Diz que não gosta de música clássica ?

Música no Casarão do Belvedere

2012-05-28T13:15:00.000+01:00

Bocca Chiusa no Casarão de Belvedere (São Paulo)

Um nosso leitor pediu-nos para divulgar um espaço onde se pode ouvir com regularidade música ao vivo, clássica (mas não só). Como todos os meus leitores mais atentos sabem estes pedidos de divulgação são para mim uma espécie de ordem: Obviamente que os faço com o maior gosto!

Neste caso sendo este pedido do outro lado do Atlântico vindo um espaço em São Paulo aquilo que é para mim um dever passa a ser uma honra. É que estando em Lisboa, sabendo a oferta que existe em São Paulo quer cultural quer de meios de divulgação, participar ainda que de forma modesta nessa divulgação posso dizer-vos que me enche de uma enorme satisfação.

Assim uma vez feita a introdução caros leitores de São Paulo aqui fica o convite para se deslocaram ao Casarão de Belvedere. No link encontrarão a morada exacta e o programa para o mês de Junho. Em particular posso dizer-vos que se estivesse desse lado do mar não perderia o recital com canções de Piaf.

Deixo-vos como sempre com música utilizando para o efeito um exemplo de uma (divertida) parte de um recital anterior.

Jacopo Perri (1561-1633)

2012-05-28T00:20:00.000+01:00

Jacopo Perri é considerado ser o "inventor" da ópera mesmo antes de Monteverdi. A obra que segundo alguns musicólogos marca o inicio dessa forma de expressão musical e teatral é Daphne (1597) embora esta não tenha sobrevivido ao passar dos tempos (partituras perdidas) sendo que Euridice (1600) é para alguns a primeira ópera conhecida. Curiosamente parte da música dessa ópera é da autoria de Caccini de quem falamos num post anterior. Na verdade a passagem da Renascença para o período Barroco encontra uma das suas ancora nestes três compositores: Cavalieri, Caccini e Perri.

Jacopo Perri nasceu em Roma a 20 de Agosto de 1561 tendo no entanto mudado para Florença na sua infância. Conhecido em primeiro lugar pelos seus dotes enquanto cantor na corte dos Medici (a partir de 1588). Com o seu mecenas Jacopo Corsi e com o libretista Otávio Rinuccini procura então recriar a tragédia grega. Embora o que acabaram por criar tenha certamente pouco a ver com a forma original o processo acabou na verdade por dar origem a uma nova forma: a Opera que será posteriormente consolidada por Monteverdi entre outros.

Como referimos a primeira ópera Daphne foi totalmente perdida mas de Euridice existem partituras completas embora a sua execução apenas se faça raramente e (quase) sempre por razões mais históricas do que artísticas. neste extracto mostro-vos o prologo que pensa prova bem o talento do compositor e a ponte que ajudou a estabelecer entre a música da renascença e o primeiro período do barroco.

Além desta ópera Jacopo Peri compôs mais algumas muitas vezes em colaboração com outros compositores como por exemplo La Flora que escreveu com Galliano. Jacopo Peri faleceu em Florença a 13 de Agosto de 1633.

A música e o cinema

2012-05-27T10:34:00.004+01:00

Já por várias vezes neste blog vos falei da importância da música no cinema. É aliás um dos temas preferidos de conversa com o meu filho como saberão os mais atentos. É curioso que muitas vezes a primeira coisa de que nós os dois falamos ao ver um filme é precisamente da sua banda sonora.

Vem isto a propósito de um ciclo na Cinemateca Portuguesa num tema escolhido, comentado e apreciado por Carlos Ponte Leça e que versa Vicente Minelli e a que certamente irei assistir. O ciclo inicia-se na próxima segunda-feira e decorre até sexta. Irei assistir com excepção da Segunda-Feira dado que por ser dia 28 tenho outros compromissos.

Sobre Carlos Ponte Leça e o próprio ciclo mais informações no site da Cinemateca Portuguesa. A não perder mesmo!

Para acabar de vez com a cultura

2012-05-26T11:43:00.001+01:00

Daniel Oliveira escreveu no publico desta semana um artigo intitulado Para acabar de vez com a cultura. Nada a ver com o livro homónimo de Woody Allen. Na verdade este artigo coloca o problema sério do desinvestimento na cultura no contexto de uma crise económica com as pseudo-soluções que nos têm sido repetidas ad-infinitum como se a sua repetição as tornasse verdadeiras. Há, creio, muitos admiradores de Pascal nos vários desgovernos por essa Europa fora.

Como sabem os leitores mais atentos deste blog tenho algumas dúvidas sobre a forma como deve o estado financiar a cultura. Essas dúvidas provêm da constatação que se por um lado como o autor afirma são fundamentais para assegurar a inovação (aliás consagrada na nossa constituição no artigo 73 da mesma como relembrei neste post) por outro lado a história mostra que o resultado do financiamento do estado não tem sido isento de resultados menos positivos precisamente naquilo que pretende assegurar. O acesso de todos à cultura, uma cultura diversificada e em que todos encontrem a sua forma de expressão.

No post em que exprimi as minhas dúvidas (que mantenho) perguntava se não haveria outra forma do estado assegurar essa liberdade? Em vez de o fazer pela oferta fazê-lo pela procura. Ou seja em vez de apostar simplesmente na produção investir também na educação e na criação de público. Porque não tenhamos dúvidas que se o cinema português, a música em Portugal, o teatro, etc ... mais fora do "comercial" tem pouco público isso se deve essencialmente a total inexistência de educação artística nas nossas escolas. Trata-se a cultura (com a eventual excepção da literatura e mesmo assim poderia discutir-se) como algo que não é essencial à formação do individuo.

Senão vejam, existe uma "cadeira" de música durante 2 anos com uma hora por semana, uma cadeira de artes visuais durante quanto tempo? E com que conteúdos? E depois disso? E como são essas matérias valorizadas no plano escolar? Começamos logo na escola a tratar da arte como algo secundário e dispensável face à matemática ou outras coisas mais sérias. Erro profundo. Não porque não seja importante a matemática mas porque na formação de um individuo a ausência do ensino da sua herança cultural conduz à ausência da identidade e a ausência de identidade conduz por sua vez à aceitação que tudo é igualmente relevante e bom.

Notem não peço que se faça um juízo de valor entre várias formas de expressão. A escolha do que "é bom" é uma escolha individual - tem de ser uma escolha individual. É precisamente essa liberdade de escolha que penso se queria consagrar na nossa constituição. Mas para existir liberdade tem de existir informação e conhecimento. E quando a maioria dos nossos cidadãos não sabe sequer quem foi, sei lá por exemplo Carlos Seixas, não posso dizer em consciência que essa liberdade está assegurada pelo lado da procura ... Seriam precisas décadas de investimento na educação para que os júris dos financiamentos pudessem ser dispensados e substituídos pelo juízo de um publico educado. Tenho dúvidas se funcionaria mas creio que é por aí que se poderá encontrar um justo equilíbrio.

Em resumo e por agora não haverá outro remédio senão exigir ao estado que assegure essa diversidade mesmo que seja para poucos. Há no tempo da internet uma forma de pelo menos começarmos a medir a nossa educação colectiva e sermos cada um de nós à nossa escala, pequenos mecenas privados. Não se esqueçam por isso precisamente a propósito deste tema de apoiarem a edição do novo disco de Luís Tinoco num excelente esquema de crowd founding. Já !!!! Do alvo de €3000 ainda só foram angariados €875 e só faltam 16 dias ...

Giulio Caccini (1551-1618)

2012-05-20T21:30:00.000+01:00

É um pouco aborrecido um compositor ser conhecido por aquilo que essencialmente não compôs. Esse é o caso de Caccini desde há uns anos sobretudo falado pelo "seu" Avé Maria que não passa de uma mistificação de Vladimir Vavilov compositor e interprete Russo que se especializou nesse tipo de actividade. Só para vossa referência aqui fica esse Avé Maria. Bonito mas não de Caccini embora curiosamente muitos interpretes, mesmo alguns que deveriam saber mais, continuem a persistir nessa atribuição.

Quanto a Caccini propriamente dito nasceu a 8 de Outubro de 1551 em Roma tendo falecido a 10 de Dezembro de 1618 em Florença. Foi uma das bases da passagem da Renascença para o período barroco tendo participado na consolidação do estilo monódico. Tal como Emilio de Cavalieri reclamava para si essa invenção (como veremos procurou mesmo demonstrá-lo).

A sua obra mais significativa terá sido uma colecção de madrigais que intitulou "Le nuove musiche" publicada em 1602 e dedicada a Lorenzo Salviati. Na tentativa de reclamar a invenção deste novo estilo de música Giulio Caccini datou esta dedicatória com a data de 1601 porém não é certo que esta data esteja efectivamente correcta.

Deste conjunto de madrigais fazem parte Amarilli mia bella porventura o mais conhecido (não percam a interpretação de Cecilia Bartoli que seleccionei) ou ainda Amor Io Parto (neste caso interpretado por Montserrat Figueras).

Polémicas à parte Caccini faz parte com Peri, Cavalieri de um conjunto de compositores que contribuíram para a "invenção" da música como hoje a entendemos. Em todo o caso os exemplos que vos deixo devem ser suficientes para vos convencer da excelência do compositor porque são efectivamente belíssimas.

Dick Horowitz a Met Opera Orchestra a percussão e os percussionistas

2012-05-20T12:37:00.000+01:00

Muitas vezes brincamos de forma carinhosa claro com o papel dos percussionistas numa orquestra. Dizemos que "aquilo" também nós saberíamos fazer ou então contamos o número de notas que tocam. Brincadeiras injustas claro porque sabemos que não só são elementos indispensáveis como são na maioria dos casos instrumentistas extraordinariamente versáteis.

Vem este post restabelecer alguma justiça e remeter as brincadeiras anteriores para a categoria das brincadeiras parvas (são boas mas são parvas, não pretendo que terminem apenas que tenham noção que são efectivamente isso mesmo - brincadeiras).

Foi através do blog de Alex Ross que tivemos conhecimento que Dick Horowitz o percussionista da Met Opera Orchestra se iria retirar no final desta época após 66 anos de carreira. Sim leram bem, 66 anos! Começou em 1946 com Lakmé e se ouvirem e virem o video vão perceber que poderão ter sido mais de 10.000 espectáculos nestes 66 anos. Não sei se terão sido tantos, esse número pode ser também uma brincadeira, o que é sem dúvida verdade é a linda homenagem que a Direcção da Metropolitan Opera Orchestra fez.

Chamou o músico ao palco e explicou qual o seu papel enquanto instrumentista ao longo destes 66 anos. Contou que instrumentos tinha ajudado a aperfeiçoar e realçou o seu papel enquanto fabricante de batutas (uma das quais a propósito foi enterrada com Bernstein). Grande homenagem e é lindo ouvir o aplauso do público.

Este exemplo é relevante não só pelo respeito que demonstra por um naipe de instrumentos normalmente negligenciado e alvo das nossas brincadeiras mas também pelo enorme sentimento de apreço pela experiência que revela. Essa valorização da experiência e da respectiva idade associada é algo que deveriamos interiorizar na nossa actual escala de valores com a excessivo e desproporcionada beatificação da juventude e do talento estilo farinha amparo, perdoem a expressão.

Celebremos assim os percussionistas e a experiência e sugiro que sigamos este exemplo. Na importância que devemos dar aos que nos parecem (injustamente) acessórios e aos que nos parecem (estupidamente) velhos demais para entender ou serem relevantes. E sim, antes que me perguntem isto é uma indirecta a algumas outras áreas.

In Memoriam de Dietrich Fischer Dieskau (1925-2012)

2012-05-19T11:50:00.000+01:00

Faleceu ontem Dietrich Fischer Dieskau um dos cantores que possivelmente me (re)conciliou com o Lied. Deixou-nos mais pobres. Poderá com alguma verdade dizer-se que já "tinha vivido a sua vida" seja o que for que isso signifique quando se faz parte da herança cultural de um país, ou melhor quando se faz parte da herança cultural da civilização ocidental.

Fischer Dieskau era um dos grandes. Um dos que faz parte do raro grupo de vozes que nos eleva a alma e dá sentido às palavras de Bach sobre a Música e Deus. Não sei se admiro mais a sua capacidade artistica se a sua integridade ou se o seu sentido pela inovação.

Faleceu na sua casa na Baviera uns poucos dias antes de celebrar o seu octogésimo sétimo aniversário. Embora tivesse já abandonado a sua carreira há 10 anos parece que foi ontem ... Como no caso de todos os que não serão nunca esquecidos. Parece que foi ontem ...

Escolher apenas uma obra e uma interpretação para vos deixar como memória é dificil. Para mim tem de ser Schubert. depois de algumas considerações resolvi-me pela canção que precisamente me reconciliou com este género, talvez ela possa também ensinar algo aos mais novos. Fiquem portanto com "An die Musik" de Schubert (D547), composto em 1847 sobre um poema de Schober. Adequado também porque este poema enaltece a música e a arte tal como Fischer Dieskau. Uma melodia simples e poderosa como são as coisas simples e bem feitas. Uma interpretação sem acrescentar floreados desnecessários, quase contida. Uma lição.

Linda Arte, em quantas horas cinzentas,
Quando a órbita feroz da vida me enleou,
Acendeste meu coração para o quente amor ,
E me levaste para um mundo melhor!

Quantas vezes um suspiro escapou da tua harpa,
Um acorde, um doce sagrado
Abriu para mim o céu e tempos melhores,
Linda arte, como eu te agradeço!

E nós, que te ouvimos a ti Dietrich Fischer Dieskau, como te agradecemos, como te agradecemos!

Como despedida Im Abendrot de Richard Strauss cantado por Elisabeth Schwarzkopf que disse de Fischer Dieskau : "Um Deus que tem Tudo" parece-me mais do adequado.

Luís Tinoco - Orchestral Works

2012-05-15T13:30:00.000+01:00

Chegou-me por email há uns dias uma noticia de que faço eco aqui porque penso ser esta uma forma que os compositores contemporâneos portugueses podem seguir para conseguir gravar as suas obras.

Trata-se de um sistema de edição de discos parcialmente baseado em Crowd Founding. No caso tratam-se de algumas obras de Luís Tinoco que serão gravadas pela Orquestra Gulbenkian com a direcção de David Allan Miller. Digo parcialmente porque neste caso existem outras entidades a suportar o projecto que conta com o apoio institucional do Serviço de Música da Fundação Gulbenkian, da Sociedade Portuguesa de Autores, da Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento e da RDP Antena 2.

Têm ainda 27 dias para apoiar esta iniciativa aqui. Espero encontrar-vos a todos no dia 12 nas gravações!

O Meu Primeiro Disco de ... Grandes Compositores Portugueses

2012-05-15T08:29:00.001+01:00

Estive ontem na FNAC porque o computador do meu filho decidiu que era altura de deixar de trabalhar. Não discuto o sentido de timing pouco conveniente do referido aparelho. Antes prefiro pensar como Pangloss e Candide que foi o desígnio de Deus que quis que assim conhecesse uma série de discos para os mais pequenos intitulada "O meu primeiro disco".

Há vários discos já editados nessa colecção como por exemplo, O Meu Primeiro Disco de Bach ou o Meu Primeiro Disco de Beethoven mas o que eu adquiri e quase me fez chorar de felicidade foi O Meu Primeiro disco de Grandes Compositores Portugueses.

Que alguém tenha resolvido fazer este discos de iniciação à música clássica já só por si é absolutamente fantástico. Que ainda por cima tenham resolvido fazer um sobre compositores portugueses é de coragem e aprecia-se! A edição é da Companhia Nacional de Música e as gravações são da Naxos. O ponto nitidamente menos favorável desta edição é não mencionarem nem as orquestras nem os maestros que interpretam as obras, nitidamente um ponto a rever, não vão os mais jovens pensar que a música clássica tal como o leite aparece já feita dentro das grandes superfícies, passe a comparação das orquestras às vacas sem desprimor para nenhuma delas :-). É um ponto que futuras edições deveriam em meu entender corrigir.

Quanto à selecção dos compositores em si não se discute. Inclui todos os períodos desde a Renascença aos tempos actuais passando pelo barroco, pelo clássico e pelo romântico. Podemos assim no disco ouvir uma obra de Duarte Lobo (nitidamente a surpresa), uma obra de Carlos Seixas (Sinfonia em Si Bemol), uma obra de Marcos Portugal (abertura de Il Duca di Foix), várias Cenas Portuguesas de Vianna da Motta, a Suite Alentejana de Luís de Freitas Branco e por fim o Concerto para Cordas em Ré Maior de Joly Braga Santos.

Como dizia não se discute a selecção dos compositores nem tão pouco das obras porque seria possível fazer mais uma dezena de discos destes com escolhas diversas e igualmente correctas.

Termino recomendando fortemente não só este disco como os restantes da série (é um exclusivo da FNAC por isso só mesmo aí os poderão encontrar, mas para quem vive longe de uma a loja online é uma boa opção) mas também que visitem o site da Companhia Nacional de Música até porque já encontrei por lá alguns outros discos de que certamente virei a falar por aqui ... Para os Lisboetas a visita à loja no Chiado na Rua Nova do Almada, 60 é também uma boa ideia!

Quator à Cordes - Debussy

2012-05-13T18:10:00.001+01:00

Hoje confesso que terei alguma dificuldade em escrever este post. A notícia do dia de ontem chocou-me e deixou-me triste. Porém como em outras ocasiões escrever faz parte da terapia; escrever sobre música ainda mais. Perdoem-me se detectarem melancolia a mais.

Este artigo faz parte de uma sequência de artigos prometidos sobre Debussy e segue-se ao já escrito sobre Prélude à l´aprés-midi d´un Faune.

Esta obra foi composta em 1893 um ano muito importante para Debussy já que marca o inicio da composição da sua ópera Pelleas e Melissande. Precede também a obra de que já falamos (Prélude) embora do ponto de vista da composição esteja muito mais próxima das anteriores Petite Suite (1889) ou mesmo da Suite Bergamasque (1890). Foi estreada em Paris na sala Pleyel a 29 de Dezembro de 1893 pelo Quarteto Ysaye.

Escolhemos falar deste compositor porque este ano marca o 150º aniversário do seu nascimento e por essa razão multiplicam-se as interpretações de obras suas ou a edição de especiais. Como referimos a Diapason deste mês tem precisamente por tema de capa Debussy e este aniversário sendo o disco indispensável do mês a interpretação deste Quarteto em Sol Menor Op. 10 pelo Quarteto de Budapeste numa gravação de 1957.

A obra em si tem um formato clássico em Quatro Andamentos mas o aspecto "clássico" termina nessa coincidência já que esta obra é um ponto de viragem também na música de câmara. Tinhamos referido na sua biografia que Debussy é sem dúvida um dos músicos mais importantes na história da música pela charneira que representa ao mesmo nível que um Stravinsky por exemplo. Este quarteto é representativo na inovação porque embora tenha uma consistência temática muito próxima de um Cesar Franck por exemplo não deixa de ter uma liberdade de expressão à volta desse tema que transcende essa ligação, embora para quem como eu aprecia essa forma não deixe por isso de seduzir também por esse aspecto.

O primeiro andamento Animé et très décidé é uma forma sonata com a exposição do tema recorrente ao longo da obra e que forma a ligação temática entre os quatro andamentos exposto logo no seu inicio. Podem ouvir este andamento aqui interpretado pelo Quarteto LowenGuth numa gravação de 1953 da Deutsche Gramophon, Grande Prémio do Disco em 1956. Salienta-se

O segundo andamento Assez vif et bien rythmé - Este segundo andamento é um Scherzo com uns tons bastante, como dizer, ibéricos. Podem ouvir este segundo andamento no mesmo vídeo que vos propus anteriormente a partir do minuto 6:07 aproximadamente.

O terceiro andamento Andantino, doucement expressif - O meu andamento preferido. A sua clareza pode por vezes levar à tentação do exagero na interpretação. Podem ouvir aqui uma interpretação com muita alma mas suficiente contenção pelo Quarteto Ebène.

O quarto andamento Très modéré - En animant peu à peu - Très mouvementé et avec passion. Com uma recapitulação inicial de todo o material, numa forma muito semelhante à nona Sinfonia de Beethoven para depois crescer em tensão e animação terminando num magnifico apogeu em Sol Maior. Podem ouvir e ver este quarto e ultimo andamento pelo quarteto Ysaye de França.

In Memoriam Bernardo Sassetti (1970-2012)

2012-05-11T18:41:00.000+01:00

Não há muito que se possa acrescentar. De Bernardo Sassetti tínhamos falado quando vos apresentamos a excepcional banda sonora de Second Life, o filme que "vimos" apenas através da sua música. Ao vivo tive felizmente oportunidade de ouvir algumas vezes.

Perdeu-se um grande compositor, um grande pianista e um grande homem. Que encontre a mesma paz que através da sua música tantas e tantas vezes nos proporcionou.

Fiquem com The Raven King do filme Second Life, música de Bernardo Sassetti.

Sete Lágrimas, Manuel Machado e Outra Margem

2012-05-10T09:06:00.003+01:00

Como já vos tinha referido o programa Outra Margem de Manuela Paraíso voltou à nossa companhia agora acessível na internet. Não se esqueçam todas as Quarta-Feiras um novo episódio. No novo programa editado ontem Manuela Paraíso fala-nos de música antiga em particular do compositor seiscentista português Manuel Machado (1590-1646) e do ensemble de música antiga Sete Lágrimas. Não percam mesmo !

Fica também o desafio para irem ouvir (e ver) os Sete Lágrimas ao vivo no próximo domingo no pequeno auditório do CCB às 17h.

No dia de hoje há vinte anos

2012-05-07T14:54:00.002+01:00

No dia de hoje faz vinte anos estava uma manhã de Sol , era Sol Maior com toda a certeza, na maternidade Alfredo da Costa esperando que nascesses. Não querias nascer como se te fosse importante escolher o dia 7 de Maio, um dia perfeito como tantas vezes dizes.

Tu não querias conhecer o mundo mas eu e a tua mãe mal podíamos esperar. Foste (és) um filho planeado e muito desejado. Porém apesar de todos os planos que pudéssemos ter feito veio a realidade superar toda e qualquer expectativa: Quando te decidiste a conhecer o mundo foi para o mudar de forma irreversível.

Para a tua mãe como sabes e eu repito-o na sua ausência eras o seu grande amor. Mesmo. De forma absoluta e indiscutível. Deves por isso sentir a falta do seu carinho, das suas brincadeiras do seu sorriso sempre que te via. Na sua ausência física digo-te eu em seu (nosso) nome: És o seu (nosso) grande amor.

Mudaste o nosso mundo mas sem dúvida mudarás (ainda) o mundo de tantas e tantas pessoas. Porque reconheço em ti a mesma atitude de total altruísmo e abnegação pelos seus amigos que conheci na tua mãe. Porque reconheço em ti as qualidades de carácter que sabes preservar. Porque te vejo saber separar o essencial da vaidade e do que é oco.

Continua assim Miguel porque o Mundo precisa de pessoas assim. Precisa mais disso do que qualquer outra coisa. Sempre em Sol Maior por certo.

PS: Só tens mesmo de jogar um bocado menos Football Manager (só um bocadinho :-))

Hoje foi dia de comprar a Diapason

2012-05-03T00:11:00.002+01:00

E foi mesmo. Lembram-se de vos dizer que por vezes há coincidências que parecem não o ser? Lembram-se de vos dizer que tinha decidido de fazer uma série sobre Debussy? então e não é que a capa da Diapason deste mês é mesmo sobre Debussy? E juro-vos que não fazia ideia ... mesmo ...

Desta forma vamos todos poder celebrar os 150 anos do génio melhor informados ! Amanhã prometo começar a série para já fiquem com esta linda capa verde e claro com o Quator para piano uma das obras que consta no CD (esta não é gravação em causa mas é uma excelente gravação dos anos 50 que venceu um Grande Prémio do Disco em 1956)

Quatuor à Cordes

Emílio de Cavalieri (1550-1602)

2012-05-01T14:31:00.002+01:00

Hoje por razões que irão entender dentro de uns meses voltamos ao período barroco mais precisamente ao seu inicio ...

Emílio de Cavalieri (1550–1602): Compositor Italiano possivelmente nascido em Roma a 11 de Março de 1550 - A data de nascimento não é totalmente segura. É um compositor chave na definição do período barroco pela "invenção" do estilo monódico. A sua composição mais significativa terá sido Rappresentatione di Anima, et di Corpo... . Podem ler uma biografia mais detalhada na Página de Música Antiga.

Kachaturian - Concerto para Violino

2012-04-30T09:07:00.003+01:00

Falamos desta obra quando da votação do concerto de violino preferido porém hoje resolvemos retomar essa descrição porque não estamos totalmente satisfeitos com o que referimos na altura.

Este concerto foi composto em 1940 em plena Segunda Guerra Mundial e dedicado ao grande violinista David Oistrakh . Tem três andamentos numa forma bastante "clássica" que na forma (rápido-lento-rápido) quer na parte melódica ou harmónica. Considerando que nesta mesma altura na ex-União Soviética existiam génios como Prokofiev ou Schostakovich é fácil perceber que Kachaturian seja visto como um compositor de segundo plano - injustamente qualificado apenas como um "homem do sistema" embora seja verdade que foi dos que mais apoiou o regime soviético - não sem ter tido a seu tempo os seus problemas.

Se é fácil de perceber essa comparação diga-se que não me parece inteiramente justificada tal como não muito explicável o facto deste concerto ser tão poucas vezes interpretado porque parece-me estar entre as grandes obras do século XX.

No que diz respeito ao concerto propriamente dito desta vez escolhi para ilustrar o mesmo uma interpretação pela Orquestra Sinfónica da Gulbenkian sendo solista Gareguin Aroutiounian.

Kachatourian era de origem Arménia e creio que essa origem transparece de forma bastante clara quer nas melodias quer nos ritmos nitidamente orientais que percorrem a peça.

No primeiro andamento (Allegro con Fermeza) gosto especialmente da parte rítmica, repetitiva e um pouco agreste (oiçam por exemplo perto do segundo 50" ou no 1:40") e do contraste existente com as partes mais melódicas e doces (por exemplo no minuto 2:50). Escrito na forma de sonata segue o esquema clássico de exposição dos dois temas, desenvolvimento e recapitulação com uma breve coda no final. Nada de inovador desse ponto de vista, aliás esta obra deve ser apreciada pelo que transmite emocionalmente do que pela inovação.

O segundo andamento (Andante Sostenuto) é o meu preferido pela belíssima melodia que constitui o tema principal. Depois de um fortissimo da orquestra o andamento acaba num maravilhoso decrescendo.

Se o segundo andamento é essencialmente uma exposição de um enorme lirismo então o terceiro andamento (Alegro Vivace) representa sem dúvida a festa (este andamento inicia cerca do minuto 12:30). O andamento começa com um fortissimo da Orquestra para depois o solista entrar com um tema que sem dúvida (não conheço a música popular da Arménia mas nem seria preciso) é inspirado num tema popular deste País. Aliás todo este andamento esta repleto de referências à música popular desse país de que aliás Kachaturian fez recolha.

Debussy - Prelude à l´aprés-midi d´un Faune

2012-04-28T15:52:00.001+01:00

Na sequência do post de ontem hoje iremos falar da obra de Debussy "Prélude à l´aprés-midi d´un faune" uma obra inspirada do poema do mesmo nome de Stephane Mallarmé

[...]
Tant pis ! vers le bonheur d’autres m’entraîneront
Par leur tresse nouée aux cornes de mon front :
Tu sais, ma passion, que, pourpre et déjà mûre,
Chaque grenade éclate et d’abeilles murmure ;
Et notre sang, épris de qui le va saisir,
Coule pour tout l’essaim éternel du désir.
A l’heure où ce bois d’or et de cendres se teinte.
Une fête s’exalte en la feuillée éteinte :
Etna ! c’est parmi toi visité de Vénus
Sur ta lave posant ses talons ingénus,
Quand tonne un somme triste ou s’épuise la flamme.
Je tiens la reine !

O sûr châtiment..

Non, mais l’âme

De paroles vacante et ce corps alourdi
Tard succombent au fier silence de midi :
Sans plus il faut dormir en l’oubli du blasphème,
Sur le sable altéré gisant et comme j’aime
Ouvrir ma bouche à l’astre efficace des vins !

Couple, adieu ; je vais voir l’ombre que tu devins.

Além de ser uma das obras mais conhecidas de Debussy esta peça marca o inicio de uma nova forma de compor por levar ao limite a noção de tonalidade. É uma obra que mantém o carácter impressionista de Debussy mas não é programática ou seja não pretende imitar ou descrever antes procura criar um ambiente emocional semelhante ao poema o que sem dúvida consegue. Aliás nesse aspecto nada melhor do que ouvir o que o próprio Debussy tem a dizer do assunto:

"A música deste prelúdio é uma ilustração muito livre do maravilhoso poema de Mallarmé. Não pretende de forma nenhum ser uma sintese do mesmo. Antes é uma sucessão de cenas pelas quais passam os desejos e os sonhos de um fauno no calor da tarde. Depois cansado de perseguir as ninfas e as naíades socumbe a um sono intoxicante no qual pode finalmente realizar os seus sonhos de possessão na natureza Universal".

Do ponto de vista da estrutura esta parece ser numa primeira aproximação uma espécie de composição livre mas uma inspecção mais cuidada revela células e motivos que se repetem. Esta forma de composição é também um prenuncio, um prelúdio ao que há de vir em termos estruturais. A melodia inicial tocada na flauta representa o instrumento que o Fauno toca sendo aos poucos submergido pela orquestra representando dessa forma o seu progressivo adormecimento e absorção no sonho. As ténues linhas de desenvolvimento, a imprecisão dos contornos musicais são uma deliciosa interpretação dessas mesmas características que ecoam no poema e na pintura de Turner ou de Whistler de que Debussy era especialmente admirador.

Este poema sinfónico foi composto durante o ano de 1894 sendo estreado em Paris a 22 de Dezembro desse ano dirigido por Gustave Doret.

A obra intitula-se "prelúdio" dado que embora seja na verdade a única peça que chegou a ser composta Debussy tinha intenção de escrever uma trilogia (sim já na época era moda :-)). Mais tarde (1912) esta obra foi adaptada para bailado tendo sido interpretado pelo famoso Nijisnky. Uma interpretação polémica na altura aliás ...

Começando pela peça em orquestra proponho-vos uma interpretação pela LSO dirigida por Leopold Stokovski pela celebração do seu nonagésimo aniversário, em duas partes desculpem o corte.

De seguida se desejarem proponho que apreciem também o bailado interpretado por Rudolf Nureyev.

Debussy - O prelúdio de uma série anunciada

2012-04-27T00:55:00.001+01:00

Este post deve ser entendido "à la fois" como uma recomendação e como um prenuncio do que há de ser colocado em breve neste post. Na verdade temos à muito vontade de fazer uns posts sobre Debussy e como existirão agora umas quantas razões coincidentes nesse sentido lá terá de ser (será uma agradável obrigação diga-se em verdade).

Começamos como dizia no título em jeito de prelúdio com uma recomendação para Paris. Diz Alex Ross que não há alma musical que passe por Paris que possa perder a exposição de Debussy no Musée de L´Orangerie. O quadro que mostro é um dos meus preferidos, de Monet claro ...

E nós por aqui fazemos eco da recomendação para os parisienses e sobretudo para os portugueses afortunados que por lá passarão até dia 11 de Junho. Para quem não possa ir a Paris então recomenda-se que apontem desde já os vossos browsers para o site de France Musique porque no Sábado 28 às 16 será emitido o concerto La Mer sendo exploradas as relações existentes entre Debussy, Baudelaire e Verlaine e os pintores Turner, Whistler e Monet. Este concerto estará disponível para escuta no referido site durante um mês.

Como é costume não há post neste blog sem música pelo que neste caso proponho precisamente La Mer mais precisamente o seu primeiro andamento.

Na Outra Margem - Um programa de Música Erudita

2012-04-26T13:15:00.000+01:00

Utilizo o termo Erudita porque é essa a assinatura do programa. Já existiu e infelizmente terminou na rádio "normal" voltou agora pela net. E em boa hora voltou com a mesma autoria de Manuela Paraíso.

Todas as Quarta-Feiras poderemos ouvir um novo programa. O primeiro programa que já foi emitido pode ser ouvido aqui. Neste primeiro programa aborda-se o compositor Marcos Portugal, o compositor português mais famoso de sempre, diz-se (e de que já tínhamos falado neste nosso espaço :-)). Excelente primeira edição!

Recomenda-se (muito fortemente) o programa - é óbvio !

Bachianas Brasileiras de Heitor Villa Lobos

2012-04-25T19:03:00.005+01:00

Hoje voltaremos a um compositor do outro lado do Atlântico, Heitor Villa Lobos um daqueles génios que infelizmente são ignorados ou pelo menos remetidos a uma subalternização injusta sobretudo tendo em consideração o que representaram (e representam) na história da música.

São 9 obras que incluem vários andamentos compostas entre 1930 e 1945 (um período de tempo bastante longo portanto) e que têm como característica comum procurar juntar a música de Bach à música brasileira. Ou melhor dizendo na base da música popular brasileira utilizar técnicas de composição típicas do Barroco como por exemplo o contraponto.

Cada andamento de cada Bachiana tem por essa razão um nome que remete para o período barroco e um outro que tem uma designação brasileira. Cada uma das Baachianas foi escrita para agrupamentos muito diferentes pelo que dificilmente poderão ser interpretadas todas em sequência, nem tão pouco era esse o objectivo.

Quem não tem muito tempo avance directamente para a nº 5 (a cantilena) que é sem dúvida a mais conhecida do compositor - mas atenção com a promessa que vai ouvir o resto que é absolutamente fantástico, em particular a Bachiana nº 8 mas na verdade todas valem a pena ser ouvidas com atenção.

Bachiana Brasileira nº 1 (1930) : Composta para Orquestra de Violoncelos

Introdução (Embolada)
Prelúdio (Modinha)
Fuga (Conversa)

Bachiana Brasileira nº 2 (1930) : Composta para Orquestra de Cordas

Preludio (O canto do capadocio)
Aria (O canto da nossa terra)
Dansa (Lembrança do sertão)  (neste caso a podem ouvir a transcrição para piano do próprio Villa Lobos)
Toccata (O trenzinho)

Bachiana Brasileira No. 3 (1938) : Composta originalmente para Piano e Orquestra.

Preludio (Ponteio)
Fantasia (Devaneio) (Digression)
Aria (Modinha)
Toccata (Pica-pau)

Bachiana Brasileiras No. 4 (1930-41) : Composta originalmente para Piano e orquestrada em 1942.

Preludio (Introdução) - Dedicado a Tomas Terán, grande pianista colaborador e amigo do compositor.
Coral (Canto do sertão)
Aria (Cantiga)
Danza (Mindinho)

Bachiana Brasileira No. 5 (1938-1945)  : Composta para Soprano e Orquestra de Violoncelos

Aria (Cantilena) - Letra de Ruth Corrêa. Esta obra foi mais tarde adaptada para Soprano Solo com Gitarra pelo próprio Villa Lobos. É possivelmente uma das obras mais conhecidas e interpretadas do compositor.
Dansa (Martelo) - Letra de Manuel Bandeira.

Bachiana Brasileira No. 6 (1938) : Composta para Flauta e Fagote

Aria (Choros)
Fantasia

Bachiana Brasileira No. 7 (1942) : Composta para Orquestra Sinfónica. Dedicada a Gustavo Capanema.

Preludio (Ponteio)
Giga (Quadrilha caipira)
Tocata (Desafio)
Fuga (Conversa)

Bachiana Brasileira No. 8 (1944) : Composta para Orquestra Sinfónica.  Dedicada a Mindinha.

Preludio
Aria (Modinha)
Tocata (Catira batida)
Fuga

Bachiana Brasileira No. 9 (1945) : Composta para coro e Orquestra de Cordas.

Préludio
Fuga

O Dia da Liberdade

2012-04-25T01:05:00.002+01:00

Diz o nosso Primeiro que este dia não é do Governo, diz o nosso Primeiro que este dia é do Povo. E tem toda a razão: É mesmo nosso !

Neste blog já se festejou este dia em 2011 apelando à participação cívica, em 2010 com a Festa da Música no CCB que coincidiu com este dia 25, em 2009 com um exercício de memória e em 2008 foi festejado com Beatles (If you Want to Start a Revolution) e com uma cronologia exacta dos principais eventos ...

É precisamente por ser nosso que temos também o direito de achar que o estão a roubar - tenhamos ou não razão isso é questão de debate - mas direito de achar que nos estão aos poucos a levar para um outro caminho isso temos. Essa é a essência da liberdade. Não se pode caro Primeiro reconhecer o direito de propriedade para logo a seguir desconfiar da expressão da mesma seja ela por qual cidadão for, seja de que maneira for, desde que com correcção e com respeito pelo próximo. Não vale é caro Primeiro fazer juízos de intenção ou de valor. Não se esqueça que acima de qualquer dever de representação está o dever da consciência.

Mas porque é de música que vamos falar este ano neste contexto decidi celebrar convosco com o protocolo que tenho com o meu filho há mais de 10 anos: Ver o filme Capitães de Abril. Convido-vos a procurarem uma forma de conseguirem fazê-lo (uma sugestão possível logo aqui no parágrafo seguinte)

Se não conseguirem este post destina-se também a uma outra homenagem. Á extraordinária banda sonora do filme tantas vezes esquecida autoria do Maestro Antonio Vitorino d´Almeida. Se não conseguirem encontrar forma de ver o filme (no YouTube podem encontrar aqui o filme completo) então proponho-vos a melhor coisa a seguir uma fabulosa canção dessa banda sonora, As Brumas do Futuro. Música de António Vitorino d´Almeida, letra de Pedro Ayres de Magalhães interpretada por Teresa Salgueiro e os Madredeus.

25 de Abril, Sempre !

Harutiun Dellalian (1937 -1990)

2012-04-24T13:00:00.000+01:00

Bom em dia de homenagem depois do livro um post no Facebook chamou-me a atenção para este compositor Arménio que não conhecia confesso.

Neste dia que sei ser especial para a Arménia e para todos os Arménios já que representa o inicio do primeiro grande genocídio dos tempos modernos levado a cabo pelo Império Otomano a partir de 1915 aqui fica em música a minha homenagem a esse povo.

A titulo pessoal posso dizer-vos que desde a minha adolescência o esquecimento a que este evento da história moderna é votado não cessa de me surpreender. Estamos a falar de um genocídio planeado e executado friamente com mais de um milhão de mortos.

Conheci o drama - admito sem perceber muito bem de que se tratava - ao ouvir com a minha mãe uma canção de Aznavour mas ficou-me na memória (e com muitas perguntas à minha mãe também). Desculpem-me mas não resisto a partilhar e a convidar-vos a estudarem um pouco mais ... Azanavour - Ils sont Tombés

Quanto ao compositor arménio Harutiun Dellalian embora a sua obra seja pouco abundante e muitas obras não estejam completas o que existe não deixa dúvidas sobre o seu talento. Mas mais do que tudo o que possa dizer deixo-vos com um filme que é uma excelente biografia deste compositor. São 45 minutos que valem a pena, garanto-vos uma excelente história.

No Dia Mundial do Livro uma Homenagem ... Aos "libretistas"

2012-04-24T00:14:00.000+01:00

Um dos elementos mais importantes de várias formas de música é o autor que se encarrega de adaptar ou escrever de raiz o texto que servirá de base a uma composição musical. No outro dia falávamos de Richard Strauss que se queixava de não conseguir encontrar um bom libretista. Não foi certamente o único na história da música que se queixou desse problema.

Em boa verdade também é justo dizer que bem o criaram (o problema) ao subalternizar quem assegura a qualidade literária do texto em que se baseiam.

Há demasiados libretos de qualidade para escolher simplesmente um que os represente porém como prometi não haver post sem música decidi mostrar-vos um de um autor que conseguiu atingir notoriedade e assegurar pelo menos uma posição de igualdade.

Fiquem portanto com Oedipus Rex uma Ópera de Igor Stravinsky com libretto de Jean Cocteau (a propósito um dos grandes defensores de Erik Satie que tem estado muito em foco neste blog ultimamente) baseado no drama com o mesmo nome escrito por Sophocles. Muito apropriadamente esta obra marca também o inicio do período neo-clássico de Stravinsky.

Erik Satie - Vexations e as eleições em França

2012-04-23T13:15:00.000+01:00

Erik Satie foi um músico muito difícil de definir. Se tivéssemos de escolher uma única palavra para o definir escolheríamos revolução. E em homenagem à França, em homenagem às promessas que alguns reputam de impossíveis ou irrealizáveis deitando por terra 80 anos de evolução ao abrigo de um liberalismo de que por vezes não entendem totalmente as consequências, em homenagem a Satie habitante sempre de uma "banlieue" pobre de Paris, em homenagem ao revolucionário membro do Partido Socialista Radical e sobretudo em homenagem a quem em 1903 sem ter praticamente nada empregava uma boa parte do seu tempo no auxilio dos menos afortunados do que ele, em homenagem a tudo isso deixo-vos:

Vexations de Erik Satie

Com algumas pequenas explicações:
1) Não sou (infelizmente?) revolucionário como Satie mas não posso deixar de protestar publicamente contra a destruição de um estado social só porque dá jeito a quem já não sabe muito bem como resolver um problema que criaram, não com o estado social mas com a destruição de alguns valores que precisamente o suportam (o estado social).
2) A homenagem com esta obra que consiste em 180 notas repetidas 840 vezes é uma dupla metáfora para que fique claro a minha intenção. Em primeiro lugar esta obra faz a o papel daquilo que nos dizem nos jornais como se pela repetição infindável se tornasse mais verdade. Um pouco como Blaise Pascal defendia para a fé mas também nesse particular como aqui é uma má solução. A repetição é apenas isso mesmo repetição. Torna as coisas familiares aos nossos ouvidos, é um óptimo happening mas não se torna verdade. Espero que tenhamos a sensatez para ouvir para além dos soundbytes com que nos bombardeiam diariamente.
3) Mas dizia é uma dupla metáfora porque sendo das obras mais longas que conheço (a execução total das 840 repetições pode durar de 16 a mais de 24 horas) essa duração é a melhor expressão relativa da nossa capacidade de memória e de nos relembrarmos ou estudarmos como era a sociedade antes desse "horrível" edifício que é o estado social. Porque não tenhamos dúvidas que é para aí que se caminha se persistirmos ...

Gnossiennes de Erik Satie

2012-04-22T19:06:00.000+01:00

Continuando a mostrar-vos o conjunto de 100 obras que escolhemos para quem quer conhecer e começar a gostar de música clássica (são um pouco mais de 100, fizemos alguma batota :-)) hoje proponho-vos, na sequência do post de ontem, as Gnossiennes também de Erik Satie.

Dizer que Erik Satie era excêntrico peca talvez por ser um eufemismo. Satie sempre viveu nos extremos de forma pouco convencional. Na verdade sempre foi um revolucionário em todas as dimensões em que procurarmos.Na música foi certamente onde esta forma de estar produziu os seus frutos mais perenes.

As Gnossienes foram compostas cerca de dois anos após as Gymnopédies sendo publicadas pela primeira vez num jornal "Figaro Musical" - as três primeiras Gnossienes isto é - dado que as ultimas três apenas foram publicadas em 1968 sendo discutível que Satie sequer as tivesse considerado como fazendo parte deste conjunto.

O nome deste conjunto de peças é também ele sujeito a várias interpretações. Há quem pense que deve ser entendido como uma derivação de uma palavra Grega que remeteria assim para a mitologia Grega do Minotauro explicação que dada a ligação de Satie ao surrealismo poderia fazer algum sentido. Há também quem defenda que ao contrário que este nome se deveu às ligações de Satie à religião Gnostica (Satie chegou a fundar uma "Igreja" de que era o único fiel - ao mesmo tempo uma contradição e uma afirmação desse carácter Gnóstico paradoxo tão fiel ao seu humor e ao gosto pelos paradoxos também eles característicos dos surrealistas franceses da época.

Pessoalmente penso que Saite inventou a palavra sem pensar muito em outra referência que não fosse tratar-se de um conceito totalmente novo. Na verdade na altura escrever música sem barras de compasso e sem uma verdadeira indicação de tempo, a não ser indicações "poéticas" que muitos pensam ser gozo aos impressionistas (em particular Debussy) - "avec étonnement" diríamos poder ser assim ou talvez não.

Embora sejam cronologicamente posteriores às Gymnopédies (1888) alguns musicólogos pensam que na verdade estas obras estão mais directamente ligadas às Trois Sarabandes de 1887.

Optamos por vos mostrar as 7 composições hoje em dia classificadas e interpretadas segundo esta classificação embora como vos referi apenas as três primeiras tenham sido efectivamente publicadas por Satie segundo esta designação.

Gnossiene nº1
Gnossiene nº2 - Avec étonnement
Gnossiene nº3 - Lent

Gnossiene nº4 - Lent
Gnossiene nº 5 - Moderé
Gnossiene nº 6 - Avec conviction et avec une tristesse rigoureuse
Gnossiene nº 7 - Allez. Calme.