DMR

Programa The Killers “Pressure Machine” (Temporada 18/ Programa 1)

2026-10-31T20:09:10.030+01:00

Arrancamos nuestra temporada radiofónica de la mayoría de edad en las ondas de la mano del análisis del hasta la fecha último disco de una de nuestras bandas favoritas formadas en el nuevo milenio. El trabajo “Pressure Machine” de The Killers nos sirvió de hilo conductor de este debut de temporada y nos permitió un análisis detallado del quizás trabajo más íntimo del cuarteto de Las Vegas.

El programa se llevó a cabo en riguroso directo el pasado 17 de octubre de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) y contó con la participación de Mariano González y Víctor Prats. Durante el mismo pusimos varias de las canciones que forman parte del álbum en primer plano, dejando de fondo el resto mientras debatíamos sobre el lp.

Por si no pudieron escuchar el directo, aquí les insertamos el reproductor para la escucha del podcast del programa y también les dejamos enlace a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si así lo desean: https://www.ivoox.com/dmr-18-1-the-killers-pressure-machine-2021-audios-mp3_rf_183079527_1.html

Temporada 18/ Programa 2: Genesis e “Invisible Touch” (1986)

2026-10-30T17:30:00.000+01:00

Continuamos temporada de la mano de un gran disco en su momento, pero quizás no tan recordado en general a día de hoy. Pensando en estos días previos al programa, caigo en la cuenta de que quizás Genesis, y en particular la etapa liderada por Phil Collins, no estén lo suficientemente reconocidos en la presente era.

Por ello, creo que analizar su disco más exitoso comercialmente sea necesario y así llevaremos a cabo este programa el sábado 31 de octubre de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). De momento, la emisión en directo está operativa, con lo que pueden conectar a la hora indicada en la dirección indicada. Les esperamos.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1090368903827926

Emisión on-line RUAH: https://radio.uah.es/es/

Concierto Morrissey. Madrid (29-07-2026)

2026-10-23T17:30:00.000+02:00

Voy a hacer algo que no es habitual aquí, que es de entrada dar las gracias al promotor del concierto del que les vamos a hablar a continuación; no es fácil atreverse con nuestro querido Morrissey, teniendo en cuenta el historial de cancelaciones que tiene en su trayectoria, así que, lo dicho, muchas gracias por habernos facilitado esta nueva ocasión, con la que no contaba demasiado, cosa que manifesté en la crónica de su visita de 2014.

Y es que hacía un año que Mozz había dado la espantada en Las Noches del Botánico. He de reconocer que en este particular sentí una extraña sensación de alivio, ya que nos quedamos sin entradas en un proceso de venta que resultó caótico a través de su web y nos dejaba para aquella cita con la única alternativa de ir de “oyentes” a los alrededores del recinto de la Universidad Complutense. Morrissey tuvo uno de sus días malos y canceló. Para colmo, esta primavera había cancelado en Valencia, aunque tocando en Sevilla, pero se anunciaron conciertos para pleno verano en Madrid y Barcelona.

En esta ocasión no tuvimos mala suerte y pudimos comprar las entradas a un precio de 90 euros, que hacen ridículas las quejas que en 2014 tuvimos sobre los 56 euros que pagamos por entonces. La ocasión tendría lugar en el mismo recinto que aquel histórico concierto del 9 de octubre de 2014; una noche en la que Mozzer vino a presentarnos uno de los mejores discos de sus 2 últimas décadas, “World Peace Is None Of Your Business”, y nos ofreció una actuación sublime que está sin duda entre los mejores conciertos a los que he asistido en mi vida (y he ido a unos cuantos).

La época del año variaba, pasábamos del otoño y un día lluvioso a una jornada veraniega de ola de calor; cosas mías, asocio mucho a The Smiths (más que a Morrissey en solitario) a la primavera y verano. No sé por qué, quizás porque a The Smiths los conocí en junio de 1998 o a saber por qué extraña conexión de ideas interna. Por ello, tampoco me descuadraba la época del calendario, pero, ¿qué tonterías?: a Morrissey le voy a ver cualquier día del año si la ocasión se pone a tiro y si ese día sube al escenario.

Nos juntamos 5 personas para este concierto. El trío de redactores del presente blog, Alfredo Morales, Mariano González y Víctor Prats y las parejas del 1º y 3º. Llegamos en la tórrida tarde al recinto en torno a las 20.15h y accedimos al pie de pista. Conseguimos una buena posición, pero algo más lateral que en el concierto de 2014. A eso de las 20.30h empezó la proyección de videoclips tradicional de Morrissey para calentar el ambiente con elecciones previsibles (Ramones, Edith Piaf) y otras no tanto (Kraftwerk e incluso Visage o ni más ni menos que Interpol).

Empezamos a ponernos nerviosos, ya que eran las 21.09h y Morrissey, que en la única ocasión previa había sido escrupulosamente puntual, no aparecía sobre las tablas… Por fortuna no hubo cancelación y a eso de las 21.11h se apagaron las luces y arrancó el concierto con brío de la mano de “Billy Budd” de una de sus obras magnas, el “Vauxhall And I” de 1994. Seguidamente, sorprendiéndonos bastante (ya sabrán los lectores habituales de este blog que no miro nada de los setlist previos de los artistas a los que acudo a ver en concierto), situó las 2 piezas cuyo título, si se lee con mala intención pueden llevar a confusión: “I just want to see the boy happy” y “The youngest was the most loved”, del también notable lp “Ringleader Of The Tormentors” de 2006. Este trabajo fue de los más representados de la noche, con justicia, ya que es un lp estupendo, algo a la sombra del predecesor “You’re The Quarry”. Mi momento favorito fue cuando recuperó la solemne “Life is a pigsty”, la cual en sus primeros compases instrumentales me hizo dudar por segundos por la actual “Notre-dame”, ya que comparten semejanzas sobre todo en las bases. Una composición larga, con 2 partes bien diferenciadas, que quizás a alguno se le haría algo espesa, pero que a mí me supuso una de las agradables sorpresas del setlist de la noche.

El primer “momento Smiths” vino de la mano de una no tan previsible y recibida con júbilo “Shoplifters of the world unite”, canción que en su día no funcionó como pretendía la banda, pero que a día de hoy, con el paso de las décadas, se ha ganado un hueco notable en el corazón de los seguidores de Morrissey y The Smiths. Quizás fuese uno de mis pasajes favoritos de toda la noche, lo cual es mucho decir con las selecciones que fueron apareciendo.

Normalmente Morrissey suele escoger entre 4 o 5 canciones de la mítica banda que lideró para sus shows. En este sentido hizo uso de 2 trallazos de la talla de “How soon is now”, con la que finalizó el concierto de 2014 y que en esta noche apareció a eso de mitad de concierto, y “There is a light that never goes out”, que fue la encargada de relevar en el cierre de actuación al otro clásico. Vi algo de refilón sin querer de hacía 4 meses en YouTube y por tanto no me sorprendió del todo que apareciera la que quizás sea mi canción preferida de The Smiths por todo lo que me ha influido desde que la conocí en 1998, pero también es cierto que un setlist de Morrissey es susceptible de muchos cambios en un periodo de 3 meses, cosa que se agradece. De The Smiths también escogió “A rush and a push and the land is ours”, esta canción mucho menos evidente y que me causó una grata sorpresa, ya que es de mis favoritas del disco “Meat Is Murder”.

No podemos obviar en el tramo final del concierto que también se incluyera en el menú de la noche una de las canciones siempre clasificada en los puestos altos de rankings de las canciones más tristes de la historia. “I know it’s over” nos ofreció un pasaje descarnado, con una interpretación sublime en conjunto de todos los músicos y de Mozz al micrófono. Claramente otro de los momentos destacados de este evento.

Este concierto está encuadrado en la gira o al menos en el año de publicación del disco “Make-Up Is A Lie”, el cual me atrevería a decir que es el más atinado de los últimos 3 editados por Mozz. Sin embargo, no fue tan prolijo a la hora de desgranarlo y dejó de lado mis 2 temas favoritos (el arranque “You’re right, it’s time” y “Lester Bangs”). Escogió sin embargo la repetitiva, pero muy efectiva, canción título, la emotiva “Kerching kerching” (a la que se refirió que iba a sonar en todas las emisoras, aunque no estuvieran emitiendo las radios), la setentera “Zoom the little boy” y en el tramo final la bonita “The monsters of Pig Alley”. No hubiera pasado porque hubiera incluido alguna pieza más de un disco tan notable.

Buscando en el fondo de catálogo de Morrissey, hubo lugar para temas no tan esperados como la muy sentida “Now my heart is full”, apertura de “Vauxhall And I”, en la que además de la acongojante interpretación de Morrissey, hay que mencionar la proyección trasera cinematográfica de una pareja conduciendo un descapotable al límite (discúlpenme, pero no tengo el referente cinematográfico; ahora bien, indagaré y haré por ver la película). Y es que las proyecciones funcionaron muy bien, como por ejemplo el contraste de ver a Bruce Lee hacer catas mientras “How soon is now” nos metía en el trance de sus cuerdas.

Personalmente Morrissey estuvo muy simpático con el público madrileño, ya desde el arranque con esa reiteración del nombre de la ciudad y esforzándose por dirigirse en esos primeros segundos en nuestro idioma. No tuvo momentos tan entrañablemente gañanes como en 2014, y en eso quizás también influya ya que Morrissey es 12 años más mayor y ya está en una fase de su vida crepuscular, queramos o no. No obstante, sabe perfectamente adaptarse a los tiempos y su actitud de divo total no palidece un ápice. Se cambió un par de veces de camisa y terminó el show con una camiseta con el nombre de Madrid impreso, para terminar de torso desnudo en los últimos segundos mientras iban terminando los acordes de “There is a light that never goes out”.

Quizás su momento más divertido a la par que controvertido fue cuando aseguró que la siguiente canción que representaría a España en Eurovisión sería “The bullfighter dies”. Fue la única representante de su lp e interpretada con unas explícitas imágenes de corridas de toros sobre el telón de fondo. Por cierto, no se hicieron uso de pantallas que proyectaran el concierto, con lo que la gente del final de la pista e incluso los de la grada extensible de la calle Goya (que yo creo recordar que en 2014 no consiguió añadir ese aforo sentado) lo verían lejano y sin detalle, ya que sobre el telón de fondo solamente se utilizaron los clips en loop de películas clásicas o alguna foto fija como la de Oscar Wilde en “Irish blood, english heart”. En este sentido hay que destacar que de aquel soberbio renacer discográfico de 2004 que fue “You’re The Quarry” se apoyó en 2 de sus pilares, ya que la otra elegida fue “The first of the gang to die”, dispuesta en el tramo inicial del concierto, y que quizás fue de las más celebradas por el público.

Morrissey se acompañó de una notable banda, muy buenos músicos, comandados por uno de sus “primeros espada” históricos que es Jesse Tobias (en la foto de debajo de este párrafo). Destaco sobremanera dentro de sus músicos el trabajo de Carmen Vandenberg, una excelente guitarrista que ejecutó con acierto y entrega los acordes eléctricos rítmicos más representativos de las canciones.

Fue una hora y 40 minutos de otro concierto para la historia. Muy bueno. Me da la sensación que el de 2014 me gustó algo más, aunque con eso de que fue la primera vez que veía a Morrissey quizás el recuerdo me traicione un poco, ya que este de 2026 es sobresaliente. Realmente a los fans de toda la vida nos da un poco igual el repertorio que disponga Morrissey para un concierto. Cualquier canción de The Smiths o suya nos va a entrar bien. Siempre me hubiera gustado volver a disfrutar “Speedway”, escuchar “Why don’t you find out for yourself?” o las ya citadas del último disco, pero realmente da igual.

A eso de las 22.50h, sonando el “You’ll never walk alone” (cosa que me agradó como seguidor del Liverpool que soy) se acabó lo que se daba y desfilamos a la plaza de Manuel Becerra para tomar algo como es tradición personal al acabar un concierto celebrado en el antiguo Palacio de los Deportes de Comunidad de Madrid. Muy satisfechos de lo vivido, pero con una inconsciente sensación de melancolía ante la más que probable circunstancia de que quizás no vuelva a ver un concierto de Morrissey; de hecho, les confieso que mientras que escribo estas líneas (que se publicarán cuando sea, pero que escribo pocas horas después del concierto), me encuentro en una especie de “resaca emocional” por todo; por la emoción de haber vivido un gran concierto y por esa cierta sensación de melancolía e inicio de nostalgia.

Morrissey es un divo absoluto. Un animal escénico que maneja la situación de forma pasmosa y sabiéndose que ya de entrada nos tiene a todos los que entramos al recinto a sus pies. No obstante, no ejerce su apostolado desde la soberbia, sino que dentro de sus formas algo toscas en algunos momentos, sabe perfectamente llevarnos por donde conviene. Físicamente ya se nota el paso del tiempo. Y es que son 67 años, ¿qué queremos? Ahora bien, vocalmente nada que objetar y en buena forma, que es lo importante. No sé yo si un Morrissey frisando los 80 será susceptible de visitar una vez más este mismo recinto (comento esto viendo el lapso de tiempo transcurrido entre un concierto y otro). En todo caso, hasta que hace unos meses me enteré de la celebración de este concierto y saqué las entradas, no contaba con poder revivir una cita única como aquella del 9 de octubre de 2014. Por ello, me doy por satisfecho de poder decir que al menos he podido ver a Morrissey 2 veces en mi vida. Un artista de mi pódium de gustos musicales, junto a su “querido” Robert Smith (mal que le pese) y a los Depeche Mode. Ahora bien, si se da otra ocasión, ahí intentaré estar. Morrissey se ha prodigado poco por Madrid en su trayectoria, pero en las 2 ocasiones que le he visto ha sacado un 10 en el examen de ayer y una matrícula de honor en 2014. No está nada mal.

Temporada 18/ Programa 1: The Killers y “Pressure Machine” (2021)

2026-10-16T17:30:00.000+02:00

Regresamos a la actividad radiofónica con nuestra temporada de “mayoría de edad”, la nº 18. Lo hacemos con la misma ilusión de siempre, de difundir altruistamente la cultura y en particular el contenido íntegro de discos que realmente merecen la pena.

Arrancamos esta temporada de la mano de uno de nuestros grupos favoritos, The Killers. Hemos escogido el hasta la fecha su último disco de estudio, el lp “Pressure Machine” que sin duda nos dará lugar a debatir ampliamente sobre su contenido y su papel en la historia de la banda.

Nuestra cita será la habitual, este sábado 17 de octubre a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Lo único, es que no sabemos si por motivos de mantenimiento de la radio se podrá escuchar en directo, confiamos en que sí, pero no estamos seguros. Por si acaso, llegada la hora, sintonicen el dial. En todo caso, pasadas unas semanas, subiremos el audio del programa a nuestro perfil en Ivoox.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1459760529425854

Emisión on-line RUAH: https://radio.uah.es/es/

The Black Keys - Turn Blue (2014)

2026-10-09T17:30:00.000+02:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

“Turn Blue” era la respuesta a un hecho tan agradecido y peligroso como el de tener un álbum bisagra que delimita el éxito a gran nivel, del éxito más de culto. “El Camino” (2011), de la mano de canciones como “Lonely boy”, “Gold on the ceilling” o “Little black submarines” había alcanzado notoriedad suficiente como para alcanzar el número dos en el Billboard Decía que es peligroso, porque a veces la resaca del éxito pasa por una inadecuada gestión del mismo, bien por la presión de hacer una obra que esté a la altura, o bien por el sencillo hecho de dormirse en los laureles.

Visto así, y con cierta perspectiva de doce años desde su lanzamiento, creo que podemos decir que con “Turn Blue” no se cumplieron las posibilidades más funestas. Por un lado, el sonido no era del todo continuista (tampoco revolucionario), viéndose rescoldos psicodélicos y rastros de atmósferas en mayor medida que hasta entonces. No es, además, una obra tan pegadiza como “El Camino”, pero tampoco está exenta de inmediatez. Como añadidura, parte de la música tiene matices melancólicos, que tienen que ver con el divorcio del cantante Dan Auerbach.

En realidad, para buscar los orígenes de la banda hay que retrotraerse hasta principios de siglo. Su primer disco, “The Big Come Up” data del año 2002, conteniendo un sonido sucio y garajero mezclado con blues, en una propuesta no muy refinada pero grabada con muy pocos medios. Su tercer disco, “Rubber Factory” (2004), supuso algo más de medios y una compañía de mayor potencial. Un importante hito en la historia de la banda fue la colaboración del productor Dangetr Mouse (pseudónimo de Brian Burton, miembro por ejemplo de Gnarls Barkley). Comenzó con el disco “Attack & Release” (2008) y continuaría en los subsiguiente, lo cual garantizaría una mayor sofisticación en el sonido.

La carrera de The Black Keys ha sido fructífera y paciente. El disco que les dio a conocer a cantidades masivas de público fue, como ya hemos dicho, “El Camino”, que fue el séptimo, nada menos. No fue, ni es, flor de un día el éxito de la banda, sino de una dedicación constante a través de una importante evolución. En “Turn Blue” poco queda de aquel blues-punk inicial que fue haciéndose hueco entre el underground estadounidense, pero si que se respira todavía su aprecio por la música de raíces y americana, y el rock clásico, si bien transmutado a otras coordenadas.

Recordamos que “The Black Keys” son un dúo formado por el cantante, guitarrista, bajista y eventualmente teclista Dan Auerbach, y Patrick Carney en batería, percusión y a veces, teclados. Junto con ellos vamos a repasar este más que recomendable disco.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “The weight of love”: La primera canción es asimismo la, por así decirlo, la canción diferente del disco. Es una de las más largas de la historia de la banda al durar casi 7 minutos. Dan Auerbach no empieza a cantar hasta pasado el segundo minuto. La guitarra del propio Dan tiene un destacado protagonismo en base a los punteos que se marca, y cómo se alcanzas tonalidades de querencia psicodélico. Dado que también hay teclados y atmósferas (mano de Danger Mouse) puedes pensar que la canción podría ser de Pink Floyd si estos sonaran más americanos. Y no está falta de épica. La letra tiene c que ver con la problemática amorosa de Auerbach. Fue cuarto single y una manera excepcional de empezar el disco.

2. “In time”: Un rock de lo más clásico que une alguna influencia soul y ribetes de moderada psicodelia. Es una melodía relativamente pegadiza, pero que quizá necesite veces para acabar calando, por detalles como el peculiar falsete de Dan Auerbach, Sucesivas escuchas revelarán también el estupendo ritmo de batería de Patrick Carney. No debiera pasarse por alto, aunque al principio quizá estemos tentados.

3. “Turn blue”: La canción mezcla varias peculiaridades del conjunto de la obra. Cierto tono melancólico y disipado, el toque soul y la sofisticación de Danger Mouse. No es un tiro rock, sino un medio tiempo meditabundo y bien trabajado. Aquí puede recordar al trabajo del productor con Norah Jones de un par de años antes, A ratos tiene un aire oscuro casi seductor.

4. “Fever”: Comprendo que a los fans más primigenios les pueda sonar muy pop y más sintetizada de la cuenta. Pero comprendo mucho más a los que disfrutan de esta canción, que puede ser pop, pero un pop envenenado. Y es que esos tecladillos tan juguetones no me parecen en absoluto alegres. Quizá esa sensación me venga de lo apurado que aparece Dan Auerbach en el vídeo musical: parece un telepredicador sudoroso y agobiado, que efectivamente parece bastante afiebrado. Ya digo que haciendo un conjunto audiovisual, las sensaciones no me parecen nada celebratorias. ¿Pegadiza? Eso desde luego. Para mí, este single es un sí rotundo La letra habla del amor como fiebre, como calor pero también como padecimiento.

5. “Year in review”: A este tema lo llevan volandas la batería seca y dominante de Patrick Carney, y los coritos femeninos de buena parte del mismo. Esos coros, los utiliza la banda como los teclados de “Fever”, aparentemente como apoyo a la musicalidad (que también), pero los veo como algo rítmico pero algo tristón. Es un soul aguerrido, con filo rock y punteo de Auerbach al final del minutaje.

6. “Bullet in the brain”: Rock psicodélico, musicalidad ácida y algo ensoñadora, pero con más presencia de guitarras, que se distorsionan de la manera adecuada para sonar lisérgicas. Suena inevitablemente dispersa, pero tiene una baza a favor, que es filo, la contundencia que desprende, y realmente lo bien que suena. Algo retorcida, pero satisfactoria. Curiosa elección como segundo single.

7. “It´s up to you now”: Tiene una percusión casi tribal, cortesía de un inspirado Patrick Carney. El acabado un tanto áspero de la canción se trasmuta en su segunda mitad en un viaje psicodélico en la mejor tradición del género, pero sin excesos o autoindulgencia Da la impresión de que el sonido es más importante que la melodía en sí, lo cual si captas la onda, no tiene que ser estrictamente negativo. Concuerda con la canción anterior.

8. “Waiting on words: Aquí la psicodelia es más melódica, como obedeciendo a una misteriosa melancolía. Un soul rodeado de un reverb cósmico, con un sentido estribillo c y algunos acordes de guitarra aquí y allá bastante majos. Te deja reflexionando con un tono agridulce y levemente derrotista.

9. “10 lovers”: Puede que sea uno de los momentos más ligeros del disco. Sin desprenderse del tono reflexivos, tiene unos teclados incluso lúdicos, una melodía pegadiza y se desprende del tono algo apesadumbrado de la anterior seguidilla de canciones”. Un momento de oxigenarse dentro del tracklist, que además tiene un buen ritmo, cortesía de Patrick Carney.

10. “In our prime”: Un pop clásico con una vena cercana a los Beatles que me agrada bastante. Tiene algo de McCartney, con la psicodelia reverberante de otras canciones volviendo a aparecer, pero con un sentido más melódico. Sin embargo, el minuto final se vuelve más ácido mereced a los punteos de guitarra de Dan Auerbach.

11. “Gotta get away”: El cierre huye de la melancolía mediante este rock tremendamente clásico y ortodoxo, que puede recordar a los Rolling Stones. Es como si el disco tratara de desmentirse a sí mismo con un remate enérgico y sin melancolías adyacentes. La letra ya sería más otro cantar. Fue tercer single. Tomada en sí mismo es una buena canción, en el contexto del disco es a la vez un verso suelto y si colofón.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

“Turn Blue” es un disco con más recovecos que, por ejemplo, “El Camino”. Retrocede en guitarras, pero añade otros matices interesantes, como estructuras melódicas un tanto dislocadas, psicodelia, atmósferas, y una mirada al interior fruto de las cuitas amorosas de Dan Auerbach. Es una obra que tiene su carácter y sus características dentro de la obra de The Black Keys, Otro valor a considerar es la solidez que va ganando el disco a partir de las sucesivas escuchas, pues, aunque no es vanguardia ni nada particularmente críptico, sí que está hecho pensando más en la introspección.

Hubo un hiato hasta 2019, cuando llegó “Let’s rock” con canciones como el éxito “Lo/hi”, o “Eagles birds” y “Shine a Little light”. Un disco más guitarrero y con una mayor mordiente rock; un retorno a las raíces en toda regla. Su siguiente paso fue curioso, un disco de versiones de clásicos de hill blues (un estilo de country blues) reforzando su lado más próximo a la música de raíces americanas. Tal fue el caso de “Delta Kream” (2021), una obra muy de género.

En 2022 llegó un disco más variado como “Dropout Boogie” y su consistente single”Wild child”. Siguiendo con un ritmo de actividad nada desdeñable en 2024 sacaron “Ohio Players”, con colaboraciones interesantes como la de Noel Gallaguer en la estupenda “On the game”, pura nostalgia Beatle, la de Beck en “I’m with the band” y la de Alice Cooper en “Stay in your grave”. Un disco bien recibido y con buenas críticas. Su ritmo estajanovista hizo que en 2025 alumbraran “No Rain, No Flowers” y en 2026 otro disco de versiones “Peaches!”.

The Black Keys son uno de los mejores embajadores que puede tener el rock clásico, una muestra de adaptación creativa y respetuosa que les ha mantenido ya muchos años en el éxito.

Texto: Mariano González.

Concierto Hombres G. Torrejón de Ardoz (23-06-2026)

2026-10-02T16:10:47.404+02:00

Ya había visto a Hombres G en Torrejón de Ardoz unos pocos días antes de que este blog naciera. 18 años después se daba una nueva oportunidad. En los últimos años en muchos de los conciertos de las fiestas, los conciertos gratuitos han dejado de serlos para los no residentes en Torrejón y para los residentes igualmente hay que conseguir una invitación; el libre acceso ya es historia en gran parte de los casos.

No tuve mayor problema en conseguir mi invitación, por fortuna. Previo tomar algo en el recinto ferial, me encaminé hacia el acceso, teniendo en cuenta que la distribución del recinto se ha visto modificada, ya que ahora se entra por el lado contrario y el escenario ha sido movido a su vez al otro extremo, situado además en una esquina en lugar de centrado. De ese lateral han quitado la pendiente con césped en la que se acomodaba la gente y hace unos días he visto que hasta están derribando el muro; personalmente, no me gusta este cambio realizado.

Poco antes de que arrancara el concierto, en las pantallas gigantes se proyectaron artistas barajados para el cartel de fiestas y otros eventos de Torrejón para 2027. Se contempla a Estopa, Fito y Fitipaldis, Aitana, Bad Gyal, Europe o incluso Scorpions… La verdad es que la cosa promete. Veremos qué artistas finalmente se concretan.

Los conciertos del último día de fiestas de Torrejón, por eso del espectáculo de fuegos artificiales de las 00.00h, no suelen demorarse, y con puntualidad salieron al escenario David Summers, Javier Molina, Rafael Gutiérrez y Daniel Mezquita, acompañados del resto de músicos de directo, para ofrecernos algo menos de 2 horas de su animado y variado repertorio.

Comenzando con la declaración de intenciones de “Voy a pasármelo bien”, Hombres G ofrecieron un repertorio muy agradable, donde no faltaron los clásicos principales y donde aprecié un ligero cambio de posición en el setlist repecto a veces anteriores. Por ejemplo, “Nassau” se situó más bien en el tramo final del concierto, cuando yo la recordaba más bien en los primeros minutos de actuación.

Piezas que en su día fueron exitosas, pero que quizás ahora no tengan la repercusión que quizás se merezcan, también tuvieron su espacio. En este apartado la más destacada fue la campechana “Chico, tienes que cuidarte”, con un espacio para el recuerdo del humorista Pedro Reyes, que era el protagonista del videoclip, el cual fue proyectado en el telón de fondo.

En el tramo final no hubo espacio para sorpresas, ofreciendo “Marta tiene un marcapasos” antes de parar para los bises y “Devuélveme a mi chica” como final definitivo del concierto. Una efectiva forma de afrontar la culminación de un concierto, con el público con ganas de más, demostrado por como la notable audiencia congregada coreó a grito pelado las estrofas de las 2 primeras canciones emblemas citadas en este párrafo; he de advertir que el concierto fue tremendamente masivo, con el recinto a reventar, cosa que me sorprendió en parte siendo el concierto del martes de fiestas y lo ya comentado de que este concierto no es de libre y gratuito acceso para todos.

En este sentido de clásicos, no faltó como la reentrada del grupo para el bis el momento en el que el batería Javier Molina se dirige al público y entona a capella parte de la canción “Venezia”; un aspecto que ha cambiado es que Javi ya no brinda con el público apretándose un lingotazo a la salud de los asistentes.

Del repertorio correspondiente a la que podríamos denominar 2ª etapa de Hombres G (de 2003 para el presente), brillaron “Lo noto” y “No te escaparas”, aunque tampoco desmereció “Me siento bien”, una canción que es como el buen vino, que con los años va ganando empaque y consistencia entre la gente. Gran parte de estas canciones se situaron en la parte inicial del show. Mis momentos preferidos, además de la ya citada “Nassau”, fueron “Indiana”, “El ataque de las chicas cocodrilo” (muy al inicio del concierto) y “Visite nuestro bar”, tan efectiva como siempre y muy bien ejecutada por las secciones de viento que acompañan al grupo en sus actuaciones. Aquí les inserto el vídeo que grabé de “El ataque de las chicas cocodrilo”.

Del tramo más baladístico, que quizás sea el que menos me atrae de Hombres G, reconozco que siempre me gusta escucha “Si no te tengo a ti”, la cual considero para mi gusto la canción más acertada de este perfil de la discografía de la banda.

A todos se nos va notando el paso del tiempo, tanto a los 4 Hombres G, como a todos los seguidores que continuamos acudiendo a verles cuando se presenta la ocasión. No obstante, el grupo se mantiene en buena forma y con buen ánimo. Rafa, con su camiseta de Bowie, muy activo y movido con su guitarra eléctrica, al igual que Dani desde el lado contrario al que nos situamos. Javi sigue tocando con brío e ilusión su batería, cosa que se nota más allá de las tablas. Y David sigue siendo ese cantante con tremendo carisma para la afición, sin dejar de lado su bajo.

Poco antes de las 00h acabó el concierto. Vimos los fuegos artificiales de fin de fiesta y nos fuimos felices y contentos de haber disfrutado una vez más de una banda tan mítica e imprescindible del pop español como es Hombres G. Veremos si nos queda otra ocasión, esperemos que sí.

DMR estrena su 18ª temporada en las ondas

2026-09-25T17:30:00.000+02:00

Nos hacemos mayores de edad también en lo que a la radio se refiere. Este próximo 17 de octubre de 2026 arrancará nuestra 18ª temporada de radio. Parándose a pensarlo, la verdad es que ya es un tiempo largo el que llevamos con esta vocación altruista de difusión cultural.

Retornamos con ganas de seguir acercando discos que consideramos que merecen mucho la pena y confiamos en que quieran seguir escuchando nuestras opiniones en formato coloquio.

Aprovechamos de paso este artículo para informar que desde la próxima semana, a fecha del viernes, retornará nuestra actividad habitual, con lo que tanto el viernes 2 de octubre, como el viernes 9 de octubre, tendrán artículo en este blog, sobre análisis de disco o sobre crónicas de conciertos a los que hemos acudido y tenemos aún pendientes de publicar.

La periodicidad seguirá siendo la misma, cada 2 semanas un nuevo programa, y el horario de emisión también continuará siendo el sábado a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). De momento les esperamos este sábado día 17 de octubre de 2026 en el estreno, no nos falten.

DMR finalizó su 17ª temporada en la radio

2026-08-05T17:30:00.000+02:00

Ha sido una temporada caracterizada por quizás un número de episodios algo menor que en otras ocasiones (10) debido a las actualizaciones logísticas en la Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) y también por el fuerte carácter nacional de la misma a la hora de escoger los discos y artistas que hemos ido recuperando.

Un total de 5 voces han sido las participantes en mayor o menor medida: Rubén Herráez (debutante en el programa homenaje a Robe Iniesta analizando el “Agila” de Extremoduro), Carlos Caballero, José Antonio Sánchez, Mariano González y Víctor Prats.

Una temporada de la que nos sentimos orgullosos y que esperamos deseen recuperar escuchando en nuestro perfil de Ivoox los distintos episodios de los cuales les dejamos relación a continuación. Esperamos volver en octubre con el arranque de nuestra temporada de mayoría de edad en las ondas, la 18ª. Gracias por escucharnos.

DMR 17-1: Miguel Bosé - "Bandido" (1984).

DMR 17-2: Simple Minds - "Sister Feelings Call" (1981).

DMR 17-3: The Cure - "Songs Of A Lost World" (2024).

DMR 17-4: ABC - "Up" (1989).

DMR 17-5: Extremoduro - "Agila" (1996).

DMR 17-6: Golpes Bajos - "Devocionario" (1985).

DMR 17-7: Arcade Fire - "Everything Now" (2017).

DMR 17-8: Kiko Veneno - "Está Muy Bien Eso Del Cariño" (1995).

DMR 17-9: Bunbury - "Radical Sonora" (1997).

DMR 17-10: Peter Gabriel - "So" (1986).

Programa Peter Gabriel “So” (Temporada 17/ Programa 10)

2026-07-11T08:52:33.783+02:00

Con este programa llevado a cabo en directo un domingo (de forma excepcional), 21 de junio de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) terminamos nuestra temporada 17 de radio.

Escogimos un disco que ya tuvo su programa de radio en formato de locución en nuestras primeras temporadas y lo llevamos al formato coloquio. Mariano González y Víctor Prats debatieron sobre el disco más exitoso de Peter Gabriel en solitario.

Las canciones de “So” poblaron la hora de programa, dando lugar a un excelente final de temporada. Por si no pudieron escuchar el directo en su momento les insertamos aquí el reproductor para su escucha y también les dejamos el link a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga: https://www.ivoox.com/dmr-17-10-peter-gabriel-so-1986-audios-mp3_rf_176615145_1.html

DMR cumple 18 años

2026-06-28T00:30:00.000+02:00

Hemos alcanzado la mayoría de edad. Parece lejano el 2008 y así es. Ha pasado mucho tiempo desde que arrancamos. Este último año hemos introducido una sección más específica, centrado en canciones propiamente, titulado “Recordando canciones”, que si bien hasta la fecha solamente tiene una entrada, irá siendo recurrente de cuando en cuando alternándose con los artículos de revisión de disco, los artículos promocionales de nuestros directos de radio y con las crónicas de concierto.

Sigue también la vertiente radiofónica de “DMR”, teniendo previsto que en octubre arranque la temporada 18. Creo que es un mérito que sigamos en activo, aunque nuestro ritmo de actividad no sea precisamente el más activo, pero el paso del tiempo y las obligaciones de otro tipo no permiten otro pulso. Hoy soplamos las 18 velas, edad simbólica vital. A ver qué tal nos sienta entrar en la edad “adulta”.

DMR cierra por vacaciones 2026

2026-06-26T17:30:00.000+02:00

Como es habitual, nos tomamos unas largas vacaciones, de tipo universitario, y, salvo algún artículo de balance de la temporada de radio o el imprescindible sobre nuestro cumpleaños bloggero, no tendremos actividad regular hasta finales de septiembre. Pueden optar por recuperar los podcasts de nuestro programa de radio o por releer artículos antiguos publicados. Que tengan un buen verano y aprovechen.

Programa Bunbury “Radical Sonora” (Temporada 17/ Programa 9)

2026-06-22T17:53:38.687+02:00

El 6 de junio de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) tuvimos programa en directo dedicado al primer disco en solitario de Enrique Bunbury.

José Antonio Sánchez, Mariano González y Víctor Prats debatimos sobre “Radical Sonora”, poniendo en valía su propuesta y la valentía de la misma tras la disolución de Héroes Del Silencio por parte de Bunbury.

Por si no pudieron escuchar el directo, aquí les insertamos el reproductor para su escucha y también les dejamos en enlace a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga si así lo prefieren: https://www.ivoox.com/dmr-17-9-bunbury-radical-sonora-1997-audios-mp3_rf_176026030_1.html

Temporada 17/ Programa 10: Peter Gabriel y “So” (1986)

2026-06-19T17:30:00.000+02:00

Llegamos al final de nuestra 17ª temporada de radio. Será en lugar del sábado 20 de junio de 2026 excepcionalmente el domingo 21 de junio de 2026 en nuestro mismo horario de directo en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), es decir, las 16.00h. Por motivos personales hemos de mover nuestra sesión un día.

Hablaremos de un disco que ya tuvo programa en nuestras primeras temporadas, pero que no fue abordado en formato coloquio. Mariano González y Víctor Prats hablarán sobre el disco más exitoso y reconocido del anterior vocalista de Genesis.

Les esperamos este domingo 21 de junio, recuerden, además Día de la Música tradicionalmente. No nos falten, que hasta octubre no ofreceremos nuevo contenido en nuestra vertiente radiofónica.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/977910567999889

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

The Stone Roses - The Stone Roses (1989)

2026-06-12T17:30:00.000+02:00

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.

Manchester, a finales de los 80, era una fiesta. O así lo pretendían una serie de músicos y gentes de otros ámbitos. Ese ambiente de locura creativa dio lugar a un juego de palabras, Madchester, algo ramplón, pero a su modo fidedigno, y que aún hoy encuentra su hueco en la historia de la música popular. Era una fiebre de hedonismo, fiesta, baile y psicodelia para regarlo todo. Como volver a los años 60 pero pasado por el filtro del baile y la cultura de clubs. Como preludio o catalizador podemos encontrar al club The Hacienda, al agitador cultural Tony Wilson y a una serie de bandas, mancunianas como New Order.

En este caso, las bandas surgidas al compás de este movimiento fueron varias: Happy Mondays, The Charlatans o Inspiral Carpets. La que hoy nos ocupa es The Stone Roses, grupo de escasa discografía, pero de sombra alargada en la influencia musical.

Tras formarse a principios de los ochenta y variar a menudo su formación, el núcleo clásico quedó establecido en. Ian Brown en las voces, John Squire en la guitarra, Gary Mounfield (conocido como Mani) en el bajo y Alan Wren (conocido como Reni) en la batería. Algunos singles iban surgiendo por el camino; el que comenzó a vislumbrar el estilo clásico del grupo fue “Elephant stone” (1988), producido por Peter Hook.

El gran momento de la banda comienza con el primero de sus discos de larga duración. En efecto, su disco homónimo fue poco a poco convirtiéndose en un evento que acabó liderando una escena, y casi en un estado de ánimo. El de la efervescencia, el de las atmósferas psicodélicas, y el de la diversión.

Un elemento a valorar es que instrumentalmente The Stone Roses eran bastante buenos. Squire produce unas filigranas con su guitarra, ensoñadoras, potentes y rítmicas cuando es necesario, apoyándose en un notable virtuosismo. La parte rítmica y bailable tiene un poderoso aliado en el bajo y la batería de Mani y Reni, siendo una de las características llamativas del disco.

The Stone Roses cimentó e influyó a varios artistas. Los hermanos Gallaguer sienten auténtica adoración por esta banda, del mismo modo que Richard Ashcroft también los señala como influencia para comenzar a hacer música. Si escuchamos algunas canciones del debut de Blur ; “Leisure” (1991), como “There’s no other way” o “Bang” la influencia de Madchester en general y de The Stone Roses en particular es bastante reseñable. En líneas generales, además, The Stone Roses suelen presentarse como un adelanto del Brit Pop que aún estaba por llegar en su plenitud.

Disfrutemos,, pues, de este estupendo disco mientras lo analizamos.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “I wanna be adored”: Todo un clásico de la banda, y de la música británica en su vertiente más cercana al indie. La canción se sirve con fuerza de las atmósferas empezando por un collage de sonidos que dan paso al bajo y luego al resto de instrumentos. Las guitarras, como ya hemos dicho, son atmosféricas, pero de una manera densa, afilada, un poco fumada, pero precisa. Es como si quisiera provocar una hipnosis en el oyente. De hecho, la letra es minimalista, reduciéndose a estas líneas: “No necesito vender mi alma, él ya está dentro de mí”, “Quiero ser adorado” o “Tú me adoras”. Suena inquietante en el contexto de la música. La canción parece reflejar un sentido de arrogancia sin filtros, del deseo del éxito sin siquiera la necesidad de vender su alma. Ian Brown no es un vocalista excelso, pero a veces dota a las canciones de un interesante sentido de la ambigüedad- ¿Está hablando en serio, o es una sobrada? Desde luego la música no parece demasiado irónica. Ya en 1985 la banda tocaba está canción en directo, en una forma primeriza. Curiosamente fue lanzada como single antes en Estados Unidos que en Reino Unido.

2. “She bangs the drums”: Un pop rock vitalista, optimista y reluciente. Tocado con garra, empezando por una buena línea de bajo de Mani, y siguiendo con la prominente guitarra de John Squire, y la persistente batería de Reni. Saltarina, alegre y con garra, partiendo de un estilo británico muy clásico. Otra que fue single.

3. “Waterfall”: Esta es una canción sumamente agradable, con unas guitarras con eco que aportan una sensación luminosa. No tiene la pegada de las dos primeras canciones, pero poco a poco se te va metiendo bajo la piel, gracias al fenomenal dominio del pop que tiene la banda. Algunos jueguecillos con los instrumentos son muy interesantes, como los rápidos toquecillos de Reni y su batería. Al acercarse la canción al final John Squire se marca un estupendo solo. El tema va ganando garra según va avanzando, hasta acabar mucho más roquera de lo que empezó. La letra parece que habla de una mujer tratando de huir de la pobreza.

4. “Don’t stop”: En esta canción todo rezuma psicodelia, mediante unos de los trucos más clásicos del género: la grabación al revés. Pero lo realmente curioso es que la grabación al revés es la de “Waterfall”, es decir la canción anterior. Se añadieron si acaso la batería, y la voz letra nueva. El resto es una cacofonía curiosa, que no molesta, pero tampoco hipnotiza. Hasta ahora el momento más prescindible del disco.

5. “Bye bye badman”: Quizá sea la canción más del estilo de The Smith que hicieron The Stone Roses. Al menos en lo que se refieres a algunas partes de las guitarras de John Squire en el estribillo. La voz no se parece tanto a la de Morrissey, aunque la cadencia y el ritmo no ande lejos. El caso es que se trata de un pop rock ágil y jovial, clásico y cantable, con un estribillo rítmico nada desdeñable. Se acaba pegando a las pocas escuchas. El contraste con la letra el alto. Habla de los disturbios de Mayo del 68 y de lanzar piedras a la policía. Un hecho histórico importante para la banda y que es referenciado en la misma portada del disco: los limones se usaban para contrarrestar los efectos de los gases lacrimógenos.

6. “Elizabeth my dear”: Menos de un minuto de música, que componen una versión de un tema clásico llamado “Scarborough Fair”, que también versionaron Simon & Garfunkel. La letra vuelve a ser política también, lanzando un mensaje antimonárquico contra Isabel II: “Estás acabada, mi querida Elizabeth”. Nuevamente suena bonita, pero con una lírica nada complaciente. Es una anécdota dada su brevedad, pero por algún motivo no diría que sobra.

7. “(Song for my) sugar spoon sister”: Vuelve a sonar a pop rock sesentero. pegadizo y tarareable. Melódicamente está muy construida, desde sus partes de jangle pop, hasta los diversos subrayados que hace John Squire con la guitarra. Sencilla pero efectiva. La letra recopila varias situaciones irreales o extrañas (el césped azul, cada miembro del Parlamento colocándose con pegamento) que enfatizan lo raro que sería un amor correspondido.

8. “Made of stone”: Una de las canciones más valoradas por los fans de la banda resulta ser una de las mas emotivas. Lo notamos en la voz de Ian Brown, en el tono más trascedente de la melodía, y en la emoción que transmite el enfático estribillo. Poco después de la mitad de la canción John Squire se saca de manga un punteo extraordinario como catalizador de todo lo anterior. Una canción realmente buena Líricamente es bastante enigmática, pudiendo referirse a la muerte en accidente de tráfico del pintor Jackson Pollock (“tus nudillos se blanquean en el volante/la última cosa que sentirán tus manos”). Hay que recordar que el pintor norteamericano es una figura importante para la banda, de tal modo que la portada del disco, realizada por John Squire, está inspirada en su estilo.

9. “Shoot you down”: Volvemos a sonidos más calmados, atmosféricos y casi relajantes. Los acordes de guitarra de John Squire son suaves y cristalinos y la voz de Ian Brown a ratos pop y a ratos susurrante. Lo de la canción relajada va más bien por la música, porque la letra te suelta perlas como “ha llegado el momento de dispararte”, aunque en argot sería algo así como “darte calabazas”.

10. “This is the one”: Está canción tiene vocación de himno. Literalmente, además, puesto que el Manchester United la adoptó como una especie de himno, que cantan en Old Trafford cuando sale el equipo al campo. La canción es más pomposa de lo habitual, y va ganando en velocidad y potencia según avanza. Se le reconoce cierto poder y épica, aunque quizá sea algo repetitiva.

11. “I am the resurrection”: La conexión entre pop rock clásico y baile se dan de la mano en esta canción. Ya desde el inicio con esa mezcla de melodía Beatle y batería punzante se muestran las cartas. Luego están los cuatro minutos finales instrumentales que se materializan en un dance rock, de poderosas bases rítmica y la guitarra de John Squire dibujando florituras por doquier, Es como una jam funky en la que según te vas adentra más, mayor es su hipnotismo. La banda toca con una pericia estupenda. Si te metas en la canción es excelente, y no se hace larga.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Cabe decir que en una reedición de 1991 y en una Special Edition por el 20 aniversario del disco, se incluyó un jugosísimo bonus track: “Fools gold”, clásico total de la banda. Además, lo hace en su versión íntegra, que es uno de los pináculos en la mezcla de baile, rock y psicodelia, en nueve minutazos entre lo excesivo y lo hipnótico.

Hasta el lanzamiento de su segundo disco de larga duración pasaron unos largos 5 años, que se fueron llenando con singles y estrafalarios incidentes como irrumpir en las oficinas de la discográfica con botes de pintura con la intención de dejarlo todo hecho un desastre. Básicamente por como gestionó la discográfica el lanzamiento de singles antiguos como” Sally Cinnamon”. Total, que, tras el cambio de discográfica, a Geffen, aún se tomaron su tiempo y no fue hasta 1994 que salió “Second coming”. El disco fue un cambio de registro enorme, confluencia del hard rock y el blues. Ahora las influencias pasaban a ser, entre otras, Jimi Hendrix y Led Zeppelin. La recepción del disco fue divisiva, imperando más el sentimiento de decepción. Por pura inercia de expectación el disco fue bien recibido inicialmente en listas, pero en general no cumplió con los números que se tenían planeados.

Esto afectó a la estabilidad del grupo, lo que en no mucho tiempo después se cristalizó en desbandada. En 1995 Reni dejó el grupo por discrepancias musicales. Poco a poco la desunión fue general. John Squire formaría “The Seahorses”, que lanzaron un único disco. Mani, que murió en noviembre de 2025, se unió a otra banda mítica como Primal Scream. Ian Brown ha tenido una carrera en solitario que hasta ahora alcanza siete discos en solitario. Por cierto, su colaboración con Unkle y su single “Be there” (1998) es extraordinaria. En 2011 hubo una reunión de la banda con todos los fastos que conlleva, y con unos cuantos años de conciertos, que finalmente llevaron a otra separación que acabó de confirmarse en 2019.

Este LP debut es, junto a “Pills n Thrills And Bellyaches” (1990) de Happy Mondays, la enseña más visible del movimiento de Madchester. Es una obra de culto, cuyo estatus es merecido. También se unen las circunstancias de ser un grupo sin muchas obras en su haber, y que no tuvo una vida demasiado larga. Todo ello contribuye a hacer de “The Stone Roses” algo especial que sigue sonando admirablemente bien.

Texto: Mariano González.

Programa Kiko Veneno "Está Muy Bien Eso Del Cariño" (Temporada 17/ Programa 8)

2026-06-06T19:56:09.592+02:00

Fue el sábado 9 de mayo de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) cuando llevamos a cabo el programa dedicado a uno de los discos más exitosos de Kiko Veneno. Fue bueno recordar aquellos mediados años 90 con este disco que tanto sonó en su momento.

Participamos Mariano González y Víctor Prats, quienes debatimos ampliamente sobre el contenido de este disco de Kiko Veneno y de su obra en general en la década de los 90.

Por si no pudieron escuchar el directo ni redifusiones posteriores en el dial de RUAH, aquí les insertamos el reproductor para su escucha directa sin necesidad de ir a otra parte y también les dejamos el enlace a su alojamiento en nuestro perfil de Ivoox por si desean optar por su libre descarga y escucharlo en otro momento: https://www.ivoox.com/dmr-17-8-kiko-veneno-esta-muy-bien-audios-mp3_rf_175081212_1.html

Realización programa Bunbury “Radical Sonora”

2026-06-05T17:30:00.000+02:00

Tras el aplazamiento del programa previsto para el sábado 23 de mayo de 2026, será este sábado 6 de junio de 2026 cuando llevemos a cabo la realización del programa dedicado a Bunbury y a “Radical Sonora”. A las 16.00h sintonicen el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), que allí estaremos.

Concierto El Último De La Fila. Madrid (23-05-2026)

2026-05-29T17:30:00.000+02:00

Una suerte nuevamente para gente que como yo les cogió la separación de un grupo algo joven, no llegando a tiempo para verles en concierto en su día, y que, contra todo pronóstico, deciden reunirse para reverdecer laureles. Fue el caso de El Último De La Fila y lo que vivimos el pasado sábado 23 de mayo de 2026 en el estadio Nuevo Metropolitano de Madrid. Recuerdo comentar con seguidores, cuando se anunció la gira, a falta de concretar fechas, ciudades y recintos, que para Madrid un Palacio de los Deportes se les quedaría corto, muy corto, y mi apuesta sería una fecha (o 2) en el estadio del Atlético de Madrid. Así fue. No duplicaron fecha porque no se lo propusieron, ya que agotaron las entradas en pocas horas.

En alguna crónica o artículo relacionado con el concierto se equiparaba a esta reunión con una posible de Mecano o con la que Héroes Del Silencio hicieron en 2007. Y estoy muy de acuerdo, ya que por repercusión, legión de seguidores y época, hay muchas analogías, más allá del estilo de una formación u otra.

Fuimos con la antelación que recomendaba el portal de venta de entradas, que nos avisaba de que el concierto arrancaría a las 20.30h. Efectivamente el acceso era lento, pero como fuimos con tiempo nos conseguimos situar muy bien en una 3ª fila frente al escenario, un poquito ladeados a la izquierda según miras a las tablas, ya que decidimos irnos al lateral contrario por donde entramos. No hubo teloneros como tal, pero sí que hubo una formación mariachi que amenizó los minutos previos al arranque del concierto con rancheras y algún narcocorrido; de hecho; en el metro me encontré con uno de sus músicos cuando iba de camino al estadio.

Dudábamos de la puntualidad en tanto a la hora de inicio, ya que las 20.30h suele ser una hora algo temprana para arrancar, pero en efecto a las 20.35h subieron al escenario los componentes del grupo, encabezados por Manolo García y Quimi Portet. Arrancaron yendo a la prehistoria de El Último De La Fila, recuperando “Huesos” de Los Burros después de la intro instrumental de “Mar antiguo”.

Fue un repertorio lleno de clásicos y en los que apenas se echó de menos nada; por mi parte, recién acabado del concierto, no tenía ninguna falta relevante. Quizás solamente y a nivel menor, pasado un rato comentamos que “Bailarás como un indio” no fue seleccionada. Cosa menor.

El primer clásico potente de El Último De La Fila que tocaron fue “Querida Milagros”, bien coreada por el público que abarrotaba el estado Metropolitano. Brillaron especialmente “El loco de la calle”, “Aviones plateados”, “Canta por mí” o “Cuando el mar te tenga”. Ya en los bises aparecieron seguidas “Como un burro amarrado en la puerta del baile”, con lluvia de globos de figuritas para que se divirtiera el público e “Insurrección”; en “Insurrección” de poco sirvió la irónica prohibición de cantar plasmada en los marcadores, ya que el estadio al unísono se arrancó con las primeras estrofas de este mito de canción.

Aciertos fueron no dejar fuera de la fiesta ejemplos no tan reconocidos como “Sin llaves”, que estuvo en el sector inicial del concierto o “Soy un accidente”. Celebré bastante también “Lejos de las leyes de los hombres” de “Enemigos De Lo Ajeno”. “Mar antiguo” sonó completa y también, además de en el inicio, sirvió parte de su melodía para el final del espectáculo. El conjunto de canciones fue acertado, sin grandes ausencias y además bien escalonado, guardando para el final las canciones más potentes e intercalando pequeñas piezas potentes y de mucho cariño para los seguidores del grupo a medida que se iba avanzando en la actuación.

Manolo García estuvo activo y expeditivo. Moviéndose mucho por el escenario e incluso entre el público. Jugaba con su vestuario, cambiándose de camisa, incluso poniéndose la nueva 2ª equipación del Atlético de Madrid, que el club le regaló personalizada con su nombre y el número 8, subiéndose sus calcetines coloridos de pulpitos e incluso recostándose en un sillón en “Disneylandia” de Los Burros, tirando al término de la canción el sillón escenario abajo; por cierto, como socio del Atleti, muy bien Manolo con su respeto y agradecimiento al club propietario del estadio donde se celebraba el concierto, reconociendo que él, aunque no sea muy futbolero, es seguidor del Barcelona.

Quimi Portet también tuvo sus momentos de contacto con el público y de avanzarse en la pasarela frontal para hablar ante el micrófono y agradecer entre otras cosas al público que hiciera años atrás caso a Manolo y se multiplicase. Sin embargo, no siendo culpa suya, consideramos que el sonido en la mezcla de sus guitarras, parte imprescindible del carácter de las composiciones del grupo, quedó algo bajo y diluido. Una pena, ya que creo que hubieran lucido más las tomas de las canciones en este concierto.

En lo personal me gustó mucho tener la ocasión de vivir en directo ese comienzo del estribillo de “Lápiz tinta”; además escogieron la versión single de 3 estribillos (no la versión del lp que tiene 2), con lo que hasta en 3 veces pude escuchar de la voz de Manolo ese emocionante verso “que los días se van, fríos son”. Me atrevo a decir que este es uno de los 5 momentos más emocionantes de la historia del pop español de todos los tiempos. Una suerte haber podido contar con esta reunión puntual de Quimi y Manolo. Es un grupo que ha funcionado según su gusto y decisión, saliéndose de lo convencional en muchas ocasiones, como por ejemplo declinar sacar un recopilatorio a finales de siglo tras su separación para hacer caja (se hubieran forrado con un “grandes éxitos” editado en 1999). Les dejo insertado aquí el video de “Cuando el mar te tenga”; no grabé mucho más, y eso es algo que manifestó Manolo García en general al comprobar que la gente solamente grababa o sacaba fotos puntualmente, pero principalmente estaba prestando atención al concierto no a través de la pantalla, lo que debe ser en definitiva; efectivamente aquí iba insertado el vídeo que grabé, pero recibimos un strike de YouTube por la que creo que es la productora de la gira, ante lo que decidí eliminar el vídeo. Aprovecho para informar que este blog, ni su programa de radio, me genera ningún tipo de ingreso (ni un céntimo), así que como para pagar o recibir multas por una altruista labor de difusión cultural y afición.

Por eso, hace unos pocos años se juntaron para jugar en estudio con canciones antiguas y darles una revisión, dando como resultado el disco “Desbarajuste Piramidal” y aunque en las entrevistas de ese momento ya les preguntaban incisivamente sobre la posibilidad de conciertos, no ha sido hasta un tiempo después cuando se han reunido con gente de su confianza y mitos como Ángel Celada en la batería o Juan Carlos García, Antonio Fidel, Josep Lluis Pérez, Pedro Javier González, Sara García (creo que familiar de Manolo) y las coristas Irene Miller y Eva Reina.

La gente disfrutó durante las casi 2 horas y media de actuación, no dejando a los músicos que se marchasen, obligando a hacer una cover de “El rey” y algún guiño más con Ángel Celada como protagonista para rematar la fiesta. Un público mayor que nosotros por lo general (salvo algún hijo adolescente que acompañaba a los padres), y es que cuando hicieron su última gira estábamos en 1º de B.U.P. o incluso en el colegio aún.

Nos costó marcharnos de la zona en esta ocasión (siempre sucede en conciertos, no tanto en partidos del Atlético de Madrid, que yo también voy frecuentemente y el estadio está igual de lleno). Nos buscamos un lugar de kebabs más o menos cercano para cenar algo en un parque y reclutamos unos cuantos globos de delfines, astronautas y lagartijas para nuestros hijos pequeños. Finalmente en Av. Arcentales conseguimos pillar un taxi que permitió dejar a Mariano González en su casa y luego a nosotros. Muy contentos de haber tachado de la lista a una formación que no pensábamos ya a estas alturas tener la ocasión de ver sobre las tablas y además de ver que a sus en torno a 70 años, se encuentran en muy buena forma (solamente pararon unos 7 minutos para los bises, amenizando la espera con un pequeño documental en las pantallas sobre su trayectoria, con fragmentos de entrevistas antiguas -muy bien, la verdad, me gustó-) y son capaces de ofrecer un espectáculo digno y emocionante.

Aplazamiento programa Bunbury “Radical Sonora”

2026-05-23T09:54:00.000+02:00

El programa previsto para hoy tendrá que ser aplazado al sábado 6 de junio de 2026 a las 16.00h en el mismo dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Ese día será cuando abordemos el análisis de este interesante disco de Enrique Bunbury.

Temporada 17/ Programa 9: Bunbury y “Radical Sonora” (1997)

2026-05-22T17:30:00.000+02:00

Tenemos un programa dedicado a un disco no muy bien entendido en su momento. Tras la separación de Héroes Del Silencio, Enrique Bunbury decidió comenzar su carrera en solitario con un disco más apoyado en sonidos electrónicos, no exento de contundencia.

Personalmente nos pareció en su día un movimiento interesante, aunque los seguidores de base del legendario grupo no entendieron en su mayor parte este giro estilístico de Bunbury. Defenderemos nuestra postura este sábado 23 de mayo de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Les esperamos.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/26757200157235489

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

Concierto Austra. Bruselas (07-03-2026)

2026-05-15T17:30:00.000+02:00

Tenía muchísimas ganas de volver a ver a Austra en concierto, la última vez fue aquel concierto en Toulouse en el año 2017 en la gira de presentación del soberbio álbum “Future Politics”, en esa época todavía eran un grupo, aunque ya habían volado las hermanas Lightman, coristas de lujo que les acompañaron en sus primeras giras. Todo se aceleraría rápidamente ese 2017 y en mitad de la gira Maya Postepski abandona el grupo, peleada con la cantante Katie Stelmanis y teniendo que ser reemplazada urgentemente a la batería por Ela Minus. Esta salida sería el detonante para que una vez acabado el tour, Dorian Wolf y Ryan Wonsiak decidieran igualmente abandonar el proyecto quedándose Katie Stelmanis en solitario llevado el nombre de Austra.

Desde esa gira Katie ha hecho poquísimos conciertos y en todos estos años no había conseguido articular una gira como tal. Su primer intento fue con la salida del álbum “Hirudin” (2020) pero entre la imposibilidad de reunir una nueva banda de apoyo y sobre todo el Covid, cualquier posibilidad de tocar el disco en directo se vino al traste, pasando esta etapa con más pena que gloria.

Después de esta complicada experiencia parecía que el proyecto Austra estaba en dique seco, tan solo supimos que había compuesto música para un ballet, “Swan song” que salió en 2023, a decir verdad, un trabajo menor.

Sin embargo, a finales del año pasado surgió la sorpresa, un nuevo álbum “Chin Up Buttercup” y por fin una gira internacional en condiciones para presentarlo, bastante extensa, así que nos fuimos a Bruselas que era la fecha que mejor nos cuadraba ya que era fin de semana.

Después de hacer algo de turismo (hacia 10 años que no visitaba esta ciudad), nos dirigimos al lugar del concierto “Le Botanique” que resulto una especie de complejo multiusos con una pequeña sala de conciertos. No nos dio tiempo a ver a la telonera Elsas.

Lo primero que nos sorprendió al llegar al lugar del concierto fue lo pequeña que era la sala, la cual se encontraba totalmente abarrotada en su capacidad que no debería ser mucho mayor de 300 personas. Este error de cálculo provoco que no fuera un concierto cómodo, el personal de seguridad hacia lo que podía para poder ubicar al público que seguía llegando, pero había poco margen de actuación, el espacio era el que era.

Puntual apareció Katie Stelmanis con un vestido negro con toques rojos acompañado de unos zapatos un tanto extravagantes, habían pasado 8 años desde la última vez y hay que decir que estos años le han sentado de maravilla, la vi más guapa que nunca. Le acompañaban en esta ocasión dos chicas, una a cargo de la batería y otra que se ocupaba del bajo y los coros. En mitad del escenario se situaba un teclado que Katie tocaba de vez en cuando.

El concierto comenzó con “Siren song” uno de los singles de adelanto del nuevo disco, un comienzo potente ya que se trata de una canción que recoge lo mejor del sonido clásico de Austra y lo cierto es que es muy accesible. En la siguiente canción se pasó a una vertiente más experimental y minimalista con “Math equation” que fue el primer adelanto del nuevo álbum y que puede que sea el single más inusual de toda la carrera de Austra, la verdad es que funcionó muy bien.

La primera canción antigua que apareció fue “Utopia” del álbum “Future Politics”, que sería muy celebrada, pero estaba claro que el protagonismo del concierto se lo llevarían las canciones nuevas y allí aparecieron la hipnótica “amnesia” que es la canción que abre “Chin Up Buttercup” y que pensé que abriría también el concierto, pero no fue así. Siguió la triste “Blindsided”, que sigue la temática del último álbum que es la ruptura de una relación, el intercambio de culpas, y el proceso de reconstrucción mental después de esta ruptura.

Uno de los mejores momentos del concierto fue cuando Katie empezó a tocar en el piano la reconocible melodía de “Home”, uno de sus singles más acertados y tema principal del álbum “Olympia” (2013). Una mirada al pasado y vuelta al presente con más temas nuevos como el que da título al álbum “Chin up buttercup” o “Think twice”, este último con no poco parecido con el tema “Painful like”, que por cierto no fue incluido en el setlist.

Si bien los nuevos temas fueron muy bien recibidos, había ganas de escuchar canciones que ya se han convertido en casi clásicos. Así llegarían “Future politics” y “I love you more than you love yourself”, en unas versiones con apenas bases rítmicas que, si bien no estaban mal, estoy seguro que el público hubiese preferido que se hubiera ceñido a las originales.

Donde nadie pudo poner ninguna pega fue en la interpretación de la siempre contundente “Beat and the pulse”, sin duda es un tema que nunca falla y que pone la sala patas arriba. De esta manera nos adentrábamos en la recta final del concierto, mucho más intensa. Con muy buen criterio incluyo en este tramo dos de los temas más bailables del nuevo álbum: la positiva y luminosa “Fallen cloud” y “The hopefulness of dawn”, esta última bastante influenciada por el eurodance de los 90.

Katie se despedía, como no podía ser de otra forma, con su tema más popular “Lose it” que a estas alturas se puede considerar todo un clásico. Una versión bastante fiel a la original que dejo al público más que satisfecho antes de que llegaran los bises.

El primero de ellos fue un tema nuevo, la balada “Good ridance” que cierra el nuevo disco, a la que siguió la mágica “Spellwork”, otro tema clásico de su álbum debut “Feel It Break” (2011) que volvería a levantar al público.

El concierto sería realmente finalizado con la emocionante “Hurt me now”, tema que cierra su segundo álbum “Olympia” y que resulto perfecto para dar por concluido este reencuentro con Katie Stelmanis y la presentación de sus nuevas canciones.

Varias conclusiones sobre esta vuelta a los escenarios de Austra: en la parte positiva Stelmanis supo defender muy bien las nuevas canciones, nada menos que nueve sonaron y para nada desentonaron con material más antiguo, dejando claro que “Chin Up Buttercup” es un buen disco que debemos celebrar.

La verdad que nos lo pasamos muy bien, Katie canto extraordinariamente durante la hora y cuarto que duro el concierto demostrando no haber perdido nada de su característica voz.

En la parte negativa, no me gusto que todos los sintetizadores y bases estuvieran grabadas y fueran lanzadas desde un ordenador portátil, vamos que Ryan Wonsiak ha sido sustituido por un portátil, me pareció un detalle low-cost que no beneficio al sonido y que también deja de manifiesto que a esta nueva versión de Austra aún le queda camino para ponerse a la altura con la anterior.

En definitiva, una esperada vuelta de Katie Stelmanis que pudimos disfrutar en Bruselas y que esperemos podamos volver a verla en alguna otra ciudad ya que parece que por fin se ha reactivado para girar de forma extensiva, algo que debemos celebrar.

Texto y fotografías: Alfredo Morales.

Programa Arcade Fire "Everything Now" (Temporada 17/ Programa 7)

2026-05-10T20:42:00.000+02:00

El pasado sábado 25 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) llevamos a cabo un programa en el que pretendimos justificar los buenos detalles del disco "Everything Now" de Arcade Fire.

Aportamos nuestras opiniones, pusimos varias de sus canciones en primer plano y también comentamos nuestra experiencia en directo con el grupo. El programa lo llevamos a cabo Mariano González y Víctor Prats.

Por si no pudieron escuchar el directo en su momento, aquí les dejamos enlace a su alojamiento en Ivoox para su libre descarga y también les insertamos el reproductor para su escucha directa aquí mismo si lo prefieren:

Temporada 17/ Programa 8: Kiko Veneno y “Está Muy Bien Eso Del Cariño” (1995)

2026-05-08T17:30:00.001+02:00

Llega el turno de rendir tributo a otro grande de nuestra música, en este caso a Kiko Veneno. Lo haremos este sábado 9 de mayo de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

El disco que hemos escogido para reconocer a Kiko es uno de los más exitosos de su trayectoria y con el que consiguió una gran repercusión a mitad de los 90: “Está Muy Bien Eso Del Cariño”.

Creemos que será un programa lleno de buena música, que transmite muy buenas vibraciones. Confiamos en que no nos falten a la cita. Les esperamos.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1655334295508487

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/

El Último De La Fila - La Rebelión De Los Hombres Rana (1995)

2026-05-01T17:24:00.003+02:00

Este es un disco dentro del estilo DMR. De los que nos gusta analizar. Digo esto, porque “La Rebelión De Los Hombres Rana” es como el patito feo de los discos de El Último De La Fila. En efecto, Manolo García y Quimi Portet habían alcanzado un éxito enorme con “Astronomía Razonable” (1993), llegando casi al millón de copias, y dejando clásicos como “Como un burro a la puerta del baile” o “Mar antiguo”. Y aunque en realidad el disco que nos ocupa no le fue mal, de hecho, fue número uno, es quizá de los menos recordados de la banda. El que menos, probablemente. Y en comparación de donde venían hay un menor número de clásicos. El más recordado de ellos “Sin llaves”.

Muchas críticas a este disco suelen ser casi todas de la misma índole. El sonido es frío, otoñal. Demasiado sobrio, incluso. Pero ninguno de esos atributos por sí mismos me llevan a pensar que un disco sea malo por eso. Es inevitable pensar en la evolución de El Último De La Fila y de cómo un grupo de pop rock aflamencado, vivaracho y vital paso a ser un grupo más introspectivo. Pero en realidad esta sobriedad se venía labrando desde “Nuevo Pequeño Catálogo De Seres Y Estares” (1990). Además, lo de frío es relativo. Sigue habiendo bonitas canciones, emotivas y evocadoras, con más apelación al corazón que al intelecto. Cambian un poco los ingredientes, pero el poso permanece.

Yendo a la calidad de las canciones el disco merece más fama de la que tiene. Excepto algún tema de transición (ni siquiera malo) hay nivel notable de composición, Sí reconoceré que hay algo, quizá no buscado intencionalmente, que sabe a despedida. Acaso por el tono, el aura que le rodea, o nuestra propia percepción tras saber que después vendría la separación ha calado en nosotros. Pero la sonoridad melancólica ayuda a este regusto. En cualquier caso, es un conjunto de melodías sólido y ajustado.

Las letras no varían demasiado, por mucho que muestren cierto abatimiento. Continúa la mezcla de lo cotidiano y lo surrealista, lo mundano y la metáfora inesperada, como pequeñas ensoñaciones que, sin embargo, no se apartan mucho de la realidad. El trabajo del grupo en ese apartado siempre fue impecable.

1995 fue un año de cierto desmoronamiento de los grupos y artistas ochenteros. Héroes Del Silencio lanzan casi a la vez “Avalancha”, siendo también su último disco de estudio. Gabinete Caligari se dan otro topetazo con “Gabinetíssimo”. Mikel Erentxun saca su segundo disco en solitario, el infravalorado “El Abrazo Del Erizo” y se va afianzando fuera de Duncan Dhu. Los sonidos estaban cambiando y el inevitable decurso de los gustos va afianzando nuevos grupos, mientras los que estaban antes tuvieron que dar un paso al lado. Quizá “La Rebelión De Los Hombres Rana” tenga también algo de eso, de sabor de fin de ciclo, Y eso añade algo de desazón. Pero los méritos son suficientes como para escuchar y valorar “La Rebelión De Los Hombres Rana” en su justa medida.

ANÁLISIS DEL DISCO.

1. “¡Qué bien huelen los pinos!”: No detecto grandes cambios desde “Astronomía Razonable”, la verdad. Comienza con unos sintetizadores sobrios para ir dando entrada al resto de la instrumentación. A ratos hay incluso un punteo de guitarra española. El estribillo resulta bastante afortunado, lírico y con unas muy buenas inflexiones de Manolo García. Canción que sigue una línea muy clásica del estilo de EL Último De La Fila.

2. “Las hojas que ríen”: Esto sí que suena más abatido, ensimismado y melancólico. Se toma su tiempo para generar atmósfera, con unos teclados más patentes. De hecho, es la canción más larga del disco con casi cinco minutos y medio. Hay un cambio de sonoridad en el estribillo, volviéndose la melodía más roquera. Suena bien, pero es de esas canciones que quizá necesiten de varias escuchas para lograr entrar en ella. Funciona en su contexto de canción triste. La letra de Manolo García ahonda en este sentimiento.

3. “Vestido de hombre rana”: En este caso el cambio de sonoridad es más marcado aún. Pierde el toque roquero y gana en teclados atmosféricos. De no ser porque las bases son más animadas, podría ser un intento de trip hop. Manolo García canta en un tono más bajo, más grave que de costumbre. Tiene cierto aire a sutil y accesible experimentación, al menos para las características del grupo. Y suena bien, Después de haber grabado “Astronomía Razonable” en los estudios Real World de Peter Gabriel, la banda volvió a Barcelona para su último disco de estudio. Y no creo que lo acuse demasiado, Fue cuarto single del disco. Tiene una curiosa letra de Quimi Portet.

4. “El bombero del atardecer”: Las guitarras eléctricas que desaparecían en el tema anterior vuelven en éste. Sobre todo, en el estribillo, que es de los más incisivos del disco. Es otra que podía haber estado en “Astronomía Razonable”. Tiene algunos arreglos curiosos, incluyendo alguna guitarra grabada al revés. El estribillo quizá se repita alguna vez de más, pero es un momento enérgico que viene bien de vez en cuando.

5. “Sin llaves”: Primer single, y la canción más conocida. del disco. Y es entendible. Es un pop rock clásico, sencillo, donde no sobra ni falta nada. Buen puente, bien estribillo, y los punteos justos y necesarios. Incluso recuperan algo del “gracejo” de otros tempos. No es tema apoteósico, ni falta que hace, puesto que en su sencillez está parte de su gracia.

6. “Pedir tu mano”: Está canción es simpática, entre otras cosas por las imaginativas formas de pedir la mano a alguien que se le ocurren a Quimi Portet. La canción tiende al minimalismo, prácticamente se vale de una guitarra acústica y de un arreglo ambiental. Es una canción breve (no llega ni a tres minutos), pero que te deja con una sonrisa en la cara. Fue segundo single.

7. “Bailarás como un indio”: Las dos canciones anteriores contrastan con el tono nostálgico y desalentado de esta canción. Un sobrio lamento. La voz de Manolo es más solemne, y se hace acompañar de un eco que la hace más misteriosa. Tiene el contraste de que instrumentalmente es una de las canciones más marcadas, pero al mismo tiempo, pero quizá sea también la más melancólica. A decir verdad, es uno de mis momentos favoritos del disco. Fue quinto single.

8. “Dímelo tú”: Es un medio tiempo amable sin mucha trampa ni cartón, competente melódicamente pero quizá rutinaria. Es más o menos animada y en el estribillo se vuelve casi un reggae. Es agradable de escuchar, pero se nota como cierta desgana. Nada grave, pero no es particularmente memorable. 9. “A medio soñar”: Vuelve el rock, pero de una manera aquietada, tranquila. Quimi Portet aumenta un poco la distorsión de las guitarras, eso es todo. No es particularmente pegadiza, pero casa bien con el tono introspectivo y onírico de la letra de Quimi Portet. Tiene una atmósfera cuidada que se va apreciando más con sucesivas escuchas.

10. “Uva de la vieja parra”: Esta canción es cien por cien Manolo García. Letra con metáforas campestres y un sonido más cercano a lo clásico del grupo, con menos atmósferas. Tono leve y predominancia de las guitarras acústicas. Suena tan familiar que la canción casi te cae simpática de entrada. Y eso es lo que es: una canción simpática. Nada especial, pero se escucha con agrado.

11. “Illetes”: Hay que reconocer que el disco acaba con un perfil bajo, quizá demasiado bajo. Esta última canción es un instrumental sencillo, agradable, acústico, que si hubiera sido más breve podría haber sido una coda simpática. Pero dura unos cuatro minutos y no tiene gancho de fin de disco. Supongo que el nombre estará tomado de la localidad mallorquina, y quizá la canción trate de captar una calidez tranquila y mediterránea. Lo tomaremos como una propinilla y ya está.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.

Después de “La Rebelión De Los Hombres Rana” no hay mucho que contar sobre El Último de la Fila. En 1996 dieron su último concierto y se separaron oficialmente en 1998, año en que Manolo García lanzó con bastante éxito “Arena En Los Bolsillos”. Lo de último concierto es un decir, porque tres décadas después el grupo ha vuelto a las tablas y está de gira. De hecho, tengo entrada para ir al concierto del 23 de mayo en Madrid, junto con mi amigo y dueño de este blog Víctor Prats. Veremos por dónde resoplan, pero las expectativas están altas.

Tampoco olvidemos “Desbarajuste Piramidal” (2023) una reinterpretación de veinticuatro canciones de la banda, en algunos casos cambiando ostensiblemente los arreglos. A decir verdad, no lo he escuchado demasiado.

Manolo García ha tenido una carrera de gran éxito, basado en un estilo inconfundible que en un importante porcentaje recuerda a El Último de la Fila. “Arena En Los Bolsillos” dejaba atrás las atmósferas de los últimos compases de El Último De La Fila y afilaba las guitarras y volvían los tonos aflamencados. Para botón de muestra de esto último recuérdese la famosa “Pájaros de barro”. “Nunca El Tiempo Es Perdido” (2001) fue otro gran éxito, de un estilo similar y canciones como la canción título o “Somos levedad”.

Y así siguieron “Para Que No Se Duerman Mis Sentidos” (2004), “Saldremos A La Lluvia” (2008)… Pocas objeciones se pueden poder a la carrera de Manolo García.

La carrera de Quimi Portet ha estado más en los márgenes, y alejada de la comercialidad. Mentiría si dijera que conozco bien su historial (igual sería cuestión de ponerse). Víctor Prats me enseñó en su momento un vídeo de “La rambla”, canción del disco “Hoquei Sobre Pedres” (1997), y no sonaba mal.

En fin, que es un buen momento para recordar la discografía de El Ultimo De La Fila, con una gira en ciernes, que hasta hace no tanto `parecía impensable y unas canciones realmente perdurables.

Texto: Mariano González.

Programa Golpes Bajos "Devocionario" (Temporada 17/ Programa 6)

2026-04-26T16:13:00.003+02:00

Era turno de rendir homenaje a una banda tan breve como magnífica del panorama pop español. De Golpes Bajos decidimos escoger su último disco "Devocionario" para acordarnos de su legado y también de paso, aunque hayan pasado varios años ya, hacer tributo póstumo a German Coppini.

La cita fue el pasado sábado 11 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Fue un diálogo musical entre Mariano González y Víctor Prats, el cual si no lo pudieron escuchar en su directo les dejamos el reproductor aquí mismo para su acceso y también a su alojamiento en Ivoox por si optan por su libre descarga: https://www.ivoox.com/dmr-17-6-golpes-bajos-devocionario-1985-audios-mp3_rf_172580211_1.html

Temporada 17/ Programa 7: Arcade Fire y "Everything Now" (2017)

2026-04-24T17:30:00.001+02:00

Llega el turno de volver a prestar atención al grupo canadiense Arcade Fire y lo vamos a hacer de la mano de uno de sus discos más discutidos, el "Everything Now" de 2017. Es un trabajo que, nuevamente a contracorriente, nos gusta y que intentaremos defender a lo largo del programa con nuestras opiniones.

En su día pudimos asistir a la gira de presentación del disco en Madrid y también comentaremos algo de aquella experiencia durante el programa. La cita será el sábado 25 de abril de 2026 a las 16.00h en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), tanto en la emisión online como en el dial 107.4FM si están cerca de Alcalá de Henares.

Links de interés:

Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1944495422851423

Emisión on-line RUAH: https://www.ruah.es/emision-online/