El Guionista

Nebraska

2014-02-15T15:13:00.000-08:00

En El Guionista continuamos con la misma línea que tiene dos ejes de espera: aguardar el veredicto final de la Academia y mantenernos expectantes al regreso de Facundo Franco, quien me prometió que volvería hace, algo así como, ¿dos semanas? No le pierdo la fe, quizás me sorprenda. Pero volviendo al primer eje, sólo nos faltan seis largometrajes por críticas (ya pasaron por aquí Gravity, Her y Dallas Buyers Club). Hoy toca Nebraska, otra de las ternadas, cuyo director es Alexander Payne, un realizador que aún sigue siendo una incógnita para mí. Sin embargo, al leer apenas dos líneas del argumento, sentí curiosidad instantáneamente por su último trabajo.

Entre el caótico tráfico de Billings, Montana, se encuentra Woody Grant (Bruce Dern), caminando sin compañía alguna. ¿A dónde se dirige este septuagenario señor, con tanta determinación? “A Nebraska”, en busca de “su” millón de dólares. Luego de ser rescatado por un oficial de policía, David (Will Forte), hijo de Woody, lo llevará con su madre, anciana que está bastante cabreada con su esposo y le ha perdido la paciencia por completo.

Todos pretenden que David llene de cordura a su alcohólico, poco afectuoso y testarudo padre. La solución: internarlo a una residencia para la tercera edad. Sin embargo -para sorpresa de su madre y hermano-, no sólo no lo desalentará, sino que sumará a su aventura hacia la ciudad capital de Lincoln.

Anteriormente, sólo había visto dos cintas del director Alexander Payne: About Schmidt y The Descendants. La primera, me gustó y la comprendí, pero no me tocó. La segunda, por momentos me pareció bastante absurda. La tercera fue la vencida. Nebraska es un drama familiar totalmente sensitivo que se sumerge en el interior del espectador. Si la protagonizada por el gran Jack Nicholson, encaraba la vejez y la insatisfacción; la encabezada por Jorgito Clooney, la viudez y la soledad; esta vez tocó la relación padre-hijo y la necesidad de ser reconocido. De dejar una huella.

Al situarse en una aventura viajera y en pueblos pequeños, se puede apreciar la intimidad de cada vínculo y las personalidades de cada protagonista. Seremos testigo desde el amor incondicional hasta la miseria más desagradable. Aunque, lo más poderoso de la obra, son las actuaciones.

Lo de Bruce Dern es elogiable. A los 77 años resurge entre producciones de serie B y otras tantas muy afamadas, pero que lo tuvieron como parte del elenco, sin destacarse (Django sin cadenas o Monster, por ejemplo). En Nebraska encara el papel que lo consagrará ante las generaciones cinéfilas más recientes. A partir de ahora, muchos al escuchar el nombre “Bruce Bern”, responderemos: “ah, sí; el viejito de Nebraska. Un capo”. Nominación al Oscar más que merecida.

A su vez, debo confesar que no conocía en absoluto a Will Forte. Fue una grata sorpresa. Todos los focos apuntan a Bruce Dern, y así debe ser. Pero en algún reflejo lejano se deja apreciar al David encarnado por Forte, en un papel sensible y que logra una empatía inmediata con el espectador. Yo, sin dudas, hubiera sido David; y estoy seguro que no soy el único.

Bruce Dern no es el único considerado para un galardón. June Squibb, como la madre de David, sacá toda su impronta y rebeldía, dando vida a Kate Grant, en un papel entre irritante y valiente, entre odioso y enternecedor. También pasará a ser “la viejita chiflada de Nebraska” y a buena honra, porque la rompe entera. Tanto Dern como Squibb han sido bien seleccionados y de ganar sus respectivos premios, yo estaría muy contento por ello.

Asimismo, es necesario una mención la labor de Stacy Keach que, como es habitual, interpreta a un ser despreciable -¡y lo bien que le sale!-. A veces me pregunto si en la vida real tendrá amigos o si alguien lo querrá: me cuesta creer que un tipo que hace tan bien de lacra en la pantalla, pueda ser un buenazo fuera de ella.

Para concluir, entre tanto 3D y HD, que alguien tenga el tacto de utilizar el blanco y negro, sabiendo que esta opción potenciaría la obra, es para destacar. Otro punto para Payne, como también sus planos profundos en las rutas vacías y la elección de Mark Orton, para que componga una música hermosa que ambienta toda esta road movie familiar.

Nebraska también es una historia amor, y de las buenas. No es para nada destellante; pero sí es conmovedora y empática. Todas sus piezas están bien aceitadas. Muy recomendable.

Ficha Técnica

Reparto: Bruce Dern – Will Forte – June Squibb – Stacy Keach.

Director: Alexander Payne.

Año: 2013.

Duración: 115 minutos.

Calificación El Guionista: 8.

Películas por catálogo: aún no se estrenó en Argentina.

Tráiler para Cine

The Hunger Games: Catching Fire

2014-02-11T16:34:00.001-08:00

Mientras seguimos poniéndonos al día con las nueve nominadas al máximo galardón de la industria fílmica, quería hacerle un hueco a la cinta, quizás, más publicitada de todo 2013 y más esperada por una horda de fanáticos que se apropiaron de esta historia, desde las novelas de Suzanne Collins o de haber visto la primera entrega. La crítica "especializada" la aclamaba, las puntuaciones eran altísimas, J-Law está en la cresta de su ola profesional, un elenco plagado de estrellas, adaptación de una trilogía bestseller para público adolescente, carteles y afiches por doquier: ¿Quién me puede culpar por haber ido a verla? Si quieren saber mis sensaciones, ya saben dónde cliquear.

Contra todo pronóstico, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) y Peeta Mellark (Josh Hutcherson) han ganado los 74º Juegos del Hambre. Sin embargo, su triunfo no fue uno más: ellos han despertado el espíritu de rebelión en los distritos de Panem y lo comprobarán en carne propia durante su “Tour de la Victoria”. Mientras tanto, El Capitolio está decidido a reprimir cualquier sublevación de manera cruenta y sanguinaria.

Para apalear esta situación de crisis interna, el presidente Cornelius Snow (Donald Sutherland) creará un nuevo espectáculo, en forma de distracción, para los habitantes de Panem: el tercer Vasallaje de los 25 (ya que cada 25 años hacen unos Juegos especiales). Para sorpresa de todos, los tributos serán antiguos vencedores. Esto significa que Katniss y Peeta volverán a al campo de batalla.

Por las fastuosas y tan decorosas críticas que había recibido, pensé encontrarme con la película del año. Pero no: está más que claro que con revisar los anuncios pagos en cada medio uno podrá entender por qué tantas alabanzas a un largometraje que, en mi opinión, está bastante lejos de merecerlas.

El culpable principal de que esta segunda entrega haya sido tan inconexa es Francis Lawrence (nada que ver con Jen, aparentemente). No me gustó para nada su dirección, en líneas generales.

De por sí, ya son dos películas diametralmente opuestas dentro de un mismo rollo. La primera mitad abarca muy tímidamente todo un contexto político y de revolución; no obstante, en todo momento, se mantiene indecisa en entrar de lleno y abordar íntegramente esa temática o mejor tocar suavemente algunos de esos puntos y no sacar el pie del plato de la acción (cuya profundidad es mucho menor y resulta más efectiva en cuanto al impacto en el público). En medio de este dilema, nada termina de estallar y ya transcurrieron 60 minutos en los cuales el argumento no está explicado de la mejor manera, resultando tedioso y entregando al público a merced de cualquier distracción ajena a la cinta.

El segundo tramo ya nos sumerge a lo que estábamos más acostumbrado: las peleas, las destrezas de cada tributo, las estrategias de combate y supervivencia. Aquí con la cinta se desenvuelve con mejor soltura y delicadeza, volviéndose atractiva y dejando al espectador con ganas de más.

Justamente, es muy probable que lo mejor, en cuanto al desarrollo haya sido esa red de alianzas y desconfianzas que logran mantener en vilo, tanto a los protagonistas como al público, sobre quiénes son realmente dignos de confiar y quiénes se convertirán en traidores, en el primer momento en que se les dé la espalda.

Pero, ¡por favor! ¿Qué fue ese el último plano?.. Aún no sé cómo describirlo: trillado, híper quemado, sin sentido, absurdo.

En cuanto al elenco, los que ya habían participado en el primer episodio, se mantienen mayormente sólidos; salvo Lenny Kravitz. Lo del neoyorquino es bastante triste: si ya es un tibio como músico (que es a lo que se dedica… supuestamente), a la hora de actuar es un témpano rígido.

Creo que todo país merece un show televisivo conducido por el Caesar Flickerman de Stanley Tucci, -en especial, Argentina; entre tantos Iudicas y Peluffos-. No exagero al decir que, por lejos, es mi interpretación favorita en lo que va de esta saga fílmica. Su rol no puede pasar desapercibido: él expresa toda la superficialidad, falsedad y espectacularización de la TV.

Ya le vamos a dedicar una reseña donde su papel sea más relevante, pero este artículo nos sirve para recordar y homenajear brevemente al gran actor, Philip Seymour Hoffman (Capote, The Master, Moneyball); uno de los refuerzos en esta historia, que perdió la vida hace pocos días.Seymour Hoffman demuestra, una vez más, que junto a Christopher Walken, Steve Buscemi, Paul Giamatti o Woody Harrelson (que también sigue en buen nivel con su Haymitch) ya es uno de los mejores actores secundarios de la historia del cine que, sin importar que papel le tires, él te devuelve la pared, desempeñándose con maestría en cualquier registro dramático. El séptimo arte ha perdido un talento gigantesco con su partida.

Por último, así como en Silver Linings Playbook, celebré la vuelta de Julita Stiles a las salas de cine; me despertó cierta sonrisa la vuelta de Jena Malone (Into the Wild), una joven actriz que nunca tuvo problemas en desempeñar papeles algo picarones.

Sinceramente, esperaba mucho más de esta timorata superproducción que se queda en medias tintas. Habrá que esperar al tercer capítulo que, por si no lo sabían, se dividirá en dos partes (para seguir currando, por supuesto). Así que, los más fanáticos, vayan haciéndose la idea.

Ficha Técnica

Reparto: Jennifer Lawrence - Josh Hutcherson - Woody Harrelson - Philip Seymour Hoffman.
Director: Francis Lawrence.
Año: 2013.
Duración: 145 minutos.
Calificación El Guionista: 6.
Películas por catálogo: no aún.

Tráiler para Cine

Dallas Buyers Club

2014-02-08T14:12:00.001-08:00

Mientras estamos de festejo por haber superado las 85.000 visitas -pese a un largo intervalo de inactividad- y esperamos el tan ansiado retorno de Facu Franco -créanme que vuelve... algún día-, El Guionista no se detiene y sigue con las nominadas por el Oscar a mejor cinta del año. Ya pasaron Gravity y Her: Ahora es el turno de Dallas Buyers Club.

1985, ciudad de Dallas, estado de Texas; Ron Woodroof (Matthew McConaughey) es un electricista y cowboy de rodeo. Su estilo de vida, temeraria y promiscua, se ve afectado radicalmente al ser diagnosticado con VIH. Luego de pasar por las etapas de rechazo y depresión, Ron decide no dejarse morir y busca cualquier medio para sobrevivir.

Las ironías de la vida quisieron que este vaquero sufriera en carne propia la ignorancia y discriminación de una sociedad extremadamente conservadora y cerrada, de las cuales solía formar parte activa (en especial, de su homofobia). Sin embargo, él no está dispuesto a perder la batalla y pronto se dará cuenta que no está solo.

Me pareció muy acertado el punto de vista que se le dio a la obra: en vez de pararnos en el dramatismo sentimentaloide de las penurias y discriminaciones que sufre una persona con VIH, prefiere enfocarse en la oportunidad que hay frente a cualquier crisis y como siempre se puede hacer negocios, aprovechándose de los más desesperados. Esta perspectiva distinta es, sin dudas, lo más interesante de este relato biográfico.

Lo segundo, es la tarea del elenco. Hace tiempo que Matthew McConuaghey quiere despegarse del esteriotipado galán de comedias que, sin motivo alguno, muestra indiscriminadamente sus abdominales perfectos. Desde The Lincoln Lawyer ha decidido cargar sobre sus hombros las cintas que protagoniza y ha intentando arriesgarse más en su profesión, como lo hizo en Magik Mike o Mud. Ahora, su papel de Ron Woodroof es una confirmación de esto (que va más allá del esfuerzo físico por disminuir peso y masa muscular) y los resultados han sido óptimos: nominación al Oscar y primer Globo de Oro. Eso sí: no le pidan que se saque sus gorros de vaquero y botas tejanas porque ya hasta duerme con ellas.

Jared Leto… pocos actores me resultan más inexpresivos y tediosos que este muchacho (Channing Tatum, sería uno de esos). Sinceramente, su carrera me produce más rechazo que respeto. Pero como las chicas aman a este muchacho andrógeno y a su insoportable banda emo-rock, no sólo se mantuvo vigente en la industria fílmica sino que también copó la musical. Sin embargo, él y su Rayon son otro ejemplo de jugársela y dar un salto al vacío. La consecuencia, también le ha sido gratificante: ternado para el Oscar y Globo de Oro en mano.

Francamente, ambos trabajos me parecen lo mejor que he visto de cada uno de ellos en una pantalla. Ahora, ¿llegaron a conmoverme tanto como para creer que merecen obtener las estatuillas a mejor protagónico y mejor reparto, como lo hicieron en los Globos de Oro? Les daré mi respuesta cuando vea la labor de los demás nominados.

Dallas Buyers Club es un largometraje sensible, sincero y crudo que refleja una época crítica en cuanto la inclusión y la aceptación. Está narrada de manera entretenida e inteligente y sus protagonistas dan todo por ella. No obstante, no la considero a la altura de pelear por el máximo premio; aunque esto no quita que sea una buena obra.

Ficha Técnica

Reparto: Matthew McConaughey – Jennifer Garner – Jared Leto.

Director: Jean-Marc Vallée

Año: 2013.

Duración: 115 minutos.

Calificación El Guionista: 7.

Películas por catálogo: aún no se estrenó en Argentina.

Tráiler para Cine

Her

2014-02-04T15:01:00.000-08:00

Mientras todos los fieles seguidores de El Guionista esperan ansiosos cuándo y con qué crítica regresará Facu Franco; ahora sí he decidido darles mi apreciación sobre una de las cintas nominadas a mejor película del año en los Premios Oscar. Sin más, les presento Her, largometraje que me cautivó al sentir su atmósfera, con sólo poder apreciar los colores del póster, ver quién era el protagonista y sus expresiones.

Los Ángeles, en el futuro cercano. Ya ha pasado más de un año desde que Theodore (Joaquin Phoenix) terminó su relación con su ex novia Catherine (Rooney Mara); sin embargo el sigue atravesando su duelo, recluyéndose en su hogar y en sí mismo. Fanático de la tecnología, sólo utiliza su trabajo para expresar sentimientos. Inesperadamente, una nueva oportunidad aparece en su camino: un avanzando sistema operativo está a la venta y él no puede rehusarse. Allí conocerá a Samantha (Scarlett Johansson), una simpática y seductora voz femenina con la que entablará algo más que una amistad.

Pedazo de historia creó Spike Jonze, utilizando a la ciencia ficción y a los avances tecnológicos como excusas para tratar los problemas existenciales del humano, sin importar puntualmente cuán adelantado esté. En la introducción les comenté sobre la atmósfera recreada: desde el primer minuto es imposible no sentirte abrazado por ese ambiente de colores cálidos, aunque abrumador; como si te fuera desgastando, pero sin hacerte perder las esperanzas. Intimista y agridulce, quién mejor que Joaquin Phoenix (The Master, Walk the Line, Hotel Rwanda) para compenetrarse en esta atmósfera y estar en sintonía.

A Joaco sus experiencias, tanto de vida como en la profesión, le hicieron desarrollar habilidades especiales para imprimir de manera más que convincente toda esa melancolía, tristeza y soledad a sus personajes. Theodore no es la excepción y es imposible no sentir, en algún momento, buena parte de su angustia y aflicción; y cómo busca consuelo de la forma más impersonal y menos dañina.

Por otra, es suficiente su voz y la variación de la misma para confirmar en el ícono sexual que se ha convertido Scarlett Johansson (Match Point, Scoop, The Avengers). Su Samantha comienza siendo esa voz de la conciencia, esa alma o ese pensamiento con quien hablamos en nuestra cabeza, todos los días, y que nos empuja a hacer lo que uno no haría por sí solo; para luego profundizar y fortalecer el lazo con Theodore.

Aquí surge el principal punto de conflicto: la convergencia. Desde hace muchos años que me pregunto cuándo será el día en que los videojuegos se conecten a nuestro sistema nervioso y podamos sentir nuestras aventuras, al mejor estilo Evangelion o, ahora, Titanes del Pacífico. Siempre interesado en lo cyberpunk, me intriga saber si llegaremos a tal nivel de unión entre lo humano y lo tecnológico.

Uno ve en la vía pública, en los transportes, en las aulas o en las oficinas ha mucha gente pendiente de su celular, su mp3, su tablet. La verdad que no lo veo mal, siempre y cuando no se moleste a terceros. Pero habiendo visto Her, me debo preguntar si ya estaremos siendo dominados por la tecnología. Siempre me quedará grabada la escena en la cual Sandra Bullock y Sly tienen sexo en Demolition Man. ¿Tan cerca estamos a dejar de lado todo lo personal, lo corpóreo, lo táctil? ¿Será ese el siguiente paso a la evolución? Por otra parte, ¿es eso realmente “evolución”?

¿También llevaremos lo sentimental a ese plano? ¿Tal es el dilema del erizo que tememos estar solos tanto como tememos que los otros nos lastimen? Demasiadas preguntas para una sola reseña.

Retomando, Her es una película muy profunda con sólo tomar el caso de un individuo. No pretende ser más que eso y no estoy para nada de acuerdo con los que opinan que es ambiciosa. Es desde su romanticismo e intimidad que nos hace reflexionar sobre nuestra misma existencia. Justamente, en ella podremos encontrar una de las escenas más intensas, complejas y retorcidas que, personalmente, creo haber visto en los últimos años. Sí debo aclarar que esta vez redondearé para abajo porque no estoy de acuerdo con su epílogo; pero esto no quita que sea una cinta para destacar, de las mejores nominadas.

Además de recomendarla, estoy convencido de que, hoy vanguardista, va a ser una película que se va a mantener en el tiempo como obra de culto y que en un futuro muy lejano, servirá para entender mejor el espíritu de una época.

Ficha Técnica

Reparto: Joaquin Phoenix – Scarlett Johansson – Amy Adams – Rooney Mara – Olivia Wilde.

Director: Spike Jonze.

Año: 2013.

Duración: 120 minutos.

Calificación El Guionista: 8.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Rush

2014-02-01T11:40:00.002-08:00

Así es: nuevo regreso de El Guionista. Muchos de ustedes sabrán que el 2 de marzo se celebrará la 86ª edición de los Oscar. Es por eso que nos volvemos a reunir con ustedes, queridos amigos cinéfilos. Para dar inicio a este nuevo reencuentro podríamos haber elegido alguna de las ocho nominadas a mejor película restantes (ya había criticado Gravity), pero preferimos empezar con un largometraje que, para mí, fue una gratísima sorpresa, y considero que merecía más de lo que recibió.

“25 pilotos inician cada temporada en Fórmula 1 y, cada año, dos mueren”. Justamente, Rush se centra en la vida de dos deportistas de esta competencia, afamados por su rivalidad, que comenzó varios años antes de que revista público conocimiento. El austriaco, Niki Lauda (Daniel Brühl) vs. el británico, James Hunt (Chris Hemsworth): el primero, reservado, frío y calculador; mientras que el segundo, vanidoso, apasionado y temerario. Pero a ambos los une el mismo anhelo desesperado de ser el número 1 en lo que mejor saben hacer: correr autos de F1.

Debo confesarme. Mi primer contacto con Rush fue ver el póster donde la figura estelar era Chris Hemsworth: no fue algo muy alentador. Sin embargo, me informé más y descubrí que se trataba de una historia verídica de dos pilotos de F1 -poco sé de autos, menos de esta categoría- y empezó a picarme el bichito de la curiosidad. Luego descubrí que Brühl y Ron Howard (Frost/Nixon, El Código Da Vinci) también eran parte de la producción. Mis intenciones de verla aumentaron al comprobar críticas muy positivas sobre el film en cuestión.

Rush es más que carrocerías a alta velocidad y neumáticos a punto de pincharse: es un drama deportivo que se inmiscuye en los inicios de esta tensa relación de los dos corredores, generando un contrapunto entre ambos que va creciendo al correr los fotogramas del carrete y los años en la pantalla. Desde la Fórmula 3 al gran salto. Desde sus humildes vehículos hasta ir en contra de sus familias (ambas compuestas por doctores, políticos y empresarios) para llegar al primer plano. Desde sus distintos perfiles y actitudes incompatibles hasta sus mismas ansias por la victoria que dan como resultado un enfrentamiento que siempre estuvo más allá de lo que sucedía dentro de la pista, pero que jamás dejó de lado la lealtad y el respeto. Una rivalidad ardiente, pero noble.

Ron Howard con total sobriedad, sumo cuidado y destacable inteligencia decidió despegarse de cualquier estereotipo hollywoodense como los exagerados efectos especiales de Michael Bay o los lacrimógenos golpes bajos de Steven Spielberg. A cambio, nos brinda una recreación fantástica de una historia que compara, contrapone y asemeja a sus protagonistas, cuya proximidad con la muerte los hace vivir cada día como el último; además de excitantes secuencias de carreras, que sobresalen por sí mismas y más si intentamos hacer memoria sobre anteriores trabajos.

Voy a tener que revisar minuciosamente las actuaciones de los finalmente ternados, porque la labor de Daniel Brühl (Bastardos sin gloria, Los edukadores) es sublime y, seguramente, debe haber sido considerado hasta último momento. Al menos, el hispano alemán fue nominado en los Globos de Oro, aunque extrañadamente como mejor reparto de drama, siendo claro protagonista –igualmente, no sorprende este tipo de ingenierías para que todos queden conformes-. Brühl tuvo la suerte de estar bajo la tutela del verdadero Niki Lauda y la capacidad innata para asimilar sus expresiones, modales y rústico acento austriaco.

Chris Hemsworth (Los Vengadores, Thor 2) no corrió con la misma fortuna que Brühl, aunque también brinda una caracterización que, sin soslayar, demuestra que puede ser algo más que un niño bonito con físico escultural en lo que, seguramente, haya sido su papel más serio y más dedicado.

Cuando disfruten de esta cinta, ustedes podrán ingresar en este link y comprobar que la elección del elenco fue más que acertada, como también cuán fidedigna es la composición del relato.

No puedo olvidarme de la banda sonora de Hans Zimmer (cuyos trabajos son, mínamente, muy buenos), ni de recordar la mención que recibió uno de los nuestros: Carlos “Lole” Reutemann, actual senador nacional y el segundo mejor piloto argentino de F1, también tiene su espacio.

No he visto muchas, pero puedo asegurar que Rush será recordada como una de las mejores obras de automovilismo. Todo lo que les mencioné es que tomé la decisión de redondear hacia arriba mi calificación.

¿Existirá la posibilidad de que, en algunos cuantos años, se realice una cinta que retrate la rivalidad entre Lionel Messi y Cristiano Ronaldo, de la misma manera respetuosa, verosímil e impecable como lo fue Rush para Lauda y Hunt? Condimentos sobran y se han hecho buenas películas con mucho menos que eso. Además, los amantes del fútbol nos merecemos un film (no documental) que deje de bastardear a tan hermoso e inclusivo deporte.

Para concluir, no es condición ser fanático de los autos o de la Fórmula 1. Sólo hay que sentarse y dejarse llevar por una maravillosa historia, narrada de manera fascinante e interpretada a igual altura, o quizás mayor. Rush es una de las mejores películas de 2013 y es una total injusticia que no haya sido considerada, al menos, como la décima nominada a mejor producción por la Academia. Imperdible.

Ficha Técnica

Reparto: Daniel Brühl – Chris Hemsworth – Alexandra Maria Lara – Olivia Wilde.

Director: Ron Howard.

Año: 2013

Duración: 115 minutos.

Calificación El Guionista: 9.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Gravity

2013-10-21T18:13:00.002-07:00

Hoy nos reunimos con uno de los estrenos de este mes que, antes de leer la recepción que obtuvo, no me seducía lo suficiente como para ir a verla. Aunque, los implicados en esta producción eran nombres con peso propio. Al gozar de tan excelentes calificaciones fue un llamado de atención para no dejarla pasar, más aún. Gravity (Gravedad): ¿Realmente es una obra maestra o la distribuidora ha aportado mucho dinero en pautas comerciales de prensa? Pasen y vean cuál es la opinión de El Guionista.

Este es el primer viaje espacial de la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock). La acompañan, entre otros, el veterano comandante Matt Kowalsky (George Clooney). Todo parecía una misión de rutina, sin mayores peligros, hasta que son acechados por una lluvia de basura espacial. Flotando a 600 kilómetros de altura de la Tierra, sin poder comunicarse con nadie más, la doctora Stone y el comandante Kowalsky tendrán que encontrar la solución para volver, con vida, a casa. Y tendrán que hacerlo pronto, porque su oxígeno se agota y la tormenta regresará.

El argumento es muy sencillo. Se presenta a los personajes. Ellos tienen un cometido. Se les presenta un conflicto. Elaboraron un plan para superarlo. El plan no resulta tal cual lo planeado. Se debe buscar otra solución. Sucede el momento de mayor intensidad y los minutos finales donde se definirá si lo pensado funciona o no. Fin.

¿Esto la hace una mala película? Para nada. Es cierto que no brinda nada de contexto, pero tampoco parece ser la intención. Dentro de su sencillez, su objetivo es el de mantener el suspenso durante todo el largometraje y vaya que lo logra.

¡Por fin alguien iluminado que supo cómo emplearlo! Acá el 3D sí hace la diferencia. Es más, quiero proponer un término nuevo para el universo del séptimo. Así como hay tantos programas y políticas de integración social; podríamos definir a Gravity y a su uso de las tres dimensiones como un “3D inclusivo”.

Porque son muchas más las veces en que se utiliza a este maravilloso recurso de manera burda y grotesca, buscando más el efecto o el impacto del segundo, descuidando la inmersión del espectador con la narración y el ambiente que se está proyectando.

Los primeros cinco minutos son alucinantes. Es imposible no sentirte parte de la tripulación, no sentir que estás flotando desplazándote incómodamente en el espacio, no sentir la falta de oxígeno, no sentir esa sensación de vulnerabilidad frente a un lugar desconocido casi por completo y amenazado por deshechos metálicos voladores.

Esto se lo debemos al gran trabajo de Alfonso Cuarón, director mexicano que –me animo a decir, no puede quedar afuera entre los nominados al Oscar por realización- gracias a un majestuoso manejo de cámara, haciéndole girar y moverse de una manera que no se sabe qué es arriba, abajo, derecha o izquierda. Es sumamente destacable la utilización eficiente y eficaz de todos los elementos que pueden llegar a aparecer en una aventura especial como esta.

No leí un solo libro de Harry Potter, pero mi cinta favorita –que no tengo idea cuán fiel es su adaptación- fue la tercera, El Prisionero de Azkaban, perpetrada por Cuarón. Además estuvo a cargo de las cámaras en Y tu mamá también, Los niños del hombre y un segmento de Paris, Je T’aime.

Más allá de todo lo técnico que es solemne (banda sonora, montaje, efectos especiales) No puedo dejar de lado la tarea de Sandra Bullock (El Demoledor, Tan Cerca y Tan Fuerte, Speed), especialmente, que carga sobre su rostro con todo el peso de la película, y de George Clooney (Los Descendientes, The Ides of March, Good Night, and Good Luck)que aporta sus pinceladas risueñas y distendidas, pese a toda la atmósfera de dramatismo y angustia.

Definitivamente les recomiendo que vayan a verla al cine y en 3D. Advertirán que mi calificación no se condice con la mayoría de críticos y medios. Quizás no me llegó a emocionar tanto ni a causar semejantes sensaciones, pero Gravedad merecer ser contemplada por todos los amantes del cine.

Personalmente, no creo que esté a la altura de recibir la misma puntuación que otras obras de culto como El Padrino, Star Wars: Episodio V o The Shawshank Redemption; pero, como thriller espacial, es de lo mejor que he visto.

Ficha Técnica

Reparto: Sandra Bullock – George Clooney.

Director: Alfonso Cuarón.

Año: 2013.

Duración: 90 minutos.

Calificación El Guionista: 7.

Películas por catálogo: vayan al cine, en 3D.

Tráiler para Cine

Munich

2013-10-15T16:12:00.001-07:00

Muchas veces en este humilde sitio he criticado a Steven Spielberg, básicamente, por no correrse de la escena central, y dejarles espacio a las nuevas camadas que incluso él podría potenciar con inagotables fondos y multimillonarias producciones. Llego a esta conclusión luego de haber visto sus últimos trabajos que, a mi parecer, creo que no han aportado nada nuevo, nada fresco, nada relevante. Sin embargo, la cinta que hoy nos reúne, merece ser observada meticulosamente, por toda su riqueza dramática y de fondo.

Meses después de la masacre judía en los Juegos Olímpicos de Múnich 1972, Avner (Eric Bana), un inexperimentado agente secreto del Mossad, será elegido por altos funcionarios del gobierno israelí para encontrar y asesinar a once palestinos, algunos de ellos miembros de la organización terrorista Septiembre Negro, responsable de la muerte de los miembros del equipo olímpico israelí.

Creo que tanto Stevie, como Woody Allen, ya le han dado lo mejor a la industria del cine (porque, específicamente, Spielberg, laburan para la gran industria cultural, la masividad y la taquilla) y que es momento que aportan desde otro lado, fomentando a otros directores e impulsando aún más

Lo que es incuestionable es que Spielberg es el amo del entretenimiento en la gran pantalla. Él es el rey Midas de Hollywood: nunca un fracaso comercial. Él maneja de los espíritus de las épocas como nadie y sabe cuándo es momento para encarar tal o cual proyecto, que siempre contarán con la respuesta del gran público acudiendo a las salas y generando alabanzas o polémicas por parte de críticos y hasta gobiernos.

Mucho menos cabe la posibilidad de que algún osado exclame que algo de Spielberg está mal hecho. Desde el punto de vista técnico y de la forma, todo es prolijo: cualquier mínimo detalle está cuidado; nada está desenfocado sin esa intención previa; y Munich (inspirada en hechos reales) no es la excepción: todo está en su lugar, bajo un minucioso perfeccionismo.

Hollywood es el epicentro del sionismo; y Steven Spielberg es actor fundamental de todo este movimiento. Más allá de lo artístico, al ver sus intérpretes y colaboradores a lo largo de su extensa trayectoria, el 90% profesan la religión judía.

Sin embargo, personalmente, considero que la mayor cualidad de Spielberg es que nunca queda mal con nadie. A algunos no les podrá gustar su enfoque, otros podrán despotricar sobre tal o cual resolución de conflicto, muchos podrán observar con desagrado esas escenas innecesarias en las que busca irremediablemente el impacto y la lágrima en el espectador… pero, ¿de ahí a generar acérrimos detractores?; muy difícil.

No obstante, Munich es, sin dudas, su película más polémica; y la que, probablemente, cuestione una de mis afirmaciones anteriores: la de “saber manejar los espíritus de las épocas”. Pero Spielberg, que no tiene un pelo de tonto, sabe que nunca habrá una época para proyectar tamaño largometraje, tan controvertido y que se presta para el debate ético y moral.

Si algo nos queda claro, es el mensaje final de esta cinta -¿pro-sionista o anti-judía?- de que la descarnada matanza entre israelíes y palestinos es una historia de nunca acabar; “un ciclo perpetuo de represalias” (como él mismo ha definido).

Creo que su máxima intención con este film es la necesidad de sentar su posición sobre el conflicto de Medio Oriente y expresársela a ese mundo que tanto le ha dado: “Yo, como judío, siempre tendré esta mirada subjetiva a favor de los míos; pero jamás estaré de acuerdo con esta política bélica-terrorista del ‘ojo por ojo, diente por diente’”.

Indiferentemente, la maestría de Spielberg logra que Eric Bana (Hanna, Deadfall, Chopper) se emocione de una manera creíble, aunque no puede impedir que Daniel Craig (Skyfall, Casino Royale, The Girl with the Dragon Tattoo) sea Daniel Craig –un muchacho al que le fascina sobreactuar-. A su vez, cuenta en el elenco con dos fantásticos veteranos de la ficción, uno multipremiado como Geoffrey Rush (La Migliore Offerta, El Discurso del Rey, Shine) y, el otro, poco reconocido como Ciarán Hinds (The Debt, El Topo, Road to Perdition); además de otros valiosos aportes como los de Michael Lonsdale (Ronin), Mathieu Amalric (La escalafranda y la mariposa), Moritz Bleibtreu (Corre, Lola, Corre), Ayelet Zurer (Man of Steel), Omar Metwally (Rendition) y Mathieu Kassovitz (Los ríos color púrpura, El Odio).

Da por un análisis aún más exhaustivo, capítulo por capítulo, fragmento por fragmento; que va más allá de un thriller político o una cinta de espías. Veremos con asco como se comparan (el fin de) las vidas humanas con el dinero y su calificación indignante de si son baratas o no. También apreciaremos una película que va más allá del entretenimiento, la intriga o precisas escenas de acción; sino que también se presta para un amplio y profundo debate siendo esto lo más valioso de Munich.

Ficha Técnica

Reparto: Eric Bana – Ciarán Hinds – Daniel Craig – Geoffrey Rush.

Director: Steven Spielberg.

Año: 2005.

Duración: 160 minutos.

Calificación El Guionista: 8.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Lola Rennt

2013-10-11T13:05:00.001-07:00

Vuelve el cine europeo. Vuelve el cine alemán. Vuelve la acción. Todo vuelve a El Guionista. Sin más preámbulos, iniciaré la reseña que hoy nos reúne con una obra bastante popular, cuyo título habrá perseguido a más de una Lola que hayamos conocido. Lola Rennt (Corre, Lola, Corre) cerrará esta semana. Que la disfruten, como también el fin de semana largo (aquí, en Argentina, por lo menos).

“Todo salió realmente bien. Llevamos los autos y vinieron esos tipos. Pagaron y eso fue todo. Facilísimo. Me llevaron a través de la frontera y luego me dejaron ahí. Después fui a ver a ese cíclope y él terminó enseguida…”. Todo estaba en horario: excepto Lola (Franka Potente). Ella debía pasar a buscar a su novio, Manni (Moritz Bleibtreu), luego de toda la transacción. Ahora, el muchacho (un criminal de poca monta) se encuentra en graves aprietos al haber perdido una bolsa con 100.000 marcos alemanes.

Solamente serán veinte minutos los que separen a nuestra heroína de poder salvarle la vida a Manni. Cualquiera podría pensar que es un tiempo sumamente escaso, pero gracias a las corridas de Lola podremos darnos cuenta de lo mucho que puede suceder en ese lapso.

El largometraje comienza de manera bastante filosófica, partiendo de la conjetura de que todo termina donde comienza. Una idea que podría verse reflejada en la canción El final es en donde partí, de la banda argentina de rock, La Renga. En este momento, pensé “qué peli bizarra se avecina”. Y sí, no me equivocaba… aunque toda la filosofía y lo que podía apesadumbrar la narración fue rápidamente disipado.

Luego de esos primeros cinco minutos, se desata una cinta frenética, delirante y alucinante. La música electrónica, un puñado de animaciones y un ritmo trepidante, agotarán a cualquiera que oficie como espectador. El público y Berlín serán testigos del baile constante de una caballera pelirroja.

El guión no va a emocionar a nadie, aunque es innegable que todas las partes se han unido, en base a esta estructura austero pero sólida, agregando un valor que supera las expectativas de cualquier persona que haya leído la sinopsis.

Con mucho agrado y hasta admiración tengo que elogiar el trabajo del director Tom Tywker por saber utilizar con tanta eficacia y eficiencia apenas 73 minutos de duración. Por su parte, el trabajo en la estética visual y la los efectos sonoros acompañan de maravilla a la idea que se quiso proyectar. Para que se den una idea, la artística y estilo de Corre, Lola, Corre es muy similar al de aquellos largometrajes europeos de los ’90, como Trainspotting, Dobermann o Lock, Stock.

Todos estos aspectos positivos se funden en el pilar central de la obra: Franka Potente (The Bourne Identity, Blow). Su actuación es perfecta para lo que pedía el papel. He visto poco de ella para poder catalogarla como buena o mala actriz; sin embargo, no puedo dejar de lado que es una chica muy empática, que logra conectar con el público y transmitir sus sentimientos.

Ágil, entretenida y catártica, la multipremiada Lola Rennt es un ejercicio mental de imaginación y elevación que ningún amante del séptimo arte puede perderse. Mi intención con esta escuetísima crítica es que ustedes decidan verla y se dejen sorprender.

Ficha Técnica

Reparto: Franka Potente - Moritz Bleibtreu – Herbert Knaup.

Director: Tom Tywker.

Año: 1998.

Duración: 73 minutos.

Calificación El Guionista: 8.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

In Bruges

2013-10-10T09:15:00.001-07:00

Una combinación de estrenos poco atrayentes y la pésima capacidad de planeamiento de funciones en los cines de mi barrio hizo que me ausentara de las salas en las pasadas semanas, de ahí que mis últimas recomendaciones, incluida la de hoy, tengan ya una buena cantidad de años. Esperemos que la cosa cambie a partir de ahora, cosa que no pongo en duda ya que esta semana vuelve el querido Woody Allen a la cartelera. Pero mientras tanto, les traigo una comedia del 2008, que muchos me recomendaban y nunca tenía la posibilidad de ver. Bueno, lo hice antesdeayer y comparto mis impresiones.

In Bruges o Escondidos en Brujas cuenta la historia de Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson), quienes pueden ser definidos como una especie de delincuentes con buen corazón. Resulta que el joven Ray, de origen irlandés, ya ha llevado a cabo su primer trabajo como asesino a sueldo poniéndole fin a la vida de un sacerdote que tuvo una discrepancia con Harry (Ralph Fiennes), jefe del muchacho oriundo de Dublin y capo de cierta organización mafiosa. El bueno de Ken, por su parte, tiene bastante más experiencia en la materia que este pibe y parece que lo terminó “rescatando” de la escena del crimen cuando Ray tuvo un pequeño contratiempo mientras cumplía con el encargo.

A partir de este hecho (en el que ese “contratiempo” no será revelado por mí ya que el espectador merece descubrirlo por su cuenta), Ray y Ken se han convertido en compañeros y, para el momento en que empieza la película, se encuentran llegando al pequeño y medieval poblado belga de Brujas (al que yo conocía solo por el club de futbol que hay allí y que lleva el mismo nombre que la ciudad). La idea es que, mientras pasa el revuelo por el malogrado asesinato de Ray allá en Gran Bretaña, estos muchachos pasen dos semanitas ocultos en el poco frecuentado poblado de Brujas.

Y así transcurre el primer tercio de la película, en el que conoceremos más acerca de estos simpáticos personajes descubriendo que, a pesar de la naturaleza poco amigable de su trabajo, ambos tienen un alto sentido de la moral, la lealtad, la culpa y la amistad. Todo mientras Ken trata de conocer la historia y cultura de esta pintoresca zona de Bélgica al tiempo que Ray se queja hasta del color del cielo en ese punto particular de Europa.

Una historia distinta, con lindos momentos de comedia, buena construcción de los personajes principales, giros muy bien logrados y una lenta pero progresiva marcha hacia una reflexión final bastante profunda y valiosa a partir del pedido que Ken recibe de su empleador, quien le dice que lo hecho por Ray no puede quedar impune (ni siquiera dentro de los círculos del crimen organizado) por lo que su nueva misión consiste en asesinar a su nuevo compañero de andanzas en la bella ciudad de Brujas.

Ficha Técnica

Reparto: Colin Farrell - Brendan Gleeson - Ralph Fiennes - Clémence Poésy.
Director: Martin McDonagh.
Año: 2008.
Duración: 107 minutos.
Calificación El Guionista: 7.

Películas por catálogo: incluida.

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Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses

2013-10-07T18:01:00.000-07:00

Aún tengo muy presentes, aquellas repetidas tandas publicitarias en el ya desaparecido canal de cable para niños, Magic Kids, en el año 1997, haciendo alusión al venidero estreno de una nueva serie animada que había revolucionado al mundo. No nos mentían. Su estreno sucedió en el primer semestre de aquel año, yo cursaba segundo grado. Una melodía pegajosa daba inicio a las travesías de un pequeño niño con cola que debía conseguir las siete esferas del dragón, para así poder cumplir cualquier deseo. A partir de allí, mi conexión y enamoramiento con esta fantástica aventura juró ser eterna. Es por este motivo que, desde hace más de un año, cuando conocí la noticia de una nueva película de la saga de Dragon Ball Z, esperaba con ansias acudir a las salas del cine para seguir profesando mi culto fielmente y publicar mi reseña en El Guionista.

Tiempo después de derrotar al malvado Buu, una nueva amenaza se presenta frente a Goku y sus amigos. Sin embargo, este ya no será un grandioso guerrero, sino una deidad con poderes ilimitados. Bills, el dios de la destrucción, ha despertado y su obsesión es la de enfrentarse al Dios súper saiyajin. Goku, Gohan, Vegeta y demás guerreros Z, entre el desconcierto de la posible existencia de un dios saiyajin más el temor que infunde la presencia de una deidad destructora, deberán impedir la furia de Bills o sino la Tierra sufrirá letales consecuencias.

¡Qué momento! ¡Cuánto lo deseaba! Pura nostalgia. ¿Superó mis expectativas? Aclaremos el panorama. Más que iluso, es un estúpido aquel que podría llegar a creer que una cinta de 80 minutos podría ser mejor que toda una serie sobresaliente. Fui a buscar sensaciones, volver a sentir esos cosquilleos de infante. Sentirme un niño nuevamente y emocionarme con estos personajes que tan fuerte se han arraigado en mi vida.

De por sí, La batalla de los Dioses es mayormente un largometraje cómico con tintes gastronómicos. Nuestros héroes se ven inmersos dentro de un gran marco de reunión y celebración. Para que se den una idea, el ambiente es similar a esos programas cuyo presentador decide entrevistar a todo un elenco, sentados en cómodos sillones, para hablar y recordar los mejores momentos de la obra.

Consecuentemente, es para festejar la vuelta del animé al cine y, en especial, de Dragon Ball; saga que fue bastardeada por Toei Animation en el momento que decidieron crear la bazofia de GT (el que la defienda o la considere canónica u oficial, que se tire de un piso 30 sin paracaídas), dejándonos un desagradable sabor final. Merecíamos un resarcimiento y, creo, aún lo merecemos.

Entonces, es imposible no ilusionarnos con esa puerta que se dejó entreabierta para una nueva saga de los guerreros Z. Es más, también hubo un guiño cómplice para los fanáticos de Vegeta (a quienes no puedo comprender -porque no hubo un tipo más detestable e irrisorio que el petizo frentón-, pero respeto).

Para criticar, considero que faltó algo más de acción y, en los momentos en que la hubo, se abusó de los efectos especiales, casi al estilo Man of Steel –de esos que te marean-. Este intento por captar nuevos seguidores juega en contra de los más antiguos que disfrutamos del austero pero auténtico plano bidimensional. Es como lo que sucede con la tristísima Dragon Ball Z Kai: pierde la esencia.

Otra observación me tiene desde el lugar de fanático de Gohan (mi personaje favorito) y lo que implica su controversial caso. Durante la saga de Majin Buu, todo su poder fue expulsado y ya no se transformaba en súper saiyajin. Este film estuvo sumamente supervisado por el creador de todo este formidable universo, Akira Toriyama; así que, si pudo transformarse en súper saiyajin, significa que puede convertirse y punto -aunque me gustaba que no lo hiciera, le daba cierto toque de misticismo y superioridad-.

No obstante, fueron varios los viajes en transporte público o en momentos de inspiración que se me ocurrieron posibles tramas para nuevas películas de Dragon Ball Z y que, luego de tantos años, tengamos la posibilidad de disfrutar una en el cine, es un lujo y un mimo para los más fanáticos. No nos podemos quejar. Nadie trabaja gratis y todo tiene su fin comercial, pero tenemos que tener bien presente que no nos han olvidado.

Eso sí, en todas mis fantasías de posibles guiones, escenas y peleas –cuando quieras que te las comente, pegame un tubazo, Akira-, jamás pude imaginarme al villano. No daba ni una moneda de dos pesos por el gatito del póster, aunque Bills se gana el respeto de los espectadores; pero no el miedo. Claramente, el mejor antagonista de películas fue, es y será Broly (por algo lo han utilizado tres veces).

En todos mis artículos, siempre puse el título en su lenguaje original; y, específicamente, al criticar películas animadas, nunca puse quiénes fueron los actores de doblaje, en la ficha técnica, porque cada país y/o región tiene los suyos. Esta vez, haré dos excepciones por justas razones. La primera es que la siento tan propia, tan parte de mí, que debo escribir el título de la manera en que lo he aprendido desde niño. La segunda, es que ha sido tal el placer de volver a contar con los actores de doblaje como Mario Castañeda, René García o Carlos Segundo (lamento enormemente la ausencia de Laura Torres) que no podría jamás dejarlos de lado. Es que ya se han vuelto personajes de culto para los fanáticos.

Antes de concluir con esta reseña -otro gran gusto que me he dado- quiero expresar públicamente mis gracias a la maravillosa acompañante que vino conmigo a la sala: mi novia. Desde el primer momento sabía que tenía que ir junto a alguien que sintiera la misma pasión que yo. Ella se ofreció incluso a recibir un minucioso repaso, como tutorial, para reforzar todo lo acontecido previamente en Dragon Ball Z. La llegada de los saiyajines, el temible Freezer y sus tropas, la aparición de los androides, el estado perfecto de Cell, todas las transformaciones de Majin Buu. Realmente, una magnífica compañera.

Finalmente, gracias Akira Toriyama, por haber sido el creador de tan maravillosa serie que, además de servirnos como entretenimiento, también ha valorizado temas tan significativos como la amistad, el esfuerzo y la camaradería. Estoy orgulloso de haber aportados mis humildes 26 pesos argentinos (432,86 yenes) para que, en algún futuro, analices continuar con los viajes extraordinarios de Goku y sus amigos. Por otra parte, me avergüenzan aquellos que se declaran fanáticos, exigieron por los foros a los actores del doblaje de siempre, para luego bajarla por internet y verla en japonés con subtítulos.

Es Dragon Ball, pibe, y volvió a los cines. ¿Acaso no sentís el llamado? ¿No te das cuenta de que esto va más allá de los fines comerciales y de ejercer la piratería como si fuese cualquier largometraje ignoto?

Es por eso que mi calificación, seguramente, se vea afectada por mi adoración y fanatismo; pero, el cine, además de entretenimiento y cultura, también es sensaciones y Dragon Ball Z: La batalla de los Dioses ha logrado que me vuelva a sentir como un niño.

Ficha Técnica

Reparto: Mario Castañeda – René García – Carlos Segundo – Rocío Garcel.

Director: Masahiro Hosoda.

Año: 2013

Duración: 85 minutos.

Calificación El Guionista: 8.

Películas por catálogo: ¡¡vayan al cine!!

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The Boys From Brazil

2013-10-04T10:54:00.000-07:00

Hace una semana que se supo cuál es la película argentina preseleccionada para intentar colarse en las ¿cinco? ternadas al Oscar como mejor largometraje de habla no inglesa: Wakolda. Con leer la sinopsis, cualquier persona medianamente culta o mínimamente interesada por la historia del siglo pasado, podrá corroborar que ésta se centra en las andanzas del doctor Josef Mengele, post-exilio, en Argentina. Este hecho, sumado a la curiosidad que en mí despierta la historia, me hizo recordar que The Boys from Brazil formaba parte de mis anaqueles y que se presentaba la oportunidad para verla.

Detrás de un anciano humilde, austero y algo testarudo, se encuentra un afamado cazador de nazis: Ezra Lieberman (Laurence Olivier). Sin embargo, él no trabaja ni para el Mossad ni para Yad Vashem, sino que todas sus hazañas las ha realizado solo con la colaboración de su hermana y su inquebrantable convicción y compromiso de hallar a aquellos que torturaron y subyugaron a su pueblo.

Esto no quita el hecho de que Ezra haya hecho escuela y varios jóvenes judíos quieran copiar su ejemplo. Desde Paraguay, recibe la llamada de un muchacho que lo informa sobre la presencia de Josef Mengele, junto a varios militares de la ex SS. Lo que ninguno de ellos sabía es que los planes del Dr. Muerte iban más allá de experimentar con la genética humana.

Sensaciones encontradas quedaron en mí, al terminar de ver el largometraje. La verdad no tenía idea de que el relato se tornaba tan fantasioso ni que su base se sostenía con pinzas. Cuando vi el elenco y el director que la conformaban, sumados a la temática histórica y a lo que se plantea, no esperaba encontrarme con menos que otra obra a elogiar, de los años ’70.

Esperaba más de una cinta que no es mala, pero que desaprovecha por completo sus fortalezas. Mejor dicho, no las sabe explotar. El guión, tiene sus momentos de tembladeral, pero tiene dos grandes instantes, como el segundo punto de giro y el climax. Considero que en el primero, se podría haber sido más efectivo si se hubiera buscado más impacto y no dejarlo diluir con diálogos insulsos. En el otro caso, también creo que lo estiraron demasiado luego de un fantástico duelo actoral entre esos dos astros de la dramatización, como Laurence Olivier y Gregory Peck.

Sinceramente creo que, lo que podría haber sido una obra sobresaliente, terminó en algo correcto, con escenas de lucimiento, como con varias lagunas argumentativas.

Luego de las sensaciones, lo primero que me pregunto, si acabo de ver un film de antaño, es “¿cuánto considero que ha envejecido?”. En la fecha de su estreno, Los niños del Brasil fue catalogada como de “ciencia ficción”. Al verla, con los ojos del siglo XXI, nada me pareció muy lejano a las posibilidades que los avances científicos de la actualidad le permiten a sus especialistas. Así que esa ya es una muestra cabal del paso del tiempo para la obra dirigida por Franklin J. Schaffner.

A fin de cuentas, me sorprendí al encontrarme a un ejemplar del estilo Bastardos sin gloria. No porque sus personajes rebalsen de histrionismo, o la sangre salte chorros; más bien por ser una reconstrucción histórica ficticia sobre un personaje íntimamente vinculado al nazismo.

Por cierto, no sólo la elección de Wakolda me impulsó a conocer The Boys from Brazil. Mi padre (un erudito en cuanto a historia se refiere), en repetidas ocasiones, me habló acerca de un pueblo de Brasil, que posee la tasa más alta de natalidad de gemelos, y de algunos documentales que tratan este tema. Es en el municipio de Cândido Godói, específicamente en el poblado Linha de São Pedro, donde una mujer embarazada, de cada cinco, da a luz a gemelos (mientras que la tasa global es de una cada ochenta), con la extraña característica de ser en su mayoría rubios y con ojos claros.

Otra cuestión anecdótica es que Mengele murió un años después del estreno de Los niños del Brasil. ¿Le habrá gustado la cinta y la caracterización de Peck? ¿Se habrá visto y sentido más imponente, con la elección del actor de 1,90 de altura; mientras que él apenas pasaba los 1,70?

Película para tarde lluviosa y para aquellos apasionados por la historia o por los avances científicos. Interesante pero insuficiente.

Ficha Técnica

Reparto: Laurence Olivier - Gregory Peck - James Mason.

Director: Franklin J. Schaffner.

Año: 1978.

Duración:

Calificación El Guionista: 7.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

It's a Disaster

2013-10-03T10:25:00.001-07:00

Sin abandonar el estilo que caracterizó a mis últimas publicaciones, este jueves guionistero está dedicado a otro film de corte recontra independiente. Les presento It’s a Disaster, película que combina la comedia negra y el drama con el género apocalíptico/de desastre para obtener como resultado una propuesta bastante entretenida y con un lindo mensaje final al que, a continuación, paso a referirme.

Con un elenco muy bien elegido, en el que destacan las actrices Julia Stiles (trilogía Bourne, Dexter) y America Ferrera (a. k. a. Betty la fea para el público estadounidense), It’s a Disaster llamó mi atención gracias a lo que yo llamo “películas en un entorno cerrado”. Este concepto para nada autorizado y de propia creación tiene que ver con la forma en que yo catalogo a aquellas historias que se desarrollan en un escenario único, del que sus protagonistas no pueden salir (situación que, en la mayoría de los casos, constituye el objetivo central de los personajes). Algunos ejemplos de esto pueden ser La Habitación de Fermat, El Cubo o la adaptación para la pantalla grande de la novela policíaca de Agatha Christie, Asesinato en el Orient Express.

En este caso, los protagonistas de la historia son cuatro jóvenes parejas (alrededor de los 30 años) que tienen la costumbre de reunirse periódicamente para compartir lo que en Estados Unidos se denomina “brunch”, una especie de mezcla entre el almuerzo (lunch) y el desayuno (breakfast) que se come alrededor del mediodía.

En este caso, los organizadores son Emma (Erinn Hayes) y Pete (Blaise Miller), pareja que lleva ocho años de casada y que quiere aprovechar este encuentro para anunciar frente a su grupo de amigos que ya ha iniciado los trámites de divorcio. Por otro lado, encontramos a Lexi (Rachel Boston) y Buck (Kevin Brennan), quienes llevan el mismo tiempo juntos que Emma y Pete ya que se conocieron justamente en la boda de estos siendo Lexy antigua amiga de la pareja y Buck uno de los integrantes de la banda contratada para la ceremonia. En palabras del propio Buck, se conocieron en el casamiento un viernes, intimaron el sábado y se casaron el domingo. También encontramos entre los presentes a Hedy (Ferrera) y Shane (Jeff Grace), cuya nota saliente es que llevan cinco años de compromiso sin todavía fijar la fecha para su propio casorio. Y finalmente entran en escena Tracy (Stiles) y Glenn (David Cross), que llevan saliendo apenas unas semanas y quieren aprovechar este brunch para que Glen sea presentado en sociedad.

Hechas las presentaciones, queda claro que la casa de Emma y Pete es el entorno cerrado en que se desarrollará la acción y temas como el divorcio de la mencionada pareja, la presentación de Glen, el espíritu demasiado liberal de Lexy y Buck y las potentes personalidades de Hedy y Shane serán los puntos de conflicto que abordará la trama en el comienzo. Y digo en el comienzo porque todos estos puntos se alterarán tanto como se exacerbarán a causa del hecho principal de la película: a pocos kilómetros de la casa donde estos ocho muchachos están comiendo se produjo la explosión de unas potentísimas armas químicas, lo que implica que salir de la casa así como no sellar cualquier entrada de aire del exterior son sinónimos de una muerte lenta, dolorosa y asegurada.

Así, mezclando ese elemento tan particular con los fuertes contrastes de personalidad que los personajes presentan, las escenas cómicas no se hacen esperar por lo que la película resulta muy entretenida y graciosa. Sin embargo, a medida que la tensión crece, de manera proporcional con nuestra expectativa por saber qué va a pasar con el Apocalipsis que se les viene encima a estos amigos, la película toma un tinte más profundo y dramático, concluyendo en la moraleja que afirma que, a pesar de las pequeñas cosas que nos confunden día a día, en los momentos de crisis grave la verdadera esencia de las personas y sus sentimientos más profundos terminan aflorando de manera incontenible y desbordante.

Ficha Técnica

Reparto: Julia Stiles - America Ferrera - Rachel Boston - Erinn Hayes - Kevin Brennan - David Cross - Jeff Grace - Blaise Miller.
Director: Todd Berger.
Año: 2012.
Duración: 88 minutos.
Calificación El Guionista: 7.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Mission: Impossible - Ghost Protocol

2013-10-01T19:06:00.002-07:00

Hace no mucho tiempo les recomendaba fuertemente el primer capítulo de la trilogía original de Jason Bourne. Fueron varias las veces que, en este blog, rescataba cómo habían logrado revalorizar lo que es el género de acción y el subgénero de espionaje. Y fue hace poco tiempo que, por televisión vi Misión Imposible – Protocolo Fantasma, cuarta entrega protagonizada por Tom Cruise. Cuando se estrenó en los cines, ni se me ocurrió ir a verla. Pero al pasarla por el cable, decide darle una chance. ¿Mis sensaciones? Pasen y vean.

Una operación fallida en Budapest deriva en la muerte de un agente y la pérdida de la información solicitada. La Fuerza de Misiones Imposibles atraviesa un momento crítico que no sólo amenaza la seguridad de Estados Unidos. El fracaso de esta misión pone en peligro la paz a nivel global. Ineludiblemente, La IMF deberá resolver la asignación de clave “Cobalto” y, para eso, volverá a necesitar los servicios de su mejor agente: Ethan Hunt.

Sinceramente, me he llevado una grata sorpresa con esta cinta. No esperaba mucho, menos si consideraba lo pésimo que había sido el segundo capítulo y lo regular que fue el tercero. Sin embargo, el largometraje dirigido por Brad Bird, más conocido por sus brillantes habilidades en las obras de animación como Ratatouille o Los Increíbles, demuestra una eficaz versatilidad para desenvolverse en el terreno de la acción, el suspenso y el espionaje de los actores de carne y hueso.

Es oportuno destacar una buena elección de elenco. Tom Cruise (The Firm, A Few Good Men, Top Gun) ya conoce su papel de memoria, así que no hay mucho que agregar a este actor taquillero y súper convocante. Hablemos de los más nuevitos. Luego de sus dos nominaciones seguidas al Oscar (por The Hurt Locker y The Town), Jeremy Renner se ha afianzado como una fija en la franquicias hollywoodenses. Ya es parte de Marvel y Los Vengadores como Hawkeye; también continúa con El Legado de Bourne y ahora se ha consolidado entre las filas de Ethan Hunt. Suele hacer papeles de chico duro y taciturno, pero acá lo veremos algo más sensible, más inexperto e incluso hasta desbordado. Igualmente, Tampoco se crean que su rol ni el film dan para demasiada profundidad.

Después ha habido un interesante rejunte (bastante europeizado) de actores que empiezan a romper el cascarón de la fama. El inglés Simon Pegg debe ser el más popular, gracias a ese dúo hilarante que compone junto a Nick Frost (Hot Fuzz, Paul, Shaun of the Dead). Por supuesto, el da las mejores pinceladas de comedia. A Paula Patton no la tenía muy vista y, pese a que su papel goza de una carga emotiva casi tan importante como la de nuestro héroe, lo que más disfruté ver fue su esbelta figura. A su vez, también están el sueco Michael Nyqvist (Trilogía Millennium), la francesa Léa Seydoux (Medianoche en París, Bastardos sin Gloria), Anil Kapoor (Slumdog Millionaire) y Josh Holloway, más conocido como Sawyer de Lost.

Muy bien logradas escenas de acción, innovadoras escenas de riesgo y gratificantes combates sin armas (en especial, el de las dos bellas señoritas) fueron los ingredientes que, seguramente, los amantes de la historia del agente Hunt, deben haber estado esperando ansiosamente y que aquellos espectadores casuales, también disfrutamos. Lujosos hoteles, trajes y carrocerías, explosiones espectaculares, paraísos terrenales y viajes por el mundo, como bien nos ha enseñado James Bond.

Desde mi opinión, no hay dudas que la primera entrega que contaba con el gran Jon Voight sigue siendo la mejor de todas. Sin embargo, este episodio ha sido la secuela más digna, entretenida y atrapante. La principal diferencia yace en que Protocolo Fantasma es rica en su forma, mientras que Misión Imposible lo es en su contenido.

Concluyendo, Misión Imposible 4 es la típica película para el pochocho, pero muy rendidora. Si querés acción, suspenso y algunos interesantes giros argumentativos, Mission: Impossible - Ghost Protocol es una buena opción.

Ficha Técnica

Reparto: Tom Cruise – Jeremy Renner – Paula Patton – Simon Pegg.

Director: Brad Bird.

Año: 2011

Duración: 130 minutos.

Calificación El Guionista: 7.

Películas por catálogo: pregúntele a Facu o chequeen la grilla de Cinecanal.

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The Kings of Summer

2013-09-30T09:22:00.002-07:00

Supongo que todo el mundo alguna vez habrá tenido ganas de tomar todos sus problemas y obligaciones, meterlos en una gran bolsa de consorcio y tirarlos lo más lejos posible para que no regresen jamás. Sería brillante: encontrar una única solución para múltiples problemas. Pero el tema es que esto es prácticamente imposible para nosotros, simples mortales. Y a causa de ese tipo de imposibilidades es que existe el cine, una de las pocas soluciones que sirven para llenar ese hueco vacío de la vida. A continuación, les presento The Kings of Summer, una historia de libertad y revolución.

Con un estilo de cine de lo más independiente, actores desconocidos y bajo presupuesto, The Kings of Summer es un largometraje que se destaca en lo que otras, con enormes estudios y enormes billeteras detrás, fallan estrepitosamente: la historia.

En el marco de uno de esos adorable pueblitos de los suburbios en alguna parte de los Estados Unidos, encontramos al bueno de Joe (Nick Robinson), un adolescente común y corriente que tiene un problema: su padre. Ya pasaron varios años desde que la madre de Joe muriera, por lo que este vivaracho y carismático joven lleva un buen rato tratando de adaptarse a la vida con su progenitor, un tipo amargado y de lo más cínico que, con un régimen cuasi dictatorial, le hace la vida imposible a su hijo inclusive en el período de vacaciones de verano, que es el momento en que se desarrolla esta historia.

Sin embargo, Joe no está solo en su lucha parental. Resulta que Patrick (Gabriel Basso), su mejor amigo, vive una situación parecida ya que le tocó una pareja de padres que bien podría competir con los Flanders en materias como sobreprotección, melosidad y exceso de cariño para con su hijo adolescente. Y finalmente encontramos al tercer miembro de este extraño grupo de amigos. Se trata de Biaggio (Moises Arias), un muchacho que no se sabe si es un autista de lo más extrovertido o un pibe normal con enormes problemas de comunicación.

Hechas las presentaciones, solo me queda agregar que, por los motivos ya descritos, estos tres jóvenes deciden que ha llegado el momento de tomar cartas en el asunto y revelarse contra la opresión de sus padres que tanto los asfixia. Y qué manera encuentran de hacerlo…

Un par de tablones de madera descuidados, unos cuantos ladrillos de una obra en construcción, diversas herramientas tomadas de sus propias casas y unos cuantos muebles de jardín constituyen los elementos de liberación de este terceto de amigos. El resultado: una rústica casita erigida y escondida en medio de un bosque cercano y la posibilidad de vivir sin normas y con libertad absoluta.

The Kings of Summer, una gran película que muchos no registrarán a causa de su bajo perfil y presupuesto pero que realmente vale la pena porque es un canto a las mágicas historias de verano, el anhelo de libertad, las responsabilidades, el doloroso crecimiento, la amistad, el amor, la lealtad y todas esas cosas que, juntas, no pueden menos que resultar en una excelente película.

Ficha Técnica

Reparto: Nick Robinson - Gabriel Basso - Moises Arias - Erin Moriarty.
Director: Jordan Vogt-Roberts..
Año: 2013.
Duración: 95 minutos.
Calificación El Guionista: 8.

Películas por catálogo: incluida.

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Cherry

2013-09-26T11:02:00.002-07:00

Muchas veces me he referido en este espacio a lo que denominamos “el tema” de una película, es decir, lo que deberíamos responder cuando se nos pregunta “¿y esta de qué se trata?”. Asimismo, he mencionado anteriormente que los temas dentro de los films no suelen variar demasiado dentro de una lista de veintipico o treinta porque lo que hace que una película destaque por sobre el resto es la forma que tiene de tratar dicha temática. Así, vemos que un tema bastante recurrente para Hollywood, por ejemplo, es el de la pérdida de la virginidad, donde encontramos tratamientos de lo más variados que pueden ir desde uno clásico como el que realiza American Pie hasta uno menos convencional como ocurre con Virgen a los 40. Y por si no se han dado cuenta todavía, de eso tratará nuestra crítica del día cuando nos adentremos en la propuesta de Cherry, film que me costó horrores conseguir pero que finalmente he sumado a mi colección ;)

Aclarada la cuestión sobre de qué va esta película, puedo tomarme algo más de tiempo en destacar sus puntos fuertes a la hora de tratar un tema que ha sido abordado hasta el cansancio. Empezamos por lo clásico: un joven de escasos diecisiete años llega acompañado de sus padres al inmenso campus de la universidad que será su hogar durante los próximos cuatro o cinco años. La carrera elegida: ingeniería. Pero el problema es que Aaron (Kyle Gallner), nuestro intrépido protagonista, no fue el autor de dicha elección sino que esta tiene que ver con una extensa tradición familiar de estudiantes (y graduados) de la carrera de ingeniería. Primer problema a la vista.

El segundo, algo que probablemente también tenga que ver con una tradición familiar orientada hacia el nerdismo de sus integrantes, consiste en que Aaron ha cometido el pecado estadounidense de haber ingresado a la universidad sin haber intimado con una señorita, enorme estigma social.

Ahora bien, este es el contexto de la historia. A partir de acá la cosa abandona lo clásico para que la película encuentre ese elemento distintivo del que les hablaba al inicio. Resulta que el espíritu rebelde de Aaron empieza a aflorar ni bien acomoda sus cosas en su nuevo dormitorio (después de todo, esta es la primera vez que se encuentra lejos del ojo censor de sus padres) y la primera forma de manifestar estos sentimientos revolucionarios consiste en el modesto acto de anotarse en una clase de arte y dibujo como materia optativa ya que esa es la verdadera pasión del muchacho.

Obviamente, ese “modesto acto de manifestar sus sentimientos revolucionarios” experimentará un potente efecto mariposa y las cosas rápidamente se le irán de las manos a este virginal adolescente. Pasa que, en su primera clase, Aaron entabla conversación con Linda (Laura Allen), una atractiva treintañera que ha decidido darle una nueva oportunidad a los libros y se ha vuelto a inscribir en la universidad. Rápidamente, el querido Aaron empieza a desarrollar sentimientos románticos hacia Linda, cosa que se ve fomentada por el espíritu libre de esta señora que, a pesar de su corta edad para la maternidad, ya tiene una hija de catorce. En resumen, nuestro héroe empieza a hacer cada vez más frecuentes visitas a la casa de linda y su hija Beth (Britt Robertson ) hasta llegar al punto en que toma la decisión de hacerse cargo de sus sentimientos por primera vez en su vida y confesarle su amor a Linda. El problema es que esa epifanía coincide incómodamente con el momento en que la pequeña pero nada inocente Beth le confiesa a Aaron que se ha enamorado de él.

Todo un triángulo amoroso que, lejos de quedarse con los estereotipados chistes que pueden surgir de una situación como esta, da un paso más y se convierte en una historia de profundo aprendizaje moral y sentimental mientras tres personajes de edades disímiles se dan cuenta de que todavía tienen muchísimo por aprender sobre la vida y todo lo que esta conlleva.

Ficha Técnica

Reparto: Kyle Gallner - Laura Allen - Britt Robertson.
Director: Jeffrey Fine.
Año: 2010.
Duración: 99 minutos.
Calificación El Guionista: 7.5

Películas por catálogo: incluida.

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The Bourne Identity

2013-09-24T10:45:00.000-07:00

Previo a cualquier comentario de la cinta que hoy nos reúne, debo pedir –nuevamente- disculpas por ausentarme a nuestra habitual cita de los viernes. Intentaré que esto no suceda tan a menudo; pero, en el caso de que se repita, he tomado la decisión de volver, el martes siguiente, con una película que obligatoriamente deba ser parte de sus anaqueles, de esas que no puedan faltar en una buena conversación cinéfila. Con ustedes, entonces, The Bourne Identity (Identidad Desconocida, El Caso Bourne), obra que ya mencioné en varias oportunidades.

Mar Mediterráneo. Tormenta torrencial. De repente, un cuerpo flotando se ve a lo lejos. Los tripulantes de un barco lo rescatan. Vive… pero su estado es crítico. Dos heridas de bala sorprenden al médico; pero más aún un dispositivo láser, incrustado en su cadera, con un número de cuenta.

“-¿Cuál es tu nombre?-. -No lo sé-”.

Jason Bourne no sabe quién es. Pero, no tengan ninguna duda, que hará todo lo necesario para averiguarlo.

De esta manera comienza uno de los largometrajes más importantes de la década pasada y de todo el Siglo XXI, sin lugar a objeciones. ¿Por qué sostengo esto? Por dos razones. La primera –y más importante- es que este film ha sido un tanque de oxígeno para el género de acción (con todos los elementos fundamentales que este género exige) y ha significado la renovación del subgénero de espionaje; donde otras sagas como la de James Bond no paraba de dar pasos en falso, o el segundo ejemplar de Misión Imposible, arrasaba en taquilla, aunque dejaba un sin sabor digna de una producción sin pena ni gloria.

El segundo motivo es que este tipo de cintas atacan al gran público, tanto al cinéfilo, como al espectador casual (prueba cabal de esto es la recaudación abismal de las franquicias mencionadas, que fueron inversamente proporcionales a la calidad de los productos proyectados). Es respetable -porque estamos en democracia, porque no es muy entendible- que algunas personas no se sientan interesados en la temática de los superhéroes (como Batman Begins o The Dark Knight), ni en la mitológica (como la trilogía de El Señor de los Anillos); pero ni siquiera los “espectadores cultos” pueden decirme que no disfrutan de esta clase de largometrajes, de acción trepidante, con sólido y tenso guión que goza de ciertas libertades necesarias, apenas fuera del realismo, para condimentar y dar el toque de diferencia en su rubro.

Entonces, como este espacio se llama El Guionista, empezaré por la tarea de Tony Gilroy, cuyo caso es bastante extraño. Este fue el hombre detrás de la adaptación del libro de Robert Ludlum, logrando un trabajo sensacional en esta primera parte de la saga; para después convertirse en el director que, con El Legado de Bourne, destrozó todos los peldaños de intriga argumental y detallismo artístico, tan cuidadosamente construidos en la trilogía original.

Pero volviendo a El Caso Bourne, este libreto es sobresaliente. Me gustaría contar con la opinión de aquellos que hayan leído la novela, para decirme cuán fiel es. No obstante, yo integro el grupo de los que no leímos la obra literaria y no tengo más que loas para esta película. Filmadas, además, con un pulso maestro, por parte de Doug Liman (en su mejor trabajo) para que no se desperdicie ninguna secuencia. La birome Bic, el mini Cooper clásico en contramano, el duelo de agentes en un campo nevado: de seguir enumerando, les narraría toda la obra.

Ya hablamos del guionista y del director. Ahora sí, toca la figura central. Matt Damon no es un muchacho que me obnubile con sus cualidades. Es más, ni siquiera lo considero un grandísimo actor. Pero en esta cinta (y en toda la trilogía) se adueña de su personaje física y mentalmente. Resulta muy creíble en todas sus reacciones causadas por la incesante búsqueda de su identidad. Imagínense la impresión que generó en mí su desempeño que, al mencionarse un posible regreso de Matt en la quinta entrega cinematográfica de Bourne, hizo que me ilusionara sobremanera…

No obstante, esa posibilidad fue descartada; así que contaremos con un capítulo nuevo que, otra vez, pregonará por un “bournismo sin Bourne” –una idea tan triste como un “peronismo sin Perón”-.

Como si esto fuera poco, cuenta con un elencazo. Chris Cooper (Capote, Adaptation, The Town) es uno de esos excelsos profesionales que no gozan con el reconocimiento merecido por ocupar, mayormente, papeles secundarios. Otra vez, aquí, deja en claro toda su soberbia dramática. La interpretación de la alemana Franka Potente (quien ya había ganado cierta fama con Corre Lola, Corre y Blow), como Marie, se gana el cariño del público. También cuentan con pequeños papeles el experimentado Brian Cox (Match Point, The Boxer, Zodiac), el carismático Clive Owen (Trust, Closer, Derailed) o Julita Stiles (10 Cosas que odio de ti, Silver Linings Playbook), actriz que me encanta.

Por último, el montaje, la coreografía de las peleas, la sucesión de planos: todo está precisamente llevado a cabo. La banda sonora, también cuenta con esos destellos de genialidad, como en la persecución por París con Ready, Steady, Go; o, al finalizar la cinta, con Extreme Ways de Moby, que con sus primeros acordes te convence de pararte y aplaudir por acabar de ver una película de acción en serio. Además, cuando ves que, después de recorrerse toda Europa, se van hasta Grecia sólo por una escena de dos minutos, te das cuenta de que se trata de una verdadera superproducción.

Imprevisible, The Bourne Identity rompe con el molde de las típicas películas de acción y espionaje. Lo más agradable es saber que sus secuelas no decaen, en absoluto, y mantienen el promedio. Aún no me decido cuál de los tres capítulos es mejor.

Ficha Técnica

Reparto: Matt Damon – Franka Potente – Chris Cooper – Clive Owen.

Director: Doug Liman.

Año: 2002.

Duración: 120 minutos.

Calificación El Guionista: 9.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

The Brave One

2013-09-23T10:20:00.001-07:00

Pasó el Día de la Primavera, pasó el Día del Estudiante y, por lo menos en estas latitudes, el clima no acusó recibo. El pasado sábado 21 los parques, las plazas y los espacios verdes en general no se vieron como se los suele ver: atestados de jóvenes celebrando la llegada de la estación del amor. Por este motivo, pensé que hoy podríamos hablar de una película que arranca con clima primaveral y de festejo en el que podría definirse como el parque o plaza más célebre del mundo como es Central Park, en Nueva York. El problema es que si buscan florcitas y mariposas de colores, esta cinta se encarga de mutilar todo espíritu primaveral a partir de su potentísimo evento desencadenante. A continuación, The Brave One o Valiente.

Protagonizada por la querida Jodie Foster, Valiente es un largometraje del director Neil Jordan que aborda el controvertido tema de lo que vulgarmente conocemos como la justicia por mano propia, situación que tendrá lugar a partir de ese evento desencadenante que mencionaba en el párrafo introductorio.

Erica Bain (Foster) es una atractiva mujer de mediana edad, neoyorquina y de personalidad muy independiente. Contando cerca de cuarenta años, la vida de Erica parece encausarse hacia ese estadio que muchos definen con la clásica frase “tiene la vida organizada”, situación que se desprende de su trabajo en una estación de radio local en la que tiene su propio programa y de los planes de casamiento que está empezando a maquinar con su novio David (Naveen Andrews, también conocido como Sayid de Lost).

Pero la cosa se complica. Una tarde, en ese particular momento del día en que empieza a caer la noche mientras la tarde se resiste a irse, Erica y David paseaban tranquilamente por el parque más famoso de NY cuando su perro se aleja de ellos con el objetivo de atrapar la pelotita de tenis que David le acaba de tirar. El recorrido del can confluye en una especie de callejón ubicado en medio del parque donde un grupo de tres o cuatro buenos para nada dedicaban su tarde a cometer actos vandálicos varios. Rápidamente, la situación se vuelve tensa. Estos jóvenes se apropian del perro y se resisten a devolvérselo a sus dueños. David se enoja, los enfrenta y ellos le devuelven el golpe, quedando Erica también involucrada en la riña. El resultado: diversas fracturas, contusiones y golpes de todo tipo y color hacen que la protagonista del film quede unos cuantos días en coma en el hospital de la zona. David no corre la misma suerte y muere antes de ser atendido por los paramédicos.

A partir de acá lo que tendremos es la fase de recuperación psicológica que Erica deberá enfrentar ya que los moretones y magulladuras del cuerpo se curan mucho más rápido y fácil que las del alma. Ataques de pánico, altos picos de estrés y fobia a salir de su casa son solo algunos de los síntomas que esta pobre mujer deberá experimentar hasta que finalmente decide enfrentar su situación y salir nuevamente a la ciudad que alguna vez fuera su hogar.

Pero esto no termina acá. Sin extenderme mucho para no revelar demasiada información, solo voy a agregar lo que ocurre hasta el primer punto de giro. Fuera de casa, Erica se siente insegura en todos lados. Por la calle, en el supermercado, en casa de sus amigos y hasta en su lugar de trabajo. Por eso decide tomar medidas drásticas y se compra una nueve milímetros para llevar en su cartera. Ahora bien, muchísimo antes de lo que hubiera imaginado, Erica se encontrará disparando su nueva arma que, tan rápido como ocurriera con David, terminará con la vida de otro ser humano.

El miedo y la angustia entablarán así una ardua batalla con la sed de justicia y, por qué no, de venganza en la cabeza de Erica que, a su vez, es víctima de la persecución y asedio de un hábil policía local (interpretado por Terrence Howard) que está dispuesto a hacerla pagar por el crimen que cometió.

Ficha Técnica

Reparto: Jodie Foster - Terrence Howard - Naveen Andrews.
Director: Neil Jordan.
Año: 2007.
Duración: 122 minutos.
Calificación El Guionista: 7.
Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Wakolda

2013-09-19T13:20:00.002-07:00

Nuestros lectores acostumbrados a mi ritmo de Lunes de Estrenos y Jueves de Viejitos deben saber que esta semana modifiqué mi costumbre de publicaciones por lo que no solo contarán con mi crítica post ida al cine del lunes pasado sino que también hoy les traigo lo último de lo último en materia cinematográfica. Recién llegado a casa de mi sala de cine amiga, tengo el agrado de compartir con ustedes mis impresiones sobre Wakolda, lo nuevo de Lucía Puenzo.

En lo que se refiere a esta película, me gustaría empezar con un breve comentario sobre su directora ya que su estilo es bien característico y particular, lo que predispone al espectador de una manera bastante especial. Lucía Puenzo ya ha dado muestras de su gran capacidad a la hora de dirigir en su anterior gran producción: XXY, protagonizada por Ricardo Darín, Valeria Bertuccelli e Inés Efrón. Y en el caso de Wakolda tenemos puntos en común, al margen del trabajo de Lucía, que vuelve a ser muy bueno. Temáticas comprometidas, escenarios anti-urbanos, gran generación de climas, buenas transferencias de escenas y personajes de lo más peculiares. Todo eso encontraremos en esta historia que, además, está basada en un caso real.

Bariloche. 1960. Eva (Natalia Oreiro) y Enzo (Diego Peretti) componen un matrimonio que, con tres hijos a los que criar y un par de gemelos en camino, está a punto de abrir una hostería en la mencionada ciudad sureña con el objetivo de prosperar en una zona que, preeminentemente, obtiene sus ganancias a partir del turismo.

Con todo cargado en el auto, la familia está lista para abandonar el que hasta ahora ha sido su hogar para trasladarse a su nueva y prometedora locación. Pero en eso aparece alguien. Un hombre de mediana edad, poblado bigote y contextura física de gran porte aborda a Lilith (Florencia Bado), la hija de doce años de Eva y Enzo. Tras trabar breve conversación con este misterioso personaje (Àlex Brendemühl), dos cosas quedan claras: el hombre habla muy bien el castellano a pesar de sus orígenes alemanes y la pequeña Lilith ha tenido que cargar, a lo largo de su joven vida, con un problema genético que le impide crecer al ritmo normal ya que no aparenta más de ocho o nueve años a pesar de tener doce. Estos dos elementos serán la clave del resto de la trama.

Rápidamente –y luego de un par de conversaciones con los padres de Lilith– el señor alemán revela que es médico de profesión, que ha trabajado durante gran parte de su carrera con animales, que su campo de especialización es la genética experimental y que le encanta la pequeña hostería que esta pareja está por abrir, por lo que decide hospedarse en ella durante los siguientes seis meses.

Nace, de esta forma, un fuerte vínculo entre este hombre y la familia que lo hospeda que cambiará para siempre la vida, sobre todo, de estos últimos. Resulta que el misterioso alemán tiene especial interés en la pequeña Lilith y su problema de crecimiento. La joven, por su parte, también es conciente de lo que le pasa a su cuerpo, por no agregar que las burlas de sus compañeros de colegio se lo recuerdan en cada recreo. Y, para colmo, su madre Eva –que habla perfecto alemán dados sus orígenes teutones– establece rápida simpatía con el señor oriundo de ese país y, también, con su generosa propuesta de iniciar un revolucionario tratamiento genético para alterar las células de crecimiento de Lilith y así garantizarle un crecimiento a niveles normales.

Un manto de crecientes sospechas acerca de la verdadera identidad de este hombre más un contexto de fuertes vinculaciones con la Alemania nazi (en el que se incluye el reciente proceso de persecución y cacería a cargo del gobierno de Israel de antiguos miembros del Tercer Reich que, se dice, están escondidos en el sur de la Argentina) componen el contexto de esta historia que plantea de manera muy comprometida el problema de una familia que debe luchar con la difícil decisión de salvar y mejorar la situación de vida de algunos de sus miembros a manos de uno de los asesinos más crueles que la historia de la humanidad ha engendrado.

Ficha Técnica

Reparto: Diego Peretti - Natalia Oreiro - Àlex Brendemühl - Florencia Bado.
Director: Lucía Puenzo.
Año: 2013.
Duración: 90 minutos.
Calificación El Guionista: 7.
Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Blitz

2013-09-17T16:13:00.000-07:00

Me imagino que cuando vean este póster y quien está allí parado, sosteniendo un arma, sabrán de qué puede llegar a tratarse esta reseña que nos reúne. Así que no vamos a perder mucho tiempo y pasemos a hablar de esta máquina británica de trompear y liquidar personas (mayormente, malhechores). Entonces, hoy en El Guionista, Blitz (Persecución Mortal) será una excusa para tratar brevemente a "el fenómeno Statham".

El sargento Tom Brant (Jason Statham) es un personaje muy popular, básicamente por protagonizar varias tapas de periódicos londinenses. ¿Por su encomiable tarea o por reconocimientos de honor? No, más bien por ser bastante irresponsable, políticamente incorrecto y desempeñar su función social bastante fuera de la ley. Hastiado del mundo que lo rodea, todos lo quieren afuera, incluso él mismo. Pero la irrupción de un asesino de policías lo tocará muy de cerca y hará que este caso se convierta en una investigación muy personal.

Si tenemos que hablar de Blitz, debo decir que es inverosímil, poco coherente, carente de sentido... pero también tenso, violento y hasta macabro -lo que suma para generar bastante suspenso y nerviosismo-. Un buen escape de acción e intriga, para pasar el tiempo o afrontar algún día medio bajonero.

Sin embargo, lo importante es hablar de este inglés, ex deportista olímpico, algo calvo y para nada alto que ha sabido conquistar los suspiros del público femenino, como las ovaciones del público masculino. De vendedor de joyas y alhajas callejero y saltador de trampolín a debutar en la pantalla grande con Lock, Stock y Snatch. De jugar al fútbol con Vinnie Jones a protagonizar El Trasportador. De alcanzar a la fama a consagre como el héroe de acción más importante del posmodernismo.

Basada en la novela de Ken Bruen (quien estuvo muy conforme con esta adaptación), por supuesto, veremos a un cabreado y justiciero Jason Statham, ubicando a todo el que se lo cruce, con insultos y golpes; y demostrando que es él quien manda. La novedad aquí yace en que su pareja (laboral) es un policía gay (interpretado por Paddy Considine), exageradamente amanerado, para mi gusto -no porque no haya varios uniformados homosexuales, sino porque veo difícil que un Inspector en jefe actúe tan de esa manera-.

Volviendo al personaje principal de la cuestión, inobjetablemente, Statham ha entrado con sobrados méritos al Panteón de los héroes de acción. En los '90, uno decía "che, mirá, en la tele están dando una de Stallone" o "¡qué ganas de ver una de Van Damme!". En la actualidad, ya tenemos al nuevo y legítimo heredero de estos actores o de cualquier otro, como Bruce Willis, Arnold S. o Chuck Norris -igualmente, para mí Jason tiene más cosas de Charles Bronson que de los mencionados anteriormente-; y todos decimos "¡no sabés! me compré un dvd con la nueva del pelado inglés ese, ¡Statham!" y ya sabemos qué es lo que vamos a ver.

No por nada es el coprotagonista de Los Indestructibles, junto a Sly; y, para alegría de sus seguidores, como para los fanáticos de la franquicia Rápido y Furioso, Jason participará activamente del próximo estreno que encabezarán Vin Diesel y Paul Walker que, indudablemente, será un gigantesco éxito comercial.

Creo que Jason merecía un pequeño homenaje, en este humilde pero prolífero blog. ¿Por qué Blitz? Porque fue la que estaban pasando en algún canal de cable, luego de la lujosa victoria de Boca sobre un equipo de Avellaneda. Personalmente, aún espero un trabajo suyo que contenga lo que buscamos cuando requerimos sus prestaciones, pero que levante el nivel general de los que viene haciendo.

Ficha Técnica

Reparto: Jason Statham - Paddy Considine - Aidan Gillen.

Director: Elliott Lester.

Año: 2011.

Duración: 95 minutos.

Calificación El Guionista: 5.

Películas por catálogo: la pasan por TV.

Tráiler para Cine

The Bling Ring

2013-09-16T10:48:00.001-07:00

Aquellos que estén familiarizados con la película que hoy nos convoca, se sorprenderán al encontrar nuestro comentario al respecto en el día de hoy. Ahora bien, aquellos que no sepan de qué catso estoy hablando, sepan que The Bling Ring tiene fecha de estreno en los cines de Argentina para el 3 de octubre de este año, es decir, dentro de unas tres semanas. Sin embargo, El Guionista se anticipa a los hechos y les trae esta nueva producción de Sofia Coppola mucho antes de lo esperado. Ah, las maravillas de la Internet…

Lo primero que hay que saber acerca de esta película es que está basada en hechos reales. El segundo punto de interés del film tiene que ver con su directora, la mencionada Sofia Coppola que, para algún desprevenido, no es otra que la hija del gran Francis Ford, el segundo hombre más talentoso de apellido Coppola ya que el primer lugar lo ocupa Guillote, obviamente. Y el tercer apartado pertinente sobre la cinta lo compone una de sus actrices principales, que no es otra que la bellísima Emma Watson, a quien todos recordarán por su papel de Hermione en la saga de Harry Potter.

Explicados todos los motivos que me llevaron a ver The Bling Ring, pasemos a lo importante. La película cuenta la historia de cinco adolescentes oriundos de California que están obsesionados por la fama y por las estrellas de la farándula a quienes idolatran de manera casi peligrosa. Resulta que un buen día, dos de estos jóvenes leen en Internet que una de las personas que más admiran, Paris Hilton, se encuentra fuera del país celebrando no sé qué fiesta. Animados por la noticia, estos aparentemente inocentes amigos deciden darse una vuelta por la casa de la querida Paris para ver qué onda. Una vez localizada la residencia (cosa que también hacen a través de Internet), descubren que la señorita Hilton, en una actitud que corrobora todo lo que se dice acerca de su escasa inteligencia, ha dejado las llaves de casa debajo del tapete ubicado frente a la puerta principal.

Comienza así la aventura de estos chicos que, envalentonados por la incursión en casa de Paris Hilton, harán un extenso recorrido por las mansiones de todas las celebrities que, estando lejos de casa, no tomaron las medidas de seguridad necesarias para prevenir que un grupo de adolescentes inescrupulosos no solo ingrese en sus respectivos hogares sino que además se lleven algunos recuerditos con ellos. El conflicto de la trama va a residir justamente en que estos recuerditos consisten en pares de zapatos de reconocidas marcas, carteras y bolsos de similar estatus, relojes que valen unos cuantos miles de dólares, vestidos y ropa de todo tipo, joyas, anteojos de sol y varios artículos similares.

En Estados Unidos, esta ola delictiva que afectó a celebridades como la mencionada Paris Hilton, Orlando Bloom, Lindsay Lohan, Rachel Bilson y varios más fue denominada "The Bling Ring", lo que en la película se traduce como Los Ladrones de la Fama o algo así. Los detalles de los robos, como el dato que aproximadamente calcula el precio de los artículos robados en una suma cercana a los tres millones de dólares, fueron publicados en un extenso artículo de la revista Vanity Fair, pieza periodística en la que luego se basó la película que hoy recomendamos.

Lo que queda por agregar es que la dirección a cargo de Sofia Coppola es muy buena, con varios de esos toques medio psicodélicos que se pudieron ver en Lost In Translation, su otra gran obra, a lo que aquí le agrega un muy buen uso del recurso del flashback. Las actuaciones de los pibes que protagonizan el film también están a la altura y la historia, sabiendo de antemano que es un caso verídico, resulta muy interesante mientras va pasando de un relato bastante efectista y de acción permanente hasta llegar a convertirse en una crítica bastante fuerte a la frivolidad y la falta de sustancia que afecta las vidas, no solo de estos cinco chicos, sino de gran parte de una generación.

Ficha Técnica

Reparto: Emma Watson - Katie Chang - Israel Broussard - Claire Julien - Taissa Farmiga - Leslie Mann.
Director: Sofia Coppola.
Año: 2013.
Duración: 90 minutos.
Calificación El Guionista: 7.
Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back

2013-09-13T17:37:00.000-07:00

Quisiera saber a cuántos que aún no vieron Star Wars y se niegan a hacerlo, logré persuadirlos, con mi crítica, en algún aspecto, para darle una posibilidad. Me es sumamente difícil de entender a aquellos que se niegan a darle una chance -como el necio de Facundo Franco-. No obstante, en vez de perder el tiempo tratando de analizar cuáles son las bases de sus frágiles argumentos, decido mantenerme firme con mi batalla cultural y tener el supremo y emocionante agrado –que es casi como cumplir un sueño- de presentarles Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back.

“Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana…”

Los rebeldes consiguieron su primera gran victoria en el campo de batalla, destruyendo a la Estrella de la Muerte. Sin embargo, el costo fue muy alto y por eso han tenido que refugiarse en el remoto y helado planeta Hoth. Tres años después, son detectados por el malvado Imperio Galáctico y un nuevo duelo es inminente. ¿Estará el comandante Luke Skywalker (Mark Hamill) preparado para enfrentarse a las fuerzas y, sobre todo, al tenebroso Darth Vader? La libertad y soberanía de todo un universo, sigue en juego.

¿Cómo nace esta segunda (o quinta) parte? George Lucas se dio cuenta de que la después llamada A New Hope era muy poco para tamaña historia. Entonces, luego de un largo proceso de escritura y replanteos, concibió la obligación de crear una secuela. ¿El resultado? El mejor episodio de esta épica ópera espacial.

Paso a enumerar: El contraataque de las Fuerzas Imperiales. La retirada de los rebeldes. La aparición del gran maestro. El entrenamiento de Luke. El sacrificio de Han. El duelo más esperado. La gran revelación. Son demasiados elementos los que componen a esta obra maestra y de culto, como para no calificarla como el punto más alto de toda la saga. Más aún si tenemos en cuenta que, en esta cinta, figuran los diálogos (muy breves, ambos) quizás más utilizados y recordados por los fanáticos como por los espectadores ocasionales. Además aparecen tres personajes relevantes; uno de ellos el supremo maese del lado luminoso de La Fuerza.

Lucas no sólo vislumbró este deber para con su creación y con el gigantesco mundo cinéfilo, sino también la necesidad de empezar a imaginar una trilogía previa. Pero, volviendo a El Imperio Contraataca, este es el capítulo más oscuro, si comparamos al cuarto (más aventuresco e ingenuo) y al sexto (algo más luminoso y catártico).

Además, acá se luce mi personaje favorito que, por supuesto, no podría ser otro que el siempre genial y canchero, Han Solo (Harrison Ford -¿les dije que lo quiero mucho?-); y, nuevamente, la bellísima orquesta musical estuvo a cargo del majestuoso John Williams en lo que -en mi opinión-, significa su trabajo más pleno con la composición de La Marcha Imperial.

Me olvidé de mencionarlo en la reseña de su predecesora, pero toda esta solemne saga pertenece al subgénero de la space opera (acción, aventura, ciencia ficción, fantasía) y está más que claro que considero a este quinto episodio el exponente más alto de cualquiera de estos géneros, subgéneros o lo que sea.

Lo que no puedo dejar de mencionar es la importancia que ha tenido esta fantástica producción, para exponer el cierre de un siglo y el comienzo de un espíritu de época totalmente novedoso: el de los ’80. Dentro de Star Wars V, tenemos el oscurismo y esa carga dramática que aparece con la confesión final (digna de cualquier obra de cine negro) y por el otro, las ansias de aventuras relacionadas a la ciencia ficción (ejes centrales de los ’80, con cintas como Terminator, Indiana Jones, The Abyss o Blade Runner). El Imperio Contraataca es la metáfora perfecta de esta transición.

Integrante de la primera trilogía: la original. También tuve el placer y el honor de verla en una sala, a los siete años, en uno de sus tantos reestrenos, anticipando el pronto debut cinematográfico de los capítulos iniciales.

Poseedora de otras tantas bondades, sólo me queda recomendárselas abiertamente e insistir con mi postura: A los detractores, ni olvido ni perdón. A los fieles seguidores, “que La Fuerza nos acompañe”.

Ficha Técnica

Reparto: Mark Hamill – Harrison Ford – Carrie Fisher.

Dirección: Irvin Kershner.

Año: 1980.

Duración: 120 minutos.

Calificación El Guionista: 10.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Derailed

2013-09-12T09:47:00.001-07:00

Nuevo Jueves de Clásicos en El Guionista, esta vez, con título relativamente nuevo (2005) que recientemente volví a ver con el doble objetivo de recordar bien todos los detalles de esta cinta para comentarles a nuestros queridos lectores y también para volver a disfrutar de una gran propuesta de cine de suspenso. Clive Owen, una sorprendente Jennifer Aniston y Vincent Cassel protagonizan Descarrilados, nuestra recomendada del día.

Charles Schine (Owen) es un relativamente exitoso ejecutivo de negocios que trabaja en el rubro de la publicidad. Todos los días, Charles abandona su casa de los suburbios de Chicago para trasladarse a su estación de trabajo en la ciudad y así proveer para su familia, compuesta por su esposa Deanna (Melissa George) y su hija Amy (Addison Timlin) que padece una enfermedad crónica.

Un buen día, el amigo Schine es abordado por el señor que cobra por los boletos del tren en el que nuestro héroe se encuentra, con la problemático detalle de que Charles olvidó el dinero que iba a utilizar para pagar por su pasaje. Es entonces cuando entra en escena la atractiva Lucinda Harris (Aniston) que justamente se encuentra compartiendo vagón con el protagonista de la película y, muy gentilmente, se ofrece a pagar por su boleto. Da comienzo así una relación inicialmente cordial y de respeto mutuo entre estos dos personajes que tienen empleos similares, familias similares y hasta comparten el viaje diario a sus respectivos trabajos.

Long story short, Charles y Lucinda se vuelven a encontrar en el tren un par de veces más y, en una de esas oportunidades, su destino final termina siendo un discreto albergue transitorio ubicado en los barrios bajos de Chicago. Y acá es cuando la cosa se va de los carriles. Justo en el momento en que estos dos agobiados ejecutivos de negocios están a punto de tener un momento de relajación en medio de su estresante rutina, la zona que eligieron para hacerlo (perfecta para no ser descubiertos pero con un nivel delictivo un tanto más alto que el promedio) les pasa factura. En menos tiempo del que uno tarda en saber lo que está pasando, un ladrón entra en su cuarto de motel y, de buenas a primeras, Charles se encuentra con una pistola en la cabeza y las manos arriba.

El ladrón, que no es otro que el brillante Vince Cassel (El Cisne Negro, Trance, Los Ríos de Color Púrpura), rápidamente se encarga de sustraer todos los bienes que estos dos lujuriosos personajes tienen encima para luego proceder a la parte violenta del crimen. Valiéndose de sus puños y de la culata de su arma, el asaltante le propina una fuerte golpiza al pobre de Charles para luego pasar a encargarse de Lucinda a la que, valiéndose de otro tipo de pistola, viola de una manera brutal, destructiva y animal.

Claramente, Charles y Lucinda quedarán vinculados para siempre luego del episodio del motel pero no de la manera en la que hubieran querido. Resulta que, unos días después del robo, Lucinda le comunica a Charles que, luego de ser violada, quedó embarazada, noticia que, unos minutos después, logrará ser superada por otra, mucho más espeluznante y que le dará rumbo al resto del film. Cuando el pobre señor Schine llega a casa del trabajo descubre, para su horror, que el mismo ladrón que lo atacara recientemente se encuentra tomando un café tranquilamente instalado en su sala de estar en compañía de su esposa y su hija enferma.

Una excelente historia que combina perfectamente el suspenso de acción con el psicológico mientras este hábil ladrón se hace pasar, ante los ojos de la señora Schine, por un compañero de trabajo de su esposo con el objetivo de extorsionarlo para sacarle dinero a cambio de su silencio. Porque está perfectamente claro que la delicada situación familiar de Charles pende de un hilo. Un hilo que puede ser cortado fácilmente cuando un violento e inescrupuloso ladrón decida contarle a Deanna y Amy el pequeño y adúltero desliz del hombre de la casa.

Ficha Técnica

Reparto: Clive Owen - Jennifer Aniston - Vincent Cassel - Melissa George.
Director: Mikael Håfström.
Año: 2005.
Duración: 108 minutos.
Calificación El Guionista: 8.
Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

All The President's Men

2013-09-10T15:57:00.000-07:00

¿Thriller político? ¿Relacionado con el periodismo? ¿Basado en un hecho verídico? ¿De los ’70? No existía motivo alguno para que yo no deseara ver esta obra. Creería que, en la mayoría de cinéfilos, tampoco. Es por que, en la reseña de hoy, El Guionista tiene el agrado de presentar a All The President’s Men (Todos los hombres del presidente); película que de no haberla visto, recomiendo que lo hagan y que lean por encima mi crítica como para interiorizarse, pero no para adentrarse mucho en detalles.

Robert Woodward (Robert Redford), de 29 años y tan sólo 9 meses en el Washington Post, ansiaba poder escribir un artículo en la tapa de los domingos. Carl Bernstein (Dustin Hoffman), de 28 pero con 16 años escribiendo para el Post, era un experimentado escritor de largos textos, pero nunca había podido dar el salto. En la madrugada del 17 de junio de 1972, lo que parecía un insignificante ilícito se convertirá en la historia que cambiará sus vidas… y la de todo un país.

Este largometraje es fantástico desde el punto de vista macro, como en el micro. Por un lado, tenemos esa gigantesca investigación periodística -¿o inteligencia policial?- que realizan nuestros dos paladines, que comienza con un caso, aparentemente, de simple vandalismo; y que, pieza por pieza, se va convirtiendo en una red criminal monstruosa que implica a todo un partido político y a su máximo referente -yo no les voy a explicar qué fue “el Watergate”, pero sabrán que fue un gran, gran escándalo-.

Por otra parte, se encuentra el ambiente donde trabajan los protagonistas: el mundo periodístico. Las salas de redacción, la diferencia de tener un buen olfato para la noticia, la pelea y la comparación con los otros medios, la necesidad del apoyo de tus superiores (en especial, del editor) y, por sobre todas las cosas, la importancia de tener vastos contactos y fuentes confiables.

Es esto lo que me fascina. Más allá que se base en uno de los hechos más aberrantes de espionaje y corrupción, de la máxima potencia mundial, que concluyó en la dimisión de un jefe de estado; yo disfruté de ver todo el proceso del armado de la noticia, de cómo se instalan (o no) temas en la agenda periodísticas, de la química entre los periodistas (que, en el dúo protagónico, es muy buena) y con sus jefes. Yo destaco esta parte por sobre la del thriller político en sí, que no deja de ser formidable.

La dirección artística es sobresaliente. Cada plano es un bello cuadro que sabe explotar al máximo, con eficacia y eficiencia, los “paisajes” poco atractivos de una sala de redacción, resignificándolos. El sonido, la música y los efectos se complementan a la par de una línea argumentativa que es seca y directa.

Para criticar, me quedaron cosas en el tintero, como un final abrupto, donde nunca pudimos ver caer –ni gozarlo- a los peces gordos; faltó algo más de sensación de peligro y amenazas de muerte; hacer mayor hincapié en el personaje de “Garganta Profunda” o proyectar en pantalla un mapa conceptual de todos los implicados (que son varios y difícil de memorizarlos).

No obstante, no puedo dejar de reconocer que es uno de mis thrillers políticos favoritos (completan el podio Z y Argo) y una de las películas más importantes relacionadas al periodismo; de esas que reavivan la pasión por la profesión y la vocación de ir siempre en busca de la verdad, sin importar los egos personas, las motivaciones externas o quién sea el que se pare en frente.

Como si esto fuese poco, no hay que mirar muy lejos para darse de que esta producción lejos está de envejecer y cada vez toma más relevancia y actualidad. Más cuando uno prende la tele y se encuentra con profesionales enceguecidos con encontrar su Watergate local, dejando de lado parte de ética y veracidad.

Para la anécdota: compitió por el Oscar a mejor film del año contra Taxi Driver, Bound for Glory y Network; aunque la ganadora resultó ser Rocky (en mi humilde opinión, la menos merecedora de este quinteto).

¿Conclusión? Otro gran clásico de los ’70. Otra cinta sumamente recomendable.

Ficha Técnica

Reparto: Robert Redford – Dustin Hoffman – Jason Robards – Jack Warden.

Director: Alan J. Pakula.

Año: 1976.

Duración: 135 minutos.

Calificación El Guionista: 9.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine

Séptimo

2013-09-09T10:49:00.001-07:00

Nuevo lunes de estrenos en El Guionista y, como no podía ser de otra manera, todas las miradas de esta semana están puestas en la nueva película de Ricardo Darín, Séptimo. ¿Nuevo éxito rotundo del gran actor argentino? ¿Decepción del cine nacional a pesar de la presencia del Ricky? ¿Plagio de una película yankee del 2007? Todas estas opiniones me han llegado de alguna u otra manera así que, a continuación, les traigo las respuestas a estos y a muchos otros interrogantes que se plantean con este controvertido film.

Pero primero lo primero. Séptimo es el nuevo largometraje del director catalán Patxi Amezcua, quien afirma haber encontrado inspiración para escribir y dirigir esta cinta a partir de un hecho que vivió en carne propia y que ahora traslada a la pantalla aunque, claro está, con un final distinto.

Sebastián (Darín) es un abogado de mediana edad que se encuentra tramitando el divorcio de su esposa española Delia, con la que tiene dos hijos. La historia de este típico porteño del siglo XXI comienza una mañana como cualquier otra cuando este muchacho llega al que supo ser su departamento durante varios años (y que ahora quedó en manos de su ex mujer) para llevar a sus hijos a la escuela. Tras una breve interacción con los chicos antes de emprender el viaje de todos los días, Sebastián deja en claro que si bien es un padre ejemplar, como marido deja un poco que desear, cosa que Delia no se molesta en ocultar. Y aclaro esto porque este punto resultará clave para el resto de la trama ya que, entre las varias cosas que la madre de sus hijos le reprocha y advierte, se cuenta el particular “jueguito” que Sebastián tiene con los chicos y que consiste en una especie de carrera para ver quién llega primero a la planta baja del edificio: Sebastián tomando el ascensor o sus hijos bajando los siete pisos que los separan de la meta por las escaleras.

Delia se molesta mucho cuando se produce esta situación ya que teme que les pase algo a sus pequeños que, hay que decirlo, no cuentan más de ocho o nueve años por lo que el riesgo existe. Y vaya que existe.

Resulta que esa fatídica mañana Sebastián llega sano y salvo a la planta baja pero sus hijos no. Los minutos pasan, los chicos no aparecen y lo que al principio parece una broma que dos nenes le hacen a su papá rápidamente se convierte en una situación dramática y desesperante ya que en ese inofensivo trayecto de siete pisos por escalera dos personas desaparecieron sin dejar rastro o explicación alguna.

A favor esta película tiene la rápida y fuerte identificación que su protagonista genera en el espectador ya que, no importa que uno tenga hijos o no, por lo menos una vez en la vida ha tenido que pasar por alguna situación en la que un hermano menor o un sobrino, por ejemplo, estuviera a su cargo durante unos minutos aunque sea. Y cuando se carga con esa responsabilidad y, lo que es peor, esta se ve vulnerada por un hecho como el que relata esta película, la desesperación y el pánico tardan milésimas de segundo en aparecer.

Otro punto a favor del film consiste en lo que le sigue al detonante: la desesperada búsqueda que Sebastián emprende para tratar de encontrar a sus hijos o, por lo menos, para dar con una explicación para entender qué fue lo que les pasó mientras bajaban las escaleras. En este punto, la acción frenética e ininterrumpida se ve reemplazada por un clima más de película policial a medida que los vecinos van apareciendo en escena para que el espectador empiece a generar sus propias sospechas y explicaciones. Así, conocemos a un comisario de policía un tanto violento, a un misterioso inmigrante francés al que pocos en el edificio han visto, a la joven que alguna vez fuera niñera de los hijos de Sebastián y que ha desarrollado un cariño un tanto desmedido y obsesivo por los chicos y al portero del lugar que, apostado en la puerta de entrada, jura que no vio pasar a los nenes en ningún momento de la mañana.

Lo que yo tengo para decir como conclusión es que, tal vez esperando una gran película que estuviera a la altura de su actor protagónico, me encontré con un thriller bien planteado, entretenido y bien actuado por sus protagonistas (a Darín se suman Belén Rueda que se destacara mucho en Mar Adentro, Luis Ziembrowski que la rompe en Ni un Hombre Más y Osvaldo Santoro que ya es un crack de por sí) pero que no es nada del otro mundo como sí lo supieron ser otras obras del gran Ricardo. El argumento general resulta un tanto trillado y gastado, el final, si bien no es predecible, tampoco es lo suficientemente sorprendente como para realzar el valor de la película en su totalidad y, encima, a esto se suma lo que me comentó mi madre al salir del cine: hay una película protagonizada por María Bello, Pierce Brosnan y Gerard Butler, que se llama Butterfly on a Wheel y que, según ella (yo no la vi), tiene la misma trama y, lo que es peor, un final sospechosamente similar al de Séptimo.

Ficha Técnica

Reparto: Ricardo Darín - Belén Rueda - Luis Ziembrowski - Osvaldo Santoro - Jorge D'Elía.
Director: Patxi Amezcua.
Año: 2013.
Duración: 90 minutos.
Calificación El Guionista: 6.
Películas por catálogo: nah.

Tráiler para Cine

White Men Can't Jump

2013-09-06T16:53:00.001-07:00

Siempre que veo una buena o muy buena comedia intento que aparezca en este espacio -al cual muchos le hemos tomado tanto cariño- llamado El Guionista. Hace algunos días vi este film y tenía ganas de recomendarlo, especialmente porque en algunos sitios ha tenido calificaciones bastante poco coherentes, denostándola. ¿Por qué defiendo a White Men Can’t Jump? Pasen y vean.

Billy Hoyle (Woody Harrelson) es un jugador de basquetbol colegial que no entiende la vida sin una pelota naranja picando a su lado. Mientras oficiaba de espectador en un partido, donde los contendientes eran todos de raza oscura, él es invitado a participar a partir de la lesión de uno de ellos. Luego de ser objeto de innumerables burlas por su aspecto y sus respuestas, en la cancha, demuestra lo mucho que había sido prejuzgado. Desde ese momento, entablará una relación con Sidney Deane (Wesley Snipes) y comenzarán a desafiar al básquet a otras parejas… por plata.

No es para nominarla al Oscar por mejor película, pero tiene cuestiones interesantes, como pequeños destellos que la hacen más que una comedia medio pelo. El primero es que, aquí, el discriminado es un blanco. Eso ya te cambia todo el paradigma de discriminación –si se quiere el término-, donde nuestro protagoniza reza que “los negros prefieren lucirse a ganar”. Entonces, la cinta gira en torno de este axioma, enfrentándose las personalidades de este hilarante dúo.

Por otra parte, estos personajes ya vienen arrastrando sus problemas personales anteriores como una esposa insatisfecha en vivir en un barrio peligroso, como adicciones al juego y a las apuestas. Estas dificultades se entremezclan con el duelo de estilos entre ambos y genera muy buenas escenas.

Amo a Woody Harrelson: ya lo he expresado aquí y en las distintas películas en las que participa y me ha tocado criticar (The Hunger Games, Zombieland, Siete Psicopátas). Pero no puedo dejar de lado a Wesley Snipes (Trilogía Blade, Demolition Man), con quien compone una química natural y muy chispeante. No hay registro actoral que Woody no pueda interpretar como tampoco hay muchos que puedan superar a Wesley cuando hacía estos papeles de “el negro súper canchero del gueto”.

Por último para destacar, Los blancos no saben saltar tiene casi tantos giros argumentativos como Los Infiltrados o El Gran Truco; pero en clave comedia. Otro valor agregado. Pese a las risas y a la adrenalina de los partidos, en todo momento sospechamos de quién es el timador y quién el engañado.

Se dice que esta fue una de las últimas películas que Stanley Kubrick calificó como “sus favoritas”. Seguramente tenga que ver con mi descripción sobre estos ítems. Una comedia divertida, dinámica y cálida; que revaloriza la amistad y el espíritu amateur, después de todo.

PD: Woody es el p*** amo de la ficción. Todo lo hace bien.

Ficha Técnica

Reparto: Woody Harrelson – Wesley Snipes – Rosie Pérez – Tyra Ferrell.

Director: Ron Shelton.

Año: 1992.

Duración: 110 minutos.

Calificación El Guionista: 7.

Películas por catálogo: incluida.

Tráiler para Cine