encerrados afuera

Editorial

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 May 2014 02:48:00 +0000

La exactitud podría llevarnos a unos once años y medio atrás, quizás casi doce. Por ese entonces, éramos tres amigos cansados de que prácticamente ningún medio nos hablara de frente, a la cara. Ávidos consumidores de lo que se les ocurra, relacionado a la cultura pop, sabíamos que nuestros gustos -para nada estrambóticos ni sofisticados, sí rayanos en lo impopular-, raramente llegarían a canales de tv, radios o medios gráficos locales, exceptuando algún eventual accidente, o la revista Inrockuptibles, ya un pequeño oasis en un mar de tinta.

Once años atrás el mundo era muy otro, por suerte y por desgracia. Era de conexiones telefónicas, locutorios atestados, icqús, foros de chats y simpleza gráfica, en la web había un mundo por desplegar, y prácticamente nadie haciéndolo. Allí podía estar la solución: Encerrados Afuera sería la forma de sublimar nuestras innumerables obsesiones, de contagiar nuestros gustos e intereses, pecadillo máximo de cualquier recomendador serial. Con el dial up como obstáculo principal y el Dreamweaver de aliado, Encerrados fue creciendo de a poco, sumando visitas, demostrando que había gente ahí afuera, leyéndonos. No tardamos en sentir que nuestro objetivo se podía cumplir. De a poco nos fuimos metiendo en algunos –muy pocos- debates, y empezamos a ver que en ciertos ámbitos la gente nos conocía y mucho, nunca por nuestras identidades secretas, sino por nuestro EA, orgullo de creadores autoconscientes, parte mínima de una movida que terminaría con la abolición de algunas etiquetas de fin de época (“alternativo”, por ejemplo).

Con el tiempo y la practicidad, apareció ese Blogspot que nos ahorró esfuerzo (sobre todo a J, nuestro hombre gráfico) y nos brindó una inmediatez que no aprovechamos a fondo, pero sí hicimos lo que pudimos (valgan las bitácoras de Dj Malhumor desde las rutas más recónditas, de prueba). Y el sumar gente, algo que ya habíamos hecho de entrada con esa maravilla llamada Wonderland, de Laura. Comenzaron a multiplicarse las coberturas de festivales y recitales, las impagables Encuestas de finde año y la convocatoria a un puñado de amigos y vecinos que han sabido captar la esencia de Encerrados, ampliando nuestro universo, profundizándolo. Ahí están Marcela, Juanzino, Beto, Ludmila, Bruno, Marcelo, Miss Mundo.

Así llegamos a este 2014 en el que cumplimos once años. Así llegamos a este momento en el que decidimos que era hora de hacer el salto cualitativo desde lo gráfico, instados y guiados por Ale Biscione. Así llegamos a otro momento decisivo en EA. Nuestro futuro es tan incierto como lo fue cada uno de nuestros once años, pero nos sigue guiando nuestra absoluta, total y arrasadora energía pop. Queremos seguir recomendando. Queremos seguir uniendo gente a nuestra causa, cómplices voluntarios en una cruzada por el sibaritismo musical, cinematográfico, literario, comiquero y todos los etcéteras que ustedes quieran sugerir.
Seguimos aquí, tratando de que nuestra visión del mundo se contagie..
Nunca vamos a dejar de hacerlo. Muchas gracias por ayudarnos.
¡Ahora, a hacer click en nuestro nuevo sitio!

Txt: Pablo Conde
Ilustración: Beto JetO

La nada misma.

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Mon, 14 Apr 2014 01:31:00 +0000

Lo que debía estar no está. Esa presencia etérea como de miembro fantasma. Salí del cine y donde debía estar mi bicicleta había una nada, aire. Aire, toco aire a vos no te toco. Yastá. Se la llevaron nomás; ahora no me preocupo más. Así también a mi última novia. Un momento, largo, cuando no crees. El cerebro persiste en seguir viendo lo que no está. Un sentimiento raro, un cosquilleo, de sentirse estando donde no se debiera. Después; no sé cuánto después porque el tiempo se enrarece, la idea de haber caído en un planeta extraño; como en esas películas que empiezan con una casualidad. Se acaba la nafta en un camino solitario y hay que caminar en la noche oscura hacia una luz; golpear las manos y esperar. Estar allí donde no nos esperan; ser lo que nadie se imagino. Reagruparse; contar los muertos y heridos; ver que partes del cerebro no quedaron inutilizadas. Freud lo sabía; si algo sale bien, nos creemos los héroes victoriosos que lo sabían todo; si algo sale mal, repasamos la cadena de eventos una y mil veces viendo las mil oportunidades que no tomamos. El cerebro, ese gran tramposo, nos muestra lo que era imposible ver. Algo, o alguien ya no está, y los que cambiamos somos nosotros, como si una parte nuestra nos hubiera abandonado. Todo lo que puede decirse, puede decirse claramente. De los que estamos no falta nadie. Un poste solitario sosteniendo una cadena que ya ha perdido su sentido. Salí del cine y me habían robado la bicicleta. No aprendo más. Santiago B.

Bafici 2014: todos los premios

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 13 Apr 2014 15:01:00 +0000

SELECCIÓN OFICIAL INTERNACIONAL
Menciones Especiales: El futuro, de Luis López Carrasco (España) y Mary is Happy, Mary is Happy de Nawapol Thamrongrattanarit (Tailandia).
Mejor Actor: Fernando Bacilio, por El Mudo, de Daniel Vega y Diego Vega (Perú/México/Francia).
Mejor Actriz: Sophie Desmarais por Sarah préfère la course, de Chloé Robichaud (Canadá).
Mejor Director - Selección Oficial Internacional: Daniel Vega y Diego Vega, por El Mudo (Perú/México/Francia).
Premio Especial del Jurado: Mauro, de Hernán Rosselli. (Argentina).
Mejor Película: Fifi Howls from Happiness, de Mitra Farahani (Estados Unidos/Francia).

SELECCIÓN OFICIAL ARGENTINA
Mención Especial: Carta a un padre, de Edgardo Cozarinsky (Argentina/Francia).
Mejor Director - Selección Oficial Argentina: Gustavo Fontán, por El Rostro (Argentina).
Mejor Película - Selección Oficial Argentina: El escarabajo de oro, de Alejo Moguillansky y Fia-Stina Sandlund (Argentina/Suecia/Dinamarca).

VANGUARDIA Y GÉNERO
Mención especial al Corto Vanguardia y Género: Alan Vega, Just a Million Dreams, de Marie Losier (Francia/Estados Unidos).
Mejor Corto - Vanguardia y Género: Redemption, de Miguel Gomes (Portugal/Francia/Alemania/Italia).
Mención especial al Largo Vanguardia y Género: Living Stars, de Mariano Cohn y Gastón Duprat (Argentina).
Mejor Largo - Vanguardia y Género: It For Others, de Duncan Campbell (Reino Unido).
Gran Premio - Vanguardia y Género: Manakamana, de Stephanie Spray y Pacho Vélez (Estados Unidos/Nepal).

COMPETENCIA DE DERECHOS HUMANOS
Mención: ReMine, el último movimiento obrero, de Marcos Martínez Merino (España).
Mejor película: El cuarto desnudo, de Nuria Ibañez (México).

SELECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES
Menciones especiales: Rockero Reyes, de Romina Cohn y No sé María, de Paula Grinzpan.
Segundo premio: La Reina, de Manuel Abramovich
Primer premio: Lo que dicen del monte, de Octavio Tavares y Francisca Oyaneder.

PREMIO DEL PÚBLICO ISAT – CINECOLOR
Mejor película argentina: Mientras estoy cantando, de Julián Montero Ciancio (Argentina)

PREMIO DE JURADOS NO OFICIALES
Asociación de Cronistas Cinematográficos Argentinos (ACCA): Carta a un padre, de Edgardo Cozarinsky (Argentina/Francia).
ADF: Para el Director de Fotografía Fernando Lockett por su labor en Algunas chicas de Santiago Palavecino (Argentina).
SIGNIS: Mención Especial para La Salada, de Juan Martín Hsu (Argentina).
Premio SIGNIS para Sarah préfère la course, de Chloé Robichaud (Canadá).
FEISAL: Mención Especial para Castanha de Davi Pretto (Brasil)
Premio FEISAL para Ciencias Naturales, de Matías Lucchesi (Argentina).
FIPRESCI: Mauro, de Hernán Rosselli (Argentina).

Bafici 2014: Encuesta Encerrados Afuera

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 13 Apr 2014 14:09:00 +0000

Si sobrevivieron al Bafici los invitamos a elegir lo mejor y lo peor de esta edición del festival.
Pasen y voten en el link de comentarios por favor. ¡Gracias!

1) Mejor película
2) Peor película
3) Mejor escena lisérgica
4) Mejor escena de sexo
5) Mejor banda de sonido y/o canción
6) El personaje
7) El inflado
8) Basta ya de...
9) La frase
10) En el Bafici 17 estaría bueno...

Datos personales:
Nombre - Cantidad de películas vistas

El misterio Kumiko

noreply@blogger.com (JP) — Sun, 13 Apr 2014 02:48:00 +0000

Nota autoreferencial 1: No creo que pueda decir mucho sobre Kumiko, the Treasure Hunter.

Nota autoreferencial 2: Estoy haciendo muy seguido algo que es un poco deshonesto, aunque no lo parezca, y es decir que lo que voy a tratar de reseñar no lo puedo realmente reseñar. Convive en mí el deseo de, por un lado, compartir un entusiasmo que excede mi capacidad de contenerlo y la frustrante certeza de que no soy realmente capaz de compartirlo (ni en itálica ni en redondas). Así que termino haciendo algo en el medio, pero no necesariamente en el medio de estas dos cosas.

Lo primero que pensé tras la proyección es algo que puede sonar a burla o a parodia de discurso tiraposta, pero que no es sino la verbalización de una sensación postproyección, una sensación mastodóntica, bigger than life y algo cursi, como las que suelen dejar las grandes películas (también el amor y algún que otro golazo o un muy buen pase en cortada). Eso que pensé es “El ser humano es algo muy grande” y con eso, creo, me refería no a lo anatómico sino a lo inabarcable, a lo misterioso de su autoconstrucción.

Hay algo en los personajes/personas que se entregan a una obsesión delirante que es muy aterrador y a la vez conmovedor. ¿En qué momento se soltaron de las ilusiones colectivas e inventaron su propia ilusión? No voy a decir algo tipo “¿Quién está realmente loco? ¿El de adentro o el de afuera? ¿eh?” No. Kumiko es la que está loca, está claro. Pero en su locura están proyectadas las locuras, las ridiculeces, las mentiras que nos hacen y que sobre todo nos mantienen como humanos, como por ejemplo, claro, el cine, que nos lleva a meternos en la sala/pc y a sumergirnos, sintiendo que lo que vemos no es un fake (it's not fake! como grita Kumiko) y que la valija llena de dólares efectivamente está ahí, enterrada donde la enterró Carl Showalter/Steve Buscemi. ¿Y cómo hacemos para aferrarnos tan fuerte a esas mentiras? Algo de ese misterio está materializado en Kumiko caminando bajo la nieve con un cubrecamas agujereado encima, en el conejo que se aleja en el subte, en el cuadro congelado de Fargo calcado sobre un papel, en el bordado del mapa del tesoro, en la lógica causa-consecuencia ligeramente desviada del verosímil cinematográfico de los que la ayudan, en los repentinamente pintados labios de Kumiko, en el homenaje descontrolado a Fargo, en la Rinko Kikuchi toda y así y así.

Por supuesto que la película es muchísimo más fuerte que esta reducción de mierda. Pero ojo, no es del todo mi culpa, en ésta estoy conmigo. Hay muchas películas que se pueden traducir al papel y no pierden demasiado, hasta probablemente ganan algo y no me refiero solo a películas malas. Pero las grandes películas, las que realmente te pueden impactar no las puede explicar (o bueno, “dar cuenta”, "decir algo sobre" si les da pudor The E word) nadie, porque lo que la hace realmente buena ocurre en un mundo diferente. Sí se pueden escribir grandes cosas y se puede contagiar el entusiasmo con un texto a partir de, pero eso es todo. Y claramente no es el caso de este posteo.

PD: Pueden encontrar buena información y links motivadores sobre la historia detrás de Kumiko, The Treasure Hunter en este link.

PD 2: Igual no se consigue y no la pasan más en el BAFICI.

Calles de fuego, de Walter Hill

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 11 Apr 2014 18:33:00 +0000

¿Qué mejor subtitulo podía llevar esta gloriosa e inmortal genialidad que "Una fábula de rock & roll"? ¿Qué mejor momento para ver esta película que se desarrolla "en otro momento, en otro lugar", que un jueves en el que todo el país quedó en pausa, paro general de por medio, con las calles vacías? Adelantado al menos una década, Walter Hill supo hacer maravillas con una obra que supera ampliamente en ritmo, ideas narrativas y ocurrencias visuales a cualquier película de acción contemporánea. Aquí late una agilidad que aún hoy resulta novedosa y refrescante, muy por encima de la media en el cine de género.

Como en toda fábula, no hay medias tintas: los malos lo son mucho, los buenos, otro tanto, por más que tengan que poner a prueba sus motivos, repensando heroicidades. El rapto de la princesa, la sexy cantante del saloon por parte de una pandilla de forajidos con montura (con motos en vez de caballos), será la excusa para que un telegrama bien dirigido traiga al muchachito desde su destierro voluntario, figura pétrea, solitaria, con el corazón roto por la muchachita de marras. Para rescatarla de territorio enemigo, nuestro héroe deberá sumar compañeros de aventura, reclutándolos con pasmosa facilidad, todos juntos por una buena causa. Su victoria, sin embargo, despertará la furia del jefe de los villanos, un personaje impagable y carismático por los motivos erróneos, que jurará venganza pública, con duelo de por medio. Streets of Fire es, sí, un western modernoso, que se ríe con alegría de varios clichés al repetirlos con un nivel de sorna envidiable. Walter Hill y su coguionista Larry Gross (también colaborador de Hill en 48hrs, Geronimo y otras, de Wayne Wang en Chinese Box, ganador de premios y demases e invitado inexplicablemente ignorado por el propio Bafici, unos tres años atrás), supieron construir un guión ingenioso en el que la acción no decae ni un segundo, los diálogos brillan por su ocurrencia y los personajes se mueven con gran naturalidad.

Estrenada en 1984, este fabulosa poplícula rompió cabezas a lo loco, aunque su éxito fue tardío, gracias al VHS (formato que claramente amamos). Ese fracaso en salas fue el que dejó de lado sus dos secuelas, que continuarían las aventuras de Tom Cody, su cojonudo protagonista, interpretado por el pétreo Michael Paré (insert chistes sobre el apellido y su ductilidad actoral). Paré y Albert Pyun hicieron un intento de darle continuidad al personaje, pero mejor ni hablemos de Road to Hell...

En esta, una de las gemas de la filmografía de Walter Hill, todo está orquestado como un crepitante videoclip ochentoso, oteando desde su imaginería visual un horizonte muy parecido al actual: si se pudiesen extraer algunos detalles que delatan su año de factura (los peinados, el vestuario y la inocencia, ¡insuperables!), Calles de fuego podría pasar sin ninguna duda como un producto actual, lo que confirma el status de Hill como autor visionario, alguien que tiene muy en claro lo que busca y que en el interín terminó pavimentando el camino para el lenguaje cinematográfico del mainstream. Se suman la perfecta banda sonora de un Ry Cooder en su mejor momento y la deliciosa selección de un elenco irreemplazable: al duro en todo sentido de Paré, lo acompañan una hermosa Diane Lane (la princesita Ellen Aim), la dura Amy Madigan, un simpático Rick Moranis y el genial Willem Dafoe, como Raven, un villano que se las trae. En roles secundarios, la rompen unos jovencísimos Bill Paxton, Ed Beagley Jr. y Robert Townsend. Y la lista sigue...

Dejando la emoción que a nivel personal causa ver una copia impecable (sí, digital, pero impecable), con el volumen lo más alto posible, no me caben dudas que esta película puede ser una gran sorpresa para más de uno. Quienes no la vieron, no pierdan la oportunidad. Lo mismo para quienes no la recuerden bien: los espera la sorpresa de una fábula de rabiosa actualidad. O, la chance de sentirse como en casa, en un día movidito, movidito...

Réimon, de Rodrigo Moreno

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 11 Apr 2014 14:02:00 +0000

Esta reseña fue escrita con una notebook Positivo BGH comprada en la sección hogar de un supermercado golpista un día domingo, con 20% de descuento, con dinero obtenido de una beca universitaria y del salario de un trabajo en negro de un negocio familiar fallido.

No es casualidad que Réimon de Rodrigo Moreno comience con un texto en el que se explicite los costos de producción de la mismísima película, quién la financió, cuánto demoró en filmarse, a quiénes van a ir las tentativas ganancias de su recaudación, etc, ya que desmontar y exponer las condiciones de producción capitalista formó parte de la tentativa desmitificadora que el marxismo llevó a cabo desde sus orígenes. En este sentido la premisa de la película es básica pero no menos efectiva: ilustrar un concepto de la teoría marxista en una situación concreta.

El film sigue con rigor documental a Ramona, una empleada doméstica, desde que se levanta hasta que se acuesta. En el transcurso se la verá despertarse temprano (antes inclusive del amanecer), tomar un tren, luego un colectivo y llegar a la casa de sus distintos patrones para luego ponerse a limpiar, acomodar, cocinar, etc. La banal contemplación de lo cotidiano colisiona cuando en una de esas casas unos jóvenes treintañeros en plan grupo de estudios leen en voz alta fragmentos de El capital. Los clásicos pasajes sobre la reproducción del capital vía la explotación obrera y cómo el supuesto tiempo libre de la clase oprimida se licua en otras actividades colindantes del trabajo son evocados. Acto seguido vemos a Ramona (o Réimon, como cariñosamente la llaman estos jóvenes) limpiando una ventana. La disyunción entre la teoría y la práctica es evidente, pero sus consecuencias no.

En un plano crucial uno de los chicos abandona la lectura y se instala en una pieza a escuchar música en sus auriculares mientras cercana al foco de la cámara Ramona se dedica a barrer; se invierte la figura pero el plano parece seguir la clásica lectura de Adorno y Horkheimer sobre Odiseo y las sirenas: el burgués necesita del obrero para entregarse a la contemplación desinteresada del arte. Pero tras unos instantes el joven se quita los auriculares permitiendo que la música se haga audible en el resto del cuarto (incluido a nosotros) e invita a Ramona a bailar. ¿Cómo hay que entender este gesto (o uno similar en la que una de las jóvenes le ofrece ropa que ya no usa a Ramona)? ¿Reproducción inconsciente de la lógica amo/esclavo, otra versión del “capitalismo con rostro humano”, culpa burguesa, caridad? Quizás habría qué adoptar otro punto de vista, otro menos prejuicioso. La película no inventa nada, pero su riqueza se encuentra justamente en conseguir interpelarnos de una manera directa: los problemas denunciados por el marxismo continúan siendo nuestros problemas, pero ¿cómo hacernos cargo de ellos cuando estamos insertos en el corazón mismo del sistema? ¿Basta la solidaridad, el intercambio desinteresado, la horizontalidad afectiva del trato? Claramente no, pero quizá, en este contexto, es el gesto mínimo del que podemos hacernos cargo.

Mientras tanto, lejos de las idealizaciones del propio marxismo, el sujeto Ramona continua siendo opaco a cualquier reflexión que podamos ensayar. Verla hacer un pausa de sus labores y descansar en el living de un loft todo culo de un patrón ausente, mientras escucha “Preludio a la siesta de un fauno” no hace sino acrecentar el misterio.

Bruno Grossi

Brain Damage y Frankenhooker, de Frank Henenlotter

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 11 Apr 2014 05:49:00 +0000

Lo dijimos varias veces, y acá va de nuevo: en un año en el que el Bafici ha tenido algunas visitas de trascendencia –como los jurados Serge Bozon y David Zellner, misteriosamente desatendidos por público y prensa-, la presencia de Frank Henenlotter es la más destacable de todas. En su breve pero intensa filmografía, celebrada por la saga Basket Case, esa que lo ubicó en el estrellato del submundo de culto, hay dos películas que le sacan varios cuerpos a las demás: Frankenhooker y Brain Damage, o Sin control como se llamó en VHS por estos lares. Para muchos, las películas de este director, de una fuerte voz personal, pueden ser obras menores, lejanas a lo docto, lo correcto o lo aplaudible. Para otros, por suerte, son necesarias, vitales, esenciales.

Sin lugar a duda, una de las películas más inteligentes de un director que tiene mucho más para ofrecer que los méritos que suelen endilgársele, Brain Damage puede ser apreciada por un subtexto de inevitable notoriedad. “Es sobre drogas” se resignó a aclarar antes de cualquier pregunta el propio director, evidenciando lo cansado que debe estar de que pregunten una obviedad: pocas dudas quedan al ver como su protagonista se vuelve adicto a ese azulado líquido que le provee el fálico Aylmer (o Elmer), su propio parásito cerebral. Afecto a los cerebros humanos, esos órganos que a su vez estimula, Elmer será quien posea a su desolado anfitrión, en un raid de asesinatos ultra-B, siempre por el lado bajomundero de la vida: esas calles neoyorquinas que hieden a cines porno, librerías de segunda mano, sexo barato y falta de seguridad. Detrás de todo, hay personajes solitarios en busca de algo que mitigue su propia miseria, ya sea el alcohol de algún triste homeless, o la necesidad de esos chutes elmerianos del matrimonio de vejetes que solían alojar al parásito cantor, ese de irresistible sonrisa sinatreana.

El alucinógeno elixir que produce Elmer, maldito líquido que no tarda en dejar de ser una alegre novedad para transformarse en insomne pesadilla, será una analogía de la cocaína que el propio director dejó atrás, años antes de encarar este proyecto. Sin embargo, el lado serio del asunto no alcanza para restarle la rabiosa diversión a una de las películas de culto más secretas y estimulantes de todos los tiempos. Brain Damage es pura alegría y felicidad B, presentada por Henenlotter como su preferida, junto a la irregular Bad Biology (su película más reciente, quizás por eso una favorita). No es casual.

Por su lado, asumidamente B, Frankenhooker celebra su propia naturaleza, sin regodearse en su bajo presupuesto. Al contrario, Henenlotter encara su película como pocos se animan, utilizando todos los elementos del exploitation al extremo, empezando por ese título que mezcla monstruos y prostitución, embardunando la fórmula sagrada con mucho sexo, algunas drogas y bastante rock and roll. Frankenputa (título español) es una película tan alegremente desfachatada que sólo puede compararse con experiencias como Mal gusto (Bad Taste) y Muertos de risa (Braindead), ambas de Peter Jackson, la primera entrega de El Vengador Tóxico (The Toxic Avenger), de Lloyd Kauffman y Michael Herz y los mejores momentos del John Waters más juguetón: original, ponzoñosa, atrevida y con muchas advertencias para impresionables y pacatos, al igual que Brain Damage.

La fabula del científico loco que reconstruye a su novia con fragmentos de prostitutas, lleva su consigna al extremo del ridículo, festejando la irresponsabilidad de un guión que no deja nada en el camino, desde un ciclópeo cerebro como mascota a un cafishio y sus trabajadoras sexuales, alguna estrella porno en la "vida real". Aquí todo es diversión, alegría, amor por una forma de ver y entender el cine que, desgraciadamente, no muchos directores profesan. Por suerte, Henenlotter estuvo presente, rescatado por un festival que hace tiempo que desatiende (por ignorancia, desinterés o torpeza) al público de medianoche que solía estar muy presente en sus salas. Ojalá esto sea el comienzo de una reconciliación…

Fragil como o mundo, Rita Azevedo Gomes

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Thu, 10 Apr 2014 13:32:00 +0000

He aquí una película de una belleza inusitada. También así su melancolía y poesía. "The Saddest Music In The World" de Guy Maddin viene a mi cabeza. Escuché aplausos de fanáticos que festejaban a sus héroes en varios proyecciones durante el festival. Es la primera vez que escucho en esta semana aplausos porque algo inesperado había sucedido. Sobran las palabras para hablar de un film que hace economía de ellas y es, si posible; pura expresión. Santiago B.

20.000 Days On Earth, de Iain Forsyth y Jane Pollard II

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Wed, 09 Apr 2014 14:04:00 +0000

Nick Cave es una estrella por naturaleza. Su biología es de estrella. Su biología es su destino casi. Es un gran simulador también. Mientras veía su película y la disfrutaba pensaba que el rock llegó a un grado de auto consciencia inusitado e inesperado. Después, en el final, algo desilusionado tal vez, pensé que solo ha llegado a toda la autoconsciencia que el estrellato y una cultura de la imagen pueden permitir. Nick Cave solo puede decirse, ¨qué gran pretencioso era¨ para seguir siéndolo segundos después solo un poquito menos; más acorde a su edad. Me preguntaba a quienes otros les toleraríamos una película así. Hasta podría ser una especie de test rockero de personalidad. ¿Bowie? Seguro; ¿Dylan? Seguro y seguramente la película sería otra; lo mismo para Neil Young; ¿Sting? Ya la hizo hace 20 años; ¿Bono? Buhh…Not cool; ¿Rufus? Hay que esperar que crezca pero ya la está pensando. Es una película tierna y honesta. Todo lo que querías saber está allí; para bien y mal. Un ensayo sobre la naturaleza de la creación y la propia vida que termina siendo una obra maestra del auto bombo. Pero bien eh. Dj Malhumor.

Macrotuits sobre películas del Bafici poco o nada hiteras

noreply@blogger.com (JP) — Tue, 08 Apr 2014 19:50:00 +0000

Sabemos que el lector de Encerrados Afuera es moderno, digital, early trender, ultra updater y fast discarding, y no tiene tiempo de leer "palabras" en la forma anticuada de una reseña como hacían nuestros abuelos. Pero al mismo tiempo desprecia los tweets como forma degradada que no permite profundizar. Para ellos, entonces, les traemos la solución: tweets, pero un poco más largos.

The Project Stuart Hall: Para un ex estudiante de comunicación de la UBA, la sección que ya muchos denominan "Bafici Fsoc" o “Bafici Puan” representa la oportunidad de poder ver en pantalla grande a los grandes ídolos de las fotocopias juntadas durante largos e improductivos años. En esta ocasión se trataba de una película sobre uno de los grandes héroes académicos de los fans de los Estudios Culturales, el jamaiquino Stuart Hall. El año pasado, no obstante, esta misma sección nos trajo no pocas penurias con el lamentable documental de nombre interminable sobre EP Thompson, una película que venía con mucha chapa, pero que desperdiciaba un valioso archivo sonoro en un gesto muy perezoso que se reducía a la artimaña de contraponer imágenes actuales del lugar donde EP Thompson enseñaba con el registro sonoro del propio Thompson describiendo los pormenores de esas clases. Leído quizás suena interesante, pero les aseguro que no lo era, ya que ni siquiera había un mínimo trabajo de edición (si es que había alguno en absoluto) sobre el material de archivo.

Afortunadamente The Stuart Hall Project, sin ser una maravilla, está lejos de tal catástrofe, aunque su decisión de centrarse en el proceso de asimilación de los descolonizados en Gran Bretaña y del propio Hall pueda entenderse por algunos como una oportunidad desaprovechada de abordar las tesis que motorizaron el pensamiento de uno de los más grandes teóricos de la comunicación. Más allá de esto, la película cuenta con buenos hallazgos de archivo y por un momento, aunque focalizada en algo que no me interesaba tanto a priori, logra sostener un relato argumentativo interesante.

*Nota de color: En esta función pisé, sin querer, a Beatriz Sarlo.

Los Angeles Red Squad: Le tenía fe a Travis Wilkerson, responsable de "An Injury to One", presentada en algún viejo BAFICI y que siempre recordé como un muy buen documental (ahora sospecho de mi recuerdo). La idea, además, también prometía: un estudio sobre el destacamento policial de Los Angeles dedicado a infiltrarse e impedir cualquier atisbo de actividad política y sindical durante la postdepresión. Pero o Travis cambió o ya cambié. Curiosamente, la película se vale del mismo truco que el documental sobre EP Thompson que denosté en este mismo post: Contrapone imágenes random del LA cotidiano actual con audios históricos (que en realidad ni siquiera son históricos, sino sonidos de manifestaciones compradas en algún banco de audios -de hecho en una parte se escucha a una hinchada de mexicanos cantando "sí, se puede!"-). Eso es todo. Cero investigación, cero estudio, cero originalidad, mucho gesto vacío y locución sobreactuada.

Aurora Notte: La oldxploitation sigue su curso arrasador en busca de awwws y de jajajas y ni siquiera esta producción de los rebeldes CalArts evita la tentación de usar a los ancianos como carnada para generar ternura y/o risa sin demasiadas sutilezas.

Las artimañas son siempre las mismas (entre paréntesis el efecto buscado, en orden de prioridad):

a) el viejo o vieja dice algo medio liberal y desprejuiciado, como consejos sobre la vida sexual. (risa/ternura)

b) reta a algún joven por hacer algo mal y muestra que los viejos son aún útiles. (reflexión/emoción/ternura)

c) revela su desfasaje temporal con alguna chuchería tecnológica que no comprende (risa/ternura).

Ah, y las que realmente van al fondo con la oldxploitation nos reservan lo mejor para el final: un emotivo discurso aleccionador. En Aurora Notte, la anciana sube las escaleras de la iglesia (!) del pueblo para hablar a los soberanos allí reunidos y explicarles que lo importante es tolerarse más allá de las diferencias (hay un tema ahí con una pareja gay o no sé qué corcho). Terrible.

Nota: Ojo, igual me reí y me dieron ternura varias escenas. Pero eso no la justifica.

PD: Es verdad, son demasiado más largos que un tweet, pero sirvió para llamarles la atención.

Connus de nos services (Jean Stephane Bron)

noreply@blogger.com (JP) — Tue, 08 Apr 2014 18:59:00 +0000

Hay un morbo indecible para algunos y desvergonzado para otros en ver a los soñadores de los sesenta, del mayo francés, del hippismo y especialmente del socialismo muchos años después de su derrota. Es el morbo por ver cómo están hoy los ilusos de antaño, los que creyeron que iban a vivir para ver al hombre nuevo y terminaron devorados, asimilados o vomitados, por el sistema.

Connus des nos services, película de Jean Stephane Bron puede aprovecharse sólo como eso, como una hora para satisfacer una curiosidad pícara, sin que ello signifique menospreciarla ni aplaudir su fenomenal trabajo de investigación, pero también puede tomarse más en serio, gracias a un acierto fundamental: el de contraponer el relato tanto de los militantes de aquel entonces (de la “juventud progresista” de Vaduz, Suiza), como de los policías encargados de espiarlos durante años, lo cual implica no quedarse sólo en esa curiosidad, sino el poder reconstruir y estudiar una especie de teatro simbiótico y absurdo a partir de sus ruinas, del relato a veces orgulloso y a veces vergonzoso de sus protagonistas.

En un momento, uno de los policías recuerda cómo miraban con bronca a los manifestantes radicales, en su mayoría hijos de familias pudientes, tomarse un recreo en algún bar y consumir todo tipo de delicatessens mientras ellos tenían que conformarse con el sanguche de queso que traían de sus casas. En otro, un militante cuenta cómo irrumpían en la proyección de una película hollywoodense para protestar por Vietnam (“¿Vietnam? ¿Qué les importa? si ellos viven bien”) y aprovechaban la represión policial para tomar fotografías que sustentaran su posición antisistema. De un lado, los ex militantes recuerdan, en su mayoría, aquellos días como una época de buenas intenciones, pero de inconciencia juvenil y a su militancia como el producto de una indignación primitiva sin una ideología sólida de fondo. Del otro lado, los policías recuerdan con orgullo su labor pero sin reflexionar ni hoy ni ayer sobre el carácter del orden que resguardan. En definitiva lo que aparece tanto en los testimonios, como en los informes, como en los diferentes archivos, es la lucha de dos bandos que se necesitaban mutuamente para existir. Para unos porque sin la represión del sistema, sólo quedaba el vacío (¿cómo lucha un adolescente contra un régimen tolerante y democrático?); para los otros, porque sin el vandalismo rojo, ¿qué otra cosa podría hacer un policía en Suiza? Y en esa oposición se fundamentaba la imposibilidad de entenderse mínimamente. La película de Bron (el “almirante” según algunos) está muy buena por eso, porque no se queda en la curiosidad, sino que se toma en serio este trabajo arqueológico de redescubrir un mundo a nuestra vista un poco ridículo, pero de cualquier manera apasionante y sobre todo intenso ¿como ya no hay?

Connu des nos services se pasa mañana Jueves 10, 11.20 en el VR 9.

Dear Mr. Watterson de Joel Schroeder

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Tue, 08 Apr 2014 17:21:00 +0000

A veces un medio te explica otro; lo ilumina; nos lo hace visible. Nos los coloca enfrente según nuestras posibilidades. Según la calidad, de menor a mayor, cumple su función si abre una puerta que estaba cerrada o no sabíamos siquiera que existía. Muchas veces ciertas cosas te gustan según el gusto de otras u otros. A mí el reggae me gusta según The Clash; el folklore si estoy en el campo y las historietas si me las pasan mis amigos. Todo esto un poco mezclado es el caso para mí de Calvin & Hobbes. Perdón. El mundo es grande los intereses muchos. Por eso fui a ver este documental al mediodía mientras esperaba que saliera por fin el sol. Y cumplió su cometido. Espié un mundo de la mano de admiradores respetuosos; bellas presentaciones gráficas y música para paseos en carroza. Los que conocen los personajes los conocen; los que no, vayan a ver la película. Me quedo con la actitud rebelde de un artista apegado a su ética y un final de temporada que recuerda a Wittgenstein en las trincheras. Santiago B.

My own WARP story

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Mon, 07 Apr 2014 15:12:00 +0000

Bunny and the Bull, Paul King

En una época de mi vida si me preguntabas qué música me gustaba te podía decir Warp. Respuesta corta. Se la podía gritar a una chica en un bar por ejemplo. Música electrónica de autor con aires experimentales realizada de forma independiente pero sin temores del gran público ni prejuicios acerca del bien y el mal en lo que respecta a la cultura pop. En alemán esto sería una sola palabra. En esa época tenía la idea que cierta música levantaba la cotización de mi departamento. Richard James; aka Aphex Twin, me tenía hipnotizado, y, siendo asmático y nerd, me sentí agradecido que uno de sus hits se llamara Ventolin. Era una masa de ruido inescuchable. Otras cosas no. Aphex Twin te podía hacer soñar y en un instante hacer que los vecinos llegaran con la policía por el ruido. Los compilados de Warp eran, wait for it, legendarios. Warp era un amigo que te recomendaba artistas. Algunos mejores, otros no, siempre en búsqueda. Y en un momento se pusieron a hacer películas. Vimos varias en varios festivales porque seguís las recomendaciones de tus amigos pero nunca nos cerraron del todo. Siempre faltaba 5 pal' peso. El problema es que en Warp music esa falta era un más. Un signo de la búsqueda. En Warp pelis se parece, digo se parece, más a intentos fallidos. Random: Submarine por ejemplo como una buena banda indie pero con canciones que solo están bien y son algo aburridas. Kill List, sadismo gratuito; Cuatro Leones, incorrección política con chistes más o menos. Tyrannosaur, para esa violencia prefiero a Gaspar Noé. Y así todo seguís intentando porque preferís las cosas más o menos de unos a las buenas de otros (a las supuestas buenas digamos). Entonces voy a ver Bunny and the Bull y he aquí que soy recompensado. Es claro que mi idea de Warp me hacía esperar una peli incompleta. Pumba, esta es todo lo contrario porque justamente se trata, de un cierto modo, de una curación. Un libro de Perec, o Calvino se cruzan con Michel Gondry. De música le pondría Papas Fritas. Que, si no lo saben, es una banda excelente. Dj malhumor.

Double Play: James Benning and Richard Linklater de Gabe Klinger

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Mon, 07 Apr 2014 14:02:00 +0000

Richard Linklater es alguien que nos cae muy bien y después de este documental todavía más. Y sus amigos son nuestros amigos. Entonces nos presenta a James Benning que habíamos visto y olvidado. Porque es su propósito. Que sus imágenes se nos mezclen con la vida misma. Sabíamos que Linklater es un experto en diálogos. Y esta película es como una de sus comedias. La misma ligereza (y profundidad). Tomarse todo muy en serio aunque con la liviandad del juego. Las afinidades electivas. Los encuentros de los opuestos que no lo son tal. Cómo no nos iba a gustar un tipo que se la pasa filmando cielos. O el juego de luces de la superficie de los lagos. Escuchar a estos viejos amigos es una delicia. Ver como son locos por el cine y así todo lo importante está en otro lado. Siempre. Esa idea que tenemos muchas veces (y como personas que escriben sobre cine y música nos puede llevar a lugares peligrosos y que no queremos) que las ideas que nos generan las películas son tan importantes como las películas mismas. Lo genial de estos tipos es que siguen haciendo mover las cosas. Y hacen otra película. And so on. Benning llegando a Austin con su equipaje en una bolsa de supermercado. La baterista de Butthole Surfers fumando su último cigarrillo. Los fragmentos de la trilogía de Before… Veo esta película y me digo; no me jodan, hay personas que conocés de otras vidas. Si no, no entiendo… Santiago Bardotti.

The Stone Roses, gratis y al aire libre en el Bafici

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 06 Apr 2014 23:18:00 +0000

Estamos hablando de la película, claro. Estaría bueno que fuera la banda, pero esta vez te la debemos.
"The Stone Roses: Made of Stone", el documental de Shane Meadows será la gran atracción el sábado 12 de abril en el anteúltimo día de proyecciones del Bafici al aire libre en el Parque Centenario. La función comienza a las 22hs. y la entrada es por orden de llegada al Anfiteatro del Parque en Leopoldo Marechal y Lillo. Si alguna vez fuiste fan de la banda de Manchester, dejá todo lo que tengas planeado para esa noche y no te pierdas esta película en pantalla grande. Acá nuestra reseña publicada en julio de 2013:
http://encerradosafuera.blogspot.com.ar/2013/07/the-stone-roses-made-of-stone.html

A continuación, copy y paste del resto de la programación de Cine al Aire Libre que incluye proyecciones con música en vivo como la de Hakim Bentchouala-Golobitch que interpretará a piano la partitura original de Verdun, visions d’Historie el martes a las 20 horas.

Martes 8

20 hs. Verdun, visions d’Historie

En 1928, Léon Poirier acometió la mayor empresa del período mudo francés: reconstruir para el cine la batalla más larga y una de las más sangrientas de la Primera Guerra Mundial. Restaurada en toda su gloria, se proyectará con su partitura original interpretada al piano por el maestro Hakim Bentchouala-Golobitch.

Miércoles 9

20 hs. Ping Pong

El jugador más joven tiene 80 años; el más viejo, 100. Los dos son campeones mundiales. Y este documental juega, como sabio ping pong, con el pasado y el presente de los deportistas más abollados y entrañables que hayan visto.

Viernes 11

20 hs. Wolf Children

No lloren por el retiro de Miyazaki: here comes Hosoda (el de Summer Wars, Bafici ‘10). En este maravilloso anime prueba su maestría dibujando a una madre coraje que cría sola a los dos hijos que tuvo con un hombre lobo.

Sábado 12

19.30 hs. La tropa de trapo en el país donde siempre brilla el sol (Hablada en español)

Unos adorables muñecos de trapo (¡animales estampados! ¡Merchandising ya!) resultan ser no sólo una amable y cálida película para los más chiquitos, sino una refulgente idea sobre cómo hablarle a los más niños.

22 hs. The Stone Roses: Made of Stone

El regreso, más de quince años después, de la legendaria banda de Manchester. Como un fan más, el director de This Is England sigue a Ian Brown y los suyos en una noche de euforia rockera, estilo años noventa.

Domingo 13

20 hs. Living Stars

Los directores de El hombre de al lado vuelven al documental y retoman la democratización de la pantalla de Televisión abierta, otra de sus creaciones, en este variopinto desfile de bailarines frente a una cámara que se mantiene inmóvil como si fuera el espejo del baño.

The Congress, de Ari Folman

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 06 Apr 2014 21:38:00 +0000

El cine moderno nació el día que alguien en algún momento (afirmación voluntariamente vaga) quiso recordar el nombre del actor del Ladrón de bicicletas de De Sica y no pudo. Del star system a la política de los autores cahierista se configuró por lo tanto un pasaje, una transformación del objeto de interés. El actor que en el clasicismo era el centro del hecho cinematográfico pasa en la modernidad a ocupar un lugar periférico: los italianos se dan cuenta que la estrella está desconectada de la experiencia del hombre común y por lo tanto esa incompatibilidad atenta contra el verosímil. En la misma dirección pero en un sentido opuesto Bresson utilizará no-actores como modelos y/o figuras como un modo de reducir el espesor dramático (que todo actor profesional inevitablemente genera); de esta manera aborta la identificación (no para acentuarla como en el neorrealismo) y deja que la historia aflore por sí misma. Como sea, esto plantea una nueva episteme en relación a los actores. El actor se transforma entonces en un mero significante vacio: el actor como un instrumento, una pieza de un complejo ajedrez que juega otro, un elemento pasible tanto de ser llenado conceptualmente por el director (John Ford en la metáfora más johnfordiana de la historia dirá que los actores no son más ganado que hay que arriar) como de ser expuesto en su completa nulidad, vuelto una mera superficie más del film. Holy Motors puede leerse tangencialmente en este sentido: el actor es un ente sin identidad que pasa esquizofrénicamente de un estado a otro sin discernimiento; el actor no hace obra, no hay conciencia o decisión sobre el objeto, sino entrega total a algo que está más allá de él mismo. Hollywood, a pesar del cambio de época (la existencia de Nietzsche no invalidó al cristianismo, a pesar de lo mucho que nos gustaría creerlo), intentó siempre reforzar la identificación con la estrella (en detrimento de todas las distintas características que a través del tiempo nos valimos para llamar “arte” a una película) y hacer de ese vínculo estrecho la base misma de su éxito. Cíclicamente algunas películas tematizaron esa relación: qué otro sentido puede tener un film como My Week with Marilyn si no es la de intentar conectar y reafirmar el deseo (pasando del simple e identificatorio al empírico y carnal) del fan con la estrella.

¿Qué tiene para decir The Congress en este contexto? En un futuro los actores están comenzando a ser escaneados digitalmente para luego poder ser incluídos en las películas sin la necesidad de que estos actúen. Esto podría verse como una continuación de lo que hablábamos al principio: el actor cumple un mero rol secundario en la realización de la película y podría hasta llegado el caso ser reemplazado (¿será esta la tesis de Folman? que sus dos películas insistan con la animación es un indicio); pero el film no apunta finalmente hacia esa dirección, sino críticamente hacia el sueño dorado del productor hollywoodense (o hacia la americanización de la cultura tal como lo plantea Zizek, al hablar del helado diet o el café sin cafeína): tener el fulgor de la estrella pero sin la estrella. Al escanearlos los estudios se ahorran los vedetismos, los caprichos, pero también los escrúpulos morales y vagamente estéticos del actor: en el fondo el productor y director quieren que el actor haga lo que nosotros queremos que haga, queremos verlos humillados, en bolas, tirando patadas ninja, andando en moto, salvando el mundo, en comedias románticas pelotudas, etc. Disponer, en definitiva, virtualmente de sus cuerpos y llevar el pacto identificatorio aristotélico hasta el límite. En la segunda parte del film ese sueño inicial se vuelve distopía: el cine ya no nos basta, sigue existiendo a pesar de toda manipulación digital, una disyunción material entre la estrella y nosotros que no nos colma, necesitamos vivirla, ser la estrella: un dispositivo químico nos permitirá adoptar entonces el avatar de nuestros deseos. Folman deja ver que hay una consubstanciación entre un modelo de cine (y de su respectiva relación con los actores) y un correspondiente estado del mundo. El cine espectáculo diluyéndose en todos los ámbitos de la vida. El cine vuelto evasión total, negación de lo real.

Bruno Grossi

How to dissappear completely, de Raya Martin

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Sun, 06 Apr 2014 18:11:00 +0000

Apitchapong meets Richard James. Para algunos esto dice nada; para otros todo. Pequeño ensayo de género; película para jóvenes fumetas. Película con alto riesgo de ser inflada (la exageración del catálogo es terrible); pero eso ya no es su problema. El cuento folklórico según un acid trip; el lado oscuro del costumbrismo. Lo que se ve y lo que se escucha van de la mano de una manera evidente pero difícil de explicar y quién lo haga merece una beca. Cuando escuché Aphex Twin la primera vez me sorprendí entre tantas cosas por la densidad del registro, por la presencia de distintas capas sonoras que le daban una materialidad extraña. Esta película con una banda de sonido de esa clase, o esta música de Eyedress con esa película como su despliegue. Como si lo que alguna vez intuíamos al escuchar ciertos viajes electrónicos se materializara en una historia. O en los retazos de una. El nombre de una canción de Radiohead también. Las similitudes con el director thai son abrumadoras. Seguramente sin la densidad filosófica de aquel. Perdón. Al menos por ahora; al menos aquí. Richard James, o Boards of Canada; tal vez Broadcast. Autechre sería demasiado oscuro quizás. Warp en definitiva. Lo que nos lleva a la siguiente película. Dj malhumor.

Stray Dogs (Tsai Ming Liang)

noreply@blogger.com (JP) — Sat, 05 Apr 2014 23:02:00 +0000

Cada dos años miro una película de Tsai Ming Liang y durante los primeros minutos pienso “¿qué mierda era lo que me gustaba de esto?”. Pero siempre es igual, de a poco me voy dando cuenta que la idea motora (que en este caso se puede resumir sencilla y vagamente como la deshumanización -y sus resistencias y abandonos- que genera la vida en los márgenes económicos y edilicios del sistema) deviene en una poesía a veces sutil, a veces al borde del derrape pero que siempre encuentra formas de expresarse que son muy propias y libres aunque no caprichosas. A diferencia de otros directores, que parten de una idea central para desplegar una formalidad casi mecánica, correcta pero sin alma (algo que, por ejemplo, observé recientemente en La tercera orilla de Celina Murga, que está muy buena en líneas generales, pero que abusa de los planos divididos y del fuera de campo para darle forma a la ausencia y a la separación entre dos mundos. Algo que está bien, es coherente, pero que es casi como completar un trabajo práctico, muy previsible y criticpleaser), Tsai se vale de esa idea como una especie de magma (#perdoncastoriadis) del cual emergen imágenes coherentes pero vivas, rebeldes y que son de Tsai y que no podrían ser de nadie más.

Uno de mis momentos favoritos de Stray Dogs es la doble escena en la que el personaje de Lee Kang Sheng y sus hijos cumplen el rito de higienizarse y cambiarse antes de acostarse. Descontextualizadas, no significan demasiado, pero en el trayecto de la película, esa combinación de movimientos medio automáticos, de indicaciones torpes y de nula demostración afectiva en un espacio ajeno y escamoteado como es el de un baño público exuda un humanismo-perruno que (me) conmueve.

Y eso es, en parte, lo que trae Tsai, imágenes que no surgen meramente de desplegar una idea, sino de crear a partir de los pliegues de esa idea, buscando siempre una belleza que interpele, que sea nueva y que no abandone el amor pero que tampoco sea condescendiente.

Como en toda película de TML, hay además una narración, en este caso una disputa por la tenencia de los hijos entre una madre que todavía se aferra a la humanidad (al pensamiento, al diálogo, al arte, etc.) y un padre que trabaja como cartel y parece estar perdiendo esa batalla. Pero más allá de esto, lo que nunca se pierde aún en ese contraste y en esos espacios chotos e inhumanos (y como siempre húmedos) es la preocupación por la supervivencia de lo humano, así sea en forma de perro.

No sé si con esto contesto, al menos en parte, mi propia pregunta sobre qué mierda me gusta de todo esto. Creo que un poco.

20.000 Days on Earth, de Iain Forsyth y Jane Pollard I

noreply@blogger.com (JP) — Sat, 05 Apr 2014 22:18:00 +0000

Encontrar ese punto de quiebre en el que lo real se vuelve mito, o en el que la vida real se canibaliza en una canción, como diría Cave, no es tarea simple. Y no es tarea simple lisa y llanamente porque ese punto de quiebre claramente no existe. Hay estados en los que predomina el mito y otros en los que predomina lo real, pero mucho más que eso no podemos determinar. De esta imposibilidad parte "la de Nick Cave" para articular un retrato sobre la figura "Nick Cave" que es al mismo tiempo una pregunta sobre dónde comienza y termina el arte.

Lo realmente destacable de la película es que para ¿responder? esa pregunta no sólo adopta la forma de la docuficción, que de por sí ya no dice nada, sino que la adopta de una manera muy particular. 20,000 days... no se centra ni en el Nick Cave persona ni en el Nick Cave artista y tampoco alterna entre ambos, sino que se adentra de lleno en ese nubarrón de identidades, en ese quilombo de discursos en el que se convierte cualquier persona, y mucho más una figura pública (digamos, ni Cave debe saber bien quién es fuera del personaje que creó -algo que habla bien de él-), y lo hace a partir de formas muy pertinentes y divertidas como esa especie de terapia psiconalítica televisada y las reuniones de Cave con una especie de equipo arqueológico sobre su vida. Creo que es en parte por esa honestidad en el abordaje que la película es capaz de conmover (no en el sentido de emocionar, si no en uno un poco menos tramposo) hasta al fan de Cave más dark y amargo.

Hay que decir también que el protagonista, de quien nunca fui fanático y por quien nunca sentí una admiración más allá de favear algunos temas en grooveshark*, es ante todo un gran paciente de psicoanálisis y tiene una notable capacidad para reflexionar sobre su vida y sobre su obra, y más profundamente sobre la capacidad transformadora del arte, capacidad que puede canibalizar la mundanidad y devolverla como el drama oscuro y seductor que tanto le gusta.

Sí, es todo un poco autocelebratorio como acusó Quintín, (desde el momento que alguien decide escribir sobre su vida esa obra se convierte en autocelebratoria), pero ojo, bastante poco. De hecho me sorprendió ver a un Cave relativizando sus momentos oscuros y recordando con ternura sus momentos gratos, en especial los de la infancia.

No sé si todavía se puede ver en cine, pero si no les queda otra su acceso vía internet es muy sencillo.

*Mentira, hasta el 2001/2002 era muy fanático pero me gustó como quedó lo del grooveshark.

The Michaela Grill Experience - BAFICI 16º

noreply@blogger.com (Aldemarce) — Sat, 05 Apr 2014 14:36:00 +0000

Dijo alguna vez André S. Labarthé: “El cine experimental estaba mal visto”, haciendo referencia a la Cahiers du cinema y la época en la que él se desempeñaba como crítico de la revista. Hoy, ese tipo de obras, ni siquiera son mal vistas, son invisibles. O mejor dicho, invisibles para un público más amplio, que vaya más allá del gueto y los especialistas o conocedores. La visita de Michaela Grill al BAFICI, y la posibilidad de ver sus particulares obras en una sala cinematográfica, dentro de un shopping y con la calidad técnica de dichas salas, más que un lujo, es un milagro. Ayer por la noche Grill presentó la primera función de sus cortometrajes y dialogó con el público al final de la función. Quienes asistieron a la proyección, tanto los que sabían a lo que se iban a enfrentar, como los que fueron tomados desprevenidos, presenciaron algo único. Tratar de explicar aquí qué es el cine experimental es, obviamente, una tarea imposible. Su historia corre paralela a la del cine oficial, con sus nombres y sus obras propias; títulos que cada tanto suelen aparecer en esas listas de las mejores películas, para casi siempre provocar incomodidad y cierta mirada de soslayo. Mientras el cine comercial consiste en una serie acontecimientos, lineales o no, con justificaciones psicológicas o de lógica narrativa; el cine experimental hace un esfuerzo por ir más allá de las formas y las estructuras conocidas, y así devolverle todo la potencia a las imágenes y los sonidos. Tan simple como eso.
Michaela Grill también es parte del jurado de la sección Vanguardia y Género. En un breve diálogo que tuvimos antes de la función, Michaela nos prometió luchar y pelearse, – de ser necesario- con tal de entregarle el premio a una película que realmente lo merezca, y no a la que logre consenso. Basta ver su obra para darnos cuenta de que esas palabras van a ser cumplidas. Tiene a su lado, como aliado y par, a uno de los héroes locales del cine experimental, el Sr. Claudio Caldini.

El BAFICI ofrece una oferta inabarcable -es cierto- y a veces, ante tantas posibilidades, uno deja pasar lo verdaderamente arriesgado y desconocido. Hay que tener cuidado y estar atentos, porque mientras discutimos sobre el vestuario de Nick Cave, corremos el peligro de perdernos la obra de esta realizadora austríaca. Sería una lástima dejar pasar esta oportunidad irrepetible.

En la Guía Encerrados Afuera para pasarla bomba en el BAFICI 16º (manos anónimas, ávidas de polémica) escribieron lo siguiente sobre el foco dedicado a Michaela Grill:

Ahora que el festival se volvió popular (de aquel institucional del gato con pipa, hasta el actual, inflamado de espíritu tribunero, camisetas y banderas incluidas) y se vanagloria de exhibir Calles de fuego, se agradece el pequeño foco dedicado al cine experimental de Michaela Grill. Grill, a pesar de que esto suene a lugar común, ocupa un lugar en la historia del cine avant-garde austríaco. En el impresionante libro (no sólo por su tamaño y presentación, sino también por su exhaustivo contenido) Film Unframed – A History of Austrian Avant-Garde Cinema, Steve Bates describe su obra de la siguiente manera:

El trabajo de Grill no evoca la nostalgia de un pasado, ni se basa en los restos arquitectónicos de la industria, el archivo fílmico, o los hermosos, históricos y perdidos paisajes urbanos de Viena. Su proyecto es una meditación sobre la simultaneidad del pasado y el presente, la co-existencia del sonido y la imagen, película y vídeo, negro, gris y blanco, la vida y la muerte: un vibrante y palpitante ahora.

Los que tuvieron la oportunidad de ver hace unos años FORÊT D’EXPÉRIMENTATION (así, en mayúsculas) en el festival de Mar del Plata (en donde fue presentada por su directora), sabrán de qué estamos hablando. Después de todo, incluso los más acérrimos elitistas necesitamos reconocernos entre nosotros y decirle al resto: “si no es para vos, no es para vos”.

Marcelo Alderete

Próximas funciones:

Cortos Michaela Grill 1:
Lunes 7, 17:10 - Village Recoleta 10
Martes 8, 14:15 - San Martín 1

Cortos Michaela Grill 2:
Sábado 5, 20:40 - Village Recoleta 2
Miércoles 9, 14:35 - Village Recoleta 2
Sábado 12, 14:05 - Village Recoleta 2

The Punk Singer + Mistaken for Strangers: De comparaciones odiosas y trompadas

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Sat, 05 Apr 2014 12:01:00 +0000

The Punk Singer. A film about Kathleen Hanna, de Sini Anderson + Mistaken for Strangers, de Tom Berninger.
Hay algo que anda mal sí ves un documental sobre una cantante punk feminista comprometida políticamente y tenés la sensación constante de estar viendo Pop Idol. Hacía tiempo que no escuchaba tanto la palabra revolución y genio sin nada que la sostenga salvo la opinión de unas chicas que parecían hablar de la chica más popular de la clase y no de una artista. Algo anda mal si gente que sabés inteligente y especial aparece dando opiniones banales y reiterativas. Lo que sabemos desde la escena uno es que la piba quiere hacer ruido y hacerse escuchar. Después había que buscarle un contenido. Como se dice en un momento; queríamos hacer canciones de contenido político que se pudieran bailar. Como los universitarios de todo el mundo llenan de contenidos sus papers para aprobar materias. Queríamos demostrar que chicas de acento concheto podíamos ser profundas. Una verdadera inspiración para algunas modelos/presentadoras/poetas que trabajan en la tele. En un acto de justicia poética la novia de Kurt Cobain (que no me caía bien hasta ahora) un día vino y le metió una trompada de una. ¨Te re juro que yo no hice nada¨ se defendió la damnificada. Comprendemos todo lo que anda mal en ese documental clisé sobre una artista supuestamente anti clisé al ver la desopilante Mistaken for Strangers. Documental on tour sobre un hermano vuelto rock star hecho por el hermano perdedor y borrachín. Nos reímos; no sabemos sí va en broma o en serio; no sabemos en verdad bien incluso quién filma; nos sentimos incómodos un poco. Todo está ligeramente desplazado. Sienta a los miembros de la banda (ah, la banda es The National) y les pregunta; ¿dónde dejás la billetera mientras tocás? ¿qué opinás de mi hermano? A su madre; ¿Ma, en qué éramos distintos? ¿Por qué el tuvo éxito y yo no? El padre contestando en un sótano en Cincinnati mientras acomoda las herramientas de su taller vale por un ensayo sociológico. Tremenda.
Dj malhumor.

Bloody Manchester

noreply@blogger.com (encerradosafuera) — Fri, 04 Apr 2014 15:23:00 +0000

Hacia tiempo que no veía tanta alegría. Hang the dj/hang the dj/ hang the dj/ hang the dj/ hang the dj... Muchas pero muchas veces…. Una alegría que se veía y tocaba. ¨Les pido perdón, pero sacamos un disco nuevo y queremos practicar las nuevas canciones¨. Y volaron unas cuantas pelucas. Una banda como una roca y unas canciones eternas. No digo que no daba desconfianza. O cierta pena. Los queríamos juntos. Pero empezó a tocar como para recordarnos que él era el sonido de una banda que inventó un montón de cosas. El era el sonido detrás de esas canciones que bailamos, que gritamos. Tantas veces a solas. Sí Morrissey es la melancolía ayer descubrimos la furia. Una furia manipulada, llevada a dónde se le antojaba. Y la felicidad catártica de esa música que nos gusta tanto pero tanto. No ví a los Clash, no ví a The Jam; no ví a los Smiths. Vi a Johnny Fuckin Marr. Dj Malhumor

Guía Encerrados Afuera Para Pasarla Bomba en el 16º Bafici

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 02 Apr 2014 17:42:00 +0000

Es probable que no todo el mundo recuerde esta 16º edición del BAFICI como El Año En Que Vino Frank Henenlotter, que debería ser uno de los mojones en la historia –no sólo la reciente- del festival porteño. Después de todo, en el estado actual de las cosas, esos son los detalles que hacen la diferencia, que marcan ediciones, que marcan espectadores. Lo demás, por supuesto, son películas y más películas. Cientos de títulos que hacen del evento anual una oportunidad para descubrir, revisitar, confirmar, enojarse, festejar, etceterear y etceterear. Este año, fogoneando desde el eclecticismo, el Festival profundizó levemente esa búsqueda por integrar a su grilla películas de género, reforzando un poco la timidez del año pasado. Y puso en el tapete, de manera pública –como sucedió en el lanzamiento de esta edición- la necesidad de pensar en el presupuesto; esos desagradables y esenciales números que marcan diferencia a la hora de convocar invitados y títulos de mayor fuerza en el panorama global, con distribuidoras y agentes de venta en el medio. No sólo la economía atenta contra el día a día, sino también contra los festivales de cine. Más aún cuando la depreciación presupuestaria es un tema (en apariencia) tabú, con el pausado sueño del Bafici propio -ese que partió de un proyecto que bregaba por una saludable autonomía- en un limbo del cual quizás algún día regrese. Lo que queda, una vez más, son las películas, parte esencial de un festival. Y, ante la abrumante cantidad, qué mejor que una Guía para evitar clavarse. Por eso, una vez más, la Guía Encerrados Afuera Para Pasarla Bomba en el Bafici™ (o GEAPPBB: “G-a-pepé, bebé”). Pasen y lean…

Imperdibles

- 20,000 Days on Earth, de Iain Forsyth y Jane Pollard: Esos veintemil días son los que venimos esperando por un documental –o lo que sea- alrededor de Nick Cave. Este año no nos sacan de todas las proyecciones, les avisamos. ¿Por qué? Por esto:

- Why Don't You Play in Hell?, de Sono Sion: Lo dijimos con mucho brío el año pasado: es muy probable que las dos mejores películas que se hayan estrenado sean esta y R100, de Hitoshi Matsumoto. Salvajes, irreverentes, enamoradas del cine, respetuosas de los espectadores, endiabladamente divertidas y dislocadas. Perderse WDYPIH? Puede ser el peor error que puedan cometer en este Bafici. Si prestan atención, verán a más de uno repetir el visionado. No es casual. No. No. https://www.youtube.com/watch?v=-UqEBTKOf4c

- Upstream Color, de Shane Carruth: Nueve años después de Primer, su debut, Carruth vuelve a realizar una película fuertemente personal, construyendo una intrincada y hermética experiencia sensorial. Conviene no develar mucho: hay que vivirla. Sí, no es una novedad, pero verla en salas es obligatorio. https://www.youtube.com/watch?v=NmHitvgFmek

- Somos Mari Pepa, de Samuel Kishi Leopo: Ser joven, mexicano, enamorarse por primera vez y tener una banda garaje es, precisamente, esta película. Para pedir que suban el volumen. https://www.youtube.com/watch?v=U613artE5sA

- Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch: El JJ más grosso del mundo se despacha una de vampiros muy lejos de todas las ideas previas que uno pueda tener, excepto la que –por supuesto- sucede: la rompe. Bucólica, muy graciosa, musicalizada con un gusto exquisito: OLLA es una de LAS películas del año pasado. Imposible preguntarse por qué, en vez de tanta garcha miserable, no ganan premios películas como esta… https://www.youtube.com/watch?v=E5XxfTjXN6U

- Liberen a García, de María Boughen: Dos amigas, mucho tiempo libre y toda la adolescencia libre-idiota-feliz que uno puede imaginar. Suele ser difícil encontrar películas tan libres como esta. Forma parte de este beneficioso nuevo pacto entre el Festival de Mar del Plata y el Bafici, junto a las dos películas que siguen. https://www.youtube.com/watch?v=tJn_6sv9j0s

- Escuela de sordos, de Ada Frontini: El debut cinematográfico de la directora de fotografía Ada Frontini, fue una de las sorpresas de la pasada edición del festival de Mar del Plata. A pesar de su didáctico título, lo que aquí predomina es la sensibilidad y la belleza de las imágenes (por no decir poesía). La mejor opera prima argentina de los últimos años. https://www.youtube.com/watch?v=a5kiU8zZIfM

- Fantasmas de la ruta, de José Campusano: La película más ambiciosa (y no sólo por su duración), del director más personal del cine local. Alguien nos contó (chisme) que dos representantes del “nuevo cine argentino” (a quienes no nombraremos) abandonaron la sala a media hora de comenzada Fantasmas… durante su estreno en el pasado Festival marplatense. ¿Problemas de grilla o declaración de principios? El cine bruto de Campusano, como bien corresponde, divide las aguas. https://www.youtube.com/watch?v=rgWG27MGZ2k

- Calles de fuego, de Walter Hill: Vaya aprieto sería tener que elegir la mejor película de Walter Hill, uno de los cineastas más destacables de la década del 80, emparentable con nombres como el de John Carpenter, Joe Dante o el del director de la película de abajo. Calles de fuego es alegría pura, en estado salvaje. Imperdible es poco. Otra para escuchar a todo volumen.

- Shivers, de David Cronenberg: Cuando se trata de la nueva carne Cronenberg no se queda sólo con esa joya irreproducible llamada Cuerpos invadidos (Videodrome). No, el affaire con las cuestiones carnales, bajo vientrísticas viene desde sus comienzos, como atestigua Shivers, un verdadero imperdible de la paranoia viral setentera. Impresionables, dejarse llevar… https://www.youtube.com/watch?v=eK9Wal9Dvic

- Mistaken for Strangers, de Tom Berninger: Es probable que si ustedes son amigos de Encerrados Afuera no sólo no necesiten que les digamos todo lo bien que nos caen los The National, una banda bien EA. Aquí se puede presenciar el detrás de escena de la mano del hermano medio aparato del cantante. El punto de vista privilegiado no tarde en transformarse en la historia de un hermoso perdedor. No se la… pierdan… https://www.youtube.com/watch?v=FNmprL3SOlM

- The Raid 2, de Gareth Evans: Ok, ¡esto es lo que se llama la vanguardia del género! Hiperacción de la mano de un Evans reloaded, revisitando ese fichín que llamó The Raid. Si se la bancan, acá está el tráiler. Después nos cuentan… https://www.youtube.com/watch?v=3AhivlZO0us

- Los Angeles Plays Itself, de Thom Andersen: Si bien ya se proyectó hace unos años, LAPI es una obra maestra que merece la repetición. Ensayo cinematográfico sobre la ciudad de Los Angeles y la forma (formas) en la que el cine la retrató. Habría que pedirle a Thom Andersen que, digamos cada cinco años, le agregue un nuevo capítulo a esta historia de amor que, parece, no tener fin. Dentro del foco dedicado a CAL ARTS también se proyecta Red Hollywood, otro película del bueno de Andersen, obviamente también es una maravilla. https://www.youtube.com/watch?v=ATvOyAdrDB0

- Norte, the End of History, de Lav Diaz: Uno de los programadores del Bafici nos informa por tuiter la ausencia de películas iraníes en la programación y argumenta -en referencia a esto- que los recurrentes chistes que relacionan dicha cinematografía con el festival porteño ya no tienen cabida. Ese lugar, ahora, bien lo podría ocupar el cine filipino. Cuanto más desconocido, más fácil de criticar, suelen pensar los ignorantes. Pero la verdad, todas estas son cosas que al cine no le interesan. Norte, the End of History, es la obra maestra de un director que se merece un reconocimiento que vaya más allá de los comentarios sobre la (siempre extensa) duración de sus películas. El espíritu de Dostoievski se pasea por Filipinas en una película imperdible. https://www.youtube.com/watch?v=nzpfJrlL4SE

- Our Sunhi, de Hong Sang soo: Esta vez se trata de la versión más concentrada del cine de Hong Sang-soo (quizás se trate de su película con menos planos). Tres hombres y una mujer, la Sunhi del título, van y vienen, entre conversaciones sobre el trabajo y el amor, comidas y bebidas varias. Lo de siempre, cada vez mejor. https://www.youtube.com/watch?v=lchbITFYVWo

- Double Play: James Benning and Richard Linklater, de Gabe Klinger: El crítico Gabe Klinger toma dos acertadas decisiones: elegir a Benning y Linklater como protagonistas de este documental y filmarlos de una manera simple, mientras ellos recorren Austin y conversan sobre cine y béisbol (entre otras cosas). Una lástima que esta pequeña gran película no haya sido acompañada con algunas de las últimas obras de Benning, ni con Boyhood, de RL. https://www.youtube.com/watch?v=apyldA1ZfKU

- 3X3D, de Jean-Luc Godard, Edgar Pera y Peter Greeneway: Sin dudas, lo mejor que se verá en esta edición del festival es el corto Les trois desastres, primera incursión en el 3D de Jean-Luc Godard mientras esperamos el estreno (¿en el festival de Cannes?) de Adieu au lenguage. Eso sí, 3X3D viene con otros dos cortos de regalo, uno de un tal Edgar Pera y otro del incorregible Peter Greeneway. Evitar estos otros dos desastres es lo más aconsejable. Imperdible el capítulo de J-L. Godard. https://www.youtube.com/watch?v=RpNDl0pVzBs

- Kill List, de Ben Wheatley: Una experiencia brutal, descarnada, rompecabezas. Kill List empieza siendo un kitchen-sink drama inglés para transformarse en un descenso al peor de los infiernos, del cual conviene no saber nada de antemano. No apta para impresionables. Verla en sala debería ser una obligación. Sigan nuestro consejo y no vean este tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=aqkqF--v1tg

- Submarine, de Richard Ayoade: En su nueva película, The Double -inexplicablemente ausente en el festival-, Ayoade reverencia al Brazil de Terry Gilliam, adaptando a Dostoyevsky. Acá el punto de partida bien podrían ser Melody y Harold & Maude: coming of age, amor adolescente, vida agridulce. Una película fresca y bondadosa, a la cual no le faltan risas. https://www.youtube.com/watch?v=P-WCCdkVDr4 Acá, la increíble banda sonora de Alex Turner https://www.youtube.com/watch?v=d0yA0Q1l2jo

- Tyrannosaur, de Paddy Considine: Gran actor (presente en esta edición en Dead Man’s Shoes), Considine debuta como director de largometrajes con esta ampliación de su corto Dog Altogether, también proyectado. Con un palpable realismo social, sus personajes se mueven en los ejes de la desesperación, pero alguna chance de redimirse aparecerá tímidamente. Un violento alcohólico trabará relación con una mujer golpeada. Otra película cruda que vale la pena ver. https://www.youtube.com/watch?v=nvyqXFmV-LI

- Redemption, de Miguel Gomes: Un cortometraje maravilloso en donde se mezcla de manera exacta, la experimentación con la actualidad política, de una manera demoledora. Después de extasiar al mundo con Tabú y mientras prepara su versión de las 1001 noches, Miguel Gomes se mantiene entretenido creando una pequeña (sólo por su duración) obra maestra.

Frank Henenlotter

Como decíamos por allá arriba, la presencia de Frank Henenlotter en el Bafici es algo para festejar con mucho ruido. Cineasta rabiosamente singular, FH es uno de esos amigos de la clase B que supieron capitalizar su mirada, filmando películas que se revuelcan en el fango de las bajas pasiones. En pocas palabras, una, para ser exactos, lo de este querible señor es el exploitation puro y duro. Sus películas serán bienvenidas por quienes sepan decodificar esa singular mordida de lengua que tienen todas, jamás restringidas por ningún condicionamiento, ni económico ni creativo y, mucho menos -como notarán a la leer las sinopsis de cada una-, moral.

Su punto de partida y de llegada al “estrellato” fue la trilogía Basket Case https://www.youtube.com/watch?v=NaGj9F10d7I, en la que un joven Duane hace lo que puede para que su hermano gemelo Belial no se descontrole. Marginal y marginado, Duane puede estar un poco loco (un “basket case”, bah), es especial porque Belial es lo que algunos pueden llamar una abominación, no sólo por su contrahecha inhumanidad, sino por su sed de sangre. Belian vive en una canasta de mimbre, lo que transforma a sus tropelías criminales (siempre justificadas, ¿eh?) en otra clase de basket cases. Tres películas que cuentan una saga deliciosamente B, puro disfrute, siempre y cuando el bajointintismo sea del agrado de la dama y el caballero.

En Brain Damage https://www.youtube.com/watch?v=Y6uBO0Jrz98, Henenlotter se va literalmente al demonio y da a luz una de las películas más desenfadadamente retorcidas de las última tres décadas, junto a Frankenhooker, obviamente. Un protagonista desencajado, víctima de su propio parásito, descenderá al infierno mental y físico poseído por un ser maléfico llamado Elmer. Perderse esta película sería un error similar al de perderse Frankenhooker https://www.youtube.com/watch?v=rewLjr7VY4o, otra fábula fantástica, esta vez alrededor del mito de Frankestein, con un singular inventor rearmando a su fallecida novia con fragmentos corporales extraídos de prostitutas. El simple hecho de que una de sus películas se llame “Frankenputa” debería ser meritorio para que FH sea declarado el Rey del Exploitation.

Si bien Bad Biology, el último largometraje de ficción de FH hasta el momento, no le va en saga a sus obras anteriores, vale la pena verla para completar una filmografía redonda, coronada por dos documentales que son más declaraciones de amor: Herschell Gordon Lewis: The Godfather of Gore y That's Sexploitation!. Tripas y sexo en demasía, condimentos ideales para convertir la inclinación hacia las pulsiones en una marca registrada, un sello particular. Hay que festejar que FH venga a la Argentina. ¡Claro que sí!

WARP
Quienes una década atrás pudieron disfrutar en el Festival de Mar del Plata de la perturbadora y emocionante Dead Man's Shoes, de Shane Meadows, habrán intuido que ese gran salto para el sello discográfico Warp (hogar por ese entonces de Aphex Twin, Nightmares on Wax, Autechre, Squarepusher, Jimi Tenor, Broadcast, Prefuse 73 y Jamie Lidell, y desde entonces de !!!, Battles, Maxïmo Park y Grizzly Bear, entre otros), era el comienzo de un recorrido con varias sorpresas. Este foco elige lo mejor del trayecto, como las imperdibles Kill List, Tyrannosaur y Submarine, insistiendo en algunos directores clave como Richard Ayoade (Arctic Monkeys Live at the Apollo), el nombrado Shane Meadows (también con The Stone Roses: Made of Stone, y This Is England), títulos que hicieron algo de ruido (Bunny and the Bull, de Paul King, Donkey Punch, de Oliver Blackburn y Four Lions, de Chris Morris) y cortos como Rubber Johnny (Chris Cunningham) y Swimmer (Lynne Ramsay), también imperdibles. Como extra pseudonovedoso está Southcliffe, miniserie fulgurante de Sean Durkin, que se puede ver en casa. Sin duda, para mucho el Foco Warp podría ser un festival en sí mismo. Una muy buena propuesta para quienes busquen cine de calidad y se hayan perdido estos grandes momentos en su momento.

WTF?

-Muppets 2: Los más buscados, de James Bobin

-Rio 2, de Carlos Saldanha

-En serio, WTF?

Películas de aquí y de allá para ver más acá

- We Are the Best!, de Lukas Moodysson: Lejos de esa pequeña maravilla llamada Fucking Amal (¡“Show me love”, le pusieron de título internacional! ¡Caretas!), Moodyson vuelve a retratar la juventud y sus urgencias en una fábula preadolescente de rock and roll. Tres chicas arman una banda partiendo más de la actitud que de la aptitud (así nació el punk rock), mientras sus vidas personales y sentimentales se meten en el medio. Está muy bien, aunque no llega a ser imperdible. En la sección Música hubiera estado mejor ubicada...

- Burroughs: The Movie, de Howard Brookner: ¡Bue, lo único que faltaba! ¿Desde cuándo hace falta desarrollar algo sobre lo-que-sea relacionado a Burroughs?

- A Story of Children and Film, de Mark Cousins: Crítico, conductor televisivo y director irlandés, Cousins es un culo inquieto al que conviene seguir. Si no vieron su miniserie The Story of Film: An Odyssey (15 episodios sobre la historia del cine), recomendamos que corran a hacerlo. En esta ocasión, el foco está puesto en las apariciones iconográficas de niños en el cine. Un pequeño placercito.

- Ariel, de Laura Bari: Unos pocos años atrás, Laura Bari debutaba en el largometraje con Antoine, un imperdible documental sobre un chico no vidente, para nada ciego. Ahora, a Bari le toca inmiscuirse en su propia familia, para seguir a su hermano que, víctima de un accidente, ha perdido sus piernas. En otro registro que Antoine, pero con una búsqueda similar, Bari se mete hasta el tuétano en ese problema del cual surge una solución: la construcción de sus propias piernas metálicas.

- Cheatin', de Bill Plympton: Plympton es uno de esos cineastas que alucinan a multitudes y que pueden llegar a cansar a quienes acumulan visionado de sus cortos y largometrajes. Eso no implica que sus películas dejen de ser genialidades. Habrá que ver con qué nos mantiene de su lado el implacable (e incansable) BP…

- Dear Mr. Watterson, de Joel Allen Schroeder: Calvin y Hobbes, la GENIAL creación de Bill Watterson, nunca fue una tira popular por estos pagos, por desgracia. Las desventuras de un pequeño revoltoso y su tigre de peluche que toma vida ante sus ojos (o algo más), son la mar de divertidas y han influenciado hasta el tuétano a más de un autor nacional o extranjero.

- El futuro, de Luís López Carrasco: Primera película solista de uno de los miembros del colectivo Los Hijos. Tan rigurosa en su puesta, como obvia por momentos. De todas maneras, no deja de ser uno de los mejores títulos de la competencia oficial y -sin dudas- una de las mejores bandas de sonido. https://www.youtube.com/watch?v=mpDJMuKbW7c

- La última película, de Mark Peranson y Raya Martin: Con una amorosa ironía (que no deja de ser ironía), Mark Peranson, crítico y responsable de la revista Cinemascope, y Raya Martin; se dedican a seguir a un director (personaje inspirado en el Dennis Hopper de la época de esa hermosa catástrofe llamada The Last Movie) mientras recorre México en busca de locaciones. Todo esto mientras el Apocalipsis maya se acerca para acabar de una vez por todas con el mundo tal cual lo conocemos y tal vez, también con el cine. Un chisme: el muy serio y solemne David Bordwell se retiró de la sala poco antes de comenzada la película, durante una de las funciones en el festival de Toronto. https://www.youtube.com/watch?v=KiQADTML7oM

- Costa da Morte, de Lois Patiño: Si contamos todos los premios que lleva cosechados desde su estreno mundial en el festival de Locarno, podríamos sospechar que se trata de la mejor película de esta edición del festival. La verdad, es que esto también es cierto, incluso si dejamos de lado dichos reconocimientos. A pesar de su juventud y gracias a su talento, Lois Patiño se transforma en uno de los mejores representantes de algo llamado “nuevo cine gallego”. Ver para creer. https://www.youtube.com/watch?v=ZBmsgON8PVg

- Manakamana, de Stephanie Spray, Pacho Velez: Una nueva película salida de la factoría del Sensory Ethnography Lab (así de pretencioso como suena), un grupo de directores de donde surgieron, entre otros títulos: Leviathan (“película chasco”, según Marcelo Panozzo), Sweetgrass y Park City. Esta vez la experiencia sensorial de turno son unos planos fijos dentro de un cablecarril que va y viene, transportando a la gente (o animales). Para algunos una experiencia que roza lo religioso, para otros, una estafa. Desde aquí, esperamos para verla en la pantalla grande, en mejores condiciones y así poder dar nuestra opinión sobre los sensoriales muchachos de la Universidad de Harvard. https://www.youtube.com/watch?v=gSsudieC9vs

- Coming to Terms, de Jon Jost: Jon Jost escribió una especie de despedida al mundo de los festivales que puede rastrearse por la web (http://www.indiewire.com/article/jon-jost-retires-sort-of-his-thoughts-on-nearly-50-years-of-filmmaking?page=2). Coming To Terms es una película triste que también habla de finales. La actuación de James Benning como padre de familia es el mayor descubrimiento de esta obra que va de lo sublime a lo ridículo con una facilidad asombrosa. Una especialidad de la casa.

- Le Dernier des injustes, de Claude Lanzmann: Existen programadores de festivales (de cine, obviamente) tan ignorantes (lo podríamos respaldar con pruebas) que aseguran que esta nuevo largometraje de Claude Lanzmann carece de interés porque se trata de “más de lo mismo”. Lo extraño de dicha aseveración es que no es del todo errónea. Eso “más de lo mismo”, es la mirada de su realizador a un horror que el cine parece haber olvidado. O ya no saber qué hacer con él.

https://www.youtube.com/watch?v=xtePgBpj7xM

- How to Disappear Completely, de Raya Martin: El talento de Raya Martin hace parecer al cine como una disciplina simple. Esta vez, Raya realiza una película de género utilizando elementos del cine de terror, para crear, una vez más, un nuevo capítulo en su personal re-lectura del cine y su historia. https://www.youtube.com/watch?v=wMuQ5enlukg

- Ignasi M., de Ventura Pons: Una película de Ventura Pons en el BAFICI. Y -para colmo- desde las altas cúpulas del festival aseguran que es muy bueno. De ser esto cierto estaremos en presencia, una vez más, del famoso “milagro del cine”.

- Salvo, de Fabio Grassadonia y Antonio Piazza: Una película de género, reducida a sus mínimos elementos que maneja los tiempos (muertos) en contra de lo que indica su historia de mafiosos y amores imposibles.

- Tarr Béla, I Used to Be a Filmmaker, de Jean Marc Lamoure: Dice Béla Tarr que ya no va a volver a filmar. Y de ahí el título de este documental, en donde lo vemos durante el rodaje de El caballo de Turín. La película no es más que eso. Y no es poco.

- The Second Game, de Corneliu Porumboiu: Un padre y un hijo se juntan para revivir un viejo partido disputado en Rumania, en el año 1988, bajo una nevada torrencial. El padre se llama Adrían Porumboiu y fue el referí de ese encuentro, el hijo es Corneliu, director de cine. Entre los dos se realiza un dialogo, en el que detrás de una discusión futbolera, se juegan muchas otras cosas. Un experimento que no deja de lado la emoción. También se proyecta When Evening Falls on Bucarest or Metabolism, anterior película de Porumboiu, en donde las conversaciones entre un director y su actriz, desnudan y ponen a prueba las posibilidades narrativas del cine.

- Aimer, boire et chanter, de Alain Resnais: Se fue Resnais y dejó una última película. Aimer, boire et chanter, que continúa la línea que venía desarrollando en sus obras anteriores. Otra vez el teatro, la artificialidad, los actores. La trama gira alrededor de un tal George Riley (el título en inglés de la película es Life of Riley, nombre de la obra de teatro en la que está basada), a quien nunca veremos, pero alrededor del cual giran las vidas de tres parejas. Es, obviamente, una obra menor en la carrera de un director mayor, sin embargo, el final de la película, frente a una tumba y el plano de un topo (salido de Caddyshack) justifican esta pequeña película de uno de los (últimos) grandes. https://www.youtube.com/watch?v=Irrf7HhSHTw

No son todo lo que prometían, peeero…

La idea de esta nueva división es bajar el entusiasmo que inicialmente alguna de estas películas trae consigo, para evitar el impacto en el cinéfilo cebado. O sea, desinflar un poco, para que después guste más, por qué no. Todo un servicio (?!)

- The Sacrament, de Ti West: Registrada como si se tratase de un episodio de la serie televisiva de Vice (documental de cámara testigo), lo nuevo de West no alcanza el nivel de intensidad que venía logrando. El principal problema puede ser la elección del found footage como método para registrar el fatal destino de una secta.

- Gente en sitios, de Juan Cavestany: ¿Cómo no comprar, a priori, una película en breves episodios (a veces, en gags) con cameos de Santiago Segura, Carlos Areces, Raúl Arévalo, Maribel Verdú y etc.? Despareja, pero con momentos muy altos, sin buscar ser el acabose de la comedia, vale la pena visitarla.

- Big Bad Wolves, de Navot Papushado: Tarantino debe ser el inflador más eficaz que anda dando vueltas ahí afuera. Para él esta fue la mejor película del año pasado y, la verdad… Entiéndase: la película está bien, tiene un par de ideas muy buenas, pero no supera su propia premisa. Lo mismo pasa con Afternoon Delight, otra proyectada en este Bafici, que Tarantino aplaudió y… meh.

- Night Moves, de Kelly Reichardt: Una de esas películas en que uno espera que pase algo y cuando pasa no alcanza a bancarse el peso de toda esa espera. Una desilusión. Igual, los fanáticos de KR tienen que verla para comprobarlo.

- Veronica Mars, de Rob Thomas: Niña mimada del universo Kickstarter, sitio en el que se reunió el dinero para financiarla, esta traslación de la serie de Rob Thomas le va en saga, pero también le va en saga. Quienes amaron a esa detective juvenil, sabrán darle la bienvenida. Más quienes aman a Kristen Bell.

- Wrong Cops, de Quentin Dupieux: Si bien es su segundo largometraje, QD, más conocido como Mr. Oizo, se hizo famoso con Rubber, protagonizado por una rueda de auto con vida propia (!). Después llegó Wrong, una comedia delirante en la que el extrañismo abunda, más contenida y menos delirante que su predecesora. Wrong Cops retoma ese universo, con un desagradable policía como protagonista. Vale la pena meterse en ese mundo, preferentemente con el visionado de Wrong encima.

- Stray Dogs, de Tsai Ming Liang: Por momentos parece una parodia de su cine, por otro, una película bellísima y desoladora. Lo que es seguro, es que nadie filma como Tsai Ming Liang. Y en un mundo lleno de películas iguales, eso no es poco. También se proyecta Journey to the west, una obra hipnótica que, en el espíritu del corto Walker, se mueve en una delgada línea que separa al cine de la instalación museística.

- Seduced and Abandoned, de James Toback: La idea del documental es bueno, pero no tarda en volverse un poco más aburrido de lo que a priori uno espera, especialmente tratándose de quién la firma. Con un proyecto de largometraje bajo el brazo, Toback y Alec Baldwin se dirigen al festival de Cannes a buscar inversores y hablar de lo que se les cruce, con quienes se les crucen, entre ellos, Ryan Gosling, Jessica Chastain, Martin Scorsese, James Caan, Roman Polanski, Francis Ford Coppola y Bernardo Bertolucci. Y bue…

Música

Aún más que en ediciones anteriores, la sección musical sigue abarcando estilos, humores y puntos de vista, con un importante eclecticismo. Hay mucho para ver y algún evitable, pero enfoquemos en lo que sí.

- The Punk Singer - A Film About Kathleen Hanna, de Sini Anderson: Para que la ubiquen rápido, Kathleen Hanna es la chica que salta alegremente en el video de "Bull in the Heather", de Sonic Youth. Pero, claro es mucho más que eso: líder de Bikini Kill y Le Tigre, figura clave del movimiento riot grrrl, la que escribió eso de que "Kurt smells like Teen Spirit", el rostro detrás del alias Julie Ruin y la esposa de Adam Horovitz, de los Beastie Boys. O sea, Kathleen Hanna estuvo muy cerca de todos nosotros en los '90. Este muy buen documental retrata su carrera y su parate por culpa de la enfermedad de Lyme. Mucha actitud, de la sana. Imposible no enamorarse de Kathleen.

- Good Ol' Freda, de Ryan White: La vieja y querida Freda fue la legendaria secretaria de los Beatles que se encargó del contacto con los fans de la banda, conociendo de ardores y pasiones, al ser una fan ella misma. El documental está muy bien, es una mezcla de canto de cisne al fanatismo y de fresco de un tiempo que ya no está más. Ya hablaremos sobre el…

- El rey del rocanrol (La leyenda de Pajarito Zaguri), de Néstor Alejandro Rodríguez Correa: Si no saben quién fue Pajarito Zaguri, TIENEN que ver este documental. Si saben quién fue, saben que tienen que ver este documental.

- AKA Doc Pomus, de Peter Miller y Will Hechter: Puede que el nombre Doc Pomus no les diga mucho, pero saber que es autor de himnos como "Young Blood"; "A Teenager in Love"; "Save The Last Dance For Me"; "This Magic Moment"; "Turn Me Loose"; "Sweets For My Sweet"; "Little Sister"; "Surrender"; "Viva Las Vegas" y 1C le da otro cariz al asunto. Los testimonios de Dion DiMucci, Dr. John, B.B. King, Ben E. King, Jerry Leiber & Mike Stoller y Lou Reed, entre otros, refuerzan el asunto.

- Conexión Sur, de Dolores Lagrange: Una muy buena idea la de retratar la popular (y la notanto) escena electrónica porteña. Entre otros, quienes se hacen oír son Daniel Melero, Pablo Reche, Luis Marte, Diego Vainer y Carlos Cutaia hablando del digitalismo local. Tienen nuestra atención.

- La del Chango, de Milton Rodriguez y Pichuco, de Martín Turnes: Dos excelentes propuestas los documentales sobre, acerca, alrededor del Chango Farías Gómez y Aníbal Troilo, focalizando en su música, la mejor forma de mantenerlos vivos. La presencia de esas ausencias se refuerza con músicos y personajes que los rodearon y admiran.

Nocturna

Despareja, pero con un par de highlights, la sección de medianoche del festival tiene algunos buenos momentos, además de incluir la genial Why Don’t You Play in Hell, una de las imperdibles de esta edición. Abajo, un desglose de lo demás. Pueden saltearse sin culpa Shakedown, de James Glickenhaus, productor de algunas películas de Henenlotter: 1988 tuvo mejores productos.

- Blue Ruin, de Jeremy Saulnier: A esta la venimos esperando con ansias. Dicen los que la vieron que es un thriller de los que no abundan, con mucho suspenso, algo brutal y tensión para repartir. Ganó el premio de la Crítica Internacional (FIPRESCI) y –aunque no es un parámetro que nos interese en otros casos- tiene un 100% en Rotten Tomatoes, algo MUY raro. Habrá que verla, nomás.

- Jay & Silent Bob's Super Groovy Cartoon Movie!, de Steve Stark: El truco puede estar volviéndose un poco viejo, después de tanto Jay&SilentBobxploitation, pero aún bancamos a los dos personajes creados por Kevin Smith y Jason Mewes. Aquí, el dúo menos dinámico volverá a encarnar a los superhéroes fumones Bluntman y Chronic. Como sucedió con los cómics, puede fallar.

- Maknum Gonzalez, de George von Knorring: Del productor de Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta, llega otro exploitation setentoso made in Chile. Quienes disfrutaron la anterior, también sabrán encontrarle méritos a esta.

- Maniac Cop, de William Lustig: Un poco inexplicable este rescate, no porque no sea una muy buena experiencia (nótese que no dijimos “muy buena película”), sino porque en cierta forma se pisa con la retro de Henenlotter. Quizás guardarla para otra edición hubiese sido más feliz. Nuestro consejo es todas a la final, pero si hay que elegir entre un Lustig y un Henenlotter, nuestro dinero está direccionado al segundo, sin duda, pese a que queremos mucho al primero. Dicho esto, Maniac Cop es una película de culto, con grandes momentos, un clásico medianochero. Quienes no la vieron pueden comprobarlo. No saldrán defraudados…

- Les Rencontres d'après minuit, de Yann Gonzalez: Todavía no nos explicamos el éxito de esta aburrida y estilizada aventura de una noche. Con la excusa de una posible orgía, varios personajes se reúnen a decir líneas inteligentes y ser filmados de forma bien chic. No caben dudas: Gonzalez es un director con mucho futuro. Ojalá encuentre un guionista con el mismo destino. Para melómanos: la música de la película es de M83, banda del hermano de Yann.

- Cannon Fodder, de Eitan Gafny: Zombies, bajo presupuesto, Israel, acción, efectos medio pelo. Juzgando por el tráiler, Carne de cañón serán quienes entren a verla…

- Shield of Straw, de Takashi Miike: Cuando un festival nos agobia con sus películas “menores” (algo entendible en cualquier evento que supere los 300 títulos) la aparición de una película del tan brillante como original y prolífico japonés, siempre son un lugar donde refugiarse y asegurarnos un buen momento. Sin embargo (lo sentimos, así es la vida), esta vez Miike nos desilusiona con una película rutinaria, aunque esto suene increíble en su filmografía. Una historia de policías y un asesino serial, que, y aquí empiezan las sospechas, ocupó uno de los lugares en la competencia oficial en el pasado festival de Cannes. Es sabido que la alegría, difícilmente acceda a esos lugares. Por suerte, mientras escribimos esto, Miike seguramente ya tiene dos o tres películas nuevas.

- Escape From Tomorrow, de Randy Moore: Más que una película mala (defensa que se esgrime desde el catalogo del festival, echando mano al siempre útil para estos casos nombre de Ed Wood), Escape From tomorrow es una película inepta. Su máximo logro parece ser que fue grabada en Disneyworld sin el consentimiento de las autoridades. Ante esto, la empresa Disney hizo lo que tenía que hacer, esto es: nada. Obviamente habían visto la película. La historia que aquí se cuenta es la de una familia en crisis (parecen salidos de película argentina de los 80), mientras recorren los pagos de Mickey Mouse y compañía. Las cosas se complican, y no solo para los protagonistas, también para los espectadores. El padre de la familia está interpretado por un tal Roy Abramsohn y nos brinda, sin dudas, (e invoquemos de nuevo al espíritu de Ed Wood) una de las peores actuaciones vistas recientemente. Algo es algo.

Clásicos restaurados

Sería una obviedad recomendar a Buster Keaton (El cameraman, de Edward Sedgwick), F.W. Murnau (Nosferatu) o Billy Wilder (Fedora). Pero lo hacemos con ganas. En especial a Wilder, restauradito, no tan usual como las otras. Pero más lo hacemos con Quisiera ser grande (Big, de Penny Marshall). En cuanto a la versión restaurada en 3D (!) de El último emperador, de Bernardo Bertolucci, ya no nos arriesgamos: otro WTF??

Retro UPA

United Productions of America (UPA), fue uno de los estudios de animación que pisaba fuerte en los Estados Unidos entre los '40 y los '70. Series de Mr. Magoo, Dick Tracy y el personaje Gerald McBoing Boing (de Dr Seuss) fueron sus hits, aunque la inmensa cantidad de cortometrajes unitarios que produjo el estudio -entre ellos, los cortometrajes del Soldado Snafu- le dieron un nombre dentro de la cinefilia y la animación de categoría. Una muestra para disfrutar, si los anteojos lo permiten. Sirva de muestra gratis: https://www.youtube.com/watch?v=rHyhUwVhzjw

Carlos Schlieper

Verdadera autoridad de la comedia y el melodrama argentino, Schlieper llegó al cine gracias a Enrique Santos Discépolo, con quien codirigió Cuatro corazones. Sus películas suelen ser difíciles de encontrar, lo que redobla el interés de este foco armado con el Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken. Además de Discépolo, por acá desfilarán María Duval, Mirtha Legrand, Amelita Vargas, Ángel Magaña, Osvaldo Miranda, Juan Carlos Thorry, Alberto de Mendoza y más. Para leer más sobre Schlieper, conviene sumergirse en este sobresaliente dossier de Natalia Taccetta en GrupoKane http://www.grupokane.com.ar/index.php?option=com_content&view=article&id=109:artdossierschlieperingmar&catid=43:catensayos&Itemid=61

Sportivo Bafici

La idea de una sección especial dedicada exclusivamente al deporte, con películas de todas las épocas, nacionalidades y modelos de producción, puede prender. Hay mucho, muy heterogéneo. Las recomendadas a rajacincha (¡qué buena palabra!) son:

- Boxing Gym, de Frederick Wiseman: Excelente oportunidad para quienes no pudieron ver este sudoroso ejercicio de Mr. Wiseman en el Festival de Mar del Plata, un par de años atrás. La vida en gimnasios es así, dicen los que saben…

- El campo de los sueños, de Phil Alden Robinson: “Si lo construyes, ellos vendrán”, puede haber sido el mantra que impulsó a Panozzo y su equipo para armar Sportivo Bafici. Kevin Costner solía ser una estrella de espaldas anchas, como demuestra en este ¿clásico? del amor por el deporte- Un campo de béisbol y la conformación del, dream team más dream team de todos.

- El crack, de José Martínez Suárez: El crack no sólo es una foto de una época que no se termina (el clásico berretín del pibe diez que va a salvar a quienes lo rodean con sus habilidades para la gambeta), sino que sirve para dimensionar la figura de JMZ como uno de los directores que supieron forjarse un camino a través de la vieja y querida industria cinematográfica nacional, aprendiendo oficio, demostrando su facilidad para narrar. Un gran debut.

- Hoop Dreams, de Steve James: Cuando uno piensa en grandes películas dedicadas al deporte, esta siempre debe estar encabezando la lista. Hacerse de abajo, construirse como una figura, pagar las consecuencias de formar parte de una maquinaria más grande de lo que uno puede imaginar. Recomendable es poco.

- The Jericho Mile, de Michael Mann: Ok, puede no ser la mejor película de Michael Mann, pero ¡es Michael Mann! Completistas, curiosos y cinéfilos, regocijáos.

- Lenny Cooke, de Josh Safdie y Benny Safdie: ¡Por las barbas de Tutatis! Un documental de los Safdie, los mismos de Go Get Some Rosemary y The Pleasure of Being Robed. Otro must.

- Bim bam boom, Las Luchas Morenas, de Marie Losier: Unos años atrás Losier vino al Bafici y la rompió con The Ballad of Genesis and Lady Jaye. Ahora se despacha con un cortometraje sobre señoronas mexicanas, luchadoras ellas. Antes de verlo, leete la entrevista que le hicimos en ese entonces http://www.encerradosafuera.com.ar/intervius/marie_losier.html

Foco Michaela Grill

Ahora que el festival se volvió popular (de aquel institucional del gato con pipa https://www.youtube.com/watch?v=6S94aqDNdCs , hasta el actual, inflamado de espíritu tribunero, camisetas y banderas incluidas: https://www.youtube.com/watch?v=S4Co4SvdvLI&app=desktop) y se vanagloria de exhibir Calles de fuego, el pequeño foco dedicado al cine experimental de Michaela Grill es de agradecer. Michaela Grill, a pesar de que esto suene a lugar común, ocupa un lugar en la historia del cine avant-garde austríaco. En el libro Film Unframed – A History of Austrian Avant-Garde Cinema, Steve Bates describe su obra de la siguiente y poética manera: El trabajo de Grill no evoca la nostalgia de un pasado, ni se basa en los restos arquitectónicos de la industria, el archivo fílmico, o los hermosos, históricos y perdidos paisajes urbanos de Viena. Su proyecto es una meditación sobre la simultaneidad del pasado y el presente, la co-existencia del sonido y la imagen, película y vídeo, negro, gris y blanco, la vida y la muerte: un vibrante y palpitante ahora. Los que tuvieron la oportunidad de ver hace unos años FORÊT D’EXPÉRIMENTATION en el festival de Mar del Plata (en donde fue presentada por su directora), sabrán de qué estamos hablando. Después de todo, incluso los más acérrimos elitistas necesitamos reconocernos entre nosotros y decirle al resto: “si no es para vos, no es para vos”.

Foco Rita Azevedo Gomes

La retrospectiva dedicada a Rita Azevedo Gomes es una de las más interesantes de esta edición del festival. A vingança de uma mulher es una obra maestra extraña y atemporal. Su relación con el cine de Manoel de Oliveira (a quien están dedicados varios de sus trabajos) es tan directa como particular. Como suele decirse, una inmejorable oportunidad de descubrir el cine de esta realizadora, proveniente de una tierra que, crisis institucionales de lado, no deja de ofrecer cineastas notables al mundo. https://www.youtube.com/watch?v=mY7m7Uqdf-o

La pesada del Doc: primera gira nacional de películas de rock

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 18 Mar 2014 12:36:00 +0000

Los amigos de La Nave de Los Sueños y Farsa Producciones se unieron para crear "La Pesada del Doc", un ciclo de documentales rockeros que se propone llegar a todo el país. El punto de partida de esta gira nacional es este miércoles en el C.C.Rojas (Corrientes 2038). La entrada es GRATIS y se retira una hora antes de cada función.

Programación:

Miércoles 19/3
19hs Pescado Rabioso, una utopía incurable, de Lidia Milani.
www.youtube.com/watch?v=JjzHHm9BoK8

21hs Blues de los plomos, de Paulo Soria y Gabriel Patrono. http://www.youtube.com/watch?v=Zl2rtRIbDkE

Jueves 20/3
19hs La H, de Nicanor Loreti.
http://www.youtube.com/watch?v=7tw_OAVQl7U

21hs Imagenes Paganas, de Sergio "Cucho" Constantino.
www.youtube.com/watch?v=YD9l3Z0jbFo

Viernes 21/3
18hs Twanguero, de Javier Pistani.
https://www.youtube.com/watch?v=ibloSHLoSdc

20hs Cisma, de Julián Lona.
http://vimeo.com/52155786

22hs Jessico, una historia de rock en tiempos convulsos, de Alejandro Arias.
http://vimeo.com/58706091

+ info: https://www.facebook.com/LaPesadaDelDOC