El Gramófono

Se adelantó la salida del nuevo disco de Radiohead

2011-02-18T09:46:00.000-08:00

Si bien el lanzamiento de The King of Limbs estaba anunciado para mañana, la banda de Oxford decidió colgar en su página un dia antes el disco sucesor de In Rainbows (es un término conceptual, ya que no tendrá un formato físico hasta mayo).

Radiohead ya había lanzado la edición digital de In Rainbows desde la web, pero esa vez el precio era "a consciencia". Ahora se debe abonar un precio fijo, dependiendo del país de residencia. Está de más decir que muchos de nosotros no lo pagarán, ¿no?

The King of Limbs cuenta con ocho temas. Un disco breve, pero lo bueno, si breve, dos veces bueno (así dice el refrán). Todavía falta dar una buena escucha, o varias, para poder dar una opinión bien fundada. A primera oída, parece ir en una senda similar a su predecesor.

Mientras tanto, les dejo el video de Lotus Flower para que se vayan interiorizando en el disco.

Nuevo disco de The Kills en puerta

2011-02-17T08:50:00.000-08:00

El extraño dúo dinámico The Kills vuelve a la carga con un nuevo disco.

Como ya todos deben saber, el próximo 4 de abril va a salir a la venta el sucesor de Midnight Boom. El cuarto disco de la banda se llamará Blood Pressures y contará con 11 temas. Ya se puede reservar en la página de Domino Records.

Para la grabación del álbum, Jamie Hince y Alison Mosshart volvieron a Key Club Studios en Michigan, donde se reunieron con el equipo de grabación de su disco anterior. Producido por el mismo Hince, Blood Pressures fue mezclado en Londres por Tom Elmhirst.

La lista de temas:

01. Future Starts Slow
02. Satellite
03. Heart Is A Beating Drum
04. Nail In My Coffin
05. Wild Charms
06. DNA
07. Baby Says
08. Last Goodbye
09. Damned If She Do
10. You Don’t Own The Road
11. Pots And Pans

Y para amenizar la espera, les dejo el video del single Satellite.

Adiós a los White Stripes

2011-02-09T17:28:00.000-08:00

Así como algunos se van, otros vuelven. Yo vuelvo a escribir en este blog y los White Stripes se despiden de los escenarios y los estudios. Alguna recopilación tardía nos devolverá a Meg y a Jack juntos por última vez.

Era una banda que me hubiese gustado ver en vivo y esa oportunidad la perdí en mayo de 2005, cuando no fui a verlos. "Ya van a volver", pensé. Ay, esas cosas no se piensan.

Trato de consolarme al pensar que tal vez vea a Jack White alguna vez en vivo. Y si no, seguiré disfrutando sus discos, ya no con Meg pero tal vez con The Raconteurs o con sus amigos de The Dead Weather (banda muy recomendada por mí... y por muchos críticos musicales importantes, claro).

Darle fin a The White Stripes era cuestión de tiempo. Como lo dijeron en su página oficial, no fue por diferencias artísticas o por no poder continuar. Era obvio, desde hacía tiempo, que el líder y frontman de la banda de los pseudo-hermanos estaba en otra. Debe resultar agotador ser miembro de tres bandas simultáneamente.

Fue una buena banda. Siempre van a guardar un lugar entre mis discos.

A modo de despedida, elegí algunos videos para que compartamos los recuerdos que dejaron.

Snif.

Seven Nation Army

Fell in Love with a Girl

Icky Thump

Pistas de lo nuevo de Belle & Sebastian

2010-09-10T08:32:00.000-07:00

Tarde pero seguro, de vuelta al posteo. En esta ocasión, les quería presentar un adelanto del nuevo material de los escoceses Belle & Sebastian.

He aquó un video de lo que será su nuevo trabajo, Write about Love, que saldrá el 11 de Octubre en el Reino Unido y un día más tarde, en Estados Unidos. Esperemos que llegue pronto a América Latina, aunque supongo que estará disponible pronto en los lugares que todos conocemos...

Enjoy it!

Regina Spektor viene a Buenos Aires

2010-07-29T15:18:00.000-07:00

La noticia -que me alegra mucho- fue anunciada por la cantante a través de un post en su MySpace.

La fecha del show será el 7 de octubre próximo y el lugar del evento, el Teatro Gran Rex.

Las entradas van a salir a la venta por Ticketek el próximo lunes 2 de agosto, por lo que todavía no hay información sobre los precios de las mismas.

La cantante norteamericana de origen ruso viene a presentar Far, su último disco, editado el año pasado -y elegido por este blog como el mejor disco Pop internacional del 2009. Ésta es la primera vez que la artista se presenta en nuestro país.

Megaphone ou la Mort

2010-07-26T22:38:00.000-07:00

Un encuentro policultural entre Buenos Aires, Valencia y Paris, dio lugar a Megaphone ou la Mort, una banda que se anuncia con un nombre que es, por lo menos, un grito revolucionario.

Mezclen dos argentinos, un franco-inglés y dos españoles y la receta dará como resultado un rock inclasificable. Muchas veces asociamos un estilo musical a cierta nacionalidad. En este caso, eso sería muy difícil, sino imposible.

Camarade Coma, su ópera prima, es la consecuencia de la diversidad cultural de sus miembros. Es un álbum difícil de encasillar en un género. Cada canción tiene una impronta propia, pero a la vez el conjunto suena agradablemente armónico.

Para sumar complejidad a la diversidad, las canciones están cantadas en inglés o en francés. Su cantante, John Martinez, es de origen franco-inglés.

La poésie du travail, la canción que abre el disco, puede evocar a Expérience, mientras que Party doll es una canción muy estilo Bowie. Le garçon rêvé recuerda a la melancolía de la chanson francesa; en cierto punto tiene un dejo del estilo de Benjamin Biolay pero con guitarra acústica y violín.

Integrantes:

• John Martínez (Voz)

• Diego Summo (Guitarra)

• Sergio Sorace (Batería)

• Sr. Correcto (Guitarra)

• Fer Martí (Bajo)

Recrear la música cuando todo cambia

2010-07-21T10:54:00.000-07:00

El dúo The Kills

Mientras muchas cosas cambian en cuanto a la música con respecto a los últimos 50 años (desde artistas, géneros, popularidad, hasta los formatos, la distribución, la masividad), una cosa permanece intacta: la canción.

La marca de jeans Levi's invitó a los músicos pioneros de hoy, que navegan por géneros como el pop, el rock, el soul y el rap, para recrear las canciones clásicas que inspiraron su música.

Entre los artistas invitados, se encuentran She & Him, Dirty Projectors, The Shins, Jason Mraz, Passion Pit, John Legend & The Roots y The Kills.

Las canciones interpretadas por todos los artistas pueden descargarse gratuitamente desde la página de Levi's.

Acá les dejo una muestra de las canciones que más me gustaron:

The Kills- Pale Blue Eyes (cover de The Velvet Underground)

She & Him - Fools Rush In (cover de Rick Nelson)

Passion Pit - Tonight, Tonight (cover de The Smashing Pumpkins)

Canciones para pasar el invierno

2010-07-12T21:07:00.000-07:00

Es un hecho: el invierno ya se instaló entre nosotros. Está muy cómodo él, mientras nosotros vivimos al borde de la hipotermia (exagero un poco). Frío, mucho frío. Quien permanezca en la calle más de 10 minutos -si se atreve- puede sentirlo.

¿Y qué hacemos cuando hace tanto frío? Nos quedamos en casa, posiblemente. ¿Y qué podemos hacer en casa? Descartemos la opción de mirar una película; ésa es la típica. Entonces, aparece otra respuesta: escuchar música.

Música para pasar el invierno, de eso se trata. Y se me ocurrió elegir algunas canciones que tuviesen que ver con la temática invernal, que hablen de frío, de invierno, de nieve y todas las cosas que eso implica.

¡Disfrútenlas! Si es junto a la estufa, mejor.

Winter - Rolling Stones

Mick Jagger canta: "And it's sure been a cold, cold winter / And the wind ain't been blowin' from the south / It's sure been a cold, cold winter / And the light of love is all burned out". Sí, Mick, ha sido (y es) un frío, frío invierno y el viento del sur no estuvo soplando. Yo también quisiera estar en California, donde en este momento es verano...

Confesiones de invierno - Sui Generis

Si bien esta canción habla, en una primera instancia, del invierno y del frío, en realidad habla de mucho más. Habla de estar a la deriva, sin dinero, comida o abrigo. Las heridas del invierno son más profundas que las huellas que deja el más intenso frío. Pero además, más allá de eso, Charly canta sobre una época difícil en Argentina. A través de las metáforas que los militares tal vez no entendían, decía cosas que no se podían decir a viva voz.

Winter wooskie - Belle and Sebastian

Ésta es una canción para enamorarse en invierno, mirando nevar a través de la ventana -si es que donde viven nieva- y observando ese posible amor que los saluda. Una linda canción invernal de Belle and Sebastian.

White winter hymnal - Fleet Foxes

Y el invierno no podía pasar sin indie. Por eso, incluyo esta linda canción de la banda estadounidense Fleet Foxes, porque me gusta y porque el video es simpatiquísimo. Y que la nieve blanca se vuelta roja como las frutillas, como dice la canción.

Winter - Tori Amos

Una canción conmovedora para dejar aflorar las emociones. La nieve puede esperar, dice Tori, mientras se pone sus botas. Tiene calor en su corazón cuando piensa en el invierno, mientras intenta descubrir quién es en el frío del invierno. Una estación para reflexionar.

Cold - The Cure

Robert Smith sería emo si hoy fuese un adolescente. Pero no, es Robert Smith. Los emos no deben ni saber quién es. Y como es un darkie de corazón, canta que todo es frío como la vida, que todo es frío como el silencio. Y el nombre de esa persona a la que le canta, es como hielo en su corazón. Una canción para un invierno medio depre.

In the cold cold night - The White Stripes

Una gran canción para calentar la noche. Un encuentro amoroso en una noche fría. Un amor prohibido en la oscuridad, cantado por Meg White.

Invierno del 92 - Cuarteto de Nos

Como siempre, los uruguayos del Cuarteto de Nos tienen letras pegajosas e ingeniosas. "Un invierno que dolía el frío / mi cuerpo ya no era el mío / iba en el ómnibus resfríado / mirando por el vidrio empañado", describe la canción. Éste es un escenario muy común en época de invierno. Y a partir de ahí, comienza una anécdota, que se inicia en un colectivo y luego pasa a un accidente de auto, un niño atropellado. Hasta que el protagonista de la historia se sentía tan mal que fue a que lo viera la enfermera y se contagió de hepatitis B. Sí, va a ser una larga espera hasta que llegue la primavera.

Arcade Fire lanzará nuevo disco en agosto

2010-06-24T16:38:00.000-07:00

La banda de Win Butler en un concierto en Estocolmo en 2005

Luego de mantenerlo en secreto por un tiempo (todo lo que pudieron), el grupo canadiense reveló que su tercer disco saldrá el próximo 3 de agosto. El nombre: The Suburbs. Ya anda dando vueltas por la red un tema homónimo y otro llamado Month of May (se pueden escuchar en la página de Myspace de la banda).

Al menos por lo que escuché -estos dos temas que andan dando vuelta- el nuevo material de Arcade Fire no suena tan solemne, tal vez, como su anterior disco, Neon Bible, editado en 2007. Sin embargo, no puede juzgar hasta que no se escuche todo el disco.

Gustar... creo que va a gustar. Esperemos hasta agosto. Y, mientras tanto, un video que encontré por ahi.

Sea of Cowards - The Dead Weather

2010-06-18T23:51:00.000-07:00

Y mientras un blues de sangre azul abre el disco (Blue blood blues), Jack White y su troupe vuelven al ruedo con nuevo trabajo, el sucesor de Horehound (elegido en este blog como el mejor disco del año pasado).

De Sea of Cowards se puede decir que es un disco parejo y que sigue la línea del primer disco de la superbanda. Personalmente, me gustó mucho más Horehound. Este último trabajo no muestra nada demasiado nuevo; es más bien la consolidación del proyecto del líder de los White Stripes y Alison Mosshart, dos fuertes personalidades que sorpresivamente parecen llevar bien el mando compartido.

El segundo disco de The Dead Weather es algo oscuro y caótico. Incluye temas como The difference between us, un canto de un amante a otro, que lo invita a caminar por los bordes e ir adonde nadie los vea para encontrar sus diferencias; otro gran tema, I can't hear you, que es una cuasi declaración infantil: "no puedo escucharte... ni quiero" (I can't hear you / You're talking to yourself / And what you're used to / It don't work on no one else). Y también hay temas como Die by the drop o Jawbreaker (o tal vez un heartbreaker, aunque Alison Mosshart prefiera guardarse el término para "cosas más lindas"), que son canciones potentes como este grupo sabe hacer.

¿Lo recomiendo? Por supuesto que sí. Mientras los Dead Weather conserven en el espíritu algo blusero y algo alternativo, mientras tengan esa rabia y esos alaridos de Mosshart, siempre tendrán discos recomendables. Eso espero.

Top 5: canciones para corazones rotos

2010-06-03T10:15:00.000-07:00

Como todo ranking o lista (personal) de temas es algo arbitrario, antojadizo y hasta dictatorial, supongo que no se puede complacer a todo el mundo. Los recuentos de este tipo son muy subjetivos, tienen que ver con los gustos y las experiencias de cada uno. Después de todo, la tristeza no es lo mismo para todo el mundo.

Sin embargo, hago el esfuerzo y elijo los 5 temas que para mí están en el podio de los corazones rotos.

5. Waltz #2 - Elliott Smith

Esta canción del disco XO del año 1998, además de recordarme el fatídico final de Smith, me trae a la memoria las situaciones de desencuentro. Como dice el dulce y oscuro Elliott: "I'm never gonna know you now but I'm gonna love you anyhow" (Nunca voy a conocerte pero voy a amarte de todos modos), lo que expresa el enamoramiento, el flechazo con una persona que no conocemos bien pero que nos hipnotiza. La mayoría de las veces es algo unilateral. ¿A quién no le pasó alguna vez? Y la voz de Elliott lo expresa muy bien.

4. I'll take the rain - R.E.M.

Este tema es del disco Reveal de la banda de Georgia, EEUU, expresa el rechazo a la resignación de aceptar las cosas como son. También tiene dosis de melancolía: "I used to think / as birds take wing / they sing through life so why can't we? / If you cling to this / and claim your best / if this is what you're offering / I'll take the rain" (Solía pensar igual que los pájaros alzan el vuelo / Ellos cantan a través de la vida, así que por qué no nosotros? / Nosotros nos adherimos a esto y clamamos por lo mejor / Si esto es lo que ofreces / Elegiré la lluvia). Es el canto a un gran amor que fue y que ya no es, porque antes que soportar ese presente, Michael Stipe canta que prefiere la lluvia y dice que la canción del invierno la cantará solo. Ha dicho.

3. I know it's over - The Smiths

Este tema, perteneciente al disco The Queen is Dead, es el perfecto testimonio de un corazón roto, quebrado, destrozado. Morrissey canta que todo acaba de terminar, él lo sabe pero no sabe qué hacer. Quiere correr a los brazos de su madre para que consuele sus tendencias suicidas: "Oh Mother, I can feel the soil falling over my head / See, the sea wants to take me / The knife wants to slit me / Do you think you can help me ?" (Ay madre, puedo sentir la tierra cayendo sobre mi cabeza / Mira, el mar quiere llevarme / el cuchillo quiere cortarme / Crees que puedes ayudarme?). A su vez, se comporta como un caballero que acepta el final, le canta a la derrota: "I know it's over / And it never really began / But in my heart it was so real / And you even spoke to me, and said : "If you're so funny / Then why are you on your own tonight ? / And if you're so clever / Then why are you on your own tonight ? / If you're so very entertaining

Then why are you on your own tonight ? / If you're so very good-looking / Why do you sleep alone tonight ? / I know... / 'Cause tonight is just like any other night / That's why you're on your own tonight" (Sé que ha terminado / Y esto nunca empezó en realidad / Pero en mi corazón era tan real / Que incluso me hablabas y decías: Si eres tan gracioso / Entonces por qué estás solo esta noche? / Si eres tan inteligente, entonces por qué estás solo esta noche? / Si eres tan entretenido, entonces por qué estás solo esta noche? / Si eres tan lindo, entonces por qué estás solo esta noche? / Es porque esta noche es como cualquier otra noche / Y es por eso que estas tan solo esta noche).

2. Thinking about you - Radiohead

Canción del disco Pablo Honey. ¿Cómo no iba a estar Radiohead entre las mejores canciones, a mi parecer, de corazones rotos? Son los abanderados de los desamorados y las almas tristes. Y ésta no es otra cosa que una hermosa canción de desamor: "Been thinking about you, and there's no rest / Shit, I still love you, still see you in bed / But I'm playing with myself, and what do you care / When the other men are far, far better" (Estuve pensando en ti y no hay descanso / Mierda, todavía te amo, te sigo viendo en la cama / Pero estoy jugando solo, y qué te importa / Cuando los otros hombres son mucho, mucho mejores).

1. Wish you were here - Pink Floyd

No sé si será porque esta banda siempre me tira un poco para abajo o porque me da cierta nostalgia de épocas pasadas, o me recuerda a mi infancia y lo que no va a volver, pero me parece que es la canción número uno para los corazones rotos. Esta canción, del album homónimo de 1975, según dicen muestra los sentimientos de alienación del escritor Roger Waters hacia otras personas y hacia él mismo, así como desilusión por la música. Pero también me suena a una canción de amor, o tal vez de amistad: "How I wish, how I wish you were here / We're just two lost souls / Swimming in a fish bowl / Year after year / Running over the same old ground / What have we found? / The same old fears /Wish you were here" (Cómo quisiera que estuvieses aquí / Éramos sólo dos almas perdidas / Nadando en una pecera / Año tras año / Corriendo sobre la misma tierra / Qué hemos encontrado? / Los mismos viejos miedos / Quisiera que estuvieses aquí).

Algunas notas sobre Cat Power en el Teatro Coliseo

2010-05-30T14:25:00.000-07:00

Una velada tranquila, con luces tenues (rojas, violetas, azules), la sala oscura casi por completo, las miradas expectantes... y otra vez la voz de Chan Marshall, devenida Cat Power sobre el escenario.

Algo de folk, algo de blues, una fuerte influencia de los clásicos. Covers. Amor por Bob Dylan. Todo eso fue el show de Cat Power en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, anoche, mientras afuera llovía y esta chica de Atlanta, Georgia, se volvía a ganar los corazones de los porteños con su voz aterciopelada e hipnótica.

Ella estaba simplemente vestida. Simple, como debe ser ella. Se vio por ahí, en las butacas, un público raro, tal vez demasiado producido (igual que el año pasado en el Gran Rex, cuando ella tocó por segunda vez en Buenos Aires). Había lentejuelas, muchas chicas con vestidos estrambóticos, mucho chico lookeado indie...

Chan vino otra vez, la tercera, para deleitarnos con su música, junto a su Dirty Delta Blues, esta vez reducida (con una batería en escenario que apenas fue tocada). Sin bajista, con Gregg Foreman en piano y órgano y Judah Bauer en guitarra.

Su extraña manera de moverse en el escenario ya me sorprendió la primera vez que la vi, en el Gran Rex, en julio del año pasado. Admito que me produce cierta incomodidad su postura algo esquiva. Pero supongo que Chan es así.

La noche comenzó con Don't explain de Billie Holliday, Dreams de Fleetwood Mac, seguidas por Woman Left Lonely de Janis Joplin. Chan parece ser una mujer que a veces la dejaron sola, por eso demuestra fortaleza en sus canciones, detrás de esa aparente fragilidad de chica dócil.

Puntos cumbre de la noche: cuando cantó Lost Someone de James Brown, Metal heart (versión del disco Jukebox) y todo el bloque que fue desde The Greatest hasta el final, con I don't blame you, esa canción que, según dicen, le dedicó a kurt Cobain.

Y otra vez más, Chan Marshall pasó por Buenos Aires y nos dejó hechizados por su poder felino, mientras la noche llegaba a su climax y afuera del teatro llovía copiosamente.

Lista de temas:

Don´t explain
Dreams
Woman left lonely
Silver stallion
Makin´ believe
I lost someone
Lord help
Fortunate son
Metal heart
Sea of love
The greatest
Lived in bars
She´s got you
Song to Bobby
Satisfaction
Dark end of the street
Ramblin´ woman
Angelitos negros
House
I don´t blame you

Foto: Tadeo Jones para Rolling Stone Argentina.

Quarantine The Past: The Best Of Pavement

2010-05-26T18:37:00.000-07:00

Y ya que estamos con el Indie, vamos a seguir en tema. Porque Pavement, banda de culto de la década del ’90, lanzó recientemente su Grandes éxitos. Es un disco recopilatorio, que va desde el año 1987 hasta 1999, cuando se separaron.

Los californianos se encuentran en este 2010 con la siguiente formación: Stephen Malkmus, Bob Nastanovich, Scott Kannberg, Steve West y Mark Ibold. Hace diez años se separaron y se reunieron recientemente, para lanzar su nueva gira que arranco el 1 de Marzo en Nueva Zelanda.

Mañana estarán tocando en el Primavera Sound Fest, en Barcelona. Entre otros festivales, participarán en Roskilde (Dinamarca) y Pitchfork (Estados Unidos) en julio, entre otras fechas en Europa, Canadá y Estados Unidos.

Y parece que vienen a Argentina en octubre de este año…

Lista de tracks:

01. Gold Soundz
02. Frontwards
03. Mellow Jazz Docent
04. Stereo
05. In The Mouth A Desert
06. Two States
07. Cut Your Hair
08. Shady Lane / J VS S
09. Here
10. Unfair
11. Grounded
12. Summer Babe (Winter Version)
13. Range Life
14. Date With Ikea
15. Debris Slide
16. Shoot The Singer
17. Spit On A Stranger
18. Heaven Is A Truck
19. Trigger Cut / Wounded Kite At
20. Embassy Row
21. Box Elder
22. Unseen Power Of The Picket Fence
23. Fight This Generation

Enciclopedismo: Indie Rock

2010-05-25T17:00:00.000-07:00

Según Wikipedia, el término Indie proviene del vocablo inglés “Independent”, y se refiere a cualquier escena artística autónoma y que se realice bajo el lema “hazlo tú mismo”.

El género Indie Rock se originó en Gran Bretaña y Estados Unidos en la década de los ’80. Es pariente de otros géneros como el rock alternativo, el post-punk y el new wave. El término generalmente se utiliza para rotular a la producción independiente de música “under”. Los músicos Indie son bien conocidos por tener total control sobre sus obras y sus carreras. Generalmente se dan a conocer por el “boca a boca” o mediante Internet, que es una gran vía de promoción.

Gracias al advenimiento de Internet, muchas bandas nuevas pueden hacer llegar su música a una gran audiencia potencial, sin grandes costos y sin estar necesariamente relacionadas a una discográfica. Esto se da gracias a las páginas que ofrecen música gratis, con amplias librerías digitales que disponen de grandes variedades de canciones para escuchar. Además, “colgar” un disco o algunas temas en la red, permite a los artistas reducir los costos de producción que conlleva la fabricación de CD’s. También es cierto que permite a los músicos presentar sus nuevos trabajos más rapidamente que si los produjeran de manera tradicional.

Algunas bandas y solistas indie son, entre otras: Sonic Youth (los padres del Indie, tal vez), The Smiths, Happy Mondays, Inspiral Carpets, Pavement, Beck, Belle and Sebastian, TV on the Radio, Cat Power, Arcade Fire, Elliott Smith, Wilco, The Magnetic Fields, My Bloody Valentine... ¡y más!

Queríamos tanto a Elliott

2010-05-22T18:48:00.000-07:00

Quien haya conocido (o escuchado, mejor dicho) a Elliott Smith y comprenda lo profundas y sentidas que son (o eran) sus letras, podrá entender que estamos frente a un gran poeta que se fue para nunca más volver. Tal vez lo vean como un introvertido más que hacía indie pop. Sin embargo, era dueño de una suave e hipnótica voz y su mejor arma era la guitarra acústica.

Depresivo, alcohólico y adicto a las drogas. Tal vez sea un cliché, tal vez fuese la realidad de Smith en los últimos años de su vida, hasta su trágica y extraña muerte en 2003 (la autopsia no esclareció totalmente las causas).

Elliott era bastante anónimo en el mundo de la música hasta que en 1998 compuso Miss Missery para la banda de sonido de la película Good Will Hunting (dirigida por Gus Van Sant), por la cual recibió una nominación al Oscar por "Mejor canción original".

La actitud de Smith era muy indie, muy de su época. Luego de los Oscars dejó de cantar Miss Missery. Sus canciones eran muy melancólicas; hablaban de lamentos, dudas, miedos, recuerdos tristes, rupturas, amores y autodestrucción. Cantaba al amor posible pero doloroso, al olvido, a la eterna soledad del hombre... No necesariamente eran canciones tristes, pero destilaba esa dulce melancolía que tienen algunas grandes canciones pop.

Su primer disco solista, Roman Candle, salió en 1994, mientras todavía era parte de Heatmiser, su banda antes de convertirse en solista. Es una grabación lo-fi de folk-pop, muy del estilo de los '90. En 1995 sacó un disco homónimo, de una calidad un poco más elaborada, de cuyas canciones puede rescatarse The Biggest Lie, con una letra intensa que te pone la piel de gallina.

En 1997 saca su tercer disco y su gran obra maestra: Either/or. Es una grabación más elaborada, más cercana al pop, con canciones como Ballad of big nothing, que te parten el alma.

El siguiente disco, de 1998, es XO. En el mismo, Elliott da rienda suelta a sus miedos y fantasmas más personales. Es una obra muy sentida y visceral, con joyas como Waltz # 2 y Oh Well, Okay.

Luego de XO, sigue Figure 8. Este es uno de sus mejores discos, en mi opinión, y cuenta con canciones como Son of Sam, Somebody that I used to know, Stupidity Tries, Everything means nothing to me y Wouldn't mama be proud.

Elliott murió el 21 de octubre de 2003, a la edad de 34 años, producto de dos puñaladas en el pecho. De acuerdo a lo declarado por su novia Jennifer Chiba, con quien estaba viviendo en ese momento, habían estado discutiendo y ella se encerró en el baño. Lo oyó gritar y, al abrir la puerta, se encontró con Elliott de pie con un cuchillo de sierra clavado en el pecho, le sacó el cuchillo, tras lo cual él se desplomó, y llamó al 911. Smith fue declarado muerto en el hospital a las 13:36. Aunque originalmente se declaró la defunción de Smith como suicidio, la autopsia oficial publicada a finales de diciembre de 2003, dejó abierta la puerta de un posible homicidio. Se encontró una supuesta nota de suicidio escrita en un post-it que decía "I'm so sorry—love, Elliott. God forgive me".

Con casi cuatro años de producción, From a Basement to the Hill, fue finalmente publicado el 19 de octubre de 2004 por ANTI- Records (una subsidiaria de Epitaph Records). Con la familia de Smith en control de su legado, decidieron llamar a Rob Schnapf y la ex novia de Elliott, Joanna Bolme para terminar con la producción del álbum. Aunque el propio Smith pensaba editarlo como un álbum doble (o uno sencillo con un "bonus disc"), fue lanzado como un álbum sencillo con 15 pistas. Muchas de las canciones más depresivas (posteriormente filatradas en internet) fueron excluidas, valga el ejemplo de "True Love (que trata gráficamente sobre la adicción y la rehabilitación), Abused, Stickman y Suicide Machine (una versión de Tiny Time Machine, una canción instrumental inédita de la época de Figure 8).

El 8 de mayo de 2007 se publicó un álbum recopilatorio de dos discos llamado New Moon (Kill Rock Stars). Contiene 24 canciones grabadas entre 1994 y 1997, durante su estancia en dicha discográfica. Dichas canciones consisten en demos, primeras versiones, caras B no publicadas y algunas pistas sin terminar.

Cat Power vuelve a Buenos Aires

2010-05-09T19:28:00.000-07:00

Como sucedió el año pasado y en 2001, la cantautora estadounidense Cat Power (nombre artístico de Charlyn "Chan" Marshall) arribará a Buenos Aires para presentar sus últimos trabajos: Jukebox (2008) y Dark End of Street (2009), editados por Matador Records (el primero, con edición nacional gracias a Ultrapop).

Su música reciente puede ser descrita como indie, aunque ésta es especialmente minimalista y se ha caracterizado por explorar muchos géneros y estilos a través de su ya larga carrera. En sus grabaciones toca normalmente la guitarra y el piano. A menudo es acompañada por un grupo tanto en el estudio como en concierto.

El show tendrá lugar el sábado 29 de mayo en el Teatro Coliseo. Las entradas ya están a la venta, a través de Ticketek.

Precio:
Platea Baja (Fila 1-10): $250 (+ $20).-
Platea Baja (Fila 11-15): $220 (+ $15).-
Platea Baja (Fila 16-20): $180 (+ $15).-
Super Pullman: $180 (+ $15).-
Primer Pullman Izq: $160 (+ $10).-
Primer Pullman Der: $160 (+ $10).-
Segundo Pullman Izq: $100 (+ $10).-
Segundo Pullman Der: $100 (+ $8).-

Mientras la esperamos, les dejo un video para que disfruten:

Tres guitarras, tres voces

2010-05-02T09:23:00.000-07:00

Flopa Manza Minimal suena a otra cosa. Es Indie, es rock de guitarras acústicas, es algo inexplicable si hablamos de géneros. Es rock. ¿Es rock? Con miedo a etiquetar, mejor describo.

Es un trío. Son tres músicos con proyectos otros, que se juntaron para hacer algo entre amigos. Algo que surgió y se convirtió en un disco de nombre homónimo, grabado allá por el año 2003, con la financiación de un fan que quería escucharlos en CD y que no podía aceptar que el grupo no tuviese intenciones de editarlo (por falta de dinero, sabrán entender eso de la música independiente).

El proyecto contó con Flopa (Florencia Lestani, ex Barro, ex Mata Violeta), Manza (Mariano Esain, ex Menos que cero, actual Valle de Muñecas, productor y sonidista) y Minimal (Ariel Sanzo, ex Fabulosos Cadillacs, actual Pez). Se separaron en 2004 por una pelea entre Manza y Minimal.

El trío se formó de manera casual. Manza y Minimal (que habían sido compañeros en el grupo Martes Menta) se reunieron con Flopa para interpretar a tres voces el tema Sonajeros, perteneciente a Flopa. Fue así que durante enero del 2003 grabaron las canciones que componen la placa: cuatro de Flopa, cuatro de Manza y cuatro de Minimal. Como resultado de esto, el disco tuvo doce canciones marcadas netamente por lo acústico, salvo excepciones.

La alusión al mar y al viento es constante en las canciones del trío. El destino, el desencuentro, el destiempo, los Beatles, las guitarras acústicas, la voz que carraspea, el desinterés, la resignación. Altamente recomendable. Un disco que no dejo de escuchar hace una semana.

Buenos Aires bajo el "efecto Placebo"

2010-04-11T10:09:00.000-07:00

Placebo es de esas bandas que uno conoce más que bien y aún así te sorprenden. Su música es emotiva, te llega al alma, te cala los huesos como el frío, como la melancolía en un día triste. Pero también es energía. Y, para no ser menos, su show de anoche fue explosivo.

No sólo vinieron a presentar su último disco, Battle for the Sun, sino que también nos invitaron a conocer a su nuevo baterista, Steve Forrest, quien reemplazó a Steve Hewitt, luego de su ida en octubre de 2007.

Es su tercera vez en Buenos Aires. Siempre vinieron en el mes de abril, ¿será coincidencia? La primera vez tuvo lugar en el Luna Park, allá por 2005. No sé si será porque realmente aquél fue su mejor recital, porque una era más joven e impresionable o porque la banda no era tan popular en el país en esa época y no había tanto "aficionado", pero recordaba esa vez como la mejor. La segunda, en el Club Ciudad de Buenos Aires (al aire libre), fue en el año 2007. Esa vez habían venido a presentar Meds. Mirandolo ahora, fue su show más flojo. Y ahora, la tercera vez, fue tan intensa como la primera.

Entre el público, mucho darkie. Gente vestida de negro y demás parafernalia. Si alguien iba vestido de otro color, desencajaba. Había olvidado que ciertas "tribus" todavía siguen algunas reglas de vestimenta. Tal vez hacía mucho tiempo que no iba a un recital de este tipo. O no, tal vez desde Depeche Mode en Octubre de 2009, donde vi mucha gente disfrazada (o con el "uniforme" de dark).

Pero vamos con los datos de rigor: el recital, que en un principio iba a realizarse en el Club GEBA (con capacidad para 15 mil personas), finalmente se dio en el micro-estadio Malvinas Argentinas, en el barrio de la Paternal, a pedido de la banda ya que querían tocar en un estadio techado. Hay que decir que el lugar está muy bien para tocar, aunque los alrededores dan miedo. Se llega a la entrada por una tenebrosa calle junto a las vías del tren. No me gustaría pasar sola por ahí. Volviendo al show: comenzó poco después de las 21.30; no obstante, por un golpe de tensión que dejó sin electricidad a los instrumentos -así anunció un señor de la organización- tuvieron que volver unos 5 minutos más tarde y dar comienzo al espectáculo de una vez.

Luego del fallido comienzo, dieron inicio al show con la canción For what it's worth del último disco. Luego tocaron Ashtray heart y Battle for the sun. "Muchas gracias chicos y chicas, pendejos y pendejas. Mi nombre es Brian y el nombre de mi banda es Placebo", dijo en un castellano bastante aceptable el lider andrógino Molko.

El grupo -todos en vestido en composé de blanco y negro y con una elegancia que podría ser la envidia de muchas damas-, con el pequeño Brian Molko dominando el escenario con gran actitud y el altísimo bajista, Stefan Olsdal, haciendo sensuales bailes, se mostró muy dinámico en escena y con un explosivo sonido en vivo que es una mezcla entre la furia de las melodías punk y la oscuridad de las letras.

Siguieron con los temas: el viejo hit Sleeping with Ghosts (con un estribillo muy coreado), Speak in Tongues, Follow the Cops Back Home, Every Me, Every You, Special Needs y Breath Underwater, las últimas con algunos problemas en la pantalla ubicada el fondo del escenario.

"If anyone in here is in drugs... this song is for you" (Si alguien acá consume drogas... esta canción es para vos), dijo el diminuto Molko antes de interpretar Julien. Prosiguieron con: The Never-Ending Why, Come Undone, Devil in the details (las tres del último disco), Meds y Song to Say Good-bye (ambas del disco anterior).

Para el final quedaron las esperadas Special K -con todo el estadio tarareando el "para papa parará" pegadizo que está entre medio de las estrofas- y la enérgica The Bitter End; dos canciones que forman parte del repertorio de temas "clásicos" de la banda. Minutos más tarde, luego de una breve espera y un extraño video de una bailarina bailando sobre sí misma, llegaron los bises con Trigger Happy e Infra-red.

La banda dejó al público vibrando, como cada vez que viene al país, y luego de hora y media de recital, se retiró de escena mientras la ciudad se fue a dormir bajo el efecto Placebo.

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Ella y él (son adorables)

2010-04-08T17:30:00.000-07:00

Nuevamente rehabilitado el blog, es hora de escribir un nuevo post. ¿Y qué mejor que dedicarle un post al dúo integrado por la encantadora Zooey Deschanel?

Ellos son dos: She & Him. Ella es la actriz de ojos enormes y llamativos. Divina, toda una lady. Él es M. Ward, un tipo extraño y misterioso, a primera vista.

El dúo suena retro. Bah, no suena, hace música retro. En la década del 2010, hacen música que suena como si estuviesen en 1964. She & Him componen melodías para primaveras eternas, para estar de buen humor aún cuando los tiempos no son los mejores, para ir por la calle dando saltitos de secreta alegría, para pensar en la sonrisa de tu amor y suspirar cual adolescente. Porque Zooey provoca ternura (y a los hombres, otras cosas).

Comenzaron esta colaboración musical allá por 2008, en breves encuentros en los que Deschanel y Ward fueron construyendo lo que se convirtió en Volume One, su primer disco (título orginal, ¿no?). Desde entonces, ella y él están aquí para quedarse. Y qué gusto...

A Deschanel parece no gustarle mucho hacer alarde de su doble capacidad de actuar y hacer música (y además, ser hermosa). Cuando salió el primer disco, apenas hizo anuncios sobre el mismo. Solamente se dedicó a cantar, junto con su compañero de escenarios, y dejaron que las canciones hablasen por sí solas.

Descanel le confesó al New York Times que quería que el nombre de la banda fuese lo bastante "humilde, modesto y anónimo", a lo que Matt (así es como se llama el señor Ward) asintió: "Queríamos que la música fuese la prioridad".

Su segundo disco, Volume Two (la genialidad de la simpleza debe ser una de sus mayores cualidades, todo tan sencillo como debería ser), fue grabado en Los Ángeles, donde vive Zooey, y Portland, donde vive Matt. Ella hacía las armonías y luego él las llenaba con un sonido sónico que a ella no le salía. Así surgieron las canciones de su última placa.

Aunque no lo sepan, Zooey lleva años grabando canciones secretamente. Sí, la niña incluso podía cantar. Ella dejó que Matt escuchara su material luego de trabajar juntos en una película indie (a la chica le gusta el indie, se nota), The Go-Getter.

Las canciones de Volume Two son suaves como la seda, como la voz de la chica de los ojos bonitos. In the Sun, el corte de difusión que ya tiene video, muestra a Zooey como una jovencita enamorada que persigue a su amor por toda la escuela. Si bien es un disco parejo, hay algunas perlas que brillan más que el resto (aunque levemente): Don't look back es fresca y alegre, I'm gonna make it better es tan optimista y Brand New Shoes es orginal, al punto de comprarar cosas "importantes" (la tristeza, tal vez) con un par de zapatos. Después de todo, debe adorar los zapatos. Asimismo, hay dos covers en este disco: Gonna get along with you now, de Skeeter Davies y Ridin' in my car, de NRBQ.

Coldplay en Buenos Aires

2010-02-28T18:17:00.000-08:00

Más allá de todas las reviews que ya se pueden haber leído sobre el show de estos ingleses en el estadio de River, quería hacer mi evaluación del mismo. Como fan más que como intento de periodista.

Coldplay sonó muy bien, tocaron todos los temas que esperaba... Excepto Trouble. Hubiera sido lindo escuchar esa canción en vivo pero creo que es una de las más tristes de su discografía y la noche del viernes fue más bien festiva. El set-list invitó a la alegría.

Chris Martin es un ser carismático, sabe mantener el contacto con el público. Es muy simpático, al menos en el escenario. Transmite energía positiva.

Como escribieron en otros medios, Coldplay dio un show que conmovió de principio a fin. Fue un recital emotivo. Hubo fuegos artificiales al ritmo de la música, mariposas de papel volando sobre la gente -los que digan que esto es medio gay, abstenerse- y a la salida regalaban un disco de la banda con 9 canciones en vivo. Podrán decir que suena demagógico, pero ¿a quién no le gusta recibir un disco -gratis- de la banda que acaba de ver?

Éste fue el segundo show de Coldplay en Buenos Aires. El primero, en el Gran Rex, me lo perdí por entradas agotadas. Por lo tanto, la primera vez que vi a este cuarteto británico en vivo y puedo decir que me sorprendieron para bien.

Tocaron un tema nuevo que, según la confesión del frontman, escribieron para sus fans de Latinoamérica. El mismo se llamaba "Don Quijote", anunció Martin, en un dificultoso español. Luego de eso, el líder de la banda le pidió a la gente de las plateas altas que levantaran sus manos con los celulares encendidos para hacer "la ola". Un efecto impresionante y conmovedor. Una ola de luces increíble.

La canción que más me gustó: The Scientist. Me hizo caer un lagrimón y me puso la piel de gallina. Aunque amé The hardest Part y Fix you.

El show entero fue genial. Pero no quiero extender la emoción en estas líneas. Es obvio que habla la fan adentro mío. Viva la vida, como dice Coldplay. Porque vale la pena estar vivo para presenciar estos recitales.

Top 10 de canciones de amor

2010-02-14T16:22:00.000-08:00

Las canciones románticas abundan en nuestra memoria musical. Cada frase, cada arreglo, cada acorde nos recuerda a él, a ella, un momento, un amor de verano, un gran amor, una noche, el amor de tu vida.

Con finales felices o tristes (así como las relaciones en la vida misma), las canciones de amor anidaron en nuestros recuerdos para siempre. Por eso, aprovechando el ambiente amoroso de la fecha -entiéndase, San Valentín-, esbozo una lista (que, por el hecho de serlo, es siempre incompleta y no pretende ser exhaustiva) de 10 canciones de amor (y desamor) que me gustan.

10 - I don't want to get over you - The Magnetic Fields

The Magnetic Fields es una -prácticamente- desconocida banda neoyorkina encabezada por el compositor y cantante Stephin Merritt. Su álbum más memorable es el triple 69 Love Songs, en el cual, tal como dice su título, hay 69 canciones de amor de diversos estilos y cuyas historias son muy dispares: del amor al desamor en un solo paso. I don't want to get over you es una de esas hermosas melodías que, con la voz apesadumbrada de Merritt, te invitan a aferrate a un viejo amor (que no querés superar, no, por nada del mundo). Para los que aún viven de las cenizas de un viejo amor...

(Mirá este muy lindo video que encontré, no es oficial pero es genial)

09 - You got it - Roy Orbison

Este señor es una leyenda, no hay duda. Entre sus hits, además de esta canción, pueden citarse Only the lonely, Oh Pretty woman y Crying. Orbison, apodado The big O, fue un influyente cantante y compositor estadounidense, pionero del rock and roll, cuya carrera se extendió por más de cuatro décadas. Es conocido por sus baladas de amores perdidos, por sus melodías rítmicamente avanzadas y por sus gafas enormes. Giró con los Beatles y fue muy amigo de la banda, especialmente de John Lennon y George Harrison. También influyó a los Rolling Stones. En fin, un groso. En este tema, Orbison le canta a su amor y le dice "todo lo que quieres, lo tienes; todo lo que necesitas, lo tienes". Es decir, acepta y ama a su mujer como es. Qué lindo, ¿no?

08 - All you need is love - The Beatles

Bueno, ¿qué se puede decir de los Beatles que no se haya dicho antes? Su genialidad deja a cualquiera sin palabras. Con una melodía simple y una letra no muy compleja, dicen lo que hay que decir: "todo lo que necesitas es amor". Una frase tan sencilla que dice mucho. Y ahí está la grandeza de esta banda: crear grandes joyas con una encantadora sencillez.

07 - Lurgee - Radiohead

Radiohead tiene la particularidad de hacer canciones que te parten el alma. Y Lurgee no es la excepción. Es la historia de un amor perdido, los rastros de algo que fue. La voz de Thom Yorke canta: "me siento mejor ahora que no estás, me siento mejor ahora que no hay nada incorrecto" y nos llega a convencer que está realmente bien ahora que ella se fue / lo dejó. Es la aceptación (de la derrota) hecha canción. Es el deseo de estar mejor y seguir adelante sin él / ella. ¿Cómo reconoceríamos el verdadero amor sin antes haber sufrido ni haber perdido?

06 - Used to love him - Fiona Apple

Chica conflictiva y sufrida, si las hay. Fiona Apple es la voz -desgarradora- del desamor. En esta canción cuenta cómo le cuesta superar ese amor que la vuelve loca, le cambia los planes y del que no puede despegarse. Todo porque solía amarlo.

(Video acá)

05 - Everything - Alanis Morissette

Acá llega la buena de Alanis para darle un toque esperanzador al amor. A veces encontramos personas que nos hacen sentir realmente cómodos con quienes somos y nos dan aliento para seguir viviendo -cursi, pero cierto-. Por esas personas que nos aceptan como somos, ¡salud!

04 - Without you I'm nothing - Placebo

Esta canción plasma el sentimiento de extrema necesidad que nos genera el otro. Ese sentir que "sin vos no soy nada", esa dependencia que llega a un extremo enfermizo y que muchas veces confundimos con amor. Esta canción conmueve hasta lo profundo del alma -esa frase genial que dice "you grow me like an evergreen", es decir, "me creces (por dentro) como una siempreverde"-. Y lo mejor es que cuenta con la participación de Sir David Bowie (la versión original no lo incluye, pero ésta tiene ese plus).

03 - Zoom - Soda Stéreo

Soda Stereo - Zoom

| Video de MySpace

No podía dejar afuera alguna canción en castellano. Y esta encantadora pieza de Soda da ganas de salir a besar a quien uno ama -o no, tal vez sólo da ganas de besar-. Este tema genera alegría, da ganas de amar. Sí, es cursi, pero estamos tratando una temática que inevitablemente cae en la cursilería. Porque "lo que seduce nunca suele estar donde se piensa".

02 - Metal heart - Cat Power

La voz de Chan Marshall te hace sentir el dolor de aquellos que alguna vez sufrieron por un "corazón de metal". Otra canción de desamor, que le canta al egoísta que la apartó de su vida. Ella canta: "una vez estuve perdida pero ahora me encontré, estaba ciega pero ahora veo cuán egoísta de tu parte es creer en todos los malos sueños. Corazón de metal, no te ocultes, corazón de metal, no vales nada". Una fuerte sentencia de un corazón roto.

01 - I got my mind set on you - George Harrison

Si de amor se trata, era justo que el primer puesto lo ocupara una linda canción de amor. En ella, Harrison le canta a su amada: "tengo mi mente puesta en vos". No hay nada más adorable que un enamorado le declare a su chica / mujer que sólo piensa en ella, aunque sólo sea poéticamente, porque "esta vez es real lo que siento". Para suspirar.

Los arándanos en el parque de la Luna (o The Cranberries en el Luna Park)

2010-02-06T12:52:00.000-08:00

La voz de Dolores O’Riordan me puso la piel de gallina en una noche lluviosa y calurosa en Buenos Aires. Estuve una hora y media conmovida por sus altos y bajos, sus gritos y gemidos. Y a mí eso –la piel de gallina- me pasa con muy pocos cantantes, solamente cuando el sujeto en cuestión es muy talentoso y tiene un nivel vocal impresionante.

Dolores sigue intacta tras 20 años –que los Cranberries rememoraron anoche en el Luna Park- y parece que nada en ella hubiese cambiado. Su cara perfecta, su voz increíble, su calidez. Todo en su lugar.

Luego de siete años de descanso, la banda volvió al ruedo nuevamente para celebrar las dos décadas desde su formación. La voz de O’Riordan no tuvo desperdicio en un show de lujo, donde dejaron en claro que seguían siendo tan brillantes como en los ’90. Todo esto con la compañía en guitarra de Noel Hogan.

Empezaron tranquilos con How y fueron avanzando lentamente hasta tocar algunos hits como Linger, Ode to my family, Dreaming my dreams y When you’re gone. Cuando interpretaron Pretty, Dolores le dedicó el tema a “all the ‘señoritas’ here”.

La empezaron a romper cuando tocaron Free to decide, uno de mis temas preferidos. Fueron preparando el clima para rockear, con la invitacion de la frontwoman, que llevó al público al clímax con Salvation, al tiempo que tiraba agua a la platea –y decía “agua” en castellano, como quien quiere demostrar que aprendió algunas palabras en otro idioma. Y para cuando tocaron Zombie, el Luna vibró al ritmo de la poderosa canción de los irlandeses.

O’Riordan se disculpó por no saber muchas palabras en castellano y dijo que estaba intentando aprender el idioma. Sin embargo, lanzaba algún “muchas gracias” con un simpático acento –el de una irlandesa hablando español en Buenos Aires- o un “hola amigos”. Todo esto mientras se paseaba por todo el escenario, con o sin su guitarra colgando, usando un vestido multicolor largo hasta los pies y zapatillas plateadas. Y el pelo corto, tan característico de la cantante.

Tocaron algunas canciones de la carrera solista de Dolores –de sus discos Are you listening? (2007) y el reciente No baggage (2009). Pero también sonaron muchas joyas de los primeros tres discos de la banda: Everybody Else Is Doing It, So Why Can´t We? (1993), No Need to Argue (1994) y To The Faithfully Departed (1996).

Cerraron la noche con Dreams y dejaron a todos los presentes soñando con una posible vuelta, como dijo Dolores: “We hope to see you soon”. Fue una lista de temas prolija aunque, para mi gusto, les faltó tocar Just my imagination.

Las entradas para el show de anoche se agotaron. Pero esta noche se presentan de nuevo en el mismo lugar y es la última oportunidad para verlos en vivo en su primera visita a la Argentina.

Lista de temas

1- How
2- Animal
3- Linger
4- Ordinary Day
5- You and Me
6- Dreaming my dreams
7- When your gone
8- Daffodil Lament
9- I Can´t be with you
10- Pretty
11- Ode to my family
12- Free to decide
13- Waltzing
14- Switch the moment
15- Salvation
16- Ridicules Thoughts
17- Zombie
18- Lunatic
19- Empty
20- The Journey
21- Dreams

Wolfgang Amadeus Phoenix

2010-01-29T16:25:00.000-08:00

Ése es el nombre del último disco de Phoenix, una banda francesa que canta en inglés y cuyo líder es esposo de Sofía Coppola (dato para los chismosos, nomás). Hacen rock alternativo de vertiente underground -aunque la definición sea muy amplia- y se formaron a fines de la década de los '90 en Versailles, Francia.

Un poco de historia

La banda se formó en el '99 y fue a caer en la bolsa con grupos como Air y Daft Punk. De hecho, Phoenix comenzó haciendo un remix del single "Kelly watch the stars" de Air. Su sonido lounge y sencillo los llevó al éxito underground en el 2000, cuando sacaron su primer álbum, United.

El hit "Too young" -incluido en el soundtrack de la película Lost in traslation, dirigida por la esposa del cantante- le dio un gran impulso a la banda para conseguir un segundo contrato de grabación. En 2004 sacaron a la luz Alphabetical, que tuvo un éxito comercial moderado, con relativamente buenas posiciones en los rankings con sus singles Everything is everything y Run run run. Pero, ¿a quién le importan los charts si estos francesitos son geniales?

Los integrantes: en la voz Thomas Mars; Deck D'arcy en bajo; Laurent Brancowitz

en guitarra y Christian Mazzalai en batería.

En el verano de 2005 grabaron It's never been like that en Berlín, Alemania. Fue un disco genial, con joyas como Consolation prizes, Long distance call, Sometimes in the fall y Second to none.

L'actualité musicale

El 25 de mayo de 2009 lanzaron su último disco -hasta el momento: se llamó, como el título, Wolfgang Amadeus Phoenix. Hasta el momento tienen dos cortes de difusión con sendos videos: 1901 y Lisztomania. La revista New Musical Express lo describió de la siguiente manera: "A menudo se dice que escribir sobre música es como bailar la arquitectura. Por el contrario, Phoenix son lo que los arquitectos deben bailar. Elegante minimalismo. Líneas limpias. Una propensión a vestir de blanco. Emocionalmente neutral, pero de textura rica - que es como el sonido de futuro utópico de Richard Rogers. (...) La verdadera estrella del espectáculo no es a menudo la figura de derramamiento de sangre de Thomas Mars, es la producción brillantemente detallada, en torno a la articulación entre el tambor y las cuerdas de la guitarra, se oye mejor a través de auriculares para el efecto estroboscópico completo".

La Rolling Stone dijo: "Si escuchas una sola canción sobre el conflicto interno del compositor clásico del siglo XIX, Franz Liszt, sería 'Lisztomania" de Phoenix. Esos diabólicamente locos franceses usan al compositor como símbolo del conflicto creativo, con el cantante Thomas Mars emocionado en un exuberante arreglo de guitarras pop. Pero la banda suena más segura que nunca musicalmente (...). Las 10 canciones son elegantes y limpias".

Coincido con ambas revistas: lo que define perfectamente a esta banda es la elegancia y el minimalismo. Sus canciones están finamente terminadas y nunca se los va a escuchar con un sonido mal producido. Si bien parece un disco menos energético que It's never been like that, eso no implica que sus ritmos no lleven a mover los pies. Altamente recomendable.

1901 collaboration video

PHOENIX | Videos musicales de MySpace

Lisztomania

PHOENIX | Videos musicales de MySpace

La mezcla perfecta: Them Crooked Vultures

2010-01-24T11:06:00.000-08:00

ave Grohl no mentía cuando dijo que su próximo disco lo grabaría con Josh Homme de Queens of The Stone Age en la guitarra y John Paul Jones de Led Zeppelin en el bajo. Aunque no siempre se puede esperar lo mejor de las asociaciones entre grandes músicos, esta vez la mezcla parece haber salido bien.

Them Crooked Vultures -abreviado TCV- es un supergrupo de hard rock formado al sur de Los Angeles, Estados Unidos en 2009. Está compuesto por Josh Homme, Dave Grohl (Foo Fighters) y John Paul Jones, además de contar con la participación de Alain Johannes (What Is This?, Eleven, Queens of the Stone Age) como guitarrista rítmico en vivo.

El álbum debut de la banda, de título homónimo, fue lanzado el 16 de noviembre de 2009 en Reino Unido y al día siguiente en Estados Unidos. También estuvo disponible en el canal de YouTube de la banda antes de su lanzamiento pero luego fue retirado.

El sonido de TCV recuerda mucho a Queens of The Stone Age pero con un bajo muy potente. El colorado Homme, al mando de la banda, demuestra que su influencia es mucho mayor que la de sus compañeros. Con temas como New Fang, No one loves me and neither do I o Dead end friends, los TVC dejan en claro que son una combinación mágica del rock.

Las primeras noticias sobre la colaboración de los tres músicos responden al año 2005, cuando Dave Grohl declaró en una entrevista a la revista Mojo: "El siguiente proyecto que estoy tratando de poner en marcha me incluye a mi tocando la bateria, a Josh Homme en la guitarra y a John Paul Jones tocando el bajo. Ese es el siguiente album. Eso no apestará".

El 6 de agosto una serie de videos de promoción conteniendo unos 40 segundos de música fueron colgados en Youtube anunciando la salida del disco para el 23 de octubre de 2009 y el título de este "Never Deserved the Future", junto con unas imagenes filtradas de la portada del disco. A pesar de la repercusión que tuvo la noticia entre los fans y los medios, incluso Rolling Stone público la noticia y el video en su página web oficial, se descubrio que eran falsos y habian sido creados por unos asiduos al foro oficial de Rekords Rekords, discográfica perteneciente a Josh Homme.

Lo que se viene: The XX

2010-01-19T16:09:00.000-08:00

Cuando por primera vez uno lee el nombre de esta banda, intenta encontrarle el doble sentido. No, no son triple X, son The XX, a no confundirse.

La banda está formada por cuatro veinteañeros oriundos del suroeste londinense, quienes se conocieron en el Elliott School. Están juntos desde el 2005 pero su disco homónimo debutó el 17 de agosto de 2009 y fue editado por el sello Young Turks Records.
Los dos amigos Romy Madley Croft y Oliver Sim llevan las voces cantantes; una chica y un chico, ambos introvertidos y tímidos que se conocen desde los 3 años. Ella toca la guitarra y él hace lo suyo con el bajo. El resto del grupo está compuesto por el guitarrista Jamie Smith. Tenían una tecladista, Baria Qureshi, pero en noviembre pasado dejó la banda. El puesto no será ocupado y el grupo continuará en formato trío.

The XX obtuvo el 6º puesto en The Future 50 de la revista inglesa New Musical Express. Esta lista incluye año tras año a los artistas y "pioneros del sonido" más innovadores del momento.

El sonido de The XX

Se los etiquetó como Indie Rock, Dream Pop y Post Punk. Los géneros musicales, como ya todos podemos intuir, están un poco en desuso hoy en día. No porque no existan sino porque son cada vez más difíciles de delimitar.

¿Cómo suenan? Suaves, algo oscuros, graves. Tienen chispa. Pero, ojo, no es una chispa eléctrica. Más bien es como una chispa que inicia lentamente un incendio. Transmite calma. Es un sonido introvertido, nacido de lo más interno del ser, pero no por existencialista sino por tímido. Tranquilo, simpático, armonioso. No se pueden pretender distorsiones ni gritos de esta banda. Pero se desempeñan muy bien en lo suyo:

Preferidos de los top ten de la prensa

Según la Rolling Stone original, el disco XX ocupó el 9º lugar en la lista de los mejores discos del 2009. Por otra parte, para New Musical Express fue la segunda mejor obra del año. La revista Uncut los puso en 6º lugar, mientras que para la Pitchfork estuvieron en el puesto nº 3. No tuvieron en cuenta este disco: Q Magazine, Metacritic, Filter, Spin y Popmatters. Y para The Guardian fue EL disco del año, ocupando el primer puesto.

Algunas curiosidades

Su corte de difusión "Crystalised" fue nombrado el Single de la Semana en iTunes. Por otra parte, la canción "Intro" fue utilizada en un comercial promocional de las series Cold Case y Law & Order. Además, el tema "VCR" fue parte de un episodio de Lie To Me.