EL MERCADITO DEL ROCK

King Crimson - In The Court Of The Crimson King (1969)

2009-06-03T00:57:00.000-07:00

In The Court The Crimson King (1969)

Es difícil describir un disco tan importante como este, se dice que fue el primer disco de rock progresivo, es con este disco con el que Robert Fripp se presenta al mundo al mando de una banda que dejaría boquiabierto a todo aquel que la escuchara en cualquiera de sus discos, todo eso es In The Court Of The Crimson King (1969).

Es sorprendente lo distinto que suena la banda actualmente. Se dice que King Crimson es la banda con más reinvenciones dentro del mundo rock. Este disco marcó época en parte gracias al uso del mellotrón que por esos años era la vanguardia en instrumentos musicales. Además Fripp estuvo acompañado de nada más y nada menos que Greg Lake, así es, el mítico vocalista y bajista de Emerson, Lake & Palmer, pero en esa época obviamente ELP no existía aún.

21 Century Schizoid Man es el tema más potente del disco, el riff de la intro recuerda a Black Sabbath pero con un matiz jazz gracias al saxo, las voces de Lake aparecen con un fondo entrecortado, el tema muestra la tensión y locura que siente el hombre del siglo XXI. Luego ocurre uno de los quiebres más sorprendentes, el riff se va acelerando hasta convertirse en un jazz esquizoide. Es en esta sección en que Fripp nos da a conocer su manera de solear sacándole sonidos impensables a su instrumento, bastante experimental, buscando una melodía poco común, con la distorsión al máximo. Es perfecta la parte entrecortada en que Fripp y el saxo tocan a la vez. Al final el tema retorna al riff principal, para finalizar en una explosión de ruidos.
Este tema es el único de este disco que la banda toca regularmente.

I Talk To The Wind, uno de los temas más lentos, su inicio con flautas nos da un clima pastoril con una hermosa melodía. Epitaph, este sí es un tema depresivo, en donde se nota claramente el uso del mellotrón. Las letras claramente señalan "confusión será mi epitafio" en el coro; lo más trágico e impactante del disco, obviamente muy bien logrado.

Continuamos con Moonchild, es el tema más experimental, que comienza como una canción lenta, melancólica, para luego convertirse en una especie de improvisación libre, que no parece tener coordinación alguna, convirtiéndose así en la pieza más larga del LP. Le sigue a Moonchild la canción In The Court Of The Crimson King, el tema homónimo y conclusivo del LP, y uno de los más recordados del disco, posee aires épicos, principalmente por la letra y nuevamente, por la textura que le da el uso del mellotrón. El estribillo con los "ahh ahh" les da un aire aún más melancólico a la obra.

1. 21st Century Schizoid Man (7:21)
2. I Talk To The Wind (6:05)
3. Epitaph (8:47)
4. Moonchild (12:13)
5. The Court Of The Crimson King (9:25)

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Wolfmother - Wolfmother (2005)

2009-05-08T21:03:00.000-07:00

Wolfmother (2005)

Hace ya más de treinta años, unos chicos de poco más de 20 años, con bastantes medios y mucho más talento, se reunieron en un estudio y le dieron una vuelta de tuerca a sus influencias bluesy. Lo que salió de ahí no tardó en llamarse hard rock, e incluso heavy metal por algunos. Estos chicos se hicieron llamar Led Zeppelin, en referencia a la contundencia del sonido de sus guitarras. Les siguieron otros de su generación, entre los que destacaban camaradas ingleses de los Zep como Deep Purple y Black Sabbath. Todo lo surgido en esta década a partir de ellos, es recordado como una de las eras del rock and roll más productivas, y ha marcado las vidas de generaciones venideras.

Dentro de éstas se encuentras 3 jóvenes australianos, que entusiasmados por evocar la contundencia de los viejos LP's de los 70's, formaron el grupo llamado Wolfmother y se pusieron manos a la obra. Grabaron un par de EP's, y consiguieron los medios y el apoyo suficiente para grabar en Los Ángeles, en el legendario Sound City, tan sólo un año después del nacimiento del grupo. Lo grabado aquí ya es historia reciente del rock and roll.

El disco se inicia con Colossal, perfecto título para un tema de estas características, con un riff inicial que incita a los músculos del cuello a iniciar un headbanging incesante. La primera referencia al escuchar el sonido de los australianos es sin duda Black Sabbath, casi por todo, la saturación de guitarras y bajos, el falsete de Andrew Stockdale y los contundentes arreglos que incluyen los cortes. Se suceden los temas y la base de su sonido sigue la misma, hard rock setentero saturado y épico, aunque se puede afirmar que Wolfmother no son una banda descaradamente retro. Los riffs Sabbtah con un pequeño sazón psicodélico denotan influencias stoner, así como los temas más blues del disco (Tales From The Forest Of Gnomes, Apple Tree), recuerdan a lo último editado por White Strypes. Incluso el timbre de voz del mencionado Stockdale tiene una gran semejanza con el Jack White.

El grupo lo completan el bajista Chriss Ross y el batería Myles Heskett. Sin llegar a ser virtuosos de sus respectivos instrumentos, los tres músicos se muestran muy compenetrados, siempre al servicio de la canción y no a lucimientos personales, que sería más lógico si hablamos de una banda con enfoque 70's.

Los solos de guitarra están obviados prácticamente en todo el disco, inclinándose por pasajes rítmicos y apoyándose en un Hammond que suena a delicia (Woman, Mind's Eye) e incluso una flauta traversa en el tema Witchcraft que señala directamente a Jethro Tull. Todo esto adornado con letras de temática épica, también muy utilizadas en los 70's, pero que en la actualidad se encontraban encasilladas y utilizadas por bandas de heavy metal melódico únicamente, constituyen el primer disco de Wolfmother, una verdadera joya del siglo XXI.

1. Colossal (5:04)
2. Woman (2:56)
3. White Unicorn (5:04)
4. Pyramid (4:28)
5. Mind's Eye (4:54)
6. Joker & The Thief (4:40)
7. Dimension (4:21)
8. Where Eagles Have Been (5:33)
9. Apple Tree (3:30)
10. Tales From The Forest Of Gnomes (3:39)
11. Witchcraft (3:25)
12. Vagabond (3:50)

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The Doors - The Doors (1967)

2009-05-06T21:05:00.001-07:00

The Doors (1967)

Creo que poca gente o de corta edad será la que no conozca alguna canción o haya oído hablar del mítico grupo estadounidense The Doors. En todos sus discos se incluyen canciones que forman parte de la historia de la música, pero creo que sin duda de entre todas ellas destacan Break On Through (To The Other Side), Light My Fire o The End. Por eso he escogido este disco como el más imprescindible para tener una buena idea de cómo es su música más característica.

El disco The Doors (1967), titulado con el mismo nombre que adopta la banda californiana, sale al mercado en enero de 1967, convirtiéndose en su álbum debut. La discográfica encargada de su producción fue Electra/Asylum Records, con la que Jim Morrison, John Densmore, Robby Krieger y Ray Manzarek firmaron un contrato en 1966. Era una pequeña empresa dedicada sobre todo a la música folk. El productor fue Paul Rothchild, encargado también de la producción en los seis discos posteriores. El disco consta de once canciones, compuestas en su mayoría por Jim, aunque con algunas excepciones. Su idea principal al realizar las canciones era la de unir el rock con la poesía existencialista y simbólica (Rimbaud era el poeta preferido por ellos), mientras jugaban a incluir un improvisado teatro en sus representaciones en directo (lo que les valió la detención de Morrison por escándalo público).

La primera canción que aparece en el disco es la conocidísima Breal On Through (To The Other Side), canción que incita a romper con las ataduras de los convencionalismos sociales y pasar al mundo de la noche, las drogas y el placer. La canción ha sido creada por Jim Morrison, y es una excelente muestra de esa fusión de rock y poesía que caracteriza al grupo. El siguiente tema se titula Soul Kitchen, canción de tintes románticos en el que Jim quiere quedarse con su amante toda la noche, calentado por el fuego de su amor, para no perderse en la vorágine de la noche. The Cristal Ship es la tercera canción, dedicada a otra de las grandes pasiones de Jim, las mujeres. La canción concluye intentando llenar su barco de cristal con mil mujeres que representan para él miles de oportunidades de placer. Es un ritmo más lento, de balada, que al principio recuerda las grandes canciones del rock de los años 50's.

Twentieth Century Fox es una canción de letra provocativa en la que describe la actitud segura y resuelta de las mujeres de su época, aunque de un modo bastante despectivo al calificarlas de "zorras del siglo veinte". Continuamos con Alabama Song, cuyo ritmo asemeja las canciones de las ferias y el circo. La letra redunda en ese carácter de diversión, y gira en torno al alcohol y las mujeres (como no podría ser de otra manera). La sexta canción es la famosa Light My Fire, canción compuesta por Robby Krieger imitando el estilo de composición de Morrison. Fue el single que los precipitó a la fama ya que consiguió convertirse en su primer número uno, que se mantuvo durante tres semanas, y permaneció entre las cuarenta mejores canciones de los Estados Unidos durante catorce semanas. El tema principal de la canción es la pasión y el desenfreno, aderezado con una magnífica interpretación de la guitarra de Krieger.

La siguiente canción se titula Back Door Man, con ritmo de blues en la que Jim se declara "el hombre de la puerta de atrás", probablemente en alusión a su condición de amante que debe huir sin ser visto. El octavo tema es I Looked At You, breve canción en la que se describe cómo dos personas se enamoran la una de la otra sin remisión y sin vuelta atrás. La balada End Of The Night es una bella canción cuyo contenido narra la atracción del grupo por la noche, a la que cantan de forma dulce como si fuera una amante más, y a la que califican como "reino del gozo" y de "la luz". Take It Comes, la penúltima canción del LP, cuenta de que hay un tiempo para cada cosa, y que no hay que apresurarse, sino tomar las cosas tal como vienen. Un sabio consejo que desoyó su propio autor, Jim Morrison, al querer vivir demasiado deprisa (como tantos otros de su época).

En último lugar se incluye una de las canciones más conocidas y alabadas de los californianos, The End. En la fama de esta canción influyó notablemente su inclusión en la banda sonora de la película Apocalypsis Now (1979), film dedicado a mostrar los horrores de la guerra de Vietnam. Esta larguísima canción (de más de 11 minutos) trata el complejo de Edipo, dibujándolo mediante extrañas imágenes que parecen sacadas de una de las alucinaciones del músico. Cuenta la leyenda que, era la canción que estaba escuchando Morrison en el momento de su muerte, la madrugada del 3 de julio de 1971, como si hubiera tenido un presentimiento de la cercanía de su final.

1. Break On Through (To The Other Side) (2:28)
2. Soul Kitchen (3:33)
3. The Crystal Ship (2:34)
4. Twentieth Century Fox (2:33)
5. Alabama Song (Whisky Bar) (3:17)
6. Light My Fire (7:00)
7. Back Door Man (3:34)
8. I Looked At You (2:24)
9. End Of The Night (2:50)
10. Take It As It Comes (2:19)
11. The End (11:41)

*Bonus Track:

12. Moonlight Drive (Version 1) (2:42)
13. Moonlight Drive (Version 2) (2:31)
14. Indian Summer (1966 Vocal) (2:35)

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*Bonus tracks de su relanzamiento en el 2007 por el 40 aniversario del disco

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Humble Pie - Street Rats (1975)

2009-05-05T02:30:00.000-07:00

Street Rats (1975)

Street Rats (1975) se creó al mismo tiempo en el que Marriott estaba produciendo lo que sería su primer disco en solitario, un álbum con la colaboración de Greg Ridley (bajista y compañero en Humble Pie). El líder de los Humble Pie no estaba interesado en la producción de otro disco de estudio para la banda ni realizar ninguna gira por los EE.UU de nuevo (ya que habían girado durante los últimos cuatro años).

Sin embargo, la discográfica (A&M Records) fue capaz de insistir para que los Pie realizaran otra gira y editara un nuevo álbum. A principios de 1975, la empresa, cansada de esperar el nuevo álbum, "confisco" material de Marriott que era en gran parte, material no destinado a Humble Pie, pero si para ser utilizado en su disco solista y para su proyecto en curso con Ridley. La discográfica además, ordeno que se mezclaran y cortaran las pistas para darle un sonido más pesado, todo esto sin el consentimiento de Marriott. Como si fuese poco, el título de Street Rats (1975) también fue ideado por los ejecutivos de A&M. No es de extrañar que los integrantes de la banda nunca quedaron satisfechos con el LP, con Greg Ridley declarando que "fue terrible", Clem Clempson en una entrevista dijo que "la mezcla fue realizada por alguien ajeno a la banda". Street Rat era una canción originaria de Marriott en colaboración con Ian Wallace (baterista de bandas como King Crimson, Yes, Bob Dylan, entre otros) y Tim Hinkley tocando el piano, que no tenía nada que ver con Humble Pie pero que alguien se había robado la mezcla.

El álbum presenta diferentes combinaciones en los EE.UU y en Inglaterra, en donde el tema Funky To The Bone sirve de remplazo en lugar de There 'This, Marriott declaró en una entrevista que la canción no tiene nada que ver con la esencia de Humble Pie. Cinco de las once canciones del LP son covers, Rain, We Can Work It Out y Drive My Car de The Beatles, Rock And Roll Music del legendario Chuck Berry y Let Me Be Your Lovemaker compuesta por Reid/Clark/Wright. Además de los covers, hay dos canciones escritas por Steve Marriott, Street Rat y Road Hog, y las tres restantes son colaboraciones entre los distintos miembros de la banda. Muy centrado con una base sucia de blues y rock haciendo alusión al titulo del álbum.

Tal vez lo más notable en este disco sean los cambios de estilo en las canciones de los Beatles, especialmente en We Can Work It Out, mezclando el blues y la música Soul en donde lo único reconocible son las partes mismas de la letra.

La última palabra con respecto al álbum la tuvo el bajista Greg Ridley quien dijo: "Humble Pie es mejor que eso, pero realmente no se nos consultó". Después del lanzamiento de este álbum y su gira de despedida, Humble Pie se disolvió, tomando diferentes caminos musicales. Marriott llegó a producir su primer disco en solitario editado en 1976.

1. Street Rat (2:48)
2. Rock And Roll Music (2:57)
3. We Can Work It Out (3:19)
4. Scored Out (2:37)
5. Road Hog (3:05)
6. Rain (3:55)
7. There 'Tis (3:03)
8. Let Me Be Your Lovemaker (5:56)
9. Countryman Stomp (2:18)
10. Drive My Car (3:39)
11. Queens And Nuns (3:04)

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The Beatles - Abbey Road (1969)

2009-05-04T00:19:00.001-07:00

Abbey Road (1969)

Después de la triste experiencia de la grabación de Let It Be, un álbum con algunos buenos temas pero bastante irregular y con una excesiva producción de Phil Spector (los arreglos orquestales de The Long And Winding Road y Across The Universe no son precisamente muy buenos), The Beatles le propusieron a George Martin la grabación de un disco de despedida de alto nivel, el Abbey Road. También era una cuestión practica, tenían algunos temas en común, algunos por separado y querían olvidare del asunto y centrarse en sus incipientes carreras en solitario. Martin acepto, pero con la condición de que la producción y los arreglos serian controlados por él; todos estuvieron de acuerdo. El disco, en su totalidad es una maravilla, contiene una de las mejores canciones del grupo, Something, compuesta por George Harrison, y los siete primeros temas (lo cuento como si fuera un CD, no con las dos caras originales) son canciones completas y acabadas.

Pero a partir del séptimo tema empieza lo que para mí es la obra cumbre de los Fab Four, es una especie de suite de ocho temas inacabados o muy cortos que en algunos casos van ligados. Empieza por Because, un tema de Jonh Lennon que, según cuenta la leyenda, surgió cuando Yoko Ono estaba tocando unos acordes de Beethoven cuando John le pidió que los tocase al revés. Anécdotas aparte, es una lección de armonía vocal por parte de Lennon, McCartney y Harrison de altísimo nivel.

La siguiente canción, You Never Give Me Your Money es de McCartney y en ella se queja amargamente de los problemas financieros de la banda y de las ganas que tiene de empezar otra aventura musical. Es una canción con muchas partes e impecablemente tocada y cantada. Sun King, la siguiente, es de Lennon, una canción claramente incompleta, pero con unas melodías vocales preciosas.

Las tres siguientes, Mean Mr. Mustard, Polythene Pam y She Came In Through The Bathroom Window, van ligadas, las dos primeras son de John y la tercera de McCartney. En la primera se suceden compases de 4/4 y 3/4, una formula en la que Lennon era especialista, las letras de sus dos temas hablan de personajes de su Liverpool natal. En la tercera la letra es más extraña y surgió cuando un fan entro por la ventana del baño de su casa. Musicalmente las tres son más conjuntas y conforman el núcleo de la "suite".

Golden Slumbers y Carry That Weight también van magníficamente ligadas, la primera con unos muy buenos arreglos orquestales de Martin y la segunda con los cuatro Beatles cantando a la vez. La letra de la primera está inspirada en un poema de Thomas Dekker y la segunda es otro himno de despedida. Hacia el final de Carry That Weight se cantan unos compases de She Came In Through The Bathroom Window. El último tema, como no podía ser de otra forma, es The End, en donde hay el único solo de Ringo Starr y tres solos de guitarra de McCartney, Harrison y Lennon, la letra es muy corta y al final se resume perfectamente la historia del grupo y su significado para quien ha disfrutado de ella: "En el final, el amor que te llevas es igual al amor que entregas".

Pero los Beatles son los Beatles y como pioneros que han sido de muchas cosas, dejaron la última canción, apenas unos compases, después de 20 segundos de silencio llamada Her Majesty, con una letra bastante vitriólica en contra de la monarquía. La canción no estaba acreditada, convirtiéndose en la primera pista oculta en la historia de la música pop.

1. Come Together (4:19)
2. Something (3:02)
3. Maxwell's Silver Hammer (3:27)
4. Oh! Darling (3:26)
5. Octopus's Garden (2:50)
6. I Want You (She's So Heavy) (7:45)
7. Here Comes The Sun (3:04)
8. Because (2:45)
9. You Never Give Me Your Money (3:55)
10. Sun King (2:32)
11. Mean Mr. Mustard (1:06)
12. Polythene Pam (1:12)
13. She Came In Through The Bathroom Window (1:58)
14. Golden Slumbers (1:31)
15. Carry That Weight (1:36)
16. The End (1:29)
17. The End [Conclusion] (0:51)
18. Her Majesty (0:23)

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Polifemo - Polifemo (1976)

2009-05-01T16:25:00.001-07:00

Polifemo (1976)

La dirección que estaba tomando el rock argentino a mediados de los 70's era hacia la música elaborada o bien música progresiva o sinfónica (bandas como Crucis o La Máquina De Hacer Pájaros), pero el rock and roll puro había mermado bastante, casi que había quedado en el pasado. La propuesta de Polifemo era precisamente rock and roll, el público y la prensa especializada no estuvieron de su lado, solamente se efectuaron algunos conciertos masivos donde los comentarios los hacían polvo.

Al ver a sus integrantes es imposible no decir que es un súper grupo del rock argentino. David Lebón en guitarra y voz (ese multinstrumentista que fuera parte de Pescado Rabioso, Pappo's Blues, Espíritu, La Pesada Del Rock And Roll y Color Humano), Juan Rodríguez (batero de Sui Generis) y Rinaldo Rafanelli (de Color Humano y Sui Generis). Un power trío que salió de la banda de apoyo de Sui Generis, algún tiempo antes de que esté se separaran, Lebón convocaría a los demás integrantes para formar un nuevo grupo, el que llevaría el nombre del famoso cíclope de la mitología griega. Como venía diciendo, la propuesta de Polifemo era básicamente hago rock and roll, ¿y qué? pero el público y la prensa no se lo permitió. Su simple Suéltate Rock And Roll, cuya letra no difiere mucho de cualquier letra que se oye hoy, pero en una década donde sólo se hablaba de experiencias metafísicas y la consustanciación con el cosmos, decir "No te preocupes nena, yo estoy muy bien así aunque esté tirado en la arena..." sonaba a chiste.

En su concierto de presentación en Luna Park de 1976 los acompaño en la primera guitarra Pappo y para la grabación de este disco los teclados estuvieron a cargo de Ciro Fogliatta (de Los Gatos). Con este disco, Polifemo planteaba la vuelta al rock and roll con un léxico más cercano a lo popular, convirtiéndose en la revelación del verano de 1976 con su tema Suéltate Rock And Roll. Lebón presenta temas iconos de su producción musical como Oye Dios Que Me Has Dado, Flotando o Tema De Los Devotos entre otros.

Es importante recatar la memoria de esta formación, esto se funda principalmente, y no sólo porque el sonido era mucho más que aceptable, y de gran calidad, sino porque tanto el estilo de Polifemo como el de Sui Generis de su tercer álbum, fueron las dos principales fuentes de lo que un tiempo no muy posterior fuera la banda argentina de rock que alcanzaría altos niveles de convocatoria masiva, y obviamente que estamos hablando de Serú Giran, donde confluirían el "Ruso" Lebón y Charly García, junto a Moro y Pedro Aznar.

1. Qué Hago Yo Aquí (4:50)
2. Doce Caras (4:21)
3. Tu Forma Real (9:36)
4. Vamos Al Campo (3:20)
5. Flotando (5:46)
6. Dueña Del Confort (8:13)
7. Tema De Los Devotos (6:50)

Bonus Track:

8. Suéltate Rock And Roll (3:33)
9. Vamos Tranquilos (3:35)
10. Oye Dios Que Me Has Dado (3:49)
11. Buzios Blues (5:24)

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Climax Chicago Blues Band - Tightly Knit (1971)

2009-04-26T09:45:00.000-07:00

Tightly Knit (1971)

Es muy odioso tratar de escribir reseñas. Es realmente difícil plasmar con sólo palabras lo que uno siente y experimenta al oír un álbum y esto se ve potenciado especialmente si el disco en cuestión es uno de blues. Y como no me considero un crítico ni un experto en el tema voy a tratar de profundizar al respecto.

La primer cosa que uno se percata sobre el álbum es esa extraña cubierta echa por Storm Thorgerson (un diseñador gráfico británico, reconocido por ser miembro del grupo de diseño artístico Hipgnosis, en donde creó algunas de las más conocidas cubiertas de discos de la época. Por ejemplo, The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd), la tapa no es precisamente uno de sus mejores trabajos, en mi opinión, pero la música es realmente lo que importa. Tras este cuarto álbum de la leyenda del british blues se esconde el último con ese claro y clásico sonido de los Chicago Blues Band. Después de los dos álbumes de blues progresivo (Plays On de 1969 y A Lot Of Bottle de 1970) Tightly Knit (1971) significó una vuelta a sus raíces bluseras y que además resultó muy bien.

Este LP puso de manifiesto la versatilidad de algunas canciones, como Little Link y Shoot Her If She Runs (con un fuerte sabor a country rock), nos podemos topar además con maravillosas pistas salvajes, como en el caso de St. Michael's Blues o Who Killed McSwiggin, lleno de improvisaciones y grandes solos de guitarra y saxo, que es un flash back a los anteriores dos discos. Un gran registro de un gran grupo, injustamente olvidado, pero que cobra vida en este blog.

1. Hey Mama (3:30)
2. Shoot Her If She Runs (3:33)
3. Towards The Sun (3:20)
4. Come On In My Kitchen (6:34)
5. Who Killed McSwiggin (5:00)
6. Little Link (1:35)
7. St. Michael's Blues (9:55)
8. Bide My Time (3:19)
9. That's All (2:11)

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Hacia Dos Veranos - De Los Valles Y Volcanes (2007)

2009-04-23T08:17:00.000-07:00

De Los Valles Y Volcanes (2007)

Valles y volcanes debe ser el paisaje común que tuvieron en su adolescencia, en la provincia de Neuquén (Argentina), Ignacio Aguiló (guitarra) y Diego Martínez (bajo), los cerebros tras Hacia Dos Veranos. Ya después de escuchar su primer EP denominado, casi como una obra de teatro escoclar, Fragmentos De Una Noche Somnolienta (2005), es posible percibir que la conexión entre el sitio donde crecieron y la música que han terminado realizando supera el lugar común.

En honor a la verdad, Hacia Dos Veranos no se consume con la guitarra y el bajo de Aguiló y Martínez, siendo importante sumar al baterista Andrés Edelstein y la bonita aparición de la sonoridad de Julia Bayse en flauta. Todo esto, junto a unos efectos de guitarra que recuerdan sin querer a algunas bandas latinoamericanas de los 70's, redunda en uno de los discos más interesantes de los últimos años en Argentina.

Llama la atención encontrar un nuevo sentido en tres canciones que ya fueron parte del primer EP de la banda y que hoy, casi sin arreglos adicionales, suenan diferente en el contexto de un (qué añejo que suena el concepto) larga duración. Acordes medio lisérgicos, ausencia de lírica y fotografías polaroid nos llevan con fuerza a pensar en un pasado idealizado y difuso. Como unos Yo La Tengo (banda de indie rock estadounidense) introspectivos y con menos punk, los pasajes oníricos de este disco debut rememoran plazas y calles que ya visitamos en clave Galaxie 500 o los primeros Stereolab.

Es que hacer un disco conceptual a estas alturas para muchos puede parecer excesivo y pretencioso. Hacia Dos Veranos prefiere el riesgo de apostar a un ¿post rock? suave y melancólico donde, repentinamente y como espasmos de lucidez, se dejan llevar por algo más de ruido y suciedad que podría ser una interesante puerta para explorar nuevos caminos y texturas.

En definitiva, un disco para iniciados, que entrega continuamente pistas para acceder a los recovecos musicales de los de Neuquén, a sus siestas y paseos tranquilos, guitarra en mano, por valles cordilleranos. Un disco muy interesante, que sirve para proyectar la experimentación hasta plataformas de sonido con notas que parecen llevar inmisericordemente en búsqueda de una felicidad. O de algún tipo extraño de felicidad.

1. 24.00 (4:19)
2. Preludio (5:12)
3. Sueño (6:00)
4. La Última Tarde Del Apicultor (4:16)
5. Maleficio (6:16)
6. Orillas De Aluminé (2:35)
7. Despertar (1:56)
8. De Los Valles Y Volcanes (9:33)
9. Verano (3:32)

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Grand Funk Railroad - Grand Funk (1969)

2009-04-20T00:26:00.000-07:00

Grand Funk (1969)

Pocos grupos como Grand Funk Railroad lo tuvieron tan definido y claro, tocar rock. Quizá por eso al final les pasó como a otras grandes bandas, pasarse al sonido comercial, y se acabó, al menos para sus seguidores más puros, los rockeros de siempre.

Pero volvamos a lo bueno, el principio, año 1969, tres hombres peludos cada uno con su instrumento musical en las manos y ganas de hacer algo grande, y un cuarto (Terry Knight) con la cabeza poco amueblada pero con la valentía de poner a sus colegas a tocar ante 125.000 almas en el Atlanta Pop Festival, y de ahí a la gloria. Probablemente el momento no fue ideal, ya se habían consagrado Cream, Jimi Hendrix y estaban gestándose verdaderas bombas como Led Zeppelin y Black Sabbath, pero en los Estados Unidos eran ellos quienes lideraban y movían multitudes.

On Time (1969), su disco debut fue muy bien recibido por el público, con varios temas para la historia, T.N.U.C., Into The Sun o Heartbreaker, y un comienzo premonitorio, Are You Ready. Su segundo LP llamado Grand Funk o Red Album como se lo conoce, y el que nos interesa en estos momentos. Un disco muy potente, quizá por su fuerza desaforada y la ausencia casi total de medios tiempos para relajarse (está más que claro que éstos tipos no querían hacer baladas). Salvo tal vez Winter & My Soul. Y es que era el segundo disco grabado en casi 5 meses (el primero en Junio y éste en Octubre del 69) y eso se nota, música que brota a borbotones. Para qué comentar los temas, todos bestiales y redondos, de buen minutaje para sus partes instrumentales de rigor.

Simplemente hard rock del mejor, donde se siente perfectamente toda la fuerza de un verdadero power trío, basta con empezar a escuchar las primeras notas del tema que abre este LP, de la mano de Got This Thing On The Move, en donde Grand Funk empieza a liberar toda la furia contenida que te hace volar los sesos, es que acabamos de chocar con un verdadero muro sonoro, y esto recién es el principio, ni que decir de piezas como Please Don't Worry, High Falootin' Woman, Mr. Limusine Driver, In Need (tremendas sus versiones en directo, simplemente eran una aplanadora en los escenarios), Paranoid, un clásico desaforado, terminando con Inside Looking Out, un cover de The Animals de casi 10 minutos de ejercicios musicales, como para quedarse a gusto.

Luego más discos bastante buenos, a destacar We're An American Band (1973), con Todd Rundgren a la producción, cosa que más tarde intentaría Frank Zappa, con menos resultado, en Good Singin', Good Playing' (1976).

Cuenta la leyenda que los Grand Funk fueron teloneros de Led Zeppelin en Detroit y la reacción del público fue tan intensa durante el concierto de la banda que el manager de los Zeppelin, Peter Grant, corto la energía eléctrica, impidiendo que los Grand Funk terminasen la canción que estaban tocando. Como si esto no fuese bastante, Grant agarró a Terry Knight por el pescuezo y ordenó que la banda fuese retirada del palco inmediatamente. Pero Terry como no podía ser de otra manera, se dirigió calmadamente al palco, pidió a la banda que parase de tocar, y frente a todo el público allí presente soltó la memorable frase: "Los Led Zeppelin tienen miedo de los Grand Funk Railroad". Todo el estadio enloqueció, y la banda abandonó el palco, ovacionada por el público. Cuando los Zeppelin subieron para tocar, la mitad de las personas se habían largado. Algo semejante ocurrió en el concierto de Cleveland, por lo que, los Grand Funk fueron despedidos del Tour, y nunca más volverían a ser invitados a tocar en el mismo festival que Led Zeppelin.

1. Got This Thing On The Move (4:39)
2. Please Don't Worry (4:19)
3. High Falootin' Woman (3:02)
4. Mr. Limousine Woman (4:22)
5. In Need (7:56)
6. Winter And My Soul (6:39)
7. Paranoid (7:50)
8. Inside Looking Out (9:35)

Bonus Track:

9. Nothing Is the Same [Demo] (5:38)
10. Mr. Limousine Driver [Extended Version] (5:28)

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Badfinger - No Dice (1970)

2009-04-19T02:48:00.000-07:00

No Dice (1970)

La historia de Badfinger es la prueba de que la crónica del rock es una crónica con muchas sombras, con muchos nombres que se quedaron en el camino. A finales de los 60's unos Beatles a punto de disolverse idearon una compañía discográfica, Apple Records, con la que planeaban descubrir nuevos talentos y lanzarlos al estrellato, el proyecto, como otros tantos que idearon en aquellos años resultó siendo un fracaso comercial, demostrando que los cuatro magníficos de Liverpool eran mucho mejores músicos que empresarios.

Uno de los primeros grupos en firmar con Apple, y uno de los más exitosos en la breve carrera de la compañía fue Badfinger, un grupo formado por Pete Ham en 1965 que, inicialmente como The Iveys, llamaron la atención de Paul McCartney quien los contrató para grabar un primer disco que recibiría el nombre de Maybe Tomorrow (1969). El fracaso comercial de este primer disco llevó a varios cambios en la formación de la banda y a la adopción del definitivo nombre de Badfinger tomando una estrofa de With A Little Help From My Friends de The Beatles. La formación clásica de Badfinger, con Pete Ham, Joey Molland, Tom Evans y Mike Gibbins era un combo curtido ya en multitud de bandas con unos gustos musicales que iban del rock americano más rítmico al elegante pop de finales de los 60's, con, por supuesto, The Beatles a la cabeza.

No Dice (1970) fue el segundo disco como Badfinger para Apple, publicado en 1970, supuso un notable éxito para la banda y una rentable fuente de ingresos para la compañía que ya mostraba sus primeras incongruencias financieras. Aunque Pete Ham fue el compositor inicial y cantante de The Iveys, poco a poco el resto de los miembros de la banda se fueron revelando también como excelentes compositores y músicos al tiempo que Badfinger ganaba día a día consistencia, curtiéndose en múltiples proyectos paralelos con George Harrison o John Lennon. No Dice (1970) es un inmejorable cocktail de hard rock y brillantísimas melodías pop, con al menos tres temas absolutamente redondos e incontestables, I Can´t Take It, No Matter What y Without You, la canción más famosa de Badfinger, que fue popularizada posteriormente por Harry Nilsson y después por Mariah Carey, pero como la original, nada. Una balada romántica, elegante, acompañada por un mullido colchón acústico y leves pinceladas eléctricas. La melodía de simplemente de cinco estrellas. La interpretación emotiva, cargada de sentimiento. Una canción muy especial, que quizá no merezca más fama que otras de este disco, pero que no por eso deja de ser una de las grandes baladas del rock.

En este LP encontramos además canciones que oscilan entre el folk de I Don't Mind y el country de Blodwyn completando un disco realmente brillante que conformó a Badfinger como uno de los mejores grupos de su tiempo, recuperando la contundencia del rock and roll primigenio al servicio de las melodías pop más inspiradas.

Tras publicar varios brillantes discos en Apple, eclipsados casi siempre por la alargada sombra de los Beatles el grupo se vio sacudido por los problemas que ya empezaban a desmembrar la compañía discográfica y terminaron recalando en la Warner donde los problemas financieros, legales y personales continuaron, culminando con el suicidio en 1975 de Pete Ham y posteriormente con el de Tom Evans en 1981. Por encima de la leyenda negra que envuelve a Badfinger quedarán siempre las vibrantes, poderosas, enérgicas y vitalistas canciones que el grupo compuso en su breve e intensa carrera, unas canciones y un legado que sigue estando plenamente vigente.

1. I Can't Take It (2:57)
2. I Don't Mind (3:15)
3. Love Me Do (3:00)
4. Midnight Caller (2:50)
5. No Matter What (3:01)
6. Without You (4:44)
7. Blodwyn (3:26)
8. Better Days (4:01)
9. It Had To Be (2:29)
10. Watford John (3:23)
11. Believe Me (3:01)
12. We're For The Dark (3:55)

Bonus Track:

13. Get Down (3:46)
14. Friends Are Hard To Find (2:32)
15. Mean Mean Jemima (3:43)
16. Loving You (2:53)
17. I'll Be The One (2:54)

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CONCIERTOS [DVD]

2009-04-14T01:29:00.000-07:00

George Harrison - The Concert For Bangladesh (1971)

Título: The Concert For Bangladesh.
Artista: George Harrison And Friends.
Discográfica: Apple.
Grabación: 1 de Agosto de 1971.
Género: Rock.
Duración: 1:38:57

George Harrison reune a los mejores cantantes con un mismo fin. Se trata de uno de los conciertos más importantes de la historia, Organizado para concientizar a la población mundial sobre los problemas de los nativos de Bangladesh que debieron huir de India por estar ambos países en guerra.

El DVD es una remasterización del filme original, que documentó los conciertos que tuvieron lugar el 1° de Agosto de 1971 en el Madison Square Garden de New York. Harrison interpretó dos canciones de su debut All Thing Must Pass (1970), My Sweet Lord y Wah-Wah, y sus clásicos con The Beatles, Here Comes The Sun y While My Guitar Gently Weeps. Lo acompañaron en sus presentaciones Eric Clapton y el grupo Badfinger. Bob Dylan tocó Blowin' In The Wind y A Hard Rain's A-Gonna Fall y Ringo Starr interpretó uno de sus pocos hits como solista, It Don't Come Easy.

Definitivamente este concierto es una joya de la historia musical a nivel mundial. Todas las regalías fueron donadas a UNICEF (como no podría ser de otra manera).

[Parte: 1]
[Parte: 2]
[Parte: 3]
[Parte: 4]
[Parte: 5]
[Parte: 6]
[Parte: 7]
[Parte: 8]

Ñu - No Hay Ningún Loco (1986)

2009-04-10T13:39:00.000-07:00

No Hay Ningún Loco (1986)

El prestigio de Ñu siempre ha estado muy por encima de su nivel de ventas. Eso es así ahora y así era también hace 20 años. En aquel 1986, tras cuatro discos en estudio y a pesar de tener el honor de ser uno de los grupos pioneros del rock en España y tener el beneplácito de la opinión generalizada, la banda se encontraba sin discográfica al haber roto su contrato con Chapa Discos, ruptura que no fue todo lo amistosa que debería haber sido.

El grupo necesitaba un revulsivo, que, por un lado, demostrara a los ejecutivos de Chapa-Zafiro que la banda podía sobrevivir sin estar bajo su sombra, y de paso situar a Ñu en el estatus que merecía. La oportunidad se la dio Antonio Rodríguez, dueño de la pionera discoteca Barrabás de Vicálvaro y más tarde de la sala Canciller. Antonio creó Discos Barrabás y bajo su ala, y organizado por su socio Mariano García, conocido locutor radiofónico, se embarcaron en la grabación de un doble en directo, con el aliciente añadido de la participación de muchos de los antiguos componentes de la banda.

El marco elegido fue la madrileña sala Canciller, los días 7 y 8 de Febrero de 1986. El éxito de convocatoria fue aplastante, llenando hasta los topes la lasa, de buena capacidad. El aforo fue ampliamente superado, sufriendo los asistentes de una descarada sobreventa de entradas.

La siempre fluctuante banda que acompaña a José Carlos Molina estuvo compuesta por su viejo amigo Enrique Ballesteros a la batería, José Luis Rodríguez "El Puma" al bajo, Enrique Bertrán De Lis a la guitarra y el recién llegado Toni "El Mago" a los teclados. Tal y como estaba prometido, la nómina de invitados fue extensa y variada, José María "Sini" (guitarra), Eduardo Pinilla (guitarra), Bernardo Ballester (batería), Jean François André (violín), Miguel Ángel Collado (teclados), Pepe Moreno (saxo) y Ángel Moreno (voces) fueron alternándose en las canciones para darle un colorido y sentido histórico al disco que fue uno de los motivos de su éxito. Entre todos estos invitados, ex componentes del grupo, se echaba en falta uno, quizás el más carismático, Rosendo Mercado, co-fundador de Ñu junto a José Carlos Molina y que salió del grupo para formar Leño justo antes de la grabación del primer LP. En aquella época no quedaron claros los motivos que impulsaron a Rosendo a rehusar estar presente en el proyecto, algo que tiempo después el propio Rosendo confesó, le molestó que, después de conocer a José Carlos Molina desde que eran pequeños, el ofrecimiento no se lo hiciera él personalmente, sino que fuera Mariano García quien le hizo la propuesta. Ese detalle, de elegancia quizás de ego, nos privó de tener al guitarrista oriundo de Carabanchel en estos conciertos.

El set list de los conciertos y, por ende, del disco, es muy bueno y variado. Gran parte de los clásicos del grupo están representados, tocando todos los palos estilísticos de la versátil banda madrileña, y además hubo algunos temas nuevos que se incluyeron, como el No Hay Ningún Loco que dio nombre al disco (intentando desterrar la imagen que mucha gente tenía de José Carlos Molina por ciertos comportamientos del pasado), la emotiva Prometo Besar, Sé Quién y Los Ojos De La Zíngara, un curioso tema que incluye una parte en el que el cantaor Ángel Moreno aporta un pasaje flamenco y que finaliza con unos acordes de pasodoble español, en reivindicación al sentimiento español frente a la excesiva influencia anglosajona, algo que se encargó de explicarnos el día del concierto. La inclusión de estas partes tan alejadas del rock dentro de la canción queda sorprendentemente bien.

El disco al completo no tiene desperdicio. Sobresaliendo del resto, hay bloques que son de la calidad sublime, como el inicio, con un perfecto arranque en el que una introducción instrumental da paso a unas enlazadas Cuentos De Ayer Y De Hoy y Preparan.

A pesar de que los días previos a los concierto José Carlos Molina tuvo unos preocupantes problemas de afonía que no le permitieron estar al 100%, se recuperó a tiempo para cumplir con holgura, además de tocar la flauta con la maestría que le caracteriza. Especialmente se luce en La Bailarina y El Flautista, intercalando un solo de flauta marca de la casa. Los invitados confieren a los temas que interpretan su propia personalidad, lo cual le da más énfasis a la variedad estilística del disco, que combina momentos melódicos con otros más potentes, como la versión netamente heavy de Ñu, compuesta por Jerónimo Ramiro, Chiqui Mariscal y Bernardo Ballester y reflejada en las enlazadas Nessa y Fuego.

El disco termina de forma triunfal con tres temas enlazados en los que la banda suena como un reloj bien aceitado, Más Duro Que Nunca, Más, Quiero Más y Una Noche Más, interpretados como bis en su día, y que demuestran bien a las claras el altísimo nivel que tenía el grupo en aquella época.

Las limitaciones de presupuesto provocaron una insuficiencia en las horas de estudio para mezclar el disco, lo que produjo algunos defectos en la mezcla (por ejemplo, apenas se oyen los teclados de inicio en Ella), pero en general el resultado es más que satisfactorio. Esta escasez de presupuesto provocó ciertas tiranteces entre José Carlos Molina y Discos Barrabás, que no se decidió a apostar de lleno por el producto, algo que impidió la idea inicial de hacer una reedición incluyendo los temas que habían quedado fuera del disco; algo como lo que hizo Barón Rojo con aquel Siempre Estáis Allí (1986) con las sobras de Barón Al Rojo Vivo (1984), aunque viendo el resultado, no sería un buen precedente.

El disco fue un éxito popular y cumplió con creces sus objetivos de, por un lado, satisfacer a sus seguidores y, por otro, servir de trampolín a la banda, que disfrutó de varios años de vacas gordas con más numerosos y multitudinarios conciertos.

Quizás nunca se le dará a Ñu la importancia que merece. Múltiples factores influyen en ello, a pesar de su innegable calidad, pero eso merecería un debate aparte. Lo que sí está claro que No Hay Ningún Loco (1986) es uno de los mejores discos en directo que ha dado el rock español a lo largo de su historia.

CD I

1. Introducción (0:25)
2. Cuentos De Ayer Y De Hoy (1:30)
3. Preparan (7:36)
4. No Hay Ningún Loco (5:07)
5. Prometo Besar (5:19)
6. La Bailarina (5:16)
7. Solo De Flauta (1:08)
8. El Flautista (7:20)
9. Nessa (4:21)
10. Fuego (1:02)

CD II

1. Ella (5:31)
2. Perseguido (7:07)
3. Los Ojos De La Zíngara (7:23)
4. Sé Quién (5:05)
5. Más Duro Que Nunca (7:52)
6. Más, Quiero Más (3:54)
7. Una Noche Más (4:08)

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FOGHAT

2009-04-09T20:47:00.000-07:00

Fool For The City (1975)

Hoy en día no es raro encontrar un fan de la banda, sino cualquiera que los recuerde o conozca y, sin embargo, Foghat fue un grupo grande y muy popular en la década de los 70's, llegando incluso a colocar más de un tema, como por ejemplo Slow Ride, en las listas de éxitos del momento.

De las cenizas de Savoy Brown (otra banda recomendable) sale el bueno de Dave Peverett que junto al guitarrista Rod Price, el bajista Tony Stevens y el batería Roger Earl (estos últimos también ex compañeros de Dave en Savoy Brown), grabarían el disco debut de la banda (Foghat - 1972), ganándose rápidamente una buena reputación en los Estados Unidos gracias a sus incendiarios conciertos con su estilo simple pero directo de hard rock boogie. Al magnífico debut le siguen obras cada vez más afinadas y más pulidas destacando Energized (1974), Rock & Roll Outlaws (1974) y sobre todo el exitoso Fool For The City (1975) donde se encuentra el single Slow Ride que les catapultaría hasta la cima. De la multitudinaria gira de Night Shift (1976) sale el estupendo Foghat Live (1977) que los llevó hasta los primeros puestos de Billboard. A partir de aquí, y a pesar de que Stone Blue (1978) es otro gran álbum, Boogie Motel (1979) y Tight Shoes (1980) no mantienen el nivel y el público empieza a perder interés en la banda hasta que ésta decide separarse en 1983. La vuelta en 1994 con Return Of The Boogie Men sólo les sirve para constatar que casi nadie se acuerda ya de la banda volviendo a dejarlo. Desgraciadamente Peverett falleció hace ya casi 10 años dejando imposible la vuelta de los Foghat originales. En 2003 sale al mercado su último trabajo llamado Family Joules con escasa repercusión. La muerte del guitarrista Rod Price en el 2005 ha enterrado a los Foghat para siempre.

Fool For The City (1975) se compone de siete canciones básicas de hard rock y boogie que harán que tus pies no paren de moverse ni un momento. Grabado en los Suntreader Studios y producido por el entonces bajista de la banda Nick Jameson (que hacía escasos meses que acababa de llegar a la banda en sustitución de Tony Stevens) llevó al grupo hacia los grandes estadios, las FM's de todo el mundo y a quedar inmortalizados para siempre gracias al éxito de Slow Ride, aunque luego pasaran a engrosar la lista, encabezada por Kansas y su Dust In The Wind, de grupos que son superados por una de sus canciones. Desde luego Slow Ride lo merece, ocho minutos de puro nervio y rock and roll que cerraban la cara A del vinilo. Una primera cara del disco antológica de sólo tres temas, tres bombas de hard rock contundente y enérgico capaces de levantarle algo más que la moral a un muerto. La cara B, de cuatro canciones, es más variada y podemos encontrar desde la inicial Terraplane Blues, un medio tiempo de gran factura hasta el rock and roll divertido de Drive Me Home, donde Jameson, vaya fichaje, se exhibe a las teclas y la semibalada que cierra el disco, Take It Or Leave It, quizás una canción demasiada empalagosa que quita el sabor festivo del disco, y que puede que no fuera una buena elección dejarla para el final pero que tampoco empaña la obra maestra que es Fool For The City (1975), un disco básico para entender la década de los 70's y que hará las delicias de todos los amantes del hard rock hecho con gusto y pasión.

A veces es preciso rebuscar el pasado, rescatar cosas que están ya olvidadas y a las que al quitarle el óxido dejan ver el verdadero valor que tienen. Bandas que fueron, por mérito propios, grandes y que ahora yacen enterradas sin motivo. Bandas como Foghat, la banda de los grandes bigotes y el boogie rock.

1. Fool For The City (4:32)
2. My Babe (4:36)
3. Slow Ride (8:14)
4. Terraplane (5:45)
5. Save Your Loving (For Me) (3:32)
6. Drive Me Home (3:56)
7. Take It Or Leave It (4:56)

Bonus Track:

8. Slow Ride (Single Edit) (5:57)

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STEVIE RAY VAUGHAN

2009-04-07T06:39:00.000-07:00

Texas Flood (1983)

Probablemente Stevie Ray Vaughan sea uno de los mejores y más virtuosos guitarristas que ha dado la historia del rock, el Sr. Vaughan fue un grande entre grandes, un verdadero mago para tocar ese instrumento llamado guitarra, y sin él los 80's hubieran sido de muerte súbita para el blues. La vida de este legendario músico texano fue breve, muy breve, después de sufrir un horrendo accidente que acabó con su vida en 1990 (un helicóptero que llevaba a Stevie se estrella segundos después de su despegue), pero solo basto con 36 años de su vida para ubicarse entre los mejores guitarristas de todos los tiempos y pasar a la inmortalidad.

Texas Flood (1983) es un claro testimonio de su música, un álbum de 1983 con todo el sabor que debe dar el blues cuya popularidad ha perdurado por mucho tiempo y que es honrado por sus colegas hasta la actualidad. Texas Flood (1983) es el primer álbum de Stevie Ray Vaughan y su banda (The Double Trouble), algo más de 38 minutos de blues eléctrico rompecocos, que contribuyó a la revitalización del estilo en la esfera musical de la época, esa misma época del post punk, new wave, dark, NWOBHM, entre otras. No se puede agregar más adjetivos calificativos a este disco, y nos conformaremos con decir simplemente espectacular debut que se mando Vaughan con 10 canciones de puro blues y solo blues. Artista de culto y gran showman, siempre estuvo a la sombra de otros grandes músicos con los que colaboró, como David Bowie o Eric Clapton. Fue sino después de su muerte cuando la discográfica exprimió todos sus discos y prácticamente todos los conciertos que tenía grabados.

Su banda definitiva, The Double Trouble estaba formada por Tommy Shamnon (bajo) y Chris Layton (batería) y sobre todo en directo, tenía un sonido espectacular y demoledor siendo una sólida base rítmica. Texas Flood (1983) le hizo ganar a Stevie 3 de las categorías propuestas por una revista llamada Guitar Player, al Nuevo Talento, Mejor Álbum de Blues y Mejor Guitarrista de Blues, demostrando el mejor blues americano, dándole un toque personal con una guitarra rítmica y voz inconfundibles. Este disco en concierto tuvo un gran impacto en el mundillo del blues, llegando a considerar a Stevie como el Albert King blanco. Un tanto exagerado por otra parte.

Este disco es una colección de temas, de influencias y originales de Stevie; él y su banda los habían tocado todos con anterioridad y probado varias secuencias, de manera que el resultado en Texas Flood (1983) y el orden de los temas que lo componen, obedece casi a la lógica de una presentación en vivo, ahí radica parte del efecto que logra el álbum sobre el oyente, ese continuum feling bien conducido, ubicándolo con una puntuación perfecta de 10 sobre 10. Las canciones más representativas podrían ser Pride And Joy, Mary Had A Little Lamb que suenan inconfundibles al estilo Ray Vaughan y el Testify instrumental. El blues de Texas Flood (1983) también destaca, pero como venía diciendo, es el conjunto del disco lo que hace que sea muy agradable de escuchar. No es lo mejor del blues pero sí una gran muestra de este estilo musical. Un disco cuyas canciones se van a repetir una y otra vez en sus directos.

Las composiciones de Stevie Ray Vaughan son una leyenda indiscutible dentro del blues rock, han sido interpretados por la mayoría de las megaestrellas que hoy siguen poblando el promisorio suelo de América. En sus canciones Vaughan aborda los tópicos sureños sin traicionar en ningún momento al género. Stevie no está más, pero su música sí, y quizás admirarlo como lo hicieron en su tiempo sería lo mejor para que siga vivo el legado que dejo tras partir a la eternidad.

1. Love Stuck Baby (2:22)
2. Pride And Joy (3:40)
3.Texas Flood (5:21)
4. Tell Me (2:48)
5. Testify (3:22)
6. Rude Mood (4:40)
7. Mary Had A Little Lamb (2:47)
8. Dirty Pool (5:01)
9. I'm Cryin' (3:45)
10. Lenny (5:04)

*Bonus Track:

11. SRV Speaks (0:42)
12. Tin Pan Alley (AKA Roughest Place In Town) (7:38)
13. Testify (Live) (3:57)
14. Mary Had A Little Lamb (Live) (3:29)
15. Wham! (Live) (4:21)

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*Pistas que aparecen en algunas reediciones

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OZZY OSBOURNE

2009-04-06T20:39:00.000-07:00

Blizzard Of Ozz (1980)

A lo largo de la historia del rock y metal, no han sido pocos los cantantes de grandes formaciones que, por distintos motivos, las han abandonado para adentrarse en su propio proyecto musical, casi siempre bastante peor que la labor que lograron con sus bandas, como Rob Halford, Bruce Dickinson, Vince Neil, etc. Sin embargo, cuando el madman Ozzy Osbourne abandonó Black Sabbath tras haber cantado en obras del calibre de Paranoid (1970), Master Of Reality, (1971) Sabotage (1975), entre otras, pocos, incluido él, podían imaginarse el éxito musical y comercial que le esperaba.

Cuentan varias fuentes que Ozzy, tras dejar a Iommi y compañía, veía su futuro más que negro, no tenía ganas de probar músicos para una banda nueva, se sentía sin ánimo ni confianza y prefirió centrarse en una sólida relación con la botella. Pero fue su manager y futura esposa Sharon quien le convenció para que dejase de empinar el codo, se centrase y contratase a nuevos músicos para sacar un disco lo antes posible. A pesar de las protestas iníciales, Ozzy entró en razón. Le sugirieron la audición de un joven talento americano de seis cuerdas, un tal Randy Rhoads, ex Quiet Riot. Al bueno de Ozzy no le apetecía probarlo y fue el propio Randy quien lo persiguió con su Les Paul en mano para que le diese una oportunidad. Cuando el madman por fin se la dio, ambos se marcharon a un estudio y allí Randy le preguntó: ¿Qué quieres que toque?, y Ozzy le respondió: "Toca cualquier jodida cosa". Randy comenzó a tocar y Ozzy, según sus propias palabras, sintió como si "Dios estuviese entrando en mi alma". Quizá lo que le sucedió al cantante inglés fue que se percató de la absoluta maestría del joven Randy, un virtuoso que logró su propio estilo guitarrero en los primeros 80's, un estilo lleno de frescura y espontaneidad, ejecutado a la perfección, y que sentó las bases del heavy metal contemporáneo. Su legado permanece intacto hoy en día, tras más de veinte años después de su trágico y evitable accidente de aviación.

La banda se completó con la llegada del legendario bajista Bob Daisley (Uriah Heep, entre otros) y el eficiente batería Lee Kerslake. Este cuarteto grabó y produjo el debut del madman, sin duda uno de los mejores discos de heavy metal de todos los tiempos y uno de los grandes debuts que se haya editado jamás, y que sirvió para, desde el principio, encarar la carrera de Ozzy hacia la fama y el reconocimiento hasta nuestros días.

El LP se abre de forma trepidante con I Don't Know, una de las canciones idóneas para comenzar los conciertos de Ozzy, y donde ya se dan claras muestras del mágico estilo de Randy. Aunque de todos es sabio que Ozzy es mucho mejor frontman que cantante, a pesar de sus limitaciones vocales es capaz de transmitir a todas sus canciones un gran carisma y eficiencia, como se comprueba en este inmortal tema. Inmediatamente después viene el gran clásico de Ozzy, Crazy Train, una de las canciones definitivas del metal, simplemente perfecta en todos los sentidos, y portadora de una letra de gran carga social. Goodbye To Romance es una bella balada, para algunos es excesivamente comercial, pero que sin embargo es un torrente de emociones, transmitiendo felicidad y melancolía a partes iguales. La canción narra los sentimientos de Ozzy respecto a su salida de Black Sabbath y la incertidumbre sobre su carrera en solitario.

Dee se limita a un corto pero excelente solo con guitarra acústica por parte de Randy, ejecutado a la perfección, que sirve de intro a la desgarradora Suicide Solution, tema agresivo e intenso donde Ozzy narra historias sobre convertirse en adicto al alcohol para evadirse de los problemas, algo que sin duda provocará que la muerte llame a tu puerta. Mr. Crowley, otro de los mayores clásicos del madman, comienza con una excelente y turbadora melodía de teclado por cortesía del gran Don Airey, que daba paso a un tema duro, envolvente, mágico, lleno de mística y ejecutado a la perfección.

No Bone Movies es el tema más sencillo y rockero, un simple divertimento que igualmente tiene calidad, y mucha. El octavo corte, Revelation (Mother Earth) narra, en clave de amargo medio tiempo, la barbarie y las injusticias que los hombres cometen contra la naturaleza. Este disco redondo se cierra con Steal Away (The Night), un tema acelerado y potente donde Ozzy nos llama a la revolución. En ediciones remasterizadas posteriores se añadió el tema inédito llamado You Lookin' At Me Lookin' At You, con Mike Bordin y Robert Trujillo a la base rítmica. Un tema correcto, pero para nada impresionante.

En definitiva, un mítico y excelente disco donde Ozzy, con Randy Rhoads de la mano, bordó de nuevo con letras de oro su nombre en la galería de artistas ilustres, esta vez fuera de Black Sabbath.

1. I Don't Know (5:17)
2. Crazy Train (4:54)
3. Goodbye To Romance (5:35)
4. Dee (0:50)
5. Suicide Solution (4:19)
6. Mr. Crowley (4:56)
7. No Bone Movies (3:59)
8. Revelation (Mother Earth) (6:09)
9. Steal Away (The Night) (3:29)

Bonus Track:

10. You Lookin' At Me Lookin' At You (4:19)

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TEN YEARS AFTER

2009-04-05T19:41:00.000-07:00

Cricklewood Green (1970)

Siempre es un placer escribir sobre Ten Years After porque simplemente son grandísimos. Rapidamente hablando, Ten Tears After son un grupo de blues rock capitaneado por Alvin Lee a la guitarra y voz que tuvo su momento de gloria al aparecer en el famoso conciero de Woodstock tocando su gran tema I'm Going Home. Cricklewood Green (1970) es su cuarto disco de estudio. Alvin Lee es genial en sus dos facetas en la banda. Leo Lyons es un excelente bajista, Ric Lee (que no tiene ningún parentesco con Alvin) es un baterísta de aquellos, y Chick Curchill, en segundo plano, es muy buen tecladista. Ya está. Ahora hablemos del disco.

Su anterior disco, Ssssh (1969), igualmente excelente, tenía un sonido a blues endurecido más clásico, mientras que este disco suena rockero, mucho más metido en los setentas. Mantiene la escencia del blues, pero los horizontes musicales del grupo parecen expandirse. Así tenemos una balada, un tema de blues acústico, hard rock, jazz; una mezcla que pasada por el filtro de Lee y los suyos es imposible que falle. La razón por la que este disco no suele ser nombrado entre los grandes esenciales del rock clásico, es algo que no se entiende, y es que a pesar de tener una famosísima canción que seguro habran oído alguna vez, debería ser una obra bastante más conocida y valorada. Dicha famosa canción es Love Like A Man, un puñetazo de hard blues que tiene todos los ingredientes para ser un verdadero clásico. Empezando por el sensual riff principal, de los mejores y míticos de la historia, seguido por la parte de los solos y por cualquier cosa que haya en el tema. La voz de Alvin es perfecta para un tema así, pues suena bien rockera.

Love Like A Man es suficiente para justificar la existencia y compra del disco, pero por suerte no destaca tanto entre el resto. Mismamente 50,000 Miles Beneath My Brain, en su simple estructura es un tema que empieza tranquilo y deriva en una sangrienta jam blusera, es igual de bueno. Tenemos temas más cortos y comerciales, como Sugar The Road que inicia el disco y aunque es el menos bueno del álbum, pasa la prueba y tiene un acompañamiento de órgano Hammond de los mejores, y Working On The Road, cuyo estribillo es sublime.

Ya en una onda algo distinta, podemos encontrar a Year 3,ooo Blues, el anteriormente mencionado blues acústico, con un sonido mucho más clásico, siendo un claro homenaje a esos negros del Mississippi que cantaban sobre amores perdidos, que muchos rockeros se permiten ignorar y negar, pero que sin ellos grupos como Ten Years After no serían posibles. Me & My Baby esta cantado como un blues, pero la instrumentación tiene mucho de jazz. No hay más que oír ese fantástico solo de piano, el mejor momento de Churchill en este disco. Circles es la balada del LP. Está muy bien conseguida y tiene mejor melodía que If You Should Love Me, la balada de Ssssh (1969), aunque es menos intensa. En cambio, el aire intimista de este tema la hace más delicada y emotiva. Y cerrando este álbum tenemos a As The Sun Still Burns Away, una canción lenta y oscura, que suena a Ten Years After pero que podría haber sido perfectamente compuesta por Black Sabbath.

Los dos bonus tracks añadidos en esta publicación, Warm Sum y To No One, se registraron durante la primera sesion de Cricklewood Green (1970) pero al final no fueron seleccionadas para ser incluidas en este álbum.

1. Sugar The Road (4:07)
2. Working On The Road (4:17)
3. 50,000 Miles Beneath My Brain (7:37)
4. Year 3,000 Blues (2:25)
5. Me And My Baby (4:10)
6. Love Like A Man (7:38)
7. Circles (3:59)
8. As The Sun Still Burns Away (4:45)

Bonus Track:

9. Warm Sun (3:04)
10. To No One (3:46)

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DR. FEELGOOD

2009-04-05T11:05:00.000-07:00

Live At The BBC 1974-75 (1999)

¿Algunos recordaran el álbum en vivo llamado Stupidity Plus (Live 1976-1990) de 1991?, ¿les gusto verdad?. Pues aquí estamos en frente de otro directo para gozar de los Feelgood sin parar. El repertorio no tiene tantos clásicos como el Stupidity Plus que tiene temas comprendidos entre 1976 y 1990, pero está igualmente a la altura de las circustancias. No están la propia Stupidity, ni Down At The Doctors, ni Every Kind Of Voice, pero si están las tremendas Twenty Yards Behind, All Through The City, Going Back Home o Roxette y un buen número de buenas versiones como el Boom Boom de John Lee Hooker, Route 66 de Bobby Troup o la apropiada por la banda, I'm Talking About You de Chuck Berry.

Así llegamos a un total de 21 temas con un perfecto sonido. Una gran época para los Dr. Feelgood y un claro reflejo de la fiesta que significaban en directo con esos ritmos de guitarra sincopada y su espíritu de R&B y rock and roll fluyendo del magnífico tándem que protagonizaban Wilco Johnson y Lee Brilleaux. Esta colección pone de manifiesto todas las materias primas de energía que hizo a Dr. Feelgood una banda formidable.

La pérdida de Brilleaux fue eclipsada por la de Kurt Cobain y la mejor manera de subsanar ese olvido es volviendo a escuchar su voz y su música, y que mejor que con este directo.

1. My Baby, Your Baby (2:40)
2. I'm Talking About You (1:56)
3. One Weekend (2:13)
4. Rock Me Baby (4:53)
5. Bonie Moronie (4:09)
6. She Does It Right (3:03)
7. Twenty Yards Behind (2:03)
8. The More I Give (3:07)
9. Boom Boom (2:40)
10. All Through The City (3:00)
11. Talk To Me Baby (3:34)
12. Route 66 (3:34)
13. I Can Tell (2:38)
14. Going Back Home (3:28)
15. Don't You Just Know It (3:34)
16. Roxette (2:51)
17. Another Man (2:56)
18. I Don't Mind (1:58)
19. Riot In Cell Block #9 (3:20)
20. Rollin' And Tumblin' (3:08)
21. You Shouldn't Call The Doctor (If You Can't Afford The Bills) (3:13)

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Crucis - Crucis (1976)

2009-04-05T10:45:00.000-07:00

Crucis (1976)

Tanto en Estados Unidos como en Inglaterra y el resto de Europa, durante la primera mitad de la década de los 70's el rock progresivo alcanzó su más grande expresión. Pronto, aquellas noticias sobre bandas virtuosas y estridentes arribaron a tierras argentinas, cautivando a un gran número de músicos locales. Una de las primeras agrupaciones argentinas que incursionó en el género fue Crucis, surgida a finales de 1974. Ya desde sus inicios, el grupo sorprendió al público con sus ajustadas y brillantes actuaciones en directo; y muy pronto, gracias al boca a boca y a los comentarios de los medios pasaron de tocar en pequeños locales a colmar teatros.

Ya consolidados como banda por Gustavo Montesano (bajo y voz), Pino Marrone (guitarra y coros), Anibal Kerpel (teclados y sintetizadores) y Gonzalo Farrugia (batería y percusión), llegaron al éxito prematuro por ser uno de los pocos grupos progresivos de calidad en la Argentina, estilo musical que se venía escuchando bastante con agrupaciones extranjeras como Yes, Camel o Focus. Luego de varias presentaciones en teatros, y con ganas de plasmar sus canciones, el ya famoso cantautor Charly García (en ese momento su exitosa banda Sui Generis ya se había disuelto) los ve en vivo y queda tan sorprendido que les ofrece encargarse de la producción artística de la inminente placa que se venía. La banda aceptó dicha propuesta y entraron al estudio para grabar su primer y homónimo long play.

Es así que sale a la calle Crucis (1976), un disco que se compone de complejos pasajes melódicos pero sin embargo es un disco muy accesible que no se vuelve aburrido para nada. El disco abre con el tema Todo Tiempo Posible donde podemos escuchar hacia donde apuntaba la banda con sus composiciones. La introducción del tema nos recuerda mucho al viejo (en ese momento nuevo) Genesis con ese asesino riff del órgano para terminar en una fusión más jazz rock. La letra es totalmente inentendible en su contenido, pero tengamos en cuenta que en esa época en Argentina en pleno golpe militar y la censura no permitía que se grabaran temas con contenido político o social y a los grupos de rock no les quedaba más remedio que no decir nada. Le sigue la canción Mes, que sigue manteniendo ese grado de complejidad, es además una rareza instrumental donde encontramos contratiempos, arreglos medievales, clímax y rock duro, donde se destaca el gran trabajo del uruguayo Farrugia detrás de los tambores.

Continuamos con Corto Amanecer, que quizás sea el tema más flojo de este disco, aunque lo más destacado son los arreglos a lo Yes, en especial en la guitarra de Marrone y los teclados de Kerpel. En La Triste Visión Del Entierro Propio estamos ante uno de los puntos más altos de todo el álbum con un gran trabajo en las bases, donde se juega con algunas tendencias clásicas y barrocas en los pasajes instrumentales, volviendo a escuchar arreglos muy al estilo Genesis y gran trabajo de Kerpel, siendo a estas alturas un virtuoso en los teclados, y de Montesano en la base rítmica. La canción siguiente es Irónico Ser, tema muy Deep Purple desde donde se lo mire (salvo la voz de Montesano por supuesto). Este tema fue editado como simple junto a Todo Tiempo Posible y le dio el puntapié inicial a la carrera del grupo. Excelente trabajo de Farrugia en la batería y de Marrone en la guitarra, interesante solo de Hammond de Kerpel. El tema siguiente es el instrumental Determinados Espejos, tema bien fusión jazz rock al mejor estilo de los Return To Forever, en él encontramos grandes solos de Marrone y un excelente solo de sintetizador de Kerpel apoyados por una intensa base de bajo y batería, único tema compuesto por todo el grupo. El disco cierra con Recluso Artista, otro instrumental bien sinfónico con interesantes arreglos de guitarra bien jazzera.

Éste es un disco más bien variado dentro de lo progresivo, por supuesto que abarca desde elementos de hard prog pasando por temas rockeros hasta complejos elementos sinfónicos, por supuesto que las influencias citadas son solo referenciales ya que la banda sabe llevarlas con identidad. Con 40 minutos nos llevan por un recorrido musical y virtuoso de algunos de los sonidos más bellos del rock de los 70's dentro de su identidad como banda. Para esa época se los podía etiquetar simplemente como unos virtuosos, realizando gira por los EE.UU que no cualquier banda lo podía hacer, había que ser lo suficientemente bueno para tener éxito en ese mercado, por algo los llamaban los King Crimson argentinos.
El único punto flojo de la experiencia era la voz de Montesano. Como cantante dejaba mucho que desear, hasta tal punto en que la voz era situada atrás con cámara y efectos, pero eso no remediaba la carencia vocal. Aunque dado que la mayoría de las composiciones eran instrumentales, el problema quedaba en segundo plano. Crucis (1976) sigue siendo un impresionante debut, y es probablemente uno de los primeros discos que se deben explorar para comprender el escenario del rock progresivo latinoamericano de los años 70's. El cuarteto no sólo represento un ejemplo de trabajo armónico, sino que se ubico en la cumbre de la electromúsica urbana.

Este álbum es espectacular, una verdadera joya del género en el mundo. Llevándote por pasajes sombríos que de un momento a otro se tornan en una psicodelia esquizofrénica.

1. Todo Tiempo Posible (4:09)
2. Mes (4:57)
3. Corto Amanecer (2:58)
4. La Triste Visión Del Entierro Propio (4:57)
5. Irónico Ser (4:10)
6. Determinados Espejos (6:56)
7. Recluso Artista (6:47)

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BLACK SABBATH

2009-04-05T10:18:00.000-07:00

Black Sabbath (1970)

Pocas son las veces en que un disco o un grupo han cambiado el rumbo de esa música diabólica conocida como rock and roll. Seguramente se podrán contar con los dedos de la mano, Chuck Berry, Elvis Presley, The Beatles, Led Zeppelin, Sex Pistols, Guns N' Roses, Nirvana. Unas veces su importancia se engloba dentro de un fenómeno social, otras en una nueva corriente musical, pero otras ocasiones ambas circunstancias se fusionan en un solo disco. Y Black Sabbath es uno de esos grupos.

A fínales de los años 60's, en un mundo convulso mientras The Beatles daban sus últimos coletazos de genialidad, The Rolling Stones comenzaban una nueva etapa que les llevaría hacía el megaestrellato y una calidad compositiva dionisíaca, y tres de los grandes iconos de la década iban a palmarla tras varios excesos, el hippismo dominaba los charts. El amor libre, la revolución estudiantil, las drogas, todo estaba allí. Un movimiento que dio momentos inolvidables para el rock, pero que, también hay que decirlo, podía llegar a ser también bastante cargante. Muchas veces se ha dicho que el movimiento hippie acabó cuando Charles Manson demostró que el mundo seguía siendo horrible, a la par que en Detroit unos cuantos grupos esquizoides iban a dejar el símbolo de la paz muy bien guardado y plasmar en disco de todo salvo amor. Y si el hippismo acabó así en los EE.UU, en Europa iba a acabar con un grupo inglés surgido de las cloacas del Reino Unido, Birmingham.

No debe ser casualidad que grupos como MC5 o The Stoges comenzaran a dar sus pasos en una ciudad industrial tan fea como Detroit. Tal vez podríamos decir que Birmingham fue el Detroit británico, aunque un solo grupo copó toda la atención. Seguramente en una ciudad bajo un cielo gris que nada tenía que ver con la soleada California, y donde la tasa de paro era bastante elevada, cuatro muchachos de aspecto sospecho, de pelo largo no debían de tener muchas ganas de ponerse flores en el pelo.

Black Sabbath nació en 1968 de la disolución de dos grupos donde militaban Tony Iommi (guitarra) y Bill Ward (batería) por una parte y Ozzy Osbourne (cantante) y Geezer Butler (bajo) por otra. Tras un fugaz paso de Tony Iommi por Jethro Tull en el circo stoniano estos cuatro pseudo hippies se unieron bajo la bandera del blues y el jazz para crear música y dar conciertos en pubs y salas. El jazz fue una influencia bastante palpable en los primeros discos de Black Sabbath. No en vano Iommi decidió continuar tocando la guitarra tras su famoso accidente que le seccionó parte de los dedos tras conocer de la existencia de Django Reindhardt (o al menos eso dice la leyenda).

Bajo el nombre de Earth dieron sus primeros conciertos a caballo entre Birmingham y Londres, llegando incluso a tocar en el famoso Star Club de Hamburgo, donde The Beatles se formaron como banda. Debido a que al parecer existía otro grupo con el nombre de Earth, y por lo visto hubo alguna confusión que otra, la banda decidió cambiar su nombre. Dice la leyenda (aunque creo que esta historia ha sido confirmada) que fue Geezer Butler quién bautizó a la banda con el nombre de una película de terror de Boris Karloff que había visto en un cartel, Black Sabbath. El apocalíptico nombre desde luego es de esos que hacen historia.

Pero vamos a lo que más nos interesa, el primer disco de Black Sabbath. Fue un 20 de Julio de 1969 cuando la banda entró en los Regent Sound Studios de Londres para plasmar en vinilo las canciones que habían trabajado durante los últimos meses tocando de sala en sala. Si Elvis es el rey del rock and roll y James Brown el padrino del Soul, para mí no hay duda alguna de que Black Sabbath son los padres del heavy metal (junto con Deep Purple y Led Zeppelin). Bueno, aunque las etiquetas son cosas muy subjetivas, yo creo que cuando hablamos de heavy metal hablamos de las primeras notas de Black Sabbath, la canción homónima del grupo.

Black Sabbath es la canción que abre el primer disco del grupo, y aquí he de hacer un inciso para hablar de la portada. En este mundo tecnológico cada vez se le da menos importancia a las portadas, pero para aquellos que amamos el vinilo, escuchar el sonido de lluvia que abre la canción y contemplar la mujer en el bosque enfundada en negro delante del caserón (en realidad un molino en el Támesis) puede ser algo sobrecogedor. Y bien, si la mujer estaba allí de verdad o no al tomar la foto, eso lo dejo al criterio de cada uno. Pero fue una publicidad de lo más efectiva.
Como decía, Black Sabbath resume lo que podría considerarse heavy metal. Tras una intro con sonido de lluvia y rayos y unas campanas tétricas, entra la banda al unísono con un riff lento, pesado, disonante, que desde luego poco tenía que ver con The Monkees. El impacto inicial baja en intensidad mientras la guitarra va quedando en primer plano, acompañada levemente por el bajo y la batería. Entonces la característica voz aguda de Ozzy rompe a contratiempo hablando sobre una amenazante figura negra.

Si bien es cierto que el diablo ha servido de inspiración para el arte en multitud de ocasiones (y conocida es la estrecha relación entre lo oculto y el blues, por poner un ejemplo) nunca fue tan bien aprovechado ese cliché como por esta banda. Un grupo que llevaba cruces invertidas (al parecer idea del manager que listo como era quiso enfatizar esa imagen del grupo) y cantaba sobre figuras negras mientras Ozzy gritaba desesperado Oh no y please God help me era desde luego de todo menos convencional. Una vez que Ozzy ha sido finalmente poseído entre llamas, la canción da un giro brusco (algo que sería marca de la casa, pocos grupos han combinado los riffs de una manera tan magistral) para que Iommi acelere el ritmo con un pequeño punteo jazzístico mientras el bajo y la batería comienzan a cabalgar un pesado ritmo de boogie rock. Y para aquellos que gustan de encontrar errores en películas y discos, decir que este álbum fue grabado en dos días y se puede escuchar un pequeño error de Iommi en esta última parte, más algún otro que hay por ahí. Pero ¿en verdad le importa a alguien?

El sonido cortante de los agudos de Iommi durante el solo final desde luego estaba adelantado a su tiempo. Y esos golpes entrecortados al final, No se puede empezar un disco de mejor manera. Un sonido de armónica digno de una película de Sergio Leone sirve para abrir el siguiente tema del disco, The Wizard, una canción con una de las letras más estúpidas de la historia, pero que te hace mover la cabeza irremediablemente. Y cuando se dice por ahí que Bill Ward es uno de los mejores bateristas de la historia, no hay manera más fácil de probarlo que escuchando atentamente la cantidad de golpes, claridad, velocidad y ritmos enloquecidos. Prácticamente todo el peso de la canción recae sobre las muñecas y pies del Sr. Ward, quien completa los espacio de forma magistral tirando mano de jazz, blues y el viejo y querido rock and roll. Black Sabbath demostraba que era una maquina perfectamente engrasada, un grupo con uno de las mejores bases rítmicas de la historia.

Ya que si por un lado teníamos a Ward tras los tambores de forma salvaje, precisa y contundente, por otro lado nos encontrábamos con Terence Geezer Butler como experto navegante, uno de los maestros de las cuatro cuerdas. En el siguiente corte, Behind The Wall Of Sleep, la banda al completo rompe acercándose un poco más a la música negra de los tugurios mafiosos, destacando el rasgueo de la guitarra de Iommi y el sonido profundo del bajo de Bill Ward. Tras un pequeño puente, Ward se queda sólo durante unos momentos para dar entrada a otro característico riff sabático. La canción se completa con uno de los mejores solos del disco y en donde Ward sigue con un sencillo ritmo de batería donde introduce pequeños cambios, para dar paso a un solo de Geezer Butler de los que marcan época. El motor de los Sabbath daba miedo. Mientras el solo de Butler se va perdiendo en la distancia, se abre la puerta para el último corte de la cara A, N.I.B. A pesar de lo que algunos piensan, N.I.B. no significa Nativity In Black, venía del apodo que le daban sus compañeros a la barba de Ward (el porqué de estas cosas no lo sé, tal vez haya que buscar la respuesta en Sweet Leaf, del disco Master Of Reality de 1971).

El sucio bajo de Geezer machacando el riff principal nos da la bienvenida a una de las canciones más aclamadas de los Sabbath. En sus conciertos nunca falta un solo de Butler, seguido de esta preciosa canción donde todos bailan al ritmo del sagrado riff que introduce Ward. Por otro lado los lamentos de Osbourne en el estribillo son de lo mejor que ha cantado este hombre. Las afiladas notas de Iommi marcan el final de la canción y de la primera cara del disco.

Se daba inicio a la cara B con dos canciones, dependiendo de la edición que uno manejara. En la versión norteamericana la canción Wicked World, sin duda el mejor ejemplo del la mezcla de estilos que manejaba este grupo en sus comienzos (jazz, blues, R&B), era la elegida para abrir la segunda parte del vinilo. En la edición europea, por otra parte, nos encontramos con Evil Woman. Hoy en día con las ediciones en CD no hay problema alguno, ya que ambas canciones están incluidas. Evil Woman (o Evil Woman Don't You Play Your Games Whit Me) era la primera de las dos versiones que los Sabbath incluyeron en su debut. La canción pertenecía al grupo de blues rock de Minneapolis llamado Crow, y en los Estados Unidos tuvo cierto éxito. La versión de Iommi y compañía, más oscura, apenas tenía una reminiscencia de los vientos que dominaba la original en la intro de la canción. Aunque curiosamente el tema original debió sonar parecida a la de Black Sabbath en un principio, ya que los añadidos de viento fueron, al parecer, contra los deseos de Crow.

De nuevo el peso de la canción recae sobre la base rítmica. Mientras uno golpea los platos y juega con ellos, Butler nos llena los sentidos con su bajo cavernoso. El estribillo es pegadizo, y los jugueteos con los tonos hacen de esta canción otro clásico en la discografía de los de Birmingham. La primera imagen que se viene a la mente cuando se escucha Sleeping Village es la de un cowboy con poncho a lo Clint Eastwood cabalgando lentamente mientras entra en algún pueblo cercano a la frontera de México. El sonido nos deja caer en los brazos de un riff donde el jugueteo de Iommi con los overdubs de guitarra comienza a percibirse. Esta técnica la ira desarrollando con el tiempo, convirtiéndose también en marca de la casa. Como también lo son las dos guitarras que solean al unísono sobre un rápido trote de Ward y Geezer. El último riff se convierte en un feedback que enlaza con la siguiente canción, Warning, de una forma tan simple y efectiva que sin darse cuenta uno podría creer que es la misma canción.

Warning, es la segunda versión que nos brinda el grupo. Se trata de una canción de Aynsley Dunbar Retaliation, el grupo del que más tarde sería batería de Journey. Ozzy llena de sentimiento el tema. En fin, qué cabe decir de esta canción. La guitarra de Iommi impregna todos los surcos, y ese cambio a mitad de recorrido, con la banda ralentizándose para dejar que el hombre de los grandes bigotes marque el comienzo. Pone los pelos de punta, y no sólo los pelos. Pero si esto no fuera todo, tras dos minutos de pieza instrumental, la banda se va apagando hasta que Tony Iommi se queda en terreno de nadie para explayarse a gusto durante casi tres minutos. Algo similar a lo que hizo en FX (del disco Black Sabbath Vol. 4 de 1972), pero sin tanto efecto ni psicodelia. Y cuando ya parece que todo ha acabado, nos devuelven de un puñetazo al riff inicial, y acabar en el estribillo mientras Ozzy nos deja caer ese just a little bit too strong y la banda exhala su último suspiro.

Porque la sensación que uno le queda tras escuchar este álbum de debut es que podría venir la muerte y sería bienvenida; Black Sabbath (1970) es un disco tan bueno que a poco más uno ya lo ha hecho todo en esta vida. Solo puedes confiar en ti mismo y en los 6 primeros discos de Black Sabbath. Bien, este es el primer paso que uno debe dar para ganarse la confianza absoluta.

1. Black Sabbath (6:21)
2. The Wizard (4:24)
3. Behind The Wall Of Sleep (3:37)
4. N.I.B. (6:07)
5. Evil Woman (3:25)
6. Sleeping Village (3:46)
7. Warning (10:32)
8. Wicked World (4:43)

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DEEP PURPLE

2009-04-04T05:48:00.000-07:00

In Rock (1970)

Tras unos primeros años exploratorios y un tanto erráticos en los que los Deep Purple jugaron con la música clásica, editando su Concerto For Group And Orchestra (1969), entra Ian Gillan a la banda, en substitución del vocalista original Rod Evans, conformando así la llamada Formación Clásica o Mark II. Ritchie Blackmore asume el rol compositivo, marcando el rumbo hacia un sonido más duro, basado en las guitarras y en el contrapunto de la poderosa voz de Ian Gillan.

El primer fruto de estos cambios es In Rock (1970), considerado como el mejor trabajo de Deep Purple y una de las piedras angulares del rock moderno, un trabajo absolutamente demoledor que constituye un autentico Tour De Force para el oyente. Desde el extraño inicio distorsionado de Speed King hasta la oscura Hard Lovin' Man no hay apenas momentos de respiro, se desata una autentica orgía de riffs cortesía de un inspiradísimo Ritchie Blackmore sobre los que destacan los aullidos enfebrecidos de un Ian Gillan en estado de gracia. Temas como Bloodsucker, Into The Fire o Living Wreck resultan, con la perspectiva que da el tiempo, auténticos manuales de estilo, y podemos encontrar la impronta de aquellas guitarras, de aquellos sonidos, en grupos de diversa índole como Queens Of The Stone Age, Pearl Jam, The Cult o Nirvana.

Con In Rock (1970), Deep Purple consiguió un magnífico resultado comercial y crítico, y comenzó para la banda la etapa más exitosa y popular de su carrera, publicando en 1972 su disco Machine Head en donde se encuentra el tema Smoke On The Water que es sin duda la canción más conocida de la banda y uno de los temas más populares de todos los tiempos. En ese mismo año sale Ian Gillan de la banda, siendo substituido por David Coverdale, empezando entonces un proceso de innumerables cambios de formación con resultados ciertamente irregulares. Para la historia queda esta formación clásica y este disco como una de las piezas claves del rock moderno.

Como venía diciendo, una vez que los Purple se desasen de Rod Evans y Nick Simper entran en acción Ian Gillan y Roger Glover respectivamente naciendo así el Mark II, sin duda la más famosa de las reencarnaciones de la banda británica, decir que la mejor es ya cuestión de gustos. Lo que queda claro desde el inicio es que con Gillan el grupo deja de ser una banda del montón y se convierte en una de las referencias obligadas del hard rock de los años 70's. Tenemos un grupo formado por cinco solistas que juntos son capaces de grabar temas míticos con una naturalidad que asusta. In Rock (1970) puede parecer ciertamente un disco de sonido monolítico y primigenio pero es ahí precisamente donde reside su encanto. Quizás estamos hablando del disco más crudo y salvaje de Blackmore y compañía, donde el hombre de negro factura algunos de los riffs de guitarra más heavys que se le pueden recordar; rápidamente nos viene a la cabeza por ejemplo Into The Fire compitiendo en fiereza con cualquier riff del Iommi de la época. Y ni hablar de la inicial Speed King, uno de los primeros clásicos de la banda donde tampoco podemos olvidarnos de un desgañitado Ian Gillan que rompe y rasga.

Sin dudas el tema estrella de este trabajo es Child In Time, una epopeya épica de más de nueve minutos donde queda claro que Gillan es el cantante que la banda llevaba tiempo buscando, ese hombre que Blackmore llegará a odiar en un futuro no muy lejano. La canción está llena de pinceladas progresivas en las que tiene mucho que ver el tecladista John Lord. Es una de las favoritas de los fans de Purple. Otro tema a destacar es Flight Of The Rat en la cual sobresale un Ian Pace demoledor en los tambores (algo normal en aquella época donde podías encontrar a gente como John Bonham, Keith Moon o Bill Bruford). Tampoco hagamos asco a canciones como Bloodsucker y más aún al tema que cierra el disco, la portentosa Hard Lovin' Man; otro delirio sonoro de los que hacían gala las grandes bandas de rock en los 70's.

Posiblemente In Rock (1970) este un escalón por debajo de Machine Head (1972) o Burn (1974), el primer disco de la formación denominada Mark III, pero nadie puede negar su grandeza y autenticidad además de ser una pieza más que añadir al puzzle del heavy metal que se estaba construyendo en aquellos lejanos días.

Como un dato más, la particular portada del álbum presenta las caras de los cinco miembros de la banda esculpidas en el Monte Rushmore en lugar de los presidentes norteamericanos.

1. Speed King (5:53)
2. Bloodsucker (4:13)
3. Child In Time (10:18)
4. Flight Of The Rat (7:55)
5. Into The Fire (3:29)
6. Living Wreck (4:31)
7. Hard Lovin' Man (7:10)

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JOHN LENNON

2009-04-04T05:36:00.000-07:00

Imagine (1971)

Considerado como uno de los genios de la música popular del siglo XX y fundador de la banda de rock más importante de la historia, John Lennon siempre ha sido motivo de debate, sea por su visión política, sus contradicciones, su música, etc. En todo caso, aquí solo importa su música, e Imagine (1971) es uno de sus discos más nombrados del que me ocuparé ahora.
The Beatles sacaron a la venta oficialmente su último disco en 1970, en ese mismo año Lennon debuta con su primer disco de canciones llamado John Lennon/Plastic Ono Band el cual era un desgarrador recuento de los momentos más difíciles de su vida interpretado en un duro rock and roll. En 1971, sale a la luz Imagine, donde si bien los tópicos son similares, la instrumentación y producción suaviza en buena medida las canciones, haciéndola mucho más digerible para su difusión en los medios y su consumo por el público masivo.

El disco se abre con la canción que da nombre al álbum, Imagine, seguramente escuchada por el 80% del planeta tierra, es básicamente una declaración utópica de paz y buenas intenciones hacia el mundo, acompañado en su simpleza por un piano y una sección de cuerdas fue la mejor y más exitosa canción de Lennon en toda su carrera como solista. La canción es considerada un himno a la paz y ha sido reversionada por innumerables cantantes y bandas. La letra menosprecia la religión, el capitalismo, el patriotismo y nos invita a imaginar un mundo sin fronteras o posesiones en donde podamos vivir en paz y prosperidad. Cripple Inside y su contagioso folk rock es una pieza interesante, con George Harrison tocando el dobro, lo cual le da el detalle que distingue a la canción dándole mucha vida. El disco continua con Jealous Guy, compuesta en la India en 1968 durante el retiro espiritual de The Beatles bajo el nombre de Child Of Nature, para este álbum sufre algunos cambios sobre todo en la letra, balada de hermosa instrumentación e interpretación vocal de Lennon y su característico efecto doble vocal, el resultado es conmovedor y uno de los mejores momentos del artista.

Tratándose de John Lennon, en alguna parte del disco tenía que encontrarse la canción rockera de rigor, y llega de la mano de It´s So Hard. Los acordes de guitarra bluseros, intercalados con la voz rasposa de Lennon y el saxo de King Curtis le dan la energía necesaria al tema. I Don't Wanna Be A Soldier Mamma es el manifiesto político del LP, evidentemente antibélico, tiene una musicalización bastante trabajada, con eco y efectos psicodélicos, agresivos vocales que redondean un matiz en el disco. Gimme Some Truth, está más en la vena clásica de composición de Lennon, en lo referido a los coros y estructura, coda de guitarra a lo largo de la canción, enérgicos acordes, y un muy buen solo de guitarra eléctrica cortesía de Harrison nuevamente.

Oh My Love baja considerablemente las revoluciones, ya que es una delicada y relajante composición dedicada a Yoko Ono, mientras que el piano, el bajo, las campanas tibetanas y una muy delicada guitarra acústica sirven de acompañamiento. How Do You Sleep? es una serie de ataques a Paul McCartney ya que según Lennon, había sido atacado primero en referencias del álbum Ram (1971) de Paul. How? es una de esas canciones en los que uno se queda preguntando ¿Como esta canción no se convirtió en otro clásico de Lennon?, tiene todos los elementos para que así sea, delicada instrumentación, estructuras fáciles de digerir, cuerdas que endulzan y suavizan el dolor del amor no compartido o de las privaciones que tuvo John en su vida y con las que casi todos podemos identificarnos a nivel personal. En fin, una muy buena canción, que no recibió mucha difusión quizás. Oh Yoko! cierra el disco y es una alegre canción, esta vez con unas guitarras acústicas como protagonistas y una oda a la felicidad que su amor Yoko Ono le hacía sentir.

Como lo mencioné al inicio, un álbum más digerible en comparación con el anterior que fue más experimental, en donde se tomo mucho más cuidado en pulir el sonido, armonías y endulzarlo con instrumentos de cuerda, todo esto ayudó mucho a relanzar la carrera de Lennon en su momento. Las gran mayoría de las canciones de este disco están muy bien producidas y ejecutadas, la composición en general es brillante y contiene varios de los temas que eventualmente conformarían el status de Imagine (1971) como uno de los discos capitales de la carrera de Lennon como solista y uno de los más importantes de su década.

1. Imagine (3:04)
2. Crippled Inside (3:49)
3. Jealous Guy (4:14)
4. It's So Hard (2:27)
5. I Don't Wanna Be A Soldier Mama (6:08)
6. Give Me Some Truth (3:16)
7. Oh My Love (2:45)
8. How Do You Sleep? (5:36)
9. How? (3:45)
10. Oh Yoko! (4:21)

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TANTOR

2009-04-04T05:12:00.000-07:00

Tantor (1979)

1979 sería un año de transición en el rock argentino, como la calma que preceda a la tormenta. El desbande de los grandes músicos y sus respectivos grupos trajo desazón y falta de dirección. Ya no había referentes a quienes confrontar o a los cuales seguir, en medio de esta cortina de humo que no permitía ver el horizonte, se intentaron imponer estilos o modismos, musicalmente algunos encararon el jazz rock, otros se volcaron a fusionar estilos. Era un momento de duda, se necesitaba una luz, algo de claridad, para que el rock argentino retomara su rumbo. Ya que siempre parecíamos una copia de modas y elementos foráneos, esta teoría no se puede negar que tenía algo de real, pero nuestros músicos también crearon obras perfectamente argentinas.

En la movida rockera Argentina, el jazz rock comenzó a ser una influencia fuerte a finales de la década de los 70's, curiosamente un momento en donde el mundo vivía el gran apogeo de la new wave y el punk, estilos radicalmente opuestos al jazz rock pero que recién traerían secuelas en la Argentina de comienzos de los 80's. Por entonces, los supuestamente célebres Madre Atómica de Lito Epumer, pioneros del género en el país, aún no habían podido editar ni un disco. Así que el panorama parece muy negativo, pero como en todo hay excepciones. En este caso, una gran excepción era Tantor.

Por estos días vuelve al ruedo el ex Aquelarre Héctor "Bola de Ruido" Starc, quien junto a otro compañero de banda, Rodolfo García (ex Aquelarre, Almendra) y Carlos Alberto "Machi" Rufino (ex Invisible) formarían Tantor. En sus comienzos fue de la partida el tecladista y músico de M.I.A. Lito Vitale, quien tenía asombrado a Starc por su capacidad y destreza. La banda nació principalmente de la idea de Héctor Starc, de hacer música instrumental, para lo cual mientras se encontraba en España junto a ese gran grupo de rock que fue Aquelarre, comienza un ida y vuelta por correo con Machi, mandándole las partituras y unos cassettes con los temas que iba componiendo en dicho país. Machi por su lado les grababa las bases de bajo y volvía a mandar los cassettes a Starc. Una vez disuelto Aquelarre, el proyecto entre Starc, Machi y García fue tomando forma en Buenos Aires hasta convertirse definitivamente en Tantor (como el elefante de Tarzán) durante el año 1979. El trío incorporó luego al muy joven tecladista Leo Sujatovich y encararon la grabación del primer álbum, que contó también con Vitale como invitado.

Y así estamos entonces ante el mejor disco de jazz rock hecho en Argentina. Repasando el álbum, que lamentablemente no tiene ninguna reedición en CD, nos encontramos con una música de gran potencia, tocado con ganas, virtuosismo y energía. Todos los temas son de Héctor Starc que se desempeña de manera increíble en la guitarra, combinando el swing del jazz con feroces solos de rock. La base rítmica de Machi y Rodolfo García es sólida y efectiva, sin alardes de ningún tipo. El trabajo de Sujatovich y Vitale en las teclas es brillante. De los siete temas que conforman el álbum dos son cantados por Machi, Llama Siempre y El Sol De La Pobreza con letras de Luis Alberto Spinetta. Tantor (1979) fue grabado en tiempo record, de manera muy espontánea (se utilizaron las primeras tomas como masters) lo cual explica gran parte de la fuerza expresiva del disco. Es difícil elegir algún tema sobre otro, todos son excepcionales, desde el impactante comienzo de Guerreras Club hasta el vertiginoso cierre con Carrera De Chanchos.

Lamentablemente el álbum no anduvo bien en lo comercial (Starc diría luego que la música instrumental en Argentina no funcionaba) y ya en 1980 comenzaron los problemas, se fue Machi y Rodolfo García estaba muy ocupado con la reunión de Almendra. Sujatovich ocupaba gran parte de su tiempo como sesionista acompañando a cantantes como Palito Ortega, Starc al ver que le faltaban músicos se dedico más a su trabajo como sonidista. Las consecuencias de todo esto era que Tantor estaba parado. Recién en 1981 comenzó la idea de reflotar al grupo pero esta vez los resultados musicales estuvieron, lamentablemente, muy lejos del primer gran LP. Al año siguiente se separaron sin pena ni gloria. Atrás, queda el mejor álbum de jazz rock grabado en Argentina, lo que no es poca cosa. Y la música que contiene sigue sonando fresca y vital pese a los 30 años transcurridos. Sin duda una de las bandas menos reconocidas y más desprestigiadas dentro del rock nacional argentino. Esperemos que algún día alguien vinculado a las discográficas tenga la buena idea de reeditarlo en CD.

1. Guerreras Club (4:25)
2. Niedernwohren (5:40)
3. Llama Siempre (3:15)
4. Oreja Y Vuelta Al Ruedo (6:28)
5. Halitos (6:58)
6. El Sol De La Pobreza (4:37)
7. Carrera De Chanchos (7:39)

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ASFALTO

2009-04-02T22:07:00.000-07:00

Asfalto (1978)

Madrid era un hervidero de gente con ganas de hacer cosas, de expresar opiniones y sentimientos reprimidos hasta entonces en el idioma de Cervantes, ya que era la única manera de que la mayoría de la gente se enterara de qué estaban cantando. Había mucha música cantada en inglés, en parte por seguir la corriente de afuera y también por ocultar determinados mensajes. Pero ya no había razón para esto último. De modo que José Luis Jiménez (bajo y voz) deshizo sus Tickets y les cambió el nombre a Asfalto, contactó con varios músicos, entre ellos Armando de Castro, hasta que dio con la formación que grabó este primer disco, Julio Castejón (guitarra y voz) y Enrique Cajide (batería), entonces en Handicap, y Lele Laína, guitarrista y cantante del grupo Los Zurdos.

El 13 de marzo de 1978 salió a la luz Asfalto (1978), grabado en los estudios Audofilm de Madrid, España con muy pocos medios y bajo la producción de Vicente Mariscal Romero. Contiene muchos de los himnos que han amenizado los años del descubrimiento. Digo bien, porque la transición política española conllevó a cambios profundos en la sociedad, que había cosas más allá de lo que estaban obligados a ver las personas hasta entonces, entre ellas todas las manifestaciones artísticas (música incluida) y que además servían de vehículo para expresar cosas.

De hecho, las canciones que contienen este disco tienen mucho para decir, cuentan como era el entorno social en el que se desenvolvía la vida urbana madrileña. ¿A alguien le suena eso de rock urbano? No es un invento de los medios de comunicación en los 90's para darles espacio a grupos de punk rock estilo Boicot, Porretas y tal. No tiene nada que ver. El rock urbano era la música que dejaba a las claras el modo de vida del Madrid de entonces (con bandas como Leño o Topo). Canciones como Ser Urbano o Todos Los Días explican sobre guitarras con una ligera saturación en qué consistía y que efectos tenía la gran urbe sobre la gente joven. Ya Está Bien habla de la marginación del rock y de la voluntad de salir del ostracismo sobre una base de rock and roll. La perfecta Días De Escuela o El Emigrante tienen un cierto sabor añejo, pintando escenas que muchos han vivido en la niñez. Otras no son tan explícitas, como La Isla Del Amor o Quiero Irme - La Huida, son bastante más imaginativas en las letras, casi hippies, con una estructura que desarrolla pasajes bucólicos y estrofas cantadas sobre acordes suaves, en plano sinfónico, con el bajo de José Luis Jiménez muy presente, ubicado en un rol protagonista.

Antes de continuar, nos detenemos para analizar una canción, Rocinante sin duda. Dejando al margen motivos sentimentales (uno ha sido consiente de ser un niño con esta canción), la audición de Rocinante provoca la instante una mezcla de nostalgia y admiración. Pocas canciones tan hermosas, tan delicadas y a la vez tan sólidas, construidas para quedar en la memoria a la primera escucha, sin ceder a la simpleza ni a la obviedad. El tono épico de esta composición sería a partir de entonces la particular marca de la casa de Asfalto, que tras este primer disco deambularon con desigual fortuna entre el rock sinfónico de finales de los 70's (un claro ejemplo de esto son sus placas Ahora de 1979 y Déjalo Así de 1981), el rock duro español de los 80's (Más Que Una Intención de 1983 y Cronophobia de 1984), la canción urbana (El Plante De Los Locos, 1994) e incluso el pop de diseño (Sólo Por Dinero, 1990), sin perder nunca su identidad y su magia.

En este primer disco de los madrileños encontramos junto a Rocinante, la que es, sin duda, otra joya del archivo de aquella mítica grabación, la ya comentada Días De Escuela, un documento sonoro con un fuerte carácter generacional debido a su letra, que rememora los lejanos días de colegio a través de imágenes irremplazables, "el estrecho bigote de Don Ramón" "la leche en polvo y el queso americano" "la estufa de carbón, que no calienta ni a Dios". Ninguna de las dos canciones fue single en su día, pero inmediatamente fueron reclamadas en los directos de la banda por el fervor de un público que sentía esas letras. Capitán Trueno es otro tema que tiene una lírica como de pedir socorro con una melodía marcada por una modesta flauta que nos trasporta a un pueblo medieval pero llevandonos guitarras distorcionadas, mostrando una vez más lo rompedor que fue este disco, porque a partir de ahí es como si el propio Capitán Trueno viniera e hiciera que ganara el bueno, por lo menos supuso la apertura de una vez por todas al conocimiento de lo que hacían los grupos en los locales y la posibilidad de grabar música radicalmente distinta de las burdas imitaciones de grupos americanos o ingleses.

Este disco es imprescindible para conocer el rock que se hacía en España en la etapa post franquista inmediata. Un trozo de historia envasada, ahora sí, al alcance de todos.

1. Ya Está Bien (5:59)
2. Capitán Trueno (3:52)
3. Ser Urbano (3:19)
4. Días De Escuela (6:37)
5. Todos Los Días (2:35)
6. Quiero Irme - La Huída (10:58)
7. Rocinante (5:38)
8. La Isla Del Amor (5:56)
9. El Emigrante (2:53)

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SAVOY BROWN

2009-04-02T21:52:00.000-07:00

Blue Matter (1969)

Hoy traigo otro disco de esta banda blusera británica llamada en sus comienzos como The Savoy Brown Blues Band. El grupo comenzó su actividad en el año 1966 con Kim Simmons a la cabeza y una formación que solo se mantuvo en el single editado en ese mismo año. Desde el año 1968 hasta 1970 se mantiene la formación que dio origen al éxito de la banda con Simmons en guitarra líder, Chris Youlden en voz, Bob Hall en piano, Dave Peverett en guitarra, Rivers Jobe (quién solo estará hasta 1968) en bajo y Roger Earl en la batería. Para el año 1970 todo se venía abajo ya que el cantante Youlden se despide del grupo, lo que causa que al año siguiente Peverett, Stevens y Earl sigan el mismo camino. Estos últimos luego formarían el exitoso grupo de rock llamado Foghat.

Pero antes de que la banda se desintegrara y nuevamente Kim Simmons tuviera que recurrir a los diarios clasificados en busca de nuevos músicos, en 1969 publicaron la excelente Train To Nowhere, tema que abre Blue Matter (1969), uno de sus discos clave, en el cual sonaba el bajo de Tone Stevens reemplazando a Rivers Jobe. El grupo en ese entonces ya comenzaba a pegar más fuerte en los Estados Unidos gracias a un puñado de buenos temas que volvían locos a los norteamericanos, no así en Inglaterra, su tierra natal.
El tercer disco de estudio editado por los Savoy Brown, Blue Matter (1969), es uno de los mejores de su discografía junto con sus primeros discos, Shake Down (1967), Getting To The Point (1968), A Step Furter (1969) y Raw Sienna (1969). Son pioneros del blues rock británico al igual que bandas como The Bluesbreakers y Fleetwood Mac; la banda llegaría a conocer a través de los años incontables formaciones, la cual es probablemente la mejor línea de su historia la reunida para este tercer álbum.

Independientemente de que la portada de este disco sea considerada como una de las más espantosas de la banda (en segundo lugar se colocaría Raw Sienna - 1969), musicalmente es todo lo contrario, el grupo se caracteriza por su excelente blues, y Blue Matter (1969) es 100%, eso, potenciado además por una gran habilidad para fusionar estilos tales como el rock, el R&B y el soul, creando canciones que son muy recomendables de escuchar. El disco se divide en dos partes muy bien definidas, El Lado A que la podríamos denominar como de Studio Session, entre ellas encontramos la genial Train To Nowhere que fue visto como el último grito de la escena del blues en Gran Bretaña, o Vicksburg Blues, con el comienzo de un triste piano a cargo de Bob Hall que se extiende durante toda la canción y a un melancólico Chris Youlden en voz cantando como si fuese un bluesman negro en los años 50's.

La segunda cara del LP, el Lado B, lo titularíamos como Live Show, ya que está compuesto por un pequeño concierto que realizó la clásica y solida línea de Savoy Brown en el College Of Education, en la ciudad de Leicester, en donde hicieron lo que más sabían hacer, interpretar el mejor blues rock/boogie de sus vidas, sorprendiendo a una multitud de jóvenes estudiantes que se dieron cita. De ese concierto se tomaron 3 temas para incluirlas en Blue Matter (1969), en donde se encuentra la legendaria versión de Louisiana Blues, compuesta por Muddy Waters y que marco el debut vocal de Dave Perrett que lo utilizaría innumerable de veces durante sus presentaciones en vivo con su posterior banda. Otro tema insignia de la banda es la genial versión de otro clásico del blues compuesta por el norteamericano Elmore James (padre del Slide Guitar), su It Hurts Me Too es realizada magistralmente, siendo incluida personalmente como una de las mejores interpretaciones de este tema junto con las versiones de Eric Clapton, Chuck Berry, Texas y The Rolling Stones; este es otra canción infaltable en el repertorio en directo de los Foghat.

Posteriormente para la edición digital de este álbum, fue incorporado un bonus track descartado para la edición original, llamado Grits Ain't Groceries (All Around The World).

1. Train To Nowhere (4:14)
2. Tolling Bells (6:37)
3. She's Got A Ring In His Nose And A Ring On Her Hand (3:09)
4. Vicksburg Blues (4:07)
5. Don't Turn Me From Your Door (5:10)
6. Grits Ain't Groceries (All Around The World) (2:45)
7. May Be Wrong (7:55)
8. Louisiana Blues (9:04)
9. It Hurts Me Too (6:51)

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Judas Priest - Sad Wings Of Destiny (1976)

2009-04-02T21:41:00.000-07:00

Sad Wings Of Destiny (1976)

Simplemente Heavy Metal. Nada mejor que estas dos palabras para poder describir el contenido de esta obra maestra y atemporal de los británicos. Todos y cada uno de los adjetivos que pueden aplicársele a ese género musical, pueden hacerse extensivas y aumentadas a Sad Wings Of Destiny (1976). Un disco en el que Kenneth Downing y Glenn Tipton hacen sonar sus guitarras más metálicas de lo que nunca nadie lo había hecho hasta ese día, mientras que la voz de Robert Halford está tan afilada como una cuchilla, y donde los Judas Priest se quitan de encima el estigma de Black Sabbath y superan ampliamente su titubeante debut.

Los clichés, los tópicos, las exageraciones, la simplicidad e infantilidad de unas letras a veces apocalípticas y otras que simplemente, como en el caso de Victim Of Changes, se comentan por si solas de lo gastadas que ya están, en definitiva, todo lo que años más tarde sería la definición del heavy metal se dan cita, algunas por primera vez, en este caso editado hace más de treinta años y que es necesario reivindicar, no por ser mejor o peor que otros posteriores sino precisamente por eso, por ser anterior a todos ellos, por su condición de pionero en muchas cosas, claro está, por su inmensa calidad en cada una de sus composiciones.

La apertura se da con Victim Of Changes, un complejo tema de casi ocho minutos de duración con una parte central sobrecogedora que todavía hereda muchos retazos de Ozzy y compañía y es por derecho propio uno de los grandes clásicos del grupo que no falta en casi ninguno de sus conciertos. Por el contrario, esto último es lo único que tiene en común con The Ripper porque aparte de ser otro gran clásico de Judas Priest, aquí la banda se muestra más directa, precisa y agresiva como el bisturí de Jack el Destripador. Sin duda una de las mejores interpretaciones de Rob Halford en toda su carrera.
Dreaming Deceiver es un medio tiempo tranquilo, lleno de reminiscencias de los Black Sabbath más tranquilos (aunque Halford no es Ozzy ni Ozzy es Halford) y que enganchan perfectamente con Deceiver (en realidad es un mismo tema dividido en dos partes). Un descenso con Prelude y vuelta a la carga con otro clásico como lo es Tyrant con Halford doblándose las voces de manera extraordinaria y unos guitarristas, como siempre a lo largo y ancho del disco, tan simples y básicos como inspirados.

Llegamos a Genocide, que mantiene sobradamente el listón con otra andanada de heavy metal con un curioso interludio donde una voz en off (otro detalle más de lo que luego harían decenas de bandas) nos anuncia, aunque sólo sea casualidad, el nombre del próximo lanzamiento de la banda. El siguiente es el tema más raro del disco, por decirlo de alguna manera. Y es que Epitath es de todo menos lo que se espera de una canción de Judas Priest. Halford sucumbiendo ante una triste letra sobre un precioso y melancólico piano. Desde luego uno de los temas menos conocidos de la banda y que sin embargo es todo un placer poder oírlo. Y para terminar, ¿porque no con otro clásico?, Island Of Domination, la punta final para un trabajo perfecto con Halford desmembrándose una vez más sobre un estupendo riff.

Podríamos dividir las etapas de la banda por décadas, por cantante o, medio en broma, por los diferentes logotipos que el grupo ha tenido hasta la actualidad e incluso, continuando con la broma hasta la exageración, por la cruz que sale por vez primera en este disco colgada del cuello del ángel. Pero dejando de lado las tonterías, está claro que la época de apogeo, éxito y mayor inspiración de la banda fue la correspondida entre sus discos British Steel (1980) y Turbo (1986), años donde pulieron definitivamente su estilo y alcanzaron un estatus de banda realmente grande, pero eso no es argumento como para dejar a un lado su extenso y buen trabajo desarrollado en los años 70's, donde discos como éste y los siguientes dejaron el terreno bien fértil para su coronación en los 80's como auténticos reyes del heavy metal. Extraordinario disco donde los haya, el cual dio además lugar a uno de los movimientos más grandes que existió jamás dentro de este género, el conocido como NWOBHM (New Wave Of British Heavy Metal), dando lugar a muchas bandas que tuvieron inspiración en esta obra maestra, grupos como Iron Maiden, Saxon o Def Leppard por citar tres ejemplos.

1. Victim Of Changes (7:53)
2. The Ripper (2:50)
3. Dreamer Deceiver (5:53)
4. Deceiver (2:42)
5. Prelude (2:01)
6. Tyrant (4:28)
7. Genocide (5:46)
8. Epitaph (3:07)
9. Island Of Domination (4:23)

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