Drug n' Roll

Criollito Súper Rock

2011-05-23T18:27:00.000-07:00

Cada vez más, se puede apreciar que existe una mayor cabida a la propuesta musical de bandas de la urbe. Esto se debe a la oferta de festivales, eventos, conciertos que los adeptos a la música presentan para manifestar su pasión. Gracias a estos acontecimientos, es posible disfrutar de bandas como Criollito Súper Rock.

La agrupación Criollito Súper Rock se formó en el 2005, fundado por Gabriel Rosmor (guitarra), Fabricio Campoverde (batería) y Néstor Aguirre (bajo). Concebida como un "Trio de Poder Instrumental", la banda tuvo buena acogida en los bares locales de Guayaquil, incluido el prestigioso cafe bar Diva Nicotina en el cual tocaron algunas fechas y donde llevó su propuesta de rock fusion sin la necesidad de una voz principal.

El trío grabó dos discos entre enero y febrero del 2006 titulados "Resabiado del Sur" y "Calaverín", los cuales fueron promocionados sin mucha presunción en la gira denominada "Música pa... una película ecuatoriana".

La Influencia musical del grupo proviene de experiencias anteriores a la formación de la banda. La principal de aquéllas, fue la vinculación a la música hindú y la religión Hare Krishna por parte de una compañera de Gabriel por aquel entonces. De esta manera Gabriel (guitarrista) conoció a Fabricio Campoverde (baterista) y a su vez a "Toño" (tecladista/bajista) y formaron el grupo: Vishnu Das, el cual se caracterizaba por sus líricas sánscritas (idioma antiguo de la India). Vishnu Das estaba influenciado por la banda británica de rock-psicodélico Kula Shaker, quiénes se hicieron conocidos por su interés en la cultura Hindú y compusieron temas en sánscrito utilizando instrumentos característicos de la India como la cítara y el tambura.

Vishnu Das se transformó en Criollito Súper Rock componiendo sus temas con la libertad y soltura más pura que se puede tener. "Nuestra propuesta es un rock sin complicaciones basado en la improvisación e idiosincracia musical de sus integrantes" asegura el guitarrista. A propósito del nombre Criollito, se da por la formación que tienen sus integrantes. Cada uno autodidacta y empírico en base a sus gustos e influencias. Es decir, son músicos natos.

Las canciones presentes en el disco "Música pa... una película ecuatoriana" presentan una particularidad muy importante: cada uno de los temas cuenta con historia afin al nombre que tiene. Además, los integrantes componen a lo "criollo" es decir, primero el nombre del tema, luego la composición. A esto se refieren con hacer las cosas a la "criolla". Son los casos de "El círculo perfecto", "Súper Drogo", "La Blusera", "Calaverín" entre otros.
Cabe destacar que el orden de los factores no altera el producto y se refleja claramente en las armoniosas composiciones.

Criollito, como es mejor conocido entre sus fanáticos, es una banda que tiene mucho por delante y están haciendo los preparativos para lo que será su siguiente disco, el cual contará con novedades como la inclusión de un integrante más, viejo amigo de Gabriel (guitarrista) y temas con letra.

Se viene toda una nueva etapa de esta banda, con conciertos, nuevo disco e integrantes. Promete arrasar con todo el súper rock que los caracteriza, que a lo criollo se han ganado la admiración y el respeto de los adeptos porteños.

Información: http://www.myspace.com/criollitosuperrock

A ritmo de Bossa Nova

2011-05-17T17:58:00.000-07:00

En los años 50 el jazz imperaba y era de gran influencia para el surgimiento de nuevos géneros musicales. En Brasil, un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro, combinaron la samba con el jazz, haciendo que la samba; un género movido, ardiente, callejero, público y ferviente redujera su fuerza melódica para llevarlo hasta espacios más reducidos y disfrutarlo tranquila y relajadamente. A esto se lo nombró Bossa Nova.

Joao Gilberto y Tom Jobim son considerados los padres de este género, aunque se le atribuye una influencia muy importante y marcada al músico Dorival Caymmi.

De la mano de estos músicos (Jobim, Gilberto) surgió el género con canciones como "Insensatez" "Desafinado" y la primera canción registrada del género: "Chega de Saudade" con arreglos de los músicos y la voz de Vinicius de Moraes. Cabe decir que Giberto, De Moraes y Jobim trabajaron juntos en la creación de muchos de los temas clásicos del bossa nova.

De entre estos temas que conducieron al bossa nova a un género tremendamente popular en Brasil se encuentra su hit, este es "Garota de Ipanema" la cual se considera la canción más conocida del género.

El bossa nova fue conocido posteriormente a nivel Internacional, como es el caso del estreno de la película Orfeo Negro, un film italo franco brasileño que ayudó a propagar el bossa nova con los temas "A felicidade" y "Manhã de Carnaval", que llegarían a ser clásicos de bossa nova y jazz. Por su parte, Stan Getz, un saxofonista de jazz estadounidense también fue de vital importancia para la propagación del género a nivel internacional, entre algunos trabajos hecho con músicos brasileños está la versión de "Garota de Ipanema", versión que también popularizó en estados Unidos el dúo Jobim - Sinatra.

El bossa nova marcó ampliamente la música popular brasileña, llevando a muchos músicos del país a ser conocidos ampliamente a nivel internacional e influir la música de otros países, reconociendo este género como de vital importancia en la música latina del siglo XX.

Ya sea con la historia de una chica procediente de Ipanema, del vaivén de las relaciones amorosas o hasta del simple caminar de un pato el bossa nova mantiene un estilo que está enriquecido en lo más simple de su interpretación con melodías sutiles pero llenas de armonía dignas de ser escuchadas y apreciadas.

El arte de hacer música en nuestros tiempos

2011-05-04T11:36:00.001-07:00

Es un hecho que gracias al continuo desarrollo de la música se aprecien cada vez más nuevos géneros. Sin embargo, la tendencia a dejar de lado el arte y llevarlo al puro marketing ha abierto una grieta entre la música y su fin: expresar una idea/sentimiento.

Puede que sea un punto de vista muy subjetivo, pero en la actualidad estamos invadidos de artistas y bandas que son parte del consumismo, víctimas de la mercadotecnia que dejan de lado su deseo por comunicar algo al mundo envuelto en melodías.

“Pobre Duende”, del grupo argentino Babasónicos, expresa una contundente crítica basada en la analogía de un cisne (las nuevas tendencias musicales) y el duende (rock, vieja escuela) y de cómo la primera ha "devorado" a la segunda.
Para los adeptos del rock n' roll es penoso que estas nuevas tendencias musicales de corte mercantil sea lo que impere en la actualidad, ya que como todo avance, se espera que sea mejor o mantenga las cualidades y estándares excepcionales de su predecesor.

Sin embargo, esto no se presenta de esta manera, ya que los ideales, el pensamiento, los puntos de vista y el sentimiento que se transmitían en antaño se han desvanecido de a poco con el paso del tiempo y tristemente sólo nos quedamos con el recuerdo vago de las leyendas que una vez mostraron a la humanidad por qué la música es el arte popular más importante del mundo.

“Pobre duende”, de Babasónicos, nos muestra la realidad personificada en un cisne tranquilo, hermoso como lo ficticio y blanco como la pureza, pero no más que eso... quizás una figura efímera de las apariencias en las cuales está sumida la sociedad conformista, envuelta en las apariencias como un rostro maquillado que esconde las imperfecciones de la piel. Mientras que el duende, ese ser mitológico, travieso, inquieto, acechador que mira con desdén esta realidad quiere transformarla, pero se ve abatido por aquellos que conforman el presente y lo desechan al triste pasado, donde una vez fue aclamado.

La música no tendría por qué ser un símbolo de marketing extremista. Si bien es cierto es un negocio como muchos, debe guardar en sí su esencia artística, porque, aunque popular, es un arte que sirve para manifestar nuestra subjetividad, siendo esta la vía más preferida por los humanos para expresarnos libremente y sin ataduras.

Tal vez a esta época le falte un poco de aquellos inconformistas de la vieja escuela, esos quienes a pesar de ser callados a tiros se pronunciaban tal cual. Aquellos que con inspiradas líricas honestas dejaron un legado imborrable para la historia de la música, quizá en estos tiempos nos falten los "agitadores de un medio conservador".

Los famosos antes de ser famosos.

2011-05-01T14:28:00.000-07:00

Muchos se preguntan qué hacían los artistas antes de tener fama y fortuna.

Algunos eran artistas desde temprana edad, otros se dedicaban a actividades completamente diferentes. A continuación unos cuantos ejemplos.

El Rey del Rock n' Roll, Elvis Presley, antes de agitar a las muchachas de los 60's y poner a bailar a todo el mundo que escuchaba sus canciones se dedicaba a conducir camiones por largas jornadas diarias. En los descansos cantaba con una guitarra de segunda mano regalada por sus padres.

Fergie, la vocalista femenina de Black Eyed Peas, trabajó prestando su voz a Sally, en los dibujos animados de Charlie Brown y Snoopy.

Ozzy Osbourne, artista, compositor y vocalista original de una de las bandas pioneras de Heavy Metal, Black sabbath, en su niñez fue lustrabotas y en su adolescencia trabajaba en un matadero. Ozzy tiene una conocida frase: "Cuando dejé la escuela quise ser fontanero, cuando escuché a los Beatles, quise ser un Beatle".

Steven Tyler vocalista de la famosa banda norteamericana de rock Aerosmith fue en sus inicios panadero.

La reina del pop, Maddona, se ganaba la vida como mesera en un Dunkin' Donuts de New York y como cajera en un Burger King. La chica material a pesar de haber logrado una beca de danza en la Universidad de Míchigan se veía forzada a trabajar por su cuenta para poder ganar algo de dinero.

Otros famosos:

David Bustamante fue albañil antes de entrar a "Operación triunfo"
Jennifer López fue recepcionista antes de ser actriz y posteriormente cantante
Mariah carey fue peluquera antes de iniciar su carrera en la música.
La cantante Sheryl Crow fue profesora parvularia.

Esto demuestra que ¡hay que trabajar mucho!

Jennifer López, una artista de récords.

2011-05-01T13:04:00.000-07:00

Jennifer Lynn López, conocida también como JLO, es la única artista que hasta ahora ha logrado un Récord Guinness obteniendo 3 números al mismo tiempo: Album, Single y Película.

Además, figura por la revista People como la artista hispana más influyente en los Estados Unidos, la artista latina mejor pagada de Hollywood y uno de los mejores traseros del mundo según el Libro de los Grandes Traseros (The Big Butt Book).

Putita

2011-04-28T22:08:00.000-07:00

"Derramas esa impresión de ser la acción que encarna la ternura, a tu alrededor no hay humildad, la Venus es caricatura."

Canción: Putita

Autor: Babasónicos

Álbum: Infame

Primer Concierto de Rock en 4-D

2011-04-27T21:31:00.001-07:00

Vincent Damon Furnier, mejor conocido como Alice Cooper presentará algo jamás visto, un concierto en 4-D.

El artista estadounidense de rock ofrecerá el 11 de mayo en el Reino Unido un show en forma de holograma en el Battersea Power Station, una planta ubicada en el sur de Lóndres.

El concepto de este concierto es básicamente un holagrama que proyectará el show con la banda en vivo. Un punto a destacar es que en 1973 Alice Cooper formó parte de la primera obra de arte en holograma expuesta en tercera dimensión, de la mano del artista catalán Salvador Delí.

Este concepto de show holográfico cuenta con una serie de efectos visuales que potencian lo real de las imágenes. Los pioneros de este tipo de arte fueron los asiáticos presentando conciertos de anime totalmente en 3-D. Sin embargo, Alice Cooper es la primera banda de rock de extensa popularidad global que ofrece un show de esta índole.

Este show único en su especie denominado The Jagermeister Ice Cold Event es muy exclusivo y los boletos para poder disfrutarlo son muy limitados así que estarán sujetos a una rifa previa inscripción en la página de evento de facebook del concierto patrocinado por el popular licor alemán Jagermeister.

Soñador

2011-04-27T21:20:00.000-07:00

"Aquel que cree que tiene el mundo en sus manos es un iluso, es un iluso porque en la vida hay cosas del alma que no se pueden comprar con dinero"

Canción: "Soñador"

Autor: Juanes

Álbum: Fíjate Bien

Robi Draco Rosa es diagnosticado con Cáncer

2011-04-26T14:55:00.000-07:00

El compositor y cantante portorriqueño fue diagnosticado con cáncer tras un seguimiento de 6 meses a las molestias presentadas en ese periodo. Finalmente, los doctores pudieron llegar a la conclusión de que Draco Rosa padece de un tumor cancerígeno en su abdomen.

La noticia se dio a conocer mediante una rueda de prensa en la que su representante dio a conocer la lamentable información.

El ex menudo enfrentará su lucha contra el cáncer en la clínica especializada Burnzynski Clinic.

Little Richard Collection - 2009

2010-09-16T19:38:00.000-07:00

Uno de los pioneros del rock n' roll ha dejado un invaluable legado de música que se puede constatar en esta entrega que recoge sus mejores éxitos a través de los años.

"Tutti Frutti", "Long Tall Sally", "The Girl can help it" y versiones de canciones famosas de otros artistas como es el caso de "Hound Dog" de Elvis Presley.

Un disco para coleccionar.

Tracklist

01 Little Richard - Lucille

02 Little Richard - Long Tall Sally

03 Little Richard - Whole Lotta Shakin' Goin On

04 Little Richard - Good Golly Miss Molly

05 Little Richard - Tutti Frutti

06 Little Richard - Rip It Up

07 Little Richard - Keep a Knockin'

08 Little Richard - Short Fat Fanny

09 Little Richard - Ooh My Soul

10 Little Richard - Jenny, Jenny

11 Little Richard - The Girl Can't Help It

12 Little Richard - Slippin' and Slidin'

13 Little Richard - She's Got It

14 Little Richard - I Don't Know What You Got

15 Little Richard - Money Honey

16 Little Richard - Without Love

17 Little Richard - Groovy Little Suzy

18 Little Richard - Talkin' Bout Soul

19 Little Richard - Baby Face

20 Little Richard - Only You

21 Little Richard - Goodnight Irene

22 Little Richard - Dancin' Around The World

23 Little Richard - Cherry Red

24 Little Richard - Blueberry Hill

25 Little Richard - Hound Dog

26 Little Richard - Goin' Home Tomorrow

27 Little Richard - Send me Some Lovin'

Link de descarga

http://www.mediafire.com/?mh1rqjtg7cepq4b

The Best of Jazz

2010-09-15T15:45:00.000-07:00

"The best of Jazz" es la biblia melódica de grandes temas e importantes compositores tratando de realizar una tarea sumamente difícil: compilar las mejores canciones de jazz.

En este disco podemos encontrar artistas de la talla de John Coltrane, Buddy Rich, Donald Byrd, Jimmy McGriff, Stan getz, Miles Davis, Wes Montgomory entre muchos más con composiciones enriquecidas por el estilo de cada artista así como la combinación de los sonidos de diferentes corrientes jazzísticas teniendo así muchos géneros apreciables como el jazz fusión, soul jazz, acid jazz entre otros.

Este disco es de los que se escuchan nos de los que se habla.

Tracklist

CD1

1.Herbie Hancock - Cantaloupe Island

2.The Buddy Rich Big Band - The Best goes on

3.Jimmy McGriff - The worm

4.Reuben Wilson - Orange peel

5.Jimmy Smith - Back at the chicken shack

6.Blu Mitchell -Hi heel sneakers

7.Wayne Shorter - Adam's apple

8.Lonnie Smith - Think

9.Hank Mobley - The turnaround part 1

10.Joe Henderson - Blue Bossa

11.Art Pepper - Mambo de la pinta

12.Richard 'Groove' Holmes - This here

13.Grant Green - The final comedown

14.Donald Byrd - Street lady

Link de descarga:

http://www.mediafire.com/?anmaghjea7ab80v

CD2

1.John Coltrane - Lazy bird

2. Miles Davis - Tempus Fugit

3.Stan Getz - Nice work if you can get it

4. Gil Evans - Bird feathers

5. Bud Powell - Ornithology

6. Sonny Stitt - i'm in the mood for love (every night at eight)

7. Stanley Turrentine & The three sounds - Willow weep for me

8. George Shearing - Midnight in the air

9. Kenny Burrell - Saturday night blues

10. Chet Baker - I get along without you very well (except sometimes)

11. Dexter Gordon - (It will have to do) Until the real thing comes along

12. Wes Montgomery - Stranger in paradise

13. Sonny Rollins - The old devil moon

14. Freddie Hubbard - You're my everything

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http://www.mediafire.com/?ioansd8iq7stsfd

High Times: Singles 1992-2006 Jamiroquai

2010-09-14T21:06:00.000-07:00

Si juntamos la vibrante música disco de los 80 con las melodías sugestivas del funk tendremos como resultado una combinación rítmica perfecta llamada Jamiroquai.

High Times Singles es una propuesta que busca mantener los éxitos de esta banda inglesa desde 1992 hasta el 2006 en un sólo disco. Canciones como "Cosmic Girl", "Runaway", "Emergency on planet Earth" y "Little L"y muchos hits más se encuentran entre los temas que componen este disco mezclando géneros desde el bossanova hasta la electrónica con su siempre característico ritmo funk.

Un disco que es necesario escuchar.

Tracklist

1. "When You Gonna Learn?" - (Emergency on Planet Earth)

2. "Too Young To Die" - (Emergency on Planet Earth)

3. "Blow Your Mind" - (Emergency on Planet Earth)

4. "Emergency On Planet Earth" - (Emergency on Planet Earth)

5. "Space Cowboy" - (The Return of the Space Cowboy)

6. "Virtual Insanity" - (Travelling without Moving)

7. "Cosmic Girl" - (Travelling without Moving)

8. "Alright" - (Travelling without Moving)

9. "High Times" - (Travelling without Moving)

10. "Deeper Underground" (Synkronized BonusTrack)

11. "Canned Heat" - (Synkronized)

12. "Little L" - (A Funk Odyssey)

13. "Love Foolosophy" - (A Funk Odyssey)

14. "Corner Of The Earth" - (A Funk Odyssey)

15. "Feels Just Like It Should" - (Dynamite)

16. "Seven Days In Sunny June" - (Dynamite)

17. "(Don't) Give Hate A Chance" - (Dynamite)

18. "Runaway" - (Nuevo tema)

19. "Radio" - (Nuevo tema)

20. "Half The Man" - (The Return of the Space Cowboy)

Link de descarga:

http://www.mediafire.com/?kl6hxj27ou82lwo

FFVIII Original Soundtrack

2010-08-19T09:31:00.000-07:00

Nobuo Uematsu, un genio de la composición de bandas sonoras para videojuegos desarrolló para la saga Final Fantasy, quizá la entrega más popular a la que le ha suministrado música, los soundtracks para complementar el videojuego en el plano musical.

Esta banda sonora conjuga música celta, clásica, de cámara, ópera y pop. Esta combinación permite que FFVIII se muestre épico y futurista ensamblando ambientes que incitan al jugador a introducirse en la historia y disfrutar de un título excelente.

A continuación los 4 discos que conforman esta joya de las bandas sonoras.

Tracklist

Disco 1

1 - Liberi Fatali
2 - Balamb Garden
3 - Blue Fields
4 - Don't Be Afraid
5 - The Winner
6 - Find Your Way
7 - SeeD
8 - The Landing
9 - Starting Up
10 - Force Your Way
11 - The Loser
12 - Never Look Back
13 - Dead End
14 - Breezy
15 - Shuffle Or Boogie
16 - Waltz For The Moon
17 - Tell Me
18 - Fear
19 - The Man With The Machine Gun
20 - Julia
21 - Roses And Wine
22 - Junction
23 - Timber Owls

Link de descarga: http://www.mediafire.com/?5ngjnknarmn

Disco 2

24 - My Mind
25 - The Mission
26 - Martial Law
27 - Cactus Jack
29 - Succession Of Witches
30 - Galbadia Garden
31 - Unrest
32 - Under Her Control
33 - The Stage is Set
34 - A Sacrafice
35 - Fithos Lusec Wecos Vinosec
36 - Intruders
37 - Premonition
38 - Wounded
39 - Fragments of Memories (Orchestral)
39 - Fragments Of Memories
40 - Jailed
41 - Rivals
42 - Ami

Link de descarga: http://www.mediafire.com/?gzt5t8d5a14a4mi

Disco 3

43 - The Spy
44 - Retaliation
45 - Movin
46 - Blue Sky
47 - Drifting
48 - Heresy
49 - Fisherman's Horizon
50 - Odeka Ke Chocobo
51 - Where I Belong
52 - The Oath
53 - Slide Show-Part1
54 - Slide Show-Part2
55 - Love Grows (orchestral)
55 - Love Grows
56 - The Salt Flats
57 - Trust Me
58 - Silence And Motion
59 - Dance With The Balambfish
60 - Tears of the Moon
61 - Residents
62 - Eyes On Me

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Disco 4

63 - Mods de Chocobo
64 - Ride On
65 - Truth
66 - Lunatic Pandora
67 - Compression of Time
68 - The Castle
69 - The Legendary Beast
70 - Maybe Im a Lion
71 - The Extreme
72 - The Successor
73 - Ending Theme
74 - Overture

Link de descarga: http://www.mediafire.com/?ozcxzmc44tz

Nowhere Boy, el filme de la historia de John Lennon

2010-05-13T15:06:00.000-07:00

Imagina… la niñez de John Lennon. Liverpool, 1955: un problemático e inteligente joven está hambriento de experiencia. En una familia llena de secretos, dos increíbles mujeres luchan por John: Mimi la “abotonada” tía que lo crió y Julia la madre pródiga.

Anhelando una familia normal, John se escapa hacia el nuevo y excitante mundo del rock n’ roll dónde en su precoz genialidad encuentra su alma gemela en el adolescente Paul McCartney.

Sin embargo, tan pronto John comienza su nuevo rumbo una tragedia golpea su vida, pero un joven resistente encuentra su voz y a la vez un ícono que explota en el mundo.

Esta es la historia de Nowhere Boy, la vida de John Lennon, desde sus 15 años, hasta la formación del grupo Los Beatles.

Esta película acerca de la juventud del fallecido Vétale se estrenará el 28 de mayo a nivel mundial.

Fuente:

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Woodstock, el festival cultural que cambió al mundo

2010-04-07T11:17:00.000-07:00

Los años 60 fueron muy agitados en Estados Unidos y en el mundo. En esta década muchos acontecimientos hicieron historia, desde la construcción del Muro de Berlín hasta la llegada del hombre a la luna. Pero también el campo artístico y cultural se destacó ampliamente en una explosión de manifestaciones libres y expresivas. Woodstock es quizá la representación más fidedigna de este fenómeno que albergaba en sus cimientos la contracultura hippie y a la música popular partiendo de la ideología de ir contra el sistema, divertirse libremente y estar en paz, acontecimiento que probó que la juventud era un potente motor de expresión que podía cambiar al mundo, al menos por un momento.

El festival denominado “Una exposición Acuariana, 3 días de paz y música” fue un concierto masivo desde el 15 hasta el 17 de agosto de 1969 donde actuaron muchas bandas de Estados unidos y de otros países como, por ejemplo, Inglaterra e India. El recital acogió a aproximadamente a 500.000 personas superando las expectativas de los organizadores quienes esperaban 60.000 asistentes. Este factor numérico es muy importante para el festival, ya que la congregación del público provenía de todas partes del mundo, de diferentes culturas con el único objetivo de disfrutar de la música y de la paz. A pesar de las cifras, se estima que al menos 250.000 personas no pudieron llegar.

Las arenas de Woodstock se revelaban plagadas de gente desestrezada, distendida a lo largo del campo sin ningún tipo de preocupación, disfrutando de música de diferentes géneros, ya sea escuchando estribillos de guitarra por Santana, o fuertes descargas de rock por The Who o meditando con las espirituales melodías de Ravi Shankar los asistentes se mostraban complacidos y extasiados por el festival. No había horarios específicos, al punto de tocar maratónicamente toda una noche hasta el siguiente día sin parar, factor que sin duda ensalzó el recital.

Woodstock se convirtió en el ícono de una generación juvenil rebelde en contra del sistema y la política, por esta razón, muchos de sus asistentes formaban parte de la entonces popular contracultura hippie, movimiento que pregonaba la revolución sexual, fomentaba el amor libre y usaban estupefacientes para alcanzar un estado alterado de la mente en rechazo a las concepciones homogéneas del sistema. Estas manifestaciones libertinas permitieron que existiera una oposición muy marcada de la Guerra de Vietnam, por ejemplo. El rechazo a este enfrentamiento bélico ganó adeptos juveniles y promovieron la paz para el cese al fuego y poder acabar con el sufrimiento que trae consigo una guerra.

Una prueba concisa de este rechazo a los conflictos se dio cuando Jimi Hendrix, aclamado y virtuoso guitarrista tocó al inicio de su presentación el himno nacional de los Estados Unidos con su guitarra eléctrica distorsionada para demostrar que, aunque estuvieran en contra de la política militar de su país, seguían siendo estadounidenses, ya que algunos los tachaban como un movimiento anti Estados Unidos.

Además de estas expresiones de paz, el festival sirvió para demostrarle al mundo la “otra cara de la sociedad”, es decir la contraparte de las reglas, el orden y el estándar que regulan los comportamientos sociales y que forman parte de la “normalidad”. Por esta razón, las noches del festival estuvieron cargadas de intensas sesiones de sexo y drogas sazonadas con música rock.

Woodstock se convirtió en una fiesta donde miles de jóvenes disfrutaban libremente de música y de libertinas experiencias, pero el trasfondo del concierto se encuentra más allá. El festival demostró también que la juventud se podía congregar junta y unida en un solo espacio sin que hubiese de por medio factores externos como la nacionalidad, el idioma, la raza, entre otros elementos, sin violencia. El mensaje de Woodstock se traduce en el sentido de “abrir los ojos al mundo” y demostrar de lo que la juventud puede hacer, de que las concepciones sociales y el sistema son en, algunas ocasiones, erradas cuando de nacionalismo, de conflictivismo y de patriotismo se trata, en el caso de las guerras. Además, otro mensaje de Woodstock al mundo fue “aquí estamos haciendo música y expresándonos sin violencia, negros, blancos, asiáticos, haciendo cultura, construyendo historia y velando por la tan ansiada paz” en detrimento de la apariencia, de la ideología y de las construcciones sociales y familiares.

El mundo se transformó, los jóvenes evolucionaron en emprendedores capaces de poder expresarse, de manifestar sus culturas, incluso. Woodstock fue el exordio de una generación inconforme con la sociedad, unos “agitadores del mundo conservador” que buscaban valores como la paz y el amor fundamentados en las expresiones artísticas.
La música del festival fue el medio para expandir esta empresa. Entre grupos y bandas se logró llegar a más de medio millón de personas presentes y mediante el séptimo arte a todo el mundo.

Es un hecho que en la actualidad existen todo de tipo de expresiones artísticas, políticas y culturales. Sin embargo, no todas se muestran como pacíficas, sino con un aire destructivo, casi bélico que destruye todo tipo de manifestación libre. Los jóvenes son un potente motor de expresión que podía cambiar al mundo, al menos por un momento, pero necesitan la forma adecuada para poder hacerlo, sin violencia, para demostrar que la rebeldía no consiste en ir en contra del sistema o del común denominador de la sociedad con ataques terroristas sino expresarse en contra de una idea que no gusta, que no convence, que implique que las minorías sean también escuchadas y atendidas y formar una sociedad más abierta y más pacífica.

Daft Punk más fuerte y mejor que nunca

2010-03-29T08:24:00.000-07:00

La animación es un recurso que se ha usado desde hace ya algún tiempo en la elaboración de videoclips. Uno de los grupos pioneros en esto ha sido el grupo francés Daft Punk. Otras bandas como Gorillaz y Linkin Park siguieron sus pasos con buenos resultados, lo que nos hace pensar en los detalles y factores que convierten al video “Harder Better Faster Stronger” en una pieza maestra audiovisual.

El misterio, la incógnita y la innovación constituyen los pilares sobre los que se erigió este dueto a inicios de los 90s. Sus videos se caracterizan por la presentación de personajes animados, al igual que sus presentaciones en vivo donde los Djs aparecen con máscaras futurísticas que amenizan sus espectáculos. “One more time” y “Harder Better Faster Stronger” constituyen sus mejores producciones en videoclip por las historias que desarrollan sus personajes animados y la gran calidad visual que presentan.

La trama del video gira en torno a esta banda de rock alienígena que es secuestrada y convertida en humanos; su piel pintada, sus recuerdos borrados para de esta manera “mejorarlos, hacerlos más fuertes y más rápidos”. Al final de todo este proceso aparecen ya con un aspecto humano y accesorios fashionistas frente a un productor musical quien al verlos deja escapar una expresión de satisfacción ya que ahora con esos seres modernizados podrá sacar mayores ganancias.

Un punto que deja en claro que, pese a los casi diez años del lanzamiento del video esta sigue vigente, es que el rapero y cantante de hip-hop Kanye Westen 2007 lanzó un sencillo llamado Stronger, cuyo coro tiene partes del coro de Daft Punk con modulaciones, lo que nos da una pequeña idea del impacto que tuvo en la cultura pop “Harder Better Faster Stronger” que alcanzó un gran éxito reconocido en las revistas especializadas como Spins, Rolling Stones y al mantenerse en puestos de privilegio en los rankings de MTV.

Cabe resaltar que la elaboración y producción de un video conlleva más trabajo y tiempo que un videoclip corriente, y el producto final de Daft Punk es una obra bien hecha y pulida en todos los detalle. No son solo palabras de otro admirador de Daft Punk, pero al César lo que es del César, y “Harder Better Faster Stronger” al igual que otros videos de este dúo se convirtió en un himno y símbolo de la cultura noventera y de principios de milenio que sigue gustando de sonidos retro y funky.

Texto por Rolando Gilbert

The New Beatles?

2010-03-19T14:28:00.000-07:00

Imagínense una nueva banda de Beatles, nada más y nada menos con sus propios hijos, portando tan legendario legado que sus padres han dejado a la humanidad.

Los hijos de cada uno de los beatles son muy parecidos, todos músicos, ¿por qué no?

A continuación unas fotos para hacerse a la idea de como se verían si se unieran en el escenario.

Zak Starkey

James y Paul McCartney

Dhani Harrison

Sean y John Lennon

Deep Purple, la banda más ruidosa del mundo en los 70 según los record Guiness

2010-03-19T07:14:00.000-07:00

Deep Purple, banda de hard rock formada en 1968 ostentó en los años 70 el título de "la banda más ruidosa del mundo" según el libro Guiness de récords.

este título se le atribuyó por sus presentaciones duras y performance pesadas, llenas de canciones enérgicas que ambientizaban el lugar dónde se presentaban en un verdadero nicho lleno de poderosos ritmos musicales acompañdas de las agudas líneas de sus vocalistas.

Sin embargo, el título le fue conferido a Deep Purple, aunque a The Who se lo llamaba "la banda de los 100 pasos" ya que para poder escucharlos se debía estar a esa distancia o de lo contrario podría "reventar los tímpanos".

Actualmente el título de banda más ruidosa lo tiene el grupo Manowar, grupo estadounidense que rompió el récord de la banda con el sonido más potente del mundo, atribuído en el 2008.

¡Happy Birthday Jimmy Page!

2010-01-09T07:16:00.000-08:00

Uno de los más aclamados guitarristas de la historia cumple 66 años el día de hoy. James Patrick Page legendario guitarrista de la mítica banda Led Zeppelin ha sido a lo largo de su carrera como uno de los más influyentes guitarristas para las nuevas generaciones.

"Zoso", como se apodaba también, ha contribuido al desarrollo del rock no sólo en música y técnica sino también en la performance en vivo. Cooperó junto con colegas de la época como Hendrix a establecer las formas de un guitarrista de rock, desde su peculiar vestimenta hasta la gestualidad a la hora de tocar el instrumento de seis cuerdas.

Estas características inventaron a nuevos ídolos de la guitarra como es el caso de Slash, reconocido guitarrista quien afirma que fue altamente influenciado por Page hasta en la guitarra con la que toca, la épica Gibson Les Paul.

Sin duda hay mucho que decir sobre Jimmy Page, pero basta tan sólo escuchar el magnífico solo de "Stairway Heaven" o los riffs feelings de "Since I've Been Loving You" para reconocer a este maravilloso guitarrista.

A continuación Page a los 14 años de edad en un show de talentos musicales

Jimmy Page "Number Two" Les Paul

2009-12-28T13:24:00.000-08:00

La Gibson Custom Shop ha anunciado el Gibson Custom Jimmy Page Number Two Les Paul Limited Edition guitar modificado por el legendario Jimmy Page sí mismo.
He aquí su comunicado de prensa...

Cada músico sabe que a finales de los años 50 Sunburst era muy dificil de conseguir una Les Paul Stardust. La obtención de una impecable y ejemplar '59 'Burst modificándolo para obtener un rendimiento elevado y muy amplias opciones tonales es lo que Jimmy Page ha hecho realidad para estos tiempos.

Eso es exactamente lo que el legendario guitarrista de Led Zepplin, quizá el guitarrista más icónico de Les Paul hizo con su '59 Les Paul Standard y ahora, gracias a los esfuerzos extremos de Gibson Custom Shop y la cooperación íntima de Jimmy Page es posible el "Number Two" para meros mortales como en el '59.

Producido en número estrictamente limitado, con dos niveles de envejecimiento, esta guitarra captura la mirada, la sensación, el sonido y la versatilidad de uno de los mayores artistas de propiedad de Les Paul de todos los tiempos, y es probable que desaparezca de los distribuidores autorizados de Gibson en el registro de tiempo.

La Les Paul 1959 que ha llegado a ser conocido como "Number Two" fue comprada por Page en 1973, después de probar durante un tiempo para adquirir una excepcional segunda Les Paul.

Esto fue varios años después de haber adquirido su otra legendaria Les Paul-"Number One", un '59 'con Burst afeitado, perfil del cuello hacia abajo y sin número de serie-de Joe Walsh. "Number Two" fue esencialmente todo original cuando se adquirió. Jimmy tuvo que hacer algunas modificaciones a la forma del cuello de modo que sería más cerca de igualar la sensación de su "Number One".

Tenía un fuerte acabado sunburst, hermoso con un elemento de color rojo que se había desvanecido a un color ámbar oscuro de color marrón, junto con un número de serie claro que data de 1959. Page ha tocado con esta Les Paul con frecuencia a través de sus días con Led Zeppelin, y a principios de los 80 decidió hacer de él un instrumento aún más versátil.

Page añadió que quería "explorar la gama completa de lo que los dos humbuckers tienen que ofrecer". Diseñó un sistema de conmutación para la separación de la bobina, serie / paralelo, y la fase inversa de opciones para ambas pastillas, y contrató a un técnico electrónico especializado para diseñar un esquema de trabajo y hacer de su sueño una realidad sonora.

Sólo 325 ejemplos se producirán en total: Los primeros 25 instrumentos deben ser años de cosecha del maestro de la reproducción Tom Murphy que inspeccionó posteriormente, tocados, autografiados y numeraos por Jimmy Page personalmente. Un adicional de 100 guitarras se le dará el tratamiento del envejecimiento extenso y 200se terminaron con las especificaciones de Gibson VOS.

Led Zeppelin, Gods of Rock on the Celestial Staircase

2009-12-28T12:59:00.000-08:00

Young rock enthusiasts of the 21st century, those of you who listen to your music on a little shiny thing with earphones and who read only on an LCD screen, come near and we your grandparents shall tell you of a long-ago time when men with Gibsons were the knights errant of the land, striding across stages shrouded in mist, soloing at great length! What’s that? You don’t really know what Led Zeppelin is or was? And you’ve never read that salacious earlier biography, Stephen Davis’s “Hammer of the Gods”? Well, do I have a story for you. Or at least this Mick Wall does, this fellow from England who has also written or co-written definitive biographies of Ozzy, Bono and Iron Maiden.

The back story is like this: A hot session guitarist named Jimmy Page kills some time in a band called the Yardbirds (“Shapes of Things,” etc.) until he decides he can do better by assembling the New Yardbirds — except that he is unable to lure away the Who’s rhythm section, which he devoutly wishes to steal, or Steve Marriott of Small Faces, a singer of note. He settles instead for a couple of country yokels, Robert Plant and John Bonham, vocals and drums respectively, and another somewhat frustrated session dude, John Paul Jones, who plays the bass. Of these, Page is most happy about Bonham, who hits the drums as if he is trying to affect seismic activity in the British Isles. About the singer, who is very good looking, he’s not sure. Page doesn’t pay much attention to the bass player at all.

The band performs its first gig within weeks of its initial rehearsal and books time in the studio not long after. Mostly they borrow their material, in Wall’s account, which means they take other people’s songs and change them very little. If this were literature, young rock enthusiasts, these songs would amount to instances of plagiarism, but since this narrative takes place not long after the folk revival and some of these Zeppelin songs were trad, adopted from earlier folk and blues pieces, the band somehow, at least initially, escapes with changing a couple of lines and giving the song a new title — “Black Mountain Side” instead of “Black Water Side,” and so forth. Turns out that a lot of Led Zeppelin stuff was “borrowed” to one degree or another, including “Dazed and Confused,” “Whole Lotta Love,” “When the Levee Breaks” and even (yikes!) their biggest, most gargantuan hit, a track called “Stairway to Heaven” that most of us have now heard so many times we would rather die than hear it again. Some people, according to Mick Wall, believe the opening guitar lines of “Stairway” were filched from the band Spirit.

Notwithstanding their compositional deficits, Zeppelin has that elusive band chemistry, and so they make some more albums, which sell really shocking numbers of copies, tens of millions, and between albums they tour the United States a lot, and do really horrible, morally offensive things to young women who offer themselves up for delectation.

We used to think, young rock enthusiasts, that this behavior was somehow marginally explicable, and that is the big difference between this book about Led Zeppelin and earlier books. For example: included herein is the famous story of the groupie and the shark, which has been dealt with elsewhere at some length. This bit of lore is now so upsetting and so repellent that it makes you never want to listen to the band again. Nor do the band’s demurrals on the groupie issue convince you otherwise. (Robert Plant: “The thing people forget when they tut-tut about this stuff is what a laugh we were having. People have a tendency to look back on the band as this dark force spreading its wings when we were just young guys, having a good time. The main thing I remember most about those days now is the laughter.”)

And then there is the Aleister Crowley part of the story. Back then, you see, people had their alternative spiritual systems. This inspired them to create, I suppose, and so this guy Page, he went in search and came up with a very recondite philosophical backwater. He got into this necromancer, Crowley. How did the Crowley program work exactly? Wall, in perhaps the very best and most cogently argued section of his account (which often manages elsewhere to feel both rushed and repetitious), does include a great deal on exactly what Crowley’s Ordo Templi Orientis stood for, among which was, “heterosexual magickal acts (adoration of the phallus as the microcosmic counterpart to the sun)” and “masturbatory and autosexual techniques (referred to as the Lesser Work of Sol).”

The weird symbols with which the band adorned its fourth album? Those were Crowley-influenced pictograms, including that sort-of word “ZoSo,” which, in the bedrooms of high school students, we believed was some kind of obscure album title. In fact, it appears to be a reference to Crowley’s 666, or that’s what Wall thinks, and it is Page’s very own icon. Even “Stairway to Heaven,” the aforementioned monster hit, the one that Dolly Parton later covered, was not free of its Crowley-esque imagery (ascending into light being a Luciferian conceit), though Robert Plant, the singer, wrote the lyrics, not Page.

Of course, there were intoxicants in profusion! Perhaps as a result of these, the effective period of Led Zeppelin was brief. In Wall’s view, it lasted only from 1968 until 1975. By then, the neglected bass player had already tried to resign once, and the drummer, who used to get so violently homesick on tour that he had to throw things out the window and pull guns on people, began compensating for his pain by drinking truly voluminous amounts. After 1975, the curse of Led Zeppelin (meted out specifically by Kenneth Anger, another Crowley disciple, after he was ejected from the Page residence) took effect, and Plant was in a horrible car accident, and then his son died, and then Page dwindled into a prolonged period of heroin addiction.

Finally, John Bonham managed to abbreviate his unhappiness once and for all by consuming the equivalent of 40 shots of alcohol in one day, of which Page says: “The thing is, it wasn’t new to us to see Bonzo drink and pass out. I knew a lot of people who used to do that. Maybe in this day and age it might ring alarm bells. But in those days it was the norm within the sort of people that you knew.” After Bonham’s death, the remaining members disbanded.

Young rock enthusiasts! The thing that this sensational material neglects is the music. In Wall’s biography you will learn that Page has voted Tory repeatedly, and you will learn that Peter Grant, the Zeppelin manager, also snorted mountains of cocaine and was very large, and you will also get very many italicized second-¬person portions of the text — the deep history — passages that are more showoffy than necessary but easily skimmed.
What you may not get enough of is the astonishment of the music. Because, no matter how horrible they were as people — and, frankly, they do seem as if they were rather unlikable people who wasted immense talent in a spendthrift fashion — the music is still remarkable, even when borrowed.

What enabled that spooky end section of “When the Levee Breaks,” which used to give me the chills when I first heard it in the eighth grade? What about Robert Plant’s amazing harmonica solo on “Nobody’s Fault but Mine,” on the considerably underrated “Presence”? And what about the Indian strings on “Kashmir”? Whose arrangement? And beyond saying that Page and Bonham banged out most of “Kashmir” by themselves, what accounts for this mesmerizing and timeless composition? And is it really possible that John Paul Jones has nothing to say, though many of the really interesting frills and ornaments are his? The tamboura on “In the Light,” or the electric piano on “No Quarter” or the lovely faux-Cuban piano riff on “Fool in the Rain.” Should we not, young rock enthusiasts, use language, use paragraphs, to account for these splendid moments?

Maybe this is arcana. And maybe the time for arcana is past, the time for the picayune details of dinosaur rock — such that it’s the dirt, not the song, that remains the same. Maybe some publisher was looking over Mick Wall’s shoulder saying, “Put more about the shark incident in there!” Or maybe the members of Led Zeppelin are themselves somewhat to blame, as Robert Plant muses aloud at one point, despairing of the true story ever getting out: “We thought it was time that people heard something about us other than that we were eating women and throwing the bones out the window.” Indeed! Wall is conflicted enough about the facts that he allows this mythologizing title to be appended to his work: “When Giants Walked the Earth.” But these were no giants, these were just young people, like you, who for a time happened to have more power and influence than was good for them. In the midst of it all, they made extraordinary music.

By Rick Moody

Published: December 24, 2009 - The New York Times

Ringo dice: "Y Not"

2009-12-27T21:11:00.000-08:00

Por primera vez, Starr produce por sí mismo en su álbum muy personal. Ringo se unió en “Y Not” por viejos y nuevos amigos como Paul McCartney, con quien Starr canta en “Y Not” el sorprendente primer single, "Walk With You", una nueva canción en movimiento sobre el poder de la amistad.

A lo largo de la historia, los grandes artistas de todo el universo se han atrevido a preguntar "¿Por qué?" El 12 de enero de 2010, un hombre valiente llamado Ringo, finalmente declara audazmente la respuesta final – “Y Not”.

Por primera vez en una de las carreras más duraderas e ilustre de la música popular, Ringo Starr ha decidido tomar las riendas y producir él mismo. El resultado es quizás el álbum más personal e impresionante de toda su carrera en solitario de esta leyenda del rock. ¿Cómo ha podido Starr finalmente localizar el productor absolutamente perfecto para trabajar con él? "Bueno, me miró en el espejo," Ringo dice con una sonrisa. "Y me veía muy bien ese día”.

Starr tomó la decisión de asumir un papel más fuerte en la grabación de su último álbum. "Yo no lo hice al principio," dice Starr. "Yo era el que menos participaba en la producción de los registros de los Beatles. Y entonces, con mis discos en solitario, he trabajado con algunos otros grandes productores como Richard Perry, Arif Mardin, y Don Was. Así que me pareció como que es la forma en que iba. Luego, de repente, es otro punto en su vida, y ustedes dicen: "voy a hacer esto ahora." Así que voy a estar produciendo algo a partir de ahora. Esa es la buena noticia. Es una cosa de confianza, supongo. “Y Not” es realmente otra forma de decirme: "Yo, sí puedo".

Ringo se encuentra liderando un grupo más pequeño núcleo de nuevos y viejos amigos incluyendo al camarada de toda la vida y el hermano de los últimos-en-ley Joe Walsh, Dave Stewart y desde hace mucho tiempo Steve Dudas en la guitarra, Benmont Tench de Tom Petty and The Heartbreakers en los teclados, Don Was y Mike Bradford en el bajo. El álbum también cuenta con el ingeniero de Starr y co-productor Bruce Sugar en los teclados, así como algunos invitados especiales como Edgar Winter en cuernos y saxo alto, y Joss Stone, Ben Harper y Richard Marx en la voz, Ann Marie Calhoun en el violín y Tina Sugandh - Tina aka The Girl Tabla - en la tabla y canto.

Sin embargo, ningún colaborador destacado en “Y Not” es probable que reciba tanta atención como el ex compañero de Starr y antiguo compañero Paul McCartney, que añade una parte del bajo característicamente a la brillante e inspiradora “Peace Dream” – el motivo más sincero de Starr de paz y de amor -- e incluso más en particular, ofrece su voz inconfundible fabuloso "Walk With You", una nueva composición exquisita por Starr y Van Dyke Parks.

"Walk With You" es una meditación espiritual sobre el poder de la amistad duradera, y la participación de McCartney inspirada en la pista fue un testimonio de la generosidad de McCartney de espíritu y talento musical. "Paul estaba haciendo los Grammy, por lo que se acercó a la casa y estaba tocando el bajo en “Peace Dream". Así que tocó esta otra pista y Paul dijo: «¡Dame los auriculares. Dame un par de latas. Y se fue hacia el micrófono y se acaba de inventar esa parte donde se sigue en mi voz. Eso fue todo Paul McCartney, y no puede haber nada mejor. Se hace más grande y se hace más completo. Esto hace que la canción sea como una conversación entre nosotros, y que fue idea de Paul a hacer una parte de su ritmo detrás de mí. Es por eso que es un genio y un bajista increíble. "

De hecho, hay un montón de talento en exhibición durante todo “Y Not”. Puntos culminantes incluyen aquí "Rellenar espacios en blanco," la apertura de balanceo del álbum completo por escrito, interpretado y cantado sólo por Starr y Walsh. Luego está "El otro lado de Liverpool," una canción autobiográfica que revela que explora los primeros y más oscuros días de Starr. "La gente cree que yo nací, era un Beatle y vivía en una casa grande", explica Starr. ¿Y de donde yo vengo era un barrio violento muy oscuro, húmedo. Yo quería escribir sobre mi vida, y yo voy a hacer esto ahora en cada álbum. Es mejor para mí que hacerlo en un libro. En dos líneas puedo decir lo que tendría en cinco páginas. Como dice la canción, "The other side of Liverpool is cold and damp/Only way out of there/drums, guitar and amp."

Starr ya estaba especialmente emocionado con una revisión temprana para el primer álbum que produjo que vino de alguien que ayudó a producir también. "Acabo de tocar para mi hijo Zak," explica Starr. "Y Zak fue tan grande. Él dijo:" Papá, es genial. “This rocks!” Debería haber estado haciendo esto para siempre. Es bueno que viene de su niño, sobre todo porque es un baterista muy bueno. "

Escuche usted mismo. Y escuchar a Ringo Starr - también un baterista realmente bueno - haciendo exactamente lo que debe hacer hoy y siempre.

¿Por qué?

”Y Not”.

"All Together Now" nominado para un premio grammy

2009-12-27T21:07:00.000-08:00

"All Together Now", el documental sobre la realización del proyecto de The Beatles y del Cirque du Soleil "The Beatles: LOVE", está nominado para un premio Grammy en la categoría Video Musical Versión Larga (Adrian Wills, director de video, Martin Bolduc & Jonathan Clyde , productores del video).

"All Together Now", detalla la historia detrás de la alianza única entre Los Beatles y el Cirque du Soleil que resultó en la creación y el 2006 el lanzamiento de "LOVE", la fase de producción aún a teatro llenó en The Mirage en Las Vegas.

La película también documenta la creación de música de la serie, el álbum de los Beatles experimental sonoro del mismo nombre que obtuvo dos premios Grammy para los productores Sir George Martin y Giles Martin en las categorías de Álbum de Banda Sonora de compilación Motion Picture, la televisión u otro medio visual y Surround Sound Album.

La 52 ª Entrega Anual del GRAMMY se presentará Domingo, 31 de enero 2010 en Los Angeles.

La fantasía hecha música

2009-12-27T19:37:00.000-08:00

La palabra "ambientar" como definición según la Real Academia Española es proporcionar a un lugar un ambiente adecuado, mediante decoración, luces, objetos, etc.

Las bandas sonoras son un factor importante en la realización de una producción audiovisual, como el cine, por ejemplo. También lo es en la realización de videojuegos. En este último forma parte esencial de la producción del mismo, ya que al no existir un plató o un equipo humano llamado actores ni elementos narrativos que permitan discernir la idea del director en los espectadores la ambientación musical ocupa un papel funcional para el desarrollo escénico del videojuego.

Escénico, sí, en efecto, ya que no es sólo una musicalización para servir al videojuego como un "producto audiovisual" sino como una adaptación de este al espectador, es decir una orientación melódica que permita tener sensaciones.

Títulos como Final Fantasy y Chrono Cross dan prueba de la importancia y del nivel ambiental musical que puede llegar a tener la banda sonora. Y es que el éxito de estos juegos no se daría si no contara con tal acertada música ya que, en un sentido más crítico, no es sino el alma del videojuego, la percepción a tal grado que puede llegar a convertirse en sensaciones. Y esto se logra trastocando al videojugador, como cualquier banda, o músico, o cantante al cual se es fanático o simplemente la canción feeling que nos hace sentir aquello.

Dicho sea de paso, la composición de estas piezas ambientales para la banda sonora corresponden a una visión en particular. Llevan consigo la misión de ubicar u orientar al espectador, pero como en todas las cosas existen composiciones que van más allá de la consigna y establecen o rompen esquemas.

Sujetos como Nobuo Uematsu y Yasunori Mitsuda (Compositor de la banda sonora de Final Fantasy y Chrono Cross respectivamente) son aquellos quienes dieron dieron un giro a los esquemas preestablecidos de la sonorización de un videojuego. Este dato es empírico y meramente subjetivo, pero las piezas de estos compositores japoneses "se oyen por sí sola".

Un recorrido por las composiciones de estos músicos nos muestra que los videojuegos no sólo traen consigo la misión lúdica de entretener sino que cuentan historias a veces interesantes que contienen las piezas más exquisitas que se puedan oír. Estoy seguro de que Sephiroth sin "One Winged Angel" no fuera el antagonista perfecto de una saga inigualable ni el intro de Chrono Cross sería el mismo si "Scar" no sería la obertura de tan espléndida historia. Quizá no sólo no fuera el mismo, simplemente no sería nada.

26 de diciembre - Magical Mystery Tour

2009-12-26T19:08:00.000-08:00

En este día en 1967 - La película de The Beatles, "Magical Mystery Tour", se estrenó en la BBC-TV ante a una audiencia perpleja. La película fue bien recibida y obtuvo una buena crítica.