El blog de la Lenteja

Amarga Navidad (2026) de Pedro Almodóvar

2026-03-31T22:25:00.002+02:00

En el vigésimo cuarto largometraje del director español más internacional podemos identificar todos (o casi) los rasgos de estilo que definen la cinematografía del autor y, por esa cuestión, esta película acumulará admiradores y detractores a partes iguales según te guste o no el universo de Pedro Almodóvar. Pero dejando a un lado posibles gustos personales, Amarga Navidad es un ejercicio narrativo metacinematográfico engrasado a la perfección y que logra alcanzar el que debería ser el objetivo de toda película, emocionar al espectador. Encontramos en el film dos capas narrativas (sin contar la propia vida del autor, reflejada en la película, pero ¿hasta qué punto?). Al comenzar nos encontramos con Elsa (Bárbara Lennie) una directora de culto (curioso cómo se define el término en la historia) que atraviesa una crisis existencial marcada no solo por el dolor físico que le provocan las intensas migrañas que padece sino también por el dolor psicológico que le causa la herida abierta por la muerte de su madre. Cuidándola está Bonifacio (Patrick Criado), su pareja, más joven que ella, muy atento y cariñoso. Pronto nos damos cuenta que son personajes creados por Raúl (Leonardo Sbaraglia) en un guion cinematográfico que está escribiendo en el tiempo presente (la historia de Elsa transcurre en 2004). Raúl es un director de cine consagrado cuya vida y carrera le debe mucho al trabajo de Mónica (Aitana Sánchez-Gijón) su fiel e impertérrita asistente. Identificadas estas dos capas de la ficción, la película se va desarrollando en el más puro sentido melodramático, muy del gusto del director, pero en esta ocasión con un tono más sombrío y oscuro pues, a excepción de los personajes de Bonifacio y Santi (Quim Gutiérrez), todos viven instalados en el lado más amargo de la vida.

Como ya hizo en Dolor y Gloria (2019), su obra maestra de los últimos años, Almodóvar se muestra tremendamente honesto a la hora de desnudar su intimidad, pero como señalan tanto Raúl como Elsa, no debemos equiparar la ficción con la realidad. El guion de Amarga Navidad, más complicado que en otras ocasiones, parece haber conseguido dominar los distintos tiempos narrativos. Pero si puedo destacar algo sobre todo en el film es su realización. La cuidada composición de los planos, la frontalidad y simetría, el uso no solo expresivo sino también narrativo de los primeros planos y los primerísimos primeros planos y el hecho de mover la cámara solo cuando el relato lo pide y no gratuitamente como hacen muchos directores de cine con el propósito de alardear ante el espectador, demuestran su maestría en cuanto al dominio del lenguaje cinematográfico. Con respecto al elenco artístico, ser Pedro Almodóvar te permite contar con los mejores actores y actrices del cine español y eso, junto a la habilidad en la dirección de actores que siempre ha sido uno de sus sellos más reconocibles, es garantía de que saldrá una buena película. Leonardo Sbaraglia, Patrick Criado, Victoria Luengo, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón, Quim Gutiérrez, todos están espléndidos, sea cual sea su peso en el film, con una química muy especial en las escenas que comparten. Pero mención aparte merece Bárbara Lennie en uno de los mejores papeles de su ya importante carrera, pues consigue una interpretación contenida, seductora, que transmite la fuerza y vulnerabilidad de Elsa. También encontramos en el film la ya imprescindible banda sonora de Alberto Iglesias y el tratamiento del color y la dirección de arte propios de una obra de Almodóvar.

En definitiva, el director manchego nos regala un complejo viaje emocional a las raíces del dolor a través de los vericuetos de la creación artística que tan bien conoce y que le han convertido en uno de los directores de cine más importantes de todos los tiempos. Te guste o no, Amarga Navidad es, permítaseme la expresión, un peliculón.

9/10

Daniel Muñoz Ruiz

Las mejores películas estrenadas en España en 2025 (de las que he visto)

2026-01-06T19:03:00.001+01:00

1. A la deriva. Jia Zhangke.

2. Tardes de soledad. Albert Serra.

3. Romería. Carla Simón.

4. En la corriente. Hong Sang-soo.

5. Una noche sin saber nada. Payal Kapadia.

6. Ciudad sin sueño. Guillermo Galoe.

7. Una batalla tras otra. Paul T. Anderson.

8. The Mastermind. Kelly Reichardt.

9. Una quinta portuguesa. Avelina Prat.

10. Toxic. Saulé Bliuvaité.

Ciudad sin sueño (2025) de Guillermo Galoe

2025-11-27T20:17:00.000+01:00

En su anterior trabajo, el cortometraje ganador del Goya Aunque es de noche (2023), el cineasta Guillermo Galoe (antes conocido como Guillermo García López) ya se adentraba en las entrañas de La Cañada Real, concretamente en sus partes más desfavorecidas, los sectores 4, 5, y sobre todo el 6, el más castigado por la problemática de la droga. En su primer largometraje de ficción, Ciudad sin sueño (2025), Galoe vuelve a esos escenarios y cuenta de nuevo con su protagonista, Tonino (Antonio Fernández Gabarre), esta vez un poco más crecidito pero con el mismo encanto inocente que deslumbraba en el corto. Tonino se enfrenta a un doble proceso de cambio y pérdida que revolucionará radicalmente su forma de vivir durante toda su existencia hasta el momento. Tiene que hacer frente a la mudanza de su mejor amigo Bilal (Bilal Sedraoui), que se trasladará inminentemente a Marsella en busca de una vida mejor. Por otro lado, sus padres han recibido una oferta de realojo para abondonar su infravivienda y trasladarse a un piso de protección oficial con Tonino y sus otros cuatro hermanos. Sin embargo, su abuelo “Chule” (Jesús Fernández Silva) está obcecado en permanecer en La Cañada y no renunciar a su forma de vida que, aunque con muchas privaciones (sin agua y sin luz desde hace ya demasiados años), como él mismo afirma le permite ser totalmente libre. A través de los ojos del adolescente Tonino, observamos la dura realidad del asentamiento, las adversas condiciones de vida por las que pasan sus habitantes, en su mayoría de etnia gitana u origen marroquí, sin olvidar a las personas de todas las procedencias, pues la droga no distingue de nacionalidades o de etnias, que sufren en sus carnes la pesada carga de la adicción y que son retratadas por Galoe con extrema verosimilitud, huyendo en todo momento del exhibicionismo morboso pero mostrando sin cortarse una realidad tan trágica.

La película tiene un marcado espíritu realista y hasta documental, pero no renuncia a la construcción de una ficción por medio de un guion sólido escrito por el propio Galoe y Víctor Alonso-Berbel, en colaboración con Inbar Horesh, que fue premiado en Cannes y que mantiene la atención del espectador sin pretender sorprenderlo o impactarlo con florituras narrativas. Las pocas licencias que se permite el film a la hora de alejarse de la realidad, la constituyen las imágenes poéticas que compone Galoe, sobre todo por la noche, con el gran trabajo en la dirección de fotografía del portugués Rui Poças, responsable nada más y nada menos que de las imágenes de Zama (Lucrecia Martel, 2017) y Tabú (Miguel Gomes, 2012), entre otras muchas. También, el director otorga en algunas ocasiones la cámara y con ello el papel de enunciador del relato a los jóvenes Tonino y Bilal, que a través de las imágenes de sus teléfonos móviles y la aplicación de filtros de colores, retratan La Cañada como nadie la había observado hasta entonces. El trabajo interpretativo del elenco de actores no profesionales, todos habitantes de La Cañada, se sitúa al nivel que conseguían otros directores magistrales como Pasolini, Kiarostami o Pedro Costa, lo que nos hacen pensar en la pericia de Galoe en cuanto a dirección de actores se refiere.

Dentro del panorama del cine español actual, Ciudad sin sueño es una película que se sitúa en los márgenes al mostrarnos la realidad de unos personajes invisibles para la sociedad y hacerlo con tan buen gusto y con una intensidad emotiva tan interesante. El film de Galoe es muy bonito y muy duro al mismo tiempo, pero se merece que el espectador no le ponga barreras ni sesgos culturales, pues la película lo da todo.

9/10

Daniel Muñoz Ruiz

En la corriente (2024) de Hong Sang-soo

2025-07-18T20:23:00.001+02:00

Podemos decir que parece que Hong Sang-soo haga la misma película año tras año (incluso en varias ocasiones ha llegado a firmar dos largometrajes el mismo año). El prolífico director surcoreano nos tiene acostumbrados desde hace mucho tiempo a sus películas sencillas, en las que la trama gira por completo alrededor de dos o tres personajes principales, que charlan continuamente mientras comen, fuman o beben alcohol sentados a una mesa. En su último trabajo estrenado en España, En la corriente (Suyoocheon, 2024), no iba a ser distinto, pero sin embargo, en esta ocasión Hong va un poco más allá. La película sigue a la artista y profesora Jeo-nim (Kim Min-hee) que tiene que pedir ayuda a su tío Choo Si-eon (Kwon Hae-hyo), veterano actor y director teatral ya casi retirado, para que dirija una pequeña obra de teatro, pues el director que lo iba a hacer ha sido expulsado por acostarse con tres de las alumnas de la universidad femenina donde se produce el montaje teatral. El tercer personaje en liza es Jeong (Cho Young) la jefa de departamento y mentora de Jeo-nim, con la que su tío se liará ante la evidente oposición de la sobrina a la que le invade un profundo ataque de celos. Planteado este triángulo, el film transcurrirá con una línea narrativa muy similar a gran parte de la obra del director, apoyado en largos planos secuencia, planos estáticos que encuadran a los personajes mientras mantienen diálogos interminables, beben cerveza o soju y comen platos típicos, especialmente anguila, y que son interrumpidos por el uso casual de zoom in/out, además de bonitos planos generales que solemos contemplar en buena parte del cine asiático.

La colaboración de Hong con la actriz Kim Min-hee, que además es su pareja sentimental, alcanza con En la corriente la docena de películas, por lo que a estas alturas su comunicación en el set de rodaje debe ser casi telepática, y esto se demuestra en la sobresaliente interpretación de Kim, una de las mejores de su carrera y que le valió cosechar premios en el Festival de Locarno y en el Festival de Gijón. Igualmente, el trabajo de Kwon Hae-hyo, con el que curiosamente también ha trabajado Hong en doce películas, desprende una sencillez y fluidez que refuerza el naturalismo tan propio en las obras del director. Sin embargo, en este film podemos encontrar algunas novedades, aunque no podemos considerarlos como cambios sustanciales. Primeramente, Hong da algo de protagonismo a personajes que no forman parte de sus dos o tres principales. Aquí, las cuatro jóvenes que interpretan la obra de teatro tienen su importancia en el desarrollo del relato y unas líneas de diálogo significativas. Segundo, el trasfondo del escándalo sexual por el que han expulsado al profesor se convierte en uno de los raros temas sociales, como la cultura de la cancelación, que no suele abordar Hong, más centrado en las relaciones humanas. Y, finalmente, la duración del film, que está más cerca de las dos horas que de la hora y media, que no suelen sobrepasar sus películas. Puede ser también una de las consecuencias de por qué esta película resulta más profunda que muchas de sus anteriores obras.

Seguramente, estemos ante una de las películas más accesibles de Hong Sang-soo, que no quiere decir convencional o comercial. Con respecto a sus últimas obras, destaca por su profundidad y por ser más ambiciosa a la hora de abordar las inquietudes de sus personajes, algo que le acerca al cine de Rohmer, como uno de sus referentes estilísticos más claros. No renuncia a su particular sentido del humor y a la utilización de recursos poéticos. En la corriente sería una película ideal para introducirse en el particular universo del director surcoreano. Yo, sin duda, sería una de las que recomendaría junto a The Day He Arrives (Book chon bang hyang, 2011).

9/10

Daniel Muñoz Ruiz

A la deriva (2024) de Jia Zhangke

2025-07-04T14:53:00.000+02:00

El talento más grande de la denominada Sexta Generación del cine chino, Jia Zhangke estrena en España su último largometraje hasta la fecha, A la deriva (Feng liu yi dai, 2024). Estrenada en el Festival de Cannes de 2024, el film del director chino representa la quintaesencia de su estilo autoral y se abre como una obra experimental que recupera parte de dos películas suyas para darles un nueva significación. En concreto, se trata de Placeres desconocidos (Ren xiao yao, 2002) y Naturaleza muerta (Sanxia haoren, 2006), ganadora esta última del León de oro en el Festival de Venecia de 2006. Esta nueva película contiene material rodado durante algo más de 20 años, empezando en 2001 y terminando en 2022, en medio de la pandemia del COVID, en el epicentro que fue China. Se divide en tres partes, tres momentos, que muestran la relación de idas y venidas de los amantes que vimos por primera vez en Placeres desconocidos, es decir, Qiaoqiao (Zhao Tao, musa y esposa del director) y Guo Bin (Zhubin Li). La primera de ellas puede descolocar un poco al espectador que carezca de los antecedentes necesarios para contextualizar a estos dos personajes, pues apenas se esboza algún encuentro editado del propio film y alguna secuencia descartada en las que Qiaoqiao y Bin apenas hablan. Ya en el segundo segmento de A la deriva, se nos proporciona más información sobre la pareja y se vuelven a recuperar imágenes, esta vez de Naturaleza muerta, algunas de las más espectaculares que muestran los paisajes y pueblos (algunos ya con los edificios derrumbados) que van a ser anegados por la construcción de la presa de las Tres Gargantas, lo que vivimos es ese film. Finalmente, el pasaje correspondiente al material filmado en 2022, nos ofrece la resolución de esa historia de amor/desamor que han vivido los personajes durante más de 20 años y que concluye donde comenzó, en la ciudad de Datong.

Pero, quizá la relación entre los amantes no sea lo más importante que Jia nos quiere mostrar con su film, sino que sirve de vehículo necesario para contar en imágenes la evolución de su país durante este siglo XXI. Desde la apertura al capitalismo con el ingreso de China a la Organización Mundial del Comercio, hasta los momentos actuales de total globalización en los que se vive, con un guiño cómico a ese fenómeno mundial que es TikTok. Uno de los aspectos clave de A la deriva es su magnífica dirección de fotografía, por la belleza y espectacularidad de algunas y la intimidad que proporciona en los espacios cerrados, tanto en su material previo, obra del colaborador habitual de Jia, Nelson Lik-wai Yu, como de las nuevas imágenes rodadas por el prestigioso director de fotografía frances Eric Gautier, colaborador de Resnais, Assayas o Desplechin y con el que ya había trabajado en La ceniza es el blanco más puro (2018). La otra clave es la música. En una película sin apenas diálogos y en la que la expresividad de Zhao Tao y Zhubin Li soportan el peso de la narración, la música se convierte en su gran aliado. Desde las canciones tradicionales chinas hasta la música electrónica, pasando por el pop de karaoke y el metal, Jia Zhanke articula su discurso de manera muy original.

A la deriva es una obra compleja, algo difícil de seguir sin un contexto previo, pero que atrapa desde el primer momento. Una película autorreferencial que refleja a la perfección dos de los intereses más importantes del director sobre lo que pretende contar con sus historias, los personajes solitarios en búsqueda y los profundos cambios socioeconómicos producidos en China en lo que llevamos de siglo. Sin duda, no es su obra más accesible ni la más destinada para triunfar en festivales, pero para el que esto escribe, es su película más importante hasta la fecha.

10/10

Daniel Muñoz Ruiz

Las mejores películas estrenadas en España en 2024 (de las que he visto)

2025-01-06T19:29:00.002+01:00

1. Anora. Sean Baker.

2. Bird. Andrea Arnold.

3. Eureka. Lisandro Alonso.

4. Segundo premio. Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez.

5. Los destellos. Pilar Palomero.

6. Los que se quedan. Alexander Payne.

7. Pobres criaturas. Yorgos Lanthimos.

8. Volveréis. Jonás Trueba.

9. The Beast (La bestia). Bertrand Bonello.

10. La quimera. Alice Rohrwacher.

Emilia Pérez (2024) de Jacques Audiard

2024-12-27T22:15:00.001+01:00

El afamado y multipremiado director y guionista francés Jacques Audiard se atreve con el género musical en su nuevo trabajo y el resultado es algo descompensado, pero seguramente no dejará indiferente a nadie y habrá muchos que elogien tan osada apuesta. Emilia Pérez es un thriller musical sobre un narcotraficante mexicano, Manitas del Monte (Karla Sofía Gascón) que harto de llevar una vida de delincuencia y harto también de ser un hombre, decide retirarse del negocio y cambiar de sexo. Pero este cambio radical no lo hace para huir de la justicia, sino porque siempre se ha sentido mujer y desea de una vez vivir la vida que ha anhelado. Con la ayuda de Rita (Zoe Saldana), una joven abogada un poco quemada de su trabajo defendiendo a los ricos y corruptos, Manitas, ya convertida en Emilia Pérez, intentará buscar la redención por medio de una fundación que busca a los miles de desaparecidos en México por culpa del narcotráfico. Pero también hay un frente abierto en sus relaciones personales porque, aunque Emilia consigue que sus hijos y su mujer Jessi (Selena Gomez) vayan a vivir con ella, no le rebelará quién es en realidad, se hace pasar por una prima de Manitas, y las relaciones serán bastante tensas provocando el trágico desenlace final, hecho bastante previsible en el relato. Todo esto, narrado con muchos números musicales, sobre todo en la primera hora del film, de los que algunos son totalmente prescindibles.

Y es que, aunque el guion es bueno, los números musicales llegan a atragantar al espectador que no sea fan de este género cinematográfico. Además, la artificiosidad que imprimen al relato, unido a la poca probabilidad de los hechos que narra, hace que muchos espectadores, incluido yo mismo, desconecten en algunos tramos de la película, perdiendo esa identificación crucial con los personajes protagonistas. Si algo tiene sobresaliente Emila Pérez son las interpretaciones del trío de actrices compuesto por Gascón, Zaldana y Gomez. De hecho, Karla Sofía Gascón en esa dualidad Manitas-Emilia se postula como una de las favoritas para los Oscar del próximo año y ya ha sido galardonada en los Premios del Cine Europeo, en Cannes junto a sus compañeras de reparto y ha obtenido también su nominación a los próximos Globos de Oro. La dirección de Jacques Audiard es igualmente destacable, no decepciona y es algo normal en un realizador tan solvente y capaz como él, aunque en esta ocasión ha dado rienda suelta a su faceta más fantasiosa y por lo menos no ha llegado al despropósito de Francis Ford Coppola con su Megalopolis (2024). Técnicamente, en cuanto a fotografía y efectos también es un trabajo muy conseguido y la dirección artística también es valiosa. Sin embargo, y como ya dije anteriormente, los número musicales llegan a ser agotadores. En cierto sentido, por su espíritu de musical, me recordó a Annette (2021) de Leos Carax, aunque esta última me parece mucho mejor.

Lo que sí ha conseguido Emilia Pérez es reivindicar al colectivo trans, darle más visibilidad y normalizar su presencia en la sociedad actual. Pero, por otra parte, puede que sea un error la imagen que proporciona de México, de la que he leído quejarse algún crítico del país. En definitiva, no creo que Emilia Pérez sea la obra maestra que muchos reivindican, ni tampoco una mala película. Es fresca y atrevida, es entretenida y a ratos emocional, aunque me voy con la sensación de que podría haber sido mucho mejor.

7/10

Daniel Muñoz Ruiz

Bird (2024) de Andrea Arnold

2024-11-27T20:34:00.001+01:00

Las realidades de personajes marginales han sido retratados numerosas veces en su filmografía por la cineasta Andrea Arnold desde sus primeros cortometrajes, con especial atención en Waps (2003) que fue galardonado con el Oscar. En su nueva película, Bird vuelve a ese mundo marginal británico pero en esta ocasión con un matiz muy diferente, pues la directora introduce una gran carga de poesía y fantasía a su relato. La protagonista del film es Bailey (Nykiya Adams), una niña de 12 años que vive con su joven padre separado, Bug (Barry Keoghan) y su hermano un poco mayor, Hunter (Jason Buda). El primer conflicto surge cuando Bailey no acepta el futuro matrimonio de su padre con Kayleigh (Frankie Box), a la que rechaza de pleno, pues no quiere ver invadido su espacio por una extraña y que esta le robe la atención de su padre. Bailey se escapa de casa y duerme una noche en medio del campo. Por la mañana, se produce el encuentro mágico con Bird (Franz Rogowski), aunque al principio Bailey desconfía de sus intenciones. El misterioso personaje, que se nos muestra como alguien excéntrico y con un comportamiento fuera de lo normal, conseguirá ganarse la confianza de la niña en sus sucesivos encuentros, convirtiéndose en algo así como su ángel de la guarda y asumiendo el papel protector que ni su padre ni su madre le ofrecen. Además, Bird nos narra la transición de niña a mujer de Bailey y cómo este cambio importante le afecta ante todos los problemas y circunstancias adversas que tiene que soportar en su vida. Grandes problemas sociales como la violencia de género, las drogas, el paro o la marginalidad son tratados por Arnold en su trabajo desde una óptica realista, pero es ese componente de ensoñación el que le concede verdadera entidad al film, a lo que suma un final especialmente bello y esperanzador.

Con un guion más o menos convencional que no juega con giros narrativos excesivos, aunque sí alguna que otra sorpresa, la película de Arnold se asienta en el realismo mágico para contarnos una historia íntima y poética a la vez que cruda y directa, pero que jamás cae en el error de regocijarse en la marginalidad ni sucumbe al peligro de ser autocomplaciente. El uso de la cámara en mano y los primeros planos expresivos se convierten en señas de identidad del posicionamiento estético de la autora. El dinamismo de la realización viene acompañado de un ritmo del montaje muy adecuado a la narrativa, que hace que la película no sea en ningún momento pesada o pueda provocar aburrimiento en el espectador. En cuanto al trabajo de los actores, cabe destacar especialmente a la protagonista, la debutante Nykiya Adams que construye a su personaje por medio del naturalismo y la frescura que imprime a sus gestos y emociones, muy bien dirigida sin duda por Arnold. Los actores profesionales Barry Keoghan y Franz Rogowski también están sobresalientes, demostrando esa versatilidad que les convierte en dos actores muy de moda en el Viejo Continente e incluso en Hollywood. Y la selección musical es acertadísima, con dos clásicos british que destacan como son Coldplay y Blur.

Andrea Arnold se deja llevar por la fantasía en Bird, que está un poco más en la línea de la descompensada American Honey (2016) que de la desesperanzada Fish Tank (2009). Quizá caiga en algún exceso, seguramente habrá quien piense que en algún momento parece forzada o pretenciosa, pero yo no veo nada de eso. Lo que yo observo son las emociones que despierta en el espectador y el final redondo de la película, que hacen de su visionado una experiencia difícilmente olvidable.

9/10

Daniel Muñoz Ruiz

Anora (2024) de Sean Baker

2024-11-04T21:24:00.001+01:00

Muchos se sorprendieron cuando anunciaron la película ganadora de la Palma de Oro en el pasado Festival de Cine de Cannes. Anora es una película de cine independiente americano que normalmente no tiene tanto espacio en el mejor festival del mundo. Sin embargo, su galardón ha sido totalmente merecido y a partir de ahora el nombre de Sean Baker sonará mucho más al público en general. Sus historias humanas en las que los personajes tienen que enfrentarse a realidades muy duras se han ido depurando hasta alcanzar el nivel que demuestra en su último trabajo. Anora (Mikey Madison), aunque ella prefiere que la llamen Ani, es una joven stripper de 23 años que trabaja en un club de Nueva York y que se nos presenta como una joven alegre y temperamental que no se deja pisotear por nadie. Una noche conoce a Ivan (Mark Eidelshtein), hijo de un oligarca ruso multimillonario, que le propone pasar una semana con él en exclusiva. Casi de inmediato la relación entre los dos trasciende lo sexual y en un momento de locura deciden irse a Las Vegas y casarse. Hasta aquí todo parece de color de rosa para Anora viviendo la vida loca con su joven marido. Pero, es entonces cuando empiezan los problemas. Los padres de Ivan se enteran y pretenden anular el matrimonio. Para ello, mandan a 3 sicarios a cada cual más desastroso. El patoso Garnick (Vache Tovmasyan), el silencioso Igor (Yura Borisov), y el jefe de ellos, Toros (Karren Karagulian) cuyo trabajo depende de la anulación del matrimonio. Iván, que en realidad es un niñato que ni quiere a Anora ni nada, huye dejándola con los 3 sicarios. A partir de entonces la película se convertirá en una búsqueda contrarreloj del caprichoso joven por todo Nueva York.

Sean Baker construye un relato vertiginoso en la que las secuencias cómicas se suceden a mil por hora. El guión es muy original y juega a favor de la creación de unos personajes extraordinarios. La estructura narrativa de la película hace que no decaiga en ningún momento, ya que dosifica los momentos más cómicos con otros que podemos considerar más serios. Las interpretaciones de los actores son geniales. Pero, sin duda, tenemos que destacar a Mikey Madison, cuyo personaje de Anora es inolvidable gracias a esa fuerza y fragilidad al mismo tiempo que le imprime y que nos hará enamorarnos de ella. La comicidad de los personajes de Garnick. Toros e Igor nos deparará momentos de lo más divertido. Los diálogos, en los que quizás se abusa de las palabras malsonantes,también son un elemento en el que sustenta la comedia. A pesar de las dos horas y veinte de duración, el montaje de Anora, obra del propio Baker, hace que la película se te pase rápidamente, sin que te des cuenta, has llegado al final. Un final que sirve de contrapunto a la película ya que nos muestra la dura realidad de la protagonista y hace que el film se nos revele como una tragedia disfrazada de comedia.

Con Anora, la carrera de Sean Baker ha dado un gran salto hacia arriba. Desde que nos sorprendiera con Tangerine (2015) y confirmara su talento con The Florida Project (2017) y Red Rocket (2021), el director de Nueva Jersey no ha parado de tratar temas espinosos como la prostitución, el sexo y las drogas de una manera muy humana, nunca regodeándose en la miseria. Demuestra un gran cariño hacia sus personajes y con Anora no iba a ser menos. Puede que Anora no sea la mejor película del año, no lo sé. Pero, sin duda, la interpretación de Mikey Madison y el trabajo en la dirección de Baker se merecen una nominación en los próximos premios Oscar.

10/10

Daniel Muñoz Ruiz

Los destellos (2024) de Pilar Palomero

2024-10-23T20:51:00.000+02:00

En su tercer largometraje, la directora aragonesa Pilar Palomero explora cómo el ser humano afronta la muerte de un ser cercano, algo contra lo que no se puede luchar y que, como se afirma en la película, es parte inexorable de la vida. En Los destellos, Isabel (Patricia López Arnaiz) tiene que hacerse cargo a su pesar de su exmarido Ramón (Antonio de la Torre), que padece una enfermedad terminal y así ayudar a la hija de ambos, la joven Madalen (Marina Guerola) que hasta ese momento era la única persona que se preocupaba de su bienestar. Desde el principio somos conscientes de que la relación entre Isabel y Ramón había terminado fatal, aunque nunca se nos dice expresamente en el relato, y que ella quiere saber lo mínimo de él. Pero, más por su hija que por él, Isabel hace el sacrificio demostrando su humanidad por encima de todas las cosas. A partir de ahí, la película nos irá mostrando momentos puntuales, muchos de ellos muy íntimos, de los últimos días de Ramón, acompañado de Isabel y su hija, en algún momento también de Nacho (Julián López), la actual pareja de Isabel, algunos viejos amigos e incluso el equipo de médicos y psicólogos que acompañan a los enfermos terminales en el final de su existencia. Una trama tan sencilla como profunda, a la que la directora le da forma magistralmente para entregarnos este agridulce relato que nos invita a reflexionar sobre algo tan universal como la muerte.

Los destellos es la obra de madurez de Pilar Palomero después de las más que destacables Las niñas (2020) y La maternal (2022). Su trabajo de planificación de cámara es excelente. Se acerca a sus personajes para mostrarnos el poder de la mirada y toda la expresividad que conlleva. Su dirección de actores es perfecta. Antonio de la Torre está magnífico como casi siempre, Marina Guerola es una auténtica revelación que me ha dejado con la boca abierta y que seguro que va a tener una exitosa carrera y Julián López demuestra su versatilidad con un registro dramático muy conseguido. Pero, sin duda, es Patricia López Arnaiz la gran estrella del film. A través de ella, de su rostro, de lo que dice y de sus silencios, la película consigue atraparnos desplegando una variedad de emociones que sutilmente nos desarma. Los planos de espaldas, de perfil, en los que no se nos expone el rostro de los actores del todo, son usados por la directora de forma genial. Suponen una lección de puro cine. Y qué decir del final de la película, es sublime belleza.

Espero que una película como Los destellos encuentre su público y que este sea lo más numeroso posible, porque una joya como esta no debe pasar desapercibida. Resulta muy satisfactorio que en España estén surgiendo nuevas voces que están realizando un cine de mucha calidad y que la mayoría sean mujeres como la propia Pilar Palomero, Carla Simón, Paula Ortiz, Estibaliz Urresola y muchísimas otras. Con películas como Los destellos la salud del cine patrio está asegurada.

9/10

Daniel Muñoz Ruiz

Megalópolis (2024) de Francis Ford Coppola

2024-09-30T21:36:00.000+02:00

El último trabajo del maestro Francis Ford Coppola y posiblemente su testamento cinematográfico es una obra difícil de digerir. No se le puede negar a Megalópolis que sea algo original pues sí lo es. Sin embargo, muchas veces lo original no es sinónimo de calidad y en este caso nos encontramos ante un film muy pretencioso, recargado y en ocasiones, ridículo por las situaciones que plantea. Megalópolis es una fábula como nos enteramos al principio y que ya nos predispone en parte a lo que vamos a presenciar. En el futuro, Nueva York se ha convertido en Nueva Roma, una ciudad en la que un arrogante y pagado de sí mismo arquitecto, César Catilina (Adam Driver) pretende construir Megalópolis, una ciudad dentro de la misma ciudad en donde todo es ideal, una utopía a la altura de su propio genio. Su némesis será el alcalde de Nueva Roma, Franklin Cícero (Giancarlo Esposito) que hará todo lo posible para ver fracasar los proyectos de Catilina. En medio de todo esto, la hija de Cícero, Julia (Nathalie Emmanuel) una joven influencer con poca cabeza y ningún proyecto de futuro conocerá a Catilina y se enamorará de él, desafiando así a su padre. También somos testigos de las luchas de poder entre el banquero Craso (Jon Voight) y su hijo Clodio (Shia LaBeouf), enemigo declarado de Catilina y, las maquinaciones de Wow Platino (Aubrey Plaza) para hacerse con la fortuna de su marido Craso. Este planteamiento que podría resultar interesante en un primer momento, con el transcurrir de la acción pierde toda su fuerza, pues se convierte en una maraña narrativa en la que los personajes sufren por no saber cuál es su objetivo dentro de la historia.

Y es que en Megalópolis no hay guion. Prácticamente es la sucesión de unas escenas que no tienen nada que ver unas con otras y que parecen más bien videoclips o spots publicitarios que realmente secuencias narrativas. La historia no tiene ni pies ni cabeza. A pesar de ser algo en un primer momento original como comparar la antigua Roma al mundo del futuro, sin embargo, trasladar esto a un guion coherente no se ha conseguido en absoluto. Y esto provoca que el espectador se sienta perdido ante lo que le está intentando contar Coppola. En muchas ocasiones se llega al ridículo total sobre todo en los diálogos, escritos como sentencias, más que a disposición de la trama. Y esto es algo que notan mucho los actores cuyas interpretaciones se ven puestas en riesgo por lo mediocre del guion y, en algún caso particular, como el de Shia LaBeouf resulta totalmente irritante que ni siquiera alguien le dijera que su interpretación estaba siendo bastante desastrosa. Una cosa es ser histriónico y otra estar desatado y llegar casi a cargarse la peli que, por otro lado, tampoco necesita mucha ayuda para ser mala.

Tras 40 años pensando y planificando este ambicioso proyecto y además de gastarse 120 millones de dólares, Coppola ha fracasado en este salto al vacío, como él mismo dice en su película que, lejos de demostrar una creatividad maestra, lo que consigue es aburrir al espectador. Sin duda, una pena y una decepción que un director que, seguramente, esté entre los mejores de la historia del cine haya probablemente terminado su carrera con un film tan mediocre. Pero como el tiempo siempre puede cambiar las cosas quizás algún día Megalópolis sea vista como una película de culto. Una cosa podemos decir, desde luego y es que muchos espectadores no habrán entendido la película. Yo, desde luego, no he visto ningún rasgo de genialidad en ella.

4/10

Daniel Muñoz Ruiz

Volveréis (2024) de Jonás Trueba

2024-09-10T19:13:00.000+02:00

El amor-repetición, concepto filosófico de Kierkegaard al que se alude en Volveréis, resulta peculiar por la seguridad que nos da ese instante, mucho más satisfactorio que el recuerdo melancólico de lo que fue amar. En la nueva película del cineasta Jonás Trueba, premiada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, el amor-repetición es el tema principal que recorre todo el relato. Partiendo de una sencilla pero muy original premisa, el director madrileño compone una comedia romántica inusual que esconde bajo sus varias capas una profundidad sentimental como nunca se ha visto es su cine. Ale (Itsaso Arana) y Álex (Vito Sanz) forman una pareja que tras más de 14 años juntos, están dispuestos a separar sus caminos y terminar con la relación. Lo que en principio es un motivo de tristeza se convierte en alegría cuando pretenden llevar a cabo una idea que el padre de Ale (Fernando Trueba) lleva diciéndole muchos años: hay que celebrar las separaciones y no las uniones, pues estas se hacen para estar mejor. Esta idea fuera de los cánones de la normalidad provocará muchas situaciones cómicas cuando Ale y Álex comunican a sus amigos y allegados sus intenciones, ocasionando reacciones de sorpresa y estupor pero con un rasgo en común, casi todos terminan diciéndole que “volveréis”. Mientras tanto, la película construye su discurso metacinematográfico pues nos encontramos con que Ale es una directora que está terminando el montaje de su última película que es la misma historia que viven los personajes y Álex, precisamente es actor y uno de los protagonistas de esa misma película. Muchas dudas, encuentros y desencuentros entre ellos pondrán en peligro la celebración de esa peculiar fiesta, pues incluso el padre de Ale, autor intelectual de la idea, no parece muy convencido.

Con una estructura que en la misma película se cuestiona en forma de parodia como circular o lineal, Volveréis recuerda a las obras del cineasta coreano Hong Sang-soo, que siempre parece hacer la misma película pero cuyos matices y reflexiones acerca del amor hacen que cada trabajo suyo conserve la frescura y espontaneidad propia de su discurso. Jonás Trueba escribe el guion junto con sus actores Itsaso Arana y Vito Sanz en un ejercicio de creación narrativa autoconsciente y honesto, que huye de la impostura aunque algún despistado la pueda confundir con su profundidad. Pero lo más destacable de la película, además por supuesto de la hábil dirección de Trueba, es el trabajo de los actores, algo sin duda en lo que habrá contribuido el propio director. La pareja protagonista está genial, logran que le cojamos un gran cariño a los personajes, que deseemos ser sus amigos y que no se separen, o más bien, que vuelvan, como parece intentar convencernos el film.

Probablemente estemos ante el mejor y más redondo film de la ya sólida carrera de Jonás Trueba que, a pesar de su juventud, se erige como un autor muy personal, que ha superado con creces la sombra de su apellido. Las referencias filosóficas, sobre todo a Stanley Cavell y los homenajes cinematográficos a Bergman, Ullman o Truffaut, harán las delicias de los más cinéfilos, pues eso es lo que transmite Trueba con esta película, un inmenso amor al cine. Una historia sencilla que habla de temas muy complejos y que demuestra que para hacer una gran película no es necesario disponer de muchos recursos.

9/10

Daniel Muñoz Ruiz

Alien: Romulus (2024) de Fede Álvarez

2024-08-25T21:02:00.002+02:00

Siempre que llega una nueva entrega de la saga de Alien muchas expectativas se levantan sobre ella. Las dos últimas antes de Alien: Romulus resultaron decepcionantes por las derivas existencialistas que proponía Ridley Scott en lugar de centrarse en el monstruo que da nombre a la franquicia. En esta ocasión, Scott solo actúa de productor, cediendo la dirección al uruguayo Fede Álvarez, autor de las cintas de terror Posesión infernal (2013) o No respires (2016), y este hecho resulta un verdadero acierto, pues Álvarez consigue imprimirle la esencia del original sin recurrir a la simple copia. La película comienza con un grupo de jóvenes colonos mineros obligados a trabajar sin descanso que, para huir de su dura realidad, planean abordar una nave abandonada y a la deriva para intentar viajar al planeta Yvaga en busca de libertad. La nave abandonada resulta ser propiedad de la corporación Weyland-Yutani y servía de laboratorio de investigación sobre los restos encontrados en la nave Nostromo (sí, la de Alien, el octavo pasajero). Liderados por la intrépida Rain (Cailee Spaeny) con la ayuda del sintético defectuoso Andy (David Jonsson) tendrán que hacer frente a los xenomorfos de distintos tamaños que como si se tratase de una plaga, han colonizado la nave de arriba a abajo.

El guion escrito por Álvarez en colaboración con Rodo Sayagues, supone una actualización de la obra original de Dan O'Bannon y se constituye como un digno heredero de su espíritu. La acción se concentra en el espacio claustrofóbico de una nave espacial y ahí el director sabe desplegar todas sus virtudes en la realización del género de terror, consiguiendo que la primera hora y pico de la película sea escalofriante y no dé respiro al espectador. Después pisa el freno y lo que debería ser un tercer acto sorprendente se convierte en lo más flojo del film a pesar de ser original, eso no hay que negárselo. El resultado final es una obra descompensada pero bastante disfrutable sobretodo, como he dicho, en su hora inicial. Otra actualización que plantea Álvarez podemos encontrarla en los personajes, todos jóvenes, si no contamos el deepfake de Ian Holm, de la primera película de la saga, interpretando a un sintético con la misma apariencia que Ash. En este sentido, la interpretación de Cailee Spaeny, vista recientemente en Civil War (2024) de Alex Garland o Priscilla (2023) de Sofía Coppola, es bastante convincente y lejos de compararla con la Ripley de Sigourney Weaver, podemos decir que aporta un aire fresco al arquetipo de heroína valiente y sufrida que planta cara al sanguinario monstruo alienígena. También es digno de elogio el personaje de Andy, el sintético protector de Rain, aunque en una película en la que la acción es lo más importante, se nota que el desarrollo de los personajes no tiene todo el recorrido necesario para llegar a hacerlos memorables, como sí pasaba con Ripley.

En definitiva, creo que Alien: Romulus es una vuelta a los orígenes de la saga y aunque sale perdiendo mucho si la compramos con las dos primeras, supera en calidad a las dos anteriores, aportando un aire fresco y renovado al famoso y terrorífico xenomorfo, que con un gran trabajo de CGI detrás, consigue que la apariencia de estos seres sea imponente. Lástima que el final desmerezca tanto lo que prometía desde el principio.

7/10

Daniel Muñoz Ruiz

La trampa (2024) de M. Night Shyamalan

2024-08-21T14:04:00.000+02:00

Que los mejores tiempos de M. Night Shyamalan como creador irreverente y arriesgado, que desafía al espectador con historias sorprendentes, ya quedan muy lejos es un hecho claramente probado. Sin embargo, que el director de El sexto sentido (1999) alcance la cima de la vergüenza ajena con una de sus películas es algo que me entristece pero no me sorprende, dadas sus últimas obras bastante flojas. Ya la propia premisa de La trampa es rematadamente absurda. El FBI y los SWAT tienden una emboscada para capturar a un peligroso asesino en serie en un concierto de una conocida artista pop al que acuden más de 20.000 personas. ¿Pero en qué cabeza cabe eso? Shyamalan nos llama tontos a la cara, a los espectadores y a las propias fuerzas del orden. Pero bueno, sigamos. El asesino resulta ser un bombero llamado Cooper (Josh Hartnett), un abnegado padrazo que ha llevado a su hija adolescente Riley (Ariel Donoghue) al concierto de su estrella favorita para superar el mal trago del bullying que sufre en el instituto. Al darse cuenta de la trampa que le están tendiendo, “El carnicero”, como ha sido llamado el asesino, intenta burlar a la gran cantidad de policías que le acechan (que son tremendamente imbéciles) y lo hace gracias a golpes de suerte cada uno más disparatado que el otro, hasta que logra huir del concierto. Esa es la primera hora de la película, que es bastante aburrida aunque algunos pretendan ver suspense en las peripecias del asesino, comparándolo incluso con Hitchcock o De Palma (¡Madre mía, cómo está la gente!). Del resto, mejor no comento nada porque es lo peor que he visto en una sala de cine en mucho, mucho tiempo.

Y es que La trampa es un delirante thriller que más bien parece una parodia, aunque esa no sea la intención de Shyamalan. ¿De verdad alguien puede tragar con esto? El guion es una sucesión de giros basados en la suerte, en las casualidades más que en la leyes de la causalidad, que hace de la película algo profundamente irritante porque parece que el director nos quiera tomar el pelo o esté insultando a nuestra inteligencia. En este caos sin pies ni cabeza, Hartnett hace lo que puede por dar consistencia a su personaje y que logremos empatizar con el asesino, cosa que no sucede. La niña Ariel Donoghue tampoco desentona dando vida a la hija adolescente, pero Saleka Shyamalan, hija del director, que da vida a la cantante Lady Raven, está simplemente desastrosa. Comparado con su interpretación, deberían haberle dado el Oscar a Sofia Coppola por El Padrino III (1990). Seguramente Shyamalan se considerará buen padre por darle esa oportunidad a su hija, pero flaco favor le ha hecho como hizo Francis Ford Coppola con la suya. Lo único que está bien conseguido en el film es la ambientación de un concierto en un gran recinto, algo que debemos agradecer al buen diseño sonoro. Y ya puestos a salvar algo, podemos mencionar que la realización es correcta, aunque con semejante bazofia de guion es imposible hacer nada decente.

En fin, La trampa no hace más que confirmar el declive de su autor que ya llega a una cota más que preocupante. Esta película es de esas en las que la única satisfacción que obtienes es cuando acaba y ya puedes empezar a olvidarla y no volver a saber de ella nunca más. Si devolvieran el dinero en el cine, este film no recaudaría ni para pagarle a los extras. Y yo me pregunto, ¿en qué momento me pareció buena idea ir a verla? Todos comentemos errores y este ha sido bastante gordo.

3/10

Daniel Muñoz Ruiz

Que la fiesta continúe (2023) de Robert Guédiguian

2024-07-26T19:32:00.000+02:00

Realizar un cine políticamente comprometido que no caiga en el peligro de adoctrinar es una empresa complicada. Robert Guédiguian lo lleva haciendo toda su carrera con más o menos fortuna, pero siempre fiel a sus postulados ideológicos y su espíritu humanista que todo lo impregna, como se pudo comprobar gratamente en Las nieves del Kilimanjaro (2011), entre otras. Y, en este, su nuevo film no iba a ser menos. Que la fiesta continúe es una comedia dramática que pretende sacar a la luz las cosas buenas que hacemos los seres humanos, la solidaridad y bondad que residen en nuestros corazones, en unos muchísimo más que en otros. Aquí, Rosa (Ariane Ascaride) es una enfermera a punto de jubilarse cuya pasión es ayudar a los demás. Su vida cambia cuando conoce a Henri (Jean-Pierre Darroussin), librero retirado que ha viajado a Marsella para visitar a su hija Alice (Lola Naymark), que curiosamente es la novia de uno de los hijos de Rosa, Sarkis (Robinson Stévenin). Entre Rosa y Henri surge el amor, un amor maduro e inesperado que hará que ella se replantee sus aspiraciones políticas, hastiada por la falta de acuerdo entre las fuerzas de la izquierda de la política local, que ella pensaba liderar. También la historia sigue las vivencias de la pareja más joven, formada por Alice y Sarkis y las idas y venidas del excéntrico hermano de Rosa, Tonio (Gérard Meylan), componiendo así un reparto coral en el que los personajes están bien dibujados desde el principio y, todo ello, a un ritmo veloz, que irá perdiendo intensidad en el segundo acto.

Guédiguian vuelve a su Marsella natal, otro personaje más de la película, para filmar esta obra llena de luz y esperanza que, sin embargo, peca de ser demasiado plana, pues no introduce ningún claroscuro que logre equilibrar la balanza entre el bien y el mal. La fotografía retrata Marsella de forma naturalista, una ciudad crisol de la multiculturalidad que es la seña de identidad de Europa, lo quieran o no los simpatizantes de la extrema derecha. El guion resulta un poco descompensado pues carece de giros dramáticos de importancia y simplemente desfilan ante nosotros momentos de la vida de nuestros protagonistas sin mayores ínfulas. Pero lo que, posiblemente, sea más criticable, como ya comentamos al principio, sea la pretensión de adoctrinamiento político que se observa en el film, sobre todo en su recta final. Podemos perdonarlo, pues la construcción e interpretación que realizan los actores de los personajes consiguen que sean maravillosamente simpáticos y que nos dejemos llevar por el amor, verdadero tema de la película, no solo el amor romántico, sino también, y quizá más importante, el amor al prójimo.

Sin salir de sus lugares comunes ni desviarse de la senda política, social y moral que siempre le ha caracterizado, el director de Marius y Jeannette (1997), vuelve a la carga con una obra que, probablemente, no despertará la conciencia de los más conservadores, por el tono tan sutil que emplea, ni tampoco la admiración de los más modernos, pues su cine es más bien clásico. Pero sí emocionará e, incluso, casi estremecerá, a aquellos que gusten de un relato humanista y sincero, que les haga sentir que el futuro puede ser mejor y que no todo está perdido.

7/10

Daniel Muñoz Ruiz

Segundo premio (2024) de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez

2024-06-04T20:16:00.000+02:00

“Esta (no) es una película sobre Los Planetas”. Así reza la parte final de la sinopsis comercial de Segundo premio, ganadora de los premios a la mejor película, dirección y montaje en el pasado Festival de Málaga. Justo al comenzar la película, un rótulo nos advierte que esta es una película sobre la leyenda de Los Planetas, cosa que parece mucho más acertada, pues el film de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez no es el clásico biopic sobre una banda de rock que glorifica el mito o se sumerge profundamente en el lado más oscuro del músico. No, Segundo premio es el retrato de un grupo de amigos, músicos, de Granada, que viven una profunda crisis antes de grabar su tercer disco. Un momento muy concreto de la vida de la banda que hizo estallar por los aires el indie rock español. “El cantante” (Daniel Ibáñez), que se supone que es J, está sumido en una profunda crisis existencial tras la marcha de la bajista del grupo, May (Stéphanie Magnin), la única con nombre en la película, y el descenso a los infiernos por culpa de la heroína de “El guitarrista” (Cristalino), trasunto de Florent. Las idas y venidas en este trío de mejores amigos marcan el ritmo de la película, un relato que navega por el surrealismo y lo onírico pero sin despegarse de la realidad, en una Granada de finales de los 90, que está excepcionalmente retratada por los directores. El complejo y traumático momento personal que viven los personajes se mezcla con la obligación de grabar un tercer disco para cumplir con la discográfica. Y ese disco será Una semana en el motor de un autobús, el mejor disco de Los Planetas y uno de los mejores discos del indie rock español de todos los tiempos, una obra maestra musical cuyas exquisitas letras son perfectamente utilizadas a lo largo del film para tomar el pulso emocional de las imágenes que se van sucediendo.

El proyecto ha tenido una producción de lo más accidentada, hecho del que no hay ni rastro en la película. Primero la iba a dirigir Jonás Trueba, que se desmarcó del proyecto por diferencias creativas. Después, Isaki Lacuesta tuvo que ausentarse del rodaje para estar con su hija enferma de leucemia, que desgraciadamente terminó falleciendo, D.E.P. Nada de esto trasciende al resultado final, que es una obra precisa, sin fisuras y muy auténtica. El guion, escrito por el propio Lacuesta y el guionista Fernando Navarro, es sobresaliente. Los distintos puntos de vista con los que narra el relato logran dotar al film de una esencia autoral bastante especial. El tono es contenido la mayor parte del tiempo, pero, otras veces se entrega a lo poético, lo lisérgico y psicodélico, como la música de la banda. Las interpretaciones del trío protagonista son excelentes todas, pero si se me permite, no puedo dejar de destacar la de Cristalino, es puro amor, todo fragilidad, se come las escenas cada vez que aparece en pantalla.

Segundo premio (si) es una película sobre Los Planetas. Pero, es muchísimo más. Es un relato sobre la amistad contado maravillosamente. Es un retrato generacional puro y duro. Es la representación de Granada en una de sus épocas más efervescentes artísticamente. No hay que ser fan de Los Planetas, ni haber escuchado sus canciones, para deleitarse con la historia, la música y las imágenes de esta gran obra cinematográfica. Es una de las mejores películas del cine español de los últimos años.

9/10

Daniel Muñoz Ruiz

Civil War (2024) de Alex Garland

2024-05-07T13:53:00.000+02:00

Interesante distopía la que nos presenta el director y guionista británico Alex Garland en su última película, que no dejará indiferente a nadie. Estados Unidos se encuentra profundamente sumergida en su segunda guerra civil. Los estados de Texas y California, se han unido en una alianza de lo más sui géneris (recordemos que Texas ha sido siempre tradicionalmente conservadora y California, progresista) para liderar la secesión formando el Frente Occidental. Otros estados, como Florida, que ha declarado su independencia, o la facción maoísta surgida en Portland, han resquebrajado completamente la unidad nacional, que se ve sumida en el caos personificado en su presidente (Nick Offerman) que vive su convulso tercer mandato (hecho prohibido por la Constitución) y ha hecho algo tan descabellado como desmantelar el FBI. En medio de todo esta anarquía, la fotoperiodista Lee (Kirsten Dunst) y el reportero Joel (Wagner Moura) de la prestigiosa agencia Reuters, tras el incidente brutal en Brooklyn con el que se inicia la película, deciden emprender un largo viaje hasta Washington D.C. para entrevistar al presidente que está a punto de caer. Acompañados por el veterano periodista del The New York Times Sammy (Stephen McKinley Henderson) y de la joven aspirante a fotógrafa de guerra Jessie (Cailee Spaeny) recorren los 800 km que les separan de la capital por carreteras secundarias y pueblos desolados, llenos de peligros. En su camino vivirán situaciones de lo más grotescas y terribles, que demuestran el profundo sinsentido de la guerra (véase la magnífica secuencia que protagoniza Jesse Plemons). En un relato en el que recibimos muy poca información sobre los motivos que han desencadenado la carnicería que se cierne sobre el país, la intención de Garland se centra más en mostrarnos el impacto emocional que supone el conflicto para los periodistas que se juegan la vida, que en construir un discurso político sobre la polarización que se vive, no solo en los Estados Unidos, sino en muchos países del mundo.

Más que una película bélica o de acción, Civil War es una suerte de road movie apocalíptica donde los personajes tienen mucho que decir y son más importantes incluso que el desarrollo de los acontecimientos. A medida que avanza la película, el foco del espectador se orienta hacia Lee y sus intrépidos compañeros de viaje, y se va diluyendo el interés por el conflicto, cuyo desenlace resulta un poco burdo y abrupto comparado con las expectativas que nos va generando el relato. Muy destacable es la tensión con la que mantiene la película al espectador, una inquietud y agobio provocado por la situación límite que viven los personajes y por los dilemas morales que surgen del desarrollo de su profesión. Sin embargo, el resultado final es algo frío y, en mi caso, el film no consigue conectar plenamente a nivel emocional a pesar de sus elogiables esfuerzos.

Técnicamente impecable, con una premisa que, desgraciadamente no es tan descabellada en los tiempos que vivimos, Civil War es una obra poco convencional y que invita a la reflexión sobre la dirección que está tomando la humanidad en nuestros tiempos. El director de Ex Machina (2014) da un paso adelante en su ecléctica filmografía con este violento pero humano relato. Sin embargo, hay que señalar también, que la película resulta más interesante por lo que no cuenta que por lo que trata con más profundidad.

7/10

Daniel Muñoz Ruiz

La quimera (2023) de Alice Rohrwacher

2024-04-22T20:29:00.000+02:00

Heredera del neorrealismo italiano y con profundos lazos con el cine de Rossellini, Fellini o Pasolini, la cineasta italiana Alice Rohrwacher vuelve a adentrarse en el terreno de la fábula y el mito como ya hizo en su más que notable largometraje de ficción anterior, Lazzaro feliz (2018). En esta ocasión, el relato de La quimera se desarrolla en la Italia rural de los años 80, en la zona donde habitaron muchos siglos atrás la rica cultura de los etruscos, en la Toscana, a orillas del Mar Tirreno. Allí, Arthur (Josh O'Connor), un arqueólogo inglés que acaba de salir de la cárcel, se reúne con sus compinches, una banda de saqueadores de tumbas de lo más variopinta. Las cualidades de Arthur como zahorí capaz de encontrar tumbas escondidas en lo más profundo de la tierra son aprovechadas por sus pícaros colaboradores italianos para expoliar los tesoros etruscos allí donde los van encontrando. Pero, a Arthur no es el dinero los que le interesa. Triste y desolado por la pérdida de su amada Beniamina, su búsqueda está más bien orientada a encontrar esa quimera que tanto anhela y que es imposible hallar. En esta su existencia vacía, conoce a Italia (Carol Duarte), una inmigrante portuguesa madre de dos hijos que es la alumna de canto de la aristócrata madre de Beniamina, la señora Flora (Isabella Rossellini), aunque más bien se trate de una sirvienta sin remuneración. Italia, nombre claramente simbólico para este personaje, cambiará la forma de ver la vida de Arthur y le hará caer en la cuenta de que no puede seguir robándole a los muertos.

Este fantástico y poético film tiene un guion que orbita alrededor de la composición tradicional de los cuentos de hadas y las fábulas. Sin embargo, abre algunas subtramas que no logra cerrar y que abandona dejando al espectador con un sentimiento de orfandad que no se puede curar. Además, al principio de la película se hace un poco bola y es difícil de seguir, a pesar de su aparente discurrir tranquilo. Las interpretaciones de los actores brillan de manera especial, destacando la actriz portuguesa Carol Duarte, un descubrimiento para mí, la melancolía que imprime a su personaje Josh O'Connor y la genialidad de la siempre magnífica Isabella Rossellini. Pero donde destaca fundamentalmente La quimera es en el aspecto formal por el que opta la directora, mezclando distintos formatos analógicos como el 35 mm, el Super 16 o el formato doméstico 16 mm., siempre al servicio de una narración que es una ensoñación en sí misma. Igualmente, la importancia que concede Rohrwacher a la expresividad de cada plano de los que echa mano es capital a la hora de crear esta película tan mágica y de una belleza formal muy singular. Incluso se permiten licencias musicales como introducir el tema electrónico Spacelab de los alemanes Kraftwerk o terminar la película con una canción del siciliano Franco Battiato.

Ambientada entre el mundo de los vivos y el mundo de los muertos, La quimera es de esas pocas películas de las que sales del cine convencido de haber presenciado un auténtico cuento en imágenes y sonidos. Te vas con una sensación de bienestar después de haber visto tanta belleza. Aunque no se trata de una película redonda, es una experiencia fílmica bastante especial.

8/10

Daniel Muñoz Ruiz

The Beast (La bestia) (2023) de Bertrand Bonello

2024-03-29T21:01:00.002+01:00

El cine de Bertrand Bonello siempre se ha caracterizado por ser ecléctico y muchas veces críptico. No son obras fáciles precisamente y, en este caso que nos ocupa, The Beast (La bestia) es una película de lo más extraña y difícil de seguir. Pero si aceptamos el reto del director y nos dejamos llevar por su complejo y serpenteante relato, al estilo de David Lynch en Carretera perdida (1997) o Mulholland Drive (2001), nos daremos cuenta que estamos ante una gran película que mezcla los géneros de la ciencia ficción y el melodrama como pocas. En The Beast, Gabrielle (Léa Seydoux) es una mujer que desea eliminar de su ADN cualquier atisbo de emoción para desprenderse de la infelicidad y mejorar su productividad. Estamos en un futuro deshumanizado en el que la inteligencia artificial domina el mundo. Para que el proceso tenga el resultado perseguido, Gabrielle tendrá que viajar a sus vidas pasadas situadas en 1910, 2014 y 2044. En ellas se encontrará recurrentemente con su amor imposible, Louis (George MacKay) presentado en las tres ocasiones como una amenaza más que como el ideal del amor romántico. La película irá saltando de una época a otra buscando conexiones y ecos en la relación de los dos personajes, destinados a un desenlace trágico. Quizás aquí, la historia más convencional es la que se desarrolla en 1910, en la belle époque parisina, en la que Gabrielle es una pianista famosa que atrae la admiración y el deseo del joven Louis. Ella está casada y la tentación de la infidelidad sobrevuela en todo momento esta parte del relato. En ella encontramos además la secuencia más poética y surrealista de toda la película cuando el agua inunda la fábrica en la que se encuentran los protagonistas acabando así con toda posibilidad de triunfo para el amor. En 2014, la situación es radicalmente diferente y aquí, Louis se convierte en la bestia que da nombre a la película, que adquiere entonces un carácter violento y desagradable. 2044 es, sin duda, la parte más difícil de seguir debido a su complejidad narrativa y puede ser la que espante a más espectadores, confundidos por querer discurrir por una historia coherente.

Basada libremente, muy libremente, en la obra de Henry James, La bestia en la jungla, la película de Bonello trata muchos temas, algunos de manera acertada, otros no tanto, pero sobre todo lo que predomina en ella es el amor, entendido como algo a lo que hay que temer. Los actores protagonistas están fantásticos. Demuestran una química excepcional, Léa Seydoux y George MacKay, desarrollando una magnífica versatilidad interpretativa en cada una de las épocas en que se desarrolla la película. The Beast es sobresaliente en cuanto al minucioso trabajo estético con que Bonello trata los distintos tiempos, hecho que habla muy bien de la ambiciosa propuesta visual del director francés. El vestuario, el maquillaje y peluquería, la dirección artística, todo cuidado al detalle para aportar una dimensión contemporánea de lo que significa el arte cinematográfico. La música, obra del propio Bonello, confiere al conjunto una definida sensación hipnótica muy apropiada para lo que nos está contando. Quizá lo que falle un poco es el montaje. Los 146 minutos de la película podrían haberse reducido pues es cierto que algunas secuencias se pueden considerar como mero relleno.

A pesar de su gran complejidad y su intrincada narrativa, The Beast es probablemente lo más comercial que ha hecho Bonello hasta la fecha. Contrasta enormemente con el minimalismo de su anterior film, Coma (2022) y, aunque sí guarda alguna relación, es bastante diferente a su película más celebrada, Casa de tolerancia (2011). Pero lo que no se puede negar es que The Beast va a ocupar desde ya un destacado lugar en su filmografía.

8/10

Daniel Muñoz Ruiz

How to Have Sex (2023) de Molly Manning Walker

2024-03-24T20:42:00.000+01:00

Debutar en el largometraje siempre es un ejercicio muy complicado. Hay que elegir con sumo cuidado el tema, el tono, etc., además de intentar evitar los clichés y lo manido. En el caso que nos ocupa, la directora británica Molly Manning Walker ha conseguido realizar un brillante y sólido debut que trata la adolescencia desde un terreno poco visto hasta ahora. En How to Have Sex, tres amigas que acaban de terminar el instituto viajan a la isla de Creta para pasar sus primeras vacaciones solas, que pretenden, sean inolvidables. Una de ellas, la más tímida, Tara (Mia McKenna-Bruce) todavía es virgen y se marca como objetivo dejar de serlo. La diversión consiste en estar todo el día bebiendo, por la tarde en la piscina o en las habitaciones del resort y por las noches, en los múltiples clubes hechos a medida para la juventud británica de clase obrera cuya única pretensión es el turismo de borrachera, como sucede aquí, en Magaluf, por ejemplo. Las tres amigas pronto conocen a otros compatriotas que llevan el mismo plan. Uno de ellos, el más guapo, Paddy (Samuel Bottomley) llamará la atención de Tara y, tras un rechazo inicial, logrará su objetivo de una forma digamos muy poco romántica. A partir de ahí, la confusión se apoderará de la chica, que no será capaz de estar segura de si ha sido una buena experiencia o no. Ese placer que todo el mundo le dice que sentiría no se ha producido y a lo que ha dado paso es a la vergüenza. El resto de las vacaciones serán para Tara una experiencia desagradable.

El guion escrito por Manning Walker es muy preciso a la hora de reflejar con realismo el mar de dudas que provoca la adolescencia y huye de cualquier edulcoración posible, aunque por otro lado no juzga ni condena los excesos alcohólicos como culpables del comportamiento de los jóvenes, que hubiera sido lo más fácil y más reduccionista. Tampoco abraza un enfoque feminista que hubiera hecho la película mucho más obvia y corriente. Pero este guion tenía que ser llevado a su puesta en escena y es ahí donde las interpretaciones de los actores le imprimen su carácter más novedoso y especial. La naturalidad con la que se desenvuelve Mia McKeena-Bruce dando vida a la introvertida Tara sobresale de entre todas las demás. Los expresivos primeros planos que nos regala la directora dibujan la fragilidad de una casi niña que ha despertado de un sueño convertido en pesadilla. Por otro lado, el ritmo desenfrenado del montaje que no nos da respiro a lo largo de la hora y media que dura el film, sitúa al espectador en un lugar a veces incómodo, pero que consigue que se identifique con la protagonista a pesar de no tener absolutamente nada en común con ella y con sus padecimientos. La verosimilitud del relato es tal, que nos provoca un desconcierto bastante pronunciado.

La película, ganadora de la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, partió con unas pretensiones modestas que han ido tomando mayores dimensiones a partir de los premios cosechados y del éxito de público. Tanto es así, que se recomienda fervientemente su proyección en los institutos británicos para que los adolescentes aprendan a distinguir e identificar la fina frontera del consentimiento sexual. Porque, como le pasa a la protagonista de esta historia, hay veces que tu boca dice sí cuando tu cuerpo está diciendo no.

8/10

Daniel Muñoz Ruiz

American Fiction (2023) de Cord Jefferson

2024-03-10T19:06:00.000+01:00

El conflicto racial sigue muy presente en Estados Unidos, a pesar de los grandes avances logrados para conseguir la igualdad de oportunidades entre blancos y negros. Sin embargo, la perpetuación de ciertos estereotipos negativos de los afroamericanos es un mal endémico de la sociedad estadounidense que sigue viendo a esta población de un modo reduccionista. En American Fiction, Thelonious “Monk” Ellison (Jeffrey Wright) es un escritor y profesor de literatura en una universidad de Los Ángeles que está desencantado con el actual panorama que presenta el mundo editorial y la cultura de su país en general. Sus obras, a pesar de contar con gran prestigio de la crítica, no logran tener éxito comercial y su último manuscrito no consigue que ninguna gran editorial se interese en su publicación. Tras un incidente en clase con una alumna, Monk es “invitado” a tomarse unas vacaciones y viaja a Boston, de donde es originario, para visitar a su hermana Lisa (Tracee Ellis Ross) y a su anciana madre Agnes (Leslie Uggams). La fortuita y trágica muerte de su hermana, hará que Monk tenga que ocuparse de su madre, que presenta los primeros síntomas del Alzheimer, sin contar con demasiada ayuda de su hermano Clifford (Sterling K. Brown). Además, iniciará una relación romántica con su vecina Coraline (Erika Alexander) que trastocará su visión de la vida. El conflicto se genera cuando Monk, harto de intentar publicar su último trabajo, que dicen que no es demasiado “negro” y viendo el éxito de la novelista Sintara Golden (Issa Rae), decide escribir una novela ridiculizando los estereotipos afroamericanos y firmada con el seudónimo Stagg R. Leigh, un fugitivo de la justicia malhablado y maleducado, que sin embargo, será considerado todo un maestro a la hora de retratar la cultura negra. A partir de ahí, la película será una sucesión de situaciones cómicas cuya misión será poner al descubierto algunos de los disparates de la cultura woke y la apropiación cultural de los afroamericanos.

El guion, escrito por el propio director Cord Jefferson, adapta la novela Erasure de Percival Everett y es sensacional, muy ágil y compensado, que hace que la narración sea fácil de seguir y sin tiempos muertos que puedan provocar aburrimiento. Es un guion clásico, con sus actos bien estructurados y una tramas sólidas que no presentan ningún agujero narrativo. Destacan también los diálogos, chispeantes, repletos de ironía y sarcasmo. Las interpretaciones, sobre todo la del gran Jeffrey Wright, que lleva el peso absoluto de la película, son sobresalientes, y habría que mencionar también a Sterling K. Brown, que brilla de manera especial en cada una las pocas escenas que protagoniza. En cuanto a la puesta en escena hay que decir que es muy funcional, sin ningún aspaviento, está al servicio del magnífico guion escrito por Jefferson. Y la música original compuesta para la película, obra de Laura Karpman, basada en elegantes piezas de jazz, supone la guinda del pastel, y le ha valido una de las cinco nominaciones a los Oscars de este modesto film.

Es una pena que American Fiction haya pasado tan desapercibida en España pues ni siquiera se ha estrenado en cines, siendo relegada a su exhibición directamente en Amazon Prime Video. Películas más mediocres si logran llegar, y esta, a pesar de sus cinco nominaciones a los Oscars, no ha conseguido distribución. Esperemos que aunque solo se pueda ver en esta plataforma, encuentre su público, porque se trata de una comedia dramática muy inteligente, sarcástica y divertida, que reflexiona sobre temas muy actuales y a los que hay que prestar atención.

8/10

Daniel Muñoz Ruiz

Perfect Days (2023) de Wim Wenders

2024-01-14T20:49:00.000+01:00

Estar satisfecho con la vida que uno lleva es una cosa que pocos hombres o mujeres pueden decir, sobre todo, en las sociedades ferozmente capitalistas de hoy en día. La nueva película del veterano director alemán Wim Wenders sigue la rutina diaria de Hirayama (Koji Yakusho), callado, solitario y tranquilo hombre de mediana edad que trabaja como limpiador de baños públicos en la ciudad de Tokio. Los días laborables siempre hace lo mismo: madruga, riega sus plantas, se compra un café en una máquina expendedora, coge su furgoneta para ir a trabajar mientras escucha cassettes de Patty Smith, los Kinks o Lou Reed, y limpia los servicios uno tras otro, algunas veces acompañado por un joven compañero bobalicón y, en otras ocasiones, solo. Por las tardes acude siempre al mismo bar y por las noches se entrega a la lectura de William Faulkner o Patricia Highsmith, entre otros. Uno de sus hobbies es fotografiar un árbol, como no, con una cámara analógica, pues Wenders ha anclado a su personaje en el pasado como forma nostálgica de reivindicar otros tiempos, quizás más sencillos. La paz y el equilibrio de la vida de Hirayama solo es desafiado cuando aparece en escena su sobrina adolescente Niko (Arisa Nakano) quien le obligará a salir de su zona de confort y tener que ocuparse de ella. Pero esta situación dura unos pocos días y su sobrina vuelve con su madre, la hermana de él. Su encuentro nos insinúa que algo grave tuvo que ocurrir en el pasado para que Hirayama no se hable con ella y, podemos también suponer que el resultado de ello es la actual vida que lleva nuestro protagonista, cuyo estatus social no se corresponde al del hombre educado y culto que nos muestra el director desde el comienzo de la película.

Escrita con la colaboración del cineasta y guionista japonés Takuma Takasaki, Perfect Days desarrolla un guion sencillo, sin puntos de giro narrativos demasiado fuertes, pero con bastante tendencia a la repetición. No veo necesario repetir tanto las mismas acciones para que nos hagamos una idea de la vida de Hirayama. Parece que en esta ocasión a Wenders se le va un poco de las manos. Lo que sí se le da muy bien es mostrar la profunda humanidad del personaje, apoyado en la sensacional interpretación de Koji Yakusho, quien construye un personaje agridulce, que parece aceptar plenamente la vida como le ha tocado vivirla pero que solo adquirirá todo su significado real en el último plano del film, que no quiero desvelar, pero que es maravilloso. Los temas musicales elegidos por Wenders para su película, corresponden a sus gustos musicales ampliamente conocidos, Van Morrison, los Rolling Stones, The Animals, además de los anteriormente mencionados, proporcionan un contraste muy especial con la cultura japonesa donde se desarrolla la historia. El director de fotografía Franz Lustig filma con un formato académico los ambientes urbanos de la capital japonesa consiguiendo muy buenas imágenes, aunque en determinadas ocasiones caiga un poco en el cliché. Y no puedo dejar de mencionar mi sorpresa ante lo limpios que están los baños públicos en esta película. Sabemos que los japoneses son limpios, pero no me creo que lo sean tanto.

El film supone el regreso de Wim Wenders al buen cine, a la senda de sus obras Paris, Texas (1984) o El cielo sobre Berlín (1987), tras décadas de dar tumbos y entregar obras mediocres. Perfect Days es un profundo estudio de personaje que desborda humanismo y espiritualidad y que, a pesar de sus defectos y de resultar algo anodina en varios aspectos, constituye una película bastante recomendable por su optimismo en estos tiempos tan acelerados.

7/10

Daniel Muñoz Ruiz

Las mejores películas estrenadas en España en 2023 (de las que he visto)

2024-01-06T18:37:00.001+01:00

1. Fallen Leaves. Aki Kaurismäki.

2. El regreso de las golondrinas. Li Ruijun.

3. Monstruo. Hirokazu Kore-eda.

4. Anatomía de una caída. Justine Trier.

5. Cerrar los ojos. Víctor Erice.

6. Beau tiene miedo. Ari Aster.

7. Los asesinos de la luna. Martin Scorsese.

8. Oppenheimer. Christopher Nolan.

9. Los osos no existen. Jafar Panahi.

10. La belleza y el dolor. Laura Poitras.

Samsara (2023) de Lois Patiño

2023-12-24T20:38:00.005+01:00

En su tercer largometraje, el joven realizador gallego Lois Patiño explora el tema de la reencarnación, ese momento de transición entre la vida, la muerte y nuevamente la vida. Lo hace con esta película dividida en dos partes bien diferenciadas y con una bisagra de lo más original que hará que el espectador viva una experiencia muy peculiar, ver cine con los ojos cerrados. La primera parte de Samsara transcurre en una comunidad de Laos donde un templo budista acoge a unos monjes en pleno proceso de aprendizaje espiritual. Pero es Amid, un chico que está fascinado por la música rap, quien lleva el peso de la narración al acudir a hacer compañía a una mujer muy mayor, que se está muriendo. En sus visitas, Amid le lee pasajes del erróneamente conocido en Occidente como el libro tibetano de los muertos, el Bardo thodol, más propiamente llamado “Libro de los estados intermedios”, en el que se da instrucciones a los moribundos para alcanzar el nirvana y evitar renacer e ingresar de nuevo en el samsara. En este segmento de la película encontramos un estilo documental que capta la vida de los monjes en el templo, tratado todo con un tono fantástico que es deudor del cine del tailandés Apichatpong Weerasethakul, creando un mágico lirismo en las imágenes que nos transmite mucha paz interior.

La segunda parte de Samsara tiene lugar en Zanzíbar, Tanzania, donde seguimos a una niña con su mascota, una cabrita, mientras su abuela y su madre le cuentan historias sobre cómo ve su religión (el Islam) el tema de la muerte. También somos testigos de cómo trabajan las mujeres en las granjas de algas, un trabajo muy duro y sacrificado, que pocos beneficios les reportan. En esta parte de la película las texturas y los colores se hacen más intensos. La diferencia cromática con la parte rodada en Laos es muy significativa y está buscada voluntariamente pues Patiño contó con dos directores de fotografía diferentes para rodar en ambos territorios. Y, en medio de las dos partes, nos encontramos con ese elemento que las conecta y que provoca que el espectador explore su sentido del oído en busca de producir imágenes con los ojos cerrados. Si no los mantienes cerrados, verás cuadros de colores intensos y efectos espectroscópicos a lo Gaspar Noé que son los verdaderos culpables de crear esas imágenes subjetivas en los espectadores. Este segmento bisagra de Samsara tiene una gran influencia del cine experimental de Stan Brakhage y del film Blue de Derek Jarman, referentes arriesgados para una película que está destinada a un público más general.

El trabajo de Lois Patiño, después de sus interesantes Costa da Morte (2013) y Lúa vermella (2020), es una obra de madurez, una película que destila belleza y paz gracias a una narración sencilla y un tratamiento de la luz y el color muy cuidado y delicado. Samsara se convertirá en una experiencia única para el espectador abierto que se deje atrapar por su enigmática propuesta, pero hay que avisar al que espere una película convencional que este no es su lugar.

8/10

Daniel Muñoz Ruiz

Fallen Leaves (2023) de Aki Kaurismäki

2023-11-29T14:07:00.000+01:00

La nueva película del director finlandés Aki Kaurismäki está llena de esperanza y buenos sentimientos. Fiel a su filosofía y a la estética de su cine, el experimentado realizador nos entrega una obra maestra de perfecto equilibrio entre el drama y la comedia, entre la tristeza y la alegría, los lloros y las risas. La historia presenta dos personajes solitarios: Ansa (Alma Pöysti), cajera de un supermercado, que es despedida y termina trabajando en una fábrica; y Holappa (Jussi Vatanen), obrero que bebe demasiado, incluso en sus horas de trabajo, lo que provoca que sea despedido con frecuencia. Ambos se conocen en un karaoke y salta la chispa del amor. Tras una cita en el cine, donde ven la película de Jim Jarmusch Los muertos no mueren (2019), Ansa le da su teléfono a Holappa con el propósito de volverse a ver. Los acontecimientos desgraciados y causalidades harán que su relación esté dominada por los desencuentros que, como suele ocurrir en las películas de Kaurismäki, harán que sus personajes tengan dificultades para lograr alcanzar algo parecido a la felicidad.

Fallen Leaves es el título de esta película, que le viene como un guante a la definición de los dos protagonistas que son como “hojas caídas” de un otoño desapacible. La puesta en escena de Kaurismäki, con la ayuda de su colaborador habitual, el director de producción Ville Grönroos, es verdaderamente sensacional. Todas las escenas contienen un tono especial que emociona al espectador más descreído. Su director de fotografía de confianza, Timo Salminen, es el encargado de crear los ambientes de claroscuros tan propios de su filmografía y en esta ocasión, más depurados si cabe. La interpretación de los dos actores principales resulta ser una delicia para los sentidos, consiguiendo transmitir todo tipo de emociones, desde la tristeza, la soledad, la desesperación, hasta la ternura y el amor. Todo gracias a una dirección de actores basada en el laconismo y la contención, que tiene también un maravilloso ejemplo en el personaje de Huotari (Janne Hyytiäinen), autor de gran parte de los chistes y gags cómicos que hacen de esta película una experiencia muy particular, en el buen sentido.

Como en muchas obras de su carrera cinematográfica, Kaurismäki le da una gran importancia y presencia a la música. Sus películas de los Leningrad Cowboys son claros ejemplos de ello, además de los documentales musicales que ha dirigido. En este trabajo que nos ocupa, los personajes la escuchan en la radio, en el karaoke, en la vieja gramola de un bar de mala muerte, e incluso asisten a una actuación en directo del dúo finlandés Maustetytöt, compuesto por las hermanas Anna y Kaisa Karjalainen. La música se convierte así en un personaje más de esta película.

Muchos temas son tratados en Fallen Leaves. Algunos problemáticos como el paro, la pobreza, el alcoholismo o la soledad y otros más agradables como la esperanza y el amor. La película resulta ser un compendio de cómo hacer buen cine sin tener que entregarse a la demostración de virtuosismo con la cámara, a rebuscadas composiciones barrocas o a complicados tratamientos temporales. Además, el film tiene un trasfondo político porque durante todo el relato mientras Ansa escucha la radio, las noticias dan información sobre la guerra en Ucrania y la propia protagonista declara al final que está harta de la guerra. Igualmente, se critica abiertamente el alcoholismo, personificado en la figura del protagonista masculino y causante de la mayor parte de sus problemas. Fallen Leaves concentra en sus 81 minutos de metraje todo lo bueno del cine de Kaurismäki, en la que es sin duda una de sus mejores películas. Maravillosa.

10/10

Daniel Muñoz Ruiz