El inquieto y ecléctico Tom Waits, con su música experimental de aroma primitivo, tenía una cita pendiente con esta lúgubre consulta musicópata. En el siguiente informe se hará un intento por establecer el motivo de dicha visita, bien por sus canciones de lijoso sonido y lírica, bien por su sordidez romántica, bien por su narrativa surrealista protagonizada por perdedores urbanos, bien por su odio a la sociedad mainstream.

A nivel compositivo podemos diferenciar dos etapas principales. Entre Closing Time (1973) y la banda sonora de One From The Heart (1983) grabó nueve discos en los cuales escarcea con el jazz y el blues; no pretendía ser un autor comercial pero fue convirtiéndose en un autor de culto para outsiders dados al alcohol y la bohemia. Con el disco Swordfishtrombones (1983) introdujo un nuevo despliegue musical que hacía menos énfasis en el piano a la vez que aceraba su voz para convertirla en el principal instrumento. A partir de su matrimonio con Kathleen Brennan, empieza una segunda etapa más experimental y compleja, con atmósferas enrarecidas, reflexivas y nocturnales. La antaño colaboradora de Coppola le retira del alcohol arreglando también sus barullos económicos y contractuales, trasladándose al norte de California para decir adiós a la bohemia y hola a la vida parental. A diferencia de lo acaecido cuando Dylan se retiró del mudanal ruido, no simplifica su música sino que radicaliza sonido, estructuras y expresión, abandonando su versión destilada de lo beatnik en pos de aullar y castigar instrumentos.

Su patológica filia al entorno de cloaca surgió cuando vagaba por antros de Los Ángeles, probablemente fuese determinante respecto a su decisa elusión de lo comercial, coadyuvando un profundo amor por los detritos de la beat generation. Pese a mostrar cierta inclinación por la balada romántica, el agudo Waits acostumbra a crear personajes tridimensionales que viven a la deriva, retratos grotescos que alternan misticismo y crueldad. Siendo sus temas monólogos recitados con aroma de barra de bar instruída, amén de los caprichos de experimentación sonora y creativa, podría determinarse que ha hecho méritos suficientes para quedar excluido de las listas de éxitos.
No todo en Waits es sonido, participando en cameos que establecen una filmografía extensa con incursiones de importancia creciente. Para referencias concretas lo podemos encontrar en La cocina del infierno, Bajo el peso de la ley, Vidas cruzadas, Coffee and Cigarettes, La ley de la calle, The Cotton Club, Drácula de Bram Stoker, El tigre y la nieve, The Imaginarium of Doctor Parnassus, Seven Psychopaths…
En su faceta más hater encontramos un dictamen explícito en el rechazo de su obra publicitariamente, burlándose de los artistas que lo hacen. Incluso presentó varias demandas contra empresas que emplearon su trabajo sin autorización. Generoso con su arte pero escueto con su presencia pública, extiende una bomba de humo sobre su vida y motivaciones, raciona sus directos con giras raras y breves, y rechaza deliberadamente los festivales que honran su obra: Waitstock, Stray-dogs Party y Waiting for Waits.

En ocasiones el tiempo puede caer sobre tus hombros y que una aparentemente sencilla reseña acabe dando tumbos por los depósitos virtuales y personales durante un lapso indefinido. Lo aquí relatado acaeció un 20 de marzo de 2015 en pleno barrio del Raval barcelonés, entre lo que que las catalanas llaman vespre y los aldedores de medianoche, +++ presentaban «Octagrammaton» y los acompañaba el grupo Cadena, en el caluroso fondo del ya difunto Bar Lupita.
+++ orquestraron su apetecible combinación de ruido, oscuridad abisal y referencias histórico-esotéricas recientemente materializadas en un vinilo ritual. Por su parte Cadena, banda condal que exuda repulsión y frustración hacia lo terreno, parientes de las mismas estirpes de ruido, pusieron en escena su combinación de instrumentos clásicos para el ruido con elementos electrónicos, llevando bajo el brazo un siete pulgadas con ruidosa lírica en catalán recientemente horneado por Boston Pizza Records bajo el título “0857”.

Volvamos a lo que ellos llaman el Culto de Sombra, +++, siendo la intención de dos espíritus también conocidos como Víctor Dvnkel y Marc O’Callaghan. La semilla del mal se planta en Barcelona durante 2012, fractalizando previamente en tres cassettes editados por Demonodrome Records. El «Octagrammaton» según los autores es “un sacro códice interdimensional de ocho clavículas de poder que, después de una larga sucesión de mundanales pero kármicas ordalías que pusieron su efectiva realización en serio peligro de abducción en el olvido de la oscura noche del alma, finalmente llega a la Luz de la tierra —y del vinilo de doce pulgadas— por la gracia de la sacra alianza entre las logias Flexi Discos y Boston Pizza Records.”

Experiencia mística necrofolk aparte, cabe mentar los vástagos de los componentes en otros lares. Marc O’Callaghan hace fanzines, ilustraciones, acciones y música que son pura muerte y destrucción, canalizando el flujo general a través de actos repletas de un potente imaginario que podría despistarnos para enconsertarlo en múltiples tipologías mentadas la biblia psiquiátrica DSM (Manual diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales). Cambiando de tercio, formó parte del grupo de black metal Skogen Kallar, aprovechando el local para grabar delirios individuales que facilitaron el paso de ahí a Crani Sèptic, saltando a Pedraforca, a Coàgul y a +++. De la inercia adolescente metalera hacia una cierta autoconsciencia individual, culminando en el total control sobre la dirección del impulso creativo, en una sucesiva degradación de los estándares en pos de la creación de trabajos de mayor libertad creativa. Coàgul representa esa libertad absoluta, puesto que es un proyecto individual y por ende menos condicionado y más modificable al gusto del autor.

Víctor Dvnkel integra con Laura Höldein un colectivo fanzinero llamado Petit Comité Del Terror, con los que editan fanzines y cintas donde todo estaba hecho a mano, en un horror vacui de imagénes de cuerpos masacrados, pollas, runas y sangre. Tiene la costumbre de escribir la letra “u” con una “v”. Sus obras también merecerían diagnósticos musiquiátricos por doquier.

Bajo el formato de un dúo lo-fi +++ cumple el propósito de hacer una música accessible para un público más amplio, con un contenido esotérico que podría dificultar la comprensión de los entes menos dados al misterio, sobrepasando con creces los límites de la locura. Reincorporando los símbolos cristianos y paganos generan resultados que son aplicables a todo tiempo y lugar. Si lo metieramos todo en una urna habría panderetas, ambivalencia en la utilización de los instrumentos, campanas, raw noise, sintetizadores de baja calidad, ténues guitarras acústicas, instrumentos estrafalarios, lírica exquisita extraída de mauseoleos leídos. Son elegantes, viven el directo sea cual fuere el aforo y hacen de sus extensos temas necro-folk algo la mar de digerible. Puedes asimilarlo como una obra de arte conceptual o como un gesto de broma y mofa, puede que su sonido te cueste de primeras pero superado el trauma es probable que acabes abocado en su liturgia alucinógena y sin parangón.

Fotografías de Beatriz Barriuso, Manchas de tinta, http://yourheartonatray.blogspot.com.es/

Llegan buenas nuevas para todo amante del Rock Progresivo y la música en general,  porque realmente, desde un enfoque muy personal, la buena música no debe de tener etiquetas, ni está creada sólo para un público en concreto, la buena música, debe de tener cabida en todos los oídos, independientemente del gusto del oyente, y este trabajo es un  ejemplo claro de ello: Una historia de 24 minutos con 9 paisajes musicales diferentes seguidos, el cual ya se puede escuchar en formato digital.  «Assassin».

Sweet Hole, creo que no necesita presentación para todo aquel musicópata que nos siga, ya que el grupo de rock progresivo sevillano tiene su celda acolchada en el  Musiquiatrico. Para todo aquel que no sepa la historia de esta banda, puede visitar su  celda y la página web oficial del grupo, en la cual encontrareis un resumen exhaustivo  de los inicios, posteriores incorporaciones del grupo, trabajos y formación actual.

Web Oficial: http://sweetholeband.com/rock-band

Si os hablaré un poco de sus tres trabajos de estudios que llevan realizados hasta hoy: “Riddles Of Mind”, “Retrospective” y “Assassin”.

Riddles of mind

Decidieron presentar el disco “Riddles Of Mind” el 28 de Octubre de 2011 y lo hicieron a lo grande, junto al grupo pionero del Hard-Rock en España desde 1974: The Storm, en una abarrotada sala Malandar. Miguel los había visto 8 meses antes en directo quedándose boquiabierto ante la fuerza y el sonido de los de San Jerónimo, así que se prometió a sí mismo que algún día tendrían que tocar con sus ídolos, sus modelos musicales de la misma ciudad. A partir de aquí se embarcaron en una gira que aún sigue y en la que otra leyenda del Rock Nacional también apareció de forma estelar: Antonio Smash, del mítico grupo Smash, Goma, Pata Negra, etc.; que empezó a colaborar con ellos tras conocer a Carlos.

Retrospective

En 2013 comienzan los conciertos en paralelo como tributo a King crimson, Camel, Triana. Mientras, fruto del buen feeling conseguido con el grupo Storm, el gran Diego Ruiz Géniz, su batería, decide dar un paso adelante y  producirles su primer trabajo de categoría profesional. Durante meses aconseja al grupo con toda su experiencia y colabora activamente en la evolución musical de los miembros, que pueden disfrutar de los consejos y la convivencia de una figura a nivel mundial como Diego, que demuestra ser aun mejor persona que batería. El disco se presenta en 2014 en un concierto de nuevo con Storm como padrinos, que tienen el detalle de tocar ese día temas del que será también su nuevo disco, el primero en más de 30 años: Trilogía.

 

 

Assassin

Mientras siguen actuando en diversas ciudades del panorama nacional en 2014, se lanzan a la creación de lo que será su tercer trabajo de estudio. Esta vez se trata de un EP de 25 minutos llamado “Assassin”. Un tema conceptual, que continúa la saga del tema “Decide” de su anterior disco, y que consta de nueve parajes musicales claramente diferenciados entre sí. EL grupo decide sacar el trabajo gratuitamente a principios de 2015 y en todas las plataformas online posibles. Pronto empiezan a recibir muy buenas críticas del EP, tanto nacionales como internacionales, lo que les lleva a plantearse una gira europea que comenzará en septiembre de este mismo año. Mientras, pasearán su nuevo trabajo por varias ciudades españolas, como Córdoba, Cádiz o Madrid, donde actuarán con sus actuales padrinos y maestros, los “Storm”

Dicho trabajo, «Assassin«, el cual me ha movido a publicar este «Caso Clinico», se presentará en la Sala X, Sevilla, el 26 de Marzo, momento idoneo para disfrutar del selecto directo de nuestros compañeros de Sweet Hole…

…¿Te lo vas a perder?

Para empezar abriendo boca, a continuación, por obsequio y petición de la banda, compartimos una carpeta «One Drive» con el tema «Assassin». Disfrutenlo!

https://onedrive.live.com/redir.aspx?cid=84b7c6df439bb0d2&page=self&resid=84B7C6DF439BB0D2!335&parId=84B7C6DF439BB0D2!289&authkey=!Ashwch7REvnp9Cs&Bpub=SDX.SkyDrive&Bsrc=Share

Proximos conciertos:

– 26 de marzo: Sala X (Sevilla)

– 28 marzo: Sala X (Sevilla) Colaboración de Sweet Hole en concierto de Storm

– 22 de mayo: Sala Lemon Live (Madrid) Sweet Hole + Storm

– 30 de mayo. Sala Milwaukee (Puerto Sta María, Cadiz)

– ¿? deJunio: Sala Bohemios (Cabra, Córdoba)

Fotografias web oficial.

Y no penséis que el Rey Carmesí viene calmado tras estos años de retiro espiritual, más bien todo lo contrario, viene dispuesto a golpear fuerte. 

Tan fuerte, que Fripp ha pensado que con una batería no sería suficiente, (cosa que ya había dejado entrever en sus últimas giras, donde se convirtió en habitual una formación con dos baterías) y por ello, para este nuevo trabajo ha contratado a tres bateristas además de a unos pocos habituales de las cambiantes filas de King Crimson: Pat Mastelotto, Bill Rieflin y Gavin Harrison, a los que se les suman el bajista Tony Levin, el saxofonista Mel Collins y el guitarrista Jakko Jakszyk.

A principios de 2015 han editado un álbum en directo en Cd/Vinilo/Dvd titulado Live at the Orpheum, donde Fripp con la nueva formación repasa algunos de sus temas de todas las epocas, recopilando canciones de Red (1970) o de The ConstruKction of Light (2000). El caso es que es una muestra de 41 minutos de su «nuevo» espectáculo.

El disco está grabado en su último concierto durante la gira americana de 2014, en el Orpheum Theatre de Broadway. Y por internet sólo rulan algunos pocos fragmentos bastante curiosos y dignos de ojear, como este vídeo a tres baterías simétricas, una auténtica locura digno de un Esquizoide Musicópata del Siglo XXI.

Y tras el éxito de su gira por EE.UU, Robert Frip ha decidido que era momento de cruzar el charco y venir a Europa con su nuevo trabajo, eso sí, España no es Europa, por lo que el que quiera verlos, que vaya ahorrando para un viaje a Inglaterra, Francia u Holanda.

Aquí el Cartel:

Cartel de la nueva gira de King Crimson por Europa

Como veis el futuro?
(Poly) No lo veo.
(Gos) Soy ciego.

Puede que su disco titulado Que pagui Pujol fuera una suerte de premonición accidental sobre el escándalo postpujolato, no obstante el espacio que nos ocupa pretende recordar a la ochentera banda condal llamada l’Odi Social. Un disco que era una abierta invitación a la desobediencia, con una portada representando a cuatro zagales saltando los controles del metro y una contraportada con Más odio que nunca, parodiando el slógan Barcelona, més que mai del Ayuntamiento.

En cualquiera de sus grabaciones podemos saborear la rabia propia del momento preolímpico y exterminador de la Barcelona de cloaca, sea en el mítico Que pagui Pujol, en Esventats o bien en otras diversas recopilaciones y directos. Huelga decir que no estaban solos en la jungla de asfalto, una escena que integraban Subterranean Kids, GRB y Anti/Dogmatikss, entre otras tantas.

Como todo buen grupo punk que se precie tuvieron ciertos vaivenes de miembros hasta que se establecieron con Saina a la batería, Poly al bajo, Fernando “Damned” a la guitarra y Jordi “Gos” al berreo. Por si no lo sabían ustedes gos en catalán significa perro. Pese a nacer en 1981 no fue hasta 1983 cuando pudieron empezar a funcionar con instrumentos y otras necesidades. Cabe comentar también que Poly alternaba su participación en el grupo con la función de vocalista en Anti/Dogmatikss. El año Orwell, 1984, sería para ellos un gran momento en cuanto a conciertos y festivales se refiere.

En una entrevista concedida a un fanzine de la época, declaraban que los temas propios eran compuestos por todos los miembros del grupo, especialmente por Poly. La vertiente política se expresaría tanto en las canciones como en la invención de lemas de carácter ácrata y marcadamente antagónico a la tendencia contemporánea hacia el consumo de heroína.
Después de esta etapa de éxitos desde la cloaca, siguió una fase de cierta inactividad, en la que los conciertos llegaban más espaciados. En primavera de 1988, entraron en el estudio pero no hubo que esperar al fin de la gira por Alemania cuando llegó el primer LP, en 1990, con el título Esventats. El grupo muestra un mayor dominio instrumental, así como cierta influencia del crossover y thrash metal.  En 1992 el grupo se disolvió, ese gloricioso año Montserrat Caballé y Freddie Mercury dedicaron aquel himno por encargo que representó “Barcelona”, pero antes L’Odi Social nos sembraron s contrarréplica titulada No Olimpigs.

Ya desde antes de la disolución, el guitarrista «Damned» se había unido a Subterranean Kids. Algún tiempo después, también Poly también entró en las filas del grupo como bajista. El vocalista «Gos» se integró en la banda Monstruación como bajista. Por su parte, el batería Saina dejó la música y montó una tienda dedicada al coleccionismo de juguetes. Con un sentido del humor finísimo, a la vez que con una mala leche fruto de un momento histórico complicado, L’Odi Social fueron un referente indiscutible para toda una escena social catalana, la okupa, la de los festivales reivindicativos y la de gusto negro anarquista.

Cual ajo que se repite su presencia se hizo eco en 2008, con la reedición digital de su música por Bcore y en 2011 con la crónica punk de los ’80 que el gran Joni D. publicara con La ciutat invisible bajo el título Que pagui Pujol!

Demuestran una vez más la simbiosis entre organismos de una misma especie, en este caso la «Especie Musicópata», que surge cada vez que se unen para alegría de nuestros oídos.

Grabado en Shimo Estudio este mismo mes de febrero, hace un par de semanas, bajo la atenta mirada de Jaime Cuadrado al sonido, Fran Duarte a la dirección/cámara y Álvaro Tatay a la cámara, nos regalan una pieza de algo mas de 5 minutos de puro Groove, fuerza y musicalidad, que a buen seguro, desde la primera nota, os hará alcanzar el clímax y os cautivará hasta el último acorde, sintiendo el deseo irrefrenable de volver a darle al Play una y otra vez.

Fernando, Juan, no dejéis de juntarse nunca para deleitarnos con estas obras.

Fotografías sacadas del Facebook de Fernando Lamadrid.

Para escribir sobre la historia del Punk, podría empezar con una larga “serie” de circunstancias, antecedentes y distintas ubicaciones, que para medio explicarlo bien, nos llevaría una semana entera mínimo de artículos relacionados, pero esa no es mi intención. Todos conocéis a grupos de Punk como los Ramones, Blondie, The Clash, Sex Pistols…, pero para mí, hay uno no tan conocido, y sobre ellos, irá mi receta de hoy: Bad Brains.

Bad Brains es considerado uno de los primeros grupos de Punk, e incluso los pioneros del “Hardcore Punk”, término el cual es rechazado por la banda. En su repertorio podemos encontrar también temas de “Metal Progresivo” y “Reggae”. Una de las peculiaridades de esta banda es que sus componentes son practicantes de la religión Rastafari… Sí, no casa muy bien la “tranquilidad” de esta comunidad, con la violencia natural del Punk, y sobre todo de Bad Brains.

Los fundadores del grupo fueron el guitarrista Gary Miller, (<Dr. Know>), y el bajista Darryl Jennifer, que se conocieron en sus anteriores etapas de diferentes grupos de la zona allá por 1978. A estos dos se unieron los hermanos Earl Hundson a la batería y Paul, alias <H.R> a la voz, y si me permitís, a la dirección, era digno de ver un directo en plena ebullición de H.R, cuando se daba la vuelta y empezaba a “chascar” los dedos mirando a los demás, entrando estos también en trance.

Empezaron como banda de Jazz, hasta que pasados unos meses, a través de un amigo, escucharon a Dead Boys. Después de eso, hubo una trasformación casi total de todos ellos, metiéndose de lleno en el Punk, cambiándose incluso el nombre al de Bad Brains, por el título de la canción de Ramones “Bad Brain.

En Junio del  79, actuaron como teloneros de The Damned en Bayou, provocando unos incidentes, echándolos a la calle y prohibiéndoles volver a tocar en el club. Esta situación unida a la reforma de The Atlantis, otro local asiduo, empujaron al grupo a mudarse a New York, donde había más oportunidades debido a la afluencias por aquel entonces de los locales de Punk.

Allí grabaron su primer 7 pulgada de manera independiente, “Pay to Cum”, (Diciembre del 79), junto al vídeo de 15 minutos “My picture in the movies  baby”, que consistía en una grabación del directo de CBGB de 1979. Tras solo lo que sería la punta del iceberg, empezaron a hacerse un nombre en New York, convirtiéndose en toda una influencia para otros grupos de la zona, que empezaron a tocar un estilo que hasta el momento era conocido como “Thrash”, ganándose “el título” de precursores del movimiento.

En Junio de 1980, autoeditado con el nombre del sello “Bad Brains Records”, aparecía por fin su primer Single. A partir de ahí, la aproximación personal del Rastafari en la faceta personal de los artistas, influenciaría sus consecutivos trabajos. En Marzo de 1982 saldría su primer casete, el que para muchos músicos sería el mejor disco hardcore punk de la historia, “Bad Brains”, grabada por el sello discográfico Roir Tapes, en el que se podía disfrutar de temas Punk, Trhash y los primeros sonidos de Reggae.

En 1984 se disolvieron por primera vez, volviéndose a unir a finales de 1985, que fue cuando editaron y grabaron con el sello SST, “I Against I”, totalmente renovados, y comenzando una serie de giras a lo largo de 1987. Tras la gira, se volvieron a disolver.

Diez años después se volverían a unir para grabar “God of Love” , 1995. En este disco los sonidos que predominan son el Reggae y el Heavy Metal de Fusión. Para promocionar el disco se unieron en gira y presentaciones conjuntas con Beastie Boys. La aventura no empezó del todo con buen pie, ya que H.R mientras cruzaba la frontera de Canadá, fue detenido por posesión de drogas, con el consiguiente aviso de Beastie Boys de que si continuaran los problemas, la gira se daría por concluida. Aún así, después de ese incidente, H.R, golpeo a su manager brutalmente e intento matar a su hermano antes de un concierto. La gira se dio por concluida después de que H.R, en una actuación, golpeara con el pie de su micrófono a dos fans que allí se encontraban, al pensar que les estaban escupiendo, y después de la agresión, ambos chicos fueron hospitalizados y a H.R se le diagnosticó un cuadro de esquizofrenia nivel medio. Lógicamente, después de tan accidentada gira, se volvieron a disolver para lo que ya todos creían que sería de forma definitiva. Nada mas lejos de la realidad, en 2001, se volvieron a unir bajo el nombre de Soul Brains para dar un concierto con los antiguos temas con el sonido de antaño, el Punk.

En 2003 volvieron a sacar un disco de Regaae,  “I and I survived”. Volvieron a los escenarios el 24 y 25 de Febrero de 2006 para dar un concierto en el mítico local  CBGB’S de Nueva York, asegurando que habría muchos más a continuación. En 2007 sacaron su disco “Build a Nation”, para en 2008 hacer una gira Latinoamericana. 

Desde entonces, no han parado, y os lo podéis encontrar en las diferentes redes sociales. Su último trabajo fue lanzado por Megaforce Records, el 20 de Noviembre del 2012, si no contamos con el álbum remasterizado de remixes, que vio la luz este año que acabamos de dejar atrás bajo el título de «In Dub – Arraanged by Kein Hasss Da».

Sin duda, toda una trayectoria de altibajos y cambios de estilos, que no dejará indiferente a nadie que escuche su discografia: del Jazz híbrido al Punk, del Hardcore Punk al Trhash, del Trhash al Reggae, pasando de nuevo por el sonido principal del Punk, para acabar con una fusión de todos los géneros en sus directos predominando el Reggae, toda una experiencia…

Información:

Facebook: https://www.facebook.com/badbrains/timeline

Sitio Web: http://www.badbrains.com/

Así trabajan estos jóvenes musicópatas:

En Youtube nos dejan su álbum completo, también disponible en su celda acolchada. Entra y ¡contágiate!

Pero, ¿qué huella han dejado las vacas en la producción musical? ¿Estaremos frente a una relación simbiótica musicopática?

Bien podríamos preguntar, posiblemente con poco éxito, a las vacas protagonistas de algunas de las portadas más famosas, o no, de la música en los últimos tiempos.

La portada del disco «Atom Heart Mother» (1970) es sin duda una de las más representativas de Pink Floyd, que buscaron alejarse radicalmente de lo que ellos mismos representaban, algo «lo más normal posible». La vaca, Lulubelle III, se cruzó en el camino de Storm Thorgerson, el diseñador de la portada, cuando andaba por el campo buscando algo que fotografiar. ¿Fotografió lo primero que se encontró, como él afirma, o hablamos de «amor a primera vista»? Desde luego, marcó un hito en la historia de la música contemporánea.

Frank Zappa también vio representado con un ejemplar de vaca lechera uno de sus mejores álbumes, «Läther», que reúne canciones de todo un periodo, muchas de las cuales ya aparecieron en los álbumes «Zappa in New York» (1978), «Studio Tan» (1978), «Sleep Dirt» (1979), «Orchestral Favorites» (1979) y «Shut Up ‘n Play Yer Guitar» (1981). Una vaca pensativa con bigote y perilla a lo Zappa, y con unas manchas dignas de un test de Rorschach. Una vaca que, probablemente, después de escuchar tal complejidad musical, no le quedó claro si dar leche, cuajo o yemas de huevo.

Otra de las ubres más famosas del mundillo, la de la vaca más rocker que ha aparecido nunca «en portada». Con el tatoo de su banda en el muslo, y su piercing en plena tetilla, la vaca del disco «Get a Grip» (1993) levantó polémica entre las asociaciones pro-animales, por su supuesto maltrato, pero es que… ella… estaba… loca por la música. La banda se defendió argumentando a base de sarcasmo que «la vaca fue anestesiada antes de colocarle el piercing, luego recibió una recuperación en un hospital, todo para que la vaca entre a la moda». Evidentemente, todo fue un montaje gráfico.
«En su honor», cuentan que durante la gira de presentación del disco, partieron un total de 100.000 cuerdas de guitarra, a una media de 59 guitarras en cada uno de los 224 conciertos que dieron alrededor del mundo. No al maltrato animal, Sí a la moda bovina!

Y si aún no te has convencido del todo, pregúntale a Sofía de Pennart por qué las vacas están locas por la música… y la música por ellas.

 ¿Conoces más casos como estos? Pues no te cortes y ¡compártelo!

Lo sorprendente de este caso no se limita a su discapacidad, ya que a lo largo de la historia  hemos conocido grandes intérpretes con ceguera. Y es que Weesay, para poder ganarse la vida, decidió fabricarse él mismo una guitarra con un palo, un par  de cuerdas y una lata de aceite. Con tal instrumento, y su habilidad al interpretar «reggae», Weesay se ha convertido en toda una estrella de Internet. Su tema «O! Chips» lleva ya más de 491.000 reproducciones en la plataforma Youtube, desde que se colgara el 10 de Diciembre, (el vídeo original ya fue compartido en diferentes plataformas con anterioridad).

A principios de 2014 creó una pagina de Facebook en la cual podréis disfrutar de otras interpretaciones con su nueva guitarra.

Facebook: Weesay Liberia: https://www.facebook.com/WeesayLiberia

Cuando los ojos no ven, la música, te ayuda a encontrar el camino. (Dr. Úbeda)

Fotografías sacadas del Facebook de Weesay.