ECCOLO! VALLENATO!

El nuevo oscurantismo del vallenato

2012-02-11T09:57:00.003-05:00

Por Adrián Pablo Villamizar (Rey de la canción inédita. Festival vallenato 2011)

Que un bien intangible sea considerado Patrimonio equivale a nombrarlo tesoro. Los tesoros inmateriales, anteriormente conocidos como Obras Maestras de la Tradición Oral, son un elaborado producto de los tiempos dentro de una matriz cultural singular e irrepetible. Por razones propias y previsibles del movimiento perpetuo de esas matrices culturales, la fuerza que generan los tesoros de la Tradición Oral tiende a disiparse y finalmente a perderse con el paso del tiempo y la influencia constante de la modernidad con todas sus contracorrientes culturales. Estas últimas no son sino la versión contemporánea y feroz de las mismas corrientes que a su vez crearon el fenómeno o elemento desde sus inicios, hasta adquirir la forma y el contenido conocidos. El vallenato no nació como lo cantó el viejo Emiliano Zuleta o como lo tocó Luis Enrique Martínez, muchas cosas fueron mutando hasta establecer una forma por muchos apreciada, que no requiere exhaustivas explicaciones, y menos para las comunidades involucradas en su gestacióny desarrollo. Es ese el saber no sabido, no aprendido que es la marca registrada de La cultura, de cualquier cultura.Los movimientos y cambios que con el tiempo fueron decantando sonidos, ritmos y saberes contaron con la aceptación popular espontánea para dar origen a esta hermosa musicalidad que nos convoca. Fueron perdurando los elementos y las formas que el pueblo mismo fue seleccionando dentro de sus preferencias, y las preferencias a su vez generando estilos, y los estilos a su vez determinaron escuelas, y así hasta obtener esta hermosa acuarela de versos y melodías, rutinas y rebrujes que constituyen al vallenato. Lo que no iba gustando se iba perdiendo y luego olvidando, pero todo fue un producto de lo que el pueblo-pueblo a través de su fascinación estética logró escoger como su música representativa.

Al iniciar el influjo mediático, su trepidante accionar sobre las masas, algo que se vuelve brutaldes de mediados de los 80 hasta nuestros días, ya no es el pueblo quien escoge lo que debe perdurar dentro de su tradición sino los medios, que con su repetición y la estrategia pre-concebida de determinados clisés melódico-literarios, impactan el inconsciente colectivo y por ende el gusto popular; son ellos quienes dominan el panorama. Nadie puede triunfar sin pasarpor su filtro, y quienes fabrican la zaranda no necesariamente acreditan conocimiento o ascendientes dentro de la historia de nuestro canto vernáculo.Las comunidades van adoptando los nuevos cantares a medida que la música se va pareciendo cada día más a sus propio estilo de vida: fácil, rápida, ligera, sin compromisos. No hay tiempo para nada, ni para dialogar, ni para contemplar la naturaleza ni para elaborar un romance. La sociedadse adapta a esa velocidad y así lo hace la cultura y con ella su música. ¿Tenemos entonces, por nuestro propio desdén espiritual, la música que nos merecemos? Creo firmemente que a todo nivel vivimos una época de nuevo oscurantismo que desecha laprofundidad, la contemplación y el análisis por lo práctico, sintético e inmediato; son vacíos y clonados los cantos populares, como precarias y calcadas de Internet las tareas y trabajos escolares. Se está gestando una nueva sociedad de discapacitados espirituales en favor de hombres pragmáticos y parcos que no encuentran en el lenguaje del arte y la poesía un medio de elevación de la estética existencial. Y este fenómeno cultural-musical no fue exclusivo del vallenato: afectó por igual y en la misma corriente contemporánea la salsa y el merengue dominicano, ambos convertidos en una plataforma bailable de las baladas de los 80 y 90.La nueva música de estos 25 años de influjo mediático convirtió el vallenato-folclor en vallenato-género, y por ser género, como el rock, la salsa, el jazz, todo le cabe. Su adaptabilidad al momento social, su energía contagiosa, su musicalidad sencilla pero bonita, su función testimonial, lo hacen apetecido y apetecible por donde quiera que transita en las nuevas versiones. Una de ellas se desconecta de la realidad ancestral de la relación hombre-mujer y propone una inversión de los roles, en donde el hombre es victimizado por un ejército irregular de mujeres infieles ydesagradecidas, transformando al romanticismo lírico, pero viril en un discurso plañidero y genuflexo, propio de Corín Tellado, con sus respectivas excepciones. Otra variante del vallenato-género concentra su esfuerzo lírico-musical en el bailador; este nuevo danzante vallenato, alejado de la cadencia del desplazamiento gentil, sabrosón y jamaqueao con los pies en la tierra(herencia de la cumbia) y del contacto cercano del cuerpo de la pareja, es montado en frenesí porla música que tiene un ritmo y cortes de percusión con baterías, que en determinadas ocasiones obligan a los danzantes a bailar sueltos y, por qué no, a saltar.

Ambas variantes modernas del Canto Tradicional son las responsables de esa inmensa fiebre nacional e internacional del vallenato, más ninguna de ellas transmite la esencia con la cual fuegestada su música mentora.¿ Qué pasó? ¿Se acabaron quienes son capaces de ser consecuentes con su entorno y expresarse en cantos que hablen de su acontecer y de su realidad? ¿Perdieron la habilidad de ver el paisaje y encontrar en él los símiles para concretar una idea poética? No, allí están y son los mismos que alimentan al animal hambriento que es el vallenato moderno.Esa habilidad del verso y la melodía, de soñar despiertos y cantar volando entre nubes sigue estando entre los autores, no la han perdido, aunque ahora estén trabajando para otro propósito. Solo que ni ellos ni los intérpretes están dispuestos a morirse de hambre atrás de la edificación del folclor. Es tanta la influencia de las corrientes que dan origen a esta nueva música que ya ni pa tras van a mirar. Si Santander Durán Escalona se presentara hoy ante el Jilguero de América, Jorge Oñate, con una obra de las características de Las Bananeras, obra esta que fuese grabada por él mismo con el conjunto de los Hermanos López, no tendría chance de ser parte del repertorio del aún vigente Ruiseñor del Cesar. Lo mismo le ocurriría a Julio Oñate Martínez en el 2011, quien no habría sido escogido para ser parte de un CD de Poncho Zuleta con una obra musical ecológica monumental y cada vez más cierta como La profecía. Solo quedan los festivales de música vallenata, y eso, algunos de ellos, para tratar de dejar algo en el pensamiento de las gentes con canciones que le apuesten a la estética existencial y a la memoria de los pueblos. Allí sigue lo que nos queda de ADN. Enfriar un poco las aguas para que el iceberg del folclor no se derrita a este ritmo tan acelerado es una tarea más que difícil. Hay que ver de qué manera congelamos para los tiempos la memoria de octogenarios que aún recuerdan versos nunca escritos, que llegaron de boca en boca a través de las generaciones. En eso trabaja actualmente el Ministerio de Cultura, asesorado por las organizaciones que integran el Cluster de la Música y la Cultura Vallenata CMCV en el desarrollo de un Plan Especial de Salvaguarda junto a las comunidades que generan el elemento, para que los tataranietos de Toño Salas y Eusebio Ayala conozcan su pasado genético-musical, en el intento de reactivar en ellos esta manera de "contar lavida cantando" que es el vallenato y por eso aquí les van mis versos: Mi sueño es ver la redención de lo que aquí brilló algún día,Hermosos versos, melodías, que dieron vida a un acordeón, Que vuelva a ser inspiración nuestro paisaje en lozanía, Un vallenato de agonía, no es vallenato ni es folclor,Esos llanticos de hoy en día déjenselos a Jorge Barón Y si Usted comparte esta visión lo invito ya a mi cofradía.

Esto es más o menos como un intento de explicar el tema de lo que significa el vallenato moderno ante el vallenato tradicional, y si estas nuevas variantes representan una evolución o por el contrario, una distorsión, dentro de lo que debe proyectar la música popular como elemento de lacultura de una región. Aclaro que soy médico, no soy estudioso ni folclorista ni vallenatólogo, solo un parrandero sensible.

Descripción del video (Cofradía - Adrian Villamizar): ´Tratar de hacer entender a la gente que hay cosas mas importantes que el dinero es muy dificil, sobre todo si esa gente vive del "llantico" y la "lagrimita" pero basandose en el folcor autoctono tergiversandolo. La batalla es dura y se reciben muchos golpes, definitivamente solo unos pocos comparten el sentir de Adrian Villamizar, quien nos invita a cantar el verdadeto folclor, que lo cuidemos, que lo conservemos, nos invita a ser parte de su propia cofradía.´

La ruta del reencuentro. Canción de la autoria de Adrian Villamizar interpretada por Éibar Gutiérrez

Fuente: http://www.elheraldo.co/

Hay Lucho Bermúdez pa’ rato

2012-01-31T18:26:00.000-05:00

El cantante colombiano Carlos Vives fue el moderador de una cálida sesión de clausura en el Hay Festival 2012 en Cartagena, el pasado domingo 29 de enero, durante una velada centrada en la vida y obra de Lucho Bermúdez.
El motivo: la celebración del centenario del autor de Salsipuedes, Carmen de Bolívar y San Fernando. Junto con Vives, el periodista Daniel Samper y el investigador Juan Vicente Contreras protagonizaron una tertulia, que más pareció una charla de compadres que recordaran anécdotas en torno a un amigo común ausente. Los respaldaban, con sus instrumentos y la música, nueve músicos que trabajaron al lado del ahora legendario músico que les dio a la cumbia y el porro el carácter universal.
Vives comenzó la charla contando que en torno a la biografía de Bermúdez había versiones encontradas: "Tengo tres fechas diferentes de nacimiento -decía el artista- y hasta donde he investigado, su hija Gloria tiene como 5 o 6 padrinos de nacimiento".
Pero más allá de la anécdota y las múltiples bromas que se hicieron entre ellos, Samper, Vives y Contreras buscaron explicarle al público la importancia de seguir recordando a Lucho Bermúdez.
"Para entender a un personaje como Lucho, hay que ver nuestra biografía, hay que hablar de la cumbia, de lo que era antes de Lucho y después de que nació", dijo Vives, e hizo énfasis en los lugares por donde Bermúdez pasó a lo largo de su vida, desde la tierra de nacimiento que alimentó su inspiración, hasta la Argentina y Cuba, donde su música también tuvo repercusiones. "Si uno ve los lugares de su infancia y juventud -añadió-, Lucho vivió en Carmen de Bolívar, Aracataca, Santa Marta, Barranquilla, él es mapa del realismo mágico".
Vives describió las teorías sobre el ambiente de la cumbia, las teorías sobre su origen y subrayó su origen mestizo: "Creo que para poder defender la cumbia y a Lucho debemos superar muchos complejos: el complejo de que todos los españoles que llegaron fueron bandidos y violentos, entender que la cultura india no era atrasada. Se suele hablar de Cumbia como un ritmo afro, pero también es indio y español".
De paso, Vives llamó la atención sobre la importancia del río Magdalena en la difusión de las músicas y le pidió al público que imaginara con él, como sería el encuentro de los cumbieros del siglo 20, con los exponentes del jazz, que llegaron también a Colombia en barcos y alcanzaron el Magdalena.
Por su parte, Daniel Samper resaltó que uno de los logros de Bermúdez fue vincular esta música que antes se oía en los pueblos al repertorio de las bandas, algunas de ellas militares, que tocaban con partitura. "Esto llevaba a hacer la traslación de la música a las partituras, lo que no solo permite un registro histórico del a música e introducir instrumentos distintos sino que también le permitió dulcificar el porro, trasladarlo finalmente a las orquestas y bailabilizarlo, que fue uno de los grandes logros de Bermúdez y también del maestro Pacho Galán".
Samper, además, señaló a Bermúdez como el responsable de que el rtimo insignia de la música colombiana en el mundo pasara de ser el bambuco a ser la cumbia, algo que empezó, antes de su salto internacional, cuando llevó su música a Bogotá. "El bambuco tuvo un enorme éxito a finales del siglo XIX y a principios del XX, tuvo éxito en México, tanto que empezaron a surgir compositores de bambuco en ese país; pero empezó a producirse un fenómeno, es que el bambuco no era música bailable. Y una de las razones por las que llega al interior y conquista y se queda es que esta música suya la oigo con los pies y quiero bailarla, así como el vallenato lo oigo con los oídos y no quiero bailar", dijo.
A esto, Vives contestó: "Pero el bambuco es una música muy romántica".
Y Samper replicó: "Pero el romanticismo de estar uno abajo y ella en la ventana. En cambio la música del Caribe es para bailar pegadita. Yo considero a mis abuelos, porque a esa generación le tocó enamorar con música del interior, que es muy linda, pero no muy buena para ciertas cosas. ¿Qué le cantaba mi papá a mi mamá? ¿Agáchate el sombrerito? No sé cómo no se acabó la raza bogotana", con esto, el periodista se llevó los aplausos y la aprobación de la gente.
A partir de ese momento, Vives y Samper recordaron el prejuicio y la crítica a la que tuvo que enfrentarse la música caribe cuando llegó al interior del país.
"Fue muy criticada -dijo Samper-, tanto que hubo una columna en EL TIEMPO, de la época, que pregunta qué hace esa música de negros ahí, en el Hotel Granada".
A lo que Vives añadió: "Debió decir: música de negros, de indios y españoles (...), en maestros como Lucho, uno descubre una colombianidad íntegra, porque somos unidos en la biodiversidad".
Por su parte, Contreras -que además presentó un video conmemorativo acerca de Bermúdez- agregó: "Éramos un país netamente andino y terminamos siendo un país musicalmente caribeño. ¿Cómo pasó eso? No son fenómenos de radio y venta d ediscos, pasan muchas más cosas por debajo. Detrás de eso podremos ver la historia del siglo XX colombiano, en la música podemos ver nuestra relación con el mestizaje: hemos rechazado más lo afro y cómo eso ha ido cambiando. Hoy celebramos a Lucho Bermúdez, algo así habría sido impensable hace 50 años".
A esto, Vives recordó que hace mucho menos tiempo estuvo prohibido tocar vallenato en el Club Valledupar. Más adelante le propuso al público, que además de reguetón, les pusieran a sus niños alguna cumbia colombiana.
La velada se extendió más de lo esperado, entre canciones y músicas, al final, el público le pidió a Vives que cantara una canción. "Les agradezco mucho, el cariño, pero la voz no la apropiada para recordar a Lucho -dijo amablemente-. No tengo el tono de Matilde Díaz... Ni la letra".
Sin embargo, tampoco dejó de hacer coros, cuando los músicos invitados interpretaron canciones como San Fernando y Carmen de Bolívar con la que se dio por terminado el Hay Festival. El público, que había llenado el Teatro Adolfo Mejía de Cartagena para este último acto, salió de la sala aun moviendo brazos y caderas, al son de Lucho Bermúdez.

Fuente: http://www.eltiempo.com/blogs/vallenato_social_club/2012/01/asi-recordaron-carlos-vives-y.php

La mamá del Vallenato es la Cumbia - Juan Carlos Coronel: Latin GRAMMY 2011

2011-12-01T11:03:00.000-05:00

Juan Carlos Coronel ha sido considerado por la crítica una de las Voces Más Privilegiadas para interpretar Canciones de todos los géneros "Tesoros" es un homenaje al maestro José Barros que le ha valido El Grammy Latino en la categoría "Mejor Álbum de Cumbia / Vallenato 2011".
Acaba de lanzar en México, su Homenaje a José José, “De un Coronel a Un Príncipe” grabado con la orquesta sinfónica de Los Ángeles, y prepara gira con el Príncipe de la canción para enero de 2012.
Comenzó como cantante profesional a los 12 años, con la orquesta Casanova a los 14 conformó el frente de Fruko y sus tesos al lado de Joe Arroyo y Saoko siendo el vocalista más joven en la historia de esta agrupación.
Juan Carlos Coronel se paseado, por diversos géneros musicales gracias a su prodigiosa voz Con 17 álbumes, consolida una carrera llena de éxitos Ocupó un honroso segundo lugar en el festival OTI, representando a Colombia En 2009 crea el “Folckcoronel".
Al contrario de lo que piensa la gente, Juan Carlos Coronel comenzó cantando baladas, su entorno era musical pues su madre, Merceditas Vargas era cantante profesional, corrían los años 70 y el joven muchacho era centro de atracción en reuniones familiares, el colegio y aquí comenzó una carrera que no para, que ha venido siempre en ascenso gracias a la disciplina y la seriedad que pone Coronel en cada cosa que hace.
Recordado por muchos por el “Patacón pisao” tema que lo dio a conocer al lado del Nene y sus traviesos, este cantante cartagenero ha incursionado con éxito en géneros como la salsa, la música tropical, el bolero y la balada; sus comienzos fueron con Fruko y sus tesos a la edad de 14 años en donde alternó con Joe Arroyo (a quien reemplazaría en la agrupación), y Wilson Saoko, luego sería la voz líder de Afrosound y The Latin Brothers. En 1989 crea su propia orquesta.
Desde muy temprano se preocupó por rescatar el folclor colombiano haciendo grandes homenajes a los compositores más importantes de la costa, en 1994 graba “Un maestro una voz” recogiendo la obra de Lucho Bermúdez, luego vendrían “Abrazando mi cultura”, otros trabajos dedicados a la Sonora Matancera, el bolero, hasta llegar a Tesoros, donde recoge parte del trabajo musical del maestro Alberto Barros, aquí con temas como La Piragua, El guere guere, El vaquero, Las Pilanderas, Momposina y Palmira Señorial entre otros armo un disco hecho con el alma, que le ha valido El Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum de Cumbia / Vallenato 2011.

Fuente:http://www.revistaquetal.com/

CORONEL- TESOROS - INTERPRETA A BARROS. Listado de canciones:

1- La piragua

2- El guere, guere

3- El vaquero

4- a- Navidad negra b- El alegre pescador

5- Las pilanderas

6- La llorona loca

7- Violencia

8- Momposina

9- El gallo tuerto

10- a- El chupa flor b- La pava

11- En la orilla del mar

12- Estas delirando

13- Palmira señorial

Contraseña de descarga: eccolovallenato.blogspot.com

Link de descarga: mediafire.com 0lk5c36j4ncjnpc
Advertencia: Esta música es de muestra solo para personas que están en zonas del planeta donde no se puede comprar el disco original.
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PUERTO SONAR

2011-09-11T00:29:00.004-05:00

Una buena canción debe ser tan agradable y estimulante como una buena conversación. El mejor lugar para vivir esa experiencia es un puerto. Allì, diversas culturas, lenguas e historias se encuentran en un mismo punto mientras fluyen como el agua. De eso se trata Puerto Sonar; de un puerto en donde suenan historias.

Puerto Sonar es también una reunión de amigos que, cuando no están de gira o grabando con Carlos Vives, se reúnen por el simple placer de hacer música. Los integrantes de La Provincia, desde hace cinco años, aprovechan su tiempo libre para tocar los temas que los hicieron famosos, sus propias composiciones y otras canciones tradicionales de la Costa Atlántica colombiana. Antes se presentaban en eventos privados, corporativos o en fiestas populares. Ahora, Puerto Sonar quiere "ampliar su muelle" para recibir a más personas.

Puerto Sonar tiene ubicado su embarcadero en Bogotá, Colombia. El ambiente y los instrumentos de la ciudad son la base de su sonido. Pero también tienen una mezcla como la que hay en cualquier puerto. A su propuesta fresca y moderna se suman los aires del vallenato tradicional, el ritmo contagioso de la música de tambora, y las historias de los viejos juglares que viajaban de pueblo en pueblo cantando mensajes, anécdotas y declaraciones de amor.

Puerto Sonar ya hace presencia en varias emisoras y programas de televisión dentro y fuera de Colombia. Siempre están en búsqueda de nuevas aventuras, de esas que se recogen en los ríos y en los mares. Hoy, usted ha atracado en Puerto Sonar. Quédese con nosotros mientras nuestras canciones llenas de ritmo y melodía le cuentan historias fantásticas.

Video de muestra de la canción Brindo con el alma interpretada por Puerto Sonar

https://sites.google.com/site/puertosonar/home

El Joe Vallenato

2011-07-29T15:59:00.004-05:00

Después de una penosa enfermedad, se nos fue para siempre uno de los más grandes cantautores que ha tenido la historias de la música colombiana, en todos los tiempos: Álvaro José Arroyo González, más conocido como “Joe”.
Les he escuchado a muchos que por su tren de vida se nos fue antes de tiempo y a otros, que fue utilizado por inescrupulosos que lo hacían trabajar aún encontrándose enfermo y eso aceleró su deceso; en fin, se tejen toda suerte de hipótesis para encontrar las causas por las que de manera prematura tenemos que conformarnos con su potente y melodiosa voz y con la alegría de sus canciones, porque “El Joe” pasó a mejor vida, pero vive en nuestros corazones.
Lo que muchos de los amantes de su música no saben, es que “El Centurión de la Noche”, otro de los remoquetes que recibió ese ícono de la cultura Caribe, fue apasionadamente admirador y “afiebrado” amante e intérprete de la música vallenata, hizo coros y cantó profesionalmente muchos de nuestros aires, pero, además, siempre que compartía tarima con nuestros artistas del Valle de Upar se le veía radiante, se sentía en familia, se sabía casi todos los éxitos de este folclor y le gustaba alternar y cantar con los nuestros a dúo.
Nos dice nuestro amigo Juan Carlos Rueda que “El Joe” cantó con acordeón desde que tenía 15 años, cuando el maestro Rubén Darío Salcedo lo integró a su conjunto, pero mucha gente no sabe que a mediados de 1978, cuando los Hermanos Zuleta estaban recibiendo el legado de los Hermanos López y se encontraban en la cúspide del éxito, se acostumbraba a tener coristas invitados; por esa época el Rey para los coros vallenatos era un gran amigo del “Joe”, Juan Piña, pero este se encontraba en Estados Unidos y a alguien del grupo se le ocurrió pensar en “El Joe”, a quien llamaron y llevaron a los Estudios de Ingesón de la calle 22 de Bogotá, donde el Ingeniero de sonido José Sánchez, hacía maravillas y allí “El Joe” hizo la primera voz de los paseos Río Badillo, Isabel Martínez y del merengue La Virgen del Carmen, temas que fueron indiscutiblemente éxitos por esa época, El LP se llamó Tierra de Cantores, pero al “Joe” no se le pudo dar crédito en la carátula del disco por Los Zuleta grababan para CBS y el tenía exclusividad con discos Fuentes. Hizo coros con Juan Carlos Coronel y Rafael Ricardo, en un trabajo titulado Sonora Vallenata, del Maestro Adolfo Pacheco y Víctor ¨El Nene¨ del Real.
En 1997, “El Joe” con el acordeón de Alfredo Gutiérrez cantó un tema titulado “Cambalache” en el que él compuso en pleno estudio parte de la canción, según cuenta el tres veces Rey Vallenato; luego en 1998 llamó al hoy Grammy Vallenato Emiliano Zuleta Díaz para que le acompañara en la interpretación de la canción ganadora del Festival de la Leyenda Vallenata versión 31, del compositor fallecido Luis Cujia en ritmo de merengue, titulada “Yo soy el Cantor”.
Pero sin duda, todos recordamos al “Joe” al lado del más grande de los nuestros, Diomedes Díaz cantando Ron pa` todo el Mundo, éxito nacional en el que arranca “El centurión de la Noche diciendo “bueno Cacique y te provoca un trago, men” y Diomedes le responde: “Claro Joe la demora me perjudica” y lo más reciente del Joe en grabaciones con vallenatos fue la canción “Ella y tu” al lado de “Pipe” Peláez.
En fin, Álvaro José, no solo fue salsero y tropical, sino un artista integral de aquellos que nacen pocos y se crían menos, pero que tuvo una empatía y compenetración con nuestra música vallenata, mayor de lo que muchos conocen.
Fueron muchas las ocasiones en que “El Joe” fue invitado de honor al Festival de la Leyenda Vallenata, y siempre salía ovacionado, en hombros y por la puerta grande, abrazado con nuestros artistas Vallenatos, por eso hoy cuando el pueblo colombiano y latinoamericano llora su partida y le rinde homenaje póstumo, nosotros los Vallenatos debemos decir: “Joe”, te sentimos como uno de los más grandes de los nuestros.

Por: Jorge Naim Ruíz

Muestra de la cancion ¨Yo soy el Cantor¨, interpretada por el Joe Arroyo y Emilianito Zuleta

Fuente:http://www.elpilon.com.co/

Compositor vallenato Sergio Moya Molina exaltado en México

2011-07-28T08:47:00.004-05:00

En el Festival Vallenato de Monterrey (México), que se desarrollará a finales de septiembre e inicios de octubre, se homenajeará al compositor vallenato Sergio Moya Molina, ante el gran aporte que le ha dejado al vallenato y por ser un juglar que forjó sus bases y se hizo famoso a través de sus letras y melodías.

Ante la noticia, Moya expresó que “este es uno de los principales acontecimientos que me han sucedido en mi vida artística; me siento muy complacido y orgulloso”.

El Juglar del vallenato llevará a las tierras aztecas lo mejor de su repertorio; prevé mostrar aquellas obras musicales que lo catapultaron en la música del país y del mundo: ‘La celosa’, ‘Fortuna y desdicha’, ‘El contrabandista’, ‘Lejanía’, entre otras.

La exaltación que recibirá Moya Molina en el Festival llenó de inmenso regocijo a sus colegas y amigos.

Por su parte, el presidente de la festividad, Eliécer Jiménez Cárdenas, fue el encargado de oficializar la buena nueva, y aseguró que también se exaltará la labor de ‘Tico’ Mercado.

Muestra de la canción El contrabandista, canción de la autoría de Sergio Moya Molina interpretada por Carlos Vives y la Provincia.

Fuente: http://www.radioguatapuri.com/

Vida y obra de Leandro Díaz, reconocida con proyecto de Ley del Congreso de la República

2011-06-06T15:20:00.006-05:00

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La obra del maestro Leandro Díaz “es Patrimonio Cultural de la Nación y su trabajo será publicado a través del Ministerio de Cultura en una recopilación de sus obras musicales, escritos sociales, culturales y políticos”. Así está plasmado en el proyecto de Ley 39 de 2009 –Senado y 306 Cámara 2010, que aprobó el Congreso de la República: “Por medio de la cual se rinde homenaje a la vida, y obra del maestro de música vallenata Leandro Díaz”
El maestro Leandro Díaz recibió con regocijo este reconocimiento del Congreso y dijo: “estoy muy complacido con esta distinción que dejará a las nuevas generaciones mi vida musical”.
Su hijo, Ivo Díaz, expresó “esta noticia ha llenado a Leandro de mucha emoción y alegría, porque uno de sus propósitos es que la gente conozca su obra; y también es importante esta Ley porque es un verdadero homenaje en vida a un juglar vallenato con más de 200 canciones y clásicos como Matilde Lina, La Diosa coronada; La Gordita y El Verano, entre otros”.
Este proyecto, que pasó a sanción presidencial, contempla dos monumentos de Leandro Díaz; uno en Bogotá y otro en Valledupar.
La ponencia del proyecto expresa: “Leandro Díaz, desde muy jóven acogió el canto vallenato como un dispositivo cómplice de su vida circunstancial, canturreando, vocalizando, componiendo y afinando versos colmados de anhelos que le permitieran sobrellevar el dolor y aminorar la tristeza que proporcionara su ceguera. Echando mano de la razón original para no claudicar ante su pena sombría y abrazando la inspiración recursiva e innata que estimuló su clarividencia, discernimiento y creatividad autóctona tratando de interactuar al mismo nivel con los juglares de entonces”.
“Los colombianos estamos rindiendo el homenaje que merece en compacto la gran obra folclórica del poeta ciego, Leandro Díaz, con el aporte de más de ciento veinte títulos, repertorio en el que sobresalen temas de la nombradía de “Matilde Lina”, interpretada por el Gran Combo de Puerto Rico y “Soy” tema protesta que paseó por el mundo al compás de la afamada Charanga América, obra que emerge en el ámbito tradicional compartido con consagrados Juglares de la Leyenda Vallenata entre quienes se destacan Rafael Escalona Martínez, Tobías Enrique Pumarejo, Luis Enrique Martínez, Francisco Irenio Bolaños Marshall, Lorenzo Morales y Emiliano Zuleta Baquero y el contenido literario de sus cantos ha motivado el reconocimiento de escritores de la talla de Juan Gossain Abdala, Álvaro Cepeda Samudio y Fernando Fiorillo. La grandeza de su obra es exaltada por el premio nobel Gabriel García Márquez al tomar uno de sus versos como el epígrafe de su obra: El Amor en los Tiempos del Cólera: ’En adelanto van estos lugares, ya tienen su Diosa Coronada’”.
El Ministerio de Comunicaciones, por sí mismo o través de sus entidades adscritas o vinculadas, elaborará un documental sobre la vida y obra del maestro Leandro Díaz, el cual deberá ser difundido por los canales públicos nacionales de televisión.

Fuente: http://www.elpilon.com.co

LEANDRO DÍAZ: EL REY DE 'LA DIOSA CORONADA'

2011-06-05T20:32:00.002-05:00

A pesar de la ceguera y de una audición débil, el compositor de los versos de Matilde Lina, Leandro Díaz, aún tiene muy viva su memoria. La aparición de su verso en millones de ediciones de ‘Cien años de soledad’ lo inmortalizan como juglar.

“La luz y yo somos enemigos”, dice Leandro Díaz. La frase, poética y amarga, se expande por la sala de la casa en Valledupar, donde el legendario juglar vive aún con la aureola de los hombres que han tocado la buena fama. La expresión no aparece en sus canciones, ni siquiera en las inéditas, según afirma Ivo, su hijo, sino que surge en esta tarde que se desdibuja lentamente detrás de los cerros, más allá de montes y llanuras.

Leandro Díaz, el compositor del epígrafe de ‘El amor en los tiempos del cólera’

Su ceguera de siempre está acompañada ahora de una audición débil que lo obliga a exigir la cercanía de los interlocutores a pocos centímetros de su oreja izquierda. Ya no abre los ojos como en otros tiempos, cuando mostraba parte de sus pupilas muertas. Apenas hilillos de agua como lágrimas, que nacen de pestañas ocultas, demuestran que ahí están los sentimientos de toda una vida que el canto y la composición aproximaron a la leyenda.

Aquí está, sentado en una silla de mimbre, moviendo los dedos como si quisiera acompasar la cadencia de las palabras con el sonido leve sobre la madera. Entre frase y frase, revela su sentido del humor que en ocasiones festeja con una inmensa carcajada. “Sé que existe el sol porque me quema”, afirma.

Leandro, este hombre que nació el 20 de febrero de 1928, ya no posee la reciedumbre que lo hizo famoso en la región. A sus tanteos naturales en busca de los espacios libres se suman los estragos de los años y el efecto de enfermedades que aparecen sin avisar. Pero su memoria está intacta. Por eso recuerda el destino de La diosa coronada, canción que habría de universalizarlo a través de una obra literaria: El amor en los tiempos del cólera, de Gabriel García Márquez.

Gabo sabía de Leandro no sólo por sus ancestros guajiros, sino por los múltiples caminos que debió transitar por aquellas tierras en las que el canto vallenato forma parte de la cotidianidad. En la década del cincuenta, cuando la canción comenzó a escucharse a lo largo de las sabanas del Caribe, el autor de Cien años de soledad vivía preocupado por la construcción de un mundo paralelo, Macondo, cuya historia descrita en su obra más emblemática la comparó con un vallenato de trescientos cincuenta páginas.

En esa época quedó grabada en su memoria la historia de la diosa que mueve el caderaje para que el rey se ponga más engreído. El compositor recuerda que, en su época de adolescente, sus tías leían por toda la casa los cuentos de hadas asomadas en ventanitas o mezcladas entre emperadores y princesas. Con esas historias de fábula que golpeaban sus oídos, supo de la llegada de una hermosa joven que, a sus 16 años, despertó la admiración del pueblo.

Entonces, se acercó con el propósito de ser su amigo, pero fue rechazado. Leandro era un forastero que, meses atrás, había llegado a Tocaimo, un corregimiento del municipio de San Diego (Cesar), en cuyas orillas del caudaloso río que lleva su nombre se sentó varias tardes para preguntarse, a través de palabras que resultaron versos, por qué la muchacha que alcanzó a dibujar en las duermevelas del atardecer se creía una diosa coronada. Así nació la canción.

Entrevista a Josefa Guerra Y Leandro Diaz, protagonistas de la canción La Diosa Coronada.

En 1985, tres años después de haber ganado el Premio Nobel de Literatura, García Márquez publicó El amor en los tiempos del cólera con el siguiente epígrafe que sucede a la página dedicada a su esposa Mercedes: “En adelanto van estos lugares: ya tienen su diosa coronada”. Y en la parte inferior, el crédito al autor: Leandro Díaz. –¿Qué recuerda de eso, Maestro? –Que la novela de Gabo se iba a llamar La diosa coronada, como la canción –explica–. Él me conoció en el año en que se creó el departamento del Cesar y la canción que más le gustó fue esa. –¿Le han leído la novela? –No. En ese entonces mis hijos no tenían tiempo. Pero sí me leyeron la más importante: Cien años de soledad.

El nombre de García Márquez lo obliga a reacomodarse en la silla. Pareciera reconocer que sus relaciones con el Nobel y la aparición de su verso en millones de ediciones de una novela famosa, constituyen el sello de garantía de su condición de juglar, moldeado por la melancolía de una vida en penumbras, pero también por el toque de una alegría expresada en metáforas y estrofas.

Por eso se detiene en Cien años de soledad y evoca, mediante las imágenes que desfilaron por su imaginación después de haber escuchado la lectura de las primeras páginas, el regreso de los gitanos a Macondo y el anuncio de Melquíades de que la ciencia había eliminado las distancias.

Leandro Díaz asocia la escena de la novela, que grabó para siempre en su memoria, con su idea de ser clarividente, no sólo para saber dentro de cuántas horas la lluvia caería sobre los arrozales secos, sino para ir de pueblo en pueblo descifrando el futuro a través del recorrido de sus dedos sobre la palma de las manos de su clientela ansiosa.

Pero fue una gitana –como la que llevó Melquíades a Macondo– sentada en el extremo de la aldea, sin catalejo y sin carpa, la que lo obligó a desistir de su empeño de ser un gran prestidigitador.

Entre soledades y cegueras

Cuando la leyenda comenzó a abrirse por los pueblos remotos del Caribe, afirmaron que el autor de La diosa coronada había nacido en una finca del sur del Magdalena, pero él aclara que nació en Hatonuevo, un pueblo de la Baja Guajira ubicado en mitad de la serranía del Perijá y la Sierra Nevada de Santa Marta, que alcanzó la categoría de municipio en 1994 en medio de la fiebre carbonífera de El Cerrejón.

También aclara que su más grande amor fue Matilde Lina, la mujer que le provocó innumerables insomnios y la que sirvió de inspiración para organizar las letras de una de las canciones más representativas del folclor nacional. Leandro admite que aquella mujer, que al caminar hacía sonreír la sabana, fue un milagro musical: Un mediodía que estuve pensando (bis) En la mujer que me hacía soñar Las aguas claras del Río Tocaimo Me dieron fuerzas para cantar. Llegó de pronto a mi pensamiento Esa bella melodía…

Escuche una de las mejores versiones de ‘La diosa coronada’ interpretada por Carlos Vives y la Provincia.

Por: Jaime de la Hoz Simanca

Festival Vallenato en Roma, Italia

2011-05-25T09:35:00.005-05:00

Concierto de Carlos Vives y la provincia en el año 2009. Milano, Italia.

Con el objetivo de fomentar internacionalmente el folclor vallenato el Consulado de Colombia en Roma, Italia, cursó invitación a la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata para que se haga presente en el Primer Festival Vallenato Europeo que se realizará los días 1 y 2 de julio.

El presidente de la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata, Rodolfo Molina confirmó la asistencia para respaldar a este evento cultural y anunció que asistirá el nuevo Rey Vallenato, Almes Granados Durán y Los Niños del Vallenato de la Escuela Talento Vallenato ‘Rafael Escalona Martínez, tal como lo solicitó el Consulado de nuestro país en Roma.

Cabe anotar que la delegación vallenata partirá el 27 de junio y cumplirá una apretada agenda a partir del 29 de junio a las 10:00 de la mañana asistiendo a una Audiencia Papal. En el acto su Santidad Benedicto XVI saludará desde su estrado y se interpretarán varias canciones. Se tiene previsto que cuatro personas de la delegación vallenata saluden de mano a su santidad.

Para el 30 de junio a las 6:00 de la tarde se hará una presentación musical que organiza la Embajada de Colombia ante la Santa Sede. El embajador César Mauricio Velásquez, ofrecerá un coctel de bienvenida y asistirán embajadores, personalidades de la curia vaticana e invitados especiales.

El día 1° de julio se inaugurará el Primer Festival Vallenato Europeo y antes del concurso se presentará el Rey Vallenato Almes Granados, Los Niños del Vallenato de la Escuela ‘Rafael Escalona Martínez y la Escuela de Danzas del grupo Ballet Azúcar de Cali, entre otros.

Dentro de la gira también se incluye recibimiento a la delegación vallenata por parte del alcalde de Roma, Gianni Alemano, acto de inauguración de obras de artistas colombianos en el Salón de Arte ‘Domus Talenti’ y presentación en la ciudad de Florencia.

Finalmente la delegación vallenata será invitada a los diferentes sitios de interés de la ciudad de Roma como: Coliseo Romano, Arco de Constantino, Foro Imperial, Templo de Diana, Mercado Troyano, Monumento Victorio Emanuel, Templo de Adriano, Piazza Venezia, Panteón, Fontana de Trevi, Piazza Trinita del Monti, Piazza di Spana, Piazza de Popolo y Museo Vaticano, entre otros.

El regreso desde Roma, de la delegación vallenata inicialmente está previsto para el domingo 9 de julio, indicando que se puede prolongar si surgen nuevas invitaciones aprovechando su estadía, contactos que adelanta en estos momentos el Consulado de Colombia en ese país.

Esta gira por Europa es producto del trabajo serio, intachable y eficiente que cumple la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata y permitirá que sus músicos expandan la música vallenata, llegando hasta los oídos de su Santidad Benedicto XVI, quien escuchará en la voz de Almes Granados y de los Niños del Vallenato de la Escuela Rafael Escalona Martínez, las historias de nuestros queridos compositores que nunca pensaron que esos pueblos y personajes, perdidos en la geografía nacional, llegaran tan lejos.

http://www.festivalvallenato.com/

Santander Durán Escalona. ¿Quién le graba a Durán?

2011-05-05T22:25:00.016-05:00

Santander Durán Escalona, para muchos el mejor compositor del denominado "vallenato moderno". Su rigor narrativo demuestra que, antes de que la llamada "nueva ola" contaminara ese género vernáculo, hubo propuestas auténticas, de gran factura literaria, que constituían un paso adelante en lo que plantearon los patriarcas del folclor.

Compositor de numen alucinado y verso de gran vigor. Sus canciones son un verdadero portento de armonía musical y mensaje. Heredero del estilo romántico y lírico de Gustavo Gutiérrez pero también de la savia narrativa de su tío Rafael Escalona. Nació en 1944 en Valledupar. Hijo de Santander Durán Gómez y Abigail Escalona. Es ingeniero agrónomo. Con su hermana, Estela grabó varias producciones cantando temas románticos. Ganó cuatro veces el Festival Vallenato, galardón que nos da un referente de sus calidades autorales. En el 2006 ganó la versión Rey de reyes. En 1999 fue descalificado en la final por no presentarse a tiempo con la canción Los hijos del café cuando se auguraba otro título a su ya crecido sortilegio de honores. Ganó en Villavicencio en 1985 el Centauro de Oro del Festival Nacional de la canción con el paseo Bajo la luna.

Escuche una muestra de canciones de la autoría del compositor en mención. También puede ver un documento en video sobre dos de los mas grandes compositores del vallenato moderno, Gustavo Gutierrez y Santander Durán.

Al ganar en el festival vallenato versión rey de reyes con la canción “Entre cantores”, hermosa evocación de una noche musical entre auténticos amigos, Santander Durán Escalona se reafirma como el más grande compositor de su generación, el genio que le ha descifrado las fórmulas secretas a la alquimia del vallenato, que ha logrado una deslumbrante simbiosis entre la propuesta romántica y la narrativa, que ha llevado sus letras al límite de la perfección lírica y gramatical, el mismo que ya había ganado el festival en tres ocasiones anteriores.

Lo ganó la primera vez con “Lamento arhuaco”, cuya segunda estrofa dice:

“Fueron guerreros de raza valiente
que derrotada ante el invasor
huyó del valle donde la muerte
iba a caballo conquistador”

Aunque fue compuesta a principio de los setenta, la canción no pierde vigencia, y más en un medio como el vallenato, que ha desatendido su esencia raizal de serranía y río de piedras para convertirse en el adefesio que escuchamos en las emisoras. “Lamento arhuaco” asume la voz de nuestro hermano mayor, el despojo histórico de que ha sido víctima hace siglos por el invasor español y hoy día por ciertos terratenientes de la región.

Luego, en 1987, Durán Escalona gana con “La canción del valor”:

“Invoco a los espíritus del viento
de la guerra, de la paz y del amor
a la sombra de los antepasados
y a la poesía futura de un cantor
para que cante la gesta de mi pueblo,
cuando no exista ni el eco de mi voz,
y hayan pasado los siglos,
y la historia no sea contada por el conquistador”

Durán Escalona demuestra aquí una vez más su oficio en la filigrana de componer un buen vallenato. También con voz indigenista, cuenta del sacrificio de los tupes, asumiéndolo con un manifiesto valiente y desafiante, enmarcándolo en una melodía exuberante, cargada de emociones.

En su tercera victoria Durán Escalona sorprende con un son, “Cantares de vaquería”, un relato de la epopeya del ganado, cuando salían los vaqueros a atrapar a los cimarrones por los territorios del Magdalena grande.

“Salimos de madrugá!
Salimos de madrugá!
para cruzar los esteros,
con el sol de los venaos
porque dicen que de noche se aparece en el sendero
el toro de cachos de oro y de los ojos coloraos”

Un par de días antes de que se conociera el resultado del concurso “Rey de reyes” de la canción inédita, el enviado especial de este diario, Juan Carlos Díaz, publicaba un interesante artículo sobre la desaparición del vallenato protesta, género del cual Durán Escalona es un insigne exponente, no sólo por las canciones mencionadas, sino por “La bananeras” y muchas otras. Allí decía Durán Escalona que no volvía a entregar una canción a un grupo vallenato.

Es de entender. No sólo hay indiferencia hacia sus canciones, sino que se graban de la manera ligera con que se interpreta el vallenato de hoy día.

Aun así, sorprende que los cantantes se quejen de falta de buenas composiciones y terminen grabando verdaderos esperpentos.

Santander Durán Escalona continúa su propio camino, que no es otro que el de la salvación del vallenato: su letra constituye un progreso dentro de la propuesta inicial de los viejos juglares, y al mismo tiempo está dotada de un rigor lingüístico que jamás traiciona los postulados de la raigambre del género.

Canciones como “No vuelvo a Patillal” y “Río Badillo” surgieron del festival. En esos tiempos, cantantes como Jorge Oñate se peleaban las canciones. Hoy cunde la indiferencia, que no es sólo hacia el más grande de todos, autor de “Ausencia” y “Cerro Murillo”, sino hacia la esencia del verdadero folclor. Por eso desde aquí les lanzo el reto a Oñate, a Zuleta, a Villazón, o a los más jóvenes, los talentosísimos Manjarrez y Dangond: ¿quién es lo suficientemente valiente para grabar esta canción?

Fuentes: http://www.laesquinadelcine.com/ , http://www.solovallenato.com/

EL VALLENATO SI ESTÁ EN RIESGO

2011-04-29T22:54:00.006-05:00

ROSENDO ROMERO

El vallenato está en su mejor momento por el auge comercial que tiene con el cine TV, prensa escrita y hablada, programas radiales, espectáculos nacionales e internacionales, festivales, escuelas, literaturas, etc. Pero esto no quiere decir que no esté en riesgo. Cuando estuve de acuerdo con el catedrático Abel Medina Sierra me faltó aclarar y ampliar el concepto, bueno pues, se llegó el momento de hacerlo, ahí les va:

¿Por qué está en riesgo el vallenato?

1) Los artistas, en su trayectoria comercial poco a poco se han ido apartando de las raíces folclóricas para darle paso a la innovación que persigue el éxito inmediato, o sea, para ellos conservar el vallenato tradicional tan solo fue un tránsito en su carrera como artista, la prioridad la tiene el éxito comercial, pregunto: ¿Cuáles de estos artistas graban son y puya en cada trabajo que hacen?. Ni Poncho Zuleta, Jorge Oñate, El Binomio de Oro de América, Silvestre Dangond, Peter Manjarrés, Jean Carlos Centeno, Silvio Brito, Beto Zabaleta, Los Gigantes, Los Chiches, Los Inquietos, Los Diablitos, Pipe Peláez, Omar Geles, Otto Serge, etc. Sólo Jorge Celedón hace la excepción. O sea que los mismos artistas están de espaldas a los cuatro aires, y lo que es peor, ya ninguno de ellos graba el paseo rápido, cuando yo pregunto cuál de ellos graba la puya y el son, daría la impresión, que por lo menos graban paseo y merengue nada más, mentira, si graban un merengue es mucho, algunos sólo graban puro paseo, si ustedes quieren verificar esta información analicen la trayectoria de estos artistas y la sumatoria de merengues es mínima y la de la puya y el son, en algunos, es nula.

2) La forma de percutir el ritmo vallenato. Los artistas vallenatos graban un paseo que es una fusión de paseo, chandé, merecumbé, fandango y porro. Imagínense, un cajero que arranca en ritmo de paseo y luego tiene que hacer todos estos cambios en una sola canción, o sea, el modo de percutir el vallenato está en riesgo. Las fusiones son experimentos, por lo tanto no deben remplazar los cuatro aires.

3) Los festivales. Yo me aburrí de ir a los festivales, porque se convirtieron en espectáculos públicos para mostrar a las grandes luminarias de la música vallenata y en realidad es porque ya yo no estoy para hacer una bulla, los concursos pasaron a segundo plano, la creatividad se ha ido poquito a poco alejando de estos eventos, que se crearon para defender lo vernáculo, en verdad así se ha hecho, pero se deben reestructurar, hacerle cambios que permitan recoger la experiencia de los años y la exigencia de la dinámica que el mismo evento genera, con relación a sus objetivos. Si ya es más importante la presencia de una estrella famosa para el evento, es porque los papeles se están invirtiendo, los intérpretes no lo son todo, hay otros sectores de la música que merecen la atención, parece que la responsabilidad de que estos eventos estén respaldando el comercio del vallenato se debe a unos asesores que no piensan en cambios futuristas, que más les interesa tener contentos a los organizadores y a su ego que hacer análisis serios que beneficien al sector.

Santander Duran Escalona dice que los festivales han fosilizado las escuelas de la digitación musical del gran Luis Enrique Martínez, Colacho Mendoza, Alejo Durán, Lisandro Meza, el tres veces Rey Alfredo Gutiérrez, Alberto Pacheco, Nafer Durán, el coloso Miguel López con algunos aportes hechos por los creativos tales como Beto Rada, Orangel el Pangue Maestre y Omar Geles, pónganse a pensar, 70 acordeonistas tocando las mismas puyas con los mismos pases en todas las categorías. Presumo que el público se cansó de escuchar siempre lo mismo y optó por divertirse con el show de los artistas de moda, de tal forma que hoy en día la gente no pregunta; ¿qué acordeonista es favorito?, sino: ¿qué artista se va a presentar? Y agregan, si no viene fulano de tal, este festival va a quedar malo. Mostrar otras atracciones en el festival es bueno, pero no deben estar por encima de los propósitos del evento, que es mostrar el vallenato puro y a las nuevas generaciones.

Deberían hacer un festival para conjuntos estrella, o mejor dicho, ya hay un festival para conjuntos, el de Riohacha, pues dejen los otros para el concurso de nuevas figuras o por lo menos en los festivales, a cada agrupación que se presente se le debería exigir tocar los cuatro aires. Los conjuntos todos andan que se las pelan por presentarse en el festival, bueno, que sea una norma, todo el que pisa la tarima debe cumplir este requisito. Un muchacho demora un año ensayando para ganarse un festival y después que se lo gana y va a hacer una grabación no toca una sola pieza con la cual se ganó la corona. Los festivales son exitosos por la calidad de los participantes y por la misma magia del vallenato, también por el tesón y experiencia de algunos organizadores de los festivales, pero al final de cuentas, como acabo de explicar, todos le fallan al vallenato, por lo ya antes explicado.

4) Los compositores. La supremacía de lo comercial sobre lo auténtico en todos los festivales de la Guajira y el Cesar hacen que el compositor sea tratado como la Cenicienta del folclor (frase de Abel Medina Sierra), no hay conciencia ni conocimiento de los valores, pues si esa es la materia prima, por qué hacerla a un lado. Pregunto: ¿a qué van las grandes estrellas del vallenato? Respuesta: “A cantar las canciones de los compositores”.

Es un hecho que al compositor que no se le grabe hoy en día, prácticamente vuelve al anonimato. La no inclusión de los compositores clásicos, sacó de circulación al vallenato tradicional, para darle paso a las fusiones con el cuento aquel de que todo evoluciona y que hay que darle oportunidades a las nuevas generaciones. Esta es la frase de batalla de los defensores de las casas disqueras, evolución sí; oportunidades para los jóvenes, sí; pero que sea en beneficio de nuestra música, no en perjuicio de ella. Las canciones de los nuevos compositores suenan uno o dos meses, luego pasan al cuarto del olvido, tal como si nuestra música fuese desechable, en realidad si las canciones son monotemáticas y en un solo aire, los compositores las están sacando en serie y la superproducción de vallenato es tanta que hay canciones de muy buena calidad que no alcanzan a quedarse en el público, porque apenas empiezan a sonar, hay treinta empujando para sonar ellas, creo que estamos hablando de control de calidad, que no se ejerce. Las canciones de los compositores clásicos, algunas, tienen más de sesenta años y aun siguen en la simpatía del público.

Mi amigo Adrián Villamizar expresó su angustia con un merengue de hermosa construcción melódica y literaria en el festival vallenato 2010 con el título de “Si no se canta se olvida”, una auténtica defensa nacida del más profundo sentir vallenato, en el desespero por hacer algo. Ocupó el tercer lugar, logro cantar para todo el país su proclama, pero este espadachín del verbo sabe de sobra que si le presenta esta canción a un artista de moda, si se la graban es por milagro de Dios que nos quiere ayudar, porque a los artistas para nada que les interesa la cultura y el arte tradicional, acaso han visto ustedes, alguno de ellos dictando una conferencia sobre folclor. No, a ellos les interesa son los contratos el próximo fin de semana.

Por otra parte, la mayoría de los locutores no anuncian al autor de la canción, y cuando se refieren a compositores vigentes mencionan solo a los que están de moda. Pregunto yo: “¿Será que un legado pierde vigencia o es para toda la vida?”. Pregúntense por qué a compositores de reconocida calidad tales como Mateo Torres, Sergio Moya Molina, Daniel Celedón, Marciano Martínez, Rita Fernández, Edilberto Daza, Leandro Díaz, Adolfo Pacheco Anillo, Roberto Calderón, Deimer Marín, Beto Murgas, Julito Oñate, Santander Durán Escalona, Nicolás Maestre Martínez, Emiro Zuleta, Camilo Namén, Ildefonso Ramírez Bula, Nicolás Bolaños, etc., etc., hoy en día no están mostrando sus obras? Simplemente porque los intérpretes no los buscan, inexplicablemente los grandes intérpretes hicieron a un lado a esta gama de compositores que estaban en su mejor momento y aun siguen componiendo.

5) El riesgo más grande es el que corren los grandes maestros de la música vallenata; los viejos se van a morir sin ver que se les hace justicia,la mayoría ya se murió, las verdaderas joyas de este folclor, los tesos, los que hicieron todo esto para que ahora las grandes estrellas del vallenato se paseen hoy en burbujas con vidrios polarizados y se bajen en la suites de los grandes hoteles, los que legaron un montón de arreglos musicales que ampliaron el universo musical para que los festivales existieran. Hoy, los que quedan los vemos andar en mototaxi, por las calles a pie, algunos tienen como consuelo la posibilidad de dictar clases de acordeón y al menos con eso hacen escuela, porque en los grandes eventos se les ignora y no son mostrados como ejemplos de cómo se toca el vallenato para las nuevas generaciones y ¡claro! como los aplausos se los llevan las grandes estrellas comerciales, entonces los niñitos piensan que ese es el camino y que los tesos son los artistas comerciales y a esos son los que imitan y después se preguntan: ¿por qué el vallenato está perdiendo su colorido?

Pienso que el Ministerio de Cultura debe poner orden en todos los festivales de Colombia, reformar los estatutos de todos los festivales o al menos dar unas bases obligatorias y hacer que se respeten a las grandes glorias de la música colombiana, esto no puede seguir como caballo desbocado o como un barco a la deriva, el orden debe venir directamente desde el Ministerio de Cultura. Al final de cuenta, para eso se hizo, para organizar la cultura colombiana, básicamente se trata de lo siguiente: el vallenato comercial se está engullendo al vallenato auténtico, necesitamos el comercio, pero como vehículo para difundir al vallenato auténtico, no lo contrario. Tener el vallenato auténtico para difundir un comercio como negocio lucrativo para los disqueros y los artistas vallenatos y los grandes empresarios de espectáculos. Es obvio que al aspirar el reconocimiento de la UNESCO para el vallenato a nivel mundial, aspiramos que nuestra música se cante en otros idiomas, así el espectro comercial se ampliará. Entonces pongámonos las pilas: ¡A proteger el Vallenato!

6) La narrativa en el vallenato no está en riesgo, ya hace rato que desapareció, por ahí quedan una que otras canciones que son como el humo del tabaco que ya se apagó.
El vallenato es como un árbol, algunas de sus ramas ya están secas, salvemos al árbol y podrán salir nuevas ramas con características similares, basadas en su tradición y en su base melódica y literaria.

7) La piratería es una enfermedad terminal, la música pasó a ser artículo de esquina, con almacenes en el suelo, de San Agáchate.

8) La carátula del disco. De allí desaparecieron la categorización de los aires, ya no aparece sino el título de la canción, antes decía: paseo, merengue, puya o son, ahora, intencionalmente, no lo ponen, para que las fusiones pasen como vallenato, porque, en realidad lo que vende es la palabra Vallenato.
a) Saludar a un ser querido que se encuentra lejos en un disco no creo que sea malo, o tal vez, al mejor amigo, a la novia, al esposo, a los hijos, tampoco es malo, pero sería mucho mejor si no se hace. Por lo general una sola canción trae de 10 a 20 saludos, pónganse a pensar lo harto que es escuchar ochenta saludos en un disco. Eso agrede la imagen de nuestra música a nivel mundial, pues a quien le interesa en Argentina quien es Pedrito Pérez allá en Perra Perdía, eso debe quedar para los eventos en vivo, uno o dos saludos por canción serían suficientes y eso, por consideración a los cuarenta años de estarse haciendo así.
b) En los festivales aquí, allá y acullá, todos los años presentan a los mismos artistas.
c) Las componendas y las mafias que se arman para favorecer a determinados concursantes apestan en algunos festivales, las juntas no son responsables, me consta, pero en otros las mismas juntas se amangualan.

Fuente: http://solovallenato.com/

Después de la lluvia (Cumbia), lo nuevo de Cabas

2011-04-04T20:28:00.006-05:00

El sencillo que canta junto a Vicentino contiene un mensaje para las víctimas del invierno

Álvaro Rizo, manager del artista, dio a conocer en exclusiva a VIVE.IN el nuevo sencillo de Andrés Cabas titulado 'Después de la lluvia', tema de su más reciente trabajo discográfico 'Si te dijera', el cual fue elaborado en la ciudad de Buenos Aires bajo la dirección del productor argentino Gerardo 'Cachorro' López.

'Después de la lluvia' fue compuesta por el artista barranquillero, quien a ritmo de tambores dedica esta cumbia a las miles de familias colombianas que durante los últimos meses resultaron afectadas por la ola invernal. Este sencillo lo comparte con el ex vocalista de Los Fabulosos Cadillacs, Vicentico, quien le da un toque de fiesta a este tema que pondrá a bailar a más de uno bajo la lluvia.

'Si te dijera'

Después de 3 años Cabas vuelve con esta producción discográfica que contiene 11 temas entre los que se destacan, desde ritmos caribeños hasta el reguetón.

El disco cuenta con la colaboración de artistas de primera línea como Vicentico, Andrés Calamaro, La Mala Rodríguez y Ale Sergi (vocalista de Miranda).

'Si te dijera' fue grabado en uno de los estudios del productor y músico argentino 'Cachorro' López, quien es considerado actualmente uno de los productores más importantes de la escena rock latinoamericana. López ha trabajado con importantes bandas y artistas latinos como Diego Torres, Miranda, Paulina Rubio, Julieta Venegas, Belanova, entre otros.

En uno de los tracks de este CD, el compositor barranquillero le canta a Simón Cabas Bahamón, hijo que tuvo hace dos años con la actriz colombiana Johanna Bahamón.

Este es el quinto álbum del artista, reconocido por éxitos como 'Bonita', 'La Cadena de Oro', 'Ana María', 'Mi Bombón', entre otros.

Redacción vive.in

Haga click aca para descargar Después de la lluvia

Escalona ¡vive! - Ivan Villazón, Marina Quintero y la Banda Sinfónica de la U de A

2011-04-01T13:45:00.002-05:00

La Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia rinde homenaje a Rafael Escalona, maestro y baluarte de la música tradicional colombiana, cuya obra de valor histórico-cultural, sintetiza una época decisiva para la cultura musical colombiana.

La música de Rafael Escalona representa el paso del canto bucólico a la canción urbana, producto del ingreso a la cultura escrita, y traduce la identidad del hombre latinoamericano, producto híbrido del cruce de culturas profundamente disímiles.

Rafael Escalona nació en 1928, en Patillal, Cesar, caserío lleno de encantos y de contornos paradisíacos. Situado a 35 kilómetros de Valledupar, es famoso en toda la región por un arroyo seco, de arenas blancas muy finas, bordeado por aceitunos silvestres. En las orillas de su arroyo, al que llaman “La Malena”, en noches de luna solían reunirse las gentes del pueblo a cantar décimas, y a referir historias de los pueblos; algunos recitaban poesía y otros cortejaban con bellos cantos de amor.

Estas costumbres avivaron el espíritu de Rafael Escalona, y se convirtieron en fuertes influencias determinativas de su obra poético-musical. En efecto, las crónicas de historias locales y la apertura al lirismo a través de las narraciones de su padre, junto a la música de acordeón de los campesinos que trasegaban por los parajes de la Provincia, se convirtieron en fuentes de la inspiración que singularizó su vida y su obra.

Los mejores arreglistas de la Banda llevaron al formato sinfónico los bellos paseos y merengues del insigne compositor patillalero.

Álvaro Mercado, momposino, ha sabido combinar con maestría la mágica inspiración de los nacidos en Macondo con la magnificencia de la expresión sinfónica

Manuel Pinto, buscador tesonero del alma de la música, ha traducido bellamente al pentagrama sinfónico el vuelo poético del Maestro del canto vallenato.

Alfredo Mejía, arreglista de la música, por pasión y convicción, supo leer en los tonos y acentos del romanticismo y la narrativa poética de Escalona, la amistad en su expresión sublime. Jaime Molina y Miguel Canales, son testimonio.

Juan Carlos Yepes, nuestro arreglista revelación. Su creación sinfónica, fina y elocuente, condujo la música del Maestro Escalona por la dimensión estética universal.

Maestro Marco Antonio Castro, director de la Banda Sinfónica por más de dos décadas. Director musical del homenaje a Escalona; músico de rigurosa formación. Seducido por la cadencia de la música de la Provincia, convirtió su aguda escucha y su ortodoxa conducción en la gran puerta por donde el canto de Escalona ingresó triunfante al pentagrama universal de la música.

El Maestro Marco Antonio Castro ha sido un interlocutor cálido y receptivo de las inquietudes que nacen del corazón sensible de Marina Quintero. En los últimos años ella no ha dejado de rondar por los senderos definidos de los gustos musicales del consagrado director, para, con el anzuelo del espíritu universitario, que a los dos habita, conmover su espíritu y llevarlo por los parajes llenos de emoción y tradición de las músicas populares.

La música de Escalona, seductora y encantadora, aun de los más clásicos y sobrios gustos musicales, habló al oído de nuestro director, y también a él lo convirtió, cual paloma mensajera, en emisario de su amor, de su pasión, de su devoción, por la tradición de los pueblos.

La magistral participación, clásicamente vallenata, en el devenir de la dinámica sinfónica de Escalona vive, es obra de dos acordeoneros de raíces dinásticas y de impecable ejecución. Son ellos Hildemaro Bolaño y Lisandro Meza “Chane”, hijos ambos de respetados acordeoneros del mismo nombre, que ocupan lugares de privilegio en el “cuadro honorífico” de los músicos populares.

Hildemaro y “Chane” han escuchado las voces de sus antepasados y las han plasmado en melodías que renuevan la tradición con belleza y maestría.

Escalona vive es una idea de Marina Quintero, huésped benemérita de la tierra vallenata, quien en más de un cuarto de siglo ha enriquecido su intelecto y su espíritu escuchando serenatas, participando en festivales, parrandas, conversaciones y tertulias con amigos, cantores, compositores y músicos de la tradición musical de la Provincia. Su sensibilidad y devoción por la música, le merecieron la amistad de Rafael Escalona y le permitieron con él un diálogo fecundo, que le llevó por los laberintos secretos del alma del Maestro. Escalona vive es testimonio de esta compenetración; es una exaltación a la amistad y a la pasión poético-musical.

Las voces profesionales de Roque y Lucas Quintero, aportaron, desde la polifonía que construyen, brillos, colores, y un especial encanto que exaltan los matices de la expresión vocal de Iván Villazón y Marina Quintero.

Escalona vive está interpretado por la voz profesional de Marina Quintero, quien interpreta seis canciones del amplio repertorio del maestro Escalona. La perfección vocal de su interpretación, sumada al sentimiento matizado, permiten experimentar la lírica romántica del autor en una dimensión de profundidad existencial.

Iván Villazón, uno de los más grandes cantores de la expresión vallenata, aportó, con generosidad, el sentimiento de la Provincia y la tradición de sus abuelos. Su gesto amable, su canto y la fuerza de su identidad, abonaron a la realización de Escalona vive, expresión cultural que espera conquistar el alma del pueblo colombiano.

Esta hermosa pieza musical se puede obtener por $15.000 en la Tienda del Museo Universitario, en la Tienda Universitaria y en la Libreria de la Universidad de Antioquia.

Horario de atención

Lunes a Viernes de 8:00 a.m. a 6:00 p.m. en horario continuo, y los sábados de 8:00 a.m. a 3:00 p.m.

Dirección: Calle 67 N° 53-108, bloque 22

Teléfono: 516 76 88

Correo Electronico: Librería@cooprudea.com.

MUESTRA DE ALGUNAS CANCIONES PERTENECIENTES AL ALBUM "ESCALONA VIVE"

Fuente: http://www.udea.edu.co/

LA CANTADORA, TOTÓ LA MOMPOSINA. IN CONCERT

2011-03-22T20:12:00.006-05:00

Totó la Momposina ha logrado congregar exitosamente en su música, la esencia de tres culturas diferentes: delicadas melodías indígenas, vigorosos ritmos africanos y el alma de España. Esta maravillosa amalgama de sonidos ha permitido dar a conocer la riqueza de nuestra música tradicional en los cuatro rincones del planeta, convirtiendo a Totó la Momposina en la principal embajadora de nuestro folclor. Dicho esto, se hace más que justo y necesario registrar su legado en un formato audiovisual donde sea posible apreciar su imponente puesta en escena que combina cantos, bailes, hermosos vestidos autóctonos, en fin, todos aquellos detalles que en conjunto conforman nuestro patrimonio cultural.

El encargado de tan noble labor fue el director Jake Holmes y su equipo de Drumgirl, quienes han capturado la fuerza, carisma y talento de Totó la Momposina en escenario con sus músicos, en un DVD que registra un concierto llevado a cabo por la artista en el Festival Womad en Inglaterra; diez temas en vivo entre los que encontramos “Mojana”, “Yo Me Llamo Cumbia”, “Tres Golpes”, “La Llorona”, “Prende la Vela”, son matizados con bellas imágenes de Colombia, testimonios de hijos y nietos de Totó, diferentes encuentros de la artista con niños de la cumbiamba de Barranquilla, los Grupos Generación Activa de Puerto Colombia y los Tamboleros de Talaigua y un registro de la entrevista de Totó con el legendario Pablo Florez, dos grandes del folclor reunidos en un espacio en el tiempo y plasmado en este DVD que ahora entregamos a ustedes. Todo este importante material extra fue captado por el director a partir de un recorrido que realizó con la cantadora por Barranquilla, Cartagena, Mompós y Talaigua donde reconoció la riqueza de las raíces culturales y la alegría de la gente en la Costa Caribe.

Este DVD, el primero de Totó, es un producto esencial para los admiradores de su música y los amantes de las tradiciones de la Costa Atlántica y ahora se encuentra disponible en el mercado colombiano.

Muestra de una parte del DVD de la artista colombiana Totó la Momposina llamado "La cantadora"

CONTENIDO
1. Mojana
2. Yo Me Llamo Cumbia
3. Chi Chi Mani
4. Ven Pronto
5. Cosas pa Pensar
6. Tres Golpes
7. La Llorona
8. Rosa
9. Fiesta Vieja
10. Goza Plinio Sierra
11. Prende la Vela

MATERIAL ADICIONAL

1. El Dolor de María
2. Tío Guachupesito
3. La Verdolaga

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Alejandro Duran Y Su Paso Por El Amor

2011-03-02T14:37:00.008-05:00

El profesor de filosofía Carlos Gurméndez, en sus Estudios sobre el amor, dice: “El amor es tan sólo la posibilidad de una totalidad real que puede realizarse mediante una experimentación viva. Al unirse dos seres, cada uno aporta su vida, en la que se amalgaman sus emociones, contextos, fracasos, éxitos, o sea, su realidad personal”.

De igual forma, el filosofo de San Jacinto Bolívar, Numas Armando Gil, en un ensayo sobre el amor en la canción vallenata dice: “La palabra amor procede del verbo amar, que significa coger o ser cogido. El que ama es cogido por la cadena del deseo y anhela coger a otro con su anzuelo. En efecto, igual que el pescador astuto intenta atraer los peces con sus carnadas y cogerlos con el gancho de su anzuelo, así también el que es cogido por el amor se esfuerza en atraer al otro con sus halagos, y con todos sus esfuerzos intenta unir dos corazones distintos con su vinculo inmaterial; o si ya están unidos, conservarlos para siempre juntos.

El amor hace que una persona ruda e inculta brille con toda la hermosura; sabe también enriquecer a los de baja cuna con nobles costumbres, y además suele dotar de humildad a los soberbios; el enamorado se acostumbra a ponerse al servicio de todos con complacencia. Lo vemos despreciar la muerte, desafiarla, no teme ninguna amenaza, dilapida sus riquezas y no teme caer en la miseria”.

Y fue precisamente eso, lo que sucedió con Alejo Durán, ese ser humilde, campesino, negro, de mirada tierna, picaron, romántico, de sombreo vueltiao, dentadura blanca; el poeta, el hombre desgarrado que oculto, llevaba hondas penas en el corazón, el negro que le dio la dimensión histórica al festival de la Leyenda Vallenata. En sus composiciones cogió y fue cogido en el amor, y lo plasmó en su canto. Cantándoles a las mujeres, a unas las enamoró, a otras las poseyó y a muchas las inmortalizó a partir de sus cantos. Recordemos a: Fidelina, Irene Rojas – la del cero treinta y nueve – Bren, Chave, Sabina Arrieta – la del papelito de Ayapel – María, Guillermina Tovar, Evangelina, Saturnina, Josefina, Margarita, Catalina, Las Mellas, Teresita, Sofía.

Ellas fueron su mundo: “Las mujeres fueron todo para mí. Con decirle que hasta negocio fueron, pues yo tenía que estar enamorado para seguir componiendo. O despechado, tal vez. Hay amores de amores, y amores que se quieren. Eso lo aprendí caminando”.

Cuando Alberto Salcedo Ramos lo entrevistó para el libro “Diez Juglares en su Patio” le dijo: “En esas corredurías fue donde conocí a casi todas las mujeres que después salieron en mis canciones. Es que uno en cada pueblo conseguía sus amores. Cuando uno se enamoraba, de verdad era un tigre, ¿oyó?, un tigre que perseguía a la dama por donde fuera. La olía a lejos. La llamaba con el silbido. Y si la cosa se ponía muy difícil, entonces uno tiraba a fondo, a buscarla en cualquier rincón. Lo importante era dar con ella para saber de una vez por todas si triunfaba o fracasaba. Si uno salía derrotado, por lo menos quedaba eso: haberla encontrado”.

Citando a Aristófanes, cuando dice que: “los hombres no se dan cuenta del “poder” del amor, ya que si así fuera, desde mucho tiempo atrás le hubiesen construido los más espléndidos templos y altares y harían en su honor los más solemnes sacrificios. Pero no, el amor es el dios más aliado de los hombres y médico de los males, cuya curación aportaría la máxima felicidad al genero humano”. Una explicación de las razones históricas y profundas para que éste canta autor le cantara a la mujer y al amor, no se puede encontrar sino en que la máxima felicidad se la dieron las mujeres. “El amor es un deseo tan profundo que nos hormiguea el cuerpo hacia la búsqueda de la integración de nuestra naturaleza en la persona o el objeto amado; lo mismo en lo físico que en lo espiritual”.

Alejo Durán, se casó con Joselina Salas en el año de 1953 en Barranquilla, a la edad de 35 años, pero tres años de compartir momentos alegres y amargos, así como de sufrir la ausencia del marido por días y meses, hicieron que el amor se quebrantara y el idilio amoroso se rompió para siempre. Joselina no resistió y mucho menos aguantó que su marido fuera un gitano que no tenía punto fijo, porque salía de Magangue, lugar a donde se fueron a vivir en su unión marital, y recorría el gran Bolívar, los pueblos del Magdalena, del San Jorge y del Bajo Cauca; ella nunca alcanzó a comprender lo que significaba Alejo para la música y el folclor colombiano. Una relación que se acabaría también por los celos intransigentes de una mujer que veía que su compañero se volvía más importante y asediado por el público. Por eso decidió, un día cualquiera, abandonar al rey grande del acordeón, sin importarle nada, ni la fama ni el prestigio arrasador que el cantor estaba construyendo, y regresó a su Yucal (Bolívar), lugar a donde Alejo la enamoró con su acordeón, algo a lo que ella accedió porque le gustaba su música y a Alejo le gustaba ella. No obstante, producto de ese amor verdadero, tuvieron dos hijas.

No puede olvidarse que el amor de su juventud fue Fidelina: la locura de esos días en los que no podía dormir porque le atormentaba el alma. Su Fidelina terrenal. Alejo contaba con agrado el suceso que le paso con esta mujer, del que surgió una de sus canciones preferidas: “Fidelina fue una muchacha que tuvo amores conmigo. Yo no sé si ella conmigo o yo con ella. Total, que una vez resolvió a irse conmigo, pero como uno es tan desesperado, nosotros nos citamos a las ocho y media de la noche. La casa de ella estaba en un recinto a la orilla del camino real y yo estaba tan alegre y desesperado, que me fui desde la seis. Cuando ya eran las siete ya yo estaba aburrido”.

Fidelina, Fidelina

Me consuela mi acordeón

Que tu negro no te olvida

Es de todo corazón…

También tuvo otras vivencias que le permitieron construir historias a sus mujeres amadas y no amadas. Por ejemplo: “Joselina Daza”, es un canto de afecto y se lo hizo a la hija de su compadre y protector Víctor Julio Hinojosa; a Isabel María, la pequeña hija de su amigo Amaranto León, le compuso una canción conocida por todos los seguidores del gran Alejo: “La hija de Amaranto”, le cantó a Sierva María, a partir de una composición que no fuera de él, sino del juglar Germán Serna Daza, pero lo interesante fue que inmortalizó este nombre, hasta el punto que García Márquez lo menciona 185 veces en la novela: “Del amor y otros Demonios”, y dijo una vez: “Ahora, Sierva María es un nombre tan bello que hubiera sido casi un delito no utilizarlo para un personaje tan bello”. Su último suspiro amoroso lo dio al lado de Gloria Dussán, con la que vivió en Planeta Rica (Córdoba) y la que le ayudó a criar dos hijos que no eran de ella, y fue la mujer que hizo que el negro viviera eternamente enamorada de ella, la gran Goya.

Un tema que no está agotado, así los historiadores, folcloristas, narradores, cuentistas o literatos quieran dar a entender que se agotó. Ahora es cuando más se necesita ahondar sobre esta temática, porque nadie tiene la verdad absoluta acerca de Alejo, pensarlo así sería una pretensión absurda y salida de todo contexto. Lo peligroso sería también, creer que podemos saber más de las cosas y sucesos que el propio difunto. Es por eso que se hace necesario fabular acerca de este hombre, una vertiente muy rica para que la leyenda no muera.

Sin caer en categorizaciones academicistas o filosóficas, sólo hay que atinar en decir que era un compositor que leyó e interpretó su entorno, sin más complicaciones. Por eso también satirizó e ironizó en sus cantos; uno de ellos es “La Perra”. Como era un buen narrador de cuentos, lo refiere así: “Entonces el marido de la mujer se metió una rama de totumo por dentro y se fue a esperar a la mujer allá. Cuando la mujer llegó y se dio cuenta que era el marido, echo a correr. Entonces vino y la cogió, y me la va levantando con la rama esa. La mujer, en vista de que no se pudo escapar, se le devolvió y lo mordió todo. Entonces, por eso es que dice: “El dueño dándole palo y la perra dándole diente”, es el motivo de esta canción”.

Aquí podríamos decir: “Quien no conoce el tema, sufre de engaño”. Eso pasa con esta canción: quien no conoce la historia, la estigmatiza y no le da el verdadero sentido que se merece.

Ahí viene la perra

La que me iba mordiendo

Perra valiente

Que mordió a su dueño

Es una perra valiente

Es una perra tan brava

El dueño dándole palo

Y la perra dándole diente

Alejo fue un hombre que se dejó coger por el amor, y lo cogió; por eso, desde muy joven se enamoró, y dijo en su canción que “no hay nada como la mujer”, y grito a los cuatro vientos que después del acordeón, las mujeres se irían con él a su tumba.

Lo más sublime siempre sería enamorar al ser femenino, sin importarle el tipo de mujer que fuera, su estrato social, ya fuera rica, pobre, negra, india, blanca, lo que le importaba era que sus asedios amorosos encontraran respuesta. Su seducción no estuvo acompañada por pretensiones que estuvieran por fuera de lo que el rito del amor reclama, ni hacia ostentaciones de poder. Aguardaba con pasividad del hombre que sabe esperar, porque su cortejo era tan efectivo que no necesitó de otros menesteres para “coger” y llevarse el amor de ese día, de esa noche o de aquella tarde.

Se volvió un hombre irresistible, por su porte, su voz, su color, y porque tenía un imán para las mujeres. Las mujeres de su tiempo nunca se resistieron a su sonrisa, a su mirada y a su piropo, que fue otro anzuelo para su pesca amorosa. Un piropo de Alejo tuvo que ser una frase cargada del más puro amor, al que ninguna mujer pudo resistirse por más ausente que estuviera o por lo poco interesada que ésta se mostrara por el negro color de ébano.

Ni que decir cuando lo veían pasar con su sombreo vueltiao, el primero en hacer famoso este aporte Zenú, al cual le dio prestigio. A otras por el contrario, les fascinaba su risa electrizante para deleitarse con su blanca dentadura como el marfil; ese simple detalle hacia volcar afecto, cariño y ternura. A lo mejor muchas se iluminaron con él, cuando de su boca salían rayos dorados, por tener dos dientes de oro, y eso le quedaba bien, no le sobraba a su personalidad sólo porque era el negro consentido de las mujeres.

Así como nunca se cansó con el toque del acordeón, de igual forma, aconteció con las mujeres. Si estaba en una caseta o en una parranda podía sentirse asediado por ellas, pero esto no lo mortificaba, quizás porque su acordeón lo acompañaba con su melodía, hasta que llegaba el instante preciso para elegir a su “víctima” amorosa. Desde ese momento hasta finalizar el toque, se dedicaba a cantarle a la mujer que lo impulsaba a hacer versos, y para que su acordeón se volviera más tierno con los bajos y los pitos.

Siempre fue un hombre listo, rápido de pensamiento. El cuerpo definido y de contorno escultural de la mujer también fueron motivos de inspiración para sacar bellas melodías. Alguien podría afirmar, a priori, que Alejo debió sufrir algún desengaño amoroso. Si hubiera sido así, no hubiera compuesto y dedicado tantas canciones a ese ser trágico, mañoso, grandioso, como es la mujer. Por eso no la pudo mirar como la esclava, la que vino a procrear, a soportar el machismo desbordante del hombre de la región caribe, la que tiene que cuidar al marido, sino todo lo contrario, la concibió como ese ser social que le dio inmensas alegrías y fracasos.

En esas correrías tuvo más de una mujer, y sólo él, como nadie, supo por qué se detenía: en cada puerto tuvo un amor, no como el marinero, pero si como el viajero del amor. Testigo de todo esto es el territorio del Bolívar grande, el Magdalena, y el interior de Colombia. Darle una dormida para que descansara era un acto de honor por parte de aquellos campesinos que lo veían como su ídolo, y permanecer la noche allí donde le daban la posada, era más que pasar la noche, porque si había una muchacha bonita, se desesperaba y su requerimiento en el amor era lento y puntilloso. Si no lograba impactar a la joven que no lo dejaba dormir, se iba con su recuerdo y si le gustaba más de la cuenta, volvía otro día; eso sí, se iría en busca de otra aventura, tal vez porque su corazón le decía que alguien lo estaba esperando para escucharlo y que él le declarara su amor.

Sabía que la noche la pasó en casa de amigos o de sus seguidores fieles, pero no podía adivinar dónde pasaría la siguiente. Desprevenido de las cosas materiales, el dinero no fue su fuerte; poco le interesó. Descifró el acto del trabajo en toda su magnitud y “supo que el trabajo nace del acto de disfrutar de lo que se está haciendo”; lo disfrutó hasta la saciedad, lo paladeó como un helado, de esos que se venden en esa región de mil colores. Amplio con las mujeres, cuando entendía que estaba más que enamorado, el respeto por ellas seguía siendo de admiración y de ejemplo en este mundo, donde ni siquiera hay tiempo para lanzar palabras de amor o de regalar una “flor de amor” para que la lleven y nos tengan en sus recuerdos.

Los cabarets lo enloquecieron. Eran algo embrujador y lo más agradable para este hombre mujeriego, pues allí lograba desdoblarse: Alejo alguna vez dijo: “Era lo más sabroso que le podía pasar a un hombre, porque podía estar tranquilo con una mujer, y si se aburría con ella, ahí mismo podía coger otra y no había problema alguno”. De allí que le compusiera un Son al cavaré de “El chelo”, en Cereté:

EL CHELO

El chelo se ha puesto bravo

Eso no es de corazón

Ahora para contentarlo

Te voy hacer este son

Todo lo que está pasando

Seguro que no me explico

El Chelo se ha puesto bravo

Porque yo no lo visito.

Pero yo no sé por qué

Esto dice el pobre negro

Ahora voy a Cerete

Para visitar a El chelo.

El mejor agradecimiento para su amigo, quien lo tuvo varios días y varias noches en ese sitio, donde disfrutó del mundo erótico, pero sabiendo que las notas del acordeón de Alejo eran un atractivo para aquel lugar, que tantos secretos le guardó. De allí también nacieron muchos homenajes para la “capital del oro blanco”, titulo que ya no ostenta. Fue la ciudad que disfrutó con la presencia del “negro grande” cuando éste llegaba a las corralejas del 2 de febrero, también le canto a las lindas cereteanas.

“Alejo murió como tenía que morir: del corazón. Lo había dividido tajantemente en dos, entre las mujeres y la música. Era un corazón que había amado, que había sufrido, que había creado. El de él fue un corazón para muchos corazones”.

Murió de infarto, una mañana de sol del 15 de noviembre de 1989, en la habitación 204 de la Clínica Unión, de Montería. Este año se cumplen 21 años de su partida. Pero hay un hecho muy singular, siempre que converso o hablo de Alejo Durán, se me viene a la mente los grandes poetas: Jorge Artel, Candelario Obeso, y el Premio Nóbel de Literatura del año 1982, Derek Walcott, ¿Será porque pertenecen a esa inmensa Región Caribe que va desde el sur de los Estados Unidos hasta el Brasil? ¿O porque cada uno de ellos ha tenido una versatilidad muy propia para cantarle al mundo?

Por : Arminio Mestra O.
http://www.radioguatapuri.com/

Documental sobre Carlos Vives "ADN"

2011-02-25T09:45:00.017-05:00

Muestra de un documental biográfico sobre Carlos Vives, en donde él mismo contará su historia desde que era un niño hasta hoy, así como la forma en que su éxito musical está ligado a su infancia y a las influencias musicales que heredó del vallenato por haber crecido en Santa Marta, su ciudad natal.

En el recorrido que hace 'ADN' por la vida de Vives, encontramos que en su juventud quiso dedicarse a la medicina y a la odontología, pero su destino siempre estuvo ligado al mundo del entretenimiento. Sus inicios en la televisión, su paso por las novelas, su pasión por la música y esa búsqueda constante por hallar ese proyecto que fuera “propio”, que fuera “suyo” es lo que ha formado al Carlos Vives de hoy.

Y fue justo cuando protagonizó la novela 'Escalona' en donde él personificaba al compositor vallenato, que incursionó fuertemente en el ámbito musical. Aunque el vallenato típico no era el sonido que quería para su música, fueron los ritmos de composiciones clásicas los que le dieron la clave para encontrar el toque especial que tanto buscaba, un vallenato moderno que hoy se escucha en todo el mundo.

Luego de 'Escalona' y de grabar dos trabajos con la música de la novela, llegó “Clásicos de la Provincia”, su primer proyecto, la conjugación de sus deseos y el inicio de un nuevo ritmo musical.

Una rica e interesante selección de testimonios por parte de las personas más allegadas a él, como su esposa Claudia Elena Vásquez, su hermano Guillermo Vives, su mamá, Aracelly Restrepo, sus compañeros de trabajo, músicos y periodistas darán cuenta del cariño y admiración que le tienen.

Con este 'ADN', se le rinde homenaje a este músico, que fue el primero de los grandes en Colombia, el que con ideas arriesgadas e innovadoras, logró constituirse en un gran embajador de Colombia para el mundo.

Fuente: http://entretenimientoplus.com/

Historia íntima de una loca entrevista sobre la muerte (Diomedes Diaz)

2011-02-04T16:09:00.006-05:00

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En aquel mayo, de 1991, Diomedes Díaz había fraternizado lo suficiente con la muerte como para que ésta no le fuera extraña. Eran otros tiempos.

Diomedes Díaz era el Cacique, no solamente de La Junta, sino de toda Colombia. Carlos Vives ni siquiera había empezado a recortar sus pantalones largos, mientras un comerciante árabe con fama de loco andaba por las redacciones de Barranquilla tratando de convencer a los periodistas de que su hija, una tal Shakira Isabel, era una niña genio de la música.

Ya Diomedes era el artista más vendedor de la casa Sony Music en Colombia, y todavía faltaban 6 años para el suceso criminal que impactaría su vida para siempre.

En aquel mayo viajé a Bogotá con acceso privilegiado al estudio de grabación en el que Diomedes Díaz le daba los últimos toques al que sería su nuevo suceso discográfico: el disco Mi vida musical, título derivado de la canción principal de la producción.

Tan pronto conocí el repertorio, me llamó la atención una canción, que no era la que la Sony Music había seleccionado como objetivo. Se titulaba Mi ahijado, y me impresionó por todo lo que transmitía. Era un canto claro y directo que narraba, en tono dramático, la visita del cantautor a la viuda de un amigo suyo que había sido víctima de la violencia, y que comenzaba con una estrofa desgarradora:

Comadre cómo está, cómo le ha ido
He llegado a su casa porque sé,
que a pesar que el compadre se nos fue
Yo sé que aquí cerquita está conmigo
Y principalmente con usted.

Estuve allí, en el estudio, en el momento en que Diomedes cumplía el último paso de la grabación, es decir, le introducía la voz. Era evidente que la estaba cantando desde el fondo de sus vísceras y que algo muy personal debía estarse agitando en su interior.

Mientras lo observaba cantar, aquella fría noche en un estudio de Bogotá, intenté hacer suposiciones. Había muchas muertes flotando alrededor de los cantos de Diomedes Díaz y no era fácil llevar aquellas divagaciones a un punto certero. Muertes de todo tipo.

Lisímaco Peralta, el ‘héroe’ de la canción Lluvia de verano, había quedado tan fascinado con la exaltación que Diomedes le había hecho, que en una parranda le pidió al cantante que la interpretara varias veces seguidas, lo que generó una reacción por parte de unos hombres armados.

En la misma noche de su júbilo, Lisímaco Peralta, el hombre que no cambiaba de mujer sino de “comedero”, fue acribillado delante del mismo Diomedes, quien alcanzó a recibir salpicaduras de la sangre de su amigo.

Estaba también la historia de la muerte trágica de uno de los personajes más queridos para Diomedes Díaz, su tío Martín Maestre, a quien el artista rendía un homenaje precisamente en la canción Mi vida musical. El tío Martín había muerto en un lamentable accidente, cuando viajaba en el platón de una camioneta conducida por el mismo Diomedes Díaz, entre La Junta y Valledupar.

Pero además de las ‘presenciales’, por llamarlas así, la historia de Diomedes Díaz estaba asociada con una sucesión de muertes violentas de amigos suyos, a los cuales solía mencionar con mucha insistencia en sus canciones.

Samuel Alarcón, celebrado a gritos infinidad de veces en temas como Mi primera cana, había sido abatido a disparos en una cárcel de Bogotá. Moñón Dangond, cienaguero, también amigo del Cacique de La Junta, había también fallecido en trágicas circunstancias, al igual que Felipe Eljaick, Santos González y tantos otros. En fin, un trágico panteón de personajes a los que Diomedes Díaz, en sus entusiastas saludos, había demostrado profundo afecto.

Intentar adivinar de quién era viuda la protagonista de la canción resultaba entonces una tarea de brujos. Quizá por una razón personal, porque la había conocido y me había parecido una mujer férrea y extraordinaria, identificable con la de la canción, tuve siempre la certeza de que la canción era para Amarilis Calderón, la viuda de Germán Vargas Lobo, un reconocido médico de Valledupar que había sido víctima inocente de la narcobomba del Hotel Hilton en Cartagena. Pero no había certeza.

Una vez Diomedes terminó de cantar el tema vino entonces la entrevista, la cual fue allí mismo, en el estudio, con el artista vistiendo esa chaqueta de cuero que tanto brilla en el video.

Desde luego que no podía faltar la pregunta sobre la identidad de la viuda, el homenajeado y el tal Pachito, nombre que se me antojaba ficticio y que Diomedes utilizó para nombrar a su ahijado.

El artista jamás quiso decirlo. Respondió con rodeos, y por más que intenté que lo precisara, simplemente no hubo manera.

De allí, de sus repetidas negaciones, la conversación derivó hacia la muerte. Pensé que estaba cantada la pregunta, como quiera que en el nuevo disco había dos canciones alusivas a la muerte.

Es obvio también que Diomedes no rehuyó el tema. Antes por el contrario, se lanzó en aquella retahíla que hoy por hoy ya muchos se saben de memoria. (“Pero yo sí sé que a mí me afectaría más la muerte mía”; “Si yo supiera que uno sirviera más muerto que vivo, yo me muriera hoy, pero no sé, Ernesto, no sé”; “Imagínate: enterrao uno debajo de la tierra y con esos calores que hacen ahora”; “Claro que pinto mi entierro, bonito, y el cajón allá en el medio, los gamines vendiendo chicle, la viuda con pastilla pa’que no llore porque ya tiene plata…”

¿Qué pasó después?. Lo que nadie hubiera podido suponer es que todas esas preguntas sobre la muerte estaban incomodando de tal manera a Diomedes que al año siguiente, cuando le propuse una entrevista, el artista simplemente se negó.

Alguien me comentó que le aterraban esas preguntas sobre la muerte, algo que me sorprendió mucho, a juzgar por la manera como había respondido.

En varias ocasiones me dejó plantado, y en una de esas abrimos micrófonos a los fanáticos que se lo habían quedado esperando para una presentación en el parqueadero del estadio Romelio Martínez.

A Diomedes, cuyo conjunto ya para ese entonces era conocido como el de ‘Novienes Díaz y Juancho tampoco’, respondió a su manera, dándole un paseo a mi nombre por casetas y verbenas de la Costa Caribe. “Yo soy indio”, llegó a decir en una ocasión, quizá invocando el alma de algunos de sus compadres para que me callaran.

Luego vino lo que vino, y eso ya es harina de otro costal. Hoy, casi 20 años después de esa entrevista, veo a un Diomedes al que lo ha rondado la muerte con más intensidad que nunca, aunque siempre ha salido exitoso.

Le han practicado delicados procedimientos quirúrgicos en el corazón, como quien le saca una muela, y con la misma se levanta, come chicharrón, y sigue cantando.

Hoy por hoy, el video de la entrevista. ‘Diomedes y la muerte’, ha sido visto en más de 300 mil ocasiones. Ya surgió hasta una parodia, ( http://www.youtube.com/watch?v=X66_KQKT-T4).

En el foro de YouTube suelo leer todo tipo de comentarios, desde los que tildan al artista de ‘brutazo’ hasta los que lo consideran un genio, pasando por los que creen que fue una gran ‘mamadera de gallo’ en la cual fui la víctima. Yo me abstengo de opinar. Si me preguntaran por qué, me limitaría a responder: “no sé, Diomedes, no sé…”

Por Ernesto McCausland Sojo

Vallenato - Jazz. ¿Un paso adelante?

2011-02-01T16:38:00.008-05:00

¿Qué pasa cuando el vallenato, ese género musical que más nos ha definido en los últimos 30 años, continúa su evolución transmutado a los terrenos del bolero, del jazz y del feeling en el nuevo disco de Chabuco? ¿Es vallenato? ¿No es vallenato? (Si Vives es vallenato, ¿entonces cualquier fusión puede ser vallenato?) Y, finalmente, ¿a quién le importa? Estoy hablando del nuevo disco de Chabuco, titulado Clásicos Café la Bolsa, en homenaje a un cafetín de Valledupar donde se reunía entre 1955 y 1967 un grupo de personajes que no cabía en ninguna parte. Allí venían Hugues Martínez, el pae’ de Chabuco con su guitarra y sus amigos Colacho Mendoza, Gustavo Gutiérrez, Emiliano Zuleta, nadie menos que Escalona y el pintor Jaime Molina, entre otros. No tocaban solo vallenato, aire por esos días medio proscrito y socialmente incorrecto, sino que también interpretaban boleros y otros ritmos, como el danzón.
Chabuco nace años después, pero toma tetero arrullado por todos esos cantos que son los que manan de la teta de su tierra. Con esa leche se nutre, crece y se convierte en el cantante de Los Pelaos en el 98 y de esta agrupación de la nueva ola vallenata sale errante como solista y bohemio a buscarse un destino propio. Y lo va logrando.
Clásicos es su tercer disco y es el primero que yo escucho. Me lo tropiezo por accidente y quedo paralizado ante una obra que desafía a lo que puede pasar con el vallenato, porque no imaginábamos este encuentro con el bolero y el jazz. Y le sale bien; el disco tiene una onda relajada y espontánea, como si siempre se hubiese tacado así, como si lo hubieran inventado los maestros del Café la Bolsa y él sólo repitiera, o como si no se diera cuenta de que él está inventando un nuevo futuro para el vallenato.
O de pronto no es vallenato, tan sólo canciones de su tierra cantadas con el mismo sentimiento, pero rearmonizadas para cumplir con el sagrado deber del artista: el de intentar cosas nuevas. Esta nueva música podría pasar por feeling en Cuba o lucirse en la tarima de un festival de jazz en Madrid o incendiar unas parejas en un club nocturno de Tokio.
Para lograrlo, reúne un trío de primera categoría armado sobre el ritmo del Negro Hernández, considerado el mejor baterista de latin-jazz del mundo, y el síncope del contrabajo del también cubano Diego Valdés; las armonías marchan sobre los arreglos del pianista peruano radicado en Colombia Kike Purizaga, quien las escribe con muchas puertas abiertas para invitar a los aportes de este tremendo grupo. La química se siente en la manera como los cuatro se entrelazan en las melodías de Chabuco, su voz encontrando amplio el espacio para transmitir la poesía vallenata.
¿Un nuevo género musical? Eso no importa tanto porque, por lo general, la música popular vale por los sentimientos que recorren la espina dorsal de los oyentes, indiferente a los cánones que los musicólogos le asignen, los cuales son posteriores al fenómeno, al accidente y a la invención.
Más bien, lo que este disco viene a reforzar es la idea de que Colombia es potencia musical, una de nuestras grandes ilusiones. Lo que Chabuco tiene que hacer, en mi opinión, es volar con su música a otra parte, a los festivales europeos de jazz en el verano y regresar a los de su patria en el otoño. Esos son los deseos para él en el 2011.

Por: Fernando Martelo.

Alfredo Gutiérrez: el rebelde del vallenato

2011-01-30T14:01:00.009-05:00

Rompió todas las reglas del vallenato al usar el acordeón en porros y cumbias.

Entonces el rey era uno sólo y se llamaba Alejandro Durán Díaz. El Negro Alejo. Se había coronado con todas las credenciales el año anterior (1968) en la tarima de tabla, que se llamaría después ‘Francisco el Hombre’, de la plaza Alfonso López en Valledupar. La misma tarimita en la que hacía apenas 12 meses se había proclamado el Cesar como departamento. Pero ahora el recién nacido festival ofrecía una nueva oportunidad a la grandeza, a la posibilidad de ser un soberano del acordeón. Los artistas, con sus sombreros y sus abarcas tres puntá, se medían en los patios de las casas de los notables de la ciudad, a las que llegaban multitudes sólo por el placer de verlos entonar un canto o tomarse un trago de ron. Como hoy en día, pero sin tanto político, sin tanto club social y, lo mejor, sin tener que pagar la entrada. De la sabana de Sucre llegó un bicho raro cantando un merengue que acusaron de ser “acumbiao”, por no parecerse al vallenato tradicional. Su título es Papel quemado.

Las muchachas dicen que yo soy papel quemado.
No puedo enamorar porque estoy comprometido ¡Ay!
Que soy un borracho pernicioso y sin embargo
Donde quiera que llego un amor yo me consigo.

En realidad, el bicho raro era ya un reconocido intérprete de canciones, como Ojos indios y La cañaguatera, que se bailaban por los rincones del Valle de Upar, del Magdalena y de Bolívar: Alfredo de Jesús Gutiérrez Vital, entonces de 26 años, el artista que desde sus inicios se atrevió a usar el acordeón en aires musicales no habituales para ese instrumento, como la cumbia, el porro y el chandé. Mejor dicho, el hombre que metió al acordeón donde no debía estar. O donde algunos decían que no debía estar. Como varios puristas de Valledupar, que le quisieron cobrar caro aquel merengue “acumbiao”.

Sucedió durante las eliminatorias del concurso. Yo siempre tuve mi temperamento rebelde y me daba cuenta de que a los músicos que participaban en el festival, en el día, los ponían a tocar en los clubes de Valledupar o en las parrandas de algunas casas, pero luego no los tenían en cuenta para nada. Yo empecé a reclamar. Le reclamaba a la Doña. A la que sabemos. Y ahí comenzó esa antipatía. Yo no me dejaba manosear, como manoseaban a ‘Colacho’ o a Luis Enrique Martínez, que no les daban nada. Les daban era ron. La gente estaba conmigo, no dejaban de aplaudirme. Entonces, cuando yo estaba compitiendo en los quioscos, en plenas preliminares, ella llega y le dice al jurado que no tenga en cuenta las aclamaciones del público porque yo estaba tocando otra cosa que no era vallenato.

Muy digno, el aspirante a rey anunció su retiro del festival en medio de los gritos histéricos de “que sigaaa, que sigaaa” de la gente y Pedro Juan Meléndez, un veterano de la radio que en ese momento transmitía el evento para la emisora Olímpica y hoy cuenta 80 años, sentenció al aire su destino: “Señoras y señores, ha nacido un rebelde del acordeón”.

***

Alfredo Gutiérrez se coronó en tres ocasiones Rey del Festival de la Leyenda Vallenata (en 1974, en 1978 y en 1986), pero nunca ha dejado de ser el rebelde aquel que se le enfrentó a la Señora del evento, la fundadora, Consuelo Araújo Noguera, La Cacica. Eso sí: para lograr esa conquista, que ningún otro acordeonero ha alcanzado en 42 años de historia, tuvo que quitarse la camisa de la cumbia y vestirse con el traje del vallenato tradicional. Ah, pero eso no le significó claudicar. En 1987 volvió por sus fueros cuando se realizó el primer concurso Rey de Reyes, al que sólo llegan a participar los grandes.

Los organizadores empapelaron las calles con afiches de ‘Colacho’ Mendoza. Entonces, yo pensé: esto como que ya está montado para que gane ‘Colacho’, y me retiré. Finalmente, ‘Colacho’ fue el que ganó ese año.

Su primera transgresión profesional, relata su biógrafo, el periodista Fausto Pérez Villarreal, data de 1965, cinco años después del nacimiento de Los corraleros de Majagual, la agrupación histórica (calificada por unos expertos como la Selección Colombia de la Música y, por otros, como la Sonora Matancera nacional), que conformaron Calixto Ochoa, César Castro, Lisandro Meza, Eliseo Herrera, Chico Cervantes y Alfredo Gutiérrez, entre otros. Al parecer, el viejo Toño Fuentes, cartagenero, dueño de Discos Fuentes y cofundador de la orquesta junto con los artistas, quiso registrarla como obra exclusiva suya. ¿Adivinen? El acordeonero no aceptó y abandonó el proyecto, no sin antes robarse a los músicos de bajo perfil, como el cajero y el guacharaquero.

No sólo se los robó para una nueva propuesta que bautizó como Alfredo Gutiérrez y sus estrellas. También, los uniformó. Los hizo acompañar de un bajo eléctrico y de coristas. Y contrató a un presentador en escena. Cuando algunos juglares andaban todavía en burro, alegrando cualquier esquina de pueblo con su canto, Alfredo Gutiérrez convirtió el oficio en una empresa con aspiraciones. Cuando la del acordeonero era una figura menor frente a la del cantante, Alfredo Gutiérrez le defendió su estatus. De nuevo, los puristas lo acusaron. Lo llamaron depredador del vallenato. Sin duda, la culpa fue de su rebeldía, de su desobediencia. Hombrecito atrevido, carajo.

Pero agárrense, puristas del vallenato, lo peor estaba por venir: Alfredo Gutiérrez se levantó un día y decidió que iba a tocar el acordeón con los pies. ¡Padre Santo, Francisco el Hombre tiene que estar revolcándose en su tumba! El primer espectáculo lo dio en Barranquilla, en el Carnaval de 1971. Alternaba con un sexteto venezolano que por la época causaba furor, llamado Los blancos de Venezuela, y cuyo timbalero se ganó todos los aplausos del público. Como le tocaba cerrar la presentación, quedó con una espinita. No quería ser menos que los venezolanos y su tal timbalero. Así fue que, finalizando su última canción, se quitó los zapatos, se tiró al suelo y empezó a tocar con los dedos de los pies. Ahora, no hay contrato que firme en el que los empresarios no le exijan hacer el show.

Aunque un verdadero show fue el que protagonizó en Venezuela, en 1981, cuando se le dio por aprenderse el himno de los vecinos y tocárselos con su acordeón. Ese mismo año se había presentado en el Madison Square Garden de Nueva York y fue ovacionado y cargado en hombros al interpretar con su instrumento el himno de los Estados Unidos. Quiso repetir la gracia, pero muchos (¿puristas otra vez?) se ofendieron y lo fueron a buscar al hotel en el que se hospedaba para pegarle. Me levantaron a planazos.

En el país, el apoyo le llegó desde la Presidencia para abajo, pero cuando unos periodistas le cuestionaron si realmente le habían pegado tanto como estaba asegurando, a Alfredo Gutiérrez, el rebelde del vallenato, sólo se le ocurrió bajarse los pantalones y mostrar a la televisión sus nalgas moradas por la golpiza. Tiempo después, nació de su autoría la canción Las tapas morás.

En Colombia hay cultura yo soy muy bolivariano
Pero los venezolanos nos tratan con mano dura
Con las tapas morás me mandaron pa acá
Ese Óscar de León me levantó a planazos
Y hasta el pobre acordeón ¡ay! Sintió los porrazos.

Exactamente una década después volvió a cobrar gran notoriedad en otro país: en Alemania, donde ganó en dos ocasiones el título de Campeón Mundial del Acordeón, una de ellas frente a un músico vienés con cuatro años de conservatorio. Cuando le preguntaron de qué conservatorio había salido él, atinó a contestar: De cosa aprendí a leer con el profesor Arquímedes y no hice ni un año de escolaridad.

Al profesor Arquímedes lo conoció en Sabanas de Beltrán, la vereda de Paloquemao, en el Sucre que alguna vez perteneció a Bolívar, en la que nació en 1943. Fue concebido en una vela de cumbia o velorio cantao, que es una fiesta que se les ofrece a los santos por las buenas cosechas. Su padre, Alfredo Enrique Gutiérrez Acosta —acordeonero de La Paz, Cesar, encargado de amenizar el festejo—. Su madre, Dioselina de Jesús Vital Almanza —bailarina de cumbia, quien le dio seis hermanos—. Lo hicieron en un fandango.

Su matrimonio con el acordeón, por supuesto, lo organizó el padre, que siendo Alfredo de Jesús un niño lo vinculó a la agrupación Los pequeños vallenatos.

En el 57 se acaba el grupo porque mi papá ya estaba muy mal de un cáncer cutáneo en la nariz. Murió en el 58 y yo dejé de tocar el acordeón como seis meses. Un día me di cuenta de que el instrumento se me había dañado y se me dio por ir a arreglarlo donde Calixto Ochoa, que vivía en Sincelejo. Ahí lo conocí y se convirtió en un padre.

El viejo Calixto lo vinculó a la agrupación que luego bautizarían como Los corraleros de Majagual y el resto es historia cantada.

Desde entonces ha pasado mucho: 12 hijos, con la misma, pero con distinta mujé, como dijo ‘El Negro’ Alejo. Una esposa vallenata, llamada Cecilia Moscote, y la época del desorden. Pero ahí sigue la rebeldía. Y una carrera musical vigente, con contratos todos los fines de semana y una lluvia de homenajes.

“Alfredo fue el primer acordeonista que supo amalgamar el estilo de la música sabanera, que es el porro y la cumbia, con el vallenato. Ahí radica su importancia”, sentencia el periodista sabanero Juan Carlos Díaz, quien añade que son contados los artistas que han logrado mantenerse 50 años en el mercado. ¡Cincuenta años bailando por cuenta de Alfredo Gutiérrez!

O si no, que lo digan en Guararé.

Carnaval de Barranquilla, a sus pies
El sábado, en el estadio Romelio Martínez de ‘La Arenosa’, la Fundación Carnaval de Barranquilla entregará una placa de reconocimiento al llamado “Rebelde del acordeón”, Alfredo de Jesús Gutiérrez Vital, para celebrar sus 50 años de vida artística y por su valioso aporte a la música del carnaval, que ya celebra sus momentos previos. El único que ha sido tres veces Rey Vallenato será el artista festejado en esta ocasión en el marco del programa “Carnaval, su música y sus raíces”. Y es que no son pocos los éxitos que el acordeonero ha puesto a sonar para la fiesta de fiestas de Barranquilla. Este año, por ejemplo, seguramente será el turno del Parce goterero. Antes, se cuentan canciones como La banda borracha y Festival en Guararé.

Salsa con acordeón: ¿profanación Mayor?

2010-11-28T05:13:00.006-05:00

Muchos salseros de tradición a lo mejor se escandalizaran con la inclusión del acordeón en ese trepidante ritmo que resuena en las esquinas de la ciudad . La orquesta La Mayor de Curramba espera que, por el contrario, su propuesta sea motivo de nuevas reuniones y alegrías en torno a la música y sobre todo, abra la puerta a nuevos conceptos en el mundo salsero.

En un adelanto de su proyecto musical, la orquesta presenta una propuesta osada que pone nuevamente en el tintero un debate sobre los géneros musicales y las nuevas fusiones. De acuerdo con su director, Manuel Castro, la idea es crear un concepto que permita llegar a gustos más diversos que los que llega la salsa.

Pero ¿una salsa fusionada con vallenato no dejaría de ser salsa? Para Castro la respuesta negativa radica en que la música es como un color que puede descomponerse en varias gamas, sin dejar de ser un mismo color. “Al final del día, la música es universal. Nuestro norte es la salsa, pero hay que ser universales”, aseguró.

La agrupación, compuesta por 14 músicos que se unieron para consolidar la idea que tenía Manuel Castro desde hace más de dos décadas, planeaba realizar un disco con un tributo a la música romántica de los años 60 y 70 que conservara la delicadeza de sus letras pero llevara impreso un sabor diferente.

Y nada más diferente que una propuesta enmarcada por fusiones innovadoras para poner a bailar a las generaciones de ayer y de hoy.

Kike Romántico Pava, reconocido baladista barranquillero y antiguo miembro del grupo Feelings en la voz principal, junto a otros músicos experimentados le dieron forma a la idea que por estos días presentan al público en una primera canción, tributo al éxito de la agrupación chilena Los Ángeles Negros.

Como quisiera decirte es el tema que la orquesta ha escogido para lo que ellos el consideran el arranque perfecto de su proyecto. La canción hace parte del primer material discográfico de la agrupación, cuya propuesta bandera es la “tarjeta de invitación que la salsa le ha pasado al acordeón, para que participe en nuestro proyecto”, como relató Castro.

Los integrantes de La Mayor de Curramba consideran que no hay espacio a rivalidades cuando se trata de música, razón por la cual decidieron incluir entre sus ritmos diversas fusiones, destacándose las logradas con ritmos vallenatos.

“Nosotros vestimos de caché al acordeón”, contó en forma jocosa Romántico Pava, explicando así la presentación de su propuesta, en donde se ve al instrumento insignia del vallenato acompañado de un traje de gala: “Se trata de una forma de acompañamiento, donde el ritmo tradicional salsero será suavizado de forma sutil por las notas del vallenato”

Para su primer disco, que verá la luz a principios del próximo año, los miembros del grupo anticiparon muchas fusiones, posiblemente igual de arriesgadas: “Estamos pensando en incluir sonidos del reggae y el calipso”. La propuesta está sobre la mesa y La Mayor de Curramba se alista para defenderla en los escenarios para demostrarle a los barranquilleros que la salsa y el acordeón no tienen que estar peleados.

Fuente:http://www.elheraldo.com.co/

Leandro en Manaure…

2010-11-25T06:55:00.002-05:00

Reflexiones de Tío Chiro y Tío Nan

Un 16 de julio encontré a Leandro Díaz en la casa campestre del abogado Armando Luis Calle Calderón, en Manaure (Cesar). Estaba acomodado en un taburete parrandeando en plena festividades de la Virgen del Carmen.
En medio de la parranda surgió la voz inconfundible de Ivo Luís Díaz, cantando “Dios no me deja”:

“Yo nací una mañana cualquiera
allá por mi tierra, día de carnaval
pero ya yo venía con la estrella
de componer y cantarle a mi mal. (Bis)

Leandro tocaba tenuemente con las yemas de sus dedos el borde del taburete, sin perder la melodía. Sus ojos estaban como siempre: cerrados, parecía dormir pero no era cierto. Leandro siempre está despierto en su interior.
Fue invitado por Armando Calle, para que viviera con sus amigos una buena parranda al lado de su hijo Ivo Luis y su nuera Ruby Cecilia y muchos amigos más.
En un receso de la parranda vallenata me acerqué a Leandro y empezamos a charlar. Me dijo que la primera vez que llegó a Manaure había sido en el año 1953, a unas fiestas de la Virgen del Carmen de la cual es devoto, porque es también la Patrona de su pueblo Hatonuevo y durmió en casa de Sabas Bendeck.
“En esa oportunidad me hice muchos amigos con mis simples cantos y mis simples versos y al año siguiente vine invitado por Alfonso Cotes Querúz mi gran amigo, fue mi guía en Manaure y en todos los pueblos de la región. “Poncho” Cotes era un hombre diferente, porque tenía para todos y a cada uno le daba el trato que merecía”, explicó Leandro.
Confiesa que cuando se sentía cansado de tanto ajetreo musical de los pueblos “de abajo” se iba para Manaure (Cordillera Oriental), en donde siempre ha tenido la mejor audiencia de sus canciones, “porque en los años 50 y 60 el que venía a Manaure venía a divertirse”, recuerda.
Leandro en Manaure estuvo en muchas parrandas con Alfonso Murgas, Beltrán Orozco, Juan Manuel Muegues, “Poncho” Cotes, Emiliano Zuleta Baquero, Rudecindo Daza (todos fallecidos) y muchos otros. Bebieron ron Andino, que en esa época vendían las hermanas Cleofe y “Pacha” Calderón, cada botella costaba 20 centavos y era chirrinche puro (una bebida de los ancestros).
De Toño Salas (hijo de la vieja Sara) acordeonero, compositor y verseador de la música vallenata recuerda: “fue mi gran mejor amigo, mi compañero por más de 20 años, hicimos lo que pudimos con la música vallenata y bautizamos muchas parrandas buenas”, subrayó.
Ha creado más de 500 canciones, entre ellas: Horas Felices, Morenita, El bozal, Diosa coronada, Mi pueblo (El hatonuevero), Misterio, El negativo, La contra (El pícaro de provincia), El cardón guajiro, El andariego (el pregonero), Mi memoria, El malherido, La gordita, Yo soy, Dios no me deja, A mí nadie me consuela y Matilde Lina:

“Un mediodía que estuve pensando (bis)
en la mujer que me hacía soñar
las aguas claras del Río Tocaimo
me dieron fuerzas para cantar
llegó de pronto a mi pensamiento
esa bella melodía (Matilde Lina)
y como nada tenía
la aproveché en el momento (bis)”

Nació en Hatonuevo (Guajira) el 20 de febrero de 1928. Desde pequeño lo llevaron al pueblo de Tocaimo, después vivió en San Diego (Cesar) y hoy reside en Valledupar. Es ciego de nacimiento, aunque dice que una vez vio un destello.
Con una gran sabiduría sostiene. “hoy soy más feliz que antes, porque antes la lucha era terrible y la forma de vida era muy diferente”.
Empezó cantando tangos, boleros y rancheras. Su primera canción fue en 1945: “La loba ceniza”.
Su canción más reciente la trae el nuevo disco de su hijo Ivo Luís Díaz y “Chiche” Martínez, titulada: “Como yo no hay dos”

“No he podido contemplar la luz
como lo has hecho tú en un nuevo amanecer
yo no he podido ver el cielo azul
ni mirar la tristeza de un atardecer”

Leandro sostiene que no guarda resentimientos contra Dios, porque: “a pesar de todo, Dios me ha dado mucho” y sentencia: “La gente cree que la vista es la grandeza del mundo, pero yo le he demostrado al mundo que sin ver también se puede vivir y se puede ser útil a la sociedad”, concluyó Leandro José Díaz Duarte, el ciego que le canta a la naturaleza, a la luz, a la vida, a la mujer y a sus correrías por los pueblos de la provincia. Dios lo guarde. Hasta la próxima semana.

Por Aquilino Cotes Zuleta

Jorge Oñate, Señor Grammy a la Excelencia Musical

2010-11-16T11:57:00.006-05:00

La canción ‘La Paz es mi pueblo’ se volvió a escuchar con más fuerza en el terruño donde nació Jorge Oñate y todo porque regresó con el Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical. Precisamente, ante su triunfal llegada su paisano ‘Jubalito’ abrazó al ‘Jilguero de América’ y le dijo: “El Grammy Latino Vallenato/Cumbia, se entrega todos los años, pero este es único, porque usted es el más grande cantante vallenato”.
Los aplausos no se hicieron esperar y en ese instante comenzó a sonar un grupo de mariachis cuya canción relata:

Una piedra en el camino
me enseñó que mi destino
era rodar y rodar.
Después me dijo un arriero
que no hay que llegar primero,
sino hay que saber llegar.

Todos fueron cantantes por unos segundos para terminar la canción, con derecho a repetición: “Pero sigo siendo el Rey”. En ese momento varias lágrimas adornaron las mejillas del hombre que con su voz ha sido vocero del mensaje de la auténtica música vallenata y como en el dicho popular: “se ha comido las verdes y las maduras”. O mejor: “Al que le van a dar le guardan y si está frio, se lo calientan”.
Estando rodeado de sus paisanos indicó “Este premio es una grandeza para cualquier país que un artista tenga ese reconocimiento por su trayectoria musical. Gracias a Dios y a la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación por otorgarme este galardón que mostraré con orgullo, porque en este trofeo se enmarcan mis 44 años de vida dando a conocer mi querido folclor vallenato y según los entendidos es como recibir un premio Nobel en el campo musical y cultural”.
Entonces se recordó que entre los destacados artistas latinos que recibieron también el Grammy a la Excelencia Musical están Armando Manzanero, Susana Rinaldi, Joseito Martínez, las hermanas Márquez y João Donato. Todas glorias vivientes del folclor de sus respectivos países.
Al Jorge Oñate recibir su premio por parte del compositor Kike Santander se le vinieron a su memoria esos primeros años en que cantaba en pueblos lejanos y el vallenato no tenía esas repercusiones que alcanzó al crear el Festival de la Leyenda Vallenata. “Esos tiempos fueron difíciles y eran horas y horas de recorridos por caminos de herradura y donde era toda una proeza llegar, pero hoy con el Grammy en la mano puedo decir que valió la pena sacar adelante esta música que nació en los corrales y ha llegado a muchos lugares del mundo con su mensaje de hechos cotidianos narrados y cantados inicialmente por nuestros juglares y que nos hemos encargado de multiplicar. Cuando me entregaron el Grammy a la Excelencia Musical lo recibí con humildad, con sencillez y lo dediqué a Dios, a mi familia, a la numerosa familia del folclor vallenato, al periodismo de Colombia, a los amantes del vallenato, a mis seguidores y especialmente a mi pueblo La Paz, ese pueblo donde vivo y donde se inició mi bella historia en la música y seguirá, porque hay Jorge Jorge Oñate, Señor Grammy a la Excelencia MusicalOñate para rato”.
Claro que a pesar de haber obtenido este galardón por su exitosa carrera musical aspira a obtener el Grammy Latino Vallenato/Cumbia. “Voy a seguir buscando ese premio, porque siempre entrego trabajos musicales que tienen la más grande aceptación y clasifican, además, porque tenemos que sostener esta categoría que nos hemos ganado, debido a la importancia del folclor vallenato”.
Oñate no paraba de hablar por haber obtenido ese premio que lo catapulta entre los grandes artistas de Latinoamérica y lo compromete a poner en lo más alto la música que se hace con caja, guacharaca y acordeón.
“Seguiré siendo un abanderado de la música vallenata y me estoy preparando para una nueva producción musical al lado del acordeonero Christian Camilo Peña, la cual comenzaré a grabar a mediados del próximo año, porque ahora estoy gozando de la mayor aceptación con el CD ‘Te dedico mis triunfos’, donde sobresale la canción ‘La aplanadora’.

Diomedes siempre grande

En medio de las felicitaciones y de los altos elogios al hijo querido de La Paz, se le indagó sobre el Grammy otorgado a Diomedes Diaz, y le mandó a su colega el mensaje más sincero y grato.
“Quiero felicitar al compadre Diomedes y lo aplaudo por este importante premio. El tenía todos los méritos para ganar, porque es un grande del vallenato y su aporte es extraordinario. Quiero decirle que sigamos en este camino para que el vallenato se sostenga y sea cada día más grande en el ámbito nacional e internacional. Diomedes Díaz, se lució con ‘Listo pá la foto’ y demostró que tiene mucho para seguir aportando a este folclor, donde cuenta con una cantidad de fieles seguidores y este premio le servirá de estimulo”.

Sigue cantando

Después de recibir el cariño de su pueblo y de contar detalles de la ceremonia donde le entregaron el gramófono le dijo al grupo vallenato que lo acompañara. Todos guardaron silencio y en ese momento con emoción sublime su potente voz se escuchó para recordar:

Te regalo mis cantos,
mis risas y mis alegrías,
te regalo mis triunfos,
mi alma y la vida mía.

Todos volvieron a aplaudirlo porque el hijo de La Paz, Cesar, se metió en el listado de los escogidos por sus hazañas musicales.
Cuando el movimiento del sonido de las palmas de la mano cesó Jorge Oñate, anotó: “Dios me trajo al mundo para cantar y yo tengo que seguir cantando y llevando mi arte musical a Colombia y al mundo”.
Seguidamente, en su mente volvieron a repetirse las palabras del presidente de la Academia Latina de la Grabación, el mexicano Gabriel Abaroa, quien le dijo “Don Jorge, este es más especial, es mejor que un Grammy”. Razón tiene ‘Jubalito’, quien en medio del abrazo le soltó la misma frase al Jilguero de América’ y le ratificó que es el Señor Grammy a la Excelencia Musical.

Por Juan Rincón Vanegas
juanrinconv@hotmail.com
fuente:http://www.elpilon.com.co/

Diomedes Díaz: Dedico el Grammy a quienes me siguen en verano o en invierno

2010-11-12T11:40:00.017-05:00

Jorge Oñate y Diomedes Diaz. Artistas Vallenatos ganadores en los GRAMMY Latinos 2010

Quienes lo conocen aseguran que él todavía no ha podido entender en qué momento la madeja que enredó su vida lo puso a pender en un delgado hilo del inmenso tropel a que lo ha sometido la fama y el prestigio, una queriendo vencer a la otra y las dos marcando los pasos que debe seguir un artista, el cual generó las grandes diferencias dentro de su generación y la música que representa, al tiempo que hay quienes sostienen que no hay un artista en nuestra patria que haya mal aprovechado de tal manera todo lo que la naturaleza musical de la gran provincia le prodigó.

Lo vi llegar con sus cinco pisos a cuestas y la presión constante de llevar entre pecho y espalda la mirada inquisidora de un pueblo que le sigue, para saber qué dice, qué hace, qué piensa y cuál es su nueva creación, sumado al liderazgo que sostiene de la música vallenata, pese al mal momento que vive, reflejado en los buenos y malos comentarios que produce y lo persiguen como un fantasma. Llegó perfumado y todo vestido de blanco.

—Primo, si viene a preguntarme cuántos errores he cometido, le diré que son muchos —me dijo, al tiempo que se agarraba las manos y miraba a los lados como en busca de algo.

Pero la verdad-verdad, es que no soy un hombre malo, es más, no tengo por qué serlo. Mis padres me criaron con mucho amor y eso es lo que respiro en mis canciones. No tengo en mi alma nada de resentimiento. Todo el mal que me han hecho, ya lo perdoné. Espero que también lo hagan con mis errores.

Agachó la cabeza como en busca de una absolución. No era el indicado para perdonarlo, pero comprendí que su actitud lo que buscaba era protección. Me miró de frente, como queriendo adivinar la pregunta que venía. Solo atiné a decirle, qué podemos esperar su familia, sus amigos de verdad, sus seguidores, si la gente dice que usted llega borracho y con otras drogas entre pecho y espalda, que incumple y que ya no canta.

—Vea primo, de mí se ha dicho de todo. Conmigo se han ensañado. Desde pelao me ha tocado luchar para darle nombre a mi nombre. Muchos no me perdonan que haya salido a la otra orilla”.

Le pregunto entonces: Diomedes, ¿por qué no sales de esos problemas de droga y alcohol que tanto daño le ha hecho a su vida? Se sorprendió con mi reflexión y vi que arrugó la frente, que en él, es un signo de malestar.

—Primo si yo fuera solo alcohol y droga, ya no existiría Diomedes. Eso es más mito que realidad. Lo que pasa es que ese es el caballito de batalla que usan conmigo. Solo para poner por encima ese problema, a mi talento. Si fuera pura droga, ¿usted cree que tendría voz? Es tanta la mala fe frente a mis problemas, que cuando sufrí la enfermedad que padecí, más de uno sin reflexionar dijo que era producto de la droga. Pensar que ese mal me lo produjo un virus que cogí en el ambiente. Todo eso lo he vivido con paciencia franciscana. Pero Dios es grande y la virgen del Carmen que no dejan de ayudarme, me acaban de mandar el premio Grammy con mi compañero Alvarito.

Abrí mis manos como deteniendo sus impulsos: Diomedes qué piensa de su más reciente producto musical, le pregunté.

—Ese es un trabajo hecho con el alma, pese a mi enfermedad, lo canté en una tarde rodeado de mi mamá, mis hermanos, mis hijos y mis amigos más cercanos. Pese a que muchos no creían en lo que estaba grabando, ha tenido una gran aceptación.

Es tan bueno, que la gente del Grammy lo ha escogido, dando la pelea para obtener ese galardón que desde ya se lo dedico a todos mis seguidores, a esa gente humilde que en invierno o verano me sigue. Para ellos, Diomedes no es malo y es que no lo soy primo, se lo juro por mama Vila, por el viejo Rafael María que está recogío por Dios.

Tranquilo primo, que le creo. ¿Qué piensa Diomedes del Grammy para el vallenato?

—Es un gran logro para nuestra música. Estaba en Venezuela cuando se produjo esa noticia tan valiosa para nuestro folclor y quienes lo han ganado merecen ese gran premio.

¿Cómo ve su producto Listo pa’ la foto frente a los nominados?

—Mi producto no es porque sea mío, está a la altura para ganar ese bello trofeo. Tengo a unos grandes talentos al frente: Poncho es un maestro del vallenato, Cocha fue mi compañero, Jorge otro grande del folclor, el Binomio aunque no esté Rafa, sigue bajo la batuta de Israel, que es un gran acordeonero y de Omar Géles y Alex Manga, son muchachos que hacen una gran labor. Cualquiera de ellos, puede ganar.

¿Qué podemos esperar de Diomedes Díaz Maestre, más escándalos, más comentarios negativos en los medios de comunicación o una mejor manera de vivir la vida?

—Vea primo, siempre he respetado a los medios de comunicación, pero para mi infortunio, me he encontrado con unos personajes que dicen quererme, que les gusta mi música, pero que apenas cruzo la esquina, escriben hechos que no son verdad. Llenan tantas cuartillas contra mí, que a veces, he llorado de la impotencia, porque es una invención de mala fe que no tiene compasión de Dios. Pero bueno, también entiendo que es producto de la fama y algo tienen que decir, así sea una verdad a medias. Pero esa no es la gente que va a acabar a Diomedes. Para eso cuento con mi gente que está regada por muchos lugares del mundo, que me defienden sin conocerme, que tal cuando me conozcan. Todo se lo dejo a Dios, mientras tanto les seguiré cantando y componiendo a la gente que sigue mi música. Vine a este mundo fue a dejarle un regalo musical, no me preocupa que los resentidos escriban tantas páginas malas sobre mí, no se han dado cuenta que soy más que eso. Como dice un canto mío, “el día que me muera les dejo mi canto y mi fama”.

¿Qué le parecen los nuevos valores del vallenato?

Lo hacen bien, creo que Jorgito Celedón y Jimmy Zambrano, Silvestre Dangond y Juan Mario de la Espriella, Peter Manjarres y Sergio Luis Rodríguez, Jean Carlos Centeno y Ronald Urbina, representan bien lo que hacen. No los veo como competencia sino como unos embajadores de nuestro folclor.

Revuelo en Valledupar por Grammy Latino para Diomedes

Los seguidores del artista se aglomeraron frente a su casa cuando supieron de su logro. / Valledupar.

En las afueras de la residencia de Diomedes Díaz, en el barrio Los Ángeles, un grupo de fanáticos se ubicó en vehículos con altoparlantes que repetían las canciones de El Cacique de la Junta, para congraciarse con el artista por el galardón del Grammy Latino en la modalidad de vallenato-cumbia que ganó anoche sin estar presente en La Vegas.

Diomedes estuvo encerrado en su casa, rodeado de su familia y su manager José Zequeda, quien indicó que el cantautor recibe el premio con mucha emoción. “Desde la nominación dijo que si se lo ganaba Poncho Zuleta o Jorge Oñate, lo consideraba como suyo. Hoy Diomedes le ofrece este galardón a ellos que considera sus maestros”, indicó.

Zequeda había anunciado una rueda de prensa con Diomedes tras conocerse la decisión de la Academia de entregarle el Grammy Latino, pero el artista decidió que el encuentro con los medios de comunicación sería hoy en un hotel de la ciudad, teniendo en cuenta que debía cumplir un compromiso musical en su tierra natal La Junta, La Guajira.

Jorge Rodríguez, uno de los más fervientes fanáticos de Diomedes, y uno de los primeros en llegar frente a su residencia, manifestó que “este es un triunfo que todos estábamos esperando, era hora de que El Cacique lo consiguiera, era su oportunidad y vamos a celebrarlo”.

En las estaciones radiales de Valledupar, en las casas y establecimientos públicos anoche sonaron con más fuerza los éxitos de Diomedes Díaz en una celebración por el título otorgado a este artista desde los Estados Unidos. MBC

Por Félix Carrillo Hinojosa
Fuente: ElHeraldo.com.co

Click aca para leer la excelente crónica de Alberto Salcedo Ramos llamada: La Eterna Parranda De Diomedes Diaz

La Academia premia a Oñate con el Grammy a la Excelencia Musical

2010-11-11T15:51:00.011-05:00

MÚSICA DEL CARIBE COLOMBIANO

2010-09-24T13:08:00.013-05:00

Muestra de varias canciones pertenecientes a diversos ritmos del caribe colombiano. Para navegar por el listado completo use las flechas ubicadas en la parte inferior derecha del reproductor

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La música del área continental de la costa Caribe colombiana está representada por una gran variedad de ritmos en los cuales los aportes africanos entraron en consonancia con los aires europeos e indígenas. A partir del siglo XVI la influencia de la tradición africana impulsó profundas modificaciones en las nuevas tonadas, imprimiéndoles la vistosidad y el vigor propios de la gente raptada de África.

Según su función, los ritmos del litoral Caribe pueden ser clasificados en: cantos de laboreo, entre los que sobresalen las zafras, las maestranzas y la vaquería; cantos ceremoniales, como el lumbalú, la zafra mortuoria y el bullerengue, y aquellos que son empleados en espacios de esparcimiento, como el mapalé, la cumbia y sus seis variantes, el paseo vallenato, el son palenquero y, recientemente, la champeta.

El mulataje, es decir, la confluencia de tradiciones africanas y europeas de la música que se conformó y consolidó en el litoral, se manifiesta en los cantos de labor y en las zafras. En la cumbia y sus seis variantes se expresa de manera contundente el zambaje, es decir, la interacción de melodías indígenas con ritmos de origen africano. Estas confluencias de diversas tradiciones también emergen en los cantos vallenatos, como el son y el paseo, en los que el canto está reservado a comentar episodios y sentimientos.

La cumbia, el mapalé y el bullerengue también conservan típicas peculiaridades musicales africanas. El ritmo de la cumbia, por ejemplo, está constituido por giros melódicos en terceros, propios de la música africana. En el mapalé resaltan el canto y el palmoteo de los intérpretes, quienes los alternan con las entradas de los tambores, que actúan en función coral. El bullerengue mantiene en mayor grado las retenciones de los estilos musicales africanos. El uso de ciertos instrumentos musicales, la existencia de bailes cantados, el uso del típico estilo de canto responsorial africano entre un solista y el coro, la evidencia del uso ritual, especialmente el funerario, y el léxico de estos cantos son características que ponen de relieve la importancia de la tradición africana en la consolidación de la música afrocaribeña del litoral.

A continuación se presenta un listado de ritmos folclóricos y populares que se han dado en la Región Caribe Colombiana. Como se puede apreciar, algunos ritmos son totalmente autóctonos; otros son variaciones de los patrones rítmicos originales; un tercer grupo son ritmos adaptados, y hay un buen grupo de propuestas rítmicas. En su conjunto, todos merecen de nuestra investigación para evaluarlos y valorarlos en toda su dimensión rítmica, melódica, armónica y literaria, y, por qué no, para recrearlos, enriquecerlos y proyectarlos internacionalmente.

Fuentes: Aulaactual.com, Colombiaaprende.edu.co