tag:blogger.com,1999:blog-69933763070164249212024-03-12T21:15:41.059-03:00Dragster - Wave . Críticas de CineAlbert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comBlogger275125tag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-88185405780197573022023-04-08T16:29:00.001-03:002023-04-08T16:29:30.541-03:00CRÍTICA DIGIMON ADVENTURE: L'ÚLTIMA EVOLUCIÓ KIZUNA (2020), PER ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYGmbis3_fFpVQO1tbeqYri4e9LT3T1oYqHvGGvc0Jr88MaTXGZeJhPln9zZRWMEQskQzxed9Z7sEbl5U0SIxoROdRD5UU3446-6qHdMdL8maLC-dAe67QZyiB91aeRNTLIxG7dAOqDy5UOixyHQdJl3rKszhn5hDvo9XCd-_DKSPleMhv8Q4N6Y9F/s1200/62eb2ee8-ed1c-4117-bbfe-37047a0bfe52_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYGmbis3_fFpVQO1tbeqYri4e9LT3T1oYqHvGGvc0Jr88MaTXGZeJhPln9zZRWMEQskQzxed9Z7sEbl5U0SIxoROdRD5UU3446-6qHdMdL8maLC-dAe67QZyiB91aeRNTLIxG7dAOqDy5UOixyHQdJl3rKszhn5hDvo9XCd-_DKSPleMhv8Q4N6Y9F/w640-h360/62eb2ee8-ed1c-4117-bbfe-37047a0bfe52_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><br /><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;">Sinopsi: Al món real, els elegits s'acosten a l'edat adulta, però Tai i Matt encara no tenen decidit què fer a la vida. Després d'una sèrie d'incidents estranys en què diversos joves perden el coneixement, contacta amb els elegits Menoa Bellucci, una professora de Nova York, i aquesta els explica que el digimon Eosmon busca elegits a tot el món per robar-los la consciència. Amb l'ajuda de la Menoa, Tai, Matt, Izzy, TK i els seus digimons lluiten contra Eosmon a internet. El problema és que, com més utilitzin els poders dels seus digimons, abans es trencarà per sempre l'enllaç que els uneix.<br /><br />Aquesta proposta anime és una continuació de les sèries d'animació "Digimon Adventure", "Digimon Adventure 02" i "Digimon Adventure Tri". La història d'aquesta pel·lícula serveix com a conclusió d'un arc de desenvolupament que va començar amb les dues primeres Adventure i va seguir amb Tri.<br /><br />És una obra que apel·la al factor nostàlgia, adreçada sobretot als qui de nens van veure les dues primeres temporades, i se centra en la maduració dels personatges, a l'entrada d'aquests a l'edat plenament adulta, i com aquest fet suposa una desaparició de la realitat que vivien des de la infantesa. Cosa que precisament han viscut els espectadors que al seu dia van veure "Digimon Adventure" quan es va emetre a la televisió.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Afx87cWOtsYRX3VRaweIhU5d29tX5J56GetDSgHDnc_G2sjkTTeppmi6biVrpqrni4r5EvcKe8OiHoBs9GWucnjvRkk-9R3bmfA1HqNdZ06My1Nkp1XcLy9JXOikpO5haIfeVpibXDBQAWKJQTptZFh8CHUYDGafnpCkgpbiBEzLM1wsRC4ZubfL/s1024/digimon_adventure_last_evolution_kizuna-625899357-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="1024" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Afx87cWOtsYRX3VRaweIhU5d29tX5J56GetDSgHDnc_G2sjkTTeppmi6biVrpqrni4r5EvcKe8OiHoBs9GWucnjvRkk-9R3bmfA1HqNdZ06My1Nkp1XcLy9JXOikpO5haIfeVpibXDBQAWKJQTptZFh8CHUYDGafnpCkgpbiBEzLM1wsRC4ZubfL/w640-h360/digimon_adventure_last_evolution_kizuna-625899357-large.jpg" width="640" /></a></div><br />Aquest fet es pot observar de forma molt ben exemplificada a la pel·lícula. Per posar un exemple, en una escena del principi Matt, ja estudiant universitari, observa i escolta amb mirada trista i expressió malenconiosa uns músics de carrer i posteriorment veu a través del vidre de l'aparador d'una botiga d'instruments musicals uns pares regalant al seu fill petit una harmònica, que és precisament l'instrument que tocava Matt a “Digimon Adventure”. Amb aquests detalls, un espectador que no hagi vist anteriorment cap altre lliurament de la franquícia pot concloure que Matt ha abandonat el seu somni de ser músic, de ser cantant, de tocar x instrument, cosa que forma part del procés de maduració personal, resignar-se a no poder complir aquelles ambicions que de petit il·lusionaven tant.<br /><br />El conflicte de "Digimon Adventure: L'última evolució Kizuna" no només és aquest canvi de vida a mesura que es va madurant, que es va evolucionant, també es troba quan no es gestiona bé i no s'assumeix aquesta inevitable transformació, aquest fi inexorable d'una època, i es converteix en un dol traumàtic que no se supera, en aquest ancoratge a una vida que ja no tornarà.<br /><br />Això s'evidencia que la pel·lícula se centra exclusivament en Matt i Tai. Izzy surt com a secundari, i TK, Joe i els altres nens elegits de la primera i segona temporada surten molt poc. I és el que diuen a la pel·lícula, els personatges estan menys units perquè a mesura que maduren cadascú va vivint la seva pròpia vida, van fent nous amics, i aquesta proximitat es dilueix, es dediquen menys temps mútuament, es veuen menys.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3eudztWIwhnxgOXL4gqPdhcqTQ3Q0Tl5xitiIBkU-W5ucI2pUHnREoyIGYVK06hpI6_p37zoQzzu5xOVI1uR8XQ8760ApkXo8V3KbExwsYssH4Qw1If4COdlgB4nkx3mc36Knov4i5d2wSkS144IhoeZPumE1248UG-R43zgjUEoUMfusYSr7_eYu/s1600/img2.rtve.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3eudztWIwhnxgOXL4gqPdhcqTQ3Q0Tl5xitiIBkU-W5ucI2pUHnREoyIGYVK06hpI6_p37zoQzzu5xOVI1uR8XQ8760ApkXo8V3KbExwsYssH4Qw1If4COdlgB4nkx3mc36Knov4i5d2wSkS144IhoeZPumE1248UG-R43zgjUEoUMfusYSr7_eYu/w640-h360/img2.rtve.jpg" width="640" /></a></div><br />Aquest procés transicional de la infància/adolescència a la maduresa no és una temàtica nova narrativament, moltíssims altres autors ho han exposat fins i tot millor, de forma malenconiosa, com Peder Severin Krøyer als seus quadres, o de forma traumàtica, com William Golding a "El senyor de les mosques", o recorrent a un exemple recent, a "Toy Story 3", a la qual "Digimon Adventure: L'última evolució Kizuna" s'assembla, salvant les distàncies, òbviament.<br /><br />A la tercera entrega de la saga Toy Story la tessitura estava mostrada de forma més subtil, en canvi en aquesta pel·lícula ho mostren de forma massa òbvia. Resulta evident que la dedicació que no van invertir en un guió més suggerent i menys explícit sí que ho van invertir en una animació que s'assembla a la de les pel·lícules de Makoto Shinkai. Hauria sortit més a compte, i donat millor resultat, donar-li a Shinkai ("El lloc que ens vam prometre", "El jardí de les paraules", "Your Name", "El temps amb tu") l'escriptura i direcció d'aquesta pel·lícula, o en tot cas a Mamoru Hosoda ("La noia que saltava a través del temps", "Els nens llop", "El nen i la bèstia", "Mirai, la meva germana petita"), que també hauria estat una gran elecció (de fet, aquest últim va dirigir l'episodi 21 de "Digimon Adventure" i la primera pel·lícula de Digimon).<br /><br />El que "Digimon Adventure: L'última evolució Kizuna" hauria d'haver mostrat argumentalment de forma menys descarada és un conflicte que els protagonistes comparteixen amb l'antagonista de la pel·lícula, cosa que també es pot observar a, per exemple, "Toy Story 4". Les noves etapes de la vida generen nous mons que són diferents de les etapes anteriors. Quan una persona fa 11 anys viu en un món, quan aquesta mateixa persona fa 21 anys viu en un altre món. L'antagonista de "Digimon Adventure: L'última evolució Kizuna" es troba que el món on vol seguir vivint és diferent del món on viu. És un tramvia que ha anat avançant per la via de la vida i es troba en una parada de la vida on no volia arribar perquè vol seguir a l'anterior, vol tornar a l'anterior parada, però no hi ha parada on tornar perquè la via, que representa la vida, del tramvia, que representa cadascun de nosaltres, només va en una direcció, i l'anterior parada ja només existeix en els records, l'anterior parada és un món que ja va deixar d'existir.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbBhKrxPwVMxfKISgdHlhyKb5LLhNxlByCabobOCAC0Eqh9dZcJgn_-LBsYNbmYpbmFYJVBolZ3e98UmnuXa2s003m57d6r5XfPQmHAiDXSKvxFSnL0yKZbaAbEEKu5lWVm-LkGG-pNPmgl8v5OJRavARZbl3THCoqW8Uq1vh8aFZ1102_ZmAUAjMp/s1280/asdff.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="670" data-original-width="1280" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbBhKrxPwVMxfKISgdHlhyKb5LLhNxlByCabobOCAC0Eqh9dZcJgn_-LBsYNbmYpbmFYJVBolZ3e98UmnuXa2s003m57d6r5XfPQmHAiDXSKvxFSnL0yKZbaAbEEKu5lWVm-LkGG-pNPmgl8v5OJRavARZbl3THCoqW8Uq1vh8aFZ1102_ZmAUAjMp/w640-h336/asdff.jpeg" width="640" /></a></div><br />La retòrica de l'antagonista de la pel·lícula reflecteix una reflexió que l'allunya de la realitat de la vida. Per contra, els protagonistes acaben aprenent que cal guardar un racó al seu cor on allotjar les tragèdies que tard o d'hora arriben a la vida, que inevitablement es trobaran a les següents parades de la via, però aquesta és una inversió que l'antagonista no és capaç de fer, perquè nega la realitat del món on es troba. Però per als protagonistes, tants els elegits com els digimons, que comprenen que estan vivint els darrers dies del seu món, la mort adquireix un sentit diferent que els ajuda a portar el dol que suposa l'extinció de la que era la seva realitat.<br /><br />Està molt bé que mostrin l'entrada d'una persona a la maduresa no com l'arribada d'aquesta a una edat concreta sinó a quelcom més personal i instrospectiu, més particular a cada individu. El que no està tan bé és que a la pel·lícula aquesta concepció de l'arribada de l'individu a l'etapa adulta es basa en la seva acceptació del rol que la societat li predetermina, un concepte de la maduresa més pròpia del Japó culturalment però que en general no és tan compartida filosòficament, ja que en l'aspecte social està més acceptat que la maduresa consisteix en la capacitat de prendre decisions i d'assumir les responsabilitats que se'n derivin. Per exemple, la pel·lícula comença amb Tai i Matt sense haver pres una decisió respecte al que faran amb la seva vida, i l'arc de transformació que viuran al llarg de la història que es desenvolupa a la pel·lícula els portarà a canviar. El film acaba amb els protagonistes, i els seus respectius digimons, prenent una decisió i assumint la responsabilitat, és a dir, la trama principal conclou amb els personatges principals madurant, convertint-se definitivament en persones adultes en un final lacrimogen que recorda el penúltim episodi de la sèrie anime "Assassination Classroom".<br /><br />En conclusió, "Digimon Adventure: L'última evolució Kizuna" és una proposta atractiva i interessant en el seu fons, però força i fàcilment millorable en la seva forma.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">La meva calificació és:</div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4S4D_1lfaFJE9xGgjWiGmIZhv49s9kgPbsEuyCugWhXoZtkoXoCW36vtLerxX0TjckF_OzF0sbuc4vOYvH1l_siMDOpo4pTjamJHPpqb5j5ImzdOS47mQn17WQdd-YLH-fQ8Z_RVnxbek5D3VcHXWq38I3pgJggb9Ckf1oISCoLyW8FV5YRHYWpFS/s200/2ESTRELLAS.png" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="50" data-original-width="200" height="50" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4S4D_1lfaFJE9xGgjWiGmIZhv49s9kgPbsEuyCugWhXoZtkoXoCW36vtLerxX0TjckF_OzF0sbuc4vOYvH1l_siMDOpo4pTjamJHPpqb5j5ImzdOS47mQn17WQdd-YLH-fQ8Z_RVnxbek5D3VcHXWq38I3pgJggb9Ckf1oISCoLyW8FV5YRHYWpFS/s1600/2ESTRELLAS.png" width="200" /></a></div><br /> <br /></div></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-52916073664805548552023-04-08T15:01:00.004-03:002023-04-08T15:03:20.188-03:00CRÍTICA DIGIMON ADVENTURE: LA ÚLTIMA EVOLUCIÓN KIZUNA (2020), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH9tR-yIOvfBv5wPq2HAVJf7tE1g2Zwjl5OIPGO1WYBKH-14Td_Gusf2_amLI1O2k3Gh8Xe_e5eW55LcQKF9QwkZPh-vgaIzVbwuj18_G66evRmoF58t8IBD9DNVQ1nYe9BAPJ5SU5zPUfmlsMQdfrt-ffZTyuN3u_5rJfWrjvajhHZihP6FdmGDcP/s1200/62eb2ee8-ed1c-4117-bbfe-37047a0bfe52_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH9tR-yIOvfBv5wPq2HAVJf7tE1g2Zwjl5OIPGO1WYBKH-14Td_Gusf2_amLI1O2k3Gh8Xe_e5eW55LcQKF9QwkZPh-vgaIzVbwuj18_G66evRmoF58t8IBD9DNVQ1nYe9BAPJ5SU5zPUfmlsMQdfrt-ffZTyuN3u_5rJfWrjvajhHZihP6FdmGDcP/w640-h360/62eb2ee8-ed1c-4117-bbfe-37047a0bfe52_alta-libre-aspect-ratio_default_0.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;"><br />Sinopsis: En el mundo real, los elegidos se acerquen a la edad adulta, pero Tai y Matt todavía no tienen decidido qué hacer en la vida. Tras una serie de extraños incidentes en los que varios jóvenes pierden el conocimiento, contacta con los elegidos Menoa Bellucci, una profesora de Nueva York, y esta les explica que el digimon Eosmon busca elegidos en todo el mundo para robarles la conciencia. Con la ayuda de la Menoa, Tai, Matt, Izzy, TK y sus digimons luchan contra Eosmon en internet. El problema es que, cuanto más utilicen los poderes de sus digimons, antes se romperá para siempre el vínculo que les une.<br /><br />Esta propuesta anime es una continuación de las series de animación "Digimon Adventure", "Digimon Adventure 02" y "Digimon Adventure Tri". La historia de esta película sirve como conclusión de un arco de desarrollo que empezó con las dos primeras Adventure y siguió con Tri.<br /><br />Es una obra que apela al factor nostalgia, dirigida sobre todo a quienes de niños vieron las dos primeras temporadas, y se centra en la maduración de los personajes, en la entrada de éstos en la edad plenamente adulta, y como éste hecho supone una desaparición de la realidad que vivían desde la niñez. Algo que precisamente han vivido los espectadores que en su día vieron "Digimon Adventure" cuando se emitió en televisión.<br /><br />Este hecho se puede observar de forma muy bien ejemplificada en la película. Por poner un ejemplo, en una escena del principio podemos observar a Matt, ya estudiante universitario, observar y escuchar con mirada triste y expresión melancólica a unos músicos callejeros y posteriorment viendo a través del cristal del aparador de una tienda de instrumentos musicales a unos padres regalando a su hijo pequeño una armónica, que es precisamente el instrumento que tocaba Matt en "Digimon Adventure". Con estos detalles, un espectador que no haya visto anteriormente ninguna otra entrega de la franquicia puede concluir que Matt ha abandonado su sueño de ser músico, de ser cantante, de tocar x instrumento, lo cual forma parte del proceso de maduración personal, resignarse a no poder cumplir aquellas ambiciones que de pequeño ilusionaban tanto.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5itM2wB_1w39iY1kHc-zc-Yc-do9f1vLcDkEhH9ONeSgtviLIB7DDzWR8Oqm3K8zvV38W8SAsOWW12baoqLDkH0f-T8rrmdS6UxCNwj7bhR5aRYVBBCwmKgff_fSoCL82hFFGQdk8FzAQ0ejV9bBV53_ig7C22Bq5Iui1Fi6YsOSOJt-iSSshvtYT/s1024/digimon_adventure_last_evolution_kizuna-625899357-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="1024" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5itM2wB_1w39iY1kHc-zc-Yc-do9f1vLcDkEhH9ONeSgtviLIB7DDzWR8Oqm3K8zvV38W8SAsOWW12baoqLDkH0f-T8rrmdS6UxCNwj7bhR5aRYVBBCwmKgff_fSoCL82hFFGQdk8FzAQ0ejV9bBV53_ig7C22Bq5Iui1Fi6YsOSOJt-iSSshvtYT/w640-h360/digimon_adventure_last_evolution_kizuna-625899357-large.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;">El conflicto de "Digimon Adventure: La última evolución Kizuna" no sólo es ese cambio de vida a medida que se va madurando, que se va evolucionando, también se encuentra cuando no se gestiona bien y no se asume esta inevitable transformación, éste inexorable fin de época, y se convierte en un duelo traumático que no se supera, en ese anclaje a una vida que ya no volverá.<br /><br />Esto se evidencia en que la película se centra exclusivamente en Matt y Tai. Izzy sale como secundario, y TK, Joe y los otros niños elegidos de la primera y segunda temporada salen muy poco. Y es lo que dicen en la película, los personajes están menos unidos porque a medida que maduran cada uno va viviendo su propia vida, van haciendo nuevos amigos, y esa cercanía se diluye, se dedican menos tiempo mutuamente, se ven menos.<br /><br />Este proceso transicional de la infancia/adolescencia a la madurez no es una temática nueva narrativamente, muchísimos otros autores lo han expuesto incluso mejor, de forma melancólica, como Peder Severin Krøyer en sus cuadros, o de forma traumática, como William Golding en "El señor de las moscas", o recurriendo a un ejemplo reciente, en "Toy Story 3", a la que "Digimon Adventure: La última evolución Kizuna" se asemeja, salvando las distancias, obviamente.<br /><br />En la tercera entrega de la saga Toy Story la tesitura estaba mostrada de forma más sutil, en cambio en esta película lo muestran de forma demasiado obvia. Resulta evidente que la dedicación que no invirtieron en un guión más sugerente y menos explícito sí lo invirtieron en una animación que se asemeja a la de las películas de Makoto Shinkai. Hubiera salido más a cuenta, y dado mejor resultado, darle a Shinkai ("El lugar que nos prometimos", "El jardín de las palabras", "Your Name", "El tiempo contigo") la escritura y dirección de esta película, o en todo caso a Mamoru Hosoda ("La chica que saltaba a través del tiempo", "Los niños lobo", "El niño y la bestia", "Mirai, mi hermana pequeña"), que también hubiera sido una gran elección (de hecho, este último dirigió el episodio 21 de "Digimon Adventure" y la primera película de Digimon).</div><div style="text-align: justify;"> <br /></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4onN9SdFdM7bpSFXWQ0MZLhdfAJaicnwyl6DLpll7U-A0wqzadU4I_P7e55ePzxlGsfU8aT_FtmQKdrbvsldyjr2yCy37D0EnGeyZoAuzOXAL-YfV_uylJXAq9K8Zgn_Dhi27CoKrWSrQr9CIi_QCIx0U9oQ14gYFaFlx5UZ3K-8KDGVqu90gZI1N/s1600/img2.rtve.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4onN9SdFdM7bpSFXWQ0MZLhdfAJaicnwyl6DLpll7U-A0wqzadU4I_P7e55ePzxlGsfU8aT_FtmQKdrbvsldyjr2yCy37D0EnGeyZoAuzOXAL-YfV_uylJXAq9K8Zgn_Dhi27CoKrWSrQr9CIi_QCIx0U9oQ14gYFaFlx5UZ3K-8KDGVqu90gZI1N/w640-h360/img2.rtve.jpg" width="640" /></a></div> </div><div style="text-align: justify;">Lo que "Digimon Adventure: La última evolución Kizuna" debería haber mostrado argumentalmente de forma menos descarada es un conflicto que los protagonistas comparten con el antagonista de la película, algo que también se puede observar en, por ejemplo, "Toy Story 4" . Las nuevas etapas de la vida generan nuevos mundos que son distintos a las etapas anteriores. Cuando una persona cumple 11 años vive en un mundo, cuando esa misma persona cumple 21 años vive en otro mundo. El antagonista de "Digimon Adventure: La última evolución Kizuna" se encuentra que el mundo en el que quiere seguir viviendo es diferente del mundo en el que vive. Es un tranvía que ha ido avanzando por la vía de la vida y se encuentra en una parada de la vida a la que no quería llegar porque quiere seguir en la anterior, quiere volver a la anterior parada, pero no hay parada a la que volver, porque la vía, que representa la vida, del tranvía, que representa a cada uno de nosotros, sólo va en una dirección, y la anterior parada ya sólo existe en los recuerdos, la anterior parada es un mundo que ya dejó de existir.<br /><br />La retórica del antagonista de la película refleja una reflexión que le aleja de la realidad de la vida. Por el contrario, los protagonistas acaban aprendiendo que hay que guardar un rincón en su corazón donde albergar las tragedias que tarde o temprano llegan a la vida, que inevitablemente se encontrarán en las siguientes paradas de la vía, pero ésta es una inversión que el antagonista no es capaz de hacer, porque niega la realidad del mundo en el que se encuentra. Pero para los protagonistas, tantos los elegidos como los digimons, que comprenden que están viviendo los últimos días de su mundo, la muerte adquiere un sentido distinto que les ayuda a llevar el luto que supone la extinción de la que era su realidad.<br /><br />Esta muy bien que muestren la entrada de una persona a la madurez no como la llegada de esta a una edad concreta sino a algo más personal e instrospectivo, más particular a cada individuo. Lo que no está tan bien es que en la película esa concepción de la llegada del individuo a la etapa adulta se base en su aceptación del rol que la sociedad le predetermina a ella, un concepto de la madurez más propia de Japón culturalmente pero que en general no es tan compartida filosóficamente, pues en el aspecto social está más aceptado que la madurez consiste en la capacidad de tomar decisiones y de asumir las responsabilidades que se deriven de estas. Por ejemplo, la película empieza con Tai y Matt sin haber tomado una decisión respecto a lo que harán con su vida, y el arco de transformación que vivirán a lo largo de la historia que se desarrolla en la película les llevará a cambiar. El film termina con los protagonistas, y sus respectivos digimons, tomando una decisión y asumiendo la responsabilidad, es decir, la trama principal concluye con los personajes principales madurando, convirtiéndose definitivamente en personas adultas en un final lacrimógeno que recuerda al penúltimo episodio de la serie anime "Assassination Classroom".<br /><br />En conclusión, "Digimon Adventure: La última evolución Kizuna" es una propuesta atractiva e interesante en su fondo, pero bastante y fácilmente mejorable en su forma.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRttY6-_HP821eXsPkaxzTIO8uhMJZylWJGYnUdyL8PKLhe7p6v-OdkxeB97NoQiin7GYBWKsCl-2TlB4Qm60-QPbyuv07gKzWc1klnZWQmL3LOft9uQ1KQfEBGQnvkelkXFIr-vt-mxHYB1GcU4ddG9MNb5lDn6y-mgqQX7GorMLbI8L9xYgPE4f1/s200/2ESTRELLAS.png" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="50" data-original-width="200" height="50" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRttY6-_HP821eXsPkaxzTIO8uhMJZylWJGYnUdyL8PKLhe7p6v-OdkxeB97NoQiin7GYBWKsCl-2TlB4Qm60-QPbyuv07gKzWc1klnZWQmL3LOft9uQ1KQfEBGQnvkelkXFIr-vt-mxHYB1GcU4ddG9MNb5lDn6y-mgqQX7GorMLbI8L9xYgPE4f1/s1600/2ESTRELLAS.png" width="200" /></a></div><br /> <br /></div></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-2986537800473654502022-12-28T05:04:00.007-03:002022-12-29T09:52:14.888-03:00CRÍTICA NAVIDAD EN EL PLAZA (2019), POR ALBERT GRAELLS<div><div style="text-align: justify;"><br /></div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghSkrvRZcFFF7lDPYRMq4-F2lxJmOE8-2_9TFRyOEVOTyGfD_iMSHAvo2JfAxM7Wa7421n-4JY1KtPpeBVcuJVSakEDYCUkVCOqOF5_04pgfBi2tuQOpG5wZt5g_oZ3JS74kZoVkjtRKcE0XiHJQJ8bwvNB15RyTvu3DTZr8lAdhO1U8qlWS_fLoFk/s800/0e283ba23d8c3afd4e9f539d601c83b440fd11d6_b.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="533" data-original-width="800" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghSkrvRZcFFF7lDPYRMq4-F2lxJmOE8-2_9TFRyOEVOTyGfD_iMSHAvo2JfAxM7Wa7421n-4JY1KtPpeBVcuJVSakEDYCUkVCOqOF5_04pgfBi2tuQOpG5wZt5g_oZ3JS74kZoVkjtRKcE0XiHJQJ8bwvNB15RyTvu3DTZr8lAdhO1U8qlWS_fLoFk/w640-h426/0e283ba23d8c3afd4e9f539d601c83b440fd11d6_b.jpg" width="640" /></a></div><br /><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: justify;">Sinopsis: Con la llegada de la Navidad a Nueva York, Jessica, una historiadora de archivo inmersa en una relación romántica en declive, es contratada para crear una exposición en honor a la historia de la Navidad en El Plaza Hotel. Allí conoce a Nick, el encargado de decorar el emblemático lugar.<br /><br />Esta producción de 84 minutos de duración es un telefilm emitido originariamente en Hallmark Channel, un canal de televisión por cable estadounidense cuya programación está dirigida principalmente a familias, ofreciendo películas para televisión con esa temática y dedicadas mayormente a un público conservador y tradicional de áreas suburbanas y rurales.<br /><br />Teniendo en cuenta estos antecedentes, no es de extrañar que buena parte de la producción telefílmica de esta emisora muestre historias ambientadas y centradas en la Navidad, como la propuesta que nos ocupa.<br /><br />Escrita y dirigida por Ron Oliver, que ha ofrecido otras obras telefílmicas muy diversas como "Hotel para las vacaciones de Navidad", "Las amas de casa del Polo Norte", "Una Navidad atemporal", "Navidad eterna", "El tren de la Navidad", "Cada Navidad tiene una historia", "La sorpresa de Navidad", "Atrapados en Navidad", "Amor en el Desfile del Día de Acción de Gracias" o "Daniel el travieso y el espíritu de la Navidad", muestra en "Navidad en El Plaza" una gran capacidad de dirección que ya le gustaría a más de uno por ahí al que le dejan dirigir megaproducciones de 200 millones de dólares (Chris Weitz, Adam Wingard...).</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;"></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRRKSZtA6tz9cqgz7unGxq9RVHQoYtbmrUjcl6aMzgz8bi3DugBeon_1H1tKLpoJiHTwQWmnhIc3Wu8qDx2scOAbJy6ATL5gjRSK8YrG-nfYJcuRuOrLhUzhPpMDbHHHYB5EKossn10j0deKYF4Nud62h-jfilk_zsWLcRd-HXCsaVzcpUr4Q3d4X_/s3840/MV5BYWI3NmQ3ZWYtODY3Yi00NGUzLTg2MjMtYzUwMTIyNGY4N2UxXkEyXkFqcGdeQXVyNDk3ODk4OQ@@._V1_.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2160" data-original-width="3840" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRRKSZtA6tz9cqgz7unGxq9RVHQoYtbmrUjcl6aMzgz8bi3DugBeon_1H1tKLpoJiHTwQWmnhIc3Wu8qDx2scOAbJy6ATL5gjRSK8YrG-nfYJcuRuOrLhUzhPpMDbHHHYB5EKossn10j0deKYF4Nud62h-jfilk_zsWLcRd-HXCsaVzcpUr4Q3d4X_/w640-h360/MV5BYWI3NmQ3ZWYtODY3Yi00NGUzLTg2MjMtYzUwMTIyNGY4N2UxXkEyXkFqcGdeQXVyNDk3ODk4OQ@@._V1_.jpg" width="640" /></a></div><div style="text-align: justify;"><br />La historia no deja de ser una sopa de clichés, pero también lo son las películas de Almodóvar y nadie le dice nada. Lo cierto es que las distintas tramas son bonitas, entrañables, interesantes, y todas están bien estructuradas, entrelazadas e interconectadas.<br /><br />Los personajes están bien construídos, y notablemente interpretados. Destacan la pareja protagonista, Elizabeth Henstridge y Ryan Paevey, este último visto en propuestas tan distintas como "Unas legendarias vacaciones navideñas", "Coyote Creek Christmas", "Esperanza en Navidad" o la mencionada "Una Navidad atemporal". Entre los secundarios destacan el nombre más conocido del reparto, Bruce Davison, visto en "X-Men" y "X-Men 2" e invitado de lujo en capítulos puntuales de muchas series de televisión conocidas, y Julia Duffy, veterana actriz que ha demostrado su destacable capacidad interpretativa en propuestas como "Navidad con los Campbell" o "Huelga para Navidad". También cabe mencionar el estupendo trabajo interpretativo de David Lafontaine ("Una mascarada navideña"), Wanda Cannon (la mencionada "La sorpresa de Navidad") y Karen Holness ("La promesa de Navidad", "Desconcierto en Navidad", "Navidad en Holly Lane", "Buscando a Santa", "Una rosa para Navidad", "Mi deseo de Navidad" y las mencionadas "El tren de la Navidad" y "Cada Navidad tiene una historia")<br /><br />Pero también se percibe en la película un gran trabajo de dirección de actores por parte de Oliver, que tampoco olvida el aspecto visual, lumínico y cromático. Resulta muy creativo el uso de la gama de colores rojizo y verde, la profundidad de campo, y la calidez o frialdad lumínica dependiendo del escenario o la situación emocional y dramática de los personajes. No puede esperarse en ese aspecto un trabajo inferior teniendo en cuenta quién es el director de fotografía, Thomas M. Harting, quien fuera también director de fotografía de "3 Needles". Estas propuestas demuestran el innegable buen hacer de Harting como artista de composición visual, lumínica y cromática.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQHgiL0BEqSB1RDvAEcBcUUg68uuHWGyqwLnQhAVvNQGOo4V4IYwjtdHZ8ECR7dofKHz5GnatRrjKX7WdMPxM93WCmcpWGQv314HzS_caYnb_hRF1VBgpI7jGtGWSsg_-Dn_GiCpYEkUclEeFVmxAzFL05qeI-XskQEbRSukSVdkPGunLVxttuvECC/s726/CATP3.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="410" data-original-width="726" height="362" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQHgiL0BEqSB1RDvAEcBcUUg68uuHWGyqwLnQhAVvNQGOo4V4IYwjtdHZ8ECR7dofKHz5GnatRrjKX7WdMPxM93WCmcpWGQv314HzS_caYnb_hRF1VBgpI7jGtGWSsg_-Dn_GiCpYEkUclEeFVmxAzFL05qeI-XskQEbRSukSVdkPGunLVxttuvECC/w640-h362/CATP3.jpeg" width="640" /></a></div> </div><div style="text-align: justify;">Resulta llamativo el gran trabajo escenográfico de "Navidad en El Plaza". Como la mayoría de las producciones de Hallmark Channel, casi la totalidad de la filmación de esta película se realizó en Canadá, salvo contadas tomas generales exteriores del Hotel Plaza en Nueva York, y aun así te comes que es Nueva York. La directora de arte, Dara Wishingrad, consigue representar escenográfica y decorativamente la idea y la imagen que en el imaginario colectivo se tiene de la idílica e idealizada Nueva York en los dos últimos meses del año.<br /><br />El diseñador de vestuario, Charl Boettger ("Mad Max: Furia en la carretera", "La noche más oscura"), realiza un trabajo fabuloso extrapolando la candidez y la calidez del concepto familiar y romántico de la Navidad urbanita. Muy bien también la labor de los maquilladores y peluqueros de la película, un trabajo sutil pero a la vez creativo y coherente con el carácter de los personajes y con las necesidades lumínicas de cada escena.<br /><br />"Navidad en El Plaza " es una película romántica que recomiendo encarecidamente ver una tarda en fechas navideñas. A ver, es el típico telefilm de sobremesa de Antena 3 de sábados y domingos por la tarde, pero, qué puñetas, admitámoslo, a todos nos gusta las películas de este género digno de estudio antropológico, y esta propuesta está por encima de la media en cuanto a calidad técnica y artística.<br /><br /></div>Mi calificación es:</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKsHh-oP1aksrPR45AdCG3S2RBtFIhSVKvOBtWB8PgyPABwrk_oxJ5nJEAKQftt-67UvOWKtqz_4pA9gRfSA3NxWF5w9zdiWEfSpslmXqKel27zj-7rA9pYPWNK7n6VknMfWi7bK5mWwqI4E6aSHEC8cU61E1ueHi8elDUr-CW6LCxJ1Kiy0Lr6EW0/s200/3ESTRELLAS.png" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" height="48" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKsHh-oP1aksrPR45AdCG3S2RBtFIhSVKvOBtWB8PgyPABwrk_oxJ5nJEAKQftt-67UvOWKtqz_4pA9gRfSA3NxWF5w9zdiWEfSpslmXqKel27zj-7rA9pYPWNK7n6VknMfWi7bK5mWwqI4E6aSHEC8cU61E1ueHi8elDUr-CW6LCxJ1Kiy0Lr6EW0/s1600/3ESTRELLAS.png" width="200" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-49265614347457743062021-12-29T03:23:00.010-03:002021-12-29T03:33:18.649-03:00CRÍTICA DON'T LOOK UP (2021), POR ALBERT GRAELLS<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEinl_s-xaGOgrDAXAkv_WVaH1TzdvJe-SBcnHehJWpZRsNtunUMC8oGnsdc8gmbWch6eQh2jUn-v50Qf1cCp8iQTAUzHXt6MEGQBUwn1Qo5UvR92q-Ie6EBjBs3ILWHktQZZ-cG5zTuFPqxMxiaBW2qztZI2Ok3r1jW_wPaxsyeLhIwnb-dqZGXEJp7=s800" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="533" data-original-width="800" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEinl_s-xaGOgrDAXAkv_WVaH1TzdvJe-SBcnHehJWpZRsNtunUMC8oGnsdc8gmbWch6eQh2jUn-v50Qf1cCp8iQTAUzHXt6MEGQBUwn1Qo5UvR92q-Ie6EBjBs3ILWHktQZZ-cG5zTuFPqxMxiaBW2qztZI2Ok3r1jW_wPaxsyeLhIwnb-dqZGXEJp7=w640-h426" width="640" /></a></div><p></p><span><a name='more'></a></span><br /></div><div style="text-align: justify;"><span></span>Sinopsis: Kate Dibiasky, estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy hacen un descubrimiento tan asombroso como terrorífico: un enorme cometa colisionará con la Tierra y la destruirá. El otro problema es... que a nadie le importa. Kate y Randall emprenden una gira mediática para advertir a la humanidad que los lleva desde la indiferente presidenta Orlean y su hijo y jefe de gabinete, Jason, a la emisión de 'The Daily Rip', un animado programa matinal presentado por Brie y Jack. Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendente e ilógicamente dificultoso. ¿Pero qué es lo que hay que hacer para que el mundo mire hacia arriba?</div><p style="text-align: justify;">"Don't Look Up" es un comedia dramática satírica escrita y dirigida por Adam McKay, guionista y director de "Vice", y protagonizada por Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Jonah Hill, Rob Morgan, Mark Rylance, Tyler Perry, Timothée Chalamet, Ron Perlman, Cate Blanchett, Michael Chiklis y Chris Evans.<br /><br />Esta propuesta resulta muy irregular por tener aspectos muy positivos pero a la vez muy negativos. Es una muy buena idea llevada a cabo de forma no tan buena. Se entiende lo que propone McKay, y de hecho el guión tiene toques brillantes que la igualan, sólo en ciertos momentos, a "Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb". La película se ríe de todos, no sólo de los políticos sino también de las personas de a pie de calle; es muy cafre, no tiene miedo en meter el dedo en la llaga y urgar dentro. Hay escenas cómico-satíricas de una mala leche... lo cual, por otra parte sigue la estela del hacer de McKay, que en "Vice" ya demostró su dominio de la sátira hiriente con un toque de drama y tragedia, y con un estilo de montaje que repite, con acierto, en "Don't Look Up".</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjuaFUzv1p94Xo7j3lItFKzJ8XjaCxHto6Wotm-9zZduxFFqX8Qddq5jBvjDjb7ctizdYKRBQHhCrmxuogSdKeOER-Neaei3-zmXp4z2OHwd8o90-E2m9goJjnlH4X-WMPX-QM92TVRXUIT9Q5R1JR-c_LZBzqNYg7K1qPz6bgvnagy_rRxiGvqga3b=s1200" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjuaFUzv1p94Xo7j3lItFKzJ8XjaCxHto6Wotm-9zZduxFFqX8Qddq5jBvjDjb7ctizdYKRBQHhCrmxuogSdKeOER-Neaei3-zmXp4z2OHwd8o90-E2m9goJjnlH4X-WMPX-QM92TVRXUIT9Q5R1JR-c_LZBzqNYg7K1qPz6bgvnagy_rRxiGvqga3b=w640-h360" width="640" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;">En esta película es muy fácil sustituir el cometa por la pandemia del coronavirus, y las reacciones de los personajes, sin embargo, son las mismas, tanto en la vida real como en la ficción de esta película, y eso es lo más hiriente de todo, porque en "Don't Look Up" los personajes, tanto los que son políticos como gente de a pie de calle, actúan de la forma más estúpida, ilógica y absurda imaginable, no se salvan ni siquiera el trío de científicos protagonistas, que serían de todos los personajes los más ¿razonables? ¿normales? ¿coherentes? bueno, comparados con los otros personajes, se les podría adjudicar muy generosamente esos adjetivos. Pero ninguno de ellos tiene la azotea muy bien amueblada, y de hecho los personajes poderosos son un atajo de lunáticos que no desentonarían en un manicomio, y aun así la gente les vota y les admira, lo cual no dice nada bueno de nosotros, más bien que mucho mejor que ellos no estamos de la cabeza.<br /><br />Resulta evidente que McKay se basó mucho en la serie "Black Mirror" a la hora de plantear esta película, la diferencia es que "Black Mirror" plantea su tesitura a través del drama hiriente y "Don't Look Up" lo hace a través del humor hiriente, algo que también se veía en "Vice". Momentos como el del general del Pentágono y los aperitivos... que no tiene absolutamente ningún sentido, pero que son muy realistas, y eso es lo más triste de todo, que en la vida real hay políticos que son como ese general del Pentágono con los aperitivos. Son momentos tragicómicos, cómicos porque son divertidos y trágicos por ser realistas. Y lo de los negacionistas, el movimiento "no mires arriba" que da título a la película, que es más absurdo si cabe, pero a la vez aun más realista, y no es sólo por los negacionistas del holocausto nazi o los terraplanistas, es porque ahora hay negacionistas de la nieve, de los pájaros, del imperio romano... El retrato que hace McKay, tanto de los políticos como de la gente de a pie de calle, es tan hiriente que muchas veces el guionista y director se viene demasiado arriba y se pasa.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiIJIdhhUy1GoJt-Cr0S50Z67RdG9vnPQ_2EvZuqAQGXtciVc8UvqscNORX9MOp_u06A-HnmzEokCtCwZm2qhTjJTL7EPfJMkdz5BaXdjKVqf8N6T4UjZIcvV-3uaeJfNk_erxDptqeWz6HuYq39vUbo_zNFb0WfiASIkjHset3noz9-xa26SRzyQfN=s1800" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1800" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiIJIdhhUy1GoJt-Cr0S50Z67RdG9vnPQ_2EvZuqAQGXtciVc8UvqscNORX9MOp_u06A-HnmzEokCtCwZm2qhTjJTL7EPfJMkdz5BaXdjKVqf8N6T4UjZIcvV-3uaeJfNk_erxDptqeWz6HuYq39vUbo_zNFb0WfiASIkjHset3noz9-xa26SRzyQfN=w640-h426" width="640" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;">A diferencia de en "Vice", donde la sátira estaba bien medida y quedaba dentro de un márgen de verosimilitud, en "Don't Look Up" hay muchos momentos en los que McKay le mete tanta mala leche que pasa de sátira a parodia, cruza la linea en la que el espectador ya no suspende su incredulidad, y son en esos momentos en los que la película falla mucho, aquellos en los que se aleja de "Vice" y se acerca a "Polònia", y no debería, porque "Don't Look Up" y "Polònia" juegan en el mismo deporte pero en diferente liga y distinta división.<br /><br />McKay debería haber tomado más ejemplo de "The Death of Stalin", a la cual "Vice" tiene cierto parecido, o incluso de "Shin Godzilla", porque la sátira que en esa película hace Hideaki Anno es más sutil pero a la vez más cruel aún, en "Shin Godzilla" Anno es más cruel en su sátira sin salirse de la verosimilitud, algo que McKay no consigue en "Don't Look Up", y es una lástima, porque sí supo hacerlo muy bien en "Vice".<br /><br />Hay escenas y personajes que sobran o están mal construídos. Por ejemplo, la segunda de las dos escenas post-crédito no sólo sobra sino que además es contraproducente su presencia, es un mal cierre, la película ya cerraba muy bien con la primera escena post-créditos. El personaje de Timothée Chalamet, por muy bien que lo haga el actor, me sobra totalmente. Y los personajes de Cate Blanchett (que vuelve a actuar con DiCaprio 17 años después de "The Aviator") y Tyler Perry (que vuelve a trabajar con McKay después de "Vice") en ese programa matinal que es una suerte "Espejo público" (de hecho, el personaje de Cate Blanchett se parece a Susanna Griso) están tan fuera de la credulidad como esa pareja de cantantes, son picos de parodia que desestabilizan una superficie de sátira. Son momentos que encajarían más en, por ejemplo, "Team America", que era una película aun mucho más cafre, lo que pasa es que "Team America" era así todo el rato, jugaba a eso, pero "Don't Look Up" no, porque la película de McKay en principio juega a fútbol europeo pero muchas veces se pone a jugar a fútbol americano. Ese es el principal problema, que la película no es coherente en su humor.</p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiTSuSXBnhzEfcCiXPkoYIQ2sYTmoIPFHOrqfsaDxQbt4NNDt5-gorpPbO27gvp5WVhzicQ-Lk6P5cflVuO4hbHAbe8qzIX5SShZgkmZTLLk0sY_28fNizrpB4219fSFWpwMQPN05Cmwnfs-0QpbjVKzWvYOo5YBmnYUabSYb3ixtLkHgrdmsaWoiOO=s1200" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiTSuSXBnhzEfcCiXPkoYIQ2sYTmoIPFHOrqfsaDxQbt4NNDt5-gorpPbO27gvp5WVhzicQ-Lk6P5cflVuO4hbHAbe8qzIX5SShZgkmZTLLk0sY_28fNizrpB4219fSFWpwMQPN05Cmwnfs-0QpbjVKzWvYOo5YBmnYUabSYb3ixtLkHgrdmsaWoiOO=w640-h360" width="640" /></a></div><br /><p></p><p style="text-align: justify;">Los actores, eso sí, están fantásticos. Leonardo DiCaprio no es que haga la mejor actuación de su carrera, pero aún así está estupendo, uno se olvida que está viendo al famoso DiCaprio y sólo ve al personaje. Lo mismo en lo relativo a Jennifer Lawrence, que es una actriz que nunca me ha entusiasmado pero debo reconocer que aquí está a la altura de su compañero de reparto. Meryl Streep está espectacular, interpretando a una suerte de Isabel Díaz Ayuso, le va a caer otra nominación al Oscar seguro (la vigésimo segunda, creo), y muy merecida. Jonah Hill (que coincide con DiCaprio tras "The wolf of Wall Street") interpreta maravillosamente bien la misoginia e imbeclidad personaficada en un sólo personaje. Ron Perlman está fantástico en el minuto contado en el que sale. Y qué decir de Mark Rylance, que interpreta a esa suerte de Willy Wonka que es una mezcla de Steve Jobs y Albert Boadella y que vive en la luna, aunque no literalmente; Rylance está incommensurable, es un monstruo de la interpretación, yo le daría el Oscar al mejor actor secundario si estos premios fueran justos.<br /><br />En conclusión. "Don't Look Up" es una película que no está mal, que estaría muy bien si sólo fuera por sus aciertos, pero que sus defectos rebajan mucho la calidad de su conjunto haciendo que sea una propuesta fílmica que tampoco está muy bien. Para verla y divertirse una vez.<br /></p><p><br /> Mi calificación es:</p><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhhdtEjO068fWxZfIK8GIXuEVUEpxzeXaCvp6BTZILuUf9SfEGofH9ut4olo6FJ4txHEc4bGGlBU5o0mzPkPgywxiDFmOL820AZXMpuWGe1_xFc80RhZ4w8Mn_lizlPE2fmxVahjhhwZSqtVhuVWmpvhS7zcFd3ehrGf3NbQXrk0GSbTS6q86enNqu9=s200" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="49" data-original-width="200" height="49" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhhdtEjO068fWxZfIK8GIXuEVUEpxzeXaCvp6BTZILuUf9SfEGofH9ut4olo6FJ4txHEc4bGGlBU5o0mzPkPgywxiDFmOL820AZXMpuWGe1_xFc80RhZ4w8Mn_lizlPE2fmxVahjhhwZSqtVhuVWmpvhS7zcFd3ehrGf3NbQXrk0GSbTS6q86enNqu9" width="200" /></a><br /></p>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-88572259257005120152021-12-25T16:00:00.004-03:002021-12-25T16:08:19.679-03:00CRÍTICA MENSAJE DE NAVIDAD DE SU MAJESTAD EL REY 2021 (2021), POR ALBERT GRAELLS<div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEibDRT_NpIpTYb4EOr2X_YUaG0RNCmtveiIeMi93XMyP5AYY5DQbN8nwb9s_WGfkKrw41CrvSlMGYa-u4a2-qFKVogtmSWYCL7CsoFYE7yfl1yA-yGy6s9CKYEZnQdrDXjbB2X4TewJ4tpZT9yT2YtDkqLSlaRVb7XJaVkO980839u1vYFsNbeJh38o=s1200" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEibDRT_NpIpTYb4EOr2X_YUaG0RNCmtveiIeMi93XMyP5AYY5DQbN8nwb9s_WGfkKrw41CrvSlMGYa-u4a2-qFKVogtmSWYCL7CsoFYE7yfl1yA-yGy6s9CKYEZnQdrDXjbB2X4TewJ4tpZT9yT2YtDkqLSlaRVb7XJaVkO980839u1vYFsNbeJh38o=w640-h360" width="640" /></a></div><p><span></span></p><a name='more'></a> <p></p><p style="text-align: justify;">Los discursos navideños del jefe del Estado español son como el ajo, se repiten, pero este en concreto, el octavo discurso navideño del actual rey de España Felipe VI, sobresale por su guión, por su dirección, por su actuación, por su escenografía, su vestuario y su fotografía, aunque todos esos aspectos no destacan precisamente por su calidad audiovisual sino más bien lo contrario.<br /><br />El texto del discurso, escrito por el guionista Perro Sánchez, no tiene ni pies ni cabeza, brilla por su incoherencia. El protagonista, que tiene menos credibilidad que el abeto de plástico situado detrás a su izquierda, habla de la igualdad entre hombre y mujeres, y eso estaría bien si no fuese porque lidera una institución que discrmina a la mujer y no la permite ocupar la jefatura del Estado.<br /><br />Felipe VI también habla de respetar y cumplir las leyes y ser ejemplo de integridad pública y moral. Este hombre tiene mucha jeta. ¿Desde qué pedestal de catadura moral habla el rey de respeto y cumplimiento de la ley y de ejemplo de integridad pública y moral si su padre, Juan Carlos I, que fue impuesto por un dictador fascista y golpista, y que nunca juró acatar la Constitución, mató a su hermano de un tiro en la frente, ha robado a todos los españoles a manos llenas durante 40 años (incluidos a los que, por alguna razón que no alcanzo entender, le siguen comiendo los huevos), se ha ido a Botswana con los impuestos del pueblo a cazar elefantes, se ha enriquecido con la venta ilegal de armas, va regalando decenas de millones de euros sin declarar a sus amantes que las tiene a miles, y se ha fugado a una dictadura como Emiratos Árabes?</p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi6aRA4vwTti4k8fu6ZLSzEqBSaW2g-YrMULQBAYA59Y26JzZobqm80vvH403eSZ8VsSs7RriieDsdDgvX9lxvI29grduukmeAYiNqjsK3p2XIEpGjzRxpYs-1GJlNttuMKQVe0b9e7lGczukQhHsKmarGayiPZHLsxKdzbWXZD_rHL5--cGsvQLnT3=s1280" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi6aRA4vwTti4k8fu6ZLSzEqBSaW2g-YrMULQBAYA59Y26JzZobqm80vvH403eSZ8VsSs7RriieDsdDgvX9lxvI29grduukmeAYiNqjsK3p2XIEpGjzRxpYs-1GJlNttuMKQVe0b9e7lGczukQhHsKmarGayiPZHLsxKdzbWXZD_rHL5--cGsvQLnT3=w640-h360" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;">También habla del coronvarius llamándolo Covid-19, como si fuese una mascota olímpica, para no decir Corona-Virus. Además que habla de la Constitución como un talibán habla del Corán, la dogmatiza y al mismo tiempo se la fo---. También habla de las cosas positivas que han ocurrido este año, de las cuales no ha contribuido en ninguna de ellas, y también de las cosas malas que han ocurrido, de las que él no ha ayudado en ninguna de ellas.<br /><br />El actor protagonista no es mucho mejor. Está quieto y sentado todo el rato, no se levanta de la puta silla ni por casualidad, y no es convincente, resulta evidente que no se cree el discurso que está leyendo. A ver, que tampoco es que deba hacer el monólogo de Hamlet, pero al menos podría tratar de hacer ver que finge creer en lo que dice. Mueve las cejas como si tratara de imitar a Carlos Sobera, y mueve las manos como si fuese un yonki con síndrome de abstinencia pidiendo una dosis. Felipe VI, como actor, le queda mucho por aprender. Personalmente sugiero que, para el discurso de Navidad del año que viene, en vez de interpretarse a sí mismo, Felipe VI sea interpretado por alguién con mayores y mejores dotes de actuación, como Antonio Banderas o Luis Tosar.<br /><br />No sé quién es el director, pero se debe creer Michael Bay; pone dos cámaras a distinta altura, una en un plano picado y otra en contrapicado, y va cambiando de plano continuamente, obligando al actor a girar la cabeza todo el rato de un lado a otro como la niña de "El exorcista", sólo le ha faltado gritar cochinadas, sacar la lengua lascivamente, y vomitar puré de guisantes. Ese cambio de planos queda muy mal, y no ayuda a eso el vago montaje transitorio a modo de disolución.</div><p></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhniL9LQzoEhfGaMqaF3iSRXE7_wq7k3Igx9M3MUQNegEccvcIJr36E55AaFM4VBSe8S_D5kzn5NAThtXSD9EDT_6x9t0vEl93OlYfp8zS4gW0Pb0Izj0r4PBUNH2LxGwbAlUhj674nJjG8lcc6GKb8lqEWQNCYpU_lzU_fqunUBaxH_75OCmN1Zpeb=s1200" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1200" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhniL9LQzoEhfGaMqaF3iSRXE7_wq7k3Igx9M3MUQNegEccvcIJr36E55AaFM4VBSe8S_D5kzn5NAThtXSD9EDT_6x9t0vEl93OlYfp8zS4gW0Pb0Izj0r4PBUNH2LxGwbAlUhj674nJjG8lcc6GKb8lqEWQNCYpU_lzU_fqunUBaxH_75OCmN1Zpeb=w640-h480" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;">Qué decir del vestuario. Lo mejor que se puede decir de la corbata que lleva el protagonista es que fabricarla ha dado trabajo a gente, aunque también lo hace la fabricación de metanfetamina. Esa corbata es una ofensa a la vista, tanto cromáticamente como en lo relativo al estampado. Esa corbata merece usarse más para ahorcarse con ella que para llevarla como prenda de vestir.<br /><br />En cuanto a la escenografía. El cuadro situado detrás del protagonista... salta a la vista que se ha buscado un cuadro más ordnario que Felipe VI (tiene mérito que lo hayan encontrado) para que, en comparación, él se vea carismático, pretensión que no consiguen llevar a cabo. Cualquier elemento de la escenografía (salvo el cuadro) tiene más carisma que el rey, como esas mesas austeras a más no poder para transmitir austeridad. A ver, no pueden pretender que el rey me transmita usteridad cuando lo veo sentado en una silla tapizada de oro y lo que me ponen previo al discurso es un plano del palacio en el que vive.<br /><br />Y esas fotos familiares colocadas estratégicamente... en la que por cierto en ninguna de ellas sale su padre. ¿Qué pretenden transmitir? ¿Unidad y cercanía familiar en la familia real? Pero si Felipe VI mandó a su hija a un internado a más de 1.800 kilómetros en el extranjero, tiene más de cinco mil hermanos y hermanas que no conoce, su padre está de putas en Abu Dabu, y su madre, que tiene más cuernos que el Espíritu del Bosque de "La princesa Mononoke" y que podría usar como circuito de Fórmula 1, también se ha ido no sabe dónde.<br /><br />En conclusión. "Mensaje de Navidad de Su Majestad el Rey 2021" es una obra insulsa y aburrida en su contenido y mediocre y desagradable en su forma. Sugiero encarecidamente que el discurso de Navidad del año que viene lo escriba y dirija un director con mejor hacer, como Álex de la Iglesia, con guión de Jorge Guerricaechevarría, fotografía de Kiko de la Rica y música de Roque Baños.</div><p></p><p>Mi calificación es:</p><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj-xYooLSJIrnhUM7EE21L40xW6m8qWrc_9xO6UIibQvN8JKCEWVyjVfAbXuQ9SqHr8OWZJemn_4BoYoZApYbh5uCzOUl07v7wNX5XsgiqJjMeJ0_SkRIv7diiV3h_c9O47r2pZwIpqSH-TLCY5ARI5DRETdlqhdIg_YPPAydA44ouopaHC6xVw1yEd=s200" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="47" data-original-width="200" height="47" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj-xYooLSJIrnhUM7EE21L40xW6m8qWrc_9xO6UIibQvN8JKCEWVyjVfAbXuQ9SqHr8OWZJemn_4BoYoZApYbh5uCzOUl07v7wNX5XsgiqJjMeJ0_SkRIv7diiV3h_c9O47r2pZwIpqSH-TLCY5ARI5DRETdlqhdIg_YPPAydA44ouopaHC6xVw1yEd" width="200" /></a><br /><br /></p>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-2783495431769036702021-10-03T02:38:00.002-03:002021-10-03T02:38:49.296-03:00CRÍTICA SIN TIEMPO PARA MORIR (2021), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-F4Jj_zgSQGA/YVlAN0PF3vI/AAAAAAAAE2M/ltVblPB0hDUb0nK2aCCrYJ5JjaqcZnwBgCLcBGAsYHQ/s1320/16304388575159.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="741" data-original-width="1320" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-F4Jj_zgSQGA/YVlAN0PF3vI/AAAAAAAAE2M/ltVblPB0hDUb0nK2aCCrYJ5JjaqcZnwBgCLcBGAsYHQ/w640-h360/16304388575159.jpg" width="640" /></a></div><p></p><span><a name='more'></a></span><p><br /></p><p style="text-align: justify;"> Sinopsis: Bond ha dejado el servicio secreto (por tercera o cuarta vez) y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología.<br /><br />CON SPOILERS<br /><br />"Sin tiempo para morir" es, con diferencia, la peor de las 25 películas del canon oficial de James Bond, y no porqué esté mal dirigida, al contrario, es de las mejor dirigidas. Cary Fukunaga, que merecía el Oscar por "Beasts of no nation", realiza un trabajo de dirección brillante; eso no se puede negar.<br /><br />Pero no sólo de la dirección depende que una película sea buena. Alguna que otra vez he mencionado que una película es como un taburete de tres patas: el guión, las actuaciones de los actores y la dirección. Además puede tener un buen acabado con la música, la fotografía, el sonido, etc. Pero para mí los principales pilares sobre los que se sustenta una película son el guión, las actuaciones de los actores y la dirección. Una película puede tener actuaciones competentes y una dirección extraordinaria, pero si no tiene un buen guión no hay nada que la salve, el taburete se cae.<br /><br />Los actores hacen el mejor trabajo que pueden, se percibe el esfuerzo que hacen para creerse la situación que viven sus personajes, pero Léa Seydoux... ella no se lo cree y se nota en su actuación, apenas disimula su incredulidad, en plan: ¿pero qué mierda de trama es esta?<br /><br />El gran fallo está en el guión, y no son sólo las lagunas argumentales, que tela también, es... ah, qué pésima construcción de personajes. Tuvieron seis años para escribir un guión, y no empezaron a escribirlo hasta que empezó el rodaje, y cuando terminó el rodaje aun no habían acabado de escribir el guión, y se nota muchísimo. Yo podía haber escrito en seis días un guión mucho mejor de lo que escribieron ellos en seis años.</p><p></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-TY26qgTY-_A/YVlAkEvsp_I/AAAAAAAAE2U/61FI4QlpkO4waUnUu04M1kgHj5GqvGDsACLcBGAsYHQ/s2048/MV5BOWUzMzE4YWUtMjc5YS00YWIwLTliZWUtYmEzMzNmM2U5Yjc0XkEyXkFqcGdeQXVyMDM2NDM2MQ%2540%2540._V1_.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1365" data-original-width="2048" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-TY26qgTY-_A/YVlAkEvsp_I/AAAAAAAAE2U/61FI4QlpkO4waUnUu04M1kgHj5GqvGDsACLcBGAsYHQ/w640-h426/MV5BOWUzMzE4YWUtMjc5YS00YWIwLTliZWUtYmEzMzNmM2U5Yjc0XkEyXkFqcGdeQXVyMDM2NDM2MQ%2540%2540._V1_.webp" width="640" /></a><br /></div><p style="text-align: justify;">El villano, interpretado por un Rami Malek que tampoco se cree mucho su personaje, está tan pobremente escerito... "Planeo destruir el mundo porque de pequeño mataron a mi familia, que no tiene nada que ver una cosa con la otra, y me ayuda un ejército de sicarios como si mi plan no redundara en detrimento suyo" Dios, qué estupidez. Es un villano tan cliché y paródico como el Dr. Maligno de las películas de Austin Powers, y con su base secreta exótica además. Y es una lástima, porque al principio parece que tiene un objetivo y una motivación bien planteados, y de hecho consigue ese objetivo, pero luego se sacan de la manga otro objetivo estúpido y otra motivación absurda sin venir a cuento. ¿Porqué? Tenían un buen villano y lo estropearon con esa tontería cliché. Qué desastre.<br /><br />Lo de James Bond, ya... bueno, apaga y vámonos. Es un disparate. El protagonista de esta película simplemente no es James Bond. Tendrá el nombre de James Bond y estará interpretado por Daniel Craig, pero no es James Bond, ni siquiera el de las cuatro películas anteriores. Han cambiado totalmente la personalidad del personaje. En "Sin tiempo para morir" James Bond ya no es un mujeriego playboy sino un sensible padre de un niña. Hostia Puta. Pero lo peor es que esto no es lo peor.<br /><br />Se nota muchísimo que, en su producción, "Sin tiempo para morir" estuvo supervisada por un (o una) comisario ideológico. Resulta tan evidente que da verguenza ajena. En esta película matan a James Bond, tal cual, con dos cojones, y el nuevo agente 007 es el personaje interpretado por Lashana Lynch, porque claro, James Bond no puede ser un machista, debe redimirse, pero tampoco puede ser un hombre blanco heterosexual, así que matamos a Bond y lo sustituiremos por un 007 mujer negra lesbiana, como simbolo del heteropatriarcado derrotado por las minorías sociales de moda que reclaman su justa representación e inclusividad en el cine de Hollywood... ah, el abusivo machismo del Bond de Connery era más honesto.</p><p style="text-align: justify;"></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/--MknFvn027I/YVlA2VwJaQI/AAAAAAAAE2c/kidnKi53ZosbehBJMNaoFki9nJxhIWJcgCLcBGAsYHQ/s1200/no-time-to-die.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/--MknFvn027I/YVlA2VwJaQI/AAAAAAAAE2c/kidnKi53ZosbehBJMNaoFki9nJxhIWJcgCLcBGAsYHQ/w640-h426/no-time-to-die.webp" width="640" /></a><br /></div><p style="text-align: justify;">Hay una razón por la que James Bond nunca puede ser negro, homosexual y/o mujer, porque dejaría de ser James Bond, pues James Bond es la personificación, extrapolación o avatar de lo que representa el clasisismo y conservadurismo inglés anclado en la nostalgia imperialista reducida a una alta participación del snobismo que esconde un complejo de negación y rechazo a reconocer la vergüenza de la pérdida colonial, y estos ingleses conervadores, snobs y nostálgicos de tiempos pasados que no volverán son blancos, heterosexuales y, sobretodo, machistas. Eso ha sido una máxima en la saga de James Bond, y se vio también en "Skyfall".<br /><br />En "Sin tiempo para morir" no se conforman en sustituir a James Bond por algo que no es James Bond, sino que también lo cambian, y por si no fuera suficiente además lo matan. Ahora el nuevo 007 es una Mary Sue de manual cuya homosexualidad es mostrada sólo dismuladamente mediante dos detalles fácilmente observables pero no descarados para no ofender al régimen chino y poder estrenar la película en el mercado chino. Esa es la inclusividad LGTBIQRSTYWZ+?`-@# de Hollywood, como se ha visto también en "Chaos Walking" o "Star Wars. Episodio IX: El no sé qué de Skywalker".<br /><br />Me partí de risa en el momento en que James Bond y la nueva 007 se montan en un aeronave con una forma descaradamente fálica, James Bond le pregunta a la nueva 007 si ha cogido uno de estos y ella le responde que no, que esta era su primera vez, y luego salen lanzados y despliegan las alas desde la parte trasera de la aeronave. Cuando lo vi pensé: ja está, ahora vendrá lo de</p><p style="text-align: justify;">- Parece un po...<br />- John. - ¿Sí? - Mira a estribor. - Dios mío, parece un enorme...<br />- Pajarillo - ¿Dónde? - No, espera. Un pájaro no tiene esos enormes...<br />- ¡Cojones! ¿Cómo tengo que deciros que hay un objeto volador no identificado? Es una vara larga que luce como una anorme...<br />- ¡Minga! Presta atención a la pizarra. - Perdón profesor, me ha distraído ese gigantesco...<br />- Pene. Órgano reproductor masculino. También conocido como mango, troncho o...<br />- ¡Salchica! ¿Quién quiere una salsicha? - Papá ¿Qué insecto es ese? - No lo sé hijo, parece el rey de los...<br />- ¡Paquetes! ¿Quién quiere unos paquetes de cacahuetes? Santo cielo, eso cuando se...<br />- ¡Corra! - Ya lo hago señor, sigo la localización en el radar de esto que parece ir a un...<br />- ¡Coño! ¡Woody Harrelson! ¿Me firmas un autógrafo? - Será un placer. ¡Cielos! Fíjate en esa cosa. - ¡Es enorme! - Los he visto más grandes.</p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-qeC2lGe9mGY/YVlBIjW3IPI/AAAAAAAAE2k/zV3PDOg8dfMwqIPycnKuTk5JpeIM4hurQCLcBGAsYHQ/s1320/16310204773212.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="743" data-original-width="1320" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-qeC2lGe9mGY/YVlBIjW3IPI/AAAAAAAAE2k/zV3PDOg8dfMwqIPycnKuTk5JpeIM4hurQCLcBGAsYHQ/w640-h360/16310204773212.jpg" width="640" /></a><br /></div><p style="text-align: justify;">No es el único control ideológico sobre la película relacionado con poder estrenarla en China. El clímax sucede en un isla cuya soberanía es disputada entre Japón y... Rusia, cuando en realidad con quien Japón tiene disputas territoriales es con China. Pero claro, había que evitar ofender el régimen chino para que este permitiera el estreno del film en el mercado chino. Es lo mismo que hicieron en "Guerra Mundial Z", que cambiaron el origen del virus zombie, que en la novela era China, por India en la película.<br /><br />Ese es el "progresismo" del actual Hollywood, y de esta película en concreto, que tratan de pasar por feministas y defensores de las minorías raciales y sexuales. No. "Sin tiempo para morir" es la película más machista, racista y homófoba de la saga Bond, y tiene mérito. El personaje de Lashana Lynch podía haber sido 009, y que luego hubiesen hecho películas spin-of sobre ese personaje. Eso hubiese sido inclusividad. Lo que están diciendo en la película es que las mujeres no pueden trabajar en las mismas condiciones que los hombres, que los negros no pueden trabajar en las mismas condiciones que los blancos, y los homosexuales no pueden trabajar en las mismas condiciones que los heterosexuales, y que la única manera que tienen las mujeres, los negros y los homosexuales de trabajar en los mismos puestos que los hombres, los blancos y los heterosexuales no es ser mejores o al menos tan buenos como ellos sino cargárselos y sustituirles. Eso es mucho más machista que cualquiera de las películas del Bond de Connery, más homófobo que "Diamantes para la eternidad" y más racista que "Vive y deja morir".<br /><br />El hecho de que el nuevo 007 esté interpretado por una mujer negra no es progresismo ni feminismo. No. El nuevo 007 está interpretado por una mujer negra porque las mujeres y los negros cobran mucho menos que los hombres y los blancos. ¿Quieren inclusividad, igualdad y progresismo? Que le paguen Lashana Lynch lo mismo que la pagaban a Daniel Craig. En la p--- vida harán eso.</p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-rn8zm2nONxA/YVlBR3JuPSI/AAAAAAAAE2o/YA-kUS6iFUQYE8fnnXIb1I9AmmlJTynLgCLcBGAsYHQ/s1280/MGM-retrasa-estreno-No-Time-to-Die.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-rn8zm2nONxA/YVlBR3JuPSI/AAAAAAAAE2o/YA-kUS6iFUQYE8fnnXIb1I9AmmlJTynLgCLcBGAsYHQ/w640-h360/MGM-retrasa-estreno-No-Time-to-Die.webp" width="640" /></a><br /></div><p style="text-align: justify;">Y lo que han hecho con Felix Leiter... ah. En "Casino Royale" y "Cuánto Sol Hace" Felix Leiter parecía un agente de la CIA y te lo creías, no era inclusismo forzado, no importaba que fuera negro. En "Sin tiempo para morir" Felix Leiter no parece un agente de la CIA, parece un vagabundo jamaicano que va dando pena pidiendo limosna y lleva dos semanas sin ducharse. Y luego lo mata un hombre blanco, después de cambiarle la personalidad como a Bond. Qué desastre. Sólo faltaba que lo mostraran con sólo dos o tres dientes y recogiendo en un campo de algodón. Ah, y a Blofeld lo matan en la única escena en la que sale.<br /><br />Lo que podía haber sido no sólo una buena sino una gran película de James Bond lo han estropeado pasándolo por un filtro de control y comisariado ideológico del falso progresismo e hipócrita inclusivismo que impera hoy en día en Hollywood. Inclusivismo es que el personaje de la hija de Bond hubiese sido interpretada por una niña con síndrome de Down por ejemplo. La participación de Jamie Brewer en la serie "American Horror Story" sí es inclusividad, la participación de Lashana Lynch en "Sin tiempo para morir" no, a esta actriz la han usado en un plan de marketing para publicitar una mentira.<br /><br />No es lo único malo de esta basura de película. Los créditos son anodinos, y la canción es soporífera, bostecé cuando vi los créditos y escuché la canción, dos veces. Y las reminicencias a otras películas de la saga no vienen a cuento, son un intento de usar la nostalgia cinematográfica de la saga para disimular, sin éxito, el tufillo a tribunal ideológico en Metro-Goldwyn-Mayer y Universal.<br /><br />¿Lo mejor de la película? Las escenas de acción, la música de Hans Zimmer, y la actuación de Ana de Armas, que está estupenda.</p><p style="text-align: justify;"> Mi calificación es: </p><p style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-YguBmeLwoLQ/YVlB2Dti9XI/AAAAAAAAE2w/koE1_tS4HOIFodxjZSxw7IDjGAqAaO86QCLcBGAsYHQ/s200/MEDIAESTRELLA.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="47" data-original-width="200" height="47" src="https://1.bp.blogspot.com/-YguBmeLwoLQ/YVlB2Dti9XI/AAAAAAAAE2w/koE1_tS4HOIFodxjZSxw7IDjGAqAaO86QCLcBGAsYHQ/s0/MEDIAESTRELLA.png" width="200" /></a><br /> <br /></p>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-71871128041872927252021-06-06T14:38:00.001-03:002021-06-06T14:46:27.552-03:00CRÍTICA ASSASSINATION CLASSROOM (2015-2016), POR ALBERT GRAELLS<div><div><div><p style="text-align: justify;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jTDWqhlGKeU/YL0GD9mgfLI/AAAAAAAAExw/SwhZ0qq6jiw_631iYxSQKk_y0fU07gRngCLcBGAsYHQ/s1280/AAAABdNFChuVtqitKLA9Ty2MWiiFcYGRO9jarkbRVXEz5COQHUVaPdC2p-ELmXFk-skNtR_E6zOpuEikdyd3RRPfUpBO9pdr.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-jTDWqhlGKeU/YL0GD9mgfLI/AAAAAAAAExw/SwhZ0qq6jiw_631iYxSQKk_y0fU07gRngCLcBGAsYHQ/w640-h360/AAAABdNFChuVtqitKLA9Ty2MWiiFcYGRO9jarkbRVXEz5COQHUVaPdC2p-ELmXFk-skNtR_E6zOpuEikdyd3RRPfUpBO9pdr.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span></span></p><a name='more'></a> <p></p><p style="text-align: justify;">Sinopsis: Una criatura ha destruido el 70% de la Luna, dejándola en una fase creciente perpetua. Este ser anuncia a los seres humanos que, en un año, la Tierra correrá la misma suerte a menos que los estudiantes de la clase 3-E del instituto Kunugigaoka, donde da lecciones sobre asesinato, consigan matarlo, una hazaña que tendría, además, una recompensa del gobierno japonés de diez mil millones de yenes.<br /><br />"Assassination Classroom" es una serie anime de dos temporadas con 47 capítulos en total. Es del género escolar, como "Code Geass", "Kare Kano" o "Utena", es decir, anime cuyos protagonistas son estudiantes de instituto y buena parte de la historia se desarrolla en el instituto. Aunque también tiene elementos de Shōnen (serie con protagonista masculino y grandes dosis de acción y humor) y Echi (serie cuyos protagonistas son estudiantes adolescentes y en la cual se presenta situaciones pervertidas llevadas a la comedia).<br /><br />El dibujo y la animación se adecuan al tono y la narrativa de la historia. Al igual que "Trigun", esta serie anime alterna entre el drama y la comedia, tanto en la historia como en el dibujo. Están muy bien conseguidas las reacciones humorísticas de los personajes con una animación muy propia del cartoon anime.</p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-tyU6L0ZCf3Q/YL0GbKunZJI/AAAAAAAAEzc/L0P2cgBpbu40IR3cSbwvGRclh_ZI5vtagCLcBGAsYHQ/s1280/AAAABW4Lr6iwKjVmAypMP2G94gzTq87nXEGuCJ1nHwzPZargJt6pX_lHwUmRQ-SgMJGOvGVKKUB5o28txibRNAJZawc9DMbY.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-tyU6L0ZCf3Q/YL0GbKunZJI/AAAAAAAAEzc/L0P2cgBpbu40IR3cSbwvGRclh_ZI5vtagCLcBGAsYHQ/w640-h360/AAAABW4Lr6iwKjVmAypMP2G94gzTq87nXEGuCJ1nHwzPZargJt6pX_lHwUmRQ-SgMJGOvGVKKUB5o28txibRNAJZawc9DMbY.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;">Musicalmente, la serie es un prodigio. Pocas obras anime tienen una música tan sobria y discreta a la vez que emotiva y cautivadora, además de transicionar fluidamente entre los diversos estados de ánimo de la historia. El autor de la composición musical de "Assassination Classroom" es Naoki Satō, que trabajó en la banda sonora de "The end of Evangelion" y del live-action de "Space Battleship Yamato". Cabe mencionar la inolvidable canción que suena en los dos últimos capítulos de la serie, "Tabidachi no Uta", compuesta por Akimitsu Honma y escrita por Shoko Fujibayashi. Este canto es una de las principales razones por las cuales "Assassination Classroom" es probablemente la serie anime con mejor final, lacrimógeno a más no poder.<br /><br />Sin embargo, como sucede en otras obras como "Neon Genesis Evangelion", los dos aspectos más fuertes (a parte de la música) de "Assassination Classroom" es la historia y los personajes. El contexto y planteamiento inicial es sólo un pretexto para narrar una historia y desarrollar unos personajes.<br /><br />La serie comienza con los 25 alumnos quinceañeros de la clase 3-E del instituto Kunugigaoka, centro académico elitista que basa su sistema educativo en la descarada burla y discriminación a parte de sus alumnos para motivar a los demás. Tanto es así que la clase 3-E, los marginados del instituto, no estudian en el campus principal sino en un barracón a la cima de una colina cercana a Kunugigaoka.</div><p></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-W8gFKsTLG7o/YL0GmtFEkzI/AAAAAAAAEzg/HrsT-mVRQtMLO97ElU_DLz5fCG2m4nwkQCLcBGAsYHQ/s800/attack-of-the-ova-9-character-assassination-blog-145.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="800" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-W8gFKsTLG7o/YL0GmtFEkzI/AAAAAAAAEzg/HrsT-mVRQtMLO97ElU_DLz5fCG2m4nwkQCLcBGAsYHQ/w640-h360/attack-of-the-ova-9-character-assassination-blog-145.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;">Tras la explosión que ha semidestruido la Luna, los alumnos de la clase 3-E llegan un día al aula y se encuentran con un agente del Ministerio de Defensa, Karasuma, y un ser de aspecto cefalópodo tentacular, amarillo, y de 2,8 metros altura vestido con uniforme de profesor. Los estudiantes no saben qué decir, y menos cuando el agente Karasuma les dice que el ser que está delante de ellos es el que ha destruido la Luna y piensa hacer lo mismo con la Tierra al cabo de un año.<br /><br />Claro, los chicos alucinan, no salen de su asombro, y se preguntan: y a nosotros qué, qué tiene que ver con nosotros. Pero eso no es todo. El ser llega a un acuerdo con el gobierno según el cual será el profesor de la clase 3-E hasta su graduació mientras no haga daño a ninguno de los alumnos, a cambio estos deben afanarse en asesinar a su nuevo maestro antes que él destruya la Tierra. Llegados a este punto los estudiantes no entienden nada; flipan en colores, en blanco y negro y en Dolby Surround. No pueden evitar preguntarse ¿De dónde viene ese ser? ¿Porqué ha destruido la Luna? ¿Porqué quiere destruir la Tierra? ¿Porqué lo hará dentro de un año? ¿Porqué quiere ser profesor, y además en la clase 3-E del instituto Kunugigaoka?<br /><br />Más tarde, son enviados a la clase tres nuevos alumnos, a cada cual más animal, y que intentarán asesinar a Korosensei (que es como bautizan a su nuevo maestro y que significa "profesor imposible de matar") con toda su pasión. Sin embargo, a pesar de sus honestos y gradualmente más elaborados intentos de asesinato, y de que la salvación de la Tierra y la recompensa multimillonaria les supone una estimulante motivación, los alumnos de la clase 3-E tienen un problema: no quieren matar a Korosensei. El nuevo profesor se gana a todos los alumnos, incluso los más rebeldes, y se convierte en el mejor maestro que han tenido.</div><p></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-oQRQevIHU0U/YL0GySXaC0I/AAAAAAAAEzo/ykL8XG-mjN8LY_Ygon4RnHkUjpnPhQ7GgCLcBGAsYHQ/s1280/capitulo_20892.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-oQRQevIHU0U/YL0GySXaC0I/AAAAAAAAEzo/ykL8XG-mjN8LY_Ygon4RnHkUjpnPhQ7GgCLcBGAsYHQ/w640-h360/capitulo_20892.jpg" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;">El contexto inicial es un mero pretexto para realizar un canto a la docencia. Al final, en la serie, lo menos importante termina siendo el asesinato del maestro, mientras que lo más importante es el viaje que hacen los estudiantes en su maduración personal, y cómo a través de la enseñanza en el asesinato Korosensei consigue que sus alumnos crezcan en el estudio, superen las adversidades, y se enfrenten a sus miedos y frustraciones.<br /><br />Es cierto que la serie tiene muchos personajes. No sólo los 28 alumnos de la clase 3-E, también sus tres profesores, el director del instituto, otros estudiantes del campus principal, y tantos otros personajes. La serie se esfuerza en dar importancia a todos ellos, pero, irremediablemente, un tercio de los alumnos de la clase 3-E quedan relegados a personajes más secundarios y menos destacables que el resto de sus compañeros, ese es uno de los escasos aspecto en que la serie flaquea, como el relleno, pero este último es bastante escaso.<br /><br />Aun así, el dibujo y construcción de los personajes es muy notable, y el mayor robaescenas es el objetivo de asesinato de la clase 3-E, su profesor, Korosensei, también apodado puntualmente como "Conejillo de indias", "Pulpo", "Bestia", "Eh, tú, monstruo" y una vez "Estúpido pervertido pulpo gallina", aunque él prefiere que le llamen "Príncipe imperial del destino del viento eterno".</div><p></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-h3jtS8GNnJM/YL0G-FaaccI/AAAAAAAAEzw/UcBbobHo7t47fXetJM-F4RmMxBBxgtgBQCLcBGAsYHQ/s1024/tumblr_3a6314eb86adcb61410b443a7ec3982e_f9035d30_1280.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="1024" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-h3jtS8GNnJM/YL0G-FaaccI/AAAAAAAAEzw/UcBbobHo7t47fXetJM-F4RmMxBBxgtgBQCLcBGAsYHQ/w640-h360/tumblr_3a6314eb86adcb61410b443a7ec3982e_f9035d30_1280.png" width="640" /></a></div><p style="text-align: justify;">Su apodo de Korosensei le viene de que, pese a sus sinceros y apasionantes esfuerzos, sus alumnos son incapaces de matarle pese a tener cuchillos y munición manufacturados con material que dañan única y expresamente a su profesor cefalópodo. El problema es que Korosensei es capaz de moverse a velocidad Mach 20, es decir, veinte veces la velocidad del sonido, por lo que esquiva los cuchillos y la munición con facilidad. Y no sólo eso, se mueve tan rápido que también es capaz de crear clones y atender personalizadamente a los 28 alumnos al mismo tiempo, y para que el esfuerzo no le canse es capaz de crear un vigésimonoveno clon para que descanse por los otros veintiocho.<br /><br />Korosensei es alegre y afectuoso, pero también mezquino y pervertido. Se disfraza de mujer para conseguir pasteles gratis, lee revistas eróticas en el descanso del patio, se deja sobornar con fotografías de chicas en bikini, manda cartas a revistas eróticas diciendo "taparse los pechos con las manos está muy visto, deberían hacerlo con tentáculos". Y no sólo eso, también crea decenas de clones para conseguir muestra gratuitas de pañuelos, y luego los fríe y se los come.<br /><br />Pero también se preocupa mucho por sus alumnos, hasta el punto que cuando es necesario sacrifica su integridad física para protegerlos, y no porque les tenga aprecio sino porque considera que es su deber como profesor. Muestra igual respeto por sus colegas de profesión, el agente Karasuma y la asesina profesional Irina Jelavić, e incluso por el despiadado Gakuhō Asano, director del instituto Kunugigaoka. Estos tres también terminan respetando el cefalópodo amarillo.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3I1OOyGBAhI/YL0H4heAQ7I/AAAAAAAAE0M/kjbC1Y-i2FcLQcS04ss7Umifr-NZAWqdQCLcBGAsYHQ/s1280/d37fc10b6eca4cf48d2f12cfda7b3ce6.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-3I1OOyGBAhI/YL0H4heAQ7I/AAAAAAAAE0M/kjbC1Y-i2FcLQcS04ss7Umifr-NZAWqdQCLcBGAsYHQ/w640-h360/d37fc10b6eca4cf48d2f12cfda7b3ce6.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p style="text-align: justify;"></p><div style="text-align: justify;">De todos los alumnos de la clase 3-E, el más aventajado en el estudio del asesinato es el protagonista de la serie, Nagisa Shiota. Pequeño para su edad, delgado, de anchas caderas, tez fina y pelo largo. Su aspecto andrógino le hace capaz de hacerse pasar sin esfuerzo por un chica, lo cual le supone una gran ventaja en prácticas de infiltración. Sin embargo, su mayor fuerte es el sigilo y la rapidez de movimiento, aspectos que le hacen ganar más de una pelea contra adversarios mucho más fuertes. Al principio se muestra reservado e inseguro, pero termina ganando confianza en sí mismo y convirtiéndose en el mejor alumno de la clase de asesinato.<br /><br />Karma Akabane es un alumno brillante que fue expulsado y luego degradado a la clase 3-E por su actitud rebelde y comportamiento violento. De aspecto kaworunístico, muestra una preocupante inclinación psicopática y destacables rasgos de sadismo, por lo que se lo pasa en grande en la clase de asesinato. Tal es su talento que es el primero y uno de los pocos alumnos de la clase 3-E que consigue herir a Korosensei, y más de una vez.<br /><br />Estos tres personajes principales tienen una personalidad compleja, pero todos los demás personajes también muestran su propio carácter. No hay ni un sólo personaje, por secundario que sea, que no se diferencie drásticamente en personalidad a todos los demás. "Assassination Classroom", al igual que "Shingeki no Kyojin", es una masterclass de dibujo y construcción de personajes. Su música, su guión, su estilo de animación... ninguno de esos aspectos se trabaja gratuitamente, sino que se combinan para formar una propuesta que termina siendo una de las diez mejores series anime que he tenido el placer de disfrutar.</div><p></p><p style="text-align: justify;">Mi califiación es:</p><p style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-IShiMdhN6oo/YL0Hms_wLbI/AAAAAAAAE0E/-wnmGkx9tYcZUOSIzUFJAe7altQD-yqiQCLcBGAsYHQ/s200/4ESTRELLAS.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-IShiMdhN6oo/YL0Hms_wLbI/AAAAAAAAE0E/-wnmGkx9tYcZUOSIzUFJAe7altQD-yqiQCLcBGAsYHQ/s0/4ESTRELLAS.png" /></a><br /><br /></p>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-81210342037187217762021-01-09T20:39:00.004-03:002021-01-10T08:07:27.729-03:00CRÍTICA SHINGEKI NO KYOJIN, PARTE 1 Y 2 (2015), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-GJoQw-9L6EA/X_o5zRucBxI/AAAAAAAAEg0/oDW8WnUiFlQn0nQmzobwY-gg7h9ENzdDQCLcBGAsYHQ/s600/Attack-on-Titan-Hangeki-no-Noroshi-English-Subtitled-Trailer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-GJoQw-9L6EA/X_o5zRucBxI/AAAAAAAAEg0/oDW8WnUiFlQn0nQmzobwY-gg7h9ENzdDQCLcBGAsYHQ/w640-h360/Attack-on-Titan-Hangeki-no-Noroshi-English-Subtitled-Trailer.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Estaba yo el otro día atacando a los titanes cuando de repente me di cuenta que debía escribir la crítica del live-action de “Shingeki no Kyojin”, parte 1 y 2. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Shingeki no Kyojin, parte 1 y 2” es el live-action, dividido en dos películas, del homónimo manga escrito e ilustrado por Hajime Isayama, que también tiene una adaptación en forma de magistral serie anime, de la que ya haré la respectiva crítica cuando termine la última temporada. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La historia del manga se desarrolla en un mundo ficticio donde un día (según cuenta uno de los protagonistas, Armin) aparecieron titanes que devoraron a gran parte de la humanidad. Los titanes son seres humanoides de entre 3 y 15 metros, carentes de inteligencia, y que devoran a los humanos sin motivo aparente, pues pueden sobrevivir perfectamente sin ingerirlos como sustento. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Al borde de la extinción, y tras tratar sin éxito de derrotar a los titanes, los humanos que quedaban con vida construyeron tres colosales murallas circulares, de más de cincuenta metros de altura, tras las cuales refugiarse, estar a salvo y sobrevivir: Rose, Sina y María, cada una dentro de la otra. En uno de los cuatro anexos de la muralla exterior, María, se encuentra el distrito de Shiganshina, donde, cien años después de la construcción de las murallas, aparece un titan que mide más que estas, y abre un brecha en el muro a través de la cual titanes de menor tamaño entran en la ciudad. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los protagonistas son Eren Jaeger, Mikasa Ackerman y Armin Arlert, tres niños que viven en Shiganshina. Cuando los titanes atacan la ciudad, huyen tras la siguiente muralla, pero la madre de Eren es devorada por uno de los titanes, y éste promete venganza y jura exterminar a todos los titanes, por lo cual los tres deciden ingresar en la tropa de reclutas para entrenar y así alistarse en el Cuerpo de Exploración (o Legión de Reconocimiento), una rama del ejército que hace expediciones más allá de los muros para matar titanes. </div><div style="text-align: justify;"><br /><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-F1gsvc-FUBA/X_o6SLBridI/AAAAAAAAEj0/eD6rwsBTBMMqqbFfM2_EbpdKlJqO8s8qgCLcBGAsYHQ/s1280/shingeki-no-kyojin-anime-05.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-F1gsvc-FUBA/X_o6SLBridI/AAAAAAAAEj0/eD6rwsBTBMMqqbFfM2_EbpdKlJqO8s8qgCLcBGAsYHQ/w640-h360/shingeki-no-kyojin-anime-05.jpg" width="640" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mi reacción al ver el live-action de “Shingeki no Kyojin”</td></tr></tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La cuestión de los live-action (adaptación en imagen real de mangas o animes) es un tema polémico, y todas las adaptaciones que se han hecho han tenido resultados muy dispares, desde propuestas muy bien llevadas (“Old Boy”, “Rurouni Kenshin”, “Azumi”, “Battle Royale”, “20th Century Boys”, “Crows”, “Space Battleship Yamato”, “Crying Freeman”, “Battle Angel Alita”), hasta obras insatisfactorias, deficientes o incluso mediocres (“Ghost in the Shell”, “Garo”, “Shinobi”, “Nicky, la aprendiz de bruja”, “Speed Racer”, “Blood: The last vampire”, “Dragonball Evolution”, “Death Note”). </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El manga de “Shingeki no Kyojin” empezó a publicarse en septiembre de 2009 y terminará de publicarse en abril 2021, concluyendo la historia con el número 139 del manga. La publicación tuvo tal éxito desde su comienzo (se vendían y se siguen vendiendo decenas de millones de copias) que sólo dos años después se anunció la producción de una película en imagen real dirigida por Tetsuya Nakashima. Sin embargo, un año después Nakashima abandonaría el proyecto por diferencias creativas con los productores del film. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un año más tarde se anunció que la dirección de la película recaería en Shinji Higuchi, quien también se encargaría de los efectos visuales. Higuchi era un reconocido y reputado supervisor de efectos visuales, pero también tenía experiencia en la dirección, pues en 2006 dirigió la superproducción “El hundimiento de Japón”, una de las películas de catástrofes más interesantes en lo que llevamos de siglo, y en la que también demostró su extraordinario dominio de los efectos visuales. Debido a su experiencia en el campo de los efectos visuales, y habiendo ya dirigido una superproducción, Higuchi parecía una muy buena elección para dejar en sus manos la dirección y supervisión de efectos visuales de una producción de las características de “Shingeki no Kyojin”. </div><div style="text-align: justify;"><br /><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-dKVDtZ-r6lg/X_o6o_dunCI/AAAAAAAAEj8/PvDFxZmt3joVZSzOfQnriYVX42XNKuppACLcBGAsYHQ/s610/fe61a21d7a5b45ccba18839452fe0789.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="431" data-original-width="610" height="452" src="https://1.bp.blogspot.com/-dKVDtZ-r6lg/X_o6o_dunCI/AAAAAAAAEj8/PvDFxZmt3joVZSzOfQnriYVX42XNKuppACLcBGAsYHQ/w640-h452/fe61a21d7a5b45ccba18839452fe0789.jpg" width="640" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Un cosplay de 30 € puede hacer que un Armin rubio luzca verosímil,<br />pero una superproducción de 30 millones de dólares no.</td></tr></tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un año después, se anunció que el manga se adaptaría no en una sino en dos películas de imagen real que se rodarían conjuntamente con un presupuesto de 30 millones de dólares, y que ambas se estrenarían al año siguiente, en 2015. El rodaje se llevó a cabo en verano de 2014 en la isla de Hashima, en la que dos años antes se rodó el film de James Bond “Skyfall” (Sam Mendes, 2012). El actor elegido para interpretar al protagonista fue Haruma Miura, quien murió trágicamente en julio de 2020 a la edad de 30 años. Otros miembros del reparto fueron la texana Kiko Mizuhara, que interpreta a Mikasa Ackerman; Kanata Hongo, que interpreta a Armin Arlert; Satomi Ishihara, que interpreta a Hanji Zoë; Nanami Sakuraba, que interpreta a Sasha; Takahiro Miura, que interpreta a Jean; Hiroki Hasegawa, que interpreta a... bueno, eso vendrá después; y el veterano y extraordinario actor Jun Kunimura (“Kill Bill. volume 1”), que interpreta a... bueno, eso también vendrá después. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Al estrenarse, las películas fueron destrozadas tanto por la crítica como por los fans del manga y el anime, y debo decir que con razón. Los productores y director de las películas manifestaron no entender las críticas negativas ni el porqué de tan vehemente enfado. Mi humilde persona se presta a ayudar en esta labor de entendimiento, de modo que en esta critica detallaré todos los aspectos de las películas live-action de “Shingeki no Kyojin”, tanto los positivos (pocos, pero los hay) como los negativos (que los hay a patadas, para vender y regalar), y explicaré de forma clara porqué éste live-action fracasa tanto como adaptación como propuesta cinematográfica en sí. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La película empieza bien, con una animación... que está bien, y con la voz en of de Armin contando el contexto, explicando lo de los titanes y las murallas. Es un buen prologo, breve y conciso. En vez de agobiar con un texto introductorio de muchos párrafos y mucha información, usa una animación sencilla y una voz en of que en pocos segundos informa al espectador de todo lo que necesita saber para entender el contexto. </div><div style="text-align: justify;"><br /><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-bVnBRLPqg6g/X_o7LPjumqI/AAAAAAAAEkI/x3jNQXMBXLEoJSQKiprv31N5cOOzQx9iwCLcBGAsYHQ/s1280/attack-on-titan-live-action-play-c9bqwzuuiaaeqxc-989336-1280x0.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="906" data-original-width="1280" height="452" src="https://1.bp.blogspot.com/-bVnBRLPqg6g/X_o7LPjumqI/AAAAAAAAEkI/x3jNQXMBXLEoJSQKiprv31N5cOOzQx9iwCLcBGAsYHQ/w640-h452/attack-on-titan-live-action-play-c9bqwzuuiaaeqxc-989336-1280x0.jpg" width="640" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Este sí es Jean</td></tr></tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Después del prólogo, empieza la historia de la película, a partir del segundo cincuenta, y... ya está, ya la cagaste. Con lo bien que hiciste el prólogo, y te cagas la película en el segundo cincuenta. Ya te vale, Shinji. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El primer error del live-action es cambiar el ambiente y contexto escenográfico y temporal del manga y el anime. En el manga de “Shingeki no Kyojin” el mundo que se plantea tiene una ambientación de edad moderna, no de era contemporánea. Quitando el equipo de maniobras tridimensional y otras herramientas relacionadas con la lucha contra los titanes, la tecnología del mundo que se plantea es del siglo XVII-XVIII, no más. Se usan caballos y carruajes para viajar, los edificios son de piedra o madera, las ciudades se asemejan a esa época, el vestuario a lo sumo es parecido al de la primera mitad del siglo XIX... El live-action, por el contrario, empieza con Armin trabajando en la GASOLINERA de su padre, tócate los cojo... los titanes. Esperate, porque encima hay edificios de cemento, edificios de bloques de piso, coches (coches como los primeros que se inventaron, pero coches: ruedas, volante, aceite...), camiones blindados, e incluso bombas de aviones y helicópteros, estos dos últimos inutilizados, pero están. No sé, es como si al hacer la serie de “Juego de Tronos” HBO hubiese decidido que en vez de tener una ambientación medieval tuviera un ambientación de principios de siglo XX. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Entiendo la dificultosa logística de producción de rodar con caballos, y además pasarse semanas enseñando equitación a los actores, y que ahorra más tiempo y dinero usar vehículos comprados por cuatro perras en los vertederos de chatarra, pero entonces no me hagas una adaptación de “Shingeki no Kyojin”. </div><div style="text-align: justify;"><br /><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ODcpwTFk08s/X_o7atmwBvI/AAAAAAAAEkQ/oE1dvCAeQQEOhE8mkGhj46rXU4IzdPyGACLcBGAsYHQ/s610/b4b60e8e485049838d79bca36c4bc4d9.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="431" data-original-width="610" height="452" src="https://1.bp.blogspot.com/-ODcpwTFk08s/X_o7atmwBvI/AAAAAAAAEkQ/oE1dvCAeQQEOhE8mkGhj46rXU4IzdPyGACLcBGAsYHQ/w640-h452/b4b60e8e485049838d79bca36c4bc4d9.jpg" width="640" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Esta sí es Mikasa</td></tr></tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Es precisamente encima de una bomba de avión incrustada en la cima de una colina donde vemos por primera vez al protagonista, Eren, en el live-action de “Shingeki no Kyojin”, en el minuto tres de película. Mikasa y Armin se le acercan, y él, para asustarles, se pone a dar saltos encima de la bomba y darle patadas. Mmm... el chico muy inteligente no parece. Una cosa es querer hacerte el chulo, y otra muy distinta es poner en riesgo tu vida y la de tus amigos saltando encima de una bomba y dándole patadas. Vale que a lo mejor la bomba tiene cien años y durante ese tiempo no ha explotado, pero eso no quita que haya que tomar precauciones, que no deja de ser un artefacto explosivo. Yo con algo así no juego ni que tenga un siglo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Por cierto, hablando de Armin, y antes de que se me olvide. Eh, vamos a ver. Si un personaje es rubio, házmelo rubio. ¿Qué problema había en que Armin fuera rubio en el live-action? ¿Que no sería creíble un japonés rubio natural? En el live-action hay titanes que se comen a personas y personas que vuelan con espadas, pero no quisieron que Armin fuera rubio, eso hubiera sido demasiado irreal. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Luego, otro cambio destacable. En el manga, al empezar la historia, Eren y sus amigos tienen diez años, y posteriormente, cuando terminan el entrenamiento, tienen quince años. Aquí ya empiezan, como poco, con 18-19 años, los actores no aparentan menos, y de hecho los protagonistas incluso trabajan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">A ver, entiendo que logísticamente es complicado y laborioso rodar con niños y adolescentes, hay una restricción horaria en la que pueden trabajar, y además sólo cuando no están estudiando en el colegio o en el instituto. Las limitaciones son destacables, pero se puede hacer, es posible hacerlo, hay niños y adolescentes actores. Entonces ¿pa qué me cambias la edad de los protagonistas? Si precisamente la gracia está en que los personajes maduren. En el live-action ya están maduros. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ODN8KEvOJRk/X_o7oGbjbpI/AAAAAAAAEkU/5SKjHYRBfX41ouLFrVuwKPATLfomUuWJgCLcBGAsYHQ/s600/5d48955504eeb.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-ODN8KEvOJRk/X_o7oGbjbpI/AAAAAAAAEkU/5SKjHYRBfX41ouLFrVuwKPATLfomUuWJgCLcBGAsYHQ/w640-h360/5d48955504eeb.jpeg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Aprovecho para remarcar otro de los defectos, y uno de los más importantes, de éste live-action. La historia. El live-action de “Shingeki no Kyojin” no adapta la historia del manga sino que se la inventa. Conserva los nombres del algunos personajes, y adapta fielmente un par de momentos, así como el contexto (más o menos), pero el resto se lo inventa. Al principio no se nota mucho, dejando de lado la ambientación escenográfica, temporal y tecnológica, pero a medida que avanza la película te das cuenta que la historia no tiene casi nada que ver con la del manga. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Eso es muy frustrante, porque no te dan aquello por lo que has pagado y has dedicando tres horas de tu tiempo. Es como si al adaptar “Harry Potter y la piedra filosofal” en la película no hubiera piedra filosofal, se ambientara en Estados Unidos en los años 50, Harry tuviera 17 años y se hiciera amigo de Draco Malfoy, la mitad de los personajes no aparecen, y Lord Voldemort en realidad fuera Albus Dumbledore. Si yo hubiese visto esto cuando fui a ver “Harry Potter y la piedra filosofal” en el cine, después de haberme leído la novela, me hubiese cagado en el director, en el guionista, en los productores, y en la madre y los muertos de cada uno de ellos, y con razón. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Eren, Mikasa y Armin se acercan a la muralla María para verla más de cerca (la muralla, por cierto, no es de piedra, sino de cemento y hierro), y entonces Mikasa estornuda, y Eren le pone su bufanda roja. A ver, aquí hay varias cosas. Primero, frío no hace. Mikasa ha estornudado por la mierda que hay acumulada a los pies de la muralla (polvo, basura, chatarra, vegetación), no porque tenga frío, entonces no tiene sentido que Eren se quite su bufanda y se la ponga ella, en todo caso que la aleje de la muralla. Segundo, en el manga la bufanda roja es el símbolo de la dependencia emocional de Mikasa con Eren, pues la rescató de unos criminales que mataron a sus padres y la secuestraron, y entonces le puso su bufanda para consolarla y protegerla. En el live-action se pierde esa simbología, Eren le pone su bufanda a Mikasa porque cree que tiene frío, y ya está; en la película la bufanda roja es sólo una bufanda, está carente de significado. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-YimwCfNnEuA/X_o7zO_67PI/AAAAAAAAEkc/IZ-LhA_pMoYPJ2PGrldwVEZGDKBMc_JJACLcBGAsYHQ/s1200/525724-critica-ataque-titanes-fin-mundo.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="609" data-original-width="1200" height="324" src="https://1.bp.blogspot.com/-YimwCfNnEuA/X_o7zO_67PI/AAAAAAAAEkc/IZ-LhA_pMoYPJ2PGrldwVEZGDKBMc_JJACLcBGAsYHQ/w640-h324/525724-critica-ataque-titanes-fin-mundo.png" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En ese momento y lugar interviene otro personaje, un capitán de las Tropas de Guarnición, Souda, interpretado por Pierre Taki, que sermonea a los protagonistas por entrar en zona prohibida. Vale, aquí aprovecho para hablar de otro grandísimo error del live-action, que es inventarse personajes que no salen en el manga para unificar en él varios personajes que sí salen en el manga. Es decir, varios personajes del manga, en vez de ponerlos en el live-action, los juntan en un personaje inventado que no sale en el manga. Souda es un ejemplo, y por desgracia no es el único, los hay más y peores. En éste caso Souda es una mezcla de Hannes y Keith Sadis. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Souda les cuenta a los protagonistas que se está formando un Cuerpo de Exploración para intervenir fuera de las murallas. ¡¿Pero qué me estás kontitan?! Tócate los titanes. ¡Aún no hay Legión de Reconocimiento! Es como si en “Harry Potter y la piedra filosofal” aun estuvieran por construir Hogwarts. Esto es un disparate. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Después de esto viene la escena en que aparece el titán colosal, abre un brecha en el muro, entran los demás titanes y empiezan a devorar y asplastar a la gente de la ciudad. Y debo decir que esta escena, que dura 14 minutos, me gustó y me disgustó a partes iguales, hay cosas que funcionan y cosas que no. Los efectos visuales me gustaron mucho, me dejaron bastante satisfecho, al menos en lo referente a los titanes, y funciona porque los titanes, exceptuando el colosal, no están hecho por ordenador, son actores maquillados que, usando trucajes de cámara, maquetas y otros efectos visuales, los han engrandecido de tamaño, y resulta convincente, sobretodo cuando van cogiendo a la gente. Te crees que son titanes, son creíbles. Y además los titanes no son todos de igual tamaño, hay variedad de tamaño, y eso está muy bien, porque hace que te olvides que son efectos visuales. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-DM9zC_rzwNM/X_o7-rpccrI/AAAAAAAAEkk/9y77-gfXSdcxWXmze2lpDuWvpC5o7ik0gCLcBGAsYHQ/s600/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-DM9zC_rzwNM/X_o7-rpccrI/AAAAAAAAEkk/9y77-gfXSdcxWXmze2lpDuWvpC5o7ik0gCLcBGAsYHQ/w640-h426/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-003.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La destrucción de la ciudad está muy bien recreada, se nota que el director dirigió una película de catástrofes, visualmente sabe dirigir bien esas escenas. Y también resulta llamativo, y realmente atrevido, la cantidad de gore que hay. Higuchi no escatimó en sangre, las muertes son brutales. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sin embargo hay detalles que no me gustaron nada. El titán colosal está recreado digitalmente, y canta bastante. Te descuadra, sobretodo cuando se lo compara con los demás titanes, que son “reales”, y se nota la diferencia. También molesta el comentario de uno de los soldados de las Tropas de Guarnición, que recrimina a Souda el pretender usar los cañones para atacar a los titanes porque no tienen autorización para usar artillería. ¿Cómo? ¿Entonces para qué tienen los cañones? ¿Cuál es su trabajo? ¿Cuál es su protocolo de actuación para detener a lo titanes? </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los titanes, pese a que se recrea excelentemente su tamaño, tienen dos defectos que me disgustan, pues les quita seriedad y temor a esos seres. El primero es que ríen. El director quizá creyó que el hecho de que rieran los haría más escalofriantes, pero no es así; son titanes, no payasos. El segundo detalle, y más importante, los titanes no tienen un aspecto terrorífico, tienen un tamaño que asusta, es cierto, pero su aspecto en sí no asusta. Lo que hace terroríficos a los titanes en el manga es que tienen un rostro muy grotesco, en el live-action no. En el live-action de “Shingeki no Kyojin”, salvo tres titanes que sí tienen un aspecto grotesco y dan mucha grima, los demás son japoneses con traje de gomaespuma y la cara pintada de gris. Eso no asusta. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otra cosa que muestra la película es que los padres de Eren ya están muertos, no es que lo enseñen pero sí lo mencionan, por tanto Eren no ve a su madre ser devorada por un titán, eso lo quitan del manga. Al contrario, en el live-action quien Eren piensa que ha sido devorada por un titán es Mikasa. Otra cosa muy extraña es que, al terminar la escena, parece como si los titanes han desaparecido mágicamente, pues Eren empieza a caminar en medio de las ruinas de la ciudad, en un plano que recuerda mucho al plano de “El pianista” en el que Adrien Brody camina entre las ruinas nevadas de Varsovia, y no se ve a ningún titán ni parece que haya ningún titán que le preste atención. Es algo que descoloca bastante. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/--59L6Nstn_c/X_o8IwRhP0I/AAAAAAAAEks/O5Cm9ptBq8szXM8okWpQBJlm2uxlsRr1ACLcBGAsYHQ/s600/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-006.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/--59L6Nstn_c/X_o8IwRhP0I/AAAAAAAAEks/O5Cm9ptBq8szXM8okWpQBJlm2uxlsRr1ACLcBGAsYHQ/w640-h426/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-006.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Luego hay una elipsis de dos años en el que vemos que Eren ha ingresado en la Legión de Reconocimiento (es decir, que su entrenamiento, que la película obvia con la elipsis, ha durado dos años, cuando en el manga el entrenamiento dura tres años, y es por un buen motivo), y también se nos cuenta que la brecha en el muro que abrió el titán colosal no fue en el distrito Shiganshina sino en el distrito Monzen ¿Perdona? Ese distrito ni siquiera sale en el manga. Otra cosa que cambian y se inventan para el live-action. ¿Porqué? </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Todo esto lo explica el personaje de Kubal, interpretado por Jun Kunimura. Kubal es otro personaje inventado para el live-action cuya función es reunir en él varios personajes del manga que no salen en la película. En éste caso Kubal es una fusión de hasta cinco personajes: Kitz Weilman, Nile Dok, Dot Pixis, Bertolt Hoover y Darius Zackly. Di que sí. Al menos en esa escena sale un personaje que si respetan del manga, Hange Zoë. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El personaje de Kubal informa en esa escena (una de esas escenas mal escritas en las que los personaje se dicen información que ellos ya saben para que la sepa el espectador) que, al perder el territorio de la muralla Maria, perdieron todas las tierras de cultivo, y por eso hay escasez de alimentos. ¿Qué? ¿Sólo había agricultura en el territorio de la muralla Maria? ¿Porqué? ¿Cuál es el impedimento de que haya agricultura en los territorio de Rose y Sina? ¿En dos años no han tenido tiempo de implantar la agricultura en esos territorios? Es absurdo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Posteriormente se nos presenta a los personajes de Jean (interpretado por Takahiro Miura, que se parece a Jean lo que yo a Chris Evans) y Sasha, a los cuales, al igual que Hange, también respetan en su adaptación del manga, pero sólo muy superficialmente, más bien poco, sobretodo en el caso de Jean. Ni de lejos muestran en el live-action la complejidad y profundidad psicológica y emocional que estos personajes tienen en la obra de Hajime Isayama. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-LQW8cRRBgaE/X_o8TTTC7UI/AAAAAAAAEk0/PFdNU_-0PKgwxcFTy9MRKGP5eplBVPTeACLcBGAsYHQ/s600/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-010.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="399" data-original-width="600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-LQW8cRRBgaE/X_o8TTTC7UI/AAAAAAAAEk0/PFdNU_-0PKgwxcFTy9MRKGP5eplBVPTeACLcBGAsYHQ/w640-h426/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-010.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Varios equipos de soldados y oficiales, en los que se incluye Eren, Armin, Hange, Jean, Sasha, Souda y Kubal, se suben a unos camiones para ir al distrito Monzen y cerrar la brecha del muro María con explosivos y así recuperar el territorio. Salen al anochecer para evitar, en la medida de los posible, combatir contra titanes, pues estos están inactivos por la noche. Pero a las pocas horas han de parar el convoy en las afueras de una ciudad porque varias vacas entorpecen el camino, y bajan de los camiones para vigilar el entorno. Cuando tienen el camino despejado, y los oficiales ordenan a sus subordinados volver a los camiones, una de las soldados oye un llanto aparentemente de bebé en lo que parece una nave industrial. Dicha soldado, como es uno de esos personajes inconcebiblemente estúpidos, que actúan sin ninguna lógica ni sentido común, y sin hacer ni caso de lo que se les pide o se les ordena, va a su bola y entra en la nave, rompiendo la disciplina jerárquica y la cadena de mando, desobedeciendo a su oficial y poniendo en riesgo la vida de sus compañeros sólo porque cree haber oído el llanto de un bebé. No se entiende cómo puede haber sido aceptada en el ejército una persona tan carente de inteligencia e incapaz de entender que no es posible que hay sobrevivido un bebé solo durante dos años en un territorio infestado de titanes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Eren sigue a esa idiota para que evite hacer lo que esas personas suelen hacer, una estupidez. Finalmente encuentran el origen del llanto de bebé, que proviene... de un bebé, sí, en efecto, pero un bebé titán. ¿Perdón? ¿A quién se le ocurrió esa idea y cómo llegó a la conclusión que era una buena idea? Otro invento chorra del live-action. El bebé titán empieza a perseguir a Eren y la soldado idiota, y despierta a los demás titanes que hay en la zona, lo cual entra en contradicción con lo que se comenta antes que los titanes son inactivos por la noche. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jWuOoFbWD2w/X_o8d51H-UI/AAAAAAAAEk8/yDRfZ73mLvw-wa-BVi_f7-2hqnre33gwwCLcBGAsYHQ/s600/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-014.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-jWuOoFbWD2w/X_o8d51H-UI/AAAAAAAAEk8/yDRfZ73mLvw-wa-BVi_f7-2hqnre33gwwCLcBGAsYHQ/w640-h426/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-014.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los oficiales que se quedaron en los camiones, incluyendo Kubal y Hange, huyen con los vehículos y ordenan a los reclutan que se escondan en los edificios de la ciudad. Di que sí, eso son buenos oficiales y lo demás son tonterías. Los titanes van cogiendo reclutas y comiéndoselos, incluyendo también al oficial al que la soldado idiota desobedeció. Al final, algunos de sus compañeros acaban siendo devorados por titanes gracias a ella y su soberana estupidez. Pero hay dos cosas que no se entienden. La primera ¿Porqué los soldados no usan su equipo de maniobras tridimensionales para atacar a los titantes? ¿Se han olvidado de su entrenamiento de dos años? Joder, si se acaban de graduar. ¿Y Eren? En el manga, Eren, con quince años, cuando vuelve a ver al titán colosal de sesenta metros, le falta tiempo para enfrentarse a él con el equipo de maniobras. En el live-action Eren, con 20-21 años, ve un bebé titán de tres metros y le falta de tiempo de salir corriendo cagándose en los pantalones. Anda y vete cagar. Y la segunda, ya que huyen y se esconden en los edificios circundantes ¿Porqué no usan el equipo de maniobras para huir y esconderse más rápido, en vez de ponerse a correr siendo presa fácil para los titanes? </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los reclutas llegan a la ciudad y son acorralados por un enorme titán, pero de repente, en el minuto cincuenta, entra en escena un personaje que usa el equipo de maniobras para matar al titán, y ese personaje es... el capitán Shikishima, interpretado por Hiroki Hasegawa. Sí, en efecto, otro personaje inventado para el live-action cuya función es reunir en él varios personajes del manga que no salen en la película. En éste caso Shikishima es una fusión de Levi Ackerman, Reiner Braun y Zeke Jaeger. A Levi Ackerman, el personaje más popular del manga, se lo sacan de encima, y lo sustituyen por un capullo integral. En serio ¿A quién se le ocurrió esa idea y cómo llegó a la conclusión que era una buena idea? ¿No previeron que los fans iban a rabiar? Sólo por eso el live-action de “Shingeki no Kyojin” ya merece un suspenso. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-rTrNu8fc2_4/X_o8onI0UpI/AAAAAAAAElE/GY6c6gDBCtkUhLHEGrJ0vRWZSraokkB8QCLcBGAsYHQ/s906/Attack-on-Titan-trailer-pg12-imagem-destaque.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="906" height="282" src="https://1.bp.blogspot.com/-rTrNu8fc2_4/X_o8onI0UpI/AAAAAAAAElE/GY6c6gDBCtkUhLHEGrJ0vRWZSraokkB8QCLcBGAsYHQ/w640-h282/Attack-on-Titan-trailer-pg12-imagem-destaque.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">De repente aparece otro personaje que, haciendo uso de su equipo de maniobras, ataca otro gigantesco titán, y ese personaje es... ¡Mikasa! Al parecer no fue devorada. A la mañana siguiente, el capitán Shikishima le dice a Eren que Mikasa aprendió a matar titanes porque él la entrenó y le pregunta si quiere aprender también a matar titanes, a lo que Eren responde que sí. Emm... ¿Entonces sobre qué se estuvo entrenando durante dos años? ¿Acaso no entrenaron a los reclutas precisamente para matar titanes? Que me aspen si lo entiendo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Más tarde vemos que Mikasa lleva toda el día picada con Eren, desde que le ha vuelto a ver, porque le reprocha haberla abandonado y no haberla salvado de haber sido mordida por un titán. Yo, como espectador, no entiendo ese reproche. Retrocedamos a la escena del ataque de los titanes al distrito como se llame. Eren fue arrastrado por la avalancha de gente hasta el interior de una capilla, y en esa capilla no le dejaban salir para ayudar a Mikasa. Entonces no es que Eren la abandonara, es que simplemente no podía llegar hasta ella, y además ella lo sabe porque lo veía. Pero además, el reproche es doblemente ilógico, incoherente, absurdo y ridículo porque, cuando pudo, ella no hizo nada para evitar ser mordida por el titán. Cuando se le acercó el titán, Mikasa se quedó quieta durante el buen rato que el gigante tardó en llegar hasta ella, cuando perfectamente pudo haber salido corriendo porque ya no había gente en la calle. ¡Haz algo! ¡Muévete! Pues no, se quedó quieta hasta que llegó el titán y le dio el mordisco. ¡Y encima le echa la culpa a Eren! ¡Pero si fue ella la que no hizo nada! Que me aspen si lo entiendo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esperate, que la siguiente escena tiene tela. Por la noche dos de los reclutas, en vez de estar vigilando si se acercan titanes, se ponen a follar. Claro que sí, eso es tener claras las prioridades. Pero hay más, porque esa pareja de reclutas se enrollan aunque saben que les están mirando otros dos reclutas, y esos dos voyeur son Eren y la soldado idiota. Y aquí no termina la cosa, porque la soldado idiota, que además es madre de una niña, se pone a camelarse a Eren para follar con él, y está tan distraída que no se da cuenta que detrás de ella hay un titán, que la coge por las patas y se la come. Volvemos otra vez en la contradicción de que dicen que los titanes están inactivos por la noche pero es la segunda vez que, en vez de atacar de día, atacan de noche. Supongo que a los guionistas les dio pereza ser coherentes consigo mismos. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-l67MXFyOsLY/X_o80X_wvFI/AAAAAAAAElM/jh48EHYDjwEjdAVzfr8d-h4r3Eadw16gQCLcBGAsYHQ/s680/CK-28GQUsAAJDlZ.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="453" data-original-width="680" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-l67MXFyOsLY/X_o80X_wvFI/AAAAAAAAElM/jh48EHYDjwEjdAVzfr8d-h4r3Eadw16gQCLcBGAsYHQ/w640-h426/CK-28GQUsAAJDlZ.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">A partir de aquí empiezan los últimos 24 minutos de la primera película, que ya están un poco mejor, pero también hay aspectos negativos a destacar. Vemos que la ciudad está infestada de titanes, pero nadie dio el aviso. ¿Nadie les vio venir? No sé, son seres de 15 metros, no pasan desapercibidos precisamente, se les puede ver desde muy lejos. ¿O es que nadie estaba atento? ¿No había nadie vigilando? Vaya negligencia. ¿Y porqué no salieron ya en el convoy para dirigirse al distrito como se llame? No sé, parecían tener mucha prisa para llegar al muro Maria. Entiendo que pernocten en la ciudad de día, pero al hacerse de noche deberían haber salido con el convoy, y sin embargo siguen en la ciudad. ¿Porqué? </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El caso es que los soldados se ven rodeados por los titanes, y entonces los oficiales ordenan que se pongan el equipo de maniobras. ¿Perdón? ¡No llevaban puestos el equipo de maniobras! ¡¿Pero qué disparate es ese?! Es como si unos bomberos esperasen a llegar al incendio para ponerse su equipo. Es absurdo y estúpido. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Algunos de los reclutas se acuerdan que habían estado dos años entrenándose para algo y usan el equipo de maniobras. Y he de admitir que los momentos de vuelo con el equipo de maniobras están bastante bien resueltos, yo los compro: los efectos visuales de esos momentos, de los soldados volando con el equipo de maniobras, están muy bien conseguidos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Cabe añadir que, en estos últimos 24 minutos del film, el director vuelve a alardear de un significativo derroche de sangre y vísceras, y en esto tengo que aplaudirle. En las películas no deberían tener miedo a mostrar la sangre que debe haber en escenas con muertes horribles, y por desgracia hay pocos directores en Hollywood que no censuran hemoglobina, como Ridley Scott en “Black Hawk derribado” o Silvester Stallone en “John Rambo”. De un tiempo a esta parte en las películas de importante producción, como “47 Ronin”, evitan mostrar sangre, aún en los momentos en que debe haberla, para hacerlas más family friendly de cara al público, aún a riesgo de que dichos momentos caigan en lo absurdo. Incluso de “Deadpool 2” sacaron un montaje sin sangre. Deadpool sin sangre, hasta ahí llega la ridiculez. Pero Higuchi no, Higuchi mete sangre cuando debe haberla, sin miedo, y eso es uno de los pocos aspectos positivos del live-action de “Shingeki no Kyojin”. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-g_dGmTBUeaE/X_o9BozF4JI/AAAAAAAAElU/C7YSpKlXVC8yBmUPMViI-ypMTmTN-I5zwCLcBGAsYHQ/s1200/lead.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-g_dGmTBUeaE/X_o9BozF4JI/AAAAAAAAElU/C7YSpKlXVC8yBmUPMViI-ypMTmTN-I5zwCLcBGAsYHQ/w640-h426/lead.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La situación empeora. Los oficiales pierden los explosivos que tenían que usar para sellar la brecha del muro Maria, y los soldados caen como moscas, siendo devorados por los titanes. A ver, aquí hay que puntualizar algo. Los protagonistas ven que están perdiendo contra los titanes, que están siendo diezmados, que la mayoría de los soldados están siendo devorados. Sí, claro; porque no usan el equipo de maniobras, y como no lo usan son cogidos por los titanes y estos los devoran. Los que usan el equipo de maniobras no son cogidos ni devorados por los titanes. Es que es de sentido común, es que casi se puede decir que se dejan coger. ¡Haz algo! ¡Muévete! Pues no. No se mueven. No parece que se hayan entrenado pa una mierda, y menos durante dos años. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero encima el capitán Shikishima, en vez de ayudar matando titanes, se queda mirando el panorama desde una azotea, y encima criticando a los pocos soldados, como Eren, que sí atacan a los titanes. ¡Haz algo! ¡Muévete! Pues no. No se mueve. Mucha fama de haber matado a muchos titanes, pero sólo actúa cuando hay un titán, y cuando hay muchos titanes entonces se los deja a los reclutas. Hay que tener mucha jeta. Pero encima, cuando Eren pierde una pierna, Shikishima, en vez de ayudar, se las pira. Joder, que falta de empatía. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero no es el único. Mikasa ve a Eren tirado en una azotea, ensangrentado, sin una pierna... ¡Y se va! ¡Lo deja tirado! Indefenso. A merced de los titanes. Qué hija de puta. Yo alucino. Me parece una falta de respeto que lo flipas. Es incomprensible e irracional el odio que le tiene a Eren. Y ese es otro de los aspectos negativos del live-action, que cambia la relación entre personajes. En el manga Mikasa siente devoción por Eren, en el live-action parece que se reprima las ganas de matarlo. Ese cambio de relación no sólo no tiene razón de ser, sino que ni siquiera tiene justificación. No hay ningún motivo por el que Mikasa odie a Eren. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-YYhfRdcYtX4/X_o9N9i_bFI/AAAAAAAAElc/wDwSNZlVMfkjhuv7zYYCyt0gHUiEMpS9ACLcBGAsYHQ/s2048/MV5BMTU4OTk0NTczMF5BMl5BanBnXkFtZTgwMDMzMDE3NjE%2540._V1_.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1364" data-original-width="2048" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-YYhfRdcYtX4/X_o9N9i_bFI/AAAAAAAAElc/wDwSNZlVMfkjhuv7zYYCyt0gHUiEMpS9ACLcBGAsYHQ/w640-h426/MV5BMTU4OTk0NTczMF5BMl5BanBnXkFtZTgwMDMzMDE3NjE%2540._V1_.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">A diferencia de la z---- de Mikasa, Eren, a pesar de faltarle una pierna y tener el cuerpo machacado, hace más que Mikasa y Shikishima juntos, y salva a Armin de ser devorado por un titán, pero al precio de ser él a quien el titán devora. Cuando Armin le dice que Eren ha sido devorado, Mikasa se pone en plan vengator kamikase. ¿Perdona? ¡Pero si has sido tú quien lo ha dejado tirado! ¿Cómo se puede ser tan hipócrita? Pero esperate, porque cuando Mikasa está a punto de atacar a un titán desde el suelo, con el equipo de maniobras inutilizado y sin espadas, vemos que tiene enrollada en el brazo derecho la bufanda que le puso Eren. ¿Cómo? Me he perdido. ¿Llevas contigo durante dos años la bufanda de alguien que odias tan profundamente como para dejar que sea devorado por un titán? Que me aspen si lo entiendo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">De repente aparece un titan, el titán de ataque, que empieza a atacar a los demás titanes y matarlos. Y la película termina descubriéndose que éste titán de ataque es Eren, que se puede transformar en titán. Y debo decir que el titán de Eren está muy bien conseguido, sobretodo porque no está hecho digitalmente sino con maquillaje. De hecho, el titán de ataque es, de lejos, el titán mejor conseguido del live-action. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La segunda parte del live-action empieza con un resumen de cinco minutos de la primera parte. La escena siguiente hace que la película parezca una de las películas de Spiderman protagonizadas por Andrew Garfield, pues vemos un flashback del padre de Eren inyectándole un suero a su hijo cuando era pequeño, en un sótano en el que entran también la madre de Eren... y Souda. La madre de Eren discute con su marido por haberle inyectado el suero a su hijo cuando de repente llaman a la puerta. Souda coge a Eren y ambos se esconden detrás de una falsa pared justo cuando entran unos hombres de negro y Kubal, que se llevan detenidos a los padres de Eren y queman el lugar. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-7P38t9aRN4Y/X_o9YVrVsBI/AAAAAAAAElk/5ZKM4u8SbZYEPd49mnnV-mlB-jOXydnaQCLcBGAsYHQ/s640/Shingeki-no-Kyojin-live-action-peliculas-01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="426" data-original-width="640" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-7P38t9aRN4Y/X_o9YVrVsBI/AAAAAAAAElk/5ZKM4u8SbZYEPd49mnnV-mlB-jOXydnaQCLcBGAsYHQ/w640-h426/Shingeki-no-Kyojin-live-action-peliculas-01.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Volvemos al presente, donde Eren despierta atado de pies y manos. Está en un parque infantil, con los escasos supervivientes del anterior ataque de los titanes (salvo el capitán Shikishima), entre ellos los soldados de la policía militar, que le apuntan con fusiles. Kubal quiere ejecutar a Eren, pues le acusa de ser el enemigo al ser un titán. Armin sale en su defensa, y le pide a Mikasa que diga algo también en defensa de Eren, pero la tía se queda callada. ¡Haz algo! ¡Muévete! Pues no, la tía no dice una palabra en favor de Eren. La chica tiene un cacao mental incomprensible. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Souda interviene en favor de Eren, e iba a decir algo que demostraría su inocencia cuando Kubal lo mata indiscriminadamente. Pero antes de morir, Souda le dice a Eren que fue Kubal quien mató a sus padres. Y justo cuando Eren iba a ser fusilado, aparece de repente otro titán, el titán acorazado, que asplasta a Kubal, mata a tantos otros soldados, y se lleva a Eren. Ese momento está muy bien porque podemos ver otra vez mucha sangre y el equipo de maniobras siendo usado. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En la escena siguiente, ya de día, los poquitos soldados que quedan, entre ellos Armin, Mikasa, Jean, Sasha y Hange, se suben a un camión para ir al distrito de cuyo nombre no me quiero acordar para, una vez allí, usar la bomba sobre la que Eren saltaba al principio de la primera parte con el objetivo de cerrar la brecha en el muro Maria. Y aquí hay tres fallos a destacar. El primero es que para trasladar la bomba hasta el muro dicen que necesitan al titán de Eren, pero se van directamente al muro Maria sin antes buscarle, suponen gratuitamente que lo encontrarán en el distrito como se llame. El segundo es que nadie pregunta por el capitán Shikishima, ni siquiera Mikasa, pese a que se insinúa que se lo tira. ¿Nadie le echa de menos? ¿Nadie se pregunta dónde está ni que ha pasado con él? No se lo preguntan ni siquiera Armin y Hange, que son los más inteligentes del grupo. Y a ver, es que ni siquiera suponen ni sospechan lo más evidente. Descubren que hay humanos que se pueden transformar en titanes, y justo cuando el capitán Shikishima es el único que falta aparece el titán acorazado. No hay que ser muy listo para sumar dos más dos y que te dé cuatro. Y tercero, viajan de día pese a que antes lo hacían por la noche precisamente porque, según ellos, los titanes están inactivos por la noche, pese a que por dos veces los titanes les atacaron de noche. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ckPRk_D9A1M/X_o9jegJcfI/AAAAAAAAEls/9qqrWxtqdPw9MLhLHpcFdxb84ifVYWneQCLcBGAsYHQ/s640/Shingeki-no-Kyojin-live-action-peliculas-06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="427" data-original-width="640" height="428" src="https://1.bp.blogspot.com/-ckPRk_D9A1M/X_o9jegJcfI/AAAAAAAAEls/9qqrWxtqdPw9MLhLHpcFdxb84ifVYWneQCLcBGAsYHQ/w640-h428/Shingeki-no-Kyojin-live-action-peliculas-06.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El grupo llega con el camión a la colina donde está la bomba en apenas unas horas. ¿Cómo? Del muro Rose a la ciudad donde pararon y les atacaron los titanes (dos veces) tardaron ¿cuánto? ¿Seis horas? Y de esa ciudad al muro Maria tardan ¿cuánto? ¿Otras seis horas? ¿Entre el muro Rose y el muro Maria sólo hay medio día de viaje? ¿Pero qué disparate es ese? En el manga la distancia entre el muro Rose y el muro Maria es de, como poco, cien kilómetros. En el live-action no parece que haya ni treinta kilómetros. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero esperate, porque cerca de la colina divisan unos cuantos titanes, pero estos, en vez de ir a por Armin y compañía, se mantienen inactivos, sin moverse. Pero vamos a ver. ¿Los titanes están inactivos de noche o de día? ¿Si se ve que de día no actúan, porque el convoy viajaba de noche? Joder, que se aclaren. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Al mismo tiempo, en una escena en la que Higuchi homenajea “Matrix reloaded” y “2001: Una odisea del espacio”, Eren despierta en una habitación blanca y onírica en la que también está el capitán Shikishima, que le cuenta no sólo que son hermanastros, sino que el origen de los titanes fue un virus que se inventó con finalidades militares, que el virus se expandió y empezó a convertir a la mayoría de personas en titanes que devoraban a las personas que no se convertían, y que el inventor del virus fue el padre de ambos, que además les inyectó a los dos ese mismo virus que les permitía convertirse en titanes y de paso hacerles inmortales. ¿Cómo, cómo, cómo? A ver. Primero, éste origen de los titanes es otro cambio del live-action, porque en el manga el origen no ese. Luego, lo de la inmortalidad es otro invento, porque en el manga el titán de ataque y el titán acorazado son dos de los nueve titanes cuyo poder conllevaba la maldición de los trece años, es decir, que quien recibiera el poder de uno de esos nueve titanes sólo le quedaban trece años de vida, no se volvía inmortal como se han inventado para el live-action. Además ¿Cómo pudo el padre de Eren inventar el virus que originó lo de los titanes si, según el propio live-action, los titanes aparecieron hace cien años? ¿Acaso el padre de Eren tenía más cien años? Y cuando en el flashback del principio de la segunda parte el padre de Eren le inocula a éste el virus, lo que debería haber ocurrido, además según la propia película, es que inmediatamente Eren se convirtiera en Titán y devorara a su padre, como sí ocurre precisamente en el manga. ¿Y porqué el padre de Eren y Shikishima inoculó a sus hijos el virus de los titanes? ¿Con qué finalidad? No se explica.</div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-dj66-tQFHnQ/X_o9u__y9PI/AAAAAAAAEl0/KJvFZs9hiuEslCUHBFLUorUtFFCrEAgrQCLcBGAsYHQ/s1920/uZ9XN2ykIvxKLaPV9X8gO3QD2gR.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-dj66-tQFHnQ/X_o9u__y9PI/AAAAAAAAEl0/KJvFZs9hiuEslCUHBFLUorUtFFCrEAgrQCLcBGAsYHQ/w640-h360/uZ9XN2ykIvxKLaPV9X8gO3QD2gR.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Eren (que en ningún momento ha preguntado por sus amigos y compañeros) y Shikishima salen al exterior subiendo unas escaleras y... ¡Se encuentran justo delante de muro! ¡En el distrito cómo se llame! ¡What the fuck! ¿¡Qué hace una habitación onírica de la programación de matrix justo debajo del muro justo en el distrito cómo se llame?! ¿Y cómo sabía Shikishima que existía esa habitación y que estaba exactamente en ese lugar? Pero eso no es todo, porque cuando salen al exterior Eren ve a unos hombres armados que, al parecer, están a las órdenes de Shikishima, pero van armados con lanzagranadas y metralletas. ¡Y un tanque! Eso ya es demasiado para mi cabeza, yo no doy para tanto. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo que viene ahora... vamos por partes, como decía el Jack el destripador. Armin, Mikasa y los demás llegan a la colina donde está la bomba, la desincrustan, la suben al camión y la llevan hasta el distrito, donde son detenidos y acorralados por Shikishima y sus hombres, quien les dice que se queda la bomba para, con ella, abrir una brecha en el muro Rose, entren los titanes, el gobierno acabe con los titanes, y luego él y sus hombres acaben con el gobierno y se conviertan en los nuevos gobernantes. Vale, emm... varias cosas. Primero ¿para qué necesita la bomba? No sé, tiene un tanque, tiene lanzagranadas, y además es el titán acorazado. No necesita un bomba para abrir una brecha en el muro Rose, puede hacerlo él mismo. Segundo, en el caso que necesitase la bomba, que no la necesita, pero supongamos. ¿Porqué no la cogió él? No sé, es el titán acorazado. Tercero, si quiere abrir una brecha en el muro Rose ¿Porqué ha esperado hasta éste momento? ¿Porqué no lo ha hecho antes? Cuarto, su plan estaría muy bien si no fuese por un pequeño defecto, que es una mierda. ¿Cómo pretende que el gobierno derrote a los titanes si él se ha cargado a la mitad de los soldados, y otros titanes se han cargado a la otra mitad? Y en el caso de que aún hayan más soldados dentro del muro Rose, si más de la mitad que viajaban en el convoy fueron devorados por unos cuantos titanes ¿qué le hace pensar que los soldados que están dentro del muro Rose serán más efectivos contra una cantidad de titanes que él mismo reconoce es inagotable? Y aún suponiendo en la imposible posibilidad de que el gobierno finalmente acabe con todos lo titanes y ellos acaben con el gobierno. ¿A quienes gobernarán? Si no quedará nadie. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-wAVi34mAKr4/X_o93olfheI/AAAAAAAAEl8/dGg6kt2SuIYTZ24M6Zt-yjl6ncgmJb-EwCLcBGAsYHQ/s1064/0000.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="462" data-original-width="1064" height="278" src="https://1.bp.blogspot.com/-wAVi34mAKr4/X_o93olfheI/AAAAAAAAEl8/dGg6kt2SuIYTZ24M6Zt-yjl6ncgmJb-EwCLcBGAsYHQ/w640-h278/0000.png" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como Eren no está de acuerdo con el plan, se pelea con Shikishima, que le da una paliza. Mientras Shikishima y sus hombres están distraídos con Eren, uno de los reclutas se sacrifica para derribar un torre encima del tanque para que Eren y sus compañeros puedan escapar con el camión y la bomba. Noble sacrificio, si no fuese porque ese recluta le dio igual que Hange hubiera sido encerrada en el tanque, y al derribar la torre sobre el tanque la mata. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Todos los hombres de Shikishima mueren cuando explota el tanque, pero él no, y se transforma en el titán acorazado para matar a Armin y compañía y quedarse con la bomba. Para evitarlo, Eren se transforma en el titán de ataque, y ambos titanes tienen una pelea bastante sosa y no muy bien rodada. Mientras Eri y Shiki pelean, vemos que Hange... ¡Está viva! Venga ya, eso sí es inverosímil y no que Armin fuera rubio. El tanque había explorado después de que una torre cayera encima y lo asplastara. ¿Y pretenden hacernos creer que Hange sobrevivió a eso? Mira, de verdad, eh... no. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El titán de Eren termina venciendo al de su hermanastro, y con su cuerpo de titán coge la bomba y la lleva a lo alto del muro para que explote y así la parte de arriba del muro caiga tapando la brecha. Sacan a Eren de su cuerpo de titán y programan la bomba para que explote en cinco minutos, y todo parece ir bien y que no va a haber más obstáculos cuando de repente... ¡aparece Kubal! ¡También estaba vivo! No sólo eso, sino que les confiesa a Eren y compañía que él es el titán colosal, y que no piensa permitir que activen la bomba para que cierren la brecha, y que no quiere que la humanidad salga de los muros sino que viva dentro de ellos por siempre. Eso ya es demasiado para mi cabeza, yo no doy para tanto. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-emrpxwfp37g/X_o9_wNgDfI/AAAAAAAAEmE/mVvg5uD2yqManOtzy8qYrLJlHXvF846dQCLcBGAsYHQ/s1920/003e3759.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="808" data-original-width="1920" height="270" src="https://1.bp.blogspot.com/-emrpxwfp37g/X_o9_wNgDfI/AAAAAAAAEmE/mVvg5uD2yqManOtzy8qYrLJlHXvF846dQCLcBGAsYHQ/w640-h270/003e3759.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">A ver, que aquí hay mucha tela que cortar. Primero, que por mucho que se transforme en titán... bueno, primero de todo. ¿Porqué se puede transformar en titán? Supongo que tiene el virus. ¿Porqué tiene el virus? ¿Quién se lo inyectó? ¿Se lo inyectó él mismo? ¿De dónde sacó el virus? ¿Del sótano del padre de Eren? ¿Se inyectó el virus entonces? No se explica. Luego, que el virus hace que no pueda morir de viejo no quiere decir que no pueda ser asesinado. Si una roca te asplasta, como le pasó a Kubal antes, y te deja el cuerpo hecho papilla, mueres al instante, no hay nada que regenerar. Tercero, supongamos que puede hacer como Reiner en el manga y transfirió su consciencia a los pies antes que la roca asplastara el resto de su cuerpo, supongamos esa improbabilidad e imposibilidad; seguiría estando asplastado. ¿Cómo salió de debajo de esa roca con el cuerpo hecho puré? No se sabe. Quinto ¿Porqué no quiere que la humanidad salga de los muros? Sabemos su objetivo, pero no su motivación. Sexto ¿Si su objetivo es que la humanidad no salga de los muros, porqué abrió precisamente un brecha en el muro hace dos años? Séptimo ¿Si no quiere que se cierre la brecha que él mismo abrió en el muro, porqué dos años después lidera la misión para cerrar la brecha? Octavo ¿Si la cuestión es que haya una brecha en el muro, qué más le da que cierren la que él abrió? Siendo el titán colosal puede abrir todas las brechas que quiera donde le dé la gana. ¿Porqué se complica la vida? Noveno. ¿Porqué Kubal, Eren y Shikishima pueden transformarse en titanes, controlarlos, y volver a ser humanos? Tampoco se explica. Y bueno, no sigo porque, de verdad... </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Kubal se transforma en titán colosal para sacar la bomba del muro, y los demás usan el equipo de maniobras para atacarle. Pero el titán colosal es demasiado grande y fuerte, ha desconectado el mecanismo que iba a hacer estallar la bomba, mata a Jean y coge a Eren para devorarlo. Todo parece perdido, pero de repente aparece el capitán capullo, que, cambiando de idea gratuitamente, decide sacrificarse para salvar a Eren y a la humanidad, cogiendo la bomba y metiéndosela por la boca al titán colosal, muriendo tanto Kubal como capitán capullo, y la brecha siendo cerrada con los escombros de la parte de arriba del muro. La película termina “felizmente”, con Eren y Mikasa viendo juntos el océano desde lo alto del muro, y olvidando que sigue habiendo millones de titanes fuera de las murallas. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-y5Yv1C_2xzs/X_o-Ky64i0I/AAAAAAAAEmM/nLxZZ_o2MzA4tiWlx7DfG1PiyHma1gtzQCLcBGAsYHQ/s600/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-009.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-y5Yv1C_2xzs/X_o-Ky64i0I/AAAAAAAAEmM/nLxZZ_o2MzA4tiWlx7DfG1PiyHma1gtzQCLcBGAsYHQ/w640-h426/Attack_on_Titan_%2528live-action%2529-009.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como ya he comentado antes, y haciendo retrospectiva, el live-action de “Shingeki no Kyojin” fracasa tanto como adaptación como película en sí. Y uno de los más grandes fallos que la hacen una mala adaptación es que pretendieron contar toda la historia de los 139 números del manga en sólo dos películas de hora y media cada una, y como no podían hacerlo siendo fieles a las tramas de la historia pues los guionistas prefiriendo inventárselas. Podían haber sido perfectamente fieles al manga si no se hubieran empeñado en abarcarlo todo. En dos películas de dos horas cada una podían haber adaptado muy fielmente hasta el número 33 del manga, como hizo el anime en su primera temporada, y los fans lo hubieran agradecido. Y para un proyecto de la envergadura de “Shingeki no Kyojin”, para una adaptación fiel, deberían haberse gastado por lo menos el doble de lo que invirtieron, como poco. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo que hacen con los personajes en la adaptación es una vergüenza. No sólo unifican varios personajes muy importante del manga en un personaje inventado, sino que tantos otros ni siquiera salen: ni Annie, ni Marco, ni Connie, ni Historia, ni Ymir, ni Erwin... Los personajes que sí salen tampoco es que estén bien tratados. Para mí, Jean es el segundo mejor personaje del manga, y sin embargo en el live-action lo desaprovechan de manera vergonzosa. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo que diferencia a un buen live-action de una mala adaptación no sólo es la fidelidad a la historia, contexto, ambientación y atmósfera de la obra en la que se basa. También resulta necesario evitar, o al menos cambiar, ciertos aspectos que en el manga o en el anime quedan bien, pero que trasladados a la imagen real lucen ridículos y espantosos. El director del live-action de “Shingeki no Kyojin”, Shinji Higuchi, no lo tenía difícil, pues la serie anime es bastante seria y no da lugar a situaciones cómicas/sexuales que estuvieran fuera de lugar. Pues Higuchi, por algún motivo que escapa a la razón, añade en el live-action dichas situaciones que el anime acertadamente evitó, lo que resta seriedad a la película y dificulta que se la pueda tomar en serio. Si Higuchi quería que el live-action tuviera sexo, no necesitaba meter chicas mostrando trasero con descaro, ya hace suficiente follándose el manga. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ycVpHnDu9II/X_o-V-bu9vI/AAAAAAAAEmU/VuwzWDC6_q84E1nRn8DXkqFaHKmedhgwgCLcBGAsYHQ/s630/AttackOnTitan_Still.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="630" height="352" src="https://1.bp.blogspot.com/-ycVpHnDu9II/X_o-V-bu9vI/AAAAAAAAEmU/VuwzWDC6_q84E1nRn8DXkqFaHKmedhgwgCLcBGAsYHQ/w640-h352/AttackOnTitan_Still.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Resulta incomprensible cómo Higuchi pudo haber tomado decisiones tan erróneas en ésta película, no sólo añadiendo escenas cómicas y sexuales que están totalmente fuera de lugar, sino cambiando la historia, el contexto, la ambientación y la atmósfera de la serie anime. Es decir, quitar o cambiar todo lo que hacía bueno y genial la serie anime. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La fotografía no es que esté mal, pero tampoco está bien, y la noche americana canta muchísimo. Y la música es horrible. Al menos deberían haber puesto la música del anime, adaptándola un poco, pero que pusieran la del anime. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Es imposible entender lo que ha hecho Higuchi con “Shingeki no Kyojin” y porqué lo hizo. La serie anime es impresionante, espectacular, fabulosa, genial, buenísima, una pasada. No había que cambiar nada, estaba todo muy bien, simplemente sólo había que hacer lo que hizo Zack Snyder con “Watchmen”, una adaptación en imagen real directamente tal como estaba en la obra original, haciendo sólo los cambios necesarios para evitar la ridiculez. Sin embargo, en el live-action de “Shingeki no Kyojin” parece que todos los responsables pusieran su empeño en destrozar la obra original, y no contentos con eso se esforzaron en que el lamentable resultado tuviera un ritmo tedioso y aburriera exasperantemente. Por no hablar del guión, que está más lleno de agujeros que una esponja. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Is_pmfWYg5M/X_o-itnkwTI/AAAAAAAAEmc/VXw95PblZxIgQEZB1DY7-rwbT3QsRRK8QCLcBGAsYHQ/s640/unnamed.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="427" data-original-width="640" height="428" src="https://1.bp.blogspot.com/-Is_pmfWYg5M/X_o-itnkwTI/AAAAAAAAEmc/VXw95PblZxIgQEZB1DY7-rwbT3QsRRK8QCLcBGAsYHQ/w640-h428/unnamed.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Aun así debo admitir que la película tiene aspectos positivos. No sólo los que he comentado, también otros, como el vestuario, que encuentro está muy bien tratado, y algunos de los actores, que lo hacen bien. El actor que hace de Eren, Haruma Miura, la verdad es que mal no lo hace, y lo lamenté mucho cuando supe lo de su trágico fallecimiento. Kiko Mizuhara, que hace de Mikasa, está más bien sosa, pero Kanata Hongo se ve que intenta hacer suyo el personaje de Armin, aunque eso no quiere decir que lo consiga del todo. Satomi Ishihara tampoco lo hace mal como Hange, pero podría haber estado mejor si su personaje hubiese sido más desarrollado. Jun Kunimura es un pedazo de actor al que no le cuesta nada hacerte un Shekaspeare, y pese a que su personaje inventado es una mierda, él consigue hacer una estupenda actuación. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En conclusión, el live-action de “Shingeki no Kyojin” se va tan ricamente a la papelera de mi escritorio. Hubiera dirigido una mucho mejor adaptación Timur Bekmambetov, o incluso Robert Zemeckis con la técnica de animación por captura de movimiento. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo mejor: Que no le hayan hecho esto a “Evangelion”. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo peor: Que se lo hayan hecho a “Shingeki no Kyojin”.</div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-20097302684051218392020-12-05T19:11:00.006-03:002020-12-05T19:13:42.354-03:00CRÍTICA EL PACTO DE LOS LOBOS (2001), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-sPVE0CoqgIg/X8wE5DbRCZI/AAAAAAAAEeA/60jhRCH1Tpo4BmI_RKVQKxfElMUoL4G5QCLcBGAsYHQ/s1200/61muA1oIXJL._SL1200_.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="809" data-original-width="1200" height="432" src="https://1.bp.blogspot.com/-sPVE0CoqgIg/X8wE5DbRCZI/AAAAAAAAEeA/60jhRCH1Tpo4BmI_RKVQKxfElMUoL4G5QCLcBGAsYHQ/w640-h432/61muA1oIXJL._SL1200_.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sinopsis: Francia, 1765. Una terrorífica criatura, mitad lobo mitad león, aterroriza a los aldeanos y campesinos de la región de Gévaudan, causando más de 120 víctimas mortales. Recién llegado de América, el caballero Grégoire de Fronsac es enviado por el Rey Luís XV a Gévaudan para encontrar a la bestia, identificarla y, una vez abatida, disecarla. Le acompaña Mani, un misterioso y místico indio iroqués de la tribu Mohawk que le salvó la vida. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mientras investiga e intenta descubrir el misterio de la bestia, Grégoire se enamora de la hija del gobernante local, Marianne, y frecuenta a Sylvia, una prostituta de origen italiano que trabaja en un burdel, pero en realidad es una espía del Vaticano, enviada por el Papa Clemente XIII para investigar si la bestia es una obra del demonio. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“El pacto de los lobos” es una película francesa dirigida por Christophe Gans (director de “Sillent Hill” y esa obra de culto que es “Crying Freeman”), y protagonizada por Samuel Le Bihan (“Tres colores: rojo”), Vincent Cassell (no hace falta presentación), Émilie Dequenne (“El puente de San Luís Rey”), Monica Bellucci (no hace falta presentación), Jérémie Renier (“Escondidos en brujas”, “Expiación”), Mark Dacascos (“Crying Freeman”, “John Wick 3”), Jacques Perrin (“Los chicos del coro”) y Edith Scob (“Vidocq”). </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En 140 minutos de metraje se nos plantea una historia desarrollada a modo de flashback y narrada por uno de los personajes. Las distintas tramas permiten a Gans mostrar diversos géneros en la película: no sólo el romántico, también el terror, el histórico, el fantástico, la acción, el erotismo, el thriller político, la intriga detectivesca... </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3DpeKiuZgi8/X8wFHZBNbVI/AAAAAAAAEeE/Pz73bBIgKvwOCEAJ5b9ifw0W36Seeq2QgCLcBGAsYHQ/s1200/d_36YbF3R30-DbG86NqFDU0jtO0.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="806" data-original-width="1200" height="430" src="https://1.bp.blogspot.com/-3DpeKiuZgi8/X8wFHZBNbVI/AAAAAAAAEeE/Pz73bBIgKvwOCEAJ5b9ifw0W36Seeq2QgCLcBGAsYHQ/w640-h430/d_36YbF3R30-DbG86NqFDU0jtO0.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">De hecho, “El pacto de los lobos” es uno de esos films que propone una investigación detectivesca por parte de alguien que no es detective, como ocurre con el personaje de Robert Langdon en “El código Da Vinci” (Ron Howard, 2006), Martin en “Los crímenes de Oxford” (Álex de la Iglesia, 2008), Kenzo Tenma en “Monster” (Masayuki Kojima, 2004), o Abe Holt en “Verdades ocultas” (Baltasar Kormákur, 2005). Dichas obras ofrecen situaciones en las que los protagonistas, hasta ese momento mera gente anónima con trabajos mundanos u ocupaciones ordinarias, cuyas vidas estaban alejadas de los crímenes y las investigaciones policiales, se ven inmersos en una situación que les empuja a investigar, como si fueran detectives de verdad, para averiguar la identidad del criminal. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Es el caso de Grégoire de Fronsac, que es un mero naturalista parisino aficionado a la filosofía y las prostitutas, no un policía. Sin embargo, la bestia de Gévaudan y la incompetencia de los soldados rurales le fuerzan a relacionarse con la aristocracia provinciana, vehementemente religiosa, y sobrellevar las supersticiones de los aldeanos y los mitos y leyendas locales. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Aquí entramos en un conflicto que es el late motiv de la historia y se va mostrando en pinceladas a lo largo del relato: la confrontación entre la ilustración y el dogma, entre la razón y la devoción, entre el modernismo y el conservadurismo. Son muchos los momentos en que los personajes muestran su respectivo posicionamiento ideológico, político y filosófico, y dichas inclinaciones son importantes en el devenir de la historia. La bestia de Gévaudan no es más que la forma natural en la que se expresa el fanatismo religioso y político. Recordar que la película se desarrolla a las puertas de la revolución francesa, asistimos a los últimos vestigios de una sociedad feudal, somos testigos del crepúsculo del conservadurismo devoto. La bestia es un último intento de evitar la transición en el pensamiento colectivo a un modo de pensar racional y filosófico, en vez de categórico y dogmático. La violencia de la bestia es la agresividad de las personas con un poder basado en el tradicionalismo y el conservadurismo y no quieren perder ese poder, es la agresividad del fanatismo político y religioso. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-yo1mVMA04vI/X8wFQEIV0tI/AAAAAAAAEeM/f4h571uoiuEwFd0n1rsBhRqiq04c8iPVACLcBGAsYHQ/s1280/727628.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-yo1mVMA04vI/X8wFQEIV0tI/AAAAAAAAEeM/f4h571uoiuEwFd0n1rsBhRqiq04c8iPVACLcBGAsYHQ/w640-h360/727628.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ese ambiente crepuscular de una época que llega a su fin, los últimos vestigios de una aristocracia decadente y pedante, queda muy bien mostrado tanto en la fotografía como en la dirección artística, en la que se invirtió buena parte de los 25 millones de euros (34,3 millones de hoy) de presupuesto, unos 29 millones de dólares (42 millones de hoy). </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La ambientación lumínica y escenográfica de Gévaudan es la de un lugar frío y deprimente, donde la luz solar no incide directamente, muchas veces está completamente nublado, la tierra está perpetuamente mojada por una persistente lluvia, los colores son apagados y fríos, sólo en los interiores aristocráticos los colores son intensos y cálidos. El escenario en el que se desarrolla el clímax, que está en estado de ruina, define perfectamente el estado en el que se encuentran los antagonistas de la historia, su modo de vida se derruye a su alrededor. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Musicalmente la película también es espléndida, uno de las mejores composiciones musicales de una película de 2001. Sobretodo es muy recordado el tema de guitarra con el que son presentados los personajes de Grégoire de Fronsac y Mani, que es el tema del lobo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Está muy bien trabajada la compenetración entre estos dos personajes. No hace falta que digan al espectador que se respetan y se aprecian mutuamente, resulta visible la lealtad que se tienen el uno al otro. Por ejemplo, Grégoire lucha como Mani porqué ha querido que le enseñara a luchar, y se pinta el rostro como Mani como muestra de lealtad. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-mKx76qahSo8/X8wFcFrozzI/AAAAAAAAEeU/D2q0CLDDCg8iUPg4xrMQ56i7NiECU-1FACLcBGAsYHQ/s1200/le-pacte-des-loups-photo-mark-dacascos-1177992.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="780" data-original-width="1200" height="416" src="https://1.bp.blogspot.com/-mKx76qahSo8/X8wFcFrozzI/AAAAAAAAEeU/D2q0CLDDCg8iUPg4xrMQ56i7NiECU-1FACLcBGAsYHQ/w640-h416/le-pacte-des-loups-photo-mark-dacascos-1177992.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El trabajo de los actores en éste film es extraordinario, no sólo la preparación física e histórica, sino también los gestos, las miradas. Hay un momento en que Grégoire debe partir para cazar a la bestia con el nieto de un marqués, un señor que la única familia que le queda es su nieto, y antes de que suban a los caballos, el marqués le lanza una mirada a Grégoire. Ese gesto, esa simple mirada, dice: cuida de mi nieto, no dejes que la bestia lo mate. No hace falta que el personaje lo diga verbalmente, el actor lo dice con la mirada, el actor consigue con una mirada decir eso sin necesidad de hablar. Eso es un gran actuación, y de eso la película está repleta, de miradas que dicen mucho, de grandes actuaciones. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La película, que recaudó 71 millones de dólares (105 millones de hoy), no es muy recordada cuando se hace memoria respecto a las mejores películas francesas de 2001. Se suele destacar “Amelie”, “El beso del dragón”, “Salir del armario” o “Vidocq”. Pero “El pacto de los lobos” es, sin duda, mejor que cualquiera de ellas; es una propuesta muy notable, de una calidad excelente en todos los aspectos cinematográfico, y demuestra el buen y gran hacer de su director, Christophe Gans, un autor a reivindicar, y mucho.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6ovorODJj1Y/X8wFlMGBl3I/AAAAAAAAEec/N-CP9FRwVRUPn6mDdoDiyiJAnqsTZrjAQCLcBGAsYHQ/s200/4ESTRELLAS.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-6ovorODJj1Y/X8wFlMGBl3I/AAAAAAAAEec/N-CP9FRwVRUPn6mDdoDiyiJAnqsTZrjAQCLcBGAsYHQ/s0/4ESTRELLAS.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-73184820758357608922020-11-18T19:51:00.004-03:002020-11-19T04:15:56.656-03:00CRÍTICA LEJÍA NEUTREX FUTURA (2001), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Ru6S2oRfsVc/X7Wj6Ahb6NI/AAAAAAAAEco/GkyIb4HxStQgi9vuhEHS75rsnaPHeNG8ACLcBGAsYHQ/s1435/L5.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1079" data-original-width="1435" height="482" src="https://1.bp.blogspot.com/-Ru6S2oRfsVc/X7Wj6Ahb6NI/AAAAAAAAEco/GkyIb4HxStQgi9vuhEHS75rsnaPHeNG8ACLcBGAsYHQ/w640-h482/L5.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esta crítica es diferente, puesto que no refiere a ninguna película ni serie ni videojuego sino sobre un anuncio, y seguramente no será la primera critica de un anuncio que se publique en éste magnífico blog. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hasta ahora en Dragster Wave sólo se había publicado reviews de películas, videojuegos y, desde hace poco, series de televisión. Pero, al igual que las películas, los videojuegos y las series de televisión, los anuncios (o comerciales) de televisión también son producciones audiovisuales que cuentan historias. Y su caso es mucho más meritorio, pues mientras un largometraje tiene sesenta o más minutos para contar un historia, y un cortometraje dispone de entre un minuto y veinte minutos para hacerlo, un anuncio sólo cuenta con un espacio de tiempo de entre diez y treinta segundos para explicar una historia, casi nada. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Si el cine nació en 1895 (oficialmente), el anuncio de televisión lo hizo en 1941, es decir, se llevan haciendo comerciales televisivos de hace 79 años. La función de estas pequeñas piezas comerciales es, a través de una historia narrada audiovisualmente, vender un producto, un servicio o un mensaje ideológico, mayoritariamente éste último se trata de vender subliminalmente junto con el primero o el segundo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El caso que nos ocupa en esta reseña es el anuncio “Lejía Neutrex Futura” del año 2001, que maravilló a mucha gente por la coña que se podía hacer de ella, y con razón. Pero es un anuncio que, pese a sus agujeros de guión (que los tiene, a pesar de su corta duración), es un buen ejemplo de estructura de guión (que la tiene, a pesar de su corta duración). </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/691Fhoder3g" width="320" youtube-src-id="691Fhoder3g"></iframe></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El anuncio, de treinta segundos, empieza con la protagonista, una ama de casa, cuyo nombre no sabemos (la llamaremos Ramona), sacando ropa de la lavadora en la cocina de su hogar. Está frustradísima porque la lejía que compra le ha estropeado una blusa, y parece que no es la primera vez. En la cocina hay un gato o una gata que ve que su humana está bastante mosca, y la mira con cara de: tía, no me ralles. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En menos de cinco segundos se nos ha presentado el mundo del personaje principal, que viene a ser el mundo típico de la típica mujer de clase media muy alta pero tampoco tanto, lo suficiente para tener una casa muy espaciosa pero no lo bastante para poder permitirse un mujer de la faena. Ella vive en su mundo ordinario, que consta de una cocina y un gato. Esa sería la tesis, el planteamiento, el primer acto según la estructura clásica, en el cual vemos cuál es el objetivo de la protagonista, hacer una buena colada, y el problema que se encuentra, que la lejía le estropea la ropa, un conflicto que pone su mundo patas arriba. Eso sería el detonante, el catalizador. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Aquí surge el primer agujero de guión que genera la siguiente pregunta. ¿Si Ramona ve que la lejía que compra es dañina para su ropa, porqué no compra otra lejía en vez de insistir con la misma? Es de simple lógica. Pero no, la historia se fuerza para que haya un detonante, un catalizador, que justifique que la narración siga de tal modo que se pueda presentar el producto que se quiere vender, Lejía Neutrex Futura. La lejía barata que compra Ramona es la fuerza antagonista de la historia, altera el mundo de Ramona para joderle la colada. Lo interesante del asunto es que es la propia Ramona la que expresamente se abastece de la lejía que le impide cumplir su objetivo, la protagonista se boicotea ella misma para tratar de impedir que consiga el objetivo que quiere conseguir. Es un cacao mental difícil de entender para el espectador. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-u4q7HZx-sgA/X7WkRyMqBxI/AAAAAAAAEcw/tvcOI-Zd8MU4pPbBNQ2tvKQ9SPoRDGR-ACLcBGAsYHQ/s1431/L1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1079" data-original-width="1431" height="482" src="https://1.bp.blogspot.com/-u4q7HZx-sgA/X7WkRyMqBxI/AAAAAAAAEcw/tvcOI-Zd8MU4pPbBNQ2tvKQ9SPoRDGR-ACLcBGAsYHQ/w640-h482/L1.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pasamos al segundo acto, a partir del segundo cinco del anuncio, y aquí vienen grandes sorpresas. Un haz de luz envuelve a Ramona, y, al instante, la protagonista desaparece de la cocina junto con el haz de luz, pegando el susto padre al pobre gato, que maulla asustado de la vida. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En el siguiente plano vemos que Ramona aparece con el haz de luz en lo que parece ser el salón-comedor de un piso de aspecto futurista, del siglo XXII como poco. Se le acerca una mujer vestida toda de blanco y con el pelo teñido de azul de la que tampoco sabemos el nombre (la llamaremos Rei, como el personaje de “Evangelion”), y ojo lo que le dice porque es fuerte: Bienvenida al futuro. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Estas tres palabras son impactantes. La trama, desde luego, se complica con un gran golpe de efecto argumental. Ahora Ramona no sólo tiene que resolver su esquizofrénico conflicto interior, sino que ahora, además, no sólo no está en la cocina, ni en su casa, sino que ni siquiera está en su tiempo, lo cual, en teoría, la aleja todavía más de su objetivo de hacer una buena colada, aunque esta vez el obstáculo no está ocasionado por ella misma. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ahora llegamos al punto medio, el giro narrativo que lo cambia todo, y hace al personaje protagonista cambiar el rumbo de su historia. Por ejemplo, en el punto medio de “El sexto sentido” (Eme Noche Se Llama Lan, 1999) Haley Joel Osment le dice a Bruce Willis que en ocasiones ve muertos. Es algo que cambia drásticamente la trama, y los personajes han de actuar en consecuencia. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6yLtH-Li9VI/X7Wkc5PUA_I/AAAAAAAAEc0/ZgfFk3aX4SQZ1P4tYex6iO5yDoSXGThlACLcBGAsYHQ/s1437/L3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1077" data-original-width="1437" height="480" src="https://1.bp.blogspot.com/-6yLtH-Li9VI/X7Wkc5PUA_I/AAAAAAAAEc0/ZgfFk3aX4SQZ1P4tYex6iO5yDoSXGThlACLcBGAsYHQ/w640-h480/L3.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El punto medio de “Lejía Neutrex Futura” es que Rei le enseña a Ramona el producto que se pretende vender con el anuncio, la Lejía Neutrex Futura, y le informa que Neutrex Futura es una lejía superior, que no salpica, y encima deja la ropa más blanca y más protegida. Y no sólo se lo explica, sino que además se lo enseña con una lavadora que aparece de la nada. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ramona se pone muy contenta, y Rei le da el bote de Lejía Neutrex Futura antes que el haz de luz la devuelva a su mundo, la cocina de su casa en el año 2001. Éste es un fallo argumental muy cantoso, por la inverosímil reacción emocional de la protagonista. Entiendo que la mujer esté alegre porque, aparentemente, se ha solucionado el problema, y finalmente podrá cumplir su objetivo. Pero en ningún momento se ha mostrado asustada, y debería. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Poneos en su lugar. Estáis en la cocina de vuestra casa haciendo la colada, y de repente os envuelve un haz de luz que os transporta a un sitio diferente. Ahí ya estaríamos muy asustados, pues, sin saber cómo, en un instante hemos dejado de estar en nuestro mundo cotidiano para aparecer en un sitio completamente distinto y totalmente desconocido. No sólo eso, sino que se nos acerca una mujer vestida toda de blanco y con el pelo teñido de azul y nos dice que estamos en el futuro. Yo, en ese momento, ya me habría meado en los pantalones, y el corazón me iría a mil por hora. Me sentiría totalmente desprotegido, desconcertado. Estoy en chanclas, con una blusa rota en las manos, y tal que así me veo teletransportado no sólo a otro sitio sino a otro tiempo. Sin embargo, Ramona no muestra ninguna reacción que muestre la alteración que debería sentir. Se frustra porque la colada le sale mal, pero ni se inmuta cuando la secuestran desde el futuro. ¡Y encima se alegra! No es realista, pero si otro gran agujero de guión. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-uPlnD7EPGdg/X7WkmFj6lgI/AAAAAAAAEc8/uplLQKSHtVwXFJpK3Bl3tzIwviRiJKIagCLcBGAsYHQ/s1437/L8.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1077" data-original-width="1437" height="480" src="https://1.bp.blogspot.com/-uPlnD7EPGdg/X7WkmFj6lgI/AAAAAAAAEc8/uplLQKSHtVwXFJpK3Bl3tzIwviRiJKIagCLcBGAsYHQ/w640-h480/L8.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Respecto a Rei, ha secuestrado a Ramona, pero no de forma gratuita sino que tiene una motivación interna, una razón que profundiza en las raíces humanas y da mucha tridimensionalidad al personaje: venderle lejía. Con esta razón, de algún modo, Rei justifica sus acciones, secuestrar gente del pasado. No es gratuito, ella necesita vender lejía, debe ser como una comercial de Neutrex y le deben dar más comisión si se la vende a peña random del pasado. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ahora en serio, fuera coñas. ¿Desde el futuro teletransportan espacio-temporalmente a gente de su pasado para venderles lejía? O ni siquiera vendérsela sino directamente regalársela, porque Ramona en ningún momento paga por la lejía que le dan. ¿Acaso creen que en 2001 la gente no tiene lejía? Desde el futuro deberían saber que en 2001 la gente tenía lejía. Y con lo costoso que debe ser una teletransportación espacio-temporal ¿deben invertirlo en regalar lejía a amas de casa del pasado? ¿Con qué objeto? ¿Qué beneficio sacan? ¿No sería más provechoso usarlo para entregar a científicos del pasado la vacuna contra el VIH o la cura contra el cáncer de páncreas? Porque eso sí que no se tiene en 2001, vamos, ni en 2001 ni ahora, que estamos a las puertas de 2021. ¿Acaso en cien años se ha invertido más en nuevas fórmulas de enjabonamiento de tejidos ropales que en curas contra enfermedades y vacunas contra virus? ¿Y acaso esta tecnología de teletransportación espacio-temporal la pueden tener y usar alegremente las empresas jaboneras para traer a gente del pasado? ¿No existen leyes que regulen los viajes de teletransportación espacio-temporal para que las grandes compañías y las corporaciones multinacionales no los hagan caprichosamente? ¿Y dicha tecnología se puede hacer funcionar en el salón-comedor de un piso? </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-zDr1xgmdIjQ/X7Wkxt4v4zI/AAAAAAAAEdE/iJvAOhIUwrcu-wQgRKZwNGoZ8Wy0jr7pACLcBGAsYHQ/s1427/L12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1077" data-original-width="1427" height="484" src="https://1.bp.blogspot.com/-zDr1xgmdIjQ/X7Wkxt4v4zI/AAAAAAAAEdE/iJvAOhIUwrcu-wQgRKZwNGoZ8Wy0jr7pACLcBGAsYHQ/w640-h484/L12.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Del segundo acto pasamos al tercero, en el segundo veinte, el final, una vida nueva, donde vemos que la protagonista ha crecido como personaje a lo largo de la trama, ha evolucionado cual pokémon, ha crecido interiormente. Ramona ya no usa la lejía barata de amas de casa tacañas que le estropeaba las blusas, ha dejado de lado sus contradicciones psicológicas, y ahora usa Neutrex Futura, que le deja la ropa más blanca y protegida. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero eso genera nuevas preguntas ¿Qué hará Ramona cuando se le acabe la Lejía Neutrex Futura? En el futuro sólo le dieron un envase. ¿Volverá a provicionarse de marca blanca? ¿Hará el personaje una involución psicológica? Quizá la respuesta se encuentra en el último plano del anuncio, en el que se enseña un envase de Neutrex Futura Menta, la única con todo el frescor de la menta. Si te apetece seguir la recomendación de Donald Trump y beber lejía para desinfectarte del coronavirus, por lo menos que la lejía tenga buen sabor. ¿Éste final abierto insinúa que, cuando a Ramona se le acabe Neutrex Futura, la volverán a secuestrar del futuro para darle otra con sabor a menta? No se sabe. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El guión del anuncio es mejorable. Se entiende la historia, que es muy Christopher Nolan, aun así las incoherencias dejan muchas preguntas sin responder, y hay subtramas que no se cierran. ¿Qué ha pasado con al gato? ¿Ha quedado traumatizado? </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Visualmente, por el contrario, el anuncio es mejor. Sólo hay veinte planos, pero cada uno de ellos está muy cuidado, no sólo en la iluminación, también en el tratamiento del color, la escenografía... </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-VSK0m8Fel3I/X7Wk-4hxKCI/AAAAAAAAEdM/XsGKzwtMer4cE0FhOBUjbvQufKhmpPHjQCLcBGAsYHQ/s1433/L6.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1077" data-original-width="1433" height="482" src="https://1.bp.blogspot.com/-VSK0m8Fel3I/X7Wk-4hxKCI/AAAAAAAAEdM/XsGKzwtMer4cE0FhOBUjbvQufKhmpPHjQCLcBGAsYHQ/w640-h482/L6.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Fijémonos en el primer plano, en el cual Ramona saca la blusa de la lavadora. La cámara está situada en contrapicado, y parece como que está dentro de la lavadora. Es una manera visualmente muy creativa de empezar la historia. El tambor abierto de la lavadora, además, sirve de ornamento visual para generar un círculo alrededor de la protagonista que anticipa el momento en que esta sea envuelta por un haz de luz al ser teletransportada al futuro. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El tercer plano también es interesante. Es un general de la cocina, que es evidentemente un decorado construido en un plató. La luz de la cocina no está encendida, la única luz que hay es la luz exterior que entra por una ventana fuera de campo, y es una luz cálida que da directamente a la protagonista, anticipando nuevamente el momento de haz de luz. El resto de la cocina presenta un ambiente dominado por el blanco, pero un blanco apagado y sombreado, que puede llegar a parecer gris, lo cual no deja de ser una extrapolación cromática del problema que atraviesa Ramona, de cómo deja su ropa la lejía que compra. Incluso el gato es blanco grisaseo. ¿Lo habrá lavado también con lejía? </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Me gusta mucho la combinación del blanco puro y el azul Evangelion que se usa para retratar el futuro, y tiene sentido, puesto que son los colores de la etiqueta del producto que se vende, Lejía Neutrex Futura, y como dicha lejía deja la ropa más blanca es obvio que se use el blanco inmaculado en comparación con el blanco grisaseo de la cocina de Ramona. Se da a entender que Lejía Neutrex Futura es mucho mejor que la marca blanca de la que se proveía la protagonista. Y el azul Evangelion es un color que en el imaginario colectivo se asocia mucho al futurismo tecnológico. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-FVj4IT5scHc/X7WlKB-YtuI/AAAAAAAAEdU/3dvyi7IvEDE3mISSAr6QjMLtt2I6BKUpwCLcBGAsYHQ/s1435/L11.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1073" data-original-width="1435" height="478" src="https://1.bp.blogspot.com/-FVj4IT5scHc/X7WlKB-YtuI/AAAAAAAAEdU/3dvyi7IvEDE3mISSAr6QjMLtt2I6BKUpwCLcBGAsYHQ/w640-h478/L11.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Por otra parte, en el salón comedor del futuro la iluminación es distinta a la de la cocina de Ramona, es más fría y menos dura, y además se percibe que proviene de un emisor artificial. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Cuando a Ramona la regresan al 2001, observamos que la cocina es distinta. El escenario sigue pareciendo iluminado desde el exterior, para ya no parece una luz de atardecer sino de amanecer, una luz menos cálida y más suave, como en el futuro. Y cromáticamente también ha cambiado, el blanco es más intenso, y en vez de inclinarse hacia el gris se inclina más hacia el azul. Se muestra la idea que el futuro ha influido en el mundo cotidiano de la protagonista al aportarle una solución a su problema. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Lejía Neutrex Futura” es un anuncio que está bien, sin estar tampoco tan bien. Artísticamente es muy creativo, y técnicamente resulta decente. Los efectos visuales, por ejemplo, para ser de un anuncio de lejía de 2001, y teniendo en cuenta el contexto poco serio y menos verosímil en el que se muestran, no están nada mal. Sin embargo, apesta el tufillo a machismo que desprende el comercial. ¿Porqué el personaje que hace la colada es una mujer? ¿Porqué la colada no la hace un hombre? El anuncio viene a decir que el sitio de una mujer es la cocina, que ese ha de ser su mundo, y su vida hacer la faena de casa. Esta tesitura ideológica introducida disimuladamente le resta muchos puntos a la propuesta.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-eWA6zorw7HY/X7WlbQQWciI/AAAAAAAAEdg/BIGJjmxoK4stZtjfeMQRfnvgL3kFpqcNwCLcBGAsYHQ/s200/1ESTRELLAYMEDIA.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="49" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-eWA6zorw7HY/X7WlbQQWciI/AAAAAAAAEdg/BIGJjmxoK4stZtjfeMQRfnvgL3kFpqcNwCLcBGAsYHQ/s0/1ESTRELLAYMEDIA.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-60696977815643769492020-11-16T20:09:00.000-03:002020-11-16T20:09:02.564-03:00CRÍTICA LA BELLA Y LA BESTIA (1946), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ZfwAsEE1UNo/X7MFfozNy3I/AAAAAAAAEbk/MWIKUAkS7NAfk8flo-1mBZ8d72i-D2KkgCLcBGAsYHQ/s2000/beauty-and-the-beast-1946.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="2000" height="480" src="https://1.bp.blogspot.com/-ZfwAsEE1UNo/X7MFfozNy3I/AAAAAAAAEbk/MWIKUAkS7NAfk8flo-1mBZ8d72i-D2KkgCLcBGAsYHQ/w640-h480/beauty-and-the-beast-1946.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sinopsis: Érase una vez un mercader arruinado que vivía con su hijo Ludovic y sus tres hijas. Dos de ellas, Felicie y Adelaide, son seres egoístas que explotan a su hermana pequeña Bella. Un día, el padre se pierde en el bosque y llega hasta un castillo. Allí encuentra una preciosa rosa y decide cogerla para Bella, entonces aparece el señor del castillo, una bestia que le impondrá un duro castigo por su osadía. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Quien escribe no puede evitar comparar “La bella y la bestia” de Jean Cocteau con las otras dos versiones que ha visto, la francesa de 2014 dirigida por Christophe Gans, que resulta una propuesta artísticamente tan interesante y creativa como la versión de Cocteau, y esa mierda hollywoodiense del 2017 dirigida por Bill Condon, alguien que, pudiendo hacer cosas muy bien (porque sabe hacerlas), la gran mayoría de las veces las hace muy mal. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La versión de Cocteau tiene más mérito que la de Gans. La de Gans está bastante bien, pero porque es Gans, porque se expande más en la historia, y porque tiene mucho más dinero y medios para hacer mucho más espectacular el mundo que dibuja la historia: los decorados, el vestuario, etc. Decorados y vestuario de verdad, se entiende, no generado por ordenador como hicieron en la versión de Condon, que metieron tanto ordenador que podrían haber hecho la película directamente toda entera en animación digital, como hizo Robert Zemeckis con “Beowulf”. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La bestia de Cocteau es la mejor a nivel de caracterización, porque es todo maquillaje. No hay, evidentemente, CGI, es sólo maquillaje, pero un maquillaje muy bien currado, no es sólo una máscara inamovible, te crees de verdad que es una bestia, te lo comes, no parece falso. La bestia de Gans está hecha mitad maquillaje protésico y mitad CGI, y aunque no se vea tan real como la bestia de Cocteau, igualmente te lo comes, porque sigue pareciendo algo físico, algo palpable. La bestia de Condon, por el contrario, es horrible, se nota el CGI a kilómetros, se ve que es una animación digital, no es creíble. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-IkeQlV54TKo/X7MFwtZUD8I/AAAAAAAAEbs/AoCVDa-BsGoV-dR-GGIISWImUD8AbsrJQCLcBGAsYHQ/s1600/la_belle_et_la_bete-425176794-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="1600" height="384" src="https://1.bp.blogspot.com/-IkeQlV54TKo/X7MFwtZUD8I/AAAAAAAAEbs/AoCVDa-BsGoV-dR-GGIISWImUD8AbsrJQCLcBGAsYHQ/w640-h384/la_belle_et_la_bete-425176794-large.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otra razón por la que la versión de Cocteau es la más interesante y meritorio es por cómo el director consigue solventar las limitaciones técnicas y presupuestarias, que las hubo. No tiene CGI, y no parece tener tampoco mucho dinero. No hay muchos decorados, sólo la granja, el castillo con sus jardines, el bosque y poco más. Sin embargo Cocteau consigue solventar esos obstáculos y ofrecer una versión que entusiasma y emociona un millón de veces más del que lo hace la versión de Condon con 200 millones. Porque en la versión de Condon hay muchísimo más, pero todo lo muchísimo más que hay es digital y se nota, sin embargo en la versión de Cocteau hay poco, pero todo lo poco que hay es real, y por eso emociona mucho más. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“La bella y la bestia” de 1946 emociona más que las otras versiones también por la historia, o más bien por cómo está contada. La historia es la misma en las tres películas, sin embargo la versión de Cocteau es la más corta (poco más de hora y media), y no porque simplifique la historia sino porque se abstiene de mostrar subtramas secundarias que sí salen en las otras dos versiones. Eso permite a Cocteau contar la misma historia sin el costo de explayarse mucho, y la escribe de tal modo que los principales decorados de la película sean la granja de Bella y el castillo de la Bestia, lo cual ayuda a no incrementar costos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El decorados del bosque está muy bien hecho y muy bien utilizado. Son cinco metros de camino con diez árboles, pero al grabar con las cámaras en distintos planos y haciendo que el caballo haga el camino a la inversa, parece que el decorado es mucho más grande y que parece todo un bosque. Hay otro truco que ayuda a dar esa sensación, que es poner ramas en primer termino dentro del plano, entre la cámara y el actor, dando la sensación que hay más árboles, y al mover las ramas para dar paso al actor se da la sensación de que son los árboles los que se mueven y que el bosque está encantado, aunque esta claro que en realidad eran un par de técnicos uno a cada lado de la cámara moviendo las ramas con las manos, pero es un buen método, un truco muy sencillo que tiene una gran efectividad. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-p6crj6GwwxU/X7MGDSH_VbI/AAAAAAAAEb0/v8NYTTc_wv4w6HhAY5gW8DP1tIz0FXehwCLcBGAsYHQ/s1280/maxresdefault.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-p6crj6GwwxU/X7MGDSH_VbI/AAAAAAAAEb0/v8NYTTc_wv4w6HhAY5gW8DP1tIz0FXehwCLcBGAsYHQ/w640-h360/maxresdefault.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">No son los únicos efectos visuales conseguidos con un aprovechamiento creativo de la escasez de medios. Como el equipo de fotografía no se podía permitir el uso continuado de un mismo tipo de película fílmica (no había mucho donde coger y elegir, la película se rodó apenas terminada la guerra en Europa), decidieron los distintos tipos de celuloide de los que disponían para cada una de las localizaciones de la película, lo que ayudaba a conseguir una atmósfera onírica a la historia. O las velas que se encienden solas cuando el mercader pasa frente a ellas, efecto que fue conseguido soplando y, más tarde, proyectando la película a la inversa mientras el actor caminaba hacia atrás. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esta imaginativa resolución de convertir los problemáticos avatares de una producción en una oportunidad creativa de mejorar la película es necesaria no sólo porque un director ha de tener imaginación sino porqué, en éste caso, se está adaptando un cuento (escrito en 1757), el típico cuento de hadas, de fantasía. Se necesita imaginación para adaptar acertadamente una obra tan imaginativa, y Cocteau tenía esa imaginación, y no sólo en el aspecto técnico sino también en el artístico, en la decoración, en el vestuario, en el maquillaje... la luz, también. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El decorado del castillo, por ejemplo, son dos cuartos y un pasillo, además del jardín, porque no había dinero para más. Pero Cocteau compensa esa sencillez con una planificación lumínica que da la sensación que el castillo es muy grande a pesar de la simplificación del decorado, trabajando sobretodo las sombras y la proyección de estas. Hay elementos decorativos que ayudan a dar la sensación no sólo de enormidad y grandilocuencia sino también de encantamiento, como los rostros esculpidos en piedra que se mueven, o los candelabros con forma de brazo que también se mueven (Joel Schumaher se basó mucho en esta película para algunos diseños de su “Fantasma de la ópera”, que no deja de ser, al igual que “King Kong”, otra versión de la bella y la bestia). </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-WUFf5kOUQMI/X7MGWb2SpbI/AAAAAAAAEb8/q6ebdwqGD7Air1mTO6bs84p_d1nfvwWrwCLcBGAsYHQ/s1200/La%2BBelle%2Bet%2Bla%2BB%25C3%25AAte%2B-%2BPadre%2Ben%2Bmesa%2Bcon%2Bcandelabro%2Bde%2Bmanos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="861" data-original-width="1200" height="460" src="https://1.bp.blogspot.com/-WUFf5kOUQMI/X7MGWb2SpbI/AAAAAAAAEb8/q6ebdwqGD7Air1mTO6bs84p_d1nfvwWrwCLcBGAsYHQ/w640-h460/La%2BBelle%2Bet%2Bla%2BB%25C3%25AAte%2B-%2BPadre%2Ben%2Bmesa%2Bcon%2Bcandelabro%2Bde%2Bmanos.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esta no fue una película sencilla de hacer. A pesar de su corta duración, el rodaje duró cinco meses, retraso causado, entre otras cosas, por las constantes interrupciones en las tomas de los vuelos de ensayo provenientes de un campo de entrenamiento aéreo próximo al set de rodaje, y la abrupta enfermedad del director cuya gravedad le llevó a ser ingresado en un hospital de París. El actor que interpretaba a la bestia (que también hacía un doble papel interpretando al pretendiente de Bella) no lo pasó mejor que el director, debido a las cinco horas de sesiones diarias de un maquillaje que le provocaba graves problemas cutáneos y alérgicos que le impedían, en ciertos momentos de la grabación, comer alimentos sólidos o montar a caballo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“La bella y la bestia” de Jean Cocteau es una obra de visionado ineludible por su magnífica e impresionante imaginería y creatividad técnica, artística y visual, y por su historia bellamente narrada, y porque es la mejor versión en imagen real que se ha hecho del homónimo cuento.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-zj7B1_7sqIE/X7MGfLSzhKI/AAAAAAAAEcA/qMxytXLtWw8iKIVm88FYctIbaY9f0g_ogCLcBGAsYHQ/s200/4ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-zj7B1_7sqIE/X7MGfLSzhKI/AAAAAAAAEcA/qMxytXLtWw8iKIVm88FYctIbaY9f0g_ogCLcBGAsYHQ/s0/4ESTRELLAS.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-31197773781288991542020-11-15T19:27:00.002-03:002020-11-15T19:27:25.344-03:00CRÍTICA LA COSA (1982), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-shO9m8WwjbU/X7GqKO3cY4I/AAAAAAAAEaw/WOsR9EWen8Qi_LjMdw9anCTIR-afGEHygCLcBGAsYHQ/s1920/the_thing-998631621-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="822" data-original-width="1920" height="274" src="https://1.bp.blogspot.com/-shO9m8WwjbU/X7GqKO3cY4I/AAAAAAAAEaw/WOsR9EWen8Qi_LjMdw9anCTIR-afGEHygCLcBGAsYHQ/w640-h274/the_thing-998631621-large.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sinopsis: En una estación experimental de la Antártida, un equipo de investigadores descubre un ente extraño venido del espacio, que según todos los indicios ha permanecido enterrado en la nieve por cien mil años. Al descongelarse, experimenta una metamorfosis sorprendente... </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“La cosa” es, junto con “Halloween”, la mejor película de John Carpenter, un director muy interesante. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ha pesar de sus virtudes, que las tiene, “La cosa” no escapa de unos defectos que era fáacilmente corregibles. Por ejemplo, apenas se sabe nada de los personajes. Es cierto que todos están para morir, pero aun así deberían tener más historia. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sabemos que el personaje de Kurt Russell es piloto, otro es médico y otro es cocinero, pero los demás no sabemos qué hacen, a qué se dedican exactamente, cuál es su especialidad, y porqué decidieron hacer lo que hacen. No es una información estrictamente necesaria, pero tampoco es una información que hubiese sobrado. En “Alien, el octavo pasajero”, por ejemplo, una película en la que hay bastantes paralelismos con “La cosa”, en la nave Nostromo, donde se desarrolla el film, hay siete tripulantes, y sabemos más de ellos que de los personajes de “La cosa”. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Las actuaciones tampoco son nada del otro mundo. No son malas, pero tampoco destacan, si acaso la de Kurt Russell, que es un actor con carisma, pero los demás se lo podrían haber currado más. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">A pesar de eso, “La cosa” no deja de ser una excelente propuesta de ciencia-ficción y terror, y de hecho de las mejores películas que combinan esos dos género. Está casi a la altura de la mencionada “Alien, el octavo pasajero”. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-BZj4nfXmMtM/X7GqX5ATfOI/AAAAAAAAEa0/zXP2w_yAhCM9Yqdhr50kaXO0G2ttDWg0wCLcBGAsYHQ/s1920/the_thing-715002310-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="822" data-original-width="1920" height="274" src="https://1.bp.blogspot.com/-BZj4nfXmMtM/X7GqX5ATfOI/AAAAAAAAEa0/zXP2w_yAhCM9Yqdhr50kaXO0G2ttDWg0wCLcBGAsYHQ/w640-h274/the_thing-715002310-large.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Uno de los aspectos más destacables y conseguidos del film son los efectos especiales. Los efectos especiales de “La cosa” son... increíbles, impresionantes, incluso para hoy en día, parecen más convincentes que los efectos de “Jupiter Ascending”, “Jurassic World” o “Terminator Genisys”. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El uso abusivo, innecesario y apabullante de efectos digitales de hoy en día provoca aburrimiento y saturación. En cambio, los efectos especiales artesanales, bien hechos, resultan de mayor convicción y más creíbles, a quien escribe le gustan más. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">No es un rechazo dogmático a los efectos digitales, gustan siempre y cuando se usen bien y de forma sutil. Por ejemplo, en películas como “El reino de los cielos” o “La maldición de la flor dorada”, los efectos están bien integrados, no se nota su presencia, son sutiles, no descarados como los efectos de “Van Hellsing”, “47 Ronin” o las películas de “El Hobbit”. Es cierto que a veces un uso excesivo de efectos digitales es inevitables ante la imposibilidad de hacerlo realmente, como “Godzilla” o “Guardianes de la galaxia”, y en esos casos no importa si se usan de forma coherente en la película. Pero los efectos que se puedan hacer artesanalmente, de verdad, sino es para mejorarlo, no se tendría que sustituir por efectos digitales. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Una de las cosas que más llaman la atención de “La cosa” es cómo Carpenter aprovecha el color más identificado a la Antártida, el blanco. La Antártida es un sitio hostil y peligroso, con muchos vientos, muy grande, y dónde la temperatura media es de veinte grados bajo cero como máximo, y si hace buen tiempo. Carpenter asocia el blanco a la hostilidad y el peligro, y la máxima hostilidad y el máximo peligro que se presencia en la película es la cosa, que primero se hace pasar por el perro, que tiene la mitad del pelaje blanco. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-gKrKgBphnXI/X7GqmV-eNnI/AAAAAAAAEa8/tApMUL-DUHYcZQoLz8IkvHroTe9hCQnBACLcBGAsYHQ/s1920/the_thing-591588800-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="822" data-original-width="1920" height="274" src="https://1.bp.blogspot.com/-gKrKgBphnXI/X7GqmV-eNnI/AAAAAAAAEa8/tApMUL-DUHYcZQoLz8IkvHroTe9hCQnBACLcBGAsYHQ/w640-h274/the_thing-591588800-large.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero también es muy interesante el uso de tonalidades verdes y marrones que Carpenter asocia a la seguridad y protección de la estación científica. Los colores que más se ven en la estación son el verde y el marrón, ya sea en las paredes, en la ropa, en objetos o en vehículos, como el helicóptero. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los colores muestran el combate de supervivencia que hay entre los personajes y la cosa. Hay un plano que lo describe muy bien, cuando la bestia, que finge ser el perro, sale de una habitación, camina por el pasillo, mira por otra habitación, y luego entra en otra habitación dónde está uno de los personajes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ese pasillo no deja de ser una representación de lo que es la estación científica, un refugio para los personajes. Las puertas son verdes, los cubos son verdes, las cajas de cartón son marrones, el suelo también tiene una mezcla entre verde y marrón. Pero la cosa con forma de perro tiene mucho pelaje blanco, y la cámara va siguiendo su camino frontalmente. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Con ese plano Carpenter muestra el peligro invadiendo la seguridad de los personajes, aquello que los protege y los mantiene a salvo. De hecho, cuando Russell y el Dr. Cooper llegan a la base noruega, las ruinas están cubiertas por la nieve blanca. La hostilidad y el peligro han terminado por vencer y acabar con los científicos noruegos. Y cuando regresan a la estación científica con el cadáver que encontraron en la base noruega, y lo ponen encima de la mesa de autopsias, se ven muchos detalles blancos, porque el peligro ha terminado por invadir definitivamente la protección de los personajes. En la sala de autopsias los muebles son blancos, las paredes son blancas, los medicamentos, etc. Y además entra la luz del exterior por la ventana, una luz quemada, blanca, y que ilumina directamente a Russell, que intuye el peligro que puede haber al traer el cadáver. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-OQuvsajpyc8/X7GqyLoTVeI/AAAAAAAAEbE/GYiHj1s-K3Qvu-a3zE6aQ-9myFu9swVxQCLcBGAsYHQ/s1920/the_thing-808745273-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="822" data-original-width="1920" height="274" src="https://1.bp.blogspot.com/-OQuvsajpyc8/X7GqyLoTVeI/AAAAAAAAEbE/GYiHj1s-K3Qvu-a3zE6aQ-9myFu9swVxQCLcBGAsYHQ/w640-h274/the_thing-808745273-large.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Carpenter sigue insistiendo en eso cuando después están jugando en la sala de descanso. Hay un elemento de color blanco que destaca bastante, la lámpara que hay delante de la mesa de póquer, que emite una luz blanca. Es el sitio de dónde sale el perro. Y aquí Carpenter hace una anticipación, porque sentado en la mesa de póquer, delante de la lámpara, está el pelirojo calvo, al que el perro muerde, y ese mismo personaje es el primero al que la cosa ataca e intenta imitar. Y en otro plano, cuando el perro sale de la habitación, éste gira por la izquierda del encuadre, y justo en la izquierda del encuadre se puede observar la lámpara. Carpenter hace intuir que el perro es el peligro que acechó y acabó con la base noruega. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Y justo en la siguiente escena, cuando uno de los personajes lleva la cosa disfrazada del perro a la jaula de los perros, se puede apreciar que las cajas marrones, las botellas verdes, los cubos verdes, el suelo marrón, etc, están cubiertos por la nieve blanca. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Y además, en una escena posterior, Russell, con chaqueta verde, viniendo de un pasillo lleno de cajas marrones, después de sentir los perros, aprieta la alarma, que es roja pero también blanca. Carpenter insiste en esa idea de asociar el blanco con la hostilidad y el peligro, la invasión. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Carpenter, a lo largo de toda la película, juega con el verde y el marón en contraste con el blanco para destacar la combatividad entre los personajes y el entorno hostil y peligroso que, representado en la cosa, intenta acabar con ellos. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-rvxgXc6Gzp8/X7GrEnlaUdI/AAAAAAAAEbQ/WmsfUQsffbUjYzw61hrsu-FqzFP4BH2UgCLcBGAsYHQ/s1920/the_thing-132755448-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="822" data-original-width="1920" height="274" src="https://1.bp.blogspot.com/-rvxgXc6Gzp8/X7GrEnlaUdI/AAAAAAAAEbQ/WmsfUQsffbUjYzw61hrsu-FqzFP4BH2UgCLcBGAsYHQ/w640-h274/the_thing-132755448-large.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">A parte del uso creativo del color, también cabe destacar el uso creativo del sonido, sobretodo respecto a lo que refiere a la cosa. En la película Carpenter no sólo crea inquietud a través de la iluminación y los efectos especiales, sino también con el sonido, como el que emite la cosa al rugir. Es un sonido estremecedor porque parece un ruido innatural en éste planeta, parece un rugido proveniente de otro mundo, parece un sonido que se escucha o se produce por primera vez en la Tierra. Eso genera una gran intranquilidad en el espectador, da mucho mal rollo. Es el sonido lo que consigue de forma definitiva que la cosa acojone. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“La cosa” termina siendo una propuesta de visionado ineludible para fans no sólo de John Carpenter (ojalá hubiese dirigido él las películas de “Resident Evil”), Kurt Russell o “Expediente X”, sino también para aficionados al terror y la ciencia-ficción, y para los científicos que realicen investigaciones en la Antártida.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-g8z5QaiyKbo/X7GrOFuYddI/AAAAAAAAEbU/zrlUGnim4mM9JNRPEQPHJbqNU7fkEUUSgCLcBGAsYHQ/s200/4ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-g8z5QaiyKbo/X7GrOFuYddI/AAAAAAAAEbU/zrlUGnim4mM9JNRPEQPHJbqNU7fkEUUSgCLcBGAsYHQ/s0/4ESTRELLAS.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-90695741343791236542020-11-01T19:41:00.001-03:002020-11-01T19:41:27.376-03:00CRÍTICA LA CATEDRAL DEL MAR (2018), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-dnBEZWO4fak/X584lntGdfI/AAAAAAAAEaE/3-5zJbIi4MM6pFuJhsHEg6Nnf8UbWqozgCLcBGAsYHQ/s1000/58%2B3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="567" data-original-width="1000" height="362" src="https://1.bp.blogspot.com/-dnBEZWO4fak/X584lntGdfI/AAAAAAAAEaE/3-5zJbIi4MM6pFuJhsHEg6Nnf8UbWqozgCLcBGAsYHQ/w640-h362/58%2B3.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“La catedral del mar” es una miniserie de televisión española basada en la malísima novela del barcelonés Ildefonso Falcones. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El autor del libro (publicado en 2006), abogado de profesión y aficionado a la historia pero no a pagar a hacienda (típico, por otra parte, de los patriotas de boquilla peperos como él o Dolors Montserrat), dedicó cuatro años a escribirlo, de lo cual se puede dar fe al leer la novela, pues está muy bien documentada. Sin embargo, éste es el único aspecto positivo de éste best-seller, del que se han vendido más de seis millones de ejemplares en 32 países, no sé cómo ni porqué, pero se han vendido. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como no hay paz para los malvados, desde entonces Falcones ha publicado otras cuatro novelas, que no leeré ni que me apunten con una escopeta, entre ellas una continuación de su primera obra. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Tal fue el (inmerecido e inexplicable) éxito de la novela que, diez años después, se dio luz verde a su adaptación televisiva, con participación de Netflix y un presupuesto de 12 de millones de euros que posibilitaron un rodaje de seis meses con 2.500 figurantes. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La serie, de sólo ocho capítulos, está bien en el aspecto de recreación artística. Los escenarios, los decorados, el atrezo, el vestuario, el maquillaje... y los actores tampoco lo hacen mal, pero hasta aquí llegan sus aspectos positivos, todo lo demás resulta insuficiente o deficiente, y la principal causa de ello es que la serie adapta muy fielmente una obra literaria mediocre. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-kPXrxKBfIQ0/X584ywdmcgI/AAAAAAAAEaI/p1gr3x3A65QkW5I0qZrPRBNoMYw5BGxWwCLcBGAsYHQ/s1200/catedral-del-mar-1477326632732.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="725" data-original-width="1200" height="386" src="https://1.bp.blogspot.com/-kPXrxKBfIQ0/X584ywdmcgI/AAAAAAAAEaI/p1gr3x3A65QkW5I0qZrPRBNoMYw5BGxWwCLcBGAsYHQ/w640-h386/catedral-del-mar-1477326632732.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Poniendo un buen ejemplo, la novela “Forrest Gumb”, escrita por el recientemente fallecido Winston Groom, es una porquería literaria, es mala de cojones. Sin embargo, la adaptación cinematográfica que dirigió Robert Zemeckis es muy buena. ¿Cómo es posible? Pues porque la película no es fiel a la novela, de ella sólo adapta lo poco que era bueno, y todo lo demás que era malo lo cambia radicalmente. Con “La catedral del mar” ocurre lo contrario. La novela sólo tiene de bueno la recreación histórica, todo lo demás es malo: construcción de personajes, desarrollo de las tramas, diálogo... Al adaptar tan fielmente la novela, la serie hace suya todo lo malo que tiene el libro, que es casi todo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo que hizo Falcones en su primera novela es un vulgar plagio de “Los pilares de la Tierra”, novela (esta sí, muy buena) que también tuvo una adaptación televisiva a modo de serie de ocho capítulos infinitamente mejor que esta serie de “La catedral del mar” (y con cuatro veces mayor presupuesto). Falcones sabe escribir (no es analfabeto), sabe documentarse (no es perezoso), pero no sabe narrar, no sabe desarrollar historias, no sabe entrelazar tramas, no sabe construir personaje... Y ninguno de los cuatro guionistas de la serie, incluyendo el propio Falcones, ha sabido o no ha querido (o ambas cosas) corregir y/o mejorar eso. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Falcones no es Ken Follett ni es Noah Gordon, que sí son buenos novelistas históricos. El hábitat natural de la obra del escritor barcelonés son las estanterías móviles con novelas históricas de bolsillo (el 90% de ellas ambientadas en la Antigua Roma o en la Edad Media) en los quioscos y librerías aeropuerto. Si se adapta fielmente una obra de dicha calidad, la adaptación no será mucho mejor, por mucho que los actores lo hagan bien y la recreación histórica esté currada, porque seguirá fallando lo principal: el guión. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La serie comparte con la novela el planteamiento de una historia y el desarrollo de unas tramas inverosímiles, donde hay un montón de casualidades y momentos muy forzados que no tienen mayor objeto que ser un recurso para que la narración vaya a la dirección que Falcones le interesa. Como consecuencia de eso, los personajes no son creíbles ni tienen una evolución coherente, todos están dibujados de forma maniqueista y la mitad de ellos parecen tener un trastorno bipolar. Ves la serie y la pena no la sientes por los personajes sino por los actores, que se nota el esfuerzo que hacen para interpretar lo mejor que pueden unos personajes que no se pueden creer. De hecho, al preproducirse la serie a toda prisa, no hubo tiempo para que los actores ensayaran, y se nota. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-uZ1q2EnU4Qs/X585SGtJn7I/AAAAAAAAEaY/tQJp2_stsJsIBG9HqVNNBN3hRxsvzN08QCLcBGAsYHQ/s1187/tele-catedral-del-mar-1482842846312.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="791" data-original-width="1187" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-uZ1q2EnU4Qs/X585SGtJn7I/AAAAAAAAEaY/tQJp2_stsJsIBG9HqVNNBN3hRxsvzN08QCLcBGAsYHQ/w640-h426/tele-catedral-del-mar-1482842846312.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La dirección de la serie no es mucho mejor. El director, el también barcelonés Jordi Frades, dirige la serie como si esta fuera otra telenovela de TV3 de las que dirigió veinte años antes. Tú ves “La catedral del mar” y se nota que está dirigida por alguien que pasó por el plató de “El cor de la ciutat” y dijera: ponme la cámara acá, vosotros decís vuestros diálogos y haced lo que sea con las manos, y primera toma a positivar que a las cinco me he de ir a recoger al nene del colegio. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo efectos visuales tampoco son una maravilla. El croma canta de manera vergonzosa. Hay otra serie española, “La peste”, cuya primera temporada costó 2 millones de euros menos que “La catedral del mar”, y tiene unos efectos visuales mucho más mejores, y encima tiene una mejor recreación, unas mejores actuaciones, y una dirección infinitamente mejor. Así que los problemas de “La catedral del mar” no vienen del generoso presupuesto, sino de la mediocridad del guión, de lo insípido de la dirección, y de los efectos visuales realizados sin ganas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los actores lo hacen lo mejor que saben o pueden, y benditos sean por ese esfuerzo. La mejor actuación, sin duda, la de Josep Maria Pou (no José María Pou, como se empeñan en traducir en España, como si a Andrew Garfield lo llamaran Andrés y Anthony Hopkins lo llamaran Antonio, sólo falta que además lo llamen José María Pozo). Otro gran actorazo, Ginés García Millán, consigue también levantar la serie en los ratos en los que aparece. El resto de intérpretes, pese a su sincera labor, no consiguen compensar la pésima construcción y el nefasto desarrollo de los personajes que interpretan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En conclusión. “La catedral del mar” es una porquería, tanto la novela como la serie, cualquiera de las dos es peor que la otra. Comparar esta novela/serie con la novela/serie “Los pilares de la Tierra” es como comparar “Mentiras y gordas” con “Ciudadano Kane”.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-XRky0n8acCo/X585aA6mlpI/AAAAAAAAEag/M0K3w4txalIdpkYIcqPzR1v209O5LsoygCLcBGAsYHQ/s200/MEDIAESTRELLA.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="47" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-XRky0n8acCo/X585aA6mlpI/AAAAAAAAEag/M0K3w4txalIdpkYIcqPzR1v209O5LsoygCLcBGAsYHQ/s0/MEDIAESTRELLA.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-57764544786370714812020-10-10T19:06:00.003-03:002020-10-10T19:28:32.366-03:00CRÍTICA MONSTER (2004), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-1Kd37CfGK40/X4ItU0WysQI/AAAAAAAAEX4/aBQIHgfyjlIWxA2bPly549oa134_UG2pgCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-1Kd37CfGK40/X4ItU0WysQI/AAAAAAAAEX4/aBQIHgfyjlIWxA2bPly549oa134_UG2pgCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B13.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sinopsis: El Dr. Kenzo Tenma es un prometedor neurocirujano japonés que ejerce en el Eisler Memorial de Dusseldorf a mediados de los 80. Lo tiene todo en la vida; un trabajo que le apasiona y en el que demuestra una habilidad increíble, y una novia rica y guapa. Sin embargo, un día decide ignorar una orden del director del hospital (y padre de su novia), y salva un niño desconocido que recibió un disparo en la cabeza en lugar de la vida del alcalde de la ciudad. Como consecuencia de esto, pierde la oportunidad de ascender y su novia le deja. Poco después, tras la misteriosa desaparición del niño, los médicos que se beneficiaron y se aprovecharon de Tenma aparecen muertos y él se convierte en el principal sospechoso. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Nueve años después, Tenma, que sigue como neurocirujano en el Eisler Memorial, opera un delincuente que días después escapa del hospital. Al perseguirle hasta un edificio en obras, Tenma ve a un joven rubio que ejecuta al delincuente delante de él de un tiro en la cabeza. Tenma reconoce a ese joven rubio como Johan, el niño al que salvó nueve años antes, y que es el responsable de una serie de asesinatos de matrimonios de mediana edad por toda Alemania. Nuevas muertes ocurren alrededor de Tenma causadas directa o indirectamente por Johan, pero la policía sospecha de Tenma igual que hace nueve años. Tenma viajará por toda Alemania, e incluso a la República Checa, para atrapar al “monstruo”, y matarlo, para que no siga causando más muerte a su alrededor. Investigando, Tenma descubrirá hechos terroríficos ocurridos en la antigua RDA que provocaron la existencia del “monstruo”, cuyo nombre es Johan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Monster” es una serie japonesa de anime realizada por Masayuki Kojima que, a lo largo de 74 capítulos, adapta el manga del mismo título, escrito e ilustrado por Naoki Urasawa. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-mSKAng4Z93Y/X4Itgk19zWI/AAAAAAAAEX8/JxBd90zKvVA-emUrNngdXvSbY7uLEnhAwCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-mSKAng4Z93Y/X4Itgk19zWI/AAAAAAAAEX8/JxBd90zKvVA-emUrNngdXvSbY7uLEnhAwCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B1.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Monster” es seguramente una de las mejores series de televisión de la historia, y no sólo en cuanto a la animación japonesa se refiere sino también a nivel general. Es una obra maestra no sólo del anime sino también de la intriga y el thriller psicológico, tratando aspecto profundos de la psicología y la filosofía. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un buen ejemplo es el gran y principal villano de la serie (porque no es el único), Johan Liebheart, el personaje considerado como el “monstruo”. Es un psicópata homicida responsable de muchísimos asesinatos sin resolver. Es un joven rubio muy inteligente, capaz de corromper el alma de una persona sólo con su retórica y convencerla para que mate por él, y su oscuro pasado se desvela a medida que avanza la serie, alumbrando oscuros secretos inesperados y terroríficos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El problema mental de Johan es un grave trastorno de despersonalización causado por un retorcido experimento psicológico cuando era muy niño. Se vio privado de identidad, y eso le causó una gran soledad que le atormenta, y busca causar ese tormento de soledad en los demás para que le entiendan al sentir lo que siente él. Johan no encuentra sentido a su vida, ni en la existencia de la humanidad, pues no encuentra nada realmente positivo en ella. La soledad le lleva a un instinto suicida que trata de inculcar a otros, pues para él una existencia sin sentido es el infierno. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esa concepción nihilista de la vida humana es parcialmente compartida por Wolfgang Grimmer, quien, sin embargo, difiere con Johan en las conclusiones. Wolfgang es un periodista freelance y ex-espía de la RDA. Residió de pequeño en el orfanato Kinderhaim 511, dónde también estuvo Johan, y cuya estancia le dejó marcado con unas profundas secuelas de despersonalización. A pesar de compartir con el antagonista los mismos traumas de la infancia, Wolgang está convencido que no es la identidad lo que da sentido a nuestra vida sino nosotros mismos con lo que decidamos hacer con ella. A lo largo de la serie tanto Johan como Wolfgang tratan con niños huérfanos, que no saben quiénes son sus padres, no saben de dónde vienen. Pero mientras Johan les expone que fueron abandonados porque no les querían y por tanto su vida carece de sentido, Wolfgang les enseña que su vida es muy valiosa. Johan trata de que los niños se sientan solos, mientra Wolfgang quiere que se sientan queridos; por eso busca pruebas de los maltratos a niños, para denunciar aquellas atrocidades cometidas por el régimen de la RDA, para que no se vuelvan a repetir, para que no vuelva a ver un Kinderhaim 511 que traumatice a los niños con la soledad. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-XEXleBY4Ek0/X4Itt_IkUpI/AAAAAAAAEYE/8eJuPNJNGTY03YaDuiMgVGjNk74KqpiJwCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B7.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-XEXleBY4Ek0/X4Itt_IkUpI/AAAAAAAAEYE/8eJuPNJNGTY03YaDuiMgVGjNk74KqpiJwCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B7.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un buen ejemplo de esta situación es el personaje de Dieter, un niño bajo el cuidado de un señor llamado Hartmann (quien había trabajado en el Kinderhaim 511) que conoce a Tenma cuando éste empieza a investigar para encontrar a Johan. Cuando Tenma conoce a Dieter se da cuenta de que su cuidador, Hartmann, abusa física y psicológicamente del muchacho. Hartmann intenta convertir a Dieter en un segundo Johan, pero Tenma logra salvar al muchacho y apartarlo de Hartmann. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Dieter termina por acompañar a Tenma en su viaje, por haberle salvado y para no sentirse solo. Tenma acepta pero con reticencia, porque es consciente que busca hacer con Johan lo contrario de lo que ha hecho con Dieter. Tenma ha dedicado gran parte de su vida a salvar vidas humanas, pero ahora se ve dispuesto a acabar con una vida, la de un monstruo, para salvar muchas más. Tenma se siente responsable de los asesinatos que ha cometido Johan, porque si él no le hubiese salvado nueve años antes todos esos asesinatos no habrían ocurrido. Sin embargo, acabar con la vida del niño al que salvó le supone una confrontación moral que tendrá que resolver, para bien o para mal, a la hora de enfrentarse a Johan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sin embargo, el protagonista se encontrará con muchos obstáculos para llegar a Johan, y el más implacable es el inspector Heinrich Lunge, un frío y calculador inspector de la BKA (el FBI alemán). Pragmático y testarudo, ha resulto todos los casos de su carrera criminológica salvo uno, convirtiéndose en la única motivación de su vida: el caso sin resolver que envuelve al Dr. Tenma. Al principio cree que Johan es una invención de Tenma para no responsabilizarse de sus crímenes, pero poco a poco desarrolla la teoría que Tenma padece un trastorno de personalidad múltiple y Johan es la personalidad que comete sus asesinatos, mientras que el Dr. Tenma no se percata que se está persiguiendo a sí mismo. No obstante, cuanto más se involucra, cada vez menos puede obviar la relación existente entre el caso y los oscuros crímenes cometidos por el régimen de la RDA, por lo que poco a poco empieza a creer en la existencia del “monstruo”. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-mXn-PMG67Wo/X4IuLzxLTgI/AAAAAAAAEYQ/dQlh2PD2Rk0LFWSYgFtmc8wmL69Bo3SRgCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B21.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-mXn-PMG67Wo/X4IuLzxLTgI/AAAAAAAAEYQ/dQlh2PD2Rk0LFWSYgFtmc8wmL69Bo3SRgCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B21.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otro obstáculo de Tenma, no menos implacable y más peligroso, es Roberto, un asesino profesional, robusto e inteligente, que tiene una gran fascinación por Johan desde que lo conoció, cuando le hizo recordar el único recuerdo alegre que posee sobre su infancia en el Kinderhaim 511. Por ello, se convierte en el principal subordinado que tiene el “monstruo”, siendo el principal obstáculo de cualquier persona que trate de entorpecer los planes de Johan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero Tenma no estará sólo en su objetivo de detener a Johan, otros personajes se convierten en sus aliados, ayudándole directamente o yendo por su cuenta a por Johan. Y no sólo Wolfgang, también Anna Liebheart, brillante estudiante de Derecho y hermana gemela de Johan. Anna perdió la memoria de pequeña tras quedar traumatizada por el asesinato de sus padres adoptivos, tras lo cual fue adoptada por los Fortner, un matrimonio de mediana edad que le dio el nombre de Nina. Sin recuerdos de su niñez ni de su hermano, Anna crece creyendo que sus padres adoptivos son sus padres de verdad y ella es hija única. Después de su primer encuentro con el Dr. Tenma, Anna descubre los cadáveres de sus padres adoptivos, asesinados por orden de Johan. Anna decide ir en busca de su hermano gemelo para matarlo ella misma. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otro aliado es Rudi Gillen, un prestigioso psiquiatra que estudió con Tenma en la universidad. Especializado en criminología y psicología criminal, estudia a un sádico sexual que le confiesa haber cometido uno de sus crímenes porque se lo había pedido un “monstruo” sin nombre. Gillen se sorprende cuando Tenma, prófugo de la justicia, le pide ayuda para estudiar la posibilidad de que Johan padezca un trastorno de personalidad múltiple, pero Gillen no le cree y avisa a la policía para tenderle una emboscada. Sin embargo, antes de entregar a Tenma, Gillen investiga el crimen que el sádico sexual al que estudia dice haber cometido por petición de un “monstruo” sin nombre, y averigua que el nombre de ese “monstruo” es Johan, el criminal del que le ha hablado Tenma. Convencido de la inocencia de su antiguo compañero de universidad y de la existencia del “monstruo” Johan, Gillen ayudará a Tenma a escapar del asedio de la policía. Desde entonces Gillen se involucra en el caso del “monstruo”, ayudando tanto a Nina Fortner como al Dr. Reichwein. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-bLXSwerIwIY/X4IuaKtqMMI/AAAAAAAAEYU/elk4NhovcE0FiPgVVKgVl3hSrXBVnkhjgCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B26.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-bLXSwerIwIY/X4IuaKtqMMI/AAAAAAAAEYU/elk4NhovcE0FiPgVVKgVl3hSrXBVnkhjgCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B26.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Julius Reichwein es un psiquiatra especializado en el tratamiento contra el alcoholismo y en tratar a policías. Se verá involucrado en la búsqueda de Johan cuando un paciente y amigo suyo, Richard Braun, ex-policía y detective privado, llega a investigar a Johan, por lo que acabará siendo asesinado por éste. Se ve envuelto en el caso de tal manera que ayuda a Tenma, Nina y Dieter, y se hace responsable de querer hacerle pagar a Johan la muerte de su amigo Richard. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hablando de alcoholismo, otro personaje importante es Eva Heinemann, la hija del director del Hospital Memorial Eisler de Dusseldorf que al inicio de la serie estaba comprometida con Tenma. Ella lo deja cuando cae en desgracia después de salvar a Johan, pero tras el asesinato de su padre y el ascenso de Tenma decide volver con él, cosa que no ocurre porque Tenma la rechaza, dolido por la ruptura anterior. Nueve años después Eva es una mujer amargada por sus matrimonios fracasados y ahoga sus penas depresivas en el alcohol, por lo que decide vengarse de Tenma, pues lo culpa del asesinato de su padre y de la vida que ella ha arrastrado desde entonces. Tratando de encontrar a Tenma para meterlo en la cárcel, Eva se adentra poco a poco en el caso del “monstruo”. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sin embargo, el personaje en el que recae toda la responsabilidad de los sucesos ocurridos en la serie es Franz Bonaparta, el psiquiatra autor de los siniestros cuentos que son la base del proceso de lavado de cerebro que se pone en marcha en diferentes centros educativos del bloque comunista, siendo el principal de estos centros educativos el orfanato Kinderhaim 511, que tenía el objetivo de continuar con los niños los escalofriantes experimentos de disociación de la personalidad iniciados en el Tercer Reich. En sus obras utiliza varios pseudónimos, para ocultar su verdadera identidad, siendo Klaus Poppe su verdadero nombre. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-9btnDkkE69E/X4IuxJT9C5I/AAAAAAAAEYk/2uKyXSbCesIRp5j00vQuqVFNfo8JQ-4fgCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B36.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-9btnDkkE69E/X4IuxJT9C5I/AAAAAAAAEYk/2uKyXSbCesIRp5j00vQuqVFNfo8JQ-4fgCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B36.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los cuentos de éste autor son aparentemente infantiles, pero plantean subliminalmente tesituras perturbadoras y retorcidas que influyen subconscientemente en los lectores, pues están escritos expresamente con esta finalidad. Son estos relatos la base de la filosofía de Johan, con los que aprende que no hay igualdad entre unos y otros, y que lo único que nos hace iguales a todos es la muerte, sólo cuando morimos somos iguales, mientras que la vida está llena de desigualdades, injustas e ilógicas, que inducen a la soledad y hacen de la existencia un tormento. Lo confiesa el propio Johan en un momento de la serie: “El infierno es vivir cada día sin saber la razón de tu existencia. Usted me salvó la vida, Dr. Tenma, porque creía fervientemente que todas las vidas tienen el mismo valor y toda persona merece ser salvada. Pero se ha dado cuenta ahora, finalmente, que sólo una cosa nos iguala a todos, la muerte.” </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Influido por esos cuentos, el niño crece con carácter carismático y de liderazgo, convirtiéndose en un lavador de cerebros, como el gurú de una secta que convence a sus miembros para participar en una ceremonia de suicidio colectivo. Eso es lo que es y hace Johan, lava el cerebro de la gente, pretendiendo sumir a toda la humanidad en un suicidio colectivo para que todos seamos iguales y nadie se sienta solo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esto plantea una interesante cuestión muy discutida. ¿Todas las vidas tienen el mismo valor? ¿Vale la vida de una persona más o menos que la vida de otra? ¿Todas las vidas valen lo mismo independientemente de los condicionantes diferenciales de cada uno, o precisamente estos determinan que nuestra vida tenga más o menos valor respecto a otras? La historia de la serie empieza precisamente mostrando éste dilema. Un día, en el hospital en el que trabaja Tenma, llega un paciente que requiere de una urgente cirugía, un obrero turco. Tenma se dispone a operar el paciente cuando recibe la orden del director del hospital (y padre de su prometida) de operar antes un cantante de ópera cuya vida también depende de la intervención del neurocirujano. Cumpliendo la orden, el protagonista opera exitosamente el cantante de ópera, salvándole la vida, pero saliendo del quirófano se encuentra con la mujer y el hijo pequeño del obrero turco, que ha fallecido al no ser operado. La mujer y el niño, llorosos y desconsolados, se encaran con Tenma, recriminándole el favorecer la vida del cantante pese a que el obrero llegó antes. Éste hecho infundirá un profundo sentimiento de culpabilidad en Tenma, que le llevará a desobedecer al director del hospital cuando le ordene operar el alcalde de la ciudad antes que a Johan, lo que por otra parte desencadenará en la serie de asesinatos ejecutados u ordenados por éste. El aleteo de una mariposa que provoca un huracán al otro lado del mundo. Como diría el personaje de Salvador en la serie “El Ministerio del Tiempo”: “Puta mariposa”. Tenma estaría muy de acuerdo con esta declaración. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-e96bBKVjP0M/X4IvH6lBwWI/AAAAAAAAEYs/bllgSs0k1ZUujiFVquZBPbRDaHMrtoalgCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B56.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-e96bBKVjP0M/X4IvH6lBwWI/AAAAAAAAEYs/bllgSs0k1ZUujiFVquZBPbRDaHMrtoalgCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B56.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El remordimiento de Tenma no es gratuito ni autocompadeciente, sino sincero, y tiene motivos. Sin contar los muertos ocasionados por la matanza de Ruhenheim, Johan es responsable de 120 asesinatos (como mínimo, de los que se tiene constancia, aunque seguramente son más), de los cuales 18 los cometió él personalmente. Sin embargo, antes que Tenma le salvara la vida de niño, Johan ya había matado 58 personas, 7 de ellas personalmente. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esto es un buen ejemplo de otra destacable cuestión que plantean Masayuki Kojima en el anime y Naoki Urasawa en el manga: la niñez. Los niños son los personajes más importantes en “Monster”, son secundarios en tiempo de aparición, pero su papel en la historia es vital. La serie muestra las consecuencias, positivas y negativas, de la intervención de los adultos en el crecimiento de los niños, y el peligro que conlleva educarlos con una finalidad política e ideológica. Salen muchos niños en la serie, algunos asesinos, otros suicidas, niños deprimidos y abusados, niños solos y abandonados. Lo que nos hagan de niños determina lo que seremos de mayores, como Johan, cuyo nacimiento y crecimiento fue planeado con el objetivo de que hubiera un segundo Hitler, idea que Urasawa seguramente cogió de “Los niños del Brasil” (Franklin Schaffner, 1979). </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo más probable es que Johan hubiese sido un niño normal y, posteriormente, un adulto corriente, en vez de un psicópata y asesino en serie, de no ser por la intervención de aquellas autoridades de la RDA y líderes de extrema derecha que lo usaron para crear precisamente un monstruo. Y sabiendo eso, cabe preguntar quién es de verdad el monstruo. El monstruo al que se refiere la serie no es Johan, Johan no es un monstruo, Johan es un víctima. Él no es malvado por convicción propia, lo es porque le han hecho así. Su motivación no es el odio o la venganza, el fanatismo o la adicción, la codicia o el poder. Sólo quiere escapar del infierno en el que vive. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-eBG72Cz4AQ8/X4IvX8tXIMI/AAAAAAAAEY0/-PYi1YJkHgkO9P1bl56pwGg0j82FwFugACLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B59.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-eBG72Cz4AQ8/X4IvX8tXIMI/AAAAAAAAEY0/-PYi1YJkHgkO9P1bl56pwGg0j82FwFugACLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B59.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El monstruo al que hace referencia la serie es el que todos llevamos dentro, el que nos motiva a destruir y hacer daño en base al odio o la venganza, el fanatismo o la adicción, la codicia o el poder. ¿Acaso, en ese aspecto, no son otros personajes “buenos” más monstruosos que Johan? Su hermana deja de vivir su vida obsesionada con vengarse de él; Heinrich Lunge pierde a su familia por su obsesión con el trabajo y con Tenma; Eva Heinemann se dedica a la degustación de alcohol y al coleccionismo de divorcios para no superar su ruptura con Tenma; y el buen doctor se deja dominar tanto por un inconsolable sentimiento de culpa que llega a estar a punto en varias ocasiones de romper con su ética para poder librarse de su tormento. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esto recuerda al enfrentamiento entre Batman y Joker en “The dark knight” (Christopher Nolan, 2008). En la escena del interrogatorio Joker le dice a Batman que sólo le podrá detener matándolo, con lo cual le daría la razón. Batman debe elegir entre impedir que haya más muertos o dar la razón a Joker en su concepción nihilista. El mismo dilema con el que se encuentra Tenma en el clímax de “Monster”, cuando Johan la fuerza a matarle y romper son su ética para evitar más muertes. Johan comparte con Joker el cliché de villano filosófico, un antagonista que es peligroso en su pensamiento porque, según su retórica, él tiene razón, y dicho razonamiento es perfectamente entendible. Podemos encontrar ejemplos como Thanos en “Vengadores: Infinity War” (Anthony y Joe Russo, 2018), V.I.K.I. en “Yo, robot” (Alex Proyas, 2004), o Light Yagami en “Death Note” (Tetsuro Araki, 2006). El villano filósofo es un personaje que actúa destructivamente para demostrar una tesitura de planteamiento razonable. Por ese motivo, su contraparte se ve forzado a vencerle no sólo físicamente sino también ideológicamente, rebatiendo sus argumentos, desmontando su pensamiento, como cuando en “El caballero oscuro” Batman, tras atrapar a Joker, le muestra que estaba equivocado. Del mismo modo, en el clímax de “Monster” Tenma vence a Johan éticamente. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-WL8IFOhSDxU/X4IvluEK2eI/AAAAAAAAEY4/nMSuRP__Fw0m3Cv2jFncDW5mkVuRvTE_ACLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B66.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-WL8IFOhSDxU/X4IvluEK2eI/AAAAAAAAEY4/nMSuRP__Fw0m3Cv2jFncDW5mkVuRvTE_ACLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B66.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como personaje Johan está construido también con otro cliché, el del villano cortés, que puede ser un psicópata y asesino en serie pero extremadamente educado, de forma aristocrática, y muy intelectual. Un prototipo que está muy bien y del que podemos encontrar ejemplos como Hannibal Lecter (sobretodo el interpretado por Mads Mikkelsen en la serie “Hannibal”), el Actor Secundario Bob (al que recuerda mucho Mads Mikkelsen en la serie “Hannibal”) o James Moriarty. Pero todos ellos tienen un claro referente, sobretodo en el caso de Johan, que es Drácula. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La novela de Stocker es la gran precursora del thriller psicólogico que se ha desarrollado desde entonces, tanto en literatura como cine y televisión. Una serie de personajes con poca o ninguna conexión en común salvo la de ser todas víctimas de una personalidad malvada, y se juntan para hacerle frente y planificar su derrota. En ese aspecto, “Monster” es prácticamente una adaptación de la novela de Stocker, sólo cambia la época, el lugar, y que Johan no es vampiro. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En aspectos formales y artísticos, lo más destacable es la música, la animación y el guión. La banda sonora fue compuesta por Kuniaki Hoishima, que también puso música a Master Keaton, otro anime basado en un manga de Urosawa. La música de “Monster” es magistral, con temas dramáticos, tenebrosos e incluso terroríficos, como “The seeds of time”, que recuerda a ciertos trabajos de Michael Nyman, aunque también hay motivos alegres o transitarios. El trabajo de Hoishima en “Monster” es, indiscutiblemente, una de las mejores composiciones musicales de una serie anime. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La animación es fabulosa, es una pasada de lo bien hecha que está, el espectador se olvida de que está viendo animación. Eso es porque la animación de “Monster”, así como su montaje y estilo visual, se aleja muchísimo de las directrices propias del anime japonés, y se acerca más visualmente a la normativa de la imagen real. De ese modo, la animación ofrece personajes y ambientaciones muy realistas en entornos muy dimensionales. La animación de la serie es hiperrealista, dentro de lo que permite las posibilidades del anime y sin salirse de su marco, tanto es así que la serie perfectamente podría haberse hecho en imagen real y no se alejaría casi nada de lo que muestra su animación. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-5FA7FUZy8qI/X4IwIyce4AI/AAAAAAAAEZE/lSMWUaGDImUcPbft0EFYMtUXghhxT4I4wCLcBGAsYHQ/s1920/Monster%2B83.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-5FA7FUZy8qI/X4IwIyce4AI/AAAAAAAAEZE/lSMWUaGDImUcPbft0EFYMtUXghhxT4I4wCLcBGAsYHQ/w640-h360/Monster%2B83.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El guión “Monster” es inmejorable. Tanto por las tramas como por los personajes. En la serie hay tramas principales y tramas secundarias algunas de las cuales apenas se desarrollan en un episodio. Sin embargo, esos episodios que se pudieran considerar “de relleno”, aún siendo cierto que si se quitaran de la serie no afectaría negativamente a las demás tramas, también cabe constatar que son entretenidos, no desentonan con el resto de la historia, e inciden en la mentalidad y emocionalidad de los personajes, su carácter y personalidad. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El guionista de la serie, Tatsuhiko Urahata, desarrolla la trama principal de tal modo que la tensión de la intriga y el suspense, cuando parece que esté a punto de soltarse para finalizar, en realidad se reposa un poco para seguir con esa tensión que aumenta a cada capítulo. Urahata lo hace tres o cuatro veces, cuando parece que la historia llega a su climax el guionista sigue desarrollando la trama principal para aumentar la tensión hasta no poder más y entonces suelta la cuerda en un clímax apocalíptico. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">De hecho, en “Monster” hay, sin exagerar, docenas y docenas de personajes importante, muchísimos. Cada personaje, por pequeño que sea, aunque sólo aparezca en un capítulo, tiene su desarrollo, su historia, su pasado, sus miedos, sus esperanzas, sus anhelos y sus secretos; y eso, el guión, lo refleja increíblemente bien. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El creador de “Monster”, Naoki Urasawa, tiene otras obras en las que demuestra su maestría a la hora de construir historias muy complejas, muy extensas, y con tramas muy bien entrelazadas, como por ejemplo “20th Century Boys”, de la cual se hizo un adaptación live-action que recomiendo muy encarecidamente. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Monster” (que está doblada al castellano y al catalán, siendo ambos doblajes muy buenos, aunque personalmente prefiero el catalán) termina siendo la mejor serie anime que se ha hecho. Mi anime favorito sigue siendo “Evangelion”, ocupando “Monster” el segundo lugar, pero, objetivamente, la serie de Masayuki Kojima es mejor que la de Hideaki Anno.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-a3bOlZ2bCTI/X4IwbsU00nI/AAAAAAAAEZM/HsJEJ_Q3otwniGLP078cDrMSVgGUFuOgQCLcBGAsYHQ/s200/4ESTRELLAS.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-a3bOlZ2bCTI/X4IwbsU00nI/AAAAAAAAEZM/HsJEJ_Q3otwniGLP078cDrMSVgGUFuOgQCLcBGAsYHQ/s0/4ESTRELLAS.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-28760668811982226852020-10-05T02:32:00.003-03:002020-10-10T19:07:15.054-03:00CRÍTICA EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO (2020), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Hn9fzScFkNg/X3qulJGOxII/AAAAAAAAEXU/hi1lBb24nDQ-HFFt7bCcgbKRsOUf-eT4wCLcBGAsYHQ/s1600/the_trial_of_the_chicago_7-929202676-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="977" data-original-width="1600" height="390" src="https://1.bp.blogspot.com/-Hn9fzScFkNg/X3qulJGOxII/AAAAAAAAEXU/hi1lBb24nDQ-HFFt7bCcgbKRsOUf-eT4wCLcBGAsYHQ/w640-h390/the_trial_of_the_chicago_7-929202676-large.jpg" width="640" /></a></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sinopsis: En 1969 se celebró uno de los juicios más populares de la historia de Estados Unidos, en el que siete activistas fueron juzgados tras ser acusados de conspirar en contra de la seguridad nacional tras manifestarse durante la Convención Demócrata del año anterior. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Segundo largometraje como director del guionista Aaron Sorkin, ganador del Oscar por “La red social”. En “El juicio de los 7 de Chicago” nos encontramos con la típica película de juicios, como puede ser “Vencedores o vencidos”, “El puente de los espías”, “El jurado”, “Acción civil”, “Legítima defensa”... ejemplos los hay a patadas. Pero en esta película nos encontramos con dos particularidades, la primera que se recrea un juicio que sucedió realmente, y la segunda porque se muestra un juicio político. Éste juicio con dichas particularidades Sorkin lo muestra desde dos vertientes, la dirección y el guión, ambos a su cargo. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En cuenta a dirección, Sorkin lo hace bien, de una forma muy correcta y competente. No demuestra ser un director tan solvente como Robert Zemeckis o James Wan, pero está en el grupo de directores buenos, fiables, entusiastas. Spielberg o Scorsese han dirigido también escenas de juicio, y las han dirigido mejor. La dirección de Sorkin en las escenas de juicio, por el contrario, se asemeja más a, por ejemplo, las que se ve en la serie “Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales”; está bien, pero no impresiona. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jkaEz40xe9U/X3quxsnz6OI/AAAAAAAAEXY/7_1V-dOrepAwgrr7GlTas_i9F-pIEsl3gCLcBGAsYHQ/s1600/the_trial_of_the_chicago_7-185992283-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-jkaEz40xe9U/X3quxsnz6OI/AAAAAAAAEXY/7_1V-dOrepAwgrr7GlTas_i9F-pIEsl3gCLcBGAsYHQ/w640-h426/the_trial_of_the_chicago_7-185992283-large.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En cuanto a guión, Sorkin demuestra una vez más porqué es tan buen guionista. La construcción y el desarrollo de los personajes sí es impresionante, cómo evoluciona los conflictos y las resoluciones, la relación entre personajes, el progreso de las distintas tramas... No sería descabellado que el guión de “El juicio de los 7 de Chicago” fuera merecidamente nominado en la próxima edición de los Oscar. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Cabe mencionar también el creativo montaje, y la magnífica música, ambos sobresaliendo en un momentos muy poderoso de la narración. La composición musical destaca triunfalmente sobretodo en la última escena, y no desentona nunca sino todo lo contrario, tal es así que tampoco es descabellado que sea nominada al Oscar. El diseño de producción, con todo lo que conlleva (escenografía, vestuario, maquillaje), igualmente está muy bien conseguido. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pero lo que más resalta es el reparto, todos los actores hacen un excelente trabajo, incluso los figurantes. Eddie Redmayne está fabuloso. Sacha Baron Cohen demuestra ser un actor inmenso con tanto talento para el drama como para la comedia. John Carroll Lynch es el eterno secundario cuya cara siempre es reconocida pero su nombre nunca recordado. Mark Rylance se come la pantalla y demuestra otra vez ser un monstruo de la interpretación, y merecidamente lo tendría si fuera otra vez nominado al Oscar por su espectacular actuación en esta película. Josep Gordon-Levitt también muestra un espléndido trabajo actoral. La interpretación de Frank Langella ya es de otro planeta, el tío está op. Y Michael Keaton también sale un rato ofreciendo una masterclass de interpretación por sólo el precio de una entrada. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-2aFcOvLWirE/X3qu7EqzQ7I/AAAAAAAAEXg/Rnn5GZzmHlACRtZItSv0kbLwY3vIKOchACLcBGAsYHQ/s1600/the_trial_of_the_chicago_7-373956929-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1066" data-original-width="1600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-2aFcOvLWirE/X3qu7EqzQ7I/AAAAAAAAEXg/Rnn5GZzmHlACRtZItSv0kbLwY3vIKOchACLcBGAsYHQ/w640-h426/the_trial_of_the_chicago_7-373956929-large.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“El juicio de los 7 de Chicago” es una propuesta atrevida de visionado ineludible que plantea cuestiones sociales y políticas muy relevantes y también muy actuales, pese a que los hechos ocurrieron hace 51 años, y sin embargo la película recuerda unos hechos muy parecidos ocurridos apenas el año pasado, el juicio del procés, sobretodo respecto al caso de Jordi Sànchez y Jordi Cuixart, que no eran políticos sino activistas, como los protagonistas de la película. Seguro que en 1969 había estadounidenses que defendían que Estados Unidos era un estado de derecho y una democracia consolidada y no había presos políticos. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En la película de Sorkin vemos cómo un gobierno, consciente que carece de la razón y el derecho para encausar a unos activistas disidentes, abusa de la fuerza y de la ley. “El juicio de los 7 de Chicago” invita al espectador a no dar por sentado que su país es una democracia sólo porque lo ponga en un papel, invita al espectador que analice la práctica y no la teoría, los hechos y no el papel. Muchos espectadores españoles que encuentran evidente que lo que se ve en esta recreación histórica es un juicio político deberían observar las semejanzas evidentes con el juicio de procés y cuestionar su negación de que éste no fue un juicio político.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-cZmRvCHliRU/X3qvFRBqk0I/AAAAAAAAEXo/YC19OuDjI_cwIo2VVlEkBDrY6IxsGLfkgCLcBGAsYHQ/s200/3ESTRELLASYMEDIA.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-cZmRvCHliRU/X3qvFRBqk0I/AAAAAAAAEXo/YC19OuDjI_cwIo2VVlEkBDrY6IxsGLfkgCLcBGAsYHQ/s0/3ESTRELLASYMEDIA.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-91267474571435133822020-09-25T18:55:00.004-03:002020-09-25T18:56:54.592-03:00CRÍTICA TENET (2020), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-vp3LAWAEiR8/X25mKuwRw9I/AAAAAAAAEWA/Wl8e8iMjV8ksBGUVk0MM8MVqllZdRFgVwCLcBGAsYHQ/s1280/Tenet-screenshot-1280x720.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-vp3LAWAEiR8/X25mKuwRw9I/AAAAAAAAEWA/Wl8e8iMjV8ksBGUVk0MM8MVqllZdRFgVwCLcBGAsYHQ/w640-h360/Tenet-screenshot-1280x720.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><span><a name='more'></a></span><div style="text-align: justify;">“Tenet” es la más reciente película de Christopher Nolan, escrita y dirigida por él. Es un ejercicio cinematográfico que combina el thriller de espionaje con la acción y la ciencia-ficción. No es la primera vez que Nolan prueba esta fórmula, ya lo hizo con “Inception” y con mejores resultados. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Nos encontramos en esta ocasión con la, para quien escribe, más endeble propuesta del director (sin contar su ópera prima, “Following”, aún no visionada por el arriba firmante). No por eso es una mala película, pero tampoco está cerca de ser notable. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Tenet” es una propuesta lastrada por su pretenciosidad y grandilocuencia, y eso lo reconoce la propia película ya en su primera escena, que ocurre en una ópera, un escenario donde se suelen representar grandes obras que requieren de una desmedida logística de producción, como ocurre en la cinta de Nolan. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Precisamente en la ópera, que volveré a mencionar cuando hable del cuadrado de sator (o cuadrado de rotas), es donde ocurre la primera secuencia de acción de la película. “Tenet” empieza ya con acción, y no es algo inusual en el cine de Nolan. “The dark knight”, “Inception” y “The dark knight rises” también tenían un comienzo potente, y además es un momento bastante parecido a otras escenas de sus películas, como cuando en “The dark knight” Joker y sus secuaces irrumpen en el ático de Bruce Wayne y secuestran a los invitados en la fiesta, o cuando en “The dark knight rises” Bane y sus secuaces irrumpen en un partido de rugby secuestrando todo el estadio. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-UycjD7GbkTE/X25mWoFa44I/AAAAAAAAEWE/DdoS_3chfU4TkIhUohpKZH9SF6DRNOpOACLcBGAsYHQ/s1231/keneth-branagh-tenet.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="769" data-original-width="1231" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-UycjD7GbkTE/X25mWoFa44I/AAAAAAAAEWE/DdoS_3chfU4TkIhUohpKZH9SF6DRNOpOACLcBGAsYHQ/w640-h400/keneth-branagh-tenet.png" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El principio de “Tenet” está inspirado (que no basado) en la toma de rehenes en el teatro Dubrovka de Moscú ocurrido en 2002. De hecho, tan inspirado está en ese suceso que quien escribe pensó de primeras que Nolan empezaba la historia de la película precisamente en ese secuestro real y lo estaba recreando. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Recordar que ese secuestro fue perpetrado por 50 terroristas chechenos que retuvieron a 850 personas presentes en ese teatro y amenazaban con matarlas a menos que se cumplieran sus demandas. Vladimir Putin, para evitar que los terroristas mataran a los rehenes, decidió hacerlo él mismo, supongo que lo creyó más deportivo, y los gaseó para que murieran asfixiados y así los secuestradores se quedaran sin rehenes y Putin pudiera matarlos sin miedo a que mataran los rehenes. Al final no murieron todos los rehenes, “sólo” 130, Putin se quedó con las ganas de matar al resto, pero todos los secuestradores murieron a tiros, también los que habían caído inconscientes al respirar el gas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El inicio es un anticipo de lo que se ve durante el resto del film, y no sólo narrativamente, pues funciona como una especie de prólogo en una película de James Bond, sino también en el aspecto de la acción. El comienzo es trepidante, pero las demás escenas de acción no lo son menos. De hecho, llegan a ser incluso confusas, aunque visualmente están excelentemente resueltas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La secuencia de la ópera define claramente el conjunto de la película. Estructura y trama claramente jamesbondiana, y una narrativa y escenografía laberíntica. Los pasillos de la ópera recuerdan a un laberinto tanto como los del almacén clandestino en el aeropuerto de Oslo. A Chris Nolan le gusta mucho los laberintos. De hecho, el logo de Syncopy, la productora que fundó con su esposa, es un laberinto. Se puede evidenciar la fascinación del director por los laberintos a lo largo de su filmografía, no sólo narrativa sino también escenográficamente. Nolan juega con el espacio escénico, incluso con el más mundano, para convertirlo en un laberinto. Por ejemplo, en “Batman Begins”, cuando Bruce Wayne es sometido a la prueba en la que debe vencer a Ra's al Ghul, los demás miembros de la Liga de las Sombras, todos ataviados con las mismas oscuras corazas, se mueven alrededor de él y quedándose quietos en formación para ocultar a Ra's. En otras palabras, forman un laberinto. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-FGc-wpAr0YY/X25mmn-iT4I/AAAAAAAAEWM/FGTwLL1qx40lup_DUnA247Isv_7Lq6vUACLcBGAsYHQ/s660/download.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="651" data-original-width="660" height="632" src="https://1.bp.blogspot.com/-FGc-wpAr0YY/X25mmn-iT4I/AAAAAAAAEWM/FGTwLL1qx40lup_DUnA247Isv_7Lq6vUACLcBGAsYHQ/w640-h632/download.jpg" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como algún día a Nolan le dé por coger trasbordo en el metro de Barcelona, el tío va a flipar. Hará una película de eso, la rodará en 140 milímetros, Marion Cotillard interpretará a Ada Colau y Michael Caine a Ernest Maragall. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">“Tenet” concentra la obsesión de Nolan por los laberintos incluso en el título, que hace referencia al cuadrado de sator, un multipalíndromo formado por cinco palabras de cinco letras cada una escritas a las vez en vertical y horizontal, siendo tenet el vocablo central: sator, arepo, tenet, opera, rotas, siendo opera y rotas términos invertidos de sator y arepo. En otras palabras, el título de la película define la misma, es un laberinto, un palíndromo narrativo y visual. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En “Tenet” Nolan ha llevado el tema del laberinto en la trama tan lejos que el espectador llega a perderse, al menos durante el primer visionado. Y no resulta tanto por la complejidad narrativa, que también, sino por los agujeros de guión o por las preguntas sin responder, propio, por otra parte, del subgénero de viajes por el tiempo. Sin embargo, las supuestas incoherencias en la trama son producto mayormente del hecho que la historia de Tenet es mucho más extensa de lo que se muestra en la película. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Para entenderlo mejor. La historia de Tenet que Nolan tiene en la cabeza daba, por lo menos, para una primera temporada de una serie, como “Westworld”, escrita por Jonathan Nolan, hermano de Chris Nolan. A pesar de ello, por algún motivo, en vez de hacer una serie, Nolan decidió hacer una película. Pero es tanta la complejidad y la extensión de la historia de Tenet que Nolan tiene en su cabeza que no alcanza a contarlo todo en una película, ergo hay hechos o situaciones que necesitan de una explicación para ser entendidas y, al no caber dicha explicación, no se acaba de entender esos hechos o esas situaciones. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-6v0a04mZquU/X25mx5O_owI/AAAAAAAAEWQ/AzduQyBIYWMEmTo-8-9xzJ4nroHFucK9QCLcBGAsYHQ/s1200/tenet-2.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-6v0a04mZquU/X25mx5O_owI/AAAAAAAAEWQ/AzduQyBIYWMEmTo-8-9xzJ4nroHFucK9QCLcBGAsYHQ/w640-h360/tenet-2.png" width="640" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Cabe hacer una comparación con el manga “Shingeki no Kyojin”. En dicha publicación la historia que se cuenta también es muy extensa y compleja, mucho, muchísimo. Y también juega mucho con el tiempo, en la historia de “Shingeki no Kyojin” se va mucho del presente al pasado y del futuro al presente. Sin embargo, a pesar de la riqueza de dicha historia relativa a su extensión y también complejidad, el lector no se pierde, y no lo hace porque la publicación se toma el tiempo necesario para contar toda la historia. Si en vez de mostrarlo en un manga que ya va por el número 132, el autor de “Shingeki no Kyojin” tratara de explicar la historia que tiene en la cabeza en una película de dos horas y media, le saldría algo como “Tenet”. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">No es extraño, entonces, que el espectador no entienda según qué cosas, entre que unas están contadas laberínticamente y otras simplemente no se muestran, y el batido de inspiraciones tampoco ayuda. Nolan repite en “Tenet” otra manía que ya mostró en, por ejemplo, “Interstellar”, en la que mezcló “Solaris” con “2001: Una odisea del espacio”. Y aquí hace lo mismo. “Tenet” es una película de James Bond (son claras las referencias a “La espía que me amó”) a la que Nolan le ha añadido elementos de “Primer” (Shane Carruth, 2004), “Déjà vu” (Tony Scott, 2006), “Código fuente” (Duncan Jones, 2011), “Looper” (Rian Johnson, 2012) y “Predestination” (Michael y Peter Spierig, 2014), entre otras relacionadas con los viajes en el tiempo. Y el problema es que no son sólo referencias u homenajes, como suele hacer Tarantino, son inspiraciones claras y evidentes, y de un par de películas está bien, pero metiendo tanto de tantas películas, sin ser necesario, el espectador está más pendiente de asociar inspiraciones a x películas que de seguir una trama ya de por si narrada con bastante complejidad. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Nolan se pierde en la grandilocuencia, anteponiendo la forma al contenido. Desde “The dark knight” que parece ser incapaz de explicar cualquier historia con menos de cien millones de presupuesto. Y parece que historias como “Inception”, “Interstellar” o “Tenet” son tan grandiosas que es necesario de un presupuesto igual de grande para mostrarlas visualmente, pero no es así. La historia de “Solaris” es tan grandiosa como la de “Interstellar”, que Nolan la rodó con 165 millones de dólares y centenares de efectos visuales, mientras que Tarkovski hizo “Solaris” con menos de un millón de dólares y cuatro efectos visuales. Nolan, en “Tenet”, con 205 millones de dólares de presupuesto, dos horas y media de duración, e impresionantes escenas de acción, cuenta absolutamente lo mismo que contó Carruth en “Primer” 16 años antes, con 7 mil dólares de presupuesto, y rodando en el garaje de su casa con sus amigos como actores. Decía Robert Bresson que, cuando un violín es suficiente, no emplear dos. El problema es que Nolan, para contar algo que se puede contar con un violín, no usa dos violines, ni tres, ni cuatro, usa cincuenta orquestas sinfónicas. </div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ei5nhWqkBNc/X25nGq6Y-bI/AAAAAAAAEWg/R6gXl_WUVyg3SaNZm5z-AAH4UtW_t3FDgCLcBGAsYHQ/s1799/Tenet-364352297-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1799" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-ei5nhWqkBNc/X25nGq6Y-bI/AAAAAAAAEWg/R6gXl_WUVyg3SaNZm5z-AAH4UtW_t3FDgCLcBGAsYHQ/w640-h426/Tenet-364352297-large.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;">Hay un elemento interesante en la película, que no llega a ser un defecto, pero resulta muy llamativo, y es la relación de personajes. Por un lado tenemos la relación profesional entre el protagonista (John David Washington) y Neil (Robert Pattinson), y por otro la relación personal entre Sator (Kenneth Branagh) y Kat (Elizabeth Debicki). Lo llamativo está en que la segunda relación es mucho más interesante y está mejor construida que la primera, el espectador quiere ver más a Sator y Kat que a Prota y Neil. Hay una clara descompensación entra las dos relaciones que no favorece a la película. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En cuanto a interpretaciones, John David Washington no es un mal protagonista, pero, personalmente, el autor de esta crítica hubiese preferido, por ejemplo, a Joseph Gordon-Levitt. Robert Pattinson demuestre que él es mucho más que el Edward de “Crepúsculo”. Michael Caine está estupendo incluso haciendo apenas un cameo. Elizabeth Debicki se come la pantalla. Y Kenneth Branagh está para que le nominen al Oscar, porque su actuación es extraordinaria. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Curiosamente, el personaje de Sator, una suerte de villano jamesbondiano, hace de “Tenet” la segunda película relevante de éste año en la que se retrata, a través del antagonista, la violencia machista (siendo la otra “El hombre invisible). Ambas películas dejan muy claro lo que ha de hacer una mujer con una pareja que la maltrata; cargárselo, y a vivir la vida. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En conclusión. “Tenet” no es una mala película, ni mucho menos, de hecho está excelentemente realizada y es disfrutable, y la música y la fotografía son de 10, al igual que el trabajo de sonido y los efectos visuales. Sin embargo, no es la mejor película de Chris Nolan, más bien al contrario. Ni siquiera es la mejor película de acción del año (ese lugar lo sigue ocupando la producción de Netflix “Extraction”). Termina siendo una propuesta perjudicada por la gratuita grandiosidad a nivel de logística de producción y argumentalmente atragantada por la cantidad de historia que quiere contar en tan poco tiempo. “Tenet” es buena, sí, pero también algo decepcionante. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mi calificación es:</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-Tz9rTNhvYks/X25nT5NTlsI/AAAAAAAAEWo/pVpdmMXy1-cxdPm2h_IAQdw_LK_kQ2sPwCLcBGAsYHQ/s200/2ESTRELLAS.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="50" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-Tz9rTNhvYks/X25nT5NTlsI/AAAAAAAAEWo/pVpdmMXy1-cxdPm2h_IAQdw_LK_kQ2sPwCLcBGAsYHQ/s0/2ESTRELLAS.png" /></a><br /><br /></div>Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-87838003897054719932020-07-15T18:46:00.001-03:002020-07-15T18:58:32.580-03:00CRÍTICA FÈNIX 11-23 (2012), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-wRgMry0cN2Q/Xw93fQRnSlI/AAAAAAAAESg/FU42xapNP_YqqE8l63RhMZc9wbYaGCo_gCLcBGAsYHQ/s1600/fenix11.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="432" data-original-width="800" height="344" src="https://1.bp.blogspot.com/-wRgMry0cN2Q/Xw93fQRnSlI/AAAAAAAAESg/FU42xapNP_YqqE8l63RhMZc9wbYaGCo_gCLcBGAsYHQ/s640/fenix11.jpg" width="640" /></a></div>
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<a name='more'></a><br /></div>
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El término kafkiano se usa para definir situaciones opresivas y angustiosas pero a la vez tan absurdas, ilógicas y sinsentido que parecen inverosímiles, increíbles e imposibles. El término viene del escritor Franz Kafka, que planteaba en sus narraciones escritas dichas situaciones, sobretodo en una de sus obras más conocidas, “El proceso”, en la cual un sujeto rándom es sometido a un proceso judicial como acusado de unos cargos que ninguno de los implicados en la instrucción parecen conocer. </div>
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“Fènix 11-23” parece una versión actualizada 2.0 del libro de Kafka, pero es peor, porque esta película catalana no se basa en una obra literaria de ficción sino que narra unos hechos verídicos ocurridos en 2004, cuando Èric Bertran, un adolescente de 14 años de Lloret de Mar, fue acusado e investigado por terrorismo por el simple hecho de enviar un mensaje por correo electrónico a una cadena de supermercados para solicitarle que etiquetaran sus productos en catalán. La respuesta no se hizo esperar, pero no recíprocamente por correo electrónico, sino a modo de denuncia. Treinta agentes de la brigada antiterrorista de la Guardia Civil vinieron expresamente de Madrid para registrar la casa de Èric y acusarle de terrorista. </div>
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Todo comienza cuando Èric crea una página web, l'Exèrcit del Fènix, para defender el catalán y protestar por los que quieren reprimir su lengua. El nombre de la página web viene por el quinto libro de Harry Potter. El seudónimo de Èric en la web da título a la película, Fènix 11-23. 11 por el 11 de septiembre de 1714, cuando Barcelona cae sitiada por las fuerzas borbónicas de Felipe V, y 23 por 23 de abril, día de Sant Jordi, patrón de Catalunya. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-V8zbW9PcGZU/Xw93z0TCSBI/AAAAAAAAES8/_RKmVnAF624Vxz5XgVzCk1G179H68znXwCLcBGAsYHQ/s1600/F%25C3%25A8nix%2B11-23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1358" data-original-width="961" height="640" src="https://1.bp.blogspot.com/-V8zbW9PcGZU/Xw93z0TCSBI/AAAAAAAAES8/_RKmVnAF624Vxz5XgVzCk1G179H68znXwCLcBGAsYHQ/s640/F%25C3%25A8nix%2B11-23.jpg" width="452" /></a></div>
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Èric, al comprobar que se etiquetan todos los productos en todos los idiomas del mundo mundial excepto en catalán, se le ocurre enviar un mensaje por correo electrónico a una cadena de supermercados para pedirles que etiqueten sus productos en catalán. Los directivos de la cadena de supermercados, en vez de tomarse el mensaje como lo que es, una petición legítima y razonable, se toman el mensaje como una amenaza de terrorismo independentista. La empresa interpone una denuncia a la policía y la brigada antiterrorista investiga el mensaje que, aun siendo evidente, por la narrativa del mismo, que lo ha escrito un chaval, los investigadores no se percatan de ello. </div>
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La policía descubre que la dirección de correo electrónico desde donde se ha enviado el mensaje pertenece a Èric Bertran, un adolescente de 14 años de Lloret de Mar. Convencido de que ese chico es un terrorista en potencia, el investigador del caso, el Capitán Cardeñosa de la Guardia Civil, habla con una fiscal de menores de la Audiencia Nacional, Clara, para que se haga cargo del caso y tramite una orden de registro. </div>
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Treinta agentes de la brigada antiterrorista de la Guardia Civil vienen directamente de Madrid a Lloret de Mar para registrar la casa de Èric, y aunque sólo tienen orden de registro y no de incautación se llevan, no sólo el ordenador de Èric, sino también el ordenador de su hermano, que ve venir que sus profesores de la universidad no le creerán cuando les diga que sus deberes se los ha llevado la brigada antiterrorista de la Guardia Civil. </div>
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Al día siguiente Èric viene con su abogado y sus padres a declarar en una diligencia de la Guardia Civil. Allí el investigador del caso, el Capitán Cardeñosa, informa a Èric que ha sido acusado de terrorismo y que se ha abierto una investigación acusatoria contra él. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-4KhpL-mlu0c/Xw9394LDhiI/AAAAAAAAETA/wJpk8DV0TKAfF7qs12PGxq2DJPCyqEnsgCLcBGAsYHQ/s1600/fenix9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="432" data-original-width="800" height="344" src="https://1.bp.blogspot.com/-4KhpL-mlu0c/Xw9394LDhiI/AAAAAAAAETA/wJpk8DV0TKAfF7qs12PGxq2DJPCyqEnsgCLcBGAsYHQ/s640/fenix9.jpg" width="640" /></a></div>
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A partir de ahí la vida de la familia Bertran se hace muy difícil. La madre, Rosa Mari, ve como su familia es víctima de los rumores maliciosos de los vecinos. El padre, Ferran, es despedido de su trabajo por la acusación que se cierne sobre su hijo. Y Èric recibe palizas de los matones fachas del instituto por ser un frikie del independentismo catalán. </div>
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Al ver que el caso se agrava muchísimo, ya que se pide hasta ocho años de internamiento para Èric, y que los Bertran están solos, Rosa Mari hace todo lo posible para ganar esta batalla, que deja de ser un problema legal para convertirse en un conflicto político. Èric y su madre salen en los periódicos y en la televisión explicando la verdad del caso. </div>
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Llega el día de la declaración ante la fiscal, por lo que la familia Bertran se traslada hasta la Fiscalía de Menores en la Audiencia Nacional de Madrid. La fiscal acusa al chico de terrorista con supuestas pruebas que simplemente no demuestran absolutamente nada, y basándose en contextos legales y constitucionales totalmente falsos e inventados. No sólo eso, sino que, ilegal y delictivamente, coacciona y amenaza al chico con violencia verbal para que se declare culpable de terrorismo, y le amenaza con la cárcel si no dice que se siente español. </div>
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Resulta casi proverbial que el protagonista de esta historia tomara prestado, para el nombre de su página web, el título del libro en el que Harry Potter es sometido a un juicio tramposo y después recurre a un medio de comunicación para explicar la verdad. Sin quererlo, Èric vive la misma pesadilla kafkiana que sufre el protagonista del libro que lee. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Sj9l5Zwycug/Xw94FC1BSMI/AAAAAAAAETI/ozIXTDp_tZkYg0eFbDCskK7cVJGuxVtdQCLcBGAsYHQ/s1600/cftv8791.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="494" data-original-width="1024" height="308" src="https://1.bp.blogspot.com/-Sj9l5Zwycug/Xw94FC1BSMI/AAAAAAAAETI/ozIXTDp_tZkYg0eFbDCskK7cVJGuxVtdQCLcBGAsYHQ/s640/cftv8791.jpg" width="640" /></a></div>
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Rodada mayormente en catalán y parte en castellano con un presupuesto de 2,3 millones de euros, "Fénix 11-23" está dirigida por Joel Joan ("Plats bruts") y Sergi Lara (director televisivo de series como "El cor de la ciutat" o "La Riera"), que enfocan esta increíble historia de manera acertada. Estos hechos podrían haber caído fácilmente en un telefilme de sobremesa sobre batallas legales que ponen de vez en cuando en Antena 3 los sábados y domingos por la tarde. </div>
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Sin embargo, Joel Joan y Sergi Lara supieron dirigir la narración de manera que no fuera superflua, ni tampoco excesivamente maniqueista. Puede parecer que en el film los buenos son muy buenos y los malos muy malos, pero en realidad la película es muy objetiva con respecto a los hechos ocurridos. De hecho, los responsables de “Fènix 11-23” incluso tuvieron que obviar o suavizar algunos de los hechos porqué, pese a ser reales, eran tan heavys que el espectador no se lo hubiera creído y hubiera pensado que era una exageración o pura invención. Un ejemplo es el interrogatorio al que la fiscal somete a Èric, y pese a que en la película no dura más de cinco minutos en la vida real el interrogatorio duró cuatro horas y media, la fiscal estuvo cuatro horas y media intimidando y amenazando a un chaval de catorce años. Uno de esos casos en el que la realidad supera la ficción, incluso aunque la ficción ya resulta difícil de creer. Tan kafkiana fue la situación que, de haber sido condenado (y no fue por falta de ganas de la fiscal), se habría convertido en el primer preso político en España tras el franquismo un chaval de 14 años.</div>
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Los hechos dramáticos resultan cercanos y humanos no sólo por ser reales (por increíble que parezca), también por estar mostrados con efectividad y sin pretensiocidad. Eso se consigue con un notable guión cuyo desarrollo narrativo recuerda a propuestas como “Acción civil” (Steven Zaillian, 1998) o “En el nombre del padre” (Jim Sheridan, 1993). Y, a pesar de la prudencia mostrada narrativa y visualmente, “Fènix 11-23” se convierte en algo más que una propuesta meramente correcta, porque no muestra sólo la batalla legal de una familia normal contra un procedimiento judicial absurdo, sino que pone de relieve un problema social de prejuicios lingüísticos y culturales. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-fT7Q8xQB55U/Xw94NKttBbI/AAAAAAAAETM/EsFCswyesYMDkzFNf91IWfRrN3wDqaauACLcBGAsYHQ/s1600/fenix10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="432" data-original-width="800" height="344" src="https://1.bp.blogspot.com/-fT7Q8xQB55U/Xw94NKttBbI/AAAAAAAAETM/EsFCswyesYMDkzFNf91IWfRrN3wDqaauACLcBGAsYHQ/s640/fenix10.jpg" width="640" /></a></div>
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“Fènix 11-23”, sin salirse de la autenticidad de los hechos mostrados, es una película comprometida y militante. Los directores no muestran miedo en denunciar una escandalosa injusticia, y eso no convierte esta propuesta en propaganda independentista o en un panfleto nacionalista, como criticaron algunos en el momento de su estreno. </div>
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Los actores están todos geniales. No sólo los veteranos Rosa Gàmiz, Àlex Casanovas, Roberto Álamo ("La piel que habito", “Que Dios nos perdone”), Ana Wagener ("Los amantes pasajeros", “El reino"), Lluís Villanueva, Pepo Blasco, Pep Tosar y Àngels Poch, sino también los actores jóvenes: Mireia Vilapuig, Adrià Garcia, Pau Poch y la gran revelación de la película, Nil Cardoner (“Polònia”), que interpreta Èric, y recae sobre él el mayor peso interpretativo de "Fénix 11-23". La excelente y maravillosa interpretación de Nil Cardoner da fuerza y sensibilidad al personaje protagonista, algo esencial en éste film, porque toda la historia gira en torno a las ideas que Èric defiende con integridad y determinación, y Cardoner muestra magníficamente estos aspectos del personaje. </div>
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La combinación del trabajo de dirección, guión y actuación consigue sostener una propuesta que ofrece una historia que no es sólo un thriller político sino también un drama de juicios, una odisea de David contra Goliath, un enfrentamiento del individuo contra el sistema. Incluso hay espacio para una subtrama romántica, y todos estos elementos se conjugan perfectamente. Tampoco cabe desmerecer el trabajo de fotografía, montaje y producción en la película, que luce muy bien. </div>
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"Fénix 11-23" fue nominada a siete premios Gaudí del cine catalán; mejor película en lengua catalana, mejor director por Joel Joan y Sergi Lara, dos nominaciones a mejor actor protagonista para Nil Cardoner y Àlex Casanovas, mejor actriz secundaria para Ana Wagener, mejor actor secundario para Lluís Villanueva, y mejor dirección de producción.</div>
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Mi calificación es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-aLWii1maGho/Xw95A6Q92cI/AAAAAAAAETY/sNCL69Q9OzU6XIldRghfzEiRJCB-QjOnwCLcBGAsYHQ/s1600/3ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-aLWii1maGho/Xw95A6Q92cI/AAAAAAAAETY/sNCL69Q9OzU6XIldRghfzEiRJCB-QjOnwCLcBGAsYHQ/s1600/3ESTRELLAS.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-84435887721669242172020-06-20T17:25:00.001-03:002020-06-20T17:25:12.817-03:00CRÍTICA MIENTRAS DURE LA GUERRA (2019), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Mbz_tylEJjU/Xu5uub3xI4I/AAAAAAAAEOc/wWOyG6O_gWsMsh-llcQAW1-X-zrMXhgVQCLcBGAsYHQ/s1600/mientras_dure_la_guerra-451712202-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-Mbz_tylEJjU/Xu5uub3xI4I/AAAAAAAAEOc/wWOyG6O_gWsMsh-llcQAW1-X-zrMXhgVQCLcBGAsYHQ/s640/mientras_dure_la_guerra-451712202-large.jpg" width="640" /></a></div>
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<a name='more'></a><br /></div>
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“Mientras dure la guerra” es una película española dirigida por el prestigioso director hispano-chileno Alejandro Amenábar, que también ha dirigido “Tesis” (1996), “Abre los ojos” (1997), “Los otros” (2001), que sigue siendo la película española más taquillera a nivel mundial, “Mar adentro” (2004), que ganó el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, “Ágora” (2009) y “Regresión” (2015). </div>
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A pesar de no haber dirigido muchas películas, la carrera de Amenábar es muy exitosa. A parte del Oscar y el Globo de Oro, también ha ganado 9 premios Goya (los Oscar del cine español, a los que ha sido nominados 17 veces) y 2 premios del Cine Europeo. De las 7 películas que ha dirigido 6 han sido nominadas al Goya a la mejor película y 3 lo han conseguido. Sus películas como director suman una recaudación de 99,3 millones de euros sólo en España, 78 nominaciones a los Goya y 41 premios. Y ha dirigido a estrellas internacionales como Nicole Kidman, Rachel Weisz, Oscar Isaac, Ethan Hawke, Emma Watson, Penélope Cruz y Javier Bardem. </div>
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La película narra los sucesos que ocurrieron en Salamanca durante los primeros meses de la Guerra Civil española desde el punto de vista del célebre escritor vasco Miguel de Unamuno, que en un principio decide apoyar públicamente la sublevación militar contra el gobierno de la república. Unamuno es inmediatamente destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad, pero es restituido por el Consejo de Burgos cuando las tropas del general Franco toman la ciudad. </div>
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La deriva sangrienta y represora del conflicto por parte del bando rebelde causa que Unamuno cuestione su postura inicial y se replantee sus principios, que le lleva a su enfrentamiento con el fundador de la Legión el General Millán-Astray en el paraninfo de la Universidad de Salamanca el 12 de octubre de 1936. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Pb1ECmnP0eg/Xu5vR4Yy3UI/AAAAAAAAEPU/6T7Zh7vy-fIw80_wUNboUMryfKhSsrGiwCLcBGAsYHQ/s1600/Mientras-dure-la-guerra.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="800" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-Pb1ECmnP0eg/Xu5vR4Yy3UI/AAAAAAAAEPU/6T7Zh7vy-fIw80_wUNboUMryfKhSsrGiwCLcBGAsYHQ/s640/Mientras-dure-la-guerra.jpg" width="640" /></a></div>
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Con “Mientras dure la guerra” nos encontramos con otra y nueva propuesta que aborda no tanto la guerra civil española, que también, sino el tema de las dos Españas. No es la primera ni la mejor película que ha mostrado esta cuestión, que también se puede observar en, por ejemplo, “Balada triste de trompeta” (Álex de la Iglesia, 2010), “La reina de España” (Fernando Trueba, 2015), o “Los girasoles ciegos” (José Luis Cuerda, 2008). Esta temática también se ha explorado literariamente, por ejemplo en “Doña Perfecta” (Benito Pérez Galdós, 1876) o “Los santos inocentes” (Miguel Delibes, 1981). </div>
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Esta cuestión viene de lejos, no sólo de la guerra civil, incluso más atrás de las guerras carlistas, anterior aún a la guerra de independencia, se podría intuir el principio teóricamente en la guerra de sucesión. En todo caso, hay dos España enfrentadas por lo menos desde hace tres siglos. Por una lado la España eternamente cutre, atrasada, involucionante, la España fascista, la España de Franco, la España monárquica y de servidumbre y vasallaje monárquico, la España del ordeno y mando, la España de derechas, la España nacional-catolicista, la España machista y homofóbica, la España totalitarista y dictatorial, la España autocrática, la España antidemócrata, la de la tauromaquia. Y por otro lado la España republicana, socialista, demócrata, cultural, europeista, culta, laica y aconfesional, tolerante, la España que trata de convencer en vez de imponer. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-ExC38fmqC5M/Xu5vbKRicDI/AAAAAAAAEPs/W-qgXcTNsVMZog-tB6qOuPGvGmqdQTXowCLcBGAsYHQ/s1600/trailer-mientras-dure-guerra-alejandro-amenabar-1569496428035.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-ExC38fmqC5M/Xu5vbKRicDI/AAAAAAAAEPs/W-qgXcTNsVMZog-tB6qOuPGvGmqdQTXowCLcBGAsYHQ/s640/trailer-mientras-dure-guerra-alejandro-amenabar-1569496428035.jpg" width="640" /></a></div>
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El contraste entre las dos Españas, la lucha entre hermanos, la pintura negra de Goya, la riña de gatos, el duelo a garrotazos está ejemplificado en “Mientras dure la guerra” sobretodo en dos escenas, de las mejores de la película. En la primera, Franco, viajando en avión, le comenta a su hermano: “España es así, siempre a la gresca”. En la segunda, Unamuno se sienta en el suelo de un paraje natural con un ex-alumno suyo y ambos empiezan a discutir sobre sus ideas políticas y sobre las del otro, intentando convencer al otro de que él tiene razón y el otro se equivoca. Es una buena escena porque muestra los argumentos de las dos Españas en dos personas incapaces cada una en estar de acuerdo con la otra en sus ideas y sin embargos siguen siendo amigos. En ese momento del film Amenábar explica que la división no tiene porqué conllevar en enfrentamiento, que la división es compatible con la convivencia. En la escena, Unamuno y su ex-alumno mantienen una discusión muy acalorada, y al termina siguen siendo grandes amigos, respetándose mutuamente. </div>
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<br /></div>
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Ambas escenas son como las dos España, muestran las dos maneras de entender España. La de Unamuno y su ex-alumno son dos personas pensando distinto y discutiendo acaloradamente a gritos, la de Franco y su hermano son dos personas pensando lo mismo y conversando tranquilamente a susurros. La diferencia radica en que unos, a pesar de la pasión y la vehemencia con la que defienden sus distintas ideas, aceptan la discusión ideológica como un condicionante saludable de la convivencia; otros, por el contrario, encuentran la discusión ideológica como un elemento negativo para la convivencia y la paz en su país, o al menos como ellos entienden la convivencia y la paz en su país. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-LDsPxqw77LM/Xu5vipRtN4I/AAAAAAAAEQA/IIGQevZ1HJY9sFYEZc6vipz70S2Ldm8eACLcBGAsYHQ/s1600/mientras_dure_la_guerra-427496170-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-LDsPxqw77LM/Xu5vipRtN4I/AAAAAAAAEQA/IIGQevZ1HJY9sFYEZc6vipz70S2Ldm8eACLcBGAsYHQ/s640/mientras_dure_la_guerra-427496170-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Mientras que Unamuno entiende la paz como el acuerdo entre varias formas de pensar, Franco entiende la paz como la supremacía y aceptación de sólo una forma de pensar, claramente la suya. Esa es la actitud ideológica de la España franquista, la de despreciar y atacar y hacer callar a los que no piensan como ellos, la de imponer a los demás su manera de pensar y de sentir y exiliarlos y fusilarlos y enterrarlos en las cunetas si no aceptan dicha imposición. Para esta gente la única España que hay y debe haber son ellos, por eso no les gusta los debates ni les gusta debatir, no porque no tengan argumentos (que también un poco es eso), sino porque encuentran que no se tendría que debatir, ven el debate como un elemento conflictivo. </div>
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Muestra de ello es el clímax de la película en el paraninfo de la Universidad de Salamanca, cuando Unamuno recita su discurso de “venceréis pero no convenceréis”. Millán-Astray se levanta y exige interrumpir Unamuno para que éste deje de opinar distinto, pero en el momento de rebatir no encuentra argumentos salvo uno: “¡España! ¡España! ¡España!” Ese es su único argumento, el único argumento que cabe en su mentalidad, el que justifica cualquier cosa. Por eso dice: “Muerte a los intelectuales”, porque la gente como Astray sólo sabe vencer en el campo de la fuerza, no en el de la razón, y no admiten perder, por eso sólo usan la fuerza y nunca la razón. </div>
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Prueba de esto es que, antes incluso de estrenarse, “Mientras dure la guerra” ya recibió críticas negativas de la extrema derecha acusando a la película de ser propaganda comunista y de falsear la historia, y eso que quienes vertían esas criticas no sólo no habían visto la película sino que además manifestaban su intención de no verla nunca. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-eEI1NQ-q4TA/Xu5vqyt9cEI/AAAAAAAAEQM/QeBYigAthpgS0MSvh1VLxdQA4SMldEifgCLcBGAsYHQ/s1600/853880392.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="671" data-original-width="1600" height="268" src="https://1.bp.blogspot.com/-eEI1NQ-q4TA/Xu5vqyt9cEI/AAAAAAAAEQM/QeBYigAthpgS0MSvh1VLxdQA4SMldEifgCLcBGAsYHQ/s640/853880392.jpg" width="640" /></a></div>
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No es la primera vez que Amenábar retrata el fanatismo ideológico en su filmografía, ya lo hizo en “Ágora”, y tiene motivos personales para ser tan crítico con el extremismo político. Alejandro Amenábar nació en Santiago de Chile, así que es chileno de nacimiento, hijo de padre chileno y madre española. La familia de su madre emigró a Chile para escapar del régimen de Franco, y luego la familia de Amenábar abandonó Chile tan sólo 15 días antes del Golpe de Estado de Augusto Pinochet porque ya presentían lo que iba a ocurrir. La familia de Amenábar se pasó media vida huyendo de los militares golpistas y los regímenes totalitarios. </div>
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La dirección de Amenábar en “Mientras dure la guerra” resulta muy bien realizada, y no son pocos los momentos en que el planteamiento y desarrollo visual recuerda mucho al hacer de Steven Spielberg, comparación que no es gratuita porque el mismo Amenábar ha reconocido que durante el rodaje de la película, en el momento de construir una escena, se preguntaba cómo lo haría Spielberg. </div>
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Tan excelente como la dirección de Amenábar es el trabajo interpretativo del reparto, en el que destaca el protagonista, Karra Elejalde como Miguel de Unamuno. Elejalde, ganador de 2 premios Goya como mejor actor secundario, también tenía motivos personales para actuar en la película, pues su abuelo paterno fue un republicano fusilado por los franquistas en la Guerra Civil. El actor vasco hace una actuación memorable encarnando al prestigioso escritor, recreación a la cual ayuda considerablemente el maquillaje, tan trabajado que cada día de rodaje tardaban 5 horas en maquillar al actor para que se pareciera físicamente a Unamuno y otra hora en desmaquillarle al terminar la jornada de grabación. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-ix6BJUs2yak/Xu5v3E38fhI/AAAAAAAAEQU/xeQ2vL1Gc5M5xF_y1_rH56_Fu_ENnS59QCLcBGAsYHQ/s1600/149148.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1067" data-original-width="1600" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/-ix6BJUs2yak/Xu5v3E38fhI/AAAAAAAAEQU/xeQ2vL1Gc5M5xF_y1_rH56_Fu_ENnS59QCLcBGAsYHQ/s640/149148.jpg" width="640" /></a></div>
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Otra magistral actuación es la del actor catalán Eduard Fernández encarnando a Millán-Astray. Fernández, 12 veces nominados a los premios Goya ganando tres de ellos, hace de Astray un personaje histriónico sin salirse de la verosimilitud, ofreciendo un antagonista perfectamente creíble a la vez que propio de una historia ficticia-fantástica. </div>
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Tampoco cabe olvidar la extraordinaria actuación de Santi Prego como Francisco Franco, con una encarnación del personaje tan perfecta como su recreación física. </div>
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Otras actuaciones muy recordables, sobretodo por el increíble trabajo interpretativo, son las de Luis Bermejo encarnando a Nicolás Franco, hermano de Francisco Franco, y Luis Zahera haciendo de Atilano Coco, pastor protestante amigo de Unamuno. </div>
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La película también destaca en la recreación histórica conseguida por el notable diseño de producción, sobretodo en los apartados de vestuario y escenografía. El trabajo de fotografía, dirigido por Álex Catalán (siete veces nominado al Goya, ganando uno de ellos por “La isla mínima”), resulta igual de reconocible. La música, compuesta por el propio Amenábar, muestra el mismo nivel artístico que los otros apartados. </div>
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“Mientras dure la guerra”, que fue nominada a 17 premios Goya (ganando 5 de ellos en las categorías de maquillaje, vestuario, escenografía, dirección de producción y actuación de reparto para Eduard Fernández), resulta una propuesta técnica y artisticamente excelente a pesar del reducido presupuesto para un proyecto tan ambicioso, 4,3 millones de euros aprovechados a más no poder. De hecho, esta es la película menos costosa de Amenábar desde “Abre los ojos”. Aun así, el director muestra haber dirigido la película con pasión y dedicación, con gran rigurosidad histórica (dejando de lado necesarias libertades artísticas que en ningún caso cambian ni falsean la historia), haciendo de éste film una de las mejores propuestas cinematográficas que se estrenaron el año pasado.</div>
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Mi calificación es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-FIOOz5FtjTE/Xu5wmxhpSsI/AAAAAAAAEQg/4VsO0uBnTKkGyCXqRsTW9L9rFuH01OIkwCLcBGAsYHQ/s1600/4ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-FIOOz5FtjTE/Xu5wmxhpSsI/AAAAAAAAEQg/4VsO0uBnTKkGyCXqRsTW9L9rFuH01OIkwCLcBGAsYHQ/s1600/4ESTRELLAS.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-30647185226302715452020-05-16T18:08:00.003-03:002020-05-16T18:12:36.960-03:00CRÍTICA TRIGUN (1998), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/--L3CgoWZiXI/XsBVjheieaI/AAAAAAAAEMs/XtQVwd7R44UjdL36XhukIO2kIjtHinODgCPcBGAYYCw/s1600/trigun-anime-vash.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="427" data-original-width="640" height="426" src="https://1.bp.blogspot.com/--L3CgoWZiXI/XsBVjheieaI/AAAAAAAAEMs/XtQVwd7R44UjdL36XhukIO2kIjtHinODgCPcBGAYYCw/s640/trigun-anime-vash.jpg" width="640" /></a></div>
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<a name='more'></a><br /></div>
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Basada en el manga del mismo título, “Trigun” muestra las aventuras de Vash la Estampida, también conocido como El Huracán Humano, y de las dos empleadas de la Sociedad de Seguros Bernarderi: Meryl Stryfe y Milly Thompson, que tienen la misión de seguir a Vash dónde quiera que vaya y minimizar los daños que se le atribuyen. </div>
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Lejos de ser el sádico asesino al que todos temen, Vash parece tener una personalidad contradictoria con su reputación, alternando entre el idiota inofensivo y el guerrero implacable, pero siempre un pacifista convencido. </div>
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La historia de esta serie anime se desarrolla en el planeta Gunsmoke, dónde varias naves colonizadoras terrestres se estrellaron 130 años antes. Al ser un planeta con poco agua, prácticamente desértico, se ha ido desarrollando una civilización humana muy parecida al viejo oeste estadounidense, con una mezcla de tecnología antigua y moderna. La trama principal, sobre todo en la segunda mitad de la serie, se centra en el enfrentamiento entre Vash y su hermano Knives, éste último cuenta con un grupo de asesinos llamados Gung-ho, a los que utiliza para atraer a Vash hacia él. A su vez, Vash parece tener un “aliado”, Nicolas D. Wolfwood, un predicador itinerante que lleva una enorme cruz a cuestas, que en realidad es una poderosa arma. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-1IEOLIzB5kY/XsBVfO8V8TI/AAAAAAAAENE/hDAPfLiY0GQzAYf9wrYOsY90hEZ_xX_7wCPcBGAYYCw/s1600/Trigun%2B10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-1IEOLIzB5kY/XsBVfO8V8TI/AAAAAAAAENE/hDAPfLiY0GQzAYf9wrYOsY90hEZ_xX_7wCPcBGAYYCw/s640/Trigun%2B10.jpg" width="640" /></a></div>
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Las series anime que se extienden indefinidamente tienen un defecto, al principio están bien pero luego se vuelven reiterativas y aburrida. Es lo que ocurre con series como “Doraemon” (cerca de 3.000 episodios) o “Detectiu Conan” (más de 1.000 episodios). Pero eso no ocurre con “Trigun”, que en sólo 26 episodios de 21 minutos cada uno (poco más de nueves horas en total) cuenta toda la historia hasta el último detalle, ya sea a través flashbacks o de sorprendentes descubrimientos argumentales. La trama principal ni si quiera se desarrolla durante toda la serie, sino a partir de la segunda mitad. </div>
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La primera mitad de la serie es más bien cómica, con situaciones algo exageradas, y con reacciones por parte de los personajes muy propias del cartoon anime. Pero la segunda de mitad de la serie es más adulta y más seria, con situaciones más dramáticas. “Trigun” alterna todo el rato entre el humor y el dramatismo, en distintos porcentajes, y a veces en franjas de tiempo muy cortas de incluso un par de segundos apenas. Esa esquizofrenia de género es resolutiva al constatar que la primera mitad de la serie tiene más humor, y la segunda mitad es más dramática. </div>
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“Trigun” comparte muchos aspectos con “Cowboy Bebop”. Ambos animes se estrenaron el mismo año, tienen el mismo número de capítulos, muestran un contexto que recuerda al viejo oeste americano, hay una mezcla de tecnología antigua y moderna, los protagonistas son pistoleros y tienen una cuenta pendiente con un antiguo compañero/hermano. Sin embargo, también hay diferencias destacables entre ambas. Mientras que “Cowboy Bebop” es melancólica, “Trigun” es esperanzadora. Mientras que los protagonistas de “Cowboy Bebop” buscan huir de su pasado, en “Trigun” intentan redimirse de él. Mientras que Spike es un cazarecompensas que no tiene problemas con la violencia y criminalidad que impera en su mundo, tanto aceptándola como ejerciéndola, a Vash le persiguen los cazarecompensas, y pretende imponer la paz y la justicia por medios pacíficos, sin matar a nadie, en una civilización dónde la vileza y el vandalismo están más extendidos que la bondad y la compasión. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-YGpSRcOHInw/XsBVg88a56I/AAAAAAAAEM4/DvwudSVkxWIwR3qTYq9Q8RRAz9DqU1U8wCPcBGAYYCw/s1600/Trigun%2B32.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-YGpSRcOHInw/XsBVg88a56I/AAAAAAAAEM4/DvwudSVkxWIwR3qTYq9Q8RRAz9DqU1U8wCPcBGAYYCw/s640/Trigun%2B32.jpg" width="640" /></a></div>
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A parte de una excelente animación, una brillante banda sonora, unos bien diseñados escenarios, unas entretenidas escenas de acción, un uso del sonido muy creativo, y una historia y contexto sorprendentes; lo mejor de la serie son sus personajes principales, muy estrambóticos y con emociones muy exteriorizadas. </div>
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Vash la Estampida tiene una gran habilidad con el uso de las armas de fuego, con gran velocidad y precisión sobrehumana. De carácter extraño, sus cambios de comportamiento son tan esquizofrénicos y sus acciones son tan extrañas y estrambóticas, que no se sabe si soluciona los problemas por ingenio y habilidad o por suerte y casualidad. </div>
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Su aspecto es el de un hombre alto, atlético, cabello rubio puntiagudo, gruesas botas, y con un uniforme de combate que oculta bajo una gabardina roja. Está bajo una orden de busca y captura, vivo o muerto, pues se le atribuye la completa destrucción de la ciudad Julio el 21 de julio del año 104 a las 14:06 horas. </div>
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Meryl Stryfe, al igual que su compañera Milly Thompson, es empleada de la Sociedad de Seguros Bernardelly. Le asignan mantener a Vash a raya, pues sus destrozos le están costando a la aseguradora una fortuna. Meryl sigue a Vash dónde quiera que vaya en un intento de prevenir desastres antes de que los cause. Sin embargo, al principio no cree que el atolondrado sujeto que conoce al principio de su viaje sea el verdadero Vash. Sólo después de verlo enfrentarse a la familia Nebraska, se convence de que en realidad El Huracán Humano no es un asesino sanguinario, sino un pistolero de buenos sentimientos con la mala suerte de que los problemas le persiguen. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-WC_yCSL-95g/XsBViO0OSLI/AAAAAAAAENA/kHRrmOXb_moe9U7tfMsn7rXAnHKzDdH2QCPcBGAYYCw/s1600/Trigun%2B47.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-WC_yCSL-95g/XsBViO0OSLI/AAAAAAAAENA/kHRrmOXb_moe9U7tfMsn7rXAnHKzDdH2QCPcBGAYYCw/s640/Trigun%2B47.jpg" width="640" /></a></div>
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Milly Thompson es una chica ingenua y un poco tarada, alta y fuerte, pero también agradable, feliz y confiable. Amiga y compañera de Meryl, la acompaña en su viaje junto a Vash. Es el apoyo emocional de Meryl, comparte sus alegrías y tristezas, la anima cuando está de bajón, y la aconseja para que confíe en ella misma cuando la situación se desmorona. </div>
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Nicolas D. Wolfwood es un predicador errante que siempre lleva a cuestas una gran y pesada cruz, metáfora de la gran y pesada culpabilidad que lleva sobre sus hombros por los pecados que ha cometido. Wolfwood termina viajando con Vash por “casualidad”, aunque en realidad tiene sus propias razones ocultas para seguirle. Aunque procura hacer el bien como hace el protagonista, ayudando a los demás en situaciones en las cuales ningún otro se ofrecería voluntario, se diferencia de él en que mataría si cree que debe hacerlo. </div>
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Corta y entretenida, con una historia muy interesante, con unos personajes muy entrañables (los buenos), y una animación muy bien realizada, “Trigun” es una muy buena serie que ha envejecido muy bien, y que 22 años después de su estreno sigue siendo tan disfrutable como en su momento.</div>
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Mi calificación es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-ohAZk2NV8Dg/XsBVWzoxCFI/AAAAAAAAENI/KlJcAh3elhA-e4Bf11QLtkZowwL_9KLiwCPcBGAYYCw/s1600/4ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-ohAZk2NV8Dg/XsBVWzoxCFI/AAAAAAAAENI/KlJcAh3elhA-e4Bf11QLtkZowwL_9KLiwCPcBGAYYCw/s1600/4ESTRELLAS.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-56362362509852171322020-05-07T19:32:00.002-03:002020-05-08T02:54:08.013-03:00CRÍTICA ELEPHANT (2003), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-NPdc3jz0pRs/XrSL9aFaaxI/AAAAAAAAEKA/GPoGYBCmmLYw3nO9q4FofuUy3xsZkrRigCLcBGAsYHQ/s1600/image-w1280.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-NPdc3jz0pRs/XrSL9aFaaxI/AAAAAAAAEKA/GPoGYBCmmLYw3nO9q4FofuUy3xsZkrRigCLcBGAsYHQ/s640/image-w1280.jpg" width="640" /></a></div>
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Sinopsis: Es un día cualquiera de otoño, y todos los estudiantes hacen su vida rutinaria: Eli, camino de clase, convence a una pareja de rockeros para hacerles unas fotos. Nate termina su entrenamiento de fútbol y queda con su novia Carrie para comer. John deja las llaves del coche de su padre en la conserjería del instituto para que las recoja su hermano. Pero ese día no será como los demás... </div>
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"Elephant" está inspirada en la matanza ocurrida en el Instituto Columbine en abril de 1999. La película, esbozándolo desde diferentes ángulos, muestra la vida cotidiana de los alumnos de un escuela de enseñanza secundaria del típico suburbio vecinal norteamericano, enlazando esos puntos de vista al estallar la tragedia. </div>
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El título de la película es alusivo al mediometraje de Alan Clarke de 1989, que versaba sobre la violencia terrorista en Irlanda del norte (recomiendo ver también el mediometraje). El título de "Elephant" es utilizado en ambos films en referencia al ejemplo del violento elefante encerrado en una habitación y que todo el mundo prefiere ignorar antes que enfrentarse a él. Lo mismo ocurre con la violencia terrorista en Irlanda del norte, o la violencia escolar en los institutos de Estados Unidos, todo el mundo se queja de estos problemas, pero prefieren ignorarlos antes que hacerles frente y tratar de resolverlos. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-jYvv6np8tiU/XrSL9XUjRlI/AAAAAAAAEKE/izQioTxGegQiexRQNtONSLSiccPhrO9hwCEwYBhgL/s1600/elephant_3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="964" data-original-width="1200" height="512" src="https://1.bp.blogspot.com/-jYvv6np8tiU/XrSL9XUjRlI/AAAAAAAAEKE/izQioTxGegQiexRQNtONSLSiccPhrO9hwCEwYBhgL/s640/elephant_3.jpg" width="640" /></a></div>
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"Elephant" no sólo plantea la cuestión del acceso de los jóvenes (e incluso niños) a las armas de fuego en Estados Unidos, sino la educación y la enseñanza que reciben estos jóvenes en una parte de la sociedad norteamericana tan competitiva como son los institutos, donde los que no son populares suelen pasarlo mal. Esto suele hacer que a algunos se les cruce los cables y quieran acabar con todo a lo bestia, y si encima sus papis les compran fusiles, lanzagranadas y misiles balísticos de potencia nucelar entonces se arma la de Dios es Cristo. </div>
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“Elephant” no se molesta en explicar el porqué de esta violencia, simplemente muestra sus trágicos efectos y consecuencias. Le toca a la sociedad tomar las decisiones y acciones que sean para afrontar éste problema y solucionarlo, pero si nadie quiere echar al elefante de la habitación, éste continuará en la habitación. </div>
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No voy a dármelas de experto en el cine Van Sant, porque no lo soy ni de lejos. A parte de “Elephant”, de éste director sólo he visto “El indomable Will Hunting” y “Mi nombre es Harvey Milk”. Pero lo que sí me atrevo a afirmar es que esta película es una obra maestra, muy bien hecha a pesar de su aparente sencillez. </div>
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Gus Van Sant dirigió “Elephant” con un escaso presupuesto de tres millones de dólares (en Catalunya se habría podido realizar con el mismo resultado por una décima parte de esa suma), y la rodó mayormente en un instituto clausurado de Portland, en Oregón, con actores no profesionales, a excepción de tres personajes adultos muy secundarios que sí están interpretados por actores profesionales. Van Sant rodó la cinta a lo largo de veinte días en noviembre de 2002 en 35 mm, y con un aspect ratio de 1:33 (más utilizado en 16mm) en vez de 1:85 (que es el generalizado en 35 mm).<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-G53iaeza8LI/XrSL7T43qJI/AAAAAAAAEKc/cbu9Hpobjd8bh59qt7YniPBD6aMhrQyjwCEwYBhgL/s1600/07.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="937" data-original-width="1400" height="428" src="https://1.bp.blogspot.com/-G53iaeza8LI/XrSL7T43qJI/AAAAAAAAEKc/cbu9Hpobjd8bh59qt7YniPBD6aMhrQyjwCEwYBhgL/s640/07.jpg" width="640" /></a></div>
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No es que los largos planos secuencia con stady y planos fijos, y la utilización de luz natural como soporte lumínico al trabajo de fotografía, respondan a una necesidad de adaptarse técnica y artísticamente a las limitaciones presupuestarias (que un poco también, para qué negarlo). Esta “sencillez” estética y de producción, inspirada claramente en el neorealismo italino, dota a esta necesaria propuesta de un realismo desgarrador que hace que el espectador se meta de lleno en la historia, incluso que sienta que está dentro del instituto, como si fuera un alumno más. </div>
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“Elephant” es una película tan cruda como magistral, pues el espectador se siente impotente al sentirse testigo directo de unos hechos desagradables que concluirán en una matanza, y no poder advertir a las futuras víctimas a pesar de que las va siguiendo por los pasillos y terrenos del instituto. Éste efecto emocional en el espectador no sólo es mérito de Van Sant, también del director de fotografía, Harris Savides, (“Mi nombre es Harvey Milk”, “American gangster”, “Zodiac”), que con la cámara convierte al espectador en un personaje más de la película, en un alumno más del instituto. </div>
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A pesar de la clara división entre víctimas y verdugos, “Elephant” no es maniqueista en el dibujo de los personajes. Los alumnos asesinos no son tan distintos de los alumnos asesinados, a pesar de sus diferentes personalidades; son adolescentes, comparten la misma caótica época de la vida, tienen problemas y angustias. ¿Porqué, entonces, unos deciden matar a los otros? No hay un respuesta sencilla, y por eso mismo cabía evitar el maniqueísmo, y eso Van Sant lo sabía. El director no pretende dar una explicación satisfactoria ni una solución fácil, sólo que dejes de sudar del elefante y trates de hacer algo al respecto. Ninguna película, por muy magnífica que sea, evitará ni impedirá que sigan habiendo matanzas en institutos; eres tú quien debe currárselo, quien debe sacar al elefante de la habitación. La película sólo te saca la venda de los ojos y te da una hostia para que espabiles, hacerlo ya depende de ti, sacar al elefante de tu cuarto depende de ti, no de Van Sant.</div>
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Mi calificación es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-M0YlM9A99NU/XrSL-VLutxI/AAAAAAAAEK0/LQNliwD4ffQDdnUXKv88ps9DEc37pwAwQCEwYBhgL/s1600/4ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-M0YlM9A99NU/XrSL-VLutxI/AAAAAAAAEK0/LQNliwD4ffQDdnUXKv88ps9DEc37pwAwQCEwYBhgL/s1600/4ESTRELLAS.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-31396229506531788392020-05-06T19:29:00.002-03:002020-05-07T16:37:30.150-03:00CRÍTICA COWBOY BEBOP (1998), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-dSTUXsnvKJI/XrM5tGT1vqI/AAAAAAAAEIo/6NDTlq1eH0AWqZ5qBUax2iFxIiw34Zp2QCLcBGAsYHQ/s1600/Cowboy-Bebop-live-action-anime-serie.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="756" data-original-width="1199" height="402" src="https://1.bp.blogspot.com/-dSTUXsnvKJI/XrM5tGT1vqI/AAAAAAAAEIo/6NDTlq1eH0AWqZ5qBUax2iFxIiw34Zp2QCLcBGAsYHQ/s640/Cowboy-Bebop-live-action-anime-serie.jpeg" width="640" /></a></div>
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Sinopsis: Año 2071. La tripulación de cazarecompensas de la nave Bebop, inicialmente compuesta por Spike Spiegel y Jet Black, viaja por el sistema solar en busca de delincuentes buscados por la justicia. A lo largo de sus aventuras se incorporan tres nuevos tripulantes a la Bebop: Faye Valentine, Ed, y un perro, Ein. </div>
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En mi top 11 de mejores series anime de la historia se encuentran títulos como “Kare Kano”, “Fate/Zero”, “Last Exile”, “Trigun”, “Paranoia Agent”, “Code Geass”, “Shingeki no Kyojin” y “Death Note”. Pero la que es para quien escribe la mejor serie anime, sólo por detrás del “Neon Genesis Evangelion” de Hideaki Ano y el “Monster” de Naoki Urasawa, es “Cowboy Bebop”, de Shinichiro Watanabe. </div>
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El escritor y animador japonés ideó “Cowboy Bebop” como una oportunidad para realizar sus inquietudes artísticas, tanto en la estética como en la temática. La serie pasa, en principio, por ser una propuesta que suma western con space-opera, el pasado con el futuro. Pero tras esa superficial capa genérica se descubre una historia deprimente y melancólica. </div>
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Y es la melancolía el motor principal que mueve “Cowboy Bebop”, tanto la historia como los personajes, así como el contexto y el escenario. La serie se ambienta en un futuro lejano, donde hay naves espaciales y portales de teletransportación, sin embargo el contexto social recuerda mucho al pasado, a la colonización del Oeste americano. La temática western sirve para mostrar contextualmente la mentalidad nostálgica de los protagonistas, al fin y al cabo el protagonista no deja de ser un cowboy, un cowboy del espacio. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-aTqrqAGHcuc/XrM5uP1DPpI/AAAAAAAAEI0/nYKGIQpYOkAGlxiX8EdSK5d-S0EtiXmwgCEwYBhgL/s1600/dims-12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="868" data-original-width="1600" height="346" src="https://1.bp.blogspot.com/-aTqrqAGHcuc/XrM5uP1DPpI/AAAAAAAAEI0/nYKGIQpYOkAGlxiX8EdSK5d-S0EtiXmwgCEwYBhgL/s640/dims-12.jpg" width="640" /></a></div>
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Muchos de los personajes de la serie son sacados de los arquetipos establecidos del western, colonos que dejan atrás un pasado tormentoso para empezar una nueva vida, forajidos y cazarecompensas, mujeres que se valen por sí mismas o tratan de sobrevivir a su manera en un mundo de hombres. Individuos crepusculares movidos, todos, por la melancolía; porque de eso va la serie. “Cowboy Bebop” no es alegre, no es aventurera, por mucho que tenga momentos de alegría y aventura; es deprimente, y por tanto tiene una música triste hecha por y para gente triste, el blues. </div>
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De hecho, la música es una parte vital de “Cowboy Bebop”. Prácticamente, el 50% de la serie se sustenta, narrativa y estéticamente, en el trabajo compositivo de Yoko Kanno. La música no sólo es un acompañamiento de la historia, es una definición de los personajes y de su estado emocional, y no sólo de los protagonistas sino también de personajes secundarios, de antagonistas diabólicos y dementes, de peña random cuya existencia sólo se puede explicar con una música tan armónica como el blues, melodías que tratan más de expresar sentimientos y emociones que no una historia. </div>
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La razón por la que estos cantos y ritmos definen tan bien a los personajes es porque estos están rotos por dentro, como los esclavos negros de los estados sureños que para manifestar sus penas hacían gritos de campo, las canciones de trabajo que fueron el origen del blues. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-vVhOA5lMHA0/XrM5uLKvibI/AAAAAAAAEJA/IhZCP5XA4hcYpCeV37Mor9Q1X_ArG6wNQCEwYBhgL/s1600/cowboy-bebop-spike.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1298" height="344" src="https://1.bp.blogspot.com/-vVhOA5lMHA0/XrM5uLKvibI/AAAAAAAAEJA/IhZCP5XA4hcYpCeV37Mor9Q1X_ArG6wNQCEwYBhgL/s640/cowboy-bebop-spike.jpg" width="640" /></a></div>
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El dueño de la Bebop, Jet Black, es un ex-policía aficionado a los bonsáis y a la cocina, y se volvió cazarecompensas al fracasar en su vida profesional y personal. </div>
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Faye Valentine despertó amnésica tras 54 años en criogenización, cuando todos sus seres queridos habían muerto y el mundo había cambiado completamente, y su mala suerte en relaciones con los hombres y su dependencia al juego la llevaron a integrarse en la tripulación de la Bebop para escapar de las deudas. </div>
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Ein es un perro. Y Ed es Ed, un/a outsider. Ninguno de los dos pinta nada en la Bebop, y poco a poco lo van sabiendo. </div>
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El protagonista, Spike Spiegel, es duro y depresivo a la vez. Aprovecha cualquier oportunidad que se le presenta para poner su vida en peligro porque no tiene nada por lo que vivir. Su trabajo de cazarecompensas es un mero sucedáneo de algo que motivaba y daba sentido a su existencia pero perdió. </div>
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Los protagonistas de esta serie, una suerte de guardianes de la galaxia, arrastran muchos traumas, y el hacerse cazarecompensas es su modo de huir de ellos al no saber superarlos, una manera de olvidar el pasado, de tener una nueva vida mejor que la anterior, como hacían los colonos del antiguo Oeste americano. Sin embargo, son incapaces de olvidar su pasado, y terminan regresando a él. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-HmYCnuRHAQY/XrM5u3HRU2I/AAAAAAAAEJM/cZ5vElsWLEUbf5UDY6XgdL-81aPhIcq2QCEwYBhgL/s1600/nz3wdsdy9s7xvqhdbr8y.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-HmYCnuRHAQY/XrM5u3HRU2I/AAAAAAAAEJM/cZ5vElsWLEUbf5UDY6XgdL-81aPhIcq2QCEwYBhgL/s640/nz3wdsdy9s7xvqhdbr8y.png" width="640" /></a></div>
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El caso más trágico es el del protagonista, Spike. Él busca morir o volver a tener aquello que le motivaba vivir, y volver a su pasado es el modo que encuentra de conseguir una cosa o la otra, una muerte aplazada o una vida que sabe inalcanzable. El final sólo puede ser uno, del cual el primer capítulo es premonitorio, y concluye la serie con un homenaje al final de “Los violentos años veinte” (Raoul Walsh, 1939), final también homenajeado al término de “Blade Runner 2049” (Denis Villeneuve, 2017). </div>
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Por eso, a pesar de estar ambientada en un futuro de ciencia-ficción, la serie recuerda tanto al pasado, por eso tiene capítulos enteros dedicados a un sólo genero cinematográfico más popular en otros tiempos (spaguetti westerm, plaxploitatoine, gangster, terror espacial, cine negro...). La serie recuerda al pasado porque es lo que hacen los personajes, recordar el pasado. </div>
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Los 26 capítulos de “Cowboy Bebop” son de visionado ineludible, no sólo para aquellos entusiastas del anime maduro que surgió tras “Neon Genesis Evangelion” (y de las que “Trigun” y “Monster” son otros buenos ejemplos), también para los que les pierden las historias melancólicas. Indiscutiblemente, una de las mejores series que se han hecho.</div>
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Mi calificación es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-bJUYA2U_OAs/XrM5nAK8otI/AAAAAAAAEJQ/reO6OoOOaPod86SC1H4lrcpCF0WMLo88wCEwYBhgL/s1600/4ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-bJUYA2U_OAs/XrM5nAK8otI/AAAAAAAAEJQ/reO6OoOOaPod86SC1H4lrcpCF0WMLo88wCEwYBhgL/s1600/4ESTRELLAS.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-26317353531317964492020-05-03T16:35:00.002-03:002020-05-07T03:25:11.366-03:00CRÍTICA EL HOYO (2019), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-T7rsw0Qy4fk/Xq8cXnVk-eI/AAAAAAAAEHU/OqR_R1dop78gvberd6kkyNWLs3nkmjktQCLcBGAsYHQ/s1600/0_5vzq624l.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-T7rsw0Qy4fk/Xq8cXnVk-eI/AAAAAAAAEHU/OqR_R1dop78gvberd6kkyNWLs3nkmjktQCLcBGAsYHQ/s640/0_5vzq624l.jpg" width="640" /></a></div>
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Sinopsis: Goreng se despierta en una celda de hormigón marcada con el número 48. Su compañero de celda, Trimagasi, le revela cómo funciona el "Centro de autogestión vertical" : un cantidad limitad de alimentos se reparte a través de una plataforma que viaja desde la parte superior, deteniéndose por un período fijo en cada piso. Aquellos en niveles más bajos pueden comer sólo lo que los que están en la parte superior les dejan, y no pueden acumular alimentos. Cada mes, las personas son reasignadas aleatoriamente a un nuevo nivel. </div>
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“El hoyo” es una cinta española que viene a ser un remake encubierto de “Cube” (Vincenzo Natali, 1997), con un mejor planteamiento y desarrollo, pero con un tramo final más decepcionante. En conjunto es una buena película, y sobretodo un buena película de battle royale (que no la mejor), pero el final chirría de manera que el film se desgasta a cada visionado, del mismo modo que en la plataforma hay menos comida a cada nivel que baja. </div>
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Técnica y artísticamente “El hoyo” está muy bien realizada. El diseño de producción es muy elaborado, pese a no ser muy extensivo. Se ve que el trabajo de escenografía está muy currado. Y los efectos visuales muestran un gran acabado. La fotografía y el montaje son igual de destacables, sin olvidar las convincentes interpretaciones de los actores. </div>
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Sin embargo, la película falla sobretodo en dos aspectos. El primero, transmitir una explicación contextual; el segundo, transmitir una tesitura. </div>
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“El hoyo”, sobretodo en su tramo final, debería haber cogido más de “El señor de las moscas” que de “Cube”. Da la sensación que el guión lo ha escrito J. J. Abrams (que además seguro se basó en “El señor de las moscas” para su “Lost”), con respecto a que el final no da ninguna respuesta y, en cambio, genera más preguntas. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-kO0o4-HG7cM/Xq8cXF_0NQI/AAAAAAAAEHs/TFN2IskGpEEAAfDKJtz-PIOYtAoJHQsAQCEwYBhgL/s1600/El_hoyo-286959711-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="671" data-original-width="1600" height="268" src="https://1.bp.blogspot.com/-kO0o4-HG7cM/Xq8cXF_0NQI/AAAAAAAAEHs/TFN2IskGpEEAAfDKJtz-PIOYtAoJHQsAQCEwYBhgL/s640/El_hoyo-286959711-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Lo mismo se podría decir de “Cube”, pero hay un diferencia destacable. En la película de Vincenzo Natali la historia no se salía del cubo, todo se desarrollaba dentro del cubo, no fuera. Claramente, un cubo de dimensiones tan colosales es inverosímil, tanto por la cantidad de material como por el espacio necesario para construirlo, así como los recursos humanos y logísticos, la maquinaria, el coste... El espectador sabe que en la vida real no es viable semejante construcción, y mucho menos mantenerla en secreto. Sin embargo, al no salirse del cubo, Natali obvia los elementos verosímiles que estarían en el exterior. Al no haber elementos verosímiles, los elementos inverosímiles se convierten en verosímiles en el contexto de la película. </div>
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Eso no sucede en “El hoyo”. En la película dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia, la historia sale del marco de contención, vemos a los celadores de la prisión, a los cocineros, al personal administrativo... El espectador es testigo de una organización físicamente existente, de un contexto verosímil. De ese modo, el hoyo, que es algo inverosímil, no deja de ser inverosímil, un elemento inverosímil dentro de uno verosímil, y entonces el espectador si que demanda respuestas que expliquen dicha inverosimilitud, porque se le ha presentando una situación de verosimilitud. </div>
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Para entenderlo mejor, pongamos como ejemplo la película “Valkiria” (Bryan Singeer, 2008). Dicho film fue rodado en inglés, pese a que la historia sucede principalmente en Alemania y los personajes son alemanes. El espectador sabe que es inverosímil que dichos personajes hablen inglés, sin embargo el espectador imagina que ese inglés en realidad es alemán, que los personajes hablan en alemán pese que el idioma que oye es el inglés. Es decir, lo inverosímil se hace verosímil, y eso es porque no hay otro elemento que sí sea verosímil y recuerde al espectador la inverosimilitud del elemento inverosímil. Es lo que hubiese sucedido si en “Valkiria”, en un momento dado, algunos de los personajes mantuvieran una conversación rodada en alemán. Eso haría que el espectador se desengañara y que entendiera que durante el resto de la película se sucede una situación inverosímil, que los personajes, cuando se les oye hablar en inglés, están hablando verdaderamente en inglés. Es entonces cuando el espectador empieza a hacerse preguntas como ¿Porqué hablan en inglés entre ellos si están en Alemania y son alemanes? </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-IjMn0LBY73g/Xq8cXlWbdfI/AAAAAAAAEIA/PXIDuCLLd_0LF9IZVW0rOn1LtsEJAUaBQCEwYBhgL/s1600/escena-panacotta-el-hoyo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="793" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-IjMn0LBY73g/Xq8cXlWbdfI/AAAAAAAAEIA/PXIDuCLLd_0LF9IZVW0rOn1LtsEJAUaBQCEwYBhgL/s640/escena-panacotta-el-hoyo.jpg" width="640" /></a></div>
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En “El hoyo” sucede lo mismo. Mientras estamos en el hoyo, nos autoengañamos para aceptar como verosímil una situación que no lo es. Pero cuando salimos del hoyo es cuando nos desengañamos y no podemos aceptar la inverosimilitud de ese elemento. Eso Natali lo sabía, y por eso en ningún momento salió del cubo en “Cube”, no cometió el error que sí comete Urrutía. Como no aceptamos como verosímil una situación que no lo es, nos hacemos preguntas para entender cómo puede haber dicha situación inverosímil dentro de otra verosímil. </div>
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Por ejemplo ¿No es el hoyo una contradicción y una incoherencia con respecto a su finalidad, que la solidaridad ha de salir de dentro con el convencimiento y no impuesta exteriormente? ¿Cómo se puede pretender aspirar a la solidaridad mediante métodos sádicos? ¿Porqué hay un niña en el hoyo? Se entiende que hayan adultos, que además entran allí, en principio, voluntariamente. ¿Pero niños? ¿Esa niña entró allí voluntariamente? ¿Porqué ella, a su edad, ha de pasar éste proceso para ser solidaria y generosa? ¿Porqué no le dan la oportunidad de tratar de serlo libremente en el exterior? ¿Cómo funciona la plataforma tecnológicamente? ¿Cómo cambian aleatoriamente de celda a 666 personas en una noche? ¿Dónde puñetas está el hoyo? Ha de ser una construcción de más de dos kilómetros de altura o de profundidad, una construcción así debe haber costado muchos miles de millones de euros. ¿Quién se gasta tanto dinero en un proyecto tan sádico para una finalidad tan alcanzable por medios más económicos y menos invasivos? ¿Todo esto es legal? ¿Es de conocimiento público o es secreto? ¿Si es secreto, cómo hay peña que se entera de esto para entrar voluntariamente? ¿Ningún trabajador del hoyo se va de la lengua, ni nadie de las miles de personas que participó en su construcción? ¿Qué significa ese final tan celestial? </div>
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Si “El hoyo” se hubiese desarrollado íntegramente dentro del hoyo, entonces no molestaría que no se expliquen tantas cosas ni ese final tan abstracto. </div>
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El segundo aspecto en el que “El hoyo” falla es en transmitir su tesitura. Esta es, presuntamente, una película anticapitalista, sin embargo el film se equivoca en el modo de expresar ese mensaje y termina convirtiéndolo en un manifiesto anticomunista. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-xXWM77gOEGg/Xq8cX9DLOsI/AAAAAAAAEH0/GkiucLW8i38uI9L0sMPVLHLiB0DrqzUnQCEwYBhgL/s1600/El_hoyo-389557689-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-xXWM77gOEGg/Xq8cX9DLOsI/AAAAAAAAEH0/GkiucLW8i38uI9L0sMPVLHLiB0DrqzUnQCEwYBhgL/s640/El_hoyo-389557689-large.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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“El hoyo” pretende decir: mirad que malo es el capitalismo, los de arriba se quedan con todo y los de abajo se quedn sin nada, la solución es el comunismo, el reparto de la riqueza, que todos tengamos sólo lo que necesitamos y no acumulemos riquezas, abajo el capitalismo, viva el comunismo, alza el buño camarada contra los opresores capitalistas, todos juntos campesinos y proletariado apoyemos la unión de repúblicas socialistas soviéticas, larga vida al anhelo del pueblo, unámonos al partido de Lenin y llevámoslo al triunfo, el comunismo es sagrado, Lenin es divino, lámeme el c--- Lenin, estrújame las masas, hazme sentir socialista, quiero chu----- el comunismo. En fin, una sarta de paridas. </div>
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<br /></div>
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Sin embargo, a la película le termina saliendo el tiro por la culata, y lo que expone sin darse cuenta es un feroz retrato de esa enfermedad mental que es el sovietismo. Porque una de las bases del capitalismo es que se produce más de lo que se consume o más de lo consumible. Es decir, si el hoyo fuese una representación del capitalismo, habría comida de sobras para todos los 666 internados. Es cierto que, siguiendio las bases del capitalismo, los de los primeros 33 niveles acumularían comida, pero en conjunto habría comida para los 666 internados y sobraría. </div>
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<br /></div>
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Por el contrario, en la película el hoyo sólo dispone de una cantidad limitada para los internados, y ni siquiera es suficiente para todos ellos. Es decir, aunque todos comieran sólo lo indispensable para vivir un día más, aún así habría gente que se quedaría sin comer, y si se repartiera la comida a partes iguales no sería suficiente para vivir un día más, la única solución es que un día comieron sólo los primeros 333 internados y al día siguiente comieron sólo los otros 333 e ir alternando. </div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Es decir, tanto haya capitalismo como sovietismo, hay gente que se muere de hambre. Sin embargo, mientras que en el capitalismo hay hambre porque los de arriba acumulan más de lo que necesitan, en el sovietismo hay hambre porque simplemente el sovietismo no puede y/o no sabe y/o no quiere producir suficiente para todo el mundo, que es el caso del hoyo, en el hoyo no hay suficiente para todo el mundo por mucho que sólo se consuma lo indispensable, en el hoyo o todos se mueren de hambre o sólo unos pocos, pero no hay comida suficiente para que no haya hambre. Lo que “El hoyo” expone no es el capitalismo, sino el sovietismo. “El hoyo” no sólo pretende transmitir una tesitura estúpida, sino que además lo hace mal y expone lo contrario de lo que quiere expresar. </div>
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“El hoyo” es una propuesta técnica y artísticamente competente, pero no es original ni novedosa, e ideológicamente es errónea.</div>
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Mi calificación es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-ArN-Jcly4VI/Xq8caIwGmXI/AAAAAAAAEIA/Pwb4nhdlFJkyEKf0gMd0q9TPXcD6XH9jwCEwYBhgL/s1600/2ESTRELLASYMEDIA.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-ArN-Jcly4VI/Xq8caIwGmXI/AAAAAAAAEIA/Pwb4nhdlFJkyEKf0gMd0q9TPXcD6XH9jwCEwYBhgL/s1600/2ESTRELLASYMEDIA.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-13296588974542673732020-04-30T18:35:00.002-03:002020-04-30T18:43:28.588-03:00CRÍTICA CAMBRIDGE SPIES (2003), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-nkJn2lPiszY/XqtEJC-IfVI/AAAAAAAAEGg/TaWIQh7x0pcvItnzE7kFYPXP6p_Q5rCQQCLcBGAsYHQ/s1600/6a00e5500c8a2a883301901da83e16970b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="417" data-original-width="500" height="532" src="https://1.bp.blogspot.com/-nkJn2lPiszY/XqtEJC-IfVI/AAAAAAAAEGg/TaWIQh7x0pcvItnzE7kFYPXP6p_Q5rCQQCLcBGAsYHQ/s640/6a00e5500c8a2a883301901da83e16970b.jpg" width="640" /></a></div>
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“Cambridge spies” es una miniserie de cuatro capítulos de la BBC, protagonizada por Tom Hollander como Guy Burgess, Toby Stephens como Kim Philby (personaje que interpretaría Billy Crudup en “El buen pastor”), Rupert Penry-Jones como Donald Maclean, Samuel West como Anthony Blunt, Anna Louise Plowman, Patrick Kennedy como el poeta Julian Bell, John Light como el analista de la OSS (posteriormente CIA) James Angleton (personaje que interpretaría Matt Damon en “El buen pastor”), e Imelda Staunton como la Reina Elizabeth I. En la serie también actúa brevemente Benedict Cumberbatch, que, curiosamente, seis años después interpretaría a Guy Burgess en la obra teatral “The turning point”. </div>
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“Cambridge spies” está basada en hechos históricos reales, en los sucesos más increíbles del espionaje del siglo XX, y centra su historia en “El círculo de Cambridge”, un grupo secreto de espías miembros de “La élite de los Apóstoles de Cambridge”, una hermandad semiclandestina de alumnos de la Universidad de Cambridge miembros de estirpes aristocráticas que estaban llamados a formar parte de la clase gobernante del Reino Unido. Dichos espías fueron reclutados en el Trinity College por agentes durmientes soviéticos de la NKVD (KGB a partir de 1954) a principios de los años 30. Esos espías eran Kim Philby, Donald Maclean, Guy Burgess, Anthony Blunt y John Cairncross. Al acabar la universidad, los cinco compañeros se infiltraron en los servicios secretos británicos y en sus estructuras administrativas, para pasar información secreta a Moscú en pro de la causa comunista. </div>
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La serie narra la historia de estos cinco espías con una gran rigurosidad histórica. El relato empieza en 1934, con el aumento de popularidad del nazismo en la aristocracia británica (y también en parte de su realeza), y termina en 1951, cuando Donald Maclean y Guy Burgess se ven obligados a exiliarse a Moscú, al ser descubiertos como agentes dobles. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-BPSZjkl0Fps/XqtEIyX_bhI/AAAAAAAAEGc/YFx5E0tBl5QtjLsfuQlLJejbibVTrXpJACEwYBhgL/s1600/58b5225ab90269646c62254e68e1d17e.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="454" data-original-width="665" height="435" src="https://1.bp.blogspot.com/-BPSZjkl0Fps/XqtEIyX_bhI/AAAAAAAAEGc/YFx5E0tBl5QtjLsfuQlLJejbibVTrXpJACEwYBhgL/s640/58b5225ab90269646c62254e68e1d17e.jpg" width="640" /></a></div>
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En éste tipo de producciones, por mucha rigurosidad histórica que haya, siempre se exagera o se inventa hechos por razones de dramatismo, y la serie “Cambridge spies” también peca de eso, pero no tanto como se piensa. </div>
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<br /></div>
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Por ejemplo. ¿Es verdad que Kim Philby estuvo a punto de asesinar al General Francisco Franco durante la Guerra Civil Española? ES VERDAD. Kim Philby fue enviado como periodista a España para cubrir la Guerra Civil en reportajes que favorecieran a los militares golpistas. Tan bien hacía su trabajo que el mismo Franco le condecoró en persona. Al tener esta oportunidad, Moscú le pidió a Philby que, aprovechando que tendría a Franco tan de cerca, utilizara la pistola que le dispusieron para pegarle un tiro en la cabeza al general golpista. Por supuesto eso supondría también la detención e inmediata ejecución de Philby, así que, a la hora de la condecoración, Philby no tuvo el valor suficiente para asesinar a Franco. Éste hecho se recogió también en la obra de teatro española “La roca”, con Eloy Azorín como Guy Burgess y Chema León como Kim Philby. </div>
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<br /></div>
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También se acusó a la serie, sobre todo desde sectores conservadores, de ensalzar y promover la homosexualidad, haciendo que varios de sus protagonistas fueran homosexuales, pero eso es MENTIRA. Lo cierto es que de los cinco miembros del Círculo de Cambridge, tres eran homosexuales; Burgess, Blunt y Cairncross; y Maclean era bisexual. Así que afirmar que “Cambridge spies” hace propaganda de la homosexualidad es incorrecto. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-0jRS1MoQcGY/XqtEJKsI_oI/AAAAAAAAEGk/IQ90ZxThTmsq4AxuTZJIr_VqUncydyXBACEwYBhgL/s1600/74e8bf29ab9c99674060ca81a732b135.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="563" data-original-width="1000" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-0jRS1MoQcGY/XqtEJKsI_oI/AAAAAAAAEGk/IQ90ZxThTmsq4AxuTZJIr_VqUncydyXBACEwYBhgL/s640/74e8bf29ab9c99674060ca81a732b135.jpg" width="640" /></a></div>
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Pero a pesar de ser una serie muy detallada en el aspecto histórico, “Cambridge spies” comete un error imperdonable al recrear el bombardeo de Gernika durante la Guerra Civil Española. El 26 de abril de 1937 fue cuando el municipio Vizcaíno de Gernika sufrió un ataque aéreo que duró 3 HORAS, en el que se lanzaron 5.472 KILOS DE BOMBAS INCENDIARIAS que causaron daños en el 99% DE LOS EDIFICIOS del pueblo. El bombardeo es recreado en “Cambridge spies”, pero lo cierto es que la serie presenta errores muy graves que delatan la nula investigación histórica que hicieron los guionistas de la serie para narrar el bombardeo de Gernika. </div>
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En 1937 Gernika era un pueblo de 5.000 habitantes, con gran actividad industrial y con edificios tan altos como los que podía haber en Bilbao, edificios que fueron reducidos a escombros por 5 ESCUADRILLAS de cazas y bombarderos de los más avanzados de la época. Eran en total 43 AVIONES, pero en “Cambridge spies” el ataque lo realiza 1 AVIÓN, y encima es un BIPLANO, que ya era una antigualla incluso en el año 1937. </div>
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<br /></div>
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Por si eso fuera poco, el aspecto que tiene Gernika en la serie no tiene nada que ver con el aspecto que tenía el pueblo en la realidad. El decorado de Gernika en la serie son cuatro casas en medio del campo en los que no cabría, ni de lejos, los 5.000 habitantes que tenía el pueblo en la vida real. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-MAr0_dOSvW8/XqtEJqJ-nEI/AAAAAAAAEG8/65Ga1sKs1CUnCLTBbG_Ew9b9XFqhvGzzgCEwYBhgL/s1600/Cambridge-Spies-2003-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="422" data-original-width="750" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-MAr0_dOSvW8/XqtEJqJ-nEI/AAAAAAAAEG8/65Ga1sKs1CUnCLTBbG_Ew9b9XFqhvGzzgCEwYBhgL/s640/Cambridge-Spies-2003-2.jpg" width="640" /></a></div>
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Como la historia de la serie termina en 1951, no se narra lo que les ocurrió a los protagonistas después, pero sin duda lo que les ocurrió después daría para una segunda temporada. </div>
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En la vida real Kim Philby, después de llevar matrimonios y divorcios, desertó a la URSS en 1963, y murió en 1988, un año antes de que cayera el muro, siendo enterrado con honores militares. Antes de morir Philby publicó unas memorias, “My silent war”, cuya lectura recomiendo encarecidamente. </div>
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Guy Burgess huyó a Moscú junto a Maclean en 1951, y vivió en Rusia hasta 1963, año en el que murió a causa de su alcoholismo. </div>
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Después de que Maclean huyera a Moscú, dejando a su esposa en Inglaterra, esta le abandonó por Kim Philby. </div>
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Anthony Blunt dejó el espionaje y se dedicó por completo a lo que más le gustaba, secretario de la pinacoteca de la familia real británica. En 1979 fue descubierto como espía de Moscú en la cámara de los lords por la primer ministro Margaret Tatcher, siendo desprestigiado y menospreciado. Murió en 1983. </div>
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<br /></div>
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John Cairncross murió en 1995. Sólo se conoció su identidad públicamente en 1990. Un desertor del KGB lo delató en 1951; la declaración del desertor se archivó y se le permitió a Cairncross el exiliarse, aunque él nunca reconoció ser el quinto hombre del Círculo de Cambridge. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-NuPUVQNu0dI/XqtEJuflIqI/AAAAAAAAEHE/uXAqsYu97a4w8dZFpokCGUFE0uWmUh78ACEwYBhgL/s1600/foto_164.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="617" data-original-width="900" height="438" src="https://1.bp.blogspot.com/-NuPUVQNu0dI/XqtEJuflIqI/AAAAAAAAEHE/uXAqsYu97a4w8dZFpokCGUFE0uWmUh78ACEwYBhgL/s640/foto_164.jpg" width="640" /></a></div>
</div>
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Esta producción televisiva, ganadora en su momento de tres premios Bafta (mejor fotografía, mejor diseño de producción y mejor sonido), termina por resultar una de las mejores series de la historia, con un dirección brillante que nada tiene que envidiar al mejor Spielberg (sin pretender asociar estilos de dirección), y a cargo de un infravalorado Tim Fywell. La calidad del guión es equiparable a la de la dirección, pues hace de una historia tan increíble un relato realista y verosímil sin apartarse mucho de los hechos históricos ocurridos, y ofreciendo un narración apasionante y muy bien estructurada. Lástima que el guionista Peter Moffat, injustamente, deje tan de lado al personaje de John Cairncross, cuando, de hecho, de los cinco espías que componían “El círculo de Cambridge”, él fue el más productivo a nivel de espionaje. </div>
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<br /></div>
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No cabe olvidar las impresionantes actuaciones del cuarteto protagonista, sobretodo de un Tom Hollander que está espectacular en su mejor trabajo interpretativo. Destacar también la fotografía de David Higgs (“RocknRolla”), coresponsable, junto a Fywell, de que la serie muestre una narrativa visual que deja escenas memorables, momentos que sólo por la fotografía ya son inolvidables. </div>
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<br /></div>
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“Cambridge spies” no sólo es una excelente serie dramática sobre la amistad y el compañerismo, no sólo es un thriller de espías y de intrigas políticas (uno de los mejores), no sólo es un notable relato de la lucha interior entre la lealtad a un país y la lealtad a un ideal, también es un interesantísimo relato de los tiempos convulsos que les tocó vivir a los protagonistas y cómo estos los vivieron.</div>
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Mi calificción es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-JreSKzIL5uc/XqtEDMRrjcI/AAAAAAAAEG4/rdzqpAkVvFQG5LrMQ8Cs3PrP4C1XJfTOwCEwYBhgL/s1600/4ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-JreSKzIL5uc/XqtEDMRrjcI/AAAAAAAAEG4/rdzqpAkVvFQG5LrMQ8Cs3PrP4C1XJfTOwCEwYBhgL/s1600/4ESTRELLAS.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-78448044207059159022020-04-29T19:03:00.002-03:002020-04-29T19:03:27.477-03:00CRÍTICA LA HUÉRFANA (2009), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-V4XNRVR9BAA/Xqn5PtrctFI/AAAAAAAAEFk/MlKbFPmEXFYtO4h5eqX_0yD3j1ilcZKFACLcBGAsYHQ/s1600/1366_2000.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="749" data-original-width="1366" height="350" src="https://1.bp.blogspot.com/-V4XNRVR9BAA/Xqn5PtrctFI/AAAAAAAAEFk/MlKbFPmEXFYtO4h5eqX_0yD3j1ilcZKFACLcBGAsYHQ/s640/1366_2000.jpg" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<a name='more'></a><br /></div>
<div style="text-align: justify;">
"La huérfana" es una curiosa propuesta de la que tengo emociones encontradas. El director de este film es el barcelonés afincado en Los Ángeles Jaume Collet-Serra, que antes dirigió “La casa de cera” y "Gool 2, viviendo el sueño", y que luego se ha echo cargo de la dirección de “Sin identidad” (lamentable coñazo donde los haya”), “Non-Stop” (que tuve la oportunidad de ver en el cine), “Una noche para sobre vivir”, “Infierno azul” (tropenésima película de tiburones), y “El pasajero”, su mejor película hasta ahora, y que es un remake encubierto de “Non-Stop” pero sustituyendo el avión por un tren. </div>
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<br /></div>
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Antes de “La huérfana”, de Collet-Serra sólo había visto "La casa de cera" y "Non-Stop", y yo veía que Serra sabe dirigir bien, de forma efectiva, pero que se mantiene al 60-70% de su potencial. Al ver esas películas tuve la sensación de que Serra podría haber... dirigido mejor, que sabía dirigir mejor. Son películas que están bien, pero que tienen defectos que podrían haber corregido con una mejora a la hora de tratar el guión, o ciertos aspectos de la fotografía o el montaje. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Con "La huérfana" es diferente. Al verla sí tuve la sensación de que Serra estaba al 100% cuando la dirigió. No sólo se ve en el guión y en el diseño de producción, sino también en la planificación visual. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-8z3f_TncKGU/Xqn5PpoO-MI/AAAAAAAAEFo/Nf7t0COs6LMLP4V_kuJJrn6HvrZayBpOACEwYBhgL/s1600/90a04d6767779a773e32a6b696ff89e0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="464" data-original-width="824" height="360" src="https://1.bp.blogspot.com/-8z3f_TncKGU/Xqn5PpoO-MI/AAAAAAAAEFo/Nf7t0COs6LMLP4V_kuJJrn6HvrZayBpOACEwYBhgL/s640/90a04d6767779a773e32a6b696ff89e0.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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"La huérfana" es una de esas películas protagonizadas por niños chungos, malrolleros, como "Expediente 39", "El escondite", o "El enviado", y que en verdad son telefilmes de sobremesa de estos que ponen en la tele los sábados y domingos por la tarde en Antena 3. Tienen actores conocidos y se estrenan en cines, es cierto, pero si se las compara con telefilmes de sobremesa no hay mucha diferencia entre ellas, y eso Serra lo sabe, y juego muy bien con los elementos de los que dispone. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Lo que tiene "La huérfana" es que ha sido magníficamente realizada. Se ve a simple vista que Serra y el director de fotografía Jeff Cutter trabajaron conjuntamente para mostrar visualmente la historia de la mejor manera posible, de manera dramática cuando toca, de manera inquietante cuando es necesario, y de manera terrorífica cuando el momento lo requiere. Los escenarios en los que se ambienta la historia son muy acertados e identificables, ayudan a dar esa sensación. </div>
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<br /></div>
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Los actores también hacen un gran trabajo, tanto Vera Farmiga (que siempre la confundo con Maria Bello y Virginia Madsen, las confundo a cada una con las otras dos) como Peter Sarsgaard. Ambos son muy buenos actores, y en "La huérfana" lo hacen estupendamente bien, de maravilla, al igual que Margo Martindale. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-roX-JX1DtY0/Xqn5P4Zvz2I/AAAAAAAAEGE/Cg0FBXWfY1kb9oe9ybU-RjOgZXkh4FXPgCEwYBhgL/s1600/MV5BMDU3NmExOWEtMjkzNC00NWNiLWE0NWMtYmU1NzllOTczY2E4XkEyXkFqcGdeQXVyNjQzNTI5NTI%2540._V1_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="806" data-original-width="1440" height="358" src="https://1.bp.blogspot.com/-roX-JX1DtY0/Xqn5P4Zvz2I/AAAAAAAAEGE/Cg0FBXWfY1kb9oe9ybU-RjOgZXkh4FXPgCEwYBhgL/s640/MV5BMDU3NmExOWEtMjkzNC00NWNiLWE0NWMtYmU1NzllOTczY2E4XkEyXkFqcGdeQXVyNjQzNTI5NTI%2540._V1_.jpg" width="640" /></a></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero la gran sorpresa del film es Isabelle Fuhrman, que interpreta la huérfana a que hace referencia el título. Fuhrman está increíble, consigue acojonar al espectador con su cara de mala hostia y su mirada de psicópata desequilibrada. </div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El guión, aunque no es perfecto, es muy notable. Al principio el film es un drama, en el segundo acto se centra en la intriga y el suspense, y poco a poco va pasando el terror hasta el clímax final que es impactante. </div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Aunque "La huérfana" está muy bien por los motivos que he mencionado antes, y admito que es una película bastante buena, a mí me dejó con mal sabor de boca. ¿Por qué? Pues porque, seguramente, es la película más bestia que he visto nunca, y no sólo por la violencia en sí, que ya es muy heavy, sino porque dicha violencia está realizada por la niña protagonista, que tiene nueve años, lo que hace de sus acciones alguien aún más perturbador. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-3_DWCYIyV9w/Xqn5QVpYz4I/AAAAAAAAEGE/HIHkXm81YpQ6oVZ1kV9Pl6-iTzEwszb7ACEwYBhgL/s1600/MV5BNmIyNTQ5NGUtODljMC00YWFkLTg4ZWMtM2U3M2NiNzBhYWRhXkEyXkFqcGdeQXVyNjQzNTI5NTI%2540._V1_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="803" data-original-width="1440" height="356" src="https://1.bp.blogspot.com/-3_DWCYIyV9w/Xqn5QVpYz4I/AAAAAAAAEGE/HIHkXm81YpQ6oVZ1kV9Pl6-iTzEwszb7ACEwYBhgL/s640/MV5BNmIyNTQ5NGUtODljMC00YWFkLTg4ZWMtM2U3M2NiNzBhYWRhXkEyXkFqcGdeQXVyNjQzNTI5NTI%2540._V1_.jpg" width="640" /></a></div>
</div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Todos nos inquietamos con Hannibal Lecter en "El silencio de los corderos" ¿Pero cómo nos lo hubiéramos comido si en esa película Lecter estuviera interpretado por un niño de nueve años? Si la actuación de Anthony Hopkins ya era perturbadora, habría sido más perturbador ver un niño de nueve años reventando la cabeza a un policía con una porra (vaya, esto ha sonado fatal), o de un mordisco arrancarle el cuello a otro policía. </div>
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<br /></div>
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Por eso me sentí mal al ver esta película. Ya siento noticias cada mes de niños psicópatas que matan a sus profesores, a sus padres, a sus hermanos, a sus compañeros de clase, a vagabundos, etc. No necesito una película que me enseñe y me recuerde esto tan gratuitamente cruel de forma visualmente gráfica, de manera tan bestia, tan explícita. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Por eso me gusta más "Expediente 39", porque en esa película la niña hace el mal con los poderes sobrenaturales de su maldad, era más sutil. En cambio la niña de "La huérfana" es peor que el Johan Libheart de "Monster", al menos Johan mataba de un tiro en la cabeza, no se recreaba haciendo sufrir de forma horrible e innecesaria. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En resumen. Aunque subjetivamente no me acabó de gustar del todo, objetivamente debo admitir que "La huérfana" es película bastante buena, una propuesta notable, un film muy bien realizado.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Mi calificación es:</div>
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-jRYkUud6-EQ/Xqn5UIPNmxI/AAAAAAAAEGM/dmVWje6vEKo1cLhenCKIkBNsY43H6kmtQCEwYBhgL/s1600/2ESTRELLASYMEDIA.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-jRYkUud6-EQ/Xqn5UIPNmxI/AAAAAAAAEGM/dmVWje6vEKo1cLhenCKIkBNsY43H6kmtQCEwYBhgL/s1600/2ESTRELLASYMEDIA.png" /></a></div>
Albert Graellshttp://www.blogger.com/profile/04998362554364046063noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-6993376307016424921.post-91717531770248353102020-03-07T12:56:00.002-03:002020-03-07T15:05:57.742-03:00CRÍTICA MISIÓN: IMPOSIBLE 2 (2000), POR ALBERT GRAELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-pxLJmvGQs4g/XmPDhvkFTzI/AAAAAAAAEDs/vCf1F1Z94j0QZdKdcKUVjszqcClsU8c0gCEwYBhgL/s1600/Misi_n_imposible_2-387884430-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-pxLJmvGQs4g/XmPDhvkFTzI/AAAAAAAAEDs/vCf1F1Z94j0QZdKdcKUVjszqcClsU8c0gCEwYBhgL/s640/Misi_n_imposible_2-387884430-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Sinopsis. La nueva misión imposible, porque decide aceptarla, del agente especial más buenorro de la FMI, Ethan Hunt, consiste en impedir que un despiadado ex-agente que se ha convertido en terrorista se apodere de un virus muy chungo que mata a la peña en 34 horas y lo introduzca en Australia causando millones de víctimas. Para ello, cuenta de nuevo con la inestimable ayuda del genio informático Luther Stickell, con el experto conductor Billy Baird, y con la sensual ladrona internacional Nhye, que tuvo tema con el terrorista, pero que ahora se siente atraída por Hunt porque está más bueno y es menos malo. </div>
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En el año 2000 se estrenaron muchas películas muy notables, e incluso inolvidables: “Amores perros”, de Alejandro González Iñárritu; “Gladiator”, de Ridley Scott; “La comunidad”, de Álex de la Iglesia; “Requiem for a dream”, de Darren Aranofsky; “Tigre y Dragón”, de Ang Lee; “Battle Royale”, de Kinji Fukasaku; “La celda”, de Tarsem Singh; “Los ríos de color púrpura”, de Mathieu Kassovitz; “El protegido”, de Eme Noche Se Llama Lan, “Deseando amar”, de Wong Kar-Wai, “Snatch: cerdos y diamantes”, de Guy Ritchie; entra tantas otras. Y entre esas tantas otras se encuentra una propuesta infravalorada, y que en realidad supone la obra más disfrutable de la saga en la que se sitúa. Me refiero a la película que analizo en esta crítica, “Misión: Imposible 2”. </div>
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Esta película de John Woo pasa por ser la obra fílmica más alegóricamente filogay desde “Pesadilla en Elm Street 2: La venganza de Freddy” (Jack Sholder, 1985). Esta afirmación puede parecer una paja mental propia de la mente enfermiza de quien escribe, y aunque el autor de éste texto no se atreve a confirmar categóricamente su buena salud psicológica, la connotación homoerótica de “Misión: Imposible 2” es tan evidente que no la negaría ni Gore Vidal. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-XW3t8v-t3GA/XmPDgnQS7aI/AAAAAAAAEDg/HbsUHS0Uu5EKwbZlzWGM7_RlPWeHBel2wCEwYBhgL/s1600/Misi_n_imposible_2-112786656-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-XW3t8v-t3GA/XmPDgnQS7aI/AAAAAAAAEDg/HbsUHS0Uu5EKwbZlzWGM7_RlPWeHBel2wCEwYBhgL/s640/Misi_n_imposible_2-112786656-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Esta fascinante propuesta cinematográfica no es tanto un ejercicio de acción adrenalínica (que también) sino una historia de romances entre hombres y entre hombres y mujeres. El héroe y el antihéroe de esta historia, Ethan Hunt y Sean Ambrose respectivamente, no dejan de ser una representación inversa de la relación entre Gilgamesh y Enkidu en “La epopeya de Gilgamesh”. En el poema sumerio Gilgamesh y Enkidu comienzan su relación como antagonistas mutuos, sin embargo sus enfrentamientos terminan por unirlos sentimentalmente hasta que se convierten en almas inseparables. En la segunda entrega de la saga Misión Imposible ocurre lo contrario, Ethan y Sean fueron amantes, pero su relación se deterioró hasta convertirse en mutuos adversarios. El hecho de que Sean, cuando era agente del FMI, sustituyera a Ethan cuando éste no estaba disponible para la agencia, es la manera que tiene el guionista de indicar que ambos personajes eran almas gemelas, que su relación no sólo era profesional sino sentimental. Cuando el jefe del FMI, interpretado por Anthony Hopkins, le comenta a Ethan las veces que Sean se hizo pasar por él, entre dos y tres, e Ethan afirma que dos, el subtexto es las veces que han follado, que han tenido sexo, que han usado la cama u otro mobiliario para fornicar, para aparearse, para darse placer mutuamente. </div>
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Por eso el jefe del FMI le encarga a Ethan la misión, y no a otro agente. Si Ambrose es el virus, Hunt es su antivirus. Un villano sólo puede ser vencido por su némesis. Y para tener un héroe, antes debe haber un villano, como sucede en la historia de la película, que para crear un antivirus, Belerofonte, antes debe crearse el virus, Quimera, del mismo modo que en “La epopeya de Gilgamesh” antes tuvo que haber un villano (Gilgamesh) para que después hubiera su contraparte (Enkidu), y por eso mismo en la película se presenta antes al villano que al héroe. En “Misión: Imposible 2” Ethan es el Belerofonte de Sean y éste la Quimera de Ethan. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-7wPyEKgrgVg/XmPDgkXk99I/AAAAAAAAEDk/P_pNiDNMvwwT69nzo8-HlW-4amCc8T4YACEwYBhgL/s1600/Misi_n_imposible_2-278569641-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-7wPyEKgrgVg/XmPDgkXk99I/AAAAAAAAEDk/P_pNiDNMvwwT69nzo8-HlW-4amCc8T4YACEwYBhgL/s640/Misi_n_imposible_2-278569641-large.jpg" width="640" /></a></div>
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El director entiende perfectamente las metáforas que el guionista da en su libreto, y no desaprovecha la oportunidad de mostrarlo visualmente como lo hacía Lubitsch en “Un ladrón en la alcoba”; para ser lo más descarado posible hay que ser lo más sutil posible. En la primera escena en la que se ve a Ethan, su presentación, el protagonista escala en solo integral una peligrosa, enorme y empinada formación rocosa, un simbolismo visual de lo que es una gran erección y una frenética masturbación. </div>
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Para detener a Sean, Ethan debe reclutar en su equipo a quien fuera su novia, Nyah, una ladrona buscada internacionalmente. Pero esta no está por la labor, y el protagonista la persigue en una escena utomovilísticamente erótica. Los dos coches (el de Ethan y el de Nyah) girando juntos y pegados el uno al otro en un frenesí mostrado en primeros planos y cámara lenta no deja de ser una escena de sexo en la que se representa ingeniosamente a esos dos personajes follando juntos. </div>
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La intención del jefe de la FMI es que Nyah vuelva a ser la novia de Sean para que informe Ethan de lo que pretende hacer con el antivirus que consiguió. Al protagonista no le hace mucha gracia, pues ahora Nyah es también su novia y no cree que pueda volver a ser la novia de Sean de forma creíble ni que éste no sospeche, pues Nyah es una ladrona y no está entrenada para misiones de infiltración, a lo que el personaje de Hopkins replica que si sólo ha de mentir a un hombre y acostarse con él, siendo mujer Nyah tiene el entrenamiento necesario. Huy, que machista... propio de un anciano homosexual atraído por la juventud carnal y hermosura facial de un empleado suyo y envidioso de Nyah por ser ella y no él quien se acueste con Ethan. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-SZTiWAeNXSc/XmPDiJ3IN9I/AAAAAAAAED0/c3-qhRw3efs_TPwl_JWDKDgMaDLp6Q-zwCEwYBhgL/s1600/Misi_n_imposible_2-464025776-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-SZTiWAeNXSc/XmPDiJ3IN9I/AAAAAAAAED0/c3-qhRw3efs_TPwl_JWDKDgMaDLp6Q-zwCEwYBhgL/s640/Misi_n_imposible_2-464025776-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Pero el jefe del FMI no es el único que siente envidia de Nyah, también Hugh Stamp, lugarteniente de Sean, de quien está enamorado, por eso le da rabia Nyah, porque Sean ahora se acuesta con ella y no con él. Hugh y Sean mantienen una discusión a cuenta de Nyah, en una escena donde es palpable la tensión sexual, y luego se pelean en un forcejeo simbólicamente homoerótico. La amputación del dedo que Sean le hace a Hugh es, en realidad, una castración genital, para demostrarle que es su puta, pero Hugh está tan enamorado de Sean que, incluso después de éste abuso, le sigue siendo leal. Es más, incluso en el forcejeo Hugh siente excitación, pues está teniendo contacto físico íntimo con Sean, y esa sensación de placer se percibe en la actuación de Richard Roxburgh, seguramente a indicación de Woo en un buen ejercicio de dirección de actores. </div>
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Sean, haciéndose pasar por Ethan, descubre el engaño de Nyah, y prepara una trampa a su ex-novia y a su ex-amante en las instalaciones de la farmacéutica donde se guardan muestras de Quimera. Es en ese momento, pasados ochenta minutos de película, cuando por fin se encuentran el protagonista y el antagonista, dos antiguos amantes enfrentados por un mismo objetivo, Quimera, y por una misma novia, Nyah, a quien Sean trae a las instalaciones como rehén y como coacción a Ethan para que le dé el virus. </div>
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Previo al tiroteo que se produce en las instalaciones, Ethan y Sean se lanzan puyas mutuamente. El malo le comenta al protagonista que la parte más difícil de hacerse pasar por él es sonreír como un idiota cada quince minutos, pero el subtexto de ese comentario es en realidad que su sonrisa era lo que más le gustaba de él. El héroe le responde al antagonista que él siempre ha disparado demasiado rápido, hablando en realidad de que a la hora de follar Sean eyaculaba deprisa. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-Kk87Mr5Tv2I/XmPDiWBLMcI/AAAAAAAAED4/CO3lzk9wgqE9nHGLvFEdofDCclkX1jh7QCEwYBhgL/s1600/Misi_n_imposible_2-629760853-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-Kk87Mr5Tv2I/XmPDiWBLMcI/AAAAAAAAED4/CO3lzk9wgqE9nHGLvFEdofDCclkX1jh7QCEwYBhgL/s640/Misi_n_imposible_2-629760853-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Sin embargo, éste primer enfrentamiento es un preludio de una adrenalínica lucha final en un clímax frenético. La pelea física entre Ethan y Sean, cuerpo a cuerpo, es una extrapolación alegórica de una mutua violación. Mientras que cuando eran amantes usaban el sexo para dar placer al otro, en su enfrentamiento último convierten el acto sexual en una manera de hacer daño al otro. La espuma blanca que provocan las olas al romperse contra la costa rocosa es un simbolismo de la eyaculación de esperma que se produce en ese recíproco forzamiento sexual. </div>
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Ethan mata a Sean, y la película termina con el protagonista y Nyah juntos en un parque de Sídney rodeados de niños, la cámara se eleva y el último plano que vemos es un plano general del parque y, de fondo, la ópera de Sídney, en un ángulo que hace insinuar dos grandes pechos, y el puente de la Bahía de Sidney, mostrado como si fuera una polla erecta. Una sutileza visual de que Ethan y Nyah van a follar y tener hijos, muy parecido al último plano de “Con la muerte en los talones” (Alfred Hitchcock, 1959). La manera más cercana de ser explicito es ser sugerente. </div>
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“Misión: Imposible 2” no es la primera gran película en sugerir la homosexualidad del protagonista o de uno de los personajes principales. Antes ya ocurrió en propuestas como “Rebelde sin cusa” (Nicholas Ray, 1955), “Ben-Hur” (Willim Wyler, 1959), o “Espartaco” (Stanley Kubrick, 1960). Cabría esperar que, cuatro décadas después, no fuera escandaloso que el/la protagonista de una superproducción de Hollywood fuera homosexual de forma visible, y además se le/la viera manteniendo relaciones con otras personas de su mismo sexo, y además interpretados por actores famosos en producciones de acción o que fueran más allá de las comedias burlonas o los dramas intimistas sobre abogados con sida o transexuales con sida o clichés con sida. Resulta vergonzoso que la homosexualidad fuese tabú en las superproducciones hollywoodienses hace veinte años, y resulta más lamentable que lo siga siendo aún. Grandes o exitosas producciones como las tres películas de “John Wick”, los tres últimos episodios de “Star Wars”, “Alien: Covenant” o “Passengers” podrían haber tenido perfectamente protagonistas homosexuales. Al fin y al cabo, homosexualizar forzosamente a un personaje de ficción no es peor que la heterosexualidad forzosa. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-gu2AUGORfL0/XmPDi6Su-GI/AAAAAAAAEEA/P7zu94dQUCEMtfuSEaDSOrhxYoL7YMWpQCEwYBhgL/s1600/Misi_n_imposible_2-757142991-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-gu2AUGORfL0/XmPDi6Su-GI/AAAAAAAAEEA/P7zu94dQUCEMtfuSEaDSOrhxYoL7YMWpQCEwYBhgL/s640/Misi_n_imposible_2-757142991-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Sin embargo, y a pesar de la censura LGTBI perceptible en la película, “Misión: Imposible 2” no deja de ser una propuesta oportuna actualmente, pues trata de fondo un cuestión presenciable en cualquier época desde la invención de la Bolsa, lo peor que ha dado Bélgica a la humanidad, empatando con Leopoldo II. </div>
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En la película, el directivo de una farmacéutica fabrica un virus para poder vender la vacuna. Si no existe la necesidad del producto o servicio que vendes, crea dicha necesidad. A eso se le llama capitalismo, y si además crear dicha necesidad depende de causar miles de muertos, a eso se le llama doctrina del choque. Es lo que ocurre actualmente con el coronavirus, al que los mas-media han rebautizado como Covid-19, como si fuese una mascota olímpica, para que suene menos amenazante, la gente se confíe más y, por tanto, se contagie y tengan necesidad de una vacuna ya fabricada pero que las farmacéuticas esperarán unos meses y miles de muertos más a venderla para que la gente esté más desesperada y pague más por ella. Es lo mismo que ha ocurrido con el gel desinfectante, cuyo precio ha aumentado un 650% en Italia, y las mascarillas, que han subido un 1.700%. </div>
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En éste sentido, “Misión: Imposible 2” es tan premonitoria de la actualidad como lo fue “Enemigo público” (Tony Scott, 1998). La implementación de la doctrina del choque queda mostrada y denunciada socialmente en esta producción que la impresionante música compuesta por Hans Zimmer convierte en una epopeya sonora. Visualmente la película no es menos potente, pues se percibe un John Woo entusiasmado y apoyado por un brillante trabajo de fotografía y montaje. No cabe negar que la segunda entrega de esta saga cinematográfica producida por Tom Cruise es una obra de autor, estéticamente no puede ser más evidente la firma del director. </div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-BgYsSwv_swE/XmPDhyWW0yI/AAAAAAAAEDw/yBtZ2_z37ikjRYYgojflo_ST9mUKYsS5QCEwYBhgL/s1600/Misi_n_imposible_2-421515543-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="665" data-original-width="1600" height="266" src="https://1.bp.blogspot.com/-BgYsSwv_swE/XmPDhyWW0yI/AAAAAAAAEDw/yBtZ2_z37ikjRYYgojflo_ST9mUKYsS5QCEwYBhgL/s640/Misi_n_imposible_2-421515543-large.jpg" width="640" /></a></div>
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Tan diferente es esta “Misión: Imposible 2” del resto de películas de la saga (sobretodo de las tres últimas), que es la entrega en la que el protagonista actúa de manera más individualista, prácticamente él sólo hace el 80% del trabajo de su equipo. Partiendo de éste hecho, y de la base de tragedia griega en la que se sustenta la trama, parece casi inevitable que la historia parezca un melodrama de tintes épicos. </div>
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Y a pesar de tener un estilo wooniano tan descarado, la forma nunca resulta antepuesta al contenido, al contrario, la virtuosidad visual y sonora se presta al servicio de una historia en aparencia sencilla pero en verdad apasionante y socialmente crítica. </div>
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En conclusión. “Misión: Imposible 2” no es la mejor película de la saga, pero sí la que más se disfruta, mérito principalmente de John Woo y Hans Zimmer. Tanto es así, que dan ganas que estos dos genios vuelvan a participar en otra entrega de Misión Imposible.</div>
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Mi calificación es:</div>
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-gjjR9uUrWJ4/XmPDZZWmpnI/AAAAAAAAEDY/bCD7odoC45YiOCUPKBZowST-AEs4ERKEgCEwYBhgL/s1600/3ESTRELLAS.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="48" data-original-width="200" src="https://1.bp.blogspot.com/-gjjR9uUrWJ4/XmPDZZWmpnI/AAAAAAAAEDY/bCD7odoC45YiOCUPKBZowST-AEs4ERKEgCEwYBhgL/s1600/3ESTRELLAS.png" /></a></div>
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