer me” la conocen y probablemente les guste. Afirmo que este disco para nada les chirriará a los oídos a quien no lo conozca o incluso no haya accedido a The Alan Parsons Project y seguro que todos los que ya saben del disco de esta semana les gustará volver a escucharlo y quitarle el polvo acumulado. ¿Me equivoco?

Les hago una mención a nuestra sección radiofónica para terminar por hoy. Primero de todo, les insto a que no se pierdan esta tarde el programa especial que haremos en la sintonía de &radio sobre Supertramp y su “Crime Of The Century”. No obstante, el estreno radiofónico de la semana (recuerden que el estreno musical de la semana son los miércoles a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH y que el resto de días en los que se emite en &radio suenan repeticiones de programas anteriores) será sobre The Lightning Seeds y su debut “Cloudcuckooland”. Finalmente, creo que no se lo comenté, pero lo pueden ver en el banner en la parte superior de la página: en &radio nuestro programa se emite ahora de lunes a jueves a las 21.00h, habiéndose dejado de emitir el viernes. Pues nada más, a ver si esta tarde pueden acompañarnos en las ondas a partir de las 16.00h en &radio en la inestimable compañía de nuestro equipo de colaboradores y una música inmejorable de la mano de Supertramp y su 3er. disco de estudio.

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de From The Jam (08-10-2011)

2011-10-04T22:17:00.005+02:00

Este sábado 8 de octubre en la sala Rockitchen de Madrid tendrá lugar un concierto especial. Cierto es que The Jam (grupo que admiro profundamente de siempre y del que hemos comentado ya en el blog sus discos “Sound Affects” y “The Gift”) llevan separados desde 1982 y que su líder Paul Weller siempre ha renegado de reunir a la banda, pero sin embargo The Jam no solo eran Weller, sino que Rick Buckler (batería) y Bruce Foxton (bajista) también tenían algo que decir.

Por ello, hace ya unos años los otros 2 componentes de The Jam decidieron reunir la esencia de The Jam y llevarla a escena con el nombre de From The Jam. A día de hoy es solamente Foxton el que se encarga de mantener viva la llama, ya sin Buckler, pero rodeado de músicos muy válidos como Mark Brzezicki y Russel Hastings, para poder representar el directo tan potente del repertorio de The Jam.

Tendremos la suerte de acudir como medio de comunicación acreditado a cubrir el evento y tras el mismo, en los días sucesivos les dejaremos crónica de lo que suceda ahí el sábado. Las entradas están a muy buen precio, ya que si se compran anticipadas no superan los 30 euros. Por si es de interés suyo, aquí les dejo el enlace para que no esperen más: http://www.ticketmaster.es/entradas/goto.do?evento=From+The+Jam&poblacion&codIdioma=CAS

Seguro que este sábado viviremos un gran acontecimiento y además de alguna forma podré tachar de mi lista de grupos imposibles a The Jam, porque no les quepa duda de que este proyecto es lo más fiel que podrán encontrarse, ya que sería una completa campanada que Paul Weller decidiera juntarse nuevamente en escena con Foxton y Buckler bajo el nombre de la formación que les dio fama, gloria y éxito. No se lo pierdan.

Termino agradeciendo a Pablo Camuñas y Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras el apoyo que nos han otorgado en este evento.

Magia Y Tecnología - Amanecer Contigo (2011)

2011-09-30T15:54:00.006+02:00

Les dejo el post de esta semana con una pocas horas de antelación, ya que en unos minutos salgo de viaje durante este fin de semana. Hoy nos adentramos en un terreno que todavía no habíamos tratado en “Discos, música y reflexiones”. Dicho territorio es de la música copyleft, todas aquellas propuestas lógicamente desmarcadas del copyright, entre las que se incluyen, como es igualmente lógico, proyectos muy interesantes. Además, creo que es la primera vez igualmente que les presentaré un ítem totalmente instrumental, con lo que matamos 2 pájaros de un tiro.

Al frente del proyecto Magia Y Tecnología, protagonista del post de esta semana, se encuentra el músico José Jurado, de nick internauta José GDF. José es un músico que lleva mucho tiempo trabajando en el mundo de la música, y que actualmente cuenta con su propio estudio. Personalmente le conocí en su faceta de bloggero con su bitácora de impactante nombre en su día (“La informática, la música digital y su puta madre”), que a día de hoy ha terminado por reconvertirse en su propia página de igual nombre que su nick.

José ha formado parte de proyectos y aventuras musicales tales como el grupo La Herradura Del Vampiro, con el que llegaron a dar varios conciertos y hasta llegaron a grabar una demo en su día. A la larga el grupo sintetizó su nombre en La Herradura, pero el proyecto desapareció cuando la otra cabeza visible, el músico Julio Hermosilla alias “Juliet”, abandonó la formación.

Tras La Herradura, José se las apañó para dar forma a otra banda llamada La Apuesta Invisible, que duró más o menos un año, y que sobre todo se centro en las actuaciones en directo. Desde entonces, los proyectos de José están alejados por motivos personales del trajín que supone estar inmerso completamente en el mundo de la música, pero desde su estudio sigue trabajando en material y tomando parte en certámenes y concursos tan variados como sendos de versiones de Héroes Del Silencio y Bunbury y otro sobre sustituciones de los tonos que van por defecto en los móviles de cierta marca de telefonía muy popular.

Durante este pasado 2010 estuvo trabajando en esta entrega discográfica de título “Amanecer Contigo” bajo el nombre de Magia Y Tecnología, que será el objeto de revisión del post de este semana. Esta obra que a la que ha dado forma José, nos ofrecerá una serie de atmósferas instrumentales realmente válidas y placenteras. Eso es una primera premisa que hay que tener en cuenta, que nos encontramos ante un disco completamente instrumental. Son 6 composiciones realmente variadas, de las que pasaré a hablarles acto seguido.

“Musa soñando” nos ofrece un paraje musical reflexivo maravilloso, apoyado sobre una instrumentación ambiental de teclados, con ciertos retazos de fantasía, sobre los que destacan las notas claras y cristalinas de la melodía principal. Mediada la duración entra durante un tiempo la batería para darle un empaque de mayor potencia. A destacar queda que este corte ha sido grabado con uno de los primeros instrumentos de los que dispuso en su trayectoria el músico que hoy nos ocupa. Son unos trinares de pájaros los que nos llevan en volandas a la canción título “Amanecer contigo”, que ya desde sus primeros compases se muestra con un enfoque distinto al de “Musa soñando”, con una melodía más insistente y marcada, alejada de esos minutos de relajamiento del primer corte de la obra, que claramente derivaban del sueño de la musa en cuestión. Aquí hay lugar para la guitarra eléctrica, la cual se persona con rotundidad al minuto y medio, dando pie a un interesante cambio de ritmo en la melodía. En la recta final también hay un interesante solo de guitarra, muy de corte rockero, el cual demuestra tener influencias clásicas de origen del artista al frente del proyecto. Claro giro a la electrónica en “Rutina imparable”, con esos nerviosos sintetizadores evocadores quizás del círculo de rutina diario al que cualquiera puede enfrentarse en su vida de lunes a viernes cuando va a trabajar. De hecho es un corte apropiado para en esos momentos llevarlo a todo volumen en el reproductor digital de turno y experimentar una especie de videoclip interactivo viendo a la gente ir rápido de un lado para otro, con la mirada absorta en sus pensamientos internos. Les recomendaría que hagan la prueba, es de lo más interesante. Las melodías de teclado pueden evocarnos lejanamente en parte a pasajes del maravilloso “Computer World” de los alemanes Kraftwerk de 1981. Si las influencias vienen de allí, bienvenidas sean. En todo caso, esta “Rutina imparable” es una composición muy interesante, que supone un claro punto de partida respecto a los 2 primeros momentos dispuestos.

Lo que nadie puede echar en cara a Magia Y Tecnología es que en su trabajo “Amanecer Contigo” es que no haya variedad, ya que de la electrónica moderna tan interesante de “Rutina imparable” pasamos a la belleza formal y de corte clásico que nos ofrece “Pensando en ti”, la cual en cierta manera nos devuelve la calma y sosiego que comenzamos experimentando en los primeros compases de la obra. Una preciosidad de formas y melodías embriagadores, que sin embargo nos lleva de frente a “Paz interior”, la cual puede chocar a priori al enfrentar su título con su carácter tan rockero. Estamos ante una composición con una afiladísima guitarra eléctrica, casi metalera y con unos teclados punzantes que también destacan. Además, nótese que es el tema más largo en duración del disco, llegando prácticamente a los 7 minutos de duración. Rock puro y genuino en este penúltimo escalón de “Amanecer Contigo”, el cual supone un pelotazo de adrenalina y esencia rock pura sin posibilidad de discusión alguna; en todo caso, otro ejemplo de eclecticismo y variedad dentro de la obra, en la que se va mostrando todo el repertorio de gustos e influencias que el artista tiene en su cultura musical. Terminamos la obra con la canción homónima del nombre del proyecto. “Magia y tecnología” como tema es una interesante composición que destaca en la percusión y bases rítmicas muy marcadas. Un tema acelerado, muy movidito, inquieto para dar la rúbrica a un conjunto de 6 canciones sin desperdicio alguno y de escucha muy agradable, y sobre todo variada.

Como habrán podido comprobar, en el mundo de la música copyleft hay propuestas interesantísimas, como estimo personalmente es la que les hemos acercado esta semana en el blog de la mano de Magia Y Tecnología. Además un punto a favor es que con la venia del artista les dejo aquí el link para que escuchen la obra en cuestión y la disfruten como se merece; no obstante, advertir que existe una versión en cd de la obra, la cual respeta la calidad obtenida en el estudio del artista. Igualmente, con el beneplácito del protagonista del post, les dejo aquí el reproductor para que sin más dilación comiencen con la escucha de la obra; no me dirán que no se lo estoy poniendo fácil.

Catálogo de música libre

Magia Y Tecnología en este “Amanecer Contigo”, con una sencilla pero bonita portada que representa ese amanecer, nos ofrece un conjunto de 6 canciones muy variadas, con distintos estados de ánimo y que sobre todo se hace muy ameno de escuchar. Hay espacio para momentos de muy distinto corte y estilo, dentro de los cuales seguro que encontrarán algún momento afín a sus gustos, ya que se abarcan pasajes que van desde puntos realmente rockeros a momentos muy rítmicos de electrónica, aderezados de minutos de música ciertamente relajante y placentera.

En definitiva, estimo que es una propuesta interesante, la cual no les llevará un tiempo excesivo escuchar a fondo y que a buen seguro repetirán para centrarse más a fondo en todos los matices instrumentales que se nos ofrece en este “Amanecer Contigo”. Que ustedes disfruten durante esta próxima semana de la mano de Magia Y Tecnología.

Termino con 2 apuntes, uno sobre el blog y otro sobre el programa de radio. Sobre la bitácora decirles que esta semana he procedido a responder en cada una de las entradas todos los comentarios que estaban pendientes de réplica desde finales de agosto. Creo que ya lo he dicho varias veces, pero lo remarco: siempre, más tarde o más temprano, respondo a los comentarios que amablemente me dejan ustedes por estas tierras.

Para terminar y en 2º lugar, avisar que este miércoles 5 de octubre a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH podrán escuchar la 2ª parte de nuestro 1er. programa de la 3ª temporada en las ondas de “Discos, música y reflexiones” en el que rendimos tributo a Tino Casal con un debate sobre su disco “Neocasal”, y en el cual tomaron parte gente tan importante como Julián Ruiz o Javier Losada. Saben igualmente que los lunes, martes y jueves en &radio pueden escuchar repeticiones de programas anteriores. Además, les voy avisando que el próximo sábado 8 de octubre a las 16.00h haremos el 2º directo de la temporada repasando en coloquio el “Crime Of The Century” de Supertramp.