Docktor Faustus

Carta de Ajuste

2012-01-22T04:45:00.000-08:00

No quiero finalizar este blog sin dar las gracias a todos los compañeros del Campus virtual de la Unex que han participado en este Blog. Sin vuestra colaboración el trabajo de elaborar los post hubiese sido bastante tedioso y sin sentido, porque el objetivo no es solo transmitir la información que uno puede aportar; lo realmente importante es poder compartirla y en ese aspecto me considero un privilegiado,sobre todo gracias a la aportación de todos vosotros.

El motivo de no continuar con esta web es que ya poseo otra que, la verdad sea dicha, ya me cuesta bastante tener al día. En esa web (http://bokdav.blogspot.com/) los que esteis interesados podéis seguir mis aventuras literarias, pues ese es el tema principal del blog: comentar las lecturas que voy finalizando. También hablo de otros temas de índole cultural... pero bueno, ya lo descubriréis si decidís seguirlo.

P.D.: A los profesores de esta asignatura. Agradezco la oportunidad de haber podido crear este sitio y de posibilitar la comunicación con los compañeros. Pero debo decir, y esto es una crítica (espero que la consideréis como constructiva), que he echado en falta un poco de participación por vuestra parte. Creo que hubiese sido interesante algún comentario en los blogs, para animar a todos con esta actividad. Cada uno de nosotros hemos intentado, con nuestros comentarios, animar al resto de compañeros y os aseguro que se agradece... Pero bueno, como decía al principio: Gracias y hasta pronto.

Grosz: un visionario del caos que se avecina

2012-01-20T10:10:00.000-08:00

Metrópolis (1916-1917, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España)

Grosz y la Nueva Objetividad

Para finalizar las entradas de este blog no puedo dejar pasar a un pintor extraordinario... No hace mucho que descubrí a Grosz; me atrapó visitando las obras del museo Thyssen-Bornemisza, en su magnífica página Web.

¿Qué es lo que me gusta de Grosz? No soy ningún entendido en arte, ni mucho menos, y, aunque reconozco que es muy simple, lo único que pido a una obra es que me entre por los ojos, que me conquiste a través de la mirada. Así ocurrió con el cuadro Metrópolis (1916-1917); una visión apocalíptica de la ciudad envuelta en una luz roja abrasadora, una especie de big-bang que emana de una esfera situada en la parte superior del cuadro. La propia luz sumerge en un espantoso caos a las personas que, con los rostros aparentemente descompuestos, dan la sensación de estar huyendo de un enemigo implacable y despiadado. O quizá son los propios ciudadanos ese enemigo desalmado que se dedica al saqueo y a la destrucción total.

Por eso me gustó la obra: no miente, no esconde su desprecio por lo que muestra. Me vienen a la mente las palabras de Oscar Wilde que cité en una entrada anterior: «...detrás del sufrimiento, hay siempre sufrimiento. Al contrario que el placer, el dolor no lleva máscara.» Para mí este cuadro no tiene máscara, no hay secreto oculto ni puntos de vista paralelos en función de una u otra pincelada; el mensaje está claro, por lo menos esa fué la primera impresión. Por esto decidí involucrarme más profundamente en la obra del pintor alemán. Y el resultado es lo que sigue... Espero que os conquiste de la misma manera que a mí.

En noviembre de 1918, después de la capitulación de Alemania tras su derrota en la Primera Guerra Mundial, se inicia un nuevo proceso que va a cambiar el sistema político y social de este país. El día 10 de ese mismo mes abdica el que va a ser el último emperador alemán, Guillermo II (1859-1941). Acaba así la era imperialista y se inicia la República de Weimar.

Dentro de este contexto político, en 1919 nace un colectivo de artistas que se hace llamar el Grupo de Noviembre. En una de sus primeras circulares se anuncian así: y se definen

“A nuestra vieja declaración de guerra sucede por fin el combate. La transformación política ha decidido por nosotros. Pintores, escultores, arquitectos del espíritu nuevo, la Revolución exige nuestra unión”

“El Grupo de Noviembre es la asociación alemana de los artistas radicales […] no es una sociedad económica de protección, ni una nueva sociedad de exposiciones.”

Entre sus miembros encontramos a George Grosz.

Arte y política se unen. En 1925 abre en Manheim una exposición con el título Neue Sachilichkeit “Nueva Objetividad” que engloba manifestaciones artísticas alemanas apoyadas en la realidad objetiva. Para muchos de sus artistas se trataba de una manifestación de denuncia de la dramática situación de esos años.

La Nueva Objetividad utiliza en beneficio propio las posibilidades que le brindan los distintos movimientos de vanguardia. El arte en manos de los radicales alemanes, más cercanos a las ideas de la Rusia revolucionaria, es un arma para provocar al espectador y despertar conciencias; así utilizan la recuperación de la figura. Plasman en sus obras imágenes del mundo injusto y caótico en el que viven. Se proponen desenmascarar la verdad de la sociedad alemana, de una manera fría, objetiva y desapasionada, distanciada con el teatro de Bertold Brecht.

Otto Dix, uno de los máximos representantes de este estilo artístico lo expresaba así:

“Para mí el qué es más importante que el cómo. El cómo se desarrolla a partir de qué.”

La vida es lo primero, después el arte. El arte al servicio de la sociedad con la que tiene que convivir. El expresionismo ya no sirve aquí para mostrar los terrores individuales o desgracias personales como en las obras de Munch o de Kirchner. Se trata de desenmascarar los elementos que componen la sociedad, fundamentalmente a los que se beneficiaron de la guerra: gobernantes, militares, clero, etc.

La Nueva Objetividad se sirve de una técnica cuidada, precisa, llena de pinceles finos, más aptos para los detalles que se quieren mostrar. Quieren que el espectador reaccione y para ello utilizan sus obras como arma principal mostrando el mundo roto en el que viven.

Los máximos representantes de la objetividad son Otto Dix, George Grosz y Max Beckmann.

Los protagonistas de las obras de Dix y Grosz son los mismos: la ciudad – su aspecto más negativo – y sus habitantes como basura urbana, lisiados, prostitutas, borrachos asesinos y el clero corrupto. Todo con una postura marcadamente antimilitarista.

Illia Ehrenburg escribía en 1921 sobre una exposición:

“Lo que pude ver no era pintura, sino la erupción histérica de hombres, que en vez de revólveres o bombas, habían cogido en sus manos los pinceles y los tubos de colores...”

Los temas son similares en los dos artistas: Dix es más minucioso y cristalino en sus personajes. Grosz acentúa los trazos gruesos, recurriendo a una estética de urinario, directa e impactante.

George Grosz fue un pintor comprometido ideológicamente, un agitador que usaba el arte como arma en la convulsa Alemania de las primeras décadas del siglo XX. Rechazó violentamente y con indignación la guerra y la casta militar prusiana. A punto estuvo de ser fusilado por sus constantes críticas. Se dedica a desenmascarar ese mundo que tanto le asquea; destapa la podredumbre que hay en los cerebros que se esconden tras los elegantes sombreros de personas en apariencia respetables.

Su carrera comenzó como caricaturista dentro de un estilo de fuerte crítica social, tendencia que se vería agudizada a raíz de las traumáticas experiencias vividas durante la Primera Guerra Mundial donde se alista en la infantería del Ejército Alemán, en un regimiento de granaderos. En 1913 se trasladó a París. Por esa época se notaba una gran influencia del cubismo y el futurismo, pero también del expresionismo, muy presente entre los jóvenes artistas alemanes de la época.

En 1917 fundó la editorial Malik donde publicó numerosos dibujos y algunos escritos, que le llevaron, en ocasiones, frente a la justicia. Durante el apogeo del grupo dadaísta en Berlín (1917-1920), Grosz fue un miembro destacado participando en sus principales exposiciones. Su seriedad se aparta de las bromas dadaístas típicas. En 1919 se afilia al Partido Comunista de Alemania (KPD).

En Metrópolis (1916-1917, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España), una de sus obras más conocidas, de atmósfera apocalíptica, Grosz refleja el ambiente de inseguridad producido por la guerra y la locura que se había apoderado de la sociedad europea. supo hacer una crónica fidedigna del Berlín de los años veinte. En 1919 se afilia al Partido Comunista de Alemania (KPD).

Durante la década de los años veinte su estilo artístico expresó su disgusto por la Alemania de la posguerra. La moderna metrópoli se convirtió en el tema recurrente de su obra y, como un Bosco contemporáneo de incisivo tono crítico y agudo sentido de la observación, plasmó su entorno en obras con una intención moralizante. Más tarde, en 1922, Grosz deja el KPD, después de una estancia de cinco meses en Rusia, período en el que conoció a Lenin y Trotski, debido a su oposición al carácter dictatorial del régimen soviético. Tras su renuncia a este régimen, su sátira se hizo menos mordaz, su línea más blanda, su color más brillante y sus temas menos críticos. Aún así puede considerarse uno de los grandes maestros de la sátira. Desde Daumier nadie había dejado un registro tan completo, un horrible registro intensamente alemán del Berlín de los años 1914-1924.

Después de 1921, cuando la crítica contra la República de Weimar se hizo más difícil, su obra cambió de contenido y técnica: empezó una exploración más psicológica de la sexualidad.

En sus series El rostro de la clase dominante (1921) o Ecce homo (1927) hace una crítica despiadada de las clases sociales sen escenas llenas de violencia y sexo. Nos cuenta en su autobiografía:

“Vivía en mi propio mundo. Mis obras expresaban mi desesperación, el odio y la desilusión. Despreciaba radicalmente a todo el género humano.”

Con la llegada del nacionalsocialismo (recibe el inquietante título, por parte de algún ideólogo nazi, de "bolchevique cultural número uno") emigró a Estados Unidos, donde fue bien acogido como crítico social. Pero su obra perdió todo el vigor que le había caracterizado en Europa. Escribió en 1946 su autobiografía, que tituló A Little Yes and a Big No (Un pequeño sí y un gran no). En España estas memorias fueron publicadas en 1991 por Anaya & Mario Muchnik con el título Un sí menor y un NO mayor [Memorias].

Tras una ausencia de 27 años, en 1958 volvió a Berlín, muriendo de repente, frente a su casa (al pareceer tras caer por las escaleras después de una borrachera), poco después de su llegada.

Referencias

Pérez Molina, Helena María. Alemania y la Nueva Objetividad. [En línea] CSI-CSIF Revista a Digital
Muñoz Molina, Antonio. Triunfo y fracaso de George Grosz. [En línea] El País.com. 17 de octubre de 2009 http://www.elpais.com/articulo/portada/Triunfo/fracaso/George/Grosz/elpepuculbab/20091017elpbabpor_5/Tes[consulta: 21 febrero 2011]
Grosz, Georg. Un sí menor y un no mayor. Helga Pawlowsky (trad.). Madrid : Anaya & Mario Muchnik, 1991. 346 p.
Museo Thyssen-Bornemisza. Biografía y obras [En línea]: George Grosz Berlín, 1893-1959 <http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/249>

Me han servido de mucha utilidad los siguientes enlaces a webs y blogs

http://lozzanoart.blogspot.com/2009/04/george-grosz.html

http://escomberoides.blogspot.com/2010/12/george-grosz-memorias.html

http://plassticando.blogspot.com/2011/01/george-grosz.html

http://pintura.aut.org/SearchAutor?Autnum=11.278

http://www.losplatoscomoojos.com/2010/11/la-nueva-objetividad-y-georges-grosz.html

Hopper en el Thyssen

2012-01-18T08:15:00.000-08:00

Acabo de enterarme y no puedo estar más contento: El museo Thyssen-Bornemisza va a dedicar una exposición a uno de los pintores que más me ha marcado: Edward Hopper... Por lo tanto tengo la obligación de dedicarle la entrada de hoy a este pintor norteamericano, uno de los máximos representantes del realismo del siglo XX.

La exposición se va a celebrar del 12 de junio al 16 de septiembre de 2012. Según explican en la web del museo esta exposición "será fruto de un proyecto de colaboración del Museo Thyssen-Bornemisza y la Réunion des Musées Nationaux de France; dos instituciones particularmente representativas pues, por un lado, París y las obras del comienzo del siglo XX son referencias fundamentales para Hopper en sus primeros años y, por otro, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid alberga la colección más importante de su obra fuera de los Estados Unidos."

Vamos con este genial artista:

"Retratar de la mejor manera posible el efecto del sol sobre el costado de una casa."

... así resumía Hopper gran parte del conjunto de su obra. Como veremos a continuación, el impacto de esos efectos ha sido mucho mayor de lo que el propio pintor se esperaba.

Durante su vida como pintor pasó sin pena ni gloria por el mundo del arte. De hecho tuvo que ganarse la vida trabajando como ilustrador a sueldo. Como suele ocurrir, sólo después de su muerte se le tomó en serio, se estudió con profundidad sus obras y hoy se ha convertido en un icono de la sociedad moderna.

Trasladándonos a principios del siglo pasado, podemos decir que, desde joven, Hopper realizó varios viajes a Europa que fueron decisivos para su posterior orientación artística. En el viejo continente se interesó por la obra de artistas como Edgar Degas y Édouard Manet. También captó influencias de otros grandes pintores como Pissarro, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse-Lautrec. Durante su estancia en España tampoco perdió el tiempo y grabó en su memoria los trazos de las obras de Velázquez y, fundamentalmente, Goya.

A partir de 1910 dejó de viajar para residir de forma definitiva en Nueva York, en su casa de Washington Square. Sólo abandonará su casa en la gran manzana para trasladarse a su residencia de verano en Nueva Inglaterra, que desde 1930 siempre será en Cape Cod, cuyos paisajes pasarán a la inmortalidad en varias obras del pintor.

Se le define como un pintor de ejecución lenta y pausada, de ahí que su producción artística sea relativamente escasa. Retrató el aislamiento, la soledad y la melancolía del siglo XX norteamericano, construyendo su propia visión interior de la condición humana. Su pintura, bañada por un atmosférico juego de luces y sombras, se caracteriza por la descripción de interiores que representan lugares públicos y cotidianos como bares, moteles, gasolineras... todos ellos prácticamente vacíos para subrayar la soledad del personaje representado. Le preocupaba la intromisión de la luz artificial en la natural y, con frecuencia, incluía múltiples focos luminosos en una misma escena. Aprendió a colocar al espectador en una posición de voyeur, una especie de mirón, haciéndole cómplice e invitándole a observar la intimidad ajena.

Nicholas Serota, director general de las galerías Tate Modern, en Londres, hablaba así de Hopper antes de inaugurar una exposición sobre su obra:

"...se le consideraba una figura regional, como lo demuestra la procedencia de estas obras. Pero Hopper no sólo ofrece una visión de Estados Unidos, sino que investiga a través de su arte lo que significa estar vivo en el siglo XX".

"Se tomó libertades, porque las mujeres de sus cuadros nunca envejecen" apunta Sheena Wagstaff, comisaria de esta misma exposición.

Fijándonos en sus cuadros, aún en la escena más cotidiana, se palpa un aire de inquietud y misterio que deja huella en quien lo observa. Cuando coinciden varios personajes en sus obras no tenemos más que fijarnos en sus miradas... nunca coinciden, ni siquiera en uno de sus cuadros más famosos, Nighthawks (Halcones de la noche), pintado en 1942, donde representa, bajo la cruda luz de los neones, a cuatro noctámbulos en un diner (cafeterías que permanecen abiertas durante toda la noche): sólo hay que trazar una línea imaginaria proyectada desde la mirada de cada uno para comprobar que estamos ante personajes sumidos en sus propios pensamientos, en sus propias preocupaciones o nostalgias, ajenos completamente unos de otros, mirando, a su vez, algo que escapa del marco. Únicamente en una de sus obras, su propio Autorretrato, parece fijar la mirada en el espectador.

Sus escenas son misteriosas, en las que el argumento y su posible resolución escapa al encuadre.

"Su intención era mostrar escenas que podrían suceder pero no ocurren. El espectador establece una relación con los personajes, especula sobre sus intenciones. Por eso su trabajo sigue vivo y en constante demanda" apunta Wagstaff.

Brian O'Doherty, amigo del artista señala que:

"Hopper bloquea la trama de sus cuadros para forzar al visitante a seguir observando. A la larga, son las propias pinturas las que responden con sus vacíos, soledades, presencias y ausencias"

Hopper y el cine

Hopper influyó en sucesivas generaciones de artistas de todas las disciplinas, desde la pintura al cine, pasando por la literatura. Con el cine, especialmente el cine negro, estableció un diálogo de doble dirección.

"Cuando no estoy con humor para pintar, me voy al cine durante una o más semanas" comentaba en una ocasión.

El crítico cinematográfico del dominical The Observer reconoce que fueron los filmes de la época dorada de Hollywood, en los años 30 y 40, los que inspiraron a Hopper para pintar sus características ciudades anónimas, abstractas, solitarias.

Nighthawks, mencionada anteriormente, surgió en respuesta a la novela de Hemingway Los asesinos y en su adaptación al cine, el realizador Robert Siodmak reconstruye el mismo cuadro en blanco y negro. Por citar algunas obras del séptimo arte relacionadas con Hopper podemos ir desde Gigante, el filme de George Stevens que descubrió la química del trío de actores, Rock Hudson, Elizabeth Taylor y James Dean, hasta Blue velvet, de David Lynch, pasando por los clásicos La sombra de una duda, de Alfred Hitchcock (quizá se inspiró en el ambiente de los cuadros de Hopper para su película más siniestra, Psicosis; me viene a la mente la obra Casa junto a las vías del tren, similara la de Norman Bates en la película), o Matar a un ruiseñor, de Robert Mulligan. Wim Wenders echó mano del cuadro Nighthawks en The End of Violence lo mismo que hizo Herbert Ross en Pennies from Heaven (Dinero caído del cielo, su título en España).

Referencias

Strand, Mark. Hopper. traducción y prólogo de Juan Antonio Montiel. Barcelona : Lumen, 2008.

Renner, Rolf Günter. Edward Hopper : 1882-1967: transformaciones de lo real. Colonia : Taschen, 2002.

Kranzfelder, Ivo. Edward Hopper : 1882-1967 : visión de la realidad. Köln : Benedikt Taschen, cop. 1995.

Museo Thyssen-Bornemisza. Biografía y obras [En línea]: Edward Hopper Nyack, 1882-Nueva York, 1967 http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/285

Gómez, Lourdes. Londres reúne 70 obras de Edward Hopper, el pintor de la condición humana [En línea]. El País.com. 26 de mayo de 2004

Guerra Fría 2.0

2012-01-16T11:03:00.000-08:00

Hoy vamos a hablar de Nuevas tecnologías, o de ordenadores... a lo bestia. Pues los chinos ya no solo se conforman 'simplemente' con llegar a la Luna (se nota que ya andan escasos de sitio) sino que quieren tener el ordenador más potente del mundo y desbancar a los EEUU; objetivo que han conseguido con el Tianhe-1 (Río del Cielo, para ellos, para nosotros Vía Láctea): un superordenador capaz de realizar 2.500 billones de operaciones (2,5 petaflops) por segundo. El único 'pero' para ellos es que los miles de chips con que está construido son estadounidenses, de las marcas Intel y Nvidia (por lo visto no van a tardar en comercializar este tipo de chips made in China) . Concretamente tiene 14.336 procesadores Intel Xeon y 7.168 GPUs Nvidia Tesla. Con estas características se convierte en la computadora más potente jamás construida, ganandole el puesto a la computadora Jaguar (Cray XT), ubicada en Estados Unidos (Tenessee), en el DOE/SC/Oak Ridge National Laboratory.

¿Para qué se necesita un aparato con estas características? El Tianhe-1 ya ha empezado a ser utilizado por potenciales clientes de esta tecnología, como la Oficina Meteorológica de Tianjin -principal puerto del norte de China- y el centro de datos de CNOOC, la principal empresa extractora de petróleo submarino del país. También se utilizan en numerosas aplicaciones, científicas y militares, que exigen gran capacidad de cálculo. Según Liu Guangming, director del Centro Nacional de Supercomputación en Tianjin, ciudad donde se aloja este aparato: “También puede servir a la industria de la animación y la investigación biomédica“.

En España contamos con uno bastante más pequeño que el gigante asiático: el superordenador MareNostrum, situado en Barcelona, en una capilla de principios de siglo XX que alberga el CNS (Centro Nacional de Supercomputación) y que no deja de sorprender a quien observa esta mezcla piedra y tecnología .

Se utiliza, desde que comenzó a funcionar en el año 2005, en la investigación del genoma humano, la estructura de las proteínas y en el diseño de nuevos medicamentos, entre otros. Dado los recortes en I+D+I que se han producido recientemente, ya podemos amortizar bien este aparato, pues no creo que consigamos una máquina superior en mucho tiempo.

Amor y Psique

2012-01-12T14:05:00.000-08:00

Amor y Psique (1796-1803)

Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822)

Siempre suelo pasar deprisa por las salas de los museos donde se exponen obras de escultura, género artístico que pobremente ha llamado mi atención. Cuando entro en uno, si es tan inabarcable como el Louvre, intento ir directamente a lo que me interesa, generalmente la pintura. Pues bien, hace unos años, en un viaje relámpago a París, mientras paseaba la mirada por los pasillos del museo francés, me topé con una escultura que llamó poderosamente mi atención; mis pasos se hicieron un poco más lentos... hasta que me detuve por completo.
Delante de mí tenía una obra tallada en un frío marmol blanco. No era especialmente grande, apenas llegaba a los dos metros, tanto en altura como en longitud. Situada junto a una ventana, la luz natural acariciaba discretamente el conjunto trasladando al observador al umbral que separa la realidad de nuestra imaginación, de nuestros sueños.
La obra que estaba contemplando representaba a una mujer recostada con las piernas estiradas, ligéramente flexionadas; la parte superior de su cuerpo se elevaba tímidamente del suelo, rodeado por el brazo de un ser dotado de enormes alas que, a su vez, con la mano derecha, sostenía la cabeza de la mujer, aparentemente inconsciente, a la que estaba a punto de besar. Deduje que se trataba de una escena mitológica entre una mortal y un semidios. Tenía delante de mí la obra Psique reanimada por el beso del Amor, de Antonio Canova.

Dejando a un lado las primeras sensaciones, investigué un poco sobre la obra y su autor. En cuanto al autor, Antonio Canova, os puedo decir que nació en Possagno (Italia) en 1757. Debido a la situación precaria de su familia, no pudo realizar estudios artísticos y desde muy joven comenzó a trabajar en una cantera de la mano de su abuelo, interesado en que su nieto aprendiera un oficio. No pude evitar el imaginar sus manos endureciéndose poco a poco al contacto con la piedra. A cada golpe de martillo su sensibilidad de artista iba adquiriendo forma, una forma que terminaría por romper todo un estilo, el Barroco, dando paso al Neoclasicismo... la escultura no volverá a ser igual.

Siguiendo los pasos de nuestro artista nos trasladamos a Venecia, ciudad en la que se forma y donde adquiere conocimentos para su obra. De Venecia pasamos a Roma, rondando 1781, donde ya se le considera un innovador y un maestro del mármol. En la ciudad eterna le encargan obras importantes como el monumento funerario destinado a la Basílica de San Pedro, para el Papa Clemente XIII, obra que le dará el reconocimento de los críticos de la época. Después de esta obra vinieron otras, como la que representa la leyenda de Teseo y el Minotauro. Describiendo brevemente este trabajo, Canova esculpió una obra cuyo tema no reflejaba la lucha de Teseo, sino que, suavizando las formas, mostraba al vencedor en una pose meditativa sentado sobre el vencido. El hecho de mostrar el momento reflexivo y melancólico de la lucha de Teseo con el monstruo cretense es fruto de la nueva percepción artística y no corresponde al enfoque tradicional más dramático de esta leyenda. Expertos en arte lo interpretan como el triunfo de las virtudes humanas frente a las fuerzas de la naturaleza y al Minotauro en concreto.

Teseo y el Minotauro (1781-1783)

En una versión posterior de este mito, el artista italiano dotará al conjunto de la violencia caracterizada en el momento en que Teseo golpea al centauro con el mazo. Es impactante la muestra de esfuerzo y fatiga que emana del mármol.

Teseo y el Centauro (1804-1819) en dos perspectivas

Volviendo a Psique reanimada por el beso del amor, esta obra se comenzó a tallar en 1787 por encargo de un coronel inglés, (John Campbell, más tarde Lord Lawdor, que me interesa bastante poco ahora mismo) no finalizándose hasta 1793. Tal y como aparece en la guía del Louvre, Canova fue capaz de crear una composición verdaderamente expresiva del tema mitológico amoroso de Amor y Psique, detallando el modelo culminante de la leyenda, para cuya representación sabemos, por el propio artista, se basó en la obra de Apuleyo El Asno de Oro. El mito de esta leyenda nos cuenta que Amor hace renacer a Psique, dormida para siempre gracias a las exhalaciones de un perfume mágico, y es tanto un himno al amor como el recuerdo de la leyenda de Psique, que se refiere al alma inmortal del mito platónico. Canova construyó una pirámide de cuerpos enlazados, animados por un delicado juego de miembros que se mueven con la luz. La transparencia del mármol blanco añade poesía a un grupo que fue muy meditado por sus contemporáneos.

Detallando más técnicamente la composición, los cuerpos están tratados de tal forma que componen un grupo de dos diagonales que a su vez forman una “X” definida ésta por las alas de Eros (o Amor, o Cupido, como queráis llamarlo), su pierna derecha y el cuerpo de Psique, encontrándose el centro de la composición en el breve espacio que separa las dos bocas que están a punto de unirse en un apasionado beso. La tensión contenida en la obra surge en los pies de ambas imágenes y se prolonga hacia el centro de la composición, donde ambas cabezas quedan enmarcadas por los brazos de Psique. Las alas de Eros, extendidas hacia arriba, acentúan lo divino, a punto de recibir a la terrenal Psique. El espectador se ve envuelto en ese momento de tensión que precede al beso.

Amor y Psique (1796-1803) en otra perspectiva

El gusto por lo clásico es evidente en la forma que adquieren los pliegues de las telas, que evocan el mismo tratamiento que las esculturas clásicas. La maestría de Canova se palpa en el tratamiento del mármol, que le permite representar el calor de los cuerpos, la vitalidad y el sentimiento. Gracias a obras como esta, Canova es considerado el mejor escultor del Neoclasicismo.

Referencias

Mi mundo perdido [en línea]. Blog de David Fernández García. Disponible en: http://bokdav.blogspot.com/
Neoclasicismo y Romanticismo : arquitectura, escultura, pintura y dibujo : 1750-1848. [editado por Rolf Toman]. Colonia : Könemann, 2000
Rosenblum, Robert. El arte del siglo XIX. [H. W. Janson ; traducción, Beatriz Dorao Martínez-Romillo, Pedro López Barja de Quiroga]. Madrid : Akal, 1992

Agradecimientos

Foto Amor y Psique (1796-1803): dongyuan
Foto Amor y Psique (1796-1803) en otra perspectiva: Virginia Valenciano
Foto Teseo y el Centauro (1804-1819) en dos perspectivas: Kunsthistorisches Museum Wien (foto izquierda) ; Liberty Place / Eva (foto derecha)

La Tasa Tobín

2012-01-11T09:22:00.000-08:00

Hoy toca hablar de impuestos (no soy Rajoy, por si alguno se ha levantado de la silla)... La diferencia es que este quizá nos guste más, pues debería recaer sobre los que mueven el dinero por todo el mundo. Digo 'quizá' por si al final toca pagarlo a los de siempre... a los ciudadanos corrientes; esperemos que no sea así. Como es un tema ligado a la Globalización (que hemos tratado en la asignatura) pues otro motivo más para incluirlo en esta entrada.

¿Qué es la Tasa Tobin? También denominada con el acrónimo ITF (Impuesto a las transacciones financieras) se trata de un impuesto, o más bien propuestade impuesto, sobre el flujo de capitales en el mundo. El impulsor de esta medida fue el economista estadounidense James Tobin (1971), Premio Nobel de Economía en 1981...

¿En qué consiste? Pues en pagar un impuesto cada vez que se produce una operación de cambio entre divisas, para frenar el paso de una moneda a otra y para, en palabras del economista norteamericano, "echar arena en los engranajes demasiado bien engrasados" de los mercados monetarios y financieros internacionales. Trataría, en caso de ser impuesta, de penalizar las operaciones puramente especulativas producidas por los mercados financieros y que tantos disgustos nos están dadno en la actualidad.

Hoy día es Francia el país más decidido a aplicar esta tasa. De hecho, el propio Sarkozy anunció su intención de avanzar sobre esta medida aunque sea en solitario. “Francia no esperará que todos estén de acuerdo para ponerla en marcha”, señaló el presidente galo. Sin embargo los alemanes son más cautos: “La posición de Alemania es inamovible. El objetivo es lograr la instauración de una tasa en la UE”, matizó el portavoz alemán, Steffen Seibert. Al difícil diálogo entre París y Berlín se ha sumado de nuevo la oposición de Londres (como no, los ingleses siempre en dirección contraria). El primer ministro británico, David Cameron, fue más allá que Berlín y advirtió que vetará la medida si esta no se aplica a nivel mundial. “Si los franceses quieren avanzar sobre una tasa en su país, son libres de hacerlo (…) La idea de un impuesto que sólo se aplique en algunos lugares no me parece razonable y por eso me opondré”, señaló el dirigente a la BBC.

El caso es que la primera cumbre europea que se celebrará en Berlín se presenta 'calentita'. Ya me estoy imaginando a Sarkozy (el Napoleón del siglo XXI) dando un puñetazo en la mesa y señalando con el dedo a David Cameron mientras el líder británico le recuerda Waterloo y se queda con ganas de mandarlo a la Isla de Santa Elena. La señora Merkel se mantendrá al margen de la puja entre los dos contendientes (“si se sacan los higadillos entre los dos, mejor... nos quedamos solos y a más tocamos” pensará la canciller alemana).

En fín... en España no abrimos la boca, no sea que vengan los ‘mercados’ y nos den otra colleja de esas a las que ya nos tienen acostumbrados. Pero estoy seguro que Rajoy está deseando de que la Tasa se imponga, principalmente, en la zona Euro, pues así evitaría, en parte, las especulaciones a las que estamos sometidos.

Volviendo al hilo de la Tasa y dejando a un lado la ironía, creo que sería beneficioso para todos que llegara a buen puerto.

¿Alguna opinión, compañeros?

El porqué de Docktor Faustus

2012-01-09T01:37:00.000-08:00

Quizá esta entrada tendría que haber sido la primera, la que hubiese dado inicio a este blog, ya que el nombre del mismo se debe al protagonista de 'Doctor Faustus', genial obra del aún más genial todavía Thomas Mann. Aunque como dice el refrán, nunca es tarde...

Mann es el escritor cuyos personajes más han influido en mi manera de ver la literatura. Después de leer su obra más conocida, ‘La montaña mágica’, tardé mucho tiempo en volver a coger otro libro, pues no quería desplazar de mi memoria a todos los personajes inolvidables de esa obra. Antes de que termine el invierno, tengo que volver a releer este libro (para eliminar impurezas...).

"No soy un hombre visual, sino un músico desplazado a la literatura" decía en 1947 el escritor alemán. Para la obra que hoy comento, ‘Doctor Faustus’, se inspiró en el compositor Schönberg para crear al introvertido personaje de Leverkühn, el músico protagonista de la obra, que aparece en la novela como el inventor de la música atonal. En 1948 Mann envió un ejemplar del Faustus a Schönberg con una dedicatoria en la que reconocía que Leverkühn era él, y al compositor no le debió de sentar muy bien que digamos: "Schönberg desea que yo aclare que el atonalismo es un invento suyo y no del Demonio", escribió irónicamente Mann en una carta a un amigo.

Bueno, después de esta introducción nos ponemos manos a la obra con ‘Doctor Faustus’...

La vida del compositor alemán Adrian Leverkuhn transcurre (aunque en el plano espiritual) paralela al decaimiento de la sociedad alemana de la segunda guerra mundial. Leverkuhn, protagonista de la obra, se despoja de toda moral para vender su alma al diablo a cambio de la perfección artística; perfección que caduca veinticuatro años después de sellado el pacto. La sociedad alemana hace lo propio velando sus ojos y conciencia a cambio de la gloria del nazismo, a cambio de sentirse por un tiempo los amos del mundo y su guía espiritual.

Al final toca pagar la deuda. El Diablo cobra su parte, hasta el último marco, y debora las almas de sus socios sometiéndolos a la degradación física y moral, así como al escarnio público de la sociedad que los contempla.

La novela de Mann tiene dos escenarios: uno es la primera guerra mundial, época de lo narrado por Serenus, el biógrafo; el otro la segunda guerra mundial, época de la narración de la biografía de Adrián Leverkuhn. Ambos escenarios se solapan en uno sólo para crear un fresco que no puede ser más grotesco. Este fondo se palpa en el desánimo del narrador de la historia. Serenus es un humanista burgués convencido, testigo de la decadencia de su amigo Adrian Leverkuhn, genio de la música que poco a poco se dirije al abismo de la moralidad de la mano del Tentador.

El narrador puede darnos todos los detalles de la vida de Leverkuhn, al menos los más importantes; unos por haberlos vivido de primera mano, al ser su mejor amigo y otros, los que pueden permanecer ocultos, le vienen en forma de un cuaderno de notas del propio compositor. Lo más importante de este cuaderno es la charla que Leverkuhn, en un ambiente gélido, casi insoportable, mantiene con Satanás. Charla que el narrador no sabe si se ha producido ciertamente o si se trata de puro razonamiento metafísico, fruto de los delirios del artista. Se marca una frontera entre realidad y ficción, una visión mística de la vida en poder de su personaje principal. Estamos ante el epicentro de la novela, un cataclismo cuyas ondas concéntricas poco a poco irán abrazando diabólicamente a varios de sus personajes principales.

Fiel a su estilo, Mann nos presenta un magnífico mosaico de personajes entrelazados unos con otros, pero todos con un denominador común: su relación con Adrian Leverkuhn. En torno a él giran cada uno de ellos, bien por amistad, como Serenus, por interés, como el violinista Rudolf, o por amor, no amor por una persona sino amor por sus virtudes y aquí podríamos enmarcar a dos personajes: uno es la mujer desconocida que Adrián nunca llega a ver y con la cual mantiene contacto epistolar. El otro se trata del pequeño Nepomuk, su sobrino, por quien siente además una enorme admiración. El pequeño Nepomuk se ha convertido en moneda de cambio para el Diablo a pesar de Leverkhum, y es víctima de un suceso (en palabras del narrador) “tiernamente trágico”. Incluyo estos dos adjetivos porque definen de forma tremendamente plástica al pequeño, al bello y querido por todos Nepomuk. No es difícil establecer relaciones entre Nepomuk y el pequeño Hanno de “Los Buddenbrook”. Ambos tienen un encanto especial y mueren prematuramente: uno víctima de meningitis y el otro por la tuberculosis.

Es curioso como en casi todas las novelas de Mann la belleza y la perfección son encarnadas en la adolescencia, en un niño. Otro denominador común en las obras del escritor alemán es la música, siendo esta disciplina fundamental en Doktor Faustus. Tampoco podemos obviar, para esta obra, la influencia de Goethe y la leyenda germánica de Fausto.

Referencias

Mi mundo perdido [en línea]. Blog de David Fernández García. Disponible en: http://bokdav.blogspot.com/

Adiós a la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas

2012-01-03T10:45:00.000-08:00

Se veía venir... Según el artículo 7 del Real Decreto 1887/2011, de 30 de diciembre (por el que se establece bla bla bla...), las competencias de esta dirección se reparten entre las áreas de Bellas Artes e Industrias Culturales. Nacen así la dirección general de Política e Industrias Culturales y del Libro, por un lado, y la dirección general de Bellas Artes y Bienes Culturales y de Archivos y Bibliotecas por otro. Estos organismos, según el BOE pasan a depender de la Secretaría de Estado de Cultura.

Lo que más me choca de esta medida, es la separación del libro y las bibliotecas... Es como separar Médicos y Medicina, por poner un ejemplo un poco llamativo. Pero la pregunta que me hago es ¿Funcionaba bien la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas? Sinceramente creo que no y vosotros seguramente penséis lo mismo. Algunos gremios relacionados con el mundo de la cultura están poniendo el grito en el cielo por la supresión de este departamento, pero tampoco decían nada cuando estos años se ha visto que ha funcionado muy mal: los archivos y bibliotecas llevan mucho tiempo dejados de la mano de Dios.

No se que es lo que pensáis al respecto pero creo que los que nos dedicamos al mundo de la cultura y de la información en general, vamos a pasar unos tiempos muy duros. Quizá esto suene redundante, dado los tiempos que corren, ya que todos los sectores se tienen que apretar el cinturón de alguna manera, pero el sector cultural en general y el de los archivos y bibliotecas en particular, ya llevan mucho tiempo sufriendo recortes tanto económicos como estructurales... El caso es que me da igual como se llame a partir de ahora y si depende de Industrias culturales o tal o cual... El caso es que sin una dirección competente (me refiero a altos cargos, que normalmente son elegidos a dedo sin ningún tipo de formación al respecto), sin una dirección competente, repito, va a ser muy dificil salir del abismo en el que nos encontramos.

La pregunta que os hago es ¿Qué pensáis de todo esto? Me gustaría saber vuestras opiniones...

¡¡¡FELIZ 2012!!!

2011-12-30T11:06:00.000-08:00

...y que se cumplan todos vuestros deseos.

Suite francesa... el último suspiro de Iréne Némirovsky

2011-12-23T08:29:00.000-08:00

Este verano me regalaron un libro con el título Suite Francesa, de una autora de la que no había oido ni mencionar: Irène Némirovsky (Kiev, 1903-Auschwitz, 1942). El formato del libro (Ediciones Salamandra) es bastante curioso, como podéis ver en la imagen superior, con las esquinas de los cantos ligeramente redondeados. Pero lo sorprendente está en su interior, en lo que nos cuenta...

Comenzaré hablando de la autora, Irène Némirovsky: ver donde nació no proporciona ninguna pista, pero el lugar y fecha de su muerte (Auschwitz, 1942) ya despeja bastantes dudas. Si nos trasladamos a su niñez, con estas palabras de Mario Vargas Llosa nos podemos hacer una idea de lo dura que resultó:

“Irène Némirovsky conoció el mal, es decir, el odio y la estupidez, desde la cuna, a través de su madre, belleza frívola a la que la hija recordaba que los seres humanos envejecen y se afean; por eso la detestó y mantuvo siempre a una distancia profiláctica.”

Nació en Kiev en 1903, en plena Rusia Zarista; gran inconveniente teniendo en cuenta el antisemistismo que contagiaba de forma galopante a esta sociedad y el origen judío de su familia. Con el triunfo de la revolución bolchevique y la consecuente expropiación de sus tierras, toda la familia tuvo que huir, primero al norte de Europa (Finlandia, Suecia...) y después a Francia. En la capital francesa contrajo matrimonio con el banquero judío Michael Epstein, dando a luz dos hijas: Denise y Elizabeth.

La felicidad no duró mucho, pues con la llegada del nazismo los problemas de antisemitismo comenzaron a causar estragos en la sociedad. Fueron varias las ocasiones en las que Nemirovsky y su marido intentaron sacudirse de encima su origen judío... pero todos los intentos fueron vanos: el gobierno francés rechazó su petición de nacionalización en 1938. En 1939, en otro intento de alejar la losa del judaísmo, ella y toda su familia se convirtieron al catolicismo, pero tampoco sirvió de nada. Víctimas de las leyes antisemitas promulgadas en octubre de 1940 por el gobierno de Vichy, su marido no pudo trabajar más en la banca e Irène no pudo volver a publicar.

En su retiro al pueblo de Issy-l'Évêque, en la región de Borgoña, cuando en toda Francia ondea la sombra de la esvástica, Iréne, a pesar de las dificultades, comienza un proyecto literario de gran envergadura: Suite Francesa. La autora sueña con un libro de mil páginas (mil años pretendía Hitler para su tercer Reich) compuesto como una sinfonía en cinco partes, en función de los ritmos y las tonalidades. Para ello toma como modelo la Quinta Sinfonía de Beethoven. En estas mil páginas pretende contarnos el éxodo del pueblo francés durante la ocupación nazi. Os aseguro que pocas personas en la literatura lo han contado de una manera tan brutal y conmovedora a la vez. Rodeada de ese huracán de miseria y desolación, sufriendo constantes amenazas de presidio, Iréne solo pudo completar dos de las cinco partes de las que en principio pretendía: "Tormenta en junio" y “Dolce”.

La primera de las partes, Tempête en juin ("Tormenta en junio") retrata la huida de los ciudadanos de París en los días inmediatamente anteriores y posteriores a la invasión alemana. Narra así mismo la crueldad de los franceses con sus conciudadanos y el egoísmo y cobardía de los altos cargos abandonando sus puestos y dejando a su suerte a las personas que ya no sabían a quien recurrir para pedir ayuda. La segunda parte, Dolce ("Dulce"), muestra la vida en un pequeño pueblo de provincias al este de la capital, Bussy, en los primeros meses de la ocupación alemana. Volvemos a la crueldad entre los propios habitantes y a las amistades que surgen entre soldados alemanes y mujeres francesas, lo que provocaba no pocos celos y deseos de venganza entre los varones de la localidad. Los alemanes no quedan tan mal parados en esta parte, pues los muestra como personas muy educadas y cálidas en el trato cercano; por otro lado los muestra fríos e impasibles a la hora de cumplir con sus obligaciones... no dudan en fusilar al que se salta las normas.

Como decía anteriormente, Iréne Némirovsky no pudo completar su obra... El 13 de julio de 1942, los gendarmes franceses llaman a la puerta de los Némirovsky. Van a detener a Iréne. Es enviada a un campo de concentración en Pithiviers, donde la retuvieron durante un día para después terminar en Auschwitz. Allí es asesinada el 17 de agosto (no está claro si su muerte se produjo por el tifus o en cámara de gas, pero poco importaba pues su vida quedó destrozada cuando la separaron de sus hijas). Tras la marcha de Iréne, su marido Michel Epstein no ha comprendido que el arresto y la deportación significan la muerte. Todos los días aguarda su regreso, y exige que pongan su cubierto en la mesa en cada comida. Más tarde seguirá intentando localizarla sin saber que ya está muerta...

“La respuesta del gobierno de Vichy será el arresto de Michel en octubre de 1942. Lo internarán en el Creusot y luego en Drancy, donde su anotación de registro indica que le confiscaron 8.500 francos. Será a su vez deportado a Auschwitz el 6 de noviembre de 1942, y ejecutado al llegar.” leemos en la introducción de la obra.

No me puedo olvidar de las dos pequeñas, Denise y Elizabeth Epstein; ambas vivieron escondidas durante la guerra y sobrevivieron gracias a una antigua niñera, que las ocultó en establos, conventos, refugios de pastores y casas de amigos. Su abuela materna, se negó a recibir a sus nietas de forma despiadada y cruel: "¡Si se han quedado huérfanas, lárguense a un hospicio!", fue todo lo que las dijo sin llegar a abrir la puerta de su mansión.

Antes de ser deportada al campo de concentración, Némirovsky introdujo el manuscrito de Suite Francesa en una maleta. Mario Vargas Llosa, en su artículo Bajo el oprobio, relata este episodio:

“... las niñas arrastraban una maleta con recuerdos y cosas personales de la madre. Entre ellas había unos cuadernos borroneados con letra menudita, de araña. Ni Denise ni Elizabeth se animaron a leerlos, pensando que ese diario o memoria final de su progenitora, sería demasiado desgarrador para las hijas. Cuando se animaron por fin a hacerlo, 60 años más tarde, descubrieron que era una novela: Suite francesa.”

Manuscrito de Suite Francesa oculto durante 60 años

Lo que más me sorprende de esta obra es que fuese concebida en unas condiciones tan miserables y nefastas, sabiendo (como lo demuestran las cartas personales que aparecen como anexo de este libro) que la muerte rondaba bajo la ventana del escritorio de la autora. Testimonio de este temor queda patente en la primera frase con la que comienza la obra:

“Para levantar un peso tan enorme,
Sísifo, se necesitaría tu coraje.
No me faltan ánimos para la tarea,
mas el objetivo es largo y el tiempo, corto.”

En una carta dirigida a su director literario, Albin Michel, Iréne no deja ninguna duda sobre su certeza de que no sobreviviría a la guerra que los nazis habían declarado a los judíos: “Querido amigo... piense en mí. He escrito mucho. Supongo que serán obras póstumas, pero ayuda a pasar el tiempo”. Toda esta correspondencia, junto con la de su marido, repito, las podréis leer en los anexos que aparecen al final del libro... os advierto que resulta duro.

Desde el comienzo Iréne ya era consciente de que no podría poner la palabra Fin a su libro y así fue como ocurrió. Me resulta conmovedor empezar una obra sabiendo las circunstancias tan horribles y el final tan trágico, no de la obra sino de su autora. La sensación ha sido semejante a cuando empecé a leer el Diario de Ana Frank, otro libro que me dejó bastante 'tocado'.

Irène Némirovsky fue una mujer especial, fuera de lo común. Por eso os invito a que leais esta impactante novela, plagada de sueños rotos, de almas corrompidas y de aptitudes brutales... pero también conmovedora, tierna, dulce y encantadora.

El matrimonio Epstein_Némirovsky junto a sus hijas

Fuentes:

NÉMIROVSKY, Iréne. Suite Francesa. [traducción de José Antonio Soriano Marco]. Barcelona : Salamandra, 2010

VARGAS LLOSA, Mario. Bajo el oprobio [en línea]. En El País [22/08/2010]. Disponible en: http://www.elpais.com/articulo/opinion/oprobio/elpepiopi/20100822elpepiopi_12/Tes

Delacroix... casualmente

2011-12-20T08:56:00.000-08:00

Hace unas semanas estuve de visita en Madrid con la intención de visitar la exposición del Hermitage de Moscú que actualmente se puede ver en el Museo del Prado. El caso es que al final me quedé sin exposición, pues la cola de espera era monumental y no nos apetecía pasarnos esperando la mitad del día... ya tendremos ocasión de volver.

Un poco decepcionados decidimos caminar por el Paseo del Prado (hacía un buen día la verdad) y nos topamos con el edificio del CaixaForum. No conocía este centro y ha primera vista me encantó; sobre todo la fachada con el jardín totalmente vertical (causa una sensación extraña la primera vez que la observas). Indagando un poco más sobre este edificio descubrí que está rehabilitado sobre la antigua central eléctrica del Mediodía, que data de 1900, uno de los escasos ejemplos de arquitectura industrial que persisten en el casco antiguo de Madrid. Pero aquí no quiero hablar del edificio del CaixaForum; lo que quería comentar es que al final pude disfrutar de una buena ‘ración’ de arte y esto es lo que me gusta de Madrid... si te encuentras una puerta cerrada, no te preocupes, que habrá otra abierta... así que entramos a disfrutar de los tesoros que escondía este centro cultural.

Como no hay mal que por bien no venga, me perdí la colección del Hermitage, pero descubrí, a cambio, a Delacroix (1798-1863) y tengo que decir que me encantó. La exposición del CaixaForum se trata de la más completa retrospectiva, realizada en casi 50 años, de Eugène Delacroix, dando a conocer una nueva imagen de este maestro, uno de los más representativos del romanticismo francés. La exposición organizada por la Obra Social "la Caixa" y el Museo del Louvre de París reúne más de 130 obras procedentes de colecciones públicas y privadas de Europa y América que permiten reconstruir la evolución del artista desde sus inicios, cuando buscaba la inspiración en creaciones artísticas y textos literarios, hasta la etapa final, marcada por la síntesis del conjunto de su obra.

Si alguno tiene interés en ver esta exposición no hace falta ir a Madrid pues puede vistar la web de CaixaForum y entrar en el Museo virtual. Desde aquí se puede ver la exposición tal y como está distribuida en las distintas salas. Este es uno de los principales motivos de esta entrada: las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías para divulgar este tipo de actividades culturales. He comentado el caso de CaixaForum, pero por la web se puede disfrutar de muchos espacios virtuales como este.

Esta es la dirección de la exposición virtual:

http://multimedia.lacaixa.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/delacroix/es/visita_virtual.htm

Fuentes:

http://xlsemanal.finanzas.com/web/articulo.php?id_edicion=6947&id=73598

http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/eugenedelacroix_es.html

La Televisión quiere sobrevivir

2011-12-17T04:42:00.000-08:00

Imagen tomada de PCactual

El último trabajo que he realizado en la asignatura de Información y Sociedad tiene mucho que ver con esta noticia: Parece ser que todo el contenido audiovisual de RTVE.es desde 2008 va a estar disponible desde el mismo televisor, sin tener que pasar por el ordenador, como era obligatorio hasta ahora.

El programa A la carta va a formar parte de las consolas Xbox 360, Playstation 3 (las más importantes del mercado) y en los televisores de Samsung y Sony (con conexión a Internet claro, que valdrán su buena pasta) y en poco tiempo también los LG.

Una de las conclusiones que sacaba en el trabajo Los nuevos medios de comunicación en la Sociedad de la Información del tema 5 de la asignatura mencionada es que la televisión, si quería sobrevivir como hasta ahora tendría que adaptar su formato a las nuevas necesidades de información de los usuarios. Éstos ya no se conforman con el zapping, son más exigentes en cuanto a cubrir necesidades de información y de ocio. “Se inicia un camino de regreso hacia nuestro lugar natural: la televisión", comenta Ricardo Villa, director de Medios Interactivos de RTVE.

La tecnología que deberá tener el televisor para poder visualizar estos contenidos se denomina Hbb tv (Hybrid Broadcast Broadband TV); lo pongo por si alguno, en su carta a los Reyes Magos, ha pedido un televisor (a parte de haberse portado muy bien hay que ser muy osado), para que sepan Sus Majestades de Oriente las nuevas siglas que tienen que traer estos aparatos.

Francisco Asensi, director de Estrategia de RTVE.es , comenta que solo dos millones de hogares cuentan con una televisión conectada, a los que habría que sumar otros cuatro millones de espectadores potenciales que tienen una PS3 o una Xbox 360 en el salón.

No deja de ser sugerente el pronóstico de Ricardo Villa: "La televisión va a cambiar radicalmente a partir de 2012" comparando estos cambios con los que sufrió el móvil a la llegada de los SMS y el whatsapp. "El salto será natural; simplemente bastará con pulsar un botón rojo en el mando". Evidentemente la facilidad de uso es uno de los pilares más importantes para que esta tecnología tenga éxito, principalmente entre la población con mayor edad y menos conocimientos en materia de nuevas tecnologías.

En fín, creo que es una buena noticia para todos aquellos que queremos seguir disfruando de la televisión junto a la familia. De otra manera, siguiendo con el formato actual, no creo que la televisión tuviese mucho futuro dentro de las nuevas generaciones de la Sociedad de la Información.

Fuentes:

http://www.elpais.com/articulo/tecnologia/archivo/RTVE/podra/verse/televisor/elpeputec/20111216elpeputec_5/Tes

El retrato de Dorian Gray

2011-12-16T03:48:00.000-08:00

Cubierta de la nueva edición de Harvard University Press

Ahora me entero que una de mis obras favoritas, “El retrato de Dorian Gray”, no es la que realmente escribió Oscar Wilde. Se trata de un 'Dorian Gray' rebajado por sus editores, Ward, Lock, and Company, de acuerdo con las exigencias de la época (1891). Esta es la parte mala de la historia…

La buena es que Harvard University Press, editorial de la universidad norteamericana, viene al rescate y ha anunciado la edición de la versión original, comentada, contextualizada y lo más importante, sin censura. El escritor David Leavitt dice que "Nicholas Frankel ha hecho un gran servicio a los lectores de Oscar Wilde en la preparación de esta nueva edición de El retrato de Dorian Gray. Su introducción y anotaciones de profundizar nuestra comprensión no sólo de Wilde que el escritor, sino del medio político y sexual en la que vivió y publicó. "

Todos sabemos de las dificultades y penurias por las que tuvo que pasar el dandy irlandés por ser, en palabras de sus detractores, “afrancesado y decadente”, llegando incluso a sentir los fríos barrotes de la cárcel.

Haciendo referencia a la censura que ha estado sufriendo durante 120 años esta magnífica obra, podemos decir que se omitieron los comentarios con contenidos homoeróticos entre Dorian Gray y su retratista, Basil Hallward.

De momento sólo esta disponible en inglés... espero ver pronto la edición en castellano en los escaparates de las librerías de nuestro país.

Fuentes:

http://bokdav.blogspot.com/2011/03/el-retrato-de-dorian-gray-oscar-wilde.html

http://www.elmundo.es/elmundo/2011/04/28/cultura/1303978474.html

http://www.hup.harvard.edu/features/wilde/editor.html

Newton ve la luz

2011-12-15T10:40:00.000-08:00

Portada original del Principia Mathematica

“Plato is my friend, Aristotle is my friend, but my greatest friend is truth."
—Sir Isaac Newton
(MS Add.3996, 88r)

Pues haciendo honor a esta frase de Sir Isaac, no hay nada mejor para la verdad de la ciencia que digitalizar los documentos manuscritos realizados por este físico británico (que vivió entre 1642 y 1727); documentos hasta ahora fuertemente custodiados en la Biblioteca de la Universidad de Cambridge. Pues bien, ya podemos verlos en Internet tras el magnífico trabajo de digitalización de esta universidad, a la que perteneció el famoso científico... Este tipo de noticias son las que me gustan.

En realidad son más de 4000 páginas de las obras más importantes de Newton. Entre la selección de estos escritos se encuentra su magna obra 'Principia Mathemática' (publicada por primera vez en 1687) que contiene anotaciones del propio inventor inglés, lo que no deja de aumentar el interés sobre este trabajo.

La digitalización de las obras de Newton forma parte de un proyecto que consiste en poner los fondos históricos de esta Biblioteca a disposición de todo el mundo. El proyecto de digitalización de la Biblioteca de la Universidad de Cambridge continuará posteriormente con las obras de otros famosos científicos, caso de Charles Darwin o Ernest Rutherford.

Young Grant, responsable de Digitalización en la Biblioteca, señalaba que son "los documentos más importantes de la historia de la ciencia". "Además de su 'Principia' y sus cuadernos, también hemos incluido su libro de deshechos, un cuaderno muy grande que Newton heredó de su padrastro y está lleno de las notas y cálculos que hizo cuando le obligaron a dejar sus estudios en Cambridge durante la Gran Peste", explica Grant.

La digitalización de estas obras tan importantes suponen un incentivo para acercarse a los autores que las crearon y conocer mejor su obra. Espero que cunda el ejemplo dentro de nuestras fronteras, porque son muchas y de gran importancia las obras que necesitan ver la luz en formato digital para enriquecimiento de nuestra cultura.

Bueno... para finalizar todo aquel que quiera ver esta magnifica obra digitalizada puede hacerlo en la siguiente dirección:

http://cudl.lib.cam.ac.uk/

No perdáis la ocasión de ver este trabajo... es realmente magnífico.

Un saludo.

Fuentes: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/12/09/ciencia/1323450359.html

Bienvenidos

2011-12-15T02:32:00.000-08:00

El nacimiento de este blog se debe a una circunstancia particular: un trabajo académico de la asignatura Información y Sociedad del curso de Adaptación al Grado en Información y Documentación del Campus Virtual de la Universidad de Extremadura.

En cuanto a la temática del blog, en un principio pensaba en críticas literarias... Pero como ya trabajo en mi otro blog (http://bokdav.blogspot.com/) sobre este tema, creo que intentaré introducir entradas de interés cultural en general y de nuevas tecnologías en particular, ya que la asignatura trata de esto mismo.

A todos los compañeros que me sigan en este nuevo blog, les invito a sumarse al anterior, pues en un futuro seguiré trabajando con ese, ya que dispongo de poco tiempo para actualizarlo y con dos blogs por manterner... sería un desastre.

Para finalizar esta entrada, espero que nuestra relación virtual sea lo más fructífera posible.

Un saludo a todos los compañeros y, lo dicho, os espero igualmente en

http://bokdav.blogspot.com/