El Encanto Oculto De La Vida

Iris Scott, Dedos de Impronta Impresionista

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 29 Aug 2015 04:53:00 +0000

Iris Scott es una artista nacida en la ciudad de Brooklyn, Estados Unidos, en 1984. Criada en el noroeste del Pacífico, cerca de Seattle, Iris pasó su infancia jugando y explorando el escarpado terreno salvaje. "Hay una espesura de aquellos bosques que se han quedado conmigo. Los árboles estaban cubiertos de musgo y los días de juego estaban empapados por la lluvia, la vida animal y vegetal florecido de cada rincón." explica. Es por ese motivo que sus pinturas de flora y fauna hacen hincapié en lo deslumbrante, e incluso, abrumador sobre el mundo natural.

Al haber obtenido su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Washington, en el 2009, tomó un año sabático y se trasladó a Taiwán donde por casualidad, desarrolla sus pinturas sobre un estilo inusual e interesante muy utilizado en ese país, denominado fingerpainting (pintura de dedo). Y remarcamos la casualidad de su estilo, porque surge desde el momento en que se instaló en un pequeño apartamento con vistas al mar. Allí no tenía aire acondicionado en la cocina y el baño, donde Iris lavaba sus pinceles, el aire funcionaba sólo en la habitación donde trabajaba. Su entorno estaba tan caliente que todos los objetos con los que pintaba le resultaban molestos y decidió pintar con los dedos.

Esta falta de pinceles hace que sus lienzos obtengan un color saturado que irrumpe visualmente con el movimiento emulando una forma de impresionismo de texturas muy personales. Adopta un enfoque maximalista con su técnica y abarca un enorme espectro de pigmentos, muchas veces incorpora más de cien diferentes colores de óleos en una sola escena. Cada una de sus pinturas retratan un mundo de ensueño como si se trataran una versión más exuberante de la realidad. Iris comenta: "Quiero que mis pinturas sean tanto un escape de nuestra vida diaria, y una intensificación de lo reconocible." "No hay nada entre la pintura y yo, siento todos los pequeños matices. Puedo manipular pintura gruesa con los dedos de una manera que con los pinceles no podía"

Este método ha cambiado la percepción del público de esta técnica y lo que puede lograrse con ella. A partir de una pequeña revolución, el arte de Iris Scott se ha ganado la atención de los medios de comunicación de todo el mundo, incluyendo The San Francisco Globe y American Art Collector. Iris ha abierto un camino verdaderamente único en el mundo del arte, su libro "Finger Painting Weekend Workshop" llega a las tiendas en octubre de 2015, y guía a las personas de todos los niveles a través de la pintura impresionista. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de esta artista, visita su Web

Nic Fiddian-Green - Esculturas Ecuestres de Gran Tamaño

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 03 Sep 2014 18:31:00 +0000

Nic Fiddian-Green es un escultor británico de 51 años, especializado en confeccionar modelos súmamente realistas de cabezas de caballos, tanto pequeñas como más grandes y hasta de tamaño natural, ninguna escala le es indiferente. Educado en el King's College of Our Lady of Eton, transitó su niñez al sudeste de Inglaterra, en el condado de Berkshire aspirando a lograr grandes títulos como jugador de polo debido a su fascinación por los caballos. Ya pasada su adolescencia, sin poder concretar su sueño de polista y sin una carrera fija, decide probar suerte en el Chelsea College of Arts. Ya aceptado como alumno, y como obra del destino, es enviado a realizar una visita al British Museum como actvidad inspiracional, y se topó con una escultura particular de la cabeza de un caballo, el Caballo de Selene (Acrópolis, Atenas, 438 - 432 DC), en la sala de mármoles.

Caballo de Selene

Esta sea quizás la figura más famosa y querida de todas las esculturas del establecimiento. Captura la esencia misma de la tensión que siente una bestia que ha pasado la noche tirando del carro de la Luna a través del cielo. Los pasadores detrás de las orejas, la abertura de mandíbula, las fosas nasales, el abultamiento de ojos y las venas se destacan por sus detelles ectremadamente reales y la carne parece tensa sobre la placa plana del hueso de la mejilla. Fiddian-Green lo describió como "uno de los objetos más hermosos que jamás había visto". Este contacto cercano le sirvió de ejemplo para hacer obras sobre temas similares.

Traslado de la escultura

Entrando a principios de junio de 2009, más precisamente el día 18, llega su reconocimiento y es aceptado tanto por la crítica como el público por su pieza de bronce de una gigante cabeza de caballo titulada "Still Water". La presentó en el Hyde Park frente al monumento Marble Arch en Londres. La escultura, formó parte de la renovación del parque y costó alrededor de unas £ 2,000,00. Con un peso de 6 toneladas y 11 metros de altura, fue trasladada por varios sectores de Europa, haciendo que su creador tomara un prestigio inusitado hasta el momento.

En la actualidad viven en una casa del siglo XVIII en Surrey Downs, con un establo adyacente convertido como una extensión de la casa y ahora su atelier principal. Respecto a su forma de trabajar, suele hacerlo en el mismísimo bosque de Surrey, tomando a los caballos de allí como modelos vivos. Utiliza un horno móvil, para trasladarse y sacar figuras de bronce en el medio del predio, donde también puede manejar con naturalidad el barro, chapa remachada, mármol de Carrara y Connemara.

Ha expuesto en la galería Sladmore, quien lo representa, en Londres, y tiene obras instaladas en el Royal Ascot, Goodwood, Knowsley Hall, Glyndebourne, Wellington College y en la casa de la duquesa, dueña de los establos privados Devonshire; más tres obras en Nevill Holt, en la casa de David Ross fundador de Carphone Warehouse. Además del Reino Unido, sus obras se encuentran en Rusia, Kazajistán, América , Medio Oriente y Australi. Si estás interesado en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web

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Ron Monsma - Ambiguo Tradicionalista

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 23 Aug 2014 06:13:00 +0000

Ron Monsma ha estado pintando y enseñando desde hace más de 20 años; es actualmente profesor adjunto de Dibujo y Pintura en la Universidad de Indiana, South Bend. Ha exhibido extensamente en exposiciones individuales y colectivas en todo el país, y hoy en día su obra está representada en colecciones privadas y corporativas de los Estados Unidos y Europa. Paralelamente lleva a cabo talleres educativos durante todo el Medio Oeste.

Algunas dudas recurrentes sobre su trabajo son, cómo obtiene las ideas para ambientar sus pinturas o cuál es el significado de ciertos elementos. Estas no siempre son fáciles de responder ya que al hablar en el lenguaje de las imágenes, un intento de verbalizar una obra de arte puede ser complicado. Según Minsma: "Las palabras son símbolos que se utilizan para describir, pero son meras aproximaciones abstractas y, al igual que tratar de explicar un poema en términos de estructura de la oración, no llegan a captar matices sutiles de significado".

"Cuando se habla de ideas, quiero destacar que no sólo estoy hablando de la materia, me refiero también a los problemas de composición. Las pinturas pueden hacer declaraciones sobre cualquier idea en relación con la política, la religión, las cuestiones sociales, estados emocionales o lo que sea. También pueden tratar únicamente con las ideas estéticas como el color, la línea, la colocación y la total desintegración de la superficie bidimensional. Pero es obvio, independientemente de la materia, las preocupaciones estéticas están en el centro de todas las buenas obras de arte. Son el lenguaje visual utilizado para expresarse y son el vehículo sobre el cual toda la materia debe ser montada".

Monsma al frente de sus estudiantes en su taller

"Con respecto al tema, yo soy en muchos sentidos, un tradicionalista que utiliza la materia como la han utilizado los grandes maestros durante siglos en las formas tradicionales y de representación. A veces, sin embargo, trato de introducir o combinar elementos de tal manera que pueda causar al espectador a reflexionar sobre su significado, o sugerir una historia. Algunos objetos se presentan como símbolos, tal como un nido con un solo huevo, que he utilizado en una serie".

De esta manera, la introducción de tales objetos le permite armar composiciones que establecen declaraciones acerca de la psicología, sugieren un estado de ánimo, actúan como una metáfora, o invitan a una asociación alegórica. No se tratan de ideas profundas, pero sí de interpretar la condición humana. A veces estos objetos son personales y su introducción en la obra es ineludible; otros pueden ser introducidos debido a que la combinación de imágenes invita a preguntas que menudo, son lo suficientemente ambiguas como para permitir que el espectador haga su propia interpretación personal.

El trabajo de Monsma se incluyó en las exposiciones 100 artists in the central region, Pure Color, Best of Pastel, 20th Century Indiana Landscape Painters, y el libro chino Contemporary American Oil Painting. En 2008 ganó el Jack Richeson Best of Show Award en la novena edición de la competencia anual Pastel 100 y desde 1990 ha aparecido en numerosas publicaciones, incluyendo The Pastel Journal, International Artist Magazine, Art News Magazine and the Artist Magazine. También ha trabajado como ilustrador para un número de clientes, incluyendo el Colegio de Santa María, Memorial Health Systems y Bank of America.

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Calvin Nicholls, La Magia en Esculturas de Papel

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 Apr 2014 22:47:00 +0000

Es al artista canadiense Calvin Nicholls que se atribuye el mérito como el cerebro detrás de estas hermosas obras de arte hechas enteramente de papel, desde el año 1986 en su estudio al norte de Toronto, Ontario. Nicholls Estudió Diseño Gráfico en la década del 70 en el Sheridan College, donde pudo experimentar con la escultura de papel y fue capaz de combinar su amor por este tipo de trabajo y la vida silvestre. Cuando se dió cuenta de la idoneidad del material, completó un ave rapaz con las alas extendidas para la organización Noranda Recycled Papers y nunca más dejó de crear.

Como bien dijimos, trabaja con hojas de papel y un bisturí, cortando el contorno de las piezas meticulosamente para esbozar el dibujo final. Previamente prepara un patrón (o esquema) de un animal. Luego de haber pasado boceto al papel, comienza a añadir en la parte superior capas elaboradas, con piezas más pesadas en gramaje para la confección del cuerpo. Para añadir detalles pequeños, utiliza herramientas como cuchillos de pan, mangos de cucharas y la parte posterior de sus tijeras. Cada pieza se mantiene unida con pegamento (que se aplica con la punta de unos mondadientes). Una vez finalizada la obra con relieve es puesta bajo la iluminación de estudio, que, ajustada de manera precisa, da manifiesto a la sutil textura característica de cada trabajo. Una cámara de gran formato es utilizada para capturar el detalle, que es la encargada de darle ese efecto tan realista. A continuación les colocamos un video en el que podrán ver la manera de trabajar de este artista, realmente es para prestarle atención.

El interés de Nicholls por la vida silvestre de Canadá le llevó a crear estas esculturas con los animales que se encuentran en su país de origen (con la excepción de los osos panda y los leones). Sus obras tienen una calidad tridimensional especial, gracias a la inclusión de un marco de paspartú que se coloca detrás de los sujetos. Los animales parecen estar "saltando" de la trama, dando a cada obra una enorme sensación de profundidad. Si tienes interés en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web

Frederick Carl Frieseke, Un Impresionista Americano

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 16 Apr 2014 20:12:00 +0000

Después de tanto tiempo, retomamos un poco el clasicismo y vamos a contarles algunos detalles sobre la vida de Frederick Frieseke. Nacido en la ciudad de Owosso, Michigan, en el año 1874 bajo el seno del constructor de ladrillos Herman Carl Frieseke y su esposa Eva Graham. Después de graduarse en la Owosso High School en 1893, Frieseke fue a estudiar arte en el Art Institute de Chicago durante un año. En 1895 se trasladó a Nueva York para estudiar en la Art Students 'League, para terminar de trasladarse en 1898 a París, donde se matriculó en la Académie Julian y fue influenciado por James McNeill Whistler. Durante estos primeros años en París, Frieseke pasó parte de su tiempo haciendo trabajos encargados por el magnate Rodman Wanamaker. También recibió el encargo de pintar murales para la tienda de Wanamaker en Nueva York y el Hotel Shelbourne en Atlantic City, Nueva Jersey. El interés del magnate se remonta a la constante represtación de la libertad que vista en la obra de Frieseke. Ya casado, en el verano de 1906, el artista alquiló la casa lindera a la de Claude Monet en Giverny, Francia. Junto a su esposa, Sarah Ann O'Bryan, con quien se casó en 1905, y más tarde su hija Frances pasaron sus veranos allí hasta 1919, donde muchas de sus pinturas se ejecutaron en esta casa o su jardín.

Frieseke no estaba satisfecho con las formalidades artísticas de su tiempo. En una entrevista con Clara T. McChesney, probablemente en 1912, se consideraba a sí mismo un impresionista y dijo: "No hay artista en la escuela [impresionista] que haya influido sobre mí, excepto, tal vez, Renoir". Sus principales preocupaciones eran los variados efectos de la luz solar, dejandolo en claro en una de sus famosas frases: "Es el sol, las flores en el sol; las niñas en el sol, y el desnudo en el sol, si yo sólo podría reproducirlo exactamente como lo veo, estaría satisfecho." Sus temas eran a menudo las mujeres asentadas en zonas de sol o tocadores, de vez en cuando también pintaba paisajes, naturalezas muertas y desnudos. A medida que crecía, realizaba trabajos más íntimos relacionados a su propia vida, incluyendo a su esposa e hija.

Las pinturas de Frieseke ganaron muchos honores, comenzando con una medalla de plata en la Exposición de Saint Louis en 1904, y una medalla de oro en Munich ese mismo año. El clímax de la sucesión de honores se alcanzó en 1915, cuando ganó el gran premio en la Exposición Panamá-Pacífico en San Francisco. En 1920 su pintura de la ropa interior rasgada ganó dos medallas de oro y el premio popular en el Instituto de Arte de Chicago, en base a las opiniones de los otros dos artistas y el público en general.

Después de la Primera Guerra Mundial, compró una casa de campo en Normandía. Prefería vivir en Francia a los Estados Unidos debido a la libertad que le ofrecía. Como su nieto Nicholas Kilmer señaló, los Friesekes vivían en Normandía por dos razones - en primer lugar la pesca de la trucha era buena, y segundo, su abuelo no creía que era necesario "hacer ruido como artista". En palabras del mismo artista: "Yo me quedo aquí porque me siento libre y no existen las restricciones puritanas que prevalecen en los Estados Unidos.... Puedo pintar un desnudo en mi jardín y no ser expulsado de la ciudad" Frieseke, sin embargo, continuó a considerarse a sí mismo un americano de viajes ocasionales.

Después de la Primera Guerra Mundial se produjo un descenso lento pero constante de la popularidad de Frieseke. Pese a los continuos premios y la adquisición de sus obras por un cuantioso número de museos, la ventas decrecientes y críticas negativas reflejaron un cambio radical en los gustos. Los críticos vieron su trabajo como anticuado y demasiado conservador y rápidamente fue catalogado como pintor de mujeres bonitas. Fue también durante este tiempo que el estado de ánimo de sus pinturas se hizo más contemplativo, con los colores más sombríos, y de composiciones estáticas. Su estilo era cada vez menos Francés-Impresionista y comenzó a migrar hacia el realismo. Frieseke dijo "Nunca compongo una imagen antes de la naturaleza, pinto lo que veo que es interesante, y que apela a mí en ese momento. Dejé todo lo que veo delante de mí. Evito ser convencional tanto como sea posible, por más que la toma de imagen sea convencional. Nunca puedo cambiar el dibujo de un árbol, o dejar de lado una cama de flores. Puedo no verlos, si no se añaden a la belleza del conjunto"

En este período se concentró en las figuras femeninas, en particular los desnudos. Durante el desarrollo de un estilo más moderno, que incluye referencias históricas y contemporáneas, utilizó una paleta de color más oscura y limitó su uso de patrones de superficie. En estas obras, su interés por el claroscuro se puede discernir. En 1923 dejó el Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts y cofundó, junto con otros artistas, el Salón de las Tullerías. Volvió a pintar con acuarelas, sobre todo en viajes de invierno a Niza y durante 1930 a 1932 mientras visitaba Suiza.

Frieseke había establecido una excelente reputación durante su carrera. Un libro de 1931 se refiere a Frieseke como "uno de los miembros más prominentes de nuestros americanos auto-exiliados". Lamentablemente, el maestro murió en su casa de Normandía el 24 de agosto de 1939, de un aneurisma.

Allan Sierp - Perspectiva Aplicada

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 12 Apr 2014 07:29:00 +0000

Hoy les traemos un archivo impresionante a descargar, Perspectiva Aplicada de Allan Sierp. Un libro enfocado hacia el dibujo arquitectónico, muy utilizado en la década de los 60 por arquitectos y aspirantes a la carrera, donde se enseña a poder desarrollar una serie de propósitos entre ellos, una idea de diseño sobre una propuesta coherente que comunique ideas y conceptos, conceptos fundamentales para convencer a los clientes de las ventajas de un determinado diseño, y así permitir utilizar un contratista de obras para su construcción, como un registro de los trabajos realizados, y para hacer un registro de un edificio ya existente. En Perspectiva Aplicada podremos encontrar dibujos realizados de acuerdo a un conjunto de convenciones, que incluyen visitas particulares (plano de planta, sección, etc), los tamaños de hoja, las unidades de medida y balanzas, anotaciones y referencias cruzadas entre muchos otras. Convencionalmente, los dibujos fueron realizados en tinta sobre papel o un material similar, y la copia original tuvo que ser laboriosamente hecha a mano. Como se darán cuenta, es un archivo muy valioso para quienes dediquen su vida al dibujo técnico y tenemos el agrado de entregarlo completo en español. A continuación les dejamos unas imágenes sobre lo que podrán tener en el libro. ¡Que lo disfruten!

Caracterísitcas del archivo
Idioma: Español
Formato: PDF
Peso: 22,0 MB
Alojamiento: MEDIAFIRE

M.C. Escher, Metamorphose El Documental

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 03 Apr 2014 00:38:00 +0000

Hoy queremos presentarles este documental filmado en el año 1999 por el director holandés Jan Bosdriesz, toma su título de una de las estampas más conocidas de Escher (1898-1972) en la que la palabra "metamorfosis" se transforma en patrones de formas y animales abstractos. Sin embargo, el documental revela otros aspectos de la vida del célebre artista, sus escuelas de arte, su estancia en Italia (cuando produce un tipo de trabajo muy distinto al habitual). También explica brevemente la lucha de sus padres para ayudarlo a encontrar su camino después de que no rindiera sus exámenes de secundaria, hasta su paso como estudiante de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem.

Una vez en allí, el solitario y un tanto taciturno adolescente, se siente atraído hacia el arte gráfico. Uno de sus profesores, el consumado artista holandés Samuel Jessurun de Mesquita, cuya influencia es evidente en el trabajo y la vida de Escher, contempla algunos de sus linóleos y queda fascinado. En un momento de la entrevista con Escher, el artista dice que Jessurun de Mesquita le preguntó: "¿No sería mejor ser un artista gráfico en lugar de un arquitecto?" Escher admite: "Yo no estaba tan interesado en la arquitectura." es una admisión sorprendente dada la salvaje imaginación arquitectónica de Escher, pero tal vez lo que quería decir era que él no estaba interesado en lo convencional, sino más bien en la arquitectura de lo fantástico, esos espacios imposibles que forjaron una marca registrada en gran parte de su obra.

Never Think Before You Act

Dentro del video podemos averiguar otras cosas sobre Escher: Uno de sus grabados en madera de su período como estudiante, se titula "Never Think Before You Act", y muestra una figura solitaria en un camino oscuro y traicionero, con sólo una pequeña luz para alumbrarse, esto fue una tétrica representación de la decisión de Escher por perseguir su sueño de ser artista gráfico. El narrador nos informa que tardó más de treinta años para ganar el suficiente dinero como para vivir de su trabajo (Por suerte, al igual que con muchos artistas que luchan desde hace años, Escher tenía padres ricos. Por lo que el resto de la humanidad podríamos darles las gracias).
Para hacernos una idea del carácter morboso de Escher, nos enteramos que eligió el tema "Danza de la muerte" para brindar una conferencia de tres horas a sus compañeros de arte en Haarlem. Escher les dijo: "La danza de la vida y la muerte son dos expresiones con el mismo significado. Qué más hacemos, mas que la danza de la muerte en nuestras almas?"

Para resumir, Metamorphose es un documental impresionante, bellamente filmado y editado, con un buen número de entrevistas con el propio artista, y largas tomas sobre sus trabajos. La película cubre toda la vida artística de Escher, y culmina con unas curiosas filmaciones del artista trabajando, algo que nunca pudimos observar y los fanáticos de este hombre, sabemos apreciar. Les dejamos el documental y esperamos que puedan concer un poco más de cerca a semejante monstruo de la historia del arte.

Richey Beckett, Espeluznante Simbología

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 24 Mar 2014 07:35:00 +0000

Ilustrador inglés oriundo de Nueva Gales del Sur, que solo con un lápiz y marcador crea ilustraciones para portadas de álbumes de música, pósters de películas y diseños de camiseta. Si bien es un artista del cual se conoce muy poca información, podemos destacar que entre sus más reconocidos clientes, se encuentran bandas como Metallica, Mastodon, Trash Talk. La línea de trabajo de Beckett roza lo legendario. Sencillamente, sus inquietantes trabajos son hermosos. Este es el tipo de obra que declara algo tranquilizador, pero sólo después de una inspección más cercana, uno logra darse cuenta que la constante amenaza.

Beckett comenta sobre su trabajo:

● "Nunca pude hacer suficiente hincapié en lo importante que es la preparación previa a cada dibujo. En el futuro trataré de pasar más tiempo en eso, más que la propia ilustración"

● "A veces trato de crear hojas de collage para cada proyecto, ya sea como referencia o simplemente una colección de imágenes que les brindo la atmósfera necesaria con la cual me rodeo a la hora de trabajar"

● "El Simbolismo no sólo es importante, también es interesante, y me gusta el uso de un catalizador para descubrir cosas nuevas. Si hay un logotipo, símbolo o motivo, incluso un tipo de flor o planta, me interesa descubrir lo que podría representar"

La Liebre de Durero vuelve a exponerse en Viena

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 16 Mar 2014 09:59:00 +0000

Sobre el Museo Albertina de Viena brilla una luz sobre su origen y fundación: "Entre Durero y Napoleón" es la nueva exposición de enormes proporciones. Siendo la primera vez en el año con "Young Hare" de Alberto Durero, el "emblema" de la casa, de nuevo a la vista del público después de estar guardada durante 10 años en los depósitos del Museo del Prado. Con esta muestra se puede apreciar el contexto histórico del arte tanto en las obras individuales, como en el paso del tiempo.

La última vez que se expuso este dibujo fue en 2005 en el Museo del Prado, en Madrid, en el marco de la exposición "Durero. Obras maestras del Albertina". "Nada más volver a Viena se fue directo al sótano", explicó Verena Dahlitz, jefa de prensa del museo vienés. Se refería a la cámara oscura donde el cuadro, pintado en 1502, ha estado a resguardo, a temperatura y humedad constante, todos estos años para evitar su deterioro. Durante el tiempo que esté expuesto ahora, la luz en la sala no superará los 50 "lux", el equivalente a la iluminación ambiente de un salón familiar. Más allá de la posibilidad de contemplar la pieza de este maestro universal, la exposición es un homenaje al fundador del Albertina, el príncipe Alberto de Sajonia-Teschen (1738 -1822)

Centrados en la historia del establecimiento, el director del museo, Klaus Albrecht Schröder comenta: "Estamos preocupados con la colección y cómo llegamos perfilar la idea básica en la presentación. Para el pueblo de Viena la historia de fundación del Albertina es una historia de vida"

Y así, el espectáculo comenzará con la infancia del príncipe alemán de la Casa de Wettin, Alberto de Sajonia-Teschen y su posterior esposa María Cristina de Habsburgo-Lorena, la hija predilecta de María Teresa de Austria. Esto último pone de enfoque el concepto de espectáculo más que de costumbre

Lo más destacado del evento es la exposición de 1.000 grabados que el príncipe atesoraba desde 1776 siendo el principio de su colección, que había crecido a unos 14.000 dibujos y 200.000 impresiones al momento de su muerte. Y así esos tesoros con su tamaño actual, son el epicentro de esta magnífica muestra que oscila entre obras como: "Young Hare" o "Praying Hands" de Durero a "Big Fish Eat Little Fish" de Brueghel, junto a las magníficas túnicas de la Orden de Leopoldo I de Bélgica.

Lamentablemente algunos ejemplares escritos sólo se representan en términos generales porque 25.000 volúmenes de la biblioteca Imperial fueron dispersados en todas las direcciones del continente europeo por los herederos, después de la caída de la monarquía. "Esto es, personalmente, la mayor pérdida", lamentó Schroeder. De todas maneras, el Albertina muestra uno de los tantos tapices y algunos muebles originales sobrevivientes a la Primera Guerra Mundial.

Para los afortunados que puedan llegar a ver "Entre Durero y Napoleón. El establecimiento de la Albertina", les comentamos que estará desde 14 de marzo al 29 de Junio todos los días de 10 a 18 hs, salvo los miércoles de 10 a 21 hs. En el museo Albertina, sobre la calle Albertina Platz 1, 1010 Viena.

Montreal International Mosaicultures, Panacea de la Horticultura

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 16 Mar 2014 03:23:00 +0000

Un gran evento cultural se está gestando en Quebec y no muchos estamos enterados sobre este hermoso acontecimiento. Se trata de la exposición sobre hoticultura más grande del mundo, ubicada en los jardines botánicos de Montreal que atrae a multitudes e impresiona a todos por igual, tanto por sus obras gigantes o por contar con la friolera de tres millones de plantas. Sus creadores son, nada más ni nada menos que doscientos artistas de los más talentosos en el ámbito de la jardinería, quienes compiten por el premio de honor del jurado y el del público.

Todas las esculturas son alucinantes (y mucho más grandes de lo que se pueden apreciar en las imágenes), y es muy entretenido ver lo que cada país logra realizar para representar a su cultura. La exposición se compone de 48 escenarios, algunos enormes, algunos compuestos por escenas y múltiples esculturas, otros son pequeños y sólo tienen apenas una o dos esculturas.

Este arte de dar distintas formas a árboles y arbustos de jardín, se originó en la antigüedad, y hoy cuenta con una nueva ola de popularidad gracias a este emprendimiento en el que enormes esculturas verdes son creadas como cortes de cabello, sotenidas por un complejo sistema de estructuras metálicas. Un claro ejemplo es "Madre Tierra Canadá" (fotografías de abajo) una de las principales obras de esta exposición. Desde su torso surgen casi 15 metros de montaña, dibujando una colorida cabellera. De su brazo izquierdo extendido, corren algunos ciervos en el medio de un prado florido, y desde su brazo derecho, florece una cascada que alimenta un pequeño estanque. Ya el poder ver esta maravilla, justifica realizar un viaje hacia este evento.

Sobre la Fundación

Creada en 1998, la fundación sin fines de lucro Montréal International Mosaïcultures (MIM) lanzó la primera vez Mosaïcultures, en el Les Eclusiers Par Apollo (Viejo Puerto de Montreal), en asociación con los parques de la ciudad, y el Departamento de Jardines y Espacios Verdes. Su misión es promover la jardinería y la horticultura como una expresión de nuevos valores del milenio y un componente vital del paisaje urbano.

Todo comenzó como una competencia local con una experiencia única en la concepción, realización y mantenimiento de jardines como obras de arte. Tal fue el éxito que se logró la ampliación a una competición internacional en el año 2003, y empujando los límites de la forma de arte mosaiculture.

El Comité Internacional Mosaiculture fue creado en el primer año del evento en Montreal (MIM 2000). Su misión es fomentar el desarrollo y la innovación en mosaiculture, así como regular las competiciones celebradas en el marco de los eventos locales, nacionales e internacionales. También tiene el mandato de promover el arte de la jardinería mediante el fomento de las relaciones amistosas y profesionales entre los distintos actores que tienen interés en dicho evento.

Todos los trabajos presentados en las competiciones deben representar algo de la cultura de los participantes al tiempo que responde a un tema predefinido y el cumplimiento de los principios del desarrollo sostenible. Es un concurso trienal que también ofrece a los participantes la oportunidad de promocionar sus atracciones específicas.

Los ganadores de la competencia se determinan por el jurado internacional compuesto por figuras clave en el campo. También se invita a los visitantes al evento a votar por su obra favorita. A continuación y como es nuestra costumbre, les dejamos un video donde podrán apreciar el detrás de escena de cómo logran levantar estas hermosas obras y de paso unas imágenes para quienes no podemos viajar y verlo en directo.

Andrew Loomis, Creative Illustration

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 09 Feb 2014 07:30:00 +0000

De todos los libros del maestro Loomis hasta el momento, Creative Illustration sirve como el mejor resumen sobre la ilustración (aunque ciertamente dirigido a un nivel profesional) y lo convierte en uno de los mejores argumentos a favor de ilustración sobre fotografía. Es también el más largo de la serie, llegando a 300 páginas, divididas en siete capítulos; Línea, Tono, Color, Contar la historia, Creación de Ideas, Campos de Ilustración, Experimento y Estudio. En cada sección se trata en detalle desde la teoría a la ejecución, de una manera clara, pero también asume que el lector tiene un conocimiento básico de las formas, perspectivas, composición y herramientas.

Uno de los aspectos más interesantes del libro es la atención que se da al uso adecuado de la fotografía como referencia. Se explica la forma de por qué y cuándo es necesaria utilizarla, además de los peligros potenciales a tener en cuenta: por ejemplo, asegurándose de capturar toda la información visual necesaria. A pesar de que esto fue escrito en la década de 1940 y algunos de los puntos puede parecer anticuado, los problemas de la lente de la cámara sigue siendo un factor determinante y este es un tema que raramente es cubierto con detalle en los libros de arte actuales.

Al día de hoy, es la edición más pesada de los libros de Loomis, con el máximo de información para asimilar. Los momentos en los que habla de sus compañeros: como Norman Rockwell y Howard Pyle son anécdotas más que bienvenidas, sobre todo para ilustradores que amen este período de la ilustración. Para redondear, Creative Illustrations se trata de un libro que fue escrito durante el auge de la profesión, con mucho que ofrecer para aquellos que son serios acerca de su trabajo y rescaten el valor de aprender de estos maestros del pasado.

Características del archivo

Idioma: Inglés

Formato: PDF

Peso: 33,8 MB

Alojamiento: MEDIAFIRE

Eunjung Shin, Universo de Dramático Detalle

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 08 Feb 2014 23:43:00 +0000

Les presentamos a Eunjung Shin, una Ilustradora nacida en Seul, Corea del Sur. Su trabajo consiste en utilizar imágenes del folklore asiático para obtener resultados orientados al diseño contemporáneo. Toda su producción y, en especial las superficies como las pesadas cortinas de flores, es realizada minuciosamente con marcador y tinta.

Su gran dominio de la ilustración, predomina en formas naturales, y la creación de composiciones limpias, geométricas, que se controlan y compartimentan dentro del caos. Algunas de las obras como aquella donde una niña es devorada por una flor carnívora en un espacio en forma de cubo, es un recuerdo nostálgico a la ilustración de libros de cuentos victorianos, mientras que otros como las piezas de ajedrez, se centran en el diseño de la narrativa.

De humor abstracto, absurdo y muy oscuro, a veces, el trabajo de Eunjung Shin tiene esa pequeña chispa de brillantez que lo distingue de los demás. Y no debemos olvidar en nivel de detalle, donde cada trabajo ha sido totalmente diseñado para ser complejo. Eunjung Shin actualmente trabaja como artista e ilustrador en su propia empresa, Indivisualplay. También puedes revistar su portfolio en Behance.

Pat Perry, La Naturaleza VS El Espacio Urbano

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 29 Jan 2014 19:00:00 +0000

Pat Perry es un artista e ilustrador nacido en el área de Detroit, EE.UU. Las tierras del norte estadounidense, el colorido de las personas, la música y las calles ordinarias del Medio Oeste siempre le han servido de inspiración.

Un rápido vistazo al interior de sus cuadernos, revela un mundo fascinante donde la naturaleza parece en curso de colisión directa con la urbana. Las siluetas de la gente y la vida silvestre están llenas de ricas historias, con texturas que parecen ser representativas de los recuerdos de ensueño. El detalle y variedad en estos trabajos es sin duda increíble, incluso las imágenes a continuación no alcanza ni un %40 de la produccion total del artista.

Perry actualmente vive y trabaja en Grand Rapids, Michigan y pasa la mayor parte de su tiempo dibujando, pintando, y escribiendo sobre lo que queda del mundo salvaje. Como siempre, les recomendamos que visiten su Web

Gesine Marwedel, Obras de Arte Sobre Cuerpos

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 28 Jan 2014 06:41:00 +0000

Tatuaje de henna

Los paralelismos entre el arte y la vida durante han sido bien documentados a lo largo de la historia, pero una auténtica creadora está difuminando la línea aún más, mediante la creación de obras maestras en personas reales. Nos encontramos ante Gesine Marwedel, una increíble artista nacida el 04 de juilio de 1987 en la ciudad de Eckernforde, Alemania.

Como todo amante del arte, al principio se había familiarizado con el óleo y pintar sobre paredes, pero fue el arte del tatuaje de henna el que ha cultivado su amor por el el campo de la pintura corporal. De esta manera, Marwedel se encuentra llevando el bodypainting a un nuevo nivel mediante el uso de las formas naturales de la forma humana para que, literalmente, su trabajo cobre vida.

Gracas a su realismo en cada trabajo, participa activamente en concursos y eventos internacionales, tanto para empresas, eventos, cine y televisión, así como para clientes privados. A continuaciòn les dejamos unas imágenes de sus trabajos y si quieren obtener mas información sobre ella, pueden visitar su Web

Un León de Acero Labrado por Selçuk Yılmaz

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 27 Jan 2014 09:30:00 +0000

Haciendo una visita por deviantART nos encontramos con un caso curioso que nos remonta al refrán "la basura de un hombre es el tesoro de otro".
Y es que ciertamente se trata del caso del escultor turco Selçuk Yılmaz, quien reunió aproximadamente unas 4.000 piezas de desechos metálicos para su última ~~locura~~ creación. Pasó diez meses martillando cada pieza e idealizando una intrincada organización de ellas para erigir un enorme y majestuoso león. La pieza se llama (y sin hacer alusión a Las Crónicas de Narnia) Aslan, que significa "león" en turco. El producto final mide 10.8 pies x 6,06 pies y pesa 551 libras. Es increíble ver un material fuerte y rígido transformado en una fluida criatura realista. Si las imágenes a continuación no te conforman, puedes visitar sus sitios en Behance y devianART

François de Nome, el Hombre Detrás de Monsù Desiderio

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 27 Jan 2014 05:37:00 +0000

François de Nome fue un pintor francés del período barroco. Nacido en Metz en la región de Lorraine, en 1593, y luego trasladado a Roma en 1602, donde trabajó en el taller de Balthasar Lawars hasta alrededor de 1610 después lo cual, se muda a Nápoles.

Hasta mediados del siglo XX se creía que las obras de de Nome pertenecían a "Monsù Desiderio", nombre antiguo dado a un artista que ha pintado escenas de arquitectura con un estilo distintivo en Nápoles a principios del siglo XVII. El término Monsù (variación de la palabra monsieur) fue utilizado a menudo por los historiadores napolitanos para denotar un pintor de origen extranjero e imaginario. Sin embargo las obras anteriormente atribuidas a "Desiderio" se han identificado como el trabajo de un mínimo de tres artistas: De Nome, Didier Barra (quien también era de Metz) y un tercero, aún sin nombre.

Las obras de Nome fueron descritas por el hisotirador alemán Rudolf Wittkower como "pinturas extrañas y fantasmagóricas de la arquitectura que a menudo se desmoronan"

Los temas son, típicamente ruinas decrépitas o edificios estériles en un casi surrealista, paisaje post- apocalíptico. Las personas son diminutas figuras, cielos nublados, tonalidades de tierra, y bordes indistintos. Un dato interesante es su descripción de la Piazza di San Marco, correctamente poblada por las estructuras adecuadas, pero los detalles son inventados

Su estilo no fue muy influyente para los pintores italianos de paisajes (Vedutismo) en el próximo siglo, con la excepción quizás de Alessandro Magnasco. Sin embargo, las representaciones de la vida silvestre de pesadilla en medio de los restos de la civilización era una temática adoptada por pintores como Salvatore Rosa y Miguel Ángel Cerquozzi, y vuelve a aparecer en el Capriccio (monumentos caprichosos y fantásticos, ruinas o edificios) de Piranesi.

Beauty de Rino Stefano Tagliafierro

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 26 Jan 2014 10:29:00 +0000

¡Buenas a todos! Tranquilos, un poco más abajo de estos renglones está el informe del link, solo queremos contarles algunas cosas. Como verán, volvimos y ha pasado un tiempo considerable desde nuestra última entrada, inclusive hace unos veintiséis días arrancó el 2014 (esperamos logren cumplir todas las metas que se propongan este año) y apenas nos alcanzó el tiempo como para poner una desapercibida portada en facebook. ¿La creciente flojera se está notando? Para nada...

Como venimos acostumbrando desde el año pasado, hemos hecho un abandono esporádico, pero que nos resulta efectivo a la hora de dedicarnos a nuestras actividades en el mundo "off line". Para quienes sean seguidores de nuestro blog, cambiamos de redactores y seguramente volveremos a las publicaciones diarias a partir de marzo, con un toque más informal de lo normal, tratando de retomar una de las secciones más importantes como la de descargas. Mientras tanto, esperamos que nos tengan paciencia... Y ahora sí, al informe.

Ahora bien (a centrarnos en lo que importa) nos encontramos frente a un video que a la hora de describirlo nos rememora esas largas visitas al Museo Nacional de Bellas Artes y más de una vez ~~soñamos~~ imaginamos que todas las obras que en él habitan, cobran vida como en Una Noche en el Museo (si, así de chiquilines somos en este blog). Al menos si nunca vieron esta película o no pudieron tomar el té con La Gioconda, este el momento oportuno para observar la interacción de algunas de las obras mas importantes de la historia del arte y todo gracias al director-animador experimental Rino Stefano Tagliafierro.

Tagliafierro es un italiano nacido en 1980 y siempre amó crear situaciones de mundos extraños, invocando sugerencias de recuerdos que viven en la mente, siempre con el objetivo de excitar, sorprender y perturbar al espectador a través de un cuidado de la estética, pero al mismo tiempo depende de una investigación creativa y experimentativa.

Tiene un vasta experiencia en el mundo de los videos musicales como director de varios artistas como Four Tet, Stumbleine, Digitalism, en el mundo de la moda ha realizado videos para Antonio Marras y Kenzo, y un largo etcetera de trabajos creativos.

Algunas de las obras en el video

Todo ese trabajo creativo lo llevó por el camino de las artes plásticas y no tuvo otra mejor idea, (gracias a Dios, Al-lah, Yahveh, y todos los credos existentes) de cumplirnos el sueño de ver con "vida" a esos fascinantes óleos, dentro de esos majestuosos mundos que sus respectivos creadores han imaginado. ¡Esperamos que lo disfruten y nos estamos encontrando en muy poco tiempo!

Matt Buckley, Impactantes Figuras de Arcilla

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Dec 2013 08:29:00 +0000

Matt Buckley comenzó su carrera de escultor hace más de 20 años siguiendo los pasos de su padrastro, Roberto Harrop, y produciendo una impresionante colección de figuras de resina emocionalmente evocadoras y ferozmente modernas sobre animales y criaturas míticas. Influenciado por el estilo en lugar de sujetos, Matt ha dado un toque único a cada pieza con una mezcla espectacular de forma, luz y textura. Toda su colección cuenta con una ecléctica variedad de temas, pero con un aspecto y estilo en común para que sean altamente coleccionables como centros de mesa.

Cada escultura es modelada originalmente en arcilla para permitirle a Matt la mayor libertad a la hora de crear la sensación dinámica y orgánica de cada pieza. Los moldes de arcilla terminados, son esculpidos cuidadosamente a mano usando cerámica Polystone para permitir la reproducción fiel de detalles. El toque final no es más que la hábil aplicación de un sutil patinado a mano. En fotografías como las expuestas debajo, cada escultura parece enorme, pero de hecho, el tamaño medio oscila entre 8 a 15 pulgadas. Como es normal en este tipo de obras, Matt trabaja en solitario. Posee un estudio en el que se enumeran varios artistas y diseñadores mundiales.

Si tienes interés en conocer con más detalles la obra de este artista, visita su Web

Sorpresa en la Plaza de San Roque, Sabadell

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 28 Nov 2013 18:00:00 +0000

En el año 2012, el Banco Sabadell de España, celebrando su 130 aniversario decidió armar un espectáculo más que ingenioso con una orquesta "flashmob" (acción mancomunada en la que un gran grupo de personas se reúne de manera espontánea en un lugar público y realiza algo inusual para luego dispersarse). Más de 100 personas participaron en este flashmob compuesto por la Symphony Orchestra Of The Valleys, la Cor Lieder Camera y Amics de l 'Opéra y el Coro de Bellas Artes, interpretando el movimiento final de la 9ª Sinfonía de Beethoven en la plaza de la ciudad de Sabadell, España.

Sólo basta prestar atención a los rostros de felicidad y asombro que une al público, a partir de una simple niña que coloca una moneda. Esta destacada actuación es un gran ejemplo de las personas que unen sus talentos al servicio de su comunidad. Si ejecutas un instrurmento no sería mala idea el considerar unirse con otros artistas, una o dos veces al mes para realizar este tipo de emprendimientos entorno a hogares de ancianos, albergues, campamentos, estaciones de metro y parques. Al fin y al cabo, la música es una poderosa herramienta de sanación, una gran manera de levantar el ánimo de la gente y aumentar la vibración del medio ambiente local.

Pawel Kuczynski, Postales de un Posible Futuro

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 23 Nov 2013 04:28:00 +0000

Pawel Kuczynski es un ilustrador nacido en 1976 en Szczecin, Polonia. Después de aportar sus ilustraciones a la prensa de su país durante muchos años, en 2001 logra gradarse en el Departamento de Artes Gráficas de la Academia de Bellas Artes de Poznan. Hoy en día pertenece a la Asociación Polaca de Artistas-Caricaturistas (SPAK). Ya afianzado en su profesión, desde el año 2004 se ha preocupado por representar los mas variados dibujos satíricos, que le han valido el récord de bienales internacionales ganadas en Bélgica, Brasil, China, Colombia, la República Checa, Irán, Italia, Japón, Corea, Portugal , Rumanía, Rusia, Serbia, Eslovaquia, España, Siria, Taiwán, Turquía y los Estados Unidos. Todos sus temas se centran en lo que para Pawel, es fundamental en la superviviencia humana... Nuestro planeta. Así, implementando varias técnicas, ya sea mediante el uso de pasteles o lápices plicromos, intenta dejar en evidencia todos los errores humanos.

La irrupción de su pensamiento en el mundo ilustrativo golpeó con tal magnitud, que cada trabajo es considerado un documental esencial para comprender los motivos de los principales problemas de nuestro siglo.

Tan sólo en el año 2010 ganó 19 premios y 29 distinciones, entre ellos:

● 2º premio en el 49º Festival Internacional de Caricatura Knokke-Heist (Bélgica)
●1º premio en el Concurso Internacional de Caricatura en Zagreb (Croacia)
● 2º premio en el Foro Internacional de Humor Visual KARIKATURUM 5 (Rusia)
● Medalla de Plata en el 9 º Congreso de Kyoto (Japón)
● 1º premio en la 16 ª Bienal de Caricatura de Vercelli (Italia)
● Medalla de Plata 'DICACO 2010 "en el 19no Concurso Internacional de Caricatura Daejon (Corea)
● 1º premio en el 5º Concurso Internacional de Caricatura "Braila 2010" (Rumania)
● 1º premio en la 1ª Exposición Internacional de Caricatura en Sofía 2010 (Bulgaria)
● 1º premio en el Festival Internacional de Caricatura "Clear Look" 2010 (Rusia)
● 1º premio en el Concurso de Caricatura selectiva (Hungría)

En el miso año, también recibió dos grandes distinciones. Una en el Concurso Internacional de Caricatura Chopin Smile organizada por el Museo de la Caricatura y el Arte de la Historieta en Varsovia y la segunda en el Premio de la Historieta de las Naciones Unidas (EE.UU.)

Si tienes interés en conocer más información sobre este artista, visita su Web

Craig Hone, Perfectos Animales Tallados en Madera de Nogal

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 24 Sep 2013 07:39:00 +0000

Craig Hone es un escultor nacido en 1974 y con una trayectoria erigida en un trabajo consumado, tanto en madera como bronce. Toda su inspiración nace de la naturaleza que crece sobre las montañas del centro de Utah. Nacido en el seno de una familia de talladores, durante quince años ha manifestado un implacable estudio basado en las grandes obras de arte creadas a lo largo de la historia. De esta manera, centró todos sus esfuerzos en desarrollar su técnica a través del estudio de esas obras de antaño y la anatomía animal. Actualmente y a pesar de realizar esculturas extremadamentes detallistas, es reconocido por un estilo puramente impresionista. También, junto a su padre, Keith Hone, de 73 años, realiza seminarios de talla y escultura en madera. Durante los últimos 10 años, han enseñado alrededor de mil clases en su estudio, y hasy que adicionarle unos tres mil más, ya que ha viajado por todo los Estados Unidos y Canadá.

Craig examina cada pieza desde todos los ángulos posibles, mirando a los elementos de diseño, flujo, y realismo. Y es tan notorio su perfeccionamiento y amor hacia sus obras, que los búhos aquí expuestos, comenzaron como esculturas de madera que un cliente había encargado. Le resultaron tan fantásticos, que decidió realizar modelos de arcilla exactamente iguales a los de mandera, para luego mandarlos a fundir en bronce. De principio a fin este esfuerzo le tomó tres años para completar y así poder conservar sus creaciones.

Si tienes interés en concer más información sobre este artista, visita su Web

Robert Edward McGinnis, PinUp, Agentes Secretos y Seducción

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 21 Sep 2013 05:06:00 +0000

Robert Edward McGinnis es un artista e ilustrador americano nacido en 1926 en la ciudad de Cincinnati, Ohio, y criado en Wyoming. Es conocido por haber ilustrado más de 1.200 libros de bolsillo, y más de 40 carteles de la película, incluyendo la taquillera Breakfast at Tiffany's (su primera asignación para un cartel de películas), Barbarella, The Couple Oddy, varias películas de espionaje como James Bond (Thunderball, You Only Live Twice, Diamonds Are Forever, Live and Let Die) y Matt Helm. Su último trabajo hasta la fecha fue para la animación The Incredibles. Mediante sus trazos ha representado figuras tales como Sean Connery, Roger Moore, Audrey Hepburn, Walter Matthau, Jack Lemmon, Jane Fonda, Burt Reynolds, Raquel Welch y James Coburn. Como pintor también crea obras de galería desde su propia imaginación y representa a chicas seductoras, tranquilas escenas de naturaleza, y escenas del Lejano Oeste (tales como el que se mostraba al personaje de John Wayne en una escena de la película The Searchers; misma imagen aparece en la portada de el libro "Tapestry: The Paintings of Robert E. McGinnnis")

Se convirtió en un aprendiz en los estudios Walt Disney, y luego estudió Bellas Artes en la Universidad Estatal de Ohio. Después de servir durante la 2da Guerra Mundial en las tropas de la Marina Mercante, entró en el terreno de la publicidad y un encuentro casual con Mitchell Hooks en 1958 lo llevó a ser introducido en la editora Dell Publishing, donde comenzó una carrera dibujando una variedad de cubiertas para libros escritos por autores como, Donald Westlake (escribiendo bajo el seudonimo de Richard Stark), Edward S. Aarons, Erle Stanley Gardner, Richard S. Prather, y las series de Michael Shayne y Carter Brown. Más adelante, realizó ilustraciones para revistas de tirajes diarios tales como Ladies 'Home Journal, Woman's Home Companion, Good Housekeeping, TIME, Argosy, Guideposts, y The Saturday Evening Post. Tambien fue el diseñador del título principal de la pelicula The Hallelujah Trail de 1965. La atención de McGinnis al detalle era tal que cuando le asignaron las ilustraciones de Arabesque pidió que le sea enviado una replica del vestido de tigre de Sophia Loren para capturar el aspecto correcto.

En 1985 recibió un galardón con el título de "Artista Romántico del Año" por parte de la revista Romantic Times debido a sus numerosas cubiertas con dicha temática. En reconocimiento a sus ilustraciones, en 1993 fue elegido para ser miembro del Salón de la Fama en la Sociedad de Ilustradores (Organización educativa sin fines de lucro establecida en Nueva York y dedicada a promover el arte de la la ilustración) En ese Robert se unió a la gustos de Norman Rockwell, NC Wyeth, Maxfield Parrish, Winslow Homer, Robert Peak, Frederic Remington y la Frank McCarthy.

Si tienes interés en conocer más información sobre este artista, visita su Web

Lessons From Michelangelo de Michael Burban

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 16 Sep 2013 00:52:00 +0000

Michelangelo Buonarroti fue un pintor del Renacimiento italiano, escultor, arquitecto, poeta e ingeniero. Su trabajo en cada uno de estos campos era absolutamente genial. Si tenemos en cuenta la cantidad de correspondencias, bocetos y recuerdos que existen en la actualidad, es el mejor artista documentado del Siglo XVI. Dos de sus obras más populares, El David y La Piedad, fueron esculpidas antes de cumplir los treinta años. Como artista, ha creado dos de las obras más influyentes de la historia del arte occidental: El Génesis en el techo y el Juicio Final en la pared del altar de la Capilla Sixtina. Como arquitecto, Miguel Ángel fue pionero en el estilo manierista de la Biblioteca Laurentina. Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos era su impresionante sentido del esplendor. Los intentos de artistas posteriores que trataron de imitar el estilo personal y apasionado de Miguel Ángel dieron lugar al Manierismo, el próximo gran movimiento en el arte occidental después del Alto Renacimiento.

Michael Burban, conciente de la magnitud de este genio del arte, logra analizar sesenta y cuatro de los mejores dibujos de Miguel Ángel y describe los principios del dibujo que ilustra y muestra cómo representar la anatomía humana, así como cortinas y ropajes. De esta manera edita Lessons From Michilangelo en el año 1986, libro que por cierto ha sido recibido con muy buenas críticas. Hoy les traemos una versión de gran calidad en formato PDF, a continuacion podrán ver algunas capturas que contiene el libro. Aunque no se encuentra traducido al español, esperamos que puedan disfrutarlo.

Características del archivo

Idioma: Inglés

Formato: PDF

Peso: 40,72 MB
Alojamiento: MEDIAFIRE

Peregrine Heathcote, Pintura Para la Nostalgia

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Sep 2013 20:54:00 +0000

Nacido en la ciudad de Londres en 1973, Peregrine Heathcote se graduó en la Academia de Arte de Florencia en 1995. Cada óleo de su autoría evoca un mundo de glamour y encanto embriagador, deslizándose a través de las fronteras del tiempo para fusionar al diseño icónico de la preguerra con las concepciones modernas de la belleza de la era romántica.

Las imágenes no solo pueden llegar a representar un sueño, la pura visión artística de un pintor fascinado por el glamour del pasado, de la juventud de sus padres y su infancia transcurrida en Gran Bretaña y Dubai, sino también la encarnación contemporánea del glamour en una cultura "jet-set", haciendo representaciones literales de actores en escenarios de películas, o modelos de la vida real que dejan las sensibilidades contemporáneas para mirar a través de un telón de fondo de época.

Cada lienzo sugiere la misma historia, lo que lleva a imaginar las circunstancias en torno a una sola escena crucial. Heathcote deja intencionalmente estas cuestiones abiertas, lo que nos permite espacio para construir narrativas múltiples, entrar y salir de diferentes realidades, mezclando lo literal y lo metafórico muy bien logrado con gran habilidad, imaginación e ingenio.

En base a esto, la BBC ha grabado recientemente un documental sobre los retratos de Peregrine que se ha transmitido en todo el mundo. Sus pinturas, incluyendo retratos de encargo a destacados ejecutivos, aristócratas, y la alta sociedad, han sido expuestas en la Sociedad Real de Retratistas. Actualmente vive y trabaja en Chelsea, Londres.

Si tienes interés en conocer más información sobre este artista, visita su Web

Jim Hansel, El Triunfo de la Perseverancia

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Sep 2013 04:22:00 +0000

Jim Hansel es un pintor estadounidense, nacido en Chaska, Minnesota en 1960. Comenzó a pintar a la edad de 15 años y desarrolló sus habilidades artísticas mientras asistía a la Universidad de Minnesota, donde se graduó en 1985 con un Bachelor Of Fine Arts en arte comercial. Su mayor talento reside en su capacidad para reconocer las características únicas de la naturaleza, para entonces retratar con precisión en su art. A los 12 años, fue diagnosticado con una enfermedad ocular degenerativa llamada Stargardts. Esta enfermedad le ha dejado totalmnete ciego. Pero a pesar de su limitación, persiguió su vocación por la pintura hasta convertirse en uno de los artistas más elogiados en los Estados Unidos y Canadá. Como resultado de su esfuerzo, Jim espera servir de inspiración para superar cualquier discapacidad y concretar sus metas.

El amor de Jim por la vida silvestre y la naturaleza ha sido el tema primordial en sus obras de arte durante muchos años y a pesar de sus limitaciones visuales, y que el mundo que percibimos es distinto al suyo, ha aprendido a crear imágenes de gran detalle con el uso de lupas y dispositivos de baja visión. Como suele impregnar infinidades de detalles dentri de un cuadro, sólo trabaja a una o dos pulgadas de distancia del lienzo. Sin embargo, mientras añade cuidadosamente estos detalles, no tiene una idea clara sobre el producto final.

También suele aprovechar su cámara para capturar sus ideas y ponerlas en foco. Al igual que muchos otros artistas, utiliza fotografías de paisajes cuando su actividad se encuentra sujeta a su estudio. En este punto del trabajo, aumenta las imágenes para ver con claridad. Pero si uno toma las fotografías originales, puede encontrarlas sumamente distintas a los óleos terminados. Esto se debe a que sorprendentemente, cuando Jim se pone las gafas y comienzan sus pinceladas, sus pinturas cobran vida.

Él cree que debido a su visión, pasa más tiempo en una pintura añadiendo más detalles, que muchos otros artistas. Llegando a pasar hasta cuatro meses en un solo cuadro.

Ha dicho que quiere que su obra sea juzgada por sus propios méritos y no sobre la base de su discapacidad visual. Esta determinación le ha lanzado a la fama nacional. Desde el lanzamiento de su primera imagen en 1987, Jim ha producido cerca de 175 grabados de edición limitada. Muchas de las ediciones están agotadas. Su reputación de detalle y sus distintivos paisajes han demostrado ser muy populares entre los coleccionistas de arte.

La esposa de Jim, Lois tiene un papel fundamental en el éxito de su negocio. Desde su matrimonio en 1985, Lois ha estado involucrada en la producción de cada impresión. Con un amplio conocimiento en la publicidad, supervisa la impresión de obras para garantizar la más alta calidad posible.

Jim también ha recibido mucho reconocimiento y numerosos premios por su trabajo. En los últimos años, ha sido el encargado de producir varias pinturas, que han sido destacadas por Ducks Unlimited, la Asociación de Cazadores de ciervos Minnesota y TIP (Turno de cazadores furtivos). Las impresiones de edición limitada se utilizan para recaudar fondos para estas organizaciones de conservación. Hansel ha sido honrado con muchos premios en su haber. Tiene la conviccion que su éxito se deba al trabajo duro y la perseverancia trabajando seis días a la semana en su estudio casero.

Si tienes interés en conocer más información sobre este artista, visita su Web