El Gabinete del Doctor Somier - Web de Cine, Series y Humor Absurdo

Pensionistas [Crítica]

2024-09-12T10:30:00.035+02:00

Título: Pensionistas
Duración: 75 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: del 11 al 29 de septiembre de 2024
Lugar: Teatro Talia (Valencia)
Precio: desde 15€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

El miércoles el Somier estuvo en el teatro Talia de Valencia en el estreno de la obra de teatro "Pensionistas".

La comedia estaba en mi foco de atención porque sus protagonistas son: Loreto Valverde, un icono del Telecinco badabadaba de los 90, Irma Soriano, mítica chica Hermida, y por último, Rosa Benito, un exponente de la prensa del corazón, por un lado destructiva, pero por otro lado divertida, que se ha hecho en las dos últimas décadas.

Reconozco que ver en directo a la excuñadísima de Rocío Jurado era lo que más me atraía (y más siendo que el año pasado en las fiestas de mi pueblo trajeron a su hija Chayo Mohedano a actuar), ya que así me hacía con el pack completo.

Una vez acabadas de explicar mis motivaciones, la cuales interesan a nadie, procedamos a analizar la obra.

La trama se desarrolla en una escenografía fija que recrea el salón de una casa estilo "Cuéntame", y nos presenta a tres mujeres jubiladas que, además se han quedado viudas debido... o gracias, al coronavirus.

Con un feminismo que toca temas relevantes, y bastante más ácido de lo que me podría esperar de una obra de estas características, Pensionistas narra de forma extrema y llevada al absurdo las vicisitudes que unas mujeres de otra época, con maridos "a la antigua", podrían padecer una vez que sólo han de ocuparse de sí mismas, pero sin la fuerza y vitalidad de la juventud.

Además, iremos viendo distintos momentos meta, en la que todas son referenciadas por una de sus compañeras o por sí mismas, en su alter ego de la vida real.

Los 3 personajes representan distintos arquetipos, mientras Loreto Valverde es tremendamente extravertida, Irma Soriano es una beata de pro, y Rosa Benito es la típica amargada que se pasa el día poniendo malas caras y sacando pegas a todo. Gracias a estas personalidades tan heterogéneas, se irán produciendo los choques y las distintas situaciones que las irán poniendo en diversos aprietos.

El público estuvo muy entregado y no dejó de reírse durante los 75 minutos que duraba la obra, y agradeció que, cuando hablan de X poblaciones para poner ejemplos, en un guiño, usasen pueblos de Valencia.

En cuanto a las actuaciones, contando que la única actriz y cantante de forma profesional es Loreto Valverde, he de decir que el trío cumplió perfectamente con las expectativas, y con esto, Rosa Benito suma la actuación al bagaje musical que ya adquirió cuando estuvo durante un tiempo haciendo gira con su hija Chayo (Rosario), y entra en una época tranquila en la que colabora en televisión, pero además diversifica sus fuentes de ingreso, quedando lejos estos estados de ánimo:

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El Aguafiestas [teatro - crítica]

2023-09-15T17:55:00.002+02:00

Título: El Aguafiestas
Duración: 80 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: del 14 de septiembre al 1 de octubre de 2023
Lugar: Teatro Olympia (Valencia)
Precio: desde 15€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Este jueves pudimos disfrutar en el Teatro Olympia de Valencia la obra de teatro "El Aguafiestas".

Protagonizada por Josema Yuste y ~~el reportero total~~ Santiago Urrialde, adapta una obra del autor francés Francis Veber, muy conocido por crear otras comedias como "La cena de los idiotas", que también pudimos ver hace siete años aquí, protagonizada por Josema Yuste (pero esta vez acompañado de ~~Chikilicuatre~~ David Fernández y Felisuco). Se hicieron muy famosas en su momento las películas "Que te calles" y "Salir del armario", coincidiendo con un excelente estado del cine francés y británico fuera de sus fronteras. Muchos años antes dirigió en EEUU "Tres fugitivos", un remake de su propia película como hizo hace unos años Michael Haneke con "Funny games".

La comedia es un traje a medida para Josema, que se encuentra totalmente en su salsa interpretando este tipo de productos en los que hay una persona seria o sensata (asumiendo él este rol) que se las tiene que ver con alguien muy inocente, bobalicón e irritante.

De hecho, pese a que "Taxi", otra adaptación que hizo Josema en 2015 era del autor británico Ray Cooney, la estructura de la misma es muy similar a la mayoría de las mencionadas.

Entrando ya a analizar la obra, cuando entramos nos recibe una escenografía fija. Dos habitaciones de hotel anexas albergarán toda la acción.

6 actores irán desarrollando esta alocada comedia de enredos, en la que el personaje de Santiago Urrialde conseguirá poner a prueba y superar con creces al férreo control ejercido por el personaje de Josema Yuste.

Sergei (Josema Yuste) es un asesino a sueldo que se hospeda en un hotel, para poder cumplir con su rifle desde la ventana, uno de sus 'encargos'. Pero su tarea se verá constantemente interrumpida por Ramón (Santiago Urrialde), el huésped de la habitación contigua. Un hombre muy, pero que muy pesado, que pretende suicidarse después de que su mujer le ha abandonado

Josema hace gala de sus ademanes martesytrecerianos, y entre todos consiguen arrancar constantemente las risas de los asistentes. Reconozco que, quizá porque ya estoy un poco curtida y tenía sensación de déjà vu, me reí menos que en otras ocasiones, pero viendo que mi sacrosanta madre se lo pasó pirata y un chico joven que se sentó a mi vera e iba solo, tampoco dejó de reírse, entiendo que es más cosa mía que de la obra en sí.

En definitiva, si te gusta el humor de Josema y si te gustan las películas antes mencionadas, sin duda disfrutaras de casi hora y media de risas ininterrumpidas.

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Film Symphony Orchestra gira Fénix 2021-22 [crítica]

2022-04-25T13:34:00.004+02:00

Redactora: La Perra Verde.

El viernes 22 de marzo el Somier tuvo el inmenso placer de volver a ver a la FSO en directo, (concretamente en Valencia, en el Palacio de Congresos), en lo que casi parecía un mundo normal, ya que acaban de permitir en España el no uso de mascarillas en interiores (aunque yo personalmente elegí llevarla todo el evento). Pudimos volver a disfrutar de las masterclass que Constantino Martínez-Orts, director de la orquesta, nos ofrece como preludio a cada pieza.

Antes de desgranar el espectáculo, me gustaría hacer mención a la capacidad de adaptación que tuvo la FSO en los inicios de la pandemia y que es un claro exponente de por qué están donde están. Siempre he alabado a lo largo de los años en mis críticas que, más allá de su calidad técnica, la FSO dotaba a sus actuaciones de una atmósfera particular que marcaban la diferencia frente a otras opciones. Las introducciones de Constantino no sólo te ponen en contexto (ya que bastaría con mirar el programa para saber qué canción viene a continuación) sino que además son amenas, divertidas y muy didácticas, ya que suele incluir anécdotas o datos curiosos. Pero una vez que empiezan a tocar, ya podrían ser como el resto de orquestas ¿no? pues no, gracias a los juegos de luces consiguen crear dinamismo, espectáculo y representar visualmente el concepto de la pieza que tocan (esto lo desarrollaré más adelante).

Pues si esto no fuese bastante para marcar la diferencia con otras orquestas, que, pueden tener igual o más calidad (no seré yo quien juzgue eso), pero se limitan a llegar, tocar con un juego de luces fijas y despedirse después de los aplausos, la FSO hizo en pandemia su concierto online. En un tiempo récord adaptó su formato al vídeo bajo demanda y pudo seguir trabajando cuando era imposible acudir a los recintos. Los espectadores que quisieron pudieron ver el último concierto de la gira de ese momento desde el 22 al 29 de junio por 12€.

Y ahora sí, regresando al presente, hablaremos de la gira Fénix.

Un cambio que he notado es que la iluminación ya no tiene tanto protagonismo fuera del escenario. En otras giras las proyecciones en paredes y techo han sido más espectaculares, pero ahora, aunque siguen siendo vistosas y siempre acompasadas con la música, he podido observar como han hecho más hincapié en la iluminación del propio escenario, lo que supone la iluminación de la orquesta en sí.

Creando un maravilloso efecto de realismo mágico, pudimos disfrutar de una orquesta iluminada en verde en la suite de Matrix mientras que la peana en la que estaba subido Constantino, que tenía en el centro un cuadrado retroiluminado, iba cambiando del verde, al rojo y al azul, los colores más emblemáticos y representativos (junto al negro) de la saga. Además las luces eran muy orgánicas, y según iban tocando los instrumentos y cambiando el concepto o sentido de la escena interpretada, la iluminación iba incidiendo o desapareciendo de parte o todos los músicos.

Sin duda esta pieza fue la que mejor aprovechó estas ambientaciones.

Otra cosa que me gustó fue el que sigan llevando a una persona (mujeres en ambas giras) para cantar X piezas. Si la vez anterior pudimos gozarlo muchísimo con El éxtasis del oro de la película El bueno, el feo y el malo (que para éxtasis, el mío), esta vez pudimos disfrutar de las canciones de Gladiator y El señor de los anillos más allá de la interpretación instrumental.

Y el final... en serio... como en las películas de Marvel ¿aún hace falta decir que no hay que irse nada más finalizar la última pieza del programa? Bueno, por si acaso sois nuevos en el universo FSO y no habéis ido chorrocientas veces como es mi caso, os diré que os tenéis que poner las manos rojas de aplaudir, ya que gracias a eso surgirán espontáneamente como los champiñones 2 hermosas interpretaciones más (que no bises).

Así que sólo me queda, a parte de dar las gracias a Amanda Mínguez de Vaivén comunicación por las notas de prensa y la acreditación, el poner mis secciones de:

"PETICIONES Y RECOMENDACIONES QUE NADIE ME HA PEDIDO PERO COMO YO ME CREO ALGO NO PUEDO DEJAR DE HACER"

PETICIÓN:

Pues la clásica que llevo haciendo varios años (desde que salió la primera película) que es la inclusión del leitmotiv de Wonder Woman. Un tema con muchísima fuerza que haría las delicias de los músicos de percusión. No he ido a todas las giras, una o dos se me han escapado, pero juraría que este tema nunca ha sido incluido en el programa.

RECOMENDACIÓN:

Otra repetida, que no estoy muy original que digamos. La recomendación sería la de hacer una gira especial con todos los temas cantados. Al igual que hicieron en este BBC Proms dedicado a Ibizia, en el que mezclaron música electrónica con orquesta y cantantes (aunque se incluyó alguna canción totalmente instrumental en su origen) mi recomendación como espectadora que iría encantada, es que hagan una gira con canciones míticas que incluyan letra o al menos coros, como en el caso de El éxtasis del oro, que fue un placer para los sentidos.

Y finalmente os dejo el programa con el set list que podéis descargar aquí:

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La función que sale mal [crítica]

2021-12-18T11:49:00.003+01:00

Título: La función que sale mal
Duración: 100 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: del 16 de diciembre al 30 de enero de 2022
Lugar: Teatro Olympia (Valencia)
Precio: desde 20€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

El jueves el Somier tuvo la oportunidad de ver en el teatro Olympia de Valencia la maravillosa obra de teatro "La función que sale mal". Íbamos con bastantes expectativas, ya que hace poco vimos una adaptación británica a TV (The goes wrong show, 2019) en Amazon, siendo aquel formato el de pequeñas obras de unos 30 minutos cada una.

La adaptación que nos ocupa, de duración habitual (hora y cuarenta minutos sin intermedio) es la primigenia, tiene como título original "The play that goes wrong" (2012) y fue premiada en 2015 con el premio Lawrence Olivier.

En esta ocasión basaré toda mi crítica en los aspectos técnicos, ya que cualquier cosa que diga podría estropear los descacharrantes, desopilantes y desternillantes gags (festival del sinónimo).

La producción es un reloj suizo, una obra de ingeniería donde cada engranaje encaja a la perfección (bajo serio riesgo de lesión en caso contrario). Todo está medido al milímetro para que sea "perfectamente" desastroso.

Primero nos recibe el escenario ya con el telón abierto, en el que veremos un decorado fijo con elementos móviles y "altamente versátiles". Los actores hacen una previa actuando ya entre el público antes de empezar para ir creando el ambiente, y hasta un afortunado (o no, depende de tu timidez) será subido a las tablas en esos momentos anteriores para hacer un gag ¿serás tú el elegido?

Y una vez empezada la obra, empiezan las dificultades para los aguerridos intérpretes. A parte de lo complicado de estar actuando mientras los otros actores gritan, se caen (a tu alrededor o encima de ti) y destrozan el escenario, la obra les obliga a usar un maniqueísmo extremo, y deben pasarse todo el rato declamando con una gran pasión y sobreactuación, manteniéndose constantemente muy arriba en el tono usado, cosa que debe resultar francamente agotadora.

Toda esta complejidad es llevaba con una gran fluidez, de manera que el espectador en ningún momento de la frenética representación nota el esfuerzo realizado o ve un parón en el dinamismo. Simplemente, el espectador se dedica a reír hasta que le duele la mandíbula y le asoman las lágrimas por el rabillo del ojo.

Personalmente hacía mucho que no me reía tan a gusto, probablemente desde que vi la adaptación antes mencionada. De hecho, más mérito aún ha tenido la versión teatral, ya que es más larga (dura más que 3 capítulos televisivos, tanto gag podría llegar a resultar abrumador o repetitivo) y además yo ya sabía qué iba a ver en mayor o menor medida. Así que, aun con estos 2 factores en contra, la producción me ha parecido igual de divertida que la ya vista, y los gags, pese a todo, sorprendentes y terriblemente creativos.

Una obra que puede gustar a toda la familia (ideal para estas Navidades) y que con toda probabilidad te hará reír a carcajada limpia. De hecho, me reí tanto y tuve que estar tan pendiente de todo lo que pasaba a lo ancho y alto del escenario (y fuera de él a la vez), que salí hasta cansada (truco de regalo: intentad no comprar butacas muy laterales y menos de palco, porque hay muchos gags que os perderéis por completo).

En definitiva, una gozada sin medias tintas.

PD: 1º batallita añeja a lo Sophia Petrillo. Hay varios actores reconocibles televisivamente. Hace muchos años me hice una foto con César Camino, el cual en esa época interpretaba a "El Moñas" en Agitación +IVA. Seguro que le hizo una ilusión tremenda mi amiga y yo le asaltásemos al argumento de "¡ERES EL MOÑAS!" (o similar) en un concierto en el que estaba divirtiéndose con sus amigos y que no pensó que éramos unas pesadas de tres mil pares (la foto se perdió en alguna de las varias catástrofes que han sufrido mis discos duros).

2º señor Héctor Carballo ¿es usted El Destino de los anuncios de la Primitiva? ¿es lo? es que lo quería comprobar pero no he encontrado nada en su currículum ni en la ficha técnica del anuncio más que una leve referencia en un vídeo ¿debería borrar esto? ¿Es mi agente de la CIA al que estoy oyendo tocar la puerta?

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Dirty dancing - El espectáculo

2020-03-06T23:04:00.000+01:00

Título: Dirty dancing
Duración: 120 minutos + 20 de intermedio aprox
Fecha de representación: del 27 de febrero al 22 de marzo de 2020
Lugar: Teatro Olympia
Precio: desde 26€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Después de haber estado en Valencia hace casi 2 años, vuelve el espectáculo "Dirty dancing" a la ciudad. Esta vez trasladando su emplazamiento del Reina Sofía al Teatro Olympia.

Lo primero, y como se puede intuir por el título con el que gira, a diferencia de "Flashdance, el musical" lo que aquí veremos es una obra de teatro con números musicales, lo que viene a ser la película en sí, pero con algunos números nuevos creados ad hoc para aumentar la presencia de bailarines y cantantes en escena, y hacer la obra más entretenida y amena.

Mediante una gran escenografía móvil que ocupa casi todo el escenario reproduciendo el hotel, otra más pequeña para la cabaña de huéspedes y varias transportables, recrean los emplazamientos más representativos del film.
Gracias a un juego de telas semitransparentes solventan distintas situaciones insalvables de otra manera, como por ejemplo la presencia de lluvia frente a ellos, y no detrás, como sucedería con una pared led. También consiguen resolver con mucho atino la escena del lago usando estos trucos.

Para que la obra sea más entretenida, a parte de crear nuevos números musicales, como comentaba anteriormente, han echado mano de lo que llamo la "linamorganización" de personajes. Si bien la hermana ya era risible en la película, aquí han hecho a Baby considerablemente más torpe y gestuda de lo que su homóloga resultaba. Con unas caras de "¡Ay, omá! que guapo el mozo, aunque no tenga tierras", las piernas más bien patizambas y una actitud de persona más simple y menos tímida respecto a la que se le presupone, Baby es transformada en un personaje más divertido y entrañable, que consigue arrancar continuas risas en los espectadores, llevando por este motivo más el peso de la trama que sus compañeros, que conservan unas personalidades más similares a las conocidas.

Un detalle que me ha gustado es la presencia de personajes interpretados por actores acorde a la edad que se supone que tienen, y no por gente maquillada y con pelucas. A destacar que, sin mirar el libreto reconocí a Paco Morales, un actor al que le había perdido la pista (si no trabajas en una TV nacional parece que ya no existes) y que he de reconocer que [modo Sofía Petrillo] era uno de mis amores platónicos de adolescencia, sobre todo cuando presentaba el karaoke en Telecinco (me siento ahora mismo más vieja que un árbol). [/modo Sofía Petrillo]

En cuanto al cásting, no puedo decir mucho dado que hay 3 posibles personas que pueden interpretar cada papel principal dependiendo de las necesidades de la producción, e incluso hay actrices y actores que pueden llegar a interpretar varios personajes distintos (no en la misma función) dependiendo del día.
Lo que sí me gustaría reseñar es que sería interesante cuidar más la vocalización. A veces, cuando los diálogos eran muy intensos y se decían rápido (una discusión, o un momento muy motivado del personaje) resultaba un tanto costoso entender el texto. Quizá es algo propio de las nuevas generaciones como Mario Casas (¿nuevas generaciones? matadme ya, por favor) pero hay que poner más mimo en esa faceta.

En conclusión, el espectáculo recrea fielmente la película y añade bastante humor. Hay alguna interactuación con el público rompiendo la cuarta pared. Es ideal para quienes nunca han visto el film, y si además eres fan declarado (como servidora), con seguridad te lo pasarás genial con esta adaptación que respeta en gran medida los diálogos originales, por lo que podrás decir con mucha solemnidad y pasión contenida a la vez que él:

"No permitiré que nadie te arrincone"

Gracias a Let'sGo Company por volver a contar con nosotros después del musical de La familia Addams.

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SONIC: La película

2020-02-13T16:20:00.002+01:00

Título: Sonic: La pelicula
Dirección: Jeff Fowler
País: USA
Actores: Ben Schwartz, James Marsden, Jim Carrey, Neal McDonough, Tika Sumpter, Adam Pally, Leanne Lapp, Shannon Chan-Kent, Debs Howard, Bailey Skodje, Frank C. Turner, Dean Petriw, Natasha Rothwell, Elfina Luk, Emma Oliver, Breanna Watkins, Lee Majdoub, John Specogna, Nicholas Dohy, Lisa Chandler, Melody Nosipho Niemann, Jeanie Cloutier, Jeff Sanca, Michael Hogan
Año: 2020
Duración: 99'
Crítico: Blueberry

Valoración

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Bad boys for life (Bad boys 3)

2020-01-17T15:16:00.000+01:00

Título: Bad boys for life
Dirección: Bilall Fallah, Adil El Arbi
País: USA
Actores: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Kate del Castillo, Paola Nuñez, Jacob Scipio, Joe Pantoliano, Charles Melton, Alexander Ludwig, Nicky Jam, DJ Khaled, Ivo Nandi, Happy Anderson, Massi Furlan, David Shae
Año: 2020
Duración: 123'
Crítico colaborador: David Hidalgo Moreno

Valoración:

Antes de comenzar esta reseña, debo hacer un ejercicio de honestidad con todos/as vosotros/as y, especialmente, conmigo mismo: me encanta la trilogía Bad Boys. No porque sean grandes películas, en absoluto, sino por razones puramente sentimentales. La primera, que constituye la opera prima de Michael Bay (por aquel entonces, un joven cineasta ya curtido en la realización de videoclips y spots publicitarios), es una muy entretenida y carismática buddy movie que, aunque no innova en absoluto dentro de un género que ya estaba trillado en 1995, nos regaló un dúo tan memorable como el compuesto por Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence), así como la consolidación en el estrellato de sus dos protagonistas y algunas de las set pieces más memorables del cine de acción de los 90. Ah, y a Joe Pantoliano interpretando al comisario más irritable de la Historia del Cine. Que eso siempre suma.

Pero fue en 2003, con Bad Boys II, que lo que parecía que simplemente iba ser una saga de acción profundamente marcada por una herencia noventera adquirió una identidad completamente distinta y propia. ¡Y qué identidad! Michael Bay, borracho de ego y en pleno estrés postraumático tras el gigantesco batacazo que supuso su Pearl Harbor, decidió dejarse de formalidades y pergeñar el que es, en mi opinión, uno de los mayores placeres culpables de la década de los 2000. Bad Boys II es feísta (esa dirección de fotografía basada mayormente en neones…), ultraviolenta, zafia, machista, homofóbica, ofensiva… ¡Y un disfrute de los grandes, si uno/a acepta entrar en su mundo! Un mundo, por cierto, en el que nos encontraremos al Ku Klux Klan, cadáveres con bolsas repletas de droga en su interior, ratas en pleno acto sexual, chabolas explosivas y campos de mina a las afueras de Guantánamo. Ah, y a un Jordi Mollà dando vida al glorioso villano Johnny Tapia. ¡Alabado sea Johnny Tapia!

Con estos antecedentes, y teniendo en cuenta que esta tercera entrega de la franquicia nos llega la friolera de 17 años después de su predecesora, he entrado a la sala con suma inquietud. Y no sin cierto fundamento: aunque algunas sagas han logrado mantenerse relevantes en el tiempo, conservando su mojo e incluso mejorando como el buen vino (tal es el caso de Mission: Impossible, Fast and Furious e incluso Creed, el relevo generacional de Rocky), a otras el hecho de no saber parar a tiempo solo las ha condenado a la mediocridad cuando no al basurero (todavía me estremezco al recordar lo que han hecho a sagas como Die Hard, Alien o Rambo). Además, cabe mencionar el factor más importante: Michael Bay no ha repetido como director, en esta ocasión. Y este dato, como diría nuestro querido expresidente y poeta contemporáneo Mariano Rajoy, “No es cosa menor”. Especialmente tras la descomunal barrabasada que fue la segunda entrega, Bad Boys era una saga indisociable al estilo, sensibilidades e inquietudes artísticas de este “explosivo” cineasta.

Y, por si fuera poco, el que nombre que sonaba para reemplazarle sí generaba mucha confianza: nada menos que Joe Carnahan, uno de los mejores directores de acción actualmente en activo, y responsable de películas tan solventes como Narc, Smokin’ Aces o The Grey. Pero, debido a diferencias creativas con Smith, decidió abandonar la producción, y en última instancia los elegidos para relevarle fueron Bilall Fallah y Adil El Arbi. Pese a que estos cineastas belgas habían demostrado su talento y capacidad con filmes como Black, esta nueva sustitución, unida a unos trailers y clips promocionales que no me decían absolutamente nada, no contribuyó en absoluto a aumentar mi nivel de expectativas hacia esta nueva y extremadamente tardía entrega de la saga creada por Bay.

Ahora, visto en perspectiva, he de admitir que esta total y absoluta carencia de expectativas era lo mejor que podría haberme pasado. Y es que Bad Boys for Life no solo no es el desastre que temía en el fondo de mi corazoncito cinéfilo: es, de hecho, una cinta de acción de lo más sólida, en absoluto mejor pero sí a la altura de la primera entrega y con cierta personalidad propia al margen de la irrepetible segunda parte.

Saquémonos de encima cuanto antes al elefante de la sala: ¿son capaces Bilall Fallah y Adil El Arbi de relevar como es debido a Michael Bay? Sí… y, al mismo tiempo, no. No, porque Bay era capaz de cubrir cada fotograma de una capa de macarrismo, mientras que esta tercera cinta se siente algo genérica, filmada con mucha corrección, pero con poca… mirada artística, por así decirlo. Sin embargo, donde Fallah y El Arbi sí logran que no echemos tanto en falta al creador de la franquicia, es en ocasiones donde consiguen lucirse mediante planos de gran valor artístico (ese cóctel molotov volando a cámara híper lenta, la forma como la cámara gira en pleno tiroteo final para componer un plano aparentemente imposible, el infierno en que se convierte la localización del clímax final…). Aparte, huelga decir que estos dos directores aciertan en no intentar imitar el humor cafre y totalmente descontrolado de Tito Michael, sino que se centran en narrar el film con un sólido pulso narrativo (sus dos horas de metraje jamás se sienten largas) y en permitir que sus intérpretes puedan respirar, mostrar su carisma e incluso mostrar una emotividad nunca antes vista en la saga.

Porque, sí: en lugar de ir a lo fácil, los guionistas de esta película toman más de una decisión arriesgada, situando a sus protagonistas en lugares muy complejos y poniendo a prueba sus límites morales y emocionales. Son dilemas de todo a cien, desde luego, pero ésta es una entrega dispuesta a permitirse momentos de reflexión, de duda e, incluso, de profunda tristeza. Llegados a este punto, debo mencionar que Martin Lawrence nos regala la que es, sin el menor atisbo de duda, su mejor interpretación en toda la saga y, quizás, en los últimos años.

El reto de esta cinta es muy complejo: debe traer de vuelta a la relevancia una franquicia que, a estas alturas, ya podía darse perfectamente por muerta, protagonizada por actores que ya no son las estrellas del cine de acción y de la comedia que solían ser en sus mejores tiempos. Todo ello, aportando los suficientes elementos modernos (un nuevo y joven equipo que sirve como apoyo al dúo protagonista, todo tipo de tecnologías punteras…) para atraer el interés del público más joven, sin perder aquello que hizo que Bad Boys adquiriera un cierto estatus de culto con el tiempo.

Y es de justicia reconocer que Fallah y El Arbi salen airosos de este desafío, logrando una película muy entretenida, divertida, en la que el toque de Michael Bay está bastante presente (incluso de formas algo… inesperadas) pero que, al mismo tiempo, se siente distinta y fresca. Sin ser revolucionaria, y pecando de repetir muchos de los clichés del cine de acción más trasnochado (villanos mexicanos unidimensionales, explosiones por doquier, escenas que traspasan la barrera del absurdo…), Bad Boys for Life es un cóctel cargado de acción, comedia (acertadísimas sus pinceladas de humor negro) y emotividad y, en definitiva, una alternativa muy decente frente a las opciones más sesudas y oscarizables que podemos encontrar en cartelera estos días. ¡Sin mencionar el gustazo que supone volver a escuchar en pantalla grande, veinticinco años después, el tema original de Bad Boys creado por Marc Mancina!

Pero no quiero llevaros a engaño: pese a las virtudes anteriormente señaladas, siento que este regreso es un tanto innecesario, e incluso, a la postre, redundante. No en vano, incluso se permite repetir conflictos ya establecidos en la anterior parte de la franquicia: que si quiero retirarme, que si tengo problemas de alcoba, que si tú eres demasiado alocado y yo quiero sentar la cabeza… Aspectos requetevistos, no solamente en esta saga, sino en el subgénero buddy movie en general. Sin mencionar que, aunque el dúo directorial pone todo de su parte para dinamizar las secuencias de acción, es inevitable notar que los años han pasado muchísima factura a sus protagonistas. Si en anteriores entregas los tiroteos y las persecuciones automovilísticas se alternaban con combates cuerpo a cuerpo e incluso frenéticas carreras, aquí se acaba recurriendo en no pocas ocasiones a que la acción sea vehiculada por armas de fuego o vehículos, todo con el obvio fin de hacer menos visibles las limitaciones físicas que Smith y Lawrence (especialmente éste último) han adquirido por el paso del tiempo. Es, precisamente, cuando el film decide evidenciar dicho transcurso de los años, en los momentos en que adquiere mayor carisma y relevancia dentro de la franquicia. Estos momentos la convierten en la Lethal Weapon 4 de Bad Boys, solo que algo mejor.

Con todo, me alegro de haberla visto. Y, especialmente, ya que sus dos protagonistas estaban tan por la labor de traernos esta nueva película sin importar las circunstancias, y que finalmente se ha hecho, agradezco enormemente el visible esfuerzo que sus
creadores y el talentoso equipo ha puesto en hacer las cosas bien. Es un film algo lastrado por el paso del tiempo, pero pese a todo, logra erigirse como una muy digna nueva secuela en una saga que, hasta la fecha, ha regalado muy buenos momentos a los amantes del cine de acción. Para los fans de Bad Boys y de sus intérpretes principales, un visionado recomendable. Para todos los demás, entretenida y bien realizada, aunque si preferís decantaros por las numerosas opciones dignas de Oscar que pueden encontrarse en nuestras carteleras por estas fechas, sería perfectamente entendible.

LO MEJOR: Smith y Lawrence todavía mantienen su química intacta; Martin Lawrence ofrece su mejor interpretación en toda la saga; el buen pulso narrativo que le imprimen Bilall Fallah y Adil El Arbi, que se permiten lucirse ocasionalmente con planos muy logrados; es todo un gustazo que Lorne Balfe haya recuperado el tema original de Bad Boys compuesto por Marc Mancina; reconozco que puntualmente me ha sorprendido, gracias al rumbo que el film adquiere; su inesperada y efectiva carga emocional.

LO PEOR: Padece mucho del síndrome “Una última vez”, o lo que es lo mismo, repite topicazos ya vistos en sagas como Fast and Furious; el paso de los años, que tanta mella ha hecho en Smith y en Lawrence, acaba pasando factura a las escenas de acción; unos villanos de lo más unidimensionales y poco memorables (salvo el personaje de Armando, que acaba destacando entre tanta mediocridad); es inevitable acabar preguntándose qué hubiera ofrecido Carnahan, de haber dirigido finalmente esta cinta.

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FSO en Valencia 2019-20 [Crítica]

2019-11-24T11:56:00.000+01:00

Título: Film symphony orchestra. Tour 2019-20
Fecha de representación: 22 de noviembre de 2019, 3 y 4 de enero de 2020
Lugar: Palacio de congresos
Precio: desde 42€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Queridos somieres, llevo desde 2013 yendo fielmente a ver a la Film symphony orchestra, y a estas alturas ya es raro que puedan sorprenderme. No hablo de la calidad, porque verles siempre es un gusto para los sentidos, pero el espectáculo resulta menos novedoso... o eso pensaba yo.

Señoras y señores, permítanme un pequeño spoiler, o si no, no voy a poder transmitir lo que ayer sentí con un tema en concreto.

La última canción de la primera parte es "El éxtasis del oro", compuesta por Ennio Morricone bajo la petición del director Sergio Leone para la película "El bueno, el feo y el malo", film que supuso el cierre de "la trilogía del dólar".
A mí este tema me pone los pelos como Scorpions, porque tanto el mismo, como la secuencia que refuerza, me parecen puras obras de arte. Además, hace unos años hicieron un mashup de las primeras temporadas de la serie "Breaking bad" con una versión de esta canción, que también me gustó mucho.

Pues bien, si no iba ya bastante predispuesta a que me gustase esa interpretación, va la FSO y ¡¡consigue sorprendernos CONTANDO CON UNA SOPRANO!! Sí, como leen, ayer pudimos disfrutar de esta composición en su total magnificencia, con una soprano (Paloma Friedhoff Bello) que, como bien explicó Constantino Martínez-Orts que sucedía en el tema original, parecía que deliraba.

No puedo explicar con palabras la sensación que experimenté. Cuando llegamos al intermedio posteriormente, estaba incluso cansada de la energía que había puesto en disfrutar de ese momento, y no lloré por muy poco.

Por este motivo, antes de empezar a hablar del espectáculo con normalidad, que es lo que haría en otras ocasiones, he empezado por la mitad, porque quiero sugerir a los amigos de la FSO que valoren, si es que no lo han hecho aún, el hacer un especial con temas que contengan letra y/o coros.
Desde esta canción, hasta temas mucho más mainstream por ser cultura pop, como el "My heart will go on" de la BSO de "Titanic", pasando por "El milagro del amor", oída en "El Padrino", con su letra en castellano.
No sé hasta que punto esto podría reproducirse en más ocasiones, pero al igual que hicieron el especial de "John Williams", creo que sería de lo más resultón el hacer un especial de BSO de este estilo.

Y ahora, después de esta primera (¿primera?) "petición del oyente", sí que procederé a hablaros de esta nueva edición.

Esta vez nos sorprenden con un programa menos mainstream y la inclusión de muchas suite. Además, en plena polémica de "Scorsese vs Marvel", tienen a bien incluir un tema de la reciente "Vengadores: Endgame", concretamente el que suena cuando se empiezan a abrir los portales que transportan a todos los héroes y superhéroes que lucharán contra Thanos (a partir del minuto 2).
A ver si al final, si tiene una duración de film, tiene una BSO digna de ser seleccionada por la FSO y se estrena en cines, va a ser cine ¿eh? Porque puede haber cine bueno, cine malo, y cine peor, pero tanto Taxi driver como The Room, son cine.

Al principio el director nos hizo partícipes de su inquietud respecto a la sonorización del concierto, ya que hace unos meses se derrumbó parte del techo de "El palau de la música", emplazamiento original, y que les ha albergado desde la primera entrega. Pero afortunadamente, aunque "El palacio de congresos" esté más orientado hacia las charlas que hacia la música, cumplió sobradamente su función, y como siempre, sonaron excelsos.
Un único pero, es que noto que la iluminación ha decaído. No sé si la iluminación es propia de la compañía o es del recinto, pero, sobre todo hace varios años, el juego de luces era tan bueno que consiguió que hubiese 2 espectáculos paralelos, uno en el escenario, y otro en el techo.
Pese a que las luces siguen estando sincronizadas en su encendido y apagado, o sus colores están tematizados, predominando el azul y el morado con la suite de Aladdín, por ejemplo, el conjunto resulta más simple que en otras ocasiones.

Por lo demás, como siempre, Constantino Martínez-Orts ofrece al público humor y clases magistrales de música, añadiendo anécdotas cinematográficas. Y el público, completamente entregado, se emocionó y disfrutó bailoteando en sus butacas alegremente suite como la de Aladdín.

Así que, después de la primera "petición del oyente", sólo me queda despedirme hasta el próximo año, agradecer a Vaivén comunicación su amabilidad, recordaos que todavía quedan entradas en Valencia para el 3 y 4 de enero, y volver a dejar esta sugerencia (cómo lo iban a gozar los percusionistas con esta pieza):

PROGRAMA: 22 de noviembre, 3 y 4 de enero

Avengers: Endgame - Alan Silvestri

Cómo entrenar a tu dragón - John Powell

Interstellar - Hans Zimmer

Willow - James Horner

Aladdín - Alan Menken

Amelie - Yann Tiersen

El bueno, el feo y el malo - Ennio Morricone

Piratas del Caribe - Klaus Badelt

Regreso al futuro - Alan Silvestri

El secreto de la pirámide - Bruce Broughton

El discurso del rey - Alexandre Desplat

A.I. Inteligencia artificial - John Williams

Jurassic World - Michael Giacchino

Solo: una aventura de Star Wars - John Williams

Norte y sur - Bill Conti

Kings row (Abismo de pasión) - Erich W. Korngold

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Flashdance - El musical [Crítica]

2019-10-21T20:21:00.001+02:00

Título: Flashdance. El musical.
Duración: 130 minutos aprox (+ 20 de intermedio)
Fecha de representación: desde el 17 de octubre hasta el 3 de noviembre
Lugar: Teatro Olympia
Precio: desde 32€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Desde el 17 de octubre hasta el 3 de noviembre se representará en el Teatro Olympia de Valencia el musical "Flashdance". Servidora, de mano del Somier, ya ha tenido la oportunidad de verlo.

La crítica tendrá 2 partes, una más aséptica hablando puramente del musical en sí, y otra llena de spoilers en la que la compararé con la película.

EL MUSICAL

El musical, en líneas generales, sigue la película, pero introduce diversos cambios en la línea temporal y la trama de algunos personajes (esto se ampliará más en la siguiente sección), además, aumenta la duración de la misma en 40 minutos.

La orquesta nos va desgranando en directo los temas míticos de la película, siendo interpretados algunos en su versión original, como acompañamiento de los diversos bailes, o adaptados al castellano para poder ser cantados por los intérpretes como parte de la trama.

El escenario móvil, que posee luces LED y además recibe proyecciones, recrea diversas localizaciones, como son la fábrica, la casa de la protagonista (Alex), la academia de baile, la casa de la mentora de Alex y los 2 locales de streptease.

Las transiciones entre localizaciones se producen mientras la acción está en marcha, y cuando no hay una escena en ejecución, la banda se encarga de llenar los huecos que se puedan producir, por lo cual, en ningún momento tendremos sensación de que la obra está parando para efectuar el cambio, o que se está rompiendo el ritmo con esa intrusión.

Pese a durar sensiblemente más que el film, no cuenta más historia o incluye nuevas tramas, así que han optado por recrear más números musicales y de más duración. Muchos de ellos ya existentes en la película, y adaptados al castellano.

Todos los números están muy bien estructurados y tienen mucho dinamismo. En algunos momentos cambian en pocos minutos de una localización a otra, como si viésemos realmente la película en la que las acciones en distintos lugares suceden de forma inmediata. Y tanto las voces principales como los coros son excelentes. Así que, mis únicos peros son que, frente a la película, el musical peca de una estructura menos sólida, y que no veo del todo justificadas sus 2 horas y 10, siendo que no han alterado la trama original en cuanto a contenido.

Pese a estos 2 "peros", el musical es muy disfrutable y encantará a los fans de la película, y a los que no la han visto nunca.

Y ahora, si no has visto la película, prefieres ver primero el musical, o simplemente no quieres ver la comparación. Gracias por haber llegado hasta aquí.

EL MUSICAL vs LA PELÍCULA

El musical no sigue la estructura narrativa de la película, y resulta un poco más confuso y forzado. En el film, Nick primero descubre a Alex en el local de streptease, se entera de que es trabajadora de su fábrica, y posteriormente empieza a intentar conquistarla allí. Aquí, la primera toma de contacto se produce mientras ella está trabajando soldando, y todo se precipita sin mucho tacto, él enseguida se le acerca y casi por arte de magia, posteriormente aparece en el local a modo de caballero andante, sin mucha más explicación. Opino que deberían haber seguido la estructura de la película, que tiene bastante más sentido y coherencia.

Un cambio acertado por motivos logísticos es el de su amiga. En la película su mejor amiga es una aspirante a patinadora profesional sobre hielo, pero las obvias complicaciones de reproducir tal escenario, incluso aunque fuese con patines sobre ruedas, hace que este personaje ahora sea aspirante a cantante. Gracias a ese cambio, al que acompaña también un cambio de nombre, se facilita que uno de los temas icónicos de la BSO pueda ser adaptado como su leitmotiv a lo largo de su actuación.

Otro cambio curioso es que, en la película, más allá del tremendo enfado que le produce saber que Nick le ha ayudado para superar la primera fase para entrar en la academia, el resto de la relación no tiene mayor conflicto a nivel social. Aquí han metido conciencia de clase y lucha sindical, y la verdad es que eso me ha gustado mucho.

Podría analizar más cambios, pero grosso modo, el primero para mal, y los otros dos para bien, son los más destacables para quienes hayan visto la película.

Como ya he comentado en la parte anterior, pese a que la estructura es menos consistente, gustará a los amantes de los 80's, los musicales, y por supuesto, Flashdance.

Y de regalo, os dejo con la BSO, compuesta en buena parte por el incombustible Giorgio Moroder.

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El crack Cero

2019-10-02T12:50:00.001+02:00

Título: El crack Cero
Dirección: José Luis Garci
País: España
Actores: Carlos Santos, Miguel Ángel Muñoz, Luisa Gavasa, Patricia Vico, Pedro Casablanc, María Cantuel, Macarena Gómez, Belén López, Raúl Mérida, Cayetana Guillén Cuervo, Luis Varela, Ramón Langa, Andoni Ferreño, Alfonso Delgado, Jacobo Dicenta, Samuel Miró, Susana Paz, Jero García, Daniel Huarte
Año: 2019
Duración: 120'
Crítico colaborador: Warriors77

Valoración:

Rodada íntegramente en blanco y negro, y ambientada en la transición, la trama empieza con el suicidio del sastre Narciso Benavides. Su amante, Remedios (Patricia Vico), acude en ayuda del antiguo policía de la Brigada Criminal y ahora detective privado, Germán Areta (Carlos Santos), para que investigue acerca de acerca de su muerte. Para ello, Areta contará con la ayuda del raterillo Moro (Miguel Ángel Muñoz). Pero como siempre, nada es lo que parece en un principio.

Además de los intérpretes mencionados, dentro del reparto nos encontramos con caras tan conocidas como Pedro Casablanc, dando vida al abuelo, que en los dos anteriores cracks diera vida José Bodalo; María Cantuel como Adela, el interés amoroso de Areta; Macarena Gómez en el rol de Luisa, la secretaria del fallecido Benavides; Ramón Langa; Andoni Ferreño, como "el Solomillo", antiguo compañero de Areta; Luis Varela como Rocky, el barbero de confianza de Areta y que fue interpretado en las dos anteriores cintas por Manuel Lorenzo o Daniel Huarte como Meri, a quién dio vida José Luis Merino en el crack 1 y 2.

Cuando se anunció esta precuela del crack, una de mis cintas favoritas, me alegré bastante. Puesto que durante años, y seguro que no fui el único, estuve esperando ver a Landa volver a dar vida a uno de sus roles más reconocidos. Pero, por diversas circunstancias, la tan ansiada tercera parte del crack no pudo hacerse realidad.

Pero, ahora por fin, los seguidores de Areta podemos ver como "el Piojo" creó su agencia de detectives, como conoció al "Moro", de dónde sacó su apodo y cómo fue uno de sus primeros casos. Si esto fuera una producción estadounidense, se podía haber titulado Areta Begins. De hecho, el primer título barajado fue Areta investigación, para acabar titulándose como El crack cero.

Y he decir que la espera ha merecido la pena. Voy a tratar que el fan que soy del crack no salga del todo a la luz, y ser lo más imparcial posible acerca de la última propuesta del director de Volver a empezar o Las verdes praderas. Como buen seguidor del cine negro que es Garci, de hecho el film está dedicado a James M. Cain, autor de Pacto de Sangre que dio pie a Perdición, tal y como los dos anteriores cracks estuvieron dedicados a Hammet y Chandler, padres de la literatura negra.

De lo que no hay duda es que Garci le tiene bien cogido el pulso al cine negro. Se toma su tiempo en presentarnos a los personajes, las situaciones y en no descubrirnos más de lo necesario, de forma que los espectadores no sepan más que el detective, y vayan descubriendo las pistas a la vez que lo hace Areta.

Cuando se anunció el reparto, tenía mis dudas acerca de los dos principales intérpretes a la hora de dar vida a dos personajes tan icónicos como "el Piojo" y "el Moro", y más siendo Landa y Rellán quienes les dieron vida. Pronto esas dudas quedaron disipadas. Santos está muy bien como Areta, siendo un más que digno sucesor de Landa. Pero quien sin duda me sorprendió para bien fue Muñoz. El que fuera intérprete de Un paso adelante, aprueba con nota, y espero que siga así en futuros papeles. Tal y como hiciera Rellán en los dos anteriores cracks, supone el alivio cómico en no pocas ocasiones, aunque también tiene ocasión para lucirse en un par de escenas dramáticas.

Aun así a la cinta hay que sacarle un par de peros. La primera es que Garci deja una trama secundaria coja, tranquilos que no os voy a reventar nada de la trama, aunque más o menos se deja entrever el destino de uno de sus protagonistas. Pero este argumento nos sirve para presentarnos, por si había alguna duda, a Areta como un tipo íntegro y que no se deja vender, por muy alto que sea el precio.

El segundo pero es una incongruencia de guión, o al menos eso me pareció entender. En un momento determinado de la cinta, Areta y el abuelo se reúnen, y una vez más se dejan entrever los motivos que llevaron al ahora detective a su salida de la policía. Si en El crack 2 se nombraba una investigación, ahora Garci y su guionista nombran el caso Almería. ¿Mala memoria de Garci, fallo de guión, no quiere dejar claro el verdadero motivo?

El tercero es que esta cinta toma elementos del crack uno y dos. El personaje interpretado por Andoni Ferreño recuerda al interpretado por Manuel Tejada, el inicio de la cinta con la partida de mus recuerda al del crack dos y lo que pasa después recuerda, y mucho, a los impactantes principios de los primeros cracks.

Con esto Garci no solo se homenaje a sí mismo y a sus cintas más famosas, sino que también lanza unos guiños a los seguidores de las mismas.

Pero son un par de detalles sin importancia, que no tienen por qué dejarnos de disfrutar una vez más de uno de los mejores personajes que ha dado nuestra filmografía negra. Si os gustaron los anteriores cracks, no lo dudéis y ved esta precuela. Seguro que no os arrepentiréis.

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Padre no hay más que uno

2019-07-24T15:57:00.000+02:00

Título: Padre no hay más que uno
Dirección: Santiago Segura
País: España
Actores: Santiago Segura, Toni Acosta, Silvia Abril, Leo Harlem, Anabel Alonso, Pepa Charro, Wendy Ramos, Fernando Gil, Goizalde Núñez, Luna Fulgencio, Martina D'Antiochia
Año: 2019
Duración: ?
Crítico colaborador: Yolanda (@Mami3.0)

Valoración:

Nos llena de orgullo y satisfacción anunciar que desde esta crítica, colaboraremos puntualmente con el blog sobre maternidad "Mami3.0" ¿Y cómo es eso? pues Yolanda, fundadora del blog y hermana de nuestro colaborador habitual Warriors77 de Cinefagia80, se ocupará cuando pueda de las "películas familiares", para darnos una visión distinta sobre este cine, más cercana a lo que unos padres pueden desear saber, como: "¿Será una película apta para niños muy pequeños o se aburrirán?", "¿Será muy infantil o me gustará también?".

Desde este prisma, Yolanda nos desgranará los films.

Bienvenida a nuestra familia, donde ya estaba parte de la tuya.

___________________________________

Os contaré una cosa, mi hermano mayor es un cinéfilo empedernido, gracias a él desde pequeña, he podido disfrutar de muchos géneros cinematográficos y una de mis películas favoritas era “Padre no hay mas que dos” de Andrés Pajares y Fernando Esteso: padres separados que tienen que hacerse cargo de una buena tropa de hijos. Siendo Santiago Segura otro gran cinéfilo y amante del cine español de antes y sus actores (recordemos cómo recuperó a Tony Leblanc en sus películas de Torrente), me pregunto, salvando las distancias y diferencias y empezando por el título que es similar……. ¿Será la nueva película de Santiago Segura un guiño, un remake modernizado o un homenaje a estos actores y a aquel maravilloso film?

En "Padre no hay más que uno", Santiago Segura y Toñi Acosta son padres de 5 hijos, él, adicto al trabajo, y ella madre entregada al cuidado de la casa y los hijos, a parte de su trabajo. ¿Qué ocurre cuando esa madre, harta de la rutina y un marido “sabelotodo” que piensa que el cuidado de los niños esta “chupado”, decide darse un merecido descanso y se marcha una semana de vacaciones?

Bajo esta premisa, a partir de entonces vamos a disfrutar en clave de humor y sarcasmo, de un padre que descubre la difícil tarea de ser papá 24 horas al día, mezclada con la adolescencia, la rebeldía, las rabietas y las interminables preguntas de cada uno de sus hijos, los colegios, las mamis del cole, extraescolares ……. Y nos iremos metiendo en un día a día caótico y en un ¿qué mas les puede pasar? Pero lo más importante es que tanto padre como hijos pasan de ser prácticamente unos desconocidos a conocerse por fin de verdad.

La película cumple su cometido entreteniendo y llegando, con muchas alusiones a cosas sobre los tiempos que vivimos, al publico infantil y preadolescente (cabe destacar también que la actriz que da vida a la hija mayor es una conocida youtuber, que a mi hija le encanta, por cierto)

A parte del humor sarcástico, una de las cosas que más me han gustado, como madre de dos niños, es verme reconocida en muchas situaciones, así que creo que a los papis les va a gustar

Por último, uno de los alicientes que para mí tenía esta película es que varias escenas están rodadas en Guadalajara, mi ciudad (compartiendo exteriores con Madrid y Toledo), de hecho pude observar en directo como se rodaba una de esas escenas, y verlo en la gran pantalla, no os negaré que me ha hecho ilusión

En definitiva, una película que me recuerda al cine español de antes, en clave de comedia actual, perfecta para disfrutarla en familia una tarde de verano.

Hasta la próxima peli 😉

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Spider-Man: Lejos de casa

2019-07-01T18:09:00.001+02:00

Título: Spider-Man: Lejos de casa
Título original: Spider-Man: Far from home
Dirección: Jon Watts
País: EEUU
Actores: Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Jake Gyllenhaal, Marisa Tomei, Michael Keaton, J.B. Smoove, Jon Favreau, Samuel L. Jackson, Cobie Smulders, Angourie Rice, Davina Sitaram, Martin Starr, Remy Hii, Tony Revolori, Numan Acar, Samantha Mishinski, Hemky Madera, Eric Patrick Cameron, Ruth Horrocks, Joseph Long, Jeroen van Koningsbrugge, Sonia Goswami, Peter Bankole, Emily Ng, Giada Benedetti, Hiten Patel, Bruno Bilotta, Michael de Roos
Año: 2019
Duración: 129'
Crítico colaborador: Antonio Ramón Jiménez Peña

Valoración:

Spider-Man: Lejos de casa. Del ingenio y otras carencias.

Spider-Man: Lejos de casa llegaba para cerrar una era en el Universo Cinematográfico Marvel, tal como se empeñó en recordar Kevin Feige en unas imágenes previas al visionado de la nueva película de nuestro amigo y vecino. Y esa, la tónica de la insistencia burda y la repetición, es la que conduce a la secuela de Homecoming a un fracaso maquillado de triunfo en su segunda mitad, que cambia de rumbo para intentar salvar los muebles de un ejercicio carente de imaginación y del carisma que Tom Holland y Jake Gylenhall se empeñan en dotar a unos personajes maniqueos en exceso. De hecho, el corte a la primera escena tras la animación de los créditos iniciales es hasta sintomático: pasamos de la imagen de Columbia Pictures con la mítica efigie que sostiene una antorcha que ilumina la pantalla a una estatua de piedra en una carretera que rápidamente es ignorada con un frenético paneo que sigue a un coche en el que se encuentran Nick Furia y Maria Hill. El destello y la luz de la figura original no sólo han desaparecido en el único intento de coherencia estética del filme, sino que, además, la escultura de piedra tiene apenas un segundo en pantalla antes de que nos traslademos al lugar donde John Watts prefiere situarnos: el de la acción frenética y constante, sin tiempo para la contemplación o la búsqueda de originalidad formal. El viaje de Peter Parker a Europa, culminación de esta falta flagrante de imaginación y del camino hacia la infantilización que Disney sigue promoviendo en las películas Marvel, no sólo coquetea la vergüenza ajena en su

concepción humorística, sino que, además, demuestra el poco ingenio de su director para planificar una secuencia en la que lo único que destaca es una cámara temblorosa y al hombro que no parece tener función más allá de cambiar el ritmo de la cinta hacia el videoclip.

El continuo ensalzamiento a Tony Stark, también en línea con la agresiva campaña de marketing del estudio sobre el nuevo Iron Man, no sólo desdibuja la verdadera asunción de la pérdida a la que se enfrenta Peter Parker, sino que, además, deifica al personaje que interpretó Robert Downey Jr. en pos de un fan-service rancio y conformista. Por suerte, Mysterio salva la situación durante el primer tramo, y se convierte, a excepción de la escena que divide la película en dos, en la única demostración de que aún quedan ideas en la casa del mismo nombre. El personaje de Gyllenhaal, además de tener una magnífica química con Tom Holland, protagoniza la mutación conspiranoica de la cinta en su segunda mitad, sembrando también una interesante reflexión sobre el artificio que bien podría achacarse a Marvel Studios en particular y a todo el audiovisual por el abuso de efectos especiales. Pareciera entonces que por fin Watts ha tomado la batuta, decidiendo, al menos desde sus planteamientos narrativos, la voz de su película, pero el atrevimiento llega tarde y a costa de destrozar el personaje de MJ, cuyas trazas de complejidad se desdibujan hasta convertirla en mero trofeo para el héroe salvador. El final de la cinta siembra, eso sí, un futuro movido para el Universo Marvel, brillante guiño mediante incluido en la escena ¿postcréditos? -interrogado aquí porque, aunque ocurre entre los créditos finales, suena más a desenlace de la propia película, a modo de cliffhanger, que a escena extra- en la que resuena el triunfo del bulo y el engaño. Tal y como el que la Casa de las Ideas nos ha intentado colar.

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X-Men: Fénix oscura

2019-06-05T20:31:00.000+02:00

Título: X-Men: Fénix oscura
Título original: X-men: Dark Phoenix
Dirección: Simon Kinberg
País: EEUU
Actores: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp, Kodi Smit-McPhee, Evan Peters, Scott Shepherd, Ato Essandoh, Brian d'Arcy James, Summer Fontana, Hannah Emily Anderson
Año: 2019
Duración: 116'
Crítico colaborador: JJ Bonal

Valoración:

El viernes 7 de junio, la escuela de jóvenes talentos del profesor Charles Xavier se despide de la FOX con su última entrega. X-Men: Fénix Oscura, que sigue la estela de “Primera Generación”, “Días del futuro pasado” y “Apocalipsis”. Ambientada en los años setenta, los X-Men son enviados a auxiliar a los miembros de una fallida misión espacial. Sin embargo, en el transcurso del rescate, una fuerza cósmica desconocida entrará en el cuerpo de la joven Jean Grey, desatando consecuencias devastadoras.

La película cumple. Por desgracia, también sigue la estela de otras películas de superhéroes, que nos presenta un villano protagonista de una larga saga de los cómics (en este caso, la Fuerza Fénix), y que se nos finiquita en una única entrega. Ultron, Apocalipsis, Dormammu... Y ahora se une al club la fuerza psiónica.

El guión de Simon Kinnberg, (que también corre a cargo de la dirección), se centra en las sagas de Fénix y Fénix Oscura. Desgraciadamente a pesar de centrarse en esas dos sagas, la trama no es fluida, avanza a diferentes saltos bastante abruptos y no convence. Los personajes principales apenas tienen unas lineas y vemos una mezcla de angustia con ira por parte de Jean Grey, pero desde luego no una fuerza oscura que la vaya poseyendo poco a poco. Francamente, cabría esperar un mejor trabajo para un cierre de saga. Ojo, la película en si no es mala. La interpretación de Sophie Turner es correcta, (aunque queda eclipsada por el dúo Fassbender-McAvoy, cuya linea que separa el héroe del villano es más fina y difusa que nunca) también con correctos la fotografía, la musical o el enfoque. En general tiene todo lo necesario para ser una buena película. El problema es que te deja totalmente frío, y con la sensación de haber sido un desperdicio de tiempo. En cuanto al villano final, veremos una actuación absolutamente plana por parte de Jessica Chastain. Es imposible tomarse este villano en serio. Entre sosa y mediocre, a la altura del filme.

En mi opinión, si eres un gran fanático de las películas de los X-Men y los mutantes al que no importa más que los personajes, o te gustó su predecesora, podrás disfrutar viéndola. No obstante, en general no recomiendo verla fuera del día del espectador. Y si queréis disfrutar de una Fénix realmente oscura y movida por sus pasiones, tirad de hemeroteca y visionad “X-Men III, la decisión final”.

Enviáis a una cría a hacer el trabajo de una mujer. Y luego pasa lo que pasa...

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HELLBOY (2019)

2019-05-11T01:32:00.002+02:00

Título: HELLBOY
Director: Neil Marshall
País: UK
Actores: David Harbour, Ian McShane, Milla Jovovich, Sasha Lane, Daniel Dae Kim, Thomas Haden Church, Penelope Mitchell, Sophie Okonedo, Brian Gleeson, Kristina Klebe, Alistair Petrie, Ashley Edner, Douglas Tait, Bern Collaco, Mario de la Rosa, Atanas Srebrev, Michael Heath, Ava Brennan, Mark Basnight, Eddy Shore, Tihomir Vinchev, Anthony Delaney, Vanessa Eichholz
Año: 2019

Duración: 120'

Crítico: Blueberry

VALORACIÓN:

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Miracle Workers

2019-04-08T18:46:00.000+02:00

Título original: Miracle Workers

Año: 2019

País: Estados Unidos

Dirección: Simon Rich (Creator), Ryan Case, Maurice Marable, Jorma Taccone, Dan Schimpf

Guion: Simon Rich, Cirocco Dunlap

Fotografía: Brian Burgoyne

Reparto: Steve Buscemi, Daniel Radcliffe, Geraldine Viswanathan, Karan Soni, Sasha Compère, Jon Bass, Lolly Adefope, Mike Dunston, Caleb Emery,

Productora: Broadway Video / Studio T. Distribuida por Turner Broadcasting System

Género: Comedia

Estreno: 29 de Marzo en TNT
Redactor: Pagalitros

Valoración:

Volvemos a la acción, con un nuevo estreno para la pequeña pantalla. Miracle Workers es una comedia que se podría decir que es divina, por lo menos por su temática. Estrenada hace un par de semana por el canal TNT, nos encontramos con una comedia donde sus caras más conocidas son Daniel Radcliffe (en un nuevo intento por hacernos olvidar a su Harry Potter) y Steve Buscemi, de regreso a televisión tras Broadwalk Empire, donde interpreta a Dios.

Dios (Buscemi) está aburrido y tiene una idea, la de crear una especie de restaurante rotatorio. Pero antes tiene que hacer algo que tenía pendiente desde hace tiempo, destruir la Tierra. Eliza (Geraldine Viswanathan) acaba de ser trasladada al departamento de plegarias, donde sólo trabaja Craig (Radcliffe), ante el cierre del departamento, le propone a su jefe que si es capaz de realizar una sola plegaria catalogada de "imposible" en dos semanas, la Tierra se salvará.

Esta es la premisa de Miracle Workers, una divertida y gamberra propuesta, que durante sus primeros episodios nos ha servido a modo de presentación de sus personajes, y su trama central. Habría que destacar a Steve Buscemi, como ese Dios despreocupado de todo, que en general tiene una serie de ideas innovadoras que, por una cosa u otra, está más interesado en la creación de su restaurante. Por otro lado, muestra también su lado vengativo, cuando ve por televisión a un cómico ateo.

Por si alguien se lo pregunta, nuestro Harry Potter, interpreta a un currito del cielo que no tiene amigos y está entregado por completo a su trabajo. Aunque la mayoría de las veces se dedica a buscar las llaves de la gente que se lo pide en sus plegarias. Con la llegada de Eliza, suponemos que tendrán más de un conflicto de intereses, ya que ella es todo lo contrario.

Además tenemos a secundarios, como Sanjay, un ejecutivo pelota bastante estirado, que anteriormente trabajaba en el departamento de plegarias. No hace muy buenas migas con Craig y Eliza. Rosie, la secretaria de Dios, que evitará participar en cualquier tarea a la que su jefe le asigna. Y por último, Sam y Laura, la pareja de jóvenes que nuestros protagonistas tienen que unir para poder salvar a la humanidad.

La serie se basa en la obra What in God’s Name, escrita por Simon Rich, que es también el creador de la serie. En la producción ha participado uno de los grandes nombres de la comedia americana que es Lorne Michaels, el creador del mítico programa de televisión Saturday Night Live. Además de sus protagonistas, Buscemi y Radcliffe.

Con todo esto, Miracle Workers, es una serie que promete. Aquellos a los que les gustan las comedias con cierta mala baba, le deben de dar una oportunidad.

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Dragon Ball Super: Broly

2019-04-02T18:32:00.000+02:00

Título: Dragon Ball Super: Broly
Título original: Doragon bôru chô: Burorî
Dirección: Tatsuya Nagamine
País: Japón
Actores: Animación
Año: 2018
Duración: 100'
Crítico colaborador: Salvilla

Valoración:

Muchos de nosotros, entre los que me incluyo, en la banda sonora de su infancia incluirían el opening de las muchas variantes que existieron de la saga Dragon Ball. Incluso hasta aquella saga que seguro que se gestó después de un”A que no tienes coj...”, llamada Dragon Ball GT, la cual, aunque en su mayoría fue una broma de mal gusto, tuvo una saga dentro de la saga (sólo una, de las muchas que hubo) ciertamente aceptable: La del enano cabrón llamado Baby.

Quien más y quien menos, ha hecho un Kame Hame Ha (el que se inventó lo de Onda Vital, allá haya tenido que exiliarse a un país feo como un lunes al volver de vacaciones), se ha intentado convertir en Súper Guerrero, etc. Dragon Ball es sinónimo de una época. Y como estamos inmersos en la moda de la nostalgia (o traduciendo, recuperando viejas ideas porque no hay imaginación ni dinero para otra cosa) muchas viejas series intentan revivir aunque sea una milésima gota de las mieles del éxito que disfrutaron años, e incluso décadas atrás.

Dragon Ball no es una excepción. Después de una más que correcta vuelta con una película que introducía a un personaje a la altura de los más clásicos, siguió el retorno dentro del retorno, que no fue otra cosa que resucitar a un personaje que, aunque es para mí de los mejores de la saga, empieza a ser más aborrecible y cansino que los chistes de Millán Salcedo.

Todo personaje que venga después de mi será caca de la vaca, y lo sabes

¿Qué nos presenta esta tercera película? Pues sin ánimo de hacer spoilers, seré claro y directo: Tomarnos por gilipollas, ofrecernos una trama infantiloide que se pasa por el forro cierta parte de la historia del personaje que aquí nos ¿presentan? Todo esto sabedores de que en vez de estar atados a una hipoteca y de crear una prole, como personas de provecho… estaremos expectantes en la puerta del cine cual adolescentes ante un concierto de los Gemeliers.

La primera media hora es ciertamente salvable. Presenta la historia de los saiyajins. A pesar de que no dice nada que no supiéramos o intuyéramos (¿El Rey Vegeta un cabroncete? Quién lo diría) mostrando más o menos los orígenes del planeta Saiyan, el cual fue sometido más pronto que tarde por el ejercito de Freezer. Dicha media hora no es otra cosa que una burda estratagema para meter con calzador de nuevo al personaje anteriormente citado, que posteriormente si le hubieran puesto unos pompones en plan animadora a favor Broly, tampoco habría desentonado. Total, no aporta un carajo a la trama, y si no aparece, tampoco nadie lo echaría de menos. De veras, soy un acérrimo fan de dicho personaje, pero empieza a ganarse el título de cansino histórico.

Muchos otros personajes míticos de la saga, aparecen a modo de cameo innecesario y metido con calzador, siempre que quisieras meter un pie de talla 42 en un zapato de talla 38 (¿Alguien ha dicho Piccolo?)

Posteriormente, viene lo realmente interesante, y por lo que a todos nos gusta Dragon Ball: Las tollinas. La pelea tiene bastante ritmo, está animada de manera bastante decente, y a pesar de que repita la misma canción todo el rato, se hace amena. Cabe destacar también la animación. En algunos momentos, se nota de sobremanera (para bien) el ordenador, y en otras ocasiones es bochornosamente horrenda (momentos en los que los personajes no tienen NINGUNA expresión facial).

Todo se resuelve finalmente, de un modo muy dragonballniano. Al fin y al cabo es una serie infantil, y el final de ésta película le hace bastante justicia a tal hecho.

Conclusión: Diría que la película hará las delicias de los fans... pero ni eso. A mi parecer, la saga ya empieza a evidenciar signos de agotamiento. Que algo haya sido un fenómeno relevante, no justifica que tenga que serlo de manera perpetua.

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Angie Tribeca

2019-03-20T22:39:00.000+01:00

Título original: Angie Tribeca
Año: 2016
Duración: 24 min.
País: Estados Unidos
Creadores: Nancy Carell, Steve Carell
Guion: Nancy Carell, Steve Carell, Marisa Pinson, Alex J. Reid, Ava Tramer
Música: Jim Latham
Fotografía: Tom Magill, Matt Sohn
Reparto: Rashida Jones, Jere Burns, Deon Cole, Hayes MacArthur, Andree Vermeulen, Chidi Ajufo, Laura Bell Bundy, Andreas Wigand
Productora: Carousel Television / 301 Productions / TBS Productions
Género: Comedia, Policíaco
Redactor: Pagalitros

Valoración:

Hoy el amigo Pagalitros viene a recomendaros una comedia que puede que haya pasado algo desapercibida, y que ahora con el estreno de su cuarta temporada, va siendo hora de comentar. Se trata de Angie Tribeca, creada por el actor Steve Carrell (el Michael Scott de The Office) y su esposa Nancy. Ambos recuperan la idea de usar el humor absurdo de Agárralo como puedas, con esta serie que se ríe de los típicos show policíacos de la actualidad al estilo CSI o NCIS.

La detective Angie Tribeca trabaja en el departamento policial de Los Angeles. Ahora le han asignado un nuevo compañero, Geils, con el que tendrá que investigar una serie de delitos que pueden estar relacionados con la desaparición de un antiguo amor de ella, el sargento Pepper. La pareja de detectives no estarán solos, contarán con la ayuda de los detectives Tannen y Hoffman, este último un pastor alemán.

Lo primera que llama la atención, es el humor paródico de la serie, ya que en apenas sus veintipocos minutos pasan mil y un gags por un minuto. Aquel espectador que no este acostumbrado este tipo de humor, se llevará una grata sorpresa, ya que el guión trata de evitar el humor facilón (a base de escatología) que se suele hacer habitualmente en películas tipo Casi 300 o las últimas entregas de Scary Movie. Nos encontramos con bromas más elaboradas, e incluso algunas muy divertidas, tampoco falta alguna fallida (no son perfectos).

Además se ríe de los tópicos mil veces visto en este tipo de shows policíacos procedimentales. Donde nos encontramos con un equipo muy profesional, unos personajes que se ríen de los arquetipos (en el equipo de Angie tenemos, como no, al afroamericano graciosete) donde hay un jefe que no para de gritarles y donde los forenses tienen unos métodos muy particulares a la hora de dar con las pistas.

Como ya he mencionado, la serie no es perfecta, tras ver algunos episodios, el efecto de frescura y originalidad de las bromas desaparecen y en ocasiones sabes por dónde van a venir. Pero para sorpresa de todos, hay cierta continuidad que hace que te mantenga pendiente de lo que le suceden a nuestros protagonistas, y en especial a Angie.

Porque otro de los aciertos de la serie es contar con Rashida Jones (también vista en The Office), la cual se convierte en la versión femenina de Frank Drebin, el protagonista de la mencionada Agárralo como puedas. Su Angie es una intrépida detective, capaz de resolver cualquier caso, pero que tiene problemas a la hora de entablar una relación sentimental. A pesar que su compañero, Gails, desde el primer minuto se muestra más que interesado en ella.

El resto del reparto cumple de sobra, donde tenemos a ese teniente que no para de gritar y de decir cosas absurdas que interpreta Jere Burns (visto en mil series como Justified o Burn Notice), Deon Cole (visto en Black-ish) como el simpático del grupo, la doctora Scholls (pues sí, como la famosa marca de plantillas) o el simpático Hoffman, el agente canino más humano del departamento.

Además, en estas cuatro temporada se han dejado ver una gran cantidad de cameos y roles secundarios por parte de gente como James Franco, Lisa Kudrow, Alfred Molina, Bill Murray, Nathalie Portman, Chris Pine, Heather Graham, Jon Hamm o Bobby Cannavale. Este último interpretando al hijo de nuestra de Angie. Nuestra protagonista, tras se ingresada en la cárcel durante 20 años, es de nuevo reclutada por una nueva unidad especial de crímenes.

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Mirai, mi hermana pequeña

2019-03-13T14:01:00.001+01:00

Título: Mirai, mi hermana pequeña
Título original: Mirai
Dirección: Mamoru Hosoda
País: Japón
Actores: Animación
Año: 2018
Duración: 100'
Crítico colaborador: Antonio Ramón Jiménez Peña

Valoración:

Kun, un cascarrabias de 4 años de edad, es el protagonista de ‘Mirai, mi hermana pequeña’. La nueva película de Mamoru Hosoda es un relato fluido y discontinuo conducido por la percepción del pequeño en un nuevo evento de su vida: el nacimiento de su hermana Mirai. La mirada del niño, guía de la película, explica las fluctuaciones que afectan al relato en su estructura episódica, como recuerdos concretos de nuestra infancia que permanecen en nosotros y aparecen inconexos en nuestra mente, pero también a la convivencia entre realidad e imaginación, fundidos en un binomio inseparable.

El niño se convertirá, a través de un simbólico árbol que le servirá de modo de zona de despegue, en un viajero de sus fluctuaciones entre su vívido ingenio y su propia realidad, paseando por sus hojas a través de pasado, presente y futuro y, finalmente, entre recuerdo y verdad. No lo hará solo, pues como si de una navidad dickensiana se tratase, espectros de otro tiempo (su perro humanizado en el presente, su hermana desde el futuro y su abuelo desde el pasado) le acompañarán en un camino que le llevará, como al excéntrico Ebezener Scrooge, a conciliar su particular y odiada fiesta: su condición como hermano mayor.

El exceso de verbalización a lo largo de la película, demasiado explicativa en su tramo final, delata las intenciones de Hosoda, que con su séptimo largometraje prolonga la exploración que le obsesiona en su carrera: las relaciones interpersonales, desde la conciliación entre la niñez y la vejez en ‘Summer wars’ hasta las relaciones paterno-filiales en ‘El niño y la bestia’, pasando por la amistad adolescente en ‘La chica que saltaba a través del tiempo’ a la relación materna con sus hijos en ‘Los niños lobo’.

En ‘Mirai, mi hermana pequeña’, la preocupación temática principal es la relación entre hermanos, pero también hay reflexiones muy marcadas sobre la paternidad, la división de los cuidados o el trabajo doméstico del varón, exteriorizadas desde los padres de Kun. Sin olvidar otras cuestiones como el paso del tiempo, el recuerdo frente a la verdad e incluso las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, que aún resuenan en la memoria japonesa. Hosoda construye la que es, hasta la fecha, su película más ambiciosa.

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La familia Addams - El musical

2019-02-22T20:51:00.000+01:00

Título: La familia Addams (musical)
Duración: 125 minutos aprox (con intermedio)
Fecha de representación: desde el 21 de febrero hasta el 17 de marzo
Lugar: Teatro Olympia
Precio: desde 29€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Después de triunfar en Madrid, y empezar su andadura por distintas ciudades de España, el Somier ha tenido el placer de acudir a ver el musical de "La familia Addams", en el teatro Olympia de Valencia.

Si hay somieres que quieren acudir, tendrán oportunidad de hacerlo hasta el 17 de marzo (pudiendo aprovechar los que no sean de la zona para visitar la ciudad y ver las fallas). Aquí os dejamos nuestra noticia con más información al respecto.

Y ahora metiéndonos en materia ¿hace falta presentar a una de las familias más famosas del audiovisual? Bueno, quizá un poco, ya que los Addams que veremos aquí no son tal cual los Addams que hemos ido viendo a lo largo del tiempo.

Las personalidades no son ni como en la serie de los años 60 (coetánea de la Familia Monster), ni como en las dos películas que los adaptaron décadas después (obviaremos otras infames adaptaciones en este caso).
En la serie, pese a ser siniestros, tenían un punto más dulce, el cual desterraron en las adaptaciones cinematográficas, sobre todo en cuanto al personaje de Morticia se refiere. Allí, una maravillosa Anjelica Huston dotaba al personaje de un aura elegante y siniestra, sin embargo, aquí, (con una espléndida Carmen Conesa), no sé si en una adaptación más patria, o proveniente del original de Broadway, Morticia resulta ser ciertamente una mezcla de ella misma + Peggy de "Matrimonio con hijos" y Elvira (clásica del género donde las halla).
Gómez es bastante más pusilánime de lo que hemos visto hasta el momento, esta Miércoles supera con creces en expresividad a las anteriores, y Pugsley, el otro hijo, resulta más bobalicón que sus predecesores.

Así que, una vez superada la sorpresa inicial por el cambio de personalidades, que por otro lado, resulta típica en los musicales de comedia, donde todo se exagera más es pos del espectáculo, para que todos los espectadores puedan captar bien las emociones y matices de la trama y todo sea más alocado y divertido, empezaremos a desgranar el espectáculo en sí.

La escenografía consta de una parte fija y una móvil. Siempre veremos el suelo del salón, y las estancias irán cambiando a medida que las paredes se mueven.
Durante buena parte del show, las canciones de la familia estarán reforzadas por el "fantasmagórico" cuerpo de baile, mientras suena la música en directo.
En el terreno de las voces, a destacar sobre todo la de Lydia Fairén interpretando a Miércoles, y la de Eva Mª Cortés como Alice, la madre del novio de Miércoles.

Veremos gran parte de la iconografía addamsiana que todos tenemos en mente: vestuario, decoraciones del hogar y armas, servirán para que cada personaje desarrolle ese lado siniestro, que tan felices les hace sentir. Porque, en este caso sí, al igual que sus predecesores, el torturar a seres queridos y el caos y la desolación, les produce un tremendo regocijo.

La historia que desarrollan es un clásico que nunca falla, y es que el salto de la adolescencia a la madurez de los hijos, y la posibilidad de que su pareja no le guste a sus progenitores, ha sido explotada innumerables veces desde todos los prismas posibles.
Aquí no tenemos a una hija blanca y un novio negro, como en "Adivina quién viene esta noche", a un padre controlador y obsesivo con la seguridad, como en "Los padres de ella", o la eterna lucha de clases cuando uno de los dos es pobre. Aquí tenemos el yin y yang que se produce al mezcla la luz y la oscuridad, aderezado con canciones y comedia.

La obra es divertida, tiene unas cuantas "morcillas" a la española (¡esa referencia al gran José Luis López Vázquez!) y consigue arrancar las risas del público en diversas ocasiones.
Aunque no tenga el mismo tono que serie y películas, el musical gustará tanto a fans, como a no seguidores de esta disfuncional y entrañable familia.

Gracias a Lets go company por permitirnos colaborar con ellos.

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Holmes y Watson

2019-02-20T18:59:00.002+01:00

Título original: Holmes y Watson
Año: 2018
País: Estados Unidos
Dirección: Ethan Coen
Reparto: Will Ferrell, John C. Reilly, Lauren Lapkus, Rob Brydon, Kelly MacDonald, Rebecca Hall, Ralph Fiennes, Hugh Laurie, Pam Ferris, Bella Ramsey, Scarlet Grace, Noah Jupe, Oliver Maltman, Wolf Roth, Gerard Monaco, Ethan Rouse

Valoración:

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Amigos de la universidad

2019-02-12T15:32:00.001+01:00

Título original: Friends from College (TV Series)

Año: 2019

Duración: 30 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Nicholas Stoller, Andrew Gurland

Guion: Francesca Delbanco, Nicholas Stoller, Tiffany Barrett, Ron Weiner, Andrew Gurland, Colleen McGuinness, Justin Nowell, Ian Edwards, Broti Gupta

Música: Michael Andrews

Fotografía: John Guleserian

Reparto: Fred Savage, Keegan-Michael Key, Nat Faxon, Annie Parisse, Jae Suh Park, Cobie Smulders, Billy Eichner, Greg Germann, Zack Robidas Productora: Netflix / Stoller Global Solutions.

Género: Comedia negra
Autor: Pagalitros

Valoración:

Y seguimos con las series, ahora en invierno con todo el frío ¿Quién es el guapo que se acerca a una sala de cine? Netflix hace poco ha estrenado la segunda temporada de Amigos de la universidad, una tragicomedia protagonizada por seis amigos, que como reza su título, se conocen de sus tiempos de universitarios.

El director Nicholas Stoller (Malditos vecinos) y Francesca Delbanco, son los creadores y productores ejecutivos, además de participar en la dirección de varios episodios. La historia se centra en este grupito de amigos que estudiaron en Harvard. Ahora se enfrentan a la crisis de los 40. Algunos de ellos con éxito y otros que no se comen ni una rosca. Las relaciones ahora se volverán más complicadas, a pesar que están buscando el equilibro, siempre están añorando el pasado.

Por ahí viene Pagalitros. Hacer como que no lo vemos.

En la primera temporada, Ethan y Lisa se mudan a Nueva York, para unas nuevas aventuras laborales (él es escritor y ella abogada). Su recuentro con Marianne, Nick, Max y Sam, será más movidito de lo que pensaban. Sam tiene un affaire con Ethan, que comenzaron en la universidad, y será una de las tramas principales, junto con el intento de Lisa de quedarse embarazada.

Ya en esta segunda temporada Ethan y Lisa se han divorciado, algo parecido le sucede a Sam. Max está a punto de casarse (a pesar que casi acaba de separarse de su novio en la anterior temporada). Mientras que Nick intenta dejar a las jovencitas para tener una relación con una mujer más acorde a su edad (a pesar de que está enamorado de Lisa), y Marianne sigue en las típicas cosas de actriz en paro.

Que sí, que tenéis que leerme en Doctor Somier todos los meses, que escribo unos artículos muy divertidos.

Al igual que la primera temporada, a la serie al principio le cuesta arrancar, pero una vez pasados sus dos primeros episodios, el grupo de amigos empezarán a interactuar más entre ellos. Lo veremos en situación cómicas e hilarantes, como la celebración del 4 de Julio, una cutre despedida de soltero en Atlantic City (con canciones de Spice Girls), un inesperado funeral patrocinado por un refresco de moda y el culmen final, la boda de Max.

Se nota que la idea, vendría de un guión para cine. Pero el salto a serie de televisión le viene genial. Se ve rapidísimo, son dos temporadas de 8 episodios cada una, con una duración de veintipocos minutos cada episodio. Vamos, que se puede ver en una tarde ambas temporadas.

Anda si en el fondo no es mal chaval. Luego si eso me paso a leer su artículo sobre Jacuzzi al pasado 2

En el reparto nos encontramos con Fred Savage. Si viviste los 80, conoces de sobra a este señor. Pues sí, el niño de Aquellos maravillosos años que se nos ha hecho mayor (bueno no mucho, que parece que no pegó el estirón), hace de Max. Keegan-Michael Key (al que hace poco vimos en la nueva entrega de Predator, que todo el mundo dice que es malísima aunque no la han visto) es Ethan, mientras que Cobie Smulders (Robin en Como conocí a vuestra madre) es Lisa, Annie Parisse es Sam, Nat Faxon es el pijo de Nick, y Jae Suh Park es Marianne.

Todos funcionan en sus roles con una buena química, y cohesionan el grupo, sobretodo en las escenas en las que Max y Ethan hablan sobre sus proyectos literarios (casi todos horribles novelas juveniles que parodian Los juegos del hambre o Crepúsculo). Además tenemos en pequeños papeles a Greg Germann (Ally McBeall), Kate McKinnon o Sarah Chalke.

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Un chico de revista [crítica]

2018-12-20T19:10:00.000+01:00

Título: Un chico de revista
Duración: 125 minutos aprox (con intermedio)
Fecha de representación: desde el 19 de diciembre hasta el 6 de enero
Lugar: Teatro Olympia
Precio: desde 28€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

La gran época de la revista española, ya quedó atrás, de hecho, si le preguntas qué es a cualquiera de menos de 40 años, es probable que no lo sepa... salvo yo, claro, que soy muy de lo cañí y lo vetusto.
Me he visto muchas de las revistas de Lina Morgan, películas que hablaban sobre ella, como por ejemplo La tonta del bote, también de Lina Morgan, y luego he ido viendo pinceladas de la misma en los programas de José Luis Moreno.

A día de hoy, sólo sobrevive el cabaret, en espectáculos itinerantes como The Hole (al que acudí representando al Somier), puntuales como fue El circo de los horrores: Cabaret maldito (al que también le hice crítica) o fijos como los que ofrece, con una temática BASTANTE más subida de tono, la Sala Bagdad en Barcelona.

Es curioso que precisamente sobreviva a día de hoy la variante más sexual y grosera, pero parece que el público se hizo más dicotómico en cuanto a sus gustos. Para ir a ver la parte de actuación, se han decantado por ir a obras de teatro o musicales, y para ver la parte más erótica, en vez de preferir a las estupendas muchachas con el pecho al aire rodeadas de plumas, prefieren cosas más explícitas, que además incluyen espectáculos de corte circense, y mucho humor grueso.

Lo que aquí nos ocupa es una meta-revista, al igual que se hacía en La tonta del bote, que contaba la historia de una muchacha de provincias que quería triunfar (aunque ya ahí dejaron claro que sólo podría hacerlo como la graciosa), Un chico de revista nos habla sobre un muchacho de un pueblo andaluz que quiere entrar en este mundo.
Pese a que nos hable de grandes estrellas como Celia Gámez o Esperanza Roy, ya menciona que el género estaba empezando a decaer, y los teatros ya no se llenan como antes, consiguiendo este privilegio sólo las estrellas más reconocidas, que aún tienen mucho tirón.

Una estupendérrima Rosa Valenty, que sigue manteniendo el cuerpazo de una vedette principal a sus 67 años, recrea el rol de una vieja gloria, que no es capaz de aceptar que su estrella se apagó, pero que para su suerte, vive rodeada de una cohorte de palmeros que la mantienen ajena a la realidad.

Mientras viven ocultándole la auténtica situación en la que se encuentran, como si de "Good bye, Lenin!" se tratase, iremos conociendo al "chico de revista" que quiere dejarlo todo para triunfar en la capital, y a buena parte de su familia. También a el resto de vedettes, las bambalinas, y demás entresijos.

Como he comentado anteriormente, es una meta-revista, por lo cual veremos una revista recreando una revista. Tendremos parte de teatro, donde los actores interactuarán, y la parte musical, que a diferencia de los musicales, es pura actuación, tanto en la recreación de la revista, como en otros números musicales que se suceden "fuera" del teatro, pero que también son números musicales propios del "local" al que la escenografía nos transportará.

La obra cuenta con una escenografía fija (las clásicas escaleras), y diversas móviles, que recrearán las bambalinas, vestuario del teatro, y diversas localizaciones externas al mismo.
Entre los actores, encontramos a 2 rostros televisivos, Elisa Matilla (Todos los hombres son iguales , Hospital central) y Ángel Pardo (Chencho de Farmacia de guardia, Hospital central).

Una comedia, que, aunque hable del principio del final de un gran género, nos devuelve los mejores números y el esplendor del mismo.

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La Purga, la serie - Temporada 1

2018-12-10T17:54:00.000+01:00

Título original: The Purge (TV Series)

Año: 2018

Duración: 45 min.

País: Estados Unidos

Dirección: James DeMonaco (Creator), Anthony Hemingway, Nina Lopez-Corrado, Julius Ramsay, David Von Ancken, Michael Nankin, Tara Nicole Weyr

Guion: James DeMonaco

Reparto: Gabriel Chavarria, Jessica Garza, Amanda Warren, Colin Woodell, Lili Simmons, Hannah Emily Anderson, Sabrina Gennarino, Lee Tergesen, William Baldwin

Productora: Blumhouse Productions / Platinum Dunes. Distribuida por USA Network / Syfy / Supervids

Género: Thriller futurista, Distopía, Crimen

Estreno: 4 de septiembre en USA.

Valoración:

En 2013, de la mano de la Blumhouse y de Dune Platiniums (la productora de Michael Bay), se estrenó un filme de bajo presupuesto llamado La purga, con Ethan Hawke y Lena Heady. La trama nos situaba en una distopía, donde el gobierno de los Estados Unidos decide que una vez al año, los servicios de seguridad dejan de actuar durante 12 horas para que el resto de la población se tome la justicia por su mano. Pero en vez de disfrazarse de Charles Bronson, se ponen ropas muy horteras acompañadas de unas mascaras que tendrían que dar miedo pero que no le llegan a la altura del último éxito de Leticia Sabater.

La saga de películas de La purga ya lleva cuatro exitosas entregas, y ahora da su salto a la televisión. Su creador James ~~LoMonaco~~ DeMonaco no se ha querido perder la oportunidad de llevar su historia a la caja tonta, y a través de Amazon Video nos encontramos con esta primera temporada de 10 episodios, que no tiene ninguna relación con las películas.

¿De que va la serie? Pues más o menos de lo mismo que las pelis. La "polémica" purga se va a celebrar, y en una ciudad desconocida se van a cruzar diferentes personajes. Entre ellos tenemos a un joven matrimonio que ha sido invitado a la fiesta de un ricachón que pertenece a los padres fundadores (los que crearon la purga y la defienden). Una ejecutiva que tiene una cuenta pendiente con su baboso jefe, ésta contrata a una asesina para que acabe con él y quedarse con su puesto. Dos hermanos, que en el pasado perdieron a sus padres en la primera purga, el mayor (un ex-marine) tiene que ir al rescate de la pequeña que ha caído en las redes de una secta que se suele "sacrificarse" durante la purga.

Durante esta primera temporada, al tener más tiempo que en una película, la principal novedad es la incorporación de flashbacks, donde poco a poco conoceremos a los personajes, sus dramas y demás idas de olla. En un principio a todos nos dará más o menos igual, salvo un misterioso personaje, que sirve de nexo en común de todos y que no aparece hasta bien empezada la trama, que se irá encargando de reunirlos a todos. Se agradece ciertos giros y alguna que otra sorpresa. Por lo demás, el que haya visto una película de la saga ya sabe lo que se va a encontrar.

Dentro del reparto, se puede reconocer a gente como Lili Simmons (vista en True Detective), que interpreta a la hija de los ricachones, la cual tiene un ménage à trois con el matrimonio protagonista. Lee Tergesen (Shaft, La chica explosiva) es el misterioso personaje obsesionado con la purga. Y William Baldwin es el baboso jefe de una de las protagonistas.

Da un poco de coraje, que tanto las pelis como la serie no apuesten por el sentido del humor, ya que la propuesta principal daba para tomárselo todo por el pito del sereno. La supuesta realidad de todo esto es bastante descabellado, pero si hubieran tenido la mala baba de gente como Paul Verhoeven o de John Carpenter (hay un determinado momento muy deudor de Rescate en Nueva York), estaríamos hablando de una subida de calidad. También añadir que estamos en formato televisivo con lo que se han reducido las dosis de violencia y sangre (aunque no la del mal gusto en vestir).

Y por cierto, la serie ha sido renovada para una segunda temporada, y han prometido que purgarán el reparto de esta temporada.

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Suspiria (2018)

2018-12-03T18:55:00.001+01:00

Título: Suspiria
Dirección: Luca Guadagnino
País: Italia
Actores: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Renée Soutendijk, Ingrid Caven, Lutz Ebersdorf, Vanda Capriolo, Toby Ashraf, Fabrizia Sacchi, Elena Fokina, Christine Leboutte, Olivia Ancona
Año: 2018
Duración: 152'
Crítico colaborador: Warriors77

Valoración:

Saludos somieres, hoy regreso para traeros el último preestreno que he tenido la oportunidad de ver, gracias a la web. Se trata de una nueva versión del clásico de terror Suspiria, dirigido por Dario Argento en 1977.

El argumento de esta nueva versión es el siguiente: Susie Bannion (Dakota Johnson), llega al Berlin de los años 70, en vez del Friburgo del original, para estudiar danza en la prestigiosa escuela de danza "Helena Markos" dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). Pero al poco de llegar, sucesos extraños comienzan a producirse.

Y hasta aquí llegan las semejanzas, ya que el guionista de esta nueva versión decide integrar a un psicoterapeuta, Tilda Swinton de nuevo, que investiga el diario de una paciente, antigua alumna de la escuela, que revela lo que allí ocurre.

Hay que agradecer la apuesta, arriesgada y valiente sin duda alguna, de intentar alejarse lo máximo posible del original de Argento, del cual se ha declarado el director de Call me by your name ferviente admirador. Pero el principal problema de esta nueva versión de Suspiria es, precisamente, el original, una de las mejores cintas dirigidas por Argento, y que significó el inicio de la conocida como "Trilogía de las madres".

Cuando salió el tráiler de esta nueva versión no me acabó de convencer del todo, a pesar de ello, cuando se me ha dado la oportunidad he acudido a verla. Y la experiencia sin duda ha acabado siendo satisfactoria, pero con reticencias. Que el realizador sabe como crear una buena atmósfera de terror es evidente, pero es precisamente en la parte de la investigación donde la cinta pega un bajón considerable, y hace que uno quiera que se vuelva a enganchar a la trama principal, en la cual destacan una sorprendente Johnson, alejada de su rol en Cincuenta sombras de Grey, y la siempre excelente Swinton.

Una de las cosas que no me acabó de convencer, además de su larga duración, fue que la sorpresa y el misterio que tenía la original, aquí se desvela a los pocos instantes de comenzar esta nueva versión. Para que os hagáis una idea, es como si hicieran de nuevo El sexto sentido, y a los cinco minutos se desvelara "lo de Bruce Willis". Esto es algo que no me gustó, ya que así se muestran sus cartas desde un primer momento. Lo que caracterizaba al original es como todo se iba desvelando poco a poco, hasta llegar a la verdad. Aquí deciden saltarse a la torera todo el misterio, por lo que se pierde el encanto que tenía la de Argento.

Tampoco me gustó que el realizador intente hacer un film de terror de autor, e intentando aportar su toque personal para intentar acercarse al film original, algo totalmente innecesario. Y el hecho de que a la trama se unan los fantasmas del Tercer Reich o las revueltas políticas del Berlin de finales de los 70 no hace sino añadir tedio y lastrar con esa trama a una historia que no lo necesita.

Allí donde el original de Argento insinuaba, esta nueva versión muestra. Donde la cinta de Argento hacía gala de buenas secuencias de terror, así como de muertes bastante conseguidas, aquí las mismas escasean, salvo el que es sin duda uno de los mejores momentos de la cinta en donde el terror hace acto de aparición. Y la música de Goblin del original, sin duda es mucho mejor que la partitura creada por Thorn Yorke.

Una cinta de terror que se ha llevado numerosos aplausos por sus diversos festivales, pero a los cuales no me sumo. No niego que tiene sus cosas buenas, pero es que lo tenía complicado para superar, o ni siquiera acercarse, al original. Y es que la cinta es un experimento, no se me ocurre otra forma de definirlo. Navega entre dos aguas, entre el cine de terror normal y el de autor, y no sabe por donde tirar, quedándose de este modo en tierra de nadie.

Si queréis ver una cinta de terror, que no sea lo mismo de siempre y bien interpretada, os la recomiendo. Si por el contrario sois más del terror normal, no os recomiendo que la veáis, salvo bajo vuestra propia responsabilidad. Se os hará pesada, lenta y saldréis echando pestes una vez hayáis acabado de verla, eso sí, no os vayáis antes de que acabe... Por mi parte os recomiendo ver la original, dura casi la mitad, es más entretenida, y no necesita irse por las ramas para contar una buena historia de terror que es un cuento de hadas oscuro.

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Red Dead Redemption 2 [Análisis]

2018-12-01T18:39:00.001+01:00

Titulo: Red Dead Redemption 2
Año: 2018
Plataforma: Playstation 4 / Xbox One
Duración: 50-60 horas (mínimo)

Crítico colaborador: Balding

Es por la mañana, un día tan común como inusual. Me levanto plenamente recuperado de la jornada anterior. Acaban de preparar café, algo que mi cuerpo demanda si se quiere poner en estado de persona, por tanto voy y me sirvo una taza. Estamos unos tantos ya despiertos, otros viendo ahora el sueño tras la velada desmadrada. Mientras bebo mi café, contemplo la salida del Sol, donde la calma y serenidad se pueden respirar. La brisa se nota.

Parecerá que estoy hablando de las 7.30 de la mañana de cada día que suele ser cuando me levanto, si no fuera porque acto seguido de tomarme el café en lugar de ir a coger el metro me subí a lomos de mi caballo a cobrar unas deudas pendientes, sintiéndome como un absoluto engendro por el camino, todo hay que decirlo. Porque en Red Dead Redemption 2 el significado del roleo pivota con fuerza. El habitar un mundo virtual y hacerte creer que estás en él de verdad es algo que se persigue. Al fin y al cabo, en un videojuego la cantidad de horas que se pasan en él es desproporcionada, creándose un vínculo inabarcable en muchas ocasiones entre jugador y mundo. En Red Dead Redemption 2 hay que comer, hay que descansar, lavarse, las armas se desgastan y al usarlas el cañón no se quita sólo. Hay que preocuparse de tu montura para que no enferme o muera, cepillándola periódicamente, alimentándola y de paso teniendo cuidado de no toparse con un oso pardo o una serpiente por el camino, es un animal que se asusta y uno puede correr el riesgo de acabar en el suelo por el camino (y de paso sin sombrero), como es lógico.

También hay un campamento sobre el que gira todo el juego. No es algo nuevo, al fin y al cabo a estas alturas es raro quien no hay pasado horas a bordo de la Normandía de Mass Effect, el concepto aquí viene a ser similar. Una base donde residen el resto de miembros de la banda y desde la que se planifican misiones, actividades y eventos. Aquí, - aparte de tratarse de un campamento que se va moviendo conforme avanza la trama principal- Rockstar ya ha tenido tiempo de hacer los deberes y por ello no veremos a alguien haciendo calibraciones eternamente, los personajes tienen vida propia. Tienen sus propias rutinas completamente variadas según el momento, hay eventos que suceden entre ellos, diálogos, disputas, ponerse a cantar incluso al alba, algo que lo mismo los vemos o no. Dependiendo de lo que hagamos se dirigirán a nosotros de distinta manera, algo que depende del momento de la historia en que nos encontremos principalmente. Son seres humanos al igual que nosotros, por ello necesitan comer, para ello hay hasta un cocinero propio en el campamento. Me he hartado de comer estofado, aunque si os digo la verdad, no creo que fuese todo lo bueno que podría, ya que en mis más de 60 horas de carrera poco he cazado, porque sí, eso también depende de nosotros y cómo abastezcamos los suministros del campamento, ya sea lo dicho, cazando o haciendo donaciones y gestiones desde el libro de cuentas.

Ese Efecto Belén del que hablaba no sólo no sucede en el campamento, el mundo entero está en continuo movimiento. Es muy inusual que en un videojuego uno de los momentos más satisfactorios sea simplemente darse un paseo por una ciudad o simple asentamiento ranchero de paso, y ver lo que sucede a nuestro alrededor. O entrar a una taberna mientras se puede oír ese crujido de la madera reproducido con tremenda precisión en medio del jolgorio y la multitud. Es por ello que los NPCs tienen mucha más vida que lo que uno cabría esperar. Ese desconocido que por algún motivo ha perdido su caballo a lo mejor llega un día donde nos devuelve el favor. Momentos como este se repiten en numerosas ocasiones, aunque es cierto - y aquí debo dar un tirón de orejas – que a veces puede llegar a ser un tanto desesperante ver cómo han puesto precio a tu cabeza que ya anda por 100$, por cosas en algunas ocasiones carentes de sentido e injustas. O el que las confrontaciones con los NPCs fuera de los eventos den poco de sí, generalmente o se acaba a puñetazo limpio o evadiendo el conflicto.

Fuera de eso, el mundo está lleno de actividades. Algunas pueden resultar algo más tediosas de completar, ya depende de la calma de cada uno, aquí el que escribe carece de paciencia para ver morder el anzuelo. Personalidades de lo más excéntricas y variadas que uno podría esperar repartidas a lo largo del mapa, que dan lugar a momentos muy curiosos y satisfactorios, y ayudan a su vez a aderezar ese retrato de la sociedad del Salvaje Oeste de finales del Siglo XIX que trata de dibujar el trabajo de Rockstar.

Al igual que en todo videojuego que se precie, existe un núcleo y unos complementos. Hasta ahora he hablado bastante de esos complementos, faltan por supuesto, las misiones principales, el corazón que se encarga de mover y alimentar al resto del cuerpo. Al igual que en las actividades secundarias, hay misiones de todo tipo. Todas con un esquema similar, ya que en todas hay una escena de duración precisa y editada con mucho gusto (es un juego muy cinematográfico), un trayecto donde no faltan esos diálogos que para servidor amenizan mucho los trayectos y que para otros puede resultar un suplicio a la hora de leer los diálogos si no se domina el inglés; y finalmente una situación a resolver, donde entran tiroteos, escapadas, cazar, participar en una manifestación o algunas situaciones más pasivas, pero que dejan algunas memorias realmente fuertes. Obviamente de esto último no hablaré. Resulta un tanto frustrante que aún habiendo tanta variedad, el juego no termine de brillar todo lo que podría, empañado por un sistema de control y mecánicas shooter que demandan una revisión. Algo que me duele, si digo la verdad. Para un juego que llega a niveles altísimos en muchos aspectos y donde el feedback que uno recibe al desenfundar ese revólver es tremendamente satisfactorio, que sea ese control y sistema tan restrictivo que no da pie a la improvisación ni inventiva algo que a veces puede frustrar y empañar la experiencia. La pantalla de “Fracaso” es raro que no se aparezca en más de una ocasión.

Decía que Red Dead Redemption 2 trata de retratar esa sociedad cambiante de finales del Siglo XIX, algo que cada página del texto de Houser, Unsworth y Humphries deja patente. Un juego que se moja al hablar del cambio, de la fuerza de la civilización que se lo lleva todo por delante sin escrúpulos y sobre todo, de la lealtad. Es por ello que Arthur Morgan se ha ganado un hueco especial en mi agenda, algo que no hubiera sido posible sin la figura de Dutch de por medio. Porque Red Dead Redemption 2 no es la historia de Arthur, sino de la transformación de Dutch y el devenir de la banda. Me he llegado a cuestionar en determinados momentos cosas que sucedían en pantalla, incluso ha habido algún momento de frustración por tener que ser un sabueso sin cabeza que ejecuta sin pensar. Al fin y al cabo, uno no puede saber hasta dónde son capaces de llegar los tentáculos de sus actos, siempre queda gente de por medio que es capaz de ver esa realidad y está dispuesta a cambiar.

La aventura de Arthur Morgan al fin y al cabo es una precuela, para los que ya jugaron como John Marston haya por el 2010 habrá muchas cosas que cobrarán sentido conforme avance el metraje. Es esa la sensación que le queda al que suscribe, y por ello debo hacer un pequeño inciso, cuando hay precuela de por medio siempre surge la eterna duda de “por cuál empezar” en caso de ser amateur. En este caso, y a diferencia de otras precuelas, empezar por RDR2 sería lo ideal, ya que esa es quizás su mayor piedra en el camino. Habrá muchos momentos de incertidumbre donde si no sabe el devenir de los acontecimientos en la aventura de John Marston , cobrarán mucho mayor suspense. Para los que no, siempre quedan respuestas que quedan resueltas en este episodio, además de tratarse de una historia escrita con mucha precisión y unos diálogos vibrantes. No por ello está exenta de algunos problemas. Algún capítulo cuyo número no voy a decir pero que quien llegue a él lo reconocerá que sinceramente no le acabo de ver todo el sentido y situaciones donde la da sensación de que al juego le cuesta arrancar y el ritmo se resiente. Algo más cohesionado pienso que le hubiera sentado mejor. Aunque lo dicho, en un texto de 500.000 líneas es raro quien no se equivoque, y no por ello tampoco debe obviarse.

Cualquiera que me haya seguido hasta el final podrá percibir que Red Dead Redemption 2 ha sido una experiencia no perfecta debido a ciertas asperezas y determinadas decisiones con las que uno no termina de estar de acuerdo. Y aún así, al terminar queda esa sensación de cierto vacío que más de uno reconocerá. A pesar de esos problemas, las virtudes son capaces de brillar en favor de la balanza en muchas ocasiones. Y sí, me lo he pasado genial tratando de contar gotas de lluvia, contemplando esos paisajes renderizados con un precisión sin igual que te aíslan por completo del mundo, o simplemente ver esa recreación de interiores que no no me dejan dormir pensando en el dolor de cabeza que ha tenido que ser modelarlo. Al final y aparte de todo lo demás, Red Dead Redemption 2 quiere también contar algo, de lanzar un mensaje y de forma muy acertada. Eso, en mi agenda, lo consiguen juegos que son realmente especiales.

Veredicto/Resumen

Un juego enorme y absurdamente detallista que es difícil que le deje a uno indiferente. Tiene algunos problemas, pero si uno se trata de adaptar a su ritmo y sistemas de juego, se llevará una experiencia donde la narrativa y su mundo brillan con luz propia. Un tributo al género Western.

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