Emilio Sanchez Perrier "Fuego en el campo, al borde de un rio"

Durante los primeros años de su vida Emilio Sánchez Perrier se dedicó a la relojería en el establecimiento que su padre, Manuel Sánchez, tenía en la calle Sierpe. Mostrando aptitudes y vocación por el dibujo y la pintura. Con trece años de edad ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla, fueron sus primeros maestros  Joaquín Domínguez Bécquer y Eduardo Cano de la Peña. Pero desde entonces hasta llegar a ser uno de los mejores paisajistas españoles de todos los tiempos habrían de pasar muchas cosas.

"A orillas del rio, en la oscuridad". Emilio Sanchez Perrier

El conocimiento de las obras del pintor paisajista Martín Rico, en un viaje casual a Sevilla, decidió la orientación de su dedicación artística, que se consagraría de lleno a partir de ese momento al cultivo del paisaje, género que aprendió y perfeccionó en la Real Academia de San Fernando de Madrid como discípulo de Carlos de Haes. En 1871, cuando se encontraba en Granada con Martín Rico, conoce a Mariano Fortuny, de quien se hizo amigo y cuyo estilo se reflejará también en su obra.

En 1878 se presenta en la Exposición Nacional de Bellas Artes con los cuadros Reja del Pretorio en el jardín de la casa de Pilatos, Huerta de gallinas en Alcalá de Guadaira, El ocaso, La ribera del río Guadaira, Laguna de los patos y El molino de Mesía, que fueron adquiridos por el Duque de Montpensier. Asiste también con sus obras a exposiciones en Sevilla y Cádiz en 1877, 1878 y 1879, donde logró en este último año una medalla de oro en la Exposición Regional de Cádiz.

"Invierno en Andalucía". Emilio Sanchez Perrier

En 1881 se presenta de nuevo en ese certamen con una vista al carbón de Alcalá de Guadaira. Esta pequeña población sevillana será motivo constante de inspiración para el pintor, ya que pasaba allí grandes temporadas, especialmente las primaveras. Realizó múltiples versiones de esta población reflejada en el río, así como numerosos paisajes fluviales de frondosas orillas a los que dota de una poética casi romántica. De ahí que se le llegará a considerar el fundador de la que se ha denominado la «Escuela de Alcalá de Guadaira», pero no solo porr eso, sino porque a su vuelta definitiva a Sevilla, frecuenta un grupo de pintores en torno a Manuel Ussel de Guimbarda. A partir de 1881, su fama creció y el famoso coleccionista norteamericano George A. Lucas comienza a comprar sus paisajes.

"Paisaje en la campiña belga". Emilio Sánchez Perrier

Después se traslada a París para ampliar estudios e ingresó en el taller de Auguste Boulard, también frecuentó los de Jean-Léon Gérôme y Felix Ziem. En 1880 debuta en el Salon de la capital francesa con Jardín del Alcázar de Sevilla e Invierno en Andalucía , y se convirtió a partir de entonces en un asiduo participante de este certamen, en el que llegará a alcanzar una mención honorífica en 1886.  Es ahora cuando su vinculación con la fotografía se hace mas estrecha. Favorecido por la aparición de la “instantánea” que, frente a los aparatosos equipos y negativos del pasado, era fácil de transportar, Sánchez Perrier como otros pintores, se sirve de ella en una búsqueda de la perfección del paisaje.

"Orilla del Guadiana con barca". Emilio Sanchez Perrier

Años más tarde vuelve a ser premiado con una medalla de plata en la Exposition Universelle celebrada en París en 1889. También fue premiado en Madrid en la Exposición Nacional de 1890 con una segunda medalla por su cuadro titulado Febrero (Barcelona, Museu d’Art Modern).

"Un paseo por el río". Emilio Sánchez Perrier

Emilio Sánchez Perrier, junto con el también sevillano Luis Jiménez Aranda, a quien visita cuando éste se establece en Pontoise, pues eran amigos íntimos, fueron los principales paisajistas españoles activos en París en los años ochenta. En su obra tardía se deja sentir la influencia de la Escuela de Barbizon, más impresionista,  aunque su técnica sea más minuciosa y su atmósfera más luminosa. Un crítico contemporáneo comentaba que «en sus paisajes de Fontainebleau ponía algo de la luz de Sevilla, y en los de Alcalá, algo de la dulzura de Passy».  El tamaño de sus obras es siempre relativamente pequeño, están ejecutadas con gran precisión, y en ellas el cielo y el agua ocupan un lugar esencial. El formato horizontal es elegido como expresión de la influencia de los pre-impresionistas de franceses, especialmente de Daubigny.

"Ribera del Guadaira con pescador". Emilio Sánchez Perrier

 En 1894, Sánchez Perrier fue nombrado miembro de la Société General des Beaux Arts de Francia y, en 1903, miembro de la Academia de Bellas Artes de Sevilla. También fue comendador de la orden de Isabel la Católica. Se le dedicó una exposición retrospectiva en Sevilla en el año 2000.

"Autorretrato". Emilio Sánchez Perrier

Texto de Juan Muro basado en otros de Pilar de Miguel Egea, para el Museo Thyssen de Málaga, en la Enciclopedia On Line del Museo del Prado y en la Wikipedia.

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Junto con Frederic Arthur Bridgman, Edwin Lord Weeks es uno de los más célebres dibujantes orientalistas de América, todo un culo inquieto, al menos hasta su vejez, a pesar de lo cual se sabe poco de su vida, y menos fuera de USA, lo que viene a cubrir ahora elDibujante con su habitual impertinencia.

Edwin Lord Weeks. "La corte de la Alhambra en tiempo de los moros". 1873

Los padres de Weeks fueron ricos comerciantes de té y especias afincados en Newton, un suburbio de Boston y, como buenos ricachones, eran capaces de aceptar, e incluso de promover y hasta probablemente de financiar, el interés juvenil de su hijo por la pintura y los viajes. De joven Eduardito visitó los Cayos de Florida para dibujar y también viajó a Surinam, un pequeño pais del norte de Sudamérica que los europeos llaman aún Guayana Holandesa tras mirarse el ombligo. Sus primeras pinturas conocidas están fechadas a partir de 1867 cuando tenía dieciocho años, aunque la verdad es que aún son bastante malas y por eso, piadosamente, les llamamos pinturas de su periodo de formación.

Edwin Lord Weeks. "Interior de la Mezquita de Córdoba". 1889

A los 21 años abrió un estudio en Newton, el mismo año se casó con Frances Rollins Hale de New Hampshire, una santa, a juzgar por la vida que le esperaba. Al año siguiente, acompañado por un amigo, el ilustrador AP Close, viajó a Egipto, Tierra Santa y Siria hasta Damasco. Sus cuadernos de viaje son preciosos porque están repletos de ilustraciones con las escenas del norte de África, pero tienen tantos derechos que ¡cualquiera se atreve a enseñároslos!. Sin embargo, en Beirut, Close falleció de una fiebre y fue enterrado allí. Durante una breve estancia en Marruecos, por esas fechas, es probable que se encontrara con el académico escocés Robert Gavin (1827-1883) que vivió y trabajó en Tánger durante la década de 1870.

Edwin Lord Weeks. "Tanger". 1878

Después del regreso de Weeks a Newton, los diarios de Boston publicaron la descripción de sus temas nuevos y también comentaron con entusiasmo una exposición de sus obras en el Club de Arte de Boston, lo que suponen las primeras pruebas de su creciente importancia como artista, al menos en su ciudad natal. La transcripción del Diario La Noche de Boston del 23 de junio 1874 anuncia que pronto se embarcará para Europa y que pasará una temporada en París antes de regresar a Oriente para estudiar los magníficos colores encontrados allí.

Edwin Weeks. "Viejos azulejos azules en las afueras de Mosque"

Al llegar a París junto con su esposa, Weeks intentó inscribirse en el taller de Gérôme en la École des Beaux-Arts. Sin embargo, mientras esperaba que su solicitud fuera aceptada, comenzó a trabajar en un taller privado, el de Léon Bonnat, un amigo cercano de Gérôme que también había viajado con él al norte de África. Cuando finalmente se le concedió la admisión al taller de Gérôme en septiembre de 1874, quedó tan satisfecho con sus estudios con Bonnat que decidió quedarse allí. Aunque las revistas de Boston a partir de entonces comenzaron a llamarlo “un estudiante de Gérôme”, de hecho nunca lo fue y siempre se refiere a sí mismo como un “estudiante de Bonnat”. Sin embargo, es probable que como él sabía la importancia social que tenía ser descrito como estudiante de Gérôme, no hiciera demasiados esfuerzos por desmentirlo.

Edwin Lord Weeks. "Partida de caza"

Bonnat fuen un buen pintor, “hecho a sí mismo”, que es una manera bastante cursi de llamar a los autodidactas, y sólo tenía treinta y un años de edad en el momento de comenzar a enseñar, pero a esa edad ya era un consagrado pintor realista. Sus métodos de enseñanza eran algo radicales en comparación con las de los profesores de la Escuela pues animaba a sus alumnos a pintar, o a dibujar, poniendo menos importancia en el estudio de los detalles de la forma humana y más en todo el cuerpo como un objeto idealizado. Se cree que Weeks se quedó con él durante casi un año y medio y que, sin duda, absorbió el estilo realista basado en representar las características del sujeto y también los métodos de trabajo al aire libre (“en plein air”) para estudiar los efectos de los recursos naturales y las luces y sombras. En realidad ello le proporcionó la formación ideal para pintar escenas étnicas.

Edwin Lord Weeks. "Viajando por Persia". 189

Los detalles precisos de los viajes de Weeks en los años siguientes no están bien documentados, sin embargo sabemos que regresó a El Cairo en la primavera de 1875, y que en el otoño siguiente se fue a Marruecos, con toda probabilidad después de haber pasado el verano en París. A su regreso a Estados Unidos, en febrero de 1877, celebró una exposición en la Galería de Noyes y Blakeslee, en Boston. Fue muy bien recibido y, de acuerdo con los diarios de Boston, las ventas resultantes fueron suficientes para financiar un viaje de varios años a la India. Pero esto no estaba aún por suceder y regresó a París, donde comenzó una obra -”Camellero Marroquí”- destinada para ser expuesta en el Salón de 1878 , lo que sería su primera participación en el Salón. A continuación, se preparó para pasar un largo invierno en Marruecos, cuyos detalles fueron publicados en la revista Scribner en 1901.

Edwin Lord Weeks. "Camellero Marroquí".

En Marzo de 1878 preparó su viaje para visitar Rabat, que está en la costa atlántica marroquí, evitando los puertos del norte frecuentados por los turistas, y así cruzó el Estrecho de Gibraltar acompañado por su esposa, hasta llegar a Tánger, donde su amigo Robert Gavin estaba viviendo. Gavin se unió a ellos en su viaje. Fueron cinco días andando por caminos de barro y atravesando ríos desbordados (¡a caballo podrían haber hecho el viaje en un día!) Y, además no esperaban a encontrar un solo hotel en Rabat, así que se llevaron con ellos los suministros suficientes para una estancia de tres meses. Sin embargo, después de todo, eso les salvó pues al llegar a Rabat se encontraron la región afectada por la hambruna, lo que no le disuade de permanecer en la ciudad y, contando con la ingenuidad de los funcionarios de Tánger y sus divisas, comenzaron a hacer una distribución de pan a los pobres, mientras a cambio les pedía que posaran para él.

Edwin Lord Weeks, "El jinete"

Se decidió por regresar a París en febrero, con la intención de llegar a tiempo para el Salón. Sin embargo, una terrible tormenta de arena les impidió embarcar en el vapor costero por lo que planeó viajar por tierra a lomo de camello. Pero el día de la salida prevista los dos Weeks (él y su esposa) sucumbieron a la fiebre tifoidea y Gavin, que se inmunizó al parecer, les cuidó hasta que el peligro pasó. Pero no fue antes de la primavera cuando consiguieron subir a un barco que llevaba la bandera británica, y aun así, fueron sometidos a una violenta tormenta marítima en su viaje de regreso. ¡Vaya, que volvieron de milagro!

Edwin Lord Weeks. Llegada de una caravana a las afueras de una ciudad de Marruecos"

A pesar de las molestias y peligros de su visita a Rabat, Weeks volvió a esa ciudad antes de que hubiera pasado un año. Quería visitar las ciudades legendarias del Magreb, pero las circunstancias adversas del interior habían obstaculizado su anterior plan de viaje desde Tánger a Fez por tierra. Esta vez siguió la costa de Mogador, donde obtuvo el permiso del gobernador para entrar en el interior del país, escoltado por una guardia armada hasta Marrakech. Allí obtuvo el permiso del potentado local para dibujar en las calles. Estaba fascinado por los contrastes entre el comercio floreciente de los bazares y los antiguos monumentos en estado de abandono. Weeks no expuso durante dos años, hasta 1880. Luego, en sus muestras todas sus composiciones eran de temas marroquíes y los precios que pedía eran comparables a los de los mejores pintores franceses de la época, a pesar de lo cual vendía sus cuadros sin problemas.

Edwin Lord Weeks. "Herrero en Tánger"

Años más tarde, en 1883 viajó a la India y, de acuerdo con sus propias cartas, pasó todo el viaje día y noche pintando y haciendo fotografías, que probablemente utilizara para registrar los detalles arquitectónicos y los fondos de sus composiciones. Volvería de nuevo en 1892, por encargo de la revista Harper, esta vez acompañado por el periodista Teodoro Child que iba a escribir una serie de artículos sobre sus viajes con ilustraciones de Weeks.

Edwin Lord Weeks. "Ceremonia y desfile de un príncipe hindú".

Previendo un viaje por tierra de enormes proporciones, planeaba partir de San Petersburgo y tomar el tren Tran Caspio a Samarcanda para luego descender a través de Herat en Afganistán – bueno, un viaje cómodo en su mayor parte, aunque cada vez más aventurero después de Samarcanda-. Sin embargo, un brote de cólera en las provincias rusas del norte se lo impidió, así que decidió seguir la ruta de las caravanas antiguas de Trapisonda en el mar Negro hasta Tabriz y desde allí a través de Kurdistán.

Edwin Lord Weeks. "Cruzando un rio".

Llegaron a Trapisonda, (una ciudad del noroeste de Turquía que ya citaba Cervantes en El Quijote) en julio de 1892 y allí organizó una caravana. Fueron asesorados por su guía para comprar un par de arabas (que son  carros grandes con lona, parecidos a los utilizados por los pioneros del Oeste americano). Así, tirado por cuatro caballos, se pusieron en marcha en dirección sudoeste acompañados de dos arabas. Sin embargo, apenas habían iniciado su andadura cuando sus caballos se enfangaron en un pantano y casi se ahogan. Afortunadamente los animales pudieron ser rescatados in extremis por los mismos caravaneros.

Edwin Lord Weeks. "Carromato hindú"

En lugar de campamentos al aire libre, prefería pasar las noches ya sea en khans (modestas casas de huéspedes) o en los caravasares, (unos albergues para las caravanas que antes había por todo oriente) aunque en ellos había poca comodidad y eso, unido a varios accidentes menores que sufrieron en el camino, hizo que el viaje resultase penoso. Además se vieron también obstaculizados por la puntual y constante atención de los funcionarios turcos para comprobar sus documentos (en busca de ‘bachis’) en todas las ciudades que visitaron. Una semana más tarde llegaron a la frontera con Georgia y cruzaron el paso peligroso de Taya, francamente malo ya que las tormentas habían transformado el camino de tierra en barro. Continuaron pasando el Monte Ararat en Turquía, junto al lago Urmia, hacia la frontera con el Kurdistán.

Edwin Lord Weeks. "Puerta de Shehal, Marruecos"

Weeks encontró viajar por los pueblos persas tan emocionante como cruzar los pasos de montaña. Sin embargo, acercándose a Tabriz, tropezaron con un cortejo fúnebre tras otro, y luego a la llegada a la ciudad, las calles desiertas: ¡Habían viajado directos hacia el centro de una epidemia de cólera! Sin embargo, se quedaron allí casi un mes pues su compañero Teodoro Child, y su guía, habían caído enfermo y necesitaban recuperarse. Pero con la llegada del invierno tenían que seguir adelante, y eligieron su ruta cuidadosamente para no quedar aislados por la nieve. Se decidió por partir para Teherán, luego hacia el sur hasta Isfahan y Shiraz, cortando a través de Bushir, un puerto en el Golfo Pérsico, donde podían tomar un barco de vapor a la India.

Edwin Lord Weeks. "Escena de calle en la India"

Después de haber vendido su araba, viajaban al estilo persa, a caballo, con un total de diez caballos, dos los de ellos y los otros ocho para su equipo y el equipaje. Weeks, descubrió que el concepto de viajar de esta manera le resultaba altamente satisfactorio y hasta romántico, tienda de lona cada noche, registro de su progreso en el diario de viaje y, después de la cena, sentados bajo el toldo de su tienda, a fumar una cachimba mirando la puesta de sol sobre el horizonte.

Edwin Lord Weeks. "Comienzo de la cacería"

Finalmente llegó a Teherán, una gran ciudad cosmopolita dotada de un tranvía y una población extranjera importante. Por el contrario, Isfahan les pareció muy extenso puesto que les llevó una hora para pasar por los pueblos de alrededor y los bazares antes de llegar a la zona central. Pero la arquitectura era impresionante y el fragante aire estaba impregnado del aroma de fruta madura.

Edwin Lord Weeks. "Templo y estanque de Walkeshwar en Bombay"

Sólo uno o dos días después de salir de Shiraz, Child comenzó a mostrar síntomas de fiebre tifoidea y los Weeks lo enviaron de nuevo a Isfahan para su medicación. Pero ya era demasiado tarde y el Child murió en el viaje de regreso. Cuando Weeks reanudó su viaje a Shiraz le estaban esperando con una lista de los “pueblos contaminados”, que el cónsul le había hecho. A las puertas de la ciudad, comunicada por carta enviada con antelación, fue recibido por dos hombres e inmediatamente transportado a otro universo -el de una colonia extranjera donde se cenaba en una mesa y en la que “hombres vestidos de franela blanca juegan en las canchas de tenis”-. Para volver al Golfo Pérsico, los Weeks tuvieron que cruzar las montañas Kotal, con un pico de 2.250 metros de altura, a caballo. Sin embargo, el 29 de noviembre de 1892 en la costa pantanosa de Bushir, se subieron por fin al barco de vapor Occidental y se despidieron de sus compañeros. Se dirigían a la India.

Edwin Lord Weeks. Elefante Mossul

Weeks pasó dos años en la India antes de regresar a París. Sus pinturas de la vida india le dieron gran celebridad en Francia y en los Estados Unidos y se por eso las convirtió en su especialidad. A partir de entonces se retiró  a pasar trece años en una residencia lujosa con un taller enorme en la Avenue de Wagram antes de asentarse definitivamente en París, cerca del Bois de Boulogne. En 1896 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y continuó pintando hasta su muerte en París en 1903, que se cree que se debió a una enfermedad contraída en la India. Una esquela necrológica lo describió como “un hombre reservado con una voz tranquila y de estatura más bien pequeña, pero viril, amable y afable”.

Edwin Lord Weeks

Texto traducido por Juan Muro del libro “Les Orientalistes de L’École Américaine”, de Gerald M. Ackerman

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Robert Henri. "Nieve". 1902

Cuando en 1934 un grupo de críticos norteamericanos pretendieron incluir a Edward Hopper en el ya viejo ‘Grupo de los Ocho’, el solitario Hopper -siempre más cercano al “transfondo Andrew Whyeth”-, rechazó los planteamientos de la pintura de estos nuevos realistas americanos comandados por su maestro Henri, diciendo que la suya no era una pintura que representara solo los objetos cotidianos de las calles de las ciudades americanas: “With not a single incidental ashcan in sight.”, lo que puede traducirse por “No es solo un cubo de basura casualmente a la vista”. De esta manera comenzó a conocerse al grupo de pintores agrupados en torno a Henri como la Ashcan School o, traducido, la Escuela del Cubo de Basura.

"Café du Dome en Montparnase". Robert Henri

 ”Los Ocho” fueron un grupo de artistas, (en general venían del mundo de los ilustradores de periódicos en Filadelfia), que realizaron una exposición conjunta en la galería Macbeth en Nueva York, en 1908. La exposición causó tal sensación que posteriormente realizó una gira por los EE.UU bajo los auspicios de la Academia de Pensilvania de Bellas Artes. Desde entonces Los Ocho son recordados como un grupo por el impacto de esa única exposición, a pesar de que su trabajo era muy diferente en términos de técnica, estilo y tema. Tan diferentes eran que con el tiempo sólo cinco de los artistas (Henry, Sloan, Glackens, Shinn y Luks) siguieron pintado las sugerentes escenas urbanas que caracterizaron a la escuela Ashcan y fueron, en aras de la homogeneidad, ‘oficialmente’ el núcleo de pintores que la formaban. Otros días hablaremos de cada uno de ellos, hoy comenzaremos por su principal promotor:

Robert Henry Cozad, la revolución pictórica.

25 de Junio de 1865 –  12 de Julio de 1929

Robert Henri . Carbón de su alumna Gertrude Kasebie

Más conocido como Robert Earl Henri, nació en la ciudad de Cincinnati, Ohio, el 25 de junio de 1865. Tanto su madre, Theresa Gatewood, como su padre, John Jackson. provenían de la familia Cozad de Virginia. En octubre de 1882, su padre, un tipo peculiar, jugador y promotor inmobiliario, se vio involucrado en una disputa con un terrateniente de nombre Alfred Pearson, quien reclamaba el derecho de su ganado a pastar en territorios pertenecientes a la familia de Henry. El conflicto fue enconándose y Jackson terminó disparando su pistola contra Pearson causándole una herida mortal. Tras varias investigaciones su padre fue absuelto de todas las acusaciones y declarado inocente, pero la gente de la ciudad empezó a rechazarlos. Su padre huyó hacia Denver, Colorado, para evitar cualquier tipo de venganza y poco después le siguió el resto de la familia. Para desvincularse del escándalo los miembros de la familia cambiaron sus nombres. El padre pasó a llamarse Richard Henry Lee, y sus hijos simularon ser adoptados y tomaron diferentes nombres, nuestro pintor pasó a llamarse Robert Earl Henri. En 1883, la familia se trasladó a la ciudad de Nueva York y luego a Atlantic City, donde Henri realizó sus primeras pinturas.

Robert Henri. "Bailarina de Delhi"

En 1886, ingresó al instituto de arte Pennsylvania Academy of the Fine Arts en Filadelfia. Dos años después viajó a París para inscribirse en la tan nombrada Académie Julian, donde fue alumno de William-Adolphe Bouguereau, al tiempo que fue fuertemente influido por el movimiento impresionista. Luego fue admitido en la École des Beaux-Arts, y durante el periodo que estuvo en Europa visitó Italia y España, país que le produjo una profunda impresión. A finales de 1891, regresó a Filadelfia, y retomó sus estudios bajo la dirección del pintor impresionista Robert Vonnoh. Un año después, Henri entró a trabajar como profesor en la escuela de arte para mujeres Moore College of Art and Design.

Robert Henri, Desnudo de mujer reclinada

Henri, que a pesar de las imágenes que os presentamos hoy, sobre todo era un retratista, fue quien comenzó a reunir a los pintores de la Escuela del Cubo de Basura. En Filadelfia, impulsó a un grupo de artistas para que se reuniesen a discutir en su estudio temas relacionados con el arte y la cultura. Entre los asistentes a sus tertulias estuvieron ya quienes pasarían a ser conocidos como “Los cuatro de Filadelfia”: William Glackens, George Luks, Everett Shinn y John French Sloan.

The Charcoal Club, germen de la Ashcan School

Ellos llamaban a las reuniones “Charcoal Club” (“El club del carboncillo”), y en ellas se promovía el dibujo artístico y la lectura sobre filosofía social. La primera reunión se llevó a cabo el 15 de marzo de1893, y los siguientes encuentros se realizaron durante las noches. El nivel de asistencia fue incrementando con el tiempo, e incluso la Academia de arte estadounidense llegó a considerar al “Club” como una posible amenaza debido al descenso repentino de sus miembros. El coste de ingreso para acudir a una de estas sesiones era de dos dólares. En el Club del Carboncillo Henri siempre hacía hincapié en preservar la primera impresión de los objetos retratados y mantenía un registro de todos los eventos que transcurrían en la reunión.

Robert Henri. "Nubes de cúmulos en el East River"

Hacia 1895, Henri reconsideró el Impresionismo, y lo denominó un “nuevo academicismo”. Durante varios años su vida transcurrió entre París y Filadelfia, y en ese periodo tuvo la oportunidad de conocer al paisajista canadiense James Wilson Morrice. A través de la amistad con Morrice, Henri comenzó a emplear una técnica de bosquejo rápido conocida como pochade, que realizaba sobre pequeñas superficies de madera que podían ser llevadas a todo lugar cómodamente en el bolsillo de un abrigo junto a un pequeño juego de pinceles y óleos, lo que le permitía plasmar imágenes en cualquier momento del día. En cierta manera facilitaba las representaciones espontáneas de escenas urbanas, que a la postre serían asociadas con la madurez de su estilo.

Muelle del East River en invierno Robert Henri

 En 1898, contrajo matrimonio con Linda Craige, una de sus alumnas. La pareja de recién casados pasó los siguientes dos años en una prolongada luna de miel en Francia, y entonces el gobierno francés compró una de sus pinturas titulada Le Neige con el objetivo de que fuese exhibida en el Musée du Luxembourg. Durante estos años viajó por Italia y España, país que le fascinó. En 1902 fue contratado como profesor de la escuela de arte New York School of Art, y algunos de sus alumnos fueron pintores tan destacados como Hooper. Tres años después, su esposa Linda falleció a causa de una larga enfermedad. En 1906 fue elegido como miembro de la National Academy of Design, pero cuando algunos de los artistas de su círculo fueron rechazados a participar en la exhibición de 1907 promovida por la Academia, acusó a esta asociación de arbitrariedad y renunció a su puesto de jurado. Así decidió organizar su propia exposición, de la que hablamos al principio, en la “Macbeth Gallery” de Nueva York, donde Henri y sus compañeros expusieron su obra, y pasaron a ser denominados como “The Eight” (Los ocho).

Robert Henri. "Olas rompientes"

En mayo de 1908, contrajo matrimonio por segunda vez, con Marjorie Organ, una chica de veintiún años y originaria de Irlanda. En 1910, Henri organizó una exposición titulada Exhibition of Independent Artists, que había sido planteada basándose en el modelo de la Société des Artistes Indépendants de París, haciendo énfasis en su lema «Sin jurado ni premios» (Sans jury ni récompense). Los trabajos en dicha exposición habían sido dispuestos en orden alfabético, un concepto totalmente opuesto a las recomendaciones tradicionales, causando en cierta manera una disonancia de color. Henri expuso dos de sus trabajos que habían sido rechazados anteriormente por el jurado de la Academia, los cuales eran: Lady in Yellow y Salome Dancer. La exhibición se convirtió en la primera de este tipo en los Estados Unidos, y tuvo una alta concurrencia de público. El periodista Guy du Bois del periódico New York Journal American relató su experiencia del evento:

“Nueva York ha recibido con los brazos abiertos esta exposición. El show de «Los Independientes», con su cifra récord de asistentes, es trascendental – ha revivido el decadente interés en el arte estadounidense”.

Robert Henri. "Gitana Española"

Admiraba a los anarquistas, en especial a Emma Goldman una famosa escritora, activista política y editora de la revista Mother Erath. Goldman posteriormente posó como su modelo para un retrato, y describió a Henri como: «un anarquista en su concepción del arte y su relación con la vida.» Desde 1915 a 1927 fue un popular e influyente profesor de la academia de arte Art Students League of New York. Sus pensamientos e ideas sobre el arte fueron recopilados por una antigua alumna suya llamada Margary Ryerson y publicados en un libro titulado The Art Spirit en el año de 1923. En la primavera de 1929, fue elegido como uno de los tres principales artistas vivos estadounidenses por el Arts Council of New York (Consejo de Arte de Nueva York). En el verano de ese mismo año fallecería a causa de un cáncer. En 1931 el Metropolitan realizó una exposición en honor a su memoria.

Robert Henri Procesion en España

Texto de Juan Muro basados en datos de la Wikipedia, Archivo del Congreso de los Estados Unidos, Museo del Prado (Madrid), Museo Robert Henry (Cozad) y Smithsonian Institution. (Whasington D.C)

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Pintar la noche no es cosa fácil. Muchos pintores lo intentaban y solo conseguían que sus lienzos acabaran emborronados de negro, sus colores muertos, las luces demasiado mortecinas y faltas de los brillos crepusculares y de las veladuras nebulosas que caracterizan los paisajes de la oscuridad. Pero el pintor de quien hoy hablamos lo conseguía con tan exquisita facilidad  que otros grandes maestros, como McNeil Whistler, se quitaron el sombrero ante sus bucólicos y sugerentes paisajes nocturnos.

Nacido en Leeds, el 6 de Septiembre de 1836, hijo de un expolicía, John Atkinson Grimshaw no estudió pintura. Bastante joven comenzó a trabajar para la Great Northern Railway (o Gran Ferrocarril del Norte) como agente comercial, pero con veinte años se casó con su prima, Frances  Theodosia Hubbard, que era un año mayor que él, y que pronto le animó a dejar el trabajo de la compañía ferroviaria y dedicarse de lleno a la pintura, con el consiguiente enojo de sus padres.

Sus primeros cuadros no eran nocturnos, John estaba entonces influído por los prerrafaelistas, lo que en buena justicia no podemos recriminarle, y pintaba aves, fruta y flores, de un colorido casi excesivo y un amaneramiento bastante pronunciado. Estos fueron los temas de su primera exposición, patrocinada por la Sociedad Filosófica y Literaria de Leeds, cuando el buen hombre contaba con 28 años.

Pero el éxito como pintor tardaría en llegarle aún casi diez años, cuando rechazó el uso de la fotografía, un arte que entonces era muy nuevo y que tenía (y aún hoy desgraciadamente tiene, como ya sabemos), fascinados a muchos pintores, para centrarse en el desarrollo de una obra más personal de escenas urbanas en las que la luna y las sombras eran las características más llamativas.

Fue entonces cuando comenzó a ganar el dinero suficiente como para que su ya numerosa familia viviera con comodidad y para poder comprarse una enorme mansión del siglo XVII en Knostrop Old Hall, a las afueras de su ciudad natal, que pronto se convertiría en uno de sus temas pictóricos favoritos, pero su estudio lo estableció en otra casa que alquiló en la costa, en Scarborough, y que llamaba “Mi castillo junto al mar”.

Grimshaw pintaba entonces básicamente para mecenas privados que le hacían encargos directos, lo que tuvo como consecuencia que pocos de sus cuadros llegaran a exponerse en la Royal Academy, y aunque pintaba también retratos, interiores, temas neoclásicos como hadas etc, fueron sus paisajes nocturnos de Glasgow Liverpool, Leeds, Scarborough, Whitby y Londres los que le dieron fama entre los críticos y los propios pintores.

De hecho, cuando en 1876 le sobrevino un auténtico desastre financiero, Grimshaw tuvo que dejar su ‘castillo’, a su familia en la casa de Knostrop, y marchar a Londres, donde alquiló un modesto estudio en Chelsea, muy cerca del taller del maestro impresionista James McNeill Whistler, de quien se hizo muy amigo (entre ellos se llamaban Jimmy y Grimmy). “I considered myself  the inventor of Nocturnes until i saw Grimmy’s moonlit pictures.”, (“Yo me consideraba el inventor de los Nocturnos hasta que ví los cuadros de luz de luna de Grimmy”) decía Whistler.

Grimshaw no ha sido el mejor pintor de la historia, pero si lo traemos hoy aquí es porque fue un pintor que consiguió llegar a ser muy sincero con su propia pintura. Tan discreto que apenas si dejó cartas o documentos que registrasen su trabajo y su vida, lo que dificulta mucho la labor de los estudiosos y críticos que tienen poco material para llegar a comprender su vida y su carrera. Sí sabemos que volvió a Knostrop, donde murió en 1893, y que cuatro de sus hijos, Arthur Grimshaw (1864-1913), Louis H Grimshaw (1870-1944), Wilfred Grimshaw (1871-1937) y Elaine Grimshaw (1877-1970), se convirtieron en pintores.

Está enterrado en el cementerio de la colina Woodhouse Hunslet, de Leeds, lugar en el que fue casi olvidado durante siglo y medio, aunque hubo un resurgimiento del interés en la obra de Grimshaw en la segunda mitad del siglo XX, con varias exposiciones importantes dedicadas a ella. Una retrospectiva de la exposición “Atkinson Grimshaw – pintor de la luz de la luna” se desarrolló entre el 16 de abril, y el 4 de septiembre de  2011 en la “Mercer Art Gallery” en Harrogate , y posteriormente en la Galería de Guildhall, en Londres. Como su obra se haya muy diseminada, elDibujante os trae una de las mayores recopilaciones de ella en alta definición, como siempre. ¡Que la disfrutéis!

Jhon Atkinson Grimshaw, por Duval. 1870

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Guy Reid

Film by Margot Donkervoort.

Guy Reid es un artista británico que nació en Johannesburgo en 1963 y creció en Londres y Shropshire. Después de haber completado su licenciatura en Ciencias Políticas e Historia en el North London Polytechnic en 1984, Reid comenzó a trabajar como tallista y restaurador para el Taller de renombre mundial Spink (ahora  Conservación Arlington), donde completó trabajos para instituciones tan variados como el Museo Metropolitano de Nueva York, el Getty Museum de California, Harewood House y el Museo Sir John Soane de Londres. Es considerado como uno de los mejores escultores de madera realistas.

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Discutiendo con su marido en la cocina, cierto día la mujer de David Oyens le preguntó si podría decir a su hermano gemelo, Pieter, que no viniera tanto a su casa y que respetara su intimidad. En realidad la mujer no sabía que estaba hablando con Pieter, no con su marido David. Los gemelos Oyens eran idénticos a tal punto que aún hoy nos resulta muy difícil saber cuál de los dos pintó una u otra obra, en especial porque en ocasiones ambos intervenían sobre el mismo lienzo y gustaban de firmar con frases del tipo “El gemelo Oyens, el de la derecha”.

David y Pieter nacieron en 1842 en Amsterdam, donde su padre era un rico banquero. Ambos comenzaron a estudiar dibujo muy pronto. Aunque sus padres tenía pensado enfocarlos hacia los negocios de la banca, poco a poco, viendo su carácter y tendencias, comenzaron a deshechar la idea y se fueron acostumbrando a que sus hijos se encaminaran hacia el mundo de la pintura.

En la década de los sesenta de aquel siglo, los gemelos se trasladaron a vivir a Bruselas, ciudad en la que pasaron la mayor parte de su vida, y que en aquella época vivía un excelente clima artístico influído por la bohemia francesa y por los gustos y dineros de la floreciente clase burguesa. Se matricularon en las clases nocturnas oficiales de pintura, pero ya traían de Holanda una fuerte base técnica y un profundo conocimiento de la pintura y modos holandeses, así que tras los dos primeros años sintieron que ya habían aprendido todo lo que la Academia podía enseñarles.

Aunque al poco de llegar David se casó en 1866 con Isabel Arco, en Bruselas los hermanos Oyens se hacen, si cabe, más inseparables: comparten estudio en Saint-Josse-ten-Node durante doce años y frecuentan los mismos círculos culturales y amistosos, se presentan a los mismos concursos pictóricos y hasta optan a los mismos premios en los diferentes salones.

Los Oyens eran unos hombres ‘bonvivants’, que se dedicaban a los placeres de la vida y gustaban de frecuentar a los pintores de bruselas y a sus modelos. Conocieron a muchos, pero tuvieron especial relación con Edward Agneessens, Henry van der Hecht, Emilio Verdyen, Isidoro Verheyen, Ernest Blanc-Garin y André Hennebicq.

Su trabajo era pausado pero muy constante, gustaban de representar a la gente normal. No es que tuvieran conciena de clase ni que se propusieran retratar al proletariado, pero sí tomaron en muchas ocasiones a algunos profesionales atareados en sus quehaceres cotidianos, en especial si eran mujeres gustaban de retratar a bellezas del sur de europa en actitudes cotidianas.

Poco a poco su éxito fue aumentando a medida que fueron presentándose a los salones de Paris y Bruselas y a concursos o exhibiciones como la “Arti y Amicitiae”, o los del ‘Círculo Literario y Artístico de Bruselas’. Finalmente en torno a 1870 su pintura alcanzó plena madurez. David gana la medalla de oro en el Salón de Gante de aquel año y sus pinturas y acuarelas comienzan a venderse a buenos precios.

Durante los años siguientes harán exposiciones en Venecia, Viena y en San Petesburgo, y cosecharán críticas muy elogiosas que los vinculan con la tradición pictórica holandesa y los comparan con grandes maestros como Frans Hals y Rembrandt, aunque sin duda su pintura tiene otras trazas e intenciones más modernas y marcadas influencias impresionistas.

Pieter permaneció soltero hasta 1893, año en que se casó a la edad de 51 años, pero poco después tuvo un derramen cerebral y en febrero de 1894, un mes antes de que naciera su hija, murió. La muerte de Pieter fue un golpe insuperable para su hermano David, cuya pintura se resintió y perdió su nivel de producción, pero también frescura y originalidad hasta que terminó por caer enfermo, lo que provocó que su mujer le forzara a mudarse a una casa de campo en Amhem.

Pero David tampoco se encontraba a su gusto en aquella casa. Echaba de menos Bruselas y sus círculos artísticos, así que se trasladaron de nuevo a la capital belga, y entonces las cosas parecieron volver a mejorar. Pero no fue por mucho tiempo, pues David no se repuso de sus dolencias y en Febrero de 1902 murió. Fue enterrado junto a su hermano Pieter, los gemelos habían vuelto a reunirse, pero su pintura fue perdiendo valor y las figuras de esta pareja genial cayeron en el olvido. Solo en 2004, un museo de provincias de Bélgica, el Museo Charlier, situado en una preciosa mansión que conserva el estilo y el gusto decimonónico, les dedicó una exposición en cuyo catálogo se pudo leer por primera vez la historia de los gemelos Oyens. En España son totalmente desconocidos, y que sepamos, estas nuestras son las primera lineas que se escriben sobre estos dos hermanos en castellano.

Como curiosidad cabe decir que aquella exposición, cuyo máximo logro fue la revalorización y la revisión de la obra de estos dos hermanos geniales y únicos en la historia de la pintura, fue gratuita para todos aquellos gemelos que acudieran juntos a visitarla.

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En estos tiempos no tenemos apenas ocasiones de saborear a pintores o ilustradores clásicos, que sigan las reglas academicistas del barroco, y ésta de hoy es la excepción.

Os presento a Roberto Ferri, un pintor nacido en Taranto en 1978, y que bien pudiera ser uno de los puntales de la pintura actual italiana como avanzadilla de un hiperrealismo evidente.

Pero más de una dificultad enfrentará un pintor de este estilo para llegar a ser avanzada de un movimiento pictórico, que no existe y que ójala se produjera no solo por lo impactante de las imágenes que genera, sino por su belleza intrínseca y la serenidad que nos trasmite su estatismo clásico.

La primera de las dificultades que cualquier pintor que forme parte de un movimiento de este estilo debe sortear es la técnica. Ferri hace gala de una técnica refinadísima, tanto en el óleo como en el dibujo anatómico con la que consigue carnes trémulas y claroscuros intimistas, una técnica que no está al alcance de cualquiera y que requiere de infinitas horas de trabajo, pues no es algo que pueda aprenderse en las academias si uno no tiene la fuerza personal para asimilarlas, razón por la que aquí obvio a sus maestros. Pero también deberá enfrentar asuntos aún más espinosos, ideológicos, que se refieren a lo que su arte narra y a cómo lo narra.

El primero de los aspectos que hoy se critica a los pintores hiperrealistas europeos es que se acercan demasiado a la fotografía y que ello les lleva a desvirtuar el noble arte del pincel. La mirada unifocal, que parte de un solo objetivo, como si el que viera la obra tuviera un solo ojo, no dirá nunca más de lo que puede decir una foto, por bella que sea, y para eso tenemos las cámaras, no los lienzos. Esta verdad irrefutable ya la postularon los impresionistas franceses, quienes se separaron de la pintura clásica por poco emotiva.

Pero no es de emotividad de lo que carecen las pinturas de Ferri, al contrario, están repletas de pasión y bañadas de tintes eróticos, y aún admitiendo el uso de dispositivos ópticos para su elaboración, no es la técncica lo que pueda invalidar el arte mayor de este pintorazo.

El segundo argumento contra el hiperrealismo actual se dirige a que narran cosas del pasado, a que esta pintura no es de este siglo, como si este siglo tuviera que regirse por critérios estéticos o éticos unitarios y previamente dictados. Pero no es el caso, extrañamente se ven actuales las pinturas de Don Roberto, cierto que rebosan clasicismo, que bien parecen haber salido de la mano de un Caravaggio que nunca murió, y sin embargo, ¡lo que daría el barroco milanés por haber podido pintar estos cuerpos exuberantes sin los prejuicios  sexuales de su tiempo!, porque esto les pasa a las pinturas de Ferri, que son modernas por descaradas, por libertinas, porque no tienen un braguetone que las cubra, y muestran orgullosas la belleza impúdica de sus cuerpos, sus sexos en primeros planos sin ocultarse, aunque  solamente ocupando la importancia que tienen.

Y por último, si se me permite defender el arte de este grande, diré que el exceso de dramatismo que rebosan sus cuadros es parte de la pasión de sus escenas, que ese dramatismo no es una impostura ni un cliché añadido al neoclasicismo de enciclopedia. Ferri es una bomba y cada pintura puede desgarrarte hasta el extremo de hacerte plantearte si la colgarías, o no, de tu soñado salón.

Su web oficial: http://www.robertoferri.net