El Taller De Miguel Angel

Como lograr un buen retrato 01

2020-05-31T13:05:00.015-05:00

Jean Auguste Dominique Ingres
autorretrato a los 79 años

En mi experiencia como retratista he acumulado a lo largo del tiempo satisfacciones pero también frustraciones, sobre todo en mis inicios en que lograr tan siquiera el dibujo del rostro representaba ya un gran desafío. Y ni que decir de lograr el parecido y sobre todo la personalidad del retratado, palabras mayores. No se si a estas alturas lo habré ya logrado porque es dificll para uno mismo, como representador saberlo, solo el contemplador podrá decir la útima palabra, sin embargo, por el esfuerzo y empeño que he dedicado al tema me siento complacido.

En mi búsqueda por aprender a dibujar el mejor retrato un día llegó a mi un artículo valiosísimo que trataba sobre como el gran maestro Jean Auguste Dominique Ingres, aconsejaba a sus alumnos sobre como lograr el mejor retrato. Al leerlo inmediatamente comprendí que ahi estaban las claves y adopté esas enseñanzas como parte primordial de mi trabajo aplicándolas cada ves que realizo un retrato. A continuación te comparto el artículo integro para que también te enriquezca. Mmemoriza los consejos, es mi recomendación, todos, no habrá desperdicio, te lo aseguro.

Leelos:

1. En todo lo que vemos hay una caricatura que es preciso captar. El pintor debe ser fisonomista, buscar la caricatura.

2. Solo se puede ser buen artista si se penetra en el espíritu del modelo.

Coged el carácter individual de vuestro modelo; de un hombre fuerte no hagáis solo su parecido, cogedle bien el carácter hercúleo.

3. Fijaos en la “pose” de la cabeza y del cuerpo; caracterizad la persona que queréis pintar. El cuerpo no debe seguir el movimiento de la cabeza. Antes de empezar estudiad la natural fisonomía de vuestro modelo; ponedle luego en consecuencia, dándole la expresión conveniente.

4. Antes de empezar se ha de interrogar al modelo.

No hay dos personas que se parezcan, da a cada uno su carácter individual, hasta en los menores detalles. El croquis es el arte de coger el carácter, la línea dominante, caraterística de un objeto, su espíritu. Es necesario estudiar y observar las “poses” habituales en cada edad. En los movimientos hay siempre un perfil que importa más que otro.

5. Un dibujante debe tener los ojos en todo, colocarlo todo en un mismo tiempo y hasta el último momento armonizar y tenerlo todo justo.

6. Dibujad los ojos cuando os paseéis.

7. Se pinta como se dibuja.

8. Atacad lo negro furiosamente pero desarrollad, desarrollad. No es por lo blanco que lo vemos todo antes, sino por las medias tintas y las fuertes sombras.

9. Los detalles son unos habladores que es necesario meter en cintura.

10. Observad bien los límites de las sombras, de la media tinta y de los claros.

11. Evitad el exceso de reflejos que podrían romper la masa.

12. Los retratos de mujer han de ser poco oscuros, lo más claros posibles.

Se ha de infundir la salud en la forma.

13. Perfeccionar desde un principio, construir, buscar, juntar por las líneas, comparar las grandes distancias, los grandes trazos, armonizar.

Ved el progreso del arte: Miguel Angel ante todo, luego Rafael debiendo toda su grandeza a Miguel Angel. Los dos llegaron a lo sublime del pensamiento, y que camino tomaron para llegar? El de ser humildes, el de estar sometidos, el de copiarlo todo tontamente.

Ahora que los has leído estoy seguro que mirarás tu próximo retrato con otros ojos, en una nueva dimensión más amplia y más profunda. En hora buena amigo(a) artista , vayamos pues a poner en práctica estos sabios consejos.

Sigue mis consejos y chécate mis tutoriales en mis otras plataformas de divulgación. Se que te encantaran.

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Ejercicio de entrenamiento para dibujar mejor 2

2020-04-27T22:29:00.016-05:00

El dibujo es una habilidad que, como si fuera un deporte requiere práctica y entrenamiento continuos. La práctica sería la creación artística apoyada en los métodos y técnicas, y el entrenamiento tiene más bien que ver con el fortalecimiento de las áreas cerebrales involucradas en el dibujo. Es así que debemos constantemente llevar a cabo, en alternancia ambas disciplinas.

A continuación te mostraré como llevar a cabo un ejercicio de entrenamiento intenso que puedes poner en práctica cuando gustes.

Toma un cuaderno escolar, o el block de dibujo que gustes, ( que sea portable), y un bolígrafo negro, sal a la calle y busca un lugar en la vía pública en donde puedas sentarte a dibujar; procura que sea en el perímetro de un paso peatonal dinámico, en donde por supuesto esté pasando gente, puede ser por ejemplo un andador del centro de tu ciudad, un portal, una plaza, etc. Busca una banquita sombreada o algo parecido, toma tu cuaderno o block y prepárate para dibujar con el bolígrafo a toda la gente que vaya pasando por el lugar.

Procura dibujar una persona a la vez y con el mayor detalle que te sea posible plasmar.

Quizá al principio sientas que es imposible hacerlo bien, pues nadie estará lo suficientemente quieto como para permitirte observarlo con detenimiento; pensarás que pasan tan rápido y que se mueven tanto que seguro estarás de que fallarás.

Vaya que a primera vista se ve difícil!. Y a esto añádele que lo harás con el bolígrafo, que no te permitirá corregir nada. Muy comprometido.

Aun con estás extremas exigencias, no flaquees y trata de dibujar a tanta gente como puedas, siempre esforzándote al máximo, poniendo toda tu atención para captar todos los detalles. Haz tantos dibujos como tu energía y paciencia te lo permitan y por al menos 1 hora en cada sesión.

El propósito de este ejercicio es forzar al cerebro a ver con agudeza extrema, a observar a los modelos bajo condiciones muy difíciles coordinando la vista y la mano también. Después de ejecutar muchos, pero muchos bocetos, eventualmente notarás que tu destreza aumentará a la hora de dibujar y lo podrás comprobar haciendo en su momento un dibujo de alguien pero esta vez bajo condiciones controladas, es decir, con un modelo quieto, con buena luz y utilizando lápices y gomas para corregir a tu gusto. Podríamos comparar este entrenamiento con el que hace aquel corredor que sube cerros con zapatos pesados como preparación previa para competir sobre la pista horizontal, sabiendo que allí se sentirá mucho más ligero; del mismo modo sentirás que vuelas con tu lápiz experimentando mayor soltura y fluidez en tu trazo.

Ahora imagina si este ejercicio lo haces de modo rutinario, Ok? Pues a dibujar gente bajo presión.

Visita mi canal de youtube El Taller de Miguel Angel, subo constantemente interesantes video-tutoriales que te ayudarán a dibujar mejor y checa también mi página en Facebook, Aprende Dibujo Y pintura. Se que te encantarán.

Dibujando en cualquier lugar de tu ciudad a toda persona que
se te ponga enfrente

Buenos ejemplos de bocetos de personas hechos al momento, sobre la marcha
con tu bolígrafo

Como dibujar el ojo facilmente y paso a paso

2019-10-26T12:15:00.001-05:00

Hola amigo artista. En esta ocasión te voy a ir guiando paso a paso para que puedas dibujar un ojo realista a lápiz sin el mayor problema. Estoy seguro que te quedará perfecto. Vamos al grano.

Materiales.

Y así queda nuestro ojo!!

Espero te haya gustado el tutorial, y sobre todo que te haya servido para mejorar tus habilidades como dibujante de ojos. Te invito a que visites mi canal de youtube El Taller de Miguel Angel, en donde subo excelentes tutoriales sobre el arte del dibujo y la pintura.

Si estás en posibilidades también te invito a que me hagas una donación para ayudar a mi causa de difusión. Sigue el Link a DONAR, Gracias!!!

Como dibujar una oreja fácil y paso a paso

2019-10-01T10:25:00.001-05:00

Como dibujar una oreja facil y paso a paso

La oreja humana es la gran olvidada por los novatos a la hora de dibujar un rostro, sobre todo porque que comúnmente lo hacemos de frente y ésta casi no se ve. Ponemos más atención en todas las otras partes pero las orejas casi siempre se quedarán atrás, o mejor dicho, a los lados.

Pero llegó la hora amigo artista de comprender bien su forma para que sin problemas las puedas dibujar como son, en su justa proporción, forma y volumen. Te voy a ir guiando paso a paso para que fácilmente las dibujes de perfil, como es que se ven en toda su amplitud, después podrás ensayarlas de frente, o en cualquier otro ángulo ya que con este ejercicio bien entrenado será definitivamente pan comido.

Comenzamos.

Paso 1

Trazamos con regla una retícula que mida 6 cm de ancho x 8 cm de alto dividida por cuadradoss de 2 cm x 2 cm.

Paso 2

Dibujamos dos círculos tomando como centro de cada uno, los puntos señalados con flechas en la retícula, misma que nos servirá para dimensionarlos correctamente.

Paso 3

Con ayuda de los círculos y la retícula traza esa línea (más gruesa), que definirá el perfil general de la oreja. Nota que no se debe de seguir exactamente el contorno de los círculos, solo son guía pues la oreja no es del todo circular.

Paso 4

Dibuja con atención las líneas interiores, apóyate de la retícula para proporcionarlas bien, serán los pliegues de la oreja. Marqué con líneas punteadas rosas los segmentos de los círculos que nos sobraron del contorno de nuestra oreja porque el contorno nunca es completamente circular, más bien es irregular y varía de persona en persona, aunque siempre la podremos encajar en dos ciculos , uno superior y otro inferior, (el lóbulo).

Paso 5

Ahora sí, como ya tenemos el dibujo de la oreja bien delineado, ya no es necesario seguir recurriendo a la retícula ni a los círculos, estos trazos más bien nos estorbarían para lo que sigue, así que con cuidado los borramos procurando no tocar los trazos de la oreja.

Paso 6

Con el propósito de tener un entorno que nos ayude a valorar bien al modelo esbozamos lo que sería el cabello que lo rodea.

Paso 7

Para evitar distracciones causadas por esas líneas sobrantes, limpiamos con nuestra goma el dibujo en general, eliminando por completo todas aquellas líneas residuales de la retícula y círculos que ya no necesitamos y aprovechamos esta acción para disminuir la intensidad de los trazos de la oreja con borrados muy suaves, esto para poder pasar de lleno a la valoración tonal con total limpieza.

Paso 8

Sombras primarias. A partir de este paso el dibujo se resolverá a base de puras sombras y luces. Vamos a sombrear haciéndolas con trazos diagonales, suaves y controlados, aumentando la presión según vayas oscureciendo o disminuyendo la tonalidad. Es muy importante lograr los valores de grises como te los muestro en la gráfica. De ello dependerá que la oreja se vea creíble y realista.

Apóyate en la escala de grises numerada que anexo, en donde “1” es igual a blanco y “10” es igual a negro. Verás que fácil resulta haciendo estas comparaciones.

Paso 9

Añadiendo más sombras. Añadimos más sombras (números en verde) con la intención de cubrir por completo el dibujo de la oreja de tonos grises. Nuevamente te pido que te apoyes de la tabla o escala de grises para que tengas puntos de comparación más exactos.

Paso 10

Fundiendo la sombras con los dedos. Los sombreados hasta este punto han sido más o menos planos, digamos que son manchas, pero con tus dedos vas a modelarlos para conseguir volumen sobre todo en las zonas de los relieves internos de la oreja. Checa como en algunas partes de los relieves remarco un poco los pliegues (flechas verdes) y en otras casi los fundo por completo, (flecha roja), para lograr un efecto más realista.

Así debe verse la oreja después de haber fundido las sombras.

Paso 11

Rescatando luces. Debes saber que en todo dibujo a lápiz es importante considerar la gama completa en la escala de grises, del “1” al “10”; en nuestro caso no tendremos excepción, de hecho los brillos “casi blancos” son necesarios para dar ese aspecto de humedad y brillantez característico de la oreja, y si te fijas hasta este momento el modelado nos describe una oreja algo sombría y seca, y es porque le faltan algunas luces. Así que con la goma rescataremos las que sean necesarias.

Paso 12

Detallando el cabello. Vamos a darle más presencia al cabello para como comenté en el paso 6 tener un mejor escenario o entorno para nuestra oreja. No te preocupes porque esté bien terminado, se trata solo de enmarcar.

En esta imagen, podemos ver las zonas de los brillos o luces más o menos bien fundidos indicados con flechas.

Y así se aprecia hasta este punto la oreja ya enmarcada por el cabello.

Paso 13

Modelando más. Al principio estuve trabajando con un lápiz de dureza regular, un HB para ser exactos; fue conveniente porque me permitió precisión en el delineado y en el esbozo de las sombras , pero no mancha lo suficiente así que a partir de este paso decidí cambiar por un 5B, más suave y cremoso , muy adecuado para sombrear mejor, para alcanzar en mis sombras valores más intensos que anden rondando los grises “8” , “9” y hasta casi “10”, según mi tabla, así espero lograr un dibujo intenso y con buenos contrastes. Te recomiendo hacer lo mismo y avanzamos.

Paso 14

Avance. Como verás, practicamente ya tenemos el dibujo de la oreja, toca detallar , así que con mucha atención en el modelo y con sumo cuidado vele avanzando al sombreado. Ve el tema como si se tratase de una escultura a la cual le vas dando forma gradualmente, es decir, como si la fueras lijando o puliendo cuidadosamente, sin precipitaciones. Intensifica las sombras más densas y cuida tus valores de luz, volviendo a utilizar la goma si fuese necesario.

Paso 15

Acabado. En este último paso te voy a pedir que seas extremadamente observador. En la gráfica te muestro a manera de comparación el modelo sobre el cual base mi ejercicio y el resultado final de mi dibujo. Se trata de que cuidadosamente vayas alcanzando los sombreados e iluminaciones definitivos partiendo de todo lo ya anotado y de observar al modelo. Trata de no ver mucho sus formas y relieves como tales, sino mejor intenta ver luces y sombras solamente; ese cambio de programa mental te ayudará a eliminar el efecto de la tercera dimensión, tan estorboso a veces. Olvida también por momentos de que estás dibujando una oreja, y mejor ve eso como un objeto desconocido, también ayuda. No olvides usar tus dedos para esfumar y vuelve a rescatar brillos o luces con tu goma. No desesperes y corrige lo que sea necesario. Una vez estés satisfecho con el resultado ya no insistas más, allí déjalo. Si sientes que no quedó al 100%, no pasa nada, vuélvelo a repetir, seguro lo harás mejor pues inconscientemente aplicaras lo ya aprendido.

Así quedo mi dibujo de la oreja.

Espero te haya gustado este tutorial, espero te sirva en tu camino de llegar a ser un gran retratista artístico y si ya eres un profesional, estarás de acuerdo conmigo en que nunca está de más echar un repaso.

Déjame tus comentarios en la caja de comentarios y sígueme en mi página de Facebook, Aprende Dibujo y Pintura, allí comparto mucha información valiosa sobre el bonito arte del dibujo y la pintura y por supuesto estás cordialmente invitado a suscribirte a este, mi blog. Siempre te estaré muy agradecido pues, saber que hay personas que siguen mis tutoriales son la fuente de mi inspiración para seguir haciéndolos. Espera más tutoriales que procuro subir lo más frecuente posible, y si tienes alguna sugerencia con gusto la voy a considerar. Gracias.

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Como dibujar una nariz paso a paso

2019-09-19T15:18:00.002-05:00

Prepárate amigo dibujante porque de manera muy sencilla te voy a mostrar cómo puedes dibujar la nariz humana. A esta problematica protuberancia casi siempre la vemos de frente, ( en escorzo), de ahí la dificultad para apreciarla bien, como es.

De perfil o de tres cuartos no ofrece mucha dificultad, pero de frente…! No hay más remedio que fijarse muy bien en los contornos y dimensiones de la parte inferior, en las manchas y suaves brillos que modelan sus lados, su longitud, su profundidad.

Ejemplos de nariz en vista de perfil y de tres cuartos. Se ven
relativamente fáciles de dibujar.

Ejemplos de nariz de frente, en escorzo. Ese aspecto es el
que dificulta poder dibujarla bien.

Así que como primer paso para captar correctamente su forma de frente es necesario prescindir de verla en 3 dimensiones, sí, así como lo lees, trata de no verla como una protuberancia, intenta verla como si se tratase de un objeto plano, sin relieve, anulando así el escorzo, y mírala como un conjunto de luces y sombras.

Podemos decir que para derribar la barrera del escorzo, solo es necesario…Ver al modelo sin la tercera dimensión, Ah, y otra cosa muy importante, trata de ver el modelo como un objeto desconocido.

Ahora sí, con esta preparación mental vamos al paso a paso.

Paso 1.

Dibuja una cruz invertida, procurando que la línea horizontal tenga la misma distancia del centro hacia los lados.

Paso 2.

Pon esas dos marcas (a) y (b) sobre la línea horizontal, servirán para delimitar el ancho de la nariz.

Paso 3.

Dibuja de manera simétrica esos dos semicírculos sobre la línea horizontal y proyecta desde su centro esas dos líneas inclinadas.

Paso 4.

Dos líneas curvas pasando sobre las marcas que dibujamos al principio (donde señalan las flechas),servirán para describir la forma de las aletillas de la nariz. Trata de hacerlas lo más parecido posible al ejemplo, pues estas ya no se modificarán.

Paso 5.

Tracemos otra línea horizontal arriba, solo que esta vez nos valdremos del truco de la medición con ayuda del lápiz, para dibujarla justo en el lugar correcto, ya que la altura a la que quedará será la misma equivalente al ancho de la nariz. Esta nueva línea nos servirá para dibujar ahí los ojos, solo esbozados, claro, pero necesario pues nos ayudarán a plantear la situación de las sombras de nuestra nariz… Ya verás!

Ayudado con el lápiz y tus dedos toma la medida del ancho de la nariz y trasladala
hacia arriba para ahí trazar tu nueva línea horizontal.

Paso 6.

Dibuja dos nuevas líneas curvas, como ves en el gráfico, simétricas y que crucen la nueva línea horizontal. Cuida su separación, que si notas, no rebasan el ancho de la nariz.

Paso 7.

Esbozamos los ojos sin la intención de terminarlos, ya que como ya he mencionado solo nos servirán de referencia para modelar la nariz.

Paso 8.

Con la goma atenuamos las líneas de referencia con las que empezamos el dibujo. OJO¡ ,.. No las borres por completo, pues aún nos servirán para seguirnos guiando. Más adelante las eliminaremos.

Paso 9.

Sombras y luces. Como comenté en un principio, a la nariz de frente hay que verla como un conjunto de sombras y luces olvidándonos un poco de que es una nariz, en ese tenor vamos a dibujar las principales sombras que describirán claramente su forma y volumen. Las luces irán dadas por el color del papel.

A saber son 4 valores de sombras principles. Si comparamos dichos valores con los correspondientes en la escala de grises que va del 0 al 10, en donde “0” es blanco y “10” es negro, nuestras sombras serán 2, 3, 5 y 8, y las dibujaremos según se indica en la gráfica. Hazlas con el lápiz en trazos diagonales sin buscar mucho la perfección, mejor los valores exactos. Puedes ayudarte de los dedos para emparejar las texturas y fundir un poco los tonos.

Con tu dedo funde las sombras como si estuvieras modelando. Sobre la marcha
irás dándoles más intensidad y seguirás fundiéndolas, ya que este
recurso se repite durante todo el proceso.

Paso 10.

Sombras restantes. Como podrás haber notado ya, en nuestro ejemplo la luz proviene del lado derecho marcando las sombras del lado izquierdo mientras que las luces estarán del lado derecho. Ahora, es importante entender que del lado de las sombras hay luces y del lado de las luces sombras, en ambos casos estas serán de valores intermedios a las sombras y luces principales. Puedes ver en la gráfica como las he dibujado y checa su correspondencia en la tabla o escala de grises. Al mismo tiempo he marcado con algo de energía esas dos sombras intensas que describen los agujeros de la nariz y que equivaldrían en la escala al 9, o sea casi negro. Lo ves?

Paso 11.

Borrando las líneas de base. Ahora sí, con cuidado pero con energía trata de borrar todas las líneas que dibujamos al principio, que nos sirvieron de guía pero que a estas alturas de avance ya no son necesarias y por el contrario, pueden estorbarnos. Ok?, Proseguimos.

Paso 12.

Dos sombras más muy importantes. La punta de la nariz suele ser, en la mayoría de los casos algo redondeada, claro con sus infinitas variantes; considerando que en nuestro caso, muy universal por cierto, se trata de una nariz con punta muy redondeada vamos a darle ese efecto con estas dos sombras más. Te sorprenderás de ver cómo la nariz se verá ahora más realista tan solo con esas dos sombras. En la gráfica podrás verificar su correspondencia de tono con la escala de grises, para que te guíes bien. Agregué una sutil sombra más; esa que marca el hueso nasal, (2).

Paso 13.

Ajustes finales. Hasta este punto podemos decir que ya tenemos una nariz bien dibujada, solo resta afinarla. Funde las sombras entre sí con tu dedo e intensifica o atenúalas según sea el caso. Por último “rescata” con tu goma de borrar algunas luces y sobretodo ese brillo en la mera punta de la nariz, que regularmente aparece debido a la sutil humedad de la superficie. Un último consejo. Observa con mucha atención muchas narices, en fotos, revistas, en internet, analiza sus sombras y luces con minuciosa paciencia y haz anotaciones, (bocetos). Combinando esta labor con estos sencillos pasos muy pronto dibujaras narices perfectas.

Nariz terminada. Exageré un poco el contraste para que puedas
distinguir bien la sombras luces y efectos.

Y bien amigo dibujante, ya quedó nuestra nariz, espero de verdad te hay servido este tutorial. Me agradará saberlo por lo que te invito a que me dejes tus comentarios.

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Como hacer una escultura de fibra de vidrio

2019-09-11T20:17:00.001-05:00

Hacer una escultura de fibra de vidrio no es tan difícil como pareciera, conociendo los procedimientos adecuados, puedes hacer una y al tamaño que desees. En esta ocasión y aprovechando un encargo reciente que tuve te diré paso a paso como lograrlo.

Como surgió este proyecto?, bueno pues resulta que gracias al toro en papel maché que hice por encargo hace unos 3 años, un visitante del blog que vio el tutorial se interesó en mi trabajo y me contactó para que le cotizara unos toros en escultura para decorar su restaurante que pronto iba a inaugurar. Después de negociar el precio acordamos que serían 3 toros, algo grandes, uno de cuerpo completo de 2 m de largo x 1.10 m de alto por 80 cm de ancho, otro de medio cuerpo de 1.10 m de alto por 88 cm de largo y 88 cm de ancho y una cabeza de 88 cm x 88 cm. El cliente requería que uno de ellos fuera en fibra de vidrio porque lo colocaría a la intemperie, y los otros dos en papel maché, (para interior). Decidió que el de fibra de vidrio fuera entonces el de cuerpo completo que sería el más llamativo , además llevaría pintado en uno de sus costados, como parte de su diseño el logotipo del lugar.

A continuación te presento como los hice paso a paso y de manera muy gráfica; me enfocaré principalmente en el toro completo pues es el que creo mejor documenté; sobre todo en cuestión de fotografías. Vamos pues, a ver como hice esas esculturas.

Paso 1. El bocetaje

Los bocetos son útiles para estudiar, analizar y planear las ideas. Haz todos
los bocetos que sean necesarios, no escatimes tiempo en ello, para asegurarte de que tus piezas serán hechas de la mejor manera posible.

Empecé realizando varios bocetos a lápiz basándome en imágenes, ilustraciones y fotografías que encontré en la web, con el fin de familiarizarme más con la forma de un toro de lidia. Estudié poses, actitudes, estructura corporal, etc. Considerando que se trataba de esculturas, debía particularmente estudiar las poses, pensando en la estabilidad, pues tendrían que colocarse sin problemas sobre las que serían sus bases.

Con las ideas a lápiz aprobadas pude desbordar la imaginación para definir la decoración de los 3 toros. Definí el diseño de los motivos tipo zentangle y los colores basados en los mismos del logo, estos fueron blanco, negro y rojo. Añadí el plata para ganar elegancia.

Paso 2. Volumétricos

Una vez definí y me fueron aprobados los bocetos me di a la tarea de trasladar esos dibujos bidimensionales a figuras tridimensionales. Para ello esculpí cada uno de los toros en plastilina y a escala pequeña. Estas esculturitas, que de alguna manera también eran bocetos, solo que volumétricos, por así decirlo no tenían que ser exactas pero sí que debían cumplir con las proporciones y formas planteadas en los bocetos, o al menos lo más próximo que se pudiera para así disponer de una referencia fiel que me proporcionara la información necesaria sobre el tallado de las esculturas. Específicamente (1) me permitirían comprobar la estabilidad de las piezas para ser colocadas en sus bases y (2) me servirían de guías para trabajar cualquier parte de las piezas grandes gracias a que me presentaban todos los puntos de vista o ángulos posibles previniéndome de confusiones.

Paso 3. Armado de los bloques para esculpir

Para lograr una pieza escultórica de grandes dimensiones con el mayor detalle y de manera fácil es muy recomendable utilizar el unicel (poliestireno expandido), como material. Es ligero, muy moldeable y una vez ya tallado se puede recubrir con diversos materiales; en este caso, como ya te comenté, dos toros irían recubiertos de papel y el de cuerpo completo de fibra de vidrio.

El unicel solo se puede conseguir en placas, así que la idea era unir varias para conseguir el bloque con el ancho deseado, ya que el largo y el alto ya vienen dados por la misma placa.

El procedimiento fue así. Para armar el bloque del toro de cuerpo completo por ejemplo, requerí 9 placas de 1.22 m x 2.44 m x 10 cm de espesor cada una ( La de 10 cm es la de mayor espesor que hay en el mercado). Antes de unirlas y para no empezar con un bloque geométrico, con ayuda del proyector tracé a escala final la silueta que previamente había dibujado en un papel, sobre una de las placas, esta la recorté con la caladora eléctrica y utilizándola como guía la repetí las 9 veces.

Este es el dibujo de la silueta del toro completo que proyecté sobre la placa de unicel. Lo hice con ayuda de la escultura de plastilina. Ya cumplía con las formas y proporciones exactas de la pieza final.

Estas fueron las tres piezas base ya recortadas después de haberlas recortado
con el proyector TRACER.
La muñeca estaba de mirona...ja ja ja , es la perrita.

Finalmente uní las piezas con un pegamento especial (no cualquiera sirve para este material). Es Poliuretano expandido para vaciado que funciona por una reacción química entre sus dos componentes. ideal para unir piezas de unicel.

Y así ya tenía mi bloque listo para esculpirlo. lo mismo hice para los bloques de los otros dos toros.

Paso 5. Tallado y esculpido

Una vez teniendo el bloque, o bloques ya bien unidos con el pegamento bien seco di paso al proceso de esculpido. Con un serrote fui devastando, serruchando grandes fragmentos primero, buscando las formas generales...

...luego con herramientas menos toscas, un cuchillo de cocina grande y un cepillo de carpintero devasté zonas más pequeñas para ir ganando detalle.

Colocando la pieza de espaldas para trabajar en el desvaste
de las patas con el serrucho.

Valorando la estabilidad de la pieza. La idea era que se
sostuviera bien sobre sus 4 patas. Aun no entramos al detallado.

Colocando la pieza sobre la mesa. Me permitió visualizar su forma
desde un punto de vista más cómodo.
Nota las uniones entre piezas, (líneas amarillas), porque a veces
hay que añadir trozos de unicel para acompletar formas.

Nota las uniones entre las placas y como
aun no he afinado sus perfiles.

En esta fotografía podemos apreciar claramente el avance en la talla.
Las formas ya son más finas y redondeadas gracias a que además del
serrucho comenzamos a utlizar el cuchillo
de cocina y el cepillo de carpintero.

Vista de frente. Afinando las uniones entre placas
del lomo principalmente.

Vista de la parte trasera. aquí ya se ha aplicado lija
para afinar todos los perfiles.
Observa las patas y la cola como ya van quedando
bien delineados.

Prácticamente ya quedo el tallado de este toro. La lija
y el cepillo contribuyeron enormente.

Otra vista del tallado final de este toro. Puedes ver aun las uniones de las
placas pero completamente fundidas unas con otras.

El Toro de medio cuerpo en pleno proceso de tallado. Le agregué un trozo
de unicel en lo que sería el hocico ya que no convencía mucho la forma
respecto de la de un toro de verdad.

Y esta es la cabeza, ya casi terminada.

Una vista mas del toro de medio cuerpo.

Paso 6. Recubrimiento

Resulta que el unicel, (Poliestireno expandido), aunque es muy moldeable, como ya habrás podido ver, también tiene sus inconvenientes. Es frágil y puede romperse con cierta facilidad; puede literalmente derretirse con ciertos químicos o solventes y es algo poroso, característica que en el caso de la pintura, si se aplica directa y no importando que no dañe el material es absorbida resultando un efecto opaco, sin intensidad en el color; por tales razones las piezas deben ser recubiertas primero antes de decorarlas para soslayar tales inconvenientes. En el caso de las que serían de papel maché, solo fue necesario pegar tiras de papel tipo servitoalla con una mezcla de pegamento blanco, agua y pintura vinílica blanca. En el caso del toro de cuerpo completo, que recordemos quedaría con un recubrimiento en fibra de vidrio, antes hubo que darle un tratamiento especial para sobretodo, evitar que el unicel se dañara.

Como primer paso añadí varias capas de servitoallas, como en las otras piezas pero en mayor cantidad, y para pegarlas, en lugar del pegamento blanco utilicé resina tirol que es más espesa y con mayor poder adherente. La finalidad era recubrir al máximo el unicel procurando no dejar ni un poro expuesto. Luego apliqué una capa gruesa de un material llamado Yelcot, que es una especie de pasta parecida a la que se utiliza en hojalatería para resanar los autos (prymer), apta para proteger el unicel de la acción directa de los químicos de la fibra. Ya sobre este, bien seco pude aplicar sin problemas la fibra de vidrio; la que, una vez ya fraguada y seca pude pulir y alisar con acetona para eliminar las astillas propias de la fibra.

Como última parte del recubrimiento apliqué una capa de pintura vinílica negra y dejé las piezas listas para ser pintadas y barnizadas.

Este es el toro de cuerpo completo ya enfibrado y con su
aplicación de pintura vinílica negra. Listo para ser decorado.

Paso 7. Pintura y barniz

La decoración fue todo a mano. Trabajamos a contrareloj, pues el tiempo ya apremiaba. Esos últimos 7 días fueron de dormir muy poco y comer lo que se pudiera pero valió la pena.

Basé el decorado en diseños estilo zentangle ( como ya pudiste apreciar en mis bocetos a color), que yo diría mexicanizado pues creo haberme inspirado un poco en los alebrijes de Oaxaca, México. En cuanto a los colores no me fue difícil elegirlos pues partí de los utilizados en el logotipo del restaurant: Negro, rojo y blanco; solo añadí uno más, el plata para agregar elegancia.

Para la decoración de los toros partimos de fondearlos bien.
En el caso de este aplicamos bastantes capas de pintura vinil-acrílica de
buena calidad de color negro.

Luego con un pedazo de barra conté blanca dibuje a mano alzada
todos los motivos que llevarían las piezas.

Aquí estaba yo dibujando bien inspirado los motivos del
toro de cuerpo completo.

Aquí Emerik y Loudwicka fondenado de rojo el
toro de medio cuerpo.

Con pinceles planos perfilamos todos los motivos. En esta imagen
con el color plata tipo esmalte.

Detalles del avance en la decoración del toro completo. Los puntitos rojos y blancos (Imagen inferior izquierda), los hicimos con una ingeniosa técnica que se utiliza en manualidades para hacer mandalas, la que en lugar de pincel el utencilio es un palito cilíndrico de madera o un punzón con punta cilíndrica de metal.

Igual que con el toro de cuerpo completo, con los otros dos toros aplicamos el mismo procedimiento en su decoración. Dibujé los motivos con conté blanco y los pinté a mano con pincel. Nuevamente los puntitos plata, en este caso, los hicimos con palitos cilíndricos de madera y punzones de repostería metálicos con punta esférica, logrando así homogeneidad en sus tamaños, además de que se podían hacer más rápido que con el pincel.

Así quedó el toro de cuerpo completo ya decorado. solo faltaba aplicarle el
barniz, que debía ser tipo esmalte alquidálico.

Y así quedó el toro una vez le aplicamos el barniz. Nota como creció
en intensidad el colorido, el contraste y en sí el decorado.
El acabado perfecto.

Este es el toro ya terminado y presentado en imagen editada.

El mismo toro, emplayado y listo para entregarselo al cliente.

Tu servidor posando con la obra terminada.

Me despido amigo artista. Si eres escultor te invito a que te animes a hacer tu propia escultura en unicel ya sea recubierta de papel maché o en fibra de vidrio, es de verdad muy gratificante y ciertamente fácil, como ya lo habrás podido comprobar. Aprovecho para que invitarte también a que explores mi blog pues comparto no solo post como este, de escultura, sino también subo tutoriales sobre dibujo, dibujo del rostro humano pintura y algo de ilustración. Suscríbete y déjame tus comentarios, estaré muy complacido en responderte a cualquier duda o inquietud. Gracias.

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esculturas de fibra de vidrio

Como aprender a dibujar facil de una vez y sin equivocarte

2019-05-28T13:49:00.000-05:00

No permitas que la duda te detenga. Tu puedes dibujar
como los grandes maestros.

Es un hecho que los artistas dibujantes a menudo nos enfrentamos a grandes desafíos de diversa índole para poder lograr buenos dibujos. Es muy común por ejemplo que después de haber mentalizado una idea, a veces por días, y que felizmente nos pareciera genial, a la hora de llevarla al papel simplemente comprobamos que no nos funciona, o puede ser que ya hayamos avanzado un buen trecho en el dibujo y repentinamente nos comienza a parecer horrendo y terminamos destruyéndolo para empezar otro, o lo más típico, nos esmeramos excesivamente en el detalle para en un intento vano, como sosteniéndonos de un barandal invisible creer que esto logrará ocultar nuestra angustiosa inseguridad, algo que la obra sin piedad delatará mostrándose saturada y cansada, y esto nos hará sentir nuevamente frustrados.

Estos son sólo algunos ejemplos de lo que nos sucede al enfrentar el reto de hacer un buen dibujo, la causa, sin duda es el miedo al fracaso. Es este ente perverso que nos hace dudar incesantemente hasta hacernos perder el control de nuestras emociones, llevándonos implacablemente por los dolorosos caminos de la incertidumbre y la duda para, en el peor de los casos arrojarnos a los calabozos de la derrota. Pero no tiene porqué ser así colega, las afortunadas o desafortunadas circunstancias son las que juegan un papel determinante en el florecimiento del artista; aquellos que no han podido alcanzar la plenitud quizá no ha sido porque son débiles o cobardes, o porque no tienen talento, sino porque simplemente no han sabido cómo resolver este eterno conflicto para lograr el mejor dibujo.

Hoy en día tenemos a nuestra disposición toda la información valiosa, suficiente y necesaria para saber “como” zafarnos de los miedos y dudas y así poder dedicarnos libremente al maravilloso oficio del dibujo sin sufrir en el intento.

En este artículo quiero presentarte las enseñanzas fundamentales, legadas a través de la historia por los grandes maestros que he asimilado a lo largo de los años y me han hecho crecer como dibujante, sobre todo me han ayudado muchísimo en mi labor de retratista. No se trata de metodologías o técnicas específicas sino más bien de lecciones que nos dicen cómo debemos afrontar el reto artístico del dibujo.

Las he dividido en 6 puntos para que resulte fácil su comprensión y las puedes repasar cada vez que te invada la duda. Ya no tendrás que cuestionarte cosas como...No sé qué dibujar, o, No se me ocurre nada, o decir… que feo me está quedando, o…por más que me esfuerzo no me sale, típicos razonamientos de desaliento, no? y pasar días o hasta a veces meses atorado (a), sin saber que dibujar porque no te crees capaz de hacer nada que valga la pena.

El comprender y poner en practica estas enseñanzas te harán sentir libre al fin para que tu creatividad aflore siendo ella la que hable y no el monstruo invasor de la duda que te frena para ser un gran dibujante, gradualmente comprobarás que dibujar es realmente fácil y divertido.

Si de vez en cuando te sientes desmotivado(a), vuelve a repasarlas, hoy y siempre, nunca será un desperdicio. Así que estas son las...

Obediencia. No se refiere de ninguna manera a que debas de ser el alumno que aprende obedeciendo como robot. La realidad es que por una razón natural el artista en ciernes en un principio es rebelde a los consejos de los maestros por considerar que su talento es suficiente para dibujar bien, argumentando que el arte debe ser libre y espontaneo, esto es una confusión, debido a la ignorancia; si, en efecto, el quehacer artístico es libre pero aunque suene contradictorio, exigirá siempre seguir las reglas que provienen de la misma naturaleza, como son la armonía, el equilibrio, el ritmo, la luz, el contraste, etc., que son elementos propios de la estética.

Dichas reglas han sido estudiadas y más que aplicadas por los dibujantes y pintores profesionales de todas las épocas, dando como resultado todas esas grandes obras maestras que hoy en día tenemos el privilegio de admirar, entonces, porque no respetarlas?, Al tomarlas en cuenta, nos darán certeza a la hora de emprender un proyecto de dibujo por muy surrealista, abstracto, o expresionista que este sea.

El principiante como te decía, comienza muchas veces ignorandolas, algunas veces incluso inconscientemente. Debemos ser obedientes a lo que las reglas dictan. Una vez las conozcas y domines entonces estarás en condiciones de jugar con ellas a tu antojo, ojo! sin romperlas. Como bien aconsejaba el maestro Ingres a sus alumnos:

Por citar un ejemplo, Picasso desafió las reglas al extremo, con su cubismo, no sin antes aprenderlas de memoria, sus primeras obras de academicista eran clásicas, de estilo incluso renacentista figurativo.

Disciplina. En tu formación, incluso aunque no haya un maestro presencial a tu lado, procura desarrollar tu habilidad de dibujante de acuerdo a metas y programas de trabajo lo más definidos posible, puedes recurrir a un diagrama de Gantt y/o al método Kaizen japonés de mejora continua para cultivar tu aprendizaje, tu deseo de ser un buen dibujante es impostergable y el desorden puede causarte retrasos o prácticas estériles y sé que querrás ver progresos lo más pronto posible.

Tal vez estés con la idea de estudiar la carrera de artes plásticas o ya estás cursando algunos semestres, o quizás estés en algún taller, que sería muy bueno, pues así tendrás una guía de parte de tus maestros muy precisa para seguir un programa de principio a fin, sin embargo si decides ser totalmente autodidacta, por supuesto que puedes serlo, mi consejo en este caso es que sigas los cursos de dibujo de autores reconocidos para armar tu plan, en particular te recomiendo los del maestro Parramón, sus libros son de esos que se llegan a convertir en biblias por lo nutritivos que resultan para el alumno en proceso de aprendizaje. Te voy a recomendar te hagas de uno de los básicos si es que eres primerizo; de aquí puedes partir para iniciar tu aprendizaje en forma profesional. Después podrás ir indagando cuales son los subsiguientes títulos. pídelo por amazon, te encantará. Da clic en el enlace.

Carbón, sanguina y creta: Para aprender a pintar paso a paso

Perseverancia. trillado el refrán pero viene bien tomarlo ahora por certero…el que persevera alcanza!. Descansa, pero no desistas, convierte tu esfuerzo en hábito. De nada servirá todo ese talento y las horas de estudio si no eres constante. Perseverar para que realmente tu talento fructifique. Incluso, aunque en ocasiones te sientas sin ganas de dibujar, no dejes de perseverar, puedes por ejemplo aumentar tu conocimiento leyendo temas sobre dibujo, o analizar con detenimiento dibujos de artistas consagrados. Sin notarlo estarás como mínimo enriqueciendo tu acervo de ideas.

Integridad. (honestidad y respeto al oficio) El arte es sincero. Expresa tus emociones con total honestidad, dibuja y pinta porque amas hacerlo no como fin de conseguir fama y riqueza. Eso, si tuviera que llegar, lo hará por añadidura. No te desvíes hacia el plagio o a la copia engañosa, puedes hacer replicas, si como parte de tu práctica pero no como para adjudicarte un estilo como propio, éste, aunque no lo creas, irá surgiendo conforme avanzas, sin siquiera tu notarlo, más bien lo notarán primero los demás.

Humildad. No compares tu nivel con el de otros. Nunca será tu dibujo mejor ni peor que el de otros, ese criterio es mediocre y solo genera envidia. No compitas ni siquiera contigo mismo, solo dibuja por el placer de hacerlo, descubrirás pronto que tu obra es única, personal e irrepetible. Acepta las críticas constructivas, sean estas positivas o negativas e ignora todas aquellas que no te aporten nada. Si la crítica es constructiva pero tiene carácter correctivo, controla tu ego y no te sientas ofendido, no se trata de sentirnos románticamente divinos e inalcanzables, solo somos dibujantes, o como me catalogo yo, un narrador visual más. Reconoce y acepta la imperfección. No te auto-destruyas al buscar incesantemente el dibujo perfecto, aunque no lo creas, nunca lo verás perfecto, siempre habrá algo que no quedo bien. Irónicamente y si de algo sirve al ego, suele suceder que la mayoría sí lo vera espectacularmente perfecto.

Estudio y práctica. Todo maestro antes fue un estudiante asiduo. Estudia metódicamente las enseñanzas del oficio, y practica sin parar. Irás notando como cada día lo harás mejor. Hay una máxima dentro de esta enseñanza, no te compliques. La tendencia natural es irnos hacia lo complicado, pero después de algún tiempo comprobarás que menos es más, Alcanzar el nivel de la síntesis pura es propia de los maestros.

Si estás iniciándote, puedes consultar algunos de mis tutoriales aquí mismo en el blog. Te comparto los básicos, los de inicio, si ya sabes algo sobre estos temas pues no estará de más repasar y si de plano estás en pañales pues son los idóneos para comenzar, estos son:

Así se Aprende a Dibujar

Materiales para Dibujar

Y bueno amigo, espero de corazón que los consejos de este tutorial realmente te ayuden a ganar motivación para tomar ese lápiz y ponerlo a trabajar, me gustaría saber que tu sacapuntas no para. Te aseguro que tu esfuerzo valdrá la pena, ya que si leíste todo el post querrá decir que si estás interesado de verdad en progresar como dibujante. En hora buena. Te auguro un gran éxito.

Sígueme en Facebook en mi página Aprende Dibujo y Pintura donde constantemente subo recomendaciones, videos y tips para dibujar mejor. Comparte el post, si crees que vale la pena, y por último te invito a subscribirte al blog, para que recibas en tu correo mis actualizaciones. Si tienes alguna duda o preguntas por favor escríbeme en la caja de comentarios. ¡Gracias!

Cuales son los materiales para dibujar profesionalmente 3

2019-04-18T10:22:00.001-05:00

El cutter.

Al inicio de este tutorial te mencioné que los principiantes usan su sacapuntas para afilar sus lápices, sin embargo, aunque pareciera lo idóneo no es así, sobre la práctica constante te darás cuenta de sus limitaciones, en primera instancia, con el solo podrás sacar punta a lápices de madera de cierto diámetro, y resulta que los artistas usamos habitualmente lápices de diferentes diámetros, y que hacemos con los que no acepta el sacapuntas?. Otra limitante es el tipo de punta que podemos obtener, siempre será la misma, cónica y de poca altura, a mi francamente no me sirve para dibujar, requiero puntas largas y afiladas, para poder jugar con ellas al inclinar mi lápiz, ensanchando o estrechando el trazo, otro punto desfavorable es que la navaja es irremplazable, así que una ves agotó su filo tendrás que hacerte de un nuevo sacapuntas, y lo más grave, no se porque razón pero la mayoría de los sacapuntas tienden a dejar las puntas débiles, quebradizas. Ni siquiera podría pensar en esos sacapuntas electricos, sin entrar en más detalles te diré que casi trabajan igual.

Por todo esto definitivamente te recomiendo el cutter para sacar punta; podás esculpir la punta a tu gusto; si nunca lo has usado te aconsejo empieces y lo hagas practicando con mucho cuidado pues a diferencia del sacapuntas, este si puede ser un instrumento riesgoso, la navaja está muy al descubierto y es muy filosa que si no la controlas puedes rebanarte medio dedo; busca en este blog mi didáctico tutorial sobre COMO SACARLE PUNTA A TUS LÁPICES con el cutter, en el te explico a detalle la técnica más efectiva para sacar punta al lápiz, de seguro te servirá. Nota: No uses cualquier cutter, el más adecuado es el 9 mm, como el que muestro en la imagen.

Los cutter de navajas mas anchas te servirán también pero más que nada para cortar papel.

Enlaces al mismo tema: Cuales son los materiales para dibujar profesionalmente 2

Cuales son los materiales para dibujar profesionalmente 1

Otros implementos importantes.

Hasta aquí ya te he hablado de los materiales indispensables que todo profesional debe poseer en su kit de dibujo, sin embargo, creo pertinente mencionar algunos artilugios más que complementan el catalogo y que sirven bastante.

El pañuelo desechable, (kleenex), la goma dura y el esfumino.

Si estás pensando en hacer verdaderas proezas técnicas con los lápices necesitarás de este trio para conseguir los mejores efectos, particularmente si lo que buscas es un alto grado de realismo; observa como adquiere más calidad artística mi dibujo de la boca cuando solo había utilizado el lápiz y mira después como lo acabé con ayuda de mi trío maravilla.

Empecé trazando los labios con el lápiz, un staedtler HB, le di volúmenes
y brillos generales.

Luego, en un proceso combinado entre esfumar con el pañuelo desechable, goma
dura para rescate de brillos y el esfumino, ah!, y un poco de dedos, fui consiguiendo
poco a poco un dibujo muy natural de la boca femenina. Asi va la secuencia, mira: lápiz, pañuelo, goma, esfumino, dedos, lapiz, pañuelo, más goma, más esfumino, más
dedos, ja ja ja, hasta alcanzar el resultado.

Hay toda una técnica para dibujar cuando se busca el mayor efectismo; el asunto del realismo como ya te mencioné, la creación de atmósferas, el eterno juego de la luz y la sombra no se podrían plasmar en todo su esplendor y complejidad con los lápices sin la participación del trío maravilla: pañuelo desechable-goma-esfumino. En posterior tutorial te explicaré con lujo de detalle cómo puedes emplear a fondo estos materiales en su conjunto, por el momento te diré que los pañuelos te servirán muy bien para expandir el lápiz hasta incluso diluirlo casi por completo sobre el papel, el esfumino para fundir y la goma para rescatar las luces y hacer brillos.

Nota: Es muy importante que tengas en cuenta el tipo de papel que vas a usar, pues no todos funcionan bien con estos materiales. Prueba hasta que encuentres el adecuado y si gustas, checa mi apartado sobre los papeles para dibujar para darte mejor idea.

En este micro video podrás apreciar un poco como juego con el esfumino, fundiendo por aca y por allá para ir ganando credibilidad en las texturas y formas.

La tabla de dibujo y sus pinzas bulldog

Son en conjunto el soporte ideal que un profesional utiliza para montar sus papeles a la hora de dibujar.

Habitualmente el principiante suele dibujar en blocks o cuadernos de dibujo y sobre escritorio o mesa cual si estuviera escribiendo y eso es incorrecto. La perspectiva en diagonal propia de esta posición impide visualizar correctamente las proporciones del dibujo, lo que puede provocar un resultado inesperadamente distorsionado, por eso ves que los pintores usamos caballete para pintar, porque el caballete te presenta el lienzo completamente vertical, de frente a los ojos; bueno, pues en todos los casos habrá que hacerlo así, ya sea dibujes o bien pintes. Al dibujo hay que atacarlo de frente o lo menos inclinado que se pueda.

Para tal propósito yo uso tablas de mdf de diferentes medidasr; en el apartado del papel bond te mostré dos de ellas en las que se aprecian las pinzas bulldog sosteniendo las hojas.

La tabla puede ser al tamaño que gustes. No te pongas límites.

Puedes también usar la tabla de cartón de los blocks de dibujo rígidos que vayas comprando, una ves te hayas acabado las hojas, ya que estos digamos ya traen el soporte incluido.

Masking tape

Esta cinta es muy práctica. A veces resulta que un papel debe quedar más que fijo ya sea porque es excesivamente grande, o porque lo quieres presentar en la pared, o porque simplemente no tienes pinzas para sujetarlo, la cinta Masking será el mejor sujetador de papel pues tiene la virtud de adherirse a éstel sin lastimarlo; también te servirá para mantener tus pliegos de papeles grandes o cartulinas enrollados para así almacenarlos, y para fijar las "camisas" de protección de tus dibujos terminados. Checa el video en donde hago uso del masking para las tres tareas.

Otro uso muy útil del masking será para aislar zonas del dibujo que no deseas se manchen de lápiz, (enmascarillado), o para crear una Maria Luisa o marco en tu dibujo; la zona quedará completamente limpia y precisa. Checa el video.

Y hasta aquí amigo, colega artista, llegamos al final de la presentación de los materiales que todo dibujante experto utiliza, por supuesto que hay muchos más, pero digamos que si te haces de los que menciono en el post pues estarás en condiciones de trabajar dibuajndo de lo lindo, a tus anchas, como decía mi mamá. Ahora que si tienes alguna sugerencia sobre algún otro material pues será muy bien recibida y considerada. Espero entonces tus comentarios y si te ha gustado el post, compártelo entre tus amigos interesados.

Enlaces sobre el mismo tema.

Cuales son los materiales para dibujar profesionalmente 1
Cuales son los materiales para dibujar profesionalmente 2

Cuales son los materiales para dibujar profesionalmente 2

2019-04-04T12:42:00.000-06:00

La goma negra dura y triangular. Sirve perfecto para dibujar con ella abriendo claros sobre cualquier tipo de dibujo a lápiz. Observa como la adapto a un mango para convertirla en un lápiz para que literalmente pueda dibujar con ella. Es buena idea, no?

Adaptando un trozo de esta dura goma a un manguillo muy bien puedo tener
un lápiz goma de excelentes cualidades para dibujar con ella. En este microvideo
podrás apreciar a la goma en acción.

La goma moldeable. Esta sí que es la más versátil. Puede borrar sin manchar cualquier tipo de lápiz, incluso en zonas ya muy saturadas, (bueno, esto te lo recomiendo solo en caso de emergencia) . No deja residuos, pues se come todo el material que deja el borrado, se puede adaptar a la forma que desees, ya que es, como dice la descripción, moldeable; esto te permitirá no sólo borrar áreas muy pequeñas y específicas, sino que la puedes adaptar de tal forma que te sirva para dibujar con ella cual si fuera un lápiz afilado.

Para mi esta goma es simplemente indispensable.Tiene una desventaja, conforme se va ensuciando o llenando de lápiz ya no la puedes limpiar, por lo que te recomiendo la administres adecuadamente porque además no es barata.

Estos son algunos de los papeles que yo uso para dibujar. Podemos ver el Fabriano,
marquilla, Fabria, Cartoncillo, Guarro

El papel para dibujar.

Este material tan fundamental influye tanto en los resultados que debes planear muy bien cual vas a usar para conseguir lo que esperas. El criterio es simple a la hora de elegir el papel para dibujar. Solo debes hacerte dos preguntas, quiero papel o cartulina y lo quiero con poca o con mucha textura?. Y dependiendo de tus propósitos elegirías el adecuado.

Los papeles muy lisos, por ejemplo las cartulinas opalina, bristol, el couche, y cualquier otro satinado o muy lisos y brillantes, a menos que profesionalmente tengas muy bien definidos tus objetivos artísticos, los debemos descartar pues harán que el lápiz se derrape en lugar de dibujar, y si se te ocurre borrar, el desastre esta asegurado, en lugar de borrar harás la mancha mas espectacular de tu vida, que será imposible de ni siquiera poder disimular.

Exceptuando esos papeles lisos y satinados, existen en el mercado infinidad de papeles para dibujar, unos con casi nada de textura y otros muy rugosos. Te voy a hablar de los que yo uso habitualmente para que si gustas, los pruebes, aunque te aconsejo probar todos los que puedas y tal ves termines eligiendo otros, va con el estilo de cada quien, lo realmente importante es saber como se comportan a la hora de aplicarles los lápices o cualquier otro material que hayas de elegir para preveer el resultado.

El papel bond. Si, ese que usamos para las copias es uno de mis preferidos, digamos que es el de batalla, No tiene muchas cualidades, por lo que no te servirá para hacer trabajos artísticos, su superficie es casi lisa o de muy poca textura y la hoja es delgada, pero tiene ciertas virtudes; es muy económico, (puedes usar cuantas hojas desees), acepta al lápiz de grafito permitiendo borrarlo con cierta tolerancia y su color es de un intenso blanco neutro, tributos suficientes para ciertos menesteres. Concretamente te lo recomiendo para bocetar, es ideal para ensayar ideas, úsalo para dibujar todo lo que se te ocurra a manera de pruebas rápidas, ensaya tonos, y usando lápices de colores hasta puedes probar gamas de color. De todo lo que dibujes en tu papel bond podrás derivar en ideas finales que podrás trasladar a otros papeles de mayor magnitud artística.

Tip: Monta suficientes hojas de papel bond sobre una tabla de MDF a la medida o sobre cartón rígido y sujétalas con pinzas bulldog. Verás que versátil forma de armar tu block para dibujar. Puedes quitar y poner las hojas que necesites a tu consideración sin limitaciones, y puedes dibujar en donde sea sin necesidad de escritorios o mesas de trabajo. Te lo recomiendo!.

Estas son dos tablas de dibujo que utilizo frecuentemente. Mira como puedes adaptarlas
sin problema a cualquiera de los dos formatos: vertical u horizontal.
El papel que ves en la imagen es bond.

Cartulina marquilla. Observa la base rígida y el tamaño: 48 x 33,5 cm
apenas y es buen tamaño para dibujar de a deveras.

La cartulina marquilla. Si hablaramos en orden de cual es mejor para el dibujo y el bond fuera el menos apto, esta cartulina es la que le sigue, o sea, es más apto. Tiene más textura y es cartulina, no papel, muy buena para dibujos a lápiz fáciles de grafito o de cera. No creo que sirva todavia para trabajos mayores, pero si para ensayos avanzados, para explorar atmósferas, texturas, tonos, iluminaciones, colores etc. De estos ensayos muy bien podrá salir el apunte perfecto para ese gran dibujo o pintura que tienes en mente. Consíguete un buen Block de cartulina marquilla, el más grande que encuentres y de base rígida para dibujar. No debe faltar en tus materiales para dibujar.

En este micrometraje checa la base del block de dibujo de cartulina marquilla. No te recomiendo otra presentación, como podría ser la de espiral.

Papel fabriano de textura media. Observa la marca de agua en su superficie.

Fabriano. Fabricado a base de 50% de algodón, este magnífico papel fino es para dibujos a lápiz Profesionales, no para dibujos sencillos o fáciles, incluso los hay para acuarela, para nuestro tema, te diré que será siempre un digno soporte de una obra artística a lápiz carbón. Considera los formatos grandes, una medida de 50 cm x 40 cm, yo creo mínimo y de gramaje mediano, como de 125 grs. (no tan grueso), checa también que su textura sea regular, no tan rugosa para que puedas detallar con más precisión, bueno, a menos que desees que tu dibujo se vea rústico, burdo o crudo, entonces si dibuja sobre fabriano de textura rugosa.

No importando el tipo de textura siempre tendrás la posibilidad de aprovecharla, hay que dejarla respirar, como decía mi maestro y hacer que el carbón baile con ella.el vals del arte plástico. Este papel no es para ensayos, es para trabajos finales, porque además no es nada económico. Al ser un papel de calidad te recomiendo lo utilices ya que estés seguro de lo que vas a plasmar.

Observa la calidad artística que puedes lograr con un
carboncillo sobre el papel kraft

El papel kraft. Este es un papel económico y lo puedes comprar en pliegos. Es de color rosa quemado, tal ves lo has visto en alguna tortillería, lo usan para envolver las tortillas (en México ). Tiene una textura por demás interesante, algo rugosa y presenta imperfecciones a manera de puntos irregulares que le confieren cierta apariencia rústica. Este papel te servirá para ensayar carbón. Si, así es, acepta el carbón de maravilla. Mi sugerencia es que montes un gran pliego de unos 80 cm x 70 cm, sobre una tabla de mdf, que irá colocada justo frente ti. Tendrás así un lienzo perfecto para ensayar una gran obra, que tal por ejemplo un rostro. Podrás explorar todos los tonos de luz y sombra a placer, las texturas de la piel y del cabello. El papel kraft es el soporte ideal para entrenar, Úsalo.

El block para esbozo

Por último y como para completar la lista de papeles, no te puede faltar un buen block de calidad para esbozos; en las tiendas de arte los venden de varias marcas y formatos. Las hojas de estos blocks son especiales para dibujos a lápiz, superan a las cartulinas marquilla y por supuesto a esas pobres hojas bond.

Aquí te presento uno que me gusta mucho por su textura ligera, su perfecta cualidad para aceptar el lápiz, su tenue color hueso y por su resistencia a los borrados. La marca es Fabriano y es especial para los sketches. Acepta de maravilla los lápices de grafito y los de color.

Ejemplos de dibujos que hice en mi block fabriano para sketches.

Cuales son los materiales para dibujar profesionalmente 1

2019-04-04T11:01:00.002-06:00

Normalmente el principiante cree que los materiales para dibujar deben ser aquellos que usábamos en la escuela, en nuestra clase de dibujo, o lo más parecidos a ellos: lápiz amarillo 2B, goma dura, de esas blancas o rosas rectangulares, duras y cuadradas, un bloc de cartulina marquilla, y tal ves un buen tanto de lápices de colores, ah! , y un sacapuntas, que en el mejor de los casos podría ser metálico. Y de hecho no es tan mala elección si se pretende dibujar de manera improvisada, sobretodo porque estos materiales los encuentras en cualquier papelería escolar, pero sus posibilidades son muy limitadas. El que ha decidido dibujar profesionalmente o al menos con mayor calidad deberá considerar otro tipo de materiales que le otorguen mayores posibilidades técnicas.

A continuación te voy a dar una lista de los materiales que yo uso habitualmente para dibujar; te iré describiendo sus características y el por qué y para que los considero idóneos. Este kit de materiales creo yo es indispensable para todo aquel que dibuja profesionalmente, recordándote que el dibujo es la base de cualquier técnica artística plástica o visual.

Muy bien, empecemos.

El lápiz. Este es el rey de los materiales. Existen en el mercado, independientemente de la marca, una amplia gama de lápices de dibujo en función de su presentación, formulación y dureza. ( al comprarlos, asegúrate que sean de dibujo, no de oficina o escolares). Esta gama es la siguiente:

Por su presentación los encontramos cilíndricos de madera, cilíndricos de plástico, barras cilíndricas y barras rectangulares.

Por su formulación: los hay de grafito combinado con arcilla y cera y carbón comprimido.

Por su grado de dureza: 10H, 9H, 8H, 7H, 6H, 5H, 4H, 3H,2H, H, HB, 2B,3B,4B, 5B, 6B, 7B, 8B, 9B y 10B.

En donde 10 H será el más duro mientras que el 10B, el más suave. HB es el de dureza intermedia.

Nota importante.

Regularmente las graduaciones de dureza " H" se aplican a los lápices de grafito
en su totalidad. Los de carbón solo tienen presentaciones suaves " B"., aunque llegas
a encontrar “HB

Cuales lápices debo usar? como ya habrás notado tenemos muchas opciones para escoger, pero según lo que vayas a dibujar harás tu selección. En principio eliminaremos casi todos los de grafito en sus graduaciones duras, y nos quedaremos con todos los “B”, el HB y tal vez un 2H para cuando tengamos que hacer trazados muy suaves, los demás “H” no sirven de plano para dibujar artísticamente, más bien los llegan a usar los arquitectos o ingenieros civiles para sus trazos lineales. Nota en la gráfica de las graduaciones como entre más duro es el lápiz más tenue es su marca, y por el contrario, observa como los de graduación “B” se oscurecen conforme se va suavizando el lápiz. No nos gustaría un dibujo en grises claros, cierto?

En cuanto a los lápices de carbón, esos creo yo puedes considerarlos todos, incluyendo las barras conté y el carboncillo vegetal.

A continuación te diré las características de los lápices y para que los puedes utilizar.

Estos son algunas de las marcas de lápices de grafito que utilizo.

Lápices de grafito. Están hechos del mineral llamado grafito combinado con arcilla y cera, son los clásicos lápices que usa la mayoría para dibujar y con los que muchos empiezan a hacer sus primeros dibujos. Para mí siempre serán indispensables. Existen tantas buenas marcas que te recomiendo vayas probándolas hasta quedarte con tus preferidas.

Ventajas. Son los más fáciles de controlar, más que cualquier otro tipo de lápiz, pues casi no manchan y se puede borrar fácilmente lo que se dibuje. Te recomiendo siempre empezar tus trazos lineales con el HB para luego sombrear y detallar con un 2B u otro de mayor suavidad, según te acomodes.

Desventajas. El grafito aunque se aprecie negro, siempre será gris, así que por más que le satures nunca te permitirá alcanzar el negro absoluto, ( tus trabajos irremediablemente siempre se verán grises), y la otra desventaja es el brillo propio del material que puede resultar en una apreciación de baja calidad.

Uso recomendado. Bocetos o como complemento en trabajos a lápiz carbón aplicándolo en zonas de grises.

Estos son los lápices de carbón más recomendables, Phano Charon,
Derwent Charcoal y el Lápiz Conté Paris.

El lápiz carbón. Este es el verdadero lápiz del artista. Un verdadero rebelde que si logras domar te dará las más gratas satisfacciones; es con este lápiz con el que verdaderamente podrás explayar al máximo tu talento. Te encaminará a realizar ya no simples dibujos sino verdaderas obras de arte.
Esta hecho de carbón mineral comprimido y puede ser tan suave como los más suaves de grafito. Los más comerciales son los 4B, 2B, y HB, que algunas marcas denominan soft, medium y Hard, respectivamente. En inglés búscalos como charcoal pencils.

Ventajas: Es negro, así que no tendrás problemas en plasmar la gama tonal completa, del blanco del papel al negro absoluto. Su consistencia es volátil para que lo puedas expandir con tus dedos a placer.

Desventajas. Extremadamente difícil de controlar. Un descuido y la mancha está asegurada. Lo que dibujes no lo podrás corregir con ninguna goma de borrar, (tal ves se logre algo con la goma moldeable, pero prefiero no tengas que llegar a ello), y aunque lo intentaras, de inmediato se notará el borrón, en detrimento de la calidad. La goma es inútil para borrar este material, así que hay que tener mucho más dominio para aventurarte a dibujar con el carbón, pero vale la pena.

Usos recomendados: Para estudios o trabajos terminados avanzados de cualquier tema; figura humana, paisajes, bodegones, etc. Para obras de mayor complejidad plástica, en las que puedas explorar atmósferas, luces, texturas, brillos, etc. (yo me he especializado en retratos artísticos al carbón), Trabaja en formatos grandes, de 70 cm x 50 cm, es mi recomendación, pues el carbón necesita espacio, mucho espacio.

Los carboncillos no son otra cosa que palitos secos de madera carbonizados.
Muy versatiles y muy económicos.

El carboncillo vegetal. Este frágil palito es simplemente una maravilla, es de hecho de las primeras técnicas profesionales que te enseñan en la academia pues como ahora verás, sus cualidades son inmensas. No en balde mi maestro nos decía que el carboncillo es la antesala de la pintura, pero por lo mismo al principio te puede resultar difícil, cual si fuese un caballo desbocado, listo para echarte a perder el trabajo si se lo permites. Es quebradizo y muy sucio, sin embargo una vez logras entenderlo y domarlo sabrás de lo increíble que es.

Creo, sin exagerar que con el carboncillo empezarás realmente a pintar. Te lo recomiendo para ensayar lo que después será tu obra final, así que úsalo para ensayar, ensayar y ensayar toda la complejidad de cualquier tema en blanco y negro en todo su abanico de valores tonales. Ensaya temas, composiciones y toda clase de efectos tales como atmósferas, efectos de luz y sombra o texturas, trátese de un paisaje, bodegón o incluso de un retrato hiperrealista. El color, aunque no lo creas será ya lo de menos.

Haz muchos bocetos para perfeccionar tu idea y usa todos los papeles y carboncillos que sean necesarios y no te preocupes por el costo, ya que además, tanto los carboncillos como el papel indicado, son realmente económicos.

Utilízalos así: Compra pliegos de papel kraft o revolución, y móntalos sobre una tabla de MDF, de unos 70 cm x 60 cm. sujetados con pinzas bulldog, tantos como las pinzas te lo permitan. Este tablero lo puedes colocar en tu caballete y listo! Ya tendrás un excelente lienzo para ensayo. Checa las fotos.

Si deseas adquirir tus carboncillos para empezar a practicar y OJO!! sin salir de casa te dejo el enlace para que los adquieras por amazon.

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La goma de borrar.
Este es un utensilio indispensable para cualquier dibujante, aunque algunos profesores podrán decirte que debes prescindir de ella, argumentando que tu destreza se entorpecerá si la usas, no estoy de acuerdo del todo; solo en esos casos en donde haya que entrenar para soltar más la mano si se tendrá que evitar la goma, porque al hacerlo se someterá al cerebro a trabajos forzados y extenuantes de observación para no fallar, como ese efectivo ejercicio de entrenamiento que me ponía mi maestro, en donde debía dibujar gente en movimiento, cuidando de anotar la mayor cantidad de detalles posibles, y no solo no podía borrar nada sino que además había que dibujar de la manera más comprometida posible, con un bolígrafo negro, en lugar del lápiz, que tal?

El propósito de este feroz entrenamiento es como ya decía soltar la mano, para que después, cuando vuelvas a dibujar con comodidad, o sea con lápiz y goma, de seguro lo harás con mayor soltura.

Y es así, con esa comodidad, ya sin el yugo del entrenamiento que puedes dibujar acompañado de tu amiga la goma para que te auxilie a la hora de corregir o ajustar tus trazos y hasta puedes o debes dibujar con ella.

Existen muchos tipos de goma, pero las que yo uso son la de migajón comprimido de color beige, que de seguro haz usado o conoces, la triangular, que es dura y de color negro y la súper estrella, La goma moldeable. Cada una tiene sus propiedades y me sirven de manera diferente.

Esta es la ya muy conocida goma de migajón compactado. La pelikan M20.
No dibujo sin ella

La goma de migajón. cuadrada y algo blanda. Me sirve para borrar a la manera clásica, o sea pasándola por los trazos para ir eliminándolos según mi consideración, y ciertamente lo hace muy bien, mucho mejor que las gomas de oficina plásticas, sobre todo para eliminar áreas amplias de los dibujos, hechas con lápiz de grafito, pero ojo, no te va a servir si el dibujo ya está muy sombreado o saturado ya que en lugar de borrar te embarrará suciamente, así que considera su uso para antes de sombrear o detallar, justo cuando estas realizando tus esbozos y/o encajados.

Al borrar con esta goma verás que deja muchos residuos; bárrelos con el cepillo especial para este menester, puedes comprar uno en las tiendas especializadas de artes y si no tienes en el momento puedes usar una brocha suave, pero nunca por favor uses la mano para sacudir esos residuos, puedes embarrar lo dibujado, lo que sería muy desagradable.

Tip. Cuando tu goma se encuentre muy sucia después de tantos borrados puedes fácilmente limpiarla con una lija de madera como si la lijaras.

Te invito entusiasta artista a que cheques mi exitoso tutorial sobre COMO DIBUJAR EL ROSTRO HUMANO, aquí mismo en el blog. Una ves te hayas hecho de tus materiales que mejor que ponerte a ensayar el rostro.Sigue el link. COMO DIBUJAR EL ROSTRO HUMANO

Continua...Materiales para dibujar profesionalmente 2

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2017-01-07T13:30:00.001-06:00

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Como hacer esculturas con papel y pegamento (2)

2016-04-19T22:23:00.003-05:00

3.- El empapelado. Y Retomando el toro y con la satisfacción de que el esqueleto de la cabeza, cuello y cuerpo habían quedado bastante convincentes, comencé a empapelarlos con periódico.

Aunque cubrí por completo al toro de periódico es notorio que aun no tiene patas. Hasta este momento no sabía todavía cómo las iba a fijar.

Esto se hace de la siguiente manera. En una tina grande, acorde con las dimensiones del modelo, vertemos bastante pegamento blanco diluido con un poco de agua para hacerlo menos espeso y con esta mezcla bañamos trozos de papel periódico que iremos colocando poco a poco sobre el esqueleto hasta cubrirlo todo. (Hay que cuidar que el periódico quede totalmente mojado y cubierto de pegamento antes de colocarlo). Lo ideal es que la capa de periódico finalmente quede gruesa, esto lo conseguimos colocando varias capas de periódico, una encima de la otra cada vez que haya secado la antecedente.

En esta imágen podemos ver cómo el periódico perfila nítidamente toda la estructura que hay debajo. Una vez seco, queda muy endurecido.

Te confieso que yo no lo hice así, debido a que el tiempo me apremiaba, así que confié en la dureza del material, pero eso sí, tuve el cuidado de colocar la mayor cantidad de periódico en esta única capa, tratando de engrosarla al máximo; aun así, y como te comenté en un principio y adelantándome a este hecho, una vez hubo secado un poco el empapelado, le hice una rajadura justo en el abdomen al toro y le inyecté generosas cantidades de espuma de poliuretano, cuya propiedad expansiva reafirmaría la solidez del cuerpo una vez hubiera solidificado. No cabía duda y así sucedió.

Empapelando al torero. El trabajo de empapelamiento del torero era casi ya pan comido. El mismo procedimiento llevado a cabo con el toro. El asunto del grosor de la capa de periódico no representaba mayor problema pues como recordaremos, utilicé casi en su totalidad el cuerpo de la payasita, muy sólido por cierto, y en las partes que quedaron endebles cuando la corté, (que fueron muy pocas), inyecté dosis generosas de espuma de poliuretano que al endurecerse eliminaron cualquier fragilidad.

Tuve a bien dejar las piernas prácticamente sin empapelar; estaban muy bien hechas y duras, ya de origen como para tocarlas; únicamente modele los zapatos con piezas de periódico doblado y les coloqué unas plantillas de cartón para aumentar la estabilidad. Por cierto, respecto de este punto, el de la estabilidad, había olvidado comentarte que durante la reconstrucción de la payasita para volverla torero, tuve especial cuidado en que la pose que adquiriera fuera, precisamente lo más estable posible, y finalmente lo conseguí de tal modo que increíblemente ya como torero se mantenía de pie sin tener que recargarlo o sostenerlo con nada que no fueran sus propios pies. Muy atinado, no crees?

Cómo puedes observar, claramente se ve en esta imágen como el torero se sostiene solo. gracias al equilibrio que le confiere su pose.

El esfuerzo real en este paso lo concentré en el modelado de la cara, pues esa payasita

no tenía las mejores facciones que digamos, y aunque usé su cabeza, que tenía buena redondez, su rostro era poco o nada escultórico; hacía más bien honor a su función de burda piñata.

Estaba bastante dura, así que comencé a apretujar con cierta fuerza la cara, con la intención de crearle unas más fidedignas facciones. Apreté justo en los ojos para darle relieve a las cuencas, presioné en la zona de los cachetes y levanté la nariz un poco. Y a base de apretujones y apretujones creo que logré revitalizar ese rostro ganando un poco de realismo, muy poco para ser honestos, pero quizá lo suficiente como para alejarlo de la forma de piñata.

La cara de la payasita fue transformada en la del torero.

Las patas del toro.

Hasta aquí había sorteado bastantes problemas de construcción en el toro. La cabeza y el cuello me significaron una buena desvelada, pero ahora había llegado al punto en donde simplemente no sabía pero ni remotamente que debía hacer para fijar las patas al cuerpo del toro. Modelarlas no me inquietaba, pues el periódico hecho bolas y la cinta canela ya me habían demostrado su eficacia para crear formas a mi gusto. El verdadero problema estribaba en cómo debía fijar las patas de manera más que sólida pues de ello dependería la estabilidad y resistencia de la pieza, ya que además de cargar el cuerpo, fungirían como soportes para fijarlo a la plataforma; y por si fuera poco, solo tendría tres puntos de anclaje, ya que una de las patas delanteras quedaría volada, precisamente porque así la sostiene el toro verdadero cuando bufa alistándose a embestir, -agacha la cabeza, apuntando con los cuernos su objetivo mientras resopla, poderosamente y rasca con la pata izquierda la arena-. Así debía ser la actitud de mi toro escultórico. Por tanto el problema era grande.

Afortunadamente vino en mi ayuda mi buen amigo Luis, quién con su experiencia en trabajos de herrería atinadamente me dio la solución. Colocaríamos en los huecos correspondientes a cada pata postes de madera que servirían de alma, (Para las patas traseras hubo que usar dos postes para formar el ángulo propio de su anatomía). Primero los atornillaría al cuerpo para fijarlos en su lugar exacto y una vez fijos, los huecos serían rellenados con una espuma de poliuretano extra expandible, con lo que conseguiríamos literalmente soldar los postes al cuerpo. Lo hicimos y si, efectivamente, funcionó tal como lo habíamos planeado. Al final, fijar el toro a la plataforma no tendría problema pues tan solo habría que atornillarlo.

El toro boca abajo con sus cuatro postes (patas) ya fijas.

El toro y el torero ya empapelados y presentados para valorar sus poses y proporciones. Ahí van, Ah!, falta modelar las patas del toro.

Me dediqué entonces, con pasión a modelar cada una de las patas del toro. Con bolas de periódico fui construyendo las masas musculares, adecuándolas y fijándolas con cinta canela a los postes. Los tendones y nudos de articulación los hice con tiras de periódico dobladas y muy compactadas.

Para los cascos recurrí nuevamente al hule espuma, para esculpirlos con su forma redondeada característica y luego los forré con cinta canela, tal y como lo había ya hecho con los cuernos. Tuve cuidado de no cubrir la base de cada pata, permitiendo que se asomara el poste de madera para que Luis a la hora de atornillar al toro encontrara fácilmente el lugar en donde debería poner el tornillo.

Después de un rato logré terminar d emodelar las patas. A base de apretar
el periódico con cinta canela.

Vista frontal del toro hasta este punto.

Ya esculpidas las patas, solo restaba empapelarlas al igual que el resto de la pieza, esperar a que secara, no mucho, y ahora sí el acabado.

En esta imágen podemos ver al toro ya empapelado, solo falta la pata izquierda, en donde se alcanza a ver la cinta canela que la recubre.

Fondeando las piezas. Ambas piezas hasta este punto estaban ya listas para ser pintadas. Pero para hacerlo primero había que aplicarles un recubrimiento que permitiera a la pintura adherirse firmemente, para que en un futuro no fuera a desprenderse o cuartearse y al mismo tiempo debía evitar que fuera absorbida por el periódico lo que le restaría luminosidad, además de que debería de ser de color blanco para potenciar el efecto del color. Después de probar con la clásica pintura vinílica blanca, que descarté dado que precisamente comenzó a cuartease, debido creo yo al accidentado relieve de las superficies en ambas piezas opté por utilizar un impermeabilizante de color blanco de base agua, de cualidades muy plásticas; que para nada se cuarteaba, y que aceptaba perfectamente pinturas acrílicas, además de que secaba rapidísimo.

Cómo solucioné el diseño del capote.

Hago un breve paréntesis en la continuación del proceso para retomar el asunto del capote, que como recordarás me había generado cierta frustración al verlo irrealizable. Finalmente y en este punto del trabajo decidí hacer la espada y el contorno circular con un simple alambre de mediano calibre y el cuerpo con pellón grueso que forré antes por ambos lados con tela de felpa de los colores correspondientes. Luego solo tuve que ir doblando el alambre para generar los pliegues, hasta que sentí que estaba creando una buena ilusión de movimiento rápido, justo en el lance del inicio de una verónica.

Puedes apreciar en esta imagen como ha quedado el torero ya con su fondeado de impermeabilizante. También observa como quedó finalmente el capote; bastante convincente, creo yo.

Pintado y acabado de las piezas.

Ambas piezas ya con el impermeabilizante completamente seco y montadas sobre su plataforma estaban listas para ser pintadas. Comencé por fondear al toro con pintura acrílica negra. En la siguiente secuencia fotográfica podrás apreciar cómo es que fuimos, Mony y yo cubriendo al toro con pintura acrílica negra.

Ayudado por Mony cubrimos rápidamente la pieza completa y dejamos secar. Mientras que al torero le pintamos el traje de color rojo.

Continuando con el toro y ya con el negro bien seco empecé por aplicarle baños con pintura de spray mate para matizarlo. Primero le rocié rojo quemado, con el que adquirió una tonalidad marrón o rojo sangre; parecía que el toro literalmente hervía.

Para cuando apliqué el rojo ya había yo colocado los ojos, la cola y la pieza ya estaba firmemente montada sobre la plataforma.

Después le apliqué bronce, y entonces se tornó metalizado, blanco y bronce para los cuernos para que se vieran nacarados y metálicos a la vez. A las patas, les di una rociada muy controlada de negro en spray y solo en los nudos de las articulaciones y de verdad que quedaron geniales al resaltar el negro, más que el rojo. Para completar el detallado de las patas bañé a los cascos con bronce para resaltarles ese aspecto.

De este modo podríamos decir que el toro ya había quedado en cuanto a pintura; ya tenía ojos y cola.

Los ojos y la cola del toro.

Pensando en cómo resolver los ojos me acordé que tenía por ahí unas bonitas flores de plástico de utilería que si mi memoria no fallaba tenían unos centros que servirían muy bien para ojos. Las encontré y efectivamente, dos de ellas tenían unos centros que quedarían perfectos como ojos, además tenían como una especie de pinzas plásticas con las que se sujetaban a la flor, mismas que funcionaron muy bien para insertarlos en la cara del toro. La cola tuvo una solución muy creativa. La hice con un mecate grueso, al que le despeiné una de las puntas simulando los pelos ásperos de la cola del toro, lo pinté de negro y lo fijé al cabuz con pegamento y quedó una cola perfecta.

Finalmente retoqué la plataforma que había recibido pintura de spray y solo le di como toque final un baño de color bronce para unificarla con la figura y terminé el toro.

Vista de 3/4os del toro ya terminado

Vista lateral

Vista desde abajo de la cabeza. Observa el detalle de los ojos.

Pintura y acabado del torero.

El torero requería un tratamiento diferente. Había que pintar poco, porque más bien el esfuerzo radicaría en la decoración del traje. Pintamos, y digo pintamos porque me ayudo mi querida esposa Mony el traje de rojo como ya habíamos visto con anterioridad, las medias rosas y la cara y manos de color carne.

Mientras pintabamos el traje del torero aproveché para avanzar con el gorrito que como se ve en la imagen está ya modelado con hule espuma y cinta. Además ya lo había fijado a la cabeza

Luego una tarde entera nos dedicamos a decorar con pintura dorada todo ese traje pues como podrás notar abusaba del detalle barroco. Con pincel pintamos los zapatos de negro y los rasgos de la cara y pelo.

Le agregamos a las piernas, chaleco y hombreras ( estas las hicimos de cartulina caple pintada) aplicaciones de encajes especiales para darle más calidad al acabado y como detalle final se me ocurrió darle un ligero baño de pintura en spray dorada a toda la figura, incluyendo el capote para darle un toque de figura barroca enaltecida.

El torero terminado. Se aprecia el brillo dorado en toda la figuara que le apliqué
con pintura de spray.

Comentario final. La realización de estas figuras nos dejó una gran satisfacción a Mony y a mi, sobretodo por el hecho de que se trabajó en gran medida de manera improvisada. Tal ves esta haya sido la mejor lección, cómo alguna vez nos dijo mi maestro en una de tantas clases de diseño: Somos diseñadores, artistas y creativos, por lo tanto no conocemos limitaciones, porque si hay algo que pareciera que no tiene solución siempre "inventaremos" la manera de resolverlo. Gracias por seguir este tutorial amigo artista. Espero sigas mi blog frecuentemente para seguir compartiéndote mi experiencia.

Ve a la primera parte del tutorial.

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Como hacer esculturas con papel y pegamento (1)

2016-04-13T16:42:00.000-05:00

Búsqueda personalizada

A finales del año pasado recibí un encargo muy interesante. Un cliente de México me preguntó si podría fabricarle dos esculturas. Le dije que con gusto ya que además del dibujo y la pintura, también creo que se me da algo la escultura, así que le pedí que me explicara más a detalle qué clase de esculturas requería.

Me dijo que deseaba regalarle de cumpleaños a su pequeño hijo de 8 años las esculturas de un toro y un torero ya que éste era aficionado de corazón a la fiesta brava; bueno, en este asunto no coincido, verdad?, pero como era algo que no me concernía valorar o discutir, al menos para este encargo, me concreté a la parte artística. Le pregunté si el niño los tendría como decoración y él me dijo que si, que efectivamente los pondría en su cuarto pero que también sería bueno que se pudieran desplazar para simular la lidia y el embiste, y que fueran lo más grandes posibles, casi a tamaño natural para que pudiera, supongo prudentemente, jugar con ellos como si fueran de verdad. El plazo era quizá, el más desafiante de los requisitos; me daría muy poco tiempo para fabricarlas, dado que la fecha del cumpleaños estaba a solo semana y media. Pero me gustan los retos y después de valorar todo pues acepté.

Consideré, como primera opción hacer las figuras de unicel; poliestireno expandido, (o telgopor, así conocido en algunas zonas de Latino América), pero pensé que quedarían demasiado frágiles y el niño podría quebrarlas. La ventaja de este material es que es muy manejable, puedes hacer exquisiteces escultóricas blandiendo el cúter o la resistencia, además no es caro; que lástima que no serviría el unicel.

Descarté obviamente cualquier metal fundido por caro y pesado, la fibra de vidrio por el costo y pensé en el hule espuma; muy liviano, resistente y económico pero rebelde para manipularse, y yo no quería una botarga. No, ese quedaba descartado también.

Finalmente me decidí por el papel. Aquí en México es muy popular la realización de figuras de papel combinado con pegamento. A este material se le conoce como papel maché. Se utiliza para hacer desde piñatas hasta alebrijes, es muy económico y te permite mucha plasticidad; no cómo la arcilla o alguna plastilina, verdad? pero si resulta suficientemente manso como para permitirte trabajar formas a mucho detalle. Al endurecerse el papel con el pegamento este se vuelve tan resistente y duro que por ejemplo, las piñatas, que son para romperse a palos presentan dura batalla antes de ceder sus dulces, y por supuesto es ligero ya que las piezas acabadas normalmente quedan huecas.

Así que bueno, una vez definí el material, (punto clave), pude presentar la cotización que incluía tres bocetos pensados, justamente para poderlos hacer en papel maché.

El boceto 3 fue el autorizado. Mostraba movimiento y naturalidad,

A partir de este momento te iré describiendo paso a paso cómo fue que logre fabricar esas esculturas. Te revelaré algunos trucos, (muchos de ellos fueron improvisados) para resolver problemas específicos, de tal suerte que si en un momento dado decidieras realizar tu propia escultura de características similares sería magnífico que mi tutorial te haya servido cómo guía.

Antes déjame hablarte un poco del boceto que me autorizaron, el No. 3. Debía respetar ante todo las poses, así que constantemente haría verificaciones al respecto. Podrás notar que propuse colocar las piezas sobre plataformas con ruedas giratorias como solución al asunto del desplazamiento. Aunque aún no tenía ni idea de cómo las fijaría pero bueno, suponía que no sería tan difícil. Y ahora sí, vamos a ese paso a paso.

1.- Documentación.

Estas son algunas de las imágenes que me sirvieron de referencia para la
realización de las esculturas.

Como parte de la planeación, y esto aplica para cualquier proyecto artístico, siempre será necesario documentarse previamente sobre el tema. En este caso estudié fotografías de toros de lidia en diferentes poses, figuras escultóricas de toros hechas por otros artistas, modelos a escala fieles en resina, láminas científicas de la anatomía del animal, (muy importantes pues te diré que mientras más a profundidad conozcas al modelo más libertad tendrás a la hora de interpretarlo); también archivé referencias fotográficas sobre la fiesta brava, buscando imágenes que mostrarán suertes con poses similares a las que me interesaban, y de un modo detallado repasé el diseño de la indumentaria del torero buscando memorizar con fidelidad su estilo.

2.-Construcción de los esqueletos.

Mira, normalmente toda figura escultórica se inicia con la construcción de un esqueleto de alambre que se va forrando poco a poco del material para modelar, ya sea de arcilla, plastilina o en este caso papel, sin embargo, el alambre pesa y buscando aligerar al máximo las piezas opté por sustituirlo por globos que iría forrando con el papel periódico, (método muy empleado en la fabricación de piñatas), que una vez hubiera secado el papel podrían reventarse dejando hueca la pieza; como te comentaba en párrafos anteriores , el papel con pegamento se vuelve suficientemente duro y resistente como para permitir tener hueco sin que se deforme; aun así ya estaba pensando en un relleno de refuerzo para que las figuras tuvieran un poco de solidez extra. Más adelante te diré de que material fue y como lo apliqué.

2b. Recurriendo a las piñatas. Con el fin de ganar tiempo recurrí a otro truco improvisado; usé dos piñatas de papel con formas aproximadas; estas fueron una cebrita para el toro y una payasita para el torero. Estaban muy bien realizadas y consideré que algunas de sus piezas podrían servirme para adelantar trabajo. Estas piezas, junto con los globos y alguno que otro pedazo de periódico me servirían como material de modelado. Para darle consistencia a todo este collage de materiales utilizaría cinta canela para compactarlo y así después, ya empapelarlo todo.

Comencé por meterle cuchillo a la cebrita separándola por la mitad para luego cortarle las patitas. La idea era utilizar el pecho, el cabuz y una bolsa repleta de globos para empezar a formar el cuerpo del toro.

Uní las piezas endeblemente con cinta canela y coloque sin fijar, los cuatro palos con los que haría las patas, para presentar el avance con la intención de visualizar las proporciones. Y concluí que iba bien.

Así presentado podía ya visualizar al toro en cuanto a proporciones.
Ninguna pieza estaba unida aun.

Por otra parte y pensando en que me serviría casi por completo la figura de la payasita, empecé por cortarla estratégicamente, ( pues venía de fábrica totalmente rígida) para darle movimiento y carácter de torero. Tenía buen tamaño y estaba bastante bien terminada, y consideré que podría ser aprovechada al máximo. Fui moviendo sus piezas, fijándolas con cinta canela, añadiendo periódico y algunos globos para levantar o alargar el cuerpo, los brazos y manos casi tuve que reconstruirlos por completo; a la cabeza le corte la parte de arriba pues se veía desproporcionada y guardé la pieza para después usarla para hacer el gorrito. Así fui modelando esta pieza hasta lograr un esqueleto más convincente, más acorde con lo que buscaba. Puro truco, verdad?

Esta era una piñata muy bien hecha que pude aprovechar al máximo para
convertirla en un torero.

Siguiendo con el torero, que ora sí, ya parecía torero aproveché, según valoré para antes de empezar a empapelarlo, ponerle el cuello de la camisa y la corbata.

Encintando el toro. La cinta canela es un material extraordinario. Cuando muchos pensarían que solo sirve para sellar cajas de cartón, encontré que tiene tanta plasticidad que literalmente se modela con ella, tensándola a conveniencia, forzándola a estirarse de más a veces y fijándola con su potente adhesivo en el lugar que uno quiera. Fue así que aproveché sus peculiares propiedades para irle dando forma a ese cuerpo bovino. Envolví ingeniosamente con cinta canela las tres piezas, agregando algunos globos en el lomo y en el abdomen cuando creí que era necesario. Y así fue como quedó el cuerpo; creo yo bastante bovino.

No se aprecia en la fotografía pero en la parte de abajo quedaron los
huecos para colocar las patas.

Conforme avanzaba con el modelado del toro, el reto iba en aumento. Ahora tenía que hacer la cabeza y el cuello para fijarlos a ese cuerpo encintado, cuidando la proporción y lo más difícil, la actitud del embiste con la cabeza agachada. Vaya desafío!!.

Decidí colocar la cabeza de la cebrita como referencia de partida sobre el agujero que dejé a propósito justo en donde va el cuello. Claro que esa cabeza poco tenía ya de cebra, pero aun poseía formas que me podrían guiar parar ir modelando. Después y a base de colocar globos, retazos de periódico y un constante estire y afloje de cinta canela conseguí darle cuello y cabeza a mi toro, en la actitud y con el detalle deseados.

Aquí se aprecia como quedo el toro con la cabeza y el cuello. Se aprecia lo que será el lugar de los ojos y los huecos en donde irían las patas delanteras.

Los cuernos, que debían ser cilíndricos y puntiagudos los hice a partir de modelar dos piezas de hule espuma con las tijeras y el cúter, haciendo pequeños cortes hasta lograr la forma que deseaba y luego los forré con cinta canela para compactarlos. Finalmente los uní a la cabeza con un paquete de periódico que fungiría como base o soporte y los fijé fuertemente con cinta canela.

Las orejas las hice con dos tiras de periódico doblándolas varias veces para darles rigidez y bastante cinta canela.

En esta fotografía se aprecia la cabeza terminada. Los cuernos, orejas y todo el detalle de la nariz, así como las cuencas de los ojos. Está lista para ser empapelada.

Un poco de tiempo perdido. Retomando al torero, y después de valorar que la construcción del cuerpo ya no me presentaría mayor problema, abordé el asunto del capote, pues definitivamente no tenía hasta este momento la menor idea de cómo la haría, y honestamente te diré que trabajé en un primer intento que me llevó hasta un callejón sin salida. Construí un bastidor de madera que según yo, sería un buen modelo de capote, uniendo tablas largas y delgadas de triplay en cruz con pegamento blanco, pensando que serviría como cuerpo. Luego lo forré con hojas de periódico Pero, que desilusión fue cuando comprobé que no debía seguir con esto, ya que esta cosa se veía tan rígida que más bien parecía una vaya o una tabla grande pero no un capote, cuyo aspecto debía ser volátil, como tela al viento, y destruí mi invento con vehemente frustración.

Unas dos horas de tiempo invertido se tuvieron que ir directamente la basura, pero creo que todo proyecto tendrá siempre sus horas negras. Acaso no le ha sucedido a la NASA cuando recurrentemente ha perdido miles de millones de dólares en misiones espaciales fallidas o abortadas?. No debía sentirme mal, mejor debía seguir adelante, así que decidí dejar por el momento este problema y concentrarme mejor en avanzar en aquello que ya tenía resuelto; ya después se me ocurriría algo para salvar este asunto; cómo buenos creativos que somos sabemos confiadamente que siempre surgirá una ingeniosa solución a la mera hora para cualquier problema de diseño, cierto?.

Sigue la segunda parte del tutorial.

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Como ampliar un dibujo (ejercicio práctico).

2016-01-04T12:16:00.001-06:00

Una buena manera para escalar un dibujo, es haciendo uso de la retícula. Ya en un anterior post describí este sencillo pero efectivo método,( Cómo hacer un dibujo a gran escala), sin embargo debido a que recientemente recibí un encargo para pintar en una pared, tengo un buen pretexto para compartirles como se hace en la práctica.

Se trataba de plasmar una escena jarocha en la pared de una pequeña fonda de antojitos veracruzanos con el fin de ambientar. Es un diseño sencillo pero que iba a lucir bien. Para quienes están leyendo esto y no saben que significa ”jarocha”, les explicaré que así se les dice a las mujeres de Veracruz, estado costero del sureste de México, y en general a todos los naturales de ese estado se les conoce como jarochos. Incluso a uno de sus antojitos; los tamales, se les conoce como tamales jarochos.

El tema es la jarochita acompañada del músico con su arpa, que por cierto también es muy representativo del lugar. Ambos bailan el son jarocho; pieza musical típica. Si alguna vez tienes la oportunidad de viajar a Veracruz, no pierdas la oportunidad de admirar a los jarochos bailando su coreografía, acompañados por la marimba, en el meritito puerto. Son algo espectacular.

Este es el diseño que plasmé en la pared de la antojería jarocha.

Bueno, a lo que vamos…

1.- Empecemos por dibujar a lápiz un boceto preliminar en hoja carta. Tal como nos guste más. El mío quedó así.

Dibujo a lápiz tamaño carta.

2.- Después procedemos a trazarlo en la computadora para valorar el aspecto final del trabajo a color. Si a ti no te es posible hacer esto, no importa; puedes colorear directamente tu boceto con lápices de color, al mismo tiempo que le haces ajustes.

3.- Cuadricula tu dibujo.

Puedes hacerlo directamente sobre tu dibujo o bien sobre un acetato o mica transparente que puedes fijar con cinta masking tape sobre el dibujo original, esta te permitirá ver el dibujo por debajo y no tendrás que rayar tu boceto- yo lo hice directamente en la computadora- El número de cuadros y sus dimensiones a lo largo y alto deberán coincidir, en proporción con el tamaño final de tu dibujo, así que previamente hay que analizar esta relación.

En el caso de mi dibujo éste debía medir 1.50 m, de largo por 1m de alto, según determiné se vería bien a ese tamaño, así que mi cuadrícula grande sería de 14 x 9 cuadros de 10.71 cm que me darían la medida aproximada, ya que no es necesario ser tan precisos.

Cada cuadro mide 10.71 cm por lado dándonos un área de 149.94 cm x 96.39 cm,

Con este cálculo solo debes de adaptar la medida de los cuadros a tu dibujo pequeño, (a lápiz), con las dimensiones que se ajusten mejor. Los míos fueron finalmente de 1.6 cm por lado.

Cada cuadro mide 1,6 cm por lado dándonos un área
de 22.4 cm de largo x 14.4 cm de alto, que es la medida original de mi dibujo chico. Los rectángulos de abajo (flecha negra)
son opcionales para completar la medida proporcional.

4.- Trazando el dibujo en grande. Para facilitarte el trabajo requieres papel bond en pliego cuadriculado que deberá abarcar el área del dibujo que deseas agrandar. Si un pliego no es suficiente, puedes unir dos o más con durex. Traza tu retícula con lápiz ayudándote de la cuadrícula propia del papel y luego pégalo sobre la pared con cinta masking tape para que hagas en el tu escalado.

5.- Con mucho cuidado y atención empieza a copiar el dibujo original. Verás que es muy sencillo si solo cuidas de dibujar las líneas cuadro por cuadro tal y como se ven en el dibujo chico. Las proporciones se ajustarán así con total precisión. No tendrás problemas como que la cabeza te quedó más grande o que el brazo está muy largo, o algo así.

6.- Traslado del dibujo a la pared. Vamos a colocar papel calca negro en la parte de atrás de nuestro dibujo grande, (el del papel bond), sujetando las hojas ordenadamente con pequeños trozos de masking tape y procurando abarcar todo el dibujo. No olvides que la cara marcable debe ir hacia la pared.

Una vez quede cubierto todo el dibujo con el papel procederemos a fijarlo a la pared con el mismo masking tape.

7.- Calcado. Como el dibujo lo hiciste a lápiz, vamos a calcarlo de preferencia con un bolígrafo rojo, Este nos permitirá marcarlo con cierta energía y al mismo tiempo nos indicará cuales líneas ya han sido marcadas gracias al intenso color rojo de la tinta.

Cuida que no quede ninguna línea sin pasar. Una vez calcado tu dibujo deberá verse más o menos así.

Lo ideal es que la pared en la que vayas a dibujar sea lisa. Lamentablemente no fue ese mi caso como podrás haber notado, pero bueno había que adaptarse.

8.- Una vez hayas verificado que el dibujo se calcó bien, podrás con toda facilidad pintarlo a tu gusto o bien, según lo hayas planeado previamente en tu boceto. Yo lo hice con acrílicos.

...Y así quedó mi dibujo final.

Espero te haya gustado el tutorial pero sobre todo deseo que te resulte útil. No dejes de visitar el blog y te invito también a consultar mis demás tutoriales que ya he subido y que estoy seguro también te serán de gran utilidad.

Y mi consejo de siempre… “No permitas que el miedo al fracaso obstaculice tu talento. Véncelo y explota tu creatividad”.

Como dibujar un Retrato a Lápiz Paso a Paso 6 Final

2015-11-25T22:02:00.005-06:00

Así se encontraban los ojos, boca y nariz, hasta el paso 3, compara esta imagen
con la de abajo y comprobarás que casi siguen iguales, no así el cabello
y la cara que ya presentan un avance importante hasta llegados este punto.

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Avance en cabello y cara. No he trabajado aún la boca, la nariz
las orejas, ni los ojos.

Trabajando la boca. Casi desde que empezamos y a reserva de unos cuantos trazos y entonaciones no nos habíamos ocupado de los labios ni de la nariz y a los ojos creo que también los habíamos olvidado. Lo hice un poco a propósito porque me pareció conveniente que te ejercitaras primero con el cabello y la cara que son algo más fáciles de resolver, aunque debo confesarte que el profesional del retrato trabaja todo a la vez; los ojos, la boca, el cabello, la nariz, etc. Tal como si se tratara de captar una instantánea. Pero sé que para quien está iniciándose, esto no resultará del todo sencillo así que es válido ir con tiento. El chiste es practicar y practicar. Ahora hazlo así, con cuidado y paso a paso; ya más adelante te irás soltando hasta alcanzar la destreza del maestro, pero todo a su tiempo. Es algo así como aquel equilibrista que antes de aventurarse a caminar sobre su cuerda floja a 30 metros de altura, entrena antes a baja altura, apoyándose del barandal. Justamente esa es mi pretensión, encaminarte, a baja altura y sosteniéndote de la mejor manera. Ok?, prosigamos entonces.

Comentario breve sobre las orejas. Las orejas casi siempre, incluso no importando el ángulo de la cara en que las dibujemos resultan ser las menos relevantes, pero ojo!, no por ello deberemos descuidarlas; en algunos casos son ellas las que le dan el mayor carácter a algunos modelos, pero casi nunca es así, y en este caso son absolutamente reducidas a dos manchas oscuras.

Para resolver la boca, empecemos por recordar lo que ya mencioné en el paso 3. Normalmente la luz viene de arriba así que el labio superior será más oscuro que el inferior; además, considera que los labios deben apreciarse humedecidos lo que propicia que tengamos un brillo un poco intenso en la parte más luminosa ( inferior derecha). Con estos datos básicos sombrearas guiándote de la siguiente imagen y en donde indican las flechas, haciéndolo con mayor o menor intensidad. Procura sombrear de arriba abajo con la intención de generar una textura radial.

Para lograr el volumen pon especial atención en que las sombras de ambos labios tienden a ser más oscuras del lado izquierdo (A) y enfatiza esa línea de sombra del lado derecho del labio inferior, que funciona muy bien para sugerir su redondez (B), y no olvides el brillo que estará justo por encima de esa misma línea de sombra, (C).

Cómo cierre de esta sesión te voy a pedir que intentes el toque maestro. Cómo habrás apreciado ya desde antes, los labios de nuestra modelo están ligeramente entre abiertos; como si trataran de generar una tierna sonrisilla que se antoja algo enigmática; pues bien, hay que representarla y creo que no hay más que sombrear con mayor intensidad una línea justo en medio de los labios, pensando que no es tanto sombra lo que añadimos sino, sonrisa. Sé que suena algo loco pero a veces creo q funciona mejor pensar así. Dibuja la sonrisa sombreando desde el centro de la boca (A),y remata en ambos extremos con el dibujo de dos comisuras especiales; las de Mena, (B).

Estos pliegues tan especiales (B), que harán surgir definitivamente la sonrisa de Mena y no la de ninguna otra persona.

Avanzando la nariz. Al trabajar la boca sentí la necesidad de modelar un poco más la nariz. En la imagen podrás apreciar cómo se encontraba hasta la parte número 3 del tutorial y cómo ha quedado hasta aquí.

Bien, recordemos que te aconsejé que la dibujaras como si se tratara de un conjunto de luces y sombras. Esta manera de observar las cosas, se aplica a cualquier parte del modelo que desees dibujar solo que hago énfasis en la nariz cómo ejemplo porqué suele ser bastante complicada de dibujar.

La dificultad radica en su incómoda posición respecto a nuestro punto de vista, dado que se nos presenta en un escorzo frontal, o dicho en lenguaje coloquial, nos la encontramos totalmente de frente. Posición bastante incómoda como para interpretarla con facilidad; se necesita intuir hasta cierto punto los trazos y tonos que se precisa manejar. Por eso vale la pena recurrir a cuantos trucos tengamos a la mano para resolverla de la mejor manera.

Lo primero que podrás apreciar en mi avance es que suavicé todos los trazos implicados. Era necesario dado que esta nariz pertenece a una mujer muy joven y bonita y líneas ó sombras duras en su nariz nunca le hubieran favorecido.

La fui modelando respetando las cuatro zonas de sombras principales que ya había yo definido desde el principio. (Flechas).Y mira cómo intensifiqué la negrura de los hoyuelos de las fosas nasales (A) y le di más forma a la sombra de la base (B). Asunto que le dio más carácter de nariz femenina a la nariz de Mena.

Y algo muy importante. Nunca dibujes a la nariz de manera aislada. Nota cómo yo la dibujé considerando siempre el modelado de las cuencas de los ojos y el deslizamiento de las mejillas y en este progreso último lo hice en concordancia con la boca y con la oquedad que se encuentra entre ambas (boca y nariz). Esto también tiene que ver con el asunto de su forma y posición. Entre más referencias visuales asociadas contemples más sencillo te resultará resolverla.

Ajustando los ojos. Hasta este punto lo primero que podemos notar en los ojos es que están completamente dispares. El derecho se ve más oscuro que el izquierdo. No?, las cejas también se ven extrañas, algo tibias, sus pestañas son de verdad tímidas. Esto es porque los olvidamos tanto que ya no encajan con los ajustes actuales, así que es hora de darles más vida.

Siendo que ya he planteado el esquema de luz y sombra en ellos, lo que prosigue es ajustar los valores tonales, resaltar su volumen, y darles más profundidad para buscar así, con ahínco, emular la belleza de los originales.

Empecemos trabajando con los iris, de tal manera que se aprecien iguales en ambos ojos. Intensifica su gradación tonal que va de arriba hacia abajo y de oscuro a claro con toda la intención de contrastar aún más ese brillo intenso, (A) "importantísimo". Ennegrece las pupilas más que todo lo demás. Resaltemos un poco más las pestañas e intensifiquemos las sombras de los párpados, (B), para reforzar esa idea de redondez y profundidad propia de los ojos pero también con toda la intención de embellecerlos.

Recordemos que los ojos son, en principio, un par de sólidas y blanquecinas esferas,

sumergidas en dos profundas cuencas y recubiertas de un elástico músculo; así que imagínate dibujando dos bolas de billar con dichas particularidades alineadas a los lados de la nariz.

Este argumento de comparación que suena tan soez, es, creo yo; válido, pero me da pie entonces a reiterar cómo contraparte y en su justa dimensión el hecho de que al mismo tiempo, mientras los dibujas, fluyas con la intención de penetrar esa mirada, en busca de retratar en ella al alma que la produce. Relega entonces, a la técnica a un elemento de sostén material. Los ojos son misticismo puro. Lo merecen.

Y bien, una vez hube realizado este viaje descriptivo que se antoja onírico o que sé yo, continuemos por fin con el tutorial, o más bien demos por concluido este paso, mostrándote el avance hasta el momento. Ya falta poco para terminar.

Avance general del retrato de Mena. A punto de terminar.

El cuello. Hay dos cosas importantes en la solución del cuello. 1.- Es más oscuro que el resto de la cara por la situación en la que se encuentra; detrás y debajo. La luz llega más débil. Toma en cuenta este hecho a la hora de modelarlo y 2.- Concentra dos zonas de sombra, una densa, (A) y una intermedia, (B). En la sombra densa debemos identificar y evidenciar un punto que es más oscuro y que normalmente aparece para perfilar bien el mentón, (C); no lo olvides.

Considera también, que dentro del área de la sombra densa podemos encontrar una zona que Rembrandt llamaba zona de “luz en la sombra” y que es una claridad que se aprecia casi en la orilla, (D), ya lo checaste?

Consideraciones finales.

A partir de este punto solo queda ir completando el retrato. Se debe trabajar de un modo más detallista y delicado. Tu lápiz debe correr despacio, buscando todos esos sutiles tonos que no hubieras contemplado antes. Asegúrate de apuntar todo, pero con sensibilidad. El arte es un ejercicio dual; es el resultado de la fusión entre la destreza técnica y la intención. Si una de las dos falla, en el mejor de los casos obtendremos una artesanía, tal vez muy bonita, pero no arte.

En el siguiente mini video podrás notar con toda claridad a lo que me refiero.

Apunta:

En los ojos trabaja como si aplicaras maquillaje, con la intención de realzar su belleza.

Con tu goma moldeable “rescata” los brillos más intensos, como este.

Comprobarás que el blanco de los ojos, ( de las córneas ) no es blanco, sino gris y que estas van sombreadas en los bordes porque son esféricas. El máximo blanco, o blanco del papel solo lo podremos encontrar en los brillos de los iris.

En la nariz nota esa débil sombra, justo a la mitad que rompe la uniformidad de la recta, quebrándola.

La punta de la nariz está dividida en dos abultamientos; hay que sugerir ese relieve.

El contorno de la cara (abajo, izquierda) tiene luz, el borde del cuello, en su parte izquierda, también.

Los aretes puedes dejarlos algo planos. No es necesario detallarlos tanto. No son relevantes.

Fusiona bien las sombras que tenemos entre el ojo izquierdo y el inicio de la nariz, y no dejes zonas de luz allí, excepto el brillo del iris.

Resalta ese potente brillo del iris ennegreciendo deliberadamente el tono adyacente del iris, (A).

Esfuma al máximo la sombra de la aleta derecha de la nariz, (A).

La sombra justo debajo del labio inferior es la más oscura de la zona de la mandíbula, (B).

...Y seguimos.

La sombra del pómulo izquierdo es la más oscura de toda la cara. Exceptuando las sombras que generan las cuencas de los ojos.

Los pliegues de los párpados superiores son muy oscuros, son líneas negras.

El párpado izquierdo superior se oscurece más que el derecho.

Y así queda finalmente mi retrato.

Espero te haya gustado él tutorial y sobretodo que te haya resultado útil. Esa será mi mayor recompensa. Si tienes dudas, o sugerencias por favor comenta y espera mis próximos tutoriales. Gracias.

*Visita mi canal de youtube en donde estoy subiendo tutoriales interesantes. Me dará mucho gusto si te suscribes y compartes mis videos.Te paso el link:

El Taller de Miguel Angel

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 1

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 2

Cómo dibujar un Retrato a lápiz ( Paso a Paso) 3

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 4

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 5

Por último, te hago una invitación para que si estás en posibilidades me ayudes a sostener mi actividad de divulgación artística, haciéndome un donativo; de verdad te estaré muy agradecido. Al hacerlo, contribuirás a que el Taller de Miguel Angel siga creciendo. Gracias de antemano.

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Como dibujar un Retrato a Lápiz Paso a Paso 5

2015-11-24T19:14:00.000-06:00

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19. Agrisando la cara.

Cómo podrás notar, el haber intensificado el tono del cabello nos brinda un marco natural ideal para trabajar la cara. Este marco nos permitirá agrisarla sin pasarnos; cosa que podría estropear irremediablemente el retrato, a menos que queramos una Mena bronceada, y supongo que no sería lo más recomendable; así que con esta guía visual importante vamos a trabajar en la cara agrisándola en su justa medida.

El propósito será conseguir mayor realismo modelando esa redondez natural de la cabeza, generando a la vez la textura de la piel que se aprecia lisa y ligeramente brillosa. Esto lo conseguiremos modulando sus valores de luz y sombra intermedios, esos que modelan la cara y que no son las luces o sombras principales.

A continuación te explicaré un poco más a detalle cómo puedes hacerlo de la mejor manera.

1
1.- Sería muy útil que te hicieras para empezar de una foto complementaria de tu modelo pero en blanco y negro.

La misma foto pero en blanco y negro, nos servirá para encontrar más fácil
los tonos, ya que no nos interesa el color.

Verás cómo se revelan los tonos de un modo mucho más claro que en el original, a color. Yo hice este viraje en Photoshop, sino te es posible hacer la conversión con tus propios medios, te sugiero acudas a un lugar de copiado e impresión especializados llevando tu imagen en tu USB, y les solicites que te impriman las dos versiones. Si tienes la posibilidad imprime de una vez una copia más en alto contraste:

Esta de verdad te ayudará a ubicar aún mejor las zonas de luz y sombra principales, ya que se vuelven muy evidentes.

2) Ahora, con ayuda de las fotos que imprimiste podrás determinar las zonas de máxima luz, sombras densas y tonos intermedios.

Guiándote de las siguientes láminas te resultará más fácil hacerlo.

Y ahora sí, empecemos a modelar el rostro.

Trabaja con el lápiz inclinado, haciendo achurados en diagonal y de vez en cuando aplica esfumados, para alisar las texturas y Procura dejar limpias; es decir, que no tengan por el momento nada de lápiz las zonas de máxima luz.

Como buen complemento de esta lección sería recomendable repasaras un poco la forma del cráneo ya que te diré que éste define el relieve del rostro en un 70%, o más. Conocer lo que se encuentra debajo de ese lindo cutis nos será de gran ayuda para comprender mejor el porqué de esas luces y sombras.

Si tu interés es de verdad grande, entonces definitivamente también tendrás que darle una repasadita a los músculos de la cara, que junto con el cráneo le confieren el 95% de su forma. Si puedes dibújalos y estúdialos en hoja aparte primero.

Tips extras:

1).- No te piques tanto, porque corres el riesgo de caer en la desesperación, en la desgastante trampa de la inconformidad; del clásico:- ALGO NO ME ESTÁ QUEDANDO BIEN, ó … el típico-COMO QUE ALGO NO ME CONVENCE- y entonces, en lugar de avanzar con entusiasmo estarás librando una batalla desigual contra tu impotencia. Así que debes estar atento(a) ante esta posibilidad y cuando sientas que algo no anda bien en tu intención, detente!, respira profundamente, y enfoca tu atención en otra cosa, lo que sea, pero no sigas dibujando sino hasta pasado un buen rato, o incluso un día completo. Ya repuesto(a) entonces visualiza tu avance desde atrás, o sea, aléjate un poco de tu obra, algo así como un metro de alejamiento, cuida de tener juntos tanto la foto de la modelo como tu dibujo y justo frente a ti, en posición vertical y contempla a ambos, con reflexión y… COMPARA!!!!, tantas veces sea necesario tratando de encontrar defectos y errores de ejecución. Debes ser muy observador (a) y estricto con tu progreso, y ajusta.

2).-Consigue un espejo y mira tu obra a través de él; puede ser que te lleves una sorpresa ya que mágicamente podrán aparecer errores; algunos habrán pasado inadvertidos hasta entonces. Algo así como que la boca no está en su justo lugar ó que un ojito se salió de su posición óptima, o tal vez la cara está algo chueca; en fin, el espejo te ayudará para ajustar al máximo.

3).-Al agrisar ten especial cuidado con las líneas de expresión de las mejillas.

Estas aunque deben ser protagonistas, no deben ser muy marcadas, más bien sutiles, suaves y y esfumadas. Marcarlas mucho le aumentaría la edad abruptamente a Mena.

4). Es muy importante que durante tu progreso puedas identificar bien los tonos; hasta los más sutiles o ambiguos; esos que se parecen, pero que no son iguales, así como esos otros que aparentemente no son iguales pero que en realidad si son muy parecidos. Compruébalo en este mini-video.

La clave para aprender a diferenciar y relacionar tonos está en el entrenamiento visual. Solo a base de ejercicios continuos de comparación, observación y ajuste se logra desarrollar ese ojo clínico para entonar, igual que un músico con oído entrenado puede afinar su piano o violín distinguiendo las notas y acordes.

Con el fin de encaminarte en esta parte del proceso he indicado en la siguiente lámina dos tonos que aunque parecieran diferentes, son casi iguales. Estúdialos.

5).- En ciertos momentos y particularmente cuando trabajes con la nariz, te voy a aconsejar que apliques el siguiente truco secreto. Olvídate por un momento de que estás trabajando una nariz e intenta ver solo esa combinación de sombras y luces,( tonos) que la describen y dibújalas, con la mayor exactitud posible. Trata de replicar hasta los más sutiles grises. Verás cómo alternando esta forma de observar distinta a la habitual, lograrás desarrollar esa habilidad para anotar tonos más rápidamente, que dicho de otra manera no es otra cosa que mejorar tu capacidad para dibujar.

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 1

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 2

Cómo dibujar un Retrato a lápiz ( Paso a Paso) 3

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 4
Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 6 Final

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Como dibujar un Retrato a Lápiz Paso a Paso 4

2015-11-09T22:10:00.002-06:00

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Q tal amigos, entusiastas artistas; por fin, después de algún tiempo les presento la conclusión de este tutorial. Sé que las excusas son de mal gusto y reconozco que me tardé bastante, así que no pondré ninguna de porqué me he tardado tanto y mejor simplemente les diré que no me había dado el tiempo de hacerlo pero bueno, creo que lo más importante en esta vida es divertirse haciendo las cosas que a uno le gustan y justamente terminando lo que empiezas, así que me puse manos a la obra, para terminar el retrato de esta hermosa modelo, sobre la que, haré una pequeña aclaración en alusión al comentario de una seguidora del blog, Rosy Gueta de quién estoy muy agradecido ya que justamente su correo me inspiró a continuar ya con este trabajo; bueno, resulta que no se trata como ella me comentaba de Emma Watson, aunque debo aceptar que son muy parecidas, e igual de hermosas, sino de una modelo norteamericana de nombre Mena Suvari. Aquí les dejo unas fotos para q chequen el asombroso parecido que existe entre ellas.

Emma Watson (izq). Mena Suvari (der)

Y bien, pues una vez habiendo hecho esta aclaración continuemos con el tutorial, o como decía mi abuelita… a lo que te truje chencha.

Hasta donde dejé el dibujo en el paso 3 y a manera de repaso, insistía en el avance haciendo sombreados para ir ganando en realismo. Empezamos con el ojo izquierdo, para luego realzar el derecho, modelando un poco la nariz ( sólo con sombras), un poco de definición del cabello, ( a base de masas amplias) y finalmente la zona de la boca; ya lo recordaste?. Bueno, en ese momento de lo que se trataba era de ”anotar”, si; solo de anotar los elementos principales del rostro en su justo lugar, aproximándonos siempre al parecido; pero, siendo modestos aun no veo el retrato de Mena.

Lámina que muestra el avance hasta el momento.

Este reto se debe asumir de un modo más sutil, dibujando con pasión y extrema concentración. Olvidémonos un poco de los tecnicismos, líneas de referencia y todo eso y dejémonos llevar de vez en cuando por el oficio del artista en plenitud, dibujando un poco por acá, y otro poco por allá, ajustando, resumiendo, discriminando, “surfeando”, por así decirlo con el lápiz, para ir poco a poco y gradualmente con este baile cadencioso e irreverente a veces, revelando el retrato de Mena. Sé que para un principiante esto puede sonar incomprensible o irrealizable quizás, pero te diré que lograr un retrato artístico no es cuestión solamente de estudio y precisión; NO!, se trata del mayor reto artístico al que se puede enfrentar el artista plástico y el desafío demanda mucho arte y oficio para pretender él éxito.

Cuando se está en posibilidad de alcanzar este nivel de habilidad suceden cosas tan increíbles como que de repente no sabes cómo lograste aquel brillo o textura, pero sabes que le va bien-ó más inaudito aún-, y sublime; no sabes cómo has conseguido esa expresión tan profunda en la mirada, tan incisiva y veraz a la vez,-tan suya-( del modelo), pero “sientes” que así debía ser y no de otro modo y lo lograste con tan solo unos cuantos trazos y en un abrir y cerrar de ojos; fue ese un momento espiritual y grandioso. Podría atreverme a aseverar que en un trance de éxtasis así, las reglas las habría dictado un ente divino y no el mundano maestro o el inerte libro de dibujo. Así se dibuja un retrato.

Pero bueno, no deseo abrumarte con tanta palabrería y visión personal del asunto ni mucho menos desanimarte, por el contrario, quisiera llenarte de coraje para que intentes tu propio ejercicio, así que sin más te invito a que afrontemos de una buena ves este reto y terminemos nuestro retrato.

18.- Trabajemos la textura del cabello.

Para entender el dibujo del cabello un poco más a fondo debemos pensar en tres cuestiones básicas. La primera ya la mencioné antes pero no estará de más repasar un poco. El cabello debe verse o interpretarse como un conjunto de masas de luz y sombra- nunca veas cabellos individuales-esto te puede abrumar y bloquear-, por lo tanto, te recomiendo entonces “enfatizar” los valores que ya habíamos anotado cuidando de que tus trazos sigan la dirección de su caída y forma, (A)

Segundo. A los grisados hay que aplicarles un esfumado con los dedos para reducir la textura que genera el papel y que podría ser inapropiada para el cabello (B); y tercero. Sobre estos grises y siguiendo las referencias que dicta el modelo dibuja, ora sí, cabellos sueltos de aquí para allá, en donde creas que deben ser necesarios para explicar mejor el cabello (C).

Checa de paso esta lámina del maestro Parramón en donde explica muy claramente el proceso.

Y Mira en este breve video justamente como lo hago yo. Levanto tono, esfumo con los dedos y sugiero cabellos sueltos.

Así quedarán bien. Pon especial atención en la forma en que coloco el lápiz según sea el caso. Ah!, puedes “trazar algunos cabellos utilizando tu goma moldeable rescatándolos de las zonas grises. Checa como lo hago yo en el mini video.

Otro apunte importante. El cabello de Mena es “casi” lacio, verdad? Y rubio. No podemos darle esa coloración porque estamos trabajando en blanco y negro, cierto? pero si podemos darle esa tonalidad clara, por lo tanto las mayores densidades nunca serán negros absolutos, sino que estaremos aplicando grises intermedios siempre. Checa las que serían las zonas más próximas al negro en donde señalan las flechas.

Aprovecha esta sesión para realzar la tonalidad y forma de los aretes, entendiendo que estos se encuentran en una zona oscurecida así que el gris será intenso, pero aun así no alcanzaremos el negro.
Tu avance deberá quedar más o menos así.

Después de trabajar el cabello, así deberá verse más o menos el retrato.

Te sugiero progresar bastante en el cabello pero aún no lo des por terminado, alternemos el trabajo y vayamos un poco con la cara, sí?

Cómo dibujar un retrato a lápiz (paso a paso) 1
Cómo dibujar un retrato a lápiz (paso a paso) 2
Cómo dibujar un Retrato a lápiz ( Paso a Paso) 3
Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 5
Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 6 Final

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Como elaborar una catrina decorativa con papel crepé

2015-10-28T11:05:00.004-06:00

Hola amigos, un gusto saber que me visitan, en esta ocasión lo que les presentaré es algo especial. Quizás muchos pensarán que todo indica que me estoy desviando de la línea de este blog, pues al parecer, el hacer una catrina de papel es una manualidad propia de las amas de casa, sin embargo les diré a manera de justificación que en la elaboración de esta bella pieza de papel, hay todo un concepto gráfico, muy tradicional lleno de estética y color, sin exagerar estamos hablando de arte en papel. Además, este personaje, junto con las calaveritas y las ofrendas son parte fundamental del simbolismo propio de la fiesta del día de muertos que para aquellos que no son mexicanos y tal ves no lo saben, intenta decirnos con todas estas manifestaciones que la muerte no es dolor sino un evento natural digno de celebración.

Son dos videos de aproximadamente 10 minutos cada uno de ellos, en donde nuestra talentosa artista Mony Monadas, elabora paso a paso y pacientemente esta bonita catrina de papel. Por cierto, aprovecho para agradecerle su valiosa colaboración.

Estoy seguro de que les gustará, y si deciden realizar su propia catrina de verdad que me llenará de satisfacción saberlo. Gracias y comparto.

Cómo dibujar frutas con lápices de colores

2015-07-02T13:11:00.001-05:00

Los lápices de colores son un medio de expresión artística muy amable; es realmente muy sencillo dibujar y colorear con ellos, por algo los niños los utilizan mucho en el preescolar.

Si eres principiante te invito a que realizes este ejercicio, te resultará muy gratificante comprobar el nivel artístico que puedes lograr, aun sin tener mucha experiencia y si eres avanzado pues sabrás muy bien de lo que estoy hablando.

Te presento un adelanto en gráficos y por supuesto el video.

Empezamos haciendo un esbozo de las frutas con el lápiz azul.

Los colores que utilizaremos serán:

El método para colorear con lápices de colores consiste en aplicar con achurados suaves y tibios los colores buscando desde un principio la aproximación a los colores del modelo, (como se ve en el gráfico); gradualmente se van subiendo de intensidad hasta alcanzar los tonos y matices finales. Recuerda esto: Siempre se colorea de un modo general, es decir todo a la ves.

Es importante que tus lápices tengan puntas afiladas en todo momento, yo utilizo el cutter para hacerlo, girando el lápiz con la mano izquierda mientras le doy forma a mi punta. Más o menos te debe quedar así.

Vamos reafirmando los colores, poco a poco, realzando texturas y buscando nuestra propia expresión artística.

Y este es el resultado final:

Y aqui está el video.

Como dibujar el pie humano

2015-05-21T22:24:00.000-05:00

El pie humano, esa intrincada pieza de huesos y carne rígido, altamente especializada, que usamos para caminar suele resultar bastante complicado de dibujar, a veces más difícil que el mismo rostro o las manos que bien sabemos implican grandes desafíos para el dibujante; y esto se debe principalmente a dos razones a saber:

1) Por la ubicación en el cuerpo y 2) Por su forma y posición.

1). Por su ubicación en el cuerpo. Resulta que el pie se encuentra justo en la parte más baja del cuerpo, ( tocando el piso) y por eso es que casi no lo podemos ver en su justa dimensión ya que nuestros ojos están ubicados al lado opuesto, o sea hasta arriba. Esta situación nos impide apreciarlo tal y como es a menos que deliberadamente lo estudiemos colocando a una persona en una mesa alta o bien, copiándolo de láminas ilustradas o fotografías.

2). Por su forma y posición. No solo lo incomodo de su lugar en el cuerpo nos impide observarlo bien, además hay que considerar que el pie tiene una forma complicada ya que no es un simple soporte más o menos rectangular, es toda una compleja estructura con oquedades y relieves muy sutiles que evidencian un entramado de huesos y tendones de gran complejidad y si esto no fuera suficiente visto el cuerpo de frente el pie se presenta en un “escorzo” o punto de vista frontal que lo transforma en apariencia en una forma irregular amorfa.

Pero no te quiero desanimar, y es por eso que te daré algunas ideas sobre como puedes dibujar bien un pie.

Haz de empezar por saber que es posible dibujarlo fácilmente partiendo de formas geométricas muy bien definidas. Estudia primero como se dibuja así el pie basándote en los esquemas que encontrarás ya sea en libros sobre el dibujo de la figura humana o en el mismo internet, con la intención de aprendértelos de memoria. Ensaya todas las posiciones que te propongan o que encuentres.

Complementa este estudio con el aprendizaje de la anatomía del pie. Haz este estudio con la mayor profundidad, es decir practica el dibujo de los huesos tendones y músculos del pie y desde diferentes puntos de vista, ( de frente, de perfil, desde arriba, desde abajo), para comprender a fondo como se presentan y articulan entre sí. Si te es posible apóyate de un modelo tridimensional artificial, de esos de tipo médico, incluso un esqueleto de plástico te servirá.

Por último y ya bien entrados en calor ejercita tu estudio con el ensayo de pies reales. Estos pueden ser los de tus familiares y amigos. Dibuja cuantos puedas y desde muchos puntos de vista. Pero primordialmente trata de que estén a la altura de tus ojos, aunque también vale que los dibujes vistos desde arriba, como es que normalmente los vemos.

Y ya si de veras estás con todo en esto, que tal si de vez en vez te dibujas unos pies vestidos, es decir con zapatos; interesante, no?

Bien, para cerrar este breve tutorial, te obsequio esta serie de láminas que créeme en verdad son del mejor material que podrás tener de referencia para ensayar el dibujo de los pies. Solo basta con observarlas con detenimiento para que te des cuenta de que se trata de verdaderas joyas de referencia. Te ayudarán muchísimo para empezar tu estudio.

Materiales básicos para empezar a dibujar

2015-05-11T18:10:00.000-05:00

El Lápiz

Desde que empecé con mi inquietud artística, hace ya algunos años, mi instrumento favorito para dibujar siempre fue el lápiz de grafito, y hasta la fecha puedo concluir que sigue siéndolo. La razón principal es creo yo, su gran mansedumbre y versatilidad. Se controla con mucha facilidad y puedes usarlo para dibujar cualquier cosa; es económico y lo consigues en cualquier papelería.

Otros materiales como los carboncillos, minas, contés, cretas, marcadores, etc; son muy buenos pero por lo general son algo más exigentes en su manejo, además de que cada uno tiene su función muy particular, más bien podríamos considerarlos complementarios; útiles para enriquecer el trabajo artístico, no para que los use quien empieza a dibujar.

Es importante saber que en el mercado encontramos lápices con distintos grados de dureza, que van desde los muy suaves hasta los muy duros. A los lápices suaves se les asigna la letra “B”, mientras que a los duros la “H”. Se venden regularmente los suaves: 8B, 7B, 6B, 5B, 4B, 3B, 2B, B, HB; y, duros: 2H, 3H, 4H, 5H, 6H, o hasta 10H. algunas marcas manejan la gradación "F", que la verdad no le noto gran diferencia con un HB, así que solo tómalo en cuenta.

Cada lápiz tiene un uso específico según su grado de suavidad o dureza; los H se utilizan bastante para trabajos lineales, tipo arquitectónicos. Mientras más fino y sólido se requiera el trazo pues más duro deberá ser el lápiz, un 6H, por ejemplo es bueno para hacer líneas muy firmes y finas, aunque grises. Los suaves son los que se usan para dibujo artístico, y el artista elegirá el número según sea su intención. Un 9B, por ejemplo se extiende con facilidad sobre el papel y ennegrece muy densamente el área en donde se aplique; ambas cualidades muy apropiadas para hacer bocetos artísticos, como puedes ver en este ejemplo.

Para el que empieza a dibujar el más recomendable será el de gradación HB, que es de una consistencia yo diría que estándar, es decir, no es ni muy suave pero tampoco es duro; Porque es el más recomendable?, bueno pues porque gracias a esta cualidad, digamos “neutra” podemos darnos el lujo de cometer bastantes infracciones con él antes de que arruinemos un trabajo intentando dibujar bien. El lápiz HB, es el mejor alcahuete del principiante tolerándole su descontrolada inexperiencia al no maltratar ni ensuciar tanto el papel.

Así que empecemos con un HB, “El mejor amigo del principiante”. Que marca?, creo que deberás probar varias hasta encontrar la que más te guste, ya que varía la consistencia según la marca, solo procura que no sea de mala calidad porque en los muy económicos sencillamente la mina suele quebrarse continuamente. Si puedo recomendarte unos, a buen precio y de excelente calidad sin duda serán los Derwent. Los hay en estuches y sueltos, aunque si pedes hacerte de un estuche será mejor pues la gama de gradaciones estará completa. Checa este. Es mi favorito.

Da clic y adquiérelos por amazon

El papel para el principiante

Si buscas información sobre cual papel es el idóneo para empezar a dibujar, seguro encontrarás muchas recomendaciones; marquilla, fabriano, guarro, ilustración, canson, bla, bla, bla, o que se yo, existen infinidad de opciones, pero mira; déjame aconsejarte lo siguiente. El que empieza a dibujar no necesita un papel especial, solo necesita un papel en el que el lápiz de grafito se desplace bien, y si es barato mejor...

Papel Bond en paquetes de 500 hojas cada uno

... pues lo usará para hacer dibujos de practica, (los profesionales les llamamos bocetos); utilizando solo sus lápices de grafito. Para trabajos finales y ya con un poco más de experiencia podrá pensar en trabajar en papeles especiales de mayor precio y calidad.

Siendo así, mi recomendación ideal es el papel bond; tiene una textura estandar, es decir no muy rugosa ni muy lisa, perfecta para agarrar bien el lápiz; te permitirá borrar con bastante tolerancia antes de ensuciarse o romperse, es de un blanco muy intenso y por supuesto, es económico. Una cualidad muy importante es su opacidad, lo que te permitirá dibujar por ambas caras. Como verás, no por capricho es el papel utilizado en la fabricación de las libretas escolares.

*Nota: Por favor, evita los papeles satinados (brillantes) o lisos, como son la opalina, el couché o la cartulina bristol, el grafito no se desplazará nada bien en ellos y lo peor, borrar puede significar un desastre pues la goma se patinará arruinando cualquier propósito de corrección. Y por supuesto tache para los rayados o cuadriculados, sus líneas y cuadros solo harán ruido a tu visión artística.

Ahora te diré como usarás tu papel bond.

El tablero de dibujo

Necesitarás hojas tamaño carta, ( pueden ser de otro tamaño, claro, pero creo que este resulta bastante cómodo para empezar a dibujar). Las puedes comprar en paquetes de 100 o hasta de 500 hojas; de preferencia mínimo de 75 g/m2, ( no muy delgado, ni muy grueso), pero también las puedes obtener reciclando; es decir, tomándolas de aquellos trabajos escolares que imprimiste el año pasado y que aunque estén impresas de seguro tienen el otro lado limpio; o de esas libretas usadas que dejaste o que dejó tu hermano(a) por ahí, con hojas que nunca utilizaron, solo despréndelas con cuidado; no las arranques!.

Si haz decidido comprar tus hojas bond, da clic aquí para que adquieras tres paquetes de papel bond de 500 hojas, (1500 en total), por amazon al mejor precio/calidad. Tendrás hojas para rato.

Ahora móntalas sobre una tabla de MDF, madera comprimida o triplay, sujetándolas con pinzas sujeta-hojas, tal y como se ve en la foto. ( Monta todas las que tus pinzas sean capaces de sujetar).

La tabla puedes conseguirla en una carpintería, debe medir por lo menos 30 cm x 24 cm, y tener un grosor de 3 mm. Las pinzas las consigues en papelerías de artículos para oficina.

Y ya tienes el cuaderno ideal para empezar a dibujar, OJO!!! mesa de trabajo incluída, ( la tabla).

Este sistema es muy versátil, gracias a la tabla puedes dibujar siempre sobre un buen soporte prescindiendo así del escritorio o mesa de trabajo; puedes quitar y poner hojas cuantas veces quieras y nunca se te acabará el cuaderno.

Los dibujos que vayas haciendo los puedes ir guardando en un folder para luego archivarlos y hasta coleccionarlos. Funcional, no? Yo en lo personal tengo como 5 tableros así.

Alterno a este genial artilugio puedes también usar el clásico block de dibujo escolar de cartulina marquilla. Usa el que tiene base o soporte rígido, No el de espiral, y que sea de preferencia de una medida algo grande;( 60 cm x 40 cm es muy bueno). Te servirá muy bien para hacer tus primeros trabajos finales. Aun no te involucres en probar otros papeles, ok?, .

Block escolar de cartulina marquilla montada sobre
cartón rígido. Medida: 60 cm x 40 cm

Tip: Cuando te acabes las hojas del block puedes utilizar la base rígida como soporte para nuevas hojas de trabajos grandes que vayas a realizar, solo añádele las pinzas para sostener tus hojas, colócalo en tu caballete y listo! A dibujar. Mira en esta foto uno de mis soportes grandes.

La goma de borrar para el artista

Todo dibujante obviamente necesitará de una goma, si; requerirá constantemente de ese material salvador de errores. Pero, cual es la mejor de todas? ¿como la debo usar?
y... ¿ Solo nos servirá para corregir errores, o puede servir para algo más ?

Antes de responder a estas preguntas debo decirte que el profesional usa la goma poco para corregir errores, sino más bien para ajustar trazos y sobre todo para lograr efectos en sus dibujos; pero bueno, si eres principiante no tendrá nada de malo que la uses más que nada para corregir y corregir; úsala para borrar lo que no te haya salido bien todas las veces que sea necesario, de cualquier modo, irás poco a poco descubriendo lo fabulosa que puede ser tu goma para otras cosas que no sea solo corregir. No eches en saco roto esta observación para que desde el principio pienses en la goma como un instrumento útil de dibujo, y no solo para corregir errores.

Aclarado este punto pasemos a responder las preguntas. En principio te recomendaré tres tipos de goma, la de migajón comprimido, la goma dura y la goma estrella, la goma moldeable.

Todas son muy recomendables y las podrás usar según sea tu intención artística. Veamos como las uso.

La goma de migajón

Típica goma de migajón comprimido. Hay otra que es de migajón suave y esa no nos sirve de mucho ya que se desbarata con mucha facilidad.

De todas las gomas que circulan en el mercado concluí que esta es una de las mejores para el dibujo artístico. La gran mayoría han sido concebidas para usarse más bien en la escuela o en la oficina como correctores de texto.

Algunas borran el grafito y otras la tinta del bolígrafo (no del todo), pero ciertamente lo hacen de un modo bastante tosco y tal vez hasta agresivo. Es fácil ver como muchas de estas gomas raspan tan duro el papel que llegan a rasgarlo o incluso hasta romperlo.

Clásica goma dura de caucho ( escolar). Los niños las usan para coregir su escritura a lápiz (parte roja) o de bolígrafo (parte azul). No sirve para el arte de dibujar

Otras gomas simplemente ensucian de inmediato el papel embarrando más que borrando. Esas de plano son inservibles para el artista. DESCARTÁLAS!

Estas son algunas de las gomas menos recomendables par el artista. Es probable que las conozcas.

La goma de migajón es más amable, borra limpiamente y manejándola con cuidado no maltrata el papel. Úsala para limpiar amplias áreas de tu dibujo, solo barre los residuos del borrado con un cepillo especial para dibujo que consigues en las papelerías de arte.

Este es el cepillo ideal para borrar los residuos de la goma

Tip: Cuando tu goma ya esté muy negra o sucia, la puedes limpiar fácilmente frotándola contra una lija mediana.

La goma dura negra

Esta goma me viene a colación por una razón importante, en principio, al ser dura puede ser que no sea muy útil para borrar amplias zonas, es más, no le encontré la utilidad para borrar nada, más bien, y ahi te va mi truco, descubrí que podía rebanarla y adecuarla a un manguillo para así tener ese magnífico instrumento para dibujar borrando; el lápiz goma. o mejor conocido en el medio como el Tombow, famoso. Así es mi amigo(a) artista, como ya había comentado, la goma sirve para algo más que para borrar o corregir errores; los profesionales la usamos también para dibujar luces y para reducir y atenuar valores. Por ello, en el mercado podrás encontar lápices goma (Tombow), para tal especialidad, incluso algunos incorporan un cepillito en su otro extremo para retirar residuos, pero creo que con la opción que te sugiero, tendrás un excelente lápiz goma, digno competidor de los tombow mas efectivos. Checa en la imagen, abajo, como fabriqué el mío. La marca de goma que utilizo es sabonis.

La goma moldeable

Esta es mi favorita, especial para artistas, checa sus cualidades: borra limpiamente, sin manchar tu dibujo ni embarrar el lápiz; incluso borra carboncillo, no deja residuos, borra perfectamente y la puedes moldear como si fuera plastilina para adecuarla a la zona deseada por pequeña que esta sea, cualidad ideal y única para quienes buscan lograr efectos de luz, y texturas, y si esto no fuera suficiente, no maltrata el papel, por más duro que le des a tus borrados.

Definitivamente esta goma la debes tener y usar. Nota: la encuentras en papelerías especializadas.

Portafolio portadibujos

Recuerdas cuando en el apartado referente al papel hablaba de archivar tus dibujos?, bueno pues el portafolios de dibujo que te muestro en la fotografía es el contenedor idóneo para ello. Puedes guardar dibujos terminados o a medio hacer de unos 60 cm x 40 cm o un poco más grandes. En este portafolios se mantendrán seguros y bien cuidados, y claro, los puedes transportar para presentarlos a quien quieras. Que tal? También puedes guardar hojas limpias de reserva para montarlas luego en tu tabla. La tabla misma cabe en él, pues tiene un grosor de unos 4 cm.

Características extras: Es de plástico, sin divisiones y con broche a presión. Es de bajo precio y lo encuentras en papelerías especializadas en arte y dibujo.

El Sacapuntas o el cutter? Para afilar tu lápiz.

El sacapuntas es muy conocido por todos, quien no lo usó en los trabajos de la primaria?,

Sin embargo no lo recomiendo como el instrumento ideal para afilar nuestro lápiz, prefiero el cutter y ahora te diré porque.

El sacapuntas solo te permite obtener un tipo de punta, no la puedes cincelar a tu gusto. A lo mejor si eres principiante esto te parecerá irrelevante pero conforme vayas adentrándote en la práctica del dibujo, te volverás más exigente y es muy probable que cambies ese rígido instrumento por el cutter que si te permite lograr la punta que desees.

Cutter de navaja de 9 mm para artistas.

Lo más recomendable es, sin embargo que inicies con el sacapuntas ya que el cutter requiere habilidad para manipularlo adecuadamente, incluso puede resultar riesgoso. Te recomiendo que sigas mi tutorial sobre cómo debemos usar el cutter para sacarle punta al lápiz.

Tip: tu sacapuntas debe ser de buena calidad, metálico de preferencia. Los de plástico suelen ser malos y pueden quebrar continuamente tus puntas. El cutter debe ser de navaja delgada (9mm).

Lápices de colores y marcadores

Como principiante, es muy probable que no solo quieras practicar con el lápiz y te inquiete sobremanera el experimentar con el color. Por ello creo que los lápices de colores son definitivamente la mejor elección. Son sumamente amables, igual que el lápiz pero con el ingrediente extra del color. Genial, no? Prueba con ellos. Sigue este link para dirigirte a un magnífico tutorial en donde te explico como pintar un llamativo cuadro con lápices de colores que te dará una idea muy detallada sobre cómo puedes utilizarlos.

Y, Si tu inquietud es extrema y adictiva hacia el color, creo que puedes entonces también probar con marcadores o hasta bolifgrafos de colores, que son bastante controlables y te brindan brillantes y potentes colores, solo que toma en cuenta que estos son más comprometedores y no admiten correcciones.

Un último consejo: Recuerda, eres principiante así que por favor no intentes probar los medios avanzados, como el óleo, acrílico o la acuarela. Estos requieren práctica y más conocimiento del método y técnicas; podrían generarte más frustración que satisfacción, se paciente y ve paso paso. Puedes llegar muy lejos.

“El peor enemigo del artista es el miedo al fracaso. Enfréntalo, y explota tu talento”.

Cómo pintar un paisaje al óleo ( trabajo en clase) 2

2015-04-12T19:23:00.001-05:00

Hola amigo artista, antes de continuar con este tutorial sobre como pintar un paisaje al óleo basándonos en el ejercicio en clase, permíteme recordarte que en la entrada (1) expliqué que debíamos iniciar con una serie de bocetos al carboncillo y al tamaño para estudiar formas y tonos, esto con el fin de irnos familiarizando con el tema. Ahora, en esta segunda entrada sobre el particular entraremos de lleno a ver como mis alumnos resolvieron el resto de la pintura, así que prepárate para que si es tu deseo puedas también, al igual que ellos pintar esta escena de árboles con lago al óleo.

Una ves que los alumnos ensayaron su modelo y ya muy familiarizados con las formas
les indiqué que dibujaran con el carboncillo su sketch en la tela. Les pedí que solo dibujaran razgos generales, tales como los troncos de los árboles, el lago y algunos trazos que sugirieran el pasto y las nubes. Aquí podemos ver como Estelita está muy concentrada haciéndolo y ciertamente muy bien.

Que colores vamos a utilizar?

Empezamos armando dos paletas de color, una fría y una cálida, porque en éste como en casi cualquier cuadro a color, siempre tendremos dos cualidades cromáticas perfectamente definidas, una cálida y otra fría.

Elegiremos los colores para cada paleta que nos permitan aproximarnos lo más que se pueda a la gama cromática del modelo. Esta elección requiere cierta experiencia
por lo que en este caso y para facilitarles el trabajo, ayudé a mis alumnos a seleccionar los suyos.

Las paletas se compondrán de los siguientes colores:

Paleta fría: (Azul cobalto, sombra tostada, blanco y negro).
Paleta cálida: (Azul cobalto, nuevamente, amarillo medio, siena tostada, laca naranja
y blanco).

Colores extras de refuerzo: sirven para intensificar el matiz de un color o para generar una tendencia cromática. Ya veremos mas adelante cuando y como entran en acción. Estos serán el verde viridian, el violeta y el azul cerúleo.

Ahora bien, el verdadero desafío consiste en como utilizaremos ambas paletas. La clave está en que a partir de la mezcla calculada de todos los colores de cada paleta, podamos conseguir todo el abanico de color del modelo, combinándolos en diferentes
proporciones. Nunca deberás combinar los colores de una paleta con la otra pues esto afectaría la temperatura de color gravemente.

Considerando esto te diré que en casi todos los casos en que tengas que preparar un color, el que sea, te recomiendo utilizar todos los de tu paleta, de este modo tus colores siempre estarán en armonía cromática, por ejemplo: si tu intención es componer un verde cálido para el follaje, y los colores de tu paleta cálida son rojo, naranja, amarillo y verde, tu verde deberá contener como base, obviamente, el verde pero también algo de rojo, amarillo y naranja; el verde resultante será quizá algo terrozo, pero armónico finalmente.

Ambas paletas se complementarán pero siempre procuraremos trabajarlas en recipientes separados, a fin de evitar mezclas erróneas de colores, ( ve la foto), que se pueden generar por contaminación de pinturas volviendo inservibles nuestras mezclas. Un ejemplo sería que por error se contaminara un color cálido con el sombra tostada o el negro de la paleta fría, porque estos colores promueven oscuridad y regularmente los colores cálidos no son tan oscuros.

Nota. Muy rara ves el negro se aplica directo, por lo general para lograr oscuridades densas se mezcla con sombras o con azules.

Paso 1. El manchado

El método para pintar consiste en aplicar la pintura en capas, ( capas frescas aplicadas sobre capas secas), empezando con una primera capa de manchas amplias que tengan solo la intención de cubrir la tela en su totalidad con colores aproximados a los finales

tanto en matiz como en tono.

Notas: Prepara tus colores rebajándolos con suficiente aceite de linaza para que la pintura se pueda expandir con cierta agilidad y se puedan cubrir amplias zonas del cuadro de una sola pincelada. Ten a la mano papel de baño para limpiar tus pinceles con regularidad y trabaja con un pincel plano de cerda dura para óleo del numero 18.

Al manchar no deberás detenerte en las sutiles variaciones de matiz y tono que puedas apreciar por ahí, como por ejemplo ese ligero tono violeta que se ve por aca, o ese extraño verdecito mas claro que se aprecia por allá, o tal ves ese azulito muy raro que no entiendo como se lograría, por acullá. Por favor, insisto, esas variaciones ignóralas por el momento, mancha, mancha todo de una ves. Insistir en resolver el cuadro de una sola ves
puede llevarte a la frustración más rápido de lo que te imaginas, por eso te recomiendo seguir al pie de la letra los pasos, tal y como lo hicieron mis alumnos. Lo más recomendable es que este primer paso lo resuelvas en una sesión, posteriormente se irán agregando capas nuevas cada ves mas ajustadas al resultado final.

Iniciaremos con las zonas frías. que son las sombras y luces del lago y el cielo. Mezclando azul cobalto y sombra tostada buscaremos conseguir un café muy oscuro con el que mancharemos las sombras en el lago y de una ves las partes más oscuras de los árboles.

Luego pintaremos el cielo y la parte clara del lago; en ambos casos tenemos azules claros pero...ATENCIÓN!!! mira como estos son diferentes, por ello es muy importante que sigas al pie de la letra esta secuencia: empieza por el cielo, componiendo el azul con una mezcla de azul cobalto con blanco, cuidando de no contaminar esta mezcla con el sombra tostada; una vez lo hayas pintado agrega, ahora sí, pequeñas cantidades, mínimas creo yo de sombra tostada para que ese mismo azul ahora se torne algo grisáceo, y con este pinta la zona clara del lago.Se ven distintos, verdad?, Insisto, no te preocupes mucho por las sutiles variaciones de colores tanto en el cielo como en el lago. Solo preocupate por cubrir el área, en un paso posterior los matizaremos aproximándonos al modelo, Ok.?

Trabajando ahora con la paleta de colores cálidos.

Paleta cálida: Azul cobalto, nuevamente, amarillo medio, siena tostada,
laca naranja y blanco.

Con esta paleta ( cálida) cubriremos el resto de la tela, y así acompletamos el primer paso. Los colores, como ya dijimos se colocarán en recipiente aparte, separados de los de la paleta fría, para evitar contaminaciones.

Recuerda, el órden es muy importante, tanto en el proceso como en el manejo de los materiales.

Con el siena tostada, el amarillo medio y blanco preparamos un color ladrillo algo terroso, rojizo y pasteloso con el que pintaremos las partes del pasto que tienen una coloración mas o menos así, (segun el modelo), tal y como lo está haciendo aquí el buen Andrés.

Una ves hayamos manchado esas zonas, a este mismo color le agregaremos algo de azul cobalto y amarillo medio para volverlo verdoso y con este nuevo color cubriremos más áreas de pasto que en el modelo se aprecien así, verdosas.

Y así, sobre esta dinámica de preparación de colores, iremos avanzando nuestro manchado, agregando más azul, restando siena, subiéndole al amarillo, agregando un poco más de blanco o un poco de laca naranja, etc., vamos obteniendo nuevos y variados colores sin salirnos del esquema de armonía cromática.

Podemos, por ejemplo preparar naranjas terrosos, verdes azulados, algunos mas oscuros, otros más claros o incluso mas amarillentos, según lo dicte el modelo y los aplicamos hasta cubrir el área en su totalidad, incluyendo ya un esbozo de las hojas de los árboles.

Nota; a manera de recordatorio, los troncos de los árboles, el lago y el cielo se pintan solo con la paleta fría , así que no los debes trabajar con los colores de esta paleta.

Insisto también en que no pretendas aun lograr colores finales, estamos aproximandonos, y aun falta. chécate en estas fotos como justamente aunque se aprecia el cuadro aparentemente muy avanzado, aun carece de detalles.

Todos mis entusiastas alumnos manchando sus telas con ahínco.

Asi debe quedar el cuadro una vez finalizado
el manchado general.

Finalizando la sesión el cuadro debe quedar mas o menos así.
Recomendación: Deja secar tu cuadro unos dos días antes de seguir aplicando más pintura.

Entonando y armonizando los colores

Matizando una zona en colores paja,
Unos más claros y otros más oscuros.

Una ves haya secado completamente el cuadro daremos inicio a la armonización de los colores, detallando al mismo tiempo las formas; para ello emplearemos nuestras dos paletas que ya definimos al principio solo que ahora añadiremos los colores extras para matizar y embellecer nuestra obra.

Así que empezando con la paleta cálida, ( siena natural, amarillo medio, laca naranja, azul cobalto y blanco), prepararemos colores, según se aproximen a los del modelo, tal
y como ya lo hicimos en la sesión anterior, solo que ahora si con mayor cuidado y buscando aproximarnos mas a los detalles y colores.

Nota: Esta vez usaremos muy poco aceite de linaza, pues se requiere que la pintura tenga una consistencia más pastosa para que sea mas manejable y mas cubriente en áreas pequeñas.Podemos pintar flores, hojas de los árboles, pasto crecido, por aca
o por allá, etc.

Y, Atención!!! en aquellas zonas en donde percibas violetas, o verdes mas intensos o diferentes añade a tus mezclas algo de violeta o verde viridian segun sea el caso.

En el caso del cielo necesitaras añadirle a tu mezcla de azul cobalto y blanco un poco del azul cerúleo ( de los colores extras) para darle mas viveza en esas zonas donde se vea así, pero no lo apliques directo, solo matiza.

Siguiendo al pie de la letra estas recomendaciones podrás obtener sin problema esos colores rojizos, colores paja, verdes, etc. sin agregar ningún color extra más.

Nota: Interrumpe eventualmente tu sesión y deja secar y descansar tu cuadro. Vuelve al otro día quizas a darle más avance. esta dinámica de trabajo de varias sesiones, ayuda mucho a mantener fresca tu mente pues es muy común que nos saturemos de información visual que nos nubla a veces la objetividad.

Obra terminada de Rosy.

Y Listo!!!, finalmente te presento el cuadro terminado, que en este caso se trata
de la obra de Rosy. Todos los trabajos estuvieron excelentes solo que elegí el de Rosy porque fue la primera que corrió a enmarcarlo, y como podrás apreciar le quedo muy bien.

Espero te haya gustado mi tutorial y sobre todo que haya logrado inspirarte para
pintar, sino este tal vez algún otro tema,me dará de verdad mucho gusto.

No dejes de compartirlo y por supuesto dejo abierta mi invitación para que de vez en cuando visites mi blog. Te dejo mi frase de siempre...

"El miedo al fracaso es el peor enemigo del artista. Enfréntalo y explota tu talento"

...Y que viva el arte!!!
Como pintar un paisaje al óleo ( Trabajo en clase) 1

Emerick, el Nuevo talento del dibujo

2015-01-27T20:09:00.000-06:00

Hola amigos, quiero presentarles algo del trabajo de Emerick, un talentoso artista joven quién hace unos dibujos verdaderamente buenos, como este genial dibujo del famoso personaje del anime.

ó este otro del perro chop:

Vale la pena ver como trabaja, por ello les comparto unos videos que él ha subido a
youtube. Denle clic a la imagen o sigan el link debajo.

Como dibujar a Pikachu...Por Emerick
Como dibujar al perro chop..Por Emerick

Dibujos Surrealistas ( Diego y su obra)

2014-10-01T19:25:00.004-05:00

Amigos y colegas artistas, les comento que recientemente uno de mis mejores alumnos, Diego nuevamente me sorprendió, como ya casi es su costumbre al mostrarme uno de sus cuadernos de dibujos, que yo no había visto. Se trataba de un pequeño cuaderno de pasta dura en donde el buen Diego hizo unos dibujos a lápiz surrealistas. Me han gustado tanto que definitivamente le solicité me permitiera compartirlos con ustedes. Aquí se los presento y espero les gusten tanto como a mí. Son sencillamente espléndidos. Hago la observación de que Diego acaba de cumplir 15 años y su talento pues, como podrán apreciar, ya está desbordado.

Diego mostrándonos su obra en proceso.

Aprovecho esta entrada para informarles que deseo compartirles un e-book del maestro Parramón. Titulado: ” ASÍ SE PINTA CON LÁPICES DE COLORES”.

Esta muy bueno pues de manera clara y sencilla, el maestro nos explica cómo podemos pintar coloridos dibujos con los lápices de colores. Desde mi punto de vista, este libro resultará ideal para los principiantes, ya que podrán comprender fácilmente cómo se maneja el color en la pintura.

Si quieres que te lo comparta, solo pásame tu correo y te lo envío vía we transfer.

Cómo pintar un paisaje al óleo (Trabajo en Clase) 1

2014-09-20T18:31:00.000-05:00

Que tal amigo y colega artista. Me es grato presentarte este catálogo fotográfico del trabajo en clase, en el que, verás como mis alumnos consentidos se enfrentaron al reto de pintar este bonito paisaje con lago. Paso a paso los fui guiando y ahora te comparto esa enseñanza. Estoy seguro que te será de gran utilidad si es que estás con la intención de lanzarte a pintar un paisaje. Adelante; estás en tu salón de clase.

Este es el paisaje que pintamos

Bocetaje al carboncillo ( previo)

Antes que nada, les pedí a mis alumnos que hicieran un boceto a carbón sobre su papel revolución; y grande; esto con la finalidad de que se familiarizaran con las líneas, objetos, formas, luces y sombras en general y así, a la hora de pintar ya tuvieran una noción más clara de cómo iban a manejar el color.

Aquí tenemos a Zita muy concentrada realizando su boceto.

Les presento a Consuelo. Una alumna muy aplicada quien ya empezó con entusiasmo a pintar su obra.

Fondeando el lienzo de Rosy

Cuando solicité a mis alumnos que llevaran sus lienzos al taller para empezar a pintar Rosy me comentó que tenía una tela ya pintada pero que no le gustaba y me preguntó que si la podría utilizar de nuevo para hacer nuestro ejercicio del paisaje. Yo le dije que claro que se podía. solo era cuestión de fondear con óleo en un tono oscuro y de manera uniforme para que una vez seco se pudiera pintar sin problemas. El óleo es un medio bastante opaco que permite según se le de la pastosidad adecuada recibir capas de pintura encima sin afectar los colores.
Le recomendé un fondo oscuro porque siempre será más fácil armonizar el cuadro partiendo de lo oscuro a lo claro que al revés, y el matiz que aplicamos fue un marrón logrado por la combinación de azul cobalto y rojo carmín.

Rosy quería fondear su lienzo ella sola, así que le pase el plato y el pincel
para que se divirtiera.

Así quedó la tela ya fondeada. Ahora solo habría que esperar a que secara para así comenzar a pintar el paisaje sobre este fondo marrón. Les comento que solo en dos casos tuvimos que fondear, debido igualmente al mismo problema, ( un cuadro ya pintado que las alumnas querían reutilizar. Curiosamente eran tocayas, Rosy y Rosy). Bueno, en los demás casos pintaríamos directamente sobre la tela blanca.

Preparando telas

Una ves que hubieron hecho sus bocetos al carbón , mis alumnos se alistaron
para empezar a pintar.
Fue interesante saber que ellos mismos hicieron sus telas, ya que tienen taller de carpintería y cuentan con el equipo para hacerlo. De hecho me comentaban que no fue difícil.

Cómo pintar un paisaje al óleo ( Trabajo en clase) 2