La actriz venezolana protagoniza la nueva versión de “El pez que fuma”, el clásico de Román Chalbaud con el que debutó en el cine. Dirigida por Luis Fernández y coprotagonizada por el español Fran Berenguer, la coproducción de Eterno Pictures opta al Forqué a Mejor Película Latinoamericana y puede verse en Veoforqué y Veomac.

“El pez que fuma” llega a los 32 Premios Forqué como candidata a Mejor Película Latinoamericana y ha sido seleccionada por la Academia Venezolana de Cine para representar al país en los 41 Premios Goya, en la categoría de Mejor Película Iberoamericana. El próximo 11 de noviembre tendrá además su estreno internacional en la Competencia Latinoamericana del 41 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Hace casi cincuenta años, Mimí Lazo debutó en el cine con El pez que fuma (1977), de Román Chalbaud, una de las películas fundamentales de la cinematografía venezolana. Tenía toda una carrera por delante, pero aquel primer papel le dejó una huella mucho más dolorosa de lo que podía imaginar.

“El pez que fuma fue mi primera película y me hizo sufrir muchísimo por un desnudo de apenas un segundo. En aquella época mi familia sufrió mucho y yo nunca imaginé que aquello provocaría tanto rechazo, incluso entre mis amigos y en la prensa. Me costó muchísimos años conseguir que me valoraran como actriz y dejar de ser considerada un símbolo sexual por aquel desnudo”, recuerda.

Ahora vuelve a ese universo como protagonista de la nueva versión que firma Luis Fernández, una relectura libre del guion original de Chalbaud y José Ignacio Cabrujas. La película recupera aquella historia y, al mismo tiempo, se adentra en el propio oficio del cine y en las relaciones de poder, deseo y dependencia que pueden surgir durante un rodaje.

Luis Fernández, director y guionista, presentará la película en Mar del Plata junto a sus dos protagonistas, Mimí Lazo y Fran Berenguer. Para el cineasta, la selección supone “un gran reconocimiento para un equipo de más de 150 trabajadores del cine de Venezuela y España que pusieron su talento y su esfuerzo en sacar adelante esta película”.

DOS ÉPOCAS, UN MISMO JUEGO DE PODER

1 de enero de 1976, día de la nacionalización del petróleo venezolano. Mientras el país celebra la promesa de un futuro mejor, en un burdel llamado El Pez que Fuma sobrevive una comunidad de personajes al margen, unidos por la necesidad, los afectos y unas reglas que nadie puede saltarse.

Al frente está La Garza (Mimí Lazo), una mujer que ha levantado su propio mundo y lo gobierna con inteligencia, autoridad y una manera muy particular de entender la familia. A su lado, Dimas (Jorge Reyes) disfruta de una posición privilegiada hasta que aparece Jairo (Fran Berenguer), un joven español llegado como polizón en un buque de carga, de apariencia inocente y con una ambición capaz de alterar todas las jerarquías.

Su llegada desata una lucha por el poder en la que la seducción, la traición y el miedo se convierten en armas.

Luis Fernández suma una segunda historia: la del equipo que rueda esa misma película. Ana, la actriz que interpreta a La Garza, mantiene una relación secreta con el director, Santiago (Rafael Romero), mientras Fernando, el actor que da vida a Jairo, se acerca a ella movido por una fascinación que arrastra desde niño.

Poco a poco, los intérpretes empiezan a reproducir los conflictos de sus personajes. La frontera entre ficción y realidad se difumina y el rodaje se convierte en otro escenario de ambición, dependencia y poder.

¿Quién dirige realmente la historia? ¿Quién utiliza a quién? ¿Cuánto de nosotros mismos dejamos en los personajes que interpretamos?

FRAN BERENGUER, UN ESPAÑOL EN EL CENTRO DEL RELATO

La presencia española en “El pez que fuma” va más allá de la coproducción. Fran Berenguer, conocido por El gran salto, Invasión y Culpa mía, comparte protagonismo con Mimí Lazo en un doble papel: Jairo y Fernando, dos personajes unidos por la ambición y por una relación cada vez más compleja con el poder.

“Cuando me llegó la propuesta, lo primero que me llamó la atención fue la oportunidad de protagonizar una película latinoamericana. Siempre he soñado con hacer carrera también en Latinoamérica”, reconoce el actor.

“Jairo me resultaba un personaje muy atractivo para interpretar, con muchas capas y muchas subidas y bajadas a lo largo de la historia. Con Luis fue como un flechazo: sabía muy bien lo que quería y cómo lo quería contar. Sentí que podía fiarme, y durante el rodaje lo confirmé”.

Para Berenguer, la experiencia tiene además una dimensión personal: “Como actor español, para mí es un regalo haber aportado mi granito de arena a una historia tan vinculada a Venezuela. Que ahora cruce fronteras y encuentre también su espacio en España hace que esta experiencia sea todavía más especial. Me llena de orgullo sentir que nuestro trabajo se está valorando tanto en mi país como en Latinoamérica”.

UNA COPRODUCCIÓN ENTRE DOS CINEMATOGRAFÍAS

Rodada íntegramente en Venezuela, “El pez que fuma” cuenta con la participación española de Eterno Pictures, a través de El Sueño Eterno y Eterno Island, en coproducción con 8SML y Broadway en Español LLC, de Venezuela. La producción es de Luis Fernández, Patricia González y José Antonio Varela, y la producción ejecutiva, de Mimí Lazo, Enrique Fernández y David de Lima.

Para Patricia González, productora por Eterno Pictures, esta colaboración demuestra que una historia profundamente arraigada en su país puede cruzar fronteras sin renunciar a su identidad.

“Nadie imaginábamos que una película tan local, tan profundamente venezolana y tan arraigada en su propia identidad pudiera llegar a tener este recorrido internacional. Esta película demuestra que las buenas historias no necesitan perder sus raíces para cruzar fronteras. Al contrario, es precisamente su autenticidad lo que las hace especiales”.

La película recupera además una memoria compartida: la de los miles de españoles que encontraron en Venezuela un país de acogida durante el siglo XX.

“Participar desde España en una película tan vinculada a la memoria de Venezuela es un privilegio, pero también una responsabilidad que hemos asumido con muchísimo cariño y respeto. Una coproducción es mucho más que unir recursos o empresas; es sumar miradas, sensibilidades, formas de entender el cine y, sobre todo, personas”, explica González.

MIMÍ LAZO, UN REGRESO CON MEMORIA

Para Mimí Lazo, volver a “El pez que fuma” supone también reencontrarse con sus orígenes y con quienes marcaron su carrera.

Su estreno en Argentina tiene un significado especialmente emotivo: “Siento que estoy protegida por mi maestro, que está en el cielo. Tuve la suerte de formarme con Juan Carlos Gené, un maestro extraordinario de la actuación, argentino, que emigró a Venezuela y creó el Grupo Actoral 80, del que formé parte. Yo no habría sido la actriz que soy sin él. Por eso me emociona especialmente que El pez que fuma llegue a Argentina, a la tierra de mi maestro. Siento que, de alguna manera, él sigue acompañándome”.

Y la candidatura a los Goya añade un vínculo familiar que se remonta varias generaciones atrás.

“Mi abuela era catalana y mi tatarabuelo, Antonio Lazo Graells, llevaba películas de Barcelona a Venezuela. Desde niña crecí viendo las películas de Rocío Dúrcal y Marisol, me sabía sus diálogos y sus canciones de memoria. Siempre he tenido una conexión muy especial con España. Por eso llegar ahora a los Goya tiene para mí un significado enorme”.

Casi cincuenta años después, Mimí Lazo regresa a la película que marcó sus comienzos, esta vez desde la experiencia de toda una carrera y con una historia que también habla del poder de las imágenes sobre quienes las protagonizan.

Porque, más allá del deseo, la ambición y las luchas de poder que atraviesan “El pez que fuma”, queda una última pregunta: ¿puede el cine dar una segunda oportunidad a quienes un día quedaron atrapados en sus imágenes?

Tras el vacío de cine español en el palmarés de la sección oficial de la Seminci, la película española triunfadora en la 71ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid es “Salen las lobas”, ópera prima de Claudia Estrada Tarascó, que acaba de recibir dos galardones: el Premio Seminci Joven y el Premio del Público de la Sección Punto de Encuentro. Un reconocimiento especialmente significativo para una película que pone el foco en las experiencias de las adolescentes y que reivindica la amistad, la sororidad y la música como herramientas de resistencia y transformación.

La película llegará a las salas de cine el próximo 11 de diciembre, de la mano de Silencio Cinema. De hecho, la distribuidora también ha conseguido en MERCI, el mercado de cine independiente celebrado dentro del marco del festival, el Premio del laboratorio de distribución cinematográfica La Meseta, organizado por el Ayuntamiento de Valladolid y la SEMINCI, reconocimiento otorgado “por conectar con el público joven y reforzar la idea de un hecho por y para jóvenes”.

La película cuenta en su reparto con jóvenes actrices naturales, vinculadas a la escena urbana. Valeria Estrada, hermana de la directora, debuta como actriz protagonista dando vida a Luna mientras que Huda, cantante de rap y trap, interpreta a Yanira. Completan el reparto Vanessa Aisha “Nessa”, quien da vida a Melissa, y Sara Martínez como Rocío, descubierta durante el proceso de street casting. También les acompaña Àlex Brendemühl (Petra, Creatura), quien interpreta al padre de la protagonista.

Claudia Estrada Tarascó se inspira en la historia de su propia hermana (Valeria Estrada), que fue internada en un centro de justicia juvenil a los catorce años. A partir de esta experiencia familiar, la cineasta comenzó una investigación de cuatro años para acercarse a una realidad prácticamente invisibilizada: la de las menores que pasan por estos centros y los procesos judiciales a los que se enfrentan. De ese proceso surge una historia que además de retratar la dureza de estos centros, también pone el foco en los vínculos que se construyen entre las jóvenes que los habitan. En palabras de la directora: “uno de los grandes descubrimientos de la investigación fue la sororidad entre las adolescentes y la forma en que se apoyan cuando sus propias familias les han fallado”.

Se trata de una producción de Oceanika, Vampire Films y la productora belga Novak Prod que esta participada por RTVE y cuenta con el respaldo de Europa Creativa MEDIA, ICEC, ICAA y Eurimages.

¿De qué va?

Luna, una adolescente de quince años, es enviada a un centro de internamiento juvenil tras ser acusada por su padre de malos tratos. Allí conoce a Yanira, Rocío y Melissa, tres internas con las que formará una amistad que cambiará su manera de enfrentarse al mundo. Cuando descubren su talento para la música, las cuatro se embarcan en el sueño de triunfar en un concurso de trap en Barcelona. Juntas, se convertirán en “Las Lobas” y encontrarán una vía de escape y una nueva familia dentro de un sistema que intenta someterlas.

Con una poderosa fotografía de Jokin Pascual, el documental producido por En Buen Sitio opta a Mejor Largometraje Documental y al Premio al Cine y Educación en Valores en los 32 Premios Forqué. Tras recorrer más de veinte festivales y obtener cuatro premios internacionales, también está inscrito a los 41 Premios Goya.

¿Qué sucede cuando el lugar en el que has vivido toda tu vida empieza a desaparecer bajo el agua? ¿Qué ocurre cuando abandonar tu casa deja de ser una elección y se convierte en la única posibilidad de sobrevivir?

Lokhi vive en Mongla, al sur de Bangladesh, con su marido y sus dos hijas. Año tras año, el agua ha ido ganando terreno hasta amenazar su hogar. La familia se prepara para abandonarlo y emprender el camino hacia Daca, una de las ciudades más pobladas y contaminadas del planeta, donde miles de personas buscan refugio y una oportunidad para empezar de nuevo.

Su historia es uno de los ejes de BLACK WATER, el largometraje documental dirigido por Natxo Leuza y producido por Lucía Benito y Jokin Pascual, de la productora navarra En Buen Sitio. Una película que convierte una de las mayores amenazas humanitarias de nuestro tiempo en un relato profundamente humano, sostenido por una ambiciosa propuesta cinematográfica.

Un país que se lleva el río

Bangladesh ocupa uno de los grandes deltas del planeta, formado por los ríos Ganges, Brahmaputra y Meghna. Las inundaciones, los ciclones, la erosión y la subida del nivel del mar están transformando su territorio y obligando a comunidades enteras a desplazarse. Las estimaciones recogidas en el documental advierten de que entre 20 y 30 millones de personas podrían verse forzadas a abandonar sus hogares en las próximas décadas.

Leuza deja las cifras en segundo plano para seguir tres historias: Lokhi, que representa el desarraigo y la pérdida; Shakila, periodista y activista climática que lucha por movilizar a la población; y Roy, una figura de carácter profético que advierte de un futuro que muchos prefieren ignorar.

Tres miradas sobre una misma crisis, donde la supervivencia convive con la resistencia y la esperanza.

La dignidad y la resistencia frente a la injusticia climática

BLACK WATER no presenta a sus protagonistas únicamente como víctimas. A través de Shakila, que utiliza la radio y la movilización ciudadana para denunciar la injusticia medioambiental, muestra también la capacidad de las comunidades para organizarse y reclamar su futuro.

“Estas comunidades humildes son las que menos aportan a las emisiones globales, pero son las que reciben las consecuencias de forma más directa y brutal. Parece que nos enfrentamos a un apartheid climático donde los ricos pagan por escapar de los conflictos mientras el resto de la sociedad sufre”, explica Leuza.

El documental plantea cuestiones que trascienden el medio ambiente: la desigualdad, las migraciones forzosas, la responsabilidad colectiva y el derecho a una vida digna.

Precisamente esta dimensión humana fue destacada por el jurado del Premio Amnistía Internacional en San Sebastián, que subrayó su capacidad para abrir una ventana a la esperanza a través de la movilización popular. Una mirada que conecta directamente con el espíritu del Premio al Cine y Educación en Valores de los Forqué.

Una fotografía entre la belleza y la desolación

Uno de los grandes valores cinematográficos de BLACK WATER es la fotografía de Jokin Pascual, también productor de la película, que construye imágenes de una belleza sobrecogedora sin apartar la mirada de la dureza de lo que muestran.

“Cuando Natxo me propuso hacer la fotografía vi que BLACK WATER tenía una gran carga estética. Ahí empezó un proceso muy largo de desarrollo y de preproducción donde hablamos muchísimo sobre la película y cómo hacerla”, explica Pascual en una entrevista publicada en Camera&Light.

Leuza buscaba una imagen apocalíptica, pero también poética. Los cielos cargados, los paisajes inundados y la densidad de Daca construyen una atmósfera inquietante que acompaña el viaje de sus protagonistas.

El tratamiento de la luz resulta especialmente significativo. Frente a la iluminación natural de los entornos rurales, la llegada de Lokhi a Daca introduce luces artificiales, verdes industriales y tonos anaranjados que sugieren esperanza. La fotografía no se limita a documentar: también cuenta la historia.

El equipo realizó un primer viaje de localizaciones en 2023 y regresó al año siguiente para rodar seis semanas durante el monzón, enfrentándose a lluvias torrenciales y condiciones extremas. “Cuando finalmente llegó la lluvia, había tanta agua que parecían cortinas”, recuerda Pascual.

A la dirección y el montaje de Natxo Leuza se suman la música de Mikel Salas, el diseño de sonido de Iosu González (Noisestudioa) y el trabajo de color de Jorge Jesús (El Colorado), fundamentales para construir la identidad audiovisual de la película.

Más de veinte festivales y cuatro premios internacionales

Desde su estreno mundial en CPH 2025, en Copenhague, BLACK WATER ha participado en más de veinte festivales de Europa, América y Oceanía, entre ellos FIPADOC, el Festival de Málaga, Adelaide Film Festival y el Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

Su recorrido incluye cuatro importantes reconocimientos: el Premio Amnistía Internacional al Mejor Largometraje en el Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián; el Premio de Cine Socioambiental en Guadalajara (México); el Golden Objective a Mejor Película en el Millennium Documentary Film Festival de Bruselas; y el premio al documental más perturbador en el Ramdam Festival de Tournai (Bélgica).

El jurado de San Sebastián destacó su “excelente factura cinematográfica”, mientras que el de Guadalajara reconoció que “su aproximación sensible y original construye un vínculo genuino con el espectador”.

La película también ha recibido atención de la prensa especializada, con críticas y reportajes en medios como Cineuropa, Entreletras, Camera&Light y Días de Cine, de RTVE.

El proyecto más ambicioso de En Buen Sitio

Para En Buen Sitio, fundada en Pamplona en 2016 por Lucía Benito y Jokin Pascual, BLACK WATER representa su proyecto de mayor envergadura hasta la fecha. Su colaboración con Leuza se consolidó con WHY, el cortometraje documental rodado en Ucrania durante el primer mes de la invasión rusa.

Con BLACK WATER, esa apuesta por un cine de autor, comprometido y de gran elaboración visual alcanza una nueva dimensión internacional.

Como señala Natxo Leuza, “Bangladesh es un espejo anticipado de lo que sucederá en otras partes del mundo”.

Una película que habla de Bangladesh, pero también de nuestro futuro común y de la responsabilidad de no permanecer indiferentes.

BLACK WATER, estrenada en cines el 17 de abril, está disponible en Movistar Plus+, VEOFORQUÉ (socios de EGEDA), VEOMAC (miembros de la Academia de Cine) y VEOFEROZ (prensa).

Tras conquistar al público y a la crítica, “Un hijo”, ópera prima de Nacho La Casa, sigue su circuito de festivales internacionales. Tras estrenarse en Competición Oficial en el prestigioso Festival Internacional de Cine de El Cairo y su paso por la Sección Oficial del Festival de Málaga y el BCN Film Festival, su próxima parada será el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Además, ‘Un hijo’ llegará próximamente a los cines en Grecia y en Italia.

‘Un hijo’ adapta la premiada novela de Alejandro Palomas en un drama familiar sobre el duelo, la incomunicación y la necesidad de acompañar emocionalmente a los niños. Guille, de ocho años, aparentemente es feliz, pero sus dibujos revelan a María, la psicóloga de su colegio, un mundo interior marcado por la ausencia de su madre y la distante relación con Manuel, su padre.

La ganadora del Premio Goya a Mejor Actriz Protagonista, Macarena García (“Se tiene que morir mucha gente”; “La Mesías”, “La llamada”, “Blancanieves”) y Hugo Silva (“Cada día nace un listo”, Las brujas de Zugarramurdi”,”Los hombres de Paco”) encabezan el reparto junto al joven Ian Cortegoso, que debuta en el cine con una interpretación cargada de sensibilidad. En su reparto destacan también el ganador del Premio Goya Jesús Carroza (“La isla mínima”, El niño”) y la ganadora del Premio Goya a Mejor Actriz de Reparto, Adelfa Calvo (“El autor, “En los márgenes”). El universo de “Mary Poppins”, elemento esencial de

Se acaba de fallar el palmarés de la 71ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) y si su sección oficial carece de cine español, en su sección de cortometrajes nuestro cine brilla.

El jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por la programadora polaca Aleksandra Ławska, la cineasta iraní-holandesa Sara Rajaei y el director del Festival de Aguilar de Campoo, Jorge Rivero, ha otorgado la Espiga de Oro a Class Photo, de Arnas Balčiūnas (Lituania).

El jurado ha destacado el encuentro fortuito de dos antiguos compañeros de clase en un edificio escolar destinado a la demolición, que evoca «un mundo que nunca llegará a perderse». El fallo reconoce «la profundidad de su narrativa y la solidez de sus valores audiovisuales», así como su capacidad para reunir las vivencias de personajes presentes y ausentes en «un mosaico de recuerdos e identidades».

Las Espigas de Plata han distinguido a Primer fuego, de Blanca Camell Galí (Francia y España), y Crónica del cansancio, de Natalia Marín (España). Sobre la primera, el jurado ha destacado su retrato de las mujeres y del proceso del parto, y su capacidad para revelar «la experiencia compartida y silenciada de generaciones de mujeres, su sexualidad, su feminidad y su dolor físico». De Crónica del cansancio ha valorado cómo, a través de sus motivos recurrentes y un estilo visual lineal, construye una narración en profundidad que aborda «la hostilidad del mundo actual».

El Premio al Mejor Cortometraje Europeo ha recaído en Pithead, de Wannes Vanspauwen y Pol De Plecker (Bélgica y Francia), por su retrato de «un universo distópico y aislado en el que el tiempo parece haberse detenido». El jurado ha destacado especialmente sus elementos cinematográficos y el papel de la naturaleza como fuerza que impulsa el desarrollo de la historia.

En la Sección Oficial de Cortometrajes Españoles, el premio al mejor cortometraje ha sido para L’enterrament de la sardina, de Mariona Martínez. El jurado ha valorado cómo, a través de la tradición, el humor, las magníficas interpretaciones de sus jóvenes protagonistas y un desenlace inteligente, la película descubre «la tierna relación de una niña con su padre, que atraviesa un proceso de pérdida y duelo».

El Premio Castilla y León en Corto ha distinguido a Under the Lake, de Juan Carlos Mostaza, por «su imaginativo estilo de animación, su atractiva narrativa y sus elementos de suspense». Por último, el premio del Jurado Joven de Cortometrajes ha recaído en El Tamagochi Escarlata, de Francisco Visceral.

En su 23.ª edición, el Festival de Cine Europeo de Sevilla, dirigido por Manuel Cristóbal, entregará su Giraldillo de Honor a Thierry Frémaux en reconocimiento a su trayectoria, el máximo galardón que concede el certamen. Un reconocimiento que trasciende su papel al frente de Cannes y que pone en valor una carrera estrechamente vinculada a la historia y la conservación del séptimo arte.

Thierry Frémaux es mucho más que el rostro más reconocible del Festival de Cannes. Delegado general del certamen desde hace más de dos décadas, es una de las figuras fundamentales para entender la evolución y el prestigio internacional que ha alcanzado la cita cinematográfica más mediática del mundo. Desde 2022 comparte la dirección con Iris Knobloch, primera mujer en presidir el festival, que asume las responsabilidades institucionales y financieras, mientras Frémaux concentra sus esfuerzos en la programación, la comunicación y el acompañamiento de los cineastas que cada año desembarcan en la Croisette.

Cineasta e historiador formado en la Universidad Lumière Lyon 2, Frémaux dirigió durante años el Instituto Lumière de Lyon, institución de referencia en la preservación y difusión del patrimonio cinematográfico. La figura de los hermanos Auguste y Louis Lumière constituye, de hecho, una de las grandes constantes de su trayectoria. Desde hace más de tres décadas, el francés reivindica su papel no solo como inventores del cinematógrafo, sino como auténticos fundadores de un lenguaje que posteriormente desarrollarían cineastas como D. W. Griffith, Ernst Lubitsch o F. W. Murnau.

En 2016 llevó esa reivindicación a la gran pantalla con ¡Lumière! Comienza la aventura, un documental construido a partir del montaje de imágenes históricas que permite descubrir la modernidad y el alcance del trabajo de los pioneros franceses. Casi una década después llegaría su continuación, ¡Lumière! La aventura continúa. Su compromiso con este legado también se materializó en 2009 con la creación del Festival Lumière de Lyon, cuya dirección Frémaux mantuvo como condición indispensable cuando asumió sus responsabilidades en Cannes.

El Giraldillo de Honor de Sevilla también distinguirá este año a la cineasta polaca Agnieszka Holland y al estudio irlandés Cartoon Saloon, que hace historia al convertirse en el primer estudio de animación en recibir este reconocimiento. Una nómina que refuerza la dimensión internacional y la ambición cultural del festival sevillano.

En los últimos años, Frémaux se ha erigido, además, en uno de los grandes defensores de la exhibición cinematográfica en salas. Su apuesta por preservar la experiencia colectiva del cine ha marcado la política de selección de Cannes, especialmente frente a las plataformas de streaming. Una posición que ha consolidado al certamen como escaparate privilegiado del cine de autor e independiente, sin renunciar a su histórica conexión con Hollywood.