Discos, música y reflexiones

Peter Gabriel - 4 (Security) (1982)

2012-05-26T19:23:00.000+02:00

Damos un paso atrás en el devenir discográfico de Peter Gabriel, el cual llevaba mucho sin aparecer por el blog ya que solamente pasó por aquí con un artículo hasta la fecha, el que concedimos a su “So” hace 1000 años. Y es que el paso atrás es en su historia discográfica partiendo de “So” y si no tenemos en cuenta el ítem en directo “Plays Live”. Hoy nos enfrentamos a su disco quizás más inaccesible, el que supuso su 4 disco en solitario, titulado con ese número y con el sobrenombre de “Security”, lo cual se sabe en círculos muy reducidos de fans del artista.

Gabriel alcanzó el punto exacto entre experimentalismo y accesibilidad con su 3er. disco, “3” o “Melt”, editado en 1980. Sin embargo, 2 años después, y salvo el single exitoso “Shock the monkey” y alguna otra canción perdida, las 8 piezas que selló en su nueva entrega suponen un giro más en la rueda de la experimentalidad y el carácter no abierto de sus composiciones.

Además, con estos días soleados y casi veraniegos, no veo mucha lógica en proponer su escucha y publicar su artículo hoy, pero bueno, así me ha dado y así se lo expongo. Su anterior álbum “3” tuvo muy buena prensa y acogida y puso a Gabriel en un plano relevante dentro de la vanguardia en los días de explosión de la new wave. De ahí sacó incluso algún pequeño clásico de su discografía como es “Games without frontiers” con una Kate Bush haciendo unos coros en francés de lo más curiosos.

La asfixiante y contundente, sobre todo por su percusión casi tribal a ratos, “The rythm of the heat” se encarga de abrirnos camino, o más bien de cerrárnoslo, a la obra. Estamos ante una composición oscura, decadente, con un Gabriel doliente a ratos en el micrófono, que cede el testigo a uno de los clásicos que han quedado del disco, al menos para los seguidores de Peter. Nos encontramos a “San Jacinto” en 2º lugar, que descarga con sus inquietantes notas sintetizadas y en la que Peter Gabriel se vuelve a mostrar realmente emocionado e intenso sobre todo en el estribillo. Más pop y amable puede resultar “I have the touch”, que junto a la posterior “Shock the monkey” se encarga de nivelar algo la balanza hacia el terreno pop. Quizás puede resultar algo reiterativa esta “I have the touch”; personalmente he tardado muchos años en cogerle el punto, pero he de confesarles que tras mucho tiempo y quizás tras una larga temporada con su escucha en barbecho (hacía razonablemente más de 2 años al menos que no escuchaba el disco “4” de Peter Gabriel ni ningún recopilatorio en el que se incluyera “I have the touch”), en estos días en que he vuelto a detenerme en ella me ha causado mejores sensaciones de las que recordaba. Abigarrada, discontinua y con interesantes cambios de ritmo en su generosa duración (más de 7 minutos) se presenta “The family and the fishing net”. Es difícil quedarse con algún pasaje a primera escucha de este tema y no resulta muy accesible. A ratos resulta algo obsesiva y ofrece pasajes rítmicos e intensos.

El gran éxito fue “Shock the monkey”, con un videoclip oscuro, lleno de luces deslumbrantes (muy identificativas de videoclips de aquellos años) e inquietantes fotogramas. Las melodías de teclados son llevaderas, oscilantes y muy melódicas. Gabriel se exagera en ciertos momentos al micrófono para ofrecer uno de los mejores momentos del disco y de su historia en solitario. “Shock the monkey” es de mis favoritas por su sentido rítmico y lo vital que resulta, ya que se puede considerar un tema incluso bailable. “Lay your hands on me” es otro pasaje largo y agreste, con notables golpes de batería en su parte central y con coros hipnóticos que ayudan a Peter a repetir el título de la canción cuando llega el turno. Otra composición para nada pop, muy experimental, llena de importantes latigazos de percusión (como ya sucedía en la inicial “The rythm of the heat”). Algo reminiscente de “Family snapshot”, sobre todo por lo verdaderamente emotiva y bonita que es, resulta “Wallflower”, en la que las notas de piano toman el protagonismo a la par que Gabriel se esfuerza notablemente en el apartado vocal. Sin duda, una de las verdaderas joyas ocultas de este disco, que en sí también es una joya oculta global dentro de la discografía general de Peter Gabriel. El cierre lo supone la rimbombante y saltarina “Kiss of life”, que a la par nos reporta un instante muy luminoso y animado, que contrasta con otras tantas partes o capítulos de distintas sensaciones que nos ha ofrecido el 4º disco de estudio de quien liderara a Genesis antes de que decidiera marcharse y Phil Collins tomara el mando.

En aquellos días de 1982, el disco tampoco es que fuera un éxito muy rotundo para Peter. Había otros grupos que se ganaron más los favores del público y está claro que ya desde aquí Peter empezó a meditar mucho sus lanzamientos de estudio. El siguiente paso lo daría con “So”, que sí que fue un triunfo aplastante de Gabriel a nivel comercial y puso al artista nuevamente en el primer plano de la música pop.

De esta obra hay que destacar su carácter más agreste, vagamente oscurantista (aunque sin llegar a extremos) y el poder deleitarse con sus pasajes sugerentes en melodías no evidentes, aderezadas con el experimentalismo tradicional que aporta Peter Gabriel a casi todo lo que toca. Por su falta de inmediatez, se les puede hacer algo cuesta arriba en sus primeras escuchas, o quizás, dependiendo de sus gustos, no termine de gustarles nunca. Terminando por hoy, diré que es un disco parecido al buen vino, que con el paso del tiempo ofrece un mejor sabor, básicamente porque te vas acostumbrando a él y porque en definitiva el material que ofrece es bueno.

En nuestro programa de radio, esta semana no habrá estreno, sino que aprovecharemos para reponer algún programa antiguo, de cara a ajustar nuestro cierre de temporada a mediados de junio. Permanezcan atento el miércoles a nuestros horarios de emisión, a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en &radio.

Kraftwerk - Electric Café / Techno Pop (1986)

2012-05-19T12:22:00.000+02:00

Curioso el último disco de estudio de Kraftwerk con su formación clásica. Quizás a “Electric Café”, como se le ha conocido tradicionalmente hasta que en las reediciones últimas se haya renombrado a “Techno Pop” (la 1ª vez que en un post nuestro ponemos 2 títulos de disco), le falla algo el ensamblaje, ya que ofrece 2 ideas completamente distintas en su concepción clásica como vinilo, ya que la cara “a”, tiene poco que ver con la cara “b”. Ahora les explicaré esto, pero antes hablemos un poco de los antecedentes a esta obra de 1986.

Había pasado mucho tiempo desde el último lp de los alemanes. Fue en 1981 cuando en plena vorágine del movimiento que ellos habían provocado, lanzaron al mercado, sentando cátedra, “Computer World”. Pasarían 5 años hasta que el grupo sacara su siguiente disco de estudio y el tiempo trascurrido evidencia un incipiente mal rollo entre los 4 miembros históricos de Kraftwerk. No se puede obviar que entre medias se anotaron otro clásico, como fue esa banda sonora creada para el Tour de Francia.

Si las obras de Kraftwerk tenían un concepto lírico, temático y también musical que impregnaba sus discos de arriba a abajo, con sus idas y venidas a la idea origen, lo que sucedió con este “Electric Café” es que la conceptualización solamente se verá en la cara “a” y la cara “b” parece más bien un pequeño ep de 3 canciones de claro sentido techno-pop (de ahí quizás su renombramiento), que más bien nos hace ver claramente que este disco son 2 eps unidos y que por ello la cara “a” puede que sea propiamente “Techno-pop” y la cara “b” “Electric Café”.

Y es que en la cara “a” el concepto claro es que la música no pare y que si no para, que siga sonando con techno pop. “Boing boom tschak” es la onomatopéyica apertura, en la que las notas de los teclados se ven claras sobre la percusión sintética de W. Flür. Aparte del reiterativo título del disco, se mete por ahí cosas como “pin” (lo cual me evoca a que algo te insista en que metas el pin a tu tlf. móvil; Kraftwerk, unos adelantados a su época) y algún chistado por ahí. Es cortita. No llega a 3 minutos y deja el paso a la conceptual “Techno pop”, en la que los guiños al español aparecen claramente y en el que las melodías sintéticas por momentos son muy serias y solemnes. Ya se mezclan en las letras y partes vocales (a cargo de vocoders) la unión del título de la siguiente canción y ésta, que ya he mencionado unas líneas más atrás. Aquí Kraftwerk hacen uso de ese vocoder que me recuerda vagamente a la voz del fallecido Papa Juan Pablo II, que ya utilizaron unos años atrás en “Numbers”. Esta canción casi mesiánica en algunas de las leves ideas que Kraftwerk siempre han transmitido directamente, nos avisa de que “la música ideas aportará y siempre continuará…”. Potente y rotunda es “Musique non-stop”, que pone fin a la primera parte del disco o cara “a” del vinilo. Esos sintetizadores tan atmosféricos y contundentes han sido tradicionalmente final de concierto del grupo en sus últimas giras. Es maravilloso poder deleitarse con su contundencia y la lógica aplastante de sus entramados sintéticos, mientras que se remarca el tema conceptual del disco, el cual solamente se ve en la cara “a” o primera mitad.

La cara “b” o 2ª parte del disco abre con la deliciosa “The telephone call”, en la que Depeche Mode se evidenciarán en unos meses, ya que algunas partes de “Strangelove” y la horrenda “Pleasure little treasure” pueden sonar inequívocamente a esta composición, que a la vez es una de las más pop en sentido estricto que Kraftwerk haya compuesto nunca. Muy educado Bartos al cantar “te doy todo mi afecto y te doy mi tiempo”; caballerosidad alemana, por fría que esta resulte. El videoclip, con el grupo hierático con el teléfono al oído, nos muestra entre sus componentes a un rejuvenecido Florian Schneider, que se muestra con un corte de pelo muy juvenil, con el que que combatía a la alopecia con la que terminaría perdiendo la batalla. Composición larga de casi 8 minutos a la que sucede “Sex object”, que con sus arreglos clásicos tiene un sonido más manierista y una letra cuanto menos curiosa. Esos guiños al español con los “quizás” y los “a lo mejor”, son moderadamente chocantes y graciosos para el público castellanohablante. ¿No me dirán ustedes que en ciertas notas, que si no son rasgueos de guitarra puntuales, se puede apreciar paralelismo en “Behind the wheel” de Depeche Mode? Está claro que mis queridos amigos de Basildon estuvieron muy influenciados por “Electric Café” a la hora de confeccionar su maravilloso “Music For The Masses” de un año después. “Sex object”, en definitiva una canción mucho más solemne por esos arreglos que impregnan su melodía y en todo caso otro ejemplo de pop accesible o medianamente accesible al menos que Kraftwerk regalaban al mundo en 1986. Se termina con la canción que da título a la obra, y que en consecuencia concedería el nombre a la 2ª parte o cara “b”, debido al renombramiento de los últimos tiempos. “Electric café” es mucho menos accesible que sus 2 compañeras de la cara “b” o 2ª mitad. Estamos ante un tema instrumental, con los únicos aportes vocales en plan de leves apuntes telegráficos por parte de Hütter y ayuda de vocoders algo desafinados que nombran el título de la canción.

El disco en su día no fue recibido con excesivas buenas críticas y de hecho ha pasado mucho tiempo hasta que varias personas nos hayamos dado cuenta de su valía; de hecho, con algún compañero mío de trabajo, con el que solamente coincido en época navideña, por eso de que no tenemos el mismo turno y en esos días le obligan a cambiar, periódicamente mencionamos a este ítem de Kraftwerk y sobre todo ciertas marcas suyas como imitar los sonidos de “Boing boom tschak” o los “quizás” o “a lo mejor” de “Sex object”. No obstante, muchos lo siguen viendo o escuchando con desconfianza.

Lo siguiente del grupo sería el “The Mix” de comienzos de los 90 y la salida de Flür y Bartos, con lo que se acabarían los Kraftwerk clásicos. Este disco de portada a base de un dibujo boceto de las 4 cabezas de los Hütter, Schneider, Bartos y Flür, quizás hubiera gustado más a los fans añejos si se hubiera englobado a todo el disco con el carácter o idea de la 1ª mitad. Es decir, que si “Musique non-stop” se hubiera situado al final del disco, quizás hubiera ayudado a que la obra no fuera tan extraña en su concepción partiendo de lo hecho en otros casos como “Trans-Europe Express” en el que se empezaba y finalizaba con sonidos parecidos.

En todo caso, estimo que tal como está concebido el disco es interesante. Da la impresión de escuchar 2 obras distintas, 2 eps que no sé si serán muy complementarios, pero que son resultones. Primero pasas por la suite compuesta por los 3 primeros temas y luego te metes en un mundo más cercano al pop electrónico, pero con el sello y personalidad evidente de Kraftwerk, que nunca violaron su espíritu y como mucho ofrecían cosas como estas dispuestas como antepenúltimo y penúltimo capítulo de esta obra, a semejanza de un “The model” del “The Man-Machine” o “Showroom dummies” del “Trans-Europe Express”. No se “retiraron” del material nuevo de estudio los Kraftwerk clásicos por la puerta grande, pero sí que lo hicieron de forma bastante digna, o al menos así lo creo yo.

Esta semana podrán escuchar a las 23.00h el miércoles en RUAH y una hora después en &radio la 2ª parte del Especial Alaska Y Dinarama que hicimos en directo un sábado por la tarde hace ya un tiempo.

Depeche Mode - Construction Time Again (1983)

2012-05-12T14:39:00.000+02:00

Está muy claro que tras el a ratos fallido “A Broken Frame”, aunque ya saben que a mi particularmente no me disgusta, Depeche Mode tenían que remontar el vuelo y demostrar que el éxito de “Speak & Spell” no fue casualidad. Aunque el que fuera el 2º disco de estudio del grupo tuvo algún que otro éxito y también incluyó algún tema muy querido por los fans más añejos del grupo, como son “Leave in silence” o “The sun and the rainfall”, había una generosa dosis de relleno y temas vergonzosos como la rocambolesca “Monument” (que coloquialmente llamo “Menumento” para mis adentros) y “Satellite”; realmente malas.

Entre medias de este trabajo y el que hoy nos ocupa, el cual también tiene una cierta lógica de título vinculada a la situación del grupo en aquellos días, como ya sucedía con “A Broken Frame”, el grupo terminó de reclutar y oficializar a Alan Wilder como miembro del grupo a plenos derechos, fortaleciendo al trío formado por Dave Gahan, Martin Lee Gore y Andrew Fletcher, y editó un single que no me parece del todo malo, “Get the balance right”.

Estimo que “Construction Time Again”, más que un conjunto sólido y bien nivelado de canciones, ofrece su importancia en la historia del grupo en la novedosa producción y el sonido global del disco. Y es que, como podrán escuchar, si es que aún no conocen la obra, en lo que a canciones individuales se refiere, el disco palidece en ciertos instantes claramente, aunque también aporta un temazo inmortal como la copa de un pino.

Un comienzo no demasiado deslumbrante es “Love in itself”, que además fue elegido como 2º single del disco. Para mostrar las facturas sonoras principales del disco, no está mal. Se nota la influencia centroeuropea, a la que Martin Gore estaba echando el ojo, y que terminarían de plasmarse en el que sería el siguiente disco de estudio del grupo. El videoclip, grabado en unas galerías o cuevas subterráneas, es cuanto menos curioso. Esos sintetizadores tan fastuosos, casi haciendo las veces de instrumentos de viento, se superponen a bombo y platillo sobre el resto de notas electrónicas. Por cierto, mejor la versión del álbum que el single, sobre todo por cómo engancha con el 2º corte del disco. Frenética, acelerada y que además permite ver a un Dave Gahan desaforado al micrófono, es “More than a party”. Nos enfrentamos a un tema obsesivo, que va ganando beats a medida que avanza la canción. Una especie de martilleo hipnótico y en todo caso uno de los momentos notables de la obra. Muy interesante es la electroacústica, por definir su estilo de alguna manera, “Pipeline”. Martin Gore aborda temas obreros en la letra; “trabajando en el oleoducto” es lo que más se te queda de la canción, y es que esa fabulosa portada, con el obrero martillo en mano en lo alto de las cumbres nevadas, no es gratuita y además de ser una portada de fuerza tremenda y muy rotunda, tiene mensaje y contenido social que no se puede dejar de lado. No obstante, cualquier cosa se nos quedará en nada al lado del cuarto tema del disco. Señoras y señores, quítense los sombreros y pónganse en pié, ya que hemos llegado al capítulo del álbum en el que se encuentra “Everything counts”. Es cierto que la potente versión en directo de “101” es la que más ha quedado para el recuerdo, con ese Rose Bowl de Pasadena coreando la canción durante minuto y medio (ya podría haber tomado nota la gente en el Palacio de los Deportes en febrero de 2006...), pero en todo caso, la versión de estudio es fabulosa. Estamos ante uno de los grandes temas de pop más luminoso y azucarado de Depeche Mode de su historia junto a “Just can’t get enough”. Temas laborales circundan esa letra de melodía vocal a modo de telegrama y las melodías tan bonitas y alegres, jalonan el tema, al igual que los coros de Martin Gore. Me gusta mucho ese videoclip de imágenes superpuestas de Dave Gahan bailando y cantando sobre un fondo que me recuerda al viaducto de la calle Francisco Silvela de Madrid y esa parte final del grupo en la playa, que sin duda influye en el recuerdo y sensación cálida de esta maravilla en forma de canción. Tan solo por la inclusión de esta pieza en su conjunto, “Construction Time Again” ya merecería la pena. Sin embargo, y para que no nos confiemos, el grupo se empeña en encadenar 3 patinazos consecutivos para equilibrar la balanza. La menos mala es curiosamente la siguiente “Two minute warning”, que a ratos me da risa y cuyo estribillo tan trascendental no viene muy bien a qué.

Peor es “Shame”, que en lo único que acierta es en su título y en incluir la palabra “estúpido” en su letra. No termina de romper y por mucho empeño que le pone Dave al micro, es una de las claras lacras del disco. Pero, cuando creían que habíamos tocado fondo... ¡No! Llegamos a uno de los ejemplos (por si no habíamos tenido suficiente con “Two minute warning”) que muestran por qué Alan Wilder funciona muy bien como arreglista de temas ajenos y no como compositor puro y duro. “The landscape is changing” es un lamentable alegato medioambiental, que alcanza uno de los momentos más ruborizantes de Depeche Mode en un disco de estudio. Por fortuna el disco remonta en sus 2 últimos temas. “Told you so” merece mucho la pena, y sobre todo después de los 3 grandes disgustos que nos hemos pegado tras la alegría de “Everything counts”, y en parte nos puede recordar a “More than a party”, por ser en definitiva otra composición obsesiva y sesuda en sus formas rápidas y vertiginosas. Una especie de intentar reportar la calma y mesura de la fundamental “The sun and the rainfall” que finalizaba “A Broken Frame”, es “And then...”. Bueno, es cierto que la canción mejora por su estribillo, su punto fuerte, ya que algunas melodías de puente y ciertos pasajes de la letra son mejorables, pero en su conjunto me agrada y satisface escuchar. Me parece un buen capítulo final y recuerdo que en un viaje de verano que hice en julio de 2001 a Denia, me sirvió como banda sonora al llevarme la discografía de Depeche Mode en Mp3 para amenizar la estancia y el viaje. Se finaliza con el “reprise” de “Everything counts”, con un claro objetivo de enjuagarnos la boca y terminar con buen pié y recuerdo.

Disco inconstante el 3er. larga duración de los Gahan, Fletcher, Gore y el nuevo chico Wilder. Cierto es que ofrece momentos interesantes y rítmicos, pero sus momentos bajos pueden estar casi al nivel de las lacras de su obra predecesora. Quizás hubiera sido mejor incluir “Fools” en el listado del disco, y alguna de las piezas de esa mancha de 3 temas que median la obra, dejarla como cara b de alguno de los 2 singles.

Sin embargo, en conjunto el disco aprueba y el conjunto o el formato mejora inestimablemente por la fabulosa portada que ofrece, durante mucho tiempo mi favorita del grupo, en dura pugna con la que protagonizaría el siguiente disco “Some Great Reward”. Lo importante sobre todo es que el grupo buscaba crear una personalidad propia inspirándose en las vertientes electrónicas centroeuropeas y que la producción de la obra, incluso hasta en las canciones flojas, es bastante interesante.

Sin embargo, el disco repuntó, gracias sobre todo y lógicamente al papelón de “Everything counts” como sencillo. En su día tampoco se fue tan a fondo en criticar el relleno que a ratos te despacha la obra; bueno, quizás es que esas canciones son buenas y es sencillamente que a mi personalmente no me gustan, lo que pasa es que he hablado con muchos, muchos y muchos fans de Depeche Mode a lo largo de mi vida y todos han estado de acuerdo conmigo. No obstante, como suelo decir, para gustos los colores.

Depeche Mode sentaban las bases de su proyecto y retomaban fuerzas tras la marcha de Vince Clarke. El grupo salió con mucha seguridad y de ello deriva que el siguiente disco fuera su primera gran obra de principio a fin. Como curiosidad hay que mencionar que el grupo vino en la gira del disco que nos ocupa a Madrid a tocar a la Escuela de Caminos, que en la actuación a David Gahan le tiraron un vaso y tengo entendido que en la rueda de prensa no les trataron demasiado bien, tomando los periodistas al grupo muy poco en serio; el grupo no lo encajó bien (normal) y hasta 1987 no volverían por nuestras tierras. Resumiendo, “Construction Time Again” no es tan buen disco como la gente dice, pero merece la pena rescatarlo de cuando en cuando. Es cierto que hay que valorar su técnica e ideas, pero las mismas no estaban afianzadas y a ratos estimo que se nota. Juzguen ustedes por si mismo, yo solamente soy otro gran aficionado más de Depeche Mode desde hace muchos años de tantos y tantos millones que hay, que tiene sus gustos personales.

De nuestro programa de radio, decirles que este miércoles a las 23.00h en RUAH y a las 23.59h en &radio, podrán escuchar la primera parte del Especial Alaska Y Dinarama de 2 horas que hicimos hace unas semanas atrás en directo en la sintonía de &radio. El Especial Miguel Bosé estará subido lo antes que pueda a partir del domingo, día en el que a las 16.00h en &radio podrán volverlo a escuchar.

Discos, música y reflexiones os presenta el nuevo disco de Najwa “Donde Rugen Los Volcanes”

2012-05-09T00:23:00.000+02:00

A modo de introducción de lo que será el próximo post que hagamos sobre el nuevo trabajo discográfico de Najwa Nimri, sirva este post que viene a comentar el encuentro que la cantante, compositora y actriz tuvo con los medios de comunicación a 8 de mayo de 2012 como preludio o para que vayan abriendo boca al respecto, al igual que también lo fue la crónica del concierto que Najwa ofreció hace unas semanas en la Joy Eslava.

Se nos había citado a los medios de comunicación en la IAM Gallery situada en la calle San Blas, cerca de Atocha, a las 19.00h para que Najwa nos hablara de su nuevo disco “Donde Rugen Los Volcanes”, justo en el mismo día en el que el mismo salía a la venta y que a la par se situaba como número 1 en descargas de música electrónica en nuestro país. Arriba de este párrafo, Najwa en los primeros compases del evento, antes de comenzar con la espontánea e informal rueda de prensa.

Najwa, con un Raúl Santos que por fin en este álbum da un paso adelante para estar más cerca de Najwa, aparte de ser el productor del disco, nos recibió de muy buen humor, vestida con un jersey con el estilismo de la cazadora con la que aparece en el videoclip del primer single, y a los que allí estuvimos nos ofrecía y servía amablemente vino y otras bebidas a modo de perfecta anfitriona. Tras unos primeros instantes en los que pudimos beber y picotear algo, Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras dispuso a Najwa para que los allí presentes le preguntáramos lo que quisiéramos sobre el nuevo disco. Arriba y abajo del este párrafo, Najwa, con Raúl Santos de fondo, respondiendo a las preguntas que les realizamos.

Preguntas sobre por qué escoger el lugar y la forma de reunirse con los periodistas, sobre la composición de los temas, sobre la percepción que Najwa y Santos tuvieron tras el concierto de Joy Eslava y demás, supusieron los principales temas sobre los que Najwa y Raúl Santos respondieron a los allí presentes. Yo tuve también mi oportunidad y quise preguntarle a Najwa sobre el asunto de haber escogido el español de forma consecutiva en sus 2 últimos trabajos. Además, cuando un compañero le preguntó si en la nueva gira incluirían temas de discos antiguos, aproveché para recordarle aquel interesantísimo show que ofreció en el Festival Be Open, en el que “El Último Primate” sonó completamente distinto a como suena en estudio y como sonaría en consecuencia en un concierto posterior que vivimos semanas después en el Universimad de aquel año, por el asunto de que para incluir temas antiguos en la gira de este disco, supondría readaptarlos. Las siguientes imágenes que completan el artículo ya muestran a Najwa y a Raúl Santos en plena interpretación de los temas que escogieron para esta cita.

Y es que Najwa hablaba de que quizás podrían readaptar algún tema antiguo, mencionando como referencia a “Carefully” (no soy el único por lo visto que ha apreciado reminiscencias de aquel prometedor trabajo) y yo apostillé si se atrevería a darle la vuelta a “Go Cain”, a lo que Najwa me dejó contrariado cuando me respondió que a este tema le tiene cierta manía; “¡Vaya por Dios!” pensé. En una de esas, Najwa apreció mi admiración hacia su trabajo (previa a mi labor como periodista o crítico musical), respondiéndome “Yo también te quiero”, cuando le confesé que aquella actuación tan arriesgada y novedosa del Festival Be Open me gustó bastante. Los seguidores del blog saben que tengo debilidad musical por la Nimri, así que para que lo íbamos a negar.

Tras la rueda de preguntas, Najwa y Raúl nos ofrecieron la interpretación en directo, a modo de ensayo como decían ellos mismos, de la canción que titula el disco y la sorprendente y algo maldita “Pajaros de mal agüero”. Me hubiera gustado tras esto, cuando terminó en sí el evento y muchos nos quedamos allí tomando algo, haber hablado con Najwa, pero no fue posible, ya que parecía que tenía prisa y antes de marcharse se paró a hablar con otras personas y no vi opción. Con quien sí que pude hablar fue con Raúl Santos, al cual transmití mi admiración sincera sobre el trabajo que él y Najwa han hecho siempre juntos (podría Raúl pensar que le estaba dorando la píldora gratuitamente, pero como prueba pueden echar un ojo al post que publiqué haceaños sobre “Mayday”, en el que afirmo esto al menos 2 veces) y también él me mencionó “Carefully” al hablar del nuevo disco (al final será verdad que tengo oído).

Estoy deseando poder comentarles a fondo en artículo al uso del blog “Donde Rugen Los Volcanes”. Y más aún, espero poder contar con Najwa y Raúl en nuestro programa de radio para el final de esta temporada. Ya lo confieso: estamos trabajando con Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras (a la que agradecemos que contara con nosotros para la cita que aquí describimos) para llevar a cabo el programa y cuadrarlo dentro de la intensa actividad que Najwa y Raúl Santos tienen por delante en los próximos meses. Confío en que podamos hacerlo, ya que creo que quedará un programa que ustedes sabrán apreciar y además de lo que Najwa y Raúl pueden estar seguros es que les trataremos muy bien, y para nada eso será algo gratuito e impostado. La admiración por su trabajo está por delante. Pues lo dicho: lo antes que podamos, más…

La Mode - El Eterno Femenino (1982)

2012-05-05T15:48:00.000+02:00

Uno de los discos más míticos de la época de la llamada madrileña fue el primer lp del grupo liderado por el carismático escritor, cantante y compositor Fernando Márquez, más conocido como “El Zurdo”, La Mode. Es cierto que la génesis de La Mode tal cual ya se había dado lugar prácticamente en el anteproyecto de grupo de nombre Paraíso, pero bueno. El Zurdo había formado parte del grupo germen originario de todo esto, aquellos Kaka De Luxe en los que hacía voces junto a Carlos Berlanga, a la postre ambos piezas básicas en formaciones posteriores.

Junto a Antonio Zancajo y el teclista Mario Gil, que serían quienes saldrían airosos de la criba de gente que desfilaría durante la permanencia o vigencia de Paraíso, El Zurdo confirmó La Mode, que tampoco sería un grupo que durara demasiado en activo, al menos con la formación clásica u original que es la que aquí exponemos.

Es común asociar a La Mode, y también a Paraíso, con posturas musicales demasiado suaves, porque quizás los más grandes temas que han quedado para la posteridad y por los que la gente les recuerda, o los que les conocen por primera vez escuchan, son las volátiles y delicadas “Para ti” y la canción que concede título al primer lp del grupo, “El eterno femenino”. Eso es un claro error, ya que estos ítems quizás son únicos en sus texturas y formas suaves dentro del repertorio de La Mode. Ya desde su primer Ep se ven formas derivadas del rock nuevaolero y también se aprecia al Zurdo cantar con un tono menos frágil o azucarado.

Es muy curiosa la primera canción del disco que hoy revisamos “Wild puppet (we love you so)”, con esa mezcla de inglés y español en su letra. La reiteración del título de la canción y mezclar el mismo con más añadidos, hace que este pieza tenga un carácter algo hipnótico y en todo caso da lugar a un tema de apertura cuanto menos llamativo. Bueno, sí, quizás “Cita en Hawaii” es también muy delicada, con esa historia de reproche que Márquez dibuja en su letra, con tan exótico telón de fondo. Mucho mejor resulta “Aquella canción de Roxy”, que de alguna forma también es uno de los clásicos del repertorio de La Mode y tema que probablemente alguien que no conozca al grupo se encuentre de frente tras haber catado la canción título del disco que nos ocupa. Es curioso ver como El Zurdo adopta un cierto deje de galante en el tono de su voz, no en vano intentando emular vagamente a Brian Ferry (citado en la letra de la canción). El pop destilado en esta pieza es más oscuro, acelerado y quizás representa muy bien el carácter global de la obra en la que se incluye, y con total seguridad mucho más que “El eterno femenino”. Y es que la posterior “El único juego en la ciudad” sigue más o menos sus trazas, e irremediablemente al incluir el panorama nocturno en su letra, le da ese toque tan especial a este disco, el cual me sirve para imaginarme la zona cercana a la estación de metro de Cartagena de Madrid, de la que a pocos metros se situaba el mítico garito Rockola. “Déjame entrar en tu juego, la ciudad es un tablero. La partida se celebra casi siempre por la noche… Y el premio eres tú”, es cuanto menos una letra ingeniosa y que de forma poderosa te llama la atención cuando pasas por la escucha de esta composición. En el terreno pop se sitúa el medio tiempo de “Aquella chica”, con esa oda que Márquez dedica a una chica de actitud algo diferente a los demás. Realmente resulta muy placentero ver cómo el Zurdo describe las maneras de la protagonista de la letra, sobre un ritmo de batería inquebrantable y envuelto en las guitarras de Zancajo y los tecladitos de Gil.

Claramente nuevaolera, mucho más rítmica y acelerada es “La teoría de la relatividad”, en la que el vértigo vuelve a alcanzar a Fernando Márquez al micrófono. De formas sonoras parecidas a “El único juego en la ciudad”, la sensación que transmite es más agria y oscura dentro de sus melodías rápidas. Alternando carácter naif con un toque más rockero, prosigue el primer lp de La Mode, ya que con la liviana “Las chicas de la Inter”, se cambia ese tono farragoso que a ratos podría aportar el tema anterior. De lo sencilla y poco pretenciosa que resulta esta “Las chicas de la Inter”, se da forma a un tema chocantemente encantador y muy fácil de recordar dentro del conjunto de la obra. Exótica por sus evidentes influencias o regustos orientales en sus melodías, a cargo tanto de los acordes de las guitarras de Antonio y los teclados de Mario, y no se deja de lado tampoco en la letra que entona Fernando, “Mi dulce geisha” es una pequeña joya oculta, muy agradable de escuchar. Tras esta coqueta y muy de mi gusto “Mi dulce geisha”, llegamos a la canción título. Cosas de mi enfermo sentido del humor, es que muchas veces readapto las primeras palabras de la letra de la canción “El eterno femenino” a aquello que decía Torrebruno, haciendo que sonara algo así como “Tigres, leones, todos quieren ser… Los cam… peones…” en lugar de “Mitos, mujeres, talgos y ciudades, musas, pintores…”; ¡ejem! Dejando esta chorrada personal interna mía, hay que reconocer que “El eterno femenino” es una de las canciones más bonitas, emocionantes y formales que ha dejado la movida madrileña para la historia de la música. Con esas enumeraciones que dibuja vagamente el panorama de los años 80 y las embelesadoras notas de los teclados de Mario Gil, impagables más que nunca en esta composición, La Mode se ganó merecidamente un hueco en la historia de la música española con mayúsculas.

El grupo consolidó su buena reputación, que realmente de siempre tuvieron asociados los proyectos de los que tomaba parte o formaba Fernando Márquez, y por lo general las críticas fueron buenas o directamente muy buenas. El paso del tiempo simplemente ha venido a confirmar la valía del lp “El Eterno Femenino” y a situarlo en el top 5 de los mejores discos editados en la primera mitad de los años 80 en nuestro país. No solamente se vale de la canción que le concede el título, la cual por sí sola subiría muchos enteros a cualquier disco mediocre, sino que como habrán podido escuchar (si es que se han molestado en ello), estamos ante una obra realmente llevadera y entretenida, con la que es muy sencillo pasar un muy buen rato en su compañía.

Tras este disco, el grupo siguió con la misma formación editando algún que otro maxi y un 2º lp de título enrevesado (“1984”, que supone en sí el año en que se editó), para que Fernando Márquez decidiera dejar el grupo finalmente, situando a sus compañeros en la encrucijada de seguir con La Mode, pero sin el alma principal que le daba sentido. Y, ¿saben? Creo que con el reclutamiento del desconocido por entonces Daniel Ballester, el grupo salió realmente airoso, ya que por ejemplo el disco “La Evolución De Las Costumbres”, más allá de su excelsa canción título, es realmente muy bueno a ratos.

Sin embargo, la sombra del zurdo, a pesar de su frágil y menuda figura, era demasiado alargada y el grupo no sobrepasó el año 1986 tras comprobar que la nueva formación no terminaba de calar en el público. Una verdadera lástima.

En fin, pues terminar diciendo que con “El Eterno Femenino” La Mode vivió sus momentos de máximo esplendor, en unos días felices para la sociedad española tras haber sobrepasado el golpe de estado del año anterior y en los que las propuestas culturales novedosas y arriesgadas tenían tratamiento prioritario en la televisión. La portada, que me atrevo a decir que es la portada más pop en el sentido estricto de la música española, con ese dibujo de la mitad de una cara de una mujer y su vivo colorido sobre fondo blanco, representan más allá del sentir que desprende el disco, el sentir de una época, que también tenía su lado turbio en los bajos fondos de los garitos de Malasaña, en los que las drogas duras comenzaban a destrozar vidas (para más señas, echen un vistazo a las realistas y necesarias exposiciones fotográficas del grandísimo Alberto García Alix); pero eso es otra cosa. Dejémonos llevar por el brío de pop hedonista y pop/rock nueva olero que a partes iguales nos regala La Mode en este fabuloso “El Eterno Femenino”.

De nuestro programa de radio, pedirles disculpas ya que el Especial Bosé sonará esta semana y no lo hizo el pasado miércoles día 2 (no caí que era festivo en la Comunidad de Madrid, territorio en el que están situadas las 2 emisoras en las que se emite nuestro espacio). Este miércoles 9 de mayo sí que sí. A las 23.00h podrán escuchar el Especial Bosé en RUAH y una hora más tarde en &radio. Saben que es en diferido, ya que en su día lo hicimos en directo el pasado 11 de marzo de este año; yo a esas horas del miércoles, personalmente desearé estar presente en Neptuno celebrando un nuevo título europeo de mi Atlético de Madrid.

Franco Battiato - Mondi Lontanissimi (1985)

2012-04-28T14:08:00.003+02:00

Dentro de las fronteras italianas, allá por el año 1985, Franco Battiato era un artista consagrado y de claro renombre. Para que terminara de abrirse paso en España, aún faltarían un par de años, con la edición de “Nómadas”, un recopilatorio de sus grandes éxitos adaptados al español. Sin embargo, en Italia este músico siciliano ya había alcanzado la madurez y el claro respeto por parte de todos.

En estos días, Battiato se movía dentro del pop ligero, con matices electrónicos, que siempre inquietaron al músico, pero los días del experimentalismo de discos como “Foetus” quedaban lejos. Más quedaba, al menos sobre todo en el ítem que hoy hemos escogido para volver a su figura, tras el análisis que hicimos en 2010 de su disco “L’Arca Di Noè”, de los movimientos que Franco Battiato hizo dentro de la música clásica, visto sobre todo en los arreglos clásicos que impregnan algunas de las canciones, que se encargaba de organizar el que por aquellos días era mano derecha de Battiato, el maestro Giusto Pio.

El anterior trabajo de Franco, “Orizzonti Perduti”, reportó un éxito en forma de balada electroacústica con “La stagione dell’amore”. Uno de los grandes éxitos del artista, que siguió reforzando el buen éxito que “Voglio vederti danzare” y “Centro di gravità permanente” de sus 2 anteriores discos (en España, “Yo quiero verte danzar” y “Centro de gravedad permanente” para los amigos y para que no se me pierdan). El papel principal en el disco que hoy nos ocupa correspondería a esa canción que a partes iguales mezcla los solemnes arreglos orquestales a cargo de Pio con notas inquietantes electrónicas que es la canción “No time no space”, en la que Battiato alterna en la letra partes en italiano con un estribillo en inglés que sin duda era signo de búsqueda de proyección internacional.

A nivel personal, apuntar que junto a “Mask” de Bauhaus y el “In This Light And On This Evening” de Editors, es uno de los discos que ha estado perenne en mi reproductor mp4 (en este caso el más longevo, ya que creo que más allá que desde comienzos de año, lleva más de 12 meses ahí plantado) y completa la revisión de discos que más he podido escuchar en los trayectos muertos en transporte público en los últimos tiempos. A ver si renuevo su contenido en breve.

El primer capítulo de “Mondi Lontanissimi” lo supone “Via Lattea”, que en parte nos puede recordar en sus formas sonoras a “Radio Varsavia”, que abría de manera inmejorable el “L’Arca Di Noè”, ya que es una composición suave, con cierto misterio y que también ofrece una vaga solemnidad con arreglos de viento de orquesta. Una canción muy animada y que no sé si por su melodía o por la inclusión del concepto de la primavera en su título y letra, resulta muy radiante y luminosa, es “Risveglio di primavera”. Las melodías de teclado repiquetean en esta composición donde los adornos clásicos siguen presentes, una constante a lo largo de todo “Mondi Lontanissimi”. El single que más ha perdurado de la obra es “No time no space”, en el que la electrónica se muestra por momentos inquietante y muy movida, pero que destaca sobre todo por la solemnidad que ofrece en lo musical en ese estribillo cantando en inglés. Los cambios de ritmo son otra nota característica relevante de este trabajo de Battiato y “No time, no space” es quizás la pieza que más claramente demuestra esa montaña rusa de melodías y sensaciones. En parte, y como siempre se ha dicho y hemos reafirmado sobre Tino Casal, Battiato también es un visionario y “Personal computer” y todo lo que plantea en su letra, podía ser algo poco común a mitad de los 80. Estamos ante otra pieza muy vital en los teclados y sintetizadores, que se acelera mucho en la parte final instrumental, en sus últimos segundos. Una joya oculta de la obra es “Temporary road”, sobre todo por su ritmo vibrante y el buen ánimo que transmite. Ésta es una composición ligera y trepidante a ratos, en la que Battiato sigue introduciendo matices en inglés en la canción como ese “Nena, te necesito. Entra en mi vida”.

Menos me gusta el carácter de “Il re del mondo”. Es evidentemente el momento menos inmediato del disco, con un sonido que nos puede recordar al Battiato de “L’Era Del Cinghiale Bianco”, pero que si se molestan en traducir la letra como cuando dice eso de que “… si tiene solitario el corazón”, es quizás de los momentos más válidos del disco; curioso. “Cha-son egocentrique” busca llamar la atención y quizás peca de excesiva reiteración. Una pieza pop, que suma al carácter abierto y válido para todos los públicos de este Mondi Lontanissimi. A “I treni di Tozeur” se le tarda en coger el punto. Estamos frente a una balada con una clara presencia clásica en sus notas, que realmente tiene un estribillo en un registro muy alto y emocionante que con justicia hizo muy buen papel cuando llevó a Battiato a interpretarla a Eurovisión junto a la cantante Alize. “L’animale” es un epílogo de sentir demasiado melancólico, que no concuerda con una obra, que como habrán podido escuchar, si acaso abundaría en lo solemne, pero por lo general también en lo animado. No está mal, pero da la impresión incluso de que formara parte de la propia “I treni di Tozeur”, suponiendo un giro radical a cargo del maestro Battiato.

Quizás sea el último disco masivo de Battiato a nivel internacional, ya que estimo que los siguientes “Fisiognomica” y “Giubbe Rosse” no es tan bueno y luego Battiato ha proseguido su investigación musical con volúmenes de discos de poemas y tal. Es curioso que aún en estos días no había dado el salto definitivo a nuestro país, el cual se produciría poco después con la edición de aquel disco “Nómadas” con varios de los clásicos del artista adaptados a nuestra lengua, lo cual le reportó mucho éxito, sobre todo en la nueva puesta en valía de “Yo quiero verte danzar”.

Este “Mondi Lontanissimi”, en cuya portada, además de la silueta de Battiato se aprecian referencias a las inquietudes del cosmos que invaden los temas de ciertas composiciones, como habrán podido escuchar y ya les he ido comentando, fusiona la electrónica con los arreglos orquestales como si nada. Y la verdad es que el resultado es bueno. Quizás las jóvenes generaciones son las que menos podrían entender este disco y a pesar de su cierto riesgo, es el sector de una cierta edad quien puede valorar lo que hizo Battiato con “Mondi Lontanissimi”.

La obra incluye 3 grandes temas del universo de Franco Battiato, como son “Via Lattea”, “I treni di Tozeur” y sobre todo “No time no space”. Solamente porque en su interior guarda estas grandes canciones, valdría la pena, pero es que también merecen atención otras piezas a priori ocultas como son “Temporary road”. Prueba de que no hay que quedarse solamente en el “Yo quiero verte danzar”, o como yendo ya muy muy lejos con “Centro de gravedad permanente”, con Battiato, es este disco que hoy les he traído. Este artista italiano es un grande, más allá de sus 2 grandísimos éxitos internacionales mencionados, y sobre todo de 1979 a 1985 firmó unos lps realmente admirables y sensacionales. Al menos a mi me gustan mucho; ustedes, ya me dirán.

Este miércoles a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en &radio, podrán escuchar el Especial Bosé que hicimos sobre “Velvetina” y que tanto éxito tuvo en su día, en su premiere en directo. Recuerden que a las 16.00h los sábados, es decir, hoy, pueden escuchar la repetición del programa emitido el miércoles en la sintonía de RUAH y en &radio a la misma hora pueden escuchar anteriores coloquios; creo que hoy toca la 1ª parte de aquel Especial OMD En Directo que hicimos un calurosísimo día de agosto del año pasado, rememorando el concierto que el grupo dio en Madrid un par de meses antes. Mañana domingo, a las 16.00h, en la misma &radio es cuando podrán escuchar la redifusión del programa de la semana emitido el miércoles, que les recuerdo fue sobre Pretenders y su “Last Of The Independents”. Hoy a las 16.00h ustedes deciden: o Pretenders en RUAH o coloquio sobre OMD en &radio.

Concierto Anni B Sweet. Madrid (24-04-2012)

2012-04-26T20:36:00.001+02:00

Cuando me pasé por la nueva Fnac Castellana hace un par de semanas a hacerme con el ítem que tenía pendiente de adquirir, el “Todo Casal” de mi querido Tino Casal, que estaba a precio de ganga (19,99 eur. por 8 cd’s y 1 dvd), me enteré que Anni B Sweet iba a presentar su nuevo disco el día 24. Ya andaba al quite de que la malagueña iba a sacar nuevo material en breve y no deja de ser una curiosidad de que a día de hoy haya pasado 2 veces por el blog en plan “crónica de evento” (recuerden aquel post sobre el Festival Be Open de hace un par de años en el que Anni fue una de las principales atracciones) y tenga pendiente aún hablarles de un ítem discográfico. Todavía no les he revisado el “Star, Restart, Undo” y ahora se me acumula el trabajo con este “Oh, Monsters!”, que el martes salió a la venta.

Hubo un llenazo y un altísimo poder de convocatoria para poder escuchar a Anni cantar como unos 5 temas de su nuevo disco y un par de clásicos de su anterior trabajo. No cabía un alfiler en esa especie de medio-fórum Fnac, medio-cafetería, que es el espacio que tienen reservado para estos eventos en la sede de Castellana. Según llegamos poco antes de las 19h, vimos que Anni estaba siendo entrevistada en un pasillo del mismo piso, entre las estanterías de libros. Conseguimos situarnos bien para no perder buena nota de lo nuevo de Anni, la cual salió poco más tarde de las 19.30h, hora fijada para el comienzo, para quedarse en parte sorprendida de la de gente que había abarrotado la estancia.

Da la impresión de que el nuevo disco de Anni tiene un enfoque más oscuro y menos luminoso que el que nos ofrecía “Start, Restart, Undo”. Cierto es que el martes pudimos escuchar las canciones en su formato acústico y según lo que se podía comprobar en algún adelante que se puso por parte de Subterfuge en Youtube, con “At home” se aprecia también un cambio en el matiz musical de la artista, el cual al ser en formato desnudo este martes no se pudo apreciar en el plano instrumental.

Esta maravillosa “At home”, que además abre “Oh, Monsters!” en sí, no faltó entre las elegidas que Anni dispuso para ofrecerlas al público de Fnac, siendo la 2ª o 3ª de las que sonaron, y la pude registrar con mi cámara; ya saben que el audio no es ninguna maravilla con mi cacharro digital, con lo que es un motivo añadido para que se hagan con el disco, aparte de para que puedan escuchar los interesantísimos arreglos electrónicos sutiles que incluye Anni en su versión en estudio. En todo caso, aquí les dejo mi estropicio audiovisual para que se hagan una mínima idea.

Entre el público me pareció ver a un viejo amigo de nuestro programa de radio, Manuel Cabezalí, músico reconocido por Havalina y en nuestro caso portavoz de otra de las bandas de las que forma parte muy activa como son The Cabriolets, ya que él fue quien compartió aquel programa que dedicamos al grupo liderado por Bimba Bosé y su disco “Close”. Y no estaba equivocado, ya que de hecho su presencia allí no era accidental, ya que Manuel colabora también con Anni y ella le requirió para que le tocara la guitarra en “Hole in my room”, una canción realmente maldita y llena de rabia, en la que Manuel demostró un gran virtuosismo con la guitarra acústica, creando una montaña rusa de cambios de ritmo (tomando como impostada la expresión que uno de nuestros oyentes, Javi de Figueres, aportó en su intervención por teléfono en el Especial The Cure del pasado sábado) que fue una maravilla de escuchar y de ver cómo ejecutaba. Abajo Manuel Cabezalí adueñándose de la guitarra y la banqueta, para acompañar a Anni.

Anni no ha perdido su sencillez, modestia y en parte timidez. Se la vio y reconoció ella misma estar abrumada o algo cortada ante tanto público, pero con naturalidad y humildad salió airosa y encantadoramente del paso. No obstante, me da la impresión de que en su música se nota un cambio o evolución respecto a su debut. Esta dama del folk patrio se la nota con un carácter distinto en sus nuevas composiciones, o al menos en las que pudimos escuchar en directo en pasado martes en la Fnac de Castellana. Habrá que acceder al disco en sí para poder experimentarlas en su formato original, ya que en acústico la cosa puede tener un enfoque muy distinto (de hecho “At home” suena realmente distinta) o si no acudir en breve a la Joy Eslava, donde Anni B Sweet estará con toda su banda tocando el día 25 de mayo (lástima que ese día coincide con Second en el Círculo de Bellas Artes presentando su nuevo disco “15”).

Como propina Anni nos regaló el recuerdo de 2 de los ya clásicos dentro de su repertorio que incluye “Start, Restart, Undo”, que fueron en primer lugar “A sarcastic hello”, apertura de la ópera prima de Anni B Sweet y luego su éxito más reconocido, la llevadera y siempre cuca y resultona “Motorway”, la cual se la pedí mientras que Anni preguntaba a los que allí estábamos cuál queríamos que tocara de su trabajo anterior. Se habrán percatado ya, pero no me resistí a grabar “Motorway” en mi cámara y así se la he dejado insertada arriba de este párrafo.

Siempre está bien acudir a estas presentaciones o mini conciertos que organiza Fnac. Recuerdo uno que fui el día que mi 2º equipo futbolero tras mi Atlético de Madrid, el R.C.D. Espanyol perdiera la final de la Uefa contra el Sevilla F.C. en Fnac Callao donde vi a Aviador Dro presentando su disco “Candidato Futurista”. Terminando con el post, podemos informar que lo nuevo de Anni B Sweet suena interesante, al menos por lo que nos enseñó el otro día en formato acústico. No la perderemos la pista y a ver si no a mucho tardar les reviso por aquí o “Start, Restart, Undo” o el nuevo “Oh, Monsters!”; según me dé.

Editors - In This Light And On This Evening (2009)

2012-04-21T13:42:00.000+02:00

Algunos discos, muchos de hecho, son como el buen vino; es decir, que hay que dejarles que reposen un tiempo para saber apreciar su calado. El que fuera el 3er. disco de Tom Smith, Chris Urbanowicz y cia. es uno de esos casos. He de reconocer que de primeras, salvo su primer single “Papillon”, y el que a la postre iba a ser el 2º, pero que al final no fue, “Bricks and mortar”, no me llamó en exceso la atención. Pero, ya desde esos primeros saboreos, algo dentro de mi me hacía intuir que pasado un tiempo lo valoraría más y lo apreciaría en su justa medida, como al final ha sido. Decidí recuperarlo hace cosa de mes y medio para mis escuchas de reproductor mp3 en mis idas y venidas del trabajo y, aunque ese ámbito no es el mejor para escuchar y disfrutar de una obra, la cosa ha terminado por resultar.

Poniéndonos en antecedentes, Editors venían de 2 primeros discos con los que habían llamado mucho la atención, al mostrar oscurantismo, ritmo y vitalidad a partes iguales, con regustos a Joy Division, que no se encargaban de tirar por tierra como sí que hacían compañeros de género como los neoyorkinos Interpol. La potente voz de su cantante, guitarrista y teclista Tom Smith es uno de los principales símbolos de la formación y tras un prometedor debut, el grupo siguió el buen camino con el espectacular “An End Has A Start”, segundo trabajo de la banda, que no hace ya un tiempo revisamos por aquí.

En 2007 pudimos verles en su arrolladora actuación de la sala Joy Eslava, dentro de aquel Wintercase y el grupo ha estado casi siempre de gira desde entonces, ya que prácticamente no habrían terminado con la presentación de su anterior disco y sacaron su 3er. trabajo que hoy nos ocupa y se pusieron de nuevo en la carretera. Es una disco directo, que en muchos momentos se vale de un mayor apoyo electrónico en sus composiciones y que busca ser conciso: 9 canciones; personalmente, ya se lo he dicho muchas veces, prefiero un disco con 9 canciones que uno con 16. Tanto track list invita a la dispersión y lo que está claro es que en este post a Editors no les acusaremos de ello. Pasemos a analizar someramente esos 9 temas.

La apertura del disco, con la canción que otorga el título al mismo, con esa latente melodía y Tom Smith cantando en unos registros que se mueven entre sus registros más graves y el susurro, parece hacernos intuir que terminará en un estallido, que efectivamente se produce, pero solamente en lo instrumental, con una batería muy potente. Londres se ha convertido en la cosa más bonita que he visto dice Tom al final de las estrofas que estructuran este prometedor comienzo. Más reconocible dentro del estilo de Editors, pero con ese apunte electrónico mayor que hay en esta obra, el cual les acerca en muchos momentos a Depeche Mode, es “Bricks and mortar”, que además es de las piezas más válidas del conjunto. En lo vocal estamos ante un tema que alcanza una fuerte intensidad por parte de Smith y en el apartado de lo meramente instrumental, destacan esas notas sintéticas tan marcadas, que rompen con la melodía de continuidad. Una joya oculta, puesto que no fue elegida como single, aunque todo apuntaba en su día a que lo sería. La que sí fue single, y de hecho el adelanto de la obra fue la rotunda y electrónica “Papillon”. Una clara melodía de teclados y una fuerte base rítmica sientan las bases para que Tom Smith se muestre bastante enérgico en las voces. El estribillo alcanza unos niveles muy altos de intensidad y en definitiva estamos ante un tema que sin duda será un éxito en las giras del grupo cuando le llegue su momento en los conciertos. El videoclip, impersonal, ya que no aparece el grupo (a no ser que sean algunos de los que salen por ahí corriendo), refleja por un lado el carácter nocturno que siempre ha tenido el grupo y la dosis de adrenalina y catarsis, con esa carrera de noche desaforada por las calles de una ciudad desierta. Sí fue single “You don’t know love”, que es curiosa, ya que estimo que esta composición flojea en su estribillo, pero se le termina cogiendo el punto en ciertos momentos prosaicos o estrofas que hay intercaladas en su duración. En el videoclip sí que aparece en algún momento el grupo, pero se centra en un ejercicio de baile que genera algo de tensión. Uno de los momentos más rockeros del disco llega con “The big exit” con esas distorsiones de primera mano, la clara línea marcada por la batería y las notas eléctricas de la guitarra. Los teclados quedan en un 2º plano, como un acompañamiento o más bien creando atmósfera. Tom se lamenta en la letra con ese reiterativo “cogieron lo que una vez fue nuestro”. Un poco de intensidad rockera no viene mal.

Contrasta mucho “The big exit” con la siguiente canción “The boxer”, muy melancólica, sentida, sellando un medio tiempo de esos en los que Editors se suelen mover muy bien. Tom Smith está particularmente bien a la voz y en parte no deja de ser curioso esas notas sintéticas inocentes que permanecen durante toda la canción, mientras que son otros instrumentos los que le dan en ciertos momentos una fuerte solemnidad al tema. “The boxer” es en definitiva uno de esos temas que no son para nada inmediatos, pero que si le dejan tiempo al disco y lo escuchan con paciencia terminarán de reconocer como uno de sus pasajes más válidos y elaborados; vamos, una joya oculta como suelo decir. No obstante, la verdadera joya oculta es “Like treasure”. Resulta más movida que la lánguida “The boxer”. En “Like treasure”, dentro de un cierto tono vagamente épico, Editors se muestran con gancho en uno de las piezas que con el paso del tiempo le dan valor al 3er. disco de los británicos. Las notas de teclado no se meten a troche y moche buscando el ritmo pegadizo simple, sino que llegan en los momentos adecuados y dejan el camino libre a las guitarras, batería, bajo y sobre todo a Smith cuando se precisa. Un temazo en toda regla, al menos para mi gusto personal, y quizás a día de hoy mi canción favorita del disco. Peor, mucho peor que “Like treasure” me resulta la ya bizarra en título “Eat raw deal = blood drool”. Curiosamente fue escogida como single y aunque es un momento exótico y claramente diferenciable dentro del conjunto de 9 canciones de “In This Light And On This Evening”, no me termina de convencer con el ritmo contumaz y repiqueteante que ofrece; no obstante, para gustos los colores y está claro que en la discográfica del grupo o en el seno interno de la formación, esta “Eat raw deal = blood Drool” gusta, ya que de lo contrario no hubiera sido editada como sencillo. Mucho mejor resulta el majestuoso, casi sacro o derivado lejanamente de una balada gospel “Walk the fleet road”. Esta última canción pone el broche de oro al disco, con un Tom Smith sirviéndose de sus momentos más graves en las voces y con una orquestación realmente bella. Sin duda alguna esta composición es un tremendo acierto y es un bonito lazo para sellar el paquete. Pocas veces la electrónica suena tan orquestal y ambiciosa como lo hace en los últimos segundos del disco de esta semana.

Sí, de acuerdo, “In This Light And On This Evening” fue nº 1 en la lista de álbumes más vendidos del Reino Unido, pero estimo que el éxito del disco ha sido relativo y el grupo ha perdido la oportunidad de dar un salto cualitativo mayor, que consolidara el ascenso que mostraban con “An End Has AStart”. Y es que el disco es notable, está muy bien, pero se le tarda en coger el punto y eso, aunque el tiempo termine por ponerle en su lugar, puede ser jodido para la proyección de un grupo.

Para colmo, y nuevamente sin saber de ello, ya que antes de enterarme había dispuesto que iba a escribir sobre este disco, el lunes se anunció la marcha del grupo de Chris Urbanowicz por diferencias irreconciliables en el terreno de lo musical y la idea que tenía el guitarrista del grupo para el futuro del mismo. Veremos cuál es el siguiente paso que dan Editors, con esta baja que resquebraja su formación hasta ahora a prueba de bombas y cómo les va en su siguiente entrega.

De momento les sugiero que le den tiempo a “In This Light And On This Evening”, un disco con una curiosa portada de colores vivos, pero sobre el que predomina el fondo negro (en parte una buena metáfora de que el disco aunque incluya más notas sintéticas, el carácter del grupo sigue siendo de tintes oscuros musicales). Si ya lo escucharon en su día y no les hizo mucho tilín, cójanlo nuevamente por banda y si saben de él por 1ª vez, escúchenlo, pero no se dejen llevar por las primeras impresiones que les surjan derivadas de las primeras pasadas que le den. Realmente vale mucho más la pena de lo que a priori parece.

Esta tarde a las 16.00h en &radio de Torrejón de Ardoz, no se pierdan el Especial The Cure que haremos sobre “Pornography” y que de paso sirve como particular fiesta de cumpleaños que le organizamos a Robert Smith, hoy en el día de su cumpleaños; ¡felicidades Robert! Esperamos que te guste nuestro particular regalo. El miércoles a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en &radio, dedicaremos nuestro espacio a desgranar el “Last Of The Independents” de Pretenders. Disco de título premonitorio, ya que puede ser el último programa de “Discos, música y reflexiones” que haga yo exclusivamente en solitario, algo así como el último que hago independiente… ¡Qué cosas!

Concierto La Broma Negra. Madrid (14-04-2012)

2012-04-19T18:45:00.005+02:00

La presentación oficial del nuevo disco de La Broma Negra, “Desilusiones De Grandeza”, fue todo un éxito. Tal cual. El lugar escogido fue el café La Palma, sitio en el que aún no habíamos estado y que en parte nos costó encontrar, ya que lo hacíamos en el tramo de la calle que se sitúa entre las calles San Bernardo y Fuencarral, y sin embargo el mismo está al otro lado de la primera calle mencionada. El local es una sala alargada, parecida a la sala Costello donde vimos a Dr. Sapo hace unos días, pero su aforo estuvo a reventar para ver la presentación del nuevo material de Carlos Caballero y Alex Gómez, aunque el grupo ya nos hizo una premiere hace un par de meses en la sala Taboo.Aquel día, un jueves, y en una sala que invita más a la dispersión por su curiosa estructura, el sentir no se pareció en nada al ambiente más concentrado que se vivió el sábado: muchísima más gente, ya que los sábados son más amables que los jueves para que el público se anime a acudir a un concierto, y muy buen ambiente. Y si ya aquel jueves el grupo no decepcionó, sino que con su actitud sellaron una actuación muy buena, este sábado estuvieron igualmente a la altura de las circunstancias y ofrecieron un show igual de válido, pero no se equivoquen, ya que el setlist tuvo notables variaciones respecto al concierto de 2 meses atrás, tanto en el orden de las canciones, como en las que el grupo tuvo a bien ofrecer a su audiencia.Eran poco más de las 22.00h y el grupo no quiso comenzar de forma demasiado arrolladora, sino que se atrevió con las melodías de la sensual (con algún lejano toque medieval en sus notas) de “El buen amor”. “Necesitamos ese dolor, Santa María madre de Dios”, cantaba Carlos en los primeros compases del concierto, para que justo después ya se atreviera con canciones del nuevo disco “Desilusiones De Grandeza”. Del nuevo disco, el grupo, al igual que ya hicieran en la sala Taboo, no escatimaron ni una sola composición y lo presentaron de pe a pa (como debe ser, ya que estábamos ante su puesta de largo oficial). Uno de los primeros temas fue la apertura del disco, esa solemne “Señor, danos la victoria”, que Carlos se encargó que quedara bien marcada en el recuerdo de la audiencia de la sala cuando se dispuso a entonar esa frase de la letra “No tengas miedo, no tengas miedo, no tengas miedo a morir” con el puño en alto (lo verán en la siguiente imagen), lo cual quedó como una imagen muy rotunda. Carlos salió a escena con una chupa de cuero que se quitó a las pocas canciones, para quedarse con un chaleco cubriendo su torso únicamente, y llevó una de sus gorras habituales, parecida a la que trajo el día que visitó los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares para dar forma a aquel programa en el que revisamos “Joyas De Princesas Muertas”.Ya hay varias composiciones que tras algunas escuchas en su formato impreso y 2 conciertos, poco a poco van calando. Y en ese terreno “Hay más de una manera de provocar un incendio” funciona y mucho con ese marcado “Canta sin miedo” que polariza su estribillo. La Broma Negra no quiso esperar mucho a sacarla a relucir para que el café La Palma fuera animándose, si bien hay que decir que la buena disposición de los espectadores asistentes fue patente durante las 2 horas que el grupo estuvo en escena. Otra que es notable y bastante movidita y pop es “Una mujer enamorada es otra forma de terrorismo”. Esta canción se situó nuevamente en los compases finales de la actuación, incluida en el bis de 4 temas que el grupo dispuso como cierre definitivo.Hay que ir valorando en su justa medida a “Desilusiones De Grandeza”, aunque todavía tardemos unas semanas o un par de meses en hacerle el post que se merece. Ya el disco desde su formato, con ese pack en forma de vinilo, con edición cd+vinilo (que por cierto esta semana vi en Fnac disponible y que, a modo de hacer un favor al grupo, a quienes consideramos amigos del blog y programa de radio, pusimos en primer plano del estante donde se situaba), demuestra elegancia y un trabajo hecho con esmero. La portada, con ese aire de tiempos pasados, y que los aficionados futboleros sabrán apreciar, es de una belleza plástica notable y además creo que transfiere sensaciones que en parte pueden evocarte las composiciones de La Broma Negra. Pero, hoy lo que analizaremos es su conexión en el directo. El grupo poco a poco se va sintiendo a gusto con las mismas en el escenario y eso ya se notó sensiblemente desde la actuación de la sala Taboo. Las composiciones siguen la línea de trabajo de “Joyas De Princesas Muertas” y además de los temas ya citados, hay otras como “Protege tus secretos” y la increíble “Los muertos”, que además de cierre del disco, finalizó de igual forma ambas actuaciones, que muestran una media de nivel muy exigente.En el plano emocional y más sentido de las nuevas piezas del disco está “¿Quién era yo cuando era niño?”, que se situó en la parte mediada de la actuación y que junto a “Me vas a hacer llorar”, dio lugar a un sector muy intenso gracias a la buena interpretación vocal de Carlos. Y es que el vocalista del grupo nuevamente estuvo muy correcto en la actuación, aunque curiosamente volvió a patinar en esa joya ligera y deliciosa que es “Los sonetos”, aunque esta vez fue al comienzo de la canción y no en un enlace de las estrofas del estribillo. No obstante, supo salir bien del paso una vez más; se nota que Carlos tiene tablas; arriba de este párrafo una buena pose que le cogí.En las guitarras Alex Gómez acompañó inestimablemente a las programaciones sintéticas, para darle ese punto de vigor y humanidad que concede a La Broma Negra una característica muy importante de su parte meramente musical. Cuando Carlos terminó las últimas palabras de “Los muertos”, Alex se quedó solo en el escenario, afilando un solo de guitarra que se dispuso sobre las últimas notas electrónicas de esta excelsa composición.A modo de curiosidad, hay que apuntar que Alex recibió hasta en 3 ocasiones el calor directo del público de la mano de una seguidora del grupo que se atrevió a subir al escenario a plantarle 2 besos al guitarrista del grupo, lo que se refleja en la fotografía de arriba de este párrafo; toca muy bien la guitarra y es un tío muy majo, se lo tiene merecido. Además, no podemos obviar que en varias canciones aportó coros, como por ejemplo en “He tocado el cielo”, que fue donde más se le notó el refuerzo vocal o réplica que concedía a su compañero Carlos. Lo podrán comprobar en el video que hice con mi cámara de fotos, el cuál les dejo insertado a continuación.Analizando un poco más el set list y volviendo a mirar atrás, destacaremos como siempre ese gran momento que supone “Los reyes no morirán en su cama”, con dedicatoria especial a nuestro monarca a cargo de Alex Gómez, debido a los hechos ocurridos o revelados estos días y sin lugar a dudas la sorpresa vino de la mano de “Cenicienta”, la cual tomó parte del bis del concierto. En esta ocasión, La Broma Negra se sirvieron de una bailarina de nombre Laura, que bailó y bailó hasta el amanecer, tal como reza la letra de este clásico del anterior disco del grupo, mientras que Carlos, desde abajo de las tablas cantaba mientras contemplaba a su personal Cenicienta de la noche. Un instante de la interpretación de “Cenicienta” justo aquí abajo.A modo de ausencias, lógicas, ya que si no el grupo tendría que tocar 3 horas y la verdad es que a La Broma Negra generosidad no se les puede reprochar a la hora de sus conciertos, ya que menos en aquel cartel compartido con Oberón y Da Capo, siempre llegan a las 2 horas de actuación (muchos grupos internacionales eso ni se lo plantean), quizás pudo sorprender que el grupo prescindiera de “Pablo Ruiz Picasso” y “Noche en el tejado”, pero a cambio hubo lugar para la presencia de Edgar Allan Poe, con esa maravillosa “Fantasma” que estuvo situada en la parte mediada de la actuación; recordemos que a “Fantasma” le tocó la no convocatoria en el setlist en el concierto de la Taboo, así que estuvo muy bien escucharla el pasado sábado en el café La Palma. Abajo vean a Alex y su collar, que le aportó un punto de glamour en el tramo final de la actuación.Sintetizando, resumiendo y llegando a conclusiones. Primero de todo, afirmar que el nuevo disco de La Broma Negra “Desilusiones De Grandeza” es muy bueno y funciona muy bien en directo. Segundo, que el grupo pudo darse un baño de multitud con un café La Palma repleto, para compensar el aforo a medio gas de la sala Taboo, en esos siempre complicados jueves, que al estar entre semana suelen echar atrás a la gente. Y tercero, constatar que asistir a un concierto que lleven a cabo Alex y Carlos, Carlos y Alex, siempre es una apuesta segura, ya que esa puesta en escena tan elegante, con su ya clásico telón de fondo tan llamativo, por la profundidad de las letras y los ritmos oscuros, pero en muchos ratos bailables, del grupo, la experiencia va a merecer la pena.Carlos Caballero, vocalista del grupo, me advirtió antes del concierto en la puerta del local, que al no haber tocado nunca en la sala no sabía qué tal iba a quedar el sonido. Pues sonó realmente bien y además esa característica de poder ver al grupo reflejada en proyectores en una de las paredes laterales de la sala, cuanto menos creaba una sensación curiosa. Bravo por La Broma Negra y felicitaciones por su actuación, ya que en todos los aspectos creo que resultó muy satisfactoria. Igualmente agradecer al grupo que nos tuvieran en cuenta para que hayamos podido dar cuenta de su concierto, ya que siempre es un placer para nosotros.

Concierto Najwa. Madrid (13-04-2012)

2012-04-16T21:17:00.006+02:00

Teníamos muchas ganas, muchas, de escuchar el nuevo material discográfico de Najwa Nimri. Ya sabrán muchos de ustedes que uno es un devoto admirador de Najwa y su obra musical de cabo a rabo, por lo que entenderán perfectamente esa animosidad. Y realmente el nuevo trabajo de Najwa no defraudó en su puesta de largo en directo en la sala Joy Eslava el pasado viernes. Junto a Raúl Santos en escena, encargándose el mismo de todas las programaciones sintéticas, Najwa nos presentó tal cual su disco; interpretado en el mismo orden que tendrá en su edición impresa, la cual verá la luz en unas semanas, el 8 de mayo.Se trataba de un evento gratuito, de esos que genera Myspace, asociado para la ocasión con Vodafone, en los que como te descuides, te quedas fuera, ya que los aforos se completan con 2 de pipas. En esta ocasión, por fortuna, estábamos acreditados en lista como medio de comunicación (recuerdo de un evento de estos con Mando Diao y Vetusta Morla en el que nos quedamos en las puertas de la sala), pero igualmente fuimos puntuales en la apertura de puertas para situarnos bien de cara a ver correctamente a Najwa en escena. Y fue una suerte, ya que la iluminación fue tenue a más no poder y a ratos el oscurantismo impregnaba la sala. Con todo, las fotos no nos salieron mal del todo.Como todavía no he accedido al disco, lógicamente, ya que no está a la venta, los títulos de las canciones y llegar a identificarles cada una de ellas me será imposible; solamente conozco el adelanto de mismo título que el disco “Donde rugen los volcanes”, que si no recuerdo mal apareció en 2º lugar de la actuación. En esta pieza sugerente, misteriosa y latente, se pueden apreciar algunos guiños al disco “Carefully” de 2001, pero no es fácil de encontrar el paralelismo, ya que el simple hecho de que la letra es en español le da un revestimiento distinto.“El Último Primate”, anterior disco de Najwa, era más clásico en su concepción instrumental, por mucho que pudiéramos ver una versión suya parecida el enfoque de “Donde Rugen Los Volcanes” en directo en aquella actuación en el Festival Be Open de hace un par de años, donde la electrónica tomó el peso de la música y el experimentalismo era latente. Parece que “Donde Rugen Los Volcanes”, en estudio será así, y el viernes pasado ya pudimos ver su fuerza y su interesante propuesta con Raúl Santos acompañando a Najwa en escena.Dentro de las composiciones, prima la electrónica, que en algunas composiciones se acercaba a las pistas de baile más exquisitas, y a ratos se adentraba en los mayores experimentalismos posibles; recuerdo en particular un tema en el que el efecto de los coros de Najwa se interrumpía periódicamente cada segundo, creando una especie de sensación de trance y en parte de exorcismo de lo más impactante. Najwa también incluía algún efecto de rapeo vocal en alguna canción, para sumar variedad a un disco que, dentro de los terrenos sintéticos, muestra distintas caras.La actitud de Najwa nuevamente fue única. En casi toda la actuación se dejaba llevar por la música, siendo poseída por el ritmo y el baile se transmitía en su cuerpo claramente. Apareció con abrigo con capucha, prenda muy del gusto de Najwa (véanlo en la fotografía de arriba de estas líneas, en la que vemos detrás de Najwa a Raúl Santos afanado en las programaciones sintéticas que envolvieron el viernes a la Joy Eslava), para después quitársela y verla con el pelo algo más largo que el de Sinéad O’Connor; la verdad es que no le quedaba nada mal.Vestida de negro, como ya se presentó en el Universimad de 2010 y con unos biombos que servían para dar algo de colorido a la oscura puesta en escena y entre los que Najwa se ocultaba de cuando en cuando, esta personalidad se movió con soltura y espontaneidad, marca de la casa de la artista; véase cuando dejó un pitillo que se encendió a una espectadora y luego se lo reclamó al terminar la canción. La foto de arriba de este párrafo muestra a Najwa aprovechando el citado cigarrillo y la siguiente imagen refleja en el momento en que se lo entregó a una chica de la 1ª fila.En plan anecdótico, comentarles que Najwa también puso la mejor cara que pudo a un fallo de micrófono que hubo en la penúltima canción, y se animó a salir del paso con la canción utilizando 2 micros (lo cual se puede apreciar en la 2ª foto de este artículo) y también se dirigió de cuando en cuando al público con sus notas de humor, como cuando dijo algo como que en breve repetirían la actuación, pero esa vez cobrando entrada, que ya nos valía. Para esta ocasión Najwa no tuvo a bien incluir ni un solo tema de discos anteriores, siendo estrictamente una presentación de cabo a rabo del nuevo disco, sin mayor añadidura que se saliera del camino marcado. Abajo Najwa y Raúl Santos antes de empezar con la última canción.Habrá que esperar a que tengamos el disco entre las manos para ir afianzando esta primera toma de contacto con el nuevo trabajo de Najwa, pero de momento las sensaciones son positivas y prometedoras. Quizás en “Walkabout” y “El Último Primate”, Najwa había dejado en parte de lado las inquietudes electrónicas de sus 2 anteriores discos, por los cuales siempre me ha gustado referirme a ella como la gran dama de la música electrónica de nuestro país. Con este último disco, parece que Najwa quiere volver a ese terreno y nosotros estamos encantados de que así sea. Termino agradeciendo una vez más a Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras que nos acreditará para dar cuenta de este interesantísimo evento que vivimos.

Glutamato Ye-yé - Corazón Loco (1982)

2012-04-14T17:50:00.011+02:00

Ahora sí, en “Discos, música y reflexiones” afrontamos claramente un ítem que está considerado como un ep, o maxi single, pero por su importancia dentro de la trayectoria del grupo que lo creó, y porque estamos al menos ante 4 temas, con sus 2 temas en la cara a y otros 2 en su cara b, no es una obra excesivamente menor. ¿Quizás sea que esté muy vago a la hora de escribir o desbordado de trabajo? Puede, pero en todo caso me decanto por este ítem a la hora de hablar por 1ª vez aquí de Glutamato Ye-yé.

Y es que este grupo perteneciente a las autodenominadas como “hornadas irritantes” de la movida madrileña, dentro de su discografía tiene pocos ítems considerados como lp’s y funcionaron más bien a modo de singles, maxi singles y recopilatorios triples con temas en directo y aglutinación de sus canciones sueltas o editadas en formatos menores que un lp. Esto es un Ep que vale su peso en oro y si no verán cómo resultan las 4 canciones que lo integran.

Glutamato Ye-yé se distinguieron en su día y son recordados en los presentes tiempos por la imagen de su cantante Iñaki Fernández, que iba con ese bigotito hitleriano en plan de mofa y para tocar un poco las narices. Junto a él estaban Ramón Recio como principal letrista, Patacho Recio a la guitarra, Carlos Durante como batería, Eugenio Haro Ibars como guitarra también y Jacinto Golderos al bajo en los tiempos en que se grabaría y editaría este primer trabajo, que a pesar de ser un disco menor en duración y contenido, es muy relevante por ser la primera entrega discográfica de Glutamato Ye-yé.

El disco empieza con la canción que le da el título. El tema más acelerado y también el menos subversivo y gracioso de la obra. Estamos ante una canción de enfoque rock, que tampoco estaría muy lejos de vagos sonidos del post punk británico de aquellos días, pero adaptado a la española por Iñaki, Ramón y cia. No obstante, el tema lo firman Eduardo Haro Ibars y Jaime Urrutia para más señas. La otra canción de la cara a es “Holocausto caníbal”. Una composición más alegre y saltarina que desprende buen rollo y cachondeo a partes iguales. De esta composición, han quedado para la posterioridad las mencionadas langostas, que es el motivo de representación de la canción en la portada del Ep junto al hombre y su nevera, el evidente corazón y la jeringuilla para “Narcosis”.
En la cara b, bajo mi punto de vista, están mis 2 canciones preferidas. Por un lado nos encontramos con la medio ska “Un hombre en mi nevera”, que nos cuenta esa historia delirante del hombre dentro de la nevera que se ventila todas las provisiones del pobre Iñaki que canta con un tono más agudo y liviano, que solamente se altera cuando advierte al cantar precisamente eso de “que hay un hombre en mi nevera”. No obstante, la mayor originalidad alcanzada llega de la mano de “Narcosis”. Este es el único tema en el que está incluida la firma de Iñaki Fernández en los créditos. Lo que te llama la atención es ese retorcimiento del sonido y esa distorsión buscando crear el efecto alucinógeno de los efectos de los narcóticos sobre los que divaga la canción. Eso del “Cuando estoy con una chica, tengo un síntoma muy raro, ¿será que Dios para que no peque me ha narcotizado?”, me suena a una historia de Carlitos Alcántara dentro de la serie “Cuéntame”; no en vano en esa serie ese personaje ficticio es de la quinta de los integrantes de Glutamato. También me tuvo un tiempo loco el discernir qué era lo que decía Iñaki al hablar de la narcosis en la mili, para posteriormente enterarte que no era nada de “porchino” ni cosas raras, sino “cochino” lo que decía. Una composición graciosa irreverente y que sumado sobre todo a “Holocausto caníbal” y “Un hombre en mi nevera” da lugar a un primer ítem discográfico de Glutamato Ye-yé realmente glorioso.

Esta formación madrileña, encuadrada dentro de las autodenominadas “Hornadas irritantes” de la movida madrileña, sector de grupos que surgió en contraposición a bandas que surgían del estilo de Nacha Pop (aunque por lo visto Iñaki, en la entrevista realizada por Paloma Chamorro en “La Edad De Oro”, salvaba en sí al grupo de Nacho Gª Vega y Antonio Vega; quizás el compadreo rojiblanco tuviera algo que ver).

Estos grupos, por lo general, no es que fueran demasiado exitosos, pero en todo caso, son de las formaciones más interesantes que tuvieron lugar en los años 80. Los siguientes pasos discográficos de Glutamato Ye-yé fueron igualmente interesantes, marchosos y divertidos, con ejemplos tales como “Comamos cereales” o “Zorahida” (siendo esta última una especie de “La Ramona” de Esteso, sobre todo por frases como “¡Ay Zorahida qué buena que estás!”, pero adaptada a ciertos sonidos ska, vagamente lejanos al “Night boat to Cairo” de Madness, debidos a las referencias a los conflictos de oriente medio y al Frente Polisario que hay por la letra; maravillosa).

El grupo aguantó de forma firme hasta poco después de la mitad de los 80, que rubricaron su actividad permanente con un directo potente en el que se incluyó esa genialidad de readaptar el himno de la legión “Soy el novio de la muerte” a “Soy un socio del Atleti”, que como entenderán a mi me encanta, y me gusta más incluso que el himno de Sabina del centenario y dependiendo del momento incluso me gusta más que el tradicional de toda la vida (sube la moral y adrenalina).

Del ítem que hemos analizado, cuya portada incluye las letras de las canciones (ahí discerní lo de “cochino”) y una leve representación de algo que identifique a las 4 canciones, indicarles que lo pueden encontrar, sí, en formato vinilo reeditado en El Corte Inglés de Preciados y a menos de 10 euros. Merece muchísimo la pena y además tendrán en su poder una joya monumental de la historia de nuestra música. Reitero que lo pasarán muy bien escuchándolo, así que tomen nota y a ver si entre unos y otros agotamos sus existencias (en breve me haré con él). ¡Ah! Y si quieren ver al grupo, que sepan que siguen en activo, y que de cuando en cuando tocan en salas madrileñas. El 27 y 28 de este mes estarán en la Clamores en un concierto muy especial sobre el Atlético de Madrid. Yo creo que me acercaré a verlos.

Poco más. Esta semana en nuestro programa de radio dedicaremos la hora a revivir el coloquio que tuvimos en enero sobre Joy Division y su disco “Unknown Pleasures”. Eso será el miércoles a las 23h en RUAH y una hora más tarde en &radio. Y no pierdan de vista el sábado 21 en el que a las 16.00h en &radio, en riguroso directo, dedicaremos el programa a The Cure y “Pornography”, celebrando el cumpleaños nº 53 de su cantante y líder Robert Smith.

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de La Broma Negra (14-04-2012)

2012-04-12T21:05:00.001+02:00

Semana, o mejor dicho, fin de semana de conciertos el que tenemos por delante. Si mañana veremos a Najwa en Joy Eslava presentar su nuevo material, que en breve estará a la venta, al día siguiente lo que haremos será vivir la actuación de La Broma Negra en el café La Palma, donde presentarán oficialmente las canciones de su nuevo disco, ya en el mercado, “Desilusiones De Grandeza”.

Ya pudimos hacernos una idea previa del material nuevo en la actuación del grupo de hace casi 2 meses en la sala Taboo y ahora estamos escuchando el nuevo material discográfico en su formato de estudio, para darle tratamiento semanal cuando esté interiorizado en el blog y en nuestra 4ª temporada de radio dedicarle un programa especial.

De momento, y para ir afianzando el conocimiento de los nuevos temas, no habrá mejor plan que vivir nuevamente su fuerza en directo, desplegada por Carlos Caballero al micrófono y programaciones y Alex Gómez con sus guitarras, con su puesta en escena tan cuidada y elegante.

La cita, reiteramos, el sábado a las 21.30h en el café La Palma, que está en la calle del mismo nombre, cerca del metro de Noviciado. En la siguiente semana, tras la crónica de la actuación de mañana de Najwa, publicaremos la del presente evento. Agradecemos nuevamente al grupo que nos hayan tenido en cuenta para que informemos de su actuación una vez más. Siempre es un placer.

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Najwa (13-04-2012)

2012-04-11T00:19:00.003+02:00

Todo seguidor antiguo del blog y de nuestro programa de radio que se precie, sabrá de mi devoción y debilidad por la gran dama de la música electrónica de nuestro país, Najwa. Tras el intenso y sorprendente “El Último Primate” de 2010, Najwa vuelve con nuevo material que verá la luz en el próximo mes de mayo. El título del disco, ya promete “Donde Rugen Los Volcanes”, y las maneras del mismo nos pueden evocar a aquel magnífico “Carefully” de 2001. Eso sí, Najwa prosigue cantando en español como ya hiciera en el disco predecesor.

Parte de ese nuevo material podremos experimentarlo de la mejor forma posible, es decir, en directo, en la sala Joy Eslava este próximo viernes a las 21.00h en un evento especial que promueve Vodafone a través de Myspace. Nosotros tendremos la suerte de poder estar presentes y posteriormente contarles del evento y de ese interesante nuevo material que Najwa ha vuelto a dar forma junto a Raúl Santos, productor con el que estimo ha sellado unos trabajos de una altísima exigencia.

No sabemos si habrá cabida para canciones de discos como “Walkabout” o “Mayday”, ya que en las 2 actuaciones que vimos de Najwa en el Festival Be Open y en el Universimad de 2010, cuando estaba presentando “El Último Primate”, la artista se centró en temas de esa obra. El viernes lo podremos comprobar en la mítica Joy Eslava.

No obstante, para que puedan estar dentro de la sala, tendrán que buscarse la vida en Myspace, ya que Vodafone organiza el evento a través de esta red social musical. Apresúrense y vayan pronto a la cola, que si no se quedarán fuera. En caso de que así sea, dense un paseo por aquí la próxima semana para suplir posibles carencias.

Como siempre, agradecemos a la gente de Promociones Sin Fronteras, especialmente a Mónica Caballero, que nos tengan en cuenta a nuestro blog, programa de radio y emisoras en las que emitimos como medio de comunicación a acreditar para dar cobertura al evento.

Bauhaus - Mask (1981)

2012-04-08T20:08:00.004+02:00

Tras regresar de viaje, llega el turno de la publicación del post de la semana, con un día de retraso. Es algo raro que para un fan de The Cure como es un servidor, le dé algo de pereza meterse como dios manda con grupos como Siouxsie And The Banshees o Bauhaus, protagonistas de esta semana, bandas con las que voy muy poco a poco y con buena letra. Quizás eso sea síntoma de que me tomo muy en serio sus discos y trato de digerirlos detenidamente. No sé. En todo caso es que creo que ya es hora de meterme a darle tratamiento a un disco de Peter Murphy y los suyos en el blog.

El rock gótico que destila Bauhaus más bien podríamos decir que es punk gótico. Esta formación, por lo general, es mucho más enérgica y corrosiva en sus maneras musicales que por ejemplo el grupo de Robert Smith, que salvo en ciertos pasajes de “Pornography” y la canción “Doubt” del anterior “Faith” (contemporáneo del disco que escogemos de Bauhaus para hoy, año 1981), enfocaban lo oscuro desde el siniestrismo y la depresión. Al escuchar un disco de Bauhaus, y en particular este “Mask”, que fue su 2º trabajo editado en 1981, la sensación principal que te queda es la de intensidad y arrojo, más allá del tono negro y oscuro de sus texturas, algo que se aprecia ya en las 2 primeras composiciones.

Aparte del carismático cantante Peter Murphy, líder y guitarrista además del grupo, junto a él estaban el guitarrista Daniel Ash, David Jay al bajo y Kevin Haskins en la batería, formación clásica y perenne del grupo siempre que estuvo en activo, ya que en su reunión de 2008 también estuvieron los 4 en el ajo. Pasemos al análisis del disco que estos 4 editaron en 1981.

Ya con “Hair of the dog”, primera canción de “Mask”, se ve esa crudeza de las líneas de las guitarras y el carácter agrio y corrosivo de las melodías. Peter Murphy demuestra su principal y más característico registro vocal, que no es otro que en el que se presenta con sumo arrojo y cierta aceleración. Resulta muy característica esta “Hair of the dog” del disco, ya que aúna 2 de las principales marcas de estilo de Bauhaus, que son por un lado el toque punk por la energía de la melodía y por otro lado el regusto oscuro que hace que el grupo esté asociado a las vertientes góticas. Muy en la línea de la canción de apertura, pero con un halo de clásico de la discografía de Bauhaus, llega “The passion of lovers”. Directa, contundente y quizás la canción que más claramente haya quedado para el recuerdo del disco que hoy nos ocupa. Murphy sigue mostrándose contundente y voraz al micrófono en la 2ª canción del disco, pero sin embargo nos dejará un poco a cuadros en “Of lilies and remains”, 3ª composición de “Mask”. Y es que en “Of lilies and remains”, Murphy más bien recita o narra, con bastante contención, aunque en la parte final hace gala de alguna exageración vocal que resulta algo cómica dentro de este tema de melodía acústica y con notas discordantes que van marcando el paso cual segundero. En “Dancing” se vuelve a la energía rockera y al avasallamiento en ciertos momentos, para seguir echando leña a la línea dura del disco. Sin embargo, “Mask” no es un ejemplo de intensidad sin fisuras, y el tenebrismo también se consigue con otros instantes más lúgubres y nebulosos como es “Hollow hills”. Esta canción no necesita de mayores artificios para crear una atmósfera oscura y decadente, en la que los coros hacen las veces de almas en pena a Murphy y la línea del bajo tiene una importancia notable para dibujar un tema que gustará mucho a los seguidores de los The Cure precisamente contemporáneos a este disco, ya que en esos días Smith y los suyos lanzaban aquel gris disco (en todos sus aspectos, visto ya desde la portada) “Faith”, en el que “Hollow hills” no hubiera desentonado para nada junto por ejemplo a “Other voices”. Single también fue “Kick in the eye”, que más bien se sitúa en la parte más desenfadada de la obra y que basa gran parte de su gancho rítmico en la repetición del título que tiene. Con la siguiente canción el grupo va a seguir moviéndose en un sector vagamente amable.Interesante resulta “In fear of fear”, con esos saxofones y la notable línea del bajo. Aquí casi podríamos estar ante un ejemplo de pop gótico, porque la melodía, además de ser bastante bailable, tiene un toque animado, dentro de sus fantasmagóricas formas y adornos eléctricos que tiene. Atropellada resulta, sobre todo por la batería y lo inconexo de su melodía en general, “Muscle in plastic”, en la que se suman notas inquietantes de piano en ciertos momentos y en la que Peter Murphy va enloqueciendo poco a poco, de tal forma que se le va la cabeza bastante en la parte final, pareciendo que incluso mencionara el nombre del cantante de Bloc Party. En el sector intenso-gótico resulta muy acertada “The man with the x-ray eyes”. Aquí Murphy se centra mucho en las tareas vocales y la maquinaria sonora de Bauhaus suena quizás más ensamblada que nunca a lo largo del lp. El grupo, muy al estilo de lo que hacían también The Cure en sus primeros discos, termina con la canción que le da el título a la obra. “Mask”, la canción título, es una pieza asfixiante, muy siniestra, en la que la teatralidad de Murphy hace gran parte del efecto con esos quejidos y la solemnidad algo sobreactuada de su interpretación vocal. La música es distorsionada, lúgubre, afilada y, en todo caso, ajustada al sentir de este final tan intenso, que sorprende a propios y a extraños cuando en su parte final, con una producción cristalina y muy clara, irrumpen unas líneas de cuerdas acústicas para dar el cierre formal a la obra. No obstante, es propio que en las ediciones actuales se incluyan varios bonus tracks, que son algunas caras b de los singles, de las que resultan interesantes sobre todo esa suite en la que los nombres de los componentes conceden el título a la misma y que casi podríamos decir que es una especie de rock gótico-progresivo. El primero de los cortes, “In fear of dub”, no es ni más ni menos que una variación experimental de la “In fear of fear” que ya hemos escuchado en el track list principal. “Ear wax”, con ese devenir disoluto y fantasmagórico de Murphy en las voces se hace notar especialmente en los bonus. La que menos tiene que ver es “Harry”, con ese toque desnudo y alegre en su melodía, en la que no faltan ciertos guiños vocales de Murphy, que parece que en los momentos menos solemnes se le va la cabeza como ya vimos en “Of lilies and remains”, aunque he de decir que personalmente me gustan mucho esos arranques que Murphy tiene de cuando en cuando. “Satori”, la última de todas las piezas, es una instrumental de prominente base rítmica.

Con este 2º trabajo, Bauhaus se siguió postulando como uno de los grupos de rock gótico, que heredaron en parte el sentir que desprendían los Joy Division de Ian Curtis, y en cierta manera, tanto por el arrojo e intensidad de Murphy a las voces, como por sus melodías, son el grupo que más cerca de los de Ian Curtis se podrían situar.

La portada, diseñada por alguno de los componentes del grupo, según tengo entendido, muestra unos bocetos de figuras nada claros y que destilan cierto mal rollo. Y en parte podríamos decir que es bastante apropiada, ya que el desasosiego que transmite “Mask” en líneas generales podría estar ciertamente bien representado por su portada. Bauhaus no superaría la 2ª mitad de los 80, y tras un par de lps más, con interesante material en su interior, y que también regalarían su mayor clásico en forma de canción individual con “She’s in parties”, el grupo se disolvería para una puntual y extraña reunión para nuevo disco y nueva gira hace unos años atrás.

Lo que está claro es que Bauhaus sí que puede considerarse como un grupo de culto. Junto a compañeros de género musical en mayor medida como Siouxsie And The Banshees, y ya no digamos The Cure, su repercusión mediática es bastante menor. Poca gente les conoce y hay que reconocer que es un grupo al que cuesta cogerle el punto; no les diré más que a un seguidor de The Cure y admirador de sus obras más siniestras como soy yo, le costó en su día cogerle el punto a Bauhaus, ya que conocimiento del mismo tengo desde finales de los 90. No obstante, se les termina de coger el paso y merecen la pena y mucho.

El disco que hoy nos ocupa, me ha servido de compañía en muchos momentos desde comienzos de año en mis escuchas en mi reproductor mp4, básicamente porque cada vez soy más vago para renovar su contenido, pero en todo caso le ha venido muy bien a estos primeros meses de año, que normalmente suelen ser tan grises y decadentes como muchos pasajes de “Mask”. Como Bauhaus tienen otros 4 discos, tengan por seguro que volverán a pasar por aquí y les advierto que si seguimos con nuestro programa de radio, este “Mask” será objeto de análisis.

Esta semana podrán escuchar en RUAH a las 23.00h y en &radio una hora después el estreno del programa que dedicamos en nuestra 3ª temporada a Simple Minds y su disco “New Gold Dream (81/82/83/84)”. Presten buena atención, ya que será uno de los últimos programas que en individual y en solitario haré para la radio hasta nueva orden. De aquí en adelante y en posibles futuras temporadas, los coloquios musicales, con más o menos tertulianos, serán la tónica general. Estimo que son más entretenidos para ustedes, lo cual también es una muestra de que tampoco me gusta ser excesivamente protagonista y me lo paso mejor compartiendo micrófono con otras voces tan expertas como yo, o incluso más sabias en los temas que tratamos.

Wolfsheim - Casting Shadows (2003)

2012-03-31T14:18:00.004+02:00

Pocos supondrían allá a comienzos del presente milenio que el nuevo trabajo que el dúo de techno pop alemán compuesto por el vocalista Peter Heppner y el músico Markus Reindhart sería a la larga el último que editarían para más adelante separarse definitivamente. Lo que está claro es que el grupo se tomó su tiempo para editar nuevo material tras el exitoso y muy bueno “Spectators” de 1998.

Con su anterior trabajo el grupo consiguió afianzar su figura en Alemania dentro de las tendencias electrónicas y también a nivel continental ganó presencia y relevancia. Gracias a canciones como los singles “Once in a lifetime” y “Kuntsliche welten”, “Spectators” obtuvo unos resultados a nivel comercial y mediático razonables y el conjunto global de la obra se ganó buenas críticas en general.

A pesar de que sabíamos del carácter oscuro y a ratos introspectivo de Wolfsheim, dejó muy en fuera de juego el hecho de que para presentar “Casting Shadows” se escogiera como primer single la triste pero sobria “Kein zurück”; ¿quién sabe si en su título, de traducción al español “sin retorno”, se atisbaba en parte que Wolfsheim llegarían en breve a su final? Lo que sucede es que esta canción, que tras muchas, pero que muchas escuchas finalmente consigue llegarte, evidentemente no es nada inmediata, y además el hecho de que fuera de las composiciones en alemán del disco, por muy patriótico que les quedara de sus fronteras hacia dentro, lacraría la posibilidad de que Wolfsheim siguieran afianzándose a nivel internacional más allá de tierras teutonas.

No obstante, y aunque sea sin llegar al nivel de exigencia tan alto que marcó el anterior “Spectators”, hay que reconocer que “Casting Shadows” es un disco notable y solvente. Es quizás menos inmediato, pero tras llevar un tiempo interiorizándolo y casi sin darte cuenta, un día te paras a pensar sin saber por qué y resuelves que es un disco bastante bueno y agradable.

Y eso que se empieza con una composición poco frenética o arriesgada, que en parte concede el título al disco. “Everyone who casts a shadow” es un tema amable, que choca al ver la partida de Wolfsheim respecto a “Spectators” y que se vale de vocoders que a ratos continúan la letra que Heppner de forma hierática, muy a su estilo, se encarga de ejecutar. Un inicio curioso más que memorable, que pasará al olvido debido a que en el 2º lugar del set list se nos presenta una de las mejores composiciones del disco. Es “Care for you” sin lugar a dudas una de mis favoritas de Wolfsheim de todos los tiempos. Estamos ante un tema que destila melancolía y relajación a partes iguales. Nos enfrentamos a una calmada sensibilidad, plasmada de forma tan elegante y sinuosa a través de las melodías diseñadas por Markus y que Peter canta con bastante sentimiento. El estribillo es sencillo a más no poder, pero resulta que es lo importante, y sus repeticiones de palabras no son motivo para constituir lacra alguna. Una joya oculta de la discografía de Wolfsheim, que conforman un inicio de disco muy alejado de los ritmos con más beats y más oscuridad bailable que ofrecía su anterior disco. Llegamos a “I won’t believe” que es un claro ejercicio de pop, con un cierto toque amargo o melancólico en su melodía, que a ratos puede resultar algo hinchada o impostada dentro de lo que suele ser el semblante habitual de Wolfsheim. La canción gana intensidad tras su primer minuto y medio que tiene poco recargo sonoro y de programaciones. Ahora es turno de “Kein zurück”, que ya lo he advertido en la introducción, es un tema de factura más clásica en general y constituyó un arriesgado primer single de la obra. Recuerdo el videoclip con esa empleada de lavandería a la que se le va la olla, y ver a Peter y Markus por ahí metidos viendo el devenir de esa moza que sale corriendo de su lugar de trabajo. Termina por llegar, pero precisarán de varias escuchas, quizás, para cogerle el puntito. “And I…” es una composición de factura medio acústica, sugerente en el sentir que transmite y que supondrá uno de los últimos capítulos relajados de la obra, ya que hasta ahora “Casting shadows”, salvo en ciertos momentos de “I won’t believe” se ha mostrado muy reflexivo y calmado. No obstante, hay sitio para la también sosegada, pero con un toque oscuro bastante interesante, “Underneath the veil”. En el terreno más solemne del disco puede ser de las más llamativas y en todo caso es una de las pequeñas joyas ocultas que el último disco de estudio de Wolfsheim contiene.Con “Find you’re gone” el grupo recupera de forma más clara el techno pop bailable que caracterizaba “Spectators”, y lo más curioso es que este acertado single tenía su réplica solamente en formato single con la previa “Find you’re here” que no se incluyó en “Casting Shadows”. Por cierto, resulta muy interesante ver los 2 videoclips seguidos, con esa evolución de la casa de Peter Heppner, que en la 2ª parte, la que constituye en sí el video de “Find you’re gone”, la reconvierte en un restaurante oriental. Los teclados y sintetizadores que marcan la melodía cuando Peter dice eso de “veo que te has ido”, son muy claros y directos y conforman uno de los más claros himnos pop del disco. La siguiente “This is for love” puede resultar algo forzada, y en todo caso palidecerá claramente con los 2 siguientes ejercicios que Wolfsheim situó para afrontar la parte final, que claramente dignificarán el resultado de la obra, dándole una parte final de mucho ritmo sintético que se agradece y que casi alcanza los momentos más excelsos que el grupo alcanzó en el anterior “Spectators”. Y es que “Wundervoll” es tal como su propia traducción indica: maravillosa. La melodía de sintes que organiza Markus es realmente genial y Peter canta de tal forma que le da un empaque y fuerza bastante notoria, sobre todo teniendo lo comedido que es Heppner al micro. Pero es que igualmente en este sentido se moverá la siguiente “Approaching lightspeed”, echando más madera al sector más bailable y movido del disco y conformando una 2ª mitad interesante. Estas 2 composiciones son de lo que más me gustan de la obra y se agradecen sobremanera. Se termina con una instrumental de título “In time”, al estilo de lo que el grupo ya hiciera en su anterior disco, pero en este caso con una composición de maneras misteriosas y sugerentes, algo ambient, que no queda nada mal como epílogo.

En Alemania el disco tuvo una gran aceptación, e incluso “Kein zurück” funcionó relativamente bien, a pesar de no ser un single demasiado comercial. En aquellos momentos a Wolfsheim se les tenía en muy buena consideración y aunque el dúo se tomó su tiempo hasta editar nuevo material (5 años desde “Spectators”), no habían perdido la inercia del éxito y de la aceptación del público que aceptó con agrado este disco. Lo que nadie intuía es que a la larga sería el último del grupo.

Y es una pena, ya que “Casting Shadows” confirmaba la grandeza de Wolfsheim y su capacidad de dar lugar a discos muy perfectos. A “Dreaming Apes” quizás le sobraban ciertos interludios instrumentales experimentales que hacían algo agreste el camino al disco al público menos ducho en la materia, pero ya en “Spectators” el grupo dio con la justa medida. Lo que sí resulta algo sosa es la portada del disco, ¿no?

Este disco que hoy hemos revisado tiene temas realmente buenos. Quizás salvo “I won’t believe” y “This is for love”, las cuales no me emocionan particularmente, el resto de composiciones son buenas o incluso muy buenas. Puedo quedarme con muchas. Indudablemente con “Care for you”, “Find you’re gone”, “Underneath the veil” y esa pareja de temas de la parte final tan animada y movida como son “Wundervoll” y “Approaching lightspeed”. Wolfsheim sellaron su discografía con un buen último disco. Lástima que creemos que no habrá más.

Esta semana santa no habrá estreno el miércoles en nuestro horario de las 23.00h en RUAH ni una hora más tarde en &radio. Podrán escuchar repeticiones, que no sé si coincidirán en ambos casos, ni cuáles serán, ya que las elegirán los encargados de programación de cada emisora. En breve estará subido el Especial Pink Floyd que se emitió el pasado miércoles.

Concierto The Noises. Madrid (22-03-2012)

2012-03-26T18:56:00.006+02:00

Dentro de la fiesta de presentación del Festival Electropop de Pamplona que se celebró el pasado jueves en la sala Taboo, en el programa del evento se encuadraban The Noises, grupo que teníamos pendientes de ver más a fondo tras la primera toma de contacto que tuvimos con su música y directo en el pasado Fnac Music Festival. Y he de reconocer que me sorprendieron brutalmente en el plano positivo. Quizás fuera la lejanía desde donde les pude ver en aquel festival del mes de diciembre, pero el caso es que no me percaté de muchos detalles de la actitud del grupo en escena, que en esta ocasión viví en primer plano.Llegamos con demasiada anticipación, ya que poco después de las 21.30h estábamos en la puerta de la sala y The Noises no tocarían hasta la medianoche. De casualidad nos encontramos con nuestra buena amiga Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras de camino a la sala y nos informó que el plan de la noche incluía un grupo previo a The Noises que comenzarían a las 23.00h y luego tras The Noises 3 sesiones de distintos djs.Y la verdad es que el grupo anterior Sala And The Strange Sounds resultaron muy interesantes. Por lo general, este grupo de formación clásica, cuarteto incluyendo batería, bajista, guitarra y vocalista-guitarra, sellaron una actuación muy animada. El grupo profesa un estilo rock puro y duro, con ciertos guiños en su género al after punk. Su set list se centró lógicamente en el material que están a puntito de editar, que no es ni más ni menos que su debut. Salvo, como ellos mismos advirtieron, con el tema “Let me down”, que es en sus propias palabras lo que más se parece a una balada de su repertorio, el resto de temas fueron descargas potentes de rock muy vital y para muestra de ellos y que se lo puedan imaginar fielmente, escogieron una versión de Los Ramones para completar su set list. Buenas maneras, buena actitud y una lógica puya a ciertos sectores que nos les apoyaron, dedicándoles de forma airada el tema “Danny Boy”. En breve el grupo estará tocando en el recinto Madrid Arena y en la sala El Sol; además, en el mes de mayo sacan su disco al mercado. Interesantes Sala And The Strange Sounds, con un repertorio completamente cantado en inglés, que veremos si a lo largo de su historia se muta al castellano como a tantas bandas indies les ha sucedido (Second, Love Of Lesbian, etc.). Apuntar que el batería del grupo llevaba un casco que me recordó en parte a aquel Julián Hernández de Siniestro Total cuando igualmente se encargaba de la batería cuando Miguel Costas era el vocalista de los de Vigo.Y tras unos pocos minutos para preparar el escenario, llegó el turno de The Noises, que desde el comienzo llamaron claramente la atención. Gran parte de la culpa la tuvo su vocalista, Fran Gómez, el cual vino completamente desmelenado y con un descarrile de adrenalina, que le sumó una intensidad a la actuación increíble; reiteramos que esa intensidad no la percibimos en el Fnac Music Festival, no sé si porque no se dio lugar o porque desde nuestra alejada posición no nos percatamos de la misma. El caso es que aquí ya desde los primeros compases el propio cantante de The Noises nos advirtió que estaba loco y esa sana locura fue rasgo reconocible de la actuación en la parte ajena a lo estrictamente musical. Abajo un primer plano de Fran Gómez frente al micrófono.The Noises abrieron fuego con “Mandanga”, un tema resultón, rítmico y pegadizo, en el que fácilmente se te queda la reiteración del estribillo “quieres más, quieres más…”; no en vano, fue de los temas que reconocí que el grupo tocaron en la otra ocasión que les pude ver. No sé si ya en este primer tema el vocalista de The Noises, Fran, hizo su primera incursión en el público de la sala, para bailar algo de pogo. Las guitarras, muy del gusto del sonido Strokes de su debut (muy presente en toda la noche), nos metieron de lleno en el universo de marcha y animosidad que por lo general destila el disco de debut “Bellavista” de The Noises.El desparpajo de Fran se notó más si cabe que en la foto superior, cuando avisó que el 2º tema sería escogido como siguiente single, para al instante mirar el setlist que tenía a sus pies y corregir que no era así, que habían cambiado el setlist y se había colado. La verdad es que no sé si “1984 (nos oyen)” la escogerán para hacer un videoclip como mínimo, pero la verdad es que el tema lo merece, ya que está muy bien y fue uno de los momentos que más me gustaron de la actuación. Lo de “nos oyen”, me recuerda vagamente en la letra al “Observándonos (satélites)” de Soda Stereo, aunque el estilo musical de los argentinos tampoco tiene mucho que ver con el de The Noises. Abajo una foto de The Noises desde un lateral detrás del escenario.Pero el concierto no se basó únicamente en el primer y hasta la fecha único lp del grupo de título “Bellavista”, sino que The Noises tuvieron a bien ir presentando nuevas composiciones, que ni siquiera Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras, y encargada de la comunicación del grupo en esos momentos conocía, según me confesó poco antes de la actuación. Sonaron bastante bien las 3 canciones nuevas, de título “Cristal”, “Abismo” y “Caza”, gustándome especialmente la 2ª de las mencionadas, que inició una parte menos movida que alcanzaría el final del concierto para posteriormente afrontar los bises.En esa 2ª mitad de actuación The Noises se atrevieron a fusionar a los Strokes y a los Pixies, saliendo airosos del envite y dentro de este sector menos luminoso o acelerado melódicamente destacó del repertorio propio del grupo otro gran tema de título “Equilibrios”, que sin duda es otro de los momentos más destacables de “Bellavista” desde mi punto de vista, viéndolo como lógico todos aquellos que saben de mis preferencias y gustos musicales de toda la vida. “Shake” y la novedad ya citada de “Caza” dieron lugar al final formar de actuación, tras lo que solamente cabía esperar las propinas. El vocalista de The Noises llevaba su propia corona, pero no de espinas (tal y como se pondrá de moda en unos pocos días), sino de pandereta.Y el bis que dispusieron los Noises fue arrollador, de la mano de 2 trallazos como son “Rara avis” que se situó en primer lugar y en la que Fran se encargó de que el público hiciera correctamente los pegadizos coros que incluye el tema y luego el grupo quiso terminar en lo más alto con “La ciudad es tuya”, primer sencillo de su ópera prima. Con “La ciudad es tuya” y su melodía tan animada, luminosa, bailable y genuinamente pop, The Noises pusieron el broche final a una actuación muy buena, que solamente se vio tímidamente enturbiada por algún que otro problema de sonido ajeno al grupo, en forma de petardeo de los bafles, que por fortuna solamente se cebó con una de las canciones que sonaron.Chuso Ruiz y Pablo de la Fuente con sus guitarras, Sergio Benavente al bajo y Oliver Ruiz desde su batería funcionaron como una máquina de rock luminoso y animado, que no tuvo fisuras. Fran Gómez como vocalista y frontman estuvo arrollador (ya lo comentamos en las redes sociales hace unos días); el cantante de The Noises no paró de animar a la sala en todo momento, de meterse en mitad del público a bailar chocándose cuál bola de pinball y de arengar a la gente para que se sumara a la fiesta.Se notaban que The Noises jugaban en casa, ya que había mucho seguidor de la formación dentro del grupo y ello ayudó inestimablemente a que en la sala Taboo se respirara un buen ambiente. Fue una hora y unos pocos minutos lo que The Noises estuvieron en escena, pero de sobra y suficiente para llamar la atención de una forma clara y concisa, lejos de la dilución que supuso su actuación en el Fnac Music Festival, ya que aunque ello supone un premio para la formación el hecho de estar dentro de un cartelazo como el del festival citado, el hecho de que solamente tuvieran 25 minutos para defenderse sobre las tablas les hizo un flaco favor y en todo caso no se puede percibir la fuerza que en distancias más cortas tiene la formación. Ya lo dijimos en aquella crónica, pero en el Fnac Music Festival el grupo tuvo tan poco tiempo que cuando estaban empezando ya habían acabado; recordemos que a los sublimes Second también se les dejó muy poco tiempo en las tablas. Bueno, es lo que tienen los festivales. Para hacerse una idea más fiel de un grupo, conciertos como el que protagoniza esta crónica.Vamos, que nos lo pasamos muy bien con The Noises y me sorprendieron en todos los sentidos. Sobre todo en el campo de la actitud en escena, ya que la música me sonó bien lo que escuché en diciembre en el Palacio de los Deportes y esta actuación vino a confirmármelo de una forma más clara. No habrá que perder de vista a The Noises y comprobar su evolución en los tiempos venideros. Agradecemos a Mónica Caballero su atención y amabilidad una vez más; ojalá otros responsables de agencias de comunicación tomaran ejemplo de ella, ya que sin duda nos iría mucho, pero que mucho mejor.

Spandau Ballet - Heart Like A Sky (1989)

2012-03-24T12:52:00.005+01:00

Es curioso y creo que esto no me ha sucedido en muchas ocasiones en estos 4 años de existencia del blog, pero lo que acaba de pasar es que mientras que iba a retomar un artículo que tenía medio hecho de un disco para publicarlo esta semana (el cual lógicamente se pospondrá a posteriores semanas), el hecho accidental de que dentro del mismo cd recopilatorio mp3 en el que lo tengo exista otro disco y haya empezado a sonar, me ha hecho cambiar de idea y empezar de 0 con un post distinto en el que hablaré del disco que me ha retado a divagar sobre el mismo a medida que recuperaba su escucha que tenía parada desde hace mucho tiempo.

Y tampoco se da el caso de que el que fuera el último disco de estudio de Spandau Ballet “Heart Like A Sky” de 1989 lo tenga desde hace mucho tiempo. Creo recordar que me lo descargué del e-mule hace cosa de 4 años y pico (hilando fino sería en septiembre de 2007). Lo digo abiertamente lo de descargar, ya que este disco está descatalogadísimo y ni siquiera ha sido reeditado en formato deluxe últimamente por eso de que es de otra discográfica distinta a la de los 4 primeros discos del grupo de los hermanos Martin y Gary Kemp, el vocalista Tony Hadley, el batería John Kebble y el saxofonista, teclista y percusionista Steve Norman; así que, no hay otra forma humana o legal de hacerse con el mismo y aunque tengo en formato original todos los cds del grupo, tuve que sucumbir a la piratería para tenerlo de alguna forma.

El grupo se tomó mucho tiempo hasta que editó su nuevo trabajo tras su notable “Through The Barricades” del año 1986. Se notaba que los Kemp estaban pensando ya en otras cosas derivadas de sus gustos por la interpretación y su carrera como actores. La cohesión en el grupo estaba en entredicho, aunque de puertas para afuera no lo pareciera a simple vista. Esto derivó en un disco que a pesar de contar con buenos momentos, carece de fuerza de ensamblaje y carácter de unidad.

Uno de los mejores momentos de la obra fue “Be free with your love”. Estamos ante un tema veraniego, cálido, a ratos tropical y con guiños a los ritmos latinos por esas secciones de viento del final tan animosas. Es una canción que busca agradar y hacer que nos movamos. Su interés no reside en una letra trabajada, ya que ésta es casi una mera excusa para un tema resultón y directo, que a la par es de lo que más se recuerda del disco. El caso del segundo tema del listado es cuanto menos controvertido, ya que “Crashed into love” fue single, pero no se ha incluido en recopilatorios del grupo. Es una pena, ya que estimo que es una balada pop genuina de muy buen gusto y muy bien tratada, con ese estilo elegante de las composiciones de Gary Kemp marca de la casa bien presente y con un toque más emotivo de lo habitual. El videoclip, de ambiente nocturno y con un Tony en el comienzo de su madurez destilando una elegancia y galantería que dentro del mundo del pop pocos pueden alcanzar, es paradigma de los días finales de los Spandau Ballet. En parte esta canción me da cierta nostalgia o lástima ya que tiene un halo como de final, que durante mucho tiempo así sería hasta que el grupo se reuniera contra todo pronóstico en el 2009 y que les pudiéramos ver hace casi justo 2 años en el Palacio Vistalegre; por cierto, en aquel concierto no sé si incluyeron algún tema de este disco en el listado. Ahora no lo recuerdo, pero pueden ir a la crónica del concierto pinchando aquí y compruébenlo por ustedes mismos. Es curioso que cuando mi padre realizaba su programa “Micrófono Abierto Al Fútbol Base” en la extinta Frecuencia Torrejón, había una cuña publicitaria de no sé qué negocio local que utilizaba la siguiente canción del disco como sintonía. Lo gracioso es que “Big feeling” no fue single ni nada por el estilo. Esta composición abunda en ciertos guiños al sonido del nuevo soul de finales de los 90, con mayor o menor acierto según el ojo con el que la vea cada uno. “A matter of time”, siguiente composición de las 9 que nos ocupan en “Heart Like A Sky” (el título del disco se menciona en la letra de “Crashed into love”, que antes se me ha olvidado mencionarlo), se sitúa dentro del sector de las baladas lentas, sinuosas y susurrantes que de cuando en cuando metían Spandau Ballet en sus discos. En parte la podríamos considerar a “A matter of time” como una prima lejana de “Code of love” de “True”. Steve Norman se hace un hueco en el disco como compositor de un tema, en este caso el 5º de la obra, de título “Motivator”, que tampoco es de lo mejor del disco o de los momentos más memorables. Sin necesidad de hacer daño a un tipo tan majete y carismático como es Steve, “Motivator” es un tema pop, luminoso y animado, al que quizás le falta un poquito de gancho en su melodía. No obstante, seamos justos, para nada nos encontramos ante un tema tremendamente horrible.Parte de la lacra comercial del disco fue que la complicada “Raw” fuera escogida como primer single. Este tema que fusionaba soul y cierto carácter rock a partes iguales, no llegó ni a los fans antiguos del grupo ni a nueva gente. Se quedó en tierra de nadie, suponiendo un cierto toque de riesgo para el grupo, que en efecto fue tal y que les vino horrible en unos momentos en los que como ya he comentado había cierta zozobra interna entre sus componentes. “Empty spaces” es una de las joyitas ocultas de “Heart Like A Sky”. Supone otro instante de relajación e intimismo al estilo de lo que “A matter of time” nos mostró unas pistas antes, pero en esta ocasión con un giro más en la rueda de intensidad emocional, lo cual es inestimable para llegar a conformar una composición muy válida y disfrutable. “Windy town” es una canción pop que por momentos gusta y por otros momentos no. Tiene partes o pasajes buenos, pero quizás parte de su melodía flojea en otros instantes. Por lo general no está mal, pero mejor resulta el cierre del disco “A handful of dust”, que en parte toma los bríos derivados de “Crashed into love” para sellar “Heart Like A Sky” con una composición de soul y pop a partes iguales que no está nada mal y que no en vano seleccioné como música de fondo en lo que fue la 1ª temporada de “Discos, música y reflexiones” en la radio.

El que definitivamente fuera el último disco de estudio de Spandau Ballet fue por lo general un fracaso. Quizás el grupo había estado demasiado tiempo meditando en editar el nuevo material y también éste salió a la venta en unos días en los que los años 80 comenzaban a decir adiós y muchos grupos de la década habían entrado en clara decadencia; a sus rivales Duran Duran, con notables cambios de componentes en su formación, no les iba mucho mejor.

Con una última gira que trajo al grupo en febrero de 1990 a Madrid, Spandau Ballet terminaron despidiéndose y comenzarían los malos rollos entre ellos, con ciertas disputas legales que se producirían en años posteriores. Los Kemp se dedicarían a ejercer como actores (destacable fue el papel de Gary Kemp en “El Guardaespaldas” de la recientemente malograda Whitney Houston, donde interpretó a Shy, manager de la artista), Tony Hadley a iniciar una discretita carrera en solitario y a Kebble y Norman a pasar al olvido. No hace mucho, el grupo hizo las paces y nos regalaron una gira de grandes éxitos que fue memorable. El concierto que viví hace ya 2 años es de los mejores a los que he asistido en mi vida.

Resumiendo el asunto de “Heart Like A Sky”, digamos que es un disco que peca de inconsistencia o ensamblaje entre sus piezas, como de alguna forma también le sucedía al “True” de 1983. Lo que pasa es que aquí no hay ningún “Gold” o “True” para dignificar más el resultado y lo que resulta es un disco que después de todo no está tan mal, y que ofrece algo más de media hora de música que solamente chirriará en la arriesgada “Raw”; pero incluso a esta canción se le termina cogiendo el punto. Personalmente, hubiera gustado más cosas de este lp en aquel concierto casi perfecto de marzo de 2010 en el Palacio Vistalegre.

Una vez más defendemos un disco olvidado y machacado por las críticas (2 estrellas en Allmusic por ejemplo; sí que entendemos que se le diera palos por su portada tan insulsa con ese esbozo de retrato en tonos azules) y lo hacemos desde la sinceridad, afirmando que no nos resulta desagradable ponerlo de cuando en cuando; de hecho, el que lo haya escuchado por casualidad y me haya lanzado a escribir sobre él cuando no estaba previsto, supongo que será indicativo de algo a su favor, ¿no?

Esta semana en nuestro programa de radio el miércoles a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en &radio, podrán escuchar el Especial Pink Floyd sobre su disco “Animals”. Más importante es que esta tarde a las 16.00h en &radio no se pierdan el Especial Alaska Y Dinarama que haremos en riguroso directo durante un par de horas. Habrán comprobado que los programas sobre Talk Talk y Katy Perry ya están subidos a nuestro perfil en Ivoox, tal como comentamos en nuestros perfiles en las redes sociales.

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de The Noises (22-03-2012)

2012-03-20T19:01:00.004+01:00

Tuvimos opción de ver por 1ª vez y última hasta la fecha a The Noises en directo cuando fuimos a dar cobertura como medio de comunicación al Fnac Music Festival en su 1ª edición el pasado mes de diciembre. Esta banda madrileña fueron los encargados de abrir fuego en un evento en el que el cartel daba vértigo por la reputación y nombre de los artistas que formaban parte del mismo.

Aquel día The Noises aprovecharon muy bien sus 30 minutos de actuación y nos fue suficiente para hacernos una primera idea de su propuesta musical. Esa impresión buscaremos ampliarla este próximo jueves en la sala Taboo (donde no hace muchos días estuvimos viendo a La Broma Negra en un concierto de adelanto de su nuevo disco “Desilusiones De Grandeza”), en la que The Noises darán un concierto en exclusiva dentro de la fiesta de presentación del Festival Electropop de Pamplona (FEP).

Prestaremos buena atención a las maneras musicales de esta formación y en los sucesivos días les dejaremos por aquí un artículo que busque recrear por escrito y con imágenes lo que vivamos, pero creo que si tienen hueco podrían pasarse a escuchar buena música en directo, que siempre es un plan interesante y por las maneras que pudimos ver a The Noises en aquel evento de finales de diciembre, creo que la cosa merecerá la pena.

Una vez más, agradecer a Mónica Caballero de Promociones Sin Fronteras que nos haya tenido en cuenta para dar cobertura a esta actuación como medio de comunicación. La foto del presente artículo muestra un momento de la actuación del grupo en el pasado Fnac Music Festival que sacamos desde una de las ubicaciones que ocupamos aquel día.

Concierto Dr. Sapo. Madrid (14-03-2012)

2012-03-19T16:45:00.000+01:00

La sala Costello de Madrid acogió uno de los conciertos que últimamente está ofreciendo Dr. Sapo para presentar su 4º trabajo de estudio. Llegué a las inmediaciones de la sala poco antes de las 21.00h y justo en ese momento salía de la misma el líder de la banda Miguel de Lucas, con quien pude hablar un poco antes de su actuación y tras la pertinente prueba de sonido que acababan de finalizar. El mismo nos informó de la inclusión de Dr. Sapo en un proyecto del Ministerio de Cultura denominado “GPS”; no se confundan con accesorios de automóviles, ya que las siglas se refieren a “Girando Por Salas”. De esa forma, una serie de grupos seleccionados entre más de 1500 tienen acceso a un circuito de actuaciones, cobrando un caché y permitiendo de esa forma que subvencionen sus proyectos, como es en el caso de Dr. Sapo la financiación de su último videoclip.Nos adentramos en la sala, con aspecto de gruta (me recordó mucho al local en el que Loquillo grabó el videoclip de su versión de “Ya no hay héroes” con Hugh Cornwell de The Stranglers en el 96) para situarnos de cara al inicio de concierto fijado para las 21.30h. Serían pasadas las 21.40h cuando Miguel y su formación actual, la cual solamente ha variado en el guitarrista respecto a la actuación que vimos al grupo en la sala Galileo, lo que nos comentó Miguel en el rato que estuvimos de conversación con él, cambiándose a Fernando Vasco por Eduardo Martínez, permutándose los papeles de guitarrista suplente y guitarrista principal. Sigue Kike Corman al bajo, al cual vimos con gafas y perilla como añadidos a su imagen de hacía algo más de un año y David Rodríguez a la batería.Miguel siguió fiel a su camiseta negra con el lema “Rana tu padre” impreso en la misma y ya nos advirtió que la actuación sería más bien intensa, ya que del repertorio han hecho limpia de los temas más lentos. Y en efecto así fue. Tras la intro el grupo comenzó abriendo con uno de los nuevos temas de título “Mierda”, en el que pudimos ver el gusto de De Lucas por Extremoduro con claras influencias de los de Robe y también un puntito de Kiko Veneno. Lo de representar el título de este tema se vio en el boñigo de broma que a modo de pisapapeles sujetaba el set list que al pie tenía el propio Miguel.Respecto a lo de la intensidad del set list, es cierto que así fue y quizás uno de los momentos más sentimentales y lentos que tuvieron hueco en la selección de canciones con las que nos deleitó Dr. Sapo el pasado miércoles fue “Mundo mágico” de su anterior disco “No Hay Fronteras”. Esta bonita composición no se hizo mucho de esperar y estuvo situada en la parte inicial de la actuación. En la siguiente imagen pueden ver a Miguel de Lucas en primer plano, con el bajista Kike Corman al fondo.Pero para no caer en el terreno que según Miguel el grupo no estaba interesado en abundar en la actuación, justo después se presentó la canción compañera de disco de “Mundo mágico” “Tarzán ha vuelto”, que como ya sabrán es uno de los temas más cachondos y desenfadados de la discografía del grupo. En consecuencia fue de los momentos más divertidos de la actuación, con Miguel desaforado con ese instrumento de viento chirigotero en ciertos compases; recuerden que en “No Hay Fronteras”, al final de “Tarzán ha vuelto”, el grupo se parte de risa literalmente, mientras que alguien advierte que aún se está grabando.En los repertorios de Dr. Sapo ya se aprecian clásicos del grupo y eso es consecuencia lógica de una trayectoria musical que ya lleva un tiempo razonable en marcha. Fue interesante ver, relacionado con este aspecto, como el grupo dispuso tocar seguidas “Luna de menta”, recuperada para su último disco “Balas De Plastilina”, y “Perdí las alas”, siendo de los momentos que mejor recibió la gente.Con intensidad se dispuso “Deja que duerma” y hubo momentos muy animados y divertidos como “Rogelio el caracol”, la cual apareció en los primeros compases del show. En los bises, hubo lugar para hacer una dedicatoria a uno de los componentes del grupo en ciertos momentos como es Fernando Vasco, el cual acudió al concierto y a instancias del propio Miguel subió al escenario para marcarse esos bailes flamencos al son de “Territorio apache” (compruébenlo en la foto situada debajo de este párrafo), de la que se encargó solito de hacer Miguel en acústico en escena.Hubo espacio para que en la parte final del concierto, antes de los bises, Miguel se bajara los pantalones (lo podrán ver en la siguiente fotografía) y siguiera sumando animosidad y divertimento a una noche muy entretenida. Y es cierto que quizás la cercanía de la sala propició que el grupo estuviera como sapo en la charca (no vamos a decir lo de pez en el agua, ya que lo otro viene al pelo) y eso se pudo apreciar en la actitud del grupo y en especial de Miguel, que se desgañitó en varios momentos y muchas partes de ciertas canciones las afrontó al micrófono bastante desaforado y enérgico.Por la actuación y por lo que pudimos hablar con Miguel antes de la actuación, se nota y se ve que Dr. Sapo está en un buen momento. Con disco nuevo bajo el brazo y con una gira que está funcionando bien y con el sobreseguro de lo ya explicado del programa GPS, Dr. Sapo ha tenido un buen comienzo de 2012. Sus conciertos siguen siendo sinónimo de buen ánimo, ritmo, diversión y todo ello se debe en gran parte a la inestimable actitud y buen rollo que el propio Miguel de Lucas transfiere desde el escenario; prueba de ello fue el ejercicio de salto que representó 2 veces en el escenario al final del núcleo principal del set list y en el cierre definitivo de la actuación tras los bises; la imagen de abajo da fe de ello.En definitiva, fue una buena noche, que finalizó definitivamente con la siempre efectiva “Al tran tran”, en la que nos lo pasamos muy bien de la mano de Dr. Sapo y su animoso repertorio. Finalizo agradeciendo al propio Miguel de Lucas que nos tuviera en cuenta para dar cuenta de su actuación, cosa que hacemos con este post y encantados de que así haya sido.

Blur - Blur (1997)

2012-03-17T10:52:00.003+01:00

Hay que ser ecuánimes, y si el otro día dimos tratamiento al considerado disco final de subidón del brit pop de los Oasis, hoy analizamos lo que Blur hizo tras su en parte exitoso y en parte fracasado “The Great Escape”. El 4º trabajo de estudio de Blur de 1995 lo considero exitoso porque tuvo bastante repercusión en todos sus singles y porque el material es bueno en sí. Lo de “en parte fracasado” que aludía en las frases anteriores viene asociado al hecho de compararlo con el 2º trabajo de Oasis “(What’s The Story?) Morning Glory”, el cual triunfó claramente sobre el disco que salió casi a la par de los Albarn, James, Coxon y Rowntree.

Para el siguiente paso Blur decidió golpear primero, pero hubo una serie de particularidades que hacen del siguiente ítem o lanzamiento discográfico del grupo un hecho bastante curioso. Primero, la banda decide sacar al mercado su trabajo en unos días en los que bandas consagradas como U2 o Depeche Mode volvían a la carga tras 4 años desde su último disco de estudio.

Aunque ambas entregas de estos 2 gigantes de la música moderna han sido reivindicadas con el paso de los años y puestas en su lugar, en su momento la crítica les dio muchos palos, pero independientemente la importancia mediática y su repercusión fue inexcusable (la difusión de los videos de “Discotheque” y “Staring at the sun” de U2 y el “Barrel of a gun” y el “It’s no good” de Depeche Mode se emitieron incansablemente en programa diario del mediodía en Canal + que tenían los 40Principales reservado y en los respectivos “Del 40 Al 1” que todavía presentaba un glorioso e impagable Fernandisco).

Y ahí aparecieron Blur con su single “Beetlebum” en mitad de aquel jaleo, con un videoclip decadente (con el grupo tocando en una habitación en estado de cierta desidia y abandono) y un tema en definitiva nada comercial, muy alejado de los momentos pop alegres del pasado que mostraban un cambio en el carácter de Blur y en todo caso demostraron un par de cojones sacando como primer single a esta, por otro lado, fabulosa canción. Eran los días de mi 2º de B.U.P. en el instituto y uno de los primeros lanzamientos discográficos de mi vida que viví con intensidad, puesto que ya he comentado que Blur y Oasis fueron de los primeros grupos que me llamaron la atención en mi vida y a los que seguí junto a The Cure. Como intro ya está bien, pasemos a su análisis.

Comienzo clavado al desarrollo comercial de singles, primero con esa instrospectiva “Beetlebum”, con interesantes guitarras y coros en el estribillo y con los acordes machacones de Coxon tan característicos del inicio. Los requiebros electrónicos que abigarran la canción le confieren un toque vanguardista interesante y aunque no le vi nunca mucho potencial comercial, lo que es inexcusable es que se ha terminado convirtiendo en un clásico dentro de la historia de Blur, aunque haya sido a marchas forzadas. Y luego pasamos a “Song 2”; el “2” es aplastante por todos los lados (2º tema del disco, 2º single, 2 minutos de duración…). Un tema con un ritmo potente, rockero, con Damon desgañitándose tras la comedida languidez de “Beetlebum” y con ese videoclip rodado en otra habitación de horribles empapelados de pared, en la que el grupo termina chocándose contra paredes y soportando aires huracanados. Un hit inmediato y otro clásico del repertorio de Blur, con mucho más tirón que la previa “Beetlebum”. Y entre los 4 singles de la obra se cuela la exótica “Country sad ballad man”, con su lenta candencia, de vagas influencias country, como se puede intuir en el título, pero con la personalidad sonora de Blur, sobre todo en los acordes de las guitarras de Graham Coxon. El 4º single “M.O.R.”, contiene una interesante sección rítmica y demuestra uno de los momentos más pop del disco, con un brío e intensidad más que notable. El videoclip, realmente con escenas aceleradas y nerviosas, contribuía a sumar más intensidad a la experiencia audiovisual de la envoltura del tema. Destaca sobre todo el papel de Rowntree a su batería en ciertos momentos. Y en el 5 capítulo de la obra se da cierre al episodio de singles del disco homónimo de Blur. “On your own” destaca por las inquietudes electrónicas de programaciones del grupo y por un guiño claro al rap en la estructura lírica y vocal del tema; no hay que dejar de lado el toque que también le daba el videoclip, grabado en zonas industriales decadentes, con Damon no cortándose a la hora de mostrar ciertos gustos de los estilos de los que Blur parece influenciarse para esta composición pegadiza y claramente comercial, que solamente se vio dañada en su empeño por el gran papel y resultado de su single antecesor “Song 2”. “Theme from retro” no engaña en su título y nos sumerge en sonidos provenientes de la psicodelia de los años 70, para conformar una pista algo hipnótica e incluso fantasmagórica, sobre todo por la parte vocal velada y con eco que incluye. Graham Coxon se hace cargo de la acústica y rugosa en producción y mezcla “You’re so great”. Una canción sentida, que pierde bucolismo que podría tener con otra producción, debido a su sonido agreste y duro. Una pequeña joya oculta para llegar al ecuador de “Blur” y una balada cuanto menos curiosa.“Death of a party” nos devuelve a Damon, en una composición en el que los teclados vuelven a recordarnos a épocas pasadas, con una base casi más propia del trip hop de aquellos días que de otro género musical. “Chinese bombs” apuesta por el sector agresivo y rockero del disco. Un tema bastante punk, visto en su rabia, la forma de cantar a modo de escupitajo vocal de Damon y su corta duración. “I’m just a killer for your love” se muestra sucia, rockera y reiterativa en su mensaje, mostrando a los Blur más cercanos al rock independiente; de hecho, en esta pieza nos podemos encontrar ciertos adelantos sonoros o de estilo de uno de los siguientes proyectos musicales de Albarn, Gorillaz. Luego nos llega “Look inside America”, que en sus primeros compases nos puede traer recuerdos lejanos de la gloriosa “End of a century”. Aquí se oye a Damon cantando sin retorcimientos de producción y sin él forzándose a sonar distinto. Se oye su tono habitual y da lugar a una canción agradable y reminiscente de los Blur de siempre, que por otro lado poco tiene que ver en el conjunto tan arriesgado de canciones que como comprobarán nos estamos encontrando en este 5º disco de estudio de la banda. La siguiente composición, antepenúltima de las 14 que forman parte del disco, suena interesante. “Strange news from another star”, cuenta nuevamente con Damon en formato sonoro reconocible en una composición lenta, reflexiva y a ratos bonita en sus formas, como por ejemplo a mi me lo parece en su estribillo. “Movin’ on” muestra un carácter más acorde con el disco, siendo sucia en producción, con cierto vigor en su melodía y con Damon otra vez modificado en el sonido de su voz tradicional. No obstante, algunos de los últimos episodios sonoros, aunque muy buenos, desvirtúan el mensaje de la obra, ya que lo inquietante predomina y por ello “Essex dogs” supone un cierre de obra apropiado visto lo visto. Larga, subterránea, nocturna, complicada, inquietante, de base rítmica trabada y que a su vez incluye un track oculto instrumental de carácter hipnótico y experimental.

A “Song 2” y a que esta canción consiguiera ganarse los favores comerciales y mediáticos de ser banda sonora de cierto videojuego futbolero de la época, deben Blur que su 5º trabajo fuera un relativo éxito. Tras la machada de sacar “Beetlebum” como 1er. single el grupo supo reaccionar y con el 2º sencillo otorgado a “Song 2” bastó para darle en los morros a Oasis, ya que a día de hoy recuerdo con mucho más éxito y acogida a este disco de Blur que al de Oasis, que como comentamos la pasada semana tantas leches de la crítica especializada y fans se llevó (como ya dije, de forma algo injusta).

Con su 5º trabajo de estudio y con una propuesta menos comercial en el conjunto global de sus canciones, partiendo de su estilo primigenio y evolucionando a un sonido más cercano al rock independiente, Blur consiguieron quitarse la espina derivada de su derrota frente a Oasis 2 años antes; a día de hoy, al disco protagonista del artículo de la pasada semana de la banda liderada por los hermanos Gallagher (aunque haya gente como yo que lo defiende) le siguen dando leches y sin embargo al álbum de Albarn y cia., en el que se centra este post, se le ve con relativos buenos ojos.

La primavera del 99 fue de los momentos más inciertos musicalmente hablando que recuerdo. Había un vacío de poder en el que grupos que en aquellos días tenían mucho éxito como Travis o Radiohead no terminaban de dar un golpe definitivo sobre la mesa para hacerse con el mando o trono musical internacional, cosa que sí comenzarían a hacer Coldplay unos meses más tarde con el nuevo milenio ya iniciado. Con esto, el siguiente disco, de título ya arriesgado para supersticiosos “13”, no terminó de romper, y buena parte de la culpa lo tuvo un single algo peculiar como adelanto que fue “Tender” con esas influencias gospel y su duración tan larga. A pesar de que al grupo se le veía pasárselo muy bien en el videoclip (meándose de risa), el 6º trabajo de estudio de Blur no cuajó y eso que “Coffee & tv”, cantada por Coxon y 2º single del disco, realmente era interesante y con un clip graciosillo con el brick de leche y sus peripecias varias por la ciudad.

No era fácil, pero Blur consiguieron un buen resultado de su disco de mismo nombre. Lo que pasa es que si a “The Great Escape” se le cruzó en el mismo año el disco de sus rivales Oasis “(What’s The Story) Morning Glory”, en el 97 tuvieron la mala suerte de coincidir con el icono de “Ok Computer” de Radiohead. La verdad es que a Albarn y sus muchachos solamente les acompañó relativamente la suerte en ese apartado con “Parklife”, porque con sus 2 siguientes discos tuvieron la mala suerte de coincidir con 2 de los mejores discos de la historia de la música moderna.

Dejando de lado las comparativas, “Blur” de Blur es un disco interesante. Siempre he echado en cara a Blur que sus trabajos suelen pasarse de duración. Aquí nos enfrentamos a 14 pistas y recuerden que “The Great Escape” también incluía muchos temas en su listado. No obstante, esto es característica de Blur y de su obra y hay que hacerse a ello. No van a encontrarse ningún “Girls and boys”, ni “Country houses” o “Charmless men”, ya que como mucho se podría parecer en vaga forma “On your own” a temas de ese calado, pero los matices de sonidos algo retro que utiliza la banda y el sonido alternativo de piezas como el arriesgado 1er. single “Beetlebum”, les terminará llegando, pero para ello precisarán de repetidas escuchas. Tendrán que tener paciencia, pero la espera merecerá la pena para que le cojan el punto a este disco que produjo el conocido de Morrissey Stephen Street.

La portada de este álbum “Blur”, con esa imagen en tonos miel amarillentos, que de forma borrosa (reflejando el significado del nombre de la banda y del disco) muestra una escena de traslado de camilla en hospital, que puede ser metafórica en el aspecto de que el brit pop entraba en decadencia y en consecuencia en la unidad de cuidados intensivos; si esa fue la intención, razón no le faltó. Un buen disco este el que fuera el 5º de Blur, que revisamos en los días en los que aún se especula con un regreso más permanente de la banda (más allá de apariciones o actuaciones puntuales) con nuevo disco, y que junto al ítem de la semana pasada me ha permitido trasladarme a mis días de instituto de 2º y 3º de B.U.P.; para la próxima semana estimo que daré algún salto temporal cambiando de época.

En nuestro programa de radio, el próximo miércoles podrán escuchar el Especial The Human League que dedicamos a su disco “Crash” de 1986. Como últimamente, el horario es a las 23.00h en RUAH y una hora después en &radio. El Especial Talk Talk y el programa de Katy Perry confiamos en que estén subidos lo antes posible a Ivoox, pero las conexiones internautas no nos están funcionando muy bien en los últimos días.

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Dr. Sapo (14-03-2012)

2012-03-13T20:11:00.003+01:00

El grupo de Guadalajara liderado por el compositor y cantante Miguel de Lucas, Dr. Sapo, tiene nuevo disco entre las manos titulado “Balas De Plastilina”, el 4º de su trayectoria, y está presentándolo intensamente por toda la geografía española con varias actuaciones. Madrid no es una excepción y mañana miércoles 14 de marzo en la sala Costello se trasladará la charca particular del grupo para presentar sus nuevas canciones, al igual que tocar varios de los temas de sus trabajos anteriores.

Miguel de Lucas y sus compañeros no se amedrentan con nada y desafiando a un rival tan temible como siempre es el fútbol, y más en su versión de la edición actual de la antigua Copa de Europa con uno de los equipos de la ciudad en liza, a buen seguro ofrecerán un concierto divertido, ameno y movidito en esta sala cercana a la Gran Vía madrileña.

Nosotros estaremos allí para a posteriori contarles por estas tierras bloggeras lo que Dr. Sapo nos ofrecerán en esta nueva actuación suya en la capital. Yo confío en que dejen el fútbol de lado y opten por afrontar el inicio de la parte amable de la semana (aquella en la que el lunes y martes ya son historia) de la mano de buena música y buen ánimo que es el que Dr. Sapo transmite con sus canciones y actuaciones.

Agradecer personalmente al propio Miguel de Lucas que nos haya tenido en cuenta como medio de difusión para dar cobertura a este concierto. Por cierto, la fotografía del post corresponde a la actuación del grupo que pudimos ver en noviembre de 2010 en la sala Galileo.

Oasis - Be Here Now (1997)

2012-03-10T13:38:00.004+01:00

¡Uy! Qué poco han pasado por el blog los grupos reyes del brit pop noventero Oasis y Blur, ¿no? Hay que poner remedio, sea como sea. Le echamos un par de bemoles analizando el disco considerado frontera temporal del inicio del declive del brit pop de mediados de los noventa. Yo siempre he pensado que es una solemne chorrada, ya que de ese año, o anterior/posterior, hay grandes joyas como “Coming Up” de Suede o “This Is Hardcore” de Pulp, sin dejar de lado el disco homónimo de los rivales de la banda de los hermanos Gallagher Blur.

Sí es posible que lo que comenzó es una pérdida de interés mediático hacia estas bandas, debido a irrupciones de nuevas tendencias electrónicas capitaneadas por Prodigy o Apollo 440, el trip hop, o el experimentalismo novedoso y aclamado de Radiohead (los cuales sufrieron más tarde un golpe con “Kid A”, pero fueron aclamados por el “Ok Computer”). Lo que sí es cierto es que el disco que hoy nos ocupa fue un fenómeno mediático en el momento que vio la luz, vendiéndose por toneladas en las tiendas de discos.

No era para menos, ya que Oasis habían conseguido firmar uno de los mejores discos de los años 90 y por ende de la historia de la música, con su 2º trabajo “(What’s The Story?) Morning Glory”. El caso es que “Be Here Now”, por mucho que se esforzó, no tenía en su interior un “Wonderwall” y tampoco el conjunto de canciones o alineación de titulares es de tan alta exigencia como una obra que incluye “Some might say”, “Don’t look back in anger” o “Champagne supernova”, aparte del inmortal tema ya mencionado. No obstante, creo que es un disco más que válido y disfrutable, que solamente tiene algún que otro ladrillo inmiscuido en su interior, pero que por lo general, y con el debido paso del tiempo, no decepciona, por mucho que en su momento no cumpliera con las expectativas.

Se abre con el que fuera primer single, con ese sonido de ruidos de helicópteros (no hay que olvidar el videoclip de maniobras bélicas que se grabó) que nos introduce a la potente “D’ you know what I mean?”. Realmente un buen primer single, bastante rotundo y rockero, con un estribillo sencillo cantado por Liam acompañado de su hermano Noel en los coros. Realmente una de las joyas ocultas, por los momentos tan rítmicos y animados que tiene, aunque quizás palidezca levemente en ciertas partes del estribillo, es “My big mouth”. En su día fue de las canciones que más me llamaron la atención de “Be Here Now” desde sus primeras escuchas en la cinta de cassette grabada del cd original del hermano mayor de un amigo, que además es el formato con el que estoy escuchando el disco (¡con un par de cojones!: en plena 2ª década del siglo XXI escuchando un disco en la pletina de cinta de cassette de una minicadena), básicamente para recrear lo más fielmente posible la esencia de las escuchas personales de esta obra, allá en mis tiempos de comienzos de 3º de B.U.P., en unos días en los que aún no había descubierto ni siquiera a The Smiths o Depeche Mode (aunque estos últimos ya me sonaban de su último trabajo en aquellos días “Ultra”, sobre todo con su single “Home”) y solamente The Cure se ganaba mi atención musical (¡qué días aquellos en los que aún estaba accediendo a su discografía!), a parte de los Oasis y Blur. Tras el arreón de inicio supuesto por los 2 primeros temas, de claro enfoque rockero y en pro de una clara descarga de adrenalina, llega Noel para llevar la voz cantante y ofrecer un tema más reflexivo y relajado en “Magic pie”, la cual en aquellos días del otoño de 1997, tan joven yo, no valoré lo suficiente, y a día de hoy considero mucho más válida y agradezco más; la edad no se suma en balde, visto lo visto. Es curioso el interludio instrumental medio jazzístico que hay antes del siguiente corte situado al final de esta “Magic pie”. “Stand by me” fue el 2º single extraído, y quizás tuvo un mayor éxito que “D’ you know what I mean?”, o mejor dicho, al menos fue mejor recibida por los fans del grupo, ya que el primer sencillo tuvo una cobertura y difusión mediática notable. Esta balada sentida y luminosa, dirigida al micrófono por Liam, ofrece un intento de sellar un nuevo himno como lo fue “Wonderwall”, pero aunque el tema es válido (al menos en su día me gustó y el paso del tiempo no ha hecho que la vea con distintos ojos o la escuche con distintos oídos), no puede compararse a “Wonderwall”. Estimo que su papel es otro y en todo caso es de las composiciones más bonitas y sentidas de la obra. El videoclip que se grabó, con el grupo tocando como en el escaparate de una tienda, también lo recuerdo bastante bien de verlo una y otra vez en aquellos extintos programas de videoclips de los 40 Principales en Canal +. El final de “Stand by me”, con esos arreglos de orquesta añadidos en la producción y la cierta subida de intensidad emocional que se alcanza en la repetición o reiteración de alguna frase del estribillo, le concede unos últimos instantes gloriosos a esta quizás no justamente tratada históricamente canción de Oasis. Me gusta mucho y cada vez más (quizás la haya recibido incluso mejor de lo que recordaba), la brutalmente emotiva y rítmica “I hope, I think, I know”. Su mayor atractivo reside en la combinación de una línea de guitarra que sabe llegar a tocar la fibra sensible, como era el caso de “Some might say”, con una cierta épica que tras el paso de las escuchas hace que gane cada vez más enteros. No me resisto en hacerle una marca a “I hope I think I know” como joya oculta de “Be Here Now”. Algo menos notable es “The girl in the dirty shirt”. Y es que para mi gusto es el momento menos memorable de “Be Here Now” de lo que llevamos de disco. No es que sea mala, se escucha bien, sin necesidad de que se haga pesada, lo que pasa es que estimo que todas las canciones anteriores son muy buenas y en todo caso superiores a este tema que puede resultar algo contemporizador o pachanguero.Damos la vuelta la cinta en la pletina y le doy al play tras avanzar el tiempo restante en blanco que sobraba en los 45 minutos de cinta de la cara “a” (y es que me encargué en su día de hacer mi copia lo más real posible respecto a la original que me prestaron para copiármela). Resulta curiosa y atractiva “Fade in out”, la cual resulta algo experimental e hipnótica, además de ser bastante aguerrida en sus formas instrumentales. Otra balada que sigue la estela de “Stand by me” fue el 4º single de la obra “Don’t go away”. Aquí Liam se pone realmente romántico cantando las letras escritas por su hermano Noel, y si no escuchen el estribillo: “Por lo que no te vayas, di lo que sea, di que estarás por siempre en la lluvia en mi vida, porque necesito más tiempo, sí necesito más tiempo para hacer las cosas bien”. Me gusta bastante el sector baladístico de “Be Here Now”, aunque “Stand by me” me agrada quizás un poquito más que “Don’t go away”, la cual también contó con arreglos clásicos en su mezcla. Fuera de tono resulta la canción título, con esos sonidos tan rimbombantes y chocantes, abundando en el lado más pop del disco, a lo que vendrá a sumarse también el fallido 3er. single “All around the world”, la cual resulta pesada principalmente porque se pasó de duración; quizás esta “All around the world” en una versión algo más acortada hubiera resultado más digerible y amable. Un buen cierre supone la animada, llevadera y rockera “It’s gettin’ better (man!!)”. Siendo generoso le puedo llegar hasta la vitola de joya oculta personal y como estoy animado así la consideraré, principalmente porque es un buen capítulo final que te deja un buen sabor de boca, más allá del epílogo cansino de la versión reprise de “All around the world”; se ve que se quedaron con ganas de más “All around the world”, en un intento catastrófico de intentar conferirle a esta canción una sensación de clásico por estos favores que no viene a qué y que en todo caso me supone el momento más anodino y que menos me gusta del que fuera 3er. trabajo de estudio de los famosos hermanos de Manchester. Se termina la obra con unos pasos andando y cerrando una puerta.

El tercer disco de estudio no satisfizo las expectativas básicamente porque la gente esperaba otra obra maestra de la talla del predecesor álbum; estimo que eso era una locura. Creo que el pack entregado y firmado por Oasis es más que bueno. Un disco de notable alto, bien producido y grabado en los estudios de Abbey Road (un gustazo supongo para los Gallagher por su admiración a The Beatles). En estos tiempos aún estaba en el combo el componente original de Oasis el guitarrista Bonehead, el cual se largó al siguiente trabajo. Desde aquí ya a Oasis se la vio exclusivamente como la banda de los hermanos Gallagher y sus peleas y discusiones variadas.

El siguiente paso del grupo fue editar acertadamente el particular recopilatorio de caras “b” “The Masterplan”, donde se dio el protagonismo que se merecía a un temazo de la talla de “Acquiesce”. El 4º disco “Standing On The Shoulder Of Giants” sí que no coló, porque el repetitivo single “Go let it out” no terminó de hacer mucha gracia al público y este trabajo ya sí que fue editado en unos días en los que el brit pop y todas las bandas asociadas al movimiento no disfrutaban del beneplácito de la prensa para seguir concediéndoles portadas en exclusiva.

No obstante, no como sucedió a otras bandas, Oasis aguantó mucho tiempo en la brecha hasta que los hermanos partieran peras definitivamente. De sus actuales proyectos, ese del “ojo beodo” de Liam y “los pájaros no sé qué” de Noel, no me he interesado mucho. Sin embargo, he de decirles que he disfrutado mucho de recuperar la escucha de este disco, en el formato origen en el que lo escuché allá en la 2ª mitad de 1997; me ha hecho rejuvenecer unos cuantos años.

Es curioso la fuerza y lo real y potente que suena esta copia en cinta que tengo, la cual no es más que copia de otra cinta, pero ésta original, que le regalaron mi amigo (el cd original de su hermano era el de “(What’s The Story) Morning Glory”, lo cual me he recordado mientras escribía el post y escuchaba la cinta). Suena mejor que el rippeado del cd original de otro amigo mío que me hice hace un tiempo. ¡Qué cosas!

Alguno dirá que este disco es un desastre y supuso el inicio del fin de Oasis. Sinceramente, me da igual. A mi me gusta “Be Here Now” (ya desde su portada en el jardín y piscina de esa mansión) y lo considero un buen disco. Una cosa es que esté lejos del nivel exigencia del 1º y 2º trabajo y otra cosa es decir que sea una mierda. Lo que pasa es que la música es muy pasional y la gente a veces, como diría Billy Joel, se va a lo extremos. Como ven, seguimos reivindicando y rompiendo lanzas a favor de “patitos feos” de la historia de la música. Seguiremos así.

De la radio advertir que intentaremos subir el Especial Talk Talk lo antes posible a Ivoox. Este miércoles a las 23.00h en RUAH y una hora más tarde en &radio podrán escuchar el programa dedicado a Katy Perry y su 2º disco “Teenage Dream”, con participaciones puntuales de buenos amigos en el programa. No se lo pierdan, al igual que tampoco se pierdan el Especial Bosé sobre “Velvetina” que haremos esta tarde en riguroso directo en la sintonía de &radio de Torrejón de Ardoz a las 16.00h.

Vangelis - Blade Runner (1994)

2012-03-03T13:31:00.003+01:00

Si la pasada semana nos quitamos las cadenas o, mejor dicho, iniciamos el repaso de discos en directo con el “Bestival Live 2011” de The Cure, esta semana hacemos lo mismo a la hora de abordar el análisis formal de una banda sonora original de una película. Me enfrento a la hora de escribir este post a un proyecto ambicioso, ya que aunaré a partes iguales el análisis formal de las canciones o temas, su inserción en la película y la sensación que pueden causar.

Advierto: a todo aquel que no haya visto “Blade Runner” y tenga la suerte de tener pendiente enfrentarse a su primer visionado, le recomiendo que no lea el presente post hasta haber visto la película, ya que mi artículo va a estar repleto de “spoilers” o, dicho en cristiano, revelaciones del argumento que le quitarán la magia y el encanto al visionado del film, desvirgándoles en el universo de “Blade Runner” con una vulgar violación. El resto, todos aquellos que la hayan visto, y sobre todo a todos los que quedaron prendados por la película, considerándola como una de sus favoritas de todos los tiempos (como es mi caso, la cual la verán siempre en mi top 5 de preferencias en todos mis perfiles de usuarios de redes sociales o de Blogger), espero no decepcionarles.

Hablemos un poco de Vangelis. Del compositor y creador musical griego he de decirles que no sé demasiado (evito poner su nombre real, porque me da vértigo). Solamente, afirmar que es un visionario del sonido y que en su día tuvo mucha relevancia, al estilo en parte de lo que por su lado tendría Jean Michel Jarre (esto no es decir mucho, ya que todos más o menos lo tendrían claro) y que a comienzos de los 80, cuando recibió el encargo de crear el universo sonoro de “Blade Runner”, ya tenía en su poder un premio Óscar por la banda sonora de la resultona y siempre emotiva “Carros De Fuego”.

“Blade Runner” es un peliculón. Tal cual. Es una de esas películas que llegados al final te desmorona los arquetipos e ideas previas que te habías estado haciendo sobre cada uno de los personajes que forman parte de la misma durante todo el metraje. Está plagada de diálogos memorables, personajes inolvidables y llenos de carisma y elementos visuales fácilmente asociables al film, además de contar con algunas escenas de quitarse el sombrero. No obstante, “Blade Runner” no sería lo que es si se le quita la perfecta envoltura sonora que tiene y que es mano de Vangelis, el cual por este trabajo se merece entrar en el olimpo de la música. Analizaré la edición de la banda sonora que se editó en formato cd en 1994; no me voy a meter en la última edición de 3 cds que se sacó al mercado, sino que me quedaré con el sintético pack de 12 temas. En el título del post me había planteado respetar el año de la película, 1982, más que el de la edición, remasterización o compilación de los temas para dar lugar a ese conjunto mágico de 12 composiciones. Bueno, pasemos a ello. Comenzamos el viaje.

Se abre con los títulos principales, una pista en la que se incluye la voz de Deckard (el policía cazador de androides o replicantes de la denominada brigada Blade Runner que encarna Harrison Ford) en sus primeros segundos, cuando está analizando informáticamente una fotografía encontrada en la casa que habita el androide Leon Kowalski, y en los momentos en los que ve por 1ª vez a la replicante nexus-6 Zhora, interpretada por Joanna Cassidy. Tras esos sonidos y la voz de Deckard pidiendo correcciones a su editor de fotos, se da paso a los sintetizadores y notas tan solemnes que nos dan la bienvenida a la película cuando se ve ese plano principal de esa gris, sucia y decadente ciudad de Los Ángeles en el futuro (a día de hoy no tan lejano) y en el que vemos el edificio de la Tyrell Co., empresa que crea los replicantes. La siguiente composición, “Blush response”, hace referencia a las respuestas ruborizantes que se buscan provocar en el test “Voight-Kampf” que los policías de la brigada Blade Runner hacen para identificar a un replicante. En esta pista escuchamos el diálogo que tiene lugar cuando Rachel, encarnada por una llamativa Sean Young, y Deckard se ven por 1ª vez en el despacho de Tyrell, con un atardecer de acero y oro viejo, tal como describiría Tino Casal en “Bailar hasta morir”, y también escuchamos al propio Tyrell cuando reta a Deckard a hacer el test a Rachel, tras lo que Deckard descubre que Rachel en un nuevo modelo de replicante, dándose ella misma cuenta de la situación, hecho crucial en la película. Las 2 siguientes composiciones tendrán a Rachel como protagonista. En el 1º, de factura misteriosa, sinuosa, atmosférica y vagamente hipnótica, “Wait for me” se escucha al personaje de Rachel hablar a Deckard y oímos por 1ª vez las notas acertadas de saxofón que tendrán mucho protagonismo en otro de los cortes de la banda sonora. En el 2º de los momentos sonoros encadenados con Rachel como protagonista y 4º tema del listado está dedicado directamente a ella, (se ve en el título al llamarse “Rachel’s song”), el cual es de los temas más bellos del conjunto global de la obra, con unos coros femeninos realmente impresionantes. Y no dejamos de lado del todo a Rachel, ya que el “Love theme” es uno de los temas más recordados de la película, básicamente porque como supondrán da cobertura a esos momentos de lucha interna de los personajes de Rachel y Deckard en la casa de este último, a la que terminan por sucumbir ambos, besándose intensamente, con una actitud severa y casi violenta de Deckard. El saxofón alcanza unas cotas románticas increíbles y nos muestra uno de los momentos más bonitos en estos terrenos de la historia del cine, todo ello desarrollado en esas luces nocturnas de estores de rejilla que ambientan la casa del policía especializado en retirar replicantes. Llega acto seguido el momento casi costumbrista y exótico que supone la canción “One more kiss, dear”, de factura sonora reminiscente de los años 40 o 50, que casi me imaginaba yo en su día de ambientación cuando Deckard se estuviera afeitando por la mañana; por el contrario, esta canción, a la que poco a poco se le va cogiendo el punto, sirve para orquestar otro momento costumbrista, que es cuando Deckard está deglutiendo comida rápida en esos puestos en mitad de la calle tan característicos de los barrios chicos que jalonan este particular Los Ángeles que representa la película.“One more kiss, dear” sirve como interludio porque tras la misma llega otro de los grandes momentos. Es la composición perfecta para ambientar el cine negro que en cierto modo también desprende “Blade Runner”. En el blues de “Blade Runner”, esos sintetizadores desolados, lejanos, vagos y lánguidos, casi reflexivos, sirven para ilustrar la soledad y sordidez del policía que es Deckard y ambienta ese momento duro que sufre cuando retira a la replicante Zhora; acompaña a una de las escenas más bellas y mejor rodadas desde el punto de vista formal de la película. Ver como Zhora recibe los disparos en esa huída desesperada después de que Deckard la visitara a su camerino en el show de stripper en el que trabaja, y comprobar como va rompiendo los cristales de una galería de tiendas de ropa, en mitad de la nieve y a cámara lenta, es un prodigio y algo digno de enseñar en cualquier escuela de cine, que lleva la marca de Ridley Scott, el cual se anotó más que un tanto filmando esta excelsa escena. “Memories of green” es una delicada composición de piano, bastante bonita y emotiva, que sirve para ilustrar esos momentos de la película en los que Rachel analiza sus recuerdos para comprobar si de verdad son injertos artificiales implantados en su mente por Tyrell (quizás recuerdos propios de la sobrina de éste según Deckard) o son experiencias reales. Resulta realmente triste ver esa foto en blanco y negro en la que se ve a la supuesta Rachel de niña, con una madre que nunca tuvo; desgarrador y realmente emocionante. “Tales of the future” cuenta con una sorprendente voz de Demis Roussos y sirve para ambientar esa atmósfera noctura y las calles sombrías que forman parte del universo de la película. Realmente inquietante y sorprendente. “Damask rose” continúa por la senda de lo exótico y misterioso y quizás sea el momento menos memorable de los 12, ya que a continuación se presenta el tema tan contundente y rotundo que se compuso para los títulos finales, y que a la larga ha sido el tema que más ha permanecido en la memoria colectiva, sobre todo porque fue sintonía de un programa de televisión durante mucho tiempo. Es un tema siniestro, oscuro, agresivo y que impide que te relajes incluso en los títulos finales (más efectista si cabe si ves el final primero, en el que no hay apéndice romántico con imágenes que se tomaron prestadas de descartes de “El Resplandor”). Es curioso que en este conjunto editado en 1994 se sitúe al final “Tears in rain”, con ese monólogo para la historia del replicante Roy Batty al final del film, en el que te planteas quién era el bueno y quién era el malo en la película. Realmente el comportamiento agresivo y atroz de los replicantes deriva de su indignación por no poder vivir más y estar programados con fecha de caducidad. La muerte de Roy Batty, tras salvar a Deckard de caer al abismo, soltando al momento esa paloma con las nubes disipándose y con el único cielo azul, aunque sea oscuro, que vemos en la película (con la simbología de que la paloma volando se lleva su supuesta alma) y con ese speech que no me resisto a transcribir: “yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión, he visto rayos-c brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos… Momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”, es por derecho uno de los momentos inolvidables de la historia del celuloide. La música es delicada, cristalina y preciosa y acompaña inestimablemente a uno de los grandes momentos, no solo de la película, sino de la historia del cine. Uno está acostumbrado al doblaje en español y he de decir que quizás la voz de Rutger Hauer en la versión original es algo aguda; por tanto, al actor de doblaje español que lo realizó, estimo darle un 11 sobre 10 por tan magnífico papel a la hora de adaptar la interpretación al castellano.

Sabrán ustedes probablemente que aunque la película a día de hoy está reconocidísima, hasta tal punto que se habla en estos días de hacer secuelas o precuelas (con Harrison Ford interesado en formar parte del proyecto, a pesar de que durante mucho tiempo no quería ni hablar de la película por el fracaso que supuso en su día) con Ridley Scott mareando el asunto, en su día fue un tremendo fiasco de taquilla (por lo visto “E.T.” fue un duro competidor) y su leyenda se comenzó a crear a posteriori con el éxito de su alquiler en cinta de vhs en videoclubs.

No hace falta ser un lince para reparar en cómo las ediciones de coleccionista que sacan de cuando en cuando se agotan al instante y es un éxito de ventas asegurado. La banda sonora me la compré allá el 4 de abril de 2007 en el Media Markt de Villaverde, poco después de ver la película por 1ª vez en febrero de ese año en una reposición que hicieron en la sala de cine del Círculo de Bellas Artes (pase gratuito para el que se agotaron las localidades) y en la que a ratos di cabezadas de forma imperdonable, pero justificado porque aquella semana había dormido realmente muy poco y me estaba acostumbrando aún a mi recién estrenado turno de mañana, el cual felizmente conservo a día de hoy.

En su día recuerdo que el actor Francis Lorenzo, en unas entrevistas muy apañadas y breves que hacía por entonces el diario 20Minutos, respondió que la mejor banda sonora para disfrutar de Madrid era la que hoy nos ocupa, puesta en su coche por la noche y circulando por las calles de la capital. Estoy completamente de acuerdo con Francis y si ya por entonces me caía simpático, por esta afirmación tan magnífica, si cabe, me cae mejor; de hecho, yo también llevé la banda sonora durante mucho tiempo grabada en la cinta de casette de mi Renault Clio y disfruté durante muchas noches de paseos de circulación por calles de Madrid desiertas con ese magnífico “Blade Runner blues” y el resto de temas que le acompañan en esta obra hoy analizada de fondo.

Sin desmerecer ni mucho menos a la banda sonora de “Carros De Fuego”, por la que Vangelis recibió el Óscar, estimo que el Óscar se lo deberían haber dado también por este fabuloso trabajo, para ayudar a crear uno de los universos más fascinantes de la historia del cine, no solo de ciencia ficción, sino en absoluto. La música es vanguardista, arriesgada y también hay sitio para cosas con guiños a música de décadas anteriores como el “One more kiss, dear”. Imprescindible para cualquier amante de la buena música y del cine que se precie. Reitero que si alguien que no ha visto la película no ha hecho caso a la advertencia del 2º párrafo, ha leído el post y se le ha estropeado la emoción de verla totalmente virgen por 1ª vez, decirle que ha sido un insensato o insensata y que en todo caso así lo habrá elegido él o ella, porque ya he avisado al inicio. Este post lo considero ambicioso y para mi era un reto. Nuevamente creo que he estado lejos del nivel de exigencia de lo que nos ocupaba, pero lo he hecho lo mejor que he podido y en todo caso desde el punto de vista de un tremendo admirador de la película y de su banda sonora.

En nuestro programa de radio el próximo miércoles podrán escuchar el Especial Talk Talk, en el cual dimos tratamiento a su disco “The Colour Of Spring”. Ya comentamos que hay variación de horarios en &radio (no hay más que ver el banner) y partir de ahora nuestro programa se escuchará a las 23.59h los miércoles en &radio, según termine la emisión de las 23.00h en RUAH. Los sábados y domingos a las 16.00h en &radio de Torrejón de Ardoz también tendremos hueco en el cual podrán escuchar la repetición del programa del miércoles o a nosotros en directo cuando hacemos alguno de nuestros coloquios especiales.

Concierto La Broma Negra. Madrid (23-02-2012)

2012-02-27T21:49:00.006+01:00

Permutar solemnidad por intensidad es lo que La Broma Negra dispuso para el concierto que en exclusiva ofrecieron en la sala Taboo el pasado jueves. Y es que el grupo se notaba que jugaba en casa, con un público asistente fiel seguidor de sus composiciones elaboradas en letras a cargo de Carlos Caballero, tejidas en ese cúmulo de programaciones de base electrónica y los acordes eléctricos de las cuerdas de Alex Gómez. Por tanto, el ambiente que se respiraba en el local era mucho más cercano y cálido que el que el grupo experimentó cuando actuó en el mes de mayo de 2011 en la sala Cats, compartiendo cartel con Da Capo y con los excelentes Oberón, momento en el que conocimos a La Broma Negra.De hecho, la pose recta, seria y solemne del vocalista del grupo Carlos Caballero, duró apenas en esta ocasión un par de canciones, para que tras las mismas desenroscara el micrófono de corte clásico (al estilo de aquel que usaba Tino Casal con luz, músico que es muy del agrado no solo nuestro, como bien saben, sino del propio Carlos, aspecto que comentamos tras terminar de grabar el programa de radio que compartimos con La Broma Negra el pasado noviembre) y comenzara a comerse el escenario, sin rebajar un ápice la intensidad y las ganas durante las 2 horas de actuación con las que La Broma Negra nos deleitó esa noche.Nos presentamos a la hora de apertura de puertas en la sala Taboo, que con una pintada en la compuerta de al lado de la de la entrada de la sala, invitaba a la confusión y a desplazarse a otro local en la calle La Palma. Una vez que alguien por allí nos lo aclaró, al poco rato vimos llegar a Alex y Carlos, a los cuales saludamos antes de que entraran en la sala a cambiarse para la actuación. Nada más entrar en la sala, la cual nos evocaba a tiempos de nuestro pasado personal, vimos la disposición del escenario con ese telón de fondo tan llamativo que utiliza el grupo, con el primer plano de 2 rostros, uno de ellos con la boca tapada por la mano del otro personaje, el cual suma como ya comentamos en su día a la presentación tan llamativa y personal de La Broma Negra.Puntualmente, según las intenciones que tenía el grupo, el concierto arrancó a las 22.00h. Alex ya nos comentó antes de la actuación que el grupo tocaría cada una de las canciones del nuevo disco de la banda “Desilusiones De Grandeza”, el cual ya se podía adquirir en la sala antes de que saliera al mercado, y aunque no se trataba de un concierto de presentación, ya que el grupo tiene en mente presentar el disco de formalmente no a mucho tardar, en parte sí que podía considerarse como algo así, y sin lugar a dudas como premiere inestimable para conocer el nuevo material del grupo era una excelente ocasión.Y tras saltar a las tablas, muy elegantes, Carlos con corbata y gabán con flor en el ojal y Alex con camisa blanca y corbata igualmente, abrieron fuego con 2 temas nuevos, primero con “Señor, danos la victoria” y a continuación “Protege tus sueños”, que viene a confirmar la línea de trabajo que el grupo sigue desde hace un tiempo, con esas contundentes base electrónicas, escudadas en las rítmicas líneas de la guitarra eléctrica de Alex, para dar cuerpo instrumental a las letras elaboradas de Carlos Caballero. Sonaron realmente bien estos 2 temas, los cuales dieron paso a 2 composiciones del previo “Joyas De Princesas Muertas”. La elegancia de Carlos patente en la siguiente imagen, para este concierto sin aquel bombín que tan bien le quedaba.Y era de prever que el grupo guardara gran parte del set list a su acertadísimo trabajo anterior, al cual ya dimos tratamiento en el blog y también en nuestro programa de radio con la presencia de Carlos y Alex en nuestros estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares. Los 2 primeros cortes de “Joyas De Princesas Muertas” fueron la apertura excelente que siempre es “Noche en el tejado”, la cual mal grabé en video (la iluminación era demasiado ténue y salió casi a oscuras) y les inserto al final de este párrafo y la también acertada “Cenicienta”, con ese estribillo tan recordable que es “Ella baila hasta el amanecer…”, que nuevamente fue muy agradable de escuchar en directo.Hablemos de los mejores momentos de la actuación de La Broma Negra. Primero hablaremos de los temas que más nos llamaron la atención en su primera escucha del nuevo e inminente disco de la banda “Desilusiones De Grandeza”. Hubo especialmente 3 canciones que me llamaron la atención. La primera fue “Hay más de una manera de provocar un incendio”, la cual se situó en la primera mitad de actuación, y es que esa remarcada idea de “cantar sin miedo” que presenta la letra, les aseguro que se marca a fuego de primeras escuchas en tu mente. No en vano es uno de los temas más potentes y que Carlos se encargó de interpretar con la suficiente rabia que el tema exige; de hecho no sé si ya a esas alturas el vocalista se había desprendido de su gabán, ya que poco a poco se fue quitando prendas hasta quedarse solamente con la camisa blanca en su parte superior. Abajo Alex a los coros y a su guitarra.También llamó la intención, sobre todo por la afirmación que en su propio título, incluido en la letra, tiene, es “Una mujer enamorada es otra forma de terrorismo”. Esta rotunda composición, con un interesante tratado sentimental en su letra, se situó en la parte final de la actuación, antes de los bises. Y no menos llamativa, destacando por su solemnidad, vista ya en su título, fue “Los muertos”. Esta composición, de las más oscuras y tenebrosas de sonido y letra del nuevo disco, dio cierre a la actuación del grupo sellando 2 horas de actuación muy completas.En el plano global fue muy celebrada y con mucho acierto, “Los reyes no morirán en su cama”, la cual fue marcada por la audiencia con palmas, intentando hacer si cabe más férreo el ritmo marcial de base que tiene esta joya del anterior trabajo de La Broma Negra y ante la cual el mismo público gritó a pulmón abierto el título de la canción, cuando llegaba su turno dentro de la letra y Carlos cedía el micrófono al aire para que la gente así procediera. También fue destacable “Cenicienta”, ya mencionada en los primeros compases del show y “Pablo Ruiz Picasso”, tan clara y concisa con esa aseveración del personaje histórico del que trata en su estribillo.
Ya en los bises e intercalada entre la nueva composición “El lento y medido caminar del vigilante” y la ya citada “Los muertos”, sonó muy bien y fue recibida con cariño y buen ánimo por la audiencia “Nieto de maestro de escuela”. Yo personalmente, en el plano personal me quedo con “Sonetos”, cuyo video (nuevamente horriblemente filmado y grabado) pueden ver arriba, una de las composiciones más rítmicas y llevaderas de “Joyas De Princesas Muertas” y en esta ocasión Carlos no sufrió los problemas de sonido que le hacía perder el paso al interpretarla, como le sucedió en un momento de la entrevista que hicimos al grupo cuando vinieron a nuestro programa. En esta ocasión “Sonetos” sonaron inquebrantables dando la rúbrica perfecta al grueso de la actuación, ya que su papel fue el siempre importante capítulo que supone el cierre del cuerpo principal de la actuación, para que tras un breve receso se afronten los bises.Siempre que tenemos opción, aquí dejamos el set list que siguió el grupo, el cual si no me equivoco fue el siguiente: “Señor, danos la victoria”, “Protege tus sueños”, “Noche en el tejado”, “Cenicienta”, “Su decisión, mi capitán”, “Balas para matar el tiempo”, “Las lágrimas de Miguel de Molina”, “Cuidado con lo que matas”, “Hay más de una manera de provocar un incendio”, “Sagrado corazón”, “He tocado el cielo”, “El caballero de la mano en el pecho”, “Pablo Ruiz Picasso”, “Los reyes no morirán en su cama”, “¿Quién era yo cuando era niño?, “Me vas a hacer llorar”, “Una mujer enamorada es otra forma de terrorismo”, “Rinconete y Cortadillo”, “Sonetos”. Bis: “El lento y medido caminar del vigilante”, “Nieto de maestro de escuela”, “Los muertos”.Resumiendo la vivencia, La Broma Negra demostró estar en un buen momento, no solo por la buena actuación que ofrecieron y que fue yendo a más a cada minuto que pasaba, sino porque además ya fue patente el hecho de que el grupo tiene nuevo material entre las manos, que a buen seguro llegará a calar tan profundamente como tantas de las composiciones del acertado “Joyas De Princesas Muertas”, ya que es justo decir que temas tan emotivos como “He tocado el cielo” y “Sagrado corazón” fueron momentos igualmente muy relevantes y destacables del directo del grupo ofrecido el pasado jueves.Alex Gómez se mostró afinado en las guitarras; no en vano Carlos hizo alguna broma entre canción y canción describiendo los ajustes de Alex antes de comenzar a entrelazar sus notas de guitarra con esas bases creadas por el grupo. Y de Carlos Caballero, ya lo hemos comentado, se mostró mucho más enérgico y comunicativo que en la primera ocasión que vimos al grupo; no obstante, una cosa no es necesariamente mejor que la otra, sino distinta sin más, ya que personalmente a mi amigo y colaborador radiofónico Mariano González y a mi nos gustó mucho la pose más seria, hierática y solemne del concierto de finales de mayo en la sala Cats, sin que ello fuera impedimento para que también disfrutáramos de las mil y una poses con las que Carlos se encargó de comunicar su directo en escena. Carlos cantó de rodillas (vean la siguiente foto), de espaldas al escenario, apoyado en los bafles y agarrado al palo del micro (en las 2 primeras canciones), siempre variando su disposición en el escenario canción tras canción, llegándose a fumar un pitillo en mitad de la actuación. Carlos también se empeñó y consiguió que el público disperso al final de la sala, dispuesto en las barras, se acercaran a las primeras filas. Al final del concierto solamente pudimos ver a Alex, ya que por lo visto Carlos tardó algo más en salir, porque terminó agotado (no es para menos).A Alex le alabamos la buena actuación, aparte de comentarle que las nuevas composiciones nos habían sonado muy bien y poco más tardamos en marcharnos de la sala. Antes, Alex amablemente y como a la prensa que acudió al show, nos entregó un ejemplar en vinilo del nuevo disco “Desilusiones De Grandeza”, el cual es una joya en sí por su presentación y llamativa portada, con esa imagen de partido de fútbol antigua, con un guardamonte lamentándose con las manos en la cara (¡qué familiar me es esa expresión!) y huelga decir que cuando hayamos interiorizado correctamente sus 11 composiciones, tendrá debido tratamiento o revisión en el blog.En breve La Broma Negra presentará el disco formalmente en directo. Desde aquí les avisaremos y les recomendaremos que no se lo pierdan, ya que a poco que se parezca a la actuación que tuvimos la suerte de vivir el pasado jueves 23 de febrero de 2012 en la sala Taboo, el asunto habrá merecido mucho la pena. Finalizar agradeciendo personalmente al grupo su gentileza a la hora de acreditarnos como medio para dar cobertura a su actuación y por el estupendo obsequio que nos supone el ítem mencionado de su nuevo disco de estudio, el cual comenzamos ya mismo a escuchar y a asimilar tras el primer contacto en directo.

The Cure - Bestival Live 2011 (2011)

2012-02-24T02:20:00.003+01:00

Publicamos con unas horas de adelante, que este fin de semana estamos de viaje. Volvemos a mi grupo predilecto de siempre y con la obra que hoy nos ocupa abrimos por 1ª vez en estos más de 3 años de andadura del blog el análisis de discos en directo; en los inicios del blog dije que por aquí no trataríamos de recopilatorios, pero aunque un disco en directo no deja de ser un recopilatorio de temas del grupo, tiene un carácter especial por su envoltura de intensidad y porque no necesariamente se incluyen exclusivamente grandes éxitos o singles de la banda, sino que también hay lugar para joyas ocultas, y en el caso del disco que hoy nos ocupa, al ser doble cd y tener 32 temas, a buen seguro tendrá de esos ítems aprovechables.

En todo caso, esta ha sido mi última adquisición en formato original que he comprado y es que por su importe, 11,95 eur., y todo el material que incluye, merecía mucho la pena. La situación actual de los Cure es difusa. Tras la edición de su irregular último trabajo “4:13 Dream”, el cual a pesar de tener un buen conjunto de temas, peca de una inconsistencia acusada (al igual que le sucedió al trabajo anterior de nombre homónimo de la banda en 2004), el grupo ha sufrido idas y venidas. El cuñado de Smith, Porl Thompson ha protagonizado otra salida más de la banda (sumadas a las de los tiempos de Easy Cure y la de mediados de los 90) y ha regresado Roger O’Donnell con sus teclados (otro que ha ido y ha vuelto a los Cure en más de una ocasión); incluso hasta Lol Tolhurst se sumó a la formación para algunos conciertos en Australia que recuperaban los 3 primeros discos de estudio de la formación (inaudito).

Se van aplacando los rumores que existieron de que hubo un 2º disco que no vio la luz cuando salió “4:13 Dream”, lo que hubiera provocado que el último trabajo de The Cure fuera un cd doble. Mucho tiempo se estuvo diciendo que ese disco vería la luz poco después del “4:13 Dream”, pero ya han pasado más de 2 años y de momento ni flores. En mitad de todo este trasiego de acontecimientos, The Cure se da homenajes tocando en festivales y triunfando allí donde va, con sus directos de más de 2 horas de duración (hasta 3 horas normalmente). Y este “Bestival Live 2011” que hoy nos ocupa, el cual viene a recoger la toma de la actuación del grupo en un festival de la Isla de Wight, para nada se ha editado para hacer caja (tengamos en cuenta que los beneficios del álbum se destinarán a causas humanitarias, según reza el envoltorio), lo cual sería ilógico en estos tiempos que atraviesa la industria, pero la verdad es que tras el empacho de 2 discos en directo en 1993 (“Paris” y “Show”), ya tocaba volver a escuchar la potencia de The Cure en escena.

Además, hay lugar en el setlist para cosas interesantes de escuchar en un concierto de la formación. Son 32 temas y básicamente, más que hablar a fondo de las canciones en sí (asunto que sería susceptible de tratar cuando llegara la hora de analizar el disco de estudio en que se incluye), sintetizaré su interpretación y la calidad, acierto o desacierto que haya supuesto esta nueva toma en concierto. Son 32 temas divididos en 2 grupos de 16 en 2 cds. Intentaré no enrollarme en demasía.

Resulta más inconexo el primer cd que el 2º. Aquí primero el grupo se nota que está buscando su sitio en el escenario en los primeros compases y hay una peor definición de las partes, cosa que en la 2ª mitad del show está más racionalizado todo. Se plantean 2 inicios de disco en los 2 primeros pasos, muy distintos, primero con la emotiva “Plainsong”, apertura tradicional de los conciertos en muchas ocasiones, donde la presencia de O’Donnell en la formación se nota mucho, y luego con la rockera y canalla “Open” de “Wish”. La falta de empaque de las guitarras, por el abandono de Porl se empieza a notar algo en “Fascination street” (bueno, ya se nota mucho en “Open”, donde el bajo de Simon Gallup se come a la guitarra de Smith en muchos ratos) y se confirmará más tarde en una “Push” que seguro que a Robert se le hace algo cuesta arriba como única guitarra. Grandes joyas sentimentales como “A night like this” (aunque quizás ésta cantada con algo de desgana por parte de Robert), “Lovesong” o “Just like heaven” se sitúan después de “Fascination street” con la única nota discordante de la intromisión de “The end of the world”, que le suma toque pop alegre a esta sección tan sentida de los primeros compases de show. “The only one” se empeña en seguir por esos derroteros, en la cual a Robert se le va algo la pinza al final de la misma, pero al instante “The walk” nos sumergirá en los sonidos techno pop que The Cure, acusados de copiar a New Order, profesaron en 1983; a favor de “The walk” tengo que decir que los acordes de guitarra suenan muy bien en las mezclas y eso es un punto muy a su favor. En general es de los mejores momentos del disco, en consecuencia de la actuación de aquel día de los Cure. “Friday I’m in love” y el gran single de “The Head On The Door” “In between days”, ponen la parte amable de preludio a un sector más siniestro, centrado en la 1ª mitad de los 80 de The Cure, plagado de clásicos. Llegarán encadenados “Play for today” y una no muy memorable versión de “A forest”, culminando este primer cd con una intensa, aunque algo más lenta en su ritmo, “Primary”, en la que ya se nota que el grupo poco a poco iba cogiendo fuelle y una, como siempre, corrosiva y agria “Shake dog shake”, que en esta ocasión no sería el único capítulo del injustamente masacrado “The Top” en el ítem en directo que estamos revisando.Muy bien definido está el cd 2, con un comienzo de parte guitarrera, densa y sesuda. Los primeros compases, tras unos necesarios afinamientos, se la gana “The hungry ghost”, un tema del último trabajo de los Cure, apetecible de escuchar en directo por la novedad que supone. El trallazo de “One hundred years” de “Pornography” toma el testigo para ofrecer uno de los momentos más intensos del concierto (aunque se echa de menos alguna guitarra de acompañamiento más), para acto seguido llegar la algo cansina “End” de “Wish”; nunca he sido mucho de este tema rockero, quizás algo repetitivo. Mejor es llegar a “Disintegration”, que con esa historia realmente intensa y arrolladora, sella el final del set list, para en teoría abordar ya bises, lo que queda del 2º cd. En la canción “Disintegration” se echa un poco en falta una mezcla más a favor de los teclados marcados, que no los atmosféricos de Roger, pero el resultado no es del todo malo. El primer bis es pop por excelencia, ya que lo primero de todo es afrontar el pop siniestro de “Lullaby” para continuar en el mismo disco que lo habíamos dejado. Resulta sobre todo curioso escuchar “The lovecats” y “The caterpillar” en directo, temas que no había escuchado aún en este formato, destacando sobre todo la ajustada interpretación del último de los citados, aquel single tan colorido del apaleado disco “The Top”. “Close to me”, la también sorpresa “Let’s go to bed”, con la que se completan todos las caras “a” de los singles que componen “Japanese Whispers” y en la que Robert varía la letra diciendo “espera hasta 7” en lugar de hasta 6 y se relaja bastante en ciertos momentos, y los 2 temas pachangueros de “Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me”, es decir, primero “Hot hot hot!!!” y luego “Why can’t I be you?”, rubrican este “encore” tan animado y movidito”. En el 2º bis, y tal como hizo ya el grupo en la gira que les trajo a Madrid por última vez en la primavera de 2008, la banda se centra en los discos más antiguos. Aquí hay lugar para el pop luminoso de “Boys don’t cry”, la inclusión inestimable de “Jumping someone else’s train” y un par de temas de “Three Imaginary Boys”, con “10.15 Saturday night” y aquel single frustrado que era “Grinding halt”; en el concierto que vivimos en marzo de 2008, hubo sitio también para cosas como “Fire in Cairo”, pero aquí no había hueco para tanto. Se cierra con la abrasiva, da igual que pasen los años, “Killing an arab”, renombrada en “Killing another”, para sellar el concierto por todo lo alto y en completo estado de éxtasis.

El disco está por lo general bastante bien. A ratos es cierto que la grabación o las mezclas no son quizás demasiado acertadas, ya que estimo que los teclados de O’Donnell carecen de fuerza o presencia en las pistas resultantes finales. Por otro lado, y derivado de la no presencia de Thompson o un Perry Bamonte, en definitiva un 2º guitarrista que escude a Smith, hay momentos en los que parece que falta potencia a algunos temas; no obstante, bastante hace solito el pobre Robert Smith.

Con todo, el resultado es satisfactorio. La portada, con esa imagen lejana del escenario, dista del glamour necesario para concederle al envoltorio una mayor calidad y es más propia de un cd en directo no oficial o pirata; no obviemos que en la página oficial del grupo (no sé si no está actualizada) no aparece como ítem o último trabajo discográfico del grupo, aunque sí que lo advirtió el Facebook oficial de la formación y en el apartado de noticias de la web del grupo. También la discográfica que lo lleva, no es ni Fiction ni Geffen (última con la que trabajó el grupo tras partir peras con su casa de toda la vida), por lo que el halo de “Bestival Live 2011” es algo peculiar.

Consideraciones ajenas a la música al margen, “Bestival Live 2011” tiene su mayor atractivo en un set list variado, completo y que ofrece un análisis global de la discografía de The Cure muy correcto, en el que no se deja de lado prácticamente ni un disco (aunque sí se nota un vacío de más de una década, al no haber ni rastro de “Wild Mood Swings” o “Bloodflowers” o de los singles de “Galore” o “Greatest Hits”).

Mientras que esperamos una nueva entrega de The Cure y visitas del grupo a Madrid, al margen de su asistencia a festivales asquerosos (un servidor de ustedes odia los festivales por eso de tener que pagar un pastón para ver a mil grupos que no te interesan y tener que desplazarte, no a ciudades de otras zonas, que ese no es el problema, sino el tener que ir al culo del mundo de dichas ciudades o provincias), “Bestival Live 2011” satisfará a casi todos los seguidores de The Cure.

Yo me considero un fanático de la banda y es mi grupo preferido de siempre, y a mi me ha gustado y agradado volver a reencontrarme con el grupo y durante las más de 2 horas de su contenido volver a enfrentarme a tantas y tantas etapas que The Cure tienen en su historia. Aunque, salvo en ciertos momentos, la actuación no es que sea memorable, tampoco es horrible y también hay que tener en cuenta que nuestro amigo Robert ya tiene una edad y bastante hace echándole un par de cojones haciendo conciertos de tanta duración. Bravo por The Cure. Pocas veces me oirán hablar mal de ellos. Por cierto, la foto que encabeza el post corresponde a una imagen que saqué cuando el grupo tocó en 2008 por última vez en Madrid.

En nuestro programa de radio, este miércoles a las 21.00h en &radio y a las 23.00h en RUAH, el programa estará dedicado a Springsteen y su “Born In The U.S.A.”. El audio del programa sobre Michael Jackson y “Thriller”, ya está subido a nuestro perfil de Ivoox.