EL SONIDO Y LA BULLA

NEIL YOUNG

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Thu, 29 Oct 2015 17:40:00 +0000

Neil Percival Young, o simplemente Neil Young (Toronto, 1945), ha sido definido como uno de los artistas más influyentes del rock.Como guitarrista y cantante Neil Young es indudablemente un referente. Cuatro décadas de su rock siguen circulando por las venas de músicos y melómanos. Acústica o eléctricamente; asentado sobre sus distorsiones y -en todas- entregado absolutamente a la música, Neil Young es el héroe inmortal de la guitarra -en mi opinión no tanto por su virtuosismo (los hay más virtuosos que él), sino por su originalidad-; una influencia inexorable para los que vivimos en el territorio de la música, provisto especialmente de su Old Black Gibson Les Paul. Yo mismo, no puedo evitar aplicar imaginariamente las improvisaciones de Young en las performances de otros grandes del rock.

La música de Young es agridulce, obsesiva del detalle y la creatividad; su lírica es notable, quizás porque Young es un testigo. Testigo de todo: de su propia vida (una familia fracturada, la polio cuando niño, la epilepsia de joven, un aneurisma cerebral, fracasos amorosos, dos hijos con parálisis cerebral), del mundo, sus injusticias y rebeldías (cómo olvidar su magistral “Ohio”, testigo de las masacres de la Universidad de Kent y de la Plaza Tiananmen); del cambio climático, de las guerras, de la búsqueda del sonido, etc. Un testigo siempre creativo. Sus inicios en los sesenta, sus bandas: Buffalo Springfield, CSNY, Crazy Horses, Stray Gators; sus trabajos en solitario y con las colaboraciones de Linda Ronstadt, Emmylou Harris o Nicolette Larson; sus músicos: Danny Whitten, Billy Talbot, Ralph Molina, además de Still, Nash, Crosby, Furay; sus 55 álbumes entre 1966 y 2015, etc. lo retratan como icono del rock de todos los tiempos. Si bien Young -por motivos comprensibles o no tanto- no apareció en los ochenta, resurgió por todo lo alto en los noventa. Y ello resulta más admirable y paradójico tratándose de alguien como Young, que desde los parámetros folk, tan clásicos, tan sesenteros, resulte hoy tercamente revolucionario. Su música forma parte de los cimientos, las estructuras del rock, cuya repetición e influencia siguen siendo trascendentes e invaluables. Por ello, su discografía es la historia de la revolución en muchos aspectos: social, cultural, económico, musical, etc. Por ello -en mi opinión- “Ohio”, “Heart of gold” “Cowgirl in the Sand” y “Hey hey, my my (Into The Black)” son las joyas de la corona.

Para cerrar esta parte, no hay que ignorar la opinión de una de las personas que más cerca ha estado y que ha hablado decenas de horas con Young: su biógrafo autorizado Jimmy McDonough. Él retrata al genial músico en Shakey: Neil Young's Biography (Author Books, A Division of Random House, Inc., 797págs.) como hiperactivo, caótico, despiadado, talentoso, inconformista, desconcertante..., además de generoso.

ALGO DE SU DISCOGRAFÍA MÁS VALIOSA

Su álbum Everybody knows this is nowhere (Reprise, 1969), puede considerarse su obra maestra. Épica, invaluable, absoluta. En él aparecen los exRockets -a partir de aquí Crazy Horse- acompañando magistralmente a un Young a partir de ahora solista. No hay palabras para describir esta mezcla de energía y sensibilidad en un rock country con su personalísimo sello. Canciones largas, con míticas improvisaciones donde nada es completamente dulce ni nostálgico, nada demasiado agrio ni salobre. De todos ellos se puede ver cómo el amor se convierte en riff en “Cinnamon girl”; o el “Everybody knows this is nowhere” se muestra nostálgica. En “Round & Round” que cantó junto a Robin Lane, Young se desplaza con gran sensibilidad sobre la melodía. “Down by the river” es una alegoría del amor y la muerte, lenta hasta el dolor. “The losing end (When You're On)” otro country rock para el amor fallido. Hay una cuota especial para el violín lastimero de Notkoff en “Running Dry”. Todo está en orden hasta ahí, pero dejamos el lugar especial para la fabulosa e emotiva “Cowgirl in the sand”, para mí la canción de este disco, donde la lírica de Young pasa a ser secundaria y hasta prescindible para ceder el paso a su guitarra, en un trance de casi diez minutos y nos deja en el alma un dibujo imborrable, lleno de sensaciones.

Enseguida Neil Young nos regaló “Harvest” (Reprise, 1972), quizás su disco más mediático, al mismo tiempo el más esencial. No falta ni faltará en el playlist de mi vida. Una larguísima carrera de episodios dispares dentro del mismo disco. Balanceándose entre un folk/rock y country acústico u orquestado. Con la compañía de los Stray Gators Young impregna su genio en un vinilo de gran calidad. Quedan para el aplauso las míticas “Heart Of Gold”, (grabado en Nashville), “Old Man”, (inspirado en Louis Avila, que trabajaba en su rancho Broken Arrow), "Are You Ready For The Country?”, “The Needle And The Damage Done” y por supuesto “Harvest”. Hay de amor y rebeldía, hay de Crosby, Still, Nash, Taylor y Ronstadt. Hay de la London Symphony Orhestra. Hay de todo para el espíritu.

En “Rust Never Sleeps” (Reprise, 1979) Neil Young en directo regresa a esa dicotomía, piedra angular en su trabajo: folk acústico con prevalencia de la melodía y rock eléctrico de intensa y terca distorsión. Su lírica es notable en los distintos habitáculos desde donde Young nos habla. Para empezar, el magnífico hard “My, My Hey Hey..." En sus dos caras: "Out of the blue” (acústica) pero -para mí- la brillante “Into the black” (eléctrica) es la mejor. Dos regalos de un mismo tema. Luego “Powderfinger”, “Trasher”, “Pocahontas”. Aquí participan Nicolette Larson, Carl Himmell, Joe Osborne y sus amigos de Crazy Horse, crudos, salvajes y valiosos.

“Neil Young” (Reprise, 1969), un infravalorado, estupendo disco editado en Reprise con cálidos sonidos pop, folk, country y atestado de memorables melodías. Una de ellas es “I’ve Been Waiting For You”, tema con sonidos fuzz guitar con Neil Young registrando su encuentro con una mujer que salvará su vida, una mujer que parece haber perdido una o más veces.

“On the Beach” (Reprise, 1974) obtuvo poco éxito comercial, aunque con el paso del tiempo se convirtió en un favorito de la crítica: al respecto, el crítico Derek Svennungsen describió On the Beach como «hipnotizante, desgarrador, lúcido y turbio».

En “American Stars ’N Bars” (Reprise, 1974-1977), recomiendo “Like a Hurricane”

“Freedom” (Reprise, 1989).- Recomendable “Rockin’ in the Free World”, año 1989, un disco crítico con la administración Bush. Resulta valioso este álbum porque puede considerarse su primera aproximación con el grunge.

MI PLAYLIST:

HEY HEY, MY MY (INTO THE BLACK)

OHIO

HEART OF GOLD

COWGIRL IN THE SAND

OLD MAN

ROCKIN' IN THE FREE WORLD

LIKE A HURRICANE

HARVEST MOON

DOWN BY THE RIVER

MI SELECCIÓN PERSONAL

LAS 20 MEJORES SALSAS DE LA HISTORIA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Wed, 25 Dec 2013 19:08:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

La Salsa, territorio de la alegría, idioma de la celebración, goce de los pueblos y sus gentes, nació de una confluencia de hechos, genios y ritmos. Confluencia que aconteció en la fe de una misma religión: la música afro cubana. Y esa mezcla, que Richie Ray y Bobby Cruz in geniosamente describieron como “similar a la salsa de tomate que se pone en las hamburguesas para que le den sabor”, fue resumida en la perspicaz sentencia del ocasional testigo, el periodista Phidias Escalona: “la música que ustedes hacen es salsa. En adelante la llamaremos salsa”. Corría el año de 1968 y aunque ya el nuevo ritmo existía(*), no había tenido un consenso sobre el nombre. Y ese consenso comenzó a darse -quizá por primera vez- en el disco “Los Durísimos The Strong Ones, Salsa y Control”, de Richie Ray y Bobby Cruz. Después, el propio Richie añadiría: “La palabra nació alrededor de nosotros, (no obstante,) si no fuera por (Jerry) Masucci no hubiera salsa, porque él la llevó al mundo.”

(*)En el Harlem neoyorquino de los sesenta, los negros americanos habían comenzado a gustar de la música latina, a despecho de no hablar español. La guajira los encandilaba hasta hacerlos bailar. Creyendo que la mezcla de boogaloo, blues, mambo, guaguancó o son montuno, era una variante del boogaloo inventado por Chubby Checker, el nuevo ritmo se fundamentó, incorporando los conceptos del espíritu latino en sus interpretaciones y que –técnicamente- irían sumando al bagaje: percusión, piano, violines, trompetas, trombones y cuanto instrumento sirviera para darle sabor y riqueza. Musicalmente, por ejemplo, se añadirían las llamadas “notas azules” (llámanse así a los sobretonos de las nota E y B acústicamente débiles, últimos en adicionarse a la escala, donde serían reubicados entre LaM y Lam) a las nuevas fusiones. Después llegarían las descargas y fraseos que conocemos hasta ahora como características de la salsa.

Así nació la salsa. Y así se ha ido transformando, siempre dentro del círculo que encierran la alegría, la pasión y el goce, la historia, las vivencias, la fortuna o el infortunio, vistos desde distintas ópticas: urbana, social, sensual o cotidiana.

Este es mi resumen acerca de las veinte mejores salsas de la historia:

1.- MAESTRA VIDA – RUBÉN BLADES

"Una tarde de abril de 1975, Quique Quiñones, repleto de recuerdos, bebía en una de las mesas del bar. Era hijo de Babá, compadre eterno del legendario sastre Carmelo da Silva. Hoy las cervezas y los rones de siempre los comparte Quique con su hijo Carlitos Lito y con Rafael da Silva, nieto de aquella arrolladora Manuela. La historia es idéntica a todas las historias de este barrio. Quizás sea la misma. Por eso, como siempre, la música no es más que un pretexto..."...(Rubén Blades)

“Maestra Vida”, la salsa cultural del panameño Rubén Blades, producida por Willie Colón, fue grabada en 1980 para Fania Records como álbum doble (Fania F576/577).

“Maestra vida” es un álbum vital para la salsa. Y su importancia reside en su lírica urbana y social. Blades inicia con este álbum su proyecto artístico denominado Focila (Folclore de la Ciudad Latinoamericana), donde pone la música al servicio de la expresión de los pueblos y de las vivencias urbanas.

He elegido para esta lista no el álbum, sino el tema: "Maestra Vida", ubicado en el carril seis de la segunda parte. En sus 7:14 minutos de duración, va desde un discurrir casi pacífico de cuerdas y trombones en el traspatio hasta clarificarse decididamente, primero con los violines y bajos más sofisticados y luego con los trombones ya más enérgicos; con ritmo cambiante, poética testimonial y rebelde, adornada con una melodía emotiva y brillante. Cuerdas, bongós y cencerros que le dan al momento una armonía envolvente y casi boleril hasta regresar a los deliciosos coros que nos han quedado acuñados en la memoria: “Maestra vida camará, te da y te quita, te quita y te da”. Finalmente, el fraseo magistral del maestro Blades, quien hasta hoy sorprende con sus geniales improvisaciones. Termina con los subterráneos gritos de Blades: “¡Carmelo!”, y el trombón de Willie Colón pone la cereza con maestría y pulcritud.

Créditos:

Producción: Willie Colón
Dirección artística: Irene Perlicz.
Ingenieros: John Fausty, Mario Salvati
Mezcla: John Fausty, Willie Colón
Voz: Rubén Blades
Trombones: Willie Colón, Leopoldo Pineda, Reinaldo Jorge, Lewis Kahn, José Rodríguez
Piano: Joe Torres
Bongós: José Mangual
Tumbadora, clave, quintos: Milton Cardona
Bajo: Salvador Cuevas
Timbales: Johnny Andrews
Cuerdas: Harold Kohnon's String Ensemble
Coros: Milton Cardona, José Mangual, Willie Colón, Reynold Sosa, Rubén Blades
Orquestaciones: Carlos Franzetti, Louie Cruz, Marty Sheller, Javier Vásquez

2.- PERIÓDICO DE AYER – HÉCTOR LAVOE

“Qué te pasa ¿estás llorando? ¿Tienes alma de papel?”

Famoso tema del gran Tite Curet Alonso, incluido en el disco "De ti depende (It’s up to you)", tercer carril, con 6:49 minutos, grabado en el año 1976, producido por Willie Colón. Es una de las salsas más queridas y admiradas de la historia y un caro diamante en el repertorio de Héctor Lavoe, el mítico cantante boricua de limpia voz y dicción, amplia tesitura, notable color, perfecta entonación y calidez. La orquestación, los tempos, la variedad de melodías son un premio para los oídos. El sello personal de Colón, los trombones enmarcados con violines, la discreta percusión y la voz de Lavoe, cuyo registro puede ir sin problemas desde La2 hasta La4, emocionan y nos llevan suavemente hasta un aterrizaje en los predios de la nostalgia: “Y para qué leer un periódico de ayer” (...) “tu nombre ha sido un recorte que guardé / y en el álbum del olvido lo pegué…”

Créditos:

Producción Ejecutiva: Jerry Masucci
Arreglos, Producción: Willie Colón
Voz, maracas: Héctor Lavoe
Coros: Rubén Blades, Milton Cardona, Coros, José Mangual Jr.
Congas: Milton Cardona
Bongós, percusión: José Mangual Jr.
Trombones: Ray Feliciano, Ángel Vásquez
Piano: José Torres
Bajo: Santi Gonzales
Ingeniero: Jon Fausty

3.- SONIDO BESTIAL - RITCHIE RAY Y BOBBY CRUZ

“…a cuero pela'o nos vamos a gozar”

Sonido Bestial, composición de Ray y Cruz está incluido en el primer carril del disco “El Bestial Sonido de Richie Ray y Bobby Cruz”, año 1971, sello Vaya Records, grabado en Ochoa Recording Studios (Puerto Rico). Asentado sobre la voz de Bobby y el magistral piano de Ritchie, el tema despliega gran dinamismo y complejidad, con las trompetas perfectamente sincronizadas y un solo de timbales trepidante y ya mítico. En sus 6:45 minutos de duración, “Sonido bestial”, una de las joyas de la salsa, cuenta con más de diez marcados tramos, distintos uno de otro, a partir de una breve obertura, hasta eclosionar en una descarga de timbales, cencerros y trompetas.

No es difícil desentrañar la música de Ray y Cruz, si entendemos que proviene del bogaloo y el soul de los barrios negros norteamericanos de Nueva York, donde Bobby y Ritchie se conocerían desde niños. Músicos precoces que finalmente se unirían en 1963, para después ser conocidos como "Los Reyes de la Salsa". Richie Ray y Bobby Cruz grabaron juntos más de 100 discos, acumulando 15 discos de oro y platino y 3 premios Grammy.

Créditos:

Dirección: Johnny Pacheco
Bajo: Mike Amini
Timbales: Charlie Cotto
Arreglos, producción: Bobby Cruz & Richie Ray
Piano: Richie Ray
Timbales, cencerros: Manolito Gonzales
Trompetas: Ismael Rodríguez, Manolito Gonzales
Congas: José Hidalgo
Coros: Mike Vimari, Bobby Cruz, Richie Ray
Mezcla: Fred Weinberg

4.- EL CANTANTE – HÉCTOR LAVOE

"Me paran siempre en la calle, / mucha gente que comenta / ¡Oye Héctor ! tú estas hecho: / Siempre con hembras y en fiestas. / Y nadie pregunta si sufro, si lloro, / si tengo una pena / que hiere muy hondo."

Tercer disco como solista de Héctor Lavoe, “Comedia”(1978, La Tierra Sound Studios, NY), 10:23 minutos de duración, incluye en su primer carril este tema que Rubén Blades había compuesto originalmente para interpretarlo él mismo, pero que a pedido de Willie Colón cedió a Lavoe, quizá pensando que en su voz se haría dramáticamente testimonial, como en efecto ocurrió. Destaca la inolvidable melodía de la canción: violines, arpa, piano, trombones, trompetas y contrabajo, que le terminan dando un cariz emocional a esta canción, tanto por su cuidada ejecución cuanto por sus letras que narran la vida pública de un cantante, llena de éxito, pero que oculta la triste procesión que lleva por dentro. No hay que dejar de señalar las legendarias improvisaciones de trompeta y los fraseos del maestro Lavoe.

"No es tan fácil el cantar, / como creen ciertos señores."

Créditos:

Voz: Héctor Lavoe
Bajo: Salvador Cuevas
Piano: Gilberto Colón
Trombones: Reinaldo Jorge y José Rodríguez
Trompeta: Luis “Perico” Ortiz, José Febles
Congas: Milton Cardona, Eddie Montalvo
Timbales y Percusión: Steve Berríos
Coros: Milton Cardona, José Mangual Jr., Willie, Eddie Natal, Héctor Lavoe
Ingenieros: Jon Fausty, Mario Salvati, Irving Greenbaum
Mezcla: Willie Colón
Arreglos: Willie Colón, Luis “Perico” Ortiz, José Febles

5.- PEDRO NAVAJA - RUBÉN BLADES

“Mi música no es política. (…) Mi música es una canción urbana. (…)La canción, además de entretener, educa e informa." (Rubén Blades)

Con Pedro Navaja, Rubén Blades se doctora en música. La temática de su canción, basada en Mackie Messer de Bertolt Brecht, significa un hito en la música popular pues lleva a la salsa a estratos sociológicos hasta entonces insospechados. El argumento truculento, el drama callejero de sus personajes excluidos, una poética cuasi subversiva para la salsa de entonces. Tal vez por eso fue rechazada por las disqueras. Los 7:21 minutos no serían más que una excusa para los productores. La verdadera razón parece haber sido el escepticismo acerca de su aceptación popular, que finalmente terminaría dándole el éxito para Blades y el portazo para los críticos del tema."Pedro Navaja" es uno de los mayores acontecimientos de la historia de la salsa. Con un mensaje de esperanza y orgullo hacia los latinos inmigrantes, la poética de Blades se logró asentar rápidamente para quedarse y darle un lugar de respeto en la música popular.

Lanzado en su mítico álbum “Siembra”, año 1978, carril tres, con 7:25 minutos de duración, sello Fania Records.

“Yo que pensaba hoy no es mi día, estoy salá, / pero Pedro Navaja, tú estás peor, tú estás en na...”

Créditos:

Producción Ejecutiva: Jerry Masucci
Dirección y Producción: Willie Colón
Voz: Ruben Blades
Piano: José Torres
Coros: Bubén Blades, Adalberto Santiago, Willie Colón, José Mangual Jr.
Bajo: Salvador Cuevas
Timbales: Jimmy Delgado
Batería: Bryan Brake
Congas, tumbadora: Eddie Montalvo
Bongós, maracas: José Mangual Jr.
Ingeniero: Jon Fausty

6.- LA CARTERA - LARRY HARLOW

"Uno sale de la casa / con el día revirado, / lo que va a pasar le pasa / aunque vea a Babalao."

Los violines de la orquesta de Larry Harlow (Ira Khan, su nombre de pila), “El Judío Maravilloso”, suenan como un preludio de lo que se viene. Los compases de “La Cartera” inicialmente despliegan percusión, trompetas y sutiles violines ante los coros y la característica voz de Junior Gonzales, que luego le da el pase al solo de piano de Harlow, quien ejecuta, sin duda, una improvisación memorable para lo que queda de los tiempos, con la complicidad de una inusual quijada de burro (charrasca o kahuaha) y el bajo, luego la trompeta y el violín son también destacables. "La Cartera" contiene algo de lo mejor de las improvisaciones de la salsa en la historia, incluyendo los de Junior Gonzáles. 6:28 minutos de puro sabor, “La Cartera”, creación de Arsenio Rodríguez, está en el segundo carril del álbum “Salsa” (1974), grabado en los estudios Good Vibrations, los días 26 y 27 de noviembre de 1973.

Créditos:
Director, piano, productor: Larry Harlow
Productor Ejecutivo: Jerry Masucci
Voz, maracas y guiro: Junior Gonzales
Violines: Lewis Khan
Trompetas: Ralph Castrello, Raymond Maldonado, Charlie Miller
Trombones: Lewis Khan, Reinaldo Jorge
Corno: Charlie Miller
Flauta: Johnny Pacheco
Bajo, guitarra: Eddie Rivera
Tres cubano, guitarra: Harry Vigiano
Batá : Milton Cardona, Gene Golden
Tumbadora: Antonio Jiménez
Timbales: Edwin Colón
Coros: Yayo El Indio, Marcelino Guerra, Adalberto Santiago
Maracas: Junior Gonzales

Percusión, Bongós, güiro, quijada de burro, pailas: Pablo Rosario

Arreglos: Sam Burtis, Mik Gibson y Mark Wenstien
Ingeniero de Sonido: Jon Fausty

7.- NO SOY PARA TI - ISMAEL RIVERA

“Dime quien te dijo a ti que yo iba a querer a una mujer de tu proceder.”

La voz del gran Maelo es única en la salsa. Su característico raspado sólo es un peldaño de la larga escalera de cualidades y virtudes que la distinguen y le han dado un lugar de privilegio en la música sabrosa. Su don para dominar la cadencia, clave y ritmo, sin perder una pizca ante el compás, explica de algún modo su influencia innegable en la salsa. Entre sus canciones destacan también: "Mi negrita me espera" (no propiamente una salsa); "El Niche", "El Nazareno", "De todas maneras rosas", "Las tumbas", "Las caras lindas", etc.

“No soy para ti”, de Javier Vásquez, está en el sexto carril del álbum “Soy feliz”, lanzado en 1975 por el sello Vaya. 4:39 minutos de altísimo nivel de interpretación. A Ismael hay que escucharlo una y otra vez, para seguir descubriendo los misterios que esconde su inigualable voz. Es un gran ejercicio para los amantes de la salsa. ¡Ecuajey!

Créditos:

Voz: Ismael Rivera
Piano: Javier Váquez
Trompeta: Héctor Zarzuela
Saxo alto: Manuel Gonzales
Trombón: Harry D' Aguilar
Bajo: Johnny Rivera
Timbales: Carlos Malcón
Bongó: Vitín Gonzales
Conga: Juan Ross
Percusión: Sammy Ayala
Guitarra: Bob Daugherty
Percusión latina: Rafael Cortijo
Coros: Vitín Avilés, Sammy Ayala, Adalberto Santiago

8.- YO QUISIERA – OSCAR D’ LEÓN

"...para entregarte la vida y hagas de mí lo que quieras"

La vigencia de Oscar D'León desde de su estreno con Dimensión Latina hace 41 años, nos da una idea de su calidad. No muchos pueden lucir eso. El venezolano, dueño de una energía desbordante que vuelca a sus canciones llenas de ritmo, con largos fraseos -muchas veces irónicos-, despliega una melodía sólida, especialmente sustentada en los vientos. Trompetas y trombones impresionan por su pulcritud y afiatamiento. “Yo quisiera” es un tema imperdible en las pistas de baile. Alegre, variado, con el piano sutil y los cueros en trance, coros inconfundibles, Oscar nos entrega en su salsa brava su personalidad hiperactiva, burbujeante y locuaz. Como si feura poco, está la impresionante y excepcional voz. "Yo quisiera" se ubica en el segundo carril, lado A del disco “Llegó…actuó y triunfó” (THS-2079), con 5:58 minutos de duración, fechado en 1979 para el sello Top Hits; grabado en los estudios Latin Recording Sound Studios, NYC y Estudios Intersonido, Caracas, Venezuela.

Créditos:

Arreglos: Oscar D’ León, Enrique Iriarte
Director artístico y musical: Víctor Mendoza
Ingenieros de sonido: Jon Fausty, Alfredo Li
Mezcla: Jon Fausty
Trompetas: Ángel López, César López, César Pinto
Timbales: Edwar Pimentel
Piano: Enrique Iriarte
Congas: Radame Pimentel
Coros: Humberto Becerra, Víctor Mendoza, Oscar D’León
Bongó, cloche, güiro: Hungría Rojas
Trombones: Pedro Piñango, Tarcisio Piñango

9.- CORO MIYARE - FANIA ALL STARS

Si nombres como Johnny Pacheco, Ray Barreto, Larry Harlow, Richie Ray, Rubén Blades, Papo Lucca, Bobby Valentin, Celia Cruz, Roberto Roena, Louie Ramirez, Willie Colón, Cheo Feliciano, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Pete “Conde” Rodríguez, Bobby Valentín, le son familares es porque Fania All Stars (*) está en su memoria como algo trascendente, sepa usted de música o no; le guste la salsa o no. Eso nada lo podrá cambiar.

Para grabar “Coro Miyare”, de Johnny Pacheco, ubicado en el carril cinco, con 6:08 minutos de duración, Jerry Masucci encargaría a Jay Chattaway el proyecto "Spanish Fever" en 1978, con una costosa producción para la que se contrataron a geniales músicos como Maynard Ferguson, Eric Gale, Hubert Laws, David Sanborn, entre otros. El tema, sabroso y rítmico, comienza con un inolvidable y suntuoso sonido de percusión y coros que van siendo atravesados por sensitivos violines hasta marcar con el bajo y los bongós, cencerros y trompetas el afiatado coro que sirve como pretexto para la descarga. Queda para la historia el solo inigualable de bongós de Roberto Roena. "Coro miyare", por su sabrosura y despliegue, se convertiría en el acostumbrado tema de cierre de los conciertos de Fania por muchos años.

(*)Conformada en 1968 por Jerry Masucci y la dirección artística de Johnny Pacheco, Fania All Stars, es y será uno de esos hitos de la música popular y de la historia de la humanidad. Es necesario hacer justicia a sus gestores y genios más importantes:

Director Musical, flauta, güiro, coros: Johnny Pacheco.
Voces: Andy Montañez, Adalberto Santiago, Bobby Cruz, Cali Aleman, Celia Cruz, Cheo Feliciano, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Ismael Quintana, Ismael Rivera, Justo Betancourt, Pete "El Conde" Rodríguez, Rubén Blades, Santos Colón, Willie Colón.
Coros: Chivirico Davila, Hector Casanova, Luis Silva, Nancy O'Neill, Néstor Sánchez, Trompetas: Héctor Zarzuela, Juancito Torres, Larry Spencer, Luis "Perico" Ortiz, Pedro Boulong, Ray Maldonado, Roberto Rodríguez, Tony Barrero, Victor Paz,
Trombones: Barry Rodgers, Jimmy Bosch, Jose Rodriguez, Leopoldo Pineda, Lewis Khan, Papo Vázquez, Reynaldo Jorge, Willie Colón.
Piano: Eddie Palmieri, Larry Harlow, Papo Lucca, Ricardo Ray.
Congas: Eddy Montalvo, Johnny Rodríguez Jr., Milton Cardona, Mongo Santamaría, Ray Barreto.
Timbales: Tito Puente, Nicky Marrero, Orestes Vilató.
Bongoes: Roberto Roena.
Bajo: Bobby Valentín, Salvador Cuevas.
Cuerdas: Yomo Toro (cuatro, tres y guitarra), Louie Garcia (tres), Pupi Legarreta (violín).
Arreglistas: Alfredo De La Fé, Bobby Valentín, Carlos Franzetti, Gene Page, Héctor Garrido, Isidro Infante, Jay Chattaway, Jose Febles, José Gazmey, Lucho Servidio, Louie Cruz, Louie Garcia, Louie Ramirez, Marty Sheller, Papo Lucca, Ricardo Ray, Ricky Gonzalez, Wilson Torres Jr., Vince Montana, entre muchos otros.

10.- YAMULEMAO - JOE ARROYO

“Liberarse en armonía, ¡qué fascinación!, / al compás del son, al compás del son, / por cuenta del corazón…”

"Yamulemao", compuesta originalmente como Diamoule mawo (niño de agua azul, en lengua creole), por Labba Sossech, fue adaptada por Alvaro José Arroyo Gonzáles, el gran Joe Arroyo, el año 1987, carril tres de su disco "Echao pa'lante" (Discos Fuentes), con 4:30 minutos de duración. Sólido en sus vientos, el tema cadencioso y sutil, deja que la limpia voz de Joe sobresalga sin dudas. La percusión y el piano sostienen el ritmo con un bajo discreto pero efectivo. El fraseo de Joe invita al goce de trompetas y trombones. Todo un acierto del recordado cartagenero.

11.- LUVIA CON NIEVE - MON RIVERA

Efraín “Mon” Rivera, el precursor de los trombones en la salsa, compone este tema, sencillo pero delicioso, para el sello Alegre, y lo lanza en su álbum “Que gente, averigua” (1964), carril número ocho con 2:57 minutos de duración. Nos deleitan el cencerro vital, timbales y güiros picantes, piano sugerente, coros breves. Todo eso en un plato de lujo, breve, aromático y sabroso, para bailarlo pegado.

Créditos:

Productor: Al Santiago
Bajo: Leopoldo Fleming
Timbales: Kako Bastar
Trombones: Manolín Pazo, Mon Rivera, Barry Rogers, Mark Weinstein
Piano: Charlie Palmieri

12.- GITANA - WILLIE COLÓN

“La nota es porque es imposible seguir viviendo esta agonía / quiero que sepas lo que yo siento, / aunque nunca podrás ser mía.”

Uno de los más grandes genios creativos de la salsa, de gran influencia en el desarrollo de este ritmo que nos encandila y seduce, Willie Colón, el arquitecto de la salsa, aquél que trazó las líneas de proyección para que los intentos -hasta entonces dispersos- fueran canalizados en un rumbo ordenado y seguro, pone su nombre en este lugar de la lista de favoritos. En su disco “Tiempo Pa' matar” (Fania 99.733), lanzado en 1984, carril tres del lado A, se ubica “Gitana”, del compositor José Manuel Ortega Heredia (Manzanita), 6:54 minutos de duración con un lento e inusual ingreso de saxo soprano y piano que le da el aire español que en efecto tiene. Sobresalientes los arreglos de violines, percusión y trombones, flauta, bongós y bajo, más el sello latino de Willie. Los coros femeninos no hacen más que añadir otra sorpresa al plato, para completar un disco sutil, suave, delicado, como su mensaje lo exige. La innovación, audacia, coraje de Willie Colón es lo que me anima a optar por este trabajo, sobre otros de él mismo.

Créditos:

Voz, Dirección, Producción, mezcla: Willie Colón
Violín: Lewis Kahn
Bongós, batería: Johnny Almendra
Tambora: Quilvio Cabrera
Coros: Dámaris Carbaugh,Graciela Carriqui, Cindy Cobitt, Cecilia Nöel,Silvia Villegas, Vicky Villegas, Victoria Villegas, Marlene VerkPlank
Congas: Milton Cardona, José Mangual
Bajo, guitarra: Sal Cuevas
Piano: Jorge Dalto
Percusión: Edgar Reyes, José Mangual Jr., Mark Quiñones, Nicky Marrero
Trombones: Voirabh Lewis Khan, Luis López, Leopoldo Pineda, Dan Reagan, Willie Colón
Saxo soprano: John Purcell
Saxo tenor: Mauricio Smith
Flauta: Mauricio Smith
Ingenieros: Chaz Clifton, Emilsam Velásquez, Irving Greenbaum, Ted Jensen, Mike Morongell,
Grabado en La Tierra Sound Studios.

13.- YAY BOY - AFRICANDO

Incomparable, "Yay boy" de Pape Serigne Seck ocupó por seis semanas la lista de éxitos de la salsa en Nueva York, luego de ser lanzado el 3 de mayo de 1994 en el carril número tres de “Tierra Tradicional – Volúmen 2”, con 3:59 minutos de duración, igualando o superando el éxito arrasador del primer volumen. Con trombones y bajos muy marcados, trompetas brillantes y la voz de Pape Seck. La percusión no podía dejar de mostrarse en un tema esencialmente africano. El solo de flauta deja marcado el derrotero de trombones y trompetas, en un desenlace al que se adhieren finalmente los timbales, el piano y los coros.

Créditos:

Productor: Ibrahim Sylla

Voz: Pape Seck

Coros: Adalberto Santiago, Yayo El Indio

Bajo: Johnny Torres

Bongós: Bobby Allende

Flauta: Eddy Zervigon

Guiro: Pete Gómez

Piano: Segio George

Saxofones: Mario Rivera, José Silva

Timbales: Pablo Núñez

Congas: Papo Penin

Tres: José García

Trombón: Leopoldo Pineda

Trompeta: Ite Jerez, Héctor Zarzuela

Violines: Lloyd Carter, Patmore Lewis, Félix Ferrar

14.- EL PRESO – FRUKO Y SUS TESOS

“En el mundo en que yo vivo / siempre hay cuatro esquinas, / pero entre esquina y esquina / siempre habrá lo mismo…”

“El Preso”, de Álvaro Velásquez, quizá el tema bandera de Fruko y sus Tesos, fue lanzado en 1975, con el álbum “El Grande”, en el sello Fuentes (201011), carril siete del lado B, con 4:51 minutos, en la voz del caleño Wilson Manyoma (Wilson Saoko). Bajo y piano nos dan la bienvenida, aunque Saoko nos advierta que habla “desde la prisión”. Los timbales deben sostener el ritmo junto al bajo, para después irrumpir trombones y trompetas sobre la melodía base. La descarga es breve, porque Wilson debe seguir narrando el arrepentimiento y la contrición del personaje.

Otra descarga, iniciada por el repiqueteo del piano contagia. Trompetas y trombones que se trepan sobre los coros. Es quizá una de las descargas más legendarias de la salsa, por su singular sencillez. Ningún salsero deja de reconocerla como original de “El Preso”. No se parece a ninguna otra.

Créditos:

Director artístico y musical & Bajo: Julio Estrada Rincón (Fruko)

Arreglos: Luis Carlos Montoya

Productor: Mario Rincón

Voz: Wilson Manyoma

Coros: Joe Arroyo, Wilson Manyoma, Edulfamit Molina Díaz

Trompetas: José Gaviria, Carlos Escobar

Trombones: Gustavo García, Gilberto Hernández

Timbales: Rafael Benitez

Piano: Hernán Gutiérrez

Bongó: Jesús Villegas

Congas: Fernando Villegas

15.- ISADORA - CELIA CRUZ

“Se liberaba al danzar, se liberaba al amar, / fue muy violenta su vida, / y violento fue el final de Isadora Duncan…”

Celia Caridad Cruz Alfonso, "La guarachera de Cuba", gran voz, inconfundible estilo y desbordante carisma, fue propulsora de la música cubana en los Estados Unidos, donde impulsó la música cubana desde 1966 cuando, en sociedad con Tito Puente, editaron un total de cinco álbumes para el sello Tico Records. Luego sería la voz de orquestas como las de Lino Frías, Bruno Ataraza y Memo Salamanca, por citar algunas. Pero este sólo fue el comienzo, y aunque no tuvieron el éxito esperado, algunos temas -como Bemba Colorá- lograron notoriedad. Su ingreso definitivo a la salsa se daría del brazo del maestro pianista de la Fania, Larry Harlow en 1973, con quien interpretaría el tema "Gracia Divina" durante el ya legendario concierto en el Carnegie Hall. Posteriormente firmaría con el sello Vaya, apéndice de Fania Records.
Para el quinto álbum de estudio de Fania All Stars -última con Columbia- "Cross Over" (1979), un álbum híbrido. En el lado A, correspondiente a salsa, se encuentra "Isadora", el sencillo principal, composición de Tite Curet Alonso, y uno de los mejores arreglos de la Fania All Stars, cantado por Celia Cruz. Con la presentación especial de Rubén Blades, Sal Cuevas, Papo Lucca, Nicky Marrero, Louie Ramírez, Nick Gale, Roberto Roena, entre otros. Carril número dos, con 6:55 minutos de pura melodía y goce, cuerdas y vientos como soportes para la potente voz de Celia, magistralmente adornada con los coros a los que Fania nos tiene acostumbrados.

“Isadora formó la liberación. / Isadora Duncan, leyenda que no murió.”

Créditos:

Productor: Jerry Masucci

Director: Johnny Pacheco

Voz: Celia Cruz

Coros: Tito Allen, Rubén Blades, Jimmy Sabater, Néstor Sánchez, Adalberto Santiago

Johnny Pacheco, Héctor Casanova

Trombones: Sam Burtis, Angel “Papo” Vásquez

Bajo: Sal Cuevas

Trompeta: Jimmy Frisaura, Louie Ortiz, Luis “Perico” Ortiz, Héctor Zarzuela

Guitarra: Eric Gale

Violín: Lewis Kahn

Piano: Papo Lucca

Timbales: Nicky Marrero

Flauta: Johnny Pacheco

Bongós: Roberto Roena

16.- ELIMINACION DE FEOS – ANDY MONTAÑEZ Y EL GRAN COMBO

“...a Yomo Toro y a Cheo, que se despidan del nene, / que la semana que viene van a eliminar los feos. (…) ¿Y por qué será que los eliminan? / -Es que nadie los quiere ni en las vitrinas.”

"La universidad de la salsa", desde su primer disco “Menéame los mangos” en 1962, deja este testimonio de sutil ironía, graciosa letra y magistral musicalización. Los saxos y trompetas se dan la mano ante la delicia de los trombones, precisos, sencillos. Las cuerdas tienen lo suyo, para no dejar un espacio sin disfrute, con la impecable voz de Andy Montañez. Aunque la melodía es repetitiva no cansa; por el contrario, siempre me ha quedado corta. Dos minutos más no habrían sido demasiado.

Flor Morales Ramos, autor de la letra, daba una muestra de amigable mofa a una larga lista de estrellas del entonces universo salsero de Puerto Rico, estilo que luego seguiría “No hay cama pa’ tanta gente” y otros -en mi opinión sin el ingenio ni la armonía de "Eliminación de los feos"-. Puede sonar a guaracha, quizá, pero para mí siempre ha estado en el estante de las mejores salsas. Hay en su lista de “afectados”: compositores, cantantes, promotores y productores. Pertenece al carril número uno de su disco “Gran Combo 5”, lanzado el 1 de enero de 1973, con 4:08 minutos de duración.

"Joe Quijano ya te veo / diciendo adiós por las calles / pues según dijo John Valle / van a eliminar los feos (…) adiós Odilio González / ya se acabaron tus males / van a eliminar los feos.”

Compositores: Flor Morales Ramos

Voz: Andy Montañez.

Dirección musical y arreglos: Rafael Ithier

Producción: Ralph Cartagena

17.- AGUANILÉ – HECTOR LAVOE

“Todo el mundo reza que reza pa' que se acabe la guerra, / eso no se va acabar, eso sería una rareza.”

El álbum “El Juicio”(1972) podría ser en el catálogo cumbre de cualquier artista. Para Héctor Lavoe lo es también, aunque en menor medida, ya que el gran Héctor tiene al menos tres más de igual o mejor factura. Sin embargo, elegí “Aguanilé” por el valioso despliegue de congas, bongós y percusión, piano, trombones y trompetas. Y obviamente la espectacular voz de Lavoe. Las armonías y disonancias, intensas, acopladas, dan la pista para el baile y el goce. Compuesto por Lavoe y Colón, corre en el carril cinco, con 6:09 minutos, “Aguanilé” es el ruego a los dioses, mediante plegarias y versos tradicionales de la Fiesta de la Cruz.

Créditos:

Dirección: Johnny Pacheco

Producción: Jerry Masucci, Willie Colón

Congas: Milton Cardona

Percusión: Gene Golden

Coros: Justo Betancourt, Johnny Pacheco

Bajo: Santi Gonzales

Bongós: José Mangual Jr.

Trombones: Eric Matos, Willie Colón

Timbales: Luis Romero

Piano: Joe Torres

Ingeniero: Irving Greenbaum

18.- GUEDE ZAINA – OSCAR D’ LEÓN

Oscar D’León entrega “Guede Zaina” (D.A.R), una canción en dialecto africano, para el sello Sony BMG en su disco “Fuzionando” (2006), carril ocho, 4:25 minutos. Antes había sido grabada en 1956 por Celia Cruz y la Sonora Matancera.

Grandes arreglos para este tema. Trombones que cubren las espaldas de los espléndidos coros. La voz del sonero siempre pulcra, muy bien trabajada. El ritmo, con base en los trombones deja también a los timbales su espacio, aunque sin avasallar. Las trompetas dan paso a Oscar para que frasee con su típica sabrosura. En adelante, las trompetas con reminiscencias de la Sonora Matancera, para combinarse en el clímax final.

Créditos:

Voz, coros, arreglos, producción: Oscar D’León

Percusión: Daniel Berroa, Richard Bravo, Douglas Guevara
Coros: Rodolfo Castillo, Beppe Gemelli, Piero Gemelli, Carlos Puchi
Violín: Pedro Alfonso
Bajo: Sal Cuevas
Trompetas: Andrés Díaz, Luis Márquez, Dante Vargas
Trombones: Jorge Dobal, Alberto Rodríguez
Piano: Leonardo Medina
Tres cubano: Omar Hernández
Ingenieros: Juan Delgado, Yasmil Marrufo
Mezcla: Javier Garza, Iker Gastaminza

19.- CONTRA LA CORRIENTE.- MARC ANTHONY

“No hay noche que llegue,/ que yo no te sienta aquí.”

El 21 de Octubre de1997 sale al mercado el tercer álbum de Marc Anthony: “Contra la Corriente”, sello Sony International, grabado en los estudios de RMM Records. En el segundo carril se encuentra “Contra la Corriente” (de Alfanno), con una duración de 5:00 minutos. El tema, una historia de nostalgias acumuladas pero también de rebeldía ante el destino deja en el sonido de la guitarra acústica la invitación al terreno de las trompetas, el piano y la percusión. Ellos acompañan la suave y entonada voz de Marc, quien luce su espléndido registro de tenor ligero con gran sensibilidad. Luego, en la segunda mitad, los trombones destacan con los coros, en una descarga de gran intensidad y belleza. El repertorio salsero de Marc muestra, sin duda, lo mejor del género en los tiempos recientes.

Créditos:

Trompetas: Luis Aquino, Ángel Machado
Coros: Tito Allen, William Amparo, Wichy Camacho, Gilda Gonzales, Yanira Torres
Bajo: José Gazmei
Trombones: Moisés Nogueras, Miguel Rivera, Raffi Torres
Teclado, arreglos: Fernando Muscolo
Guitarra: Ito Serrano
Percusión, bongó, timbales: Charlie Sierra
Conga: William Thompson
Ingenieros: Luis Berríos, Joe Caldas, Juan Covas, Héctor Iván Rosa, Ronnie Torres
Productor Ejecutivo: Ralph Mercado
Dirección Artística: Damaris Mercado
Arreglos, dirección musical: Ángel Peña

20.- LA RUEDA – FRANKIE RUIZ

“Tu rodarás porque ese es tu destino / sin encontrar nadie que te detenga…”

Frankie Ruiz (Paterson NY, 1958) graba “La Rueda”(de Víctor M. Mato Argumendo) en su álbum “Orquesta La Solución” Sello TH-Rodven Inc, 1980, carril tres, duración: 6:24 minutos.

Preeminencia de trombones tras la voz entonadísima de Frankie, bajos y bongós exactos. Con sencillos arreglos, este tema se convertiría en el ícono de la llamada “salsa sensual”, una corriente ochentera que le daría nuevos aires al género. Trombones y coros llevan la voz de Frankie hasta el territorio de los inolvidables.

Créditos:

Voz & Percusión: Frankie Ruiz
Bajo & Director: Roberto Rivera
Piano: Edgar Vélez
Timbal: Carlos Del Toro
Conga: Jaime Rivera
Bongó: José Bartolomey

Batá: Papiro, Willie
Trombones: Nelson Del Toro, George Rivera, Edgar Morales, Oscar Pastrana, Cuto Soto
Coros: Santitos Colón, Mario Cora, Jaime Rivera
Producción Musical: Ray Santos, Máximo Torres
Productor: Iris Fernandez
Director musical: Ray Santos
Ingenieros de sonido: Jesús Sanchez, Pedro J. Gumbe
Mezcla: Jesús Sánchez, Ray Santos, Julio César Delgado

Para bailar o simplemente darse el placer de escuchar sin interrupciones, aquí el audiomix completo del presente resumen:

SIXTO ... RODRÍGUEZ

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 18 Oct 2013 00:56:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora

Conocido como Rodríguez y nacido en 1942, hijo de inmigrantes mexicanos que se establecieron en Detroit, Michigan, Sixto Rodríguez es un cantautor de culto que -de no haber sido por el film ganador del Oscar 2012 al Mejor Documental: Searching for Sugar Man, del director sueco de origen albanés Malik Bendjellou- seguiría inexistente para el gran público del mundo.

Sobre la excepcional y dramática historia de Sixto no diré nada que no se sepa ya, a no ser uno que otro detalle que, según mi opinión, ayudará a comprender mejor su trabajo musical.

El legado artístico de Sixto se limita a un par de álbumes: Cold Fact (1970) y Coming from Reality (1971), y un sencillo: I'll Slip Away (1967) grabados bajo los auspicios de gente como Dennis Coffey y Mike Theodore y Clarence Avant, que sabían mucho y bien de música y eran bastante reconocidos. Pero todos ellos quedaron perplejos ante el fracaso estrepitoso en ventas y acogida, de ambas producciones. Debido a esta frustración Sixto decidiría abandonar su carrera musical, para ser obrero de construcción.

VOZ Y MELODÍA

La voz de Sixto con reminiscencias negras, es profunda y conmovedora, sutil, de gran amplitud y tesitura, puede ser limpia o nasal cuando le quiere dar a la canción tintes enérgicos o dramáticos. Su música va desde el folk hasta el funk y soul y la refuerza con una poética rebelde, deslenguada y transgresora. Por ello quizá los sudafricanos, quienes sufrían por ese entonces el vergonzoso apertheid, adoptaron rápidamente la música de Sixto. Algunos arreglos tienen tintes un tanto más sesenteros (por ejemplo: Hate street dialogue).

Queda preguntarnos, seguramente como muchos ¿qué maquiavélica confusión tuvo que haber sucedido para que un genio musical como el de Sixto Rodríguez pasara desapercibido, olvidado, "ninguneado" por el público? La gran masa consumidora lo mandó al ostracismo, como no lo hizo con Marvin Gaye, Steve Wonder, The Supremes o Jackson Five, por citar algunos referentes de la misma época.

Pero el tiempo le sigue cobrando a Sixto deudas que él no tiene. Después de cuarenta años de postergaciones y cuando por fin es reclamado en todo el mundo, ya no tiene aquella notable voz que el público quisiera oír del legendario cantautor, además de que está casi ciego debido al glaucoma. A los 71 años Sixto es famoso, aunque austero y escéptico respecto a su nueva situación de estrella, no tiene auto, ordenador, ni televisión; cede y obsequia sus emolumentos y regalías. No se ha mudado de su viejo apartamento de sus tiempos de obrero de la construcción. Ese es Sixto. También por su ética frente a la vida sus canciones tienen esa profundidad y vigencia.

COLD FACT

MÚSICOS:

Dennis Coffey: guitarras
Mike Theodore: teclados
Bob Babbit: bajo
Andrew Smith: batería
PRODUCTORES:
Mike Theodore, Dennis Coffey

(Sussex - Buddah Records, 1970).

Es un disco dramático y hasta atormentado; rebelde y con lírica y melodías muy bien dispuestas, arregladas con prolijidad y secundadas por pulcras orquestaciones. Habla de la vida cotidiana de los excluidos. El valioso acetato original se comenzó a grabar en agosto de 1969 y salió a la venta en marzo de 1970. Todas las demás versiones sufrieron alteraciones. En 1971, A&M Records adquirió los derechos para Sudáfrica, donde el año 1998 obtuvo Platino*. En 1976 se hallaron en un depósito en los Estados Unidos, miles de copias de la edición original que no habían logrado ser vendidas. Estas fueron llevadas a Australia, donde se agotaron en tiempo récord. En ese país obtuvo cinco Platinos*

(*Cada disco de Platino se otorga por 50,000 copias vendidas)..

Mis recomendaciones (muy personales, por cierto): Sugar man, Rich folks hoax, Hate street dialogue, Forget it, Inner city blues.

SUGAR MAN. 3'45 (Sixto Rodríguez)

Sugar man you're the answer (Sugar man eres la respuesta) / That makes my questions disappear (que difumina mis preguntas) / Sugar man 'cos I'm weary (porque estoy harto) / Of those double games I hear (de ese doble juego que escucho).

HATE STREET DIALOGUE. 2'30 (S. Rodríguez/Theodore/Coffey)

Don't you wish I would die (No pienses que voy a morir) / I kiss the floor,one kick no more (He besado el suelo una vez y es suficiente) / The pig and hose have set me free (El cerdo (policía) y su manguera me han dejado libre) / I've tasted hate street's hanging tree (He probado el odio de la calle del ahorcado).

RICH FOLKS HOAX. 3'05 (Sixto Rodríguez)

The moon is hanging in the purple sky (La luna cuelga en un cielo púrpura) / The baby'sleeping while its mother sighs (Los niños duermen mientras su madre suspira) / talking 'bout the rich folks (mientras habla de los ricos) / Rich folks have the same jokes (Los ricos tienen los mismos chistes) / And they park in basic places (y aparcan en cualquier lugar) / So don't tell me about your success (así que no me hables de tu éxito) / Nor your recipes for my happiness (ni de tus recetas para mi felicidad).

ONLY GOOD FOR CONVERSATION. 2'25 (Sixto Rodríguez)

My statue's got a concrete heart (Mi estatua tiene corazón de cemento) / But you're the coldest bitch I know (pero tú eres la puta más fría que conozco)

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CRUCIFY YOUR MIND. 2'30 (Sixto Rodríguez)

Was it a huntsman or a player (¿Fue cazador o músico) / That made you pay the cost (que te hizo pagar el precio), / That now assumes relaxed positions (quien ahora aparece con poses relajadas) / And prostitutes your loss? (y prostituye tu debacle?)

I WONDER. 2'30 (Sixto Rodríguez)

I wonder how many times you've had sex (Me imagino cuántas veces tuviste sexo)

/ I wonder do you know who'll be next (Me imagino si sabes quién será el siguiente)

JANE S.PIDDY. 2'54 (Sixto Rodríguez)

Drifting drowning in a purple sea of doubt (A la deriva, ahogándote en un mar púrpura de dudas) / You wanna hear she loves you (quieres oir que ella te ama) / But the words don't fit the mouth (Pero las palabras no le vienen a la boca) / You're a loser,a rebel a cause without (eres una perdedora, una rebelde sin causa).

FORGET IT. 1'50 (Sixto Rodríguez)

It didn't work out, (No funcionó,) / But don't ever doubt (pero nunca dudes) / How I felt about you (de lo que sentí por ti).

ALGO MÁS:

SEARCHING FOR SUGAR MAN (Documental)
FICHA TÉCNICA

Dirección, guion y montaje: Malik Bendjelloul.

Producción: Simon Chinn, Nicole Stott, George Chignell.
Música: Sixto Rodríguez.
País: Suecia y Gran Bretaña.
Año: 2012.
Género: documental.
Duración: 87 minutos

LUIS MIGUEL - EL BOLERO UNIVERSAL

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Thu, 03 Oct 2013 04:53:00 +0000

Hace catorce años, Luis Miguel (Luis Miguel Gallego Basteri, San Juan, 1970) pasó a la historia de la música popular. Algunos dirán que ya estaba ahí. Lo cierto es que hasta antes de su álbum, Romance, el mexicano había logrado gran éxito entre la juventud y con ritmos y letras juveniles apoyadas en su excepcional voz de amplio registro, gran tesitura y potencia. No es difícil en estos tiempos ser famoso entre los jóvenes con una música actual. Los medios publicitarios y la velocidad de la comunicación hacen la tarea que antes los cantantes tenían que hacer: convencer al público. Con Romance en cambio, Luis Miguel logró el transbordo del bolero -la música de padres y abuelos- hasta los predios juveniles: fiestas, discotecas, clubes y eventos masivos.

Con prolijos arreglos, cuidadas melodías y orquestas, y la coproducción con Armando Manzanero, Romance, atravesó con el bolero esa frontera implícita entre la edad de los hijos y la de sus predecesores, distancia que siempre parece insalvable. Y lo logró con legendarias canciones ya casi olvidadas en los desvanes. Luis Miguel descubrió aquel ignoto camino que podía unir épocas pretéritas con el candente y siempre rebelde territorio juvenil. Así los jóvenes pudieron descubrir el romanticismo que había inspirado a sus padres y también ellos enamorarse mientras escuchaban boleros de Agustín Lara, José Alfredo Jiménez, Roberto Cantoral, etc. Con Romance, Luis Miguel no solamente logró vender más de 17 millones de discos, ganar casi un millar de discos de platino en todo el mundo y ser el primer latino en colocar música en español en los charts de distintas partes del globo, comenzando por los Estados Unidos y llegando hasta lugares insospechados. También colocó un hito en la música contemporánea que, después otros imitarían con relativo éxito.

Sólo los predestinados pueden lograr que una canción como El día que me quieras compuesta e interpretada por Carlos Gardel en 1934, se hiciera popular otra vez en la voz del “Sol de México” en 1991: ¡cincuenta y siete años después!

Al paquete de boleros al estilo de Luis Miguel pertenecen: Romance (1991), Segundo Romance (1994), Romances (1997), Mis Romances (2001) y Mis Boleros favoritos (2002). Entre todos ellos, Luis Miguel logró vender sólo en el mercado formal casi 60 millones de discos.

Esa es la credencial que Luis Miguel tiene para pertenecer a este exclusivo club de los artistas de culto.

Mi lista de preferencias (recomiendo escucharlo con los audífonos, para disfrutar el excelente sonido):

1.- No sé tú (1986) - Armando Manzanero / Álbum Romance

2.- Noche de ronda (1940) - Agustín Lara / Álbum Romances
3..- Te extraño (1968) - Armando Manzanero / Álbum Romance
4.- Contigo en la distancia (1952) - César Portillo de la Luz / Álbum Romance
5.- Historia de un amor (1955) - Carlos Eleta Almarán / Álbum Segundo Romance
6.- Inolvidable (1944) - Julio Gutiérrez / Álbum Romance
7.- Júrame (1940) - María Méndez Grever / Álbum Romances

8.- La Barca (1957) - Roberto Cantoral / Álbum Romance

9.- Perfidia (1939) - Alberto Domínguez / Álbum Mis Romances
10.- Sabor a mí (1959) - Álvaro Carrillo / Álbum Romances
11.- Usted (1951) - Gabriel Ruiz / José Antonio Zorrilla / Álbum Romance
12.- Amanecí en tus brazos - José Alfredo Jiménez / Álbum Conciertos

BEBO VALDÉS, EL GRANDE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Wed, 21 Aug 2013 03:58:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

El viernes 22 de marzo pasado murió Bebo Valdés, el inigualable pianista cubano, a los 94 años de edad. Eligió para tal acontecimiento la hermosa Estocolmo, ciudad donde vivió por 40 años junto al gran amor de su vida, después de optar por el exilio en 1960. Creador, innovador, pianista excluyente, virtuoso y elegante, grandioso y humilde, afectuoso y firme, eximio transmisor de delicados y cálidos sonidos, Bebo, antes de su desarraigo, se codeó con los grandes exponentes de la música cubana y latina, Cueva, Romeu, Cachao, Moré, Getz, Cole, Gatica, Laserie. Con este último emprendió la gira que significaría su voluntario alejamiento de la isla para recalar en la capital sueca, tocando allí en hoteles y bares y asumiendo un corajudo anonimato después de haber vivido en la cima de la popularidad. Pocos tan valientes como él para comenzar desde cero.

En 1994 grabó con Paquito D’Rivera el que sería uno de sus mayores éxitos discográficos, el cual prácticamente significó el comienzo de su rescate como gran pianista: Bebo Rides Again. Poco tiempo después, el director y melómano Fernando Trueba lo contactó para participar en su ya legendaria película documental “Calle 54”, junto a grandes estrellas de la música latina como Michel Camino, Tito Puente, Paquito D’Rivera, Gato Barbieri, Israel López “Cachao”, Eliane Elías, Chano Domínguez, Jerry González y su propio hijo, Chucho Valdés. Fue este el momento de su real consagración, esta vez en todo lo alto del firmamento musical, contando con medios de difusión, inexistentes en los 60’s cuando su primer encumbramiento. Trueba colocó a Bebo frente a su hijo Chucho –otro gigante de la música cubana-, en un diálogo de pianos que ha pasado a la historia. Como relata el propio Trueba, padre e hijo se veían después de 10 años. Apenas se abrazaron tiernamente, fueron al estudio. Dieron a luz una incomparable versión de “La Comparsa”. Cuatro minutos y treinta y un segundos de deleite, sincronía de estilos, nobles silencios y valiosas miradas que lo saben todo de la música y del amor filial. Inolvidable la mirada, el gesto de Bebo, cediéndole el cierre a su hijo, quien encuentra las dulces notas finales de un épico dueto que difícilmente podrá repetirse.

Después del acierto de Trueba, le siguieron a Bebo más éxitos, premios y halagos. Todos muy justos, pero algo tardíos. Hizo con Diego el Cigala “Lágrimas Negras”. Le siguieron giras, entrevistas e invitaciones en todo el mundo, Grammys, discos de platino, pero ya Bebo había llegado a las postrimerías de su vida. Luego, como era de esperarse, se fue retirando silenciosamente, sólo para ceder ante el Alzheimer. Sólo así dejó de dedicarle cada día sesenta minutos a repasar las escalas aprendidas 80 años antes.

Su alojamiento temporal en Benalmádena terminó con un pedido muy suyo para retornar a Estocolmo, su paraíso, la ciudad que lo adoptó y que sería su aposento final, antes de partir al cementerio de los inmortales.

“Bebo rides again” fue una idea de Paquito D’Rivera que el gran Bebo supo aprovechar. A los 76 años compuso la mayoría de los temas en las últimas 36 horas y aunque él manifestó después que tal intensidad le había agarrotado los dedos, lo cierto es que su participación en el álbum es un dechado de virtudes. Cada tema es distinto, los arreglos sensacionales, Paquito enorme y Bebo gigante. Un disco de colección. Sólo recuerdo un paralelo por sus características: Kind of Blue, de Miles Davis.

Mis recomendaciones:

Anda (Bebo Valdés)
Pa’ goza-(Niño Rivera)
Pan con timba- (Bebo Valdés)

Y especialmente estos dos duetos con su hijo Chucho.
"Tres Palabras" (Oswaldo Farrés)

“Calle 54” - La película

(Nota.- La Comparsa, dueto de pianos de Bebo y Chucho se encuentra poco antes del final)

FICHAS TÉCNICAS:

Calle 54, documental infaltable para todo melómano.
Dirección – Guión : Fernando Trueba
Producción: Cristina Huete, Fabienne Servan- Schreiber, Fernando Trueba.
Música: Graeme Revell
Duración: 105 minutos
Año: 2000

Bebo Rides Again (1994), sello Nuba Records, S.L.:
Piano, arreglos, mezcla, masterización y dirección musical : Bebo Valdés
Saxo alto y Clarinete, masterización y mezcla : Paquito D’Rivera
Trombón : Juan Pablo Torres
Trompeta y Fliscorno: Diego Urcola
Carlos Emilio Morales: Guitarra eléctrica
Joe Santiago: Bajo
Carlos “patato” Valdés: Congas y bongó
Gabriel Machado: Congas y bongó
Gerardo Rosales: Congas, bongó, güiro, maracas
Amadito Valdés: Timbales
Arreglos: Chucho Valdés

LATIN JAZZ MONTREUX 1980 - AFRO BLUE / MAMBO MONGO

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 06 Jul 2013 21:34:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

El latin jazz se origina a comienzos de los años 40, pero es a finales de la década cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton refuerzan la mezcla de los sonidos afro cubanos con los del jazz norteamericano. Grandes músicos como Charlie Parker, Machito, Bauzá, Pozo, Santamaría, fueron aportando lo suyo a los desafíos que ya Armstrong, Calloway, Moten, por citar algunos, habían propuesto. Y es en 1947 cuando aquella fusión de ritmos y genios da su primer fruto en un mágico concierto en el Carnegie Hall (con Gillespie, Pozo, Calloway), que ha pasado a la historia por su valioso testimonio de la influencia afro cubana para la música en general.

Dizzy Gillespie apostó decididamente por el naciente género y logró indudables piezas de colección. Ramón “Mongo” Santamaría, genial percusionista y compositor cubano, ha brindado piezas de culto en el género. De estilo muy personal, único, con predilección por los graves, Mongo propagó el sonido de sus congas por todo el universo musical, comenzando por Nueva York. Ahora se puede decir que el sonido afro cubano es indispensable en todo género.

El Latin Jazz se basa en la clave afro cubana marcada por congas, timbal y güiro. Esa es su diferencia esencial y espiritual con el jazz tradicional. Luce su calor trepidante, exotismo, sensualidad y alma latinas. Alimentada por ese sabor festivo, el jazz latino o latin jazz se eleva difundiendo sus propias sensaciones, exaltación y trance. A ese nivel se llega con la sensacional trompeta doble tempo de Gillespie y la percusión inequívoca de Santamaría. Ciertamente hay temas grandiosos de ambos juntos y por separado, pero hoy me permito elegir. La convergencia de Mongo y Dizzy, esta vez con la compañía del virtuoso Toots Thielemans es un regalo para la música. Tres apasionados, dos escuelas distintas pero congruentes. Genios de la música, alimento para el espíritu de la humanidad.

SUMMERTIME

1.- AfroBlue (John Coltrane/Mongo Santamaría) - Mongo Santamaría, Dizzy Gillespie y Toots Thielemans

2.- Mambo Mongo (William Allen)

PLAYLIST BONUS TRACK

Dejo uno de Mongo y Orquesta y otro de Dizzy y Orquesta -y con Chano Pozo-, es decir, cada cual en lo suyo.

Sofrito - (Neal Creque)

Manteca - (Gillespie/Pozo/Fuller)

Comparto mi total disfrute con mis queridos lectores. Ninguna duda sobre la altura del mejor latin jazz. Y para cerrar, la orquesta del gran Machito (Francisco Raúl Gutiérrez Grillo) y su “Congo Mulence”, espectacular muestra del por qué el latin jazz tomó su pedestal en el mundo. Aunque el post trata de Dizzy y Mongo, nadie podrá reprochar que haya incluido este plus.

Congo Mulence - (Ahmad Kharab Salim / Machito)

*Ficha técnica:

SUMMERTIME – Originalmente lanzado en vinilo, sello Pablo, (2308-229). Grabado en vivo por Ron Wynn en Mountain Studios, Montreux, Suiza, el 19 de julio de 1980. Remasterizado digitalmente por Phil De Lancie, Fantasy Studios, Berkeley 1991.

Lado A - Virtud, Afro Blue
Lado B - Summertime, Mambo Mongo

Músicos: Mongo Santamaría, Dizzy Gillespie,Toots Thielemans, Berríos, Villarini, Harris, Hoist, Hamilton, Smith,

SELAH SUE, EL FUTURO DEL SOUL

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sun, 16 Jun 2013 03:55:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cuando la escuché por segunda vez recién supe su nombre. Aquella noche me terminó de cautivar. Su voz sensacional, su don de interpretar con extraordinaria soltura temas complicados me llevó hasta Sanne Putseys, Selah Sue para los melómanos; nacida en Lovaina, Bélgica en 1989, quien comenzó a escribir canciones apenas a los 15 años. Así viene su soul, funk y reggae. También, por cierto, lleva algo de su padre jamaicano. Y sin duda, de Bob Marley Selah Sue tiene el tinte negro en su voz pues, en efecto, Selah Sue aunque blanca, ojiazul, pecosa y rubia; tiene voz de negra: potente, sensual, generosa, salvaje, profunda, ágil, matizada. En su amplia gama de sonidos, Selah Sue tributa al blues tanto como al reggae. Su rapeo es natural, su desinhibido estilo nos lleva a la sensibilidad, sólo para recogernos hasta un efusivo ritmo caliente y enérgico. Me gustaría, sin embargo, que grabara temas un poco más largos, que superaran los 7 u 8 minutos. Sueño, por ejemplo, con This World, Crazy Vibes o Peace of Mind en esa extensión. A veces me deja incompleto, sin una gracia que, siento, me ha sido arrebatada.

Selah Sue ejecuta pulcra, a la vez que osadamente, sus notas. Su voz es única. No exagera la sensualidad, no grita, no persiste en melodías transitorias. Cuida los silencios tanto como las armonías, llena con su genio cada una de sus creaciones. De hecho tiene la escuela de Erykah Badu, pero al escucharla me convenzo de que le falta nada -o muy poco- para estar al nivel de ella o de otras encumbradas. Y de sus letras no podemos decir menos. Su gran facilidad para expresarse es notable: And hey there little girl / wake up and see / and take your time to grow / cause that is what you really need. (Mommy). O: I fear real danger/ this world ain't simple/ but I'm strong, I know how to get out/ and I'll find my way cause/ Cause it's love, real simple/ and that's how it works. (This world). Como puede leerse, cada palabra está muy bien puesta.

Tiene apenas dos años en el firmamento, pero ya Selah Sue es una estrella que brilla con potente luz. No es un riesgo apostar por su rutilante carrera, que de hecho significará un viento fresco para el saturado y monótono escenario de estos tiempos. Ragamuffin es su tarjeta de presentación, pero desde allí, Selah Sue ha llenado de hitos su joven trayectoria. Ella dice que la música le divierte, y pone en duda que pueda seguir si eso cambiara para mal. Esperamos que siempre la divierta, porque eso significará diversión también para nosotros, sus acólitos.

Hoy me quedaré sin el peso que cargaba desde abril de 2012. Aquella noche, en la pantalla del bar Times Square, en Königsbrücker Straße, Dresden, se escuchó a mis espaldas una voz que me había dejado una rápida huella poco tiempo atrás. En la mesa todos nos quedamos en silencio. La música nos juntó en un único gesto de mirar y escuchar. Era Selah Sue cantando This world. Yo guardo ese momento.

Hay nuevas voces en el soul: Alice Russell, Adele, Sharon Jones, la desaparecida Amy Winehouse, Estelle, Mette Lindberg, Joss Stone, Leona Lewis, etc. Cuestión de gustos. Para mí Selah Sue se diferencia de todas, excepto claro está de Amy, de quien sospecho está muy cerca, pues como ella, Selah Sue ha sabido tender el esquivo puente entre la magia y su voz.

Recomiendo especialmente:

This World.- I feel real passionate/ you feel the sun comes down,/ I'll make it shine, yeah.

Crazy Vibes .- I was always on the run I tell ya, it was not an easy road / but now I’m ready to bring joy and fire, the best things in life, for sure/ I do know what it’s like to feel sad all the time/ but, you see, wicked vibes bring that joy in your life.

Raggamuffin.- So this my song for you my friend / you can only see that I can hardly let things go, no oh yeah/ so listen to the sound of my voice, yo brother send him all my love.

Mommy .- ’Cause once a day your voice is everything I need / and all the things you’ve done gave me power to succeed / I fell so many times but you pulled me through / but in time I’ll find myself yeah, I hope you see that too.

Explanations .- But when we glitter surprise, surprise / nothing to detect in my eyes / no reason why I feel so damn depressed.

Igualmente valiosos:

Break, Summertime, Crazy sufferin style, Fade Away, entre otros muy buenos también.

MEJORES VOCES DEL SIGLO

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 09 Feb 2013 00:26:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Esta es una clasificación arbitraria de las seis mejores voces de la música popular en la historia. Algunos o muchos discreparán de mis elegidos, otros estarán de acuerdo conmigo. La controversia siempre será saludable, tal como el respeto a todas las opiniones.

Michael Jackson.- Durante mucho tiempo logró alcanzar una tesitura vocal de cuatro octavas, a la que añadió la extraordinaria cualidad de mejorar sus notas bajas, lo que lo convierte en un superdotado. Mucho de sus grandes portentos vocales y musicales se deben seguramente a su legendario oído absoluto, aquello que le remitía a la memoria auditiva de inmediato, y sin necesidad de apoyo o referencia. Michael estaba clasificado como contratenor, pero además poseía ritmo y dicción excepcionales. Técnicamente, Jackson podía desplegar la nota B5 como la más alta y la E2 como la más baja. Es decir su amplitud llegaba a las 44 notas. Además, su perfeccionismo lo llevaba a exigirse en la obtención de la mayor ductibilidad, llevando sus canciones hasta provocar el paroxismo en sus oyentes. Michael Jackson ha sido objeto de numerosos estudios, pero también de especulaciones acerca de su increíble registro vocal. Se ha dicho de él, desde que se trataba de un castrati, hasta que su voz era producto de químicos. Lo cierto es que en sus últimas apariciones públicas se le seguía escuchando altísimas y afinadas notas. Quizá por ello, pero además porque se trataba de un verdadero maestro de la música, el canto y la danza, ha logrado establecerse para siempre en la historia.

Freddie Mercury.- Las tres octavas y una sexta mayor del registro vocal de Freddie Mercury, lo colocan entre los más grandes cantantes de música popular del mundo. Máxime si nuestro recordado vocalista y líder de Queen, poseía además extraordinaria afinación, limpieza, potencia y emotividad. Cuando se encontraba en la cúspide de su carrera fue clasificado como un barítono ligero que cantaba en la tesitura de tenor. Por ejemplo, en “Somebody to love” muestra su gran registro de cabeza, con comodidad y limpieza. Al final, terminó adecuándose una tercera menor por debajo de su registro anterior, pues se decía que sufría de nódulos. Eso es entendible ya que Mercury nunca tomó clases de canto. Se puede muy fácilmente entender como falsete sus agudos más intensos. No es su culpa que Mercury pueda pasar de modo imperceptible (para los oídos no entrenados) desde la voz de cabeza a la de pecho. Y es que Freddie Mercury era capaz de alcanzar registros de Bb4 sin esfuerzo alguno. Así pudo regalarnos grandiosas interpretaciones, por lo general resumidas por su gran público en sus más populares temas como “Bohemian Rapsody”. Freddie Mercury añadía a su registro vocal, un carisma superlativo, el don de comunicarse intensamente con sus oyentes y la versatilidad para interpretar ritmos y mensajes de distinta índole en un mismo concierto.

Robert Plant.- De poderosa e impactante voz y amplio registro vocal, el vocalista de Led Zeppelin, indudable influencia en cantantes contemporáneos a él y también en posteriores. Su estilo único de agudísimos tonos, casi falsetes, sensuales gemidos, impostaciones, ritmos cambiantes, además de una amplia tesitura vocal, todavía asombra y conmueve a todos. El mejor Robert Plant -como pocos- sabe llevar al público desde un estado frenético, visceral, galopante, hasta uno tibio y susurrante. Nacido vocalmente en los predios del blues, Plant sembró las bases del hard rock, hasta convertirse en un ícono de este. Devoto del riff, activista de la sensualidad y la explosión eufórica, obsesivo del ritmo y la afinación. Axl Rose, Rob Halford, Bruce Dickinson,Steven Tyler, Chris Cornell, Paul Stanley, pueden considerarse entre sus deudores vocales, entre tantos otros.

Louis Armstrong.- El genial músico y cantante de jazz, creador insondable de técnicas depuradas y altamente sofisticadas con su voz, única, irrepetible, trascendente. Maestro del scat, forma de improvisación que lleva la voz hasta los terrenos de un instrumento y que no está dado a cualquier cantante -para lograrlo se requiere gran virtuosismo, oído excepcional y creatividad-. Hay leyendas sobre quién fue el creador del scat, varias de ellas coinciden en que el gran Louis lo fue. No nos detendremos en la anécdota, pero sí aseguramos que fue su mejor exponente, sin duda alguna. Frank Sinatra fue otro, pero a mi entender está por debajo de Armstrong. La voz del gran “Satchmo”, grave, quebrada, intermitente, potente y educada hasta los límites, lo distingue de todos los demás y reafirma su estilo gravitante dentro de la música en toda su historia. Armstrong puede ser catalogado como barítono atenorado, pero lo esencial de su voz reside más bien en el color fascinante que le imprimió a sus interpretaciones, además de la vibrante personalidad que inundaba los escenarios. Duke Ellington lo llamó “El señor del Jazz, su máxima expresión”.

Elvis Presley.- Se le ha catalogado en muchos estudios especializados como la mejor voz de la historia del canto. Sea cierto o no, creo que depende el oído de cada uno, pero la excepcional versatilidad que abarcaba al interpretar desde el góspel hasta el rock, el country o baladas teñidas de blues, lo deja en el lugar de siempre:”El Rey”. Su rango vocal llegaba a las dos octavas y un tercio (y hasta tres, como en “What now my love”). Se diría que estaba entre barítono y tenor. De ritmo sin igual, su color de voz puede transitar una amplísima gama, desde los muy graves hasta los agudos, de forma que podía desarrollar las más impredecibles interpretaciones sin exigirse demasiado. Incluía en ello tonos sensuales y provocadores, para después recalar en gruñidos y arrastres rasposos o gritos. Por ello su público deliraba, perdía la noción de la realidad y pasaba a un estado de trance y éxtasis masivo. Era su voz y su magnetismo histriónico, su posición en el escenario, su rebeldía.

Frank Sinatra.- Llamado: “La voz”. Nadie podrá regatearle al maestro el lugar privilegiado que ocupa entre los cantantes más grandes de la historia de la música popular. El poder de su voz de barítono no estaba solamente en sus cualidades técnicas que las tenía en abundancia, sino por su capacidad de interpretación. No era de mucho movimiento, más bien tenía una sutil manera de comunicar lo que cantaba, quieto, mirando fijamente, apenas con el micrófono en la mano, lanzaba una voz uniforme en todos sus rangos, limpia y magnífica, elegante y sobria. Podía provocar el llanto en sus oyentes cuando cantaba. Ha tenido gran influencia entre muchos cantantes posteriores a él, por citar uno: Michael Buble. Su aterciopelada voz, combinación de tórax, cuerdas vocales y laringe, inundaba de caricias el auditorio. Su parafraseo y control de la respiración son ya míticas, máxime si hay que recordar que usualmente él cantaba con big band, es decir una gran orquesta, sobre las que él terminaba imponiendo su potente voz.

JOSÉ ALFREDO JIMÉNEZ: "ELLA", UNA VERSIÓN DIFERENTE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 08 Dec 2012 21:51:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

“José Alfredo Jiménez fue, es y será México” . Nunca ha sido menos cierta la frase que Facundo Cabral (1937-2011). Es verdad que hay otros nombres que son también México, como Agustín Lara, Pedro Vargas, Pedro Infante, María Félix, Chavela Vargas, Luis Miguel y varios etcéteras, hablando únicamente de música popular.

Las canciones de José Alfredo (1926-1973), son básicamente rancheras. La gran mayoría de vibrante música y extraordinaria lírica. “Amanecí en tus brazos”, “El rey”, “Pa’ todo el año”, “Yo soy aquél”, son algunas de las más de trescientas canciones que inmortalizó. Hay un tema que particularmente me gusta, más que todas las del gran José Alfredo: Ella. La letra, llena de poesía sencilla, me conmueve de modo único en la voz de Facundo Cabral -el trovador argentino-, cuya forma de interpretar se dirige directamente a lo más profundo de la sensibilidad. Estoy seguro que –como yo- quienes la escuchan inevitablemente piensan en alguien, en algún tramo feliz e imperecedero de sus vidas, y no pueden escapar de los recuerdos hasta mucho después de haber escuchado el último acorde de la canción.

Me cansé de rogarle. Con el llanto en mis ojos alcé mi copa y brindé por ella,
No podía despreciarme, era el último brindis de un bohemio por una reina.

Grabado en dos discos: "Este es un nuevo día" y "Reflexiones", Ella suena -en la voz inconfundible y serena de Facundo Cabral- más universal, exenta de artificios y sin la parafernalia musical que ofrecen los mariachis (sin que eso signifique minimizar o desdeñar su importancia en la música mexicana). Facundo y su guitarra le dan otro valor a Ella: el de unas letras profundas, el de una notable canción.
Aún con la temática del dolor y el alcohol, es decir, la superficialidad, que caracterizan a muchas de las canciones de José Alfredo, la versión de Facundo la rescata y la instala en otro más profundo y significativo: el de la poesía. Creo que José Alfredo se siente más que contento con esta interpretación del gran Facundo.

(...) de mi mano sin fuerza cayó mi copa, sin darme cuenta.
Ella quiso quedarse cuando vio mi tristeza,
pero ya estaba escrito que aquella noche perdiera su amor.

Aquí el precioso tema:

LEONARD COHEN

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 22 Sep 2012 20:52:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Pensé escribir este post sobre dos personajes de la música. Uno de ellos: Leonard Cohen (Montreal, 1934). Después de revisar mis apuntes y escuchar su música por algunos días, me he convencido de hacer esta nota únicamente sobre él. Cohen tiene historias que contar -algunas propias, otras ajenas- pero que siempre terminan calando profundamente en el alma. Ha ido engrosando su entonada voz, quizá en la búsqueda de una mayor profundidad, como la que parece haber alcanzado limpiamente en su madura edad. Su álbum Old Ideas es la muestra más cercana, pero no la única. Cohen trata de ironizar en el momento en que más siente dolor y ausencia. Sus melodías transitan la nostalgia cabalgando sobre su voz áspera y dolida, que transmite una necesidad de conformarse con sus historias. Sus letras son poemas básicamente crudos que van a parar muchas veces al destino más profundo del alma. Íntimas confesiones que en su voz alcanzan el tono preciso. De hecho, sus letras provienen de su sempiterna devoción por la literatura y García Lorca, pues antes de cantante y compositor, Cohen fue poeta y literato. Domina la narración en tercera persona tan magistralmente como una especie de ironía nostálgica que lacera y conmueve. Hay miles de imágenes desgarradoras en la penumbrosa música de Cohen. Lastima, hiere, duele sentirlo desarraigado, desposeído o inerme, aunque siempre parado firmemente en la conciencia, en la realidad, en lo tangible. La voz de Cohen se hace más grave y su música se desliza por el virtuosismo y la complejidad, sobre violín, trompeta, guitarra o mandolina, pero además llena el espíritu con las fabulosas voces de sus coristas, damas ellas, que envuelven con sus mágicas y dulces voces.

Puede oírse a Leonard Cohen reprochar al mejor amigo haber seducido a su mujer y, sin embargo, hablarle con ningún rencor y sí con despiadada ironía: And what can I tell you my brother, my killer / What can I possibly say? / I guess that I miss you, I guess I forgive you. / I'm glad you stood in my way. / If you ever come by here, for Jane or for me / Your enemy is sleeping, and his woman is free. (Famous blue raincoat)
Va de una historia a otra con igual maestría. En A Partisan, ejecutada magníficamente en inglés y francés, narra la historia de un hombre que va por la venganza hacia los nazis. También aquí como en otras, Cohen prescinde de los instrumentos, en favor de sus coros femeninos, precisos… y preciosos: Oh, the wind, the wind is blowing, / through the graves the wind is blowing, / freedom soon will come; / then well come from the shadows.
En Amen, la trompeta suena celestial en una melodía lenta y casi dolorosa. Más tarde se incorpora el punteo cadencioso de la guitarra acústica que está a la altura. Y por supuesto, la voz exacta y afinada de Cohen, quien desglosa su plegaria: Tell me again when i'm clean and i'm sober. / Tell me again when i've seen through the horror. / Tell me again, tell me over and over. / Tell me again that you need me then / amen, amen, amen... amen.
Descubrir en la ironía y desparpajo de Chelsea Hotel la nostalgia soterrada pero sincera de la irremediable huida del ser amado y ante la urgencia tácita por retenerla, nos muestra a un Cohen que parece estar fumando un cigarro, resignado a mirarla partir desde la ventana en su limusina, quizá ya habiéndolo olvidado todo y para siempre. Transcurre la segunda mitad de los sesenta en Nueva York y es el homenaje a Janis Joplin desde el estilo de Leonard Cohen.
I remember you well in the Chelsea Hotel. / You were famous, your heart was a legend. / You told me again you preferred handsome men. / But for me you would make an exception. / And clenching your fist for the ones like us / who are oppressed by the figures of beauty, / you fixed yourself, you said, 'Well never mind, / we are ugly but we have the music. Intentando una traducción libre: Te recuerdo bien en el Chelsea Hotel / Ya eras famosa, tu corazón era una leyenda. / Volviste a decirme que preferías hombres bien parecidos / pero que por mí harías una excepción. / Y cerrando el puño por los que como nosotros / están oprimidos por los cánones de la belleza, / Te arreglaste un poco y dijiste: “No importa, / somos feos pero tenemos la música”.
Leonard Cohen, Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011, ya lo ha demostrado todo en su larga carrera. Todo el mundo sabe de su ingenio y su don comunicador, sin embargo nos sorprende con Old Ideas (2012), su reciente álbum y ojalá no el último. Hay que llevar hasta el paladar cada línea, cada acorde. Prolijo en la música y, como lo es ya desde siempre, en su lírica; sonido de alta calidad, asentado en los graves y en los coros. Como para dar cuenta de que las viejas ideas pueden ser nuevos retos; asumiendo su larga experiencia de vida por encima de la mera cuenta de los años en el calendario. Cohen ha dado un golpe magistral con este disco, pues recupera su espacio y ahora en un lugar mucho más privilegiado que antes; porque su poesía habla de todo lo que se puede ver y sentir. Ha engrosado dramáticamente su voz, pero sigue siendo cuidadoso en la afinación y puede atraparnos al menor intento cuando comienza a ejercer el oficio de cantar su poesía.

Top 10:

Para seguir escuchando: Dance me to the end, So long Marianne, Take this waltz, The future, Sweet Jane, Anyhow, Come Healing, A Partisan.

GIL SCOTT-HERON, EL PATRIARCA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 02 Mar 2012 04:24:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Gilbert (Gil) Scott-Heron (1949 -2011) destaca entre los más influyentes músicos que han trazado rumbos decisivos para los ritmos actuales, sin duda. Ha sabido establecer puentes con quienes hoy nos sorprenden y emocionan. He podido encontrar influencias casi tangibles de Scott-Heron, por ejemplo en Calle 13, Eminem, 50 cent, Sarah Jones, D. Albarn, entre otros.
Su poesía atiborrada de imágenes y rebeldía, su matiz armónico muy claro y complejo; el mensaje siempre confrontacional que sus letras llevan y que contrasta con una melodía armoniosa, sutil y muchas veces plácida, son algunas cualidades muy suyas.
A veces usando recursos electrónicos, flauta traversa de gran exactitud, timbales, cencerros, o metales indubitablemente sesenteros, Scott-Heron desplegó su imaginación hasta crear nuevas sensaciones. Nuestra labor no es recaer en sus rebeldías u opciones políticas, sino trasuntar hacia la médula misma de su armonía e inspiración artística.
Su gran versatilidad otorga a sus temas una gran fuerza y originalidad. No se puede decir que su música se parece tanto que aburre. Scott-Heron pretende sorprendernos con sus letras y su música. Y lo logra. Desde el soul como trinchera, transita todo tipo de territorios y en todos muestra su sapiencia. En: New York City, por ejemplo matiza su ritmo cadencioso con un tramo de latin-jazz estrepitoso y alegre, como para recordarnos la ralea latina que tiene hoy la gran urbe.
También nos regala reminiscencias de reggae. Luce con desparpajo sus parentescos musicales con Waits, Heavens, Marley y evoca a Burdon & War. Sin embargo, sus letras marcan diferencia con todos ellos. Cáusticas o dulzonas, pero siempre con fuerte carga poética.
You will not be able to stay home, brother. / You will not be able to plug in, turn on and cop out. / You will not be able to lose yourself on skag and skip, / Skip out for beer during commercials, / Because the revolution will not be televised.
(No podrás quedarte en casa hermano, / no vas a poder enchufar, sintonizar, ni echarte pa'atrás, / no podrás estar enganchado, alucinado y lanzarte / por las cervezas en los comerciales / porque la revolución no se televisará.)
(The revolution will not be televised)
Su activismo sólo deja espacio para una poesía redentora, que lanza salvavidas y persuade, que suplica y comprende, que se solidariza con la soledad y la envuelve en un abrazo.
I know you've been hurt by someone else / I can tell by the way you carry yourself / But if you let me, here's what I'll do / I'll take care of you.
(Puedo ver que te acaban de herir, / Por la forma en la que te mueves. / Pero, si tú quieres, / yo puedo cuidar de ti.)
(I'll take care of you)
Es Gilbert Scott-Heron, el patriarca del rap pero, sobre todo, un incansable transeúnte de la melodía y la poesía: dos de los más preciosos territorios del arte.

Top 5:

The Bottle.-

I´ll take Care of you.-

The revolution will not be televised.-

No knock.-

Running.-

Imperdibles:

A very precious time
Angola Louisiana
Inner City Blues
Me and the Devil
Lady day & John Coltrane

QUEEN Y FREDDIE MERCURY

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 15 Oct 2011 05:20:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Bajo el nombre de Queen se inaugura uno de los momentos cumbres de la música popular. La célebre formación -originalmente fundada por el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, luego el cantante/pianista Freddie Mercury y finalmente el bajo John Deacon- mostró que el virtuosismo musical, la depurada técnica y la cuidada ingeniería del sonido son más valiosos cuando se desafían nuevos horizontes. Habrá todavía lugar para la influencia de Queen en el rock (heavy, hard, progresivo, folk, glam, sinfónico y demás) por mucho tiempo aún.
La música de Queen se sostiene en la voz de Mercury, pero está hecha para que el bajo asuma roles protagónicos (Another one bites the dust, por citar uno solo)atacando la melodía con gran decisión. También en las geniales notas de May (en la Red Special, guitarra fabricada -se dice- por él mismo). Memorables solos en Bohemian Rhapsody, Don’t stop me now, I want to break free, Play the game, The show must go on, I want it all y otros. Taylor es el complemento vital para el grupo, sus baquetas enmarcan con precisión y destreza.
Mercury va desde la sublime nota hasta la casi esquizofrenia vocal, sin perder ninguna nota, sin temor a las alturas, sin transigir en absoluto. Desde Bohemian hasta Heaven for everyone, pasando por We are the champions, Mercury lanza su propuesta emotiva y sólida, plagada de recursos y matices, plena de armonía y seducción. No deja espacio para el sosiego, siempre invita más allá, sólo para seguir colmando plenamente las expectativas.

ESPACIO APARTE: FREDDIE MERCURY

Si hubieran transcurrido ya todos los tiempos Freddie Mercury (con nombre de pila: Farrokh Bulsar) ocuparía el primer lugar entre los cantantes de música popular y quizá el de uno de los más influyentes músicos en cualquier género. Su registro (tenor/barítono) suele ser impecable y limpio ante las más altas exigencias, por más que al final de su carrera fuera reemplazando las notas agudas por octavas un poco más predecibles.
Es de suponer que tremendo bagaje de cualidades vocales y musicales fueran a desencadenar una lluvia de magistrales composiciones. Mercury ha compuesto gran parte de lo más representativo de Queen: Bohemian Rhapsody, We are the champions, Killer Queen, Don’t stop me now, Play the game, entre otros. Sólo su genio musical puede explicar que a pesar de sus dificultades para leer música haya escrito temas de gran complejidad.

Dichosas las últimas trescientas mil personas que el 9 de agosto de 1986 vieron a Mercury y Queen en Knebworth. Veinticinco años después de aquél acontecimiento y veinte después de su partida al Cementerio de los Inmortales, el asiento vacío de Freddie Mercury en el salón de los genios vivos nos llena de nostalgia.

Top

1.- Bohemian Rhapsody.- Con una cuidadosa mezcla de los canales de sonido, con el fin de deleitar al oyente, Mercury interpreta su más alucinante logro, matizándolo con artificios sonoros, gran derroche en los elaborados coros y la guitarra de May, realmente magnífica.

2.- We are the Champions.- La cadenciosa y sublime voz de Mercury que de pronto los coros empujan a la emotividad más frenética. En el piano vital se imagina la espera, la ilusión, para terminar envolviéndonos en la celebración total.

3.- Don’t stop me now. – Pleno de virtuosismo y calidad. De los mejores de Queen, sin duda. Gran variedad en los recursos para su construcción. Cada parte del tema está conectado con la esctructura. De haber sido otro y no Mercury y Queen quien lo creara e interpretara, seguramente este tema pasaría a ser uno más del lugar común.

4.- It’s a hard life.- Aparentemente convencional en su médula, hasta que Mercury decide llevarla hasta los cielos. Puede ir desde hard hasta la sinfonía sin dejar heridas auditivas.

5.- I want to break free.- Trepidante y emotiva, apoyada en Mercury, May y Taylor. Sus sensacionales armonías invitan a acompañarla en el ritmo, desde cualquier rincón y en cualquier momento. Basta escuchar sus primeros acordes para seguirla con placer.

6.- Killer Queen .- Desde un magnífico diseño del engranaje, la voz de Mercury nos conduce por sus intrincados arreglos. Paradas intempestivas que desembocan en grandes melodías y coros, una guitarra sin complejos y más bien arriesgada que lleva a la percusión hasta el disfrute. Al final deja la sensación de que falta algo más.

Igualmente brillantes:

Play the game
Somebody to love
The Miracle
It’s a hard life
Friends will be friends
I want it all

AMY WINEHOUSE INMORTAL

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 27 Aug 2011 04:49:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Amy Jade Winehouse (Londres 1983 – 2011), fue y será una reina del soul en todos sus extremos, la diva de un thrash único, que sin duda trascenderá los tiempos, los ritmos y las modas musicales. Su excepcional talento para incorporar notas subyugantes, destinos vocales irrepetibles y consonancia espiritual con sus melodías. Rebelde y radical, humilde y desdeñosa, insuperable y caótica como todo ser humano que se respeta. Amy Winehouse no está muerta. Cinco Gramys después y con millones de perplejos fanátic@s que no se cansan de admirarla y adorarla, seguirá en la palestra; no habrá quien la destrone.
Su voz, un compendio de graves rudos y a la vez sublimes, dista de ser un lugar común aún entre los que la tratan de llevar hacia un metal psicodélico. Amy eligió para su voz y espíritu un thrash generalmente vestido de soul y R&B.
Trepidante y sincera, provocadora y leal con sus principios, Winehouse ha sabido capitalizar todos los talentos que recibió. También por cierto, el de su vida libre y libertina. Su elección valiente de las sensaciones y pasiones por sobre la ecuanimidad y la hipocresía. Todo ello ha formado parte de su personalidad y ha sido en Amy Winehouse, cotidianamente la causa de su vida… y de su muerte.
De hecho, ya se encuentra en el mismo inmortal cementerio donde también moran: Jimi Hendrix, Jim Morrison, Billie Holiday, Janis Joplin, John Lennon, Elvis Presley, James Dean, Michael Jackson, Héctor Lavoe, Kurt Cobain, entre otros.

Top:

You know I´m no good.-

Rehab.-

Cupid.-

Tears dry on their own.-

In my bed.-

Will you still love me tomorrow.-

Love is a losing game.-

Do me good.-

Addicted.-

Wake up alone.-

CAT STEVENS, EL EXILIADO

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 20 Aug 2011 04:47:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cat Stevens (Steven Demetre Georgiou, Londres 1948), es un cantautor de culto (quizá) a pesar de sí mismo. Ha tratado sin éxito de autoexiliarse de la música popular, pues la memoria colectiva lo ha mantenido siempre vigente. Sus canciones son absolutamente imprescindibles para entender el fenómeno único y tal vez irrepetible de los años 60, 70 y 80. Su voz inconfundible que siempre logra establecer una especial conexión con el público lo hace único e inolvidable a pesar del tiempo. Sus melodías cargadas de ideales y misticismo están de algún modo relacionadas con su ascendencia greco-chipriota tanto como con su espíritu romántico.

El Cat Stevens, hoy rebautizado como Yusuf Islam, que abandonó el negocio de la música –más no la música en sí, pues sigue escribiendo e interpretando canciones, por más que éstas se reduzcan a un ámbito religioso- se rebeló contra la guerra y optó por adscribirse a las causas de la niñez necesitada. Y es, a despecho de su repudio por la industria discográfica comercial, ícono insustituible del mejor pop de la historia.
Es indudable que para los melómanos el mejor Cat Stevens se termina con Yusuf Islam, pero ello no menoscaba su influencia sobre la música. Aún ahora se sienten sus letras y su melodía vibrante, sutil y penetrante. Entre el 70 y 72 Stevens logró su más alto nivel. Álbumes como: Mona Bone Jakon, Tea for the Tillerman, Teaser and the Firecat, Catch Bull at Four. Su voz entonada y melancólica que descansaba generalmente sobre su guitarra acústica, le da un sentido especial a sus letras de profunda belleza.
Cat Stevens es un cantautor de culto, por más que le aborrezca serlo.

Top 6:
(Traducciones sugeridas)

Sad Lisa.- She hangs her head and cries in my shirt. / She must be hurt very badly. / Tell me what's making you sadly? / Open your door, don't hide in the dark.
Ella baja su cabeza y llora en mi camisa. / Ella debe estar muy mal herida. / Dime ¿qué está causando tu tristeza? / Abre tu puerta, no te escondas en la oscuridad.

Father and Son.- Look at me, I am old, but I'm happy. / I was once like you are now, and I know that it's not easy,/ To be calm when you've found something going on. / But take your time, think a lot / Why, think of everything you've got. / For you will still be here tomorrow, but your dreams may not.
Mírame, yo soy viejo, pero estoy feliz. / Yo fui como tú, y sé que no es fácil, / con tranquilidad puedes encontrar lo que buscas. / pero tómate tu tiempo, piensa mucho, / piensa en todo lo que tienes. / Por ti estas cosas estarán aquí mañana, pero puede que tus sueños ya no.

Moonshadow.- And if I ever lose my hands, lose my plough, lose my land, / Oh if I ever lose my hands, Oh if.... I won't have to work no more. / And if I ever lose my eyes, if my colours all run dry, / Yes if I ever lose my eyes, Oh if.... I won't have to cry no more.
Y si yo alguna vez pierdo mis manos, pierdo mi arado, pierdo mi tierra, / Oh, si yo alguna vez pierdo mis manos, Oh si.... yo no tendría que trabajar nunca más. / Y si yo alguna vez pierdo mis ojos, si mis ojos estuvieran secos, / Sí si yo alguna vez pierdo mis ojos, Oh si.... no tendría que llorar nunca más.

Peace Train.- Oh I've been smiling lately, dreaming about the world as one / And I believe it could be, some day it's going to come / Cause out on the edge of darkness, there rides a peace train.
Oh, he estado sonriendo últimamente, soñando con el mundo tal como lo quiero / Y creo que puede ser, algún día eso va a llegar / porque afuera en el filo de la oscuridad, ahí va el tren de la paz.

Wild word.- But if you wanna leave, take good care / I hope you have a lot of nice things to wear / But then a lot of nice things turn bad out there / Oh, baby, baby, it's a wild world / It's hard to get by just upon a smile.
Pero si quieres irte, cuídate mucho / Yo espero que tengas muchas cosas bonitas con que vestirte / Porque un montón de cosas están empeorando allá afuera / Oh, nena, nena, es un mundo salvaje / Es difícil sobrevivir sólo con una sonrisa.

How can I tell you- I long to tell you that I'm always thinking of you / I'm always thinking of you, but my words just blow away, just blow away / It always ends up to one thing, honey / and I can't think of right words to say / Wherever I am girl, I'm always walking with you / I'm always walking with you, but I look and you're not there / Whoever I'm with, I'm always, always talking to you / I'm always talking to you, and I'm sad that / you can't hear, sad that you can't hear.
Hace tiempo quiero decirte que siempre estoy pensando en ti / Pero mis palabras desaparecen y todo se reduce a una sola cosa, cariño / No puedo pensar en palabras apropiadas para expresártelo. / Donde quiera que esté, niña, siempre estoy caminando junto a ti. / Siempre camino contigo, pero veo a mi lado y no estás ahí / Con quien sea que esté, siempre a quien le hablo es a ti y me entristece tanto que no puedas escucharme.

Muy recomendables:

Lady D´Arbanville
Morning has broken
The wind

(Foto: Internet)

CESARIA EVORA, LUZ Y VOZ

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 08 Jul 2011 04:34:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Para Cesaria Evora (Mindelo, Cabo Verde, 1947) el hecho de recibir el reconocimiento del público en todo el mundo es más importante que el de haber recibido el (verdadero) Grammy o la Medalla de la Legión de Honor de manos del presidente de Francia, u otras de las muchas condecoraciones por ella recibidas. Y el gran público la aclama principalmente porque su voz, de perfecta entonación -y sólo comparable con la de Mercedes Sosa o Susana Baca- lo desborda todo. Tal vez también tenga que ver su compromiso irreductible con sus raíces y su pueblo.
De figura sencilla y pies descalzos, Cesaria Evora muestra su calidez en cada interpretación. Su tesitura delicada y armoniosa pasea por toda la gama de graves y agudos. Elegante y exacta, deja para el placer de los oídos una discografía plagada de joyas que no permite saber cuál destaca sobre las demás sin arriesgar alguna injusticia indeseada.
Su sencillez sobresale también. Sus pies descalzos nos recuerdan que hay heridas de probreza y miseria que debemos cerrar un poco o mucho cada día, mientras la vemos desde nuestro lugar de oyentes deslumbrados con sus canciones.
No está demás recalcar que su emotiva música transmite mensajes a despecho de cualquier barrera: idiomática, social, económica o política.
Acompañada de grandes orquestas o pocos músicos, Cesaria Evora deleita con emotividad y nostalgia. Su voz es la luz de su pueblo, alegría y dolor hechos canción. Pone el dedo en las llagas de la injusticia, la esclavitud, la inmigración y la pobreza. Oir una morna en la voz de Cesaria es un tajo en el alma para el más rudo de los oyentes.
Hoy, que es una diva de renombre mundial, sigue manteniendo su espíritu contestatario y humilde, como cada día desde que comenzó a deleitarnos con sus canciones.

No dejar de escuchar:

1.- Sange de beirona. Elegí este para gozar con el infinito talento de Cesaria, la inmortal.

2.- Tiempo de silencio – Con Pedro Guerra

3.- Bésame mucho

4.- Carnaval de Sao Vicente

5.- Flor di nha esperança

6.- Cape Verde Manda Mantenha

GRANDES DE LA GUITARRA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sun, 12 Jun 2011 05:08:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Hay quienes destacan no sólo por grandes ejecutantes sin también por ser innovadores del lenguaje musical. Sus vidas pueden no ser ejemplares (y no tienen por qué serlo), mas sus presencias en el cielo musical quedarán como las constelaciones que perviven y -aunque a veces no las veamos- sabemos que están.
Estos son algunos de los genios -entre famosos y poco mediáticos- que sin duda lograrán consenso.

De Jimmy Hendrix se ha dicho casi todo, yo sólo ensayaré que no hay disonantes que no lleven su nombre. No voy a caer en el facilismo de decir que es el mejor guitarrista “de todos los tiempos”, principalmente porque aún no han pasado todos los tiempos, pero sí que es el estandarte de una legión de grandes guitarristas que a su imagen y semejanza continúan siendo cómplices del sonido y el silencio: Stevie R. Vaugham, Clapton, Slash, Berry, K. Richards o BB King por citar algunos.
SUMMERTIME (HENDRIX / JOPLIN)

En este arbitrario recuento de nombres, Mark Knopfler tiene también un lugar propio. Genio de la guitarra que incluye en sus melodías precisos tramos de silencio. La increíble comunión entre música, silencio, acordes incompletos, disonantes; desasidos de su cauce horizontal. Pliegues y repliegues de notas, hacen de Knopfler un guitarrista único -ojalá no irrepetible-. Una forzada lista del por qué hace la diferencia: brothers in arms, comunique, down to the waterline, lady writer, lions, once upon a time in the west, six blade knife, the man´s too strong, water of love, what it is, etc.

SIX BLADE KNIFE

BROTHERS IN ARMS

COMUNIQUE

Eric Clapton no solamente tiene un lugar entre de los mitos vivientes de la música. Su vigencia de 40 y más años lo dicen todo. Un estilo preñado un blues sensacional y emotivo. Su inigualable Strat nos regala sonidos siempre excepcionales, con el sello del inglés irreverente, del que el propio Hendrix se asombraría. Ya hemos hablado de él anterior post.

WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS

Stevie Ray Vaugham, indiscutido rey de la digitación. Nunca se sabrá si era más ducho en acústico o eléctrico y seguramente no importará, porque en ambas fue realmente excepcional. Su medio tono por debajo del usual le permitió una manera de manejar sus recursos en ámbitos duros y disímiles.

LITTLE WING IMPROVISATION:

Carlos Santana, ha tenido antes un espacio propio en esta página. No es momento de olvidarse de él. Carlitos es único también, pues ha logrado un sonido propio en su guitarra. De él se puede presentir antes de verlo llegar. Es un viento conocido, un sonido inconfundible. No hay otro sino él para llegar vibrante a las notas más esculpidas, los más agudos y extensos reclamos. Su rescate de la música latina para el mundo quizá no tenga igual, pero ama también los ritmos africanos con la misma pasión notoriamente a partir de Woodstock.

BLACK MAGIC WOMAN

Paco de Lucía es una gloria viva de la música. Su arrebatado estilo que desciende y sube hasta los límites de lo permitido, a veces nos conmueve hasta el dolor, sabiendo lo imposible de sus sonidos, de sus alcances. En mi opinión ha superado lo hecho por sus mentores: Niño Ricardo y Sabicas, en la música flamenca. Pero no se queda allí, ha seguido innovando con el afán de llegar a más público, trepado en su virtuosismo y en variadas escalas rítmicas y melódicas, que le han granjeado también críticas. Por añadidura ha puesto sobre el escenario el cajón peruano, instrumento de percusión que hoy es sistemáticamente usado en los tabladillos del mundo entero.
El flamenco de Paco no es un flamenco puro, pero es más universal.

RIO ANCHO

Hay para citar otros nombres, comenzando por Django Reinhardt, a quien ya dedicamos un post; están también en ese mismo firmamento: Duane Allman, Jimmy Page, Johnn Fusciante (de Red Hot Chili Peppers); Peter Frampton (y sus épicos 13 minutos con Do you feel like I do... -"Frampton Comes Alive!"/1976), David Gilmour, Kirk Hammet, entre otros.

DO YOU FEEL LIKE I DO? / PETER FRAMPTON:

LOS MEJORES DEL BLUES

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Thu, 21 Apr 2011 04:55:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Paco Bendezú (1928-2004), quien en los ochenta fue mi maestro de Poesía Italiana, compartió una vez más aquella noche su pasión por el blues. Estaba consciente de que enfrente había un auditorio entregado a su didáctica sapiencia. Pero iría aún más lejos: sembraría sin saberlo una secta de melómanos ávidos por el jazz y el blues.

La trémula melancolía que ofrece el blues, generalmente desde las cuerdas, arranca el alma y viene desde las profundidades del espíritu. Un blusero es -o debe ser- alguien irrefutable e irrepetible (por más que la melodía que interpreta parezca repetirse). Otra vez, como en otros géneros de la música, la influencia africana deja su semilla y no es casual que se trate de música y letras sentimentales, dolorosas y nostálgicas, todas ellas basadas en la espiritualidad (desde la yoruba hasta la cristiana, pasando por la santería). Ninguna como la raza negra para cantar sus tribulaciones.
Sin ánimo de enfrascarme en su dialéctica, debo enfatizar los otros aportes del blues a la música popular. Probablemente la antífona (dícese en la música popular de la llamada y respuesta), los melismas, el scat, el vibrato (recurso que, desde mi opinión, sirve para transportar la sensación de urgencia hacia la paciencia) y también el bend y el slide. Y la letra en el blues, que casi siempre es una conversación. Y aunque en un principio la pesimista inclinación de los letristas fuera vilipendiada por predicadores y sacerdotes, terminó asociándose familiarmente con el góspel. El blues cuenta con igual facilidad historias curiosas, humorísticas y sensuales.
En el blues hay para todos los gustos. Los hay de 16 compases, de progresión armónica 4/4 o de 12/8 y sus letras pueden terminar con el último golpe del décimo compás o en el primer del undécimo. Casi siempre resaltan la quinta, tercera y séptima y de acuerdo a la escala incluso pueden ser reemplazadas. Pero sobre todo el blues logrará tocar en la escala del alma notas de desolación, vivencias, añoranzas y deseo. El compás lo dictará cada uno.
El poeta Paco Bendezú, apenas finalizada su exposición en el Taller de Poesía que compartió con Washington Delgado y Antonio Cisneros en el Auditorio del BCR en Lima, se dejó convidar por un discípulo. Aceptó con una condición: había que pasar primero por su casa, a recoger sus discos de blues. Tres afortunados fuimos con él, en el auto del que sería nuestro anfitrión. Desde entonces he escuchado jazz y blues, tratando de descubrir los sonidos subterráneos que esconden técnicamente los ocho, doce o dieciseis compases, los acordes y las letras de una música de la cual seré dependiente todavía por el resto de mi vida.

Esta pretende ser la primera entrega.

MAGNÍFICOS :

1.- What I Say - Ray Charles (1930-2004).- El genio creó el primer tema soul.

2.-Rock me baby - B.B. King (1925)- El mito está vivo.

3.- Floyd´s guitar blues - Muddy Waters (1915-1983)- El padre del blues de Chicago, maestro del slide.

4.- Talk to me baby - Buddy Guy (1936) Otro del maestro.

5.- Three o´clock blues - Eric Clapton (1945). Dícese de “Mano lenta” que es el cuarto mejor guitarrista. La mayor parte del tiempo para mí es el mejor. Invito a comprobarlo en esta performance:

IMPERDIBLES:

Hit the road Jack – Ray Charles

Blues guitar jam – Eric Clapton/ BB King/ Buddy Guy

Walkin´ the dog – John Lee Hooker / John Rivers

All Over Again – BB King / Mark Knopfler

LOS VALIOSOS:
Blues boys tune - BB King
Ball and Chain - Janis Joplin
Lay down Sally – Clapton / BB King
Kansas City – Muddy Waters

20 MEJORES CANCIONES DE AMOR

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Thu, 14 Apr 2011 22:36:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Nota del autor.- Este post fue publicado en mi casa dedicada a masticar letras: CARNE SIN HUESO el 01 de marzo de 2008. Por ese entonces este sitio se alojaba en mi mente.

El sólo hecho de hablar de música sugiere controversia. Cada quien tiene sus preferencias y dependen mucho de su cultura, personalidad y hasta del estado anímico.
En esta lista, cuyo orden es absolutamente arbitrario, figuran temas en distintos idiomas. Imposible abarcar todas las lenguas, pero al menos en cuatro de ellos busca ser representativa. Por razones obvias las traducciones son meramente referenciales.

1.- Ne me quitte pas.- Jacques Brel (Bélgica, 1929). Lanzada en 1959.
«Un hombre no debería cantar cosas así», comentó la gran Edith Piaf cuando en 1959 oyó interpretar por primera vez a Jacques Brel su propia composición.
«No me dejes./ No quiero llorar más./ No voy a hablar más./ Me esconderé aquí,/ para mirarte,/ bailar y sonreír,/ y para escucharte./ Deja que me convierta/ en la sombra de tu sombra,/ la sombra de tu mano,/ la sombra de tu perro. / No me dejes…».

No puedo dejar de compartir este video, inigualable, del gran Brel interpretando su canción como nadie más lo haría.

2. - Gloomy Sunday .- Billie Holiday (Filadelfia, 1915)
Compuesta en 1933 por los húngaros Rezso Seress (música) y Laszlo Javor (letra), aunque en los créditos aparece también Sam Lewis quien lo llevó al inglés. Se dice que fueron más de 15 los suicidios relacionados con Gloomy Sunday en Hungría antes de que la canción fuera prohibida.
Billie Holiday la estrena e 7 de Agosto de 1941 en Nueva York, con la Orquesta de Teddy Wilson.
El domingo es triste, mis horas son de insomnio / Amado, las sombras con las que vivo son infinitas / Pequeñas flores blancas nunca te despertarán / Allá donde el coche fúnebre de la tristeza te ha llevado / Los ángeles no tienen intención de resucitarte / ¿Se enfadarían si pienso en reunirme contigo?

3.- La quiero a morir .- Francis Cabrel (Francia, 1953)
Les Chemins de Traverse (1979) contiene “Je l´aime à mourrir”, un clásico. He elegido la versión en castellano que canta el propio Cabrel.
“…podéis destrozar todo aquello que veis / porque ella de un soplo lo vuelve a crear / como si nada, como si nada / la quiero a morir…”

4.- Sorry seems to be the hardest word .- Joe Cocker (Inglaterra, 1944)
En 1976 Elton John graba “Blues Moves” un álbum doble que contiene el tema. Debo decir que me gusta más la versión de Cocker por más intensa y sensitiva.
¿Qué tengo que hacer para que me quieras? / ¿Qué tengo que hacer para ser escuchado? / ¿Qué digo cuando todo ha terminado? / Cuando lo “siento” parece ser la palabra más difícil.

5.- Chelsea Hotel . Leonard Cohen (Montreal, 1934), el de la voz grave, el poeta impertinente, el del lenguaje provocador, el de la terca vigencia, graba "Chelsea Hotel #2" (letra: Cohen, música: Cohen/Ron Cornelius)en su quinto disco "New Skin for the Old Ceremony", editado en 1974, como un testimonio sobre su encuentro con la célebre Janis Joplin, ocurrido en el hotel del mismo nombre.
"Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea./ Ya eras famosa, tu corazón era una leyenda./ Volviste a decirme que preferías hombres bien parecidos,/pero que conmigo harías una excepción."

6. - Michelle .- The Beatles
Del disco “Rubber Soul” aparecido el 3 de diciembre del 65 y grabado en sólo cuatro semanas, sin embargo todo un éxito. De Mc Cartney/ Lennon.
“Michelle, mi bella/ son palabras que encajan muy bien/ encajan muy bien / Te amo, te amo, te amo, / es todo lo que quiero decir. / Hasta encontrar otra manera / diré las únicas palabras / que sé que entiendes / Michelle, mi bella.

7.- Y el amor .- Joan Manuel Serrat (España, 1943).
Incluído en el disco “Utopía”, en el sello Arbola en 1992. Dura solamente 2.40 minutos y es una alegoría al amor.
“El milagro de existir / el instinto de buscar, / la fortuna de encontrar / el gusto de conocer. / ….”

8.- Layla .- Eric Clapton (Inglaterra, 1945).
Con “Derek and the domino´s” graba su éxito “Layla” (incluido en “Layla and the other assorted love songs”) dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de George Harrison y con quien se casaría luego. La versión es de un concierto acústico para MTV.
“Layla, te lo suplico cariño, por favor, / Layla, ¿no aliviarás mi mente atormentada? / Traté de consolarte / sabes que tu hombre nunca te fallará, /
como un tonto me enamoré de ti. “

9.- Te extraño .- Luis Miguel ((México, 1970) graba “Romance” el año 91, con la producción y dirección musical de Armando Manzanero. En el track 5 se encuentra “Te extraño”, tal vez la canción más sublime de Manzanero.
“Te extraño / como los árboles extrañan el otoño / en esas noches que no concilio el sueño / no te imaginas, amor, como te extraño…”

10.- Perfect Day .- Lou Reed (Estados Unidos, 1942)
Single incluido en su disco “Transformer” (1972), producido por David Bowie y que le hace día a día revaluarse, como corresponde.
“Un día perfecto / Hiciste que me olvidara de mí mismo / Que me creyera otra persona / Alguien bueno..”

11.- Pequeña serenata diurna .- Silvio Rodríguez (Cuba, 1946)
Lanza “Días y Flores”, su primer disco como solista en La Habana entre 1974 y 1975, con sus propias letras y música, y producida por Frank Fernández.
“Vivo en un país libre / cual solamente puede ser libre / en esta tierra, en este instante / y soy feliz porque soy gigante. / Amo a una mujer clara / que amo y me ama / sin pedir nada / o casi nada, / que no es lo mismo / pero es igual. “

12.- A case of you .- Joni Mitchell (Canadá, 1943)
Tiene gran influencia sobre muchos de los cantantes y músicos actuales, entre otros Prince. Su música y su estilo siguen dejando huella.
“Estás en mi sangre como vino santo / Tú, sabor tan amargo y tan dulce / yo podría beber un caso de ti, cariño / Y yo todavía estaría en mis pies /todavía estaría en mis pies.”

13.- Jes crois entendre encore .- David Gilmour (Reino Unido, 1946).
Aria incluida en la ópera “Los pescadores de perlas” de Georges Bizet, interpretada entre otros por Alfredo Krauss. La versión es de un concierto en Buenos Aires.
“Creo escuchar todavía, / escondido bajo las palmeras, / su voz tierna y sonora
como un canto de las tórtolas. / Oh noche encantadora / divino arrobamiento / Oh recuerdo encantador / loca embriaguez, / dulce sueño.”

14.- Tarde (sin daños a terceros) .- Ricardo Arjona (Guatemala, 1964)
Graba “Sin daños a terceros” en 1998, por Sony/BMG. Luego, se convertiría en canción obligada en sus conciertos. Para mí es el único buen tema de este cantautor.
“Qué ganas de besarte / de coincidir contigo / de acercarme un poco / y amarrarte en un abrazo / de mirarte a los ojos / y decirte bienvenida. / Qué ganas de rozarte / qué ganas de tocarte / de acercarme a ti golpearte con un beso / de fugarnos para siempre / sin daños a terceros…”

15.- She .- Elvis Costello (Inglaterra, 1954)
Costello graba "She" para el soundtrack de la película "Nothing Hill” en 1999. La música es de Charles Aznavour y la letra de M. Kretzmer.
“Ella puede ser la razón por la cual sobrevivo, / El porqué por el que estoy vivo, / La que cuidaré a través de los años duros pero respetables. / Yo, tomaré su risa y sus lágrimas / Y las convertiré a todas en mis recuerdos / Porque adonde ella vaya, yo tengo que estar. / El significado de mi vida es ella. / Ella, ella, ella. “

16.- Sólo pienso en ti .- Víctor Manuel San José (España, 1947)
En 1979 graba “Sólo pienso en ti” (incluido en su LP “Soy un corazón tendido al sol”) considerada su obra maestra. Aborda el tema del amor entre los excluidos. Milán, producción de Danilo Vaona.
“En el comedor les sientan separados a comer / si se miran bien les corren mil hormigas por los pies / ella le regala alguna flor / y el le dibuja en un papel / algo parecido a un corazón...”

17. - Sad Lisa - Cat Stevens (Londres, 1947), rey del rock-folk graba su álbum "Tea for the Tillerman" en 1971. Un álbum genial, el más importante de su carrera. Lírica, armonía, sensaciones, íntima celebración. Con otros temas prodigiosos como "Where Do The Children Play", "Hard Headed Woman", "Wild World" o "Father & Son", el gran Stevens graba "Sad Lisa", tierno tema de amor y desesperación.
"Aunque mi amor quiere ayudarla/ella camina sola de un rincón a otro,/perdida en un corredor. Ella no puede oírme/aunque yo sé que le gusta estar cerca de mí./Lisa, Lisa, triste Lisa, Lisa."

18. - Something .- George Harrison (Reino Unido, 1943)
Los Beatles lanzaron su álbum “Abbey Road” en septiembre del 69, tal vez la obra cumbre del grupo. En él destaca el single “Something” dedicado a Patty Boyd, en ese entonces esposa de Harrison. Ofrezco la versión donde Harrison y Clapton, grandes amigos y enamorados de la misma dama, ejecutan varios años después esta canción. Como se puede ver, la afortunada Patty fue objeto de dos de las mejores canciones de amor, además de haber subyugado al mismo tiempo a dos grandes amigos.
“En algún lugar de su sonrisa ella sabe / que yo no necesito ningún otro amor / Hay algo en ella que me lo demuestra / No quiero dejarla ahora / Tú sabes que creo en ella aún.”

19. - No ordinary love .- Sade ( Nigeria, 1959)
Edita en 1992 su album “Love Deluxe”. La canción fue tema principal de “Indecent Proposal”.
“Yo te dí todo el amor que yo tuve / Yo te dí más de lo que pude dar / Yo te dí amor / Yo te dí todo lo que tengo / Y tomaste mi amor / Tú sólo tomaste mi amor.”

20.- Con te partiro .- Andrea Bocelli (Italia, 1958). La canción fue presentada en el Festival de San Remo, el single grabado en 1995 rompe récords en todo el mundo. Después sería editado como parte del álbum “Bocelli”. Melodía vibrante y sofisticada.
“Tú / en tu mundo / separado del mío por un abismo. / Oye / llámame / yo volaré / a tu mundo lejano. / Por ti volaré / espera que llegaré / mi fin de trayecto eres tú / para vivirlo los dos. / Por ti volaré / por cielos y mares hasta tu amor. / Abriendo los ojos por fin / contigo viviré.”

BILLIE HOLIDAY, UNA VOZ COMO NINGUNA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Tue, 22 Feb 2011 03:39:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cuando Abel Meeropol compuso Strange Fruit para retratar las terribles imágenes de negros colgando de los árboles (Southern trees bear strange fruit -los árboles sureños dan extrañas frutas), quitándole el sentido al lema: Separados pero iguales, que la Corte Suprema de Los Estados Unidos había suscrito en el afán de detener los linchamientos de afro-norteamericanos; no pudo imaginar que en la voz de Billie Holiday (Eleanora Fagan Gough, 1915-1959) su poema alcanzaría dimensión universal. Billie convirtió el tema en el zumo para ser bebido de inmediato por el oyente. Su lento goteo es capaz de horadar hasta el dolor y logra traspasar cualquier coraza.

Pastoral scene of the gallant south,
The bulging eyes and the twisted mouth,
Scent of magnolias, sweet and fresh,
Then the sudden smell of burning flesh.

Ya sabemos cómo Billie aprendió a vivir (algunos dirían que a morir, y no les faltaría razón). Que su madre la concibiese a la edad de trece años cuando su padre todavía no pasaba de los quince, fue apenas el comienzo del drama. Pero Billie acusó en su voz las heridas que sus experiencias le dictaron. Sólo ella puede transmitir lo que canta. Hasta hoy es así.
Era tal la fuerza de una canción en la voz de Billie Holiday, que el público sentía de inmediato el devastador efecto. Ella lo sabía muy bien y por eso la rebeldía de su raza la hacía cantar aún en lugares donde el racismo era cáustico. Se dice que en Alabama se la persiguió hasta sacarla del estadio porque intentó cantar Strange Fruit.
Pero Billie Holiday no sólo es Strange Fruit -por más que la revista Time haya catalogado la canción como la mejor del siglo XX- Billie bien puede significar un tomo de cualquier ensayo sobre la voz y la interpretación. Su dominio del swing pasa a un segundo plano cuando comienza a contarnos la historia. Y mayor es la admiración hacia ella si tenemos en cuenta que, a despecho de su registro de sólo una octava, imponía una rítmica sin igual, además de su ya comentada sensibilidad y cualidad para transmitir.
Billie Holiday nos ha legado -por sobre su escandalosa y extrema existencia, signada por drogas y consuetudinarios dramas- la imponente secuela de su voz, que rasga el espíritu y cala hondo.

I´m a fool to want you

I cover the waterfront

Gloomy Sunday.- El mejor, en mi opinión.

Body and Soul

My man

Yours and mine

LAS 20 MEJORES DE LA MÚSICA ANDINA LATINOAMERICANA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Tue, 25 Jan 2011 19:36:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Nota del autor.- Este post fue renovado, actualizado y aumentado con una ADENDA en Julio de 2014.

La música andina latinoamericana no ha muerto. Hace más de cincuenta años se dio a conocer al público una corriente basada en ritmos del ande de Argentina, Bolivia, Chile, Ecuador y Perú (en orden alfabético), países que comparten, además de geografía, su idiosincrasia, costumbres, tradiciones y sentimientos, es decir: su cultura. Algunos optaron por incursionar en la denuncia o protesta social, otros le cantaron a los sentimientos humanos de amor o arraigo, abandono, nostalgia, terruño; vivencias cotidianas del hombre andino. Han aparecido nuevas tendencias musicales, estilos; unos más autóctonos que otros, pero todos valiosos. Cada uno a su manera se esfuerza por seguir aferrándose a los lazos ancestrales con su suelo, y buscan transmitirlo a toda nuestra patria grande: el ande, un escenario sin fronteras musicales.
He aquí un forzado recuento de lo más representativo de la música andina latinoamericana hasta nuestros días (han de notarse, seguramente, exclusiones y omisiones, como en toda antología. Todos tenemos derecho a crear nuestra propia lista):

1.- Sube a nacer conmigo hermano - Los Jaivas

Del Poema “Alturas de Machu Picchu” Canto XII, poemario “Canto General” de Pablo Neruda, esta musicalización que está en el disco Alturas de Machu Picchu (1981)para el sello EMI-Electrola, grabado en estudio Les Glycines, Francia y Estudios Pathe-Marconi para Discográfica SYM, Chile. Lado B. carril 3, duración 4:46.. Ritmo de joropo, basado en un inusual mi bemol menor.Extraordinaria armonía donde cuerdas y piano se llevan de la mano ante la telúrica compañía de la percusión. De las profundas letras del maestro Neptalí Reyes os dejo esta valiosa muestra: "Dame la mano desde la profunda / zona de tu dolor diseminado./ No volverás del fondo de las rocas. / No volverás del tiempo subterráneo. / No volverá tu voz endurecida. / No volverán tus ojos taladrados."

2.- Alturas – Inti Illimani

Compuesto por Horacio Salinas, incluido por primera vez en su disco Canto de Pueblos Andinos (1973), sello EMI ODEON, Chile, Lado A carril 5, duración 2:55. Este tema clásico de los tiempos de la Nueva Canción Latinoamericana perdura hasta nuestros días con la misma frescura. Vientos de zampoñas y caricias del charango envuelven nuestros oídos en el clima propio de las alturas cordillerana. Inti Illimani sigue vigente desde entonces.

3.- Que seas vos – Jorge Cafrune

Grabado en 1964 para el sello CBS, por Jorge Antonio Cafrune, en su álbum Que seas vos, lado 2, carril 1, duración 3:45. El tema, de connotaciones nostálgicas, propio de alguien sensible, sentimental, profundo y artista como Cafrune, es indiscutiblemente de los mejores del trovador argentino, quien interpreta con su estilo único el tema escrito por Marta Mendicute:
"Cuando ya no me alumbre / el candil arisco de mi corazón / volvete a mi tierra, / llevate mis coplas y cántalas vos."

4.- Paloma ausente - Illapu

Con letra de Violeta Parra, Paloma Ausente está contenido en el álbum Raza Brava, año 1977, carril 1, duración 3:16, el disco quizá más popular y legendario del grupo chileno. Los vientos profundos de quenas y zampoñas se integran en gran forma a las afiatadas voces que distinguen al grupo. Con gran maestría, vuelan a con marcadas, festivas y ágiles cadencias.
"Dice en un papel escrito con tinta verde, / que teniendo paciencia todo se alcanza, / una que bien la tuvo salió bailando,/ de su jardín, al Arco de las Alianzas."

5.- Renacerán - Markamaru

Durante su larga y entrañable presencia en suelo peruano Markamaru graba lo que sería uno de sus mejores trabajos, si no el mejor: América Renacerá, sello IEMPSA, duración 5.00. En él, "Renacerán" de Marino Núñez, muestra la elaborada armonía vocal, intensas quenas y zampoñas y oportunas cuerdas.
"Hombres barbados de extraña nación / del norte se acercan cegados de ambición./ Cual pestes van causando muertes / y hay miles que hoy no entienden. / Renacerán, renacerán."

6.- Todos juntos – Los Jaivas

Grabado en 1972 para el sello IRT en el lado B del primer disco sencillo del grupo, luego incluido en el álbum La ventana, Lado A, carril 3, duración 5:52. El tema, concordante con los tiempos hippies de "paz y amor" en su estructura y lírica, es todo un clásico de la fusión de música andina y rock progresivo, bañado con una lírica que canta y exige la unidad de los seres humanos. Es el primer y gran rock andino arrullado entre la flauta dulce, charango, batería, piano y bajo. Aquella formación original del legendario grupo fue con Gato Alquinta, Claudio Parra, Gabriel Parra, Eduardo Parra, Mario Mutis, invitado: Patricio Castillo (charango)
"Hace mucho tiempo que yo vivo preguntándome / para qué la tierra es tan redonda y una sola nomás. / Si vivimos todos separados / para qué son el cielo y el mar, / para qué es el sol que nos alumbra / si no nos queremos ni mirar."

7.- Cuando florezca el chuño - K'alamarka

Grabado en 1991 en su álbum Cuando florezca el chuño, sello Polygone, Lado B, carril 1, duración 4:31, reeditado en 1991 para el sello Discolandia; ritmo tobas, K'alamarka nos da una buena muestra de su acertado uso de la tecnología digital, asentada sobre instrumentos y sonidos andinos tradicionales. Los bolivianos Hugo Gutiérrez y Rodolfo Choque marcan su derrotero con sonidos trabajados en su mayoría digitalmente, interesante percusión muy elaborada; mezcla minuciosa, y una poética que linda con lo surrealista. Este álbum es quizá el trabajo más logrado de este dueto, hasta la fecha. No es exagerado afirmar que K'alamarka hasta hoy vive del éxito de este álbum.

8.- Luna tucumana – Atahualpa Yupanqui

Uno de los grandes maestros del folklore latinoamericano se llama Héctor Roberto Chavero, Atahualpa Yupanqui. Con él la guitarra luce sus cuerdas sencillas y nostálgicas. La voz del mítico trovador argentino le canta a la pampa y se nutre de los silencios del aire frío, las coplas de los gentiles y golpea las puertas del alma. Luna Tucumana (llamada también Yo le canto a la luna), fue primero grabado como un sencillo en formato de 78 rpm, para el sello Odeón Lado A, y luego, incluido en su álbum "SOLO DE GUITARRA VOL 6", en 1958 , carril 6, lado B, sello Odeón, duración: 3:01.
"Yo no le canto a la luna / porque alumbra y nada más, / le canto porque ella sabe / de mi largo caminar."

9.- Negrita – Los Kjarkas

Quizá el grupo más mediático de Bolivia, Los Kjarkas tienen una amplísima discografía, la mayor parte de ellas de corte comercial. A pesar de que también responde a esas características, "Negrita" tiene también de costumbrista y tradicional. De ritmo saya, con una letra bastante simple y pegajosa. Incluido en su disco Hermanos, 1993 sello IEMPSA, carril 1, duración 4:25, gana en sonoridad y movimiento con las zampoñas, además de amén de las inconfundibles voces de los Hermoza.

10.- Sikinanay - Ocobamba

Grupo peruano residente en Europa, Ocobamba sorprende por su elaborada fusión que, como ellos mismos definen "trata de plasmar en la música todas las patrias". Con un sonido multifónico, lleno de matices, guitarras eléctricas, trompetas, sintetizador y las voces dignas de su origen. Ocobamba demuestra que está a la altura de los más encumbrados. El grupo dice de sí mismo en una nota publicada en su portal: “El destino del grupo Ocobamba está marcado por los vaivenes de la migración cultural. Formado en Europa por dos peruanos provenientes de la sierra andahuaylina (Rafael Huamán y Mayki Torres) por el huancaíno Igor Quintana y la alemana Jessica Böttner Ocobamba, es de por sí un producto del deseo de sus integrantes de traspasar fronteras. Es por eso que Ocobamba inscribe en esa tradición multicultural propuesta por José María Arguedas y asimismo, como soñara el escritor andahuaylino, propone con su música vivir todas las patrias.” Sikynanay, año 2005, carril 1 incluido en su álbum Matador (2005), duración 3:53, es sólo una muestra de su genio creativo.
"Sikinanay, wiqaunanay, tukunanay, déjate amar, Sikinanay, wiqaunanay, tukunanay, let me love you / Malliya, Malliya, malliykuaspaqa, manañam manañam kachaykuankiñachu."

11.- Vasija de barro- Inti Illimani

De Gonzalo Benítez y Luis Alberto Valencia, este tema de origen ecuatoriano, grabado en el segundo disco del grupo chileno: Inti Illimani (1969), carril 3, Lado A, sello Jota Jota, duración 3:23. Muestra una lenta armonía de acordes sugestivos, letra cadenciosa y emotiva. Discurre magistralmente ejecutada con pocos artificios pero gran profundidad. Es una digno representante de la canción protesta, que en aquellos tiempos predominaba en un sector de la música popular andina latinoamericana.
"Arcilla cocida y dura, / alma de verdes collados. / Barro y sangre de mis hombres,/ sol de mis antepasados."

12.- Zamba de mi esperanza – Los Chachareros

Llamado también "De mi esperanza", grabado en su álbum Nuestro Folklore en Hollywood, año 1965, sello RCA VICTOR, Lado B, carril 1, duración 3:58. El mítico grupo argentino interpreta el tema de Luís Morales. Sus voces retumban con precisión y fuerza, abrazando a sus inigualables guitarras y matizando con emotivos guapeos, para lograr lo que ellos mejor saben hacer: conmover.
"Zamba, a ti te canto / Porque tu canto derrama amor, / Caricia de tu pañuelo / Que va envolviendo mi corazón."

13.- Polleritas – Mercedes Sosa

"Polleritas" es quizá el tema más tradicional, más andino, altiplánico de la recordada Mercedes Sosa. Destaca por sobre todo su imponente y pulcra voz, pero también la sencilla melodía que encausa el origen andino ancestral, con fuga incluida. Grabado en su disco A quién doy, para el sello Philips, incluido en un popurrí: POLLERITA COLORADA takirari De Julio Santos Espinoza, Carnavalito del Duende, de Manuel José Castilla/Gustavo Leguizamón y Pollerita, carnavalito de Raúl Shaw Moreno. La versión que presento -y que es la que más me gusta es MERCEDES SOSA EN ARGENTINA, grabada en Teatro Opera de Buenos Aires, entre el 18 y 28 de Abril 1982, Disco 2 Lado B, carril 4, duración 4:32, por "DEL CIELITO RECORDS" para sello Philips Phonogram, año 1982.
"Pollerita colorada color de ají, / de verde te ando esperando que digas sí./ Mitá' pa' mí, mitá' pa' vos, /cuando nos casemos va a llover arroz..."

14.- El cascabel – Illapu

El álbum Raza Brava, editado bajo Licencia de Intermusique, carril 12, con la cuña "Antología de pueblos y memorias", duración 4:32. Posteriormente editado con el mismo nombre en el sello FTA, 1979 y también por Movieplay en 1979 y Verlag Pläne, Alemania 1982; formato cinta casete en 1991 por Alerce Producciones y luego en formato CD digital para Monitor , arreglo de Roberto Márquez. Este popular tema, que aun con la prolífica producción -por lo general de calidad- que nos ha entregado el grupo chileno a través de tantos años, sigue causando admiración por su límpida ejecución. Realizada en sus primeros años, cuando los recursos digitales que hoy lo pueden arreglar todo, estaban ausentes y todo quedaba en manos de la destreza de los artistas. Quena magistral, charango envolvente, buen arreglo para un tema del folklore de autor desconocido, y las armonía vocales típicas de Illapu, . Bello tema.

15.- Verbenita – Savia Andina

En ritmo kaluyo, con autoría de Teófilo Vargas, grabado en el álbum K´alanchito, para el sello HERIBA, Bolivia, en 1980, duración 4:14. El grupo boliviano de profundas raíces alto andinas que afloran en su estilo peculiar tierno y nostálgico como los vientos de la puna, nos entrega uno de sus mejores temas, con la inconfundible y nasal primera voz de Gerardo Arias, preciso charango y envolventes quenas.
"Ábreme la puerta verbenita que no soy ladrón / Por la llave vengo verbenita de tu corazón."

16.- Recuerdos de Calahuayo – Uña Ramos

Mariano Uña Ramos (Humahuaca, Argentina, 27 de Mayo, 1933) es todo un ícono de la música andina latinoamericana. Genial intérprete del sentimiento indio que se traduce en su música, sentimental, solitaria, ancestral. Graba el huayno "Recuerdos de Calahuayo" en su álbum El Arte de la quena en 1970, Lado 1 carril 5, duración 2:55, para el sello Trova, acompañado de charango, guitarrón, bombo y guitarra. Sin duda un tema sencillo pero único, de limpia ejecución y sutil dominio del instrumento.

17.- El Cóndor pasa .- Los Incas

Los Incas, fue fundado en 1956 por Jorge Milchberg en Francia. Luego pasaría a llamarse Urubamba, nombre con el que ha pasado a la leyenda musical del mundo. Tuvo músicos importantes que formaron parte de él. Entre otros: además del Milchberg, Uña Ramos, Pablo Trosman, Hernán Pagola, Martín Torres, Emilio Arteaga, Juan Dalera, Alfredo De Robertis, Lucho Gonzáles.
Tema precursor del movimiento de difusión de la música andina latinoamericana. El cóndor pasa (1963) es un hito de relevancia mundial. Su tremenda importancia radica en que además de su ejecución, de mezcla equilibrada, ritmo marcado, limpidez y armonía, es el primer tema de música andina latinoamericana lanzado en Europa. De inmediato se convertiría en la gran puerta por la que nuestra música se mostraría al mundo.

“El cóndor pasa”. Autor: Daniel Alomía Robles, grabado en 1963, en el lado A del sencillo 45 rpm, que contiene en su lado B el tema “O Cangaceiro”. Sello Philips, Duración 3:44.

18.- Zamba para olvidar –Daniel Toro

Daniel Cancio Toro grabó en 1976, este hermoso tema que compuso con Julio Fontana, en su álbum Zamba para olvidarte, Lado A, carril 1, duración 3:21, para el sello Microfon, acompañado en esta canción por el Cuarteto Urpillay. Voz impecable que envuelve y conmueve, mientras su melodía abriga los oidos con su tímida protesta de amante que no ha olvidado.
"Mis manos ya son de barro, tanto apretar al dolor / Y ahora que me falta el sol, no se que venís buscando / Llorando mi amor llorando / También olvidame vos."

19.- Taquirari de Jaiña – Arak Pacha

El disco Urusa Purk'iwa, editado en 1989 por el sello Alerce en 1989, contiene "Takirari de Jaiña", lado B, carril 3, tema de los autores Conrado García y Arturo Garrido. Ritmo festivo del taquirari, ejecutado con mezcla de quena y zampoñas y ejecutados respetando las formas tradicionales. Al estilo de Arak Pacha de Chile.

20.- Tusuykusun - Damaris

Joven cantautora peruana que fusiona música andina y ritmos afroperuanos con buenos resultados. Su música, como su voz, suenan frescas y ágiles y prometen aún mucho más. Decidimos hacerle justicia a su trabajo actual tanto como a su prometedor futuro. Tusuy Kusun, contenido en su disco Mil caminos (2007) grabado para el sello Dolly Jr., carril 1, duración 4:00, muestra como autor a alguien representado por Carnatronic. Tusuykusun resultó ganador del primer lugar en el Festival de Viña del Mar, 2008, Chile,
"Se oyen los cantos, me anuncia el viento / kusicuy sonqo manan manan llanjachu canqa / kusicuy sonqo allim allim tayta intipaj..."

ADENDA

Añadida en Julio 27 de 2014.

Chuklla.- Waskar Amaru

Wascar Amaru, (Juliaca, 1945 París 1985) es la voz, la lealtad, la filosofía, el sentimiento de la raza andina. Músico y cantante de gran talento, no solamente tuvo influencia en otros músicos, sino que además se comprometió para siempre con el idioma quechua, la civilización y cultura inca, con el gran trabajo de difusión que realizara primero en el Instituto de Altos Estudios de América Latina de París y después en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes.

"Chuklla". Autor: Waskar Amaru. Álbum Amor por los Andes – Canto de los pueblos, año 1976, sello Orfeo, carril 6, duración: 6:04. Charango y ocarinas dulces, quena y quenacho y zampoñas tejidas con maestría. Debajo la percusión profunda y cómplice.
Precioso tema que navega en las aguas profundas de nuestra raza y su espíritu. Que escarba los sentidos, para arribar a un final esplendoroso. En suma: una muestra del sentimiento andino, una gracia que sin duda agradecerán nuestros sentidos.

Wipala .- Inkuyo

Inkuyo fue creado en 1988 por Gonzalo Vargas en Bolivia. Con él completaban el grupo Pamela Darington, Jorge Tapia y Omar Sepúlveda. Es ahora y con justicia uno de los grupos de influencia para las nuevas generaciones.

"Wipala". Autor: Gonzalo Vargas. Álbum: Land of the Incas, año 1990, duración: 5:06, carril 1. Sello: Fortuna Records. Tema de culto de la música andina latinoamericana, con el cual Inkuyo celebra la música y nos deja celebrarla también. Su música es tan intensa y alegre, como los vientos andinos, solidaria como ellos y noble también.

Camino de llamas.- Uña Ramos

El sonido bucólico de Uña Ramos (Humahuaca, 27 de mayo de 1933 - París, 23 de mayo de 2014) alcanza picos increíbles en este tema, solazándonos, larga o entrecortadamente, matizando y motivando los sencillos arpegios de una música que nos transporta a los territorios celestiales más indescriptibles. Luego su antara, breve pero magistral, sirve para comprobar el supremo deleite.
¡Loa al maestro de maestros!

"Camino de llamas". Autor: Uña Ramos. Álbum: La magia de la quena (1982), reeditado por el sello Trova en 1991. Carril 1, duración 3:07, arreglos de Bruno Pauvarel.

Tatanka.- Alborada

Fundado en 1984- por Sixto Ayvar, es un grupo de música andina tradicional y de fusión. En su sitio web han escrito que “ya no es sólo el grupo de música andina, ahora es una propuesta artística que incluye música, danza y performances visuales”. He elegido este tema por la singular propuesta que exhibe. Voces muy bien afirmadas, variedad de instrumentos entre nativos y convencionales, con preeminencia de flauta dulce, quena, zampoñas, percusión, guitarras eléctricas. Para notar son las arengas y “guapeos” en lenguas nativas sudamericanas y norteamericanas. Y la voz femenina se adhiere con ternura a la canción. Excelente.

"Tatanka". Autor: Víctor Toto Valle. Álbum: Five Spirits (2003). Sello DDD Gema, carril 8, duración: 5:08.

Takirari Prisionero.- Guamary

El Taller Aymara Guamary Patara fue formado como un proyecto alternativo por José Segovia, ex integrante de Arak Pacha (que regresaría a Arak Pacha algún tiempo después).

"Takirari Prisionero". Álbum: Túpac Amaru 500 Años. Autores: Segovia – Salas, Año: 1992, Sello: Tata Inti, Producciones Musicales, carril 8. Reedición: Uri Marka Producciones, 2001, Carril 4, Duración: 3:27. De este álbum he elegido "Takirari Prisionero" como pude haberlo hecho con “Huallpa Changa”, en mi opinión los mejores del disco. De estructura sencilla, “Takirari Prisionero” destaca por su ejecución. Festivo, íntimo, ejecutado con notables zampoñas y acompañamiento de cuerdas y percusión. Auténtica música andina transmitida con sencillez y virtuosismo.

Carnaval, carnaval.- Markamaru

Markamaru, el entrañable grupo ariqueño regresó a las salas de grabación el 2014, En esta esperada reaparición es notable el cuidado por mantener la esencia del grupo, desde la selección de temas, la grabación, la edición, la mezcla y hasta la post producción. Markamaru ha participado como colectivo en cada parte del proceso. El resultado es un fresco y valioso aporte para la reafirmación de la cultura andina latinoamericana.

“Carnaval, carnaval”. Autor: Francisco Rojas, álbum: Juntos como ayer (2014). Producción independiente para el sello FV Records. carril: 7, duración: 3:44. Alegre cueca de remembranzas costumbristas, alusiva a las fiestas lugareñas del interior de Chile, pero que bien puede referirse a cualquier lugar del extenso ande. Letras comprometidas y música sabrosa en las emotivas voces del Markamaru esplendoroso de sus mejores tiempos. Un trabajo pulcro, variado, lleno de calor, emoción y, por supuesto, denuncia.

Ñuca Llacta .- Bolivia Manta / Ñanda Mañachi

Bolivia Manta, grupo de calidad que data de la década del 70, fundado por los hermanos Carlos y Julio Arguedas Arancibia. Como parte de su proceso formativo muestra su alianza con el grupo ecuatoriano Ñanda Mañachi.
El tema nos ofrece el ritmo típico del sanjuanito, las quenas apoyadas por cuerdas sutiles y sencillas. Se distingue claramente el ambiente festivo que comunican con acierto, las fiestas populares donde se baila, se goza, se bebe, se conversa y se disfruta. Para tomar en suenta su propuesta de autenticidad.

"Ñuca llacta". Del folklore de la Región Punyaro. Álbum: Churay Churay (1982). Bolivia Manta graba con el grupo ecuatoriano Ñanda Mañachi y la colaboración de Guillermo Contreras. Sello: Auvidis, carril 1, duración:3:42.

Kacharpari.- Urubamba

Urubamba, el siempre inspirado grupo que sembró la música andina en el mundo en su etapa de nombre Los Incas, ha dejado muchos temas de gran calidad. No podía ser para menos, pues su trabajo se sustenta en grandes músicos que con sensibilidad y apego por la música andina supieron colocarla en la gran vitrina mundial.

"Kacharpari", tema originalmente titulado "Balsero del Titicaca", es ya un tema de culto, por su sencillez, estructura y solemnidad. En el sonido de Urubamba, alcanza esa dulzura intrínseca del hombre andino, su amor por la naturaleza, su disfrute del viento celeste de las alturas.
Autor: Rosendo Huirse Muñoz (en los créditos del álbum aparecen como autores J. Huirse (hijo de Rosendo) y J. Milchberg). Álbum: Urubamba (grabado en 1972 y luego en 1974, con la producción de Paul Simon). Sello A&R Studios NY, Lado B, carril 1, duración: 2:25.

ALGO MÁS:
Si quieres escuchar las 20 mejores de la música andina latinoamericana, sin interrupciones, no te pierdas los videos recopilatorios completos:

20 MEJORES DE LA MÚSICA ANDINA LATINOAMERICANA from Rogger Alzamora Quijano on Vimeo.

Los 10 temas de la adenda, consecutivos:

LAS MEJORES DE LA MÚSICA ANDINA LATINOAMERICANA - ADENDA from Rogger Alzamora Quijano on Vimeo.

CUBA, MADRE DE LA MÚSICA LATINA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 15 Jan 2011 02:27:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Yo no compuse Chan Chan; la soñé. Sueño con la música. A veces me despierto con una melodía en la cabeza, oigo los instrumentos, todo muy clarito. Me asomo al balcón y no veo a nadie, pero la escucho como si estuvieran tocando en la calle

Compay Segundo (Francisco Repilado, 1907-2003)

Ansioso, luego de hacer larga cola para ingresar, estaba yo en una sala de cine especialmente equipada con sonido envolvente. La mayoría había visto los avances publicitarios y leído los comentarios de la crítica acerca del fenómeno que había removido el mundo musical.
Por fin se apagaron las luces y comenzó el filme. Pude ver una multitud que, seguramente más ansiosos que nosotros, esperaba la función en el Le Carré, de Amsterdam. Abril del 98. Entró Compay Segundo arrancando una ovación jubilosa. Lo siguió Eliades Ochoa. Luego fueron ingresando los que tendrían a cargo el tema inicial. El “armónico” sonó en las añosas manos de Compay en el inicial rasgueo, secundado por la guitarra de Eliades. En ese momento sentí que se me salían las lágrimas y pude ver claramente que no sólo a mí.
Lo que siguió de aquella experiencia fue una avalancha musical, uniformemente brillante, de las épocas doradas de la música de la isla. No quedó otra alternativa que dejarse subyugar por cada uno de sus ritmos, melodías y adentrarse en su mundo, sorprendente y excepcional. Así empezó mi fanatismo confeso por la música cubana. Empecé a escarbar hacia sus raíces y a degustar cada una de sus expresiones.
No es posible hacer una sinopsis de los músicos cubanos sin caer en el desatino. Cuba, un país de poco más de once millones de habitantes, pareciera tener por lo menos el 95% de músicos, de mediana calidad para arriba. Sólo bastará nombrar algunos que, a título personal, parecieran sobresalir por sobre los otros.
La multitud, en mi opinión, se apoya sobre tres genios: Ignacio Cervantes, Ernesto Lecuona y Benny Moré. Les siguen sin que signifique un orden: Bola de Nieve, Arsenio Rodríguez, Trío Matamoros, Celia Cruz, Tito Puente, Polo Montañez, Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo, Guillermo Portabales, Compay Segundo, Perez Prado, Rolando Laserie, Irakere, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Paquito D Rivera, Bebo y Chucho Valdés, Israel Lopez "Cachao", Mongo Santamaría, Chano Pozo, Arturo Sandoval, Orishas y muchos más.
La música cubana ha terminado siendo la madre de la música latina. Sin duda, la influencia africana encontró en la isla sentimiento, pasión, alegría y sabor, donde poder mezclarse hasta lograr este matrimonio insuperable que es hoy y que de seguro perdurará por siempre. Es decir, la base de la unión entre la isla y la influencia africana es en realidad Cuba. En ningún otro lado ha logrado tal comunión. La variedad de ritmos y estilos que nos regala Cuba es tan impresionante como la de sus maestros compositores, músicos e intérpretes. Entre Ignacio Cervantes, un académico de profunda sensibilidad y talento inconmensurable y Lecuona, un genio que sorprende por su sencillez. Portuondo, de voz dulce y exacta y Celia Cruz de amplio registro, claridad y potencia. Irakere con su compleja elaboración y Trío Matamoros, de gran ritmo, sensibilidad y comunión. Bebo y Valdés y su hijo Chucho: el primero clásico y pulcro, el segundo virtuoso pero exigente con el oyente. Por último, un Silvio Rodríguez de grandes letras y a veces cuestionable entonación cuando canta y Pablo Milanés, sereno y cuidadoso como compositor e intérprete.
Son montuno, bolero, salsa, cha cha cha, contradanza, danzón, guaguancó, guajira, guaracha, mambo, pachanga, rumba, son, timba, trova, entre los más universales, son la evidencia de que la música cubana está presente en todo Latinoamérica y parte del mundo.
Buena Vista Social Club es el antes y después de la música cubana. Su influencia se seguirá notando en los ritmos latinos por mucho tiempo más. Hoy, varios de los héroes que aquella noche del estreno de su película nos emocionaron hasta las lágrimas con su virtuosismo y lecciones vida -y los cuales estaban generalmente emparentados con la soledad y la exclusión- han muerto. En aquellos felices casos pudieron por lo menos conocer el éxito, la fama, el reconocimiento, la admiración y el aplauso de millones de gentes en todo el mundo.
Gracias a Ry Cooder y Wim Wenders yo me he vuelto un apasionado de la música cubana, sin duda el espíritu que le permite a su gente vivir… y seguir viviendo a pesar de todo.
Para no perdérselo: CD-DVD Buena Vista Social Club. Director: Wim Wenders, Productor: Ry Cooder, Sonido: Martin Müller.

Chan Chan – Buena Vista Social Club

Adiós a Cuba – Ignacio Cervantes

Cómo fue - Benny Moré

El carretero – Guillermo Portabales

Hola Soledad – Rolando Laserie

Soy guajiro - Polo Montañez

Son de Cuba - Orishas

MUY PERSONALES: EL LATIN JAZZ

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 03 Dec 2010 02:34:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

El latin jazz sin Paquito d´Rivera, Patato Valdés, Dizzy Gillespie, Machito, Gato Barbieri, Piazzolla, Tito Puente, Chico O´Farrill, Michel Camilo, Rubalcaba, Elianne Elias, Mederos, Mongo Santamaría, sería tan imposible como si en él dejaran de sonar las congas, bongós, güiros y timbales. La estructura musical del latin jazz es original y única. El latin jazz se basa por igual en el ejecutante que en el oyente. En el latin jazz el melómano y su percepción de la alegría, el disfrute y el gozo es tan trascendente como el genio creador o el músico virtuoso. En cuanto comienza no hay lugar para el marasmo ni espacio para la tribulación, aún en los más cadenciosos tangos de Piazzolla o en los sublimes teclados de Elianne Elias.
Aunque se dice que el latin jazz está basado en el jazz americano, la música brasilera y la cubana, más cierto sería decir que engloba una gama mucho más amplia de ritmos y expresiones culturales de distinta índole, comenzando por el lugar físico donde se lo concibe, el espíritu predispuesto del oyente y hasta la formación académica del músico que la compone o interpreta. Ya Fernando Trueba ha probado en su excepcional filme “Calle 54”, lo esencial que resulta la entrega absoluta del melómano para que la música conlleve al éxtasis total.
El latin jazz es, sin duda, el cómplice perfecto de nuestros estados de ánimo.
Hacer una lista de preferencias es aventurarse demasiado. Sin embargo, no conozco otra forma de mostrar mis prioridades. No he considerado los temas anteriormente expuestos, para no redundar. A ello se debe que en esta lista no aparezcan temas de Piazzolla, Jobim o Mederos, por citar algunos.

Tico tico – Paquito D´Rivera

From Within – Michel Camilo

Watermelon man – Poncho Sánchez

El Manicero (The peanut vendor) – Xavier Cugat

My summertime – Ray Barreto

Cuban blues – Chico O´Farrill

Ran Kan Kan – Tito Puente

La Comparsa – Bebo y Chucho Valdés

BOSSA NOVA, EL DELEITE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sun, 19 Sep 2010 18:43:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cuando el término bossa nova se escuchó internacionalmente para denominar a una corriente musical que emergía con fuerza, ya gozaba de popularidad entre los jóvenes brasileros como una actitud contestataria. Por aquellos tiempos, finales de los 40s y principios de los 50s, se vivían tiempos políticos difíciles en el gigante sudamericano. Los jóvenes de Copacabana e Ipanema darían fe de su rebeldía usando cada vez más frecuentemente el término. Sin embargo, la música llamada bossa nova no se limitó a ser un vehículo político, sino que extendería sus brazos al sentimiento, al amor y a otras manifestaciones del espíritu.
La bossa nova, nutrida por la samba tradicional brasileña, dulcificó su melodía, apaciguó su ritmo trepidante y lo hizo más lento y armónico. Pero además, de la mano de Antonio Carlos Jobim, le agregó un valioso componente jazzístico, lírica elaborada y poética; con un formato disonante y sincopado se hizo un fenómeno que perdura hasta nuestros días.
De Jobim a Chico Buarque, de Sergio Mendes a Adriana Calcanhotto, pasando por Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Astrud Gilbert, Elis Regina, Toquinho o Stan Getz, Gal Costa, María Bethania, Djavan o Paulinho Moska, la bossa nova ha tendido puentes de conexión únicos entre generaciones de melómanos.

Top 3:

Mais que nada.- Sergio Mendes, digno discípulo de Tom Jobim, y su banda desarrollan una versión espectacular e insuperable del tema de Jorge Ben Jor. Con arreglos audaces que apoyan las voces de sus coros y solista. De construcción simple y básica, sorprende por su agilidad e invita al disfrute. Un final para sumergirse en el piano del propio Mendes.

Chega de Saudade.- Antonio Carlos Jobim es a todas luces el padre de la bossa nova. Su genio creativo y su visión para acercar la bossa nova y el jazz le dio la universalidad que hoy luce. Con letra del gran Vinicius de Moraes, Jobim compuso lo que es para mí uno de los temas más bellos y que además, resulta siendo el primer registro fonográfico de bossa nova en 1958, en la voz de Elizabeth Cardozo. Yo prefiero la versión de Gal Costa, quizá por la limpieza de su voz.

Garota de Ipanema.- La versión mejor, con Jobim en el piano, Stan Getz en el saxo, cantan Joao Gilberto y su mujer Astrud. Año 1963. Indudablemente una genialidad. Muchos la consideran lo mejor de la bossa nova de todos los tiempos. Habrá que esperar a que se acaben todos los tiempos, pero lo que no dejará duda es la elaborada composición y gran ingenio de este tema bandera de la bossa nova.

Desafinado.- Tom Jobim/ Stan Getz.

Magalenha.- Sergio Mendes

Lança Perfume.- Rita Lee

Gatinha Manhosa.- Adriana Calcanhotto

RODOLFO MEDEROS, SENSACIÓN Y BANDONEÓN

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 05 Jun 2010 03:41:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Rodolfo Mederos, nació en Buenos Aires en 1940. A mis oídos llegó a finales de los 80s, cuando un amigo argentino puso en el tocacintas de mi auto un par de temas del entonces desconocido maestro. La música bonaerense para mí, hasta entonces, se había reducido a Gardel, Santos Discépolo y Piazzolla. Hasta allí era Piazzolla mi preferido, por su genio innovador.
Cuando oí a Mederos me asombró su sensibilidad para arrancar del bandoneón las más dulces notas que hasta entonces había imaginado. Afortunados los alumnos que aprenden de él un estilo propio de hacer música, una visión muy personal y una ética admirable acerca de la música. En mi concepto, ya Rodolfo Mederos alcanzó la altura de Piazzolla, tanto musical cuanto técnicamente. Habrá quienes prefieran en su lugar a Dino Saluzzi u otros; se respetan las opiniones pero, para mí, nadie como Mederos para llevar al oyente hasta los confines. Con él se puede llegar al supremo goce, asirse de sus notas para viajar y explorar con el propio ejecutante la hondura de su sentimiento.
Ha sido un proceso difícil, pero hace ya buen tiempo el maestro ha tocado el cielo con su música. De toda esa experiencia, ha sido quizá la etapa de “Generación Cero” la más fructífera, una cosecha de experiencias inigualables y la consolidación de su etapa formativa. Sin embargo, es hoy que Mederos plasma en cada intervención su genio, es hoy que podemos disfrutar la sustancia.
Mederos ha sido siempre un contestatario, un audaz transeúnte de terrenos inexplorados. La música encuentra en él un sonido especial e inigualable y el melómano un cómplice con el que compartir el ritual de los silencios dolorosos y las largas melodías.
Hay que ver a Mederos entregándose a su bandoneón para asombrarse permanentemente por su claridad y propuesta.
En agosto de 1996 tuve la fortuna de asistir a su presentación en Buenos Aires, junto a Daniel Baremboim (cuyo magistral genio frente al piano merece nota aparte) y Héctor Console en el bajo. Inolvidable acontecimiento que ha quedado para siempre en mi memoria.

He elegido unos temas de su vasta discografía sólo por razones prácticas. Sin embargo, me provoca citar otros más, para librarme de omisiones no deseadas. En realidad invito a la música de Rodolfo Mederos. Hay mucha y muy buena para disfrutar.

1.- Milonga de mis amores, de Laurenz y Contursi, con Nicolás “Colacho” Brizuela en la guitarra.

2.- Aquellos tangos camperos (Horacio Salgán), formando trío con el eximio pianista Daniel Baremboim y el contrabajista Héctor Console.

3.- Nuestros hijos (o El lugar donde vivo), del mismo Mederos, con Generación Cero.

Igualmente magníficos:

Chiqué, Chiquilín de bachín, Desde el alma, Flores Negras, Flor de Lino, Milonguita, A fuego lento, Aquellos tangos camperos, Primavera Porteña, etc, etc.

TOM WAITS, EL ANTI-HÉROE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 06 Feb 2010 02:45:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Tom Waits (California, 1949) se rehusa sistemáticamente a hablar de sí mismo. De no haber sido quien es habría cumplido su propósito. Afortunadamente y casi contra su voluntad tenemos su música ecléctica, la ruda emoción que quiere transmitirnos. Se ha escrito de él casi siempre una áspera biografía. Algo será cierto y algo quizá no lo sea. No somos habitúes de la psicología. Nos importa su genio y estilo. No fisgoneamos, escuchamos. Y Tom Waits nos provoca escuchar. Ya sabemos que se esmera por ser y parecer un maldito. También que golpea y elude con la misma facilidad y que cala en los más diversos auditorios con su voz convulsiva y sus letras desafiantes. Sabemos también de su humor renegado y corrosivo. Nos gustaría saber más: qué le anima a decir lo que dice y a mostrarse ecuánime al mismo tiempo que transar un desarrapado aspecto. Nos gustaría. Pero más nos gusta sentir su melodía, despepitar sus canciones, disfrutar con sus escupitajos vocales, aquellos que duelen mientras se digieren. Ir a su paso, del tango al blues y tragar los raspones de sus letras. O transigir en sus versiones de clásicos del rock, tipo Roxanne, mientras vocifera cuñas en español.

PODIUM

Closin time.- Obviamente es imprescindible. Tiempos beat, de melodías resultantes de su pasión por el jazz y el blues. Blue Valentines sirvió para deducir que no le debía perdonar al silencio. Por el contrario, empezó a castigarlo con latigazos vocales y puntiagudos, que remecen al oyente hasta llevarlo a los confines. Año 1978. Desde allí explora las disonancias con mayor frecuencia, se quema la garganta sintetizando sus afonías hasta el dolor.
Entre el 83 y 87, ya sintiéndose cómodo en la senda, procrea tres indudables joyas: Swordfishtrombones, Rain Dogs y Frank´s Wild Years para, por momentos, rearmarse anímicamente desde un blues propio, cuasi ladridos y escandalosos ambientales, rhythm & blues y valses trasnochados con dramáticas interpretaciones.
Alice.- Es también un pilar en su carrera, sobre todo por la mágica sensación de poseerlo todo que entrega el disco. En mi concepto uno de los más completos.
De sus alter ego fabricados gracias a Ginsberg, Bukowsi y Dylan, matizados con los temperamentos sórdidos de quienes sufren las calles, Waits ha desarrollado los personajes que pueblan sus canciones. Seres únicos que le acompañan y transmiten sueños surrealistas, mágicos pasajes, dolorosos cataclismos y tiernas melodías que se agolpan en la cantina perdida que usualmente imaginamos como escenario de sus travesías musicales.
La subyacente timidez asincopada de Trampled rose, uno de los sencillos que más me gusta de su Glitter and Doom Live en medio de trasteos y elucubraciones decoradas por un teclado que de inmediato provoca emociones, y hasta el susurro del xilofón, mientras el Waits teatral descubre una de sus máscaras ante el público.
Del mismo disco, Singapore, la melodía presurosa, el scat vibrante con un final despistado, atropellado y moribundo, que de pronto se rehace y reinventa y sobrevive a la tormenta.
No importa si le sucedieron las historias que cuenta o si el paisaje que pinta ante nosotros en cada disco es fruto de su sueño o de su pesadilla. Lo único que importa es que cuando Waits canta, transmite. Y se hace creer.

Blue Valentines

Alice

Singapore

Midnight lullaby

Y para regocijarnos con una muestra en vivo, buscar en Youtube:

A Sweet Little Bullet From A Tretty Blue Gun

(Foto: Internet)