EL ANTEPENÚLTIMO MOHICANO

FESTIVAL DE CANNES 2012: UNDÉCIMA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Sun, 27 May 2012 04:49:36 PDT

Matthew McConaughey lidera una de las pequeñas sorpresas del certamen, Mud de Jeff Nichols

Concluyen las proyecciones de la sección oficial de Cannes con esta undécima jornada. Con ella finaliza una irregular y decepcionante 65ª edición, parca en títulos importantes y fallidos retornos de autores de alto prestigio en el continente. Un Cannes sin pena ni gloria que tan solo deja una obra maestra (Amour de Michael Haneke) y pequeñas perlas a visitar como In Another Country (Hong Sang-soo), Vous n'avez encore rien vu (Alain Resnais), Holy Motors (Leos Carax), o la cinta presentada hoy, Mud (Jeff Nichols). Lo demás, estilemas de autor cuyo visionado significará una ruleta rusa, como es el caso de Like Someone in Love (Abbas Kiarostami), Beyond the Hills (Christian Mungiu) o Rust & Bone (Jacques Audiard). Ni siquiera el cine americano, triunfador en la pasada edición, ha tenido el papel esperado. Desencanto tras desencanto que debe invitar a la reflexión a la organización. Aún más con el añadido de que Venecia este año pudiera contar con Terrence Malick, Paul Thomas Anderson, Quentin Tarantino, e incluso, Nicolas Winding Refn.

Ahora, tiempo de deliberación, hipótesis y quinielas. En una entrega tan igualada como esta y viendo la presidencia del jurado (Nanni Moretti), todo puede pasar. Sin una favorita clara parece que la delantera la lleva la nombrada Amour (Love) de Michael Haneke. Es la cinta que más elogios ha despertado y la mimada por la crítica. En un escalón más abajo en la lucha por la Palma de Oro parecen encontrarse las creaciones de Carax, Resnais, Kiarostami y Mungiu. Entre estos nombres debería estar, también, el ganador del entorchado a mejor director. En las categorías interpretativas idéntica confusión. Entre las féminas suenan Marion Cotillard (Rust & Bone) y Emmanuelle Riva (Amour); en los hombres Jean-Louis Trintignant (Amour), Mads Mikkelsen (Jagten), Matthias Schonaerts (Rust & Bone) y Aniello Arena (Reality). El resto de categorías tienen una resolución aún más complicada. Todo abierto a cualquier resultado, es un festival europeo, es Cannes, no lo olviden.

Cábalas y elucubraciones dominicales que tienen como previa esta undécima jornada donde se presentaron las dos últimas películas a concurso: Mud de Jeff Nichols y The Taste of Money de Im Sang-soo. Dos filmes que ya no podían revertir la situación pero si dejar un buen sabor de boca. ¿Lo consiguieron? Comenzamos el repaso al último día en el festival de festivales.

El equipo de Mud posa ante los fotógrafos en su desembarco en La Croisette

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

MUD (Jeff Nichols, Estados Unidos, 2012)

Buenas sensaciones ha dejado la tercera película de Jeff Nichols, Mud. Si el año pasado el joven cineasta americano salió triunfador en La Semana de la Crítica con Take Shelter, esta edición ha dejado su impronta con un filme lleno de encanto y que evoca los clásicos literarios juveniles de la ficción anglosajona. La historia de un fugitivo ayudado por unos niños ha despertado la admiración de la crítica y el público. Con ecos de Mark Twain y recordando a la excelente Un mundo perfecto (A Perfect World, Clint Eastwood, 1993), este thriller de aventuras evoca los sueños infantiles al estilo de Tom Sawyer. Bien interpretada y realizada de manera minimalista y elegante, algunos círculos – minoritarios – de la prensa la han considerado como la gran rival de Amour en el certamen francés. Será complicado que lo logre. Lo que si queda claro es que es la mejor producción estadounidense de Cannes 2012.

Mud es la confirmación del gran año de Matthew McConaughey que ha dado un salto cualitativo en su filmografía. Su interpretación ha sido muy valorada al igual que las actuaciones de sus jóvenes aliados caracterizados por Tye Sheridan y Jacob Lofland. Para su director Jeff Nichols, Mud es una historia de amor bajo la tierna mirada de un niño. “Hay una línea roja que cruza esta película, el amor romántico, el amor no correspondido. Con el amor sufrimos, hay dolor, pero sin lamentos”. Las citadas referencias a la obra de Twain las reconoció el propio director en la rueda de prensa: “Debo mucho a Mark Twain y a Huckleberry Finn. Si vas a robar a alguien hay que hacerlo a gente inteligente", afirmaba Nichols. Bellos parajes del sur americano, una fotografía excelente y una historia que atrapa. Las comparaciones con John Ford y Terrence Malick están, ya, sobre la mesa.

Una historia de infancia y amistad bajo el foco de Jeff Nichols, el prometedor director de Arkansas

“Historia de ensoñación adolescente al borde del Mississipi, narrada con cercanía y pasión.” Enrique Rodríguez Marchante (Diario ABC).

“Amplia, fértil y deslumbrante. Toda la película no es más que una bella invitación a medir la profundidad de un río. Hablamos, obviamente, del río de la vida.” Luis Martínez (El Mundo).

“Un sobresaliente filme que retrata con realismo y ternura el profundo sur estadounidense y en el que destaca el magnífico trabajo de los actores, en especial Matthew McConaughey.” Agencia Efe.

"Una curiosa propuesta que bascula entre el thriller y el despertar juvenil a la vida. (...) una encantadora fábula mezclada con la realidad más cruda". Salvador Llopart (La Vanguardia).

"Nichols describe admirablemente la fascinación de estos chavales hacia el peligro desconocido, esos caminos iniciáticos en los que la confusión va acompañada de valentia, en los que los desengaños y las ilusiones se viven con intensidad en sus luces y en sus sombras. Su cámara se mueve con la sencilla complejidad de los clásicos, los actores, jóvenes y viejos, transmiten matices y autenticidad, todo respira en esta preciosa película." Carlos Boyero (El País).

“Jeff Nichols retorna con una magnética y atractiva cinta elevada por dos (en referencia a sus jóvenes protagonistas) brillantes interpretaciones”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“Imperfecta pero que demuestra la capacidad de un Nichols para crear entretenimiento con inteligencia y mensaje”. Dan Mecca (The Film Stage).

THE TASTE OF MONEY (Do-nui mat, Im Sang-soo, Corea del Sur, 2012)

Mucha mayor indiferencia ha causado The Taste of Money, un thriller que fusiona drama, erotismo y comedia. La segunda participación de Im Sang-soo en Cannes, tras The Housemaid (2010), parte de una buena premisa que se va emborronando a medida que avanza el metraje. Un juego de poder empresarial y venganza dotado de un estilado envoltorio visual pero que resulta demasiado vacía e irrelevante. La acogida ha sido tibia y ha causado cierta división (la tónica del evento). Para la crítica más positiva The Taste of Money es un retrato original sobre la corrupción y la descomposición humana en las altas esferas. Los peores comentarios, en cambio, la retratan como un conjunto de clichés. La prensa coincide que pese a su poso ligero es una película interesante.

Kim Hyo-jim es el oscuro objeto de deseo en The Taste of Money, la vuelta del interesante director coreano Im Sang-soo

“Tan profundo como un cómic impreso en papel brillante, el último retrato de Im Sang-soo de la lujuria y la corrupción es un juego de poder en los niveles más altos de la sociedad de Corea. Tiene todo el estilo y el brillo de sus obras anteriores, fotografía gloriosa, acción trepidante y buenas interpretaciones. También es una conjunción de estereotipos que la hacen vana y olvidable”. Dan Fainaru (Screen Daily).

"Es una tontería supuestamente crítica sobre una familia de la oligarquía coreana cuyos miembros pasan la existencia haciéndose putadas para lograr el poder. Es como Dallas, Dinastía, o esos infames culebrones sudamericanos de la sobremesa pero en asiático y con pretensiones artísticas." Carlos Boyero (El País).

“Visión tragicómica del poder y de la riqueza desmesurada vista en una familia coreana, donde la corrupción, los bajos instintos y un clima de telenovela disparatada convertían la pantalla en una especie de cesta de frutas exóticas y vistosas que se iban pudriendo a la vista.” Enrique Rodríguez Marchante (Diario ABC).

Con este thriller erótico coreano ponemos punto y final a los repasos de las proyecciones oficiales de Cannes 2012. Mañana el palmarés completo (el fallo llegará sobre las ocho de la tarde). Un listado que tendrá nombre español con la película Aquí y allá de Antonio Méndez Esparza, ganador del máximo premio en La Semana de la Crítica y chileno con Pablo Larraín (No), triunfador en La Quincena de los Realizadores. ¿Nuestras apuestas? Es complicado acertar en este Cannes por lo que expresamos nuestro deseo: que Amour de Michael Haneke logre la Palma de Oro. Sería su segunda consecutiva. ¿Lo logrará? Mañana por la tarde lo sabremos y se lo contaremos en El antepenúltimo mohicano.

FESTIVAL DE CANNES 2012: DÉCIMA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Sat, 26 May 2012 04:37:07 PDT

Sarah Gadon es unas de las intérpretes al servicio de David Cronenberg en Cosmópolis (Canadá, 2012)

Penúltima jornada de esta mediocre edición de Cannes. Y, como era de esperar, David Cronenberg no levantó la función. El director canadiense era la última bala en la recámara del certamen pero su ansiada Cosmópolis no entusiasmó a la platea que la acogió, de nuevo, de forma negativa. Solo queda un día y Mud de Jeff Nichols o The Taste of Money de Im Sang-soo poco pueden aportar, en líneas generales, a una de las ediciones más flojas de la última década. Algo que hace un mes era complicado de vaticinar ya que, a priori, se contaba con un cartel inmejorable a falta de las inacabadas creaciones de Terrence Malick y Paul Thomas Anderson.

La decepcionante Cosmópolis no fue la única representante en la sección oficial. La cinta ucraniana V Tumane, largometraje tipo de festival, que pese a ocupar un tercer plano en la jornada obtuvo una recepción más destacada que la mediática obra de Cronenberg. Algunos apuntan que no sería descabellada su presencia en el palmarés. En el apartado de Una cierta mirada día intenso con Gimme The Loot de Adam Leon, The Day Mishima Chose His Own Fate de Koji Wakamatsu y Renoir de Gilles Bourdos. Fuera de competición se presentó el nuevo producto HBO Hemingway & Gellhorn con Nicole Kidman y Clive Owen como protagonistas. Ante la falta de buen cine esta jornada todos los focos se centraron en la belleza y los flashes de La Croisette. En algún caso, con un final inesperado. Comenzamos el repaso a la décima entrega de Cannes 2012.

Sarah Gadón (Cosmópolis) deslumbró en su segunda visita a Cannes 2012

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

COSMÓPOLIS (David Cronenberg, Canadá, 2012)

Expectativas altas, fracaso seguro. Esta es la máxima de Cannes ’12 y Cosmópolis entra de lleno en esa definición. A pesar de que en las primeras proyecciones auguraban un mejor destino para la cinta de Cronenberg, al final de la jornada la sensación era de gran decepción. La adaptación de la ambiciosa novela homónima de Don deLillo que narra la bajada a los infiernos de un joven magnate a los infiernos ha dejado apuntes interesantes pero que no convencen a nivel global. Por un lado se ha estimado la puesta en escena, la visión capitalista de Cronenberg y los esfuerzos del joven Robert Pattison por quitarse la máscara teen que lo acompaña. Por otro, se considera que Cosmópolis es un filme hueco, sin vida y que deja a un Cronenberg menor. Parte de culpa lo tiene su hierático guión.

Un guión que como el propio Cronenberg comentó en rueda de prensa lo creó en menos de una semana: "El productor Paolo Branco me ofreció adaptar la novela. Lo hice en una semana e inmediatamente pasó a ser mi proyecto: Lo que le ocurre a un joven que se ha hecho multimillonario en la bolsa, durante un día en que cruza Nueva York en su limusina. Se siente como un emperador en su trono, su pequeño imperio desde el interior del vehículo, donde recibe diferentes visitas". Todas las miradas estaban centradas en la interpretación de Pattison que pese a no convencer a los especialistas ha sido calificada como la mejor de su carrera. El protagonista de Crepúsculo se cuestionó si sería capaz de encabezar un proyecto de este tamaño: “pasé dos semanas encerrado en la habitación de un hotel, preocupado, sin saber muy bien qué hacer. Fui a hablar de la película con David y él me dijo: '¡Comencemos y ya veremos!'. No es posible preparar este personaje como lo haría con otro. El guión me gustó porque era lírico, parecía que estuviéramos entonando una canción. Presentamos un mundo que no tiene sentido y que debe ser purificado. Pero se supone que no hace falta ser inteligente para ser actor”. Cosmópolis con toda probabilidad será la película más taquillera de Cronenberg. Su llegada a las carteleras europeas está programada para verano.

Robert Pattison ante el papel más importante de su corta carrera en Cosmópolis

“Pero lo que tengo claro es que tal como lo narra Cronenberg en imágenes resulta un desastre. El ejercicio de mantener en el espacio casi exclusivo de la limusina a una fauna de antipáticos personajes soltando discursos sobre todo lo divino y lo humano, posee capacidad para agotar la paciencia de los espectadores masoquistas. Y por si fuera poco, acompañando a esa espesa retórica sobre el agónico estado de las cosas, tenemos que soportar ver el careto en todos los planos de Robert Pattinson, el vampiro juvenil y romántico de la saga Crepúsculo. La inexpresividad de este actor tan soso puede resultar agotadora. Y en la larga secuencia que comparte con el extraordinario Paul Giamatti la diferencia artística y comunicativa entre ese guaperas que ha sido bendecido por el éxito y el veraz y camaleónico Giamatti resulta demasiado cruel.” Carlos Boyero (El País).

“Inerte y sofocante. Esta malograda adaptación de la novela de Don DeLillo atraerá a algunos fans de Robert Pattinson, pero se encontrará mayoritariamente con un público indiferente”. Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).

“Los que acudan al cine incendiados por la pesadilla furiosa de la novela y con la mente puesta en las películas que hicieron de Cronenberg el mito infectado que fue, quedarán decepcionados.” Luis Martínez (El Mundo).

“Cronenberg arroja a la pantalla su visión o su reflexión sobre el final del capitalismo, con la profundidad política, económica y social del trabajo de un chiquillo de primaria. Cronenberg ha decidido tomarse un descanso del buen cine que venía haciendo los últimos años”. Enrique Rodríguez Marchante (Diario ABC).

“No es que vayas a buscar comedia en una película de Cronenberg, pero sí algo excitante, exótico, atrevido y preciso: realmente, ninguna de estas cosas está presente en este trabajo exiguo y agónicamente autoconsciente”. Peter Bradshaw (The Guardian).

V TUMANE (In the Fog, Sergei Loznitsa, Ucrania, 2012)

A la sombra del vampiro más famoso del momento se presentaba este retrato de la Bielorrusia ocupada dirigido por Sergei Loznitsa, creador de la cinta de culto My Joy (2010). Un lienzo muy del gusto de Cannes, de toque sombrío y ritmo acompasado, que relata el desesperado intento de dos hombres de sobrevivir en el horror nazi que habita en los bosques de la antigua república soviética. V Tumane – En la bruma – ha gustado en líneas generales y ha sido considerada como una buena película, rigurosa y bien ambientada. Todo sin entusiasmo, eso sí.

V Tumane, desgarradora descripción de la Bielorrusia hostigada por el dominio nazista

“Le pierde la morosidad narrativa, la sensación de que el director a veces no sabe qué hacer con la cámara excepto filmar hasta la extenuación los viajes a través de un bosque. La idea era buena, pero el desarrollo es plúmbeo y le sobra metraje.” Carlos Boyero (El País).

“Derroche de brutalidad, crudeza y perfección”. Luis Martínez (El Mundo).

“De lo mejor que ha ofrecido esta edición de Cannes. Una buena historia, entre bélica y ética, con tres buenos personajes y filmada con mucha precaución”. Enrique Rodríguez Marchante (Diario ABC).

“Brillante y dura parábola sobre la Segunda Guerra Mundial”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“Una deliciosamente bella pieza de autor”. Fionnuala Halligan (Screen Daily).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

GIMME THE LOOT (Adam Leon, Estados Unidos, 2012)

Grafiteros y pandillas en una sugerente muestra de cine indie americano. La ópera prima de Adam Leon, precedida de buenas críticas en su país natal, nos acerca al camino iniciado por Bansky con Exit Through the Gift Shop pero en clave de thriller criminal. Su paso por Cannes ha dejado buenas sensaciones augurándole un buen recorrido en certámenes menores. Una película fresca y entretenida que ha sido recibida con mayoría de aplausos.

Gimme the Loot, cine independiente americano en Un certain regard

“Gimme the Loot es vigorosa y divertida de principio a fin. Un deleite que remarca el talento de Leon”. David Rooney (The Hollywood Reporter).

THE DAY MISHIMA CHOSE HIS OWN FATE (11•25 jiketsu no hi: Mishima Yukio to Wakamonotachi, Koji Wakamatsu, Japón, 2012)

Koji Wakamatsu dirige la adaptación del suicidio del dramaturgo Yukio Mishima mediante “sepukku” en el despacho del General Kanetoshi Mashita. Una creación que ha sido muy valorada por la crítica al reflejar de manera elegante la obsesión de un artista que, además, estaba comprometido política y militarmente. Se ha destacado la interpretación del actor Arata que se encarga de caracterizar a Mishima.

Koji Wakamatsu es el autor de la compleja adaptación de la muerte del poeta y dramaturgo Yukio Mishima

“Sin ser demasiado rigurosa, es una compleja y absorbente reinterpretación de la leyenda de Mishima”. Simon Abrams (Indiewire).

RENOIR (Gilles Bourdos, Francia, 2012)

El interesante cineasta francés Gilles Bourdos vuelve con la película que clausura Una cierta mirada. Y lo hace con un sugerente y detallista biopic del gran pintor impresionista galo Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Un largometraje que se ha valorado de manera muy positiva provocando una gran ovación en sus proyecciones. Por lo tanto, un perfecto cierre para el segundo apartado en importancia del festival.

Impresionismo en Cannes con Renoir (Gilles Bourdos, Francia, 2012), cierre de Una cierta mirada

"Una película luminosa, de enorme belleza plástica, muy inspirada por los cuadros del pintor, que habla de la alegría de vivir, de la creación artística, y de las relaciones familiares." Boquerini (Diario ABC).

FUERA DE COMPETICIÓN

HEMINGWAY & GELLHORN (Philip Kaufman, Estados Unidos, 2012)

Como ocurriera en la pasada edición de la Mostra de Venecia donde arribó Mildred Pierce, un nuevo producto HBO llega un festival de clase A. Se trata de Hemingway & Gellhorn, una mirada a la biografía de Ernest Hemingway y su matrimonio con Martha Gellhorn. Philip Kaufman dirige, Nicole Kidman y Clive Owen protagonizan. Esta miniserie de la gran cadena americana no ha convencido del todo a una crítica que esperaba gran nivel. Veremos como es su paso por la parrilla estadounidense.

Nicole Kidman vuelve en la décima jornada con Hemingway & Gellhorn, en una estancia en Cannes poco afortunada

“Una dinámica, bien interpretada y viva mirada, de dos de los grandes escritores del siglo que compartían tanto en un guerra en el frente como en su hogar”. Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).

“HBO desciende a la auto-caricatura”. Troy Patterson (Slate).

“Es una oportunidad perdida, no se dejen engañar por los fantásticos nombres del elenco. Es una producción estúpida”. Maureen Ryan (Huffington Post).

Con la miniserie de la HBO cerramos el repaso a la décima jornada. Solo queda una que contará con presencia americana – Mud de Jeff Nichols – y surcoreana – The Taste of Money de Im Sang-soo – en la sección oficial. En Una cierta mirada se cierra la competición – sin nuevos largometrajes – con la proyección del nombrado filme de Gilles Bourdon. El resumen del undécimo día en unas horas en El antepenúltimo mohicano.

FESTIVAL DE CANNES 2012: THÉRÈSE DESQUEYROUX

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Sat, 26 May 2012 00:29:05 PDT

Audrey Tatou encabeza Thérèse Desqueyroux de Claude Miller, filme clausura de Cannes '12

Mañana domingo finaliza esta descafeinada edición del festival de Cannes. Lo hará con el anuncio del esperado palmarés y con la película que bajará el telón de la 65ª entrega de Cannes. Ese honor ha recaído en la nueva obra de Claude Miller, Thérèse Desqueyroux.

Protagonizada por Audrey Tatou, esta cinta de época ambientada a principios del siglo XX narra el proceso de una mujer tras asesinar a su marido. Los motivos, una vida insulsa e insatisfactoria. Thérèse Desqueyroux adapta la novela homónima de François Mauriac. Se estrena en Francia el 21 de Noviembre. A continuación, una completa presentación.

FESTIVAL DE CANNES 2012: MUD DE JEFF NICHOLS

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Fri, 25 May 2012 16:27:51 PDT

Matthew McConaughey encabeza Mud (Jeff Nichols, Estados Unidos, 2012), participante en la sección oficial de Cannes

Finalizamos el repaso a todas las películas presentes en la sección oficial con Mud. La tercera película de Jeff Nichols es la última esperanza estadounidense de entrar en el palmarés del domingo. Nichols que el año pasado obtuvo el premio de La Semana de la Crítica con su segunda película, la notable Take Shelter, vuelve a Cannes con la historia de un fugitivo que se esconde en los recovecos de una isla en el Mississippi. Allí, entabla amistad con dos niños que le ayudarán a escapar de manos de la ley.

Un punto de partida muy interesante y que aparece en Cannes como una de las cintas menores de la competición. Una tapada que pudiera dar más de una sorpresa. Tal como está el nivel este año no sería descabellado. Mud está interpretada por Matthew McConaughey, Reese Witherspoon, Michael Shannon, Sam Shepard y Tye Sheridan (el joven y querido hermano de Hunter McCracken en El árbol de la vida). Mañana conoceremos su acogida en la última jornada. A continuación, un video de presentación.

GAME OF THRONES: THE PRINCE OF WINTERFELL

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Thu, 24 May 2012 16:38:02 PDT

Talisa de Volantis - The Prince of Winterfell, el octavo capítulo de la segunda de temporada de Juego de tronos

Nuevo episodio de transición con elementos interesantes pero transición al fin al cabo. Toda una preparación para la traca final que supondrá el próximo capítulo con la batalla de Blackwater. Ya en comentarios anteriores aludimos a la insustancialidad de las tramas descritas en esta adaptación de Choque de Reyes, algo que se traslada a este episodio. Si de diez capítulos todo lo apuestas a uno existe la posibilidad de que el nivel general decaiga. En el supuesto caso de que Blackwater, que está escrito por el propio George R.R. Martin y dirigido por Neil Marshall (The Descent o Centurion), no alcance las expectativas depositadas será más firme la conclusión de que Juego de tronos ha errado definitivamente en la traslación de esta maravillosa historia. Si bien la segunda novela de Canción de hielo y fuego tiene el efecto puente en la saga, se podía haber sacado más partido y demostrado ese mayor presupuesto con el que estaba dotado esta temporada.

En este episodio, The Prince of Winterfell, pequeños pasos que conducen a los encuentros bélicos en Desembarco del Rey – entre las tropas invasoras de Stannis Baratheon y la amurallada guardia del Rey Joffrey – y Blackwater – entre el ejercito del Señor de la Casa Lannister, Sir Tywin, que acude por sorpresa en busca de su invicto rival del Norte, Robb Stark – y que están dotados de esa calma tensa que precede a la tempestad.

Más protagonismo para el joven lobo que aparte de su romance con la guapa Talisa de Volantis tendrá que lidiar con la huida de Jaime Lannister ayudado por su madre Catelyn Stark y su protectora Brianne de Tarth. Un duro golpe para el joven Stark que además vendrá acompañada de la escisión entre los nobles que forman parte de su hueste. Las apariciones del Matarreyes, como siempre impagables, son representadas con cordura y, pese a alguna licencia, se han mantenido coherentes con respecto a la novela. Todo lo contrario que la relación amorosa entre Talisa y Robb – todo un guiño al público joven – que, aunque en este episodio tiene mejor trato y mayor profundidad, resulta intrascendente.

Bronn, nuevo capitán de la Guardia de Desembarco del Rey y amigo inseparable Tyrion Lannister

Esos minutos robados bien podrían haber valido para una mejor descripción del aspirante al trono Stannis Baratheon que en The Prince of Winterfell aparece un minuto para alentar a su lugarteniente Davos Seaworth. Allí en Desembarco del Rey espera la guardia de los Lannister dirigidos en la sombra por un efectivo e inteligente Tyrion. El astuto enano mantiene en pie las opciones de su familia de no ser asediados y despojados del trono. Tyrion, además, verá como su hermana Cersei intentará arrebatarle lo que más ama, sin suerte. Todas las partes de esta subtrama tanto en lo dramático como en lo cómico (la pelea marietal entre Bronn y Tyrion) están bien narradas y articuladas, dibujando con brío la tensa espera – la conversación con Varys en las almenas – ante el ataque del mediano de los Baratheon.

Jon Snow se reencuentra con Qhorin Mediamano cautivo por los salvajes de Mance Rayder. Allí, una vez más, se pondrá en manifiesto la complicidad con la simpática y aguerrida Ygritte. Un personaje descrito en la novela como “menuda, patizamba, de rostro redondo, nariz respingona y manos pequeñas, dientes muy blancos y torcidos, pelo rojo y ojos de color gris azulado” y que en el producto HBO es una chica atractiva, de rostro etéreo. Pese a la “ligera variación” no molesta ya que el carácter tiene carisma y guarda química con el joven bastardo Stark. Pocos minutos para esta parte a la espera de conocer al líder salvaje.

Lord Varys y la Mano del Rey preparando la estrategia de combate en The Prince of Winterfell

Arya, desesperada ante la marcha de Tywin Lannister en busca de su hermano Robb, busca al excéntrico Jaqen H’ghar para que cumpla su tercera promesa. Pese a que la propuesta inicial es desestimada por imposible, hace efectiva la segunda que es ayudar a salir de los lúgubres muros de Harrenhal tanto a ella como a Gendry. De nuevo, y sin ser novedad, segmento excelente en todos los sentidos. La segunda temporada de Juego de tronos tiene una cabeza visible y se llama Arya Stark. Algo que se constata con las simples miradas entre ella y el señor de los Lannister y el propio H’ghar.

Concluimos el comentario del octavo episodio con el principio y final de éste. Vuelta a Winterfell en una escena inicial demasiada explicativa que contrasta con el excelente diálogo entre Theon y su hermana, Yara Greyjoy. El final, predecible pero perdonable. Ya poco importa, el dictamen de esta segunda temporada llegará en cuatro días en una anticipada Season Finale. Las espadas en todo lo alto. Conociendo a Neil Marshall será un festín de sangre… y cuervos.

VALORACIÓN: 80/100 CANCIÓN DE HIELO Y FUEGO

FESTIVAL DE CANNES 2012: NOVENA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Thu, 24 May 2012 16:01:47 PDT

Nicole Kidman encabeza The Paperboy (Lee Daniels, Estados Unidos, 2012) presente en competición en Cannes '12

¿Puede alguien salvar la 65ª edición del Festival de Cannes? Esta es una de las preguntas más formuladas entre la crítica y los especialistas cinematográficos presentes en la ciudad costera francesa. Lo que se consideró un inicio pausado se ha convertido en una entrega de Cannes sin aristas y ni cintas de nivel. Como comentaba el crítico de El País, Carlos Boyero, “si en Cannes está la selección de lo mejor del año no me quiero imaginar como será en el resto de festivales”. Tras el desánimo, la indignación está cubriendo a una prensa y público que esperaban una gran fiesta del cine. La edición del año pasado está muy presente. Aún quedan dos días más, de los que se espera que Cronenberg de algún empujón a la sección oficial. Quedan dos porque este noveno ha pasado sin pena ni gloria.

Dos películas a concurso, The Paperboy de Lee Daniels y Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas, que han vuelto a dividir a la crítica pero con claro matiz negativo. En Una cierta mirada, apartado paralelo que si está dejando creaciones interesantes, se presentaron la hindú Miss Lovely de Ashim Ahluwalia y la francesa Trois mondes de Catherine Corsini. Comienza el repaso de la antepenúltima jornada de competición.

El equipo de The Paperboy a su llegada a la Croisette

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

THE PAPERBOY (Lee Daniels, Estados Unidos, 2012)

Muchos consideraron injusta la nominación al Óscar a mejor director de Lee Daniels por Precious. Al igual que su película, fue arrastrado por una corriente que tachaban de sobrevalorada y manipuladora. El tiempo ha pasado y la ganadora de Sundance 2009 ya es simplemente una integrante más del cine social independiente americano. En cambio, Lee Daniels ocupa una posición privilegiada en la industria estadounidense. De este modo aparece por primera vez en Cannes con The Paperboy, un thriller criminal – pensado para Pedro Almodóvar en un inicio – de agobiante atmósfera sureña y dotado de un elenco de lujo.

Un reparto que no ha sido suficiente para una crítica que la ha abucheado en sus proyecciones. Aún así, las expectativas eran tan bajas que a muchos miembros de la prensa no les ha parecido tan deficiente como cabría esperar. En general, los especialistas coinciden que Cannes le queda demasiado grande a un Daniels con un exiguo currículum hasta el momento. De hecho, la dirección de The Paperboy es el aspecto más criticado, así como su deslavazada narrativa que no consigue salvar Nicole Kidman, la más inspirada de todo el conjunto de intérpretes. Por suerte para Kidman, mañana tendrá una segunda oportunidad fuera de competición con Hemingway & Gellhorn.

“Este filme es un sueño, espero seguir rodando cosas así” comentaba en rueda de prensa el joven Zac Efron, deseoso de dar un nuevo paso en la madurez como intérprete. Un Daniels encantado con el ídolo adolescente definía su filme ante la prensa: “Hablé con mi familia”, y ellos me dieron multitud de historias, de datos que me ayudaron para la ambientación. ¿Referencias a Tennessee Williams? Bueno, cuando ruedo una película no solo trabajo con la historia, sino que todo mi pasado y mi conocimiento se vuelca en ella. Cada personaje lo conozco, está en mi interior, y es cierto que todos tienen momentos de humor. Debemos encontrar el humor incluso en las historias más oscuras como está. Así es como vamos sobreviviendo”. The Paperboy se estrena en Europa en Noviembre.

Matthew McConaughey & Zac Efron protagonizan The Paperboy, un thriller sureño dirigido por Lee Daniels

“Toda la película está a punto de decir algo grave y profundo sobre la injusticia del racismo, sobre el dolor de la sangre, sobre la homosexualidad reprimida, sobre la vejez desesperada, sobre la necesidad de crecer... Y no profiere más que rudio. Y molesto. Todos estos asuntos están ahí como trofeos de caza: para que quede claro quién manda. Más allá, poco. Casi nada. Los esfuerzos de Nicole Kidman por llegar a su segundo Oscar se antojan en la fiesta equivocada. Y otro tanto ocurre con los desvelos de Zac Efron para graduarse y abandonar de una vez High School Musical. Todo baldío.” Luis Martínez (El Mundo).

“The paperboy se deja ver y oír, pero su intento de crear suspense y desasosiego es inútil. El guion tiene vocación de retorcimiento, pero la película está contada de forma plana.” Carlos Boyero (El Pais).

“Con esos elementos construye Lee Daniels, su película, uno diría que sin creérsela demasiado. Buscando, como decíamos antes, los momentos chocantes, y la recreación del ambiente sudoroso, conflictivo, latentemente racista de la época. El reparto, de lujo, se quedan en meras comparsas de Efron, con sus momentos estelares particulares, y así la película se pierde por el lado efectista, sin substancia verdadera.” Salvador Llopart (La Vanguardia).

“Tiene todo el marchamo de clásico de culto. The Paperboy una película irregular con demasiadas tramas y personajes sin demasiado interés”. Dan Mecca (Film Stage).

“Es como un clip con veinte películas en su interior, ninguna de ellas buena”. Robbie Collin (Daily Telegraph).

POST TENEBRAS LUX (Carlos Reygadas, México, 2012)

“Me siento muy halagado de recibir abucheos. Rara vez leo la crítica cinematográfica pero a veces sí y creo que es un halago. Para mí es un síntoma de que estoy haciendo cosas que valen la pena. Si no me abuchearan, estaría un poco preocupado”. Así comenzó Carlos Reygadas su rueda prensa tras la mala acogida de Post Tenebras Lux. Unas declaraciones no demasiado afortunadas puesto que Cannes siempre ha sido un bastión positivo con la obra del maestro mexicano. Su nuevo filme gustó muy poco al respetable ya desde las primeras proyecciones de anoche. Una historia sobre el ser humano y la naturaleza que ha sido tildada de vacía y desagradable. Un fallido retrato de una familia acomodada afincada temporalmente en el México profundo con toques surrealistas y demasiado pretenciosos. La respuesta, salvo un pequeño oasis de benevolencia, ha sido casi unánime. Puede que se recuerde más la frase inicial que su propio largometraje.

Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas, México, 2012)

"Inclasificable película. Turbia, indescifrable, maligna y con un punto entre ridículo y buñuelesco en momentos clave de la trama". Enrique Rodríguez Marchante (Diario ABC).

“En Post tenebras lux Reygadas retorna a sus orígenes, a un argumento tan gratuito como ininteligible rodado con una estética cargante. Deduzco que el diablo ha visitado a una familia de la alta burguesía mexicana que se ha retirado a vivir al campo y que el padre es un adicto a la pornografía que busca ayuda en una especie de Alcohólicos Anónimos. Pero tampoco lo tengo claro, ya que existen historias paralelas y surrealistas que podrían hacerte pensar que está hablando de otras cosas. Él lo sabrá, pero no hay forma de que mi condición de espectador lo averigüe. Y tampoco existe nada en esas imágenes y en esos diálogos que te entretenga mínimamente. De todas las vacuidades con pretensiones autorales que ha ofrecido hasta el momento el festival, esta tal vez sea la más insoportable.” Carlos Boyero (El País).

“De nuevo, la cámara pasea lenta y precisa por una extraña normalidad. Hasta que deja de serlo. Y así, la mirada del director se mantiene siempre pendiente de esos breves momentos en los que la cotidianeidad se rompe por la mitad. Hasta vomitar cada mililitro de bilis. Y hay toneladas. De golpe, el equilibrio inestable de sus anteriores trabajos se quiebra para dejarse perforar por el tacto frío y húmedo de lo feo, lo cruel. Intimida un universo a la vez cercano y terroríficamente extraño. Un diablo iluminado, una niña (la propia hija del director) entre bestias, un absurdo partido de rugby, un disparo en el pulmón, una reunión de adictos a no se sabe qué vicios, una orgia en una sauna... Todo junto se antoja la película que Buñuel nunca se atrevió a soñar. Cruel, absurda, fea y magnética. Una sesión doble de Leos Carax y Reygadas es lo que necesita el mundo para saltar por los aires.” Luis Martínez (El Mundo).

“Este opaco y exasperante trabajo es el mayor traspiés del aventurero director mexicano”. Xan Brooks (The Guardian).

“Post Tenebras Lux es singularmente extraña, pero no especialmente impresionante”. Simon Abrams (Indiwire).

Antes de pasar a Una cierta mirada notificar que la película española Aquí y allá de Antonio Méndez Esparza ha obtenido el máximo galardón de la Semana de la Crítica. Enhorabuena.

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

MISS LOVELY (Ashim Ahluwalia, India, 2012)

La ópera prima de Ashim Ahluwalia nos acerca a la historia de dos cineastas de terror de serie b en la India que fueron evolucionando al cine erótico e incluso pornográfico. Muy lejos del estilo habitual del cine Bollywood, Miss Lovely ha parecido un filme curioso y digno de ver aunque no ha convencido del todo a los presentes, sobre todo, por un guión que hace aguas a mitad de metraje.

Miss Lovely (Ashim Ahluwalia, India, 2012)

“La película se articula simplemente en este dúo fraternal cuya interesante historia se alarga en exceso”. (Le Western Culturel).

TROIS MONDES (Tres mundos, Catherine Corsini, Francia, 2012)

La excelente Clotilde Hesmes encabeza este thriller que narra el devenir de tres amigos tras un accidente de tráfico donde atropellan a un hombre. La recepción de la nueva cinta de Catherine Corsini ha dividido a la prensa que por un lado ha valorado a sus actrices y por otro la califica de poco creíble y de hechos demasiado aleatorios. Tres mundos es la quinta película de la interesante cineasta de Dreux. La anterior fue Partir (2009), un interesante drama interpretado por Sergi López y Kristin Scott Thomas.

“Ideas superficiales y poco desarrolladas pese al atractivo material disponible”. Simon Emiliani (Sentieri Selvaggi).

Con la película de Catherine Corsini ponemos punto y final al repaso de la novena jornada. Mañana serán protagonistas en la sección oficial la cinta ucraniana V Tumane y otro de los primeros platos del certamen: Cosmópolis de David Cronenberg. En Una cierta mirada, Gimme The Loot de Adam Leon, The Day Mishima Chose His Own Fate de Koji Wakamatsu y Renoir de Gilles Bourdos. Fuera de concurso se presenta Hemingway & Gellhorn con Nicole Kidman y Clive Owen. Toda la información del día en El antepenúltimo mohicano.

MEN IN BLACK III (BARRY SONNENFELD, 2012)

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Thu, 24 May 2012 12:20:31 PDT

ET’S Y SOPA CAMPBELL

Hace unos meses, con motivo de la inminente llegada de la tercera parte de Men in Black, escribí una columna a medio camino entre la nostalgia y la reivindicación. En ella, aportaba opiniones tan subjetivas (o no) como que el guión de esa primera aventura interplantearia –protagonizada fenomenalmente por Tommy Lee Jones y esa estrella todavía en alza por aquel entonces llamada Will Smith– poseía algo muy difícil de aunar: una brillante simbiosis entre forma, contenido y ritmo; un aspecto este, el del ritmo, capital en el lenguaje cinematográfico. Esperado o no, resultó ser un éxito en taquilla, impulsando una tímida reformulación del blockbuster, cuyas aristas comerciales eclipsan casi siempre la calidad del producto último.

En 1997, y en pleno auge de esa técnica sumamente explotada hoy día conocida por CGI, los efectos especiales (y visuales) de la cinta de Barry Sonnenfeld –basada a su vez en el cómic de Lowell Cunningham– dejaban entrever el apasionante recorrido técnico del píxel. Aquellos hombres de negro habitaban un ecosistema oculto y desconocido para todos los humanos: convenía inducirles a la amnesia cuando estos contribuyentes eran testigos de la existencia de aliens y seres antropomorfos cuya piel disfrazaba su verdadero aspecto. A golpe de flash, con un artilugio de última generación creado expresamente para convencer de su valor estético al espectador y/o lector. Es decir, una excusa para mostrar sus ya célebres gafas de sol. Y había personajes que provocaban grima y una extraña simpatía: freaks deformes llegados de puntos remotos del universo, sin más razón que la de ocupar su marginal hueco, a veces dispuestos a fijar su sede en Estados Unidos, eterno eje motriz de la invasión. Aunque, por supuesto, estamos ante una historia que retrata al E.T. más zarrapastroso, libre de sentimentalismo e inocencia, miembro de una subcultura probablemente belicosa, de intereses oscuros. Al fin y al cabo, se trata de provocar cierto temor, inseguridad, la certeza de estar en casa con ocupas invisibles que te dan los buenos días, que te venden el periódico o te cocinan un delicisoso plato en cualquiera de los cientos de restaurantes grasientos con estrechas cocinas de paredes viscosas como la sangre de esos aliens. Men in Black divierte sin paliativos, ya que recoge un icono de la ciencia–ficción sin necesidad de esgrimir soporíferos argumentos tribales, extrapolando la razón de la inteligencia artificial, para situarla en el lugar que corresponde: la naturaleza. No hay distancia emocional entre el público y los personajes (tan solo cuando hay violencia de por medio), dirigidos meritoriamente por Sonnenfeld.

Tommy Lee Jones & Will Smith, Los hombres de negro (Barry Sonnenfeld, 2012)

La segunda parte, en cambio, echó por tierra lo construido anteriormente. Era un bluff corto de miras. Y, sin embargo, ahora regresan –intereses económicos mediante– con un nuevo episodio, protagonizado también por un rocoso y elegante Tommy Lee Jones y ya sí, ese carismático filón en que se ha convertido Will Smith. Sin duda, el mosqueo está justificado antes de sentarte a ver lo que han hecho los viejos amigos. El recuerdo de su penúltima y disparatada historia ha desaparecido (para qué guardar vagas impresiones), pero mi estado continúa siendo de alerta. La película abre con una portentosa secuencia que presenta al villano, quien permanece recluido en una prisión lunar de alta seguridad. Se muestra feliz (o eso parece, pues el tipo lleva unas pequeñas gafas de buzo negras, a lo John Lennon heavy, y su dentadura, afilada y gris, no invita a la tranquilidad) con su anhelada visita: una especie de groupie que le regala una tarta, en cuyo interior se esconde un bicho letal que forma parte de su cuerpo y gracias al cual puede escapar de esa cárcel. ¿Destino? La Tierra ¿Objetivo? El agente K, o sea Tommy Lee Jones. Y es que, ambos tienen cuentas pendientes por algo que ocurrió en el pasado: ese hombre impasible, aparentemente huraño y taciturno en cada una de sus acciones, le dejó manco pero unido a una armadura durante largo tiempo. Cuarenta años de rencor que se materializan en una trama que funciona cual metrónomo. Un tic–tac de fórmula hollywoodiense, pero bien ejecutado: a la efectiva labor de cámara se unen varios guiños pop (Lady Gaga aparece en la base de datos de la agencia; Andy Warhol, en realidad un hombre de negro cansado de “ser trascendente” y obligado a pintar latas de sopa de tomate como ínclito gurú de la modernidad, confirma que Mick Jagger es un marciano que planea beneficiarse a todas las mujeres). Mención aparte merece un secundario fundamental en la consecución del objetivo. Un ser dotado de habilidad para vaticinar los futuros cambiantes que fueron, son y serán. Un gancho dialéctico que certifica la buena salud de los diálogos.

Will Smith vuelve a uno de los papeles que lo hicieron una estrella en Los hombres de negro III

Men in Black III es un filme de notables golpes que salpican una historia firmemente hilvanada, cuyos quince minutos finales, tan blandos como previsibles, desmerecen el conjunto. Me interesan sus teorías espacio–temporales, que a pesar de no ser nada imaginativas, funcionan de principio a fin. Echo de menos la canción original aunque celebro la presencia de Josh Brolin, un actor sobresaliente que encarna la versión rejuvenecida del agente K. Lástima que nos condenen a escuchar la bella obra de ese hortera con nombre de perro rabioso. Pitbull, o algo así.

Por Juan José Ontiveros

Leo, escribo, a veces pienso.
El cine es totalmente subjetivo.
Decía Hitchcock que "son 400 butacas que llenar".
En esas butacas, además, puedes ver clásicos como Johnny Guitar.

Edición por Emilio Luna
Special Message from Johnny Lang

FESTIVAL DE CANNES 2012: V TUMANE

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Thu, 24 May 2012 10:06:29 PDT

V Tumane (Sergei Loznitsa, Ucrania, 2012), presente en la sección oficial de Cannes 2012

Solo quedan dos películas por presentar dentro de la sección oficial (si descontamos el filme de clausura). Una de ellas se presenta mañana y es la ucraniana V Tumane (In the Fog) dirigida por Sergei Loznitsa. Es la segunda película de este documentalista bielorruso y también su segunda participación en la sección oficial de Cannes (su primera obra fue My Joy en 2010). En V Tumane, Loznitsa vuelve a su tierra natal para adaptar la novela homónima de Vasiliy Vladimirovich Bykov que narra la férrea resistencia bielorrusa ante la invasión nazi en la II Guerra Mundial.

Un episodio que ya contó el cine americano con la infravalorada Resistencia (Defiance, Edward Zwick, 2008) y que en V Tumane se enfoca desde un punto de vista menos espectacular pero más íntimo. Una propuesta sugerente. A continuación, un video de muestra.

FESTIVAL DE CANNES 2012: OCTAVA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Thu, 24 May 2012 02:08:15 PDT

Kristen Stewart es una de las protagonistas de On the Road, una de las películas estrella de la sección oficial en Cannes

La jornada de ayer miércoles es un fiel reflejo del nivel de esta 65ª edición de Cannes. “Mucho ruido y pocas nueces” en la competición oficial con cintas de alta expectativa pero después división en la acogida. Convencional e irregular son las palabras más repetidas entre la crítica más rigurosa del certamen. Solo quedan tres días y aparentemente sólo Cosmópolis de David Cronenberg parece capaz de revertir esta situación.

El paradigma de lo expuesto en el primer párrafo lo representa On the Road de Walter Salles, adaptación de la novela de culto de Jean Kerouac que venía precedida de grandes esperanzas y un esbelto reparto pero que ha dejado frío al respetable. Con estas circunstancias, el relevo protagónico del día lo tomado el cineasta francés Leos Carax con la sorprendente Holy Motors. Una película muy interesante que ha asombrado como horripilado al respetable y que ha entrado de lleno en las apuestas para figurar en el palmarés del domingo. Mientras, en la interesante Una cierta mirada dos propuestas sugerentes: La playa de Juan Andrés Arango y 7 días en la Habana. Fuera de competición arribaba uno de los grandes maestros del cine continental: Bernardo Bertolucci. El director italiano que ha cada paso por la ciudad francesa solo escuchaba aplausos presentaba Io e te. Comenzamos la crónica de la octava entrega de Cannes ’12.

Una guapa Kirsten Dunst en La Croisette. Dunst ganó el año pasado el premio de interpretación por Melancholia

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

ON THE ROAD (En el camino, Walter Salles, Estados Unidos, 2012)

Recepción fría para la nueva película de Walter Salles. La crítica ha sacado muy pocos puntos positivos de esta traslación del universo de Kerouac a la gran pantalla. Académica y bien interpretada pero carente de vida y muy lejos del espíritu del escritor de Lowell, Massachusetts. Una respuesta que ha sido casi unánime. Lástima, porque en los avances previos se avistaba estilo y esencia. Tan sólo se ha destacado las interpretaciones de dos de las damas del filme: Kristen Stewart y Kirsten Dunst.

El director brasileño, autor de Diarios de Motocicleta, así describía su filme en la previa de su exhibición: “Habla de gente que pasa de la juventud a sus primeros años de adulto, de búsqueda de esa libertad que les deniegan. La iconografía engaña, porque la gente solo conoce a estas personas en su versión intelectual, y aquí les conocemos antes, en su pérdida de la inocencia… Todo eso hará que esta película conecte con la gente joven”. Viggo Mortensen, en cambio, dio su reflexiva opinión sobre la novela de Kerouac en la rueda de prensa: “Es un libro que llega a la gente joven. Vivimos tiempos conservadores y la gente joven sufre el mismo rechazo que en el libro, a inicios de los cincuenta. Que hayan pasado 30 años desde que se inició la producción y que solo ahora podamos verla es un acierto: encaja perfectamente en la actualidad. Otros hubieran hecho una película de coches y bonitos paisajes, aquí hay más eso: está la verdad.” Se como fuere la comunión en el set de On the Road dista mucho de uno de los mitos literarios del pasado siglo.

Sam Riley en On the Road (Walter Salles, Estados Unidos, 2012)

“Ha fallado en la apuesta. No ha sabido trasladar el espíritu, el latido, la poesía, el vértigo que contiene esa novela excepcional. Que la ambientación, la atmósfera, la multitud de localizaciones, la época y la música estén muy cuidadas no sirve para atrapar el alma de esa compleja gente, para que te impliques en sus complicadas relaciones afectivas, en su hambre de vida. Está bien ilustrada pero le falta lo principal. Tampoco me sugieren nada especial los actores principales, esos juveniles Garrett Hedlund y Sam Riley que componen a Moriarty y a Paradise desde fuera, sin lograr que al espectador le interese demasiado lo que les pasa por dentro. Walter Salles ha realizado una película fría y rutinaria con un material que estaba en carne viva. Otra vez será. El cine sigue en deuda con esos vagabundos de las estrellas que inventó Jack Kerouac.” Carlos Boyero (El País).

“El problema es que Salles solo se queda con la última parte, con el ritual cansino del alboroto y descuida hasta el dolor lo que de verdad importa. Que es todo lo demás; lo que hiere y, por ello mismo, entusiasma. Así de contradictorio. Kerouack dejó sin frenos y sin retrovisor su vehículo. Buscaba un accidente casi místico por feroz; un accidente que nada tiene que ver con este simple desastre sin alma.” Luis Martínez (El Mundo).

“Salles ha filmado a los «beatnicks» como si no hubieran transcurrido cinco décadas desde la publicación de «En el camino», fascinado por la presunta intensidad de sus pasiones, y captándola desde una literalidad un tanto naif, como si cambiar un punto o una coma de la novela fuera una traición a su espíritu de transgresión.” Sergi Sánchez (La Razón).

“Una bella y respetuosa adaptación de obra de Kerouac que intermitentemente deja el suelo y comienza a volar. Stewart está perfecta”. Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).

“Estupendas escenas y conmovedora melancolía que no compensa el tedio y la autocomplacencia de esta road movie de Walter Salles.” Peter Bradshaw (The Guardian).

“Grandes picos de calidad, la fotografía y el rendimiento de Hedlund, no pueden con unos bajos miserables”. Sosa y sin vida.” Simon Gallagher (Film School Rejects).

HOLY MOTORS (Leos Carax, Francia, 2012)

Como citábamos en la previa, Holy Motors era una de las propuestas diferentes de Cannes ’12. La cuestión principal era conocer que tenía de arte o que tenía de extravagancia gratuita. El resultado a tenor de la opinión de la prensa no deja indiferente. Futuro largometraje de culto que por un lado ha entusiasmado por su innovadora propuesta y un marcado estilo visual, y por otro los que la acusan de sobredosis lynchiana, burda e incoherente. Con estas premisas no es descartable tanto que Carax como su película figuren en el listado de ganadoras del próximo domingo. Grandes aplausos y también abucheos la acompañan.

“El cine es como una isla, una isla hermosa, con un gran cementerio”, comentaba el autor francés en la rueda de prensa. Un personaje díscolo y egocéntrico que volvía al cine tras doce años de vacaciones. Sin duda, ha vuelto en el mejor momento con este retrato de la pérdida de la identidad en los convulsos tiempos que vivimos.

Holy Motors (Leos Carax, Francia, 2012)

“Es una sucesión de tonterías sin gracia, los caprichos vacuamente surrealistas de un niño consentido e irritante.” Carlos Boyero (El País).

“Digamos que es una memez genial o una genialidad algo mema; digamos que un retruécano (así se llama la figura retórica que juega a invertir los términos) a tiempo siempre entretiene.” Luís Martínez (El Mundo).

“Una lección de cine libre y salvaje”. Sergi Sánchez (La Razón).

“Una odisea loca, eufórica y experimental de Leo Carax, para esto habíamos venido a Cannes”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“Estimulante, opaca y completamente desgarradora”. Megan Lehrmann (The Hollywood Reporter).

“Brillantemente humana y… también tonta.” Glen Heath Jr. (Press Play).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

LA PLAYA (Juan Andrés Arango, Colombia, 2012)

El joven cineasta colombiano debutaba con su ópera prima en el segundo apartado en importancia de Cannes. Lo hace con un filme sobre la juventud desarraigada de su país, en un retrato sobre la xenofobia con claras referencias a Elephant de Gus Van Sant y Fish Tank de Andrea Arnold. La playa sigue los pasos de películas como La sirga de William Vega y El vuelco del cangrejo Oscar Ruiz Navia que dibujan la realidad de un país de acotada esperanza. Ha gustado tanto a crítica como público que la ha condecorado con grandes aplausos.

La playa (Juan Andrés Arango, Colombia, 2012)

“Dinámica y realista”. Martine Cristofoli (Cinema Italiano).

7 DÍAS EN LA HABANA (Laurent Cantet, Benicio Del Toro, Julio Medem, Gaspar Noé, Elia Suleiman, Juan Carlos Tabío, Pablo Trapero, España-Francia, 2012)

Esta coproducción que reúne a directores de diferentes países compila, a su vez, siete cortometrajes que definen a la capital de Cuba. Un paseo por los diferentes barrios reflejado de manera vitalista. 7 días en La Habana ha tenido recepción no demasiado positiva. Se apunta que pese a su originalidad y algunos segmentos interesantes es aburrida y cansina. Lo mejor su música.

Josh Hutcherson en uno de los cortos de 7 días en La Habana

“Un cóctel de cortos dulces, agrios y de mal gusto”. Jordan Mintzer (The Hollywood Reporter).

7 Días en La Habana no fue la única representante de nuestro país. En las secciones de la Quincena de los Realizadores y la Semana de la crítica, se han presentado los respectivos trabajos de Jaime Rosales (Las horas del día) y Antonio Méndez Esparza (Aquí y allá). Ambas con una buena acogida por parte del público y los especialistas.

FUERA DE COMPETICIÓN

IO E TE (Me and you, Bernardo Bertolucci, Italia, 2012)

Viendo la decepción en la sección oficial todas las miradas del día se centraban en Bernardo Bertolucci. Poco importaba si las musas habían visitado al genial director parmesano, el público y la prensa acreditada se hallaban encantados ante la visita de uno de los mitos del cine reciente. Bertolucci retornaba con Io e te, de nuevo, con la adolescencia como protagonista. La historia de un joven que intenta ayudar a una desamparada hermana heroinómana ha provocado todo tipo de sensaciones en el lido cannois. División de opiniones para una cinta, que eso sí, esta revestida del gran talento de su creador.

Bertolucci vuelve con Io e te (Italia, 2012)

“El italiano se acerca a las más íntimas motivaciones de su cine hasta desnudarlo completamente. De otro modo, un viaje tierno, preciso y emotivo a la raíz de lo que un día fuimos”. Luis Martínez (El Mundo).

“Un melodrama claustrofóbico y juvenil muy en la línea de las obsesiones cinematográficas de Bertolucci”. Enrique Rodríguez Marchante (ABC).

Con el gran director italiano despedimos el octavo día en la Costa Azul francesa. Hoy jueves pasarán por la sección oficial dos películas muy interesantes: The Paperboy de Lee Daniels y Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas. En Una cierta mirada se proyectarán Miss Lovely de Ashim Ahluwalia y Trois mondes de Catherine Corsini. Toda la información de la jornada en El antepenúltimo mohicano.

FESTIVAL DE CANNES 2012: THE PAPERBOY

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Wed, 23 May 2012 16:20:42 PDT

Zac Efron, en uno de sus primeros papeles de relevancia, protagoniza The Paperboy (Lee Daniels, Estados Unidos, 2012)

Unido siempre a la defensa de los derechos raciales en Estados Unidos, Lee Daniels paso de ser artista anónimo a discutido nominado al Óscar (a mejor director) gracias a Precious. La ganadora de Sundance 2009 le otorgó la gloria y un hueco de honor en la industria actual americana. Prueba de ello es que su tercer filme – el primero fue Shadowboxer en 2005 –, The Paperboy, compite en la sección oficial del certamen más importante del mundo.

Matthew McConaughey, Nicole Kidman, Zac Efron y John Cusack protagonizan este thriller criminal con toques eróticos de expectativas no demasiado altas. McConaughey, que lleva un buen año, también estará presente en competición con Mud de Jeff Nichols. A continuación, un primer video de The Paperboy.

FESTIVAL DE CANNES 2012: POST TENEBRAS LUX

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Wed, 23 May 2012 16:35:50 PDT

Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas, México, 2012), presente en la competición de Cannes '12

Tercera participación en el festival de Cannes para Carlos Reygadas tras Batalla en el cielo (2005) y Stellet Licht (premio del jurado en 2007). El cineasta mexicano vuelve a la sección oficial con Post Tenebras Lux, alegoría sobre la vida rural y la naturaleza humana que se presentará mañana jueves. En los primeros pases nocturnos la acogida no ha sido demasiado positiva.

Nathalia Acevedo y Adolfo Jiménez Castro dan cuerpo a los cabezas de una familia urbana que pasa una temporada afincada en el campo. Allí viven alejados del resto del mundo sin cuestionarse cuál es el mejor camino hasta que poco a poco las cosas se van torciendo. “Está sobre-intelectualizada. No es generosa. No es bella.” Son los primeros calificativos que ha recibido, veremos mañana. Mientras, el segundo teaser de Post Tenebras Lux.

FESTIVAL DE CANNES 2012: SÉPTIMA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Wed, 23 May 2012 03:19:07 PDT

Killing Them Softly (Andrew Dominik, Estados Unidos, 2012). Sección oficial a competición en Cannes 2012

Llegó Brad Pitt y acaparó todos los focos de la séptima jornada. Un día que ha mantenido la tónica irregular, incluso mediocre, que está acompañando a esta 65ª edición de Cannes. Cintas de nivel medio, de acogida crítica cuestionable y donde tan sólo Amour de Michael Haneke ha despertado unanimidad. Parece la gran favorita de largo para el palmarés. Eso si no llega Like Someone in Love de Kiarostami y la adelanta en un sprint final. Como comentábamos ayer, ha resultado curioso que su recepción (en líneas generales) haya sido negativa y en cambio las críticas publicadas hoy martes le otorgan puntajes por encima del filme del cineasta alemán. Así es el mundo de los festivales, no se puede descartar ni la, a priori, peor cinta del evento.

Polémicas y anhelos aparte, hoy era Pitt el único protagonista en La Croisette. Bajo su brazo y junto a Andrew Dominik presentaba Killing Them Softly, uno de los platos fuertes de la sección oficial. Película que ha gustado, incluso se la ha comparado como la equivalente de Drive de este año, pero no ha entusiasmado. Mucho más modesto era el nuevo de largometraje de Ken Loach, la comedia The Angels’ Share. En su duodécima participación en Cannes Loach ha repartido sonrisas en una cinta ligera y benévola pero sin aparentes aspiraciones. Mientras, en Una cierta mirada se exhibían Le grand soir de Benoît Delépine & Gustav Kervern y À perdre la raison de Joachim Lafosse. Un séptimo acto en la riviera francesa más abreviado de lo habitual. Comienza la crónica de la jornada.

Brad Pitt en todas las miradas a su llegada a La Croisette para la presentación de Killing Them Softly

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

KILLING THEM SOFTLY (Andrew Dominik, Estados Unidos, 2012)

Andrew Dominik que apasionó a la cinefilia con El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford debuta en Cannes; y lo hace con el principal agente de su éxito anterior: Brad Pitt. Una de las cintas más esperadas del certamen y cabeza de cartel de la expedición norteamericana a la ciudad francesa. Killing Them Softly, es un noir criminal con toques políticos y económicos dotado de un enorme poderío visual y lleno de excelentes momentos. Algo que, sin embargo, no ha sido suficiente para conquistar al exigente público francés.

No lo hace porque no resulta original y los problemas de ritmo lastran parte del metraje. Si en el prólogo citábamos a la conmoción del año 2011, Drive, Killing Them Softly intenta atrapar su esencia. Esa que parecía extinta en la década de los setenta y que Nicolas Winding Refn rescataba y elevaba con una de las sensaciones del curso pasado. Dominik, como también hizo con su anterior filme, recoge uno de los géneros estrella del cine americano e intenta darle un giro que no prospera. Como tampoco lo hace el poso anticapitalista que lo acompaña. Pese a ello se la ha valorado como una cinta muy interesante, con un Brad Pitt excelente. “Vivimos en un mundo de violencia y es importante filmarla” comentaba el propio Pitt en la rueda de prensa.

Basada en la novela de George V. Higgin, Cogan’s Trade (anterior título de la película), Killing Them Softly pudiera ser una de las cintas importantes en la temporada de otoño americana. Llegará a las pantallas estadounidenses el 21 de Septiembre.

Brad Pitt logra una convicente interpretación en Killing Them Softly

“El problema, y volvemos al principio, está precisamente en la respuesta del actor: en la ambición de contarlo todo, de hacer pedagogía con las cabezas partidas en dos, de convertir cada plano en metáfora de nuestros días. Toda la cinta discurre con el sonido de fondo de los telediarios en los que Obama explica la crisis a sus votantes, es decir, al mundo entero. Y ese recurso se repite y repite con una insistencia tan cargante que acaba por desactivar las legítimas aspiraciones de una película salvaje por fuera, perfectamente domesticada por dentro.” Luís Martínez (El Mundo).

"Tanto afán por ser distinto y dinamitar el género se queda en el exhibicionismo inútil del que se cree el más listo de la clase. Ves excesivamente la fórmula, el ansia por ser brillante y revolucionario. Y te quedas fuera, te da lo mismo que los personajes mueran o se salven." Carlos Boyero (El País).

“Es extraordinariamente disfrutable, una thriller con grandes interpretaciones y un toque pesimista”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“Todos los enfoques que emplea Dominik para retratar la violencia capitalista de Killing Them Softly son válidos pero en estos tiempos se necesitan mensajes más rápidos y directos”. Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).

THE ANGELS’ SHARE (Ken Loach, Reino Unido, 2012)

Menos sugerente aunque más liviana se presentaba la nueva película de Ken Loach. Se ha cuestionado su presencia en la sección oficial – dejando a un lado el prestigio de su autor – y está envuelta en un halo de telefilme. Aún así, y pese a la división de la prensa y sus respectivos abucheos ha dejado un amable sabor de boca. Loach se pasa a la comedia y viaja a Escocia en el típico relato de los nuevos comienzos. Un director británico más desenfadado y jovial que articula una historia increíble (en el más amplio sentido de la palabra) y que se defiende con simpatía y buenas interpretaciones.

Pese alejarse de su vena dramática-social, Loach declaraba que “El criterio es saber si es real, no si va a hacer reír”. The Angels’ Share es una historia de perdedores de la clase trabajadora que pone un punto florido y fresco ante tanta fatalidad en la proyecciones presentes.

Ken Loach cambia de registro en The Angels' Share

“Suena convencional y, en efecto, lo es. Loach opta por el camino más fácil, pero lo hace, eso sí, por la vía más inverosímil. El guión, de nuevo de Paul Laverty, se empeña en convertir al protagonista en un experto catador de whisky (han leído bien) en lo que otros tardan en beberse una botella entera de DYC. Un poco disparatado, ya lo sabemos.” Luis Martínez (El Mundo).

"Es probable que la escuálida camarilla de cretinos vanguardistas acusen a Loach de buenismo, de edulcorar la realidad, de sentimentalismo al gusto del gran público. No le causará el menor daño a una película que siente cariño por sus personajes, que no engaña sobre la naturaleza de su protagonista, capaz de lo mejor y de lo peor, con una cálida dosis de humor y de ternura aunque lo que describe sea dramático, que logra que no pierdas el interés nunca por lo que te están contando, con un punto conmovedor y risueño." Carlos Boyero (El País).

“Es la comedia británica más agradable y disfrutable del último año. Perfectamente interpretada”. Robbie Collin (Daily Telegraph).

“Allí esta el amor, las risas y el whisky en esta inhabitual comedia que dirige perfectamente Ken Loach”. Stephen Dalton (The Hollywood Reporter).

“Divertida y sincera, dejará resaca”. Total Film.

“Pese a que tiene algunos tendones de la historia algo débiles, Loach y Laverty le dan un punto amable y necesario”. Peter Bradshaw (The Guardian).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

LE GRAND SOIR (Benoît Delépine & Gustav Kervern, Francia, 2012)

Quinto largometraje de esta dupla que siempre se ha distinguido por tratar la anarquía y la libertad en sus creaciones. No iba a ser menos el caso de Le Grand Soir que dibuja a tres personajes (o caricaturas) dotados de humor negro y en ocasiones socarrón para situarlos como demandantes de la grave situación social que atraviesa Francia (y Europa). La cinta ha recibido aplausos y obtenido buenas opiniones destacando el refinado estilo de los dos cineastas galos. "¡El camino más corto a la libertad es caminar todo recto!"

Un "interesante" trío amigos en Le Grand Soir, cinta francesa sobre la anarquía y la inconformidad

“Delépine y Kervern agitan la bandera de la anarquía sin tomar realmente en serio las normas. Ambos directores dominan cada vez más su técnica cinematográfica y se muestran partidarios de la diversión y de hacernos disfrutar con ellos.” Fabien Lemercier (Cine Europa).

AIMER À PERDRE LA RAISON (Joachim Lafosse, Bélgica, 2012)

Los excelentes Niels Arestrup, Tahar Rahim y Emilie Dequenne encabezan este drama belga que nos sitúa en la previa de una tragedia familiar donde una madre acabará con la vida de sus cinco hijos. Our children (título en inglés) es un excelente ejercicio de interpretación por parte del trío protagonista que estructuran con solidez el paso de lo dulce a lo siniestro de manera brillante. También, se ha destacado la fotografía de Jean-François Hensgens. Un filme muy interesante.

Our Children, cinta belga interpretada por Tahar Rahim y Emilie Dequenne, presente en Una cierta mirada

“Drama psicológico sombrío y penetrante aupado por una sobresaliente Emilie Dequenne”. Jordan Mintzer (The Hollywood Reporter).

Con la película de Lafosse ponemos punto y final al repaso de la séptima jornada. Mañana, otro plato fuerte con la esperada On the Road de Walter Salles. Junto a ella, en la competición oficial, Holy Motors de Leos Carax. En Una cierta mirada aparecerán a escena La playa de Juan Andrés Arango y 7 días en la Habana. Fuera de concurso arribará un grande: Bernardo Bertolucci con Io e te (Me and You). Toda la información de la octava jornada en El antepenúltimo mohicano.

FANTOMAS - EL MUERTO QUE MATA (1913)

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Wed, 23 May 2012 12:24:00 PDT

La tercera entrega del serial Fantomas, titulada El muerto que mata (Le mort qui tue, 1913), se abre con un desesperado Fandor, el periodista ayudante del inspector de policía Juve, en la cama de un hospital. Él es la única persona que ha escapado de la tremenda explosión que provocara Fantomas al final del episodio anterior donde hizo volar por los aires a un puñado de policías junto a Fandor y Juve. El gran Louis Feuillade, guionista y director de este magnífico serial basado en las novelas de Pierre Souvestre y Marcel Allain, opta aquí por dar un giro sorprendente al tono y la forma de contarnos la historia. No solo porque nos encontramos ante el episodio más extenso de la serie, noventa y dos minutos, todo un largometraje, algo inhabitual para el año de su rodaje y estreno (1913), sino porque se deja a un lado el ritmo trepidante y enloquecido del episodio anterior para adoptar un tono mesurado, tranquilo, detallista y minucioso para ir desarrollando una trama de misterio criminal que nada tiene que envidiar a cualquier clásico de cine negro rodado treinta años después.

En seguida la acción se centra en el artista Jacques Dollon, que cómo no tiene su estudio en el barrio de Montmartre, el cual es atacado por un Fantomas enmascarado y sus secuaces. Lo dejan dormido y durante su sueño narcótico le dejan allí a su lado, sentado en una silla como si acabara de tomarse el té, el cadáver de la baronesa de Vibraye. Cuando llega la policía, esta no duda en tomar al pobre Dollon por el asesino y se lo llevan detenido. Feuillade, con un tono casi documental, procede a mostrarnos todo el proceso de la detención y el de hacer una ficha policial. La toma de las huellas digitales de Dollon está rodado de manera tal que haría las delicias de un Robert Bresson por su morosa delectación en mostrar el detalle.

Con el asesinato de Dollon en su celda, un crimen imposible, da inicio la macabra historia que Feuillade irá desarrollando con una lentitud y una elegancia magníficas. La trama es compleja: en esta ocasión no se nos ha mostrado al principio a los protagonistas con sus diversos disfraces, por lo que debemos adivinar quién es quién en cada momento. Vale que no resulta en extremo difícil, pero también ayuda la increíble claridad expositiva de Feuillade que hace que la trama fluya con un ritmo y una cadencia que hace pensar que rodaba con un metrónomo justo al lado de la cámara.

Como ya nos está enseñando Feuillade, y de paso enseñaba al mundo, en qué iba a consistir el hacer una película en el futuro nos resulta fácil ver que todo aquello en lo que su cámara se detiene, observadora y minuciosa, será de vital importancia en los hechos que se desarrollarán posteriormente. Importantísimo en este aspecto cómo se nos enseña durante la película cómo es fundamental la toma de huellas y la ficha de un criminal para su identificación en un crimen. Esto mismo es de lo que se servirá Fantomas en esta ocasión para reírse una vez más de la policía.

Fotograma de Fantomas: el muerto que mata (Le mort qui tue, Louis Feuillade, Francia, 1913)

El rodaje en interiores y exteriores se entremezclan con naturalidad. Feuillade siempre busca el realismo tanto en las situaciones como en los escenarios. Otra cosa es que nos esté narrando una historia delirante, pero en esta ocasión todo es contención. Varias historias se van desarrollando en paralelo y muestra en todo momento un fantástico cuidado en no confundir al espectador. Hoy en día esto nos puede parecer lo más normal del mundo, pero en la época, ya lo hemos comentado en las anteriores entregas, el cine se está formando como lenguaje y el espectador no está educado en cómo entender las imágenes en movimiento. El público aprende al mismo ritmo que el propio cine, y resulta apasionante ver cómo Feuillade lo estaba haciendo crecer a pasos de gigante.

Pero Feuillade va más allá. Aquí hasta se permite momentos intimistas rodados con una delicadeza desarmante. Elizabeth Dollon, la hermana del artista asesinado cuyo cuerpo ha desaparecido ante los ojos de la policía, visita el estudio de su hermano. Contempla la habitación, pasa sus manos por su mesa de trabajo, abre sus libros, acaricia sus objetos personales… En su mirada sentimos el dolor de la pérdida y cómo con sus actos en ese momento busca encontrar algo que la acerque a su hermano perdido, recuperarlo por un instante y volverlo a tener junto a ella.

Por supuesto no dejan de sucederse apasionantes escenarios: alcantarillas donde se refugian los malhechores, los tejados de París como lugar de evasión de cadáveres invisibles, las mansiones de la alta sociedad y sus magníficas fiestas y los antros más sórdidos donde los criminales desarrollan sus ilícitas actividades. Resulta gratificante, divertido y, por qué no, hasta gamberro ver que la personalidad que adoptará Fantomas en este episodio es el de un acaudalado banquero, Nauteuil, tan repugnante, avaricioso, inhumano, estafador y ladrón como los de cualquier director de caja de ahorros fugado de esos que abundan en España. Es curioso que hace un siglo la figura del director de banco resultara tan fácil de asociar con un despiadado criminal sin entrañas tal que si fuera hoy mismo. Ojo, no dudamos de que haya alguno honrado, pero desde luego no en España ni en las películas de Fantomas.

Le mort qui tue (1913) es la tercera entrega del serial Fantomas, obra culmen de la segunda década del siglo XX.

Vemos aparecer personajes de entregas anteriores, reforzando así la idea de serial, pero solo hay que detenerse en cómo es tratada aquí la princesa Sonia Danidoff (interpretada de forma excelente, muy moderna, por la actriz Jane Faber) para entender el paso de gigante que ha dado Feuillade en su forma de mostrar y hacernos comprender las motivaciones de uno de ellos. En todo el episodio los actores están muy bien dirigidos, caracterizados de manera excelente y mostrando detalles y matices ante las cámaras propios de una película que cuesta creer rodada en este tempranísimo 1913.

Feuillade prefiere en todo momento mantener el misterio de la trama y así conservar el interés del espectador antes que dejarlo fuera de combate con escenas de acción furibundas como hiciera en el episodio anterior. Una apuesta radicalmente distinta, lo cual habla muy bien de la pericia y pretensiones del director. Cada historia requiere su forma de ser contada, y Feuillade, que recordemos jamás se pretendió autor sino un narrador para todo tipo de público, demuestra así tener una marcada personalidad. La forma de hacer de un autor no sale de lo que nos explica que quiere hacer ni de forzar hasta la extenuación su método para contarnos una historia. Nace, como en Feuillade, en su deseo puro de narrar y ser comprendido. Por eso quizá sea que su obra pervive inmortal mientras otros modernos de hace dos días son olvidados en el río de la actualidad.

La sorpresa final, el desenlace sencillamente brutal, tiene la fuerza de una bofetada en el rostro sobre todo porque el tono hacía esperar un relato más tranquilo, sin detalles escabrosos y más centrado en la trama de misterio. Pero no olvidemos que esto es un serial basado en un folletín y el espectador tiene que gritar de horror.

(Continuará)

Por José Luis Forte

Escribe encerrado en una cueva, nunca entra el sol.
Proyecta películas en la pared, ni que fuera Platón.
Cuando sale se divierte, aunque solo piensa en volver.
Cuando por las noches llueve, también le gusta leer.

llosef13 [@] gmail.com
La décima víctima

FESTIVAL DE CANNES 2012: HOLY MOTORS

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Wed, 23 May 2012 09:47:53 PDT

Kylie Minogue en Holy Motors (Leos Carax, Francia, 2012)

Mañana aterriza en Cannes la propuesta más arriesgada e innovadora del certamen. Llega el impredecible Leos Carax con Holy Motors un filme a caballo entre el vanguardismo y el surrealismo que no dejará indiferente a la platea cannois. El reparto ya es un aviso de lo que el espectador puede encontrarse. Eva Mendes, Kylie Minogue, Denis Lavant y Michel Piccoli dan vida a un conjunto de historias interpretadas por un mismo ser que pasa de ser, en un mismo día, un asesino, un mendigo, un ejecutivo, un monstruo…Todo envuelto en un tono fantasmagórico. ¿Arte o snobbismo?

Mañana tendremos las primeras respuestas. Es la segunda participación de Carax tras Pola X (1999). Tiene un presupuesto de cuatro millones de euros. Pese a su reparto internacional las posibilidades de que llegue a los cines europeos, son nulas – salvo sorpresa – . Como adelanto, un video de lo que se pueden encontrar en Holy Motors.

FESTIVAL DE CANNES 2012: SEXTA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Tue, 22 May 2012 12:13:42 PDT

In Another Country (Hong Sang-soo, Corea del Sur, 2012)

Día cargado de proyecciones en la sección oficial con tres películas en cartel y tres veteranos a escena. Dos con varias décadas de rodaje, Alain Resnais y Abbas Kiarostami, y otro que ha envejecido por su ritmo implacable de creación – a cinta por año – el coreano Hong Sang-soo. Los tres han presentado sus nuevas creaciones con parecido resultado: no han conseguido unanimidad y han dividido a la prensa acreditada. ¿Decepcionante? ¿O todos contentos? La alegría va por bandos y queda la sensación que solo el paso “comercial” definirá que camino toman estas películas. Como siempre será el espectador quién decida.

En Una cierta mirada se exhibió otro trío de películas: Djeca de Aida Begic, Después de Lucía de Michel Franco y la esperada Elefante blanco de Pablo Trapero. Fuera de competición aparece un clásico, el inefable Takashi Miike con la inclasificable Ai to Makoto. Una jornada muy completa y densa que en lo mediático bajó el nivel a la espera de la llegada mañana de Brad Pitt con Killing Them Softly. Eso sí, la clase de Isabelle Huppert alegra un lunes a cualquiera. Comenzamos el repaso a la sexta jornada de Cannes 2012.

Isabelle Huppert con el equipo de In Another Country en la jornada de la tarde

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

LIKE SOMEONE IN LOVE (Abbas Kiarostami, Japón, 2012)

A priori una de las cabezas de cartel, Like Someone in Love de Abbas Kiarostami ha decepcionado por su paso en Cannes. Un filme de aparente encanto inicial que, sin embargo, ha sido tachado de frívolo y aburrido. La historia entre una prostituta accidental y un anciano daba para mucho más que simples paseos en coche. Porque Like Someone in Love tira por la borda un buen comienzo con interminables travesías y el reflejo de la luz en la luneta del automóvil. De manera casi irreverente se escucharon numerosos abucheos en varias de sus proyecciones. Es un caso particular este viaje del cineasta persa a tierras niponas porque un sector – pequeño eso sí – de la prensa la ha valorado como la mejor película del festival hasta el momento.

Una aparente división de opiniones para un ejercicio de estilo inconfundible sea cual sea el lugar de rodaje. “Ninguna historia tiene comienzo ni fin. Las cosas comenzaron antes de nosotros. En mi película, falta el comienzo y el fin. El espectador es capaz de adivinar lo que ocurre al final…” declara el cineasta de Teherán. Haciendo referencia a su título, idéntico a uno de los clásicos del jazz de Chet Baker, Kiarostami comentó en la rueda de prensa: "la historia de unos personajes universales que deben ser accesibles para todos. Hay una universalidad de sentimientos. Las alegrías y las penas humanas son la materia de nuestro trabajo. Un realizador debe pensar internacionalmente cuando hace un filme internacional y encontrar un denominador común". A tenor de lo acontecido ayer lunes, sin éxito para el señor Kiarostami.

Like Someone in Love de Abbas Kiarostami

“Hace dos años concibió en la Toscana Copia certificada. Ahora ha decidido expresarse en Japón. Lo que no tengo claro, como casi siempre en su cine, es qué ha pretendido narrar. En cualquier caso la anécdota que desarrolla esta película es de una levedad alarmante y el estilo para hacerlo aún más plúmbeo que cuando rodaba en Irán. Un adinerado cliente convence a una chica que además de estudiante ejerce de puta para que vaya a casa de un anciano profesor. Pero él solo quiere hablar y ella lógicamente se duerme. Al día siguiente, el novio de la dama, le cuenta su torturada relación con ella al anciano, creyendo que este es su abuelo. El malentendido se aclarará violentamente. Fin. Son dos horas de planos morosos en los que no ocurre nada que despierte el menor interés, diálogos absurdos, momentos pretendidamente dramáticos que resultan involuntaria y grotescamente cómicos. He creído escuchar algún abucheo en la sala, algo insólito en un festival que considera a Kiarostami como una de las tres o cuatro cosas más sublimes que le han ocurrido al cine actual. Ellos sabrán por qué.” Carlos Boyero (El País).

“La historia de un profesor solo y maduro y una prostituta sola y joven (de por medio hay un chulazo violento) podría haber sido mucho más si Kiarostami se hubiera implicado de la misma forma que lo hizo (sin irse muy lejos) en su último trabajo con Juliette Binoche. En aquella ocasión, localizada en la Toscana, resonaban desde los modelas de Rossellini a la más sincera reflexión sobre el valor original de la obra arte. Una reflexión que era a la vez invitación al espectador. Tal cual, tan agudo, tan, otra vez, moderno. Esta vez, la cosa se queda en algo más pedestre. Intenso, sin duda, pero muy lejos de la promesa de un título tan engolado.” Luis Martínez (El Mundo).

“Maestro del tiempo real, el cineasta iraní consigue introducirnos en el reino del “in medias res” en dos largas secuencias que son una lección de cine. En esa primera media hora, Kiarostami insiste en mostrarnos la imagen y su reflejo, las apariencias cultivadas por una mirada que se desliza sobre la superficie del mundo. Se me ocurren pocos directores capaces de convertir una carrera de taxi en la síntesis perfecta de los afectos que una nieta siente por su abuelo. Es cierto que el filme pierde un poco de gas cuando aparece un personaje secundario (el novio de la prostituta) que quebranta la atmósfera íntima y relajada creada hasta el momento, pero poco se le puede reprochar a un veterano que, en el exilio, ha decidido empezar desde cero, probando cosas nuevas hasta que el cuerpo aguante.” Sergi Sánchez (La Razón).

“Hay algunas ideas interesantes, buenas interpretaciones y depurado estilo. Hay potencial pero Kiarostami baja el telón con un innecesario giro convirtiendo en un drama fácil tan sugerente camino”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“La película juega constantemente con las expectativas de los personajes y el público. Transforma una clásica historia de tres vías en algo inquietante y misterioso.” Jordan Mintzer (The Hollywood Reporter).

IN ANOTHER COUNTRY (Da-reun na-ra-e-suh, Hong Sang-soo, Corea del Sur, 2012)

Mucho mejor acogida ha tenido esta comedia dirigida por el fructífero Hong Sang-soo. In Another Country permite además la triple interpretación de la siempre magnífica Isabelle Huppert. Este relato sobre una francesa en Corea ha sido recibido con aplausos alabando ante todo su frescura. El director surcoreano, fiel a su idiosincrasia, hace de los encuentros causales una joya en ciernes. In Another Country está aderezada con unas gotitas de humor elegante que han hecho las delicias del público en esta jornada tan cargada de planos vacíos.

Sang-soo declaró antes del primer pase que “Quería contar las aventuras, la experiencia de Anne en un país extranjero y espero que el público pueda compartir el sentimiento de estar dentro de un universo desconocido estando sola". La propia Huppert definió la elaboración de su papel en In Another Country "de exotismo y extrema familiaridad, Fue una especie de encantamiento para mí. Partí sola sin saber lo que me iba a encontrar. Sangsoo trabaja de manera muy particular. No había guión, interpretaba tres personajes en el filme". Huppert-Sang-soo, una extraña conexión que funciona.

In Another Country, una divertida y dulce comedia la servicio de Isabelle Huppert

“In Another Country” aspira a ser el ejercicio estructuralista más divertido, frívolo y alegre proyectado en un festival de cine. Hong Sang Soo divide su lúdico experimento en tres historias protagonizadas por los mismos elementos–Huppert, un faro, un memorable socorrista, una tienda de campaña, una localidad costera, una barbacoa- que, recombinados, demuestran que el orden de los factores nunca altera el producto, ni siquiera cuando el cine se topa con las contingencias de lo real.” Sergi Sánchez (La Razón).

“Siempre muy próximo a Eric Rohmer, la cámara navega sin obstáculos por la frágil existencia de las existencias frágiles. Dicho así suena poético, incluso estúpido, pero no. El director recrea tres veces una historia, digamos común, que 'recuenta' febril en una suerte de bucle delirante y feliz. Y lo más gozoso es que todo discurre con una divertida y falsa liviandad. El truco está en el dificilísimo y cautivador oficio de 'metteur-en-scène' (hemos llegado) para hacer desaparecer la cámara. La idea es implicar al espectador en cada una de las locuras que por culpa de los malentendidos del idioma se ve envuelta la protagonista. ¿Hemos dicho ya que es divertidísima?” Luis Martínez (El Mundo).

“Ligera, divertida y fácil de olvidar”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“Pura alegría de vivir filmado en 35mm”. Neil Young (The Hollywood Reporter).

VOUS N’AVEZ ENCORE RIEN VU (Alain Resnais, Francia, 2012).

Gran alboroto para recibir la vuelta del octogenario director francés Alain Resnais. Todo un clásico del certamen que presentaba su último largometraje, No habéis visto nada. Como citábamos en la previa, un producto de carácter teatral que se inspiraba en la obra Eurídice de Jean Anouilh. Con la muerte como fondo en realidad el filme es un canto a la vida. “Que estamos aquí aún es uno de esos regalos de la vida, de esas coincidencias de las que estamos hablando esta mañana constantemente”, comentaba Resnais. Numerosos aplausos tanto en la proyección principal como en la sala de prensa hacían augurar una crítica excelente. Sin embargo, tras el caminar del día y con los textos llegando a las agencias el resultado ha dejado una acogida simplemente positiva. Básicamente porque es un Resnais contemplativo y reflexivo a la enésima potencia. Entre el culto y el bostezo se cerraba el día en una sección oficial más espesa que nunca.

Matthieu Amalric es uno de los protagonistas de "No habéis visto nada"

“Me ocurría antes, cuando la crítica aseguraba que era el gran mago lírico que jugaba enigmáticamente con el espacio y el tiempo, pero mi estado no ha cambiado en las últimas décadas de su cine, en las que habla fundamentalmente del teatro, sus misterios y su profunda relación con la vida. Los viejos actores reflexionan sobre el amor, la vida, el paso del tiempo, la muerte y demás trascendentes cuestiones. Creo que pillo el mensaje, pero aún así, tengo que luchar durante toda la proyección para que no se me cierren los párpados. Al encenderse las luces de la sala, deduzco que no lo he conseguido.” Carlos Boyero (El País).

“Resulta increíble la exhibición de músculo, de fuerza visual, de un hombre que ha inventado, desde 'El año pasado en Marienbad' a hoy, casi todo lo que hoy admitimos sin pestañear por moderno. La película no puede ser a la vez más complicada, más delirante y más virtuosa. Y, por añadidura, resplandece. Se podrá acusar la película de artificiosa, teatral, complicada... Hágase, libérense la laringe, y, acto seguido, admítase con la misma contundencia el indistuble estado creativo de un Resnais definitivamente eterno.” Luís Martínez (El Mundo).

“Un texto con fuerza, el resultado vivido y fascinante”. Sergi Sánchez (La Razón).

“A pesar los momentos de encanto el film es inerte e indulgente”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“Esta reflexión sobre el pasado, del amor y la muerte a través del prisma teatral es a la vez serio y disfrutable. También refinado pero frustrante por su limitada profundidad.” Todd McCarthy (The Hollywood Reporter).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

DJECA (Aida Begic, Bosnia-Herzegovina, 2012)

La cineasta bosnia-musulmana Aida Begic, visita por segunda vez Cannes – la primera fue en la Semana de la Crítica en 2008 con First Snow – con Djeca. Un drama que habla dos hermanos huérfanos, Rahima y Nedim que tras la cruenta guerra civil han sobrevivido una apoyada en el Islam y otro en la delincuencia. Rahima intentará que su hermano menor se acoja a la religión como modo de progreso. Djeca posee todo el estilo de las cintas balcánicas: realismo, crudeza y un peculiar sentido del humor. Es algo que ha justificado su autora: “Siento no haber traído una película más feliz pero esto es la realidad para muchos niños de mi país”. La acogida ha sido bastante positiva, destacando su franqueza y las interpretaciones de los jóvenes actores.

Una de las mejores películas hasta el momento en Una cierta mirada, Djeca de Aida Begic

“Excelente en la forma y el fondo, un filme profundo y humano”. (The New Current).

“Fascinante relato de una heroína dotado de gran intensidad y un final delicado y hermoso”. Emmanuelle Spadacenta (Cinemateaser).

ELEFANTE BLANCO (Pablo Trapero, Argentina, 2012)

Se esperaba mucho de la película de Pablo Trapero (que ya participara en la sección oficial en 2008 con Leonera), interpretada por dos grandes actores como Jérémie Renier y Ricardo Darín. Un drama que une religión, compasión y amistad que recibió numerosos aplausos en su primera proyección en la ciudad francesa. Se ha valorado por encima de todo, a su dúo protagonista. Darín que ya trabajó con Trapero en la irregular Carancho (2010) da perfecta réplica al joven actor belga que encabezó en 2005 El niño (L’enfant), ganadora de la Palma de Oro. La música está a cargo de Michael Nyman.

Jérémie Renier deja, un momento, a los hermano Dardenne y viaja a Buenos Aires en una maravillosa historia de amistad

“Ricardo Darín aporta presencia y humanidad al corazón de una película algo turbia que nos traslada a una zona marginal bonaerense”. Peter Bradshaw (The Guardian).

DESPUÉS DE LUCÍA (Michel Franco, México, 2012)

La otra representante suramericana del día también acaparó numerosos elogios. Dirigida por Michel Franco, esta modesta cinta mexicana es un duro relato sobre la pérdida familiar y la violencia en las aulas. Un tratamiento del bullying que ha emocionado a la platea y ha elevado a la intérprete protagonista Tessa La González. Franco, en su segunda película, apunta maneras de gran realizador. Con tan sólo treinta y tres años, el futuro es suyo.

Después de Lucía (Michel Franco, México, 2012)

“Franco navega con elegancia por una temática muy complicada en un retrato tan catártico como doloroso del bullying”. David Poland (Movie City News).

FUERA DE COMPETICIÓN

AI TO MAKOTO (The Legend of Love of and Sincerity, Takashi Miike, Japón, 2012)

Como cada año el director nipón Takashi Miike aporta su granito cinematográfico a cualquiera de las secciones de Cannes. En Ai To Makoto vuelve a su leitmotiv preferido: la venganza. Un joven estudiante, criminal y ultraviolento se instala en Tokio para poner fin a una afrenta de su pasado. Deudora de la estética manga, el filme reune todas las virtudes del autor japonés: gran factura técnica, belleza y poesía tanto en imágenes como en esencia. La película ha gustado a los especialistas, entregados a la maestría tras la cámara de Miike.

Ai to Makoto (Takashi Miike, Japón, 2012), presentada fuera de concurso

“Thriller romántico inteligente y apasionante, con acertados momentos de humor que podía haber sido una perfecta competidora por la Palma de Oro”. Chris Haydon (Filmoria).

Con la violencia y la lírica de Miike ponemos punto y final al repaso de la sexta jornada. Hoy en Cannes, dos grandes propuestas para la sección oficial: Killing Them Softly de Andrew Dominik (y con Brad Pitt) y la británica The Angels' Share de Ken Loach. En Una cierta mirada desfilarán Le grand soir de Benoît Delépine & Gustav Kervern y À perdre la raison de Joachim Lafosse. Toda la información de la séptima jornada en El antepenúltimo mohicano.

FESTIVAL DE CANNES 2012: THE ANGELS' SHARE

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Tue, 22 May 2012 12:13:16 PDT

The Angels' Share (Ken Loach, Reino Unido, 2012) se presenta mañana en competición oficial de Cannes 2012

Mañana arribará en La Croisette un veterano en estas lides, el cineasta británico Ken Loach. El director natural de Warwickshire retorna a Cannes en su duodécima participación en la competición oficial con The Angels’ Share. Antes, el longevo director participó con Look and Smiles (1981), Agenda oculta (Premio del jurado en 1990), Riff-Raff (1991), Lloviendo piedras (Premio del jurado en 1993), Tierra y libertad (1995), Mi nombre es Joe (1998), Pan y rosas (2000), Felices dieciséis (2002), El viento que agita la cebada (Palma de Oro en 2006), Buscando a Eric (2009) y Route Irish (2010). Un impresionante currículum para uno de los grandes autores del cine británico de todos los tiempos.

Máximo exponente del realismo social, Loach nos presenta una simpática comedia sobre segundas oportunidades ambientada en Escocia. The Angels’ Share supone una nota de color y humor en la dramática programación de Cannes ’12. A continuación, el trailer definitivo.

CANNES 2012: ANTIVIRAL DE BRANDON CRONENBERG

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Mon, 21 May 2012 11:52:08 PDT

Antiviral (Brandon Cronenberg, Canadá, 2012), presentada en Una cierta mirada de Cannes 2012

El pasado sábado, ante la atenta mirada su padre David, Brandon Cronenberg presentó su ópera prima, Antiviral, en el segundo apartado en importancia del festival de Cannes, Una cierta mirada. Un debut que tuvo una acogida irregular pero dejó buenas sensaciones, como adelantábamos en la crónica, augurándole posibilidades en eventos de género y un buen recorrido comercial.

Antiviral demuestra el poder de la genética porque automáticamente nos devuelve al David Cronenberg de sus inicios con una historia de ciencia-ficción entre lo sugerente y lo alucinógeno. Un joven empleado de una clínica obtiene un plus clonando enfermedades y virus que portan las estrellas del momento y vendiéndolas al mejor postor. Su obsesión con una celebridad le llevará a inyectarse la infección que padece, algo que se escapa de su control y se inicia una carrera por encontrar una cura y salvar su vida. Un planteamiento inicial cuando menos original y que llevan a la pantalla los jóvenes intérpretes Caleb Landry Jones y Sarah Gadon. Malcom McDowell pone el punto veterano a esta fresca producción que pudiera ser el inicio de una interesante carrera. A continuación, un clip de Antiviral.

FESTIVAL DE CANNES 2012: QUINTA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Mon, 21 May 2012 01:34:26 PDT

Jagten (El cazador, Thomas Vinterberg, Dinamarca, 2012), presentada este domingo en competición

Y al quinto día llegó la primera gran película de Cannes 2012. Tras un comienzo de festival de marcado tono irregular llegó Michael Haneke y derribó el muro de la mediocridad con la esperada Amour (Love). Aparece, de manera unánime, la primera gran candidata a la Palma de Oro. Junto al director alemán compartió jornada en la sección oficial Thomas Vinterberg con Jagten (en España se llamará La caza), una buena película que, sin embargo, quedó opacada ante el potente estreno de Amour.

Algo más ligero se presentaba en la sesión dominical el apartado Una cierta mirada con los títulos como Confession of a Child of the Century de Sylvie Verheide, con el inefable Pete Doherty a la cabeza, y La pirogue de Moussa Touré. Fuera de concurso destacaba la cinta de Sebastian Lifshitz, Les invisibles. Comenzamos la crónica de la quinta jornada de Cannes ’12.

En una jornada de fuerte acento dramático, algo de belleza. En la imagen Diane Kruger junto a Joshua Jackson

El gran protagonista de la quinta jornada y puede que del festival: el director alemán Michael Haneke

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

AMOUR (Love, Michael Haneke, Francia, 2012)

Un Michael Haneke más suave e íntimo (siempre dentro de su estilo) que nunca ha asombrado a la crítica y al público congregado en la ciudad de la riviera francesa. El cineasta muniqués ha conquistado con una historia sobre el amor y la muerte de toque sutil y aparente frialdad pero que cala de manera irreversible. Dos horas de gran cine escenificado en un simple inmueble y que tiene en sus intérpretes la perfecta extensión de las ideas de este gran autor. Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva han asombrado al respetable y al igual que el propio Haneke se les considera los grandes aspirantes a entrar en el palmarés del próximo domingo.

Haneke que ya conquistó el máximo galardón en su última presencia con La cinta blanca (Das weisse Band) en la edición de 2009, cede una maravillosa historia a las posibilidades interpretativas de dos grandes actores. Con una longeva carrera teatral, Trintignant encuentra en la vejez el papel de su vida: “Dije que dejaba el cine para centrarme en el teatro, que me encanta, pero Haneke vino con este texto, con un extraordinario papel, una oportunidad excepcional… que visto ahora, no volveré a hacer”. Amour es un intenso proceso recíproco de conexión director-actor, clave en la extrapolación al espectador como corroboró Emmanuelle Riva, de 85 años: “un director exigente, pero que a la vez receptivo, es gratificante trabajar con él y me gusta verme en sus películas”. Si de antemano nos encontrábamos ante una de las citas imperdibles del año, tras su paso por Cannes las expectativas toman una altura biosférica. Los grandes aplausos en todas sus proyecciones así lo certifican.

Amor en la vejez según Haneke. Amour gran aspirante a la Palma de Oro de Cannes 2012

“La cámara de Haneke se mantiene durante dos horas en el mismo escenario, en esa casa de techos altos, parqué impecable, llena de libros, discos y pinturas, en la que durante muchos años se respiraba paz y plenitud. Siguiendo a un hombre que cuida con ternura, impotencia y progresiva desolación a la mujer de su vida, que comparte con ella recuerdos felices, sabiendo en el fondo y transmitiéndonos a los espectadores que su último acto de amor será irremediablemente trágico. Ser testigo de esa tensión y ese sufrimiento te deja abrumado, con el cuerpo y el espíritu revueltos, deseando que se acabe y volver a respirar en la calle. O sea, Haneke ha vuelto a lograr lo que se propone con su cine sombrío, retorcido y perverso.” Carlos Boyero (El País).

“Es imposible salir indemne de ver «Amour». La desnudez de su planteamiento pone las cartas sobre la mesa sin falsas coartadas. Trintignant y Riva están más allá de la entrega: no pueden existir dos actores que se comprometan más con sus personajes. Y es el compromiso con la vida, manifestado a través de los sacrificados gestos del amor, el verdadero tema de la película. Podría parecer que «Amour» trata de la decrepitud, la pérdida y la muerte, pero, en realidad, su título no engaña, y de lo que habla es de lo grande que puede llegar a ser un acto de amor. Haneke es implacable, por supuesto, y no nos ahorra ni uno solo de los gritos de dolor de Anne, y tampoco de la estoica paciencia de su marido, que le ha prometido que nunca la ingresará en un asilo. Entre esas cuatro paredes la vida de un hombre acaricia, protege, preserva la vida de la mujer a la que ama, y esa caricia, que también es una bofetada, se materializa en esta obra maestra absoluta, que ha elevado de golpe el tibio nivel de la sección oficial de este año.” Sergi Sánchez (La Razón).

“Decir que la película trata de la muerte sería reducirla a la última línea. Afirmar que trata 'el espinoso asunto' (como dicen en el telediario) de la eutanasia se antoja de una simplicidad que asusta. Para ser justos, 'Amour' sólo habla de una cosa: de la vida (larga y bonita) y, de su mano, de la dignidad que debería presidir su fin, la muerte. Todo resulta tan contundente, tan brutal, tan limpio, que duele. El cine de Haneke duele. Y es de esa sensación, de la del dolor, de la que extrae la constancia de su actualidad. Duele lo que importa.” Luis Martínez (El Mundo).

"La nueva película de Michael Haneke, un estudio de los efectos de la demencia y el envejecimiento en un agraciado matrimonio, es cine inteligente de primer orden.” Peter Bradshaw (The Guardian).

"Magnífica en su simplicidad y en su implacable honestidad acerca de la vejez, la enfermedad y la muerte. No hay un paso en falso ni una sola escena superflua". Deborah Young (The Hollywood Reporter).

JAGTEN (Thomas Vinterberg, Dinamarca, 2012)

Mucho más comedida fue la acogida a la nueva película del danés Thomas Vinterberg. Jagten es la antítesis de la principal arista en su filmografía, Celebración (gran premio del jurado en 1998). Una desgarrada historia sobre un inocente maestro de guardería – interpretado por un sensacional Mads Mikkelsen – que es acusado de abusos sexuales a una niña. Un drama de poso incómodo que ha dividido a la crítica especializada. La parte negativa ha acentuado que su halo televisivo es una rémora difícil de esquivar. El positivo se centra en un Mikkelsen que aborda un papel con enorme valentía y humanidad. El fantástico actor escandinavo podría suponer una alternativa a Trintignant en la lucha por los premios interpretativos.

Este producto de la factoría Zentropa se basa en varios años de investigación de diferentes casos como declaraba su creador, Thomas Vinterberg: “es una extensa investigación sobre un montón de casos. Y me parece importante recalcar que en estos casos las víctimas son siempre los niños. La niña miente, pero es por una reacción a otro hecho. Me parece una convención decir eso de que los niños siempre dicen la verdad. No es así, la gente miente a cualquier edad, aunque en los críos tan pequeños sea por consecuencia de otra cosa.” El cineasta de Copenhague resaltó que Jagten es el reflejo de la pérdida de la inocencia: “película habla sobre el final de la inocencia. Una inocencia que cada día se encuentra en menos sitios. Yo crecí en una comuna hippie, vi mucha gente desnuda y aun así crecí puro. Ahora todo ha cambiado”. Precisamente de la pureza y las alteraciones en el mundo del cine fueron otro de los temas expuestos en la rueda de prensa: “Este festival es el único que protege el corazón del cine, incluso a las películas más pequeñas, y no por eso pierde ningún glamour”. Es el festival de festivales.

Un excepcional Mads Mikkelsen encabeza Jagten, la nueva película de Thomas Vinterberg

“Vinterberg describe admirablemente el acoso que sufre un hombre que ha sido acusado del más repugnante de los delitos, la deserción de la racionalidad cuando todos necesitan cebarse en el falso culpable, la certidumbre de que siempre habrá alguien que mantendrá su condena moral sobre el que ha sido víctima de una calumnia. El director, ayudado por el tormento y la autenticidad que transmite el actor Mads Mikkelsen, te contagia la pesadumbre ante la injusticia que siente el protagonista, su amargo desarraigo de todas las personas en las que había creído. También la perturbadora sensación de que cualquiera de nosotros podemos formar parte de una horda linchadora contra el adecuado chivo expiatorio y en nombre de las engañosas apariencias.” Carlos Boyero (El País).

“Poco más que un telefilme con ansias de controversia, pasa por alto porque todos los personajes dan por buena la acusación de pederastia que una niña demasiado imaginativa lanza contra un maestro santurrón. El linchamiento al que es sometido este personaje por la amable comunidad que antes le consideraba puntal de su estabilidad está corregido y aumentado por el huracán de desgracias que se acumulan sobre sus espaldas. Vinterberg haría bien en revisar «La calumnia», de William Wyler, para entender que el perdón no siempre resulta verosímil, por mucho que el noble y honesto hombre escandinavo, paradigma de la actitud civilizada, ponga la otra mejilla cuando la intolerancia castigue su dignidad.” Sergi Sánchez (La Razón).

“La idea es rastrear los mecanismos perversos de una comunidad que decide estigmatizar, castigar y odiar a un hombre inocente, falsamente acusado de abusar de menores. Lo que sigue es un disparate cerca del simple telefilme sin rumbo y tan plagado de lugares comunes que, por motivos bien distintos a los de Haneke, asusta. La torpeza también duele.” Luís Martínez (El Mundo).

“La interpretación de Mikkelsen es totalmente convincente y plausible. Jagten es franca y poderosa”. Peter Bradshaw (The Guardian).

“Una película poco innovadora e irrelevante”. Mike D’Angelo (Av Club).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

LA PIROGUE (Moussa Touré, Senegal, 2012)

La realidad en Senegal de manos de su director más internacional: Moussa Touré. La quinta película de este realizador africano nos acerca a las afueras de Dakar y del paso de muchos compatriotas hacia el archipiélago canario. Un camino que puede conllevar a la muerte pero única esperanza de futuro. La pirogue es un relato lleno de crudeza, de planos cortos y cercanos que ha tenido una digna recepción. Cine con conciencia sin caer en maniqueísmos y tópicos.

La pirogue (Moussa Touré, Senegal, 2012)

“Un Apocalipsis personal e íntimo. Brillante, eficaz y de incomparable belleza”. Emmanuelle Spadacente (Cinemateaser).

CONFESSION OF A CHILD OF THE CENTURY (Sylvie Verheyde, Francia, 2012)

Drama de época que adapta la novela homónima de Alfred Musset. Dirigida por Sylvie Verheyde, también guionista, Confession of a child of the Century reúne un ecléctico reparto encabezado por Pete Doherty y completado por la siempre excelente Charlotte Gainsbourg y Lily Cole. Libertinaje y decadencia que ha tenido una acogida mejor de la esperada y donde se ha destacado al siempre polémico Doherty en este papel de Don Juan de baja gama. Buena factura y perfecta ambientación, en una obra menor pero interesante.

“Una película bastante agradable de ver pero con una historia de amor bastante superficial”. Geoffrey McNab (The Independent).

FUERA DE COMPETICIÓN

LES INVISIBLES (Sebastian Lifshitz, Francia, 2012)

La invitada del día fue este interesante documental del realizador Sebastian Lifshitz sobre la homosexualidad encubierta. Lifshitz, un experto en la temática, ofrece según la crítica una obra de excelente factura e imagen algo reiterativa pero que trasmite inteligencia y buen gusto.

Les invisibles de Sebastian Lifshitz (Francia, 2012)

“Ausente de victimismo, Les Invisibles, es un retrato riguroso y bello sobre el compromiso y la soledad”. David Rooney (The Hollywood Reporter).

Con la película francesa de Sebastian Lifshitz termina el resumen de esta quinta excelente jornada. En el día de hoy, denso día con tres películas a concurso: Like Someone in Love de Abbas Kiarostami, In Another Country de Hong Sang-soo y Vous n’Avez encore rien vu de Alan Resnais. En Una cierta mirada pasarán por pantalla Djeca de Aida Begic, Elefante blanco de Pablo Trapero y Después de Lucía de Michel Franco. Fuera de competición, vuelve un clásico del certamen: Takashi Miike con Ai to Makoto. Toda la información de la sexta jornada en El antepenúltimo mohicano.

CANNES 2012: VOUS N'AVEZ ENCORE RIEN VU

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Mon, 21 May 2012 02:18:50 PDT

Alan Resnais vuelve a Cannes con una libérrima adaptación de Eurídice de Jean Anouilh

Un representante de la Nouvelle Vague visita Cannes. En la jornada de hoy lunes aparece en escena Alain Resnais con Vous N'avez encore rien vu. Es su quinta participación en el certamen galo tras Hiroshima mon Amour (1959), Stavisky (1974), Mi tío de América (Mon oncle d'Amérique) – Gran Premio del Jurado en 1980 – y Las malas hierbas (Les herbes folles) – premio especial en 2009 –. Con su nueva película, Resnais adapta, de forma libre, la obra teatral de Jean Anouilh, Eurídice, que narra la fábula de Anthony, un dramaturgo que tras su muerte convoca a todos sus amigos, actores y actrices que algún momento de su vida interpretaron a Eurídice.

Con todo el sabor de las tablas y con Matthieu Amalric de protagonista, Resnais espera repetir el éxito de su anterior filme, la nombrada Las malas hierbas. Mientras esperamos su acogida en Cannes, les presentamos el trailer.

FESTIVAL DE CANNES 2012: CUARTA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Sun, 20 May 2012 15:43:44 PDT

Tom Hardy encabeza Lawless, el nuevo filme de John Hillcoat presentado en la sección oficial

Una potente jornada de cine aguardaba el pasado viernes en el festival de Cannes. Por un lado arribaba la Palma de Oro 2007: el cineasta rumano Christian Mungiu; por otro, la primera muestra de producción americana lejos de corsé de autor a cargo del interesante John Hillcoat, director, entre otras, de la infravalorada The Road (La carretera, 2007). Dos cintas dentro de la competición oficial que aspiraban dar un golpe en la mesa en este aletargado inicio en la riviera francesa. El resultado al final del día dista mucho de las expectativas depositadas. Dos películas interesantes a la par que irregulares que dejaron división de opiniones en la platea gala.

Como es habitual no fueron las únicas protagonistas del día ya que desfilaron nuevas proyecciones en los diferentes apartados paralelos. Antiviral de Brandon Cronenberg y Les chevaux de dieu de Nabil Ayouch fueron las representantes en Una cierta mirada. Fuera de concurso retornaba el sin par Dario Argento y su Drácula 3D. Una cuarta jornada intermitente en la calidad de las obras y donde apareció un eclipse llamado Jessica Chastain que ocupo al completo las miradas del respetable presente en Cannes. Comenzamos la crónica de otro intenso día con el mejor cine.

Mia Wasikowska y Jessica Chastain (Lawless) brillaron con luz propia en su paso por La Croisette

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

DUPĂ DEALURI (Beyond the Hills, Christian Mungiu, Rumanía, 2012)

Cierta decepción en el retorno de Christian Mungiu a la sección oficial con la interesante pero interminable Beyond the Hills. Un punto de partida inicial con los lúgubres picos moldavos de atractivo fondo pero que ha sido calificado de repetitivo y cansino. Una historia de amor que nos acerca una ortodoxia cuasi medieval que ha generado una marcada división de opiniones. Desde aquellos que aplaudieron un profundo ejercicio de autor al resto que rezaban en cirílico para que llegara el fin del metraje, de ciento cincuenta extensos minutos.

Beyond the Hills es un trabajo que roza la pureza, según Mungiu, ya que carece de banda sonora y el montaje respeto por completo las tomas iniciales de su autor: “La película no tiene música y no la he retocado mucho en el montaje, porque creo que el cineasta debe desaparecer, no notarse en demasía. También aparecen varios personajes hablando a la vez, y las acciones se amontonan en el cuadro, ¿verdad? Me gusta que el espectador decida qué es importante para él en la película: es una metáfora del respeto que siento por él”.

Pese a que el largometraje esta co-producido por los hermanos Dardenne, éstos no participaron en ningún apartado: “Leyeron el guion, me dijeron que querían participar en su producción y así fue”. Pese al desencanto en líneas generales, Beyond the Hills contiene todos los estilemas del propio Mungiu y su presencia en el palmarés final no está descartada.

Beyond the Hills de Christian Mungiu, una de las películas estrellas de la programación de Cannes '12

“Lo que cuenta Mungiu es intenso y trágico, pero también espeso y fatigosamente repetitivo. Te contagia el malestar y el miedo durante un rato, pero el problema es que su historia dura innecesariamente 150 minutos y a partir de la primera hora ese retrato del dolor y del paroxismo se te hace eterno.” Carlos Boyero (El País).

“El problema consiste en que el director se muestra de principio a fin inmisericorde con el espectador. En las dos horas y media largas que dura la cinta, cada plano-secuencia está ahí para recordarnos que detrás hay un autor o, mejor, un AUTOR, con mayúsculas. Lo que en su trabajo anterior era naturalidad, aquí se antoja de un autoindulgencia que abruma. Insiste Mungiu en que su último deseo es guiar al espectador y, puestos a insistir, afirma su nada velada intención de hacer "otro tipo de cine". No le falta razón ni en lo uno ni en lo otro. De lo que adolece 'Beyond the hills' es de argumentos suficientes para conseguir que la historia avance más allá de la repetición de los mismos gestos, los mismos diálogos, idéntica desesperación.” Luis Martínez (El Mundo).

"No es raro que a uno le crezcan las uñas a la espera de que el tedio se convierta en algo. Lo cierto es que produce más perplejidad y desasosiego que emoción, aunque es sin duda una película muy, muy rigurosa". E. Rodríguez Marchante (Diario ABC).

“Interpretaciones excelentes pero la sensación de que el guión no encaja con el dominio visual de Mungiu”. Justin Chang (Variety).

LAWLESS (John Hillcoat, Estados Unidos, 2012)

Algo mejor le fue a la nueva obra de John Hillcoat, Lawless. El retrato de los tres hermanos Bondurant que nos sitúa en plena Ley Seca, al igual que Beyond the Hills, ha tenido una recepción bastante irregular; con la salvedad de que contenía unas más ponderadas perspectivas. El cineasta australiano, de sólida pero anónima carrera, debutaba en el festival más importante del mundo con el sabor agridulce a sus espaldas que supuso La carretera. Por entonces en 2007, la adaptación cinematográfica de la novela de Cormac McCarthy se proyectó en una expectante Berlinale. Su negativa (e injusta) acogida lastró las posibilidades comerciales de una infravalorada película.

Plena de violencia y dotada de excelentes interpretaciones, Lawless intenta captar la esencia de Boardwalk Empire, el excelente serial de HBO. Sin embargo, todo se queda en un ritmo vertiginoso y un guión – Nick Cave es su autor – bastante superficial. Un entretenimiento de lujo pero que no cala en el espectador. Entre los aspectos positivos se ha destacado a un notable Tom Hardy y la perfecta ambientación de la Virginia de los cuarenta.

John Hillcoat antes de su presentación remarcó cuáles eran sus referentes: “Érase una vez en América y Bonnie and Clyde”. Sobre las cuestiones que el filme plantea sobre la prohibición del alcohol de la época su guionista Nick Cave lo extrapoló a la actualidad: “Es interesante, porque tiene reflejos en la actualidad. Pueden llevarse a la prohibición actual de las drogas”. Lawless tiene programada su estreno comercial el 29 de Agosto en Estados Unidos.

Shia Lebouf logra uno de las mejores interpretaciones de su carrera con Lawless

“La historia de tres hermanos en los años 30 de la prohibición le sirve así a Hillcoat para hilvanar su propio homenaje a los recuerdos que cualquiera, visitante asiduo del género o no, puede tener de la época. De paso, la película repasa otros mitos como el de la violencia, la madurez y la familia con un esquematismo a medio camino entre la nostalgia y la rutina. No entusiasma, tampoco molesta. Todo ello demasiado ajustado a razones, demasiado calculado, demasiado perfecto.” Luis Martínez (El Mundo).

“Lawless es un elegante y ultraviolento thriller bien interpretada, especialmente por Hardy y Lebouf, pero complicada empatía”. Emmanuel Levy.

“Hillcoat crea una ambientación notable de esos paisajes y esa época y describe con violencia brutal y creíble la guerra desigual entre esos garrulos astutos, a los que las leyendas de la comarca aseguran que son inmortales y los sofisticados y crueles representantes de la ley que les quieren robar el negocio y la dignidad. Es una película realizada con nervio, diálogos trabajados, imágenes potentes y buenos actores (por cierto, no puede ser casual que en el cine más estimulante que nos llega de Estados Unidos en los últimos tiempos, figure inevitablemente en su reparto esa actriz camaleónica y admirable llamada Jessica Chastain), pero a la que le falta algo para convertirse en la película definitiva sobre la ley Seca. Se ve y se escucha con interés, pero la huella que deja se evapora pronto.” Carlos Boyero (El País).

"Hay humor, y una buena interpretación de Shia LaBeouf y Tom Hardy. Un argumento que se sigue animadamente, aunque esté salpicado de violencia y de épica algo ingenua." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC).

“Lleno de estrellas y violencia pero vacía como una botella rota de whisky”. Jason Salomon (The Guardian).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

ANTIVIRAL (Brandon Cronenberg, Canadá, 2012)

Mientras se aguarda el estreno de la nueva película de David Cronenberg en la sección oficial en competición, Cosmópolis, en Una cierta mirada se exhibió el debut de su hijo Brandon: Antiviral. Un debut muy sugerente que deja claro el poderoso material genético heredado. Esta ópera prima que contiene el “Adn Cronenberg” y que nos acerca un mundo futurista donde un joven empleado de una clínica elabora enfermedades contraídas por famosos para su posterior venta. Un planteamiento original que no ha encontrado el apoyo de la crítica pero si se le ha augurado un exitoso paso por festivales de género. Una cinta de culto en ciernes.

Antiviral supone el curioso debut de Brandon Cronenberg, que sigue la estela y estilo de su padre

“Plena en conceptos pero insatisfactoria”. Eric Kohn (Indiewire).

LES CHEVAUX DE DIEU (Nabil Ayouch, Marruecos, 2012)

Buena acogida para esta cinta marroquí que dirige Nabil Ayouch y que se centra en un grupo de jóvenes terroristas que serían parte responsable de los atentados jihadistas de Casablanca en 2003, los más graves perpetrados en suelo norteafricano en las últimas décadas. Los caballos de Dios – título en castellano – trata con sutileza y elegancia un tema complicado retratando el lado humano de lo inhumano. Calificado de realista y de naturales interpretaciones Les Chevaux de Dieu ha cautivado, sobre todo, a la prensa francesa.

Les chevaux de dieu (Nabil Ayouch, 2012)

“Más que un filme sobre terroristas es un portarretratos de unos chicos que crecieron en un tóxico entorno”. Deborah Young (Hollywood Reporter).

QUINCENA DE REALIZADORES

NO (Pablo Larraín, Chile, 2012)

Excelente, también, la acogida del nuevo filme del director chileno Pablo Larraín. Una película que narra el plebiscito que puso fin a la larga dictadura de Agusto Pinochet en el país andino. Una gran ovación puso el perfecto epílogo de la proyección. Se ha valorado la sensacional interpretación de Gael García Bernal y la buena labor de su realizador. Con “No” Larraín completa su trilogía de la negación que tuvo como antesala Tony Manero (2008) y Post-Mortem (2010).

“‘No’ es uno de esos filmes que los países necesitan para mirarse en ellos como el espejo de lo mezquinos, trágicos y grandiosos que pueden llegan a ser.” René Naranjo (Biochile).

FUERA DE COMPETICIÓN

DARIO ARGENTO DRACULA 3D (Darío Argento, Italia, 2012)

El punto menos riguroso del día llego a medianoche de manos de Dario Argento, realizador en horas bajas cuyas últimas obras han sido tan sólo una caricatura dentro de su filmografía. Con un curioso reparto conformado por nombres como Rutger Hauer, el infrautilizado Thomas Kretschmann, Unax Ugalde y su hija, Asia Argento, Drácula contiene la esencia de las creaciones de la Hammer y busca una perspectiva intimista y reflexiva antes que la violencia y el terror. Una combinación que no ha desagradado pero que tampoco ha logrado que colme el entusiasmo.

Thomas Kretschmann es el Señor de Transilvania en Dario Argento's Dracula 3D

Con la visión de Argento del mito creado por Bram Stoker despedimos el repaso de la cuarta jornada. Hoy en la quinta tendremos dos películas muy esperadas: Amour de Michael Haneke y Jagten de Thomas Vintenberg. Repasaremos Una cierta mirada con La pirogue de Moussa Touré y Confession of a Child of the Century de Sylvie Verheyde. Fuera de concurso prestaremos atención a Les invisibles de Sebastian Lifshitz. Toda la información de Cannes 2012 en El antepenúltimo mohicano.

FESTIVAL DE CANNES 2012: JAGTEN

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Sun, 20 May 2012 14:04:01 PDT

La intensidad de Mads Mikkelsen de nuevo a escena con Jagten (The Hunt), representante danesa en Cannes '12

Entra a escena en Cannes el poderío nórdico con Jagten de Thomas Vinterberg. El cineasta danés vuelve a la riviera gala tras Celebración (Festen), premio del jurado en 1998. Y lo hace con un drama sobre el abuso y la culpa encabezado por el sensacional actor de Nørrebro (Copenhague), Mads Mikkelsen. Vinterberg, co-fundador del fenómeno Dogma 95 junto a Lars Von Trier, pese a su corta edad (42 años) lleva ya siete películas a sus espaldas. La anterior, Submarino, fue una de las mejores muestras de cine continental en el 2010 (ganadora de cinco galardones de los premios de la academia danesa, los Robert).

A Vinterberg le ha tocado compartir jornada con el gran Michael Haneke. Con seguridad y pese a que los focos estén fijos en otros lugares, dejará su impronta. A continuación el trailer de una de las protagonistas cinematográficas de este domingo.

FESTIVAL DE CANNES 2012: TERCERA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Fri, 18 May 2012 15:20:20 PDT

Apichatpong Weerasethakul vuelve a Cannes con la proyección en "Una cierta mirada" de Mekong Hotel

Si ayer la deslumbrante belleza de Marion Cotillard fue la gran protagonista de la segunda jornada, en esta tercera el hueco ha recaído en un vivaz actor italiano llamado Aniello Arena. Él junto a su director Matteo Garrone encabezaban la película más interesante en competición oficial: Reality. Aniello ha provocado el asombro y el aplauso con una sensacional interpretación. Pero lo curioso no está en la multitud de elogios recibidos sino en la no presencia en Cannes del intérprete. ¿La causa? No tenía permiso del centro penitenciario el que lleva encerrado veinte años. Aniello, es un actor amateur formado en la cárcel de Voltarro (dentro de la Compañía de la Forteza), la misma donde se rodó la triunfadora en Berlín y en la última entrega de los premios David di Donatello, César debe morir.

La cinta italiana del realizador de Gomorra estuvo acompañada, en la máxima categoría, por la nueva creación del austriaco Ulrich Seidl, Paradies: Liebe, que volvía a Cannes tras Import/Export presentada en 2007. En el apartado de Una cierta mirada, dos platos fuertes: la ganadora en Sundance, Beast of the Southern Wild y la nueva película del joven e interesante Xavier Dolan: Laurence Anyways. Fuera de concurso arribó la Palma de Oro de 2010, Apichatpong Weerasethakul con Mekong Hotel. El punto colorido (y comercial) lo aportó la premiere de Madagascar III. Comenzamos el repaso a la tercera jornada de Cannes 2012.

Mateo Garrone, director de Reality, ante los flashes en La Croisette

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

REALITY (Matteo Garrone, Italia, 2012)

Se esperaba mucho de la vuelta de Garrone a Cannes tras el éxito de la multipremiada Gomorra. En su segunda participación en el evento francés presentaba una tragicomedia sobre el mundo televisivo-social: Reality. El resultado ha tenido una acogida decente pero sin entusiasmar. Por un lado están los que alaban su elegancia y buen tono narrativo y por otro están los que la consideran falta de crítica. Precisamente, en la rueda de prensa Garrone ya matizaba este aspecto: “Cuando nos planteamos Reality teníamos claro que no estaría dotada de ningún espíritu de crítica, sólo seguimos al personaje principal a través de su recorrido interior, que le empuja a la locura.”

Así es, Reality dibuja a la italiana el paulatino descenso a los infiernos de la sociedad contemporánea. Esa que premia la apariencia a la esencia. Donde si hubo unanimidad, como adelantábamos, fue en la interpretación de su protagonista Aniello Arena. La duda que dejo este actor semiprofesional es si era realmente una interpretación o sólo enajenación envasada.

Reality de Mateo Garrone, una mirada al fenómeno televisivo social que invade las televisiones europeas

“Bien es cierto que el director ahoga la película en el ruido de, precisamente, lo que quiere denunciar. 'Reality' no acierta a definirse entre el drama, la comedia y todo lo contrario. El director se muestra demasiado temeroso de ser confundido con el asunto tratado y abandona demasiado pronto el gesto demoledor y cruel que tenía 'Gomorra', que exigía una historia demasiado triste para no provocar carcajadas. En todo momento, entre un falso Fellini y un pobre Totó, la película se empeña en ser demasiado italiana. En el peor de los sentidos.” Luis Martínez (El Mundo).

“Los personajes desprenden tanta espontaneidad que llegas a creer que no actúan, que una cámara oculta les está filmando sin que ellos sean conscientes, que no intentan parecer nada sino que son así. Y no puedo evitar acordarme del genial Alberto Sordi cuando veo la cara, la expresividad y los movimientos del actor Aniello Arena. Es una película que se acerca en el tono, en el estilo, en su tragicómico retrato de la existencia a aquellas perdurables comedias que alguna vez hizo el cine italiano.” Carlos Boyero (El País).

“El protagonista, Aniello Arena, o es un genio o es de verdad un chalado en toda regla. Quizá le falte algo de malicia en su crítica a la telebasura y sus consecuencias, pero con la que destila ya da para pensar un rato sobre ello.” Agencia Efe.

“Puede que el filme sea una simple metáfora del declive del cine italiano sobrepasado por el mundo televisivo. Todo mostrado en unas escenas sin sentido al igual que el programa al que representa”. (Indiwire)

PARADIES: LIEBE (Paradise: Love, Ulrich Seidl, Alemania, 2012)

Mucho peor gusto ha dejado la nueva película de Ulrich Seidl. Un trago amargo para el espectador con las vivencias de tres mujeres que rozan lo decrépito y que exploran lo sexual y carnal hasta el límite de la paciencia. Paradies: Liebe, primer episodio de una trilogía, es para el autor austriaco “una forma honesta de retrata el aislamiento que sufren las mujeres en Occidente a partir de cierta edad”. El dictamen ha sido negativo, en líneas generales, aunque no ha dejado indiferencia en las proyecciones principales.

El sexo como eje para soledad y la vejez en Paradies: Liebe del cineasta austriaco Ulrich Seidl

“El director austriaco Ulrich Seidl, cuya retorcida obra posee notable eco en los festivales empeñados en ser modernos, vuelve a recrearse en esa sordidez que le es tan grata describiendo el turismo sexual que practican en Kenia varias señoras austriacas de la tercera edad. Se titula Paraíso: amor y al parecer es la primera parte de una trilogía dedicada a retratar cómo conciben sus vacaciones varios tipos de mujer. Imagino que este director está dotado de algún extraño e hipnótico talento ya que he soportado todo el metraje en una película de la que deseo escapar a los 10 minutos. No es agradable observar el comercio carnal que establecen mujeres sesentonas y adiposas con chavales negros que conocen aunque disimulen su precio ante las desinhibidas y hambrientas ancianas europeas que vienen a explotar su cuerpo. Todo pretende ser realista y crudo como en la vida misma, nada está adornado ni huele a ficción.” Carlos Boyero (El País).

“La imagen de esa mujer madura deambulado con su cámara fotográfica por Kenia y por la piel de sus muchachos jóvenes se antoja tan cercana que acaba por hacer daño. Bien es cierto que el exceso de gusto por la contemplación mórbida acaba por arruinar en parte el proyecto. Lo que en Haneke, por citar a otro austriaco, es frío y calculado rigor, en su compatriota es exhibicionismo. Lo que en el primero es universal, aquí, y por momentos, es simple anécdota. Y eso es malo.” Luís Martínez (El Mundo).

“Repulsiva y hermosa, es horrible y magistral a la vez.” Leslie Felperin (Variety).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

BEAST OF THE SOUTHERN WILD (Benh Zeitlin, Estados Unidos, 2012)

Se esperaba con ilusión la llegada de la ganadora en Sundance y no ha decepcionado. Beast of the Southern Wild ha maravillado a la mayoría del respetable, salvo un reducto minoritario de la prensa que la acusa de efectista y manipuladora. La ópera prima de Benh Zeitlin nos acerca al fantástico mundo que rodea a la niña llamada Hushpuppy. Un poema de fantasía y vida que lleva el marchamo de cita importante de este 2012. Larguísima ovación en su primera proyección.

Una de las sensaciones del año: Beast of the Southern Wild, fantasía de primera con sello independiente americano

“Maravillosamente interpretada, Beast of the Southern Wild es uno de los más excitantes debut del cine americano en mucho tiempo”. John Bleasdale (Cine Vue).

LAURENCE ANYWAYS (Xavier Dolan, Cánada, 2012)

Un nuevo l’enfant terrible viene desde Cánada. El joven Xavier Dolan retorna a Cannes con Laurence Anyways, un filme que se atiene a la esencia de sus inquietudes marcadas por la homosexualidad y la búsqueda del yo interior. Dolan que debuto en 2009 en el festival de la riviera francesa con I Killed my mother (donde obtuvo tres premios menores) vuelve a dejar buenas sensaciones. Aunque la acogida ha sido menor en comparación con el resto de obras de su filmografía, Laurence Anyways ha gustado tanto a la prensa como el público. Nuevo paso en la carrera del interesante Dolan que previo a su exhibición declaró que “no es una película autobiográfica”.

Laurence Anyways es la tercera película de joven director, guionista y actor canadiense Xavier Dolan

“Brillante y magistralmente dirigida, mantiene al espectador en vilo”. Allo Cine.

FUERA DE COMPETICIÓN

MEKONG HOTEL (Apichatpong Weerasethakul, Tailandia, 2012)

Entre el documental y el drama fantástico ha desembarco un clásico: Atpichanpong Weerasethakul y su Mekong Hotel. Una película ambientada en el río homónimo que supone la frontera entre Laos y Tailandia. Allí describirá con su peculiar estilo el estado político (las malas gestiones del gobierno ante las inundaciones recientes que sufrió la nación asiática) y social de su país a través de una historia sobre la leyenda de una madre vampiro. En el metraje aparecerá el propio cineasta thai y su equipo. Mekong Hotel es un ejercicio de autor en toda regla que ha gustado, con las clásicas dudas (y algunos bostezos) que deja este director, en los primeros pases privados a la prensa.

Tras Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasada, el director thailandés más representativo vuelve con Mekong Hotel

“Emocionante y original es todo un exponente del arte en el cine”. Neil Young (Hollywood Reporter).

“Desconcertante simbiosis esotérica de la cultura popular tailandesa, el espiritismo y condiciones sociopolíticas simplificada en un denso metraje”. Maggie Lee (Chicago Tribune).

MADAGASCAR III, DE MARCHA POR EUROPA (Madagascar: the Europe’s Most Wanted, Eric Darnell, Estados Unidos, 2012)

Y de marcha por Cannes ha aparecido la cuota de cine comercial por La Croisette. Tercera entrega de esta mediocre saga que como era de esperar no ha gustado ni a la prensa europea ni americana acreditada. Una concesión para los más pequeños que habitan en la ciudad de la Costa Azul.

Madagascar III, animales y cine fuera de sitio

“Un sin sentido que marcha de manera revolucionada pero sin ningún tipo de fondo”. Todd McCarthy (Hollywood Reporter).

Con dibujos animados ponemos fin a la crónica de este viernes en Cannes. Mañana otro día grande para el cine con los estrenos a competición de la muy esperada Beyond de Hills de Christian Mungiu y Lawless de John Hillcoat. En el apartado de Una cierta mirada saltarán a la palestra: Les chevaux de dieu de Nabil Ayouch y Antiviral de Brandon Cronenberg. Fuera de concurso destaca la presencia de Dario Argento con Drácula 3D. Toda la información de la cuarta jornada mañana en El antepenúltimo mohicano.

FESTIVAL DE CANNES 2012: BEYOND THE HILLS

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Sat, 19 May 2012 01:32:23 PDT

Beyond the Hills (După dealuri, Christian Mungiu, Rumania, 2012)

La cinta rumana 4 meses, 3 semanas y 2 días (4 luni, 3 saptamini si 2 zile), brillante Palma de Oro en 2007, colocó en la primera línea cinematográfica europea al joven realizador Christian Mungiu. Este ejercicio casi dogmático le valió numerosos elogios y galardones en todos los certámenes europeos y americanos (salvo en la consabida y polémica edición de los Óscar 2008), siendo considerada como una de las obras preponderantes del filmografía continental de las últimas dos décadas. Cinco años después, Mungiu retorna con Beyond the Hills (După dealuri) que hoy se proyecta dentro de la sección oficial a competición de Cannes 2012.

Basada en las novelas de la periodista Tatiana Niculescu Bran, Beyond the Hills nos sitúa en el extraño caso de la muerte de una joven tras un exorcismo en un monasterio moldavo. Un punto de partida sugerente para una de las grandes citas de Cannes 2012. A la espera de la recepción crítica de los pases matinales un clip de presentación (pueden ver uno más extenso en la página oficial del festival).

NUNCA ES TARDE: PROGRAMA Nº 06

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Fri, 18 May 2012 10:55:46 PDT

Profesor Lazhar (Monsieur Lazhar, Cánada, 2011) es el estreno de la semana en España

Esta tarde en el sexto episodio de cine de Nunca es tarde: el comienzo de la 65ª edición del Festival de Cannes; hablaremos de Profesor Lazhar de Philippe Falardeau; Canguro de David Gordon Green; La sombra de la traición de Michael Brandt; Un feliz acontecimiento de Rémi Besançon; y Los cachorros y el código de Marco Polo de Francesco & Sergio Manfio. En "Apuntes" nos adentramos en uno de los proyectos del año: Prometheus de Ridley Scott. En el apartado de series Zooey Deschanel será nuestra invitada con New Girl. Precisamente con el tema - Hey Girl - que encabeza el gran éxito Fox de la pasada temporada nos despedimos. En el próximo programa junto a Raquel Bazo y José Parras Canuto África será protagonista. Pasen una excelente semana. Sueñen, vean cine.

FESTIVAL DE CANNES 2012: SEGUNDA JORNADA

noreply@blogger.com (Emilio Luna) — Thu, 17 May 2012 14:50:47 PDT

Matthias Schonaerts encabeza junto a Marion Cotillard la cinta más destacada del día en Cannes '12, Rust & Bone

Con los ecos de la inauguración comenzó la segunda jornada de esta 65ª edición de Cannes. Resuenan las positivas impresiones sobre Moonrise Kingdom a la que se ha tildado como una buena apertura para el certamen. Recordar que el curso pasado fue Midnight in Pari s de Woody Allen la encargada de inaugurar la competición y pese a recibir críticas dispares con el paso de los meses se convirtió en una de las grandes películas del año siendo nominada, incluso, al Óscar a mejor película. La cinta de Wes Anderson no fue la única protagonista del primer día en la riviera francesa. Sacha Baron Cohen volvió hacer de las suyas como acto promocional de El dictador (The Dictator, 2012) que este fin de semana verá la luz en las pantallas americanas. La “simpatía” del estrafalario comediante supuso una sonrisa en la siempre exigente grada gala.

Tras la inauguración, turno para un maratón completo de cine en este segundo día. Un plato fuerte arribaba al Gran Teatro Lumiere: Rust & Bone, dirigida por Jacques Audiard y encabezada por una bellísima Marion Cotillard. Se esperaba mucho del autor parisino, uno de los triunfadores de la edición de 2009 con Un profeta. La película, sin embargo, ha gustado con reservas. Eso sí, se ha alabado el gran trabajo de sus protagonistas. No era la única película de la sección oficial, el egipcio Yousry Nasrallah presentó su trabajo Aprés la Bataille/After the Battle en un recepción donde se escucharon los primeros abucheos de Cannes ’12.

Una bellísima Marion Cotillard acaparó los flashes en La Croisette

Mientras Cotillard era el centro de las miradas de La Croisette, se abría la competición en el resto de apartados. Una cierta mirada comenzaba con la exhibición de Mistery del realizador chino Lou Ye y la obra uzbeka Student de Darezhan Omirbayev. Fuera de concurso apareció la figura de Roman Polanski, en el documental “A film memoir” de Laurent Bouzeareu. Comenzamos el repaso del segundo día en el Festival de Festivales.

El equipo de Rust & Bone ante los focos en el photocall dedicado a Rust & Bone

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

RUST & BONE (De rouille et d'os, Jacques Audiard, Francia, 2012)

Grandes expectativas antes la tercera participación (tras Un héroe muy discreto – mejor guión en 2006 – y la nombrada Un profeta – Gran premio del jurado en 2009 –) en sección oficial del gran director galo Jacques Audiard con Rust & Bone. Una película que finalmente no ha cumplido dichas ilusiones y ha dejado una sensación agridulce pese a su buena crítica. Si que se ha destacado, por otra parte, a su dúo protagonista: Matthias Schonaerts y, sobre todo, Marion Cotillard. La deslumbrante actriz se postula como una de las primeras favoritas en la categoría interpretativa femenina. Se habla, inclusive, de que podía ser una potente aspirante al Óscar.

Sea como fuere, excelencias actorales a un lado, Rust & Bone ha sido calificada de tierna y sensible pero excesivamente cargada de drama. Algo que en vez de acercar a la platea, la distancia en un ejercicio demasiado pretencioso para la prensa acreditada. Las esperanzas depositadas en Audiard, tras la excelente Un profeta, han jugado una mala pasada a un público que la ha valorado pero muy lejos del gran nivel demostrado en la obra que interpretaba Tahar Rahim.

Marion Cotillard ya suena como favorita al premio de interpretación por Rust & Bone

"Una tierna aunque fuertemente desromantizada historia de amor. 'Rust and Bone' presenta un impresionante, aunque un tanto pretencioso, ejercicio de contrastes" Peter Debruge (Variety).

“Esa extraña sensación que acerca el cine al sentido del tacto, Lástima que Audiard no se atreva a la tentación del precipicio y prefiera antes la seguridad de un desenlace demasiado extraño, cómodo, quizá torpe.” Luís Martínez (El Mundo).

“Dos impresionantes interpretaciones dentro de un filme de genuino poderío. El filme no es para todo el mundo por su complejidad y exigencia”. David Gritten (Daily Photograph).

“Se beneficia de dos sensaciones interpretaciones de Schoenaerts y una Cotillard bellamente convincente como parapléjica”. Tod McCarthy (Hollywood Reporter).

“Es una historia de amor apasionada y conmovedora que surge fuera de la pantalla como una marea.” Peter Bradshaw (The Guardian).

BAAD EL MAWKEEA (After the Battle, Yousry Nasrallah, Egipto, 2012)

Como citábamos en la introducción, primeros abucheos del certamen. El largometraje del veterano cineasta egipcio, Yousry Nasrallah, no ha convencido a los especialistas congregados en la ciudad costera. Un retrato sobre la situación de Egipto tras el amanecer árabe que en realidad se queda como simple fondo. Personajes estereotipados y una dirección poco afortunada han derivado en todo tipo de improperios. El más hiriente es cuestionarse su presencia en un evento de estas dimensiones.

Fotograma de la egipcia After the Battle, decepción de esta segunda jornada de Cannes 2012

“La idea es reflejar el significado profundo de un cambio que se quiere global. No sólo se derroca al general Mubarak, con él cae el sistema medieval y de castas de una sociedad anclada en muchos sentidos en la parte da atrás del pasado. Y dicho lo cual, se apaga la luz. La intención supera con mucho al resultado. Lástima.” Luís Martínez (El Mundo).

“Egipto merece una película que explore las complejidades sociales y políticas. Una película mejor que esto.” Dan Mecca (Film Stage).

“Como película, es una guerra indescifrable, caótica en ideas y exaltación exacerbada de la realidad.” David Calhoun (Time Out).

UN CERTAIN REGARD (Una cierta mirada)

STUDENT (Darezhan Omirbayev, Uzbekistán, 2012)

Esta adaptación uzbeka de Crimen y castigo de Fiódor Dostoyevski ha tenido acogida irregular en La Croisette. Se ha valorado su ambición pero justamente el exceso de ésta es una rémora implacable para la cinta de Omirbayev. Un buen intento una narrativa pobre.

Escena de Student, cinta uzbeka dirigida por Darezhan Omirbayev

“Student tiene grandes ambiciones pero no logra estar a la altura. La lucha contra un peso pesado como Crimen y castigo ya es de por si un problema, y aquí los problemas son demasiado obvios.” (Hayes at the Movies)

MYSTERY (Lou Ye, China, 2012)

Drama criminal dirigido por el guionista Lou Ye que ha satisfecho al público presenta. Mística y violencia de serie en una cinta de gran poderío visual y cargada lírica. Mystery ha dejado tibias impresiones de la crítica aunque ha valorado las estupendas interpretaciones femeninas. Ye retorna a las pantallas tras el veto de cinco años por parte del gobierno chino

Fotografía de nivel en la cinta que supone el regreso del interesante realizador chino Lou Ye

“Pesado drama con toques de misterio que degenera en lo romántico y comercial”. Neil Young (Hollywood Reporter).

QUINCENA DE REALIZADORES

THE WE AND THE I (Michel Gondry, Estados Unidos, 2012)

El gran Michel Gondry ha sido el encargado de abrir la Quincena de Realizadores con su último filme The We and the I. Una apertura de lujo que ha entusiasmado al respetable. Gondry vuelve con un documental sobre el poder del individuo. Reflexión poética de la vida que ha provocado numerosos aplausos. Cine experimental con mucho corazón, como es habitual en el mago de Versalles.

Una nueva maravilla de Michel Gondry ha abierto La Quincena de Realizadores de Cannes

“Brillante. Realmente deslumbrante resulta la última pieza de este genio multimedia empeñado en mirar cada uno de los asuntos que mira con una sofisticada y transparente claridad.” Luís Martínez (El Mundo).

“Todo encanto”. David Rooney (Hollywood Reporter).

FUERA DE COMPETICIÓN

ROMAN POLANSKI, A FILM MEMOIR (Laurent Bouzerau, Reino Unido, 2012)

Críticas frías ha recibido este documental que da un repaso a la vida (llena de vicisitudes) y filmografía del sobresaliente cineasta Roman Polanski. Se la ha calificado de entrevista cinematográfica más que documental al uso. La simple figura de Polanski como narrador sostiene una obra curiosa y sugerente.

Roman Polanski en un fotograma de Frenético junto a Betty Buckley y Harrison Ford

“Fluida, apasionada y conmovedora”. Peter Bradshaw (The Guardian).

Con el gran director franco-polaco ponemos punto y final al repaso de la segunda jornada en Cannes. Mañana visitarán La Croisette en la competición oficial: Mateo Garrone con Reality y Paradies: Liebe de Ulrich Seidl. En Una cierta mirada desfilarán las muy esperadas Beast of the Southern Wild (Benh Zeitlin) y Laurence Anyways (Xavier Dolan). Fuera de concurso, interés ante la llegada de la Palma de Oro de 2010 (con Uncle Boonmee) Apichatpong Weerasethakul y su Mekong Hotel; además, la mediática cinta de animación Madagascar 3, un guiño a la producción comercial. Mañana la tercera jornada en El antepenúltimo mohicano.