La 37ª Semana de Cine Fantástico y de Terror presenta la exposición Gabinete de curiosidades, monstruos y máquinas, dedicada a la productora valenciana de cine de animación Conflictivos Productions, que estará abierta en Okendo Kultur Etxea hasta el 4 de noviembre.

En la muestra se podrá ver su trabajo de los últimos 25 años, siempre fieles a la técnica de la stop motion, mediante la que han realizado cortometrajes como Encarna (2003), The Werepig (2008), Vicenta (2010), Paralelos (2022), La valla (2024) o El aspirante (2025) y el largometraje Pos eso (2014), todos ellos dirigidos por Sam, cabeza visible de la productora desde sus comienzos. Fantásticas historias que han ido evolucionando desde la España más folclórica y cañi hasta las distopías más oscuras y kafkianas, en universos de terror, humor y absurdo. Llenando la pantalla de curiosidades, monstruos y máquinas. En 2009 la Semana ya dedicó una primera exposición a su trabajo.

En Okendo Kultur Etxea se podrá ver todo el proceso de sus creaciones, desde los storyboards hasta los muñecos de plastilina, las maquetas, decorados, objetos de atrezo…

El 3 de noviembre se proyectará en el salón de actos de Okendo el documental Conflictivos productions, 25 años fracasando con todo éxito (2024), dirigido por Fran Sánchez.

Durante la Semana de Terror Sam realizará una visita guiada a la exposición.

Conflictivos Productions

“Desde pequeño, Sam, director y productor, soñaba con la posibilidad de poder llevar a la gran pantalla las historias que surgían de su imaginación. Su ambición era muy grande y sus recursos casi inexistentes; necesitaba desesperadamente ayuda. Tuvieron que pasar muchos años y fue mientras cursaba sus estudios de Bellas Artes cuando descubrió que la única manera de hacer realidad sus sueños era colaborar con otros compañeros; ahí nació Conflictivos Productions como una asociación de varios estudiantes con la ambición de hacer películas de animación. Con la llegada de Flora Cuevas consiguen pasar de una simple agrupación de amigos a una productora capaz de abordar proyectos cada vez más largos y complejos y llevarlos a buen puerto. Algunos tan complicados como la realización del largometraje Pos eso.

Tras ese largometraje esta estética se abandona en pos de una menos caricaturizada; la temática sigue siendo fantástica, pero los problemas que se tratan son los verdaderos protagonistas de las historias, principalmente los grandes desafíos que enfrentamos como especie: la contaminación, el racismo o la codicia desmedida de las multinacionales. El fin sigue siendo entretener, aunque lo de divertir se vuelve complicado; el humor sigue estando, aunque ahora hay que buscarlo entre líneas y desde luego es muy negro.

Unida a la evolución del estilo, la temática se vuelve mucho más cruda en concordancia con los temas que se abordan, y si bien no tratamos de dar respuestas, nos gustaría al menos tener la capacidad de generar preguntas”.

https://youtu.be/6Or3-wtACRs?si=dADKg36xrnrYkkdx

Horario

• de lunes a viernes: 10:00 – 14:00 / 16:00 – 20:30
• sábados: 10:00 – 14:00 / 16:30 – 20:00
• 1 de noviembre: 11:00 – 14:00 / 17:00 – 20:00

La entrada Abierta la exposición ‘Gabinete de curiosidades, monstruos y máquinas’ se publicó primero en Donostilandia.

Danny DeVito, Meiko Kaji y Takashi Shimizu, tres premios en un día

Los protagonistas de esta jornada pertenecen a los dominios del terror, la comedia, el thriller e incluso la acción con el foco puesto en los arquetipos del cine criminal del Japón de los 60 y 70. Se han entregado un Premio Honorífico, un WomanInFan y una Màquina del Temps. 

«La única razón para ser director es que el puesto de Dios está ocupado»

En una de las escenas más recordadas de Matilda, una preadolescente Mara Wilson hacía volar todos los objetos del comedor de su casa al ritmo juguetón de Little Bitty Pretty One, de Thurston Harris. Treinta años después de aquella deliciosa comedia familiar, que se convirtió en un VHS indispensable para la generación millennial, su responsable ha regresado al Festival de Sitges para recibir el Gran Premio Honorífico. El pingüino de Batman vuelve, el director de pista que se convertía en lobo en Big Fish y el hermano gemelo de Arnold Schwarzenegger en Los gemelos golpean dos veces, Danny DeVito, ha recibido un gran homenaje en el auditorio del Meliá, con el público aplaudiendo en pie.

«Cuando tenía cinco años desarrollé una pasión por el cine y sé que vosotros también la sentís, y eso nos convierte en familia», ha expresado el actor de La guerra de los Rose. DeVito ha recordado que, a finales de los setenta, trabajó en una película —el western cómico Camino del sur— con el director de fotografía Néstor Almendros, «un pionero en el uso de la luz». También ha dejado claro que mantiene una buena relación con los hermanos Bayona y que La sociedad de la nieve es una de sus películas favoritas.

A continuación, ha pedido a sus hijos, Lucy y Jake DeVito, que subieran al escenario. «Ahora os presentaré a mi verdadera familia», ha dicho con una gran sonrisa. Los tres han presentado Drag, su nueva coproducción, que trata sobre un robo que sale mal y acaba convirtiéndose en un juego del escondite. Proyectada por la tarde dentro de la sección Oficial Fantástico, esta alocada comedia de terror —que parece una versión retorcida de Solo en casa— ha sido dirigida y escrita por un tándem artístico formado por Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, y cuenta con un reparto integrado por Lizzy Caplan, John Stamos, Christine Ko y la propia Lucy DeVito.

Antes de la proyección, el equipo de Drag, encabezado por el gran DeVito, ha protagonizado un encuentro con la prensa y el público en el mismo Meliá. «El guion es lo más importante», ha declarado el actor de Hoffa, un pulso al poder. «El material, la idea, pueden ser brillantes, pero la ejecución del guion… Es la parte que más he controlado en todas las películas que he hecho, con la excepción de Pulp Fiction». Según ha recordado, el proceso era siempre el mismo, pero «decidí confiar en ese tal Quentin y salió de maravilla, ¿no?». Por otro lado, «la única razón para hacerme director es que el puesto de Dios ya está ocupado».

Un premio para la gran pionera del cine criminal nipón

La imponente mirada de Meiko Kaji, interpretando a personajes implacables, ha dejado una huella imborrable en el imaginario del cine japonés de los años sesenta y setenta. Hablamos de títulos como la estilizada Lady Snowblood, de Toshiya Fujita —¡gran Sitges Clàssics de este año!— o la saga de acción Female Prisoner. La voz de Kaji también quedó grabada en la historia cuando Quentin Tarantino incluyó una de sus canciones —la magnífica Shura No Hana, traducida al inglés como The Flower of Carnage— en la brillante banda sonora de Kill Bill.

Este jueves por la noche, la directora de la Fundació, Mònica Garcia i Massagué, le ha entregado el Premio WomanInFan, destacándola como «la artista que redefinió el papel de la mujer en el cine de género». Emocionada, Kaji ha expresado que es «la primera vez que asisto a un festival europeo» y se ha dirigido al público para confesar que «vuestra pasión me anima a afrontar nuevos proyectos».

A continuación, la escritora Virginia Feito se ha sumado al homenaje a Kaji antes de presentar Victorian Psycho, una hibridación de terror y comedia que adapta su propia novela, con Feito como guionista y productora ejecutiva. La película está dirigida por Zachary Wigon y protagonizada por una de las grandes reinas del grito de nuestra época: Maika Monroe.

«Viajo por el mundo y Ju-on me persigue»

Gran cultivador del J-Horror y de las distintas variantes del cine espectral, Takashi Shimizu ha recibido el Premio Màquina del Temps. Este autor japonés concibe los fantasmas como una pulsión de rabia, como un rastro que dejan los muertos con asuntos pendientes. Sobre todo, lo conocemos por ser el responsable del clásico contemporáneo The Grudge, de 2002, que él mismo convirtió en un remake estadounidense dos años más tarde, con Sarah Michelle Gellar, Jason Behr y Bill Pullman. De hecho, su filmografía podría entenderse como una sucesión de haikus diabólicos donde la muerte del cuerpo no es más que el principio.

Justo antes de la medianoche, el director artístico del Festival de Sitges, Ángel Sala, le ha entregado el galardón en el Meliá. Shimizu ha recordado que hace 26 años presentó Ju-on en este certamen y se ha mostrado encantado al descubrir que la película sigue gustando al público, que le pide autógrafos. «Viajo por el mundo y Ju-on me persigue». Finalmente, ha concluido: «No os durmáis y que la maldición os acompañe», ante un auditorio eufórico donde todo el mundo hacía el mismo gesto con las manos en alto. A continuación, se ha proyectado un programa doble en homenaje a Shimizu: la espectral The Mouths y la detectivesca Village of Eight Gravestones.

La entrada SITGES 2026 – Tres premios en una jornada se publicó primero en Donostilandia.

La comedia fantástica de Javier Ruiz Caldera, primer guion de cine de Berto Romero, llega hoy a Sitges recién premiada en San Sebastián, donde Javier Cámara ganó la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto. Se proyecta a las 10:00 en la sala Tramuntana y a las 18:15 en el Auditori, las dos en el Hotel Meliá, la segunda con presencia del equipo.

5 minutos más forma parte de Sitges Collection y se presenta en estreno catalán, después de haber competido en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y de pasar por el Fantastic Fest de Austin. Romero firma el guion y la protagoniza junto a Belén Cuesta y Javier Cámara.

Cinco minutos que no acaban nunca

Toni (Romero) y Bárbara (Cuesta) son un matrimonio que no deja de discutir y que se va a pasar un fin de semana a una casa rural aislada para intentar salvar la relación. Los recibe Carlos (Cámara), el encargado de la agencia de alquiler, que les enseña la casa y les da las llaves. Antes de que se vaya, el tiempo retrocede cinco minutos, y vuelve a hacerlo cada vez que Carlos intenta marcharse. Para Ruiz Caldera, el desafío era «hacer creíble una premisa tan original» como esa, según la nota de Movistar Plus.

La película es heredera de Atrapado en el tiempo y Feliz día de tu muerte, y se mueve entre la comedia y el terror. En San Sebastián, la crítica de Otros Cines destacó el humor que nace de la espontaneidad de los actores y una puesta en escena juguetona, aunque señaló que le cuesta encontrar el tono cuando la historia se vuelve trágica.

De El otro lado a la Concha de Plata

Romero y Ruiz Caldera trabajan juntos desde hace años. El director lo ha dirigido en Tres bodas de más, Anacleto: agente secreto, Wolfgang y las series Mira lo que has hecho y El otro lado, que se presentó en Sitges en 2023 y que cubrimos entonces. Ruiz Caldera, además, conoce bien el Festival: en 2020 lo inauguró con Malnazidos, que codirigió con Alberto de Toro, montador de esta película.

Para Cámara es la segunda Concha de Plata, después de la que compartió con Ricardo Darín por Truman en 2015. Producida por El Terrat e Ikiru Films para Movistar Plus, 5 minutos más llegará a los cines el 22 de enero de 2027 con Filmax y después se verá en exclusiva en Movistar Plus. Quien no pueda ir hoy tiene una tercera sesión mañana martes, a las 8:15, en el Cinema Casino Prado.

La entrada 5 minutos más: Atrapados en un bucle se publicó primero en Donostilandia.

Peter Jackson presentó el sábado Braindead restaurada en 4K y Michael Ironside volvió a encontrarse con Scanners en versión restaurada. No es una rareza de esta edición. Sitges lleva años devolviendo a la pantalla grande películas que muchos solo conocíamos del videoclub o de la televisión, y en las cuatro ediciones que llevamos cubriendo no ha faltado ni una con copias restauradas.

La 59.ª edición va cargada de títulos recuperados. Braindead, que en España se estrenó como Tu madre se ha comido a mi perro, se vio en una primera versión de su nueva restauración en 4K, con Diana Peñalver en la sala, el mismo día en que Jackson recogió el Gran Premio Honorífico. Scanners, de David Cronenberg, se proyectó restaurada en Sitges Clàssics. Carrie cumple medio siglo y vuelve en 4K de la mano de Amy Irving, como contamos al hablar de la nueva Carrie. Tesis llega a los treinta años en una copia restaurada por el propio Alejandro Amenábar, con el sonido remasterizado, y ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, también celebra sus cincuenta años en versión 4K. El regreso de Jackson al Festival está en nuestro artículo sobre los premios honoríficos.

Del Exorcista a Re-Animator

La costumbre viene de lejos. Seven Chances, la sección que el Festival programa con la crítica catalana, cumplió treinta años en 2023 rescatando del olvido títulos del cine de género. En 2018, Sitges proyectó Santo contra Cerebro del Mal en una restauración hecha a partir del negativo original, impulsada por el propio Nicolas Winding Refn, según ecartelera. En 2022, Seven Chances incluyó dos películas recién restauradas: The Velvet Vampire, de Stephanie Rothman, y la japonesa Demon Pond, de Masahiro Shinoda.

En 2023, la sección Sitges Clàssics proyectó en 4K El exorcista, El resplandor y The Wicker Man, junto a Los nuevos extraterrestres, de Juan Piquer Simón. El hallazgo del año fue La cita, una película europea de los ochenta casi perdida que había fascinado a Guillermo del Toro y que se vio restaurada por primera vez en cuarenta años, como recogió Espinof.

En 2024, el Festival construyó un ciclo alrededor de la nueva edición restaurada de La parada de los monstruos, de Tod Browning. Corey Feldman y Eugenio Mira presentaron The Birthday en 4K, veinte años después de su paso por Sitges, y también se vieron remasterizadas Godzilla y Drácula contra Frankenstein, de Jesús Franco. Christophe Gans dedicó una mesa redonda de Sitges Industry a la restauración de El pacto de los lobos.

En 2025, el equipo de Re-Animator se reunió para presentar la restauración en 4K del cuarenta aniversario, cuarenta años después de que la película ganase el premio a la mejor película en Sitges. Seven Chances proyectó Lo spettro, de Riccardo Freda con Barbara Steele, en la restauración de Severin Films, y también se vio la japonesa Jigoku, en 4K. La Filmoteca de Catalunya aportó Atolladero, de Óscar Aibar, y Memoria, de Francisco Macián, recién restauradas.

Por qué vuelven

Casi siempre hay un aniversario detrás: los veinte años de The Birthday, los treinta de Tesis, los cuarenta de Re-Animator, los cincuenta de Carrie. Las restauraciones las pagan sellos especializados como Severin, que luego las editan en disco, filmotecas públicas como la catalana o los propios directores, y Sitges les sirve de escaparate. Para el público el atractivo es otro. Ver en una sala llena una película que conocía de una cinta de vídeo gastada, y con el director o los actores sentados unas filas más allá, no se parece a volver a verla en casa.

La entrada Sitges, un año mas desempolvando clásicos se publicó primero en Donostilandia.

El Premio Nosferatu de la 59.ª edición es para Bárbara Rey. Lo concede Brigadoon, la sección que el Festival dedica al fantástico de culto y que este año cumple cuatro décadas, y reconoce una filmografía de género breve y concentrada: cinco títulos rodados entre 1974 y 1978, con Amando de Ossorio por medio. El premio se anunció a principios de septiembre junto al resto de reconocimientos de trayectoria de esta edición.

Dos veces con Amando de Ossorio

Las dos películas que más pesan en el premio son del mismo año y del mismo director. En El buque maldito (1974), tercera entrega de la tetralogía de los Templarios Ciegos, Bárbara Rey comparte reparto con Jack Taylor en una historia de dos modelos que desaparecen tras toparse con un galeón del siglo XVI varado en la niebla. Ossorio ya había rodado La noche del terror ciego (1972) y El ataque de los muertos sin ojos (1973), y cerraría la saga al año siguiente con La noche de las gaviotas.

Ese mismo 1974 rodó con Ossorio La noche de los brujos, ajena a la saga y bastante más singular: un grupo de investigadores viaja a la selva africana a estudiar la desaparición de los elefantes y se topa con una tribu de zombis vudú que decapita mujeres en un altar y las devuelve convertidas en vampiras. Bárbara Rey interpreta a una misionera y aparece acreditada como Barbara King, con uno de aquellos seudónimos ingleses que el cine de género español usaba para vender fuera.

Un «giallo» español y un escultor en Lanzarote

De 1977 es La muerte ronda a Mónica, de Ramón Fernández, el giallo de la lista: una heredera descubre que su marido la engaña y decide divorciarse para dejarlo sin nada. Bárbara es la amante, en un reparto que junta a Nadiuska y Karin Schubert. Del mismo año es Carne apaleada, de Javier Aguirre.

La lista se cierra con Rostros (1978), de Juan Ignacio Galván, donde un escultor ha perdido la capacidad de distinguir las caras hasta que, en un viaje a Lanzarote, se obsesiona con una joven. En este caso, Bárbara Rey comparte cartel con Carmen Sevilla.

Cuarenta años de Brigadoon

Brigadoon nació en 1986 de la mano de José Antonio Atanes y toma su nombre del pueblo que aparece una vez cada cien años en la película de Vincente Minnelli. Es la sección de entrada libre del Festival, donde caben las rarezas y los títulos que no entran en la Sección Oficial. El Nosferatu es su premio propio, y por eso la entrega de este año coincide con su aniversario.

El premio ha ido alternando veteranos del género español y figuras de culto de fuera. Lo recibieron el italiano Luigi Cozzi en 2012 y la actriz Terele Pávez en 2016.

La entrada Sitges 2026: el Nosferatu de Bárbara Rey se publicó primero en Donostilandia.

El director danés y el compositor de Carrie charlaron el viernes en Sitges Industry. Refn contó que buscaba a un gran compositor italiano para Her Private Hell y que solo quedaba vivo Donaggio, y confirmó que el músico, de 84 años, firmará también la banda sonora de su próxima película: una nueva versión de Maniac Cop, el clásico de serie B de 1988, que financia Mubi y que llegará a los cines en 2027.

Nicolas Winding Refn quería que Her Private Hell fuese una ópera. Así lo explicó el viernes en Sitges, en una conversación con Pino Donaggio dentro de Sitges Industry, moderada por el crítico italiano Manlio Gomarasca, fundador de la revista Nocturno. Para una ópera necesitaba a un gran compositor italiano, y al buscarlo se encontró con que todos estaban muertos. Todos menos Donaggio.

El compositor de Carrie, la película de Brian De Palma cuyo medio siglo celebra esta edición del Festival de Sitges, escribió una partitura de atmósfera onírica que Refn incorporó cuando la película ya estaba montada. El director reconoció que era un riesgo, pero dejó claro que su confianza en Donaggio es total. Horas antes, en la rueda de prensa recogida por EFE, había dicho que la película «está concebida en escenas largas y pretende emular un poco a una ópera», y que Donaggio «es clave». «A veces solo quería hacer imágenes que fueran bien y tuvieran sentido y que en realidad su música fuera la que llevara el peso narrativo», añadió.

«El último director antes de que muera»

Refn bromeó con que quiere ser el último director que trabaje con Donaggio antes de que muera. Por eso, según la nota del Festival, los dos volverán a coincidir en su próxima película, Maniac Cop, y tienen prisa, porque De Palma prepara una película nueva y también quiere contar con él. El danés ya lo había adelantado en una entrevista con el diario Ara publicada el jueves, en la que contaba que había vuelto a contratar a Donaggio para Maniac Cop. En esa misma entrevista admitía que no es fácil dar indicaciones a un maestro como él, y que las suyas se resumían en pedirle más ópera, más melodrama, más terror y más ciencia ficción.

Lo de De Palma tiene base, aunque no se ha confirmado que Donaggio vaya a estar. El director de Vestida para matar no estrena nada desde Domino, de 2019, y lleva desde 2018 intentando sacar adelante Sweet Vengeance, un thriller basado en dos asesinatos reales en Estados Unidos. En enero, su productor, el brasileño Rodrigo Teixeira, anunció que se rodaría en Portugal esta primavera y este verano.

Un policía que vuelve de entre los muertos

La Maniac Cop original se estrenó en 1988. La dirigió William Lustig sobre un guion de Larry Cohen, y su villano era Matt Cordell, un policía condenado injustamente y dado por muerto que vuelve para matar por las calles de Nueva York. En el reparto estaban Tom Atkins, Richard Roundtree, Bruce Campbell y Robert Z’Dar en el papel del asesino. Tuvo dos secuelas, en 1990 y 1993, y se convirtió en una película de culto de los videoclubes.

Refn lleva más de una década detrás de ella. En 2012 se sumó como productor a una nueva versión que preparaban Lustig y Cohen, y en 2015 se anunció a John Hyams como director. La película no se llegó a rodar, y en 2019 el proyecto pasó a ser una serie para HBO y Canal+, que tampoco salió adelante. Lustig contó este año que se cayó tras la venta de HBO a Discovery. En mayo, durante el Festival de Cannes, Refn anunció que la dirigirá él mismo. La financia por completo Mubi, que la distribuirá en España, y su consejero delegado, Efe Cakarel, la presentó con una frase: «No es un remake. Es una resurrección». Se rodará en Los Ángeles y tiene el estreno previsto para 2027. Todavía no hay reparto anunciado.

De Sanremo a De Palma

Donaggio nació en Burano, en la laguna de Venecia, en 1941, y empezó a estudiar violín a los diez años. Antes que compositor de cine fue cantante. Debutó en San Remo en 1961, y su canción Io che non vivo (senza te) se convirtió en inglés en You Don’t Have to Say You Love Me, que grabaron Dusty Springfield y Elvis Presley. Su primera banda sonora fue Amenaza en la sombra, de Nicolas Roeg, en 1973. Tres años después llegó Carrie, y con ella una colaboración con De Palma que siguió con Impacto, Doble cuerpo, En nombre de Caín, Passion y la propia Domino. También es suya la música de Piraña y Aullidos, las dos de Joe Dante.

Los dos son viejos conocidos de Sitges. Donaggio recibió el Premio Máquina del Tiempo en 2013 y Refn, en 2015. Este año el compositor tiene doble presencia en el Festival: además de Her Private Hell, que se ve en Sitges Collection, firma la música de Ferine, el giallo con el que debuta el italiano Andrea Corsini, en la sección Panorama.

Su propio infierno, en los cines

Her Private Hell se estrenó fuera de concurso en Cannes y llegó ayer a los cines españoles, distribuida por Mubi, con el título de Su propio infierno. Es el primer largo de Refn desde The Neon Demon, de 2016. La protagonizan Sophie Thatcher y Charles Melton. Una niebla cubre una ciudad futurista, y ella busca a su padre mientras él, un soldado estadounidense, intenta sacar a su hija del infierno. Por la ciudad circula la leyenda de un espíritu asesino al que llaman el Leatherman.

Refn presenta la película en varias ciudades este fin de semana. Hoy sábado está en Barcelona, en los Cinemes Girona a las 18:00 y en los Renoir Floridablanca a las 20:00. Mañana domingo estará en Madrid, en los Renoir Princesa a las 18:00 y en los Embajadores Río a las 20:30, y el lunes en Valencia, en los cines Babel y Lys.

El resto de la segunda jornada del Festival, con el Premio Máquina del Tiempo a Mark L. Lester y la nueva Carrie de Mike Flanagan, está en nuestro resumen del viernes.

La entrada Nicolas Winding Refn y Pino Donaggio harán juntos Maniac Cop se publicó primero en Donostilandia.

El Festival de Sitges, que dedica su 59.ª edición a los cincuenta años de la Carrie de Brian De Palma, proyectó el viernes el primer episodio de la serie que Mike Flanagan ha hecho para Prime Video a partir de la primera novela de Stephen King. Sus dos protagonistas, Summer H. Howell y Samantha Sloyan, explicaron en Sitges por qué esta Carrie vive en Instagram y por qué su madre la quiere de verdad.

Summer H. Howell nunca había oído hablar de Carrie. No había leído la novela ni visto ninguna de las películas cuando la eligieron, entre cerca de 1.500 actrices, para interpretar a Carrie White. Tampoco había ido nunca a un baile de graduación, porque en Canadá, donde se crio, no existe esa tradición. El único al que ha asistido es el que rodó para la serie, el baile más famoso del cine de terror. Lo contó el viernes en el Hotel Meliá de Sitges, en una rueda de prensa que compartió con Samantha Sloyan, que interpreta a su madre, Margaret.

Fue el propio Mike Flanagan quien le pidió que no se acercara a las versiones anteriores. «Le pregunté a Mike si quería que investigara, pero él prefería que me centrara en crear mi propia versión», explicó, según recogió El Periódico. Desde entonces ya ha visto la película de De Palma.

Una Carrie de 2026

La Carrie de Flanagan ocurre hoy. El pueblo sigue siendo Chamberlain, como en la novela, pero el padre de Carrie, un obrero obsesionado con el fin del mundo, acaba de morir, y la chica, que hasta entonces ha estudiado en casa, empieza a ir al instituto público. En el instituto hay simulacros de tiroteo y detectores de metales. Chris Hargensen lleva una cuenta de cotilleos en Instagram, y la humillación de la ducha acaba grabada con móviles y colgada en internet.

«Lo que me parece más peligroso y a mí personalmente me asusta más son las redes sociales. Desde luego, mucho más que cualquier poder paranormal», dijo Howell en Sitges a la agencia EFE. La actriz canadiense tiene 22 años y dejó el instituto hace solo cuatro. «Crecer ahora con redes sociales no es nada fácil. Temes todo el rato convertirte en el centro del acoso, en la diana. Y te ves forzado a tener una imagen en internet incluso antes de saber quién eres todavía». Para ella, esa es «la principal tragedia de la serie».

Howell empezó muy pronto en el terror. Con ocho años era Alice, la niña de La maldición de Chucky, y después ha trabajado en Hunter Hunter o Time Cut, de Netflix. Carrie es su primer gran papel protagonista.

Una madre que quiere a su hija

El cambio más grande está en Margaret White. En la novela y en la película de 1976, donde la interpretaba Piper Laurie, es una fanática religiosa que maltrata a su hija. En la serie sigue siendo una mujer de fe extrema y enganchada a las teorías de la conspiración, pero quiere a Carrie. Sloyan contó a la ACN que Flanagan le pidió cambiar el personaje de forma drástica y convertirlas en una madre y una hija que se quieren. Aun así, quiso conservar algo de la Margaret de Laurie: «la peligrosidad y la grandeza de su interpretación».

Flanagan escribió el papel pensando en ella. «Era un matrimonio increíble entre personaje y actriz», explicó el director a El País. Sloyan es una de sus actrices de confianza. Desde Hush (Silencio), en 2016, ha trabajado con él en La maldición de Hill House, Misa de medianoche, donde era la temible Bev Keane, El club de la medianoche, La caída de la casa Usher y La vida de Chuck, y estará también en su próxima película de El exorcista. «Cada vez que trabajo con él, siento que es todavía mejor director», dijo en Sitges. Sobre Howell, con quien ensayó antes del rodaje, aseguró que «ya es parte de la familia».

«Hacer Carrie de forma diferente»

«Mi primera reacción fue la de tanta otra gente: ¿por qué Carrie otra vez?», reconocía Flanagan en El País. Le convenció su hijo mayor, que empezaba entonces el instituto. «No lo vi como hacer Carrie otra vez, sino como hacer Carrie de forma diferente». Su consigna fue mantenerse lejos de la sombra de De Palma, que en su opinión «ya hizo la más perfecta posible». Para Flanagan, Carrie es ante todo una tragedia. «El terror es secundario para mí», decía, y lo que le interesaba era contar lo hostil que puede ser el mundo para las mujeres poderosas.

Stephen King, que es productor ejecutivo, no lo tuvo claro al principio. Según contó Flanagan a Variety el año pasado, la primera respuesta del escritor fue «Déjala en paz. Ya ha sufrido bastante». Cambió de opinión al leer la biblia de la serie, y tras ver el resultado escribió en Threads: «La Carrie de Mike Flanagan es brillante. Lo que dice sobre las redes sociales es estremecedor y cierto».

La serie se estrenó en septiembre en el Festival de Toronto y desde el miércoles están disponibles en Prime Video sus ocho episodios. Flanagan dirige cuatro, y el resto los firman Kate Siegel, su mujer y actriz habitual, Axelle Carolyn, Kyra Sedgwick y Hiromi Kamata. En el reparto están Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen, Joel Oulette como Tommy Ross, Arthur Conti como Billy Nolan, Amber Midthunder como la profesora Desjardin y Matthew Lillard como el director del instituto. También aparecen Heather Graham, Rahul Kohli y Katee Sackhoff. Según El País, Flanagan la imagina como una historia de tres temporadas.

Más drama que terror

La crítica la ha recibido bien, aunque con matices: un 85 % de reseñas positivas en Rotten Tomatoes y una media de 72 en Metacritic. En Variety, Aramide Tinubu la llamaba una «soberbia reinvención», con una Howell «estelar», que devuelve el protagonismo a las chicas que están en el centro de la historia. Daniel Fienberg, en The Hollywood Reporter, apuntaba que si King escribiera hoy Carrie se parecería mucho a esta serie, pero también que es «menos singular y mucho menos aterradora de lo que debería». Para Lucy Mangan, de The Guardian, es «más un drama adolescente con algo de mordiente que un festín de terror empapado en sangre», con una Sloyan «hipnótica». En España, Miguel Á. Romero escribía en Cinemanía que Howell «está más que a la altura de Sissy Spacek».

Cincuenta años de Carrie

Carrie se publicó en abril de 1974 y fue la primera novela de King. Nació como un relato para una revista masculina, y el escritor llegó a tirar a la papelera las primeras páginas. Su mujer, Tabitha, las rescató y le animó a seguir. Dos años después, Brian De Palma la llevó al cine con guion de Lawrence D. Cohen y música de Pino Donaggio. Sissy Spacek y Piper Laurie fueron candidatas al Óscar, y en el reparto estaban también Amy Irving, que debutaba como Sue Snell, John Travolta, Nancy Allen y William Katt.

Después vinieron un musical de Broadway en 1988, que se despidió tras solo cinco funciones y pasó a la historia como uno de los mayores fracasos del género, una secuela, Carrie 2: La ira, en 1999, un telefilme de 2002 con Angela Bettis y la versión de 2013 de Kimberly Peirce, con Chloë Grace Moretz y Julianne Moore. Moretz protagoniza ahora Found Alive, la película de Carlota Pereda que inauguró el Festival el jueves.

En Sitges, Carrie está por todas partes. El cartel de esta edición es un homenaje a la película, y Amy Irving, que recibe el Gran Premio Honorífico, presenta la copia restaurada en 4K y La furia, el otro título que rodó con De Palma. Pino Donaggio está en el Festival con la nueva película de Nicolas Winding Refn y, como contamos aquí, ya tiene trabajo para la siguiente.

El resto de la segunda jornada del Festival está en nuestro resumen del viernes.

La entrada Summer H. Howell, la nueva Carrie en redes sociales se publicó primero en Donostilandia.

El Festival de Sitges proyectó esta semana dos de las películas de terror más comentadas del año, y las dos tienen protagonistas queer. En Leviticus, que compite en la Sección Oficial, el australiano Adrian Chiarella convierte una terapia de conversión en el origen de un monstruo. En Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, Jane Schoenbrun reescribe el slasher de los ochenta con Hannah Einbinder y Gillian Anderson. Esta última ganó la Queer Palm en Cannes y el Premio Zabaltegi-Tabakalera en San Sebastián.

En 2014 compitió en la Sección Oficial del Festival de Sitges It Follows, de David Robert Mitchell. Era la historia de una maldición que pasa de una persona a otra a través del sexo, filmada con la calma inquietante de La noche de Halloween. No se llevó ningún premio, pero con los años se ha convertido en uno de los títulos de referencia del terror de esta década. Doce años después, el Festival presenta Leviticus como «la versión LGTBIQA+ de It Follows».

Un monstruo con la cara de quien deseas

Leviticus compite en la Sección Oficial Fantàstic y se estrenó en España en Sitges, con pases el jueves y el viernes en el Hotel Meliá. Naim, interpretado por Joe Bird, el chaval de Háblame, se muda con su madre viuda a un pueblo evangélico del estado australiano de Victoria y se enamora en secreto de Ryan, al que da vida Stacy Clausen. Cuando su relación sale a la luz, sus familias los someten a un ritual para «curarlos». Lo que despierta es una criatura que adopta la forma de la persona a la que más desea su víctima. Es decir, el uno del otro.

La madre de Naim es Mia Wasikowska, que también figura como productora ejecutiva. Completan el reparto Ewen Leslie, en el papel del pastor del pueblo, y Nicholas Hope, como el sanador que dirige la ceremonia. La produce Causeway Films, la compañía de Kristina Ceyton que estaba detrás de Babadook, premio especial del jurado en Sitges el mismo año en que compitió It Follows. La música es de Jed Kurzel, que también compuso la de Babadook.

Adrian Chiarella nació en Sídney, hijo de padre italiano y madre china. Antes de dirigir trabajó como montador y firmó varios cortos, entre ellos Black Lips y Dwarf Planet, que pasó por Clermont-Ferrand. Leviticus es su primer largometraje y tiene mucho de su propia vida. «Mis padres no eran religiosos, pero me mandaron a un colegio religioso masculino», contó a The Advocate. «Fue algo que me costó muchísimo superar».

En una entrevista con TheWrap explicó de dónde salió la idea. «Como joven gay, sentía que las cosas iban cada vez mejor a medida que crecía, pero en la última década, más o menos, empecé a notar que retrocedían. Empecé a desarrollar una película de terror en la que lo que diera miedo fuera la homofobia». Para escribirla habló con muchas personas que habían pasado por prácticas como la que muestra la película. Sus relatos de exorcismos, dijo, alimentan el mito de que dentro de algunas personas vive «una especie de demonio gay». El título viene del libro de la Biblia que se suele citar para condenar la homosexualidad, y Chiarella ha explicado que tomó de él las imágenes de fuego que recorren la película.

La película se estrenó en enero en la sección Midnight de Sundance. Neon la compró allí mismo, fue la primera venta de aquella edición, y después inauguró New Directors/New Films en Nueva York y compitió en Sídney. La crítica anglosajona la ha recibido muy bien: un 93 % de reseñas positivas en Rotten Tomatoes y una media de 83 en Metacritic. Variety la definió como un «debut sobresaliente» que «une de forma orgánica el susto que hiela la sangre con un comentario social incisivo», y The Guardian le dio cuatro estrellas por ser «inteligente y sorprendentemente romántica». YouPlanet Pictures la estrena en los cines españoles el 30 de octubre.

Un slasher para la chica final

Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma se vio el viernes, en dos pases en el Auditori del Meliá dentro de Sitges Collection. Es la tercera película de ficción de Jane Schoenbrun, que nació en Queens en 1987 y se dio a conocer con We’re All Going to the World’s Fair y I Saw the TV Glow, dos historias sobre adolescentes que se pierden dentro de las pantallas.

Hannah Einbinder, la guionista joven de la serie Hacks, es Kris Williams, una directora a la que contratan para resucitar una saga de slashers de los ochenta que ya no da dinero. Kris se obsesiona con fichar a Billy Presley, la chica final de la película original, que vive retirada en los terrenos del antiguo campamento. La interpreta Gillian Anderson. Entre las dos empieza una relación de deseo, miedo y delirio, mientras ronda un asesino al que llaman Little Death, un juego con la petite mort, como llaman los franceses al orgasmo. En el reparto están también Jasmin Savoy Brown, Eva Victor, Patrick Fischler y Dylan Baker.

Schoenbrun la ha descrito como Retrato de una mujer en llamas dentro de una secuela de Viernes 13. Su intención era a la vez homenajear y criticar una tradición del terror que, con asesinos como los de Psicosis o El silencio de los corderos, «creó y codificó una idea de lo trans como algo monstruoso». En una entrevista con la radio pública estadounidense NPR, Schoenbrun recordaba una infancia «viendo slashers del videoclub» y contaba que a los 32 años, con un matrimonio a cuestas, necesitó salir del armario y empezar su transición. «Tienes tanta hambre de ver tu experiencia invisible en pantalla» que acabas identificándote con quien no deberías, explicaba: «Mira, soy yo, cuando Buffalo Bill se pone a bailar».

La producen Plan B, la compañía de Brad Pitt, con Dede Gardner y Jeremy Kleiner, y Mubi. Se rodó en 35 milímetros en la Columbia Británica, con música de Alex G. Abrió la sección Un Certain Regard de Cannes, donde ganó la Queer Palm, que recogió Gillian Anderson. En septiembre se llevó el Premio Zabaltegi-Tabakalera del Festival de San Sebastián.

La crítica internacional la ha recibido mejor todavía que a Leviticus, con un 93 % en Rotten Tomatoes sobre casi trescientas reseñas. Para Jessica Kiang, de Variety, es la película «más lograda, más persuasiva y más juguetona» de Schoenbrun. Robbie Collin, de The Telegraph, le dio cinco estrellas y la llamó una sátira «extravagantemente divertida, temerariamente extraña e inquietante» del «cine problemático», y a la vez un canto a ese cine. En España las opiniones están más divididas, y Rolling Stone en español le reprochaba confundir la acumulación de referencias con la inteligencia. Mubi la estrena en los cines españoles el 20 de noviembre.

Sin premio propio

Sitges no tiene una sección ni un galardón dedicados al cine LGTBIQ+, así que Leviticus opta a los premios de la Sección Oficial y Campamento Miasma solo al premio del público de Sitges Collection. Quien se quede con ganas tiene una cita en el mismo pueblo dentro de unas semanas: del 19 al 29 de noviembre, el Cinema Prado acoge la sexta edición de Endimaris Sitges, el festival de cine LGTBIQ+ de la localidad.

El resto de la segunda jornada del Festival, con el Premio Máquina del Tiempo a Mark L. Lester, está en nuestro resumen del viernes.

La entrada Leviticus y Campamento Miasma, el terror queer que llega a Sitges se publicó primero en Donostilandia.

El director de Commando y Ojos de fuego recibió el viernes el Premio Máquina del Tiempo y recordó que lleva medio siglo haciendo cine de género. Nicolas Winding Refn y Pino Donaggio se sentaron a charlar en Sitges Industry y confirmaron que volverán a trabajar juntos en Maniac Cop. La productora Julie Corman, dos películas de terror queer, la nueva Carrie de Mike Flanagan y el Premio Josefina Molina para Inés Toharia completaron la jornada.

Hay una escena de Ojos de fuego que los aficionados al fantástico no han olvidado. En ella, una Drew Barrymore todavía niña prende fuego con la mirada a los agentes del Gobierno que intentan capturarla. La película, de 1984, adaptaba una novela de Stephen King. Sin embargo, nunca tuvo la fama de otras versiones del escritor. La dirigió Mark L. Lester, a quien Ángel Sala, director artístico del Festival de Sitges, define como un «cultivador de cine fantástico». Precisamente el viernes volvió a Sitges para recoger el Premio Máquina del Tiempo. Además, Ojos de fuego se proyecta esta semana en Sitges Clàssics.

Cincuenta años de serie B

Buena parte del público que llenó el Auditori del Meliá conocía a Lester por sus éxitos de videoclub de los ochenta y los noventa. Por ejemplo, Curso 1984 era una distopía juvenil muy violenta. En Commando, en cambio, Arnold Schwarzenegger se enfrentaba él solo a un ejército. Asimismo, Little Tokyo: Ataque frontal fue una de las últimas películas de Brandon Lee, que murió en 1993 durante el rodaje de El cuervo.

Al recibir el premio, Lester dijo que se dedica al cine de género «desde hace 50 años». También se declaró «fan del exploitation de Roger Corman» y citó como maestros a John Ford y Howard Hawks.

A continuación se proyectó River, de la Sección Oficial. Es el primer largo de Joshua Giuliano, y en septiembre abrió la sección Midnight Madness de Toronto. En la película, tres hermanos que llevan años sin hablarse bajan en barca por un río perdido para esparcir las cenizas de su padre. Luego se quedan tirados y un asesino sin rostro empieza a perseguirlos. Las protagonistas son Jane Levy, de Posesión infernal (Evil Dead), y Jessica Rothe, de Feliz día de tu muerte.

Winding Refn y Donaggio

El jueves, Nicolas Winding Refn presentó Her Private Hell ante un auditorio lleno. Después, el viernes, compartió mesa en Sitges Industry con Pino Donaggio, autor de la música de la película. Donaggio es, además, el compositor habitual de Brian De Palma en Vestida para matar, Impacto o Doble cuerpo. Moderó el encuentro el crítico italiano Manlio Gomarasca.

Refn explicó que con Her Private Hell quería «hacer una ópera». Sin embargo, se dio cuenta de que todos los grandes compositores italianos estaban muertos, todos menos Donaggio. La música llegó cuando la película ya estaba terminada, así que el danés reconoció que era un riesgo. También bromeó con que quiere ser el último director que trabaje con Donaggio antes de que muera. De hecho, confirmó que el compositor hará la banda sonora de Maniac Cop, su próxima película. Lo contamos con detalle en este artículo.

Julie Corman, a las estudiantes

Julie Corman empezó a principios de los setenta en la producción de El tren de Bertha. Su marido, Roger Corman, encargó aquella película a un joven Martin Scorsese, con Barbara Hershey de protagonista. Desde entonces ha trabajado con Jonathan Demme, Catherine Hardwicke y Joe Dante. Además, fundó con Roger Corman la compañía New World Pictures. Con ella llegaron a las pantallas estadounidenses Rabia, de David Cronenberg, Piraña, de Dante, y Los chicos del maíz, de Fritz Kiersch. Incluso distribuyó películas de Akira Kurosawa, François Truffaut e Ingmar Bergman.

En su encuentro en el Hotel Meliá se dirigió a las estudiantes de producción que había en la sala. Les pidió que salieran, investigaran y participaran en rodajes, más allá de las aulas y los despachos. También recordó su amistad con Gale Anne Hurd, que el año pasado recibió en Sitges el Gran Premio Honorífico WomanInFan. Según contó, a ninguna de las dos le resultó fácil abrirse paso. Por ejemplo, algunos hombres se sorprendían al descubrir en una reunión o al teléfono que detrás de un proyecto había una mujer. «Todavía queda mucho por hacer», dijo Corman. Finalmente, habló de sus clases en universidades de California y en Yale, y de su relación con el Festival de Sundance.

Terror queer

En 2014 se vio en la Sección Oficial It Follows, de David Robert Mitchell. Era una maldición que se transmite por vía sexual y que debía mucho a La noche de Halloween. Doce años después, la sombra de John Carpenter llega a Leviticus, del australiano Adrian Chiarella. La película se estrenó en enero en Sundance, y ya hay quien la llama el It Follows LGTBI.

En una comunidad religiosa aislada, dos adolescentes descubren que su amor prohibido ha despertado a una criatura. Este ser adopta la forma de lo que más desean, es decir, de ellos mismos. Los interpretan Joe Bird y Stacy Clausen. Además de sobrevivir al monstruo, tienen que enfrentarse al fanatismo de quienes los condenan. Así, la película habla de las terapias de conversión.

Por otro lado, se vio Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, de Jane Schoenbrun, que ganó la Queer Palm en Cannes. Se mueve entre el slasher y el thriller erótico. La protagonizan Hannah Einbinder y Gillian Anderson, la agente Scully de Expediente X. Hablamos de las dos películas en este artículo.

Otra Carrie

La edición está dedicada a los cincuenta años de la Carrie de De Palma. Por eso despertaba tanto interés el primer episodio de la nueva Carrie, que se vio el viernes. Es la serie de Mike Flanagan para Prime Video, que se estrenó el miércoles en la plataforma. El director de Misa de medianoche adapta la primera novela de Stephen King. Además, suma al acoso escolar la crueldad de las redes sociales.

A la rueda de prensa del Hotel Meliá acudieron Summer H. Howell, que interpreta a Carrie White, y Samantha Sloyan, que hace de su madre, Margaret. Sloyan trabaja con Flanagan desde 2016, cuando rodaron Hush (Silencio). Desde entonces ha seguido con él en buena parte de sus series, hasta La caída de la casa Usher. En Sitges explicó que la serie quería «proponer algo diferente» al punto de vista de King. Por su parte, Howell dijo que no había querido «buscar referentes anteriores» para crear su versión del personaje. Antes lo habían interpretado Sissy Spacek, hace medio siglo, y Chloë Grace Moretz, en 2013. Precisamente Moretz protagoniza la película inaugural. Lo que contaron las dos actrices está en este artículo.

Premio Josefina Molina

La guionista y directora madrileña Inés Toharia ganó el II Premio Josefina Molina de Guion de Largometraje Fantástico de Autoría Femenina. Lo hizo con Márgenes oscuros. El premio lo convocan la Fundación SGAE y el Festival, y está dotado con 10.000 euros. Además, reconoce guiones originales e inéditos de autoras socias de la SGAE. Su nombre recuerda a la cineasta Josefina Molina, a quien también se recordó el jueves en la gala entre los fallecidos de este año.

El jurado eligió el guion por unanimidad. Destacó «la elevada calidad literaria y la sensibilidad cinéfila» del texto. Asimismo, valoró su capacidad para «abordar un rol femenino sin caer en ningún tópico ni condescendencia». El fallo se anunció en la mesa redonda «¿De qué hablan las mujeres cuando escriben cine fantástico?», del programa WomanInFan. En ella participaron Antonio Hens, director institucional de la Fundación SGAE por el Colegio del Audiovisual, y Mònica Garcia Massagué, directora de la Fundació Sitges.

Agenda

Hoy sábado es el día de la Zombie Walk, que cumple dieciocho años vestida de baile de graduación en homenaje a Carrie. Las pulseras para el maquillaje gratuito se reparten en la playa de Sant Sebastià de 11:00 a 19:00. Se entregan por orden de llegada, una por persona. Además, hay otro punto de maquillaje infantil en el Casino Prado desde las 12:00. La salida es a las 19:30. Según adelanta el Festival, la dará un invitado especial que «traerá grandes recuerdos de principios de los años 2000». Después, a las 21:30, se entregan los premios del concurso de maquillaje en el escenario del Meeting. Finalmente, la noche sigue con cine de zombis. Por un lado, se estrena Apocalipsis Z: Nuevo mundo, de Carles Torrens. Por otro lado, vuelve Braindead, la comedia gore de Peter Jackson, restaurada en 4K.

La entrada Segundo día en Sitges: Mark L. Lester recoge la Máquina del Tiempo se publicó primero en Donostilandia.