EL SONIDO Y LA BULLA

QUEEN Y FREDDIE MERCURY: EL ROCK EN LA CIMA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 15 Oct 2011 05:20:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Bajo el nombre de Queen se inaugura uno de los momentos cumbres de la música popular. La célebre formación -originalmente fundada por el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, luego el cantante/pianista Freddie Mercury y finalmente el bajo John Deacon- mostró que el virtuosismo musical, la depurada técnica y la cuidada ingeniería del sonido son más valiosos cuando se desafían nuevos horizontes. Habrá todavía lugar para la influencia de Queen en el rock (heavy, hard, progresivo, folk, glam, sinfónico y demás) por mucho tiempo aún.
La música de Queen se sostiene en la voz de Mercury, pero está hecha para que el bajo asuma roles protagónicos (Another one bites the dust, por citar uno solo)atacando la melodía con gran decisión. También en las geniales notas de May (en la Red Special, guitarra fabricada -se dice- por él mismo). Memorables solos en Bohemian Rhapsody, Don’t stop me now, I want to break free, Play the game, The show must go on, I want it all y otros. Taylor es el complemento vital para el grupo, sus baquetas enmarcan con precisión y destreza.
Mercury va desde la sublime nota hasta la casi esquizofrenia vocal, sin perder ninguna nota, sin temor a las alturas, sin transigir en absoluto. Desde Bohemian hasta Heaven for everyone, pasando por We are the champions, Mercury lanza su propuesta emotiva y sólida, plagada de recursos y matices, plena de armonía y seducción. No deja espacio para el sosiego, siempre invita más allá, sólo para seguir colmando plenamente las expectativas.

ESPACIO APARTE: FREDDIE MERCURY

Si hubieran transcurrido ya todos los tiempos Freddie Mercury (con nombre de pila: Farrokh Bulsar) ocuparía el primer lugar entre los cantantes de música popular y quizá el de uno de los más influyentes músicos en cualquier género. Su registro (tenor/barítono) suele ser impecable y limpio ante las más altas exigencias, por más que al final de su carrera fuera reemplazando las notas agudas por octavas un poco más predecibles.
Es de suponer que tremendo bagaje de cualidades vocales y musicales fueran a desencadenar una lluvia de magistrales composiciones. Mercury ha compuesto gran parte de lo más representativo de Queen: Bohemian Rhapsody, We are the champions, Killer Queen, Don’t stop me now, Play the game, entre otros. Sólo su genio musical puede explicar que a pesar de sus dificultades para leer música haya escrito temas de gran complejidad.

Dichosas las últimas trescientas mil personas que el 9 de agosto de 1986 vieron a Mercury y Queen en Knebworth. Veinticinco años después de aquél acontecimiento y veinte después de su partida al Cementerio de los Inmortales, el asiento vacío de Freddie Mercury en el salón de los genios vivos nos llena de nostalgia.

Top 6

1.- Bohemian Rhapsody.- Con una cuidadosa mezcla de los canales de sonido, con el fin de deleitar al oyente, Mercury interpreta su más alucinante logro, matizándolo con artificios sonoros, gran derroche en los elaborados coros y la guitarra de May, realmente magnífica.

2.- We are the Champions.- La cadenciosa y sublime voz de Mercury que de pronto los coros empujan a la emotividad más frenética. En el piano vital se imagina la espera, la ilusión, para terminar envolviéndonos en la celebración total.

3.- Don’t stop me now. – Pleno de virtuosismo y calidad. De los mejores de Queen, sin duda. Gran variedad en los recursos para su construcción. Cada parte del tema está conectado con la esctructura. De haber sido otro y no Mercury y Queen quien lo creara e interpretara, seguramente este tema pasaría a ser uno más del lugar común.

4.- It’s a hard life.- Aparentemente convencional en su médula, hasta que Mercury decide llevarla hasta los cielos. Puede ir desde hard hasta la sinfonía sin dejar heridas auditivas.

5.- I want to break free.- Trepidante y emotiva, apoyada en Mercury, May y Taylor. Sus sensacionales armonías invitan a acompañarla en el ritmo, desde cualquier rincón y en cualquier momento. Basta escuchar sus primeros acordes para seguirla con placer.

6.- Killer Queen .- Desde un magnífico diseño del engranaje, la voz de Mercury nos conduce por sus intrincados arreglos. Paradas intempestivas que desembocan en grandes melodías y coros, una guitarra sin complejos y más bien arriesgada que lleva a la percusión hasta el disfrute. Al final deja la sensación de que falta algo más.

Igualmente brillantes:

Play the game
Somebody to love
The Miracle
It’s a hard life
Friends will be friends
I want it all

AMY WINEHOUSE, EN EL CEMENTERIO DE LOS INMORTALES

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 27 Aug 2011 04:49:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Amy Jade Winehouse (Londres 1983 – 2011), fue y será una reina del soul en todos sus extremos, la diva de un thrash propio, único, que sin duda trascenderá los tiempos, los ritmos y las modas musicales. Su excepcional talento para incorporar notas subyugantes, destinos vocales irrepetibles y consonancia espiritual con sus melodías. Rebelde y radical, humilde y desdeñosa, insuperable y caótica como todo ser humano que se respeta. Amy Winehouse no está muerta. Cinco Gramys después y con millones de perplejos fanátic@s que no se cansan de admirarla y adorarla, seguirá en la palestra; no habrá quien la destrone.
Su voz, un compendio de graves rudos y a la vez sublimes, dista de ser un lugar común aún entre los que la tratan de llevar hacia un metal psicodélico. Amy eligió para su voz y espíritu un thrash generalmente vestido de soul y R&B.
Trepidante y sincera, provocadora y leal con sus principios, Winehouse ha sabido capitalizar todos los talentos que recibió. También por cierto, el de su vida libre y libertina. Su elección valiente de las sensaciones y pasiones por sobre la ecuanimidad y la hipocresía. Todo ello ha formado parte de su personalidad y ha sido en Amy Winehouse, cotidianamente la causa de su vida… y de su muerte.
De hecho, ya se encuentra en el mismo inmortal cementerio donde también moran: Jimi Hendrix, Jim Morrison, Billie Holiday, Janis Joplin, John Lennon, Elvis Presley, James Dean, Michael Jackson, Héctor Lavoe, Kurt Cobain, entre otros.

Top:

You know I´m no good.-

Rehab.-

Cupid.-

Tears dry on their own.-

In my bed.-

Will you still love me tomorrow.-

Otros recomendados:

Love is a losing game.-

Do me good.-

Addicted.-

Wake up alone.-

CAT STEVENS, EL GENIO AUTOEXILIADO

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 20 Aug 2011 04:47:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cat Stevens (Steven Demetre Georgiou, Londres 1948), es un cantautor de culto quizá a pesar de sí mismo. Ha tratado sin éxito de autoexiliarse de la música popular, pues la memoria colectiva lo ha mantenido siempre vigente. Sus canciones son absolutamente imprescindibles para entender el fenómeno único y tal vez irrepetible de los años 60, 70 y 80. Su voz inconfundible y su especial conexión con el público lo hacen inolvidable. Sus melodías cargadas de idealismo y misticismo están seguramente -o de algún modo- relacionadas con su ascendencia sueco-greco-chipriota tanto como de su espíritu romántico.
El hoy rebautizado como Yusuf Islam, que abandonó el negocio de la música –más no la música en sí, pues sigue escribiendo e interpretando bellas canciones, por más que éstas se reduzcan a un ámbito religioso- se rebeló contra la guerra y optó por ayudar a la niñez. Y es, a despecho de su repudio por la industria discográfica comercial, ícono insustituible del mejor pop de la historia.
Es indudable que para los melómanos el mejor Cat Stevens se termina con Yusuf Islam, pero ello no menoscaba su influencia sobre la música. Aún ahora se sienten sus letras y su melodía vibrante, sutil y penetrante. Entre el 70 y 72 Stevens logró su más alto nivel. Álbumes como: Mona Bone Jakon, Tea for the Tillerman, Teaser and the Firecat, Catch Bull at Four. Su voz entonada y melancólica que descansaba generalmente sobre su guitarra acústica, le da un sentido especial a sus letras de profunda belleza.
Cat Stevens es un cantautor de culto, por más que le aborrezca serlo.

Top 6:

Sad Lisa.- She hangs her head and cries in my shirt. / She must be hurt very badly. / Tell me what's making you sadly? / Open your door, don't hide in the dark.
Ella baja su cabeza y llora en mi camisa. / Ella debe estar muy mal herida. / Dime ¿qué está causando tu tristeza? / Abre tu puerta, no te escondas en la oscuridad.

Father and Son.- Look at me, I am old, but I'm happy. / I was once like you are now, and I know that it's not easy,/ To be calm when you've found something going on. / But take your time, think a lot / Why, think of everything you've got. / For you will still be here tomorrow, but your dreams may not.
Mírame, yo soy viejo, pero estoy feliz. / Yo fui como tú, y sé que no es fácil, / con tranquilidad puedes encontrar lo que buscas. / pero tómate tu tiempo, piensa mucho, / piensa en todo lo que tienes. / Por ti estas cosas estarán aquí mañana, pero puede que tus sueños ya no.

Moonshadow.- And if I ever lose my hands, lose my plough, lose my land, / Oh if I ever lose my hands, Oh if.... I won't have to work no more. / And if I ever lose my eyes, if my colours all run dry, / Yes if I ever lose my eyes, Oh if.... I won't have to cry no more.
Y si yo alguna vez pierdo mis manos, pierdo mi arado, pierdo mi tierra, / Oh, si yo alguna vez pierdo mis manos, Oh si.... yo no tendría que trabajar nunca más. / Y si yo alguna vez pierdo mis ojos, si mis ojos estuvieran secos, / Sí si yo alguna vez pierdo mis ojos, Oh si.... no tendría que llorar nunca más.

Peace Train.- Oh I've been smiling lately, dreaming about the world as one / And I believe it could be, some day it's going to come / Cause out on the edge of darkness, there rides a peace train.
Oh, he estado sonriendo últimamente, soñando con el mundo tal como lo quiero / Y creo que puede ser, algún día eso va a llegar / porque afuera en el filo de la oscuridad, ahí va el tren de la paz.

Wild word.- But if you wanna leave, take good care / I hope you have a lot of nice things to wear / But then a lot of nice things turn bad out there / Oh, baby, baby, it's a wild world / It's hard to get by just upon a smile.
Pero si quieres irte, cuídate mucho / Yo espero que tengas muchas cosas bonitas con que vestirte / Porque un montón de cosas están empeorando allá afuera / Oh, nena, nena, es un mundo salvaje / Es difícil sobrevivir sólo con una sonrisa.

How can I tell you- I long to tell you that I'm always thinking of you / I'm always thinking of you, but my words just blow away, just blow away / It always ends up to one thing, honey / and I can't think of right words to say / Wherever I am girl, I'm always walking with you / I'm always walking with you, but I look and you're not there / Whoever I'm with, I'm always, always talking to you / I'm always talking to you, and I'm sad that / you can't hear, sad that you can't hear.
Hace tiempo quiero decirte que siempre estoy pensando en ti / Pero mis palabras desaparecen y todo se reduce a una sola cosa, cariño / No puedo pensar en palabras apropiadas para expresártelo. / Donde quiera que esté, niña, siempre estoy caminando junto a ti. / Siempre camino contigo, pero veo a mi lado y no estás ahí / Con quien sea que esté, siempre a quien le hablo es a ti y me entristece tanto que no puedas escucharme.

También recomendables:

Lady D´Arbanville
Morning has broken
The wind

CESARIA EVORA, LUZ Y VOZ

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 08 Jul 2011 04:34:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Para Cesaria Evora (Mindelo, Cabo Verde, 1947) el hecho de recibir el reconocimiento del público en todo el mundo es más importante que el de haber recibido el (verdadero) Grammy o la Medalla de la Legión de Honor de manos del presidente de Francia, u otras de las muchas condecoraciones por ella recibidas. Y el gran público la aclama principalmente porque su voz, de perfecta entonación -y sólo comparable con la de Mercedes Sosa o Susana Baca- lo desborda todo. Tal vez también tenga que ver su compromiso irreductible con sus raíces y su pueblo.
De figura sencilla y pies descalzos, Cesaria Evora muestra su calidez en cada interpretación. Su tesitura delicada y armoniosa pasea por toda la gama de graves y agudos. Elegante y exacta, deja para el placer de los oídos una discografía plagada de joyas que no permite saber cuál destaca sobre las demás sin arriesgar alguna injusticia indeseada.
Su sencillez sobresale también. Sus pies descalzos nos recuerdan que hay heridas de probreza y miseria que debemos cerrar un poco o mucho cada día, mientras la vemos desde nuestro lugar de oyentes deslumbrados con sus canciones.
No está demás recalcar que su emotiva música transmite mensajes a despecho de cualquier barrera: idiomática, social, económica o política.
Acompañada de grandes orquestas o pocos músicos, Cesaria Evora deleita con emotividad y nostalgia. Su voz es la luz de su pueblo, alegría y dolor hechos canción. Pone el dedo en las llagas de la injusticia, la esclavitud, la inmigración y la pobreza. Oir una morna en la voz de Cesaria es un tajo en el alma para el más rudo de los oyentes.
Hoy, que es una diva de renombre mundial, sigue manteniendo su espíritu contestatario y humilde, como cada día desde que comenzó a deleitarnos con sus canciones.

Para no perdérselo:
1.- Sange de beirona

2.- Tiempo de silencio – Con Pedro Guerra

3.- Bésame mucho

4.- Carnaval de Sao Vicente

5.- Flor di nha esperança

6.- Cape Verde Manda Mantenha

VIRTUOSOS DE LA GUITARRA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sun, 12 Jun 2011 05:08:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Hay quienes destacan por ser innovadores del lenguaje musical. Sus vidas pueden no ser ejemplares (y no tendrían por qué serlo), mas su presencia en el cielo musical quedará como las constelaciones que siempre regresan y -aunque a veces no las veamos- sabemos que están.
Estos son algunos de los genios entre famosos y poco mediáticos, que sin duda lograrán consenso.

De Jimmy Hendrix se ha dicho casi todo, yo sólo ensayaré que no hay disonantes que no lleven su nombre. No voy a caer en el facilismo de decir que es el mejor guitarrista “de todos los tiempos”, principalmente porque aún no han pasado todos los tiempos, pero sí que es el estandarte de una legión de grandes guitarristas que a su imagen y semejanza continúan siendo cómplices del sonido y el silencio: Stevie R. Vaugham, Clapton, Slash, Berry, K. Richards o BB King por citar algunos.
SUMMERTIME (HENDRIX / JOPLIN)

En una relación desordenada de nombres, Mark Knopfler tiene también un lugar propio. Genio de la guitarra, que incluye en sus melodías tramos de silencio que invitan y provocan. La increíble comunión entre música, silencio, acordes incompletos o desasidos de su cauce horizontal, pliegues y repliegues de notas y su voz que acomoda con su estilo, hacen de Knopfler un guitarrista único -ojalá no irrepetible-. Una forzada lista del por qué hace la diferencia: brothers in arms, comunique, down to the waterline, lady writer, lions, once upon a time in the west, six blade knife, the man´s too strong, water of love, what it is, etc.
SIX BLADE KNIFE

BROTHERS IN ARMS

COMUNIQUE

Eric Clapton no solamente tiene un lugar entre de los mitos vivientes de la música. Su vigencia de 40 y más años lo dicen todo. Un estilo preñado un blues sensacional y emotivo. Su inigualable Strat nos regala sonidos siempre excepcionales, con el sello del inglés irreverente, del que el propio Hendrix se asombraría. Ya hemos hablado de él anterior post.
WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS

Stevie Ray Vaugham, indiscutido rey de la digitación. Nunca se sabrá si era más ducho en acústico o eléctrico y seguramente no importará, porque en ambas fue realmente excepcional. Su medio tono por debajo del usual le permitió una manera de manejar sus recursos en ámbitos duros y disímiles.
LITTLE WING IMPROVISATION:

Carlos Santana, ha tenido antes un espacio propio en esta página. No es momento de olvidarse de él. Carlitos es único también, pues ha logrado un sonido propio en su guitarra. De él se puede presentir antes de verlo llegar. Es un viento conocido, es un único sonido. No hay otro sino él para llegar vibrante a las notas más esculpidas, los más agudos y extensos reclamos. Su rescate de la música latina para el mundo quizá no tenga igual, pero ama también los ritmos africanos con la misma pasión notoriamente a partir de Woodstock.
BLACK MAGIC WOMAN

Paco de Lucía es una gloria viva de la música. Su arrebatado estilo que desciende y sube hasta los límites de lo permitido, a veces nos conmueve hasta el dolor, sabiendo lo imposible de sus sonidos, de sus alcances. En mi opinión ha superado lo hecho por sus mentores: Niño Ricardo y Sabicas, en la música flamenca. Pero no se queda allí, ha seguido innovando con el afán de llegar a más público, trepado en su virtuosismo y en variadas escalas rítmicas y melódicas, que le han granjeado también críticas. Por añadidura ha puesto sobre el escenario el cajón peruano, instrumento de percusión que hoy es sistemáticamente usado en los tabladillos del mundo entero.
El flamenco de Paco no es un flamenco puro, pero es más universal.
RIO ANCHO

Hay para citar otros nombres, comenzando por Django Reinhardt, a quien ya dedicamos un post; están también en ese mismo firmamento: Duane Allman, Jimmy Page, Johnn Fusciante (de Red Hot Chili Peppers), Peter Frampton (y sus épicos 13 minutos con do you feel like I do... en vivo ), David Gilmour, Kirk Hammet, entre otros.
DO YOU FEEL LIKE I DO? / PETER FRAMPTON

HE AQUÍ UNA EXCEPCIONAL MUESTRA DE STEVIE RAY VAUGHAM:

BLUES: LA VOZ DEL ESPÍRITU

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Thu, 21 Apr 2011 04:55:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Paco Bendezú (1928-2004), quien en los ochenta fue mi maestro de Poesía Italiana, compartió una vez más aquella noche su pasión por el blues. Estaba consciente de que enfrente había un auditorio entregado a su didáctica sapiencia. Pero iría aún más lejos: sembraría sin saberlo una secta de melómanos ávidos por el jazz y el blues.

La trémula melancolía que ofrece el blues, generalmente desde las cuerdas, arranca el alma y viene desde las profundidades del espíritu. Un blusero es -o debe ser- alguien irrefutable e irrepetible (por más que la melodía que interpreta parezca repetirse). Otra vez, como en otros géneros de la música, la influencia africana deja su semilla y no es casual que se trate de música y letras sentimentales, dolorosas y nostálgicas, todas ellas basadas en la espiritualidad (desde la yoruba hasta la cristiana, pasando por la santería). Ninguna como la raza negra para cantar sus tribulaciones.
Sin ánimo de enfrascarme en su dialéctica, debo enfatizar los otros aportes del blues a la música popular. Probablemente la antífona (dícese en la música popular de la llamada y respuesta), los melismas, el scat, el vibrato (recurso que, desde mi opinión, sirve para transportar la sensación de urgencia hacia la paciencia) y también el bend y el slide. Y la letra en el blues, que casi siempre es una conversación. Y aunque en un principio la pesimista inclinación de los letristas fuera vilipendiada por predicadores y sacerdotes, terminó asociándose familiarmente con el góspel. El blues cuenta con igual facilidad historias curiosas, humorísticas y sensuales.
En el blues hay para todos los gustos. Los hay de 16 compases, de progresión armónica 4/4 o de 12/8 y sus letras pueden terminar con el último golpe del décimo compás o en el primer del undécimo. Casi siempre resaltan la quinta, tercera y séptima y de acuerdo a la escala incluso pueden ser reemplazadas. Pero sobre todo el blues logrará tocar en la escala del alma notas de desolación, vivencias, añoranzas y deseo. El compás lo dictará cada uno.
El poeta Paco Bendezú, apenas finalizada su exposición en el Taller de Poesía que compartió con Washington Delgado y Antonio Cisneros en el Auditorio del BCR en Lima, se dejó convidar por un discípulo. Aceptó con una condición: había que pasar primero por su casa, a recoger sus discos de blues. Tres afortunados fuimos con él, en el auto del que sería nuestro anfitrión. Desde entonces he escuchado jazz y blues, tratando de descubrir los sonidos subterráneos que esconden técnicamente los ocho, doce o dieciseis compases, los acordes y las letras de una música de la cual seré dependiente todavía por el resto de mi vida.

Top 5 :
1.- What I Say - Ray Charles (1930-2004).- El genio creó el primer tema soul.

2.-Rock me baby - B.B. King (1925)- El mayor guitarrista vivo.

3.- Floyd´s guitar blues - Muddy Waters (1915-1983)- El padre del blues de Chicago, maestro del slide.

4.- Talk to me baby - Buddy Guy (1936) Una gran influencia para grandes músicos.

5.- Three o´clock blues - Eric Clapton (1945) Dícese de “Mano lenta” que es el cuarto mejor guitarrista vivo.

IMPERDIBLES:
Hit the road Jack – Ray Charles

Blues guitar jam – Eric Clapton/ BB King/ Buddy Guy

Walkin´ the dog – John Lee Hooker / John Rivers

All Over Again – BB King / Mark Knopfler

IGUALMENTE VALIOSOS:
Blues boys tune - BB King
Ball and Chain - Janis Joplin
Lay down Sally – Clapton / BB King
Kansas City – Muddy Waters

LAS 20 MEJORES CANCIONES DE AMOR

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Thu, 14 Apr 2011 22:36:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Nota del autor.- Este post fue publicado en CARNE SIN HUESO el 01 de marzo de 2008. La razón es que todavía no existía este blog, refugio de melómanos. Por eso la mudanza.

El sólo hecho de hablar de música sugiere controversia. Cada quien tiene sus preferencias y dependen mucho de su cultura, personalidad y hasta del estado anímico.
En esta lista, cuyo orden es absolutamente arbitrario, figuran temas en distintos idiomas. Imposible abarcar todas las lenguas, pero al menos en cuatro de ellos busca ser representativa. Por razones obvias las traducciones son meramente referenciales.

1.- Ne me quitte pas.- Jacques Brel (Bélgica, 1929). Lanzada en 1959.
«Un hombre no debería cantar cosas así», comentó la gran Edith Piaf cuando en 1959 oyó interpretar por primera vez a Jacques Brel su propia composición.
«No me dejes./ No quiero llorar más./ No voy a hablar más./ Me esconderé aquí,/ para mirarte,/ bailar y sonreír,/ y para escucharte./ Deja que me convierta/ en la sombra de tu sombra,/ la sombra de tu mano,/ la sombra de tu perro. / No me dejes...»

2. - Gloomy Sunday .- Billie Holiday (Filadelfia, 1915)
Compuesta en 1933 por los húngaros Rezso Seress (música) y Laszlo Javor (letra), aunque en los créditos aparece también Sam Lewis quien lo llevó al inglés. Se dice que fueron más de 15 los suicidios relacionados con Gloomy Sunday en Hungría antes de que la canción fuera prohibida.
Billie Holiday la estrena e 7 de Agosto de 1941 en Nueva York, con la Orquesta de Teddy Wilson.
El domingo es triste, mis horas son de insomnio / Amado, las sombras con las que vivo son infinitas / Pequeñas flores blancas nunca te despertarán / Allá donde el coche fúnebre de la tristeza te ha llevado / Los ángeles no tienen intención de resucitarte / ¿Se enfadarían si pienso en reunirme contigo?

3.- La quiero a morir .- Francis Cabrel (Francia, 1953)
Les Chemins de Traverse (1979) contiene “Je l´aime à mourrir”, un clásico. He elegido la versión en castellano que canta el propio Cabrel.
“…podéis destrozar todo aquello que veis / porque ella de un soplo lo vuelve a crear / como si nada, como si nada / la quiero a morir…”

4.- Sorry seems to be the hardest word .- Joe Cocker (Inglaterra, 1944)
En 1976 Elton John graba “Blues Moves” un álbum doble que contiene el tema. Debo decir que me gusta más la versión de Cocker.
¿Qué tengo que hacer para que me quieras? / ¿Qué tengo que hacer para ser escuchado? / ¿Qué digo cuando todo ha terminado? / Cuando lo “siento” parece ser la palabra más difícil.

5.- Wild Horses .- Rolling Stones
En 1971 los Stones lanzan Sticky Fingers, primer disco bajo su propio sello y en él está incluido Wild Horses (Jagger/Richards), según propias palabras de Keith Richards habla del amor desenfrenado, contra la propia voluntad. También se dice que Jagger reescribió la mayoría de esta canción para reflejar el final de su relación con Marianne Faithfull.
Señora sin gracia/ tú sabes quién soy/ Sabes que no puedo dejarte resbalar/ entre mis manos./ Ni caballos salvajes podrán hacer que me vaya.

6. - Michelle .- The Beatles
Del disco “Rubber Soul” aparecido el 3 de diciembre del 65 y grabado en sólo cuatro semanas, sin embargo todo un éxito. De Mc Cartney/ Lennon.
“Michelle, mi bella/ son palabras que encajan muy bien/ encajan muy bien / Te amo, te amo, te amo, / es todo lo que quiero decir. / Hasta encontrar otra manera / diré las únicas palabras / que sé que entiendes / Michelle, mi bella.

7.- Y el amor .- Joan Manuel Serrat (España, 1943).
Incluído en el disco “Utopía”, en el sello Arbola en 1992. Dura solamente 2.40 minutos y es una alegoría al amor.
“El milagro de existir / el instinto de buscar, / la fortuna de encontrar / el gusto de conocer. / ….”

8.- Layla .- Eric Clapton (Inglaterra, 1945).
Con “Derek and the domino´s” graba su éxito “Layla” (incluido en “Layla and the other assorted love songs”) dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de George Harrison y con quien se casaría luego. La versión es de un concierto acústico para MTV.
“Layla, te lo suplico cariño, por favor, / Layla, ¿no aliviarás mi mente atormentada? / Traté de consolarte / sabes que tu hombre nunca te fallará, /
como un tonto me enamoré de ti. “

9.- Te extraño .- Luis Miguel ((México, 1970) graba “Romance” el año 91, con la producción y dirección musical de Armando Manzanero. En el track 5 se encuentra “Te extraño”, tal vez la canción más sublime de Manzanero.
“Te extraño / como los árboles extrañan el otoño / en esas noches que no concilio el sueño / no te imaginas, amor, como te extraño…”

10.- Perfect Day .- Lou Reed (Estados Unidos, 1942)
Single incluido en su disco “Transformer” (1972), producido por David Bowie y que le hace día a día revaluarse, como corresponde.
“Un día perfecto / Hiciste que me olvidara de mí mismo / Que me creyera otra persona / Alguien bueno..”

11.- Pequeña serenata diurna .- Silvio Rodríguez (Cuba, 1946)
Lanza “Días y Flores”, su primer disco como solista en La Habana entre 1974 y 1975, con sus propias letras y música, y producida por Frank Fernández.
“Vivo en un país libre / cual solamente puede ser libre / en esta tierra, en este instante / y soy feliz porque soy gigante. / Amo a una mujer clara / que amo y me ama / sin pedir nada / o casi nada, / que no es lo mismo / pero es igual. “

12.- A case of you .- Joni Mitchell (Canadá, 1943)
Tiene gran influencia sobre muchos de los cantantes y músicos actuales, entre otros Prince. Su música y su estilo siguen dejando huella.
“Estás en mi sangre como vino santo / Tú, sabor tan amargo y tan dulce / yo podría beber un caso de ti, cariño / Y yo todavía estaría en mis pies /todavía estaría en mis pies.”

13.- Jes crois entendre encore .- David Gilmour (Reino Unido, 1946).
Aria incluida en la ópera “Los pescadores de perlas” de Georges Bizet, interpretada entre otros por Alfredo Krauss. La versión es de un concierto en Buenos Aires.
“Creo escuchar todavía, / escondido bajo las palmeras, / su voz tierna y sonora
como un canto de las tórtolas. / Oh noche encantadora / divino arrobamiento / Oh recuerdo encantador / loca embriaguez, / dulce sueño.”

14.- Tarde (sin daños a terceros) .- Ricardo Arjona (Guatemala, 1964)
Graba “Sin daños a terceros” en 1998, por Sony/BMG. Luego, se convertiría en canción obligada en sus conciertos.
“Qué ganas de besarte / de coincidir contigo / de acercarme un poco / y amarrarte en un abrazo / de mirarte a los ojos / y decirte bienvenida. / Qué ganas de rozarte / qué ganas de tocarte / de acercarme a ti golpearte con un beso / de fugarnos para siempre / sin daños a terceros…”

15.- She .- Elvis Costello (Inglaterra, 1954)
Costello graba "She" para el soundtrack de la película "Nothing Hill” en 1999. La música es de Charles Aznavour y la letra de M. Kretzmer.
“Ella puede ser la razón por la cual sobrevivo, / El porqué por el que estoy vivo, / La que cuidaré a través de los años duros pero respetables. / Yo, tomaré su risa y sus lágrimas / Y las convertiré a todas en mis recuerdos / Porque adonde ella vaya, yo tengo que estar. / El significado de mi vida es ella. / Ella, ella, ella. “

16.- Sólo pienso en ti .- Víctor Manuel San José (España, 1947)
En 1979 graba “Sólo pienso en ti” (incluido en su LP “Soy un corazón tendido al sol”) considerada su obra maestra. Aborda el tema del amor entre los excluidos. Milán, producción de Danilo Vaona.
“En el comedor les sientan separados a comer / si se miran bien les corren mil hormigas por los pies / ella le regala alguna flor / y el le dibuja en un papel / algo parecido a un corazón...”

17. - I will always love you .- Whitney Houston (Estados Unidos, 1963)
Tema original de Dolly Parton, para el soundtrack de la película “The Bodyguard”, (noviembre de 1992).
“Espero que la vida te trate bien / Y espero que tengas todo lo que soñaste/ Y te deseo alegría y felicidad / Pero por encima de todo eso / Te estoy deseando, amor / Y siempre te amaré/"

18. - Something .- George Harrison (Reino Unido, 1943)
Los Beatles lanzaron su álbum “Abbey Road” en septiembre del 69, tal vez la obra cumbre del grupo. En él destaca el single “Something” dedicado a Patty Boyd, en ese entonces esposa de Harrison. Ofrezco la versión donde Harrison y Clapton, grandes amigos y enamorados de la misma dama, ejecutan varios años después esta canción. Como se puede ver, la afortunada Patty fue objeto de dos de las mejores canciones de amor, además de haber subyugado al mismo tiempo a dos grandes amigos.
“En algún lugar de su sonrisa ella sabe / que yo no necesito ningún otro amor / Hay algo en ella que me lo demuestra / No quiero dejarla ahora / Tú sabes que creo en ella aún.”

19. - No ordinary love .- Sade ( Nigeria, 1959)
Edita en 1992 su album “Love Deluxe”. La canción fue tema principal de “Indecent Proposal”.
“Yo te dí todo el amor que yo tuve / Yo te dí más de lo que pude dar / Yo te dí amor / Yo te dí todo lo que tengo / Y tomaste mi amor / Tú sólo tomaste mi amor.”

20.- Con te partiro .- Andrea Bocelli (Italia, 1958). La canción fue presentada en el Festival de San Remo, el single grabado en 1995 rompe récords en todo el mundo. Después sería editado como parte del álbum “Bocelli”. Melodía vibrante y sofisticada.
“Tú / en tu mundo / separado del mío por un abismo. / Oye / llámame / yo volaré / a tu mundo lejano. / Por ti volaré / espera que llegaré / mi fin de trayecto eres tú / para vivirlo los dos. / Por ti volaré / por cielos y mares
hasta tu amor. / Abriendo los ojos por fin / contigo viviré.”

BILLIE HOLIDAY, UNA VOZ COMO NINGUNA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Tue, 22 Feb 2011 03:39:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cuando Abel Meeropol compuso Strange Fruit para retratar las terribles imágenes de negros colgando de los árboles (Southern trees bear strange fruit -los árboles sureños dan extrañas frutas), quitándole el sentido al lema: Separados pero iguales, que la Corte Suprema de Los Estados Unidos había suscrito en el afán de detener los linchamientos de afro-norteamericanos; no pudo imaginar que en la voz de Billie Holiday (Eleanora Fagan Gough, 1915-1959) su poema alcanzaría dimensión universal. Billie convirtió el tema en el zumo para ser bebido de inmediato por el oyente. Su lento goteo es capaz de horadar hasta el dolor y logra traspasar cualquier coraza.

Pastoral scene of the gallant south,
The bulging eyes and the twisted mouth,
Scent of magnolias, sweet and fresh,
Then the sudden smell of burning flesh.

Ya sabemos cómo Billie aprendió a vivir (algunos dirían que a morir, y no les faltaría razón). Que su madre la concibiese a la edad de trece años cuando su padre todavía no pasaba de los quince, fue apenas el comienzo del drama. Pero Billie acusó en su voz las heridas que sus experiencias le dictaron. Sólo ella puede transmitir lo que canta. Hasta hoy es así.
Era tal la fuerza de una canción en la voz de Billie Holiday, que el público sentía de inmediato el devastador efecto. Ella lo sabía muy bien y por eso la rebeldía de su raza la hacía cantar aún en lugares donde el racismo era cáustico. Se dice que en Alabama se la persiguió hasta sacarla del estadio porque intentó cantar Strange Fruit.
Pero Billie Holiday no sólo es Strange Fruit -por más que la revista Time haya catalogado la canción como la mejor del siglo XX- Billie bien puede significar un tomo de cualquier ensayo sobre la voz y la interpretación. Su dominio del swing pasa a un segundo plano cuando comienza a contarnos la historia. Y mayor es la admiración hacia ella si tenemos en cuenta que, a despecho de su registro de sólo una octava, imponía una rítmica sin igual, además de su ya comentada sensibilidad y cualidad para transmitir.
Billie Holiday nos ha legado -por sobre su escandalosa y extrema existencia, signada por drogas y consuetudinarios dramas- la imponente secuela de su voz, que rasga el espíritu y cala hondo.

Top 3:
I´m a fool to want you

I cover the waterfront

Gloomy Sunday

Otros igualmente magistrales:

Body and Soul

My man

Yours and mine

LAS 20 MEJORES DE LA MÚSICA ANDINA LATINOAMERICANA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Tue, 25 Jan 2011 19:36:00 +0000

Nota del Autor: Hace un par de años publiqué este post en CARNE SIN HUESO. Unos avispados amigos me acaban de hacer notar que debería pertenecer a este blog. Tienen razón.

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

La música andina latinoamericana no ha muerto. Hace más de cuarenta años, se dio a conocer una corriente basada en los ritmos autóctonos de Argentina, Bolivia, Chile, Ecuador y Perú (en orden alfabético), que comparten además de geografía, su idiosincrasia, costumbres y culturas. Hoy los artistas han adoptado nuevas corrientes musicales o han decidido permanecer en lo tradicional, pero siempre renuevan los lazos ancestrales con su suelo, su patria: el ande.
He aquí un forzado recuento de lo más representativo de la música andina latinoamericana, hasta nuestros días:

(Para escuchar la canción, hacer click en botón "play")

1.- Sube a nacer conmigo hermano – Los Jaivas
Del Poema “Alturas de Machu Picchu” Canto XII, poemario “Canto General” de Pablo Neruda, esta musicalización que está en el disco Alturas de Machu Picchu (1981). Ritmo de joropo, basado en un inusual mi bemol menor, para el sello EMI- Electrola. Extraordinaria armonía donde cuerdas y piano se llevan de la mano ante la telúrica compañía de la percusión. De las letras del maestro Neptalí ya todo se ha dicho.

2.- Alturas – Inti Illimani
Compuesto por Horacio Salinas, incluido por primera vez en su disco "Canto de Pueblos Andinos" (1973), este tema clásico de los tiempos de la Nueva Canción Latinoamericana, perdura hasta nuestros días con la misma frescura. Vientos de zampoñas y caricias del charango envuelven nuestros oídos en el clima propio de las alturas cordilleranas.

3.- Que seas vos – Jorge Cafrune
Grabado en 1964 para el sello CBS, el tema es indiscutiblemente de los mejores del trovador argentino, que interpreta con su estilo único el tema de Marta Mendicute:
Cuando ya no me alumbre / el candil arisco de mi corazón / volvéte a mi tierra, / lleváte mis coplas y cantálas vos.

4.- Paloma ausente - Illapu
Con letra de Violeta Parra, graban en 1978 en Monitor. Los vientos predominan inclusive sobre las voces afiatadas que distinguen al grupo. Sólidas zampoñas y la quena que ágil vuela con cadencias marcadas.
Dice en un papel escrito con tinta verde, / que teniendo paciencia todo se alcanza, / una que bien la tuvo salió bailando, / de su jardín, al Arco de las Alianzas.

5.- Renacerán - Markamaru
Ya en su etapa en suelo peruano Markamaru graba lo que sería uno de sus mejores trabajos, si no el mejor: "América Renacerá" para el sello IEMPSA y, en él "Renacerán", de Marino Núñez, muestra armonía vocal y preeminencia de quenas, zampoñas y cuerdas.
Hombres barbados de extraña nación / del norte se acercan cegados de ambición. / Cual pestes van causando muertes / y hay miles que hoy no entienden. / Renacerán, renacerán.

6.- Todos juntos – Los Jaivas
Grabado en 1972 por IRT, como el lado B de un single, "Todos Juntos" se convierte en un clásico de la fusión de la música andina con el rock progresivo, con letras de paz y unidad para los seres humanos y abundante rock-andino que suena entre la flauta dulce, charango, batería y bajo y mucha percusión.
Hace mucho tiempo que yo vivo preguntándome / para qué la tierra es tan redonda y una sola nomás. / Si vivimos todos separados / para qué son el cielo y el mar, / para qué es el sol que nos alumbra / si no nos queremos ni mirar.

7.- Cuando florezca el chuño - Kalamarka
Grabado en 1991, en ritmo tobas, usando la tecnología digital, pero basada en instrumentos y sonidos andinos, el grupo boliviano marca su derrotero con sonidos muy elaborados, percusión en tiempos disímiles y formato poético muy suyo en las letras.

8.- Luna tucumana – Atahualpa Yupanqui
Uno de los maestros del folklore latinoamericano se llama Héctor Roberto Chavero, Atahualpa Yupanqui. En él la guitarra luce su canto a la nostalgia, a la pampa y se nutre de los silencios del aire frío y de las coplas de los gentiles. La voz del trovador golpea las puertas del alma:
Yo no le canto a la luna / porque alumbra y nada más, / le canto porque ella sabe / de mi largo caminar.

9.- Negrita – Los Kjarkas
Quizá el grupo más mediático de Bolivia, Los Kjarkas tienen una amplísima discografía, la mayor parte de ellos de corte comercial. A pesar de que también lo es, "Negrita" resume el lado tradicional del ritmo saya y el comercial, con una letra simplona dirigida al consumo. Incluido en su disco "Hermanos" (1994), gana en sonoridad y movimiento con las clásicas voces de los Hermoza.

10.- Sikinanay - Ocobamba
Grupo formado en Europa por dos peruanos, Ocobamba sorprende por su elaborada fusión que, como ellos mismos definen, trata de plasmar en la música “todas las patrias”. Con un sonido multifónico y lleno de matices, es digno heredero de Los Jaivas. Sikinanay, del disco Matador (2005) es sólo una muestra de su genio creativo.

11.- Vasija de barro- Inti Illimani
De Benítez y Valencia, este tema de raíz ecuatoriana grabada en el segundo disco del grupo chileno llamado también "Inti Illimani" (1969), muestra acordes sugestivos y letra cadenciosa y emotiva. La lenta armonía discurre magistralmente ejecutada.
Arcilla cocida y dura, / alma de verdes collados. / Barro y sangre de mis hombres, /
sol de mis antepasados.

12.- Zamba de mi esperanza – Los Chalchaleros
El mítico grupo argentino interpreta el tema de Luís Morales por primera vez en su disco "Nuestro Folklore en Hollywood" (1965). Sus voces retumban en los momentos precisos, abrazados por sus trepidantes guitarreos, para lograr lo que ellos mejor saben hacer.
Zamba, a ti te canto / Porque tu canto derrama amor, / Caricia de tu pañuelo / Que va envolviendo mi corazón.

13.- Pollerita – Mercedes Sosa
El huayno "Pollerita" es quizá su tema más tradicional. Destaca por sobre todo la imponente voz de Mercedes, pero también la sencilla melodía que encausa el origen andino ancestral con fuga incluida. Grabado en su disco "Mercedes Sosa en Argentina" (1982).
Aritos te daré / Si los puedo robar / Con mi mano de lana / Vidita te voy a acariciar.

14.- El cascabel – Illapu
El álbum "Raza Brava" contiene este tema, que pese a la prolífica producción de calidad que nos ha entregado este grupo a través de tantos años de vigencia, sigue causando admiración por su límpida ejecución, en tiempos en que no había recursos digitales. Quena magistral, charango envolvente y voces siempre afiatadas.

15.- Verbenita – Savia Andina
El grupo boliviano de profundas raíces alto andinas que afloran en su estilo peculiar de ternura y nostalgia, nos entrega uno de sus mejores temas, con la voz inconfundible de Gerardo Arias. De su álbum "Lo mejor de Savia Andina".
Ábreme la puerta verbenita que no soy ladrón / Por la llave vengo verbenita de tu corazón.

16.- Recuerdos de Calahuayo – Uña Ramos
Mariano Uña Ramos es todo un icono de la música latinoamericana, genio vivo del sentimiento indio que se traduce en su música: sentimental, solitaria, rebelde. Graba "El Arte de la quena" (1970), acompañado de charango, guitarrón, bombo y guitarra. Sin duda un tema sin igual.

17.- Duerme negrito – Quilapayún
Grabado en 1968, en su disco "Quilapayún 3", melodía muy elaborada y voces magistrales y pulcras, quizá debido a la influencia de Angel Parra y Víctor Jara, sus sucesivos directores artísticos.
Y si el negro no se duerme viene el diablo blanco/ Y ¡zas! Le come la patita Yacapumba ,/ Duerme, duerme negrito que tu mamá está en el campo, negrito:/ Trabajando, trabajando duramente. Trabajando…

18.- Zamba para olvidar –Daniel Toro
Casimiro Cobos, tal es el nombre verdadero de Daniel Toro, voz impecable que se deja envolver por los geniales Chalchaleros, interpreta su propia composición y la música de J. Fontana: Zamba para olvidar.
Mis manos ya son de barro, tanto apretar al dolor / Y ahora que me falta el sol, no se que venís buscando / Llorando mi amor llorando / También olvidame vos.

19.- Taquirari de jaiña – Arak Pacha
El disco "Urusa Purk´iwa", editado en 1989 por el sello EMI, contiene en el surco número ocho el "Taquirari de jaiña", de autor reservado. Ritmo cadencioso del taquirari, ejecutado con mezcla de quena y zampoña tradicionales, al estilo único de Arak Pacha.

20.- Tusuy Kusun - Damaris
Joven cantautora que fusiona con buenos resultados. Su música como su voz suena fresca y ágil y promete aún mucho más. Decidimos hacerle justicia a su trabajo actual como, lo esperamos también, a su futuro.
Se oyen los cantos, me anuncia el viento / kusicuy sonqo manan manan llanjachu canqa / kusicuy sonqo allim allim tayta

CUBA: MADRE DE LA MÚSICA LATINA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 15 Jan 2011 02:27:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Yo no compuse Chan Chan; la soñé. Sueño con la música. A veces me despierto con una melodía en la cabeza, oigo los instrumentos, todo muy clarito. Me asomo al balcón y no veo a nadie, pero la escucho como si estuvieran tocando en la calle
.

Compay Segundo (Francisco Repilado, 1907-2003)

Ansioso, luego de hacer larga cola para ingresar, estaba yo en una sala de cine especialmente equipada con sonido envolvente. La mayoría había visto los avances publicitarios y leído los comentarios de la crítica acerca del fenómeno que había removido el mundo musical.
Por fin se apagaron las luces y comenzó el filme. Pude ver una multitud que, seguramente más ansiosos que nosotros, esperaba la función en el Le Carré, de Amsterdam. Abril del 98. Entró Compay Segundo arrancando una ovación jubilosa. Lo siguió Eliades Ochoa. Luego fueron ingresando los que tendrían a cargo el tema inicial. El “armónico” sonó en las añosas manos de Compay en el inicial rasgueo, secundado por la guitarra de Eliades. En ese momento sentí que se me salían las lágrimas y pude ver claramente que no sólo a mí.
Lo que siguió de aquella experiencia fue una avalancha musical, uniformemente brillante, de las épocas doradas de la música de la isla. No quedó otra alternativa que dejarse subyugar por cada uno de sus ritmos, melodías y adentrarse en su mundo, sorprendente y excepcional. Así empezó mi fanatismo confeso por la música cubana. Empecé a escarbar hacia sus raíces y a degustar cada una de sus expresiones.
No es posible hacer una sinopsis de los músicos cubanos sin caer en el desatino. Cuba, un país de poco más de once millones de habitantes, pareciera tener por lo menos el 95% de músicos, de mediana calidad para arriba. Sólo bastará nombrar algunos que, a título personal, parecieran sobresalir por sobre los otros.
La multitud, en mi opinión, se apoya sobre tres genios: Ignacio Cervantes, Ernesto Lecuona y Benny Moré. Les siguen sin que signifique un orden: Bola de Nieve, Arsenio Rodríguez, Trío Matamoros, Celia Cruz, Tito Puente, Polo Montañez, Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo, Guillermo Portabales, Compay Segundo, Perez Prado, Rolando Laserie, Irakere, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Paquito D Rivera, Bebo y Chucho Valdés, Israel Lopez "Cachao", Mongo Santamaría, Chano Pozo, Arturo Sandoval, Orishas y muchos más.
La música cubana ha terminado siendo la madre de la música latina. Sin duda, la influencia africana encontró en la isla sentimiento, pasión, alegría y sabor, donde poder mezclarse hasta lograr este matrimonio insuperable que es hoy y que de seguro perdurará por siempre. Es decir, la base de la unión entre la isla y la influencia africana es en realidad Cuba. En ningún otro lado ha logrado tal comunión. La variedad de ritmos y estilos que nos regala Cuba es tan impresionante como la de sus maestros compositores, músicos e intérpretes. Entre Ignacio Cervantes, un académico de profunda sensibilidad y talento inconmensurable y Lecuona, un genio que sorprende por su sencillez. Portuondo, de voz dulce y exacta y Celia Cruz de amplio registro, claridad y potencia. Irakere con su compleja elaboración y Trío Matamoros, de gran ritmo, sensibilidad y comunión. Bebo y Valdés y su hijo Chucho: el primero clásico y pulcro, el segundo virtuoso pero exigente con el oyente. Por último, un Silvio Rodríguez de grandes letras y a veces cuestionable entonación cuando canta y Pablo Milanés, sereno y cuidadoso como compositor e intérprete.
Son montuno, bolero, salsa, cha cha cha, contradanza, danzón, guaguancó, guajira, guaracha, mambo, pachanga, rumba, son, timba, trova, entre los más universales, son la evidencia de que la música cubana está presente en todo Latinoamérica y parte del mundo.
Buena Vista Social Club es el antes y después de la música cubana. Su influencia se seguirá notando en los ritmos latinos por mucho tiempo más. Hoy, varios de los héroes que aquella noche del estreno de su película nos emocionaron hasta las lágrimas con su virtuosismo y lecciones vida -y los cuales estaban generalmente emparentados con la soledad y la exclusión- han muerto. En aquellos felices casos pudieron por lo menos conocer el éxito, la fama, el reconocimiento, la admiración y el aplauso de millones de gentes en todo el mundo.
Gracias a Ry Cooder y Wim Wenders yo me he vuelto un apasionado de la música cubana, sin duda el espíritu que le permite a su gente vivir… y seguir viviendo a pesar de todo.
Para no perdérselo: CD-DVD Buena Vista Social Club. Director: Wim Wenders, Productor: Ry Cooder, Sonido: Martin Müller.

Top 4:
Chan Chan – Buena Vista Social Club

Adiós a Cuba – Ignacio Cervantes

Cómo fue - Benny Moré

El carretero – Guillermo Portabales

Algunos de los recomendables:

Hola Soledad – Rolando Laserie

Polo Montañez – Soy guajiro

Orishas – Son de Cuba

Por cortesía de YouTube:

MUY PERSONALES PARTE I : LA MAGIA DEL LATIN JAZZ

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 03 Dec 2010 02:34:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

El latin jazz sin Paquito d´Rivera, Patato Valdés, Dizzy Gillespie, Machito, Gato Barbieri, Piazzolla, Tito Puente, Chico O´Farrill, Michel Camilo, Rubalcaba, Elianne Elias, Mederos, Mongo Santamaría, sería tan imposible como si en él dejaran de sonar las congas, bongós, güiros y timbales. La estructura musical del latin jazz es original y única. El latin jazz se basa por igual en el ejecutante que en el oyente. En el latin jazz el melómano y su percepción de la alegría, el disfrute y el gozo es tan trascendente como el genio creador o el músico virtuoso. En cuanto comienza no hay lugar para el marasmo ni espacio para la tribulación, aún en los más cadenciosos tangos de Piazzolla o en los sublimes teclados de Elianne Elias.
Aunque se dice que el latin jazz está basado en el jazz americano, la música brasilera y la cubana, más cierto sería decir que engloba una gama mucho más amplia de ritmos y expresiones culturales de distinta índole, comenzando por el lugar físico donde se lo concibe, el espíritu predispuesto del oyente y hasta la formación académica del músico que la compone o interpreta. Ya Fernando Trueba ha probado en su excepcional filme “Calle 54”, lo esencial que resulta la entrega absoluta del melómano para que la música conlleve al éxtasis total.
El latin jazz es, sin duda, el cómplice perfecto de nuestros estados de ánimo.
Hacer una lista de preferencias es aventurarse demasiado. Sin embargo, no conozco otra forma de mostrar mis prioridades. No he considerado los temas anteriormente expuestos, para no redundar. A ello se debe que en esta lista no aparezcan temas de Piazzolla, Jobim o Mederos, por citar algunos.

Top 5:
Tico tico – Paquito D´Rivera

From Within – Michel Camilo

Watermelon man – Poncho Sánchez

El Manicero (The peanut vendor) – Xavier Cugat

My summertime – Ray Barreto

Recomendables:
Cuban blues – Chico O´Farrill

Ran Kan Kan – Tito Puente

Río Ancho – Paco de Lucía

La Comparsa – Bebo y Chucho Valdés

BOSSA NOVA, EL DELEITE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sun, 19 Sep 2010 18:43:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cuando el término bossa nova se escuchó internacionalmente para denominar a una corriente musical que emergía con fuerza, ya gozaba de popularidad entre los jóvenes brasileros como una actitud contestataria. Por aquellos tiempos, finales de los 40s y principios de los 50s, se vivían tiempos políticos difíciles en el gigante sudamericano. Los jóvenes de Copacabana e Ipanema darían fe de su rebeldía usando cada vez más frecuentemente el término. Sin embargo, la música llamada bossa nova no se limitó a ser un vehículo político, sino que extendería sus brazos al sentimiento, al amor y a otras manifestaciones del espíritu.
La bossa nova, nutrida por la samba tradicional brasileña, dulcificó su melodía, apaciguó su ritmo trepidante y lo hizo más lento y armónico. Pero además, de la mano de Antonio Carlos Jobim, le agregó un valioso componente jazzístico, lírica elaborada y poética; con un formato disonante y sincopado se hizo un fenómeno que perdura hasta nuestros días.
De Jobim a Chico Buarque, de Sergio Mendes a Adriana Calcanhotto, pasando por Gilberto Gil, Vinicius de Moraes, Astrud Gilbert, Elis Regina, Toquinho o Stan Getz, Gal Costa, María Bethania, Djavan o Paulinho Moska, la bossa nova ha tendido puentes de conexión únicos entre generaciones de melómanos.

Top 3:

1.- Mais que nada.- Sergio Mendes, digno discípulo de Tom Jobim, y su banda desarrollan una versión espectacular e insuperable del tema de Jorge Ben Jor. Con arreglos audaces que apoyan las voces de sus coros y solista. De construcción simple y básica, sorprende por su agilidad e invita al disfrute. Un final para sumergirse en el piano del propio Mendes.

2.- Chega de Saudade.- Antonio Carlos Jobim es a todas luces el padre de la bossa nova. Su genio creativo y su visión para acercar la bossa nova y el jazz le dio la universalidad que hoy luce. Con letra del gran Vinicius de Moraes, Jobim compuso lo que es para mí uno de los temas más bellos y que además, resulta siendo el primer registro fonográfico de bossa nova en 1958, en la voz de Elizabeth Cardozo. Yo prefiero la versión de Gal Costa, quizá por la limpieza de su voz.

3.- Garota de Ipanema.- La versión mejor, con Jobim en el piano, Stan Getz en el saxo, cantan Joao Gilberto y su mujer Astrud. Año 1963. Indudablemente una genialidad. Muchos la consideran lo mejor de la bossa nova de todos los tiempos. Habrá que esperar a que se acaben todos los tiempos, pero lo que no dejará duda es la elaborada composición y gran ingenio de este tema bandera de la bossa nova.

Recomendaciones:
Desafinado.- Tom Jobim/ Stan Getz.

Magalenha.- Sergio Mendes

Lança Perfume.- Rita Lee

Gatinha Manhosa.- Adriana Calcanhotto

RODOLFO MEDEROS, SENSACIÓN Y BANDONEÓN

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 05 Jun 2010 03:41:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Rodolfo Mederos, nació en Buenos Aires en 1940. A mis oídos llegó a finales de los 80s, cuando un amigo argentino puso en el tocacintas de mi auto un par de temas del entonces desconocido maestro. La música bonaerense para mí, hasta entonces, se había reducido a Gardel, Santos Discépolo y Piazzolla. Hasta allí era Piazzolla mi preferido, por su genio innovador.
Cuando oí a Mederos me asombró su sensibilidad para arrancar del bandoneón las más dulces notas que hasta entonces había imaginado. Afortunados los alumnos que aprenden de él un estilo propio de hacer música, una visión muy personal y una ética admirable acerca de la música. En mi concepto, ya Rodolfo Mederos alcanzó la altura de Piazzolla, tanto musical cuanto técnicamente. Habrá quienes prefieran en su lugar a Dino Saluzzi u otros; se respetan las opiniones pero, para mí, nadie como Mederos para llevar al oyente hasta los confines. Con él se puede llegar al supremo goce, asirse de sus notas para viajar y explorar con el propio ejecutante la hondura de su sentimiento.
Ha sido un proceso difícil, pero hace ya buen tiempo el maestro ha tocado el cielo con su música. De toda esa experiencia, ha sido quizá la etapa de “Generación Cero” la más fructífera, una cosecha de experiencias inigualables y la consolidación de su etapa formativa. Sin embargo, es hoy que Mederos plasma en cada intervención su genio, es hoy que podemos disfrutar la sustancia.
Mederos ha sido siempre un contestatario, un audaz transeúnte de terrenos inexplorados. La música encuentra en él un sonido especial e inigualable y el melómano un cómplice con el que compartir el ritual de los silencios dolorosos y las largas melodías.
Hay que ver a Mederos entregándose a su bandoneón para asombrarse permanentemente por su claridad y propuesta.
En agosto de 1996 tuve la fortuna de asistir a su presentación en Buenos Aires, junto a Daniel Baremboim (cuyo magistral genio frente al piano merece nota aparte) y Héctor Console en el bajo. Inolvidable acontecimiento que ha quedado para siempre en mi memoria.

He elegido unos temas de su vasta discografía sólo por razones prácticas. Sin embargo, me provoca citar otros más, para librarme de omisiones no deseadas. En realidad invito a la música de Rodolfo Mederos. Hay mucha y muy buena para disfrutar.

Top 3:

1.- Aquellos tangos camperos (Horacio Salgán), formando trío con el eximio pianista Daniel Baremboim y el contrabajista Héctor Console.

2.- Milonga de mis amores, de Laurenz y Contursi, con Nicolás “Colacho” Brizuela en la guitarra.

3.- Nuestros hijos (o El lugar donde vivo), del mismo Mederos, con Generación Cero.

Igualmente magníficos:

Chiqué, Chiquilín de bachín, Desde el alma, Flores Negras, Flor de Lino, Milonguita, A fuego lento, Aquellos tangos camperos, Primavera Porteña, etc, etc.

TOM WAITS EL GENIAL ANTI-HÉROE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 06 Feb 2010 02:45:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Tom Waits (California, 1949) se rehusa sistemáticamente a hablar de sí mismo. De no haber sido músico y cantante no sabríamos nada de él. Afortunadamente nos da una idea de lo que siente al ofrecernos su música ecléctica, la ruda emoción que transmite. Se ha escrito de su áspera biografía. Poco será cierto y mucho quizá no lo sea. En este rincón no somos habitúes de la psicología. Sólo escribiremos de su genio y estilo. No fisgoneamos, sino escuchamos. Y Tom Waits nos provoca escuchar. Ya sabemos que se esmera por ser y parecer un maldito. Que golpea y elude con la misma facilidad y que cala en los más diversos auditorios con su voz convulsiva y sus letras desafiantes. Sabemos también de su humor renegado y corrosivo. Nos gustaría saber más: qué le anima a decir lo que dice y a mostrarse ecuánime a pesar de su desarrapado aspecto. Nos gustaría. Pero más nos gusta sentir su melodía, despepitar sus canciones, disfrutar con sus escupitajos vocales, aquellos que duelen mientras se digieren. Nos gusta más ir del tango al blues, como si no fuera suficiente con sus letras. O transigir en sus versiones de clásicos del rock, tipo Roxanne, mientras mezcla cuñas de su español vociferado con urgencia.

PODIUM FORZADO

Closin time, obviamente es imprescindible. Tiempos beat, de melodías resultantes de su pasión por el jazz y el blues. Blue Valentines sirvió para deducir que no le debía perdonar al silencio. Por el contrario, empezó a castigarlo con latigazos vocales y puntiagudos, que remecen al oyente hasta llevarlo a los confines. Año 1978. Desde allí explora las disonancias con mayor frecuencia, se quema la garganta sintetizando sus afonías hasta el dolor.
Entre el 83 y 87, ya sintiéndose cómodo en la senda, procrea tres indudables joyas: Swordfishtrombones, Rain Dogs y Frank´s Wild Years para, por momentos, rearmarse anímicamente desde un blues propio, cuasi ladridos y escandalosos ambientales, rhythm & blues y valses trasnochados con dramáticas interpretaciones.
Alice es también un pilar en su carrera, sobre todo por la mágica sensación de poseerlo todo que entrega el disco. En mi concepto uno de los más completos.
De sus alter ego fabricados gracias a Ginsberg, Bukowsi y Dylan, matizados con los temperamentos sórdidos de quienes sufren las calles, Waits ha desarrollado los personajes que pueblan sus canciones. Seres únicos que le acompañan y transmiten sueños surrealistas, mágicos pasajes, dolorosos cataclismos y tiernas melodías que se agolpan en la cantina perdida que usualmente imaginamos como escenario de sus travesías musicales.
La subyacente timidez asincopada de Trampled rose, uno de los sencillos que más me gusta de su Glitter and Doom Live en medio de trasteos y elucubraciones decoradas por un teclado que de inmediato provoca emociones, y hasta el susurro del xilofón, mientras el Waits teatral descubre una de sus máscaras ante el público.
Del mismo disco, Singapore, la melodía presurosa, el scat vibrante con un final despistado, atropellado y moribundo, que de pronto se rehace y reinventa y sobrevive a la tormenta.
No importa si le sucedieron las historias que cuenta o si el paisaje que pinta ante nosotros en cada disco es fruto de su sueño o de su pesadilla. Lo único que importa es que cuando Waits canta, transmite. Y se hace creer.

JETHRO TULL / IAN ANDERSON, LA MISMA MÚSICA

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Tue, 19 Jan 2010 04:30:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Jethro Tull, una banda de culto entre los amantes del rock. Ian Anderson, líder y mentor del grupo, un músico prodigioso y referente indudable en la música contemporánea. De hecho, su larga trayectoria matizada con baches y escaramuzas, le han dado un lugar inmortal entre los melómanos. Sobre todo por su original propuesta, lejana de encasillamientos y clichés. La música de Jethro Tull es de por sí única. A despecho de sus históricos temas, como “Thick as a Brick”, “Aqualung”, “Locomotive Breath”, hay otros que despiertan enconados debates y quedan entre el amor y el odio, pero siempre despertando pasiones entre los fans.
Su rock que transita desde lo progresivo, blues, folk, hard rock, o sinfónica-barroca y llega hasta lo indefinible, tiene su pilar central en la magistral flauta de Anderson; sin embargo es imposible ignorar o menoscabar el soporte cualitativo de toda la banda. Músicos de gran calidad que sólo se ven opacados por la personalidad mediática de Anderson, quien ha logrado reinventarse continuamente hasta llegar vigente a estos tiempos.
Desde su primer álbum “This Was” (1968), siguiendo con “Stand Up” que contiene el primer éxito monumental de la banda: “Living in the past”, o “Witch´s Promise" (que adiciona también el haber sido el primer single grabado en estéreo en la historia de la música); “Aqualung”, quizá su álbum más universal y cuyo hard rock se combina con letras poéticas de corte social y religioso, siempre contestatario (en la cubierta aparece la polémica frase: “ En el comienzo, el hombre creó a Dios, y le dio poder sobre todas las cosas”, la cual le valió ser conjuntamente con su álbum “Thick as a Brick” censurada en España durante el gobierno franquista). De "Aqualung" prefiero “Locomotive Breath” por su majestuoso despliegue, trepidante, que nace clásico y se va haciendo rock durante estadios bien marcados y una línea clara. El breve solo de flauta es inolvidable.
Pero no sólo sería “Thick as a Brick” un éxito de crítica y de ventas, sino el mejor logrado conceptualmente. Para mí ha sido siempre un álbum que me ha rescatado de todas mis desventuras. Gracias a él he logrado sobrevivir apegado a mis delirios. Un solo y largo tema dividido en dos partes, una en cada cara del vinilo. Movimientos con temas que a veces se repiten dando una columna vertebral y destacan por su virtuosismo y complejidad. Alrededor de ochenta minutos de deleite continuado.
Tampoco hay que olvidar el magnífico "Minstrel in the Gallery" (1975), medio acústico y dulce, contrastando con piezas hard igualmente de gran calidad. Luego vendrían los inolvidables álbumes: “Songs from the wood”, “Heavy horses” y “Stormwatch”, trilogía que va decantando el folk medieval y el rock puro con arreglos orquestales y que logró el aplauso unánime de la crítica y del público. Seguidamente vendría “Bursting Out” (1978), un doble grabado producto de sus memorables giras, donde la banda recrea sus mejores interpretaciones. Ian Anderson ofrecería en sus solos de flauta la calidad de su increíble formación autodidacta.
Entre 1980 y 1984 la banda cae en un hueco, común entre los grupos de larga data, pero regresa marcado por un mítico suceso en donde el álbum “Crest of a Knave” recibe un aluvión de elogios y gana el Grammy de 1989 por Mejor Performance de Hard/Rock/Metal, imponiéndose a los archifavoritos Metallica en medio de gran escándalo. Lo cierto es que el heavy le debe a Jethro Tull mucho de su formativa temprana , por lo tanto no es de extrañar que los académicos hayan reconocido su trabajo.
Aunque “Rock Island”, “Live at Hammersmith ´84” y otros tres marcaron una década poco profunda en su discografía, “A Little Light Music” (1992) regresó a la banda a su encumbrado lugar, básicamente con temas antiguos en versión casi totalmente acústica y en vivo. Enseguida “Divinities: Twelve Dances with God”, donde Anderson reclama su pedestal de genio flautista con insuperables versiones instrumentales. Un regalo para el espíritu. Yo lo tengo entre mis favoritos. No menos notables fueron “Jethro Tull, J-Tull Dot Com” (1999) y “The Secret Languaje of Birds” (2000) reafirmando su estilo.
Ian Anderson, un músico que deja una huella imborrable en el espíritu, genio creador de emociones sin par y melodías insospechadas. Autodidacta, genial improvisador de respiraciones imperceptibles en sus larguísimos tramos de flauta.
Ian Anderson, artífice de Jethro Tull y Oficial de la Orden del Imperio Británico, gracias por tantos años de excelente música.

Locomotive Breath (versión en vivo):

Rocks on the road:

Roots to branches:

KIND OF BLUE, LA CUMBRE DEL JAZZ

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 08 Jan 2010 02:32:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Kind of Blue, el álbum bandera del jazz.
Miles Davis (1926-1991), secundado por una banda excepcional grabó en los estudios de Columbia Records el álbum Kind of Blue (45.44 minutos), considerado el disco más vendido en la historia del jazz (con más de 170 millones de copias originales vendidas) y por la revista especializada Rolling Stones en el puesto 12 de entre 500 de los mejores álbumes de la historia de la música, teniendo en cuenta que se enfrenta como disco de jazz -de por sí denso y a veces difícil de escuchar- a álbumes de música popular como los grabados por The Beatles, por ejemplo.
No voy aquí a entrar en asuntos técnicos concernientes a la armonía y a la composición musical sino, como es el corte de este blog, a traer al encuentro de los melómanos la visión de un oído casual que capta la buena música y comparte el disfrute del espíritu.

Kind of Blue, grabado en 1959 en apenas diez horas (repartidas en dos días), consta de cinco temas:
1. "So What"
2. "Freddie Freeloader"
3. "Blue in Green"
4. "All Blues"
5. "Flamenco Sketches"
Temas 1 y 2 escritos por Davis; 3, 4 y 5 por Davis y Evans.

Además de Miles Davis en la trompeta, contó con el maestro saxofonista tenor John Coltrane, Julian Adderley (saxo alto), Wynton Kelly (piano, en Freddie Freeloader), Bill Evans (piano, salvo en Freddie Freeloader), Paul Chambers (contrabajo) y Jimmy Cobb (batería). Ellos llevaron a la práctica un jazz modal del que George Russell seguramente habrá estado orgulloso. Kind of Blue es indudablemente una obra maestra, que sorprende por su simpleza y su genial basamento en notas predeterminadas durante las improvisaciones, plenas de sensibilidad y calidez. La trompeta de Miles conmueve siempre, pero más en Kind of Blue (a veces pienso que quizá porque tiene muy cerca a Coltrane, como una motivación para destacar).
Siendo magníficas todas las pistas, me inclino por “Flamenco Sketches”: toda su fuerza sentada sobre el bajo de Chambers, momentos intensos de swing y percusión; los solos de Miles, Evans, Coltrane y Adderley se distinguen de todos los demás por su naturalidad. Inspiración pura, creatividad y virtuosismo, notoriamente influenciado por Albéniz.
Que Kind of Blue haya sido grabado -por expresa disposición de Miles Davis- sin previo ensayo casi como esperando una total autenticidad en sus sensaciones, no hace más que valorar su carácter trascendental.

Kind of Blue está hecho sobre todo para sentirlo.

Flamenco Sketches:

ERIC BURDON IMPRESCINDIBLE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Thu, 26 Nov 2009 12:52:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Eric Victor Burdon ( Walker, Newcastle, 1941), fue miembro fundador y vocalista de The Animals, con quienes lograría su ya célebre gran éxito: “The house of the rising sun”, un tema de Texas Alexander, que graba con The Animals. Luego por deserciones de sus primigenios integrantes se llamaría Eric Burdon and the Animals y, finalmente, Eric Burdon and the New Animals, antes de que Burdon se uniera al grupo War, con el que produjo éxitos vitales como: Spill The Wine, Tobacco Road, Gun, Magic Mountain, Mother earth, entre muchos de gran factura. Aunque su etapa con The Animals en Londres fue excepcional, personalmente me quedo con la ecléctica banda War.
El blues y rhythm & blues de Burdon encara las melodías de un modo apasionado, largos trances de guitarras, teclados o saxo, que hacen caer en el disfrute total. Las improvisaciones, largas y plenas del espíritu blusero, con reminiscencias de Hooker, Ray Charles, Dylan, entre otros, se apoya básicamente en los ritmos negros, del mismo modo que los ejecutantes de War. Sus discos de estudio dan la impresión estar tocados en vivo.
En 1970 lanza Eric Burdon Declares "War". El mensaje de la tapa del disco, de paz y amor, hermandad, armonía y esperanza; contra el racismo, pandillaje y los crímenes de guerra, tanto como las melodías subyugantes y cuasi eróticas que fueron escritas generalmente por Jordan, Allen, Brown, BB Dickerson, Charles Millar y Burdon. Todos con una muy buena factura, compuestos en tramos, para mí sin embargo destaca “Blues For Memphis Slim” (13:08 mins). Cinco tiempos de extraordinaria música y por cierto “Spill the wine”, el más popular y más vendido. Los críticos la catalogaron como la mejor banda en vivo jamás vista. La influencia que ha ejercido sobre las generaciones venideras ha quedado demostrada plenamente en su vigencia, ya que mucho de Eric Burdon & War se escucha aún en el hip hop, blues, el reggae actuales.
Burdon resulta siendo imprescindible para entender los años 70s. Su voz toma las vibrantes notas de los grandes cantantes negros. No hay como Burdon para traducir mejor el sentimiento en su voz. A despecho de sus caídas y recaídas en terrenos lisérgicos y similares, Burdon mantuvo en pie su naturaleza única.

MINOR SWING DE REINHARDT Y GRAPPELLI

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Mon, 02 Nov 2009 04:15:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Jean Baptiste "Django" Reinhardt (1910-1953). Sin lugar a dudas un genio de la guitarra, este gitano belga que asumió las contradicciones de la vida nómada y cerrada; que no sabía leer música y hasta muy entrado en años fue analfabeto; que tuvo que superar un grave accidente cuando en 1928 se incendiara su vivienda y perdiera el cuarto y quinto dedos de su mano izquierda -contraídos irremediablemente hacia la palma de su mano- para quedarse con solamente el índice y medio. Su estilo alegre, lleno de armonía y perfección fue vital para el jazz. Puedo decir que la guitarra tiene con Reinhard un antes y un después.
Su alianza con Stephane Grappelli (1908 – 1997), violinista igualmente virtuoso, produjo temas de indudable calidad y nos regaló el más vibrante swing que, en mi opinión, existe: Minor Swing. Grandiosa ejecución, que motiva la algarabía de Reinhard, al presenciar una tremenda improvisación del violinista, exenta de errores forzados y no forzados. Cada vez que oigo Minor Swing, termino con la sensación de que ya me puedo morir tranquilo, que fui afortunado de oír juntos a dos genios de la música y que ningún dolor podrá sobreponerse a esta dicha.

Gracias a Goear, puedo compartirlo aquí (haga click en el botón de reproducción)

MICHAEL BUBLE

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Tue, 27 Oct 2009 02:00:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

La voz de Michael Bublé (Vancouver, 1975) se hace notar. Graves muy bien trabajados, con largas extensiones y firmeza en los tonos. Una imagen decididamente encantadora para todo público, seduce, atrapa y muestra la riqueza de sus argumentos. En este tiempo ya con una trayectoria sólida y habiendo causado furor al colmar por cinco noches consecutivas la magestuosa Opera de Sidney.

Su primer disco "Michael Bublé" rescata el swing con temas de Queen, George Michael y Van Morisson, luego vendrían "It's Time" ,"Caught In The Act" que es un CD + DVD en directo, grabado en el Wiltern Theater de Los Angeles y finalmente "Call me irresponsible", su más reciente. No es casualidad la evolución que se ha traducido en fama y éxito.

"Feeling good" de Nina Simone es hasta hoy, según mi entender, su mejor tema, difícilmente superable. No quiero decir que no existan verdaderas proezas musicales, como "The best is yet to come", revaluado a partir de las voces de Sinatra y Fitzgerald, o "How sweet it is" de Marvin Gaye, o el mismo "You´ll never find another love like mine" de Gamble / Huff que popularizó Lou Rawls, por citar sólo unos pocos. Versiones llenas de calidez, que se agolpan en el espíritu y dejan ver su belleza íntima, como no pudimos ver antes.

"Always on my mind" de thompson/james/christopher que cantaron Elvis y Willie Nelson entre otros, por ejemplo, es incluso mejor que los de ellos dada la finura expresiva de Bublé. Dirán que no es difícil cantar mejor que el carismático Willie y no los voy a contradecir, pero me refiero al estilo, al arreglo, a la interpretación.
Hoy tenemos ya su cuarto trabajo: "Call me irresponsible", del cual podemos escoger claramente "Everything" del propio Bublé, sin menoscabo de los demás, que son una delicia para el espíritu, como el ya citado "The best is yet to come", "Wonderful tonight" que canta a dúo con Ivan Lins, "Lost", "Call me irresponsible", etc.

Tanto en cd, cuanto en dvd, vale adquirirlos. No pasarán desapercibidos.

Su álbum “Meets Madison Square Garden” (2009) fue después de su exitoso primer directo: “Caught in the Act” un recorrido de su corta carrera y sus más grandes éxitos, siempre con toques que lo distinguen de aquél.

“Crazy Love”, el nuevo álbum de Bublé es una cascada de sentimientos. Indudablemente "Cry Me A River" desgarra persistentemente mientras se lo escucha y destaca nítidamente, pero hay otras versiones de los ochenta que brillan a la par con su instinto innovador y fresco que lo ha llevado a ser el top de las ventas en USA y Canadá. Once covers y dos originales para este sugestivo álbum que flota con los sentimientos. Temas que popularizaron Cocker, The Eagles, Sinatra, Billy Holiday, Van Morrison, Ray Charles, Ella Fitzgerald, Dean Martin, Dinah Washington, Billy Vera, Nat King Cole, Armstrong, son disfrutadas plenamente, desde la sinceridad que Bublé le puso a este trabajo.

Cinco años de éxitos y la venia del público para este gran perceptor de los tinglados del corazón.

Feeling good:

Lost:

ARTURO ZAMBO CAVERO

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Fri, 09 Oct 2009 20:39:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

El año 95 conocí a Arturo Zambo Cavero. Lo llevé en mi volkswagen celeste, de Barranco a la avenida Argentina, a medianoche y rezongando por un impasse que había tenido. Le hablé sobre mi admiración hacia su privilegiada voz que alcanzaba increíble gama de graves y agudos además con sensacional entonación. No era Zambo Cavero de grandes artificios, sino de mucha pulcritud en la interpretación.

Aquella noche, intenté que cantara algo, sólo para distraerlo de sus molestias. Ya sabemos que otros grandes cantantes se mortifican ante un pedido así. Él me sorprendió preguntándome qué quería yo escuchar. Inmediatamente le pedí “Olga”. Y cantó. Yo no supe si mirarlo o cuidar por dónde íbamos. Opté por escucharlo y guardar en mi memoria aquél gesto invaluable de humildad, como guardo mi conversación con el maestro Caitro Soto, o mi encuentro casual y larga caminata con el genio Víctor Humareda, por ejemplo.

Mucho se dirá de su biografía y su discografía. Otros lo harán sobre sus distinciones y premios. Yo quiero escribir hoy, el día mismo de su partida, sobre su excepcional registro vocal, su incomparable capacidad para transmitir y su generosidad para conmigo en aquél momento único.

Descansa en paz Arturo Zambo Cavero. Seguramente al final de todos los tiempos serás como hoy, reconocido como el más grande cantor de música criolla costeña del Perú. Descansa en el mismo cielo donde moran Lucha Reyes, Felipe Pinglo, Ima Súmac, Chabuca Granda, Daniel Alomía Robles, Jacinto Palacios y otros que, como tú, forjaron la cultura peruana.

N. de R.- Hoy domingo, mientras el presidente espera en Palacio el féretro de Arturo Zambo Cavero para condecorarlo con la máxima distinción, me pregunto si el notable cantante habrá soñado cómo miles de personas desfilaban ante su cadáver, flanqueado por numerosa guardia de honor y visitado por personalidades de altísimo nivel. Y si habrá imaginado que la televisión y los medios de comunicación le dedicarían horas enteras y el pabellón nacional flamearía a media asta en señal de duelo.

Y me lo pregunto porque me rebelo ante la triste realidad que ver que los constructores de la identidad nacional son olvidados en vida y vilipendiados mientras exponen sus carencias ante la pasividad de las autoridades -ejecutivo y legislativo- que sólo cuidan sus sueldos y no se percatan de que glorias nacionales que lo merecen mucho más que ellos se encuentran olvidados. Hasta que alguien muere. Allí desfilan dolientes y los colman de medallas y elogian con afán.

Hace tiempo escribí reclamando un trato mejor para don Oscar Avilés (Globedia y Carne sin Hueso). He visto al maestro quebrarse ante la muerte de su amigo y compañero y aunque quisiera pensar lo contrario, sé que él correrá la misma suerte: sin el reconocimiento en vida y colmado de homenajes después de muerto.

SANTANA, EL ESPÍRITU LATINO

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Wed, 07 Oct 2009 02:29:00 +0000

Escribe Rogger Alzamora Quijano

Hay en Carlos Santana la versatilidad para ocupar distintos flancos de la música. Sin embargo su particular gorjeo lo distingue por sobre el resto. Carlitos es capaz de dejar ver su alma en su guitarra. Trasciende como pocos a su propio mito. No es fácil hacerlo para quienes como él plantaron el árbol de la fantasía hace más de treinta años y lo sostienen cada día.
No se puede decir que su presencia en Woodstock haya sido meramente casual, pues los organizadores hubieran podido elegir a cualquier otro. Lo invitaron a trepar al escenario sabiendo lo que Santana podía ofrecer. Y apenas se dejó oír, la gente olvidó la lluvia y el 16 de agosto del 69 pasó a ser su natalicio. El frenético ritmo que le imprimió a su ejecución se vio enmarcado por el batería Mike Caravello, con cara de chico malo, pero con sus manos como avispas.
Fillmore West se hizo su casa y tampoco fue casual. Allí tocaban los célebres de San Francisco. Pero tuvo que esperar hasta “Abraxas” para convencer con la genialidad de sus fusiones latinas, repletas de cueros y teclados de raigambre “blusera”.
No voy a hacer un compendio de sus obras. Este es más bien un intento por entender sus caracterizaciones.
Y comenzaría por lamentar la ruptura del grupo en el 71, justo cuando su música empezaba a tomar aires psicodélicos, además.
La nueva postura mística que había adoptado Carlitos, luego de su encuentro con el gurú Sri Chinmoy lo llevó a hacerse llamar Devadip: un Santana pacifista aunque controversial y de pelo corto. Gregg Rolie lo abandonó para dejarlo en manos de Leon Thomas, quien aplicaría basamentos eufóricos en sus improvisaciones. No haría extrañar a Rolie.

Hay devaneos que cuestan. Y esos fueron los de Santana. Fueron de malo a regular en largos años de meditaciones, pero no perdieron su linaje afro ni su calor latino. Sin embargo se vendieron por millones y eso supone vigencia, al menos.
“Blues for Salvador” sería su reencuentro con la excelencia, a pesar de que habría de esperar a “Supernatural” (1999) para enardecer a su público, tal cual en Woodstock.

Esperamos veintiocho años para ver regresar al Carlos Santana ecléctico, al sumum de la música visceral, del orgasmo onírico. No había existido sino elucubraciones más o menos perspicaces en un largo intermedio, donde casi se nos va de las manos.
Santana es “Soul Sacrifice”, “Evil Ways”, “Wainting”, “Jingo”, “Oye cómo va”, “Black Magic Woman”, “Samba pa ti”, “Singing winds, crying best”, “Mother´s Daughter”, “El Nicoya”. Es “Everybody´s everything”, “Batuka”, “No one to depend on”, “Everything´s coming our way”. Santana es, por supuesto, “Persuasion”, “Savor”, “Fried Neckbones”.
Santana es “Supernatural”.
Con todo este material se podría muy bien vivir feliz. Mucha música para el espíritu. No importan ya, entonces, los veintiocho años del misticismo de Devadip, si al final habría de regresar el mito viviente, el hombre a quien la cultura latina debe la emoción de sus sentidos.
De toda su amplísima discografía elegí el video de Woodstock, como una muestra. Increíble, fantástico, genial, trepidante!!! Nueve minutos de locura.

soul sacrifice:

Evil ways:

Smooth:

SERRAT, POESÍA Y CANCIÓN

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sun, 04 Oct 2009 21:07:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Es quizás el más grande de los cantautores contemporáneo, de habla castellana. Su vigencia lo dice, su manera de llegar a todos los públicos. No es difícil dejarse estremecer por sus letras cargadas de una vívida poesía que se ha adecuado a los tiempos, con la lógica propia de la vida cotidiana, de lo actual. Sigue cantando como el los tiempos de “Mediterráneo”. Sigue fiel a la influencia de Machado y Hernández. Sigue como en 1965 cuando se estrenara con “Una guitarra”, pero hoy y siempre ha estado a la par con los tiempos.

En 1969 se escuchó por primera vez el single “Penélope” que venía al reverso con “Tiempo de lluvia”. Curioso que en aquellos tiempos en que las casas discográficas consideraban excesivas las propuestas de más allá de tres y medio minutos, Serrat haya logrado grabar su tema estandarte con más de cuatro, con música de Augusto Algueró. Entre el 65 y el 70 grabó 26 discos, entre singles y lps, de los cuales diecisiete fueron en catalán (lo cual sirve para restringirlo del gran público).
En 1970, casi para cumplir los 27 , sorprende al mundo con sus versos que decididamente se distanciaban del resto porque incorporaba una poesía diferente, incluso para los poetas de entonces.
Sin embargo no sería con el álbum "Mi niñez" (1970), del cual los muchachos de entonces recordarán por siempre:
Ese con quien sueña su hija
ese ladrón que os desvalija
de su amor, señora...
("Señora"),
sino con el siguiente: "Mediterráneo" con el que saltaría a la fama, pues contenía temas como: “Mediterráneo”, “Aquellas pequeñas cosas”, “La mujer que yo quiero”, “Lucía”, “Vagabundear”, por citar los más conocidos.
Y desde entonces se abriría campo también por su carisma, por su ética frente al mundo político-social y su sentido contestatario.
Hay que ver cómo se adelantó a los tiempos con el memorable “Pare” que vino en “Per al meu amic” (1973):
...............
Padre
decidme qué
le han hecho al bosque
que ya no hay árboles.
En invierno
no tendremos fuego
ni en verano sitio
dónde resguardarnos
...........
sin leña y sin peces, Padre
tendremos que quemar la barca
labrar el trigo entre las ruinas, Padre,
y cerrar con tres cerrojos la casa...

Y en “Canción Infantil” (1974) “...se me figura que/ decir amigo/ es decir ternura...”

Luego siguió trazando versos precisos como queriendo cortar la piel: “Tu nombre me sabe a yerba” (1981), “Bienaventurados”(1987”, “Em paus” (1989), “Y el amor” (Utopía, 1992). Y hasta narró “Liliana” el texto de Dolcet y Caballero basado en el poema de Apel.les Mestres.

En “Sombras de la China”, quizá su trabajo más completo, contó con los arreglos de Josep Mas “Kitflus” y la colaboración en las letras entre otros de Cernuda y Galeano. Asume un lenguaje muy propio de la época. En “Princesa” dice : “...la ve alejarse camino a su primer casting...”; en “Me gusta todo de ti (pero tú no)” le recuerda que “ el colágeno y la miel de tus labios...” ; en “Más que a nadie” declara “te quiero más que a cualquier otra cosa...”.
Su álbum “Cansiones” (2000) recopila temas representativos de la música latina: una original versión de “Soy lo prohibido”, de Cantoral y López Ramos que había pasado desapercibido con “Los Ángeles Negros” años ha y “De un mundo raro” de Jóse Alfredo Jiménez, por citar un par.

Pronto llegaría “Versos en la boca” (2002), del cual indudablemente preferimos “Es caprichoso el azar” cantado a dúo con Noa, una sentida reflexión que quizá a todos nos toca en algún rincón del alma.
Entre paréntesis otros que no nombro para no caer pesado, pero que son eslabones que construyen la sólida cadena de éxito y vigencia de su obra.

Y el más reciente: Mô, que recrea algunas estampas propias de su niñez, que se quedaron atrapadas como esperando abril. En “El teu àngel de la guarda” usa nuevamente la imagen y la metáfora para decirle que
...
yo tengo encendido un faro
para llevarte a salvo donde halles amparo
para que no se te trague la mar
y te respeten las olas...

En “Pour a cor”:
...............
Llueve en tu corazón y en ningún otro sitio
sin prisa ni reposo
a veces llueve y no hace barro
llueve sin rayos
y sin truenos.
..............
Cuando quiere llover llueve, llueve
Y llueve
Y llueve
Y llueve en el corazón.

Y también en “Fugir de tu”
.............
pero huir de ti
jamás podrás huir de ti.
Cada cual es siempre cada cual.

PIAZZOLLA, EL GENIO...

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 03 Oct 2009 20:10:00 +0000

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

N.R.- Con ocasión de haber sido el tango, recientemente nombrado Patrimonio de la Humanidad, colocamos nuevamente este post. Que a Piazzolla mucho le debe tal distinción.

No hay que ser un erudito para saber que Astor Pantaleón Piazzolla (1921-1992) ha seguido entre los músicos -especialmente argentinos- un rumbo decidido y tenaz. A despecho de su complejidad, muchos lo toman a regañadientes, otros con fruición, pero en ambos casos sigue siendo insuficiente. El techo es muy alto. Tal vez Rodolfo Mederos es quien tiene gran cercanía a los terrenos de Piazzolla. Y como las comparaciones son odiosas, mejor lo dejamos aquí.

"Piazzolla no es tango" dijeron sus detractores. En efecto: va más allá. No es sólo tango. Pero su formación profundamente tanguera, de suburbios y cafetines, hace aún menos discutible aquella dizque sentencia.

En esta ocasión no voy a citar "Adios Nonino", porque al lector le sonará lugar común. Ni "Libertango", que es como su partitura mediática. Puedo confesar sin prejuicios que me sentí aplastado por "Tristango", por ejemplo: Un solo cauce, un solo hilo de graves que llevan a la melodía al desgarramiento más lento y sublime. Una y otra vez repite el llanto de la espera y el de la desilusión. Pronto aparece la reflexión, puramente un intento que desemboca de nuevo en la certeza del vacío. Notas que corren por las venas. Pero nada es eterno y pronto se cae en la temblorosa oquedad del alma. Y de nuevo los graves, para acentuar la soledad.

En un concierto que Mederos compartió con Baremboim y Console, en Buenos Aires, lo ví sumarse al humo que, no de su cigarro sino de su bandoneón, se elevó por los aires. Lento, finísimo, estudiado, preciso. Y aunque, repito, el techo sea demasiado alto, ya es bastante con que en las alas de su bandoneón Mederos intente ir hacia allá.

MUDANZA: NUEVA DIRECCIÓN

noreply@blogger.com (Rogger Alzamora Quijano) — Sat, 03 Oct 2009 20:03:00 +0000

Amigos y cómplices en el placentero rito de oír música, desde hoy esta es la nueva dirección del blog que hace años construí y que dejó de ser útil, debido principalmente a que no se podía poner música en un blog de música. En fin, esperemos que este nuevo intento sea mejor que el anterior, de lo contrario con mis propias manos le daré fin.