El pasado viernes 9 de noviembre se celebró la inauguración de la Exposición Steampunk: Futuros que nunca fueron, en el Museu d’Idees i Invents de Barcelona (c/Ciutat 7, Barcelona). Exposición, que por cierto, estará hasta mayo.

En dicha inauguración, se aprovechó para realizar una fantástica mesa redonda con el título “Arte y Creación Steampunk”, en la que pudimos contar con algunos de los artesanos y artistas de la exposición, comenzando por los joyeros Decimononic que vinieron desde Madrid expresamente, Maalev de Steampunk Studio, nuestro veterano tinkerer Cornelius Sagan, el ilustrador Teo Perea, el fotógrafo Xavier Mulet y otras personas muy interesantes como Marta y Humberto de Entropía Investigación Avanzada, señores de la editorial Gigamesh, y miembros de o relacionados con la comunidad Steampunk de Barcelona, entre otros.

Fue una mesa redonda fluída y dinámica, en la que expresamente quisimos caer en los puntos de debate que se referirán de forma espontánea, desde la simple definición de la naturaleza del Steampunk, como se plasma en el arte y la creación, y los debates que actualmente observamos en las comunidades internacionales.

Al inicio presentamos el trabajo de Decimononic, no sólo como joyeros, sino también como difusores del movimiento a nivel internacional, especialmente la puesta en relación mediante entrevistas y reportajes a otros joyeros, creadores e influenciadores de la comunidad Steampunk Internacional que nos hablan sobre diferentes visiones sobre la joyería y la creación en el Steampunk.

Y es que, si una cosa quedó clara durante la mesa redonda, además de lo que ya sabíamos o intuíamos antes de ella, es que el Steampunk sufre de múltiples debates donde su definición queda difusa. Comenzó como un género literario claro, y desde la anterior década cuando se dio su evolución, junto a la integración, fusión y convergencia con otras ideas y tendencias, se ha “liado” también con intereses diversos, en pos de la evolución en comunidad. Es lo que se pudo ver en el The Great Steampunk Debate, promovido por la Steampunk Magazine, donde se trató de llegar a un concilio sobre qué era el Steampunk con más bien poco éxito, lamentablemente.

Decimononic (compuesto por J. “Fran” Alfaya e Irene López) opinan que Internet no sólo es uno de los aliados de la difusión del Steampunk, sino que, para ellos, es un gran aliado para el creador: tanto para aprender, para compartir, para estar en contacto, así como para darse a conocer a un gran público.

Mientras tanto, algunos de los participantes de la mesa redonda opinaron que también Internet puede ser un gran enemigo, pues distorsiona la visión tanto del Steampunk general, como de lo que algunos creadores y artistas Steampunk profesionales hacen.

Decimononic también dejó un comentario basado en su observación. Ven más movimiento a nivel creativo, y el Steampunk volverá a ir al alza, sobre todo en esta línea.

Como se decía, el Steampunk tiene unos pilares que al menos los investigadores y “scholars” podemos descubrir y analizar, pero en la comunidad internacional, y en redes sociales, esos pilares no quedan claros, y sobre todo, no están desarrollados y madurados, una cuestión que algunos “steampunks” han denunciado, dejándolo inestable y susceptible.

En este punto de la mesa redonda se habló sobre si el Steampunk no era un simple movimiento estético -entendido sobre todo en la moda- pero la mayoría de los presentes fuimos más del parecer que, aunque es cierto que lo estético es lo que crea reclamo y atracción del público, e incluso hay creadores (sobre todo diseñadores) que trabajan sólo esta línea, con un análisis elaborado, se pueden hallar dichos pilares que sostienen una estética con capacidad a abrirse a muchas líneas.

Y es que, como bien apuntaban entre otros los chicos de Decimononic, una de las cuestiones que quedan pendientes es llegar a algún tipo de entendimiento común, concilio, sobre cómo la creación y por extensión el arte Steampunk operan. En la actualidad el constante debate sigue siendo un terreno ardiente, donde, sin pelos en la lengua debe decirse por necesidad, algunos “barren para su casa” e incluso tratan de “convertir” ideas divergentes o incompatibles con la base original del Steampunk. Ahora bien, es cierto que es muy positiva la evolución -como se decía, de hecho, se necesita.

Y es que, como se apuntó, otra de las cuestiones que precisa el Steampunk es la delimitación -sin remordimientos- en la definición. Muchos “scholar” y Steampunks anglosajones han tenido, o al menos tuvieron, reticencias a poner límites por miedo a delimitarlo siendo éste demasiado joven, así como a convertirlo en un territorio elitista y poco creativo.

Aquí se inició otro punto interesante. La visión del Steampunk como algo “friki” a nivel español, y “geek” a nivel internacional. La palabra “friki” en España se asocia a dos conceptos distintos: uno es al “geek” anglosajón, una persona que gusta sobre todo de los géneros fantásticos y la ciencia-ficción, e incluso se “obsesiona” (como dice el DRAE actualizado) con algún tema específico, como una película o un director, una serie, un cómic o un dibujante, o incluso con la tecnología y la informática. Su trasfondo cultural se basa en gran parte en estos ámbitos, que valga decirse, estamos en un momento donde comienzan a tener buena aceptación en la sociedad, aunque en la española sigue habiendo bastante reticencia a aceptar incluso el cómic como una forma de arte no exclusiva a los niños.

Por otro lado, el “freak” es esa persona excéntrica que llama la atención por su forma de expresarse, de darse a notar.

Dos conceptos distintos pero que acaban fusionados en un mismo discurso especialmente en España. Y el Steampunk, al tener un trasfondo en la cultura pop fantástica, se inspira en la ciencia-ficción anglosajona y francesa, y sus seguidores juegan con el Steampunk a nivel creativo y como una fórmula de ocio, como por ejemplo esos encuentros eventuales donde se visten con sus propias creaciones, o transforman de forma poco convencional objetos incluso a nivel amateur, por puro interés y enriquecimiento personal, es observado como ese “elemento friki” en todos los aspectos.

NOTA EDITADA 22 de noviembre: En vista que han habido malentendidos y sobretodo interpretaciones suspicaces entorno a estos últimos párrafos hasta este punto, quisiera aclarar, como moderadora de dicha mesa redonda lo siguiente. Ninguno de los presentes en ésta consideramos como negativo, ni despreciante, que haya gente que le guste vestirse para ocasiones puntuales, hacer cosplay -llamadle como quieran o prefieran de manera que les siente más cómodo, ya que hay perspectivas, matices y aplicaciones diversas dentro del propio colectivo- de Steampunk. De hecho, algunos de los presentes lo practican o practicaron en reiteradas ocasiones. Los presentes en esta mesa redonda, algunos de los cuales se identifican como miembros del movimiento, consideramos por sobreentendido el aspecto social y cultural de todas las personas que participan en el Steampunk creando, sin importar la finalidad individual que puedan tener, por tanto, creo que cualquier lector podrá entender que sería absurdo apartar, ocultar o despreciar a dichas personas que practican el Steampunk y aplican uno de los principios del movimiento, que es el Do It Yourself.

Como también redactora de este resumen, siento si la concadenación de la cuestión sobre los que practican vestuario con la cuestión friki haya podido crear unas alarmas de mayor suspicacia. Cuando hablamos de lo “friki” sabemos que este concepto se aplica en todo el movimiento, con lo que conlleva, con lo que queremos decir que no sólo están afectados los “que visten”, si bien se usó el ejemplo nada más y nada menos que para indicar que es, sin duda para al menos los presentes, el aspecto más vistoso, popular a la par que excéntrico a ojos de lo “mainstream”, de los medios, pero en ningún momento quise indicar que se opinara en esta mesa redonda que, por tanto, debe despreciarse a esas personas que visten, practican cosplay eventualmente, o manifiestan visiblemente el Steampunk. También el creador que crea rayguns y esculturas, o el que se dedica a pintar mundos retrofuturistas en vez de cuadros conceptuales, el que escribe sobre inventores que dan vida a muñecas autómatas a pesar de poder ser publicado en editoriales de gran peso, o el que modifica su ordenador al estilo es igualmente visto como “friki”, repitiendo, por el hecho de asociarse a un imaginario “geek” y excéntrico. Por tanto, creo que todos comprenderán que a todos los que participan del Steampunk les afecta esa visión negativa, y no viene dada porque haya gente que decida crear, dar rienda suelta a su creatividad sea por enriquecimiento personal y lo practique mediante la vestimenta en acciones públicas, haciendo cosplay o como prefieran llamarle. Finalmente, aclarar que esto es una mesa redonda, cuya finalidad es debatir y reflexionar. Aquí no hay interés en crear unos estándares, ni crear unas bases, ni imponer absolutamente nada. Fin de la nota.

Se observaron 4 tipos de perfiles del Steampunk a nivel nacional e internacional: el artista; el artesano o creador; la persona que “sólo está en esto” para crear un vestuario, tal vez un personaje, y hacer encuentros extraordinarios para “recrear juntos una experiencia que les transportará a un futuro pretérito que nunca fue” (que en este caso es una gran parte de los seguidores del Steampunk, otros comienzan a partir de aquí), y el teórico, académico o “scholar”, que puede operar también en otras esferas pero se enfoca sobre todo a entender el movimiento, investigarlo, divulgarlo,…

La relación del Steampunk con el “frikismo”, estuviéramos de acuerdo o no, concordamos, por un lado, que oculta todo ese transfondo crítico que guarda ya incluso en su propia esencia -pero como alguien apuntó, incluso aquella persona que se encandila con el Steampunk y comienza a transformar objetos que tal vez habría deshechado y disfruta creando un personaje e investigando elementos históricos, ya toca esa esencia del Steampunk conscientemente o no.

Por otro lado, al menos en España es un punto de reticencia para los artistas y creadores profesionales a entrar en el plano creativo y activista del Steampunk y trabajar con la comunidad a nivel de documentación, de generación de ideas y proyectos, de colaboración física, por ese concepto asociado negativo. Sobre todo miedo a etiquetarse “Steampunk”

Por ejemplo, expliqué el caso de Antigua i Barbuda, una compañía escénica que trabaja con una estética muy decimonónica y en muchas ocasiones retrofuturista, crea grandes invenciones con material incluso reciclado (como los asientos hechos con tazas de váter deshechadas para la noria) que evocan a las ferias de antaño, o a extrañas invenciones.

Aquí introduje la idea de que el trasfondo cultural y creativo de cada área podría propiciar la forma en que el Steampunk se expresa regionalmente. Véase como en Francia, por ejemplo, donde la fantasía y el folklore se ha integrado con el imaginario tecnocientífico y el mundo del espectáculo, y tenemos referentes escénicos inmediatos como Les Machînes de l’Ille de Nantes, los cuales tienen como referentes las invenciones imaginadas por Verne (como por ejemplo el elefante mecánico del Sultán) que se hizo con motivo del centenario del escritor.

También se comentó la cuestión del idioma, y es que la mayoría de la información teórica y de literatura Steampunk sigue estando en inglés, por lo que, posiblemente, sólo se perciba sobre todo lo visual y quede sensación de que es algo meramente estético.

Por encima también se comentó la cuestión de los materiales y las técnicas. En parte debido a la indefinición y la ilimitación de lo que supone el arte estrictamente “arte” y estrictamente “Steampunk”, en el Steampunk se trabaja con una gran variedad de materiales.

Algunos, como Cornelius Sagan, sostienen que el trabajo en plástico y con materiales más modernos, en su exceso, pueden suponer una contradicción a lo que supone el Steampunk: el trabajo con materiales asociados al siglo XIX y la Segunda Revolución Industrial (esencialmente metales, madera, cristal, tejido, cuero,…), el uso de dichos materiales que sean difíciles de volverse “obsoletos”, y el uso de materiales y objetos reciclados, mientras que, sobre todo el plástico, representa un material que se asocia con nuestra cultura consumista, con lo que se vuelve obsoleto rápidamente, y se asocia con el petróleo -un combustible que quedaría excluído según la visión más retrofuturista del Steampunk.

En cuanto a técnicas, se habló de la cuestión “Antigua i Barbuda” -uso de técnicas, formatos y fórmulas que fusionan lo tradicional con lo contemporáneo- y se aprovechó para presentar el trabajo del fotógrafo Xavier Mulet.

Su trabajo es el único de la exposición que no se autoclasifica como Steampunk, pero es la perfecta síntesis de técnicas y formatos tradicionales y antiguas -concretamente de fotografía- con conceptos contemporáneos. Nos estuvo explicando como todo el análisis y la investigación en la Historia de la fotografía, sus técnicas y artistas coincidieron con algunas ideas y proyectos que tenía en mente, y como se decantó por el uso en este tipo de técnicas como el daguerrotipo, ambrotipos,…

La mesa redonda se dejó en un punto donde quedaron muchas reflexiones por hacer, preguntas abiertas, y es que comenzábamos de nuevo a entrar en un bucle de debate sobre qué es el Steampunk, la separación de creación y arte en éste,… ¡Nos encontraremos tal vez otro día para hablarlo!

El texto que ha usado es uno que escribí con el mismo ánimo hace unos años, pero felicito a Azahara por el trabajo de montaje, y su preciosa voz narrativa.

Lo segundo que quería comunicar por aquí es la charla que impartiré el viernes 16 de noviembre a las 17,30h, para todo el mundo.

¿Qué es el Steampunk? En ella se ampliará sobremanera el contenido de la exposición, las claves para comprender este movimiento importado de la literatura de la ciencia-ficción, y una genial ocasión para plantear dudas.

Será en el Museu dels Invents (c/Ciutat 7, detrás del Ajuntament de Barcelona), el viernes de 17,30h a 18,30h. Y evidentemente la entrada incluirá esta actividad, además de la exposición temporal, la permanente, etc.

Finalmente, también les hago saber del taller de Creación de Rayguns (pistolas de rayos retrofuturistas) con materiales de reciclaje, de la mano de Burt Minorrot. Esta será el sábado 17 de 16h a 18h, también en el MIBA. Y es para adultos. La información la encontrarán a partir de esta semana en la web, para realizar inscripciones.

¡Espero verles por allí!

Coincidiendo con la inauguración de la Exposición “Steampunk: Futuros que nunca fueron” del Museu dels Invents de Barcelona, el 9 de noviembre, tras el acto de inauguración (que será a las 16h), se realizará la mesa redonda “Arte y Creación en el Steampunk”, de 16,30h a 18,30h. Moderado por Elisabet Roselló (servidora, comisaria), contaremos con la experiencia y visión de algunos artistas y artesanos de la exposición, como Decimononic.

¿Hacia quien va dirigida esta mesa redonda y quien puede participar?

• Todo tipo de creador (artista, artesano, atrezzista,…) que cree en el ámbito Steampunk o afines (retrofuturismos, retro,…)
• Todo interesado o aficionado del Steampunk
• Artistas y creadores que tengan interés en saber más sobre el Steampunk y su aplicación en la creación
• Investigadores de nuevas tendencias culturales y artísticas, aquellos que indagan especialmente en el mix de técnicas tradicionales con conceptos contemporáneos, upcycling y reuso de materiales, máquinas,…
• Cualquier persona que le interese, curiosos,…

En esta mesa redonda abordaremos la creación Steampunk a nivel internacional vs nivel español en diversos ámbitos, con una breve introducción sobre el tema. Tendencias, hacia dónde va, obstáculos, el fenómeno “That’s not Steampunk”,… La intención es debatir, y crear nuevos frentes de reflexión, así como ofrecer nuevas posibilidades creativas.

La entrada a este evento es gratuito, pero las plazas son muy limitadas. Se celebrará en una sala anexa justo delante de la exposición, en el MIBA. Para participar sólo se aceptará admisión con previa inscripción a elisabetrosrom@gmail.com . Para su disfrute, estamos contemplando la posibilidad de hacer streaming, ¿os interesa?

¿Qué es el Steampunk?

“El Steampunk es un movimiento retrofuturista que idealiza la ciencia y la tecnología del vapor y la mecánica de la Segunda Revolución Industrial (1850-1914), así como las visiones de futuro optimistas de entonces; una perspectiva crítica y creativa hacia la sociedad posmoderna en la que nos hallamos, y se representa bajo diferentes manifestaciones culturales y sociales: literatura, música, artes escénicas, escultura, artes gráficas, artesanías, recreacionismo histórico y “cosplay”, activismo contra la obsolescencia programada, y un interesante etcétera.”

A partir del 9 de noviembre en el Museu dels Invents i Idees de Barcelona (MIBA, c/Ciutat 7, Barcelona), se ofrecerá una exposición que nos ofrecerá una visita alrededor de los aspectos más esenciales del Steampunk, con obras de artistas nacionales e internacionales, máquinas a vapor e imágenes futuristas del siglo XIX.

Artistas:

• Andy Pischalnikoff (EEUU)
• Ángel Benito Gastañaga (Vitoria-Gasteiz, España)
• Cornelius Sagan (Barcelona, España)
• Decimononic (Madrid, España)
• Kornhaber Brown (EEUU)
• Libby Bulloff (EEUU)
• MGN Studio/Steampunk Studio.(Barcelona, España)
• Mikhail Smolyanov (Rusia)
• Neverwas Haul Project (EEUU)
• Teo Perea (Barcelona, España)
• Xavier Mulet (Barcelona, España)

También con la colaboración de la editorial Gigamesh.

Inauguración: 9 de noviembre a las 16h. De 16,30h a 18,30h  mesa redonda “Arte y Creación Steampunk”. La participación en esta mesa redonda es gratuita, pero requiere inscripción previa por plazas limitadas a elisabetrosrom@)gmail(.com (Nombre y apellidos)

Más información en http://mibamuseum.com/es/agenda y especialmente en @steampunkmiba de Twitter

-Y toda la emoción es porque servidora es la comisaria

Esta es laI Parte de lo que será 2ª parte de un artículo que introduje en mi blog más personal, en el cual se explican las bases y los orígenes de este género y movimiento llamado Cyberpunk. Y lo pueden leer aquí:

Cyberpunk: mucho más que simple ciencia-ficción

Recomiendo su lectura antes de proseguir.

En esta entrada hablaremos del arte y la expresión Cyberpunk, referentes musicales, audiovisuales,… Comenzaremos por la literatura,la música, saltaremos a lo audiovisual, y en la II parte de esta 2ª parte arte visual, y finalmente el arte escénico y performativo.

Literatura, sus orígenes

Cómo se daba a entender en la primera parte, en la anterior entrada referida, el Cyberpunk debe su origen al subgénero del mismo nombre perteneciente a la ciencia-ficción.

Su sensibilidad puede remontarse a esa fase llamada Nueva Ola, o New Wave, así como a las circunstancias y cambios sociales, políticos, culturales e intelectuales que se ofrecían entre los años 70 y 80, como el neoliberalismo, la cultura consumista, la introducción de la tecnología electrónica e informática y la ciencia cibernética en la vida cotidiana de la población occidental, las críticas postmodernistas, etcétera.

Durante esta fase, en la Nueva Ola podemos encontrar gérmenes sobre la ecología y la sociología (Ursula K. Leguin), así como temas más protocyberpunk. Una seria transición crítica entre la antigua ciencia-ficción que aun adolecía de utopismo, hacia una ciencia-ficción cada vez más distópica con ciertos temas sociales y tecnocientíficos.

Recientemente la librería Gigamesh está promocionando una de esas novelas con temas que compartiría con el Cyberpunk. Esta novela es El jinete de la onda del Shock (1975), de J. Brunner, cuya sinopsis resumida viene a ser la de un navegante de la red (lo que es internet ahora) que trata de eludir el control del gobierno (un cyberactivista hoy en día), hasta que lo capturan. Guarda la esperanza de que un nuevo sistema surja de una área de la red oculta hasta entonces a los gobiernos (el Precipicio) donde otros como él se ve que luchan.

Aunque si hablamos de precedentes literarios del Cyberpunk, hemos de mencionar a Phillip K. Dick. Una de sus obras con más vocación Cyberpunk es “¿Sueñan los androides con ovejas mecánicas?”, sí, esa novela en la que la película “Blade Runner” de Ridley Scott se inspiró.

Pero el Cyberpunk se situa plenamente en los años 80 y principios de los 90. Si en 1983 encontramos el relato “Cyberpunk” que dio nombre al género y posterior movimiento, del ruso Bruce Bethke, un año antes se inició la saga de Rucker “The Ware Tetralogy”, cuyos nombres de cada obra son como augurios de cada época: Software (1982), Wetware (1988), Freeware (1997), Realware (2000).

Podemos destacar otros autores como B. Sterling con Schismatrix (1985), la notable novela Snow Crash (1992) de Neal Stephenson donde se acuñaron términos como avatar y “metaverso”.

Pero quizá el autor más popular y notable del Cyberpunk por sus temas, su densidad y enfoque, y su “ciencia-ficción dura” como el “hielo” sea William Gibson, destacando por encima de todo la Trilogía de Sprawl inaugurada con la novela “Neuromante” (1984), novela que obtuvo los tres premios más prestigiosos de la fantasía y ciencia-ficción que puedan ganarse: Nebula, Hugo y Phillip K. Dick. Las otras dos novelas de la trilogía son Count Zero (o Conde Cero, 1986) y Mona Lisa Acelerada (1988)

A esta novela, Neuromante, le debemos una palabra que usamos hasta el abuso: el ciberespacio.

Las tramas son, como se comentaba, entorno a seres de clases bajas, retratando mundos más o menos dominados por megacorporaciones, y humanos con prótesis cibernéticas o incluso mutaciones genéticas. A veces con un toque a novela negra, pinceladas de bajos fondos. Mugre punk y mucha tecnología. Volvemos a remitir al “low life high tech“de W. Gibson.

Hoy en día se siguen produciendo novelas afines a estas ideas, pero algunos entendidos ya lo clasifican como postcyberpunk, donde el individualismo de estas novelas de los 80 y 90 es sustituido por el colectivismo y ciertos toques de esperanza en la lucha.

Música

Aunque para algunos les suene paradójico, a pesar de la raíz “punk” en el término (ya que, como se dio a entender en la Parte I del tema, dicho punk se refiere exclusivamente a la crítica activa de la sociedad), a día de hoy no existe una definición concreta, unificada y única sobre qué es la música Cyberpunk. Por lo que aquí se indicará es aquella música más o menos aceptada como Cyberpunk, pero no excluyente de pertenecer a otros géneros musicales propiamente.

Puede resultar obvio que la sonoridad del Cyberpunk deba ser digital o electrónica, especialmente sonidos generados por sintetizadores y ordenadores. Seguramente con sonidos mecanizados, que aludan a la industria pesada, al más puro estilo del tecno, como música “enlatada”, pero también oscura, e incluso sucia, con crítica tecnológica y/o social implícita o explícita. Y a partir de aquí, dragones: fusiones y derivaciones con música punk, Postpunk, Industrial, e incluso Trance.

Aunque son anteriores, un icono de la música Cyberpunk para los más veteranos es Kraftwerk, ese fantástico grupo alemán pionero de la música tecno, de los 70 y 80, cuya música y estética entran en tremenda sintonía con los temas del Cyberpunk. Qué decir con títulos como Die Roboter (Los Robots), Computer Liebe (Amor de Computadora), o Neonlicht (Luces de Neón) o Sex Object.

Cuando el Cyberpunk cómo tal tuvo cierta repercusión en el mainstream, en los 80, aparecieron los músicos vestidos en tejidos sintéticos negro, o vinilo, emfatizando los argumentos más explícitos y superficiales.

En el límite de esa esfera Mainstream podemos encontrar un disco sorprendente, más que nada porque trabaja el tema Cyberpunk con interés. Es el disco de Billy Idol llamado “Cyberpunk” (1993). Tiene incluso una canción dedicada al Neuromante de William Gibson.

Ahora bien, podemos encontrar de forma más difusa otro disco sorprendente por un músico bien popular: David Bowie y su “1.Outside”, con texturas industrial y experimentales. Todo el disco gira entorno a una historia futurista distópica, que en ciertos puntos se aproxima mucho a las cuestiones Cyberpunk.

Ambos discos, especialmente el de Billy Idol, fue diana de acusaciones con motivos de la “mainstrimización” o incluso prostitución del Cyberpunk: convirtieron y usaron el movimiento para hacer temas vendibles.

Como iba diciendo, los géneros musicales que pueden ilustrar mejor el Cyberpunk son la música industrial, un género transgresor a caballo entre el rock, el metal y la electrónica, con ritmos que aludieran a la indústria, líricas que instigaran críticasobreontra la tecnocracia.

Seguidamente encontraríamos el EBM o Electronic Body Music, algo como el tecno más depurado a conciencia con sonidos claros, compases sencillos de cuatro tiempos (aunque a 100 beats por minuto) y absolutamente bailables. Es hijo de la fusión de estilos como el industrial, el postpunk, y la música electrónica densa, y el tecno de Kraftwerk. En sus inicios se aludió como el “Pop agresivo”, véase como un contraataque a la música comercial.

Me encantaría hablar de los artistas más relevantes con más detenimiento, pero mencionaré esos artistas y grupos, y dejaré un enlace a una Playlist especial de música “llámale” Cyberpunk.

Estos grupos y artistas que se asocian o integran con el Cyberpunk y que prefiero remarcar son Front Line Assembly, Front 242, Clock DVA, Cabaret Voltaire, Atari Teenage Riot, Haujobb, Nine Inch Nails, Prodigy, Covenant, Juno Reactor,…

Haujobb- New World March

Valga la pena no dejar fuera la BSO de Blade Runner, por Vangelis. También me gustaría mencionar a Daft Punk, esos casi herederos de Kraftwerk, con algunos temas que son permeables a una visión cyberpunk, como Technologic.

Hay múltiples artistas que dejamos en el tintero, otros que estoy segura que a algún entendido le rechinarán, porque, como decía, es indefinible la frontera de lo que sería música Cyberpunk, es un género que además es muy crítico a lo comercial (a eso que dirán, ¿para qué puso Daft Punk? Porque viven los temas tecnológicos y son rarunos). Y otros que se mencionarían por encima por una o dos canciones que podrían clasificarse, como por ejemplo la “Téo & Téa” de Jean Michel Jarré.

Playlist de servidora de música Cyberpunk: http://grooveshark.com/playlist/Cyberpunk/53827935

Referencias audiovisuales

Creo estar segura que todos están esperando a que vuelva a hablar de Blade Runner (1982, Ridley Scott). Es La película Cyberpunk para muchos aficionados al género (y movimiento). Pues no pienso hacer ninguna reflexión más allá de lo que ya está sobrecomentado por mayores entendidos, cómo Scott hizo una verdadera obra maestra encontrando el género de la ciencia-ficción con lo noir, en un mundo verdaderamente distópico donde nos presentan la historia de un cazador de replicantes, algo como androides, muy humanos (sin ánimo de hacer demasiado spoiler para quien no haya visto las versiones extendidas).

Tron, la original (1982, Steven Lisberer) podría considerarse Cyberpunk muy light, proponiendo el debate sobre la realidad vs realidad virtual, la creación de universos digitales, etcétera.

Por entonces, se sucedieron títulos más o menos taquilleros de ciencia-ficción que tratan temas Cyberpunk como la conexión de la mente en programas y realidades virtuales como Brainstorm (1983) y Johnny Mnemonic (1995), cyborgs y transformación corporal transhumana como Cyborg (1989, la que sale el Van Damme,…) o Tetsuo (1989), futuros distópicos gobernados por megacorporaciones o con caos social y problemas medioambientales como Videodrome (1983) y Split Second (1992). Prácticamente, casi todas las películas de ciencia-ficción de finales de los 80 y de los 90 tenían algún tipo de influencia en esta corriente, lo cual merece un análisis social por ser significativo. ¿Realmente comenzamos a ver así el futuro?

En la segunda fase conocida como postCyberpunk, podemos encontrar títulos como Hackers (1995), pero sobre todo, hay que hablar de Matrix, especialmente la primera de la trilogía (Wachowski brothers, 1999): típico héroe mesiático en una realidad virtual, perseguido por hombres programa con aspecto de altos ejecutivos para liberar a la humanidad del “sueño”.

Aparte, merece una especial atención el anime japonés, por ser un género que trabajó con mucha pasión la cuestión cyberpunk. Títulos a destacar como Akira (Otomo, 1988), Neo Tokyo (1986), Bubblegum Crisis (1987), o Ghost in the Shell 1 (Oshii, 1995) y 2: Innocence (204), incluyendo también una reinterpretación harto interesante del Metropolis de F. Lang, que sin duda su visión tecnodistópica y esotérica influencia constantemente el Cyberpunk: Metropolis (2001).

Cabe pensar que los propios artistas japoneses eran conscientes del papel de Japón, y especialmente Tokyo, en la economía mundial, el papel que ya la tecnología que producían obtuvo en su propia sociedad y cultura en transformación, hasta niveles insospechados, y como las corporaciones iban obteniendo más poder.

Japón está, de hecho, presente en otras obras Cyberpunk: por ejemplo, algunos episodios Neuromante de W. Gibson suceden en dicho país, y en Blade Runner el papel de Japón está claro en los anuncios.

Los cortometrajes, a diferencia de los largo, son independientes y con poca vocación comercial, dicho de otro modo, exploran con menos recelos algún aspecto del Cyberpunk. Además, se proyectaban para ciclos y acciones culturales o sociales entorno a temas relacionados, por lo  que su escasa difusión no ha permitido, lamentablemente, que sean muy conocidos.

Uno de estos cortometrajes relativamente conocidos, de animación, es The Sex Life of Robots (M. Sullivan), del cual podemos ver un extracto en Youtube, donde se trata cuestiones como el sexo, la robótica, y una alusión metafórica a la sociedad. Es de género artporn, es decir, es pornografía artística -pero entre robots.

Advertencia: contenido sexual explícito entre robots humanoides.

Extracto The Sex Life of Robots

Finalmente, hablemos de series televisivas. Al igual que sucedió con las películas, el Cyberpunk marcó una tremenda influencia en todas las producciones de ciencia-ficción.

Seguramente, la serie más icónica clasificable como Cyberpunk sea Max Headroom (1987). Una serie con una estética que ha trascendido en la cultura pop -aun incluso si no la conocemos- y cuyo protagonista, del mismo nombre, ha sido comparado con el personaje de V de Vendetta o con movimientos como Anonymous.

En un futuro distópico similar a nuestro presente, una megacorporación televisiva gobierna el mundo, usando la tecnología de la televisión para dominar las personas, incluso con tandas de publicidad sin opción a no verlas.

Un periodista algo rebelde contra el sistema sufre un accidente. Por diversos motivos, descargan la memoria del periodista en un ordenador para generar un programa que sustituya el vacío del periodista, pero se les va de las manos… Así nace el personaje Max Headroom, independiente, representativo del estereotipo satírico de presentador de televisión egocéntrico, que interrumpe las transmisiones de televisión para ir dejando perlas…

Hay muchas más películas que nos pueden remitir a temas también tratados en el Cyberpunk, como Gattaca o Repo, y series influenciadas, tales como Star Trek New Generation, o Expediente X. Clasificar una producción dentro del Cyberpunk es una tarea difícil, ya que, tal como pasa con otras tendencias y movimientos que además se entremezclan con lo social, los límites no quedan del todo claros, y tal vez no deban en un exceso.

Un poco de reflexión antes de continuar hacia la segunda parte. Podemos observar como mucha creación cultural de los pasados años que se enfoca en el futuro, digamos la ciencia-ficción, evoca a futuros inciertos, distópicos, sucios, donde el papel del ser humano frente a sí mismo, frente a la tecnología, se cuestiona hasta la desconfianza. ¿No creen?

¡Nos vemos en la segunda parte!

Hace nada me llegaron vídeos de un grupo de danzas urbanas muy peculiar, representando una danza tributo a la última película de Tron, con un vestuario muy espectacular, porque los movimientos quedaban marcados por franjas de luz que recorrían sus cuerpos en un escenario totalmente en la penumbra.

Al principio se podía pensar que el truco consistía en un vestuario con finas franjas de pintura sensible al UV, que con algunas luces negras escondidas por todo el escenario las harían destacar. Cuando se veía como las luces de diversas partes del cuerpo, y de diferentes componentes del grupo se apagaban, parpadeaban, etcétera, se descartaba la primera posibilidad.

Detrás de esto está un grupo de tres ingenieros informáticos y de electricidad, que han diseñado un sistema de cables de LED que pueden programarse por control remoto (o vía wifi). Tres ingenieros expertos del cual uno de ellos también es bailarín, Miral Kotb.

Éste decidió probar a aplicar su nuevo sistema en la danza, con unos resultados espectaculares que van más allá de un mero espectáculo entretenido de bailarines haciendo movimientos robóticos.

Este sistema presenta un sinfín de posibilidades: marcar partes del cuerpo, jugar con todos los componentes, crear efectos y nuevos recursos en movimiento sorprendentes, jugar con colores,… Y el técnico de iluminación es un informático que queda entre bambolinas controlando a distancia todas las luces de los bailarines, acordes con la coreografía. Otra nueva comunión entre tecnología y arte.

iLuminate All in 1 from iLuminate on Vimeo.

Aunque de momento sus aplicaciones han sido más “comerciales” después de surgir en uno de esos “fantásticos” programas de talentos, creo que puede ofrecer muchas posibilidades más allá de piezas inspiradas en la imaginería de la ciencia-ficción popular. Muy “cyberpunk”.

Sus aplicaciones pueden llevar a otro concepto de la elaboración de artes escénicas, abordando lenguajes diferentes.

Si quieren saber más: http://iluminate.com/

Recortes por allí, alguna nueva legislación por allá, la subida del IVA del 8% al 21%,… Todo esto nos “sobre”suena a los que podemos rondar por aquí. Entradas y artículos que lamentan esta situación, o incluso culpan a aquellos (muchas veces con pruebas y sobrando razones…), cada vez más. Propuestas, por suerte, también, pero de casi todo tipo. Análisis de todo tipo, también,…

Como saben, y tirando las piedras sobre mi propio tejado, no esperen que hable desde la voz de la experiencia, pues soy una “junior” con interés en eso llamado gestión cultural, y aunque he tenido una corta pero bastante intensa experiencia gestionando proyectos propios a la babalá, y también un poquitillo de experiencia haciendo danza (6 años sigue siendo poco), también leo, me informo, converso, con todo tipo de opiniones, informes, aunque siempre tengo la sensación que me falta más… Así que aquí no encontrarán una solución con clave maestra, ni la voz de alguien reconocido o docto en el sector, pero creo que como todos, puedo aportar mi visión, dícese derecho, y quiero aportar una crítica, pero con algo más que esperanza.

Para comenzar, me gustaría aportar mi visión por algo que este último par de meses me alarma, y es el alarmismo y pesimismo, valga la redundancia, que ya no es tendencia: nos ahoga a la gente que estamos haciendo “algo”, sea al nivel que sea. Supongo que hay gente que cree que ser realista es alejarse del optimismo.

Eso sí, hay profesionales que tienen un buen argumento de peso para estar preocupados porque viven de ello honradamente, e incluso pueden tener una familia. Estamos hablando que es su trabajo con el que sobreviven, y por ello también hay que luchar.

Comprendo perfectamente que la situación sea injusta y nos quejemos, debemos hacerlo, pero llega un momento que las quejas es lo que se ve más, y ciega el resto de oportunidades, de propuestas interesantes o viables, y otras voces. Y es una postura emocional que afecta a más gente. Mucha gente se acaba dejando arrastrar por una situación de constantes cambios, tensiones y problemas. Puede que mi perspectiva sea la más funesta, y no tengo una gestión de canales y contactos en las redes sociales tan buena como creía… ¿Os ocurre también esta sensación?

Pero si nos dejamos arrastrar por esta tormenta emocional colectiva, ocurre que nuestro cerebro, entre otras cosas, sólo se enfoca en lo negativo, en las alarmas, y puede llegar a dejar paralizada a la persona, baja en creatividad y en capacidad de reacción y proacción. Y esto no lo digo yo, ni lo dice “el Punset”, lo dicen neurólogos, psicólogos, coachs, y cada vez está más verificado empíricamente.

Los que piensan que pensar en positivo, hacia lo constructivo, es un enfoque que hace perder realismo, supongo que lo piensan porque en nuestra cultura (uy, que comenzaremos a mezclar múltiples usos de esa palabra) está extendida la asociación del optimismo con “soñar con pajaritos”, “pensar que la vida es de color de rosa”,… Básicamente, una visión de ese prisma como signo de surrealismo, subjetividad e incluso debilidad. Pues a mí me parece más el tipo de pensamiento constante negativo.

Hacer vibrar nuestra mente en positivo hace que encontremos las oportunidades, que nuestra creatividad se active, que la motivación sea más fácil de encontrar,… Si pensamos en esos momentos de nuestra vida en los que hemos logrado algo que deseábamos, ese momento de felicidad, alegría, “subidón”, ¿no ha pasado que veamos todo desde una perspectiva diferente? ¿No nos pasa que de repente se nos ocurren nuevas ideas, o incluso proyectos? ¿O incluso que se encadenen cosas buenas? Digamos que no es casualidad.

Evidentemente, como todo, entrar en los excesos no es bueno, ser excesivamente optimista seguramente es ser un “somiatruites” que se dice en Catalunya, pero si explico este tema es porque tengo la sensación que hay un exceso ahora mismo de enfoque pesimista, y no es útil. Para interesados en técnicas más que creativas, de flexibilidad mental, recomiendo la técnica de los Seis Sombreros para pensar, y quizá se explica mejor sobre lo que refiero de las perspectivas. Incluye la perspectiva positiva, y la negativa, entre otras cuatro, porque son útiles bien combinadas.

Una cosa muy positiva que está sucediendo es que gracias a esta crisis, que aunque esto ya ha sido dicho por diversos expertos, no es sólo económica, sino de prácticamente todo, básicamente estamos acabando de evolucionar a una nueva sociedad y un nuevo modelo cultural -hablo de cultura desde una perspectiva más antropológica, por si no se me entiende-, el modelo de la gestión de las industrias culturales, de las artes y de toda la cultura se está examinando, analizando, destripando y criticando de cabo a rabo, dando lugar a debates con muchos puntos de vistas, algunos divergentes, muy apasionantes, pero sobre todo importantes. Una ardua lucha entre lo antiguo y lo nuevo, lo tradicional y lo innovador. Se habla desde lo más administrativo hasta lo más profundo, proponiendo nuevos valores éticos, nuevas formas de trabajo como la cooperación,…

Pero, no sé si seré la única, tengo la sensación que muchos debates en el sector cultural, al menos a los que he asistido, oído o leído, comienzan hablando de la situación, “vamos a analizarlo y a buscar soluciones”, sale el tema de las subvenciones, y todo el mundo se hunde, porque ya no hay subvenciones de la cultura.

Las soluciones giran entorno a destacar que las subvenciones son importantes, que la administración pública y los gobiernos deben apoyarla en muchos sentidos, y que hay que presionar, presionar y presionar. Y quejarse en diversos niveles y mediante diferentes estrategias y métodos.

No es que sea ingenua. Sé bien el porqué hay tanta necesidad de subvenciones para la cultura, ya que por ejemplo hay proyectos que podemos entender como interesantes o necesarios para y con la sociedad, pero pueden ser financieramente deficitarios, es decir, que de lo que se invierte en su realización no se recupera, y esto no tiene nada de malo si es ético y correcto el planteamiento.

Pongamos una campaña de lectura, para motivar a la sociedad a que lea más y mejor, es el tipo de campañas o proyectos que necesitan subvención seguramente. Con obviedad, si a la gente de a pie, y a nosotros mismos, nos están recortando en cosas más importantes como la salud, yo ya opino que prefiero que recorten la campaña de lectura antes que la de financiación en sanidad, no me escondo, aunque me afecte el recorte en cultura. Es bueno luchar por el restablecimiento de las subvenciones, remarco, pero estamos ante la incertidumbre, hay que gestionarla, cogerla por los cuernos.

Tenemos derecho a estar indignados, no sólo porque están recortando mientras recibimos información que algunos ricos se están haciendo más ricos a costa de todos, sino porque se está dando a entender qué aspectos o disciplinas culturales son más importante para los que gobiernan -sólo hay que ver como han subvencionado los toros en detrimento de la cultura.

Tenemos no sólo derecho, sino deber a luchar por lo que creemos, y por lo que queremos y es bueno para muchos o incluso todos, o al menos no afecta negativamente a nadie. Pero, ¿es útil quedarnos paralizados entre la indignación, el miedo y la lamentación? Yo creo que no.

Evitaré ser fatalista, más si estoy abogando por lo constructivo, pero hay que comenzar por la aceptación de la situación, que no quiere decir resignación. ¡Eso nunca! Aceptación significa:

“Vale, esto está así y así. No caeré en soñar con “qué hubiera sido si esto no hubiera pasado”, sólo sirve para que me quede más paralizado. Mi objetivo no es que den subvenciones, porque las subvenciones son un recurso para lograr el objetivo, quiero __[inserte su objetivo tipo proyecto, enfoque, valor a aportar en la sociedad,…]___ ¿qué otras vías podemos encontrar?”

Creatividad. Creo que una de las claves está en la creativad. Si se quiere lograr un objetivo de dar a conocer, de difundir, de hacer reflexionar, o de crear arte, cultura,… hay que salir de los paradigmas a los que estábamos acostumbrados, aceptar que todo está cambiando, y ya nunca será lo de antes (si todos nos esforzamos de forma constructiva, estoy muy segura que para bien), y que hay que repensar no sólo la gestión de la cultura, sino que además,… ¡la propia cultura, sus valores, paradigmas y discursos, están cambiando! Es casi un “borrón y cuenta nueva”. Por ello quizá sería bueno conocerla y adaptarse a ella y al entorno. Yo me lo tomo como haber llegado a otro planeta con otra cultura y sociedad.

Puede sonar desesperanzador para aquellas personas que su trabajo y los ingresos que le daban el pan de cada día estuviera en la cultura y las artes, sea como creador, difusor o lo que sea, pues no estoy dando una solución, nada que pueda “solucionar” el problema o problemas como por arte de magia rápidamente, ni soy una Nostradamus, sólo estoy dando mi opinión y perspectiva. Creo que se solucionará, pero a medio y largo plazo, y no se hace solo, ni nadie nos lo solucionará por nosotros.

Otro punto que me gustaría expresar es el de la falta de aprovechamiento de estos cambios. He estado sólo en los movimientos del 15-M de Barcelona, y era dificil encontrar un auténtico apoyo o presencia de la gente de la cultura realmente visibles y activos. Han habido, sí, y doy gracias a los que lo han hecho posible, ¡de corazón!

Me explico aunque seguro que alguien con más experiencia pueda encontrarle problemas, o matices a arreglar. Esto es opinión en base a pensamientos más o menos claros y sencillos.

Uno de los problemas que ha tenido la cultura, por ejemplo en España, es la falta de conexión y sobre todo comprensión de qué es la cultura, y su importancia entre la sociedad. Por ejemplo, esos debates de la gratuitidad, o de que ciertos sectores de la sociedad no van a un espectáculo de danza porque ¿para eso han de pagar?

No sé si soy yo, pero creo que este sigue siendo el perfecto momento para acercar la cultura a la sociedad.

La sensibilidad de la gente, en el buen sentido, está más a flor de piel, y el sentido crítico ha tenido un pequeño empuje con la necesidad de estar informado. ¿Por qué no estar en estas “movidas”? Si recuerdo un proyecto como “Cómo acabar con el mal“, que estuvo conectado con estos movimientos de forma muy directa, donde usaban el arte y la creatividad para aportar soluciones contra lo que nos cae, y analizamos la visibilidad que tuvieron, la participación, el tipo de segmentos de público al que llegaron, y la repercusión a los medios siendo un proyecto que algunos consideran de “alternativo”… ¡éxito! Evidentemente tenía un enfoque social, pero ¿y qué?

Si se sigue obcecando en ideas como que sólo hay que promover la “alta cultura”, ya se puede dejar todo. Se han quedado en el siglo XIX y el siglo XX. Estamos en un momento donde la sociedad, por lo general, tiene un fácil acceso a la información, e incluso al autoaprendizaje. Lo que comentaba además de muchos expertos: quizá sólo hay que adaptar la gestión de la cultura a estos nuevos tiempos (aclaro: no refiero en este caso a la profesión “gestión cultural”). No hay nada alternativo, no hay ya un solo discurso, la sociedad es segmentada. Sí hay criterios de calidad y contenido, eso nunca desaparecerá, evidentemente. Lo cortés no quita lo valiente. Pero no hay que menospreciar a los que “no son profesionales” por concederles la duda de menor criterio.

Aprovechemos esta oportunidad. Aproximemos y sensibilicemos a la sociedad con la cultura, explíquemosle qué es la cultura, que no sólo es arte, que es mucho más, y que sin cultura… ¡tal vez ni hablarían! (eso de que el lenguaje y el idioma es un aspecto de la cultura, ya sabéis…) Se les puede hacer participar en los debates, no son tontos. No serán entendidos, pero ellos, al igual que nosotros, somos el público de la cultura y pueden decidir, y pueden aportar hasta ¡ideas geniales!

Es el momento para quejarnos, sí, pero también para demostrar cómo es el proceso de creación de un artista, que hay un curro como el que trabaja en la construcción, y por qué es necesario. Tal vez entiendan porque es bueno pagarlo. O expliquemos como funciona un museo, o una biblioteca…

Son ideas que ya se han hecho, y no digo nada novedoso, quizá absurdo. Pero lo que pretendo abordar es la importancia del enfoque adecuado, y de los enfoques necesarios para abordar y contraatacar la crisis.

Como se dice en coaching, nosotros por cada uno tenemos un círculo de influencia, que es aquello que nosotros podemos cambiar mediante nuestras acciones (proactividad), pero si todos “atacamos” por esa línea, el círculo de influencia crece, incluyendo al público que también es quien transforma la sociedad y la cultura, y estoy segura que de conseguirse eso, crecer el círculo de influencia hasta un tamaño considerable, se come la crisis con patatas. Advierto: no es fácil, pero hay que comenzar YA desde uno mismo.

Esta es mi idea y mis opiniones. Si os gusta compartidla, ponedla en práctica, o mejor, en común y en grupo, todos a una, o mejoradla, refinadla. Es una idea “en código abierto”. Si no os gusta, déjenla de lado, su opinión es tan válida como la mía.

¡Un saludo!

Hoy presento un festival que -por el momento- no he visto con mis ojos, aunque uno de mis sueños es hacerlo. Más que un festival, es un mundo. Es posible que ya lo conozcan, pero es un icono de las nuevas microrevoluciones creativas alternativas en EEUU.

Imaginaos una ciudad construída en la nada de un desierto apocalíptico de más de 50000 habitantes, donde el único credo común es la creatividad. Una amalgama de festivales de música experimental y rave, ferias de invenciones, una película al estilo Mad Max, escenarios oníricos imposibles, y manifestaciones de libertad de expresión. Eso es, y más, con sus pros y contras, el Burning Man Festival.

Con fama en el mundo “mainstream” de festival donde la droga y la alucinación están al orden del día -y qué festival grande de música al aire libre, a su manera, no- es un festival de la creación, la invención, el arte alternativo, el Do It Yourself, la autoexpresión e incluso nuevas visiones del “mundo libre”, la cohesión de tendencias y movimientos culturales y sociales incluyendo la cooperación, el coworking y la vida -durante casi una semana- en comunidad. Es un experimento improvisado social.

El Burning Man Festival es un festival al aire libre, directamente en el desierto Black Rock, Nevada (EEUU), celebrado durante 6 días a principios de septiembre de cada año, concluyendo en el 5 de septiembre, el Día del Trabajo de EEUU.

Nació como fusión de otros dos festivales. El primero, del mismo nombre, fue un evento que organizaron en el solsticio de verano de 1986 dos personas, L. Harvey y J. James que, inspirados inconscientemente por diversas corrientes como el movimiento hippie, decidieron hacer arder un gran muñeco, a modo de “ritual” creado prácticamente de 0, esto es algo que nos hará recordar las Fallas de Valencia tal vez, pero no es lo mismo. Formaron la Cacophony Society, de influencias dadaístas y con vocación hacia el “espíritu libre”, y esto ocurrió en la Baker Beach de San Francisco, y desde 1986 hasta 1990 fueron reuniendo cientos de personas.

A medida que este festival evolucionaba, el muñeco también, hasta llegar a hacerlo articulado, creaciones del escultor y carpintero Mike Acker. Esto será importante porque aportará el fundamento “maker” e invencionista al futuro de este festival. De tal modo que cada año venían más escultores y carpinteros a traer su propio muñeco/invención/escultura para hacerla arder también, y el voluntarismo organizado en el funcionamiento de este festival tuvo una importancia eminente.

El éxito de este primer festival bien cohesionado y creativo fue el boca a boca, y en ningún momento se buscó un significado o valor a remarcar, quiero decir, era un festival de filosofía indefinible, si bien podríamos decir que la única filosofía existente fue la creatividad, la pluralidad de visiones, el voluntarismo y el cooperativismo.

Este festival por diversos motivos dejó de funcionar del modo explicado, entre otras cosas por la prohibición policial de hacer arder el muñeco en las playas de San Francisco, pero paralelamente se comenzó a gestionar otro festival en el emplazamiento actual, por K. Evans y J. Law (uno de los fundadores de los Cacophonists).

Un festival con vocación dadaísta y anarquista (no tanto en el sentido político), creatividad y acción libre, que invitaron a mover el Burning Man Festival allí. Tras reticencias internas y con la burocracia, en 1991 consiguieron permiso legal, y poco a poco ha ido convirtiéndose en un expositor de todo tipo de tendencias inventivas, creativas e ideológicas, entre otras cosas.

Un festival ubicado en un recinto de casi 650 km cuadrados en pleno desierto de Nevada, reúne más de 50000 personas de EEUU y todo el mundo y de todas las edades (datos del 2010. Fuente: Sfexaminer), agota las entradas rápidamente y funciona gracias al boca a boca y la difusión en la red, en este orden. 50000 personas acampadas con todo tipo de perfiles: artistas, artesanos, profesionales de todo tipo de oficios, gente alternativa,…

Se organiza en sectores o campamentos temáticos, en forma de hemiciclo frente a la zona del Burning Man, y se da lugar a todo tipo de arte, con diez normas o principios: todo tipo de gente es bienvenida, la generosidad, la decomodificación, la independencia y empoderamiento personal, la autoexpresión radical, el esfuerzo en comunidad, la responsabilidad cívica, el respeto medioambiental, la participación de todos, y la inmediatez (más como espontaneidad).

Existen también reproducciones en menor escala del Burning Man Festival en diversos puntos del mundo, incluyendo una en España ¡mira al final de la entrada y tendrás toda la información!

Y ahora lo que supongo esperáis, después de tal palique. ¿Que qué arte se cuece allí? No sólo se cuece arte, se cuece artesanía, creación de todo tipo, invenciones, el makerism y el Do It Yourself están al orden del día. Urbano, Neotribal, Contemporáneo, Geek, Steampunk, Retrofuturista,…Sin etiquetas.

Para ver cientos de imágenes

http://coolpoolmedia.zenfolio.com/bm/slideshow

http://www.tripbase.com/blog/burning-man-festival-photo-story/

http://galleries.burningman.com/

Y unos videos para conocer más -y tal vez quedarse con más ganas.

http://www.burningman.com/

PS. ¿Qué está muy lejos, que qué rabia? ¿Sabías que en los Monegros tenemos un mini Burning Man Festival, con becas a la creación artística? http://www.goingnowhere.org/ Si vas a ir, o has ido, ¡comenta!

Si en la anterior entrada habíamos presentado un poco el carácter de las danzas orientales, ya en esta parte nos introducimos a analizar el tipo de prácticas o su ausencia de marketing cultural en búsqueda de nuevos públicos, y su difusión.

Como hemos entendido, usualmente la formación independiente y esencial en danzas orientales no suelen incluir ningún tipo de formación profesional, o preparación laboral para la futura bailarina, excepto si se ofrece en un intensivo o seminario contadas veces. Así pues, la formación en difusión de su danza corre a cuenta de las que se han formado paralelamente en las materias pertinentes. Y todo es, en la danza oriental, muy Do It Yourself, muy intuitivo, y muy “Juan Palomo”.

La difusión y el marketing en danza oriental suele estar muy mal enfocado. Existe una creencia, muy arraigada y dañina, dentro de éste en qué el público de la danza oriental es muy limitado, y es exclusivo. Muy limitado y exclusivo porque se cree que no tiene mucha capacidad de crecer, que es el que ya está predispuesto a ver un espectáculo de danza oriental compuesto por: alumnas, bailarinas amateurs, profesionales, y amigos/familiares y gente con un contacto previo con espectáculos de danza oriental y han quedado afianzados, de forma minoritaria.

Por otro lado, a diferencia de otras danzas, raramente la profesional sólo quiere dedicarse a actuar. Cuando una bailarina, o bailarín, decide entrar en el mundo profesional de la danza oriental, está considerado, establecido casi como una norma no preescrita, que inevitablemente debe ser profesor.

Hay una jerarquía de progreso muy clara y definida, que no debe ser saltada ni modificada: primero alumna; a los cuatro años de estudio aproximadamente se puede comenzar a ser bailarina amateur; a partir de los ocho aproximadamente profesional y/o profesora, y hacia los diez o doce años de estudio y dedicación puede considerar “montar” su escuela o academia.

Esto se debe a que, siendo una danza minoritaria, por excusas de motivos económicos “sale más a cuenta” ser profesor, con un número mínimo de alumnas generan unos ingresos mensuales o trimestrales más o menos fijos de los que vivir.

Si se profundiza, se puede comprobar como esta dinámica, presente en toda la danza oriental internacional, con sus diferencias claro está, ha relegado la creación casi como una forma de difundir, dar a conocer su talento, conocimientos y habilidades como profesional, o lo que es lo mismo: han dejado la creación artística como una herramienta de marketing al servicio de las bailarinas en casos muy extremos.

En la mayoría de casos, valga remarcarlo, no es del todo así, si bien existe una presión a coordinar el papel de docente, tal vez también administradora de una academia, y creadora.

Por otro lado, podemos analizar la estructuración de espectáculos, que raramente existen espectáculos creados por una compañía o colectivo, y son galas de exhibición sin ningún hilo creativo en concreto: ahora entra una bailarina, hace su número, luego otra y hace su número,… Son formatos que para los que no estudian la danza y son espectadores, ya han mostrado más de una vez su tedio en numerosas ocasiones. Y eso debería ser preocupante, y a la vez una oportunidad para saber por dónde se puede innovar en danza oriental, y reconocer los límites de conocimientos técnicos.

En EEUU existen los mejores ejemplos de espectáculos modernizados para grandes teatros y buenas producciones, a modo de ejemplo citamos la compañía Desert Sin, cuyo objetivo, a través de una fusión de danza tribal, danzas modernas y teatro tienen por objetivo “to weave narratives through movement embracing the beautiful and grotesque within”.

Básicamente, no existe por lo general ningún estudio por parte de las bailarinas y compañías sobre sus públicos, o si lo hay, por ejemplo en el caso de academias, desde una perspectiva más empresarial que cultural (ofrecer lo que el público quiere sin probar a ofrecer lo que se tiene o quiere difundir encontrando el punto de intersección entre los intereses del público y del creador).

Es una posición que funciona en el día a día para quienes tienen el valor de vivir de esto, pero que a largo plazo constriñe las posibilidades de expandirse, y poder tener más libertad en crear. Es dura y más complicada esta idea, pero quizá sea lo más interesante para evolucionar.

La falta de expansión de públicos, o del interés en expandir dicho público en el tiempo, mediante un estudio de posibilidades, de públicos potenciales, de mejora, innovación y optimización del rendimiento en difusión con pocos o muchos recursos ha hecho que se genere, además, un “mundo” en el que, al haber un número muy limitado de público potencial (alumnas, o espectadores) en cada área geográfica, provoque una competitividad en algunos casos, ya que estamos diciendo las cosas sin pelos en la lengua, insana.

Quienes están dentro o son próximos (especialmente los Damnificados por la Danza Oriental, es decir, parejas, hijos o familiares de bailarinas), saben de lo que hablo. Suele invocarse a la frase que “hay demasiadas mujeres y poco hombre que equilibre el mundillo”. Puede que también sea verdad, pero eso ya es más subjetivo y podría valorarse la visión que se tiene de la mujer -no todas queremos sacarnos los ojos, algunas queremos colaborar, qué curioso.

Para ver esto desde otra perspectiva, vuelvo a invocar pocas líneas después el blog de Damnificados por la Danza Oriental, que aunque en clave de humor, las que somos bailarinas y las parejas pueden sentirse identificados, y puede ayudar a entender en otras palabras un poco lo que estoy explicando: http://alergiaoriental.blogspot.com.es/

Podríamos evaluar en algunos casos el tipo de comunicación, o lenguaje que algunas bailarinas usan para difundir como ejemplificación de la falta de formación en difusión para bailarinas que todo se lo tienen que hacer ellas mismas. No es lo habitual, pero tampoco es extraño, por ejemplo, de llegar a ver lenguaje de sms o muy coloquial en las redes sociales o sobre todo en mailings para dichos eventos. Se basa sin duda en la familiaridad y en la invocación de buena onda entre bailarinas y estudiantes, y puede funcionar con el público o “clientes” ya asiduos, que además lo consideran muy próximo, íntimo y efectivo, pero seguramente el que no es familiar o asiduo de esas bailarinas, que son muy buenas en el escenario, puedan estar confundidos por una cabecera de mail tal como “Chikassss, ké tal???” -vale, vuelvo a la objetividad relativa. Puede que si forma parte de la imagen de la bailarina (algo como muy urbana y próxima), y se hace conscientemente, es otro tema, pero de los casos que he visto personalmente, no me ha quedado claro…

Resumiendo, podemos decir que no hay nociones ni conocimiento en general de cómo difundir, hacer crecer el público hacia nuevos caminos cuando las propias bailarinas se gestionan todos los aspectos solas, con excepciones por suerte y por supuesto.

Es una verdadera pena porque las danzas orientales nos hablan de conexiones del mundo occidental con el mundo oriental, esa dualidad cultural que sigue presente; nos permiten explorar diferentes formas de expresión y reflexión; pueden hablarnos de la relación y la naturaleza de lo femenino y lo masculino; del mundo o la tendencia multi e intercultural,…

La danza oriental, como todas las danzas, debería ser un intercambio de ideas, conceptos, historias más allá de lo estético. Un arte que a través del movimiento corporal nos expliquen nuevas visiones, nos conmuevan… Y por todo esto es una pena que quede relegado a un público exclusivo y limitado, por miedos y desconocimiento. Hay un público más allá que tiene ganas de ver todas esas posibilidades, y no lo sabe porque no lo conoce, sólo está ahí, a la espera.

Me considero una apasionada de las danzas orientales, pero creo que en estas épocas merecería la pena reflexionar, especialmente por parte de las y los profesionales, revalorar la posibilidad de ampliar los estudios a más campos, los realmente necesarios; romper esos mitos de la danza oriental, esa falta de valoración o baja expectativa de la danza oriental y lo que puede ofrecer al mundo. A reconocer o descubrir hasta donde están las limitaciones y lo que una bailarina debería aprender, más si todo se lo tiene que guisar ella misma por necesidad y/o interés, y me gustaría invitar a que las bailarinas, y bailarines, hicieran sus propios y personales descubrimientos y reflexiones relativas a este asunto, incluso si va por vías diferentes a lo que propongo.

Hasta aquí mi crítica y reflexión de estos aspectos en la danza oriental. Espero que invite a la reflexión (y siento si he dado la sensación de generalizar), y sobre todo, que pueda aportar algo.