MALPERTUIS

Malperchiude

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Sun, 25 Sep 2011 22:01:00 +0000

Nelle sue varie incarnazioni Malpertuis esiste da 6-7 anni, non ricordo nemmeno più io con precisione e per me è stata una magnifica esperienza, che mi ha insegnato molto e che mi ha messo in contatto con tantissime persone, alcune delle quali ho anche incontrato nella cosiddetta vita reale.
Questo luogo ora non mi rappresenta più, non è più l'espressione di come io mi sento e quel che io sono.
Difficile appunto dire quel che sono, molto più facile elencare quel che non sono: non sono uno scrittore, non sono un critico, non sono un esperto, non sono un saggista, non sono tantissime cose...

Ho solo alcune opinioni e credo che Clint Eastwood abbia spiegato tutto quello che c'era da spiegare sulle opinioni.
Alle volte posso avere opinioni documentate e ragionate, ma sempre opinioni rimangono.

Mi piace discutere e confrontarmi con le altre persone (con quelle cortesi, ovvio) ed è stato l'unico elemento che mi è davvero mancato in questi mesi di silenzio.

Vorrei quindi continuare questa esperienza, ma in un posto diverso. Malpertuis è stato un'esperienza esaltante ma al momento il “genere fantastico” non riesce a offrirmi molto in termini di qualità. E uso questo termine solo per farmi capire, non riesco a vedere una differenza fra Critica e Letteratura (per me sono entrambe narrazioni), figurarsi quanto può ormai interessarmi differenziare fra mainstream e genere o ancor più giù, fra i vari sotto-generi.
Escono ogni anno pochi romanzi e film significativi (per me, ovvio e non lo ripeterò più: tutto quel che dico è per forza soggettivo) e se dovessi limitarmi a questi pubblicherei un post al mese negli anni ricchi.
Non essendo un fan o un appassionato (o meglio, io credo di esserlo più di molti altri e proprio per questo non riesco a farmi andare giù le mediocrità all'interno delle mie passioni), mi piace parlare solo di quelle esperienze dalle quali esco “modificato”: l'intrattenimento è stupendo, fantastico, tutto quel che volete, non lo negherò mai e capisco e non giudico ma, non ci posso far nulla, mi annoia a morte e mi sento trattato come un consumatore stupido ancora più del solito, che è già tanto.
Non mi interessano libri e film buoni per farti passare due orette in relax dopo il lavoro, a me quelle due orette paiono sprecate.

Sento quindi l'esigenza di allargare il campo d'indagine senza perdere precedenti interessi ed è quindi meglio ricominciare altrove, Malpertuis è troppo connotato verso determinati argomenti e non mi sembra giusto coabitare con un una connotazione così forte che non mi rispecchia più.

Per un certo periodo sono stato tentato dallo scrivere il blog direttamente in inglese ma un atto del genere non risolverebbe in nessun modo il problema della scarsità di opere di livello degno né quello della curiosità nei confronti di altri argomenti.
Ecco quindi l'esigenza di traslocare.

Any Given Monday, questo era il possibile titolo del nuovo blog, visto che l'intenzione è quella di produrre un solo post settimanale, senza (quasi) mai scendere sotto la dozzina di cartelle.
Intendo muovermi in direzione opposta rispetto a una blogosfera che ormai si sta sempre più twitter/facebookizzando (post brevi, poco approfonditi, molto “simpa” e catchy, sparati a mitraglia al ritmo di uno o più al giorno) e mi piacerebbe appunto cercare di mantenere un nuovo ritmo di un post lungo a inizio settimana, con parecchi giorni a disposizione per discuterne prima che si sovrapponga a quello che seguirà.

Alla fine ha prevalso A Rip in the Fabric: mi piace il suo suono e la discontinuità spazio-temporale che suggerisce questa locuzione.
Fra i temi futuri, a parte il post su Richard Yates che già potete leggere, vi saranno tentativi di esplorare soggetti di cui non abbiamo mai parlato prima, da come e quanto sono cambiati montaggio e scene d'azione nei film hollywoodiani degli ultimi anni a un gruppo di giornalisti, diversi fra loro e che hanno operato in epoche diverse, che ha costruito l'intera carriera su notizie inventate, passando per un post (che a occhio e croce dovrebbe girare sulle venti cartelle) su Brighter than Creation's Dark dei Drive-by Truckers, qualche estratto da Franzen e alcune cose lasciate in sospeso da tempo (Mignola, Trilobiti...).
Non mancheranno i tentativi di discussione su singoli film, ovvio, e quando capiterà si tratterà anche di film che avrebbero interessato Malpertuis, la passione per certi argomenti rimane e mi piacerebbe quanto prima affrontare sia Contagion che Red State, in particolare su quest'ultimo ho letto articoli e interviste di un certo interesse.
Non mancherà quindi il Perturbante, come potrebbe, ma vedremo di mischiarlo anche ad altro.
Il modello, in generale, sarà quello di realizzare post simili a quanto fatto per Red Riding, House of the Devil, il dominio della pornografia sui maschi e altri scritti più o meno su quella lunghezza e tipologia di analisi.

E Malpertuis?
Lo terrò online ancora un po', qualche mese, poi lo chiuderò e comincerò a importare i post che ritengo ancora validi (intorno al 10-15% del totale, credo) sul nuovo blog, con estrema lentezza perché Panda non ama i contenuti duplicati.

Se notate qualcosa che non funziona nel nuovo blog (per esempio talvolta ho riscontrato problemi a inserire commenti usando Firefox, mentre con Chrome e Opera tutto ok) comunicatemelo via posta che vedo come posso intervenire.

Grazie ancora per tutto quello che avete fatto qui su Malpertuis, è stato un viaggio stupendo, chi vuole camminare ancora un po' insieme sa dove trovarmi.

... A RIP IN THE FABRIC ...

Back?

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Mon, 29 Aug 2011 06:46:00 +0000

Siete tutti tornati alle vostre postazioni?
Magari qualcuno ha ancora una settimana di ferie...
Magari qualcuno (e secondo me è una gran mossa) deve ancora iniziarle.
Non è stata una gran bella estate. O, perlomeno, lo è stata, anche più che bella, ma solo sotto certi punti di vista. Poteva andare meglio ma pazienza.

C'è però un elemento che ha reso questa estate unica, rispetto alle altre 39 che ho vissuto: per la prima volta nella mia intera vita non sono riuscito a vedere un solo film di quello che chiamano genere "fantastico" che sia riuscito a stimolare qualche ragionamento o a provocare qualche emozione. Nemmeno il livello zero dell'intrattenimento puro e semplice (che a me non basta, ma alla fine mi sarei accontentato).

La stessa cosa è avvenuta per quanto riguarda i romanzi.

Al contrario, sono incappato in parecchie narrazioni "mainstream" che oltre a essermi piaciute mi hanno fatto pensare. Per non parlare della saggistica, che ormai, pian piano, è diventata la mia lettura di preferenza.

A tutto ciò si aggiunge il fatto di scrivere a pagamento su argomenti mai "frequentati" prima d'ora, atto che, è ovvio, apre porte.

Non credo nei cambiamenti immediati, al massimo posso credere nella realizzazione immediata e brusca di essere cambiati nel tempo, atto che fa sembrare questo cambiamento istantaneo.

E se guardo indietro negli ultimi anni sono cambiate, in modo lentissimo ma percettibilissimo (con il senno di poi), tante cose in me. Credo sia ora che questi slittamenti, questi rip in the fabric al contrario, si riflettano anche sul blog perché mi accorgo con crescente preoccupazione che ho continuato a fare certe cose più per nostalgia che per altro.

E per me (mio difetto) la nostalgia è legata in modo indissolubile al fascismo. Retro is poison, diceva Jello Biafra...

Rifletto quindi ancora qualche giorno (una decina al massimo, giuro, credo di aver già deciso) su come muovermi in futuro e poi torneremo a viaggiare insieme, in qualche maniera, con qualche scafo e qualche propulsione che non ho ancora ben identificato...

Chiuso per ferie...

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 26 Jul 2011 10:09:00 +0000

Anche se non me le merito, vado in ferie per un due settimane circa... :)

Ho cercato un'immagine ma tutti i cartelli che ho recampato fanno un po' anguscia quindi... Oh, vi giuro che se fate ricerca google "chiuso per ferie" spunta anche lui, che è da sempre il mio personaggio (e attore) preferito, quindi Kurtz ftw!

A prestissimo, due settimane sono un lampo!

Addenda: facciamo quattro settimane :)

La chiamavano Trinity

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Fri, 22 Jul 2011 13:53:00 +0000

Piccolo post aggiuntivo per soddisfare le turpi voglie dell'Iguana che nei commenti della recensione a The Descent mi aveva chiesto di approfondire un po' il mio aver definito Trinity di Matrix una "Dea Casalinga".
Lo faccio volentieri, perché noto che le discussioni che quel post ha stimolato sono ventimila volte più interessanti di boh, se avessi postato "Oh, belin, ma Transformers 3 fa vomitare i tordi perché Bay non sa girare una scena d'azione/gli è un buon lavoro perché sì le scene d'azione sono fighe, il treddì è da urlo e boh inserire x".
La Rete è già piena di lol e like in seguito a 'ste recensioni fotocopia dumb and dumber a ogni giro di fotocopia, quindi deviamo un po'...

Ho nominato Trinity quale esempio di personaggio femminile che, a mio modo di vedere, non è paragonabile a ben altri esempi (Neuromante è solo l'iceberg) che la fantascienza, credo più di ogni altro genere, ci offre in questo campo.

Grazie a una serie di autori, dalla Le Guin a Egan passando per tantissimi altri che non conosco (ma che 3 o 4 frequentatori assidui di queste parti potranno elencarvi, non abbiate timore a chiedere), la sf si è sempre occupata di genere e gender in modo maturo: dispiace quindi che quello che da almeno una generazione viene preso come film simbolo (addirittura un manifesto alla rivoluzione, un po' come Fight Club per altri versi, con la consueta faciloneria, nichilisti di bocca buona...) non sia in grado di alzare l'ante in questa tematica ma anzi, proponga un personaggio secondario di questo tipo.

Dispiace ancora di più perché all'interno dell'immaginario pop, volenti o nolenti, un film impatta molto di più rispetto a dei libri e ci sarebbe piaciuto altrimenti. Lo so, alcuni potrebbero obiettare che Matrix non è, per molti versi, opera di sf (già solo la presenza di un Eletto mette in cortocircuito alcuni fondamenti) ma è recepita come tale dalla maggioranza e questo è un dato dal quale non possiamo sottrarci.

Sia però chiaro che il sottoscritto vede Matrix più come un film di fantasy e di una fantasy un po' particolare, raffigurante delle divinità, le loro lotte e i loro contrasti, elemento su cui torneremo più avanti per un attimo.

Come hanno già detto molto meglio del sottoscritto gli autori nominati in calce a Descent, Trinity propone purtroppo una involuzione della cyber-donna e, insieme a qualche eroina similvestita che imperversa in alcuni campi del Perturbante, ci ha fatto fare passi da gambero per rimediare ai quali ci vorrà qualche tempo. Serve sempre più tempo a recuperare e ricostruire che a distruggere e danzar sulle macerie.

La questione non è semplice, in quanto nulla viene "urlato" ed esposto in modo da essere identificabile con una certa facilità, ma accumulando alcune scene e segni presenti nella trilogia Trinity non riesce a uscirne fuori come persona di pari potere e spessore rispetto ad alcuni compagni maschi.

Vero, ci sono istanti in cui mostra sicurezza e capacità di alto livello (la rimozione dell'insettoide da Neo, per esempio) ma non riescono a pareggiare lo scotto di tanti altri momenti sparsi.
Viene ritratta mentre porta con fare servizievole la cena su un vassoio a Neo o, pur ricevendo lo stesso identico allenamento di gran parte dell'equipaggio si trova spesso, nell'arco dei tre film, in difficoltà e deve essere soccorsa e salvata da altri compagni, perché mai a lei accade più spesso che ad altri?

E a proposito di salvare, è illuminante a tale proposito la differenza, terribile, fra le due scene nelle quali Trinity salva la vita a Neo e in seguito Neo restituisce il favore.
Trinity opera una sorta di magia/miracolo che si basa sul suo amore per Neo, restituendolo alla vita con un bacio che riporta il tutto in un setting fiabesco.
Neo invece utilizza capacità psicofisiche e conoscenze approfondite, rimuovendole un proiettile e praticandole un massaggio cardiaco con le mani.
La differenza è sostanziale e decisiva, non può importare in questa sede (ma a me importa di rado in assoluto) se tutto ciò fosse o meno la volontà degli autori, in quanto il messaggio che emerge da una comparazione come questa credo sia univoco.

L'azione di Trinity è l'amore della donna buona e fedele, quella di Neo chirurgia di alto livello.

Il tutto si collega e trova altro momento di subordinazione di ruoli e specifiche nel terzo film della serie: Trinity si sacrifica per il suo uomo (che è fuori casa a salvare il mondo, come ogni Eroe che si rispetti) e muore quindi nella giusta maniera della donna fedele e innamorata fino alla fine, sacrificandosi per il suo manzo.

Dopo un inizio che lasciava presagire altro, Trinity finisce per ricoprire un ruolo di secondo piano e non le vengono nemmeno affidate più di tanto le classiche scene di competenza scientifica che buona parte dei compagni maschi invece hanno, fosse anche solo lo studio del codice della matrice su qualche schermo. Diventa ben presto il lato romantico e interesse d'amore per Neo, fornendo quel minimo di sentimento ed espressione al glaciale Reeves. Un po' poco per l'eroina rivoluzionaria che ci aspettavamo, sebbene Matrix tutto sia così affollato di stereotipi di genere e razza da far sospettare sia stato concepito in qualche laboratorio dell'Alabama.

Riguardo al "fantasy con divinità" cui avevo accennato a inizio post: quando vidi la prima volta Matrix, nell'anno di uscita, ne ero moderatamente entusiasta, vista la povertà di pellicole decenti che pescassero in certo immaginario (e qualche anno di esperienza e studio in meno) me non solo i due episodi seguenti si sono dimostrati così deboli da far pensare che non fossero nemmeno scritti/filmati dalle stesse persone: anche il primo film non ha superato una seconda visione e, pur riconoscendo ottime capacità di mescolare e gestire il solito minestrone meta-pop, ne esco deluso per la sua incapacità di andare al di là del semplice intrattenimento pop corn.

Dove una fetta della fantascienza e del cyberpunk pesca, dialoga e riflette su temi quali economia, rapporti sociali, gestione del lavoro, shift nei ruoli e nei sessi, globalizzazione e altro, Matrix si propone come via di fuga da quella stessa realtà.

Incapace di operare a qualsiasi riflessione, di innescare nello spettatore un cambiamento anche lieve a fine visione, slitta dalla fantascienza al fantasy, offrendoci una colorata e pittoresca fuga per la canonica ora e mezza, in sostanza il contrario di quanto viene offerto a Neo a inizio film.

La grande narrativa di genere non dovrebbe anche offrirci riflessione sulla realtà? Lo rivendicano in particolare gli autori eh, non i lettori, figurarsi, a me anche l'intrattenimento puro talvolta non dispiace, ma sembra esserci sempre più solo questo e se la dieta diventa fissa hai voglia a contare le carenze nutrizionali.

Incapace di riflettere sulla realtà ci offre la solita fiabetta di Guerra e Amore fra divinità che pescano più o meno nel bacino greco romano e nordico e che quindi (causa il ristretto bacino di pesca) obbligano la Divinità Donna di turno, per quanto magari suprema nel suo campo (anche se Niobe mette in discussione perfino questa supremazia nel pantheon femminile), relegano dicevo, per via della natura gerarchica di queste organizzazioni, a un ruolo di secondo piano rispetto alle più potenti divinità maschili.

Portami la cena, veloce, che tutte le volte che torno a casa dopo aver salvato il mondo ho una fame boia, tesoro!

Buona fuga.
Lo fa capire anche Morpheus che quando si scappa si sta sempre al calduccio e non si mangia la sbobba schifosa nè si rischia nulla...

Czarniawska, B e Gustavsson E. (2008) The (D)evolution of the Cyberwoman?, Organization 15; 665
Bassham, Gregory (2002) The Religion of The Matrix and the Problems of Pluralism, in W. Irwin (ed.) The Matrix and the Philosophy. Welcome to the Desert of the Real, pp. 111–25. Peru, IL: Carus.
Freeland, Cynthia (2002) Penetrating Keanu: New Holes, But the Same Old Shit, in W. Irwin (ed.) The Matrix and the Philosophy. Welcome to the Desert of the Real, pp. 205–15. Peru, IL: Carus.
Haraway, Donna (1991) Simians, Cyborgs and Women: The Reinvention of Nature. London: Free Association Books.

The kids are all right

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 19 Jul 2011 20:19:00 +0000

No, tranquilli, niente doppia recensione in una singola giornata. Giusto due righe per invitarvi a dare un'occhiata a questo film.

Ho appena finito di vederlo e trovo che sia una delle migliori commedie degli ultimi anni, interpreti fuori scala tutti, dialoghi che non so come abbiano fatto a scriverli e interpretarli con tale precisione, personaggi-persone, hanno tutti ragione e sono tutti pieni di difetti e pergi, risate, riflessioni e lacrime, il tutto in una tipologia narrativa che diventa di anno in anno più difficile da realizzare. Sono molto contento, lo rivedrò.

The Descent (2005)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 19 Jul 2011 10:48:00 +0000

THE DESCENT
2005, UK, colore, 100 minuti
Regia: Neil Marshall
Soggetto/Sceneggiatura: Neil Marshall
Produzione: Pathé, Celador Films e Northmen Productions

Cinque amiche, unite da una grande passione per lo sport e l'avventura, stanno scendendo il corso di un fiume. A guidarle c'è la giovane, bella, coraggiosa e arrogante Juno, a seguire Sarah, sposata e con una bambina e la sua migliore amica Beth, entrambe inglesi. Completano il quadro due sorelle: Rebecca, la maggiore, esperta e cauta e Sam, studentessa di medicina e alle prime armi con questo genere di imprese.

Ad aspettarle a riva c'è Paul, il marito di Sarah, con la figlia Jessica. Paul scambia qualche sguardo di troppo con Juno e in seguito lui e Sarah discutono in macchina quando, in seguito a un brutale incidente, l'uomo perde la vita.

Sarah si risveglia in ospedale, stordita dai farmaci, dal dolore e da strani sogni/visioni di sua figlia che si avvicina nel buio con una torta di compleanno. Anche Juno è in lacrime e si allontana in silenzio dal gruppo.

Un anno dopo proprio Juno propone qualcosa in grado, a suo modo di vedere, di rinsaldare il gruppo dopo la tragedia: visitare una caverna negli Appalachi con l'aiuto di una amica di Juno, Holly, che persino Juno considera troppo avventata, sebbene espertissima. Rimane un po' di tensione fra Juno e Sarah e Beth prima della partenza ma quel che nessuno in realtà sa è che Juno intende portare il gruppo in un sistema di spelonche mai esplorato prima.

Le donne entrano nella caverna e dopo un crollo, con conseguente rivelazione dell'inganno, si ritrovano obbligate a procedere visto che la via da cui sono entrate è bloccata.

Presto capiranno di non essere sole: spaventosi esseri deformi, sorta di trogloditi velocissimi, cannibali e aggressivi si aggirano nelle grotte, identificando le loro prede con una specie di sonar. Le sei avventuriere dovranno ben presto cominciare a lottare per la loro vita, imprigionate nella semi oscurità.

The Descent è un film che, dopo quattro visioni di cui una al cinema e due in lingua originale, mi mette di fronte a più di un problema valutativo. Qualche anno fa ne scrissi una recensione sull'onda emotiva della prima visione e mi ritroverò a usare in questa sede parecchi stralci di quella prima impressione, aggiungendo alcune ulteriori considerazioni che ritengo importanti e in grado di minare parte della riuscita del film. Alcune valutazioni cambiano nel corso degli anni e credo sia segno vitale e cartina di tornasole di un percorso di studio, analisi e visione.

Partiamo dagli elementi che ritengo positivi e riserviamoci i contro per la seconda parte... Al tempo (non aveva ancora girato la fuffa post The Descent) credevo molto in Neil Marshall, i fatti non mi hanno dato ragione, ma penso tutt'ora che The Descent e Dog Soldiers rimangano buoni capitoli anche se entrambi si risolvono a usare delle scare tactics che, appunto, spaventano ma non perturbano. E si sa che lo spavento passa, il turbamento alligna.
Ciò pone Marshall in quella categoria di suonatori che non sanno suonare benissimo e quindi suonano fortissimo, un metodo comunque più efficace di tanti altri ma che offre un risultato finale inferiore di qualche tacca ai lavori più importanti del genere.

Marshall, coadiuvato dalla fotografia sulfurea di Sam McCurdy e dal montaggio a corrente alternata di Jon Harris affronta il film con il piglio di chi voglia condensare e compendiare in soli 100 minuti 30 anni di storia di certo horror. Nel primo tempo il talentuoso britannico dispiega le forze, semina indizi, espone psicologie e punti deboli e addensa minacciose ombre. Ecco allora che l’incidente iniziale, degno dei migliori momenti di Final Destination, avvisa lo spettatore che non ci sarà spazio nella pellicola per giochini, sorrisi e autoreferenzialità varie.
Il tempo di un breve incubo in dissolvenza e le ardimentose arrivano sul luogo e noi overlookiamo l’automobile addentrarsi in mezzo a monti e boschi verso una casupola di evildeadiana memoria, adorna di ossa e strane maschere che sembrano uscite da quella porta. Prima di immergere le protagoniste nell’oscurità Marshall ha anche il tempo di citare l’urlo sotto la doccia di Janet Leigh ma appena la camera (del regista ma anche quella posseduta da una delle ragazze) sprofonda nella bat-caverna (e con loro anche l’incauto spettatore) le cose si fanno subito claustrofobiche e angoscianti.

Marshall organizza e filma il set (i Pinewood Studios trasformati in cunicoli e abissi) in maniera mirabile, alternando l’incipit arioso (fra boschi e fiumi, con una illuminazione ricca e una natura lussureggiante) con un seguito soffocante, riuscendo a moltiplicare il reale spazio a disposizione in una serie di momenti fra il claustrofobico (alcuni passaggi davvero stretti nei quali finiamo incastrati insieme alle protagoniste, e come a loro manca l’aria anche a noi…) e l’infernale (le caverne più vaste illuminate da un Sam McCurdy che gioca compiaciuto ed efficace con i toni rossi dei fuochi di segnalazione, quelli gialli della torcia e i verdastri delle luci chimiche).

Infernale.. Perché proprio di Discesa agli Inferi si tratta: l’Inferno delle relazioni amicali che si deteriorano alla prima seria difficoltà, il Tartaro dei tradimenti e degli omicidi, la Gehenna del rimorso e della vendetta. Nel secondo tempo il filmaker non concede un singolo attimo di tregua e l’entrata in campo dei crawler muta il film da psicodramma a festa del terrore, dell'azione e dello splatter.

L’appassionato del gore avrà una dose fin troppo abbondante della sua pietanza preferita: sangue che spruzza come un geyser, bava, intestini, mutazioni del corpo, ossa che fuoriescono dalle gambe, occhi cavati e chi più ne ha più ne metta.
Chi cerca momenti di spavento improvviso verrà allietato da 4-5 apparizioni a sorpresa dei mostri, realizzate con montaggio e cura maniacali.
Il cultore dei momenti di riflessione metacinematografica troverà pane per i suoi dentini nella telecamera a ripresa notturna in dotazione di una delle donne: i mostri, nell’oscurità, possono essere visti solo attraverso lo schermo con tutto quello che ne consegue, dal cinema come strumento di disvelamento e comprensione del reale a tutta una serie di riferimenti a certi titoli degli utili anni (The Blair Witch Project in primis).
Spazio anche agli appassionati delle scene d’azione (i combattimenti sono crudeli e frenetici) e a chi cerca qualche angolo di poesia (il sogno/incubo ricorrente con la bambina che regge torta e candeline…).

Ma se tutti questi sono elementi di indubbio spessore e valore vi sono anche falle logiche e rappresentazioni psicologiche e morali che riescono a far detestare il film in certi suoi passaggi. Alcune di queste falle sono fra l'obbligatorio, il tipico e il perdonabile: alcune delle ragazze sono fin troppo esperte e capaci per non aver mai esplorato caverne in vita loro; le fonti di illuminazione sono gestite a organo riproduttivo di canide sebbene funzionino alla grande; l'inganno di Juno è assurdo e le capacità reattive delle prede spropositate; i caratteri a tratti stereotipati; la separazione fra primo atto e secondo atto troppo marcata e schizofrenica e le relazioni rigide e monorotaia, tanto per nominare solo alcuni guasti.

Quel che però più preoccupa parte del mio approccio e interesse critico è la retrograda, detestabile e dannosa rappresentazione della donna che occorre lungo tutto il film. The Descent è uno di quei film che solo in apparenza propone un lavoro di empowering della figura femminle, mentre in realtà (1) opera in sottrazione e contro vari personaggi memorabili, in un tragitto che da Rosemary Woodhouse conduce alla Samantha interpretata da Jocelin Donahue.

Il percorso retrogrado operato in questo caso è ancora più pericoloso e infettivo in quanto agisce in maniera meno stupida e scoperta rispetto a titoli quali, per esempio, Sucker Punch o, ancora peggio, Bitch Slap e ricorda molto da vicino il passo del gambero che è stato fatto, in campo di narrazioni fantascientifiche, dalla stupenda Molly di Neuromante a Trinity la Dea Casalinga di Matrix(2). Sono derive pericolose in quanto si ha la sensazione che parte del pubblico non le avverta e metabolizzi nel corso del tempo messaggi fuorvianti che ripristinano status quo e visioni che si sperava appartenessero al passato.

In pochissime parole, il concetto proposto è: se come femmina vuoi riuscire, devi fare cose da maschio.

Marshall sceneggiatore rappresenta un gruppo di donne (e concentriamoci ovviamente in particolare su due, Sarah e Juno) che lui pensa (e il pubblico avverte) come forti, coraggiose, migliori, indipendenti, brave, capaci e tutto il resto. Purtroppo i modi che sceglie per rappresentarle come positive ecc ecc si rifanno del tutto a campi maschili. Lo sport è uno di questi metodi. Da sempre considerato dominio maschile, con le naturali eccezioni per alcune rare categorie, lo sport ha condizionato in modo negativo la visione e i discorsi fatti, nel corso di decenni, su molte atlete che venivano "viste" come devianti dalla femminilità, con narrazioni di supposto lesbismo o in generale di una eccessiva mascolinità.

Un esempio esemplare è nella descrizione fisica e caratteriale di Holly, vero e proprio butch di antica data...

Allo stesso modo l'abilità di combattere sul piano fisico, l'essere "guerriero", è altro campo maschile e di nuovo le donne che nella storia o nel mito hanno penetrato questo campo sono spesso state descritte come devianti, da quelle che si amputavano il seno in poi.

Sarah e Juno sembrano in principio aver la possibilità di contrastare questi discorsi, proponendosi comunque in modo diverso dalle generali caratterizzazioni appena discusse, ma più si avanza nel film più il loro essere "altro" dalla visione di una donna, la loro natura "negativa" (secondo accezione comune) come esseri umani in toto emerge in modo sempre più evidente fino a minare questo potenziale sviluppo positivo.

Juno tradisce più volte singoli e gruppo, prende decisioni senza consultare la comunità, mente in maniera abituale, uccide per over-reazione un suo compagno. Siamo all'opposto della concezione (collective, caring and relational) proposta da Angie Burns(3) e questo opposto non è un positivo in quanto viene attuato da devianti negativi.

La stessa Sarah è plagiata dal lutto e riconducibile, attraverso comportamenti e visioni lungo tutto il film, a una idea di follia. Quando non è folle (se si può non esserlo a tratti) le sue azioni sono motivate da processi mentali negativi, retrivi e illogici e le sue capacità di combattimento derivano dalla pazzesca furia in seguito alla comprensione del tradimento (e la prima uccisione compiuta da Sarah è su un crawler femmina, unico caso in tutto il film, per poi "uccidere" Juno la traditrice invece di incolpare il suo defunto marito traditore).

Marshall rappresenta donne così poco donne e così tanto "altro" (e un altro negativo) che quando usciamo a riveder le stelle si ha la netta sensazione che sarebbe stato "meglio" assistere a un impietoso massacro da parte dei crawler su vittime impotenti piuttosto che a questa fuorviante rappresentazione di donne forti.

Questo dato, ovvio, non deve sottrarre valore all'opera se la stiamo giudicando da un punto di vista tecnico, ma pone forti dubbi sul valore costruttivo e propositivo nei confronti dei suoi contenuti relegandola, temo, nel puro prodotto di intrattenimento, ed forse è comunque un lusso avere intrattenimenti di questo livello.

1) Lazard, L. (2009) You'll Like This! It's Feminist! Representations of Strong Women in Horror Fiction, Feminism Psychology 19; 132
2) Czarniawska, B e Gustavsson E. (2008) The (D)evolution of the Cyberwoman?, Organization 15; 665
3) Burns, A. (1999) Power Between Women: The Constructed Otherness of Other Women, Feminism Psychology 9; 4

Altri film nell'Archivio Recensioni Cinema

Filmato:

Is anybody out there?

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Sat, 16 Jul 2011 10:34:00 +0000

Lo so, non posto da un po', perlomeno da un po' tenuto conto dei miei ritmi durante gli anni passati. Ci sono ancora e dovrei ricominciare a darmi da fare prossima settimana, con una recensione di The Descent che spero sarà interessante.

Il fatto è che... Sta andando tutto fin troppo bene, caldo a parte, sotto ogni punto di vista. Quando mi sono licenziato mai più avrei pensato che, in così poco tempo e senza cercare più di tanto, sarei riuscito a trovare il modo di vivere di scrittura. A 40 anni suonati, senza laurea, avendo fatto prima il muratore e il commesso. Ovvio, mi mangio i coglioni ogni giorno (di solito tagliati fini, crudi, prezzemolo, aglio, pepe, olio e limone, una delizia estiva) per non averci creduto e provato prima, ma pazienza, me la godo anche.

E vivendoci, di scrittura (non di narrativa, ovvio) mi fanno ancora più compassione tutti gli esordienti forever che o spalmano narrativa a cazzo leccandosi a vicenda e recensisci tu che recensisco anch'io sperando poi forse ma se domani vedrai, vedrai o, molto peggio, quelli che scrivono gratis per vergnosi portali e siti sperando di nuovo che poi forse ma se domani vedrai, vedrai.

Vedrai vedrai non funziona: avete visto come è finito Tenco no? E quel tesserino non vi servirà a una ceppa, ve lo assicuro, ci sono passato!

Guadagno più io (soldi, lettori, riscontri e soddisfazioni) con la scrittura in tre mesi che alcuni autori Mondadori da edicola in un anno: c'è qualcosa che non quadra, non dovrebbe andare così, specie perché non sto nemmeno sbattendomi. Non è giusto per loro, posso solo pensare questo, e mi dispiace, mi dispiace persino per gente che disprezzo: è finita l'era del disgusto per certi scribacchini, ora provo una moderata compassione e credo sia meglio, almeno, si sta meglio provando questa piuttosto che il disgusto e la rabbia.

Dicevo, sta andando bene quindi sono forse fin troppo rilassato, tutto lì, ma lavoro anche al di fuori del "lavoro" eh, è solo che le 200 bastarde schede da compilare con dati assurdi per il saggio sono impegnative, devi guardare i film in altro modo (Come è vestita? Fuma? Ha amici, è casalinga, che grado di istruzione? Nudità? Come scopa se scopa? Subisce? Non le manda a dire? Sport? Hobby?) e l'è lunga. Ma piacevole e, a differenza del romanzo, ho la sensazione di realizzare una cosa unica, che nessuno ha mai fatto in Italia e, da certi punti di vista, al mondo. Quindi posso andare lento, DEVO andare lento e, sempre al contrario del romanzo, so già che lo completerò e, sì, è anche questa una magnifica sensazione, una sicurezza che io non ho mai provato in vita, delle sicurezze non mi è mai importato nulla ma devo ammettere che è bella cosa.

Quindi oh, scusatemi per i momentary lapses ma ci sono eh, prossima settimana, intorno alla metà, cercheremo di parlare di The Descent e di come tratti male la figura femminile, mischiandoci magari anche Blade Runner e Matrix, ok?

Ah sì, bevete succhi, state all'ombra nelle ore più calde ed è l'umidità, mica il caldo eh. Me lo ha detto Italia 1...

Vi regalo quello che è sempre stata la mia narrazione perturbante preferita: ho sempre, sempre avuto paura di finire come lui, parte dittatoriale inclusa, e persino lo schifoso piacere del dittatoriale incluso. Per fortuna non è successo, ma è sempre stata una dura lotta non cedere a quel possibile, inutile piacere. Poi scatta un clic e si cambia, per sempre, e non si torna indietro...

Geldof era un figo della madonna e un role model assoluto, capelli lunghi o impomatati all'indietro, poi è andato in Africa e affanculo.
Buon week end!

Il suicidio più bello

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 05 Jul 2011 08:26:00 +0000

Ieri mattina stavo cercando alcune immagini da postare sul mio tumblr. Fa parte più o meno della routine quotidiana che seguo prima di mettermi a scrivere: qualche foto o disegno per questo progetto che, iniziato da così poco, sta già regalandomi soddisfazioni cui mai avrei pensato prima, e poi tre canzoni per il blog musicale. Sono due scatti, due movimenti diversi all'interno del loop: trovare immagini è per molti versi rilassante, mi inserisco nel flusso creato da tutto quel che seguo, ne prelevo alcuni brandelli che mi hanno colpito e li inietto nel mio flusso personale, in attesa di essere prelevati da altri e ridistribuiti in un una serie infinita di accostamenti e permutazioni.

Per il blog musicale è invece tutto più complicato, devo decidere se si tratta di una giornata a tema o se voglio giocare a legare una band all'altra o ancora, se non ho nessun filo, devo comunque individuare tre brani, scovarli, trovare anche i testi e chiedermi quale sia la sequenza migliore in un universo che avverto come molto più personale e meno permeabile, una sorta di dettagliata playlist in continua espansione. Entrambi (il tumblr lo ha già quasi fatto) sono destinati a superare la casa madre nei freddi numeri (di post pubblicati e lettori) e, insieme a facebook, mi hanno permesso di alleggerire l'alma mater di incombenze e pesi per lei superflui.

Ecco, ieri mattina questo meccanismo perfetto e oliatissimo si è bloccato per la prima volta da quando l'ho avviato. Si è inceppato perché sono incappato (basta un cambio di vocale, in fondo) in una foto particolare, che ha prima di tutto deviato la mia curiosità e quindi, quando ho appreso di cosa si trattasse, ha infettato i miei pensieri a lungo e ora si annida in cerca di sfogo: qualcosa che mi dice che devo in qualche piccolo modo salutare questa ragazza e cercare di essere gentile con lei. La foto, è ovvio, la vedete qui, sopra le parole che state leggendo. Magari molti fra voi l'avranno già vista: per me era la prima volta e ho subito pensato a qualche sorta di fortunata intuizione da parte di un artista abile a cogliere la contaminazione fra uomo e macchina, decenni prima che questa diventasse un concetto usurato. Sarebbe già stato sufficiente, ma non avrebbe meritato ulteriori energie.

Lei riposa fra rottami e macerie, il corpo rilassato, le gambe incrociate e una mano guantata che rigira una collana di perle. Mai avrei potuto pensare che questa fosse la foto di una ragazza che si è lanciata dall'86esimo piano dell'Empire State Building il 1 maggio 1947, impattando contro una cadillac parcheggiata 300 metri più sotto. Vedo ogni giorno foto e riprese di incidenti più o meno mortali, da più anni di quanti abbia voglia di ricordare, e posso assicurarvi che una compostezza e serenità tali non sono rari: sono unici.

Evelyn Francis McHale, questo il nome della ragazza, era nata nel 1923 in California, sesta di sette figli. Il padre lavora in banca e i suoi trasferimenti trascinano la nidiata attraverso gli States. Quando arrivano a Washington però Helen, la madre, non ce la fa più: hanno avuto la fortuna di passare intatti attraverso la Grande Depressione ma le depressioni più piccole passano all'incasso e reclamano divorzi, lasciando Vincent, il padre girovago, con sette bambini da accudire.

E lui reagisce con l'ennesimo movimento: tutti a Tuckahoe, New York, dove Helen completerà la high school finendo poi nei Women’s Army Corps che la obbligheranno, che novità, un altro vagabondaggio, questa volta in solitaria. Destinazione Missouri e l'esperienza non deve essere delle più fortunate, visto che a termine servizio Helen brucerà la divisa. La New York cantata da F. Scott Fitzgerald è ormai altra cosa, ma non ha perso nulla del suo flusso magnetico ed Helen decide di tornare nella Grande Mela per completare il Falò.

Trova lavoro, ragazzo e un matrimonio per giugno 1947, ma qualcosa non gira per il verso giusto e forse non è mai girato e non c'è stata nessuna rinascita dalle ceneri di quell'uniforme, né sembra che covi il classico fuoco sotto la cenere.
Il 30 aprile Helen corre a Easton per festeggiare il compleanno del suo fidanzato e il giorno dopo, il primo maggio, May Day, piglia un treno alle sette di mattina per tornare a New York. May day oltre che una festa è anche il grido di allarme che viene lanciato dalle navi, e questa splendida barca sta per colare a picco da trecento metri.

Il treno impiega un'ora e sei minuti per arrivare a New York. Cosa siano stati quei 66 minuti nessuno può saperlo, il suo ragazzo afferma che “When I kissed her goodbye she was happy and as normal as any girl about to be married.” E può darsi. E non importa.
Magari Helen già fissava l'Empire dal finestrino, chissà.

L'Empire State Building ha la sua lunga storia di suicidi, verrebbe quasi da dire "d'ordinanza". Non sei uno dei più noti grattacieli del mondo senza trascinarti a corredo la tua dote di jumpers, così come non sei un ponte davvero degno di tal nome senza la tua coorte di suicidi. Qualcuno lo scelse come punto terminale ancora prima che ne fosse completata la costruzione, pensate. Altri precederanno questa ventitreenne e altri la seguiranno da un simbolo che continua a catalizzare fantasie di ogni tipo anche adesso che è stato surclassato da deliri, incubi e sogni architettonici ben più arditi.

Helen si reca in un hotel, scrive alcune righe e quindi alle dieci e mezza circa varca la soglia. L'ascensore la porta alla piattaforma panoramica posta all'86esimo piano e, di nuovo, chissà cosa avrà pensato lungo questo tragitto, l'ennesimo di una serie infinita cominciata in California.
Ripiega con cura il soprabito e lo lascia lì, insieme a una borsetta per il trucco, alcune foto di famiglia e un taccuino nero. L'ultimo viaggio dura pochi istanti, la stazione d'arrivo è una United Nations Assembly Cadillac parcheggiata sulla Trentaquattresima Strada, il proprietario è andato a prendere qualche cura provvisoria in farmacia, mentre Helen andava incontro alla cura definitiva.

Il suo arrivo è preceduto, afferma un agente di pattuglia, dal volteggiare di una sciarpa bianca. se una scena simile la vedessi in un film penserei a un eccesso di sceneggiatura. Quindi l'impatto, che lo stesso agente definisce una "esplosione". Accorrono gli psicopompi, a frotte e stormi, siamo nel centro di una delle città più popolate del mondo. Arriva anche un giovane fotografo, Robert C. Wiles, che si trovava nei paraggi e scatterà l'immagine che vedete qui sopra.
La stessa immagine che finirà su Life pochi giorni dopo e su molti volumi per poi essere vampirizzata, popizzata, banalizzata, serializzata dallo psicopompo per eccellenza del secolo scorso, Andy Warhol, per la sua serie Death and Disaster (1962-1967).

Di solito il pensare o, peggio ancora, l'affermare "ha trovato la pace" è atto così indegno e insieme volgare e banale da risultare quasi intollerabile per me, ma in questo caso l'immagine suggerisce qualcosa di così potente, composto e sereno da farmi supporre che qualche volta la si possa davvero trovare, questa pace.

L'addio di Helen:

"Non voglio che nessuno, della mia famiglia o meno, veda alcuna parte di me. Potete distruggere il mio corpo cremandolo? Prego voi e la mia famiglia – non voglio nessun funerale o commemorazione. Il mio fidanzato mi ha chiesto di sposarlo in giugno. Starà molto meglio senza di me. Dite a mio padre che ho preso troppe tendenze da mia madre."

Cosa vi ha spinti verso l'horror?

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Sat, 02 Jul 2011 17:16:00 +0000

L'occasione è fornita dalla domanda che Iguana Jo ha posto nei commenti della precedente recensione e che, a memoria, non mi sembra di aver mai rivolto a chi frequenta la malpercasa.

Mi limito quindi a usare le sue parole, la domanda mi sembra già ben precisa così: date risposte all'Iguana affamata di conoscenza!

Posso chiedere ai tuoi ospiti cosa li ha spinti verso l'horror? Cosa apprezzano nel genere? Grazie!

The woman (2011)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Wed, 29 Jun 2011 22:38:00 +0000

THE WOMAN
2011, USA, colore
Regia: Lucky McKee
Soggetto/Sceneggiatura: Lucky McKee e Jack Ketchum
Produzione: Moderciné

Una donna, selvaggia, artigli e zanne, si aggira per i boschi appena dietro una classica piccola cittadina statunitense. Cattura animali e li divora crudi, conducendo una vita primitiva fatta di caccia e riposo in anfratti del terreno.

Poco distante Chris Cleek, un avvocato del posto, se la cava così bene da poter far vivere moglie (casalinga) e tre figli nell'agio di una splendida casa di campagna. Fra barbecue, feste in piscina e scenette di normale vita familiare si insinua però, fin da subito, qualcosa di anomalo nel quadro idilliaco.

Chris è un uomo tranquillo che programma la vita della sua famiglia assegnando precisi compiti a ogni singolo elemento, senza mai bisogno di alzare la voce, con ordini quieti e aria sorridente. La moglie, Belle, è una donna fragile e servizievole, sempre pronta a esaudire i desideri del marito.
La figlia maggiore, Peggy, all'ultimo anno di high school, sta passando un periodo di depressione, non socializza più coi compagni, è taciturna e triste.
Il figlio, Brian, è un ragazzo quieto che osserva quel che gli accade attorno senza apparenti reazioni emotive.
La più piccola, Darlin, pare invece esente da quel che turba il resto dei Cleek e regala affetto e baci a chiunque, ascoltando la sua radio giocattolo e mangiando gli amati biscotti a forma di omino.

Chris ama andare a caccia.
Chris torna dal bosco e ordina a figli e moglie di sgomberare una cantina esterna alla casa.
Chris intrappola la donna selvaggia e la porta dentro la prigione che ha fatto preparare.
Chris farà capire alla donna, con torture, sevizie e violenze sessuali, chi comanda. E la sua famiglia lo aiuterà a fare quel che deve essere fatto...

Per gli amanti della versione breve: era inevitabile che il connubio fra quello che ritengo il migliore scrittore del Perturbante contemporaneo e uno dei registi migliori della sua generazione producesse infine un capolavoro.
E se è difficile operare distinzioni fra i capolavori, occorre anche dire che ce ne sono alcuni più necessari di altri, per il tipo di discorso che tentano e ancor di più per il momento in cui escono.

Sulla scia di Martyrs e House of the Devil, abbiamo finalmente il terzo titolo imprescindibile e fondamentale di questi ultimi anni e di conseguenza il terzo cineasta che può iniettare robustissime dosi di anticorpi a un genere che al momento non se la sta passando benissimo.
Anticorpi femminili, come era già stato il caso degli altri due titoli menzionati.

Non ho voglia di controbattere a chi ha definito il film "misogino". Credo che si tratti più o meno dello stesso schema mentale che tende a definire "fascista" un film nel quale c'è qualche giustiziere privato, e così via: non riesco a rapportarmi, per miei difetti, con un modo di classificare e pensare così alieno, non c'è un minimo di base comune e quindi, come faceva Jacobs in uno splendido racconto di Flannery O' Connor, "non discuto".

Ketchum e McKee sono abituati a lavorare insieme, essendosi incrociati prima nel buono The Lost e quindi nell'altrettanto valido Red. E di linee che si intersecano, in questa produzione, ce ne sono tantissime, da quella splendida musa malata che è Angela Bettis (che McKee ha impiegato sia in May che in Sick Girl e, in modo più subdolo, perfino in The Woods) a Polyanna McIntosh che aveva già offerto volto e corpo a questo personaggio nelle vicende selvatiche e cannibalesche del caciarone e carnevalesco Offspring, in sostanza l'antefatto della vicenda qui narrata.
E, altra cometa che torna dopo un lungo giro, spunta anche Andrew van den Houten, sorta di Larry Fessenden in sedicesima: recita qui, produce là, dirige su, suona giù... Credo che lo sappia, di brillare più che altro come produttore (The Girl Next Door e appunto The Woman) che come regista (Offspring, l'incerto Headspace), e va bene così.

Tutti questi vettori, a furia di incontrarsi e scontrarsi, hanno (era solo questione di tempo) creato la reazione a catena perfetta. Lucky McKee avverte fiducia e si lascia andare del tutto, senza più frapporre istanze "normalizzanti" (ed ecco il lato encomiabilissimo di van den Houten e della produzione tutta) che bene o male lo hanno sempre un po' frenato: organizza spazi, corpi, inquadrature, montaggio e frasi come più gli pare e piace, spalleggiato da tutto il reparto tecnico e da un cast che non ha eguali nel recente panorama di genere (se non, guarda caso, in Martyrs e House of the Devil) per come riesce a brillare compatto, anche nei ruoli minori.

McKee è un autentico maestro nell'arte di spiazzare e di straniare, sia all'interno di una singola scena, per l'uso delle componenti diegetiche ed extradiegetiche, sia quando si guarda a qualche elemento per la prima volta e lo si rapporta in seguito ad altri avvenimenti e particolari. Si parte a razzo, con la donna che scappa attraverso i boschi in seguito a quanto accaduto in Offspring: fango, sangue, acqua, roccia, radici, tutto si mischia e impasta nella fotografia di un Alex Vendler controllato, che lungo tutto il film non cede a voglie di manipolazione eccessiva perché, lo sa, non bisogna distrarre lo spettatore coi trucchetti.
Dal torbido lo stacco alla festa dove ci viene presentata la famiglia Cleek è decisissimo: siamo nella "civiltà", non si mangiano gli animali crudi ma a parte quello i comportamenti violenti, i soprusi e le angherie sono presenti in cifra maggiore in questo ameno quadretto di paciosa suburbia e tanto più disturbanti proprio perché gratuiti. Ragazzi che importunano ragazze, bambini che mettono in angolo bambine, indifferenze assortite, divieti ingiusti, potere esercitato in modo sottile (la "benigna" trattativa sulla casa da parte di Chris è già una spia di allarme) in una serie di rapide scenette che mettono già in chiaro di cosa si parlerà.

Si parlerà di potere, di controllo, di ruoli, di generi e di rapporti fra queste cose; di come controllo e ordine siano spesso legati in modo maniacale e di come sia il primo che il secondo siano mere illusioni; di quanto, infine, appartenere a un genere preciso (il maschio) e a un ruolo ben riconosciuto (capofamiglia, professionista di successo, ricco) faciliti e "autorizzi" l'esercizio di potere su altri ruoli e generi meno "fortunati". Vi sono già gli spiazzamenti, ovunque: Brian osserva taciturno tre bambini maschi che vessano una bambina e noi siamo indotti a farci una serie di idee sul suo carattere, per poi capire solo in seguito le reali implicazioni della sua inazione.

E questi elementi non ci verranno imboccati come pappa pronta con sottotitoli, come capita troppo spesso in un genere che ha la sventura di attirare e confrontarsi con un pubblico bisognoso di didascalie. No, come sottolinea con giusto vigore Lucia nella sua recensione:

McKee parla e racconta attraverso le immagini, centellinando i dialoghi e le spiegazioni al minimo indispensabile, perché a lui non serve altro. Non ha quasi bisogno delle parole. E’ la macchina da presa che narra, è ciò che essa sceglie di mostrarci, è il dove McKee decide di piazzarla, è linguaggio cinematografico puro ed essenziale, senza orpelli o facilitazioni di sorta per lo spettatore, a cui è richiesto uno sforzo di comprensione e a cui è conferito un ruolo attivo. Il non sommergerci di informazioni, è segno di grande rispetto da parte di McKee (e ovviamente di Ketchum alla sceneggiatura): finalmente un film che non tratta chi lo guarda come l’ultimo dei cretini. Il che nell’attuale triste epoca dominata dallo spiegone sarebbe già sufficiente per alzarsi in piedi e applaudire.

Da questa partenza a razzo, giusto il tempo di dispiegare le truppe, non vi è più sosta, intermezzo o pausa ma solo un allucinato gioco al rialzo nel quale un piccolo uomo tenta di controllare una grande donna e a ogni giro di vite si trova costretto ad alzare di una tacca l'amplificatore della sua follia per nascondersi l'evidenza.

Il primo incontro fra Chris e la donna (lui è a caccia e la scorge con il mirino del fucile mentre lei, mezza nuda, pesca in un torrente) è esemplare della tecnica di spiazzamento di McKee. Il momento è di assoluta tensione e ci sentiamo anche quasi intrusi, spioni. Ci aspettiamo tutta una serie di cose, ci sono gli obbligatori campi ne controcampi che preludono a...
A un basso pastoso e una canzone rock generica, nemmeno più di tanto significativa o particolare, la cui prima strofa dice "ti ho visto camminare per la strada con quelle tue scarpette nere e ho capito che dovevi essere mia, pa pa pa pa paaa..." e pare di essere stati scagliati in qualche commedia romantica, anche un po' volgarotta, quando lui vede per la prima volta la donna della sua vita..
L'accoppiamento sulla carta manderebbe ko qualsiasi pretesa di realismo, qualsiasi patto pregresso con lo spettatore e, nelle mani di qualsiasi altro regista, avrebbe innescato un terribile collasso, tale da scagliare il film in territorio teen horror comedy da Mtv.
Ma McKee per fortuna è un geniaccio, sa quel che vuole e come ottenerlo e se brilla in tantissimi campi, il settore dove splende più di tutti è nell'uso della musica e del sonoro (e, ehi, ma di nuovo, che caso, vi ricordate l'uso della musica da parte di Ti West?), con accostamenti di questo tipo disseminati lungo tutto il film, spesso esasperati o all'apparenza non funzionali e che invece rendono The Woman una perla anche dal punto di vista della colonna sonora, non in quanto parte a se stante ma come componente essenziale per una narrazione stralunata e di leggero taglio ironico.

Boys will be boys, dice a un certo momento Chris, per giustificare un atto terribile, di portata gravissima. Verrebbe da avvertirlo, se non lo detestassimo con tutte le nostre forze, che non tutte le girls will be girls.
E sono questi microinserti, questi cenni, gesti e brevi frasi che colpiscono ben più a fondo e ben più forte delle torture che verranno compiute sul corpo della donna.
Viene appesa, legata, lavata con acqua bollente, costretta a mangiare da una ciotola, violentata, lavata di nuovo con getti d'aria compressa, le sparano contro, la picchiano, usano tenaglie sul so ventre e sui seni... Ma se già queste scene sono eseguite con la giusta parsimonia di sangue e gore (ma non preoccupatevi, arriverà anche quello in un finale intollerabile che manda a nanna tanto estremismo estremorientale) sono in realtà ben altri i momenti in cui ti ritrovi scosso, distrutto persino nel fisico di fronte al terribile uso del potere e del controllo che alcune persone esercitano nei confronti di altre, con tutte le terribili conseguenze, le vite distrutte, i riverberi su e giù per la Storia e le storie.

La carezza di Chris alla donna stremata dopo tutte le torture, mentre vuole insegnarle a dire "grazie".
Lo schiaffo indifferente che Chris molla alla moglie quando questa osa avanzare qualche perplessità sul tenere una prigioniera: un gesto così quotidiano, filmato come se si riprendesse l'automatico "buongiorno" alla colazione, e subito dopo, Chris che si mette a letto e invita Belle a fare lo stesso, come se non fosse accaduto niente.
La "buonanotte" di Chris a sua figlia Peggy.
Il "perché così dico io", senza mai dare motivazioni.

Trovo che sia in questi scarti minimi, meno eclatanti, che si annidi il nucleo più cattivo e inesorabile della violenza e del potere, gesti che riducono tutti gli altri a oggetti tanto quanto le torture alla donna e che, proprio perché quotidiani, non avvertiti, reiterati e usurati, diventano spie di una patologia che abbiamo molto spesso, troppo spesso condonato e sottovalutato nel corso dei secoli.
E quanti, quanti accenni, sottotesti, piccole suggestioni che serpeggiano lungo la pellicola, c'è persino tempo e spazio per suggerire, tramite un commento della segretaria di Chris, qualcosa riguardante certi azzardi economici in tempi di crisi, ulteriore segno della spirale di follia dell'uomo-Uomo.

Spirale che porterà lui e la famiglia tutta a un finale di violenza inaudita del quale non intendo parlare per timore di spoilerare alcunché: posso solo dirvi che in un sovraccarico di terrore, disgusto, pietà e paura McKee e Ketchum trovano anche i modo di inserire un twist/rivelazione che lascerà di sale parecchi spettatori.

E no, come e più che per Martyrs o The girl next door, non è un film che io possa consigliare a tutti, caveat launched.

Non si può terminare di elogiare questo capolavoro senza aver prima omaggiato l'intenso e perfetto cast.
Sì, Polyanna McIntosh è giocoforza al centro dell'attenzione e reagisce da super professionista: regala una prova di altissimo livello, fra il tour de force fisico, il coraggio nel mostrarsi, una spaventosa abilità nell'emettere versi bestiali e una serie di sguardi che sarebbero capaci da soli di castrare Leonida, i suoi 300 cuccioli e tutta la Sparta rimasta a casa.
Ma se si tessono le giustissime lodi solo alla McIntosh si compiono gravi torti nei confronti di tutti gli altri. Angela Bettis che piega le spalle, inscricciolisce, vaga per le stanze sommessa, inquieta e debole (ma quanto è violenta e manipolatrice anche lei, nel tentativo di proteggere quello squallido pochissimo che ha?). Lauren Ashley Carter ottima nei suoi silenzi e ripiegamenti, Zach Rand che inquieta più di tutti gli altri messi assieme senza quasi muovere muscolo e, oh, persino Carlee Baker rigogliosa, ironica ed erotica come non mai, necesaria (minima) valvola di sfogo a questa pentola a pressione nucleare.
E poi...
E poi c'è Sean Bridgers nei panni di Chris e nel ruolo che, come dicono gli statunitensi, è career defining. Perfetto, ogni tic, ogni scatto, ogni sorriso, ogni sfuriata, perfetto.
E sì, chiudiamo sulla nota più lieve, perché Shyla Molhusen ci regala una adorabilissima Darlin e riesce a farlo non nel solito modo zuccheroso e artefatto così comune in ruoli del genere.

E a proposito proprio della piccola Darlin, vi suggerisco di rimanere seduti fin dopo i titoli di coda... :)

Capolavoro in grado da solo di rimettere in sesto una intera stagione cinematografica.
Grazie Mr McKee, non ho mai dubitato di te e regalerai ancora tantissimo a questo genere.
Mr Ketchum: non ci sono parole per quello che fai e, da quel poco che ho scorto, per la persona che sei. Grazie, non c'è modo di saldare il debito.

Altri film nell'Archivio Recensioni Cinema

Filmato:

Nessun trailer rintracciabile, se ne trovate uno comunicatemelo che provvedo a inserire

Exit through the gift shop (2010)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 28 Jun 2011 09:33:00 +0000

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP
2010, USA/UK, colore, 87 minuti
Regia: Banksy
Produzione: Paranoid Pictures

La sinossi, come potete notare piuttosto lunga, contiene alcuni spoiler. Io non penso siano spoiler, in un documentario di questo tipo, ma alcune persone potrebbero considerarli tali. Quindi mi sembra rispettoso nei confronti del lettore avvisare. Avviso anche che dopo la sinossi è presente quel che ad alcuni miei lettori risulterà il solito, inutile e banale pippone. Sempre per rispetto, quindi, avviso il lettore che la sinossi è in corsivo e può poi immediatamente saltare alla porzione dopo i tre asterischi per leggere le considerazioni sul documentario, evitando le zone non desiderate. Buona lettura!

Thierry Guetta è un tipo peculiare: orfano di madre dall'età di 11 anni, si sposta dalla Francia a Los Angeles dove apre un negozio di abbigliamento vintage che riscuote parecchio successo. La sua ossessione è però il filmare: con la sua camera filma ogni momento della sua vita e di quella di chiunque altro incontri.

Il momento in cui tutto cambia, per Guetta, è quando incontra Space Invader, uno street artist, e decide di seguirne e documentarne le gesta. Da lì si aprono nuovi orizzonti per Thierry, che trascura sempre di più negozio, moglie e figli per seguire le scorribande dei più famosi street artist, con particolare attenzione nei confronti di Shepard Fairey.

Dopo anni passati a filmare e a collaborare con questi artisti, a Guetta manca però ancora la vera star, l'infilmabile per definizione, Banksy. E quando, dopo vari tentativi, riesce a conoscerlo e a riprenderlo, fra i due si origina un importante sodalizio, con Guetta che accompagna Banksy in alcune delle più riuscite incursioni rischiando insieme a lui.

Le ore di materiale filmato si accumulano durante gli anni e diventano una preziosa testimonianza per un tipo di arte che talvolta è destinata a scomparire nel giro di pochi giorni. Banksy suggerisce quindi a Guetta di tirare le somme e creare un film montando il meglio di questo materiale. Il risultato è disastroso e lascia capire quel che già si era intravisto fin troppo bene: Thierry è una persona ossessionata, priva di talento, molto brava a ripetere in modo compulsivo il gesto di filmare ma senza una direzione, uno scopo, una visione dietro questo gesto.

Banksy, non avendo il coraggio di mettere l'amico di fronte a tale fallimento, suggerisce un'altra via a Guetta: perché non diventare anche lui uno street artist? Il francese non se lo fa ripetere due volte: vende il negozio, si indebita alla grande e, invece di passare attraverso la necessaria fase di gavetta, apre subito un grande studio con dipendenti di ogni tipo per allestire quanto prima possibile la sua prima mostra-evento.

I risultati artistici sono ancora più disastrosi di quanto accaduto con il documentario e sia Banksy che Shepard Fairey non sanno che dire ma scrivono comunque due frasi promozionali per questo personaggio sempre più delirante e imbarazzante. Frasi che con spaventosa puntualità Guetta usa per farsi grandissima promozione in vista della mostra.

Thierry è ormai fuori controllo, si rompe una gamba tre settimane prima dell'evento, non segue con cura l'allestimento preoccupandosi solo di gestire l'hype, a poche ore dall'apertura collaboratori e manovalanza si impegnano da soli a disporre le opere, senza nessuna direzione, opere di una pochezza desolante.
La mostra è un successo incredibile, i collezionisti fanno a botte per comprare, Guetta diventa milionario, famosissimo e da lì in poi richiesto ai più alti livelli (copertine per Madonna, per esempio).

Da queste parti si lascia perdere il dato vero/falso. A me non importa. Non è mai importato e capirlo, purtroppo con una certa lentezza, mi ha levato un senso di disagio che non riuscivo quasi più a sopportare. Di fronte alle due pillole colorate io sorrido, non ne scelgo nemmeno una, mi giro e vado a prendere una birra al pub, riflettendo su come mi sono state offerte, con quali gesti, con quali parole, come era vestito il tipo, dove ci siamo incontrati, cosa la gente pensa di questa offerta, quale pillola prenderebbe.

Si tratta di un meccanismo che, noto, sta contaminando anche quelle che io ritenevo mie radicate convinzioni politiche e sociali. Di fronte al manganello che fracassa la testa del ragazzo che non vuole la Tav on non vuole x cosa a me non interessano più di tanto le ragioni del ragazzo (o meglio, di chi c'è dietro il ragazzo) né quelle del manganello e di chi comanda di agitarlo. Le studio, ovvio, per poter meglio capire la scena che ho di fronte, ma trovo sempre più spesso assai difficile farle mie. Sia chiaro, provo una pena terribile per il dolore del singolo ragazzo e una rabbia e odio tremendo nei confronti del singolo agitatore di manganello. Ma sento di essere più portato, attratto dallo sguardo e analisi della scena senza assecondare schieramenti, che per molti è non entrare nella scena mentre per me ci entri e la modifichi appena la guardi e ne diventi comunque attore.

Sono quindi interessato, affascinatissimo dalle parole, dai gesti, dai colori, dagli slogan, da, per esempio, l'equiparazione Galli-Romani che è stata fatta, dalle narrazioni degli accampamenti che avevano persino piloni votivi per i protestanti religiosi, con tutte le possibili diramazioni e suggestioni che questa visione propone.

Questi discorsi sono diventati per me sempre più importanti fino a cancellare vero e falso, giusto e sbagliato e pazienza se ciò verrà considerato, appunto, "sbagliato", dannoso, amorale, qualunquista: sarà anzi parte dell'interesse verso il discorso. Ho una morale molto forte che ancora si manifesta (chi mi segue lo avrà notato, credo) in alcuni campi ma non ho idea di quel che gli accadrà, a questa morale, perché trovo sempre più interessante questa contaminazione che ho paura che, per chi invece ama schierarsi, sia una contaminazione banale e vigliacca. Forse la morale rimarrà intatta, è quello che mi sembra stia avvenendo, sparirà più che altro il mio interesse a scrivere e parlare di certi eventi in modi che comincio a considerare non più adatti a me. Tutto questo mi sta cambiando, forse nel modo più profondo che abbia mai sperimentato e mi sembra di vivere a un livello di intensità mai sperimentato prima. Questo cambia anche il modo in cui guardo le opere, è ovvio.

* * *

Tutto questo chissà se c'entra con Exit trough the gift shop, vero? C'entra però il fatto che non mi interessa se la parabola di Guetta sia più o meno vera: esistono per me narrazioni buone, convincenti e narrazioni meno buone (e, non si scappa, meno convincenti) e questo ETTGS è narrazione straordinaria, affascinante, che ti prende per mano con lo stile semplice (in apparenza) del documentario rozzissimo per poi trascinarti a spiare, con un certo imbarazzo, la crescente follia di un uomo e poi riscagliarti, con l'ennesimo sleight of hand, verso altre constatazioni, verso altre suggestioni. Imperdibile.

Alcune di queste suggestioni, ma credo faccia parte del gioco, sono banali e strappano più di un sorriso: non credo che Banksy creda davvero che la street art possa essere in qualche modo "controcultura", con tutta la retorica della strada e della guerriglia e del terrorismo e della notte, credo che ci giochi e al massimo riescano buoni forse per qualche skater quattordicenne a corto di angst; così come il successo finale di Guetta e la pochezza dei suoi lavori (e della fauna che popola il suo evento, così come quello di Banksy stesso) e il "signora mia come è messo male il mercato dell'arte" sono alla fine particolari di poco conto e già rimasticati e pensati da sempre, disinnescati prima del nascere. Vengono però proposti, questo sì che credo sia importante, in modo così sospeso fra l'ironia, la burla e la totale serietà del gesto da mesmerizzarci all'istante, così come da bambini la stessa fiaba ci ipnotizzava anche se già sapevamo come andava a finire.

E poi ci sono i dati spessi, importanti, rilevanti: l'occhio che segue il processo produttivo di questi artisti. Le incursioni notturne, i movimenti spesso anche atletici, le performance, l'azione fisica, l'arrampicarsi, il modificare oggetti e simboli di uso comune, l'alterare appunto narrazioni altrui per dar loro nuove svolte e nuovi significati, svuotare di sensi e riempire di altri e mettere quindi in dubbio che i sensi precdenti fossero così importanti, tanto quanto quelli attuali.

Diventa quindi testimonianza multi-livello che non potete perdervi: narrazione di cosa sia la street art, narrazione di cosa comporti la mancanza di talento o genio (finisci col produrre cazzate imbarazzanti e no, ahimè, non potrai mai farcela a creare, ma ti potrebbe capitare di fare uno sfracello di soldi, quindi dacci dentro uguale), narrazione di cosa sia una ossessione. E senza dimenticare quanto, nel narrare, Banksy riesca a far ridere, ridere tantissimo e pensare molto...

E i volti. La credibilità di uno Shepard Fairey quando si mostra dubbioso nei confronti dell'aiuto che ha dato a Guetta lo pone appunto su livelli attoriali altissimi: o sta dicendo la verità o sta mentendo così bene che non conta.
Così come rimane impresso Banksy ombrascimmia che si sporge verso tutti noi, ci guarda negli occhi senza che noi possiamo ricambiare e ci dice: "I always used to encourage everyone i met to make art, i used to think everyone should do it. I don't really do that so much anymore..."

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Filmato:

Non ero un loro compagno...

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 21 Jun 2011 21:54:00 +0000

Un giorno, inoltre, certo per far sfoggio della propria "modernità" (non mi viene in mente nessun'altra ragione), Horiki mi condusse a una riunione clandestina del partito comunista. (Non rammento di preciso come si chiamasse quel luogo - "Società di Lettura", se non erro.) Un'adunanza comunista clandestina poteva rappresentare per Horiki nient'altro che un'ennesima veduta di Tokio. Fui presentato ai "compagni" e costretto ad acquistare un opuscolo. Dopodiché ascoltai una conferenza sull'economia marxista, tenuta da un giovanotto d'una bruttezza eccezionale, che era l'ospite d'onore. Tutto quanto diceva appariva assolutamente ovvio, e doveva essere vero senza dubbio, ma io ero certo che qualcosa di più oscuro, di più pauroso, s'acquattasse nei cuori degli umani. Non era soltanto cupidigia, e neppure vanità. Né era un semplice miscuglio di cupidigia e lussuria. Ignoravo di preciso cosa fosse, ma sul fondo del genere umano avvertivo qualcosa d'inesplicabile che non si poteva circoscrivere nei limiti dell'economia. Terrorizzato com'ero da quel sinistro elemento, detti il mio assenso al materialismo con la stessa naturalezza dell'acqua che si porta al proprio livello. Ma il materialismo era incapace di liberarmi dalla paura degli esseri umani; non potevo sentire la gioia della speranza che l'uomo conosce quand'apre gli occhi sulle foglie novelle..

Nondimeno frequentai regolarmente le adunanze della Società di Lettura. Me la godevo un mondo a osservare i "compagni" con la faccia tirata, quasi stessero discutendo questioni di vita o di morte, tutti assorti nello studio di teorie talmente elementari, che rientravano nella categoria del "due più due quattro". Cercai come potevo d'allentare la tensione delle sedute coi miei soliti frizzi. Ecco perché, immagino, l'atmosfera opprimente del gruppo si diradò poco a poco. Finii per acquistare tanta popolarità presso i compagni, che mi ritennero indispensabile alle adunanze. Quelle anime semplici si figuravano, chissà mai, ch'io fossi un'anima semplice al pari di loro - un compagno ottimista, ridanciano - ma se questo era il loro punto di vista, io li ingannavo completamente. Non ero un loro compagno. Eppure non perdevo una sola adunanza, e recitai da cima a fondo per quella gente il mio repertorio farsesco.

Lo recitai perché mi faceva piacere, perché quella gente m'era simpatica - non necessariamente perché fossimo uniti da una qualche comunità d'affetti che risalisse a Marx.

Irrazionalità. Trovavo il concetto debolmente allettante. O piuttosto mi sentivo a suo agio in sua compagnia. Ciò che mi sgomentava era la logica del mondo: essa dava l'assaggio d'una vaga potenza incalcolabile. Il suo meccanismo era incomprensibile, e non me la sentivo assolutamente di restare confinato in quella stanza senza finestre, agghiacciante fino alle midolla. Quantunque al di fuori si dispiegasse il mare dell'irrazionalità, era molto più ameno nuotare nelle sue acque, e così feci finché, di lì a poco, ci annegai.

Stop alle recensioni negative

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Sun, 19 Jun 2011 22:01:00 +0000

*

Il post di venerdì scorso, quello riguardante Mother's Day, contiene l'ultima recensione negativa di questo blog. Credo sia un passo in linea con l'evoluzione (perlomeno, io la ritengo tale) del percorso iniziato un anno fa con la scelta di non occuparmi più della scena italiana.

Questa decisione, se ben ricordate, era già nell'aria parecchi mesi or sono, se ne era discusso. Credo di aver sempre scritto recensioni negative ricche di spunti interessanti e credo che da parecchi punti di vista possano creare e costruire molto, guardate per esempio quelle riguardanti l'ultima raccolta di racconti di King.

Ma credo anche, non avendo ambizioni di completezza, di accademia o di, boh, vendette personali nei confronti di narrazioni che ho ritenuto uno spreco di tempo, ecco, credo che sia molto importante il livello di soddisfazione e di benessere interno che crea lo scrivere, visto che di soldi non ne girano e la gloria (anche basata sul lavoro mio, chissà) se la stanno prendendo già altri e la ritengo comunque, come diceva quello, una roba da stronzi.
E se posso scappare dagli altri, non posso scappare da me stesso: il senso di soddisfazione che ricavo dalla scrittura di una analisi critica più o meno (è importante, ovvio, questo più o meno) positiva, rispetto a quello che ricavo da una stroncatura, è molto, molto più alto, non vi è confronto e corre in linea con il piacere della visione o lettura dello stesso.

Ne ricaverò anche in termini di tempo: già a pagina 30 dell'ultimo King stavo buttando il mio tempo e lo sapevo, stessa cosa al ventesimo minuto dell'ultimo film di Zack Snyder o Carpenter, non sarò più obbligato a dover vedere/leggere l'intera opera. Non mi interessa nemmeno più evitare brutte visioni o letture ad amici: posso operare al contrario e consigliarne di buone.

E comunque: vedo tutti i film del Perturbante che compaiono in Italia e buona parte di quelli del mercato occidentale, se entro un lasso di tempo ragionevole non ne leggete recensione potrete farvi due facili conti, riempire gli spazi, collegare i puntini.

Con questa mossa perderò circa un 25% dell'attività di posting, che andrò a colmare con altre attività, vedrò quali.
State bene, bisogna andare avanti sempre cercando di fare il massimo e il meglio.

Mother's day (2010)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Fri, 17 Jun 2011 08:03:00 +0000

MOTHER'S DAY
2010, USA, colore, 112 minuti
Regia: Darren Lynn Bousman
Soggetto/Sceneggiatura: Scott Milam
Produzione: Troma Entertainment, Genre Co. E vari

Beth e Daniel Sohapi stanno festeggiando insieme a sette loro amici l'acquisto della nuova casa nella tranquilla suburbia di Stonewall quando la loro allegria viene interrotta dall'irruzione di tre banditi armati. Si tratta dei fratelli Koffin, uno dei quali è ferito in modo grave: hanno appena rapinato una banca, sono stati fregati dal loro compare che è scappato via con il denaro e ora tornano a casa pensando di trovare la loro madre.

I tre, avendo perso contatto con la mamma per due mesi circa, troppo occupati a far rapine, non sanno che la casa è stata venduta ma riescono comunque a controllare la situazione, tenendo sotto minaccia di arma da fuoco gli ospiti fra i quali, per caso, c'è anche un medico che si mette subito a curare il ferito, pur disperando di riuscire a salvarlo.

Fuori intanto sta per arrivare un tornado, abituale da quelle parti, ma per fortuna il seminterrato della casa è ben attrezzato, come quello di molti altri in zona.

I Koffin decidono di chiamare la madre, che arriva poco dopo a bordo di un camper insieme alla loro sorella e prende il controllo della situazione. Servono dei soldi per fuggire oltre confine, i figli asseriscono di averne mandati molti durante i mesi passati mentre Beth e Daniel negano di aver mai visto nulla arrivare in casa.

Si prepara una lunga notte per gli occupanti della magione alle prese con gli scatenati Koffin e la loro psicopatica madre...

Possibili spoiler, mi spiace. Non andate avanti, siete stati avvisati.

Sarebbe grottesco se la verifica scientifica fosse come la messa in scena dei film di Darren Lynn Bousman: a qualcuno viene in mente qualche tipo di teoria e, invece di sbattersi per provarne la validità e arrendersi in caso di impossibilità, modifica il mondo per fargli seguire le nuove regole e dimostrare quanto ha ragione. Una figata per i bimbi che hanno saltato la fase del "no, non si può".

Bousman ormai ci sta provando da un sacco di anni e, a sentire qualche intervista, si rende anche conto di non avere molte idee valide e, con un gran bisogno di tornare a incassare dopo il disastro di Repo, ha accettato il primo remake che è riuscito ad avvicinare perché (sempre parole sue) "i remake tirano". Ottima motivazione.
Cosa poi abbia di remake questo suo ennesimo disastro non lo si capisce bene, ma titolo e idea di base in effetti coincidono con un vecchio e trascurabile film Troma, probabile che ciò sia sufficiente per la classificazione.

Quel che Bousman ha, per fortuna dei nostri occhi, imparato a fare nella sua mediocre carriera, forse per osmosi, è il piazzare la camera e inquadrare gli attori (più quando non si agitano che altro, con le scene d'azione ci sono ancora parecchi problemi, si veda il brutto scontro finale fra le due mamme), cose che vengono ancora meglio se sono graziate dalla fotografia alpenliebesca di Jospeh White.

E, per qualche strano allineamento degli astri che dubito si ripeterà ancora in carriera, Bousman incappa anche in un casting di buon livello, con la stupenda Rebecca De Mornay in un ruolo che definirei career defining se la sua carriera non l'avesse già ben delineata e puntellata da parecchi anni, ma è sempre un piacere rivederla in azione anche se, in questo caso, spinta purtroppo a gigioneggiare all'eccesso con un personaggio poco interessante nelle sue incongruità e prevedibilità. Ma è il punto di forza del film, la De Mornay, e salva parecchi momenti.
Accanto a lei parecchi volti noti del genere, sia per quanto riguarda la celluloide che il catodico (ma ormai si dice come? Plasmatico?), quasi tutti pronti a reggere con discreta, ammirabile tenuta gli interminabili 112 minuti che lo scriteriato Scott Milam ha scritto con mirabile spregio della logica.

Attori in forma, luci professionali (che vuol dire solo "oh, sembra un film e non un pilot", non aspettatevi nulla di stratosferico), reparto sonoro sopra la media e comunque non intrusivo... Quali altri fattori positivi elencare prima di analizzare il grande, grasso e grosso resto di questa sconceria? Ah sì, ci sono alcuni effetti speciali realizzati con un amore e una cura che appartengono ad altri tempi.

Mi devo fermare qui perché il resto è un disastro che ondeggia fra il ridicolo e il noioso, e quando Bousman bello contento afferma che aveva altre cinque ore di girato molto valido con parecchi personaggi in più che non sono apparsi (stiamo parlando di una casa già affollata da quanti, 14 personaggi?) beh, un po' mi tremano le arterie dei gomiti (che le vene dei polsi le ho perse ai tempi di Saw 3, o era il 15?) e un po' mi vien da ridere pensando al povero ed efficiente Hunter M.Via, che in fase di montaggio avrà dovuto soffrire non poco, legato come è ai suoi sessantaminuti canonici...

Si parte, come al solito, con insulso ma ben girato prologo in ospedale nel quale la pazza mamma Koffin ruba uno dei suoi tanti figli. Perché, vedete, lei è folle, sociopatica, una persona malata di mente con una morale tanto distorta quanto ferrea. Sterile, ruba dei bambini (con facilità che perplime) per allevarli con amore totale, insegnando loro parecchie massime di vita e facendo di tutto per la sua prole.
Questo, ci mancherebbe, per lo sceneggiatore si traduce in "posso farle fare e dire il cazzo che voglio, tanto è pazza e nessuno potrà dirmi nulla" (un po' come la scrollata di spalle e il "è magia" che distrugge parecchio fantasy) e quindi via con una galleria di prediche sul non trattare male le donne (salvo poi bruciarle e massacrarle con fantasia), via al ricordare che ha sempre punito ogni errore dei suoi figli perché è solo così che capiscono e imparano (ma non lo fa mai per l'intera durata del film, e dire che i figli di cazzate ne combinano a nastro e non hanno mai imparato nulla), via con il ricordare ogni due minuti il suo incredibile amore e istinto di protezione per i figli (salvo poi mandarli a fare uno dei più pericolosi mestieri del mondo) e così via...

A questo, che sarebbe ancora solo un problema di scrittura dei personaggi, si allineano una serie di incongruenze di plot e di decisioni da far rabbrividire.
Mamma ha solo due figli armati per tenere sotto controllo nove persone adulte e sceglie di spedirne uno, con la lista dei pin e carte di credito dei presenti, in paese a tettare soldi dal bancomat. Ma non deve andarci da solo, no, darebbe troppo poco nell'occhio e sarebbe tutto più facile e veloce, meglio se ci va con una Beth tanto terrorizzata quanto disposta a lottare non appena si presenterà l'occasione. E infatti al primo sportello l'insolita coppia è subito soggetto di attenzione da parte di due ragazze, con spassosa scena a seguire sulla quale tornerò più avanti.

Prima di recarsi al bancomat i due si devono sbarazzare di un morto e lo buttano nel cassonetto. Qualche tempo dopo, con l'uragano in arrivo (e "in arrivo" significa a minuti) gli spazzini sono ancora in giro (i soli, non c'è nessun altro, nemmeno la protezione civile) a raccattare la munnezza e così scoprono il cadavere...

Il minore dei figli sta morendo per una atroce ferita al ventre, ulula, sviene di continuo e durante uno dei suoi stati febbrili dice che gli dispiace di morire vergine. Nessun problema, ci pensa mamma che gli porta una tipa per la copula pre-mortem rischiando di ammazzarlo (perché gli vuole bene) in uno dei momenti più esilaranti dell'intero circo. A me, ecco, forse non tirerebbe, ma di sicuro mamma avrebbe due pasticche di viagra per risolvere anche questo problema, è l'ammmore...

Beth ha tre (tre, non una, già una farebbe incazzare ma quest ne ha tre) differenti occasioni, lungo tutto il film, in cui ha steso uno dei cattivi a turno, le basterebbe tirare un altro colpo in testa per svoltare del tutto e invece no: nella lavanderia lo mette ko ma non lo termina perché almeno così Bousman può girare la scena di inseguimento nel retro fra i panni appesi; nel bagno stende mamma Koffin ma non la termina perché deve slegare l'amica ma in realtà perché è funzionale a far ricomparire mamma più avanti e stessa cosa, più o meno, nel garage. Per me questo è un demiurgo inetto e facilone, di quelli che sanno solo rispondere "è così perché sì".

Tutto è così nelle teste del regista e sceneggiatore, tutto costruito ad arte per girare la scena figa o per dimostrare la tesi. Narrare è stabilire uno splendido rapporto di fiducia e condivisione con lo spettatore, qualcosa per me vicino a una magia: io prometto di crederti quando mi dici che c'è sta mamma pazza con i suoi figli malvagi, in cambio ti chiedo uno sviluppo intelligente, o perlomeno non insultante, della vicenda.

Ma Bousman è troppo interessato alla sua tesina filosofica sull'uomo lupo all'uomo, sul fatto che ognuno di noi dietro dovuta pressione farà cose cattivissime (ancora a sti livelli stiamo, ma forse è perché sono statunitensi, boh...) e quindi si spende in pagliacciate implausibili per martellarci la testa con questa nozione. I due vanno al bancomat, una coppia di ragazze si insospettisce e allora il cattivone getta loro un coltello, minacciandole con la pistola e dicendo loro che chi ucciderà per prima l'altra sarà libera di scappare. Why? Per dimostrare la tesi? Perché è un pazzo psicopatico col cervello fottuto? Perché si scrivono le scene con leggerezza e scarso rispetto dei propri personaggi (che, ehi, sono tuoi figli, Bousman, e dovresti amarli anche quando decidi di farli morire), mah...

Stesso con la scelta della donna da portare al fratellino morente: i due maschi delle tipe dovranno lottare all'ultimo sangue e la tipa di chi vincerà verrà risparmiata. E i due, che potrebbero sopraffare con assurda facilità l'unico criminale presente, si ammazzano di colpi, tradendo fra l'altro i precedenti abbozzi di psicologia. E bravo il nostro Hobbes del Kansas, ancora lì a girare sui territori morali (sigh) di Saw e compagnia danzante, che desolazione.

Oh però tranquilli eh, che gli stessi tipi che non erano riusciti a farcela contro il tizio armato, a un certo punto, senza reale motivazione o cambiamento, giusto per il procedere inerte della trama (che li vuole piccoli indiani fino allo showdown fra le due mamme), si gireranno e metteranno ko il cattivone senza nessuno sforzo. Salvo poi, pochi istanti dopo, condannarci ad assistere all'ennesima, desolante scemenza, con il nero che spara "per sbaglio" (oh, era sordo d'altronde eh, che volete, ve lo aveva pure fatto ben vedere, no?) alla sua compagna che ha sempre amato e voluto proteggere più di tutti gli altri.

Siamo arrivati, fra i consueti pulotti-rincoglioniti-stock e ricordi/traumi spalmati a muzzo in mezzo ai personaggi con la pretesa che possa servire a dar loro una psicologia, al finale dove naturalmente, sorpresa sorpresa, la tristanzuola Beth si rivela mantide non da poco: aveva nascosto lei i soldi che arrivavano perché sapeva che il marito la cornificava e, rimasta incinta, voleva scappar via per rifarsi una vita con il nuovo bambino.

E a prescindere dalla telegrafata, come e dove li nasconde sti soldi? Tenetevi: dietro un quadro in bagno, ancora nelle buste nei quali erano stati inviati coi francobolli, indirizzo, cartolina di auguri per la festa della mamma e tutto (ma come si fa a scrivere e filmare così, come si fa, ma come non è possibile non accorgersene a una rilettura del copione, come?...), che quando la Koffin lo scopre s'inacidella mica poco, e datele torto.

Lo scontro fra le due è roba standard da casalinghe più incazzate che disperate, coltelli e tutto, con casa in fiamme, uno sfracello di morti steso per soddisfare le splatterfregole dei dodicenni (yo, check it out! A uno gli versano acqua bollente nelle orecchie, man! E a l'altro lo sparachiodano! Troppo cool!) e, mancando cura, compassione (quando ci renderemo conto di quanto questa sia centrale e indispensabile?), attenzione ed empatia il risultato è scontato e non può essere altro che l'ormai abituale pornografia "divertente" che accomuna, purtroppo, parecchi fra i giovani autori. Senza gli elementi elencati le scene truci non fanno nessun ribrezzo, repulsa, dolore e senza empatia a me non fotte sega di chi muore in giro, tanto sono pupazzi.

C'è differenza fra pazzia e scrittura sciatta, la follia non è un tana libera tutti per lo sceneggiatore esordiente; c'è differenza fra spessore psicologico e personaggi cliché con la funzione appiccicata in testa; c'è differenza fra il mostrare e suggerire eventi e personaggi al pubblico tramite le loro azioni e invece farli spuntare (i minuti iniziali sono terribili in questo senso, e dire che poteva spendersi meglio visto che ne ha 112 a disposizione) ognuno con due frasi in bocca che lo definiscono, frasi che nessuno direbbe mai a degli amici proprio perché in quanto amici lo conoscono già (così come chi vive in una zona di tornadi darebbe per scontate certe cose invece di declamarle topolinescamente ogni tre secondi); c'è differenza fra il volerci dire (e sarebbe già yawn yawn eh) che siamo tutti cinici ed egoisti e cattivi e finire invece con una manica di idioti che prendono sempre, sempre, sempre decisioni subpar, questo è volerci dire che siamo tutti degli idioti incapaci, che può anche starci, ma le premesse e gli sbandieramenti erano altri e si canna quindi la dimostrazione.

D'obbligo il post-finale che è insulto nell'insulto, sprofonda il film nei territori del semisoprannaturale all'amatriciana (ma per Milam credo sia invece grande struttura circolare e, udite udite, manifesto di vendetta) e non merita nemmeno di essere spoilerato...

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Filmato:

Vanishing on 7th Street

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Wed, 15 Jun 2011 16:53:00 +0000

VANISHING ON 7th STREET
2010, USA, colore, 92 minuti
Regia: Brad Anderson
Soggetto/Sceneggiatura: Anthony Jaswinski
Produzione: Herrick Entertainment e Mandalay Vision

Durante una notte come tante altre, Detroit subisce un improvviso blackout e al sorgere del sole la città appare deserta. Mucchietti di vestiti abbandonati a terra sono tutto ciò che rimane dei suoi cittadini.

Un eterogeneo gruppo di sopravvissuti si renderà ben presto conto che le tenebre paiono essere vive e in grado di inglobare qualsiasi essere vivente e solo le sempre più scarse fonti di luce possono evitare l'attacco.

Ma gli impianti elettrici, anche quelli autonomi, sembrano funzionare sempre peggio e, dato ancora più terribile, ogni giorno le ore di luce diminuiscono...

Non so voi, ma io avevo perso traccia di Brad Anderson, con rammarico, qualche anno fa. Transsiberian non mi aveva impressionato e il suo episodio dell'ignobile Fear Itself non spiccava nel disastro generale, dandomi l'impressione che Anderson stesse perdendo il tocco più a causa di scelte sbagliate in fase di sceneggiatura che per effettiva scarsa tenuta tecnica.

Ne aspettavo il ritorno su grande schermo ma Anderson ha preferito continuare a girovagare per alcuni telefilm per cui non saprei dire nulla circa la sua resa in quella fase (anche se recupererò i suoi episodi di The Wire). E ora, in ritardo, metto le mani e gli occhi su questo Vanishing on 7th Street che di andersoniano ha poco o nulla, forse certa attenzione per i dettagli sonori (il reparto migliore della produzione).

Anthony Jaswinski non ha una gran carriera alle spalle e purtroppo si sente in ogni sua idea e sviluppo della sceneggiatura: imbastita un'idea di partenza che offre parecchi perturbospunti, lo scrittore si perde in uno stanco giochino d'assedio nel quale i difensori non hanno carisma e non trovano l'empatia del pubblico mentre gli assalitori sono da segnare nella colonna del non pervenuto.

Così come non pervenuta è l'atmosfera (e dire che questa apocalisse silenziosa e poco distruttiva poteva offrirne a pacchi) o la tensione: è bene rivelare poco e far vedere anche meno, ma in casi come questo sembra che non si tratti di scelta cosciente quanto di incapacità nell'immaginare possibili cause, scopi ed esiti.

Tolti questi elementi dall'equazione ed esaurito ben presto l'interesse per il continuo, ripetitivo ciclo di (non) incontri con i tenebrosi "altri", non rimane che rifugiarci nell'interazione fra i personaggi, che si sa che una delle più stanche ricette di questo tipo di trama prevede che la situazione disperata tiri fuori il peggio e il meglio dai sopravvissuti: scontri, rivelazioni di traumi, elaborazioni di lutti, scoperte di vere nature e di inaspettati caratteri, epifanie assortite, ricordi discount e tutto il resto del bla bla standard del manuale d'assedio 101.

Quindi ok, scoperto che dalle bucotenebre non caveremo un ragno, ci rivolgiamo rassegnati verso i vari tizi che si ritrovano confinati in un pub a fronteggiare la fine, ma anche in questo settore scrittura e messinscena latitano, lasciandoci con personaggi che più che interessanti e tridimensionali sono purtroppo farseschi e noiosi, ognuno intrappolato in un loop comportamentale che rasenta l'assurdo.

La svogliatezza e l'inconsistenza paiono contagiare anche gli attori, con un Hayden Christensen che a me non sembra ancora in grado (e non so se mai lo sarà) di reggere un ruolo da protagonista e John Leguizamo altrove molto efficace e qui intrappolato in un clamoroso miscasting che lo vuole credibile nei panni di un proiezionista (wink wink, il metacinema!) con la passione per le teorie di cospirazioni. Non mancano, sempre come da manuale, i religiosi e i bimbi, i fautori dell'azione e quelli della riflessione: latitano solo anima, fantasia e passione.

Nessun conflitto, tensione assente, alchimia latitante... Cosa dobbiamo fare di questo porridge insipido e tiepidino? Rimestare con il cucchiaio in cerca di qualche boccone decente? Si può anche fare, possiamo metterci a dare la caccia alle citazioni, richiami e divertissement vari, ma sai che divertimento: vi invito comunque a scovarli, in particolare appena fuori dal bar e nella musica/arredo all'interno di esso.

E dire che la paura del buio è uno dei terrori più forti fra tutti e anche quella dell'ignoto non scherza mica: miscelarle in un solo vettore sembrava mossa geniale, così come facevano ben sperare i buoni minuti iniziali. Purtroppo il resto del film è un continuo insulto all'intelligenza dello spettatore che si trova nell'impossibilità di comprendere e seguire le regole del gioco e subisce man mano le sorti dei vari personaggi. E a me subire non piace, grazie.

Questo è uno degli aspetti peggiori e più meccanici dell'intera opera. Vi sono parecchie teorie di narrativa che prevedono che ogni tot pagine o minuti debba accadere qualcosa (sparizioni nell'ombra, in questo caso, ma può essere qualsiasi evento) per tenere vivo l'interesse del bue che altrimenti, si sa, cade addormentato nel tepore della stallacinema.
Jaswinski ci si mette di buona lena, timer alla mano, a far sparire gente e a far montare ogni evento un po' più del precedente, peccato che non fornisca nessuna struttura causa-effetto al giochino e che chi assiste al tutto si senta defraudato e preso in giro.
Non conta nulla: non importa quali scelte farà un personaggio, non c'entra nemmeno qualche sorta di complicato codice morale (non sperate nella religione, chiese e croci vengono buttate in mezzo al film ad cazzum, come tutto il resto, Roanoke, per esempio, why?), non c'è nessun tipo di consequenzialità, di azioni da compiere ed errori da assimilare ed evitare: comunque vada, in qualsiasi modo vi comporterete, ogni tot minuti verrete presi, a caso, dalle tenebre.
A questo punto la scelta, visto il luogo della last stand, di ubriacarsi senza se e senza ma cercando se possibile l'ultima copula a me sembra ben più valida e propositiva di tante altre, cercherò di ricordarmelo quando arriverà la Nerapocalisse.

Ma... Aspettate, forse Vanishing vuole dirci proprio questo! Che non importa quel che facciamo, come ci comportiamo, quali le scelte, gli stili e la storia: siamo tutti destinati a morire! E sticazzi, ci volevano 92 lunghissimi, sconclusionati e noiosi minuti per elaborare un concetto così innovativo e profondo?

Anderson ci ha regalato L'uomo senza sonno e Session 9: qualche scivolone low budget se lo può concedere se nel futuro intende sparare ancora qualche titolo come quelli...

Altri film nell'Archivio Recensioni Cinema

Filmato:

Stake Land (2010)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Sun, 12 Jun 2011 19:58:00 +0000

(for r.d., dove è finito il tuo commento?)

STAKE LAND
2010, USA, colore, 98 minuti
Regia: Jim Mickle
Soggetto/Sceneggiatura: Nick Damici e Jim Mickle
Produzione: Belladonna Productions, Glass Eye Pix e Off Hollywood Pictures

Martin è un ragazzo che ha perso l’intera famiglia durante la violenta e mortale epidemia vampirica che si è diffusa in tutto il mondo.
Agili, fortissimi e affamati, questi nuovi ibridi fra zombie, vampiri e rabbiosi mutanti si suddividono in varie tipologie, ognuna on i suoi punti deboli e tutte pericolosissime per l’uomo.

Martin è salvato da Mister, un cacciatore di vampiri di mezza età rude ma in grado di insegnargli ogni trucco per combattere efficacemente i non morti. I due si metteranno in viaggio verso New Eden, nel Canada, una zona che, a quanto hanno sentito, è priva dei mostri.

Durante il viaggio incontreranno una suora, un marine, una ragazza incinta e un pericoloso culto che vede nei non morti uno strumento di salvezza inviato dal Signore…

Prima di cominciare a scrivere un pezzo che per forza di cose si concentrerà sulle troppe falle e gli evidenti limiti di Stake Land, mi vedo costretto a sottolineare che si tratta di un buon prodotto e che ne raccomando la visione agli amanti del genere, spero sia chiaro con questo che il mio parere è comunque positivo.

E credo proprio che in quel “amanti del genere” si nascondano già tutti i paletti e limiti. Perché Stake Land è pellicola godibile, sì, per essere una narrazione che incrocia post-apocalisse, zombi e vampiri, ma mi chiedo quale ormai possa essere l’interesse e il divertimento nel metterci ad assorbire narrazioni di questo tipo quando ne abbiamo già esplorato a fondo ogni singola permutazione e variazione centinaia di volte.

Scegliere di filmare un sottogenere come questo per me ormai equivale a porsi così tanti limiti che non riesco a capire cosa possa muovere e motivare un’opzione del genere, in particolare tenendo conto che ogni anno escono parecchie narrazioni che dimostrano quanto di nuovo vi sia ancora da esplorare in ogni direzione.

Passione, forse.
Voglia di giocare sul sicuro e incassare sulla base dei fan, magari.
Limiti intrinseci di fantasia, forse ancora.
Piacere nell’eseguire bene un pezzo composto da altri e suonato già mille volte, probabile.
Non so, ma è come andare al concerto di una cover band e, con tutto il rispetto per le ottime cover band che esistono in giro, credo sia meglio fallire a comporre un pezzo proprio che riuscire a suonare una buona versione di Smoke on the water.
Sono il primo a non cercare l’originalità a tutti i costi e l’ho sempre detto, ma credo anche che non ci si possa appiattire in questo modo, perché se si sceglie di farlo allora rimane da giocarsela solo sul piano tecnico-estetico ed è facile pigliare schiaffoni, specie se si è una band che prova nel garage e ha un milionesimo dell’attrezzatura e manico degli artisti di riferimento.

Cosa possiamo fare con questi numerosi, continui mix di apocalissi, epidemie, vampiri, zombi, infetti e altro materiale di questo tipo?
Scegliamo la via del sottotesto sociale? Wow, innovativo.
Raccontiamo che gli zombie siamo noi?
Ci infiliamo un po’ di religione e qualche simbolo misticheggiante?
Optiamo per la critica al consumismo?
Per la cieca insensatezza di esercito, chiesa e bla bla bla?
Oppure ce la giochiamo tutta sull’azione senza cercare sostanza?

Sono vicoli ciechi che portano tutti, come detto, a finire a suonare al pub sotto casa, magari benissimo, magari sopra molti standard di band ben più note, ma lì si rimane, fra quattro birre, gli applausi del pubblico di vecchi amanti di quella musica e poco altro. E il tempo è troppo poco per finire a suonare lì o per andare ad ascoltare band del genere. Perlomeno il mio.

Ho ammirato il lavoro di Jim Mickle e Nick Damici nel precedente Mulberry Street e qui li ritrovo cresciuti, più smaliziati, bravi a gestire paesaggio e gente anche a fronte di un budget che sostanzioso non è, grati alla Glass Eye Pix per il supporto fondamentale e a quel maestro di Larry Fessenden per consigli e folle, usuale comparsata ma lo smaliziarsi è cosa positiva sotto certi aspetti ma toglie giri al motore dei personaggi, più standard pur nelle loro in consuetudini e più che altro il mestiere rilassa troppo gli scrittori che cascano in qualche scivolone di troppo in fase di sceneggiatura, giocando troppo sporco con lo spettatore.

Tentando di non spoilerare troppo (ma non sono sicuro di riuscirci quindi gli emptor sono avvisati) ci sono almeno due scene insopportabili che se non fossi di luna buona farei pesare ben di più sul giudizio finale…
A un certo punto uno dei personaggi principali viene catturato dalla setta cattiva e lasciato di notte, mani legate, in mezzo a quattro o cinque vampiri: breve scontro con uno dei mostri e quindi dissolvenza. Qualche minuto dopo, ovvio, il nostro sarà vivo e vegeto nel momento giusto al posto giusto.
Scritture come queste mi bloccano, mi paiono così disoneste, pigre, comode che rischiano di bloccarmi l’intera visione.

Parecchio tempo dopo, abbiamo tre dei protagonisti principali, un è la ragazza incinta, ormai quasi alle doglie. Sono nel bosco, accampamento con fuoco, di notte. Ne hanno passato di ogni, sono esperti. Sentono un rumore, vedono un movimento e via, entrambi a inseguire il mostro, lasciando sola la donna incinta che, sorpresa, quando torneranno non ci sarà più. Trattasi di scena funzionale per lo showdown finale ma trattasi anche di pessima, pessima scrittura.

E non sono quindi elementi facili da perdonare, all’interno di un sottogenere già esaurito e sterile come questo. Li sopporto perché alla fine Stake Land è di qualche spanna superiore ai fratelli e cugini, e piazzare un film discreto in un campo di narrazioni d’aria fritta è comunque mossa insperata e ben accolta.
Li sopporto perché Nick Damici recita meglio di come scrive e perché Danielle Harris ha 35 anni ma ne dimostra 20 scarsi, è di casa nei film dei terrori e comincia a stracciare Ellen Page nella sua casa.
Li sopporto perché il capo della setta, seppur stragiàvisto, è comunque cattivone efficace e ha la fantastica idea di usare i vampiri come bombe viventi sganciandoli da elicotteri.
Li sopporto per questi e altri motivi simili e anche per la cifra di affetto che nutro per questo strambo duo di regista/scrittori/attore e perché Fessenden e la sua Glass Eye Pix vanno supportati a ogni costo, vista la merda che gira.
Mi piacerebbe vederli all’opera su qualcosa di meno esplorato e mappato, questo sì…
Consigliato.

Altri film nell'Archivio Recensioni Cinema

Filmato:

Carpenter, Malick e lavori in corso

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Thu, 09 Jun 2011 15:26:00 +0000

Prendo qualche giorno di pausa, fino a lunedì prossimo, in quanto vorrei aggiornare il database che è indietro di parecchi mesi. Si tratta di lavoro rognoso perché devo immettere millemila link e collegare anche in altri database e per un somaro come me che digita con lingua di fuori e due sole dita è un inferno di noia e distrazione...

Ma non sia mai che vi/ci/mi/si/li lascio senza argomenti di discussione quindi, in ordine sparso:

1) Ho visto The Tree of Life e sono emozionato. Mi sono emozionato, ho pianto in sala, sono molto contento. Temevo, da letture e pareri, un Malick in tono minore, ho trovato il miglior Malick di sempre, una persona che la pensa in modo spesso, credo spessissimo opposto al mio ma che è riuscito a raggiungermi con la sua visione, a toccarmi il cuore, a convincermi e innervarmi per tutti quegli stupendi minuti. Non riesco a trovare un singolo difetto nella sua opera se non certi dialoghi che suonano talora poco consoni a chi li veicola talora didascalici. Ma è cinema che riempie occhi, cervello e cuore in un modo impareggiabile. Di solito esco dalle visioni con mille pensieri di diverso tipo, questa volta sono uscito travolto, emozionato, felice.

2) Non parlerò di The Ward. Ci ho pensato, non me la sento di infangare così un regista che amo tantissimo. Carpenter è in declino dal 1995, ok, ma anche con una mano legata dietro la schiena e mezzo orbo da allora ha girato cose decenti con la perla di Cigarette Burns, però ormai temo sia finito.
Pro-life era ridicolo sotto troppi aspetti ma almeno era un fallimento carpenteriano. Questo regista ci ha abituati fin troppo bene, non tanto nei capolavori, quanto proprio nei fallimenti che mantenevano una cifra carpenteriana totale. Erano "fallimenti d'autore", mi piaceva questa loro natura.
Questo The Ward è una boiata da mtv su un pigiama party in manicomio fra quattro sgallettate. Quel che mi fa male non è tanto l'aver visto un film brutto, quanto aver dovuto sopportare un film così anonimo nella sua bruttezza da sembrar girato da un qualsiasi yes man fra i meno dotati. Terribile, senza appello. Non è Carpenter, diamogli altra occasione , bruciamo la villa con il dipinto e dimentichiamo.
Per fortuna mi ha dato occasione di leggere qualche divertente difesa in Rete, adoro l'odore dei polpastrelli che scivolano sugli specchi di prima mattina.

3) Collegato a The Tree of Life. Sono andato a vederlo all'Anteo di Milano. Credo, con gli anni, di essere diventato più rispettoso e amabile ma sto posto del cazzo ieri ha messo a durissima prova la mia sopportazione. L'idea non sarebbe nemmeno male: programmazione con film "culturali", libreria del cinema collegata, ristorante-bar attaccato.

Peccato che poi il tutto si traduca.
Film di cultura diventa sinonimo di pellicole di qualità infima che si presume nobilitate da qualche tema alto (poveri bimbi immigrati che si nascondono dalla cattiva polizia francese e così via, credo abbiate presente), la libreria diventa un posto spocchioso con riviste che ti serve il mutuo per sfogliarle e il ristorante, magia, diventa un fottuto wine-bar. Che anche grazie al cazzo, wine-bar, vorrei vedere se al bar non ti servono il wine, glielo smonti, glielo. Le parole, le parole...

Questo sarebbe ancora il meno.
La gente.
La gente che abita questi posti è un gigantesco cartello "please drop napalm right here, asap"...
Si passa dal radical chic che abita in via Solferino ma si crede "di sinistra", alle torme di giornalisti-critici vestiti come nei film di Moretti, fino ai giovani blogger indie con magliette e cappelli (i cappelli alla Bogart a vent'anni, maledettocthulhu) "made in Rupe Tarpea, please kick me down".
Sono insofferente ed è mio illogico e deprecabile limite e mea culpa, ma sentirli parlare, sentire i modi e toni odiosi con i quali propagano aria fritta e rifritta, vedere il loro molle e superborghese modo di territorialpissingare su quel pochissimo potere che hanno, ascoltare i loro cenni di cinismo e il loro sfinimento culturale dovuto all'aver già visto tutto e quindi non poter più esser impressionabili da niente, oh, mi fa andare il sangue alla testa, non so che farci. Certi discorsi, uguali, li avevo già sentiti pronunciare, dalle stesse bocche (che questi sono Society e intercambiabili) ai tempi di Martyrs. I'm seeing red.

E nessuno di loro (mi è sembrato) si è reso conto di aver visto un film meraviglioso (ridacchiavano, alla fine, molti ridacchiavano) in una sala infame, con un impianto e uno schermo da medioevo. Vabbè, poi ho ripensato al film e sono tornato a godere, ma non tornerò mai più in quel posto.

Ci risentiamo prossima settimana, a database aggiustato, per parlare di qualche film e del perché non permetterò più riproduzione dei miei post a determinati siti.

TIM ficcanaso mi ha chiesto cose...

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 07 Jun 2011 10:31:00 +0000

TIM ha da tempo avviato una serie di interviste a blogger più o meno noti e, per la qualità e l'originalità di alcune domande, oltre che per il fatto che una volta tanto non dobbiamo sorbirci le solite intervistine marchettine ai quattro gattiscrittori di genere, la considero cosa interessante, ancora di più se si pensa che ha scelto di intervistare anche persone che hanno esordito da poco in Rete (Nick, per esempio).

Ecco il risultato del nostro incontro.

TIM si è sbattuto e quindi se volete commentare in merito ai contenuti dell'intervista vi prego di farlo da lui che se lo merita, ok?
Visto però che tutti pensano che io mi metta la maschera antigas in quanto sfregiato e orrido mostro mentre in realtà sono un bel maschio mediterraneo, vi ricordo invece che nascondo la mia identità solo perché in passato, in terre straniere, ho disturbato bimbi e orsi meritandomi il carcere.

Amando io sfottere gli altri, non posso esimermi dal calare la maschera di Mayo e permettere eterne e giustissime prese in giro...

Avete domande per Jack Ketchum?

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Mon, 06 Jun 2011 07:54:00 +0000

Come detto, ho l'occasione di intervistare Jack Ketchum: questo significa che abbiamo l'occasione di intervistarlo.
Mi trovo, da fine aprile, in uno stato molto energetico, costruttivo e positivo come non mi accadeva da un po' e quest'ultimo avvenimento, accoppiato alla creazione delle "appendici" di Malpertuis (tumblr di immagini e blog musicale, non credevo che sarei stato così soddisfatto di entrambi), mixati alla lettura di alcuni post (per esempio quello di Fulvio Gatti, con risposte, e altra roba in giro), insieme all'esame degli ottimi dati su visitatori e ingressi, mi sta spingendo a considerare se sia opportuno continuare a cedere in modo gratuito e completo la riproduzione dei miei post a vari altri siti.
Cercherò di arrivare a una decisione in settimana, anche se credo di averla già presa.

Per ora invece occupiamoci di scovare qualche domanda da porre a Jack Ketchum. Ovvio, ne ho alcune in serbo ma una delle cose che mi ha sempre dato fastidio nelle interviste è il pensiero "cavoli, che occasione sprecata, io gli avrei chiesto...", quindi se avete qualche curiosità datevi da fare.

Fra i miei lettori si annidano molti "scrittori", credo possano avere in serbo alcuni quesiti interessanti, così come coloro che hanno letto Ketchum in originale o in traduzione e non credo ci possano essere più di tanti limiti ai tipi di domande anche se penso sia opportuno piantare alcuni paletti...

Non andate troppo sul personale, non so quanto Ketchum possa gradire intromissioni nel privato; evitate le domande banali e quelle già poste mille volte, se leggete l'inglese andatevi a vedere qualche intervista precedente e considerate le domande già fatte; niente "da dove prendi le tue idee" e robe su come è diventato scrittore, cosa faceva prima e bla bla bla. In più Alessandro Manzetti ha realizzato alcune grandissime cose su Il Posto Nero: è, per dirla tutta, uno dei pochi italiani esperti di settore (Carlo Bordoni per esempio è un altro) che ammiro senza se e senza ma (e io stento ad ammirare, figuriamoci senza se e senza ma), evitiamo di copiare quanto già fatto da lui, non avrebbe senso e farebbe schifo.

Ah, sì, non ponete domande sugli e-book, futuro dell'editoria ed edizioni cartacee contro edizioni elettroniche e altre guerre tragicomiche di questo tipo: credo che ormai l'argomento cominci a girare anche in Italia, in molti scoprono l'acqua calda e ci si stanno buttando più o meno tutti, è tempo quindi di superare questo tema visto che ne discutevamo già anni fa e ora stiamo remesciando la merda nei tubi, chi doveva capire ha capito da tempo, per gli altri non credo ci sia speranza.
Quando arrivano avvoltoi e licaoni è segno che la carne l'è frolla e bisogna muoversi in zone meno battute, mai fossilizzarsi.

Potete però chiedergli impressioni sul video di Lady Gaga e sul perché abbia scelto di recitarci! Scherzi a parte, non so se riuscirò a includere ogni singola domanda ma farò il possibile, ok? Ora tocca a voi, datevi da fare, lockate il target e fate fuoco!

Jack Ketchum a Palermo

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Sat, 04 Jun 2011 17:38:00 +0000

Ok, lo ammetto, il titolo è stato scritto per richiamare la vostra attenzione: Jack Kechum sarà sì presente domani a Palermo ma sono in via "virtuale", in quanto interverrà in collegamento da New York.

L'occasione non è da mancare se siete da quelle parti: nell'ambito del festival Una Marina di Libri, domenica 5 giugno alle ore 21.00 presso il Palazzo Steri, sala delle Armi, si terrà il dibattito Visioni in Nero: Noir.

Fra gli esperti che interverranno: Turner Mojica, Elisabetta Bucciarelli, Antonio Pagliaro, Rosario Palazzolo e, come vi ho detto, ci sarà la partecipazione straordinaria in collegamento da New York di Jack Ketchum.

Se qualcuno di voi riuscirà ad andare, darebbe cosa stupenda avere poi un piccolo report in fase di commenti!

Ma tutto ciò è solo l'antipasto. Mi è stata offerta (senza che ne avessi fatto richiesta!) l'occasione di intervistare sia Jack Ketchum che Lucky McKee. E anche Pollyanna McIntosh, Marc Senter e Chris Sivertson.

Di questo, della soddisfazione provata a ricevere tale richiesta, del fatto che lavoro e passione ripagano con gli interessi e delle riflessioni, anche in ambito di Rete, cui mi ha spinto questa occasione e altri eventi cercherò di parlarvi in un prossimo post, nel quale decideremo insieme (manco a dirlo) alcune domande da porre a questi autori e attori.

Rimanete in linea...

NEN FENZIONE!

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Wed, 01 Jun 2011 15:43:00 +0000

Alleggeriamo un pochino che oggi piove e c'è bisogno.

Questo è TUTTO VERO e io ci devo ridere perchè altrimenti finisco come Michael Douglas in quel film dove aveva i capelli cortissimi e gli occhiali con la montatura eccessiva.

Abito abbastanza vicino a un ufficio postale, ma per qualche motivo questo non effettua servizio di giacenza raccomandate e mi spediscono in culo ai lupi, in uno di quei posti che a me, che adoro cemento, smog, acciaio, bitume e vetri, riempiono sempre di inquietudine.
Pigio i tasti per capire dove sia questa via (niente nomi altrimenti mi vengono a sprangare, visto che già sto nell'unico quartiere forzanovista di Milano), sospiro di rammarico e ribrezzo e mi metto a bordo del mio bravo autobus.
La fermata dove lo piglio è già per me fantastica perché è accanto a questo enorme centro scommesse popolato da una fauna che Bukowski avrebbe paura e Romero invece gli darebbe dieci dollari al giorno per comparsare.

Salgo e ci sono due tossici del tipo che mi sta più simpatico: tuta fintadidas, tatuaggi fatti con un trapano punta dodici, mozzicone di sigaretta che non sai mai se è acceso o spento e appena azzardi una scelta è l'altra, tipo il mozzicone di Schroedinger ma con una sua volontà di stato che si oppone alla tua, birra di una marca che copia marche famose a caso tranne una lettera e infine, il particolare che mi ha sempre più colpito, penna o matita all'orecchio.

Il resto io lo posso metabolizzare, ma la penna all'orecchio mi tortura da quando andavo alle elementari e spiavo curiosissimo i miei primi tossici. Cosa ci fanno con questa penna? Perché?

Insomma a bordo ci sono sudamericane che bevono queste lattine di succo di cocco o con bottiglie di liquidi così densi che per berli devi scavarli col cucchiaino, poi vecchi pensionati che assomigliano in modo sinistro ai tossici ma senza gli orpelli e ragazze borgatare con i quindici chili in più di ordinanza.

Queste, per loro motivi esoterici, tendono a vestirsi in modo strettissimo, come a sfidare fisica e ditte di vestiti. Una aveva una camicia così stretta che dallo spazio fra un bottone e l'altro uscivano fuori come delle bolle di ciccia e la camica era nerissima e la ciccia bianchissima e quindi il tutto si notava tantissimo e mi dava uno strano effetto.

Essendo la media supersovrappeso, entra una tipa magra e mi ci fiondo sopra (con gli occhi, non ho mai iniziato io una volta che una con una ragazza, per fortuna sono sempre stato cuccato) ma mi accorgo subito che è ancora più tossica degli altri due, di quelle con i jeans a sigaretta e delle borse di cuoio che hanno dei loro negozi segretissimi dove andarle a comprare e le vendono solo alle eroinomani dai jeans a sigaretta.

I tre si conoscono ma non tanto e partono con uno dei classici dei classici fra tossici: il linguaggio/scambio che loro pensano cifrato.

"Oh, ciao, com'è?"
"Eh, mah, sai, boh..."
"Mmmmmh, maaa?...Niente?..."
"Eh, no... No no, mah..."
"Hai già (E se prima bisbigliavano, ora parte subito l'urlato per far sembrare il tutto conversazione normale, la dinamica è incomprensibile) PROVATO A FARE LA SPESA IN PIAZZA, AL NEGOZIO, QUELLO, SAI, QUEL SUPER..."
"Eh, no, mah..."
"NO NO, TI GIURO, PREZZI GRANDIOSI, OH MA PREZZI BUONI EH, SE TI DICO, TI DICO, PREZZI GRANDIOSI; PROVA A FARE LA SPESA, VEDRAI CHE PREZZI... NO POI MI DICI, VEDRAI CHE TI TROVI BENE!"
"Ah, beh, mah... Ok, no, beh, mmmmh, ok, ok..."
"NO MA DAVVERO EH..."
"Ok, dai, ok..."
"NO MA SE TE LODICO EH, ALTRIMENTI NON TI DICEVO NULLA EH..."
"Vabbè, mah..."
"Noi scendiamo, poi mi dici..."
"Ciao, boh, ok, boh, mah, ciao dai..."

Roba che anche i pensionati e le sudamericane hanno capito tutto e stanno scambiandosi sguardi.
Le borgatare no, non credo che abbiano capito.

Insomma arrivo a questa fermata, costruzioni a uno o due piani alternate a palazzi altissimi, tanto verde ma di quello da piano regolatore, sapete quando fanno le montagnette di immondizia e ci buttano poi sopra della terra e dell'erba mutante perché così fai più metratura e assolvi agli obblighi di verde con meno spazio reale e tutto assume questa sinistra atmosfera da Tumulilande Lumpenproletariat. Che poi ci mettono le altalene e i bambini hanno il terrore di andarci. Ecco, quel verde. Verde carestia, credo si chiami sulla palette dei colori.

Cerco l'ufficio postale che Google e ATM mi davano a tipo cento metri dalla fermata ma essendoci solo siepi e alberi morti e tumuli non trovo un cartello indicatore nemmeno a pregare e le edicole hanno quell'aspetto da bunker con il vetrino scorrevole che se chiedi qualcosa non riesci a vedere il volto e vedi solo una mano che si protende a prendere soldi e dare giornali. Le edicole mutano con la distanza dal centro più di ogni altro indicatore sociale e si potrebbe capire dove ci si trova anche solo in base alle edicole: quelle del centro sono tutte belle aperte, accoglienti, con i periodici di vela e architettura di interni, quelle della periferia sono ostili e vendono riviste di cose di spiare i VIP e periodici di armi violentissime ("Concediti il tuo M-16, lo meriti!") e anche vecchie copie arretrate di Le Ore che ricevono solo loro in quanto i vecchi periferici non hanno l'internet.

Insomma giro due ore. Immaginate un triangolo enorme e io che sono all'inizio a un vertice e le poste anche allo stesso vertice e io per raggiungerle mi scarpino i tre lati con i ragazzi che stanno fuori dai bar che cercano di capire se la mia maglietta dei No Means No, dai colori rosso nero e bianco, è riconducibile a Casa Pound/Cuore Nero o se, data barba e capello riccio, sono un nemico islam.

Il maledetto ufficio postale è mimetizzato benissimo e ha la rampa per i disabili che però porta a un ingresso fuori uso.
C'è tanta gente dentro, seduta e in piedi e in ginocchio ma io sono contento un po' perché non ci sono più ragazzi aggressivi in giro un po' perché tanto devo solo dare un foglietto e loro in cambio si girano, cercano in una scatolina e mi danno la mia raccomandata.
La gente è molto calma, sembra quasi di non essere in Italia. Forse non calmi, catatonici, ecco.
Mi avvicino allo sportello, dietro purtroppo c'è un tipo, sui sessanta, che legge il giornale.

"Scusi dovr..."
"Nen fenzione!"
"Eh?"
"NEN FENZIONE!!!"
"Scusi, non ho capito, dovrei solo rit..."
"Se nen va nen va, eh! Dopodemane!"
"Scusi (dovrei essere un po' più autoritario, lo so) ma come non funziona, non sa nemmeno cosa voglio fare..."
"SE TE DICHE CHE NEN FENZIONE ALLORE COME TE LE DEVE DIRE???"
"Ma, e se volessi comprare dei francobolli?"
"Quelli fenzione.."
"Ah, vede?"
"Vuo' dei franchebolle?"
"No..."
"GIOVINOTTE QUI IE LAVORE, MICHE SCHERZE!"
"Lavorare mi pare esagerato, legge il giornale!... (questo purtroppo non l'ho detto, se non sono dietro uno schermo sono un pavido, è cosa nota no?). Ma scusi mica servono i computer, devo solo ritirar..."
"Certe che serve, serve per tutte!"
"Ma non avete nemmeno messo un cartello.."
"S'è rotte ore!"
"Quindi dopodomani?..."
"DOPODEMANE!"
"Ma scusi, e tutta quella gente che aspetta?"
"E CHEMMEFREGHE A ME??? LO SANNE CHE NEN FENZIONE!"
"Ah. Va bene, allora buon pomeriggio..."
"VA' VA'..."

"Scusi signora, hanno detto che i terminali sono guasti e che per oggi non possono effettuare nessun tipo di servizio, forse le conviene tornare a casa..."
"No,grazie, io aspetto qui, magari si riparano..."

SI riparano, non LI riparano: è importante.

Del viaggio di ritorno non so dirvi nulla perché continuavo a pensare cose di film del terrore sottofilone catastrofi urbane sottosottofilone "gas tossico che rende tutti più civili", roba di fantascienza, non potreste capire...

L'esorcista 2: l'eretico (1977)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Mon, 30 May 2011 13:26:00 +0000

L'ESORCISTA 2:L'ERETICO
1977, USA, colore, 118 minuti
Regia: John Boorman
Soggetto/Sceneggiatura: William Goodhart, Rospo Pallenberg e John Boorman
Produzione: Warner Bros Pictures

Circa quattro anni dopo i tragici fatti accaduti in Prospect Street, Regan sembra aver rimosso ogni ricordo dell'esperienza e cerca di andare avanti, fra una madre assente e continue sedute con la psicologa.

Nel frattempo il Vaticano invia padre Philip Lamont a indagare sulla morte di padre Merrin per quietare alcune voci che lo danno per satanista. Lamont dovrà quindi confrontarsi da un lato con la psicologa di Regan e dall'altro con il fatto che la ragazza è ancora posseduta da Pazuzu...

Lo so, è sparare sulla Croce Rossa, ma ho questo elenco di 200 film da rivedere per accumulare dati sui ruoli femminili negli ultimi 30 anni e fra i tanti titoli da sbrigare purtroppo c'era anche questo e non sarà facile dire qualcosa di nuovo al riguardo...

Forse il più brutto sequel mai girato, L'eretico è prima di tutto un mistero a livello di produzione. Sei la Warner Bros, hai sfornato uno dei film più perturbanti e terrorizzanti della storia del cinema, potresti mettere in cantiere un seguito quasi a occhi chiusi, pescando a caso i nomi di tutti, dagli attori al regista passando per lo staff tecnico, e cosa fai?
Incassati i rifiuti di Friedkin e compagnia danzante, peschi un mezzo carneade della scrittura, William Goodhart, che ti si presenta forte di un solo copione scritto otto anni prima e riguardante ben altra materia.
Sugli scempi di Goodhart, principale responsabile di questo immane casino, tornerò dopo.

Tocca quindi, splendido script in mano, guardarsi un po' intorno per trovare regista e interprete maschile.
Ora, con tutto l'affetto che provo per Boorman, che mi ha regalato due o tre buoni lavori, questo regista era reduce dal pasticciatissimo Zardoz (che Roger Ebert definisce "a trip into a future that seems ruled by perpetually stoned set decorators") e prima ancora, fatta salva la stupenda prova in Deliverance, dall'inguardabile Leone l'ultimo.
C'è il sospetto che la produzione lo prenda proprio per come ha saputo gestire la montante carica di orrore metafisico presente in Deliverance e ci potrebbe anche stare, purtroppo proprio quell'orrore metafisico sparisce del tutto in questa sua prova e il tronfio cineasta arriva declamando subito che a lui non è piaciuto L'esorcista e se ne vuole distanziare in ogni modo possibile, creando un antidoto (sic) al lavoro di Friedkin.
Lo farà, poco ma sicuro.

Rimane da scovare l'attore. Ci provano con Jack Nicholson, Jon Voight e Christopher Walken ma in un modo o nell'altro (impegni? Intelligenza? Fortuna?) questi non possono e così, precipitando nella lista dei papabili, ecco che si arriva a Richard Burton.
Anche lui mi ha dato tanto e dovrei rispettarlo, fosse solo per quel capolavoro di interpretazione in Chi ha paura di Virginia Woolf?, ma il buon Richard si presenta sul set con la fiaschetta al collo come un San Bernardo e lo scorgi spesso immobile, la mascella serrata e lo sguardo vitreo, mentre non capisce una ceppa di quello che sta succedendo e pare confuso, come tutti noi d'altronde, nel trovarsi di fronte a un James Earl Jones vestito da Ape Maia.

Un altro tonfo è di natura ormonale: Linda Blair non è più una bambina, è diventata una ragazza esuberante, di quelle dall'erotismo morbido, carnoso, mieloso e un filino anche gattamortoso tanto per fare il poker di aggettivi. Mette in mostra il davanzale ma più di quello non sa fare: quando era una bimba la potevi truccare e maneggiare come ti pareva, e poi c'era un orco cattivo come Friedkin a vessarla quel tanto che bastava per farle fare le espressioni giuste, ora c'è invece zio Boorman e Linda balla, come cantava qualcuno, solo che balla malissimo in una atroce scena iniziale di tip tap.
Un disastro di attrice che droga, alcool e scollacciature varie consegneranno più o meno all'oblio.

Altri disastri? Certo, ne abbiamo a carrettate, ci si mette persino uno che di solito certe cose le sa fare anche a occhi chiusi come Ennio Morricone che per l'occasione si trasforma in qualcosa di simile al Fausto Papetti dei giorni peggiori e compone la più brutta e insignificante colonna sonora della sua carriera.
Gli astri sono contro, è evidente. Ma Boorman ancora non l'ha capito ed è tutto contento di poter far volare la sua locustocamera in giro per un'Africa di cartapesta come mai ne avevamo viste, di un razzismo così squallido che non vale nemmeno la pena tediarvi con i particolari.

Mischiando tutti questi elementi (e salvando soltanto la prova di una splendida Louise Fletcher che, infatti, si accorge di stare sul Titanic e prova a chiedere qualche revisione di sceneggiatura) è alla fine facile capire come si possa giungere a un risultato così penoso.

Penose sono le "grandi idee" di Wiliam Goodhart che parte già strampalato con una scena di supposto esorcismo nella quale Burton, al quarto o quinto whisky, rimane più che altro immobile a guardare una ragazza che si da fuoco, e subito dopo rincara la dose dicendoci che la Chiesa vuole indagare su Merrin per supposto satanismo ma, burocrazia portami via, sceglie di farlo a pista fredda, ben quattro anni dopo il purè di piselli.

Questo ci porta a uno dei pezzi da novanta di questo scrittore eh, tenetevi: lo scontro-incontro fra Fede e Scienza, un duello terribile fra Prete e Psicologa fatto di macchinari assurdi (il famigerato Sintonizzatore, capace di mettere in "sintonia" le menti tramite due lucine e due cinghie, scaglia di prepotenza L'Eretico in territori sf che nemmeno Egan e Gibson. Anzi, no scusatemi, è fantasy) e frasi dementi.
Il Sintonizzatore serve a scavare nelle memorie che Regan ha rimosso ma poco dopo la psi riassicura il prete che "quello che lei ha visto potrebbe essere stato un sogno, una fantasia, una allucinazione ma non certo un ricordo" al che Burton parte in quarta con un delirante "la macchina ha dimostrato scientificamente che c'è un antico demone racchiuso in lei" di fronte al quale, ricordando la seduta, si rimane inebetiti a riflettere sulle profondità di William Goodhart.

Ma siccome un intero film non può reggersi solo su primi piani di Burton e su sedute che più che ipnotiche paiono soporifere, ecco che ci spostiamo in un'Africa da film tv della Disney, con i suoi bravi negretti e i loro misteriosi riti.
Il set esotico innerva il gusto kitsch di Boorman che ogni volta che gli è permesso chiede tour de force clowneschi al malcapitato addetto ai costumi di turno: in Zardoz aveva conciato Sean Connery in modo da urticare la retina anche a Ray Charles, qui tocca a un improponibile James Earl Jones (ma c'è anche una camicia formigoniana in attesa di Burton nel finale) e nei film futuri regalerà altre pagliacciate a diversi attori.
Non è un caso che la sua cosa migliore sia Deliverance, sceneggiato con un certo piglio e mano sicura dall'arcigno scrittore del libro e che, per controllo di script e natura dell'ambiente, non gli ha permesso nessuno svarione.

Insomma eravamo rimasti all'Africa da cartolina dell'Alabama, con lo zulu ricercato che, precisa una puntigliosa Regan, "vive in uno strano villaggio africano, con case di fango" (sic).
Qui le cose si fanno confuse, cioè, più confuse rispetto a prima (pareva impossibile e invece...) e, manco a dirlo, spunta il misticismo pazuziano d'accatto che riesce a diventare ancora più noioso delle sedute psicologiche.
Non so se faccia più ridere il mumbo jumbo paraculoscientifico iniziale o quello animista de li mortacci tua di questa fase, credo dipenda dai gusti.

Siamo ormai persi, confusi e infelici, abbagliati dalle "geniali" opposizioni: Scienza Vs Fede, Moderno contro Primitivo, Rurale contro Metropolitano, Bene contro Male, e non c'è rimedio al torpore che ci assale proprio quando le cose cominciano a farsi intriganti e durante lo scontro finale pare pure esserci l'occasione per del freak sex fra Padre Burton e Bimba Reganzuzu.

Da consegnare a qualche malebolgia l'esorcismo finale: Regan invece di pustole e brutture tira fuori una chioma leonina, trucco sciantoso, trasparenze e mossette da gatta paffuta, Burton prima se la buffa poi la mena manco fosse un marito italiano.
L'acqua santa è so last year: fracassare di colpi il Maligno is the new black, bitches!

Persino la famigerata scalinata non sembra più la stessa e gli effetti speciali non meritano tale aggettivo e aggiungono al rococò boormaniano quel giusto tocco di circense che non guasta mai.

Da vedere solo se siete riusciti a rubare la fiaschetta a Burton e ne avete fatto buon uso prima di pigiare play...

Altri film nell'Archivio Recensioni Cinema

Filmato:

The believers (1987)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Fri, 27 May 2011 08:05:00 +0000

THE BELIEVERS – I CREDENTI DEL MALE
1987, USA, colore, 113 minuti
Regia: John Schlesinger
Soggetto/Sceneggiatura: Mark Frost da un romanzo di Nicholas Conde
Produzione: Orion Pictures Corporation

Cal Jamison, psicologo che si occupa di agenti di polizia e dei loro stress, assiste insieme a suo figlio di otto anni, Chris, alla morte della moglie a causa di un banale, terribile incidente domestico.
Cal sceglie di trasferirsi da Minneapolis a New York per tentare di cambiare vita ma una volta arrivato nella metropoli si imbatte in strani culti cubani con tanto di sacrifici umani.

Nel tentativo di curare un poliziotto da un forte terrore nei confronti di questa setta, Cal si ritrova sempre più invischiato e dovrà fare ricorso a ogni energia per proteggere suo figlio e la sua nuova compagna...

Ogni volta che rivedo The believers il primo concetto che mi passa per la testa e lì si accomoda per tutta la durata del film è: lotta continua.

Vi è la lotta del soggetto con i suoi tempi. La Orion cerca di capitalizzare sul Satanic Panic (poco importa la natura della religione in questione, questi prendono bambini e ci fanno i sacrifici) proprio quando questo comincia a mollare il colpo e scomparire.

Lotta dello sceneggiatore con il materiale di base. Mark Frost viene dalla televisione (e lì tornerà a gambe levate), preferisce il poliziesco, non ama questo tipo di narrazioni e si spacca la testa (che non è granitica e stracolma di neuroni già di suo) contro un romanzo discreto e difficile.

Lotta del regista con lo sceneggiatore. John Schlesinger è uno dei miei registi preferiti di sempre, dai tardi Sessanta a metà Settanta ha inanellato una serie strepitosa di titoli fondamentali che hanno plasmato il mio modo di vedere e amare il cinema: Via dalla pazza folla, Un uomo da marciapiede, Domenica maledetta domenica, Il giorno della locusta e Il maratoneta. Qui si ritrova con uno un emmenthalscript che latita sia nel reparto logico che in quello psico-logico e con un soggetto che è agli antipodi dei suoi interessi, deve quindi giocare a fare lo yes-man senza averne la dabbenaggine e la mediocrità e non è cosa facile.

Lotta di Martin Sheen contro Cal Jamison. Gotta love Martin, sia per certi ruoli che per la sventura di avere un figlio che si copre di ridicolo e che per tale unica ragione viene adorato dalle (a)narcomasse. Ma l'uomo non ce la fa, legge il copione e non capisce perché il suo Cal sia così schizofrenico e idiota, così ciclotimico e in balia del vento. Non ce la fa a star nudo in cucina a guatare sua moglie mentre frigge, non riesce a mostrare un grammo di affetto per suo figlio (anzi, spesso lo beccate mentre lo osserva come se fosse un alieno, con questo sguardo che gli Sheen genecondividono con Michael J. Fox), non è certo granché se deve correre e indagare eventi dei quali non capisce nemmeno le premesse e sfonda nel ridicolo quando arriva, pulcino bagnato, a sedurre la tizia di turno.

Lotta del tema contro lo schermo/spettatore: Santeria, Brujeria, Hoodoo e tutto il resto (per accomunare elementi anche distanti) sono elementi difficili da portare su grande schermo con una certa serietà. In parte per loro mancata o distorta assimilazione in certo immaginario occidentale (ne sappiamo poco, confondiamo ruoli e figure, non capiamo finalità e origini) e ancora di più per il rischio del ridicolo che sempre, purtroppo, si presenta quando a noi jeansmagliettari fai vedere qualche tizio vestito di strambe robe colorate mentre sgozza una gallina e dice mutumbubijumbudurumbucalumbu fumando un sigarone.

Pochi sono riusciti a portare questi temi su celluloide evitando questi rischi, Schlesinger ce la mette tutta e in alcuni momenti ci riesce, ma il nostro sorriso idiota, colpevole e ignorante è sempre lì dietro ogni stipite, in attesa di qualche interpretazione e visione razzisea e becere che lo attivino.

Impossibile non domandarsi perché qualche produttore sano di mente abbia voluto anche solo pensare di gestire una serie di lotte di questo tipo, ma con il senno di poi è forse più facile vederle. Il vero miracolo è che nonostante tutti questi ostacoli The believers riesca a essere, per molti tratti, un ottimo slow-burner in grado di regalare parecchie scene memorabili.

Questo avviene in larghissima parte per esclusivo merito di Schlesinger che cerca di giocarsela sull'atmosfera, su echi iraleviani (la cospirazione dei ricchi avidi, il Male nella modernissima New York) e su ottimi spunti scenografici che scovano angoli di una New York inusuale, poco vista al cinema e più calda del solito. Agli esterni fanno eco certi interni ben concepiti, fra lusso e fatiscenza e questa serie continua di location di forte impatto fornisce uno scheletro sufficiente per non badare allo Sperduto Sheen e concentrarsi sulle scene pivotali.

Contribuisce alla resa finale anche l'incredibile Malick Bowens nella parte di Palo, con una prestazione così mesmerizzante e terrificante da mandare il buon Tony Todd all'asilo a ripassarsi le basi di ogni scare tactic. Non così bene il resto del cast (tutti adulti, come si usava un tempo) che ha qualche ottimo caratterista e qualcuno invece troppo entusiasta e gigione. Come sotto altri aspetti tecnici, anche la composizione del cast richiama in qualche modo alla mente Rosemary's Baby. Partenza al fulmicotone e post finale tanto obbligatorio quanto piacevole sono le due fette di pane buono che chiudono un cinesandwich dagli ingredienti che urlano per un intervento dell'Igiene.

Rimane il rammarico per quello che avrebbe potuto essere il film se dotato di ben altra sceneggiatura e un interprete diverso: così ci ritroviamo con la vicenda monca di un padre anafettivo che, psicologo e sposato con una antropologa, non prova il minimo interesse per religioni, tradizioni e culti, tratta male la cameriera ispanica di turno per le garabattole religiose sparse che la poveraccia sparge per casa salvo poi, all'ennesimo scriptscivolone, convertirsi in un lampo, uno psicologo che non capisce le persone che ha accanto e che si ricorda di essere tale solo nell'ingabbiato climax...

Film che a me ha regalato tantissimo, che ho rivisto con molto piacere e che rivedrò ancora prima di schiattare (sempre che non mi si rovesci male il latte domani, ahr ahr) ma che, come già capitato qualche giorno fa, non mi permetto di ipotizzare che possa piacere a molti...

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Riapertura commenti anonimi

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Thu, 26 May 2011 07:07:00 +0000

Non amo, credo come tutti, dover tornare sui miei passi, ma non sono così egocentrico e testardo da non saperlo fare quando c'è bisogno. Non è passato nemmeno un mese da quando avevo deciso di chiudere ai commenti anonimi. Le ragioni le potete leggere nel post che pubblicai allora e rimangono le stesse, sono ora ancora più convinto di quel che ho scritto allora e odio dover prendere questa decisione.

Purtroppo la scelta precedente ha causato una serie di problemi che mi impegna assai di più rispetto al dovermi occupare di obliterare qualche stronzo cuor di elettroleone di tanto in tanto: tradirei la mia natura pratica se mi intestardissi nella decisione presa un mese fa. Arrivano troppe mail di persone che vedono sparire i propri commenti insieme a tante altre di lettori che mi chiedono come fare per postare, è difficile trovare tempo per gestire il tutto.

Si torna quindi a permettere i commenti anonimi.
Non posso esigere nulla da voi, sarebbe però molto bello se ognuno di voi trovasse spunto e voglia di darsi una identità (chi ancora non l'ha) per meglio dialogare tutti quanti. Ritengo sia un tema molto, molto importante e che sia un nodo attraverso il quale possa e debba passare una certa maturazione della Rete tutta.

Agli anonimi ben disposti posso solo chiedere di "firmare" il commento, non è come avere una identità precisa in quanto chiunque può entrare, se vuole, e firmarsi come voi, ma è già un passo non male.

Agli anonimi mal disposti non ho nulla da dire se non il solito, banalissimo: con un mio clic ne disintegro mille vostri, fatevi due conti.
In più anche se urlerete altrove che non sono democratico io non potrò saperlo e se lo saprò non mi importerà una ceppa. Ho visto troppe persone che rispetto tantissimo le quali, a furia di fare le democratiche a ogni costo, si sono beccate palate insopportabili di merdinfaccia: io no, avrò il clic facile.

A coloro che hanno avuto problemi nei giorni scorsi: provate ora a ripostare, tutto dovrebbe filare bello liscio.
A coloro che si sono sbattuti per crearsi account e tutto: lo so, lo so davvero. E vabbè, dai, se ci vediamo vi offro da bere, scusatemi eh, come potevo sapere? E comunque magari quell'account/identità vi tornerà utile, vedrete...

Ci risentiamo domani per parlare di qualche altro vecchio film...

Carrie (1976)

noreply@blogger.com (Elvezio Sciallis) — Tue, 24 May 2011 22:01:00 +0000

Inutile ed evitabile intro:

Io credo di aver sviluppato, con il tempo, maggiore pazienza e rispetto. Rispetto per l'altro, per le discussioni, per i valori, per le differenze... Non mi sono arrivati come un bolt from the blue, questi cambiamenti: me li hanno insegnati e io mi sono sbattuto per apprenderli, perché mi sembrava importante.

Ma ho ancora tanti limiti e ci sono tanti casi in cui non riesco a comprendere. Di più, non riesco a non provare disprezzo e disgusto. Casi piccoli e grandi, ovvio, e i secondi NON devono sminuire i primi.
Il leggere che non solo è in preparazione il remake di Carrie ma che Stephen King, bello contento, sponsorizza Lindsay Lohan per il ruolo è uno di questi casi.
Per me è qualcosa di assiomatico. Mi spiace, non riesco nemmeno a cominciare a spiegare perché scegliere quella persona per quel ruolo sia una cosa sbagliata: o lo si condivide o no, è impossibile spiegarlo, se non si è d'accordo si hanno, di conseguenza, sistemi matematici molto diversi, non discuto la validità, parlo solo di differenza insanabile.
E sapere che King al (per me) deterioramento delle sue capacità di scrittura accompagna quello (per me) delle sue capacità di giudizio su attori e film (non che abbia mai brillato in questo campo, va ricordato) dispiace.
Poi, ovvio, me ne faccio una ragione, ma si rimane basiti e amareggiati.
Lindsay Lohan nel ruolo che fu di Sissy Spacek.
Vabbè...

CARRIE
1976, USA, colore, 98 minuti
Regia: Brian De Palma
Soggetto/Sceneggiatura: Lawrence D. Cohen da un romanzo di Stephen King
Produzione: Redbank Films

Carrie è una ragazza schiva e modesta, figlia unica di una madre da tempo abbandonata dal marito. Vive in un clima di censura totale e forte oppressione religiosa da parte della madre e questo si riflette in modo molto pesante a scuola: la ragazza frequenta l'ultimo anno dell'high school e, causa il suo modo di vestire e la sua goffaggine e timidezza è facile bersaglio per le altre studentesse.

Questo disprezzo sfocia in un episodio piuttosto brutale nello spogliatoio della palestra: Carrie ha avuto il suo menarca sotto la doccia e non sa cosa fare, le ragazze la vessano lanciandole degli assorbenti e beccandosi, dopo l'intervento della professoressa di ginnastica, una punizione esemplare. La ragazza più popolare non ci sta e viene addirittura estromessa dal ballo di fine anno.

L'episodio funziona da catalizzatore su più fronti: l'età adulta scatena in modo definitivo i latenti poteri telecinetici di Carrie, l'esclusa medita una terribile vendetta e un'altra studentessa, pentita, chiede al suo ragazzo di accompagnare Carrie al ballo di fine anno.

Vinte resistenze sue e della madre, Carrie accetta e la coppia è magnifica: la ragazza, vestita e truccata come tutte le altre, è bellissima, luminosa e il ballo è un evento da sogno. Ma dopo ogni sogno c'è un risveglio e per Carrie si tratterà del più brutale di tutti...

Forse basterebbero le poche righe seguenti a risparmiarmi/ci le prossime quattro cartelle che invece arriveranno comunque.
Questa è la quinta volta che vedo Carrie nella mia vita e ogni singola volta mi ritrovo, in piena luna crescente irrazionale, a sperare che il secchio non si rovesci (chi di voi ha già visto il film capirà, chi ancora lo deve vedere capirà dopo). Ma, badate, non è frase buttata lì: guardo la scena del ballo, mi innamoro di Carrie, anzi, di loro due al ballo, delle promesse e del possibile futuro e poi mi ricordo del secchio. E allora mi immagino che se, insomma, la tipa lì vicino tiene stretta la corda, quelli sotto possono tirare quanto vogliono ma se la beccano nel...
E invece no, il secchio arriva sempre e comunque.
E dopo, per la quinta volta, mi sono ritrovato a lasciar spazio a quell'omino che tengo sempre ben chiuso nella mia testa, l'ometto che è contento perché si godrà un bel po' di stronzi che vanno a pagare caro quel che pensano prima ancora di quel che hanno combinato.

Basterebbe, ma non basta perché Carrie è uno di quei pochi, rari lavori che definiscono il campo, che ne fissano alcuni parametri e steccati e che riescono a soddisfare sia la voglia di trippa infernale che quella di sottotesto fanfarone per far vedere che non siamo mica stupidi e, in aggiunta, butta sul piatto una dose pesantissima di show off tecnico e la mandata ai posteri di una delle icone più importanti del Perturbante tutto.

Si parte già di schianto, con la pruriginocamera che si infila nel sogno proibito dei porkysservatori di ogni cinetempo: le docce degli spogliatoi femminili, e quanto è attuale e importante lo shock estetico che ci aspetta a vedere questi primi minuti ora, nel 2011, botoxsaturati come siamo.
Sorpresa! Ci sono ragazze giovani che NON hanno la quarta di seno e che, dio mio, hanno i peli e, marò, anche la cellulite! E ce ne sono alcune con i seni cadenti, dio ci fulmini! Ma quanto, quanto è più eroticattivante questa scena rispetto a cento youpornotubate? Quanto sono "belle"?

Nemmeno il tempo di partire che già Pino Donaggio si attiva, disponibile come sempre a provare di tutto senza mai riuscire in pieno né fallire in modo disastroso, sonatore bono per ogni stagione e ogni emozione, didascalico quanto basta ma pronto a fermarsi prima di disturbare e anzi, capace di piazzarne anche qualcuna. E lo spogliatoio non lascia dubbi: è film matriarcale, le donne accoglieranno, respingeranno, decideranno, odieranno, subiranno e si vendicheranno e i pochi maschi presenti in scena faranno la figura dei pupazzi di contorno.

Uno accompagnerà la vittima e uno scorterà il carnefice e bella lì, entrambi supini e succubi, chioma dorata il cherubino e nera il diavoletto di turno, uno farà il super eroe in tv e l'altro ballerà bene in qualche film memorabile.

E dopo la doccia non c'è più tregua, in una vicenda che inizia e finisce con del sangue: Lawrence D.Cohen azzecca la tridimensionalità di Carrie e le dona le giuste parole; Sissy Spacek si avventa sul personaggio facendo di tutto e il contrario di tutto, dando di continuo la sensazione di costringersi ad abbassare di una tacca o due talento e prestazione per non far sfigurare il resto dell'anti-gineceo, pare adultissima in un mare di ragazzine e riesce a sembrare bruttina e impervia all'empatia un momento, stupenda e raggiante il secondo dopo. Se si pensa ai rischi che questo film ha passato (Linda Blair prima e Farrah Fawcett dopo in lizza per il posto), c'è da ringraziare qualche divinità della celluloide.
L'unica che davvero regge passo, gesti e sguardi della Spacek è un'altra grandissima come Piper Laurie che nella mia personale e distorta galleria, con quei vestiti e quella attitudine, metto a sedere accanto a Samantha Eggar.

Messi in cassaforte personaggi, sceneggiatura e dati tecnici sparsi (un grande come Paul Hirsch muoveva i suoi primi passi, pardon, forbici: lo aspettava L'Impero quattro anni dopo!) a De Palma non rimane che da fare due cose: tenere sempre d'occhio la Spacek e scatenare la sua tecnica.
Le fa entrambe con ottimi risultati: Carrie è seguita in ogni angolo della sua esistenza, corpo nudo o vestito, volto teso o sorridente, poteri telecinetici o innamoramento, siamo sempre lì con lei, ben vicini. E per quanto riguarda la tecnica, se conoscete anche un minimo De Palma potete immaginare: bifocale, ralenti, split screen e tutta la vasta compagnia danzante, pronta ad allietare le pupille e tensioattivare il muscolo cardiaco e le ghiandole surrenali.

L'intera scena del ballo, dall'inizio alla fine, è un tour de force da museo e, oltre a funzionare da perfetto punto di eiaculazione nei confronti di un coito cinematografico costruito con cura e lentezza, ci regala una icona ben più potente e fondamentale dei vari Jason e Freddie: Carrie ematovestita, grondante fluido suino, gli occhi ipertiroidei e il rictus inesorabile è figura che qualcunque cultore della materia deve aver ormai assimilato, un pezzetto di codice genetico del terrore senza il quale saltano parecchi caratteri basilari.

Non è abbastanza anche quando ci sembra che sia già troppo e c'è ancora spazio per altre due figure indimenticabili quali la (fine di sua) madre e il Cristo capellone e dagli occhi agghiaccianti, fino al finale che anche questa quinta volta è riuscito comunque a farmi sobbalzare, sebbene conoscessi a memoria tempistiche e coordinate spaziali.

Capolavoro senza tempo.

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