Elias Nogueira - Aumenta o Som!

Perfil: Poemas, Letras & Convidados - novo trabalho de Euclides Amaral

2022-06-08T01:36:00.002-07:00

Quando surgiu a ideia de lançar o novo trabalho, o CD intitulado “Perfil: Poemas, Letras & Convidados”?

- Surgiu depois do lançamento do meu livro de ensaio “A Letra & Poesia na MPB: Semelhanças & Diferenças”, que trata do assunto em que letra e poesia são reflexos de um trabalho literário, apenas retratados de formas e suportes diferentes. Como sou letrista e poeta, que são coisas diferentes, porém, com muitas semelhanças, pois usam a poética de forma um pouco distintas, mas que em seu substrato compartilham particularidades. Sendo assim, ambas as formas me agradam e fazem parte do meu modo de enxergar a vida pela ótica do escritor. Portanto, a ideia de lançar o CD surgiu da necessidades de alternar tais produções literárias e que fazem parte do meu dia a dia, torcendo para que causem espanto em algumas pessoas, o que a meu ver é o que se espera de um texto poético ou não. Citando Carlos Drummond de Andrade: “Aprendi novas palavras e tornei outras mais belas.”

Você reuniu no mesmo trabalho convidados ilustres, tal como o Victor Biglione, Carlos Dafé, Reppolho, Renato Piau e Joel Nascimento, entre outros. Pode fazer um comentário como se deu alguns destes encontros?

- No encarte do CD constam pequenos textos autobiográficos explicando como se deram tais encontros com estas pessoas, além das letras das composições, as fotos e os dois poemas gravados por mim. Todos os participantes do CD (Designer, fotógrafos, músicos, intérpretes e compositores) foram muito generosos ao emprestar o talento para a finalização do trabalho, que considero lítero-musical, tendo em vista que o letrista, que é o meu caso, sempre faz uso do “Estado Poético” em suas produções na letra da composição, gerando um “Terceiro Produto”. E, segundo o semiólogo e poeta-letrista Fred Góes, é o reflexo da união da melodia, harmonia e ritmo ao texto poético, contemplando assim os dois principais códigos fundadores da canção popular.

Como escritor você atua em diversos gêneros, tais como conto, poesia, letra de música e pesquisa musical, qual deles lhe dá mais prazer?

- Eu prefiro todos, e quando posso: Todos juntos e ao mesmo tempo!

O semiólogo e Doutor em Literaturas Júlio Diniz, em um texto de apresentação do meu livro de ensaios “Alguns Aspectos da MPB” vaticinou quanto a esta minha característica:

“A linguagem empregada oscila entre o tom jornalístico e o historiográfico, às vezes, até poético. Predominando a relação entre a poética da palavra cantada e a da palavra escrita.”

O escritor russo Fiódor Dostoiévski tem como base de sua produção a mescla de gêneros literários ao texto jornalístico e biográfico, passando pelo historiográfico, o que lhe deu um dos pódios de mestre na literatura mundial. Acredito que as gerações posteriores também usam deste artificio, com menor ou maior complexidade, e consequentemente com êxitos diferenciados. Tento fazer uso deste ensinamento na minha produção de ensaios, poesias, contos, matérias, pesquisa sobre a MPB e letras de músicas, às vezes, consigo um resultado que muito me agrada e é quando o publico de alguma forma, isto é, em algum suporte físico ou digital. Quanto ao feedback depois de publicado, varia muito por diversos motivos, como é de se esperar. Nesta questão, da junção dos gêneros, acho que o escritor argentino Jorge Luis Borges foi enfático em dizer:

“Creio que o poeta haverá de ser outra vez um fazedor. Quero dizer, contará uma história e também a cantará. E não consideraremos diversas essas duas coisas.”

Sobre Euclides Amaral

Publicou 12 livros, entre os quais “Sapo C/ Arroz” (poesias/1979); “Emboscadas & Labirintos” (Contos/1995); “Alguns Aspectos da MPB” (Ensaios/2008); “O Guitarrista Victor Biglione & A MPB” (Perfil/2009) e “A Letra & A Poesia na MPB: Semelhanças & Diferenças” (Ensaio/2019). Pesquisador musical trabalhou para PUC-Rio, UNI-Rio, UERJ, UFRJ, Biblioteca Nacional, Instituto Antônio Houaiss, CNPq, FINEP, EMI-ODEON e Dicionário Cravo Albin da MPB. Foi curador de projetos musicais, tais como “Quintas no BNDES” e “Novo Canto”. A partir de 1978 atuou como produtor de discos. Participou de seis CDS e um DVD de parceiros. Em 2012 lançou o CD “Quintal Brasil: Poemas, Letras & Convidados” com 17 faixas interpretadas por parceiros e cantoras (es), declamando oito poemas. Em 2022 lançou o CD “Perfil: Poemas, Letras & Convidados”, no qual foram gravadas, por parceiros e intérpretes, 17 faixas e declamou dois poemas. Letrista com cerca de 90 composições registradas por Anna Pessoa, Luiz Melodia, Mário Bróder e Pecê Ribeiro, entre outros. Dos seus quase 50 parceiros constam Amarildo Silva, Cacaso, Carlos Dafé, Claudio Latini, César Nascimento, Eliane Faria, Elza Maria, Ivan Wrigg, Joel Nascimento, Marko Andrade, Reizilan Cartola Neto, Renato Piau, Reppolho, Rildo Hora, Rubens Cardoso, Victor Biglione e Xico Chaves. Mais em dicionariompb.com.br e Wikipedia.org/wiki/Euclides_Amaral.

*Foto da capa do disco por Elias Nogueira

Entrevista com a Cantora Branka novo trabalho, clássico de Tom Jobim/Vinicius de Moraes

2021-02-05T00:42:00.004-08:00

Em primeira entrevista falando de carreira e de seu novo trabalho, a cantora curitibana Branka, de uns anos pra cá, fincou residência no Rio de Janeiro, desenvolvendo uma carreira com ótimas referências e ladeada de tarimbados mestres do samba carioca, tais como Zeca Pagodinho, Sombrinha e Carlinhos 7 Cordas. Branka tem na bagagem um trabalho pautado por momentos marcantes.

Em tempo: A cantora gravou a versão de um clássico de Tom Jobim e Vinicius de Moraes em ritmo de samba de quadra.

Ela conta tudo no decorrer desta entrevista.

Elias Nogueira – Você canta samba e bossa nova, gosta de jazz, blues..

Branka - Realmente, sou bastante eclética. Eu gosto muito de samba, mas escuto jazz, blues, ouço rock nacional e internacional também - gosto do pop. Tenho que estar sempre ligada no que acontece no mercado, descobrir coisas novas. Na música procuro sempre aprender, sempre tem algo novo para descobrir e ficar atualizada com o que acontece.

- De Curitiba para Rio de Janeiro, fale um pouco sobre esta mudança de cidades.
- Sou curitibana e já cantava samba por lá, mas não era envolvida nesse universo. Quando cheguei ao Rio de Janeiro em 2011, para divulgar um trabalho "Amor Solene", álbum independente, eu transitava entre outros estilos da MPB. Do Rio fui conhecer a Pedra do Sal, ali no Largo de São Francisco da Prainha. Fui com um amigo e vi aquela coisa linda acontecendo, aquela roda de samba. Naquele momento deu um estalo em minha cabeça e resolvi fazer um projeto de samba.

Conversei com Nilo Romero, meu produtor na época, ele indicou Carlinhos 7 Cordas. Foi assim que fui inserida neste universo.

- Trabalhos, conhecendo os Mestres do Samba...
- Eu ia para rodas de samba, conheci vários compositores. Gravei o disco "Barra da Saia" com a participação especial de Zeca Pagodinho na faixa-título, sendo este trabalho indicado ao prêmio "Grammy Latino" na categoria "Melhor Engenharia de Som", e ainda, ao "Prêmio da Música Brasileira", na categoria "Melhor Álbum de Samba". A faixa-título "Barra da saia", minha parceria com Carlinhos 7 Cordas, foi indicada ao "Prêmio Multishow" na categoria "Melhor Samba". Fiquei muito à vontade neste novo mundo, na convivência com amigos e alegria que o samba nos proporciona.

Existe diferença do Rio para Curitiba?

- Existe diferença, sim! O Rio de Janeiro é o berço dos sambistas - aqui temos acesso maior no cenário do samba, a maioria dos compositores é do Rio de Janeiro. Em Curitiba tem um mercado de samba muito bom, têm compositores paranaenses, músicos, sambistas; é um mercado menor, mas muito precioso.

– E a carreira? Fale um pouco sobre o começo e como está na atualidade, agora em 2021. Quais são as expectativas?

- Minha carreira musical começou muito cedo. Cantava (com 15 anos) em bares, depois comecei a me profissionalizar gravando discos.

Fiz um trabalho independente e acabei assinando com a EMI em 2000. Deste contrato nasceu "Faces Fases”, lançado em 2003. Depois veio "Amor Solene" em 2008, no qual regravei composições de Samuel Rosa e Herbert Vianna, além de uma versão em português, de minha autoria, para "Close to you", intitulada "Sonho azul", autorizada pelo autor Burth Bacharach, pessoalmente, em sua vinda ao Brasil.

No ano de 2013 lancei o CD "Barra da Saia"; depois veio "Trilogia Folhas Douradas" em 2015 - com composições inéditas de Nei Lopes, Moacyr Luz, Toninho Geraes, Aluísio Machado, Fred Camacho, Leandro Fab, Leandro Fregonesi e Xande de Pilares, este último fez participação especial na faixa "Amor de luta", uma parceria nossa. Deste trabalho destaco também a faixa "Banho de mar", parceria com Carlinhos 7 Cordas e na qual contei com a participação especial de Arlindo Cruz, além da faixa "Rio Santo", uma parceria minha com Toninho Nascimento. Depois veio "Trilha Sonora", disco de músicas inéditas do compositor Sombrinha, no qual fui convidada a participar no ano de 2019.

Fiz um espetáculo em homenagem à Clara Nunes intitulado "Branka Canta Clara", do qual saíram três singles: "Feira de Mangaio" (Sivuca e Glorinha Gadelha), "Menino Deus" (Mauro Duarte e Paulo César Pinheiro), "É doce morrer no mar", de Dorival Caymmi. Por esta época, lancei outro single, desta vez com a composição “Palavras sinceras”, de minha autoria e em homenagem às mulheres que sofrem de abusos durante a pandemia, o qual lancei em 2021. Agora o meu novo trabalho é a regravação de "A felicidade" de Tom Jobim e Vinicius de Moraes, mas com uma levada de samba de quadra.

– Você gosta de bossa nova?
- Escuto bossa nova desde menina. "A felicidade" é uma canção que eu cresci ouvindo. Essa música me acompanha desde início de carreira quando atuava em bares, sempre cantava.

– O que lhe inspira a cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro?
- Neste período que estou no Rio de Janeiro, desde 2011, quando comecei a me envolver com o mundo do samba, tive a ideia de trazer a bossa nova para a Sapucaí (Marquês de Sapucaí - onde ocorrem os desfiles das escolas de samba do Rio). Peguei "A felicidade" e gravei em samba de quadra, que é para o povo matar a saudade do Carnaval que não acontecerá neste ano de 2021, quem sabe, somente no ano que vem. É o que esperamos.

Reportagem por Elias Nogueira

Link para "A Felicidade" no canal da cantora

Inscrições até fevereiro - 6º RIO CHORO 2021 - Mostra Virtual Competitiva

2021-01-28T23:50:00.000-08:00

Pode participar qualquer pessoa com idade acima de 18 anos, residente no Estado do Rio de Janeiro. As obras podem ser dos gêneros choro e valsa-choro, no formato de música instrumental ou canção (com letra em português).

As inscrições serão gratuitas e estarão abertas no período de 26 de janeiro a 14 de fevereiro de 2021. O regulamento completo e o formulário de inscrição estão disponíveis em http://bit.ly/riochoro2021 .

6º RIO CHORO 2021 - Mostra Virtual Competitiva

GOVERNO FEDERAL, GOVERNO DO ESTADO DO RIO DE JANEIRO, SECRETARIA DE ESTADO DE CULTURA E ECONOMIA CRIATIVA DO RIO DE JANEIRO, ATRAVÉS DA LEI ALDIR BLANC, E BEM-TE-VI PRODUÇÕES APRESENTAM A SEXTA EDIÇÃO DO FESTIVAL RIO CHORO

A edição deste ano será uma mostra virtual competitiva voltada para compositores de choro, com prêmios de até R$ 12 mil

O “6º RIO CHORO 2021 — Mostra Virtual Competitiva”, renova seu compromisso em divulgar o choro e seus músicos, premiando novas músicas, instrumentais ou canções, do estilo. Criado em 2000 pelo compositor, instrumentista e pesquisador Mário Sève, o Rio Choro teve cinco edições consecutivas, de 2000 a 2004, e agora, depois de 17 anos está de volta, com os prêmios Ernesto Nazareth, Pixinguinha, Jacob do Bandolim, Waldir Azevedo e Aldir Blanc.

O 6º RIO CHORO — Mostra Virtual Competitiva terá três fases. A primeira será classificatória, em que uma comissão julgadora selecionará 48 composições. O anúncio dessas obras semifinalistas será feito no dia 5 de março, dia de nascimento do maestro Heitor Villa-Lobos, que compôs, para violão, o Choros nº 1, dedicado a Ernesto Nazareth, nascido em 20 de março.

Também no dia 5, começará a fase eliminatória, que terá uma premiação por voto popular — Prêmio Waldir Azevedo, no valor de R$ 6 mil. As 48 classificadas estarão disponíveis para votação pelo canal do 6º RIO CHORO — Mostra Virtual Competitiva no YouTube. A comissão julgadora selecionará a vencedora da categoria canção — Prêmio Aldir Blanc, de R$ 6 mil — e os 12 choros instrumentais que passarão à fase final. Essa seleção será divulgada no dia 19 de março nas redes sociais.

Na etapa final, a comissão julgadora escolherá os três primeiros lugares do concurso. O primeiro colocado receberá o Prêmio Ernesto Nazareth, no valor de R$ 12 mil; o segundo, o Prêmio Pixinguinha, de R$ 9 mil; e o terceiro, o Prêmio Jacob do Bandolim, de R$ 6 mil. Os outros nove concorrentes na última fase receberão o prêmio Finalista 6º RIO CHORO 2021 no valor de R$ 1 mil.

SOBRE OS HOMENAGEADOS

Ernesto Nazareth

Compositor fundamental na formação do que seria a música popular brasileira, nascido em 20 de março (mês das principais fases do Rio Choro 2021), Ernesto Nazareth (1863-1934) é o homenageado na primeira colocação do concurso. Além de lindas valsas, compôs tangos e polcas, que, mais tarde, reconheceríamos como gênero choro. O pianista é autor de clássicos como “Odeon”, que nos anos 1960 ganhou versos de Vinicius de Moraes, “Apanhei-te cavaquinho”, "Brejeiro" e “Coração que sente”, obrigatórios em qualquer roda de choro que se preze!

Pixinguinha

Compositor, flautista, saxofonista, arranjador. Este era Alfredo da Rocha Vianna, nosso Pixinguinha, responsável por definir a forma musical do choro e por fixar o uso da percussão na base com flauta, violão e cavaquinho. Seu grupo, Oito Batutas, ficou conhecido pela temporada musical em Paris, no ano de 1922. Sua canção mais popular é “Carinhoso”, que ficou engavetada por anos até ganhar letra de João de Barro, o Braguinha, e virar o sucesso que atravessa gerações. Pixinguinha é tão importante para o choro que o dia em que nasceu virou o Dia Nacional do Choro: 23 de abril. Entre suas obras mais populares, estão também “1x0”, “Rosa”, “Lamentos”, “Ingênuo” (sua preferida) e “Naquele tempo”.

Jacob do Bandolim

Um dos maiores expoentes do choro, Jacob do Bandolim foi um virtuose no instrumento que, de tão importante, foi incorporado em seu nome artístico. A importância de Jacob vai muito além de sua bela obra, que inclui pérolas como "Doce de coco", "Noites cariocas", "Assanhado", "Santa morena", "Vibrações" e "Receita de samba", só para citar algumas das mais tocadas por chorões de todas as nacionalidades e idades, para os quais é uma das mais relevantes influências. Como se não bastasse ser compositor produtivo e exímio instrumentista, Jacob foi grande intérprete de Ernesto Nazareth e de Pixinguinha – de quem era amigo –, fundador do Conjunto Época de Ouro e minucioso arquivista, registrando tudo o que era tocado nos saraus em sua casa.

Waldir Azevedo

Instrumentista virtuose, muito famoso e um dos maiores divulgadores do nosso choro, inclusive fora do Brasil, Waldir Azevedo é, por isso, o homenageado na categoria escolhida pelo voto popular. Quem não conhece seu famoso “Brasileirinho”, que já foi parar até em jogos olímpicos nas apresentações da ginasta Daiane dos Santos? Mas Waldir Azevedo – com seu cavaquinho único e original – tem seu nome gravado na história da música brasileira com obra ainda mais significativa, da qual se destacam também “Delicado”, “Pedacinho do céu” e “Carioquinha” – todos no repertório de chorões de todos os cantos do mundo.

Aldir Blanc

Um dos grandes letristas do nosso cancioneiro, Aldir Blanc virou nome da lei que destina recursos para artistas e profissionais da área cultural brasileira. Só isso já bastaria para ele ser homenageado pelo Rio Choro 2021, mas é bom destacar que Aldir também tem, em sua extensa obra musical, choros como “Choro pro Zé” e “Catavento e girassol”, dele e Guinga; “Choro das ondas”, com Moacyr Luz; “Santo Amaro”, com Franklin da Flauta; e “Bola Preta”, parceria póstuma com Jacob do Bandolim.

SOBRE O RIO CHORO

A primeira edição – 2000

Idealizado por Mário Sève, o Rio Choro foi criado em 2000. A primeira edição contemplou a então recente produção do gênero, reunindo a maior parte dos músicos envolvidos – intérpretes e compositores – para uma série de concertos no Espaço Cultural Sérgio Porto, no Humaitá, Rio de Janeiro.

As obras dos “novos compositores” foram interpretadas pelos grupos Nó em Pingo D’Água, Galo Preto, Água de Moringa, Rabo de Lagartixa e Trio Madeira Brasil, e os instrumentistas Cristóvão Bastos, Armandinho, Zé da Velha, Silvério Pontes, Henrique Cazes, Andrea Ernest Dias e Bruno Rian.

Com produção de Mário Sève, o Rio Choro 2000 gerou um álbum de partituras com novos choros, que teve distribuição gratuita.

A segunda edição – 2001

Em 2001, a rica discografia contemporânea do choro inspirou a segunda edição do Rio Choro. Mais uma vez com produção e coordenação de Mário Sève, foi criada a série Rio Choro – Nova Discografia, que apresentou 18 concertos na Sala Baden Powell, em Copacabana, Rio de Janeiro.

Foram belas apresentações de Época de Ouro & Rildo Hora; Zé da Velha & Silvério Pontes; Altamiro Carrilho; Déo Rian; Paulo Sérgio Santos com participação de Joel Nascimento; Maurício Carrilho e Arranca Toco; Pedro Amorim e Luciana Rabello; Álvaro Carrilho e Índio do Cavaquinho; Mário Sève & Marcelo Fagerlande com Quinteto Pixinguinha; Henrique Cazes & Marcello Gonçalves com Zé Paulo Becker; Gilson Peranzzetta com participação de Guinga; e Nó em Pingo D'Água & Cristóvão Bastos.

Uma festa para os chorões!

A terceira edição – 2002

Os grupos de choro foram o destaque do Rio Choro 2002, que contou com shows envolvendo artistas de várias gerações e a exposição fotográfica “Os Regionais”, sobre a história dos grupos de choro.

Foram 12 shows dos mais expressivos conjuntos de choro (ou que tinham o choro em sua base), de quinta a domingo, no mês de julho, na Sala Baden Powell, em Copacabana, Rio de Janeiro. A exposição – com curadoria de Sérgio Prata – foi no foyer da casa.

A programação incluiu Água de Moringa, Novo Quinteto, Conjunto Época de Ouro, Galo Preto, Trio Madeira Brasil com Beto Cazes, Nó em Pingo D'Água, Pagode Jazz Sardinha's Club com Mestre Zé Paulo, Quarteto Maogani, Abraçando Jacaré, Conjunto Sarau com Mário Sève e David Ganc, Rabo de Lagartixa com Leandro Braga e Choro na Feira.

A quarta edição – 2003

Em 2003, já consagrado como um dos principais musicais da cidade do Rio de Janeiro, o Rio Choro jogou luz sobre os instrumentos característicos do gênero e seus respectivos mais importantes intérpretes.

Assim, tivemos apresentações de Altamiro Carrilho, destacando a flauta, instrumento também dos compositores Joaquim Callado, Viriato, Pixinguinha e Benedito Lacerda; Jorginho do Pandeiro e Celsinho Silva com o pandeiro na obra do trio Pixinguinha, Donga e João da Baiana; Zé da Velha e Silvério Pontes, armados com seus trombone e trompete, tocando obras de Bonfiglio de Oliveira, Porfírio Costa, Candinho e Carioca; os cavaquinhos de Luciana Rabello e Márcio Almeida (Hulk) interpretando choros de Waldir Azevedo, Jonas Silva, Paulinho da Viola e Esmeraldino Salles; Paulo Moura no clarinete apresentando músicas de Abel Ferreira, Luiz Americano, Severino Araújo e K-Ximbinho; Toninho Ferragutti e seu acordeão reverenciando Luiz Gonzaga, Sivuca e Orlando Silveira; Hamilton de Holanda e Joel Nascimento chorando com seus bandolins em obras de Jacob do Bandolim, Luperce Miranda e Cincinato; os violões de Guinga e Turíbio Santos nos acordes de João Pernambuco, Dilermando Pinheiro e Garoto; Antonio Adolfo ao piano apresentando obras de Ernesto Nazareth, Chiquinha Gonzaga, Tom Jobim e Radamés Gnattali; e Mário Sève e Daniela Spielmann passeando com seus saxofones por choros de Pixinguinha, Abel Ferreira, Luiz Americano e K-Ximbinho.

Tudo isso em dez dias de shows no Espaço Cultural Sérgio Porto, no Humaitá, Zona Sul do Rio de Janeiro.

A quinta edição – 2004

Para comemorar a quinta edição, em 2004, o Rio Choro foi para a rua, com apresentações gratuitas, mais uma vez sob a coordenação de Mário Sève.

No dia 1º de maio, quatro praças da Zona Sul carioca foram palco de uma espécie de "maratona do choro", com apresentações de manhã e à tarde. Enquanto o Tira Poeira se apresentava às 11h, na Praça Antero de Quental, no Leblon, o Nó em Pingo D'Água animava o público na Praça do Leme. E às 15h30, os fãs do choro tiveram que escolher entre assistir ao show do Rabo de Lagartixa na Praça Nossa Senhora da Paz, em Ipanema, ou ao do Conjunto Sarau, no Largo do Machado.

Uma ótima oportunidade para divulgar melhor o choro, formar plateia e conquistar novos fãs.

FICHA TÉCNICA

6º Rio Choro 2021 - Mostra Virtual Competitiva

- Direção do festival: Mário Sève

- Direção geral: José Schiller

- Produção executiva: Antonio Cerdeira | Cultura & ARTE

- Coordenação administrativa: Anacris Monteiro | Ouro Verde Produções

- Comunicação integrada: Sheila Gomes e Carla Paes Leme

- Produção: Bem-Te-Vi Produções

- Apoio: Cultura & ARTE Projetos e Ação Cultural, Ouro Verde Produções

- Patrocínio: Governo Federal, Governo do Estado do Rio de Janeiro, Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Rio de Janeiro, por meio da Lei Aldir Blanc.

SERVIÇO

6º RIO CHORO 2021 – Mostra Virtual Competitiva

Inscrições: de 26 de janeiro a 14 de fevereiro em http://bit.ly/riochoro2021

facebook.com/riochorooficial instagram.com/riochorooficial

Bossa Nova e Tom Jobim - na voz da cantora curitibana Branka

2021-01-28T23:34:00.002-08:00

A cantora gravou versão de um clássico de Tom Jobim e Vinicius de Moraes em ritmo de samba de quadra

Link da música

https://youtu.be/oTI8iq3Kqhc

Quarentena para a cantora e compositora Branka é sinônimo de produtividade. Ela vem compondo, gravando, fez clipe e lives, e está sempre lançando um novo single. O primeiro do ano será lançado nas plataformas digitais, no Dia da Bossa Nova, 25 de janeiro, quando se completam 94 anos de nascimento do maestro Antonio Carlos Jobim. A data foi escolhida justamente para homenagear Tom, com um clássico da parceria dele com Vinicius de Moraes: “A felicidade”.

“Resolvi gravar ‘A felicidade’ numa batida de samba de quadra, aproximando a bossa nova da Sapucaí. Com o adiamento do carnaval, fazer essa releitura foi uma forma de reverenciar a nossa maior festa, uma festa que gera empregos e leva nossa cultura para o mundo”, explica Branka, idealizadora do trabalho.

Com produção musical e arranjo de Carlinhos 7 Cordas, a gravação foi feita no Studio 3, no Grajaú, Zona Norte do Rio de Janeiro, com toda segurança, cuidado e músicos separados nos “aquários”. No time dos músicos, além de Carlinhos nos violões 6 e 7 cordas, só feras: Fernando Merlino no piano; Márcio Hulk no cavaco; Dirceu Leite nos sopros; Camilo Mariano na bateria; Leo Guimarães no baixo; Jaguara, Esguleba e Pirulito na percussão. E no coro: Jussara Silva, Analimar e Ronaldo Barcellos.

Um pouco mais sobre a carreira de Branka

Branka começou na carreira como Karyme Hass, e, quando foi de Curitiba, sua cidade natal, para o Rio de Janeiro, caiu nas rodas de samba, onde era chamada de “branquinha”. Foi assim que virou Branka, cantora e compositora.

A artista aproveitou bem a pandemia: fez live em homenagem a Clara Nunes; lançou singles de sucessos da cantora – “Menino Deus” (Mauro Duarte / Paulo César Pinheiro) e “Feira de Mangaio” (Sivuca / Glória Gadelha) –; compôs e gravou músicas próprias, como “Palavras sinceras”, falando de empoderamento feminino e relacionamentos abusivos, e que também ganhou clipe; e fez lives par matar a saudade dos palcos e do público.

REDES SOCIAIS

Link da música

https://youtu.be/oTI8iq3Kqhc

Instagram - @brankaoficial

https://www.youtube.com/c/BRANKACANALOFICIAL

Gerson Conrad - O Fio do Meu Destino

2020-11-03T03:47:00.017-08:00

Gerson Conrad, violonista, compositor e fundador do lendário Secos & Molhados; criador de sucessos como “Rosa de Hiroshima”, melodia em cima de um poema de Vinicius de Moraes, além de canções imortais, clássicos como: “El Rey” e “Delírio”.

Em tempo: Gerson prepara o lançamento do EP “O Fio do Meu Destino” de composições autorais e inéditas, em parceria com alguns amigos. O lançamento está previsto para Novembro próximo. Gerson adiantou algumas coisas e comentou sobre este novíssimo trabalho.

Após “Lago Azul” é seu primeiro lançamento? Como foi aceitação do público?

- Sim, após o lançamento pela DeckDisc do CD Lago Azul - o EP a ser lançado pela Warner Chappell é o primeiro. Eu acredito que Lago Azul teve uma boa aceitação. Poderia ter tido (ótima ou excelente) se tivesse havido um trabalho de divulgação mais eficiente por parte da gravadora.

As faixas

O Fio do Meu Destino

- É fácil e prazeroso. A parceria com o poeta carioca, Rogério Batalha, foi muito positiva. De cara tive grande identificação com as letras/poemas que traziam uma melodia-rítmica em seu conteúdo. Quando isso acontece, a composição musical flui naturalmente vestindo a cada poema a melodia certa. Apesar de eu não ser partidário de bairrismos e, ou modismos, as letras de Rogério me remetem a um cenário de uma brasilidade ímpar que conhecemos do folclore nacional. Isso é perceptível na composição faixa-título.

A Grama

- Tem uma pegada jazz, assim como Cobertor, transita pelo estilo de bandas de rua de blues Dixieland.

Dia Azul

- Até mesmo pela mensagem atual de reflexão sobre a pandemia em que vivemos neste momento, no estilo mais puro do blues New Orleans.

O Corpo

- Pedi para que nosso parceiro Aru Jr. a compusesse. Até onde sei, Aru quis fazer uma melodia dançante e o resultado me agradou.

Vários artistas estão criando trabalhos durante a pandemia do vírus, composições, foi o seu caso também?

- Não exatamente, vinha trabalhando nessas parcerias antes mesmo da pandemia. Mas, evidentemente o isolamento ajudou a nos focarmos no trabalho.

Em todas plataformas digitais 20 de Novembro (Warner)

Foto e reportagem

#EliasNogueira

Ao Redor do Precipício

2020-11-01T03:36:00.002-08:00

Novo disco do Frejat

Passado mais de 10 anos (doze anos) desde seu último disco de inéditas, Roberto Frejat (guitarrista, compositor, produtor e cantor) retorna com álbum, onde divide a maioria das composições com amigos, ao todo são treze músicas, a faixa título “Ao Redor do Precipício” e “Parada da Estrada ...Deserta” são composições do Frejat; e “Pergunta Urgente” do Lus Neneng – única composição do disco que não leva assinatura do parceiro de Cazuza.

Frejat em cada novo trabalho demonstra, cada vez mais, um distanciamento do Barão Vermelho, seu antigo conjunto.

O álbum “Ao Redor do Precipício” tem uma característica inédita: ele possui duas vinhetas musicais compostas por Roberto Frejat.

“Descobri que eu fazia uma porção de músicas quando ficava brincando com o violão ou a guitarra, e acabava que nunca usava”.

Disco produzido por Kassin, Humberto Barros, Maurício Negão e o próprio Frejat.

“Eu não via um padrão de formato físico que fizesse sentido nesse novo mundo da música na internet - um dia, lendo o jornal, percebi que os artistas que estavam fazendo como eu, lançando apenas singles, nada tinham a ver com o meu perfil ou do meu público”, comentou, explicando a mudança de ideia.

No novo disco, Frejat priorizou a versatilidade e de maneira atual, moderno. Particularmente gostei muito do disco e principalmente a suavidade de interpretação do cantor.

no link abaixo você pode escutar o disco na íntegra

https://www.youtube.com/watch?v=D4jdMw_ThWs&list=OLAK5uy_m3FfeiIyEGKHfJLXx1UPYGH1FpcL0tq6w&index=5

A decolagem do "Passáro Dourado" de Fabio Rizental

2020-10-28T02:35:00.003-07:00

Fabio Rizental - entrevista

O guitarrista e compositor Fabio Rizental arremessou o primeiro single do novo trabalho, "Pássaro dourado”, disponível em todas as plataformas digitais.

Com produção requintada de Kassin Kamal a faixa “Pássaro dourado” integra o novo disco que o músico vem finalizando, sendo este o seu segundo autoral e o terceiro de sua carreira.

Outra música inédita é “Bonita”, que ele liberou gratuitamente o download para os fãs que se inscreverem em seu canal no YouTube e seguirem seu perfil no Instagram.

Carioca, nasceu no berço do samba e da bossa nova, Fabio Rizental respira guitarra, além de ser aguçado pelas obras de Chico Buarque, Milton Nascimento, Tom Jobim e nomes do jazz como Thelonious Monk, Duke Ellington e Chick Corea, o que, o torna naturalmente original, inspiradíssimas em Jeff Beck e Eric Clapton, prenhe de pitadas de rock, como não poderia deixar de ser.

Formado em “Harmonia Funcional” pela Escola Musiarte, do Rio de Janeiro, e em “Improvisação”, pela Berklee College of Music, em Boston (EUA) – Fabio conversou comigo e contou algumas curiosidades de seus trabalhos e outras coisas mais. Vejam o que ele diz.

Primeiro disco

- Meu primeiro disco, "At Nightfall", foi concebido somente com composições autorais. Neste primeiro trabalho colocava um pouco de tudo que assimilei como músico e artista, a influência do jazz, do rock, do fusion, dos ritmos regionais brasileiros e da música caribenha. É realmente um CD de fusion latino.

O segundo álbum, "Noites de Minas", é uma homenagem à obra do grande Milton Nascimento. Procurei gravar temas do Milton que eu sentia que iriam funcionar bem com minha sonoridade e meu estilo de tocar guitarra. O Milton e o Clube da Esquina tem uma participação sentimental muito grande na minha infância e adolescência, minha mãe era fã da música mineira, então ouvíamos todos os dias o Milton Nascimento na minha casa. Mas coloquei duas faixas autorais no disco.

"At Nightfall" era minha estreia como artista e compositor, então procurei mostrar todas as referências musicais por onde passei, sem perder a minha autenticidade, pelo contrário, valorizando a mistura de influências.

Já o "Noites de Minas", que é um tributo à música do Milton Nascimento, que eu admiro muito, e, ao mesmo tempo, uma releitura da carreira desse artista através do meu estilo de tocar guitarra, com a minha pegada mais rock fusion.

Kassin
- Conheci o Kassin no estúdio do Áudio Rebel, onde estava gravando o meu segundo trabalho. O estúdio dele fica na mesma casa, no andar de cima. Nos encontrávamos todo dia e acabamos fazendo amizade. Descobrimos muitas coisas pessoais e ideias musicais em comum e acabei o convidando para gravar o baixo numa das faixas que estava trabalhando, "Um Gosto de Sol", a mesma que o maestro Wagner Tiso gravou. Passado um tempo, acabei convidando ele para produzir meu novo disco. Ele é o tipo de produtor que procura entender o artista e tirar o melhor dele, ao contrário de muitos que tentam impor a sua visão pessoal, prejudicando a autenticidade do trabalho.

Três guitarristas brasileiros

- Toninho Horta, Sérgio Dias e Ricardo Silveira.

Três guitarristas estrangeiros

- Scott Henderson, Greg Howe e Ed Van Hallen.

Fale um pouco mais sobre a faixa "Pássaro dourado" e “Bonita”

- É uma composição inspirada no universo pop da música americana dos anos 1970 e 80. Tanto a harmonia quanto a melodia da música passeiam por essas referências retrô, mas sem perder aquela característica do fusion rock. É um tema mais leve e descompromissado que tem um ar de verão e festa.

Já em "Bonita", que é uma balada de amor que fiz para minha noiva, a levada rítmica e o arranjo têm a influência do R&B, e procurei uma execução da melodia com muito sentimento. Ela não está nas plataformas digitais ainda e irei disponibilizar a música para download agora, dia 30 de outubro, para os fãs e aqueles que me seguem ou queiram me seguir no Instagram, YouTube e Facebook. Acho que em ambos os temas faz-se presente o universo musical da minha infância e adolescência no Rio, um contexto de muita beleza, pureza e alegria.

Trabalhar com música instrumental

- É, sem dúvida, trabalhoso. No universo cultural brasileiro atual que está mais voltado para o entretenimento e menos interessado no conceito artístico, a música instrumental e o trabalho autoral que têm um compromisso com a originalidade, sensibilidade ou com a honestidade de criar algo que possa trazer algum questionamento ou crescimento, encontra barreiras que podem e devem ser vencidas através da perseverança e o compromisso com seus próprios valores.

O artista, instrumentista ou compositor não deve mudar a forma de se expressar e interpretar o mundo para se adaptar a um gosto dominante. Através de um serviço abnegado, deve continuar oferecendo o melhor de si. Este é o real propósito da expressão musical: Poder servir abnegadamente à música.

Como disse antes, caro Elias Nogueira, é árduo, pois existe uma tendência social cultural hoje no Brasil de desprezar a música de conceito mais acadêmico, de improvisação ou sem letra e privilegiar os estilos musicais ligados às canções com temas de apelo midiático, popularesco e/ou leviano.

Cabem às cabeças pensantes do meio artístico, imprensa, televisão e rádio, usando as mídias sociais e outros recursos de comunicação, divulgarem e promoverem a diversidade da música instrumental brasileira, seus compositores e intérpretes, criando, assim, mais espaço para todas as manifestações artísticas, fomentando o interesse do público, dando oportunidades iguais para todos os músicos e compositores se expressarem musicalmente.

Rosemary, Rosana, Alma Thomas, Wagner Tiso...

- Todas as experiências que tive como músico acompanhante dos artistas citados - foram importantes demais na minha formação e desenvolvimento como instrumentista. Coloquei a minha guitarra a serviço de cada um deles respeitando suas diferentes e demandas musicais. Acredito que a diversidade de estilos, quando bem aproveitada, serve para aprimorar minha vivência profissional e minha musicalidade.

Dividir o palco com um artista como Wagner Tiso, por exemplo, me proporcionou uma grande emoção, pois desde novo eu o admirava não só pelo trabalho como músico e arranjador do Milton, mas também por sua carreira solo. É incrível ter um ídolo que você adora e respeita e, de repente, estar no mesmo palco que ele.

#EliasNogueira

"CACASO: MAIS LEVE QUE O AR"

2020-10-27T02:41:00.000-07:00

Engraçado como o Cacaso conseguia ter muito de Manuel Bandeira e da musicalidade da Cecília Meirelles já em seu primeiro livro "A Palavra Cerzida", publicado por José Álvaro Editor, em 1967. Contudo, ao mesmo tempo em sua poesia tinha muito do poema-minuto do Oswald de Andrade, de irreverência, humor, lírica e ao mesmo tempo ácida, especialmente em sua segunda fase poética, na década de 1970.

Em suas letras havia aquela preocupação de retratar um Brasil um tanto quanto desconhecido do grande público urbano, principalmente das grandes cidades da Região Sudeste. Muito de Catulo da Paixão Cearense; a visão do Brasil rural; dos ditos populares; fauna e flora endêmicas de certas regiões, além da observação atenta do vazio e paradoxalmente tão cheio dos sertões mineiro e nordestino, vide "Canudos", "Branca Dias" e "Lero, lero", as três com Edu Lobo; "Carro de bois", em parceria com Maurício Tapajós e ainda “Lambada de serpente", com Djavan.

Mesmo com todas essas influências dava para perceber que o poema e/ou letra eram do Cacaso, como bem lembrou Edu Lobo em depoimento para o documentário sobre o vate. Porque ele imprimiu seu ethos em cada uma dessas produções, seja na poesia, mesmo na inicial, seja especialmente na sua produção de letras de música, na qual ficou mais popular e exerceu o seu ofício de poeta, aquele de falar para as massas de forma simples, exata, porém, com sustância ou sustança (acho que ele gostaria mais deste segundo vocábulo).

Tudo isto está nos poemas deste novo volume "Cacaso: Poesia Completa/2020". Que bom tê-lo entre a gente neste novo trabalho tão completo quanto o possível no momento, pois existiu uma coletânea anterior intitulada "Lero, Lero", que não deu para abarcar toda a produção de um poeta tão profícuo e polivalente quanto ele, ainda que tanto tempo depois de ter partido, antes do combinado, por sinal!

Euclides Amaral (poeta-letrista e pesquisador de MPB)

"Live" solidária e aniversário 7.3 de Carlos Dafé

2020-10-19T09:15:00.001-07:00

“CARLOS DAFÉ - O PRÍNCIPE DO SOUL”

Live solidária 25 de Outubro

Carlos Dafé é um dos ícones da MPB por ser um dos formatadores e sedimentadores da Black Music no Brasil, ao lado de artistas emblemáticos tais como Tim Maia, Gérson King Combo, Tony Tornado, Hyldon, Cassiano, Don Salvador & Grupo Abolição, além da Banda Black Rio (em sua primeira formação e da qual fez parte como cantor, ao lado de Sandra de Sá) também integrada por Oberdan Magalhães, Jamil Joanes e Luiz Carlos Batera, músicos que deram uma nova cara ao soul adicionando elementos rítmicos do samba, chegando a influenciar o soul music norte-americano da banda Earth, Wind & Fire.

Por sua importância neste movimento musical, do final da década de 1960 e início da década seguinte, Carlos Dafé detém o epíteto “O PRÍNCIPE DO SOUL”.

Euclides Amaral

"Além do cais" de Mauro Marcondes com o poeta Zé Jorge

2020-10-10T02:22:00.001-07:00

“Além do Cais” inspirada no poeta Fernando Pessoa

“Além do cais" é mais uma parceria do cantor e compositor Mauro Marcondes com o poeta e letrista Zé Jorge, cujas obras mais conhecidas foram compostas com Ruy Maurity (que as gravou em um disco que explodiu nas paradas

e teve sucessos como "Serafim e seus filhos" e “Nem ouro nem prata”).

Inspirada no poeta português Fernando Pessoa e no som do Fado, que tem tido nos últimos anos presença no Brasil nas vozes de uma nova geração de cantores portugueses, como Carminho e Antônio Zambujo, “Além do Cais” mereceu o delicado arranjo do maestro e pianista Leandro Braga.

"Além do cais" já está disponível como “single” no Spotfy e em várias outras plataformas digitais de música, assim como o vídeo da gravação está no Facebook oficial e no Instagram do cantor e compositor e em seu canal no YouTube.

Single nas plataformas e vídeo nas redes sociais
Links a seguir:

https://www.facebook.com/MAUROMARCONDESCOMPOSITOR https://www.instagram.com/mauromarcondes.compositor/ https://www.youtube.com/channel/UCMDCQSyCLnI8rzf3OuaRAeQ?view_as=subscriber

“Além do Cais” foi gravado no estúdio Lontra Music, no Rio de Janeiro, masterizado no estúdio Batmastersom e filmado pela CopaBacana, produtora de vídeos que vem realizando vários trabalhos para o cantor e compositor.

Além do Cais (Mauro Marcondes/Zé Jorge)
O teu desejo é do tamanho desse mar/é impossível em tuas águas navegar/ viver é só uma passagem, nada mais/ uma aventura além do cais/ Mergulha fundo, harmoniza teu cantar/ descansa um pouco teu coração/ a arte é também teu modo de se dar/ é mais real que a ilusão/ Desconhecido mar inconstante e voraz/ o heroico navegante perdeu a paz/ viver é impreciso como navegar/ a alma errante quer ancorar/ O teu segredo está guardado nesse mar/ mar português/ mar triunfal/ As tuas almas incansáveis de criar/ são almas vivas/ manancial...

Telma Tavares e Leci Brandão, "afago ao Rio" ganha plataformas digitais

2020-10-07T01:23:00.000-07:00

"Carioca da Gema - Rio de Janeiro" gravada por Leci e Telma Tavares no álbum "Veia Mestiça" (Telma) chega, finalmente, às plataformas digitais via Warner Chapell. O single, um samba com nuances de bossa nova, surge em um momento delicado para o Rio, cidade que anda sofrendo com a pandemia e mergulhada em problemas relativos à política. A música, exaltando o espírito cordial e festivo dos nativos, é um afago no coração daqueles que amam o Rio, naturais ou não desta cidade. Na própria canção, alguns dos exaltados são apenas "cariocas de coração" e não nasceram na "Cidade Maravihosa".

-"Sou, sou brasileiro eu sou, hospitaleiro eu sou, eu sou do Rio de Janeiro..." os versos iniciais da canção composta por Telma sinalizam para uma terra conhecida mundialmente pela alegria, cordialidade e beleza mas que anda frequentando, assiduamente, as manchetes policiais. Porém, pelos atributos evidenciados na canção, além do imenso e conhecido talento da mangueirense, a conterrânea Leci Brandão pareceu ser a escolha perfeita para dividir a faixa com a compositora - que jamais imaginou relançar sua música em uma hora tão necessária .

-"Leci retrata o espírito carioca de ser: é nativa, genuína, tem a ginga e a malemolência características do carioca. Por isso, convidei-a para dividir a faixa comigo. Só não esperava revivê-la numa hora dessas. Mas estou esperançosa, sei que tudo passará e o nosso Rio continuará lindo! Não importa o quanto tentam destruí-lo, dilapidá-lo, tal qual Fênix sempre ressurgirá. Espero que esta música, que tive a honra de dividir com a mestra Leci Brandão, sirva como um alento para os cariocas e todos àqueles que, como nós, amam o Rio", assinala Telma Tavares.

A arte, assim como a foto estampada na capa do single, são de Mariza Lima, fotógrafa conhecida pelas coberturas de espetáculos e eventos realizados pelas noites do Rio (antes da pandemia naturalmente). Uma profissional conceituada e, como as duas artistas, uma carioca apaixonada por sua cidade natal.

"Carioca da Gema - Rio de Janeiro" é o primeiro single extraído de um CD (Veia Mestiça) que ainda tem inúmeras faixas na fila para ganhar às plataformas digitais via Warner Chappell. O álbum autoral de Telma Tavares ainda conta com as participações de Alcione e Roque Ferreira (um dos seus principais parceiros). O single pode ser ouvido em plataformas como a Spotify, Deezer, Apple Music, Napster, e a faixa poderá ser adquirida na Amazon Store.

Informações da Assessoria de Imprensa

"A IRMANDADE" CHEGOU PARA CELEBRAR À VIDA

2020-09-26T04:16:00.000-07:00

"A irmandade chegou pra conquistar a Nova Era...".

O refrão do novo single composto e interpretado por DOM DALTHON já sinaliza para o positivismo desta canção que é uma celebração à vida, amizade, ao amor.

E em tempos de pandemia e tantas desavenças políticas mundo afora, uma canção pop com linguagem otimista em "clima de paz e amor", só poderia ser bem-vinda! Música que fala de fraternidade, brinda à vida, "A Irmandade" estará nas plataformas digitais a partir do dia 28 de agosto.

Uma versão em videoclipe, com inclusão de depoimentos, um making of com entrevistas concedidas por músicos e produtores envolvidos na gravação, também ficará à disposição do público no canal Youtube do artista.

O clipe de "A Irmandade" foi gravado no Playco Studio, em SP, produzido por Herbert Medeiros (responsável também pelo arranjo, direção musical e teclados) e contou com a participação dos músicos: Vandinho Carvalho (bateria), Ted Furtado (baixo), Coringa (sax e flute) e dos vocalistas André Motta e Vanessa Hariel (também responsável pelo marketing digital de Dom Dalthon). Jessé Passos (edição vocal), Luís Paulo Serafim (mixagem) e João Milliet (masterização) completam o time de gravação.

Alexander Rodrigues clicou Dalthon no Ecosom Estúdio, RJ, durante um ensaio fotográfico para a divulgação do clipe. Cantor, compositor, violonista, arranjador e produtor Dom Dalthon gosta de transitar entre a new bossa, o pop e a nova mpb. Suas canções, que procuram misturar lirismo e modernidade em doses certeiras, têm conquistado uma legião de fãs. Seguidores aos milhares que o acompanham nas redes sociais e, antes da pandemia, frequentavam suas apresentações e espetáculos realizados, principalmente, em casas do eixo Rio/SP.

Depois do lançamento da música "Espelho da Alma", que tinha as belezas do Rio como cenário, agora é mais do que oportuno mostrar "outros atrativos e belezas". Desta vez, da própria Humanidade. "A Irmandade chegou" para isso!

Informações da assessoria de imprensa

Gerson King Combo & Banda Supergroove - part. especial de Carlos Dafé.

2020-03-09T02:49:00.001-07:00

@@@Show Gerson King Combo & Banda Supergroove + Festa Blax em Noite Black! Participação especial de Carlos Dafé.

Fotos do show por Elias Nogueira

07 de março de 2020

#GersonKingoCombo #EliasNogueira #FotoJornalismo #CarlosDafé @TeatroRivalRefit

Gerson King Combo

Carlos Dafé

Gerson King Combo

Vídeo

Todas fotos por Elias Nogueira

Entrevista com Eduardo de Moraes - Frontman do Finis Africae

2020-02-04T00:50:00.001-08:00

A Finis Africae é um grupo musical brasiliense dos anos 1980. Sempre cultuada por um público fiel, eles emplacaram sucessos como "Ética", "Van Gogh" (Rodrigo Leitão/José Flores/Ronaldo Pereira/Neto Pavanelli), "Armadilha", "Deus Ateu" e "Mentiras" (Eduardo de Moraes/José Flores/Ronaldo Pereira/Neto Pavanelli) e uma das minhas favoritas “Máquinas”.

Em 1986 eles arremessaram o EP chamando a atenção de gravadoras para um lançamento posterior; a EMI-Odeon fechou o contrato com a banda e lançou o primeiro LP no ano seguinte.

Recentemente, em 15 de janeiro de 2020, o Finis Africae se apresentou no Teatro Rival Refit (RJ), fiquei emocionado com o espetáculo. O público cantou junto o repertorio inteiro do FA. Na mesma ocasião, tive o prazer de conhecer e bater um papo com o Eduardo Moraes, compositor e cantor do FA. Gentil e educado, Eduardo atendeu prontamente minha sugestão de pauta. Foi uma conversa esclarecedora, eu tinha dúvidas.

Fotos e reportagem Elias Nogueira

Eduardo entrou no grupo e logo lançou mini LP com seis faixas, inclusive com Armadilha que serviu de trilha para o filme Anjos da Noite. Como foi a sua entrada para o Finis Africae?- Em 1984 estudava Agronomia na UnB e já conhecia o Neto (primeiro baixista do grupo), conversávamos sobre música e tal, mas tinha mais proximidade com o Zé Flores (guitarrista da primeira formação). Numa noite, no bar que frequentávamos - depois de diversas cervejas Loro Jones (Capital Inicial) disse que queria formar um grupo para que ele tocasse baixo e, formamos junto com Zé Flores: Virgens.

Conto isso, porque a partir daí começou a aproximação. Virgens abriu um show do Zero e Capital Inicial naquele ano (1984) e na plateia estavam Ronaldo Pereira (primeiro baterista e compositor, atualmente produtor do FA) e Neto. O Finis vinha tendo insatisfações com o vocalista e então me propuseram entrar para o grupo.

Finis Africae na EMI, gravadora. Foi Renato Russo quem indicou? Como foi trabalhar com Mayrton Bahia?

- Depois da gravação do EP (mini LP) percebemos que a repercussão se deu a nível nacional. Inicialmente tocando no Rio, na Maldita (Rádio Fluminense), em Brasília e, em rádios menores – “Armadilha” chamou a atenção do DJ Memê que na época era programador da Transamérica. Ele se encarregou de colocar na programação da rádio e em todas as praças. Isso foi um feito histórico para uma música de produção independente e nos encheu de coragem para fazermos as malas e vir morar no Rio (de Janeiro).

Renato Russo foi um incentivador, apoiador, conselheiro, amigo e claro influenciou a gravadora na contratação – aliás, não só a nossa, mas também do Arte no Escuro e apresentou o Escola de Escândalos que não chegou a assinar. Entretanto tínhamos também muito contato com diversos jornalistas, empresários, produtores musicais e músicos de grupos cariocas e paulistas que nos ajudaram divulgando, elogiando e prestigiando o nosso trabalho nas casas noturnas em que nos apresentávamos.

A primeira opção que tínhamos de produtor era o Liminha (ex-Mutantes), o produtor da moda, o cara e gostávamos do trabalho dele - naquele momento o problema foi que a agenda dele estava fechada para os próximos dois anos e não podíamos esperar até 1988. Sugeriram o Mayrton que era prata da casa (EMI) e tinha disponibilidade e surfava numa tremenda onda de sucesso movido primordialmente pela Legião Urbana. Não havia simplesmente porque se opor e além do mais o cara era gente boa toda a vida, ouvia e respeitava a opinião de todos os músicos, experimentava as sugestões que eram dadas e tinha muito tato quando limava arranjos que não soavam bem. Enfim, o trabalho rolou redondo no estúdio da gravadora em Botafogo sob o verão escaldante da lata.

Na realidade, quantos discos foram lançados?
- Essa é uma conta complicada apesar de curta. Rumores (coletânea onde constam: “Ética” e “Van Gogh”), Finis Africae EP independente, Finis Africae LP (EMI), sem título CD (Compacto Duplo Promocional) e Finis Africae ao vivo CD. Encontram-se fitas demos de estúdio e shows gravados, alguns até com boa qualidade na internet.

Se eu não estiver enganado, aconteceu um evento que reuniu formações diferentes, foi em Brasília (2005).

- Sim foi um festival no Teatro Nacional, que infelizmente está inativo há seis anos, muito bom. Tivemos o prazer de convidar Neto, Zé Flores, Alexandre (outro guitarrista da primeira formação), Rodrigo Leitão o primeiro vocalista que gravou “Rumores” e convidado especial Mr. Loro Jones. Foi um prazer inenarrável que pode ser visto no youtube.

Em Janeiro de 2020, o FA fez um belo show no Teatro Rival Refit, no qual tocaram sucessos de carreira e uma formação que eu ainda não tinha visto. Teve a participação do Guilherme Isnard do Zero.

- Durante os dois últimos anos ensaiamos regularmente criando um novo repertório e optamos por lançar música por música nas plataformas digitais no decorrer de 2020. Nada melhor do que um show no meio do primeiro mês do ano para fincarmos o marco inicial da empreitada.

Quanto á formação, Cesar Ninne (guitarrista) já nos acompanhava nos anos 1980 e a maior parte do repertório é meu e dele em parceria. Robson Riva está conosco desde quando o Ronaldo Pereira (membro fundador) nos deixou. Major Nelson (Kongo) há uns bons anos e o novato Tony Miranda (baixo) está conosco desde 2018.

Foi um show emocionante por mostrar essa nova fase de maturidade musical resultado dessa jornada. É um show que irá se modificando a cada apresentação e sempre mostrando novidades até encerrar o ciclo com um repertório renovado. Tivemos o luxo de receber Guilherme Isnard que abrilhantou o show com a sua participação em Armadilha.

Mauro Franco arremessa a segunda temporada de uma aventura "Tempo Incerto 2 - Não Faça Isso!"

2020-01-09T01:03:00.001-08:00

“Tempo Incerto 2 – Não Faça Isso!” é seguimento do primeiro e muito bem aceito pela crítica “Tempo Incerto”.

Mais uma vez Mauro Franco nos traz um enredo muito bem elaborado, trabalhando também aspectos sociais de temas relevantes como tráfico negreiro e preconceito num contexto atraente, sedutor e encantador.

Nessa segunda temporada da aventura “Tempo Incerto” o jornalista Mauro Franco, através da incrível possibilidade da passagem no tempo, apresenta uma narrativa incrível entre a paixão avassaladora de dois jovens que vivem em tempos diferentes: Sandra, uma moça do século 21 e Cauê, um índio do século 17.

Com uma explanação ímpar e ágil, “Tempo Incerto 2 – Não Faça Isso” é uma trama encantadora que prende a atenção do princípio ao fim. Numa mistura de ficção e realidade, passeia pelo Rio de Janeiro desde a época colonial, com seus engenhos e outras características presentes na história. A trajetória destaca a importância das escolhas e decisões, bem como de suas consequências, sempre com pitadas políticas da época atual, típicas do cotidiano do autor.

Segunda parte de Tempo Incerto

- O término do primeiro livro deixou um intervalo, proposital, para a continuação da história. Trabalhar na área da ficção, principalmente com "passagem do tempo", permite a criação de uma infinidade de condições a serem exploradas. A estória do Tempo Incerto, consenti a inspiração para uma saga. Isso possibilita ao leitor questionar se erros do passado podem ter a possibilidade de serem corrigidos no presente sem alterar o futuro. Quem de nós nunca quis voltar no tempo para reparar arrependimentos ou mesmo reviver um grande amor?

Quanto tempo levou para concluir o segundo livro?

- A segunda parte já estava totalmente rascunhada para ser lançada logo depois do livro 1. Nesse intervalo, surgiram diversos acontecimentos na minha vida pessoal que forçaram postergar durante um ano. Mas foi lançado no momento certo.

A saga continua?

- Sim. O terceiro livro deverá estar pronto no meio de 2021. A história continua e as possibilidades, ou curiosidades, dos personagens aumentam trazendo um enredo de muita aventura pela cidade do Rio de Janeiro em diversas épocas. Aguardem.

@@@ Mauro Franco é: jornalista, fundador do maior jornal da Zona Sul do Rio de Janeiro, Posto Seis, com mais de 40 mil exemplares circulando. Além da grande circulação, Posto Seis se tornou o maior informativo quinzenal da Zona Sul do Rio. Mauro têm no currículo publicações como: ”Conversa de Botequim - crônicas do Barão do Posto Seis” e o guia “Rio Turístico”, ambos lançados em grande estilo.

Franco sempre foi fincado na cultura – sempre deu seu aval positivo às artes plásticas incentivando com diferentes exposições e contribuiu, também, para não cair no esquecimento, datas importantes e comemorativas do bairro de Copacabana, onde reside.

Por suas inúmeras contribuições na parte social carioca, o jornalista foi agraciado pela cidade do Rio de Janeiro com o conjunto de medalhas de Mérito Pedro Ernesto. Atualmente Franco vem se dedicando ao lançamento do seu livro “Tempo Incerto 2 – Não faça isso!” - um romance de ficção, Editora Cultura em Letras, 225 páginas.

Mauro Franco com o livro "Tempo Incerto" o primeiro da série. Foto: EliasNogueira

Victor Biglione, virtuoso da guitarra - 40 anos carreira.

2019-12-17T07:52:00.002-08:00

Sua música o levou para 23 países

Em entrevista exclusiva Victor Biglione conta boa parte de sua história na música brasileira e mundial. Ele é guitarrista, violonista, produtor musical, arranjador e compositor radicado e naturalizado brasileiro.

Tem mais de 35 discos lançados na carreira solo e parcerias emblemáticas com Wagner Tiso, Marcos Valle, Andy Summers, entre outros.

O virtuoso guitarrista é recordista em registros com artistas da MPB, mais de 300 gravações: Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Milton Nascimento, Gal Costa, Maria Bethânia, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Chico Buarque, entre outros.

Biglione fez parte do grupo musical A Cor do Som em 1982, com dois discos lançados. A partir do ano de 2013 integrou, também, O Som Imaginário (durante cinco anos), e com ele em sexteto, fechou a “Virada Cultural de São Paulo” com um show memorável no Theatro Municipal e no Rio de Janeiro, no lendário Circo Voador.

Em 2016 foi indicado ao “Grammy Latino” na categoria “Melhor Álbum Instrumental” com o CD “Mercosul”.

Victor tem uma carreira impecável, registrado em discos e shows memoráveis. Sempre renovando, o guitarrista está preparando para o início de março de 2020 um trabalho focado em Jimi Hendrix sinfônico com orquestra, prometendo ser mais um marco em sua carreira.

Victor Biglione - Jimi Hendrix “Sinfônico”
- Vivo regravando Hendrix. Tenho uma surpresa para 2020. Estou preparando para o início de março um trabalho de Jimi Hendrix sinfônico com orquestra da Petrobras. É um trabalho que vai me realizar como arranjador e guitarrista, e homenagear Hendrix com este estilo, junto a instrumentos sinfônicos.

Rio de Janeiro

- Sou cidadão honorário, o feito foi do vereador Eliomar Coelho, este título que o técnico de futebol do Flamengo (Jorge Jesus) ganhou, tenho há tempos. Sou “Cidadão Honorário da Cidade do Rio de Janeiro”. Amo este lugar. Tive inúmeras possibilidades de morar fora do Brasil e nunca aceitei. Amo muito o Brasil e todos os estados, mas o Rio de Janeiro é a minha cidade.

1958 – O ano que não deveria acabar

- Cheguei ao Brasil em 1966, tinha oito anos. Nasci em 1958, o ano que não deveria acabar; veja bem: João Gilberto lançando seu primeiro disco, Brasil primeira vez campeão do mundo no futebol e surgimento do Pelé; JK com avanço na indústria impressionante e, todo mundo feliz. O Joaquim Ferreira dos Santos, outro grande jornalista, falou em relação a 1958, o ano que não deveria acabar.

Disco novo
- Foram mais de 35 discos lançados em carreira solo. Meu novo trabalho “Classic Rock From Brazil” – é minha visão, são releituras de clássico do rock. Foi o melhor período deste estilo musical, minha opinião. Hoje em dia usam o rock para muitas coisas e muitas delas nada a ver com rock.

No CD tenho tributo aos Rolling Stones (Beggars Banquet) Banquete dos Mendigos, John Lee Hooker, Jimi Hendrix, Buddy Miles, e o circuito blues/rock que transito.

Ao vivo
- Em meus shows apresento músicas do disco novo e bem variado, em cima do Classic Rock, Blues Rock e do Jazz Rock. Tenho a oportunidade de mostrar para as pessoas como é atualmente, depois de tantos anos passados, América do Sul pode mostrar o seu recado, sua interpretação, como recebemos o estilo e podemos dar nossa interpretação sobre isso tudo, nossa visão.

No palco

- Dividi palco com John Mayer, John Lee Hooke, Robben Ford, tudo isso nas memoráveis noites de blues do “Free Jazz Festival” nos anos de1980/1990.

Livro – O guitarrista Victor Biglione & a MPB

- Está na quarta edição. Sou recordista em gravações com artistas brasileiros. Foi uma pesquisa realizada pelo Instituto Cultural Cravo Albin, executado pelo querido escritor e pesquisador Euclides Amaral. Ficou constatado que sou quem mais gravou com nomes da MPB. Foram mais de 300 gravações, não existe artista da MPB que eu não tenha trabalhado, colocado minha guitarra.

Jovem Guarda

- Tive o prazer de trabalhar com pessoal da Jovem Guarda. Falo logo do “Number 1” Roberto Carlos. Com o Rei gravei “Coisa Bonita”, música feita para sua falecida esposa Maria Rita com quem estava no auge do seu romance. Gravei com a Wanderléa, Sergio Brito...

A Cor do Som

- Estava trabalhando com a Gal Costa quando o Armandinho, meu amigo, resolveu sair d´A Cor do Som. Gravei dois discos “Magia tropical” e “As quatro fases do amor”, teve várias músicas sensacionais.

Som Imaginário

- No Som Imaginário foi um período maravilhoso, até o falecimento do Tavito. Foi entre 2013/2017. Cinco anos tocando praticamente com a formação original; Wagner Tiso, Nivaldo Ornelas, Luiz Alves, Robertinho Silva, Tavito e eu. Ficará na história. Posso dizer que faço parte do rock brasileiro.

Cinema - Trilhas sonoras

- Cinema sempre fez parte da minha vida. Minha mãe sempre fez questão que eu assistisse vários filmes, inclusive, do cinema brasileiro - filmografia de um Gláuber Rocha, Roberto Santos. Em São Paulo pude ver “A Hora e Vez de Augusto Matraga” - um filme de drama brasileiro de 1965, com a trilha sonora de Geraldo Vandré, baseado no conto de mesmo nome da obra Sagarana, de João Guimarães Rosa. Foi dirigido por Roberto Santos.

Em 1969 assisti no Rio de Janeiro o lançamento de “O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro”, com trilha sonora de Marlos Nobre e Sérgio Ricardo – dirigido por Gláuber Rocha, no Cine Odeon, na Cinelândia. Sempre acompanhei lançamentos no Brasil e os principais lançamentos internacionais. Quando fui convidado pra fazer trilhas, já conhecia o cinema e tinha uma casca grossa.

Primeiro trabalho para o Cinema Brasileiro

- O meu primeiro trabalho no cinema foi “Faca de Dois Gumes”, de Murilo Salles, em 1989. Fui premiado com “Rio Cine Festival”. Continuei fazendo várias trilhas e ganhei vários prêmios. É uma das minhas atividades que me fascina.

Premiado com dois Kikitos
- Sim! Ganhei com “Como Nascem os Anjos”, do Murilo Salles, de 1996, fui receber em Gramado (RS), foi meu primeiro “Kikito”; e com “Condor”, em 2007, com o documentarista Roberto Mader (primo da atriz Malu Mader) ganhei meu segundo “Kikito”. Adoro musicar a “Sétima Arte”

Lionel Messi: craque de futebol argentino

- Se me perguntasse se eu trocaria meu recorde da música brasileira, o estrangeiro que mais trabalhou na MPB com Lionel Messi, craque de futebol, artilheiro do Barcelona – não trocaria, sou artilheiro da música. Só trocaria a conta bancária. (risos)

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Discografia - Victor Biglione - crédito das informações: Dicionário Cravo Albin da MPB.

(2019) Classic Rocks From Brazil • Tratore • CD

(2017) Wagner Tiso & Victor Biglione - The Finland Concert • CD

(2016) Mercosul • Selo Guitarra Brasileira • CD

(2015) Marcos Valle & Victor Biglione - Live in Montreal • Rob Digital • CD

(2014) Violão de aço Brasil • Gravadora Guitarra Brasileira/Distribuição Tratore • CD

(2013) Splendid Brazil - Andy Summers e Victor Biglione • Selo VBR • CD

(2013) The gentle rain - Ao vivo • Gravadora Rob Digital • CD

(2012) Quintal Brasil - Poemas, Letras & Convidados (Participação) • Selo Ipê Mundi Records/Noruega • CD

(2011) Eternamente (participação) • MZA Music • CD

(2011) CineMúsica • Selo Baleia Azul • CD

(2010) Tangos Tropicais • Gravadora Biscoito Fino • CD

(2010) Enseada (as baladas) Série Trilogia Fusão Brasil • Selo VB Produções • CD

(2010) Guitarra Brasilis - Série Trilogia Fusão Brasil • Selo VB Produções • CD

(2010) Percurso - Série Trilogia Fusão Brasil • Selo VB Produções • CD

(2009) Uma guitarra no ‘tom’ • Gravadora Delira Música • CD

(2009) Tributo à Ella Fitzgerald - Jane Duboc e Victor Biglione • Gravadora Rob Digital • CD

(2008) Condor - trilha sonora do filme • Selo Delira Música • CD

(2008) Ao Vivo em Vitória (c/ Marcos Suzano, Carlos Malta e Arthur Maia) • Selo S. M. Benevenuto • CD

(2005) Splendid Brazil - Andy Summers e Victor Biglione • Gravadoras - T-Rec/Indie Records/World Wide • CD

(2004) Wagner Tiso e Victor Biglione ao vivo - Tocar - a poética do som • Gravadoras Albatroz/Trama • CD

(2003) Marcos Valle e Victor Biglione - Live in Montreal • Rob Digital (Brasil e Canadá) • CD

(2000) Um tributo a Hendrix - In blues rock • Universal Music • CD

(1999) Songbook Chico Buarque (vários) • Lumiar Discos • CD

(1998) Strings of Desire. Andy Summers e Victor Biglione • BMG (Brasil, Estados Unidos, Europa e Japão) • CD

(1998) Cinema acústico • Gravadora Visom Digital (Brasil, USA, Europa e Japão) • CD

(1997) Victor Biglione and Brazilian Quartet Live Montreux Jazz Festival - Ao vivo em Montreux • Leblon Records • CD

(1997) Songbook Djavan (vários) • Lumiar Discos • CD

(1996) Como nascem os anjos • Rob Digital • CD

(1996) Songbook Tom Jobim (vários) • Lumiar Discos • CD

(1995) Maquete Brasil • Sony Music • CD

(1995) Maquete Brasil • Selo Latin Jazz/Sony USA • CD

(1995) Songbook Instrumental Antônio Carlos Jobim - Tom Jobim (vários) • Gravadora Lumiar Discos • CD

(1994) Trilhas • Leblon Records • CD

(1994) Ponto de encontro • Leblon Records • CD

(1994) Victor Biglione & Marcos Ariel Duo, vol. 1 • Leblon Records • CD

(1994) Ponto de encontro (c/ Zé Renato e Litto Nebbia) • Selo Melopea (Argentina, França e Japão) • CD

(1994) Victor Biglione & Marcos Ariel Duo, vol. 1 • Gravadora Tech Records/USA • CD

(1993) Biblioteca • Gravadora Teach Records (Estados Unidos) • CD

(1993) Biblioteca (Coletânea) - Gravadora Leblon Records • CD

(1992) Songbook Gilberto Gil (vários) Gravadora Lumiar Discos (CD)

(1989) Quebra pedra • Selo Chorus/Som Livre • LP

(1989) Baleia azul - Selo Tropical Storm/WEA-USA (LP)

(1988) Jazz Brasil (vários) Gravadora Musician/WEA (LP)

(1987) Baleia azul • Selo Musician/WEA • LP

(1986) Victor Biglione • Gravadora Elektra-Musician/WEA • LP

(1983) As quatro fases do amor (c/ A Cor do Som) Gravadora Elektra/ WEA (LP)

(1982) Magia tropical (c/ A Cor do Som) • Gravadora Elektra/ WEA • LP

* Texto, fotos e reportagem por Elias Nogueira

Entrevista gravada em vídeo, em breve no ar e na íntegra.

* Agradecimentos para Euclides Amaral - Escritor, pesquisador, poeta, compositor e revisor.

Made in Brazil - 50 anos de carreira - entrevista

2019-11-07T02:38:00.000-08:00

O Made in Brazil é um dos mais antigos grupo de rock e blues no Brasil em total atividade, e uma das mais importantes no segmento.
Formada em 1967 no lendário bairro da Pompeia, berço do rock na cidade de São Paulo, fundada pelos irmãos Vecchione, Oswaldo e Celso.

Sete anos depois, em 1974, lançam o álbum de estreia intitulado “Made in Brazil” pela RCA Victor – a bolacha ficou conhecida como o disco da banana; a capa vem com foto da fruta – considerado um dos melhores discos de rock brasileiro da década de 1970, traz um rock potente, com vocais muito bem elaborados por Cornélius Lúcifer.

Em 1976 o Made in Brazil arremessa o segundo álbum de estúdio “Jack, O Estripador” com Percy Weiss nos vocais e Ezequiel Neves na produção e músicas marcantes como: "Jack o Estripador", "Quando a Primavera Chegar", "Batatinhas", dentre outras. No mesmo ano participam da coletânea Implosão do Rock.

Em 1977 gravam o disco “Massacre”, o álbum foi totalmente censurado pela ditadura militar, sendo lançado somente em 2005.

Em 1978, a banda lança o álbum "Paulicéia Desvairada". Um dos discos mais cultuado e associado ao nome Made in Brazil; quando se fala do MIB, logo vem na mente “Paulicéia Desvairada”.

Fato é que: com diferentes formações e em atividade até hoje, o Made in Brazil mantém a espinha dorsal com os irmãos Vecchione, seus criadores. Recentemente eles estiveram no Rio de janeiro, outubro de 2019, para uma série de shows por conta dos mais de 50 anos de estrada e também fazendo um tributo ao Ezequiel Neves, produtor de discos.

Um dos shows, pude conferi, foi na Sala Baden Powell (27) em Copacabana, Rio de Janeiro.

Leia, na íntegra, o bate papo com o criador Oswaldo Vecchione.

Vida longa ao Made in Brazil.

Oswaldo Vecchione e Sol - esposa e vocalista do MIB

Made in Brazil atualmente.

- Estamos comemorando os 50 anos do Made in Brazil numa turnê nacional por todo o país com dois shows. O que era para ser uma comemoração de dois shows em Sampa acabou virando uma turnê com quase 200 shows, o que é muito bacana. Em agosto passado comemoramos 52 anos de trabalhos.

Sei que está com tributo, 50 anos de carreira...
- Estamos na estrada com dois shows comemorando os 50 anos da banda. Um show elétrico (Show 50 Anos) com todo grupo e um show acústico, com uma formação reduzida; sem banda, sem guitarras.

O show acústico batizado de “Rock Vecchione Project”, temos convidados, músicos (amigos) locais para compor o elenco; como esses shows no Rio de Janeiro, onde convidamos o Guto Goffi (percussão e bateria) e Fernando Magalhães (violão).

No RJ tivemos a companhia “luxuosa” do pessoal do Barão Vermelho, resolvemos batizar os shows de “Tributo a Ezequiel Neves”. Grande amigo que nos deixou, foi produtor do Made em dois discos “Jack o Estripador” de 1976 e “Paulicéia Desvairada” de 1978 e, também, produziu discos do Barão Vermelho.

Celso Vecchione, Guto Goffi (Barão Vermelho), Oswaldo Vecchione e Fernando Magalhães (Barão Vermelho)

Os irmãos Celso e Oswaldo sempre se deram bem? Houve discordâncias?

- Brigas acontecem em todas as famílias, e no nosso caso não foi diferente. Hoje em dia, graças a Deus, não brigamos mais, apenas discutimos sobre repertório e músicas. Mas nem sempre foi assim; nos anos 1970 meu irmão ficou fora da banda e de dois discos - em 1 “Paulicéia Desvairada” de 1978, em 1981 no disco “Minha Vida é Rock´n Roll”; ele estava fora da banda e participou como convidado em poucas músicas. Na época resolvemos nos separar - ele queria fazer discos e shows mais pesados, e eu nunca abri mão de tocar e gravar blues.

Sobre os shows no Rio de Janeiro, em outubro de 2019, com integrantes do Barão Vermelho (Guto Goffi e Fernando Magalhães) e ainda Roberto Frejat.

- Os shows no RJ, na sala Baden Powell, foram muitos legais, porque marca nosso regresso a Cidade Maravilhosa. Até que enfim voltamos a atuar no RJ, onde temos um histórico de ótimos shows e várias e longas temporadas.

Foi muito mais legal poder voltar a fazer teatro no Rio de Janeiro. Já tinha convidado, no começo do ano, o Guto e o Fernando, eles tinham aceitado o convite de participar tocando no nosso show e nas nossas comemorações de 50 anos. Aí pintou as datas no teatro e nosso produtor de Brasília, o Josef Syghor, foi na frente e cuidou dos detalhes da produção e agendou dois ensaios abertos também.

Viemos montar o show “Rock Vecchione” no estúdio em Botafogo do Guto Goffi. A ideia é fazer esse “Tributo ao Ezequiel” viajar e fazer algumas apresentações em diferentes capitais como São Paulo e Curitiba, além de Brasília, nossa Capital Federal.

Celso Vecchione, Roberto Frejat e Oswaldo Vecchione

O Frejat fez uma chamada em vídeo do show e divulgar nas redes e ainda nos prestigiar e aceitar o convite para tocar, nos honrou muito! O Frejat é um grande cara, além de grande músico é um amigo querido.

Qual foi o momento marcante que até hoje você não esquece, nesses 50 anos do MIB?

- Tivemos e vivemos vários, mas poder gravar 19 discos e lançar a maioria deles em grandes shows e turnê pelo Brasil é muito importante e fundamental para MIB.
No Rio de Janeiro vivemos ótimos momentos, como no lançamento do primeiro disco em janeiro de 1975 no (Terezão), Teatro Tereza Rachel ou no auditório do MAM em 1976, no lançamento do segundo disco “Jack o Estripador” com Ney Matogrosso fazendo parte dos vocais e cantando junto com Ezequiel (Zeca) Neves e Lucinha Turnbull.
Porém, tenho sempre em mente o seguinte: O melhor está por vir com o próximo disco, com a próxima turnê “Resistência!” em 2020.

Mais de 50 anos e vários músicos.
- Na verdade são 52 anos (caminhando para os 53 em agosto de 2020) com 19 discos lançados, na estrada fazendo show permanente, desde outubro de 1974. E pelo MIB já passaram entre cantores e músicos 118 componentes. Eu, meu irmão Celso e mais 116 músicos e cantores.

Formação atual

- Oswaldo “Rock” Vecchione (voz, baixo, gaita e guitarra),

Celso “Kim” Vecchione (guitarra e baixo),

Rick “Monstrinho” Vecchione (bateria),

Guilherme “Ziggy” Mendonça (guitarra e violão),

Solange A. Blessa “Sol” (vocais),

Octavio “Bangla” Lopes (saxofone).
Convidados: Marcelo Frisoni – (violão), Rubens “Rubão” Nardo (vocais de apoio),

Tiago “Mineiro” Tavares (teclados).
- Não recrutamos músicos para acompanhar o Made. Sempre estamos fazendo festas comemorativas e convidando amigos, para participarem juntos, cantando e tocando o repertório.

A exceção foi o amigo Serguei, falecido, que sempre cantava um cover ou a música de seu repertorio “Rolava Bethânia” e o amigo e pioneiro Tony Campello, um dos primeiros cantores de rock brasileiro - fazemos questão, quando estamos juntos no Made e de tocarmos e acompanharmos ele num clássico, um sucesso dos anos 1950.

Excepcionalmente nestes shows de comemoração de 50 anos, e pela primeira vez em nossa longa carreira, temos a oportunidade de convidarmos músicos locais para tocarem no show acústico “Rock Vecchione Project”, como aconteceu nos shows do Rio de Janeiro.

Na banda, quando estamos trocando de músicos, ou convidando alguém para fazer testes, atentamos ao fato do amigo, só convidamos amigos, tem que gostar de rock, blues, Chuck Berry, Muddy Waters e Rolling Stones; tem que ter química, se não for assim não haverá liga no som, por melhor cantor ou músico que esteja tocando naquele momento conosco.

Made in Brazil - “Formação Clássica” por Oswaldo Vecchione

- A formação dos discos: “Sexo, Blues & Rock´n Roll” (1998), “Fogo na Made” Vol. I (2000) e “Fogo na Madeira” Vol. 2 (2001).

Éramos: Oswaldo “Rock” Vecchione (voz, baixo, gaita e guitarra)

Celso “Kim” Vecchione (guitarra e baixo)

Rick “Monstrinho” Vecchione (bateria), filho do Oswaldo que se transformou em grande baterista.

Alejandro “Ale” Marjanov - (guitarra e violão)

Deborah Carvalho, falecido – vocal

Octavio “Bangla” Lopes (saxofone)

Wanderley Issa Mafra – (teclados)

Essa formação tocou junto por dez anos (de 1997 a 2007) e, gravou os discos mencionados.

Em 1967 – de quem foi a ideia de formar o MIB?

- Montamos a banda no Bairro da Pompéia, Zona Oeste de Sampa. Bairro onde surgiram também Os Mutantes e Rita Lee & Tutti Frutti.
A Ideia foi minha; eu alimentava este sonho desde que ouvi um rock pela primeira vez, numa radio em 1956. Fiquei louco ouvindo Little Richard. Depois, em 1958, quando eu e meu irmão Celso, vimos pela TV Record, em São Paulo, o show do Bill Haley & His Comets – percebemos o que nós queríamos; montar e tocar numa banda de rock pelo resto de nossas vidas.

Álbuns e vídeos lançados

- São 19 discos lançados, entre LPs e CDs. Dois este ano: o vinil (LP) “Jack o Estripador ao Vivo” (180 gramas, numerados para colecionadores) e o CD Duplo: “Rock Festa” com dois shows (inteiros) gravados em dois dias no SESC Belenzinho em São Paulo com a participação de 23 amigos convidados, dentre eles: Simbas - vocal (ex Casa das Máquinas), Clemente Tadeu - guitarra (Inocentes & Plebe Rude), Serguei (falecido) – vocal - Guto Goffi baterista (Barão Vermelho), Tony Campello – vocal, Marcelo Pompeu – vocal (Korzus), Theo Werneck – violão & slide guitarra, Ivan Busic – bateria (Dr. Sin), Franklin Paolillo (Joelho de Porco, O Terço, Tutti Frutti, dentre outros).

DVDS - temos mais de 30 títulos que disponibilizamos para os fãs e quatro que produzimos e lançamos oficialmente nesses últimos 18 meses: DVD Show e Festa de 48 Anos com a participação de 30 convidados - Rock Festa: DVD (Triplo) – Com a participação de 23 convidados - Show 50 Anos – parte 1 (Triplo) – com convidados - Show 50 Anos – parte 2 (Triplo) – com convidados.

Reportagem e fotos por Elias Nogueira em 10/2019.

Entrevista faz parte de uma série de reportagens que poderá sair em livro.

Viola Perfumosa - uma homenagem a Inezita Barroso - 23 de outubro - Teatro Prudential

2019-10-18T10:47:00.000-07:00

Coletivo formado por Ceumar, Lui Coimbra e Paulo Freire

Lança seu primeiro CD no Teatro Prudential, na Glória23 OUTUBRO 2019 | 19h

O VIOLA PERFUMOSA, coletivo formado por três dos mais expressivos "cantautores" contemporâneos, Ceumar, Lui Coimbra e Paulo Freire, finalmente lança no Rio seu primeiro CD após uma série de shows em São Paulo, Belo Horizonte, Porto Alegre e Curitiba. Homenageando uma das mais emblemáticas artistas da música popular brasileira, Inezita Barroso, o disco foi considerado por uma junta dos cinco maiores críticos de música do país como o MELHOR DISCO de 2018 ( Jornal Zero Hora ). Neste show, os três artistas cantam e se dividem tocando todos os instrumentos: viola, violoncelo, rabeca, violões e percussão.

O VIOLA PERFUMOSA resgata e recicla a genialidade e a sofisticação das melodias e da poesia da música que se convencionou chamar “caipira”, compondo um mosaico do Brasil “de dentro”, “dos interiores”, ressaltando a singularidade desta obra poético-musical, iluminando a importância da presença feminina na música sertaneja de raiz.

Você já assistiu ao programa Viola, Minha Viola? E a música “Luar do Sertão”, conhece? “Tamba-Tajá” também? Tais obras ganharam corpo com Inezita Barroso, a “dama da música caipira”. No decorrer de seus 90 anos, a intérprete de “Lampião de Gás” deu-se toda à cultura interiorana, à admiração e ao respeito enormes por aquilo que está distante do urbano, aquilo que se encontra no “de dentro”. Mesmo após sua morte, em 2015, inspirações e tributos não cessaram. Entre os intentos potentes dedicados a Inezita, destaca-se o Viola Perfumosa, reunião de Ceumar, Lui Coimbra e Paulo Freire.

O encontro certo
Viola enluarada, quebrada, “marvada”… Muitas são as facetas do instrumento-símbolo que se colocou como estandarte do dito raiz. Esse caleidoscópio rural chegou a Ceumar, Lui e Paulo de formas distintas. A moça da Serra da Mantiqueira ganhou, há tempos, uma caixa de CDs de Inezita. Escutou, escutou de novo e uma vez mais. Encanto firmado. O carioca Lui conheceu grande parte do repertório da senhora Ignez por causa do pai mineiro de Ouro Fino, ouvinte assíduo. Herança paterna, portanto, a afinidade instalou-se no músico, hoje amante do folclore. Já o paulistano Paulo, ainda menino, influenciado pela leitura de Grande Sertão: Veredas (1956), embrenhou-se Brasil adentro, trilha pessoal que muito o liga à homenageada.

Profundo e além
O resgate de lembranças é elemento intrínseco ao sorver da obra em questão. Trata-se de ir às entranhas do país e de si próprio, visitar lugares e emoções que, por vezes, são postos à margem. “São músicas que moram no coração e na saudade de muita gente”, comenta Ceumar. Fora que atrelar sentimentos assim a expressões que vêm do povo é um jeito afiado de ser contra uma espécie de preconceito ainda em vigor – a insistência em virar o rosto para o que não nasce no rol do eruditismo. “Somos feitos da cultura popular – ela é uma riqueza nossa. Queremos que todos notem isto: a maravilha que é fazer parte dessa tradição”, diz Lui.

Inezita Barroso, com propriedade, sentia e engrossava o fascínio desse pertencimento. Lado artístico alinhado à pesquisa, estudou, pisou o barro, pôs as botas para andar, proseou sem fim. Como Mário de Andrade e Heitor Villa-Lobos, esmiuçou o terreno das notas coletivas; mas nem por isso vestiu-se com um ar acadêmico pesado. Ao contrário. Com humor, apertava feridas, rasgava os problemas na vista de qualquer um. “Ela carregava a força de quem luta pelo que acredita – e é independente”, frisa Paulo. São essas amálgamas, tantas e tantas, que os integrantes do Viola Perfumosa recuperam. Um retornar aos olhos que enxergam a nobreza no chão, no cotidiano, no simples. No Brasil longe da costa. Um percurso cujo efeito é, no final, possuir você também um pouco de terra e mar.

FICHA TÉCNICA - SHOW

CEUMAR : voz, violão e percussão

LUI COIMBRA : voz, violoncelo, violão e rabeca

PAULO FREIRE : voz, viola caipira e contação de causos

Idealização e Concepção do Projeto: Renata Grecco

Direção Musical: Lui Coimbra

Arranjos e roteiro: Ceumar , Lui Coimbra e Paulo Freire

Fotos : Leo Aversa

Produção : Circus Produções, Aquarela Carioca Produção de Arte, As 3 Produções

Serviço: VIOLA PERFUMOSA - Viola Perfumosa - Ceumar + Lui Coimbra + Paulo Freire - uma homenagem a Inezita Barroso

Dia - 23 outubro, quarta-feira, às 19h

Local: Teatro Prudential

Endereço: Edifício Manchete - Rua do Russel, 804 – Glória -Tel: (21) 3554-2934

Ingressso:

Inteira R$ 60

Estudante R$ 30

Sênior R$ 30

PPNE R$ 30

Prof.Munic.Rj R$ 30

Desconto 50% - Giro Metrô R$ 30

Desconto 50% - Prudential R$ 300

Duração: 80 minutos (aproximadamente)

Censura: 18 anos

Foto divulgação: Leo Aversa

Informações da assessoria de imprensa

Conversando com Elias Nogueira - Trio Ternura

2019-10-11T01:38:00.000-07:00

Jhussara & Jurema

Trio emblemático - teve reconhecimento nacional com a música “BR3”, ao lado do também emblemático Tony Tornado – as irmãs contam tudo!

Robson, Jhussara e Jurema iniciaram a carreira na década de 1960. Os três vinham de uma família musical, o pai era o compositor Umberto Silva.

Em 1968, gravaram o primeiro LP, "Trio Ternura", produzido por Nilo Sérgio e lançado pelo selo Musicdisk.

Neste disco foram incluídas as músicas "Felicidade no amor é isso", de Umberto Silva e Sílvio Sérgio; "Um dia apareceu você", de J. Ribamar e Silva Roberto; "Lá, lá, lá", de Manuel de La Calva e Ramon Arcusa, com versão de Antônio José; "Esperando você", de Robson Silva e Terezinha Curtis; "Nem um talvez", de Umberto Silva e Terezinha Curtis; "Palavras inúteis", de Luiz Fernando e José Abelardo; "Se eu vivia bem sem ter amor" (Gonna Get Along Without You Now), de Milton Kellem, com versão de Clóvis Mello; "Maior amor do mundo", de Carlos Imperial e Jorge Roberto; "Lindo" (Groovin), de Félix Cavaliere e Eddie Brigati, com versão de Carlos Wallace; "O doutor do amor menino", de José Messias; "Canção do amor que não viveu", de Ana Maria Pimenta, e ainda, "Quero você pra mim", de Cida.

No ano de 1970 o trio acompanhou o cantor Tony Tornado no “V Festival Internacional da Canção”, da TV Globo, na composição “BR-3”, de Antônio Adolfo e Tibério Gaspar, vencedora deste certame. Neste mesmo ano a música "Não vou brigar com você" (Pretty shade of blue), de Avon, com versão de Rossini Pinto, foi incluída no LP “As 14 Mais - Vol. XXIV”, da gravadora CBS.

No ano seguinte, em 1971, gravaram o segundo disco de carreira "Trio Ternura", pela CBS, no qual interpretaram as faixas "Sol quarenta graus", de Átila e Sérgio Augusto; "Sempre existe alguém”, de Umberto Silva e Roberto Low; "Uma sombra na estrada", de Cláudio e Dalto; "Liz", de Robson e César de Mercês; "A garota do sorriso de marshmellow", de Cláudio e Dalto; "Por isso eu digo: Brasil eu fico", de Fábio e Paulo Imperial; "Manequim", de Antônio Adolfo e Tibério Gaspar; "Vou morar no teu sorriso", de Hyldon Souza; "Vê se dá um jeito nisso", de Sérgio Augusto, Motta e Raul Seixas; "Cartão postal", de Hugo Bellard e Arnoldo Medeiros; "Tenho um amor comigo", de Robson e César de Mercês, e "Ah! Se eu pudesse", de Amiden e Sérgio Hinds. O LP contou com a direção de Raul Seixas.

Ainda em 1971, participaram do “VI Festival Internacional da Canção Popular - Fase Nacional”, interpretando "Kyrie", de Paulinho Soares e Marcello Silva, posteriormente incluída na coletânea do festival intitulada "As favoritas", lançada pela Som Livre. A gravação também seria inserida no LP "A medida do sucesso", lançado pela mesma gravadora.

Família musical

Jhussara & Jurema

- Viemos de uma família musical. Nosso pai, Umberto Silva, era compositor. Foi diretor administrativo da UBC, teve vários sucessos gravados; “Até Quarta-Feira”, gravada por Marcos Moram, que ganhou o carnaval com ela. “Ninguém é de ninguém” gravada por Cauby Peixoto, regravada por Agnaldo Timóteo em 2017. Esta composição teve outras intérpretes, tais como Tânia Alves e Renato Guimarães.

Sobre o Robson

Jhussara

- Robson faz muita falta. Um talento em pessoa. Meu irmão era cantor, compositor. Era a primeira voz do trio. Quando gravávamos o Robson, naquela época, já fazia falsete, nada comum para os padrões, somente os cantores negros e norte-americanos faziam, era novidade e o trio ficou marcado por isso. Robson era a primeira voz, eu a segunda e Jurema a terceira.

A Jovem Guarda

Jhussara

- Foram poucas as vezes que participamos do programa de Roberto (Carlos). Tivemos uma passagem, mas não fazíamos parte da Jovem Guarda. Não tivemos nenhuma ligação forte com a JG. Quem fez parte foi Trio Esperança, que fique bem claro! As pessoas, às vezes, confundem. Nossa onda não era a Jovem Guarda.

TTT

- Na época, a revista “Manchete” publicou assim: “TTT, Tony Tornado e Trio Ternura”. A química deu certo com Tony Tornado e ganhamos o festival com "Kyrie". Foram duas passagens no “Festival da Canção” e com muito sucesso.

Jhussara, Robson e Jurema - reprodução

Conhecendo Tony Tornado

- Na realidade Tony sempre frequentou a nossa casa, sempre fomos amigos, tocávamos violão de brincadeira... Essas coisas. Mas quem fez o convite para cantar “BR3” com Tony Tornado foram Antônio Adolfo e Tibério Gaspar. Ele ficou surpreso e adorou. Logo depois fizemos show em Guarapari e em seguida rodamos o Brasil inteiro. Depois cada um seguiu sua carreira. Seguimos a nossa e ele a dele, tanto e que virou ator, mas continuou fazendo seus shows.

Jhussara, Tony Tornado, Robson e Jurema - reprodução

Disco lançados

– Foram três LPs (1968, 1971 e 1974) e vários compactos. Na realidade, tínhamos cinco anos de carreira e lançar discos era necessário, era nosso cartão de visitas, tínhamos que gravar. Neste período era muito comum gravar, lançamos LPs e compactos. Graças a Deus foram muito bem recebidos pela imprensa e pelo público em geral. Os radialistas tocavam sempre nossas músicas e fizemos sucesso, principalmente no eixo Rio/São Paulo, depois ficamos conhecidos em outros estados.

LP de 1971 produzido por Raul Seixas

Jurema

- Nós conhecemos Raul Seixas, que era chamado de Raulzito no dia a dia. Sempre nos esbarrávamos em estúdios, gravadoras e ficamos amigos. Foi o último disco lançado como trio, na formação original. Raul era muito amigo do meu pai.

Jhussara

- O Raul chegou para Umberto, meu pai, e disse: Vou produzir seus filhos. Gosto muito deles, são muitos avançados para época. Fizemos este álbum no mesmo período em que trabalhávamos nos vocais dos discos de Raul. Ele nos produziu porque gostava do timbre de nossas vozes, do trio. Nós fazíamos vocal para os discos dele. Um exemplo bem comum é “Eu nasci há dez mil anos atrás”.

Jurema

Outra coisa: A música de Antônio Adolfo e Tibério Gaspar “Manequim” é muito linda!

Nas composições têm Sergio Hinds e César de Mercês (O Terço), Dalto (aquele que fez sucesso com “Muito Estranho”), Cláudio Rabelo, Hyldon, dentre outros autores reconhecidos. Com se deram estes contatos?

- Eles estavam sempre por perto, no mesmo espaço e todos foram apresentados pelo meu pai, foi ele quem os trouxe para o nosso convívio, firmamos amizade profissional e amizade particular, a ligação profissional foi muito grande com essas pessoas.

Antônio Adolfo e Tibério Gaspar foram os principais compositores de vocês?

- Um deles. Mas foram os que ficaram marcados na história, por causa da “BR3”.

Mudança na formação para “Quinteto Ternura”, em 1974.

Jhussara

- O que aconteceu foi a saída do Robson do trio, foi fazer carreira solo. Colocamos dois irmãos Leo e José Roberto. Mas enveredou para outro caminho. Eles queriam fazer, cada um, a carreira individual. Eu e Jurema chegamos a pensar em fazer uma dupla. Na época já existia Quarteto em Cy e não queríamos qualquer semelhança, não queríamos repetir nada, mas qualquer semelhança é mera coincidência. Muito embora o Trio Esperança tenha aparecido muito antes do Trio Ternura, podemos até ter inspiração, eram duas meninas e um rapaz, a formação pode ter influenciado um pouco. Já cantávamos em casa nas brincadeiras de crianças. Entendo esta comparação, na época era novidade. Inclusive quem lançou Trio Ternura foi Haroldo de Andrade (nome de grande expressão na comunicação, lendário radialista, lançou vários artistas renomados), que era muito amigo do meu pai. Depois fizemos o programa do Mário Luiz, também da Rádio Globo.

Comparação com os Jackson´s

- Quando nos lançamos como Quinteto, muitos falavam que parecíamos a família Jackson, Jackson Five. Que era um honra! (risos)

Em tempo:

Jhussara

- Depois da separação do trio continuei trabalhando. Fiz vocal, oito anos, para Baby Consuelo e Pepeu Gomes. Fiquei 18 anos com Elba Ramalho. Depois fui fazer pra Beth Carvalho. Eu e Jurema fizemos Ana Carolina, o show “Dois Quartos”, do disco do mesmo nome de 2006. Faço muita coisa para o Rildo Hora, trabalho com o produtor Jorge Cardoso, que é produtor da cantora Alcione e meu marido. Atualmente estou trabalhando na minha carreira individual. Tenho um projeto chamado “Aquarela das Estrelas”, produzido por Jorge Cardoso. Somente músicas de artistas com quem trabalhei fazendo vocal. Eu canto Alcione, Elba Ramalho, Zeca Pagodinho, Jorge Aragão, Beth Carvalho, Ana Carolina, entre outros. A primeira convidada será Elba Ramalho. Ainda não tem data definida, isso requer muito ensaio, reunir músicos, agendas etc. Ano que vem com certeza estreia.

Jurema

- Meu filho, Umberto Tavares, primeiro neto da Dona Erondina da Silva, ela quem colocou o nome do avô. Resolveu ser compositor, deu certo e grava com vários artistas, entre eles, Belo, Anitta, Ludmila, Nego do Borel e Gustavo Lins.

Tony Tornado & Trio Ternura - BR3

Reportagem e fotos por Elias Nogueira em 04/10/2019.

Entrevista faz parte de uma série de reportagens que poderá sair em livro.

Agradecimento ao Valdir Siqueira - cedeu fotos das capas e label dos discos que ilustram a reportagem.

The Fevers - Os Reis dos Bailes

2019-09-26T02:07:00.000-07:00

Conjunto comemora 54 anos de estrada com show lotado

Considerada a banda mais popular do Brasil, os Fevers mantém uma média de 100 shows por ano, com apresentações por todo país e no exterior. No Rio de Janeiro, em sua cidade natal não foi diferente. No show em 18 de setembro, no Imperator (Méier) foi lotação esgotada - se tivesse mais sessão teria público grande, disse a funcionaria da bilheteria da casa.

A produção é do experiente e renomado empresário "José Carlos Marinho" - dono da Marinho Produção Artisticas.
atendimento@marinhoproduções.com.br

Como de hábito os Fevers colocaram todos para cantar e dançar ao som de seus grandes sucessos - “Já Cansei” (1968), “Agora Eu Sei” (1969), “Cândida” (1970), “Vem Me Ajudar”, “Mar de Rosas”, “Sou Feliz”, “Nathalie”, “Se Você me Quiser”, dentre outros tantos.

The Fevers mantém em sua formação original Liebert Ferreira, contrabaixo, vocal, arranjos. “Não penso em parar, vou tocar até quando Deus quiser”, comentou Liebert com endossamento do vocalista Luiz Cláudio que entrou na banda em primeiro de março de 1969.

A formação atual dos Fevers: Liebert Ferreira (contra baixo) e Luiz Cláudio (vocalista) - Rama (guitarra), Otávio Monteiro (bateria) e o músico Cláudio Mendes (teclados) que entrou no lugar do Miguel Ângelo, falecido.

Se alguém ainda duvida, segue o link para conferir.

The Fevers - História

Influenciados por Elvis, Beatles e Rolling Stones, The Fevers iniciou suas atividades musicais no Colégio entre amigos em 1.965, na zona norte do Rio de Janeiro. Em função do destaque em suas apresentações ao vivo, foram convidados a acompanhar musicalmente as principais estrelas brasileiras do movimento que se espalhava por todo o mundo, o chamado Rock n’ Roll, do qual no Brasil, os Fevers tiveram grande participação e importância, foram contratados para atuar no principal programa jovem em rede nacional de TV da época, a “Jovem Guarda”, transmitido ao vivo aos domingos pela TV Record de São Paulo, apresentado por Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa.

O nome da banda surgiu inspirada em um sucesso de Elvis Presley – “Fever”. Destacaram-se gravando grandes versões de sucessos internacionais, acompanhando a evolução do mercado musical, mantendo a pegada de rock n’ roll que os lançou, sempre com ritmo dançante, mas acrescentando um toque de contemporaneidade aos novos trabalhos, seja na tecnologia instrumental ou na adaptação de suas obras às novas mídias.

O programa Jovem Guarda saiu do ar em 1968, mas o movimento que introduziu a guitarra elétrica e os instrumentos eletrônicos na música brasileira continuou em cena.

Os Fevers foram contratados pela gravadora EMI Odeon, onde emplacaram inúmeros hits nas principais paradas de sucesso do País: “Já Cansei” (1968), “Agora Eu Sei” (1969), “Cândida” (1970), “Vem Me Ajudar”, “Mar de Rosas” (recentemente regravada pela banda baiana Chiclete Com Banana), “Sou Feliz”, “Nathalie” (todas de 1971), “Deus” (1972), “Alguém Em Meu Caminho”, “Hey Girl” (as duas de 1973), “Sou Assim” e “Marcas do Que Se Foi” (1976), “Pra Cima, Pra Baixo” e “Gengis Kan” (1978), “Elas Por Elas” (1982), “Guerra dos Sexos” e “Por Causa de Você” (1986), regravada pela banda KLB “Um Louco” (1988), “Trem da Alegria” (1985), esta lançou o grupo Trem da Alegria, conquistaram o titulo de “Banda Mais Popular do Brasil”.

O resto da história fica para outra ocasião.

Conversando com Elias Nogueira - Renato Piau

2019-08-30T02:47:00.000-07:00

Entrevista exclusiva e inédita em texto e vídeo (na íntegra) com legendário Renato Piau

Renato Piau é de Teresina, Piauí – guitarrista, violonista, compositor, cantor, arranjador e produtor fonográfico. Em 1971 mudou-se para o Rio de Janeiro seguindo a dica do poeta Torquato Neto, com quem estreitou amizade e o apresentou ao poeta Sérgio Natureza, com quem iniciou parceria.

Como guitarrista e violonista acompanhou boa parte dos artistas da MPB. Fundou a editora musical e gravadora “Guitarra Brasileira”, pela qual lançou vários discos de artistas nacionais.

No ano de 2005 lançou o songbook "Renato Piau - Guitarra Brasileira", no qual apresentou 17 composições.

É um dos fundadores do Bloco do Sampaio, entidade carnavalesca em homenagem ao cantor e compositor Sérgio Sampaio.

Na década de 1970 tocou com Raul Seixas, Sérgio Sampaio, Luiz Gonzaga, Raimundo Fagner, Naná Vasconcelos, Chuck Berry, Sandra de Sá, Ron Carter, Tânia Maria, Baiano e Os Novos Caetanos (fez parcerias com Arnaud Rodrigues e Chico Anísio), Zé Ramalho, dentre outros.

Nos anos 1980 acompanhou Luiz Melodia com quem desenvolveu parcerias em várias composições, entre elas, "Cara a cara", "Morena da novela" e "Cuidando de você", gravadas com sucesso, pelo próprio parceiro e ainda "Este filme eu já vi", interpretada por Cássia Eller, com quem também trabalhou como violonista. Participou da banda Vitória-Régia, que acompanhava Tim Maia.

No ano de 1995, gravou o primeiro disco individual "Guitarra Brasileira", lançado pelo Selo Amazon Records, disco no qual contou com a participação especial de Luiz Melodia nas faixas "Fadas" (Luiz Melodia) e "Me beija" (c/ Luiz Melodia e Tureko). Neste mesmo disco, regravou "Palhaço" (Nelson Cavaquinho, Oswaldo Martins e Washington Fernandes).

Em 1998 participou do CD "Balaio do Sampaio", disco produzido por Sergio Natureza para a MZA e distribuído pela Polygram. O CD contou com as participações de João Nogueira, Erasmo Carlos, Zizi Possi, Chico César, Zeca Baleiro, Elba Ramalho, Eduardo Dussek, João Bosco, Luiz Melodia, Jards Macalé, Lenine e o próprio Renato Piau interpretando a faixa "Que loucura".

Em 2017 seu songbook "Renato Piau - Guitarra Brasileira" foi atualizado e reeditado pela editora, paulistana, Keyboard Editora Musical Ltda.

Conversando com Elias Nogueira – Renato Piau

Chuck Berry
– Fui pela primeira vez a Suíça com Luiz Melodia (julho de 1987). Saímos de Saint-Tropez na França, para tocar no Paleo Festival em Genebra, ainda acontece este evento até hoje, sempre têm artistas do mundo inteiro. Nesta ocasião, além do Luiz Melodia, estavam The Beach Boys e Chuck Berry que era a grande atração do dia. Ao final do show, ele chamou todos os músicos presentes e de posse de seus instrumentos para dar uma canja com ele. Eu me fiz de besta, peguei minha guitarra e tocamos Johnny B. Goode.

Ron Carter

- Conheci em Nova Iorque em show que fiz na cidade. Quem ia fazer este evento era Tim Maia, mas ele, com medo de avião, não foi. Eu fui e fiquei quarenta dias em Mahantam, residindo, perto da 5ª Avenida. Aproximei-me do Naná Vasconcelos, Tânia Maria. Cheguei fazer umas apresentações com o Naná, e numa delas o Ron Carter apareceu, nos prestigiou e ficamos amigos.

Início nos anos 1970

– Torquato foi aluno do meu irmão que dava aulas de inglês, nós tínhamos uma amizade familiar. Torquato já estudava na Bahia e conhecia a turma da Tropicália. Certa vez foi visitar os pais em Teresina, eu soube que ele estava lá pelo rádio.

Procurei por ele, não lembro como se deu. Mas eu era fã do Torquato desde que escutei uma composição dele e com Gilberto Gil “A Rua”. Ele cabeludo, era uma ousadia na época.

Comentei com ele que queria ir para o Rio de Janeiro, tinha 17 anos incompletos. Perguntei se ele me daria um apoio quando chegasse a Cidade Maravilhosa. Ele disse: - Vá. E quando lá chegar me procure.

Quando cheguei ao Rio, não lembro quanto tempo depois, fui até a Muda (bairro carioca na Zona Norte). Quando cheguei senti que o negócio era barra pesada, nível intelectual top de linha.

Tive a pretensão de chamar o Torquato para fazer parceria em música, naturalmente ele se esquivou, eu era novo no meio - mas ele me apresentou o Sergio Natureza. Foi assim que comecei a compor com Natureza, por indicação do Torquato Neto.

Duas composições, nossas, foi gravada por Edy Star “Sweet Edy” e “Bem entendido”. Um disco que tinha Roberto Carlos, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Getúlio Cortes, era muita gente.

Edy Star era o cara que lotava as boates do Rio de Janeiro; Cowboy na Praça Mauá, era uma delas - todas casas ficavam cheias. Ele era muito requisitado nas noites cariocas. Para minha surpresa, 40 anos depois, a música “Sweet Edy” entrou na trilha sonora do filme “Lampião da Equina”.

“Pais e Filhos” foi outra composição com Arnaud Rodrigues, que Tim Maia gravou – foi pós Racional, aquele que tem “Sossego”. Essa música foi regravada por Arlindo Cruz e seus filhos. Teve até vídeo clipe. Foi muito bom.

Raul Seixas

– O Raul Santos Seixas era executivo de gravadora, morava em Ipanema. Frequentei muito a casa dele no Jardim de Alah, RJ. Era o produtor de Jerry Adriani, Leno e Lilian, dentre outros. Eu era contratado da CBS (gravadora), na realidade o conjunto Os Selvagens do qual eu fazia parte, e quem produzia era o Rossini Pinto; os guitarristas que me antecederam nos Selvagens foram: Hyldon e Michael Sullivan.

Sullivam saiu dos Selvagens para tocar com os Fevers ou Renato e Seus Blue Caps, não lembro bem. O Hyldon saiu também e foi para Philips produzir discos, eu permaneci nos Selvagens e fiz muitos programas do Chacrinha - acompanhávamos vários cantores; Roberto Leal, Odair José, Reginaldo Rossi, essa turma. Fiquei durante um ano no conjunto – depois ingressei no grupo Faya que era: Sérgio Magrão (O Terço e 14 Bis) no baixo, Luiz Moreno (O Terço) na bateria e Ricardo Matos o flautista.

Luiz Gonzaga

- Tocávamos no Teatro Tereza Rachel (atual Theatro Net Rio, em Copacabana, na Zona Sul do Rio), era sempre por volta da meia noite, fizemos com Fagner, Jorge Mautner - o espetáculo era uma festa, sextas-feiras e sábados. A Cor do Som também fazia.

A noite era longa - 21 horas era o horário da Gal Costa “Gal a todo vapor”; logo após o show da Gal, Jorge Salomão, poeta, compositor e produtor convidou, o grupo Faya, para uma audição com Luiz Gonzaga, O Rei do Baião.

Foi o Gonzaga quem me apresentou a “nata” da música popular. Fizemos o teste para apresentação no Teatro Tereza Rachel. Acabou me contratando. Fiquei três meses trabalhando com Gonzagão, de quarta-feira a domingo, em 1973.

Sérgio Sampaio

- Não conhecia o Sérgio, ele estava sempre na CBS, via sempre. Quem tocava com ele, guitarrista, era o Renato Barros, do Renato e Seus Blue Caps. Renato sempre foi flamenguista e sempre foi amante de futebol, e algumas vezes não aparecia por causa dos jogos do Flamengo. Quando tinha gravação urgente o Raul me chamava, e outras vezes, era pra eu mesmo fazer.

Num belo dia de domingo escutei ele (Sampaio) na Rádio Mundial, líder de audiência na época, a música: “Classificados N°1”, achei linda. No dia seguinte, quando chego a CBS, dou de cara com Sérgio Sampaio. Falei que havia escutado sua música na rádio.

Depois de conversa e mais conversas (veja o vídeo com entrevista na integra abaixo), ele chamou até sua casa no Catete, ficamos tocando violão; foi ali que criei a introdução para “Eu quero é botar meu bloco na rua”.

Ele gostou bastante e prometeu que se a música fosse classificada iria me apresentar junto com ele no VII FIC - Festival Internacional da Canção - 1972, foi o que aconteceu. Fomos classificados - o Raul já tinha saído da CBS, e foi para Phillips, atualmente Universal.

Logo depois gravamos “Meu pobre blues”. O melhor disso tudo foi quando nosso querido Big Boy (o mais importante disc jockey de sua época, responsável por uma verdadeira revolução no rádio brasileiro. Como locutor, introduziu uma linguagem jovem, mais próxima do público que o ouvia, um dos maiores conhecedores de música da época) – escutou a gravação, minha guitarra distorcida, ele tinha uma coluna no jornal O Globo, e escreveu assim: Muito boa, a gravação de Sérgio Sampaio para “Meu pobre blues”, quem é o guitarrista? Devido a isso, começaram colocar os créditos nas fichas técnicas dos discos, coisa que até então não faziam.

Luiz Melodia

- Meu irmão, parceiro, amigo e até hoje sinto sua falta. Logo que ele partiu fiquei isolado em Petrópolis, não conseguia fazer nada. Foram três meses de angústia. Não lembro quando conheci o Luiz. Talvez tenha sido no Tereza Rachel, na porta onde apareciam vários amigos, Waly Salomão quem deve ter nos apresentados.

Desde o momento em que conheci Luiz Melodia, rolou uma química muito boa. Luiz pegava o violão e tocava direto uns 50 minutos, músicas que ninguém conhecia, “Magrelinha”, “Surra de chicote”, “Objeto H”, “Pérola Negra” era conhecida por causa da Gal Costa. Eu era guitarrista primordialmente do Sérgio Sampaio.

Começamos parceria sem fazer música. Recordo que morei com ele numa casa no Recreio dos Bandeirantes que era do Tibério Gaspar (compositor de Sá Marina, (Meia volta) Ana Cristina, BR 3, dentre outras músicas de sucesso). A casa foi alugada pela gravadora ao Luiz Melodia durante o período de gravação do disco “Pérola Negra”, se não me engano foram quase dois meses.

Morávamos na casa: eu, Rubão Sabino, Luiz Melodia e Daminhão Experiença (Daminhão Ferreira da Cruz, mais conhecido por seu nome artístico Daminhão Experiença, foi um cantor-compositor, letrista, multi-instrumentista, produtor de discos e acumulador compulsivo brasileiro).

Muitos não sabem e acham que ele era um pobretão, mas Daminhão era aposentado da Marinha, tinha casa própria e já tinha carro naquela época, “Fusca Fafá de Belém”, tinha maior ciúme do carro.

Voltando ao disco, Perinho Albuquerque gravou a maior parte das guitarras, fiz guitarra em “Farrapo humano”. Não toquei no show de lançamento do disco, meu filho estava para nascer. Quem tocou foi Perinho Santana. Fui para Brasília ver meu filho e levei o Luiz comigo. Fizemos o primeiro show dele na cidade. Tenho isso gravado e pretendo lançar um dia. Tenho muita coisa gravada comigo e tenho que lançar isso, Melodia, Tim Maia - é egoísmo ficar com isso guardado.

Renato Piau - Cara a Cara

Quer ver na íntegra a entrevista? Foi gravado em vídeo e o link segue abaixo, em duas partes. Renato Piau fala muito mais e ainda comenta sobre seu selo musical “Guitarra Brasileira”.

Para conferir o bate-papo na íntegra, em dois vídeos no link a seguir:

parte - 1

parte - 2

Ringo Starr "Estrela sempre brilhante"

2019-08-17T00:56:00.004-07:00

Foto: Elias Nogueira

Falar de Ringo Starr é um fato que o mundo inteiro sabe. O baterista mais famoso do mundo, um Beatle, carismático, inteligente, abrigava a arte dentro de si. Além de baterista, é ator (dos bons), toca piano, canta, compõe, fotógrafo, emblematizou músicas dos Beatles com sua voz...

Era na simplicidade que residia a genialidade de Ringo Starr, autor de batidas memoráveis como as de “Come Together”, “Tomorrow Never Knows”, “Ticket to Ride”, “Helter Skelter”, “Rain” e muitas outras coisas – não era a toa que depois da separação dos Beatles, o baterista foi o músico mais requisitado, tanto pelos seus e companheiros de banda como outros famosos.

Sir. Ringo Starr integrou o maior grupo musical de todos os tempos na história do rock - The Beatles. E isto por si só bastaria, ainda que ele não fosse o grande músico que é.

Aí passamos para a história de quem veio primeiro: o ovo ou a galinha? Fato é: os Beatles só conseguiram a fama após Ringo Starr ter assumido as baquetas - será coincidência?

Verdade é que Ringo Starr é praticamente um caso único na música popular mundial. Um baterista, com carreira solo formal, tem uma infinidade de trabalhos lançados após a dissolução dos Beatles, sem contar com os discos ao vivo e DVDs de shows, além de participações em discos e shows de amigos famosos.

Em 1989 criou coragem para encarar turnês bem sucedidas com a sua All Starr Band, uma grande sacada de Ringo, onde juntou grandes nomes da nata do rock e com eles divide o palco, os holofotes e a atenção do público. All Starr Band continua em atividade até os dias atuais, com formações diferentes, com artistas e músicos emblemáticos.

"Ringo Starr é para aqueles que realmente entende de música, musicalidade, tanto é que só bateristas renomados se alimentam do som do Richard, fato. Ringo Starr é o melhor e mais bem-sucedido baterista de todos os tempos".

Peace and Love

Foto: Elias Nogueira

#RingoStarr

#EliasNogueira

#TheBeatles

A LETRA & A POESIA NA MPB: Semelhanças & diferenças - por Euclides Amaral

2019-07-02T01:36:00.000-07:00

Lançamento do livro - 23 de julho
Bar do Ernesto, Largo da Lapa, 41- 19h

Sinopse do livro “A LETRA & A POESIA NA MPB: Semelhanças & diferenças”
por Euclides Amaral – EAS Editora, 2019

O autor define o trabalho como “A influência da poesia provençal do século XI, e ibérica do século XVI, na formação de uma identidade líteromusical dos letristas brasileiros do século XIX ao XXI.”

Seguem cinco opiniões de importantes balizadores na área de pesquisa acadêmica sobre o tema:

Segundo Fred Góes (Letrista, ensaísta e Doutor em Teoria da Literatura) “Importante também ressaltar o fato de que o autor dirige sua atenção tanto para a música (melodia, harmonia e ritmo) quanto para o texto poético, para a letra da canção, contemplando assim os dois códigos fundadores da canção popular. Outro dado que merece destaque é a utilização de um registro de linguagem leve, usual, sem, no entanto, cair nas armadilhas da vulgaridade.”

De acordo com Júlio Diniz (Ensaísta e Doutor em Literaturas de Língua Portuguesa) “A linguagem empregada oscila entre o tom jornalístico e o historiográfico, às vezes até poético, possibilitando ao leitor entrar em contato com as centenas de informações levantadas, as análises propostas e as conclusões de inúmeras pesquisas que Euclides Amaral realizou nos últimos anos, predominando a relação entre a poética da palavra cantada e a da palavra escrita. A leitura crítica dessa relação é muito bem realizada, potencializando a figura do letrista da poética popular como um poeta tão sofisticado e histórica e esteticamente importante quanto os artistas do campo erudito.”

Sérgio Natureza (Poeta-letrista) vaticina quanto à pesquisa realizada: “A partir deles, Euclides Amaral enfoca, neste livro, seus legítimos herdeiros, sucessores do trabalho pioneiro/ essencial que eles, os patriarcas, nos legaram.”

Sergio Fonseca (Letrista e professor de Português-Literatura) afirma “Agora vem este livro de Euclides Amaral e recoloca essa discussão na pauta. Sem nenhuma intenção de esgotar o assunto, ele aponta semelhanças e diferenças entre letra e poesia na MPB, discorrendo sobre canções e autores, citando fontes de estudo e nos obrigando a refletir sobre o tema.”

Ricardo Cravo Albin (Musicólogo e escritor) ressalta sua importância na área da pesquisa acadêmica: “Amaral se incorporou ao nosso ‘Dicionário Cravo Albin da MPB’ em 1999, ou seja, é pioneiro na construção do hoje considerado pela UNESCO o mais extenso banco de dados do mundo em música popular.”

O autor, pesquisador do Instituto Cultural Cravo Albin, publicou diversos livros sobre a MPB, entre os quais Alguns Aspectos da MPB, em 3ª edição, com os ensaios “O Samba”; “O Choro”; o “O Hip hop”; “O Funk”; “A MPB no Cinema Nacional de 1895 a 2014” e “A contribuição estrangeira na MPB do século XVI ao XXI”.
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Foto: Elias Nogueira

Release do autor

Pesquisador de MPB, poeta, letrista, produtor musical e gráfico. Formado em Comunicação Social (Publicidade & Propaganda) pela Universidade SUAM.

Cursou Português-Literatura na Gama Filho. Fez trabalhos de produção iconográfica, revisão de português e de conteúdo para diversas editoras, entre as quais a MEC/Funarte, no livro MPB - A História de Um Século. 2ª ed.

Revista e ampliada, de Ricardo Cravo Albin, em 2012. Como pesquisador teve acesso a acervos de instituições como Museu da Imagem e do Som, EMI-Odeon, Biblioteca Nacional, Funarte e Instituto Cultural Cravo Albin. Foi curador em vários projetos musicais, tais como Quintas no BNDES.

Entre 1999 e 2019 atuou como pesquisador musical da Biblioteca Nacional, FAPERJ, PUC-Rio, FINEP e CNPq, com bolsas de pesquisa das referidas instituições. Neste período, trabalhou como redator e pesquisador musical do Instituto Cultural Cravo Albin, para o qual produziu verbetes para o site dicionariompb.com.br e para o Dicionário Houaiss Ilustrado Música Popular Brasileira (Editora Paracatu, 2006).

Publicou o livro de pesquisa e ensaios musicais Alguns Aspectos da MPB (Editora do Autor, 2008/2ª ed. Esteio Editora, 2010 - 3ª ed. EAS Editora, 2014) e a biografia O Guitarrista Victor Biglione & a MPB (Edições Baleia Azul, 2009/2ª ed. Esteio Editora, 2011 - 3ª ed. EAS Editora, 2014).

Colaborou em jornais e revistas com textos sobre a MPB. Como escritor publicou os livros de poesias Sapo c/ Arroz (1979/2ª ed. 1984), Fragmentos de Carambola (1981), Balaio de Serpentes (Poemas & Letras-1984), O Cão Depenado (1985), Sobras Futuristas (1986), Cynema Bárbaro (1989), Emboscadas & Labirintos (contos/Editora Aldeia, 1995), Desafio das Horas (poesias e letras, 2013), Poesia Resumida - Antologia Poética 1978/2012 (Edições Casa 10 Comunicação, 2013 - 2ª ed. EAS Editora, 2014).

Publicou poemas em fanzines, jornais, revistas e antologias por várias editoras do país. A partir de 1978 produziu cerca de 30 discos para selos, gravadoras e artistas independentes. Como letrista tem registradas em CDs mais de 60 composições, entre gravações e regravações, em parceria com Aljor, Big Otaviano, Bóris Garay, Cacaso, Carlos Dafé, César Nascimento, Claudio Latini, Cristina Latini, Eliane Faria, Elza Maria, Helô Helena, Ivan Wrigg, Jaime Pontes, Jênesis Genúncio, Jô Reis, Joel Nascimento, Lúcio Sherman, Marcelo Peregrino, Maria Tereza, Marko Andrade, Milton Sívans, Moisés Costa, Olten Jorge, Paolo Vinaccia, Paulo Renato, Reizilan Cartola Neto, Renato Piau, Reppolho, Rubens Cardoso, Sérgio Gramático Júnior, Sidney Mattos, Silvana Elizabeth, Victor Biglione e Xico Chaves.

Entre seus intérpretes constam, além de muitos de seus parceiros citados, André Henriques, Anna Pessoa, Banda Du Black, Bernardo Diniz, Ceiça, Denise Krammer, Edir Silva, Flávio Leandro, Grupo Mamulengo, Jaidete Varjão, Jane Reis, Jorge de Souza, Luiz Melodia, Luiza Dionizio, Mário Bróder, Martha Loureiro, Namay Mendes, Paulinho Miranda, Pecê Ribeiro e Solange Pereira. Gravou poemas em seis CD de parceiros e em seu disco solo Quintal Brasil - poemas, letras & convidados, (Selo Ipê Mundi Records/Noruega, 2012), no qual interpretou poemas e teve a participação de parceiros e intérpretes nas 17 composições.

Em 2019 finalizou o CD Perfil – letras, poemas, parcerias & intérpretes, gravando poemas e contando com a participação de parceiros e intérpretes nas 19 faixas. Saiba mais em dicionariompb.com.br.

Arnaldo Brandão lenda viva do Rock Brasil

2019-05-29T01:35:00.001-07:00

Roberto Carlos achava um saco, só gostava do Erasmo,

meu negócio era Beatles, Rolling Stones e Jimi Hendrix!

Um dos ícones do rock brasileiro revela particularidades de sua história na música

Reportagem e fotos por Elias Nogueira

Arnaldo Brandão conheceu Raul Seixas no início dos anos 1970. Ainda menor de idade, o baixista da banda A Bolha gravou com Gustavo Schroeter e Pedrinho Lima o primeiro compacto do cantor e compositor baiano, que incluía os clássicos "Não pare na pista" e "Como vovó já dizia".

No ano de 1971 foi para Londres

– Em 1971 fui para Inglaterra e tive a sorte de conhecer o Mike Taylor (ex-guitarrista dos Rolling Stones), moramos na mesma residência durante um tempo, lembra Arnaldo.

Ao regressar, em 1975, aterrissou direto na banda de Raul Seixas que se apresentou no lendário festival “Hollywood Rock”, na Praia de Botafogo. Começava, de fato, a carreira de um dos músicos mais influentes do rock brasileiro.

Ainda na banda de Raul Seixas, Brandão conheceu outro baiano, Caetano Veloso. O famoso baixo de “Odara” gravado no álbum “Bicho”, de 1977 transformou-o em unanimidade entre os músicos.

Fundou o The Bubbles, que logo trocou o nome para A Bolha. Depois integrou a Outra Banda da Terra, de Caetano Veloso, passou pela Banda do Zé Pretinho, de Jorge Benjor, até formar o grupo, Brylho, ao lado de Cláudio Zoli, responsável pelo sucesso “Noite do prazer”. Em 1986, impulsionado pela versão gravada por Caetano Veloso "Totalmente demais" (dele e Tavinho Paes), fundou o Hanói Hanói, assumindo também o posto de vocalista do grupo, com o qual gravou alguns discos. Período em que compôs os sucessos “Rádio blá”, com Lobão e Tavinho Paes, e “O tempo não para”, com Cazuza.

Em tempo, Arnaldo lança “Brandão Psicopop”.

- Psicopop é uma tentativa de fotografar o invisível, uma maneira, ao mesmo tempo de me afastar do cotidiano, tentar submergir e tentar encarar o real por outro plano. Não no plano na base de alienação, mas na base de uma consciência, mas com certo distanciamento dessa multiplicidade que acontece hoje em dia - digo que é uma tentativa de fotografar o invisível, através dos afetos, sentimentos de raiva, amor, até mesmo loucura.

A ideia é minha, mas peguei esta palavra “Psicopop” de uma coletânea que o Tavinho (Paes), meu fiel parceiro, fez quando era diretor da Indie Records há anos. Peguei esse nome, fiz uma canção com ele e resolvi batizar o disco com este nome.

São dez faixas com minha produção. Têm quatro músicas que fiz sozinho, outras cinco com Tavinho Paes e uma com Fausto Fawcett, que participou com um texto enorme chamado “Coliseu”.

Demorou mais de ano até ficar pronto. Com a crise no Brasil, tive que fazer outros projetos para cobrir as despesas do disco, mas ficou como eu queria. Depois percebi que tinha que fazer vídeos clipes, isso atrasou mais ainda o lançamento. Hoje as pessoas não escutam a música, elas veem a música através de imagens, vídeos clipes. Sou ignorante no sentido de criar conceitos visuais. Minha onda é criar conceitos poéticos. Estou aprendendo a transportar isso para imagem.

Participação do Leela (Bianca Jhordão & Rodrigo Brandão) e Fausto Fawcett

- Eu havia feito trabalho com Fausto Fawcett ainda no Hanói Hanói. Como ele estava trabalhando no disco do Leela, a Bianca sugeriu que fizéssemos alguma coisa juntos. Ele fez uma reunião com a Bianca, começamos a conversar e surgiu essa música “Coliseu”. O Rodrigo e Bianca participaram da faixa que encerra o disco.

Encruzilhada – primeiro clipe

- Foi uma das primeiras que fiz, tem muito tempo e na realidade o Brasil está numa encruzilhada, o Robert Johnson na encruzilhada...

As discussões que tinha nos bares mais importantes do Rio de Janeiro, todos eles ficam numa encruzilhada, pelos menos os quais frequento. É uma coisa cristã e ao mesmo tempo do Diabo – acho que o Exu é o mensageiro, não o Diabo em si. Os trabalhos das religiões africanas são feitos nas encruzilhadas. Acho que ainda estamos numa encruzilhada, sem saber para onde ir. Os opostos estão muito distantes e só se cruzam no conflito, se destroem, nunca para crescer num futuro próximo, assim que vejo.

“A Moda é a Mãe”

- É a segunda música de trabalho. Dentro do conceito do “Psicopop” não contra a moda excessivamente. Comecei a fazer porque compro roupas em lojas populares. Eu queria comprar uma calça e não conseguia; ou era muito largar ou apertada, skinny, já teve calça skinny nos anos 1950, depois nos anos 1970 com Os Ramones, os punks eram assim em Londres. Virou moda de novo, e tinha caído de moda; depois veio a calça larga com o hip hop. Fico impressionado como a moda se repete. História repetida pelo antigo pensador romano, e repetida por Jorge Luis Borges “tudo já foi escrito, tudo já foi feito”. Foi refletindo sobre isso. Lembra os hippies? Virou moda; tatuagem é mesma coisa e já caiu de moda! O patinete era moda nos anos 1950. Resumindo: A novidade é aquilo que caiu no esquecimento. Isso serve para música também. (risos)

Início com rock´n roll

- Eu tinha uma banda de colégio, que nem nome tinha, mas quando ouvi pela primeira vez “Satisfaction”, dos Rolling Stones, no rádio, foi ai que vi que meu negócio era tocar rock’n roll. Meu grande ídolo é Keith Richards. Logo no início comecei tocando violão e percussão, mas só entrei no The Bubbles porque estavam procurando um baixista. Então em 1970, quando fui para Ilha de Wright, houve a mudança do nome para A Bolha, foi uma loucura. (risos)

Em 1970 a Bolha fazia um sucesso bacana na zona sul e subúrbios do Rio, como Madureira e Piedade, público de rock mesmo. Nesse meio tempo Jards Macalé viu a gente tocando no clube Monte Líbano e nos chamou para acompanhar a Gal Costa, foi neste tempo que eu entrei em contato pela primeira vez com a música brasileira, porque na realidade nunca curtir a Bossa Nova, achava cansativa e meio modesta, o Roberto (Carlos) achava um saco, só gostava do Erasmo.

Meu negócio era Beatles, Rolling Stones e Jimi Hendrix, estava com tudo isso na cabeça, quando fui trabalhar com a Gal foi bom, pois coloquei as influências roqueiras nas composições de Caetano e Gilberto Gil, muitas delas inéditas como “London, London”, entre outras. Chegamos a fazer um show que foi maravilhoso com Naná Vasconcelos, Márcio Montarroyos e A Bolha que era a base, inclusive, o Macalé foi o diretor artístico. Isto mais ou menos em 1969/70. Os baianos estavam todos em Londres, eu pegava a fita cassete e transcrevia.

Ao mesmo tempo, Guilherme Araújo tinha uns programas de televisão para fazer com a Gal Costa em Lisboa. Aproveitamos e fizemos alguns programas para TV portuguesa e fomos para Ilha de Wright. Veja bem, no meio deste processo de shows e tudo mais, soube que haveria um festival na Ilha de Wright. Gosto muito do rock inglês, nós tínhamos grana que ganhávamos com shows da Bolha e compramos as passagens. Vi Jimi Hendrix, antes dele já tinha visto The Who, The Doors, Ten Years After, era tanta gente boa nesse festival!

O Hendrix fechava o evento na noite de domingo, lembro que no show ele não estava muito bem, parecia chateado, não estava gostando do som, parecia que a banda não estava bem ensaiada. A roupa que ele usava tinha umas mangas que atrapalhavam tocar; achei na hora que ele estava meio tenso, logo depois ele morreu. Hoje, vendo o DVD do festival, o show é maravilhoso! O baterista era o Mitch Mitchell (que estava estreando na banda), o Jimi sempre olhava pra ele meio das músicas, preocupado; o baixista era Billy Cox.

Outro show que fiquei triste foi The Doors, a imagem que tinha do Jim Morrison era de cantor extravagante, pulando, cantando e neste show ele ficou parado, concentrado, o palco todo apagado, foi um dos shows mais sombrios que presenciei.

Guitarrista e compositor Nani Dias - Orgulho Carioca do "Rock"

2019-05-26T03:21:00.002-07:00

Ele é carioca, tocou com Leo Jaime, Lobão, Kid Abelha, Cazuza, fez parte de bandas como Front, Telefone Gol e os Britos. Guitarrista tido como orgulho dos roqueiros de plantão. Nani Dias é simples, solícito e amigo. Nesta entrevista ele fala sobre a carreira e outras curiosidades vividas.

“Eu tinha 14 anos quando assisti o Vímana - Ritchie, Lulu Santos, Luiz Paulo Simas, Lobão, e Fernando Gama, ao vivo nos anos 1970, no Teatro Tereza Rachel, era bom demais!”, lembrou.

Descobrindo a música
- Nasci com música em casa, e era doido por música. Já manifestava toda coisa com Beatles. Minha avó pianista, minha tia foi assistente de Villa-Lobos; em casa sempre teve vitrola, nasci com acesso à música. Sou filho temporão. Meus irmãos têm mais de 10 anos de diferença, eles já escutavam Elvis, e eu nasci escutando Beatles, era a trilha sonora da família. Era aficionado por isso, quando me davam presente eu pedia disco.

Gostava de bateria por causa do Ringo Starr

- Mas não foi possível tocar bateria, incomodava todos da casa. Ringo era meu Beatle favorito. Ainda pequeno, era meu lance naquele momento. Em casa tinha violão e piano. Estudar naquele momento não deu certo, meu negócio era música. Foi nesse momento que conheci Kadu Menezes, baterista – tínhamos 18 e 15 anos. Kadu já dava aula de bateria, e outros amigos apareceram e já ganhavam dinheiro com a música. Tive alguns professores como Nicanor Teixeira (também compositor) que me deu aula de violão um ano. No colégio tive banda de choro e na guitarra fui autodidata, trabalhei muito de ouvido. Nisso veio a literatura musical; lia muito, comprava muita revista e ficava informado sobre tudo, era um aficionado, isso nos anos 1970. Cheguei estudar engenharia, economia e deu em nada.

Front

– Foi nos anos 1980, era junção de duas andas – Frutos da Mente que virou Dial. Tinham dois bateristas: Kadu Menezes e João (Rapazes de Vida fácil - desistiu da carreira), eu na guitarra – o Kadu já tinha o Front. Tinha uma formação mais profissional. Eu, Beto, Kadu Menezes, Bruno Araújo no baixo, Ricardo Palmeira na guitarra, o Yuri, teclados, logo saiu pra tocar com Leo Jaime. Gravamos a música “Dó Dói” para entrar no LP “Os Intocáveis”, segundo pau de sebo da gravadora CBS, que tinha entre outros artistas nomes como Capital Inicial. Fizemos TV, bailes e muito playback. O Bruno saiu, foi estudar, entrou Rodrigo Santos (ex-Barão Vermelho) – ficamos os quatro, eu, Ricardo, Kadu e Rodrigo que assumiu o baixo e vocal – gravamos o compacto “Dengosa”, lado 1 e “Olhos de Gata”, lado 2.

Leo Jaime

– Ele produziu nosso compacto, isso nos aproximou ainda mais, a banda dele saiu e ele nos recrutou. Fizemos a turnê do “Rock Estrela”, aí, sentimos a diferença em tocar grandes eventos. Tipo Beatles, histeria total. Foram três anos com ele. Não cheguei a gravar um disco inteiro, gravei algumas faixas. Eram três guitarras e na segunda turnê o Ricardo saiu e ficou eu o Leo na outra guitarra. Durantes três anos (até 1988) com Leo Jaime foram muitos livros, trocamos muitas informações, foi muito produtivo.

Lobão

– Com Leo Jaime fizemos o último show “Alternativa Nativa”, no Maracanãzinho; éramos nós e Kid Abelha, no dia anterior os Engenheiros do Havaí, no outro dia era Lobão e outro que não lembro, foi quando Lobão viu o Rodrigo tocando. Fui tocar com Cazuza – gravei três programas ao vivo “Globo de Ouro” com Ricardo Palmeira, tudo acontecendo ao mesmo tempo – enquanto isso o Lobão estava gravando “Cuidado”, de 1988 - com Rodrigo Santos, que já tinha visto tocando anteriormente – Sergio Serra e o Rodrigo Santos, eram os três, Lobão estava se reinventando, trabalhando com Bernardo Vilhena (poeta e compositor) – estava introduzindo o Ivo Meireles, percussionista, sambista da Mangueira.

Em 1988, o Lobão recrutou Kadu Menezes para bateria, depois de testes, João (Lobão) era muito exigente, principalmente com bateria, Kadu foi certeiro, era muito estudioso de música. Nesse meio tempo recebi uma ligação do Rodrigo Santos me chamando – vem para casa do Lobão agora! Ele quebrou o braço. Eu estava meio desistindo da coisa e estava sem guitarra. Isso foi numa quinta-feira da semana anterior ao show que seria na quinta-feira seguinte - fiz bases na guitarra do Lobão, o som já estava todo passado. Quando Lobão retornou do hospital e escutou a gente, achou que era uma fita gravada com ele, era eu tocando “Cuidado”, ficou surpreso e adorou, no domingo fui para casa dele, acertei os detalhes e na quinta-feira estreamos no Canecão, RJ. Foram três anos, gravei o disco “Sob o Sol do Parador”, de 1989, foi sensacional – gravado em Los Angeles, ele foi antes ficando três meses, a banda foi depois, ficamos um mês por lá. Lobão e (Os Presidentes) era eleições diretas, sacada do Lobão o nome da banda.

Fizemos a turnê depois gravamos o “Ao Vivo no Hollywood Rock”, acho um disco muito bom. Tem a obra do Lobão tocada de um modo muito visceral. Meu último show com Lobão foi no “Rock In Rio”, em 1991, que ficou marcado pelas vaias e copos arremessados da plateia que era de “metaleiros”.

Telefone Gol

-Telefone Gol foi uma banda que tinha na primeira formação: Nani Dias guitarra, tinha o Dé Palmeira (havia saído do Barão Vermelho) no Baixo, Kadu Menezes na bateria e Sergio Serra na guitarra – chegamos perto de fazer um disco na Warner. Naquela época, devido problemas internos da banda e o famoso plano Collor, fez com que todos os projetos fossem cancelados, deu em nada, mesmo tendo pessoas importantes conosco. Têm um monte de músicas gravadas e nunca foi lançado, o grupo nunca foi a mesma coisa sem o Dé.

Os Britos

- Foi formado em 1994. Fomos convidados pelo Circo-Voador para lançamento do filme “BackBeat”, que em português saiu como “Os Cinco Rapazes de Liverpool”. Montamos a banda, gostamos do resultado e foram muitas canjas depois e vários momentos felizes também. Eis que conhecemos Pedro Paulo Carneiro, ele, com o apoio do Visit Britain nos levaram a Londres e Liverpool em 2005, onde gravamos o nosso DVD/CD - “Os Britos Cantam Beatles”. Em 2006 repetimos a dose. Em 2007 recebemos um prêmio do príncipe Andrew, da Inglaterra, pela divulgação do Reino Unido através da música. No CD tem duas músicas inéditas, era muito fácil para os quatro comporem juntos.

Kid Abelha

- Gravei violões no “Acústico o Kid Abelha” que saiu em CD/DVD - George Israel foi outra pessoa importante que entrou em minha vida. O Kadu já estava trabalhando com o Kid. Lá atrás chegamos abrir para o Kid Abelha, tinha essa relação com eles. O Kadu além de baterista estava fazendo produções e trabalhando junto com George Israel no disco tributo aos Mutantes “Triângulo Sem Bermudas” e me convidaram. No disco teve Barão Vermelho, Planet Hemp, entre outros - eu gravei guitarras na faixa da Daúde com Toni Garrido “Desculpe Baby” e a faixa do Ney Matogrosso “El Justiceiro”. Fiquei muito amigo do George Israel.

Teve uma turnê da Daúde para Europa e o guitarrista Rodrigo Campelo não pode ir, acabei indo no lugar dele. Eram 14 shows na Europa incluindo o 30º Festival de Montreux, Berlin, Amsterdam, isso foi radical pra mim, mudou tudo novo pra mim. Tocar na Europa é muito bom deu motivação para tocar com mais vontade e fazer mais. Foi aí que voltei a tocar com Leo Jaime.

Projetos Beatles (Discobertas)

Obla Di Obla Da – 2008

- Foi com Os Britos, recebemos o convite do Marcelo Fróes que nos honrou muito.

The Ballad Of John and Yoko – 2009

- Veio seguir e foi com o Front. Gostei muito e ficou marcado.

Beatles ou Rolling Stones?

- Não dá pra falar, é como um “combo” com o melhores.