El Mayor Espectáculo del Mundo

Radiohead y The Cure ponen a Bilbao en el top festivales

2012-01-24T13:57:00.001+01:00

Radiohead y The Cure serán los grupos que lideren el cartel de la séptima edición del Bilbao BBK Live 2012.

La banda británica Radiohead ofrecerá en el festival Bilbao BBK Live 2012 el único concierto de la temporada de verano en España.

Por su parte, según han anunciado los organizadores, The Cure aportará al Bilbao BBK Live una impronta propia, coherente con la personalidad de un grupo que no admite "etiquetas" sobre un estilo diferenciado, que se ha identificado en ocasiones con el "rock gótico", pero también con la "dark wave" e incluso con la "new wave".

El BBK Live 2012 se celebrará entre los días 12 y 14 de julio en Kobetamendi. El 14 de diciembre se iniciaba la oferta de abonos con un pase para los tres días por 85 euros más gastos de distribución, precio que será válido hasta hoy, 24 de enero.

Fotografías de ciencia

2011-12-19T19:22:00.001+01:00

El Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología (FECYT) han resuelto los ganadores de los premios Fotciencia en su 9ª edición. El objetivo del certamen es acercar la ciencia y la tecnología a los ciudadanos mediante una visión artística y estética sugerida a través de imágenes científicas y un comentario escrito del hecho científico que ilustran.

Este Certamen Nacional de Fotografía Científica ha recibido 680 imágenes para las diferentes categorías. Como novedad, este año pudieron participar alumnos de centros educativos y de formación profesional en la categoría 'La ciencia en el aula'.

Esta categoría tiene una dotación de 400 euros en material escolar. Para este premio especial se han presentado 140 fotografías por casi 100 clases que este año han podido aportar su visión de la ciencia y la tecnología reflejada en el aula. Las fotos presentadas forman parte de la galería de imágenes que se pueden ver en la web del certamen. Se han recibido más de 4.000 votos. Las fotos más votadas en cada una de las modalidades han recibido una mención honorífica.

Como en ediciones anteriores, las fotografías premiadas y las que seleccione el Jurado serán incluidas en un catálogo y formarán parte de una exposición itinerante que recorrerá diferentes museos y centros de España durante 2012.

Puedes ver el resto de premiados, aquí...

El Mayor Espectáculo del Mundo en portada

2011-12-19T12:01:00.001+01:00

Portada del diario deportivo Sport de hoy lunes, 19 de diciembre de 2011. Qué bien suena el nombre de nuestro blog referido al FC Barcelona. De lujo.

La misión imposible de Cruise: Protocolo Fantasma

2011-12-09T16:13:00.001+01:00

Misión: Imposible-Protocolo Fantasma es la cuarta entrega de la taquillera saga (la tres primeras recaudaron más de 2.000 millones de dólares en todo el mundo) Misión Imposible que arrancara en 1996, de la mano del director Brian de Palma, en lo que significaba el salto al cine de la exitosa serie de televisión creada por Bruce Geller y protagonizada por el actor Peter Graves. En este caso, J.J. Abrams, director de Mi3 y productor de Protocolo Fantasma, junto a Tom Cruise, eligió a Brad Bird para dirigir. Con solamente tres películas en su haber, y todas ellas animadas, Bird ganó el Óscar a la Mejor Película de Animación por dos de ellas: Los Increíbles y Ratatouille. Cruise, admirador de Los increíbles, y los guionistas de Protocolo Fantasma estarían encantados con la decisión. Y en esto llegó la película.

El argumento podría resumirse de la siguiente manera: A los agentes del IMF (Impossible Missions Force) Jane Carter (Paula Patton), Trevor Hanaway (Josh Holloway) y Benji Dunn (Simon Pegg) les encargan la misión de localizar un correo que transporta unos códigos para lanzar misiles nucleares. Pero el objetivo sale mal y los códigos caen en manos de una sensual asesina que cobra sus trabajos con diamantes, Sabine Moreu (Léa Seydoux). El jefe del equipo, Ethan Hunt (Tom Cruise), tiene que ser liberado de una prisión moscovita, y al grupo le encargan la misión de irrumpir en el Kremlin para conseguir información acerca de la persona que supuestamente recibió los códigos, un hombre cuyo nombre en clave es Cobalto (Michael Nyqvist). Antes de que Hunt pueda escapar, una tremenda explosión sacude la Plaza Roja. Hunt y todo el IMF son acusados del supuesto atentado terrorista, hasta el punto de que el presidente de Estados Unidos inicia el “Protocolo Fantasma”, que implica la disolución total de la organización. Tras incorporarse un nuevo miembro, el agente William Brandt (Jeremy Renner), el equipo deberá trabajar sin ningún apoyo por parte del ahora extinto IMF si quieren rehabilitar su reputación, completar la misión e impedir la aniquilación nuclear.

Mi-Protocolo Fantasma es un cóctel de acción y suspense típico de las películas de espías. Con todos los tópicos de este género: intriga en la resolución mientras una cuenta atrás llega al límite, persecuciones en las que los protagonistas destrozan todo a su paso, huidas descabelladas, peligro de fin del mundo, chicas despampanantes, muchos tiros y algunas dosis de humor ridículo en situaciones de tensión. Pero, de entre todo, cabe destacar varias cosas.

En primer lugar, hay que aplaudir el guión, que logra dar una vuelta de tuerca más al género. Hay que mencionar también el reparto internacional que logra un acertado trabajo, con actores y personajes de Estados Unidos, Rusia, India, Suecia y Francia, lo que supone además un guiño al departamento comercial y a la multiculturalidad de la globalización. Sobre todo, hay que destacar, sin duda, el trabajo de Tom Cruise a la hora de realizar él mismo todas las escenas de acción, sin dobles; y los excepcionales efectos visuales en la Plaza Roja de Moscú y en la torre Burj Khalifa.

Los productores habían decidido filmar en Dubai, situada en Emiratos Árabes Unidos (haciendo un guiño a la cultura general y a la geografía hay que recordar que la capital es Abu Dhabi), y la torre Burj Khalifa se antojaba el escenario ideal para las secuencias más memorables. En la película, Hunt tiene que escalar por la fachada de la Burj, el edificio más alto del mundo, con una altura de 828 metros, para llegar a una planta superior y piratear el ordenador central que controla la seguridad. Esta es la mejor parte de la película con diferencia. El trabajo de Cruise y los efectos visuales logran atraer al espectador como si viviese en primera persona los acontecimientos.

Para resumir la clase de entretenimiento que significa Mi-Protocolo Fantasma, merece la pena concluir esta reseña con las palabras del propio Tom Cruise describiendo Misión Imposible como “la quintaesencia de las películas de palomitas”.

Los gemelos de Zarazúa

2011-12-06T12:36:00.001+01:00

Parte de ti es un proyecto fotográfico iniciado en 2010 que trata sobre los límites de identidad entre personas que tienen entre sí un conocimiento íntimo y un físico muy similar. Nos sumerge en los microuniversos de dos seres diferentes que parecen uno, no solo por su parecido sino por la relación que se establece entre ellos

Este trabajo es una especie de mito de Narciso alterado, el gemelo como espejo(deformante/deformado) de uno mismo donde nos reconocemos a medias y no termina de gustarnos lo que vemos. Para ello se establece un juego de diferencias y semejanzas que se muestran y apagan cada vez que uno observa la relación que existe entre cada pareja.

Los espacios de las imágenes ayudan a reflejar las personalidades, el entorno añada matices a su persona, les envuelva, les arropa,
los ambientes describen a los personajes; los personajes están encerrados en refugios íntimos en ausencia de la sociedad. Se muestra la diferencia de lo diferente a través de una serie de imágenes en las que Zarazúa muestra “el enfrentamiento y la dualidad” así como la “extrañeza de mirarse a uno mismo sin ser él mismo”. Es muy interesante el juego respecto a la relación con el otro, que en definitiva se reduce a la relación con uno mismo ya que el otro solo existe en referencia a nuestra propia existencia.

Parte de ti nace de la obsesión por los gemelos idénticos. María Zarazúa, explica: “Siempre me ha parecido fascinante la idea de que exista otra persona que pueda ser, en apariencia, un doble exacto a nosotros mismos. Por eso planteo esta serie como un juego confrontado de armonía y disonancia intentando que cada espectador finalice la narrativa de las imágenes, que el espectador reflexione sobre la construcción de la identidad en una dialéctica entre el "yo" y el "otro", lo parecido y lo diferente, y que cada persona que vea este trabajo tenga una experiencia propia distinta a la mirada del otro”.

Parte de ti de María Zarazúa puede verse en la Galería Cero hasta el 11 de enero de 2011

La fotografía de Pierre Gonnord en PhotoBolsillo

2011-11-30T12:40:00.001+01:00

La Biblioteca de fotógrafos españoles PHotoBolsillo dedica su nuevo volumen al trabajo de Pierre Gonnord, uno de los artistas más reconocidos de la fotografía contemporánea y un «escrutador de almas», a decir del crítico y comisario Rafael Doctor. Su obra, anclada en el retrato del individuo que «narra, bajo la piel, historias singulares e insólitas sobre nuestra época», según sus propias palabras, ha sido expuesta en los principales museos, galerías y centros de arte de Europa y Estados Unidos.

El PHotoBolsillo dedicado a Pierre Gonnord recoge 56 fotografías en color realizadas entre 2003 y 2010. Retratos estimulantes y reveladores que emergen desde característicos fondos oscuros con gran potencia narrativa. Su capacidad para plasmar los sentimientos humanos y su análisis de cada rasgo de los personajes permite que expresen su historia. El fotógrafo presta especial atención a las huellas de la vida en los rostros de sus modelos y titula cada obra con sus nombres propios. Todos ellos tienen en común también la seriedad, hieratismo y poses estatuarias.

El libro reúne primeros trabajos de la series Regards y fotografías de Far West, la serie que realizó en Japón y en la que en palabras de Lorena del Corral tiene dos consecuencias para la obra de Gonnord "En primer lugar, se genera un nuevo espacio, más amplio que aquel que provocaba la mirada frontal [...] y, en segundo lugar, la aparición de la subjetividad del retratado, una fractura por la que comienzan a aflorar sus comportamientos y emociones". El PHotoBolsillo incluye también imágenes de las series Utópicos, Testigos o Terre de personne, su última serie en la que el retrato se muestra en su máxima profundidad.

Pierre Gonnord (Cholet, Francia, 1963) vive y reside en Madrid desde 1988. Fotógrafo autodidacta, a finales de 1998 comienza su personal proyecto sobre el rostro humano con unas series de retratos sobre la juventud urbana occidental: Interiors (Madrid, 1999) y City (Nueva York, 2001) a las cuales sucederán las series Regards (2000-2003), Far East (Japón, 2003) y Utópicos (2004-2005) con un acercamiento a personajes considerados como outsiders por la sociedad: vagabundos, presos, monjes, yakuzas, geishas, bandas urbanas, ciegos, enfermos mentales... Más recientemente se ha acercado a comunidades y minorías étnicas como los gitanos o pueblos de los Balkanes y del Magreb con la serie Testigos.

Sus fotografías han podido verse en exposiciones individuales de entidades públicas como son la Maison Européenne de la Photographie (París 2005), Casa Asia (Barcelona, 2006), el Museo de Bellas Artes de Sevilla (2006), El Museo de Bellas Artes de Santander (2007), Les Rencontres d'Arles (2008), el Centro Internazionale di Fotografia (Milán, 2009) y la Sala Alcalá 31 (Madrid, 2009). Su obra se ha expuesto también en las galerías Juana de Aizpuru, Filomena Soares y Miguel Marcos.

En 2003 fue becario del programa Villa Kujoyama en Kioto, Japón, por la Asociación Francesa de Acción Artística, del Ministerio de Asuntos Exteriores francés. En 2008 obtuvo el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid y en este mismo año, el Fondo Venecia en Peligro le invita, junto con otros fotógrafos, con el objetivo de crear una colección de imágenes originales de la ciudad para la Bienal de Venecia 2011. Asian Portraits, Testigos, Terre de Personne, Realidades o Regards son algunos de los libros que reúnen su trabajo.

La dramática historia de Angie Varona, la adolescente convertida en mito erótico

2011-11-28T20:53:00.001+01:00

Angie Varona era un chica común y corriente hace cuatro años, cuando sólo tenía 14 años, en el 2007. Ese mismo año, su vida se convirtió en un calvario. Hoy, es la adolescente más buscada en Google después de que una serie de fotos sexys fueran filtradas desde Photobucket, un sitio utilizado exclusivamente para cargar imágenes.

Actualmente, si alguien busca el nombre de la joven en Google, encontrará más de 65.000 resultados. Angie se convirtió en una especie de símbolo sexual y su imagen es utilizada sin autorización en anuncios emergentes dentro de sitios de contenido para adultos, e incluso, en perfiles no autorizados de Facebook para atraer a usuarios ilusos. Uno de ellos supera los 40.000 fans.

Las fotografías habían sido tomadas por ella misma para enviárselas a su entonces novio, pero eligió el lugar equivocado para publicarlas. "Cuando tienes 14 años no piensas demasiado en lo que haces. Tampoco imaginas que vas a terminar en internet", confesó la joven en una entrevista realizada a "ABC News".

Sin embargo, no todas las imágenes son verdaderas. Varias de ellas son sólo adaptaciones de su rostro en el cuerpo de otras mujeres. De todos modos, el daño es el mismo, o peor.

Angie debió cambiarse de colegio en dos ocasiones a causa de los constantes acosos de sus compañeros varones. Le ponían sobrenombres y hasta la llamaban "estrella porno". Pero lo más grave fue sufrir el acoso sexual constante de algunos estudiantes. "La gente me dice que me merezco todo lo que me pasa, que me van a violar cuando me vean porque lo quiero y lo busco", revela mientras rompe en llanto.

A los 18 años, la adolescente más buscada de Google debe tomar clases en su casa para escapar de los constantes acosos a los que está sometida a diario. Sus padres también sufren por su hija. Pese a presentar denuncias y contratar a varios abogados, no hay mucho que hacer. Al no ser consideradas como pornográfícas, las fotos de la joven no pueden ser retiradas de la web. "Es una pesadilla. Siempre que la herida parece sanar, algo nuevo aparece en internet y todo vuelve a comenzar", confesó el padre de la joven.

Angie Varona perdió la fe en internet. Hoy ni siquiera se atreve a tener un perfil en Facebook por miedo a que alguien hackee su cuenta. "Es una decisión que arruinó mi vida", recordó entre lágrimas, antes de finalizar la entrevista.

Antoni Muntadas llega al Reina Sofía de Madrid

2011-11-21T22:49:00.001+01:00

Entre/Between es el título de la exposición que el Museo Nacional de Arte Reina Sofía (MNCARS) dedica a Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), uno de los pioneros del arte conceptual y de medios, desde este martes hasta el 26 de marzo de 2012. Una muestra que no pretende ser una retrospectiva al uso ya que el proceso es más importante en la obra de Muntadas que el resultado.

La exposición, según ha explicado la comisaria Daina Augaitis, recorre 40 años de la dilatada carrera de Muntadas, desde los setenta hasta la actualidad, proponiendo un itinerario que recurre al concepto de constelación como vínculo temático entre trabajos pertenecientes a distintas etapas de la producción del artista. A lo largo de estas cuatro décadas de trayectoria artística, Muntadas ha utilizado los medios más variados: performance, el vídeo, la fotografía, las instalaciones multimedia, publicaciones, Internet y el arte público "que le sirven de herramienta para percibir nuestro mundo", señala Augaitis.

Entre/Between se estructura en nueve constelaciones que abordan el amplio campo investigado por Muntadas a lo largo de las cuatro últimas décadas, creando un contexto propicio para que los espectadores se pregunten: "¿qué estamos mirando?". "Cada constelación sitúa las principales obras de arte de Muntadas en una configuración temática, incorporando tanto los proyectos antiguos como los recientes, con la intención de identificar las ideas que se han mantenido a lo largo de toda su trayectoria", aclara Daina Augaitis.

La exposición está distribuida en tres áreas del Museo. La parte principal (articulada en esas nueve constelaciones), se sitúa en la cuarta planta del Edificio Sabatini. La Sala de Protocolo, situada en la primera planta de dicho edificio, complementa una de estas constelaciones albergando dos obras: CEE Project (1989-1998) y Meetings (1999-2000).

Por último, el edificio Nouvel acoge un nuevo proyecto desarrollado por el artista para esta ocasión: Situación 2011, obra que se ubica en cuatro plantas distintas y la que Muntadas lleva trabajando dos años. Con esta pieza, Muntadas reanuda la investigación llevada a cabo en 1988 en el propio Museo Reina Sofía y en el que indagaba sobre el papel de esta institución. Para esta instalación site-specific, el artista vuelve a recurrir al Museo, aunque, en esta ocasión, como caso de estudio, para explorar el fenómeno actual de las ampliaciones de los museos y sus implicaciones para el futuro.

"Su corpus de trabajo enmarca un discurso sobre los sistemas visibles e invisibles de la comunicación y del poder en una sociedad cada vez más dominada por los espectáculos de los media, el hiperconsumismo y las tecnologías en continuo avance. No obstante, el trabajo de Muntadas no brinda ni relatos ni soluciones precisas, sino que se sitúa entre ellas, destapando los tejidos conjuntivos que constituyen la compleja estructura social de la vida contemporánea", comenta la comisaria de la exposición.

Para Antoni Muntadas sus trabajos "son los que hablan" y lo que él pueda decir al respecto es "más bla, bla, bla". Así debe ser en su opinión pues, de lo contrario, piensa que los artistas acaban siendo "políticos o publicistas". A este respecto, Muntadas piensa que los artistas no tienen ningún poder, "sólo la discusión entre nosotros", apunta. "Por eso buscamos las comunidades, algo que ya apenas existe porque ha llegado una economía de mercado y la gente se está volviendo mucho más individualista", afirma. Por otra parte, no le concede importancia al hecho de que le califiquen de "pionero" pues considera "anecdótico" que alguien haya hecho algo antes que otro. "La gente tiene que interpretar a través del trabajo y de lo que el artista va haciendo, lo demás es valor añadido que no tiene ningún interés", asegura.

Francesca Woodman en Madrid

2011-11-07T14:29:00.003+01:00

En menos de una década, antes de su muerte con tan solo 23 años, Francesca Woodman fue capaz de crear un potente conjunto de fotografías en el que exploró el cuerpo humano y el complejo problema de representación del yo. Íntimo, directo y visceral, su trabajo revela la inusual y coherente visión de una artista que, pese a no llegar a la edad adulta, ha influido considerablemente a posteriores generaciones de artistas.

Ahora que se cumplen 30 años de su muerte, La Fábrica Galería presenta 20 fotografías de diferentes periodos de la producción de la artista estadounidense -10 de ellas prints inéditos- que permiten apreciar las constantes de su trabajo. A Woodman le interesaba principalmente el retrato, y centró preferentemente su producción sobre la exploración despiadada de su propio cuerpo, habitualmente desnudo. Con un marcado carácter autobiográfico, sus fotografías la muestran en escenarios melancólicos, habitaciones en las que la artista retrata la soledad, el olvido y el paso del tiempo. Su figura, mostrada al desnudo en interiores destartalados y con cierto aire gótico, se mueve entre la aparición y la desaparición, la sexualidad y la inocencia. En algunos trabajos su cuerpo aparece borroso, en movimiento, escondido tras papel pintado. En otros aparece presa de ventanas o debajo de muebles, posando con objetos simbólicos o entreviéndose tras ropas andrajosas.

Inusualmente talentosa y precoz, la compacta carrera de Woodman muestra a una artista a punto de eclosionar. Sin ser todavía una mujer madura, tampoco se trata del trabajo de una niña inocente, su obra se mueve en un momento provisional y tumultuoso anterior a la verdadera madurez, siendo introvertido, experimental e incompleto.

Las fotografías que forman la exposición permiten recorrer el trayecto artístico de Woodman. Siguiendo un orden temporal en la muestra se incluye su primera fotografía Autorretrato a los 13 (1972); trabajos desarrollados en su época de estudiante en la Escuela de Bellas Artes de Rhode Island entre 1975 y 1978; fotografías realizadas en su estancia en Roma (1977-1978); las producidas durante su residencia artística en la colonia MacDowell en Peterborough, New Hampshire (1980) y algunos de sus últimos trabajos realizados en Nueva York.

El trabajo de Woodman se sitúa frecuentemente junto a la de sus contemporáneas Ana Mendieta y Hannah Wike así como de artistas de generaciones posteriores como Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nan Goldin and Karen Finley, debido a sus diálogos con el yo y la representación del cuerpo femenino.

Biografía

Francesca Woodman (Denver, 1958 - Nueva York, 1981) creció rodeada por el arte y los artistas. Hija de la ceramista Betty Woodman y el pintor George Woodman, su infancia transcurrió entre Boulder (Colorado) y Antella (en la Toscana italiana). Su formación se inició en un instituto privado de Massachusetts y continuó en la Rhode Island School of Design (RIDS). Tras dos años en la escuela, pasaría un año de intercambio en Roma como parte del programa European Honors en el Palazzo Cenci. Rápidamente se integró en un grupo de artistas ligados a la galería y librería Maldoror, siendo la única americana participante en una exposición de cinco jóvenes artistas en la Ugo Ferranti Gallery.

A finales de 1978, Woodman volvió a la RSID para finalizar sus estudios, graduándose en 1979. Ese mismo año se mudaría a Nueva York, estancia que interrumpiría para disfrutar de una residencia artística en la colonia MacDowell en Peterborough, New Hampshire. Francesca Woodman falleció el 19 de enero de 1981 con veintitrés años cerrando así una trayectoria breve pero de una intensidad extraordinaria.

Durante años, la obra de Francesca Woodman tuvo una difusión escasa, incluso entre la comunidad fotográfica. Su primera gran exposición tuvo lugar en 1986, cinco años después de su muerte, en el Wellesley College Museum. La muestra, que itineró por un gran número de museos universitarios en EE.UU. acompañada por un pequeño pero erudito catálogo con textos de prestigiosos historiadores del arte como Rosalind Krauss y Abigail Solomon-Godeau, consiguió catapultar póstumamente a Woodman a un nivel de atención poco común para una artista tan joven y oscura. Tras esa primera retrospectiva, el trabajo de Woodman ha sido exhibido en la Fundación Cartier de París (1998), itinerando por sedes como el Kunsthall (Rotterdam) o la Photographers Gallery (Londres). Su obra ha formado parte de diversas exposiciones colectivas y está presente en las colecciones del Metropolitan Museum, el Whitney Museum, el Museum of Modern Art-MoMA y la Fundación Cartier. Actualmente puede visitarse en el SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Mart) una amplia retrospectiva que viajará al Museo Guggenheim de Nueva York en 2012.

Frankenweenie de Tim Burton se convierte en largometraje

2011-10-27T21:58:00.001+02:00

Estas son las primeras imágenes del nuevo largometraje del director Tim Burton, Frankenweenie. Animada con la técnica fotograma a fotograma (stop-motion), la película se rodará en blanco y negro y luego será renderizada en 3D, lo que elevará el estilo clásico de animación a una experiencia completamente nueva.

Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Victor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores. Victor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, los compañeros de escuela de Victor, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que crear una nueva vida puede convertirse en algo monstruoso.

Hay que contar algunas curiosidades sobre el rodaje. Cuando Tim Burton concibió la idea de Frankenweenie, lo hizo pensando en un largometraje animado con la técnica fotograma a fotograma (stop-motion). Pero debido a restricciones en el presupuesto, realizó un cortometraje de acción real, que se estrenó en 1984. Frankenweenie sigue los pasos de otras películas animadas con la técnica stop-motion de Tim Burton como: La novia cadáver y Pesadilla antes de Navidad; ambas nominadas a los premios de la Academia®. Para la película se crearon más de 200 muñecos y sets. El reparto vocal en inglés incluye a cuatro actores que ya trabajaron con Burton en películas anteriores: Winona Ryder (Bitelchus, Eduardo Manostijeras), Catherine O’Hara (Bitelchus, Pesadilla antes de Navidad) Martin Short (¡Mars Attacks!) y Martin Landau (Ed Wood,Sleepy Hollow). Algunos de los nombres de los personajes están inspirados en películas clásicas de terror: Victor, Elsa Van Helsing, Edgar “E” Gore y Mr. Burgermeister.

Frankenweenie se estrenará en Estados Unidos el 5 de octubre de 2012.

Los dibujos de La Zapatera Prodigiosa de Lorca

2011-10-21T17:38:00.000+02:00

El Ministerio de Cultura ha adquirido en la subasta celebrada ayer en la Sala Balclis de Barcelona, diez dibujos a tinta y lápices de colores que Federico García Lorca realizó para la obra La zapatera prodigiosa. Esta adquisición, por un precio de 100.000 euros mediante derecho de tanteo, ha sido efectuada en una acción conjunta del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, y de la Dirección General de Bellas Artes, informa el Ministerio.

Esta serie de dibujos fue diseñada por el poeta para el vestuario de su obra, La zapatera prodigiosa, estrenada el 24 de diciembre de 1930 en el Teatro Español de Madrid. Están concebidos en el estilo naïf con evocaciones surrealistas tan propias del artista e incluyen anotaciones de puño y letra del autor. Estos figurines evidencian asimismo la relación de Lorca con artistas españoles coetáneos como Dalí o Buñuel, exponentes de las nuevas ideas y estilos que se aportaron en la España.

El material adquirido se incorporará al Museo Nacional del Teatro de Almagro para contribuir al conocimiento y difusión de la obra de García Lorca en su faceta como dramaturgo. Además, "constituyen una muestra inestimable de la riqueza y diversidad del patrimonio artístico y teatral español".

"Federico García Lorca es un referente indiscutible del patrimonio cultural español. En concreto, su faceta como dramaturgo le ha convertido en uno de los principales exponentes de las vanguardias teatrales españolas. Su versatilidad en el teatro, que alcanza su máxima expresión en la época en que codirigió la compañía La Barraca, merece la concentración y conservación de sus obras en el país en el que las desarrolló. Todo ello, unido a la escasez de dibujos que del autor granadino se conservan en las colecciones estatales contribuye a destacar la importancia y relevancia de esta adquisición para con el Estado", dice Cultura.

ARKAT en Pupa Tattoo de Granada

2011-10-07T19:13:00.001+02:00

Pupa Tattoo Art Gallery presenta durante todo el mes de octubre la obra de AKART Club de Arte

Akart se define como una plataforma para la investigación y la producción sobre arte colectivo, esta formada por Alberto Amoros, Javier Castillo, Ramón Francos, Celia García y Javier Pinilla.

En primer lugar, el que todos los miembros sean arquitectos hace entender en las obras las herramientas de trabajo como elementos constructivos de el lienzo, esto sugiere un punto de vista procesal del trabajo y se relaciona con los principios de la pintura de acción.
Segundo, las decisiones tomadas en cada fase de la pintura son compartidas por todos los miembros llegando a acuerdos , se define en cuanto a metodología el interés en la negociación de manera que cada cuadro está construido con diferentes puntos de vista, opiniones y deseos, pero que opera y alcanzar acuerdos metodológicos.

Estos dos conceptos definen una producción con un estilo único. Cada cuadro se estudia en el marco de una serie y de la negociación colectiva. Bajo estas reglas, los agentes actúan en la pintura con el objetivo último de la expresión artística, centrada en el trabajo y las decisiones colectivas, pero dando a cada artista de la individualidad en un área de expresión común.

La trayectoria de Akart incluye una exposición individual en el Centro Cultural La Tabacalera en Madrid en 2010, una exposición individual en la HUMA estudio en Cartagena en 2009, la participación en la exposición colectiva de arte y arquitectos en la Universidad de Bellas Artes de Madrid de 2011, el participación en el festival Just Madrid en 2010 o el Premio en el festival de jóvenes talentos M + M (mucho más en mayo, Cartagena) con el obra “un lienzo de ciudad” en 2011.

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La maleta mexicana de Capa, Chim y Taro. Fotografías perdidas de la Guerra Civil

2011-10-06T04:21:00.000+02:00

En 1939, ante el avance implacable del fascismo, Robert Capa abandona su estudio fotográfico de París y huye a los Estados Unidos. Su colaborador, Tchiki Weiss, salva 3 cajas con 4.500 negativos de imágenes realizados durante la Guerra Civil por el propio Capa, Chim (David Seymour) y Gerda Taro, los grandes maestros del fotoperiodismo de guerra. Es la conocida como Maleta Mexicana.

Desaparecida durante décadas, fue localizada en México y ahora, gracias a la tenacidad del ICP para recuperarla y hacer público su contenido, el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya, en coproducción con el International Center of Photography de Nueva York (ICP), presenta parte de este valioso material fotográfico por primera vez en España. Rollos de negativos que nos muestran la secuencia original de la foto publicada y nos revelan escenas inéditas, al mismo tiempo que la técnica magistral de los tres fotógrafos. Testimonio gráfico excepcional de la vida en el frente o en las trincheras, de los estragos de los bombardeos sobre la población civil o del drama en los campos de refugiados, la Maleta Mexicana es un espejo de nuestra historia.

Estos negativos permiten contemplar las series completas a las que pertenecen algunas fotografías publicadas en su momento por prestigiosas revistas como Life, Regards o Picture Post, que les dedicaron multitud de páginas y de elogios, convirtiéndolas en imágenes icónicas de la Guerra Civil. Gracias a los negativos que ahora han aparecido pueden ser leídas en el orden en el que fueron tomadas.

Todo ese material aporta mucha información sobre momentos cruciales del conflicto y sus protagonistas, al mismo tiempo que arroja luz sobre la manera de trabajar de los tres fotógrafos, pioneros del fotoperiodismo. El estudio de estas imágenes ha permitido asimismo confirmar o reatribuir las autorías de algunas de las fotografías.

Más información sobre la exposición, aquí...

Música, mujeres y sexo: Negocio seguro

2011-10-06T04:09:00.000+02:00

Un reciente estudio de la State University of New York en Albany ha demostrado que las canciones con más tirón en las listas de ventas incluyen todas mensajes de alto contenido sexual, siendo los artistas de R&B los que más alusiones incluyen en sus temas.

El estudio, dirigido por los doctores Dawn R.Hobbs y Gordon G.Gallup Jr. y publicado por The New York Times, demuestra que los mensajes sobre relaciones sexuales no solo dominan las canciones que más éxito tienen en las listas de Billboard, sino que, además, las canciones que hablan de sexo triunfan más que las que no lo hacen.

Los científicos estudiaron además, el tipo de mensajes que incluyen géneros tan dispares como el country, el pop o el R&B. En el caso del country, los tópicos más comunes que se pueden encontrar en sus letras hablan de compromiso matrimonial, criar a unos hijos, rupturas y juramentos de fidelidad.

En el caso del pop, los mensajes más comunes en las canciones más exitosas de las listas de este género en Billboard -que en EE.UU. se encarga de elaborar los rankings oficiales de ventas- son, también en orden de mayor a menor, el sex appeal del cantante, la promiscuidad de una persona y encuentros sexuales de una noche.

En cuanto a las canciones de R&B, los temas más frecuentes son el sex appeal del cantante, alardes de la salud del cantante cuando esta implica encontrar pareja y descripciones de actos eróticos. Es decir, en el country sus artistas hablan de relaciones maduras, mientras que en el pop y en el R&B hablan de encuentros de una noche.

El estudio muestra además que la música pop no ha cambiado tanto como creemos. El número de mensajes sexuales (una media de 9 por canción, se calcula) que incluyen las canciones ha permanecido invariable, mientras que en el caso del R&B ha experimentado un crecimiento del 20 por ciento ese tipo de mensajes (17 referencias por canción).

Confesiones de Johnny Depp

2011-10-06T03:44:00.000+02:00

Es el actor mejor pagado de Hollywood, pero reconoce que el dinero que le pagan es en su mayoría "dinero estúpido" por trabajos como Piratas del Caribe. Unos emolumentos desorbitados que pueden ser de dudosa procedencia pero que Johnny Depp acepta, asegura, por el bien de sus hijos.

En una entrevista a Vanity Fair, de cuyo último número es portada, el actor se suelta la lengua a la hora de hablar de su trabajo y la gente que rodea a la industria. "Básicamente, si me van a pagar un dineral absurdo en este momento, lo voy coger", afirma el actor que acto seguido matiza que es algo que está obligado a hacer por el bien de su familia sin preguntarse por la calidad cinematográfica de su trabajo.

"Tengo que hacerlo. Quiero decir, no es para mí. ¿Sabes a qué me refiero? En este punto, es para mis hijos. Es dinero estúpido, sí, sí. Pero en última instancia, ¿es para mí? No. No. Es para los niños", se justifica Depp, de 48 años, que tiene dos hijos -Lilly-Rose de 12 y Jack de 9 años- con su pareja Vanessa Paradis, de 38 años.

Depp se refiere básicamente a su papel de Jack Sparrow en la saga Piratas del Caribe. Y aunque guarda un silencio total y absoluto en cuanto a sus emolumentos, diversas informaciones indican que el actor se habría embolsado unos 300 millones de dólares gracias a su acuerdo con Disney que le otorga un porcentaje de los beneficios.

Jugoso pellizco si tenemos en cuenta que hablados de una saga que ha recaudado con sus cuatro entregas más de 3.700 millones de dólares en todo el mundo. Y su botín no se quedará ahí, ya que después de que la cuarta entrega recaudara más de mil millones de dólares en taquilla es más que previsible que Disney siga explotando el filón de Piratas del Caribe. Y, como no, con Depp a bordo.

La entrevista en Vanity Fair está aquí...

La fotografía de Agustí Centelles en Nueva York

2011-10-04T00:04:00.002+02:00

La Universidad de Nueva York acogerá una exposición con más de 40 fotografías del fotoperiodista Agustí Centelles, tomadas durante la Segunda República Española, la Guerra Civil y el campo de concentración francés de Bram.

La muestra se exhibirá en el Centro Rey Juan Carlos I de la universidad estadounidense, estará comisariada por Joaquín D. Gasca y Michael Nash, y contará con la colaboración del Centro Documental de la Memoria Historica de Salamaca, que recientemente compró el archivo centelles.

Los organizadores han explicado en un comunicado que la muestra incluye fotografías "espectaculares" que Centelles tomó en Barcelona poco depués de la sublevación militar de julio de 1936, así como imágenes históricas sobre la guerra y sobre el campo de Bram, donde el fotoperiodista fue internado cuando intentaba cruzar al país galés.

Además, han señalado que cuando Centelles volvió a España durante la Segunda Guerra Mundial para escapar de la persecución de la Gestapo --que le buscaba por haber trabajado para la resistencia francesa-- decidió guardar todas las fotografías que había tomado en el casa de un amigo en Carcassonne (Francia).

Durante la dictadura, Francisco Franco no permitió que Centelles ejerciera de fotoperiodista y tuvo que dedicarse a la publicidad. No fue hasta la muerte del dictador que el fotógrafo pudo ir a Carcassonne para recuperar la maleta, donde sus negativos habían permanecido intactos, pudiéndolos conservar hasta la actualidad.

Las canciones más pegadizas de la historia de la música

2011-10-03T23:01:00.000+02:00

Psicólogos de varias universidades británicas y estadounidenses se propusieron descifrar el enigma y dar con las claves de las canciones más pegadizas de la historia. La investigación, en la que se implicaron psicólogos musicales de la Universidad de Londres, la Universidad Goldsmith y la Universidad de Nueva York, monitorizó a miles de personas mientras escuchaban y cantaban otros tantos miles de canciones.

Según el estudio, dirigido por el musicólogo Alisun Pawley y el psicólogo Daniel Mullensiefen, la canción más pegadiza y, por tanto, la más susceptible de ser cantada a la vez que suena por la gente es We Are The Champions de Queen, un clásico de 1977 que se ha impuesto a otro himno: Y.M.C.A. de los Village People.

En la lista de diez canciones, se sitúa en tercera posición Fat Lip de Sum 41, seguida de The Final Countdown de Europe; Monster de The Automatic; Ruby de The Kaiser Chiefs; Im Always Here de Jimi Jamison; Brown Eyed Girl de Van Morrison; Teenage Dirtbag de Wheatus; y, finalmente, Livin on a Prayer de Bon Jovi.

"Fabuloso. ¿Así que se ha demostrado? Entonces verdaderamente somos los campeones. La ciencia es una cosa maravillosa", exclamó el guitarrista Brian May cuando se enteró de los resultados del estudio. We Are The Champions es la canción que a más individuos hizo cantar durante la monitorización del estudio.

Según los expertos, hay cuatro elementos clave que hacen de una canción la más pegadiza y la más 'cantable'. En primer lugar, el aire que tome el cantante para cantar los versos de la canción, cuanto más largo sea el tiempo que sostenga las palabras, más fácil es que nosotros cantemos con él. En segundo lugar, el número de sonidos que se introduzcan en el coro. Cuanto mayor sea el número de sonidos y matices, más pegadiza será el canción. En tercer lugar, las canciones con voces agudas de hombre y grandes esfuerzos vocales, pues indicarían grandes dosis de energía y de propósito.

Por último, el sexo del vocalista. Acompañar al cantante puede ser, según los psicólogos, una especie de grito de guerra subconsciente, por lo que cantar junto a él podría despertar una parte tribal de nuestro ser humano primitivo o tribal. Afirman que, inconscientemente, siempre buscamos a un hombre para dirigirnos en una batalla, por lo que podría ser un reflejo instintivo el seguir las canciones cantadas por hombres.

Este es el TOP TEN:

1º) We Are The Champions de Queen

2º) Y.M.C.A. de los Village People

3º) Fat Lip de Sum 41

4º) The Final Countdown de Europe

5º) Monster de The Automatic

6º) Ruby de The Kaiser Chiefs

7º) Im Always Here de Jimi Jamison

8º) Brown Eyed Girl de Van Morrison

9º) Teenage Dirtbag de Wheatus

10º) Livin on a Prayer de Bon Jovi

Y para ti, ¿cuál es la canción más pegadiza de la historia de la música?

Fotografía mexicana en Nueva York

2011-09-22T03:00:00.000+02:00

La Fundación Gabarrón presenta en Nueva York la exposición itinerante "Mundos Posibles: Fotografía y Ficción en el Arte Contemporáneo Mexicano", que reúne el trabajo de nueve artistas mexicanos contemporáneos. La exposición está compuesta por más de 50 obras de una generación de fotógrafos que rompen con la fotografía tradicional para explorar las potencialidades de ese medio como una fuente de imaginación.

La exposición está divida en cinco temas, pero entrelazados: Fábulas y mitos, Ciencia y ficción, Apocalipsis, Mundos ordinarios y desaparecido.

Los fotógrafos Mauricio Alejo, Ricardo Alzati, Katya Brailovsky, Alex Dorfsman, Daniela Edburg, Rubén Gutiérrez, Fernando Montiel, Kenia Narez y Damián Siqueiros están influenciados por el cine, la literatura y la música electrónica y todos fotografían utopías y pesadillas que reflejan sus deseo de escapar, o de establecer un nuevo orden en el mundo, añadió el comunicado.

"'Mundos Posibles: Fotografía y Ficción en el Arte Contemporáneo Mexicano analiza el uso de la ficción en la fotografía como un método para desafiar las fronteras convencionales de nuestro mundo físico'", indicó la entidad sin ánimo de lucro, que desde 2002 es una plataforma para la difusión de la cultura hispana en EE.UU.

La exposición, a cargo de la comisaria mexicana Marisol Argüelles, ha sido organizada por el Museo de Arte de las Américas de la Organización de los Estados Americanos (OEA) y el Instituto Cultural Mexicano de Nueva York en colaboración con la Fundación Gabarrón.

Ellas cambian la India. 100 Fotos por la Libertad de Prensa

2011-09-19T02:02:00.003+02:00

Para rendir homenaje a todas las implicadas en los cambios de la India de hoy, Reporteros sin Fronteras ha optado por presentar las fotos de seis grandes fotógrafos de la agencia Magnum: Martine Franck, Patrick Zachmann, Raghu Rai, Alessandra Sanguinetti, Alex Webb y Olivia Arthur, quienes han pasado varias semanas en ese país para dar cuenta del papel de las mujeres en los cambios sociales. Todos han elegido imágenes magníficas para comprender la evolución de las ciudadanas indias en la más grande democracia del mundo.

Las condiciones de las mujeres en la India han sido consideradas desde hace mucho tiempo como de las más difíciles del mundo. Sin embargo, en la India el jefe del estado es una mujer, Pratibha Patil. Aunque su papel es ante todo representativo, es el símbolo de un movimiento de fondo: las mujeres asumen más y más responsabilidades en el país. Tanto en el dominio político como social, económico o artístico, son más numerosas a la hora de subir escalones en la sociedad y participar activamente en la modernización del país.

"Ellas cambian la India, 100 fotos por la libertad de prensa", a la venta en FNAC, VIP’S y El Corte Inglés, desde el 15 de septiembre de 2011

Siguiendo una colaboración, iniciada en 2010, que permitió ofrecer un escenario emblemático -las salas del Petit Palace de París- para las fotos del álbum de Pierre &Alexandra Boulat, RSF se asocia de nuevo con este prestigioso lugar para exponer los reportajes de su último álbum, desde el 21 de octubre de 2011 hasta el 8 de enero de 2012. Estas exposiciones sirven para financiar las actuaciones de RSF, y constituyen el 50% de las fuentes de la organización.

Desde hace más de 25 años, RSF defiende la libertad de prensa por todo el mundo. Cada vez que la libertad de informar está amenazada, cada vez que un periodista, un fotógrafo o un profesional es hecho prisionero por ejercer su oficio, la organización se bate para recordar que sin una prensa libre ningun combate puede ser escuchado.

Johnny Depp, el pintoresco vampiro de Tim Burton

2011-09-15T12:46:00.000+02:00

Con la cara totalmente de blanco, gafas moradas, sobrero azul y patillas pintadas. Este es llamativo y pintoresco look que lucirá Johnny Depp en Dark Shadows, la nueva película de Tim Burton.

En esta cinta Depp vuelve a ponerse por enésima vez a las órdenes de Burton para encarnar al vampiro Barnabas Collins, un hombre que tras romper el corazión de una bruja es condenado a vivir en las tinieblas durante toda la eternidad, a ser un vampiro.

Dark Shadows es la adaptación a la gran pantalla de una popular serie de televisión creada por Dan Curtis en 1966 y que ya contó con un remake televisivo en 1991 que protagonizaron Ben Cross y Joseph Gordon-Levitt.

En esta adaptación a la gran pantalla de Burton veremos a rostros muy conocidos como los de Michelle Pfeiffer, Eva Green, Jackie Earle Haley, Chloe Moretz y, como no, Helena Bonham Carter la esposa del director y también omnipresente en todos sus proyectos.

El estreno en cines de Dark Shadows, que se rueda en estos momentos en Devon (Reino Unido), está previsto para mayo de 2012.

Brangulí en Barcelona

2011-09-07T17:31:00.001+02:00

La exposición Brangulí. Barcelona 1909-1945, producida por la Fundación Telefónica en colaboración con el Arxiu Nacional de Catalunya del Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya, está dedicada a la obra del barcelonés Josep Brangulí, un pionero del fotoperiodismo y autor de algunas de las mejores imágenes que reflejan las grandes transformaciones sociales, urbanas e industriales que vivió Barcelona en el largo periodo de cambios y conflictos entre 1909 y 1945.

La muestra, primera exposición antológica de Josep Brangulí, compuesta por más de 300 fotografías y material impreso original de la época, permanecerá abierta al público hasta el próximo 23 de octubre en el CCCB.

Brangulí mostró la sociedad en todas sus vertientes, como demuestran sus reportajes de boxeo, playas y acontecimientos de toda índole. Asimismo, sus fotografías registraron la vida comercial con sus series sobre talleres, oficios, empresas o la Fira de Barcelona. Con sus trabajos documentó las grandes obras públicas y privadas que transformaron y modernizaron el paisaje urbanístico de la ciudad y retrató la edificación de nuevas industrias y la situación social y laboral de la época.

Partiendo de esta obra y en el marco de la exposición, el CCCB en colaboración con el estudio avanti-avanti han concebido la acción Brangulí estuvo aquí que llevará reproducciones de las fotografías de la época a muchos de los espacios emblemáticos de la ciudad fotografiados por Brangulí. El CCCB quiere dar a conocer estas imágenes, fuera del espacio expositivo, estableciendo un vínculo visual y emocional entre la Barcelona de hace 80 años y la de hoy en día.

De esta acción deriva el concurso Brangulí estuvo aquí. ¿Y tú?, una acción participativa del CCCB en colaboración con Barcelona Photobloggers diseñada para que los internautas envíen fotografías de la Barcelona actual basándose en algunos de los temas tratados por Brangulí. Todas las imágenes recibidas se publicarán en la web www.brangulivaseraquí.com (donde encontraréis las bases de participación) y una selección de las diez mejores formará parte de una exposición en el CCCB.

Para más información pincha aquí.

Tras los pasos de Capa y Taro

2011-09-06T19:49:00.000+02:00

La exposición "Tras los pasos de Capa y Taro" muestra, a través de 26 instantáneas, los espacios cordobeses que Capa y su compañera Gerda Tardo inmortalizaron durante su labor como fotoperiodistas en la contienda española.

El fotógrafo de Diario Córdoba y autor de las obras, Antonio Jesús González, ha presentado en Córdoba esta exhibición en la que pueden verse los mismos lugares en los que Robert Capa tomó la famosa instantánea "Muerte de un miliciano" durante la Guerra Civil, un hecho del que se cumplen 75 años.

Francisco Luque y su hijo recogiendo aceitunas o Rafael con sus galgos muestran el día a día en el paraje "Loma de las dehesillas" de Espejo (Córdoba), una de la zonas que González ha visitado para mostrar y comparar el antes y el ahora de estos escenarios bélicos por los que pasó el fotógrafo.

Especial protagonismo tiene "Loma de las dehesillas" donde, según las últimas investigaciones, y tras contrastar otros negativos de Capa, fue captado el momento en el que un miliciano cae al suelo abatido, una imagen que se convirtió en el icono visual de la Guerra Civil española reconocido mundialmente. El paraje de Espejo es actualmente una tierra de olivar, donde se realizan las habituales labores de recolección de la aceituna, y por donde no dejan de andar habitantes del municipio paseando con sus perros, muchos de ellos ajenos a la historia que guarda el paisaje. La toma de la Granjuela de 1937 y los refugiados en Cerro Muriano son otras instantáneas recogidas por Capa que contrastan con la vida sosegada mostrada ahora por González a principios del siglo XXI. También el monte de Cerro Muriano, donde en un principio se pensó que fue tomada "Muerte de un miliciano", queda captado por el objetivo de González para la exposición.

Para conmemorar la efeméride, la Asociación Fotográfica Cordobesa (Afoco) ha homenajeado a Capa y Taro en "Loma de las dehesillas" leyendo un texto mientras que un grupo de fotógrafos ha posado con una reproducción a gran formato de la conocida instantánea. Precisamente, sobre la polémica que gira en torno a la fotografía, al ser considerada por algunos investigadores como un montaje, el autor de la muestra ha asegurado que nunca se sabrá al cien por cien la veracidad de la misma y ha añadido que no le interesa este asunto ya que "la foto está más allá de dicha polémica"

La primera de Hitchcock

2011-08-03T17:14:00.002+02:00

Parte de la película muda "The white shadow", considerada uno de los primeros trabajos de Alfred Hitchcock, fue hallada en unos archivos cinematográficos en Nueva Zelanda, informan hoy medios locales.

El maestro del suspense trabajó con 24 años en esta película dirigida por Graham Cutts como asistente de dirección, escritor, editor y en el diseño de producción, según el canal 3 News.

Pero la película está incompleta, porque sólo se han hallado en los Archivos Cinematográficos de Nueva Zelanda los primeros tres rollos del filme, de un total de seis, y se cree que no ha sido duplicada.

"Estos tres primeros rollos nos ofrecen una oportunidad que no tiene precio para estudiar sus ideas visuales y narrativas cuando estas empezaban a tomar forma", según el canal TVNZ David Sterritt, presidente de la sociedad nacional de críticos de cine.

En este melodrama rodado en 1923, la actriz Betty Compson encarna a las hermanas gemelas Nancy y Georgina Brent, quienes se caracterizan por sus personalidades diametralmente opuestas, una angelical y otra diabólica.

"The white shadow" pertenecía al empresario cinematográfico y coleccionista neozelandés Jack Murtagh pero, tras su muerte en 1989, su nieto Tony Osborne envió las cintas al archivo para su conservación.

Los rollos se encuentran en el centro de postproducción en Wellington y se harán copias en blanco y negro y en color del film.

La película de Hitchcock (1899-1980), recordado por filmes como "Psicosis", Vértigo" o "Los pájaros", es uno de los tesoros que poseía Murtagh junto a otros como la cinta "Upstream", de John Ford, añade TVNZ.

Dos años después de la producción de "The white shadow", Hitchcock dirigió "The pleasure garden" (El jardín de la alegría), su segundo filme como realizador tras el inacabado y perdido "Number 13" (Número 13).

Fotografías artísticas de mujeres masturbándose

2011-07-21T12:13:00.003+02:00

‘La petite mort’ en castellano, ‘la pequeña muerte’, un eufemismo del orgasmo según la propia editorial Taschen. Entre sus páginas, altas, bajas, delgadas y no tanto, pero sobre todo mujeres en estado puro. Mujeres en el momento del orgasmo.

Esta recopilación de imágenes sepia captadas por el ojo del fotógrafo de Toronto Will Santillo no deja a la imaginación, sólo al placer. ‘Le petit morte’, el último libro de la prestigiosa editorial Taschen desvela lo que se esconde detrás de las cortinas de la vecina o de la compañera de trabajo.

Treinta y siete mujeres que se despojaron de la vergüenza y con ella de casi todo, menos de su imaginación. Ellas eligieron cómo y dónde querían masturbarse. A los lectores ya sólo les queda el placer del ‘voyeurismo’.

"Es algo que casi todos los hombres encuentran muy interesante", dice el prólogo de 'La petite mort', libro de fotografías de Will Santillo (editado por Taschen), en relación a su tema: la masturbación femenina. Sin embargo, lo que a primera vista parece un deleite para 'voyeurs' (más bien varones, más bien heterosexuales), termina por ser una reivindicación feminista.

Hay que leer los textos que acompañan a las fotografías de Santillo. El autor entrevistó a 37 de las 60 modelos que se masturbaron ante su cámara (hasta el orgasmo, donde quisieran y en las circunstancias que eligieran) para que expresaran sus fantasías, sus hábitos y sus sensaciones después de posar.

"Desde que recuerdo me he masturbado. Nunca he sentido vergüenza por ello porque siempre he sabido que es algo sano y normal en una persona sexual. Ver películas porno siempre me funciona. Porno gay, entre lesbianas, bisexual, en grupo. ¡Siempre me excito! Posar para Will estaba en el primer puesto de mi lista de fantasías. Después está que un compañero me pida que me masturbe. ¡Me gusta que me fuercen!", cuenta Lindsey, a la que se presenta como profesora de 33 años. Al lado, su retrato ante una pantalla de ordenador.

"Estaba recién separada después de 15 años de un matrimonio muy convencional. Me había convertido en madre y mujer de negocios; mi ropa era discreta, poco maquillaje. Todo un cambio respecto a mis años de universidad, en los que había hecho bastantes locuras. Así que la sesión fotográfica fue como explotar algo que, por necesidad, había reprimido", confiesa Venus, arquitecta paisajista de 44 años.

Y, en paralelo, está el tratamiento de las imágenes, viradas al sepia, desenfocadas, tendentes a la abstracción... "El enfoque abstracto que permite la técnica digital aleja el trabajo de la pornografía y lo acerca al arte", dice el autor en las páginas de 'La petite mort'.

PHotoEspaña bate su récord de asistencia

2011-07-19T12:57:00.005+02:00

La XIV edición de PHotoEspaña alcanza las 778.000 visitas, el mejor resultado de todas sus ediciones en un año en el que ha contado con un 12% menos de presupuesto, pasando de 3,56 a 3,13 millones de euros
PHE11 ha organizado 66 exposiciones en Madrid, Cuenca, Lisboa y Alcalá de Henares que han reunido a 370 fotógrafos de 55 nacionalidades entre los que se encuentran Thomas Ruff, Cindy Sherman, Ron Galella, Fernell Franco, Alfredo Jaar y Esther Ferrer

Esta mañana se han dado a conocer los resultados de PHotoEspaña 2011 en un acto celebrado en Madrid que ha contado con la participación del presidente y la directora del Festival, Alberto Anaut y Claude Bussac. En el mismo se ha realizado el balance general de asistencia y participación del XIV Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, que finaliza el próximo domingo, 24 de julio.

Los responsables del Festival han destacado que, con catorce años de vida a sus espaldas, PHotoEspaña se ha convertido en algo más que un acontecimiento cultural, certificado por el aumento de la cifra de visitantes y la buena acogida que han recibido los programas pedagógicos, profesionales y para públicos, que han aumentando su oferta en gran medida.

Los organizadores han destacado que el aumento de visitas (con un 10% de incremento) se produce en un año especialmente duro desde el punto de vista económico en el que el presupuesto del Festival se ha reducido en un 12%. El éxito del Festival en estas condiciones se debe a la implicación de las instituciones públicas y más de 60 fundaciones, empresas, embajadas, centros culturales y museos que han hecho posible mantener los niveles de calidad del Festival en un momento de crisis para la cultura.

PHE11 ha prestado especial atención al público y los creadores buscando nuevos terrenos de conexión. Para ello se han puesto en marcha nuevos programas educativos y talleres intergeneracionales y se han utilizado nuevas herramientas de comunicación, prestando mayor atención a las redes sociales y lanzando un innovador concurso de retratos con webcam. Por último, cabe destacar la creación, por parte del comisario general, Gerardo Mosquera, de una programación muy participativa en la que han tenido cabida lenguajes como el videoarte y las nuevas tecnologías aplicadas a las artes visuales.

El programa expositivo
PHotoEspaña 2011 ha recibido 778.000 visitas, un 10% más que en la anterior edición. Ha presentado 66 exposiciones -21 en la Sección Oficial, 9 en otras salas, 5 en OpenPHoto y 31 en el Festival Off- de 370 fotógrafos y artistas visuales de 55 nacionalidades entre los que se puede destacar a Thomas Ruff, Cindy Sherman, Ron Galella, Fernell Franco, Alfredo Jaar, Nancy Burson o Esther Ferrer, entre otros.

Se han producido específicamente para esta edición del Festival trece exposiciones: Un mundo feliz. Panamá en ojos de Carlos Endara, Cámara Ardiente: Prostitutas de Fernell Franco, Ron Galella. Paparazzo Extraordinaire!, 1000 caras / 0 caras / 1 rostro, Peso y levedad. Fotografía latinoamericana, entre el humanismo y la violencia, Carlos Rodríguez-Méndez. Hombres sentados, Ajo. Bello público, Retratos de Fayum + Adrian Paci: sin futuro visible, El poder de la duda, Alfredo Jaar. Cien Veces Nguyen, Cara al tiempo y Face Contact.

Las exposiciones del Festival Off -formado por 31 galerías de arte de Madrid- y las Otras salas han duplicado el número de visitas con respecto a la pasada edición, más de 52.000 personas han visitado las muestras organizadas en estas dos secciones del Festival.

Consolidación y aumento de la oferta de los programas profesionales
PHotoEspaña se ha consolidado como plataforma de promoción de los nuevos valores de la fotografía y se vuelca cada año en la creación de nuevas modalidades de cursos y talleres que cubran la demanda de formación en fotografía. Más de 1.000 fotógrafos de 58 países han participado en Descubrimientos PHE y Campus PHE Comunidad de Madrid. Los participantes en el visionado de porfolios del Festival -que ha recibido 957 inscripciones en esta edición- han podido mostrar sus trabajos a visionadores como Frederique Babin, Brian Paul Clamp, Diane Dufour, Barbara Karpf, Daniela Mrázková, Michiko Kasahara, Emma Morris, Edward Robinson, Thomas Seelig, Pascal Beausse, Frits Gierstberg o Caroline Hunter. Por su parte, los 92 participantes de Campus PHE Comunidad de Madrid han recibido los consejos de Javier Vallhonrat, Ernesto Bazan, Oliviero Toscani, Luis González Palma, Anders Petersen, Joan Fontcuberta, Lesley Martin y Pablo Rubio en tres modalidades de talleres: "Campus PHE Edición de Libros", "Campus PHE Grandes Maestros" y "Campus PHE fin de semana con...".

Por su parte, Encuentros PHE, la plataforma teórica de PHotoEspaña, ha estado dirigida por Estrella de Diego. 260 participantes asistieron en el Ministerio de Cultura a tres jornadas de debates en torno al tema Caras: El rostro en la fotografía. Un encuentro de excepción entre fotógrafos, comisarios y expertos en artes visuales que han analizado la esencia de la imagen de la cara y sus posibles lecturas en la práctica fotográfica, partiendo de la noción del rostro como lugar de conformación e intercambio de significados.

Ampliación de los programas educativos a todos los sectores de edad
PHotoEspaña ha ampliado sus programas educativos y rompe barreras generacionales creando talleres en los que jóvenes y adultos comparten conocimientos. 235 jóvenes y adultos han participado en los talleres intergeneracionales organizados por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares, a través de la Empresa Municipal Promoción de Alcalá S.A., y PHotoEspaña, cursos de fotografía con el objetivo de establecer un diálogo intergeneracional para el análisis del uso, las posibilidades y los elementos del medio.

El Festival ha incrementado también la participación en los talleres educativos que organiza junto a la Fundación Banco Santander. 500 estudiantes de ocho centros educativos madrileños: American School of Madrid, Colegio Concertado Nuestra Señora de Montserrat, Colegio Lourdes Fuhem, Colegio Blanca de Castilla, IES Grande Covián, IES Ramiro de Maeztu, IES San Isidro y la Scuola Statale Italiana di Madrid, han participado en esta edición.

Programas para públicos
PHotoEspaña ha organizado diversas actividades que invitan al público a participar de manera activa en el Festival. Entre estas propuestas, en las que han participado más de 1.000 personas, se encuentran los talleres de los sábados en la Fundación Canal, los recorridos fotográficos Samsung, PHotoBlog smart y talleres con National Geographic.

El Festival ha ofrecido también visitas guiadas y talleres familiares que han permitido al público conocer con mayor profundidad las exposiciones que forman parte de la Sección Oficial de PHotoEspaña acompañados por especialistas en fotografía. Por último, el PHotoMaratón Mahou ha llenado las calles de Madrid de cámaras, fotos y fotógrafos durante toda la jornada del sábado 11 de junio, contando con la participación de más de 1.500 fotógrafos que recorrieron la ciudad en torno al tema Las 1000 caras de Madrid.

La Asociación de Amigos de PHotoEspaña, por su parte, cuenta con una presencia cada vez más destacada dentro del Festival. Los 1.830 Amigos de PHotoEspaña se benefician de ventajas y descuentos en los programas educativos y profesionales, encuentros digitales, visitas guiadas, invitaciones a inauguraciones, precios especiales en publicaciones, descuentos en talleres y actividades. La asociación ha visitado archivos fotográficos y los estudios de Isabel Muñoz y Juan Manuel Castro Prieto. También cuentan con el Espacio PHotoEspaña, un punto de encuentro donde se celebran reuniones con profesionales de la fotografía.

Trasatlántica PHotoEspaña toma el testigo en el mes de octubre
Trasatlántica, el foro que promueve el encuentro profesional y las redes de trabajo en el ámbito de la fotografía y las artes visuales de Iberoamérica, echa a andar en el mes de octubre. Tras el éxito de las ediciones previas, se abren las convocatorias para las actividades de la tercera edición, que se celebrará de octubre a diciembre de 2011. El programa estará formado por un encuentro de críticos e investigadores en Valparaíso (Chile), visionados de porfolios en República Dominicana y Bolivia, un seminario profesional en Miami y un certamen de comisariado on line. Trasatlántica PHotoEspaña es posible gracias a la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo-AECID y su red de centros culturales y el Instituto Cervantes.

Gran cobertura mediática
La proyección del Festival se mantiene, superando las 1.800 apariciones en prensa, radio, televisión y webs nacionales e internacionales. PHotoEspaña 2011 ha acreditado a más de 600 periodistas de 28 países que han han cubierto el festival para 495 medios de comunicación nacionales e internacionales.

Premio del público Elmundo.es
El Premio del Público Elmundo.es, que conceden los internautas a la mejor muestra de la Sección Oficial, ha correspondido a la exposición Sin futuro visible: Retatos del Fayum + Adrian Paci, organizada por el Museo Arqueológico Nacional y PHotoEspaña. La muestra, comisariada por Gerardo Mosquera, puede verse en el Museo Arqueológico Nacional hasta el 24 de julio.

La muestra reúne 13 tablas del Fayum, realizadas entre los siglos I y IV después de Cristo, procedentes de las necrópolis de Fayum y de otros lugares en Egipto que nacen de una mezcla entre la pintura griega a la encáustica, el realismo romano y los ritos funerarios egipcios. John Berger dedicó a estas obras un texto en el que las relacionaba con migraciones de nuestra época. La muestra busca rendirle homenaje exhibiendo los retratos junto con el vídeo Centro di Permanenza temporanea (Centro para la permanencia temporal) (2007), de Adrian Paci.