El Séptimo Arte Xalapa

El árbol de la vida de Terrence Malick - En la mira.

2012-01-25T02:20:00.000-06:00

El Árbol de la Vida ó 2011 La nueva odisea de Terrence Malick.
Por Rafa López

Ganadora de la palma de oro en el festival de cine más importante del globo, Cannes 2011, El Árbol de la Vida es una cinta que narra la historia de un niño vuelto hombre y que carga con las memorias de sus padres, al mismo tiempo él se pregunta dudas existenciales sobre la vida y el concepto de Dios. Es así como se lleva al espectador a un viaje dentro de los recuerdos y cual si se tratase de un sueño, se embelesa el film con escenas enigmáticas de la historia del propio planeta tierra.

La crítica

Muchos ya han visto la película, la misma prensa en su estreno en Cannes la abucheo y también la aplaudió, algunos la odiaron y tacharon de pretenciosa y otros la describieron como una obra maestra del nuevo siglo. El público también opina, hay gente que dice no haber entendido la película y otros que se trata de un cine más contemplativo donde lo que se disfruta son los paisajes y las escenas más extrañas que han causado debate en la crítica.

A continuación compartiré mi comentario crítico descartando toda lectura previa sobre el film y enfocándome en esta primera vista de la película.

Imaginemos por un momento que quisiéramos contar la vida de nosotros, si lo hiciéramos a la manera de Hollywood, nuestra película iniciaría cuando nacemos, llevaría un soundtrack con nuestras canciones favoritas y al final, terminaría por ponernos como el ser en que nos hemos convertido, donde se verían más nuestras virtudes dignas de ser llevadas al cine, o por el contrario, terminaria el film en la muerte de nosotros. Bien, con este pensamiento ahora imagine que en lugar de hacer una película entera sobre su vida, simplemente es usted quien se acuerda sobre ese pedazo de la vida que lo marcó para siempre, y lo hace mientras va manejando, o cuando esta en la cola del super, o en sentado en una sala de espera, ese recuerdo de toda una vida le lleva tan solo unos minutos. Terrence Malick director del Libro de la Vida, lleva al expectador a la imaginería del recuerdo de un individuo que nos contará la visión de la vida que le heredaron sus padres, los momentos que formaron su personalidad y carácter, sin embargo, hay un plus en el film que le da dimensiones colosales, nuestro personaje entablará un dialogo interno con Dios, representado como el cosmos, aquella fuerza silenciosa que en teoría ha presenciado la creación de las estrellas; de eso se trata El arbol de la vida.

Malick nos transporta al subconsciente del recuerdo, es por ello que sorprende al romper en algunos momentos el hilo conductor de la película, como a veces sucede cuando soñamos, no le ha pasado que sueña que esta en el viejo jardín de su niñez y de pronto esta en el mar.. pues así es El Arbol de la Vida de Terrence Malick, por otro lado se encuentra el aire místico de Dios, en el film el personaje se pregunta a si mismo ¿Dónde estas?, ¿Por qué no haces esto…? siendo que a Dios no lo podemos ver, ni oir, pero cual si fuese una fuerza tanto interna como universal, se manifiesta en la conciencia del ser humano desatando una creación dentro de él, siendo este símbolo la tierra y el universo como su creación y siendo Jack (el protagonista quien se hace las preguntas), veremos como se forma, se transforma y evoluciona.

La fotografía del mexicano y ahora nominado al oscar Emmanuel Lubezki no es preciosista como se podría calificar en algunas críticas, es arriesgada y digna de ser analizada, Lubezki toma la cámara en El Libro de la Vida para mostrarnos miradas, la de un bebe, la de como se ve el mundo a los 7 años, del suelo para arriba, los planos se inclinan como cuando agacha alguien la cabeza, la mirada perdida de rostros que no se almacenaran en el recuerdo pero si la de texturas, tela, agua, tierra. Como lo menciona el film, la naturaleza y la gracia, siendo ésta última la mirada divina, Lubezki hace movimientos de cámara cual si fuese la mirada del alma del personaje, que por instantes se sale de si para verse a si mismo. Por otro lado las imponentes imágenes del espacio, desiertos, mares, y lugares inóspitos, hacen que el film tenga un toque misterioso y soberbio.

Las actuaciones nos hacen olvidar que es una película y nos llevan a imaginar que estamos recordando alguna vieja vivencia familiar, Brad Pitt no es el protagonista del Libro de la Vida como algunos pensaran, y eso da más fuerza al film, Jessica Chastain no brilla por su belleza sino por el aire natural que refleja en la pantalla y por otro lado Hunter McCraken quien realmente es el protagonista, se lleva la película y nuestra mirada en el Libro de la Vida; nada menos que un niño que debuta en cine y que fue descubierto en el patio de una escuela en Texas. Sean Penn por otro lado, aunque poco aparece, deja esa mirada actual que conecta con el mundo real.

Quizá Terrence Malick quiere revelar en el Libro de la Vida lo simple y lo complejo de la vida dentro de nosotros mismos, ahí en un punto oscuro de nuestra mente donde se almacenan los recuerdos, tan oscuro como el espacio y tan enigmático como el concepto de Dios, que cuando logramos algun pensamiento revelador que se logra guardar para la eternidad en nuestro subconciente, se forma entonces un cosmos interno, por ello las escenas del espacio y de la tierra; esto puede relacionarse con la teoría de que en el cerebro nuestra mente forma miles de conexiones cuando se genera un pensamiento, tantas como las estrellas en el universo, siendo estas conexiones cual ramas en un arbol gigantesco de dimensiones tan colosales, que en sus ramas se encuentra escrita nuestra vida misma.

Malick presenta una obra que será de estudio para las nuevas generaciones, quizá no venga al caso y me lleve una que otra queja, pero me atrevo a decir que Malick quiere hacer una especie de homenaje a 2001 odisea del espacio de manera intimista, no al grado de la maestría de Kubrick, pero si presentando una tesis personal, para los que ya la vieron, esos últimos minutos del film desafían al expectador a tratar de comprender el significado de las imágenes presentadas, ¿no suena como al final de 2001 Odisea?

Si lo que quiere es ver una película con una trama comun, quizá el Libro de la Vida no sea la opción indicada, por el contrario, si está preparado para ver una película con la sensibilidad que se requiere para viajar a través de la pantalla hacia un cosmos divino y cuestionarse la existencia misma, vale la pena disfrutar de ese viaje.

En una próxima entrega platicaré simbolismos que vi en la película, cosas que no puedo aun escribir porque les estaría contando la película. Vayan a verla!

Aqui el trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=I01gxXoqIlY

El Gran Milagro, la primer película mexicana en 3D.

2011-10-23T01:32:00.000-05:00

Bien, es momento de hablar de una película que ha generado muchas críticas, algunos la elogian como la primer película mexicana que se ha realizado en 3D, llena de un mensaje que alimenta de fe y esperanza, otros la desprecian por no reunir suficiente calidad animada o por tratarse de un film relacionado a la iglesia católica; para este tipo de película es difícil hacer una crítica objetiva, pues habrá un lado de la moneda que se prefiere más que otro, y tratándose de una película con un mensaje que se sumerge en la religión habrá mucho en controversia.

Siguiendo el consejo del maestro Juan José González Mejía, debemos decir, amable lector, que para dar una crítica a una película, hay que quitarse todos los ojos posibles para verla solamente con el ojo de espectador, esto es, no tener prejuicios, y tratándose de este film, no hay que caer en el error de decir, es una película "solo para católicos", no, primero hay que ver el mensaje que quiere transmitir, los recursos que utiliza para hacerlo y por ultimo la emoción que genera en uno, atendiendo a estas tres partes daremos nuestro punto de vista del Gran Milagro.

El Gran Milagro cuenta la historia de 3 personas en algun lugar de México; una madre que tiene problemas económicos, un hombre duro que no sabe que hacer ante un problema familiar y una ancianita que cansada de lo mismo ha decidido romper con su rutina; estas personas serán elegidas para presenciar "el gran milagro", donde serán testigos de lo que sucede y no puede ver la gente ordinaria a nivel espiritual, un mundo donde los ángeles de la guarda están presentes y donde demonios acechan a la orden del día.

La película está basada en testimonios místicos, esto es, inspirada en visiones de gente con fe católica-cristiana, para el público creyente (es decir catolicos de tradición pero que no precisamente van a misa o siguen la fe), la película cumplirá doble objetivo, se entenderá, va a entrener y también servirá de revelación, pues demostrará de forma interesante, misterios que solo los mismos angeles podrían revelar, por otro lado; para el público ateo (los que rechazan todo credo religioso) será un interesante relato que bien puede ser apreciado como un género de fantasía.

No hay duda que es una película que tiene un objetivo, provocar un cuestionamiento interno sobre, ¿Será cierto que hay un mundo espiritual? ¿Hay vida después de la vida? ¿Dios existe?, será interesante para el espectador identificarse con alguno de los personajes y olvidarse que se trata de una cinta animada, para que durante 70 minutos sea testigo de lo que ellos verán.

La música juega un papel importante en la película, Mark Mckensie (compositor de la música de películas como Mente Indomable, Spiderman) sensibiliza con una banda sonora celestial, llena de fuerza y paz, incluso se rumora que puede ser nominado al oscar.

La animación es aceptable para tratarse de la primer película mexicana animada en 3D, por mencionar detalles de realización, trabajaron 20 personas siendo 12 los animadores, el proyecto duró 3 años, y su presupuesto comparado con el de producciones estadounidenses solo llega al 1%. El Gran Milagro es también el primer filme de animación mexicano en estrenar al mismo tiempo en las principales ciudades de México y simultáneamente en varias sedes en Estados Unidos.

Patricia García Peña, productora de la empresa de animación mexicana "Imágica Films", estuvo a cargo de la producción en línea y junto con Gregorio Núñez, desarrollaron una línea de producción que con apenas 12 animadores mexicanos lograron darle mayor velocidad al proceso de animación, lo cual hizo posible concluir el largometraje en un tiempo récord.

Como Bruce Morris, el director de la película, quien ya habia tenido experiencia a cargo de proyectos de animación (Buscando a Nemo, La Princesa y el Sapo) es de origen estadounidense, los animados fueron basados en el idioma inglés, por lo que la boca de los personajes no presentará la misma gesticulación hablada en español, detalle que muchos calificarán como fallo de animación.

El gran milagro sin duda fue realizar la película, mucho tiempo y mucho trabajo, ahora el gran milagro es que siga en cartelera para que el público la vea, sin embargo, puede haber otro gran milagro, que el espectador que vea la película realmente provoque algo en él, y no es de sorprender, pues ya se ha dado en la opinión del público que mencionan, "apesar de ser una película animada, me ha cambiado la vida", repetimos, para el público que vaya con el deseo de encontrar un mensaje de fe y esperanza, el gran milagro estará esperándolo.

En Xalapa solo estará hasta el 27 de octubre.

Aquí el trailer

http://www.youtube.com/watch?v=jN8wa20m4Jc

Presenta el CCC licenciatura de cine avalada por la SEP

2011-10-14T13:48:00.000-05:00

Fuente: Marcos Platas Ramírez - Diario Crónica de Hoy

A partir de 2012 el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) contará con la Licenciatura en Cinematografía, la primera con validez oficial ante la SEP y constará de nueve semestres. Su primera generación será de 16 estudiantes, de los cuales 2 podrán ser extranjeros. El costo mensual de ésta rondará entre los 2 mil pesos y se regirá bajo las mismas normas de estudio que han prevalecido en este centro.

La presidenta del Conaculta, Consuelo Sáizar, celebró el esfuerzo del área administrativa y la dirección general del CCC para crear este plan de estudios, con un trabajo de alrededor de un año y ocho meses.

“Es arquear el sueño de los que nos precedieron. Es interpretar las palabras de Carlos Velo cuando junto con Luis Buñuel, en 1975, inauguraron esta escuela de lenguaje cinematográfico: ‘los sueños no tienen dimensión’. Hoy (esta licenciatura) es una realidad”, dijo la funcionaria.

También dio a conocer que se obtuvieron los documentos que acreditan la posesión del terreno donde se ubica el CCC, después de 36 años. “Ahora se podrá trabajar con libertad. Este esfuerzo se verá reflejado representando y narrando las historias de México en el cine”, agregó.

Junto con Henner Hoffman, director del CCC, Consuelo Sáizar inauguró una sala THX con el nombre de “Luis Buñuel”, la cual es la tercera en el país que cuenta con audio Dolby Digital 7.1, que permite un sonido envolvente repartido en 7 canales. “Con ello se busca escalar a nuevas tecnologías y disminuir la brecha digital”, señaló.

¡Hay festival! ¿Donde? en Xalapa!! y ¡¡Hay cine!!

2011-10-06T00:56:00.000-05:00

[8] 22:00 - 23:30. Jueves, 06 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Proyección: película El invernadero

Película basada en las vidas reales de quienes componen el reparto, pero especialmente en la de Mario Bellatin, sus ideas y su forma de vivir. Este retrato, a caballo entre la ficción y el documental, nos desvela la intimidad cotidiana y el proceso creativo del artista. Cinta presentada en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI).

Dirección: Gonzalo Castro

Duración: 92 minutos

[18] 17:00 - 18:00. Viernes, 07 de Octubre 2011 Teatro del Estado General Ignacio de la Llave (Sala D. Guillaumin).
Marc Silver en conversación con Jon Gower

Con motivo del 50 aniversario de Amnistía Internacional, el Hay Festival celebra la sólida e importante trayectoria de su fundación con la proyección de Los invisibles. Este documental, que relata la problemática de los migrantes centroamericanos en México, fue co-dirigido por el célebre actor, director y productor de cine Gael García Bernal y por Marc Silver, director de documentales de carácter social, fotógrafo y video artista inglés. La proyección vendrá precedida de una charla con el periodista británico Jon Gower.

Traducción simultánea del inglés al español.

Documental en español

Co-organizado con Amnistía Internacional

[23] 19:00 - 20:00. Viernes, 07 de Octubre 2011 Carpa de la Casa del Lago. Locos por el cómic: Peter Kuper y Eric Drooker en conversación con Eduardo Rabasa
Dos grandes artistas gráficos de la escena underground neoyorquina vendrán a hablar de sus respectivos trabajos. Peter Kuper, cuyo estilo recuerda al expresionismo alemán, publicó con Sexto Piso Diario de Oaxaca(2009), un recorrido gráfico por las calles y la historia de Oaxaca, ciudad donde residió en 2006, año marcado por las protestas sociales. Una de sus obras más brillantes ha sido la adaptación de La metamorfosis, de Kafka, un cómic que sumerge al lector en una atmósfera alienada y oscura. Colabora asiduamente con las revistas Newsweek, y MAD, así como con periódicos como el New York Times. Por otro lado, Eric Drooker, galardonado con el American Book Award por su novela gráfica Flood!, colabora habitualmente con The New Yorker. Este pintor e ilustrador destaca por su genial manejo del blanco y negro. Ha realizado la animación de la película Howl (Aullido), una adaptación al cine de animación del poema de Allen Ginsberg, figura emblemática de la generación Beat. Traducción simultánea del inglés al español Co-organizado con Sexto Piso

[28] 21:00 - 22:00. Viernes, 07 de Octubre 2011 Sala de la Casa del Lago.
Vivencias Literarias: Manuel Vicent, Sergio Ramírez,Manuel Gutiérrez Aragón y Carmen Boullosa con Juan Cruz

Unos son directores de cine o teatro, otros dirigen revistas y publicaciones culturales; y, como prolíficos y sobresalientes escritores que son, a todos les une su pasión por la literatura. Conversarán sobre sus comienzos, su relación con la literatura y sus apasionantes trayectorias literarias y vitales con el escritor y periodista español Juan Cruz.

[30] 21:00 - 22:30. Viernes, 07 de Octubre 2011 Biblioteca Carlos Fuentes. Película: El caballero Don Quijote
Adaptación al cine de la segunda parte de la novela de Miguel de Cervantes. Protagonizada por Juan Luis Galiardo y Carlos Iglesias. Director: Manuel Gutiérrez Aragón Duración: 119 minutos

[42] 19:00 - 21:00. Sábado, 08 de Octubre 2011 Teatro del Estado General Ignacio de la Llave (Sala E. Carballido).
Teatro El Milagro: La Ilíada de Homero

Sophie Alexander Katz, Juan Carlos Colombo, Leonora Cohen, Jaime López, Andrés Montiel y Diego Luna

Lectura pública de la adaptación que realizó Alessandro Baricco de La Ilíada de Homero. El Milagro es una asociación independiente de la Ciudad de México que se dedica a promover la creación escénica, la producción editorial y la reflexión artística. Compuesta de 5 monólogos, cuenta, desde la perspectiva de distintos héroes y heroínas en contrapunto, la guerra cuya epopeya dio lugar al nacimiento de la literatura occidental. Alessandro Baricco, autor de novelas como Seda, City, Sin sangre y Océano mar, es uno de los grandes escritores italianos delas nuevas generaciones.

Dirección: Sergio Zurita

Duración: 2 horas

[53] 11:30 - 12:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Sala de la Casa del Lago.
Philippe Claudel en conversación con Joumana Haddad

Philippe Claudel es un célebre escritor y cineasta francés de renombre internacional. Ganó el Premio Renaudot 2003 por su quinta novela, Almas grises, y el Premio Goncourt des Lycéens 2007 por El informe de Brodeck. Gran admirador de Simenon, publicó su primer libro con treinta y siete años. En 2008 se lanzó al cine como guionista y director de su primera película, Il y a longtemps que je t’aime (Hace mucho que te quiero), aclamada por la crítica y con la que recibió, entre otros, el premio BAFTA a la Mejor Película de habla no inglesa. En 2010 estrenó en Francia su último largometraje, Tous les soleils. Conversará con la escritora libanesa Joumana Haddad.

Traducción simultánea del francés al español

[56] 13:30 - 14:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Carpa de la Casa del Lago. Reflexiones sobre periodismo: Iñaki Gabilondo y Daniel Samper Pizano en conversación con Carlos Marín
Los grandes periodistas Iñaki Gabilondo, referente del periodismo radiofónico en España y actual colaborador de El País, y Daniel Samper Pizano, periodista, escritor, guionista de cine y televisión y padre del periodismo de investigación en Colombia, nos hablarán de sus interesantísimas trayectorias y reflexionarán junto con Carlos Marín, director de Milenio, sobre temas como el papel del periodismo en la sociedad y cómo están afectando las nuevas tecnologías a los medios de comunicación.

[57] 13:30 - 14:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Sala de la Casa del Lago. Michael Nyman en conversación con Peter Florence
Dos figuras notables del mundo cultural británico nos acompañarán en esta cita. El célebre pianista, compositor de la banda sonora de la película El piano, de Jane Campion, nos hablará de su trabajo. Estará acompañado de Peter Florence, fundador y director del Hay Festivals. Traducción simultánea del inglés al español

[58] 13:30 - 14:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora. Mis películas favoritas: Mario Bellatin con Iván Thays
Estos dos escritores latinoamericanos charlarán sobre las películas que más les han gustado. En definitiva, nos dejarán “visitar” durante este encuentro su filmoteca ideal. El mexicano Mario Bellatin es fundador de la Escuela Dinámica de Escritores. Conocido por su escritura experimental, en sus novelas plantea un juego lúdico entre realidad y ficción. En 2011 ha publicado con la editorial Sexto Piso la novela Disecado. Es un gran conocedor del lenguaje cinematográfico, ya que cursó estudios de guión cinematográfico en la Escuela Internacional de Cine Latinoamericano de San Antonio de los Baños, Cuba. Por su parte, el peruano Iván Thays es profesor universitario, conductor de un programa de televisión sobre libros y autor del conocido blog Moleskine Literario. Ha colaborado como jurado en varios premios literarios, como el Premio Alfaguara, y en 2011 ha publicado su última novela: Un sueño fugaz.

[62] 17:00 - 18:30. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora. Proyección: documental La bestia
Pedro Ultreras, periodista mexicano veterano de la televisión en español en los Estados Unidos, ha dirigido este impactante documental que muestra el sufrimiento que viven los migrantes centroamericanos cuando intentan cruzar México en tren para llegar a Estados Unidos de forma ilegal. Los migrantes sufren abusos tanto por las autoridades mexicanas como por civiles, y a menudo son secuestrados y asesinados, o las mujeres rutinariamente violadas. Para filmar este documental, Pedro Ultreras viajó a lo largo de México con cientos de migrantes en el también llamado “tren de la muerte” o “la bestia”. Director: Pedro Ultreras. Duración: 93 minutos	0

[63] 19:00 - 20:00. Domingo, 09 de Octubre 2011 Teatro del Estado General Ignacio de la Llave (Sala E. Carballido).
Concierto: Michael Nyman

Pianista, musicólogo, compositor y crítico musical inglés, pertenece al género minimalista. Ha colaborado en numerosas películas del cineasta británico Peter Greenaway y compuso la banda sonora de El piano, de Jane Campion. En 2011 ha terminado de grabar la ópera Facing Goya. En esta cita, Michael Nyman nos deleitará con un concierto de piano.

[67] 19:00 - 19:35. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Documental: Coloquio en la residencia

La cinta recrea la relación entre Dalí y Federico García Lorca a través de una lectura de fragmentos de su correspondencia, notas, dedicatorias. Realizada en el Salón de la Residencia de Estudiantes de Madrid y entrelazada con algunos de sus poemas y cuadros. Protagonizado por Alberto Amarilla y Víctor Clavijo.

Dirección: Manuel Gutiérrez Aragón

Duración: 35 minutos

[70] 21:00 - 23:10. Domingo, 09 de Octubre 2011 Centro Cultural El Ágora.
Película: La mitad del cielo

En los años sesenta, una mujer humilde abandona todo para abrirse paso en la sociedad de la época, logrando alcanzar el éxito. Película en la que destaca la actuación de los actores españoles Ángela Molina y Fernando Fernán Gómez.

Dirección: Manuel Gutiérrez Aragón

Duración: 127 minutos

[T7] 10:00 - 12:00. Sábado, 08 de Octubre 2011 Biblioteca Carlos Fuentes. Taller de guión cinematográfico: Senel Paz y Manuel Gutiérrez Aragón
Senel Paz, guionista de películas como Fresa y chocolate o Malena es un nombre de tango, y Manuel Gutiérrez Aragón, director de Habla, mudita y La mitad del cielo, conversarán con los participantes sobre cómo se elabora un guión cinematográfico. Audiencia: 25 personas (máx.). Duración: 2 horas MAS INFO: http://www.hayfestival.com

Regresa Filmarte esta vez con todo!

2011-09-24T17:59:00.000-05:00

El Gobierno del Estado de Veracruz a través de la Secretaría de Turismo, Cultura y Cinematografía; invita a todos los jóvenes cineastas a participar en el Festival Nacional de Cortometraje Filmarte 2011, que tendrá lugar del 31 de octubre al 5 de noviembre en Xalapa, tomando en cuenta que la convocatoria permanecerá abierta hasta el viernes 7 de octubre.

Como parte medular de su programación se realizará el rally de cortometraje “Filma en Veracruz” y el concurso internacional de video turístico promocional “Orquídea de Plata”, único en el país, así como una amplia variedad de actividades como talleres, conferencias, presentaciones de libros, premieres y proyecciones cinematográficas, entre otros.

Como jurados de guión para el rally se ha invitado a los actores Víctor Carpinteiro y Karina Gidi; la productora Elsa Reyes y el director Marcel Sisniega. Como jurado final de dicho rally, estarán el actor Roberto Sosa y la productora Terry Fernández; mientras que como jurado del concurso “Orquídea de Plata” se contará con la presencia del productor Hugo Van Belle, entre otras destacadas personalidades.

Dentro de la exhibición de cortometrajes se contará con la participación de otros festivales como el de Puebla, Morelia, VLAF, CUEC y CCC; Short Shorts films, Mórbido y Macabro, entre otros.

Con el apoyo de IMCINE será inaugurada la muestra de carteles “Luchadores enmascarados, una leyenda”, con la primera actriz del cine mexicano Lorena Velázquez; y el estreno de la serie televisiva A2D3, con la presencia de los protagonistas Luis Manuel Ávila y Zully Kate.

Asimismo, se presentará el libro de Guadalupe Sánchez, Guía para los animados: Animación tradicional con ayuda de herramientas digitales, que estará acompañada por Marina Stavenhagen, Directora de IMCINE, quien también ofrecerá una interesante conferencia en la galería principal de El Ágora de la Ciudad.

De igual forma, se inaugurará la Muestra de Altares Multimedia con la participación de importantes creadores plásticos, entre los que destaca el colectivo Galería Alergia, Alfredo Romero y Emmanuel Cruz.

Se reconocerá la labor de Rocío Sagaón, actriz de películas de la época de Oro en México, como “En este pueblo no hay ladrones” de Alberto Isaac e “Islas Marías” con Pedro Infante.
Está programado también el coloquio “El cine sin censura” con reconocidos directores, productores y actores.

Cabe destacar la presencia de la actriz veracruzana Ana de la Reguera, quien ha llevado a cabo una importante labor cinematográfica a nivel internacional y a través de su actividad ha impulsado y apoyado el desarrollo cultural del Estado; también está confirmada la presencia de Jorge Fons, otro veracruzano, director de importantes cintas como “El callejón de los milagros” y “Rojo amanecer”.

Ambos artistas serán homenajeados por parte del Gobierno del Estado de Veracruz en la ceremonia de clausura y cierre de actividades del festival, donde se contará con invitados especiales como Rodolfo Ritter, Elizabeth Cervantes, Mónica del Carmen, Gustavo Sánchez Parra, las maestras Mónica Lozano, Tita Lombardo y el productor Ramón Valdez, entre otros.

Los premios consisten en $100,000.00 para el Primer lugar, $50,000.00 para el Segundo lugar y $25,000.00 para el Tercer lugar. Además, se convoca al premio internacional de video promocional turístico “Orquídea de Plata”, con un premio único $50,000.00.

Sin duda alguna es un evento que fomenta el talento veracruzano a nivel nacional, por lo cual representa una gran oportunidad para todos aquellos que deseen desarrollarse profesionalmente en el mundo cinematográfico. Para consultar las bases de la convocatoria dirigirse a www.festivalfilmarte.com

Veracruzana elegida en el Riviera Maya Underground Film Festival

2011-09-24T17:50:00.000-05:00

Fuente: Laura Haddad

http://www.imagendeveracruz.com.mx/

Luz Montero, estudiante de la Carrera de Cinematografía de la Escuela Veracruzana de Cine “Luis Buñuel”, fue seleccionada por la sexta edición del Riviera Maya Underground Film Festival Internacional (RMUFF 2011) para participar en este evento.

La sexta edición del Riviera Maya Underground Film Festival Internacional (RMUFF 2011) se llevará a cabo del 6 al 9 de octubre en distintas sedes de Playa del Carmen, Quintana Roo, con la participación de cortometrajes de todo el mundo, entre ellos Un otoño, escrito y dirigido por la joven veracruzana Luz Montero.

Con 20 años Luz Montero, forma parte de esta selección del festival, dentro de la categoría de ficción. En la filmación de Un Otoño participaron también: Alberto Ladrón de Guevara, Ares Pintle, Margie García, Ignacio Guerrero, entre otros alumnos de la Escuela Veracruzana de Cine Luis Buñuel.

Lo anterior lo dio a conocer la propia Escuela Veracruzana de Cine “Luis Buñuel”, quien en un boletín de prensa apunta: “El hecho de ser seleccionada entre cientos de competidores de México, China, Rusia, Alemania, España, Estados Unidos, Chile, Reino Unido e incluso Etiopía por mencionar algunos, ya habla de un triunfo de esta joven orgullosamente veracruzana y de todo su equipo que no dudamos que en un futuro formarán parte de esta generación de jóvenes cineastas que están logrando poner el alto al cine nacional.”.

Luz Montero estudia el quinto semestre de la carrera de Cinematografía, en la citada escuela. En marzo de este año, formó parte del jurado mezcal en el Festival Internacional de Cine, en Guadalajara.

En seis años de realización, el Festival Underground de la Riviera Maya ha conseguido recibir más de 1000 cortometrajes, y establecer convenios con festivales en otros países como: Arrivano I corti de Italia, Cine a las calles de Colombia, Promofest de España, Festival de la Plata de Argentina, Festival de cine pobre de Cuba y La Matatena de la Ciudad de México, entre otros. Además del acercamiento de productores y realizadores de reconocimiento internacional, aparte del respaldo y apoyo del director del CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM) Armando Casas y la importante asistencia de gran numero de espectadores amantes del séptimo arte.

En su sexta edición, se proyectará, para todo público, la muestra de la selección oficial de los cortos que este año estarán en competencia, en sus diferentes géneros, tales como Documental, Animación y Ficción, que serán calificados por expertos y reconocidos productores, así como realizadores de proyectos audiovisuales.

El origen del planeta de los simios "Re-evolucionando una franquicia"

2011-09-13T01:08:00.000-05:00

Amigos cinéfilos hemos visto el Origen del Planeta de los Simios, tambien llamada Planeta de los Simios Re-evolución, debemos decir que tienen que ir a verla, es una cinta bastante interesante, fuera del tema de la ciencia ficción, para los que piensan que se trata de otra pelicula que cae en el casillero de Star Wars, para nada, estamos frente a una renovada versión que se aprovecha de la primicia legendaria de los 60s para los que ya vieron el film viejito de 1968, pero repetimos, se aprovecha para bien, y nos trae a la época actual para contarnos una historia que bien puede suceder en la vida real, asi que Planeta de los simios Re-evolución se coloca como una cinta que no solo es entretenida, sino que además plantea un cuestionamiento, aqui el rollo gira en torno a, ¿Qué pasaría si el hombre en su afán científico le diera más inteligencia a cierta especie animal, al grado que ésta se revelara contra su creador?, pues bien, Planeta de los simios Re-evolución plantea eso, la rebelion animal armada de los mejores efectos especiales puestos al servicio de un justificado planteamiento, no es la clásica pelicula dominguera que usa efectos como pretexto para vender, aqui es al revés, la historia que atrapa al expectador desde el principio y va deleitandole con el uso de los efectos para darle una vez más, realidades que solo podrían suceder en dos lugares, en el cine y en su imaginación.

A los fanáticos de la saga les gustara mucho, pero lo interesante es que no necesitas haber visto alguna de las viejitas para esta, pues aquí estan partiendo desde el inicio, otro dato curioso es que viendo esta película podría el expectador saborear mejor la legendaria Planeta de los Simios de 1968, pero por otro lado, algo nos hace sospechar que ahora podrían inyectarle nuevo sabor a esta saga reiniciada y llevarla cronológicamente hasta su formación total como "Planeta de los simios". Olvidate de la pelicula del 2001 de Tim Burton "Planeta de los Simios" queda totalmente fuera de lugar y no creas que viendola aprenderas más o te servirá para ver esta, sigue nuestro consejo, ve Planeta de Los Simios de 1968 y la otra del 2001 no la veas, ahora que si decides ver antes Planeta de los Simios Re-evolución, como te lo mencionamos, adelante.

Ahora bien, si no has visto la película todavía deja de leer a partir de aqui, y cuando la veas, podras seguir leyendo.

Planeta de los simios Re-Evolucion nos deja apenas con la probadita de lo que será la Tierra, El Planeta de los Simios, la humanidad en fase de extinción, Icarus perdido en el espacio, Cesar encabezando el reinado simio, todo lo que se cuenta en las leyendas de la película "El Planeta de los Simios" 1968, ahora bien, originalmente en las sagas, Cesar venía de dos simios que venian del futuro en una nave espacial, interesante sería que la droga que utilizaran en la película fuera producto de alguna caja de pandora que viniera del futuro, respetando así la primicia de que Cesar es hijo del futuro, ahora bien, mientras la humanidad se extingue y los simios dominan el planeta, Taylor y otros dos astronautas permanecerán perdidos 2 mil años, ya para entonces con los cambios climáticos de la tierra no será dificil creer que Nueva York ya no exista, la estatua de la libertad efectivamente permanezca enterrada, y los ultimos vestigios de la humanidad se hallen en las ruinas de las consideradas hoy ciudades modernas, si fuera el caso, nos tendrían que contar que pasará en la tierra durante esos dos mil años antes que regrese Taylor (Charlton Heston) y descubra la terrible verdad.

Curiosidades del Planeta de los simios Re-evolución

Se menciona a la nave Icarus que tiene como destino Marte
Cornelia es una hembra simio que está enjaulada en el albergue de simios, cuando Cesar ve que ha sido llevada al complejo de experimentación decide ir a liberarla, pero eso no lo percibe a simple vista el expectador, se sugiere que probablemente se retiro una escena donde Cesar se enamora de Cornelia
Cornelius es el nombre del Padre de Cesar en la saga del Planeta de los Simios, es posible que sea alusivo el nombre de Cornelia como posible pareja de Cesar.
El simio de circo que conoce a Cesar en el albergue se llama Maurice, como el actor Maurice Evans que interpretaba a un orangutan llamado Dr. Zaius, un sabio de la saga del Planeta de los simios, probablemente Maurice sea el patriarca de la familia de sabios en esta nueva raza de super simios.
Buck, por otra parte es el nombre del gorila, es un guiño al actor Buck Kartalian, quien interpreto al Gorila Julius en la original Planeta de los Simios.
Ojos brillantes que es la mamá de Cesar, su nombre también se lo ponen a Charlton Heston en el original Planeta de los Simios.
Koba es un simio diferente, es un konobo, mientras que Cesar es un chimpance, parece ser que habrá diferencias entre ellos, nos suena a segunda parte?.

Andy Serkis, que interpreta a Cesar, como modelo animado por computadora, también interpretó a King Kong y a Gollum! asi que podríamos decir que la actuación aunque es animada, se la lleva Cesar!

Juan y la Borrega el nuevo corto del veracruzano J. Xavier Velasco se estrena este 11 de sep. en Xalapa, Ver

2011-09-02T02:53:00.002-05:00

Fuente: IMCINE (Rosa Elena Velasco)

El realizador veracruzano J. Xavier Velasco (G., El que habita en las alturas) propuso hace poco más de un año un guión a IMCINE, Juan y La Borrega, una historia sobre el cambio que surge la rutina de un hombre, Juan, a partir de un personaje llamado La Borrega, luego de 127 trabajos, 5 fueron los elegidos para ser producidos por el IMCINE en formato de 35 MM, ahora el esfuerzo se ve reflejado en pantalla, JYLB se exhibió en el 26 Festival Internacional de Cine de Guadalajara, en el Short Shorts Film Festival, El Macabro Film Festival y actualmente competirá por el premio la palmita en el 15o Tour de Cine Francés.

Xavier explica cómo surgió el proyecto: "Tengo una fuerte predilección por el cine de ciencia ficción y horror, pero también por el thriller. Y para participar en el concurso de proyectos de cortometraje de IMCINE, pensé en desarrollar un drama urbano que manejara temas y sentimientos respecto al México actual desde una perspectiva personal y con un estilo neo-noir. El argumento se nutrió de diferentes fuentes de inspiración: un sueño, una locación, la lectura de una novela, mi experiencia de vivir en el DF siendo de provincia y sucesos actuales relacionados con la mafia."

J. Xavier Velasco es productor, guionista, fotógrafo y director con experiencia en la codirección del largometraje El que habita las alturas (2009) y algunas películas para TV, además de varios cortometrajes, algunos comerciales y trabajos de making off en películas como Apocalypto (Mel Gibson, 2006) y Un chihuahua de Beverly Hills (Raja Gosnell, 2008).

"Soy cinéfilo desde que tengo memoria y la idea de ser cineasta eventualmente me atrapó. Comencé haciendo videos por diversión con mis amigos y poco a poco esos videos se tornaron más serios hasta el punto en el que ahora me encuentro. No me imagino haciendo algo distinto, el quehacer cinematográfico me apasiona."

Para Xavier Velasco, Juan y la borrega es la primera oportunidad de hacer una producción a gran escala: "La experiencia de realizar Juan y la borrega ha sido un aprendizaje inconmensurable, trabajar y colaborar con toda la gente involucrada en el proceso fue grandioso. Además, siendo la primera vez que filmo a esta escala, en 35 mm y con un gran crew, me confronté con situaciones que nunca antes se presentaron en las pequeñas producciones a las que estoy acostumbrado, en específico, el mayor reto que encontré fue mantener clara la idea y la visión inicial durante todo el proceso a la vez que se nutrían con propuestas de los colaboradores."

La dirección de fotografía corre a cargo de Felipe Perez Burchard y en actuación Manuel Domínguez (El que habita en las alturas, Salvando al Soldado Pérez), Carlos Aragon (Km. 31, Gritos de Muerte y Libertad) y Edgar Vivar (El Orfanato, serie de televisión El Chavo)

Juan y la Borrega se presenta este domingo 11 de septiembre en punto de las 19 hrs. en el auditorio del ágora de la ciudad, bajos del parque juarez, la entrada es libre y gratuita, además se contará con la presencia del director, equipo de realización y parte del elenco, no falten.

http://youtu.be/tsSJwyq6TS4

Presentan en París cortometraje veracruzano

2011-09-02T02:20:00.001-05:00

Con gran éxito se presentó en Francia el cortometraje El Regreso, producción que obtuvo mención honorífica durante la realización del Rally de Cortometrajes Tlacotalpan Resurge en Corto, informó la Dirección General de Cinematografía de la Secretaría de Turismo, Cultura y Cinematografía (Secturc). La presentación de El Regreso en la Casa Cultural de México en Francia o Maison Du Mexique, corrió a cargo de Domingo Adame y los cometarios del artista peruano Jorge Miñano.

Otros cortos veracruzanos resuenan en los festivales

De igual modo, el corto El Paisa, que participó también en el rally se presenta en foros cinematográficos en Medellín, Colombia, mientras que El Canto del Cisne, segundo lugar en el rally organizado para el Carnaval de Tuxpan, ha sido seleccionado en el Festival Internacional de Cine de Puebla. La Dirección General de Cinematografía informó que así como estas producciones cuentan con todo el respaldo de la Secretaría de Turismo, Cultura y Cinematografía, del mismo modo, los cortos participantes en cada certamen organizado por la Secturc tendrán completo apoyo para presentarse en los foros más importantes de cine para promocionar con ello la cultura y tradición de cada región de Veracruz.

(Equipo de la producción del cortometraje "El Regreso" de derecha a izquierda: Emerson Zárate, Erick Galvan, Gustavo Vega y Rafael López)

Sobre la realización de "El Regreso"

El Regreso fue realizado enteramente en Tlacotalpan, Veracruz durante las fiestas de la Candelaria del 1 al 4 de febrero del 2011, la historia parte de un argumento ideado por Juan José González Mejía, escritor y crítico de cine, y que junto con Gustavo Vega y Rafael López concibieron el guión, los tres conforman el Club de Apreciación Cinematográfica de Xalapa, Gustavo Vega previamente había colaborado con Emerson Zárate en el cortometraje "Los Predilectos de la Luna".

La producción corrió a cargo de Rafael López y Erick Galván en apoyo con la Secretaria de Turismo, Cultura y Cinematografía del Estado de Veracruz, fueron cuatro días de grabaciónes, se hicieron tomas en helicóptero y lancha, se construyo un fandango para una escena.

En la actuación el papel protagónico corresponde a Domingo Adame, quien interpreta a un viajero que regresa a su pueblo natal para tratar de encontrarse con el pasado, el maestro Domingo encajaba perfectamente en el papel debido a su especial aprecio y visita casi constante a la fiesta de la Candelaria en Tlacotalpan, fue ahi mismo donde los realizadores lo encontraron para pedirle su colaboración en el cortometraje.

En los papeles secundarios destacan la maestra Toñita Guzmán Martínez, reconocida en Tlacotalpan, así como Roxana Vergara, bailarina y maestra de danza en la Casa de la Cultura de Tlacotalpan.

(Equipo encargado del cortometraje "El Regreso" de derecha a izquierda: Erick Galvan, Rafael López, Nina Ozuna, Gustavo Vega y Emerson Zárate)

Nina Ozuna además de foto fija también estuvo a cargo de la dirección de arte, Eduardo Duque, músico y compositor del grupo Jimbo Rosso sirvió para realizar la música original del corto, por otra parte Rafael López además colaboró en la edición del cortometraje.

El Regreso tambien se valio del apoyo de Cinema Veracruz, Penacho Vainillas y por supuesto, del Séptimo Arte Xalapa, como co-producción, además del apoyo de SECTUR.

Aqui el trailer: http://youtu.be/IdyP07zoHBg

Como fueron los cines en la Xalapa de antaño

2011-08-08T00:56:00.000-05:00

Por Lorenzo Franco Aranda (Diario Noticias)

Lo que una vez fue la huerta y jardín del convento de San Francisco, construido en la época colonial y derribado en 1884 durante la administración del gobernador Juan de la Luz Enríquez, es actualmente el Parque Juárez de Xalapa, en cuyo costado sur poniente se ubican actualmente dos espacios dedicados al arte:

La pinacoteca "Diego Rivera", inaugurada por el presidente Ernesto Zedillo Ponce de León casi al término de su sexenio y el Ágora de la Ciudad, construida en 1979 durante la administración gubernamental de Rafael Hernández Ochoa y remodelada en 2002 por el gobernador Miguel Alemán Velazco.

Durante la década de 1920, en ese sitio funcionaron en una espaciosa área de usos múltiples un billar, el cine "Victoria", una pista de patinaje y un salón de baile e incluso, en la parte inferior un garage y un taller mecánico automotriz.

El predio era propiedad de la familia García Teurel, que había
iniciado la construcción a finales del siglo XIX en dos plantas, aprovechando el desnivel del terreno. Al paso de los años, sus descendientes vendieron esta inmueble a la familia Jenkins, la que posteriormente lo cedió al gobierno de Veracruz a través de la Fundación Jenkins con sede en la ciudad de Puebla.

Funciones de cine en el auditorio del Ágora

Antes de su remodelación, el Ágora de la Ciudad contaba con el auditorio de usos múltiples "Rafael Solana", con cupo de 350 butacas, pantalla y proyector de películas, para funcionar como cinematógrafo en forma permanente.

Anexa estaba la galería "Sofía Bassi" y en la parte superior, con vista panorámica hacia el sur de Xalapa, se ubicaba una cafetería
administrada -como el resto del conjunto- por el Instituto Nacional de Protección a la Infancia (INPI) que al fusionarse posteriormente con el Instituto Mexicano de Asistencia a la Niñez (IMAN) durante la administración del presidente José López Portillo, dio nacimiento al Sistema Nacional para el Desarrollo Integral de la Familia (DIF)

Cuando en 1979 inició actividades el Ágora de la Ciudad, en Xalapa funcionaban los espaciosos cines "Xalapa", en la céntrica avenida Ávila Camacho; "Variedades", en Zaragoza junto al hotel "María
Victoria" y "Radio", en Zamora junto al Vips del centro, estos últimos convertidos actualmente en estacionamientos y el primero, en mueblería Elektra como parte de la cadena comercial propiedad del magnate regiomontano Ricardo Benjamín Salinas Pliego.

Como es sabido, durante la administración del presidente Carlos Salinas de Gortari se vendieron en paquete los Canales 7 y 13, junto con todos .los cines del país pertenecientes a la Compañía Operadora de Teatros (COTSA) propiedad del gobierno federal, adjudicándoselos a Salinas Pliego como su nuevo propietario.

Fue así como nació TV Azteca, con repetidoras en casi toda la república; se amplió la cadena de mueblerías Electra y se multiplicaron las sucursales del Banco Azteca, instalándose en los locales que fueron antiguos cines de COTSA, como en los casos del "Xalapa" en esta capital y del "Veracruz", en el puerto jarocho, donde además de oficinas y estudios de TV Azteca Veracruz, funcionan también
una de sus mueblerías y una sucursal bancaria.

Hubo también otras salas de cine más pequeñas

A finales de la década de 1970 existieron también en Xalapa otras salas de cine más pequeñas, como el "Pepe" -que aún funciona en Ávila Camacho- y los desaparecidos "Electra", "Los Lagos", "San Bruno",
"Kubrick" y "Tajín", anexo a las instalaciones del DIF estatal en la avenida Miguel Alemán, así como el "Carmela Rey" y el "Claudio Estrada, estos últimos propiedad del Instituto de Pensiones del Estado (IPE) ubicados en la parte posterior del hotel "Xalapa".

Incluso, el IPE llegó a operar ocho salas cinematográficas, las dos de aquí, la "Toña la Negra" y "Agustín Lara" en Veracruz, otras dos en Boca del Río y dos más en San Andrés Tuxtla, las que posteriormente rentó a COTSA y después, a Cinematográfica Henry, S.A., propiedad de Roberto Henry Careta, empresario veracruzano distribuidor de películas.

Actualmente proliferan en Xalapa, al igual que en otras ciudades veracruzanas, las mini salas de cine operadas por diversas cadenas nacionales, que ofrecen funciones en varios horarios con películas de estreno.

También ofrecen funciones finsemanales algunos cine clubes, como el de la Galería de Arte Contemporáneo del IVEC, en Xalapeños Ilustres y el de la Universidad Veracruzana, en su local de la calle Juárez o en el auditorio de la radiodifusora XERUV.

Igualmente, con acceso al público en funciones regulares sigue operando el cine del Ágora, en el remodelado auditorio de usos múltiples de este complejo cultural del Sistema Estatal para el Desarrollo Integral de la Familia.

En el Balcón Vacío "a 50 años de la Ola Francesa"

2011-08-06T16:06:00.002-05:00

Los realizadores de En el Balcón Vacío

fuente: http://cinevertigo.blogspot.com

En el Balcón Vacío (México, 1962), de Jomi García Ascot. La Nueva Ola Francesa cayó con la fuerza de una tromba estilística en el seco páramo cinematográfico de fines de los cincuenta. Las consecuencias fueron inmediatas: la obra de los cinecríticos-vuelto-cineastas Truffaut, Godard, Chabrol, Rivette y Rohmer crearon vasos comunicantes con la de sus precursores/compañeros Varda, Rouch y Resnais, y las películas de todos ellos muy pronto se vieron en los cine-clubes de todo el mundo. Su influencia se dejaría ver en los siguientes años, en las siguientes décadas, lo mismo en la obra de Wong Kar-wai que en la de Martin Scorsese, lo mismo en el casi paralelo free-cinema inglés que en el nuevo cine alemán de los 70. Y, en el caso mexicano, en la aparición del grupo Nuevo Cine, reunido alrededor de la mítica revista del mismo nombre, cuyo primer número está fechado en abril de 1961. Los fundadores de este efímero movimiento fueron, entre otros, José de la Colina, Rafael Corkidi, Salvador Elizondo, Carlos Monsiváis, Gabriel Ramírez y los dos Garcías: el futuro poeta Jomí García Ascot y el futuro historiador fílmico Emilio García Riera. Estos últimos le darían al cine mexicano el primer ejemplar fílmico –y acaso el más sincero- de la influencia nuevaolera en nuestro país: En El Balcón Vacío.

Filmada –según Ayala Blanco en su seminal libro/ensayo irrepetible La Aventura del Cine Mexicano- durante 80 domingos, de 1961 a1962, con una cámara de 16 mm. y usando actores no profesionales, En el Balcón Vacío está basada en una serie de textos semi-autobiográficos de María Luis Elío, esposa de García Ascot, adaptados con la ayuda de García Riera. Se trata de una notable extrapolación dramática/ética/estética de algunas de las preocupaciones de la nouvelle-vague: la nostalgia, la alienación, la ausencia de sentido, el ascetismo formal.

En algún lugar de España, una niña (melancólica, seria, Nuri Pereña) ve los signos del inicio de la Guerra Civil a su alrededor sin entender bien a bien qué está pasando: es testigo de la captura de un republicano que se esconde en el quicio de una ventana, simpatiza con un comunista que está preso tras los barrotes de su propia casa, su papá desaparece sin que ella sepa en dónde está, un desconocido la intimida en el parque… Y luego la huida: el escape a pie por medio del bosque, la llegada a otra ciudad, el bombardeo indiscriminado, la frontera cruzada hacia Francia y, finalmente, el arribo a México. Veinte años después, la niña es una mujer adulta (la propia escritora María Luisa Elío, que también interpreta a su madre en la primera parte del filme) que viaja en su imaginación a la casa paterna, se cruza consigo misma subiendo por los meandros de su memoria y llega al balcón vacío del título, en donde se derrumbará, sorprendida de haber crecido tanto… Si apenas tiene nueve años. Y el tiempo se ha detenido.

La cinta tiene, sin duda, serias deficiencias: un sonido malo –a veces pésimo- y una realización inspirada aunque titubeante (pecado de amateurs, que eso eran todos los involucrados en la cinta). Sin embargo, con todo y estos asegunes técnicos, la importancia histórica de En el Balcón Vacío es imposible de negar. Más allá de la burla a la que fue sometida en su época –se le llamó Pamplona Mon Amour por la clara conexión con Hiroshima Mi Amor (1959), de Resnais-, la cinta de García Ascot/Elío/García Riera permanece como el precursor de lo que Ayala Blanco llamó, en su momento, “un cine de poesía subjetiva”. Dicho de otra manera, el ejemplo más puro que, en precisas y preciosas ocasiones, la poesía más dolida puede convertirse en cine.

En el Balcón Vacío se exhibe nuevamente este domingo 28 de agosto - Ágora de la ciudad (Xalapa, Ver.) 5 y 7 pm entrada libre.

De Exilios y Exiliados - Agora de la ciudad - Xalapa, Ver.

Ciclo de cine “De exilios y exiliados” proyecta: “En el Balcón vacío”, presentada por El Club de Apreciación Cinematográfica de Xalapa

2011-08-06T14:14:00.000-05:00

“En el balcón vacío”

En el Club de Apreciación Cinematográfica de Xalapa en conjunto con el DIF de Veracruz proyectan: “En el balcón vacío” en El Ágora de la Ciudad.

El DIF de Veracruz, a través de El Ágora de la ciudad y El Club de Apreciación Cinematográfica de Xalapa, extienden una cordial invitación al público en general para que asista los Domingos de Agosto a presenciar el ciclo “De exilios y exiliados”.

El exilio, el traslado hacia países que nada tienen que ver, en un principio, con los personajes será el tema abordado en los tres filmes que se tiene programados comenzando el Domingo 7 con “En el balcón vacío”, filme del año 1961, dirigido por Jomí García Ascot. Es una cinta experimental mexicana, considerada la mejor obra fílmica sobre el exilio español en nuestro país debido a la Guerra Civil española.

Las funciones serán a las 17:00 y 19:00 horas en el auditorio principal de El Ágora de la ciudad, en los bajos del parque Juárez, en el Centro Histórico de Xalapa. La entrada será gratuita.

Regreso a Viridiana "Cortometraje Documental"

2011-07-26T01:42:00.003-05:00

Se cumplen 50 años de Viridiana de Luis Buñuel, la única película española -mexicana ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Escandalizó al Vaticano por su historia, la incursión mundana de una joven novicia en los terrenos del deseo, la sensualidad y la redención. Estuvo prohibida durante mucho tiempo por la censura española y no fue estrenada hasta muchos años mas tarde, un documental producido por el Canal TCM y dirigido por Pedro González, Regreso a Viridiana, rememora su rodaje y estreno de la mano de la profesora universitaria francesa Monique Roumette, quien trabajó como becaria mientras el genio de Calanda realizaba la que quizás es su película más emblemática.

Roumette, en el documental, recuerda un Madrid en el que las mujeres eran "terriblemente conformistas" y donde la censura se encargaba de controlar hasta el último detalle de lo que se rodaba y producía en España. Un examen exhaustivo del que sin embargo logró salir airoso Viridiana para pasmo de propios y extraños. Buñuel regresaba a España tras un largo exilio mexicano (una maniobra del régimen que pretendía propiciar cierta reconciliación) y su estrategia para burlar a la censura fue hacer pasar a la película por una especie de culebrón mexicano protagonizado por una piadosa (Silvia Pinal) que aunque decide abandonar el convento no cejará en su empeño de llevar sus ideas cristianas hasta sus últimas consecuencias.

Gracias a la colaboración internacional de Jorge González y al canal TCM, el Séptimo Arte Xalapa trae para ti el documental "Regreso a Viridiana", para verlo entra aqui: Regreso a Viridiana además te recordamos que no te puedes perder la proyección especial este domingo 31 de julio en el ágora de la ciudad (Bajos del parque Juárez) Xalapa, Ver. a las 5 pm y 7 pm de "Viridiana" Dir. Luis Buñuel. ENTRADA LIBRE.

http://www.youtube.com/watch?v=jzh3BrCLWVA (Trailer de "Regreso a Viridiana")

Regreso a Viridiana

Dir. Pedro González Bermúdez

50 años de Viridiana, proyección este domingo ágora de la ciudad. Entrada Libre

2011-07-26T01:25:00.000-05:00

Se cumple medio siglo del estreno de la película con la que Luis Buñuel ganó la Palma de Oro en Cannes, un hito que jamás ha vuelto a repetirse. Se proyecta la edición remasterizada de Viridiana en el ágora de la ciudad de Xalapa este domingo 31 julio.

Hace 50 años, el mundo también miraba al Festival de Cannes. Lo hacía conmocionado (y escandalizado) porque se otorgaba la Palma de Oro y la ganaba una película española, Viridiana, un hito que jamás ha vuelto a repetirse. Sin embargo, el motivo del escándalo no era la nacionalidad del filme sino su contenido. Luis Buñuel, en la cima de su prestigio, no recogió el premio más importante del cine mundial porque estaba enfermo en París y en su lugar lo hizo el director general de cinematografía de la época, José María Muñoz Fontán, a quien la osadía le costó el puesto.

Viridiana fue el cénit y el final de su productora, Uninci, a la que se prohibió tajantemente rodar ninguna otra película. De hecho, el ministro de Información y Turismo, Gabriel Arias Salgado, ordenó la destrucción de todas las copias después de que el diario del Vaticano, L'Osservatore Romano, calificara a la película de blasfema, cosa que Roumette recuerda como "una campaña de promoción gigantesca gratuita para la productora". Afortunadamente, sobrevivió una copia en París y el productor de la cinta, Gustavo Alatriste, pudo estrenarla en todo el mundo bajo bandera mexicana. La "campaña de promoción" sin embargo tuvo numerosos efectos desoladores. No sólo Uninci, también el otro productor, Pere Portabella, tuvo que abandonar el cine debido al escándalo. Y la película no se estrenó en España hasta 1977, dos años después de la muerte de Franco. Al parecer, el dictador vio la película dos veces y no encontró ningún motivo para prohibirla. Pero la condena del Vaticano pesó más que su propio criterio.

El Club de apreciación cinematográfica, el ágora de la ciudad y el séptimo arte xalapa se complacen en invitar a la proyección de aniversario de "Viridiana" este domingo 31 de julio en dos funciones, 5 pm y 7 pm. Entrada Libre.

http://www.youtube.com/watch?v=XfOPoyaEKS8

Gánate una edición especial en Dvd de "A Clockwork Orange"

2011-07-16T22:15:00.002-05:00

Mis queridos droogos, quieren ganarse una edición especial de La Naranja Mecánica, es muy fácil, solo deben contestar correctamente las siguientes preguntas y seguir las instrucciones tal y como se muestra:

El Séptimo Arte Xalapa te regala una edición especial en dvd de "A Clockwork Orange" Europea Sistema PAL Region 2

Por primera vez en presentación Widescreen 16:9

Audio: Ingles 5.1 Ch, Castellano 2 Ch, Subtítulos Inglés, Español, Aleman, Italiano y muchos más.

Extras: Audio Comentario de Malcolm McDowell

Region 2 (PAL) (Algunos reproductores no podrán reproducirla)

SIGUE LAS INSTRUCCIONES Y CONTESTA CORRECTAMENTE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

1.- ¿Cual es la película que dirigió el mismo director de La Naranja Mecánica donde le pidió prestada a la NASA una lente especial para realizar filmaciones con luz normal?

2.- ¿En qué pais fue prohibida la proyección de la Naranja Mecánica durante 30 años?

3.- ¿Cuál es el final verdadero de la Naranja Mecánica segun Anthony Burgess?

4.- ¿Qué película hizo que Malcolm Mcdowell fuera seleccionado para interpretar a Alex en La Naranja Mecánica?

5.- ¿Quién es el compositor de los arreglos musicales y de la banda sonora de la Naranja Mecánica?

6.- ¿En que año del futuro esta situada la Naranja Mecánica?

y la 7 por si pensaban que todas estaban fáciles

7.- ¿En que lugar de Londres fue grabada la escena donde Alex y sus drugos golpean a un viejo tirado en el suelo?

Las respuestas deberas mandarlas a septimoarte7@gmail.com

El primero en mandar correctamente las respuestas se llevará la Edición Especial Europea.

El plazo máximo es hasta las 14:00 hrs del domingo 17 de julio.

Habrá premios de consolación.

Anexa tu nombre y un numero de cel para mandarte un mensaje de texto.

Los ganadores recibiran su premio en la función de las 7:30 pm

40 aniversario de la Naranja Mecánica en el ágora de la ciudad (Xalapa, Ver)

2011-07-14T16:31:00.003-05:00

Ya se acerca mis queridos droogos, la proyección especial del 40 aniversario de la Naranja Mécanica, este domingo 17 de julio, único día, dos proyecciones: 5 pm y 7:30 pm.

El Ágora de la Ciudad (Xalapa, Ver.) y El Club de Apreciación Cinematográfica de Xalapa se complacen en invitarle a la presentación especial de la película "A Clockwork Orange" La Naranja Mecánica, cinta que en este año cumple sus cuarenta añotes, mucho ya se ha dicho de esta película, asi que les dejamos el trailer para que saboreen una probadita de esta naranja.

El Club de apreciación cinematográfica de Xalapa, como se ha mencionado en anteriores ocasiones, esta integrado por el crítico de cine Juan José González Mejía, el realizador independiente Gustavo Vega y su servidor Rafael López (El Séptimo Arte Xalapa)

Los esperamos este domingo.

El Séptimo Arte invita.

Curiosidades de la Naranja Mecánica de Stanley Kubrick

2011-07-14T01:05:00.000-05:00

En el minuto 18:20 aproximadamente, después de aparecer el poster de la mujer y la serpiente, abajo aparecen las figuras de 4 cristos con el puño en alto. Esa imagen es la que aparece en una de las portadas del libro "El Anticristo" de Frederick Nietzsche.
En la escena en que ponen a Alex a visionar películas por primera vez, la primer película en que se ve a un tipo siendo apaleado, resulta ser Roman Polanski.
El título original de la película es "The Clockwork Orange". "orange", en inglés significa "naranja", pero en verdad proviene de otra palabra: "ourang", una palabra de Malasia donde el autor del libro, Anthony Burgess, vivió durante varios años. Esta palabra tiene otro significado y es el de "persona". De esta manera, el escritor hizo un juego de palabras, y realmente, lo que el título significa es "El hombre mecánico". Es decir, Álex después de aplicarle el tratamiento Ludovico.
El filme está prohibido en Corea del Sur y Singapur, lo estuvo en Irlanda (hasta 1999, ahora censurado); se estrenó con escenas censuradas en Australia, Argentina, Chile, Finlandia, Francia, Alemania, Italia, México, Holanda, Noruega, Suecia y Japón; originalmente estuvo clasificado como X en Inglaterra (hasta 1999), USA (hasta 1972) e Israel, luego eliminaron algunas escenas.
Años después del estreno de la película, McDowell dijo: "Durante el rodaje de La Naranja Mecánica amé y odié a Kubrick al mismo tiempo. Pero creo que la calidad humana de Kubrick no está a la altura de su talento. Se comportaba con los actores como el más terrible de los tiranos"
El guardaespaldas de Mr. Lexander fue interpretado por David Prowse, quien dos años depués, en 1973, sería el horroroso monstruo del clásico de Terence Fisher "Frankenstein and the Monster from Hell", convirtiéndose luego, hacia 1977, de la mano de George Lucas, en el temible Darth Vader de "La guerra de las galaxias" y secuelas. Destacar que Prowse, fornido culturista y experto en lucha libre, cayó agotado al repetir hasta treinta veces una escena en que llevaba en brazos a Patrick Magee.
Al término del rodaje, Kubrick declaró: "Si Malcolm (McDowell) no hubiese estado disponible, probablemente no habría podido hacer la película".
Cuando Alex entra en su habitación e introduce la cinta de la 9ª Sinfonía de Beethoven en su Stereo, extrae previamente una cinta del compositor Giorgi Lyghety que también es autor de la banda sonora de "2001: Una odisea del espacio".
La película fue autocensurada por el propio Kubrick al poco de estrenarse, ya que se rumoreó que una pandilla de gamberros había asesinado a un vagabundo mientras cantaban el "Singing in the rain" , imitando la película que habían visto. Solo hasta la muerte del director, los ingleses no han podido disfrutar de este film en sus cines.
De todos es sabido el control absoluto de Kubrick en cuanto a la distribución y proyección que hace de sus películas, una de las anecdotas que cimentaron esa leyenda fue que en un cine de New York que proyectaba esta película tenía pintadas las paredes de blanco, lo que producía un reflejo molesto en la pantalla, al enterarse de esto, se encargó personalmente de contratar a unos pintores que pintasen la pared de negro.
Alex y su banda hablan una jerga futurista inventada por Burgess llamada Nadsat, mezcla de términos coloquiales rusos y "slang" británico. Por ejemplo rozzer -policía-, dugo -amigo-, malchick -muchacho- o moloco -leche-.
Durante la secuencia en que Alex golpea a Mr. Alexander (Patrick Magee) Kubrick le dijo a McDowell: "Mientras le golpeas canta algo, lo que más te guste, lo que sea". Entonces McDowell empezó a cantar el celebérrimo Singin 'In The Rain (Cantando bajo la lluvia) ya que era la única canción de la que sabía la letra. Inmediatamente, Kubrick se puso en contacto con los propietarios de los derechos de dicha canción para evitar problemas legales.
La portada de la banda sonora de "2001: una odisea del espacio" (1968) puede verse nítidamente en la secuencia de la tienda de discos.
Se dice que Kubrick y su asistente destruyeron todo el fotage que no se utilizo.
Para la escena final se hicieron 74 tomas.
Según parece, Kubrick basó su guión en la edición americana del libro de Anthony Burgess, al que le faltaba el último capítulo (el número 21). En este capítulo, Alex se había cansado de la ultraviolencia, considerando la posibilidad de casarse y sentar la cabeza. "Tal y como quedó la versión americana de mi novela, explicaba Burgess, la vindicación de la libertad parecía una exaltación del pecado. Curiosamente, Kubrick me dijo que no conocía la versión británica del libro"
Cuando Alex y sus "Drugos" entran en el Korova Milkbar se ve claramente un lienzo en la pared de una mujer desnuda. La misma pintura aparece en una secuencia de "El resplandor" (1980).
Las esculturas que aparecen en el Korova Milkbar fueron inspiradas en el trabajo del artista Allen Jones.
Se pensó en Tim Curry y Jeremy Irons para el papel de Alex.
Kubrick le pregunto a la banda de Pink Floyd si podría usar su Atom Heart Mother Suite para el soundtrack, pero como Kubrick queria el poder de recortarla para mejor ensamble, la banda no acepto, sin embargo Kubrick le hace homenaje en la misma tienda de discos donde va Alex.

La Naranja Mecánica "Una entrevista a Stanley Kubrick"

2011-07-13T13:10:00.001-05:00

Por Raul Lino Villanueva

Kubrick en Castellano

Debemos remarcar el agradecimiento pleno a nuestro colega desde Peru "Raul Lino Villanueva" fiel seguidor del maestro Stanley Kubrick y realizador cinematográfico. Muchas gracias por compartirnos este testimonio.

*Esta entrevista fue tomada del libro KUBRICK, de Michel Ciment, Ediciones Calmann-Lévy, octubre 2001, páginas 149 -165. Edición original en francés. Traducido por Raúl Lino Villanueva. Esta entrevista se dio en 1972, y fue corregida y aprobada por Stanley Kubrick para una publicación incompleta en las revistas de esos años. Por otra parte, fue publicada una versión completa en una edición francesa del libro en 1980. En julio de 1981, Stanley Kubrick expresó el deseo de revisar estos textos para todas las ediciones extranjeras del libro de Ciment. Lo que hay a continuación es la versión inglesa expandida por Kubrick y retomada en la edición francesa del 2001.

MICHEL CIMENT: Ya que tantas interpretaciones aparecen acerca de A Clockwork Orange ¿Como ve UD. vuestra película?
STANLEY KUBRICK: Habla de las tentativas por limitar la elección del hombre entre el bien y el mal. En esto se encuentra ligado a las consideraciones de Skinner en Beyond Freedom and Dignity, solo que Skinner habla del condicionamiento positivo y no negativo. Aquello es el contenido-idea de la historia, pero la razón por la cual funciona como drama, como obra, es esta creación única de Burgess, este personaje fantástico de Alex que representa el inconsciente. Una interpretación muy interesante ha sido hecha por Aaron Stern, presidente de la Motion Picture Asociation, quien también es psiquiatra. Según él, Alex al principio de la película representa al hombre en su estado natural. Cuando lo “curamos” esto corresponde psicológicamente al proceso de civilización. La enfermedad que sigue es la neurosis de la civilización que es impuesta al individuo. Finalmente, la liberación que siente el público al final corresponde a su propia ruptura con la civilización. Todo esto opera por supuesto en un nivel inconsciente. No es lo que dice la película literalmente, pero forma parte de esas cosas que provocan la identificación del espectador con Alex.

El capellán es un personaje central de la película
Bien que es presentado bajo un ángulo satírico, el padre, muy precisamente, representa el punto de vista moral de la película. UD. debe prestar mucha atención en una sátira, si un personaje exprime lo que UD. quiere decir. No hace falta que lo reconozcamos como alguien admirable.

Políticamente la conclusión muestra la alianza entre el delincuente y las autoridades.
El gobierno utiliza en lo sucesivo la violencia de los peores miembros de la sociedad para sus propios fines: la alianza con Dim y Georgie que se han convertido en policías y por supuesto con Alex. Debemos ver la última escena en su contexto satírico. “I was cured, all right!” (“De veras estaba curado”) se parece al grito del Dr. Strangelove: “Mein Führer, camino” Y la imagen de Alex como el niño alimentado a la cuchara de esta sociedad totalitaria y completamente corrupta ofrece lo cómico en primer plano y un excelente símbolo.

I was cured, all right

Lo que resulta divertido, es que muchos críticos anglo-sajones hablan de esta sociedad como una sociedad comunista, cuando no hay ninguna razón para pensarlo!
Cierto. El ministro es de toda evidencia un tory. No es un socialista. Lo que dicen los críticos es frecuentemente tan difícil de comprender! Debieron leerlo en algún resumen de un libro, pero de todas formas hemos cambiado la época por que en el libro de Burgess la acción está situada mas en el futuro. En cuanto a Patrick Magee él representa la oposición de la extrema izquierda (“radical”). El dice que le pueblo debe ser llevado, conducido, empujado. “La gente vendería su libertad por una vida mas tranquila.” Allí están, los activistas de extrema izquierda. No es un liberal.

Pero podrían ser igualmente los términos de un fascista.
Por supuesto, eso es cierto desde dos puntos de vista extremos, aquel de izquierda como aquel de derecha. Los extremistas comparten el mismo desprecio por los hombres. Difieren principalmente en sus programas.

UD. hace uso de la violencia creando una distancia crítica.
En primer lugar, el libro esta escrito con esta distancia por que la historia es vista a través de los ojos de Alex, lo que quiere decir de una forma muy particular. No vemos la viklencia de una forma objetiva, ya que ella nos es descrita por Alex. Faltaba por supuesto encontrar un equivalente cinematográfico y ligar la violencia a la forma que Alex la resiente en el libro. De todas formas algunos no han dicho que la violencia era distanciada, sino que era horrible, lo que es según yo un error.

La mujer de los gatos es de mas edad en el libro ¿Por qué operó este cambio?
Tal cual está en la película cumple la misma función pero es mas interesante. En el libro la mujer que Alex mata es mas antipática y mi mujer de los gatos lo es igualmente.

Suprimió también el asesinato que Alex comete en prisión ¿Es para cargar menos al personaje?
Era una cuestión de duración. La película dura 137mn. La escena al cual UD. hace alusión no era necesaria. El asesinato ya no era explicable tanto como el de la mujer de los gatos.

Alex ya no es un adolescente en vuestra película.
No pude encontrar un actor de 16 años que pueda hacer el rol. Siempre hay esta realidad concreta y brutal que uno debe afrontar cuando se hace una película. Tiene UD. que encontrar actores que encajan en el papel. Un actor de 16 años hubiera podido ser una mejor solución si hubiera sido mejor que Malcom McDowell y eso, no es fácil.

De cierta forma, el lugar mas aceptable de todo su película es la prisión. El jefe guardián que es un personaje típicamente británico es mas conmovedor que otros personajes.
Es una representación de una autoridad pasada de moda, un personaje patético y cómico a la vez. Es el menos cabrón que mucho otros en la cinta. Es incapaz de enfrentar lo que lo rodea. No comprende ni a los criminales ni a los reformadores.

En vuestras películas el Estado es peor que los ciudadanos, pero los sabios son peores que el Estado.
La ciencia es potencialmente mas peligrosa que el estado ya que ella tiene un efecto mas durable. Ciertamente no veo la ciencia como un mal. Simplemente debe ser controlada inteligentemente por la sociedad. Durante las experiencias de Los Alamos para la primera bomba atómica, un grupo de físicos pensaban que una reacción en cadena se desarrollaría a partir de la primera explosión y destruiría al mundo. Juzgaban naturalmente que sería un error hacer un ensayo. Pero otro grupo mas poderoso, que se sabría mas tarde tener razón, declara que no habría reacción en cadena y quiso hacer la experiencia. Que un grupo de sabios competentes y responsables pudiera haber pensado que aquello traería la destrucción del mundo (y en la época no había ciertamente ninguna forma de demostrar que estaban errados) hubiera sido una razón suficiente para no hacer la prueba nuclear. El hecho de no habersele escuchado me ha parecido siempre un ejemplo inquietante de la imprudencia de la ciencia cuando esta apasionadamente interesada por una idea seductora.

Alex tiene una profunda relación con el arte (Beethoven) que no la tienen los otros personajes. Todos los interesados en arte moderno como la mujer de los gatos, parecen en el fondo muy indiferentes ¿Cuál es vuestra propia actitud frente al arte contemporáneo?
Seguramente, hay una parte importante del arte moderno que no es interesante, donde la obsesión de la originalidad ha producido un tipo de obra que es quizá original pero para nada interesante. Creo que es en Orphée que Cocteau le hace decir al poeta “¿Que debo hacer?” y la respuesta es: “Sorpréndeme”. Una gran parte del arte moderno ciertamente no cumple esta condición…Es arte pero no es sorprendente y eso no lo llena a uno de admiración y sorpresa. Pienso que en ciertos campos, la música en particular, un regreso hacia le clasicismo es necesario para poder parar esta búsqueda estéril de originalidad. Las películas por supuesto están lejos de estos problemas por que la actitud hacia el cine es profundamente conservadora. Las películas podrían ir mas lejos hacia donde van. No hay ninguna duda que sería agradable de ver un poco de locura en las películas. Al menos serían interesantes al verlas.

Pero es lo que UD. hace!
En mi caso la locura está muy controlada!

La película subraya dos veces una referencia a Cristo.
Cuando Alex dice que él toma parte en la crucifixión, esto forma parte de su imagen, de su personificación del mal. Y por supuesto, está este ballet en su cuarto. Hablarle al espectador de estos fantasmas violentos que él tiene con respecto a Cristo forma parte de su candor extrañamente convincente y explica mucho de su “encanto”.

¿Por qué esta elección de una estética hollywoodense en la escena de la crucifixión?
Pienso que Alex lo imaginaría así. Hasta él mismo dice con un acento americano: “Avancen, avancen”, Ya sabe, como en una de estas películas de la antigüedad.

¿Pero que relación hay entre la interpretación de la antigüedad de Alex y la suya en en Spartacus?
Ninguna! En Spartacus intenté de mostrar la historia lo más auténticamente posible. Debía luchar principalmente contra un guión tonto. Una de las diferencias esenciales entre el guión y la historia real, es que en la realidad Spartacus condujo dos veces su ejército de esclavos hacia la frontera norte de Italia y hubiera podido fácilmente escaparse. Pero no lo hizo, en lugar de ello, regreso para asaltar poblados. Es uno de los temas importantes que nunca tratamos en la película. ¿Por qué Spartacus no aprovechó esta oportunidad para escapar de la dominación romana?¿Es que los objetivos de la revolución cambiaron? ¿Perdió el control de sus tropas?. De aquello, el guión no hablaba. En la película había sólo una astucia de guión idiota en la cual Spartacus se vio traicionado por piratas que deberían llevarlo en sus barcos.

UD. utiliza una cierta cantidad de procesos que rompen la fluidez narrativa y el efecto de lo real: la aceleración (cámara rápida), la lentitud (cámara lenta), el gran angular.
Intento encontrar un equivalente cinematográfico del estilo de Burgess y desde el punto de vista de Alex sobre sus propias acciones. Habían cosas imposibles de estilizar o mostrar. Hay una frase en el libro donde el describe lo que ve y dice: “Le corta los huevos”. Bien, si UD. lo muestra habría una gran diferencia.

¿Por qué filmó en acelerado la escena con las dos chicas?
Aquello me parecía una forma satírica de mostrar en la pantalla un encuentro sexual banal. Ya sabe, este tipo de escenas, actualmente, ya la hemos visto acompañadas de Bach, etc. ¿Y cual es el objetivo? Ciertamente no es mostrar la pasión física o el amor.

Las tres primeras escenas son muy chocantes, con el mismo back travelling que parte de un primerísimo plano y lentamente descubre el decorado ¿Cómo prepara UD. este tipo de planos?
Contadas muy pocas excepciones, pienso que es necesario conservar vuestras ideas de dirección para el último momento y utilizar el decorado y la acción que UD. escogerá finalmente como la base de lo que UD. va a rodar. Evidentemente, si UD. sabe que ya rodó una escena en un modo determinado, entonces tiene la ocasión de ajustar lo que va a hacer sobre lo que ya hizo, pero lo que es mas importante, es de ensayar cuidadosamente una escena y asegurase que tiene algo interesante para filmar. Es después de esto que UD. se puede ocupar del “como”, El “como” debe siempre seguir el “que”. Es el contenido y las ideas que llegan primero. Después uno se puede preocupar de la manera de filmarlos. Las ideas de realización no están casi nunca en un guión. Poco importa si pensó mucho tiempo en una escena, si la preparó minuciosamente cuando llega el momento de filmarla y que tiene a los actores con sus vestuarios, y que mira el decorado, y que recuerda cosas que ya hizo, todo ello es diferente de todos los proyectos que UD. tuvo, de todo lo que piensa hacer. Comúnmente se debe volver a trabajar la acción entera y muy seguido hay que cambiar el diálogo.

En muchas escenas – por ejemplo en el regreso de Alex a la casa de sus padres o en la prisión – la cámara está completamente estática y la edición la reduce al mínimo.
Intento tener una razón para cortar. Si una escena funciona bien en un cierto ángulo y que no hay razón para cortarla, entonces no corto. Pero al contrario, cuando se corta, tiene un efecto mas grande. En una escena donde el elemento mas importante es la actuación del actor, no corto hasta que la actuación del actor sea mejor puesta en valor desde otro ángulo.

UD. mismo ha filmado muchos planos cámara a la mano, sobre todo para las escenas de acción.
Sí, principalmente…por ejemplo cuando Georgie y Dim conducen Alex a través del bosque para golpearlo o durante la lucha con la mujer de los gatos. Tiene muchas ventajas y entre otras aquella de ser la forma mas cómoda si UD. no está en un estudio para desplazar la cámara de un lugar a otro.

Lo esencial del rodaje fue hecho en decorados naturales.
Sí, sólo hay cuatro que fueron construidos en una fábrica abandonada: el Korova Milk Bar, la entrada y la sala de baño de los Alexander y el vestíbulo de la prisión. Y adoptamos esta solución por que no encontramos un lugar mas adecuado para filmar. Quería que los lugares parezcan ligeramente futuristas y compré todos los números de los últimos diez años de tres revistas de arquitectura. La mayoría de lugares interesantes que finalmente escogimos fueron descubiertos de esta forma. De ninguna manera se buscarían en Londres. Hubiera tomado 5 años.

¿La idea del Milk Bar es suya?
Sí, la idea de la decoración. Después de haberla adoptado, John Barry, el decorador, contrató una modelo desnuda y la fotografió en diferentes posiciones.

Es con DR. Strangelove que UD. comienza con la música como referencia cultural ¿Cuál es vuestra actitud frente a la música de películas?
Al menos que uno quiera música pop, es vano contratar alguien que no está a la altura de Mozart, de un Beethoven o de un Strauss para escribir una música orquestal. Para eso hay un vasto catálogo en la música del pasado. A veces hay música moderna interesante pero si quiere música de orquesta, no sé quien pueda escribírsela.

¿La música fue escogida después del rodaje? ¿Sobre que bases?
Lo esencial fue escogido después del rodaje. Pero había pensado en ciertas canciones desde el comienzo. Aquí entramos en un terreno no verbal como también en de la puesta en escena. Se vienen ideas, las pone a prueba y de repente está muy claro para UD. que eso es lo que hay que hacer. La elección de la música va a la par con la estilización que buscábamos.

¿Su gusto por la música está ligado a la ascendencia vienés de vuestro padre?
Mi padre, que hoy en día es radiólogo en California, no era originario de Viena. El nació en los Estado Unidos, su madre venía de Rumania y su padre del Imperio Austro-Húngaro, de una región cercana de Polonia.

¿Me parece que UD. ha querido hacer una trilogía sobre el futuro con sus últimas tres películas ¿Lo pensó?
No. Es muy difícil controlar la elección de las historias que UD. descubrirá. Intento ser lo mas abiertamente posible ante los libros que leo. Al principio intento reaccionar de una manera completamente no analítica. Es mi única forma de poder juzgar esta reacción primeriza e ingenua. Y debo preservar esta reacción inicial por que cuando se conoce la historia al detalle, cuando ha trabajado en la película durante un año, UD. debe intentar recordarse de lo que pensaba de ella cuando no la conocía muy bien. Hay una cosa que los mas grandes directores del iundo no pueden saber – lo que siente alguien que ve su película por primera vez. Existe un vacío increíble que separa vuestra impresión después de haber hecho un film y aquella del espectador que lo ve por primera vez. Felizmente, nunca escogí una historia de la cual me haya cansado después. Pienso que sería una experiencia terrible.

¿Cuáles fueron los diferentes proyectos que tuvo UD. que abandonar?
Uno ed ellos fue la adaptación de Brulant Secret, de Stefan Zwieg. Era un guión para la MGM después que hiciera The Killing. Un guión sobre la guerra de Secesión que no fue completamente desarrollado. También escribí un guión sobre la vida de un ladrón de cajas fuertes: Yo robé 16 millones de dólares. Fue escrito para Kirk Douglas, a quien no le gustó y eso se terminó allí. Y finalmente el libro de Arthur Schnitzler que siempre tengo la intención de adaptar. El título alemán es Traumnovelle, y el título francés Rien qu’un rêve (Sólo un sueño). El tema de la historia es que las personas tienen un deseo de estabilidad, de seguridad, de repetición y de orden en sus vidas y que la mismo tiempo tienen la tendencia de querer escapar, de conocer aventuras, de ser destructivos. El libro opone las aventuras reales de un marido y aquellas oníricas de su mujer, y hace la pregunta: ¿Hay una diferencia seria entre soñar con una aventura sexual y tener una de verdad? No es una historia fácil de describir pero pienso que es una de las mas bellas historias de Schnitzler y una en donde hay mas imaginación. Soy un gran admirador de su obra. (N.R.: La adaptaría 27 años después bajo el título Eyes Wide Shut).

¿Hizo UD. una película sobre Lincoln para la TV?
No. trabajé en un segundo equipo. Es todo. Richard de Rochemont, el productor de la serie, tuvo piedad de mí y me dio trabajo por dos semanas.

Hay en sus películas una atracción por la Alemania, la música alemana, el DR. Strangelove, el profesor Zemph en Lolita…
No dirá que estoy “atraído”, pero fascinado: la horrible fascinación por la época nazi. Es todo.

UD. se interesa por le lenguaje. Lolita y A Clockwork Orange son dos libros en donde la manipulación de las palabras juegan un rol esencial.
Primero que nada mi interés por el libro no fue debido al lenguaje. El lenguaje estaba casi de regalo, pero lo que mas me atrajo, fue la narración, los personajes y las ideas. Lo que pasa es que el diálogo de Burgess en el libro es casi perfecto. No solamente las palabras son nuevas, pero aún mas las sintaxis y la utilización de palabras corrientes, contribuyen a crear la sensación que nos encontramos ligeramente en el futuro. Por supuesto, estoy interesado en el lenguaje, pero no es un interés central. Lo mejor que hay en una película es cuando las imágenes y la música crean el efecto. El lenguaje, cuando se utiliza, debe por supuesto ser lo mas inteligente e imaginativo que se pueda, pero estaría muy interesado en hacer una película sin palabra alguna, si pudiera encontrar la forma de hacerlo. Podríamos imaginar una película en donde imágenes y música serían utilizadas de forma poética o musical, donde una serie de enunciados visuales implícitos serían hechos en lugar de declaraciones verbales explícitas: digo podríamos imaginar por que yo no podría imaginarla al punto de escribir verdaderamente tal historia, pero pienso que si se hiciera, eso sería utilizar el cine al máximo. Sería entonces totalmente diferente de toda otra forma de arte, llámese teatro, libro, hasta poesía. Pero nadie ha hecho ninguna película importante en donde estos aspectos únicos del arte cinematográfico sean el único medio de comunicación. No hay duda que las escenas mas fuertes, aquellas que uno recuerda, nunca son escenas donde las personas hablan, son casi siempre escenas de música y de imágenes. Sería interesante ver una película hecha íntegramente así…

Plan de Rodaje (extracto)

Ciertas películas underground corresponden a ese criterio.
Sí, pero lo aburrido de muchas de estas películas es que par hacer que una película sea interesante, un mínimo de técnica es indispensable, y si UD. no la tiene, la experiencia no es concluyente.

Lo que mas choca, son ciertamente las imágenes, pero muy seguido su fuerza viene de las palabras que las preceden. La presentación por él mismo de Alex al principio de la película aumenta por ejemplo el poder de las imágenes.
No hay duda que una de las cosas que solamente las palabras puedan expresar, es el pensamiento de Alex. No puede ser expresado de ninguna otra forma, solamente por las palabras y estas únicamente expresadas bajo la forma de un monólogo interior. Si ellas fueran presentadas bajo la forma de un diálogo, UD. no podría creérselo. Es un viejo cliché de Hollywood decir que si hay una voz en off, esto significa que algo está mal en el guión! En este caso particular, Alex no puede decirle algo a otro personaje de la historia lo que le está diciendo directamente al público. No podría hablar con esta completa honestidad y eso nos esclarece sobre su personaje.

Esta vez escribió UD. sólo el guión.
Intento escribir mis guiones yo mismo, pero comienzo con una historia. La ficción, es la parte mágica. Si UD. puede construir una intriga como Burgess lo hizo con personajes únicos y un interés narrativo que no se debilita, es una especie de milagro. Un guión es una creación más lógica. No exige una inspiración como para construir una historia. Si comienzo con una historia que cumpla con todas las exigencias narrativas, prefiero escribir yo mismo el guión. Para hacer las escena mas realista o escribir el diálogo, pienso que yo lo puedo hacer, para mi propia satisfacción, mejor que nadie. Pero para inventar una historia, nadie puede hacer eso a pedido. Si debuta con una historia que UD. comprende muy bien, pues tiene allí una base muy sólida. La cosa que uno no puede controlar, que no puede forzar a aparecer, cualquiera sea vuestro esfuerzo en ese sentido, es la intriga! Si no se comienza con una historia sólida, entonces, cualquiera sea el interés de las ideas, cualesquiera sean los personajes, tendrá al final de cuentas algo donde el total será menos que la suma de las partes. Por el contrario, si comienza con una ficción llena de fuerza, tiene la libertad de experimentar en otros dominios. Tiene la seguridad que al menos las personas se interesarán a lo que pasa. DR. Strangelove comenzó con un libro de suspenso de Peter George que se transformó en una sátira, pero la intriga está desde el principio.

El final de A Clockwork Orange es diferente del libro.
Hay dos versiones del libro, pero yo no leí la versión con el capítulo suplementario hasta meses después de trabajo sobre el guión. Estaba estupefacto por que no había ninguna relación con el estilo satírico del libro y pienso que es el editor quien llegó a convencer a Burgess de terminar sobre una nota de esperanza o algo por el estilo. Honestamente, no podía creer a mis ojos cuando leí el último capítulo. Alex sale de prisión y regresa a casa. Uno de los chicos se casa, el otro desaparece y al final Alex toma la decisión de volverse un adulto responsable.

En A Clockwork Orange, hay un personaje, Alex, que es maléfico como el DR. Strangelove, pero que en muchos aspectos es positivo. Es la primera vez en una de sus películas.
Yo no dirá que es positivo. Digo simplemente que lo que pasa con él es una extraña identificación psicológica que los otros no suscitan. Lo que es remarcable en el libro y lo que me atrajo: esta extraña realidad de un personaje es tan evidentemente malvado y que por tanto, en un nivel inconsciente, le hace percibir ciertos aspectos de vuestra propia personalidad.

A juzgar por Alex, el héroe de A Clockwork Orange, UD. está atraído mas por los personajes maléficos.
“Mas vale reinar en el Infierno que servir en el Paraíso”, decía el Satán de Milton. Los malos son siempre mas interesantes que los buenos. El interés de los personajes demoníacos, es que se puede mas fácilmente burlarse de ellos.

¿Cómo explica UD. esta clase de fascinación ejercida por Alex?
Por el hecho que Alex representa nuestro inconsciente, en un nivel onírico y simbólico donde la película nos llega directamente. El inconsciente no tiene consciencia. En su inconsciente, cada uno de nosotros mata y viola. Aquellos que gustan de la película encuentran esta especie de identificación con él. La hostilidad de aquellos que la detestan nace de su incapacidad para aceptar aquello que son realmente, quizás por su ingenuidad, de una falta de educación psicológica o de una incapacidad emocional para admitir este aspecto del hombre. Entonces, lanzan acusaciones insensatas sobre el efecto que la película supuestamente produce. El único personaje al cual siempre he comparado a Alex es Richard III, no hay ninguna razón para no odiar a Richard III, y, sin embargo, no se puede evitar admirarlo emocionalmente en este estado onírico donde uno se encuentra cuando se ve una obra o una película. Conscientemente, UD. no admitiría ni a Richard III ni a Alex.

Se ha hablado mucho de los peligros de tal admiración.
Esta idea de que las personas puedan ser corrompidas por haber sentido aquello de una forma muy cercana al sueño, o por haberse identificado inconscientemente a tales personajes, y quizá igualmente por haber encontrado algún apaciguamiento a su propia agresividad, eso me parece sin fundamento.

Escena cortada en edición

¿Qué roles juegan en su película la violencia y el erotismo?
El erotismo, en la película, es una proyección de lo que, pienso yo, llegará en lo próximos años. A saberse que el arte erótico se convertirá en un arte popular. Eso era parte de la necesidad de brindar un sentimiento de un futuro próximo. En cuanto a la violencia, era indispensable darle un peso suficiente para que el problema moral sea puesto de una forma lógica. Si Alex hubiera sido netamente menos “malo”, la historia se parecería a uno de esos westerns que se pretenden en contra del linchamiento. Pero, por lo tanto, de hecho, por que linchamos un joven inocente, la moral se define así: “No debemos linchar a la gente por que se puede que sean inocentes.” Cuando se debería decir: “No debemos linchar a nadie.” Afín de mostrar la acción del gobierno en todo su horror, se le debe de escoger como víctima a alguien totalmente depravado, tanto así que cuando el gobierno lo transforma en zombi, UD. se da cuenta que es profundamente inmoral hacer eso, hasta a una tal criatura. Si Alex no fuera la encarnación del mal, sería muy fácil decir: “Sí, por supuesto, el gobierno está equivocado, por que no es tan malo.” De esta forma, esclarecemos mejor el problema.

¿Qué piensa UD. del aumento de la violencia en el cine en estos últimos años?
En este momento, está “la moda” por parte de algunos periodistas, en particular aquellos que escriben para la prensa sensacionalista, hablar de la violencia en el cine. Primero, no hay prueba que la violencia tenga un efecto directo sobre los actos futuros de los espectadores adultos. En realidad, todo prueba lo contrario. Hasta bajo hipnosis o en un estado post hipnótico, se ha mostrado que las personas no hacen cosas contrarias a su naturaleza.
Después, pienso que la única diferencia entre muchas películas del pasado que juzgábamos inofensivas y las películas que hoy criticamos, es que, en las películas contemporáneas, la violencia es mostrada en sus efectos y no de la forma clásica, quiere decir, irrealista. Si la violencia fuera nociva, pienso que habría primero señalar a los dibujos animados de “Tom y Jerry”, las películas de James Bond y los westerns italianos, por que presentan la violencia como una cosa divertida, sin consecuencia alguna. Considerar el cine y la TV como un aspecto esencial de la violencia en el mundo, es ignorar las verdaderas causas de esta violencia. Cómoda posición para los periodistas y los hombres políticos. Y que les permite eludir los verdaderos problemas.

Alex adora la violación y Beethoven: ¿No hay entonces, para UD., un efecto directo del arte sobre la realidad?
Esto muestra seguramente el fracaso de la cultura en el dominio moral. Los nazis escuchaban Beethoven. Algunos de entre ellos eran personas muy cultas. Esto no cambió en nada su comportamiento moral.

Al contrario de Rousseau ¿Cree UD. que el hombre nace malo y que la sociedad lo vuelve peor?
Pienso que la idea de Rouseau de transferir el pecado original del hombre sobre la sociedad ha orientado de forma equivocada muchos estudios sociológicos. La naturaleza del hombre no es ciertamente aquella de un noble salvaje. El hombre nace con muchas debilidades, y, frecuentemente, la sociedad lo vuelve peor. Si mira la historia y la vida actualmente, me parece que es una forma razonable de ver las cosas.

Vuestra película se interroga sobre los límites del poder y la libertad.
La película juega en dos niveles. De la misma forma que el contenido literal de un sueño no es el tema profundo del sueño, de la misma forma que le contenido literal de una película no representa necesariamente a aquello que UD. reacciona en la película. En el nivel consciente, A Clockwork Orange trata de la inmoralidad que hay en privar a un hombre de su facultad de escoger libremente entre el bien y el mal, da lo mismo si aquello es hecho con la intención de mejorar la sociedad – digamos para reducir la ola criminal. Por otro lado, hace la sátira de la tentativa del gobierno para introducir condicionamientos psicológicos con el fin de restaurar el orden y la ley. Todo so está ligado a la voluntad de organizar la sociedad científicamente.

¿Qué le atrajo en el libro de Burgess?
La intriga de A Clockwork Orange tiene más de un cuento de hadas o la mitología que de las ficciones de tipo realista. Reposa sobre una serie de coincidencias inconcebibles en una película realista. En una obra realista, no se podría tener esta simetría de situaciones al principio y al final de la historia que, pienso yo, es uno de los aspectos mas brillantes del libro.

En su película, UD. le da la espalda a todas las tendencias políticas ¿Será UD. un anarquista pesimista?
Absolutamente no. Pienso que el problema es evaluar la cantidad de autoridad necesaria para mantener la civilización en marcha, y esto quiere decir ni mucho ni poco. Pienso que debemos siempre vigilar el Establishment y estar preparado para luchar contra el. Por otro lado, ciertamente no tengo la idea utópica que, habiendo destruido las instituciones sociales, el hombre emergerá de su bondad original ! Uno de los problema sociales mas difícil por resolver hoy en día es de saber como la autoridad se puede mantener sin volverse represiva, y como se puede restaurar la confianza de las personas en las leyes y la política como posible solución de los problemas sociales. Las personas tienen la sensación, mas y mas fuerte, que los medios jurídicos y políticos son muy lentos y hasta quizá inútiles. De otro lado, la autoridad se siente amenazada por el terrorismo y a la anarquía. La pregunta es. ¿Cómo es posible, si aún es posible, de realizar un equilibrio? No conozco la respuesta.

Fuente: http://kubrickencastellano.blogspot.com/

Hoy a 40 años de la Naranja Mecánica - Malcolm McDowell

2011-07-13T12:54:00.001-05:00

por ROCÍO AYUSO (LOS ÁNGELES) 27/05/2011 Diario El País

Con la colaboración de Raul Necro "Kubrick en Castellano"

Tras su estreno en 1971, La naranja mecánica se alzó como un icono pop y político pocas veces equiparado después. La edición aniversario restaurada que se edita ahora prueba que su influjo está más vivo que nunca. Su protagonista, Malcolm McDowell, nos cuenta por qué.

Un rostro desafiante mirando a cámara, unas pestañas postizas acentuando un solo ojo y un bombín negro. Ese es Malcolm McDowell y lo será siempre. Porque da igual que este año se cumpla el 40º aniversario de su ópera magna, La naranja mecánica; solo el genio de Stanley Kubrick supo encontrar en este actor británico ahora arrugado, aunque igual de arrogante, el talento maligno que marcó a todas las generaciones por venir. Kylie Minogue copió su estilo (para su Fever Tour de 2002), como antes o después lo han hecho David Bowie, Led Zeppelin, Bart Simpson, Blur, Usher, Lady Gaga o Madonna, por citar unos pocos iconos de la cultura pop. Y a McDowell lo dejaron seco a juzgar por una carrera con más tumbos y malos de cliché que trabajos de alcurnia.

"Sabía que hacíamos algo bueno, pero nunca imaginé que marcaría un hito"

Pero ¿cómo superar el peso de una obra maestra tan influyente? Las generaciones venideras se apropiaron del look transgresor del filme, pero domesticaron su contenido. A la hora de la verdad, solo la bravuco

nería de McDowell y el ojo de Kubrick fueron capaces de hacer de La naranja mecánica ese clásico que el propio director retiró de cartelera en Inglaterra, su país de residencia, por miedo a las represalias por su excesiva violencia. Su protagonista ahora disfruta de su merecida vuelta al ruedo con su nueva edición restaurada que fue estrenada en Cannes, y llega también en Blu-ray para que sigamos ante el televisor con los párpados despegados. Cuatro décadas más tarde, el círculo se ha cerrado.

ep3. ¿Le gustan los cumpleaños?

Malcolm McDowell. A veces, pero este es de los gordos. ¡Cuarenta tacos! Espero seguir por aquí cuando lleguemos a los 50. A estas alturas, vivo la película como ese miembro de la familia al que solo ves en estas grandes celebraciones.

ep3. ¿Y qué siente al volverla a ver?

Algo muy diferente a lo que sentí durante el rodaje. Sabía que hacíamos algo bueno, pero nunca me imaginé que marcaría un hito. La novela de Anthony Burgess era genial, una obra maestra, pero Kubrick fue quien hizo de ella una película increíble. El libro era tan denso que se necesitaba una mente como la de Stan para diseccionarlo y contarte de qué va.

ep3. ¿Y de qué va La naranja mecánica?

Yo siempre la vi como una comedia negra, tan maravillosa como hilarante. Pero cuando se estrenó, me sorprendió y me tocó las narices que nadie le pillara la sátira. Solo ahora el público es capaz de reírse con la cinta. Hicimos algo revolucionario que ha sido copiado hasta el infinito. Desde David Bowie hasta Madonna, no falta quien se ponga el bombín y la cojonera y emule sus imágenes.

ep3. ¿No cree que en esos homenajes nos venden una versión domesticada?

Las cosas son como son. Si nos copian toda la imaginería futurista de la película glorificando estas imágenes y vaciándolas de su contenido, qué le vamos a hacer. El mensaje está ahí. La naranja mecánica es un filme controvertido políticamente hablando y adelantado para su época. Todo lo que dice sobre las pandillas, las drogas y la violencia se ha hecho realidad. En la película, en cuanto llega la noche, todos están metidos en sus casas viendo la televisión. Sal una noche cualquiera en EE UU a la hora de American idol y dime qué ves. ¡No hay ni un alma en las calles!

ep3. ¿Cuánto de este mensaje estaba en la mente de Kubrick y cuánto en esa década prodigiosa que fueron los setenta?

Supuestamente, la idea del tratamiento Ludovico nace de los experimentos en las prisiones californianas en los cincuenta y los sesenta. Claro que en Inglaterra siempre que veíamos algo raro decíamos que venía de California [risas].

ep3. Pero Kubrick, ¿cómo era?

En otras cosas era muy meticuloso, pero no era un director demasiado bueno dando explicaciones. Si le preguntaba algo, decía: "Malcolm, ¡yo no soy la escuela de arte dramático!", a lo que yo le respondía guión en mano: "¿Ves lo que pones aquí? 'Director, S. Kubrick".

ep3. En el Blu-ray se explaya recordando las rarezas de Kubrick.

Y eso que rodó La naranja mecánica antes de caer en la locura del número inacabable de tomas. Fue en Barry Lyndon cuando perdió el tornillo. Uno de los electricistas me dijo que Stanley estaba intentando matarme. Y creo que iba en serio. Stanley pensaba que los actores estaban ahí para trabajar y no para quejarse.

ep3. Y después de La naranja mecánica vino... ¿la nada?

No habría podido interpretar este papel en otro momento de mi vida, pero superé rápido las trampas que acompañaron a su éxito. A Stanley nunca le interesó el ser humano. Era brillante en sus sátiras y un genio de la innovación. Pero como persona, en mi inocencia de primerizo, pensé que mantendría con él una relación como la que me unió para siempre con el director Lindsay Anderson. No fue así. Acabada La naranja mecánica, no sé si llegó a media docena el número de veces que nos volvimos a ver.

fuentes:

http://www.elpais.com/articulo/portada/anos/dando/mal/rollo/elpepisupep3/20110527elptenpor_2/Tes
http://kubrickencastellano.blogspot.com/

Regresa la saga del Planeta de los Simios "Origen del planeta de los simios"

2011-07-05T14:06:00.000-05:00

*Por Guzman Urrero

http://www.cineyletras.es/

El Origen del Planeta de los Simios (Rise of the Planet of the Apes), que en principio iba a titularse Rise of the Apes, responde a esa fórmula llamada reboot o precuela, y que consiste en imaginar los orígenes de una determinada franquicia desde un punto de vista actualizado. Habrá quien no resista la tentación de comparar esta producción con El planeta de los simios (1968) y con la versión rodada en 2001 por Tim Burton, pero está claro que la cinta de Rupert Wyatt tiene muchos puntos a su favor.

El protagonista de esta superproducción es Will Rodman (James Franco), un científico de San Francisco que dedica sus esfuerzos a encontrar una cura para la enfermedad de Alzheimer. Por cercanía genética, realiza sus pruebas experimentales en chimpancés.

Sin esperarlo, uno de los sujetos sometidos al test, César (Andy Serkis), sorprende al investigador con una prodigiosa evolución en su inteligencia. Para proteger al chimpancé mutante, Rodman decide esconder a César en su propia casa.

Por desgracia, ese gesto conducirá a una batalla sin cuartel por la supremacía en el planeta, entablada entre simios y humanos.

Hasta aquí, los lectores ya habrán reconocido pequeños detalles extraídos de Huida del planeta de los simios (Escape from the Planet of the Apes, 1971) y de La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes, 1972). Esa continuidad ha sido buscada por Wyatt, quien desea que Rise of the Planet of the Apes forme parte de una mitología reconocida por miles de fans, como ha sucedido con el relanzamiento cinematográfico de Batman.

De hecho, como un guiño a los admiradores de la película de 1968, la nave espacial de aquella cinta hace su aparición en El Origen del Planeta de los Simios.

Más allá de las peculiaridades técnicas del film –sobre las que volveré más adelante–, otro de sus méritos es el sólido reparto. Acompañan a James Franco y a Andy Serkys intérpretes como Freida Pinto, John Lithgow, Tom Felton, Brian Cox, David Hewlett y Chelah Horsdal.

El equipo de El Origen del Planeta de los Simios emprendió su rodaje en julio de 2010 en Vancouver, esa ciudad de la Columbia Británica donde, por razones fiscales y de equipamiento, se ha trasladado una parte de la producción hollywoodense. Otros escenarios incluyen San Francisco y el entorno de O'ahu, en Hawai.

Rise of the Apes

Antecedentes argumentales

El papel de James Franco como ingeniero genético introduce un giro en la saga que otros guionistas ya habían querido introducir previamente.

Años antes de que Burton rodase su versión, Oliver Stone le pidió a Terry Hayes que escribiese un guión titulado Return of the Apes. Su protagonista era Will Robinson, un especialista en genética que descubre una plaga mortal para los seres humanos. Rastreando el origen de la pandemia, llega a la conclusión de que ésta se originó en la Prehistoria. Con el fin de impedir ese apocalipsis que podría acabar con su especie, viaja en el tiempo con su la doctora Billie Rae Diamond, y ambos se ven inmersos en la lucha entre los hombres del Paleolítico y un linaje de simios de elevada inteligencia.

Gracias a sus conocimientos, Robinson y Diamond encuentra a una joven, Aiv (Eva), que está destinada a protagonizar el siguiente salto evolutivo de los seres humanos. Protegerla a ella equivale a salvar a la humanidad de ese destino fatal que le aguarda en el presente.

Con el apoyo directo del presidente de Fox, Peter Chernin, Return of the Apes entró en fase de preproducción. De hecho, en marzo de 1994, Arnold Schwarzenegger firmó su contrato para dar vida a Will Robinson.

Aquel proyecto fracasó por desacuerdos creativos. Sin embargo, la idea de un genetista investigando los mecanismos evolutivos acreditó su potencial y se introduce con fuerza en la película que nos ocupa.

Efectos digitales de última generación

Esta es la primera vez que los simios de una cinta de la saga van a estar creados por medio de tecnología CGI. Los responsables del milagro son los creativos de Weta Digital, que han empleado los mismos recursos de captura de movimientos que utilizaron en Avatar.

Como casi todo en el mundo del cine, este empeño tecnológico también tiene sus antecendentes.

Fíjense: cuando Tim Burton afrontó el rodaje de su versión de El planeta de los simios, Stan Winston, que había sido contratado para realizar los efectos prostéticos, abandonó el proyecto. Y fue entonces cuando la Fox pensó en crear los simios por medio de efectos digitales.

La tecnología aún no estaba lo suficientemente desarrollada, y al final, el CGI fue descartado por insistencia de Burton, y en su lugar se confió en ese genial maquillador que es Rick Baker.

Joe Letteri y Dan Lemmon, de Weta Digital, son los directores del equipo que ha dado vida a los simios de la película. A la vista de los resultados, no hay duda de que esta firma neozelandesa empieza a ganarse un lugar en la historia del séptimo arte, al menos en la categoría técnica.

Su excepcional trabajo queda realzado por el director de fotografía, Andrew Lesnie, que aborda su trabajo con una paleta de tonos y colores que convierte El Origen del Planeta de los Simios en un oscuro cuento de hadas.

Aqui el Trailer:

Estrenarán el documental “0.56%”, sobre el proceso electoral de 2006

2011-07-02T20:20:00.000-05:00

En opinión de Lorenzo Hagerman, “0.56%” no es una película de denuncia, es un trabajo que “observa y toma distancia” del proceso electoral de 2006, el primer documental en ...México que sigue a un candidato político rumbo a la presidencia, señaló el director de la cinta.

El documental, que se estrena el 1 de julio en salas cinematográficas de la Ciudad de México, es testigo de “todas” las actividades de Andrés Manuel López Obrador desde el 1 de abril de 2005 hasta el 1 de diciembre de 2006 “pasara lo que pasara”.

“Con una sola regla, que era que el material no podía salir antes de las elecciones, la finalidad no era afectar la decisión del voto. Normalmente un documental tendría que esperar mucho más tiempo para planearse la salida en salas de cine, pero no queríamos estar cerca del proceso electoral de 2012”, indicó Hagerman.

En entrevista con Notimex, el director del filme dijo que las más de 450 horas de grabación, reflejan las voces, a favor y en contra, que tuvo el candidato a la presidencia.

“Yo creo que es una oportunidad para ver aquellos momentos de la vida cotidiana de un político con una perspectiva de observación, con un lenguaje mucho más cinematográfico, no tan político, de ver esos momentos que no son nota informativa.

“Momentos muertos cuando sale Andrés Manuel de ver a Vicente Fox después de la crisis del desafuero, cuál es su estado de ánimo. Es una cámara que sólo observa”, detalló el documentalista.

Reconoció que lo más difícil al realizar este trabajo era explicar la categoría de documental que observa y toma distancia, en un país donde no ha sido tan explotado este género, más aún cuando se trata de política.

“Nos decían constantemente: en México no hay condiciones para que una cámara esté tan cerca de un candidato y no hacer proselitismo, eso se volvió en un motor para Lynn Fainchtein, la productora, y para mí, de que claro que se puede, ¿por qué no se puede?, por supuesto que se pueden hacer documentales que observan y que toman distancia de temas políticos”, detalló.

En ese sentido, el también fotógrafo que ha trabajado para la BBC, ABC News y Discovery Channel lamentó que en México no se tenga acceso al documental como en otros países, a pesar de que hay buenos documentalistas y los niveles de producción han mejorado. Señaló que para sembrar un público que entienda este género cinematográfico deberán crearse espacios dentro de las televisoras ya establecidas para su reproducción.

* Por Nina Ozuna

Aqui el trailer

40 Aniversario de la Naranja Mecánica en Xalapa

2011-06-24T23:02:00.001-05:00

Regresamos estimados amigos cinéfilos, despues de darnos un brake, nuevamente El ágora de la ciudad de Xalapa, El club de apreciación cinematográfica de Xalapa, El Séptimo Arte Xalapa estan preparando en su ciclo aniversarios, la proyección especial del 40 aniversario de "La Naranja Mecánica" A Clockwork orange.

En 1971, el afamado director estadounidense Stanley Kubrick estrenó La Naranja Mecánica, película que se convirtió en objeto de culto para el cine moderno y que a la vez recibió una serie de críticas por la crudeza de sus imágenes. Basada en el homónimo ‘bestseller’ de Anthony Burgess y ambientada en un Londres futurista, cuenta la historia de Alex y sus ‘Drugos’, jóvenes que se dedican al vandalismo por diversión. El núcleo de la trama se produce cuando Alex es apresado por sus delitos y sometido a un tratamiento que borrará de él todo indicio de violencia.

En Corea del Sur y Singapur el film se prohíbe incluso hasta el día de hoy. El propio Kubrick pidió que no se exhibiera más en Inglaterra luego de que unos jóvenes cometieran actos vandálicos similares a la película.

La Naranja Mecánica ha sido nominada a 4 premios Oscar. Ganó el de mejor película otorgado por la Academia Británica de Artes Escénicas. Causó tanto furor luego que Kubrick anunciara despues de hacer 2001 odisea del espacio, que quería adaptar la novela de Anthony Burguess "A Clockwork Orange" que Mick Jagger y los Rolling Stone se ofrecieron a protagonizarla pero Kubrick eligió a Malcom McDowell para estelarizarla.

Aqui el avance de la proyección especial (17 de julio - Agora de la ciudad de Xalapa) Confirmado (5 y 7 pm)

40 aniversario de la Naranja Mecánica, proyección especial en Xalapa, Ver.

Micmacs "Un plan de locos" ultimos dias en Xalapa

2011-03-15T21:58:00.000-06:00

De la mente creadora de Amélie, Jean-Pierre Jeunet, llega por fin a nuestra ciudad capital esta joyita de culto para los fans del cine de este señor, director de Delicattesen, aprovechen para verla, ultimos dias

CINEPOLIS PLAZA AMÉRICAS
Miercoles 16 de marzo 3:40 pm y 9pm
Jueves 17 de marzo 3:40 pm

Por allá nos vemos!

Aqui el trailer:

Premian a ganadores de Tlacotalpan Resurge en Corto

2011-02-22T08:15:00.003-06:00

Tlacotalpan, Veracruz:

Fiesta, alegría, magia, color, música y glamur, es lo que aún se vive en Tlacotalpan, en donde en el marco de la tradicional fiesta de La Candelaria el sábado 19 de febrero por la noche se llevó a cabo la premiación del primer rally de cortometrajes “Tlacotalpan resurge en corto”.
El teatro Netzahualcoyotl fue el escenario perfecto en donde desfilaron por la alfombra roja, artistas, creadores y tlacotalpeños, para presenciar la premiación de los cortometrajes ganadores, evento organizado por la Secretaría de Turismo y Cultura a cargo de Leticia Perlasca Núñez, quien dijo que la premiación de este primer rally cierra las actividades por la fiesta de la Candelaria, que vio rebasadas las expectativas de visitantes.

El primer lugar de la premiación fue para “Semillas”, trabajo realizado por Abraham López, quien recibió 30 mil pesos como premio, además de un equipo para sus próximas producciones; el segundo lugar fue para “Un son que canta en el río”, trabajo realizado por Dora Guzmán, quien recibió como premio 20 mil pesos y el tercer lugar fue para “En medio del agua”, trabajo realizado por Javier Velazco, quien recibió 10 mil pesos.

El cortometraje “El regreso”, de Gustavo Vega, ganó una mención honorífica a la historia de ficción. La mención honorifica para documental fue para el trabajo “La fe que mueve a Tlacotalpan”, realizado por Juvenal González, quienes recibieron un equipo de sonido otorgado por Panasonic.

Dentro de las personalidades que integraron el jurado calificador estuvieron como presidenta Terry Fernández y los vocales Rafael Corquidi y Roberto Fiesco, quienes realizaron el proceso de selección ante la presencia de un notario para dar fe y legalidad al evento.

El concurso de documentales vinculados al festejo de la fiesta de La Candelaria rebasó las expectativas de sus organizadores, pues se recibieron más de ochenta trabajos, los cuales tuvieron que entrar en un proceso de selección en donde fungieron como jurado calificador en este proceso los maestros Carlos Meza y Fernando Finck, quienes decidieron cuáles iban a ser los 10 trabajos que grabarían dentro de las fiestas de la Candelaria.

Eber García García, director de Cinematografía de la Secretaría de Turismo y Cultura del Gobierno del Estado de Veracruz, señaló que los trabajos que se llevaron a cabo fueron 6 documentales y 4 ficciones, con los cuales se muestra cómo un pueblo que fue severamente afectado por el paso del huracán Karl y Matthew, resurge y está vivo con las fiestas de La Candelaria.

Las actividades del rally se llevaron a cabo del 30 de enero al 3 de febrero, en el marco de las fiestas de La Candelaria.

De los cortometrajes presentados se pudieron presenciar trabajos reflexivos, ficciones, adaptaciones de libros de veracruzanos, entre otros, sin embargo se logró observar en todos los proyectos la música, el folclor, pero sobre todo la alegría de los tlacoltapeños al ver su tierra de pie.

Las personalidades que se dieron cita a este evento fueron la secretaria de Turismo y Cultura del Estado de Veracruz, Leticia Perlasca Núñez; Hilario Villegas Sosa, presidente Municipal de Tlacotalpan y su esposa Consuela Silva de Villegas presidenta del DIF Municipal; el subdirector de marketing de Panasonic México, Sergio Noriega; autoridades de la Casa de la Cultura, alumnos del Tecnológico de Tlacotalpan y Jaraneros representativos, entre otros.

Fuente: Medios Web

Cortometrajes del Totonacapan serán llevados al extranjero

2011-02-21T18:16:00.000-06:00

Xalapa, Veracruz.- Una serie de 15 cortometrajes veracruzanos, realizados sobre todo en zonas marginadas del Estado, participará en la décimo octava edición del reconocido Festival de Cine Independiente de Barcelona "L'alternativa", luego de contar con el apoyo del Departamento de Cinematografía de la Universidad Veracruzana (UV).

El director de cine Ricardo Benet, titular de Cine UV, conformó la selección de cortometrajes que también será mostrada en la Universidad de Oregón en Portland, en Estados Unidos, con apoyo para la curaduría del crítico de cine y académico de la Universidad Veracruzana Intercultural (UVI) Raciel Martínez y del colaborador de la UVI, David Islas.
Benet destacó que la Universidad avale algunos de los mejores trabajos veracruzanos que, de otra forma, hubieran tenido por destino el olvido o el mero almacenamiento, y apoye a los creadores para dar a conocer su propuesta no sólo a nivel local, sino también nacional e internacional.
Como es sabido, el director y escritor de la multipremiada Noticias lejanas está por estrenar Nómadas, protagonizada por la estrella Lucy Liu, al tiempo que ha desarrollado en la Universidad una nueva sinergia de fomento al cine que incluye los diplomados referidos, el impulso a talentos locales, el éxito de la nueva etapa del Cine Club de la Universidad y una activa presencia en facultades de los cinco campus universitarios.

Por Edgar Onofre (Diario de Xalapa)